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Mร XICO COLOMBIA colecciรณn
SURA
INDICE Introducción............................................................................................................................................................................................................7 Vínculos Paralelos México-Colombia. Siglos XIX y XX ...................................................................................................... 11
Directivos de Grupo SURA Presidente
David Bojanini García
Vicepresidente de Inversiones y Financiero Ignacio Calle Cuartas
Vicepresidente de Asuntos Corporativos Fernando Ojalvo Prieto
Director General de SURA México Pablo Sprenger Rochette
Comité Cultural
Martha Elena Bravo de Hermelin Consuelo Fernández Ruiz Juan Luis Mejia Arango Fernando Ojalvo Prieto Lina Marcela Roldán Palacio Alberto Sierra Maya
Pintores Viajeros........................................................................................................................................ 12 Felipe Santiago Gutiérrez y la Introducción de la pintura académica en Colombia.............................. 12 Intermedio musical y poético.................................................................................................................... 16 El eco de Vasconcelos................................................................................................................................ 18 En busca de las raíces americanas: Rómulo Rozo, L. Alberto Acuña, Alipio Jaramillo, Julio Abril...... 20 Luis Alberto Acuña..................................................................................................................................... 24 Encuentro en Chile: David Alfaro Siqueiros y Alipio Jaramillo................................................................ 24 El escultor Julio Abril................................................................................................................................. 26 México bajo la lente de Leo Matiz.............................................................................................................. 26 Crónicas de la errancia, del amor y de la muerte: Rodrigo Arenas Betancourt en México................... 28 Débora Arango al encuentro con el muralismo mexicano....................................................................... 32 Dos pintores tolimenses en búsqueda de formación en México............................................................. 34 El grabado y la denuncia social................................................................................................................. 36 La polémica del muralismo: Ignacio Gómez Jaramillo y Pedro Nel Gómez........................................... 38 La experiencia mexicana de Fernando Botero y el descubrimiento de una estética............................. 42 Omar Rayo y su encuentro con México..................................................................................................... 45 Epílogo........................................................................................................................................................ 46 Notas........................................................................................................................................................... 46 Catálogo de obras..........................................................................................................................................................................................49 Conocer el territorio................................................................................................................................... 51 Los tipos humanos..................................................................................................................................... 75 El Territorio urbano.................................................................................................................................. 103 Disponer la Naturaleza............................................................................................................................ 113 Lo racional................................................................................................................................................ 123 Lo onírico.................................................................................................................................................. 141 Agradecimientos y Créditos..................................................................................................................................................................154
A
lo largo de su trayectoria Grupo SURA ha mantenido un vínculo estrecho con el arte y la cultura, al reconocer el gran valor patrimonial, histórico y testimonial que representan para la sociedad. Hemos dicho, y esta es una nueva oportunidad para reiterarlo, que nuestra filosofía empresarial
de apoyo a las manifestaciones creativas del ser humano, se inspira en la posibilidad de contribuir a través de ellas a la construcción de calidad de vida para los ciudadanos. En la cultura confluyen las múltiples expresiones de las comunidades y sus formas de interpretar el mundo para consolidar procesos de transformación y desarrollo, a partir de reconocer sus particularidades, imaginarios y valores compartidos para proponer futuros nuevos. Por eso, creemos que nuestro compromiso con el arte y la cultura es sobre todo una apuesta de responsabilidad corporativa. Precisamente en el proceso de expansión que ha experimentado nuestra Compañía en los últimos años y que nos ha permitido llegar a nuevos territorios en América Latina, entre ellos México, hemos podido estrechar lazos no solo a través de la dinámica propia del mundo de los negocios, sino también gracias al riquísimo intercambio cultural.
2a. Edición 2014 TODOS LOS DERECHOS RESERVADOS México D.F. Editor: Eduardo Varela Echavarria Maquetación: Cintya León Santos
Por ello, me complace mucho propiciar un nuevo escenario de ENCUENTRO entre México y Colombia, en esta oportunidad gracias a la colección SURA, que reúne importantes obras de arte de dos culturas muy diferentes y al mismo tiempo con elementos comunes, que configuran la esencia latinoamericana. Esta es una nueva invitación para conocer y recorrer parte de la riqueza cultural de nuestros países, de la cual nos sentimos orgullosos.
David Bojanini García
Presidente de Grupo SURA
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INTRODUCCIÓN
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colección
SURA
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EL VINO DEL ANÁHUAC
los cuales han surgido desde jóvenes con el apoyo de la Compañía. En una grata
S
coincidencia de propósitos, tras la adquisición en 2011 por parte de Grupo SURA
mexicana.
esde la década de 1970, Grupo SURA, a través de su filial Suramericana S.A., ha venido configurando una colección privada de arte que hoy es considerada una de las más representativas de Colombia, con obras de consagrados artistas del país, muchos de
uramericana S.A. de Colombia y SURA Art Corporation, en México, han permitido descubrir los vasos comunicantes que han existido entre los dos países latinoamericanos a lo largo de su existencia. Este texto pretende describir la influencia que para la cultura
colombiana, referida sobre todo a las artes plásticas, ha ejercido la cultura
de lo que hoy se conoce como SURA México, se incorporó a la Organización otra importante colección que incluye artistas mexicanos de gran renombre y
Desde la óptica de los Andes, pretendemos mostrar cómo, muchos de nuestros
que recogen en diferentes estilos artísticos más de cien años de historia de la
artistas han sentido el influjo de lo que el poeta Porfirio Barba Jacob, uno de
pintura y la plástica de ese país.
los grandes poetas colombianos, quien vivió por muchos años en México y allí murió, llamaría “El vino del Anáhuac”. La lectura paralela se hará a partir de
De esta forma, la colección SURA reúne hoy más de 700 obras de arte
las dos colecciones de arte propiedad del Grupo SURA: México y Colombia.
latinoamericano. La orientación y el cuidado de este patrimonio cultural, está en cabeza del Comité Cultural de la Compañía, que ya cumple 30 años de trabajo continuo y está conformado por: Alberto Sierra Maya, Fernando Ojalvo Prieto, Juan Luis Mejía Arango, Lina Marcela Roldán Palacio, Marta Elena Bravo de Hermelin y por parte de SURA México Consuelo Fernández Ruiz. 8
Juan Luis Mejía A. Rector de la Universidad EAFIT Exministro de Cultura de Colombia 9
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VÍNCULOS PARALELOS MÉXICO-COLOMBIA. SIGLOS XIX Y XX
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PINTORES VIAJEROS
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a historia puede tener su inicio en la tercera década del siglo XIX, cuando muchos viajeros europeos descubren a América para el arte. La colección mexicana de SURA comienza con obras de Johann Moritz Rugendas, quien “plasmó de forma gráfica las ideas de Humboldt
sobre la representación artístico-fisonómica de la naturaleza tropical, logrando con su obra una posición privilegiada en el arte de su época que aún hoy sigue mereciendo”. (1) Luego de su experiencia en las selvas brasileñas regresa a Europa y después decide reiniciar su experiencia americana. Llega al puerto de Veracruz el 30 de junio de 1831, y durante dos años y diez meses viajó y captó la inmensidad del paisaje mexicano siguiendo las rutas y los lugares de preferencia de Humboldt. En una carta dirigida a su hermana en marzo de 1832 le dice: “Viajar tiene siempre la virtud de que uno sigue estudiando y anda con los ojos bien abiertos. Además, este país está como hecho para el pintor,
JOHANN MORITZ RUGENDAS Paisaje con el pico de Orizaba. s.f. Colección SURA México
los elementos del paisaje cambian con frecuencia. Las bellas formas de las montañas que encierra el valle de México cambian su aspecto con las distintas luces del día”. (2) Coincide la estancia de Rugendas, con la del diplomático y pintor francés Jean Batiste Louis Gros -Barón de Gros- quien vivió en México entre 1831 y 1835. Luego fue trasladado a Venezuela y a Brasil. En septiembre de 1839 arribó a Bogotá como embajador de Francia. En la capital colombiana, fuera del ejercicio diplomático, será recordado por su obra pictórica y, ante todo, por haber introducido la técnica del daguerrotipo en Colombia.
de Bogotá; en segundo lugar, las numerosas solicitudes
York en 1872. En efecto, en ese año coinciden en la ciudad
que me hicieron muchas señoritas y diversos jóvenes para
norteamericana el pintor mexicano Felipe Santiago Gutiérrez y el
que yo impartiera algunos conocimientos en el arte...” (3)
poeta y diplomático colombiano Rafael Pombo. De este encuentro
surgirá una amistad que llevará a Gutiérrez a tierras de los Estados Unidos
Un año después de su llegada a Bogotá, Felipe Santiago
de Colombia.
Gutiérrez, con ocasión del aniversario de la Batalla de Boyacá, organiza una exposición de pintura en la que
El entonces presidente colombiano, el liberal, Manuel Murillo Toro, sancionó
participaron los alumnos y alumnas de su academia y
la ley 98 de 4 de junio de 1873, que, en su artículo primero disponía: “Créase
se exhibieron más de 300 obras de pintura y escultura.
en la capital de la república un instituto para el cultivo y fomento de la pintura,
Parece que la exposición no tuvo la acogida esperada en
grabado, música, arquitectura y escultura, el cual, en homenaje de la memoria
el público, pero los periódicos de la época se desbordaron
del antiguo pintor nacional Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos, llevará
en comentarios laudatorios al esfuerzo del mexicano.
el nombre de Academia Vásquez”. El primer director de la recién creada
Por ejemplo Rafael Pombo, en su periódico escribe:
academia debería ser Felipe Santiago Gutiérrez quien arribó a Bogotá el 21 de
“no podemos menos de bendecir el nombre de Felipe
septiembre de 1873. Sin embargo, la agitada situación política del país, impidió
S. Gutiérrez, apóstol de beneficencia y de cultura entre
que la institución artística pudiera iniciar labores. No obstante al desengaño y
nosotros...” (4). Y es que el pintor de Texcoco no sólo
las dificultades, el pintor mexicano no desfallece en el empeño de educar y abre
introdujo la pintura académica en Colombia, sino que
Cuando Gutiérrez exponga sus cuadros,
por cuenta propia y de manera gratuita la que se conocería como Academia
sus maneras y generosidad despertaron la admiración
consistirá su mérito mayor en que disgus-
Gutiérrez. En “La América”, periódico inspirado por el poeta Pombo, publica
colectiva. En los periódicos publicados durante su primera
tará a gran número de personas. Tendrá en
las razones de su decisión: “El pensamiento de abrir las dos academias me
estadía, se encuentran, muy al estilo de la época, poesías
cambio, admiradores muy sinceros: el más
lo sugirió, en primer lugar, el deseo de manifestar una débil muestra de mi
dedicadas al pintor.
humilde de ellos será José Martí.
gratitud por la generosa y hospitalaria acogida que me hizo la galante sociedad
FELIPE SANTIAGO GUTIÉRREZ Y LA INTRODUCCIÓN DE LA PINTURA ACADÉMICA EN COLOMBIA
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l encuentro donde empieza esta historia se produce en Nueva
13
Un ejemplo son estos versos del pintor, poeta e
y al ver que su profesor decide partir de nuevo, sus alumnas le entregan como
historiador José Manuel Groot:
recuerdo una cadena de oro acompañada de un álbum precedido de emotivo texto que dice: “Al eminente artista Felipe S. Gutiérrez. Mientras resuene el
Pincel tan atrevido y tan jugoso
eco justiciero en el alma del pueblo colombiano, sabrá el mundo que en vez de
que corre sobre el lienzo con presteza
extranjero, fuiste aquí amigo y generoso hermano.” (8)
e imita de Natura la belleza con su tono sublime y armonioso.
Durante sus ausencias de México, Gutiérrez obtuvo dos importantes reconocimientos en el exterior, gracias a las exposiciones de arte mexicano que
En tu pincel artista mejicano
organizó el gran paisajista José María Velasco. El primero de estos galardones
que conquista laureles inmortales
lo obtuvo en New Orleans en 1884 con la obra “El ángel caído” y el segundo en la
y que el arte registra en sus anales
Exposición Universal de París de 1890 con las obras “La bañista” y “La cazadora
llamándote el Ribera americano (5)
de los Andes”.
Es muy probable que durante la primera estadía en
La tercera estadía de Gutiérrez en Colombia fue en 1891. Luego de pasar varios
Bogotá, Gutiérrez pintara su obra más famosa y polémica:
años en Argentina y Chile, llega de nuevo a la capital el 27 de diciembre del
“La cazadora de los Andes”. Según la correspondencia
mencionado año. El mexicano encuentra un país diferente. Durante sus dos
sostenida por Pombo y los hermanos Cuervo, el poeta
primeras estancias el país vivía bajo el sistema federal denominado los Estados
colombiano adquirió el cuadro por la suma de quinientos
Unidos de Colombia. Ahora llegaba a la República de Colombia regida por una
pesos pero luego lo canjeó con el pintor por unos retratos
constitución de corte centralista. Ya, desde 1886, bajo la dirección de Alberto
de su madre. (6)
Urdaneta, se había abierto de manera oficial la Academia de Bellas Artes. Durante su estadía, reanuda su actividad como pintor, realiza numerosos
En 1875 Gutiérrez decide regresar a su país, pero
retratos y ejecuta la tercera versión de “La Cazadora de los Andes”. A su regreso
antes organiza una nueva exposición y rifa entre el
a México, promueve el viaje a ese país a dos de sus más aventajados discípulos
público asistente 22 de sus obras. Ese mismo año lo
que por su recomendación ingresan a la Academia de San Carlos. Se trata de
encontramos en Toluca, en donde realiza una de las
Federico Rodríguez y Salvador Moreno.
primeras muestras individuales en esa ciudad. Viajero incansable, decide emprender nuevos recorridos que
De acuerdo con la historiadora colombiana Carmen Ortega Ricaurte, Federico
lo llevan a la costa oeste de los Estados Unidos y de
Rodríguez Mendoza estudió pintura con Pedro Carlos Manrique y con Felipe S.
nuevo, en 1880, lo encontramos en Bogotá, ciudad a la
Gutiérrez con quien viajó a México en 1894. Ingresó a la Academia de San Carlos
que arriba el 2 de octubre de ese año. Como siempre su
en donde obtuvo un premio en el concurso celebrado en 1898 con el cuadro
actividad es asombrosa. De inmediato abre la academia
“Edipo y Antígona”. (9) Pintó después un retrato de Porfirio Díaz que fue colocado
y ya para final de año, con sólo un mes de clases, realiza
en el Ministerio de Instrucción Pública. Al finalizar el siglo XIX viaja a París y está
una exposición con obras de sus alumnas y por supuesto
de regreso a Colombia en 1907, se instala en la población de Samacá en donde
con gran cantidad de obras propias entre las que se
una inundación que arrasó su casa destruyó buena parte de su obra. Tuvo más
destaca la segunda versión de su “Amazona de los
reconocimiento en el exterior que en Colombia. Un ejemplo son las palabras del
Andes”. Luego de esa exposición surgen también algunas
escritor Juan de Dios Peza: “Desde luego advertí en Rodríguez eso que no se
críticas a su pintura por parte de Pedro Carlos Manrique
describe ni se palpa: la aureola, el mérito, la claridad de un talento velado por
quien lo elogia como maestro pero no como pintor. “Se
espontánea y natural modestia”. (10)
FELIPE SANTIAGO GUTIÉRREZ
Cazadora de los Andes. ca. 1891 Colección Instituto Mexiquense de Cultura Museo Felipe Santiago Gutiérrez
de Bellas Artes, en donde conoció a Gutiérrez. Estudió en la Academia de San Carlos y luego, en 1896, viajó a París en compañía de Manuel Arcila y José María Zamora. En la capital francesa tuvo un relativo éxito pero al regresar a Colombia, en 1903, perdió la razón y permaneció buena parte de su vida en el manicomio de Cúcuta, ciudad donde falleció en 1940. (11)
pueden poseer los más puros principios artísticos y ser un mediocre ejecutante” (7) decía la crítica de Manrique.
Otro de los discípulos de Felipe S. Gutiérrez que viajaron a México fue Salvador
Ante estas palabras surge la pluma del poeta Pombo
Moreno. Nacido en San Cristóbal, Venezuela, su familia se trasladó luego a la
quien realiza una férrea defensa de su amigo. También,
ciudad de Cúcuta. Muy joven radicó en Bogotá donde estudió en la Academia
14
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Un ejemplo de esta poesía se titula “Las Nubes”:
INTERMEDIO MUSICAL Y POÉTICO
su prima hermana María Antonieta Pellicer de Vallejo, casada con un destacado ingeniero antioqueño, vivió
De los Andes más veloces
mucho tiempo en Medellín en donde el poeta los visitó en
De montaña a montaña
varias ocasiones. María Antonieta realizó una interesante
En alas de los cóndores (1919)
labor de promoción artística en la ciudad.
una pausa musical y literaria. Pocos años después de la llegada
El otro poeta que llegó a Colombia enviado por el gobierno de Venustiano
En este breve intermedio musical y poético, vale
de los discípulos de Gutiérrez a la Academia de San Carlos, dos
Carranza fue el joven Carlos Pellicer, que vino en 1918 como representante de
mencionar a algunos otros destacados nombres de
humildes cantantes populares, Pedro León Franco -apodado
la Federación de Estudiantes de México y con el fin de promover la creación
artistas colombianos que estuvieron vinculados con
Pelón Santamarta- y Adolfo Marín, llegaban a las costas de Mérida y desde allí,
de una gran Federación Latinoamericana de Estudiantes. En la biografía del
México: el compositor de música clásica Carlos Posada
bajo el nombre artístico de “Los trovadores colombianos”, irradian la música
escultor Gustavo Arcila Uribe, autor del retrato del poeta, leemos: “Personaje
Amador que después de una formación con grandes
popular de su país en tierras mexicanas. El éxito de sus canciones los llevó
extraordinario desde su juventud, Pellicer -matriculado en el Colegio Mayor
músicos franceses, regresó a Colombia y luego fue
hasta el Distrito Federal en donde, en septiembre de 1908, grabaron un disco de
del Rosario-, pronto entabla amistad con los jóvenes intelectuales y artistas
catedrático universitario en México por muchos años. Y el
música colombiana. Se trata del bambuco “El enterrador” y al respaldo grabaron
de la época. Su apartamento buhardilla, primero en el Hotel de la familia Martí
poeta Germán Pardo García, miembro de la generación
el pasillo “Jamás”. (12) Con los trovadores viajó por un tiempo un poeta que
y luego en el edificio Liévano sobre la Plaza de Bolívar, se convierte en un
llamada “Los nuevos”, quien vivió por muchísimos años en
por entonces usaba el seudónimo de Ricardo Arenales y que más tarde sería
‘consulado mexicano’ a donde iban Germán Arciniegas, Juan y Carlos Lozano,
México donde murió.
conocido como Porfirio Barba Jacob, el cual recordaba años después: “Conocí
Augusto Ramírez Moreno, Rafael Maya, Luis Vidales, León de Greiff, Eduardo y
a los trovadores colombianos Franco y Marín, a cuya locura de andar cantando
Gustavo Santos, en total sesenta amigos, referenciados por el mismo Pellicer
debe Colombia un hecho glorioso: que se haya difundido en México el bambuco,
en un documento personal desde el Distrito federal”. (15) De su amistad con
el pasillo y mil tonadas y canciones.” (13) Disuelto el dueto de trovadores, Pelón
Germán Arciniegas, se conserva una abundante correspondencia recopilada
Santamarta se enroló en las huestes maderistas donde alcanzó el grado de
por el investigador Serge I. Zaitzeff de la Universidad de Calgary y publicada
Teniente. Luego regresó a tierras yucatecas donde alternó con los músicos de
por el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes -CONACULTA- en el año
Mérida. Al volver a Colombia incorporó a su vez muchas canciones mexicanas
2002. En un conjunto de sonetos dedicados al maestro colombiano, Pellicer
a la música popular colombiana. Por su parte Adolfo Marín se casó con la hija
escribe:
A
ntes de continuar con nuestros pintores, es interesante hacer
de la dueña de la pensión donde se alojaba, instaló una próspera sastrería y falleció en el Distrito Federal el 19 de marzo de 1932.
Te releo estos días escondidos, Convalecientes. Bogotá encendidos
Mientras los trovadores habían llevado su música huyendo de la justicia
Nuestros programas veinteañeros crecen.
colombiana, el gobierno mexicano de Venustiano Carranza enviaba a Colombia a dos poetas que tendrían una gran repercusión en el país suramericano. José
Una montaña de amistad. Qué hermosa
Juan Tablada fue el primero de ellos. Estuvo en Bogotá como Segundo Secretario
-a pesar de pesares que estremecen-
de la Legación Mexicana y quedó prendado de la geografía colombiana que le
es esta tarde que olvidé la rosa. (1969) (16)
inspiró el libro “Un día...” (poemas sintéticos) a la manera del haikú japonés. En palabras del crítico Jorge Cadavid, “los poemas sintéticos tienen como
Pero fuera de la amistad con Arciniegas, el poeta mexicano estuvo vinculado
procedimiento discursivo la brevedad, la síntesis y la iluminación. Su eje
al mundo intelectual colombiano durante toda su vida. Basta recordar su
temático es una exploración por la flora y la fauna americanas. Su universo lo
cercanía con el poeta Porfirio Barba Jacob. Estuvo acompañándolo en su
conforman insectos, flores, mariposas, herbarios, jardines, en una auténtica
lecho de muerte y cuatro años más tarde, fue delegado por el Secretario
expedición botánica por nuestra geografía. El lector encontrará en estos textos
de Educación Pública, Jaime Torres Bodet, para acompañar a la delegación
pequeñas acuarelas, pinceladas verbales en los que descubre nuestro propio
colombiana que viajó a México para repatriar los restos del poeta. En 1959,
entorno natural”. (14)
luego de una visita a Colombia, le escribe a Arciniegas: “En ninguna otra parte tengo las raíces tan hondamente echadas como en Colombia”. Fuera de sus vínculos intelectuales, a Pellicer lo unieron lazos familiares, dado que
16
De izquierda a derecha: El poeta mexicano Carlos Pellicer y Germán Arciniegas 17
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EL ECO DE VASCONCELOS
L
a onda expansiva de la acción educativa y cultural de José Vasconcelos desde la rectoría de la Universidad Nacional y luego desde la Secretaría de Educación Pública (SEP) se hizo sentir en toda América Latina y de manera intensa en Colombia. Ya en 1921, el joven Germán
Arciniegas, imbuido en todo el movimiento estudiantil americano, organizó en Medellín el primer Congreso Nacional de Estudiantes Universitarios, a imagen y semejanza del I Congreso Internacional de Estudiantes realizado en México en el mismo año. (Como dato interesante, cabe resaltar que como delegado de la Escuela de Minas de Medellín, asiste el estudiante de ingeniería Pedro Nel Gómez, a quien nos volveremos a encontrar en esta crónica). A partir de esos congresos se iniciará una fecunda correspondencia entre el pensador mexicano y el futuro escritor colombiano. De igual manera, la Asociación de Estudiantes Universitarios publica a partir de 1921, la revista Universidad que dirige el
la ciudad se informa que “El auditorio estará autorizado ampliamente para
primeros murales en edificios públicos en Medellín por
interrogar al conferencista sobre el tema propuesto y sobre temas generales
parte de Pedro Nel Gómez, son algunos de los proyectos
de cultura. La entrada será gratuita”. (17) De Medellín partió para Bogotá
culturales realizados durante los años treinta del siglo
donde fue recibido con todos los honores.
pasado y que denotan claramente el eco de Vasconcelos.
En representación de los estudiantes, como era de usanza en la época, le dio la bienvenida en un multitudinario banquete, la reina del estudiantado María Teresa I, y su séquito real. También se celebró una becerrada en su honor. Los intelectuales de la época se disputaron su compañía: Baldomero Sanín Cano viajó hasta la estación de Apulo para acompañarlo en el último trayecto del viaje en tren hasta la capital; Luis López de Mesa se reunió en privado en uno de los salones de la pensión Augusta donde se alojó el intelectual mexicano. (18) Y por fin, en Bogotá, se conocieron personalmente José Vasconcelos y Germán Arciniegas después de haber sostenido una prolongada correspondencia. Es clara la influencia del maestro mexicano sobre el escritor colombiano desde
propio Arciniegas en sus dos etapas: 1921-1922 / 1927-1929. La revista de los
su primer libro “El estudiante de la mesa redonda” publicado en 1932 en
estudiantes era el equivalente colombiano de publicaciones que se hacían en
Madrid y bajo el auspicio de Vasconcelos. La visión de “América continente
otras partes del continente americano como Amauta que orientaba José Carlos
de la síntesis” (19) será desarrollada ampliamente por Arciniegas en su vasta
Mariátegui en Lima, Ulises en México, Martín Fierro en Argentina y la Revista de
obra literaria.
