Club #67: Sobrenatural by Club Magazine Venezuela

titina PENZINI magia femenina 14 CARACTER ali cordero casal 17 PASARELA sexto sentido

pret-a- PORTER sobrenatural

gente como UNO el poder del yo

MANIQUI

magia negra

futuro PERFECTO selva de dalila gebrán 52 por amor al ARTE 52 bienal de arte de venecia

ICONOCLASTAS michele de lucchi en i saloni

la joya de la CORONA magic triangle de delfina delettrez

el imperio de los SENTIDOS naomi goodsir parfums

el ojo MECANICO caracas norte, sur, este y oeste

DELICATTESEN henry hargreaves en venecia

la vida es BELLA

CREER O NO CREER HE AHI EL DILEMA

director general GONZALO PEÑA VELOZ directora de comercialización MARIANA BENCOMO DE PEÑA diseño y montaje WILSON DESIGN C.A. editor caracas CARLOS FLORES LEÓN-MÁRQUEZ coordinadoras ejecutivas CARMEN TOVAR / LUISANA LOPEZ fotografía PABLO COSTANZO/ NATALIA BRAND / CARLOS FOUGUET / ARON OSORIO JULIO GAGGIA / JONATHAN FARIA / OSVALDO PONTON / CONRADO VELIZ / DORIS DIAZ YEE-TAN HO / CRISTIAN VERA ALEMAN / JUAN DE LOS MARES / ÁLVARO CAMACHO / ANIBAL MESTRE redacción JOSÉ ROBERTO COPPOLA / IGNACIO ALEN / SINDEY GARCIA / NADIA GRADECKY SANTA CRUZ RAQUEL SEIJAS /GRACIELA MARTIN MELLIOR / ANDREINA RANGEL LUZ MARINA MARTINEZ GUILLÉN / SOLMARY HERNÁNDEZ / HELEN LÓPEZ VÁSQUEZ colaboradores TITINA PENZINI / ANGELA ORÁA / MARVA GRIFFIN WILSHIRE CARLOS VALEDÓN ANUNCIATA FRAINO RODOLFO VILLAPLANA / MILAGROS MALDONADO / MARIANA BENCOMO DE PEÑA asesoras de ventas CARMEN TOVAR/ KAREN DOMINGUEZ JOHANNA DE JONGH / ANNALISA LEPORE DE PEÑA CLARISSA PERFETTI / LUISANA LOPEZ fotolito DIBARI MAC PC / impresión ALTOLITHO club valencia es un producto de club de editores valencia c.a. nº ISSN: 1317-2816. nº de depósito legal: pp 200002CA855 teléfono: + 58.241.8243114 móviles: +58 414.4382330/ 414.4320868 dirección: Av. Rio Orinoco, Reda Building, Torre B, Piso 3, Oficina 9 Valencia, Venezuela. Rif: J-30653852-6 email redacción: clubmagazine@gmail.com email pautas sociales e institucionales: clubsociales@gmail.com web: www.issuu.com/clubmagazine blog: clubmagazinevenezuela.blogspot.com twitter: @clubmagazine - facebook: club magazine venezuela tumblr: clubmagazine / instagram: @clubmagazine

sobrenatural

fotografía y edición: álvaro camacho asistencia: manuyo maquillaje y cabellos: juan ignacio ormeño modelo: michelle gonrod vestuario: juan ignacio ormeño y carolina omaña accesorios: arque de jaliceth alfere

Gonzalo y Mariana

DISTRIBUCIÓN GRATUITA VALENCIA: Guataparo C.C., Country Club de Valencia, Struktura, Centro Italo, Hermandad Gallega, Coffee Market, La Patisserie, Paladar, Rocotto, Palau Café, Fatua Valencia, Kokivi, La Locanda Trattoria, Hotel Hesperia WTC, Gaspard Brasserie, El Armario de Lola, Malva Concept Store, Gova & Friends, Kemya, Xperience, Boulevard Grill y Suomi. CARACAS: Antigua, Aprile, Aprilis LPG, Atar Creaciones Culinarias, Atelier Alejandro Ramírez, Atelier Liliana Ávila, Atelier Irma Contreras, Atelier Roberi Parra, Calíope, Catar, Come a Casa, Corot, Favola Ristorante, Galería Fernando Zubillaga, Galería G7, Greenella, La Guayaba Verde, Librería Kalathos, Madame Blac, Mansión Clement, Mobel, Mokambo, No Pise La Grama, Oficina No.1, Quincalla Zoco, Rustiaco Las Mercedes, Tres, Tarbay, Tawa, Zona Verde y Tienda Cameo LPG.

PATTI SMITH La encarnación del rock en poesía. Inspirada en la generación beat y atraída por el movimiento punk, sus mensajes radicales siguen siendo escuchados. [www.pattismith.net] INGRID BERGMAN Una imagen extraída de una escena del filme “Viaje en Italia” de Roberto Rosellini, un testimonio cinematográfico de la decadencia de una pareja a través de un viaje sublime. DEAD KENNEDYS El grupo de punk rock que rompió con todos los parámetros establecidos en la década de los setenta y evidenciaba la realidad de las mujeres en el siglo XX. [www.deadkennedys.com] DEBBIE HARRY La voz cantante del grupo Blondie, quien marcó mi juventud con su canción “Heart of Glass” y esos ojos maquillados de manera exravagante, criticados por las mujeres de entonces. [www.deborahharry.com] CARLA BRUNI Los labios de la ex Primera Dama de Francia –además de miembro de la aristocracia italiana, Supermodel de los noventa y cantautora de estos tiempos- devoran un higo, la fruta que simboliza la feminidad. [www.carlabruni.com] TACONES LEJANOS Dos manos sostienen los trofeos que obsesionan a las mujeres de hoy: los zapatos, ese fetiche eminentemente femenino que ha ganado espacio en los armarios más holgados como pieza de colección. Uno de estos, el zapato blanco de Vuitton pareciera se convertirse en arma letal para atravesar el cráneo de Ingrid Bergman ¿será que la moda atenta contra la inteligencia femenina? HELMUT NEWTON Una de sus más conocidas imágenes del fotógrafo que hizo de la mujer el principal objetivo de su trabajo artístico y quien además plasmaba imágenes de alto contenido sexual y conceptual. En ésta, una mujer encierra a otra en un escaparate para que no exista otra más bella. [www.helmutnewton.com] SERPIENTES EN JOYERIA El reptil más trascendental de la historia desde que convenció a Eva tomar del fruto prohibido en el Edén, ha sido inmortalizado en orfebrería en innumerables oportunidades siendo Bulgari uno de los joyeros que ha convertido de este animal un objeto de tentación irresistible. SERUM RE-PLASTY DE HELENA RUBINSTEIN Delante de unas flores que reposan en la oficina de Gilles Bensimon –fotógrafo de modas- un dibujo mío hecho a mano del nuevo elíxir de juventud eterna, el sérum anti envejecimiento firmado por la casa que lleva el nombre de su fundadora y tiene más de un siglo embelleciendo a las mujeres. [www.helenarubinstein.com] ELIZABETH GAROUSTE Mi reinterpretación en dibujo de un mueble diseñado por esta célebre arquitecto y artista francesa, cuyo trabajo se inspira en lo femenino, aspect evidenciado en las patas de este mueble que evocan unas piernas con stilettos.

PEGGY GUGGENHEIM Visionaria, vanguardista, mecenas y coleccionista, una de las mujeres más sorprendentes del siglo XX. Su compilación, atesorada en su Palazzo a orillas del Canal Grande en Venecia, es admirada y aplaudida como lo es también la fundación que dejó como legado para disfrute de los visitantes de la ciudad del Casanova. [www.guggenheim-venice.it] LOUISE BOURGEOIS Una de las artistas más importantes del siglo XX y parte del XXI, dejó tras su muerte reciente un importante legado de esculturas y piezas que integran los museos y colecciones más relevantes del mundo entero. Su serie de esculturas “Mamá” representa, a través de una araña gigante con huevos en su interior, un ícono espeluznante acerca del rol de la mujer como madre en el mundo contemporáneo. Aquí aparece fotografiada por Robert Mapplethorpe. FRANCOISE SAGAN La escritora francesa, plenamente identificada con el movimiento cultural de la Nouvelle Vague parisina de los sesenta, pues dirigió películas también, escribió una novela fundamental “Bonjour Tristesse”, que fue llevada al cine y se convirtió en fenómeno literario y fílmico de la época. Aquí la vemos en St. Tropez tomando sol. JACQUELINE SUSANN La autora de best-sellers como “El Valle de las Muñecas” y “La Máquina del Amor”, novelas que fueron editadas en la década de los cincuenta y evidenciaban los sinsabores que sufrían las mujeres tras bastidores para surgir en la industria del modelaje, la televisión y el cine. Sin pretensiones literarias, ni deseos de reivindicación del llamado sexo débil, Susann plasmó la realidad que vio a su alrededor y se convirtió en ícono de la inminente liberación sexual de los sesenta. Su novela fue llevada al cine por un cineasta de bajo presupuesto, Russ Meyer, en los setenta, convirtiéndose en una pieza de objeto de culto entre cinéfilos. LA MUJER COROLA Y LOS BOCETOS Un sketch del diseñador de Haute Couture marca las pautas estéticas de la mujer contemporánea en estos dibujos realizados por el diseñador Stephane Rolland, evocando a la mujer Corola –la idealización de la figura femenina a través de la imagen-, un vestido de Lanvin con un cuerpo desnudo estampado en la tela – ¿quizá una metáfora del cuento del Traje del Emperador?- y continúa la saturación referencial con fotos de diferentes estilos de mujer contemporánea, entre ellas la mujer enjaulada concebida y llevada a status de fetiche por el gran Alexander McQueen. Al final, dos bocetos realizados por mi que muestran a la mujer forjada por el mundo fashion, la misma que tantos diseñadores imaginan, pero no existe en el mundo real. La misma que ha creado tantos problemas de autopercepción porque solo retoza en el mágico mundo de la ilustración y la imaginación.

CARACTER

gonzalo peña veloz [@selektorg] fotografía: natalia brand [www.nataliabrand.net]

Ali Cordero Casal

Más allá del bien y del mal Entrar en el mundo de Alí Cordero Casal es acceder a la experiencia contemporánea absoluta. La propia aldea global que Marshall Mc Luhan alguna vez imaginó. Universalidad plena. No importa en cual de sus casas esté, Caracas, Acarigua, Nueva York o Miami, sea en el 2013 o en 1987, la sensación de mundo es la misma. De gran mundo. Aquel donde la creatividad es el lenguaje de acceso y la única tarjeta de presentación. Hablamos de esa atmósfera que se sabe irrepetible, mágica y efímera enmarcada en el abstracto mundo de las ideas, del arte, de la reinvención de la cotidianidad. Del Pop. En donde el fenómeno de la creación se logra y genera proyectos y alianzas entre gente con un interés común. En conjunto, el día a día de Alí pareciera una suerte de performance espontáneo –nada que ver con ficción o poses postizassino espejo y vitrina –ahora con su afición a las redes sociales- donde se logra reinventar y vivir intensamente las 24 horas que tiene un día. Todo forma parte de una vivencia, una experiencia, efímera o trascendental, como se quiera, pero fructífera. Iluminadora. Sobrenatural. Siempre repito que nuestra muy querida amiga Milagros Maldonado, apunta que los artistas, los coleccionistas y, en general, la gente que frecuenta estos círculos anda sintonizada en una frecuencia diferente a la del individuo común. Un nivel extrasensorial, intuitivo, más allá del racional, que percibe una “onda” flotando en el ambiente, un aire diferente, una nueva visión o reinterpretación de algo ya visto pero, hasta el momento, omitido por el público masivo desde el punto de vista emocional, espiritual y estético. Alí Cordero Casal, luego de muchos años de conocimiento laboral en el área de corretaje de seguros y décadas de ver, trabajar y vivir el arte en todas sus formas, supo que había nacido con ese sexto sentido que desarrollan los profesionales de la plástica durante años. Ese je ne sais quois, absolutamente inexplicable y sobrenatural que solo encuentra la satisfacción plena en el acto creativo. Nacido en el seno de una familia venezolana conservadora en Aca-

rigua, su visión amplia del mundo comenzó desde muy temprano ya que su padre, exitoso ganadero, político y ex Gobernador del estado Portuguesa, le proveyó una vida bastante holgada y un acceso al mundo entero desde muy joven. La tradición familiar, que usualmente orienta a la gente a seguir un patrón de vida: nacer, crecer, estudiar, contraer matrimonio, tener hijos y llevar una existencia bastante planificada cuya usanza sabemos que fomenta el equilibrio de la sociedad y muchos otros beneficios. Esa etapa fue completada por Alí al pie de la letra, en unos años en que la felicidad fue bastante plena y le dio frutos de los cuales se siente orgulloso –en el caso de Ali, tres bellas y productivas hijas, producto de su matrimonio con Dalia Reyes-, sin embargo, como toda persona creativa, curiosa y en una búsqueda que va más allá de los convencionalismos, Cordero replanteó su vida cuando cumplió los 40 años, por lo que el arte se apropio de él -y él del arte- y desde ahí en adelante comenzó otra interesante historia. Una en donde el hemisferio izquierdo arropó al derecho y la existencia se orientó hacia otras búsquedas más personales. Luego de mucho tiempo haciendo arte y coleccionándolo –particularmente Cinético, Pop y Neo Pop-, floreció el gen de Yuya Casal de Cordero –su madre- que lo comenzó a inclinar hacia lo filantrópico, a la gestión por el bien común y lo unió con su obsesión por la expresión plástica para ensamblar dos hermosos proyectos para fomentar nuevos talentos: VAEARTS (Venezuelan American Endowment for the Arts o Fondo de Dotación Venezolano-Americano para las Artes) y el Museo de Arte Acarigua-Araure. Es así como la vida ha seguido enrumbándose en esa búsqueda de la perfección humana, espiritual y emocional que todos tenemos. Esa que lleva a otro nivel. Al más sublime. Al sobrenatural.

