Retrospectiva Wong Kar Wai
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My French Film Festival al Aire Libre
MARZO 2021
PROGRAMA MENSUAL
ÍNDICE
CINETECA NACIONAL Av. México-Coyoacán 389, col. Xoco. Cineteca Nacional es miembro de la Federación Internacional de Archivos Fílmicos.
EN PORTADA Chungking Express Wong Kar Wai · 1994
MY FRENCH FILM FESTIVAL AL AIRE LIBRE
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RETROSPECTIVA WONG KAR WAI
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ESTRENOS
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ABREVIATURAS D: Dirección. B/N: Fotografía en blanco y negro. Dist: Distribución. PC: Procedencia de copia.
Programación sujeta a cambios. Para mayor información consulte www.cinetecanacional.net o llame al 4155 1190. Las copias en cinta de las películas que se exhiben tienen la mejor calidad disponible. Dicha calidad puede variar debido a la diversidad de su procedencia y a su antigüedad. El Programa mensual es una publicación para informar sobre las películas que la Cineteca Nacional exhibe, tanto en sus instalaciones como en sedes alternas, cumpliendo su misión de difundir la cultura fílmica. Los textos firmados son responsabilidad de sus autores.
PROGRAMACIÓN
MARZO 2021
Dossier RETROSPECTIVA WONG KAR WAI Wong Kar Wai: el maestro del “Hollywood del Este”
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La textura de las emociones
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La música en el cine de Wong Kar Wai
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CICLOS
MARZO · 2021
MY FRENCH FILM FESTIVAL AL AIRE LIBRE
Destello fugaz · 2019
MARTES, MIÉRCOLES Y JUEVES A PARTIR DEL 9 ___ MARZO
CICLOS
MY FRENCH FILM FESTIVAL AL AIRE LIBRE
MERECES UN AMOR
Francia-Suiza · 2019 · 104 min. D: Christophe Blanc.
Tu mérites un amour · Francia · 2019 · 102 min. D: Hafsia Herzi.
Jack, de 19 años, Lisa de 17 y Mathis de 10, pierden repentinamente a sus padres. Frente a este drama, cada uno reacciona de manera distinta. Lisa se aleja y a Jack, el único adulto, se le concede la custodia de Mathis. Pero ¿cómo se puede cuidar de un niño, siendo todavía un adolescente?
Después de ser engañada por su novio, Lila tiene dificultades para lidiar con la separación. Mientras él viaja solo a Bolivia para intentar comprender sus errores, ella busca el consuelo con sus amigos y una serie de aventuras con potenciales pretendientes.
FELICIDAD
ADOLESCENTES
Felicità · Francia · 2019 · 82 min. D: Bruno Merle.
Francia · 2019 · 135 min. D: Sébastien Lifshitz.
Para Tim y Chloé, la felicidad se vive en el día a día y sin muchos compromisos. Pero muy pronto terminará el verano. Tommy, la hija de ambos, debe empezar el instituto y todo irá tomando un rumbo radicalmente distinto.
Durante cinco años, este documental sigue a Emma y Anaïs tanto en los momentos clave de sus vidas como en los más banales. En 2019, año en que van a poder votar por primera vez, cabe preguntarse qué tipo de mujeres serán y qué pasará con su amistad.
ENORME
CAMILLE
Énorme · Francia · 2020 · 101 min. D: Sophie Letourneur.
Francia · 2019 · 90 min. D: Boris Lojkine.
Con 40 años, a Frédéric le entran unas repentinas ganas de tener un hijo. Él y Claire ya lo habían dejado claro, Claire nunca ha querido ser madre. Sin embargo, Frédéric comete el error de dejarla embarazada sin avisarle. Claire se convierte en una ballena y Frédéric, en un hombre delicado.
Biopic basada en la fotoperiodista francesa Camille Lepage, quien viajó en 2013 a la República Centroafricana para hacer un reportaje sobre la incipiente guerra civil, involucrándose tanto en el conflicto que puso su vida en peligro.
UN HIJO
DESTELLO FUGAZ
Bik eneich: Un fils · Túnez-Francia-Líbano-Catar 2019 · 95 min. D: Mehdi Barsaoui.
Vif-argent · Francia · 2019 · 104 min. D: Stéphane Batut.
Aziz, de 11 años, necesita un trasplante de hígado tras ser gravemente herido en un ataque terrorista durante sus vacaciones en 2011. Sin embargo, en el hospital, un importante secreto familiar será revelado.
Juste vaga por las calles de París buscando a personas que solo él puede ver. Recibe de ellas sus últimos recuerdos antes de ayudarlas a transitar al otro mundo. Un día, una joven llamada Agathe, lo reconoce. Ella está viva; él es un fantasma.
CINETECA NACIONAL MÉXICO
JUST KIDS
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CICLOS
RETROSPECTIVA WONG KAR WAI
MARZO · 2021
A PARTIR DEL 18 DE MARZO
Dotado de una singular sensualidad visual, un acompañamiento musical que en ocasiones raya la perfección y un romanticismo lleno de expresión, el cine de Wong Kar Wai se ha convertido en uno de los más destacados referentes contemporáneos del llamado “cine de autor”. Desde finales de los años 80, sus colaboraciones con figuras como el cinefotógrafo Christopher Doyle, el editor y diseñador de producción William Chang, y los actores Tony Leung Chiu-wai y Maggie Cheung, han cautivado a las audiencias de todo el mundo y logrado el amplio reconocimiento de la crítica. La penetrante poética de películas como Deseando amar (2000) y Happy Together: Historia de un encuentro (1997), y las inolvidables bandas sonoras que acompañan sus historias y su estilo narrativo único, transmisor de poderosos relatos acerca del recuerdo y la pertenencia, han influido en numerosos artistas y cineastas alrededor del mundo, además de marcado un punto de inflexión en la historia del cine asiático.
