Club #75: Belleza Esencial - Arte y Diseño 2015 by Club Magazine Venezuela

CARACTER gaspar de jesús

pret-a- PORTER soparopa por jenny woodman

por amor al ARTE 56 bienal de arte de venecia

METROPOLIS carolina herrera + euroluce 2015

2001 odisea del ESPACIO la passeggiata de michele de lucchi

gente como UNO oriana + nabel + nathalia

futuro PERFECTO sigal cohen

club de la buena ESTRELLA yamlusi agostini

la vida es BELLA

director general GONZALO PEÑA VELOZ directora de comercialización MARIANA BENCOMO DE PEÑA diseño y montaje WILSON DESIGN C.A. coordinadoras ejecutivas CARMEN TOVAR fotografía NATALIA BRAND / CARLOS FOUGUET / ISABELLA BEJARANO DORIS DIAZ / MAURICIO DONELLI / JULIO GAGGIA / JORGE ANAYA / OSVALDO PONTON CONRADO VELIZ / YEE-TAN HO / CRISTIAN VERA ALEMAN / ÁLVARO CAMACHO ANIBAL MESTRE / PABLO COSTANZO / JESUS SOTO redacción CARLOS FLORES LEÓN-MÁRQUEZ/ JOSÉ ROBERTO COPPOLA IGNACIO ALEN / MARIANA BENCOMO DE PEÑA colaboradores TITINA PENZINI / ANGELA ORÁA / MARVA GRIFFIN WILSHIRE / CARLOS VALEDÓN ANUNCIATA FRAINO / RODOLFO VILLAPLANA / MILAGROS MALDONADO / CARLOS PEÑA PLAZA asesoras de ventas CARMEN TOVAR/ KAREN DOMINGUEZ JOHANNA DE JONGH / ANNALISA LEPORE DE PEÑA CLARISSA PERFETTI / LUISANA LOPEZ fotolito DIBARI MAC PC / impresión ALTOLITHO club valencia es un producto de club de editores valencia c.a. nº ISSN: 1317-2816. nº de depósito legal: pp 200002CA855 teléfono: + 58.241.8243114 móviles: +58 414.4382330/ 414.4320868 dirección: Av. Rio Orinoco, Reda Building, Torre B, Piso 3, Oficina 9 Valencia, Venezuela. Rif: J-30653852-6 email redacción: clubmagazine@gmail.com email pautas sociales e institucionales: clubsociales@gmail.com web: www.issuu.com/clubmagazine blog: clubmagazinevenezuela.blogspot.com twitter: @clubmagazine - facebook: club magazine venezuela tumblr: clubmagazine / instagram: @clubmagazine

belleza esencial

vestuario: sopa ropa por jenny woodman fotógrafo: jorge anaya modelo: isadora juarez

Uno de los asuntos más interesantes del diseño, en estos últimos tiempos, es su carácter permeable, flexible, mutante. Al principio, nació como un oficio ligado a las artes, no considerado como tal, sino como una vertiente absolutamente utilitaria, aplicada a la cotidianidad, de costo accesible. Hoy en día, se mezcla con ciencia, con tecnología, música, gastronomía, cine, y, con arte, por supuesto. Y no necesariamente de bajo costo. Y es que el diseño se ha convertido en el aliado perfecto de la contemporaneidad porque no solo hace más fácil el día a día sino porque además embellece el entorno. Lo convierte en personal y cómodo para quien lo habita. Y he ahí su esencia. Su clave. El ser humano ha evolucionado en sus conceptos estéticos, ha hechos suyos los que considera tal y ha “engavetado” los que no le gusta o, quizá, no comprende. Y si algo tienen estos años que vivimos es la creciente afición por lo visual, lo efectista y lo que satisfaga en el momento. Es la era del “Like”. De lo que nos gusta, lo que nos atrae porque entra por los sentidos y porque, una vez procesado, consideramos hermoso, afín y amigable. Nos sentimos orgullosos y felices, de compartir con ustedes en “Caracter” la visión de Pascual de Jesús, un diseñador venezolano quien, a través de sus muebles, logró sorprender a la animadora ícono de la televisión norteamericana, Ellen De Generes, durante su participación en el concurso reality transmitido por HGTV en EEUU a principios de 2015, “Ellen’s Design Challenge”. Conocerán un talento de creatividad efervescente y futuro brillante, como el de muchos venezolanos que han ido a otras tierras en busca de nuevas oportunidades y dejan nuestro nombre muy en alto. También, en “Pret-a-porter” conocerán los diseños de la marca Sopa Ropa, que ha dado mucho que hablar en Perú y está diseñada allá por la reconocida fotógrafa Jenny Woodman, quien vivió por muchos años en Caracas y está casada con ese genio de la publicidad en Venezuela, Bobby Coimbra. Recientemente, en la fiesta OnTheList!, esos saraos tan divertidos preparados por Lise Drouilly y Marina Tayllhardat, se realizó el debut de Sopa Ropa en Venezuela y actualmente se encuentra disponible en Tienda Amapola en Caracas. Los diseños, elaborados en rico algodón peruano y textiles super finos, provoca llevarlos 24 horas al día porque son muy contemporáneos, cómodos y estilosos. En “Por amor al arte”, Mariana Bencomo de Peña nos hace su selección personal de algunos de los artistas más destacados participantes en la 56ava Bienal de Arte de Venecia titulada “Todos los futuros del mundo” y cuyo planteamiento, más allá de l bello, plantea un mensaje avasallador y contundente. En Metrópolis, quisimos combinar la nueva colección White Shirts de Carolina Herrera, reseñada aquí por un periodista especializado en camisería, Ignacio Alen, y mezclar esta colección con algunas lámparas que llamaron nuestra atención en Euroluce 2015, el espacio de tendencias de iluminación que vimos en el Salón del Mueble del pasado mes de abril. Mientras en “2001 Odisea del Espacio”, seguimos con esta famosa exposición de muebles y una instalación inolvidable a cargo del arquitecto y diseñador Michele De Lucchi: La Passeggiata. En “Gente como Uno”, José Roberto Coppola como siempre, nos sorprende con tres talentos venezolanos en diseño de moda Oriana Zancanaro, Nabel Martins y Nathalia Forkin quienes revelan su inspiración y código genético como diseñadoras. Igualmente, en “Futuro Perfecto” conocimos los hermosos pañuelos de seda realizados por Sigal Cohen, quien sorprende con una reinterpretación de estas clásicas piezas textiles que pasan de ser meros accesorios a protagonistas del mejor outift. En “El Club de la Buena Estrella”, veremos la apoteósica labor que se ha trazado una querida y admirada amiga de esta publicación, Yamlusi Agostini, quien realizó un estudio minucioso acerca de la situación actual de la industria de la moda en Venezuela.En fin, inspiración, belleza y posibilidades, lo que siempre nos ha estimulado e impulsa a seguir trabajando para ustedes, mostrando una vitrina de lo que somos y lo que podríamos llegar a ser. En positivo. Como es la esencia del venezolano que se proyecta aquí y en el mundo. Gonzalo y Mariana

DISTRIBUCIÓN GRATUITA VALENCIA: Guataparo C.C., Country Club de Valencia, Struktura, Centro Italo, Hermandad Gallega, Coffee Market, La Patisserie, Paladar, Birra Bar, Citrus Sala de Eventos La Locanda Trattoria, Hotel Hesperia WTC, Gaspard Brasserie, El Armario de Lola, Malva Concept Store, Gova & Friends, Kemya, Xperience, Boulevard Grill y Suomi. CARACAS: Antigua, Aprile, Aprilis LPG, Atar Creaciones Culinarias, LoLa Restaurant, Calíope, Catar, Come a Casa, Corot, Segafredo Restaurante, Favola Ristorante, Galería G7, Greenella, Casa 22 el Hatillo, Librería Kalathos, Madame Blac, Mansión Clement, Mobel, Mokambo, No Pise La Grama, Oficina No.1, Quincalla Zoco, Rustiaco Las Mercedes, Tres, Tarbay, Tawa, Zona Verde y Tienda Cameo LPG.

CARACTER

gonzalo peña veloz [@selektorg] fotos: www.gaspardejesus.com / agradecimiento: román moreno

Gaspar de Jesús

Creatividad elástica La inclinación creativa de Gaspar de Jesús fue siempre evidente. Desde pequeño tuvo interés por las clases de educación artística, música, teatro y dibujo, mientras cursaba Primaria y Bachillerato en el colegio San Ignacio de Loyola, en Caracas, ciudad que lo vio nacer. La exuberancia del trópico y esa permeabilidad natural que otorga el haber visto la luz por primera vez en un país con apertura geográfica hacia el mundo entero a través del Mar Caribe, le dotaron de una mente elástica y adaptable a los cambios, misma que caracteriza a la gente evolucionada e imaginativa. Como era usual, su primera decisión fue estudiar Arquitectura en la Universidad Central de Venezuela, ese maravilloso espacio concebido por el maestro Carlos Raúl Villanueva, legado de los venezolanos y patrimonio de la humanidad, sin embargo, luego de dos años de cursar la carrera, descubrió que su verdadera pasión es la de diseñar mobiliario y objetos. Es así como comenzó a estudiar Diseño Industrial en el Instituto de Diseño Caracas, institución donde obtuvo las bases de su enseñanza que posteriormente continuó, después del primer año cursado, en el Pratt Institute de Brooklyn, epicentro de grandes talentos en el design internacional. Y es que uno de sus sueños era vivir en Nueva York y, como era de esperarse, le había sido concedido. De ahí en adelante, se destacó en el año 2000 con el proyecto “Drunken Cart”, el cual fue designado para representar a Pratt en la importante exhibición anual del mueble en Nueva York, ICFF, así como también lo hizo con su proyecto de Tesis de Grado en 2001, una silla denominada “Madonna”, en homenaje a la diva del pop dance, que aparece junto a el fotografiada en estas páginas. Desarrolló entonces una filosofía al momento de diseñar, inculcada por su mentora en Pratt, la diseñadora Eva Zeisel, basada en el lenguaje propio que deben tener los objetos y que el buen diseña-

