DDN 181

ISSN 1120•9720 - Mensile -TAXE PERCUE (TASSA RISCOSSA). UFFICIO CMP/2 ROSERIO - MILANO. Spedizione in abbonamento postale - 45% - D.L. 353/2003 (conv.in L.27/02/2004 n.46) art.1, comma 1, DCB Milano DISTRIBUZIONE ME.PE

€ 8.00 “Italy only” - F € 14,50 - D € 18,00 - GR € 14,30 P € 15,40 - E € 12,80 - GB GBP. 11,50 - N NKR. 172,00 .S SKR. 170,00 - CH SFR. 23,00 - NL € 19,00.

DESIGN DIFFUSION

NEWS BEIJING DESIGN

SHANGHAI PROJECT

LONDON FESTIVAL PARIS ON SHOW

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NOCTIS/TOLÒ

VITTORIO PRATO E PIERO PRIORI

ddn 181

CONTENTS DDN Design Diffusion News Direttore editoriale/Managing Editor Carlo Ludovico Russo c.russo@designdiffusion.com Direttore responsabile/Editor Rosa Maria Rinaldi r.rinaldi@ddworld.it Progetto grafico e consulenza artistica Graphic layout & art consultant Franco Mirenzi

Editorial Spot Report

Interview Exhibition Cover project Design/Exibition Architecture/City Architecture/Art Architecture/City Design/Car Design/Fashion Design/Reportage

Design/Reportage Project/Reportage Design/Reportage

Exhibition/Products Lab/MADEexpo Selection/MADEexpo

Realizzazione grafica Graphic designer Antonietta Scuotri a.esse@ddworld.it Redazione/Editorial staff Manuela Di Mari manuela.dimari@ddworld.it Production&fashion/lifestyle Laura Galimberti laura.galimberti@ddworld.it Technology&research

5 La centralità del design 12 Le news di DDN 52 54 56 58 60 62 54 66 68 72 78 80 82 86 92 98 104 109 110 116 134 136 156 165 174 176 184 186

Cover

OMBG Minacciolo Cairoli e Donzelli Ligne Roset Clei Infiniti Giuseppe Viganò Salvatore Ferragamo Vittorio Prato e Piero Priori/Noctis Luigi Colani/Ross Lovegrove Alta Milano A project by Fabio Fornasari Un progetto di Italo Rota Concorso di idee per Ferrari Vestire le idee London Design Festival Made in England London Roca Gallery V&A: rivoluzione postmoderna Shanghai: architects and furniture Taiwan: Dolce Stil Novo Design Beijing Parigi: Le projet en libertè Visti a Parigi Dans les Musées Fare e parlare Laboratorio di Architettura Production DESIGN DIFFUSION

NEWS BEIJING DESIGN SHANGHAI PROJECT LONDON FESTIVAL PARIS ON SHOW

Rosa Maria Rinaldi G. Bruno, C. Battistella, M. Weiss, E. Ajelli, A. Callocchia, E. Di Meo, L. Galimberti, P. Molteni, P. Piccioli, S. Audoly Cristina Battistella Cristina Battistella Cristina Battistella Cristina Battistella Cristina Battistella Cristina Battistella Cristina Battistella Francesco Massoni Laura Galimberti Giulia Bruno Michele Weiss Elviro Di Meo Elviro Di Meo Michele Weiss Martina Radice, Clara Alessi Rosa Maria Rinaldi Sonia Audoly Michele Weiss Michele Weiss Manuela Di Mari Manuela Di Mari Luciana Cuomo Luciana Cuomo Laura Galimberti Luciana Cuomo Francesca De Ponti Manuela Di Mari Manuela Di Mari

Tolò bed design by Vittorio Prato manufactured by Noctis photo Silvano Bacciardi/AmatiBacciardi

ISSN 1120•9720 - Mensile -TAXE PERCUE (TASSA RISCOSSA). UFFICIO CMP/2 ROSERIO - MILANO. Spedizione in abbonamento postale - 45% - D.L. 353/2003 (conv.in L.27/02/2004 n.46) art.1, comma 1, DCB Milano DISTRIBUZIONE ME.PE

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Corrispondenti speciali/Special correspondents Traduzione/Translation ITS, Monza Luciana Cuomo Olga Barmine luciana_cuomo@yahoo.it Future strategies&global markets Hanno collaborato a questo numero: Cristina Battistella The following contributed to this issue: cristina.battistella@gmail.com Francesca De Ponti, Giulia Bruno, Elviro Di Monica Pietrasanta Meo, Michele Weiss, Sonia Audoly, Elisa monica@pallavicini.it Ajelli, Arianna Callocchia, Paola Molteni, Report Patrizia Piccioli, Martina Radice, Clara Giulia Bruno Alessi, Alessandro Cavallo, Tommaso giulia.bruno.r@alice.it Sartori, Shen Qiang/Shen Photo, Fredi Ecodesign Marcarini, Alessandro Pedretti, Gilbert Bradley Wheeler McCarragher, Angela Grossi, Architecture and design in the USA Alice Capiaghi, Francesco Massoni

Design Diffusion World srl Redazioni/Editorial Offices Via Lucano 3, 20135 Milano Tel. 02/5516109 Fax 02/5456803 Internet: www.designdiffusion.com www.designdiffusion.tv E-mail: ddn@designdiffusion.com Pubblicità/Advertising DDA Design Diffusion Advertising srl Via Lucano 3, 20135 Milano Tel. 02/5453009 – Fax 02/54.56.803 Ufficio traffico/traffic department Daniela D’Avanzo d.davanzo@ddadvertising.it Contabilità/Accounting Norberto Mellini n.mellini@ddadvertising.it

NOCTIS/TOLÒ

VITTORIO PRATO E PIERO PRIORI

Ufficio abbonamenti Numero Verde 800/318216 Tel. 02/5516109 Fax 02/5456803 Editorial Office, Osaka Intermedia TS Bldg. 3-1-2 Tenma Kita-ku Osaka, Japan Tel. 00816/3571525 Fax 3571529 Mensile/Monthly magazine n.181 novembre/dicembre 2011 Prezzo/Price 8,00 euro Stampa/Printer Color Art Via Industriale 24/26 25050 Rodengo Saiano (BS) Tel. 030/6810155

Fotolito Bitgraph Via Vittorio Veneto 8 20060 Cassina de’ Pecchi (MI), tel. 02/92278515/6/7 Spedizione in abbonamento postale 45% - D.L. 353/2003 (conv.in L.27/02/2004 n.46) art.1, comma 1, DCB Milano Reg. Tribunale Milano n./Milan Court Reg.No. 278 del 7 Aprile 1990 Printed in Italy ISSN 1120•9720

Distribuzione all’estero Sole agent for distribution Abroad A.I.E. - Agenzia Italiana di Esportazione spa - via Manzoni 12, 20089 Rozzano (Mi) tel. 02/5753911- fax 02/57512606 e-mail info@aie-mag.com www.aie-mag.com DISTRIBUZIONE ME.PE Distribuzione in libreria Bookshop distribution Joo Distribuzione via F. Argelati 35, 20143 Milano

È vietata la riproduzione anche parziale All rights reserved Testi, disegni e materiale fotografico non si restituiscono Texts, drawings and photographs will not be returned ddn Prodotto, ddn Report, Showroom e Dall’azienda sono servizi publiredazionali ddn Product, ddn Report, Showroom and Dall’Azienda are all editorial advertising

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EDITORIAL

LA CENTRALITÀ DEL DESIGN FOCUS ON DESIGN

Di fronte alla frammentazione sempre più estesa di un’informazione sempre meno approfondita, si fa viva la necessità di rifocalizzare il tema del progetto, estendendone l’analisi con ricerche puntuali, contestualizzandolo qualora lo si ritrovi in territori non istituzionali, in qualche modo ridefinendone i contorni, che altrimenti rischiamo di diventare sfumati al punto da essere invisibili. Con questo tipo di approccio ci siamo accostati ai contenuti del numero cercando di puntualizzare lo ‘sguardo giornalistico’ dei nostri articoli, evidenziandone graficamente le zone di indagine, ma soprattutto riposizionando la centralità del design rispetto agli argomenti limitrofi. Questi ultimi - auto, moda, arte, grafica, allestimenti - da intendersi indispensabili elementi cerniera per la conoscenza e la comprensione del progetto contemporaneo. In questi termini vanno letti e valutati gli ampi design/reportages che da Londra a Parigi, da Shanghai a Pechino allungano la vista e ne allargano la visione sulle diverse identità progettuali d’Occidente e d’Oriente. Prodotti, progettisti, forum e scambi culturali sono stati analizzati singolarmente per metterne in risalto le competenze progettuali, le qualità creative e le capacità imprenditoriali. Per quanto concerne le ‘zone di confine’, abbiamo dedicato uno spazio particolare ai giovani progettisti: nel mondo dell’auto, meritato riconoscimento va dato al concorso di idee degli studenti per la Ferrari. Nel territorio della moda, spesso appesantito da metodologie convenzionali, arriva una ventata di freschezza e di intelligenza espressiva dalle tesi in fashion design di due promettenti neolaureate.

As information becomes increasingly disjointed and superficial, there is an urgent need to place emphasis on the theme of design, by further investigating it through accurate studies, contextualizing it when it is found in non-institutional areas, somehow redetermining its boundaries, which otherwise run the risk of being so blurred as to become invisible. Hence we have approached the contents of this issue in such a way as to concentrate on the ‘journalistic’ aspect of our articles, graphically highlighting the study areas and, above all, laying stress on the central role of design compared to the related topics, including cars, fashion, art, graphics and mounting projects, which crucially support the knowledge and understanding of contemporary design. This is how the extensive design reports should be read and assessed: from London to Paris, from Shanghai to Beijing, they offer far-reaching views of the different design identities in the Western and Eastern worlds.

Products, designers, forums and cultural exchanges have been individually examined, to lay stress on design skills, creative qualities and entrepreneurship. As far as the ‘border areas’ are concerned, we have directed our attention to young designers: in the car industry, credit is due to the competition of students’ ideas for Ferrari.

In the fashion world, which often has to cope with conventional methods, a wave of freshness and smartness comes from the fashion design theses of two promising newly graduated students.

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NEWS

ILLUSIONE OTTICA Spazio scomposto, spazio infinito, spazio geometrico, spazio disegnato. Il nuovo Camper Store di Londra, aperto a Covent Garden porta la firma del giovane progettista spagnolo, in questo momento cittadino britannico, Tomás Alonso. Un negozio su due piani dove la parola d’ordine è semplicità. “Mi piace raccontare lo spazio con un linguaggio easy, pochi elementi che lo animano, ma grande attenzione ai dettagli e alla manifattura”, spiega Tomás. Questo è il mio primo progetto di interior e ho voluto soffermarmi sulla struttura formale del luogo. Quindi mi sono concentrato sulle sottili linee orizzontali e verticali delle piastrelle di ceramica bianche - reminescenza dell’underground londinese - che giocano con le linee più marcate dei tubi metallici colorati e piegati dettagli per gli arredi e il corrimano - in contrasto con il pieno del legno di quercia del tavolo, del cash desk o delle sedute. Il gioco di illusione ottica e prospettive distorte viene evidenziato anche dalle piasterelle di colori in contrasto che sembrano creare volumi inaspettati che spuntano dalle pareti.

Come disegnati sulla carta millimetrata. Promotore dello slow design, Alonso ha arredato lo store Camper con pezzi completamente realizzati nel suo studio, generati dopo una lunga ricerca e seguito step by step durante la produzione . “Tubi di metallo, assi di legno e latte di colore sono tre materiali che volevo usare”, sorride soddisfatto, “e che mixati Together (in omaggio al nome del progetto Camper) hanno dato un risultato semplice, leggero, allegro, originale e divertente”. Sicuramente ad effetto, sorpresa. www.camper.com Sonia Audoly

OPTICAL ILLUSION Disconnected space, infinite space, geometric space, designed space.

The new Camper Store in London, opened in Covent Garden carries the signature of the young Spanish designer, currently a British citizen, Tomàs Alonso. A two-story retail space in which the key word is simplicity. “I like to describe the space with an easy language, animated by a small number of elements, with great attention to details and to the way it is made” – explains Tomàs – “This is my first interiors project, and I wanted to dwell on the formal structure of the place. Then I concentrated on the thin horizontal and vertical lines of the white ceramic tiles – reminiscences of the London underground – that play against the more distinct lines of the coloured bent metal pipes – details for the decorating or the handrails – in contrast with the fullness of the oak wood of the table, the cash desk or the seating”. The play of optical illusion and distorted perspectives was highlighted by the ceramic tile in contrasting colours that seem to create unexpected volumes that appear from the walls. As if they were drawn on gridded paper. A promoter of slow design Alonso furnished the Camper store with pieces made entirely in his studio, generated after a lengthy research process and followed step by step throughout the production. “Metal tubes, wood boards and coloured tin are three materials I wanted to use” – he smiles with satisfaction – “and that mixed together (in a tribute to the name of the project Camper) led to a result that is simple, light, joyous, original and fun”. Definitely striking, surprising. www.camper.com

VISUAL BOOK Giovani stilisti, graphic designer e art director propongono un catalogo Unconventional per la nuova collezione tessile autunno/inverno di Brianform Imbottiti. Un nuovo Visual Book con una trama, gli attori (i prodotti) e il regista che coordina il lavoro di tutta la squadra. Un percorso visualizza la trasformazione dell’azienda dal punto di vista stilistico e del prodotto. Antonio Sala cura la fotografia e Sara Leone la direzione artistica. www.brianform.it Cristina Battistella Young stylists, graphics designers and art directors have prepared an “Unconventional” catalogue for the new autumn/winter textile collection by Brianform Imbottiti. A new “Visual Book” with a story, actors (the products) and a director who co-ordinates the work of the entire team. The emphasis is on the style and product related transformation process of the company. Under the photographic direction of Antonio Sala and the artistic direction of Sara Leone. www.brianform.it

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NEWS

CREATIVI PER IL GIAPPONE Un centinaio di creativi da tutto il mondo, dalla moda, al design, dall’architettura, all’arte, alla grafica, hanno accettato di aiutare le vittime del disastro giapponese realizzando un disegno o un’immagine fotografica presentati alla mostra Dessine-moi le Japon, che ha avuto luogo alla Cité de la Mode et du Design durante la scorsa Paris Design Week. L’evento è stato curato da Brigitte Fitoussi, che ha definito il Giappone “una fonte di ammirazione e di ispirazione senza fine”, sotto il Patrocinio del Ministero della Cultura e Comunicazione francese. I proventi ricavati dalla vendita delle opere, che si terrà a Parigi durante l’inverno, saranno devoluti in aiuto alla popolazione.

Hanno partecipato, tra gli altri, Giorgio Armani, Andrea Branzi, Vanessa Bruno, Richard Hutten, Peggy Huyn Kinh, Harri Koskinen, Piero Lissoni, Ross Lovegrove, Maison Martin Margiela, Gwenaël Nicolas, Kenzo, Fabio Novembre, Ora Ito, Karim Rashid, William Sawaya, Studio Job, Jean Nouvel, Claudio Colucci. Nelle immagini, tra gli altri, i lavori di Emmanuel Babled , Nathalie Rykiel, William Sawaya, Vanessa Bruno e Ingo Maurer.brigittefitoussi.com Laura Galimberti

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NEWS

CREATIVES FOR JAPAN About a hundred creatives from all over the world, active in a variety of fields, including fashion, design, architecture, art and graphic design, agreed to help the victims of the Japanese disaster, by making drawings or photographic images to be displayed at the exhibition Dessine-moi le Japon, held at the Cité de la Mode et du Design in conjunction with the latest Paris Design Week. The event was curated by Brigitte Fitoussi - who defined Japan as a “source of admiration and endless inspiration” -, under the aegis of the French Ministry of Culture and Communication. The proceeds of the sale of the works, scheduled for winter, in Paris, will be donated to the population.The big names who joined the project included Giorgio Armani, Andrea Branzi, Vanessa Bruno, Richard Hutten, Peggy Huyn Kinh, Harri Koskinen, Piero Lissoni, Ross Lovegrove, Maison Martin Margiela, Gwenaël Nicolas, Kenzo, Fabio Novembre, Ora Ito, Karim Rashid, William Sawaya, Studio Job, Jean Nouvel and Claudio Colucci. Photos: the works by Emmanuel Babled , Nathalie Rykiel, William Sawaya, Vanessa Bruno e Ingo Maurer. brigittefitoussi.com

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NEWS

CLOUD CITIES

IL VASO IN TERRA

L’artista argentino Tomás Saraceno presenta a Berlino le sue ‘biosfere’, opere organiche tridimensionali che galleggiano nello spazio, adornate con piante o semplicemente sospese a reti di corde nere. Tele di ragno, astrofisica e visionari leggendari come Buckminster Fuller hanno ispirato l’installazione Cloud Cities, ospitata dal Museo di Arte Contemporanea-Hamburger Bahnhof, nell’ambito dell’ottava edizione dei Dornbracht Installation Projects. Con questo lavoro, Saraceno mette in mostra la sua visione tridimensionale di un mondo utopico, permettendo al visitatore di sperimentare come sia possibile creare una nuova dimensione cosmica partendo da un sistema composto da singoli moduli. www.dornbracht.com, www.hamburgerbahnhof.de Cristina Battistella In Berlin, the Argentinian artist, Tomás Saraceno, presents his “biospheres”, organic three-dimensional meshworks that hover in the room, sometimes adorned with plants, sometimes just suspended by black nets. Spiderwebs, astrophysics and legendary visionaries, such as Buckminster Fuller, inspired the installation “Cloud Cities”, on display at Hamburger Bahnhof – Museum of Contemporary Art, within the eighth series of the Dornbracht Installation Projects. Tomás Saraceno relies on this work to show his three-dimensional vision of a utopian world, allowing the visitors to test how they can create a new cosmic dimension on the basis of a system made up individual modules. www.dornbracht.com, www.hamburgerbahnhof.de

Realizzati dall’azienda lombarda Total packaging con materiali naturali, di scarto e di recupero, i vasi Vipot sono totalmente biodegradabili e rappresentano una valida alternativa a quelli tradizionali in plastica. Vipot è costituito da lolla di riso, la parte esterna di scarto del chicco, e da un amalgama vegetale che rende solido il prodotto e ne consente il dissolvimento naturale. È leggero, resistente, poroso, se interrato si decompone, se smaltito con i rifiuti organici si trasforma in compost. Ha un ciclo di vita che varia da 1 mese per i vasetti da semina a 5 anni per i vasi decorativi e di mantenimento della pianta. Anche i macchinari che la Total packaging utilizza per la produzione dei vasi Vipot sono meno costosi, più semplici e consumano meno energia di quelli in uso per la formatura della plastica. Design accattivante, forme, colori e dimensioni possono facilmente essere personalizzati per soddisfare le più svariate richieste. www.vipot.it Giulia Bruno

POT INTO EARTH Manufactured by Lombard-based Total Packaging with natural, waste and reclaimed materials, the fully biodegradable Vipot plant pots mean a sound alternative to conventional plastic pots. Vipot is made from rice husk, the outermost layer of the grains of rice, and a vegetable mixture which makes the product solid and allows it to dissolve naturally. It is lightweight, durable, porous; when it is buried it decomposes; when it is disposed of with organic waste, it is transformed into a compost. Its life cycle ranges from 1 month for seed pots to 5 years for decorative and plant maintaining pots. In addition, the machinery used by Total Packaging for the production of the Vipot plant pots is less expensive, simpler and consumes less energy than plastic moulding machines. The pots can boast a captivating design, and their shapes, colours and sizes can be easily tailored to meet the most diverse requirements. www.vipot.it

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NEWS

RE IN FOTO Trentasette designer ritratti in foto così come li hanno i visti giovani talenti dell’Istituto Italiano di Fotografia (IIF): nel progetto Design-RE Work in progress, l’occhio del fotografo innalza al rango di sovrani designer emergenti ed altri più celebri, in una fuga d’immagini quasi a censire il magico mondo del design. Ogni immagine è incoronata dall’eco cornice di cartone di Lorenzo Palmeri per Corvasce. A cura di Lorenzo Palmeri e Giovanni Pelloso, Design-RE, nato in occasione del Salone del Mobile 2011, si mostra presso la DesignLibrary di Milano, per poi girare l’Italia e il mondo, arricchita nel tempo da altri ritratti. Classici bianco e nero, a colori, tecniche all’avanguardia, volti sorridenti, scherzosi, seri o formato tessera si mescolano dialogando in un’inusuale esposizione. www.designlibrary.it ; www.istitutoitalianodifotografia.it Giulia Bruno

KINGS IN PICTURES Thirty-seven designers portrayed in pictures by young talents at IIF (Italian Photography Institute): under the project Design-RE Work in progress, the photographer’s eye raises up-and-coming and well-known designers to the rank of kings, in a series of photographs, as if to assess the magic world of design.

Each picture is crowned with the environmentally friendly cardboard frame designed by Lorenzo Palmeri for Corvasce. Curated by Lorenzo Palmeri and Giovanni Pelloso, Design-RE, launched in conjunction with Salone del Mobile 2011, is on show at DesignLibrary in Milan, and will be touring Italy and the world, being supplemented with some more portraits in time. Classic black & white and colour pictures, state-of-the-art techniques, smiling, laughing and serious faces, and passport-size photographs mix and interact with each other, in a peculiar exhibition. www.designlibrary.it; www.istitutoitalianodifotografia.it

DIALOGHI DI SEGNI

ancora nero di notte e dolore (nell’immagine); il segno fluente, controllato, filo deciso nel Compianto del Cristo morto di Sandro Botticelli affiora prepotente; “l’attimo del disegno” morbido e tagliente del Ritratto di Dama di Piero del Pollaiolo “fissa la propria unicità nella grazia del volto”. Su tutto vola, simbolo di sacralità e metafora di controllo estremo, il colibrì, il più piccolo tra gli uccelli, l’unico che si nutre in volo e sa volare all’indietro. www.museopoldipezzoli.it G.B.

INTERACTING SIGNS

Tre icone rinascimentali del Museo Poldi Pezzoli, storico museo milanese, si sono confrontate con il segno contemporaneo nelle opere che Omar Galliani ha creato appositamente per la mostra ‘Bellini, Botticelli, Pollaiolo. Capolavori s/velati da Omar Galliani’. Nelle sale del museo, il rarefatto allestimento progettato da Mario Botta ha invitato alla contemplazione e alla meditazione su analogie e simbologie, in un confronto diretto, “senza alcuna mediazione” fra i capolavori del passato e il pensiero contemporaneo. Nell’estrema semplificazione espositiva sono stati differenziati solo i supporti delle opere, cavalletti d’artista al centro dello spazio per le tavole classiche e, a ricoprire verticalmente le pareti di fondo, le grandi tavole contemporanee. Il visitatore, dalla sua privilegiata posizione centrale, ascolta e scopre il dialogare dei linguaggi. Se le opere dei tre grandi del Rinascimento raccontano se stessi da secoli, le rivisitazioni di Galliani vivono dell’arte alchemica dell’artista, come afferma nel catalogo edito Edizioni Gabriele Mazzotta, Lorand Hegyi, direttore del Musée d’Art Moderne di Saint-Etienne e curatore della mostra: Galliani prosegue l’opera degli antichi maestri in un’originale continuità, suggestione di libertà totale. Le poesie scritte ad hoc da Roberto Mussapi e Davide Rondoni, pubblicate in catalogo, sottolineano l’emozione del dialogare fra le arti del passato e l’oggi, prima volta per il Poldi Pezzoli. Il disegno dell’ Imago Pietatis di Giovanni Bellini diventa colore, cercando l’azzurro in un cielo

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Three Renaissance icons of the time-honoured Poldi Pezzoli Museum in Milan dealt with the contemporary sign in the works specially made

by Omar Galliani for the exhibition ‘Bellini, Botticelli, Pollaiolo.

Masterpieces revealed by Omar Galliani’. In the halls of the museum, the rarefied mounting project by Mario Botta encouraged contemplation and meditation on similarities and symbols, in a direct, “mediation-free” comparison between the masterpieces of the past and contemporary thought. In the extremely simple display, only the supports for the works were made different – artists’ easels in the middle for classic paintings, and large contemporary paintings vertically covering the background walls –. From their privileged central position, visitors could listen to, and discover, the different languages interacting with each other. While the works by the three great Renaissance painters have been telling about themselves for several centuries, Omar Galliani’s revisitations rely on his alchemic art, as stated in the catalogue published by Edizioni Gabriele Mazzotta,

by Lorand Hegyi, director of the Musée d’Art Moderne in Saint-Etienne and curator of the exhibition: Omar Galliani carried on with the old masters’ work with original continuity, and the fascination of total freedom. The poems written by Roberto Mussapi and Davide Rondoni for the event, published in the catalogue, highlight the emotion of interaction between the arts of the past and today’s, as the first time for the Poldi Pozzoli Museum. The drawing ‘Imago Pietatis’ by Giovanni Bellini turns into colour, looking for blue in a sky which is still dark, because of the night and sorrow (in photo); the smooth, controlled, marked sign in ‘The Lamentation over the Dead Christ’ by Sandro Botticelli is forcefully shown; “the moment of drawing” – soft and sharp – of ‘Portrait of a Lady’ by Pollaiolo “determines its uniqueness in the graceful face”. A hummingbird – the smallest bird, the only one that feeds in the air and can fly backwards – flew over everything, as a symbol of sacredness and a metaphor for the utmost control. www.museopoldipezzoli.it

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NEWS

UN FILO D’ENERGIA Forza fisica, psicologica, spirituale, meccanica, elettrica, sonora, energia rinnovabile, di trasformazione… Arrivano da 43 paesi sparsi in tutto il mondo i 54 minitessili e le 30 installazioni degli artisti selezionati fra i 352 progetti arrivati ad Energheia, la 21° edizione di MiniartextilComo, mostra internazionale dell’arte tessile contemporanea. Tra Como, ex chiesa di San Francesco, spazio Antonio Ratti, Villa del Grumello e Milano, presso la MyOwnGallery, e fino al 20 novembre, la mostra, a cura di Luciano Caramel, illustra la fiber art, dal suo passato remoto con arazzi di artisti tessitori, come quello del polacco Wlodzimierz Cygan, alle interpretazioni di reticoli energetici di forze vettoriali, sinapsi del cervello umano, danze o lotte quotidiane fra computer e scrivanie. Tra le grandi installazioni site specific si incontrano, tra gli altri, i lavori di Alexandr Brodsky, Angelo Filomeno, Marina Abramovic, Chiharu Shiota, nella personale rivisitazione di qualsiasi tipo di filo, metallico, elettrico, di nylon, seta, cotone, di corde naturali o sintetiche, fili comunque come motori di una particolare forma creativa. L’esposizione, che presenta anche due pezzi storici, il ‘Vestito terremoto’ di Joseph Beuys e il ‘Baco da setola’ di Pino Pascali, riserva quest’anno particolare attenzione ad artisti e gallerie giapponesi, con una sezione appositamente dedicata. www.miniartextil.it Giulia Bruno

A THREAD OF ENERGY Physical, psychological, spiritual, mechanical, electric, sound strength, renewable, transformation energy… The 54 minitextiles and 30 installations selected from the 352 projects received by Energheia, the 21st edition of the international contemporary

textile art exhibition, Miniartextil Como, come from 43 countries around the world.

Between Como – former San Francesco Church, Spazio Antonio Ratti and Villa del Grumello – and Milan – MyOwnGallery – until 20 November the exhibition curated by Luciano Caramel illustrates fibre art, from its remote past with tapestries by weaving artists, including that by Polish-born Wlodzimierz Cygan, to the interpretations of energy grids of vector forces, synapses of the human brain, dances or everyday fights between computers and desks. The big site-specific installations

include the works by Alexandr Brodsky, Angelo Filomeno, Marina Abramovic and Chiharu Shiota, in the personal revisitation of metal and electric wires, nylon, silk and cotton threads, natural or synthetic ropes, as driving forces behind a certain creative form. At this year’s exhibition - which also features two time-honoured pieces, ‘Vestito Terremoto’ by Joseph Beuys and ‘Baco da setola’ by Pino Pascali – the emphasis is on Japanese artists and galleries, through a dedicated section. www.miniartextil.it

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BYOGRAFIA Arriva Color & Color, la nuova collezione autunno-inverno, all’insegna del colore petrolio, tortora e muschio. BYografia, la linea di elementi d’arredo d’alta gamma, che reinterpreta la sfera della quotidianità, presenta le protagoniste della stagione, Ho-Sitting, Mit-Sitting e Zetel: sedute presentate al Salone del Mobile 2011 e rivestite con tessuti monocromatici in diverse varianti, dagli evergreen bianco e nero, ai caldi e intensi colori autunnali arancio e testa di moro, fino alle nuance di tendenza. www.byografia.com Cristina Battistella Here is Color & Color, the new autumn/winter collection, based on the colours petroleum green, dove grey and moss green. Byografia, the brand of high-end furnishing complements that reinterpret everyday life, presents the key items of the season, namely Ho-Sitting, Mit-Sitting and Zetel: seats launched at the Salone del Mobile 2011, covered with single-coloured fabrics in several versions, ranging from evergreen black and white to the warm, intense autumn colours, orange and dark brown, and trendy shades. www.byografia.com

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È Dike, l’innovativa scarpa di sicurezza che Sergio Reniero, dirigente esperto del settore, ha ideato per la veneta Orion Group. Dike rappresenta un bel modo per proteggersi dai pericoli delle attività quotidiane: offre tutti i requisiti indispensabili alla scarpa da lavoro racchiusi in un look casual assolutamente trendy. È morbida e comoda, completamente made in Italy e garantisce tempi di consegna da record: sono sufficienti 48 ore per averla, grazie ad organizzazione capillare, produzione centralizzata, sparizione di magazzino di giacenza. Orion Group presenta Dike in quattro linee, diverse per forma e colore ma tutte con fodera adatta a mantenere i piedi asciutti, puntali in alluminio ultraleggero, suolette anti perforazione e inserti anti shock. La si trova presso i rivenditori di materiale elettrico e per l’edilizia, antinfortunistica, utensileria, ferramenta, termoidraulica. www.dikeworkwear.com G.B.

SAFE SHOE The innovative safety shoe, Dike, designed by Sergio Reniero, a manager expert in the footwear industry, for Veneto-based Orion Group, means an excellent way of protecting oneself from the dangers of everyday life: it meets all the requirements for work shoes, while looking absolutely casual and trendy. It is soft and comfortable, made entirely in Italy, and delivered ultraquickly: it just takes 48 hours to get it, as the result of widespread organization, centralized production, and no storage warehouses. Orion Group presents Dike in four lines differing in shape and colour, all with lining designed to keep the feet dry, ultralight aluminium toe caps, penetration-proof insoles and shockproof insets. It is available in shops selling electric and building material, accident prevention equipment, tools, ironmonergy, plumbing and heating products. www.dikeworkwear.com

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QUEL CHE GLI OCCHI NON VEDONO L’INVISIBILE È IL SISTEMA BREVETTATO CHE ELIMINA STIPITI, COPRIFILI E CERNIERE A VISTA, UN SISTEMA PERFETTO NEI MOVIMENTI E NELLE APERTURE, RIVESTIBILE CON QUALSIASI MATERIALE, CHE LASCIA ALLA CREATIVITÀ IL COMPITO DI COMUNICARE CON LO SPAZIO WWW.LINVISIBILE.IT PORTE A TOTALE FILO MURO TEL. +39 0532 800960

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CESAR

A TORINO

COMPETITION 2012 Tecnologia onnipresente e relazioni sociali altamente connesse. Lo stile di vita veloce e impegnativo tipico dei nostri giorni ispira la prestigiosa competizione internazionale BraunPrize 2012.

Giunta alla sua 18° edizione, con il titolo ‘Genius design for a better everyday’ lancia la sfida all’industrial design: premierà prodotti capaci di migliorare i diversi aspetti della vita quotidiana per i consumatori di tutto il mondo. A casa, al lavoro, a scuola, nello sport e nel tempo libero. Le idee più innovative presentate da studenti, professionisti e appassionati saranno valutate anche da Naoto Fukasawa, Jane Fulton Suri e Anne Berger. Le iscrizioni sono aperte a tutti fino al 31 marzo 2012. www.braunprize.com Cristina Battistella Ubiquitous technology and highly connected social structures. Today’s frantic, demanding lifestyle is the source of inspiration for the prestigious international competition, BraunPrize 2012. At its 18th edition, under the title “Genius design for a better everyday”, it poses a challenge to industrial design, embracing the increased relevance of welldesigned products that help improve all aspects of everyday life, for consumers around the world. At home, at work, at school, in sports and in free time. The most innovative ideas developed by design students, professionals and enthusiasts will be judged, for example, by Naoto Fukasawa, Jane Fulton Suri and Anne Berger. Entries for the competition, which is open to everybody, must be submitted by March 31, 2012. www.braunprize.com

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Milano, Parigi e ora Torino. Cesar inaugura un nuovo flagship store nella capitale mondiale del design (2008), per consolidare la sua presenza sul mercato nazionale e internazionale. La scelta della vivace città piemontese è dettata dalla volontà di privilegiare un territorio che punta sul design come fattore di crescita economica, sociale e culturale. La nuova location strategica in termini di visibilità è posizionata in un bel palazzo d’epoca, nel cuore storico di Torino. La zona animata e alla moda assiste alla continua crescita di proposte d’arredo di qualità e all’apertura di showroom di noti marchi. Le cucine esposte saranno quattro, dalle ultime collezioni: le innovative Kalea e Kora, con modularità irregolare e finiture materiche, la raffinata e minimalista Yara e l’elegante ed essenziale Elle, abbinata alla più amata dal pubblico Lucrezia. www.cesar.it C.B.

CESAR IN TURIN Milan, Paris and now Turin as well: Cesar has opened a new flagship store in the World Design Capital (2008), with a view to further penetrating the national and international markets. They have chosen the lively Piedmontese city as the result of a desire to give priority to an area where design is relied on as a factor for economic, social and cultural growth. The new store is strategically located in an old, beautiful building, in the historic heart of the city. The lively, trendy area is witnessing the ongoing growth of first-rate furniture and the opening of showrooms of well-known brands. Four kitchens will be displayed, from the latest collections: groundbreaking Kalea and Kora, which are synonymous with irregular modularity and solid finishes; refined, minimalist Yara; elegant yet simple Elle, matched with the public’s favourite model, Lucrezia. www.cesar.it

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NEW TEXTILE TRENDS La terza edizione di MoOD - Meet only Original Design, l’internazionale fiera dei tessuti, si è svolta dal 13 al 15 settembre a Bruxelles. Tre gli aggettivi che descrivono al meglio quest’ultima edizione: accogliente, compatta e leggibile. È stata posta attenzione sia ai visitatori che agli espositori, creando un ambiente più raccolto e più dinamico. I padiglioni dedicati alla fiera quest’anno sono stati il 7, il 9 e il 10, dove girando tra i numerosi stand vista e tatto sono stati inevitabilmente impegnati a guardare e toccare stoffe provenienti da ogni parte del mondo. Tre erano le principali categorie di prodotto: tessuti per arredamento, per tappezzerie e per tende. Dei 248 espositori presenti in fiera un quarto era rappresentato dai fornitori delle collezioni Trevira CS per il contract. Trevira concentra la manifestazione su tessuti per il settore alberghiero, uffici/edifici pubblici, trasporti e intrattenimento. Di notevole interesse la Innovation Platform, una vera e propria banca creativa dove trovano idee e nuovi trend oltre 10.000 visitatori che si aggirano tra materiali e tessuti high tech. Due gli spazi dedicati quest’anno all’outdoor con numerosi produttori belgi, leader nel settore. Come ogni anno Blue Drop è stato il marchio di qualità per tessuti interni a livello internazionale, unico nel suo genere. La selezione è avvenuta in due fasi: durante la prima la giuria ha selezionato 50 aziende tra le più interessanti in base alla creatività e alle qualità innovative.

Poi, da questa selezione, solo 7 hanno ricevuto il Blue Drop Award che premia i prodotti che si distinguono per particolari tecniche di tessitura, innovative pelli organiche, stampe che simulano in tutto e per tutto la pelle animale o prodotti che sanno unire la cura e il dettaglio dei tessuti per interni con le caratteristiche tecniche dei tessuti outdoor. www.moodbrussels.com Paola Molteni

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The third edition of the International Trade Fair for Producers of Upholstery, Window & Wall Coverings, MoOD - Meet only Original Design, was held in Brussels from September 13 to September 15.

Pleasant, compact and clear are the three adjectives that best describe the latest edition. Stress was laid on both the visitors and the exhibitors, creating a cosy, dynamic ambience. This year the fair was staged in halls 7, 9 and 10; as you walked through the many stands, you inevitably got engaged in looking and touching fabrics from all parts of the world. The event featured three main product categories: upholstery, window and wall coverings. Suppliers of the Trevira CS collections for the contract market accounted for one fourth of the 248 exhibitors. Trevira involved placing emphasis on fabrics for hotels, offices/public buildings, means of transport and entertainment facilities. The Innovation Platform stood out as a real creative bank, where over 10,000 visitors were able to find ideas and new trends, among hi-tech materials and fabrics. This year the Outdoor section accommodated two events, with a number of leading Belgian manufacturers. Blue Drop meant, again, a one-of-a-kind quality label for internationally famed indoor fabrics.Selection occurs in two stages: the jury initially chooses 50 companies which stand out for their creativity and innovative qualities; later only 7 of them receive the “Blue Drop Award”, for their peculiar weaving techniques, innovative organic leather, prints reproducing animal leather or products matching care for details typical of indoor fabrics with the technical hallmarks of outdoor fabrics. www.moodbrussels.com

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WORLD DESIGN CAPITAL HELSINKI 2012 Dopo Torino nel 2008 e Seul nel 2010, Helsinki sarà nel 2012 la World Design Capital, la capitale mondiale del design. La capitale finlandese sarà sotto i riflettori della scena globale ospitando un ricco calendario di eventi, performance, dibattiti e mostre che si svolgeranno per tutto l’anno non solo in Finlandia ma anche in città come Milano, Berlino, Londra, Taipei, Tokyo e New York. Oltre ad Helsinki saranno coinvolte le città di Espoo, Vantaa, Kauniainen e Lahti per realizzare così tutte insieme un distretto del design nella regione meridionale della Finlandia.

Proprio come accade per il design, WDCH 2012 si troverà ovunque: per strada, nei negozi e nelle gallerie, poiché per i finlandesi il design è anche un sentimento, uno stato della mente e un’attitudine. Per dirla in una parola, il design crea la felicità. L’inaugurazione ufficiale avrà luogo la notte del 31 dicembre nella piazza del Senato, durante la quale Helsinki celebrerà con il suo status di città aperta e internazionale non solo il design ma anche la gente. Sempre per la gente verrà inaugurato, nella primavera del 2012, il luogo di incontro per l’intero World Design Capital: un originale padiglione temporaneo in legno costruito nel centro di Helsinki, tra il museo di architettura finlandese e il museo del design, pensato per ospitare workshop, dibattiti, performance di danza, proiezioni cinematografiche, mercatini del design.WDCH 2012 vuole così proporre un concetto di design che va al di là della presentazione dei beni di consumo ma si estende ai servizi e ai sistemi. Il tutto finalizzato a trovare soluzioni mirate per soddisfare i bisogni delle persone attraverso un design innovativo e sostenibile, secondo la prospettiva del fruitore.

“Per fare un esempio - spiega Pekka Timonen, project manager di WDC Helsinki 2012 - lo sviluppo dei servizi pubblici dovrebbe prestare molta più attenzione ai consumatori, alle esperienze degli utenti e alle loro esigenze. Proprio per questo abbiamo bisogno del design e delle sue concezioni. L’auspicio è che l’anno del WDC possa sensibilizzare e stimolare questo genere di attività”. Il tema lanciato dalla capitale finlandese, dunque, è quello di garantire uno sviluppo sostenibile e di istituire una filosofia del design pensato come mezzo per migliorare la qualità della vita grazie alla collaborazione tra fruitori, aziende e istituzioni. “Il nostro obiettivo – aggiunge Timonen - è di realizzare città migliori e per questo stimoleremo le persone attraverso eventi, happening e progetti. Il nostro obiettivo non è quello di essere per 365 giorni uno show di fuochi di artificio per poi alla fine dell’anno dire arrivederci a tutti. Il nostro intento è di aprire un dialogo su quello che possiamo ottenere usando il design con questo obiettivo primario ed esser certi che questi effetti dureranno a lungo. Noi vogliamo progettare per la vita”. Partendo da questo presupposto, World Design Capital intende sensibilizzare i cittadini su come ognuno possegga la capacità di influenzare lo sviluppo del proprio ambiente di vita, dai trasporti pubblici al paesaggio, dal quartiere all’assistenza sanitaria, dai negozi all’architettura. Disegnando una vita migliore, per tutti. www.wdc2012helsinki.fi Arianna Callocchia After Turin in 2008 and Seoul in 2010, Helsinki will be the World Design Capital of the year 2012. The Finnish capital will be in the global spotlight, with a rich programme of events, performances, debates and exhibitions held throughout the year, in Finland as in cities like Milan, Berlin, London, Taipei, Tokyo and New York. As well as Helsinki, the cities of Espoo, Vantaa, Kauniainen and Lahti will also be involved, to accommodate – all together – a design district in Finland’s southern region. Just as is the case with design, WDCH 2012 will be found everywhere: in streets, shops and galleries, because, according to the Finns, design also means a feeling, a state of mind, an attitude; in short, design creates happiness. The official opening will take place in Senate Square, on the night of December 31; Helsinki will be relying on its status as an open, international city to celebrate both design and people. As far as people are concerned, in spring 2012, the meeting place for the entire World Design Capital will also be opened: an original temporary hall made of wood, built in the heart of Helsinki, between the Museum of Finnish Architecture and the Museum of Design, to host workshops, debates, dancing performances, film shows and design street markets. Hence WDCH 2012 is the name for a concept of design beyond the presentation of consumer goods, extended to cover both services and systems, with a view to finding targeted solutions to satisfy people’s requirements through innovative, sustainable design, from users’ point of view. “To give you an example – said Pekka Timonen, project manager of WDC Helsinki 2012 –, public utilities should be primarily focused on consumers, user’s experiences and requirements. This is the reason why we need design and its concepts. Hopefully, the year of the WDC can awaken public opinion to, and encourage, such activities”. Therefore, the theme launched by the

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Finnish capital consists in providing sustainable development solutions and implementing a philosophy of design understood as a medium for enhancing the quality of life through collaboration between users, companies and institutions. “We have a mission to fulfil – said Pekka Timonen – in creating better cities; hence we are going to stimulate people through events, happenings and projects. Our goal is not to be a firework display for 365 days, and say goodbye to everybody at the end of the year. We are going to open up a dialogue on the results we can achieve by using design to pursue this primary objective, and make sure that long-lasting effects will be produced. We want to design for life”. Based on this assumption, World Design Capital is going to make citizens aware that everybody is capable of influencing the development of their living environment, from public transport to the landscape, from neighbourhoods to health care, from shops to architecture, thereby designing a better life, for everybody. www.wdc2012helsinki.fi

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GLI SPECCHI DI SOTTSASS Glas Italia rende omaggio ad uno dei padri del design italiano con la riedizione, in esclusiva per Spazio Pontaccio, di alcuni pezzi disegnati da Ettore Sottsass durante il suo lungo sodalizio con l’azienda. Gli Specchi di Dionisio, inconfondibili nelle loro cornici policrome, le specchiere totem con basamento in granito nero, Shibam 1 con mensola e Shibam 2 con lampadine rosse e bianche, i due mobili specchiera Etrusco e Sybilla, straordinaria sintesi di architettura e design, sono esposti con lo specchio Mandala presso lo Spazio Pontaccio a Milano. Ogni pezzo è identificato da una numerazione progressiva. www.spaziopontaccio.it www.glasitalia.com Giulia Bruno

MIRRORS BY ETTORE SOTTSASS Glas Italia pays homage to one of the fathers of Italian design, with the reedition – specially made for Spazio Pontaccio – of a few pieces designed by Ettore Sottsass during his long relationship with the company. Specchi di Dioniso – The Mirrors of Dionysus, which stand out for their multicoloured frames, the totem mirrors with black granite bases, Shibam 1 with shelf and Shibam 2 with red and white lamps, the two mirror units, Etrusco and Sybilla, a unique blend of architecture and design, are on display – with the Mandala mirror – at Spazio Pontaccio in Milan. Each piece is marked with a progressive number. www.spaziopontaccio.it www.glasitalia.com

STILL LIFES Fiori, frutta, animali e piatti, vasi, oggetti d’uso quotidiano sono stati i protagonisti di molta pittura, anche di ottima qualità, adatta ad arredare le case della borghesia emergente della seconda metà dell’800. ‘La meraviglia della natura morta 1830-1910. Dall’Accademia ai maestri del Divisionismo’, soffermandosi sul particolare genere pittorico nell’area settentrionale italiana, analizza il fenomeno del collezionismo dell’epoca e il suo rapporto con le Accademie e gli Istituti di Belle Arti. La mostra, allestita con garbo delicato presso gli spazi espositivi della Fondazione Cassa di Risparmio di Tortona (Alessandria), indaga un genere artistico rinnovato dal gusto Biedermeier, dal naturalismo fino alla rivoluzione divisionista. “La natura morta diventa soggetto unico del dipinto”, scrive Giovanna Ginex, storica dell’arte e curatrice dell’esposizione, nel suo saggio in catalogo, edito Skira. Il progetto scientifico ha selezionato più di trenta importanti artisti le cui opere, circa sessanta, provengono dalle raccolte di musei, fondazioni, collezioni private. Dai Fiori di Francesco Hayez, venduto dall’artista a Milano nel 1834 al Panettone di Emilio Longoni, l’Appeso di Giuseppe Pelizza da Volpedo, i Malvoni di Giovanni Segantini, gli Ireos di Gaetano Previati e poi Mosè Bianchi, Cesare Tallone, Filippo Carcano, solo per citarne alcuni, la mostra si snoda lungo un percorso di bellezza ritrovata. www.fondazionecrtortona.it G.B. Flowers, fruit, animals and plates, vases and everyday objects were the themes of many paintings – including outstanding ones – suited to furnish the homes of the emergent middle classes in the second half of the 19th century. The exhibition ‘The wonders of still lifes. 1830-1910. From the Academy to the masters of Divisionism emphasizes the peculiar painting movement in the Italian northern area to examine the collecting phenomenon and its relationship with art academies and schools. The show, gracefully hosted by Fondazione Cassa di Risparmio in Tortona (Alessandria), investigates an art genre which was renewed by Biedermeier taste, naturalism and the revolution brought by Divisionism. “Still lifes become the only theme of paintings”, wrote the art historian and curator of the exhibition, Giovanna Ginex, in her essay included in the catalogue, published by Skira. Under the scientific project, over thirty major artists were selected, with approximately sixty works from museums, foundations, and private collections. From ‘Fiori’ by Francesco Hayez, sold by the artist to Milan in 1834, to ‘Panettone’ by Emilio Longoni, ‘Appeso’ by Giuseppe Pelizza da Volpedo, ‘Malvoni’ by Giovanni Segantini, ‘Ireos’ by Gaetano Previati as well as Mosè Bianchi, Cesare Tallone and Filippo Carcano, to name but a few, the exhibition covers a path of rediscovered beauty. www.fondazionecrtortona.it

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OMAGGIO A SIRONI Il FAI – Fondo Ambiente Italiano, in occasione dei centocinquant’anni dell’Unità d’Italia, rende omaggio a Mario Sironi, assertore del primato dell’opera d’arte realizzata su commissione pubblica. La mostra ‘Sironi: la guerra, la VITTORIA, il dramma’, allestita nelle sale di Villa Necchi Campiglio a Milano, a cura di Elena Pontiggia, raccoglie opere, tutte provenienti dalle collezioni Isolabella e Gian Ferrari, di artisti che interpretano il tema della prima guerra mondiale. Protagonista è la Vittoria alata di Mario Sironi, che campeggia fra suoi dipinti e disegni e opere di artisti come Otto Dix, Giacomo Balla, Carlo Carrà. Questa, dipinta da Sironi nel 1935 come cartone per l’affresco “L’Italia fra la scienza e le arti, realizzato per l’Aula Magna dell’Università La Sapienza di Roma, è una Vittoria particolare”, scrive la Pontiggia nel catalogo Corraini Edizioni: “lontano da trionfalismi rappresentativi, l’artista sardo parla piuttosto di tragicità dei conflitti con una ‘estetica innovativa’ più tesa all’avanguardia che alla contemporaneità”. www.fondoambiente.it G.B.