En colaboración con MUBI, este ciclo de seis películas presenta los trabajos más destacados en la filmografía del cineasta chino, desde sus reveladoras películas tempranas, Las cenizas del tiempo (1994) –en su reedición de 2008– y Chungking Express (1997) hasta la paradigmática Deseando amar, considerada una de las obras más influyentes del cine contemporáneo, y su secuela futurista, 2046 (2004).
Cineteca Nacional
CICLOS
RETROSPECTIVA WONG KAR WAI
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CINETECA NACIONAL MÉXICO
2046 · 2004
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RETROSPECTIVA WONG KAR WAI
LAS CENIZAS DEL TIEMPO (REDUX)
CICLOS
Dung che sai duk · Hong Kong-Taiwán · 1994/2008 · 93 min. D: Wong Kar Wai.
A mediados de los años 90, Wong Kar Wai estrenaba este melodrama de época marcado por el amor y las artes marciales, sobre un hombre que después de ser rechazado por la mujer que amaba, se aisló en el desierto contratando expertos guerreros para llevar a cabo asesinatos por encargo. Sin embargo, el director chino nunca estuvo satisfecho con la película, por lo que años más tarde reeditó una nueva versión replanteando la estructura de la historia y añadiendo efectos especiales y una nueva banda sonora.
CHUNGKING EXPRESS
Chung Hing sam lam · Hong Kong · 1994 · 102 min. D: Wong Kar Wai.
MARZO · 2021
En un restaurante de comida rápida convergen dos historias de amor independientes: la primera describe el fugaz encuentro entre un joven policía obsesionado con su exnovia y una misteriosa mujer traficante de drogas; la segunda se centra en el romance de un solitario policía con la camarera del restaurante. Mezclando el thriller propio de Hong Kong con una forma más experimental, Wong Kar Wai consiguió con esta obra una favorable respuesta de la crítica que le dio gran reconocimiento internacional.
ÁNGELES CAÍDOS
Do lok tin si · Hong Kong · 1995 · 99 min. D: Wong Kar Wai.
Concebida originalmente como un segmento de Chungking Express, Ángeles caídos es el reverso oscuro de su predecesora, siguiendo los destinos entrelazados de un asesino a sueldo cansado de su trabajo, su socia encargada de planificar los asaltos (y que lo añora en secreto) y un joven mudo que se dedica a explorar negocios ajenos. Contra el sórdido paisaje nocturno de Hong Kong, la película es tanto una vertiginosa sinfonía urbana como una conmovedora meditación sobre el amor, la pérdida y el anhelo.
HAPPY TOGETHER: HISTORIA DE UN ENCUENTRO
Chun gwong cha sit · Hong Kong-Japón-Corea del Sur 1997 · 96 min. D: Wong Kar Wai.
Dos jóvenes de Hong Kong viajan a Argentina para intentar salvar su inestable relación. Sin embargo, no superan la crisis sentimental y optan por separarse. Así, en un país extraño, luchan por juntar el dinero para regresar a casa. Transitando del ritmo acelerado de sus primeras obras a un estilo más clásico, Wong Kar Wai hace el retrato de un romance homosexual atrapado en un ciclo de celos y pasiones autodestructivas, por el cual obtendría el premio al mejor director en el Festival de Cannes.
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DESEANDO AMAR
RETROSPECTIVA WONG KAR WAI
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Fa yeung nin wah · Hong Kong-China · 2000 · 98 min. D: Wong Kar Wai.
Hong Kong, 1962. Chow Mo-wan y Su Li-zhen se mudan a apartamentos vecinos el mismo día. Sus encuentros son formales y educados, hasta que un descubrimiento sobre sus respectivos cónyuges crea un vínculo íntimo entre ellos. Deseando amar es una melancólica evocación del anhelo romántico que, con una elegante fotografía acompañada de un tema del músico japonés Shigeru Umebayashi y canciones de Nat King Cole, se convirtió en influencia estilística para el cine mundial e hito en la carrera de Wong Kar Wai.
2046
Hong Kong-China-Francia-Italia-Alemania · 2004 · 129 min. D: Wong Kar Wai.
LA MANO
Hong Kong · 2004 · 56 min. D: Wong Kar Wai.
La señorita Hua, una imperiosa cortesana de Hong Kong, masturba a su nuevo sastre para que él la recuerde con cada cheongsam [vestido femenino] que diseña para ella, en una especie de recordatorio que se hace más poderoso a medida que su salud se desvanece. “La mano” formó parte de Eros, un tríptico de cortometrajes que tienen en común el erotismo, la sensualidad y el amor, dirigidos por Michelangelo Antonioni, Steven Soderbergh y Wong Kar Wai, siendo este último el mejor recibido por la crítica.
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La secuela de Deseando amar combina el anhelo romántico de esa película con una compleja estructura de saltos temporales y un giro de ciencia ficción. Tony Leung repite su papel del periodista y escritor Chow Mo-wan, cuyas numerosas relaciones fallidas con mujeres que entran y salen de su vida inspiran la delirante historia de amor futurista que escribe en su cuarto de hotel. 2046 es la obra más barroca de Wong Kar Wai, un compendio de todo su cine que lleva los estilemas del director a la extenuación.
