Club #60: Los signos de los tiemos

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titina PENZINI íconos gráficos 16 CARACTER wladimir zabaleta 20 pret-a- PORTER

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los signos de los tiempos

el imperio de los SENTIDOS diptyque

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futuro PERFECTO kübler + yelo + ramírez + marín

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ventana al CIELO saint laurent y mugler

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por amor al ARTE los afiches de peter stults

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tan lejos tan CERCA world tour de louis vuitton

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las HORAS pac-man + romain jerome watches

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MANIQUI colombiamoda 2012

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el ojo MECANICO libro “la palabra hecha paisaje”

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la vida es BELLA

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director general GONZALO PEÑA VELOZ directora de comercialización MARIANA BENCOMO DE PEÑA diseño y montaje WILSON DESIGN C.A. editor caracas CARLOS FLORES LEÓN-MÁRQUEZ coordinadoras ejecutivas CARMEN TOVAR / CLARISSA PERFETTI / DUBRASKA LIMA fotografía PABLO COSTANZO/ NATALIA BRAND / CARLOS FOUGUET ARON OSORIO / JULIO GAGGIA / ANIBAL MESTRE / NATASCHA LUNA JOSÉ GREGORIO ROMERO / JONATHAN FARIA redacción JOSÉ ROBERTO COPPOLA / IGNACIO ALEN / DIEGO ALEJANDRO GARCIA INGRID CONTRERAS ARIAS / NADIA GRADECKY SANTA CRUZ PATRICIA CARMONA VALLENILLA RAQUEL SEIJAS / GRACIELA MARTIN MELLIOR colaboradores TITINA PENZINI / ANGELA ORÁA LOUIS VOLTAIRE / MARVA GRIFFIN WILSHIRE asesoras de ventas CARMEN TOVAR/ KAREN DOMINGUEZ JOHANNA DE JONGH / ANNALISA LEPORE DE PEÑA / CLARISSA PERFETTI fotolito DIBARI MAC PC impresión ALTOLITHO club valencia es un producto de club de editores valencia c.a. nº ISSN: 1317-2816. nº de depósito legal: pp 200002CA855 teléfono: + 58.241.8243114 móviles: +58 414.4382330/ 414.4320868 dirección: Av. Rio Orinoco, Reda Building, Torre B, Piso 3, Oficina 9 Valencia, Venezuela. Rif: J-30653852-6 email redacción: clubmagazine@gmail.com email pautas sociales e institucionales: clubsociales@gmail.com email: clubmagazine@gmail.com web: www.issuu.com/clubmagazine blog: clubmagazinevenezuela.blogspot.com twitter: @clubmagazine - facebook: club magazine venezuela tumblr: clubmagazine

los signos de los tiempos

fotografía: pablo costanzo maquillaje y cabellos: neiza hernández modelos: mariam rodríguez y josé manuel lozano vestuario y accesorios: folli e follie tatuajes: gustavo a. mejía e ivanoska pernalete dirección creativa: gonzalo peña veloz

Arthur Brisbane

Tipografía: Helvetica [Suiza, 1957]

DISTRIBUCIÓN GRATUITA

Gonzalo y Mariana

VALENCIA: Guataparo C.C., Country Club de Valencia, Struktura, Centro Italo, Hermandad Gallega, Coffee Market, La Patisserie, Paladar, Rocotto, Palau Café, Fatua Valencia, Kokivi, La Locanda Trattoria, Hotel Hesperia WTC, Gaspard Brasserie, Ahavá y Rio Grande Country Club.

CARACAS: Antigua, Aprile, Aprilis LPG, Atar Creaciones Culinarias, Atelier Alejandro Ramírez, Atelier Liliana Ávila, Atelier Irma Contreras, Atelier Roberi Parra, Calíope, Catar, Come a Casa, Corot, Favola Ristorante, Galería Fernando Zubillaga, Galería G7, Greenella, La Guayaba Verde, Librería Kalathos, Madame Blac, Mansión Clement, Mobel, Mokambo, No Pise La Grama, Oficina No.1, Quincalla Zoco, Rustiaco Las Mercedes, Tres, Tarbay, Tawa y Zona Verde.

ROWAN STOCKS-MOORE Desde Liverpool, este diseñador gráfico ha revolucionado al mundo entero con increíbles piezas que se comercializan vía internet y en especial con una serie inspirada en los grandes clásicos de Disney. Su trabajo, caracterizado por el humor y minimalismo logra un resultado que mezcla la poesía y la emoción dándonos ganas de regresar a la infancia. [rowansm.tumblr.com] DODO BY POMELLATTO La línea creada por la legendaria casa joyera para apoyar una causa ecológica en Italia [wwf.it] y cuya imagen es el exótico pájaro Dodó, lanzó una hermosa serie -“Letterine”- que funge de perfecto regalo para los seres queridos. Se trata de una colección de pequeñas letras fabricadas en oro rosado, ideales para armar un nombre o un mensaje y regalarlo a la familia, a los amigos o a un gran amor. ¡Hacen hablar al corazón para siempre! [www.dodo.it] ART FOOD El libro “Art Food: L’Histoire de L’Art en Cuisine” escrito y producido por Valérie Abécassis y Nathalie Mandel y publicado por Éditions de La Martinière es una idea genial donde se mezclan Gastronomía, Diseño Gráfico y Arte. ¿Los invitados? Zurbarán, Caravaggio, Dalí, Chardin y Warhol, entre otros. A través de estos grandes artistas se recrea una escena, un ingrediente, un festín o algún platillo increíble. ¿Un menú? “Dejeuner sur l’herbe” de Claude Manet o “Hamburguesa Contemporánea” de Claes Oldenburg o “Apple Crumble” a-la-Cézanne. [www.editionsdelamartiniere.fr]

ICON BY GUCCI La colección de alta joyería “Icon” de Gucci, una serie de anillos que rinden homenaje al legendario logo de la casa italiana. Estos aros vienen presentados en diversos tamaños y materiales –desde oro blanco con brillantes, pasando por oro rosado o amarillo y hasta en una muy contemporánea combinación de oro blanco y corindón oscuro- siempre con la “G” y los puntos de unión que caracterizan a la lujosa firma de marroquinería fundada por Guccio Gucci en 1921 labrados en la superficie. ¡Perfectos para la hora de la logoterapia! [www.gucci.com] DIOR BY TRAFIK Original de Lyon, Francia, un talentoso y muy hip colectivo de diseñadores gráficos, tipógrafos, Djs, Vjs, programadores y escenógrafos que trabajan en la experimentación visual.

Para una exposición reciente en la Galeria Anatome en Paris, tomaron el tradicional motivo textil pied-de-poule –pata de gallo- con el que Monsieur Dior diseñó tantas prendas de vestir y lo utilizaron para intervenir jeeps, automóviles, jet-skis y hasta un Concorde en piezas gráficas que luego se vendieron en este espacio de arte. [www.lavitrinedetrafik.fr] T DE NEW YORK TIMES La T de Times, T de Titina, que distingue a la revista Style del New York Times, es la misma utilizada en el nombre del importante periódico y proviene de la fuente o tipografía Blackletter –también conocida en variaciones como Old English, Gothic o Fraktur- y se vió por primera vez en la Biblia impresa de Güttenberg. Esta ancestral tipografía –o alguna de sus descendientes- también es utilizada por el diario “Los Angeles Times”, cerveza “Corona” y el parque Disneyland, entre otros. [nytimes.com]

CARACTER

mariana bencomo de peña [clubmariana@yahoo.com] fotos: carlos fouguet [fouguet@gmail.com]

Wladimir Zabaleta

En el país de los sueños

Entrar al estudio de un artista suele ser una de las sensaciones más extrañas que le pueden ocurrir a una persona. Y digo extrañas o raras, porque te sientes libre mientras estas encerrado en un espacio real y limitado de paredes blancas, porque se ve iluminado todo aunque no entre luz por las ventanas, porque hay creación aunque no estés en medio de la naturaleza. Es una especie de contra sentido porque el aire libre, el espacio abierto repleto de flores o de nieve, el mar así sea oyéndolo de lejos, siempre han sido los lugares que gravitan como motivadores del espíritu.

Sin embargo, la síntesis creadora de un artista se presiente en su estudio y esta forma humana de expresión diseñada con sensibilidad es tan emocionante como el sonido de ese mar salvaje que una vez descubrí montada en un peñero hacia una de esas playas con nombre de cacao que aparecen en Choroní.

Sentado en su estudio, con el pincel en la mano, encontré a Wladimir Zabaleta, amable y vital como siempre, pintando tan apasionado a la Menina, la reina Mariana de Austria. Su emoción me hizo sentir -por momentos- que estaba haciendo su primer cuadro. Me encontré frente a un ser entregado, absolutamente coherente, con una búsqueda iniciada hace más de cincuenta años a las orillas del río Cabriales de su Valencia natal. Sobre esa arena movediza que puede tragarse a cualquier habitante de esta ciudad, germinó un artista apoyado por otro que en su momento vislumbró su talento, el maestro Braulio Salazar. A partir de ese momento, no hubo más dudas, Zabaleta siguió estudios formales de pintura en la Escuela de Artes Plásticas Arturo Michelena, viaja a México para instruirse sobre las culturas mesoamericanas; luego en Madrid entra en contacto con el Renacimiento y el Barroco, a través

de la obra de Goya, Velázquez y Zurbarán; también llega a París de la mano del maestro Cruz Diez, quien lo introduce en el mundo del arte cinético y trabaja en el Taller de Obras Múltiples adscrito a la Galería de Denise René. Se establece por un tiempo en San Felipe donde se empeña en encontrar sus fallidas raíces africanas haciendo unos fabulosos Tótems definidos por él mismo como “su paroxismo local, la idiosincrasia del espacio con su magia y las fuerzas telúricas”. Es precisamente en este momento cuando se desprende del academicismo para iniciar la búsqueda de un lenguaje plástico propio.

Regresa a España en 1980 y allí se produce la gran definición de su pintura que ocupa las tres décadas siguientes. Se dedica a estudiar a Diego Velázquez y sus meninas: la reina Mariana y la infanta Margarita. En esta iconografía encuentra el juego de ficciones unida al sueño y logra hacer salir la imagen del cuadro para que se integre al espacio físico.

Esa figura central –la Menina- suspendida en el aire, flota rodeada de peces y estrellas que aparecen y desaparecen de acuerdo al pincel que prefiera el artista.

Wladimir Zabaleta ha sido un obstinado estudioso de las artes plásticas en todas sus dimensiones y, con ese bagaje cultural logra una libre y segura expresión de lo formal transformado en sueño.

Casado con Cristina Chazín de Zabaleta, quien ha sido su aliada en el arte y en el amor; satisfecho y orgulloso de sus dos hijos: Teodoro y Wladimir; activo promotor cultural y hasta golfista, nuestro pintor de Meninas ha recibido casi todos los reconocimientos de su ciudad del Cabriales, pero sigue haciendo lo que más le hace feliz: PINTAR.