A TRIBUTE TO MARIO SIRONI In conjunction with the 150th anniversary of the unification of Italy, the Italian Environment Fund (Fondo Ambiente Italiano, FAI) pays homage to Mario Sironi, an advocate of the superiority of works of art made to public order. The exhibition, ‘Sironi: la guerra, la VITTORIA, il dramma’ (war, victory, tragedy), staged in the halls of Villa Necchi Campiglio in Milan, curated by Elena Pontiggia, features works – all borrowed from the Isolabella and Gian Ferrari collections – by artists involved in interpreting the theme of the First World War. The emphasis is on Mario Sironi’s winged Victory, which stands out among his paintings and drawings, and works by such artists as Otto Dix, Giacomo Balla and Carlo Carrà. This one, painted by Mario Sironi in 1935, as a cartoon for the fresco ‘L’Italia fra la scienza e le arti’ (Italy between science and arts), painted for the Great Hall of Università La Sapienza in Rome, is a peculiar Victory, as written by Elena Pontiggia in the catalogue published by Corraini: far from representative triumphalism, the Sardinian artist would rather concentrate on tragic wars with an ‘innovative aesthetic approach’, focused on the avant-garde rather than on contemporaneity. www.fondoambiente.it

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YAMAMOTO + ADIDAS A dieci anni dai primi fortunati modelli, Adidas e Yohji Yamamoto celebrano il sodalizio con una nuova collezione ricca di fantasia e novità. Secondo Yohji Yamamoto, guru giapponese della moda, l’unica vera forma di libertà concessa al cittadino della globalizzazione è di scegliere come vestirsi, ovviamente “contaminando” e mischiando le carte, ma, attenzione, qui il gioco si fa subito duro, ed è facilissimo sconfinare nel pout-pourri.

Un po’ poco (o viceversa, troppo?), direte voi. Sarà, ma intanto, fedele alla linea, in questi anni il fashion designer nipponico ha applicato questa filosofia sui generis in svariati modi e altrettante forme. Tra queste, una delle più fortunate è stata sicuramente la collaborazione con i grandi brand del settore che, a volte titubando un po’ da principio, alla fine gli hanno concesso di estrarre dal cilindro magico modelli e collezioni che non hanno mancato di suscitare scalpore: correva l’anno 2001 e l’Adidas si apriva al ciclone Yamamoto cambiando per sempre la propria immagine. Bene, a distanza di dieci anni, il marchio tedesco torna sul luogo del delitto e commissiona al designer una nuovissima collezione celebrativa di questa fortunata liaison creativa-commerciale. Presentata durante la settimana della moda di Parigi A/I 2012, questa nuova impresa ha come oggetto innanzitutto le scarpe e nasce con l’obiettivo di fare un salto nel futuro, di sfociare in una nuova classe concettuale di oggetti, rendendo l’abbigliamento sportivo by Adidas ancora più chic ed elegante. La collezione Footwear si basa quindi su combinazioni in rosso-nero-bianco, spaziando da uno stile più classico a un altro più tecnico, hi top, ed è limitata a 300 pezzi per articolo, disponibili nei negozi Yamamoto e Y-3 di tutto il mondo. www.adidas.com Michele Weiss Ten years after the launch of the first successful models, Adidas and Yohji Yamamoto celebrate their relationship with a new, innovative, imaginative collection. According to the Japanese fashion guru, Yohji Yamamoto, the only freedom the citizens of the globalized world have is to choose how to dress, “contaminating” and mixing, of course. Yet the going gets tough immediately, and you easily cross over into pout-pourri. Not enough (or too much?), you will say. Nevertheless, faithful to this line, over the last few years the Japanese fashion designer has implemented his peculiar philosophy in a variety of ways and forms, including one of the undoubtedly most successful, namely cooperation with leading brands, which may have sometimes hesitated initially, but have eventually allowed him to create models and collections which have caused a sensation: it was the year 2001 when Adidas opened up to “tornado” Yamamoto, thereby changing its own image forever. Ten years later, the German brand was back on the “site of the crime”, to commission the designer to make a brandnew collection celebrating this successful creative/commercial relationship. Launched in conjunction with the autumn/winter 2012 fashion week in Paris, the new project is focused on shoes, and is meant to jump into the future, translate into a new conceptual class of objects, making the sportswear by Adidas look even more chic and elegant. Hence the Footwear collection relies on red/black/white combinations, ranging from a more classic style to a more technical, hi-top one, and comprises no more than 300 pieces per item, available worldwide in the Yamamoto and Y-3 stores. www.adidas.com

PIERANTONIO BONACINA/IN&OUT Sempre più belli i prodotti di Pierantonio Bonacina, pensati per esterni ma, considerato il design e le finiture accurate, ideali anche per l’interno. Le novità, presentate a Maison&Objet di Parigi lo scorso settembre, sono tutte firmate da Piero Lissoni. Tra queste, c’è il divano Stave, a 2 o 3 posti, con o senza cuscini di schienale e con struttura a doghe di legno massello di acero. Pumpkin, invece, è un sistema modulare di sedute e tavolini con struttura in tubolare di alluminio intrecciata con cinghie in 100% polipropilene trattato UV (in foto). Stesso intreccio e struttura, ma diversa la forma, per Stripes, poltrone e divani con due profondità e due schienali. Infine, Maine è una serie di tavolini con struttura in legno massello di larice e piano in gres porcellanato, e Pallet Sun un lettino prendisole sempre in massello di larice, con o senza ruote. www.pierantoniobonacina.it Laura Galimberti Pierantonio Bonacina’s products look increasingly attractive. Designed for outdoor use, they are also ideal for interiors, because of their accurate designs and finishes. The new items, launched at Maison & Objet in Paris in September, all designed by Piero Lissoni, include the two- or three-seater sofa, Stave, available with or without backrest cushions, and with a solid maple slatted frame. Whereas the modular system of seats and coffee tables, Pumpkin, is fitted with tubular aluminium frames woven with straps made of 100% UVtreated polypropylene (in photo). The Stripes armchairs and sofas share the same weaves and frames, while differing in shape; they are available in two depths and with two backrests. Finally, Maine is a range of coffee tables with solid wood frames and porcelain stoneware tops, and Pallet Sun is a chaise longue with a solid larch frame, available with or without castors. www.pierantoniobonacina.it

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TECNOLOGIA MULTICOLOR Tra le novità 2011, Gaber punta su prodotti di noti designer, Claire e Joe di Stefano Sandonà, e Together, ideata da Marc Sadler. Una nuova seduta multicolor, dai forti contenuti tecno-estetici, Claire (in foto) ha ricevuto la Menzione d’onore al Premio Red Dot 2011 grazie ad un innovativo sistema che ne permette la produzione esacromatica. Colori brillanti e pastello, gradazioni cromatiche del grigio, del verde, del marrone esprimono i colori della natura. È realizzata integralmente in tecnopolimero, con telaio a quattro gambe in metallo verniciato o cromato. Lo sgabello Joe cura i dettagli e utilizza materiali nobili, come l’acciaio e il legno, capaci di raggiungere la loro massima espressione grazie al design minimalista che ne esalta il pregio e la funzione. È prodotto su base in metallo fissa o regolabile con sedile in essenza faggio o wengé. La sedia-tavolo Together accosta un binomio esteticamente insolito perché vero tour de force tecnico, legno e termoplastico stampato ad iniezione. Opposti che si attraggono: il classico massello, naturale e caldo, sposa il tecnopolimero lucido e trasparente, portavoce della modernità. www.gaber.it Cristina Battistella

MULTICOLOURED TECHNOLOGY Gaber’s new products for 2011 include Claire and Joe by Stefano Sandonà and Together by Marc Sadler.

A new multicoloured seat with a major technical and aesthetic impact, Claire (in photo) was given an Honourable Mention at the Red Dot Award 2011, for its innovative system, which makes six-colour production possible. Bright and pastel colours, shades of grey, green and brown, represent the colours of nature. It is made entirely of technopolymer, with a lacquered or chromed metal four-leg frame. The Joe stool, which is synonymous with the greatest care for details, is made of fine materials, including steel and wood, which are made the most of by the minimalist design that enhances their quality and function. It is fitted with a fixed or adjustable metal base and a beech or wenge seat. The Together chair/table is based on an aesthetically peculiar combination, a real technical ‘tour de force’, wood and injection moulded thermoplastics. Opposites that attract each other: classic, natural, warm solid wood harmonizes with glossy, transparent technopolymer which epitomizes modernity. www.gaber.it

GENUINE FOOTBALL FAN Indesit lancia football.indesit.com, una nuova piattaforma digitale multilingue per dialogare con i veri tifosi di calcio d’Europa. Si potranno condividere esperienze calcistiche e opinioni in inglese, italiano, russo, francese, anche su Facebook e Twitter. Il noto marchio, sponsor di Arsenal, Milan, Paris Saint Germain e Shakhtar, vuole fornire nuovi contenuti esclusivi per animare le conversazioni e ascoltare i commenti di tutti gli appassionati di calcio. www.indesit.com C.B. Indesit presents football.indesit.com, a new digital multilanguage platform designed to allow you to communicate with real European football fans. You will be able to share football experiences and exchange opinions in English, Italian, Russian and French, also on Facebook and Twitter. The well-known brand, which sponsors Arsenal, Milan, Paris Saint Germain and Shakhtar, is going to provide new exclusive contents to enliven conversations and listen to football fans’ comments. www.indesit.com

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AUSTROFLAMM Caminetti e stufe con elevati rendimenti, bassi consumi e alta ecosostenibilità che lasciano al fuoco il ruolo di protagonista assoluto. Austroflamm lancia importanti innovazioni tecniche sui monoblocchi di nuova generazione, ai quali è richiesta un’estetica sempre più evoluta e uno standard molto elevato in termini di tecnologia di combustione. Sarà possibile il posizionamento e l’installazione di modelli anche più grandi con canne fumarie più efficienti a diametro ridotto. www. www.austroflamm.com; www.montexport.it C.B. High-performance, low-consumption and eco-sustainable fireplaces and stoves which allow fire to be the number one player. Austroflamm presents major technical innovations concerning new-generation monoblocks, which are expected to increasingly stand out as aesthetically appealing and boast a high combustion technology standard. Bigger models can also be installed with more efficient flues in smaller diameters. www.austroflamm.com; www.montexport.it

* Poesia Urbana.

preview, Cinna © C. Fillioux. Opinion Ciatti © Ezio Manciucca. Tacchini Italia © Andrea Ferrari. Organizzato da SAFI, filiale degli Ateliers d’Art de France e da Reed Expositions France. SAFI organisation, a subsidiary of Ateliers d’Art de France and Reed Expositions France. Tel. +33 (0)1 76 21 18 39. maison-objet@badgeonline.net

Urban poetry *

20-24 Gennaio / Jan. 2012 Paris Nord Villepinte, Pad. / hall 8 www.nowdesignavivre.com

Salone internazionale del design per la casa

Salone riservato agli operatori

International home design exhibition Trade only

Visitatori / Visitors: Saloni Internazionali Francesi Tel. +39 02 43 43 531 info@salonifrancesi.it

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HE – ARTS Alessandro Gedda ha portato a San Pietroburgo trenta cuori, dipinti, destrutturati, incatenati, di legno, rame, luce…

Frutto del progetto Art Around The World, He-Arts, esposizione personale dell’artista, ha già interessato la Triennale di Milano, Miami, la Vogue night milanese. Il viaggio creativo di Gedda continua con questo nuovo capitolo presso il prestigioso Museo dell’Accademia Russa di Belle Arti, proseguendo nell’ininterrotta ricerca sulla materia che cattura e rimanda le emozioni del mondo. www.alessandrogedda.it Giulia Bruno Alessandro Gedda took thirty hearts, painted, destructured, chained, made of wood, copper, light… to Saint Petersburg. The fruit of the Art Around The World project, He-Arts, a solo exhibition of the artist, has already been staged in Milan (Triennale and Vogue Night) and Miami. Alessandro Gedda’s creative journey continues with this new chapter at the prestigious Museum of the Russian Academy of Fine Arts, the artist being committed to ongoing research on materials which capture and release the world’s emotions. www.alessandrogedda.it

COFFEE PROJECT

Che sia per la pausa o per la prima colazione, Bialetti, famosa dal 1933 per le macchine da caffè, presenta Mokona One e Mini Express, dalle linee arrotondate e dimensioni ridotte. Quattro tipi diversi di miscele, Venezia, Milano, Roma e Napoli, nei 7 grammi di ogni dose, perfetta quantità per ogni buona tazzina, ripropongono il sapore preferito nelle quattro città italiane. Si possono trovare in confezioni di design da 16 capsule anche nei supermercati più forniti. Mokona One e Mini Express sono accompagnate da Bialetti Gift, nuova serie di accessori, tutti firmati dall’Omino coi baffi. www.bialettiindustrie.it G.B. The established manufacturer of coffee machines since 1933, Bialetti, presents Mokona One and Mini Express, in rounded shapes and compact sizes, for breaks as for breakfast. Four different types of blends –Venezia, Milano, Roma and Napoli, in the 7 grams of each dose, a perfect amount for every good cup of coffee – mean the favourite flavours in the four Italian cities.

They are available in designer packs with 16 capsules, in wellstocked supermarkets as elsewhere. Mokona One and Mini Express can be supplied with the new set of accessories, Bialetti Gift, all by the “Little man with a moustache”. www.bialettiindustrie.it

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LA BATTAGLIA DEI COMPUTER Già presente al Padiglione d’Arte Contemporanea di Milano in Russkoe bednoe-Materia prima, Sergey Shekhovtsov torna in Italia con un nuovo progetto. Alla galleria Nina Lumer di Milano è stata presentata Scena di battaglia, personale in cui l’artista russo ha messo in scena un conflitto all’ultimo sangue fra i comuni mezzi tecnologici d’uso quotidiano, che si contendono la supremazia per la conquista della nostra vita interiore. Avvezzo a materiali sintetici molto leggeri con cui creare illusioni paradossali, Shekhovtsov ha sperimentato qui per la prima volta il polistirolo: antenne, telefoni, schermi e tastiere di computer lievi e surreali combattono una battaglia allucinata per una posta in gioco molto alta, l’espressività verbale, emotiva, gestuale umana. Nato a Salsk nel 1969, Shekovtsov ha studiato, vive e lavora a Mosca. Scultore ormai affermato, presente alla 53° Biennale di Venezia nel 2009, è protagonista di una grande retrospettiva al Museum for Contemporary Art di Perm, Russia. www.ninalumer.it G.B.

BATTLE SCENE Sergei Shekhovtsov, whose work had already been displayed at the Pavilion of Contemporary Art in Milan, within the exhibition ‘Russkoe Bednoe – Raw Materials’, was back in Italy with a new project. The Nina Lumer gallery in Milan hosted the solo exhibition, ‘Scena di battaglia’ (Battle Scene), where the Russian artist staged a deadly combat among everyday technological media, competing for supremacy over our inner lives.

Sergei Shekhovtsov, who relies on lightweight synthetic materials to create paradoxical illusions, tested polystyrene for the first time there: aerials, telephones, screens and computer keyboards – gentle and surreal – fighting a hallucinated battle for high stakes, human verbal, emotional, gestural expressiveness. Born in Salsk in 1969, Sergei Shekhovtsov studied, lives and works in Moscow. An established sculptor, he took part in the 53rd International Art Exhibition, La Biennale di Venezia, in 2009; in addition, his work stands out in a major retrospective at the Museum for Contemporary Art in Perm, Russia. www.ninalumer.it

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Maggiori prospettive per il settore: Ideas Crossing 4PTUFOJCJMJUË OFMM JOUFSJPS EFTJHO /VPWJ GBTIJPO MBCFMT * UFNJ EFM GVUVSP 5SFOE E BWBOHVBSEJB 'PSOJUPSJ EB UVUUP JM NPOEP 5VUUP RVFTUP B )FJNUFYUJM MB mFSB MFBEFS JOUFSOB[JPOBMF EFMM JOUFSJPS EFTJHO UFTTJMF B 'SBODPGPSUF 1FS NBHHJPSJ JOGPSNB[JPOJ www.heimtextil.messefrankfurt.com JOGP!JUBMZ NFTTFGSBOLGVSU DPN 5FM

NEWS

INTO THE SHOWROOM Lo Studio AstoriDePontiAssociati, in occasione del MADE Expo, ha presentato l’installazione Mono L, primo appuntamento di una serie di iniziative Working Progress, per promuovere la cultura del progetto. Protagonista lo showroom milanese di Laminam: un parallelepipedo nero sorge dalla sabbiosa materia prima, rappresentando in modo ardito e visionario genesi non solo antropologiche e suggerendo punti di vista differenti. Working Progress coinvolgerà architetti, progettisti, stampa, studenti in un fitto calendario di installazioni temporanee che trasformeranno lo showroom Laminam in spazio aperto per riflessioni, aggiornamenti, laboratori di ricerca. www.laminam.it Giulia Bruno In conjunction with MADE Expo, the AstoriDePontiAssociati studio presented the Mono L installation, the first of several Working Progress projects, with a view to promoting design culture. The emphasis was on the Laminam showroom in Milan, a black parallelepiped rising from the sandy raw material, boldly and visionarily representing anthropological and other origins and suggesting different points of view. Working Progress will involve architects, designers, journalists and students in a calendar crammed with temporary installations which are going to transform the Laminam showroom into an open-plan area for meditations, updates and research workshops. www.laminam.it

OBJECTS STORY Ugo La Pietra, che da tempo si occupa dello sviluppo culturale e della diffusione di tutto ciò che riguarda le Arti Applicate, ha partecipato a ‘Genius Loci: opere d’arte e oggettistica in Ceramica di Caltagirone e Pietra Leccese’, con cui il nuovo spazio della Galleria Fatto ad Arte ha inaugurato la stagione espositiva.

Teste – vaso realizzate da Nicolò Morales, vasetti Amore Mediterraneo eseguiti da Giovanni D’Angelo e il tavolo Mediterraneo, tutti in ceramica di Caltagirone su progetti di Ugo La Pietra, si sono alternati agli oggetti in Pietra Leccese accompagnati da una selezione dalla Collezione della memoria, disegnati da Andrea Branzi e Ugo La Pietra per un progetto di merchandising museale negli anni ’90 e messi a disposizione dall’Ecomuseo del comune di Cursi, in provincia di Lecce. L’identità del Salento emerge in chiave contemporanea negli oggetti artistici realizzati nella chiara pietra pugliese, materiale usato in quei luoghi fin dall’antichità. La ceramica della siciliana Caltagirone si veste di sottile ironia nei vasi antropomorfi di Le Professioni e Le Quattro Stagioni, in cui La Pietra rivisita la cultura popolare reinterpretandone le tradizioni.. La Galleria Fatto ad Arte decide con questa esposizione di proseguire il progetto di merchandising per portare a conoscenza di un pubblico sempre più vasto il genius loci delle località italiane. www.fattoadarte.com Giulia Bruno Ugo La Pietra, who has long been involved with the cultural development and propagation of everything that is connected with Applied Arts, took part in ‘Genius Loci: artworks and objects in Caltagirone ceramic and Lecce stone’, with which the new Fatto ad Arte space opened the exhibition season. Heads/vases by Nicolò Morales, Amore Mediterraneo pots by Giovanni D’Angelo and the Mediterraneo table, all made of Caltagirone ceramic and designed by Ugo La Pietra, alternated with objects made of Lecce stone, accompanied by a selection from the Collection of Memory, designed by Andrea Branzi and Ugo La Pietra for a museum merchandising project in the 1990s and made available by the EcoMuseum of the Municipality of Cursi, in the province of Lecce. Salento’s identity was shown from a contemporary point of view in the art objects made in light Apulian stone, a material which has been used in those places since ancient times. Sicilian ceramic from Caltagirone relied on subtle irony in the anthropomorphic vases Le Professioni (professions) and Le Quattro Stagioni (4 seasons), where Ugo La Pietra reassessed folk culture, reinterpreting its traditions.

The Fatto ad Arte gallery relies on this exhibition to carry on with the merchandising project and make the genius loci of Italian places known to an increasingly large public. www.fattoadarte.com

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NEWS

IL COLORE È SERVITO Un nuovo modo di apparecchiare la tavola: ColourWare. Un progetto di accessori firmato a quattro mani dall’industrial designer Sebastian Bergne e dalla colour artist Sophie Smallhorn, entrambi interessati ad unire due discipline: arte e design. 100% british Sophie e Sebastian si incontrano e scoprono di avere in comune una particolare passione per colori e materiali, così iniziano a lavorare insieme per sviluppare una scultorea collezione di tableware che gioca con l’estetica del colore, ma anche con la tattilità e gli effetti cromatici dei diversi materiali. “Il punto di partenza non è infatti stata la semplice forma - spiega frizzante Bergne - ma il dna colorato del materiale scelto”. Quindi legno, metallo, bronzo, Corian, marmo e feltro - che diventa come una sottile e soffice ombra colorate tra il piatto e il tavolo - vengono trasformati in piatti, ciotole, tovagliette e contenitori dalle linee semplici e geometriche dove la tinta, il touch e la finitura sono dettati dalla natura stessa della materia prima. “In questo modo abbiamo creato un set da comporre e scomporre - interviene Sophie - un mix di piatti di diversi spessori che invita al gioco, libera la fantasia e regala un nuovo volto alla classica apparecchiatura”. E quando non sono usati, i pezzi si possono impilare per creare un totem scultura. Un cilindro perfetto disegnato dai diversi piatti dalla forma molto definita: un semplice cerchio. Un progetto personalizzato e personalizzabile, interattivo, da toccare, venduto esclusivamente su richiesta. www.sebastianbergne.com Sonia Audoly

COLOUR IS SERVED A new way of setting the table: ColourWare. A project for accessories designed together by industrial designer Sebastian Bergne and by colour artist Sophie Smallhorn, both interested in combining two disciplines: art and design.

100% British Sophie and Sebastian met and discovered that they shared a particular passion for colours and materials, so they began to work together to develop a sculptural collection of tableward that plays with the aesthetics of colour, but also with tactile and chromatic effects of the various materials.

“The starting point was not in fact just simple form” – explains Bergne excitedly – “but the coloured DNA of the chosen material”. Wood, metal, bronze, Corian, marble and felt – which become like a soft thin coloured shadow between the plate and the table – are transformed into plates, bowls, placemats and containers with simple and geometric lines, where the touch and the finish are dictated by the nature of the raw material.” “This way we have created a set that can be put together and taken apart” – intervenes Sophie – “a mix of plates that vary in thickness and invite you to play, free the imagination and give a new look to classic table settings”. And when they are not being used, the pieces can be stacked to create a totem sculpture. A perfect cylinder drawn by various plates with a very specific form: a simple circle. A customized and customizable project, interactive, attractive to the touch, sold exclusively upon request. www.sebastianbergne.com

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NEWS DESIGN ROMA

Scoprire il design a Roma? Ora si può con la prima edizione della nuova collana Guide di Livingroome, Temporary RomaDesignShow, edita e curata da SignDesign. Un guida tascabile che illustra in 320 pagine le migliori proposte di design da vedere, vivere e acquistare nella capitale eterna. Una vera esperienza made in design che spazia dalla scoperta di musei, hotel, ristoranti, bookshop, concept store, showroom fino agli spazi di incontro e lavoro. La guida, divisa in quattro ‘aree’ della città individuate da quattro mappe, racconta ogni luogo con un testo essenziale e una ricca galleria di foto. Per l’edizione 2012 la guida sarà sfogliabile on line sul sito www.guide.livingroome.it e sarà in arrivo anche un’App dedicata per iPhone e iPad che permetterà di personalizzare ed avere sempre a portata di mano il proprio percorso di design a Roma.

Arianna Callocchia How about discovering design in Rome? Now you can, with the first edition of the new series, Guide di Livingroome, Temporary RomaDesignShow, published and edited by SignDesign. This 320-page pocket guide illustrates the best designs to view, enjoy and purchase in the Eternal Capital. A real ‘made in design’ experience, it ranges from museums, hotels, restaurants, bookshops, concept stores and showrooms to meeting and working places.

The guide, divided into four ‘areas’ of the city, each associated with a map – tells about every place, on the basis of short texts and a rich picture gallery. The 2012 edition can be leafed through online, on the site www.guide.livingroome.it, and an iPhone and iPad App will also be available, so that you can customize, and gain immediate access, to your design route in Rome.

ARCHITECTURE REFLECTIONS Una New York inedita appare nelle fotografie di Monica Castiglioni, che ha ripreso, riflessi nelle pozzanghere, vigorosi palazzi, vecchie aziende, automobili e tombini lungo l’intrico di vicoli e le strade desolate del quartiere Tribeca. ‘New York-A Glimpse in the Puddle’, con oltre 40 scatti selezionatissimi e assolutamente non ritoccati, ha rappresentato, presso la Galleria Francesco Zanuso di Milano, l’esordio nel mondo della fotografia di una designer già famosa come creatrice di gioielli apprezzati in tutto il mondo (A Glimpse in the Puddle, edizioni Charta). Fedele al motto del padre Achille, “bellezza è semplicità”, Monica Castiglioni, nel suo viaggio virtuale tra passato, presente e futuro, rende omaggio all’immagine dell’architettura newyorkese in continua trasformazione e attraverso la precarietà del riflesso nell’effimera pozzanghera ci ricorda che ciò che si perde è irrecuperabile. “Frammenti di New York prendono forma e svaniscono”, scrive Francesca Alfano Miglietti, curatrice della mostra, “le architetture fotografate da Monica Castiglioni sono concepite come puntini di sospensione… labili come una nuvola” www.monicacastiglioni.com Giulia Bruno An unprecedented New York is shown in the photographs by Monica Castiglioni, who shot – reflected in puddles – vigorous buildings, old companies, cars and manholes along the maze of alleys and the desolate streets of the TriBeCa neighbourhood. ‘New York-A Glimpse in the Puddle’, with over 40 accurately selected, unretouched photos, marked the debut of a designer – who has already made a name for herself as a creator of internationally appreciated jewels, in the photography world – at Galleria Francesco Zanuso in Milan (A Glimpse in the Puddle, published by Charta). Faithful to the motto of her father, Achille, “beauty lies in simplicity”, in her virtual journey between past, present and future, Monica Castiglioni pays homage to the image of New York’s ever-changing architecture, and, through temporary reflections in ephemeral puddles, she reminds us that what is lost cannot be recovered. “Fragments of New York take shape and disappear”, wrote Francesca Alfano Miglietti, curator of the exhibition, “the architecture photographed by Monica Castiglioni is thought of as pause dots… as fleeting as a cloud”. www.monicacastiglioni.com C

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21-25 novembre 2011

Mebel

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26-29 novembre 2011

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Rimini

3 novembre - 4 dicembre 2011

Design Miami

Miami

11-14 dicembre 2011

Heimtextil

16-22 gennaio 2012

Imm

20-24 gennaio 2012

Maison&Objet

26-29 gennaio 2012

Macef

Francoforte Colonia Parigi Milano

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CASERMA SOSTENIBILE Assegnato il Premio Internazionale Ischia di Architettura PIDA 2011 per la progettazione della prima caserma dei carabinieri sostenibile in Italia, attualmente composta solo della struttura portante.

A Forio d’Ischia verrà realizzata la prima caserma dei carabinieri italiana progettata secondo i criteri di ecologia e sostenibilità, declinando in questo primato risparmio energetico, rispetto dell’ambiente e ricerca di nuove conformazioni architettoniche. Il premio di 10.000 euro è stato assegnato al termine di un workshop di progettazione internazionale dal titolo Da Eco-mostro a Eco-progetto, aperto a tre gruppi di architetti e organizzato dall’Associazione PIDA, diretto da Mario Cucinella, già docente dell’Università di Ferrara. Il concorso verteva sulla realizzazione di una nuova architettura o il recupero, la riqualificazione, l’ampliamento di edifici esistenti purché “in esplicito ed autonomo dialogo con la contemporaneità”. La giuria, presieduta da Mario Cucinella e composta da Paola Bovier, rappresentante della Sovrintendenza di Napoli, Filippo Cannata, light designer, Gennaro Polichetti, presidente dell’Ordine degli Architetti di Napoli e da un rappresentante dell’Arma dei Carabinieri, ha premiato il progetto dal titolo Doppio Gioco poiché “propone un’attenta integrazione nel paesaggio e una forte immagine simbolica che recupera in maniera nascosta l’esistente”. Il team vincitore è coordinato da Francesco Rispoli, ingegnere, e da Mattia Leone, architetto, formato dai colleghi Adriano Calicchio, Immacolata di Francesco, Patrizia Iualè e Lucia Secondo. Per la caserma futura, il progetto ha tenuto conto dei fattori climatici, soprattutto del soleggiamento, e delle condizioni termo igrometriche. Per l’integrazione con il paesaggio il team vincitore ha esaminato materiali e tipologie costruttive del luogo, a cominciare dall’estetica dei muri a secco della tradizione contadina, fino alle case a patio, le scale esterne e le terrazze che guadagnano l’orizzonte e la molteplicità dei panorami ischitani, sospesi tra il mare e il monte Epomeo. Il rispetto dell’ambiente e della tradizione culturale ischitana ha quindi preso forma nel nuovo edificio contraddistinto da una struttura che richiama ed utilizza alcuni materiali tipici dell’isola, principalmente il tufo verde, la cui massa viene integrata nel paesaggio e snellita da feritoie che ne svelano l’interno. La nuova realizzazione prevede una fortezza che avvolge la struttura preesistente e concentra l’attività nel nucleo centrale, contraddistinto dal patio, caratterizzato da un doppio moto per la ventilazione. Giovannangelo De Angelis, presidente dell’associazione PIDA, auspica che la prima pietra del nuovo edificio venga posta verso la fine del 2012, formalità burocratiche permettendo. Si augura anche che si inverta la tendenza al degrado ambientale e all’impoverimento culturale degli ultimi decenni, attraverso “una rivoluzione culturale che parta da ambiente naturale e ambiente costruito e porti a una trasformazione del territorio che abbia nei suoi principi la bellezza della natura, la bellezza dell’arte e la bellezza della tecnica, favorendo la crescita culturale e civile del cittadino”. L’internazionalità del premio PIDA ogni anno è rappresentata dalla cooperazione con un paese differente. L’edizione 2011 ha previsto la sinergia con gli Emirati Arabi Uniti dove a fine ottobre in occasione di Index, fiera dell’interior design, ha raccontato il progetto della prima caserma dei carabinieri sostenibile in Italia. www.pida.it Elisa Ajelli

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SUSTAINABLE STATION The Ischia International Architecture Award, PIDA 2011, went to the project for Italy’s first sustainable Carabinieri station, which currently comprises the framework only. In Forio d’Ischia they will build the first Italian Carabinieri station designed according to environmentally friendly and sustainable criteria, the emphasis being on energy savings, environmental protection and the search for new architectural structures. The 10,000 euro prize was given at the end of an international workshop titled ‘Da Eco-mostro a Eco-progetto’ (from ecomonster to eco-design), open to three groups of architects, organized by the PIDA Association and run by the lecturer at Ferrara University, Mario Cucinella. The competition was about the making of a new building or the renovation, rehabilitation and extension of existing buildings, as long as they “explicitly and autonomously interact with the contemporary world”. The jury – chaired by Mario Cucinella and composed of Paola Bovier (a representative of the Department Safeguarding the Architectural Heritage in Naples), Filippo Cannata (light designer), Gennaro Polichetti (Chairman of the Architects’ Association in Naples) and a representative of the corps of the Carabinieri – awarded the prize to the project titled ‘Doppio Gioco’ (double crossing) because “it suggests accurate integration into the landscape and a remarkable symbolic image which reclaims the existing building in a hidden way”. The winning team is coordinated by engineer Francesco Rispoli and architect Mattia Leone, and composed of the colleagues, Adriano Calicchio, Immacolata di Francesco, Patrizia Iualè and Lucia Secondo. Climatic factors – especially exposure to the sun and thermo-hydrogrometric conditions – were considered for the

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future Carabinieri station. As for integration with the landscape, the winning team examined local building materials and types, including the appearance of the dry-stone walls of country tradition, houses with patios, external staircases and terraces which reach the horizon and the variety of Ischia’s landscapes, between the sea and Mount Epomeo. Hence respect for Ischia’s environment and cultural tradition has taken shape in the new building, whose structure is reminiscent, and based on the use, of a few materials typically found on the island, mainly green tuff, and whose body is integrated into the landscape and made to look slender by loopholes which reveal its interior. Under the project, a new fortress will be built, to envelop the existing structure and concentrate work in the core, which is complete with a patio fitted with a dual ventilation system. Giovannangelo De Angelis, Chairman of the PIDA Association, hopes that the foundation stone will be laid towards the end of 2012, provided that no bureaucratic delays are brought. He also hopes that the trend towards the deterioration of the environment and cultural impoverishment, as shown over the last decades, will be reversed, through “a cultural revolution which, based on the natural and built environments, can cause the territory to be transformed according to such principles as the beauty of nature, the beauty of art and the beauty of technology, promoting citizens’ cultural and civil growth”. Every year the international character of the PIDA award is epitomized by the collaboration with a different country. The 2011 edition involved synergy with the United Arab Emirates, where in late October, in conjunction with the interior design exhibition, Index, the project for Italy’s first sustainable Carabinieri station stood out. www.pida.it

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MEET DESIGN

È partito da Roma per approdare in novembre a Torino, dove rimarrà fino a fine gennaio, MEET Design, appuntamento unico con il design italiano. Una grande mostra, incontri con storici designer e rappresentanti di aziende leader del settore, dibattiti, eventi e un palcoscenico per giovani talenti sono andati in scena in luoghi incantevoli come i Mercati di Traiano e il Museo dei Fori Imperiali a Roma e il Palazzo Bertalazone di San Fermo a Torino. Ai Mercati di Traiano si snodava la mostra ‘Design, una storia italiana’, un percorso nello straordinario lavoro di progettisti e imprenditori italiani, raccontato da una inedita selezione di pezzi d’arredamento. Durante gli incontri organizzati nell’ambito di MEET People, uno dei settori dell’evento, i protagonisti del design hanno incontrato il pubblico in una serie di dibattiti. Enzo Mari, Michele De Lucchi, Ernesto Gismondi, Piero Lissoni, Fabio Novembre e molti altri hanno dialogato e si sono confrontati con i rappresentanti di aziende storiche, come Boffi, Kartell, Driade, Cassina, B&B, Poltrona Frau. Una finestra sul futuro l’ha aperta MEET Talents, durante il quale giovani designer si sono raccontati attraverso il loro lavoro: 15 studi hanno presentato 23 progetti su una Home collection ispirata al mondo dell’automobile. Il progetto di MEET Design è di RCS e della riviste d’arredamento collegate, con Living Network e il patrocinio di Roma Capitale e Città di Torino.

Foto di Alan D. Baumann. www.meetdesign.it Patrizia Piccioli The one-of-a-kind Italian design show, MEET Design, kicks off in Rome and moves to Turin in November; there it will be on until late January. The emphasis will be on a major exhibition, meetings with historic designers and representatives of leading companies, debates, events and a stage for young talents, in such charming venues as Trajan’s Markets and the Imperial Forum Museum in Rome and Palazzo Bertalazone di San Fermo in Turin. Trajan’s Markets host the exhibition ‘Design, una storia italiana’ (design, an Italian story), a journey into the amazing work of Italian designers and entrepreneurs, as told about by an unprecedented selection of pieces of furniture. In conjunction with the meetings organized within one of the sections of the event, MEET People, designers meet the general public in a series of debates.

Enzo Mari, Michele De Lucchi, Ernesto Gismondi, Piero Lissoni, Fabio Novembre and many more talk to, and exchange views with, the representatives of such time-honoured companies as Boffi, Kartell, Driade, Cassina, B&B and Poltrona Frau. MEET Talents opens a window into the future, young designers telling about themselves through their work: 15 studios present 23 projects for a home collection inspired by the car world. The MEET Design project has been drawn up by RCS and the related interior design magazines, with Living Network, and is supported by the cities of Rome and Turin. www.meetdesign.it

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INNESTI CONTEMPORANEI Nasce dal recupero dell’esistente, dalla connessione funzionale tra il sottotetto di un edificio ottocentesco ubicato nel centro storico di Benevento e un ulteriore piano posto al livello inferiore, la recente abitazione progettata dall’architetto Raffaele Cutillo con la collaborazione di Antonella Mauriello, interior designer. L’intervento – un organismo abitativo distribuito su una superficie di duecentocinquanta metri quadrati – si configura in netto contrasto sia con l’architettura del palazzo che lo ospita e sia con la tipologia del contesto urbano. Nella nuova scelta progettuale sono stati privilegiati cannocchiali visivi inconsueti ed eseguite nuove bucature in ragione delle prospettive aperte sul contesto circostante. Partendo dalla reimpostazione della struttura portante, realizzata con telaio in acciaio supportato dalla precedente muratura, Cutillo focalizza l’attenzione sulla riconfigurazione spaziale e geometrica della copertura, lungo la quale si alternano campi enfatizzati dall’uso di luce naturale e artificiale. Dal punto di vista distributivo, vi è un chiaro utilizzo del open space generalizzato e perimetrazione dei soli ambienti necessitanti di privacy. La nuova abitazione, in cui predominano materiali neutri come l’acciaio brunito, il vetro opalescente e chiaro, le pavimentazioni in lastre di gres e teak, è funzionalmente indipendente dalle altre unità abitative sottostanti. Eleganti, e, al tempo stesso essenziali, le rifiniture interne, dove i rivestimenti murari sono risolti con intonaci a base di calce e boiserie in legno palissandro. www.ofca.net Elviro Di Meo

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CONTEMPORARY INSERTIONS The home unit recently designed by the architect Raffaele Cutillo in collaboration with the interior designer Antonella Mauriello is the result of both the recovery of the existing structures and the functional connection between the attic of a 19th-century building located in the old town of Benevento and one more floor at a lower level. The project – a living unit covering a surface of two hundred and fifty square metres – stands in marked contrast with both the architecture of the building

WWW.IMM-COLOGNE.COM

The event for bathrooms, flooring, wallcoverings, lighting at imm cologne.

that accommodates it and the urban environment. Under the new project, priority was given to peculiar visual ‘telescopes’, and new holes were made on the basis of the views of the surroundings. When Raffaele Cutillo redesigned the skeleton, with a steel frame supported by the previous walls, he focused his attention on the spatial and geometric reconfiguration of the roof, fields emphasized by the use of natural and artificial light alternating along it. As far as the layout is concerned, open plan areas were extensively used, and only the areas that required privacy were edged. The new dwelling unit, where such neutral materials as burnished metal, opalescent and clear glass, stoneware and teak floorings prevail, is functionally independent of the other home units beneath. The interior finishes look both elegant and simple, the walls being covered with lime based plaster and rosewood panels. www.ofca.net

CREATE. FURNISH. LIVE. THE INTERNATIONAL FURNISHING SHOW 16 – 22. 01. 2012

Koelnmesse S.r.l., Viale Sarca 336/F, Edificio 16, 20126 Milano Tel. +39 02 8696131, Fax +39 02 89095134, info@koelnmesse.it, www.koelnmesse.it

REPORT

OMBG

GIOCHI D’ACQUA di Cristina Battistella

Ancora una volta il piacere di ‘giocare con l’acqua’ e di proporre oggetti d’arredo di raffinata e semplice eleganza ispira OMBG, realtà imprenditoriale dedicata ai miscelatori termostatici. Qualità, innovazione e varietà pensate per regalare ogni giorno gocce di benessere. Design pulito ed essenziale per il termostatico, che privilegia gli equilibri delle forme e uno stile ricercato piacevole nel tempo. La versatilità, la capacità di creare articoli ‘su misura’ come sarti del settore, cerca di dare risposta alle più varie esigenze di aziende e privati. Non manca anche il private label, la marca privata della società o del distributore che commercializza il prodotto rendendolo proprio grazie ad un design ‘personalizzato’. Un interessante effetto cascata è protagonista della serie di alta gamma. Un miscelatore vasca dalla linea elegante e minimale arricchita da un forte elemento visivo. www.ombg.net

WATERPLAY FOR OMBG The manufacturer of thermostatic mixers, OMBG, has again been inspired by the pleasure of ‘playing with water’ and providing furnishing objects synonymous with refined yet simple elegance. Quality, innovation and variety, designed to give drops of wellness every day. Neatly and simply designed thermostatic mixers, where the emphasis is on balanced shapes and a sophisticated style which looks pleasant in time. Versatility, the ability to create bespoke items, like tailors, is meant to answer companies’ and individuals’ most diverse needs. OMBG can also boast a private label, on which the company/distributor relies to market the products on the basis of ‘customized’ design. A challenging cascade effect stands out in the high-end range. A smartly and minimally designed bath mixer with a marked visual impact. www.ombg.net

Miscelatore termostatico vasca con effetto cascata e deviatore due vie con chiusura integrata.

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Thermostatic bath mixer with cascade effect and two-way diverter with built-in closure.