Avance en La Habana. Unos meses después de la partida de Vasconcelos se inicia en Colombia la En correspondencia fechada el 23 de mayo de 1923, José Vasconcelos dirige a
llamada República Liberal con la llegada a la presidencia de Enrique Olaya
Arciniegas una carta-manifiesto titulada “Carta a la juventud colombiana”. En
Herrera, Alfonso López Pumarejo, Eduardo Santos y Alberto Lleras Camargo.
respuesta, la Asociación de Estudiantes de Colombia le otorgó a Vasconcelos
Antes de tomar posesión como presidente electo de Colombia en 1934, Alfonso
el título de “Maestro de la Juventud”, reconocimiento que también harían
López Pumarejo realizó una visita a México para enterarse de primera mano
organizaciones similares de Panamá y Perú.
de los avances sociales que luego incorporaría en su programa de gobierno “La revolución en marcha”. En una entrevista concedida al regreso a Bogotá,
Frustrada su intención de llegar a la presidencia de México, José Vasconcelos
el entonces presidente electo expresó: “De todas las cosas que he visto y oído
inicia su viaje errante por distintos países del mundo. Entre abril y mayo de
durante mi estancia en México, sin duda alguna lo más útil para mí ha sido el
1930, invitado por el propietario del periódico “El Tiempo” y futuro presidente
contacto directo, tan reconfortante, con el vigoroso espíritu de la Revolución
de la República, don Eduardo Santos, el licenciado Vasconcelos realiza una
Mexicana, que os aseguro trataré de extender a Colombia durante el programa
apoteósica visita a Colombia. En la última semana de abril llega a Barranquilla
que espero realizar en mi patria durante mi gobierno”. (20)
y luego viaja a Cartagena, ciudades donde pronuncia varias conferencias sobre
18
el arte mexicano y la situación política de su patria. Luego se embarca en un
La política educativa y cultural de este período, sobre todo durante los
hidroavión de la empresa SCDTA que lo lleva de Barranquilla a Puerto Berrío y
ministerios de Luis López de Mesa y Germán Arciniegas, estará claramente
de allí en ferrocarril hasta Medellín adonde llega el 5 de mayo. Durante los dos
influenciada por la gestión de Vasconcelos en la Secretaría de Educación
días de permanencia en la capital de Antioquia el pensador mexicano fue objeto
Pública en México. Programas como la “Cultura Aldeana”, la creación
de múltiples manifestaciones de admiración y pronunció varias conferencias
de bibliotecas públicas en cada municipio, la edición masiva de libros, la
entre las cuales se destacó la del Paraninfo de la Universidad de Antioquia
fundación de la Radiodifusora Nacional de Colombia, la construcción de la
titulada “La función de la universidad en la América española”. En la prensa de
Biblioteca Nacional, la publicación de la Revista de Indias y la ejecución de los
JOSÉ VASCONCELOS
Por Horacio Longas, Periódico El Colombiano 7 de mayo de 1930 19
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EN BUSCA DE LAS RAÍCES AMERICANAS: RÓMULO ROZO, LUIS ALBERTO ACUÑA, ALIPIO JARAMILLO, JULIO ABRIL
U
n viento renovador se respiraba en toda América Latina en las tres primeras décadas del siglo XX. Nuevas expresiones rompían con las ataduras que habían impuesto las academias de bellas artes. Lo indígena, lo popular, lo telúrico, emergía de pronto en la
literatura, la música y la pintura. Diferentes manifiestos fueron redactados en toda América por los nuevos movimientos estéticos. En Colombia, el más recordado e influyente de esos movimientos es conocido como Los Bachués, en recuerdo de una de las deidades mayores de la cultura Muisca. En palabras del historiador Álvaro Medina: “El nombre de la diosa Bachué fue el que finalmente hizo carrera y pasó a identificar a la generación de artistas que surgió y se definió entre 1922 y 1934”. (21) Tal vez el más representativo de los artistas Bachués fue Rómulo Rozo. Había nacido en la ciudad de Chiquinquirá, departamento de Boyacá, de madre
RÓMULO ROZO
El borrachito, artesania popular
maestro Victorio Macho (1923-1925) y luego se desplazó a París donde estudió
En 1931, Rozo es nombrado Agregado en la Legación de Colombia en México.
acción punible de Alvarado surgió el señor José Medina,
en la Academia Julien, en compañía de su coterráneo Luis Alberto Acuña. En
Desde entonces, y hasta su muerte, fijará su residencia en el país azteca. Poco
afirmando que Rozo había copiado el tema para su
París, se encontró con las obras del arte oriental, de la talla africana y de la
tiempo después de su llegada, se integra al mundo cultural de la capital y
escultura de una pintura de Diego Rivera; pero Rozo, que
América precolombina. En palabras del citado Medina “Rozo, realizó la paradoja
a partir de 1932 es profesor en la Escuela de Escultura de la Secretaría de
sabe cincelar verdades, sentó esta verdad: “Sí, es plagio,
de liberarse de Europa cuando residía en Europa”.
Educación Pública. Ese mismo año realiza una exposición de esculturas en la
pero de la misma naturaleza. Mi plagio feliz lo ofrendo
Biblioteca Nacional de México. Una de las obras exhibidas, la número 7 titulada
a México”. (22) A propósito del autor del artículo, Miguel
Estando radicado en París, el joven escultor recibió, en 1928, el encargo de
“El Pensamiento” desata una polémica que es descrita por Miguel Ángel Osorio
Ángel Osorio, el escritor Fernando Vallejo, en su biografía
decorar el pabellón de Colombia para la Feria Iberoamericana de Sevilla de
en la Revista de Revistas de México bajo el título “Las controversias de año”
Barba Jacob el mensajero, aclara el malentendido, pues
1929. Rozo encontró el edificio ya construido y decidió ornamentarlo aplicando
de la siguiente manera: “Muy animados días transcurrieron cuando apareció
no se trata del nombre de pila del poeta colombiano sino
las ideas estéticas que había elaborado en su estancia europea. En el centro
plagiada la escultura ‘El Pensamiento‘ de don Rómulo Rozo por el señor Luis
uno de los muchos seudónimos que utilizó el escritor
del edificio, como parte de la fuente que decora el patio, surgía de las aguas la
Alvarado que hizo copias de madera y las vendía al público dándole el nombre
Rafael Heliodoro Valle. (23)
diosa Bachué.
de ‘El borrachito‘ con sólo agregarle una botella de tequila”. Para justificar la
indígena. En sus inicios fue ayudante de picapedrero en la decoración de la
El pensamiento. 1932
Estación del Ferrocarril de la Sabana en Bogotá. Allí aprendió los primeros secretos del oficio de escultor. Luego viajó a España donde estudió con el
20
21
RÓMULO ROZO
Monumento a la Patria. Mérida, Yucatán. Detalle Foto: Michel Hermelin Arbau
concéntricas fueron de sorpresa y admiración unánime...El semicírculo ocupa un cuarto de hectárea. En su centro se yergue una estatua de catorce metros de altura, con faz de mestiza reciedumbre, estoica y fuerte, muda promesa de una futura Indoamérica, lleva fuego sagrado en sus manos. En tanto el
RÓMULO ROZO
hemiciclo cuenta en relieves de portentosa talla, inspirados en el arte Maya,
Monumento a la Patria. Mérida, Yucatán. 1956 Foto: Michel Hermelin Arbaux
toda la historia de México desde las épocas mitológicas hasta la aventura revolucionaria de nuestro siglo”. (25)
No deja de llamar la atención que uno de los íconos
acurrucado, que hunde o aprieta su cara contra las rodillas, ¿duerme o piensa?,
de la cultura popular mexicana fuera realizado por un
se hubiese posado sobre la figurilla –souvenir- la mirada de Jean Charlot
escultor colombiano. Con ocasión de la exposición de
‘Benditos sean también los días de frío en que los hombres se envuelven en
obras de Rozo que tuvo lugar en el Palacio de Bellas
sarapes: aparecen entonces como tribunos arropados en las olas del mar. Un
Artes de México, el entonces Director General del
trozo de lana verde vale lo que una toga de mármol’. ¿Y qué había de malo en
Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) Gerardo
dormir y en soñar?”. (24)
En 1958, Rómulo Rozo realizó el Monumento a la canción yucateca para el Panteón de la ciudad de Mérida, lugar donde además fue enterrado luego de su fallecimiento acaecido en esa ciudad el 17 de agosto de 1964.
Estrada, escribió: “A propósito de ‘El Pensamiento’, la imagen mexicana más difundida en todo el orbe durante
En la década de los cuarenta del siglo pasado, Rómulo Rozo radicó en Mérida,
mucho tiempo, hasta antes de la definitiva urbanización
Yucatán, donde emprende la obra más ambiciosa de su vida: “El Monumento
del país: el inconmensurable malentendido a que dio
a la Patria”, en el cual trabajó durante once años. El escritor Luis Enrique
lugar quizá no hubiera ocurrido si en vez de la mirada
Osorio narra así el descubrimiento de aquella obra monumental: “Cuando al
de, pongamos por caso, José Moreno Villa este hombre
fin desapareció la empalizada y brilló aquel poema de piedra rosácea, las ondas
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LUIS ALBERTO ACUÑA
E
l otro artista que se identifica con el movimiento Bachué es Luis Alberto Acuña. Al principio este pintor, como ya anotamos anteriormente, viajó a estudiar a Europa, donde fue compañero de Rozo en la Academia Julien de París y luego quedó deslumbrado con
el movimiento cultural madrileño. De manera que de regreso a su patria fue un defensor del tipismo característico del Círculo de Bellas Artes. Fue incluso crítico de las raíces indígenas y populares de las que se nutría su generación. Sin embargo, al promediar la década del treinta, Acuña empieza a interesarse
LUIS ALBERTO ACUÑA
Un muchacho, un caballo y un paisaje sombrío. 1939 Óleo sobre lienzo
por los temas que antes repudiaba. En palabras del crítico e historiador Álvaro Medina: “El ingreso de Acuña al bachuismo tuvo motivaciones plásticas antes que temáticas. De vieja data, mostraba tendencia a ser opulento y monumental en la pintura... cuando Acuña descubrió que en las proporciones anatómicas de
Angélica Siqueiros, David Alfaro Siqueiros, José Venturelli y el pintor colombiano Alipio Jaramillo delante del mural de la Alianza de intelectuales de Chile para la defensa de la cultura. Santiago de Chile, 1942.
ALIPIO JARAMILLO
Autodefensas. ca. 1949 Óleo sobre lienzo Pinacoteca, Universidad de Caldas, Manizales
los indígenas, presentes ya en la pintura de Diego Rivera, había una redondez y una sensualidad que correspondían con el ideal humano que había estado buscando.” (26) A partir de este descubrimiento plástico, reforzado por su estancia en México como agregado cultural entre 1939 y 1941, Acuña será reconocido como el pintor que recrea el mundo campesino del altiplano cundiboyacense y que rescata las deidades de la mitología de la casi desaparecida Cultura Muisca.
ENCUENTRO EN CHILE: DAVID ALFARO SIQUEIROS Y ALIPIO JARAMILLO
para que ejecute aquí trabajos que serán, en todo caso,
pintores que prolongarán la técnica del mural en Chile. Entre los pintores que
una gran revelación para todos”.(28)
trabajan con el artista mexicano, se encontraba un joven colombiano llamado Alipio Jaramillo. Luego de la última restauración del mural, realizada entre
De Chile, Jaramillo viajó luego a Argentina y Brasil
los años 2008 y 2009, aparecieron vestigios de la existencia de cerca de veinte
donde realizó varias exposiciones y entra en contacto
retratos de próceres americanos, posiblemente pintados por los discípulos de
con los movimientos artísticos de esos países. De
Siqueiros. (27)
regreso a la convulsionada Colombia de los años cuarenta del siglo XX, Alipio, a diferencia de Acuña y los otros
Oriundo del Departamento de Caldas, el colombiano Alipio Jaramillo Giraldo
pintores del grupo Bachué, opta como tema las luchas
recibió las primeras lecciones de pintura en la Escuela de Bellas Artes de la
campesinas y obreras y será el primer pintor en dejar
ciudad de Manizales pero luego emprende un largo viaje de aprendizaje por
testimonio del período denominado “La Violencia” que
el sur del continente americano. En Chile ocurre el encuentro con Siqueiros
se inicia con el asesinato de Jorge Eliécer Gaitán el 9
con quien comparte ideología política y aprende el uso de nuevos elementos
de abril de 1948. Será también uno de los innovadores
uego del terremoto que asoló el territorio chileno en 1939, el gobierno
plásticos como la piroxilina aplicada sobre masonite y celotex, que luego
ilustradores de las portadas de la Revista Semana que
mexicano de Lázaro Cárdenas donó a la ciudad de Chillán, una de
usará en el mural sobre el mundo campesino, contratado inicialmente para
editaba Alberto Lleras Camargo. Con la llegada de las
las más afectadas por el sismo, una entidad educativa que llevaría
la Universidad Nacional de Bogotá y trasladado, en 1953, a la biblioteca de la
nuevas corrientes artísticas, Alipio Jaramillo fue relegado
el nombre de Escuela México. Después del asesinato de Trotsky, en
Universidad de Caldas. De su relación con Siqueiros, según la crítica Cristina
al ostracismo y falleció olvidado del mundo cultural
1941, el muralista David Alfaro Siqueiros fue expulsado del país y acogido en
Lleras, quedan dos testimonios contradictorios. En unas declaraciones en
en 1999. Sólo hoy su obra vuelve a ser reconocida y ha
Chile por insinuación de Pablo Neruda. “Ve a Chillán y pinta un mural en la
Chile, se queja de sus ayudantes que debido a no tener conocimientos de
logrado sumas elevadas en las subastas de las grandes
escuela que están construyendo” fueron las palabras del futuro premio Nobel
la pintura mural, su trabajo debía ser repetido por él mismo. Sin embargo,
casas internacionales.
a su amigo mexicano. De esta manera Siqueiros, su esposa Angélica Arenal,
cuando Siqueiros viaja a Bogotá en 1943, en entrevista al periódico
su hija Adriana y el pintor y ayudante Xavier Guerrero, se instalan a vivir en
Tiempo”, el pintor mexicano se refiere así de su ayudante colombiano en
el vestíbulo de la escuela en la cual pinta el mural “Muerte al invasor”, obra
Chile: “Tengo que aclararles la inmensa satisfacción de que un colombiano,
“Oratoria poética”, que representa la imagen de Chile y México en resistencia
Alipio Jaramillo, participó con gran acierto en estos murales (los de Chillán).
ante la conquista española.
Jaramillo es un pintor de gran talento que debería ser llamado por el gobierno
L 24
Para realizar la monumental obra, Siqueiros recibe la colaboración de varios
“El
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divas del cine, los cementerios, el colorido de la artesanía, los campesinos y la
EL ESCULTOR JULIO ABRIL
E
esperanza remota de su redención social”. (31)
ntre 1941 y 1948 vivió en México, becado por su departamento de
Integrado a la vida artística de su país de adopción, Matiz dejó imágenes
origen, Boyacá, el escultor colombiano Julio Abril. En el país azteca
perdurables de los ídolos del cine y la canción mexicana en su momento de
fue reconocido incluso por Rivera y realizó varias obras como el
esplendor. Son icónicas las fotografías de María Félix y de su amigo Agustín
Monumento a Cervantes, para la feria del libro, como ayudante del
Lara o las inolvidables imágenes de Frida Kahlo y Diego Rivera captadas en su
escultor Juan Cruz y las estatuas realizadas para la Ciudad de los Deportes y el
casa de Coyoacán.
Hipódromo de las Américas. Según el investigador Germán Rubiano Caballero hizo varios retratos en piedra, entre ellos el del presidente Miguel Alemán.
Al final de su vida, el fotógrafo hacía este hermoso homenaje a sus días
(29) En la madrugada del miércoles 14 de enero de 1942, Julio Abril tomó la
mexicanos: “Voy a morir tranquilo, pensando que nadie superará lo que yo
mascarilla fúnebre del poeta colombiano Porfirio Barba Jacob.
viví en México. Creo que he vivido allí el mejor siglo de la vida. Yo mismo no encontré nada en el mundo similar a lo que descubrí y amé en ese país. Cómo olvidar su luz blanca y transparente, sus atardeceres grises y azules...” (32). Pocos como él lograron captar el alma profunda de México a través de ásperos
MÉXICO BAJO LA LENTE DE LEO MATIZ
A
rostros de sus campesinos. En el año 1941, para conmemorar el 20 de julio, aniversario del grito de independencia nacional, la Embajada de Colombia y la Secretaría de Educación Pública de México, organizaron, en el Palacio de Bellas Artes, una exposición l igual que Gabriel García Márquez, Leo Matiz nació en la pequeña
de artistas colombianos en la cual participaron Julio Abril, Luis Alberto Acuña,
población de Aracataca, en el departamento del Magdalena. A los
Leo Matiz, Juan Sanz de Santamaría y Rómulo Rozo. Pronunció el discurso
quince años se trasladó a Bogotá con el fin de complementar sus
inaugural el poeta Chileno Pablo Neruda.
estudios en un seminario. Frustrada su vocación religiosa, realizó
múltiples oficios en distintos lugares de Colombia. Como tantos otros de su generación, se sintió limitado en las oportunidades que le ofrecía el país, e inició un largo peregrinar, pleno de vicisitudes, por países de Centroamérica donde sobrevivía como caricaturista y pintor. Luego de una larga marcha desde Costa Rica, llegó a la ciudad de México el día en que asesinaron a Trotsky. Gracias a la recomendación del poeta Porfirio Barba Jacob, ingresó como reportero gráfico en la revista “Así”, publicación en la cual, según el escritor colombiano Fernando Vallejo, el poeta Barba Jacob “había estado escribiendo desde enero una página, los “Perfiles de la semana”, para el semanario “Así” recién fundado, a raíz de una ligera mejoría, la última”.(30) Desde entonces la vida de Matiz estará ligada a una cámara fotográfica. Años después recordaría: “La revista así me lanzó como reportero gráfico. Comencé a buscar temas y descubrí al México antiguo y profundo, eterno y fugaz. Allí estaban frente a mis ojos la arquitectura barroca, los murales, las Islas Marías y las historias conmovedoras de los presidiarios, el pulque, los coyotes hambrientos del desierto, el día de los muertos, los templos sagrados y la pureza de la luz de Yucatán, las hormigas, las mujeres de Pancho Villa, los árboles muertos, las
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CRÓNICAS DE LA ERRANCIA, DEL AMOR Y DE LA MUERTE: RODRIGO ARENAS BETANCOURT EN MÉXICO
L
uego de haber sido iniciado en los laberintos del arte por su pariente Ramón Elías Betancourt, de haber estudiado escultura en el Instituto de Bellas Artes de Medellín y en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Bogotá, Rodrigo Arenas Betancourt, arriba
a la capital de México en marzo de 1944. En el aeropuerto lo reciben, por instrucciones del embajador de Colombia Jorge Zalamea, el poeta Germán Pardo García y el escultor Rómulo Rozo. Inicialmente compartió habitación con el pintor Jorge Elías Triana y luego con el escritor Manuel Zapata Olivella, quien en ese momento escribía su primera novela “Tierra mojada”. Se matriculó en la Academia de San Carlos como alumno de escultura de Luis Ortiz Monasterio. De aquellos primeros días en la capital, el escultor recordaba las inmensas manifestaciones al frente del Palacio de Bellas Artes, convocadas por el líder de la izquierda Vicente Lombardo Toledano. Inmerso en ese ambiente, se hace miembro del partido Comunista. En esos días iniciales sobrevivió gracias a unos dólares que sus amigos de Colombia le enviaban esporádicamente. En efecto, Belisario Betancur, -luego
RODRIGO ARENAS BETANCOURT
presidente-, Miguel Arbeláez Sarmiento y Otto Morales Benítez, entre otros,
Monumento a la Vida. 1974. Sede Suramericana Medellín, Colombia Colección SURA Colombia
escribían una columna en el diario “El Colombiano”, bajo el seudónimo de PRAB, acróstico de Para Rodrigo Arenas Betancourt, con la cual mantenían a su amigo en México. Unos meses después de su arribo a la capital mexicana, ingresa a trabajar como ayudante del escenógrafo Luis Moya, en los Estudios Azteca en Coyoacán (Moya estaba casado con la colombiana Alicia Moreno). En
paso como escultor y realiza las primeras exposiciones en Caracalla, en la
de San Carlos. Gracias a una beca otorgada por el British
1945, abandona la industria del cine para seguir a Rómulo Rozo a Yucatán quien
Galería de Arte Moderno, en la Plaza Santos Degollado con Lola Álvarez Bravo
Foreing Service, Celia decidió ir a estudiar grabado en
iniciaría su monumental “Monumento a la Patria”. Pronto, dadas las terribles
y en el Salón de la Plástica Mexicana entre otras. Con las exposiciones vienen
Londres. Años después Arenas escribe: “Hice todo lo
condiciones de los picapedreros, abandona al escultor e inicia su recorrido
las primeras ventas y los encargos, en especial de aquellos arquitectos que
posible para que no se fuera. Sabía que me destrozaba
por la península yucateca que le permitirá adentrarse en la profundidad de la
promovían la integración artística: Raúl Cacho Álvarez, Guillermo Rossell,
los tompiates, el cuerpo y el alma en el momento de la
cultura Maya.
Jorge Bravo y Francisco Peñaranda. Con Eugenio Peshard realizó el proyecto
partida. No fue posible hacerla desistir. Pocos días antes
de “El Prometeo”, obra en bronce y basalto ubicada en el patio central de la
de irse me dijo: ‘Mira, Giotto, casémonos, así, al menos
torre de Ciencias de la Universidad Nacional Autónoma de México.
existe algo entre nosotros, al menos yo sé que tengo a
De regreso a la capital, comparte la vida entre la fotografía, como reportero
alguien en la tierra’. Yo no tenía ningún inconveniente y
de la Revista América de Gregorio Ortega, y la escultura, para lo cual arrenda
CELIA CALDERÓN DE LA BARCA La hilandera. 1969 Mixta sobre masonite Colección SURA México 28
el estudio de Río de la Loza que había pertenecido al llamado grupo de los
De su estancia en México queda el recuerdo de tórridos amores. Pero uno en
le dije que sí. Nos casamos en la Oficialía Sexta, que está
fridos (discípulos de Frida Kahlo: Arturo García Bustos, Guillermo Monroy,
particular lo marcó para el resto de la vida, el que sostuvo con la artista Celia
en la esquina de San Juan de Letrán y el Callejón de las
Arturo Estrada, Fanny Rabinovich y Juan Antonio Franco). Poco a poco se abre
Calderón de la Barca, a quien había conocido desde sus años en la Academia
Delicias. Fueron testigos David Alfaro Siqueiros y Ángela 29
RODRIGO ARENAS BETANCOURT Monumento a la Vida. Fragmento Fotografía del artista Colección SURA Colombia
JOSÉ GUADALUPE POSADA La Catrina. Grabado sobre papel
Arenal, Luis Ángel Rengifo y su esposa Alicia Moya. Al
mujer mexicana, india maya, que me dejaste clavado contra la vida, como una
otro día del matrimonio, Celia se fue para Inglaterra y yo
mariposa cenicienta”. (34) abre en todas las dimensiones. Se levanta de manera curva, carnal y humana,
me quedé en México, solo, abismalmente solo, pensando A su regreso a Colombia, Rodrigo Arenas se convierte en el escultor oficial
tal como crece y se expande la vida. No se levanta en un sentido vertical y
que elabora los monumentos que recuerdan los héroes de la independencia y
místico sino helicoidal y parabólico como el huevo, como las glándulas, como
Cuando Arenas Betancourt se enteró del suicidio
realiza las más importantes esculturas de la época de los sesquicentenarios:
todos los elementos que la vida utiliza para perpetuarse y para proliferar y
de Celia, en una de las aulas de la Academia de San
“El Bolívar desnudo” para la Plaza de Pereira, “José María Córdova” para la
para borbotar.” (35)
Carlos, escribió un desgarrador relato de su vida
plaza principal de Rionegro, Antioquia y sobre todo, la monumental obra “Los
mexicana titulado “Crónica de la errancia, del amor y
Lanceros”, conmemorativa de la Batalla del Pantano de Vargas. Una de las
En la obra realizada para Suramericana, son evidentes algunos elementos
de la muerte”. Allí escribe: “Este sábado 18 de octubre
obras más complejas, “El monumento a la vida”, por encargo de la Compañía
inspirados en la cultura mexicana, en especial la calavera sonriente, imagen
del mil novecientos sesenta y nueve me vino el bárbaro
Suramericana de Seguros como complemento del edificio de su sede central
que surge de las aguas, y que de alguna manera evoca las imágenes populares
de Guillermo Angulo, con la noticia del suicidio de
en la ciudad de Medellín, fue inaugurada el 11 de junio de 1974, y a partir
del país azteca, sobre todo los grabados realizados por José Guadalupe Posada
Celia Calderón de la Barca... Angulo venía de Bogotá
de entonces se convierte en uno de los principales monumentos artísticos
para Medellín y del aeropuerto me llamó para darme
patrimonio de la ciudad. En palabras del autor: “No se trata de una obra con
semejante noticia. Me dio en todos los testículos, me
un programa rígido e inflexible, sino de un conjunto que está ahí, en medio
partió de cuajo. Sentí una tristeza profunda y soterrada
del aire balsámico de Medellín, en medio del sol ardiente y del agua, para que
y un anonadamiento y una desesperación infinitos...