Cuando era pequeño acostumbraba a… andar por el río Cabriales y dibujar en la arena.

Cuando cumplí veinte años pensaba en… ser un pintor de éxito y me gané el premio Andrés Pérez Mujica.

Siempre me ha gustado… la belleza, los griegos, Velázquez, Homero, Cervantes.

Mi padre… inventó una pared muy alta para que yo la brincara. Tenía ideas de grandeza.

Mi madre… la vitalidad, la tierra, lo cotidiano.

Cristina es... una mujer que puede hacer un imperio. Firme en lo que quiere.

Mis hijos son.. Teodoro, un poeta y Wladimir, mi hijo menor a quien tanto quiero.

El mundo es... una maravilla, donde el transito es lo mas hermoso.

Latinoamérica es... una forma libre de ser parte del Occidente.

Venezuela es… el mejor pueblo de occidente. Me encanta ser venezolano y los venezolanos.

Valencia... me acogió y me ayudó a crecer. Yo soy un valenciano típico. He recibido lo mejor ella. Siempre vuelvo a Valencia.

San Felipe es... un gran experimento, vital y académico.

Nueva York... la mejor ciudad donde me he sentido en la tierra. No hay discriminación, ni techo.

Una imagen... un tipo solo con un pincel en la mano.

El arte es… la mas grande aventura del espíritu. Como un mapa del alma, el lado sensible del ser.

El sueño es... lo que he logrado realizar en la vida.

La primera imagen o pieza de arte que cautivó mi vista fue… la escultura “La Educación” en la plaza La Glorieta en la calle Colombia de Valencia.

La última imagen o pieza de arte que me impactó fue… el homenaje a Nuestra Señora, la escultura de acero que está en la redoma de Guaparo en Valencia. Parece hecha por otra persona.

Supe que quería ser artista cuando... era niño.

El artista venezolano es... el único localista que hace arte universal.

Los totems son... mi paroxismo por lo local. Haciéndolos descubrí que no era africano sino una persona occidental.

Las Meninas son... un elemento occidental altamente conocido trabajado con la libertad y la imaginación de un caribeño Latinoamericano.

Entre una pintura y una escultura prefiero... la parte poética de las dos disciplinas.

Reconozco a un verdadero coleccionista de arte cuando... su colección es coherente. Usa las obras para ilustrar su pensamiento.

El arte está evolucionando... al mismo lugar de siempre. La creación de nuevos pensamientos.

La vida es… un tránsito. No la puedes detener.

La creatividad es… el más hermoso de los juegos. La verdadera musa.

Caminar en un hilo mitad real y mitad irreal. Lo que más me gusta es el juego de pintar.

La fama es... buena y saludable. Mucho mejor que el olvido.

La realidad es... el más grande de los sueños. Una creación cultural.

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Cuando cumplo años me gusta... no es algo que me atrae. Me da nostalgia porque cuando era niño nunca había dinero para celebrar.

A veces me gustaría volver atrás para… no me gustaría volver atrás.

Aunque a veces lo hago en sueños.

Me prohibieron… soy el producto de aceptar y desobedecer las prohibiciones.

La vanidad es… no es mi fuerte. La mayor de las vanidades sería considerarse creador.

Un espejo es... mi peor enemigo a medida que pasa el tiempo.

La soberbia supone... no me gusta porque te hace cometer errores.

Lo primero que evalúo en una pieza de arte es… lo formal transformado en sueño.

El mundo artístico latinoamericano es particular por... el eclecticismo,

porque somos un occidente no dogmático.

Los artistas que más admiro son... Picasso, mi favorito. Y si extendemos el arte a la escritura, Jorge Luis Borges y Miguel De Cervantes han aportado más a mi obra que cualquier pintor.

El artista más importante de la historia venezolana es... el mago es Reverón, pero Alejandro Otero es la lucidez, Soto y Cruz Diez son unos monstruos.

Me gustaría tener una pieza de arte… “El Paraíso” del Tríptico “El Jardín de las Delicias” de El Bosco. También algún cuadro mágico de Wilfredo Lam. Considero mi mayor logro... estar vivo y activo a estas alturas del vuelo.

El dinero es… bueno para hacer proyectos.

La mayor satisfacción que puede tener un artista es… ser reconocido en vida, aunque sea por su familia.

Nunca salgo de casa sin llevar… el pantalón puesto.

De los cinco sentidos me inclino por… la vista, a ella le debo mi felicidad.

El sitio que más impacto me ha causado es... la catedral de Chartres en Francia.

Ahorita estoy leyendo… “Ficciones” de J.L. Borges.

La película que no olvidaré se llama... una de María Felix donde le hacen una toma en los ojos. Nunca he podido olvidar esa mirada.

Nunca visitaría… la Alemania nazi. Uno de los sitios más horribles de la historia de la humanidad.

A Venezuela le sobra… alegría y talento.

A Venezuela le falta… entrega y constancia.

Creo en... Dios, en el arte, en la gente. Creo en todo, no soy desconfiado.

Echaría a la basura… nada. A todo le busco la vuelta.

La envidia es... algo horrible.

La muerte es… la única forma de eternizarse.

Nunca es tarde para... para continuar.

Cuando enciendo el televisor me gusta ver... noticias, programas submarinos o una película mexicana.

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Me deprime... el fracaso.

Me emociona... el triunfo.

Nunca me atrevería a… hacer cátedra de lo que no conozco.

Puedo escuchar mil veces... La Quinta Sinfonía de Beethoven.

Nunca vacilaría en… volver a ser pintor.

Me gusta… profundamente, la creación artística.

Me dan miedo… las dictaduras.

Rezo por... mi familia y mis muertos.

La cualidad más importante que debe tener una persona es... la honestidad consigo misma.

Me considero una persona… amante de la cultura.

Todos deberíamos aprender... a aprender.

Si un genio me concediera tres deseos, serían… tener otra vez catorce años y empezar de nuevo, que mi ciudad fuera un gran centro de arte y que los pobres dejen de ser pobres.

Si escribiera una autobiografía, llevaría por título... La historia de una aventura.

Si me defino con una palabra, diría que soy... dado, entregado.

el objeto de mi AFECTO

[@clubmagazine]

palm springs

Vestido Delcar [marykatranzou.com], zapatos Carina [charlotteolympia.com] y clutch Dice [dvf.com]

frutas rojas

Eau de toilette “Dot” [marcjacobs.com]

arte óptico

Lámpara de pared “Nuage” x Philippe Nigro [foscarini.com]

fiebre estampada

Top y falda [hollyfulton.com], zapatos [nicholaskirkwood.com] y clutch “Mimosa” [dvf.com]

joyas marinas inspiración africana

taburetes “Dala” x Stephen Burks [dedon.de]

Brazaletes en plata y piel de mantarraya [francescaromanaborruso.com]

anti ruido

Paneles “Bit Sound” x Anya Sebton [abstracta.se]

futuro cromático

hiper DESIGN

Pulseras Serie “Caramelo 21” [mec.com.ve]

secreto guardado

Secreter “Destiny” [jeanmarcgady.com – fort-royal.com]

naranja holandesa

Sofá “Boutique Delft” x Marcel Wanders [moooi.com]

edición limitada

Gabinete “Pixel” x Pedro Sousa [bocadolobo.com]

prêt-à- PORTER

gonzalo peña veloz

Diseño sobre la piel

Los signos de los tiempos Cuando el explorador Sir Joseph Banks desembarcó en Samoa, como parte de la tripulación que acompañaba al capitán James Cook en el HMS Endeavour a finales del siglo XVIII, notó con impresión unas marcas en la piel de los aborígenes de la isla del Pacífico. Entre señas y ruidos comunicacionales logró averiguar que los nativos se marcaban estos símbolos y figuras en la epidermis de acuerdo a la imagen que deseaban proyectar en la comunidad, es decir, se encontró con que el cuerpo era un instrumento de comunicación no verbal -y muy contundente- que ayudaba a descifrar el “grito de guerra” del portador a través de dibujos.

Igualmente, asentó en sus diarios que dichos gráficos eran denominados “Tatau” en el lenguaje de los nativos de las Islas Polinesias. Es así como la palabra evolucionó en su paso al idioma inglés y posteriormente insertada en el Diccionario de Oxford como “Tattoo” para acercarse al sonido fonético de su origen.

Desde que el mundo es mundo, como dicen los sabios, el ser humano ha experimentado con innumerables maneras de interacción social a través de la expresión artística. Viajando hacia atrás en el tiempo, vemos los impresionantes dibujos en las paredes de las cuevas de Altamira, los frisos de El Partenón en Grecia, los frescos de Luca Signorelli y El Sodoma en el Monasterio Monte Olivetto Maggiore, el tríptico “El Jardín de las Delicias” de Jerónimo Bosch “El Bosco”, los frescos de Michelangelo en la Capilla Sistina, el cuadro “La Libertad guiando al pueblo” de Eugène Delacroix, la obra entera del francés Jean-Francois Millet y el norteamericano Edward Hopper, el famoso “Guernica” de Picasso, las fotos de Robert Cappa o Henri Cartier-Bresson, las piezas de Diseño Gráfico de Paul Rand y Bradbury Thompson, la instalación “La extracción de la pieza de la locura” de Javier Téllez, la pieza multimedia “Take care of yourself” de Sophie Calle, el arte urbano de Banksy, Mr. Brainwash y Shepard Fairey y pare de contar.

Nos atrevemos a añadir a esta lista de grandes, las intervenciones artísticas que la

gente hace de las fotografías que toma y luego transmite a través de Instagram, una red social donde la cotidianidad se convierte en una especie de creación plástica. Exactamente lo mismo sucede con el tatuaje.

Ese arte de grabar motivos diversos sobre la piel fue traído desde el Lejano Oriente por los marineros que viajaban con flotas navales o mercantiles, muchos años después de ese primer viaje de Cook y Banks, y fue así comenzó a popularizarse en este hemisferio como propuesta estética porque llamaban la atención esas exóticas piezas de diseño gráfico estampadas con tinta indeleble e implantadas en la dermis --en brazos, pechos, piernas y hasta más allá- con símbolos y signos que se fueron “occidentalizando” y extendiendo a palabras, pensamientos e íconos propios de estos lares. Vemos entonces como el cuerpo se convirtió, a través del tattoo, en una especie de manifiesto personal, en un lienzo infinito lleno de individualidad y de mucho trabajo artístico que “decora” la humanidad de quien lo lleva y emite un mensaje significativo al entorno próximo a través de lo estético. Con el paso del tiempo este fenómeno artístico se fue transformando en todo un movimiento cultural con un estilo de vida propio y un espacio importante dentro de la vida urbana.

