Club #61: Sujeto/Objeto by Club Magazine Venezuela

titina PENZINI sujeto / objeto 18 CARACTER juan jose olavarria 21 pret-a- PORTER

sujeto / objeto

el club de la buena ESTRELLA la mujer vs. el maniqui

METROPOLIS moynat

el ojo MECANICO “greece” de platon

por amor al ARTE rinat shingareev

ventana al CIELO les sieff

tan lejos tan CERCA convento sant francesc

tenedores y ESTRELLAS nautilus jardin gourmet

MANIQUI lisu vega

la vida es BELLA

director general GONZALO PEÑA VELOZ directora de comercialización MARIANA BENCOMO DE PEÑA diseño y montaje WILSON DESIGN C.A. editor caracas CARLOS FLORES LEÓN-MÁRQUEZ coordinadoras ejecutivas CARMEN TOVAR / DUBRASKA LIMA fotografía PABLO COSTANZO/ NATALIA BRAND / CARLOS FOUGUET ARON OSORIO / JULIO GAGGIA / ANIBAL MESTRE / LACHLAN MCGREGOR JOSÉ GREGORIO ROMERO / JONATHAN FARIA / OSVALDO PONTON redacción JOSÉ ROBERTO COPPOLA / IGNACIO ALEN / DIEGO ALEJANDRO GARCIA INGRID CONTRERAS ARIAS / NADIA GRADECKY SANTA CRUZ PATRICIA CARMONA VALLENILLA RAQUEL SEIJAS / GRACIELA MARTIN MELLIOR colaboradores TITINA PENZINI / ANGELA ORÁA LOUIS VOLTAIRE / MARVA GRIFFIN WILSHIRE asesoras de ventas CARMEN TOVAR/ KAREN DOMINGUEZ JOHANNA DE JONGH / ANNALISA LEPORE DE PEÑA / CLARISSA PERFETTI fotolito DIBARI MAC PC impresión ALTOLITHO club valencia es un producto de club de editores valencia c.a. nº ISSN: 1317-2816. nº de depósito legal: pp 200002CA855 teléfono: + 58.241.8243114 móviles: +58 414.4382330/ 414.4320868 dirección: Av. Rio Orinoco, Reda Building, Torre B, Piso 3, Oficina 9 Valencia, Venezuela. Rif: J-30653852-6 email redacción: clubmagazine@gmail.com email pautas sociales e institucionales: clubsociales@gmail.com email: clubmagazine@gmail.com web: www.issuu.com/clubmagazine blog: clubmagazinevenezuela.blogspot.com twitter: @clubmagazine - facebook: club magazine venezuela tumblr: clubmagazine

sujeto / objeto

fotografía: lachlan mcgregor vestuario: elena saraceni [@elenasaraceni] modelo: anna baliko de storm models make up: roxy welch hair: scott webster

Sujeto: Persona o individuo con voluntad y vida propia que hace cosas, desarrolla proyectos y ejecuta acciones. Objeto: Cosa hecha por el hombre, accesorio utilitario o de carácter suntuario que fue creado para ser usado y/o manipulado a antojo porque carece de vida propia o voluntad, su existencia se somete a las decisiones de cualquier sujeto. En esta vida hay quienes deciden desempeñar uno u otro rol. Hay gente que nace, crece y, a través de la vida, descubre un propósito, una misión, una vocación en la cual se desarrolla y procura utilidad para si mismo y para la sociedad. En ellos, la esencia es vital y la creatividad un motor que estimula las iniciativas. Como todo Ying tiene su Yang, hay quienes también nacen pero la vida les lleva a “cosificarse”, a convertirse en objetos decorativos o utilitarios dentro de ese gran escenario que es la vida. En sus casos, la apariencia lo es todo porque su papel dentro de la sociedad es meramente estético. Son el adorno que hacen la cotidianidad más llevadera. Son los objetos de deseo que “venden” sueños fundamentados en lo efímero. Mientras los sujetos amasan metas a mediano o largo plazo, los objetos nos prometen la satisfacción inmediata. Mientras el sujeto se fundamenta en el intelecto y la razón, el objeto lo hace en el deseo y el instinto. Mientras el sujeto esta marcado por su vida privada, el objeto está condicionado por la apariencia y la vida pública. Este proceso de diferenciación entre los seres humanos tuvo un avance acelerado en el siglo XX y fue el Pop Art el que evidencia ese asunto y lo plantea como tema. Sin embargo, la llegada del siglo XXI ha producido dos fenómenos interesantes. El primero es que ya la relación de sumisión no la preside, necesariamente, el sujeto porque vivimos en la era en que el objeto ha adquirido una condición relevante dentro de la jerarquía social. Porque ahora “somos” en la medida que “tenemos”. La ley del deseo prevalece sobre el imperio de la razón. El consumo condiciona y caracteriza la vida contemporánea. Una dualidad algo siniestra, pero real. Eso lleva al segundo fenómeno, la creación de una nueva “estirpe” que mezcla lo mejor de estas dos condiciones en una propuesta: Sujeto/Objeto. Son aquellas personas que mantienen una vida privada, plantean ideas y proyectos, llegando a ser líderes masivos y objetos de deseo, a la misma vez, porque saben atesorar la era pop que vivimos. Saben “mutar” y adaptarse a cada nueva realidad de este mundo contemporáneo tan cambiante. La mujer, otrora considerada objeto decorativo, ha tenido que superar tantos retos y obstáculos para ocupar puestos de relevancia en el ámbito público que logra combinar los roles de Sujeto/Objeto con todos los beneficios que este doble papel concede. Aquel que logra identificar la importancia de combinar esencia y apariencia, estética y concepto, privado y público, tiene asegurado un lugar destacado en el mundo contemporáneo. No existe un área en que se haya observado más el auge de esta fusión que el de las artes, desde las plásticas hasta la culinaria, los creadores de esas propuestas interesantes que nos deleitan en galerías, cines, restaurantes u obras arquitectónicas. Algo así como Juan José Olavarría, el artista que engalana la sección “Carácter” en una entrevista presentada por Mariana Bencomo de Peña llena de agudeza y una visión interesante sobre la realidad venezolana. La que sabemos que no vemos. Titina Penzini nos regala un #Trendllage de lujo lleno de personajes que encarnan el concepto de nuestra edición. En Pret-a-Porter, José Roberto Coppola aborda la nueva colección de la diseñadora venezolana residente en Londres, Elena Saraceni quien realizó un trabajo casi artesanal y muy creativo para mostrarlo en Club Magazine. En “El Club de la Buena Estrella” cinco modelos valencianas se enfrentan al dilema de revelar su yo interior en un cuestionario lleno de cotidianidad y bellas imagenes au naturel de Pablo Costanzo. En “El Objeto de mi Afecto” las “50 sombras de Grey” no se incluyen porque se refiere a la tendencia de Blanco y Negro. En “Metrópolis” abrimos las puertas del número 348 de la rue St. Honoré en Paris para develar la historia detrás de la nueva marca ícono del lujo entre la gente que sabe de lujo: Moynat. En “El Ojo Mecánico”, Carlos Flores León-Márquez nos desnuda la memoria del fotógrafo Platon en su exhibición “Greece”. En “Por amor al arte”, Diego García nos revela el ego pop del artista ruso Rinat Shinagareev, quien ha hecho de su carrera todo un ejercicio que lleva a sujetos de relevancia internacional en objetos decorativos. En “Tan lejos tan cerca” viajamos a Cataluña donde Carlos Flores nos ilumina el entendimiento con el hermoso auditorio del Convento Sant Francesc. En “Belleza Americana” un objeto sexual por excelencia –Marilyn Monroe- se convierte en un objeto comercial mediante la alianza con MAC Cosmetics y la nueva línea que lleva su nombre. En Maniquí, admiramos el trabajo de Lisu Vega, un talento que dará mucho que hablar. En “La vida es bella” cerramos la edición con una espectacular foto de Julio Gaggia que convierte a la figura masculina como objeto y lo rodea de objetos de colección. Como siempre, todo un esfuerzo editorial por llevarles el mejor material que esté en nuestras manos y trascender a través de los proyectos, los logros, las obras y la sensibilidad humana. Un camino por descubrir la esencia detrás de la fachada. Gonzalo y Mariana

DISTRIBUCIÓN GRATUITA

VALENCIA: Guataparo C.C., Country Club de Valencia, Struktura, Centro Italo, Hermandad Gallega, Coffee Market, La Patisserie, Paladar, Rocotto, Palau Café, Fatua Valencia, Kokivi, La Locanda Trattoria, Hotel Hesperia WTC, Gaspard Brasserie, Ahavá y Rio Grande Country Club. CARACAS: Antigua, Aprile, Aprilis LPG, Atar Creaciones Culinarias, Atelier Alejandro Ramírez, Atelier Liliana Ávila, Atelier Irma Contreras, Atelier Roberi Parra, Calíope, Catar, Come a Casa, Corot, Favola Ristorante, Galería Fernando Zubillaga, Galería G7, Greenella, La Guayaba Verde, Librería Kalathos, Madame Blac, Mansión Clement, Mobel, Mokambo, No Pise La Grama, Oficina No.1, Quincalla Zoco, Rustiaco Las Mercedes, Tres, Tarbay, Tawa y Zona Verde.

CINTURÓN (1) El objeto que estiliza al sujeto en la cintura, en este caso, una cadena de rosas hecha en metal y pedrería. [prada.com] JACQUELINE BOUVIER (2) Como Jacqueline Kennedy, Primera Dama de Estados Unidos y esposa de JFK, princesa del Camelot norteamericano y mujer fetiche por excelencia de finales de los 50s y principios de los 60s pasó a ser Jackie O, el objeto femenino más codiciado de los 70s, esposa del magnate Aristoteles Onassis y objetivo de paparazzis como Ron Galella. Más adelante, tomó las riendas de su vida y utilizó su inteligencia para desempeñar un papel importante como editora de libros, trascendiendo a la historia como ícono de moda y estilo, tanto así que Gucci usó su nombre para identificar un bolso que se ha convertido en clásico. YVES SAINT LAURENT Un grande entre grandes. Icono de iconos. Sigue mas vivo que nunca. La ultima colección, diseñada por Hedi Slimane para Saint Laurent Paris fue, quizá, una parodia mal trazada de los grandes clásicos de este revolucionario de la moda. Referencias como la primera colección con su línea Trapeze, el look andrógino con sus smokings para mujeres, la inspiración en los Safaris africanos, la incorporación de elementos del Medio Oriente a sus creaciones, lo convirtieron en un protagonista del siglo XX. Con sus tiendas Rive Gauche logró convertirse en el Sujet de Mode / Objet de Désir de todas las mujeres del mundo que todavía soñamos en vestirnos con un YSL. [ysl.com] KARL LAGERFELD (7) Nacido en Alemania, siempre vestido de blanco y negro, pasará a la historia como el hombre que ha convertido el estilo en una forma de vida. Kaiser o vampiro de la moda, como quiera que se le vea, todo lo que toca es un éxito, desde las firmas de diseño por las que ha dejado su huella –Balmain, Chloé, Fendi y Chanel-, pasando por la marca que lleva su nombre, hasta el éxito masivo de la colección que diseñó para H&M. Además de ser ícono fashion, su talento como fotógrafo es internacionalmente reconocido, su exquisito gusto por la música lo han llevado a ser Dj en algunas ocasiones o a dar el toque de Midas a algún músico o banda emergente. En fin, un trendsetter, un ícono, un sujeto que crea y descubre objetos, sujetos y espacios para nuestro deleite. [karl.com] DAPHNE GUINNESS (8) “La vida es un escenario para Daphne (Guinness). Sea en funerales o en fiestas, ella siempre hace de su presencia una gran actuación”, así define el diseñador Valentino a esta rubia platinada descendiente del magnate británico de las cervezas, Arthur Guinness. Por su sangre corren genes que mezclan lo aristocrático, lo creativo y lo empresarial. Es un vivo ejemplo de sujeto/objeto porque con inteligencia y estilo ha logrado trascender más allá de su belleza. Es coleccionista de moda. Fue musa y maniquí viviente del gran Alexander McQueen, así como del vanguardista Gareth Pugh, quien la imagina para cada una de sus creaciones. No le gusta que la etiqueten, pero prefiere ser reconocida como bohemia que como extravagante. [twitter.com/TheRealDaphne]