RETROSPECTIVA WONG KAR WAI
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Wong Kar Wai en el rodaje de Deseando amar · 2000
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CICLOS
RETROSPECTIVA WONG KAR WAI
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WONG KAR WAI: EL MAESTRO DEL “HOLLYWOOD DEL ESTE” CINETECA NACIONAL MÉXICO
Extractos de un texto de Vivienne Chow BBC 9 de noviembre de 2018 Traducción: Gustavo E. Ramírez Carrasco
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CICLOS
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Ángeles caídos · 1995
Hong Kong ha sido un personaje central en varias de las películas de Wong Kar Wai. Pero lo que hace al director distinto a sus colegas es que mira la ciudad desde una perspectiva foránea. Él mismo llegó a describirse para un libro [del guionista y director francés] Laurent Tirard no como un cineasta, sino como un «miembro de la audiencia que pasó a estar detrás de la cámara». A diferencia de otros realizadores que se sumergen en esa ciudad, como Johnie To y Stephen Chow, la distancia en las películas de Wong le permite crear un enigmático y fascinante mundo cinemático. Nacido en Shanghái en 1958, Kar Wai se mudó a Hong Kong con su padres a la edad de cinco años, donde tuvo problemas para comunicarse debido a su incapacidad para hablar cantonés, el lenguaje local de ese territorio. A su madre le sucedía lo mismo, y el cine se convirtió en un refugio para ambos. «Era algo que se podía entender más allá de las palabras. Un lenguaje universal basado en imágenes», recuerda.
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Happy Together: Historia de un encuentro · 1997
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Las cenizas del tiempo (Redux) · 1994-2008
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Deseando amar · 2000
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2046 · 2004
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Como entusiasta del cine, el joven Wong Kar Wai se encontró a sí mismo en el tiempo y en el lugar correctos. Era 1979 y la Nueva Ola del cine de Hong Kong estaba comenzando. Directores jóvenes influenciados por Occidente, como Ann Hui, Tsui Hark y Patrick Tam, empezaban a hacer películas que se distinguían de las producciones de los grandes estudios hongkoneses como Shaw Brothers y [Golden Sky] Golden Harvest. La travesía de Kar Wai para convertirse en un director de cine inició en este punto. Tras graduarse del Politécnico de Hong Kong como diseñador gráfico en 1981, se enroló en un programa de entrenamiento para guionistas en la emisora local TVB, y un año después, comenzó a escribir guiones para cine, incluyendo el de Final Victory (1987), dirigida por Patrick Tam, un trabajo que le valdría una nominación en los Premios de Hong Kong. Cuando dejó la televisión para hacer sus propias películas, en un momento en el que la industria cinematográfica de la ciudad estaba en su máximo, Wong Kar Wai logró sacar provecho de la sensibilidad visual que había desarrollado cuando era niño. Sólo dos años después del lanzamiento de A Better Tomorrow, de John Hoo, que se convirtió en un éxito de taquilla para el cine de gánsters en Hong Kong, hizo su debut como director con As Tears Go By (1988), una sutil y sin embargo altamente estilizada pieza de cine gansteril acerca de dos jóvenes matones, interpretados por Andy Lau y Jacky Cheung. Su opera prima sentó los cimientos para los siguientes trabajos. En vez de estar guiadas por tramas, las películas de Wong han contado historias a partir de imágenes y estados de ánimo, algo que quedó manifiesto en Days of Being Wild (1990), ambientada en un reimaginado Hong Kong de los años 60. La cinta fue protagonizada por las más grandes estrellas hongkonesas de ese momento, entre ellas [el cantante] Leslie Cheung como un junior desilusionado, cuyas amantes fueron interpretadas por las actrices Maggie Cheung y Carina Lau.
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Chungking Express · 1994
Verdades universales Hong Kong llegó a producir cerca de 200 películas al año a principios de los años 90. Este auge incontrolable en la industria permitió a Wong Kar Wai emprender una aproximación menos comercial. Days of Being Wild fue un desastre de taquilla a nivel local, pero su reconocimiento por parte de la crítica convirtió al director en una de las figuras hongkonesas más destacadas del cine. Apoyado en la prosperidad económica del territorio durante la última década de su era colonial, encontró la oportunidad de explorar y desarrollar un estilo singular. Así, con la ayuda del cinematógrafo Christopher Doyle y el director de arte William Chang, desarrolló una estética y un lenguaje visual únicos. En sus películas, las imágenes son lo primero, e incluso los diálogos y las narrativas fragmentadas aparecen como si fueran instantáneas. El cineasta ha confesado que para privilegiar la idea de espacio –físico y también emocional– en sus películas, la búsqueda de locaciones viene incluso antes de la escritura. Chungking Express, por ejemplo, plantea en paralelo las peculiares aventuras románticas de dos solitarios policías en Hong Kong. Aunque comúnmente considerado como un trabajo ligero, el filme explora temas complejos como la identidad y la ansiedad, al tiempo la ciudad se aproximaba a los anticipados cambios políticos [de su retorno a China]. Más tarde, vendría Happy Together: Historia de un encuentro (1997), donde Buenos Aires [Argentina] funciona como el exótico escenario extranjero para una historia de amor homosexual atrapada en el sofocante espacio emocional de repetidas rupturas y reconciliaciones.
