DDN 183

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E 8.00 “Italy only” - F E 14,50 - D E 18,00 - GR E 14,30 P E 15,40 - E E 12,80 - GB GBP. 11,50 - N NKR. 172,00 .S SKR. 170,00 - CH SFR. 23,00 - NL E 19,00.

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CREATED IN LISBONA BOAT & CAR

ECOPROJECT

PENTA

CARLO COLOMBO

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CONTENTS DDN Design Diffusion News Direttore editoriale/Managing Editor Carlo Ludovico Russo c.russo@designdiffusion.com Direttore responsabile/Editor Rosa Maria Rinaldi r.rinaldi@ddworld.it Progetto graďŹ co e consulenza artistica Graphic layout & art consultant Franco Mirenzi

Editorial Spot Report Interiors/Management Cover project Reportage/Miami

Exhibition Light/Technology Creativity/Research Architecture Boat/Car

Jewel/Showroom Eco/Project Architecture Living/Projects Architecture/Art Design/Selection

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E 8.00 “Italy only� - F E 14,50 - D E 18,00 - GR E14,30 P E 15,40 - E E 12,80 - GB GBP. 11,50 - N NKR. 172,00 .S SKR. 170,00 - CH SFR. 23,00 - NL E 19,00.

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Redazione/Editorial staff Manuela Di Mari m.dimari@ddworld.it Production&fashion/lifestyle Laura Galimberti l.galimberti@ddworld.it Francesca De Ponti fra.deponti@ddworld.it Technology&research

Idee nell’aria Le news di DDN Tao By Everest FIMA Carlo Frattini Booming Istanbul Penta: Carlo Colombo e Umberto Asnago Daniel Libeskind e Zumtobel New art and architecture Il distretto del mobile Design da collezione La leggerezza del ferro Nuova luce sui led Lisbon story Incontri a Bruxelles Stati Uniti: progetti che fanno la differenza Pershing: residenze galleggianti Lo stile di Land Rover Camper: design da regata Dodo world Riuso e architettura Lubiana: Sports Park Stozice Un progetto di Simone Micheli Laboratorio creativo in Salento Imbottiti

Cover

Design Diffusion World srl Redazioni/Editorial OfďŹ ces Via Lucano 3, 20135 Milano Tel. 02/5516109 Fax 02/5456803 Internet: www.designdiffusion.com www.designdiffusion.tv E-mail: ddn@designdiffusion.com

Realizzazione graďŹ ca Graphic designer Antonietta Scuotri a.scuotri@ddworld.it

MIAMI DESIGN & ART <K>:M>= BG EBL;HG: BOAT & CAR

ECOPROJECT

Corrispondenti speciali/Special correspondents Luciana Cuomo luciana_cuomo@yahoo.it Future strategies&global markets Cristina Battistella cristina.battistella@gmail.com Monica Pietrasanta monica@pallavicini.it Report Giulia Bruno giulia.bruno.r@alice.it Ecodesign Bradley Wheeler Architecture and design in the USA

Traduzione/Translation ITS, Monza Olga Barmine Hanno collaborato a questo numero: The following contributed to this issue: Giulia Bruno, Elviro Di Meo, Michele Weiss, Cristina Fiorentini, Patrizia Piccioli, Paolo Rinaldi, Paolo Imolesi, Antonio Minniti

Rosa Maria Rinaldi G. Bruno, C. Battistella, P. Rinaldi, M. Di Mari, L. Cuomo Cristina Battistella Cristina Battistella Antonio Minniti Francesca De Ponti Luciana Cuomo Luciana Cuomo Luciana Cuomo Luciana Cuomo Giulia Bruno Monica Pietrasanta Paolo Rinaldi Paolo Rinaldi Paolo Imolesi Michele Weiss Michele Weiss Paolo Rinaldi Paolo Rinaldi Giulia Bruno Elviro Di Meo Elviro Di Meo Patrizia Piccioli Manuela Di Mari

Glo ceiling lamp manufactured by Penta design by Carlo Colombo (in the picture) suit by Alessandro Martorana photo Carlo Mari

PENTA

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UfďŹ cio abbonamenti Numero Verde 800/318216 Tel. 02/5516109 Fax 02/5456803

Editorial OfďŹ ce, Osaka Intermedia TS Bldg. 3-1-2 Tenma Kita-ku Osaka, Japan PubblicitĂ /Advertising DDA Design Diffusion Advertising srl Tel. 00816/3571525 Fax 3571529 Via Lucano 3, 20135 Milano Tel. 02/5453009 â&#x20AC;&#x201C; Fax Mensile/Monthly magazine 02/54.56.803 n. 183 marzo 2012 UfďŹ cio trafďŹ co/trafďŹ c department Prezzo/Price 8,00 euro Daniela Dâ&#x20AC;&#x2122;Avanzo Stampa/Printer Color Art d.davanzo@ddadvertising.it Via Industriale 24/26 25050 Rodengo Saiano (BS) ContabilitĂ /Accounting Tel. 030/6810155 Norberto Mellini n.mellini@ddadvertising.it

Fotolito Bitgraph Via Vittorio Veneto 8 20060 Cassina deâ&#x20AC;&#x2122; Pecchi (MI), tel. 02/92278515/6/7 Spedizione in abbonamento postale - 45% - D.L. 353/2003 (conv.in L.27/02/2004 n.46) art.1, comma 1, DCB Milano Reg. Tribunale Milano n./Milan Court Reg.No. 278 del 7 aprile 1990 Printed in Italy )33. s

Distribuzione allâ&#x20AC;&#x2122;estero Sole agent for distribution Abroad A.I.E. - Agenzia Italiana di Esportazione spa - via Manzoni 12, 20089 Rozzano (Mi) tel. 02/5753911- fax 02/57512606 e-mail info@aie-mag.com www.aie-mag.com DISTRIBUZIONE ME.PE Distribuzione in libreria Bookshop distribution Joo Distribuzione via F. Argelati 35, 20143 Milano

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EDITORIAL

IDEE NELL’ARIA IDEAS IN THE AIR

Da Miami c’è qualcosa da imparare. Il vento caldo delle idee di un design disancorato dalla produzione industriale, ma saldamente radicato in un mercato di collezionisti internazionali, nella metropoli della Florida trova il terreno ideale per trasformarsi in materia creativa. La decima edizione di Art Basel Miami Beach ha visto letteralmente brillare la nuova lampada progettata dai Libeskind, padre e figlio, esempio ben riuscito di una somma di competenze, progettuali e astrofisiche, a dimostrazione della possibilità di successo dell’innesto di approcci progettuali particolari in un ambito di produzione strettamente seriale. Il design da collezione rovescia l’origine del fenomeno, nato per essere illimitatamente riproducibile, e spalanca le porte su un mondo tradizionalmente legato all’arte.

I due generi a volte rientrano nelle passioni dello stesso acquirente, ma più frequentemente esiste una scissione tra le due discipline, che mette in competizione gli stessi collezionisti. Seguaci finissimi e cultori di pezzi numerati, e anche ingombranti, si spostano disinvoltamente per il pianeta alla ricerca dell’introvabile, spesso felicemente reperito presso le migliori gallerie espositrici a Miami. Dove, grazie a spazio, clima e atmosfera, l’arte pubblica ha superato i propri cliché obsoleti manifestandosi in modo esplosivo od effimero in strade, piazze e spiagge. Torniamo in Europa e guardiamo il particolare: giovani portoghesi e belgi mostrano talento in bilico tra artigianato e tecnologia. A Roma, una mostra sul riciclo in architettura esplora e valorizza realtà poco conosciute. In Italia, una casa parla il linguaggio soft del cuore. Dalla Slovenia, il progetto di uno stadio urbanizzato rinnova l’immagine della città.

There is something to learn from Miami. In the city in Florida, the hot wind of ideas of design as breaking free from industrial production – though deeply rooted in the international collectors’ market – finds fertile ground for creation. The 10th Edition of Art Basel Miami Beach saw the new lamp designed by the fatherand-son pair Daniel and Noam Libeskind literally shine, as a well-made example of a sum of design and astrophysical skills, which proved that peculiar design approaches might also prove successful in the mass production world. Collectors’ design reverses the origin of the phenomenon, which was initially meant to be boundlessly reproducible, and opens doors onto a world which has traditionally been connected with art. The two genres sometimes are part of the same purchaser’s passions; yet, more frequently, the two disciplines are separated from each other, thereby resulting in competition among collectors. As fine connoisseurs of numbered – and cumbersome – pieces, they easily move around the planet in search of that which is unobtainable, and is instead often found at the best exhibition galleries in Miami, where space, the climate and the atmosphere have allowed public art to overcome its own outdated stereotypes, revealing itself – whether explosively or ephemerally – in streets, squares and beaches.Back to Europe, let us have a look at details: young Portuguese and Belgian designers show their talents, hovering between crafts and technology; in Rome, an exhibition on recycling in architecture investigates and emphasizes hardly known situations; in Italy, a house speaks the soft language of the heart; from Slovenia, the project for an urbanized stadium changes the image of the city.

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ORGOGLIOSAMENTE ITALIANA. cucina Tetrix design Michael Young

SOFT DREAM DESIGN ANTONIO CITTERIO

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A.D. NATALIA CORBETTA. FOTOGRAFIA GIANNI BERENGO GARDIN

ORION & PEGASO

DECLUB.IT NUOVO SITO PER IL DESIGN D’ECCELLENZA

I brand più prestigiosi del design italiano si uniscono in un originale progetto di partnership con la distribuzione. Nasce DeClub.it, sito che propone a rivenditori e consumatori il ruolo di protagonisti. Agape, B&B Italia, Boffi, Cappellini, Cassina, Dada, Maxalto, Molteni&C, Poltrona Frau promuovono in rete la cultura del design aderendo con entusiasmo ad un “potente strumento di vendita e d’integrazione dell’online con l’offline”, ha affermato Giglio Del Borgo, amministratore delegato della Jakala eBusiness. La collaborazione dei marchi del design con Jakala, leader italiano dell’e-commerce, ha reso concreta l’idea trasformandola in DeClub.it. Comodamente seduti a casa propria ora si potrà entrare in famosi showroom e scegliere prodotti d’arredo di design d’altissima qualità, selezionati dai rivenditori ufficiali aderenti al progetto all’interno delle collezioni dei brand partner. L’utente potrà avere informazioni, dettagli, suggerimenti su offerte immediatamente disponibili a prezzi trasparenti e competitivi dialogando via web con i rivenditori. DeClub.it rappresenta “il primo passo verso altre operazioni di sviluppo comune del design italiano nel mondo”, ha dichiarato Roberto Gavazzi, amministratore delegato di Boffi, rilevando le potenzialità del progetto pilota come nuova risorsa del design d’eccellenza. www.declub.it Giulia Bruno

DECLUB.IT, A NEW WEBSITE FOR FIRST-RATE DESIGN The most prestigious brands of Italian design have joined together to carry out an original partnership project with distributors. DeClub.it is a website which allows both dealers and consumers to play a key role. Agape, B&B Italia, Boffi, Cappellini, Cassina, Dada, Maxalto, Molteni&C and Poltrona Frau promote design culture on the web, enthusiastically relying on a “powerful sales tool integrating the online with the offline”, said Giglio Del Borgo, Managing Director of Jakala eBusiness.

The collaboration between the design brands and Jakala, which leads the Italian e-commerce market, has allowed the idea to become ‘bricks and mortar’ reality, with DeClub.it. Now you can enter well-known showrooms and choose outstanding designer products, selected by the official dealers who have joined the project within the collections of the brand partners, while comfortably sitting at home. Users can obtain information, details, tips on special offers immediately available at transparent, competitive prices, while interacting with the dealers on the web. DeClub.it means “the first step towards other shared development actions of Italian design worldwide”, said Roberto Gavazzi, Managing Director of Boffi, revealing the potentialities of the pilot project as a new resource of first-rate design. www.declub.it

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La tradizione decorativa immersa in un’atmosfera dal sapore contemporaneo ispira le nuove collezioni ideate dall’architetto Giovanni Cagnato per Turri, brand di mobili di lusso.

Rifiniti con pregiate lacche e inserti di metallo, gli arredi eleganti e raffinati della linea Pegaso (di cui vediamo un esempio qui sopra) sono ridisegnati con un taglio architettonico e destrutturato, senza tralasciare l’estrema ricercatezza dei dettagli lussuosi. Dal fascino hollywoodiano degli anni ’30 e ’40 nasce Orion (foto in alto), collezione dai volumi armoniosi e accostamenti materici originali. Forme aggraziate e sinuose, vaporose e accoglienti, delineano gli arredi rivestiti di pelli pregiate e soffici, che rendono vivo al tatto ogni singolo mobile. Il metallo cromato e l’acciaio satinato per le rifiniture creano un effetto sofisticato e versatile. www.turri.it Cristina Battistella The new collections designed by the architect Giovanni Cagnato for the luxury furniture brand, Turri, were inspired by decorative tradition as immersed in an atmosphere with a contemporary flavour. Finely lacquered and provided with metal inserts, the elegant, refined furniture of the Pegaso range (above) relies on an architectural, unstructured design, as well as on sophisticated, luxurious details. The Orion collection (top), based on harmonious volumes and peculiar combinations of materials, is reminiscent of the Hollywood glamour of the 1930s and 1940s. Graceful, sinuous, light, comfortable shapes enhance the furniture covered with fine, soft leather, which makes every single piece pleasant to touch. The chrome-plated metal and matt steel finishes produce a sophisticated, versatile effect. www.turri.it

BIENNALE DI ARCHITETTURA 2012 “Con Kazuyo Sejima si era tornati ad affidare la Mostra a un architetto – ha dichiarato il Presidente Paolo Baratta – e ora abbiamo la fortuna di avere David Chipperfield (nella foto in basso, n.d.r.). Le Biennali degli ultimi anni avevano dilatato la rappresentazione dell’architettura evidenziando le sue connessioni con una serie di grandi questioni di tipo sociale, urbano, ambientale e politico. È parso utile rivolgersi a un architetto che ha grande interesse per l’architettura come disciplina e che si interroga rispetto agli elementi che la compongono, alle finalità che persegue, ai vincoli che la condizionano, agli strumenti con cui essa agisce nei luoghi, negli spazi, negli edifici”. La prossima Mostra di Architettura sarà quindi caratterizzata dall’evidenziazione di una serie di rapporti e relazioni che legano grandi architetti e giovani generazioni che ai primi si ricollegano, con un programma di coinvolgimento delle Università di tutto il mondo denominato Biennale Sessions, già sperimentato nella scorsa edizione della Mostra. Da parte sua, David Chipperfield ha dichiarato: “Voglio che questa Biennale renda omaggio a una cultura architettonica vitale e interconnessa, che si interroghi sui territori condivisi, intellettuali e fisici. Nella selezione dei partecipanti la mia Biennale favorirà la collaborazione e il dialogo, che considero il cuore dell’architettura, e il titolo fungerà anche da metafora del terreno di attività dell’architettura. Mi interessano gli elementi che accomunano gli architetti, dalle condizioni della pratica architettonica alle influenze, collaborazioni, storie e affinità che inquadrano e contestualizzano il nostro lavoro. Vorrei cogliere l’occasione di questa Biennale per potenziare la comprensione della cultura architettonica e per valorizzare le continuità filosofiche e pratiche che la definiscono”. La 13. Mostra Internazionale di Architettura della Biennale di Venezia presenterà inoltre, come di consueto, le Partecipazioni nazionali, con proprie mostre nei Padiglioni ai Giardini e all’Arsenale, oltre che nel centro storico di Venezia. Anche per questa edizione si prevedono eventi collaterali, proposti da enti e istituzioni internazionali che allestiranno le loro mostre e le loro iniziative a Venezia in concomitanza con la Mostra. www.labiennale.org, www.labiennalechannel.org Paolo Rinaldi

MUST

Una collezione dal design elegante e raffinato esaltata dalla lavorazione di materiali nobili come il cuoio e la pelle. Must, il progetto ideato da Rodolfo Dordoni per Matteograssi, comprende scrivanie e tavoli, anche per riunioni, di varie dimensioni con piani in cristallo o rivestiti in cuoio. Per le scrivanie è possibile inserire un modulo da incasso per connessioni corrente (dati, voce e video) verticale telescopico o in lamiera verniciata con coperchio in cristallo retroverniciato bianco o rivestito in pelle o cuoio. È previsto anche un modulo rotante di estensione laterale del piano di lavoro con sottostante vano per alloggio pc. www.matteograssi.it Cristina Battistella A collection synonymous with elegant, refined design, enhanced by the working techniques chosen for such first-rate materials as leather. Must, designed

by Rodolfo Dordoni for Matteograssi, comprises differently sized desks and tables – for example, for meetings –, with glass or saddle leather covered tops. The desks can be supplied with a built-in module for power connection (data, microphones and video equipment) – vertical, telescopic, or made of painted sheet metal with a glass cover back painted in white or covered in leather. A swivel module laterally extending the worktop with a PC compartment beneath is also available. www.matteograssi.it

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“By appointing Kazuyo Sejima we brought the Exhibition back into the hands of an architect – said President Paolo Baratta –, and now we are so lucky to have David Chipperfield (below) with us. The Biennale exhibitions in recent years had broadened the representation of architecture by emphasizing its connections with a series of major social, urban, environmental and political issues. So it appeared useful to turn to an architect who demonstrates great interest in architecture as a discipline and raises questions about the elements of which it is composed, about the objectives it pursues, about the constraints that affect it, about the tools it uses to shape places, spaces, buildings”. Hence the next Architecture Exhibition will be characterized by the emphasis on a series of relationships that connect great architects and younger generations who refer to them, on the basis of a programme involving Universities from all around the world, entitled Biennale Sessions, tested during the previous edition of the Exhibition. Whereas David Chipperfield stated: “I want this Biennale to celebrate a vital, interconnected architectural culture, and pose questions about the intellectual and physical territories that it shares. In the methods of selection of participants, my Biennale will encourage the collaboration and dialogue that I believe is at the heart of architecture, and the title will also serve as a metaphor for architecture’s field of activity. I am interested in the things that architects share in common, from the conditions of the practice of architecture to the influences, collaborations, histories and affinities that frame and contextualize our work. I want to take the opportunity of the Biennale to reinforce our understanding of architectural culture, and to emphasize the philosophical and practical continuities that define it”. The 13th International Architecture Exhibition of the Biennale di Venezia will also present, again, the National Participations with their own exhibitions in the Pavilions at the Giardini and at the Arsenale, and in the historic city centre of Venice. This edition, as the previous editions, will include Collateral Events, presented by international organizations and institutions, which will stage their exhibitions and projects in Venice concurrently with the Exhibition. www.labiennale.org www.labiennalechannel.org

FLEXFORM SPACE ASIA HUB Nell’affascinante quartiere coloniale di Singapore, la città-stato che promette di diventare uno dei mercati più interessanti, Flexform apre lo shop in shop all’interno di Space, il nuovo elegante showroom pensato per le aziende più qualificate del design internazionale. Al secondo piano del Glass Block, il corpo centrale del prestigioso building, l’azienda presenta il meglio della propria produzione, riconosciuta per il comfort, l’eleganza e la qualità. Una serie di isole organizzate attorno ai prodotti di spicco - Groundpiece, Cestone, Lifestill e il più recente Grandemare - racconta il living secondo Flexform ad un pubblico molto attento al design Made in Italy. Estesa e sofisticata è anche l’area dedicata alla collezione Flexform Mood, che sta riscuotendo un notevole successo soprattutto nei mercati emergenti e nel settore contract. www.flexform.it; www.spacefurniture.com Cristina Battistella In the charming colonial district in Singapore, the city state that is going to develop into one of the most challenging markets, Flexform has opened a shop in shop in the new smart showroom, Space, designed for the companies which lead the way in international design. On the second floor of the Glass Block, the main body of the prestigious building, Flexform displays the best of its production, which is renowned for its comfort, elegance and quality. A set of display islands arranged around the most prominent products – Groundpiece, Cestone, Lifestill, and the latest one, Grandemare – tells Italian design conscious visitors about living according to Fleform. A large, sophisticated area is focused on the Flexform Mood collection, which is proving tremendously successful, especially in emerging markets and in the contract furnishing industry. www.flexform.it; www.spacefurniture.com

SOGNI D’ORO

Negli uffici, all’interno degli aeroporti o in luoghi pubblici rumorosi e trafficati saranno disponibili piccoli angoli di tranquillità dal riposo assicurato. SleepBox, a forma di sinuosa e avvolgente conchiglia, è complemento d’arredo liscio, solido, uniforme, dotato di un comodo materasso rivestito in pelle che invita a ritrovare un’improbabile quiete. Progettato da Caspar Lohner, è stato realizzato in HI-MACS®, la Pietra Acrilica di nuova generazione, inerte, impermeabile, termoformabile, ecologica, ideata e prodotta da LG Hausys. Presentato al Swissbau 2012, SleepBox è frutto della collaborazione dell’architetto con un team di studenti del Chair for Computer Aided Architectural Design (CAAD), Dipartimento di Architettura dell’ETH di Zurigo e Kläuser Acrylstein AG, di HI-MACS® in Svizzera.www.himacs.eu Giulia Bruno

SWEET DREAMS Small, peaceful corners synonymous with guaranteed relaxation, are going to become available in offices as in airports or noisy, busy public places. Sinuously shaped like an enveloping shell, SleepBox is the name for a smooth, solid, uniform furnishing accessory, fitted with a comfortable, leather-covered mattress, which encourages you to find unexpected quietness. Designed by Caspar Lohner, it is made of HI-MACS®, the new-generation, inert, waterproof, thermoformable, environmentally friendly Acrylic Stone, designed and manufactured by LG Hausys. Launched at Swissbau 2012, SleepBox is the fruit of the architect’s collaboration with a team of students at the Chair for Computer Aided Architectural Design (CAAD), Department of Architecture, ETH Zürich, and Kläuser Acrylstein AG, HI-MACS®, Switzerland. www.himacs.eu

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LA SARTORIA DELL’ACCIAIO TAILOR-MADE STEEL Tre milioni di euro l’ammontare degli investimenti negli ultimi 3 anni, in parallelo con lo sviluppo di brevetti, certificazioni, progetti. Senza dimenticare ampliamenti delle strutture e la costruzione di una nuova sede, per ospitare uffici e showroom, sempre compresa nell’area produttiva di Villotta di Chions, Pordenone, – complessivamente 22.000 mq –, che abbraccia due unità e 63 dipendenti. Il Gruppo Steel Time non è sconosciuto a marchi come Boffi, Miele, Effeti, Electrolux, Whirpool, presto anche Arclinea, che per loro produce principalmente cappe, lavelli e piani cottura. Prodotti che nascono seriali ma che diventano progetti unici perché personalizzati totalmente su misura del committente. Specializzato nella lavorazione dell’acciaio da 30 anni, con il brand Max Fire al quale si è poi aggiunto Steel Time, il gruppo è tutt’ora diretto dai due soci fondatori Enzo Inzaghi e Nadia Collodel, rispettivamente presidente e amministratore delegato, entrambi sostenitori di un ‘pensiero orizzontale’ nella conduzione imprenditoriale, in continuo contatto con quanti vi lavorano, indipendentemente dalla mansione. Visibilmente soddisfatti del recente edificio, progettato da Giancarlo Vegni con forma irregolare, in cui rette di cemento e curve di vetro si incontrano, permettendo un costante dialogo tra interno ed esterno. Alla reception, un bancone-scultura in lastre d’acciaio ritorte e lavorate esprime l’immediata identità aziendale; al piano superiore, gli uffici dal design pulito e razionale sono inondati di luce naturale grazie a bocche in vetro nel pavimento e lucernai sul soffitto; al piano terra, lo showroom, pensato come luogo d’incontro, mostra i dettagli di una produzione variegata e molteplice. Prossimo step, il potenziamento del mercato estero. www.steeltime.it Manuela Di Mari

ECO-TECH RESTYLING

Investments totalling 3 million Euros over the last 3 years, made in parallel with the development of patents, certifications and projects. Stress should also be laid on the enlargement of the facilities and the building of new headquarters, to accommodate the offices and showroom, in the manufacturing area in Villotta di Chions, Pordenone – covering an overall area of 22,000 square metres –, with two units and 63 employees. The Steel Time Group is not unknown to such brands as Boffi, Miele, Effeti, Electrolux, Whirpool, and (in the near future) Arclinea as well, for which they manufacture mainly extractor hoods, sinks and hobs. Conceived as mass-produced products, they develop into single items, because they are tailored to meet customers’ individual requirements. The Group, which has been specializing in working steel for 30 years, with the brand Max Fire, which would later be joined by Steel Time, is still run by the two founders, Enzo Inzaghi and Nadia Collodel, Chairman and Managing Director respectively, both supporting a ‘horizontal thought’ in business management, in ongoing contact with the employees, regardless of their duties. They are clearly satisfied with the recently raised building, designed by Giancarlo Vegni in an irregular shape, where concrete straight lines and glass curves meet, allowing the interior to interact with the exterior. At the reception, a counter/sculpture made of twisted and worked steel plates epitomizes the company’s straightforward identity; upstairs, the elegantly and rationally designed offices are flooded with natural light through glass openings in the floor and skylights in the ceiling; on the ground floor, the showroom, conceived as a meeting place, shows the details of varied production. Further penetrating the foreign market is going to be the next step. www.steeltime.it

L’elegante restyling firmato Makio Hasuike rinnova Aqualtis di Hotpoint, al primo posto nella classifica delle lavabiancheria più vendute in Italia. Oltre al design accattivante, Aqualtis propone nuove prestazioni grazie alla Tecnologia ad Alta Definizione. Motori più potenti e silenziosi riducono i consumi fino ad ottenere la classe energetica A+++. Un’innovativa funzione di standby permette di risparmiare fino al 70% di energia. Dispositivi di controllo elettronico monitorano e rendono più efficienti le funzioni, mentre programmi specifici gestiscono con performance migliori ogni esigenza, come i capi colorati, i delicati e il ciclo Anti Allergy, che riduce ed elimina la maggior parte degli allergeni senza danneggiare le fibre. www.hotpoint.it Cristina Battistella Makio Hasuike has elegantly restyled Hotpoint’s Aqualtis, Italy’s bestselling washing machine. As well as a captivating design, Aqualtis can now also boast enhanced performance, based on high-definition technology. More powerful and more noiseless motors result in reduced consumption, with A+++ rated energy efficiency. A groundbreaking stand-by feature translates into up to 70% energy savings. Electronically controlled devices monitor and increase efficiency; whereas purpose-designed programmes rely on enhanced performance to effectively deal with all requirements – including washing coloured and delicate clothes, and the Anti Allergy wash cycle, which ensures most allergens are reduced and removed, without damaging the fibres. www.hotpoint.it

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ORTO DAMARE

REFLEX EASY

Per le più diverse esigenze illuminotecniche, iGuzzini presenta la nuova linea di incassi Reflex Easy. LED Modules di ultima generazione consentono una resa cromatica elevata e una migliore uniformità nella temperatura colore senza penalizzare l’efficienza, la durata (fino a 50.000 ore) e i consumi (30% energy saving).