KATE MIDDLETON, S.A.R. DUQUESA DE CAMBRIDGE (3) Esposa de William Windsor, Duque de Cambridge y heredero de la Corona inglesa, una mujer plebeya cuya belleza e inteligencia han conquistado al pueblo británico, convirtiéndose en una referencia dentro de la nueva generación de monarcas europeos. Su fresca imagen ha hecho ganar billones de Libras a la Corona y le ha dado un nuevo aire. [hrhduchesskate.blogspot.com] BIANCA BRANDOLINI D’ADDA (4) La Marisa Berenson de esta generación. De aristocrático origen italiano, desde su aparición en el “Bal des Débutantes” -2005- se ha convertido, junto a su novio Lapo Elkann –nieto de Gianni Agnelli y alto ejecutivo de FIAT- en la pareja “it” de la nobleza y el Jet-Set internacional. Su chispeante personalidad y deslumbrante belleza la convierten en sujeto/objeto del mundo contemporáneo. [twitter.com/1Bianca_B] MARISA BERENSON (5) Nacida en Nueva York como Vittoria Maria Berenson Schiaparelli, es nieta de la diseñadora y pionera de moda Elsa Schiaparelli. Como modelo –una de las musas de Yves St. Laurent- fue un ícono sin precedentes en los 60s y 70s, también ha sido actriz en películas importantes desde “Muerte en Venecia” de Visconti hasta la reciente “Yo soy el amor” de Guadagnino. Su imagen inspiró a Frida Gianinni para su colección Primavera Verano 2013 de Gucci. COCÓ CHANEL (6) La mujer que encarna el concepto Sujeto/Objeto por excelencia. Su personalidad la convirtió en objeto de pasiones desenfrenadas. Su talento la hizo referencia de estilo. Todo en ella era un símbolo, un manifiesto, un ícono: el vestidito negro o little black dress, la franela a rayas horizontales, el collar de perlas y las camelias. [chanel.com] CHRISTIAN LOUBOUTIN (10) En solo veinte años, este diseñador parisino ha revolucionado el mundo de la zapatería a nivel mundial logrando trascender como ícono de moda a través de extravagantes y llamativos diseños y, por supuesto, con una reluciente suela roja como signature de la marca. Su curioso caso es el de un sujeto que primero fue conocido a través de sus objetos. Sean sus botas, stilettos, ballerinas, plataformas o sandalias, es el favorito por excelencia de las mujeres que saben estar en el top de la tête aux pieds! [christianlouboutin.com]

CARACTER

mariana bencomo de peña [clubmariana@yahoo.com] fotos: carlos fouguet [carlosfouguet.com]

Juan José Olavarría

La ironía del olvido Dos semanas después de este 7 de octubre de 2012 -día de elecciones Presidenciales en Venezuela- escribo esta especie de presentación o introducción al cuestionario que, en vísperas de esa fecha, le hice al artista Juan José Olavarría. Estábamos en el Centro Cultural Periférico Caracas -Galpones de los Chorros- cuando le pregunté lo que, hasta en sueños, casi todos rumiábamos en nuestros pensamientos de manera repetitiva: ¿Quién crees que va a ganar? Él, sin titubear, me dijo: “Chávez”. Estoy segura que ese veredicto no es lo que él y yo queríamos, pero había una distancia entre lo que él había conocido de la otra Venezuela y lo que yo, todavía, no he visto. Se despidió diciéndome “Cuando vengas un poco más relajada a Caracas, te puedo llevar al centro y hacemos un paseo gratis en metrocable”. Por un momento pensé, sorprendida, que Juan José, venido de una familia muy valenciana con una ancestral figuración en los procesos políticos e históricos de nuestro país, se había mimetizado con esa Venezuela tan lejana para mí. Sentí que él la conocía tanto, que le era tan familiar, la entendía, la justificaba, la quería. Me dio como una especie de envidia fútil sentirlo tan sereno, apacible, seguro y si se quiere “curtido” de tanto investigar. Luego comprendí que no era un mimetismo, no era ninguna actitud relacionada con la emoción ni con la sensación que ocurre cuando casi como objetos nos adherimos a un movimiento o a una esperanza. Era un artista con la estética de la razón, más cerca de la desesperanza. Un sujeto que a partir del caos y del serio y minucioso estudio antropológico se convertía en una voz ética que plantea una discusión sobre el tema histórico-social de Venezuela y América Latina. Por instantes, recordé esa trillada frase que resurge cuando quieres olvidar un amor en esas bocas resignadas y casi vencidas “el tiempo cura todo”. En el caso político y social de los países latinoamericanos, se pudiera casi afirmar que el paso del tiempo enferma, desdibuja la memoria y crea una especie de amnesia colectiva que nos mantiene flo-

tando en un presente donde el desmemoriado no tiene capacidad de inventar el futuro. Juan José Olavarría se ha empeñado en desenterrar lo oculto y develarlo con un lenguaje visual que conjuga conocimiento, discernimiento e ironía a través de dibujos, fotografías, instalaciones, videos y esculturas que se van relacionando coherentemente para desarrollar un tema basado en episodios político-sociales. Hace ya varios años, planteó en la sala “El Anexo” de San Bernardino, el conflicto de la muerte en manos de la guerrilla “Mata que Dios perdona”, una investigación en la frontera colombo-venezolana sobre el matar, el rematar y la exhibición del cadáver como imagen y prueba de la muerte. Más adelante, con la famosa frase pronunciada por Rómulo Betancourt antes del atentado perpetrado en 1960, construyó la exhibición “Que se me quemen las manos” en la Sala Mendoza. Luego, se avoca al tema de los discapacitados (Proyecto, Fuerza y Esperanza, 2004) donde traslada el mundo del arte al mundo de la vida y así la calle se vuelve una sala de exposiciones y el investigador-artista plantea un diálogo entre buhoneros y discapacitados, reflexionando sobre sus dificultades y reclamando soluciones. En el mismísimo Centro de Arte Contemporáneo Periférico Caracas mostró “Me cambio el nombre” una exposición de dibujos, instalaciones y videos que citaba en su titulo un extracto de la frase que dijo el presidente Chávez en 1999 al referirse que en su gobierno iba a erradicar con la niñez abandonada. En el año 2003, trabaja en la creación del libro “Lina Ron Habla”, donde se refleja el apasionamiento y las contradicciones de una activista social, ícono del régimen del chavista. Más tarde, hizo la muestra-instalación del Centro Documental de la Sala Mendoza y resucita el archivo “para que esté ahí, aunque permanezca muerto”. Luego, durante dos años, Juan José estuvo haciendo junto a Ángela Bonadies un trabajo de investigación (documental y fotográfico) que titularon “Torre de David”, basado en la gigantesca construcción patrocinada por una institución financiera que pasó a manos de Fogade luego de la intervención gubernamental –a mediados de los

noventa- del grupo económico encabezado por el magnate de bancos y seguros, cuyo nombre ostenta el proyecto de investigación. La estructura abandonada, con el transcurrir del tiempo, se convirtió en el blanco perfecto para la gente necesitada de un techo bajo el cual vivir y fue así como este “elefante blanco” fue invadido paulatina y espontáneamente por esa parte de la población referida en los discursos políticos como “los olvidados”. El trabajo de investigación contrasta –dejando que imágenes y testimonios hablen por si solos- el aspecto externo de esta edificación, ícono de una Latinoamérica con potencial para el futuro con el depauperado interior donde hacen vida venezolanos de todas las edades, creencias, orientaciones, que día a día suben centenares de escalones llegando a un espacio –sin ningún tipo de servicio básico- que han llegado a llamar “hogar”. Torrecitas, fotografías y mapas son el resultado de una exhaustiva investigación que ha sido presentada de Nueva York, Madrid, Río de Janeiro, Caracas y Dubai. Un libro sobre el gran problema que es la Torre 22

de David (ruinas sobre ruinas), una cartografía de los edificios invadidos en Caracas y el comienzo de una investigación en la cárceles de Venezuela, así como un análisis sobre las comunidades encerradas –los nuevos ghettos urbanos- son los proyectos que Juan José Olavarría tiene activos en estos momentos. Su enfoque es hacer visible un problema para discutirlo a través de un ejercicio de creación colectiva, que estimule la discusión y desempolve los asuntos engavetados. Su rol, como el de muchos artistas contemporáneos reconocidos actualmente a nivel mundial, es el de mostrar la realidad de aquellos que siempre serán olvidados. Los mismos que resucitan en cada proceso electoral y apabullan con un porcentaje avasallante. Los llamados sujetos sin voz -pero con voto- que han sido objeto de tantas y tantas promesas y siguen ahí, esperando. Cuando era pequeño acostumbraba a… montarme en una mata de Guayaba. Cuando cumplí veinte años pensaba que… los adecos eran malos. Siempre me ha gustado… bucear en la playa. Mi padre… me mima. Mi madre… me ama. El mundo es... ancho y ajeno. Un país es... un paisaje. Latinoamérica es... un caos divino. Venezuela es… la anomia. Caracas es… una amante infiel. Valencia es... casi monte, casi culebra. Una imagen... Me cambio el nombre. El arte es… una manera de morir. La memoria es... no me acuerdo. La historia de Venezuela es... como Michael Jackson. Una cosa distinta a lo que realmente es. La primera imagen o pieza de arte que cautivó mi vista fue… descubrir unas revistas pornográficas escondidas detrás de la biblioteca. La última imagen o pieza de arte que me impactó fue… Catalina en topless. Supe que quería ser artista cuando... me inicié como población flotante. Hacer arte en Venezuela es… una contradicción. Entre una pintura y una instalación prefiero... la pintura de una instalación. Para conceptualizar una obra o una serie me inspiro en... Charlize Theron. Reconozco a un verdadero coleccionista de arte cuando... invierte. El arte está evolucionando hacia... la recuperación del vínculo. Una pieza es buena cuando… responde a la pregunta del “para qué?” La vida es… una tómbola. La creatividad es… el motor de la transformación. La fama es... “la suma de los malentendidos que se reúnen alrededor de un nombre”, como bien dijo el poeta Rilke. La frivolidad es... ¿Me puedes repetir la pregunta?

La realidad es... dura y cruel. Cuando cumplo años me gusta... recibir regalos. A veces me gustaría volver hacia atrás para… coger impulso. Me prohibieron… ¿Quién? La vanidad es… “todo es vanidad”, como diría Salomón. Un espejo es... una superficie que tiene la capacidad de reflejar una imagen de la realidad. La soberbia supone... arrepentimiento. La humildad significa… la claudicación del arte. Me molesta… la injusticia. Lo primero que evalúo en una pieza de arte es… su presente activo. El mundo artístico latinoamericano es particular por... su desconcierto. Me gustaría hacer una serie sobre… Dorangel Vargas. Los artistas contemporáneos que más admiro son... los que trabajan la ética por sobre la estética.

El artista más importante de la historia venezolana es... Claudio Perna. El gran artista de la humanidad es… no lo sé. Considero mi mayor logro... la amistad. El dinero es… indispensable. La mayor satisfacción que puede tener un artista es… vivir de su trabajo. Nunca salgo de casa sin llevar… “El Oráculo del Guerrero”!!! De los cinco sentidos me inclino por… el tacto. El sitio que más impacto me ha causado es... el baño del restaurant chino “Napoleón”. Ahorita estoy leyendo… Epistemologías críticas del arte actual. Bienales, Ferias y Workshops. La película que no olvidaré se llama... “El Espejo” de Andrei Tarkovski Nunca visitaría… a Wilmer Ruperti.