dor debe estar atento para permitir que su proyecto “hable”, evolucione naturalmente y se revele ante la mente que lo esta creando. Es así como todas las piezas realizadas por Gaspar de Jesús tienen una personalidad única y diferente. Pocos años más tarde se mudó a Los Ángeles, California, donde actualmente reside, y ahí desarrolló colecciones inspiradas en el Art-Deco, quizá influenciado por su estancia en Nueva York, una de las mecas de este estilo arquitectónico. Sus piezas, juegan con la línea, empleando materiales nobles y añadiéndoles un toque final, parte cutting-edge, parte locura, que logran hacer la diferencia a través de cinco líneas de producción: Signature –sus piezas ícono-, Indoor –mobiliario para el interior-, Outdoor –mobiliario para exteriores-, Industrial Chic –muebles con estructura hecha con tuberías de cobre, como para lofts- y Ceramics – piezas de porcelana blanca con un twist-. Llegó el año 2014 y postuló ante los productores del nuevo show televisivo a-laProject-Runway “Ellen’s Design Challenge” con la fabulosa Ellen De Generes como anfitriona, en éste, varios talentos del diseño de muebles y objetos competirían por un premio final y la notoriedad que conlleva la participación en si. El programa, transmitido por HGTV en Estados Unidos a principios de 2015, contó con la participación de Gaspar de Jesús y aunque no logró el premio final, destacó como participante con su creatividad efervescente. Ellen De Generes, siempre auténtica y atinada en sus comentarios, le dijo en una de las transmisiones “Eres locuazmente talentoso, amo lo que haces”. En efecto, al contemplar una por una de sus piezas y su obra general, aseguramos -sin titubear- que la mente elástica de Gaspar de Jesús tiene todavía mucho que escribir en la historia contemporánea del diseño. Y así será. Cuando era pequeño... acostumbraba a jugar con Lego y carritos de juguete. Mis preferidos eran los que tenian amortiguación. Siempre

fantaseaba con los carros del futuro. Siempre me gustó mucho el diseño automovilístico. Cuando cumplí veinte años pensaba que... estaba viejo ¡jajaja! Acababa de ir a Nueva York por primera vez. En ese viaje supe de inmediato que quería estar allí. Me parecio una ciudad donde TODO se podia lograr. Siempre me han gustado... las artes. Creo que en mis casi 40 años he hecho de todo un poco en terminos artísticos: Pintura, piano, cuatro, canto, actuación, diseño, arquitectura. Ser artista es algo que no se aprende sino que se lleva por dentro. Mi padre... siempre ha sido un ejemplo de inteligencia, arduo trabajo y honestidad. Mi madre... es indescriptible. No tengo palabras para describir un ser tan maravilloso. Es más, yo creo que ella es una extraterrestre pues no he conocido aún a otro ser humano de su calidad. El mundo es... bello, pero injusto, interesante pero extraño, acogedor pero inhumano. Latinoamérica es... el pulmón del planeta y el corazón emotivo del mundo. Desde el extranjero nuestra cultura se caracteriza por la intensidad de nuestras emociones. Es una intensidad bella porque aflora en todo nuestro ser: en nuestra comida, nuestra música, nuestro idioma y nuestra historia. Caracas es... mi cuna y mi “pre-escolar” allí di mis primeros pasos como ser humano. Nunca olvidare esos domingos caraqueños con esos bellos atardeceres que reflejaban el sol en el Ávila. De niño, siempre ibamos a pasar los domingos en casa de mis abuelos. Para mi Caracas es familia. Los Angeles es... mi casa actualmente, sin embargo, cuando me mudé a los Estados Unidos, viví ocho años en Nueva York. Quiero mucho a esa ciudad pues allí fue donde encontré muchas oportunidades que me llevaron a donde estoy y a quien soy hoy en día. La diferencia entre Estados Unidos y Latinoamérica es... ¡mucha! No me gusta comparar. En mi caso, he disfrutado de muchas cosas positivas que, tanto los EEUU como Venezuela, me han brindado. En Venezuela tenemos una cultura y unos valores familiares inigualables que no los he encontrado en EEUU. Sin embargo, es en aquí donde he encontrado las oportunidades de crecer a nivel personal y profesional. Este es un país donde se valora el talento y el trabajo. El arte es... parte de la vida de quien lo lleva por dentro. Arte para mi es cualquier manifestación que logre representar y transmitir emociones. El diseño es... para mi, un arte. Se dice mucho en el mundo del diseño que “la forma viene de la función del objeto” Para mi, la forma viene de la necesidad de expresar la individualidad del objeto que se crea. Es cierto, el objeto debe cumplir una función, sin embargo, a ya 100 años de la revolucion industrial creo que tenemos suficientes objetos que cumplen la función requerida. Si a este punto diseñamos solo por necesidades funcionales entonces no nos hacen falta más diseños. 16

Trabajar en el programa Design Challenge de Ellen De Generes fue... una experiencia inigualable. Cada episodio fue como un semestre de universidad. Ellen De Generes es... una persana carismatica e inteligente que valora mucho el talento artistico. Para mi también es alguien que me dio la oportunidad de mostrarle al mundo mi trabajo como diseñador. Lo más curioso del mundo del diseño es... como nunca dejamos de necesitar diseños nuevos. El diseño representa parte de la evolucion del ser humano. Mientras sigamos evolucionando seguiremos buscando algo nuevo para representar quienes somos en ese momento. El Instituto de Diseño Caracas es... la escuela que me hizo darme cuenta que yo tenia un talento, algo que ofrecerle al mundo. Estudiar Diseño en el Instituto Pratt fue... un honor. La diseñadora Eva Zeisel ha sido... una inspiración que llevaré siempre por dentro. La silla Madonna ha sido... tal vez la forma más libre en la que he expresado quien soy como diseñador. El diseño está evolucionando... no solo hacia las necesidades personales sino hacia las necesidades del planeta y de cómo nuestra presencia lo afecta. La meca del diseño en este momento es... Milán, NYC, Berlin. La primera imagen o pieza de diseño que cautivó mi vista fue... el Ford Sierra que salió en Venezuela en el año 1986. Estaba obsesionado con ese carro y gracias a eso supe que el diseño industrial existía como carrera. Supe que quería trabajar en el mundo del diseño... desde siempre. Coleccionar piezas de diseño puede ser... como llevar un archivo histórico de la humanidad. Como dije anteriormente, el diseño representa quienes somos como sociedad, por lo tanto el diseño va cambiando con la sociedad y es testimonio de ésta. Reconozco un talento de diseño prometedor... cuando la pieza expresa algo nunca antes visto. La información en el mundo contemporáneo es... instantánea, mas no totalmente confiable. El espacio que siempre visito... y me sorprende, es el LACMA (Museo de Arte del Condado de Los Angeles) Un museo es... una muestra de emociones tangibles de los artistas exhibidos. Me gusta el Art Deco... porque es sofisticado, elegante y funcional. La vida es... un milagro y un misterio. La muerte es… nadie sabe. La creatividad es... un regalo que debe ser explorado y utilizado al máximo. Me gustaría estudiar más sobre... el arte de la Escultura. A veces me gustaría volver atrás... para pasar un domingo con mis abuelos. Me prohibieron… nada, que recuerde. La vanidad es... buena, hasta cierto punto.

Un espejo es... un reflejo, cómodo o incómodo, dependiendo de lo feliz o infeliz que uno esté con su apariencia física. Me gustaría hacer una colección cápsula de muebles u objetos para… la compañía automobilística TESLA. Los diseñadores que más admiro son... Eva Zeisel y Marc Newson. El gran diseñador de la humanidad es… la naturaleza. Me gustaría tener una pieza de diseño hecha por… Marc Newson. El dinero es… muy necesario en la sociedad en que vivimos actualmente. La mayor satisfacción que puede tener un diseñador es… ver en el mundo tangible una pieza que nació de su imaginación. Si alguien quiere tener éxito en el mundo del diseño... debe explorar las ideas que vengan a su imaginación. El que no explora, no encuentra. Nunca salgo de casa sin llevar… llaves, celular, cartera y una lista en la mente de un montón de cosas por hacer. Mi gran amuleto de la suerte es… mi familia. De los cinco sentidos me inclino por… la vista. El sitio que más impacto me ha causado es... Nueva York. Ahorita estoy leyendo… “Call me by your name” (“Llámame por tu nombre”), una novela de Andre Aciman. La película que no olvidaré se llama... “La Muerte Le Sienta Bien” con Meryl Streep y Goldie Hawn, es una de mis peliculas favoritas por su humor y por el tema de la belleza y la vanidad humana. Viajar es… enriquecerse. Nunca visitaría… no se… creo que estoy abierto a conocer todo lugar, dada la oportunidad. Al mundo le sobra… avaricia. Al mundo le falta… balance. Creo en... el talento único y el poder interno que cada individio tiene y que debe ser explorado. Echaría a la basura… las religiones organizadas. La envidia es... una debilidad. Nunca es tarde para... aprender algo nuevo. Cuando enciendo el televisor me gusta ver... programas científicos, especialmente sobre el Universo. Me deprime... la falta de sensibilidad hacia el sufrimiento humano. Me emociona... una experiencia nueva, sea lo que sea. Puedo escuchar mil veces... el Canon de Pachelbel. El tema musical que definiría mi vida es… “Express Yourself” de Madonna porque para mi habla sobre ser uno mismo a pesar de lo que la sociedad espere de ti. La cualidad más importante que debe tener una persona es... sensibilidad. Me considero una persona… inteligente. Todos deberíamos aprender... a no juzgar. Si escribiera una autobiografía, llevaría por título... “Montaña Rusa” 18

prêt-à- PORTER

edición gráfica: gonzalo peña veloz [@selektorg]