Cuando era pequeño acostumbraba… a montar a caballo. Cuando cumplí veinte años pensaba que… me comería el mundo. Cuando cumplí cuarenta años me di cuenta que… la juventud pasa rápido. Siempre me ha gustado… la gente. Mi padre… un ejemplo de trabajo y progreso. Mi madre…un ejemplo de humildad y bondad. Mis hijas… solidarias, inteligentes y buenas persona. Basta con esto último para sentir que hice un buen trabajo. El mundo es... hermoso. Un país es... donde esta tu gente. Latinoamérica es... un relajo maravilloso. Venezuela es… el mejor país del mundo. Lo que estamos viviendo es circunstancial, además tenemos un ministerio de la suprema felicidad. Caracas es... el Ávila y el sol amarillento de la tarde. Nueva York es... ¡hot! 18

Acarigua es… ¡como Nueva York! El arte es… ¡lo mio! La fotografía es... imaginar y captar la realidad conviertiéndola en irrealidad. El Pop Art representa dentro del arte… la vanguardia con la que mas me identifico. El arte está evolucionando hacia... lo conceptual, sin perder de vista la belleza. La primera imagen o pieza de arte que cautivó mi vista fue… “Dyptique Blanc” de Francisco Salazar, perteneció a Alfredo Boulton, y desde 1975 la atesoro. Fue la piedra angular de mi colección. La última imagen o pieza de arte que me impactó fue… una de las mias (jeje) “Estar o no estar contigo es la medida de mi tiempo”. Supe que quería ser artista cuando... empecé a soñar con obras y collages relacionados con mis emociones. Comencé mi colección con… una piedra que encontré como a los 7 años.

Reconozco a un artista prometedor cuando... me conecto con sus obras. Es un lenguaje de energía. Hacer arte en Venezuela es… lo mas apropiado en este momento. Hay mucho estímulo. La cotidianidad es... hermosa. Las redes sociales son… una magnífica invención para conectarse con todos. El Instagram es como… escribir un diario que no atesoramos en un lugar escondido sino en una gaveta de cristal. La vida es… sueño ¡No despertemos! La muerte es… una nueva vida. Démosle la bienvenida cuando llegue. Hay luz esperando si nuestras acciones de cada dia están dirigidas al bien común. El color esencial es... el banco. Sin duda, es el orígen de todos los colores, según dice mi admirado Francisco Salazar, el mas sutil de los cinéticos. La creatividad es… una ventana al inconsciente. Me gustaría estudiar más sobre… literatura. La fama es... efímera. Lila Morillo es… nuestra identidad. Pop Art venezolano en vivo. La realidad es... lo que nos aleja de los sueños. Lo kitsch es… lo cursi elevado a los niveles del arte. Cuando cumplo años me gusta... recibir amigos. A veces me gustaría volver atrás para… sentirme un muchachito de 40 años. Me prohibieron… algunas cosas y lamento no haber insistido. La vanidad es… uno de los pecados capitales cuando es excesiva. En dosis pequeña… it’s a lot of fun! Un espejo es... magnífico para que no olvides quien eres. El ego es... un desastre para los egocéntricos al final de sus vidas dirán ¿para qué? Me molesta… el mal gusto y la ingratitud. Me gustaría hacer una serie sobre… la luz y las sombras. Los artistas que más admiro son... Warhol, Salazar, Soto, Bouguereau y Centeno Vallenilla. El artista más importante de la historia venezolana es… Armando Reverón. El gran artista de la humanidad es… Miguel Angel. Me gustaría tener una pieza de arte hecha por… Bouguereau. ¿Inspiración, obsesión o inversión? Yo veo comprar arte como... obsesión. El dinero es… necesario, mas no es un fin en si mismo La mayor satisfacción que puede tener un artista es… hablarle con sus obras a la gente. Nunca salgo de casa sin llevar… optimismo. Mi gran amuleto de la suerte es… mis cenizas de Sai Baba. Sai Baba ha sido… quien me acercó a los valores humanos. De los cinco sentidos me inclino por… la vista. El sitio que más impacto me ha causado es... la India.

Ahorita estoy leyendo… Alejandro Vardieri. La película que no olvidaré se llama... “La Fiesta de Babette”. Nunca visitaría… quiero visitarlo todo. A Venezuela le sobra… talento. A Venezuela le falta… disciplina. Creo en... la vida. Rezo por… mis hijas, mi país, mis empresas, mi misión. El misticismo es… creer. Para mi algo sobrenatural es... la intuición. A través de ésta, nuestros ángeles se comunican con nosotros. La energía es… fuerte o débil, usted escoge. Echaría a la basura… la ridiculez. La envidia es... un boomerang para el que la siente. Nunca es tarde para... ¡el más grande de los amores! Cuando enciendo el televisor me gusta ver… algo que me desconecte y me transporte, estilo las series “Game of Thrones”, “Bourne”, “White Collar”. Me deprime… la ignorancia de un pueblo y ver un país que podría estar entre los grandes del mundo en tanta decadencia. 20

Me emociona… el amor, la belleza, el arte, la ternura, la caridad, la fe, pero de todos ellos el mas importante es el amor. Nunca me atrevería… a juzgar. Puedo escuchar mil veces… la Cavalleria Rusticana. El tema musical que definiría mi vida es… “La vida es chiquita” -interpretada por Lila Morillo-, conocida tradicionalmente como el Le Lo Lay: “Oye mi vida la vida es muy chiquita hay que gozarla mi cielo muy aprisita” lo cual la constituye en la gran filosofa de este país. Nunca vacilaría en… darle una mano al prójimo cuando pueda. Me dan miedo… las culebras y las ratas. Me considero una persona… tranquila. Todos deberíamos aprender… a ganarnos la vida. A eso vinimos a este mundo. Si un genio me concediera tres deseos, serían.. ¡uupa! algunos nos se pueden escribir acá. Si escribiera una autobiografía… sería con imágenes y llevaría por título “Mi vida en el arte”. Si me defino con una palabra, diría que soy… ¡Apasionado!

PASARELA París Primavera-Verano 2014

Sexto Sentido

JEAN PAUL GAULTIER El enfant terrible, que siempre causa revuelos por incluir bellezas raras y personalidades extravagantes en sus desfiles, convirtió la pasarela en una especie de “Bailando con las Estrellas” en que modelos y bailarines se movieron al ritmo del rock and roll, tango, salsa y hasta Grease, con Cocó Rocha en el rol que alguna vez encarnó John Travolta. [Foto: Patrice Stable] [www.jeanpaulgaultier.com] SHIATZY CHEN La casa china tomó clásicos modernos como chaquetas, pantalones pitillo, faldas lápiz transparentes y vestidos rectos que adornó con flores y manchones de pintura. El lujo y rareza oriental se hizo evidente en las sedas perladas y la artesanía tradicional; esto, de la mano con elementos occidentales, le otorgó un atractivo universal a la muestra. [www.shiatzychen.com]

TALBOT RUNHOF Sus inesperadas combinaciones de telas y bordados extraordinarios, junto con una técnica impecable, le han valido a Johnny Talbot y a Adrian Runhof un enorme éxito comercial. Es difícil no fijarse en flores bordadas en láminas holográficas o en un estampado inspirado en el teclado de un piano; sobre todo, cuando la ejecución ha sido perfecta. [www.talbotrunhof.com]

graciela martin mellior [@descosido_] fotos: cortesía de las marcas

VALENTIN YUDASHKIN El diseñador ruso tiene una legión de seguidoras en su país gracias a sus ostentosos y extravagantes vestidos de noche. En ese sentido, su más reciente propuesta no decepcionará. Un aire de los ochenta predominó en la colección con poderosas hombreras y pantalones a la cintura, lamé dorado, lentejuelas y un print de cadenas reminiscente de la época. [www.yudashkin.com] JEAN-CHARLES DE CASTELBAJAC Este aristócrata francés no se preocupa demasiado por las tendencias del momento; sin embargo, su idea de cruzar las artes y la moda acertó con la onda que se avecina esta temporada. Pintó vestidos vaporosos con yuxtaposiciones de colores y poemas, al tiempo que empleó una extraña mezcla de diversos materiales como seda, lino, satén, caucho e inclusive lienzo. [Foto: Graciela Martin] [www.jc-de-castelbajac.com]

LÉONARD Esta casa de tradición francesa siempre se ha caracterizado por sus vívidos motivos florales, clásico estilo parisino y la búsqueda constante de textiles inusuales e innovadores. Fiel a esos preceptos, su director creativo, Rafael Borrielo, abrazó la tendencia del “glamour-deportivo” del momento para darle un giro moderno a la mujer Léonard. [www.leonard-paris.com]

prêt-à- PORTER

carlos flores león-márquez [@carlosfloreslm]

La Caracas insólita de Álvaro Camacho y Juan Ignacio Ormeño

Sobrenatural

Hay magias que no tienen nada que ver con el saco de trucos de un mago. Hay hechos sobrenaturales que no guardan relación con la naturaleza, y aun así clasifican como tales. Hay misticismos que están ajenos a los milagros, así como hay sueños que no entran en el territorio de lo onírico, y tornan delirios. A todos estos sinsentidos pudieran responderles las cientos de historias que escuché de niño cuando esperaba que el chofer del transporte colegial viniera por mí, en voz de Porfirio Torres y bajo el guión escalofriante de “Nuestro insólito universo”, sentadito en la silla vienesa del bisabuelo que había muerto en ese mismo caserón de principios de siglo, en esa misma habitación que yo ocupaba para entonces. Pero había leído ya tanto – aunque nunca se lee demasiado– que pocas cosas me impresionaban, lo único que adoraba era el denso histrionismo con que aquella voz de ultratumba impregnaba cada guión, día tras día, relato tras relato, y los arreglos musicales operaban tenebrosamente al efecto, en la tarea de mantener una audiencia supersticiosa, pero también morbosa. ¡Bingo! En el morbo está el secreto de un misterio protegido, que en una pista, en la otra, quiere volverse misterio revelado pero continúa sellado como una ostra, como una ostra que guarda una perla, lo que sería natural, pero que quizá no, lo que se le opondría, lo que sería sobrenatural. Si no, ¿por qué seguimos yendo al cine a ver

películas sobre ovnis que están congelados en la Antártica; conjuros que hechizan mansiones bucólicas; cuerpos desaparecidos que sufrieron trastornos y han regresado a vengarse; superhéroes enviados de otros planetas? ¿Por qué la furibunda adoración a una mujer voluptuosa montada sobre una danta que concede milagros –y a la que una vez la eterna Maruja Beracasa le endosó un gran sostén rosado que casi puso en armas a su feligresía–; a un médico venerable que hizo votos de pobreza y murió arrollado por “el mal”; a una monja momificada cuya bondad ha trascendido los tiempos? Ya como un cable a tierra, ¿no sería proporcional al magnetismo, a la magia de una personalidad arrolladora que nos mantiene embelesados; a la capacidad de ciertos individuos de elevarse por encima de las circunstancias y permanecer angelados, nimbados por un aura de imperturbable felicidad? El ser humano jamás renunciará a sus creencias mágicas, a lo que va más allá de su entendimiento, a lo místico, a lo onírico, a lo que trasciende la muerte, y esta edición 67, bajo el amparo de la serie fotográfica de Álvaro Camacho presentada a continuación, hecha en ese inframundo que son los sótanos de las Torres del Silencio, acá en Caracas, pretende ser inventario de una mística pagana inusual. Porque no sabemos si es verdad, porque queremos creer, pero también porque queremos dudar.

Fotografía y edición: Álvaro Camacho [www.alvarocamachophoto.com, @alvarocamachophoto] / Asistencia: Manuyo / Maquillaje y cabellos: Juan Ignacio Ormeño Modelo: Michelle Gonrod [@lagonrod] / Vestuario: Juan Ignacio Ormeño Atelier y piezas vintage de Carolina Omaña, vestuarista [@caro_omana] Accesorios: ARQUE de Jaliceth Alfere [@arque_joya

Zarcilos Dopodomani Anillo Dorotea Camisa y Pantalon Tiempo by IA

gente como UNO

josé roberto coppola [www.mistercoppola.blogspot.com] instagram y twitter: @mistercoppola

Marina + Ana Luisa + Adriana + Ana Sofía + Gabi

El poder del yo

Ese camino infinito hacia el yo. Es la ruta hacia uno mismo. Es la conexión con el ser. Es la energía con el “Todo”. Del atmán al brahmán: del yo espiritual al yo universal. Es el equilibrio de los latidos y los pensamientos. Del alma y el cuerpo. Ese peregrinaje interior en búsqueda de la paz, la placidez, el amor, el balance, la plenitud. Es el namasté. Ese viaje en el que el yoga enseña la gratitud personal y la gratitud con el alrededor. Cinco diseñadoras venezolanas: Ana Sofía Tarbay, directora creativa de Tarbay, Adriana Rodríguez Magdaleno, diseñadora de BaraDúo, Marina Taylhardat, directora creativa de Ushuva, Gabi Valladares, diseñadora de Papusa y Ana Luisa Baptista, directora creativa de Kudzu revelan su lado más espiritual. Para la diseñadora Adriana Rodríguez Magdaleno, quien practica Anusara yoga, ya es “Una filosofía de vida en la que cada acto cotidiano se convierte en un lindo ritual si deseas estar presente en él. Todo puede ser un ritual cuando decides vivir en yoga y en el presente en cada momento, no sólo cuando estás dentro del mat”. Por su parte para Ana Luisa Baptista el yoga es un acto contemplativo que disfruta en cualquier momento, un sencillo ritual que puede hacer en cualquier instante, por eso cuando está en algún paisaje inspirador dedica unos minutos a integrarse con la grandeza en alguna postura. “El yoga es ejercicio, oración, amor, espiritualidad”.