A Venezuela le sobra… armamento. A Venezuela le falta… ciudadanos. Creo en... Aquiles Nazoa. Echaría a la basura… a Farruco Sesto. Si vuelvo a nacer me gustaría… ¡filmarlo! La envidia es... el vidrio trasero de un autobusete caraqueño. La muerte es… una incertidumbre. Nunca es tarde para... el sexo. Cuando enciendo el televisor me gusta ver... y tener opciones Me deprime... Ricardo Arjona, Ilan Chester y Paul Gillman. Me emociona... y me embarga de satisfacción. Puedo escuchar mil veces... a Charly García y a Tom Waits. El soundtrack de mi vida incluiría…“Dame un cachito pa’huelé” de Arsenio Rodríguez. Me gustaría tener una pieza de arte hecha por… uno de los tantos imitadores de Trompiz. 24

El color que me identifica es... blanco sobre blanco. Nunca vacilaría en… opinar. Me gusta… este cuestionario. Me da miedo… saber la verdad. Sueño con… Salvador Dalí. Rezo por... vos. La cualidad más importante que debe tener una persona es... el humor. Pienso que mi sueño en la vida es… un perro andaluz. Me considero una persona… a veces. Para alcanzar la plena felicidad hay que… pagar. Todos deberíamos aprender... a aprender. Si un genio me concediera tres deseos, serían… paz, amor, salud. Si escribiera una autobiografía, llevaría por título... “Memorias de un pendejo”. Si me defino con una palabra, diría que soy... artista.

el objeto de mi AFECTO

[@clubmagazine]

duo tono

barroco darkz

Vestido [pauleka.com] bolso Chyc [ysl.com] y zapatos [marni.com]

Blusa [marykatrantzou.com] pantalones [balmain.com] y clutch 8½ [olympialetan.com]

fiebre huesuda

Franela [alexandermcqueen.com] y sneakers “Skeleton” [beandd.com]

mundo graffiti

Libro fotográfico por Banksy [colette.fr]

muñeca rayada

Brazaletes [carolinaherrera.com]

porcelana olorosa

blanco NEGRO

Velas #22 y #78 de la serie “Burlesque” [fornasetti.com – aedes.com]

música caliente

Compilación “Hot Waves 3” by Jamie Jones & Lee Foss [colette.fr – itunes.com]

retorno bauhaus

calaveras top

Sofá F 51-2 diseñado por Walter Gropius [tecta.de]

cuero geométrico

Alfombra en piel D754 diseño de Gio Ponti [molteni.it]

Zarcillos “Skull” [delfinadelettrez.com]

descanso lineal

Silla A-Line por Anya Sebton [lammhults.se]

prêt-à- PORTER

josé roberto coppola [@mistercoppola] [www.mistercoppola.blogspot.com]

El desdoblamiento de Elena Saraceni

Sujeto/Objeto

Desde el otro yo, como en una duplicación espontánea, en una auto clonación, se puede ser otro. Un yo antagonista y adversario. En ese desdoblamiento transitorio el clon del yo es desemejante, contrario, desigual, desconocido. Es una paridad dispar que se enfrenta, se reconoce y se confronta. “Yo tengo también otra parte en mi vida como diseñadora en la que yo puedo ser quien mejor me parezca cuando mejor me parezca”, asoma en su proclama personal la diseñadora de moda venezolana Elena Saraceni, ahora con base en Londres. Dual y antagónica la otra Elena, ya no es un sujeto, sino objeto de estudio de sí misma. “Como diseñadora puedo crear cualquier personaje que quiera. Ahí sale el Mister Hyde que tengo dentro, con mis deseos más ocultos, mis miedos, mis fobias…”. Así, como el reflejo del espejo que te mira y que descubre algo en ti que desconoces, Saraceni comenzó a explorarse desde su duplicidad. “Con cada nuevo proyecto encuentro algo en mí que no conocía. Yo creo que uno en la mente tiene miles de cajones. Y siempre hay algo que causa un trigger effect dentro de tu cabeza que te lleva a abrir esos cajones”. En su nueva búsqueda la diseñadora se acercó a Cakeland, el trabajo del artista norteamericano Scott Hove que imagina tortas como bestias carnívoras. “Esto me llevo a investigar agressive mimicry, que es un fenómeno en la naturaleza en el que las especies que quieren cazar se transforman en algo atractivo para sus presas para así hacer que

se acerquen y cazarlas, comérselas, matarlas. Hay especies que lo hacen para cazar, otras para defenderse y otras para esconderse de las cazadoras”. Quizás Saraceni se propuso la cacería de su otro yo o comenzó la batalla con ese yo que quería dejar de ser. Dividida como por causa de una mitosis creativa comenzó a explorar contrastes en dos diseños que van del carmín al violeta, de lo largo a lo corto, de lo geométrico a lo orgánico. Se valió del brocado de algodón, del gros de seda, del raso y del chiffon en degradé para armar las flores artesanalmente de ese jardín que parece florecer de la tela. Así creó dos mujeres. Las dos Elenas. “Hay partes en mí que son un poco dobles. Me gustan los polos opuestos y mezclar elementos antagónicos. Como ponerle curvas a las puntas de un cubo, como hacer una combinación de colores que están en lados contrarios en el círculo de color pero que van bien juntos”. Juntas, Elena y su clon, se descubren una a la otra, se contraponen y se complementan. “Mi alter ego siempre es distinto: si estoy triste trata de hacerme feliz, si estoy aburrida me divierte, si hago cosas estúpidas como ocurre la mayoría de las veces me cae a cachetadas”, confiesa su ambivalencia. “Yo siempre estoy en un balance interno”. Esas dos Elenas que se vuelven cuatro, que se vuelven ocho - “De mí siempre sale una nueva Elena, es como tener personalidades múltiples controladas”- al final se vuelven cuatro, se vuelven dos, se vuelve una.

Fotografías: Lachlan McGregor / Vestuario: Elena Saraceni [@elenasaraceni] / Modelo: Anna Baliko de Storm Models / Make Up: Roxy Welch / Hair: Scott Webster Agradecimientos: Central Saint Martins College of Arts & Design

club de la buena ESTRELLA

josé roberto coppola [@mistercoppola / www.mistercoppola.blogspot.com]

Rosa + Andrea + Isabella + Mariam + María de los Ángeles

La mujer versus el maniquí

Respiran frente a la cámara fotográfica en poses incómodas sin que se les note, sonríen hermosas ante el relampaguear tortuoso e infinito de los flashes, caminan en tacones imposibles hasta el final de la pasarela como carnada para obturadores voraces. Tienen que ser flacas, tienen que ser bellas, tienen que ser altas, tienen que ser flacas… Pareciera que no importa si el vestido pesa, si los tacones aprietan, si el calor fastidia, si las horas son muchas. Peine, lápiz de ojos, pestañas postizas. Que arqueen la espalda, estiren el cuello, sonrisa, hombros, manos a la cintura, mentón arriba… Son más que ese nombre en el papel que cuelga de la ropa en un rack en el backstage de un desfile, son más que esas chicas desaliñadas y lánguidas que salen en las polaroids, más que esos centímetros de piel que llenan los vestidos de una colección. Tienen que ser flacas, tienen que ser bellas, tienen que ser altas, tienen que ser flacas... Son más que ojos, melena, caderas, labios y piernas. Son más que ese objeto que se multiplica en periódicos, vallas, revistas y pantallas de TV. Sí, también son objeto de fantasía, envidia, fascinación, morbo y sospecha. Provocan maravilla, deseo y rabia. Las admiran tanto como las subestiman. Pero son mujeres antes que modelos. Sí, son bellas, pero no son perfectas aunque la genética y el photoshop

les lleven la contraria. No tienen la culpa de ser hermosas y viven a veces con el peso castigador de su propia belleza. Son mujeres con poros, cerebro y corazón. Más allá del rastro del embeleso y la aprensión están sus voluntades, sueños, anhelos y otro puñado de aspiraciones más. Cinco modelos de Valencia son hoy en día objeto de apetecibles campañas publicitarias, editoriales de moda, lookbooks, desfiles de nuevas colecciones. Los fotógrafos las quieren retratar, los diseñadores las convierten en imágenes de sus firmas, los editores de moda las codician para sus páginas. Con todo un panorama promisorio en sus carreras las valencianas Isabella Arriaga, Andrea Díaz, Rosa Gubaira, Mariam Rodríguez y María de los Ángeles Paz desfilan en un camino que luce indetenible. Son el top five del modelaje valenciano. Como parte de una camada de jóvenes modelos imantan las miradas del circuito de la moda local que se vale de ellas para enaltecer sus creaciones así como ellas elevan con talento a Valencia como una tierra de mujeres guapas. Así la elegancia de Isabella, la gracia de Andrea, la candidez de Rosa, el sex appeal de Mariam y la espontaneidad de María de los Ángeles como gestos de cinco mujeres que se vuelven maniquíes. Son ellas parte de las modelos del relevo.

Fotografías: Pablo Costanzo [@PabloACostanzo] / Make up & styling: Miguelangel García [@MiguelangelPelu] 34

Rosa Gubaira

Cuando abro mi clóset… lo aprecio como sí nunca lo hubiese visto o pienso lo típico: “¡No tengo que ponerme!” Nunca me siento bella cuando… voy a la playa y regreso sin bronceado. Soy malcriada cuando… estoy aburrida, porque me pongo intensa. El trago que siempre pido… whisky con Red Bull pero después ¡no respondo! Si me siento un kilo de más… no me como tres dulces, me como sólo uno. A las modelos nos dicen tontas pero… ¿tontas? ¿quién nos dice tontas? Siempre olvido… echar gasolina al carro. Creo que asumo que no se acabará. Lo que menos me gusta de la moda es… que te miran de arriba a abajo. Todas las mañanas cuando me veo al espejo… me acuerdo de las cremas que tengo que aplicar. Nunca tengo suficiente… Megabytes para meterme en Instagram. Mi tres modelos internacionales favoritas… Miranda Kerr, Jessica Stam y Coco Rocha. Más ropa y menos… últimamente es así: menos ropa y más libros, buena música y meditación. Puedo escuchar mil veces en mi Ipod… Alejandro Sanz, Birdy y Adele. Digo mentiras si… No digo mentiras, las veces que lo he intentado me delato muy fácilmente. Me levanto todos los días… dándole gracias a Dios por amanecer. Mis amigos me llaman… “Homi”, “Ami”, “Rosita”, “Roseta”. Tres firmas internacionales con quienes me gustaría desfilar... Vera Wang, Carolina Herrera y Burberry.

Twitter: @rosavirginia / Agencia: Bookings Edad: 23 años / Peso: 52 kilos / Estatura: 1.70. / Medidas: 85, 61, 92 Trabajos: Ha hecho campañas para firmas jóvenes venezolanas como Tarbay, Efraín Mogollón, Yenny Bastida. Ha trabajado para diseñadores como Giovanni Scutaro y Raenrra y ha sido imagen de marcas como Toronto, 7UP, Samsung, Special K de Kellogg’s, Movilnet, entre otras.

Andrea Díaz

Cuando abro mi clóset… lo observo y digo: “¡ya todo me lo han visto!”, pasan cinco minutos y luego grito: “Mamá ¿qué me pongo? Nunca me siento bella cuando… estoy recién levantada. Soy malcriada cuando… me conviene y si es necesario. El trago que siempre pido… Cucaracha flameada, pero si me tomo más de uno y medio término bailando hasta tango. Si me siento un kilo de más… soy extremadamente feliz porque soy muy delgada. A las modelos nos dicen tontas pero… “Una ayudaíta pues”. Es broma. Eso ya es un cliché. La mayoría estudiamos y trabajamos. Siempre olvido… lo que no quiero recordar. Lo que menos me gusta de la moda es… la dependencia que genera en las personas y lo superficial que puede llegar a ser. Todas las mañanas cuando me veo al espejo… digo: ¡wow! amanecí como destruida. Nunca tengo suficiente… paciencia, pero depende de la situación. Mi tres modelos internacionales favoritas… Coco Rocha, Eugenia Silva y Gisele Bündchen. Más ropa y menos… saldo en mi cuenta. Puedo escuchar mil veces en mi Ipod… “Payphone” y “Moves like Jagger” de Maroon5 porque me activan, me alegran y me dan ganas de bailar. Digo mentiras si… son piadosas, aunque no me gusta mentir, ni que me mientan. Me levanto todos los días… con sueño y amargada. Mis amigos me llaman… “Negra” o “Andruw”. Tres firmas internacionales con quienes me gustaría desfilar... Elie Saab, Carolina Herrera y Christian Dior.