REPORT

MINACCIOLO

ENGLISH MOOD di Cristina Battistella

L’accurata lavorazione del legno e l’originale design hanno contribuito al successo di Minacciolo, industria sempre più apprezzata sul mercato nazionale ed estero, specializzata nella produzione di arredi per tutta la casa. Nobile e raffinata, ma allo stesso tempo tenera e familiare, la collezione English Mood ripropone il country in chiave più elegante, con mobili adatti non solo a case di campagna, ma a qualsiasi tipo di abitazione. Il suo stile semplice e accurato richiama le antiche residenze anglosassoni, senza trascurare le esigenze di funzionalità. Tra le proposte spicca la composizione zona giorno in finitura ‘Bianco gesso’, disponibile in altre 21 colorazioni, tutte ricavate da tinte ecologiche a base d’acqua. Linee pulite e raffinate definiscono un ambiente dal sapore inglese, arredato da una capiente libreria, un pregiato scrittoio e un tavolo con sedie Luigi XVI. www.minacciolo.it

Accurately worked wood and original design mean the foundation for the success of the manufacturer of furniture for every room of a home, Minacciolo, which is being increasingly appreciated in the national and foreign markets. Noble and refined, yet gentle and informal, the English Mood collection is based on a country style made more elegant, with furniture suited to country houses as well as to any other homes. Its simple though accurate style is reminiscent of old Anglo-Saxon residences, without neglecting the need for functionality. The main products include the “chalk white” finished arrangement designed for the living area, available in 21 additional colours, all obtained from environmentally friendly water-based paints. Neat, refined shapes resulting in a room setting with an English flavour, furnished with a capacious bookcase, a fine writing desk and a table with Luigi XVI chairs. www.minacciolo.it

REPORT

CAIROLI E DONZELLI

TOUCH 55 di Cristina Battistella

La porta è un elemento architettonico e come tale deve soddisfare le esigenze espressive, sempre più ricercate, dell’architettura. Ispirati ad un modo più moderno e istintivo di aprire, per i designer Cairoli e Donzelli innovare significa proporre soluzioni nuove a oggetti o usi consueti, ideate tramite un processo progettuale in cui l’estetica del prodotto rappresenta solo una delle risultanti. Da questo approccio è nata la nuova collezione Touch 55 per Lualdi: la porta Rasomuro 55N con la maniglia completamente a scomparsa. Grazie anche al forte spessore e allo stipite invisibile in alluminio, si integra alla parete con mimetismo perfetto. La trasforma, creandone una composita ma univoca. Con l’aiuto della tecnologia, i designer hanno sviluppato una maniglia interamente inglobata nello spessore della porta (55mm). Un modo innovativo di utilizzare un oggetto di uso quotidiano: il touch, un tocco con il quale apriamo porte, portali e mondi sui computer. Un elemento che muovendosi scopre un’agevole ‘presa’ per aprire. cairoli.donzelli@libero.it www.lualdiporte.it The door is an architectural element, and, as such, it is expected to satisfy the expressive, increasingly refined requirements of architecture.

According to the designers Cairoli and Donzelli – inspired by a more modern and more instinctive way of opening –, innovating means providing new solutions for common objects or uses, developed through a design process where the aesthetic of the product is but one of the ingredients. The new Touch 55 collection, designed for Lualdi – the Rasomuro 55N door with a flush handle – is the result of this approach.

Based, for example, on its high thickness and invisible aluminium jamb, it fits into the wall, thus being perfectly camouflaged. It transforms it, creating a composite yet univocal one.

The designers relied on technology to develop a handle fully built into the thickness of the door (55 mm). An innovative way of using an everyday object: touching, which allows us to open doors, portals and worlds on computers. A moving element which reveals an easy “hold” while opening. cairoli.donzelli@libero.it www.lualdiporte.it

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REPORT

LIGNE ROSET

CULT DESIGN di Cristina Battistella

Due chiacchiere con/Interview with/ Francesco Frates, managing director Ligne Roset Italia.

Posizionato in un mercato di nicchia e con un brand anticonformista rispetto ai competitor, il marchio Ligne Roset è riuscito ad affermarsi diventando una delle realtà più interessanti nel settore del mobile e del design di fascia alta. Nel 1986, il gruppo francese, che vanta una produzione molto vasta, dal tessile all’illuminazione, dall’imbottito al complemento, dai tavoli alle sedute, dai letti ai mobili, ha deciso di essere presente sul mercato italiano con una filiale. Francesco Frates, amministratore delegato di Roset Italia, ci guida alla scoperta del successo di questa azienda, che ha saputo attingere dall’esperienza di oltre 150 anni della casa madre. “In un mercato in trasformazione e sempre più frammentato nel nostro settore”, dichiara, “creare prodotti con un alto valore qualitativo, di design e di esclusività, permette di rendere il nostro marchio riconoscibile, differente ed apprezzato dal nostro target di riferimento”. Dal 1986, l’azienda dinamica e in continua evoluzione ha posizionato in modo strategico oltre 120 punti vendita su tutto il territorio italiano, riuscendo a trasformarsi in una realtà di successo. La strategia di vendita è stata completamente rinnovata, da una distribuzione capillare a una rete commerciale selezionata. Dalla quantità alla qualità del servizio, più efficiente ed efficace. Anche la comunicazione punta a sensibilizzare i propri interlocutori e a entrare in contatto diretto con loro, utilizzando visual innovativi e d’avanguardia per lanciare i prodotti culto di oggi come il divano Togo, disegnato da Michel Ducaroy nel 1973, oggetto di design storico e unico, e come il divano Ploum, disegnato dai fratelli Bouroullec nel 2011, che è destinato ad essere prodotto culto del futuro. www.ligne-roset.it Active in a niche market with an unconventional brand compared to its competitors, Ligne Roset has succeeded in proving successful and growing into a leading company in the high-end furniture and design industry. In 1986, the French-based group, which relies on an extremely large collection of products, including textiles, lights, upholstered furniture, complements, tables, seats, beds and cabinets,

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decided to penetrate the Italian market with a branch. Francesco Frates, Managing Director of Roset Italia, told us about the secret for the success of this company, who has capitalized on the over 150 years’ expertise of the parent company. “In a changing and increasingly fragmented market – he said –, developing products with a high quality, design and selection standard allows our brand to stand out, look different to and be appreciated by our target consumers”. Since 1986, the dynamic, ever-growing company has opened over 120 sales points in strategic areas across Italy, thereby growing into a successful manufacturer. The sales strategy has been thoroughly revised, from a comprehensive distribution network to a selected sales network. From quantity to quality: their service is the name for increased efficiency and effectiveness. Their communications strategy is also aimed at sensitizing consumers and getting in touch with them, using innovative, up-to-the-minute visuals to launch today’s cult objects, including the Togo sofa – designed in 1973 by Michel Ducaroy –, a historic, one-of-a-kind designer object, and the Ploum sofa – designed in 2011 by the Bouroullec brothers –, which is going to become the cult object of the future. www.ligne-roset.it Sopra, Simple Bridge, design Jean Nouvel; sotto, il divano Togo di Michel Ducaroy. Nella pagina seguente: in alto, il divano Confluences di Philippe Nigro e gli stabilimenti di Ligne Roset in Francia; al centro, Simplissimo di Jean Nouvel e, in basso, il divano Ploum, design fratelli Bouroullec.

Above, Simple Bridge, designed by Jean Nouvel; below, Togo sofa, designed by Michel Ducaroy. Overleaf, top, Confluences sofa, designed by Philippe Nigro, and Ligne Roset’s factory in France. Centre, Simplissimo, designed

by Jean Nouvel; bottom, Ploum sofa, designed by the Bouroullec brothers.

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REPORT

CLEI

MOLTIPLICARE IL VALORE DELLO SPAZIO di Cristina Battistella

Riposo, studio, relax e contenimento, tutto in un unico ambiente. La casa si trasforma per soddisfare le molteplici e diverse esigenze dell’abitare. Fin dal ’62, Clei punta su programmi d’arredo versatili per la realizzazione di ambienti domestici, per le case vacanza e il residence business. Ricerca, creatività e innovazione sono le linee guida della sua filosofia. Al design e alla tecnologia brevettata dei prodotti, si associa la massima libertà di progettazione e l’estrema facilità d’uso. Semplici movimenti per più funzioni e prestazioni senza vincoli e compromessi. Librerie, contenitori, divani, tavoli e scrittoi si coniugano in spazi divisi e condivisi e si trasformano da mobili giorno in versione notte con comodi letti sempre pronti e di varie dimensioni, con notevoli vantaggi rispetto alle soluzioni tradizionali. In quest’ottica, i programmi Young e Living, grazie a sistemi d’arredo brevettati che hanno nella trasformabilità un valore aggiunto, consentono di avere una stanza in più e quindi di moltiplicare gli spazi rispondendo in modo innovativo alle specifiche esigenze dell’arredo. La parete giorno Swing si trasforma in un comodo letto matrimoniale dotato di rete a doghe con telaio in alluminio e di un innovativo sistema di regolazione (design Pierluigi Colombo). Ulisse Dining, pensato da Giulio Manzoni, posiziona il tavolo sotto il letto man mano che questo si apre. Lo spazio non basta mai. La camera per i ragazzi è sempre più piccola, per cui è fondamentale che sia ben organizzata. La Collezione Young con Altea Book e Cabrio In propone un letto singolo verticale con apertura abbattibile e una zona studio/lavoro che coniuga uno scrittoio elevabile di grandi dimensioni con un letto singolo.

Con un semplice movimento si trasforma nella versione notte senza dover rimuovere nulla dal piano scrittoio. www.clei.it

MULTIPLYING THE VALUE OF SPACE Sleeping, studying, relaxing, holding, in one room. Your home is transformed, to satisfy the many different living requirements. Since 1962 they at Clei have been specializing in versatile furnishing systems designed for homes, country houses and the residence business. Research, creativity

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and innovation are the guiding principles of their philosophy. Patented technology matches the utmost freedom in design and unparalleled ease of use. Simple movements for several functions and services, with no restrictions or compromises. Bookcases, storage units, sofas, tables and writing desks harmonize with each other in separated and shared spaces, changing from furniture for the living area into furniture for the sleeping area, with comfortable ready-to-use beds varying in size, which translates into remarkable pluses compared to conventional solutions. Based on patented furnishing systems, Young and Living can be easily and quickly converted, thus providing an additional room and making it possible to multiply space, innovatively satisfying individual furnishing requirements.

The living wall, Swing, can be transformed into a comfortable double bed complete with slatted spring, aluminium frame and groundbreaking adjusting system (by Pierluigi Colombo). In the Ulisse Dining system, designed by Giulio Manzoni, the table is placed under the bed as the latter is pulled out. Space is never enough. Kids’ bedrooms are getting increasingly small; hence making sure that they are well organized is a top priority. With Altea Book and Cabrio In, the Young collection provides a single tilting bed and a studying/working area where an oversize, vertically adjustable writing desk matches a single bed. One simple movement allows you to convert the system into the sleeping version, without having to remove any object from the desk. www.clei.it

In queste pagine: in basso, Swing, design Pierluigi Colombo; in alto, collezione Young con Altea Book e Cabrio In; al centro, Ulisse Dining, pensato da Giulio Manzoni.

These pages, bottom, Swing, designed

by Pierluigi Colombo. Top, Young collection, with Altea Book and Cabrio In; centre, Ulisse Dining, designed by Giulio Manzoni.

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REPORT

INFINITI DIGITAL ART COMPETITION di Cristina Battistella

Il primo concorso internazionale di arte digitale lanciato sul tema Inspired Performance e promosso da Infiniti, la casa giapponese di auto di lusso ad alte prestazioni, presenta le sei opere finaliste. Originali sculture, immagini generate al computer e proiezioni di veicoli selezionate fra 32 creazioni da una giuria di noti esponenti del design. L'artista giapponese Nukumi Shinji ed NBBR propongono Infiniti Passion, una serie di proiezioni su un modello del noto marchio incentrate sulla dimensione ‘interiore’ dell'auto. Value Added, la sinuosa scultura dei designer slovacchi Juraj Rattaj e Jan Ziska, esplora l'idea di creare un parcheggio che proietta la vera immagine di un'auto di lusso. Aggiunge valore allo spazio pubblico, inserendosi come opera artistica, anziché limitarsi alla funzione di ospitare un veicolo. Lo slovacco Brano Hlava ha creato Crystalline DNA, una serie di quattro opere visive in cui la realizzazione e il design dei modelli sono visti attraverso il cristallo, la potenza della forma e il DNA. L’artista sottolinea l'importanza della creatività e dell'impronta lasciata dal costruttore. L’animazione digitale Highway of Ligh, concepita da Bob Trempe e Roman Torres (Stati Uniti), evidenzia le potenti e distintive ‘linee di carattere’ presenti nel design dei modelli. Comunica le linee del marchio combinando la silhouette dell’auto con i fasci di luce delle vetture in corsa su un'autostrada. Presence, realizzata da Sanchit Sawaria e Palash Singh, s'incentra sull'importanza delle prestazioni di un'auto che deve regalare un'esperienza che va oltre la semplice guida. Ispirata

alla luce, alla natura e alla geometria Synthesised by Nature, dell'inglese Jackson Tayler, combina tre mezzi cubi e proiezioni per ripercorrere il viaggio di un fascio di luce attraverso un mondo autonomo e sofisticato. I fluidi movimenti del raggio, che guidano lo spettatore attraverso l'opera, incorporano elementi del balletto e riflettono la potenza dei motori e l'eleganza delle curve delle auto. Le opere saranno protagoniste di un tour di mostre allestite in occasione delle inaugurazioni dei nuovi Centri Infiniti di Stockport, Leeds, Lussemburgo e Marsiglia. www.infiniti.eu

In queste pagine, le opere finaliste del concorso Infiniti Digital Art Competition. Sopra, Crystalline DNA, dell’artista slovacco Brano Hlava, al centro l’animazione digitale Highway of Light, di Bob Trempe e Roman Torres (Stati Uniti). Sotto, Infiniti Passion, una serie di proiezioni proposta dal giapponese Nukumi Shinji.

These pages, the finalists at the “Infiniti Digital Art Competition”. Above, “Crystalline DNA”, by the Slovak artist Brano Hlava; centre, the digital animation “Highway of Light”, by Bob Trempe and Roman Torres (of the United States); below, “Infiniti Passion”, a series of projections by Japanese artist Nukumi Shinji.

NBBR, “Infiniti Passion”, is composed of a series of projections onto a model of the well-known brand, focused on the ‘inner’ dimension of the car. “Value Added”, the sinuous sculpture by Slovak designers Juraj Rattaj and Jan Ziska, explores the idea of creating a parking space which projects the correct image of a luxury car, whilst adding value as a piece of art in a public place rather than merely being confined to the function of hosting a vehicle. Brano Hlava from Slovakia has created “Crystalline DNA”, a series of four visuals which look at the manufacturing and design of Infiniti’s models utilising the elements of crystal, the power of shape and DNA. In his works, the artist highlights the importance

In alto, la creazione artistica Presence, di Sanchit&Palash, al centro Synthesised by Nature, dell'inglese Jackson Tayler. In basso, la sinuosa scultura Value Added, dei designer slovacchi Juraj Rattaj e Jan Ziska.

Top, the artistic creation “Presence”, by Sanchit & Palash; centre, “Synthesised by Nature”, by Jackson Tayler of England; bottom, the sinuous sculpture “Value Added”,

by Slovak designers Juraj Rattaj and Jan Ziska.

The six finalists of the first International Digital Art Competition launched on the theme “Inspired Performance” and promoted by the Japanese manufacturer of high-performance luxury cars, Infiniti, have been revealed. Original sculptures, computer generated images and projections of vehicles, selected by a jury of well-known exponents of design among 32 creations. The work of Japanese artist Nukumi Shinji and

of creativity and the car manufacturer leaving their own mark. The digital animation “Highway of Light”, conceived by Bob Trempe and Roman Torres (of the United States), emphasizes the powerful and distinctive “character lines” used in the design of the models. It communicates the lines of the Infiniti brand by combining a silhouette of a car and the moving light streaks of fast moving vehicles on a highway. “Presence”, designed by Sanchit Sawaria and Palash Singh, looks at the importance of performance in a car which creates an experience for the user beyond driving. Inspired by light, nature, and geometry, the artwork “Synthesized by Nature”, designed by Jackson Taylor of England, combines three half cubes and projections to create the journey of a streak of light through an autonomous, sophisticated world. The free-flowing movements of the beam, which guide the viewer through the artwork, incorporate elements of ballet, and reflect the power of the engines and the elegance of the cars’ curves. The works will be part of a tour of exhibitions mounted in conjunction with the openings of the new Infiniti Centres in Stockport, Leeds, Luxembourg and Marseilles. www.infiniti.eu

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INTERVIEW

GIUSEPPE VIGANÒ di Cristina Battistella

DESIGN CHE PERCORRE IL TEMPO RUNNING THE TIME

Una vita passata nel settore del mobile tra esperienze diversificate e importanti collaborazioni con aziende prestigiose come Arflex, Pierantonio Bonacina, Bonaldo, Lema, Saba Italia, Poliform.

A life spent in the furniture industry, between diversified experiences and major collaborations with such prestigious companies as Arflex, Pierantonio Bonacina, Bonaldo, Lema, Saba Italia and Poliform.

Quali sono stati i momenti decisivi?

Più che di momenti, parlerei di incontri che hanno inciso fortemente sulla mia formazione e sulla mia crescita professionale. Ho cercato di fare tesoro degli incontri con le persone che mi hanno trasmesso la passione per il design e mi hanno insegnato pragmaticamente cos’è il bello e perché ci deve essere, perché un prodotto funziona e può essere inserito in un certo tipo di abitare.

Qual è la sua idea di casa?

Al di là del tempo. Un insieme di elementi come il cemento, il ferro, il vetro, il legno, il verde, che percorrono il tempo e invecchiando raccontano la loro storia. In breve: cemento dentro, verde fuori, vetro che divide. In questo scenario l’ecosostenibilità è una filosofia del vivere meglio, per permettere anche all’ambiente di continuare a raccontarsi. “Il bello dura nel tempo”, e i prodotti del design dell’abitare che si inseriscono in questo contesto devono essere degli evergreen, vivere il tempo e nel tempo.

Purtroppo spesso hanno una storia troppo breve, in un primo momento coinvolgono ma poi passano.

Quale prodotto vede in questo tipo di abitare?

Deve durare e vivere con la casa, riuscire ad essere contemporaneo oggi, ma anche tra 20 anni. Da questa idea ho iniziato a progettare prodotti che rimangano una costante nel tempo. Il divano Bolton e il letto Aton, realizzati quest’anno per Poliform, si inseriscono molto bene nel mio concetto di abitare: sono degli evergreen. Bolton percorre il tempo, sobrio, tranquillo. È un divano a pozzetto, sempre attuale, ma con una possibilità in più, un appoggio più rilassante. Lo schienale si alza stando comodamente seduti. Una semplicità di utilizzo che lo rende attuale oggi e domani. E così anche il letto Aton, con il suo rigore e la sua essenzialità, vuole inserirsi in questo contesto di casa per rimanerci e non per essere sostituito. www.giuseppevigano.it

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What were the crucial moments?

I would talk of meetings which had a major impact on my training and professional growth, rather than of moments. I tried to gain by the meetings with the people who passed on to me their passion for design and pragmatically taught me what beauty is and why there should be beauty, why a product works and can become part of a certain type of living.

What is your idea of a home?

Beyond time. A combination of elements, including concrete, iron, glass, wood, green – that cross time and tell about their history as they grow old. In short, concrete inside, green outside, separating glass. In this scenario, eco-sustainability is a philosophy of better living, to allow the environment to keep telling about itself.

Nella pagina precedente, il letto Aton disegnato da Giuseppe Viganò per Poliform, con linee nette e pulite per un mix di comfort ed eleganza. Sopra, un ritratto del designer, sotto il divano Bolton disegnato sempre per Poliform, con un appoggio più rilassante.

Previous page, Aton bed designed by Giuseppe Viganò for Poliform, with a sharp, clean outline, resulting in a blend of comfort and elegance. Above, portrait of the designer; below, Bolton sofa, designed for Poliform, synonymous with relaxing support.

“Beauty lasts in time”, and the living design products that are part of this background should be timeless, enjoying time, and living in time. Unfortunately, they often have excessively short histories; at first they intrigue you, but then they pass.

What product suits this type of living, in your opinion?

It should last and live with your home, look modern today as in twenty years’ time.

I have relied on this idea to design timeless products. The Bolton sofa and the Aton bed, designed this year for Poliform, are perfectly suited to my concept of living: they are evergreens. The Bolton sofa crosses time, simply and discreetly. It is a tub couch, though with an additional hallmark, namely more relaxing support. You can raise the backrest while sitting comfortably.

Based on its ease of use, it is meant to always look modern, now as in the future.

This is also the case with the rigorous, austere Aton bed, which is going to stay long in your home, and is not going to be replaced. www.giuseppevigano.it

EXHIBITION

SALVATORE FERRAGAMO

ISPIRAZIONI E VISIONI

Qual è il comune denominatore che lega accadimenti, manufatti ed opere, apparentemente estranei gli uni agli altri, come la poltrona ‘Egg’ di Arne Jacobsen, i disegni su foglia d’oro di Andy Warhol, il film ‘I dieci comandamenti’ di Cecil B. De Mille, la scoperta della Villa dei Misteri a Pompei o quella del tesoro del faraone Tutankamon in Egitto, piuttosto che le illustrazioni di Sonia Delaunay per il libro ‘La prose du Transsibérien et de la petite Jeanne de France’, la quattrocentesca ‘Natività’ dipinta da Sano di Pietro o i raffinati cappelli concepiti dall’inglese Stephen Jones? Per scoprirlo potete scegliere di aguzzare il vostro acume intellettuale, indossando i panni di Sherlock Holmes in una avvincente quanto ardua indagine culturale, o, più semplicemente, recarvi in visita al Museo Salvatore Ferragamo di Firenze, dove è in corso la mostra ‘Salvatore Ferragamo. Ispirazioni e visioni’, curata da Stefania Ricci e Sergio Risaliti. “Come posso spiegare la mia innata capacità di creazione?”, si domanda ‘il calzolaio dei sogni’ nell’autobiografia omonima, pubblicata a Londra nel 1957 (dunque, tre anni prima della sua morte) e riedita nel 2010 da Skira. “Io non ho bisogno di cercare i modelli”, aggiunge.

E spiega: “Quando ne voglio dei nuovi scelgo fra quelli che si presentano alla mia mente così come, a tavola, scelgo una mela dalla fruttiera colma”. In questa risposta è racchiuso il senso della mostra allestita a Palazzo Spini Feroni, dal 1938 sede della maison, in cui sono esposti complessivamente 248 pezzi, 99 dei quali sono scarpe create da Salvatore Ferragamo tra gli anni Venti e gli anni Cinquanta, mentre i 149 restanti sono opere d’arte provenienti da collezioni pubbliche e private, italiane ed estere. L’esposizione rappresenta, dunque, un viaggio a ritroso, e a zigzag, nell’immaginario di un

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uomo febbrilmente creativo e fantasioso, alla ricerca delle fonti che ne hanno alimentato l’ispirazione. Senz’altro, nel caso di Ferragamo, due sono gli episodi chiave che hanno influenzato la sua attività: l’approdo in California intorno alla metà degli anni Dieci e il rientro in Italia nel 1927, a Firenze, allora centro della vita artistica e culturale del paese. A Hollywood, sede della nascente industria cinematografica, il giovane Ferragamo diventa il ‘calzolaio delle dive’ e disegna sandali ispirati all’antichità classica. Ma anche il ‘genius loci’, il variopinto guardaroba degli Indiani d’America cosiccome il vivace artigianato sudamericano, lasciano tracce indelebili nella sua creatività. Tornato in Italia, alla ricerca di maestranze in grado di realizzare scarpe fatte a mano, Ferragamo subisce il fascino di Firenze, con la sua storia, i suoi monumenti, i suoi musei e il suo ricco patrimonio d’arti e mestieri. Ma non è solo il passato ad attrarre questo autentico mago delle calzature. La Firenze di quegli anni è epicentro delle avanguardie: dai futuristi a Sonia Delaunay, da Marcel Duchamp a Gio’ Ponti, la città è meta di avanguardisti provenienti da ogni parte del mondo. E Ferragamo ne trae stimoli utili alla sua verve di innovatore. Fervido interprete dello spirito del tempo, Salvatore Ferragamo si è sempre presentato in perfetta sintonia con le svolte più significative per l’evoluzione del gusto. Come quando l’architetto danese Arne Jacobsen ha creato la sua sinuosa poltrona ad uovo, e lui ha immediatamente brevettato la suola a conchiglia in cuoio. O ancora, quando, nel 1956, ha concepito un paio di sandali in oro a 18 carati per la moglie di un ricco magnate mentre, a New York, Andy Warhol disegnava le sue memorabili scarpe su foglia d’oro.

“Tutti viaggiamo nel flusso di un’eterna marea, e l’eterna marea non avrà mai fine”, ebbe a scrivere. E l’esposizione ne dà una originale conferma, guardando anche agli epigoni del maestro. Come l’eccentrico e raffinato creatore inglese Stephen Jones, invitato a dare il suo contributo con trentatré cappelli evocativi della lezione di Ferragamo. Il catalogo della mostra, pubblicato da Skira, reca i testi dei due curatori, nonché di Cristina Morozzi, Sergio Scarlini e dello stesso Stephen Jones.

Firenze, Museo Salvatore Ferragamo, Palazzo Spini Feroni, Piazza Santa Trinita 5/R. Fino al 12 marzo 2012.

Francesco Massoni

INSPIRATION AND VISION

What is the common denominator that links apparently dissimilar events, artefacts and works such as the armchair ‘Egg’ by Arne Jacobsen, the drawings on gold leaf by Andy Warhol, the film ‘The Ten Commandments’

by Cecil B. De Mille, the discovery of the Villa of Mystery in Pompei, Italy or the treasures of the Pharaoh Tutankhamen in Egypt, the illustrations by Sonia Delaunay for the book ‘La prose du Transsibérien et de la petite Jeanne de France’, the Fifteenth-century ‘Nativity’ painted by Sano di Pietro or the elegant headwear designed by Englishman Stephen Jones? To answer to this question, you can exploit your intellect and don the cape of Sherlock Holmes in a delightful, albeit arduous, cultural investigation… or more simply, you can visit the exhibition in the Salvatore Ferragamo Museum in Florence entitled ‘Salvatore Ferragamo. Ispirazioni e visioni’, organized by Stefania Ricci and Sergio Risaliti. “How is it possible to explain my innate creative ability?’ is the question asked by the ‘shoe-maker’ in his autobiography, which was published in London in 1957 (three years before his death) and re-published in 2010 by Skira. “I do not need to look for models’ he added while explaining: ‘When I need something new, I will choose something that comes into my mind, in the same way as I pick an apple from the fruit bowl on the table’. This answer epitomizes the meaning behind the exhibition in Palazzo Spini Feroni, which has been the maison’s headquarters since 1938. There are 248 pieces on display, 99 of which footwear created by Salvatore Ferragamo in the period between the Twenties and the Fifties; the remaining 149 pieces are works of art from private and public collections in Italy and abroad. The exhibition is therefore a look back in time, a zig-zag pathway through the imagination of this dynamically creative and inventive designer, in an attempt to identify his inspirational sources. Where Ferragamo is concerned, two key episodes greatly influenced his activity: his move to California in the second decade of the 20th-century and his return to Florence, Italy in 1927 – a city which was then the hub of the country’s artistic and cultural life. The young Ferragamo became the ‘shoemaker to the stars’ in Hollywood and he designed sandals inspired by the ancient classics, the multicoloured garments of the Native Americans and the bright hues of the South American craftwork; all of these artistic orientations left indelible traces on his creativity. When he returned to Italy, he looked for experts who would be able to produce his handmade shoes. He was enchanted by Florence, its history, its monuments, its museums and its rich heritage of arts and crafts. But it was not only the past that attracted this wizard of shoemaking. Florence at that time was the hub of everything that was avant-garde: from the Futurists to Sonia Delaunay, from Marcel Duchamp to Gio’ Ponti, the city was the Mecca for the avant-garde artists who traveled from every corner of the world. And Ferragamo extracted stimuli which were useful for his innovative soul. He was a dynamic interpreter of the times and was always in perfect harmony with the most

important milestones in style evolution. For example, when the Danish architect Arne Jacobsen created his sinuous armchair Egg and Ferragamo patented the hide soles for shoes. Or again, in 1956 when he designed a pair of sandals in 18-carat gold for the wife of a rich businessman, in New York, , Andy Warhol designed his unforgettable shoes on gold leaf. He wrote: ‘We all travel with the currents of the eternal tides, that will never be still’. The exhibition provides an original confirmation from the Maestro’s inspiration.

For example, the eccentric and elegant British designer Stephen Jones, who was invited to make his contribution with thirty-three pieces of headwear.

The exhibition catalogue, published by Skira, includes articles by the two organizers and by Cristina Morozzi, Sergio Scarlini and Stephen Jones.Florence, Salvatore Ferragamo Museum, Palazzo Spini Feroni, Piazza Santa Trinita 5/R. Until March 12th 2012.

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COVER NOCTIS

UNA VENTATA DI DESIGN

A WAVE OF DESIGN di Laura Galimberti foto Silvano Bacciardi/AmatiBacciardi

Ci arriva dalla nuova collezione di Noctis, come il letto Tolò che appartiene alla linea The Originals, ma anche e soprattutto dalle idee di questo gruppo industriale a conduzione familiare, che negli anni ha saputo sfruttare un know-how consolidato e di successo. Ne parliamo con Vittorio Prato, tra i progettisti di punta dell’azienda, e con il titolare Piero Priori.

It comes from the new collection by Noctis, including the Tolò bed, which belongs to the range known as The Originals, and, above all, from the ideas of this family-run industrial group, which, over the years, has made the most of its tried and tested, successful know-how. We interviewed Vittorio Prato, one of the company’s top designers, and Piero Priori, the company’s owner.

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VITTORIO PRATO

Qual è il concept che sta alla base del progetto Tolò?

Nel nostro primo contatto, Piero Priori, titolare di Noctis, mi disse che la loro azienda era a Pesaro. La prima cosa che ho pensato è stata: “Che bello, c’è il mare!”. Ho poi scoperto che la loro sede è immersa nelle belle colline marchigiane e non in prossimità della sabbia, degli ombrelloni…, ma ormai avevo in mente un paesaggio decisamente marino. Il concept del prodotto è stato perciò la classica sdraio da spiaggia.

Ho pensato a questa tipologia di prodotto sia per l’indotto della zona, che si basa sulla lavorazione del legno, sia per il know-how di questi oggetti, ben consolidato nelle Marche. La sdraio, inoltre, è un oggetto in cui la forma segue la funzione, si produce in serie, è minimale, costa poco…, insomma un vero oggetto di industrial design.

Le erano stati dati input precisi dall’azienda o è stata una proposta indipendente? È stata una proposta autonoma, scaturita dall’immediata sintonia che si è creata con Piero Priori, con i figli Caterina e Mattia, con tutte le persone che fanno parte dell’azienda. Mi hanno da subito trasferito una sensazione di schiettezza, di simpatia, di serietà e concretezza allo stesso tempo. Conoscendo la loro storia aziendale e visitando la loro azienda e i loro reparti produttivi, ho capito immediatamente che bisognava pensare a prodotti semplici, corretti, freschi e originali. Spero che queste caratteristiche siano evidenti nel letto Tolò.

Avete incontrato difficoltà tecniche nella realizzazione?

No, nessuna difficoltà. Ci siamo capiti subito al volo e questo è il bello di lavorare con Piero Priori e con Noctis.

In quali varianti, finiture e colori è disponibile?

Le dimensioni a catalogo sono di 90, 120, 160 cm (misure effettive 100, 130, 170 cm). Sono previste due differenti finiture: legno naturale e verniciato bianco. Si può poi giocare con i molti colori della parte tessile e con le tre fantasie rigate, scelte con molta intuizione da Caterina Priori. Presto comunque la famiglia Tolò si amplierà con divani e altri prodotti.

Qual è il suo valore aggiunto?

Grazie alla freschezza e all’originalità, il prodotto comunica tutta la sua comodità e la capacità tecnico-industriale della produzione. Inoltre, il corretto rapporto qualità/prezzo lo rende un prodotto democratico.

Per chi è pensato il letto Tolò?

Per tutti, ovviamente! Per gli spiriti che hanno ancora voglia di sognare, di dire qualcosa, di conoscere nuove realtà, per chi è stanco di dormire nei soliti letti, per chi è stanco dei soliti stereotipi.

What concept does Tolò rely on?

When we first came into contact, the owner of Noctis, Piero Priori, told me that their company was based in Pesaro. The first thought I had was: “Wonderful! There is the sea there!”. Then I found out that their headquarters are immersed in the beautiful hills of the Marches, far from the sand, the beach umbrellas… However, I had pictured a definitely marine landscape in my mind. Hence the concept of the product was that of a typical deckchair. I thought of this type of product because of the main business of the area, based on woodworking, and the know-how concerning these objects as fully developed in the Marches. In addition, the deckchair means an object where form follows function; it is mass-produced; it is minimal; it is cheap… To sum up: it is a real industrial design object.

Did you receive any clear inputs from the company or did you develop the idea on your own?

It was an independent project, which arose from the fact that I immediately found myself on the same wavelength as Piero Priori, his children Caterina and Mattia, and all the other people who are part of the company. They instilled a feeling of straightforwardness, charm, reliability and pragmatism in me, at once. As I learnt their history and visited their company and its manufacturing departments, I promptly realized that they needed simple, fair, fresh, original products.

Hopefully, these hallmarks are self-evident in the Tolò bed.

Did you encounter any technical difficulties in making the bed?

No, no difficulties at all. We caught on to each other immediately, and this is what I enjoy most in working with Piero Priori and Noctis.

Which versions, finishes and colours is it available in?

Three sizes are available in the catalogue, namely 90, 120, 160 cm (actual sizes: 100, 130, 170 cm). The bed comes in two different finishes: natural wood and white lacquer. In addition, you can play

with the many colours of the textile part as well as with the three striped patterns chosen by Caterina Priori with considerable insight.

However, the Tolò range will soon be supplemented with sofas and other products.

What is its main plus?

Based on its fresh, original character, the product communicates its comfort as well as the technical/industrial potential of production. In addition, because of its fair value for money, it stands out as a democratic product.

Who was the Tolò bed designed for?

For everybody, of course! For those who still feel like dreaming, stating something, experiencing something new; for those who are tired of sleeping in the same old beds; for those who are sick of the same old stereotypes.

Il disegno del letto Tolò (in queste pagine schizzi e immagini) si ispira chiaramente alle sdraio da spiaggia.

Il progetto è di Vittorio Prato per l’azienda pesarese Noctis.

The inspiration for the Tolò bed (these pages, sketches and pictures) was clearly drawn from deckchairs.

Designed by Vittorio Prato for Pesarobased Noctis.

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PIERO PRIORI Il letto Tolò rappresenta, insieme ad altri nuovi prodotti ‘firmati’, una svolta decisiva intrapresa dalla sua azienda. Di cosa si tratta?

Ci sono prodotti che hanno qualcosa che li rende attraenti e Tolò è uno di questi, un letto che riflette in pieno il nostro modo di pensare perché è semplice e pregno di quella cultura e conoscenza del design che ci è propria.

Quali modelli hanno dato vita a The Originals?

Con Vittorio Prato è stato facile e divertente lavorare: le sue idee sono moderne, innovative e al tempo stesso pragmatiche. Alla linea The Originals appartengono Pictures e Lullaby, che stanno riscuotendo ottimi consensi da parte dei nostri partner commerciali.

Nuove collaborazioni in vista?

Certamente The Originals rappresenta lo start up del nostro grande progetto, che è quello di rendere il design democratico attraverso processi fortemente industrializzati.

In cosa si differenzia questa linea dal resto della produzione?

Prevede una maggiore attenzione ai dettagli e alla qualità. Inoltre, è stata concepita per affrontare un mercato globale: i letti non vengono prodotti in due sole lunghezze (190/200 cm) ma anche in sei larghezze diverse (90/120/140/150/160/180 cm), con la possibilità di inserire qualsiasi tipo di rete al loro interno.

Quali sono i mercati di riferimento?

Abbiamo partnership commerciali con diversi gruppi d’acquisto in Europa, anche se il mercato più importante per noi rimane quello italiano. Il futuro ci vede proiettati, e mi auguro protagonisti, un po’ in tutto il mondo.

La nuova sede produttiva di Pergola rappresenta un ulteriore fiore

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all’occhiello per l’azienda. Ce ne parla?

Il nuovo insediamento produttivo Zona Ganga a Pergola si sviluppa su una superficie totale di 30.000 mq con uno stabilimento molto moderno, inaugurato un anno fa, immerso in un territorio dove la natura è protagonista incontrastata. Abbiamo investito molto in tecnologia e formazione, tanto che alcuni reparti dell’azienda sono stati presi come modello di efficienza e funzionalità. Un posto di lavoro accogliente è fondamentale per chi ogni giorno ci passa gran parte del suo tempo. L’azienda, intesa come mezzo per riconoscersi e sentirsi parte di un gruppo efficiente ed innovativo, è la sfida del nuovo mercato. www.noctis.it The Tolò bed means, together with some more new designer products, a turning point for your company. What is it all about?

Some products can boast some hallmarks which make them attractive, and the Tolò bed is one of them. It fully epitomizes our thought, because it is simple and imbued with the culture and knowledge of design that is peculiar to us.

Which models belong to The Originals?

It was easy and fun to work with Vittorio Prato: his ideas are modern, innovative and pragmatic as well. The Originals includes Pictures and Lullaby, which are proving tremendously successful among our sales partners.

Do you expect to engage in new collaborations?

No doubt The Originals means the start-up of our major project, which

consists in making design democratic through highly industrialized processes.

What sets this range apart from the rest of production?

Greater care for detail and quality. In addition, it was developed to approach a global market: the beds are not only produced in two lengths (190/200 cm); they are also available in six different widths (90/120/140/150/160/180 cm), and can accommodate all types of bedsprings.

What are the target markets?

We have established sales partnerships with several purchasing groups across Europe, although Italy was, and still is, the number one market for us. In the future we are going to be active, and hopefully successful, worldwide.

The new factory in Pergola means one more flagship facility for the company. Can you tell us about it?

Our new Zona Ganga production unit in Pergola covers an overall area of 30,000 square metres, and includes a state-of-the-art factory, which was started a year ago, and is immersed in a region where nature is undisputedly the number one player. We have invested massively in technology and training; indeed, a few departments of the company are considered as models of efficiency and functionality. A comfortable workplace is a key ingredient for anybody who spends most of his or her time there every day. The company, understood as an opportunity to identify with, and feel part of, an efficient, innovative group, is the challenge of the new market. www.noctis.it

In queste pagine, tre modelli della collezione The Originals di Noctis: qui sopra, Lullaby Moderns; sotto, 8 Miles; nella pagina accanto, Pictures Barocco.

These pages, three models of the collection, The Originals, by Noctis: above, Lullaby Moderns; below, 8 Miles; opposite, Pictures Barocco.

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LUIGI COLANI/BIODESIGNER di Giulia Bruno

Così lo hanno definito i suoi discepoli, fra cui Ross Lovegrove, Karim Rashid, Ora Ito. Luigi Colani, berlinese di nascita ma dalle origini italiane, conteso fra Germania, Stati Uniti, Cina e Giappone, predilige Milano per un’imponente mostra con opere, progetti, installazioni, prototipi scelti fra gli oltre 6000 lavori prodotti in 60 anni di carriera. Designer, artista, filosofo, architetto, inventore del bio-design, già negli anni ’50 Colani interpreta le forme naturali di pesci, uccelli, alberi e, sfruttando studi di ingegneria aerodinamica, dà vita ad un linguaggio creativo di linee tondeggianti ed esasperate. Sostiene da sempre risparmio energetico, riduzione dei consumi, impiego di forme alternative, fedele al motto “basta tornare all’osservazione della natura e lì troviamo le forme perfette”. Famosi il record di velocità a basso consumo stabilito dalla sua Ferrari Testa d’Oro (351 Km/h nel 1989), gli Space Tracks, camion dal consumo ridotto del 35% grazie alle forme aerodinamiche, lo studio ergonomico della fotocamera Canon T90, oggi applicato a quasi tutte le macchine fotografiche, le navicelle spaziali ideate per la NASA, e poi pianoforti, spazzolini da denti, altoparlanti, scarpe, sedute, cucine, aerei, automobili… Luigi Colani, che oggi lavora a Milano presso il Colani BioDesign Research Center, collabora con il Politecnico per offrire alle nuove generazioni espe-

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rienze diverse. ‘Il Futuro è a Milano – Colani, BioDesign Codex Show’, a cura di Roberto Guerini, prima esposizione ufficiale del ‘guru dell’eco-design’, allestita presso Triennale Bovisa a Milano, ribadisce la centralità della natura sfidando l’immaginazione e focalizza l’attenzione sulla necessità futura dell’adattamento dell’uomo al proprio ambiente. Promos-

sa da ‘Il Futuro è in Italia’, associazione per divulgare la cultura bio sostenibile e attrarre le migliori menti nel nostro Paese, la mostra, porterà grandi installazioni in otto luoghi simboli della città, tra cui Piazza del Duomo e la Stazione Centrale.

Fino all’8 gennaio 2012. www.ilfuturoeamilano.it ; www.colani.it

In questa pagina, Luigi Colani con un suo progetto del 2004; qui sopra, il primo esemplare di Canon T90 (1983) dall’innovativa impugnatura ergonomica.

Foto Fredi Marcarini. Pagina accanto, Schimmel Pegasus Grand Piano (1990) e Corvette Dragster del 1989, auto velocissima (540 km/h) con presa d’aspirazione collocata per la prima volta accanto al motore. Foto Fredi Marcarini.

On this page, Luigi Colani with a project designed in 2004; above, the first model of the Canon T90 (1983) with the innovative ergonomic grip. Photo by Fredi Marcarini. Page across, Schimmel Pegasus Grand Piano (1990) and 1989 Corvette Dragster, a very fast car (540 km/h) with the air vent placed near the engine for the first time ever.

Photos by Fredi Marcarini.

That’s how he is described by his disciples, who include Ross Lovegrove, Karim Rashid, Ora Ito. Luigi Colani, born in Berlin to an Italian family, courted by Germany, the United States, China and Japan, has chosen Milan for a remarkable exhibition featuring works, projects, installations and prototypes chosen from the over 6000 projects he has developed throughout his 60-year career. A designer, artist, philosopher and architect, the inventor of bio-design, as early as the 1950’s Colani interpreted the natural forms of fish, birds, trees; exploiting his study of aerodynamic engineering, he developed a creative language of exasperated curved lines.

He has always advanced the ideas of saving energy, reducing consumption, using alternative forms, loyal to the motto “all we need to do is observe nature and that is where perfect forms may be found”. He is famous for the fuel economy speed record set by his Ferrari Testa d’Oro (351 km/h in 1989), the Space Tracks, lorries with aerodynamic forms that reduce fuel consumption by 35%, the ergonomic study for the Canon T90 camera, applied to almost every camera today, the space modules designed for NASA, as well as pianos, toothbrushes, loudspeakers, shoes, chairs, kitchens, airplanes, automobiles…

Luigi Colani, who currently works in Milan at the Colani BioDesign Research Center, collaborates with the Politecnico to offer the younger generations diverse experiences.

“The Future is in Milan – Colani, BioDesign

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Codex Show”, curated by Roberto Guerini, the first official exhibition of the ‘guru of ecodesign’, is at the Triennale Bovisa in Milan: it confirms the central role of nature, challenging the imagination, and focusing attention on how man will have to adapt to his environment in the future. Promoted by ‘The Future is in Italy’, an association whose mission is to spread bio-sustainable culture and attract the finest minds in our country, the exhibition will feature large installations in eight symbolic locations around the city, including Piazza del Duomo and the Central Railway Station. Through 8 January 2012. www.ilfuturoeamilano.it; www.colani.it

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In alto, Smart Coupé Shanghai, Colani City Car elettrica alimentata a batteria, con parabrezza tondo e tre spazzole tergicristallo a rotazione, realizzata nel 2003. In basso, alcuni disegni di Luigi Colani. Foto Fredi Marcarini.

At top, Smart Coupé Shanghai, Colani City Car an electric battery-powered vehicle, with a round windshield and three rotating windshield wipers, created in 2003. Below, drawings by Luigi Colani.

Photos by Fredi Marcarini.

FORME IN DIVENIRE

di Giulia Bruno foto Simona Cupoli

ESSENTIALLY EVOLVING FORMS Bellezza della natura, libertà d’espressione, innovazione tecnologica e quello che definisce essenzialismo organico, rappresentano l’universo creativo in cui Ross Lovegrove dà vita a forme senza fine, che “appaiono affiorando dallo spazio e materializzandosi dal nulla”.

Endless, alla Galleria Cardi Black Box di Milano e a cura di Maria Cristina Didero, prima personale in Italia del designer-artista-architetto gallese, raggruppa una serie di oggetti dalle linee affascinanti e sinuose. Accompagnati da una video produzione studiata ad hoc come unica fonte d’illuminazione, tavoli, panche, librerie realizzate in alluminio fresato e lucidato, sedute in caldo, prezioso rame lucidato “vivono grazie ad un’intrinseca energia dinamica”. Attuali e concreti e al tempo stesso carichi di forza misteriosa, primitiva e potente, si proiettano nel futuro percorrendo un infinito processo evolutivo. Gli oggetti di Endless continuano e completano Liquid Collection, collezione in cui la ricerca si sviluppa attraverso opere auto prodotte in edizione limitata. Nella loro eleganza formale rispecchiano la volontà di trascendere i limiti di scienza, tecnologia, architettura, design, per raggiungere, nell’essenzialità del segno inconfondibile, una strutturazione materiale emergente dall’estetica di forme liquide.