Colección Entre Costura de Sopa Ropa por Jenny Woodman

Belleza Esencial

Vestuario: Colección Entre Costuras de Sopa Ropa por Jenny Woodman disponible en Tienda Amapola, CC Galería Sebucán, Caracas [@SopaRopaModa - @TiendaAmapola] / Fotógrafo: Jorge Anaya [@JorgeAnayaFoto] Estilismo: Christian Duarte [@Duarteland] / Modelo: Isadora Juarez [@Isadora_Juarez] Concepto: Jenny Woodman [@JennyWoodman] / Agradecimientos: Lise Drouilly de Pearl Events [@LiseDeParis] 20

por amor al ARTE

mariana bencomo de peña [clubmariana@yahoo.com] fotos: cortesía la-biennale.org

La 56ava Edición de la Bienal de Arte de Venecia

El diseño de la mirada

Okwui Enwezor, Curador de la 56ava Bienal de Arte de Venecia Sabemos que cada vez es más determinante y especialmente dominante la presencia del curador en las exposiciones de arte en el mundo contemporáneo. Su rol combina la sabiduría del maestro, la destreza del comunicador y la experticia del diseñador de espacios. Este personaje, desde un Olimpo imaginario del conocimiento, nos guía y propone un paseo conceptual a través del arte. Una gran obra a partir de la disposición de muchas obras. Tanto es así, que su mirada puede mimetizarse con la nuestra hasta lograr una absoluta alienación que lejos está de la libertad imaginada o sentida por el espectador al encontrase frente a una obra. Se trata más bien, de un deliberado asalto a los sentidos que algunos aceptan con sumisión y otros se rebelan con cierta inconformidad. La edición 56 de la Bienal de Arte de Venecia de este año 2015, ha sido curada por el nigeriano Okwui Enwezor, crítico, escritor, poeta y profesor especializado en Historia del Arte, que vive entre Nueva York y Munich, ha curado relevantes exposiciones entre las que figura Documenta 11 y fue considerado en el 2014 por la revista ArtReview, el número 24 de las cien personas más poderosas del mundo del arte. Enwezor no solamente ha seguido la muy en boga línea autoritaria y 28

egocéntrica de la curaduría que a veces pretende desplazar al artista por el guión que propone el curador, sino que casi se ha convertido en una especie de pronosticador o visionario del destino que tarde o temprano viviremos, ya que ha tenido la certera osadía de llamar a esta Bienal “All The World’s Futures” –Todos los futuros del mundo-. El planteamiento de Enwezor en la Arena o Teatro del Pabellón Central del Giardini, el de la crítica y el de los textos oficiales de la bienal, coinciden en un estudio filosófico y político cuyas premisas están basadas en el Contrato Social de Rousseau y el Capital de Marx, con un sentido más mitológico que práctico. En referencia a esa premisa, la revista Art Tribune copia las palabras de la galerista italiana Aurora Fonda que refiere como única razón que justifica la lectura de El Capital en la “Arena” –un auditorio donde se realizan performances de diversas formas de expresión auditiva o visual- de la Biennale 2015, el carácter inocuo de su texto en los momentos actuales. Sin embargo, el discurso de Enwezor también lo inspira el Angelus Novus, el dibujo a tinta china, tiza y acuarela sobre papel, pintado en 1920 por el pintor suizo Paul Klee y adquirido posteriormente por el filósofo y crítico judeo-alemán Walter Benjamin. Este motivo

Fachada del Pabellón de la 56ava Bienal en I Giardini con la obra en neón “A Small Band” de Glenn Ligon y la pieza “Signaling devices now in bastard territory” de Oscar Murillo sirvió de inspiración a Benjamin para su famosa teoría del “Angel de la Historia”, una visión pesimista del devenir histórico como un ciclo incesante de desesperación. Es así como tanto I Giardini como el Arsenale – espacios donde se muestra la propuesta conceptual del curador- se muestra tapizado con imágenes, sonidos y movimientos que recurren a los temas raciales y étnicos, sobre grupos excluidos, minorías sociales, civilizaciones dominadas, pueblos esclavizados, regímenes demagogos, guerras e inmigración. Éstos y muchos otros preceptos de fondo como una “constelación” de filtros: “Vitalidad: sobre la duración épica”, “El jardín del desorden” y “El Capital: una lectura en vivo”, dan forma a esta Bienal desde un punto de vista estrictamente conceptual. Pero, esta vez quisimos ver esta gran exposición de arte solamente con nuestros ojos, con una óptica más espontánea, menos temerosa, más libre y segura de lo que verda-

deramente fue conmovedor, irrepetible y bello; nos desprendimos del pesado contenido filosófico y de ese tema central que plantea Enwezor -demasiado cercano a la realidad actual de Venezuela y casi asfixiante para quienes vivimos una cotidianidad llena de limitaciones y confusión- para dejar que domine la muy sensible política de la mirada. Por ello, mostramos a continuación una selección de obras que relacionadas o independientes de los temas que ocupan a esta Bienal de Venecia, son inquietantes per se en el mundo contemporáneo, y refuerzan el mensaje político, estético y social de Enwezor como curador. Así nos fuimos topando con el gran Georg Baselitz y su poderoso trazo en la anatomía de la imagen, la cubana Tania Bruguera y su valiente discurso político “Sin Titulo” que desnuda –literalmente- la esencia de un régimen castrista o el Pabellón de China que conecta la tradición asiática con la tecnología digital.

FABIO MAURI – THE END

El conceptualista italiano Fabio Mauri, un cronista visual de la Segunda Guerra Mundial y de la deportación de los judíos a Auschwitz, da la bienvenida en la rotonda del pabellón de La Biennale de I Giardini –antiguamente Pabellón Italia- con su serie “The End”, un título que irónicamente marca el inicio de un recorrido estricto y sin desvíos a través de esta gran estructura erigida en 1895 que funge como abstracción sensorial de las limitaciones propias de un gobierno totalitario. Al entrar, bajo la cúpula, a la derecha vemos un bello muro construido con maletas viejas de todos los tamaños y colores que evoca el exilio con todo el peso de enseres y sueños que llevas y que dejas al huir de un sistema totalitario. En las paredes, obras pictóricas del mismo Mauri, con la palabra “The End” realizada en varias técnicas y formas. A la izquierda, una altísima escalera portátil se eleva hasta lo alto de la cúpula con el texto “The End” escrito en todos sus peldaños, una suerte de símbolo de la otra salida ante un régimen opresor: el suicidio. La muerte como el final en el mundo material de la desesperanza. A través de Enzo Mauri, Enwezor plantea el inicio de una historia en la que ya adivinamos el final. 30

ADRIAN PIPER – EVERYTHING WILL BE TAKEN AWAY

La norteamericana radicada en Berlín, Adrian Piper, merecedora del León de Oro en esta 56 edición de la Bienal, mostró una instalación premonitoria y apocalíptica que forma parte de la serie multimedia “Everything will be taken away” – Te quitarán todo-, por una parte, Piper nos muestra varios pizarrones negros sobre los cuales se inscribe en tiza blanca esta frase como una especie de plana escolar, a manera de castigo impuesto, que se repite en todas las pizarras. En otro salón, se exhibe una selección de fotografías en blanco y negro donde vemos

grupos de personas con las caras borradas violentamente con el texto que titula la obra repetido en cada una de estas imágenes. La reiteración sistemática de esta aseveración, pronostica de forma lapidaria un futuro inquietante que nos hace sentir más cerca de la nada y muy lejos de cualquier esperanza. A través de esta serie, Piper nos hace reflexionar sobre la pérdida de libertad intelectual y material que experimenta un ser humano bajo un régimen totalitario y, más allá de esto, el menoscabo de su propia identidad como individuo.

PAZ ERRÁZURIZ Y LOTTY ROSENFELD – POETICAS DE LA DISIDENCIA

Chile presenta en su Pabellón de I Giardini la obra “Poéticas de la Disidencia” que logra unir a dos artistas chilenas, Paz Errázuriz y Lotty Rosenfeld, con la curadora Nelly Richard. Estas tres mujeres y activistas, todas de la generación que emergió durante la dictadura militar de Augusto Pinochet, se reunió para explorar temas políticos de dominación y subordinación,

representación, poder, cultura y ciudadanía desde la perspectiva de género. Este proyecto enlaza la creatividad de Paz Errázuriz, destacada fotógrafa conocida por sus honestos retratos de personas que viven en los márgenes de la sociedad chilena, y Lotty Rosenfeld, una artista del video y la performance de profundo contenido político.

CHIHARU SHIOTA – THE KEY IN THE HAND

El pabellón nacional de Japón en I Giardini de la Biennale 56 es un verdadero relato poético sobre la ausencia y las huellas del pasado. La artista originaria de Osaka, Chiharu Shiota, crea la instalación “The key in the Hand” –Llave en mano-, una especie de telaraña de hilos rojos que salen desde dos barcos de pescadores dispuestos en el piso y que emergen hacia arriba como una gran fuente roja y de la cual guindan llaves recolectadas en diferentes ciudades del

mundo, enmarañadas y entrelazadas en esta sublime pieza estableciendo una metáfora sobre la interconexión entre millones de vidas humanas en la aldea global; sobre la pared, un video de un niño que nos remite al pasado pero también nos traslada al futuro. La memoria heredada toma forma en esta bella y delicada obra que contrasta con la contundente propuesta del curador de esta 56 Bienal de Venecia.