Twitter: @andruwdiaz / Agencia: Independiente Edad: 20 años / Peso: 50 kilos / Altura: 1.75 / Medidas: 83, 60, 92 Trabajos: Ha desfilado para firmas jóvenes como Laili Lau, Serendipity, Alejandro Ramírez, Fabiana Kübler e Inés de Tovar. También para Giovanni Scutaro, Nidal Nouaihed y Mayela Camacho. Y ha sido imagen de campañas de Tarbay, Ignacio Alen, Candy and Roll. 36

Isabella Arriaga

Cuando abro mi clóset… nunca sé qué ponerme. Siempre tengo que probarme por lo menos 10 cosas. Nunca me siento bella cuando… estoy usando ropa que no me gusta y me ha pasado en sesiones de fotos. Soy malcriada cuando… quiero algo y no me lo dan. Un clásico. El trago que siempre pido… vodka con Red Bull. A muchos no les gusta, pero a mí me encanta. Si me siento un kilo de más… no me frustro. Simplemente hago ejercicio y como mejor. A las modelos nos dicen tontas pero… no es cierto. Siempre olvido… los malos momentos de la vida porque te hacen perder el tiempo, aunque muchas veces aprendemos de ellos. Lo que menos me gusta de la moda es… que muchas veces me toca usar tanto en fotos como en pasarela cosas que no me gustan. Todas las mañanas cuando me veo al espejo… me veo los defectos. ¿Quién no? Nunca tengo suficiente… zapatos. Soy adicta a ellos y aunque no me caben en el closet siempre quiero más y más. Mi tres modelos internacionales favoritas… Gisele Bündchen, Alessandra Ambrosio y Heidi Klum. Más ropa y menos… zapatos, necesito proponerme eso. Siempre me pasa que tengo muchos zapatos y luego me cuesta encontrar con que ponérmelos. Puedo escuchar mil veces en mi Ipod… “Everything” de Michael Bubblé. Me recuerda a mi novio, y cada vez que la escucho soy muy feliz. Digo mentiras si… me invitan a algún lado y no quiero ir. Me levanto todos los días… y voy al gimnasio para empezar mi día activa y feliz. Mis amigos me llaman… “Isa”. Tres firmas internacionales con quienes me gustaría desfilar... Ángel Sánchez, Carolina Herrera y Prada, a quién no le gustaría desfilar para Prada.

Twitter: @iarriaga33 Agencia: Independiente y algunos trabajos con la agencia Bookings. Edad: 21 años / Peso: 54 kilos. / Estatura: 1,73 / Medidas: 81, 62, 91 Trabajos: Ha sido imagen de marcas jóvenes como Camila X Castillo, Efraín Mogollón, Gova Swimwear y SalBaut, ha desfilado para Gionni Straccia y ha hecho campañas para Vestimenta, En Blanco y Óptica Caroni.

Mariam Rodríguez

Cuando abro mi clóset… pienso en que quiero uno más grande. Nunca me siento bella cuando… tengo una cola en el cabello. No me gustan mucho mis orejas. Soy malcriada cuando… las cosas terminan saliendo totalmente distintas a como las pensé. El trago que siempre pido… es un shooter de tequila, deber ser porque desde pequeña me gusta el limón con sal. Si me siento un kilo de más… empiezo a trotar por las tardes y a comer menos arepa en las noches. A las modelos nos dicen tontas pero… creo que hoy en día es difícil ver modelos tontas. Siempre olvido… echarle gasolina al carro, una vez me quedé accidentada y tardé en darme cuenta que era por eso. Lo que menos me gusta de la moda es… nada, me gusta todo. Todas las mañanas cuando me veo al espejo… lo hago según el ánimo con que amanezca: algunas veces me veo bien y otras no tanto. Nunca tengo suficiente… tiempo, quisiera que los días fueran más largos. Mi tres modelos internacionales favoritas… Gisele Bündchen, Adriana Lima y Kate Moss. Más ropa y menos… accesorios, los utilizo muy poco. Puedo escuchar mil veces en mi Ipod… “Somebody that i used to know” de Gotye. Digo mentiras si… son extremadamente necesarias, no sirvo para mentir. Me levanto todos los días… agradecida con Dios por tener un día mas de vida, y por todo lo me ha dado. Mis amigos me llaman… por mi nombre, nunca he tenido apodos. Tres firmas internacionales con quienes me gustaría desfilar... Carolina Herrera, Dolce & Gabbana y Christian Dior.

Twitter: @mariamvioleta / Agencia: Alexander Edad: 19 años / Peso: 55 kilos / Estatura: 1.75 / Medidas: 84, 60, 90 Trabajos: Ha estado en pasarela para Ángel Sánchez, Oscar Carvallo y Giovanni Scutaro, ha sido imagen de marcas jóvenes venezolanas como Kanomi, Candy and Roll y Camila X Castillo así como en desfiles para Fabiana Kübler, 2:AM y Roberi Parra. 38

María De Los Ángeles Paz

Cuando abro mi closet… pienso “¡No sé qué me voy a poner hoy!” Nunca me siento bella cuando... llevo una ropa que no va con mi estilo, en caso de que sea en lo personal. Soy malcriada cuando... encuentro algún desastre en mi cuarto y que no lo hice yo. El trago que siempre pido... Samoa íntimo y con tres basta y sobra. Si me siento un kilo de más… me digo exageradamente: “¡No puede ser, voy a rodar una día de estos!” Y a hacer ejercicios. A las modelos nos dicen tontas pero... todas quieren ser como nosotras. Siempre olvido... algo después de salir de casa, y corro con suerte que siempre estoy cerca para devolverme. Lo que menos me gusta de la moda es… andar incómoda. Todas las mañanas cuando me veo al espejo... veo mis defectos empezando por si me salió un barrito justo el día que tengo fotos o desfile. Nunca tengo suficiente... tiempo para hacer todo lo que quisiera hacer en el día. Mi tres modelos internacionales favoritas... Naomi Campbell, Claudia Schiffer y Kate Moss. Más ropa y menos… maquillaje, para no exagerar. Puedo escuchar mil veces en mi Ipod… Música pop y romántica. Digo mentiras si… el momento lo amerita. Todos decimos en algún momento mentiras blancas. Me levanto todos los días... y me gusta hacer una pequeña rutina de ejercicios tempranito en casa, por si el día no me alcanza para ir al gym. Mis amigos me llaman… Mari paz y mis amigos íntimos me dicen la modelo zanahoria porque no fumo, como sano, hago ejercicio y bebo pero nunca he hecho un show. Tres firmas internacionales con quienes me gustaría desfilar... Christian Dior, Calvin Klein y Carolina Herrera.

Twitter: @maripaz946 / Agencia: Alexander Edad: 18 / Peso: 51 kilos / Estatura: 1.77 / Medidas: 81, 62, 90 Trabajos: Ha desfilado tanto para Oscar Carvallo como para Ángel Sánchez, así como para firmas internacionales como Kenzo, Balenciaga y Yohji Yamamoto en la semana de la moda de París, ha estado en la semana de la moda de Nueva York y entre las firmas jóvenes ha trabajado para Daniela Panaro, Penott Strauss y Daniel Espig.

METROPOLIS

carlos flores león-márquez [@carlosfloreslm] imágenes: cortesía de lucien pagès pr & communication

Moynat Paris

La esencia del lujo

¿Cómo nacen los objetos? ¿Del deseo, como me dijo alguien una vez? ¿O de algo tan patético como las necesidades? ¿Por qué Dios nos habrá puesto ese castigo que Maslow describió en su pirámide? Por eso es mejor llamarlas caprichos, antojos, u otra palabra más estética que traduzca que aquello que solicita la mente humana es producto de los impulsos de su esencia, ésa que les suelda los huesos, les tonifica los músculos y, júrenlo, le da carácter. Y así como un artículo de primera necesidad, qué digo, de primerísimo dictamen, nació Moynat en París, una firma de maletas, bolsos y objetos de viaje que existe desde 1849, pero que luego de una hibernación de 35 años ha resurgido como una criatura extinta ahora dispuesta a ponerle punto y aparte al fenómeno Vuitton y a la fiebre Goyard –dos marcas también de marroquinería que aparecieron incluso a su zaga–, y a suscribir una nueva manera de “transportar” el lujo. Lo curioso es que sería el propio magnate francés de la moda, Bernard Arnault, el que daría con el rastro de esta marca hasta entonces desaparecida para luego, como un cazador con trufa entre dientes, adquirirla y mostrársela al mundo con un orgullo discreto, primero porque está fuera del grupo LVMH, adscrita más bien a su consorcio privado, y segundo puesto que por las venas de la marca corre sangre circunspecta. 40

“Sin corte de cinta, sin fotos con celebridades, la lujosa boutique apareció en la parisina rue SaintHonoré como si siempre hubiese estado allí”, escribió Amy Serafin para la revista Wallpaper* en marzo de este año. Lo mismo la atención al cliente tras cruzar la nigérrima entrada de mármol de la 348, poner los pies sobre aquel espacio de líneas art déco, con oscuras baldositas de piscina recubiertas de titanio, y encontrarse con la iluminada isla circular de madera que sirve de mostrador: una mano sedosa que se enguanta de blanco, un despliegue de piezas, de historias y relatos, de solícitas maneras, de nada como mirarse a los ojos, de que esto es un viaje ajeno al mundo que cruje fuera, de que estás por comprar un boleto (¿objeto?) a la gloria. Sin embargo, esa ceremonia de hoy tiene justificativos con el ayer. Primero vino el apellido Coulembier y después el Moynat, pues los hermanos François y Octavie fundaron la compañía en el establecimiento 13 de la rue Capron de París, hecho que coincidió con la creación de la red ferroviaria francesa y, por añadidura, con la gran era de los viajes en tren, aunque también con el apogeo de las líneas marítimas que ya empezaban a dominar el Atlántico. Punto álgido: viajar, viajar cómodos, viajar espléndidamente. Periplos de los que también aparecerá como una anunciación, procedente de Savoy, la joven Pauline Moynat, quien desde

que llegó todavía adolescente a París olfateó los cambios que danzaban en el aire y puso especial atención a la transformación a que se sometía la ciudad bajo la égida estético-constructiva del honorable barón Haussmann. Así, y al cabo de haberse ganado la confianza y asociarse con los hermanos de marras, poniendo a prueba una fuerte personalidad, Pauline le dio su apellido a la casa, le aportó los conocimientos que había adquirido en la industria turística, y amparada en un sentido de la creatividad y el comercio de que carecían los fundadores, puso el fuego que faltaba para que despegue y posicionamiento fueran asombrosos. Como asombroso que unos hombres, en esa época, confiaran el desarrollo de su negocio en una mujer; quien los llevó en 1869 a abrir la primera tienda frente a la Comédie Française, a pasos de las agencias de viaje, el nuevo Grand Hôtel y, triunfo de triunfos, en la que nueve años después sería la avenue de l’Opéra, anticipación que llevó a Moynat a ocupar la privilegiada posición de emplazarse en la esquina número uno. Antes, 42

los Coulembier también habían hecho lo propio como grandes innovadores y maestros artesanos, esto con una docena de diseños legítimos y el desarrollo en 1854 de la primera patente con una resistente lona revestida con gutta percha, procedente de una savia de árbol tropical que garantizaba que los baúles fueran completamente impermeables. Ya juntos, y con Pauline Moynat a la cabeza, en 1873 inventaron un baúl liviano hecho de mimbre que llamaron “Malle Anglaise” (baúl inglés), con broches en forma de T, cierres de cubierta semejando lenguas de gato, que posteriormente sería mejorado hasta alcanzar una nueva patente. Llegado 1878, ocurre el cruce de los límites: Pauline desarrolla la primera línea de bolsos femeninos y los sacs mignons (al español, bolsos lindos) con revestimiento de gamuza, posicionando a Moynat como la primera casa maletera en crear bolsos de mano. Luego, exactamente en 1885, Pauline Moynat dejó su casa homónima; pero la rueca del éxito seguiría traqueteando con la creación de

los “baúles limusinas” para automóviles, cuyos fondos cóncavos eran ideales para calzar en los redondeados capós. Ya en 1905, veinte años después de la salida de Madame Moynat, la compañía decidió contratar al artista Henri Rapin como director creativo, responsable a la postre del diseño “Initial canvas”: esa M que recorre en patrón art déco algunos de los modelos y que desde entonces fue su discreta y elegante firma. Mutatis mutandis, Maurice Coulembier, tercera generación a cargo, cerró la firma por completo en 1976, hasta que surgió este rancio mago de apellido Arnault y el gran cisne salió de la maleta, discreto, de bajo pero respingado perfil, como un objeto de culto que sólo aspira ser venerado por una élite. Guillaume Davin, actual CEO de la casa y otrora encargado de Louis Vuitton en Japón, confesó que a pesar de que el nuevo dueño la compró discretamente, lo hizo rápido porque se había enamorado de su historia. Así como Ramesh Nair, nuevo director creativo de Moynat, quien se formó en el diseño de marroquinería en Hermès, trabajó con artesanos de la seda, e incluso creó línea de ropa propia en su India natal, con colaboraciones para Jean-Paul Gaultier

y Martin Margiela, por lo que rápidamente entendió (al unísono con Davin) la razón de ser de la marca: simplicidad, el arte de lo hecho a mano, la belleza de los pequeños detalles y cero logos. Retengamos esta larga frase de 1928 que le escribiera Aracil, compañero e íntimo amigo literario de José Gil Fortoul, quien fuera presidente de Venezuela por corto período a inicios de siglo pasado y cuyo buen gusto le condujo a encargar un baúl con esta casa, celosamente atesorado aún en la 348 de rue Saint-Honoré: “Si ello te divierte, embárcate con los vanguardistas. Pero no con desbocado entusiasmo juvenil. Deja eso a los que viven todavía en primavera. Si te vas en ese barco, vete como viejo marinero que ha corrido por muchos mares tempestuosos y guarda la experiencia de otras batallas, o para emplear un término de moda en los congresos diplomáticos, vete simplemente como ‘Observador’. Muchos se caerán al agua. Otros, renovando el mito de Ícaro, se quemarán allá arriba sus alas pegadizas. Unos pocos llegarán al puerto. Grítales salud y buena suerte a los que puedan imprimir su talento en obras perdurables”.