cada quien lo contemple y lo goce y le encuentre su propia explicación y su
Vanos anhelos, Celia Calderón de la Barca Olvera,
particular significado. Es intento de forma orgánica, de fruto henchido que se
en ella, viajando en ella, y muriendo en ella”. (33)
30
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DÉBORA ARANGO AL ENCUENTRO CON EL MURALISMO MEXICANO
C
uando en 1946 Débora Arango, -una de las grandes pintoras colombianas- decide viajar a México para estudiar la técnica de la pintura al fresco, ya era una conocida y a la vez rechazada artista en su medio. Sus pocas exposiciones habían sido objeto de la censura
y del repudio social. Sólo un grupo de intelectuales de avanzada reconocían el valor de su obra. Pintora de cuadros a la acuarela y al óleo, su vocación mayor era la de convertirse en una muralista al estilo de Pedro Nel Gómez o de los grandes maestros mexicanos. Como sostiene la maestra Beatriz González, otra reconocida artista colombiana “Uno de los anhelados ideales de Débora fue convertirse en muralista. Seguramente soñaba con ser la primera mujer muralista de América. Era la fuerza del muro enfrentada a la fragilidad de la mujer. Estaba preparada con un bagaje de conocimientos técnicos como la práctica de la acuarela, que dominaba a la perfección, y de los grandes formatos que presagiaban las tareas del fresco”. (36)
Mural de marcada inuencia mexicana en Casablanca, residencia de Débora Arango, Envigado, Antioquia, Colombia
FEDERICO CANTÚ
Las bodas de Caná. 1951 Óleo sobre tabla Colección SURA México 32
Para realizar sus sueños viajó a México, en compañía de su hermana Elvira,
A los seis meses de estar radicada en México, las her-
gracias a los contactos que realizó el músico Carlos Posada Amador que desde
manas Arango recibieron la noticia del deterioro de la
hacía años residía en la capital mexicana. En cuanto llegaron a la ciudad,
salud de su padre, don Cástor Arango, y decidieron re-
Débora se matriculó en la Escuela de Pintura La Esmeralda donde recibió
gresar a la residencia paterna. Se frustró así la intención
las primeras lecciones de pintura al fresco y al año siguiente se presentó a
de Débora de convertirse en muralista. Sólo quedan dos
la Escuela Nacional de Bellas Artes donde la recibió el profesor de pintura
pequeños intentos de pintura al fresco: una ejecutado
Federico Cantú. Según relató la pintora al investigador Santiago Londoño iba
para decorar uno de los salones de una fábrica de tejidos
temerosa de presentar un examen de admisión, pero tan pronto Cantú vio las
propiedad de sus familiares y el otro, más pequeño, eje-
obras que Débora le exhibía la admitió de inmediato.(37) Bajo la supervisión
cutado en el garaje de su casa. Ambos intentos denotan,
del Maestro Antonio María Ruiz, realizó los primeros trabajos al fresco.
por su temática, gran influencia mexicana. 33
De su corta estadía en México quedaron huellas imborrables: la aproximación a la obra de José Guadalupe Posada y el conocimiento de José Clemente Orozco. Así describe la maestra Beatriz González esta admiración: “ Durante su permanencia en México asimiló a Orozco -a quién le restaban sólo tres años de vida, los tratamientos fuera de escala de los rostros, los sistemas espaciales, la simplificación, la narración, la visión caricaturizada de la política del “establecimiento”, por ende el zooformismo.” (38) Luego de su frustrado intento de convertirse en muralista, Débora se encerró en Casablanca, la residencia familiar ubicada en Envigado, Antioquia, y allí en
De izquierda a derecha: Jorge Elías Triana, Darío Jiménez e Ignacio Jaramillo
silencio y olvidada del mundo artístico, continuó desarrollando la obra más cruda de denuncia social de la historia del arte colombiano. Sólo en el año de 1983, fue valorada por la institucionalidad cultural y pasó los últimos años de su vida recibiendo los reconocimientos que le habían sido negados por más
Poseía una buena biblioteca, compartía su vida con una mexicana y de vez en
de medio siglo.
cuando se asomaba a las aulas de la Academia de San Carlos. De esos días recordaría: “Ya en México sueltas las amarras, tuve tremenda experiencia que por poco me agota. A México le debí aprender a vivir esa ingénita libertad
DOS PINTORES TOLIMENSES EN BÚSQUEDA DE FORMACIÓN EN MÉXICO
E
de la vida, el amor y las pasiones en el tono báquico preludiado por Barba Jacob que absorbí por todo hasta enfermar. A mí no me tocó el mismo polillero académico de la Academia de San Carlos, de donde salió Triana más docto”. (39) En octubre de 1946, el entonces agregado cultural Ignacio Gómez Jaramillo organizó, en la Biblioteca Benjamín Franklin, de la capital azteca, una
n aquella década de los cuarenta del siglo XX, dos pintores originarios
exposición con obras de los dos pintores tolimenses. En la presentación de la
del departamento del Tolima, viajaron a México para complementar
muestra, Gómez escribió: “Darío Jiménez cabalga en su loco y alado corcel por
su formación artística. Dos personalidades totalmente opuestas, dos
los espacios oníricos. Pintor de una extraordinaria imaginación que sobrepasa,
formas de entender el arte. Jorge Elías Triana, quien viajó en 1945
en veces, a las expresiones de su forma. Cuando ésta llegue en sus manos a
gracias a una beca del gobierno del Tolima, estudió en la Academia de San
mayor madurez y dominio y si no se diluye y escapa por las nubes del ensueño,
Carlos con el pintor español en el exilio Antonio Rodríguez Luna. En palabras del
encontraremos en Darío Jiménez a un pintor que revestido ya por la magia del
pintor Ignacio Gómez Jaramillo con quien compartió experiencias en la capital
arte, lírico y atormentado, con esos inasibles elementos tendrá el ala mágica
azteca, “Triana adquirió en México no sólo los conocimientos rudimentarios del
que les falta a tantos elaboradores de cuadro”. (40) Desafortunadamente los
oficio, sino ante la grandiosidad de su pintura mural, la base firme y estable
presagios se cumplieron y la obra de Jiménez “se diluyó y escapó por las
de su orientación”. Gracias a su formación y recia personalidad, Triana logró
nubes del ensueño”.
desarrollar una fecunda obra pictórica. Por su parte, el otro tolimense, Darío Jiménez era “una llama al viento” como diría su admirado Porfirio Barba Jacob. Bohemio e intenso, sus búsquedas estaban más en el inconsciente que en la realidad y por tanto su acercamiento a la pintura se relaciona más con el surrealismo y el simbolismo. Viajó a México en 1944 donde, gracias a la ayuda paterna, llevó una vida holgada. 34
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EL GRABADO Y LA DENUNCIA SOCIAL
L
as diferentes técnicas del grabado fueron introducidas a Colombia a finales del siglo XIX, como medio para ilustrar las publicaciones periódicas que empezaron a tener gran impacto en la estética y en los imaginarios sociales. Sólo en la década de los treinta del siglo
XX, el grabado empieza a ser utilizado como técnica independiente, en especial como herramienta de denuncia social. Dos son los grabadores que sobresalen en aquellos años: Gonzalo Ariza y Alejandro Gómez Leal. El primero de ellos, Gonzalo Ariza, se inicia en el mundo artístico como grabador, a través de la técnica de la linoleografía ilustrando publicaciones como El Bolchevique, publicación oficial del Partido Comunista o en la Revista Pan que editaba el intelectual Enrique Uribe White. En palabras del citado Álvaro Medina, “La influencia de los mexicanos en Gonzalo Ariza es notable en
CARLOS CORREA
Mejor es la buena fama que el buen unguento y el día de la muerte que el día del nacimiento. 1952. Colección Carlos Correa. Sala de Patrimonio Documental, Centro Cultural Biblioteca Luis Echavarría Villegas, Universidad Eat. Medellín
ALEJANDRO GÓMEZ LEAL Cartel. 1938 Lineografía
varios detalles. Por ejemplo, el marcado contraste que hay entre zonas blancas y negras, tratamiento que le confiere a la imagen un cierto dramatismo; la configuración monumental, que comunica la idea de fuerza; el hieratismo, que
Al fin y al cabo desarrollaba su trabajo sin antecedentes que lo condicionaran,
comunica la de dignidad y resolución; y el tema, compuesto fundamentalmente
en una época en que aún se hacía sentir su peso el tipo de preconcepción
de escenas cotidianas, de gentes sencillas”. (41)
temática y estética que posteriormente mutiló el cartel político”. (42)
Los títulos de las obras de este período de Ariza reflejan su intención de mostrar
En las siguientes dos décadas, años cuarenta y cincuenta, dos artistas
la vida popular: “El mercado”, “La plaza” y “La ruleta” entre otras. Cuando el
utilizarán el grabado en punta seca como medio para denunciar la barbarie
gobierno colombiano le otorgó una beca, para perfeccionar su formación y
del denominado período de La violencia. Se trata del antioqueño Carlos Correa
cuando todo el mundo pensaba que escogería a México, el artista decidió viajar
y de Luis Ángel Rengifo, originario del departamento del Cauca. Rengifo viajó
al Japón. El contacto con una nueva cultura, con otra estética, implicarían un
a México para complementar sus estudios de pintura y grabado. (recordemos
cambio fundamental en la producción artística de Gonzalo Ariza.
que fue uno de los testigos de la boda de Rodrigo Arenas y Celia Calderón). Al regresar a Colombia en medio de la violencia partidista, Rengifo elabora
El otro grabador, hoy prácticamente olvidado, de aquellos años treinta fue
los más descarnados grabados sobre las atrocidades cometidas por ambos
Alejandro Gómez Leal, quien pasó de un academicismo trasnochado a una nueva
bandos. De alguna manera evocan el período negro de Goya.
estética al servicio de las luchas populares, por medio de carteles elaborados bajo la técnica de la xilografía. Los títulos también son dicientes: “Colombia contra el fascismo” y “España defiende la libertad del mundo”. El crítico Medina define así su obra: “La figuración de Gómez Leal presentaba acentos dramáticos que a veces eran una detonante mezcla de Orozco y Siqueiros. En
GONZALO ARIZA El Mercado. 1936 Lineografía 36
su expresionismo los motivos temáticos y ornamentales se superponían en complejas composiciones de ascendencia barroca. Como creador de carteles, Gómez Leal no caía en los esquematismos visuales de ciertos diseñadores. 37
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LA POLÉMICA DEL MURALISMO: IGNACIO GÓMEZ JARAMILLO Y PEDRO NEL GÓMEZ
D
De izquierda a derecha: Rodrigo Arenas Betancourt, Diego Rivera, Pedro Nel Gómez, David Alfaro Siqueiros. La imagen fue tomada con ocasión de la asistencia de los dos artistas colombianos al VIII Congreso Panamericano de Arquitectura en México, en el año 1952. Colección Centro Documental Fundación Casa Museo Maestro Pedro Nel Gómez.
os pintores representan el momento del muralismo en Colombia: Pedro Nel Gómez e Ignacio Gómez Jaramillo. En ellos se resume una época de agitación social, de multitudes en las calles, del enfrentamiento entre una sociedad rural y patriarcal y el
surgimiento del mundo urbano y proletario. Pedro Nel Gómez, como vimos anteriormente, tuvo como profesión inicial la ingeniería y la arquitectura. Luego, entre 1925 y 1930 vivió en Europa, y por
Diego Rivera, y Pedro Nel Gómez. Al fondo el mural La Universidad, la familia mexicana, la paz y la juventud deportista, realizada en el Estadio Olímpico de la Universidad Nacional Autónoma de México. 1952. Colección Centro Documental Fundación Casa Museo Maestro Pedro Nel Gómez.
varios años residió en Italia donde estudió a fondo los pintores del Renacimiento y en especial, aprendió la olvidada técnica de la pintura al fresco. A su regreso a Colombia se dedica de lleno a la pintura de caballete y sus cuadros empiezan a tener una marcada tendencia hacia lo social. Ya en la exposición realizada
pasarán muchos años antes de que el artista reciba nuevos encargos oficiales
De regreso a Colombia, en 1938, Gómez recibe el encargo
en la Biblioteca Nacional de Bogotá, los títulos de las obras reflejan esa
para el arte mural. Por razones políticas, el muralismo en Colombia tuvo un
del gobierno para pintar murales en dos de los más
inclinación: “La marcha del hambre”, “La ley de los sindicatos” y “La mujer de
desarrollo tardío, cuando en otros países del continente era una expresión del
emblemáticos edificios nacionales: el Teatro Colón y el
la República”.
pasado.
Capitolio, sede del Congreso Colombiano. En el primero pinta un mural denominado “Invitación a la danza” y en el
Cuando en 1934 el Municipio de Medellín le encarga la ejecución de nueve
Cuando Pedro Nel Gómez visita a México, es recibido por los grandes maestros
segundo pinta dos murales representativos de momentos
murales para decorar las nuevas instalaciones del Palacio Municipal, estaban
no como un aprendiz, sino como un colega que ha trasegado (y padecido) los
importantes de la historia colombiana: “La liberación
dadas las condiciones para el surgimiento de un arte mural de forma paralela
mismos senderos artísticos.
de los esclavos” y “La insurrección de los comuneros”.
a lo que había ocurrido en México: conocimiento y dominio de la difícil técnica
Pedro Nel Gómez y David Alfaro Siqueiros. Colección Centro Documental Fundación Casa Museo Maestro Pedro Nel Gómez. 38
Al igual que ocurrió con los murales de Pedro Nel, la
de la pintura al fresco, a la manera de los renacentistas italianos; gobiernos
Por su parte, Ignacio Gómez Jaramillo, que había cursado dos años de
reacción no se hizo esperar. El Concejo de Bogotá aprobó
dispuestos a ofrecer los muros de los edificios públicos para narrar visualmente
Ingeniería en la misma Escuela de Minas donde estudió Pedro Nel,
un acuerdo para que fueran retirados los murales que
la historia colectiva y pintores que se desprendían de los tradicionales temas
abandonó sus estudios y se embarcó para Europa, en especial España, para
atentaban contra la moral pública. Basta una cita de la
del retrato y el paisaje e incursionaban en los temas sociales. Los nueve frescos
estudiar pintura, su verdadera profesión. Luego de su regreso a Colombia,
escritora Emilia Pardo Umaña para ilustrar el malestar
del recinto municipal fueron inaugurados en 1938 y de inmediato despertaron
y después de haber realizado algunas exposiciones, recibe, en 1936 y por
de la mentalidad conservadora ante el atrevimiento de
la ira de los sectores más reaccionarios. El político Laureano Gómez, desde
influencia de Jorge Zalamea, la comisión del gobierno colombiano para
profanar los recintos sagrados de la patria: “Nuestros
su columna del periódico “El Siglo”, escribió: “un pintor colombiano ha
viajar a México con el fin de estudiar de cerca el movimiento muralista y la
influenciados mexicanos han querido transportar a
embadurnado los muros de un edificio público de Medellín con una copia y servil
experiencia de las Escuelas de Pintura al Aire Libre. En la capital mexicana
nuestro medio esa concepción socialista del arte, que
imitación de la manera y los procedimientos del mexicano (Diego Rivera). Igual
tiene la oportunidad de conocer a los grandes muralistas, Rivera, Orozco
es espantosa, y desgraciadamente han logrado que en
falta de composición, Igual carencia de perspectiva y proporcionalidad en las
y sobre todo a Siqueiros con quien establece una estrecha amistad. Como
las esferas oficiales se le dé un valor que no tiene”. (44)
figuras. Sin duda, mayor desconocimiento del dibujo y garrafales adefesios de
parte de su acercamiento a la pintura al fresco, participa con otros pintores
La reacción continuó en los años siguientes hasta que,
los miembros humanos. Una ignorancia casi total de las leyes fundamentales
en la elaboración del fresco “La represión de los obreros” en el Centro
en 1948, en vísperas de celebrarse la IX Conferencia
del diseño y una gran vulgaridad en los temas, que ni por un momento intentan
Escolar Revolucionario. Durante su primera estancia en México también se
Panamericana que tendría como sede el Capitolio
producir en el espectador una impresión noble y delicada. Naturalmente el coro
acerca a otros artistas que le abren nuevas posibilidades plásticas como
Nacional, el político conservador Laureano Gómez logra
sofista y seudoliterario elogia aquellos fantoches a rabiar.” (43) De manera que
Rufino Tamayo y María Izquierdo.
lo que desde hacía diez años pedía el Concejo de Bogotá: 39
EL ARTE EN COLOMBIA - IGNACIO GÓMEZ JARAMILLO Estudio de Gilberto Owen Retrato de la esposa del pintor, carátula del libro Sala de Patrimonio Documental, Centro Cultural Biblioteca Luis Echavarría Villegas Universidad EAFIT, Medellín.
“Eliminar, borrar o sustituir” los frescos del capitolio y
Siqueiros-, de almorzar con los “tres grandes” en el famoso y muy burgués
del teatro. Sólo once años después serían descubiertos y
restaurante Ambassadeurs y oírles sus audaces proyectos de reconquista
restaurados por los estudiantes de Bellas Artes.
artística de Europa por América, ya que ellos juzgaban a Europa arruinada por el nazifascismo, decadente, snob y chic”. (45)
Uno de los más logrados retratos de Gómez Jaramillo fue el que realizó a su amigo, el poeta Mexicano Gilberto
Acusado de haber facilitado el ingreso a Colombia de supuestos líderes de la
Owen, quien a su vez publicó, en 1944, un texto titulado
“izquierda internacional”, el gobierno colombiano lo retiró del cargo diplomático
“Ignacio Gómez Jaramillo, pintor”. Owen se había
que ostentaba. En vano, sus amigos muralistas, representados por su amigo
radicado en Colombia a fines de 1932 y desde entonces
Siqueiros, escriben un telegrama al Presidente de Colombia, Mariano Ospina
se incorporó a la vida intelectual de la capital, donde
Pérez, solicitando la revocatoria de la medida. Decía así el telegrama “Suplícole
forjó grandes amistades con Jorge Zalamea, Otto de
manera más encarecida permita notable pintor colombiano Ignacio Gómez
Greiff, José Umaña, y Fernando Charry Lara. En 1935
Jaramillo continúe magníficos estudios muralistas que ha iniciado en nuestro
contrajo matrimonio con la colombiana Cecilia Salazar
país. Todos los pintores mexicanos únense solidariamente esta justa demanda
A pesar de la intención de convertirse en muralista y de haber participado
Roldán. Con ocasión del centenario de su nacimiento, el
hacémosle de manera respetuosa” (46)
en varias convocatorias, sólo pudo realizar una obra mural: “El Homenaje a
De la serie de paisajes de México pintados en su tiempo de residencia en la
Medellín. Su obra como acuarelista fue prolífica y su vocación de maestro de
capital, se denota la influencia de la pintura del Doctor Atl.
artes plásticas fecunda, en especial desde la dirección del Instituto de Bellas Artes de Medellín.
En el año 1946, Ignacio Gómez regresa a México como Segundo Secretario de la Embajada de Colombia. En
Otro pintor colombiano que tuvo un fugaz paso por México, con la intención
esta segunda ocasión tiene oportunidad de estrechar
de empaparse de la técnica de la pintura al fresco, fue Rafael Sáenz quien,
Uno de los pintores que realizó sus primeros trazos de la mano del Maestro
aún más su amistad con los muralistas. En un artículo
en 1947, de regreso de los Estados Unidos, donde estudió en The Art
Sáenz, fue un joven que con el tiempo se convertiría en el más importante
publicado en 1957 con ocasión de la muerte de Diego
Institute of Chicago, Sáenz “procuró observar el proceso de la pintura mural
pintor colombiano del siglo XX: Fernando Botero. Así lo destaca el investigador
Rivera, Gómez evocaba aquellos días: “En aquella época
en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda. Tal
Santiago Londoño: “El pintor antioqueño Rafael Sáenz cumplió un papel
me tocó asistir a la reconciliación de los “tres grandes”:
vez en ese sitio ni siquiera aprendió la técnica, pero sí pudo contemplar
importante, aunque efímero, en la formación inicial de Fernando Botero en
Orozco, Rivera y Siqueiros, a pesar de que siempre se
los murales. Además, fue relevante para su vida ver una institución que
Medellín, al punto que es el único profesor que éste reconoce haber tenido.
quisieron y admiraron, tenían sus diferencias, muy de
impartía clases de artes plásticas a gente del pueblo, y en donde enseñaban
Sáenz, a quien conoció en familia, lo invitó a asistir a algunas clases que
artistas, que exageraban como gran propaganda los
algunos artistas de renombre, como Diego Rivera y Frida Kahlo... De sus
dictaba en el Instituto de Bellas Artes donde era profesor de pintura y dibujo.
más sensacionalistas de ellos: Siqueiros y Rivera...Tuve
días en México quedan pequeños bocetos, en los que también dejó reflejada
También le dio importantes sugerencias en materia artística y le mostró las
la suerte -gracias a mi íntima amistad con David Alfaro
la atmósfera del lugar”. (47)
primeras reproducciones que conoció de pintores italianos”.(48)
40
El Volcán Popocatepetl. 1947 Mixta sobre fibracel 95 x 148.5 cm. Colección SURA México
la Medicina Antioqueña”, ubicado en el edificio de la Cooperativa Médica de
maestro Vicente Quirarte, estudioso de su obra, publicó un hermoso texto titulado “Invitación a Gilberto Owen”.
“DR. ATL” GERARDO MURILLO
RAFAEL SÁENZ
El Paisaje mexicano .1947 Acuarela
41
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LA EXPERIENCIA MEXICANA DE FERNANDO BOTERO Y EL DESCUBRIMIENTO DE UNA ESTÉTICA
L
uego de iniciarse en el mundo del arte en su natal Medellín, Fernando Botero realiza un primer viaje a Europa, en especial a Italia, para recorrer los grandes museos y familiarizarse con la pintura de los grandes maestros, con énfasis en la pintura italiana del Renacimiento.
A su regreso a Colombia, y como otros artistas, entre abril de 1956 y abril de 1957 vivió en México para asimilar el gran movimiento cultural de ese país. Inicialmente se interesó por la fuerza del movimiento muralista. Sin embargo bien pronto se desengañó del universo estético de los tres grandes, sintió que era un universo agotado y emprendió otras búsquedas, en especial en el color y en el profundo mundo de raíces precolombinas que planteaba Rufino Tamayo. Santiago Londoño expresa ese encuentro de la siguiente manera: “En materia temática, (Botero) encontró alguna orientación en la obra de Rufino Tamayo, en la que veía una expresión moderna, cuyos temas y contenidos aludían a la tradición cultural mexicana. Tamayo había recibido la influencia del cubismo de Picasso y Braque, con los que aprendió “la contención y el rigor “. El empleo del color como lenguaje también le despertó admiración, ya que en su opinión, tenía “una gama que recuerda el puesto de frutas que atendía en su juventud en el mercado de México “. En los elementos recurrentes de Tamayo, como sandías, piñas, uvas, recipientes con frutas y mandolinas -instrumentos musicales presentes en su obra desde 1930- así como sencillos utensilios de mesa y cocina, el pintor colombiano encontró motivos que sin duda resultaron apropiados para volver a centrarse en sus intereses estéticos personales”. (49) En México, el escritor colombiano Álvaro Mutis le presentó a Antonio Souza, propietario de la Galería de los Contemporáneos, ubicada en la Zona Rosa. Souza fue el primer representante de la obra de Botero, quien en adelante pudo vivir de su producción artística. Pero tal vez lo más importante de su estadía mexicana, fue el descubrimiento de un estilo, de un universo estético que lo identificará en adelante. Ocurrió en 1956, al pintar un cuadro que marca el inicio del nuevo estilo: “Bodegón con mandolina”, conocido también como “Naturaleza muerta con mandolina”. Así recuerda el mismo Botero aquel momento: “Esa Mandolina la hice en México. Mi volumen en ese entonces estaba dentro del
FERNANDO BOTERO
Mandolina sobre silla.1957 Óleo sobre tela Colección de Arte Banco de La República Colombia
sistema italiano. Es decir, tenía un volumen lógico, una amplitud en el dibujo 42
43
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RUFINO TAMAYO
Sandías. s.f. Mixografía sobre papel Colección SURA México
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OMAR RAYO Y SU ENCUENTRO CON MÉXICO
U
n tiempo después de que Botero abandonara México, arribó a la capital mexicana Omar Rayo. Se había iniciado como caricaturista e ilustrador y al comenzar la década de los cincuenta recibió el ofrecimiento de una beca para ir a estudiar a España. El escritor
René Rebetez cuenta lo que ocurrió a continuación: “Omar no dudó. Su respuesta fue un agradecimiento, arguyendo las razones para rehusar ante los atónitos oídos del diplomático español. Omar dijo: No gracias. Prefiero conocer a mi madre primero que a mi abuela. Y acto seguido partió, por todo bagaje llevando sus trabajos de pintor a conocer a América Latina”.(51) En un Ford 1948 realizó un viaje por tierra por los países Sur América, con el fin de empaparse de las profundas raíces de las sociedades precolombinas y acercarse a las corrientes artísticas del continente, en especial con el movimiento que había iniciado Joaquín Torres García en Montevideo. A su regreso a Colombia en 1958 obtuvo una beca de la OEA para realizar estudios en México, donde residió entre 1959 y 1960. En palabras del poeta Juan Gustavo Cobo Borda, gracias a la beca, Rayo “pudo trabajar en el taller de la Universidad Iberoamericana, en el taller de la Lagunilla, profundizar en la gráfica, conocer a un indígena que aún no hablaba español, el hoy célebre artista Francisco Toledo, nativo de Juchitán, Oaxaca, y comprobar cómo los colombianos recorren insólitos caminos”.(52) Durante su estadía en México Omar Rayo se nutre de nuevas expresiones artísticas, como las que proponían Tamayo y Toledo, y sobre todo, aprende a dominarla difícil técnica del grabado al intaglio. Antes de radicarse definitivamente en Nueva York, el artista realiza varias exposiciones en galerías de la Ciudad de México y Monterrey. Como un homenaje a sus raíces mexicanas, CONACULTA en colaboración con el gobierno de Colombia, realizó dos grandes exposiciones retrospectivas: la primera en julio de 1944 en la Sala Nacional del Museo Nacional de Bellas Artes y la segunda en 1998 en el
y una exuberancia en el contorno. Pero un día hice una
que ocurrió fue el descubrimiento de una forma de hacer pintura que lo haría
Museo Universitario Contemporáneo de Arte de la Universidad Autónoma de
mandolina de rasgos muy generosos y en el momento
mundialmente conocido.