VINCEZO TRIONE (CURADOR) - CODICE ITALIA, PABELLÓN DE ITALIA

El Pabellón de Italia curado por el napolitano Vincenzo Trione, actual profesor de historia del arte de la Universidad de Milán se titula “Codice Italia” y reúne a un grupo de artistas de la contemporaneidad que se identifican con pequeños elementos constantes que pudieran definirse como un código estético italiano. Su propuesta, constituyó un desafío para los artistas participantes porque Trione quiso apartar la mirada nostálgica de la identidad italiana –tan usual al evocar al país mediterráneo- y mostrar un país de cara al futuro. Sin duda, el resultado es un gran trabajo de investigación estética y poética que concluye con la idea de que este país nunca ha interrumpido el diálogo con su memoria iconográfica y con sus frecuentes objetos culturales. 34

IBRAHIM MAHAMA – OUT OF BOUNDS

El joven artista nacido en Ghana, Ibrahim Mahama, sorprende con una obra monumental –Out of Bounds o Fuera de los Límites- que recubre la vieja pared de ladrillos del pasillo externo del Arsenal. La instalación está compuesta por centenares de sacos de yute, mallas y textiles varios que se utilizan para envolver los cargamentos de cacao y otros productos y transportarlos desde Ghana hacia países

industrializados, cosidos unos con otros hasta formar gigantescos tapices que recubren de lado y lado el gran pasillo que lleva hacia la Cordería del Arsenal. Una instalación visualmente impactante que pareciera mostrarnos dos grandes mapas políticos que, entrelazados, evidencian la interconexión que existe entre los países del mundo oriental y occidental.

KUTLUG ATAMAN – THE PORTRAIT OF SAKIP SABANCI

El artista turco Kutlug Ataman, ahora radicado en Londres y caracterizado por su trabajo en videos, documentales y filmes, ejecuta una extraordinaria instalación llamada “The Portrait of Sakip Sabanci” –Retrato de Sakip Sabanci-, un homenaje póstumo al empresario, mecenas y filántropo turco que murió en el 2014. La obra es una especie de alfombra voladora suspendida del techo del espacio hecha con 10.000 monitores de LCD 36

que a su vez contienen fotos tipo pasaporte que se van alternando para mostrar los rostros de personas –familia, amigos, empleados o gente común- que fueron beneficiadas o tuvieron algún tipo de apoyo por parte de Sabanci. Un sutil e impactante trabajo que refresca –justo al final- el pesado ambiente de la Cordería, brindando un espacio a la esperanza a través de la responsabilidad social y los valores humanos.

XU BING – THE PHOENIX

Una de las grandes voces actuales de la vanguardia china es Xu Bing y aquí presenta la impactante obra “The Phoenix”, dos esculturas de madera como basadas en el mito del Ave Fénix, suspendidos de los tejados de los antiguos hangares de barcos del Arsenal. Esta pareja -masculina y femenina- fueron construídas con los restos de materiales de construcción utilizados en los proyectos realizados en China para los pasados Juegos Olímpicos de Beijing en 2008.

Estas gigantescas figuras aladas representan un símbolo de esperanza, de futuro, porque conectan el trabajo, la materia y la cultura y convierten al artista en un alquimista que logra transformar el desecho en arte, en un fénix que renace de sus cenizas para volar, alejándose del ambiente caótico y abrumador que domina la puesta en escena de esta 56ava Bienal -“Todos los futuros del mundo”- quizá buscando un mañana mejor.

METROPOLIS

ignacio alen [twitter&instagram @ignacioalen]

CH White Shirt Collection 2015 + Piezas del Salón del Mueble de Milán

Blanco Design

Carolina Herrera y Lámpara Spokes de Foscarini El encanto de una camisa blanca parece que nunca se arruga. Mucho menos si hay diseñadores como Carolina Herrera que siempre están aprestos para planchar los acordeones que deja en la popelina todo el tiempo que ha pasado desde que salió prestada del armario masculino, para transformarse en todas las versiones posibles de un top con cuello alzado y puño abotonado. Tan neutral que beneficia cualquier entorno y ocasión; no muy estructurada como para que se le tilde de “estirada”, tampoco tan fluida para que no se confunda como un signo de flacidez, y tan noble que cualquiera de sus partes se presta para una reinterpretación de la moda. En su marca ready to wear CH, la diseñadora venezolana-americana siempre dedica una colección cápsula a la pieza que la ha acompañado a lo largo de toda su carrera; la colección otoño 2015 no ha sido excepción. Un balance entre lo delicado de las formas onduladas y lo estructura sartorial redefinen la silueta, interpretando para esta temporada ese imaginario de elegancia clásica con un toque contemporáneo que caracteriza la propuesta de la diseñadora. Y no podría ser de otra manera, ya que se trata de una colección que en su totalidad explora una variedad de formas y volúmenes muy Balenciaga de los años 50, resultando en una actualización del volumen estilizado que en parte podría definir la traducción moderna de una Park Avenue Princess, o todo lo que se podría poner una Lauren Santo Domingo o una Olivia Palermo para el brunch del Waldorf Astoria.

“He estado diseñando camisas blancas por siempre, pero no me canso de ella”, confiesa quien no pierde ocasión para combinarlas con faldas y pantalones para tomar los créditos al final de cada uno de sus desfiles. “Me encantan las camisas blancas porque se sienten como una security blanket. Puedes usarlas con cualquier cosa. Es la persona y la forma en que lo llevan que lo hace diferente”, ha explicado la diseñadora que parece proveer las páginas en blanco para que cada una escriba su propia historia a partir de sus gustos personales. Nota del Editor En la reciente edición del Salón Internacional del Mueble de Milán el blanco –en sus diferente versiones- siempre es uno de los colores referencia dentro de las tendencias del mobiliario presentado en esta gran exposición internacional de equipamiento para el hogar organizada anualmente por la asociación Federlegno en la capital industrial italiana a la que acuden compradores de tiendas de muebles, coleccionistas de diseño, estudiosos, periodistas y todo aquel que sea alguien en arquitectura o interiorismo y que siempre están atentos a los últimos lanzamientos de las firmas más importantes del design mundial y a la que este año acudieron más de 300.000 visitantes. Es así como aprovechamos esta oportunidad en la que la moda rinde homenaje a este luminoso color para mostrar algunas lámparas que nos impactaron en Euroluce, la bienal de iluminación que se realizó en el marco de esta edición número 54 de la prestigiosa exposición.

Moda: CH by Carolina Herrera [www.carolinaherrera.com] / Lámparas: Foscarini [www.foscarini.com], Slamp [www.slamp.com] y Kartell [www.kartell.it] Agradecimientos: Aura Marina Hernández de Blue Press Service por material fotográfico de CH White Shirt Collection y Marva Griffin Wilshire, Directora de Comunicaciones del Salón del Mueble de Milán. 38

White Shirt #22 Collection Otoño 2015 Lámpara Binic por la diseñadora Ionna Vautrin [foscarini.com]

White Shirt #23 Collection Otoño 2015 Lámpara Clizia por el diseñador Adriano Rachele [slamp.com] 40

White Shirt #21 Collection Otoño 2015 Lámpara Kabuki por el diseñador Ferruccio Laviani [kartell.it]

2001 odisea del ESPACIO

gonzalo peña veloz [@selektorg]

La Passeggiata de Michele de Lucchi en Salone del Mobile 2015

Un paseo por las nubes

“El caminar es (también) un arte visual que confiere la posibilidad de observar al mundo de una manera diferente” Giovanni Cattabriga del Colectivo Wu Ming 2

La mente es, en si misma, todo un mundo de posibilidades. En el siglo XXI cada vez se descubren más aspectos acerca del potencial del cerebro humano, su capacidad, formas de estímulo, maneras de obtener el máximo provecho de este pequeño gran órgano que coordina nuestras ideas, iniciativas y tareas, posteriormente ejecutadas por el cuerpo. Partiendo de este conocimiento, tan de Tercer Milenio, las empresas, desde las más grandes hasta las más pequeñas, se han volcado en proporcionar a sus trabajadores de un ambiente amigable y confortable que genere mayor productividad y reduzca el stress propio de una oficina. Es harto conocida la experiencia de megaempresas como Google, Facebook, Cisco, Microsoft, Pepsi, que han revolucionado el mundo laboral con espacios donde el trabajador se siente a gusto pasando la mayor parte de su día dentro de las oficinas, sin sentirse asfixiado, agotado o stressado en exceso. De ahí que cada vez más el mercado de arquitectura

interior y mobiliario para oficinas ha evolucionado aceleradamente en los últimos tiempos, adaptándose a las necesidades físicas, emotivas y mentales del individuo, en función de lograr una atmósfera productiva y, a la vez, placentera. Términos como ergonomía, responsabilidad social, seguridad y salud laboral, tan familiares en este siglo XXI, son aspectos que toda empresa debe observar actualmente como parte de su planificación. Es así como la exposición más importante del mundo en diseño de mobiliario, el Salón del Mueble de Milán, en su edición número 54, consagró dos gigantescos pabellones al Salone Ufficio o Salón de Oficinas -#22 y #24 del Parque Ferial en Rho- para que 127 prestigiosos fabricantes del ramo pudieran mostrar las últimas tendencias en muebles, tecnología, equipamiento y accesorios para oficinas en 11.500 m2, bajo el visionario título “Workplace 3.0”. Basados en este título que refiere al tipo de espacio de trabajo que caracteriza a las empresas vanguardistas del

Proyecto: Arquitecto Michele de Lucchi [www.micheledelucchi.com] / Fotos: Saverio Lombardi Vallauri [Cortesía Salone Del Mobile Milano www.salonemilano.it] / Agradecimiento: Marva Griffin Wilshire – Departamento de Comunicaciones del Salone del Mobile Milano 42

Vista parcial de The Club o El Club de La Passeggiata

Tercer Milenio, los visitantes a esta área del Salón pudieron constatar las novedades que las casas de diseño más avanzadas del mundo venden en materia de espacio interior, ofreciendo un mobiliario con todas las comodidades propias de las compañías donde se ofrece a la gente, más allá de un trabajo de “quince y último”, una experiencia integral de calidad de vida que promueve un mejor desempeño y mayor fidelidad a la empresa por parte del empleado. El sitio de trabajo ideal del Tercer Milenio ofrece mayor libertad al ejecutivo para desplazarse, interactuar con otros empleados, tener alimentación, ejercicio físico y esparcimiento de calidad que incrementarán su motivación y por ende, su capacidad creativa y productiva, aparte de que reduce la tensión y aumenta la satisfacción personal del individuo. Es así como, la directiva de Federlegno, asociación que organiza el Salón del Mueble de Milán, quiso agregar un espacio de inspiración e innovación que otorgara a su Salone Ufficio: Worlkplace3.0, un matiz informativo, orientativo y pedagógico a sus visitantes y en especial, a los arquitectos de interior especializados en oficinas. De ahí que propusieron al afamado arquitecto y diseñador Michele De Lucchi la realización de un proyecto donde, a la vez, se hiciera un ejercicio de imaginación y se conjugaran las características del espacio de trabajo ideal para el futuro.