Cada tarde cuando ya termina su jornada en la oficina Ana Sofía Tarbay suspira porque sabe que la espera el momento más importante del día. No le importa cruzar la ciudad para ir a la clase que le va hacer cerrar el día feliz. “Con mi practica de yoga ha crecido mi autoestima y la confianza en mí misma, he aprendido a admirarme y a retarme, a evolucionar, siempre con el mayor amor del mundo y sin ego. Antes del yoga era una persona que no se sorprendía por las cosas que era capaz de lograr, simplemente las hacia y ya. Con el yoga me he descubierto, me he encontrado”. Desde que practica yoga Marina Taylhardat ha aprendido más a entenderse a sí misma, a encontrar paz y equilibrio y sentir una plenitud instantánea. Un momento en el que encuentra muchas de sus respuestas. “Para mí el yoga es una solución más que cualquier otra cosa. Es una solución para vivir más feliz”. Para la diseñadora Gabi Valladares la posibilidad de mirar El Ávila todas las mañanas ya es una meditación con la que inicia el día. “Para mí el yoga es honrar y darle el trato justo a mi cuerpo físico. Darme tiempo para mí. Es equilibrio”. Acá todas estás diseñadoras por primera se lucen en posturas distintas ataviadas de gala y cuentan la experiencia transformadora que a sus vidas ha traído esta práctica milenaria.

Fotografías: Natalia Brand [www.nataliabrand.net – twitter: @nataliabrand – instagram: @brandnatalia] / Concepto y Dirección de Arte: José Roberto Coppola 34

Marina Taylhardat, directora creativa de Ushuva

VIRABHADRASANA III ¿Su hora favorita para hacer yoga? Temprano en la mañana o la última hora de la noche. La de la mañana me ayudar a arrancar el día con mucha fuerza. Al final de la tarde me ayuda a descansar mejor. ¿Sus tres posturas favoritas? Parada de cabeza, la vela y la cobra. ¿En qué lugar del mundo le gustaría hacer yoga? En Los Galápagos. ¿A quién seguir en Instagram o Twitter del mundo del yoga? Me encanta como @esteticaysalud ha impulsado sábados de yoga en plazas de la ciudad. Y soy fan de @yoga_girl y la conocí en San Francisco y pareció un ser maravilloso. ¿Algún mantra favorito? Soham, Soham. ¿La postura que quisiera llegar a hacer? Quiero hacer la pincha y la parada de manos. Estoy en camino. ¿Tres profesores de yoga venezolanos? Me encanta Juan Pablo, Juan Carlos y Karela todos de Yogashala Caracas. ¿Un lugar en Venezuela en donde le gustaría hacer yoga? En El Ávila. 36

josé roberto coppola fotografía: natalia brand

“En mi caso tengo practicando yoga desde hace casi diez años. Lo dejé en una época por un problema que tengo en la rodilla. Finalmente aprendí hacer yoga con mi condición y estoy feliz y no quiero dejarlo más. Desde que hago yoga me escucho más a mí misma. Eso me da mucha serenidad. El yoga es un espacio para mí, un tiempo para hablar con mi yo interno. Un momento clave para entender mi cuerpo y retarlo a más. A mí me ayuda a trabajar mi mente, mi cuerpo y mi alma. Me he aprendido a querer más y escuchar más. Me conecto mucho conmigo misma cuando practico y me siento en paz conmigo y con los demás. Cuando practico yoga me siento como si flotara, me quito un gran peso de encima. Muchas veces me quito pensamientos y problemas del día a día y me ayuda muchas veces a conseguir la soluciones sabias. Más que tipos de yoga practico con los profesores que me dan feeling. Me encanta viajar y hacer yoga en mis viajes y conocer nuevos estilos. Hace poco estuve en Colorado y la vibra de los profesores que me tocaron fue increíble. Me encanta hacer hot yoga, cuando viajo es lo que hago. También tuve la oportunidad de conocer a Yoga Girl en San Francisco y me encantó. Cuando he hecho yoga afuera he aprendido cosas nuevas inmediatamente. Técnicas, tips específicamente. Es una maravilla practicar con personas de otras partes del mundo. Te abre más la mente y te hace ver más allá. Pero a mí me gusta hacer yoga en Caracas. Para mí el yoga es una solución más que cualquier otra cosa. Es una solución para vivir más feliz y más en paz. Yo describiría la felicidad del yoga como una felicidad inmediata. Al terminar la clase es imposible no sonreír. Cuando logras una posición nueva que tienes años queriendo hacer el nivel de adrenalina es inexplicable. Me quita cualquier dolor interno y externo. Para mí el yoga me hace feliz”. Twitter e Instagram: @ushuva

Ana Luisa Baptista, directora creativa de Kudzu

URDHA DHANURASANA ¿Su hora favorita para hacer yoga ? Hoy en día me estoy escapando al mediodía y me encanta porque me desconecta y a la vez me refresca para volver al trabajo recargada. ¿Sus tres posturas favoritas? Han cambiado a lo largo de mi “vida yogi”, pero unas constantes: sirsasana, Virabhadrasana II y Savasana. ¿En qué lugar del mundo le gustaría hacer yoga? Me encantaría volver a India y hacer yoga en Goa. ¿A quién seguir en Instagram o Twitter del mundo del yoga? En Instagram @acroyoga. Ellos gozan haciendo yoga en pareja. ¡Es mi nuevo reto! ¿Tiene algún mantra favorito? Om gam ganapataye namaha, es un mantra a Ganesha, Dios elefante, liberador de obstáculos. Hasta en el tráfico lo repito y para mí es mágico. ¿La postura que quiera llegar a hacer? Mantener una buena parada de manos. ¿Tres profesores de yoga venezolanos? Voy a nombrar a venezolanos que ahora están afuera representándonos con su bella energía: José Antonio Rojas, en Europa, Mariángel Romero en Nueva York y Carlos Romero en Bali. ¿Un lugar en Venezuela en donde le gustaría hacer yoga? Gracias a Dios viajo mucho por Venezuela y a donde voy trato de conectarme con ese lugar así sea por unos minutos en alguna posición. Quizás diría que La Gran Sabana me falta. 38

josé roberto coppola fotografía: natalia brand

“Desde que hago yoga estoy absolutamente más consciente de todo: de mi cuerpo, de mi respiración, de mi ambiente, mi comida, mi espiritualidad...Simplemente de todo. El yoga más que una práctica para mí es un estilo de vida, personalmente me ha ayudado a trabajar la paciencia, la fuerza, la constancia. En general practico el Hatha Yoga, el yoga de posturas y respiración que tiene muchos sub-estilos. A mí me encanta el Vinyasa, Power, Jivamukti yoga y Forrest Yoga en el que hice mi Teacher Training. El yoga me ha enseñado que con perseverancia y paciencia uno logra todo. Una de las bellezas del yoga es que terminas con la combinación de una increíble sensación de trabajo corporal con un estado de conexión contigo mismo que pocas otras cosas lo logran para mí. El yoga es ejercicio, oración, amor, espiritualidad... Cuando yo descubrí el yoga, empecé a viajar por el yoga, lo cual me ha hecho conocer lugares y personas de todas partes del mundo. No sólo grandes profesores cuando voy a conferencias, sino alumnos que se convierten en amigos también. En mis épocas de intensidad y de “yoga junkie” cuando he estado en intensivos he hecho yoga hasta tres veces al día... 8 horas de yoga al día. En el yoga mi mudra favorito es el más común: namasté mudra que es el de las manos en frente del corazón, significa gratitud y reconocimiento de lo Divino que hay dentro de cada ser. Y la palabra hindú que más me gusta es Ahimsa que significa no violencia, incluyendo la violencia hacia uno mismo. Yo he dado clases de yoga y lo que me motivó a hacerlo es compartir con los demás un poco del gran poder de transformación que logró el yoga tener en mí. Para describir la felicidad que me da el yoga hay una palabra muy relacionada a la práctica que es dicha, en inglés una de mis palabras preferidas bliss, creo que es aún más apropiada para la sensación de gratitud y plenitud que te da una práctica regular del yoga”. Twitter e Instagram: @bekudzu

Adriana Rodríguez Magdaleno, diseñadora de BaraDúo

UTHITTA HASTA PADANGUSTHASANA ¿Su hora favorita para hacer yoga? No tengo hora favorita pero, puede ser que en la mañana tempranito me guste un poquito más. ¿Sus tres posturas favoritas? Ardha Chandrasana, Eka Pada Rajakapotasana, Camatkarasana. ¿En qué lugar del mundo le gustaría hacer yoga? En Machu Pichu. ¿A quién seguir en Instagram o Twitter del mundo del yoga? En twitter a @yoguitomas y @EckhartTolle y en Instagram a @robertsturman. ¿Tiene algún mantra favorito? Twameva Maatha Cha Pithaa Twameva, Twameva bandhush Cha Sakhaa Twameva, Twameva Vidhyaa Dravinam Twameva, Twameva Sarvam Mama Deva Deva. ¿La postura que quiere llegar a hacer? Hay muchas, el aprendizaje nunca termina y más que alcanzar la postura, he aprendido que para mí es más valioso el camino para llegar a ella. En mi caso me gustaría ir alejándome cada vez más de la pared en las posturas invertidas. ¿Tres profesores de yoga venezolanos? Bueno dos: Tomas Rodríguez Jishnu y Avryl Vizoso. ¿Un lugar en Venezuela en donde le gustaría hacer yoga? Frente a El Salto Ángel. 40

josé roberto coppola fotografía: natalia brand

“Con el yoga yo me siento cada vez más libre. Para mí el yoga es la disciplina de la libertad. Representa un encuentro con mi esencia que está conectada con cada ser vivo y con el espacio que me rodea. Para mí el yoga me ha brindado auto conocimiento, mayor seguridad en mí misma, mayor libertad de acción y pensamiento, agilidad física, mayor comprensión y compasión por las demás personas, la capacidad creciente de valorar cada vez más los pequeños detalles de la vida y agradecerlo cada día. He descubierto que mis capacidades son infinitas, que basta con abrirme a las posibilidades y permitirme ir un poco más allá cada día, sin apuro y con humildad. El yoga me da un estado de bienestar absoluto, de gratitud, de sensibilidad y alegría profunda que se manifiesta corporalmente en una inmensa relajación o gran energía dependiendo de la práctica. Además practico meditación. Decidí estudiar y profundizar en la técnica pues necesitaba una herramienta para aquietar mi mente. Me ha hecho muchísimo bien. Me gusta practicar muy temprano en la mañana pero si no puedo, cualquier momento es bueno para reunirse con uno mismo. Este año tuve la dicha de asistir a varias clases en España como el Barcelona Yoga Conference con varios maestros increíbles, un WorkShop con los profesores norteamericanos John Friend y Desi Springer y una inmersión de Anusara Yoga con la profesora Susana García Blanco en Barcelona. Yo practico Anusara Yoga, un estilo moderno de Hatha Yoga proveniente de la filosofía tántrica. Para mí el yoga me da una sensación de plenitud indescriptible porque simplemente he logrado conectarme cada vez más con mi corazón, me ha permitido aceptar las emociones y hechos de la vida por difíciles que sean, como una enseñanza. No hay emoción mala para mí, todas son válidas y me conforman, el punto es no quedarse demasiado tiempo en las emociones negativas que nos conectan con nuestra pequeñez sino tratar de retomar aquellas que nos conectan con nuestra grandeza. A veces me tardo más, a veces menos y el aprendizaje no se detiene, pero ya se cuál es el camino que quiero y es sentirme feliz el mayor tiempo posible”. Twitter e Instagram: @baraduo