Le tipologie di ottiche disponibili sono quattro: fissa, per l’illuminazione diretta uniforme e senza ombre; orientabile, utile come luce d’accento; downlight wall washer, che distribuisce uniformemente il flusso luminoso sia sulle superfici espositive verticali sia sul pavimento; asimmetrica, nata per illuminare omogeneamente pareti parallele, come corridoi e corsie, e contemporaneamente il pavimento. www.iguzzini.it Cristina Battistella To satisfy the most diverse technical lighting requirements, iGuzzini presents the new built-in range, Reflex Easy. Latest generation LED modules result in high chromatic yield and enhanced uniformity in colour temperature, without affecting efficiency, durability (up to 50,000 hours) and consumption (30% energy savings).

Four types of optics are available: fixed, for uniform, shadow-free direct lighting; swivelling, useful as accent light; downlight wall washer, which uniformly distributes the luminous flux on both vertical display surfaces and the floor; asymmetrical, designed to uniformly light parallel walls, including corridors and passages, as well as the floor. www.iguzzini.it

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Semi racchiusi nel cuore: una preziosa scatola custodisce sementi di stagione, kit per coltivarli, suggerimenti per la buona riuscita di un piccolo orto. Orto Damare si trova sul sito internet nato dalla passione di un gruppo di amici desiderosi di coltivare da sé gli ortaggi per le proprie tavole. Vasi, terra, qualche seme e frutta e verdura crescono sul balcone o il terrazzo di casa.

Il sito è anche punto d’incontro per coltivatori provetti e meno esperti che vogliano scambiarsi ricette, suggerimenti, esperienze; è luogo in cui esprimere la tendenza ad una pratica che fa bene a sé e all’ambiente. La Galleria d’Orto unisce poi al piacere del giardinaggio la passione per l’arte, offrendo spazio all’esposizione di opere di artisti e creativi. L’architetto Marco Albini, ad esempio, mostra la sua ‘Città futura’ in una carrellata ricca di luce e natura. www.ortodamare.com Giulia Bruno Seeds contained in the heart: a precious box holds seasonal seeds, kits for planting them, tips on how to grow a vegetable garden. Orto Damare is found on the website that is the result of the passion of a group of friends who wanted to grow their own vegetables. Vases, earth, a few seeds, fruit and vegetables grow on the balcony or terrace at home. The website also functions as a meeting point for both expert and nonexpert growers who are interested in exchanging recipes, tips and experiences; it is the place where you can concentrate on an activity which is good for you and the environment.

What is more, Galleria d’Orto combines the pleasure of gardening with the passion for art, allowing works by artists and creative people to stand out. Architect Marco Albini, for example, shows his ‘Future City’, placing emphasis on light and nature. www.ortodamare.com

INDEX 2011

La più importante fiera internazionale di Design del Medio Oriente e Nord Africa si è conclusa con notevoli risultati al World Trade Centre di Dubai. Index 2011 conferma il suo status di leader nella regione: più di 27.870 persone hanno partecipato all’evento, registrando un incremento dell’11,4% rispetto alla scorsa edizione; 918 aziende hanno esposto i loro prodotti innovativi consentendo ad architetti e designer di immergersi nei nuovi trend. Dei 45 paesi presenti, 20 hanno allestito padiglioni nazionali come Francia, Italia, Indonesia, Spagna, Corea, Portogallo, Turchia, Thailandia e Singapore. www.indexexhibition.com C.B. The main international design exhibition in the Middle East and North Africa achieved major results at the World Trade Centre in Dubai. Index 2011 further proved to be the number one event in the region, drawing over 27,870 visitors, which meant an increase of 11.4% compared to the previous edition; 918 companies exhibited their innovative products, thus allowing architects and designers to become familiar with new trends. Forty-five countries were represented at the fair, and twenty of them set up national halls; this was the case, for example, with France, Italy, Indonesia, Spain, Korea, Portugal, Turkey, Thailand and Singapore. www.indexexhibition.com

FILL GREEN,FEEL GOOD!

A Bangkok si terrà la Fiera internazionale dell’arredamento thailandese 2012, dove sono attesi circa 24.000 visitatori da tutto il mondo e 220 espositori provenienti anche da Malaysia, Indonesia, Cambogia, Laos, Myanmar. Ispirata al tema ‘Fill green, feel good’, la Thailand International Furniture Fair (TIFF) mette in evidenza produzioni e processi produttivi eco-sostenibili thailandesi di articoli tradizionali, innovativi e di design. Articoli di arredamento unici, dove la creatività e l’abilità artigianale si fondono per offrire combinazioni originali di diversi stili (moderno, tradizionale, etnico) e materiali (legni, metallo, plastica, roccia), definendo, insieme al design e alla funzionalità, la qualità e il valore estetico dell’arredamento thailandese. Sono previsti inoltre eventi speciali, seminari, concorsi, esposizioni di design e molto altro ancora. www.thaitradefair.com Cristina Battistella Bangkok hosts the Thailand International Furniture Fair (TIFF) 2012. The event is expected to draw approximately 24,000 visitors from any part of the world and 220 exhibitors from a variety of countries, including Malaysia, Indonesia, Cambodia, Laos and Myanmar. Inspired by the theme “Fill green, feel good”, the show places emphasis on eco-sustainable Thai production of, and manufacturing processes relating to, traditional, innovative and designer items. Unique furniture where creativity and craftsmanship fuse to offer original combinations of different styles (modern, traditional, ethnic) and materials (wood, metal, plastic, rock), thereby leaving a mark on the design and functionality as well as on the quality and aesthetic appeal of Thai interior decoration. Stress should also be laid on the special events, conferences, competitions, design exhibitions, and much more. www.thaitradefair.com

EMOZIONI MULTICOLOR

Il Ponte Vecchio, vera e propria icona fiorentina, è stato il protagonista di una favola colorata capace di generare visioni di straordinaria emozione, grazie ai riflessi nell’Arno. In occasione del Firenze Light Festival e del Ponte Vecchio Golf Challenge 2011, la luce di Artemide Nord Light ha reso ancor più suggestivi molti luoghi della città con la tecnologia Led a risparmio energetico. Un’illuminazione scenografica ha regalato un fascino particolare anche al Ponte alle Grazie e alle volte del Corridoio Vasariano, che unisce Palazzo Vecchio a Palazzo Pitti snodandosi attraverso la parte più antica di Firenze. www.nordlight.eu C.B.

MULTICOLOURED EMOTIONS The Ponte Vecchio (Old Bridge), one of Florence’s veritable icons, was the protagonist of a colourful story which was able to generate amazingly emotional views, through reflections on the River Arno.In conjunction with the Florence Light Festival and the Ponte Vecchio Golf Challenge 2011, Artemide Nord Light allowed many of the city’s sights to look even more charming, with energy-saving LED technology. Spectacular illumination also added peculiar fascination to the Ponte delle Grazie and the vaults of Corridoio Vasariano, which connects the Palazzo Vecchio with the Palazzo Pitti, winding through Florence’s oldest part. www.nordlight.eu

LEMA IN LIBANO A Beirut, città di millenari scambi e incontri, Lema ha aperto il suo primo punto vendita libanese da Obegi, il più importante distributore di design della regione. Ambienti caldi e confortevoli ospitano il meglio della sua produzione. Protagonisti dell’allestimento sono una composizione a parete del sistema Selecta color Ombra con ante scorrevoli insieme alla lounge Werner di Roberto Lazzeroni. Il sistema T030 disegnato da Piero Lissoni, che dà alla casa un look moderno ed elegante grazie al contrasto dei colori chiari e scuri. I tavolini Sign di Ludovica e Roberto Palomba e due versioni dell’armadio al centimetro (nella foto) con ante Conca e Complanare Semplice. Obegi propone anche un home-office con il tavolo Filo di David Lopez Quincoces, insieme alle poltroncine Hati di Piero Lissoni rivestite in tessuto dai colori caldi e brillanti. www.lemamobili.com C.B.

LEMA IN LIBANO In Beirut, a city synonymous with millenary exchanges and meetings, Lema has opened its first sales point in Lebanon, namely at Obegi’s, the number-one design distributor in the region.

Warm, cosy room settings accommodate the best of its production. The mounting project features a few unique pieces: a wall composition of the Ombra-coloured Selecta system with sliding doors; the Werner lounge, designed by Roberto Lazzeroni; the T030 system, designed by Piero Lissoni, which makes your home look modern and elegant, on the basis of contrasts between light and dark colours; the Sign coffee tables, designed by Ludovica and Roberto Palomba; two versions of the wardrobe to size (in the photo), with Conca and Complanare Semplice doors. Obegi also displays a home office with the Filo table by David Lopez Quincoces, together with the Hati lounge chairs by Piero Lissoni, covered with warmly and brightly coloured fabric. www.lemamobili.com

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UNA CASA PER LA TERZA ETÀ

‘Progetta la nuova casa per la Mia Terza Età’ è il tema della quarta edizione del concorso indetto da AIPI, l’Associazione Italiana Progettisti d’Interni e Interior Designer. In continuità con il tema dello scorso anno - Progetta un Sorriso, dedicato alla sensibilizzazione verso le problematiche della degenza ospedaliera dei bambini - AIPI, in questa occasione, focalizza la propria ricerca verso una tematica sociale, troppo spesso trascurata nella progettazione, nella didattica e nella comunicazione.

In dettaglio, il concorso verte sul progetto dello spazio interno del primo piano di una struttura ecclesiale esistente, da destinare a casa di riposo per anziani, alloggio, ambienti a uso comune. Spazi collettivi e organizzati costituiscono il fulcro del progetto a cui l’interior designer deve attribuire valori significativi attraverso la creatività, l’utilizzo di nuove tecniche, di materiali innovativi ed ecocompatibili, nel rispetto delle normative, affinché gli spazi siano accessibili, usufruibili e funzionali a tutte le tipologie di utenti. Due sono le categorie previste dal concorso: quella dei progettisti liberi professionisti italiani e stranieri e quella degli studenti, italiani e stranieri, impegnati nell’ambito dell’interior design e delle arti applicate. Gli elaborati dovranno pervenire alla segreteria AIPI entro il 30 maggio 2012. I lavori della giuria finiranno entro luglio 2012. I progetti vincitori saranno esposti in mostra e presentati al pubblico, nella cerimonia di premiazione, entro dicembre 2012.

Attraverso una grande varietà di eventi internazionali l’AIPI si pone sempre di più al centro del mondo del progetto, rappresentando una piattaforma privilegiata per l’incontro e l’aggiornamento professionale. Grande consenso riceve la tematica proposta, in occasione della conferenza stampa ad essa dedicata presso la Design Library. Questo momento dà grandi opportunità ai progettisti di rimboccarsi le maniche e, in qualche modo, ricominciare. A partire da tematiche a forte contenuto etico che - a detta di Luca Scacchetti, architetto e socio onorario AIPI - richiedono interventi interdisciplinari per essere adeguatamente affrontate, “AIPI sceglie la strada del progetto etico e del progetto considerato come un servizio, e spinge a mettere in gioco quella progettualità per cui siamo famosi nel mondo”. Da parte sua, l’Universtà con il consorzio POLI.design mette in campo i risultati delle ricerche condotte sul tema, che partono dal riconsiderare - come sottolinea Giuliano Simonelli che lo presiede - il concetto stesso di anziano come figura complessa e ampiamente in divenire nel corso degli ultimi anni. Al giovane grafico Daniele Porro, non a caso - sottolinea Sebastiano Raneri presidente AIPI - sono andati l’onore e l’onere di immaginare e riassumere, nella locandina del concorso, le aspettative dei fruitori dai capelli d’argento. ww.aipi.it Luciana Cuomo

AN OLD AGE HOME

“Design the new home for My Old Age” is the theme of the fourth edition of the competition launched by the Italian Association of Interior Designers, AIPI. In line with last year’s theme – Design a Smile, aimed at awakening public opinion to the problems relating to children’s hospitalization –, this time AIPI focuses its attention on a social issue, which is too often neglected in design, education and communication.

Specifically, the competition is about the project for the interior of the first floor of an existing ecclesiastical facility, to be converted into a rest home. Accommodation facilities, shared rooms, collective and organized spaces mean the core of the project, the interior designer being assigned the task of providing meaningful values through creativity, the use of new techniques, innovative, environmentally friendly materials, in accordance with regulations, so that the spaces can be accessed and used by all types of users. The competition comprises two different categories: Italian and foreign freelance designers, and Italian and foreign students, involved with interior design and applied arts. The designs must be sent to AIPI’s secretary’s office by May 30, 2012. The judging panel will complete its work by July 2012.

The winning designs will be put on display and shown to the general public, at the prize-giving ceremony, by December 2012. AIPI relies on an array of international events to play an increasingly significant role in the design world, functioning as a preferred platform for professional meetings and refresher training. The theme proved a tremendous success in conjunction with the relevant press conference hosted by the Design Library. This moment offers designers a major opportunity to roll up their sleeves and somehow make a new start, drawing, for example, on highly ethical themes which – according to Luca Scacchetti, an architect and honorary member of AIPI – require interdisciplinary jobs to be duly dealt with. “AIPI chooses the way of ethical design and design understood as a service, and encourages us to bring the design skills we are renowned for worldwide into play”. The University, in collaboration with the POLI.design consortium, submits the results of the surveys relating to the theme. According to the Chairman, Giuliano Simonelli, these surveys involve reconsidering the concept of elderly people, as complex figures who have been changing over the last few years.

The young graphic designer, Daniele Porro has had the honour, and responsibility – and this is no coincidence, according to the Chairman of AIPI, Sebastiano Raneri – of picturing and summing up silver-haired people’s expectations in the advertisement of the competition. www.aipi.it

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TAO DESIGN PER IGD

FACILE CAMPEGGIO Gli amanti del campeggio inaugureranno la nuova stagione con le novità Coleman: il marchio americano specialista nell’outdoor propone tende facili da montare e smontare, leggere e confortevoli. La Tauri Connect (a destra), disponibile nei modelli da due o quattro persone, è a cupola, fornita di veranda, spaziosa all’interno ed ha la paleria integrata in alluminio, cosa che la rende particolarmente leggera. Come la Libra Connect X2 (a sinistra), facile da trasportare e realizzata in materiali decisamente resistenti, è dotata dell’innovativo sistema di montaggio e smontaggio a ragnatela Connect System, che si basa sull’integrazione costante della paleria nella tenda. Montaggio rapido, dunque, favorito anche dalla grande apertura della borsa di trasporto. Accompagna le tende Big Game, il nuovo sacco a pelo, anche questo pensato dalla Coleman per offrire massimo comfort. Ampie dimensioni, realizzato in cotone e imbottitura Coletherm, provvisto di lenzolo e cuscino, si apre e si richiude velocemente grazie al Wrap’n Roll, opportuno sistema di stringhe. Coleman è distribuito da Camping Gaz Italia. www.campingaz.com; www.coleman-eur.com Giulia Bruno

EASY CAMPING Camping lovers will start the new season with Coleman’s new products: the American brand active in the outdoor industry is the name for lightweight, comfortable tents which are easy to set up and pack down. The Tauri Connect model, designed to accommodate two or four people, has a dome shape, is complete with porch, offers plenty of internal space, and uses an aluminium pole construction which is lightweight. Like the Libra Connect X2 model, which is easy to carry and made of definitely durable materials, it can boast the innovative web-like Connect System, based on firm pole integration into the tent. The wide opening of the carry bag results in even faster set-up. The accessories include the new sleeping bag, Big Game, also designed to provide the utmost comfort. Generously sized, made of cotton with Coletherm insulation, complete with sheet and pillow, it is fitted with the Wrap’n Roll string system, which makes it easy to roll up and stow away. In Italy Coleman’s products are distributed by Camping Gaz Italia, www.campingaz.com; www.coleman-eur.com

C

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9-12 marzo 2012

IFFS

Singapore

14-18 marzo 2012

TIFF

Bangkok

19-22 marzo 2012

Design Dome

27-30 marzo 2012

MCE

Milano

17-22 aprile 2012

ISaloni

Milano

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Shenzhen

La nuova sede di IGD a Bologna presenta un innovativo progetto di schermatura firmato Tao design. Il valore architettonico dell’immobile ha inciso nella scelta tecnico-estetica dei sistemi tende, realizzati dalla divisione Project. Il concetto di trasparenza e luminosità nella percezione visiva è il tema progettuale dominante dell’edificio, che presenta in prospettiva una grande vetrata con strutture metalliche a vista per il contenimento delle balconate. Un contesto altamente scenografico e tecnologico ha richiesto un’attenta ricerca dei tessuti (filtranti e oscuranti) e dei sistemi (motorizzati e collegati all’impianto domotico). I sistemi Naked per gli uffici e Roll 7 doppio telo per la sala conferenze si integrano con le grandi superfici vetrate in modo armonico, coniugando la diffusione della luce naturale e il rispetto delle esigenze tecniche dei posti di lavoro e delle sale riunioni. www.tao.eu Cristina Battistella

TAO DESIGN FOR IGD IGD’s new headquarters in Bologna can boast a groundbreaking screening project by Tao Design. The architectural value of the building had a major impact on the technical/aesthetic choice of the curtain systems, developed by the Project division. The concepts of transparency and brightness in visual perception mean the main design theme of the building, which is fitted, in perspective, with a large window with exposed metal frames for the balconies. A highly spectacular and technological setting required a painstaking search for the fabrics (filtering and darkening) and the systems (motor-driven and connected to the domotic system). The Naked system for the offices and the double sheet Roll 7 system for the conference hall harmonize with the large glass surfaces, combining the diffusion of natural light with the compliance with the technical requirements of both seats and meeting rooms. www.tao.eu

VTRENTATRÈ

Via Volturno 33 è l’indirizzo prestigioso del nuovo building progettato da Vudafieri Saverino Partners per il noto marchio immobiliare Hobag.

Diverse sono le qualità che convergono a segnalare questo indirizzo.

Qualità produttive: Hobag ha una storica esperienza lunga duecento anni, è ancora una holding a carattere familiare - l’attuale CEO porta il nome del capostipite Josef Reichegger, classe 1806 - e vanta un curriculum internazionale di tutto rispetto, di cui val la pena citare le recenti Beach Houses del Lido di Jesolo firmate Richard Meier. Al pedigree costruttivo si aggiungono le qualità progettuali di Vudafieri Saverino Partners, convinti all’unisuono dell’importanza di connotare il nuovo progetto con evidenti richiami all’architettura razionalista milanese degli anni ’50/60, ispirazione resa contemporanea da scelte materiali, tecnologiche, ambientali di altissimo profilo. “Crediamo che la qualità del vivere consista molto nello stare all’esterno. Questo motiva la nostra scelta di grandi vetrate e bow window che garantiscano ai 20 appartamenti del building circa il 25% di superficie dedicata alla terrazza.

E ancora living ariosi, in appartamenti concepiti per sfruttare appieno la luce naturale e l’eccellente luminosità diffusa in tutte le aree della casa. Una indescrivile leggerezza connota l’esterno: lo slancio verso l’alto dell’edificio che sviluppa la struttura a torre preesistente. I colori che sfumano dal grigio allo champagne, le eleganti vetrate nella facciata: i materiali come pietra, alluminio, serramenti e protezioni laterali, tutti in linea con un serio concetto di ecocompatibilità. Il nuovo progetto firmato Hobag, nello storico quartiere Isola, mette la città alla portata dei fruitori: il centro storico e il nuovo centro di zona Garibaldi e Porta Nuova, le ferrovie e la vita di quartiere che ferve in zona, i locali, tutto è a portata di mano ma al tempo stesso abbastanza lontano da garantire relax e tranquillità. Tra i prestigiosi furniture partner di Hobag V33, possiamo già citare Boffi, Listone Giordano, Technogym e Vago Furniture. www.v-33.it Luciana Cuomo Via Volturno 33 is the prestigious address of the new building designed by Vudafieri Saverino Partners for the well-known real estate brand, Hobag. This address is the name for a variety of qualities. Manufacturing qualities: Hobag can boast a two-hundred-year history; it is still a family-run holding company – the current CEO carries the same name as the founder, Josef Reichegger, who was born in 1806 – and has carried out internationally famed projects, including the recent Beach Houses in Lido di Jesolo, designed by Richard Meier.

The building pedigree is supported by the design qualities of Vudafieri Saverino Partners, who agree on the importance of relying on Milan’s rationalist architecture dating from the 1950s-1960s for the new project, such source of inspiration being made contemporary by top-end material, technological and environmental choices. “We believe that the quality of living mainly lies in staying outside. This is the reason why we have chosen large windows and bow-windows to provide the 20 flats of the building with a terrace area which accounts for approximately 25% of the entire surface area. The emphasis is also on airy living areas, in flats designed to make the most of natural light and outstanding brightness as found everywhere.

The exterior looks uniquely light: the soaring building is the result of the existing tower-shaped structure. The colours shade from grey into champagne, the elegant windows fade into the façade: the materials, such as stone and aluminium, as well as the shutters and side guards are all in line with a serious concept of eco-compatibility. Hobag’s new project, in the timehonoured Isola neighbourhood, makes the city available to the users: the old town and the new centre in the Garibaldi and Porta Nuova area, the railways, district life, the bars and restaurants, everything is within reach, yet far enough to guarantee relaxation and peace. Hobag V33’s prestigious furniture partners include Boffi, Listone Giordano, Technogym and Vago Furniture. www.v-33.it

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I SALONI/ANTEPRIME

STORIE DI COSE E PERSONE STORIES OF THINGS AND PEOPLE ]b @bnebZ ;kngh

La 51° edizione de I Saloni, che occuperanno 209.000 metri quadrati espositivi con il Salone Internazionale del Mobile, Eurocucina/ Salone Internazionale dei Mobili per Cucina, Salone Internazionale del Bagno, Salone Internazionale del Complemento d’Arredo e Salone Satellite, si svolgerà ad aprile 2012 presso la Fiera Milano di Rho. The 51st edition of I Saloni, which covers a display area of 209,000 square metres, with the Salone Internazionale del Mobile, EuroCucina (International Kitchen Furniture Exhibition), the International Bathroom Exhibition, the International Furnishing Accessories Exhibition and SaloneSatellite, is held at the MilanRho fairgrounds in April 2012.

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Presenti Roberto Snaidero, presidente FederlegnoArredo, Daniele Rampello, presidente uscente e Claudio De Albertis, nuovo presidente della Fondazione La Triennale di Milano, il sindaco Giuliano Pisapia, gli assessori Terzi e Boeri, che ha confermato la presenza di Milano alla prossima Beijing Design Week, l’evento è stato presentato a più di 500 giornalisti arrivati da tutto il mondo da Carlo Guglielmi, presidente COSMIT, durante la conferenza del 9 febbraio scorso, presso il Teatro dell’Arte della Triennale di Milano. Animato dal dj Linus, il meeting ha visto protagonisti i giovani, quali testimoni del futuro.

L’accento è stato posto, tra l’altro, sulle opportunità offerte dal Salone Satellite ai 750 designer under 35 selezionati da un prestigioso Comitato tra le numerose proposte pervenute dalle scuole ed università di design di ogni parte del pianeta.

Da martedì 17 a domenica 22 aprile, presso la Fiera Milano a Rho, I Saloni ospiteranno espositori distribuiti nelle 5 manifestazioni a presentare la qualità di prodotti e sistema espositivo che conferma Milano capitale internazionale dell’arredo. La novità di quest’anno, oltre l’apertura al pubblico anche nella giornata di sabato, sta in Eurocucina, che alle cucine classiche e di design in diversi materiali come metallo, muratura, legno, apre a tutti gli oggetti che ruotano attorno al rito di cottura, conservazione e consumo del cibo. Progetti d’avanguardia circa elettrodomestici da incasso e cappe d’arredo arricchiscono Eurocucina con la proposta collaterale, finalizzata alla ricerca, FTK (Technology for The Kitchen). Progetto inedito, ‘Le Botti nascono a San Patrignano’, scaturito dalla partnership tra Maurizio e Davide Riva e la comunità di San Patrignano, sponsorizzato da Federvini, Federlegno e COSMIT, racconterà gli oggetti di oltre 30 designer internazionali tra cui Paola Navone, David Chipperfield, Karim Rashid, Marc Sadler,

Aldo Cibic, Alessandro Mendini, Carlo Colombo, realizzati utilizzando il legno delle botti della comunità. La biennale dedicata alla cucina nei padiglioni 9, 11, 13 e 15 si troverà di fronte a quella del Bagno, che occuperà i padiglioni 22 e 24 con l’innovativa offerta di prodotti naturali per complemento e rivestimento nella combinazione fra sapiente scelta dei materiali, maestria artigianale e capacità produttiva ad opera dei maggiori designer internazionali. Un’ampia zona wellness aperta a tutti e una lounge dedicata ad espositori e loro clienti (progetto e concept di allestimento di Piero Russi) saranno punto di riposo e riflessione. I Saloni hanno predisposto un ideale percorso di visita inserendo negli stessi padiglioni 22 e 24 il Salone Satellite, dedicato, nella sua 15° edizione, a ‘Design Technology’, con 15 interpretazioni di altrettanti designer ex e attuali partecipanti e il Premio Salone Satellite. Segue il settore Moderno del Salone Internazionale del Mobile, che sarà presente nei padiglioni 14 e 18, in continuità con quelli del settore Design e Classico. Altra novità, I Saloni appariranno sui principali canali sociali: Facebook, Twitter, Flickr, Blog, You Tube saranno network per diffondere la cultura del progetto.