México.
de hacerle el hueco a la mandolina se lo hice muy pequeño. Pero mucho más pequeño, y la mandolina
México le hizo un gran reconocimiento al realizar en el Palacio de Bellas Artes
adquirió unas proporciones fantásticas. Me puse a verlo
una retrospectiva de su obra.
y a preguntarme “Bueno ¿y aquí que pasó?”. (50) Pues lo 44
OMAR RAYO
Tiranía de la Lógica No. 1. Edición 3/10.1977 Intaglio Colección SURA Colombia 45
EPÍLOGO
A
quí culmina este primer recorrido. Llegamos hasta los años sesenta del siglo XX. Fecundos, contradictorios, apasionantes. Para una próxima ocasión, recorreremos la segunda mitad de siglo, con nuevas propuestas, nuevas estéticas: el fin de la
figuración y del grito social y el surgimiento de las propuestas abstractas, acordes con las corrientes mundiales de las artes plásticas y por supuesto,
14. Cadavid, Jorge. Escribir el silencio. Fondo Editorial Universidad EAFIT. Medellín, 2013. p.79. 15. Arcila, Gustavo. Gustavo Arcila Uribe, Armonía Plástica de un pensamiento. Manuscrito. 16. Cobo Borda, Juan Gustavo. Arciniegas de cuerpo entero. Editorial Planeta. Bogotá. 1987. p. 310
Ángel Arango. Bogotá , 1987. p. 79. 39. Gómez Jaramillo, Ignacio. Anotaciones de un pintor. Ediciones autores antioqueños. Vol. 39. p. 207 40. Medina. Op. Cit. p. 181. 41. Medina. Op Cit. p. 184-185
queda por contar el capítulo de la segunda mitad del siglo XX, en el cual los
17. El Colombiano. Mayo 8 de 1930. Página 8.El Tiempo. Mayo 12 de 1930. p. 1.
42. Medina. Op. Cit. p, 293
protagonistas no serán pintores sino escritores. En efecto, a principios de la
18. Blanco José Joaquín. Vasconcelos. Una evocación crítica. Fondo de Cultura
43. Medina. Op. Cit. p.156.
década de los sesenta, arriban a México, para quedarse definitivamente, Gabriel
Económica. 19. Medina Álvaro. El arte colombiano en los años veinte y
44. Gómez Jaramillo. Op. Cit. p. 88
García Márquez, Álvaro Mutis y tantos otros intelectuales colombianos. Pero
treinta. Instituto Colombiano de Cultura. COLCULTURA. Bogotá. 1994.
45. Ignacio Gómez Jaramillo. Villegas Editores, Seguros
esa será otra historia.
p. 146. 20. Medina, Álvaro. El arte colombiano de los años veinte y treinta. Instituto Colombiano de Cultura, COLCULTURA. Bogotá, 1994. 21. Rozo Krauss, Rómulo. Rómulo Rozo, escultor indoamericano. Ediciones Universidades de Latinoamérica. México 1974.
NOTAS
22. Vallejo, Fernando. Barba Jacob el mensajero. Alfaguara 2008. p. 61. 23. Estrada, Gerardo, Sincretismo y Modernidad. En Rómulo Rozo, Sincretismo. 1. Löschner, Renate. Alexander von Humboldt, inspirador de una nueva ilustración en América”. Catálogo exposición itinerante. Bogotá, Biblioteca Luis Ángel Arango, octubre/noviembre 1988. 2. Diener, Pablo. Rugendas 1802-1858. Consejo empresario de América Latina. CEAL. Ed. Wibner. Alemania. 1997. p. 31. 3. Giraldo Jaramillo, Gabriel. Notas y documentos sobre el arte en Colombia. Academia Colombiana de Historia. Biblioteca Eduardo Santos. Volumen IX. Editorial A.B.C. Bogotá. 1954. 4. Ibid. p. 276. 5. Ibid. p. 247. 6. Acosta Luna, Olga Isabel. Felipe Santiago Gutiérrez y los comienzos de la Academia en Colombia. En Diego, Frida y otros revolucionarios. Catálogo de la exposición realizada en el Museo Nacional entre agosto y noviembre de 2009. p. 95. 7. Giraldo Jaramillo. Op.Cit. p. 283. 8. http://www.educar.org/artículos/felipegutierrez.asp 9. Ortega Ricaurte, Carmen. Diccionario de artistas en Colombia. Ed. Plaza & Janés. Bogotá. 1979. 10. Giraldo Jaramillo, Gabriel. La pintura en Colombia. Fondo de Cultura Económica. Colección Tierra firme. Vol 36. México D.F. 1948 11. Ortega. Op. Cit. 12. Restrepo Duque, Hernán. Lo que cuentan las canciones. Impreso por Ediciones Tercer Mundo. Bogotá. Sin fecha. 13. Ibid.
46
38. Jiménez, Darío. Exposición Antológica. Biblioteca Luis
Catálogo Exposición. Conaculta -INBA-. México 1999. p.12. 24. Rozo Krauss. Op. Cit. p.18.
Bolívar. Santafé de Bogotá. 2003. Página 220 46. Aguirre Restrepo, Luz Análida. Rafael Sáenz: profesor de pintura. Editorial Universidad de Antioquia. Medellín, 2013. p. 85. 47. Londoño Vélez, Santiago. Botero, la invención de una estética. Villegas Editores. Bogotá 2003. p. 122. 48. Ibid. p. 233-234. 49. Ibid. p. 241. 50. Rebetez, René. Rayo, El Alquimista. En catálogo
25. Medina. Op. Cit. p.136.
exposición “Omar Rayo, exposición antológica, veinte
26. http://LaCahrine.wordpress.com/2010/04/16.
años, cien obras. Instituto Colombiano de Cultura.
27. Lleras Figueroa, Cristina. El Programa del Muralismo en Colombia.
COLCULTURA. Bogotá 1994.
Catálogo Diego, Frida etc. p.129. 28. Rubiano Caballero, Germán. La escultura colombiana del siglo XX. Fondo Cultural Cafetero. Bogotá. 1983. p. 47. 29. Vallejo, Fernando. Barba Jacob el mensajero. Editorial Alfaguara. Santafé
51. Cobo Borda, Juan Gustavo. En catálogo de la exposición “Omar Rayo, Exposición antológica, veinte años, cien obras. Instituto Colombiano de Cultura. COLCULTURA. Bogotá, 1994.
de Bogotá. 2008. p. 425 30. Matiz, Leo. Homenaje Nacional. Ministerio de Cultura de Colombia 1998. Página 28 31. Ibid. p. 40. 32. Arenas Betancourt, Rodrigo. Crónicas de la errancia, del amor y de la muerte. Instituto Colombiano de Cultura. Colcultura. Colección Popular No 10. Bogotá. s.f 33. Ibid. 34. Suramericana. 60 años de Compromiso con la cultura. Villegas Editores. Bogotá. 2004. p.37 35. González, Beatriz. Reacondicionamiento crítico de Débora Arango. En Débora Arango, exposición retrospectiva. Biblioteca Luis Ángel Arango, abril-septiembre de 1996. Santafé de Bogotá. 36. González, ibid. p. 87. 37. Londoño, Santiago. Débora Arango. Ed. Ministerio de Cultura de Colombia. 2000. 47
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CATÁLOGO DE OBRAS
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Conocer el territorio El primer tema del que se ocupa “Encuentros” es el del lugar geográfico. Johan Moritz Rugendas es uno de los viajeros que descubre pictóricamente a América para el arte desde la concepción científica de Humboldt, desde ahí se hace evidente la diferencia existente en la representación del lugar y la evolución que ésta sufre hasta finales del siglo XX. Rugendas establece esos primeros “arquetipos” del territorio mexicano - la aridez y los volcanes-.
Mientras los mexicanos pintan grandes espacios y amplias llanuras, los paisajistas colombianos se ocupan de lugares geográficos más cerrados, exuberantes, diversos y andinos. El paisaje mexicano presente en esta colección es descriptivo y severo mientras que el colombiano es romántico e intimista. Sin embargo hay un punto convergente en la solución estructural y formal del espacio representado en los paisajes de Jorge González Camarena e Ignacio Gómez Jaramillo.
ANÓNIMO El ingenio de puga en Nayarit, ca. 1885 Óleo sobre lienzo 78.5 x 121.2 cm. Colección SURA México
Anónimo
Johann Moritz Rugendas (1802 - 1858)
En “El Ingenio de Puga en Nayarit”, el pintor, representa un
Rugendas, considerado como el pintor alemán más importante que visita México, recibe de
valle del norte del país, un paisaje desértico recreando en la
su padre las primeras lecciones de dibujo. En 1825 conoce a Humboldt, viajero y científico
parte central del cuadro un ingenio azucarero.
alemán, que lo cataloga como el “creador y padre del arte de la presentación pictórica de la fisonomía de la naturaleza”.
Los ingenios azucareros, durante el Porfiriato, estuvieron caracterizados por el acelerado crecimiento de la producción.
Rugendas realiza largos viajes por América, comisionado por el gobierno alemán, para tomar apuntes: Brasil entre 1827 y 1835; México entre 1831 y 1834; Chile entre 1834 y 1840 y Perú
El agua se ve represada en extensos jagüeyes lo que origina
entre 1841 y 1844. Durante su estancia en México visita y recorre los estados de Veracruz,
una amplia zona arbolada; alrededor de los lagos artificiales
Hidalgo, Ciudad de México, Morelia, Jalisco y Guerrero. Es en México, cuando pinta por
se ve un caserío, posiblemente el de los trabajadores, cubierto
primera vez óleos sobre cartón, al aire libre. Fino observador de nuestra naturaleza evidencia
con tejados rojos. A lo lejos, y del lado izquierdo del cuadro,
una fascinante narración de sus paisajes, sus habitantes, sus festividades y costumbres.
JOHANN MORITZ RUGENDAS Valle de México. s.f. Óleo sobre cartón y fibracel 41 x 71 cm. Colección SURA México
JOHANN MORITZ RUGENDAS Paisaje con el Pico de Orizaba. s.f. Óleo sobre cartón y sobre fibracel 33 x 69 cm. Colección SURA México
podemos observar la fábrica con chimenea de tabique y las “Valle de México” tiene un profundo sentido analítico en los elementos naturales y la
amplias naves del proceso.
captación cósmica del paisaje valiéndose de una gran gama de tonalidades que ofrece a la Son pocos los recursos de que echa mano el autor, ya que la
mirada del espectador un efectivo contraste con los tonos rojizos.
obra está falta de tonalidades y el paisaje lo describe de una manera ingenua, sin mucho detalle, pero aún así adquiere un
“Paisaje con el Pico de Orizaba” obra romántica, con un manejo drástico de luces y sombras
interés y un equilibrio compositivo.
y poderosas dotes plásticas, en donde se puede observar un sereno equilibrio que el pintor supo incorporar a la mayor parte de sus paisajes.
Consuelo Fernández Ruiz
La obra tiene muy acentuada la tendencia horizontal, muy común en las composiciones que Rugendas realizó sobre México.
Consuelo Fernández Ruiz 52
53
José María Velasco (1840 - 1912) Oriundo de Temascalcingo, Estado de México, se inscribe como alumno numerario de pintura en la Academia de San Carlos en 1858 y tiene de maestros a Santiago Rebull, Pelegrín Clavé y al italiano Eugenio Landesio siendo de este último su discípulo más brillante considerado, por Diego Rivera como “el pintor mexicano por excelencia”. Velasco crea un estilo artístico donde combina los fundamentos teórico-práctico del paisaje clásico y romántico legado por Landesio y la descripción de la naturaleza con sentido estético tomado de los artistas viajeros
En 1860 gana la beca de Paisaje con el cuadro “Patio del ex convento de San Agustín”; en 1865 inicia estudios en Ciencias Naturales en la Academia de Medicina; en 1868 contrae matrimonio con María de la Luz Sánchez y al ser retirado Landesio, lo nombran profesor de perspectiva y paisaje en la Academia de San Carlos, además es designado Socio de Número de la Sociedad Mexicana de Historia Natural; en 1876 participa en la Exposición Internacional de Filadelfia y un año después empieza a colaborar en el Museo Nacional con una serie de dibujos prehispánicos; en 1880 recibe de manos de Porfirio Díaz el nombre de dibujante del Museo Nacional; en 1884 el Presidente Manuel González lo nombra representante de México en la Exposición de Nueva Orleans donde participa como pintor y, en 1889 preside la delegación mexicana a la Exposición Universal de París donde recibe la condecoración de Caballero de la Legión de Honor; en 1908 termina su libro “El arte de la pintura” enfocado a la enseñanza de la pintura de paisaje.
“Paisaje de Tlalnepantla” es prácticamente un boceto en donde, Velasco, maneja la perspectiva a base de líneas y tonalidades ocres.
“Paisaje con vacas” delata la habilidad de Velasco para el dibujo, y la expresividad que supo inculcar a sus obras. Se observa, en la pieza, quietud y reposo, el agua encharcada ni siquiera se mueve aún con la presencia de los animales.
En el primer plano, sobre todo en la parte del agua, se ve una
JOSÉ MARÍA VELASCO Paisaje de Tlalnepantla. s.f Óleo sobre tela 21.5 x 33.3 cm. Colección SURA México
pincelada pequeña, a base de una sucesión de líneas verticales, logrando así los reflejos sobre su superficie de pastos, juncos y malezas pantanosas, la obra se encuentra teñida en color.
Consuelo Fernández Ruiz 54
55
JOSÉ MARÍA VELASCO Paisaje con vacas. s.f Acuarela sobre cartón, 14.5 x 27 cm. Colección SURA México
FÉLIX PARRA Paisaje con volcán.1903 Óleo sobre fibracel 17.5 x 26 cm. Colección SURA México
LUIS DE LLANOS Hacienda Santa Ana. s.f. Óleo sobre madera 18 x 39 cm. Colección SURA Colombia
Luis de Llanos (1843 - 1895)
Felix Parra (1845 - 1919)
Nació en España a mediados del siglo XIX. En 1893 se radicó en Colombia como
“Paisaje con volcán” es una pintura donde Parra abandona
Secretario de la Legación Española. Al año siguiente fue nombrado profesor de paisaje
la forma de expresión objetiva, y da inicio a un proceso de
en la Escuela de Bellas Artes de Bogotá.
simplificación en los elementos con una representación más libre y una concepción subjetiva.
A pesar del corto tiempo que estuvo en el país, a Luis de Llanos se le reconoce una grata influencia en la llamada Escuela Paisajista en Colombia. Falleció en Bogotá en
Del grupo académico, Félix Parra fue el rebelde, sin embargo
1895.
tenía algo de romántico. Nacido en la señorial Morelia, Michoacán, estudia en el Colegio de San Nicolás y en la Academia
En la obra “Hacienda Santa Ana” se advierte un equilibrio y una sensibilidad admirables
de San Carlos. Discípulo de Octaviano Herrera, Pelegrín Clavé,
así como un espléndido sentido de la composición estructurada en torno al firme trazo
Santiago Rebull y José Salomé Pina.
horizontal de la cordillera. Entre 1878 y 1892 es becado para estudiar en Europa y regresa
Jesús Gaviria. Catálogo El Arte en Suramericana 1994.
a México en 1915 para dedicarse a la docencia en San Carlos. Además de realizar pintura de caballete, también lleva a cabo la pintura mural.
56
57
Ejemplo de ello es el que se encuentra en la Sala de Cabildos del Ayuntamiento de México, realizado en 1890.
Parra se inclina más por los temas históricos y en especial hacia nuestro pasado, inspirando éstos un enriquecimiento formal y de contenido al arte académico. Las obras más importantes de Parra son: “El Cazador”, “Fray Bartolomé de las Casas”, “Una escena de la conquista” y “Galileo en la Escuela de Padua” entre otras.
El tema parece ser, para Parra, un simple pretexto para experimentar las diferentes posibilidades plásticas. Su pincelada es suelta y le confiere a la obra las cualidades de textura y contraste gradual en el manejo de la luz.
Consuelo Fernández Ruiz
A. Morales (1802 - 1858) “Paisaje Mexicano” resulta ser de bastante interés porque queda circunscrito al romanticismo tardío, donde el pintor rinde culto a la luz, y se advierte la imponente masa de las pirámides del sol y de la luna plasmando una precisa identificación del Valle de Teotihuacán, en el período en que lo pinta, logrando en su totalidad una composición bien equilibrada.
Dicha obra se le ha atribuido al pintor Eduardo Morales Van Der Eiden (1802- 1858), hijo del célebre pintor poblano Francisco Morales Van Der Eiden, y por otro lado al pintor A. Morales de quien no se ha encontrado datos biográficos. Las referencias de Eduardo Morales no coinciden con la fecha de realización de la obra ya que la misma está fechada años después de su muerte.
Consuelo Fernández Ruiz
A.MORALES Paisaje Mexicano. 1934 Óleo sobre madera, 45 x 60 cm. Colección SURA México 58
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RICARDO BORRERO ÁLVAREZ Árbol. 1910 Óleo sobre madera 35 x 27 cm. Colección SURA Colombia
LUIS NISHIZAWA Paisaje, barranca y peñas. 1950 Óleo sobre madera 69.5 x 99.5 cm. Colección SURA México
Luis Nishizawa
(1920 - 2014)
Nació en Cuautitlán, Estado de México. Durante su juventud
1988 el INBA le rinde homenaje, y le es concedido el Premio UNAM.
realiza estudios de música, pero su ilusión era dejar todo y entrar a la Academia, anhelo que logra a los veinticuatro años
La pasión de Nishizawa es sin duda el paisaje y aún cuando la mayoría los realiza en los
al entrar a la Escuela Nacional de Artes Plásticas. Chávez
años setenta, ochenta y noventa, en los cincuenta existen espléndidos trabajos realizados
Morado, Alfredo Zalce, Francisco Goitia y Orozco fueron
al óleo. El pintor Nipón Ando Hiroshige le enseñó a utilizar técnicas japonesas y así
maestros que influyeron en su desarrollo como artista.
Nishizawa supo perfectamente combinar sus dos raíces logrando efectos especiales de luz en sus obras.
Nishizawa ha sido maestro en la Academia en el curso de técnicas de los procesos: “quiero que los alumnos conozcan
Los paisajes de Nishizawa tienen un colorido muy personal y una gran técnica, ejemplo de
todas las técnicas para que puedan escoger la que les sea más
ello es la obra “Paisaje, barranca y peñas” con diversos planos ligeramente encorvados
afín para expresarse”.
mediante el trazo curvilíneo. Su paleta es escasa, pero le da variaciones. El artista ha
Sus obras han formado parte de diversas exposiciones
retratado con sobriedad y maestría el conjunto de barrancas y peñas en las que parece
Ricardo Borrero Álvarez (1874 - 1931)
fundirse en un todo el sol, las nubes y el cielo transparente.
Nació en Aipe, Huila, Colombia. Estudió en la escuela de Bellas Artes de Bogotá, con
En 1899, de regreso a Colombia, es nombrado profesor de
los maestros Luis de Llanos y Enrique Gil. Hacia 1895 viajó a España, donde completó
paisajismo en la Escuela de Bellas Artes de Bogotá, de la que
su formación artística en Sevilla.
será director entre 1918 y 1923. Muere en Bogotá.
colectivas e individuales que se han presentado en Bélgica, Francia, Gran Bretaña, Suecia, Japón, Brasil y Estados Unidos.
Falleció en la Ciudad de México el 29 de septiembre de 2014.
En 1960 recibe el Premio Especial de la II Bienal Interamericana, un año después el Primer Premio del Salón del Paisaje, y en 60
Consuelo Fernández Ruiz
Vivió en Francia por algún tiempo, y allí estudió en la Academia Colarossi en París.
Alberto Sierra. Arte en compañía 1999. 61
FRANCISCO ANTONIO CANO Paisaje. 1892 Óleo sobre lienzo 30x66 cm. Colección SURA Colombia
FRANCISCO ANTONIO CANO Laguna de Pedropalo. 1896 Óleo sobre lienzo 41 x 57 cm. Colección SURA Colombia
Francisco Antonio Cano (1865 - 1935)
Nace en Yarumal, Antioquia. De su padre -quién era platero,
pios académicos aprendidos en Europa con la observación directa de la naturaleza que
titiritero, escultor y cómico- recibió su primer contacto con el
lo rodeaba. Murió en Bogotá.
FRANCISCO ANTONIO CANO Camino de Usaquén. 1915 Óleo sobre madera 21 x 24 cm. Colección SURA Colombia
arte. En 1885 viviendo ya en Medellín, trabaja en el taller de los Rodríguez, realiza pinturas y esculturas que muestra en
Estas pinturas pertenecen al período en que Francisco A. Cano trabajaba en su taller
variadas exposiciones. En 1897 viaja a Bogotá y participa en la
de Medellín, antes de viajar a Bogotá y posteriormente a Europa. Aunque todavía no son
cepción del arte como un quehacer que encuentra su valor y significación por sí mis-
extranjero, cuando no sería necesario sino una dirección acerta-
exposición del 20 de julio organizada por la escuela de Bellas
visibles las características que harán de este gran artista uno de los mejores paisajistas
mo. En segundo lugar, su pasión por el “oficio” y el dominio absoluto de los procedi-
da y el abandono de la desconfianza y la pereza, para conseguir
Artes de esta ciudad. En ésta obtiene una distinción especial
colombianos, sí aparecen allí algunos elementos constitutivos de su posterior visión del
mientos plásticos, y por último, el apelar a la naturaleza como maestra y fundamento
en poco tiempo el principio de una educación artística, bastante
con una beca del gobierno por tres años. En París estudia en
arte y la naturaleza, su gusto por lo panorámico, la cuidada composición, la sobriedad
de su universo estético. Esto hace que su pintura conserve intactos la frescura y la
a obligar a cada estudiante a buscar un camino de originalidad
las academias Julián y Colarossi. A su regreso, en 1901, edita
en la elección y distribución de los colores, principios éstos que enuncian su marcada
emoción en medio de las estrictas normas académicas que en tantos casos envaran y
en sus producciones, con sólo aficionarse al estudio del natural,
en Medellín la revista “Lectura y Arte” en compañía de Enrique
inclinación por la pintura académica. Es curioso observar que el sitio elegido por Cano
acartonan la obra.
una vez que tuviera los conocimientos indispensables para ir por
Vidal y Marco Tobón Mejía y Antonio J. Cano.
como tema de su pintura “Paisaje”. 1892”, es el mismo en el cual hoy se levanta la sede de la compañía Suramericana de Seguros en Medellín.
En 1910 regresa a Bogotá donde ejerce la docencia en la escuela de Bellas Artes. El estilo de su obra armoniza los princi62
su propia cuenta a sacar inspiración de esa fuente inagotable”. Acerca de las relaciones que deben guardar en la creación artística, las normas académicas y la observación directa, el mismo Cano dice: “Es un poco mortificante ver que
Tres principios informan sobre la obra de Francisco A. Cano. En primer término su con-
Jesús Gaviria. Catálogo El Arte en Suramericana 1994.
la perfección que se encuentra en algunas obras esté lograda sobre dibujos de origen 63
CARLOS CORREA Río Meléndez. 1984 Óleo sobre lienzo 87x104 cm. Colección SURA Colombia
JESÚS MARÍA ZAMORA Campesino arando. 1912 Óleo sobre lienzo 42 x 54 cm. Colección SURA Colombia
Carlos Correa (1912 - 1985)
Jesús María Zamora (1875- 1949)
Nació en Medellín. Muy joven ingresa a estudiar canto y solfeo en el Instituto de Bellas
El paisaje ocupa en la pintura de Carlos Correa un lugar
Artes de Medellín, disciplinas que abandonaría para interesarse en el dibujo. Luego
destacado. Allí no nos encontramos frente a una observación
Nació en Boyacá, Colombia. Es uno de los pintores paisajistas
paisaje. Tanto la pincelada rápida como la supresión del horizonte posiblemente lo haya
en 1929 abandonará sus estudios para dedicarse a trabajar en un taller de fotografía,
objetiva de la naturaleza. Por el contario el artista establece un
más destacados de la primera mitad del siglo XX. En sus pinturas
aprendido de los impresionistas en su viaje por Europa.
pero regresaría al Instituto bajo la dirección de Pedro Nel Gómez, quien lo marcaría
diálogo sujeto-objeto a partir del cual las formas y los colores
profundamente. Sus primeras exposiciones individuales las realiza en Medellín y
que le ofrece una porción cualquiera de lo real, se convierten
Bogotá entre 1937 y 1940 y fueron grandes “fracasos”.
en elementos expresivos de una realidad, de un drama interior.
Zamora intenta retener sobre todo la luz y la atmósfera de los atardeceres de la Sabana de Bogotá; pero lejos de tratarse del
Más tarde, Jesús María Zamora adopta una concepción más tradicional, más académica,
sólo fenómeno luminoso, sus paisajes comunican una cierta
pasando del detalle al panorama. En este cuadro la luz ya no emana de las cosas sino
melancolía producto de concebir el paisaje como sensación y
que cae sobre ellas. Zamora también experimentó el género de la pintura histórica.
no como simple observación.
Jesús Gaviria. Catálogo El Arte en Suramericana 1994.
Buen ejemplo de ello es esta pintura; las formas y los colores En 1944 hace parte del grupo “Los Independientes”, caracterizados por su irreverencia
abigarrados, la densidad de la materia pictórica, la soledad
y apertura conceptual. Asimismo, participó en La Bienal de Madrid de 1951; en el
misma del paisaje, contribuyen en forma eficaz a plasmar el
Segundo Salón Nacional de Tejicóndor, Medellín 1952, donde obtuvo el primer premio
misterio propio de su relación con la naturaleza.
Sus primeras pinturas intentaron atrapar la luz sobre la hierba
de pintura; en El siglo XX y La Pintura en Colombia, en 1963; y La Plástica colombiana
y las ramas de los árboles. Por esto mismo sus vistas son
del siglo XX, en La Habana Cuba, en 1977. Estudió las culturas precolombinas del sur
muy cercanas interesándose apenas por un fragmento del
del país con el fin de incorporarlas a su obra. Fue docente en Bogotá, Medellín y Cali.
64
Jesús Gaviria. Catálogo El Arte en Suramericana 1994.
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IGNACIO GÓMEZ JARAMILLO Paisaje. 1964 Óleo sobre lienzo 80 x 59 cm. Colección SURA Colombia
FEDERICO CANTÚ Palenque. 1966-67 Óleo sobre lienzo 102.5 x 133 cm. Colección SURA México
Federico Cantú (1908 - 1989
Ignacio Gómez Jaramillo (1910- 1970) )
Cantú cursa sus primeros estudios en su ciudad natal
apasionado y lleno de contrastes, un mundo práctico, pagano y religioso a la vez.