Web: www.moynat.com

el ojo MECANICO

carlos flores león-márquez [@carlosfloreslm] retrato de platon: norman jean roy

Exposición “Greece” de Platon

Sujetos inolvidables / Objetos esenciales Empecemos con una fórmula manida – hermana trilliza de “érase una vez” y de “hubo una vez”–: cuenta la leyenda que el rey Minos estaba sacrificando a las Gracias en la isla de Paros, Grecia, cuando le informaron del asesinato de su hijo Androgeo en Atenas, y sin titubeos, continuó el sacrificio; no obstante, apartó de un manotazo la corona que le adornaba la cabeza y mandó parar la música de las flautas rituales. Hecho que explica – también lo narra la historia– el carácter particular de los sacrificios a las Gracias en Paros en la antigüedad: sin música ni coronas de flores. Pues en esa misma pequeña isla del archipiélago de las Cícladas, en el mar Egeo, creció el gran fotógrafo que nos ocupa: Platon Antoniou, allá por los años setenta cuando luego de haber nacido en Londres en 1968, se mudó con sus padres a esta localidad griega para al cabo de un tiempo regresar a Inglaterra, estudiar en la St. Martin’s School of Art, recibir con honores un BA en Diseño Gráfico, un MA en Fotografía y Bellas Artes en el Royal College of Arts y, tras tantos laureles, talento y academia, despegar desde las páginas de Vogue UK, publicación con la que trabajó por muchos años y que le abrió sendero preciso para llegar a Nueva York y recibir la invitación del mismísimo John Kennedy Jr. para trabajar en “George”, su revista política. Así, luego de disparar y conseguir fantásticos retratos publicados en importantes revistas internacionales, en 2007 obtuvo el primer premio del World Press Photo Contest por el retrato que le hiciera al presidente ruso Vladimir Putin como persona del año para la portada de la revista Time. Después vendría su primer libro, “Platon’s Republic”, publicado en 2004 por Phaidon Press, y “Power”, una colección de retratos de cien líderes mundiales, llevado al papel por Chronicle el

año pasado y en el que están incluidos desde Barack Obama hasta Hugo Chávez. Con todo, siempre cerca de jerarcas y grandes personajes de múltiples raleas, propenso a esa captura inmortalizada que le ha hecho al poder, Platon es un artista de alma sencilla. De allí “Greece”, la exposición que a partir del 5 de noviembre y hasta el 8 de diciembre de 2012 va estar abierta en Colette, la mítica tienda de culto asentada en París, cuya serie relata su historia personal con la isla de Paros, donde fue una y otra vez durante toda su vida, donde se crió y a la que todavía ve como una tierra de la verdad y la sinceridad. De hecho, cuando tenía 19 años pidió una cámara prestada y se fue a Paros, donde comenzó su viaje fotográfico. Así, esta expo abarca 25 años de ese periplo y el desarrollo de su lenguaje visual, tratando de descubrir nuevas historias griega que contar, por lo que visitó la isla muchas veces con su equipo de asistentes, construyendo improvisados estudios en los clubes, iglesias, cafés, escuelas, granjas y cabañas de pescadores por cuanto quería develar que debajo de esa aparente timidez que siempre les han endosado a los habitantes de la isla había y hay un bagaje cultural que les ha permitido tener la oportunidad de abrir una ventana de su existencia. Personas que son su familia, sus amigos y su inspiración, al frente de objetos que los identifican, que les dan pistas de sus gustos, de sus secretos, de esa intimidad que se disfraza con el ornato y, una vez tan unidos, tan en comunión, dejan de ser postizos. Sujetos y objetos: siameses inseparables. Cerremos de una forma también manida: Platon vive en Nueva York con su esposa, hija e hijo, trabaja principalmente para el New Yorker y no piensa dejar de viajar jamás. Al cruzar esta página, la niña con corona de flores y música de guitarra, quizá como una de las Gracias, inaugurará el ritual.

Web: www.platonphoto.com / Agradecimientos: www.colette.fr 46

por amor al ARTE

diego alejandro garcía [@diegoagarcia] fotos: cortesía de rinat shingareev

Rinat Shingareev

Ego Pop

Existen quienes dicen que la verdadera fama se alcanza cuando tu foto sale en la sección de chismes de los tabloides. Otros aseguran que mientras más haters tengas, mejor lo estás haciendo. Puede que ambas afirmaciones sean ciertas; aun así, lo más probable es que uno alcance real estatus de ícono cuando lo retratan con una corona de espinas o sosteniendo un busto romano de uno mismo; cuando eres lo suficientemente importante para ser inmortalizado a través del pop art. Y obvio que al hablar de este género artístico, muchas veces pensamos en el genitor pop por excelencia, Andy Warhol, fuente de divina inspiración para muchos en el medio. De hecho, Roy Lichtenstein, Takashi Murakami, hasta Banksy, son algunos de los nombres que le han estado inyectando un peculiar

sentido de belleza al arte desde los tiempos warholianos. De la misma manera, surgen cada vez más propuestas, cada vez más interesantes. Tal es el caso de Rinat Shingareev, quien, según su blog y página de Facebook, es el mejor artista vivo de nuestros tiempos. El tagline, aunque trillado, pareciera ironizar sobre la inmediatez de la fama y la autoproclamación de ésta; y aunque los líderes de opinión y demás artífices mediáticos se han encargado de decir que todo es “lo mejor de nuestra era” o “lo mejor en la historia”, habrá que admitir que este artista de ancestros soviéticos muestra una extraordinaria promesa. Si nos tomamos la molestia de ver el mundo a través de los ojos de Rinat, podemos descubrir una realidad brillante y colorida.

Sus obras son un estupendo indicativo de que este artista ha dejado sorprenderse por todo lo que lo rodea, sacando lo más interesante de cada detalle de cada película, canción, discurso político o movimiento urbano que lo rodea. En consecuencia, al tomar el pincel por las riendas y el lienzo por los cachos, genera los más intrigantes retratos: Lady Gaga desnuda entre dos calaveras, George Bush llorando rodeado de astronautas o la Reina Isabel II vestida de la época de los Tudor. Y a pesar de que al ver sus obras sobresale un verdadero artista, Rinat se considera un simple observador que se ha encargado de comentar nuestra realidad a través de una mezcla de colores saturados, situaciones inverosímiles y, desde luego, iconografía pop. He ahí el éxito de su propuesta. Por otra parte, vale la pena destacar que Rinat comenzó a explorar su furiosa creatividad de los muy tempranos cuatro años de edad cuando comenzó a dibujar a sus héroes favoritos de los cómics. Desde ese entonces, siempre le urgió expresarse a través del dibujo y la creación artística. Su crianza en Rusia fue un gran motor para esto. Creció en la provincia, en un ambiente tranquilo y familiar, donde aprendió mucho no sólo en el colegio, sino en las calles, extrayendo conocimiento de lo que ocurría a su alrededor.

Además, siempre practicó diferentes deportes y actividades que, según él, le forjaron un poderoso sentido de la responsabilidad y la disciplina. Estudió en la una academia de bellas artes en Rusia donde se formó como fotógrafo, diseñador industrial, diseñador de interiores y, por supuesto, pintor. Muchos lo tildan de “sucesor pop”, ya que parte de los ideales vanguardistas y técnicas revolucionarias del coloso Andy Warhol y el increíble Jasper Johns. Actualmente, Rinat trabaja desde Italia, aunque afirma que nunca permanece en un mismo sitio por mucho tiempo ya que también se alimenta de la aventura que ofrecen lugares, culturas y personas desconocidas. Es necesario que un artista pop se mantenga fresco. Aunque las tendencias cambien –siempre habrá nuevas técnicas, estilos y formatos–, Rinat asegura que el género siempre tratará sobre lo actual. En su caso, él procura explorar los cánones clásicos del género mientras introduce nuevos elementos. Aunque su obra puede llegar a ser algo polémica, estos retratos icónicos son, más bien, tributos, honores rendidos que elevan a esos sujetos al estatus de objetos. Unas irreverentes y curiosas muestras de respeto y admiración. Es el caso de Rinat Shingareev, desde Rusia, con amor.

Web: shingareev.blogspot.com / Facebook: www.facebook.com/thebestartistalive

ventana al CIELO

diego alejandro garcía [@diegoagarcia] fotos: cortesía de www.colette.fr

Exposición “Les Sieff” en Colette, París

Trascender a través de los objetos

A pesar de los fantásticos avances de la medicina y la tecnología, que han logrado que nuestras vidas sean cada vez más largas, seguimos siendo humanos, seguimos siendo mortales. Sin embargo, nos las hemos ingeniado para trascender, transfiriendo pedazos de nuestras identidades en objetos a lo largo de nuestras vidas. Las artes son el ejemplo más evidente. Warhol ha muerto, pero sus cuadros vivirán por siempre. Es extraño: muchos podríamos jurar que ser vistos como objetos nos alejaría de nuestra humanidad, cuando, al final, son los objetos los que quedan, los que nos sobreviven. Jeanloup Sieff, fotógrafo parisino de raíces polacas, logró entender esto a la perfección. Desde luego, si nos fijamos bien, cada vez que admiramos los cuerpos de sus hermosos desnudos o 56

vemos a los ojos a algunas de sus modelos, podemos ver una pieza del intrigante rompecabezas que es su identidad. Este artista visual capturó las bellas caras de su época desde que recibió su primera cámara (una Photax) en su décimo cuarto cumpleaños. Twiggy, Jane Birkin, Yves Montand, Rudolf Nureyev son sólo algunas de la exquisitas víctimas de su lente. Sus trabajos pasearon por Glamour, Vogue e incluso Harper’s Bazaar. Ganó varios premios, entre ellos el Prix Niepce (1959), el Chevalier des Ars et Lettres (1981) y el Grand Prix National de la Photographie (1992). Su familia, al igual que él, ha optado por buscar la inmortalidad a través del lente. Por lo mismo, 12 años después de la muerte de

este icónico fotógrafo, la boutique parisina Colette –siempre a la vanguardia de las tendencias– ha reunido las piezas de este colectivo familiar en una exposición inaugurada el 24 de septiembre, titulada “Les Sieff”. De la misma manera, esta exhibición celebra el lanzamiento del libro “Sieff Fashion”, editado por La Martinière en Francia y por Prestel en Estados Unidos, redactado por la misma Bárbara Sieff, su compañera de vida. A lo largo de 208 páginas y 150 fotografías, este tomo es considerado la más comprensiva publicación acerca de este artista, evocando su compasión impecable y su visión dinámica. La exposición, por otra parte, presenta una muestra de las obras de Jeanloup, el eterno icon-maker; Bárbara, quien se caracteriza por inmortalizar momentos espontáneos y defectos interesantes, y Sonia, su hija, quien captura desnudos tan hermosos como poderosos. El mood queda en manos de Sacha Di Manolo, quien ha

extraídos pedazos de entrevistas y citas con el artista, mezclándolas con lo que Colette llama “música de culto”, que podemos apreciar en su sitio Web. Así, esta vendría a ser la primera vez que estos cuatro talentos se presentan bajo un mismo techo. Además, las fotos están acompañadas por citas y textos de sus modelos favoritas, como Catherine Deneuve y Charlotte Rampling. También han sido publicados algunos ensayos de Franca Sozzani, la editora en jefe de Vogue Italia; del artista audiovisual Phillippe Garner, de Patrick Mauriès, crítico literario, y de Olivier Zahm, editor de Purple Magazine. Colette nos ha regalado un tributo integral de este artista. “Les Sieff” es más que una muestra de fotografías increíbles. Es el legado de una familia curado en forma de exposición. Es un ejemplo impreso de que la inmortalidad es más que un sueño, tanto más bien una meta.