Ancora, il COSMIT ha siglato una serie di accordi con l’Agenzia Ventana e Sky Team per rendere più agevole e conveniente la partecipazione dei 160.000 visitatori esteri attesi da oltre 160 Paesi (www.cosmit.it). Non si contano eventi collaterali, mostre, convegni, premiazioni in programma in città durante la settimana de I Saloni. Tra questi, Design Dance, di cui si è avuta una deliziosa ed elegante anteprima durante la conferenza di presentazione, spettacolo di voci, corpi, oggetti dedicato alla percezione delle forme nella migliore tradizione della scuola del Bauhaus, narra con danze acrobatiche il potere emotivo di oggetti utili, belli, inutili, discutibili.

Progetto di Michela Marelli e Francesca Molteni, realizzato con la collaborazione degli studenti della Scuola di Scenografia e del Triennio di Fashion Design del NABA (Nuova Accademia di Belle Arti Milano), andrà in scena presso il Teatro dell’Arte, Triennale di Milano dal 17 al 22 aprile. ‘Librocielo’, sempre durante lo stesso periodo, rappresenterà un omaggio culturale alla Milano che conserva il patrimonio letterario antico. Un ‘cammino sonoro e di luce’ all’interno della storica Biblioteca Ambrosiana si svolgerà fra libri dialoganti tra loro. Presso il Piccolo Teatro, la rappresentazione ‘Mani grandi, senza fine’ di Laura Curino racconterà il design a Milano attraverso la vita dei suoi più celebri protagonisti, i fratelli Castiglioni, Magistretti, Menghi, Sottsass, Viganò, Zanuso.

Attended by Roberto Snaidero (Chairman of FederlegnoArredo), Daniele Rampello (outgoing Chairman) and Claudio De Albertis (newly appointed Chairman of Fondazione La Triennale di Milano), Mayor Giuliano Pisapia, councillors Giovanni Terzi and Stefano Boeri – the latter confirmed that Milan would be present at the next Beijing Design Week –, the event was presented to over 500 journalists from any part of the world by Carlo Guglielmi (Chairman of COSMIT), during the conference held at Teatro dell’Arte, Milan Triennale, on 9 February.

Enlivened by DJ Linus, the meeting was centred on young people as witnesses to the future. The emphasis was, for example, on the opportunities offered by SaloneSatellite to the 750 designers under 35 years of age, whose works have been selected by a prestigious board from the many submitted

by design schools and universities from every corner of the planet. From Tuesday, 17 April, to Sunday, 22 April, at the MilanRho fairgrounds, I Saloni accommodates exhibitors in the 5 shows, to allow them to show their first-rate products and display systems, further proving that Milan is the international capital of interior design.

This year, unlike the previous years, the exhibition is open to the general public on Saturday as well. In addition, as well as classic and designer kitchens made of a variety of materials, including metal, masonry and wood, this year EuroCucina also features objects relating to food cooking, storage and consumption. State-of-the-art built-in household appliances and extractor hoods enrich EuroCucina with the collateral research-focused project, FTK (Technology for The Kitchen). The new project, ‘Le Botti nascono a San Patrignano’ (barrels are built in San Patrignano), the fruit of a partnership between Maurizio and Davide Riva, and the San Patrignano Community, sponsored by Federvini, Federlegno and COSMIT, deals with objects by over 30 internationally famed designers, including Paola Navone, David Chipperfield, Karim Rashid, Marc Sadler, Aldo Cibic, Alessandro Mendini and Carlo Colombo, built using the wood of the community’s barrels.

The biennial kitchen exhibition staged in Halls 9, 11, 13 and 15, stands opposite the International Bathroom Exhibition, which occupies Halls 22 and 24, with an innovative array of natural products for furnishing complements and coverings, in a blend of carefully selected materials, exquisite craftsmanship and production skills, based on the work of internationally

leading designers. A large wellness area open to everybody and a lounge reserved for the exhibitors and their customers (mounting project and concept by Piero Russi) function as relaxation and reflection points. I Saloni relies on an ideal path, where Halls 22 and 24 also accommodate SaloneSatellite: the 15th edition of the event is focused on ‘Design >----< Technology’, with 15 interpretations by as many former and current participating designers, and the SaloneSatellite Award. The Modern Sector of the Salone Internazionale del Mobile is housed in Halls 14 and 18, directly adjoining the Design and Classic Halls.

In addition, I Saloni makes its debut on the main social networks – Facebook, Twitter, Flickr, Blog, You Tube –, with a view to spreading the culture of design.

Furthermore, COSMIT has entered into several agreements with Agenzia Ventana and Sky Team, to make it easier and cheaper for the 160,000 foreign visitors who are due to arrive from over 160 countries to enjoy the show (www.cosmit.it ).

In conjunction with I Saloni, the city hosts countless side events, including exhibitions, conferences and prize-giving ceremonies.

This is the case, for example, with Design Dance – a delightful, elegant preview was given during the presentation conference –, a show of voices, bodies and objects devoted to the perception of shapes according to the best tradition of the Bauhaus school, where acrobatic dances emphasize the emotional power of useful, attractive, useless, questionable objects. A project by Michela Marelli and Francesca Molteni, carried out in collaboration with the students at the Stage Design School and the three-year Fashion Design School of NABA (Nuova Accademia di Belle Arti Milano), it is staged at Teatro dell’Arte, Milan Triennale, from 17 to 22 April. In the same period, ‘Librocielo’ stands out as a cultural tribute to Milan as a city which preserves its old literature heritage. A “sound and light walk” takes place in the old Biblioteca Ambrosiana among books interacting with each other.

Piccolo Teatro hosts the performance ‘Mani grandi, senza fine’ by Laura Curino, where Milan’s design is told about through the lives of its biggest names, namely the Castiglioni brothers, Magistretti, Menghi, Sottsass, Viganò and Zanuso.

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REPORT

TAO BY EVEREST

SENSITIVE DESIGN ]b <kblmbgZ ;Zmmblm^eeZ Intervista a Gianluca Savi, direttore marketing.

Interview with Gianluca Savi, Marketing Director.

Leader da oltre dieci anni nei sistemi per tende da interno, TAO punta a prodotti innovativi outdoor?

Everest, attraverso il proprio brand TAO, è una realtà imprenditoriale cha da un lato è ai vertici nella produzione e distribuzione di sistemi tende tecniche, dall’altro, ha approntato negli anni una struttura produttiva all’avanguardia capace di rispondere anche alle esigenze tecniche dei sistemi outdoor. Il risultato del catalogo ‘TAO Esterno’ è un programma che sviluppa innovativi sistemi di copertura, tavoli, divani, poltrone, lettini prendisole, blocchi cucina e relativi accessori. Viene concepito per essere collocato e progettato in vari ambienti: dalle aree living residenziali agli spazi collettivi, caratterizzandosi per la flessibilità progettuale del sistema e del prodotto ‘su misura’.

Quali sono le novità della collezione 2012?

L’evoluzione della produzione TAO Esterno si concentra su una ricerca di materie di massimo pregio e rispondenti alle più rigorose regole di rispetto ambientale e riciclabilità. Per la propria collezione propone materiali esclusivi come Dupont™ Corian® declinato in oltre cento varianti cromatiche, alluminio nautico, tessuti nautici; per le cuscinerie viene utilizzato il Dryfeel®, uno speciale poliuretano che garantisce il prodotto dalla formazione di eventuali muffe al proprio interno. Sulla scorta di tali premesse, TAO Esterno si presenterà al Salone del Mobile di Milano e al fuori salone, con speciali anticipazioni tecniche che esprimeranno il nuovo ‘sensitive design’ TAO. www.tao.eu

Is TAO, which has been leading the way in indoor curtain systems for over ten years, going to concentrate on innovative outdoor products?

Everest, through its own brand, TAO, is, on the one hand, at the forefront of the production and distribution of technical curtain systems, and, on the other, has been developing stateof-the-art production facilities capable of answering the technical requirements of outdoor systems as well. Hence the “TAO Esterno” catalogue has resulted in a collection designed to develop groundbreaking covering systems, tables, sofas, armchairs, sun beds, fitted kitchens and related accessories.

It is meant to be placed in, and designed for, a variety of settings, ranging from residential living areas to public spaces, thereby being synonymous with a flexibly designed system and customized products.

What is new in the 2012 collection?

The evolution of the TAO Esterno collection is focused on the search for fine materials complying with the most stringent environmental protection and recyclability standards. The collection relies on exclusive materials, including Dupont™ Corian®, in over one hundred colour variants, marine aluminium, marine fabrics; a special type of polyurethane, Dryfeel®, is used for the cushions, to prevent mildew formation inside. Based on such prerequisites, TAO Esterno will be on show at the Salone del Mobile and offsite events in Milan, with special technical innovations to epitomize TAO’s new “sensitive design”. www.tao.eu

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Nella pagina accanto, lettino prendisole Zerodieci con piano in polietilene o DuPont™ Corian®. In alto, il sistema di copertura Berso, movimentato a mezzo winch, e il divano in alluminio anodizzato con cuscineria in Dryfeel® rivestito con tessuto nautico. Di fianco, la struttura a vela Boma, motorizzata e con sensore a vento. Tavolo bar e sgabelli Zerodieci Evo in alluminio laccato bianco con piani in DuPont™ Corian® colorato.

Opposite, Zerodieci sun bed whose surface is made of either polyethylene or DuPont™ Corian®. Top, winchdriven Berso covering system, and anodized aluminium sofa with Dryfeel® cushions, covered with marine fabric. Left, motor-driven Boma sail frame with wind sensor. Zerodieci Evo bar table and stools made of white lacquered aluminium with coloured DuPont™ Corian® tops.

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REPORT

FIMA CARLO FRATTINI

LA RIVOLUZIONE DELL’ACQUA WATER REVOLUTION ]b <kblmbgZ ;Zmmblm^eeZ Un incontro tutto italiano tra alta qualità e tecnologia innovativa, per una rubinetteria esclusiva, semplice e funzionale.

A 100% Italian blend of high quality and innovative technology, for one-ofa-kind, simple, functional taps.

Da oltre 50 anni FIMA Carlo Frattini propone rubinetteria Made in Italy di alta qualità. Novità assoluta è l’esclusivo FIMABOX, il corpo ad incasso universale progettato per semplificare al massimo il montaggio del rubinetto. Funzionalità e immediatezza tecnica sono i vantaggi di questo sistema d’installazione rapido da montare e adattabile a qualsiasi scelta di finitura bagno. Compatibile con tutte le serie del catalogo FIMA Carlo Frattini, permette di scegliere liberamente fra oltre 40 diversi modelli di prodotto e ben 8 colorazioni sia in caso di nuovo impianto sia di ristrutturazione e sostituzione delle rubinetterie. FIMABOX, con soli 6 cm di profondità, garantisce massima libertà permettendo di installare prima il corpo incasso e successivamente di scegliere il tipo di miscelatore. Fra le collezioni abbinabili anche ECLIPSE e NOMOS, entrambe della

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divisione FIMA Aqua Code, la linea di prodotti per l’ambiente bagno che si distinguono per ricerca e sperimentazione. ECLIPSE, design Giuseppe Bavuso, è una collezione dal grande appeal visivo in cui la morbida armonia dei dettagli ben si coniuga con la geometria minimale d’insieme come nelle versioni monocomando per lavabo e doccia con doppio miscelatore ad incasso brevettato. Due i flussi d’acqua per il soffione: ‘a pioggia’ dagli ugelli di silicone anticalcare e ‘a cascata’ dalla lama regolati dal comando ad incasso e gestiti in modo indipendente sia per la quantità d’acqua sia per la sua temperatura. Ulteriore simbolo del dialogo fra innovazione e tecnologia è NOMOS, design Castiglia associati, una linea completa di miscelatori con controllo elettronico, disponibile anche in versione meccanica.

Il display touchscreen del gruppo vasca e doc-

cia mostra un’interfaccia accattivante, di facile lettura, che permette di regolare con precisione la quantità e la temperatura dell’acqua.

L’elettronica, oltre a monitorare in tempo reale i consumi istantanei, con riduzione di sprechi e rilevanti risultati economici, consente di storicizzare quelli passati. La filosofia FIMA Carlo Frattini è improntata alla qualità totale con la garanzia valida per 7 anni su tutta la produzione e la cura del servizio, attraverso un’assistenza tecnica e tempi di consegna rapidi. www.fimacf.com

For over 50 years FIMA Carlo Frattini has been manufacturing first-rate Italianmade taps. FIMABOX is the brand-new product, with a universal built-in body for uniquely simplified tap mounting.

Functionality and technical userfriendliness are the hallmarks of this installation system, quick to assemble and catering to any bathroom finishings.

FIMABOX, which matches all the ranges of the FIMA Carlo Frattini catalogue, makes it possible to freely choose among over 40 different models and no less than 8 colours, with new systems as with renovated and replaced taps. The product, which is no more than 6 cm in depth, is the name for unparalleled freedom, since it allows you to first install the built-in body and then choose the type of mixer.

The co-ordinating collections include ECLIPSE and NOMOS, both by the FIMA Aqua Code division, the bathroom ranges that are synonymous with research and experimentation. The ECLIPSE collection, designed by Giuseppe Bavuso, stands out as visually appealing, the soft, harmonious details being perfectly suited to the overall minimal geometry; this is the case, for example, with the single-control versions for washbasins and showers, complete with patented

built-in double mixers. Two water flows for the shower head: “rain flow” from the descaling silicone nozzles and “waterfall flow” from the blade, regulated by the built-in control and independently managed in relation to both the amount of water and its temperature.

NOMOS, designed by Castiglia Associati, further epitomizes the fusion of innovation and technology; a comprehensive range of electronically controlled mixers, it is also available in a mechanical version. The touch screen display of the bath and shower unit can boast a captivating, easy-to-read interface, which allows the amount and temperature of water to be easily adjusted. As well as monitoring instantaneous consumption in real time, thereby resulting in reduced waste and significant economic results, the electronic system also allows past consumption to be recorded. FIMA Carlo Frattini’s philosophy is based on total quality, with two-year warranty covering the entire production, and an accurate service, through technical assistance and quick delivery. www.fimacf.com

In queste pagine le nuove collezioni di FIMA Carlo Frattini. Armonia e geometria minimale per Eclipse, design Giuseppe Bavuso, nelle versioni monocomando per lavabo (pagina accanto) e doccia con doppio miscelatore ad incasso brevettato (in alto, a destra).

Innovazione e tecnologia per il gruppo doccia Nomos, design Castiglia Associati, dotato di display touchscreen (sopra a sinistra). Sotto Fimabox, il corpo ad incasso universale, rapido da montare, ideale sia in caso di nuovo impianto sia di ristrutturazione.

These pages, FIMA Carlo Frattini’s new collections.

Eclipse, designed by Giuseppe Bavuso, in the single-control versions for washbasins (opposite) and showers with patented built-in double mixers (top right), is the name for harmony and minimal geometry. Whereas the shower unit, Nomos, designed by Castiglia Associati, complete with touch screen display (above left), is synonymous with innovation and technology. Below, Fimabox, the universal built-in, easy-to-mount body, is perfectly suited to both new and renovated systems.

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INTERIORS/MANAGEMENT

BOOMING ISTANBUL ]b :gmhgbh Fbggbmb Ampi progetti di riqualifica nella città tra Oriente e Occidente. Tra questi, quello curato dall’imprenditore Gokhan Ayaydin vede una compartecipazione cospicua italiana con importanti brand Made in Italy.

Extensive redevelopment projects in the city between the East and the West include the one supervised by the entrepreneur Gokhan Ayaydin, with substantial Italian participation through major brands.

“Sta per essere attivato un piano di governo molto importante in Turchia - racconta Gokhan Ayaydin - che coinvolgerà tutte le città e particolarmente Istanbul. Dopo il terremoto, quello che il Governo intende fare è donare un nuovo volto alla città, demolendo vecchi edifici per costruirne nuovi, più tecnologici, funzionali e contemporanei. Per far ciò, nessun investimento extra, ma fondi che arrivano dalla vendita di terreni del Governo, aree di Istanbul già occupate da abitanti, ma appartenenti al Paese. Attualmente, sono moltissimi i cantieri in corso, per l’anno prossimo ne sono previsti molti di più (oltre 50 hotel in progetto, per lo più a 5 stelle). Questo significa grandi opportunità per architetti, imprese, e aziende di design”. Tra i progetti in via di attuazione, quello che lo riguarda da vicino, gli chiediamo di parlarcene. “È un grande progetto focalizzato su Istanbul, in particolare su un’area della città chiamata Bomonti, nello specifico

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esempio, Lema fornisce più di 1500 pezzi tra armadiature e guardaroba, Scic più di 300 cucine e più di 300 bagni. Il design italiano a Istanbul, e generalmente in Turchia, viene visto come la più grande eccellenza sul mercato. Un mix perfetto tra storia, cultura, contemporaneità, tecnologia.

Sono convinto che il prodotto italiano di qualità non passi mai di moda, è potente e proprio per questo in grado di durare per sempre”.

Come è nata la passione per il design?

Pur non avendo un background nel mondo della progettazione o dell’architettura, sono sempre stato estremamente attratto dal design. Mi piace perché offre la possibilità di elaborare nuove idee per migliorarmi. Mi piace aiutare le persone a creare i propri sogni. Uno degli aspetti migliori del design è che consente di venire a conoscenza di una molteplicità di persone e di gusti.

Qual è l’orientamento di Istanbul nel no-

Nell’ambito del progetto Rixos Bomonty a Istanbul - il building con appartamenti ‘chiavi in mano’ -, Gokhan Ayaydin (ritratto in alto) si occupa di fornire arredi con i migliori brand del Made in Italy, tra cui Flexform (a sinistra) e Lema (qui sopra) fotografati nello showroom di proprietà dell’impreditore turco.

Under the Rixos Bomonty project in Istanbul, the building with ‘turnkey’ flats, Gokhan Ayaydin (top) supplies furniture of the best Italian brands, including Flexform (left) and Lema (above) photographed inside the turkish businessman’s showroom.

Rixos Bomonty (Rixos è una catena di hotellerie di altissimo livello). Una sorta di nuova Manhattan, una città nella città, un cuore pulsante che un tempo era fulcro industriale e ora, grazie ad un nuovo piano governativo, sta cambiando totalmente faccia. Per giugno 2012 è prevista l’inaugurazione, una grande opportunità per la città e soprattutto per le eccellenze italiane. La grandissima novità sta nella concezione innovativa del progetto: nella sua totalità un hotel, nello specifico dei veri e propri appartamenti. Ci si potrà abitare, potendo però godere di tutte le comodità che può offrire un hotel di alto livello (il 65-70% degli appartamenti è già stato venduto, la restante percentuale verrà gestita direttamente dai developer). Oppure, come forma di investimento, il cliente potrà acquistare l’immobile e far gestire l’affitto dello stesso dal gruppo Rixos.

Gli appartamenti sono totalmente arredati con marchi del Made in Italy molto importanti. Ad

stro settore? Quali sono le ragioni?

La Turchia, e in particolare Istanbul, è in forte crescita da ormai qualche anno. Possiamo contare su una grande e giovane generazione affamata di qualsiasi cosa. L’industria edilizia è di ottima qualità ed è in espansione. Il settore immobiliare ha proporzioni gigantesche in Turchia. Alla gente piace acquistare immobili, per viverci o come investimento. La domanda di immobili è enorme a Istanbul come nel resto della Turchia. Sono molti gli edifici in costruzione e molti anche quelli in progetto, tutti bisognosi di essere arredati.

Qual è il rapporto tra il design italiano e il suo Paese? Quali le similitudini e le diversità rispetto al design turco?

Sia l’Italia che la Turchia sono Paesi mediterranei. Siamo fondamentalmente lo stesso tipo di popolo. Abbiamo stili di vita e modi di pensare paralleli. I nostri gusti sono analoghi in tutti gli ambiti. Definirei il design italiano con un unico termine: ‘senza tempo’. L’Italia è da sempre la capitale del design, dell’innovazione e della qualità in tutti i sensi. Gli italiani hanno una conoscenza e un’esperienza superiori in merito alla progettazione e alla realizzazione.

Come scegliete gli architetti e gli interior designer con cui collaborare? Le aziende devono avere caratteristiche e requisiti particolari?

Il nostro unico criterio è che collaboriamo esclu-

sivamente con persone che apprezzano il design e la qualità. Ci piace lavorare con architetti o interior designer che abbiano stile e sanno cosa vogliono. Ci piace essere sfidati e spinti fino ai nostri limiti. Diventiamo parte del loro team.

Chi sono i vostri clienti? Quali sono le loro richieste? Quali i desideri e le necessità?

I nostri clienti sono persone colte che hanno gusto. Chiedono la personalizzazione. Vogliono soluzioni specifiche che offrano loro un vantaggio.

Offriamo servizi di personalizzazione completa che vengono molto apprezzati dai nostri clienti.

Quale futuro prevede per la sua città?

Istanbul sta conoscendo un boom edilizio. La richiesta di prodotti di design e di lusso è enorme. Vedo eccellenti opportunità per gli anni a venire. L’economia turca sta attraversando un ottimo momento e attrae numerosi investitori in Turchia, in generale, e a Istanbul, in particolare.

Quello edilizio e immobiliare è uno dei settori di maggiore interesse per gli investitori. Penso che l’industria dell’arredamento crescerà in misura significativa insieme ai progetti presenti e futuri.

“A major government plan is about to kick off in Turkey – said Gokhan Ayaydin -, involving all the cities, and especially Istanbul. After the earthquake, what the Government is going to do is to give the city a new face, by pulling down old buildings and erecting new, more technological, functional and modern ones. No additional investment has been required to achieve this goal; they rely on funds from the sale of governmentowned land, namely areas in Istanbul, formerly occupied by inhabitants, though belonging to the country. Countless building sites have been opened, and many more are expected to be opened next year (over 50 hotels – mainly 5-star ones – are being planned). This means major opportunities for architects, businesses and design companies”. We asked him to tell us about the projects he is personally involved with. “It is a largescale project focused on Istanbul, notably an area called Rixos Bomonty (Rixos is a top-end hotel chain). It is like a sort of new Manhattan, a city in the city, a heartbeat which used to be an industrial hub and is now changing completely, as the result of a new government plan. It is being opened in June 2012, thereby offering a major opportunity for the city and, above all, for Italian leading brands.

Stress should be laid on the innovative idea underlying the project: a hotel taken as a whole, and, more specifically, real flats. You can live there, while enjoying all the comforts a high-level hotel can offer (65-70% of the flats have already been sold; the remaining percentage will be directly managed by the developers).

Alternatively, as a form of investment, customers can purchase flats and have them let out by the Rixos group. The flats are fully furnished, with pieces provided by leading Italian brands – for example,

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1,500 wardrobes by Lema, over 300 kitchens and over 300 bathrooms by Scic –. Italian design in Turkey in general and in Istanbul in particular is considered as the number one in the market. A perfect blend of history, culture, contemporaneity and technology. I believe that Italian firstrate products will never go out of fashion; they are powerful, and can therefore last forever”.

How was your passion for design born?

Although my background is not from design or architecture, I have always been very interested in design. I like it because it gives me an opportunity to get new things and ideas to improve myself. I like to help people to create their dreams. One of the best things about design is that you get to know many different people and many different tastes.

Which is the direction of Istanbul in our

Altri brand italiani nello showroom di Gokhan Ayaydin, protagonisti degli interni degli interni del Rixos Bomonty: Scic (in alto), Res e Porada (in basso).

Some more Italian brands into the Gokhan Ayaydin’s showroom stand out in the Rixos Bomonty interiors: Scic (top), Res and Porada (bottom).

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sector? Which are the reasons?

Turkey, and specifically Istanbul, has been booming for some years now. We have a big young generation coming that is hungry for everything. The construction business is very good and booming. Real estate business in Turkey is enormous. People like to buy real estate for living and also for investment.

There is a huge demand for real estate in Istanbul and Turkey. So we have a lot of constructions in progress and a lot to come.

So all these buildings are connected with the design world.

Which are the relationships between Italian design and your country? Which compare and contrast with the Turkish one?

Italy and Turkey are both Mediterranean countries. We are basically the same kind of people. Our way of life and way of thinking

is very parallel. We have very similar tastes in all kinds of things. As far as Italian design is concerned, I just want to say one word: “timeless”. Italy has been the capital of the world for design, innovation and quality in any sense for centuries. Italian people have more knowledge and experience about design and realization.

How do you choose architects and interior designers to work with? Should the companies have specific features and characteristics?

Our only criterion is that we only work with people who appreciate design and quality.

We like working with architects or interior designers who have style and know what they want. We like being challenged and pushed to our limits. We become part of their team.

Who are your clients? Which requests do they have? Which desires and needs?

Our clients are educated people who have style and taste. They want customization.

They want tailor-made solutions which give them an edge. We are offering full customization personalized services which they appreciate a lot.

Looking at your city, what do you see in its future?

Istanbul is booming with construction.

There is a huge demand for design and luxury products. I see very big opportunities for coming years. The Turkish economy is very good and it is attracting many investors to Turkey, specifically to Istanbul.

The construction and real estate business is one of the top sectors that attract investors.

I think the interior design business will expand very well along with the current and future projects.

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COVER/PENTA

1/LA MAGIA DI UN’ASTRAZIONE THE MAGIC OF AN ABSTRACTION ]b ?kZg\^l\Z =^ Ihgmb Luce, trasparenza, leggerezza… A due anni dalla prima presentazione la lampada Glo, inizialmente trasparente e iridescente, ora proposta nelle finiture oro, oro rosa e argento, continua ad essere un best seller nella raffinata e composita produzione di Penta. Ma qual è il suo segreto? Lo chiediamo a Carlo Colombo, architetto e designer che ha firmato alcuni tra i prodotti di maggior successo degli ultimi anni.