En fin, todo lo que configura nuestro presente se basa en una forma de expresión, en una experiencia pasada, en una manera de comunicar al mundo la realidad que nos rodea, de plantear un punto de vista, de emitir nuestra opinión. Y es que cada vez más, el arte es más accesible a todos, integrándose a nuestro día a día y convirtiéndose en un contundente testimonio del presente que vivimos y el futuro que observarán otros. Así lo verán en las próximas páginas, en unas desafiantes imágenes captadas por el lente de Pablo Costanzo que quedarán grabadas en nuestra mente tal y como una serie de tatuajes queda impresa sobre la piel.

Profunda. Contundente. Para siempre.

Fotografía: Pablo Costanzo [@PabloACostanzo - pablocostanzo.blogspot.com] / Dirección creativa y producción: Gonzalo Peña Veloz [@SelektorG] Maquillaje y Cabellos: Neiza Hernández [@neiza05] / Tatuajes: Gustavo A. Mejía e Ivanoska Pernalette / Modelos: Mariam Rodríguez [@mariamvioleta] de Alexander’s Model Agency [@EMLV_2012], José Manuel Lozano [@makarewicz1] de Garbo & Class Caracas y José Ricardo Real de Emo Model Management [@EmoModelMgmt] Vestuario: Piezas importadas por Folli e Follie [@Follie89], Candy&Roll [@candyandroll] y SalBaut [@SalBaut] / Accesorios: Del+Allá [@FatuaValencia], Folli e Follie [@Follie89] y Jungle Chick [@JungleChick2008] / Zapatos: Grupo San Miguel [+58 241 8328787] y Jeffrey Campbell [@JCshoes] / Asistente de Producción: Dubraska Lima Catering: Coffee Market Valencia [@coffeemkt] / Agradecimientos: Jacqueline Aguilera, Amulio Pigorini, Liliam de Sardone, Nicole Sardone, Cristian Palmisano e Ignacio Alen.

JosĂŠ Manuel Tatuajes por Gustavo A. MejĂ­a e Ivanoska Pernalete

Mariam Total Look Folli e Follie

JosĂŠ Manuel Tatuajes por Gustavo A. MejĂ­a e Ivanoska Pernalete

José Manuel Boxer briefs Emporio Armani, Pulseras Del+Allá y zapatos Converse Mariam Vestido, anillo y brazaletes Folli e Follie, Zapatos Converse José Ricardo Briefs CK, zapatos Converse

Mariam Bodysuit Folli e Follie, pulseras y gargantilla Del+Allá, anillos Folli e Follie y zapatos Maria Pizzolla José Manuel Boxer briefs Emporio Armani, Pulseras Del+Allá y zapatos Hummer Sport

Mariam Pulseras Del+Allá José Manuel Muñequera JungleChick

Mariam Total look Folli e Follie

Mariam Vestido Candy&Roll, Tocado Folli e Follie JosĂŠ Ricardo Franela Candy&Roll

Mariam Vestido Candy&Roll, pulseras Del+Allá, collar y cola Folli e Follie, zapatos Jeffrey Campbell José Manuel Pantalón Ninja Candy&Roll, pulseras Del+Allá y zapatos Jump

Jos茅 Manuel Pantal贸n Ninja Candy&Roll Mariam Top, pulsera y tocado Folli e Follie, shorts SalBaut

el imperio de los SENTIDOS

carlos flores león-márquez fotos: [www.diptyqueparis.com]

Colección “Les Invités du Trente-Quatre” de diptyque

Libertad, curiosidad, particularidad

Como si se tratara de tres duendecillos astutos que por fin lograron doblegar el látigo del conde Floressas Des Esseintes –ese amante ficticio de las listas exquisitas que creó J.-K. Huysmans en su novela Contra Natura (1884), quien además mandaba sentar en incómodos reclinatorios a sastres y zapateros para dictarles clases magistrales de corte y confección desde lo alto de una tarima–, este triunvirato de perfumistas que trabaja de cerca con la mítica maison diptyque, firma de perfumería de nicho asentada en París desde 1961, específicamente en el establecimiento número 34 del Boulevard Saint Germain, allá en el quinto arrondissement, ha venido a rendirle tributo a los cincuenta años de la casa con una colección cápsula de edición limitada, provistos de total libertad olfativa y creativa. Así fue como sus directores les dieron carta blanca en lo que han definido como “Un interludio conducido por los talentos creativos invitados para interpretar a su manera el mundo único de diptyque”. De allí que los pequeños genios que son Olivia Giacobetti, Fabrice Pellegrin y Olivier Pescheux expresaran su visión personal a través de la selección de un producto, su fragancia y empaque que sólo unos pocos tenemos el privilegio de disfrutar. Sigamos leyendo.

Olivia, hermana del famoso fotógrafo Francis Giacobetti y fundadora de ISKIA, su propia casa perfumera, se encargó de la vela aromática que tituló Curiosités; ella, que desde muy temprano se supo signada por el fuego de la perfumería, y quien a los dieciséis año conoció a Annick Goutal para al año siguiente volverse una de las asistentes de la augusta firma Robertet. Por su parte, y comisionado para la creación del eau de toilette que llamó Eau Mage, Fabrice Pellegrin recibió el don de la vida nada más y nada menos que en el corazón del mundo donde 40

nació como uno de sus elegidos: Grasse, Francia; y allí siguió los pasos de su padre, también nariz y también apasionado de este arte, “el más olvidado de todos”, como diría Huysmans, al que ha sabido imprimirle un estilo propio: afición por la naturaleza, atracción por Oriente, regusto por una breve, limpia y bien estructurada fórmula. En cuanto al último de “los invitados del treinta y cuatro”, nombre al español de esta fantástica colección aniversaria de diptyque que alude al número de su dirección física en París, Olivier Pescheux creó un agua perfumada multiusos que bautizó como Eau Particulière, amparado en su diploma del ISIPCA (Instituto Superior Internacional del Perfume de Cosmética y de la Alimentación Aromática, por sus siglas en francés, fundado en 1970 por Jean-Jacques Guerlain), e insuflado por una vocación que descubrió después de ver la película Le Sauvage en que Yves Montand funge de perfumista. Para él, para Monsieur Pescheux, “Un perfume es la materialización de una idea que debe ser transcrita con la mayor precisión y acuciosidad posibles para preservar su fuerza e integridad. El truco está en encontrar el correcto balance entre creatividad y accesibilidad”. Para nosotros, y para todo aquel que se declare en fervor de la perfumería de nicho, esta colección trasciende los altares, atiende todas las plegarias y santifica lo infinitamente mundano por cuanto no se trata de un acto de magia para cantarle cumpleaños feliz a diptyque por su medio siglo por estos mundos de Dios, sino que levita como el triunfo del credo libre de lo que el divino Huysmans llamaría “El experto, el hábil artista que domina la técnica de la perfumería, [que] no hace sino completar el inicial olor natural, al cual, por así decirlo, talla y monta lo mismo que el orfebre hace resaltar las transparencias acuosas de las piedras preciosas”.

Olivia Giacobetti

El producto: Curiosités Vela perfumada de 220grs. con esencia de ciprés de Alaska, palo de rosa, angélica seca, hojas de clavo de olor, goma de estoraque y ámbar gris.

La inspiración: El olor de un lugar “La palabra curiosidad significa algo raro y precioso. Me imaginé la fragancia de algún lugar lleno de historia y memorias del otro lado del mundo: una pieza de ámbar gris, una piedra, una flor seca, un dibujo en tinta china, una madera desconocida… El ambiente de un taller de Desmond Knox Leet, uno de los tres fundadores de la marca”.

Fabrice Pellegrin

La inspiración: Un viaje olfativo al corazón de la materia prima “Mientras más simple, más elegante y más elocuente. En diptyque, el ingrediente y su historia son a menudo el punto de partida de aventuras olfativas. Aquí el héroe de la historia es el ambroxan, una materia prima rara, de múltiples facetas. Me imagino el perfume dominado por la transparencia y el contraste, como el universo gráfico de la marca en que se mezcla el blanco y el negro”.

El producto: Eau Mage Agua de colonia de 50ml. a base de mandarina, rose oxide, ambroxan, comino, cashmeran y cypriol.

Olivier Pescheux

El producto: Eau Particulière Agua perfumada multiusos de 240ml. a base de nana menta, hespérides, bouquet de aromas, rosa turca absoluta, lirio mantequilla, pachulí, bálsamos, resinas y almizcles.

La inspiración: dyptique, el atípico “La inspiración viene de un producto emblemático de diptyque: ‘Vinaigre de Toilette’, un producto milagroso que permite perfumarse y perfumar el espacio en que se vive. Tuve ganas de conservar esa dimensión multiuso para desarrollar una agua perfumada fresca y floral a la vez, con un toque de innovación, un parfumage du linge”.

futuro PERFECTO

josé roberto coppola [www.mistercoppola.blogspot.com]

Kübler + Yelo + Ramírez + Marín

ADN gráfico

La valoración de los códigos gráficos registran la singularidad de la identidad estética. Marcan un sello ineludible. Un carácter genuino. Cada quien contabiliza su propio censo de apreciaciones visuales, su inventario de referencias en el arte, el diseño, la arquitectura, la moda, el comic, la fotografía, la pintura… De ese eclecticismo de expresiones artísticas, esas que se vuelven obsesión, pasión y admiración, y que se componen de imágenes mestizas, se crea una huella gráfica única.

Desde esa unidad de afectos estéticos, ese archivo de valencias que se aloja en la retina, el corazón y la memoria, se desarrolla un lenguaje sensible y poderoso. La tasación de todo aquello que causa embeleso y fascinación es reactiva, emotiva e imperecedera. Esos registros representan el ADN gráfico de cada sujeto, allí está acumulada, organizada y descrita toda la información que lo representa. Como si fuese un código de barras que almacenara su identidad estética. En un sumario de datos gráficos, que se vuelve archivo en el tiempo, se mezclan todos los registros visuales que se convierten en signos de carácter. Es un personalísimo stock de imágenes, un reservorio híbrido de íconos, tendencias, objetos, ilustraciones, alegorías, recuerdos, fetiches, curiosidades y 44

símbolos que en una composición aleatoria e inconsciente definen un estilo.

Muchos son los diseñadores de moda que arman colección a colección, en un proceso intimista y cargado de sensibilidad, su moodboard, su pizarra de ideas, bocetos y colores, su corcho con recortes de revistas, fotografías y sesgos de telas. Además de ese imaginario que inspira las creaciones de la temporada también tienen su colección de referencias personales: una camisa de lunares, la tapa de un disco de acetato, el color del sofá de la sala, la pila de revistas y libros de moda en su oficina, el tono de esmalte de uñas…

A la diseñadora de moda Fabiana Kübler no le falta un labial coral en su cartera, ama los estampados guatemaltecos y la modernidad arquitectónica de Zaha Hadid. Entre sus referencias la diseñadora Érika Yelo cuenta a la pluralidad y el riesgo visual de Shanghai, tiene en su clóset varios zapatos de animal print y le encanta el cinetismo del maestro Carlos Cruz-Diez. Al diseñador de moda Alejandro Ramírez le obsesionan los graffiti tanto como los tatuajes, los estampados de Pucci y las enormes esculturas de Jeff Koons. Y la diseñadora de moda Adriana Marín la inspiran las fotografías de Izima Kaoru, la osadía de Vivienne Westwood y le encanta el manga y el animé. Acá ellos dejan al descubierto parte de la información de su ADN gráfico.

josé roberto coppola

Desde la vestimentas de las tribus africanas al look de la bailarinas dentro y fuera del escenario, de las baldosas antiguas al esmalte de uñas en tonos turquesa, de Marni a Miami y su art déco. “Mi estilo es divertido, femenino y muy colorido”, asoma la diseñadora de moda Fabiana Kübler en una especie de radiografía de su estética. Ecléctica y mestiza en sus diseños, se arriesga en una alianza de patrones y mucho color. “El animal print siempre en pequeñas dosis, los estampados tribales y abstractos, las flores, los prints de acuarelas. Voy del glitter a las telas de culebras hasta el neón”.