De Lucchi, residenciado en Milán, donde es profesor de la Facultad de Diseño del afamado Politécnico, además de referencia obligada en la historia de este oficio por su participación en la conceptualización de lámparas, muebles y objetos para importantes compañías de design italiano como Artemide, Olivetti, Alias, Unifor, además de integrar el famoso movimiento Memphis que marcó la era posmoderna en materia estética. Muchas piezas diseñadas por él se encuentran en la colección del Centro Georges Pompidou de Paris, entre otras exhibiciones importantes, al igual que, su experticia y gran conocimiento en estas artes aplicadas es tal, que ha sido curador de muestras en estos temas en el Museo de la Triennale di Milano, Palazzo delle Esposizioni de Roma, el Neues Museum Berlin y otros importantes centros. En la Expo 2015 de Milán fue el arquitecto de tres importantes pabellones: Padiglione Zero, Expo Center e Intesa Sanpaolo, además de otras instalaciones que pudieron verse en la ciudad durante este importante evento mundial. La hermosa propuesta de Michele De Lucchi para Workplace3.0, titulada La Passeggiata o El Paseo, fue realmente un deleite para los visitantes del Salón del Mueble de Milán. Desde el concepto, un boceto a plumilla que presentó a don Roberto Snaidero, Presidente del Salone, a los directivos de Federlegno y a nuestra querida amiga Marva Griffin, directora de comu-

Vista parcial de The Laboratory o El Laboratorio de La Passeggiata con los módulos elaborados con La Edilego a partir del diseño de De Lucchi

nicaciones del magno evento, sorprendió porque, aparte de ser novedoso e inspirador, su ejecución rendiría un tributo a la labor de los artesanos italianos, una de las banderas que ondea insistentemente y con mucho orgullo esta federación de fabricantes de muebles. El nombre Passeggiata o Paseo, proviene del recorrido vespertino que antiguamente hacían los habitantes de una ciudad o pueblo en Italia –y muchas partes del mundo-, luego de una jornada de trabajo, caminando e interactuando por los espacios públicos para despejar la mente y disfrutar los placeres de una buena conversación, algún aperitivo o simplemente para ejercitar el físico y refrescar la vista. Una suerte de flâneur, pero con oficio conocido y punto de llegada. Más importante aún, la esencia del diseño planteado por De Lucchi se basa en la fluidez de las ideas y en como el espacio físico debe estimular el movimiento y el cambio, porque las empresas de hoy y mañana deben evolucionar constantemente, como también lo debe hacer su personal. De ahí parte el concepto que De Lucchi planteó a los organizadores de esta exhibición -aprobada con unanimidad-, seguida de una maqueta y, finalmente, una impecable puesta en escena. 44

Vista desde arriba, esta instalación arquitectónica define cuatro espacios y los separa –y comunica a la vez- a través de cuatro estructuras semi circulares elevadas del piso, tipo pasarela, a las que se accedía libremente por rampas en cualquiera de los cuatro espacios, una suerte de abstracción del símbolo del infinito multiplicado por dos y entrelazado en el centro. Al ascender a estas pasarelas, el visitante podía caminar libremente y además tener una vista macro de cada detalle de la instalación, aún más, diríamos que la posibilidad de ascender y ver desde arriba el plano macro, quizá simbolizaba uno de los “mindsets” que el teórico John Naisbitt recomienda al momento de analizar algo y es que lo mejor es abstraerse y ver una situación o problema dentro del trabajo desde una perspectiva más amplia, escrutando el entorno, todas las variables circundantes, revisando el pasado, presente y futuro de ese asunto para tomar una decisión clara, definida y sobre todo, despejada. Las cuatro áreas que delimitaban cada círculo representaban –cada unaun aspecto de la vida laboral del hombre del presente y el futuro, son estas tituladas: The Club, Free Men, Agora y Laboratorio. The Club o El Club, era el área donde se daba prioridad a la comunicación

El Agora o Plaza de La Passeggiata

interpersonal como herramienta de desarrollo esencial para los trabajadores de grandes empresas. Aquí, se hace un acento en la socialización y el intercambio de información entre el personal en un espacio informal y relajado, al estilo del lobby de un hotel o un lounge de aeropuerto, donde se puede proporcionar –a través de la tecnología- la posibilidad de seguir trabajando y, a la vez, interactuando con co-trabajadores porque de alguna conversación puede surgir una brillante idea. Free Men u Hombres Libres, se entendió como un espacio donde se promueve el trabajo individual o en equipo en donde se podían ver estructuras tipo cápsula en las que el empleado puede estar en su módulo y, si lo desea, puede reunirse con otras personas en espacios diseñados para esto. Agora o Plaza, era el espacio inspirado en la plaza de las antiguas “Polis” griegas donde filósofos y estudiosos exponían sus ideas y las refrescaban con sus congéneres. Aquí vimos un pequeño auditorio semicircular con gradas que emulaban a los teatros o auditorios de la antigua Grecia ideal para hacer presentaciones de proyectos, eventos especiales y cualquier encuentro más grande que el cotidiano. The Laboratory o El Laboratorio, un espacio espectacular, inspirado en

las villas medievales donde la producción se ejecuta y las ideas creadas en los otros espacios se concretan. Aquí vimos una exhibición en vivo de los carpinteros que ejecutaron buena parte de este proyecto, el taller La Edilegno, unos artesanos de la madera basados en Ravenna que implementaron en su producción tecnología de punta con diseño 3D, aplicaciones y software para facilitar y hacer más eficiente la fabricación, manteniendo el toque final con su legendario trabajo manual. Toda esta gran exhibición, tenía pequeñas muestras de esculturas en madera hechas por artesanos de la zona diseñadas en función a esta gran estructura futurista, reflejando ese orgullo que constantemente vemos en Italia por cada región, cada talento artesanal, que a manera de responsabilidad social e identidad, buscan darle valor y mantener tradiciones de trabajo manual que han trascendido de generación en generación. He allí la majestuosidad de la visión que transmitió Michele De Lucchi a través de este inolvidable Paseo o Passeggiata a través del presente, pasado y futuro de un país que se encuentra plenamente inserto en el Tercer Milenio sin dejar atrás su historia y el legado de muchas personas que la han escrito. ¡Bravo!

gente como UNO

josé roberto Coppola [mistercoppola.blogspot.com] [twitter & instagram: @mistercoppola]

Oriana Zancanaro + Nabel Martins + Nathalia Forkin

Identidad Femenina

Los edictos personales de la moda son más que resoluciones de nuestras fijaciones estéticas. También lo son de nuestros criterios, obsesiones, placeres, ideas, conclusiones, libertades, dogmas, pragmatismos, sensibilidades, valores, descubrimientos, manías y hasta de nuestros antojos. Son esas premisas tan exactas o tan cambiantes como lo decidamos, como lo permitamos. Esas en las que se concilian la suma de experiencias visuales almacenadas en nuestros pocos o muchos kilómetros de vida. Son los preceptos formados por todo aquello que nos define, eso que aprobamos, eso que nos seduce, eso por lo que sentimos debilidad, eso que en muchos casos también nos regenta. Siempre los horizontes mundanos propios se amplían tanto así como nuestros conocimientos. Y en estos tiempos hiperglobalizados se puede tener un buen mordisco de lo que ocurre más allá

con una inmediatez que apabulla. Porque para la moda el mundo es un gran ojo. En la curiosidad cuanto más ves, más te reconoces, más te reafirmas, más te descubres. La belleza te transforma y hace que quieras ver irresistiblemente más preciosidad. Lo bello cambia tu modo de mirar, pero tu modo de mirarte también. En ese propósito invitamos a tres jóvenes diseñadoras de moda venezolanas a que dejaran testimonio fiel de algunas pasiones estéticas, como de sus postulados de diseño, de sus obsesiones en la moda, de sus afectos mundanos, de sus predicciones en la industria, de sus affaires consumistas, como de sus instantes de vanidad. Así, estas tres diseñadoras, todas con firmas que llevan su nombre: Oriana Zancanaro, Nabel Martins y Nathalia Forkin se enfrentan a varias interrogantes que permiten descifrar un poco de lo que les gusta tanto como un poco de sí mismas.