Light, transparency, lightness… Two years after the Glo lamp was launched (initially clear and iridescent, now available in gold, pink gold and silver finishes), it is still a bestseller in Penta’s refined, composite production. What is the secret for its success? We posed this question to Carlo Colombo, the architect and designer who has developed some of the most successful products over the last few years.

Come è nato il progetto di Glo? Il progetto di Glo è nato all’interno dell’azienda, come gran parte dei prodotti che disegno. È il risultato dell’alchimia che si crea fra le idee del designer e le richieste stilistiche e di mercato della committenza. Fa tutto parte di un percorso ‘work in progress’, fatto di prototipi e di confronti con i tecnici Penta, che ha portato alla soluzione definitiva attualmente in commercio. È il risultato di una sua visione o di un preciso input da parte dell’azienda?

Solitamente un’azienda crea degli input, ed è molto importante seguire queste linee guida nella creazione di un prodotto. Si possono creare centinaia di visualizzazioni, dare un abito elegante al proprio prodotto, ma è l’idea iniziale che determina la sua realizzazione e la sua collocazione nel mondo.

A chi si rivolge?

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La Glo di Penta è molto versatile: si rivolge sia ad un pubblico privato, che ne fa un uso domestico, che al mondo del contract. In particolare, l’ultima versione ‘a cascata’ - con tutte le lampade di altezze e dimensioni differenti - possiede le caratteristiche necessarie per poter interagire in situazioni di uso pubblico, come hotel, ristoranti, reception, uffici, etc.

Quali sono le sue principali caratteristiche?

La lampada Glo ha una struttura in vetro. Le varianti cromatiche spaziano dall’oro all’argento, giocando con le trasparenze. Una composizione duttile, che diventa protagonista di innumerevoli scenari grazie a tutti i modelli disponibili.

La sua collaborazione con Penta dura da tempo e ha portato alla realizzazione di prodotti molto felici, come le lampade Joint, Bag e Angelina.

La mia collaborazione con Penta è iniziata 5 anni fa; i disegni che abbiamo creato sono poi diventati prodotti molto trasversali all’interno di una collezione che all’origine era pensata solo per il mercato del contract. Attraverso una continua innovazione tecnologica sono nate: la lampada Bag, realizzata tutta in materiale termoplastico, quindi pensata anche per l’outdoor; Angelina, con la sua chiave ironica nel simboleggiare un palloncino appeso ad un filo in metallo che si trasforma in sostegno e struttura della lampada stessa; Glo (l’immagine di copertina): il tocco finale che racchiude in sé tutto il percorso con Penta, in grado di dare una risposta concreta al mercato del retail e a quello del contract.

C’è un filo rosso che lega tutti questi prodotti?

Il filo che lega questi prodotti è il mio linguaggio progettuale, ovvero la capacità di saper coniugare semplicità e sofisticatezza nello stesso tempo, lavorando molto nella cura dei dettagli e dei materiali e rispondendo immediatamente alle richieste del mercato. In sostanza, si tratta di realizzare dei prodotti che siano vivibili, che provochino delle emozioni senza rinunciare all’aspetto funzionale.

Cosa lega, più in generale, tutta la sua produzione di architettura e design?

Sono un progettista particolarmente legato all’architettura e al design: molti progetti di design nascono da architetture in piccola scala che riprendono la cura maniacale dei dettagli tipica del mondo del design. Esiste una simbiosi fra i due mondi che io identifico in ogni mia creazione. www.carlocolombo.it

What is the Glo lamp the result of?

The Glo lamp was developed in-house, like most of the products I design. It is the fruit of the alchemy between the designer’s ideas and the customers’ style and market requirements. It is all part of a ‘work in progress’ process, made up of prototypes and exchanges with Penta’s engineers, which has translated into the final, currently available solution.

Is it the fruit of a vision of yours or a clear-cut input given by the company?

As a rule, a company gives some inputs, and it is very important to follow these guidelines when creating a product.

Hundreds of representations are possible, one’s product can be made to look elegant, but it is the initial idea that determines how it will be made and what its role will be in the world.

What about the target? What do you think is the ideal setting?

Penta’s extremely versatile Glo lamp is suited to homes, everyday private settings.

Alternatively, it is used in the contract furnishing industry. In particular, the

latest ‘cascade’ version – with lamps varying in height and dimensions – can well interact in public settings, including hotels, restaurants, receptions and offices.

What are its hallmarks?

The Glo lamp has a glass frame. The colours range from gold to silver, playing with transparency. A flexible composition which stands out in countless settings, based on the variety of available models.

You have long been working with Penta, which has translated into tremendously successful products, including the Joint, Bag and Angelina lamps.

My partnership with Penta was established 5 years ago; the designs we have developed have proved to be cross products within a collection which was initially only meant for the contract market. We relied on ongoing technological innovation to create three unique lamps: Bag, made entirely of thermoplastic material, for use indoors as outdoors; Angelina, with its ironic style, symbolising a balloon hanging by a wire,

which is transformed into a base and frame for the lamp; Glo (cover photo), as the final touch that contains all of Penta’s course, effectively catering to the retail and contract markets.

Is there a common thread throughout these products?

My design language is the common thread throughout these products, as the ability to match simplicity with refinement, concentrating on care for details and materials and immediately answering market requirements. The ultimate goal is to make enjoyable products, which arouse emotions, without affecting functionality.

Generally speaking, what are the common hallmarks of your architecture and design production?

I am very fond of both architecture and design; many designer products are the result of small-scale architecture projects, sharing the same obsessive care for details, as typical of the design world.

A symbiosis between two worlds, shared by all of my creations. www.carlocolombo.it

Sopra e nella pagina accanto, la lampada Glo nelle sue diverse sfumature cromatiche e nelle versioni da tavolo e a sospensione. In basso, da sinistra: Bag, creata per i nuovi temi dell’architettura indoor e outdoor; Angelina, caratterizzata da una forma elegante e giocosa e, infine, Joint, fortemente riconoscibile per il suo design essenziale.

Above and opposite, the Glo lamp in its different colour shades, and in the table and suspension versions. From bottom left: Bag, developed for the new themes of indoor and outdoor architecture; Angelina, based on an elegant, playful shape; finally, Joint, which stands out for its simple design.

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2/DESIGN DELL’EMOZIONE EMOTIONAL DESIGN ]b ?kZg\^l\Z =^ Ihgmb

Un breve viaggio nell’universo di Penta. Fatto di lampade preziose e uniche che si contendono, con grazia, il ruolo di protagoniste. Ce ne parla Umberto Asnago, art director dell’azienda.

A brief journey into Penta’s world, as composed of fine, one-of-a-kind lamps which gracefully compete for leadership. We interviewed Umberto Asnago, art director of the company.

Lampade d’autore. Frutto del felice incontro tra le migliori menti creative e una realtà industriale votata all’eccellenza. Questi gli obiettivi di Penta, nata nel 1975 e presto affermatasi come azienda leader nel settore dell’illuminazione, capace di proporre prodotti sofisticati ed eleganti, caratterizzati da una perfetta sintesi tra forma e funzione. Lampade in cui il valore aggiunto è dato dalla ricerca estetica, dal sapiente uso dei materiali e da un rigorosissimo controllo della qualità, secondo la migliore tradizione del design italiano. “Cerco sempre di fare in modo che i prodotti siano immediatamente identificabili e rinconducibili al marchio”, spiega Umberto Asnago, art director e designer della maison da circa sei anni. “Cosa che ha a che vedere non solo con il design, ma anche con l’uso di materiali nobili, come vetro, tessuto, cuoio”. Caratteristica di Penta è infatti quella di proporre lampade decorative, diverse, emozionali, che nascono dal continuo confronto tra il management aziendale e i progettisti invitati a proporre una propria visione. Oggetti che offrono uno ‘scatto in avanti’ anche laddove si debba lavorare su tipologie ‘semplici’, destinate in primo luogo a rispondere ad esigenze quotidiane. “Cerchiamo di creare lampade uniche”, ci spiega sempre Asnago, “e quando usiamo materiali in alternativa al vetro ci sforziamo di dare qualche cosa in piu”: ne sono un esempio il modello Taaac, che reinterpreta e rielabora il classico ARCO attraverso una visione personale che recupera il piacere della tecnologia (led e materiale termoplastico) e la cura sartoriale dei minimi dettagli (cuoio) per realizzare corpi luminosi dal design rigoroso, e l’elegante Polar, realizzata in vetro soffiato, minimale ma non minima, fortemente caratterizzata dalla sua forma ovale. Due prodotti che portano la firma dello stesso Asnago e che, come il grande lampadario Kaskade, appaiono perfetti per qualsiasi tipo di ambiente, dalla casa al contract. Altrettanto interessanti, nella produzione più recente, Joint e Bag di Carlo Colombo, caratterizzate da un’estrema cura formale e dalla ricerca di una luce viva, calda, d’atmosfera. Da segnalare, infine,

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lo scenografico lampadario con diffusori in vetro borosilicato Jei Jei e la lampada in metallo tornito in lastra China di Nicola Gallizia. Suggestive e inedite interpretazioni del tema della luce che, da un lato, rendono omaggio alla storia e, dall’altro, ci proiettano verso nuove ere. www.pentalight.it Designer lamps. The fruit of a successful combination of the best creative minds and an industrial approach devoted to excellence.

These are the goals pursued by Penta, which was founded in 1975 and soon grew into a leading company in the lighting sector, developing smart, sophisticated products, a perfect synthesis between form and function. Lamps whose main plus arises from aesthetic research, skilfully used materials and strictly controlled quality, according to the best tradition of Italian design. “I always try to make sure that the products are immediately recognizable and closely related to the brand”, explained Umberto Asnago, who has been the art director and a designer of the company for approximately six years. “This has to do with design as well as with the use of first-rate materials, including glass, fabric and leather”. Indeed, Penta stands out as a manufacturer of decorative, peculiar, emotional lamps which arise from ongoing exchanges

Qui sopra: la lampada Polar, disegnata da Umberto Asnago, in tre delle sue declinazioni.

Nella pagina accanto, in alto, il lampadario Kaskade e la lampada Taaac, sempre di Asnago. In basso, da sinistra a destra: Filofilo e C’hi, di Asnago e il lampadario Jei Jei, creato da Nicola Gallizia.

Above: Polar lamp, designed

by Umberto Asnago, in three of the available versions.

Opposite, top, Kaskade chandelier and Taaac lamp, designed by Umberto Asnago. Bottom, from left to right: Filofilo and C’hi, designed by Umberto Asnago, and Jei Jei chandelier, designed by Nicola Gallizia.

between the company management and the designers, who are expected to offer their own visions. Objects which mean ‘a step forward’, even where ‘simple’ types are worked on, their main priority lying in answering everyday requirements. “We have a mission to fulfil in creating unique lamps – explained Umberto Asnago –, and whenever we use a material as an alternative to glass, we make an effort to give something more”. The Taaac model is just a case in point, as a reinterpretation and revisitation of classic ARCO, through a personal vision designed to regain the pleasure of technology (LEDs and thermoplastic material) and finely tailored details (leather), to make rigorously designed lighting devices. Stress should also be laid on the smart Polar

model, made of blown glass, minimalist though not minimal, enhanced by an oval shape. Both products were designed by Umberto Asnago, and, like the big Kaskade chandelier, they are perfectly suited to all settings, from homes to contract furnishings.

The latest products include the as challenging models, Joint and Bag, designed by Carlo Colombo, synonymous with the utmost formal care and bright, warm, ambience light. Finally, the emphasis should also be on the spectacular chandelier with borosilicate glass diffusers, Jei Jei, and the sheet turned metal lamp, China, designed by Nicola Gallizia. New, charming interpretations of the theme of light, as a tribute to history, while taking us into new ages. www.pentalight.it

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DESIGN/REPORTAGE

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MIAMI LA LUCE DELLE ORIGINI LIGHT AT ITS ORIGINS

Evento Zumtobel a Miami: debutta la nuova lampada di Daniel Libeskind.

Oggetto, scultura, design o architettura che sia, il nuovo ‘eL’ Masterpiece by Daniel Libeskind emette luci misteriose e messaggi in codice, nell’esclusiva Art Collector Lounge di Art Basel a Miami, e occupa il centro della scena, mentre, curiosi, i collezionisti e la stampa di tutto il mondo gli girano intorno per capire. Siamo nel tempio dell’arte, dove accade il più grande show americano, e quindi del mondo, che convoglia nella capitale della Florida collezionisti, artisti, dealer, galleristi, intenditori... per vedere, sapere, incontrare e fare business. È questo il luogo che la Zumtobel, brand del gruppo di illuminazione leader nel mondo, con fabbriche sparse nei 5 continenti e casa madre a Dornbirn, Austria, ha scelto ‘ad arte’ per presentare un capolavoro d’arte, appunto, e di architettura. Perché a concepire e progettare eL è stato chiamato Daniel Libeskind, firma di punta dell’architettura mondiale,

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uomo di cultura e di vasti interessi. Nella sua biografia occupa un grande posto la musica, passione e studio nati ancor prima dell’architettura. L’approccio culturale, accanto allo specifico progettuale, si è ulteriormente arricchito, in occasione della collaborazione con Zumtobel, per il contributo di Libeskind junior, il figlio Noam, astrofisico al Leibniz Institute for Astrophysics in Postdam. Insieme, e con Zumtobel, hanno dato vita a eL, sorta di scultura costruttivista, quasi un esploso, in linea con l’idea degli autori di creare qualcosa che, al di là del far luce, di creare bellezza e di fare funzione, sapesse parlare un linguaggio archetipico ed evoluto insieme, raccontando la storia della luce nell’Universo, dal Big Bang delle Origini, ai tempi nostri, al possibile Futuro. “Volevo disegnare un oggetto davvero unico, che emanasse luce in un modo naturale, e che contenesse la complessità e la speciale qualità della luce vera che ci circonda”, spiega Daniel Libeskind.

“Dopo la teoria della relatività noi sappiamo molto di più sulla velocità

Nella pagina accanto, Daniel Libeskind (foto di Michael Klinkhamer), autore della nuova lampada eL, presentata a Miami dal Gruppo Zumtobel. In alto, Noam Libeskind, astrofisico, che ha collaborato al progetto di eL. Qui sopra, Jurg Zumtobel, presidente del gruppo austriaco di cui fa parte il marchio Zumtobel.

Page across, Daniel Libeskind (photo

by Michael Klinkhamer), the designer of the new eL lamp, presented in Miami by the Zumtobel Group. At top, Noam Libeskind, the astrophysicist who collaborated in the design of eL. Above, Jurg Zumtobel, president of the Austrian group of which the Zumtobel brand is a division.

assoluta della luce e sulla sua connessione con le origini dell’universo: noi sappiamo che luce è vita. Per questo volevo creare una nuova esperienza, che aggiungesse una dimensione alla dimostrazione del mistero, della meraviglia e della bellezza della luce. Io sono convinto che la lampada perfetta dovrebbe comportarsi come la luce stessa. Sta qui il senso profondo del nostro lavoro, una grande avventura da esplorare attraverso il design. Nel nostro lavoro per Zumtobel essenzialmente abbiamo cercato di raccontare la storia della luce”, puntualizza Noam Libeskind. “Come si è evoluta nell’universo, come si è creata, come è stata assorbita e poi riemessa, e come, nel corso di 14 miliardi di anni, è cambiata e ha influito sulla evoluzione cosmica. Abbiamo dato forma a un involucro che raffigurasse una sezione dell’universo attraverso milioni di anni luce, e abbiamo ricoperto di LED tante piccole porzioni della lampada. Ogni LED è come una particella di Universo che rappresenta centinaia di migliaia di anni luce e con il suo colore riflette la luce stellare nella sua area. Più brillante o più oscura, a seconda.”

Materialmente, la lampada perfetta di Libeskind si presenta come una spirale di acciaio specchiato, alta quasi 3 metri e pesante 160 chili, tempestata di 1700 moduli LED, ciascuno dotato di microcomputer e di intelligenza autonomi. All’interno, è in oro a 23 carati, risplendente della calda luce bianca di LED speciali. Per riprodurre alla perfezione la luce che impregna l’universo e per simulare il Big Bang del cosmo in espansione Noam Libeskind ha trasferito nell’oggetto uno speciale algoritmo di sua invenzione. L’effetto è una illuminazione dinamica che simula l’evoluzione di massa e struttura, in cui ogni singolo LED rappresenta una particella cosmica. Sette scenari cromatici programmati in base all’algoritmo aiutano a narrare questa ambiziosa storia primigenia e anche, a scelta, a inserire messaggi di testo all’interno delle lighting scenes. Un tocco finale di genio che trasforma la scultura luminosa in un mezzo di comunicazione. Nel corso della presentazione di eL ad Art Basel, Jurg Zumtobel, nipote del fondatore e presidente del Gruppo, dice: “ le esperienze ‘luminose’ rappresentano sempre un pezzo di cultura, di arte, di modi di vivere. Questo è particolarmente vero quan-

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do la luce si emancipa da pure esigenze di funzionalità, per lasciare il segno nell’architettura e nello spazio, come un libero lavoro artistico.

Noi siamo contenti che Daniel Libeskind abbia sviluppato un nuovo capolavoro, con noi e per noi, e gli siamo grati per le conoscenze che abbiamo maturato nel corso della nostra stimolante collaborazione”.

Replica Daniel Libeskind: “lavorare con Zumtobel è stata davvero una esperienza gratificante e creativa. È davvero una grande azienda, mol-

Schizzo e variazioni luminose del nuovo eL Masterpiece realizzato da Daniel Libeskind con Zumtobel.

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Sketch and light variations of the new eL Masterpiece created by Daniel Libeskind with Zumtobel.

to aperta a idee radicalmente nuove. Capace di tradurre le idee in termini di sofisticata tecnologia e di eccellente know-how metallurgico.

Una impresa etica, con una visione che sa armonizzare al livello più alto l’altissima tecnologia con una profonda cultura umanistica.

Esplorare la luce e le sue possibilità di connettere il passato e il futuro mi ha ispirato a realizzare più profondamente l’importanza dell’illuminazione”.

The Zumtobel event in Miami: the debut of a new lamp by Daniel Libeskind Object, sculpture, design or architecture, whatever it is, the new ‘eL’ Masterpiece

by Daniel Libeskind emanate mysterious lights and messages in code, in the exclusive Art Collector Lounge by Art Basel in Miami: it occupies center stage as collectors and the international press, their curiosity piqued, circle around it to try and understand. We are in the temple or art, where the greatest show in America, and therefore in the world, brings to the capital of Florida collectors, artists, dealers, gallery owners, connoisseurs... to see, to understand, to meet and do business. This is the location ‘artfully’ chosen by Zumtobel, a brand of the leading lighting manufacturer in the world, with factories scattered over the 5 continents and headquarters in Dornbirn, Austria, to present a masterpiece of art and, of course, of architecture. Because the concept and design of eL is by Daniel Libeskind, one of the leading architects in the world, a man of culture and vast interests. In his biography, considerable space is occupied by music, which he loved and studied long before even architecture. His cultural approach, apart from the specificity of design, has broadened its horizons for this collaboration with Zumtobel, thanks to the contribution of Libeskind junior, his son Noam, an astrophysicist at the Leibniz institute for Astrophysics in Potsdam.

Together, and with Zumtobel, they have created eL, a sort of Constructivist sculpture that looks like an exploded axonometric, and responds to the authors’ idea of creating something that not only makes light, creates beauty and serves a function, but can also speak an advanced yet archetypal language, telling the story of light in the Universe, from the Big Bang of the Origins, to the present day, and the possible Future...

“I wanted to design a truly unique object, that would give light naturally, and contain the complexity and special quality of the real light that surrounds us”, explains Daniel Libeskind. “After the theory of relativity, we know much more about the absolute speed of light and its connection to the origins of the universe: we know that light is life... This is why I wanted to create a new experience, that would add a dimension to the demonstration of the mystery, wonder and beauty of light. I am convinced that the perfect lamp should behave like light itself. Herein lies the deeper meaning of our work, a great adventure to explore through design”. “In our work for Zumtobel, we essentially tried to tell the history of light, specifies Noam Libeskind.

How it evolved in the universe, how it was created, how it was absorbed and then emanated again, and how, over the space of 14 billion years, it changed and influenced cosmic evolution.

We have given form to an envelope that represented a section of the universe over millions of light years, and we have covered many small portions of the lamp with LED lights. Each LED is like a particle of the Universe that represents hundreds of thousands of light years and with its colour reflects the light from the stars in its area. Brighter or darker, depending”. Materially, Libeskind’s perfect lamp appears as a spiral of mirror-quality steel, almost 3 meters tall and weighing 160 kilograms, embedded with 1700 LED modules, each controlled by an independent microcomputer and intelligence. Inside, it is clad in 23-carat gold, and shines in the warm white light of special LEDs. To create a perfect reproduction of the light that permeates the universe and to simulate the Big Bang of the expanding cosmos, Noam Libeskind invented a special algorithm that he applied to the object. The effect is a dynamic light that simulates the evolution of mass and structure, in which every single LED represents a cosmic particle.

Seven colour scenarios programmed on the basis of the algorithm help to tell this ambitious primeval story and, as desired, to add text messages to the lighting scenes.

A final touch of genius that transforms

this light sculpture into a means of communication. During the presentation of eL at Art Basel, Jurg Zumtobel, the grandson of the Group’s founder and president, stated: “‘Light’ experiences always represent a part of culture, of art, of lifestyle. This is particularly true when the light breaks free of pure functional requirements, to leave its mark in the architecture and in space, like an open work of art. We are pleased that Daniel Libeskind has developed a new masterpiece, with us and for us, and we are grateful for the knowledge that we have acquired and developed throughout our stimulating collaboration”. Daniel Libeskind responds: “Working with Zumtobel was truly a gratifying and creative experience. It is a great company, very open to radically new ideas, with the capacity of transforming ideas by relying on sophisticated technology and excellent metal-working know-how.

An ethical company, with a vision that unites the most advanced technology and a profound humanistic culture at the highest level of harmony. Exploring light and its possibilities of connecting the past and the future inspired me to a deeper understanding of the importance of lighting”.

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EXHIBITION/DESIGN

MIAMI

NEW ART AND ARCHITECTURE Art Basel Miami festeggia i 10 anni. Gli americani tornano a comprare; aumentano i collezionisti brasiliani, come pure i giovani e le collezioniste donne. Forti investimenti nei musei e grande ritorno della scultura. L’arte si nutre di poesia e di architettura.

In queste pagine: il New World Center di Frank Gehry, edificio che ospita la New World Symphony Orchestra, sulla cui facciata si svolgono le proiezioni di Art Video in occasione di Art Basel Miami Beach.

On these pages: the New World Center

by Frank Gehry, the building that is the home of the New World Symphony Orchestra, the façade of which serves as a backdrop for the Art Video projections during Art Basel Miami Beach.

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Art Basel Miami celebrates ten years. The Americans are buying again; Brazilian collectors are increasing, as are young people and women collectors. Strong investments by museums and a significant return of sculpture. Art is nourished by poetry and architecture.

Sembrano tutti contenti a Miami Beach, ‘quelli di Art Basel’. Quelli di Art Basel sono gli espositori, i galleristi di 260 gallerie del mondo, e gli artisti. Vengono da 30 paesi: dalle Americhe, Nord e Sud; dall’Europa (UK, Italia, Francia, Germania, Svizzera); dall’Asia e dall’Africa. E sono i buyers, collezionisti del mondo, privati o istituzionali, amatori. Intorno a loro, sempre in questo clima un po’ euforico, un ricco contorno di gallerie e musei locali, strettamente collegati al business; e poi tanti simpatizzanti e amici dell’arte, compratori per le loro piccole collezioni domestiche, spesso molto ricchi. Come la coppia Michael Douglas e Catherine Zeta Jones, varie star mondiali, e tanti noti milionari russi, come il solito Abramovic, presente giustificato, dal momento che la bella moglie lavora nel ramo dell’arte.

Traducendo in numeri: 50 mila visitatori e forti vendite, 260 gallerie con opere di 2mila artisti, per un valore complessivo di 2,5 miliardi di dollari, valore assicurato dichiarato dal presidente di Axa Art Nord America (ArtEconomy24/Il Sole 24ore). Non ufficiale il fatturato promosso dall’evento o la quantità di denaro movimentata, dati peraltro difficili da ottenere in assoluto. I fattori di cambiamento più interessanti da segnalare, per questa decima edizione di Art Basel, evento generato dalla originaria casa madre svizzera, sono, secondo i giudizi di alcuni dei maggiori galleristi: prima di tutto, un notevole aumento di presenze da Nord e Sud America. “ Una sorpresa viene soprattutto dagli americani, che stanno

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comprando di nuovo, segnando una totale inversione di trend rispetto a due anni fa. Molti collezionisti provengono dal Sud America, specialmente dal Brasile”. Più in dettaglio, risultano in aumento i giovani collezionisti: “quest’anno ad Art Basel abbiamo visto una nuova generazione di collezionisti trentenni, seriamente interessati a guardare e a capire, e ora anche ad acquistare”. In crescita non solo numerica, quindi, ma anche in termini di competenza e professionalità. Entrando ancora più nel dettaglio: sembrano in aumento le collezioniste donne, brave e agguerrite sul mercato dell’arte, “sempre di più, prendono in totale autonomia le proprie decisioni”. Il presidente di una prestigiosa galleria con sedi a Zurigo, Londra e New York si dice entusiasta “della risposta e della fiducia di quanti hanno continuato ad investire in opere di livello museale e, sempre di più, nella scultura. Con le forti vendite riscontrate dai collezionisti provenienti da Cina, Europa, Messico, Canada e Stati Uniti, abbiamo ulteriormente capito l’impatto globale dei nostri artisti”. A detta di tutti, il lancio della sezione Art Public ha riscosso un vero successo: merito anche dell’ingresso libero, all’interno di una meravigliosa location, davanti al Bass Museum di Miami Beach, che ha collaborato a riempire il Collins Park delle opere di artisti internazionali come Damien Hirst, Anish Kapoor, Thomas Houseago, Robert Indiana, Zhang Huan. Sculture sparse su un vasto mare d’erba, tra le palme agitate dal vento dell’Oceano, con lo sfondo della sabbia

corallina e del blu del mare leggendario di Miami Beach. Davvero una mostra seducente.