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Ángeles caídos · 1995
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Happy Together: Historia de un encuentro · 1997
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Las cenizas del tiempo
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(Redux) · 1994-2008
Si bien, pueden estar ambientadas sobre el tapiz de los años 60 o algún moderno paisaje urbano, las películas de Wong Kar Wai tocan temas universales. No se necesita un profundo conocimiento acerca del contexto histórico o cultural de Hong Kong o la cultura china para ser capaz de apreciarlas. Esto es particularmente perceptible en Las cenizas del tiempo, una producción costosa que llevó cerca de dos años en ser completada, y una de las favoritas para la crítica. Subversión del género clásico de las artes marciales, o wuxia, se trata esencialmente acerca de recordar y olvidar, un tópico que puede ser entendido sin importar el contexto cultural del espectador. Happy Together: Historia de un encuentro llegó poco antes del fin del fin del dominio británico sobre Hong Kong, cuando la ciudad se convertía en el centro de la atención internacional. La película consolidó el prestigio de Wong Kar Wai, convirtiéndolo en el primer chino en ganar el premio al mejor director en el Festival de Cannes. Tras la entrega del territorio, los primeros años después del restablecimiento de control político de China siguieron siendo muy prósperos, como si pocas cosas hubieran cambiado en la ciudad, y el año 2000 vio el lanzamiento de Deseando amar, un drama romántico ambientado en el Hong Kong de los años 60, ampliamente reconocido como el trabajo más depurado de Kar-wai. Wong Kar Wai
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RETROSPECTIVA WONG KAR WAI
Deseando amar · 2000
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LA TEXTURA DE LAS EMOCIONES CINETECA NACIONAL MÉXICO
Extractos de un texto de Carlos F. Heredero Especial núm. 2 de Cahiers du Cinéma España, abril de 2008
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Ángeles caídos · 1995
Christopher Doyle no sólo busca afanosamente en cada rodaje la película que persigue, sino también una experiencia física y emocional. Esa búsqueda tiene siempre para él una dimensión íntima, y sus formas están estrechamente vinculadas con los espacios, con las relaciones personales, con los avatares cotidianos del rodaje, con la atmósfera climática del entorno, con los estados de ánimo, con la música y hasta con la excitación sexual. Su luz y sus encuadres son más deudores del swing de unos movimientos inesperados, de una temperatura emocional que desborda la escena, de una carencia o de un exceso de luz ambiental, o incluso de los errores de un actor […] o de las determinaciones férreas de un director. Conviene recordar que Doyle había sido marino mercante en un barco noruego, pero también cuidador de ganado en un kibbutz israelí […], doctor de medicina china en Tailandia y estudiante de lengua y literatura china en Hong Kong o fundador de la primera compañía de teatro moderno que surge en Taiwán, donde permanece como “ilegal”. Tendría que esperar a 1983 para llegar a fotografiar un primer largometraje, dirigido por su amigo y compañero de agitación cultural, Edward Yang. Pero fue hasta 1986 cuando este outsider errante se traslada a París, donde ocasionalmente fotografía antes de emprender, una vez más, el camino del exilio vital para establecerse en Hong Kong, donde, ya con 34 años, empieza a desarrollar una trayectoria estable como director de fotografía.
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Happy Together: Historia de un encuentro · 1997
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Chungking Express · 1994
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Las heridas y surcos que arrastra su intenso itinerario vital y existencial se harán visibles de forma determinante en su práctica fílmica. Su aproximación a la luz, su forma de revertir en provecho propio su carencia o exceso, su talento para hacer de la necesidad su virtud, le llevan así por un camino que converge –de forma lógica– con Wong Kar Wai, su inimitable alma gemela en cuanto métodos de rodaje, el director que mejor partido podrá sacar de su capacidad para improvisar, para atrapar la esencia de una interpretación persiguiendo a un actor que se mueve por sus propios impulsos, para conjugar visualmente el latido y el pulso de esas asociaciones íntimas y no racionalizables que movilizan las fantasías de una memorable galería de personajes prisioneros del desamor y cautivos de sus propias ensoñaciones imaginarias. La emoción y la urgencia
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A partir de entonces, la textura ingrávida y acuosa a la vez de sus imágenes, los flashes y destellos, las variaciones de velocidad dentro del mismo plano, las manchas de luz y color que salpican la pantalla, la yuxtaposición visual de impulsos rítmicos y pinceladas intuitivas, la vibración de una cámara llevada casi siempre a mano, la inestabilidad de los encuadres, los saltos en el interior de una misma toma y los efectos de aceleración congelada acaban de configurar, en el cine de Wong Kar Wai, un verdadero palimpsesto visual sobre el que se borran y recomponen alternativamente la representación hiperrealista y los fogonazos de abstracción pop, el vértigo nocturno de la urbe y la dilatación de las vivencias interiores, los deseos individuales de los personajes y la vorágine colectiva del entorno.