Monterrey, Nuevo León y en San Antonio Texas. A los 14 años
Gómez Jaramillo es el primer artista colombiano que despoja el paisaje de la simple
En 1933 viajó a París a continuar sus estudios en la Academia
representación y lo convierte en un problema racional, en su obra él se convierte en
La Grande Chaumiere. En 1936 viajó a México a estudiar pintura
estructura lineal y cromática, el dibujo y el plano pictórico establecen un diálogo desde
mural, técnica que le permite realizar los frescos del capitolio
la geometría y uno y otro establecen una simbiosis indisoluble.
nacional de Bogotá. En 1940 mereció el primer premio del
de edad se traslada a la ciudad de México e ingresa a la Escuela
Una de sus obras más importantes dentro del género del paisaje es “Palenque” por la
de Pintura al Aire Libre de Coyoacán, que dirigía Alfredo
gran diversidad de técnicas y plásticas que en él se observan. Cantú logra una descripción
Ramos Martínez. Un año después se dirige a Europa (Francia
de la ruina maya: el templo se yergue a través de sus sucesivos taludes, penetrando
Nació en Medellín. Inició su formación artística en el colegio de Antonio José Duque.
estímulo del V Salón de Artistas Colombianos. En 1961 volvió a
y España), posteriormente a los Estados Unidos y se radica
por las repetidas líneas horizontales que forman la escalinata. La arquitectura resulta
Luego ingresó a la Escuela de Minas y estudió ingeniería.
recibir el primer premio del XII Salón de Artistas Colombianos,
alternativamente en París, Nueva York y México.
imponente, así como la selva que la envuelve y la dilata. Utiliza al máximo la tela, sin otorgarle a ésta aire o “zonas muertas”.
Cantú es un artista que practicó el grabado, el mural, la pintura de caballete y la escultura. Justino Fernández, gran historiador mexicano, decía que en su pintura se ve un temperamento 66
Consuelo Fernández Ruiz
primer Salón de Artistas Colombianos y en 1944 recibió el premio
pero esta vez en dibujo. Su obra fue admirada en numerosas En 1929 viajó a Madrid donde trabajó en el taller de Baltazar Lobo. En 1931 luego de
exposiciones, bienales nacionales e internacionales. Murió en
ganar el primer premio de la exposición organizada por la Federación Universitaria
Coveñas, Sucre, Colombia.
Hispano Americana, realizó su primera exposición individual en los salones de El Heraldo de Madrid.
Jesús Gaviria. Catálogo El Arte en Suramericana 1994. 67
JORGE GONZÁLEZ CAMARENA Paisaje con flores. s.f. Óleo sobre madera 54.5 x 59 cm. Colección SURA México
“DR. ATL” GERARDO MURILLO Paricutín y Zapichu en erupción. ca. Óleo sobre fibracel 61 x 91 cm. Colección SURA México
“Dr. Atl” Gerardo Murillo (1875 - 1964)
Jorge González Camarena (1908 - 1980)
Pintor, vulcanólogo, escritor y hombre de violentas reacciones. De espíritu inquieto, su
papel o sobre tela, que sobre una roca del Popocatepetl. A estos
De Guadalajara, Jalisco. Alumno de Francisco Díaz de León
insignia “José Clemente Orozco” en 1956 del gobierno de Jalisco y el Premio Nacional de
vida tiene intereses muy diversos: científicos, políticos y arbitristas. Se encuentra entre
colores los denominó “Atls-colors” y su principio era el de la
y Mateo Herrera en la Academia de San Carlos, González
Arte en 1970. En un principio echa mano de temas populares y cotidianos pero después
los primeros que prestaron atención al arte popular y dedicaron esfuerzos a conocerlo,
encáustica griega. .
Camarena, participa en el movimiento estudiantil, que impuso a
se inclina por el tema histórico y un nacionalismo mexicano.
difundirlo y coleccionarlo.
Diego Rivera como director del plantel. De 1930 a 1932, trabajó
“Paricutín y Zapichu en erupción” Del volcán Paricutín, Atl, asiste
como dibujante publicitario y dos años después restaura los
“Paisaje con flores”, se encuentra completamente basado en la geometría. Se distingue
Su profesión como pintor se inicia en Guadalajara, su ciudad natal, y continúa en la
a su “nacimiento” y realiza una serie de estudios y retratos con
frescos del convento de Huejotzingo y contrae matrimonio con
una clara influencia del Art Deco, en la tendencia hacia la verticalidad y a la simetría,
Academia de San Carlos. A la edad de 21 años viaja a Europa donde realiza estudios
valor artístico y documental. En esta obra todavía se observa un
Jeannie Barré Saint-Leu.
también por lo característicamente orgánico del paisaje.
filosóficos y científicos de vulcanología en Roma.
natural estatismo de las formas clásicas.
González Camarena es uno de los muralistas de la segunda
El tema es poco común ya que no es fácil encontrar un paisaje de Jorge González
Existen diversas versiones en cuanto a su seudónimo “Dr. Atl” voz azteca cuyo significado
“El volcán Popocatepetl” es una obra sintética y abreviada.
generación que más encargos oficiales obtiene, influenciado
Camarena, por lo cual esta pieza es sumamente original. Además de ser un paisaje
es “agua”, la primera es que fue el poeta argentino Leopoldo Lugones quien lo bautiza
El blanco de la nieve junto con el de la nube adquiere un peso
por los grandes maestros del muralismo, mantiene una manera
absolutamente geométrico, se puede decir que es, también, sumamente sintético, hay
y la segunda es que el mismo Gerardo Murillo se lo impone, debido a que estaba en
visual muy fuerte. La obra está lograda a base de sucesión de
muy personal, reconocido por el color y el geometrismo.
una síntesis de elementos decorativos.
contra de todo lo español. Junto con Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro
líneas en forma de ladera, vertientes y desfiladeros inclinados en
Siqueiros, figura entre los iniciadores del movimiento renovador de la pintura mexicana.
sucesivas variables
Miembro honorario de la Comisión de Protección a la Pintura Mural, Jorge recibe condecoraciones de diversos países, la 68
Consuelo Fernández Ruiz
Atl inventa sus colores secos a la resina, que se trabajan como el pastel pero más resistente que éste. Su idea era tener colores que lo mismo sirvieran para pintar sobre
Consuelo Fernández Ruiz 69
“DR. ATL” GERARDO MURILLO El volcán Popocatepetl. 1947 Mixta sobre fibracel 95 x 148.5 cm. Colección SURA México 70
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Noé León (1907 - 1978) Nació en Ocaña Santader. En 1925 al ingresar a trabajar como policía en la ciudad de Santa Marta, comenzó a pintar en sus ratos de ocio.
En 1962 expuso sus cuadros en La Cueva, cuyo dueño Eduardo Vilá se convirtió en uno de sus más entusiastas protectores. Expuso en diversos centros culturales y galerías en el país y fuera de él. Murió en Barranquilla.
Alberto Sierra. Arte en compañía 1999.
NOÉ LEÓN El Camilo Torres. 1966 Óleo sobre madera 40 x 61 cm Colección SURA Colombia 72
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E N C U E N T R O
M É X I C O
C O L O M B I A
Los Tipos Humanos. Los Habitantes La colección registra la evolución de una mirada que parte de la representación academicista del retrato que se hace evidente en la obra de los mexicanos Alberto Fuster y Saturnino Herrán a una mirada más íntima, personal y culta en los potentes claroscuros femeninos de Andrés de Santamaría, gentil hombre colombiano que se educa en Europa y que introduce la idea de lo contemporáneo en Colombia. Más adelante serán los artistas mexicanos los que representan al habitante “verdadero” de la nación; el retrato mexicano se interesa por lo social, construye una visión antropológica del pueblo que refleja a través de su representación los fenómenos políticos de la época, existe en ellos un interés por construir un arquetipo identitario de lo latinoamericano. Estas preocupaciones se hacen evidentes en la obra de Diego Rivera, Frida Kahlo establece en una obra temprana sus primeras evidencias afectivas, mientras los artistas Pedro Nelson Gómez, José Clemente Orozco o David Alfaro Siqueiros ilustran los procesos de lucha social y violencia política que aparecen en América Latina en la primera mitad del siglo XX. Por su parte las artistas María Izquierdo y Débora Arango coinciden en la representación de personajes urbanos del común. La pintura contemporánea de Beatriz González establece un diálogo que actúa como resumen entre el habitante primigenio, el significado de lo latino y un fuerte contenido histórico y político.
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SATURNINO HERRÁN Cabeza de viejo. s.f. Óleo sobre lienzo 37.5 x 25.5 cm. Colección SURA México
SATURNINO HERRÁN Autorretrato. s.f. Óleo sobre lienzo 110 x 100 cm. Colección SURA México
Herrán no viaja a Europa, no tiene altas y bajas en su vida, más bien se centra en su
donde como buen mexicano refleja las dos culturas.
vocación luchando contra las adversidades, especialmente económicas. “Cabeza de viejo” es una obra donde realiza con gran intensidad
Saturnino Herrán (1887- 1918)
Él transforma todo en un lenguaje personal y mexicano, supo renovar la pintura
narrativa el manejo de luces y sombras, el perfeccionamiento de
En En 1904, ingresa a la Academia de Bellas Artes y se convierte
sus compañeros de estudio, a la primera exposición escolar.
alejándose de los academismos y de los temas románticos. Sincero como pocos,
la línea que marca la flacidez de la piel, la expresión melancólica
en el discípulo predilecto del maestro Antonio Fabrés, último
Al salir Fabrés de México Saturnino Herrán toma clases con Germán Gedovius y Leandro
libre de prejuicios raciales y aún sociales, para él la interpretación estética de la vida
de la mirada y la austeridad del fondo. Todos estos elementos se
maestro europeo que contrata el gobierno para venir a la
Izaguirre. La obra “El trabajo” es una de sus primeras pinturas firmadas. Diversos
mexicana va encaminada hacia la comprensión amplia y profunda de nuestro ser. Lo
unen para transmitir una profunda soledad al espectador.
Academia. Un año después participa junto con Diego Rivera,
premios y menciones honoríficas, en sus clases de dibujo, colorido y composición, hablan
que le interesa es lo vivo, el mestizaje cultural humano, que somos como resultado de
Ángel Zarraga, Roberto Montenegro y el Dr. Atl, quienes eran
de la estricta disciplina dentro de la cual se formó.
un pasado indígena remoto. Ejemplo de ello podemos observarlo en su “Autorretrato”
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Consuelo Fernández Ruiz 77
ALBERTO FUSTER San Juan Bautista. s.f. Óleo sobre lienzo 37 x 37 cm. Colección SURA México
ANDRÉS DE SANTA MARÍA La hija del artista. ca. 1935 Óleo sobre lienzo 40 x 32 cm. Colección SURA Colombia
Alberto Fuster (1872- 1922) La sólida formación de Fuster se ve plasmada en las copias
ANDRÉS DE SANTA MARÍA Dama con camafeo. s.f. Óleo sobre lienzo 51x 41cm. Colección SURA Colombia
En México ejerció la enseñanza particular siendo maestro de Joaquín Clausell.
que realizó de Tiziano. En París, no parece haber sido el impresionismo lo que le llamara la atención, sino la modernidad
Fuster fue uno de los artistas, junto con Julio Ruelas, Roberto Montenegro y Alfredo
del simbolismo finisecular, muy tocado de clasicismo.
Ramos Martínez entre otros, que colaboró en la Revista Moderna (1898-1911). Lo que los
Andrés De Santa María (1860 - 1945)
caracterizaba, al pertenecer a esta revista, era el predominio del subjetivismo y la libre
Andrés de Santa María es el artista que inicia el arte moderno en Colombia. Se forma
expresión sobre la realización de las reglas académicas.
en Europa, reside en el país sólo durante breves periodos en los que se dedica a la
Alberto Fuster vivió alternativamente en varios lugares, pero
cátedra de la pintura.
regresaba de tanto en tanto a su ciudad natal, Tlacotalpan, Veracruz. Ahí están los muchos retratos de la sociedad
“San Juan Bautista” retrato que revela las sobresalientes dotes de Fuster como artista
tlacotalpeña y, sobre todo, una pintura aparentemente ajena
dentro del género simbolista. Hay dos elementos que introduce apenas insinuados: la
Su mirada coincide e influye sobre la nueva visión que se plantea desde la Escuela de
al resto de su obra, que son cuadros costumbristas en donde
zalea que cubre parcialmente el cuerpo del infante y el báculo en forma de cruz, los
la Sabana de Bogotá sobre el paisaje colombiano.
incluía a su propia familia.
cuales nos permiten traducir la intención del artista en convertir este retrato en la figura Santa María representaba el contacto del medio artístico nacional con Europa. Su obra
de San Juan Bautista.
se ha equiparado con la de Reverón y Figari.
Admirado por José Clamente Orozco en sus memorias comentaba que Fuster era de grandes ideas y un gran conocedor de la técnica. 78
Consuelo Fernández Ruiz Julián Posada, Alberto Sierra 79
Manuel Rodríguez Lozano (1895 - 1971) Nacido en la Ciudad de México Rodríguez Lozano fue una figura independiente, extraña y solitaria de la historia plástica mexicana. Rodríguez Lozano en sus años de juventud estaba íntimamente ligado con numerosos artistas comprometidos con el nacionalismo artístico. En su momento logra formar a pintores de la talla de Julio Castellanos, Nefero o Abraham Ángel.
En 1913 se casa con Carmen Mondragón, la futura Nahuin Hollín. La pareja se exilió en París donde Rodríguez Lozano entró en contacto con la intensa vida artística de la época, con la vanguardia y con figuras como Picasso, Matisse y Braque. Esa experiencia le ofreció no sólo conocimientos plásticos sino que le otorgó un rasgo cosmopolita a su personalidad.
Formó parte del grupo apoyado por Antonieta Rivas Mercado (literata,
periodista,
pensadora,
dramaturga,
feminista
mexicana y bailarina. Precursora del feminismo mexicano. Perteneció al círculo de artistas e intelectuales que renovaron la cultura mexicana al concluir la Revolución mexicana).
En los años treinta comenzó a desarrollar un neoclasicismo en pintura muy influido por Picasso. En 1940 fue nombrado director de Artes Plásticas de la Universidad Nacional. Durante su gestión no sólo promovió artistas, también fundó la revista “Artes Plásticas” y publicó artículos en periódicos y revistas.
DIEGO RIVERA Niños almorzando.1935 Óleo sobre fibracel 60 x 80 cm. Colección SURA México
La obra de Rodríguez Lozano despertó el interés de autores como Alfonso Reyes, José Gorostiza, Gustavo Baz, Max Jacob y André Salmon. La obra “Mujer con niño en brazos” es de la época anterior a la plasmación de su sólida personalidad estética. El cuadro refleja cierta influencia de Adolfo Best y
Diego Rivera (1886 - 1957)
Roberto Montenegro, ya que tiene una aproximación al arte
Su formación como pintor inicia en la Academia, pero pronto se rebela contra las
En esta singular tela “Niños almorzando” representa a dos
popular y al estudio del pueblo mexicano. Esta madre indígena
enseñanzas de Antonio Fabrés. En 1907, marcha a Europa donde permanece hasta
niños, posiblemente hijos de un trabajador urbano. La canasta de
denota en el artista una actitud pasiva y revela el dramatismo
1921, abriéndole este viaje nuevas posibilidades y se convierte en testigo del desarrollo
fuerte tule y la bolsa de hirsuta pita indican que son portadores
que acabará manifestando en sus sobrecogedoras síntesis de
del fauvismo y del cubismo, donde hace su primera contribución de importancia
de la comida paterna. Al niño lo plasma hurgando en la canasta
soledad y dolor de sus períodos posteriores.
del arte contemporáneo al lado de Picasso, Braque y Juan Gris entre otros. Rivera
los alimentos, mientras que la niña, sentada sobre sí misma, en
es considerado como uno de los máximos exponentes del muralismo, movimiento
una posición estática la cual nos remonta a las figuras de los
pictórico más auténtico y con profundo contenido plástico social, que surge por la
códices indígenas. A través de una melancólica e inalcanzable
necesidad de desarrollar un camino propio del México nuevo.
belleza, Diego Rivera nos muestra su poderoso credo social y
Consuelo Fernández Ruiz
nacionalista.
MANUEL RODRÍGUEZ LOZANO Mujer con niño en brazos. 1927 Óleo sobre tabla 164 x 74 cm. Colección SURA México 80
Una de las características más importantes en la pintura de Diego Rivera fue su amor a retratar al pueblo y a las clases populares, en particular y con repetitivo esmero a los niños. 81
DIEGO RIVERA Retrato de la señora Beteta. 1946 Óleo sobre lienzo 69 x 99 cm. Colección SURA México
“Retrato de la señora Beteta” entra dentro de una de las series
En “Retrato de Juanita” representa una sincera observación de la dignidad del pueblo
secuenciales a las que el artista dedicó largo tiempo de su
y le concede una identidad específica a lo que para Orozco y Siqueiros sólo sería una
quehacer artístico. En este retrato hay un juego cromático
unidad de un colectivo amorfo, clamoroso: la masa.
que emana de la superficie del cuadro. Aquí el personaje es de rasgos sajones y de una fina estampa juvenil, el cual está
Juanita, sentada sobre sus pies en un “petate” (esterilla de palma), con las rodillas
enmarcado por el entrecruzamiento de las hojas, cuerdas y
flexionadas y mostrando un rostro de timidez pero a la vez una reflexiva ternura infantil.
lianas.
A pesar de ser un retrato muy convencionalista y de que muchos de sus contemporáneos le reprocharon su aproximación al mundo de la burguesía, de la política y de las finanzas, esto le sirvió para la terminación de la obra de su museo Anahuacalli. 82
Consuelo Fernández Ruiz
DIEGO RIVERA Retrato de Juanita. 1935 Témpera sobre lino y madera 80 x 60 cm. Colección SURA México 83
FRIDA KAHLO. Retrato de Isolda Pinedo Kahlo. 1929 Óleo sobre lienzo 75 x 55 cm. Colección SURA México
EMILIO BAZ VIAUD India mexicana. 1939 Gouache y acuarela sobre cartón 75 x 55 cm. Colección SURA México
Emilio Baz Viaud (1918 - 1991)
Frida Kahlo (1907 - 1954) Pintora siempre aceptada dentro del ambiente del arte
y ambos constituyen, desde entonces, la pareja central dentro del ambiente artístico e
Pocos son los datos que se tienen de este artista. Desde muy pequeño muestra sus
muestras colectivas junto a eminentes artistas como Siqueiros
mexicano; sin embargo, su obra se aleja notablemente de las
intelectual mexicano. Conoce a León Trotsky y a André Breton, quien la identificó como
habilidades en el dibujo. En 1938 ingresa a la Academia de San Carlos y estudia
y Diego Rivera.
formas que fueron características de la Escuela Mexicana. Hija
la mujer surrealista.
arquitectura, hasta el cuarto grado derivando pronto su vocación hacia la pintura.
del notable fotógrafo húngaro, avecindado en México, Guillermo
Baz Viaud recibe cursos en la Escuela Nacional de Artes Plásticas y conoce a Manuel
Su meticulosa técnica preciosista, apoyada en un delicado dibujo,
Kahlo de quien recibe la capacidad de percepción de la realidad
Luego de su deceso Frida se convertiría no solo en la artista mujer mejor cotizada en el
Rodríguez Lozano quien le muestra las bases de una estricta formación. En 1962
fue elogiada por sus colegas y críticos. En los años setenta se
mexicana.
mercado internacional, sino en un ícono feminista que despertaría admiración e interés
ingresa al Monasterio de Santa María de la Resurrección, por el interés de estudiar
enfrascó en un período de pintura abstracta, pero básicamente
en todo el orbe. La obra de Frida “Retrato de Isolda Pinedo Kahlo” es uno de los óleos
psicoanálisis. Años más tarde abandona dichos estudios y regresa a la pintura.
es conocido por su trabajo realizado antes de 1955.
Afectada de poliomielitis en la infancia y un grave accidente
más tempranos, que denota su formación académica original. Fiel a su modelo, en este
urbano en 1925 (a los 19 años de edad), modificaría su
retrato afectivo no existe más indicio de lo que sería su obra posterior, que la inclusión
Los temas más representativos de Baz son el retrato, las escenas costumbristas y
En la obra “India mexicana” se muestra un enorme rostro,
personalidad y su vida, al dejar tales estragos en su cuerpo,
de la figura de una muñeca artesanal como un acento cromático fuerte que pronto
las grandes composiciones. Oliver Debroise señala que las obras más interesantes de
fuerte, sensual, compacto, volumétrico y en cierta forma
que estuvo bajo períodos intermitentes de invalidez, sometida a
caracterizaría su colorido de toda su singular y paradigmática obra posterior. La obra se
Baz son aquellas que pueden percibirse como escenas costumbristas pero con una
“escultórica” abarcando la totalidad de la composición. A pesar
numerosas operaciones que llegan finalmente a la amputación
reduce a un academismo fino, su amor por lo popular se ve reflejado en la muñeca de
sensibilidad refinada.
de su imponente dimensión la mirada refleja melancolía y cierta
de una pierna.
trapo, abandonada y yacente, que se desincorpora de la figura infantil. Además vemos en dicha muñeca el antecedente de lo que serían sus autorretratos.
84
El artista nunca sintió la necesidad de pintar para vivir y de tener inspiración en
Diego Rivera realiza en los años treinta y cuarenta.
ello. Por eso probablemente su producción es escasa y en ella ha realizado lo que
A partir del accidente empieza a pintar y desarrolla su arte en forma casi autodidacta. En 1929 se casa con Diego Rivera
delicadeza en la pincelada. El cuadro recuerda a los retratos que
Consuelo Fernández Ruiz
ha querido. Su primera exhibición fue hasta 1951, aunque participó en diversas
Consuelo Fernández Ruiz 85
MIGUEL DÍAZ VARGAS Gitana del Sacromonte. ca.1935 Óleo sobre lienzo 69 x 53 cm. Colección SURA Colombia
DÉBORA ARANGO Guineo. 1935 Óleo sobre cartón 37 x 25,5 cm. Colección SURA Colombia
DÉBORA ARANGO Anselma. 1936 Óleo sobre cartón 37 x 25,5 cm. Colección SURA Colombia
Débora Arango (1907 -2005) Paralelo a su obra de abierta denuncia, hay en Débora Arango un gusto por consignar
Miguel Díaz Vargas (1886 - 1956)
en la tela, con ojo certero e impiadoso, tipos reales o genéricos del Medellín de su
Miguel Díaz Vargas fue uno de los grandes pintores de la
españolas. Cabe no obstante señalar en este cuadro la tendencia del artista a plasmar en
época. No están lejos esos retratos burlones y exactos de los que trazaba en sus
primera mitad del siglo XX. En sus obras cultivó el costumbrismo
sus lienzos personajes reales, más allá de genéricos arquetipos y el minucioso cuidado
libros por esos mismos años Fernando González, escritor muy cercano a los afectos
pero enfocado desde un punto de vista social que ciertamente
– que recuerda de algún modo a su contemporáneo español Zuloaga – que aplica al
e intenciones de la artista. Buen ejemplo de esa parte de la obra son los retratos de
rebasaba la simple anécdota de los costumbristas del siglo XIX.
estudio de actitudes, trajes y rasgos raciales.
“Guineo” y de “Anselma”, su empleada, visión jocosa de personajes populares de su
También fue retratista.
tiempo y también tierna.
Jesús Gaviria. Catálogo El Arte en Suramericana 1994
Alberto Sierra
Fiel ejemplo de sus intereses pictóricos en el campo del retrato costumbrista, si bien aquí el modelo proviene de sus vivencias 86
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MARÍA IZQUIERDO Niña con sombrero rojo. 1942 Óleo sobre lienzo 93 x 75 cm. Colección SURA México
MARÍA IZQUIERDO Niñas con sandía. 1946 Óleo sobre lienzo 64.8 x 85.2 cm. Colección SURA México
María Izquierdo (1902 - 1955)
lenguaje y una manera de pintar distinta. En la obra de María Izquierdo se distingue
“Niñas con sandía” es una obra donde se observa un realismo
una expresión libre y espontánea, dentro de la que sobresalen fuertes contrastes.
superpuesto a la aparición irreal: el paisaje de árboles rojizos
“Niña con sombrero rojo” tiene una marcada tendencia hacia una masividad que evoca
que están alineados como una sucesión de cadáveres leñosos
Su infancia está arraigada a las costumbres y los ritos de la
otra es que, a los dos años de edad, se pierde con un grupo de cirqueros ambulantes.
la de la escultura olmeca. La mexicanidad de sus protagonistas, se acentúa por los
que evocan a la pintura metafísica de Giorgio De Chirico. En
vida regional, guardando de aquellos años un gran cariño a las
En 1928 María ingresa a la Academia de Pintura y Escultura de la SEP (Secretaría de
rasgos indígenas, teñidos de ternura.
este cuadro deja bien definido las marcas de su origen étnico,
tradiciones mexicanas.
Educación Pública), donde únicamente dura un año debido a que le pesa la rutina y el conservadurismo. Sus primeros estímulos los recibe de Rufino Tamayo.
Dos vivencias suceden en la niñez de María que dejan huella
se puede decir que es una magnifica pintora de niños por sus En la obra revela todo un mundo de sugerencias y superposiciones: los telones de fondo usados por los fotógrafos de pueblo, los interpreta María a base de grisallas
y que después plasma constantemente en sus pinturas: una
Fernando Gamboa aseguraba que fue Tamayo quien le enseñó todo, empezando por
gruesamente resueltas, por entre las que aparecen cisnes, nubes, la luna, un jarrón
es un accidente cuando una manada de caballos la atropellan,
la acuarela, educando su gusto y entrenando su ojo. En cambio Inés Amor defiende la
de flores y soporte columnario. El costumbrismo de la vida regional y sus tradiciones
saliendo ilesa pero causándole un sentimiento de pavor y la
influencia de María sobre Tamayo diciendo que es María quien enseña a Tamayo un
queda plasmado en el lienzo con un colorido que imprime realismo.