Dallo studio della struttura organica e delle sue forme - si definisce un biologo evoluzionista - all’uso delle più innovative tecnologie spinte ai limiti estremi, la sperimentazione di Ross Lovegrove si avvicina più alla scultura che al design funzionale, mai comunque rinnegato nei progetti per la produzione industriale. Seguendo strategie che la natura adotta da millenni, procede per sottrazione, eliminando il superfluo ed utilizzando la quantità minima di materiale necessario alle sue opere. Proprio nella sperimentazione trova linee che soddisfano contemporaneamente complessi problemi strutturali, funzionalità, rispetto per il pianeta, efficienza energetica. La materia si concretizza e si plasma lungo sinuosità senza tempo. Lovegrove indica possibilità di forme future articolando un linguaggio di profondo cambiamento verso una nuova fisicità che pone le radici nella più ancestrale storia della vita. www.cardiblackbox.com

In questa pagina, Ross Lovegrove con Liquid Bioform Quarter Table.

On this page, Ross Lovegrove with Liquid Bioform Quarter Table.

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The beauty of nature, freedom of expression, technological innovation and what may be defined as organic essence, constitute the creative universe of Ross Lovegrove as he brings forms to life “that surface from space and materialize out of nothing”. ‘Endless’, at the Galleria Cardi Black Box in Milan, curated by Maria Cristina Didero, is the first one-man show by the Welsh designerartist-architect in Italy, featuring a collection of objects with fascinating flowing lines.

Accompanied by a video developed for the occasion which serves as the sole light source, tables, benches, bookcases made out of polished milled aluminium, chairs made out of precious warm polished copper, “come alive thanks to their intrinsic dynamic energy”. Up-to-date and practical, yet charged with a mysterious, primitive and powerful force, they project into the future in an infinite evolutionary process. The objects in ‘Endless’ continue and complete the Liquid Collection, a collection of self-produced limited-edition objects into which he pours all his experimentation. Their formal elegance reflects the will to transcend the boundaries of science, technology, architecture and design to achieve an unmistakable essential sign, a material structure that emerges from the aesthetic of liquid forms.

From the study of organic structures and forms – he defines himself as an evolutionary biologist – from the choice of the most innovative technologies carried to the extreme, Ross Lovegrove’s experimentation is closer to sculpture than to functional design, which he has never reneged, however, in his projects for industrial production. Following the strategies that nature

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has adopted for millennia, he proceeds by subtraction, eliminating the superfluous and using the minimum amount of material required for his works. In his experimentation, he achieves a design that simultaneously satisfies complex structural problems, functionality, respect for the planet, energy efficiency. Material is concretized and shaped into timeless flowing form. Lovegrove opens possibilities for future form by articulating a language of profound change, for a new physical quality that is deeply rooted in the ancestral history of life. www.cardiblackbox.com

In questa pagina, in alto, Cetacea, sedute in rame; qui sopra, lavori di Ross Lovegrove presso la Galleria Cardi Black Box di Milano. Pagina accanto, Mega Bioform Table di Ross Lovegrove.

On this page, at top, Cetacea, copper seating; above, works by Ross Lovegrove at the Galleria Cardi Black Box in Milan. Page across, Mega Bioform Table by Ross Lovegrove.

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ARCHITECTURE CITY

di Michele Weiss

ALTA MILANO SOARING MILAN

Il progetto delle aree riqualificate di Porta Nuova entra nel vivo con la conclusione della struttura esterna della Torre Garibaldi, il nuovo edificio più alto d’Italia.

The project for the redeveloped areas of the Porta Nuova neighbourhood has reached its climax with the completion of the outer structure of the Garibaldi Tower, Italy’s new tallest building.

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Milan Cathedral respectively); it will take a super fast lift no more than 58 seconds to take you to the top. Designed by the internationally famed studio, Pelli Clarke Architects, which is active worldwide and specializes in large-scale projects, the Garibaldi Tower will stand out as the symbol of the new area of the Porta Nuova neighbourhood, which is based, in turn, on three different master plans – Garibaldi, Varesine and Isola –, with a view to redeveloping the three major hubs of the 20thcentury old town, with offices and shops, residences, urban green areas as well as cultural centres, including the Fashion Museum and the Memory Museum. The heart of the redeveloped area will accommodate, for example, the Porta Nuova Garden, a public park covering an area of approximately 90 thousand square metres with over 1,500 trees and educational botanical paths. Overall, there will be twenty-five new buildings (seventeen of them for residential use), all Leed Gold pre-certified, which means a major achievement for sustainable architecture.

Il nuovo look di Milano? Lo si può ammirare quasi… dalla Svizzera, perché, non tutti lo sanno, ha le fattezze di un edificio al di fuori della norma. Con la posa di Spire – la guglia superiore realizzata con 140 tonnellate di acciaio e ricoperta di lamiera e vetro, di forma slanciata e aperta –, la Torre Garibaldi, infatti, è ormai quasi del tutto terminata e la si vede già svettare dall’alto dei suoi 230 metri di altezza (quattro volte la Torre di Pisa e due il Duomo di Milano), che un ascensore ultraveloce ‘sbriciolerà’ però in soli 58 secondi.

Progettata dallo studio internazionale Pelli Clarke Architects, attivo in tutto il mondo e specializzato in progetti di dimensioni importanti, la

Torre Garibaldi sarà il simbolo della nuova area di Porta Nuova, che si sviluppa a sua volta attraverso tre differenti masterplan – Garibaldi, Varesine e Isola –, nati con l’obiettivo di riqualificare questi tre importanti cuori della vecchia città Novecentesca, realizzando al loro posto uffici e negozi, residenze, zone di verde urbano e anche centri per la cultura – come il Museo della Moda e il Museo della Memoria. Nel cuore dell’area riqualificata, tra l’altro, sorgeranno i Giardini di Porta Nuova, un parco pubblico di circa 90 mila metri quadrati con oltre 1500 alberi, e la possibilità di percorsi formativi di botanica. In totale, gli edifici nuovi saranno venticinque (diciassette a

destinazione residenziale) e tutti, inoltre, hanno ottenuto il pre-certificato Leed Gold, uno dei massimi riconoscimenti per l’architettura sostenibile.

What does Milan look like now?

You can admire it from… almost as far as Switzerland. Not everybody knows that it is a peculiar building. The Garibaldi Tower has nearly been completed, since it can now boast the top Spire, made with 140 tons of steel clad with sheet metal and glass, in a slender, open shape. It is 230 metres tall (which means four times the height of the Tower of Pisa and twice the height of the

Due immagini della posa del pennone avvenuta lo scorso ottobre 2011, atto finale della costruzione della Torre Garibaldi che, con 230 metri d’altezza, è il nuovo grattacielo più alto d’Italia.

Views of the spire which was placed in October 2011, as the last step of the project for the 230-metre-high Garibaldi Tower, Italy’s new tallest building.

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ARCHITECTURE ART

THE PROJECT BY FABIO FORNASARI di Elviro Di Meo

Uno luogo ideato come scoperta del territorio, ma anche come sosta per conoscerlo e viverlo nella sua dimensione più intima e profonda. È da queste premesse che nasce il progetto di Fabio Fornasari con l’intento di riqualificare la Torre Bandinella: baluardo che domina il corso dell’Arno e il paese di Incisa, a pochi chilometri da Firenze, e che nei secoli ha intessuto una relazione di centralità nel contesto circostante sia da un punto di vista simbolico, sia visivo. La torre, infatti, costruita su una collina che affianca il fiume è un vero e proprio landmark che segna una terra di mezzo tra Firenze e l’area aretina. Ma la finalità dell’intervento di Fornasari va oltre e si ricollega all’Outside Art: cioè a un linguaggio artistico irregolare, creato da autori che in questo particolare genere espressivo trovano un modo più semplice, liberatorio e costruttivo per relazionarsi con il mondo che gli sta intorno, usando strumenti diversi. Da qui la volontà di creare un centro museale dove la comunità di artisti possa entrare in contatto con l’arte e la cultura del territorio. Accanto al restauro dell’edificio e al suo riadattamento funzionale, il design di quest’ultimo sarà caratterizzato da texture particolari che si adattano al luogo. Rivestimenti in alluminio, resina, tessuti e gessi che piegano gli spazi in ambienti continui, sinuosi, ma anche taglienti e dal tratto nervoso. Una pelle mutevole che, attraversando ogni angolo del complesso, fornirà tutti i servizi necessari, ma ancora di più diventerà metafora e manifesto di un’architettura che non è più solo materica, bensì il luogo di scambio tra psicologie differenti, in cui l’obiettivo finale è far emergere il rapporto tra due polarità – artisti e visitatori –, sperimentando il modo con cui questo rapporto si manifesta artisticamente. www.fabiofornasari.com

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In questa pagina. In alto, planimetria del piano terra, con l’ubicazione del museo diffuso. Al centro, pianta del primo piano (a sinistra), piano ammezzato (a destra). In basso, pianta del secondo piano (a sinistra), pianta del soffitto, con l’indicazione dei colori (a destra). Nella pagina accanto, sezioni di progetto.

This page. Top, plan of the ground floor, with the museum. Centre, plan of the first floor (left), mezzanine (right). Bottom, plan of the second floor (left), plan of the ceiling, with colour indication (right).

Opposite, design sections.

A place conceived as a discovery of the territory, but also as a place to stop in order to become familiar with it and to experience its deepest and most intimate dimension. This is the premise that underlies the project by Fabio Fornasari to renovate the Torre Bandinella: a bulwark dominating the Arno river and the town of Incisa, just a few kilometers from Florence, which over the centuries has become a central element in the surrounding context in both a symbolic and a visual sense. The tower is in fact built on a hill along the river and is truly a landmark that indicates a midpoint between Florence and the area surrounding Arezzo. But the purpose of Fornasari’s project goes beyond that to touch on Outside Art: an irregular artistic language, created by authors who find this particular means of expression to be a simpler, more liberating and constructive way to relate to the world around them, using different tools. Hence the desire to create a museum where the community of artists can come into contact with the art and culture of the territory.

Apart from the restoration of the building and its functional renovation, the design will be distinguished by particular textures that are appropriate to the place. Aluminum cladding, resin, fabric and gypsum will shape the rooms into continuous spaces, fluid yet cutting and at times nervous. A changing skin that moves through every corner of the complex to provide all the required services, but also becomes a metaphor and manifesto of architecture that is no longer just material, but a place to exchange different psychologies, the final objective of which is to highlight the relationship between two polarities – artists and visitors, and to examine how this relationship is manifested artistically. www.fabiofornasari.com

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ARCHITECTURE CITY

PELLE DI DESIGN

di Elviro Di Meo

THE SKIN IS DESIGN

Tre edifici dal carattere introverso, come ripiegati su se stessi, organizzati intorno a uno spazio verde dal forte carattere evocativo. Ăˆ il nuovo volto dell’area Maciachini di Milano, dove uffici, museo e teatro del contemporaneo ridisegnano il frammento urbano.

Three rather introverted buildings, that seem to look into themselves, organized around a green space with a powerfully evocative atmosphere. This is the new look of the Maciachini area in Milan, where offices, a museum and a theatre of contemporary arts redesign this fragment of the city.

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Apparentemente distaccati nella composizione stilistica e nella sintassi progettuale individuata e diversificati per la scelta funzionale delle destinazioni d’uso, gli edifici lavorano in un reciproco confronto dialettico, dettato da forme e colori, ma anche da continui rimandi prospettici.

In queste pagine, particolari dei prospetti del complesso adibito a uffici. All’interno si alternano, come elementi della stessa architettura, arredi lineari dal gusto minimalista. Foto di Alessandro Pedretti.

Apparently detached in the stylistic composition and the design syntax which delineates and diversifies them on the basis of their function, the buildings engage in a mutual dialectic, determined by the forms and colours, but also by a constant perspective interaction. On these pages, details of the façades of the building used for offices. Inside, linear minimalist furniture with pieces that are like elements of the architecture itself. Photography by Alessandro Pedretti.

Si ispira a un design di ricerca, in cui si esalta il cromatismo di colori brillanti e nitidi, contraddistinto da volumi puri che segnano la geometria delle forme, il progetto ideato dallo Studio Italo Rota&Partners per la riconversione della zona industriale Maciachini, nel capoluogo lombardo. Un’opera di restyling urbano iniziata quando già erano in fase avanzata i lavori per l’immobile della Zurich Insurance Company e l’intervento all’interno del primo lotto dell’ex area Carlo Erba. Ed è in questo rettangolo rimasto libero che Italo Rota, con Alessandro Pedretti, Carlo Ferrari e Diego Terna, disegnano un cuore pulsante in grado di contenere uno spazio verde attrezzato, un’attività pubblica culturale e altri due edifici adibiti a uffici e a uso commerciale, con un elegante centro benessere.

A confronto con gli altri volumi esistenti, l’articolazione in verticale dei piani non supera mai il terzo livello, così da garantire una visuale profonda, aperta su

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ogni angolo. Pur nella diversa destinazione d’uso, gli edifici, apparentemente distaccati nella composizione stilistica e nella sintassi progettuale individuata, lavorano in un reciproco confronto dialettico, nonostante il loro aspetto così diversificato. Dal carattere introverso, senza denunciare in alcun modo all’esterno la spazialità interna, come se protetti da una pelle impermeabile, il teatro e il museo sono rivolti verso il parco pubblico, in modo che questi in estate si trasformi in una platea naturale. Museo e teatro sono entità buie per loro stessa natura funzionale, anche se rappresentano uno spazio entro cui si svolgono attività varie, quali la produzione, la sartoria, la costruzione dei decori, la finalità pedagogica strettamente legata allo spirito museale, con la storica collezione di marionette. “Il teatro, una costruzione scomposta di volumi bianchi, molto semplice, che continuano a creare nei loro incontri finestre e giardini interni – spiega Italo Rota dialogando con Luca Molinari –, è di quelli sperimentali, più simile a una grande sala di registrazione televisiva. L’idea era fare un teatro nuovo per Milano, luogo in cui ci sono tantissimi teatri, ma [dove] mancava uno di questo tipo;

In queste pagine, prospetto ovest dell’edificio Virgin: edificio destinato a palestra, centro benessere e attività commerciali. Pagina accanto: in alto, il fronte sud; in basso, il riflesso della facciata sud del Virgin che si rispecchia nel vicino complesso Levi’s per uffici. Foto di Giovanni Chiaramonte.

On these pages, the western façade of the Virgin building: the building will house the gym, wellness centre and shopping area. Page across: at top, the southern façade; below, the reflection of the southern façade of the Virgin building mirrored in the nearby Levi’s office building.

Photography by Giovanni Chiaromonte.

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peraltro, molto richiesto per le rappresentazioni del contemporaneo”. Essenziale e decisamente ‘friendly’ è l’edificio destinato a uffici, in cui prendono vita, come elementi della stessa architettura, arredi lineari dal gusto minimalista. Qui, attraverso passaggi sospesi nel vuoto, si intravedono spazi a doppia altezza, nonché la sovrapposizione dei piani e di percorsi con l’affaccio diretto su giardini, terrazze e specchi d’acqua. Si aprono alla vista ambienti che hanno altezze, colori e tipi di luce differenti, in piena sintonia con la percezione rilassante di chi li vive per esigenze di lavoro. E se il polmone verde svolge la duplice funzione di dare ossigeno all’intero manufatto, oltre a configurarsi come proscenio del teatro, assume un significato commemorativo legato alla memoria: i treni della Shoa che partivano da Milano. È lo stesso architetto a spiegare le caratteristiche dell’intervento. “Non [è] un monumento, ma un ricordo di qualcosa che non dovrà più accadere. L’idea è stata quella di prendere un vagone classico e abbassarlo nel terreno.

Questi vagoni venivano, infatti, riempiti di persone e sigillati, per cui si è riempito il vuoto di calcestruzzo, per poi incendiarlo, in modo che resti, [come una

traccia indelebile sospesa tra le pagine più buie della storia], l’aria dell’ultimo viaggio, l’ultimo volume della vita, che era aria. Senza troppe vie di mezzo o metafore. Questi sono argomenti in cui l’arte astratta o quella concettuale non riescono a essere pertinenti. È l’immensità dell’evocazione; bisogna essere diretti”.

Al di là della riconversione multifunzionale, il progetto Maciachini segna uno spartiacque rispetto ad altre operazioni che interessano città come Milano, Torino, e l’area industriale di Venezia. La differenza la fanno i proprietari che investono sulla costruzione in maniera alternativa rispetto agli standard attuali, a partire dal progetto fino alla realizzazione dell’opera. “Il problema – conclude l’architetto - è il bilancio finale, come sempre. Se uno prende tutti i dettagli e li vuole sempre far tornare, alla fine non si fa nulla. Ma la differenza sta anche nell’architettura che qui è molto variegata, per usi, tipologie e linguaggi. C’è anche la consapevolezza di essere in periferia, di cercarne le regole. Maciachini è un progetto aperto, non ha cancelli, e speriamo che la sua natura, il suo essere altro si autodifenda nel tempo”. www.studioitalorota.it

The project designed by Studio Italo Rota & Partners for the renovation of the Maciachini industrial zone in the city of Milan is inspired by experimental design, which cultivates the chromatic quality of crisp bright colours, distinguished by pure volumes that characterize the geometry of the forms. This urban restyling project began when the Zurich Insurance Company building and the project for the first phase of the former Carlo Erba area were in an advanced phase of construction. This leftover free rectangular area is where Italo Rota, with Alessandro Pedretti, Carlo Ferrari and Diego Terna, designed a beating heart that could contain a designed green space, public cultural activities and two more buildings for office and commercial use, with an elegant wellness centre.

In relation to the volumes of the existing buildings, the vertical extension of these buildings

is never higher than the third floor, thereby creating a deep visual perspective, open at every corner. Though the buildings are designated for different uses, and seem detached in the stylistic composition and in the syntax of the design, they work together, engaging in a mutual dialectic despite their dissimilar appearance. Introverted by nature, doing nothing on the outside to reveal the quality of the space inside, as if protected by a waterproof skin, the theatre and museum are turned towards the public park, so that in the summer they can use it as a natural arena. The museum and theatre are dark by the very nature of their function, though they represent a space in which many different activities take place, including production, tailoring, set construction, the educational mission closely tied to the museum spirit, with the historic collection of puppets. “The theatre, a deconstructed complex of

white, simple volumes that create windows and indoor gardens where they meet, – explains Italo Rota in his conversation with Luca Molinari - is an experimental one, more like a large television production studio. The idea was to create a new theatre for Milan, which as a city has lots of theatres, but none of this type; which, by the way, is very much in demand for contemporary productions”. The office building is essential and definitely “friendly”, decorated with furniture in a linear minimalist style with pieces that are like elements of the architecture itself. Here, across walkways suspended over the void, you can catch glimpses of double-height spaces, and layers of floors and walkways that overlook the gardens, terraces and pools of water. Views open onto spaces with different heights, colours and types of light, in harmony with the relaxed perception of the people who work there. And while the green

lung gives oxygen to the entire building, and at the same time appears as the proscenium for the theatre, it also becomes significant as a commemoration: the memory of the trains leaving Milan for the Shoah. The architect himself explains the salient features of his project: “This is not a monument, but a memory of something that must never happen again. The idea was to take a classic railroad car and sink it into the earth.

These cars were filled with people and then sealed, so we filled the void with concrete, then burned it to preserve [as an indelible mark suspended between the darkest pages of our history] the atmosphere of the final journey, the last book of life, which was air. Without compromise or metaphor. These are issues towards which abstract or conceptual art are incapable of pertinence. It is the immensity of evocation: you have to be straightforward”. Apart

from the functional renovation, the Maciachini project is a watershed with respect to the other operations that involve cities such as Milan, Turin, or the industrial area in Venice. The difference lies in the owners, who are investing in construction with an approach that is alternative to today’s standards, from the design project to the construction. “The problem, concludes the architect, is the final balance, as always. If you take all the details and want everything to work out, in the end nothing gets accomplished. But the difference also lies in the architecture which is quite varied, in terms of use, typology and language. The project is conscious of its suburban location, and tries to understand its rules.

Maciachini is an open project, there are no gates, and our hopes lie in its nature, in its being different so that it can defend itself over time”. www.studioitalorota.it

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DESIGN CAR

GALOPPO NEL FUTURO THE STALLION GALLOPS INTO THE FUTURE di Michele Weiss

Con il primo World Design Contest, riservato alle scuole di car design di tutto il mondo, la Ferrari apre le porte a una nuova forma di collaborazione per vincere le prossime sfide del mercato dell’auto sportiva.

With the first “World Design Contest”, reserved for car design schools throughout the world, Ferrari opens the doors to new forms of collaboration to win the coming challenges in the sports car market.

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Se lavorare per il Cavallino Rampante è da sempre il grande desiderio degli italiani, adesso, si può dire che lo stesso vale anche per gli stranieri.

E non solo per il fatto che quello della Ferrari è il brand tricolore più conosciuto e amato nel globo, quanto perché, la casa costruttrice modenese, per affrontare al top le sfide del futuro, ha aperto le porte di Maranello al mondo, e, in particolare, ai giovani. Per stabilire un forte contatto con le nuove generazioni, i vertici dell’azienda hanno infatti pensato a una competizione di ‘car design’ finalizzata a scrivere, da adesso, il futuro dell’auto sportiva, all’insegna di stilemi rivoluzionari ma anche dei nuovi regolamenti industriali, che impongono alle case costruttrici di auto di pensare molto di più all’ambiente: per questo, il primo World Design Contest made in Maranello, aveva l’obiettivo di provare a concretizzare sogni futuribili a quattro ruote, ma con tecnologia e innovazione al servizio dell’eleganza e della sostenibilità. Del resto, in Ferrari sono molto attenti al fattore umano, a partire dalla relazione con i dipendenti per finire con quella con la clientela: i bolidi, che, com’è noto, sono realizzati interamente qui, nei nuovi stabilimenti progettati da archistar del calibro di Jean Nouvel e Renzo Piano, hanno gli interni personalizzati (a proposito, a settembre è annunciata una grande novità al riguardo), disegnati completamente intorno ai desiderata dell’acquirente, che da par suo è consapevole di montare su di un sogno motorizzato, di entrare a far parte di un mito, se non proprio di una ‘religione’ sportiva. Per questo, le uniche indicazioni fornite agli studenti delle scuole di design ammesse al Contest, sono state di disegnare con la mano (prima del pc) rispettando le inconfondibili linee estetiche delle auto made in Maranello, che hanno contribuito a fare la storia dell’automobilismo mondiale: innovare senza freni, quindi, ma nel solco della tradizione della Rossa. Un compito difficile per questi giovani aspiranti car designer, che al bando lanciato a fine 2010 hanno risposto con

entusiasmo eccezionale da ogni parte del pianeta: sono stati ben quattrocento gli istituti che hanno chiesto di partecipare – subito ridotti a venti e, infine, dopo un’altra sforbiciata nel febbraio scorso, ristretti a sette. Le magnifiche sette ‘sorelle’ (due le italiane, lo IED e lo IAAD di Torino, affiancate dal Royal College of Arts di Londra, l’Istituto Europeo di Design di Barcellona, il College l’Hongik di Seul, il DSK Supinfocom di Pune, India, e il College For Creative Studies di Detroit), quindi, insignite dall’onore di contendersi l’ambito premio, assegnato a fine luglio con una premiazione in grande stile proprio a Maranello, alla presenza di centinaia di giornalisti provenienti da tantissimi Paesi oltre che dei vertici aziendali al gran completo – con in testa il presidente Luca Cordero di Montezemolo fino al top driver F1 della Rossa, lo spagnolo Fernando Alonso. Insomma, il messaggio per l’anno 2011 è forte e chiaro, la Ferrari non ha paura di cambiare: la conferma, oltre al World Design Contest, la nascita del primo modello sportivo ‘famigliare’ del Cavallino, la FF, che spalma i suoi 600 e passa Hp su quattro ruote motrici, quattro posti e un bagagliaio senza precedenti.

Durante la premiazione dei giovani talenti, scorrevano alcuni video che ritraevano in azione quest’ultima creatura di Maranello: sarà un successo?

Impossibile dirlo, certo che il cambiamento è reale e il colpo d’occhio lo si avverte tutto. Anche i modellini (in scala 1:4) delle hyper-car partecipanti al World Design Contest quanto a colpo d’occhio non scherzano, sembrano, e in fondo non è una sorpresa, moduli lunari più che macchine.

L’aspetto prototipale è evidente: difficile che vedremo mai delle Ferrari con queste linee hard, ma, sia il capo progettista Flavio Manzoni, che lo stesso Montezemolo, sembrano convinti quando raccontano che le idee e le suggestioni emerse in questa gara, prime fra tutte la grande attenzione alla riduzione dei consumi e alla proposizione di motorizzazioni alternative, con l’ibridazione (metà benzina-metà elettrico) su tutti. Decisamente

oltre sono andati i vincitori, i coreani dell’Università di Hongik, che con Eternità hanno ideato una barchetta biposto ispirata alla F1: al centro del progetto un gruppo propulsore innovativo, caratterizzato da leggerissimo carbonio a strati, un sistema di immagazzinamento dell’energia del volano e un motore superconduttore potente ad alta efficienza, dotato di un fantascientifico generatore di idrogeno. Non da meno, quanto a radicalità, il progetto che ha ottenuto il secondo premio, Xezri, dello IED di Torino: una macchina ispirata al vento, che oltre a dettare le linee estetiche fornisce l’energia per la vettura stessa. Basata addirittura su alcuni concetti dell’aereonautica, questa hyper-car ha un alettone-spoiler sul tetto del veicolo che, passati i 200 km/h si solleva in modo che, una volta spalancata, la presa d’aria consente di raffreddare il motore. Su idee futuristiche, infine, come il propulsore turbo di 4 cilindri a bioetanolo combinato a un motore elettrico, fa leva il terzo classificato, Cavallo bianco, opera del Royal College of Arts di Londra: ma il vero plus è che è l’unico modello pensato espressamente per l’inverno, per gareggiare sulle acque di un lago ghiacciato con l’immancabile resort stile 007, senza bisogno di ruote. Target la madre Russia quindi, e gli altri nuovi mercati orientali, che sempre più impongono al Cavallino Rampante di aprirsi al mondo e alla collaborazione a 360° per vincere la sfida del futuro.www.ferrari.com

In queste pagine, il logo del Ferrari World Design Contest 2011 e due progetti presentati nel corso della manifestazione.

On these pages, the logo of the Ferrari World Design Contest 2011 and two of the projects presented during the event.

If working for the Prancing Stallion has always been the greatest wish of many Italians, the same thing can now be said for foreigners. And not just because the Ferrari is the most famous and beloved Italian brand in the world, but because the automobile manufacturer from Modena wants to prepare for the challenges of the future, and has opened the doors of Maranello to the world, and to young people in particular. To establish a strong contact with the new generations, the company leadership has in fact conceived a “car design” competition with the purpose of delineating the future of the sports car, with revolutionary styles and new rules for the industry, that will force automobile

manufacturers to pay greater attention to the environment: for this reason, the objective of the first “World Design Contest” made in Maranello, is to try and concretize real futurible dreams on four wheels, that rely on technology and innovation at the service of elegance and sustainability. Of course, Ferrari is very focused on the human factor, in the relationship with its employees and with its clients as well: the race cars, which everyone knows are built entirely in the new factories designed and built here by archi-stars of the caliber of Jean Nouvel and Renzo Piano, have customized interiors (by the way, there will be big news on the subject in September), designed completely around the desires of the

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buyer, who is fully aware that he is climbing into a motorized dream, becoming part of a legend, even a religion…a sports religion.

That is why the only instructions to the students of the design schools admitted to the Contest, were to draw… by hand (before getting on the computer) and to respect the unmistakable aesthetic style of the automobiles made in Maranello, which have made world automobile history: to innovate with no holds barred, but in the wake of the Ferrari tradition. A difficult task for these aspiring young car designers, who responded with exceptional enthusiasm to the competition launched in 2010: four hundred institutions applied to participate – and were soon reduced to twenty, and after a final selection, cut down to seven. The magnificent “seven sisters” (two are Italian, the IED and the IAAD of Turin, with the Royal College of Arts in London, the European Institute of Design in Barcelona, the Hongik College in Seoul, the DSK Supinfocom from Pune, India, and the College for Creative Studies in Detroit), were granted the honour of competing for the prize, awarded at the end of July in a ceremony held in grand style at Maranello, in the presence of hundreds of journalists from many countries around the world and the company’s top management – headed by the president, Luca Cordero di Montezemolo and including the top F1 driver of the Ferrari, Fernando Alonso from Spain.

The message for the year 2011 is loud and

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clear, Ferrari is not afraid of change: the proof lies not only in the World Design Contest, but in the birth of Ferrari’s first “family” sports car, the FF, which puts its more than 600 hp on a four wheel drive vehicle, a four-seater with an unprecedented boot. During the awards ceremony for young talent, there were videos portraying Maranello’s latest creation: will it be a success? Impossible to say, what is certain is that the change is real and you can see it at a glance. Even the models (at a scale of 1:4) of the hyper-cars participating in the World Design Contest are an eyeful, but, and this is really no surprise, they look more like lunar modules than cars. It is obvious that they are prototypes: it is unlikely that we will ever see a Ferrari with lines this hard, but both the chief designer Flavio Manzoni and Montezemolo himself seem convinced when they explain the ideas and suggestions that have come out of this competition, first and foremost the focus on saving petrol and the alternative proposals for the motors, primarily hybrids (half petrol-half electric).

The winners, the Koreans from the University of Hongik, went much farther: in their project named “Eternità”, they invented a small twoseat boat inspired by the F1. At the centre of the project, an innovative propulsion group, characterized by the lightweight carbon laminate, a system for storing the energy of the flywheel and a powerful high-efficiency superconductor motor, with a fantastic

hydrogen generator. No less radical is the project that won second prize, “Xezri”, by the IED in Turin: a car inspired by the wind, which dictates the aesthetic approach and also provides energy for the car itself. Based on a number of aerospace concepts, this hyper-car has a spoiler on the roof of the vehicle that, at a speed greater than 200 km/h, rises so that the air vents, when opened, cool the motor.

The third-prize winner, “White horse” by the Royal College of Arts in London, relies on futuristic ideas, such as the 4-cylinder turbo engine fueled by bio-ethanol: but the real advantage is that this was the only style conceived expressly for the winter, for competing on the waters of a frozen lake beside the classic James Bond-style resort, with no need for wheels. The target is mother Russia, and other new Oriental markets, which are forcing the Prancing Stallion to open up to the world and to new collaborations all around in order to win the challenges of the future. www.ferrari.com

Pagina accanto, Cavallo Bianco, progetto terzo classificato del Royal College of Arts di Londra. In questa pagina, dall'alto, foto di gruppo dei vincitori con il presidente Ferrari Luca Cordero di Montezemolo e Fernando Alonso. Accanto, una veduta dei modellini delle hyper-car esposte e un disegno di EternitĂ , il progetto vittorioso.

Page across, Cavallo Bianco, the project that won third prize by the Royal College of Arts in London. On this page, from top, group photo of the winners with the president of Ferrari, Luca Cordero di Montezemolo, and Fernando Alonso. Adjacent, a view of the models of the hyper-cars on exhibit and a drawing of EternitĂ , the winning project.

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In queste pagine, alcuni disegni delle hyper-car presentate al Contest: da sinistra EternitĂ , 328 Monaco, Cavallo Bianco e Due Litri. Sotto, tre foto degli stabilimenti Ferrari ultra-tecnologici di Maranello con, a sinistra, il padiglione disegnato da Jean Nouvel.

On these pages, drawings of the hyper-cars presented at the Contest: from left EternitĂ , 328 Monaco, Cavallo Bianco and Due Litri. Below, three views of the ultra-technological Ferrari factories in Maranello, with at left the pavilion designed by Jean Nouvel.

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DESIGN FASHION

VESTIRE LE IDEE DRESSING UP IDEAS

Indossare un libro per custodirne la memoria e vestire un abito che interagisce con la natura e il suo corso non è affatto impossibile. I progetti di Francesca Soffientini e Laura Villa, neolaureate in Design di Moda al Politecnico di Milano, dimostrano che la moda non è effimera. Al contrario, nasce per fissarsi nel tempo.

Wearing a book to preserve its memory and wearing a dress that interacts with nature and its course, is not at all impossible. The projects by Francesca Soffientini and by Laura Villa, recent graduates in Fashion Design at the Politecnico di Milano, demonstrate that fashion is not ephemeral. On the contrary, it is created to be fixed in time.

RACCONTI. PER FILO, PER SEGNO Raccontare è atto inseparabile dell’esistere, poiché tutto conserva e rilascia memoria: queste sono le basi su cui si sviluppa la tesi di Francesca Soffientini, ‘Racconti per filo e per segno’, incentrata sulla relazione fra tempo e materia. Obiettivo del progetto è stata l’indagine sul modo in cui la memoria si immagazzina negli oggetti e viene espressa nel design, nella moda, nell’arte, nella vita quotidiana: come ricordiamo, perché, dove lasciamo i segni di tale memoria, cos’è e come si esprime. L’idea progettuale nasce durante un viaggio in India, tramite l’incontro con popolazioni nomadi del deserto dello Stato del Gujarat, le quali trascrivono ogni elemento della loro vita sui propri abiti, veri e propri ‘libri dell’esistenza’. Il fluire del tempo è da sempre materia di riflessione per artisti e designers, che non rinunciano al tentativo di immortalarlo, comprenderne l’essenza, studiarne gli effetti: la memoria affascina, avvolge ogni cosa, volente o nolente e, anche la moda, dai più considerata il regno dell’effimero, non ne è esente. Al contrario, secondo Francesca Soffientini, l’abito è l’elemento più intimo del corpo, metafora di una copertina che avvolge le pagine su cui si inscrivono i segni del tempo. Lasciandosi alle spalle il mondo della moda e della transitorietà, l’abito si

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di Martina Radice e Clara Alessi

Collezione ‘Racconti. Per filo e per segno’ di Francesca Soffientini: ogni outfit custodisce la sua memoria all’interno di un libro - cinque neri e due bianchi -.

Pagina accanto, foto Angela Grossi.

Collection ‘Racconti.Per filo e per segno’

by Francesca Soffientini: every outfit preserves its memory inside five black books and two white books. Opposite, photo by Angela Grossi.

svincola dai parametri in cui viene inserito quotidianamente, sconfinando in una collezione la cui idea e forma di partenza è il libro, simbolo per eccellenza della conoscenza che resta. La collezione si divide in due parti: una indaga la forma, l’altra il contenuto. Partendo da un grosso rettangolo di cotone nero, tagliato in punti strategici e ripiegato più volte su se stesso, si ottiene un libro, le cui pagine, magicamente, sfogliandosi e dispiegandosi, prendono le sembianze di cinque capi differenti, un paio di pantaloni, una gonna, un abi-

to, una giacca, un cappotto. Francesca costruisce e decostruisce, modellando forme geometriche che prendono vita sul corpo; le pagine si ridispongono liberamente in nuove forme, fermate solo attraverso poche cuciture e da calamite invisibili. La seconda parte della collezione si focalizza sul segno e sulla scrittura; sfruttando il cartamodello di un libro di dimensioni ridotte nascono due corpetti, sulle cui superfici si srotola il filo, vero e proprio simbolo di connessione, che annodandosi e ingarbugliandosi si fa portavoce di un

alfabeto universale, alternando pieni e vuoti, parole e silenzi. Un ricamo si sviluppa a trama, l’altro a struttura lineare, secondo la designer le due forme dell’evolversi del tempo. Il progetto alterna forme dinamiche con segni indelebili, racconta l’evolversi di un tempo mutevole, senza dimenticare che comunque venga manipolata, la memoria resta. Basta saperla leggere, sia per filo, che per segno. www.francescasoffientini.com Clara Alessi

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SPINNING STORIES. WORD FOR WORD… Telling stories is inseparable from existence, because everything conserves and releases memory: this is the basis for the development of Francesca Soffientini’s thesis, “Racconti per filo e per segno”, centred on the relationship between time and matter. The objective of the project is to explore the way that memory is collected in objects and expressed in design, fashion, art and everyday life; how we remember, why, where we leave the signs of this memory, what it is and how it is expressed. The design idea developed during a trip to India, in an encounter with the nomadic populations of the desert in the State of Gujarat, who write every element of their life onto their clothes, which become their “books of existence”.

The flow of time has always been food for thought for artists and designers, who do not give up their efforts to immortalize it, to understand its essence, to study its effects: memory is fascinating, it surrounds everything, whether one likes it or not, and even fashion, considered by most to be the reign of the ephemeral, is not immune. On the contrary, according to Francesca Soffientini, the garment is the most intimate element of the body, the metaphor for a cover that encloses the pages on which the signs of the times are inscribed.

Leaving behind the world of fashion and the transitory, the garment shakes off its everyday parameters, moving into a collection for which the original concept and form is the book, the symbol par excellence of knowledge that remains. The collection is divided into two parts: one explores

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Sopra, dettaglio del libro aperto: le pagine evolvono in un corpetto. A destra, gonna/libro. Pagina accanto, il progetto di Laura Villa: ‘Alba invernale’ (foto Angela Grossi), in alto, e ‘Tramonto autunnale’, in basso; bracciale modulare in ottone Maddalena Selvini.

Above, detail of the book when open: the pages can be turned into a bodice.

Right, skirt/book. Opposite, Laura Villa’s Project: ‘Alba invernale’ (Photo, by Angela Grossi), top, and ‘Tramonto autunnale’; Modular brass bracelet by Maddalena Selvini.

form, the other content. Starting with a large rectangle of black cotton, cut at strategic points and folded over again and again, the result is a book whose pages magically turn and unfold to appear as five different garments, a pair of trousers, a skirt, a dress, a jacket, a coat.

Francesca constructs and deconstructs, shaping geometric forms that come to life on the body; the pages reassemble freely into new forms, held in place by the few seams and by invisible magnets.

The second part of the collection is focused on signs and writing; using the pattern of a smaller book she makes two bodices, on the surface of

which the thread unfurls, as a symbol of connection, that knots and tangles to become the voice of a universal alphabet, alternating solids and voids, words and silence. One embroidery weaves into a pattern, the other in a linear structure, according to the designer the two forms of evolution over time. The project alternates dynamic forms with indelible signs, narrating the evolution of fluctuating time, without forgetting that however it is manipulated, the memory remains. You just have to know how to read these stories, spun word for word. www.francescasoffientini.com

MATERIA MUTEVOLE E PROCESSI IN CORSO Da sempre attenta alle innovazioni e sperimentazioni materiche, Laura Villa indaga nel progetto Time Lapse le relazioni e le connessioni tra natura, tempo, moda e design. Il fascino delle suggestioni emotive di Marguerite Yourcenar, in cui il tempo diventa un grande scultore di oggetti e natura, si combina alle teorie semiotiche sul concetto di ‘patina’ di Jacques Fontanille e alle rovine architettoniche di Roberto Peregalli, traducendosi in un nuovo percorso: i concetti di tempo e natura diventano elementi indispensabili per la progettazione di una moda dinamica, materica, orientata al design. In questo scenario, Laura pensa sia i materiali che i corpi come oggetti che acquistano bellezza trasformandosi nel tempo, grazie al loro cambiamento. La designer accetta il concetto di imprevedibilità nel processo creativo lasciando la natura libera di interagire con esso. L'imperfetto, il transitorio e l'incompiuto sono le nuove chiavi progettuali che raccontano storie e processi passati, iscrivendosi sulla pelle degli oggetti nel tempo. Nascono così due collezioni di abbigliamento tinte artigianalmente con tintura naturale, dove i capi maturano nel tempo caricandosi di valore aggiunto: evocano il passato, mostrano il presente e racchiudono il cambiamento futuro. I tessuti sono naturali e il processo di produzione segue i ritmi della natura.

Alba invernale, collezione giorno, incarna le imperfezioni ed imprecisioni derivate dall'utilizzo della tintura naturale. La sovrapposizione di più estratti all’interno di diversi bagni di tintura per-

mette la creazione di sfumature, di macchie, linee imperfette. Il risultato non è prevedibile ma blocca l’istante e visualizza in maniera permanente il momento in cui i colori si fondono, generando linee e sovrapposizioni di colori che lentamente sfumano al bianco.

Tramonto autunnale, collezione sera, esalta quelli che sono normalmente considerati i difetti della tintura naturale, rendendoli essenziali nello sviluppo dell'abito. L’instabilità alla luce solare dei tessuti tinti con tintura naturale viene rivalutata, creando abiti ‘in progress’, dinamici, mutevoli e imprevedibili. I capi, realizzati con pieghe e textu-

re materiche, vengono lasciati sbiadire per estati intere sotto i raggi solari, raccontando così una biografia dell'abito che dialoga con il ciclo naturale e che rende l'oggetto testimone del tempo. Fattori climatici, luoghi precisi, periodi di tempo, nuvole, ombre e sfocature diventano l'anima dell'abito. Laura Villa sintetizza la sua lunga ricerca in un progetto che unisce l’emozionalità di un capo artigianale, unico e irripetibile, all’identità del luogo di produzione, creando abiti che invecchiano nel tempo al pari dell'essere umano. www.lauravilla.com Martina Radice

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‘Alba invernale’ di Laura Villa: trasparenze, sfumature di colore e tintura naturale. Pagina accanto, ‘Tramonto autunnale’: life style e blusa in seta plissettata; foto Angela Grossi.

‘Alba invernale’ by Laura Villa: transparencies, colour nuances and natural dyes. Opposite, ‘Tramonto autunnale’: life style and pleated silk blouse; Photo by Angela Grossi.

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CHANGING MATTER AND ONGOING PROCESSES As always sensitive to innovation and experimentation with materials, Laura Villa explores the relations and connections between nature, time, fashion and design in her project Time Lapse. The fascination of the emotional suggestions of Marguerite Yourcenar, in which time becomes a great sculptor of objects and nature, is combined with the semiotic theories based on the concept of “patina” by Jacques Fontanille and on the architectural ruins by Roberto Peregalli, translating into a new direction: the concepts of time and nature become indispensable elements for designing in a dynamic, material, design-oriented way.

In this scenario, Laura views both materials and bodies as objects that acquire their beauty as they are transformed over time, because of the way they change. The designer accepts the concept of unpredictability in the creative process by leaving nature free to interact with it. The imperfect, the transitory and the incomplete are the new design keys that focus on stories and past processes, as they are engraved onto the skin of objects over time.

This led to two collections of hand-dyed clothing, using natural dyes, where the garments mature over time to acquire significant added value: they evoke the past, they show the present and enclose the promise of change. The fabrics are natural and the production process follows the rhythm of

nature. Alba invernale, the daytime collection, relies on the imperfections and irregularities left by natural dyes. By layering a succession of extracts in multiple dye baths, nuances, spots, and imperfect lines are created. The result is not predictable but freezes the moment and permanently visualizes the instant in which the colours blend together, generating lines and layers of colours that slowly fade into white.Tramonto autunnale, the evening collection, highlights what are normally considered the defects of natural dyes, making them essential in the development of the clothing. The instability of fabrics dyed with natural dyes in the sunlight is reconsidered, creating clothing “in progress”, dynamic, changing and unpredictable. The clothing, made with pleats and material textures, are allowed to fade over the summer under the rays of the sun, thereby narrating the biography of the garment that dialogues with the cycle of nature and turns the object into a witness of time gone by. Weather conditions, place, time, clouds, shadows and blurs become the soul of the garment. Laura Villa synthesizes her lengthy research in a project that combines the emotion of a hand-crafted garment, unique and unrepeatable, with the identity of the place of production, creating clothing that grows old over time like a human being. www.lauravilla.com

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DESIGN REPORTAGE

SPEAKING ENGLISH di Rosa Maria Rinaldi

Londra è stata definita la città più globale del mondo. Al suo nono anno di esistenza, il Design Festival conferma la sua fama di essere il principale evento creativo internazionale.

London has been defined as the most global city in the world. Nine years after it was founded, the Design Festival confirms its reputation as the most important international festival of creation.

Più di 300 eventi, circa 200 partners , hanno celebrato la capitale creativa per eccellenza, spargendo a ampi gesti semi di design ovunque, con la mano di un abile giardiniere, che coltivando, rinnovando e innestando, migliora il proprio parco ogni anno di più. Data la dimensione del fenomeno sempre più internazionale, diventa assai complesso restituire con le parole e sintetizzare con le immagini quanto si è visto e respirato durante l’evento. Da qui la scelta di puntare il nostro focus su progetti e progettisti, che abbiano matrice anglosassone. Per iniziare, niente di meglio del Victoria&Albert Museum, dove, per il terzo anno consecutivo, il design festival ha organizzato un ampio programma di attività: per tutta la durata della manifestazione, una grande onda in quercia rossa americana, la Tiber

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Wave progettata da Amanda Levete in collaborazione con AHEC e Arup, incornicia l’ingresso principale del museo e ci spinge simbolicamente a varcare la soglia del tempio. L’attenzione è catturata da una mostra particolarmente attuale The Power of Making, che stimola sensi e riflessione sulla trasformazione dell’uso contemporaneo della manualità. 100 oggetti fatti a mano fanno luce sulla sostanziale differenza tra artigianato di un tempo e quello innovativo. Entrambi di fondamentale importanza, hanno scopi diversi. I manufatti tradizionali si ripetono immutati e traggono qualità dalla perfezione dell’esecuzione, mentre quelli sperimentali puntano sull’invenzione e pertanto non richiedono di essere ripetuti e tollerano l’imperfezione. Di conseguenza i nuovi manufatti aprono la porta a nuove dire-

zioni, provocando il ricollocamento di mestieri esistenti o addirittura creandone di nuovi. I prodotti esposti dimostrano come il lavoro manuale , solo apparentemente desueto, in realtà sia oggi il territorio in cui è possibile inventare di più. La mostra incoraggia l’esplorazione e l’immaginazione , con apertura totale rispetto uso e combinazione di materiali e tecniche. Tra gli interventi realizzati dal Festival, uno dei più spettacolari è stata Perspectives di John Pawson e Swaroski Crystal Palace : l’installazione è stata allestita sulla scala geometrica della cattedrale, monumento del Regno Unito. Ai piedi dell’elegante scala a spirale, è stata posta una grande lente concava in cristallo su una semisfera riflettente di dimensioni maggiori con uno specchio sferico convesso sospeso nella cupola della

In alto, V&A/Crafts Council exhibition Power of Making.Alphabet Dalton Ghetti 1990-2005 ŠSloan T. Howard Photography. In basso, davanti a V&A, Timber Wave, o onda di legno, in quercia rossa americana, progetto Amanda Levete/studio Al_A per AHEC, in collaborazione Haece Arup.