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De aquí nace esa sensación simultánea de vitalidad y melancolía que desprenden películas como Days of Being Wild, Las cenizas del tiempo, Chungking Express, Ángeles caídos, Happy Together: Historia de un encuentro y Deseando amar. Es decir, el pulso sanguíneo de unas imágenes filmadas en estado de emoción y urgencia (hechas de rupturas y continuidades, de combustión y fatiga, de adrenalina y velocidad), que parecen capturar a los personajes como si fuera la cámara, y no ellos, quien persiguiera sin cesar el deseo quimérico de detener el tiempo, de fijar las emociones, de escuchar el desgarro amoroso, de ver el sonido de un sentimiento, de palpar el olor de la lluvia o el aroma de una habitación. La luz y la cámara de Doyle en la obra de Wong Kar Wai ponen en juego un torbellino de emociones, una sinfonía de colores y una coreografía de ruidos internos hasta configurar un espacio y tiempo imaginarios, en los que la representación de la soledad y de los anhelos interiores escenifica el recurrente y casi siempre promiscuo desencuentro, típicamente posmoderno, entre las urgencias del deseo individual y el anonimato de la sociedad urbana contemporánea, entre un tiempo “vivido” y un tiempo impuesto por los relojes. La obra de Christopher Doyle aparece así inevitable y prioritariamente vinculada a la de Wong Kar Wai, en cuyo cine la danza jazzística ejecutada por ambos parece quemar energía sin cesar para iluminar –visual, dramática y moralmente– el laberinto espacial, la geografía emocional y la percepción sensorial propia de un universo inestable y delicuescente, que tiende a difuminar las identidades. De esa fibra y de esa textura se alienta su luz, su forma de encontrar y de capturar las imágenes. Deseando amar · 2000
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Happy Together: Historia de un encuentro · 1997
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LA MÚSICA EN EL CINE DE WONG KAR WAI CINETECA NACIONAL MÉXICO
Extractos de un texto de Ricardo Marín Gatopardo Ciudad de México, 24 de julio de 2019
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Normalmente en el cine siempre se hace una distinción –en ocasiones innecesaria– entre estilo y sustancia. Los dos términos son amplios y difíciles de definir, pero a grandes rasgos el primero tiene que ver con los recursos más llamativos (movimientos de cámara, música, color, encuadres y demás elementos formales), mientras que el segundo se refiere al sustento intelectual detrás de éstos, a lo que están comunicando. Resulta atípico encontrar a un director cuyo balance de estos sea natural y placentero, que tenga inolvidables momentos visuales y una potente carga temática. Quizá por eso Wong Kar Wai es un referente mundial, sus historias no son tanto narrativas, con principio y fin, sino collages sensoriales que van del monocromo al arcoíris en un melancólico segundo. En muchas ocasiones esto se debe a su cámara flotante, en otras puede ser la necedad con la que utiliza película de 35 mm aunada a procesos atípicos de revelado […] Pero pocos elementos tienen el peso dramático que busca Wong Kar Wai como la música. Wong Kar Wai emigró en 1963 –a sus 5 años–, en vísperas de la Revolución Cultural, de Shanghái a Hong Kong. [Crecer en esta región] le otorgó una serie de impresiones y choques que moldearon su personalidad como director. En primer lugar está el lenguaje, que no sólo incluía aprender cantonés –con mucha dificultad–, sino un sincretismo occidental que no existía en su ciudad natal, pues Hong Kong estaba bajo control inglés durante los 60 y ese idioma también era común. Wong Kar Wai no sólo creció medianamente alienado de la población de Hong Kong, sino que también estaba expuesto a la cultura occidental, a películas y música pop en inglés.
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Chungking Express · 1994
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Ángeles caídos · 1995
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Su primer largometraje, As Tears Go By [Wong Gok ka moon, 1988], es quizá el más convencional de todos, con una historia de gánsters y enredos amorosos al frente. Kar Wai dejó sus sellos característicos desde temprano: brillantes luces incandescentes, iluminación específica a la escena y música popular. Particularmente notable, es una secuencia donde se escucha “Take My Breath Away”, original de Berlin y conocida como soundtrack de Top Gun: Pasión y gloria [1986], en un cover hecho por Sandy Lam, icónica intérprete de Hong Kong. Canciones fuera de contexto en situaciones emotivas se volvieron una huella indeleble en el estilo de Wong Kar Wai. Ninguna otra película estaría exenta de este estilo memorable. Su siguiente película, Days of Being Wild [Ah Fei jing juen, 1990], sería otro ejemplo clave de pop mezclado con melancolía. Para este trabajo, Wai se orientó más al easy listening y el jazz latino, mezclando un soundtrack con composiciones de Xavier Cugat (notables inclusiones son “Perfidia” y “Jungle Drums”) con un par de piezas de Los Indios Tabajaras, clásico dúo brasileño. En 1995 realizó Ángeles caídos, que incluye cosas como Massive Attack (la primera canción que aparece es “Karmacoma”) así como una rendición a cappella de “Only You” compuesta por Vince Clark para su grupo Yazoo, misma que cierra la película en un kinético montaje. Wong es experto en empalmar esas sensaciones opuestas, en hacer que tiernas canciones de amor se mezclen con secuencias violentas o reflexivas. Pero su primer éxito internacional vendría con Chungking Express [1994], un agridulce dramedy sobre amores perdidos y policías tristes. Wong Kar-wai no escatimó para esta singular película, donde la clásica “California Dreamin’” de The Mamas & the Papas aparece un total de ocho veces, acaparando casi diez minutos de duración total en la película. Aparte de las secuencias inolvidables de Faye Wong bailando con esta pieza, esta actriz y cantante también interpretó un cover de “Dreams” de The Cranberries, sólo que esta versión fue producida por Robin Guthrie (antes miembro de Cocteau Twins).