En sus referencias visuales cuenta a la vanguardia arquitectónica de Zaha Hadid y Ludwig Mies Van Der Rohe; va de los graffiti de Nueva York, las entradas del Metro de París a la blanca arquitectura de Santorini. Y en el arte: “Me encanta Calder, Gego, Soto y Cruz-Diez”. Su Pantone de colores es muy extenso, pero jamás suelta el crema, el negro y el taupe. “Tampoco falta en la paleta de mis diseños el verde agua, el rosa palo, los tonos nude, el amarillo y el rojo”, confiesa Kübler.

A ella la seducen el grafismo intelectual de Miuccia Prada, la historia en los estampados de Pineda Covalin y la mezcla de materiales y texturas de Basil Soda. “También me encanta Etro”. En las revistas sus referencias la marcan L’Officiel, Vogue París y Elle Decor. En su inventario de referencias visuales están la tipografía de The New York Times, los bordados guatemaltecos, el estilo de la Duquesa de Windsor, las velas Diptyque, el labial tono “genial” de Chanel, Mafalda y los pañuelos estampados. Un inventario híbrido como sus diseños.

Web: www.fabianakubler.com.ve / Twitter: @FabiKubler Retrato: Aníbal Mestre / Maquillaje: Marianne Vegas Brandt

Fabiana Kübler

Érika Yelo

josé roberto coppola

La geometría étnica de las alfombras Kilim y de las Bukhara, típicas de Turquía y Uzbekistán, están entre los patterns que la seducen. “Me encanta su simetría”, confiesa la diseñadora de accesorios Érika Yelo, amante de los colores sólidos, en especial el blanco y el negro, y selectiva en los estampados que tiene en su clóset. “Me gustan las bacterias y determinadas flores y el animal print en los zapatos”, reconoce en su certeza.

En su propio inventario de preferencias gráficas Érika Yelo tiene el cinetismo del maestro Carlos Cruz-Diez, los abrigos Burberry con sus cuadros internos, el mix en las pulseras, los lentes aviator, los tonos en oro amarillo, rosa y blanco, el estilo hippie, las revistas Vogue España e In Style en su edición alemana, los monogramas de Gucci y Louis Vuitton y el atrevimiento y la diversidad visual de Shanghai.

“Otras ciudades que me fascinan son París por sus paredes con graffiti y propagandas y sus bellísimas vitrinas y Sao Paulo por su mezcla, porque es colorida, divertida y muy alegre”.

Aunque se decide casi siempre por outfits monocromáticos reconoce que le gustan los grafismos con identidad. “Me encantan firmas como Missoni, por sus tejidos, líneas y combinaciones de colores, Marni por la irreverencia y la mezclas de sus estampados y Etro por sus bacterias porque amo las bacterias”. Entre sus referencias visuales están las luces de Nueva York, el cubismo pictórico de Pablo Picasso, los tonos nude, grises y verde militar y los símbolos de la náutica como brújulas, propelas y anclas que reinterpreta en sus últimos diseños con mucha autenticidad.

Web: www.erikayelo.com /Twitter: @ErikaYelo Retrato: Julio Osorio / Maquillaje: Marianne Vegas Brandt 46

josé roberto coppola

Una aguja, una corona, una pluma, un beso, unas flores de loto, un alfiler, unos avioncitos de papel son parte del inventario de 35 tatuajes que el diseñador de moda Alejandro Ramírez se ha registrado en la piel. “Parecen muchos, pero son chiquitos”, advierte quien entre sus referencias gráficas cuenta que le encanta el naif contemporáneo del artista Jeff Koons, los estampados de Pucci y Diane Von Fürstenberg, los graffiti y las heroínas sexys de las historietas. “Me gustan Tormenta, Mystic y Jean Grey. De los comics siempre me gustaron más las mujeres”.

Su guardarropa es ecléctico y variado y está cargado de piezas de colores sólidos como de algunos prints. “Me divierto a la hora de vestirme.

En las franelas y camisas me gusta usar flores, rayas, lunares y cuadros”, reconoce Ramírez de su audacia con los estampados. Entre sus referencias en el glasé están revistas como V Magazine, ID y las versiones inglesas, italianas y francesas de Vogue. “Son mis favoritas”. Le fascina el colorido en los zapatos de Paul Smith, las fotos de David LaChapelle, Mario Testino y Terry Richardson, los wallpapers, los muebles de los años 50 y 60 y los cazoncillos de superhéroes de H&M. Le seducen tanto los estampados de Donatella Versace, como los de Marc Jacobs y Stella McCartney y algunos de Tom Ford. Cuenta en su selección variada de valores gráficos a sus Converse, a Sarah Jessica Parker, el pop nipón de Takashi Murakami, sus skinny jeans de colores, el Centro Pompidou, los monogramas de Dior y de Chanel. De las ciudades por su identidad visual: Berlín, Londres, Barcelona y Amsterdam están entre sus favoritas, aunque él se queda, sin duda, con su querida Caracas.

Facebook: www.facebook.com/golookaround Twitter: @AR_ound / Retrato: Pablo Costanzo

Alejandro Ramírez

Adriana Marín

josé roberto coppola

Desde las figuras geométricas imagina, hilván a hilván, las formas de los tejidos de cada uno de sus vestidos. “La geometría es perfecta, es la base de mi trabajo. De las formas básicas puedo crear otras formas y otros volúmenes. De allí todo lo transformo, lo cambio, es infinito”, cuenta la diseñadora de moda merideña Adriana Marín a quien le encanta el color negro, las fotografías de Izima Kaoru, Paco Peregrín y Mario Testino, los estampados abstractos, los posters, Björk y la revista Dazed & Confused que están entre sus referencias gráficas.

“Siempre me ha gustado lo futurista”.

Los límites de las influencias visuales y estéticas de Marín están bien marcados. Desde Iris Apfel a Tevi Gevinson. Del rojo al morado, del vinotinto al marrón. Y a la fusión de prints. “Ahora me encanta cómo se ven las mezclas de estampados”, asoma la diseñadora. A ella le gustan las propuestas alternativas de revistas como Neo y Wad, pero también las tendencias de Vogue. Así tanto el manga y el animé: “Como las series Death note y Cowboy Bebop”. Y en el arte: de Pollock a Picasso, de Goya a Kandinsky. “También amo el trabajo de Takashi Murakami y el de Albert Oehlen me gusta mucho”.

Los mosaicos de Oporto, los patterns florales, el desenfado de Gwen Stefani, los tatuajes, el lápiz negro para los ojos. Y en la moda Marín también tiene sus influencias ineludibles como el trabajo de formas y estampados de Alexander McQueen, la geometría conceptual de Balenciaga, la vanguardista irreductible de Vivienne Westwood y la identidad gráfica en los tejidos de la casa Missoni. Pura admiración e inspiración.

Web: adrianamarinaa.blogspot.com / Twitter: @AdriAA Retrato: Aníbal Mestre / Maquillaje: Marianne Vegas Brandt 48

ventana al CIELO

adriana matheus mirabal fotos: archivo

Saint Laurent (via @HediSlimaneTwit) y Mugler (via @Formichetti)

La metamorfosis de dos gigantes

Hedi Slimane Todos queremos ser diferentes, únicos, trascendentes, inmortales. Buscamos significado a nuestra vida y, en mayor o menor medida, siempre retamos al status quo para expresar un punto de vista, una manera de ver y vivir el mundo, una manera que es válida no sólo para nosotros, sino para nuestros semejantes.

Esa búsqueda de inmortalidad también la viven las marcas, y de eso se trata el branding, manejar los elementos de la marca –poniendo especial atención al logo– para crear un relato que conecte con el público en una escala emocional y perdure en el tiempo. Si decimos Coca-Cola y Apple ya no hace falta más explicación, todos pueden entender ese mensaje sin palabras que nos susurra: no se trata de poseer, sino de pertenecer. Lo expresa muy suscintamente la experta en marcas Marie Claude Sicard, “sin huella no hay marca, sin marca no hay huella”.

El universo donde mejor se vive el branding es la moda: caprichosa, siempre novedosa, orgullosa de su fugacidad. Las modas van y vienen (regla fundamental del sistema), pero las marcas permanecen; por un lado, las low cost que proveen el momento, por otro, las de lujo que brindan historia y relato. Estas últimas tienen la eterna obligación de satisfacer por igual a clientes, medios e inversionistas que miran con lupa cada movimiento, siempre a la espera de la próxima sorpresa. En sintonía con el vertiginoso momento actual, Yves Saint Laurent y Thierry Mugler han sido la comidilla desde el año pasado por sus atrevidas estrategias de renovación, y es que para mantener el fashion business el fashion show nunca debe acabar. Sin embargo, reclutar al diseña50

Nicola Formichetti dor del momento no es garantía de éxito, “en 13 minutos de pasarela destruiste 40 años de mi carrera”, le escribió Yves Saint Laurent a Tom Ford cuando éste dirigía la línea Rive Gauche a finales de los 90. Y la satisfacción no es sólo cifras, ya lo demostró Burberry cuando Rose Marie Bravo, en el 2003, saturó el tradicional tartán de la marca y lo convirtió en un símbolo ordinario. A pesar de los beneficios de más de 70 millones de libras ese año, tuvo que llegar Christopher Bailey para recuperar la reputación de la casa con su reinterpretación del trench.

En este sentido, la aguda escritora Ellen Grace Jones dice que “para una marca de legado, es crucial estar en el ahora, ser cultural y artísticamente relevantes, pero está la necesidad de preservar y sentirse parte de su elegancia ancestral”, y todas las temporadas son prueba de ello.

Alexander McQueen nunca se sintió cómodo en Givenchy, la casa Emanuel Ungaro tiene puertas giratorias de tanto que salen y entran directores (Giles Deacon, Estrella Archs, Lindsay Lohan), Olivier Theyskens fue la revelación del 2009 y sólo estuvo tres años en Nina Ricci. Al contrario, Raf Simons encanta en Dior, y Nicolas Ghesquière desde 1997 es un hito en la historia de Balenciaga. Definitivamente, el branding en la moda es un tema delicado en que la creatividad e inspiración de un diseñador hacen el milagro sólo si logran sintonizarse con la esencia de la marca. Botones de muestra los siguientes: Yves Saint Laurent con Hedi Slimane, quien cambió –como abreboca- nombre y tipografía, y Thierry Mugler con Nicola Formichetti, un transgresor divino cuyo capricho atinado lo llevó a poner a un “rebelde” sobre las pasarelas.