Photo Stephen Citrone.

Top V&A/Crafts Council exhibition Power of Making.Alphabet Dalton Ghetti 1990-2005 ŠSloan T. Howard Photography. Below, in front of the V&A, Timber Wave, made of Red American Oak, designed by Amanda Levete/studio Al_A for AHEC, in collaboration with Haece Arup.

Photo Stephen Citrone.

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torre. L’insieme di questi elementi ottici formano una stupefacente immagine dell’interno della torre, permettendo di ammirare una prospettiva mai vista prima. Lo stesso Bell Evans, Direttore del grande evento londinese , dichiara che “l’installazione davvero speciale e imperdibile si contrappone al meraviglioso spazio utilizzato... il London Design Festival è presente nei luoghi simbolo di Londra e la cattedrale di St. Paul ne è un esempio”.

UK Trade & Investment (UKTI) è l’agenzia governativa che aiuta le imprese con sede nel Regno Unito ad affermarsi nell’economia globale e fornisce assistenza alle aziende estere che effettuano investimenti di qualità nel Regno Unito, riconosciuto come il miglior Paese europeo dal quale proiettarsi con successo sul mercato globale. UKTI offre esperienza e contatti nel Regno Unito, nelle Ambasciate e altre sedi diplomatiche di tutto il mondo. UKTI offre alle aziende gli strumenti necessari per essere competitive sul piano internazionale.

UK Trade & Investment (UKTI) is the government agency that assists businesses based in the United Kingdom to become established in the global economy and provides assistance to foreign companies that make quality investments in the United Kingdom, recognized as the best European country from which to expand successfully onto the global market. UKTI offers experience and contacts at its own headquarters in the United Kingdom, in the Embassies and diplomatic offices throughout the world. UKTI offers companies the tools they need to be competitive on the international market.

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More than 300 events, nearly 200 partners, celebrated the creative capital par excellence, scattering the seeds of design everywhere with the touch of a skilled gardener, who cultivates, replants and grafts to improve his garden year after year. Given the size of this increasingly international event, it becomes a rather complex matter to describe in words and summarize in images everything that was seen and heard during the event. Hence the decision to focus on designs and designers with an Anglo-Saxon background. To start, what could be better than the Victoria&Albert Museum where, for the third year in a row, the design festival has organized an impressive schedule of events: for the entire duration of the event, a large wave in red American oak, the Tiber Wave designed by Amanda Levete in collaboration with AHEC and Arup, frames the main entrance to the museum and symbolically sweeps visitors over the threshold of the temple. Our attention is captured by a particularly relevant exhibition entitled The Power of Making, which stimulates senses and thought on the subject of how making things by hand has changed today. 100 hand-made objects shed light on the substantial difference between the handcrafting of the past and innovative handcrafting. Both are of fundamental

importance, and both serve different purposes.

Traditional handcrafted goods are generally reproduced as they are and their quality depends on the perfection of the execution, whereas experimental handcrafted pieces focus on invention, so that they do not need to be reproduced, and can tolerate imperfection.

Consequently the new artifacts open the gateway to new directions, stimulating existing professions to move forward or even creating new ones. The products on display demonstrate how handcrafting, which is only apparently old-fashioned, is actually a field in which there is major possibility for invention.

The exhibition encourages exploration and imagination, and is wide open for using and mixing materials and techniques. One of the most spectacular projects made for the Festival was “Perspectives” by John Pawson and the Swarovski Crystal Palace: the installation was built on the geometric staircase of the cathedral, one of Great Britain’s monuments. At the foot of the elegant spiral stair, a large concave crystal lens was placed over a larger reflecting half-sphere and a spherical convex mirror was suspended inside the dome of the tower. The complex of these optical elements form a stunning image of the inside of the tower, making it possible to admire a perspective that has never been seen

before. Bell Evans, director of this great event in London, declared that “this truly special must-see installation provides a counterpoint to the wonderful space it occupies … the London Design Festival is present in the most symbolic places of London and St.Paul’s Cathedral is one example.”

V&A/Crafts Council exhibition Power of Making: nella pagina accanto, a sinistra/Opposite, left, Anemone trilby hat, Sylvia Fletcher, James Lock & Co. Ltd 2010-11, ©James Lock & Co. Ltd; a destra/right, ‘King Silver’ gorilla sculpture, David Mach RA 2011©Private Collection, photographer Richard Riddick thedpc.com. In questa pagina, a sinistra/This page, left, Crochetdermy Bear, Shauna Richardson2007, ©Shauna Richardson. A destra/right, A Prosthetic Suit for Stephen Hawking with Japanese Steel Michael Rea,2007, ©Contemporary Art Museum Virginia Beach. In Accanto/adjacent. ‘Splinter Bike’ 100% wooden bicycle, Michael Thompson, 2011, ©Michael Thompson.

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In alto, al V&A, un’installazione del Design Festival con arredi di Nendo, BCXSY, Fredrikson Stallard, Platforme, Satyendra Pakhalé. Sopra: a sinistra, l’artista Lauren O’Farrell, accanto alla sua opera, celebra la manualità, creando a maglia creature colorate; a destra, una testa in materiale plastico, sempre del Design Festival, celebra in chiave contemporanea le sculture in marmo bianco.

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At top, at the V&A, an installation at the Design Festival with furniture by Nendo, BCXSY, Fredrikson Stallard, Platforme, Satyendra Pakhalé. Above: at left, artist Lauren O’Farrell, next to her work, celebrating handcrafting skills with her colourful knitted creatures; at right, a head made out of plastic, again at the Design Festival, celebrates white marble sculptures in a contemporary key.

In alto, Serpentine Gallery Pavillion 2011, design Peter Zumthor. Al centro: a sinistra, Cut is Out, opere di Noma Bar al Outline Edition per il London Design Festival; a destra, installazione Perspectives by John Pawson for Swarovski Crystal Palace, ©Gilbert McCarragher. In basso, lo stilista Minki Mouse e le sue creazioni.

At top, Serpentine Gallery Pavilion 2011, design Peter Zumthor. At centre: left, Cut is Out, works by Noma Bar at the Outline Edition for the London Design Festival; at right, the Perspectives installation by John Pawson for Swarovski Crystal Palace, ©Gilbert McCarragher. Below, fashion designer Minki Mouse’s creations.

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MADE IN ENGLAND di Sonia Audoly

PLANT & MOSS Una collezione di design contemporaneo con finiture e dettagli fatti a mano.

L’ azienda, ubicata nel cuore di Birmingham, lavora esclusivamente con progettisti inglesi e produce nella terra della Regina. La collezione Plant & Moss 2011 comprende pezzi dal look naturale, art&craft, come il tavolo Bistro, e altri caratterizzati dall’aspetto super industriale come la lampada Clamp.

Fondamentali, la qualità e l’attenzione ai dettagli e la capacità di proporre arredi capaci di durare nel tempo, di passare di generazione in generazione, in risposta alla cultura dell’usa e getta.

Plant&Moss, www.plantandmoss.com

A contemporary design collection with handmade finishes and details.

All the products of the company, which is headquartered in the heart of Birmingham, are British designed and British manufactured. The Plant & Moss 2011 collection comprises both pieces which look natural, art & craft – like the Bistro table – and pieces which look ultraindustrial – for example, the Clamp lamp. Quality and care for details are absolute priorities. In addition, they have a mission to fulfil in developing timeless products, to be handed down from generation to generation, as opposed to throwaway culture.

Plant&Moss, www.plantandmoss.com

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THE NEW ENGLISH Un marchio specializzato in ceramica e nella reinterpretazione dei servizi da te e da tavola , che riproducono in chiave ironica e contemporanea i servizi delle case aristocratiche inglesi. Il risultato? Delle collezioni-opere d’arte che giocano con la tradizione e che fanno sorridere suscitando un allegro stupore per la raffinatezza di dettagli. Prodotte nel cuore dell’Inghilterra, a Stoke on Trent. Le proposte per il 2011 sono: Teapot di Daniel Van Nes, 13" Platter dell’artista Maxim del gruppo The Prodigy e 10" Rimless Plate di Insideout The New English, www.thenewenglish.co.uk A brand which specializes in pottery and the reinterpretation of tea services and tableware reproducing the services of British aristocratic homes on the basis of an ironic, modern approach. What does this translate into? Collections/works of art which play with tradition and make you smile, cheerfully amazing you for their refined details.

Manufactured in Stoke on Trent, in the heart of England. The ranges developed for 2011 are: Teapot by Daniel Van Nes, 13" Platter by the artist Maxim, of the band The Prodigy, and 10" Rimless Plate by Insideout. The New English, www.thenewenglish.co.uk

SJ GUEST Sarah-Jayne Guest è una giovane textile designer inglese specializzata nelle stampe ultra colorate.

Disegni stilizzati e pattern grafici, su tessuto 100% cotone stampato in digitale, che creano tessuti allegri e divertenti. Sarah confeziona paralumi extralarge, cuscini di tutte le dimensioni e realizza su richiesta qualsiasi tipo di complemento tessile. Le novità comprendono le lampade Drumshades, da terra o a sospensione, e i cuscini, entrambi rivestiti con i tessuti in cotone della serie Imagination.

Sarah-Jayne Guest, www.sjguest.com

Sarah-Jayne Guest is a young British textile designer who specializes in multicoloured prints. Stylised designs and graphic patterns – on digitally printed, 100% cotton fabric – which can be matched with each other to create bright, fun textiles. Sarah makes extralarge lampshades, cushions in all sizes

and, on request, textile accessories varying in type. The new items for 2011 include the Drumshades lamps, in suspension and floor versions, and the cushions, all covered with the cotton fabrics of the Imagination range.

Sarah-Jayne Guest, www.sjguest.com

GRAPHIC RELIEF La collezione di piastrelle in cemento con disegni in 3DNasce dalla collaborazione tra la fantasia romantica, floreale e immaginifica dei designer Timorous Beasties e la tecnologia di stampaggio all’avanguardia di Graphic Relief. Rivestimenti per parete o pavimento magici, dove i rilievi, quasi impercettibili, dei disegni del duo di Glasgow, incantano e attraggono, come fosse un pizzo ricamato su un materiale rigido. Tree Of Life, Spring Blossom, Bee Hive sono alcuni dei pattern proposti, stampati anche su grandi dimensioni.

Graphic Relief, www.graphicrelief.com In the collection of concrete tiles with 3D designs, the romantic, floral and highly imaginative creativity of the design studio, Timorous Beasties, fuses with Graphic Relief’s state-of-the-art moulding technology. Magical wall or floor coverings, where the barely visible reliefs of the designs by the Glasgow-based duo enchant and captivate you, like lace embroidered on a hard material. Tree Of Life, Spring Blossom, Bee Hive are some of the available patterns, which are also printed in large dimensions.

Graphic Relief, www.graphicrelief.com

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INNERMOST Questo brand londinese propone pezzi d’interior che spaziano dall’illuminazione al piccolo complemento, all’arredo, privilegiando designer UK. Le due novità presentate alla settimana del design londinese sono le lampade Bubble e Circus. La prima, è una sospensione dalla forma iconica, anni Trenta, che utilizza la tecnologia LED. Firmata da Steve Jones, la forma riprende quella di un orecchino femminile, disponibile in bianco e nero lucido, ma anche metallo e bronzo. La seconda è una sospensione dalle linee semplici che ricordano il tendone di un circo. In tre dimensioni e due colori, bianco o nero opaco con interno in contrasto dorato e scintillante.

Innermost, www.innermost.net A 100% British duo, Miss Print means the mother-daughter team Yvonne and Rebecca Drury. Four-hand work centred on wallpaper prints. Stylised patterns and designs reminiscent of the 1950s and Retro art, where the use of colour receives continued emphasis. Simple, appealing and graphic, the new products include: Little Trees, wallpaper with graphic trees line drawn on a chilli background; Pebble Leaf, with large scale leaves on a honey-coloured background. In addition, starting from this year, all the wallpaper designs can be transferred onto fabric. MissPrint, www.missprint.co.uk

MISS PRINT Un duo completamente inglese, Miss Print non sono altro che Yvonne e Rebecca Drury, rispettivamente madre e figlia. Un lavoro a quattro mani che si concentra sulle stampe per carte da parati. Pattern e disegni stilizzati, con richiami anni Cinquanta e memorie retro dove l’uso del colore è sempre molto importante.

Sobrie, appealing e grafiche, le nuove proposte comprendono: Little Trees, una wallpaper con alberi grafici disegnati al tratto su un fondo peperoncino; Pebble Leaf, con maxi foglie su fondo color miele. Da quest’anno tutti i disegni delle carte possono essere trasferiti su tessuto.

MissPrint, www.missprint.co.uk

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Un duo completamente inglese, Miss Print non sono altro che Yvonne e Rebecca Drury – madre e figlia. Un lavoro a quattro mani che si concentra sulle stampe per carte da parati. Pattern e disegni stilizzati, con richiami anni Cinquanta e memorie retro dove l’uso del colore è sempre molto importante. Sobrie, happeling e grafiche, le nuove proposte comprendono: Little Trees, una wallpaper con alberi grafici disegnati al tratto su un fondo peperoncino; Pebble Leaf, con maxi foglie su fondo color miele. E da quest’anno tutti I disegni delle carte possono essere trasferiti su tessuto.

MissPrint, www.missprint.co.uk

CHARLENE MULLEN Textile designer specializzata in fashion, che per la prima volta propone una collezione di cuscini disegnati e ricamati in collaborazione con De La Espada.

Semplici, classici, senza tempo, i pattern di Charlene possono essere usati da soli o mixati. Plectrum, la proposta più recente, sottolinea la possibilità di usare il ricamo realizzato a mano su un pezzo d’arredamento. Un disegno geometrico e regolare, dove l’uso del colore influisce nel completare il design. Charlene Mullen, www.charlenemullen.com - www.delaespada.com A textile designer who specializes in fashion, for the first time Charlene Mullen has developed a collection of cushions designed and embroidered in collaboration with De La Espada. Simple, classic, timeless, Charlene’s decorations can either be used on their own or mixed together. Her latest item, Plectrum, highlights the opportunity to use handmade embroidery on a piece of furniture. A geometric, regular pattern, where the use of colour has an impact on the design.

Charlene Mullen, www.charlenemullen.com, www.delaespada.com

CHRIS STONEMAN Christopher Stoneman è un designer inglese che per la prima volta ha presentato al London Design Festival il suo lavoro. A metà strada tra un’opera d’arte e un pezzo d’industrial design, i Lightbulbs di Stoneman sono un’interpretazione dell’apparecchio illuminante dove il filamento della lampadina cresce a dismisura fino ad arrivare ad uscire dal suo stesso involucro.

Una sorta di cascata luminosa tra poesia e visual art.

Utilizzabile come pezzo singolo o come installazione.

Christopher Stoneman, www.cstoneman.com Christopher Stoneman is a British designer who displayed his work at the London Design Festival for the first time. A cross between a work of art and an industrial design piece, Lightbulbs by Stoneman means an interpretation of the lighting fixture where the bulb filament grows out of all proportion and even comes out of its bulb housing. A sort of light cascade hovering between poetry and visual art. Available as both a freestanding piece and an installation.

Christopher Stoneman, www.cstoneman.com

NICK FRASER L’ormai omnipresente designer londinese propone nuove idee per la casa. I suoi pezzi dal segno gioioso regalano agli interni un tocco di humor e gioco. Herb Terracotta Pot e Pendant Terracotta Shade sono una collezione di vasi per le erbe e paralume da esterno che,come suggerisce il nome, sono realizzati in terracotta, come i classici vasi, ma con un tocco moderno grazie alle linee irregolari e sfaccettate. Pin Clock invece è un orologio da parete composto da tre pezzi : ore, minuti e secondi segnano il tempo su piccoli chiodi colorati. Nick Fraser, www.nickfraser.co.uk The ubiquitous London-born designer creates interior products that bring playfulness and a touch of humour to the home. Herb Terracotta Pot and Pendant Terracotta Shade mean a collection of herb pots and an outdoor lampshade respectively. As suggested by the names, they are made of terracotta, like classic pots, though with a modern touch, resulting from the irregular, faceted shapes. Whereas Pin Clock means a wallmounted clock made up of three pieces: hours, minutes and seconds, which beat time on small coloured pins. Nick Fraser, www.nickfraser.co.uk

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& THEN DESIGN Samuel Wright e Jamie Bouler hanno fondato 3 anni fa & Then Design, un brand di pezzi d’arredamento prodotti esclusivamente in Inghilterra. Linee semplici, design senza tempo, piccoli dettagli che creano la differenza e tocchi di colore. Novità 2011: Tilly Sofa, Lean Man Collection, Leigh Cabinet Range. Il divano Tilly combina gusto classico con un tocco di modernità. La console-tavolo-libreria Lean Man, è una libera e frizzante interpretazione del mobile, realizzato in MDF laccato in vari colori. La collezione Leigh, si ispira allo stile Shaker, con pochi dettagli studiati, come le giunture senza chiodi o colla. & Then Design, www.andthendesign.co.uk Three years ago Samuel Wright and Jamie Bouler founded & Then Design, a brand of British manufactured interior decoration and design pieces. Simple shapes, timeless design, small details making a difference and hints of colour. What is new in 2011? Tilly Sofa, Lean Man Collection, Leigh Cabinet Range. In the Tilly sofa, classic taste harmonizes with a touch of modernity. The Lean Man console/table/bookshelf means a fresh range resulting from a free interpretation, made of MDF available in several lacquered colours.

The Leigh collection, inspired by the Shaker style, relies on just a few carefully studied details, like the nail or glue free joints. & Then Design, www.andthendesign.co.uk

BENJAMIN HUBERT Giovane firma inglese, Benjamin in soli due anni ha conquistato la scena del design britannico. Una capacità di combinare linee classiche e senza tempo a pezzi moderni, senza mai scordarsi dell’innovazione e della tecnologia. Ultime novità firmate dal designer la poltroncina Cargo, il tavolo Gabion, con base in rete di metallo e Silo e i tavolini-contenitori in marmo. Tutto prodotto da De La Espada. Benjamin Hubert, www.benjaminhubert.co.uk, www.delaespada.com

MATTHEW HILTON Uno dei più famosi product designer britannico, Matthew Hilton ama unire il fatto a mano alla produzione industriale. Un design controllato e composto, I suoi pezzi hanno sempre un piccolo tocco d’innovazione, come dimostrano le ultime idee prodotte da De La Espada, il tavolo-tavolino Hal, con base creata dall’incastro di forme geometriche regolari e Maia, il comodino dal segno regolare, con incastri ben studiati. Matthew Hilton, www.matthewhilton.com, www.delaespada.com One of the best known British product designers, Matthew Hilton enjoys matching handmade and industrial production. Based on neat, composed design, his pieces always rely on a little bit of innovation, while looking timeless, as testified to by the latest products manufactured by De La Espada, namely the Hal table, the base resulting from jointed regular geometric shapes, and the Maia bedside table, which stands out for its regular sign and accurately studied joints.Matthew Hilton, www.matthewhilton.com, www.delaespada.com

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A young British designer, it took Benjamin no longer than two years to make a name for himself in the British design industry, based on his skill to match classic, timeless lines with modern, appealing pieces, without detriment to innovation and technology. The designer’s latest products include the Cargo lounge chair, the Gabion table, with a metal mesh base, and the Silo coffee tables/containers made of marble.

All manufactured by De La Espada.

Benjamin Hubert, www.benjaminhubert.co.uk, www.delaespada.com

ROCA LONDON GALLERY

di Michele Weiss

Terminato a Londra il terzo progetto di Zaha Hadid: la Roca London Gallery, uno spazio polifunzionale e evocativo plasmato dall’acqua, dove architettura fa rima con sostenibilità.

Zaha Hadid’s third project in London is finished: the Roca London Gallery, an evocative multipurpose space, shaped by water, where architecture rhymes with sustainability.

Come si dice, non c’è due senza tre: il detto vale anche per una delle archistar più influenti del panorama, il premio Pritzker (2004) Zaha Hadid, che ha appena terminato il suo terzo progetto a Londra, la Roca London Gallery presso l’Imperial Wharf, vicino a Chelsea Harbour. Per la compagnia catalana, leader nell’arredo e nel design del bagno, è invece il primo “flagship space” allestito nella capitale inglese, e rappresenta una svolta strategica importante. L’ispirazione per il progetto deriva dal potere dell’acqua nella trasformazione della materia: “Il nostro lavoro consisteva nel legare la progettazione alla bellezza delle forme naturali. Mettendo a punto uno stile ispirato al movimento dell’acqua, abbiamo creato un ambiente scolpito e levigato dalla fluidità, generando poi una sequenza di spazi dinamici modellati da questo affascinante connubio tra architettura e natura”, ha raccontato l’architetto anglo-iracheno. La Roca London Gallery è sviluppata su un solo piano di 1.100 m2 e ha il solito (conoscendo gli altri progetti di Hadid) impatto visivo futuristico e originale, con i tre portali che appaiono come una caverna tecnologica senza tempo. L’interno, realizzato in cemento, è evocativo grazie anche a impianti audiovisivi e soluzioni tecnologiche nuove: uno spazio polifunzionale per mostre, rassegne, convegni, meeting e party, sempre rispettando la parola d’ordine di mettere in relazione architettura e design con la sostenibilità, pensando prima di tutto a risparmiare l’acqua. www.roca.com

As we said, never two without three: this proverb also goes for one of the most influential archi-stars on the scene, the Pritzker prize-winner (2004) Zaha Hadid, who has just finished her third project in London, the Roca London Gallery at the Imperial Wharf, near Chelsea Harbour. For the Catalan company, a leading manufacturer in bathroom furniture and design, this is the first “flagship space” built in the English capital, and an important strategic milestone. The inspiration for the project derives from the power that water has to transform matter: “Our work consisted in tying the design to the beauty of natural forms. Developing a style inspired by the movement of water, we created a space sculptured and polished by fluidity, generating a sequence of dynamic spaces shaped by this fascinating combination of architecture and nature”, said the Anglo-Iraqi architect. The Roca London gallery consists of a single floor measuring 1,100 square metres and features the usual (for those familiar with Hadid’s other projects) original futuristic visual impact, with the three portals that look like a timeless technological cavern. The inside, made out of concrete, has an evocative quality reinforced by the audiovisual systems and new technological solutions: a multipurpose space for exhibitions, presentations, conferences, meetings and parties, that respects the key concept of tying architecture and design to sustainability, and focusing first and foremost on saving water. www.roca.com

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DESIGN EXHIBITION

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RIVOLUZIONE POSTMODERNA POST-MODERN REVOLUTION di Michele Weiss

Una bella e ambiziosa rassegna al V&A di Londra prova a far luce su un movimento ormai esausto ma che non sembra ancora pronto a passare la mano: in mostra 250 icone postmoderne, dagli anni Settanta fino ai primi Novanta.

A fine ambitious exhibition at the V&A in London attempts to shed light on a movement that has come to a close but does not seem ready to step down yet: on display are 250 icons of Postmodernism, from the Seventies to the early Nineties.

La nostra è sempre un’epoca postmoderna? In attesa di conoscere la risposta alla domanda – intorno a cui è nata una disputa internazionale tra difensori a oltranza di questo movimento trasversale ‘di rottura’ nell’architettura-design-arte-cinema-musica-letteratura ecc., nato a cavallo dei Settanta e durato all’incirca fino ai Novanta, e quelli che propongono un cambio di prospettiva radicale, con un ritorno a sensibilità ed estetiche neo-razionali – il V&A Museum di Londra rilancia il dibattito con una mostra interessante, ‘Postmodernism, style and Subversion 1970-1990’: aperta fino al 15 gennaio 2012, è la prima grande rassegna tematica britannica che affronta l’impatto e il valore dell’epoca ‘postmoderna’ in un percorso tanto grande e ambizioso. Attraverso 250 icone, la kermesse racconta cos’è successo in Europa e in America dopo che la cosiddetta epoca Moderna – basata sul progresso, sul razionalismo, sulla linearità – ha esaurito la sua spinta lasciando il campo a un movimento partito come reazione squisitamente ‘negativa’ all’ortodossia modernista nel campo dell’architettura, ma che poi è dilagato in tutte le altre arti dando vita a nuove parole d’ordine, come: stile libero, fantasia, colorismo, artificialità, individualismo. Ovviamente c’è anche parecchia Italia al V&A, a partire dall’architetto Aldo Rossi passando per i collettivi di Studio Alchymia e, soprattutto, di Memphis, con la fantasia sfrenata di Ettore Sottsass, capace di sovvertire il design con progetti sensazionali. In mezzo ci sono le idee radicali di Philip Johnson, Charles Moore e James Stirling mischiate alle opere di Andy Warhol, Bob Rauschenberg e Jeff Koons, alle musiche e ai video di David Byrne e Laurie Anderson, agli stracci eleganti di Vivianne Westwood, a film cult come quelli del cineasta britannico Derek Jarman, per finire con il visionario universo di Blade Runner. Il punto focale della mostra è che non ne esiste nessuno: nel postmoderno lo stile e il policentrismo erano tutto. La rassegna del V&A è quindi divisa in tre parti in base a un ordine cronologico: nella prima c’è il debutto del movimento, con opere ispirate alla critica del Moderno con linguaggi che mischiano riferimenti ‘alti’ e ‘bassi’ in chiave anche politica. Nella seconda, i curatori prendono in esame la proliferazione del postmoderno nelle arti, nella musica, nel cinema, nella fotografia, fino alla nascita del Pop e delle prime installazioni multimedia e al trionfo del genere ‘ibrido’. Nella terza, c’è la definitiva esplosione negli Ottanta, con la fascinazione per il denaro e i ‘brand’ da parte degli artisti (vedi il Dollar Sign di Andy Warhol), dilagata poi nella moda (Lagerfeld per Chanel), nei nuovi marchi (Swatch) fino al trionfo dell’estetica televisiva giovane di Mtv. Postmodernism, style and Subversion 1970-1990 congeda il visitatore con un finale aperto: nonostante nei Novanta si parlasse già di “morte del postmoderno”, ci si è ritrovati in un periodo di riflusso in cui gli artisti hanno portato avanti il “liberi tutti” senza nuove idee o intenti realmente rivoluzionari. E domani? www.vam.ac.uk

‘Vegas’ di Venturi, Scott Brown and Associates ©.

‘Vegas’ by Venturi, Scott Brown and Associates ©.

Is our era still postmodern? Before discovering the answer to our question – which is the subject of an international debate between those who would defend to the bitter end this crossdisciplinary revolutionary movement in architecture-design-art-film-music-literature etc., founded in the Seventies and vital throughout the Nineties, and those who would propose a radical change of perspective, a return to neo-Rationalist sensibility and aesthetics - the V&A Museum in London re-opens the debate with an interesting exhibition entitled “Postmodernism, Style and Subversion 1970-1990”: open through January 15 2012, this is the first great British exhibition on the theme to examine the impact and value of the “postmodern” era in such a vast and ambitious survey. In the exhibition of 250 icons, it illustrates what happened in Europe and in America after the so-called Modern era – based on progress, rationalism and linearity – lost its drive clearing the field for a movement that began as a purely “negative” reaction to Modernist orthodoxy in the field of architecture, then spread like wildfire to all the

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other arts creating new catchwords such as: free style, imagination, colourism, artifice, individualism. Obviously there is a lot of Italy at the V&A, starting with architect Aldo Rossi and including collective groups such as Studio Alchymia and especially Memphis, with the boundless imagination of Ettore Sottsasss who subverted design with his sensational projects. In between are the radical ideas of Philip Johnson, Charles Moore and James Stirling mixed in with works by Andy Warhol, Bob Rauschenberg and Jeff Koons, the music and videos of David Byrne and Laurie Anderson, the elegant rags by Vivianne Westwood, cult films such as those by British filmmaker Derek Jarman ending with the visionary universe of Blade Runner. The focal point of the exhibition is that there is none: in postmodernism style and poly-centrism were everything. The survey at the V&A is therefore divided into three parts based on chronological order: the first illustrates the beginning of the movement, with works inspired by a critical view of Modernism with languages that mix “high” and “low” references, some in a political perspective. In the second, the curators examine the proliferation of Postmodernism in the arts, music, film, photography, to the birth of Pop and the first multimedia installations, the triumph of the “hybrid”. The third part examines the definitive explosion of Postmodernism in the Eighties, with the artists’ fascination for money and “brands”(as in the Dollar Sign by Andy Warhol), and how it spread into fashion (Lagerfeld for Chanel), new brands (Swatch) and the triumph of the youthful television aesthetic of MTV. Postmodernism, Style and Subversion 19701990 leaves the visitor with an open finale: despite the fact the Nineties proclaimed the death of Postmodernism, there was a cultural reaction during which artists continued to practice “total freedom” without new ideas or truly revolutionary intent. And tomorrow? www.vam.ac.uk

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In basso, da destra, Frank Schreiner, ‘Consumer’s Rest chair’ (1990) © V&A Images, e Martine Bedin, Memphis Group, Super Lamp(1981).

Below, from right, Frank Schreiner, ‘Consumer’s Rest chair’ (1990) © V&A Images, and Martine Bedin, Memphis Group, Super Lamp(1981).

Cinzia Ruggeri, ‘Homage to LéviStrauss’ (1983-4) © V&A Images.

Cinzia Ruggeri, ‘Homage to LéviStrauss’ (1983-4) © V&A Images.

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Sopra, Jean Paul Goude, ‘Grace Jones maternity dress’ (1979), © Jean Paul Gonde. Nella pagina accanto: in alto, Haim Steinbach, ‘Supremely black’ (1985); in basso, da destra: una copertina del Wet Magazine, © April Greiman e Jayme Odgers; Peter Saville ©, ‘Power, Corruption and Lies’ (copertina di un lp dei New Order).

Above, Jean Paul Goude, ‘Grace Jones maternity dress’ (1979), © Jean Paul Gonde. Page across: at top, Haim Steinbach, ‘Supremely black’ (1985); below, from right: a cover for Wet Magazine © April Greiman and Jayme Odgers; Peter Saville ©, ‘Power, Corruption and Lies’ (album cover for an LP by New Order).

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CHINESEDREAM

di Manuela Di Mari

All’interno del distretto Red Town di Shanghai - ex area industriale al 570 di Huaihai Xi Lu e nuovo polo urbano riqualificato - lo Sculpure Park ospita sculture permanenti e non. Sullo sfondo, ‘The Transhumance’ di Yang Jinsong. Foto Manuela Di Mari.

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Inside the Red Town district in Shanghai – a former industrial area at 570 Huaihai Xi Lu and newly regenerated urban hub – the Sculpture Park features permanent and temporary sculptures. In the background, ‘The Transhumance’ by Yang Jinsong. Photography by Manuela Di Mari.

DESIGN REPORTAGE

Non più semplice previsione, ma realtà consolidata. È ufficialmente la Cina il continente che spalanca le porte al futuro. Possibilità concrete, prospettive di crescita, speranze ben riposte, chances di realizzazione. Qui, giovani (e non) possono trovare il loro ‘nuovo mondo’. In queste pagine, 4 storie di opportunità raccolta a piene mani e fatta fruttare, ognuna secondo esigenze personali, bisogni, aspirazioni. Da e per Shanghai.

No longer a simple forecast, but a consolidated reality. China is officially the continent that will fling open the gates to the future. Real possibilities, perspectives for growth, well-founded expectations, opportunities for selffulfillment. Here, young (and not-soyoung) people can find their ‘New World’. On these pages, four stories of opportunities that were snatched up and exploited, each according to personal requirements, needs and aspirations. From and to Shanghai.

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3GATTI

“Qui ti senti lavorativamente vivo, le cose si muovono, ogni giorno viene qualcuno a chiederti qualcosa, magari non tutto si conclude, ma c’è molto da fare, tante proposte. Praticamente aspetto che squilli il telefono. In un posto come Shanghai te lo puoi permettere. E io non sono particolarmente abile nel business... “Provocatorio e sornione, Francesco Gatti - laurea con lode in architettura - apre nel 2002 il primo studio a Roma, 3Gatti, e il secondo a Shanghai nel 2004. In Cina, dice, è arrivato per voltare pagina dopo una delusione amorosa, “7 anni fa era molto più facile, c’era una concentrazione più bassa di occidentali e i lavori sono arrivati abbastanza naturalmente”. “Il primo progetto è stato una villa per una signora miliardaria che desiderava espressamente un’impronta italiana. Punto ancora dolente questo: Shanghai è una città stupenda perché basata sullo spirito del dinamismo, ma il linguaggio architettonico esprime ancora valori propri di altre culture e altre epoche come la staticità e la classicità. La richiesta si basa su stili che sono degli archetipi e consiste in archi e capitelli, qui per molti lo stile italiano è ancora questo. Ragion per cui, oggi, rifiuto il 90 % dei clienti”. Lo studio - sono in 7 si occupa di un po’ di tutto, architettura, landscape, interni, industrial design, i clienti sono prevalentemente cinesi, ma capitano anche gli stranieri, qualche italiano. Inaugurato in città da un anno, lo Ze Bar, un live bar commissionato da un regista di Singapore e un musicista di Hong Kong e concepito da Gatti come un cocoon quasi vuoto. Il bancone, il palco per la musica dal vivo, le sedute ricavate da insenature e cambi di direzione della parete. Il resto lo fa il luogo stesso col suo dinamismo sociale. In piena costruzione, invece, un winery hotel a Xian nella Cina occidentale: il committente, un noto architetto/imprenditore con la passione per il vino, ha voluto un hotel di lusso con adiacente una vigna, le cui parti possono essere acquistate da una clientela d’élite che potrà, così, veder crescere le proprie uve e gustare il proprio vino. Il progetto è stato diviso in più lotti e assegnato a più progettisti, tra cui lo studio 3Gatti.

La qualità che apprezzi di più? “… proprio la qualità non è molto alta qui… non sono appassionati dei dettagli. Gli operai arrivano direttamente dalla campagna e diventa impegnativo anche costruire un muro dritto. Bisogna

Tra i progetti di Francesco Gatti, ritratto qui sopra, lo Ze Bar di Shanghai: uno spazio sagomato senza soluzione di continuità tra superfici orizzontali e verticali, intervallato da cambi di direzione e insenature per accogliere tutte le potenziali funzioni del locale (concerti, pub, disco, intrattenimento, consumazione, proiezione).

The projects by Francesco Gatti, portrayed above, include: the Ze Bar in Shanghai: a free-form space with continuity between the horizontal and vertical surfaces, along which occasional changes in direction and alcoves are used to place the potential functions of the club (concerts, pub, disco, entertainment, food, screenings).

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fare una buona supervisione. Quello che apprezzo di più è il fermento lavorativo, perché lo scambio intellettuale lo trovo un po’ noioso, almeno a Shanghai. È una città giovane e multietnica, ma proprio per questo non si è mai stratificata nessuna cultura, c’è un rapporto superficiale con tutto, un via vai di gente che si incrocia senza che si formi una scuola di pensiero. Non impari nulla, qui fai”. Perché rimanere allora? “Perché sono innamorato dell’architettura e qui la puoi fare. È un mercato libero, ti proponi, se sei bravo vai avanti. Questo è il bello di Shanghai”. www.3gatti.com M.D.M.

“Here your work makes you feel alive, things move, everyday someone comes to ask you for something, and though not everything may turn into a job, there is still so much to do, so many proposals. Basically I just wait for the telephone to ring. In Shanghai you can afford to do that. And I am not particularly good at business…” Provocative and surly, Francesco Gatti – a degree cum laude in architecture – opened his first firm in Rome in 2002, called 3Gatti, and the second in Shanghai in 2004. To China, he said, he came for a change-of-life after a break-up. “Seven years ago it was much easier, there was a lower concentration of westerners and work came rather naturally.” “My first project was a home for a billionaire lady who specifically wanted the Italian touch. That is still the hard part: Shanghai is a wonderful city because it is based on a spirit of dynamism, but the architectural language expresses values belonging to other cultures and other eras, gravitas and classicism. The demand is based on styles that are archetypes and consist in arches and capitals, many people still consider this to be the Italian style. Which is why I refuse 90% of the clients”. The firm – which has 7 employees – works in all fields, architecture, landscape, interiors, industrial design, the clients are mostly Chinese, but there are some foreigners, a few Italians.

Inaugurated in the city a year ago, the Ze Bar, a live bar commissioned by a director from Singapore and a musician from Hong Kong, is conceived by Gatti as an almost empty cocoon. The bar, the stage for live music, the seating is formed by coves and changes of direction in the wall. The rest derives from the place itself with its social dynamism. Under construction he has a winery hotel in Xian in western China: the client, a famous architect/entrepreneur with a passion for wine, wanted a luxury hotel with a vineyard next to it, parts of which could be purchased by an élite clientele, which could thus watch its own grapes grow and taste its own wine. The project

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was divided into several different parts and assigned to different design firms, including 3Gatti.

What quality do you appreciate most? “…quality is really not very high here… they do not care about detail. The labourers come straight from the country and it becomes an issue just to build a wall straight. It requires good supervision. What I like best is the exciting work situation, because I find the intellectual atmosphere rather boring, at least in Shanghai. This is a young and multi-ethnic city, but it is precisely for this reason that culture been unable to stratify here, there is a superficial relationship with everything, people coming and going and crossing paths without every shaping a school of thought. “Because I love architecture and you can do that here. It’s a free market, you present yourself, if you are any good, you move forward. That is what I like about Shanghai”. www.3gatti.com

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Altri due progetti firmati dallo Studio 3Gatti per la Cina. Sopra, Kic Park, parco urbano residenziale, spazio interstiziale immaginato come imprevisto, sopravvissuto all’edificazione, fa da ingresso al villaggio universitario, tra Fudan e Tongji, a Shanghai. Nelle altre immagini, progetto vincitore del concorso internazionale ad inviti per la costruzione del Museo dell’Automobile a Nanchino: ispirato all’origami, ogni piega corrisponde ad una rampa, percorribile direttamente in automobile grazie alla struttura interna a spirale.

Two more projects designed by Studio 3Gatti in China. Above, Kic Park, a residential urban park, an interstitial space imagined as something unexpected that survived development in the area, serves as the entrance to the university housing, between Fudan and Tongji, in Shanghai. In the other pictures, the project that won the international invitational competition to build the Museum of the Automobile in Nanjing: inspired by origami, each fold corresponds to a ramp, open to automobiles thanks to the spiral structure on the inside.

STUDIO TARANTA

Ha ricevuto i coloriti commenti di Vittorio Sgarbi, in visita con amici nel suo studio in occasione dell’Expo, un anno fa. Ride divertito Enrico Taranta mentre racconta l’episodio, l’effetto shock suscitato dalle postazioni/voragini ricavate nel pavimento del suo ufficio, a Red Town, una delle zone più cool di Shanghai. In questo distretto ex industriale, che ora ospita, all’occidentale, gallerie d’arte, studi di progettazione, bookshop, uffici, showroom di moda, lo Studio Taranta ha messo le basi. Strutturalmente, e non solo in senso figurato, perché il progetto delle workstation scavate all’interno del pavimento risolve l’esigenza di creare due livelli in un volume ridotto. È qui che ci spiega di essere arrivato a Shanghai 7 anni fa. Dopo aver lavorato al progetto definitivo della ‘nuvola’ di Fuksas va a New York, sino a quando, su consiglio di un’amica che gli parla in prospettiva delle olimpiadi del 2008 e dell’Expo, decide di giocare la carta cinese. Ora in studio sono in 14. Hai fatto fatica? “È stato facile nel momento in cui sono riuscito a capire come i cinesi ragionano e come fanno affari, entrando nella loro ottica, ma prima che imparassi questo mi sono sentito sperduto. Lavoro ce n’è troppo, il problema non è questo e nemmeno i soldi, è la qualità del lavoro che a volte ancora non è soddisfacente. Si rischia di sentirsi un po’ frustrati, perché viene richiesta velocità e risparmio sul badget… spesso la realizzazione non corrisponde al rendering iniziale. Però sta migliorando. Rispetto a 7 anni fa, pian piano iniziano ad apprezzare e a capire che progetti di bassa qualità richiedono continue manutenzioni per le quali si spende”. Altre differenze? “La Cina è 20 volte più grande dell’Italia, non c’è competizione, io mi confronto tranquillamente con i miei colleghi senza problemi di ristrettezze e concorrenzialità. In Italia ci sono molti architetti e pochi clienti, qui è l’opposto. La differenza sostanziale sta poi nei tempi: qui vogliono il progetto pronto in 2-3 settimane; il costruttivo in 3 mesi, da quando accettano. Per esempio, noi facciamo concept di hotel a 5 stelle, 20.000 mq in 2 settimane. Ci appoggiamo ad un partner che segue i lavori, anche perché serve la qualification cinese”. “Il cliente cinese richiede una figura che gli risolva i problemi in una completezza di operazioni che va oltre la mera progettazione, e a quel punto sei accettato. Qui ho imparato a fare business”. Infatti, Enrico Taranta ha preso al bal-

Enrico Taranta davanti la rampa di scale che conduce al piano superiore del suo studio di Shanghai, nel distretto di Red Town. Qui sopra, la facciata esterna dell’edificio che ospita gli uffici: le finestre danno direttamente sul parco delle sculture. ©Shen Qiang/Shen Photo.

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Enrico Taranta poses in front of the staircase that leads to the top floor of his studio in Shanghai, in the Red Town district. Above, the outer façade of the building his offices are located in: the windows directly overlook the sculpture park. ©Shen Qiang/Shen Photo.

zo una seconda opportunità. Vista la crescita di prezzi e speculazione edilizia nel Paese, il governo cinese ha da poco attuato una politica di calmieramento del mercato domestico, incentivando l’investimento del capitale all’estero. E Taranta, gli investitori cinesi, li ha portati a Miami: “è l’ideale adesso, è una piazza in calo ma ricrescerà fortemente, è tutto in vendita, siamo sui 1000 euro al mq, ci sono case bellissime Art Déco, per cui i cinesi impazziscono, da poter trasformare in hotel bellissimi”. I progetti sono 4, presentati ad ottobre alla prima edizione dell’Expo per proprietà overseas, a Shanghai, alcuni già in fase di realizzazione. Se si aggiunge che lo studio sta attualmente lavorando a 3 yacht club - in forte crescita la domanda – per i quali i clienti hanno chiesto a Taranta di portare anche le barche italiane, non si può certo dire che l’architetto non abbia imparato la lezione di business cinese. www.enrico-taranta.com M.D.M.

Situato all’interno di un’ex industria siderurgica, l’ufficio dello Studio Taranta si distribuisce su due livelli grazie ad uno stratagemma progettuale: le workstation scavate nel pavimento del piano superiore consentono di sfruttare al massimo il volume originario. Un cono, che evoca una cascata d’acqua, ospita la scala di collegamento al piano inferiore, dove un tavolo/scultura verde si presta alle attività comuni. Tutte le postazioni di lavoro, in entrambi i livelli, sono posizionate in prossimità delle finestre per sfruttare a pieno la luce. Design team: Enrico Taranta, Juriaan Calis, Giorgio Tadojkovic. ©Shen Qiang/Shen Photo.

Located inside a former steel mill, the offices of Studio Taranta are distributed on two levels thanks to a design stratagem: the workstations are dug into the floor of the upper level making it possible to fully exploit the original volume. A cone, evoking a waterfall, holds the stair connecting to the lower level, where a green table/sculpture is used for shared activities. All the workstations, on both levels, are positioned near the windows to fully enjoy the light.

Design team: Enrico Taranta, Juriaan Calis, Giorgio Tadojkovic. ©Shen Qiang/Shen Photo.

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Taranta has grabbed a second opportunity.

Because prices and real-estate speculation were growing in the country, the Chinese government recently enacted a policy to control the domestic market, stimulating capital investment abroad. And Taranta took the Chinese investors to Miami: “It’s ideal now, there is a falling market, but it will grow strong again, everything is for sale at about 1000 euro per square metre, there are fabulous Art Deco houses, that the Chinese are crazy about, that could be transformed into lovely hotels”. There are 4 projects, presented in October at the first edition of the Expo for overseas properties in Shanghai, some of which are already under construction. And if you add the fact that the firm is currently working on 3 yacht clubs – and demand is increasing rapidly – for which the clients have asked Taranta to bring in Italian boats, no one can say that the architect didn’t learn the lesson of Chinese business. www.enrico-taranta.com

3 dei 4 progetti pensati dallo studio Taranta per Miami con finanziamenti cinesi. A sinistra, Baywatch Hotel - già in fase di realizzazione - riprede il concetto delle torri di avvistamento dei bagnini: un mini luxury hotel con 4 suite, ristorante e piscina. Qui sotto, un’ipotesi provocatoria: un’isola artificiale nella baia di Miami Beach riprende lo stemma della Cina.