josé roberto coppola fotografía: jesús soto

Oriana Zancanaro ¿Cuál es su mood look del momento? Jeans y los combino con camisetas de algodón y mis espadrilles. Estoy enamorada de trenzas para el cabello, son super femeninas y muy sexys. ¿Un coleccionable en la moda? Sin duda mi coleccionables son los vestidos negros. ¿Tres cuentas de Instagram que hay que seguir? @Manrepeller, @the_vista y @Kristina_Bazan. ¿Un restaurante descubierto en su último viaje? El restaurante francés Casa San Isidro en la cima del cerro Monserrate de Bogotá, la vista es increíble y la crema de langosta pasó a ser mi plato favorito. ¿Su última obsesión en la moda? Los bodys manga larga. Son versátiles, siempre te sacan de apuros y además estilizan el cuerpo. ¿Su paleta de colores personal de esta temporada? Soy muy básica con los colores que uso para vestir. El blanco, gris y negro son mis colores. ¿Terminará el cyber shopping imponiéndose al consumo tradicional? Definitivamente, por ser una herramienta cómoda para comprar en cualquier parte del mundo sin tener que movilizarte. ¿En qué momentos le vence la vanidad? Quizá en los momentos en los que las personas que admiro o considero importantes hacen comentarios halagadores acerca de mi trabajo. ¿Cada cuánto sufre de la crisis del “qué me pongo”? Cuando tengo una ocasión importante o cuando voy a salir con la persona que me gusta. ¿A qué le dice no en la moda? No rotundo a los trajes de baño hilo. ¿En su clóset qué nunca pasará de moda? Mi little black dress sin duda son parte de mi sello personal. ¿En qué momentos la moda le importa poco? En los momentos en los que tengo demasiado trabajo tratando de que mis creaciones repercutan en la moda son aquellos en los que no le presto mucha atención a cómo voy vestida. ¿Un diseñador anti mainstream? La diseñadora de joyas colombiana María Paula Castillo, estoy deslumbrada con las piezas que hace. ¿Una ciudad del mundo por descubrir? Cualquier ciudad de la India, siento curiosidad por visitar este país y pienso que me enriquecería espiritualmente. ¿Cuál es su look real de domingo? Shorts de lino, camisetas, boyfriend jeans o algún outfit deportivo. ¿Todos los selfies están justificados? Vale la pena hacer un selfie en momentos en los que te encuentras en buena compañía y quieres tener un “registro” de eso, pero no se justifica un selfie cuando sustituimos el placer de disfrutar un momento especial por tomar una foto. ¿Qué es lo que siempre necesita su armario? Más espacio para mis zapatos, nunca logro encontrar el espacio perfecto para ubicarlos. ¿Un diseñador latinoamericano que haya descubierto recientemente? La diseñadora colombiana Ana Lucia Bermudez, me gusta porque tiene piezas elegantes y súper versátiles.

Web: www.maisonzancanaro.com / Instagram: @zancanaroswimwear

Nabel Martins

josé roberto coppola fotografía: josé carlos martínez

¿Cuál es su mood look del momento? La comodidad es mi mood del momento: sneakers con vestidos frescos muy veraniegos de estampados atrevidos y un collar de impacto. ¿Un coleccionable en la moda? Jeans, de todos los tamaños, formas y colores. ¿Tres cuentas de Instagram que hay que seguir? La buena manera de vivir de @ cupofacouple, la IT girl @chiaraferragni y lo último del momento en @ wwd. ¿Un restaurante descubierto en su último viaje? East Mamma, en París, todo es delicioso, en especial los spaghetti de trufas. ¿Su última obsesión en la moda? Las tshirts estampadas. ¡Me encantan! Las combino con piezas elegantes y le doy un toque cool a mi look. ¿Su paleta de colores personal de esta temporada? La paleta con la que estoy obsesionada es la de los pasteles. Tan apropiados para el día como para la noche. ¿Terminará el cyber shopping imponiéndose al consumo tradicional? ¡Es el futuro! Sin duda desde allí haremos todo. ¿En qué momentos le vence la vanidad? No sé si llamarlo vanidad, pero algo que realmente disfruto es coleccionar piezas clásicas de grandes diseñadores y firmas de moda. ¿Cada cuánto sufre de la crisis del “qué me pongo”? Por lo general no sufro por lo que me voy a poner. Siempre resuelvo. Amo la moda, pero no dejo que me consuma. ¿A qué le dice no en la moda? A las medias panty de malla negra. ¿En su clóset qué nunca pasará de moda? Mis talleres de Armani, son un clásico y siempre te dejan impecable a donde vayas. ¿En qué momentos la moda le importa poco? En los momentos en los que disfrutar y ser feliz es mi prioridad. ¿Un diseñador anti mainstream? La diseñadora chilena Pola Thomson porque tiene una propuesta diferente, crea tendencia y con mucho estilo. ¿Una ciudad por descubrir? Tokio, porque es el futuro y quiero verlo. ¿Cuál es su look real de domingo? Ropa deportiva vaya o no a hacer ejercicio. ¿Todos los selfies están justificados? Siempre y cuando cada quien se sienta cómodo, están justificados. ¿Qué es lo que siempre necesita su armario? Siempre necesita zapatos. Así como le sobran zapatos. ¿Un diseñador latinoamericano que haya descubierto recientemente? La diseñadora colombiana Johanna Ortiz. Exquisita propuesta y limpias líneas. Creo que le habla muy bien a la mujer latina de hoy en día.

Web: www.nabelmartins.con / Instagram: @nabelmartins 48

Nathalia Forkin

josé roberto coppola fotografía: anabella padula

¿Cuál es su mood look del momento? Para esta temporada me siento cómoda usando joggings pants muy holgados, jumpsuits negros, estampados gingham y animal prints en tonos metalizados para la noche. ¿Un coleccionable en la moda? Definitivamente los blazers. Los tengo de distintos colores y diseños. Me encantan porque distinguen tu look tanto en el día como en la noche. ¿Tres cuentas de Instagram que hay que seguir? @chateauversailles, @lvmh_official y @fashionsnapcom. ¿Un restaurante descubierto en su último viaje? Pushkin restaurant en Moscú por su lamprey salad y sus wild mushrooms & smoked mozarella risotto. ¿Su última obsesión en la moda? Los jogging pants de vestir. ¿Su paleta de colores personal de esta temporada? Ocre, aguamarina, blanco, los azules, gris y los tonos metalizados. ¿Terminará el cyber shopping imponiéndose al consumo tradicional? No, puede equivaler o ser un porcentaje alto en la media del consumidor, pero no se comparará jamás con ir a tu brand store preferida y probarte las tiendas y ver cuál te sienta y va mejor contigo. ¿En qué momentos le vence la vanidad? La vanidad es innata en la mujer. El simple hecho de ser mujer conlleva a buscar siempre querer verse más hermosa. ¿Cada cuánto sufre de la crisis del “qué me pongo”? Rara vez suele sucederme. Pero cuando me pasa recurro a esas prendas predilectas y atemporales que sé que me quedan bien. ¿A qué le dice no en la moda? Le digo no a la ropa muy ajustada. ¿En su clóset qué nunca pasará de moda? Una bella blusa negra. ¿En qué momentos la moda le importa poco? Nunca, siempre la tengo presente. ¿Un diseñador anti mainstream? Christopher Kane porque es irreverente, combina formas y texturas para entre sí crear piezas que encajan en la moda del look-at-me trend y ha sabido manejar el anti mainstream y convertirlo en diseños comerciales. ¿Una ciudad del mundo por descubrir? Bangkok, por sus contrastes, energía y serenidad. Por sus templos como el Gran Palacio o el del Buddha de Esmeralda ¿Cuál es su look real de domingo? Pantalones kimono, blusa y blazer de chifón y sandalias de zeppa. ¿Todos los selfies están justificados? No, sólo para ocasiones especiales, un evento o algo que no quisieras dejar pasar por alto. ¿Qué es lo que siempre necesita su armario? Zapatos, nunca son suficientes y son mi debilidad. ¿Un diseñador latinoamericano que haya descubierto recientemente? El diseñador mexicano Rolando Santana, conjuga formas y tejidos que enmarcan la femineidad en un contexto de menos es más que me encanta.

Web: www.nathaliaforkin / Instagram: @nathaliaforkin

futuro PERFECTO

josé roberto coppola [mistercoppola.blogspot.com] [twitter & instagram: @mistercoppola]

Los textiles de Sigal Cohén Wolkowiez

Pasión,tinta y seda

La sutileza a veces engaña. El encanto y la gracia distrae las sospechas y hace olvidar fácilmente las aprensiones. Pero cuando detrás hay tanta vehemencia, tanta fiereza, tanta pasión se aclaran las nieblas del embeleso y la confusión. La diseñadora de textiles venezolana, con base en Miami, Sigal Cohén Wolkowiez, formada en Londres en Royal College of Art, no advierte tras su fina estampa, que es dueña de un lenguaje gráfico y artístico con una poética visual y un sincretismo simbólico romántico, potente, enigmático, preciosista y vigoroso. “Mi trabajo no es minimalista, es maximalista. Tiene carácter, tiene profundidad”, avisa la diseñadora en una revisión en primera persona de su propia obra. Con SCW, su firma de pañoletas de seda, está empezando a construir su discurso estético más hondo, más personal. “Yo ahora tengo una relación sensible e íntima con mi trabajo”, reconoce con coraje, como quien ha descubierto nuevos límites, nuevos horizontes que no avisaba. Porque en sus diseños antes de los colores, de los trazos, ella no tiene miedo de colocar sus sentimientos. “Siempre comienzo con qué es lo que yo siento”. Es su pregunta como dogma. De allí lanza trazos a marcador

grueso que se unen armoniosa y espontáneamente en una silueta, una forma, una composición. Y así, con tinta, papel y emociones, empieza a colorear su propio imaginario. Sus pañoletas, esas elaboradas de seda de fina ralea, que produce en Cairate, Italia, son un lienzo que Cohén usa de soporte de sus contexturas gráficas de grandes dimensiones. En cada uno de los cinco diseños de pañoletas, que llevan por nombre la mancha, la nativa, la fortuna, la metra y la marea, se propuso abarcar con amplitud y contundencia toda la seda. “Quería diseños centralizados que compusieran de manera armónica dentro del cuadrado en los que yo pudiese controlar todo que lo estuviese en mi formato”. Todas con márgenes que dan respeto y valor al diseño creado por ella y estampado digitalmente. “Para mis pañoletas busqué una seda que tuviese cuerpo y también una impresión óptima. Cada una de ellas tiene la misma resolución, nitidez, contraste y saturación de color por ambos lados”, deja en claro de esas ambiciones que para ella eran una exigencia. Una pieza de diseño como esta precisaba una atención esmerada de elegantes