Ana Sofía Tarbay, directora creativa de Tarbay

MUKTA HASTA SIRSASANA ¿Su hora favorita para hacer yoga? En la noche, porque me gusta terminar el día en paz. ¿Sus tres posturas favoritas? La parada de Manos, Pincha, Bakasana. ¿En qué lugar del mundo le gustaría hacer yoga? Me gustaría hacer yoga en la India por vivir la experiencia, sin embargo el lugar físico no es el que más me motiva, sino lo que pueda aprender. ¿A quien seguir en Instagram o Twitter del mundo del yoga? En Instagram a Rachel Bethren @yoga_girl, Jessica Taylor @ bluewaterlove, venezolanos en el mundo @claudiabustillosp y @livininspired y en Venezuela @yogashalaccs @yogapedregal y @karellad. ¿Tiene algún mantra favorito? No tengo uno favorito… los disfruto todos aún cuando no se lo que significan. ¿La postura que quiere llegar a hacer? Ahora trabajo en permanencia en posturas invertidas. ¿Tres profesores de yoga venezolanos? Más de tres: Karella Dugarte, Juan Carlos Linares, Juan Pablo Valdidieso, Rafael Clavijo, Ximena López, Carola Pérez, Nilza Castillo, Juan Carlos Russo, Gaby González. ¿Un lugar en Venezuela en donde le gustaría hacer yoga? Mi lugar favorito al aire libre es en la Isla de Margarita, me encanta, eso sí, de noche, bajo un cielo bien estrellado. 42

josé roberto coppola fotografía: natalia brand

“Después del yoga soy más consciente de todo lo que me rodea, mucho más agradecida con todo, incluso conmigo misma. Trato de vivir mi vida a plenitud y en armonía al instante, en el presente, con el mayor amor del mundo. El yoga es mi escape del día, mi fuente de energía, mi centro, la actividad que me lleva a tener los pies sobre la tierra y conectarme con todo. Cuando hago yoga me vuelvo extrasensorial, mis sentidos se vuelven más sensibles. Hoy en día tengo conciencia del poder de transformación que tengo y que todos tenemos, eso me hace de alguna forma responsable para dar más en todo lo que haga. Con el yoga primero que nada me he descubierto, en general, me he encontrado. Sin duda el yoga es una filosofía de vida que te conecta contigo mismo, te conecta con lo que eres en esencia y además incluye a todos, sin importar lo diferente que seamos. Soy de naturaleza curiosa y en el yoga no hay diferencia, por eso me encanta experimentar cosas nuevas. Siempre que viajo busco alguna clase de yoga que no haya hecho antes. Hoy en día las practicas más comunes son fusiones, yo comencé practicando Ashatanga pero ahora hago más que todo Hatha yoga. Por otro lado hago otras cosas divertidas como: acroyoga, es una práctica que te permite “volar” y hacer posturas de yoga en forma acrobática, en el aire, sostenida sobre una “base” que sería tu pareja de yoga. Y paddle yoga, que es sobre una tabla suspendida en el mar en la que logras hacer en equilibrio posturas de yoga. Cuando he estado en conferencias de yoga he llegado a hacer hasta cuatro prácticas al día, obviamente alternando la dificultad física. Siempre después de una práctica entregada de yoga, mi mente está en blanco, me siento en paz, por haber pasado una hora y media viviendo el presente, respirando. Después del yoga sonrío y mis ojos brillan. Para mí el yoga me da una felicidad que se base en lo simple, en lo que es, en lo que está, no está condicionada a algo que no es, ni a algo que se supone llegará. Es como vivir algo que ya está pero que no lo veías antes por no estar presente”. Twitter e Instagram: @tarbay

Gabi Valladares, diseñadora de Papusa

USTRASANA ¿Su hora favorita para hacer yoga? Es rico hacer yoga en la mañana porque quedo activada el resto del día. Pero lo bueno de hacer al final del día es que mi cuerpo está mas elástico y da bastante más. ¿Sus tres posturas favoritas? Me encanta “guerrero 2” (Virabhadrasana 2), “el camello” (ustrasana) y Shavasana. ¿En qué lugar del mundo le gustaría hacer yoga? En Nepal e India. ¡Espero ir pronto! ¿A quién seguir en Instagram o Twitter del mundo del yoga? En Instagram @yoga_girl además de ser muy linda es una dura de las posturas. De las venezolanas, diría que si quieres ver a una bella y dura, pues esa es @beayoga. Pero para una instrucción completa, yo sigo en Twitter a @valoresdivinos ¿Tiene algún mantra favorito? Om Shiva Babaji Namaha y Om Namaha Shivaya. ¿La postura que quisiera llegar a hacer? Pincha mayurasana. ¿Tres profesores de yoga venezolanos? Mi primera profesora que fue Carmen Colas en Sevami y me hizo amar el yoga, Margit Flores y su hermoso Kundalini en la Escuela Valores Divinos. Pedro Luis Otero con quien hice en Sadhana y Om Yoga. Suzanne García en el Parque Vizcaya. Juan Carlos Linares y Nilza Castillo de Yogashala. ¿Un lugar en Venezuela en donde le gustaría hacer yoga? Debe ser mágico en Canaima. 44

josé roberto coppola fotografía: natalia brand

“El yoga para mí ha sido un complemento de vida. Es como activar en mi cuerpo toda mi creencia espiritual. Es, con la práctica, ser consecuente con mi cuerpo físico, ser consecuente con lo que creo. Con el yoga trato de honrar y darle el trato justo a mi cuerpo. Darme tiempo para mí. Consigo equilibrio. A mí me ha ayudado en la constancia, en conocer mi cuerpo, en respirar mejor. Y he aprendido a que lo progresivo perdura más en el tiempo. Hay muchos tipos de yoga porque yoga es todo lo que te une con el Todo. Puede ser físico y también puede ser meditativo, de servicio, mediante la respiración. En mi Escuela, la Escuela Valores Divinos, practicamos principalmente Shiva Kriya Yoga. De yoga físico, he hecho ashtanga, hatha, kundalini y otros, pero creo que lo más importante, si vas a hacer yoga físico, es hacer el tipo de yoga que resuene más en ti, el que te haga sentir mejor. En lo físico, una de las cosas que más me sorprendió al principio es que cada lado del cuerpo es diferente y que siempre a un lado le cuesta más que al otro las posturas y que un lado puede enseñar o guiar al otro. He aprendido mucho que el trabajo siempre es personal. Es uno con uno mismo. Y que la constancia te mostrará tu propio avance. Mediante la respiración se va logrando todo. He hecho yoga estando de viaje de vacaciones. Pero también he hecho yoga en Cuenca, Ecuador, donde vive mi maestra espiritual, Shakti Ma y ha sido muy importante para mí y muy especial. Yo práctico la meditación principalmente en la mañana. Para mí ver El Ávila es también parte de mi meditación diaria. Es reencontrarme conmigo. Es estar conectada con mi Ser. Equilibrarme. Si no medito, me desequilibro y me siento fea. A mí el yoga me adentra mucho en mí. Me lleva a una paz interna muy rica. Para mí el yoga es gozo, es llenura, contentura de corazón, se sonríe más desde el corazón, te sientes más en paz contigo, y por consecuencia, con el universo”. Twitter e Instagram: @papusanet

MANIQUI

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Ormeño + Heudesgarbi + Nimrod + Castillo = NEGRO

Magia Negra

Místico, seductor, enigmático, peligroso, sensual, misterioso. El negro tiene un prisma fascinante. Es como un diamante con muchas facetas. Como el vuelo majestuoso de un cuervo por un cielo despejado, como el lago oscuro que en su inmensidad se traga las estrellas en la noche, como las sigilosas y letales pisadas de terciopelo del escorpión negro, como la dimensión tenebrosa que está del otro lado del espejo, como el encanto mortal de una orquídea negra. Es el color del hechizo, de la magia, de la adivinación, del ritual, de la alquimia secreta. Y en la moda el negro también tiene un prisma que refracta el glamour, a la rebeldía, a la seducción, a lo clásico, a lo monástico, a lo sexual. Para la diseñadora de moda Camila X Castillo el negro está relacionado con la sexualidad, con el fetichismo, con el deseo, con lo prohibido. En sus colecciones siempre explora el negro desde el origami textil, desde telas de corsetería y cintas elásticas de lingerie con las que elabora entrelazados geométricos que remiten al sadomasoquismo y el bondage. En su última colección, Anda Lucía, el diseñador de moda Juan Ignacio Ormeño se valió del negro para, en su imaginario, recrear a las bellas 46

nómadas andaluzas y transformarlas en unas gitanas elegantes y seductoras de estos tiempos, unas que llevan vaporosas faldas y vestidos que insinúan los hombros. Por su parte el diseñador de moda Jesús Heudes Garbi, ya en un camino en solitario después de que se marchara de Candy and Roll, la marca que lo diera a conocer, ahora con su propia firma que lleva por nombre Heudesgarbi se estrena con la colección Bogart en la que inspirado en el icono del cine hizo los bocetos del guardarropa de una mujer con influencias del clóset masculino. Y en las que no falta el negro. Desde Helium, el diseñador Nimrod, director creativo de la firma Nimrod Inc, utilizó patentes, rasos y sedas negras en contrastes en una colección que busca traducir la evasión de una mujer que escapa en su imaginación de la vorágine de la urbe que recorre a diario. Así, tomó el asfalto de la ciudad como centro de su propuesta y dio puntadas a un guardarropa audaz y con dosis de glamour para una mujer que en su rebeldía quiere vivir la vida que ella sólo se imagina. Y la de nadie más.

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NEGRO según Juan Ignacio Ormeño

El negro como trascendencia. Como lo perdurable, lo imperecedero, lo atemporal. “Me gusta el negro en líneas muy clásicas con un toque de vanguardia pero para mí es importante que sea una pieza que la mujer pueda llevar en cualquier momento”, suelta como una premisa en las agujas y los alfileres el diseñador de moda Juan Ignacio Ormeño. En esa búsqueda de una femineidad que trasciende el tiempo. En puntadas de mucha elegancia y glamour y en cortes en los patrones que se ajustan a las líneas clásicas reinterpretadas desde la modernidad. Con su última colección, que llamó Anda Lucía, el diseñador evoca la suntuosidad y el temperamento de las mujeres andaluzas desde la fastuosidad de los vestidos cordobeses hasta la seducción bohemia de la vestimenta de las gitanas. Así usó tafeta, chifón, gro y encajes en negros que unió a otros textiles en rojo, blanco, mostaza y azul en creppé, shantung y telas de mallas deportivas. Y muchos lunares. Para ello revisó las galas de las majas andaluzas en su vestimenta más típicas para llevarlas a otro discurso. “En esta colección mi referencia fue la región de Andalucía porque quería trabajar vestidos con volantes a grandes escalas como la de los trajes de la mujeres de Córdoba y las gitanas de esa región”. Y desde puntadas que siempre exaltan la femineidad Ormeño tradujo el charm ibérico en faldas espesas y de amplios volúmenes, muchos vuelos, escotes profundos en la espalda, lazos y mangas anchas tipo jamón. Y Lucía, como la metáfora de una mujer andaluza, exhibe el garbo y el carácter de las mujeres españolas con trajes que siguen la silueta del cuerpo y marcan las curvas y estrechan la cintura con lazadas, chaquetas cortas en una reinterpretación de las clásicas toreras. También usó muchos y distintos tipos de encajes y cintas bordadas. Y mucho negro. Siempre en la idea de la elegancia y la seducción del negro el diseñador basteó a una mujer clásica. “Yo usó mucho los colores en mis diseños, pero cuando trabajo el negro me gusta hacerlo con muchos volúmenes, mucha fluidez. Yo procuro hacer siempre el negro más romántico”, da señas el diseñador. Por eso en la colección Anda Lucía utilizó muchas telas ligeras, vaporosas y con corporeidad, en faldas de cortes que evocan el folk andaluz y con mucho, pero mucho movimiento para una gitana del mundo que no detiene su paso. Una gitana llamada Lucía ¡Anda Lucía, anda!

Facebook: Juan Ignacio Ormeño / Twitter e Instagram: @juormeno Fotografía: John Pérez / Modelo: Isis Malpica

NEGRO según Heudesgarbi

Facebook: Heudes Garbi / Twitter: Heudes_garbi / Instagram: heudesgarbi Fotógrafía: Jesús Heudes Garbi / Modelo: Andrea Díaz / Make up: José Sánchez 48

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El negro como certeza, como firmeza. Como una fianza. Como una garantía. “Yo uso el negro con frecuencia, es un color con el que se luce correctamente siempre. Es un color que da seguridad y es el único color que me da esa seguridad en estos momentos”, cuenta Jesús Heudes Garbi, diseñador de moda que después de su salida de la firma Candy and Roll finalmente acaba de lanzar su marca en solitario: Heudesgarbi. Un nuevo inicio en las bobinas y las tijeras, un nuevo empezar en el que se planteó el reto de otro discurso en las costuras para así bastear un lenguaje propio. Desde esta nueva etapa y con su colección de estreno que lleva por nombre Bogart, el diseñador se inspiró en el carácter y templanza de Humphrey Bogart cuando vio la película de los años 40 “El halcón maltés”. “Me inspiró su rudeza, lo directo y crudo que era y como enfrentó todas las situaciones en la historia. Me dediqué a investigar sobre la vida de este actor y encontré que toda esa personalidad ruda era en verdad de él”. Así, se decidió por el tailoring para crear piezas para la mujer inspiradas en el guardarropa clásico de un gentleman. “De allí el look masculino que quise que vistiera la mujer Heudesgarbi”. De ese modo el negro esta en las costuras de una propuesta que se fundamenta en los principios de la sastrería y que unió a otros colores como el blanco, beige, gris oscuro y rojo para crear jumpsuits con escotes profundos y sin mangas, pantalones de cortes clásicos con listones laterales o a dos tonos en las pretinas y en el reverso, camisas de puños altos y otras con pecheras y también camisas de mangas cortas. Todo desde formas prolijas que tienen la simpleza como argumento. Y la estructura y precisión en los patrones. “Utilicé gabardinas, algodones, cintas de raso para desarrollar esta colección en la que quise cortes muy limpios.” Una propuesta atemporal que replantea la femineidad desde los clásicos del closet masculino en la que explora la geometría en las líneas en los pantalones que evocan el clásico smoking, así como en los cuellos y en los puños de las mangas, en el manejo de contrastes de color en los patrones así como por los cortes en los escotes y los hombros que modernizan las silueta y que traduce el glamour de los hombres del cine de los años 40 a una mujer de hoy.

josé roberto coppola

El negro como principio, como color primigenio. El negro como valor primario que es el inicio de todas las ideas. Para Nimrod, director creativo de la firma Nimrod Inc, el negro es el comienzo de todas sus colecciones. Es un color imprescindible en su Pantone personal. “Yo armo todas mis colecciones a partir del negro”, lanza como un apostolado de su proceso creativo. Es un color infaltable en su propuesta, ese que explora desde distintos textiles y en distintas tonalidades y brillos en una posibilidad enorme, inabarcable, infinita. “A mí me gusta el color negro, pero me gustan distintos tonos de negros, más oscuros, más claros, más brillantes, más opacos”, da cuentas el diseñador. Así, el negro está en su más reciente colección Helium tanto en rasos y sedas como en patentes y que alió al gris, el azul marino, el rosa tenue y el blanco en el guardarropa de una mujer que en la evasión de la vorágine de la ciudad vive a su propio ritmo. “Son piezas no para lo que te propone el caos sino para lo que le propones a él”. Es el imaginario femenino de una urbe posible más allá de la anarquía. “Mi idea era crear el universo íntimo de una mujer, el microcosmo de su ciudad creada en la evasión, una ciudad en la que ella se podía refugiar”, asoma el diseñador. En esa levedad el negro era un color clave para una mujer que se escapa a diario en los entresijos de la metrópoli. “El negro en la indumentaria de una mujer se traduce en libertad y la libertad es poder”. El poder de huir. Se inspiró en el asfalto como ese piso de la ciudad que puede llevar a muchas partes y a ninguna. “Por eso el patente negro como referente del asfalto como elemento omnipresente en la urbe”. Ese que combinó con algodón, denim y vinil en una propuesta moderna y cosmopolita en bustieres con faldas de mucha amplitud, en abrigos trench con cinturones gruesos, suéteres holgados, vestidos sin manga y cuellos cerrados y chaquetas como versión femenina de un tuxedo. Un guardarropa para una mujer global que se mueve en las urbes más convulsas y desafiantes. “En esta colección quise trabajar piezas más sencillas, más básicas en los cortes. Me interesaba explorar la simplicidad”. En ese imaginario basteó una propuesta que con la simpleza en la estructura de los cortes le diera sosiego a una mujer que se fuga en el microcosmo de la ciudad que sólo está en su imaginación. “El negro es el color del universo y para mí representa todo el universo de la creación”, sentencia Nimrod su apostolado. El color de la nocturnidad silenciosa de la urbe antes del amanecer, el del peligro de una callejuela estrecha de los suburbios, el de la vertiginosa oscuridad que se asoma de las ventanas de un metro en movimiento, el de un antro underground en el que se baila entre decenas de desconocidos. Es el color de la ciudad.