Yves Saint Laurent

adriana matheus mirabal

Hedi Slimane es el fashionista indie del lujo, siempre cercano al rock y al underground, una especie de Peter Pan de jean y cuero. En 1996, Pierre Bergé (cofundador de YSL y pareja de Saint Laurent) lo reclutó como director de la línea ready-to-wear para hombre. En 2001 se traslada a Dior Homme y cambia por completo la silueta masculina con modelos delgadísimos y aniñados, trajes ajustados y pantalones ultra pitillo que causaron tal revuelo que el señor Karl Lagerfeld perdió 40 kilos en 13 meses para poder llevar unos Slimane. En 2007 se retira de la moda y se dedica a la fotografía con exposiciones y libros incluídos.

Año 2011 y vuelve Slimane al ruedo de la moda al relevar a Stefano Pilati como director creativo de Yves Saint Laurent, y las mandíbulas no tardaron en caer: rebautiza la línea ready-to-wear como SAINT LAURENT Paris en tipografía sencilla, minimalista, y el legendario logo en cursivas YSL –creado por el diseñador Cassandre– se mantiene para líneas de maquillaje, accesorios y propósitos institucionales. Publicaciones de moda y finanzas quieren verlo para creerlo, y sólo tuvieron un comunicado de prensa y la fotografía de un par de cajas negras con el nuevo nombre rotulado en blanco.

Cambios concretos: Slimane llevará la marca desde Los Ángeles y viajará a París para pruebas y producción de las colecciones; la nueva era comienza con Primavera 2013 para hombre y Crucero 2013 para mujer, el debut femenino de Slimane. La casa decidió mantener en secreto las colecciones y descubrir los cambios poco a poco hasta el destape completo en la semana de la moda. Sólo los compradores presenciaron la nueva propuesta en los salones de la sede, se prohibieron las cámaras en el recinto y no se entregó ningún material de apoyo. Sin embargo, ya visto el nuevo logo todos esperamos líneas elegantes, siluetas modernas y sobrias a la vez. Por ahora sólo tenemos una fotografía de Gwyneth Paltrow con un bolso gris menta marca SAINT LAURENT Paris y los rumores de algunos que no pudieron guardar el secreto, y según la revista WWD, la colección es sofisticada, toques de animal print y colores fuertes que complementan una paleta de blanco, negro y gris, que en definitiva se sentirá “más exclusiva que las colecciones de Pilati”. Del 25 de septiembre al 5 de octubre todos atentos, que este año se hace historia en la Semana de la Moda de París. Es un juego peligroso, pero efectivo. Sin publicidad y sin ceremonia de lanzamiento los medios no han dejado de especular y opinar, y fascinados por el misterio las colecciones son noticia sin que se hayan mostrado. Fantasía pura. Una lectura rápida a este cambio transmite provocación y un ligero disgusto por distanciar la leyenda de la marca, sin embargo, recordemos la línea Saint Laurent Rive Gauche, que en 1966 hablaba sobre juventud, modernidad, atrevimiento y sexualidad. Éstas son las coordenadas de Slimane, quien de manera muy inteligente encontró su conexión particular con Yves Saint Laurent, imprimiéndole la irreverencia justa para colorear la marca, cuyos beneficios del año fueron 60% procedentes de los accesorios, por lo que necesitaba urgentemente una sacudida.

Web: www.ysl.com

Thierry Mugler

Thierry Mugler [1981]

adriana matheus mirabal

Angel by Thierry Mugler [1996]

El cambio de Thierry Mugler a Mugler a secas es interesante, por ser a la vez impactante y consecuente. No más a la tipografía hecha como a pincel chorreante y sí a unas mayúsculas sostenidas en trazos de avanzada. Esta marca siempre ha tenido pasarelas sensuales a la vez que modernas, y el mismo Mugler ha expandido su trabajo hacia el vídeo, la fotografía y colaboraciones en musicales, óperas y conciertos.

No es de extrañar que Nicola Formichetti fuera el heredero del relato, habiendo sido el director creativo de la revista de tendencias Dazed and Confused, y mientras dirige Mugler colabora con Vogue Japón, la revista V, la marca Uniqlo y tiene su propia pop up store, The Pineal Eye. Joël Palix, director general de Thierry Mugler, expresa muy clara la decisión de contratarlo: “Buscábamos un talento joven que le trajera energía a la marca.

Nicola es un experto multicultural y un tecnoerudito involucrado en la moda, comunicación, imagen y entretenimiento. Él y sus diseñadores designados representarán una nueva dirección de la moda francesa”.

Una característica de Nicola Formichetti como manager es el cruce de referencias. En 2009, durante una sesión fotográfica de la revista V, conoció a Lady Gaga, y desde entonces es el responsable de la imagen de la artista tanto en videoclips como en conciertos –recordemos el vestido de carne de los MTV 2010– , a un tiempo que ella es la directora musical de las pasarelas de Formichetti.

El debut de Mugler fue en Otoño-Invierno 2011 para mujer con Sebastian Peigne, veterano de Balenciaga, y con el diseñador experimental 52

Mugler [2011]

Romain Kremer en la línea masculina. Siluetas minimalistas, hombros reforzados y tono escultural futurista, transmitido en streaming. Como dijo Formichetti “es digital, nuevo, soy yo, es moda sin fronteras”.

Las prendas no causaron tanto revuelo como sus puestas en escena.

Una nave de techo alto con remixes de Lady Gaga retumbando las paredes, la propia artista mezclada entre las modelos y la aparición especial de un personaje famoso en Internet desde hace un par de años: Rick Genest, mejor conocido como Zombie Boy, canadiense tatuado de pies a cabeza como zombie, reclutado por Formichetti a través de Facebook, quien gracias a esta casualidad pasó de ser casi indigente a la imagen de Mugler hombre, con desfile en las colecciones de hombre y mujer, y una editorial en Vogue Japón. Esta iniciativa resume el método de Formichetti: no se trata de buscar un nombre de fama, sino un talento que le permita transmitir fielmente lo que le pasa por la cabeza. Cuando encontró a Zombie Boy tuvo que tramitar su pasaporte y pagar 20 mil dólares en multas acumuladas, y llegó a cambiar el tono de la colección para acercarla aun más a su nueva musa masculina. Un año después ya no choca tanto ver a este personaje trajeado en una revista de lujo. Los límites están oficialmente replanteados. Mugler es oficialmente una marca épica.

Web: www.mugler.com

por amor al ARTE

nadia gradecky santa cruz imágenes: cortesía www.colette.fr

Los afiches cinematográficos de Peter Stults

Poster Remix

¿Vio usted la recientemente estrenada película “Inception” (El Origen), protagonizada por Judy Garland y Tyrone Power?, ¿y “El Quinto Elemento”, con Sean Connery y Daniela Bianchi? Pausa.

Un momento. ¿Acaso la primera nombrada no es la película de Christopher Nolan, en que Di Caprio actúa como ladrón del subconsciente de muchos? ¿Y la segunda no es la película futurista de Luc Besson, en que actuaban Bruce Willis y Milla Jovovich? Sí, sí, sí y sí. Todas las respuestas son correctas. Y es que las dos primeras son productos del imaginario de Peter Stults; y las segundas menciones, estrenos cinematográficos de 2010 y 1997, respectivamente. Una suerte de reinvención de nuestro presente en el pasado es lo que este diseñador gráfico ha compartido a través de sus trabajos.

Aunque distanciado de la realidad, Peter Stults crea una realidad ficcionada que quizás previamente habrá surgido en la mente de más de uno, pero que es traído a la vida en forma de afiche por medio de un impecable manejo de la imagen, un ambicioso poder creativo y una fantasía inspirada en obras de otro artista. Su extenso portafolio en línea representa una oda al cine y a la música por medio de una clara reinterpretación gráfica de las imágenes que representan a ambos géneros. Su pasión por el arte se refleja en su selección cromática y tipográfica, así como en su talento ilustrativo.

En la inmensidad competitiva de su portafolio se destaca un proyecto personal sumamente curioso e interesante, que versa sobre “la idea de cómo serían las películas que nos son familiares realizadas en otra época ¿Quiénes actuaría en ellas? ¿Cómo se verían?”, conforme él mismo 54

lo describe en su site. En éste pesenta una serie de afiches de películas de actualidad con un look and feel retro. La colección, que ha sido foco de atención en diversas partes del mundo, también se convirtió en la excusa perfecta para que una boutique de culto como Colette, asentada en París, le rindiera culto al Festival de Cannes poniendo a la venta esta seductora propuesta.

La idea nació de un blog que hace unos cuantos años le pasó un amigo suyo: [http://hartter.blogspot.com/2009/11/ misc.html]. Un espacio en que el artista Sean Hatter creaba afiches de películas conocidas pero con ciertas diferencias.

Estaban re-versionadas, como si hubiesen sido filmadas en otra época. El nombre del filme permanecía intacto, los actores, en cambio, eran diferentes; el estilo en sí era diferente. Cautivado por este concepto, decidió realizar sus propias versiones de estos particulares carteles de película en que incluye aclamados directores, productores y actores de épocas anteriores.

Stults, el artista responsable de este proyecto, es oriundo del norte de California. Sus estudios superiores los hizo en medios fílmicos y digitales. Durante la universidad, para pasar el rato, él y sus amigos creaban afiches de películas inexistentes. Y años más tarde, el mercadeo de las películas modernas transformado en una pieza histórica sería su fuente de inspiración. En la actualidad, Peter Stults vive en la ciudad de Nueva York, y además de estas singulares creaciones, se dedica a trabajar en mercadeo y medios sociales, amén de hacer trabajos freelance en materia de diseño gráfico. Pero su pasión por el arte, y todo lo vinculado a éste y al diseño, no se acaba jamás.

Web www.behance.net/PeterStults Contacto flavors.me/stultsified

tan lejos tan CERCA

diego alejandro garcía [@diegoagarcia] fotos: cortesía de blue press service

World Tour: Vintage Hotel Labels from the Collection of Gaston-Louis Vuitton

La vuelta al mundo en mil stickers

No ha lugar a dudas: las carteras, maletas, bolsos y demás exquisitos artefactos de Louis Vuitton se han encargado de embellecer los viajes de quien sea que disponga de ellos. Sin embargo, aun con lo grande que ha llegado a ser esta maison deluxe, la marca ha encontrado la manera de extraer las más interesantes historias de sus objetos de culto. Luego de presentarnos las fabulosas anécdotas que resguardaban las paredes de sus más icónicos baúles, en su libro “100 Legendary Trunks”, ha optado por reunir los más curiosos cuentos que yacen en las intrigantes calcomanías pegadas en estos deliciosos cofres. Se trata de la última publicación de Louis Vuitton y Éditions Xavier Barral, “World Tour: Vintage Hotel Labels from the Collection of Gaston-Louis Vuitton”.