88
imágenes teñidas de ternura.
Consuelo Fernández Ruiz
89
ROSARIO CABRERA La dama de los ojos verdes. s.f Óleo sobre lienzo 47.5 x 55 cm. Colección SURA México CECILIA PORRAS Sin título. s.f Óleo sobre lienzo 80 x 98 cm Colección SURA Colombia
Rosario Cabrera (1901 - 1975) Desde muy pequeña tiene inclinación por la pintura, su primer
siendo maestra de numerosas generaciones, exigiendo la integridad en la formación de
camino hacia la formación estética es en la Escuela al Aire Li-
los jóvenes dentro del magisterio nacional. Rosario conoce al Dr. Atl y a Nahui Olin; de él
bre (fundada por Alfredo Ramos Martínez) que es el inicio de
toma la técnica de los Atl-colors y la utiliza para algunos retratos.
un significativo movimiento donde el objetivo es despertar el entusiasmo por la belleza de México y dar nacimiento a un arte
A diferencia de Frida Kahlo y María Izquierdo, Rosario Cabrera se instruye rigurosamen-
verdaderamente nacional; tener un contacto directo con la na-
te en los espacios tradicionales de la Academia pero, al igual que ellas, su paradigmática
Cecilia Porras (1920 - 1971)
turaleza y que los estudiantes aprendieran lejos de los som-
sensibilidad la sumerge en el inagotable mar de rostros, tradiciones y temas populares.
Junto a Lucy Tejada y Débora Arango es una de las primeras mujeres en hacer arte en Colombia en el siglo XX.
bríos salones de la Academia, así los alumnos, guiados por un maestro, salían al campo, se asentaban en plazas o calles de
“La Dama de los ojos verdes” tiene una influencia de Ramos Martínez con cierto ama-
los poblados aledaños o penetraban en los abandonados jardi-
neramiento y un abandono distante del modelo otorgado por su elegancia aristocrática y
Formó parte del Grupo La Cueva de Barranquilla con Gabriel Garcia Marquez, Alejan-
nes, enfrentándose con sus materiales artísticos a la luz y a los
la fragilidad de su belleza. La mujer representada en el cuadro lleva un peinado que se
dro Obregón y Alvaro Cepeda entre otros. Su obra está intimamente ligada a la de
variados cambios.
utilizó durante los años treinta denominado con el vocablo francés “a la garçon”.
Alejandro Obregón y representa una simbiosis entre lo figurativo y lo abstracto.
Rosario Cabrera realizó junto con su labor artística la docencia, 90
Consuelo Fernández Ruiz
Julián Posada, Alberto Sierra. 91
ELSA ZAMBRANO De la serie: Las Escuelas. 1979 Acrílico sobre lienzo 120 x 100 cm. Colección SURA Colombia
Jesús Reyes Ferreira (1880 - 1977) Inicia su formación plástica alrededor de los diecisiete años de edad. Es la ciudad de Guadalajara donde se inició en el difícil oficio de anticuario y envolvía las piezas que vendía en papeles de china, donde plasmaba coloridos dibujos de su mano, que luego buscaban sus clientes y se los pedían, ya no como meras envolturas, sino como creaciones independientes.
En la segunda mitad de los años treinta Chucho Reyes se estableció definitivamente en la ciudad de México y cuando visita, en el Palacio de Bellas Artes, a Marc Chagall, éste le elogia como el “Chagall mexicano”.
Reyes impulsó en gran medida el arte popular en su país y en el mundo como también la arquitectura. Se convirtió en consejero estético y sus proposiciones fueron escuchadas con gran interés. Los arquitectos admiraban de él su sentido infalible para los colores, materiales y texturas.
Siqueiros, artista muralista, decía que era un autentico y gran creador de raíz popular, porque su estilo venía de la emoción y no del intelecto.
A finales de 1975 viaja a Europa y ampliando su itinerario llegó hasta el Medio Oriente. La fascinación del viaje obró maravillas en él y regresó a México a pintar con nuevos bríos.
Jesús Reyes Ferreira, decía que él no pintaba, embarraba y de esa manera se liberaba de toda regla. Su consigna fue la de ser feliz, tener ilusiones y muchos pendientes.
Elsa Zambrano (1951 - ) Nació en Bogotá. Después de realizar estudios de dibujo
de pequeñas colegialas que con sus uniformes y suéteres tratando de abrirse paso entre
publicitario se licenció en el Instituto de Bellas Artes de la
la multitud, confieren a su obra una calidez que de otro modo se habría perdido.
Universidad Jorge Tadeo Lozano. Además ha estudiado grabado en la Universidad Nacional de esta ciudad y en Barcelona.
En esta obra el anonimato de los personajes es traicionado por la indumentaria de cada uno de ellos. Es así como el soldado, el campesino o la niña toman su presencia
Elsa Zambrano dirige su mirada al hombre anónimo de la
significativa a partir del atavío que lucen y no de la expresión de un rostro. Es pues un
ciudad. Este anonimato es realzado por la artista a partir de
intento de crear determinado clima partiendo de relaciones puramente plásticas entre
elementos tomados del Arte Pop como serían por ejemplo,
zonas planas y zonas tratadas casi como un collage donde el producto textil es utilizado
el uso de amplios planos de color, sin ocuparse en lo más
como un elemento “evocativo”.
92
En este papel de china “Cristo con flores y fondo azul” donde plasma la figura de Cristo, se advierte con toda claridad el gusto por las antigüedades, como es la escultura religiosa popular del virreinato mexicano, donde representaban a un Cristo sangrante que llegó a poblar la totalidad de los templos de México, capillas, claustros, oratorios y dormitorios particulares. Con marcado carácter expresionista, el pintor se sirve de enérgicas pinceladas de fuerte colorido con líneas que cierran, abren o mueven el espacio a su antojo.
Consuelo Fernández Ruiz
mínimo en resaltar detalles fisionómicos. Pero esto que podría asimilarse al más fácil Pop es destrivializado por la presencia
JESÚS REYES Cristo con flores. s.f. Gouache sobre papel china 74 x 48 cm. Colección SURA México
Jesús Gaviria. Arte en Suramericana. 1987 93
LUIS CABALLERO Sin título. 1988 Óleo sobre lienzo 193 x 339 cm. Colección SURA Colombia
JOSÉ CLEMENTE OROZCO Criminales de guerra. s.f. Óleo sobre lienzo 59.5 x 95 cm. Colección SURA México
Luis Caballero (1943 - 1995)
José Clemente Orozco (1883 - 1949)
Desde sus comienzos, la pintura de Luis Caballero giró en torno a la figura humana
-alejamiento, entrega- rechazo, gozo y repugnancia da a toda
como fuente de fuerzas inagotables, de fuerzas expresivas. Sin embargo el hombre que
la obra de Caballero ese todo de erotismo -insatisfecho y más
Desde los 7 años vive en la ciudad de México en donde inicia
compasión por medio de la destrucción y sufrimiento, causada por la guerra y una gran
aparece en sus dibujos y pintura no es el hombre cotidiano. Por el contrario, es aquél
bien desesperanzado, de erotismo- condena, que la vuelve tan
su formación estética influida por la obra de José Guadalupe
preocupación con aspiraciones estéticas en un intento de integrar forma y expresión.
que se enfrenta a una experiencia límite e irrepetible: La experiencia erótico-mística,
perturbadora y profunda”.
Posada. Hacia 1906 y durante cuatro años ingresa a la Academia
y por qué no decirlo, religiosa. Él mismo afirma: “el sexo es un camino paralelo al del
de San Carlos. El estallido de la Revolución Mexicana en 1910
De 1927 a 1934 trabaja en Estados Unidos realizando algunos murales, pero los más
místico en el que se renuncia a todo y se destruye todo, empezando por la razón, para
ve en Orozco un participante activo, se alía a los seguidores de
destacados los realiza de 1936 a 1949 en el Palacio de Bellas Artes, Escuela Nacional
llegar a un momento de lucidez o de divinidad”.
Carranza. Pronto se desilusiona por los excesos de esta época
de Maestros, Conservatorio Nacional de Música, Universidad Nacional Autónoma de
y los representa en una serie de dibujos en forma satírica.
México, Palacio de Gobierno y Hospicio Cabañas de Guadalajara.
Jesús Gaviria. Catálogo El Arte en Suramericana 1994
Con su habitual lucidez, Marta Traba se refería en los siguientes términos a la obra de Caballero durante este periodo; “Desde un principio, la pintura de Caballero ha tenido,
De 1917 a 1922 Orozco trabaja en California y regresa a México
La calidad de su pintura de caballete, es suficiente para considerarlo un excelente artista.
de manera persistente y monotemática, la obsesión de la relación entre dos personas.
después del establecimiento de un gobierno estable.
Ejemplo de ello es “Criminales de guerra” cuyo tema es el drama de la dominación
Una relación física que nunca es clara, ni siquiera cuando termina en la fusión
española, con su saldo de masacre, donde revela la más profunda crítica histórica.
exasperada y dramática del abrazo. La gente se toca, se busca, se atrae. También se
Sus primeros murales los realiza en la Escuela Nacional Preparatoria en la ciudad de México, plasmando una gran 94
repele. Hay muy poca felicidad en los encuentros y, sobre todo, ninguna pertenencia. La
Consuelo Fernández Ruiz
cópula tiene más de agonía que de plenitud. Esta ambivalencia constante, aproximación 95
DAVID ALFARO SIQUEIROS Entrega de juguetes. 1961 Óleo sobre madera 82 x 62 cm. Colección SURA México
David Alfaro Siqueiros(1896 - 1974) A la edad de 15 años ingresa a la Escuela Nacional de Bellas Artes (antigua Academia de San Carlos), para estudiar arquitectura, pero es rechazado por su edad y se inscribe en la escuela de pintura, en el turno nocturno. En 1911 el país se encuentra en efervescencia política por la revolución maderista y en la Escuela Nacional de Bellas Artes, los alumnos estaban inconformes con los sistemas de enseñanza y se levantan en huelga en donde Siqueiros se une al movimiento. Más tarde se traslada a Guadalajara, permaneciendo ahí hasta 1917 año en que regresa a la ciudad de México. En su afán de triunfar parte, a Europa (España, Francia e Italia) en 1919. En París se encuentra con Rivera quien lo relaciona con los artistas de vanguardia. Su obra entre 1911-1921 es la que corresponde a su período formativo, las cuales son diametralmente opuestas a las que ejecutó posteriormente de su labor como pintor muralista y de caballete.Siqueiros junto con Rivera y Orozco forma el grupo de “los tres grandes” dentro del movimiento muralista, el cual es apoyado por José Vasconcelos quien estaba al frente de la Secretaría de Educación Pública en cuyo plan de acción estaba incluida la decoración mural de los edificios públicos. El propósito del muralismo era: un nacionalismo amplio, con sentido profundo no pintoresco ni superficial. Sus temas fueron históricos, políticos y críticos. “El grito” es una composición que nos evidencia la permanente transformación de su muy particular forma de representar la angustia de nuestro tiempo, obsesionada por acelerar la evolución del hombre. Probablemente la pieza pertenece sin duda a los bocetos y estudios para el polígono mural “La marcha de la humanidad en América Latina hacia el cosmos” terminado en 1972 en el Polyforum Cultural Siqueiros. En “Entrega de Juguetes” hay una denuncia en contra de la
DAVID ALFARO SIQUEIROS El grito. 1968 Óleo y papel sobre triplay 101 x 66.5 cm. Colección SURA México
sociedad, agredida por las imágenes contrastantes de las damas adineradas que, cubiertas por costosas pieles, se enfrentan a una masa expectante, anónima, que asiste al ritual de la entrega, más para gozar del espectáculo que para obtener un accidental obsequio. Su trazo es inmenso y portentoso que recuerda a sus murales, en donde el artista denota una obsesión por alcanzar los campos visuales.
Consuelo Fernández Ruiz 96
97
PEDRO NEL GÓMEZ Barequera cansada. 1966 Acuarela sobre papel 59 x 48 cm. Colección SURA Colombia
Pedro Nel Gómez (1899 - 1984)
IVÁN HURTADO Retrato de Campesino. 2001 Acrílico sobre lienzo 120 x 120 cm. Colección SURA Colombia
La importancia de la obra del maestro Pedro Nel Gómez está
Pedro Nel, consciente de la irrupción de las masas en la historia colombiana, quiso
Iván Hurtado (1970 - )
fuera de toda duda. Muy pocos artistas se hacen enfrentando con
darle respuesta a este hecho inevitable, obligando así a su trabajo a someterse al juicio
Hurtado se forma en Colombia, Austria y Brasil. Su obra parte de imágenes de
tal valentía el momento histórico que les tocó vivir y muy pocos
de aquellas y a concebir el arte como una fuerza conductora.
momentos de crisis sociopolíticas, los sucesos de la Colombia ancestral y violenta que le permiten construir reflexiones que desde la pintura aluden a la violencia
también han asumido su propia realidad en una forma tan lúcida y sincera. Nada se le escapó al Maestro de lo que en su momento
Las baraqueras son un tema obsesivo en la pintura de Pedro Nel Gómez, tanto en sus
contemporánea y a los elementos que la escenifican: el campesino, la barca, la casa,
conformaba la realidad nacional. Su pintura acogió por igual el
murales como en sus cuadros de caballete. La que aquí vemos es una de sus muchas
el río, la sangre. La inmediatez del gesto pictórico añade un componente gráfico que
mito, la historia, la gente obrera, el progreso técnico naciente, la
variantes a la acuarela, y muestra su concepción mítica y alegórica del sujeto, exaltación
potencializa la imagen, y busca en la dimensión de la obra hacer aún más evidente el
vida cotidiana, en fin, nada escapó a su ojo penetrante.
de una naturaleza dura y ubérrima, tan cara a las intenciones del autor.
dolor de la tragedia.
Hasta ese momento, salvo algunas excepciones de importancia,
Jesús Gaviria. Catálogo El Arte en Suramericana 1994
Julián Posada, Alberto Sierra
la pintura en el país estaba circunscrita al ámbito privado. 98
99
ERNESTO ICAZA Cortando de la manada a “El Preferido”. 1912 Óleo sobre lienzo 23.5 x 31.7 cm. Colección SURA México
ERNESTO ICAZA Potreando. 1912 Óleo sobre lienzo 23.5 x 31.7 cm. Colección SURA México
ICAZA, ERNESTO Preparándose para montar a “El Preferido” amachinado 1912 Óleo sobre tela 23.5 x 31.5 cm Colección SURA México
ICAZA, ERNESTO “El Preferido” de falsa rienda lazando a campo abierto. 1912 Óleo sobre papel 23.5 x 31.7 cm. Colección SURA México
ICAZA, ERNESTO Manganeando en el lienzo “El Preferido” en dos riendas. 1912 Óleo sobre papel 23.5 x 31.7 cm. Colección SURA México
Ernesto Icaza (1866 - ca. 1926) Son pocos los datos que se tienen del artista, se sabe que en la adolescencia abandonó los estudios y se dedicó a visitar las haciendas de su numerosa familia y sus múltiples amistades. Se volvió charro experto y sus óleos sobre tela y cartón son un valioso testimonio de esta disciplina que se concebirá en el imaginario popular a lo largo del siglo XX como típica del México rural. El museógrafo Fernando Gamboa lo bautizó como “Charro pintor de charros” cuando presentó sus cuadros
ERNESTO ICAZA Poniendo la jaquima y ensillando a “El Preferido” 1912 Óleo sobre lienzo 23.5 x 31.7 cm. Colección SURA México
en el Palacio de Bellas Artes. La mayor parte de su producción la realiza de 1910 a 1919. Sus cuadros fueron pintados a partir de lo que veía.
Icaza fue autor de nueve murales de la Hacienda de la Cofradía, cerca de Aculco, Estado de México. También realizó los murales de la Hacienda de la Ciénega del Rincón cerca de Lagos de Moreno, Jalisco.
sus tan queridos escenarios. Así cayó el artista en el vicio de la bebida, trascendiendo
Vemos que tiene una facultad especial para las miniaturas,
Se dice que fue un sujeto de carácter afable, ameno y festivo,
en el deterioro de su trabajo. Sumido en la miseria, se resignó a hacer sólo aquellos
que lo distinguieron en su primera etapa y posee un encanto
que se lucía orgullosamente con su traje de charro, no obstante
cuadros que le pedían.
que nos mueve a la sonrisa por su ingenuidad, por el amor y
esta imagen empezó a cambiar notoriamente conforme la
despreocupación con que fue realizada y por el placer que
situación se tornó adversa; no nada más para él, sino para la
La serie “La doma de un potro” es un fragmento de almanaque o enciclopedia
mayoría de los mexicanos. La Revolución le quitó las tierras,
descriptiva no sólo de las suertes charras, sino también de los ornamentos y variadas
así como a la gran parte de los hacendados, y con ello perdió
partes que componen el atuendo y las monturas de los jinetes.
100
incorpora el artista para satisfacer su propio agrado.
Consuelo Fernández Ruiz 101
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El territorio urbano Rufino Tamayo con una obra temprana y Rosario Cabrera son la presencia mexicana en la colección; los colombianos por su parte desde el movimiento de paisajistas de la Sabana de Bogotá que se da a finales del siglo XIX , realizan las primeras aproximaciones al espacio urbano, inicialmente sobre lugares humildes y pequeñas plazas. Más tarde y a partir de la mitad del siglo XX otros artistas lo harán sobre la violencia y la transformación urbana de manera directa o poética, la obra de Ethel Gilmour es el reflejo de la impotencia del artista frente a la violencia del narcotráfico que padeció el país.
RUFINO TAMAYO Calvario de Oaxaca. ca. 1921 Óleo sobre tabla 25.2 x 24.2 cm. Colección SURA México
Rufino Tamayo (1899 - 1991) Reconocido a nivel internacional, Rufino Tamayo fue uno de los
la pintura de caballete, realiza un gran número de notables murales.
primeros pintores en rechazar los principios ideológicos de la pintura mural.
En 1961, es nombrado miembro de la Academia de Artes y Letras de los Estados Unidos y dos años después le otorgan el título de Doctor honoris causa, de la Universidad de las
Octavio Paz escribe en el libro “Tamayo en la pintura mexicana”
Américas en México. En 1975 recibe, del gobierno francés, la condecoración en grado de
que se convirtió en la oveja negra de la pintura mexicana por
Comendador de la Orden Nacional del Mérito; el Florín de Oro en el Palacio de la Signoria
su arriesgada búsqueda pictórica y poética, así como por su
y la Placa de Plata en el Palacio de los Medici de la ciudad de Florencia.
radicalismo.
ROSARIO CABRERA El burrito amarrado. s.f. Óleo sobre lienzo 58 x 60 cm. Colección SURA México
El 29 de mayo de 1981 Tamayo inaugura el Museo de Arte Contemporáneo Internacional A los 18 años de edad, después de viajar a la ciudad de
Rufino Tamayo en la ciudad de México.
México ingresa a la Academia de San Carlos. Su primera tendencia artística fue el impresionismo y posteriormente el
“Calvario de Oaxaca” realizado aproximadamente en 1921, año en que los estados de
arte prehispánico que lo descubre al elaborar dibujos, que los
Oaxaca y Michoacán fueron escenarios impresionistas de Tamayo, tiene una distribución
artesanos utilizaban para sus diseños prehispánicos.
de pinceladas cortas y separadas, de colores variados, para otorgarle las vibraciones que
Rosario Cabrera
el sol produce en las superficies quietas o movidas.
“El burrito amarrado” es una obra en donde Rosario Cabrera dibuja con el pincel,
La perspectiva no está bien manejada, no hay una separación
empastando la materia en amplias superficies; sus colores son puros o agrisados en
visual entre la choza y los cactus, estos parecen estar sobre el
materias opacas, y no se preocupa por el detalle sino por el conjunto, es en si una pintura
muro.
En 1926, viaja a Nueva York y participa en el Art Center, con una exposición individual y después colectiva con Siqueiros, Orozco, Covarrubias, Montenegro y Goitia. A pesar de su predilección por 104
Consuelo Fernández Ruiz
ingenuista.
(1901 - 1975)
Consuelo Fernández Ruiz 105
HUMBERTO CHAVES Paisaje campesino. s.f. Óleo sobre lienzo 34,5 x 26 cm. Colección SURA Colombia
FIDOLO GONZÁLEZ CAMARGO Paseo Santafereño. ca.1920 Óleo sobre lienzo 34 x 54,5 cm. Colección SURA Colombia
Fidolo González Camargo (1883 - 1942) Humberto Chaves (1901 - 1975)
Nace en Bogotá en 1883 y muere recluido en el manicomio de Sibaté, en 1942. Abandonó
simplemente como un pintor costumbrista; la diferencia radica
sus estudios de odontología para dedicarse de lleno a la pintura, que aprendió en la
en su actitud, en su manera de ver la realidad e interpretarla,
La pintura de Humberto Chaves se interesa sobre todo por el
y agrega: “las nacionalidades aportan lo más sustantivo de sus costumbres elevadas a
Escuela de Bellas Artes de Bogotá; fueron sus maestros Ricardo Acevedo Bernal,
y éste es su legado más importante para la pintura moderna
acontecer cotidiano del campesino antioqueño por la exaltación
la categoría de movimientos estéticos, en sus relaciones sociales”.
Roberto Páramo y Andrés de Santa María, este último junto con Cézanne ejercerían
colombiana.”
una fuerte influencia sobre su obra. Según Claudia Umaña el pintor González Camargo
de los objetos y elementos que lo acompañan y por captar directamente la fisonomía ética y moral de los habitantes de
Esto es particularmente cierto en la obra del artista antioqueño pues en ella son las
es “ el más antiacadémico de todos los pintores de su generación”.Las enseñanzas de
esta región. Todo esto ha hecho que su pintura sea considerada
relaciones sociales
(en el mercado, en el trabajo del campo, en el hogar) las que
sus maestros “pueden verse en el uso de una pincelada expresiva y esquemática, en un
dentro del género costumbrista; sin embargo el costumbrismo
le confieren toda su fuerza expresiva. En el catálogo de la exposición “La acuarela en
colorido audaz y en un bello manejo de la luz. A diferencia de otros artistas dedicados
de Chaves no se detiene en lo pintoresco o bizarro, como
Antioquia” se afirma: “el hecho estético es por esencia social. Que el arte no tenga otro
a la pintura de género, González Camargo tuvo un modo muy particular de acercarse
sucedía en la pintura preacadémica de esta tendencia. Al
sentido y función que lo social, evitando, es obvio, el difícil escollo del documento, fue lo
a sus motivos, observaba la realidad no desde su apariencia externa, sino desde su
respecto su hijo Humberto Chaves Villa dice: “el costumbrismo
que Humberto Chaves legó a la generación siguiente”.
interioridad. Su mirada no pretendía describir con minucia los detalles del espacio, sino transcribirlos de manera esencial y esquemática, dando una visión plástica e intimista
en el arte es la primera manifestación de los pueblos, al dar vida a la imagen interpretativa de los hechos y gentes nativas” 106
Julián Posada, Alberto Sierra
Jesús Gaviria. Catálogo El Arte en Suramericana 1994
del lugar. Por su sentido de lo instantáneo, no puede considerarse a González Camargo 107
ELADIO VÉLEZ. Sin título. 1942 Óleo sobre lienzo 68 x 57 cm. Colección SURA Colombia
FREDY SERNA Cielo Arriba I y II.1995 Acrílico sobre lienzo 200 x 240 cm. Colección SURA Colombia
Eladio Vélez (1897 - 1967) Creador con Pedro Nel Gómez de la Escuela de Acuarelistas
obra, Vélez, según anota un crítico, “quiso ser un artista más que un testigo”, centrando
Antioqueños, juzgada por muchos críticos la más importante
“en el cómo y no en el qué” la misión del artista. Llegó incluso a cuestionar abiertamente
Fredy Serna (1972 - )
del país. Tras diez años en Bogotá y en Europa, reinicia en
“las ideas demagógicas de algunos pintores”... abocados a “un arte puesto al servicio de
“Desafiando la aguda crisis en la que se encuentran los medios plásticos
horizontes’ acciones que reivindican la comunidad, el disfrute,
Medellín su trabajo plástico. Al margen de las tendencias
la política”. Su interés, pues -y con sus propias palabras- se centra como expresión pura
contemporáneos en este momento, el artista Fredy Serna se aferra al acto de la pintura
la pertenencia, las propuestas para alejar el temor y permitir la
experimentales que comenzaban a surgir en el medio, su
de la belleza”. Actitud lúcida y firme que hace quizá de él, desde ese ángulo de enfoque,
como el medio que le ofrece una manera de plantear su mirada de ‘no distinción’ entre
invasión de potenciales de vida”.
pintura denota sin embargo una firme conciencia crítica acerca
el artista más contemporáneo de su entorno.
lo estético -la luz, el color, la forma- y lo humanamente cotidiano de la vida; entre el movimiento sublime de su agitado entorno por el cruce de fuerzas, tiernas, duras,
de los propósitos del arte. A diferencia de Pedro Nel Gómez, cuyo interés en lo social e histórico es el gran soporte de su 108
Jesús Gaviria. Catálogo El Arte en Suramericana 1994
Juan Alberto Gaviria
violentas, salvajes, amorosas... y la opción por discernir con su mirada de ‘nuevos 109
Luis Alberto Acuña (1904 -1994) Nació en Suaita, Santander, Colombia. Estudia en la Academia de Bellas Artes en Bogotá recibiendo clases de Francisco A. Cano. Viaja a estudiar a la Academia Julián de París, en la Academia de Bellas Artes de esta ciudad y en las Academias Colarossi y Libre. Vive en Europa un tiempo y regresa a Bogotá como profesor. En 1950 obtiene el primer premio en el VIII Salón de Artistas Colombianos. Publicó dos libros que lo han ratificado como historiador, folclorista y crítico de arte, además de su numeroso trabajo pictórico y escultórico. Sus trabajos se han presentado en Europa, EE.UU y México, entre otros. Murió en Villa de Leiva, Colombia.