NEGRO según Nimrod Inc

Web: www.nimrod-inc.com / Twitter e Instagram: @nimrod_inc Fotografía: Alejandro Lee / Modelo: Michelle Gonrod

NEGRO según Camila X Castillo

Web: www.camilaxcastillo.com / Twitter e Instagram: @camilaxcastillo Fotografía: Aníbal Mestre / Asistente de fotografía: Eduardo Mendoza Modelo: Isis Malpica / Make up: Jesús Palencia / Hair: Abner Gil 50

josé roberto coppola

El negro como fetiche. Poderoso, peligroso, sexy, seductor. El negro como oscura lujuria, pasión y deseo. En las puntadas experimentales de la diseñadora de moda Camila X Castillo el negro es un color que remarca la supremacía de la mujer como criatura intelectual y sexual. “Con el negro yo trato de distanciar a la mujer de esa impresión de mujer-objeto y le doy fuerza, pero el negro se relaciona con lo oscuro y lo sexual, por eso en mi indumentaria hay un doble discurso: por un lado alejo a la mujer de la objetivación de lo femenino y por otro lado las vuelvo objetos sexuales. Por eso yo en mis desfiles hago que mis modelos sean como objetos, pero es un forma de protesta”, asoma la diseñadora que presentó por segundo año seguido su colección en Los Angeles. Desde su más reciente apuesta que lleva por nombre Manga, Castillo se valió del negro en la rudeza de las cuerinas, la seducción de los rasos y las sedas y la tenuidad de los tules en un discurso que contrapone el lado fuerte y vulnerable de la mujer. En esa intención y en una apuesta cada vez más conceptual exploró los plisados y dobleces en repetición en cuadrados tridimensionales y volumétricos en dos textiles antagónicos como la cuerina y el tul que resuelve en una metáfora en la que la sutileza y la fuerza pueden llegar a tener el mismo poder cuando se lo proponen. Con Manga la diseñadora toma referentes del animé japonés, de esas heroínas de la ficción que son inocentes y sexualmente poderosas. Por eso se decidió por la pureza del blanco y la delicadeza de un rosa tenue que junto al dorado y gris fueron los aliados del negro en cortes simples y la ejecución de técnicas de origami en las telas que explora los anversos y reversos y la superposición de las transparencias que gestan distintas densidades de color. Y en la búsqueda de imaginar la indumentaria de una mujer sexualmente dominante, el negro, como el color sado, hace de la mujer un objeto pero en la que ella tiene el poder de su sexualidad. “Porque la mujer puede usar el sexo como arma”. Y en esa búsqueda de aproximar valencias distintas Castillo se esmeró en una geometría más orgánica en la creación de cubos de telas creados en un trabajo escultórico de cortes, pliegues y puntadas que le dan otra dimensión al patrón. “En la abstracción traté de volver la geometría algo vivo. Los cubos que desarrollé con el cuero y el tul aunque son muy geométricos son también muy orgánicos”, da cuentas la diseñadora de su proceso de muchos alfileres. Ese con el que desarrolla una propuesta antagónica: inocente y sexual, geométrica y orgánica, del tul al cuero, del blanco al negro. “Yo lo que hago es ropa muy contradictoria”.

futuro PERFECTO

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Colección Selva de Dalila Gebrán

Hechizo amazónico

Avasalladora como un enorme tepuy, indómita como una furiosa cascada, fascinante como una bandada de guacamayas al atardecer, enigmática como la inmensidad espejada y sinuosa de un río . Una mujer que es salvaje caudal y niebla espesa, que es bravía como un jaguar y majestuosa como el horizonte en su vastedad, que es misterioso verdor y silvestre opulencia, que es clara alborada y noche serena. “Lo que más me sorprende de la selva venezolana son las noches estrelladas, son hermosísimas”, cuenta de ese magnetismo natural la diseñadora de joyas Dalila Gebrán quien en su última colección, que lleva por título “Selva”, se inspiró en la exuberancia y grandiosidad amazónica. 52

Una propuesta que exalta el lujo natural de esta tierra en un discurso elegante y glamoroso que evoca este paisaje benigno de impetuosas caídas aguas y monumentales mesetas. “Tomé algunos colores pensados en la fauna de la selva venezolana como el naranja, el verde, el turquesa y el rojo”, da señas Gebrán. Su intención era replantear la fastuosidad de las tonalidades que se consiguen en la inmensidad. Así como también se valió de la simbología del tucán y de la hoja de malanga como referentes alegóricos. Se propuso traducir los flecos de las fibras naturales indígenas en un nuevo lenguaje. Desde las tallas de gemas en forma de gotas de gran-

des formatos y con lluvias de cadenas la diseñadora buscaba reimaginar la belleza y el misticismo de la etnia Yanomami. “Nuestro indios usan muchos collares que cuelgan y suenan porque para ellos es energía y con ellos alejan los malos espíritus. Yo quería reinterpretar el sonido de esos collares de semillas, pero quería que fuese un sonido de mucha sutileza. A mí, en mi proceso creativo, me gusta explorar elementos y formas que no hayan sido muy utilizados”. Y llevarlos a un planteamiento propio, siempre sofisticado. “La selva es exuberante, es enorme. Hay zonas en los ríos en la que no ves el final, muchas veces no puedes ver la copa de los árboles, los tepuyes son gigantes. La naturaleza es abrumadora”. Por eso como metáfora de toda esa majestuosidad, de toda esa imponencia Gebrán imaginó zarcillos de grandes dimensiones con muchos flecos de ágatas y jades, collares de flecos cortos y largos con mucho movimiento, collares con pendientes de gotas y pulseras tipo cuff

con líneas de flecos de colores a contraste. “Además los accesorios indígenas son grandes”. En su imaginario Gebrán buscaba plasmar ese territorio fascinante y misterioso, esa tierra seductora y mágica, poderosa e imponente. Una selva que es hechizo y embeleso, que es encanto y magnetismo. Y lo quería hacer desde una propuesta de joyas que fuese categórica, protagonista, en piezas con volumen y movimiento. De gemas de tallas importantes y de colores que evocaran las tonalidades de la infinitud amazónica. Ella quería resolver este mapa magnánimo en joyas contundentes. “Yo lo que buscaba era llevar la selva al lujo”. Pero también la intención de la diseñadora era traer la Selva a la ciudad en una apuesta glamorosa que sintetizara en tallas y metales el lenguaje natural y místico de sus paisajes. “Sus saltos son hermosos, el de la piedra del jaspe con la cascada que cae por una escalera de piedra roja es bello o el salto Kamá también me impresionó porque es ancho”.

Una selva de albas que se abren en la inmensidad de un cielo azul, esa de las travesías en curiara río adentro, esa en los que los tucanes exhiben, desde cualquier rama, la gala y exotismo de todo su color, esa de golpes de agua que revientan en vaporosas espumas blancas, esa de rocas enormes como grandes gemas, esa de aguas mansas y azulverdosas de algún pozo secreto. “La selva es mi gran amor, la he visitado toda, he visitado Canaima, he ido de excursión en una ruta guiada por Yanomamis al Roraima, he paseado en curiara para llegar a La Paragua. La Gran Sabana es abrumadora, su naturaleza es abrumadora, tiene una enorme fuerza natural que te arropa, en donde las estrellas brillan tanto que alumbran en la noche. Es el lugar para ser feliz”, postula Gebrán. Así, Selva es una apuesta que traduce la magnanimidad de esa tierra de arrolladores verdes, de apabullante infinitud, de la sobrecogedora libertad, la de los horizontes que no terminan, la de ríos como gigantes serpientes de agua. Todo esto desde una colección suntuosa, elegante y sofisticada, de joyas con carácter, con temperamento para una mujer con corazón salvaje pero que vive en la ciudad. Fotografía: Aníbal Mestre / Modelo: María de los Ángeles Paz / Asistente de fotografía: Eduardo Mendoza / Make up: Marianne Vegas Brand / Hair: Luis Quintero 54

por amor al ARTE

mariana bencomo de peña fotos: gonzalo peña y press kits [labiennale.org]

Propuestas Conceptuales en la LV Bienal de Arte de Venecia [Parte II]

Culto a la imagen presentida

“El Palacio Enciclopédico” que ideó el curador Massimiliano Gioni para la 55 edición de la Bienal de Arte de Venecia, no solamente se edifica con un gran grupo de artistas que elabora tesis o propuestas estéticas a partir de la minuciosa investigación en las diferentes áreas del conocimiento, asunto abordado en la entrega anterior de este reportaje, sino que también confluyen en esta confrontación artística realizada en los Jardines y el Arsenal -dos espacios icónicos dentro de la ciudad del Veneto- otros creadores que desechan la racionalidad para dar rienda suelta a la magia, a la sabiduría intuitiva, a la premonición, al sueño y al más allá. Esta otra cara de la Bienal, que convive en armonía con racionalidades plásticas que explican y justifican comportamientos humanos y sociales a través de concienzudos estudios científicos y antropológicos; no solamente escapa del conocimiento, sino que se inserta en la comunicación sobrenatural, en el poder mental y en la espiritualidad de individuos y culturas. Este tema recurrente en el tiempo desde que los dioses griegos dominaban el mundo, ha recobrado protagonismo en los últimos años, sobre todo en el interés que muestran los curadores cuando seleccionan tópicos o artistas. Es posible que la caída definitiva del comunismo, el fin de la entelequia materialista y la casi desaparición de una cultura estrictamente terrenal y nada sublime, haya dado paso a esta búsqueda espiritual que cada vez aparece con más astucia y fortaleza en las confrontaciones artísticas. No en vano el Museo Quai de Branly de Paris, dedicó buena parte del 2012 a “Les Maîtres du Desordre” –Los Maestros del Desorden- una exposición colectiva que abordó tres grandes temas: el desorden del mundo, el dominio del desorden y la catarsis, abriendo con una instalación de Thomas Hirschhorn -globos terráqueos con 56

unos prominentes tumores- plasmaban, en un lenguaje contemporáneo, signos y comportamientos de los que pensábamos habernos liberado. La muerte, el dolor, las catástrofes naturales y las guerras ponen de manifiesto la imperfección del mundo, la natural inclinación del hombre a sentir que no tiene control absoluto en su vida y entorno y dan fe de la impotencia de los dioses de los cultos establecidos, de su silencio o de su distancia. La Documenta de Kassel 2012, curada por Carolyn Christov-Bakargiev, tocó entre otros temas, la participación y retraimiento como modos simultáneos de existencia, así como la encarnación y la desmaterialización. Un claro ejemplo son Los Guardianes del Tiempo del austriaco Manfred Kielnhofer, especie de esculturas humanizadas que deambulan por parques, plazas y palacios de esta tristísima ciudad alemana como monjes o extraños personajes que van y vienen, aparecen o desparecen reiterándote la magia de la religiosidad. Esta Bienal de Venezia 2013 posee también una dimensión “divina” que apunta como la torre a Marino Auriti a los dioses imaginados o presentidos, milagrosos y castigadores, los que salvan y condenan, los del paraíso y el infierno. Esta muestra de sucesos, personajes y sueños buenos y malos, derrocha el equilibrio estético de artistas capaces de codificar con imágenes la expresión más lejana y fantástica del imaginario humano. Una de las ideas recurrentes en representaciones de algunos países durante esta confrontación artística fue la idolatría en varias vertientes, simbolizada por determinados mitos o héroes que cada artista expone casi siempre como una especie de sátira o crítica al apasionamiento y la debilidad que surge en el ser humano al caer hipnotizado por éstos dioses.