All’interno del Convention Center, grande prevalenza degli americani, trainati dalle gallerie newyorkesi e, soprattutto, del collezionismo sud-americano; molte presenze di Sao Paulo, che finisce per diventare un pò il barometro della situazione. Tredici le gallerie italiane, tra cui Galleria Continua di San Gimignano, che dichiara soddisfazione per questa edizione 2011, molto positiva non solo per i contatti, ma anche per le vendite. Queste ultime soprattutto a collezionisti sudamericani, come si è detto, molti dei quali nuovi; ma anche ad asiatici e a privati, ad istituzioni americane e cinesi, nonché a musei (che hanno però bisogno di ampio tempo decisionale). Nonostante la crisi finanziaria, il mercato internazionale dell’arte continua quindi a registrare vendite a sei e sette cifre, grazie all’aumento di milionari cresciuti dell’8,3% nello scorso anno per arrivare a quota 10,9 milioni, come registrato dalla Capgemini and Merrill Lynch Global Wealth Management. Gli Stati Uniti contano il più alto numero di milionari al mondo, seguiti da Giappone e Germania, con 3,1 milioni di Paperoni, pari al 28,6% del totale. Cosa che ha contribuito sicuramente al successo di Art Basel.

Quanto alle sezioni in mostra al Convention Center sono da segnalare Art Nova, con una selezione di gallerie giovani, Art Kabinett per piccole mostre tematiche, e Art Positions per progetti d’arte emergenti. Tracey Emin racconta al pubblico come le pratiche artistiche

slittino sempre di più verso la poesia, perché l’inserimento di testi nelle immagini è cliché che impartisce anche verità. A parere di molti, la prospettiva del temibile anno 2012 stimola verso una ricerca di rigore concettuale e concentrato potere visivo. Forse anche per questo c’è una gran voglia di scultura, declinata in tutte le forme e materie, che invece anni fa era quasi scomparsa dalle fiere di mezzo mondo. Infine, alto gradimento anche per la sezione dedicata alla video arte, resa davvero speciale dallo schermo di eccezione predisposto ogni sera sul muro del New World Center, l’edificio firmato da Frank Gehry inaugurato lo scorso anno. Posto per tutti e copertine per il fresco serale. Uno spettacolo straordinario sotto le stelle.

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They all seem quite happy at Miami Beach, ‘those Art Basel people’. The Art Basel People are the exhibitors, the owners of the 260 galleries from around the world, and the artists. They come from 30 countries: from North and South America; from Europe (UK, Italy, France, Germany, Switzerland...); from Asia and Africa. They are the buyers, collectors from around the world, private or institutional, amateurs. Around them, in this atmosphere that is always somewhat euphoric, a rich array of local galleries and museums, strictly connected to the business; and lots of supporters and friends of the arts, people buying for their own small collections at home, many of them quite wealthy. Such as the couple Michael Douglas and Catherine Zeta Jones, a variety of international stars, and lots of well-known Russian billionaires, such as Abramovich, whose presence is justified by the fact that his beautiful wife works in the field of art.

Translating into numbers: 50 thousand visitors and strong sales, 260 galleries with works by two thousand artists, for a total value of 2.5 billion dollars, the insured value declared by the president of Axa Art Nord America (ArtEconomy24/Il Sole24Ore). Data on the turnover fostered by the event, or even the amount of money in circulation remains unofficial, and it

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In alto, le sedute del teatro all’aperto per gli spettacoli di video arte al NWC di Gehry. Art Public, Miami Beach: in basso, la suggestiva opera di Zhang Huan, 2011, Blum&Poe Gallery; nella pagina accanto, Sensation 2003, by Damien Hirst, L&M Arts.

At top, the seating in the open-air theatre for the projection of video art at the NWC by Gehry. Art Public, Miami Beach: below, the suggestive work by Zhang Huan, 2011, Blum&Poe Gallery; page across, Sensation 2003, by Damien Hirst, L&M Arts.

is extremely difficult to obtain. The most interesting factors of change emerging in this tenth edition of Art Basel, an event created by the parent company in Switzerland, are, according to the opinion of some of the major galleries: first of all, a considerable increase in the number of visitors from North and South America. “A big surprise were the Americans, who are buying again, a total reversal of the trend we saw 2 years ago. Many collectors come from South America, especially Brazil”.

In detail, there are more young collectors: “this year in Art Basel we witnessed a new generation of thirty-year-old collectors, seriously interested in seeing and understanding, and now in buying”.

They are growing not just in number, but in competence and professional quality.

Going into even further detail: it seems like there are more women collectors, competent and aggressive in the art market, “they are making more and more of their own decisions independently”.

The president of a prestigious gallery with spaces in Zurich, London and New York is enthusiastic about “the response and the trust of those who have continued to invest in museum-level works and, increasingly, in sculpture. With the strong sales to collectors from China, Europe, Mexico, Canada and the United States, we have gained a better understanding of

the global impact of our artists”. Everyone concurred that the inauguration of the Art Public section was a real success: helped by the entrance at no charge, and the excellent location in front of the Bass Museum in Miami Beach, which collaborated by filling Collins Park with the works of international artists such as Damien Hirst, Anish Kapoor, Thomas Houseago, Robert Indiana, Zhang Huan...

Sculptures scattered across a sea of green grass, amidst the palm trees fluttering in the Ocean wind, against the background of coral sands and the legendary blue sea of Miami Beach. A truly seductive exhibition.Inside the Convention Center, a major prevalence of Americans, led by the galleries from New York and especially by the South American collectors; there were many participants from Sao Paulo, who served as the barometer of the situation in a way. There were thirteen Italian galleries, including the Galleria Continua from San Gimignano, which declared that it was very satisfied with this 2011 edition: it was very positive not only in terms of contacts, but also in terms of sales. Most of them went to South American collectors, as we said, many of them new; but also to Asians and private citizens, to American and Chinese institutions, and to museums (who have longer decision-making

processes). Despite the financial crisis, the international art market continues to register sales in the six and seven figures, thanks to the increase in the number of millionaires that grew 8.3% last year to reach the number of 10.9 million, as recorded by Capgemini and Merrill Lynch Global Wealth Management. The United States have the highest number of millionaires in the world, followed by Japan and Germany, with 3.1 million fat cats, equal to 28.6% of the total. This definitely contributed to the success of Art Basel. As for the sections on exhibit at the Convention Center, we would like to mention Art Nova, with a selection of young galleries, Art Kabinett for small thematic exhibitions, and Art Positions for young art projects.

Tracey Emin told the public how artistic practices are slipping more closely towards poetry, because the addition of words to images is a cliché but it also brings truth. In the opinion of many, the prospects for the fearsome year 2012 are a stimulus toward the search for more rigorous concepts and concentrated visual power. Maybe that’s why there is a rush towards sculpture, which may be seen in every shape and every material, and had almost disappeared from the fairs the world over just a few years ago.

Finally, there was a great deal of

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consensus for the section dedicated to video art, which was made very special by the exceptional screen that came on every evening on the wall of the New World Center, the building designed by Frank Gehry and inaugurated last year. There was room for everyone, and blankets for the coolness of the evening.

An extraordinary show under the stars.

Art Public Miami Beach. Sopra, Snake Skin Boots di Eduardo Sarabia, 2011, proyectos Monclova. Sotto, Robert Indiana, ART, Galerie Gmurzynska 1972-2001. Accanto: performance sulla spiaggia, con suoni e danze, di Jen De Nike ‘Lemanjà’, 2011, Gallery Mendes Wood.

Art Public Miami Beach. Above, Snake Skin Boots by Eduardo Sarabia, 2011, Proyectos Monclova. Below, Robert Indiana, ART, Galerie Gmurzynska 1972-2001. Across: performance on the beach, with sounds and dances, by Jen De Nike ‘Lemanjà’, 2011, Gallery Mendes Wood.

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PRODUCT/DIFFUSION

DESIGN DISTRICT

MIAMI

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Lo showroom Poliform a Miami è molto bello e molto ampio. 1000 metri quadrati che mostrano con didascalica scenografia come si possa arredare per intero un appartamento, una casa, una villa. Il layout è studiato per accogliere i professionisti degli interior (circa il 70 per cento della clientela); per sciorinare l’intero assortimento o, meglio ancora, l’esclusivo ed elegante concept Poliform/Varenna. Luca Bizi, l’intervistato, ha in mano l’intero mercato Nord e Centro America della Poliform USA, a partire da New York, dove ha sede, presso l’A&D Building, la società che Laura Anzani dirige da qualche anno. Fervono i preparativi per il grande evento serale che coinvolge il Furniture People del Design District, con molti brand italiani. L’evento Poliform è dedicato al lancio dei nuovi prodotti, ma anche alla presenza diffusa dell’arte del milanese Mario Arlati all’interno

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dello showroom. Fuori, proprio di fronte alle vetrine, un evento, che mette a confronto Buckminster Fuller & Norman Foster, occupa il grande prato, che sino a poco fa ospitava la tensostruttura di Design Miami, ora trasferita vicino ad Art Basel.

Il mercato a Miami?

Sta andando benissimo, per effetto anche dei problemi che ci sono in Sud America. Molti venezuelani, colombiani e soprattutto brasiliani comprano proprietà a Miami, palazzi importanti, grandi ville. Vengono qua a fare shopping, perché in Sudamerica l’importazione dei mobili è gravata da tasse pazzesche.

E voi proponete l’intero arredamento?

Sì, il concetto di Poliform è quello di fornire una casa completa: cucina, armadi, tavoli, divani… Nel perfezionare la strategia di vendita abbiamo creato un piccolo programma a stock, per accorciare i tempi di consegna

relativi alle zone letto e living, rispetto alle normali 10/12 settimane richieste. Ma l’arma vincente per Poliform in Nord America è il total service: in pratica un ‘full design service’ dedicato, che facilita il lavoro degli interior designer, inserendo i nostri prodotti nei relativi plan. Anche l’assistenza nel post vendita (installatori, posatori...) rimane essenziale. A questo si affianca un delicato lavoro di educazione del pubblico per avvicinarlo ad alcuni concetti arredativi, come l’armadio guardaroba, prodotto modulare molto ingegnerizzato e di altissima qualità. La cucina in Nord America è un concetto molto tradizionale, su cui lavoriamo per lo più con i professionisti e qualche volta con le Construction Company.

Invece il walk in closet, la cabina armadio, è un prodotto che viene capito e funziona molto bene, perché in questo paese amano dedicare stanze intere a un concetto unico. Per quanto

Nella pagina accanto: vetrine dello showroom Poliform nel Miami Design District. A due passi dallo showroom Poliform, nel cuore del Miami Design District, si tiene l’exhibition satellite ‘Buckminster Fuller&Norman Foster’.

In foto, qui a sinistra, la grande cupola che fa parte della Craig Robins Collection. In basso: Luca Bizi, responsabile commerciale Poliform USA per Nord e Centro America, fotografato nello showroom di Miami, e le vetrine Poliform/Varenna.

Page across: store windows at the Poliform showroom in the Miami Design District. Just a few steps away from the Poliform showroom, in the heart of the Miami Design District, is the satellite exhibition entitled ‘Buckminster Fuller&Norman Foster’.

In the photo, here at left, the great dome that is part of the Craig Robins Collection. Below: Luca Bizi, marketing director of Poliform USA for Northern and Central America, photographed in the Miami showroom, and the Poliform/Varenna store windows.

riguarda i clienti del retail, constatiamo che capiscono sempre di più i servizi che ci sforziamo di dare.

Il layout espositivo nello show room?

Da una parte mostriamo tutte le tipologie notte a partire dalla cabina armadio, all’armadio in vetro, alla cabina a muro. Nella zona di fronte si susseguono i 3 sistemi giorno presentati nella loro versatilità funzionale, a partire da Wall System. Nello spazio dedicato, anche le cucine sono presentate nel loro insieme, in modo che il cliente possa lavorare verticalmente, su una sola tipologia, o orizzontalmente su tutte le tipologie a confronto. C’è poi,

all’interno delle showroom, un modello di abitazione organizzata che mette in mostra i partner che completano il nostro pacchetto di offerta: Lualdi per porte e sistemi, Dedon per il total outdoor, Flos, Artemide, I Tre per la luce, Kastel, Nanimarquina per i tappeti…

L’evento di stasera?

Ruota intorno a Mario Arlati, una figura di artista milanese molto apprezzato, le cui opere ci sembra integrino in modo leggero e poetico gli ambienti domestici che proponiamo.

L’artista lavora con il gesso e sembra erodere le pareti con materiali e tinte forti, convinto che sole e tempo, quando vanno a riflettersi

sui muri, cambino totalmente l’aspetto delle cose. Noi crediamo che il suo lavoro artistico si integri perfettamente con i nostri prodotti e stiamo organizzando una mostra itinerante in tutto il network dei nostri negozi americani.

Un commento su Art Basel e Design Miami? È una bella settimana, che porta tantissime persone dal mondo e collezionisti. Un’occasione per presentare i nuovi prodotti, che noi usiamo come ICFF a New York ed eventi simili a Los Angeles e nelle più importanti città del Nord America.

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The Poliform showroom in Miami is very beautiful and very large. One thousand square meters that rely on a caption-like scenography to illustrate how to decorate an entire apartment, home or villa.

Due scorci del grande showroom Poliform nel Miami Design District: riconoscibili alcuni best seller come il Wall System (in alto) e la cucina Twelve, con il sistema Boiserie di Carlo Colombo per Varenna/Poliform. Nella pagina accanto, il layout espositivo evidenzia l’area dedicata ai partner – tra cui Flos, Lualdi, Dedon -, che integrano l’offerta abitativa del Gruppo Poliform.

Two views of the ample Poliform showroom in the Miami Design District: you can recognize some of the bestsellers such as the Wall System (at top) and the Twelve kitchen, with the Boiserie system by Carlo Colombo for Varenna/Poliform. Page across, the exhibition layout highlights the area dedicated to the partner companies – including Flos, Lualdi, Dedon -, which complete the products for the home offered by the Poliform Group.

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The lay-out was studied to cater to professional interior designers (who constitute about 70 % of the clientele); to display the entire assortment, or better yet, the exclusive and elegant Poliform/

Varenna concept. Luca Bizi, whom we interviewed, directs the entire North and Central American market for Poliform USA, starting in New York, where the company, run by Laura Anzani for the past

several years, is headquartered at the A&D Building. Preparations are bubbling for the great evening party that will involve the Furniture People from the Design District, with many Italian brands. The Poliform event is dedicated to launching new products, but also to presenting the extensive art collection by Milano artist Mario Arlati within the showroom. Outside, right in front of the store windows, is an event that brings together Buckminster Fuller & Norman Foster, spread out over the large grassy lawn that until recently held the tensile structure for Design Miami, which has now moved closer to Art Basel.

How is the market in Miami?

It’s going very well, partly as the result of the problems afflicting South America. Many Venezuelans, Colombians and especially Brazilians are buying property in Miami, important buildings, large homes. They come here to do their shopping, because importing furniture into South America is subject to outrageous import duties.

And you offer to decorate the entire home?

Yes, Poliform’s concept is to furnish the complete home: kitchen, closet, tables, sofas… As we perfected our sales strategy we created a small programme to keep some stock, to shorten delivery times for the living room and sleeping area, with respect to the usual 10-12 week delivery.

But the real trump card for Poliform in

North America is total service: a dedicated “full design service”, that makes it easier for interior designers to fit our products into their relative plans. Even the postsales assistance (installers, for example..) remains essential. In addition we serve a delicate educational purpose with regards to the public, to introduce people to certain furniture concepts, such as the wardrobe, a modular product that is highly-engineered with superior quality.

The kitchen in North America is a very traditional concept, which we work on primarily with professionals, and sometimes with construction companies.

Whereas the walk-in closet is a product that people understand perfectly: it works well, because in this country they like to dedicate entire rooms to single concepts.

As far as the retail clients are concerned, we notice that they are developing a growing understanding of the services we try so hard to provide.

What about the exhibition layout in the showroom?

On one side we exhibit all the bedroom typologies starting with the wardrobe, the glass closet, the wall cabinet. In the front there are 3 living room systems presented to highlight their functional versatility, starting with Wall System. In the dedicated space, the kitchens too are all displayed together so that the client can work vertically, on a single typology, or

horizontally, comparing all the typologies.

Inside the showroom, there is also an organized living room model that highlights the partners that complete our range of products: Lualdi for doors and systems, Dedon for the total outdoors, Flos, Artemide, I Tre for lighting, Kastal, Nanimarquina for carpets…

What about tonight’s event?

It centers on Mario Arlati, a highly esteemed artist from Milan, whose works seem to complete the domestic spaces we propose in a light and poetic way. The artist works with gesso and seems to erode the walls with powerful materials and colours, convinced that the sun and time, as they reflect on the walls, totally change the way things look.

We believe that his artwork fits perfectly with our products and we are organizing a traveling exhibition across our entire network of American stores.

A comment on Art Basel and Design Miami?

It is a lovely week, that brings in so many people and collectors from around the world. An opportunity to present the new products, which we use just like ICFF in New York and similar events in Los Angeles and in the most important North American cities.

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UNA PIAZZA MILANESE Chag FZkjn^mm^

Top brand del design si raggruppano attorno a Driade-Fratelli Lyon restaurant.

Il progetto è di John Marquette.

Nel Design District, dove 4141 NE incrocia la 2nd avenue, si incontra un attraente ristorantino ‘italiano’, segnalato dalle guide come Fratelli Lyon. Nelle vetrine su strada campeggia il marchio Driade, poi si entra nella Piazza e ci si trova circondati da grandi brand italiani.

Sono lì vicini, tutti schierati e separati nei loro spazi: Flos, Arclinea, Maxalto, Moroso, Zanotta, Alessi, Tre-P&Tre-Più, Lema, De Padova, Vitra. Unico scarto dall’italianità quest’ultimo, ma – dice John Marquette, affermato progettista di Miami che ha firmato hotel, ristoranti e gallerie d’arte, come la prestigiosa De La Cruz Collection, e che, insieme al fratello, ha creato questo enclave - Vitra, in fondo, si coniuga bene con il design italiano. Tutti i marchi, non competitivi tra loro - come tiene a precisare Marquette-, sono schierati intorno al Driade Fratelli Lyon Cafè: i clienti, tra banconi, tavoli, sedie, lampade e atmosfera ‘grandi firme’, godono con gli occhi, il naso, il palato, il cuore, lo spirito! Questa piazza italiana ci coglie di sorpresa...

John Marquette: il mio concetto ispiratore è via Durini a Milano, con i suoi grandi negozi e caffè da una parte e dall’altra. Mio fratello ed io già nel 2005 abbiamo cominciato a pensare a questa idea di avere Driade e il Driade Café, il ristorante integrato con lo showroom, come nucleo di partenza. Io ho lavorato molto nel mercato americano e maturato la consapevolezza sempre più forte che il Design, da solo, era ancora un fenomeno troppo piccolo per i compratori americani. Così ci venne l’idea di proporre la cucina italiana assieme allo stile

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In alto, John Marquette fotografato nel prestigioso De La Cruz Collection Contemporary Art Space, di cui ha realizzato il progetto. Qui sopra, le vetrine del Driade - Fratelli Lyon Restaurant. Nella pagina accanto, l’ora di punta nell’affollato ristorante italiano, il cui chef propone ampia scelta di piatti in un’atmosfera intrisa di good Food & Design. Tutto - banconi, tavoli, sedie - è firmato Driade.

At top, John Marquette photographed in the prestigious De La Cruz Collection Contemporary Art Space, which he designed. Above, the store windows of Driade - Fratelli Lyon Restaurant. Page across, rush hour at the crowded Italian restaurant, in which the chef offers a wide-ranging menu in an atmosphere permeated with Good Food & Design.

All the furnishings – counters, tables and chairs – are by Driade.

di vita Driade. Abbiamo avviato una partnership con un noto ristoratore locale e abbiamo chiesto ad Antonia Astori, di cui appezzavamo molto la qualità professionale, di progettare il ristorante. L’idea le piacque: venne qui a studiare la situazione e io andai a Milano. Infine decise di affidare il progetto a noi ‘locali’: forse le piacque l’idea della piccola impresa familiare, composta da mio fratello in qualità di businessman e da me come progettista. Così realizzammo l’idea che risultò molto utile a promuovere Driade presso un pubblico sempre più ampio.

Luciana Cuomo: attualmente come è il mercato di Miami per il design italiano?

J.M. premetto che il design italiano è presente a Miami da molto tempo. Basta pensare al noto e bellissimo showroom Luminaire che colleziona tutto il meglio. Ma, a guardar bene, gli showroom di design nel mercato americano per molti anni si sono presentati come musei, con i relativi aspetti positivi e negativi... come il fatto che le cose non si possono toccare.

Tornando al presente, Miami oggi è un mercato internazionale. Nella mia esperienza è un posto unico in confronto a tutte le altre città americane. Quasi più simile a Singapore. Il 50% degli acquirenti vengono da fuori: ricchi sudamericani, molto consapevoli e acculturati. Ricchi europei, italiani, tedeschi, francesi... hanno casa qui e comprano qui. Molti altri provengono dal Nord Est degli Stati Uniti, da New York... sono molto ricchi, vivono parte dell’anno a Miami, conoscono e capiscono bene il design. Vediamo questo fenomeno riflesso nello sviluppo di un evento come Art Basel. Quindi Miami è un hub, una intersezione unica di consumatori interessati ad acquistare questo stile di vita. Cosa che ci consente di fare un business di notevoli dimensioni e aperto a migliaia di visitatori dal mondo.

Un fenomeno di tale livello non sarebbe possibile a New York, tanto per fare un esempio, perché non ci sono consumatori di questo tipo e in questo numero.

A New York, peraltro, molti brand italiani sono ben presentati nei loro negozi di marca. E nonostante che qui, nella contea di Miami, vivano 5 milioni e mezzo di persone circa, mentre a NY ce ne sono più di 19 milioni, c’è molto più consumo di design a Miami che a NewYork.

The top design brands gather around Driade-Fratelli Lyon restaurant. The project is by John Marquette.

In the Design District, where 4141 NE intersects with 2nd Avenue, there is an attractive little ‘Italian’ restaurant, indicated in the guidebooks as Fratelli Lyon. The windows along the street bear the trademark Driade, then you enter the Piazza and find yourself surrounded by the great Italian brands. They are all there, close together, one beside the other in their separate spaces: Flos, Arclinea, Maxalto, Moroso, Zanotta, Alessi, Tre-P& Tre-Più, Lema, De Padova, Vitra. The latter is the only exception to the Italian rule but – says John Marquette, the well-known designer from Miami responsible for hotels,

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restaurants and art galleries, and the prestigious De La Cruz Collection, who created this enclave with his brother – Vitra is after all a good match to Italian design. All the brands, none of which are in competition with the others – as Marquette wishes to emphasize – are there on display throughout the Driade Fratelli Lyon Cafè: the customers, amidst the counters, tables, chairs, lamps and ‘designer’ atmosphere, draw enjoyment from their eyes, their nose, their palate, their heart, their spirit! This Italian piazza catches us by surprise...

John Marquette: the concept that inspired me is Via Durini in Milan, with

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its great shops and cafès on one side and the other. As early as 2005 my brother and I starting thinking about this idea of Driade and Driade Café, making the restaurant as an integral part of the showroom, as a point of departure. I have long worked on the American market and have developed an increasing awareness that Design alone is too small a phenomenon for American buyers.

We hence got the idea of offering Italian cuisine together with the Driade lifestyle.

We opened a partnership with a famous local restaurateur and we asked Antonia Astori, whom we admire a great deal for her professional qualities, to design the

restaurant. She liked the idea: she came here to study the situation and I went to Milan. She finally decided to entrust the project to us “locals”: maybe she liked the idea of the small family business, with my brother as the businessman and me as the designer. We therefore completed this idea which proved very useful in promoting Driade to a growing public.

Luciana Cuomo: currently what is the Miami market like for Italian design?

J.M. I would like to open with the premise that Italian design has been shown in Miami for quite some time.

Just think of the famous and fantastic Luminaire showroom that collects the

In queste pagine, ferve il design negli spazi del Driade-Fratelli Lyon Restaurant al Miami District, illuminato da lampade Flos.

On these pages, design runs rampant at the Driade-Fratelli Lyon Restaurant al Miami District, lit by lamps from Flos.

best of everything. But on second glance, for many years the design showrooms on the American market have presented themselves as museums, with the ensuing positive and negative aspects... such as not being able to touch the objects.

To return to the present, Miami is now an international market. In my experience it is a unique place compared to other American cities. Perhaps more similar to Singapore. About half the customers come from outside: rich South Americans, very conscious and cultured. Rich Europeans, Italians, Germans, French... who have a home here and buy here. Many others come from North Eastern United States,

from New York... they are very wealthy, they live part of the year in Miami, they know and understand design very well. We see this phenomenon reďŹ&#x201A;ected in the growth of an event such as Art Basel. Miami is hence a hub, a unique intersection of consumers interested in acquiring this lifestyle. This makes it possible for us to do a great deal of business open to thousands of visitors from all over the world. A phenomenon at this level would be impossible in New York, just to make an example, because they do not have consumers of this type and in this number. In New York, however, many Italian brands present their wares

very well in their own brand stores. E despite the fact that here, in the county of Miami, there are about 5 and a half million people, whereas in New York there are over 19 million, there is much more design consumption in Miami than in New York.

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DESIGN DA COLLEZIONE DESIGN FOR COLLECTORS

In alto, Art Basel: performance dell’artista Paulo Nazareth, galleria Mendes Wood di Sao Paulo.