Francisca Mattéoli, la autora del opulento libro, se ha encargado de compilar las más fascinantes historias. Residenciada en París –desde luego, uno de los más divinos epicentros culturales del mundo–, esta escritora se ha dedicado a redactar cuentos de viajes para revistas como Traveller, Air France Magazine y la edición francesa de National Geographic. En esta ocasión, encontró y le dio segunda vida a la intrigante colección de etiquetas de hotel de Gaston-Louis Vuitton, nieto del pionero Louis Vuitton. Así, de las 3.000 pegatinas que conforman 56

este compilado, sólo 1.000 fueron escogidas para ser presentadas ante el público, por primera vez, en las páginas de esta encuadernación.

Historia que encuentra su cénit antes de la Segunda Guerra Mundial, cuando las valijas eran identificadas con calcomanías para evitar confusiones en las estaciones de tren. Los hoteles, por otro lado, las marcaban con fines promocionales. Cualquiera que haya sido su origen o propósito, lo cierto es que estas pegatinas presenciaron cada uno de los increíbles viajes que realizaban sus dueños, bien como cómplices silenciosos, bien como polizones visibles pero aceptados. Es más, los stickers por sí solos evocan un espíritu de aventura. Si no que lo digan las 512 páginas en que Mattéoli detalla 21 destinos, que siguen el recorrido de los míticos barcos a vapor, aquellos medios de transporte de principios del siglo XX que unieron tantas vidas, identidades y países.

De la misma manera, el compilado editorial abre las puertas –en un ejercicio de nostalgia por tiempos dorados– de legendarios hospedajes como el Hôtel Plaza Athénée en París o el Raffles Hotel en Singapore, puntos de encuentro de artistas, aristócratas, intelectuales, escritores y políticos de hace muchísimos años. Con todo, en el libro cobran vida los vestigios de una época en la que cada viaje era una aventura y el turismo era la evidencia del furioso progreso que tanto distinguió a aquella época.

Cuando surgió por primera vez, Louis Vuitton era un pionero en el arte de diseñar baúles. Hoy por hoy, desarrollando sus propias publicaciones, la casa se presenta nuevamente como precursora en la vasta industria que es el lujo, a un tiempo que resalta el sitial de honor que ha ocupado la literatura en su trayectoria como marca. Desde luego, el mismo Monsieur Gaston era un letrado entusiasta, ávido del conocimiento y la cultura. Fundó hasta tres sociedades para los amantes de los libros, y se mantenía en contacto perenne con editores, ilustradores y autores.

Desde su apertura en 1914, la tienda de la avenida Champs-Élysées le brindaba a su distinguida clientela un cómodo espacio destinado a la lectura. La tradición se ha regado como un exquisito veneno hacia las sedes de París, Taipei, Hong Kong, Londres y Singapore.

Con una batería de más de 60 títulos, Louis Vuitton Publishing se concentra ahora en la realización de tres colecciones orientadas: guías de ciudad, libros y literatura de viajes. Además, ha venido lanzando diversos libros que

abordan las distintas caras de esta mansión de alto lujo. De hecho, este mismo año, la marca creó su primera aplicación para iPad que diseñaron junto a Les Éditions de La Martinière, titulada como el libro mencionado anteriormente, “100 Legendary Trunks”.

Publicación que estará disponible a partir de septiembre de este año en las tiendas Louis Vuitton, en una edición limitada que viene con un mapamundi y un cuaderno con 11 calcomanías vintage. Además estará encapsulado en una caja que, tomando en cuenta el viaje en el tiempo y el espacio que es esta maravillosa pieza editorial, podríamos considerarla como un cofre de tesoros gráficos o un gabinete de curiosidades impresas.

Confesémoslo: la maison deluxe del icónico monograma nos ha dejado boquiabiertos con esta nueva entrega porque, más allá de presentar objetos y prendas increíbles temporada tras temporada, nos ha demostrado (de la manera más elegante) que tiene una invaluable trayectoria, ahíta de mística, de historia, de aventura, de sensaciones.

www.louisvuitton.com 58

las HORAS

raquel seijas fotos: www.romainjerome.ch

Pac-Man + Romain Jerome

Tiempo Retro Nadie puede acusar a Romain Jerome de no estar al tanto de los gustos de los coleccionistas. Antes fueron sus series dedicadas a hitos históricos como la llegada del hombre a la Luna y la tragedia del Titanic. Siempre sus piezas en ediciones limitadas, con polvo lunar, retazos de traje espacial o metal corroído del trasatlántico hundido.

Luego incursionó en el mundo de los videojuegos con Space Invaders y ahora se atrevió a aventurarse en el laberinto de Pac-Man, el héroe amarillo de los videojuegos que ahora se lanza en un laberinto de alta relojería, en el que sigue huyendo de los fantasmas pero se acerca a los coleccionistas.

Icono de los años ochenta, Pac-Man es obra del japonés Toru Iwatani, y desde su salida en el archipiélago nipón se convirtió en un éxito, algo que se extrapoló cuando llegó a Estados Unidos. Su nombre deriva de la fonética “pac pac” que hace el personaje al comer piezas mientras hace su inextricable recorrido por la pantalla y evade a los fantasmas.

Unas 300.000 máquinas vendidas en todo el mundo dan cuenta de la popularidad de este juego, una cifra que le valió un lugar en el Libro Guiness de Récords en 2005. El propio Iwatani ha dicho en más de una ocasión que cree que su idea caló en una gran audiencia y sigue causando interés porque se trata de un juego amigable y con un concepto muy sencillo. Desde su creación, hace 32 años hasta el presente, el pequeño héroe amarillo se ha reinventado y pasado de las tragamonedas hasta el Wii y aplicaciones para iPhones. Y ahora llegó 60

al mundo de las horas de la mano de Romain Jerome con una colección de 80 exclusivos ejemplares.

La relojera suiza reproduce el laberinto pixelado en la esfera. Para lograr el efecto tridimensional se apeló al grabado, mientras que las figuras y personajes son lacados, trabajados artesanalmente y aplicados a mano. La caja de 46mm de diámetro es de acero recubierto en PVD negro con asas reforzadas con tornillos de seguridad.

Son cuatro los modelos con 20 ejemplares cada uno que están disponibles a un precio de aproximadamente 18.000 dólares desde septiembre. En todas las versiones el héroe amarillo se encuentra en la posición de las 9 horas. En el primer modelo los cuatro fantasmas están camuflados de negro: uno en el centro, otro a la 1, y dos más a las 4 y las 7. En el segundo a la imagen anterior se le agregan 2 pares de cerezas. En la tercera versión los espectros se colorean de rosa, naranja, azul y rojo. Y en la última repiten los fantasmas multicolores pero con la adición de las cerezas (reseñado en la imagen).

Los tonos de las figuras son las mismas del videojuego. Los colores fueron escogidos originalmente por Iwatani para crear un balance visual en la pantalla. Son relojes en los que se pueden consultar las horas y los minutos gracias al movimiento de carga automática RJ001-A con una autonomía de 42 horas. Un recorrido y una vigencia de más de tres décadas. Nada mal para un héroe que salió de la visión de Iwatani cuando tomó un slice de su pizza.

MANIQUI

josé roberto coppola fotos: cortesía [colombiamoda.inexmoda.org.co]

Colombiamoda 2012

Furor gráfico

La fiebre por los estampados que han coloreado las colecciones pasarela a pasarela en París, Milán, Londres y Nueva York, no resultó esquiva en los días de Colombiamoda 2012, y fueron exhibidas con orgullo en un affair latinoamericano. Desde grafismos textiles -y una industria que lo hace posible- los diseñadores marcaron su impronta en cromos y en un mix de tonalidades, ilustraciones y patterns con verdadera identidad.

En las propuestas, la estampación en las telas de los diseñadores del país vecino traducen el color y la emoción del trópico en conceptos disímiles e ideas muy variadas. Cada salida dejaba la evocación en prints románticos, folkies, artísticos, tribales y urbanos. Una furia latina de colores y formas en diseños vanguardistas con propio lenguaje.

Desde la geometría étnica de estampados africanos y en una idea del ajuar de una mademoiselle, la diseñadora de moda Renata Lozano hizo desfilar con la colección “Más allá que acá” a mujeres con tops, vestidos y shorts con referencias del lingerie francés.

Así, las ilustraciones de las tribus de África se dejaron ver en textiles en tonos lila, amarillo neón, coral y negro, y se aliaban a encajes y transparencias en una apuesta elegante y seductora.

Por su parte el diseñador Carlos Polite exhibió en pasarela un ejército de majas modernas. Utilizó patterns de rosas azules y otros de diseño más abstracto en su colección “Mari Mari bienvenue” que combinó con hombreras militares, en una idea con referencias 62

religiosas y de estética sado. Otra apuesta fue la del diseñador mexicano Christian Cota que tradujo el folk azteca en los prints de sus textiles que mezcló con tejidos típicos.

Plástica y artística fue la idea de la diseñadora paisa Isabel Henao que creó por primera vez en su carrera sus propios textiles.

“Desarrollamos las telas con acuarelas y tintas de agua que luego digitalizamos y empezamos a controlar en términos de colores”, contó desde el backstage de Colombiamoda. Inspirada en el pintor estadounidense Cy Twombly y su abstraccionismo poético y primitivo, desarrolló para su colección “Cy” estampados expresivos con mucha sensibilidad que alternó con otros grafismos cinéticos.

El desfile del diseñador Daniel Hoyos de la firma Divino, se desbordó en frenesí con cada salida. Una apuesta callejera y agresiva de su colección “Furia animal” en la que mezcló estampados de panteras, estrellas, colores neón y telas como tratadas con graffiti, pintura y aerosol. Desde su propia fantasía la pasarela de Leal-Daccarett, la dupla formada por Francisco Leal y Karen Daccarett, imaginó con su colección “Ghetta” a mujeres que recuerdan Barbarellas con trajes que mezclan neopreno, tul y cuero con estampados florales y geométricos. Una propuesta onírica y futurista que se unió al furor gráfico que se vio este año en los días de Colombiamoda.

Renata Lozano [@renatalozanom]

Carlos Polite [@firmapolite]

Christian Cota [@christiancota]

Isabel Henao [@isabelhenao]

Daniel Hoyos [@divino1983]

Leal-Daccarett [@lealdaccarett]

el ojo MECANICO

carlos flores león-márquez [@carlosfloreslm]

Libro “La Palabra hecha Paisaje” de José Alfredo Sabatino Pizzolante

La imagen en el tiempo

Cuando Amélie Nothomb asegura en uno de sus libros (de carácter autobiográfico) que los lugares de nacimiento son absurdos, sobre todo cuando alguien se ha vuelto un ejemplar humano excepcional que en nada se corresponde con el pueblo en que vio la luz, se tiene la asustadiza sensación de que tales palabras son un veredicto.