“Manto de apresentação” de Arthur Bispo do Rosário. [S/F]

Composition Symbolique, Amour pour l’humanité de Augustin Lesage. Este pintor francés de principios del siglo XX y que se adjunta a la moción espiritualista , estudiada por André Breton, realiza una obra signada por la ornamentación, la simetría y el color. Esta pintura definida como psíquica es un fenómeno donde la persona, sin ser un artista entrenado, es capaz de crear un trabajo excepcional en un período muy breve de tiempo, y supuestamente bajo el control de una entidad espiritual. Sin embargo, el aporte más importante de la obra de este artista se refiere a que su estética simétrica, geométrica y formal que anticipa a los tres de los grandes movimientos artísticos del siglo XX: el arte abstracto, el surrealismo y el art brut. Su pintura parece un caleidoscopio con alternancia cromática que de manera intuitiva origina una mezcla óptica. Su tema, en este caso, expresa fascinación por el antiguo Egipto, sus dioses, sus animales y la propia reencarnación del artista.

Manto de apresentação del brasilero Arthur Bispo do Rosário. Este artista realizó la mayor parte de su obra a partir de 1938 cuanto entró interno en un hospital de Colônia Juliano Moreira, cerca de Rio de Janeiro. Allí comenzó un camino artístico de enorme intensidad y libertad que lo llevaron a crear una de las obras más maravillosas del arte brasileño, combinando elementos autobiográficos y práctica creativa. Esa especie de protección y estabilidad que sentía al sentirse recluído, le permitieron realizar sus mejores piezas artísticas. El hilo azul que utilizaba para sus bordados provenía de los uniformes del hospital psiquiátrico y se pudiera decir que su trabajo es producto de su experiencia cotidiana, en la que destacan su fe en Dios con mucha crítica a posturas dogmáticas que se expresan en una cantidad de textos transformados obsesivamente en bordados.

Portada y exhibición de páginas del Libro de Génesis ilustrado por R. Crumb [2009]

The Book of Genesis de Robert Crumb. Este artista indispensable en la trayectoria del comic y el má grande representante de la historieta, creó una versión gráfica del libro del Génesis, trasladando el primer libro del Antiguo Testamento a unas viñetas sin cambiar nada del texto original. Este personaje outsider nacido en Filadelfia, símbolo además de la contracultura norteamericana en los años 60, no buscó hacer una parodia de la Biblia sino que plasmó el texto con fidelidad. Hilma af Klint. Esta secuencia de imágenes raramente expuestas en público, parten de la base que existe una dimensión espiritual más allá de lo visible . Al igual que otros de sus contemporáneos, ella está muy influida por las corrientes de su época, particularmente el espiritismo, la teosofía y la antroposofía. The Last Days of Watteau de Tamar Guimarães y Kasper Akhøj. Uno brasilero y el otro danés realizan un video instalación que examina 58

un mapa creado por miembros de una comunidad espiritista de Brasil. Estas colonias y ciudades transitorias ocupadas por muertes recientes forman una etnia tropical utópica decrita en los años 60 por el celebrado espiritista Francisco Càndido Xavier. Este film ejecutado con filtros de colores tiene una estética etérea que evoca el mundo imaginario de los espíritus. Juego de cartas de panlengua del argentino Xul Solar. Este artista creador de un idioma imaginario expresa su pintura fantástica a través de estas cartas que son producto de su profundo conocimiento de astrología. Xul fue el inventor de una panlengua, que de algún modo reflejaba todas las lenguas de la tierra, una especie de tarot astrológico de colores vivos y múltiple alfabeto entremezclado que simplimente puede definirse como el medio de expresión plástica donde confluye el misticismo, la espiritualidad y el lenguaje.

“Mother Simbolically Represented: The Kathedral [1935] y “Mrs. Geo Powleson Symbolically Portrayed / The Mother Tower of Jewels” [1935] por Achilles Rizzoli

Mother Symbolically Represented: The Kathedral de Achilles Rizzoli. (Imagen arriba al centro). Este artista norteamericano que ocultaba la relación enfermiza con su madre y su incapacidad para relacionarse tanto socialmente como sexualmente, compone su obra de grandiosos esquemas arquitectónicos que representan personajes de su vida cotidiana. En este caso, su madre como una gran Catedral con fin expresivo y no utilitario produce una idea perturbadora en la representación: leyendas en sitios justos; una edificación imposible con nombres absurdos que convierte la obra en una ficción literaria o una imagen donde renace su madre luego de la muerte, logrando así pasar a un plano divino. Junto a éste se exhibieron otras 6 piezas de su autoría. Book of Thoth de Aleister Crowley y Frieda Harris. Esta pareja inglesa se unió en el año 1938 para crear el Thoth Tarot, una obra de arte que tomó cinco años de trabajo obsesivo en los detalles. Harris era la artista que

pintaba las cartas estilo art deco e integrando formas simbólicas bajo las instrucciones del autor y ocultista Aleister Crowley, quien luego de pertenecer a diferentes sectas, creó su propia religión llamada Thelema basada en la aparición del espíritu Aiwass en Cairo. Este Tarot fue el más grande proyecto de Crowley, el que establece su personal panteón de figuras y simbolos. Various Blackboard Drawings de Rudolf Steiner. Este artista, pensador, filósofo, educador nacido en el Imperio austríaco (actualmente Croacia) en 1861, fue fundador de la antroposofía, un sendero de conocimiento que quisiera conducir lo espiritual en el hombre a lo espiritual en el universo. En sus dibujos de pizarra expresa códigos visuales con bases científicas, experiencias espirituales y conocimiento metafísico, a través de una forma de individualismo ético, al que luego añadió un componente más explícitamente espiritual. Derivó su epistemología de la visión del mundo de Goethe, según la cual el pensamiento es un órgano de percepción.

Emma Kunz, Dibujos sobre papel milimétrico [1939-1942]

Dibujos de la artista suiza Emma Kunz. Convencida de poseer poderes extrasensoriales, dedicó su vida a ejercer la sanación. Su obra, originalmente no planteada como pieza artística, basada en la geometría y la simetría, está concebida como complejos mandalas que ayudan a la meditación. El trabajo de Emma Kunz hay que entenderlo desde un punto de vista filosófico y metafísico, buscando la armonía a través de estructuras matemáticas. Usaba un péndulo como herramienta para propiciar su proceso de creación. Su movimiento y la marca de los puntos son reproducidos en el papel, donde la artista plasmaba como una médium, su experiencia en otra dimensión. Swan and Dove del artista Friedrich Schröder-Sonnenstern. Este pintor nacido en Prusia, fue sometido durante la guerra a un campo de concentración, evento que agudizó su ya incipiente demencia y repotenció su fuerte esquizofrenia. Fundó una secta en Berlín para dedicarse al oficio de magnetizador y de vidente, llamado “El Duque de Sonnenstern” (Sonne=sol, Stern=estrella). Las piezas exhibidas en la Bienal mostraban su estilo característico que mezclaba mujeres fantasmales, elementos sexuales, con bestias y magia, particularmente ésta, realizada en 1953, tiene un clarísimo filo de sátira porque el pintor muestra a un mutante monje medio desnudo flanqueado por dos figuras deformadas que manifiestan su crónica burlesca y su excentricidad fantasmal. El film Heaven and Earth Magic de Harry Smith. Este cineasta y musicólogo norteamericano, además de ser uno de los personajes principales de la vanguardia en Estados Unidos, fue un místico que también desarrolló la pintura, 60

la lingüistica y la antropología. Este film elaborado bajo el método surrealista está estructurado como un sueño, resultando una fantasía carnavalesca llena de humor y elementos crípticos. Anal/ Isis 2012 de Jim Shaw. Este iconoclasta y artista multimedia norteamericano muestra dos deidades egipcias: Osiris como el dios del submundo e Isis como la diosa asociada a la feminidad, la naturaleza y la magia. Esta bizarra aparición reflejada de manera prosaica y fantástica es característica de los sueños, a partir de los cuales el artista creó su propio simbolismo, dogmas, templos y una religión llamada Oismo que el mismo define como “la fe de los que no tienen fe”. Ma petite y Diana de Poitiers del artista milanés Enrico Baj. Creador de grabados, esculturas, pero especialmente collages. Estuvo muy próximo al surrealismo y al dadá, y más tarde se relacionó con el arte pop. Fue también escritor y tuvo un largo interés en un movimiento pseudofilosófico llamado patafísica. En su serie “Dame” aplica la técnicas del collage con diferentes materiales como botones, brocados y pasamanería para crear una cómica y primitiva representación de la forma humana. The Figure of the interrogative Philosophy de James Lee Byars. Este artista norteamericano basó su obra en el interés tanto en las civilizaciones orientales como en las representaciones espirituales de occidente. Se trata de una colección de pensamientos expresada en piezas que son como monumentos ancestrales y sugieren la naturaleza primaria del ser humano e invitan a la meditación.

Visión parcial de la instalación Danaë de Vadim Zakharov – Rusia [Foto: Daniel Zakharov – 2013]

Pabellón de Rusia: Danaë de Vadim Zakharov muestra al desnudo el mito de la hija del rey Acrisio, Danaë (sedienta en griego), proponiendo una lectura más moderna. El suelo del pabellón ha sido destripado y se ha hecho un gran agujero cuadrado que permite ver desde lo alto lo que sucede en el piso inferior, donde las mujeres, a las que se presta un paraguas transparente, son rociadas con una lluvia de monedas de oro, procedente de una pirámide colocada en el techo. El mito cuenta que Acrisio, decepcionado por carecer de herederos varones, consultó un oráculo para saber si esto cambiaría. Éste le dijo que sería asesinado por el hijo de su hija. Para que ésta no tuviese hijos, Acrisio la encerró en una torre de bronce, pero Zeus la alcanzó como una lluvia dorada y la dejó embarazada. Poco después nació su hijo Perseo. Son las mujeres, no observadoras pasivas sino elemento fundamental de la instalación, cuyo espacio poético deben llenar, las que ponen en marcha el mecanismo que se completa en el piso superior con un proceso de materialización del mito y el agujero usado para observar la lluvia de oro está circundado por reclinatorios de terciopelo rojo donde los hombres están obligados a arrodillarse ante el dios dinero. Pabellón de Argentina: Rapsodia Inconclusa de Nicola Costantino propone una instalación dedicada a Eva Perón. La muestra se divide en cuatro espacios.

En el primero, una videoinstalación muestra a la artista transformada en Eva, en varios momentos y funciones (distintas caras) desde su intimidad hasta su enfermedad, pasando obviamente por su vida pública. Luego, un dormitorio de época, casi en penumbras, en el que un espejo refleja el cuerpo de Eva en el arreglándose en el tocador. El tercer capítulo se trata de un espacio cerrado de cristal en el que un vestido mecánico deambula chocando con las paredes. Finalmente, dos reflectores que evocan una sala quirúrgica, iluminan una mesa de metal llena de hielos en forma de lágrimas. Como epílogo se muestra la frase “Presidenta de la Nación” acompañada de videos que muestran escenas de sus míticos discursos y de la masiva pasión desbordada por el pueblo argentino en su funeral. En el pabellón de Inglaterra, el artista Jeremy Deller construye su obra English Magic, una instalación que refleja los ídolos de la sociedad inglesa en diferentes aspectos de su cultura política, social y económica. La magia de la propuesta de Deller es su manera de narrar diferentes eventos del pasado, del presente y de un imaginario futuro enmarcados en lo contemporáneo pero también en acontecimientos reales. Creó entonces, una especie de pabellón mítico y psicodélico que combina delicadamente la ficción y la realidad.

ICONOCLASTAS

raquel seijas [ @r_seijas ] fotos: archivo / agradecimientos: monica del torchio

Milán: el diseño y sus protagonistas (Parte II)

Magos de la creación: Michele De Lucchi

Aromas de madera inundan la oficina de Michele De Lucchi en Milán, en la Via Varese. Allí las sillas, mesas y lámparas no sólo están dispuestas para recibir a clientes, estudiantes o invitados: son piezas que comparten espacios con maquetas moldeadas con fantasía. Desde el sótano hasta el último piso, incluso los rincones en las estrechas escaleras, todo está repleto de modelos y proyectos del gran maestro de Ferrara que, lejos de intimidar a ajenos y cercanos del mundo del diseño, parece más bien llamar a desentrañar cada objeto. Este ganador de dos premios Compasso d’oro, cuatro Red Dot, tres Good Design y diez IF Product Design, sólo por mencionar algunos de una interminable lista de reconocimientos, abrió las puertas de su oficina milanesa a un grupo de periodistas de todas partes del mundo quienes atendieron el llamado de Marva Griffin Wilshire a tomar asiento, escuchar las breves palabras del maestro, admirar su evolución y capacidad de imaginación a través de un breve video que condensa sus ideas. Con la creatividad como coraza y como espíritu detrás de todos sus proyectos, De Lucchi tuvo un inicio radical participando en 1975 junto a otros diseñadores, artistas y arquitectos en un proyecto de ciudad imposible cerca de Florencia. “Considerábamos que el verdadero objetivo 62

de la arquitectura era estimular la imaginación y fantasía de la gente”. La larga barba es sólo parte de su filosofía de que diseñar es crear diferencias. “Cuando buscamos crear nuestra propia personalidad, nos volvemos diseñadores. Tengo un hermano gemelo idéntico. Y desde pequeños sentimos la necesidad de diferenciarnos”. Trabaja en su estudio-laboratorio Chioso (cerrado, confinado en italiano), en la localidad de Angera, cerca del lago Maggiore, hermoso remanso de agua lleno de islas de ensueño. Allí trabaja en plena libertad: dibuja, pinta, se dedica a hacer modelos en esculturas de sus ideas y hasta toma fotografías en diferentes ángulos de esas ideas modeladas. Son imágenes que guarda para sí “lejos de todo”. El hecho de haber estudiado en Florencia marcó la diferencia porque pudo aprender sobre diseño rodeado de monumentos históricos y ejemplos de la arquitectura radical en esta hermosa localidad italiana de la región Toscana. En esa ciudad-galería del Renacimiento consiguió su primer contrato… su primer cliente: el señor espíritu del tiempo. “Para diseñar es necesario sentir el fluir del tiempo y percibir con claridad el momento histórico al que uno pertenece. El tiempo es el gran artista de todos los tiempos”.