Sotto, Jack Shainman Gallery di New York: installazione SoundSuit 2011 di Nick Cave.

At top, Art Basel: performance by artist Paulo Nazareth, Mendes Wood Gallery in Sao Paulo. Below, Jack Shainman Gallery in New York: the SoundSuit 2011 installation by Nick Cave.

nuove gallerie specializzate nel design del XIX e XX secolo e puntando sul design contemporaneo con personali di nuovi talenti. È convinta che il collezionismo di design, fenomeno relativamente recente, abbia ancora grandi possibilità di sviluppo e possa diventare uno straordinario volano per il design in generale. Come tale va esplorato più in profondità, in quanto piattaforma e laboratorio di sperimentazione in grado di coinvolgere i designer più innovativi nella ricerca e nel collaudo di nuove tecnologie, di nuovi linguaggi produttivi e nell’utilizzo di materiali innovativi. Le gallerie che rappresentano il design contemporaneo a Design Miami spesso offrono ai loro designer uno spazio per la sperimentazione. Quanto al concept dell’evento - sottolinea la nuova direttrice Marianne Goebl - è importante che mantenga una assoluta specificità del messaggio, concentrandosi su pezzi da collezione di altissima qualità.

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Business and culture converge in the seventh edition of Design Miami, the first event in the world for design collectors. The best designer of 2011 is an architect: David Adjaye. The new director Marianne Goebl offers a preview of the concepts and strategies for 2012.

A curious contrast distinguished the Design Miami event, which took shape for the seventh time beside its big sister Art Basel, reaping a growing success.

Here we celebrate design for collectors, connoisseurs, amateurs and the simply curious: the protagonists were the best design galleries in the world, which participated in the limited number of 30, but are clearly destined to grow in a short space of time. The first contrast lies in the primitive and somewhat Brutalist image of the tensile structure it is located in and the level of culture, elegance and innovation that distinguish the design works on exhibit, masterpieces of modernism or the contemporary era. And the second, even more immediate, contrast lies between the tent and Genesis, the work created by the African architect David Adjaye, which stands at the entrance. Adjaye was named Designer of the Year 2011 by an illustrious jury, impressed with his approach to architecture “as a social tool for meeting and a catalyst for the birth of new communities, for the innovative use of materials and for the diversified

portfolio of projects that cross over between architecture, design and art”.

“For me, designing is a form of social mediation”, states the architect of Ghanian origin, born in Tanzania into a family of diplomats, who at the age of 43 beat his illustrious colleagues to win the commission for the new Smithsonian Institution museum dedicated to AfroAmerican history and culture.

“I was born in the savanna, I grew up in the forests and finally came to the coasts of Great Britain, and the thread that ties my work together may be summed up in two concepts of universal accessibility and architectural democratization. I believe that architecture is a sort of performance, a strong force for social mediation and a tool that helps make things happen”. His recent projects include the Skolkovo School of Management in Moscow, the Contemporary Art Museum in Denver, the Nobel Peace Center in Oslo, the post-hurricane housing in New Orleans, built with the support of the Brad Pitt Make It Right Foundation.

“To win a title such as Designer of the Year, recognized by the entire design community, is very important to me because it recognizes my commitment to the kindred territories of art, architecture and design”.

His site specific installation at Design Miami 2011 is a triangular prism 10 meters long on each side, made of hundreds of cut wooden boards, with an interior space achieved by subtraction, with places

to sit in. The skylight and the space around it create a shimmering structure and an exciting experience for the visitors.

Satisfied with the event and the designer of the year, is the new curator Marianne Goebl, who succeeded Ambra Meda and has all it takes to promote the further evolution of Design Miami. Well versed in the field of Design, after a series of experiences including the direction of Vitra Editions, she has come to Miami to promote the

Qui sopra e nella pagina accanto, Design Miami: Genesis, site-specific pavillion di David Adjaye, Designer of the Year 2011. In alto, Design Miami: la galleria Moss di New York espone Selected Works by Dr. Haresh Lalvani.

Nella pagina accanto in alto, Art Basel: Richard Gray Gallery Chicago, TaleTeller 2011 dell’artista Jaume Plensa, steel&stone.

Above and page across, Design Miami: Genesis, the site-specific pavilion by David Adjaye, Designer of the Year 2011. At top, Design Miami: the Moss Gallery of New York exhibits Selected Works by Dr. Haresh Lalvani.

Page across at top, Art Basel: Richard Gray Gallery Chicago, Tale-Teller 2011 by artist Jaume Plensa, steel&stone.

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potential of this design collection event, the only one of its kind in the world.

Determined to increase its audience, with the debut of new galleries specialized in design from the nineteenth and twentieth centuries and focusing on contemporary design with personal exhibitions by new talents. She is convinced that design collecting, a relatively recent phenomenon, still has great possibilities for development and can become an extraordinary force to lead design in general. As such it deserves to be explored in depth, as both a platform and laboratory for experimentation that can involve the most innovative designers in researching and testing new technology, new production languages and using innovative materials. The galleries that represent contemporary design at Design Miami often offer their designers a space for experimentation. As for the concept of the event, underlines the new director Marianne Goebl, it is important that it stay right on the message, concentrating on the ďŹ nest quality pieces for collectors.

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Qui sopra, Design Miami: Industry Gallery, Washington DC-Los Angeles, presenta le opere del designer Tom Price (in foto). A sinistra, Art Basel: Tree, dellâ&#x20AC;&#x2122;artista cinese Ai Wewei, Galerie Urs Meile Beijing-Lucerna.

Nella pagina accanto, in alto, Design Miami: Galerie Maria Wettergren Paris, specializzata in design scandinavo contemporaneo. Nella foto: opere di Astrid Krogh 2011 e chaise longue Erling Christoffersen (sullo sfondo); Ditte Hammerstroern con Bunch of Boxes e divano Folda Sofa di Louise Campbell (in primo piano). Sotto, Carpenters Workshop Gallery, Londra-Parigi: poltrone di Robert Stadler, lampada da terra di Charles Trevelyan e sospensione Light Dome di Mathieu Lehanneur.

Above, Design Miami: Industry Gallery, Washington DC-Los Angeles, presents the works of designer Tom Price (in the photo). At left, Art Basel: Tree, by Chinese artist Ai Wei-wei, Galerie Urs Meile Beijing-Lucerne. Page across, at top, Design Miami: Galerie Maria Wettergren Paris, specialized in contemporary Scandinavian design.

In the photo: works by Astrid Krogh 2011 and chaise longue by Erling Christoffersen (in the background); Ditte Hammerstroern with Bunch of Boxes and the Folda Sofa by Louise Campbell (in the foreground). Below, Carpenters Workshop Gallery, LondonParis: armchairs by Robert Stadler, ďŹ&#x201A;oor lamp by Charles Trevelyan and the Light Dome hanging lamp by Mathieu Lehanneur.

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Design Miami: exhibition della Galerie Downtown-Francois Laffanour, Paris, specializzata in Maestri del Design Europei ed Americani, moderni e contemporanei. Nella foto in alto, Jean Prouvé; sotto, nel corner dedicato, l’ormai storico impianto hi-fi in cemento di Ron Arad. Nella pagina accanto, Design Miami: la Galleria Seomi di Seul espone pezzi scelti di designer coreani (foto in alto); l’installazione Urban Future, a firma dei BIG, mostra la nuova concept car elettrica Audi A2 (in basso a sinistra); la galleria Modernity di Stoccolma espone selected works di Michael Young 2011, tra cui la Silver Link sculpture (a destra).

Design Miami: exhibition by the Galerie Downtown-Francois Laffanour, Paris, specialized in the Masters of European and American Design, modern and contemporary.

In the photo at top, Jean Prouvé; below, in the dedicated corner, the now historic concrete hi-fi system made by Ron Arad. Page across, Design Miami: the Seomi Gallery of Seoul exhibits a selection of pieces

by Korean designers (photo at top); the Urban Future installation, designed

by BIG, demonstrates the new Audi A2 electric concept car (below left); the Modernity Gallery in Stockholm exhibits selected works by Michael Young 2011, including the Silver Link sculpture (at right).

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HANDMADE/DESIGN

LA LEGGEREZZA DEL FERRO THE LIGHTNESS OF IRON di Giulia Bruno Sette progetti ideati da un gruppo di giovani designer coordinati da Giulio Iacchetti sono stati realizzati in ferro battuto con la collaborazione della magistrale artigianalitĂ della Sampietro 1927, storica azienda comasca specializzata nella lavorazione dei metalli.

Seven works developed by a group of young designers co-ordinated by Giulio Iacchetti were built in wrought iron in collaboration with Sampietro 1927, an established Como-based metal working company which is the name for exquisite craftsmanship.

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Raccontare la millenaria storia della lavorazione del ferro attraverso la creazione di piccoli oggetti o grandi strutture eseguite con maestria artigianale unita alla competenza, precisione, professionalità del designer: è l’obiettivo di Sampietro 1927, azienda da oltre 80 anni famosa per i manufatti in ferro, ottone, rame e acciaio inox. Obiettivo concretizzato nel progetto ‘Tra martello e incudine’, workshop nato con l’idea di perfezionare soluzioni progettuali arricchendole di competenze ed esperienze diverse (www.sampietro.com ). Dall’incontro fra artigianato e mondo del design, nel continuo confronto fra i responsabili dell’azienda, il coordinatore e i singoli progettisti, sono scaturite sette opere insolite. Il laboratorio creativo si è concluso con la presentazione degli oggetti firmati da 4P1B Design Studio, Carlo Contin, Dunja Weber, Federico Angi e Giulio Iacchetti in veste di coordinatore, ed

esposti presso il Design Café del Triennale Design Museum di Milano, sotto la cui egida si è svolto il workshop. Oggetti d’uso tradizionale sono stati rivisitati in chiave contemporanea con inedite soluzioni. È il caso di Moresco, inferriata in ferro battuto, trasformata in rete flessibile dallo studio 4P1B: il sistema modulare composto da un elemento in ferro battuto con geometria a ‘V’ è predisposto per agganciarsi agli elementi successivi per mezzo di anelli di metallo. Il tradizionale lampione per uso urbano, spogliato delle classiche decorazioni, diventa Plenilunio, sempre pensato da 4P1B come semplice stelo di quadrelli di ferro che si aprono a pigna nella parte superiore, ad accogliere e proteggere una sfera luminosa. Per mostrare le potenzialità della lavorazione del ferro Carlo Contin ha progettato Maniglioni, piccola collezione di tre pezzi ottenuti con diverse modalità di lavorazione

artigianale. Fendiforgia, ancora di Contin, è una leggera sedia da esterno dalle linee continue che intersecandosi senza soluzione di continuità reggono la seduta di gomma grezza intrecciata. Dunja Weber ha sfidato i fabbri della Sampietro trasformandoli in tessitori per Megaweave, seduta da esterno formata da sei barre di ferro battuto intrecciate. La tradizione della vita rurale ha ispirato Federico Angi nel progettare Tools, tavolini con piano in lamiera e struttura in noce canaletto, uniti da incastri che ricordano l’incavo per i manici in legno di pale e badili. Ferro e fuoco è l’opera con cui Giulio Iacchetti si è unito al lavoro degli artigiani di Sampietro 1927: un candelabro a tre bracci sboccia dalla base formata da tre sottili nastri di ferro, attorcigliati secondo un disegno elicoidale. Il contrasto fra la durezza del materiale e la leggerezza del movimento sottolinea un’impossibilità solo apparente.

In questa pagina, a sinistra, Picapenna, collezione Maniglioni di Carlo Contin; a destra, Megaweave di Dunja Weber.

Pagina accanto. A sinistra e in senso orario, i designer Dunja Weber, Giulio Iacchetti, Federico Angi, 4P1B Design Studio, Carlo Contin. A destra, Moresco di 4P1B Design Studio.

This page, left, Picapenna, Maniglioni collection, designed

by Carlo Contin; right, Megaweave, designed by Dunja Weber.

Opposite, from left, clockwise, designers Dunja Weber, Giulio Iacchetti, Federico Angi, 4P1B Design Studio, Carlo Contin. Left, Moresco, designed by 4P1B Design Studio.

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Telling about the millenary history of iron working through the creation of small objects or big structures built with unique artisanal skill, combined with the designer’s expertise, precision and professional competence: this is the goal pursued by Sampietro 1927 – which has been renowned for its iron, brass, copper and stainless steel products for over 80 years – and achieved under the project ‘Tra martello e incudine’, a workshop launched with the idea of improving design solutions, enriching them with a variety of skills and experiences (www. sampietro.com ). The combination of crafts and design, supported by ongoing exchanges between the management of the company, the co-ordinator and the individual designers, has translated into seven peculiar works. The creative workshop ended with the presentation of the objects created by 4P1B Design Studio, Carlo Contin, Dunja Weber, Federico Angi and Giulio Iacchetti as co-ordinator, and displayed at the Design Café of Triennale Design Museum in Milan, which supported the workshop.

Traditional objects were modernized through new solutions. This was the case with Moresco, wrought iron bars

converted into flexible mesh by 4P1B: the modular system composed of a “V”shaped wrought iron piece was designed to be hooked to the next pieces through metal rings. The traditional streetlamp for urban use, stripped of classic decorations, translated into Plenilunio, also designed by 4P1B, as a simple stand of square iron tiles opening like cones in the upper part, to accommodate and protect a lighted ball. To demonstrate the potentialities of iron working, Carlo Contin designed Maniglioni, a small collection of three pieces obtained from different craft working techniques. Fendiforgia, also designed by Carlo Contin, is a lightweight outdoor chair with unbroken lines which intersect seamlessly to support the woven raw rubber seat. Dunja Weber challenged Sampietro’s smiths, making them into weavers for Megaweave, an outdoor seat composed of six twisted wrought iron bars. Federico Angi was inspired by country life in designing the Tools coffee tables with sheet metal tops and Canaletto walnut frames, connected by joints which are reminiscent of the hollow for the wooden handles of shovels. Ferro e fuoco is the work that brought together Giulio Iacchetti and the artisans of Sampietro

1927: a three-arm candelabrum opens from the base composed of three thin iron bands, twisted according to a spiral design. The contrast between the hardness of the material and the lightness of movement emphasizes an impossibility which is but apparent.

In alto, Fendiforgia di Carlo Contin; in basso, Tools di Federico Angi.

Top, Fendiforgia, designed by Carlo Contin; bottom, Tools, designed

by Federico Angi.

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In alto, due immagini di Ferro e Fuoco di Giulio Iacchetti. In basso: a sinistra, Plenilunio di 4P1B Design Studio; a destra, Doracurva, collezione Maniglioni di Carlo Contin.

Top, Ferro e Fuoco, designed by Giulio Iacchetti. Below, left, Plenilunio, designed by 4P1B Design Studio; right, Doracurva, Maniglioni collection, designed by Carlo Contin.

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LIGHT/TECHNOLOGY

NUOVA LUCE SUL MONDO DEI LED

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SHEDDING NEW LIGHT ON THE WORLD OF LEDS

Una ricerca sviluppata a livello internazionale dallo studio Design Group Italia stimola importanti riflessioni sulle nuove frontiere dell’illuminazione: dall’evoluzione dell’approccio al design dell’apparecchio illuminante allo sviluppo di una forte integrazione tra progetto illuminotecnico e progetto architettonico.

An international research study developed by the studio Design Group Italia leads to important considerations on the new frontiers of lighting: from the evolution of design’s approach to the lighting fixture, to the development of a profound integration between the lighting project and the architectural design.

Lo studio milanese Design Group Italia si avvale di un team eclettico di professionisti provenienti da diverse parti del mondo per studiare i trend di consumo ed esplorare gli stili emergenti dei vari settori merceologi per la creazione di prodotti innovativi. Tra i loro clienti figurano importanti marchi internazionali quali 3M, Barilla, Chicco, Samsung, Fila, Coca Cola, Galbani, Pelikan, Pepsodent, Magis, Vimar. “Il nostro successo - ci spiegano Sigurdur Thorsteinsson e Federico Casotto - è legato alla combinazione di un approccio creativo di tipo intuitivo, tipicamente italiano, e di un iter progettuale di impostazione più

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anglosassone, basato su metodo e ricerca. Non è infatti un caso che il nostro fatturato attuale derivi al 60% dall’estero, in particolare dalla collaborazione con aziende del Nord Europa e del Nord America. Sviluppiamo soprattutto prodotti di largo consumo, diretti ad un pubblico vasto, attraverso i quali vogliamo affermare i valori dei brand per i quali lavoriamo piuttosto che affermare la nostra identità. In questo riconosciamo un tratto distintivo rispetto a molte altre realtà del design italiano ed europeo, che invece tendono ad esprimere, attraverso i progetti, la visione estetica del designer che li firma.

Il nostro design traduce, precisa e alle volte chiarisce le intenzioni dei nostri clienti”.

Da cosa è partita la ricerca sulla luce, in particolare sui LED, che vi ha portato a creare un’apposita divisione interna allo studio dedicata al Lighting Design?

“La ricerca ci è stata commissionata da 3M America, che voleva valutare le potenzialità di alcune sue nuovissime tecnologie nel mercato della illuminazione. Abbiamo proposto un percorso progettuale molto articolato, che comprendeva l’analisi delle tendenze tecnologiche ed estetiche, l’elaborazione di concept di illuminazione e la

Pagina accanto, prototipo di Light Path, presentato alla mostra Infinite Innovation, Triennale 2011. In alto, The Cube, 2010: lighting concept per interni di automobile, in collaborazione con Pininfarina (foto di Rob Miller). Qui sopra, il gruppo di lavoro con Piero Santoro, Ross De Salvo, Carlo D’Alesio, Sigurdur Thorsteinsson, Edgardo Angelini (da sinistra).

Opposite, prototype of Light Path presented at the exhibition entitled Infinite Innovation, Triennale 2011. Top, The Cube, 2010: lighting concept for automobile interiors, developed with Pininfarina (photo by Rob Miller). Above, group photo: Piero Santoro, Ross De Salvo, Carlo D’Alesio, Sigurdur Thorsteinsson, Edgardo Angelini (from left).

definizione di alcune linee strategiche generali.

Nel progetto, condotto da noi, con la collaborazione del 3M Design Center, sono stati coinvolti i lighting specialist D’Alesio & Santoro, i designer Huub Hubbens e Zoran Jedrejcic e l’agenzia di ricerche di mercato Punctum. Con Punctum, in particolare, abbiamo organizzato un forum on line internazionale a cui sono stati invitati architetti e lighting designer europei, americani e giapponesi, per discutere di luce e architettura, di luce naturale e artificiale e di sostenibilità. È stato molto interessante. I dati che abbiamo raccolto durante questa lunga fase di ricerca hanno

stimolato importanti riflessioni sul futuro del settore illuminazione”.

Quali risultati sono emersi dal forum e quindi dalla vostra ricerca? “È emersa sopratutto l’importanza di passare dal concetto di lampada tradizionale a quello di luce integrata. Grazie alla miniaturizzazione delle fonti luminose, ai LED sempre più efficienti e allo sviluppo di nuovi materiali in grado di trasportare, diffondere e direzionare la luce, in ambito architettonico le superfici e la luce, sono destinate a entrare nella stessa visione progettuale. Il MAXXI di Zaha Hadid rappresenta un felice esempio di luce progettata non ‘in funzione’ di uno spazio architettonico già definito, ma ‘assieme’ ad esso come uno dei suoi aspetti più caratterizzanti. Le nuove tecnologie favoriranno notevolmente questo atteggiamento. Le normative relative al risparmio energetico hanno inoltre incentivato soluzioni di gestione integrata di luce naturale e artificiale. A questo proposito vengono oggi istallati collettori e condotti di luce in grado di trasportare la luce del sole fino a 20 metri di profondità sia orizzontalmente che verticalmente negli edifici. Solo una maggiore collaborazione tra architetti e lighting designer tuttavia può dare vita a un progetto di luce più consapevole con incredibili vantaggi sia sotto il profilo della funzione di illuminare sia su quello della libertà creativa e dell’impatto estetico.

Il secondo importante aspetto che è emerso dalla ricerca è che progettare lampade LED è molto diverso che progettare lampade tradizionali.

Classicamente una lampada è una struttura co-

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struita attorno a una sorgente luminosa, studiata sia per diffondere e orientare la luce, sia (soprattutto) per esprimere un valore in sé, come oggetto di arredamento. Le abilità dei designer e dei produttori si sono sempre esercitate sulla struttura, non sulla fonte di luce, che è stata finora più o meno una costante: bulbi a incandescenza, tubi fluorescenti, alogene. Con la tecnologia LED noi crediamo che il valore e l’attenzione progettuale debba essere distribuito diversamente. La sorgente luminosa deve essere progettata di volta in volta, non è una costante e non è più esteticamente neutrale.”

Quale sarebbe dunque la vostra proposta?

“Noi proponiamo di progettare la lampada partendo dal modo in cui la luce viene emessa. Qui sta la nuova sfida delle aziende del settore luce: emanciparsi dal vecchio schema lampadina/riflettore, sviluppando un nuovo approccio al design della luce e un know how tecnologico molto più sofisticato, destinato alla creazione di prodotti e sistemi più flessibili, al di fuori delle rigide standardizzazioni dei componenti. Se non avviene questo scatto, c’è il rischio che la varietà di player nel mercato e la corrispondente ricchezza dell’offerta diminuisca drasticamente a favore di poche grandi aziende come Philips o General Electric, che, forti di un know how tecnologico consolidato, entrano con aggressività nel settore, acquistando marchi di prestigio e producendo in proprio lampade LED. Noi proponiamo alle aziende di illuminazione di affrontare il cambiamento assieme a noi, sviluppando un nuovo modo di progettare la luce. Per questo abbiamo creato una divisione lighting, in partnership con due giovani, ma già esperti, lighting specialist: D’Alesio & Santoro.

Le logiche del mercato stanno cambiando rapidamente. Le persone cominciano a valorizzare la luce in modo nuovo, considerando aspetti che fino a qualche anno fa avevano scarsa importanza: comfort visivo, qualità sensoriali ed emotive, risparmio energetico, resa del colore, interattività... Vediamo grandi opportunità per uno studio come il nostro, abituato a ‘sentire’ le pulsazioni delle tendenze. La ‘rivoluzione LED’ è appena cominciata”.

The firm Design Group Italia in Milan relies on an eclectic team of professionals from various parts of the world to study consumer trends and explore upcoming styles in a range of market categories for the creation of innovative products. Their clients include important international brands such as 3M, Barilla, Chicco, Samsung, Fila, CocaCola, Galbani, Pelikan, Pepsodent, Magis, Vimar. “Our success – explain Sigurdur Thosteinsson and Federico Casotto – depends on the combination of an intuitive creative approach that is typically Italian, and a design process with a more AngloSaxon approach, based on method and research. It is not a coincidence that 60% of our current earnings come from abroad, in particular from the collaboration with companies from Northern Europe and North America. We essentially develop products for the mass market, for a vast public, in which

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we seek to assert the values of the brand we are working for rather than our own identity. This is a trait that distinguishes us from other Italian and European design firms, which tend to express the aesthetic vision of the designer in their projects. Our design translates, specifies and sometimes clarifies the intentions of our clients”.

What is the story behind your research into light, in particular LED lighting, that suggested creating a specific department within the firm dedicated to Lighting Design?

“The research was commissioned to us by 3M America, which wanted to assess the potential of some of its newest technology in the field of lighting. We proposed a

comprehensive design process, which included the analysis of technological and aesthetic trends, the development of lighting concepts and the delineation of general strategic guidelines. In the project, which we developed with the collaboration of the 3M Design Center, we involved lighting specialists D’Alesio & Santoro, the designers Huub Hubbens and Zoran Jedrejcic and the market research company Punctum.

With Punctum, in particular, we organized an international online forum to which we invited European, American and Japanese lighting designers, to talk about light and architecture, natural and artificial light and sustainability. It was very interesting. The data we gathered during the lengthy research phase led to some very interesting considerations on the future of the lighting field”.

What results did the forum and your research produce?

“Primarily the importance of moving from the concept of traditional lamp to that of integrated lighting. Thanks to the miniaturization of lighting sources, to increasingly efficient LEDS and the development of new materials that can carry, diffuse and direct the light, in architectural spaces the surfaces and the light are destined to be included in the

same design vision. The MAXXI by Zaha Hadid is a successful example of light that was not designed “as a function” for predesigned architectural space, but “along with it” as one of its characterizing factors.

The new technologies strongly encourage this approach. The standards for saving energy have also advanced solutions that manage natural and artificial light with an integrated approach. One solution is to install light collectors and conduits that can carry the sunlight as deep as 20 meters inside buildings both horizontally and vertically. Only a better collaboration between architects and lighting designers can lead to a project that is more conscious of the incredible advantages that can be

In alto, Light Path, 2011: sistema modulare per uffici con trasmissione integrata di audio, tensione elettrica e dati. Qui sopra, Hoop, 2010: anello luminoso di 3 metri di diametro, 80 mm di spessore e 600 mm di altezza, realizzato per il 3M Corporate Innovation Center di St. Paul, Minnesota.

Top, Light Path, 2011: a modular system for offices with integrated conveyor of audio, electric power and data. Here above, Hoop, 2010: a light ring 3 meters in diameter, 80 mm thick and 600 mm high, made by 3M Corporate Innovation Center in St. Paul, Minnesota.

In alto, Sunlight Delivery System, 2011: sistema di canalizzazione della luce solare in grado di effettuare curve tridimensionali. Il sistema compensa in tempo reale l’eventuale mancanza di luce naturale grazie a sorgenti LED integrate, collegate a un luxmetro.

Qui sopra, Starline, 2009, i-LèD, Linea Light Group, design di D’Alesio&Santoro: sistema Starline installato all’Opera di Atene, progetto illuminotecnico di IFI Group Greece (foto di Yannis Kontos).

Top, Sunlight Delivery System, 2011: a system to channel the sunlight bending it along threedimensional curves. The system compensates for a loss of natural light in real time, thanks to integrated LED sources, connected to a lux meter. Here above, Starline, 2009, I-LèD, Linea Light Group, design by D’Alesio&Santoro: the Starline system installed at the Athens Opera, lighting project by IFI Group Greece (photo by Yannis Kontos).

derived in terms of function as well as creative freedom and aesthetic impact.