Esta pintura nos muestra otro de los temas preferidos del maestro Acuña: arrieros, campesinos, el mundo del trabajo, utilizando para ellos la técnica sobre la que se hizo mención, develando de paso sus diferencias con el puntillismo. Acuña utiliza un procedimiento “académico” al ejecutar un dibujo que más tarde va a llenar con sus pequeñas pinceladas de color, procedimiento éste que los puntillistas evitaron siguiendo la tradición impresionista. Esto no constituye necesariamente un defecto ya que la intención del artista colombiano era muy diferente a la de los franceses, su interés se centra más en los valores táctiles y escultóricos de la forma, que en problemas de orden es exclusivamente óptico.
Jesús Gaviria. Catálogo El Arte en Suramericana 1994
DOMINGO MORENO OTERO Lavanderas. s.f Óleo sobre lienzo 63 x 80 cm. Colección SURA Colombia LUIS ALBERTO ACUÑA Los arrieros. 1973 Óleo sobre madera 90 x 60,5 cm. Colección SURA Colombia
Domingo Moreno Otero (1882 - 1948) Nació en Concepción, Santander, Colombia. En su juventud ingresó a la Escuela
Pinta incansablemente los paisajes de los alrededores de la
Nacional de Bellas Artes en Bogotá. En la exposición del Centenario, 1910, obtiene una
capital de Santander. En 1921 viaja a España y estudia en la
de las primeras medallas.
Academia de San Fernando. Participa allí en algunos salones. Regresa a Colombia en 1926 y continúa pintando y exponiendo
Domingo organiza un estudio con Coriolano Leudo y Díaz Vargas, los tres, alumnos
hasta su muerte.
estimados de Andrés de Santa María. En 1912 es nombrado director de la Escuela de Bellas Artes de Bucaramanga. 110
Alberto Sierra. Arte en compañía 1999. 111
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Disponer la Naturaleza Dentro del ejercicio pictórico disponer y ordenar los objetos para que sean pintados es una de las acciones en que el oficio y el intelecto del artista coinciden, el bodegón es la manera de hacer explícitos momentos y puntos de la historia, intereses particulares e influencias, evoluciones y sabiduría pictórica, se trata no sólo de pintar, sino de componer. El ejercicio refleja de manera clara la “autoridad” que el artista ejerce sobre su entorno y el resultado es la mayor demostración de lenguaje y oficio.
La prueba fehaciente de ello son las exquisitas rosas de Francisco Antonio Cano, mientras que el homenaje hecho por Botero a Cezanne hace explícito uno de los grandes momentos de su pintura y establece un diálogo claro a través del color popular y de la abundancia con la obra de Rufino Tamayo.
ENRIQUE GRAU Flores. 1950 Óleo sobre tela pegada a tríplay 29 x 33 cm. Colección SURA Colombia
Enrique Grau (1920 - 2004)
PEDRO NEL GÓMEZ Mangos. 1939 Óleo sobre lienzo 39 x 43 cm. Colección SURA Colombia
Pedro Nel Gómez (1899 - 1984)
La obra de Enrique Grau se ha desarrollado partiendo de la búsqueda de un lenguaje
encajes, plumas, sombreros y abanicos, como personajes
que, asimilando diferentes procedimientos y gustos de diversas tendencias del arte
extraídos de piezas teatrales o de las populares tarjetas postales
contemporáneo, le permite conformar un universo personal, rico en forma, símbolos
de comienzos de siglo. Sus escenarios van llenándose a la vez de
y objetos insólitamente distribuidos dentro del cuadro, conformando así un “mundo de
múltiples objetos (alacenas, caballetes, cajas, máscaras y flores,
La importancia de la obra del maestro Pedro Nel Gómez está
Hasta ese momento, salvo algunas excepciones de importancia, la pintura en el país
ensueño y juego” según la afirmación de Marta Traba. En el libro “Cien años de Arte
entre otros) con los cuales organiza los ambientes recargados
fuera de toda duda. Muy pocos artistas se hacen enfrentando con
estaba circunscrita al ámbito privado. Pedro Nel, consciente de la irrupción de las masas
Colombiano”, Eduardo Serrano describe así los rasgos característicos de su obra:
que determinan en gran parte el carácter anecdótico de sus
tal valentía el momento histórico que les tocó vivir y muy pocos
en la historia colombiana, quiso darle respuesta a este hecho inevitable, obligando así a su
“Extraños personajes de cabezas angulares y túnicas a rayas, perfectamente estáticos
representaciones. Pero si las figuras manifiestan cierto ánimo
también han asumido su propia realidad en una forma tan lúcida
trabajo a someterse al juicio de aquellas y a concebir el arte como una fuerza conductora.
como sorprendidos in fraganti por una luz frontal, empiezan a poblar sus lienzos junto
idealista en su obesidad y candidez, los detalles patentizan claras
con objetos como huevos, velas, máscaras y jaulas de inequívoca intención simbólica.
miras de realismo, particularmente en la interpretación de
y sincera. Nada se le escapó al Maestro de lo que en su momento conformaba la realidad nacional. Su pintura acogió por igual el
texturas y consistencias”.
Jesús Gaviria. Catálogo El Arte en Suramericana 1994
mito, la historia, la gente obrera, el progreso técnico naciente, la
A comienzos de los años sesenta estas figuras van perdiendo angulosidad y
vida cotidiana, en fin, nada escapó a su ojo penetrante.
transformándose en seres rollizos, carnosos, voluptuosos, ricamente ataviados con
114
Jesús Gaviria Catálogo El Arte en Suramericana 1994 115
RUFINO TAMAYO Sandías. s.f. Serigrafía sobre papel 73.5 x 52 cm. Colección SURA México
JORGE GONZÁLEZ CAMARENA La ofrenda. 1932 Óleo sobre lienzo 50 x 60 cm. Colección SURA México
Rufino Tamayo (1899 - 1991)
Jorge González Camarena
“Sandías” obra muy característica dentro de su larga producción artística. Tamayo da
(1908 - 1980) El tema de “La ofrenda” es sin duda muy característico de
tradición que nos es heredada de las culturas precolombinas.
contornos precisos con lo cual destaca la dureza de las masas, preocupándose más por
González Camarena, por ser muy mexicano. Se trata de uno de los festejos más típicos en la tradición mexicana -la dádiva del Día de Muertos-, y no sólo eso, sino que es además, una 116
a la obra mejores y más esenciales soluciones al mexicanismo, ilumina el dibujo de
Consuelo Fernández Ruiz
la geometría que por los contenidos simbólicos.
Consuelo Fernández Ruiz 117
Fernando Botero (1932 - ) La pintura de Fernando Botero es tan personal y tan diferente a todo lo realizado en el vasto panorama del arte contemporáneo que cualquier intento de clasificación resulta tan imposible como superfluo. Los elementos de que se sirve para crearla traban entre sí relaciones ambiguas y por lo mismo irónicas: fidelidad a lo real y a un tiempo la intención de irrespetarla y deformarla; reverencia por los procedimientos técnicos tomados de los grandes maestros del pasado, pero utilizándolos de manera burlesca como si quisiera hacer la crítica de la pintura. En fin, anacronismo y contemporaneidad.
Marta Traba al reseñar una exposición de Botero en la galería de la Librería Central en Bogotá en 1961, se refiere a su obra en términos que aunque se concretan a los dibujos y pinturas allí expuestos, definen claramente las características generales que ésta posee. Dice: “Es verdad que esa pintura ha buscado deliberadamente colocarse en una postura de choque al oponerse, no sin una hábil inteligencia, a las resoluciones más generales del arte actual: la abstracción, el planismo, el desprecio por el tema, teniendo buen cuidado, sin embargo, de subrayar y llevar hasta un extremo casi abusivo el libertinaje formal de la pintura contemporánea. La actitud de Botero le empujaba a los monstruos. Los monstruos representaban el desafío a la belleza y a la lógica y por consecuencia, a la opinión del público que necesitaba de esas dos virtudes teologales de la pintura, por más insignificantes que sean en ciertos casos, para dar su asentimiento a un artista“.
Este bodegón pertenece al periodo en el cual Fernando Botero afirma su lenguaje personal, convirtiéndose en maestro indiscutible dentro de la pintura contemporánea: el recurso de apelar a la historia del arte, la ya evidente “hinchazón” de sus formas, el dominio magistral de la técnica y sobre todo la utilización de un colorido vivo de clara inspiración local. A propósito Marta Traba en el citado artículo al respecto dice: “esta pasión por el color es un valor estable: afianza el sentimiento, le da plenos poderes, subyuga la forma y le evita cualquier riesgo de parálisis”.
FERNANDO BOTERO Homenaje a Cezanne.1963 Óleo sobre lienzo 130 x 150 cm. Colección SURA Colombia 118
Jesús Gaviria. Catálogo El Arte en Suramericana 1994
119
BEATRIZ DAZA Naturaleza muerta. 1968 Óleo sobre lienzo 80 x 80 cm. Colección SURA Colombia
JOSÉ ANTONIO SUÁREZ LONDOÑO Sin título. 2002 Mixta sobre papel 13 x 18 cm. Colección SURA Colombia
Beatriz Daza (1927 - 1968) Ceramista y pintora formada en la Universidad Javeriana de
La bella integración de los elementos, tanto en textura como en color, y la connotación poética
José Antonio Suárez Londoño (1955 - )
Bogotá y posteriormente en Europa y Estados Unidos. Inicialmente
de los conjuntos hicieron de esos muros unas sugestivas simbiosis de pintura, escultura y
Suárez es un dibujante obsesivo que representa lo que los demás no vemos; igual que el
se destacó como ceramista, con su obra “Crisol para Prometeo”,
cerámica y, al mismo tiempo, unas variaciones originales de los ensamblajes cubistas.”
científico, se detiene, indaga, interpreta y disecciona lo que representa, pero además de
obtuvo el primer premio en Cerámica en el XV Salón Nacional de
“Como dibujante y pintora, Beatriz Daza dejó una variada producción de la que sobresalen
dibujarlo lo recrea y construye metáforas con cada uno de sus elementos al relacionarlos
Artistas en 1963; sin embargo los elementos tóxicos presentes en
los dibujos de bodegones sintéticos sobre telas cuadriculadas y enlutadas, y los collages,
con otros aparentemente disímiles. Para Suárez el dibujo no se realiza sólo con lápiz; el
los esmaltes y engobes de la cerámica la hicieron abandonar la
con predominio nuevamente de las naturalezas muertas, de telas varias y óleo, en los que
hilo, la aguja o el punzón también son sus instrumentos y la reducida escala de su obra le
técnica y dedicarse a la pintura. Más tarde su obra se convertiría
las representaciones se acomodan fácilmente en un espacio en antiperspectiva con claros
permite dibujar sobre libretas o fragmentos que van del tiquete de metro a la bolsa de té.
en muros compuestos de fragmentos de cerámica y objetos
recuerdos de la obra del francés Georges Braque”.
encontrados y de allí evolucionaría sus pinturas “terrosas, matéricas y abstractas” y como diría German Rubiano Caballero “ 120
Julián Posada, Alberto Sierra
Julián Posada, Alberto Sierra. 121
E N C U E N T R O
M É X I C O
C O L O M B I A
Lo racional Es evidente en los artistas mexicanos y colombianos presentes en la colección el interés a través del ejercicio pictórico de la no representación y la reafirmación de una idea y una búsqueda de lo espiritual a través de la abstracción; aunque las representaciones son abstractas no es claro en ellas una preocupación por la forma en que vemos o entendemos la materia y el color desde lo físico o lo científico como en los artistas cinéticos venezolanos o en los concretos brasileños. Desde la síntesis visual la pintura se convierte es un pretexto para construir en la mayoría de los casos una metáfora.
122
PEDRO CORONEL Cabeza. s.f. Óleo sobre lienzo 95 x 81 cm. Colección SURA México
GUILLERMO WIEDEMANN Sin título. 1957 Acuarela sobre papel 45 x 64 cm. Colección SURA Colombia
Pedro Coronel (1921 - 1985) Pintor, escultor y grabador. Se traslada a la ciudad de México en 1940 para realizar sus es-
También perseguían un arte nacional, pero hurgaban en los rasgos
tudios en La Esmeralda con Ortiz Monasterio, Zúñiga y Rómulo Rozo. Años más tarde viaja
cotidianos y profundos de los comportamientos, las actitudes y las
a París y asiste a los talleres del pintor Víctor Breuner y del escultor Constantin Brancusi.
tradiciones mexicanas y rechazaban, en general, el carácter discur-
Sus obras se han expuesto desde 1956 en México y a partir de 1961 en el extranjero (Francia,
sivo, ideológico, retórico, heroico y de intenciones épicas que solía
Estados Unidos, Japón, Brasil e Italia entre otros países).
caracterizar al muralismo.
Wiedemann llega a Colombia huyendo de la guerra. En sus años
Ha recibido, entre otras distinciones, el Premio Nacional de Pintura del INBA, en 1975; el
“Cabeza” corresponde a una de las etapas más intensas de la bús-
de formación en Alemania vive un intenso proceso cultural.
Premio José Clemente Orozco de la segunda Bienal Panamericana realizada en México,
queda plástica de Pedro Coronel. Aquí no se aprecia su obsesión por
en 1959; el Premio Salón de Pintura del Salón de la Plástica Mexicana en 1966 y el título de
el cromatismo, sino las búsquedas texturales. En ella ensaya la su-
“Hijo Predilecto de Zacatecas, en 1978.
perposición del perfil y del plano frontal. A través de esta obra se ob-
Guillermo Wiedemann (1905 - 1969)
Él representa la mirada del europeo culto que asombrado y
servan los dos mundos que alimentaron sus preferencias artísticas:
enamorado por la exhuberancia del trópico termina siendo el primer artista que hace en Colombia una pintura emocional
Pedro Coronel, al igual que Juan Soriano, Ricardo Martínez y Gunther Gerzso entre otros,
por un lado el mundo helénico de impecables cánones y hermosos
que describe desde la síntesis de la materia la riqueza del
pertenece a los artistas de la contracorriente de La Escuela Mexicana, es decir, inicia una
perfiles y por el otro lado, el mundo indígena, con las portentosas
paisaje circundante.
tradición de arte moderno que rechazaba los últimos coletazos del academismo. Los artis-
creaciones mítico-religiosas producidas antes de la conquista.
tas de la contracorriente consideraban en general necesario mantener abierta la comuni-
Alberto Sierra 124
cación con el arte europeo y seguir nutriéndose de sus experiencias.
Consuelo Fernández Ruiz 125
ARNALDO COEN El que es inasignable. 1979 Mixta sobre tela 110 x 110 cm. Colección SURA México
FERNANDO GARCÍA PONCE Espacio mayor. 1966 Óleo sobre lienzo 100 x 100 cm. Colección SURA México
Arnaldo Coen (1940 - ) Estudió arte publicitario y posteriormente diseño gráfico con
“el artista de cambio” según el crítico Jorge Alberto Manrique. A partir de 1974 y hasta 1976
Gordon Jones, en 1957.
aproximadamente, Arnaldo Coen trabaja en las series Mutaciones, en donde el cubo es una constante en su obra.
Durante los años sesenta Coen se interesa por el expresionismo
Fernando García Ponce (1933 - 1987) En 1952, ingresa a la Universidad Nacional Autónoma de México para estudiar la
Rojo, entre otros, y teniendo a Juan García Ponce, hermano de Fernando, como su crítico más generoso e inteligente.
abstracto y, por consejo de Diego Rivera, se dedica a pintar sin
En 1986 presenta, en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de México, su exposición “A la
carrera de arquitectura. Al mismo tiempo, acudía al taller de Enrique Climent, al que
haber estado en ninguna escuela de arte. Desde 1964 ha realizado
orilla del tiempo” y cuatro años más tarde expone “Versiones y Perversiones” en el Palacio
García Ponce reconoció siempre como su maestro.
escenografías para representaciones de Teatro y Ballet.
de Bellas Artes con 23 óleos inspirados en los cuadros de Paolo Uccello, pintor renacentista, sobre “La Batalla de San Romano”.
En 1965 participa en el Salón Esso y en la IV Bienal de Jóvenes de
En 1973 se presentó en la Sala Nacional del Palacio de Bellas A un año de finalizar su carrera García Ponce, junto con Alain Lipkes un francés de
Artes una exposición retrospectiva 1962-1972. Ejerció su
origen ucraniano que había llegado a México huyendo de épocas de persecución,
profesión de arquitecto en su ciudad natal.
París, en la Exposición Confrontación 66 en el Palacio de Bellas
En la actualidad es creador intelectual del Sistema Nacional de Creadores, FONCA. Arnaldo
viaja a París y otras ciudades europeas y abandona la carrera de arquitectura para
Artes. En 1967, viaja a California. En San Francisco, expone sus
Coen pertenece al movimiento Ruptura. Él llega al geometrismo de manera individual.
dedicarse a la pintura. A su regreso a México se dedica completamente a su nueva
En “Espacio mayor”, García Ponce acusa un tratamiento lírico
pasión, apreciando, según sus palabras “el movimiento aparentemente revolucionario
del expresionismo abstracto que lo lleva a realizar los trazos
de los muralistas... tan faltos de calidad pictórica”.
de una manera determinada, con una profunda preparación
pinturas en la Galería William Sawyer. Posteriormente viaja a Europa gracias a la beca que le otorga el gobierno francés.
La obra “El que es inasignable” tiene las características de su tendencia artística en los
interior. Desde su manera casi violenta de expresarse refleja
años setenta, maneja la estructura de un cubo ortogonal donde lo rígido y lo expresivo se A su regreso, en 1968, es miembro fundador del Salón
complementa en sorpresivas variaciones. Arnaldo toma al cubo como un elemento de
A partir de 1960 sus obras adquieren un abstraccionismo que ya nunca abandonó,
Independiente y trabaja la pintura-objeto, utilizando principalmente
referencia de los otros elementos colorísticos y dibujísticos de la obra.
fragmentando en ellas sus zonas de color.
Consuelo Fernández Ruiz
el torso femenino. Coen también incursiona en la escultura urbana, los objetos móviles, el teatro, la literatura, el muralismo y la pintura abstracta y figurativa. Es así como se transforma en 126
una elegancia sublime.
Consuelo Fernández Ruiz
Miembro activo de la llamada generación de ruptura (Nueva Pintura Mexicana), a la cual pertenecieron artistas como Lilia Carrillo, José Luis Cuevas, Manuel Felguérez, Vicente 127
GUNTHER GERZSO Planos en azul. 1965 Óleo sobre masonite 72.5 x 110 cm. Colección SURA México
LUIS LÓPEZ LOZA Los ataúdes del tiempo. 1985 Óleo sobre lienzo 120 x 180 cm. Colección SURA México
Gunther Gerzso (1915 - 2000 )
Luis López Loza (1939 - )
En 1929, Gunther Gerzso estudia la preparatoria en Lausanne.
asimétricas llegando a un grado de abstracción mediante composiciones matemáticamente
Luis López Loza es un creador de formas por excelencia, ya que ha sido, quizá, el
presentado más de veinticinco exposiciones individuales y
Interesado en la nueva arquitectura, entra en contacto con el
trazadas en las que el color es la principal función.
único artista de su generación que logró establecer un lenguaje propio sin referentes
participado en innumerables colectivas, en los principales
externos y que a lo largo de su trayectoria, ha enriquecido y profundizado hasta los
recintos de México y el mundo.
escenógrafo italiano Nando Tamberlani, quien lo impulsa a seguir una carrera de decoración.
“Planos en azul” es una composición con un juego de degradaciones que introduce sabias
extremos de la exquisitez. Todos los demás artistas de su generación han tocado
combinaciones en las que la proporción numérica revela de inmediato una mente habituada
diversas fuentes en sus lenguajes, López Loza ha sido de un solo manantial.
En “Los ataúdes del tiempo” Luis López Loza refleja toda su etapa formativa en Nueva York, podemos ver que aborda con
Tras recibir una esmerada formación cultural en Europa hace
a los cálculos matemáticos y a la especulación intelectual. La obra es el conjunto mágico
estudios de escenografía, Cleveland, Ohio. Se dedica por largos
hecho de orden, de ritmo de estilización, de superficies monocromáticas arquitectónicamente
Su sólida formación desde la Escuela Nacional de Pintura y Escultura “La Esmeralda”,
maestría las seductoras superficies de la pintura y el grabado
años a la escenografía en el cine nacional.
dispuestas que nos habla de un lenguaje más moderno.
así como en el Centro de Artes Aplicadas y en el Pratt Graphic Center de Nueva York le
por igual.
han conferido un oficio por demás probado. Ejemplo de su profundo y acucioso entender y sentir de la forma
Se entrega a la pintura surrealista por la influencia de Leonora
El arte abstracto es cuando el espectador a la hora de observar no lo puede traducir a
Carrington, Remedios Varo, el poeta Benjamín Peret y Wolfgang
imágenes precisas (no cuenta una historia ni refleja el mundo natural). En muchas ocasiones
López Loza ha realizado obra en pintura, dibujo, tapiz, escultura y grabado siendo en
esculpida, son sus valoraciones en la superficie plana, ya sea
Paalen, aunque su producción es muy reducida. Después modifica
el calificativo va en contra de las intenciones del propio artista. El mismo Gerzso decía que por
este último género, el más representativo artista mexicano contemporáneo. Sus obras
por color o por distinciones cromáticas de los volúmenes que
por completo su estilo de expresión entrando a un período de paz,
qué lo calificaban de pintor abstracto cuando en sí, todo el arte es abstracto.
gráficas creadas en placas de cobre alcanzan niveles de excelencia.
inventa claramente.
Consuelo Fernández Ruiz
orden y superación. Su repertorio está constituido, en la mayoría de sus cuadros por razonadas estructuras geométricas, casi siempre 128
Consuelo Fernández Ruiz
Muestra sus primeras obras de característico lenguaje desde el año de 1964 y ha 129
VICENTE ROJO México bajo la lluvia 115. 1983 Acrílico sobre lienzo 100 x 100 cm. Colección SURA México
Manuel Felguérez (1928 - )
Vicente Rojo (1932 - ) En 1939 viaja a México, escapando de la Guerra Civil Española, para
MANUEL FELGUÉREZ Llave de Kepler. 1979 Óleo sobre lienzo 200 x 260 cm. Colección SURA México
manera, en el orden geométrico y la construcción de sus composiciones.
reunirse con su padre, que llevaba tiempo como refugiado político
Pintor, escultor y muralista mexicano que pertenece a la llamada Generación de la Ruptura.
Los murales de Manuel Felguérez tienen una característica
En 1948 ingresa a la Academia de San Carlos y permanece sólo seis meses debido a la
fundamental, ésta es, que son murales escultóricos en los cuales
decepción que le causa el bajo nivel de los estudiantes. Por esto deja de estudiar en la
introduce una mezcla entre la pintura y la escultura. Utiliza relieves, colores y texturas dentro del mural.
en este país. Obtiene la nacionalidad mexicana al poco tiempo de
Rojo, con su afán constructivista, ha producido sus obras, siempre en series. La mayoría de las
Academia y decide organizar un viaje a Europa. No es sino hasta entonces cuando comienza
haber llegado.
veces las series están integradas principalmente por pinturas, pero también por esculturas
a recibir una verdadera influencia del arte europeo, anteriormente pensaba que el arte
que la complementan. Esto sin dejar de producir esculturas individuales.
mexicano era grandioso y único. Durante su estancia en Europa, se da cuenta que no sólo
Manuel Felguérez ha publicado dos libros: “El espacio Múltiple”
no era el más grandioso, sino tampoco era el único.
(1978) y “La máquina estética” (1983) y ha sido uno de los artistas de
En 1950 ingresa a La Escuela de Pintura, Escultura y Grabado
su generación que ha abarcado más campos intelectuales dentro
“La Esmeralda”, donde permanece alrededor de seis meses. Su
La obra “México bajo la lluvia” de Vicente Rojo responde a las palabras de Jorge Luis Borges
maestro fue Agustín Lazo. Al mismo tiempo estudia en la academia
que cita Alejandro Katz: “El universo (que otros llaman cuadro) se compone de un número
Felguérez se ve influenciado en gran medida por el artista Hans Arp y comienza a
particular del maestro Arturo Souto con quien aprende, según el
ilimitado, y tal vez infinito, de pequeños triángulos”.
involucrarse en el arte abstracto.
del arte.
“Llave de Kepler” es una obra completamente abstracta y
propio Vicente Rojo, la relación de los colores y que un mismo color Esta serie se caracteriza por la utilización de la lluvia como elemento principal, que
A su regreso a México en 1951, estudia en la Escuela de Pintura y Escultura “La Esmeralda“,
geométrica. Se basa en tres figuras principales: el círculo, el cubo y
representa con líneas diagonales. Juega formando estas líneas con distintas figuras
teniendo como maestro a Francisco Zúñiga. En 1952 estudia un curso de Arte Moderno en la
el rectángulo. La paleta que utiliza el artista es sumamente reducida,
Vicente Rojo trabaja paralelamente y de manera exitosa, a lo
geométricas, manchas, puntos y rayones, pirámides y escalones. En esta serie existe un
Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM, impartido por Justino Fernández.
lo cual le da una mayor importancia al color. Los colores que
largo de su vida, tanto en su obra pictórica y escultórica, como
elemento constante, que es el horror al vacío. De esta manera satura los lienzos, sin dejar un
en sus producciones como diseñador gráfico.Perteneciente a la
solo espacio sin cubrir, figura y fondo dejan de existir. Este horror vacui nos remite, sin duda
En 1954 monta su primera exposición individual de escultura en el Instituto Francés de
del color y de juegos visuales logra con las figuras geométricas darle
generación de la ruptura, comienza siendo figurativo, para casi
alguna, al México barroco.
la América Latina en la ciudad de México. Ese mismo año obtiene una beca del Gobierno
profundidad a la obra.
puede ser completamente distinto.
inmediatamente abandonar la figura, concentrándose de esta 130
Consuelo Fernández Ruiz
predominan son grises, negros, blancos y colores arena. Por medio
Francés y viaja a París, para estudiar en la Academia Colurossi.