Pañuelos: SCW by Sigal Cohen Wolkowiez [www.sigalcohen.com - Instagram @scwdesign] / Retrato: Aníbal Mestre [@anibalmestrew] Make Up: Nanda Quero / Styling: Orly Romay / Modelo: Valery Bronstein / Fotografía de pañuelos: John Alexander 50

detalles porque es una categoría de diseño de lujo. Por eso todas tienen una delicada costura pañuelo realizada industrialmente pero con terminaciones artesanales. Así, todo comienza con el pulso, con la raya, con un camino de tinta, con el color en papel. Esos que le quedaron de sus días en el Royal College of Art. “Recuerdo que para mí el primer cambio fue volver al sketchbook y que mis manos fuesen el punto de partida”. Ahora en su breve espacio de trabajo en Miami hay pequeñas libretitas colmadas de dibujos, hojas con exploraciones a marcador o tinta, bocetos sueltos de formas y siluetas. “Después de mucho tiempo de trabajo digital cuando volví al papel sentí vértigo. Me preguntaba ‘¿cómo empiezo?”. Ahora no sabe comenzar de otra manera. El trabajo de Sigal Cohén se propone traducir muchos códigos del kitsch venezolano, pero también de lo vibrante, lo majestuoso, lo incandescente de nuestra tierra. “Yo me inspiro en la venezolanidad”, confiesa. Pero de ese país que está en sus memorias. “Una paleta de colores, un tono, tropical que fundo con un tema personal que tiene que ver con el judaísmo, no como religión sino como cultura. Tengo un álbum con fotografías de flora, fauna, playas de esa Venezuela que yo recuerdo. Utilizo los grafismos de

mercados, calles, quioscos para motivos más sofisticados”. Ese caos visual de Venezuela es parte de los elementos que fusiona con acentos de otras culturas para armar un concepto siempre cosmopolita, absolutamente global. “Yo tengo una sensibilidad al color que guía todo mi trabajo”. Un Pantone personal que es audaz, poderoso, estridente. Con tonalidades de lo caribeño. De mucha osadía y energía cromática que evoca la naturaleza y la ciudad, la esencia que tiene mucho de realismo mágico criollo. “Siempre busco una paleta de colores muy del trópico que está enriquecida por la luz de Venezuela que es muy particular”, asoma la diseñadora. Decidida a romper paradigmas y a imponerse nuevos retos Sigal Cohén Wolkowiez con su firma SCW, empezó a crear con más libertad. “Comencé a diseñar pañoletas porque quería un accesorio versátil, que se pudiese usar de diferentes maneras. Con ellas no sólo podía crear el textil sino la pieza completa. Y ahora estoy buscando las extensiones naturales de mis pañuelos de seda”, adelanta de sus próximos pasos en la moda. Una firma bohemia y sofisticada que traduce códigos culturales en un discurso visual romántico, poético, nostálgico, poderoso para una verdadera ciudadana del mundo.

club de la buena ESTRELLA

ignacio alen [@ignacioalen] fotos: rubén darío márquez [@rubendariofoto]

Yamlusi Agostini de Venezuela In Moda

La moda en cifras

Dicen que en tiempos de crisis destacan dos tipos de personas: los que lloran y los que hacen pañuelos para vender, y como en Venezuela estamos bien acomodados a la sabiduría popular, en este momento el refrán parece haber conseguido en el sector de la moda su manifestación más literal. No precisamente pañuelos pero sí trajes de baño, blusas, faldas, pantalones, vestidos y una inmensa variedad de accesorios se han instalado en muchos bazares, tiendas físicas y on line; todo se vende bajo el concepto “diseño venezolano” o el hashtag #hechoenvenezuela, que ha logrado calar en buena parte del imaginario colectivo, por el lado más romántico como un mantra que busca llenar el anhelado orgullo por lo nuestro, y por el lado más descarnado como una solución al imposibilitado consumo de productos importados que tanto alimentaba el ego del consumidor criollo en la recordada época del “ta´ barato dame dos”. Pero no es extraño encontrarse con que, como la mayoría de los sectores productivos del país, no haya estadísticas oficiales que cuantifiquen este notable movimiento, pero recientemente, ha sido la incansable Yamlusi Agostini, directora ejecutiva de Venezuela In Moda, quien se ha arremangado los puños de la camisa para seguir en su empeño de promover y darle forma a un sector que entre poses y puntadas logra seducir cada vez más seguidores. Conversamos con quien, junto a su inseparable Rubén Darío Márquez, ha estado al frente del equipo que ha producido eventos que permanecen en la memoria inmediata de los entendidos de la moda local como pasarelas ejemplares: Venezuela Fashion Week (Valencia, 2010), Venezuela in Moda (Valencia, 2011) y Pasarela 261 (Maracaibo, 2013 y 2014).

En la primera fase del estudio “La moda en cifras”, ha encuestado una muestra de 200 marcas, entre nuevos emprendedores y firmas que tienen hasta 30 años de trayectoria en una selección heterogénea que abarcó toda Venezuela. Si bien los diseñadores de alta moda tienen una amplia tradición en el país, hace pocos años han resurgido los emprendimientos de ready to wear, lo que se refleja en el 68% que produce moda para el mercado intermedio, mientras 19% produce alta moda y lujo, y solo 13% está destinada al mercado de ítems económicos, dejando por fuera a una gran masa de compradores con presupuesto reducido. Según este estudio, el mercado de quienes hacen moda está representado en 32% por marcas que se dedican exclusivamente a la producción de indumentaria; un 28% de las marcas y diseñadores ofrecen ambas categorías de productos. Un porcentaje mayor (39,74%) se dedica solo a la elaboración de complementos, incluyendo calzado, carteras y bolsos, joyería, orfebrería y el muy competido mercado de la bisutería. Agostini observa que “la balanza se inclina mayoritariamente hacia la elaboración de complementos tipo bisutería porque los tiempos de producción son más cortos, los costos de inversión son más bajos y el proceso productivo es menos complicado, además de los factores que también afectan positivamente la producción de indumentaria, como la oportunidad que ofrece a la manufactura local el hecho de que haya déficit de productos importados, la creciente valoración de productos de diseño nacional dentro y fuera del territorio, rápido retorno de inversión, espíritu de emprendimiento, la crisis como una oportunidad, y podemos agregar que Venezuela es el país de lo posible”.

Instagram: @yagostinig @venezuelainmoda / Twitter: @yagostini 52

Si bien estas propuestas de “diseño venezolano” abarcan cada vez más piso de venta, sólo 49% de las marcas comercializan sus productos a través de un establecimiento propio, que puede ser tienda o atelier según el tipo y nivel de producto que elaboran; 32% no posee puntos de ventas propio, y utiliza el modelo de negocio de ventas al mayor o comercialización por puntos aliados (nacionales e internacionales). En este caso un 46% del total de las marcas encuestadas tienen presencia de productos en cuatro o menos tiendas aliadas, y solo 12% ha logrado establecerse en más de 20 tiendas no propias. A pesar de la creciente demanda de moda local, un impresionante 86% de los actores de este sector manifiesta no producir a su máxima capacidad. Las razones la lideran principalmente la poca o casi inexistente mano de obra especializada con 46% de peso, mientras que en segundo lugar se aduce la carencia de capital e insumos, principalmente textil, lo que en parte explica la incapacidad del sector para producir piezas económicas. Pero si en algunas ocasiones a varias de las marcas que pululan en bazares y tiendas se les notan las costuras, es en parte porque 51% de los encuestados considera que la destreza de la fuerza laboral va de deficiente a muy deficiente, al punto de considerar que la mano de obra especializada no existe en el país. Así, Agostini apunta que “como en cualquier sector o industria, la mano de obra especializa es requerida para agregar valor y ofrecer productos competitivos que garanticen la plena satisfacción del consumidor y por consecuencia la permanencia de la marca en el mercado de la moda. Sin mano de obra especializada la industria de la moda será una utopía”. Agostini apunta que la moda generalmente está asociada al sector textil en lo concerniente a índices económicos del Banco Central de Venezuela (BCV), pero que en realidad se trata de “un sector poco entendido y considerado por los entes gubernamentales para su desarrollo. Como sector no está organizado, ni articulado, razones que entre otras, soportan la poca o nula presencia como sector económico con nombre y apellido”. En este sentido, 95% de los encuestados manifiesta que no existen políticas estatales claras para el desarrollo del sector moda; de ese total, 68% considera que no existen tales políticas o las desconocen, y 22% las considera de muy difícil acceso a poco estimulantes. Por otro lado, 17% ha considerado los planes de financiamiento privados como buenos, pero 56% los considera de entre difícil acceso o poco estimulantes. A manera de conclusión preliminar, la directora de Venezuela in Moda apunta que “el diseño venezolano está empezando a posicionarse nacional e internacionalmente como una propuesta con diseño de buena aceptación, por lo que la moda se ha convertido en una oportunidad de negocio para pequeños emprendedores. La crisis económica ha sido el mejor aliado para la presencia de productos nacionales en tiendas. Veo oportunidades grandes, a nivel comercial, pero con el riesgo de produc-

ción con poca capacidad, y de muy bajos niveles de calidad y confección”. Estos datos, inéditos y bastante trascendentales para la creación de una industria del diseño fashion en Venezuela, son apenas un boceto del gran paisaje que significa, y podría significar, la moda venezolana, en términos de industria textil, insumos, formación académica, aparte de pulsar lo que piensa el consumidor y un largo etcétera. Es así como al diseño de modas venezolano y a “La moda en cifras” le queda mucha tela por cortar, sin embargo, Yamlusi Agostini y su equipo de Venezuela In Moda, llevan la batuta en la construcción de una verdadera industria. Si tienes un emprendimiento de moda, participa solicitando tu encuesta por el email: encuestavenezuelainmoda@gmail.com

las mil y una NOCHES

fotos: anabella padula [@anabellapadula]