The second important factor that came out of the research was that designing LED lamps is very different from designing traditional lamps. A classic lamp is a structure built around a lighting source, studied to diffuse or direct the light, and (especially) to express a value in and of itself, as a decorating element. The capacities of the designer and the manufacturers have always been focused on the structure, not on the lighting source, which until now has more or less been constant: incandescent bulbs, fluorescent tubes, halogens. With the LED technology, we believe that the value and attention of design must be distributed differently. The light source must be designed anew each

time, it is not a constant, and it is no longer aesthetically neutral.”

So what do you propose?

“We proposed to design the lamp starting from the way the light is emitted. This is the new challenge for manufacturers in the field of lighting: to move beyond the old lamp/reflector concept, to develop a new approach to the design of light and a more sophisticated technological know-how, for the creation of more flexible products and systems, that go beyond the rigid standardized components. If we don’t take this giant step forward, the risk is that the variety of players on the market and the corresponding wealth of models will plummet drastically in favour of a small number of large manufacturers such as Philips or General Electric, that have a consolidated technological know-how and as a result can act aggressively on the market, buying prestigious brands and producing LED lamps themselves. We ask lighting manufacturers to address this change together with us, to develop a new way of designing light. For this reason we created a lighting division, in partnership with two young, but expert, lighting specialists: D’Alesio & Santoro. The market logic is changing rapidly. People are starting to cultivate lighting in a new way, considering factors that were unimportant only a few years ago: visual comfort, sensorial and emotional quality, energy savings, colour range, interactivity… We see great opportunities for a firm such as ours, which is used to “sensing” the pulsations of coming trends. The “LED revolution” has just begun”.

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CREATIVITY/RESEARCH

DESIGN ON DISPLAY

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A Lisbona, dove si è svolta la manifestazione ExperimentaDesign – la biennale di design che trasforma la città in un unico laboratorio di ricerca – la creatività era di casa, in un avvincente charme di vecchio mondo rinfrescato da punte di avanguardia e un coté cosmopolita.

In Lisbon, during the event entitled Experimenta Design – the design Biennale that transforms the city into a unique laboratory for experimentation – creativity was right at home, with an alluring Old-World charm refreshed by peaks of avant-garde and a cosmopolitan touch.

Experimenta-Useless è stato il provocatorio tema della VI edizione, che ha visto una partecipazione numerosa di interior, graphic, product e social designer internazionali discesi nella capitale lusitana e in coda per visitare e seguire seminari e laboratori e per individuare nuovi trend della cultura contemporanea. Cosa ha voluto significare Useless? Semplicemente riappropriarsi della bellezza, come puro piacere, disinteressato ma promettente di nuove esperienze. Esperienze che possono lenire o esaltare il nostro desiderio; portarci a discussioni tangibili in ambiti di applicabilità stabilita, e quindi a una riflessione ulteriore sul significato del design nel mondo contemporaneo. Il tutto in una città tra le più belle, oggi, e amate del mondo, il cui fascino caratteristico non è dato solo dagli straordinari monumenti, dai quartieri caratteristici o dai locali tradizionali (che vantano una tradizione ga-

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stronomica ricca e variegata), ma anche da una vita culturale intensa, con mostre d’arte, concerti ed eventi vari. Tra le novità più importanti: il nuovo e molto ben organizzato Mude, Museo del Design e della Moda; il vecchio edificio del Tribunale (Antigo Tribunal da Boa-Hora), sede principale delle esposizioni di Experimenta, dalle pareti di tutte le stanze rivestite di meravigliosi azulejos; il Centro Champalimaud per l’Ignoto, inaugurato nella zona di Belèm dalla fondazione omonima con l’obiettivo di sviluppare l’attività di ricerca biomedica in Portogallo. La città si muove velocemente in diversi settori, non ultimo quello dell’hotellerie, con l’apertura di nuovi hotel di design o di semplice charme.

In queste pagine: una panoramica dei lavori di design presentati nella settimana di Experimenta. www.experimentadesign.pt

Experimenta-Useless was the provocative theme of the VI edition 2011, which counted a large number of participating international interior, graphic, product and social designers who came to the capital of Portugal, standing in line to visit and attend seminars and workshops and to explore new trends in contemporary culture.

What was the meaning of Useless?

Simply recovering Beauty as pure,

not rely simply on its extraordinary monuments, characteristic neighborhoods or traditional locales and the rich and variegated culinary tradition, but also on its intense cultural life with art exhibitions, concerts and events of all kinds. The most important new happenings, illustrated on the following pages, include: the new and very well organized Mude, the Museum of Design and Fashion; a pleasant surprise was the

view. The city moves rapidly in various sectors, not the least of which is the hotel industry, with the inauguration of new design or simply charme hotels. On these pages, an overview of the design works presented during Experimenta week.

disinterested pleasure that promises new experiences. Experiences that can soothe or heighten our desire, lead us into tangible discussions in contexts of established applications, thereby provoking further considerations on the meaning of design in the contemporary world. All of this in one of the most beautiful and beloved cities in the world today, whose characteristic appeal does

old Court building, the Antigo Tribunal da Boa-Hora, the main venue for the exhibitions of Experimenta, with walls in every room clad in marvelous azulejos; in the area of Belèm, the Champalimaud Center for the Unknown, inaugurated by the homonymous foundation with the objective of developing biomedical research in Portugal , which is extremely interesting from an architectural point of

Da sinistra, in alto, in senso orario: lampadario di fogli di riviste, opera di studenti; sedia in metallo traformabile in scala; art work Fronteiras di Pedro Pire, galleria Arte Periférica; sedie in metallo di Toni Grilo Design Studio. Nella pagina a sinistra, allestimento di studenti nell’ingresso dell’Antigo Convento da Trindade From left, at top, clockwise: the chandelier made of magazine pages by the students; metal chair that can be turned into a ladder; Fronteiras art work by Pedro Pire, Arte Periférica gallery; metal chair by the Toni Grilo Design Studio. Page at left, student installation at the entrance to the Antigo Convento de la Trindade.

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In alto e al centro, Inhabited Designs, tre lavori di Fernando BrĂŹzio; sotto, raccoglitore dâ&#x20AC;&#x2122;acqua, Concurso Jovem Designers At top and at centre, Inhabited Designs, three works by Fernando Brizio; below, water collector, Concurso Jovem Designers.

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UN CENTRO PER L’IGNOTO

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A CENTRE FOR THE UNKNOWN

Il Centro di Ricerca Champalimaud per l’Ignoto, voluto dalla Fondazione omonima, è un centro multidisciplinare per la ricerca medica e scientifica, con l’obiettivo di attrarre e trattenere i migliori ricercatori, accademici e medici nei settori delle neuroscienze e oncologia, destinato a favorire la ricerca front line nel campo della biologia molecolare, genetica, immunologia, neuroscienze e del comportamento, e oncologia, così come post-laurea e programmi di dottorato, nonché la diagnosi e il trattamento di pazienti affetti da tumore. Comprende laboratori per la ricerca di base e clinica, un centro di assistenza ambulatoriale, un vivaio, un auditorium, sale conferenze, strutture didattiche e uno spazio espositivo. Il progetto è firmato dall’architetto indiano Charles Correa, che ha avuto occasione di dichiarare: “il nuovo Centro Champalimaud cerca di fornire strutture all’avanguardia per la ricerca scientifica medica e segnerà uno spartiacque nello sviluppo della nazione: è un obiettivo implicito nel sito storico di Belém, da cui 500 anni fa i grandi esploratori intrapresero i loro viaggi nel mondo sconosciuto.

Quindi, il progetto crea anche una grande piazza urbana sul lungomare, un dono per il popolo del Portogallo che celebra un momento cruciale - forse il momento decisivo - della sua storia”. Questi spazi ampi, con vista panoramica sulla costa, sono la cerniera tra il pubblico

e gli scienziati: un legame e una fusione tra chi lavora per il bene dell’umanità e chi ne è il beneficiario. Al pubblico verrà permesso, infatti, di visitare le zone di lavoro degli scienziati. Il Centro Champalimaud per l’Ignoto si trova esattamente sul lungomare di Pedrouços, vicino alla Torre di Belém, dove il fiume Tago incontra l’Oceano Atlantico. Un luogo di grande significato storico che collega oggi i viaggi di conquista e di scoperta del passato all’avventura altrettanto epica della ricerca scientifica odierna. E siccome anche gli scienziati devono nutrirsi, nell’interno dell’edificio è sorto anche un bel ristorante, chiamato, ovviamente, Darwin’s Café. È aperto al pubblico.

Gli edifici del Centro sono disposti in modo da creare un percorso pedonale lungo 125 metri, che porta diagonalmente attraverso il sito ver-

Il Centro Champalimaud per l’Ignoto, progettato dll’architetto indiano Charles Correa, si trova a Lisbona, esattamente sul lungomare di Pedrouços, vicino alla Torre di Belém, dove il fiume Tago incontra l’Oceano Atlantico.

The Champalimaud Center for the Unknown, designed by Indian architect Charles Correa, is located in Lisbon, and more specifically on the waterfront of Pedrouços, near the Tower of Belém, where the Tago River runs into the Atlantic Ocean.

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so il mare aperto. Questo percorso è su un piano inclinato, in modo che quando si cammina verso l’alto si può vedere solo il cielo. In cima alla rampa ci sono due monoliti di pietra, direttamente dalla cava. Quando si raggiunge il punto più alto si scorge una grande massa d’acqua, che sembra essere un tutt’uno con le acque dell’oceano. Nel centro del corso d’acqua, appena sotto la superficie, c’è un oggetto di forma ovale in acciaio inox, leggermente convesso in modo da riflettere il cielo blu e le nuvole che passano, ma che potrebbe essere qualsiasi cosa – il dorso di una tartaruga, un’isola tropicale, uno scrigno – a segnalare l’umana e mitica avventura che ha ispirato le scoperte. www.fchampalimaud.org/newsroom/detail/centro-de-investigacaeo/

In queste pagine, immagini del Centro, che comprende laboratori per la ricerca di base e clinica, un centro di assistenza ambulatoriale, un vivaio/serra, un auditorium, sale conferenze, strutture didattiche e uno spazio espositivo. Il progetto crea anche una grande piazza urbana sul lungomare, un dono per il popolo del Portogallo, che celebra così un momento cruciale della sua storia.

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On these pages, views of the Center, which has laboratories for basic and clinical research, an outpatient health centre, a greenhouse, an auditorium, conference rooms, educational structures and an exhibition space. The project also creates a large city square on the waterfront, a gift to the people of Portugal which thus celebrates a critical moment in its history.

The Champalimaud Centre for Research into the Unknown, created by the Foundation of the same name, is a multidisciplinary centre for medical and scientific research, the objective of which is to attract and keep the finest researchers, scholars and doctors in the fields of neuroscience and oncology, destined to foster front-line research in the field of molecular biology, genetics, immunology, neuroscience and behavioural sciences, and oncology, as well as post-graduate and PhD programmes, and the diagnosis and treatment of patients with cancer. It includes laboratories for basic and clinical research, a centre for outpatient assistance, a greenhouse, an auditorium, conference rooms, educational structures and an exhibition space.

The project was designed

by Indian architect Charles Correa, who has stated: “The new Champalimaud Centre wishes to provide avantgarde structures for scientific medical research and will

be a defining moment in the development of the nation: this is an implicit objective for the historical site of Belém, from which 500 years ago the great explorers set off on their journeys into an unknown world. Hence, the project creates a large urban square on the waterfront, a gift to the people of Portugal who are celebrating a critical moment – perhaps a decisive one – in their history”. These ample spaces with a panoramic view onto the coastline serve to bring together the public and the scientists, they are both a bond and a fusion between those who work for the benefit of humanity and those who will benefit from it. The public will in fact be allowed to visit the scientists’ work spaces.

The Champalimaud Centre for the Unknown is located precisely on the Pedrouços seafront, near the Tower of Belém, where the Tago river meets the Atlantic Ocean.

A place of great historical significance which connects the journeys of conquest and discovery of the past and the

the quarry. When one reaches the highest point, a large mass of water becomes visible that seems to be part of the waters of the ocean. In the middle of the watercourse, just under the surface, is an oval-shaped object made of stainless steel, slightly convex so that it can reflect the blue sky and the clouds passing overhead, but it could be almost anything – the back of a turtle, a tropical island, a jewel box – to commemorate the legendary human adventure that inspired the discoveries.

equally epic adventure of today’s scientific research. And since even scientists must eat, inside the building is a fine restaurant, known obviously as Darwin’s Café. It is open to

the public. The buildings of the Centre are arranged in such a way as to create a pedestrian promenade 125 metres long, which leads diagonally across the site towards the open sea.

This promenade is graded in such as way that when one walks upward all you can see is the sky. At the top of the ramp stand two stone monoliths, taken directly from

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UN MUSEO PER IL DESIGN E LA MODA A MUSEUM FOR DESIGN AND FASHION

rispettando la pre-esistenza e lontano dall’idea classica di un museo-white cube, afferma la propria identità architettonica. In altre parole, il museo è concepito come un dinamico progetto sperimentale, aperto e innovativo, facile da seguire nei suoi sviluppi sia dai visitatori locali che stranieri. Per la città di Lisbona rappresenta un notevole impulso per la reinvenzione del centro storico: una forza attiva pulsante attraverso l’arteria principale della città, nel cuore della Baixa Pombalina, che contribuisce al sospirato e tanto necessario lavoro di riqualificazione urbana, così come alla cultura della creatività e dell’innovazione. Nelle immagini in queste pagine, alcuni esempi dell’allestimento al piano terreno del Museo, con una straordinaria raccolta di abiti e arredi dal Novecento a oggi. www.mude.pt

Situato nel cuore del centro storico di Lisbona, a pochi metri dall’arco tra la Rua Augusta nel quartiere Baixa e il lungomare Praça do Comércio, il Mude, Museo per il Design e la Moda, occupa l’edificio ristrutturato, una volta sede del Banco Nacional Ultramarino. Il museo ha uno sviluppo di work in progress. Già da ora, ma soprattutto nei prossimi anni, sarà un luogo in mutazione permanente, con attività differenziate e distribuite negli otto piani che occupa, in accordo con le opere architettoniche. Pur L’edificio ristrutturato che ospita il Mude, Museo del Design e della Moda; in alto, la sala d’ingresso al Museo. Nella pagina a destra, in alto: chaise-longues di Osvaldo Borsani (1954) e di Carlo Graffi (1953); in basso, abiti Christian Dior (1950) e Hubert de Givenchy (1965), poltroncine di Ray Komay (1949), di Carl Jacobs (1950) e di Robin Day (1963), mobile di Joaquim Terreiro (1950).

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The restored building is the home of Mude, the Museum of Design and Fashion; at top, the entrance lobby to the Museum. Page at right, at top: chaise-longues by Osvaldo Borsani (1954) and by Carlo Graffi (1953); below, couture by Christian Dior (1950) and Hubert de Givenchy (1965), armchairs by Ray Komay (1949), by Carl Jacobs (1950) and

by Robin Day (1963), furniture by Joaquim Terreiro (1950).

Located in the heart of the historic city centre of Lisbon, just a few meters from the arch between the Rua Augusta in the Baixa district and the Praça do Comércio waterfront promenade, the Mude, Museum for Fashion and Design, occupies the renovated building, once the headquarters of the Banco Nacional Ultramarino. The museum is developing as a work in progress. Starting immediately, but intensifying in coming years, it will be a place of permanent mutation with a variety of activities distributed throughout the eight floors that it occupies, in accordance with the architectural works. Despite its respect for existing buildings, and a far cry from the classical idea of the white cube-museum, it establishes a strong architectural identity. In other words, the museum is conceived as a dynamic experimental project, open and innovative, easy to follow in its developments for both local and foreign visitors. For the city of Lisbon, it represents a remarkable thrust towards the reinvention of its historic city centre, an active pulsating force running through the main artery of the city, in the heart of Baixa Pombalina, contributing to the long-awaited and urgent need for urban renewal, and to the culture of creativity and innovation. The pictures on this page show some examples of the installations on the ground floor of the Museum, with an extraordinary collection of clothing and furniture from 1900 to the present.

FONTANA PARK HOTEL

Albergo di design - appartiene infatti al gruppo dei Design Hotels - il Fontana Park, a Lisbona, sorge nella zona di Saldanha, vicino al centro storico, alle zone commerciali, a poca distanza dai campi di golf e l’aeroporto di Portela. Minimalista, confortevole e attento a ogni dettaglio, l’hotel intende essere un rifugio zen nel caos cittadino. Il progetto architettonico porta la firma di Francisco Aires Mateus, il design degli interni quella di Nini Andrade Silva. In piena sintonia, gli architetti hanno tratto ispirazione dalle linee dell’edificio e hanno puntato ai contrasti di bianco e nero per valorizzare i dettagli. 139 sono le camere distribuite su sette piani. La decorazione è elegante, nei toni del bianco, del nero e del grigio. L’arredamento contemporaneo, dalle linee semplici, rende i locali sobri e spaziosi senza dimenticare il comfort degli ospiti. Tutte le camere sono dotate di aria condizionata, televisori al plasma con si-

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stema video su richiesta, telefono, collegamento a internet, mini-bar e cassaforte elettronica. I bagni sorprendono per il predominio del nero.

Le suite sono dotate di vasche Philippe Starck con un sistema di colore regolabile e terrazzo con vista privilegiata sull’ambiente urbano. Al piano inferiore, il giardino interno invita a una pausa tra i bambù, una cascata rinfrescante e piacevoli zone relax. Per i clienti business, il Fontana Park mette a disposizione nove sale riunioni per eventi con attrezzature moderne, wireless e traduzione simultanea. Le diverse tipologie si adattano alle caratteristiche di ogni evento, con capacità fino a 400 persone.

L’hotel si rivolge anche a un pubblico giovane con potere d’acquisto, che viaggia sempre più spesso e opta per hotel di design. Due i ristoranti: tutto bianco con menù di pesce il Saldanha, intimista il Bonsai con cucina giapponese. www.fontanapark-hotel.com A design hotel – which belongs to the Design Hotel Group – the Fontana Park in Lisbon is located near the Saldanha area, near the historic city centre, the shopping districts, and not far from the golf courses and airport at Portela. Minimalist and comfortable, with attention to every detail, the hotel intends to serve as a Zenlike refuge from the chaos of the city. The architectural design is

by Francisco Aires Mateus, the interior design by Nini Andrade Silva, two established professionals. Working in perfect harmony, the architects were inspired by the lines of the building and focused on the contrast between black and white to highlight the details.

There are 139 rooms distributed over seven stories. The decoration is elegant in tones of white, black and grey. The contemporary furniture, with its simple design, makes the spaces look sober and ample, while catering to the comfort of the guests. All the rooms are air-conditioned, and have plasma television sets with a video system upon request, telephone service, Internet connection, mini-bar and electronic safe. The bathrooms feature a surprising predominance of black. The suites are furnished with Philippe Starck bathtubs with an adjustable colour system and a terrace with a privileged view over the city. The lower floor features an indoor garden that invites guests to pause near the bamboo trees, the refreshing waterfall and pleasant relaxation areas. For business clients, the Fontana Park has nine conference rooms for events, with modern equipment, wi-fi and simultaneous translation facilities. The various typologies can adapt to the characteristics of any event, and can seat up to 400 people. The hotel is targeted for a younger clientele with purchasing power, that travels more and more often and likes to stay at design hotels. There are two restaurants: the Saldanha, all white with a seafood menu, and the more intimate Bonsai specialized in Japanese cuisine.

OLD/NEW BRANDS

MEETINGS IN BRUXELLES

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Il Bruxelles Weekend Designer, inserito nel programma del Festival del Design, è un tour per professionisti e appassionati del design che si svolge tra showroom, negozi e spazi espositivi L’evento, che dura una settimana, ha come obiettivo primario quello di riunire in fabbrica agenti, rivenditori e clienti professionali, e poi anche quello di dare a un pubblico più vasto l’opportunità di scoprire il lavoro di progettisti, architetti e direttori artistici nei loro luoghi di lavoro e negli spazi espositivi. La nascita della manifestazione risale al 1982 e fa capo oggi a un centro espositivo nella centrale place du Sablon, nel seicentesco edificio recentemente ristrutturato de La Nonciature, sede

che ospita diversi marchi sotto lo stesso tetto.

Ogni partecipante è invitato a onorare un designer, un architetto o un direttore artistico, selezionati in base alla sensibilità specifica per ogni marca. Professionisti che lavorano sulla messa in scena, la scelta degli oggetti da esporre e i progetti creativi capaci di portare a un dialogo tra le nuove funzioni del marchio e il proprio universo. Tradizione e rinnovamento vanno dunque di pari passo, e alla ribalta del successo si alternano vecchi e nuovi nomi.

Alain Chennaux, per esempio, è ben conosciuto come designer che ha sempre voluto svi-

Storage, design Bram Boo per Bulo

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luppare prodotti destinati a essere incoronati con il brevetto per l’invenzione. Il suo più importante brevetto l’ha ottenuto nel 1994 per il progetto di uno storage modulare e alveolare da montare senza attrezzi: talmente semplice e razionale da colpire l’interesse immediato di Muji. Non si è fermato lì Alain Chennaut, ma ha continuato a progettare: al Model Mark1 si sono aggiunti il Model Mark2 nel 2007 e il Model Mark3 nel 2011. E, per restare in tema di prodotti must del passato, abbiamo rivisto in bella mostra da Boffi la Minikitchen di Joe Colombo. E i più recenti Doride Lamp di Karim Rashid per Artemide, le poltrone Moon di Tokujin Yoshioka per Moroso, i candelieri ‘arborescence’ di Ora-Ito per Christofle e le aziende italiane più importanti con i loro prodotti in mostra, Magis e Nemo Cassina, Molteni e Sicis, Casamilano e Tisettanta, Elam e Lamm. Il design belga era ben rappresentato da Bulo, azienda che produce anche i progetti ‘anarchici’ di Bram Boo; Carpet Sign (tappeti); RVB (rubinetti e affini); Team7 (arredi in legno) e Axis 71 (lampade). Last but not least, il bravo ‘cappellaio matto’ (è un complimento) Elvis Pompilio, che si è cimentato con la prototipazione di un aero-cappellino. E, ancora, l’oriunda italiana Maria Lucentini, che lavora il papier maché con colle e pigmenti per farne paraventi, tavoli e sedie.

Qui sopra, sistema componibile, design Alain Chennaux per TWU; a destra, dall’alto in basso, lampade di Nemo Cassina e di Artemide (design Karim Rashid).

Above, a modular system, design Alain Chennaux for TWU; at right, from top to bottom, lamps by Nemo Cassina and Artemide (design Karim Rashid).

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The Bruxelles Weekend Designer, one of the events in the Design Festival programme, is a tour for the most important professionals and design lovers, through the very places where design is on display: the showrooms, the shops and exhibition spaces.

The event lasts an entire week: its primary objective is to bring together in the factory representatives, retailers and professional clients, as well as to give the wider public the opportunity to discover what designers, architects and art directors do in their workplaces and exhibition spaces. The event was founded in 1982 and is based in an exhibition centre in the central Place du Sablon, in the recently restored eighteenth-century La Nonciature building, which hosts a selection of brands under the same roof. Each participant in the event is invited to honour a designer, an architect or an art director, selected on the basis of each brand’s specific sensibility.

The guest professional worked on the setting, the choice of objects on exhibit and the creative project, thereby fostering a dialogue between the new functions of the brand and his own universe.

Tradition and renewal go hand in hand and old and new names alternate in the limelight. Alain Chennaux, for example, is a well-known designer who has always wanted to develop products that would be recognized with a patent for invention.

He won his most important patent in 1994 with the project for a modular honeycomb storage unit that can be assembled without tools: so simple and rational as to spark the immediate interest of Muji. Alain

Chennaut did not stop there, but continued to design: the Model Mark 1 was followed by the Model Mark 2 in 2007, and the Model Mark 3 in 2011. And pursuing the theme of must-have products from the past, at Boffi we admired Joe Colombo’s Minikitchen.

And the more recent Doride Lamp by Karim Rashid for Artemide, the Moon chairs by Tokujin Yoshioka for Moroso, the “arborescence” candlesticks by Ora-Ito for Christofle and the most important Italian manufacturers with their products on display, Magis and Nemo Cassina, Molteni and Sicis, Casamilano and Tisettanta, Elam and Lamm. Belgian design is wellrepresented by Bulo, a company that also produces the “anarchic” projects of Bram Boo; Carpet Sign (rugs); RVB (faucetry and more); Team7 (wood furniture) and Axis 71 (lamps). Last but not least, the talented “mad hatter” (this is a compliment) Elvis Pompilio, who developed a prototype for an airplane hat. And Maria Lucentini, of Italian descent, who works with paper maché and glue and pigments, to create screens, tables and chairs.

Da sinistra: lo showroom Boffi/Afilo e un box lunch, Design Vlaanderen; qui sotto, Alessi chairs by Lamm.

Nella striscia in basso, la facciata e una camera dell’hotel Be Manos.

From left, the Boffi/Afilo showroom and a box lunch, Design Vlaanderen; below, Alessi chairs by Lamm.

In the strip below, the façade and a room of the hotel Be Manos.