tan lejos tan CERCA

carlos flores león-márquez [@carlosfloreslm] fotos: jordi surroca

Auditorio en la Iglesia del Convento de Sant Francesc, Cataluña

De aquí a la eternidad

Esto de rescatar viejas edificaciones para reinsertarlas a la vida contemporánea no es asunto fresco. Muchas son las ruinas que han resucitado de forma mediocre o brillante, echando a un lado los fantasmas que seguramente habían danzado en sus estancias, para ponerse al servicio de sus nuevos huéspedes y amos. El problema se presenta cuando el uniforme no les queda bien, y entonces el disfraz resulta poco atractivo para turba y avisados. Sin embargo, ése no es el caso de la reconvertida iglesia del convento de Sant Francesc en el pueblo catalán de Santpedor, España, ahora erigida en auditorio y espacio cultural multifuncional por la firma David Closes Architects: la obra proyecta inteligencia, buen gusto, claros conocimientos de restauración y un refinado sentido de lo moderno por cuanto construye un diálogo entre pretérito y fecha reciente para que su lectura futura, como edificio, sea tanto mejor. Revisemos su historia. El conjunto del convento de Sant Francesc

“La única luz, como el ojo dorado de una aguja donde se enhebró instantáneamente el hilo de la atención del visitante inesperado, se veía en lo alto…”. Álvaro Pombo, El cielo raso.

fue construido en el siglo XVIII por padres franciscanos, y entre 1721 y 1729 se construyó el convento que incluía la iglesia ahora recuperada. La edilicia tuvo uso conventual hasta 1835, y 165 años después, exactamente en el 2000, el convento se derribó por el estado ruinoso en que se encontraba. Sólo se mantuvo en pie, aunque en muy mal estado, la iglesia y parte del muro perimetral del convento. Advertirá David Closes (1967), arquitecto en jefe del proyecto: “La recuperación de la iglesia se planteó en 2003. Por tanto, se trataba de la recuperación de un edificio que nunca había estado aislado sino que formaba parte inseparable del conjunto del convento. De hecho, las plantas altas existentes sobre las capillas laterales de la iglesia eran dependencias conventuales ya que sólo se podía acceder a ellas desde la planta primera del convento, pero no desde la iglesia. La iglesia, que originariamente sólo tenía dos fachadas, con el derribo del convento pasó a tener cuatro”.

Incluso el templo –nos seguirá contando Closes–, con una cualidad constructiva muy modesta ya en origen, se encontraba en estado ruinoso. Cabe destacar que presentaba las cubiertas hundidas, el coro desparecido y las bóvedas de la nave y de las capillas parcialmente caídas, con una capacidad portante nula. La iglesia, desde el exterior, prácticamente sólo presentaba el interés de mantener el perfil histórico del pueblo llegando desdel sur. No obstante, el interior presentaba –a pesar del estado ruinoso– unas proporciones y cualidades espaciales remarcables; amén de que, gracias a los hundimientos de cubierta, quedaba sorprendentemente realzado por las importantes entradas de luz natural que se producían por las partes derruidas de los techos. Así, el interior de la ermita, que originariamente no recibía casi luz natural de ningún tipo, adquiría un aire majestuoso con esas claraboyas espontáneas, sabiamente puestas allí por el azar. Reflexión propia mediante, sigamos con el racional arquitectónico de estos 950m2 de superficie: “El planteamiento principal del proyecto de intervención era no alterar las dimensiones y la cualidad espacial de la nave de la iglesia, manteniendo las importantes entradas de luz natural producidas por los hundimientos. El mantenimiento de las entradas de luz en los distintos puntos –y en la cantidad importante con que se producía– comportó plantear diferentes soluciones de cubierta específicas en cada uno de los sitios: una gran claraboya en el lado norte del ábside, un tragaluz que permitiera mantener las vistas del campanario desde el interior de la nave, la ausencia de cubierta en la capilla principal y un corte en la cubierta, justo al inicio de la nave, que garantizara mantener una entrada de luz rasante sobre la parte interior del muro de acceso”, precisa Closes. De esta suerte que la recuperación del edificio se desarrollara aplicando el criterio de diferenciar claramente los nuevos elementos construidos (utilizando sistemas constructivos y lenguajes contemporáneos) de los elementos originarios e históricos de la iglesia. Con la voluntad de preservar todos los aspectos del pasado del edificio, la intervención no escondió vestigios, heridas ni cicatrices; sino que más bien se man60

tuvieron visibles los hundimientos, los agujeros donde se empotraban los retablos, incluso los rastros de otras piezas desaparecidas. “El siguiente reto –nos explicará David Closes– consistía en mantener la unidad y dimensión de la nave de la iglesia a pesar de que se tenían que construir volúmenes para nuevos usos y requerimientos que nunca había alojado la iglesia: escaleras para subir a las plantas altas, lavabos y salas de instalaciones. Para preservar la lectura de espacio amplio y unitario del interior del templo, estos volúmenes se situaron, en parte, en el exterior del edificio o se resolvieron en el interior, de manera que se mantuviera la visión de espacio unitario, en toda su dimensión, tanto de la nave como de la capilla principal”. Caso especial precisará el conjunto de escaleras y rampas construidas, que aparte de asegurar el acceso a las plantas altas del santuario, definen un paseo circular por el conjunto del edificio como si se tratara de un recorrido museístico; mismo que permite reseguir y visitar de forma completa el conjunto de la iglesia, apreciando sus valores desde puntos de vista singulares y diversos. Así que, revalidando lo apuntado al principio, y tomando en cuenta que las dos primeras fases ejecutadas (con un costo total de 1.601.553 euros) han permitido poner en uso la edificación como auditorio y espacio plural polivalente, y que en el futuro una tercera dará uso de archivo histórico a las plantas altas de las capillas del lado sur de la iglesia, felizmente acertado será asegurar que la intervención y los sistemas constructivos utilizados pretendieron –lográndolo por mucho– consolidar la iglesia sin borrar el proceso de deterioro y de hundimiento sufrido por la edificación para preservar su legado histórico, añadiendo nuevos valores que realzaron y singularizaron de forma contemporánea la iglesia del antiguo convento de Sant Francesc. Alabanzas y gracias sean dadas en todo momento al talentosísimo y excelentísimo David Closes, y bendita sea por siempre la alcaldía de Santpedor, visionaria de ese ahora menos anónimo pueblo para fortuna nuestra. Web: davidcloses.wordpress.com

TENEDORES y estrellas

ignacio alen [@ignacio alen]

Nautilus Jardín Gourmet en Valencia

Paraíso de entretenimiento terrenal

Resulta curioso que en las tomas aéreas del libro “Valencia Cenital”, publicado por la Fundación para la Cultura Urbana en el año 2007, el norte de la capital carabobeña aparezca generosamente tomado por trazos vegetales, cuando la ciudad que se experimenta a nivel de calles y aceras esté dominada por el caos de una vialidad interrumpida, la economía informal y la inseguridad, creando una hostilidad urbana que no permite vivir la ciudad, y muchos menos disfrutar de algunas zonas verdes. Con esto en mente, el arquitecto Edgar Prieto respondió a la solicitud de recrear un espacio comercial en lo que para 1950 se construyó como la quinta “Guape” –residencia de la familia Degwitz-, con un diseño enmarcado en el estilo moderno tropical que caracterizó la obra del laureado maestro de arquitectura Tomas Sanabria, artífice de proyectos emblemáticos en Venezuela como el Hotel Humboldt, el Banco Central de Venezuela, la sede de la Electricidad de Caracas y el CCCT, entre otros.Luego de varias modificaciones en su estructura y en los usos del inmueble, éstefungió como sede

de la DISIP en los 80s, como minicentro comercial y profesional en los 90s y 00s.Un muro trasero, separaba a la casa de sus jardínes donde funcionaba exitosamente el Gimnasio Nautilus, un espacio donde el fitness marcó la vida social de la Valencia de los años ochenta y noventa. Tanta popularidad adquirió este local a través de sus 30 años de operaciones que sus propietarios decidieron mantener el nombre parabautizar este nuevo proyecto que ha generado un vuelco en materia de esparcimiento en la capital industrial de Venezuela. Es así como en 2007, luego de la salida de un concesionario Porsche y con la instalación del restaurante mexicano Frida’s –mudado ahora a la urbanización La Alegría- comenzó a gestarse el Nautilus Jardín Gourmet como concepto con “la idea de crear una especie de parque privado, donde la gente fuera con sus hijos a sentirse libres, en un ambiente cerrado, vigilado y con estacionamiento, con un jardín como elemento organizador de todo el diseño, rodeado de restaurantes, tiendas de ropa y una serie de atractivos para irlos descubriendo mientras se pasea por el complejo”, según lo explica Prieto.

Fotos: Carlos Fouguet [www.carlosfouguet.com] / Producción: Dubraska Lima Dirección: Urb. Carabobo Av. Bolívar norte con calle 148. Valencia, estado Carabobo / Twitter: @NautilusJG 62

El arquitecto apunta que, además de acondicionar las estructuras que ya estaban anexadas a la propiedad para usos comerciales, la rehabilitación del jardín significó la creación de un ecosistema que fungiera deoasis en medio del caos urbanopara propiciar un ambiente de tranquilidad y disfrute. Grandes árboles de caracaro, mango, mamón y chaguaramos ya ofrecían las notas altas de vegetación que fueron secundadas por arbustos medianos y pequeños que enmarcan los caminos de piedra con manchas rojas, amarillas, verdes, hasta encontrarse en el propio centro con un estanque artificial con peces, tortugas y sapos que controlan la proliferación de insectos. A este bosque resumido desembocan las terrazas de cuatro restaurantes: uno de cocina japonesa -Kai Sushi Bar-, una trattoria italiana -La Locanda-, una brasserie tradicional francesa -Gaspard- y un espacio para meriendas y postres -La Dulcería-, a lo que ahora se sumará una tienda de diseñadores emergentes –El Armario de Lola- y un steakhouse –Bou-

levard Grill-. Aquí presentamos la oferta de los últimos tres comederos, ya que en la oportunidad de su inauguración, “Kai Sushi Bar” fuera reseñado en estas mismas páginas. “Nautilus Jardín Gourmet” se trata de un complejo pensado para formatos de negocio asociados con ambientes familiares, de tranquilidad y seguridad, por lo que en poco tiempo se ha convertido en una referencia para la ciudad con dos destacados reconocimientos públicos, uno en el renglón Arquitectura Paisajista en el VIII Salón Malaussena de Arquitectura y Urbanismo 2012 y una mención especial en el 2011 en la Página Gente y Eventos del diario “El Carabobeño”. En fin, una muestra de que la gente está ávida de espacios novedosos, donde se conjugue el encuentro amistoso, donde el ciudadano interactúe enmarcado en un ambiente amable, verde y lleno de tranqulidad. Una propuesta de visionarios que siguen viendo el potencial de Venezuela, de su gente, de su naturaleza y su belleza.