Música + Moda + Arte = OnTheList! Caracas

Sueño de una tarde de verano en Samambaya

José Vargas con su piano + beats

Claudia e Ivoly Noguera con su obra “Caracas es una postal de los 80s”

La Dj Marité Otero

El Dj David Rondón y la fotógrafa Anabella Padula

Producción: @OnTheListParty / Arte: @VicenteDiez_V10 - @JennyWoodman - @XuwonX - Tragos y Cocktails: @GreyGooseVE @Dewars - @RonSantaTeresa / Gastronomía: @FoodFactoryCCS - @Arqmusrestauro - @YoCulinario - @CacaoNefertiti / Vestuario: @Ushuva y @SopaRopaModa disponible en @TiendaAmapola / Accesorios: @Tarbay - @LolitaColita - @BeKuzdu / Modelos: @BookingsIMA Locación: Quinta Samambaya, Caracas. 54

La artista Ivoly Noguera y Karim Dannery

Sandy Jelambi y Fina Torres

Valentina Maninat y Rayma Suprani

Samantha Castillo y Martithe Ugaz

Nidal Barake, Juan Hernández y Luis Lares de Food Factory CCS

Alberto Cabello, Aida García y José Vargas

Ushuva by Marina Taylhardat –al centro- celebrando 10 años con colección Tropical Love

Astrid Möller by Ushuva 56

Rosangélica Piscitelli by Ushuva

Sopa Ropa colección Geométrica by Jenny Woodman –al centro-

Mariana Romero by Sopa Ropa

Rosangélica Piscitelli by Sopa Ropa

las mil y una NOCHES

fotos: doris díaz [@ddorita]

@JacquelineAguilera + @HesperiaVE x @Techo_Org

#ValenciaEstaDeModaConTecho

El animador Harry Levy Altman

Jacobo Cordido –TECHO Venezuela-, el animador José Vieira y Jacqueline Aguilera –Instituto Jacqueline Aguilera-

José Rodríguez –Presidente de HMR-, Mariana Bencomo de Peña y Juan Candeal –Director de Hotel Hesperia WTC Valencia58

El diseñador Carlos Aguilar con dos de sus modelos

El actor Jerónimo Gil

José Atouan y July de Atouan

Los diseñadores Felipe Strauss y Abraham Penoth –Penoth & Strauss-

La diseñadora Carol Ginter

Ricardo De Jongh y Carlos Lozano

Mariela Segovia y Alejandro Fajardo

Oscar Vigoya

Georgett Isaac

Marilse Vargas de Degwitz y Constanza Degwitz

Victoria Lamas

Ignacio Sirit y Emiliana Molinari

Oriana Lucchese by Alejandro Fajardo

Fernando Zabaleta y Maria Belén Bellera de Zabaleta –Aire Decoraciones-

Serena Trofa by Olga Bolaños

María Angélica de Tortolero , María Alejandra de Molinari y María Fernanda de Olivo

Carolina León by Olga Bolaños

Isabella Arriaga by Carol Ginter

La diseñadora Olga Bolaños y un diseño de Novia

Iraima Sánchez by Olga Bolaños

Cora Páez de Cosson by Olga Bolaños

Andreína Chacón, Rafael Utrera y Ana Hernández, voluntarios de TECHO

Sandra Carvhallo de Freire y María Luisa de Malavé de Parra

Froyla Cosson, Ladislao Iturriza y Subdelia Sevilla

Francesco Repori y Onelisses Brochero

las mil y una NOCHES

fotos: carlos fuguet [@carlosfuguet]

Inauguración del CIEM en Valencia

Un nuevo espacio para la ciudad

Rosa Piscopo de Lemoine y Jesús Lemoine, directivos del CIEM

Silvana Tafur de Isaac y José Manuel Isaac, directivos el CIEM

El nuevo Centro Internacional de Eventos Múltiples en Mañongo 62

Malimay Montoya de Feo La Cruz y Alejandro Feo La Cruz, Alcalde de Naguanagua

Enzo Scarano y Ángel Álvarez

Ana María Lemoine y Guillermo León

Ana Karina Estopiñan y el diseñador Giovanni Scutaro

Nayi Berra y Germán Silva

Alejandro Campins, Bruna Mugherli y Fernando Zabaleta

María Antonieta Storacci de Alaimo y José Alaimo

Carolina Chazzim de De Simone y Natalino De Simone

Elio Sánchez y Juliana Dávila

Hilda Álvarez de Sánchez y José Ignacio Sánchez

Carolina Salomón de Domínguez, Fernando Domínguez y María Fernanda Domínguez

Héctor Nuez y Silvia Piscopo de Nuez

Andrea Torrens y Santiago Rodríguez

Dariela Sanabria, Dayle Perdomo y María de Los Ángeles De León

Silvia Pizzolante de Pinedo y Carls Pinedo

Maricruz Jiménez, Adriana Romero y Mariana Jiménez

Julibel Alvarado y Macelino Puente

Vanesa Del Gallego y Luis Alvarado

Alfred Castillo y Juan Pablo Taffin

José Javier Olivo y Marifé Rincones de Olivo

Yamlusi Agostini

María Alexandra Sequera de Villegas y Rolando Villegas

Alejandro Acosta y Mayra Alejandra Useche

Yanira Rodríguez y Juan Pablo Morales

las mil y una NOCHES

fotos: carlos fuguet [@carlosfuguet]

Salón 100% Chic by Titina Penzini en Valencia

Hecho en Venezuela

La diseñadora de camisas Irma Contreras

Titina Penzini, curadora del Salón 100% Chic en Valencia 66

Ana Morillo y Yanette Cuicas de Ortega –Garbo Valencia-

Erelin Roa de Better -D´la Vid Jewels-

Alejandro Vílchez y Rodolfo Kastro- by Kastro-

Carol de la Torre –Oro Negro-

Patricia Stelluto y Eden Gil –Antike Bouutique-

La diseñadora Gabriela Brazao

Delia Olivieri y Mari Olivieri -Demasiado Bazar-

las mil y una NOCHES

fotos: carlos fuguet [@carlosfuguet]

Reinauguración de la Boite del Country Club de Valencia

La diversión tiene un nuevo sitio

Gerardo Sánchez – Presidente del Country Club de Valenciay María Verónica de Sánchez

Laurentzi Odriozola y José Luis Sánchez

Luis Fernando Fuentes y Olga Isla de Fuentes 68

Yuraima Suárez de Hernández y Rafael Zenón Hernández

Oma Cecilia Herrera de González y Carlos Luis González

César Lander, Eleana de Lander, Altagracia de González y Elio González

Arquímedes Román, Manuel Gallegos y Manuel Ramírez

Tulio López y Fernando Sánchez

días de GLORIA

fotos: carlos fuguet [@carlosfuguet]

Modus celebró el Dia del Arquitecto en Valencia

Creativos del Espacio

Patricia García, Jesús Tineo y Nakary García de Castañeda

Soluciones Modus, Colección Layout por Herman Miller

Cristina Rodríguez y Luis Fenech

Cristian Fricke, Patricia Travanti y Nicolás Díaz

Luis Fenech, Aldo Guglielmetti y Manuel Montilla

Jennifer Góngora, Diana Rosas y Andreína Guardia

Gema Ruíz, Mabel Calanche y Ailin Muñoz

días de GLORIA

fotos: carlos fuguet [@carlosfuguet]

Exposición de porcelana de Mirian Da Silva en el CCEAS

La pasión de la expresión

La Artista Plástico Mirian Da Silva

Plato en porcelana, pieza única

Rafael Loaiza, Luisa de Loaiza y Alejandra Loaiza

Freddy Sánchez, Alicia Belden y Marlen La Rosa

Maritza Góngora, Cristina Gutiérrez y Patricia Pantoja

Patricia Pantoja, Pierina Reveron y Natalia Proconvich

la vida es BELLA

foto: cortesía xuberance studio shanghai

Xuberance, el estudio de diseño con tecnología de impresión en 3D que se llevó el Primer Premio en la más reciente edición del Salone Satellite, el espacio para jóvenes diseñadores dentro del Salón del Mueble de Milán cuya curaduría está a cargo de la venezolana Marva Griffin Wilshire. El espacio de exhibición de este colectivo de diseñadores con sede en Shanghai estuvo siempre repleto de visitantes, maravillados por las infinitas propuestas planteadas a partir del diseño en 3D, desde lámparas –como éstas mostradas en la imagen que conforman la serie Cloud y que les consiguió el máximo galardón de esta muestra-, pasando por accesorios de decoración, joyería y hasta un traje de novias, todo lo que el cliente se imagine, puede hacerse realidad a través de esta tecnología de punta que imprime con laser programado con el software Materialise . Xuberance lo conforman los jóvenes chinos Steven Ma, Bin Lu y Leirah Wang quienes fundaron su compañía en Viena y la mudaron a Shanghai en 2014 y prometen que sus productos son exclusivos, accesibles y, por supuestos, esencialmente bellos. Como la imaginación. [www.xuberance.org]