Y asustadiza porque se supone que se ama el terruño, que hay que amar el terruño, por lo que la comunión de pensamiento puede pecar de alta traición.

Algo así hemos experimentado los que, nacidos en Puerto Cabello, sólo conocemos el poco espléndido presente que sobrevive la ciudad, y del que dista tantísimo de los relatos familiares sobre una urbe marinera por la que entró lo mejor de lo mejor y que supo del progreso como ninguna otra en las cuatro esquinas a la redonda. Sin embargo, esa borrosa imagen apenas vívida en los recuerdos ha venido a reforzarla este hermoso libro de postales que José Alfredo “Pepe” Sabatino Pizzolante ha conjurado maravillosamente bajo el auspicio de su propio bufete y de la Fundación Bancaribe –ambos con marcado origen portocabellense–, por cuanto 64

arroja pruebas plurales y consistentes de que sí fue un enclave imponente, impetuoso, increíble, importante.

Abogado de la Universidad de Carabobo y con posgrados en Administración de Puertos y Derecho Marítimo en la Universidad de Gales, Reino Unido, docente universitario y miembro de la Academia de Historia del Estado Carabobo, Sabatino Pizzolante ha sido un coleccionista puntilloso de postales relativas a Puerto Cabello desde hace muchos años, mismas que van desde 1880 hasta el presente, por lo que quiso, conjugando cartofilia con historia en “La Palabra hecha Paisaje”, homenajear la evolución urbana del Puerto en su bicentenario como ciudad. “El número 200 de las postales incorporadas no es casual: está referido al bicentenario de la elevación de Puerto Cabello a ciudad, hecho acaecido el 5 de agosto de 1811. El bicentenario se convirtió en una excusa para nosotros darle forma al libro, como un obsequio de nuestra familia a la ciudad que recibió a nuestros antepasados a finales del siglo XIX y principios del siguiente”, confiere el autor.

Y si bien la escogencia se tornó complicada por tener que ajustarse al número conmemorativo, dejando por fuera muchas otras y atendiendo a la belleza de la viñeta y el interés que la misma tarjeta revestía en su carácter histórico, al final no sólo devino en muestra representativa de hermosas vistas, sino también en un suculento inventario sobre la historia de las postales y, en especial, de los fotógrafos y editores de éstas en la ciudad costera carabobeña. Desde este punto de vista, avisa “Pepe”, el libro está dirigido tanto al lector no conocedor del tema como al especialista, quien encontrará en el catálogo descriptivo (incluido al final) mayores detalles sobre las postales publicadas. “Así, la selección comprende tempranas tarjetas conocidas como enteros postales que no tienen imágenes en el anverso, tarjetas coloreadas también llamadas iluminadas, tarjetas del tipo fotografía real en blanco y negro, entre muchas otras”.

Con Julio Bolívar como editor y Ricardo Limongi como director de arte, Iván Darío Sabatino Pizzolante como socio y hermano, al tiempo que bajo las sugerencias del Dr. Carlos Hernández Delfino en tanto presidente de la fundación copatrocinante, José Alfredo confiesa que la definición de los temas abordados fue quizá uno de los aspectos más complejos, ya que no sólo se trataba de exponer las postales, sino también de que su presentación respondiera a cierta organicidad, razón por la cual las agruparon en capítulos que permitieran la incorporación de las imágenes en la descripción de la evolución urbana; con la excepción del capítulo inicial dedicado a Henrique Avril, genial fotógrafo barinés de origen francés que vivió en el Puerto durante las primeras décadas del siglo XX, y cuyas imágenes serán incorporadas a muchas de las postales porteñas.

Tarea en la que una sensibilidad especial por el diseño gráfico –expresada en el buen uso del espacio negativo (los blancos que tanto propician y descansan la lectura), sobre todo en un libro de perfil histórico y de

postales– confabuló en una compaginación estupenda. “El crédito – concede “Pepe”– corresponde tanto al editor como al diseñador gráfico.

De hecho, este fue un punto de gran discusión, pues el suscrito era de la idea que debía jugarse más con elementos extraídos de las postales tales como matasellos, estampillas, etc., para animar los espacios blancos.

Menos mal el editor se impuso. Al final debo admitir que el blanco y la sencillez en el diseño realzaron definitivamente las postales”.

Contrario a lo que pudiera pensarse una vez hojeado el libro, que rezuma precisión, determinación, documentación, el proceso de escritura de “La Palabra hecha Paisaje” siguió a la imagen; hasta cierto punto estuvo condicionado por ésta y no al revés. Es decir, se hizo (quizá Sabatino Pizzolante se dé cuenta ahora) como se hacía y se hace una postal: primero acude la imagen y luego llegan las palabras. He allí su portada, una hermosísima vista de la tradicional Bendición del Mar hacia 1910. He allí sus muchos ángulos del famoso hotel Los Baños, de “Una ciudad que se retrató en un hotel a la orilla del agua y fue casi su único símbolo

hasta la demolición del inmueble en la década de los sesenta”, como apuntaría Mireya Tabuas el 19 de agosto de este año en El Nacional a propósito del libro. He allí todas esas viñetas urbanas y humanas tironeadas por la luz del talento, siempre atento de registrar gestos, de festejar la cotidianidad en un recuadro de positivos, de dejar huella de los primeros pasos. “Ése es el sentido del título que le dimos al libro, pues en la postal el mensaje escrito es totalmente accesorio a la viñeta que adorna el anverso del cartón.

Las palabras sobran, la imagen habla prácticamente por sí sola”.

Henrique Avril, antepasado afectivo de todos los que nacimos allí, como alguna vez lo nombré por cuanto dejó impresos en sus fotos nuestro carácter, y su propio tío Italo Pizzolante Balbi, hijo ilustrísimo del “puerto azul de leyendas”, seguro bendicen esta obra en papel que más temprano que tarde trocará mirada hereditaria de un pasado de oro que nos hace repetir con lágrimas jubilosas: los lugares de nacimiento no son absurdos, menos si eres grande y quisiste nacer en Puerto Cabello.

fotos: cortesía de sabatino pizzolante abogados marítimos & comerciales 66

METROPOLIS

patricia carmona vallenilla [@patycarmona] fotos: natalia brand

Marquetería y Galería La Cañuela

Un espacio para el arte

Pocos se fijan en la totalidad de la belleza de una pintura o de una fotografía enmarcada. Generalmente nos quedamos analizando el trabajo forzoso y creativo que concluyó en ese deleite de obra, llena de tonos y trazos en los que cada uno representa algo y tiene una intención. Nos imaginamos su historia, tratamos de entenderlo, leemos su descripción, nos llenamos de ella y pasamos a la siguiente. Pero nos estamos saltando un aspecto que hace que aquella pieza esté allí, puesta con rectitud y con sobriedad en aquella pared. Una obra de arte más, pasivamente implementada con astucia: el marco.

Eduardo Gradecky y Stella Santa Cruz de Gradecky emigraron de Argentina hace muchos años para residenciarse en Caracas. Apasionados por aquella disciplina llena de ideas y emociones que es el arte, y luego de un largo período en la banca, decidieron abrir una pequeña galería y marquetería en el Centro Comercial Alto Prado. Trece años después, La Cañuela, como se llama su negocio, se ha posicionado como la marquetería con mayor variedad de cañuelas del país. Siendo también distribuidores, el establecimiento cuenta con más de mil quinientos marcos nacionales e importados, resaltando de su muestrario internacional las piezas asiáticas y españolas, importadas por ellos mismos.

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Clásicos, modernos, pintados a mano, laqueados, hojillados, anchos, delgados y hasta modelos únicos se pueden encontrar.

Esta galería ha reunido también el talento de artistas venezolanos como Ramón Chirinos, Armando Jesús Villalón, Enrique Lobo, Alexis Fernández, Jesús Guerrero y Martín Morales, por nombrar sólo algunos.

Las obras están expuestas en la galería recién remodelada, rotándose cada quince días. Además, en La Cañuela se restauran obras sobre papel y lienzo, ofrecen asesoramiento de obras y enmarcado si el cliente está indeciso, amén de que realizan composiciones de marcos y hasta contactan a artistas específicos si alguien lo requiere.

Como rezaría cualquier spot publicitario de antaño, este negocio familiar es atendido por sus encantadores dueños, y cuenta con una segunda galería en la que realizan exposiciones cada cierto tiempo y en el mismo centro comercial. Está abierta de lunes a viernes de 9:00am a 1:00pm y de 3:00pm a 7:00pm, y los sábados de 9:00am a 7:00pm. Ya le dijo la pintora francesa Séraphine de Senlis a Wilhelm Uhde, su promotor y mecenas, allá por 1930: “Si les pusieras unos marcos dorados e importantes a mis cuadros, todos se venderían”. Los Gradecky lo saben de sobra.

Direcci贸n: Av. Principal, Centro Comercial Alto Prado, Nivel PB, Local 7 Caracas, Venezuela. / Tel茅fono: 0212.9781324

las mil y una NOCHES

fotos: aron osorio

Inauguración de Hesperia Hotel y Centro de Convenciones WTC

Estreno de lujo en Valencia

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José Rodríguez -Presidente Inversiones HMR-, Henrique Salas -Gobernador del Edo. Carabobo-, Freddy Quiaro -Viceministro de Turismo de Venezuela- y Monseñor Reinaldo del Prette -Arzobispo de Valencia-

Víctor Zafer Donmez, José Ángel Esteban, Ramón Aragonez y Javier Illa de Hoteles NH Hesperia

Vicente Lozano, Gladys Valentiner y Javier Illa

Nueva planta VIP del Hotel y Sede del WTC

Laurentzi Odrionzola, María Inés Ferrero de Núñez y Luis Guillermo Núñez

Fernando Zabaleta, Daniella Vera y Tulio Hidalgo

Leopoldo Romero y Jessy Divo de Romero

Manuel Freire –Director Hesperia WTCy Alecia Franco de Ortega

Julio Castillo y María Mercedes Rodríguez de Castillo

Eduardo Alemán –Director Diario “El Carabobeño”- y Henrique Fernando Salas

Daniel Alemán y María Belén Bellera de Zabaleta

Ricardo Gaju y Omar Nottaro –American Airlines-

Cristina Sosa de Roversi y Fredy Roversi

Juan Tomé y Susana Ochoa de Tomé

Lupita Silva y Alfredo Fermín

María Antonieta Storacci de Alaimo y José Alaimo

María Jesús Onandia de García e Iraima Sánchez López

Emilio Ferrero, Gladys Valentiner y Luis Tomás Izaguirre

Claudia Delgado de Kassardjian y Adriana Pérez

Enrique Tabares y Anabella Castillo de Tabares

Gerardo Peinado, Asunción San Martin y Manuel González

Dhameliz Díaz y Juan José Schroedel

las mil y una NOCHES

fotos: aron osorio

nuit lounge en gaspard + grey goose

C’est si Bon!