Lámpara Led Net por Michele De Lucchi y Alberto Nason [www.artemide.it] En 1978, después de diez años de metáforas y proyectos abstractos, surgió la lámpara Sinerpica, y pocos meses después, sus propias visiones de cómo deberían ser los electrodomésticos. “Buscaba nuevas imágenes para los productos tecnológicos, lejos de esa idea negativa de la tecnología”. Según sus propias palabras, el Grupo Memphis, fundado por De Lucchi junto a Ettore Sottsass y Barbara Radice fue la oportunidad de imaginar el mundo postmoderno, lejos de todo el diseño carente de personalidad y aburrido que se producía en esa época, los ochenta. Buscaban colores, texturas y formas poco convencionales. “Con Memphis diseñamos siete colecciones. Buscamos provocadoramente una relación con la moda, la cual por naturaleza es frágil, frívola y fugaz, pero los arquitectos tenemos la debilidad de diseñar para la eternidad”. Olivetti, la gran empresa italiana de máquinas de escribir, calculadoras, artículos electrónicos y de informática representó un hito en la evolución de De Lucchi al ser su primer cliente industrial. “La industria tiene mala

fama porque se considera que sólo contamina, estandariza todo y su único objetivo es obtener ganancias. Pero nosotros pensamos que podríamos producir máquinas ecológicas y reciclar desechos. Comprendí que para diseñar para la industria debes amarla porque si no no es un trabajo fácil. En tiempos antiguos, el rol del artista debía ser mostrar la belleza de la naturaleza. El papel del diseñador hoy es mostrar la belleza de la industria”. Su producto favorito para diseñar son las lámparas. He ahí la razón para una larga lista a la que se integran Noto, Logico, Castore, Soffione, Tatlin, Gilippo... Todas presentan innovación tecnológica y sirven para evaluar los estilos de vida. “Me dí cuenta al diseñar lámparas de que es importante distinguir entre proyectos y productos. Y que no siempre los bellos proyectos son buenos productos y que no siempre los buenos productos son bellos proyectos. Hay objetos comunes que venden mucho y objetos de diseño que no venden. Raras veces se puede dibujar un proyecto hermoso que además es un buen producto”.

Web: www.micheledelucchi.com

la joya de la CORONA

andreína rangel [@andreina_rangel] retrato: david atlan / fotos cortesía de la marca

Colección “Magic Triangle” de Delfina Delettrez

Gemas del más allá

Aunque en su biografía rece que no se debe asociar su segundo apellido al famoso imperio que cobija el nombre de Fendi, son innegables las raíces que fluyen a través de su ADN. Hija de Silvia y nieta de Anna Fendi, Delfina representa la cuarta generación de Fendi que han incursionado en el mundo de la joyería, distinguiéndose de ellos por su audaz espíritu y fuerte personalidad. A través de sus piezas se pueden ver reflejadas sus influencias multiculturales, y se puede apreciar el exquisito mélange que implicó crecer entre dos ciudades tan distintas como Roma y Río de Janeiro. Los vivos colores, típicos de un carnaval, se imponen sobre estructuradas piezas que dejan ver toda la grandeza de las piedras con las que trabaja. En esta ocasión, Delettrez nos sumerge en el mismísimo Triángulo de las Bermudas para la presentación de su nueva colección otoño-invierno 2013, titulada Magic Triangle. Explorar lo desconocido, adentrarse en el misterio y creer en lo sobrenatural son las tres reglas de oro que resguardan el mundo de Delfina, un mundo donde el topacio es el nue-

vo invitado de honor para imponerse con fuerza gracias a su versatilidad y rico color. Es así como se abren las puertas de esta nueva colección que, inspirada en la luz y los objetos extraños del cielo, pone de manifiesto la geometría de piezas asimétricas que, junto a innovadores engastes, sacan provecho a los colores de las gemas. Juntas o solas, las piezas también tienen la habilidad de plegarse sobre sí mismas para proteger su esmalte de colores y facilitar su transporte. Para la presentación de esta nueva colección, Delfina Delettrez ha escogido al director Daniel Sannwald para trasladar su visión a un universo surreal à la Dalí, ¡y al venezolano Alejandro Ghersi (aka Dj Arca)!, quien estuvo a cargo de la musicalización. En el film, la colección Magic Triangle se revela en imágenes tridimensionales que representan su inspiración en fenómenos extraterrestres y actividades paranormales. Ilusiones ópticas, juegos mentales, miedos y deseos conjugan entonces el universo imaginario de la diseñadora italiana para desembocar así en una línea extraordinaria.

Web: www.delfinadelettrez.com

el imperio de los SENTIDOS

andreína rangel [@andreina_rangel]

Bois d’Ascèse de Naomi Goodsir Parfums

Esencia sagrada

La elegancia atemporal que sugiere el uso de perfume se remonta a la época en que significaba un gesto precioso de cortesía. Divinas esencias regodeaban entonces las más finas narices de aquellos que podrían permitirse semejante lujo. Pero pasando algunas páginas que nos devuelvan a la actualidad, nos encontramos con la maison Naomi Goodsir, una diseñadora australiana cuyo toque de sensualidad en el mundo de la moda le ha abierto paso a múltiples colaboraciones que hoy decantan en su ingreso en la perfumería independiente o de nicho. Para esta nueva incursión, Naomi se asoció con el director creativo Renaud Coutaudier, un visionario cuya sensibilidad creativa se acopla al estilo único y original de la diseñadora, para crear una fórmula que refleja su respeto por la perfumería tradicional y su estilo atípico. Materias primas de alta calidad se conjugan entonces en fórmulas audaces y fuertes. “Todos confiamos en nuestra memoria olfativa, así que

estoy segura de que siempre habrá algún tipo de interpretación para todo. El perfume se trata de provocar un recuerdo y una emoción.” Es así como un fascinante y tranquilizador humo de inciensos leñosos abren paso a las notas de entrada de BOIS d’ASCÈSE, una creación de la sofisticada nariz de Julien Rasquinet. En su base, tabaco y whisky se conjugan con la canela, el ámbar y el cistus ládano para cerrar con notas de madera ahumada casi quemada que prolongan el incienso de Somalia con poder y elegancia. Las inspiraciones para esta creación se trasladan a una capilla aislada en donde un ardiente atardecer anuncia un momento de gracia con silenciosos cánticos que se ven envueltos en humo divino. Esta pasión ultra sensorial y casi sobrenatural de Goodsir le impulsan a afirmar “Saber cuándo un perfume no es correcto es cuestión de instinto. Cuando Renaud y yo nos emocionamos por una fórmula, intuimos que está cerca de ser terminada o, incluso, lista”.

Web: www.naomigoodsirparfums.com 66

el ojo MECANICO

ignacio alen [twitter&instagram: @ignacioalen] fotos: cortesía rmtf

Colectiva “Caracas Norte, Sur, Este y Oeste” de Roberto Mata Taller de Fotografía

Ciudad Fetiche

En las crónicas del éxodo venezolano contemporáneo, destacan las fantasías de los emigrantes de poder empacar esos espacios que los harían sentir como en casa mientras estén en el exilio, y de ahí que no pocos quisieran llevarse en la maleta el cerro El Ávila o cualquier otro rincón que encienda la calidez de la memoria y les brinde abrigo, incluso para instalar ese pedacito de Venezuela en otro marco que les brinde los anhelos que le han empujado a hacer vida en otro lado, creando un reducto imaginado donde se tome lo mejor de dos mundos, donde se viva la venezolanidad desde otro punto de vista. Por años, la fotografía se ofrece como alternativa para empacar espacios en cuadros que resuenen en nuestra identidad más profunda. Es precisamente esta la tarea que se ha arrojado el reconocido fotógrafo Roberto Mata a través de su taller “Caracas Experiencia Fotográfica Norte, Sur, Este y Oeste”, que por tercer año consecutivo ha reunido a cinco de sus pupilos en una muestra colectiva, que bajo el título “Caracas NSEO” expone miradas distintas que han surgido después de recorrer la capital venezolana, para que cada uno –cámara en mano- la

documentara desde su propia perspectiva “porque olvidamos fácilmente y el taller no permite que se nos vaya la ciudad”, apunta Mata. Las lecturas de esta colectiva, que se expuso a mediados de año en Roberto Mata Taller de Fotografía (RMTF), abarcan desde una perspectiva general de la ciudad, pasando por varias que se ponen a la altura de un transeúnte o de un chofer, hasta llegar a la intimidad donde cada quien recrea su propio micromundo, enfocando cada escena con filtros a través de los que se ve la realidad más cruda hasta el ideal más improbable. Es aquí donde se vuelve a aplicar el dicho “todo depende del cristal con que se mire”. A diferencia de las pasadas dos ediciones de “Caracas Experiencia Fotográfica Norte, Sur, Este y Oeste”, Mata asegura que en esta ocasión “nos trae una visión más autoral y menos documental”. Es así cómo las diferentes lecturas se muestran como el resultado de un proceso que trasciende la simple observación, para convertirse en el resultado de un estudio que pone a la capital venezolana en el centro del escenario para que, uno a uno, los focos revelen sus diferentes caras.

Web: www.robertomata.net / Dirección: Av. Trieste con Av. Madrid, La California Sur. Caracas / Teléfono: 0212. 2579745 Facebook: Roberto Mata Taller de Fotografía / Twitter: @RMTF 68

Carolina Méndez

Con Introspección, Carolina Méndez captura el tema de la intimidad a través de dos lecturas, ya que no sólo penetró 44 residencias repartidas en los cuatro puntos cardinales de la ciudad, buscando evidencias de cómo los ciudadanos crean su microcosmos dentro del mundillo que los condiciona, sino que a través de estos espacios logra capturar un pedacito del ser interno de sus habitantes, al enfocarse en los íconos y amuletos que revelaban su búsqueda espiritual, a la que están encomendadas sus anhelos y necesidades, así como las acciones de gracias y la esperanza.

[Web: digitalcarolina.blogspot.com / Email: digitalcarolina@gmail.com]

Elena Salazar

“¿Nos devaluamos como ciudad, así como se devalúa nuestra moneda?”, se pregunta Elena Salazar, que se coloca en medio del caos urbano para documentar su deterioro, anarquía, la expresión de los antivalores y el ruido visual, logrando imágenes que luego ilustran las monedas en papel que modeló al encontrar sus estudios de fotografía con los de diseñadora gráfica bajo su propuesta “Numismática urbana del caos”. El resultado, es una colección de billetes de gran formato que nos hace cuestionar los verdaderos valores que sustentan a nuestra sociedad.

[Email: tisestudio@hotmail.com]

Gustavo Elias

Si uno de los reclamos que tienen los caraqueños es la imposibilidad de vivir la ciudad a pie, Gustavo Elías, un contador público que dejó los números que manejó por 15 años para dedicarse a la fotografía, toma imágenes de calles y avenidas neurálgicas para intervenirlas con un denso tráfico de gente a pie que evoca una dinámica urbana más propia de metrópolis como Tokio y Nueva York, proponiendo que imaginemos por un momento cómo serían nuestras ciudades “A pie y sin gasolina”.

[Web: www.gustavoelias.com / Email: gustavo.e.elias@gmail.com]

Marianela Pérez

También una intención artística es la que sustenta el trabajo de Marianela Pérez, que compone una suerte de abstracción metropolitana al capturar líneas, colores y formas que dejan como rastro los vehículos que pasan frente a su objetivo durante las interminables colas que rigen la vida del caraqueño. En “Agitado pero lento”, explica la artista plástico y diseñadora ambiental, “saco de lo negativo algo positivo, aceptando que donde estamos es el lugar donde vivimos y hay que vivir con lo que tenemos”. [Web: mariart4545.blogspot.com / Email: mariart4545@gmail.com]

Alfredo Rondón

Esforzándose por encontrar un momento sublime en el barullo citadino, el ingeniero civil Alfredo Rondón se concentró en los recovecos olvidados, esas esquinas que la vista da por sentado, donde las texturas del concreto se encuentran con grafitis y sombras, la pátina del tiempo y salpicaduras de color, y con la vegetación que se hace su propio espacio en los empates de avenidas y edificios, todo lo que bien encuadrado adquiere una relevancia estética que conmueve y que recuerda la máxima confuciana que apunta que “cada cosa tiene su belleza, pero no todos pueden verla”. [Web: robertomata.ning.com/profile/AlfredoRondon / Email: ardw.55@gmail.com]

DELICATTESEN

carlos flores león-márquez [@carlosfloreslm]

Exposición de Henry Hargreaves “No Seconds - Comfort Food and Photography”

La última cena

El fantasma del modelaje aún lo persigue. Pero es neozelandés y también es fotógrafo, así que su cosmovisión, a fuerza de plural y descentralizada, producto probable de esa insularidad de origen, le ha permitido explorar nuevos rincones no solo geográficos sino más bien sociológicos, con una pisada segura que le garantiza que se puede enfrentar a la vida. Bobas elucubraciones existenciales aparte, Henry Hargreaves (1979) es un transgresor al lente radicado en Brooklyn, Nueva York, cuya formación como modelo profesional para las más prestigiosas marcas de moda lo puso en contacto con grandes como Richard Avedon, Mario Testino y Stephen Meisel, con quienes colaboró en su momento; y también un adicto a producir imágenes divertidas, creativas, provocativas y, por tanto, memorables. De allí su exposición “Henry Hargreaves, No Seconds - Comfort Food and Photography” (algo así como Henry Hargreaves, Sin Segundos - Comida Reconfortante y Fotografía), que es la primera de su autoría en presentarse fuera de Estados Unidos, exactamente en el Museo de la Locura en la Isla de

San Servolo, Venecia, Italia, desde el 7 de septiembre hasta el 24 de noviembre de este año como un viaje sin precedentes –sobre todo para los aficionados a la fotografía y la gastronomía– que comienza con la serie Deep Fried Gadgets, continúa con las extravagantes peticiones culinarias de estrellas musicales en el apartado Band Rider, y culmina con No Seconds, una reflexión sobre la comida y el encarcelamiento que examina las últimas cenas de prisioneros estadounidenses condenados a muerte. Como si fuera poco, corriendo en paralelo con la exposición, estará abierto el vídeoconcurso titulado The Last Wish en el que, conducido por el actor y chef Andy Luotto y Pietro Leemann, “el chef del alma”, los participantes tendrán que bucear en sus recuerdos para encontrar y presentar su plato de última voluntad, su último deseo gastronómico. Un comité ayudará a seleccionar los tres videoartes que interpreten mejor el tema, y los ganadores participarán en los eventos que tienen lugar en San Servolo, donde el público podrá degustar sus platos “del alma”, con la asistencia de un equipo de chefs profesionales.