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Happy Together: Historia de un encuentro · 1997
Su largometraje Happy Together: Historia de un encuentro [1997], básicamente popularizó la versión de “Cucurrucucú Paloma” de Caetano Veloso, al grado que otros dos románticos cineastas la ocuparon en sus largometrajes (Pedro Almodóvar y Barry Jenkins). No obstante, ninguno superaría la película más aclamada de Wong Kar Wai: Deseando amar [2000]. Este nostálgico largometraje recrea Hong Kong durante los 60, justo la infancia del cineasta, y la música es una callada pero apasionada mezcla de jazz, bolero y depresión romántica, principalmente evocando la música de Nat King Cole. Despojado de su hogar desde pequeño, y forzado a vivir en un lugar donde sólo sentía alienación, Wong Kar Wai tomó la satisfacción inmediata de la música y la cultura popular (especialmente la occidental), y la combinó con la separación que uno puede sentir de sí mismo, de los demás y de su país. Por lo tanto, sus largometrajes no son exclusivamente chinos, sino una mezcolanza peculiar que refleja el lugar donde creció. Sus películas están fuertemente ligadas a la simbiosis de imagen y sonido, donde diferenciarlas es una labor no sólo inútil, sino imposible. Este director hace películas donde estilo y sustancia no son elementos separados donde uno vale más que otro, más bien son una sola cara inseparable, que estimulan la virtud de escuchar con los ojos y ver con los oídos. Deseando amar · 2000
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ESTRENOS
ESTRENO
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Casablanca · 1942
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CASABLANCA
D: Michael Curtiz. 1942 · 102 min. · B/N Estados Unidos Dist: Park Circus.
Extractos de un texto de Roger Ebert Sitio oficial de Roger Ebert sept. 15, 1996 Chicago Traducción: Gustavo E. Ramírez
ESTRENO CLÁSICO
No es ningún misterio que Casablanca es uno de los filmes más populares que se hayan hecho. Es acerca de un hombre y una mujer que están enamorados, pero que sacrifican su amor por un propósito mayor. Esto es algo inmensamente atractivo, porque el espectador no sólo es capaz de imaginar lo que significa obtener el amor de Humphrey Bogart o Ingrid Bergman, sino también de renunciar a él como una forma de contribuir a una lucha más importante, la de derrotar a los nazis. La verdad es que ninguna de las personas que trabajaron en Casablanca pensó que estaban haciendo una “gran película”. Para ellos, era simplemente una producción más de Warner Bros, algo así como “una más en la lista”, con Bogart, Bergman y Paul Henreid como estrellas, y un elenco de actores secundarios que no podía estar mejor armado entre aquellos habituales en la compañía: Peter Lorre, Sidney Greenstreet, Claude Rains y Dooley Wilson. Pero fue realizada con un presupuesto reducido y había pocas expectativas en el momento de su lanzamiento. Todos los implicados habían trabajado y lo seguirían haciendo en películas hechas en circunstancias similares, y la grandeza de Casablanca fue mayormente el resultado de un golpe de suerte. No obstante, aunque la película se vea una y otra vez, año con año, nunca se vuelve algo ordinario. Entre más se conoce, más se gusta de ella. El blanco y negro de la fotografía no ha envejecido como lo hubiera hecho el color, y los diálogos son tan magros y al mismo tiempo pesimistas que no se sienten anticuados. Buena parte del efecto emotivo del filme dirigido por Michael Curtiz ha sido obtenido a través del artilugio; al salir de la sala, estamos absolutamente convencidos de que lo único que detiene al mundo de volverse loco es que los problemas de tres pequeñas personas, consiguen, después de todo, mucho más de lo que se piensa.
ESTRENO CLÁSICO
DESEANDO AMAR
Fa yeung nin wah D: Wong Kar Wai. 2000 · 98 min. · Color Hong Kong-China Dist: MUBI - Pimienta Films.
Extractos de un texto de Léa Michaut Premiere nov. 8, 2020 Francia Traducción: Edgar Aldape Morales
CINETECA NACIONAL MÉXICO
El amor. Un tema atemporal, vivido por todos y para todos, pero sobre todo producido, imaginado y fantaseado por el cine durante décadas. No obstante, la mejor revisión y reinvención [en pantalla] ocurrió en el 2000 gracias al director Wong Kar Wai. Está lloviendo en Hong Kong. Es 1962. El Sr. Chow, redactor en jefe del periódico local, y la Sra. Chan, una secretaria, viven en departamentos vecinos. Al descubrir poco a poco que sus respectivos cónyuges, a menudo ausentes, son amantes, el Sr. Chow y la Sra. Chan también terminarán forjando sentimientos el uno hacia el otro. Quizá el tema suena mundano, pero en sus manos Wong Kar Wai logra deconstruir lo conocido para crear una odisea visual y silenciosa de un amor casto, fiel, entre sus dos personajes. Un deseo que se compone de miradas, de dudas y, a veces, de un dolor mudo. Los protagonistas sólo se cruzan y rozan entre sí dentro de pasillos estrechos, decepcionados del amor, del cual también son víctimas. El título quebequense del filme, Los silencios del deseo, traduce muy bien la indescriptible emoción que la película ha logrado transmitir a generaciones de espectadores. El hecho de que esa relación permanezca casta seguramente hace que ese amor sea aún más grande y catártico. Extrañamente, el filme lleva al espectador por una aventura hecha de tensión, inmortalizando el deseo a través de la imagen, donde lo casto deviene en una sugerencia carnal. Eso es lo que propone Wong Kar Wai: una puesta en escena sobre el amor y los deseos a través de momentos fugaces. Los perseverantes y cuidadosos amantes quieren ser diferentes. Se niegan a ser como aquellos que les rodean, se niegan a sucumbir al adulterio, y ellos mismos lo dicen: «nosotros no seremos jamás como ellos». En Deseando amar, una magistral cámara se pone al servicio del amor sugerido.