In basso, una villa a Star Island.

It was the object of colourful comments by Vittorio Sgarbi when he was visiting the studio with friends during the Expo, a year ago. Enrico Taranta laughs as he tells the story, the reason for the shock were the pothole workstations dug deep into the floor of his office, in Red Town, one of the coolest districts in Shanghai. In this former industrial district, which now features art galleries, design studios, bookshops, offices, fashion showrooms just like in the west, Studio Taranta has dug its foundations. Structurally, and not just in a figurative sense, because the project for the workstations dug into the floor solves the need to create two levels in a small space. This is where he arrived when he came to Shanghai seven years ago. After working on the definitive project for Fuksas’ ‘cloud’ he went to New York, until, at the suggestion of a friend who spoke to him about the perspective of the 2008 Olympic Games and the Expo, he decided to play his cards in China. Now there are 14 people in the firm. Was it hard? “It was easy once I understood how the Chinese think and how they do business, when I could see things as they do, but before I learned any of that I felt lost. There is too much work, that is not the problem nor is it the money, it’s the quality of the work which continues sometimes to be unsatisfactory. You risk feeling frustrated, because they demand speed and keeping the budget down… often the realization does not correspond to the initial rendering. But it is improving. Compared to 7 years ago, little by little they are beginning to appreciate and understand that low quality projects require constant maintenance which costs money”. Are there any other differences? “China is 20 times larger than Italy, there is no competition, I can talk about my work to my colleagues without worrying about running out, or competition. Italy has many architects and few clients, here it’s the opposite. The substantial difference lies in the speed: here they want a finished project in 2-3 weeks. We work with a partner who follows the jobs for us, because you also need Chinese qualifications”. “The Chinese client requires a figure that solves his problems for a complete operation that goes beyond mere design, and at that point they accept you. This is where I learned how to do business.” In fact, Enrico

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Three of the four projects conceived by Studio Taranta for Miami with Chinese investment. At left, the Baywatch Hotel – currently under construction – is based on the idea of lifeguard chair towers: a miniluxury hotel with 4 suites, a restaurant and swimming pool. Below, a provocative idea: an artificial island in the bay of Miami Beach reproduces the emblem of China. Below, a home on Star Island.

NERI&HU

Lui filippino, lei taiwanese. A stretto contatto con la Cina da 19 anni, prima a distanza, poi trasferendosi in via definitiva nel 2004, anno in cui inaugurano lo studio a Shanghai. Più di tutto, Lyndon Neri e Rossana Hu amano progettare spazi pubblici - tra architetti e designer, sono in più di 60 – ma l’attività abbraccia anche interior, master planning, grafica e product design. Alla ricerca di qualità, molti di questi ultimi sono fatti realizzare a mano, ma sono attive le collaborazioni con brand europei come Moooi, BD Barcellona, Meritalia, Swarovski. Da qualche anno Lyndon Neri ha fondato in città Design Republic, un flagship store in cui trovare una selzione dei migliori pezzi di design del mondo, sinora inaccessibili al pubblico cinese.

Per entrambi la formazione all’estero, University of California a Berkely, master ad Harvard per lui, a Princeton lei.

Quale cultura influenza i vostri progetti?

La base la dobbiamo all’architettura occidentale, ma culturalmente siamo molto cinesi. Non perdiamo mai di vista, però, lo spirito del luogo in cui progettiamo.

Quali le differenze?

La comunicazione è la più evidente. La maniera occidentale è diretta, chiara, logica. È la base del buon management e del buon andamento del progetto.

Nei cinesi la comunicazione non è mai diretta, è ambigua, spesso segue una logica differente. La buona riuscita dipende dalla gestione della relazione che si instaura.

Che difficoltà avete incontrato?

I tempi stretti sono il più grande problema. Tutti i progetti devono essere finiti per ‘ieri’. Questo lascia poco spazio per riflettere nel modo appropriato.

Cosa pensate dell’opportunità offerta dalla Cina?

Per un architetto è entusiasmante, ma anche pericoloso.

Sopra, Rossana Hu e Lyndon Neri.

Sotto, il Water House Boutique Hotel nel distretto di South Bund/Yangpu, Shanghai: l’edificio del 1930 ospitava il quartier generale dell’esercito giapponese, il recupero di Neri&Hu prevede, per alcune parti interne un gioco di inversione tra dentro e fuori, tra pubblico e privato.

Above, Rossana Hu and Lyndon Neri, the Water House Boutique hotel in the district of South Bund/Yangpu, Shanghai: the 1930 building was once the headquarters of the Japanese army. The restoration by Neri&Hu will, for some of the internal parts, involve an inversion between inside and outside, between public and private.

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Tra i progetti futuri, ci sono il Boutique Hotel nello Yangpu district di Shanghai, il Waterfront Resort nelle Filippine, un intero complesso residenziale a Suzhou, un Boutique Hotel in Covent Garden, a Londra, intervento di restauro e ampliamento dello storico Bow Street Magistrates Building e della stazione di Polizia. La loro filosofia, tengono a precisare, sta in una frase di Antoine De Saint Exupéry: “ Non chiediamo di essere esseri eterni, chiediamo solo che le cose non perdano il loro significato”. www.neriandhu.com www.nhdro.com M.D.M.

In queste pagine, progetti di Neri&Hu. In basso, facciata esterna e interno di Design Republic, il flagship store con base a Shanghai fondato da Lyndon Neri: un’area di 600 mq per lo shopping del miglior design internazionale. In alto, Zisha Tea Project (menzione d’onore al Red Dot Award 2009): esperimenti di forma con la purezza dell’argilla zisha, materiale naturale della provincia di Jiangsu, rinomato per mantenere il calore e prevenire l’ossidazione, preservando tutta la fragranza del tè.

La collezione, che prevede l’intero set per la preparazione della bevanda, è autoprodotta in 8 differenti colori mixati appositamente per richiamare le differenti proprietà delle foglie.

On these pages, projects by Neri&Hu. Below, the outdoor and indoor façade of Design Republic, the flagship store based in Shanghai and founded by Lyndon Neri: a 600 square-meter shopping space for the finest international design. At top, the Zisha Tea Project (honorable mention at the Red Dot Award 2009): an experiment in form based on the purity of zisha clay, a natural material from the Jiangsu province, renowned for maintaining heat and preventing oxidation, so that it preserves the fragrance of tea. The collection, which includes an entire set for preparing tea, is self-produced in 8 different colours specifically blended to refer to the different properties of the leaves.

He is from the Philippines, she is from Taiwan. In close contact with China for the past 19 years, first at a distance, they moved there permanently in 2004, the year in which they inaugurated their firm in Shanghai. More than anything, Lyndon Neri and Rossana Hu love to design public spaces – the firm counts more than 60 architects and designers – but their work also includes interior design, master planning, graphic and product design. In their search for quality, many of their products are made by hand, but they actively collaborate with European brands such as Moooi, BD Barcelona, Meritalia, Swarovski. Some years ago Lyndon Neri founded the Design Republic in the city, a flagship store with a selection of some of the best design pieces in the world, which had been inaccessible to the Chinese before then. Both of them were educated abroad, at the University of California in Berkeley, a master’s degree from Harvard for him, and from Princeton for her.

What culture influences your designs?

We owe the foundations to western architecture, but culturally we are very Chinese. In any case, we never lose sight of the spirit of the place in which we are designing.

What are the differences?

Communication is the most obvious. The western way is direct, clear, logical. It is the basis for good management and development of a project. Among the Chinese communication is never direct, it is ambiguous, and often follows a different logic. Its success depends on how the relationship that grows out of it is handled.

Have you had any trouble?

The speed of the work is the greatest problem. All the projects need to be finished by ‘yesterday’. This leaves little room to think.

What do you think of the opportunities offered by China?

For an architect they are very exciting, but also dangerous.

Their future projects include the Boutique Hotel in the Yangpu district of Shanghai, the Waterfront Resort in the Philippines, an entire residential complex in Suzhou, a Boutique hotel in Covent Garden, in London, a restoration and addition to the historical Bow Street Magistrates Building and Police station.

Their philosophy, they wish to specify, lies in these words by Antoine de Saint-Exupéry: “We don’t ask to be eternal beings, we only ask that things do not lose their meaning”. www.neriandhu.com www.nhdro.com

MA.DESIGN

Mr. Mad è l’acronimo col quale si è auto-battezzato a 11 anni e con cui ancora oggi dice di sentirsi pienamente a proprio agio. Dall’alto dei suoi 6 studi sparsi per il Paese (in 122 lavorano per lui), nei quali alterna attività multitasking che spazia dall’architettura all’arte, all’interior e industrial design, Simon Ma non fa mistero della propria estrazione. Non lo dice a parole, ma tutto in lui esprime l’orgoglio dell’avercela fatta. Da solo. Nato da famiglia con scarse possibilità, deve molto all’artista Fan Tzu Teng - uno tra i 50 più quotati in Cina - che lo prende sotto l’ala protettiva dall’età di 7 anni e gli tramanda “the life principle” - dice lui -. A 13 anni si trasferisce a Londra – “by myself” sottolinea poi – a sperimentare arti occidentali e design e, dopo gli studi all’University College of London e un master in Architecture&Urban Planning, apre a Shanghai Ma.Design Co.ltd. il suo primo studio che si occupa di lifestyle in Cina. Ci tiene molto alla definizione di artista quando parla del proprio segno creativo, cosa evidentemente non sfuggita all’italiana Lamborghini, per la quale Simon Ma ha personalizzato 4 pezzi in edizione limitata e il relativo logo per il mercato cinese. Né a Ducati che di pezzi gliene ha commissionati altrettanti, presentati ufficialmente a Hong Kong nel settembre di quest’anno al cospetto di numerosi VIP asiatici, papabili compratori naturalmente: 4 modelli di moto Ducati Diavel per la cui carrozzeria Ma si ispira all’arte marziale del Kung Fu. Lui, Ma, sembra essere una chiave d’accesso favorita dalle aziende - quelle top - che vogliono sbarcare in Cina, perché sono invece 20 le edizioni limitate firmate per Ferrari. L’argomento è top secret. “Non posso ancora dire molto, è un work in progress di exterior e interior design studiato appositamente per il mercato cinese. Il lancio è previsto a novembre, prima a Shanghai e poi in altre 20 città del Paese, il progetto partirà a marzo 2012”. Anche Matteograssi ha messo gli occhi su Simon e, di nuovo, con il Gruppo di furniture design sono in corso d’opera progetti e trattative. La storia si ripete con Swarovski. Si riesce a parlare solo dell’imminente con Simon Ma. Il presente straripa e quasi non c’è tempo per citare progetti conclusi che portano il nome di Nike, Philips, Chivas, Maserati, Porche, Remy Martini 1898. Non prima, non dopo, ma ora. Non male per un ragazzo di 38 anni di Hong Kong. www.simonmad.com M.D.M.

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Mr.Mad is the acronym which he gave himself at the age of 11 and which still makes him feel totally at ease with himself today. From the vantage point of his 6 offices scattered throughout the country (he has 122 employees), in which he alternates multitasking activities ranging from architecture to art, to interior and industrial design, Simon Ma makes no mystery of his background. He does not just say it in words, everything in him expresses his pride for having made it. By himself.

Born in a family with few means, he owes a great deal to the artist Fan Tzu Teng – one of the 50 most important artists in China – who took him under his wing at the age of 7 and taught him “the life principle” – he says. At the age of 13 he moved to London – “by myself” he underlines – to experience western arts and design, and after studying at the University College of London and earning his master’s degree in Architecture and Urban Planning, he opened the Ma.Design Co. Ltd. in Shanghai, his first firm, to deal with lifestyle in China. He places great importance on being considered an artist when talking about his own creative style, a detail that did not escape the notice of Lamborghini, for which Simon Ma has personalized 4 limited-edition pieces and their relative logo for the Chinese market. Nor Ducati, which commissioned the same number of pieces, presented officially in Hong Kong in September of this year, before an audience of Asian VIPs, all of them possible buyers, naturally: 4 models of the Ducati Diavel motorcycle for the body of which Ma drew his inspiration from the martial arts of Kung Fu. But this seems to be the key preferred by leading manufacturers who want access to the Chinese market, because he has designed at least 20 limited editions for Ferrari. The story is top secret.

“I cannot say much yet, this is a work in progress of exterior and interior design developed specifically for the Chinese market. It is to be launched in November, first in Shanghai and then in 20 other cities around the Country, the project will begin in March 2012”. Matteograssi has also set its sights on Simon and, again, there are projects and negotiations taking place with the design furniture Group. The same goes for Swarovski. You can only talk about the imminent future with Simon Ma. The present is brimming and there is not enough time to mention finished projects that carry the name of Nike, Philips, Chivas, Maserati, Porsche, Remy Martin 1898. Not before, not after, but now. Not bad for a 38-year old kid from Hong Kong. www.simonmad.com

Simon Ma, a sinistra, firma e personalizza edizioni limitate per il mercato cinese di Lamborghini - suo il logo ridisegnato appositamente - e Ducati. In alto, i cristalli Swarovski su un modello del designer/artista.

Simon Ma, at left, designs and customizes limited editions for the Chinese market of Lamborghini – he designed the special logo – and Ducati. At top, Swarovski crystals on a model by the designer/artist.

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Furniture China 2011

FACE TO FACE PLATFORM testo e foto di Manuela Dì Mari

Produttori nazionali e internazionali a confronto – quest’anno incrementati rispettivamente del 10 e del 15% - al Furniture China 2011 di Shanghai. In tutto circa 100.000, hanno messo in mostra, durante una quattro giorni gremita e frenetica, un’offerta d’arredo ampia e ricca, che abbracciava, oltre l’home interior, cucine, outdoor, ufficio, macchinari e nuovi materiali. Una piattaforma dinamica - consolidata nel tempo quale più importante del mercato asiatico - per addetti al settore provenienti da tutto il mondo, ideale non solo per incentivare dialoghi B2B, ma anche per promuovere l’evoluzione dal Made in China al Created by China. Proprio su questo punto insiste Wang Mingliang, managing director UBM Sinoexpo e vice presidente di China National Furniture Association (CNFA), che parla di strategie prossime future in termini di design: lavorare e rafforzare quello locale e investire su designer europei per raggiungere il vecchio continente. All’edizione appena conclusa, si è aggiunta quest’anno una serie di eventi sparsi nelle location cittadine più centrali e nei flagship store dei migliori brand. Una sorta di design week destinata a crescere e ad eleggere Shanghai ‘city of design’. www.furnitureinchina.com National and international manufacturers – who have grown respectively this year by 10 and 15% face off at Furniture China 2011 in Shanghai. In all they count about 100,000, and in a crowded and frenetic four-day event, displayed a vast and rich array of furniture that, in addition to home interior, included kitchens, outdoor and office furniture, equipment and new materials. A dynamic platform, consolidated over time as the most important on the Asian market – for industry professionals from all over the world, ideal not only to foster B2B interaction, but also to promote the evolution from Made in China to

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Created by China. This is a primary issue for Wang Mingliang, managing director UBM Sinoexpo and Vice-president of the China National Furniture Association (CNFA), who talks about design strategies for the near future: to work to strengthen local design, and to invest on European designers in order to reach the old continent. The recently-concluded edition will be complemented this year by a series of events distributed across the more central locations of the city and in the finest brand flagship stores. A sort of design week that is destined to grow and to crown Shanghai as the City of Design. www.furnitureinchina.com

All’edizione 2011 di Furniture China di Shanghai, una vasta scelta di tipologie d’arredo proveniente da Asia e Europa.

At the 2011 edition of Furniture China in Shanghai, a vast range of furniture typologies from Asia and Europe.

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LA DOLCE VITA. A ORIENTE Non solo buon vino e cibo di qualità fanno brillare il Made in Italy negli occhi a mandorla: anche molti altri settori, dalla moda al calzaturiero all'arredamento, prendono sempre più spesso il volo dall’Italia direzione Cina. Con una popolazione di 1,4 miliardi di persone, un tasso di crescita dell’economia del 9,5%, una high income class in espansione e un conseguente boom nei consumi, la Cina è oggi per le imprese italiane non più solo una meta di outsourcing della produzione ma un mercato dalle enormi potenzialità. Ciò è vero sia per i prodotti del segmento luxury sia per quelli che sempre più frequentemente vengono definiti prodotti di lusso accessibile, ovvero produzioni Made in Italy, collocabili appena al di sotto della fascia di prezzo più alta, realizzate con materiali e design di qualità sviluppato grazie al know how delle aziende italiane. I dati resi noti da Confindustria fotografano, ad oggi, una situazione per cui i principali sbocchi commerciali per il lusso e il lusso accessibile restano ancora i mercati delle economie mature, benché nel corso degli ultimi anni Paesi come Russia, India e Cina abbiano guadagnato posizioni assecondando una tendenza in costante sviluppo. Si calcola, ad esempio, che un Paese come la Cina, nel 2008 solo alla diciannovesima posizione nella classifica dei principali mercati di sbocco per le esportazioni italiane di lusso accessibile, abbia ancora un potenziale di crescita di circa 40% da qui al 2015. Si prevede, infatti, che tra quattro anni la Cina importerà 7575 milioni di beni di lusso accessibile, di cui 523 milioni dall'Italia. E il settore che sembra destinato a conoscere una crescita maggiore in questo senso è quello dell’arredamento, con una previsione di espansione di circa il 70% nei prossimi anni. Il panorama, fatto di nuovi sbocchi e prospettive di crescita, ha portato negli ultimi anni molte delle più prestigiose firme italiane di design a spingersi in Estremo Oriente, supportando non solo una notevole distanza geografica, un panorama istitu-

zionale, amministrativo e fiscale differenti, ma anche un gap socio-culturale non trascurabile. A venire in soccorso delle aziende del Bel Paese è in primo luogo la qualità tecnica dei prodotti italiani unita all'idea di buon vivere che tutto il Made in Italy porta con sé. Gruppi come Berloni, Poliform, Boffi sono presenti in Cina ormai da alcuni anni e il legame che unisce il nostro Paese con il gigante asiatico è sempre più stretto. Esemplare è Natuzzi, azienda pugliese tra i leader mondiali nel settore dei divani in pelle, che è presente in Cina dal

2000, anno di inaugurazione del Natuzzi Store di Pechino. Da allora, altri 26 punti vendita sono stati aperti e altri sei nasceranno entro la fine del 2011. L’obiettivo annunciato del Gruppo è di raddoppiare la distribuzione sul suolo cinese nell’arco dei prossimi 2-3 anni e perseguire obiettivi sì ambiziosi ma, secondo Pasquale Natuzzi presidente ed amministratore delegato del Gruppo, realizzabili, in quanto - dice - “i divani e le poltrone in vendita nei Natuzzi Store in Cina sono esclusivamente Made in Italy e i consumatori cinesi amano

Grande affluenza, marchi internazionali e italiani - sopra dall’alto Natuzzi e Domenico De Palo - a Furniture China 2011 di Shanghai: segnale di una high income class in espansione con conseguente crescita dei consumi. Un mercato, quello cinese, dalle enormi potenzialità.

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Great attendance, international and Italian brands – above from top Natuzzi and Domenico De Palo – at Furniture China 2011 in Shanghai: the sign of a growing high-income class that preludes to a growth in buying. The Chinese market shows enormous potential.

tutto ciò che viene dal nostro Paese”. Insieme a Natuzzi e, tra gli altri, un altro marchio storico del Made in Italy ha iniziato da tempo la penetrazione nel tessuto economico cinese: Flou da 15 anni porta in Oriente il know how e la filosofia del ‘buon dormire’ attraendo nei propri showroom quella grossa fetta di clientela che è sensibile alla qualità dei prodotti italiani. Se la via degli investimenti da parte delle aziende italiane in Cina è ormai aperta, resta ancora molta strada da percorrere. Attualmente molte sono le iniziative anche a carattere coordinato e istituzionale che mirano a intrattenere sempre una più stretta collaborazione tra i due Paesi, magari favorendo anche la penetrazione per quelle piccole e medie imprese che fanno grande l'Italia e che hanno tutte le carte in regola per far grande l'Italia nel mondo.

Alice Capiaghi

LA DOLCE VITA. IN THE ORIENT Good wine and fine food are not the only things that make Made in Italy put a sparkle in Chinese eyes: there are many other sectors, from fashion to shoes to furniture, that continue to fly across from Italy towards China. With a population of 1.4 billion people, an economic growth rate of 9.5%, an expanding high-income class and a resulting surge in consumer buying, China today is not only a place where Italian manufacturers outsource their production, but a market with enormous potential. This is true for both products in the luxury segment and those that are more commonly designated as accessible luxury products, i.e. products Made in Italy, that may be ranked just one level under the highest price range, made with quality

materials and design developed thanks to the know-how of Italian manufacturers. The data released by Confindustria documents a current situation in which the principal commercial outlets for luxury and accessible luxury are still the mature economic markets, though in recent years countries such as Russia, India and China have gained ranking and confirmed a constantly developing trend.

It is calculated that a country such as China, for example, which was only nineteenth in the ranking of the major markets for accessible luxury exports in 2008, now has a growth potential of approximately 40% from here to 2015. It is predicted that in four years, China will import 7,575 million Euro worth of accessible luxury goods, 523 million of which will come from Italy. The sector that seems destined to grow most rapidly in this sense is the furniture industry, which is expects to expand by approximately 70% over the next few years. The outlook based on new outlets and perspectives for growth in recent years, has led many of the most prestigious Italian design firms to travel all the way to the Far East, supporting not only an exceptional geographical distance, and different institutional, administrative and tax picture, but also a considerable social and cultural gap. What saves the manufacturers from Italy is first and foremost the technical quality of Italian products combined with the idea of good living that everything Made in Italy carries with it. Groups such as Berloni, Poliform, Boffi, have been working in China for several years now, and the bond that ties our country to the Asian giant has been growing tighter all the time. A fine example is Natuzzi, a company from the southern Puglia region that is one of the world leaders in the leather sofa industry, that has been working in China since 2000, the year they

inaugurated the Natuzzi Store in Beijing.

Since then they have opened 26 more retail stores and six more will be opened by the end of 2011. The stated objective of the Group is to double distribution on Chinese soil over the next 2-3 years and pursue objectives that are, yes, ambitious, but according to Pasquale Natuzzi, president and CEO of the Group, achievable because, he says, “the sofas and armchairs sold in the Natuzzi Stores in China are exclusively Made in Italy”, and “Chinese consumers like everything that comes from our country”. Along with Natuzzi, and several others, another historic brand of Made in Italy began some time ago to penetrate into the Chinese economic fabric: Flou has been bringing its know-how and philosophy of “fine sleeping” to the Orient for 15 years, attracting into its showrooms the large part of the Chinese clientele that seeks out the quality of Italian products. If the trail for investment by Italian companies into China has already been blazed, there is however much left to do.

Currently there are many institutional and coordinated initiatives that seek to build an increasingly close collaboration between the two countries, that may favour the penetration of the small and medium businesses that make Italy great and that have everything it takes to do their part to improve Italy’s role in the world.

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Dolce Stil Novo

ITALIAN DOMESTIC LANDSCAPE di Manuela Dì Mari

Un’esperienza sensoriale ed emozionale, una immersione nella cultura e nella vita italiana, un viaggio attraverso l’evoluzione dello stile di vita del Bel Paese passando attraverso la tradizione, da sempre ecellenza riconosciuta a livello mondiale. Questo è Dolce Stil Novo, la mostra allestita negli spazi museali del Kaohsiung Museum Of Fine Arts di Taiwan, curata da Sergio Fintoni, presidente di 123art, e Beatrice Hsieh, direttrice del museo, con allestimento di Carlo Anzilotti e Cristina Benedettini dello Studio Anzilotti Associati di Firenze. La dimensione estetica del percorso espositivo è realizzata con prodotti rigorosamente Made in Italy di importanti brand fra i quali Matteograssi, Borbonese, Pierantonio Bonacina, Poltrona Frau, Boffi, Moroso, Artemide, Ducati, FendiCasa, Barovier&Toso, Edra, mentre l’aspetto percettivo, visivo è olfattivo, punta sull’utilizzo di colori, suoni, profumi, per coinvolgere a tutto tondo un visitatore che deve poter catturare momenti di vita quotidiana lungo un itinerario composto da ambienti ben distinti secondo le aree della casa. A completamento, grafica e immagine coordinata sono state studiate per comunicare dinamicità.

La mostra, pensata per diventare itinerante, è sponsorizzata dal Ministero della Cultura, con il patrocinio dell’UCI, presenti all’inaugurazione il Ministro della Cultura e tutte le più importanti autorità taiwanesi. www.123art.it An emotional, sensorial experience, an immersion into Italian life and culture, a journey through the evolution of our country’s lifestyle with a look at tradition, which has always demonstrated an excellence that is recognized world-wide. This is Dolce Stil Novo, the exhibition organized in the spaces of the Kaohsiung Museum of Fine Arts in Taiwan, curated by Sergio Fintoni, president of 123art, and by the director of the Museum Beatrice Hsieh, and designed by Carlo Anzilotti and Cristina Benedettini of Studio Anzilotti Associati in Florence. The aesthetic dimension of the exhibition is created exclusively with products Made in Italy by important brands such as Matteograssi, Borbonese, Pierantonio Bonacina, Poltrona Frau, Boffi, Moroso, Artemide, Ducati, FendiCasa, Barovier&Toso, Edra, while the perceptive, visual and olfactory dimensions are based on the use of colours, sounds, aromas, to involve the visitor totally, so that he might capture moments of daily life along an itinerary composed of distinct spaces corresponding to the different areas of the home.

The relative graphic design and corporate image were developed to communicate the dynamic nature of the show. The show, conceived as a traveling exhibition, is sponsored by the Ministry of Culture, under the patronage of the UCI; the inauguration was attended by the Minister of Culture and all the most important authorities in Taiwan. www.123art.it

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Immagini della mostra Dolce Stil Novo allestita a Taipei e che vede il Made in Italy in primo piano. In alto, un momento della conferenza stampa: da sinistra, Beatrice Hsieh, direttrice del Kaohsiung Museum Of Fine Arts, Carlo Anzilotti e Sergio Fintoni, rispettivamente curatore della mostra e responsabile dell’allestimento. Nelle altre immagini, tra i marchi italiani protagonisti dell’evento Pierantonio Bonacina, Matteograssi, Poltrona Frau.

Views of the exhibition Dolce Stil Novo in Taipei, in which Made in Italy is prominently featured. At top, a moment at the press conference: from left, Beatrice Hsieh, director of the Kaohsiung Museum of Fine Arts, Carlo Anzilotti, curator of the exhibition, and Sergio Fintoni, responsible for the exhibition design. In the other views, the Italian brands at the forefront of the event include Pierantonio Bonacina, Matteograssi, Poltrona Frau.

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PROJECT REPORTAGE

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testi e foto di Luciana Cuomo

DESIGN IN BEIJING

Piazza Tiananmen durante la Festa Nazionale, in occasione del Beijing Design Week 2011. La prima Triennale Internazionale di Pechino si tiene nel National Museum of China (nell’immagine).

Tienanmen Square during the National Celebration, on the occasion of Beijing Design Week 2011. The first International Triennial in Beijing is being held at the National Museum of China (in the photograph).

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REN: GOOD DESIGN ‘Ren’ è parola che va dritta al cuore del tema svolto dalla First International Design Triennial di Pechino - BIDT -, evento che si affianca al Design Week 2011, o meglio che ne costituisce profondamente l’altra faccia. Perché il Good Design, per gli organizzatori, è tale solo alla luce del concetto Ren della tradizione cinese, che parla di ‘aver cura’ degli altri, della gente, del popolo insomma, che sta comunque al centro della cultura della Repubblica Popolare Cinese. In questa luce vanno lette e interpretate le 5 mostre che articolano in sottotemi il tema generale della BIDT, che mette in mostra, al National Museum of China di Piazza Tiananmen, tutte le conquiste del design in funzione della vita umana e dello sviluppo sociale. Il popolo cinese deve capire profondamente la centralità del Good Design nella situazione del paese, per lo sviluppo della human society e del miglioramento della qualità della vita. Intorno al bene di tutti, dunque, si organizzano le 5 mostre a partire dalla Creative Junctions, firmata a due mani da Gilda Bojardi - direttore Interni - e Yang Dongjiang - rappresentante della Academy of Arts&Design della Tsinghua University di Pechino -. Le altre 4 exhibition della Triennale sono: Rethinking Bamboo, sul visionario potenziale di questo materiale principe della cultura cinese; Reason Design Emotion, sull’equilibrio possibile tra la mente dei designer e il modo di progettare secondo le culture locali; Good Guys, ovvero come i designer contemporanei cercano di creare oggetti che abbiano a che fare con la complessità sociale, le contraddizioni e la compatibilità ambientale; infine What If?, si interroga su come potrebbe essere il progetto, in risposta alle pulsioni del futuro, alle nuove tecnologie e quanto altro. Progettiamo per il mondo come appare oggi o per come potrebbe essere in un futuro abbastanza immediato? Non ci sono soluzioni pronte, ma molte domande, idee e possibilità tutte espresse attraverso il linguaggio del design.

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“Ren” is a word that goes straight to the heart of the theme developed at the First International Design Triennial in Beijing – the BIDT – an event that goes hand in hand with Design Week 2011, or better yet, is a profound representation of its other face. Because Good Design, for the organizers, is such only in the light of the Ren concept which in the Chinese tradition is all about “caring” for others, for people, for the People, who stand at the centre of the culture of the Chinese People’s Republic. It is in this light that one can understand and interpret the 5 exhibitions that articulate in sub-themes the general theme of BIDT which, at the National Museum of China in Tienanmen Square, exhibits the conquests made by design for human life and social development.

The Chinese people must have a rather profound understanding of the central role of Good Design in the life of the country, for the development of human society and the improvement of the quality of life. The common good is therefore the theme around which the 5 exhibitions are organized, starting with Creative Junctions, curated jointly by Gilda Bojardi – director of Interni – and Yand Dongjiang, as the representative of the Academy of Arts&Design of Tsinghua University in Beijing. The other 4 exhibitions of the Triennial are: “Rethinking Bamboo” on the visionary potential of this material principle of Chinese culture; “Reason Design Emotion”, on the possible balance between the mind of the designer and designing according to local culture. “Good Guys”, or how contemporary designers try to create objects that involve social complexity, contradictions and environmental compatibility. And finally “What If?” questions what design could be as it responds to the call of the future, to new technologies and more. Do we design for the world as it appears today or as it could be in a rather immediate future? There are no ready solutions, but lots of questions, ideas and possibilities that are all expressed in the language of design.

Creative Junctions, in mostra presso il National Museum of China, curata da Gilda Bojardi Interni e dal cinese Yang Dongjiang. Tra i best seller del design: in alto, la sedia Myto di Grcic per Plank, The Open Cage di Nathan Liu e, sullo sfondo, lo sgabello di Alvar Aaalto per Artek; qui sopra, Chair One di Grcic per Magis, la Testa Pensante di Mendini per Bisazza, gli Animal Things di Mooi e il Fellowship Groups di Sun Yun per Dialog Box Foundation. Accanto, installazione segnaletica Arcimboldo by Marti GuixĂŠ.

Creative Junctions, on exhibit at the National Museum of China, curated by Gilda Bojardi Interni and by Yang Dongjiang from China. The best sellers of design include: at top, the Myto chair by Grcic for Plank, The Open Cage

by Nathan Liu and, in the background, the stool by Alvar Aalto for Artek; above, Chair One by Grcic for Magis, the Thinking Head by Mendini for Bisazza, the Animal Things

by Moooi and the Fellowship Groups by Sun Yun for the Dialog Box Foundation. Across, the sign installation Arcimboldo by Marti GuixĂŠ.

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Altre exhibition in Triennale. In alto, a sinistra, Reason Design Emotion by Benjamin Loyauté e Fang Xiaofeng (in foto, Anisotropia di Christoph Klemmt e Xin Wang). Accanto, Rethinking Bamboo

by Freeman Lau e Hang Jian (in foto, Bamboo Electric Vehicle di Matsushige Kazumi). Al centro, Good Guys by Tristan Kobler, Barbara Holzer, Li Degeng, Martin Heller (in foto, Les Danseuses di Atelier Oì). In basso, What If by Fiona Raby, Anhony Dunne, Jin Jangbo (in foto, The Cloud Project-Nano Ice Cream van by Zoe Papadopouloue Cathrine Kramer.

Other exhibitions at the Triennale. At top, left, Reason Design Emotion by Benjamin Loyauté and Fang Xiaofeng (in the photo, Anisotropia by Christoph Klemmt and Xin Wang). Across, Rethinking Bamboo by Freeman Lau and Hang Jian (in the photo, Bamboo Electric Vehicle by Matsushige Kazumi). At center, Good Guys by Tristan Kobler, Barbara Holzer, Li Degeng, Martin Heller (in the photo, Les Danseuses by Atelier Oì). Below, What If by Fiona Raby, Anhony Dunne, Jin Jangbo (in the photo, The Cloud Project-Nano Ice Cream van by Zoe Papadopouloue Cathrine Kramer).

DESIGN SPEECH

CARLO COLOMBO Al Forum della Tsingua University, che ospita un intrigante ping pong Italia-Cina, nelle vesti dei curatori della BIDT e di alcuni tra i migliori designer italiani, Patricia Urquiola, Stefano Giovannoni, William Sawaya, Carlo Colombo. A quest’ultimo chiediamo un commento a caldo sul suo essere in prima fila nella prestigiosa Design Triennial.

Che effetto ti fa partecipare alla settimana del design nella capitale?

Innanzitutto è un onore essere qua per l’Italia, come designer, insieme ad altri colleghi, a rappresentare il paese, la nostra cultura e la nostra creatività. E, devo dire, che la rappresentiamo molto bene, insieme alla curatrice della mostra Design Junctions, Gilda Boiardi, che ha fatto un ottimo lavoro di organizzazione della mostra stessa e di questo Simposio. È molto importante sia essere in mostra nel museo più importante di Pechino, in piazza Tiananmen, a cui tutti possono accedere, che qui all’università, a completare l’opera attraverso il nostro contributo diretto, raccontando il nostro lavoro. Perciò mi auguro che l’intero evento sia ben comunicato dalla stampa internazionale, in particolare da quella italiana. Soprattutto in questo periodo di crisi, o comunque di sofferenza per l’Italia, è molto importante mostrare un evento che porta positività, credibilità e fiducia nel popolo italiano, in un settore che sembra essere tra le poche, o le migliori, cose rimaste.

Ma tu sei già presente in Cina?

Sì, da pochi mesi ho la cattedra di design e architettura alla facoltà di Beijing e ho un contratto con la The Tao Master Academy, un’altra facoltà in cui insegno progettazione di architettura e dispongo di un ufficio di progettazione all’interno dell’università. E queste spero siano ottime premesse per sviluppare un buon lavoro.

At the Forum at Tsingua University, which is hosting an intriguing debate between Italy and China, pitting the curators of the BIDT against the finest Italian designers, Patrizia Urquiola, Stefano Giovannoni, William Sawaya and Carlo Colombo. We have asked the latter for an impromptu comment about being highlighted at the prestigious Design Triennial.

How does it feel to participate in the Capital’s design week?

First of all it is an honour to be here for Italy as a designer, along with my colleagues, to represent our country, our culture and our creativity. And I must say that we represent it very well, as does the curator of the exhibition “Design Junctions”, Gilda Bojardi, who has done an excellent job of organizing the Exhibition and this Symposium. It is very important both to be in the exhibition in the most important museum in Beijing, in Tienanmen Square, which is open to everyone, and to be here at the university, to complete the job by participating directly, and talking about our work.

Therefore I hope that the entire event will be well publicized by the international press, in particular by the Italian press. Especially during this time of economic crisis, a very hard time for Italy, it is important to showcase an event that brings positivity, credibility and trust in the Italian people, in a sector that seems to be one of the few, or the best, ones left.

But don’t you already work in China?

Yes, I have had a teaching position in design and architecture at the Faculty in Beijing for the past several months and I have a contract with the Tao Master Academy, another faculty in which I teach architectural design and I also have a design office within the University. And I hope that these will turn out to be the best of premises for developing good results.

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DESIGN EXHIBITION

CHINESE STUFF Stuff, nel senso di cose, sostanza, identità. E di questo si tratta, nella bella e intelligente mostra al Lingdian Design Center, che trae origine da un volume di successo. Cosa potrebbe essere più rappresentativo di un paese? La risposta sono gli oggetti onnipresenti nella vita quotidiana: i 120 oggetti in mostra, di uso comune, di grande spessore estetico e concettuale, che riflettono i dettagli della vita cinese di ogni giorno. E benché la gente oggi si sia disintossicata dalla memoria di un glorioso retaggio culturale e vada in cerca di nuovi stili di vita, a cavallo tra Oriente e Occidente e tra modernità e tradizione, gli oggetti di Chinese Stuff restano portatori e riflesso di radici estetiche e dell’immaginario nazionale, e portano a decifrare le relazioni tra le cose e la gente e tra essi e la società. Nel quadro del consumismo contemporaneo, Chinese Stuff, radicato nel cuore del feticismo materiale, appare un evento chic, portatore di memoria storica nel presente.

“Stuff”, in the sense of things, substance, identity. That’s what this fine and intelligent exhibition at the Lingdian Design Center, based on a best-selling book, is all about. What could be more representative of a country? The answer lies in the objects that surround us every day: the 120 objects in the exhibition, household objects with significant aesthetic and conceptual substance, reflect the details of everyday life in China. And though people today have been disintoxicated from the memory of their glorious cultural legacy and are seeking new lifestyles, halfway between east and west and between modern and traditional, the objects in “Chinese Stuff” continue to carry and reflect the aesthetic roots of the national imagination, and help to decipher the relationships between things and people, and between those and society. In the context of contemporary consumer buying, Chinese Stuff, rooted in the heart of material fetishism, appears as a stylish event, leading historic memory into the present.

Chinese Stuff, mostra tratta dall’omonimo volume, organizzata dalla Communication University of China. Exhibition planner Wu Xuefu, design director Huang Yunwei. In foto, le iconiche Liberation Shoes e, in basso, le tradizionali Glass Bottles for Tea.

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Chinese Stuff, an exhibition inspired by the homonymous book, organized by the Communication University of China.

Exhibition planner Wu Xuefu, design director Huang Yunwei. In the photo, the iconic Liberation Shoes and, below, the traditional Glass Bottles for Tea.

(UN)FORBIDDEN CITY Nuova operazione metaprogettuale del marchio italiano Alessi, in mostra alla Aether Art Space Gallery di Sanlitun Village. Coordinati da Gary Chang - uno dei 22 progettisti che presero parte al Tea&Coffee Towers nel 2003 -, sette affermati architetti cinesi, invitati da Alberto Alessi, affrontano per la prima volta un progetto di industrial design ed elaborano la personale interpretazione di una delle tipologie archetipiche dell’azienda: il vassoio.

A new meta-design operation by Italian brand Alessi, on exhibit at the Aether Art Space Gallery in Sanlitun Village. Coordinated by Gary Chang, one of the 22 designers who took part in “Tea&Coffee Towers” in 2003 – seven established Chinese architects, invited

by Alberto Alessi, take up the challenge, for the first time, of an industrial design project and elaborate their own personal interpretation of one of the archetypal typologies of this company: the tray.

(Un)Forbidden City, mostra di Alessi, curata da Gary Chang e allestita come una tipica sala per il gioco del mahjong alla Aether Art Space Gallery. Sette noti architetti cinesi firmano altrettanti vassoi.

(Un)Forbidden City, an exhibition by Alessi, curated by Gary Chang and designed as a typical mahjong playing room, at the Aether Art Space Gallery. Seven famous Chinese architects have each designed a tray.

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SWITCH ON BEIJING International Lighting Festival, ovvero come illuminare Ditan Park. 30 spettacolari installazioni luminose di designer per lo pi첫 cinesi esplorano il tema Light and Object, nel vivo di un magico parco di Beijing. Usando i LED come fonte primaria di luce, i progettisti dispiegano tecnologie solari, interattive e multimediali, per esplorarne le implicazioni. Le opere nel Ditan Park sono il distillato di riflessioni sociali, ambientali, progettuali ed hanno un forte appeal visuale e provocatorio.

International Lighting Festival or how to light Ditan Park. Thirty spectacular lighting installations by mostly Chinese designers explore the theme of Light and Object, in the setting of a magical park in Beijing. Using LEDs as the primary light source, the designers unfurl solar, interactive and multimedia technology to explore their implications. The works in Ditan Park are a distillation of social, environmental and design considerations; they are provocative and have a strong visual appeal.

Installazioni luminose al Beijing Ditan Park sul tema Light and Object nella mostra organizzata da Z-Park e Lighting Design Partnership International of China. In alto, Light The Woods by Xiaolin Wang. Sotto, Memorable Flowers, by Jun LAI.

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Light installations at the Beijing Ditan Park on the theme of Light and Object in the exhibition organized by Z-Park and Lighting Design Partnership International of China. At top, Light The Woods by Xiaolin Wang. Below, Memorable Flowers, by Jun LAI.

EXHIBITION INTERIORS

Silvia Minciarelli (a destra) e Claudia Cecchi, design team di Spaces Interiors e curatrici dell’installazione The Emperors New Clothes, con Monica Bastianelli-Domani Casa che ha collaborato alla realizzazione (foto in basso).

Silvia Minciarelli (at right) and Claudia Cecchi, design team of Spaces Interiors and curators of the installation The Emperors New Clothes, with Monica Bastianelli-Domani Casa who assisted in the realization (below).

SPACES

Spaces Interiors è un dinamico interior design team, che trae dalla attenta analisi della natura dei singoli spazi, residenziali, pubblici, lavorativi... e dalla acuta valutazione delle esigenze dei clienti, la spinta a trovare risposte progettuali armoniose e innovative. La mostra The Emperors New Clothes, realizzata in collaborazione con DDN Design Diffusion News, Bricks Construction e Profound, espone una collezione di pezzi di arredo di design ispirata dall’osser-

vazione e dallo studio delle tradizionali scatole cinesi. Esplorandone gli usi e le forme, Spaces si concentra sulla molteplicità delle possibili combinazioni, traendo ispirazione per disegnare intriganti pezzi di arredamento per soluzioni flessibili e adatte ai lifestyle contemporanei. Il risultato in mostra nello showroom - che è anche spazio progettuale - di Silvia Minciarelli e Claudia Cecchi (in foto) si materializza in una serie di container di varie forme e misure, sorta di memory boxes, che aprono e svelano

strumenti o giochi abbigliati con i nuovi abiti dell’imperatore, tessili o in altri materiali, ricavati comunque da motivi e pattern della tradizione cinese. L’installazione, progettata e curata da Spaces, è realizzata da Domani Casa.

Spaces Interiors is a dynamic interior design team, which carefully analyzes the nature of each residential, public or work space, and assesses client needs to find the key to harmonious and innovative design solutions.

The exhibition “The Emperor’s New Clothes”, created in collaboration with DDN Design Diffusion News, Bricks Construction and Profound, exhibits a collection of design furniture inspired by the observation and analysis of traditional Chinese boxes. Exploring their uses and forms, Spaces concentrates on the multiplicity of possible combinations, drawing inspiration for the design of intriguing furniture that allows flexible solutions suitable for contemporary lifestyles.

The results on display in the showroom, which is also the design space for Silvia Minciarelli and Claudia Cecchi, is materialized in a series of storage units with various sizes and shapes, memory boxes of a sort, which open and reveal: instruments or toys dressed in the Emperor’s new clothes, made of fabric or other materials, but inspired by motifs and patterns from the Chinese tradition. The installation was designed and organized by Spaces, and built by Domani Casa.

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ARCHITECTURE CITY

KENGO KUMA VILLAGE Sanlitun Village, uno dei distretti del Design Week, deve molto del suo appeal alla mano dell’architetto giapponese Kengo Kuma, che ha firmato alcuni degli edifici più popolari. Tra questi, The Opposite House, l’hotel-ristorante più trendy della Beijing attuale. Una scatola verde smeraldo, che dovrebbe rappresentare “la calma di una foresta urbana” all’interno del vivacissimo e popolatissimo Sanlitun Village. Un village che si va riempiendo dei brand internazionali dell’eleganza e del lusso, della moda e del design, con marchi come Artemide, Poltrona Frau, Alessi, Flos e molti altri.

Tornando all’Opposite House, capace di offrire fremiti di alta gastronomia, oltre che tecnologia e progetto, è un lussuoso hotel contemporaneo di 99 stanze, su una superficie di 14mila metri quadrati su 8 livelli, che armonizza pubblico e privato, modernità e tradizione. E che offre un rifugio confortevole e un’atmosfera vibrante per una fluida fruizione degli spazi. L’architettura dell’hotel, disegnata da una facciata continua in vetro smeraldino, intende offrire una interpretazione in chiave moderna del tradizionale paravento cinese.

Il nome stesso del progetto The Opposite House, deriva dal termine tradizionale cinese ‘siheyuan’, che storicamente connota l’edificio situato sul lato

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Sanlitun Village: scorcio esterno e hall dell’hotel ristorante più trendy della Beijing attuale, The Opposite House, progetto del giapponese Kengo Kuma.