La Locanda

La Locanda un espacio abierto y sin pretensiones que rinde un homenaje a las veneradas trattorias italianas es, quizá, uno de los espacios que hasta ahora disfruta más ampliamente del espectáculo vegetal que ofrece el Nautilus Jardín Gourmet. El oasis que caracteriza a este complejo gastronómico se deja ver a sus anchas no sólo a través de la terraza principal y la auxiliar de este comedor, sino también a través de los paneles de vidrio que enmarcan la sala interior, cuya decoración –sencilla, ingeniosa y muy contemporánea- es el marco perfecto para resaltar los encuentros gratos y las conversaciones estimulantes, factores muy comunes en las tradicionales tavoli caldi que abundan en Italia. Un nombre extraído del formato turístico que caracteriza a una suerte de comederos del campo con algunas habitaciones para hospedar al viajero, y con la ambición de convertirse en un reducto de acogedora sensibilidad mediterránea, el propósito de sus creadores ha sido “hacer algo fresco y distinto con un ambiente que a pesar de estar en plena ciudad fuera un sitio único, siempre con la intención de que cualquier persona nos pudiera visitar y compartir un rato agradable en familia, con los amigos o en pareja”. Así lo explica Iván Holmquist, chef ejecutivo del establecimiento, que tras haberse formado en el High Training Educational Institute y perfeccionar su técnica como sous chef del celebérrimo Laurent Cantineux en el extinto “Café Atlantique” (Caracas), sous chef en la cocina del “Marriot St. Louis Missouri” (EE.UU.) y luego chef de lo que era “Giglio Ristorante” (Valencia), se alió nuevamente a Fran-

ignacio alen [@ignacio alen] fotos: carlos fouguet [www.carlosfouguet.com]

cia Rodríguez de Paolillo y Fabio Paolillo –el Dream Team que cosechara éxitos en “Giglio”- en esta iniciativa cheap&chic que rápidamente se ha ubicado en un puesto privilegiado de las preferencias culinarias de los valencianos, ya que desde los fogones que dirige el jefe de cocina Kenny González, se prepara desde un exquisito salmón al grill con risotto al limón, hasta la pizza de la casa –con cebollas caramelizadas, jamón serrano y reducción balsámica-, pasando por postres como pannacotta y tiramisú, hasta completar una rica propuesta rebosante de pastas, carpaccios, frizzantes y café. “La Locanda es para todos”, insiste Holmquist, refiriéndose no sólo a la generosa carta de este comedor, sino también a todas las posibilidades que aderezan su propuesta, como un rico menú pensado para niños con porciones reducidas acompañadas con refresco y helado; una variada selección de licores que va desde el whiskey de 18 años hasta la cerveza, una creativa selección de infusiones frías y frizzantes –bebidas gaseosas típicas de Italia con sabores sorpresivos-, sin saltarse los vinos, los cocktails y la sangría; incluso hacen entregas a domicilio y ofrecen un esmerada oferta de catering para eventos corporativos, sociales y familiares. Es así como toda la frescura y la magnífica sencillez de la naturaleza que brota frente a los comensales, se convierten también en los pilares que fundamentan una singular traducción de la cocina italiana, esa mesa tan internacional que en esta oportunidad se degusta reconocible y tradicional como singular y contemporánea.

Teléfonos: 0241. 8254205 – 414. 1450652 / Web: www.lalocanda.com.ve / Facebook: La Locanda caffè, pizza & bar / Twitter: @locandavalencia 64

Gaspard Brasserie

Las cómodas sillas de mimbre que caracterizan a los bistrós de “La ciudad de la luz”, dispuestas para arrellanarse entre las mesas de la fresca terraza de “Gaspard Brasserie”, mientras en el interior del comedor seducen las notas de “La vie en rose”, son elementos que ofrecen un abrebocas de estilo francés que protagoniza la oferta gastronómica de este restaurante. Si bien no se trata de una ágape a orillas del Sena, la experiencia que ofrece el local especializado en cocina francesa ubicado en la exhuberancia tropical de Nautilus Jardín Gourmet, se ha propuesto replicar los rigurosos estímulos de la culinaria francesa para ofrecerle a los foodies de la capital carabobeña una opción que hacía falta. “Valencia es una ciudad en crecimiento, dinámica y con una porción grande de jóvenes y adultos contemporáneos”, enmarca uno de los emprendedores de este proyecto, Stefano Failoni, apuntando que “la oferta de locales de comida y entretenimiento en la ciudad, aun con la cantidad de locales que han abierto en estos últimos años, sigue siendo limitada. Queríamos hacer un local distinto y conseguimos que las Brasseries podían ser una opción diferente”. Confesos admiradores del bistró Balthazar en Nueva York, Antonio Hernández, Miguel Circelli y el propio Failoni decidieron seguir también a la estrella de Belén cuando sumaron a Gaspard a una caravana de reyes magos cargados con una suculenta oferta de preparaciones francesas,

ignacio alen [@ignacioalen] fotos: carlos fouguet

cuya preparación está encabezada por el chef haitiano Mitchel Abssalom, formado en la escuela de cocina Lenôtre de Paris. La arquitectura interior del comedor, que estuvo a cargo de Annette Rossetti, dialoga con el parque en el que se enmarca no sólo a través de una terraza sino también por una pared de cultivo con phalaenopsis y pequeños que le agregan frescura e interés a una decoración dominada por una cómoda versión de la icónica silla número 14 de Thonet, otro ícono de las mesas francesas, y elementos que refuerzan una íntima atmósfera de relajada inspiración clásica. “La decoración del local busca relajar a un público adulto contemporáneo; queremos distraerlo del caos citadino evocando un ambiente con reminiscencias francesas pero tropicalizado para Venezuela, aderezado con música en vivo para los más adultos o sesiones lounge-french house para los más jóvenes y creando una suerte de eventos periódicos para integrar y consentir a nuestra clientela”, aseguran los socios. Aquí se puede degustar desde un sándwich au roast beef con pommes frites o una ensalada au chèvre chaud, hasta platos más elaborados como magret de pato o un carré d’agneau persille, todo con lo que se comprueba la intención detrás del menú que es ofrecer, como en las Brasseries francesas, una carta de comida sencilla en porciones abundantes. Pero no confunda sencillo con simple, ya que como lo subraya Abssalom, “se trata de tomar algo sencillo y tradicional para hacerlo grande”.

Teléfono: 0241. 8254611 / Email: gaspard.brasserie@hotmail.com / Facebook: Gaspard Brasserie / Twitter: @GaspardBra 66

La Dulcería

ignacio alen [@ignacioalen] fotos: carlos fouguet

Si el fundador de la revista Forbes, Bertie Charles Forbes, estuvo en lo cierto cuando dijo que “El trabajo es la carne de la vida, y el placer es el postre”, entonces La Dulcería debe ser es uno de esos entes encargados de ofrecer goce incondicional y sin preludios. Desde que inició operaciones en Barquisimeto hace siete años, esta suerte de bar de dulces se ha convertido en una referencia obligada para los larenses, al embarcarse en la empresa de satisfacer los antojos más ricos de sus comensales, con una carta de postres de tradición venezolana e internacional. La edulcorada fórmula no tardó en reproducirse a reclamo de los golosos comensales, que rápidamente consiguieron además de los dos puntos en el centro comercial Sambil de la capital larense, uno en el pueblo Santa Rosa del mismo estado, hasta llegar a Valencia, donde abrió sus puertas el año 2008, primero frente a la Plaza de las Esculturas de El Viñedo para luego mudar -desde mayo de 2010- al Nautilus Jardín Gourmet. Es aquí donde una terraza cobijada por espesas ramas y arbustos conforman un agradable rincón para descubrir, dispuesto como escenario para la charla amena y la indulgencia gustativa de esas tardes y noches en las que el azar de las apetencias dictamina que “provoca comerse algo sabroso”. Aperitivos del folclor local como el dulce de lechosa y el arroz con le-

che, comparten el menú con una irresistible versión del volcán de chocolate -hecha con bombones Ferrero Rocher-, y singulares versiones del pie de limón y la torta de queso con cascos de guayaba en almíbar; pero la preparación que se corona como la reina de La Dulcería es la polvorosa de manzana, que literalmente se va desmoronando durante el trayecto que lo lleva del plato a la boca, hasta rociar el paladar con sus texturizadas notas dulces reforzadas con una porción de helado. Y es que cada plato que sirven conserva un innegociable encanto hogareño al estar preparados siguiendo recetas de familia, que María Elena de Marinelli y Martha de Troconis resguardan como centinelas del buque insignia, mientras que en la sucursal valenciana comandan las hermanas Marielba y María Gabriela Marinelli, que concuerdan en apuntar que “nos dirigimos a todo tipo de público que tenga el deseo de compartir un rato diferente entre amigos y familia, probando un producto de calidad en el ambiente cómodo y tranquilo que merecen”. Si el nombre del establecimiento no es lo suficientemente tentador, la decoración de la sala principal subraya su intención con una sensibilidad acogedora, íntima y alusiva el mundo de los postres, dejando a sus comensales con la única opción de adentrarse en la experiencia con cucharilla empuñada y mandíbula dispuesta.

Teléfono: 0241. 82371.66 / Twitter: @LaDulceriaVal 68

belleza AMERICANA

patricia carmona vallenilla [@patycarmona] fotos: cortesía de www.maccosmetics.com

Colección Marilyn Monroe x M·A·C

Los caballeros las prefieren bellas

“Un símbolo sexual es una cosa. Pero si voy a ser símbolo de algo, prefiero que sea del sexo, quitemos lo del símbolo”. Y fue el sexo, el talento y la belleza. Marilyn Monroe logró posicionarse en sus años de modelaje y cine como la mujer más atractiva del mundo del espectáculo, referencia indiscutible de sensualidad. Hoy, cincuenta años después de su muerte, Marilyn se convirtió en lo que más odiaba ser: un objeto. Pero no en el sentido en que ella lo resentía. A día de hoy, el rostro y la figura de Marilyn Monroe son ropa, películas, canciones, afiches, accesorios, pinturas; cosas materiales que rinden tributo a la mujer y a la femineidad. Son miles los artistas y los proyectos que se ven inspirados por esta maravillosa mujer, y sus “objetos” han logrado fantásticas influencias en todo el mundo. Para Cosméticos M·A·C, Marilyn se traduce en color. Es el dorado de su cabello, el blanco del vestido que utilizó en “The Seven Year Itch”, el rojo de sus labios y el negro de sus largas pestañas. Es por esto por lo que decidieron crear una colección que la homenajeara y que, además, nos permitiera a las mujeres que pisamos hoy la Tierra, mucho después de que ella la dejara, conseguir su clásico look: ojos claros pero sexys, con labios rojos y voluminosos. 70

El encargado de conseguir los colores y los productos perfectos de la icónica colección, sobre todo los rojos, fue Gregory Arlt, el “exorcista de la belleza”, director de artistas y maquilladores de M·A·C. Habiendo estudiado fotos de Marilyn, notó las cejas arqueadas, sus pestañas definidas, sus párpados grandes, los labios en forma de lazo y el delineado felino que solía hacerse. Así logró conceptualizar productos como el Rapid Eyeliner, el Marilyn Monroe Lip Pencil, el Marilyn Monroe Brow Finisher y el Marilyn Monroe Dazzleglass, por nombrar algunos, que asegura que lograrán el look en cualquier tipo de mujer: “Yo creo ciegamente en que hay algo para todo el mundo en esta colección. No olvides que puedes cambiar o alterar los colores de los labiales al utilizar delineadores de labios. Para pieles más oscuras, puedes mezclar delineadores oscuros en los labios, después con una brocha aplicas uno de los labiales y obtendrás una tono más fuerte. Las sombras también son versátiles, con un fuerte azul plateado que luce maravilloso en pieles más oscuras”. M·A·C aportó los productos. Es tarea de cada mujer que lo use honrar a Marilyn con su actitud, su risa, su coquetería, su amor por el cine, el canto y los diamantes. Al final, ella sólo quería ser maravillosa.