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MARZO · 2021
LA NOVIA DEL DESIERTO
D: Cecilia Atán y Valeria Pivato. 2017 · 78 min. · Color Argentina-Chile Dist: Cineteca Nacional.
Extractos de un texto de Víctor Blanes Picó El antepenúltimo mohicano may. 28, 2017 Cannes
ESTRENO CLÁSICO
La Difunta Correa es una extraña figura mítica de la cultura popular del norte de Argentina. La historia de esta mujer que se adentró en el desierto con su recién nacido en busca de su marido genera tal devoción que muchos la consideran casi como una santa. La leyenda cuenta que murió de sed; sin embargo, el bebé consiguió amamantarse del cadáver de su madre hasta que unos arrieros lo salvaron. En este paisaje, Cecilia Atán y Valeria Pivato construyen la historia de dos almas solitarias que, como ellas mismas dicen, «son dos piedras más en el camino». Teresa, una trabajadora del hogar de Buenos Aires, se ve forzada a mudarse a [la provincia de] San Juan cuando la familia para la que trabajaba cambia de residencia. En su viaje, un despiste le hace perder su maleta, pero encuentra a un hombre apodado “El Gringo” que la acompañará en su búsqueda por encontrarla. Teresa y El Gringo bien podrían ser una dislocación de la figura de la Difunta Correa y su marido. Ella, abatida y triste, tiene que cruzar el desierto para continuar su vida. Él conduce su casa rodante vendiendo productos de pueblo en pueblo. Es entre las casas aisladas y nubes de polvo donde ambos encontrarán un refugio nuevo. Atán y Pivato utilizan el entorno para componer bellos encuadres en los que, poco a poco, los dos personajes se acercan. Las realizadoras crean una imagen que nunca se ve forzada. Al contrario, saben integrar la aridez del paisaje en una historia que cada vez se vuelve más cálida, pese al desierto que actúa como la metáfora perfecta de la soledad y el abatimiento al que se enfrenta Teresa. El peso de la película recae en Paulina García, quien ofrece una interpretación formidable que, junto al gusto visual de las directoras, son lo mejor de una cinta que supera las expectativas de una opera prima.
ESTRENO CLÁSICO
CINETECA NACIONAL MÉXICO
EL INVIERNO
D: Emiliano Torres. 2016 · 93 min. · Color Argentina-Francia Dist: Mirada Distribución.
Edgar Aldape Morales Cineteca Nacional ago. 8, 2019 Ciudad de México
El viejo capataz de una propiedad rural donde se esquilan ovejas comienza su rutina de forma tranquila: alimenta a los perros, bebe té y fuma recargado en una camioneta mientras espera a un nuevo grupo de trabajadores que llegan para la temporada de esquila. Entre ellos está el silencioso Jara, que sabremos después sustituirá a Evans, el capataz del rancho, quien con desasosiego se irá de ese lugar al que le dedicó gran parte de su vida. Con ese argumento se sustenta la opera prima del argentino Emiliano Torres, filme riguroso que podría ser difícil de digerir por su ritmo y por la mezcla de varias dimensiones narrativas. Aunque una vez asimilado el tono, se devela una película profunda y luminosa, muy en sintonía con la notable fotografía de Ramiro Civita, la cual captura la amplitud y belleza de las planicies y montañas de la Patagonia argentina, primero verdosa y luego cubierta por la nieve. El entramado propuesto por el novel director navega entre la introspección, el suspenso y hasta una pizca de western, con Evans y Jara como dos forajidos cuya relación transita de la curiosidad e incertidumbre a la sospecha y la tensión. Sin embargo, lo privilegiado es un estudio de carácter con varios subtextos que rodean a los protagonistas: la distancia entre generaciones, los lazos familiares, la cotidianidad de los trabajadores rurales, las marcas de una masculinidad tosca, la violencia contenida que estalla en situaciones límites y la irrupción de un capitalismo dispuesto a alterar el destino de la gente sin ningún reparo. Árida y contemplativa como el clima inhóspito donde se sitúa, El invierno retrata la soledad y el choque de dos hombres que, pese a su diferencia de edad, se hallan unidos por la hostilidad de un entorno que puede llevarse todo rastro de esperanza.
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MARZO · 2021
LA PALOMA Y EL LOBO
D: Carlos Lenin Treviño. 2019 · 106 min. · Color México Dist: Piano.