Consuelo Fernández Ruiz 131
MANUEL HERNÁNDEZ Signo, eco y señal. 1991 Acrílico sobre lienzo 200 x 170 cm. Colección SURA Colombia
JUAN ANTONIO RODA Sin título. 1996 Óleo sobre lienzo 125 x 150 cm. Colección SURA Colombia
Juan Antonio Roda (1921 - 2003) Nació en Valencia, España. Radicado en Colombia desde 1955. Realizó trabajos como “Tumbas” (1963) en los que la temática es prácticamente irreconocible entre la gestualidad exacerbada y la independencia cromática... Sus “Felipes” (1965) “Cristos” (1968), “Autorretratos” (1971) y “Objetos de culto” (1979) son obras en las que la
Manuel Hernández (1928 -)
representación es más directa y ajustada en concordancia con sus consideraciones
Hernández se forma en Colombia, Chile e Italia. Desde los años 60
diversas; Hernández es el primer expresionista abstracto del país y uno de los pocos que no
históricas, místicas o literarias. Cultivó recurrentemente el retrato y en los últimos
su obra repite obsesivamente un símbolo que a pesar de iterarse
recurrió a la geometría como medio.
años realizó trabajos en grabado y pintura.
valora la ausencia del objeto representado. Cada una de sus formas es una solución pictórica envolvente que recrea atmósferas 132
Julian Posada, Alberto Sierra.
Alberto Sierra. Arte en compañía 1999. 133
ÁLVARO MARÍN Sin título. 1966 Acrílico sobre lienzo 100 x 100 cm. Colección SURA Colombia
LUIS FERNANDO ROLDÁN De la serie Amansadores.1997 Óleo sobre lienzo 122 x 97 cm. Colección SURA Colombia
Álvaro Marín (1945 - ) La obra de Álvaro Marín se aparta deliberadamente de la
instrumento, es concretada, vale decir vivificada a través de la minuciosa pincelada con la
naturaleza concebida como apariencia exterior, para así acercarse
que construye las relaciones cromáticas de los diferentes planos de diversa intensidad.
con mayor certeza a las leyes internas que la configuran. El hecho de excluir lo llamado equivocadamente “real” de sus pinturas, lo
La incesante repetición de un motivo en la obra de Marín está sin embargo apartada de lo
que Marín somete a la mirada del espectador es una realidad
monótono ya que cada uno de sus trabajos derivan del placer que comunican su cuidada
muy concreta, como él mismo lo afirma. Tampoco podemos decir
ejecución.
que allá estamos frente a un mundo aparte pero paralelo del La obra que posee Suramericana de Seguros pone de presente los valores más depurados
Luis Fernando Roldán (1955 - )
de la pintura de Álvaro Marín. Su pureza conceptual y técnica permite que al acercársele,
Roldán es uno de los artistas contemporáneos colombianos que resuelven la pintura
En sus pinturas Marín recurre insistentemente a una estructura
el espectador penetre en un hecho real al cual se la ha sustraído todo accesorio inútil o
como un ejercicio conceptual. “Amansadores” es una construcción pictórica a partir
basada en cuadrados, que se presentan como planos de
distractivo.
del dominio que el artista busca ejercer sobre el medio y el sustrato. El resultado es
“otro”, puesto que la noción de lo real es indivisible.
diferente “profundidad” e intensidad, tratados con la voluntad de sugerir valores atmosféricos. Esta estructura, neutra como todo 134
tan accidentado como sorprendente.
Jesús Gaviria. Catálogo El Arte en Suramericana 1994
Julián Posada, Alberto Sierra. 135
ETHEL GILMOUR Matisse no puede pintar en ninguna parte de la tierra. 1991 Acrílico sobre lienzo 120 x 110 cm. Colección SURA Colombia
BEATRIZ OLANO Sin título. 2009 Acrílico sobre lienzo 100 x 100 cm. Colección SURA Colombia
Ethel Gilmour (1940 - 2008)
Beatriz Olano (1965 - ) La pintura de Beatriz Olano se construye en función del espacio
son la línea y el plano desde la sensibilidad de la artista, los que permiten transformar el
físico y busca dinamizarlo y apropiarse de él. Introduce la
entorno en el que se realiza la obra.
pintura en función de la arquitectura y el lugar que se habita. La suya es una geometría donde la circunferencia no existe y 136
A pesar de su origen norteamericano, los temas y las intenciones de su pintura suelen afin-
cuantos trazos, apoyados por collages y grafías, dan lugar en un
carse en una visión muy personal de nuestra circunstancia. El humor, las referencias ico-
mundo de imaginativas asociaciones. Aquí, es obvio el sarcasmo que
nográficas, un cierto desenfado naif, el gusto por la reiteración gráfica, hace de su obra algo
postula la silueta de Medellín, asolada de fogonazos, sobre la que
singular en el panorama actual de la pintura colombiana.
parece flotar el fino encaje, tratado con un primor casi artesanal.
Se ejemplariza en este cuadro una tendencia habitual en la obra de Ethel Gilmour: la alusión
Julián Posada, Alberto Sierra.
Jesús Gaviria. Catálogo El Arte en Suramericana 1994
a temas universales, plásticos o históricos, dentro de un contexto irónico y crítico. Unos 137
ALEJANDRO OBREGÓN Jardín fantástico. 1976 Acrílico sobre madera 60 x 53 cm. Colección SURA Colombia
RODRIGO CALLEJAS Piel de la tierra. 1991 Óleo sobre lienzo y collage 79 x 66 cm. Colección SURA Colombia
Alejandro Obregón (1920 - 1992) “...El mayor paisajista de América contemporánea -me parece
de ser fulminado. El brillo angustiado, fulgurante, de las cosas inestables; el incendio
Alejandro Obregón. Él es quien interpreta más verazmente
repentino de una naturaleza en perpetua consunción rehabilitada por luces inesperadas,
la vocación barroca del paisaje contemporáneo. Es un
masacradas por sombras tempestuosas, por invasiones de sombra. Esto es la naturaleza
barroquismo nuevo, desde luego: barroquismo como afrenta
pintada por Obregón, legislada, sin duda alguna, por la cordillera, no cualquiera, los
Rodrigo Callejas (1938 - )
(más todavía que oposición), a lo clásico”.
Andes, y por el mar, no cualquier mar, el mar caníbal, el Caribe”. Marta Traba.
Busca el pintor en su obra, según palabras, “el rincón del paisaje que dé la intimidad
la composición. No obstante, algo que trasciende en el drama
sensual de la naturaleza...; la cañada, la vida que florece en ella, los Andes agrestes
o la denuncia late finalmente en la fuerza de sus telas. Como
“Los elementos puramente documentales, cóndor para
Obregón armoniza admirablemente en su obra los elementos “reconocibles” fuera del
y vírgenes de Antioquia. La tala, la quema, la agresión ciega de las fuerzas del
subraya un crítico, “la mirada del pintor no es derrotista: sus
el paisaje de montaña o toro –cóndor, alcatraz, mojarra,
ámbito propio de la pintura, con valores exclusivamente plásticos. El período al cual
desarrollo...”
árboles respiran y sus prados reverdecen”.
iguana, aves para la playa, aluden al significado-, jamás lo
pertenece esta obra marca la definitiva madurez del artista, en la cual ha encontrado
explica. Aluden no como símbolos intermediarios para llegar
entonces su personal manera de acercarse al mundo. Por la especial distribución de
Lo característico de esa obra es precisamente su fidelidad al tema del paisaje,
Es palpable en estas obras la tendencia creciente del artista a las
al significado, sino como fragmentos de un hecho que no se
zonas claras y oscuras, por los contrastes cromáticos y la sabia elección de los colores,
su dedicación casi absoluta a un género usualmente soslayado por las corrientes
visiones fragmentadas, a circunscribir a detalles la tradicional
cierra ni aspira a culminación alguna. Que está ahí, expuesto a
este jardín adquiere su carga fantástica. Parece así que Obregón se asoma a una
artísticas actuales, y que Callejas trabaja con un rigor expresivo y una síntesis de
perspectiva paisajista. Aquí, el suelo, con las típicas texturas que
ser derrotado y reconstruido infinitas veces y a adquirir otras
realidad que parte de una experiencia de lo real-externo y halla en la libertad expresiva
elementos formales y colorísticos absolutamente contemporáneos. Sus paisajes,
Callejas emplea, la tierra en suma, es el protagonista casi único
tantas formas. La playa puede ahondarse o replegarse. La
su presencia simbólica, única presencia auténtica.
lejos de ser contemplativos y mucho menos idílicos, muestran con vigor expresionista
del cuadro, apenas subrayado por el surgimiento de los troncos
de una naturaleza arrasada. El pintor insiste con vehemencia en una imagen a
y el jirón del cielo.
luz estallar o contraerse. El espacio es inseguro y trémulo. No es espacio, es hueco, vacío. Lo que es, pescado, pájaro, centellea fugazmente a pedazos; porque puede ser susceptible 138
Jesús Gaviria. Catálogo El Arte en Suramericana 1994
veces fragmentada, a veces ensombrecida por la presencia de aviones de combate, soldados, helicópteros, que de modo insólito se introducen en recónditos lugares de
Jesús Gaviria. Catálogo El Arte en Suramericana 1994 139
E N C U E N T R O
M É X I C O
C O L O M B I A
Lo onírico En este grupo de obras “La entrada de don Jesús Luján a la Revista Moderna” supone el ingreso del mexicano Julio Ruelas al “modernismo” y él crea una escena onírica en la que “lo fantástico y lo simbólico aluden a otros sentidos de la realidad humana”, en su obra el artista anticipa movimientos posteriores como el surrealismo; por su parte, según Lourdes Andrade, en la obra de Leonora Carrington “coinciden diversas corrientes, la de su propia tradición cultural, su mundo de infancia, y dentro del surrealismo, la tendencia anglófila y el caudal cultural de Max Ernst, quien la ayuda a definir la orientación de su producción artística y literaria”. La obra de Jorge Aristizábal propone inquietantes escenarios para el desarrollo de complejas situaciones en las que las relaciones y los conflictos son protagonistas.Finalmente las obras del Grupo Utopía de los años 80, convierten a la ciudad en motivo de reflexión, que va más alla del hecho constructivo.
LEONORA CARRINGTON Arrest. s.f. Óleo sobre lienzo 50.5 x 75.5 cm. Colección SURA México LEONORA CARRINGTON Bird bath. s.f. Óleo sobre lienzo y fibracel 65 x 81 cm. Colección SURA México
Leonora Carrington (1917 - 2011) Carrington se forma en colegios religiosos. En 1937 viaja a
internada en un asilo mental en Santander. De esta experiencia, escribe “Memorias de
París para encontrarse con el pintor surrealista Max Ernst,
abajo” motivada por André Breton. De España viaja a Lisboa y conoce a Renato Leduc,
huyendo del refinado y tranquilo entorno que rodeaba a su
diplomático mexicano, con quien se casa. Ambos se marchan a Nueva York y participa
familia en Crookhey Hall cerca de Lancaster, Inglaterra. Ahí se
con cuentos y dibujos en las publicaciones surrealistas View VVV.
une al grupo surrealista, comienza a escribir y ayuda a Ernst en la realización del diseño de escenarios para la producción de
En 1942 viene a México y obtiene la ciudadanía mexicana, poco después se divorcia de
“Ubu Roi” del Alfred Jarry.
Leduc y entabla amistad con Remedios Varo y Benjamín Peret. “El mundo mágico de los mayas” es un mural que realiza en el Museo Nacional de Antropología en 1964.
En 1938 expone con los artistas surrealistas en París y Amsterdam. Dos años más tarde, durante los inicios de la
“Arrest” es un paisaje urbano, conformado a base de perfiles superpuestos de manera
Segunda Guerra Mundial, Max Ernst es detenido y recluido
geométrica. La figura central es un personaje, mitad hombre, mitad animal que
por segunda vez. Leonora Carrington no logra su liberación
recuerda, por su hieratismo, tocado y ropaje, a los frisos asirios. El color tan llamativo y
y se marcha a España donde sufre una crisis nerviosa y es
único en todo el cuadro hace que sea la atención visual. La parte derecha es más real, en
142
ella parece que está plasmando la vida de los barrios marginados en los que suceden continuamente asaltos, crímenes y abusos de la autoridad. Pero ante todo la obra es uno de tantos de sus sueños.
“Bird Bath” demuestra como la autora está inmersa en un mundo irreal. Parece huir y renunciar al diálogo plástico con la realidad exterior.
Consuelo Fernández Ruiz
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JULIO RUELAS Entrada de Jesús Luján a La Revista Moderna. 1904 Óleo sobre lienzo 30 x 50.5 cm. Colección SURA México
Julio Ruelas (1870 -1907) Cursó sus estudios en el Instituto Científico e Industrial
y sabiduría de artista y de pintor. Ruelas es un artista que percibe y es consciente del
de Tacubaya y posteriormente en el Colegio Militar de
momento que le toca vivir, pero aún así rompe con la tradición tanto por su lenguaje
Chapultepec, el cual abandona al obtener una beca y parte para
expresivo, como por pretender claridad, propiedad y precisión.
Alemania para estudiar en la Escuela de Arte de la Universidad de Karlsruhe.
Por su sentido auténticamente realista de la existencia se relaciona, el pasado, con Goya; por expresar imágenes del subconsciente y por su fantasía es, también, una anticipación
Cuatro años después regresa a México y en 1898 participa en
del surrealismo de nuestros días y podría establecerse, además, su relación con el arte
la exposición de la Escuela de Bellas Artes y en ese mismo año
de Salvador Dalí.
un grupo de intelectuales, poetas y artistas fundan la Revista Moderna, que se convierte en la publicación de mayor prestigio
Julio Ruelas se introduce al “modernismo” con el cuadro que mayor reconocimiento le
por su representación artística y calidad literaria entre todas las
dio “Entrada de don Jesús Luján a la Revista Moderna” obra llena de simbolismo con
que se conocían en los países americanos de habla española,
la figura del centauro mayor Valenzuela y los demás grupos de figuras los organiza en
donde Ruelas contribuye de manera importante, con dibujos y
diagonales. Lo fantástico y lo simbólico es para aludir a otros sentidos de la realidad
viñetas.
humana; en el caso del mar, el cielo y las nubes estilizadas utiliza lo decorativo indicándonos que se trata de una escena del mundo poético, el creado por el artista.
En su producción artística los retratos ocupan un lugar importante, en ellos, el color es restringido, con gusto romántico en la indumentaria de otras épocas, gran realismo 144
Consuelo Fernández Ruiz
JORGE JULIÁN ARISTIZÁBAL Al final siempre sola. 1994 Óleo sobre lienzo 140 x 140 cm. Colección SURA Colombia
Jorge Julián Aristizábal (1962 - ) Los elementos de la obra de Aristizábal son autorreferenciales y aluden a una situación
Los fragmentos en apariencia absurdos permiten construir una
personal del artista, la pintura “Al final siempre sola” evoca a través de una atmósfera
narrativa de carácter simbólico.
opresiva ideas de sumisión, apareamiento y simbolismo religioso.
Julián Posada, Alberto Sierra. 145
Grupo Utopía Patricia Gómez, Jorge Gómez y Fabio Ramírez
GRUPO UTOPÍA. Planta de purificacion del rio Medellin, con edificios del Chicago tribune A. Loos y la maquina de cafe de Marcel Duchamp”. 1981 Fotomontaje coloreado 32x 32 cm. Colección SURA Colombia
GRUPO UTOPÍA. “Unité industrielle” cerca a Argos y las torres Pavda. 1981 Fotomontaje coloreado 32x 32 cm. Colección SURA Colombia
Muchos de los artistas más relevantes en el arte colombiano, estudiaron o desarrollaron sus lenguajes a partir de la arquitectura, que nutrió las más opuestas opciones. El concepto de espacio adquirido en sus aprendizajes y comprensión, llevó a varios de nuestros escultores a soluciones geométricas con un carácter constructivo por asociación de formas o en otros casos a actitudes que tocan lo minimal. Pocas veces un sentido arqueológico inspiró a algunos de ellos.
Para Jorge Mario Gómez, Patricia Gómez y Fabio Antonio Ramírez el lenguaje arquitectónico es necesario pues se trata de hacer la obra de arte como tal, manipulando y dinamizando
GRUPO UTOPÍA. “Quartier Resedentien” en alrededores conceptos sobre arte, arquitectura y urbanismo. del Aeropuerto Olaya Herrera en Medellín. 1981 Fotomontaje coloreado Sus obras exigen una lectura cuidadosa por la riqueza de las 32x 32 cm Colección SURA Colombia claves incluidas y por una toma total de conciencia de los sitios,
GRUPO UTOPÍA. De la serie Muros de Mies Van der Rohe en Barrio Triste, Medellín. 1981 Fotomontaje coloreado 32x 32 cm. Colección SURA Colombia
GRUPO UTOPÍA. De la serie Muros de Mies Van der Rohe La casa del confitero con la “A. Big Splash” de David Hockney. 1981 Fotomontaje coloreado 32 x 32 cm. Colección SURA Colombia
ciudades, o locaciones de Medellín, o el paisaje de Manaure, o la vieja estación de tren en Cali. Siempre suscitan en el público un interés nuevo, y a la vez una mirada conciliadora sobre la
GRUPO UTOPÍA. De la serie Muros de Mies Van der Rohe Jardines de Versalles y la Catedral Metropolitana, Medellín. 1981 Fotomontaje coloreado 30x 30 cm. Colección SURA Colombia
ciudad y a la vez una respuesta al presenciar mundos nuevos de cosas ya olvidadas ó que pasan desapercibidas para los demás, De esta forma, arquitectura y arte ayudan a una nueva reflexión en el arte colombiano.
Alberto Sierra
GRUPO UTOPÍA. De la serie Muros de Mies Van der Rohe y el río Medellín congelado 1981 Fotomontaje coloreado 30x 30 cm. Colección SURA Colombia
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GRUPO UTOPÍA. De la serie Muros de Mies Van der Rohe frente a la sede de Suramericana de Seguros, Medellín. 1981 Fotomontaje coloreado 32 x 32 cm. Colección SURA Colombia
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ÁLVARO BARRIOS Lo inesperado. 1995 (Del cuadro “Paisaje” 1892 de Francisco A. Cano) Impresión y collage sobre papel 81 x 45 cm. Colección SURA Colombia
Álvaro Barrios (1945 - ) Dibujante, grabador, artista y teórico de la costa caribe colombiana, ha sido un crítico incisivo y severo de la plástica nacional.
En la obra de Barrios, el comic es una obsesión desde los años sesenta en “Más tarde”, “No te muevas fea Cristina” y “Lo inesperado” está presente la unión de diversos
ÁLVARO BARRIOS No te muevas fea Cristina. 1966 Tinta y collage sobre papel 54 x 29 cm. Colección SURA Colombia
ÁLVARO BARRIOS Más tarde. 1966 Tinta y collage sobre papel 54 x 29 cm. Colección SURA Colombia
medios de representación, aquí las imágenes impresas se unen con el dibujo para crear un lenguaje nuevo que busca asumir lo gráfico como una estructura única y totalizante, ambos lenguajes se convierten en uno y construyen los nuevos “ready made” de espíritu abiertamente surrealista. Reflexión en el arte colombiano.
Alberto Sierra.
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JUAN CAMILO URIBE San José florecido. 1993 Collage sobre madera 70 x 85 cm. Colección SURA Colombia
BEATRIZ GONZÁLEZ El Remero 1992 Óleo sobre lienzo 148 x 148 cm. Colección SURA Colombia
Juan Camilo Uribe (1945 - 2005)
Beatriz González (1938 - )
A pesar de su actitud iconoclasta y burlona, la obra de Juan Camilo Uribe es una
una libertad desconocidas en nuestro medio”. En sus últimas
de las más serias y coherentes del panorama actual de la plástica colombiana. Con
épocas Uribe incorpora a su trabajo la visión tridimensional,
Artista e investigadora, González es la gran maestra del arte
Para celebrar el encuentro de Europa y América la artista selecciona al “otro” y le
aparente monotonía, basado en la reiteración de los iconos populares -casi siempre
encerrado en cajas objetos domésticos, tomados de lo cotidiano
colombiano contemporáneo y la pintora que refleja en su
confiere a través de la mirada y el poder de la representación la importancia que la
a base de collages de vivaz colorido y obvia intención kistch- el artista, que suele
popular, que solos o acompañados de sus antiguas estampas se
obra una profunda conciencia social. Su mirada respetuosa y
visión hegemónica le negó.
valerse de construcciones geométricas primarias, plantea sin dejar de reír, una visión
transforman para repetir, con nuevas posibilidades plásticas y
desesperanzada de la frágil cultura religiosa de su entorno, del mito ya inerte y vacío
conceptuales, el mensaje de su obra.
de artista de provincia, hace de esta pintura conmemorativa un homenaje reivindicativo a la humildad del Indígena que es representado en medio de un ambiente teatral. 150
Julian Posada y Alberto Sierra.
que ha tomado estérilmente el lugar de una fe moribunda. Lúcido, paciente, minucioso, su trabajo, según el crítico Eduardo Serrano “hace patente una agudeza, un humor y
Jesús Gaviria. Catálogo El Arte en Suramericana 1994 151
ANA PATRICIA PALACIOS Barca de piedras. 1990 Mixta sobre lienzo 110 x 100 cm. Colección SURA Colombia
SANTIAGO CÁRDENAS Tablero. s.f. Óleo sobre lienzo 130 x 97 cm. Colección SURA Colombia
Santiago Cárdenas (1937 -) Con la obra pictórica y gráfica de Santiago Cárdenas, lo doméstico, lo cotidiano
etc., son reproducidos con una fidelidad asombrosa siendo
encuentran en el arte un lugar donde rescatar su asombrosa presencia y por ello
su obra la manifestación de un ilusionismo que a pesar de su
mismo son elevados a su verdadera dignidad. Esta pintura que toma sus argumentos
escrupulosa adhesión a la apariencia del objeto, tiene evidentes
del Pop Art, mantiene con esa corriente del arte contemporáneo una relación distante
connotaciones conceptuales al poner, por ese procedimiento, en
y critica. Al respecto dice Germán Rubiano Caballero: “es innegable su vinculación con
cuestión la esencia misma de la realidad visual.
el Pop Art”. Sin embargo, como el caso de los mejores artistas, Cárdenas ha logrado
Ana Patricia Palacios (1961 - )
expresarse personalmente y cualquier parecido de su obra con otros trabajos, es más
Santiago Cárdenas plantea en los siguientes términos su
bien temático que conceptual. Prueba de lo anterior es la sobriedad y la contención
concepción del arte y de la función del artista: “para mí, el objeto
racional de la emoción que al artista le produce el espectáculo de lo cotidiano,
del arte en sí no es la cosa perseguida, yo no trato de hacer arte.
alejándose así de las estridencias y efectismos del arte pop. El pintor Juan Antonio
La pintura es siempre una ilusión a través de la cual el hombre trata de comprender su existencia. Yo pinto para hacerme”.
Es una artista que residió en París a finales del siglo XX. En
Esta investigación le permitió construir un universo austero con el que hoy en su obra
Roda dice: “Me parece que la pintura de Santiago Cárdenas es algo insólito en nuestro
esa ciudad y por medio de una figuración simple y directa que
alude a la autoreferenciación, la autobiografía y la simbología familiar que produce la
medio: a la exaltación tropical opone una contención y mesura cartesianas, el pudor y
alude a la naturaleza se dedicó a experimentar e investigar
soledad de los que nacen dobles.
el recato del artista que considera innecesario decir una palabra de más”.
Jesús Gaviria. Catálogo El Arte en Suramericana 1994
con materiales, pigmentos y texturas que denotan un interés particular por la materia y el hecho pictórico. 152
Julián Posada, Alberto Sierra.
Objetos tales como espejos, martillos, ganchos de ropa, cajas de cartón, tableros, 153
AGRADECIMIENTOS Banco de la República Colombia Biblioteca Luis Ángel Arango Centro Cultural Tijuana CECUT Pedro Ochoa Palacio, Director Armando García Orso, Subdirector Exposiciones Fundación Casa Museo Maestro Pedro Nel Gómez Instituto Mexiquense de Cultura Museo Felipe Santiago Gutiérrez Museo de Antioquia Ana Piedad Jaramillo Restrepo Museo Dolores Olmedo Carlos Phillips, Director Josefina García Hernández, Directora Colecciones y Servicios Educativos Adriana Jaramillo García, Directora Comunicación y Relaciones Institucionales Museo Nacional de Colombia María Victoria De Angulo de Robayo Directora Periódico El Colombiano Sala de Patrimonio Documental, Centro Cultural Biblioteca Luis Echavarría Villegas Universidad EAFIT * Alfredo Lleras Amparo de Sáenz Angela María Arbeláez Carlos Enrique Ruiz Francisco Ariza Gabriela Arciniegas Gustavo Vives Jorge Alí Triana Luis Alberto Acuña González Michel Hermelin Arbaux 154
155
CREDITOS
Con un tiraje de 2900 ejemplares. MĂŠxico D.F.