Sanlitun Village: an outdoor view and the hall of the trendiest hotel-restaurant in Beijing today, The Opposite House, a project by Japanese architect Kengo Kuma.

opposto di un courtyard, destinato ad accogliere gli ospiti importanti.

Sanlitun SOHO è invece un megaprogetto concepioto da Kengo Kuma come una open community.

Il committente è il più importante developer cinese, per cui in passato l’architetto giapponese progettò la celebre villa Bambù Wall, alla Commune della Grande Muraglia. Il progetto su vasta scala comprende 5 shopping mall, concepiti intorno ad un comune ‘sun ken’ garden, che li attraversa tutti, come sottile corso d’acqua, oltre a cinque office tower, nel lato nord del sito, e 4 torri residenziali al lato sud. Commentando l’uso dei materiali,

Kengo Kuma ha parlato di un progetto ispirato ad un organic look, con una forma vicina ad un futuristico canyon, che va nel senso di dissolvere la comune dicotomia tra città e natura. Concepito come una città compatta, una città nella città, Sanlitun SOHO è destinato ad essere un punto di riferimento per la capitale. La forma organica delle torri e la piacevolezza strutturale e cromatica delle facciate danno all’architettura un tocco soft, nonostante la grande dimensione. Il successo del Sanlitun Village come popolare spazio urbano è una testimonianza del potere dell’architettura a stimolare attrazione.

La facciata continua dell’hotel, una scatola in vetro smeraldo, che offre un’interpretazione moderna del tradizionale paravento cinese. In basso, la scala che conduce alla cafeteria e, accanto, uno dei ristoranti della Opposite House.

The continuous façade of the hotel, an emerald green box, offers a modern interpretation of the traditional Chinese screen. Below, the stair that leads to the cafeteria and, across, one of the restaurants at the Opposite House.

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Ancora al Sanlitun Village sorge il megaprogetto firmato da Kuma per Sanlitun SOHO, il più importante developer cinese.

The Sanlitun Village is also the location for the mega-project by Kuma for Sanlitun SOHO, the most important Chinese developer.

Sanlitun Village, one of the Design Week districts, owes much of its appeal to the hand of Japanese architect Kengo Kuma, who designed some of its most popular buildings. These include the Opposite House, the trendiest hotelrestaurant in today’s Beijing. An emerald green box, which intends to represent “the peace of an urban forest” inside the lively and crowded Sanlitun Village. A village that is becoming filled with the international brands of elegance and luxury, fashion and design, including Artemide, Poltrona Frau, Alessi, Flos and many others. Going back to Opposite House, which offers peaks of fine cuisine, in addition to technology and design, this is a contemporary luxury hotel with 99 rooms, on an area of 14 thousand square meters and 8 floors, which harmoniously blends public and private, modern and traditional. And offers a comfortable shelter along with a vibrant atmosphere for a fluid enjoyment of the spaces.

The architecture of the hotel, designed with a continuous emerald green glass façade, intends to offer a modern interpretation of the traditional Chinese screen. The name of the project itself, “The Opposite House”, derives from the traditional Chinese word “Siheyuan”, which historically identifies a building located on the opposite side of a courtyard, serving to host important guests.

Sanlitun SOHO, on the contrary, is a megaproject conceived by Kengo Kuma as an open community. The client is the most important Chinese developer, for whom the Japanese architect previously designed the famous Bamboo Wall house, in the Great Wall Commune. This large-scale project includes 5 shopping malls, conceived around a common “sun ken” garden, that runs across all of them like a slender stream of water, with the five office towers on the northern end of the site, and 4 residential towers to the south.

Commenting on the use of materials, Kengo Kuma spoke about a project inspired by an organic look, with a form similar to a futuristic canyon, which is heading towards the dissolution of the common dichotomy between City and Nature. Conceived as a compact city, a city in the city, Sanlitun SOHO is destined to be a point of reference for the Capital. The organic form of the towers and the structural and chromatic beauty of the façade, give the architecture a touch of softness, despite its size.

The success of Sanlitun Village as a popular urban space bears witness to the power that architecture has to stimulate attraction.

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LIFESTYLE

WUHAO CURATED SHOP In un solo anno il marchio, la società e la francese Isabelle Pascal, che l’ha creata e la cura, hanno catturato un tale consenso internazionale da essere definiti dai guru di Wallpaper come una delle ‘20 terrific reasons to visit China’. Sono 2 le location che ne rappresentano il concept in occasione del Beijing Design Week: la prima, che spicca all’interno della Dashilan Alley, con il nome di Wuhao@The Teahouse ed è la perfetta ricostruzione di un’antica casa da tè, è un progetto speciale, pensato per l’occasione in partnership con il brand Tranquil Tuesdays, che offre una serie di intriganti installazioni e lifestyle firmate da giovani talenti affermati, nell’ambito di moda, design e accessori. Spiccano Li Naihan, furniture designer, lo studio Innovo di Hangzhou e alcune edizioni limitate di giovani creativi cinesi. Il progetto rimane fedele all’originario concept ideato da Isabelle, ispirato alla tradizionale filosofia dei 5 elementi, aria, acqua, terra, fuoco e metallo e alimentato dall’energia diffuia nella scena creativa cinese e globale. Il concept olistico di Wuhao si può ammirare nella sua purezza e completezza al numero 35 di Mao’er Hutong, nello showroom che si estende all’interno di un tradizionale courtyard, nella la casa a corte centrale, tipica dell’era yuan. Un luogo segreto, protetto da mura, inaccessibile un tempo e ora accessibile a quanti desiderino provare una shop experience indimenticabile. Nella corte, negli ambienti, nel giardino, tra rocce, acqua, architettura e piante, spazio di intrattenimento, relax e meditazione, mobili, oggetti ed abiti, inducono a un diverso approccio all’acquisto. Partita con 15 designer nel 2010, Wuhao oggi conta un network di oltre 55 talenti, cinesi e internazionali, accanto a stinolanti prospettive di crescita.

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In alto, Isabelle Pascal, creatrice del brand Wuhao. Accanto, ingresso e ambiente del Wuhao Curated Shop di Beijing, showroom che ha sede in un tipico hutong a corte centrale.

At top, Isabelle Pascal, creator of the Wuhao brand. Across, the entrance and one of the spaces in the Wuhao Curated Shop in Beijing, a showroom located in a typical hutong with a central courtyard.

In just one year the brand, the company and Frenchwoman Isabelle Pascal, who created and runs it, have won such international consensus as to be defined by the gurus at Wallpaper as one of “20 terrific reasons to visit China”. There are 2 locations representing the concept during Beijing Design Week: the first, highlighted at Dashilan Alley under the name of Wuhao@The Teahouse, a perfect reconstruction of an ancient teahouse, is a special project, conceived for the occasion in partnership with the brand Tranquil Tuesdays, which offers a series of intriguing installations and lifestyles designed by established young talents in the field of fashion, design and accessories. They include Li Naihan, furniture designer, the Innovo firm from Hangzhou and several limited editions by young Chinese designers. The project remains faithful to Isabelle’s original concept, inspired by the traditional philosophy of the 5 elements, air, water, earth, fire and metal, and fueled by the energy that permeates the Chinese and global creative scene. Wuhao’s holistic concept may be admired in its purity and totality at number 35 Mao’er Hotung, in the showroom located inside a traditional courtyard, in the house with the central courtyard typical of the Yuan era. A secret place, protected by walls, once inaccessible, and now open to everyone who wishes to try an unforgettable shop experience. In the courtyard, in the spaces, in the garden, among rocks, water, architecture and plants, a space for entertainment, relaxation and meditations, furniture, objects and clothing, lead to a different approach to shopping. Starting off with 15 designers in 2010, Wuhao now counts a network of over 55 talents, from China and abroad, and offers stimulating prospects for growth.

Il concept olistico di Wuhao prende forma nella corte e nel giardino, tra rocce e acqua dell’hutong. In alto e in basso, elementi della collezione The Crates, unità modulari su ruote trasportabili, progettati dall’architetto e designer Li Naihan. Al centro, fashion e design si integrano nel progetto di Isabelle Pascal: la poltroncina fa parte della serie Harmony del giovane designer Xiao Tianyua.

The holistic concept of Wuhao takes shape in the courtyard and in the garden, between the rocks and water of the hutong. At top and below, elements in the collection The Crates, moveable modular elements on wheels, designed by architect and designer Li Naihan. At center, fashion and design come together in the project by Isabelle Pascal: the armchair is part of the Harmony series by young designer Xiao Tianyua.

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YOUNG TALENTS Nel cuore della vecchia Pechino, non lontano da Tiananmen Square, Dashilar emana l’energia della scintillante creatività giovanile. Nelle strade si alternano le attività commerciali e turistiche, con l’autentica vita quotidiana degli abitanti del luogo, tra installazioni artistiche, temporary cafes, shop di brand leader e boutique indipendenti. Il recupero del quartiere è in piena fioritura, accanto a uno sforzo collettivo e istituzionale di rinnovamento. Il primo obiettivo è di attrarre la comunità creativa pechinese.

In the heart of old Beijing, not far from Tienanmen Square, Dashilar radiates the energy of scintillating young talent.

The streets are a sequence of commercial and tourist activities, buzzing with the authentic everyday life of local residents, between artistic installations, temporary cafés, brand leader shops and independent boutiques. The urban renewal of this district is in full swing, underpinned by a collective institutional effort towards renovation. The primary objective is to attract the creative community of Beijing.

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Momenti del Notch11 Festival. In alto: Dashilar Conceptual Map di Zhao Wen. Accanto, Wuhao@The teahouse, progetto speciale firmato da Wuhao con la tea company Tranquil Tuesdays. Sotto, Notch: Dashilar Social Action Feedback, sfida alla definizione tradizionale di spazio pubblico.

Installazioni di creativi cinesi e nord-europei. Pagina accanto, lanterne rosse segnalano il percorso della Dashilar Alley, evento chiave del Beijing Design Week presentato dal Guangan Holding and Dashilar Investment Limited.

Moments at the Notch11 Festival. At top: Dashilar Conceptual Map by Zhao Wen. Across, Wuhao@The teahouse, a special project designed by Wuhao with the Tranquil Tuesdays tea company. Below, Notch: Dashilar Social Action Feedback, a challenge to the traditional definition of public space.

Installations by Chinese and norther European creative talents. Page across, red lanterns mark the route of the Dashilar Alley, a key event of Beijing Design Week presented by Guangan Holding and Dashilar Investment Limited.

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FORUM

751 D–PARK

In continuità con l’affermato distretto artistico 798, il D-Park 751 si candida ad essere uno dei centri della scena creativa contemporanea a Beijing. Per il Design Week, i vecchi spazi industriali del distretto ospitano mostre, seminari e workshop internazionali ad ampio raggio tematico: architettura, arredamento, industrial e interior design, nuovi media e moda Tra le mostre italiane, ‘Stefano Giovannoni and His Creatures’ e Biomilano, in cui l’assessore alla cultura Stefano Boeri espone sei progetti centrati sulla ridefinizione della città e del territorio.

Tra i seminari, il B2B Design Forum, organizzato dalla Rizzoli Beijing, prima casa editrice italiana in Cina e principale partner della BJDW, si propone come piattaforma innovativa per tematiche e soluzioni pratiche, dirette ad aziende, distributori e contractor in Cina e all’estero. In pratica un’opportunità per rispondere alle aziende che vogliono entrare in questo grande mercato con speranza di successo. Tra i brand italiani che possono già vantare un radicamento sul mercato, sfilano Alcantara, Tre-P&Tre-Più, Alessi, B&B, Living Divani, Veneta Cucine, Flos, Poltrona Frau Group, Fantini... con la puntuale analisi delle rispettive strategie aziendali e distributive. Il prezioso target sono 50 tra i top distributori dei brand internazionali di design provenienti da città di prima fascia, come Pechino, Shanghai, Hangzhou, Shenzen, Nanchino e 100 potenziali investitori di negozi di design da altre città di seconda fascia a grande potenziale di mercato. Una sezione speciale, focalizzata sul contract in Cina, vanta la presenza di 50 operatori selezionati tra le prime 10 imprese edili cinesi. Sul tappeto storie di appalti di successo, sviluppati con brand di design, prestigiosi architetti e studi di interior in Europa, Medio Oriente, Usa e mercati emergenti.

In continuity with the established artistic district 798, D-Park 751 is vying to be one of the centers of the creative contemporary scene in Beijing. For Design Week, the old industrial spaces of this district host international exhibitions, seminars and workshops focusing on a wide range of themes: architecture, furniture, industrial and interior design, new media and fashion. The Italian exhibitions include “Stefano Giovannoni and His Creatures” and “Biomilano”, in which the City Councilor for Culture Stefano Boeri illustrates six projects focusing on the re-definition of the city and the region. The seminars included the B2B Design Forum:

VITTORIO SUN QUN PREVISIONI

Presiede il forum B2B, Vittorio Sun, general manager del Beijing Design Week e di Rizzoli Beijing, a cui rivolgiamo qualche domanda in merito all’ evento che si tiene nella capitale. Evento di lungimiranti ambizioni, tra cui quella di trasformare il Made in China in Designed in China.

Cos’è e cosa si propone Design Week? È una iniziativa supportata dal governo, tre ministeri e dal Comune di Pechino per dimostrare, durante la Festa Nazionale, che questo paese sta cambiando e si propone di andare verso una economia più creativa.

Perchè scegliere di farlo durante la Celebrazione?

Per due motivi. Il primo è che durante la festa nazionale Pechino non può entrare in competizione con le altre città cinesi. Il secondo è che, in questo periodo, tutti vengono a Pechino e la capitale diventa la finestra della Cina e la finestra del mondo.

L’obiettivo è ripeterlo tra un anno?

Sì, sarà assolutamente annuale. Dopo una prima edizione poco pubblicizzata nel 2009, il Comune di Pechino ci ha convocato come Rizzoli Beijing per fare riunioni, discutere strategie e chiedermi alla fine di entrare nella organizzazione dell’evento come manager e amministratore delegato del Design Week.

Il rapporto tra Design Week e Triennale Internazionale?

La Triennale fa parte del Beijing Design Week ed è sponsorizzata dal Comune di Pechino. Il BJDW ha 5 sezioni e, quest’anno, ha incaricato la Triennale di organizzare la sezione mostre. L’anno prossimo potrebbero essere altri a curare quest’area.

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organized by Rizzoli Beijing, the first Italian publisher in China and principal partner of BJDW, intends to serve as an innovative platform for themes and practical solutions, addressed to manufacturers, distributors and contractors in China and abroad. It is an opportunity to respond to companies that wish to be introduced into this huge market, with some hope of success. The Italian brands that are already firmly established on the market include Alcantara, Tre-P&Tre-Più, Alessi, B&B, Living Divani, Veneta Cucine, Flos, Poltrona Frau Group, Fantini… with a meticulous analysis of their respective company and distribution strategies. The vital target is represented by 50 among the top distributors of international design brands from the major cities, such as Beijing, Shanghai, Hangzhou, Shenzen, Nanjing and 100 potential investors in design stores from other second-level cities with an excellent market potential. A special section, focused on contract work in China, boasts the participation of 50 operators selected among the top ten Chinese construction companies. On the table are stories of successful contracts, developed with designer brands, prestigious architects and interior design studios in Europe, the Middle East, the United States and emerging markets.

Soddisfatto?

Si è parlato molto dell’evento. Per la prima volta a Pechino aziende e showroom hanno organizzato eventi e per la prima volta si è aperta qui una vera competizione con partecipanti internazionali.

Quindi in futuro?

Ci sarà la fiera che, secondo me, dovrebbe essere dedicata soprattutto ai brand internazionali. Pechino è il luogo giusto, dal momento che in Cina abbiamo già troppe fiere per i brand cinesi. La nuova fiera potrebbe anche essere l’anno prossimo.

Qualche altro messaggio?

Sì, comunque stiamo parlando con Milano. Con Stefano Boeri stiamo pensando di fare qualcosa, magari anche di nominare Milano come città ospite 2012.

VITTORIO SUN QUN FORECASTS

Chairman of the B2B forum is Vittorio Sun, general manager of Beijing Design Week and of Rizzoli Beijing. We ask him a few questions about the event held in the Capital. An event with forward-looking ambitions, including transforming Made in China into Designed in China.

What is Design Week and what are its intents?

This is an initiative sustained by the government, three ministries and the City of Beijing to prove, during the National Celebration, that this country is changing and that it intends to move towards a more creative economy.

Why choose to hold it during the Celebration?

For two reasons. The first is that during the National Celebration, Beijing cannot compete with other Chinese cities. The second is that, during this period, everyone comes to Beijing and the Capital becomes China’s showcase and window onto the world.

Is the objective to repeat this next year?

Yes, it will definitely be an annual event. After the first edition in 2009, which was not particularly publicized, the City of Beijing summoned us as Rizzoli Beijing, to attend meetings, discuss strategies and in the end I was asked to be part of the event organization, as manager and CEO of Design Week.

What is the relationship between Design Week and the International Triennial?

The Triennial is part of Beijing Design Week and is sponsored by the City of Beijing. The BJDW features 5 sections and, this year, has commissioned the Triennial to organize the exhibition sections. Next year someone else may be curator of this area.

Are you satisfied?

The event got a lot of coverage. For the first time in Beijing, companies and showrooms organized events and for the first time a real competition was introduced here with international participants.

So what will happen in the future?

There will be the Fair which, in my opinion, should be primarily dedicated to international brands. Beijing is the right place, because there are too many fairs in China at the moment for Chinese brands. The new fair could even take place next year.

Any other messages?

Yes, in any case we are in communication with Milan.

With Stefano Boeri, we are thinking of working something out together, perhaps naming Milan as the guest city for 2012.

STEFANO BOERI GEMELLAGGIO Un comunicato ufficiale conferma l’ipotesi di un gemellaggio, in vista di Expo, tra Pechino e Milano, per gli scambi commerciali e gli eventi legati al Design. Il vice-sindaco di Pechino, che è anche presidente del Beijing Design Week 2011, ha proposto che Milano diventi la città protagonista della prossima edizione 2012: un’occasione straordinaria - sottolinea Boeri - per le aziende italiane del settore di esporre e raccontare i prodotti di eccellenza del furniture design italiano ad un pubblico di milioni di consumatori dai gusti sempre più sofisticati, attratti dallo stile di vita italiano.

Vittorio Sun Qun, general manager di Beijing Design Week, si è dichiarato entusiasta all’idea di un gemellaggio tra le settimane del design milanese e pechinese, e felice della possibilità di imparare sempre di più da Milano nel campo del design. Dal canto suo, l’assessore Boeri ha invitato la municipalità di Pechino a farsi promotrice di una iniziativa per proporre, nel corso del prossimo Salone del Mobile, una grande mostra sul design cinese. “Oltre trenta imprese italiane sono presenti a Beijing Design Week. Sono certo che Pechino diventerà una piattaforma importante per il made in Italy”, ha dichiarato Boeri”.

STEFANO BOERI TWINNING

An official press release confirms the idea of a twinning, looking forward towards the Expo, between Beijing and Milan, for trade exchanges and events involving Design. The deputy-mayor of Beijing, who is also the President of Beijing Design Week 2011, proposed that Milan could become the protagonist city for the next 2012 edition: an extraordinary opportunity – emphasizes Boeri – for the Italian manufacturers in the field to exhibit and illustrate the products of excellence in Italian “furniture design” to a public of millions of consumers whose tastes are growing in sophistication and who are attracted to the Italian lifestyle. Vittorio Sun Qun, general manager of Beijing Design Week, has declared his enthusiasm for the idea of twinning the Design Weeks in Milan and Beijing, and he is delighted at this

opportunity to learn more from Milan in the field of design.

On his part, City Councilor Boeri has invited the Municipality of Beijing to promote a project to bring a great exhibition on Chinese Design to the next Salone del Mobile. “Over thirty Italian companies are here at Beijing Design Week. I am certain that Beijing will become an important platform for Made In Italy”, states Boeri.

A sinistra, il team del Design Week di Pechino durante la cerimonia di premiazione: al centro, Vittorio Sun Qun, e accanto a destra, con Stefano Boeri, Mr Pan ShiYi, presidente di SOHO China, developer di prestigiosi progetti a Beijing, tra cui il villaggio sotto la grande muraglia e Sanlitun SOHO. Pagina accanto, in alto, il D-Park 751, in basso, Vittorio Sun Qun, general manager del Beijing Design Week e della Rizzoli Beijing.

At left, Design Week Beijing team during the awards ceremony: at centre, Vittorio Sun Qun, and across at right, with Stefano Boeri, Mr Pan ShiYi, president of SOHO China, developer of prestigious projects in Beijing, including the village under the Great Wall and Sanlitun SOHO. Page across, at top, D-Park 751, below, Vittorio Sun Qun, general manager of Beijing Design Week and of Rizzoli Beijing.

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DESIGN REPORTAGE

LE PROJET EN LIBERTÉ Grazie agli oggetti, il design si rivela uno straordinario vettore di comunicazione tra soggetti che non parlano la stessa lingua. Come testimoniano alcune tappe del percorso parigino del Designer’s Days.

Thanks to objects, design proves to be an extraordinary vehicle for communication between subjects who do not speak the same language.

As seen in several stops along the Designers’ Days circuit in Paris.

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Il design tesse scambi e crea un linguaggio universale, legami positivi tra persone, abitudini, società, imprese, paesi, del tutto estranei gli uni agli altri. Quest’anno, in particolare, l’edizione 2011 del Designer’s Days parigino ha espresso la volontà di ravvicinare sempre di più il mondo del design con quello dell’artigianato artistico e delle altre discipline. Tutto con il fine di dare una sempre migliore visibilità alla creazione e al savoir faire francese e di cancellare la connotazione un pò passatista dell’artigianato. Le imprese, le manifatture si nutrono di creazione. Quest’ultima fa evolvere le abilità artigianali, che migliorano attraver-

PARIS BOFFI BAINS CONVERSATION ENTRE EAU ET LUMIERE La scenografia di A+A Cooren evoca l’emozione che scaturisce dal dialogo tra acqua, luce e suono. La forma pura della vasca Fiumi di Claudio Silvestrin scompone e riflette la luce in mille bagliori d’argento al ritmo della musica composta da Dee Nasty per l’evento. www.boffi.com

The set design by A+A Cooren evokes the emotions that arise from the dialogue between water, light and sound. The pure form of the Fiumi bathtub by Claudio Silvestrin deconstructs and reflects the light in a thousand shimmering streams of silver to the rhythm of the music composed by Dee Nasty for the event. www.boffi.com

naturalmente. Il trend dovrà continuare - anticipa il presidente Alain Lardet - durante le prossime edizioni del Designer’s Days, nei luoghi della banlieue parigina. “È importante coinvolgere i locali, fare uscire i parigini dai loro ‘arrondissements’.

Una volta ancora creare dei legami, instaurare dei dialoghi. Dimostrare che ovunque è coinvolto, il Design può portare felicità”. www.designersdays.com

Design builds exchanges and creates a universal language, positive relationships between people, habits, societies, manufacturers, countries that are totally extraneous to one other.

This year in particular, the 2011 edition of Designers’ Days in Paris aimed to bring together the world of design with that of artistic handcrafting and other disciplines.

The point was to give increasing visibility to French creativity and savoir-faire, and to dispel the idea that handcrafting is pastoriented. The companies, the manufacturers

di Luciana Cuomo

so sempre nuove tecniche disponibili. Senza la creazione contemporanea, ci si limita alla riproduzione. Il patrimonio della tradizione ha la sua ragion d’essere, ma la vita risiede nella creazione contemporanea. Esempi come Hermes, Baccarat, Christofle... stanno a testimoniarlo Tra i successi del Designer’s Days 2011, c’è la bellissima mostra di Charlotte Perriand al Petit Palais, che materializza il sogno degli organizzatori dell’evento di introdurre il design nei musei parigini e di mostrare che esposizioni di design possono essere ospitate nei luoghi deputati a custodire il patrimonio nazionale, in cui i dialoghi tra i secoli si instaurano

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are fueled by creativity. It contributes to the evolution of crafting skills, which evolve as they use available new techniques. Without contemporary creation, all that remains is reproduction. The legacy of tradition has a reason for being, but vitality lies in contemporary creation. Examples such as Hermès, Baccarat, Christofle… all prove the point. One of the great successes of Designer’s Days 2011, is the wonderful exhibition on Charlotte Perriand at the Petit Palais, which materializes the dreams of the organizers of the event to introduce design into the museums of Paris, and to demonstrate that design exhibitions can be held in places whose mission is to preserve the national heritage, in which the dialogue between the centuries

arises naturally. The trend must continue – forecasts president Alain Lardet – in the coming editions of Designer’s Days, in venues around the Parisian banlieue. “It is important to involve local residents, to bring the Parisians out of their Arrondissements.

Again, to create bonds, to spur dialogue.

To demonstrate that wherever Design is involved, it can lead to happiness”. www.designersdays.com

PLEYEL AU-DELA DU PIANO Quando una manifattura francese dal savoir faire bicentenario incontra un maestro italiano del design contemporaneo, nasce la voglia di creare insieme un Piano - Lirico in foto - e una linea originale di mobili. Michele de Lucchi mette nell’opera tutta la sua fascinazione per il dialogo tra design e maestri artigiani depositari dei 200 anni di storia di una manifattura unica al mondo, ritenuta la più antica ‘Entreprise du Patrimoine Vivant’. www.pleyel.fr

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When a French manufacturer with two hundred years of savoir-faire meets an Italian master of contemporary design, it makes them want to create a Piano together – the Lirico in the picture – and an original line of furniture. Michele De Lucchi fills his work with his fascination for the dialogue between design and the master craftsmen who conserve the 200-year history of a unique manufacturer, considered to be the oldest “Entreprise du Patrimoine Vivant”. www.pleyel.fr

BACCARAT ZOO Il fantasmagorico Zoo disegnato e messo in scena, nella principesca maison parigina di place des Etats Unis, da Jaime Hayon, partner privilegiato di Baccarat, esibisce una serie di scatole in porcellana e cristallo, alla stregua di un piccolo circo ‘naif et coloré’ nella Sala da Ballo. www.baccarat.com The fantastic-imaginary Zoo designed and staged, in the princely Parisian maison in Place des États-Unis, by Jaime Hayon, a privileged partner for Baccarat, exhibits a series of porcelain and crystal boxes, that appear in the Ballroom as a small, naïf and brightly coloured circus. www.baccarat.com

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POLIFORM VARENNA/SILVERA LE GRAND DEBALLAGE Francesca Avosa firma la scenografia del nuovo showroom Poliform/Varenna della Rue du Bac. In uno scenario giocato sul mix dei generi e sullo spiazzamento dei codici, Poliform e Varenna conversano con stili di vita e universi differenti.

‘Deballage’- secondo il dictionnaire Larousse - ha a che fare con l’azione del disimballaggio, della accumulazione di cose e del ‘rivelare, confessare e confidare’. www.poliform.it www.silvera.fr

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Francesca Avosa designed the installation in the new Poliform/Varenna showroom in Rue du Bac. In a scenario based on a blend of genres and on the shifting of codes, Poliform and Varenna converse with different lifestyles and universes. “Déballage” – according to the Larousse dictionary – involves the action of unpacking, of accumulating things, and of “revealing, confessing and confiding”. www.poliform.it www.silvera.fr

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HERMÈS JEU DE CHAISE Nello showroom di Rue de Sèvres, dedicato alla casa, Denis Montel firma una scenografia ispirata al dialogo tra creazione contemporanea e savoir faire. Protagonista ‘Sellier’, sedia trasversale per ufficio e casa, emblema di tradizione e modernità, progettata a due mani da Montel stesso, con il designer Eric Benqué. www.hermes.com In the showroom in Rue de Sèvres, dedicated to the home, Denis Montel designed a set inspired by the dialogue between contemporary creation and savoirfaire. The protagonist is “Sellier”, a chair that can be used in both the office and the home, the emblem of tradition and modernity, designed by Montel himself together with designer Eric Benqué. www.hermes.com

CASSINA CONFIDENCES

Dialogo con oggetti eterni della memoria collettiva, oggetti totemizzati, accumulati atmosferizzati. Oggetti icona come LC14 di Le Corbusier o Zig Zag di Rietveld (in foto) - metaoggetti di grande forza simbolica. Scenografia firmata Pool. Testimonial eccellenti dal coté Food, Arte, Moda: Vanessa Bruno, Pierre Gagnère, Guillaume Durand, Jean Gabriel Mitterand. www.cassina.com A dialogue with eternal objects out of collective memory, objects that have become totems, atmospheric accumulations. Iconic objects – such as the LC14 by Le Corbusier, or the Zig-Zag by Rietveld – in the photo – meta-objects with a powerful symbolic meaning. The set design is by Pool. The famous testimonials on the Food, Art and Fashion side include Vanessa Bruno, Pierre Gagnère, Guillaume Durand, Jean Gabriel Mitterand. www.cassina.com

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B&B ITALIA STORE/SILVERA PORTRAITS Cinque icone, cinque fotografi, cinque incontri.

Altrettante conversazioni tra design e arte, in cinque ritratti tematici firmati Adrian Gaut, Coppi et Barbieri, Dean Kaufman, Tom Mannion e Gregoire Alexandre, scenografo e autore della foto accanto Creativity, con al centro El Chairs di Antonio Citterio. Concept by Case da Abitare. wwww.bebitalia.it www.silvera.fr Five icons, five photographers, five meetings.

And five conversations between design and art, in five thematic portraits by Adrian Gaut, Coppi and Barbieri, Dean Kaufman, Tom Mannion and Gregoire Alexandre, set designer and author of the photo across Creativity, with El Chairs by Antonio Citterio at the centre.

Concept by Case da Abitare. wwww.bebitalia.it www.silvera.fr

TAI PING PIÈCES DE CONVERSATION Un gioco tra illusione e realtà, falso marmo e vero tessuto, evocato da un suggestivo percorso nella nuova sede di Tai Ping all’Hotel de Livry. Il marmo scelto da Interware, Maurizio Galante e Tal Lancman, come protagonista della scenografia è un materiale freddo e duro che conversa con la consistenza del tappeto, dolce, caldo e morbido.

Risultato: nuovi tappeti in lana, seta e lurex, tessuti in marmo secondo motivi carichi di storia. www.taipingcarpets.com A play between illusion and reality, fake marble and real fabric, evoked by a suggestive walk through the new Tai Ping headquarters at the Hotel de Livry. The marble selected by Interware, Maurizio Galante and Tal Lancman, as the protagonist of the scenography is a hard cold material that converses with the consistency of the carpet, warm and soft. The result: new carpets made of wool, silk and lurex, fabrics in marble with motifs laden with history. www.taipingcarpets.com

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BOFFI PARIS CONVERSATIONS SAVOUREUSES

La cucina dei sentimenti, la cucina delle idee, la cucina delle emozioni, la cucina delle sensazioni. La cucina: luogo formidabile della quotidianità. Sette cucine messe in scena da Mathilde Bretillot. www.boffi.com The kitchen of feelings, the kitchen of ideas, the kitchen of emotions, the kitchen of impressions.

The kitchen: a formidable venue of everyday life.

Seven kitchens imagined by Mathilde Brétillot. www.boffi.com

SILVERA WAGRAM/MOROSO DIALOGUES MÉTISSÉS Ovvero l’importanza della diversità per la marca, messa in scena da Patrizia Moroso presso Silvera Wagram, concept store dove si mescolano design e arte contemporanea. Coesistono e conversano: la Moroso con i designers; l’arte e la moda con il design; le collezioni stesse tra

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loro, così diverse per radici culturali linguistiche geografiche. www.moroso.it; www.silvera.fr Or the importance of diversity for the brand, staged by Patrizia Moroso at Silvera Wagram, a concept store that blends contemporary art

and design. They coexist and converse: Moroso with the designers; art and fashion with design; and the collections between themselves, so different in terms of cultural, linguistic and geographical roots. www.moroso.it; www.silvera.fr

di Laura Galimberti

VISTI A PARIGI

WE SAW IT IN PARIS L’occasione è quella dell’edizione autunnale di Maison&Objet, quest’anno per la prima volta accompagnata da una vera Paris Design Week, nata con l’intento di coinvolgere i ‘non addetti’ al settore, come già avviene per Milano, Londra e Berlino e per molte altre città in Europa e nel mondo. Una selezione ristretta fa il punto sul progetto, rigorosamente francese, per aggiornamento e per diletto.

The occasion was the Fall edition of Maison&Object, complemented for the first time this year by a real Paris Design Week, created with the intent to involve ‘nonprofessionals’, just like Milan, London and Berlin do, and like many other cities in Europe and in the world. This small selection provides an overview of design, rigorously French, to keep us up to date and just for fun.

Jean Nouvel con il suo ‘Bôite à outils’, creato nel 1987 per ‘Cartes Blanches du VIA’ e rieditato nel 2011 da Gagosian Gallery, in serie limitata.

Jean Nouvel with his “Boite à outils”, created in 1987 for “Cartes Blanches du VIA” and re-edited in 2011 by Gagosian Gallery, in a limited edition.

JEAN NOUVEL

“JE NE SUIS PAS UN DESIGNER…” “Non sono un designer ma un architetto che fa design. Ho cominciato a fare design negli anni ’80 per mettere in relazione i mobili con le mie architetture. Mi piacciono gli arredi piuttosto normali e amo molto gli oggetti. L’elementarietà sta alla base del mio lavoro. Cerco le singolarità, i caratteri particolari legati a funzioni semplici, a tecniche e ad attitudini. Elementarietà non significa minimalismo né brutalismo; elementariatà è ambiguità e complessità. Se gli oggetti appaiono semplici, evidenti e familiari, procurano un’emozione quotidiana e durano di più nel tempo. Io li chiamo ‘presque rien’ (quasi niente, ndr). Il mio approccio al design è più essenziale che stilistico”.

I progetti più recenti firmati Jean Nouvel Design erano esposti nel suo quartier generale, al 10 cité d’Angoulême. Tra questi: in questa pagina, il divano Élémentaire di Matteograssi e la sedia Saint James di Ligne Roset, riedizione di quella creata nel 1991 per il ristorante di Jean-Marie Amat all’hotel Saint James de Bouliac; nella pagina accanto, il tavolo Less Less di Unifor (© Mario Carrieri), le lampade Araña di Troll e il divano Vienna di Wittmann. www.jeannouvel.com

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“I am not a designer but an architect who does design. I began to work in design in the Eighties to relate the furniture to my architecture. I like rather normal furniture and I love objects. Elementariness is the foundation of my work. I look for singularity, particular characteristics related to simple functions, to techniques and approaches. Elementariness does not mean minimalism or brutalism; elementariness is ambiguity and complexity. If objects look simple, obvious and familiar, they provide emotion every day and last longer over time. I call them ‘presque rien’ (almost nothing, ndt). My approach to design is more essential than stylistic”. The most recent projects by Jean Nouvel Design were displayed in his general headquarters, at 10 Cité d’Angoulême. They included: on this page, the Elementaire sofa by Matteograssi and the Saint James chair by Ligne Roset, a re-edition of the one created in 1991 for the Jean-Marie Amat restaurant at the Hotel Saint James de Bouliac; page across, the Less Less table for Unifor (©Mario Carrieri), the Araña lamps by Troll and the Vienna sofa by Wittmann. www.jeannouvel.com

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LIGNE ROSET

TREXTRENTATRÉ Ben 33 designer hanno ‘mobilitato’ il loro talento per la collezione 2011 di Ligne Roset, forse la più ricca mai presentata, in anteprima allo scorso Salone di Milano. A Parigi, durante la design week, nei tre punti vendita di rue du Bac, avenue Matignon e rue Faubourg Saint Antoine erano visibili, tra le novità: il letto Ruché di Inga Sempé, connubio di tecnica e leggerezza, soluzione ingegnosa ed elegante; il tavolino Thot, realizzato a partire da un disegno di Pierre Paulin; l’attaccapanni PassePasse di Philippe Nigro. www.ligne-roset.com As many as 33 designers ‘harnessed’ their talent for the 2011 collection by Ligne Roset, perhaps the richest every presented, which was previewed at the Salone in Milan. In Paris, during Design Week, the three showrooms in Rue du Bac, Avenue Matignon and Rue du Faubourg Saint Antoine presented the new pieces, including: the Ruché bed by Inga Sempé, a combination of technique and lightness, an elegant and ingenious solution; the Thot table, made from a drawing by Pierre Paulin; the Passe-Passe coat-rack by Philippe Nigro. www.ligne-roset.com

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GALERIE GOSSEREZ

A SCUOLA DAI MAESTRI Quattro giovani progettisti, tra i più promettenti della scena francese, tutti ‘reduci’ da interessanti esperienze in famosi studi di design parigini, sono stati selezionati dalla Galerie Gosserez e presentati alla mostra Pygmalion. Piergil Fourquié, assistente di Arik Levy per 6 anni, Julie Pfigerdorffer, accanto a Pierre Charpin per due anni, Thibaud Klepper, per 4 anni nel team di Patrick Norguet, e Alfredo da Silva, con Noé Duchaufour-Lawrance per 2 anni, hanno avuto l’opportunità di esprimere la propria personalità e creatività in parallelo all’attività professionale. I giovani progettisti hanno presentato, rispettivamente, la lampada da tavolo Cahute, la libreria ‘Entre les branches’, il tavolo ‘Taille douce’, e la lampada da parete Choreographie. www.galeriegosserez.com

LEARNING FROM THE MASTERS Four young designers, among the most promising on the French scene, all with significant recent experiences in famous Parisian design firms, have been selected by the Galerie Gosserez and presented in the exhibition entitled Pygmalion. Piergil Fourquié, assistant to Arik Levy for 6 years, Julie Pfigerdorffer, who worked with Pierre Charpin for two years, Thibaud Klepper, in Patrick Norguet’s team for 4 years, and Alfredo da Silva, with Noé Duchaufour-Lawrance for 2 years, were all given the opportunity to express their own personality and creativity in parallel with their professional careers. The young designers presented, respectively, the table lamp Cahute, the bookcase ‘Entre les branches’, the ‘Taille douce’ table, and the wall lamp Choreographie. www.galeriegosserez.com

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BACSAC

LA NATURA NEL SACCO Come spesso accade per i migliori progetti, l’idea è nata per caso, da una necessità reale del progettista Godefroy de Virieu, che l’ha poi sviluppata insieme ai paesaggisti Louis de Fleurieu e Virgile Desurmont.

Insieme, ne hanno creato un marchio, Bacsac, una nuova generazione di contenitori per le piante, veri e propri vasi, ma leggeri, resistenti, riciclabili al 100%, traspiranti, permeabili e adatti sia ai giardini che terrazzi. Sono realizzati con un particolare tessuto geotermico, doppiato e rinforzato. Una collezione insolita, attualissima, ideale per la città, che si sviluppa in una molteplicità di forme e dimensioni. www.bacsac.fr

NATURE IN THE BAG As often happens in the best projects, the idea came by chance, inspired by a real need felt by designer Godefroy de Virieu, who then developed it with landscape architects Louis de Fleurieu and Virgile Desurmont. Together they created a brand, Bacsac, a new generation of planters, actual flower pots, but lightweight, durable, 100% recyclable, transpiring, permeable, and suitable for both gardens and terraces. They are made out of a particular geo-thermal fabric, doubled over and reinforced. An unusual collection, very contemporary, ideal for the city, developed in a variety of shapes and sizes. www.bacsac.fr

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CERAMICS UNDER THE REFLECTORS

BERNARDAUD

LA CERAMICA AL RIFLETTORE La Fondazione Bernardaud ha chiesto agli studenti di due scuole d’arte e design, l’ECAL/University of Arts and Design Lausanne e l’ENSA Limoges, di esplorare la decorazione applicata a stoviglie e vasellame da tavola. I progetti selezionati, circa venti, sono stati prodotti da due aziende manufatturiere di Limoges e presentate durante la design week parigina nel contesto della Cité de la Mode et du Design. Spicca, tra tutti, il progetto di Albert Schrurs, che prende ispirazione dagli itinerari delle Guide Michelin, raffigurando su una serie di piatti una mappa stradale con la posizione dei ristoranti ‘stellati’. Degno di nota anche il progetto di Guillaume Noiseux, Space Capsules. Entrambi studenti della scuola di Losanna. www.bernardaud.fr

The Fondation Bernardaud asked the students from two art and design schools, ECAL/University of Arts and Design Lausanne and ENSA Limoges, to explore decoration applied to table and dishware. The selected projects, about twenty in all, were made by two manufacturing companies in Limoges and presented during design week in Paris within the Cité de la Mode et du Design. One of the outstanding projects is the one by Albert Schrurs, inspired by the itineraries of the Michelin Guides, which decorates plates in the collection with a roadmap illustrating the position of the restaurants with “stars”.

Another noteworthy project is Space Capsules, by Guillaume Noiseux. Both are students at the school in Lausanne. www.bernardaud.fr.

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BACCARAT

HARCOURT: 170 ANNI DI STORIA

Ha un design unico, intramontabile e riconoscibile e rappresenta una leggenda per Baccarat. Si tratta del servizio di cristalli Harcourt, i cui primi calici risalgono al 1841, durante il regno di Luigi Filippo. Da allora impreziosisce le tavole più esclusive del mondo, dalla presidenza francese al Vaticano, dal regno del Marocco agli Emirati Arabi, alle più importanti ambasciate nel mondo, con il suo stile sempre al passo con i tempi grazie alle rivisitazioni che negli ultimi anni hanno coinvolto designer quali Inga Sempé, Tsé-Tsé, Vincent Dupont-Rougier e Philippe Starck. Da settembre entra a far parte della famiglia Harcourt anche Palais Royal, un set di 4 calici in edizione limitata e numerata, disegnato da Diane de Noyelle. Inoltre, per festeggiare l’importante anniversario, la mostra ‘Harcourt toujours’, fino al 28 gennaio 2012 presso la Galerie-Musée Baccarat, ripercorre la storia dell’antico bicchiere. www.baccarat.com

A 170-YEAR OLD HISTORY It has a unique, timeless and recognizable design, and is a legend at Baccarat. We are talking about the Harcourt crystal-ware collection, the first goblets of which were made in 1841, during the reign of Louis Philippe. Since then it has adorned the most exclusive tables in the world, from the French presidency to the Vatican, from the kingdom of Morocco to the Arab Emirates, to the most important international embassies, with its style that is always up-to-date thanks to the restyling that in recent years has involved designers such as Inga Sempé, Tsé-Tsé, Vincent Dupont-Rougier and Philippe Starck. Starting in September, the Harcourt family will be joined by Palais Royal, a set of 4 goblets to be produced in a numbered limited edition, designed by Diane de Noyelle. In addition, to celebrate this important anniversary, the exhibition ‘Harcourt toujours’, open through January 28 2012 at the Galerie-Musée Baccarat, illustrates the history of the ancient goblet. www.baccarat.com

VARIOPINTE

IL COLORE AL CENTRO

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Un elemento fondamentale nel processo creativo di Stefania Di Petrillo, italiana ma francese d’adozione (qui sopra), è il colore, la sua forza espressiva e la sua vivacità. Colore che è fonte di ispirazione anche per la collezione Variopinte, composta da piatti, anzitutto, in latta, decorati a mano, impilabili, ultracompatti, leggeri e riciclabili, ma anche da posate e ora da strofinacci per la cucina. www.variopinte.com

COLOUR AT THE CENTRE A fundamental element in the creative process of Stefania Di Petrillo, born Italian but now living in France (above) is colour, its power of expression and its vivacity. Colour is also the source of inspiration for the Variopinte collection, composed of plates, primarily, made out of tin, decorated by hand, stackable, ultra-compact, lightweight and recyclable, and now with cutlery and new kitchen towels. www.variopinte.com

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PARIS

ART DOCUMENTS

DANS LES MUSÉES di Luciana Cuomo

PARIS-DELHI-BOMBAY TRADITION AND MODERNITY Alla scoperta della società indiana contemporanea, attraverso gli sguardi incrociati di 50 artisti indiani e francesi, con l’ambizione di generare scambi e di tessere legami durevoli tra le due scene culturali e artistiche. Centre Pompidou: curatori Sophie Duplaix e Fabrice Bousteau. Scenografia Corinne Marchand. L’India contemporanea è osservata attraverso 6 grandi tematiche strategiche per il cambiamento: politica, urbanesimo e ambiente, religione, famiglia, identità, artigianato. www.centrepompidou.fr

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To discover contemporary Indian society, through the intersecting visions of 50 Indian and French artists, with the ambition of generating exchanges and weaving lasting relationships between the two cultural and artistic scenes. Centre Pompidou: curators Sophie Duplaix and Fabrice Bousteau. Exhibition design Corinne Marchand.