MANIQUI

josé roberto coppola [@mistercoppola / www.mistercoppola.blogspot.com]

Colección “Nina” de Lisu Vega

El caleidoscopio roto

El color se vuelve ilusión y espejismo. Como una alucinación de estridencias poderosas, vivaces, alegres, indescifrables. El color como acertijo, como fantasía, como paradoja. Como un desordenado rompecabezas cromático que termina siendo armonioso. Como un fractal colorado, irregular e infinito. “Yo soy color”, reconoce en su edicto personal Lisu Vega, la diseñadora de moda que creció en Maracaibo, pero que ahora tiene su base en Miami. Ella, en un desconcierto óptico, en una audacia chillona y descarada, en una transfiguración de matices y formas, imagina, en esta colección llamada Nina, inspirada la cantante Nina Simone, estampados como sacados de la dimensión de un caleidoscopio roto. Desde la confusión y el desorden Vega reacciona y en su pesquisa decide superponer colores, mezclar combinaciones, alterar tonalidades, balancear matices. Como en la multiplicación figurativa que se refleja a través de un prisma que reproduce los reflejos de muchos trozos de espejos que se miran. “Confío en lo que siento en cada momento. Todo esto está detrás de mí. La inspiración puede surgir sola. Ella vive sola, no se sustenta de mí. Es un proceso de caos y catarsis”, proclama como una confesión quien se formó en grabado experimental en Maracaibo y estudió diseño textil en Sao Paulo. Así, rehén de su propia anarquía, pero soberana en su vorágine creativa Vega imagina los patterns que tendrán sus textiles. “Yo trabajo con el caos, pero también de la austeridad. Vivo de la austeridad del caos. Yo tiro todo en la alfombra y empiezo a cortar y cortar y cortar telas. Hasta

que está todo invadido que no puedo caminar”. Y en ese instinto empieza a unir telas, trenzarlas, tejerlas, coserlas, en un proceso experimental, intuitivo e imprevisible en la gesta de un pequeño tapiz artesanal que es el origen de todo su trabajo y que desde escaneos sectorizados digitalmente y manipulados en diseño y color se convierten en los grafismos de las telas de sus creaciones. Con Nina, su más reciente colección, la diseñadora exploró en sedas puras, charmousses y algodones orgánicos, estampados concebidos en un proceso mestizo en el que se valió de la reproducción gráfica de sus tapices con el collage y la fotografía. “Me gusta fotografiar una hoja de un árbol, un pedazo de un graffiti, una persona en la calle”. Y toda esa información visual se unirá a telas, colores, en una mezcla de retazos, fragmentos y recortes que se reordena sin preceptos. “Nunca sé a dónde me va a llevar mi trabajo, ni cuál va a ser el resultado. Yo se lo dejo todo a la sorpresa”. Y esa coloreada estampación de formas que se interponen en un enredo simétrico de espacios geométricos se traduce en las holguras de patrones de mucha liviandad y sutiles asimetrías. “Yo los patrones los hago sobre el cuerpo. Y están llenos de color. Yo vengo de Maracaibo que es colorido, que es calor terrible. Yo me lanzo al color. Y a la hora del color nunca sé lo que va a pasar”. Así, el color como la visión ilusoria que se asoma desde un caleidoscopio estrellado.

Fotografías: Osvaldo Pontón [www.osvaldoponton.com] / Modelo: Anna Handshy / Make up: Nikky Oxley

las mil y una NOCHES

fotos: carlosfouguet

@Tiendas_Beco + @SomosBocaPR + @ClubMagazine + @SelektorG + Ron Roble Viejo

Un mes para Venezuela en Beco

Enrique Kurt Espig, Yanira Briceño de Espig y el diseñador Daniel Espig

Margeira Sarcos, Eduardo Lomer, Geraldine Villasmil y Gonzalo Peña

Valentina Sabatino, María Cristina Guzmán de Sabatino y Elena Veloz de Peña

Miguel Henríquez, Carlos García y Juan Mesa

Georgett Isaac, María de Los Ángeles del Corral y Marynes Páez

Martha Rivas y Luis Brunicardi

Paola Cappa y Nicole Sardone

Meyda Labarca de Díaz y Luis Fernando Díaz

Maria Belén Bellera de Zabaleta y Fernando Zabaleta

Maria Angélica Román de Bencomo y Oswaldo Bencomo

Rafael Fouguet y Antonieta Ferrara

Miguel José Jiménez y Virginia Osio

Katherine Doukakis y Jorge Doukakis

María Alejandra Baquero de Molinari y Andrés Simón Gutiérrez

Liliam Acosta de Sardone y Esperanza Benedico

Gianna Bianconi y Miguel Aguilera

Helena Peña de Perfetti y Salvador Perfetti

Natasha Luna y Erik De Almeida

María Eugenia Revilla de Mendoza y Alexander Mendoza

Adriana Tovar de Loynaz e Ignacio Alen

Adrianna Rey de Comerlatti y Aldo Cappa

Marilin Nieto de Hernández y Wilmer Rafael Hernández

Endrina Sosa y Pablo Costanzo

las mil y una NOCHES

fotos: carlos fouguet

“La Novicia Rebelde” inaugura Aula Magna UC Manuel Blonval López

Ovación de pie para Egreamigos

Ricardo Maldonado, María Luisa Aguilar de Maldonado –Presidente de Egreamigos UCy Luis Bravo –productor ejecutivo de “La Novicia Rebelde”-

Lleno total en inauguración del Aula Magna UC Manuel Blonval López

Mariaca Semprún rodeada del elenco de La Novicia Rebelde

La Orquesta Sinfónica de Carabobo comandada por la directora invitada Elisa Vegas

Henrique Fernando Salas Feo –Gobernador del Estado Carabobo- y Carolina Anka de Salas

Diana Van der Meer de Alemán y Eduardo Alemán Pérez

Oswaldo Cartaya y Yogilma Farias de Cartaya

Vicente Lozano y Noemí Peña-Vigas de Lozano

Pablo Giménez e Ileana Gómez de Giménez

Liza Eugui de Palmisano y Karen Jurado de Palmisano

Daniel Degwitz y Adrián Bilbao

Vincencio Scarano –Alcalde de San Diegoy Rosa Brandonisio de Scarano

las mil y una NOCHES

fotos: aron osorio [aronosorio@gmail.com]

@Nuvo_Vzla + @Be_Club + @SelektorG

La vie en rose

Omar Abou, Jacqueline Aguilera y Leopoldo Jelambi

Be Nuvo Be Club

Pablo Bencomo, Liliusca Blasco de Bencomo, Mariana Llanos de Arnesen y CĂŠsar Arnesen

Ă&#x2030;rica Perozo, Valeria Delgado y Alejandra Franchy

Aquiles Baena y María Carolina Perales

Luisa Mejía y Jorge Luis Bustillos

Tania Rodríguez y Arantxa Núñez

María Luisa Jiménez y Ricardo Salinas

las mil y una NOCHES

fotos: aron osorio [aronosorio@gmail.com]

46 Aniversario de la Asociación de Ejecutivos del Estado Carabobo

En la unión está la fuerza

Mary Menutto y Selin Navas

El Gobernador de Carabobo, Henrique Fernando Salas Feo rodeado de los condecorados Guillermo Arcay, Alexia Escalona de Flores, Luis Alberto Hernández, César Reverón, Juan Carlos Jaime, Gabriela Lascaron, Glenis Figueroa y Lorenzo Araujo

Andrés Baffigo y Ambrosio González 84

Tulio Hidalgo Sufron y Carolina Gasia de Hidalgo

Juan Carlos León y María Teresa Gouveia

Lorenzo Araujo y Edith Arévalo de Araujo

porta RETRATO

fotos: aron osorio [aronosorio@gmail.com]

Boda De Sario-Papadatos

Amor Mediterrรกneo

Adriani Sinetu de Papadatos y Nikolaos Papadatos Vosso, padres de la novia

Los novios, Fabio De Sario y Alexandra Papadatos de De Sario 86

Dino De Sario y Lucia Lattanzio Cafagna, mamรก del novio

Ambientaciรณn Decost by Charo Sandoval

Graciela Jiménez de Homeran y Adjam Homeran -padrinos-

Vicencio Scarano y Rosa Brandonisio de Scarano

Dennis Papadatos y Ruby Bustillos de Papadatos

Fernando Yanes y Glenda Chávez de Yánez

Yoel Topel y Michelle Estrada de Topel

Vanessa Vásquez y Lorenna Barony

Patricia Papadatos y Geebran Warchausky

Liza Eugui de Palmisano y Renny Palmisano

Clara Scarano, Vicente Scarano y Ysabel Pandares

Enrique Ruiz y Ana Isabel Lattanzio

Alessandro Ragno y Giovanna Brandonisio

Marianna Salzo y Valentina Brandonisio

Valentina Colmenarez y Mario Rossetti

Vanessa González y Aleksander Cárdenas

Maurizio Quattrocchi y Andrea Vera

Claudio Lisio, María Gabriela Marinel y Rocco D’Alessandro

la dolce VITA

fotos: aron osorio [aronosorio@gmail.com]

Boda Matos-Encinoso

El amor y el destino

Juan Encinoso y Aldona Sulcas, padres de la novia

Ricardo José Matos y Maribel Ascaso de Matos, padres del novio

Gisela Romero de Ascaso y Antonio Ascaso

Los novios, José Ricardo Matos Ascaso y Kristina Elena Encinoso Sulcas de Matos

Andreina Arends de Matos y Eduardo José Matos

Eleni Galanos de Ortega y Miguel Ángel Ortega

Claudia Kunbuz, Karina Kunbuz y Liliana Bonardi

Jayson Bell-Smith y María Gabriela Gil

María Lourdes Larrea y Niko Vursukis

Humberto Domínguez y Karen Matos de Domínguez

Daniela de Jongh y Ricardo de Jongh

Gabriella Ferrari y Jesús Ganem

María Eugenia Figueroa y Luis Miguel Molina

Alfredo Albornoz y Rosa Virginia Gubaira de Albornoz

Limari Ramírez de Ascaso y Antonio Ascaso

Giancarlo Rodríguez y María José Cepeda

la dolce VITA

fotos: dubraska lima

Boda Celli – Rivero

Unidos para siempre

Oscar Celli y Zendlath González de Celli, padres del novio

Gema Bello de Rivero y Nelson Rivero, padres de la novia

Mariano Rivero y Patricia Guevara

Los novios, Oscar Celli González y Verónica Rivero de Celli

María Fernanda Granadillo y Celio Celli

Graciela Wadskier de Casal y Rafael Enrique Casal

Raimundo Latouche y Oriana Parucho

Laura Kassardjian y George Millán

días de GLORIA

fotos: aron osorio [aronosorio@gmail.com]

Exposición y Taller en Escuela de Orfebrería Lucia Ramírez

Alquimia creativa

Las orfebres Julia Ferreira Rojas, Lucia Ramírez y Tatiana Tischenko con los artistas internacionales Carles Codina y Ricardo Domingo

Piezas de Joyactual Venezuela

Mary Peña y Roxana Castillo

Karen Sosa y Regina Rincones

Zoraida Ferrer y Maryory Arends

Marisela Mendoza y Neyra Rendón de Palencia

Martha Guevara y Egilda Padrón

Inírida Medina y Teresa Segias

la vida es BELLA

foto: julio gaggia [juliogaggia.com]

El fotógrafo Julio Gaggia captó esta imagen que pertenece a una serie realizada en la casa del actor y coleccionista newyorkino, Oliver Clark, con el modelo Ty Veltman como un objeto –destacado, pero objeto al fin- dentro del inventario de piezas. El ser humano tiende, en su búsqueda incesante por rodearse de cosas bellas, acumular todos estos bienes como tesoros escondidos, únicos, olvidando a veces el factor humano que, a fin de cuentas, es lo realmente importante. La imagen de Julio, siempre hermosa, aunque a ratos irónica, plantea la inquietud que surgió al plantearnos hacer una edición que contrastara al sujeto y al objeto. El sujeto es la esencia, la propuesta, la creatividad, la cualidad y la trascendencia. El objeto es el bien material, el cuantificable, el efímero, el vacío. Cuando el sujeto se convierte en objeto, su razón de existir depende de pura apariencia, de lo que se espera de él y del sometimiento al otro. Una especie de esclavitud voluntaria que le reduce a ser un accesorio más dentro del gran decorado. La verdadera libertad se logra con la inteligencia, el talento y la experiencia que, finalmente, permite hacer imágenes tan poderosas e inolvidables como ésta.