Extractos de un texto de Axl Flores Correspondencias. Cine y pensamiento mar. 8, 2020 Ciudad de México
ESTRENO
Durante el Festival de Cannes de 2013, la presentación de Heli de Amat Escalante causó controversia por mostrar la tortura de un joven por parte de un grupo criminal. La cinta, que narra la entrada del crimen organizado a Guanajuato, fue una de las primeras representaciones de la guerra contra el narco. La paloma y el lobo, opera prima de Carlos Lenin Treviño, no centra ya su reflexión en el surgimiento de aquella violencia, sino en la vida inmersa en ella o, más bien, en la sobrevivencia dentro de ese sistema. Lobo vive con Paloma, su pareja, en un departamento aislado de la sociedad. Los contactos con su exterior se reducen a llamadas telefónicas, videos y algunos amigos que conocen en el trabajo. A las múltiples constricciones que afectan su vida sentimental, se le agregan las de un pasado tenebroso que ha dejado la ciudad en medio del abandono y con el fantasma de la violencia siempre presente. Pese al carácter fabulesco de su título, La paloma y el lobo es un relato de los relegados, de las consecuencias que llevan a las personas a salir de su lugar de origen para lograr una vida en paz. La representación de la violencia no es física, sino simbólica. Todos los espacios del filme están impregnados de esa opresión simbólica, con una atmósfera claustrofóbica aun en los espacios abiertos que adquiere toques distópicos y señaliza como culpable al sistema que los ha relegado a vivir así. En ese sentido, los crímenes y la persecución que sufre Lobo después de tener problemas con la delincuencia no son el principal hilo narrativo. La película habla sobre la tortura, indaga sobre sus sonidos, pero no la muestra. Poco importa la manifestación física de la crueldad, sino la psicológica; el miedo y el terror en los planos más íntimos. La paloma y el lobo asume que los relatos menos esperanzadores son los que mejor nos permiten reflexionar sobre la guerra y sus consecuencias.
ESTRENO
PASTOR O IMPOSTOR
Boże Ciało D: Jan Komasa. 2019 · 115 min. · Color Polonia-Francia Dist: Alameda Films.
Extractos de un texto de Carlos Bonfil La Jornada nov. 26, 2020 Ciudad de México
CINETECA NACIONAL MÉXICO
Basado en hechos reales, el guion de Mateusz Pacewicz trasciende la anécdota que es punto de partida de Pastor o impostor, tercer largometraje de ficción del realizador Jan Komasa, para señalar el agotamiento espiritual que actualmente atraviesa una institución católica polaca muy renuente a la modernización y al cambio. El caso de Daniel, un joven lleno de vitalidad inventiva, es al respecto sintomático. Él atiende a las enseñanzas de su mentor progresista, el padre Tomasz, respecto a la necesidad de una comunicación directa con Dios, y lo hace con tanto celo que incluso asume la identidad de su maestro para ejercer su nuevo oficio venal de cura de aldea. Lo notable es la manera en que el director maneja diversos grados de ambigüedad moral en los personajes centrales. Todos parecen compartir secretos inconfesables y eso impide que Daniel, el impostor, sea una anomalía total en el pueblo y que se vea de inmediato sometido a una censura abierta. Asimismo, está el caso de un alcalde corrupto que procura ganarse la confianza del nuevo cura o someterlo a sus chantajes para actuar con impunidad. O la acumulación de rencores colectivos que responden a agravios ciertos, pero que también sacan a flote una conducta mezquina generalizada muy contraria a todo ideal de piedad cristiana. En medio de este clima de una doble moral institucionalizada, el director revela momentos de honestidad espiritual y de inocencia, como la visita del cura a una anciana moribunda o la complicidad que Daniel mantiene con una joven que coloca el imperativo de la verdad muy por encima de las animosidades de una madre intolerante y de los intereses nada transparentes de su pueblo […] El título original, Corpus Christi, alude a la novedosa encarnación de un ideal cristiano en el cuerpo gozoso y tatuado de un joven farsante paradójicamente obsesionado por la verdad.
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MARZO · 2021
UNA VIDA OCULTA
D: Terrence Malick. A Hidden Life 2019 · 174 min. · Color Estados Unidos-Alemania Dist: Disney.
Israel Ruiz Arreola, Wachito Cineteca Nacional ene. 29, 2020 Ciudad de México
ESTRENO
Cuando uno ve una película de Terrence Malick se tiene la sensación de estar asistiendo a una misa dentro de la sala de cine. Esta experiencia no la provoca un sermón o una imposición dogmática, sino una alquimia compuesta de imágenes de gran belleza entrelazadas en una progresión etérea por la que la narrativa se va escurriendo, siempre en favor de un misticismo cinematográfico que algunos han calificado de pretencioso y otros de sublime. En la última etapa de su filmografía, sobre todo desde El árbol de la vida hasta Song to Song, son cada vez más perceptibles algunos motivos religiosos (espíritu, el Paraíso, Adán y Eva), ecos de Giordano Bruno y otras tradiciones filosóficas que hacen de Malick un panteísta que invita al espectador a sentir la divinidad que habita en los girasoles, en el amor de una madre o hasta en los falsos edenes llamados Las Vegas y Hollywood. En el caso de su más reciente largometraje, Una vida oculta, Malick se interesa por la historia casi desconocida de Franz Jägerstätter, un campesino austriaco que se negó a unirse al ejército de Hitler durante la Segunda Guerra Mundial y fue declarado beato por la Iglesia católica durante el pontificado de Benedicto XVI. Es la primera vez que Malick se interesa por una biografía concreta, lo que ubica a esta película en un punto intermedio entre la poética de su estilo y un planteamiento más convencional que hace mucho había trascendido. Una vida oculta es principalmente una historia de amor y fe inquebrantables: el matrimonio de Franz y su esposa Fani así como la devoción del hombre se enfrentan a un contexto convulso que ha infectado al pueblo, al Estado y hasta la misma Iglesia. Es a partir de la resistencia de estas fuerzas emocionales y espirituales que Malick "canoniza" a Jägerstätter con el sacramento en el que se ha convertido su obra.
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CINETECA NACIONAL MÉXICO
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MARZO · 2021
ESTRENO
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