Henry Hargreaves, Serie Deep Fried Gadgets, #1

< Henry Hargreaves, Serie Burning Calories, 4-10-13

Henry Hargreaves, Serie No Seconds, Untitled #3 Volviendo a la exposición formal, y para entenderla un poco más, habrá que decir que el apuesto de Hargreaves es harto conocido por sus investigaciones en las relaciones entre la fotografía y la comida: sus tomas de iPhones y iPads fritos, de donas en llamas y de hamburguesas teñidas con los colores del arco iris, son algunas de las imágenes que le han valido una no muy pequeña fama en los predios digitales. De esta suerte que la curadora Chiara Casarin haya querido establecer entre sus obras, esta vez, una nueva y encantadora relación al ponerlas fuera de lugar, casi descontextualizándolas, para dirigir a los visitantes a una exposición que también es un suerte de descenso al infierno del alma. El elemento clave es el concepto comfort food (comida elaborada para proporcionar no sólo alimento sino también consuelo y fuerza espiritual), que actúa a favor del cumplimiento de nuestras necesidades más ocultas y elementales. Así, la exposición nos empuja a la conclusión de que fotografía y comfort food, dos formas muy diferentes de nutrirse, “no solo marcan momentos importantes en nuestras vidas, nos apoyan y nos dan

fuerza”, sino que también nos proporcionan una ventana a los aspectos más profundos de la identidad. ¿Un epílogo? Las palabras de la mismísima curadora, Chiara Casarin: “A través de los siglos, el arte ha sido comparado con el tema de la comida, y el trabajo de Hargreaves se inscribe en esta tradición. La intención, en particular con No Seconds, aunque también aplica con las otras series, es crear un archivo realista de imágenes still life en el que el uso de la luz directa y la perspectiva vertical sobre el tema opere con la objetividad del microscopio y del bisturí. ¿Cuál es la relación entre esos condenados a muerte, las estrellas del pop en el escenario y los enfermos mentales? ¿Puede un plato desempeñar un papel significativo? El confort puede ser proporcionado por un alimento, una comida que nos recuerda la serenidad de la infancia, que satisface un deseo íntimo. Confort también es cuidado, alivio, una sensación de bienestar. En el centro de esta reflexión está la diferencia entre la permanencia del documento fotográfico y la esencia efímera de lo que representa”.

Fotos: Henry Hargreaves / Agradecimientos: www.casadorofungher.com / Web: www.sanservolo.provincia.venezia.it - www.henryhargreaves.com 76

porta RETRATO

fotos: carlos fouguet y carlos negrín

Boda Oxford – Mantini

La vida en rosa

La novia, Romina Mantini de Oxford [Foto: Carlos Negrín]

Los novios, Romina Mantini de Oxford y Daniel Oxford [Foto: Carlos Negrín] 78

Ambientación de Aire Eventos y Decoraciones [Foto: Carlos Negrín]

Martha Coronel de Oxford y Alberto Oxford, padres del novio

Daniel Mantini Cesaroni y Lola Luz Bello de Mantini, padres de la novia

Daniela Mantini

María Gabriela Ríos de Pérez y Héctor Pérez

Alberto Oxford y Gabriela Ferrero de Oxford

Juan Ricardo Nieves y Zarina Mejías Ojeda

Gabriela Ferrari y Fernando Tabares

Carlos Luis Uzcátegui y María Fernanda León de Uzcátegui

Luis José Coronel y Sandra Pérez

Alan Ponce y Anilec Vita

María Teresa Pérez de Dib y Samir Dib

Emiliana Maduro Malpica

José Rafael Pacheco y Odyly Del Prette

María Gabriela Rodríguez y Manuel Pérez

Rafael Lander y Engracia Villanueva de Lander

Rosalinda Silva y Richard Piñeiro

porta RETRATO

fotos: carlos fouguet [www.carlosfouguet.com] agradecimientos: isaac salama [www.lapaginadepilot.com]

Boda Patiño – Perfetti

Para toda la vida

La novia, Marielisa Perfetti Peña

Los novios, Francisco Patiño Muñoz y Marielisa Perfetti de Patiño 82

Arreglos de Aire Decoraciones y Eventos

El cortejo Joan D’Andrea, Ana Victoria Cortez, Jesús Escalona, Anabella Veloz, José Bernardo Mercado, Erianna Peña, Francisco y Clarissa Perfetti [Foto: Isaac Salama]

Maritza Muñoz de Egas –Madre del novio- y Galo Egas con los novios [Foto: Isaac Salama]

Helena Peña de Perfetti y Salvador Perfetti –Padres de la novia- con los recién casados [Foto: Isaac Salama]

Gonzalo “Chile” Veloz, Elena Veloz de Peña, Noemí Veloz de Prú, Freddy Veloz y Morela Veloz de Pérez

Marysabel Perfetti de Escalona, Lola Perfetti de Parés, Nancy Perfetti de García y Alba Perfetti de Padrín

Gaby Olivo de González, Maria Corina Wolf de Saaghy, Adriana Romero, Natalia Reigosa de Rodríguez y Vanessa Padrín con la novia.

Annalisa Lepore de Peña y Ernesto Hermógenes Peña con los novios.

Elena Veloz de Peña y Augusto Peña López, abuelos de la novia

Carlos Augusto Peña y Jeannette Del Valle de Peña

Clarissa Perfetti y Renato Campanella

Mariana Bencomo de Peña y Gonzalo Peña

Maria Cristina Guzmán de Sabatino y Enrico Sabatino

Gonzalo Veloz, Freddy Veloz y Nancy Blanco de Veloz

Marisa Fanizza de Lepore y Ernesto Octavio Peña

María Eugenia Mecq de De Jongh y Carlos De Jongh

Erianna Peña, Tirso Ramos y Julie Toledo en el Pilot Photobooth [www.lapaginadepilot.com]

Francisco “Panchi” Perfetti y Sofía Márvez en el Pilot Photobooth [www.lapaginadepilot.com]

Los novios en el Pilot Photobooth [www.lapaginadepilot.com]

Emilio Granella, Salvador Perfetti, Richard Trejo y Humberto D’Hers en el Pilot Photobooth [www.lapaginadepilot.com]

Luz Marina Sanz, Verónica Sanz de Mercado, Laura Granella de Manzo, Helena Peña de Perfetti, Mayela Sosa de Trejo y Meñita González de Torres en el Pilot Photobooth

las mil y una NOCHES

fotos: aron osorio [aronosorio@gmail.com]

IV Aniversario Hotel Embassy Suites Valencia

Un lujo en El Viñedo

Hemilsy Leal, Gustavo Fluhman –Gerente General Hotel Embassy Suites Valenciay Linda Mazzei

Francis Ruiz y Carlos González

María Antonieta de Zaitoune y Karim Zaitoune

María Gabriela Bernal, Javier Miranda y Penélope Sánchez 86

Yony Bandres, Ynes León y Jesús Caldera

Marcos Guerrero y Víctor Sánchez

Mercedes Ruiz, Marcos Castillo y Maura Milagros Ruiz

días de GLORIA

fotos: doris díaz

Exposición de Javier León en Galería Espacio 5 Valencia

Dualidades Conviven

Cristian Palmisano y Karen Jurado de Palmisano

El Artista Javier León y Juan Luis Martínez 88

Vista Parcial de “Dualidades Conviven” en Espacio 5

Vanessa Valdés –Gerente Galería Espacio 5y Silvia Degwitz

Marisela Chivico y María Elena Álvarez

días de GLORIA

fotos: doris díaz

Desayuno a beneficio del Ancianato Santa Eduviges en Hotel Hesperia WTC

Damas Brasileras por amor a Valencia

Silvone Maia, Sandra Carvalho de Freire, Bárbara Oliveira y María Mattos

Blanca Chirivella, Isabel Bencomo de Chirivella y María Isabel Chirivella de Cascarano

Claudia Ponce, Morelba Hernández de Bianconi y Belkis Centeno de Fernández

Raiza Matos de Lizarraga y Claudete Abramof

Liris Gubaira de Rodríguez y Erika Degwitz de Jiménez

Mariselba del Valle y Lupe Chokor

Yreni Sacchei de Sacco y Madeleyne Zambrano

Maria Helena Peñaranda de Barreto y Danielli Botelho

las mil y una NOCHES

fotos: carlos fouguet [www.carlosfouguet.com]

Desfile de Giovanni Scutaro a beneficio de Funcamama en Hotel Hesperia WTC

Entre Dos Mundos

Isabella Ramos Cano

El diseñador Giovanni Scutaro celebrando 25 años de carrera

Ana Karina Estopiñan, Humberto Gasparotto y Sofia Luccini de Barón 92

Andrea Díaz

Armando Villasuso, Luisa Rodríguez Tariba y Alexander González

Melisa Rausseo y Gianfranco Berardinelli

Tulio Hidalgo, Carolina Gasia de Hidalgo y Álvaro Guanchez

Ariana Nasi, Juan Nasi y Elia Ávila de Nasi

Malimay Montoya de Feo La Cruz y Alejandro Feo la Cruz, Alcalde de Naguanagua

Maria de Jesús Wilches de De Caires y Erika Nunes de Vieira

Valeria Beretta, Armando Izaguirre y Maria Andrea Izaguirre

Joan Iriarte, Samira Sandino y Marcos Pacheco

Alirio Castillo, Fernando Azuaje y Lisandro Rivero

las mil y una NOCHES

fotos: carlos fouguet [www.carlosfouguet.com]

Lanzamiento Carteras C’est Toi de Daniel Espig en Valencia

La musa francesa

El diseñador Daniel Espig con piezas de la línea Nouvelle Mademoiselle de su colección C’est Toi

Gabriella Ferrari –Miss World Venezuela 2011-, imagen de la campaña

Asiris Solano Rodriguez, Enrique Espig y Sada Pinto de Haces

Lourdes Torrealba de Sánchez y Yanira Briceño de Espig

Maria Lourdes Larrea y Vivian Ascaso de Larrea

Maria Jesus Onandia de García y Josune García

Sofia Lucini de Baron y Luis Baron

Soledad Ferrer de Wolf y Korina Wolf de Saaghy

Miguelángel García y Luis Alberto Silva

Ignacio Alen y Marcos Castillo

Erik De Almeida y Manuel Quintana

Katherine Freytes de De Abreu y Juan Carlos De Abreu

las mil y una NOCHES

fotos: carlos fouguet [www.carlosfouguet.com]

Lanzamiento de Oh La Lá! Swimwear en V Club Valencia

Riviera Francesa

Mariam Rodríguez desfila una pieza Oh La Lá!

Isabela y Alejandra Ramos Cano, diseñadoras de Oh La La! Swimwear

Una modelo desfila una pieza Oh La Lá!

Claudia y Bárbara Roeder

Luis Felipe Betancourt y María Victoria Izaguirre

Karina Linares y María Gabriela Piccioni

Carlos Gustavo Herrera e Isabella Arriaga

Daniela Velásquez y Vincenzo Lucchese

Martina Molinari, Maria Alejandra Baquero de Molinari y Bárbara Mayaudon de Roeder

José Pandares, Andrea Benítez y Eduardo Ramos

la vida es BELLA

foto: cortesía [www.mv.vatican.va]

Michelangelo Buonarroti, reconocido artista del Renacimiento nacido en el poblado de Caprese en marzo de 1475, fue el encargado de ornamentar, bajo órdenes del Papa Julio II entre 1508 y 1512 la bóveda de la Capilla Sixtina, espacio aledaño a la Basílica de San Pedro en el Vaticano. Esta importante obra de arte, reconocida en el mundo entero, ilustra –en su parte central- nueve escenas del Génesis ejecutadas en intensas jornadas de trabajo. El cuadrante más famoso de esta magistral y colorida pieza muestra a un anciano que toca con su dedo a un joven que intenta interactuar con él mientras entre ellos surge una luz que pareciera iluminar toda la obra que celebra el momento en que Dios crea al primer ser vivo sobre la tierra, Adán, a su imagen y semejanza. Presenciamos, viendo hacia arriba, donde siempre nos han dicho que está el cielo, el acto sobrenatural más sorprendente de la historia: la creación del hombre. Michelangelo Buonarroti, además de plasmar este trascendental momento de manera impecable, rinde homenaje al espíritu creador del ser humano, a la magia creativa que nos hace únicos y diferentes, al orígen de nuestra existencia y a la respuesta más contundente a todas nuestras preguntas.