Contemporary India is examined in 6 great themes that are strategic for change: politics, city planning and the environment, religion, family, identity, handcrafting. www.centrepompidou.fr

CHARLOTTE PERRIAND FROM PHOTOGRAPHY TO DESIGN Il museo del Petit Palais offre uno sguardo inedito sul ruolo della fotografia nel lavoro di architetto e designer di Charlotte, in quanto fonte di ispirazione ed elemento costitutivo delle sue realizzazioni. Perriand utilizza il mezzo fotografico come supporto per il design dei mobili e, in seguito, come mezzo di osservazione delle leggi della natura e di riflessione sulla città. La mostra rivela la sua passione per ‘les objets trouvés’ nel corso delle sue passeggiate: essi apportano una certa libertà formale alle sue creazio-

ni, che si distaccano così dallo spirito razionalista degli anni ’20. Perriand è la prima a utilizzare il fotomontaggio come parte integrante dell’arredamento o dell’architettura d’interni. Tra le foto in mostra: Le Refuge Tonneau,(1938)- all’ingresso del Petit Palais - progetto per alpinisti, di Perriand e Pierre Jeanneret, mai realizzato a causa della guerra. www.petitpalais.paris.fr The museum at the Petit Palais offers an original look at the role of photography in the work of architect and designer Charlotte Perriand, as a source of inspiration and a constituent element of her projects. Perriand used photography as a support for the design of

furniture and later, as a means for observing the laws of nature and recording considerations on the city. The exhibition reveals her passion for “found objects” during her walks through the city: they bring a certain freedom of form to her creations, which distinguish themselves from the Rationalist spirit of the Twenties. Perriand was the first to use photomontages as an integral part of decorating or interior architecture projects. The photos in the exhibition include: Le Refuge Tonneau (1938) – at the entrance to the Petit Palais – a project for mountain climbers,

by Perriand and Pierre Jeanneret, which was never built because of the advent of war. www.petitpalais.paris.fr

MONUMENTA 2011: ANISH KAPOOR LEVIATHAN Ogni opera di Anish Kapoor ci mette in relazione con una sorta di infinito in cui si confondono la superficie e la profondità; un’esperienza fisica che diviene meditativa: lo spettatore mentre scopre la scultura è invitato ad immergersi in essa. Anish Kapur ci sorprende ancora creando una scultura che investe il volume del Grand Palais, sfidandone i limiti. Il materiale translucido gioca con la luce della navata in vetro, dando vita a un’opera ‘rayonnante’ che il pubblico sperimenta dall’esterno, con il potere di penetrarla. Exhibition curator: Jean de Loisy. www.momumenta.com Every work by Anish Kapoor puts us in touch with a sort of infinity in which surface and depth blend; with a physical experience that becomes meditative: as the spectator discovers the sculpture, he is invited to immerse himself into it. Anish Kapoor surprises us again by creating a sculpture which works with the volume of the Grand Palais, challenging its limits. The translucent material plays with the light of the glass nave to create a work that radiates outward, which the public can experience from the outside, with the power to penetrate within. Exhibition Curator: Jean de Loisy. www.momumenta.com

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EXHIBITION PRODUCTS

FARE E PARLARE KNOW-HOW, COMMUNICATIVENESS

La prima edizione di ‘Abitami.Decor & design Lab’ come momento di riflessione sul progetto della casa. Che si vorrebbe oggi, come non mai, espressione del sé.

The first edition of ‘Abitami.Decor & design Lab’ as an opportunity to think about home design, which is expected – now more than ever before – to allow people to express themselves.

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di Francesca De Ponti

La casa come luogo della memoria; territorio del corpo e soprattutto della mente, popolato di oggetti affettivi che ci dicono ‘quali cose siamo’. Questa l’immagine che esce dalla prima edizione di ‘Abitami.Decor & design Lab’, svoltasi a Milano, in concomitanza con Macef e destinata a ripetersi ogni anno. La manifestazione, che ha occupato quattro padiglioni del recinto fieristico con una proposta commerciale che spaziava dal design per l’outdoor all’alta decorazione, passando per il tessile e il complemento d’arredo, ha infatti dedicato molto spazio a mostre e laboratori culturali pensati per delineare le principali tendenze dell’abitare. E se una tendenza è emersa sopra tutte, questa è quella, diremmo ‘mendiniana’, dell’oggetto-persona. Servo, non muto, del nostro quotidiano, capace di parlare di sé attraverso dettagli formali e materici che lo rendono vivo. Capace di raccontare una storia. Ne sono un esempio i calici caratteriali e tutti i pezzi proposti da Gum design nella rassegna intitolata ‘Minimi: Dialoghi immobili’: divertente riflessione su come le cose “possano ‘piegarsi’, garbatamente, perdendo la loro virile ‘rettitudine’, per farsi ‘più vicine’; possano muovere dal frammento per ricostruire l’intero, a ricordarci il valore ‘dello scarto’, ma anche quella speranza di redenzione che accomuna uomini e cose nella

felicità del risultato finale…” (Marco Romanelli, ‘Il design delle emozioni’). Sulla stessa lunghezza d’onda, i tavoli, le panche e gli utensili ‘al compasso’ di Riccardo Dalisi, assieme a personaggi di latta (angeli?) umili e sublimi, che ci ricordano il nostro eterno bisogno di comunicare. Ma le cose che parlano di sé parlano anche di noi. Questo il tema delle ‘stanze tutte per sé’ progettate da 13 artiste (tra cui Nanda Vigo, Anna Gili, Benedetta Tagliabue, Patricia Urquiola) cui è stato chiesto di immaginare un ambiente delle casa a loro immagine e somiglianza, dove l’energia del pensiero potesse trovare sfogo e libertà. Cosa che si è tradotta in un caleidoscopio di visioni intime e oniriche, tra cui spiccavano i ritratti di Fulvia Mendini e la tenda/dimora all’uncinetto della lappone Kaija Kiuru. Altro fil rouge della manifestazione, la valorizzazione dell’alto artigianato italiano, che è forse l’unica risposta possibile di fronte alle trasformazioni imposte dal mercato globale. Ecco, allora, l’architettura di Leon Battista Alberti raccontata attraverso modelli che sono veri capolavori di ebanisteria, e la mostra ‘Tre racconti di fantasia’, incentrata su realtà – Alchimia, Driade, Produzione Privata - che, su scala diversa, hanno lavorato al confine tra la serialità del design e l’unicità tipica delle botteghe d’arte. Altrettanto interessanti le installa-

zioni ‘A casa Castiglioni’, a cura di Giovanna Castiglioni, e ‘La vera casa’, a cura dello studio di Astori De Ponti Associati: raffinate scatole abitative animate da uno stesso gusto per il dettaglio e da una sottile ironia. Da segnalare, infine, la bellissima mostra ‘Memories’, a cura di Carlo Ninchi e Vittorio Locatelli: visionaria sequenza di stanze in cui – come in una piece di Bob Wilson – candelabri e mobili d’epoca emergono (o piuttosto scivolano) sulla sabbia.

Lasciandoci attoniti e spaventati di fronte all’inesorabile scorrere del tempo.

Un centrotavola della serie Piani Anatomici, disegnata da Gumdesign per Fabbri Fiore e caratterizzata dalla riflessione tra corpo e struttura. Nella pagina accanto, sempre di Gumdesign, i ‘calici caratteriali’ Altruista e Conservatore, dotati di un’identità che nasce da dettagli come il beccuccio per condividere il vino o il tappo in sughero per conservarlo. Produzione Colle Vilca.

A centrepiece from the series Piani Anatomici, designed

by Gumdesign for Fabbri Fiore and distinguished by the reflection between the body and the structure. Page across, also by Gumdesign, the “personality goblets” Altruist and Conservative, each with an identity that starts at the spout to share the wine or the cork to preserve it. Production Colle Vilca.

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Dalla mostra ‘Una stanza tutta per sé’, a cura del Comitato Scientifico di Abitami (Carlo Amadori, Philippe Daverio, Alessandro Mendini, Vanni Pasca e Luca Scacchetti), con sponsorizzazione di Oikos. Lo ‘spazio della memoria’ di Benedetta Tagliabue (in alto) e quello fantastico/onirico di Anna Gili (qui sopra).

From the exhibition ‘Una stanza tutta per sé’, organized by the Scientific Committee of Abitami (Carlo Amadori, Philippe Daverio, Alessandro Mendini, Vanni Pasca and Luca Scacchetti), sponsored by Oikos. The ‘space of memory’ by Benedetta Tagliabue (at top) and the fantastic/oneiric space by Anna Gili (above).

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La mostra ‘Una stanza tutta per sé’: l’allestimento lucido e quasi allucinatorio di Nanda Vigo, definito da luci cangianti nei toni del rosa, del verde e del blu, e quello ‘glocal’ di Patricia Urquiola.

The exhibition ‘Una stanza tutta per sé’: the lucid and quasi-hallucinatory installation by Nanda Vigo, distinguished by shimmering lights in shades of pink, green and blue, and the ‘glocal’ installation by Patricia Urquiola.

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Da sinistra in senso orario, ancora ‘Una stanza tutta per sé’: la casatenda all’uncinetto di Kaija Kiuru; la piazza di Nathalie Du Pasquier e i ritratti di artiste di Fulvia Mendini.

From left clockwise ‘Una stanza tutta per sé’: the crochet house-tent by Kaija Kiuru; the ‘piazza’ by Nathalie Du Pasquier and the portraits of women artists by Fulvia Mendini.

Qui a destra, uno dei nove modelli in legno esposti all’interno della mostra ‘Alberti’s box’, dedicata alle architetture del celebre umanista rinascimentale e curata dal Centro DIAPReM, Facoltà di Architettura, Università di Ferrara, in collaborazione con Comune di Mantova e Centro Internazionale d’Arte e Cultura di Palazzo Te.

Right, One of nine wood models on display in the exhibit ‘Alberti’s box’, dedicated to the architecture of the famous Renaissance humanist and curated by the Centro DIAPReM, Department of Architecture, University of Ferrara, in collaboration with the City of Mantua and the International Centre of Art and Culture of Palazzo Te.

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A sinistra: ‘La vera casa’ dello studio Astori De Ponti Associati. Sotto: due frammenti della mostra ‘Memories’, a cura di Carlo Ninchi e Vittorio Locatelli.

Nella pagina accanto: altri due modelli dalla mostra ‘Alberti’s box’ (in alto) e uno scorcio dell’allestimento ‘A casa Castiglioni’ (sotto).

At left: ‘The real house’ by the studio Astori De Ponti Associati. Below: two fragments of the exhibition ‘Memories’, curated by Carlo Ninchi and Vittorio Locatelli. Page across: two more models from the exhibition ‘Alberti’s box’ (at top) and a view of the installation ‘A casa Castiglioni’ (below).

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LAB MADEEXPO 2011

RIQUALIFICARE LA CITTÀ URBAN RENEWAL AND DEVELOPMENT OF THE CITY Dal lavoro di progettazione svolto dagli studenti dell’Accademia di Architettura di Mendrisio per le loro tesi di laurea, emergono interessanti spunti di riflessione e dibattito al Laboratorio di Architettura - alla sua quarta edizione curato dalla rivista OF ARCH e dal direttore Franco Mirenzi nell’ambito del recente MADEexpo di Milano. Campo d’indagine, il recupero e la riqualificazione di aree urbane degradate e possibili interventi architettonici tendenti a riformulare le funzioni di interi quartieri della città. Londra e Varese quelle individuate, in cui aree dismesse o potenziali luoghi oggetto di intervento sono stati elementi d’analisi dei laureandi con l’ausilio di plastici ed elaborati grafici. A corollario, un interessante workshop mostrava l’animato lavoro, sempre da parte degli studenti della facoltà di Mendrisio insieme ad alcuni docenti, di ricostruzione della loro stessa facoltà attraverso un ‘taglia e incolla’ manuale di precisione quasi ossessiva, apparentemente obsoleta, ma efficace per comprendere alcuni procedimenti dell’iter progettuale, accantonati, forse troppo, dalla tecnologia imperante. “Impariamo con le mani”, suggerisce infatti Riccardo Blumer, uno degli architetti intervenuti alle fitte conferenze in calendario, che hanno visto alternarsi, tra gli altri, Enrico Frigerio, i Piuarch, i Metrogramma, appassionati relatori di progetti sul tema. Esempi, interpreta-

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di Manuela Di Mari foto Alessandro Cavallo

zioni, studi, risultati nati dalla necessità di dialogo e scambio di idee tra studio accademico e produzione industriale, nel tentativo di rendere armonici tra loro processi progettuali e prodotti industrializzati, questi ultimi sempre più ad alto contenuto tecnologico e di design. Fine ultimo: riuscire ad ideare un’architettura che renda le città meno inquinanti, più vicine alla dimensione umana ed esteticamente belle. Coerenti con questa linea di pensiero, a seguire, una summa della produzione presentata alla manifestazione milanese. www.designdiffusion.tv; www.madexpo.it Hanno collaborato al laboratorio di architettura di OF ARCH, durante il MADEexpo di Milano. Partner: FederlegnoArredo, MADEexpo, Accademia di architettura di Mendrisio, ALA Assoarchitetti, Design for All Italia.

Sponsor: Fassa Bortolo, Antrax, Altek Italia, Citterio, Oikos, Petra Antiqua, Barberini, In-Presa, Pastè, Chicco d'oro.

Participants in the Architecture Laboratory curated by OF ARCH magazine and director Franco Mirenzi during the recent MADE Expo in Milan: Federlegno Arredo, MADE Expo, Architecture Academy of Mendrisio, ALA Assoarchitetti, Design for All Italia (partner); Fassa Bortolo, Antrax, Altek Italia, Citterio, Oikos, Petra Antiqua, Barberini, In-Presa, Pastè, Chicco d’oro (sponsor).

The design work developed by the students of the Architecture Academy of Mendrisio for their theses projects offer interesting premises for thought and debate at the Laboratory of Architecture – now in its fourth edition – curated by OF ARCH magazine and director Franco Mirenzi at the recent MADE Expo in Milan. The field of research, the reclamation and regeneration of blighted urban areas and possible architectural projects that tend to redefine the functions of entire city districts. London and Varese were the selected locations, in which abandoned areas or potential objects of intervention were brought to our attention by the thesis students in their models and drawings. As a corollary, an interesting workshop showed the animated participation of students of the Faculty at Mendrisio along with some of their professors in the reconstruction of their faculty with a rudimentary “cut and paste” done by hand with an almost obsessive precision, apparently rudimental and obsolete, but effective for explaining some of the steps in the design process, which have been shelved, perhaps too often, by the dominating technology. “Let’s learn with our hands”, suggests Riccardo Blumer, one of the architects who spoke at the many lectures scheduled during the event, which included, among others, Enrico Frigerio, Piuarch, Metrogramma, who passionately illustrated projects on the theme. Examples, interpretations, studies, results that derive from the need for dialogue and an exchange of ideas between academic study and industrial production, in an attempt to create harmony between design processes and industrialized projects, the latter with an increasing technological and design content. The ultimate objective is to conceive architecture that makes cities less polluting, more akin to the dimension of man and aesthetically pleasing. Coherent with this line of thought, below, is an overview of the production presented at the event in Milan. www.designdiffusion.tv; www.madexpo.it

Distribuito su circa 660 mq, l’allestimento del Laboratorio di Architettura di OF ARCH è stato relizzato da Barberini Allestimenti su progetto dell’architetto Franco Mirenzi.

In un contesto total white senza soluzione di continuità, una divisione razionale degli spazi con le due mostre rigorosamente separate per identificare in modo chiaro i due temi distinti, il grande tavolo del workshop facilmente accessibile e, al centro, cuore del laboratorio, l’area conferenze. Sul fondo, leggermente appartati, l’area incontri, relax e il bar. Barberini si inserisce a pieno titolo in un contesto che tocca i temi dell’innovazione come fattore di sviluppo, grazie alle sue realizzazioni ‘contenitore’ e al tempo stesso ‘mezzo’ per veicolare il concetto di tecnologia nel prodotto. Strutture espositive che nascono sia da un know how artigianale che da capacità industriale di rinnovarsi sperimentando materiali e soluzioni costruttive sempre all’avanguardia.

Spread out over 660 square meters, the space for the OF ARCH Architecture Laboratory was built by Barberini Allestimenti and designed by architect Franco Mirenzi. In an uninterrupted context of total white, a rational division of the spaces has distinctly separated the two exhibitions rigorously to clearly identify the two different themes, the large workshop table easily accessible and at the centre, the heart of the workshop, the lecture area. In the background, slightly to the side, the meeting and relaxation area and the bar. Barberini comes as a full-fledged participant in a context that touches on the themes of innovation as a factor of development, thanks to its constructions that are both ‘containers’ and ‘means’ to convey the concept of technology in the product. Exhibition structures based on handcrafting skills and know-how and industrial capability, which evolves through experimentation with materials and building solutions that are always on the cutting edge.

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EXHIBITION MADEEXPO 2011

BOSCA La porta da interni intesa come sistema componibile ed integrabile: Only Frame, la nuova linea di porte disegnata da Nicola De Ponti (AstoriDePontiAssociati) elimina il coprifilo – considerato elemento indispensabile di completamento estetico e funzionale – e gioca su un contrasto armonico tra calore del materiale e rigorosità della forma. Disponibile in numerosi colori ed essenze.

The door for interiors understood as a modular open system: Only Frame, the new line of doors designed by Nicola De Ponti (AstoriDePontiAssociati) does away with the casing – considered an indispensable element for the aesthetic and functional finish – and plays on a harmonious contrast between the warmth of the finish material and the rigorous design. Available in a variety of colours and essences.

CARMENTA Isolante, fonoassorbente, rigido, resistente all’acqua e alle alte temperature, riciclabile: l’alta resistenza meccanica, associata ad un basso peso specifico, fa dei materiali compositi, tutti brevettati, un prodotto all’avanguardia con applicazione specie nell’arredobagno e nel wellness.

Le tecnologie impiegate per la realizzazione dei materiali ultra light sono quelle utilizzate nei settori avionico e navale. Nelle immagini, Techno Light Materials, formati da una matrice polimerica rivestita da due layer esterni. A seconda delle diverse possibili applicazioni i T.L.M. sono disponibili in diversi spessori.

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Insulating, sound-absorbing, rigid, resistant to water and high temperatures, recyclable: its high level of mechanical resistance, in association with a low specific weight, relies on patented composite materials to produce a cutting-edge product that is especially suitable for bathrooms and wellness spaces. The technology used to produce these ultralight materials are borrowed from the aircraft and naval industries. In the pictures, Techno Light Materials, composed of a polymer core sandwiched between two outer layers. These TLMs are available in a range of thicknesses to be selected according to possible applications.

GRUPPO DOOR 2000 La collezione di porte America, in foto Maine, è caratterizzata da giochi di pannelli lisci o sagomati incorniciati da profili in listellare di abete rivestito da un foglio polimerico ad alta resistenza e impermeabilità. Completano la serie, una nuova linea di coprifilo con motivo decorativo che riprende il pannello e vetro arricchito da inglesine. 9 modelli diversi in 3 finiture esclusive come l’olmo sbiancato, chiaro e tabacco, più il tradizionale bianco.

The America collection of doors, with Maine in the picture, features a play of smooth or shaped panels with frames made of fir wood veneered with a sheet of durable waterproof polymer. The collection is completed by a new line of casings with a decorative motif that reflects the panel, and glass in the Georgian style. 9 different models in 3 exclusive finishes such as bleached, clear and tobacco-stained elm wood, in addition to the traditional white.

FARAONE Unico elemento di collegamento a vista tra i gradini - in legno con finiture a scelta o con l’esclusivo rivestimento in vera pelle o cuoio - è una sfera in acciaio inossidabile con finitura lucida. La scala Ballon è composta da una struttura portante completamente integrata nello spessore del gradino, larghezza da 800 a 1000 mm, registrabile in altezza per un’alzata da 160 a 200 mm.

Il gradino diventa componibile per ogni configurazione: dritta, elicoidale, curva/dritta, Progetto di Vittorio Alloggio e Maria Rosa Lucarelli.

The only visible element connecting the treads – made of wood with a choice of finishes or with the exclusive leather or cowhide upholstering – is a stainless steel sphere in a polished finish. The Ballon stair is made with a bearing structure that is totally built into the thickness of the tread, 800 to 1000 mm wide, adjustable in height for a riser that can range from 160 to 200 mm.

The step becomes modular for any configuration: straight, spiral, curved/straight. Design by Vittorio Alloggio and Maria Rosa Lucarelli.

BRIANZA PLASTICA Alta efficienza energetica con impatto visivo minimo, adatti al recupero dei centri storici: il pannello sottotegola termoisolante prefinito Isotec XL consente, grazie alla sezione ventilante maggiorata, di migliorare l’efficienza del modulo fotovoltaico Elettrotegola. Il primo, realizzato in schiuma poliuretanica espansa rigida, garantisce un’alta resistenza termica e un’ottima ventilazione; il secondo può produrre fino al 100% del fabbisogno elettrico dell’abitazione, resistente agli agenti atmosferici quanto le coperture a tegola, alle quali vengono sostituiti anziché sovrapposti.

Excellent energy efficiency with minimal visual impact, suitable for restorations in historic city centres: the Isotec XL prefinished thermal insulating roofing panel fits under the roof tiles, and its expanded ventilating section improves the efficiency of the Elettrotegola photovoltaic unit. The former, made out of rigid Styrofoam, guarantees significant thermal insulation and excellent ventilation; the latter can produce up to 100% of electrical power requirements for the home, and is as weatherproof as roof tiles, which they replace, not cover.

LAMINAM Prende ispirazione dal legno, Linfa, una lastralistone ceramica sottile nel nuovo 143x1500 mm, che si affianca alle tradizionali misure 1x3 m, disponibile nelle finiture cenere, cotone, canapa o toni caldi come corteccia e cocco. Resistente ai graffi, al gelo, al fuoco, all’abrasione, alla pulizia profonda, è totalmente naturale, non cede elementi all’ambiente e può essere facilmente macinato e interamente riciclato in altri processi produttivi.

Drawing its inspiration from wood, Linfa is a thin ceramic tile/board in a new size, 143x1500 mm, that joins the traditional 1x3 m size, and is available in ash, cotton, canapa or warm tones such as bark or coconut. Resistant to scratching, frost, fire, abrasion, deep cleaning, it is totally natural, does not wear away in the environment, and may be easily ground and entirely recycled in post-consumer production processes.

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RUBNER Dalle lunghe tavole di legno che lastricano un dehor agli ampliamenti volumetrici e di sopraelevazioni della propria abitazione: l’azienda progetta e costruisce edifici eco-sostenibili in legno, utilizzando soltanto elementi naturali. Cellulosa, sughero, fibra di legno, canapa, cartongesso e fibrogesso, intonaco minerale, freno vapore, tegole di cemento, tinte ai silicati su base biologica formano i diversi sistemi costruttivi – per le differenti esigenze –, tutti certificati secondo criteri di risparmio energetico e sostenibilità ambientale per un’alta qualità architettonica.

FINSTRAL Straordinario isolamento termico grazie ai tripli vetri e ai profili in PVC a più camere; ottimo isolamento acustico grazie alla struttura a sandwich, con ampie intercapedini fra le singole lastre di vetro, montata sull’anta accoppiata esterna. Elevata stabilità grazie al vetro incollato lungo il perimetro dell’anta. Top 90 (in foto accoppiato ad anta KV) è il sistema di porte e finestre tecnologicamente avanzato con controtelaio in PVC, in materiale riciclato, ricavato da scarti di produzione.

Extraordinary thermal insulation thanks to its triple glazing and multi-chamber PVC frames; excellent acoustic insulation thanks to its sandwich structure, with ample air spaces between the individual plates of glass, mounted on the coupled outer window. Extreme stability thanks to the glass which is glued along the perimeter of the frame.

Top 90 (shown in the photo in combination with the KV window) is a system of technologically advanced doors and windows with a PVC counter-frame, in recycled material recuperated from production waste material.

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From the long wood boards that pave an outdoor space to volumetric additions and floors added to a home: the company designs and builds eco-sustainable buildings made of wood, using only natural elements.

Cellulose, cork, wood fibre, canapa, gypsum boards and gypsum fiber, mineral plaster, vapor barrier, cement roof tiles, silicate organic paints are the elements of different construction systems – for different needs – all certified as complying with standards for energy savings and environmental sustainability for a superior architectural quality.

PRATIC L’esclusivo sistema di aggancio brevettato Magnetic Lock System garantisce massima stabilità a T-line, la tenda a rullo verticale con cassonetto e telo che scorre su cavi laterali in acciaio inox. Una tecnologia che entra in funzione quando le folate di vento gonfiano il tessuto e provocano il distacco frontale delle sede.

Sfruttando la forza magnetica della sua calamita, il meccanismo contribuisce ad avvicinare il frontale al sistema telescopico ammortizzante fino a ottenere il totale riaggancio.

The exclusive patented Magnetic Lock System guarantees maximum stability for T-line, the vertical rolling awning with the housing and awning that run down along lateral stainless steel wires. The technology comes into play when gusts of wind blow against the fabric and unlock the front part from its housing. Exploiting the power of the magnet, the mechanism helps to draw the front piece back to the shock-absorbing telescopic system until it returns perfectly in place.

MAPEI Conforme alla norma europea EN 13813, Ultratop Living è una malta autolivellante a base di speciali leganti idraulici ad indurimento ultrapido, per la realizzazione di pavimentazioni resistenti all’abrasione in uno spessore compreso tra 5 e 15mm in ambienti interni.

Caratterizzato da una forte matericità, offre infinite soluzioni per realizzare pavimentazioni lisce e planari su sottofondi di nuova realizzazione o preesistenti in calcestruzzo o ceramica.

In compliance with European standards EN 13813, Ultratop Living is a self-leveling mortar based on special hydraulic quick-setting bonding agents, for the construction of indoor scratch-resistant floors, 5 to 15 mm thick. Characterized by a strong sense of material, it offers infinite solutions for the creation of smooth flush floors on new or existing cement or ceramic tile subfloors.

VIMAR Evoluzione estetica e tecnologica per Eikon Evo, le placche dal profilo ultra sottile che sporge dal muro di pochi millimetri, diventando presenza impercettibile.

La cornice cromata circonda tasti e comandi con proporzioni diverse e sottolinea materiali e finiture tra cui alluminio, Corian®, varietà esclusive di pietra, cristallo, legno e pelle. Visioni d’effetto che ospitano nuovi dispositivi, funzioni e modalità di controllo avanzate, come il Touch Screen full flat 4,3'', sistema domotico che offre una conoscenza puntuale del profilo energetico e del clima.

Aesthetic and technological evolution for Eikon Evo, the ultra-slender switchplates that only protrude a few millimeters from the wall, to become imperceptible. The chrome-plated frame surrounds the switches in various proportions and highlights the materials and finishes, including aluminium, Corian©, exclusive varieties of stone, glass, wood and leather. Visions with impact that house new devices, functions and advanced forms of control, such as the full flat 4.3” touch screen, a home automation system that offers real-time information on the conditions of energy consumption and climate control.

MOVI Si colloca a tutta altezza, fino a 3 metri, su binari con una larghezza massima di 70 cm, mentre una guarnizione quasi invisibile unisce un pannello all’altro con un effetto di grande continuità: Skin è un programma componibile di pareti in cristallo spesse 10 mm disponibile in svariate finiture con profili in alluminio anodizzato naturale, anodizzato brown o laccato. Personalizzabile, è dotato di numerose attrezzature e accessori.

Design Castiglia Associati, per la casa, l’office, il contract.

It stands full height, up to 3 meters, on tracks with a maximum width of 70 cm, and an almost invisible seal that joins one panel to the next showing excellent continuity: Skin is a modular program of glass walls, 10 mm thick, available in a range of finishes with anodized aluminium frames in a choice of natural, brown or painted finish.

It may be custom-built, and has many features and accessories.

Design Castiglia Associati, for the home, office, contract.

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GD DORIGO Pratika Collection, il sistema di attrezzaggio a parete può essere impiegato per archivi, dispense, librerie guardaroba, cabine armadio, rimanere a vista oppure a scomparsa se abbinato alle soluzioni scorrevoli della collezione Luce. Progettato e realizzato su misura per ogni singolo spazio, è allestito con montanti autoportanti in alluminio estruso anodizzato fissati a pressione a terra e a soffitto. Attrezzato con ripiani, tubi appendiabiti, servetti, porta scarpe, cassettiere su piedini o ruote a due, tre o quattro cassetti.

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RINTAL/MISTERSTEP Alle importanti caratteristiche di sicurezza, tutela dell’ambiente, qualità e durabilità nel tempo garantite dal marchio CE, la scala modulare Tech – la prima in kit con certificazione – unisce ampia flessibilità progettuale: regolabile in alzata e in pedata si adatta perfettamente a vani di qualsiasi tipologia e dimensione. Gradini e corrimano in legno di faggio lamellare sono verniciati con tinta atossica a base d’acqua, mentre la struttura in acciaio, verniciata con polveri epossidiche, permette di scegliere la tipologia di sbarco, a filo pavimento o sotto soletta.

La confezione base – 12 gradini e ringhiera interna – consente di raggiungere altezze fino a 289 cm.

The modular Tech stair – the first stair in a kit with certification – combines important characteristics of safety, environmental protection, quality and durability guaranteed over time by the CE seal, with considerable design flexibility: the stair may be adjusted in height and tread, to adapt perfectly to spaces of any size and typology. The steps and handrail in beech plywood are painted with non-toxic water-based paints, whereas the steel structure, coated with epoxy-powders, makes it possible to choose among two landing typologies - flush with the floor, or below floor. The basic kit – 12 steps and internal railing – makes it possible to reach a height of 289 cm.

METRA Oskura è un sistema di oscuramento motorizzato dotato di telecomando che consente di proteggersi dal sole senza perdere i vantaggi della luce e la piacevolezza del panorama. Può essere collegata a rilevatori di agenti atmosferici, permettendo la chiusura automatizzata anche se non si è in casa. Nel loro movimento di salita e discesa, le lame si inclinano ottenendo un effetto frangisole, mentre la posizione di chiusura totale crea un effetto di oscuramento e, allo stesso tempo, una barriera sicura contro l’intrusione, grazie al sistema di aggancio fra le lame e le relative guide. Ottima coibentazione e insonorizzazione grazie alle lame in alluminio estruso che contengono materiale isolante.

Oskura is a system of remote-controlled motor-driven shades that make it possible to be protected from the sun without giving up the advantages of the sunlight or the pleasure of a panoramic view. It can be connected to sensors that read weather conditions, allowing the system to shut automatically even when there is nobody home. As they rise and fall, the blades tilt to create a sunscreen, whereas in the fully-closed position they create total darkness, and a safe barrier against intruders, thanks to the system that locks the blades and their tracks together. Excellent insulation and sound-proofing thanks to the extruded aluminium blades that contain insulation material.

Pratika Collection, the system for wall accessories that can be used for archives, pantries, bookcases, walk-in closets, may be left open or concealed if combined with sliding door solutions from the Luce collection. Designed and custom-built for each individual space, it is installed with self-supporting vertical elements made of anodized extruded aluminium pressuremounted at floor and ceiling. It may be accessorized with shelves, clothes rods and racks, shoe racks, chests of drawers mounted on feet or wheels with two, three or four drawers.

MARAZZI Le nuove lunghe lastre in gres porcellanato ad effetto legno TreverkSign sono ideali per l’utilizzo a pavimento e a rivestimento in ambienti sia residenziali interni - come living, cucine, bagni e camere da letto -, sia commerciali - come ristoranti, negozi, uffici anche caratterizzati da elevate sollecitazioni d’uso -. Disponibili nei colori White, Beige, Sand, Mud, Gray, Smoke, Black. Foto Andrea Ferrari, styling Stefania Vasquez.

The new TreverkSign long porcelain grès tiles with a wood texture are ideal for use as flooring, or wall finishes in both residential interiors, such as living rooms, kitchens, bathrooms or bedrooms, and commercial interiors such as restaurants, retail stores or offices, even those subject to significant wear and tear. Available in White, Beige, Sand, Mud, Gray, Smoke, Black.

Photography by Andrea Ferrari, styling

by Stefania Vasquez.

LISTONE GIORDANO Dalla creatività di Daniele Lago con l’ingegnerizzazione tecnica di Andrea Margaritelli, nasce Slide, un nuovo concept di parquet. Un rettangolo tagliato in due da una diagonale genera due trapezi rettangoli che, combinati fra loro in modalità diverse, danno vita a moltissime altre configurazioni. La collezione è composta da 3 trapezi, forme che sono state progettate con l’intento di creare un insieme equilibrato, ma sempre diverso. È possibile mixare i moduli 2 e 3, dando vita ad una sensazione di casualità di forme, apparentemente molteplici.

From the creativity of Daniele Lago and the technical engineering by Andrea Margaritelli comes Slide, a new concept in parquet wood floors. A rectangle cut in two diagonally, generates two trapezoidal rectangles that can be variously combined to create a large number of configurations. The collection is composed of 3 trapezoids, forms that have been designed with the intent to create a balanced, but changing, whole. Modules 2 and 3 may be mixed to create a feeling of randomness that gives the impression of including a multiplicity of forms.

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CORRADI Pergotenda® Iridium 5.2 è un sistema brevettato di copertura scorrevole ad impacchettamento che coniuga materiali innovativi, tecnologie d’avanguardia e design ricercato. In alluminio o in legno, quest’ultimo in oltre 200 colori, ancorata a parete o autoportante, in piano o inclinata, Pergotenda® può essere aperta o chiusa su tutti i lati con vetrate scorrevoli o con Ermetika®, la chiusura verticale brevettata dall’azienda per proteggere da pioggia, umidità e vento forte. Possibilità su misura e personalizzabili.

Pergotenda© Iridium 5.2 is a patented sliding folding roof awning system that combines innovative materials, avantgarde technology and sophisticated design. Made out of aluminium or wood, the latter in over 200 colours, anchored to the wall or self-supporting, flat or sloped, Pergotenda© may be open or enclosed on all sides with sliding glass panels or with Ermetika©, vertical enclosing system patented by the company for protection against rain, humidity and strong winds. The system may be custom-sized.

MONTEXPORT/AUSTROFLAMM È dotata di tecnologia Xtra, la stufa Yan, che prevede intorno al corpo centrale piastre in HMS (Heat Memory System), un materiale con peso specifico estremamente elevato (+3) in grado di accumulare calore per un tempo molto prolungato e di rilasciarlo gradualmente anche a fuoco spento. Inoltre, grazie al piano superiore regolabile, è possibile scegliere fra riscaldamento convettivo (rapida e naturale diffusione dell'aria calda anche a distanza) e riscaldamento ad accumulo (diffusione del calore fino a 12-15 ore con soli 9 kg di legna).

Equipped with Xtra technology, the Yan wood stove features a central core surrounded by the Heat Memory System, a material with an extremely high specific weight (+3) that can store heat at length and gradually release it after the fire has died down. In addition, thanks to the adjustable upper level, it is possible to choose between convection heat (rapid natural diffusion of hot air over a distance) or heat accumulation (the heat is released for 12-15 hours with only 9 kg of wood).

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ECLISSE Emotion è il nuovo motore lineare per porte scorrevoli a scomparsa con tecnologia magnetica applicata. Il sistema di controllo elettronico, installato all’interno del binario, avvia un processo di autoregolazione (self setting) che rileva in automatico luce di passaggio, peso e attrito della porta. Velocità di apertura e chiusura vengono tarati automaticamente, ma è possibile anche personalizzare il movimento, la sensibilità di rilevazione degli ostacoli, il tempo. Con la funzione di sicurezza low energy, apertura e chiusura avvengono a velocità ridotta. A contatto con un ostacolo la porta si arresta immediatamente ed inverte il senso di marcia. Compatibile con i sistemi domotici.

Emotion is the linear motor for sliding pocket doors with applied magnetic technology. The electronic control system, installed inside the track, sets in motion a self-setting system that automatically senses the light passing through, the weight and friction of the door. It automatically sets the speed at which the door opens and closes, but movement, sensitivity to obstacles, and timing can all be adjusted. With the low-energy safety feature, the door opens and closes at a slower pace. When the door encounters an obstacle, it stops immediately and slides in the opposite direction.

Compatible with home automation systems.

EFFEBIQUATTRO/DILÀ Ampliamento della gamma per la porta Evo-line, con l’introduzione delle nuove finiture in frassino a poro aperto, che enfatizza le venature del legno, e il restyling del telaio telescopico per una migliore flessibilità alle diverse richieste abitative. Disponibile in una vasta gamma di colori ed essenze pregiate, ha anta reversibile, serratura magnetica, cerniere invisibili e registrabili, speciali guarnizioni paracolpi e antipolvere, elevata fonoassorbenza, vernici ad acqua.

The Evo-line door collection now grows with the introduction of new open-pore ash wood that emphasizes the grain of the wood, and the restyling of the telescopic frame for greater flexibility in the response to living needs. Available in a wide range of colours and fine essences, it has a reversible door, magnetic lock, invisible adjustable hinges, dustbarrier and door bumper, is highly sound-absorbing and finished with water-based paint.

MANITAL La rosetta Ultra Slim Innovation è un'innovazione tecnica e formale che in soli 3 millimetri riesce a mantenere al suo interno la molla di ritorno, per una perfetta apertura e chiusura della porta. Una notevole riduzione dello spessore che esalta il design di maniglia e porta. Può essere applicata a tutta la gamma dei prodotti Manital. Nella foto, Alamaro, design Mario Mazzer.

The Ultra Slim Innovation rose represents a formal and technical innovation which in a space of only 3 millimeters contains the return spring on the inside, so that the door may open and close perfectly. A remarkably reduced thickness that highlights the design of handle and door. It may be applied to the entire range of Manital products. In the photo, Alamaro, design

by Mario Mazzer.

ANTONIOLUPI Braciere e vano porta legna a scomparsa, in rigore di forme, soddisfano esigenze di ottimizzazione degli spazi.

Skemabox è un camino modulare che consente di stivare legna evitando l’accumulo di polveri, mentre la camera di combustione in acciaio, grazie al sistema di chiusura in vetro ceramico, permette un consumo minore di legna e pellet, garantendo sempre la fiamma viva. Skemabox può essere installato con sistema convettivo, per arrivare in altre stanze, oppure radiante, che accumula il calore e lo diffonde fino a otto ore a fuoco spento. Design Mario Ferrarini.

Brazier and concealed wood-storage space, in a rigorously-designed form, satisfy the need to optimize spaces.

Skemabox is a modular fireplace that makes it possible to store wood, thereby avoiding dust build-up, whereas the steel combustion chamber, with its glass ceramic closing system, require less wood and pellets while keeping the flames intense. Skemabox can be installed with a convection system, to heat other rooms, or a radiating system, that stores heat and continues to radiate up to eight hours after the fire has died down. Design Mario Ferrarini.

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PIRCHER Nuova, stimolante direzione per l’azienda che sviluppa l’arredo urbano con la nascita di due linee: Favole da giardino e Elements for living. Nella prima linea, un’ampia selezione di vasi da giardino componibili, interamente realizzati a mano. Nella seconda (in foto), sedute, panchine ed altri componenti d’arredo, opera di giovani designer europei, per abitare gli spazi con gusto, creatività e rispetto dell’ambiente. Entrambe sono realizzate in fibrocemento, materiale naturale e riciclabile al 100% (cemento, farina calcarea, fibre, aria e acqua).

LUALDI Sulla porta L41, caratterizzata da telaio in metallo con pannelli nelle nuove finiture resina lamiera, vetro retroverniciato e legno con base da vestire a propria misura e cerniere pivottanti in acciaio, la maniglia Pomm, il classico pomello rivisitato nella forma con una curva raggiata, disponibile in Corian®, acciaio satinato e vari legni; una microserratura permette, grazie alla rotazione del pomello, la chiusura della levetta magnetica.

Entrambi sono un progetto di Piero Lissoni.

On door L41, featuring a metal frame with panels in the new resin sheet metal, retro-painted glass and wood finishes, with a base to decorate to one’s personal dimension and pivoting steel hinges, the Pomm handle, a classic knob reinterpreted in a curved shape, is available in Corian®, satin-finish steel and various types of wood; a micro-keyhole makes it possible, when the knob is turned, to close the magnetic lever. Both are designed by Piero Lissoni.

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A stimulating new direction for the company that develops urban furniture with the creation of two new collections: Favole da Giardino and Elements for Living. The first collection features an ample selection of modular garden planters made entirely by hand. In the second, (in the photo), chairs, benches and other decorating accessories by young European designers are made to furnish living spaces with taste, creativity and respect for the environment. Both collections are made out of cement fiber, a natural material that is 100% recyclable (cement, limestone flour, fibres, air and water).

STONE ITALIANA Ottenuta dalle terre di spazzamento delle strade e realizzata in collaborazione con CEM Ambiente Spa, azienda attiva in 49 comuni lombardi, DNA Urbano è la nuova collezione di lastre per esterni ed interni composto principalmente dalla graniglia (al 75% per l’outdoor, al 55,70% per l’indoor) che si deposita contro i marciapiedi e che, opportunamente convertita, consente di recuperare materiali che possono così diventare nuova materia prima, permettendo di risparmiare energia, riciclare ed abbattere i costi di smaltimento. La restante percentuale delle lastre è composta da sabbia, polvere di quarzo e resina poliestere, quest’ultima presente in una percentuale in linea con i requisiti della certificazione Ecolabel.

Made from the earth obtained by sweeping the streets and made in collaboration with CEM Ambiente Spa, a company that is active in 49 municipalities in the Lombardia region, DNA Urbano is the new collection of tiles for the indoors and the outdoors composed primarily (75% for the outdoor, 55.7% for the indoors) of the grit that settles on sidewalks, and is converted to reuse these materials which as a result become new raw materials, making it possible to save energy, to recycle and to reduce the costs of waste processing.

The remaining percentage of the tiles is constituted by sand, quartz powder and polyester resin, contained in a measure compatible with the requirements of the Ecolabel certification.

PL/ABET LAMINATI Laminati specchianti, dall’elegante impatto visivo, sfoggiano tre decorazioni declinati nei vibranti colori argento (in foto), oro e acciaio; un effetto ‘martellato’ che evoca le atmosfere calde e preziose dell’Africa mediterranea. È la collezione Drops, studiata con una definizione di finiture alternative che esaltano le diverse cromie e regalano al laminato un particolare fascino tattile e visivo.

Mirrored laminates, with an elegant visual impact, feature three different decors in vibrating colours including silver (in the photo), gold and steel; a ‘hammered’ effect that evokes the warm precious atmospheres of Mediterranean Africa. This is the Drops collection, developed with a definition of alternative finishes that emphasizes the colours and gives these laminates a particular tactile and visual fascination.

TRE-P&TRE-Più Senza eccessi, le porte TRE-D, elogiano la semplicità attraverso un design innovativo e funzionale che consente la reversibilità della porta e una notevole facilità di posa. Le finiture rispecchiano tendenze e inclinazioni in grado di soddisfare un mercato esigente e, allo stesso tempo, di rispettare l’ambiente. La qualità è garantita dall’uso delle migliori materie prime, dei più moderni processi produttivi, dall’alta professionalità e dalla passione per lo sviluppo.

Without excess, the TRE-D doors pay tribute to simplicity in their new innovative and functional design that makes it possible to reverse the door and facilitates installation. The finishes reflect the tendencies and inclinations that can satisfy a demanding market and, at the same time, respect the environment. The quality is guaranteed by the use of the finest raw materials, the most modern production processes, the professional quality and the passion for development.

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ADDRESSES

Adidas www.adidas.com

Clei www.clei.it

Manital www.manital.com

Practic www.pratic.it

Another Country www.anothercountry.com

Corradi www.corradi.eu

Mapei www.mapei.it

Rintal/Misterstep www.rintal.com

Antonio Lupi Design www.antoniolupi.it

& Then Design www.andthendesign.co.uk

Marazzi www.marazzi.it

Rubner www.rubner.com

B&B Italia wwww.bebitalia.it

Eclisse www.eclisse.it

Matthew Hilton www.matthewhilton.com

Sarah-Jayne Guest www.sjguest.com

Baccarat www.baccarat.com

Effebiquattro/DilĂ www.effebiquattro.it

Metra www.metra.it

Silvera www.silvera.fr

Bacsac www.bacsac.fr

Faraone www.faraone.it

Minacciolo www.minacciolo.it

Stone Italiana www.stoneitaliana.com

Bernardaud www.bernardaud.fr

Finstral www.finstral.com

MissPrint www.missprint.co.uk

Tai Ping www.taipingcarpets.com

Benjamin Hubert www.benjaminhubert.co.uk www.delaespada.com

Flou www.flou.it

Montexport/Austroflamm www.austroflamm.com www.montexport.it

The New English www.thenewenglish.co.uk

Bialetti www.bialettiindustrie.it Boffi www.boffi.com Brianform www.brianform.it Brianza Plastica www.brianzaplastica.it BYografia www.byografia.com Camper www.camper.com Carmenta www.carmentasrl.com Cesar www.cesar.it Charlene Mullen www.charlenemullen.com www.delaespada.com Christopher Stoneman www.cstoneman.com

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Gaber www.gaber.it Gd Dorigo www.gd-dorigo.com Glas Italia www.glasitalia.com Graphic Relief www.graphicrelief.com Gruppo Door 2000 www.door-2000.com Indesit www.indesit.com Infiniti www.infiniti.eu Innermost www.innermost.net Laminam www.laminam.it Listone Giordano www.listonegiordano.com Lualdi www.lualdiporte.it

Moroso www.moroso.it Movi www.movi.it Nick Fraser www.nickfraser.co.uk Noctis www.noctis.it Ombg www.ombg.net Pierantonio Bonacina www.pierantoniobonacina.it Pircher www.pircher-spa.com Pl/Abet Laminati www.pl-abetgroup.it Plant&Moss www.plantandmoss.com Pleyel www.pleyel.fr Poliform www.poliform.it

Tre-P&Tre-PiĂš www.treptrepiu.com Variopinte www.variopinte.com Vimar www.vimar.eu

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