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Miguel Circelli, Antonio Hernández y Stefano Failoni

Gaspard Brasserie

Dj M’en Fou [@gonzalez_man]

Mariangeles González, María Eugenia Pru y Silvia Bacalao de Espinoza

Eva Bjorgvinsdottir, Sigga Bjorgvinsdottir y Arnar Freyr Thorisson

Hernán Palacios, Patricia de Palacios y Gabriel Zabala

Osvaldo Henríquez y Glendy Escalona

Juan Ignacio García y Rosaura Piñero

Ignacio Ottati y María Cecilia Yánez

Karen Jurado de Palmisano y Cristian Palmisano

Rafael Loaiza y Katerina Cressevich de Loaiza

María Auxiliadora Bonnemaison de Oñate y Alcuz Oñate

Meyda Labarca de Díaz y Luis Fernando Díaz

Luis Miguel Molina y María Eugenia Figueroa

las mil y una NOCHES

fotos: josé gregorio romero

Inauguración Rustiaco Las Mercedes Caracas

Experiencia sobre ruedas

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Jesús Rodríguez y Elías Levy -Presidente Chrysler

Harry Levy Altman

Máximo Italiano, Luigi Italiano, María Vizzi, Vittorio Sacchetti y Luciano Sacchetti

Beatriz Monte, Ricardo Sánchez y Zeneida Sánchez

Pablo Alcaza, Maite Iglesias y Becky Bittan

Mónica Ochoa, Douglas Ochoa y David Bittan

Viviana Gibelli

Mariela Benzecry y Federico Hansen

Deive Garces y Sandra Blanco

MarĂ­a Fernanda Pulgar y Audra Blanco

las mil y una NOCHES

fotos: cortesía de boca pr

Exposición de Francisco Bassim en Adriana Hoyos Caracas

Grafito + Neopop

Flor Alicia Anzola y Carolina Parra

Aldo Lelli y Melissa Da Silva

Andrés Astorga, Audra Blanco y Rafael Borras 78

Daniel Valero y Carolina Parra

Francisco Bassim

Liliana Terán y Leonardo Martínez

Ana Sofía Tarbay, Aníbal Mestre y Vanessa Farina

las mil y una NOCHES

fotos: carlos fouguet

UNPLUGGED de @LosMesoneros via @AbstractShows

Noche indeleble en Valencia

Los Mesoneros: Andrés Sucre –Batería-, Carlos Sardi –Sintetizadores-, Andrés Belloso –Bajo-, Juan Ignacio Sucre –Voz y Guitarra- y Luis Jiménez –Voz y Guitarra80

Ricardo Salinas e Isabela Ramos

Federico Ojeda y María Verónica Betancourt

Gerardo Orense y Oriana Sutil

Juan Manuel Díaz y Adriana Mendoza

Mauricio Di Pietro y Claudia Roeder

Andrea Matos y Antonio Suanno

Edith Pandares y Marco Scarano

Valentina Pecoraro y Jessica Pecoraro

Wilfrido Del Valle y Alicia Ramos

Maurizio Zanzi, Valentina Flores, Carlos Nicolopulos y Néstor Casillas

Bárbara Jarrin, Daniela Ruiz y Fabiana De Sario

Miguel Romero, Adriana Romero y Miky Dorta

María Gabriela Ramos, Alan Daher y Marcela Ramos

María Fernanda Díaz, Oriana Sutil y María Gabriela Piccioni

Abby Martínez, Alejandro Jordan y Clarissa Perfetti

las mil y una NOCHES

fotos: carlos fouguet

@VidaBoheme en Valencia vía @36DentFest

La Fiesta del Logo

Karla Khazam y María Eugenia Figueroa

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La Vida Boheme: Rafael Pérez Medina, Daniel de Sousa, Henry D’Arthenay y Sebastián Ayala; junto a los organizadores: Jonathan Aular, Andreina Dávila y Carlos Calles

Mariana Bravo y María Fernanda Bolaños

Nathaly Lugo, Érika Lorenzo y María de los Ángeles Lares

Eugenia Perozo, Odette Bolaños y Érica Perozo

Michel Yammine y Claudia García

Néstor Sánchez y Federica López

Antonio Suanno y Jessica Pecoraro

Dj TRECE

Andreina Jordan y Eduardo Sosa

Anelise Betancourt y Kiara Beccaria

Fabiana García y Alejandro Di Pietro

la fiesta INOLVIDABLE

fotos: aron osorio

Cumpleaños de Liliusca Blasco de Bencomo en @Be_Club

Por siempre joven

Claudia Giménez de Mejías y Carlos Mejías

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Liliusca Blasco de Bencomo y Pablo Bencomo

Marybeth Acosta y Oscar Del Valle

Gloria Stoppello de Fontana y John Paul Fontana

Osbelia Parra de Blasco y Roberto Alejandro Blasco Parra

Fernando Zabaleta y Belen de Zabaleta

Arlette Del Valle de Urbina, Pedro Pablo Urbina y Liliana Mancini de Oballos

Oswaldo Bencomo y María Angélica Román de Bencomo

Juan Ernesto Sánchez Bencomo y María Andreina Ponceleon de Sánchez

Diana Gonzalez de Reveron y Cesar Reveron

Cristina Olarte de Valles y Ernesto Valles

días de GLORIA

fotos: doris días [cortesía notitarde]

Premio de Periodismo “Orel Sambrano” a Guillermo Zuloaga

Valencia Press Club por Libertad de Expresión

Edith Ruiz, Carlos Zuloaga, Laurentzi Odriozola y Lysber Ramos Sol

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Carlos Alberto Zuloaga recibió en nombre de Guillermo Zuloaga con el Premio “Orel Sambrano”

Henrique Fernando Salas y Carolina Anka de Salas

Álvaro Guánchez y Tulio Hidalgo

Dhameliz Díaz y Alfredo Fermín

Argelia Level de Mendoza y Carlos Ignacio Mendoza

Wladimir Zabaleta y Wladimir Zabaleta Chazzin

Alexander Degwitz y Daniel Degwitz

María Inés Ferrero de Núñez y Luisana Núñez de Domínguez

María Mercedes Rodríguez de Castillo, Gladys Valentiner y Gabriela Leonardi de Carrillo

Angie Randazzo de Mattioli y Charito Rojas

las mil y una NOCHES

fotos: aron osorio

Inauguración de Seguros Caracas en La Viña

Caracas en Valencia

Nueva sede de Seguros Caracas por el Estudio de Arquitectura O+B y Mobiliario Herman Miller [Modusistema.com]

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Wilfredo Soto -Gerente de Inmuebles-, Gustavo Luengo -Presidente Seguros Caracas- y Alberto Vargas -Director de Finanzas-

Nakary García, Nicolás Díaz y Gema Ruiz

Carlos Briceño, Dalila Zerpa y Alejandro Apat

Yasmira Meléndez, Estefanía Ascanio y Jessica Lucena

Bruno Franco, Marcela De Ceccarelli y Mauricio Ceccarelli

María Gabriela Colmenares, Fabiola González y Marioly Coronel

la dolce VITA

fotos: aron osorio

Boda Olarte-Zavarse

Unidos para siempre

Betsabe Pineda de Olarte y Hernando Olarte Calderón, padres del novio

Los novios, Ana Gabriela Zavarse de Olarte y Juan Pablo Olarte

Karyn Ojeda de Ecarri, Jamie Briceño y Devora Damiani 92

Arnaldo Zavarse y Ana Soto de Zavarse, padres de la novia

Damián Valle, Enedina González y Astrid Domínguez

María Fernanda Cruz y Arnaldo Zavarse

Anabelle Zavarse de Delgado y Paola de Cazorla

Andrea Zavarse de Castillo y Carlos Castillo Mattarolo

Gabriela Certad y Oscar Quintero

Pedro Farías Puchi y Carolina Rodríguez

Darwyn Rosales y Rotty de Rosales

Daniel Degwitz y Jona Maria Bjorgvinsdottir de Degwitz

Carolina Amezqueta de Amoldoni y César Amoldoni

las mil y una NOCHES

fotos: aron osorio

Preventa Segunda Temporada de Yo Soy Moda por TIC TV

La pantalla se viste de moda

Eduardo Kano

Orlando Reyes, Franco Perna y Néstor Nava 94

Alexandra Braun y Luigi Kano –Productor y presentador de “Yo Soy Moda”-

Dayana Borges -Candidata Chica HTV-

Mary Kano, Carlos Kano y Maritza Berimbao

Rhonny Ledezma y Esthefania Rojas

Víctor Piñero y Yessika Echegaray

Carlos Maestre y Lisette Cardozo de Maestre

Cindhy Castillo y Desiree Gutiérrez

las mil y una NOCHES

fotos: carlos fouguet

Runway en Nautilus Jardín Gourmet

Moda y Gastronomía al natural

Ana Martínez, Gianfranco Berardinelli, BárbaraRodríguez y Sabrina Cruz

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Gianfranco Berardinelli y María Belén Bellera de Zabaleta

Olga Fridegotto de Agosta y Carla Fano

Gaby Ramos y Diana Suárez

Laura Cabriles y Endrina Sosa

Andrea Palmisano y María Andrea Silva

Alejandro Otero y María Cecilia Thornhill

Katiuska Oliveros y Ana Oliveros

Karen Sosa, Lorena Kudary y Regina Rincones

Alejandro Dejay, Andrés Prada y Alexis Ávila

Glenda Chávez, Carolina Blanco y María Auxiliadora Solórzano

Pablo Costanzo, María Consuelo González e Ignacio Alen

la vida es BELLA

fotos: archivo biblioteca nacional de venezuela [sisbiv.bnv.gov.ve]

El cartel, afiche o póster, legendario instrumento de difusión masiva, se ha mantenido a través del tiempo como un aliado importante en las estrategias de comunicación. Desde tiempos inmemoriales ha sido una de las maneras más efectivas para transmitir información de interés para el colectivo, persuadir a una población acerca de una idea o vender un producto o servicio. Es el abrebocas promocional por excelencia. Es la imagen que nos enamora –o nos aleja- a primera vista. Es la herramienta donde el Diseño Gráfico se vuelve un gigante de la información. Venezuela ha dado al mundo grandes maestros como Santiago Pol y John Lange, entre otros, que han logrado mostrar a nivel nacional e internacional que es importante el medio para transmitir el mensaje.

Aquí vemos dos piezas producidas en 1947 –una de ellas con ilustración de Yepes- que formaron parte de la exposición “El Afiche Electoral Presidencial” realizada en 2006 en el Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez [museocruzdiez.com], en éstas se insta a la población a participar en lo que sería la primera gran elección democrática en Venezuela. 65 años más tarde, en un momento casi tan trascedente como el otro, la historia continúa, siempre apostando a la participación plural de la ciudadanía y al ejercicio de un derecho que, esperamos esta vez, nos conduzca a un camino prometedor.

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