HOTEL BE MANOS Un albergo di città, per affari e non solo, situato in una zona strategica, vicino alla gare du Midi di Bruxelles. Era un vecchio edificio ed è stato ristrutturato con gusto e fantasia dai componenti della famiglia Poulgouras, la stessa che ne ha la proprietà. L’hotel Be Manos si aggiunge al Manos Hotel nella chaussée de Charleroi. Se alcuni alberghi vi danno l’impressione di trovarvi a casa e altri invece quella di essere in visita, il Be Manos, che si può considerare uno di primi boutique hotel della capitale belga, cerca di stabilire un approccio completo, tra le esigenze del business e quelle della convivialità, rendendo anche accessibile una discreta atmosfera di lusso diffuso. E vi si respira il design in maniera gradevole. www.bemanos.com

This urban hotel, for business but not only, is located in a strategic area near the Gare du Midi in Brussels. This was an old building and has now been tastefully and imaginatively renovated by the Polgouras family, which owns it. The Be Manos Hotel stands beside the Manos Hotel in the Chaussèe du Charleroi. Whereas some hotels give you the impression of being at home and others of being a visitor, the Be Manos, which may be considered one of the top boutique hotels in the Belgian capital, seeks to establish a total approach, that reconciles the needs of business travel and conviviality, making the discrete atmosphere of pervasive luxury affordable. And design permeates the air in the most pleasant of ways. www.bemanos.com

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OKLAHOMA! Piccoli progetti che fanno la differenza negli Stati Uniti. By Elliott + Associates Architects.

Small projects making a difference in the United States. By Elliott + Associates Architects.

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di Paolo Imolesi foto Scott McDonald Š Hedrich Blessing

ARCHITECTURE INTERIORS

Situato in prossimità del centro geografico degli Stati Uniti, l’Oklahoma era in passato trascurato dalla cosiddetta elite dell’architettura per il suo stile tradizionale.

Non è più così, grazie soprattutto agli sforzi dello studio Elliot + Associates Architects, che sta aiutando questo stato del Centro-Sud a richiamare con decisione su di sé l’attenzione della comunità del design. Lo studio di Oklahoma City, che fa capo al fondatore Rand Elliot, vanta una lunga storia di moderni edifici realizzati a regola d’arte, di rilevanza urbanistica e dimensioni appropriate, e caratterizzati da una significativa cura per i particolari. Per apprezzare l’opera dello studio è sufficiente soffermarsi su tre dei suoi progetti più recenti. Eleganti e stimolanti, rappresentano generi architettonici nettamente differenti (un ristorante sulla strada, un parcheggio al chiuso e un negozio di abbigliamento per bambini); tuttavia, insieme illustrano il coscienzioso approccio progettuale cui è legato il nome dello studio. www.e-a-a.com Located near the geographic center of the United States, Oklahoma used to be passed over by the so-called architectural “elite” for its conservative style.

That is no longer the case, primarily thanks to the efforts of Elliot + Associates Architects, who are helping this central southern state attract serious attention from the design community. The Oklahoma City-based firm is spearheaded by its founder Rand Elliot, and enjoys a long history of creating modern, well-crafted edifices with urban relevance, appropriate scale and thoughtful detailing. To appreciate the studio’s body of work, one must look no further than three of their most recent works. Even though the handsome and thought-provoking projects are distinctly different genres of architecture (roadside diner, parking garage, and children’s clothing store), together they illustrate the conscientious design associated with the firm. www.e-a-a.com

POPS Con POPS, Elliott + Associates Architects ha realizzato un armonioso equilibrio tra architettura, ingegneria, arte e movimento lungo la storica Route 66, ad Arcadia, in Oklahoma. Per questo progetto, lo studio sembra aver fatto convergere elementi del futurismo italiano, per dare vita a una stazione di servizio/ristorante sulla highway che invita gli automobilisti a concedere una pausa al cruise control, fare rifornimento e rifocillarsi con un abbondante pasto del Sud. Il nome POPS deriva dal termine “soda-pop”, riferito alle popolari bevande gassate vendute all’interno in 700 diverse varianti. Una scultura che riproduce una bottiglia di soda pop, alta 20 metri, realizzata con anelli di acciaio e illuminata da luci a LED, identifica il locale (uno dei pochi nuovi edifici a punteggiare la famosa strada), che ricorda i numerosi fabbricati iconografici sulla strada, dai grandi edifici a forma di bottiglia del latte fino ai donut giganti che permearono la vita americana tra gli anni Trenta e Settanta del XX secolo. Un esempio maggiormente conosciuto di questa tipologia di architettura che riproduce oggetti giganti, benché risalente alla metà degli anni Ottanta del XX secolo, è costituito dall’edificio ‘binocolare’ progettato da Frank Gehry per l’agenzia pubblicitaria Chiat/Day a Venice, in California.

POPS presenta un elemento a sbalzo di grande effetto che si protende dalla parte posteriore della struttura arrivando miracolosamente a proteggere la totalità delle pompe della benzina. All’interno, i clienti prendono posto nei séparé o al bancone con sgabelli dotati di basi fisse e sedute girevoli. L’assenza di tavoli e sedie freestanding rievoca un tempo in cui gli americani, che si servivano della highway per i loro spostamenti, si fermavano nei ristoranti sulla strada strutturati in modo analogo. Gli interni si presentano architettonici e ponderati come gli esterni, dove le vetrate inclinate verso l’interno, in corrispondenza della facciata, seguono l’andamento delle quattro colonne principali che sostengono il carico verticale della ‘sovrastruttura’. Sullo sfondo delle vetrate inclinate si staglia un numero apparentemente infinito di bevande aromatiche che, collocate su una scaffalatura di vetro, si protendono in avanti e verso l’alto, mettendo in rilievo l’aspetto strutturale del progetto e risvegliando al contempo l’interesse visivo.

Una gigantesca scultura iconografica sulla strada che riproduce una bottiglia di “soda pop” invita i viaggiatori che percorrono la Route 66 a fermarsi per una pausa, fare rifornimento e rifocillarsi.

A giant iconographic roadside sculpture of a “soda pop” bottle attracts Route 66 travelers to stop, fill-up, and eat.

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With POPS, the studio has created a harmonic balance among architecture, engineering, art and motion along old Route 66 in Arcadia, Oklahoma. To execute this design, the studio seems to have channeled elements of the Italian “il Futurismo” movement to create a highway-side gas station/diner that beckons motorists to give their cruise control a rest, fill up the tank, and “chow down” on hearty southern fare. The name POPS is derived from the word soda-pop, referring to the popular genre of carbonated beverages sold in 700 different varieties inside. A 20-meter (66 feet) tall soda-pop bottle sculpture made of steel rings and illuminated by LED lights pinpoints the locale—one of the few new structures dotting the renowned highway. The piece recalls the numerous iconographic roadside vernacular structures such as large milk bottle buildings to giant donuts that once permeated American life from the 1930s-1970s. (A better known example of this sort of giant object

architecture, albeit from the mid 1980s, is Frank Gehry’s “binocular building”—Chiat/Day advertising—in Venice, California.) POPS features an impressive cantilever that reaches from behind the structure and marvelously lunges forward over the entirety of gas pumps. Inside, patrons sit either at booths or at the counter with fixed stools with rotating seats. This lack of freestanding tables and chairs hearkens back to a time when Americans traveling by highway would stop at roadside diners with similar configurations. The interior design is as equally tectonic and thoughtful as the exterior, where inwardly sloping glass at the front elevation follows the inclination of four main columns supporting the vertical load of the overhead “super-structure.”

Against the backdrop of the tilted glazing are a seemingly endless variation of soda flavors on glass shelving which step forward and up, emphasizing the structural aspect of the design and adding visual interest at the same time.

A sinistra: la bottiglia POP alta 20 metri è realizzata con anelli di acciaio e illuminata da luci a LED. Sotto: l’enorme elemento a sbalzo offre un riparo completo alle pompe della benzina.

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Left: The 20-meter (66 foot) tall POP bottle is created with steel rings and illuminated by LED lights.

Below: The “mega” cantilever shelters 100% of the gas pumps.

Sopra: l’esoscheletro della struttura si estende verso il retro, dando vita a una zona pranzo esterna. Sotto: la scaffalatura di vetro interna segue l’inclinazione della struttura esterna.

Above: The structure’s “exoskeleton” extends to the rear, creating an outdoor dining area. Below: Interior glass shelving follows the inclination of the exterior structure.

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CAR PARK ONE Car Park One è un altro capolavoro situato a Oklahoma City, nei pressi della sede dello studio di architettura. Sarebbe riduttivo definire questo fabbricato come una comune ‘struttura per parcheggiare’. Da qui il nome Car Park, anche se il termine più calzante sarebbe Car Hotel. L’edificio a quattro piani si caratterizza per la copertura in rete di acciaio che avvolge quasi interamente le parti sopraelevate. La rete sottile scompone le dimensioni e aggiunge consistenza agli esterni, soprattutto di notte, quando la costruzione è illuminata dall’interno. La struttura della copertura valorizza le vedute esterne che si colgono dall’interno. Analogamente a molti dei progetti di Elliott + Associates, Car Park One è dotato di numerose luci a LED posizionate strategicamente per definire le varie aree, i livelli e le scale di uscita, con un utilizzo creativo di molteplici colori, corrispondenti a colonne e travi abilmente dipinte. Gli automobilisti sono felici di fare ritorno alle proprie vetture nelle prime ore della sera per assistere alla metamorfosi che la struttura subisce al crepuscolo, quando gli effetti di luce producono i risultati migliori.

Car Park One is yet another capolavoro not far from the architects’ office in Oklahoma City. To call this edifice a common “parking structure” does it a disservice. Hence the name Car Park, but an even more suitable descriptor would be Car Hotel. The four-story building is characterized by a steel-mesh screen that wraps around the majority of the elevations. The fine mesh breaks down the scale and also adds texture to the exterior, especially at night when the structure is illuminated from within. The screen’s texture also enhances outward views from within. Like many of Elliot + Associates designs, Car Park One incorporates numerous, strategically placed LED lighting that defines areas, floor levels and stair exits and creatively uses a variety of colors, which correspond to subtly painted columns and beams. Motorists are delighted upon returning to their cars in the early evening hours to witness the metamorphosis the structure has undergone upon the onset of twilight, when the lighting takes complete effect.

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Sopra: una copertura in rete di acciaio avvolge quasi interamente le parti sopraelevate. Sotto: il Car Park si caratterizza per unâ&#x20AC;&#x2122;attenzione ai dettagli solitamente non riscontrabile in una struttura per parcheggiare.

Above: A steel-mesh screen wraps around the majority of the elevations.

Below: The Car Park is characterized by fine attention to detail not usually considered in a parking facility.

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UPTOWN KIDS Uptown Kids è un negozio di abbigliamento per bambini situato presso l’esclusivo centro commerciale Classen Curve di Oklahoma City. Progettato da Elliott + Associates Architects, lo spazio è un semplice reticolo che inizia in corrispondenza delle colonne della facciata e prosegue per tutto lo spazio dimensionale - pavimento, soffitto e pareti -. Per sottolineare l’atmosfera mondriana, un baldacchino dalla struttura reticolare analoga, collocato su un lato, costituisce la zona giochi per i bambini, che rappresenta sostanzialmente il sancta sanctorum. Questa nicchia è realizzata in Plexiglas giallo per accentuarne l’importanza. Il negozio è un altro esempio eccellente dell’attenzione per i dettagli, dell’approccio architettonico olistico e della progettazione sensibile alla Gestalt dello studio. Non è dunque una sorpresa che il risultato complessivo del progetto sia migliore della somma delle sue parti.

Uptown Kids is a children’s clothing store located in Classen Curve— an upscale Oklahoma City shopping mall that Elliot + Associates Architects also designed. The space is a simple grid that begins at the storefront mullions and continues throughout the design in all dimensions—floor, ceiling and walls. To emphasize the Mondrianesque air, a similarly gridded baldacchino, sited to one side, is the children’s play area, which is, in effect, the “sanctum sanctorum." This aedicula is made of yellow Plexiglas to further accentuate its importance. The store is another excellent example of the firm’s well-known attention to detail, holistic architectural approach, and gestalt-sensitive design. So, it is not surprising that the project is greater than the sum of its parts.

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Uptown Kids è un negozio di abbigliamento per bambini dall’atmosfera mondriana, collocato all’interno del complesso Classen Curve (sempre opera dello studio di architettura). L’utilizzo di un semplice reticolo è volto a offrire una shopping experience insolitamente piacevole.

Uptown Kids is a Mondrianesque children’s clothing store within the Classen Curve complex (also designed by the architect). The use of a simple grid is exploited to create an unusually refreshing shopping experience.

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BOAT/TECH

RESIDENZE GALLEGGIANTI

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HOUSEBOATS

Altro che semplici barche, i nuovi yacht top gamma Pershing e Itama diventano innovative residenze di lusso grazie alla nuova ‘barcotica’, la disciplina che rende le imbarcazioni simili a case ultraccessoriate.

Far from being just boats, the new top-end Pershing and Itama yachts stand out as innovative and luxurious houseboats. Based on the new discipline, “boat automation”, craft look like highly equipped houses.

Verricelli, funi, lasco, tribordo: eroici termini di un mondo (velico) che ormai non c’è più, inghiottito nel bene e nel male dalle barche da fantascienza del nuovo Millennio. Uno dei fiori all’occhiello del cambiamento in atto nella nautica è la nuova disciplina della barcotica…

Sì, avete letto bene. E in fondo, considerando i passi da gigante della tecnologia in ogni campo, non c’è da stupirsi gran che: la barcotica è quella disciplina progettuale, derivata dall’ormai nota ‘domotica’, che punta a fare della barca un’abitazione galleggiante, con tutti i lussi – e anche di più – che normalmente vengono impiegati nelle residenze moderne e di un certo pregio. Nella barche, come nelle case, l’obiettivo è ottimizzare al massimo resa e comfort tramite sistemi intelligenti computerizzati, capaci di gestire perfettamente i vari ambienti della nuova ‘dimora galleggiante’, compresi l’intensità dell’illuminazione, i sistemi idraulico ed elettrico, la temperatura di bordo ma non solo, anche di avvertire in caso di pericoli, come infiltrazioni d’acqua, la comparsa di fumo sospetto rilevando anche il fuoco mediante un log degli allarmi che serve al comandante per visualizzarli e determinarne la frequenza e gravità. Un impianto sofisticatissimo gestito grazie a un monitor touch screen, come quella di uno smartphone, che si comporta da ‘mozzo virtuale di bordo’, arriva a segnalarci tutto ma proprio tutto di quello che succede sulla barca, come ad esempio se l’acqua potabile sta terminando (facendo al contempo partire il de-

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salinizzatore che trasforma in piena autonomia l’acqua salata in acqua dolce), fino alla gestione delle acque grigie e nere. Ma, ovviamente, il fiore all’occhiello della disciplina resta l’interfaccia per la navigazione-comfort di bordo, finalizzata alla regolazione dei consumi e del livello carburante, fino agli impianti audio-video di ultima generazione, che trasformano normali ambienti marinari in sofisticate stanze ricche di ogni comfort. In quest’ottica, Pershing è uno dei brand che più si sono spesi per applicare i concetti cari della domotica sulle imbarcazioni di punta della propria flotta: l’esempio migliore è il Pershing 108, frutto della collaborazione tra lo yacht designer Fulvio De Simoni e l’Advanced Yacht Technology del Gruppo Ferretti insieme al pool di architetti e designer del Centro Stile Ferrettigroup. Progettato per essere all’avanguardia assoluta, il non plus ultra di questa barca è il sistema di entertainment-domotica installato a bordo, tramite Amx e Naviop, che non ha nulla di invidiare alle ville hollywoodiane e che è capace di gestire quasi tutte le funzioni della barca, compresa anche la stazione metereologica, il controllo dei livelli delle ‘casse’ oltre a gestire gli ingressi a bordo con un complesso sistema di campanello wireless che lo rende il miglior consierge-portiere in circolazione. Dando un’occhiata anche al comparto motoristico, anch’esso precursore dei tempi, il Pershing 108 è il primo modello ‘trimotorico’ della flotta, un motore frazionato in tre con l’obiettivo di coniugare prestazioni elevate a un

impatto ambientale contenuto, con consumi molto ridotti per una velocità di crociera prolungata a 10 nodi, bassa rumorosità nelle manovre, nell’ottica sempre di rendere lo yacht il più possibile una casa galleggiante comoda e silenziosa anche quando si è impegnati in una traversata. Manco a dirlo, la cura degli interni è la stessa e forse anche di più di quella che viene riservata a una residenza di pregio, anzi di lusso: tutti i modelli top di Pershing hanno saputo coniugare ricerca dell’eleganza e sofisticate soluzioni di design, con spunti rivoluzionari in chiave ‘barcotica’. L’esempio più calzante è la ‘play room’, un ambiente completamente isolato dal contesto marino progettato per diventare una vera e propria sala cinematografica all’insegna del nuovo claim, ‘Yacht theatre’, per stupire gli ospiti con giochi e film di ultima generazione. Le soluzioni applicate dalla ‘vecchia’ domotica sulla terra ferma sono ormai in grado di essere trapiantate anche su questo tipo di imbarcazioni, cosa resa possibile da Lutron.

Giocare ma anche vivere e lavorare in mezzo al mare, perché non è sempre detto che lo yacht sia solo svago e che tutto si svolga all’insegna del party time. E per avere una casa sulle onde in piena regola ma, perché no, anche l’ufficio, ecco che soluzioni ad hoc messe a punto con aziende affermata del settore consentono di dar vita anche a un ambiente lavorativo che ha ben poco da invidiare a quelli sulla terraferma, per non dire del vantaggio impagabile del panorama marino.

Connessioni satellitari internet velocissime grazie a gps satellitari di ultimo grido, ma soprattutto anche l’ormai grande varietà di soluzioni d’arredo fornite da marchi del calibro di Ernestomeda, Poltrona Frau, Fendi Casa-Club House Italia e Armani Casa, tanto per citarne solo qualcuno. Per i bagni, il brand nautico si è rivolto a Bisazza e a Sicis, e anche ad Antonio Lupi. Per le luci ad Artemide e Fontana Arte, senza dimenticare Flos. E per le cene romantiche ed eleganti non poteva mancare un produttore che più classico non si potrebbe: il francese Christofle, una garanzia. Per finire, anche Itama, altro brand caratteristico dello yacht design italico, ha scelto di restare fedele al concetto di imbarcazione autenticamente ‘open’, ma rivista secondo i canoni del design e della domotica, convertendosi quindi alla barcotica per quanto riguarda gli interni. Tutti i modelli di punta della flotta sono completati e rifiniti con pezzi speciali, alcuni dei quali pensati proprio ad hoc, come la Radio Cubo Itama Edition di Brionvega, presente sul restyling del modello Forty. Per il resto, spiccano i rubinetti Ritmonio, i divani di Gentili Mosconi Home, le tende Pellini e i rivestimenti in pelle di Penelopeoggi. Le lampade di appoggio sui modelli Itama 75’ sono modello Dioscuri by Artemide; le sedute sono ricavate dal modello Donald di Poltrona Frau, con faretti, infine, di Cantalupi. www.pershing-yacht.com www.itama-yacht.com

Pagina accanto, il Pershing 108 in navigazione. In questa pagina, dall’alto, la play room del Pershing 115, il sistema di enterteinment di bordo sul Pershing 115, la cabina dell’Itama Forty 100 con la Radio Cubo Limited Edition Brionvega (design Marco Zanuso e Richard Sapper). Nella foto qui sopra, la cucina extralusso che attrezza il P108.

Opposite, the Pershing 108 on the water. On this page, from top, the play room in the Pershing 115, the on-board entertainment system on the Pershing 115, the cabin of the Itama Forty 100 with the Limited Edition Brionvega Cubo Radio (design Marco Zanuso and Richard Sapper). In the photo above, the extra-luxury kitchen featured in the P108.

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Winches, lines, slack, starboard: heroic terms of a world (the sailing one) which has disappeared, after being swallowed, for better or worse, by the state-of-the-art yachts of the new millennium. The changes that are underway in the boat world are epitomized by the new discipline, “boat automation”… Yes, you have read it correctly, and, basically, if you consider the giant steps taken by technology in every field, you will not be very surprised: boat automation is the design discipline derived from well-known “domotics” (home automation) that is aimed at making craft into houseboats with all the luxuries – and even more – that are normally used in modern, quite exclusive houses. In boats, as in houses, the goal is to optimize performance and comfort through smart, computerized systems which can perfectly manage the new “houseboat”, including light intensity, the plumbing and electric systems and temperature on board, and even warn you of dangers, like water infiltrations and the appearance of suspicious smoke, also detecting fire through an alarm log used by the skipper to display the alarms and determine their frequency and seriousness. A highly sophisticated system controlled through a touch screen monitor – like that of a smartphone –, which functions as a “virtual cabin boy”, informs you of everything that happens on the yacht – for example, if drinking water is running out (while starting the desalinator, which independently transforms seawater into freshwater) – and manages grey and black water. Yet, obviously enough, the flagship achievement of the discipline was, and still is, the interface for sailing / onboard comfort, aimed at regulating consumption and the fuel level, including latest-generation audio and video systems which turn common sea settings into sophisticated rooms with all comforts.

Pershing is a brand committed to applying concepts that are dear to domotics to the main yachts of its fleet: the Pershing 108 – the fruit of collaboration between the yacht designer, Fulvio De Simoni, and the Advanced Yacht Technology division of the Ferretti Group together with the pool of architects and designers of the Ferrettigroup Style Centre – is the best example. Designed to set the pace in the yacht industry, the non plus ultra of this boat lies in the entertainment/home automation system installed onboard – through Amx and Naviop –, which is in no way inferior to Hollywood houses and can manage almost all of the features of the yacht, including the weather station, the speaker level as well as onboard inputs with a complex wireless bell system which makes it the best concierge/porter. As far as the pioneering engine compartment is concerned, the Pershing 108 is the first “three-engine” model of the fleet, an engine split into three pieces, with a view to matching high performance with a

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low environmental impact, minimized consumption with a prolonged cruising speed of 10 knots and a low operating noise level; the goal is to make the yacht into a comfortable, noiseless houseboat – for example, during a crossing –. It goes without saying that the interior is as accurate as, or even more accurate than, a luxury house: in all of Pershing’s topend models, the search for elegance and sophisticated design solutions harmonizes with revolutionary “boat automation” ideas. The “play room” is the most fitting example, as a room which is totally separated from the sea background, designed to function as a real cinema, closely connected with the new claim, “Yacht theatre”, to amaze guests with latest-generation games and movies. The solutions implemented by “old” domotics on land can now also be introduced into such yachts; this has made been possible

by Lutron. Playing as well as living and working in the sea, because a yacht is not necessarily just synonymous with recreation and party time. And to make regular houses and – why not? – offices available in the sea, ad hoc solutions developed with leading companies also translate into working environments which are just as good as those on land.

Stress should also be laid on the unique sea views that can be enjoyed. Ultrafast L’Itama 45 in navigazione.

The Itama 45 on the water.

Internet satellite connections through up-to-the-minute satellite GPS systems and, above all, a remarkable variety of furnishing solutions provided by such topnotch brands as Ernesto Meda, Poltrona Frau, Fendi Casa-Club House Italia and Armani Casa, to name but a few. As for the bathrooms and lights, the sailing brand relied on Bisazza, Sicis and Antonio Lupi, and Artemide, Fontana Arte and Flos respectively. Elegant, romantic dinners could but be made possible by a very classic manufacturer, namely Frenchbased Christofle: a name; a pledge. Finally, another Italian yacht design brand, Itama, has also chosen to keep faithful to the concept of genuinely open craft as revisited according to the standards of design and domotics, being converted to “boat automation” with respect to the interiors of the yacht. All of the top-end models of the fleet are finished with special pieces – some designed ad hoc –, including Brionvega’s “Radio Cubo Itama Edition”, which is to be found on the restyled Forty model.

Ritmonio’s taps, Gentili Mosconi Home’s sofas, Pellini’s curtains and Penelopeoggi’s leather covers also stand out. The Itama 75’ yachts can boast free-standing Dioscuri lamps by Artemide, seats derived from Poltrona Frau’s Donald model and spotlights by Cantalupi.

RIVOLUZIONE CON STILE

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REVOLUTION WITH STYLE

Benché profondamente innovativa, la DC100, nuovissima concept car del celebre Defender Land Rover sfoggia tecnologia spaziale e sostenibilità estrema, ma gli interni sono ispirati al design d’autore.

Though it is profoundly innovative, the DC100, the brand new concept car for the famous Land Rover Defender, flaunts space-age technology and extreme sustainability, but the interiors were inspired by a designer’s eye.

In alto, un’immagine della nuova concept car Land Rover DC100, lanciata in Italia al Motor Show di Bologna 2011. Sotto, la DC100 in azione nel deserto.

Above, a view of the new Land Rover DC100 concept car, launched in Italy at the Bologna Motor Show 2011. Below, the DC100 in action in the desert.

“Non bisogna avere paura di cambiare, anche se l’innovazione non significa abbandonare il passato importante di un brand come Land Rover: in questo caso, al contrario, l’eredità storica e il successo sono stati la molla su cui costruire il futuro”. Non ha dubbi il design director Land Rover, Gerry McGovern, nel descrivere la filosofia e le linee guida che hanno portato al primo passo per la new release di uno dei modelli più distintivi del marchio inglese, il Defender, ridisegnato e riproposto in una versione che, benché al momento sia solo una concept project, non sarà molto lontano da quello che verrà lanciato sul mercato nel 2015, se tutto va bene. E se rivoluzione, per

il car designer inglese, è una parola forse eccessiva, perché “ci vuole equilibrio, per andare lontano è fondamentale rispettare la storia dell’auto senza allontanarsene brutalmente”, allo stesso tempo, è un’auto diversa dal passato, ”perché non bisogna correre il rischio di fare troppo poco, pena la bocciatura degli appassionati”. Appassionati che, per altro, sono sempre più esigenti e affamati di stile e design, come lo stesso McGovern, che se non si fosse dedicato anima e corpo a realizzare sogni a 4 ruote avrebbe scelto come lavoro l’architettura e il design, magari con un brand italiano, visto che ama particolarmente il Belpaese. Ecco che allora, la Concept Car DC100, presentata

in Italia al Motor Show di Bologna, è un mix di soluzioni ardite ma con un occhio anche alle linee tradizionali del vecchio Defender, con al centro l’idea di creare un’auto modulata per tutti i tipi di terreno ma che, negli interni, non abbia nulla da invidiare alla concorrenza. In effetti, l’eredità storica del Defender è notevole: per chi non lo sapesse, creato più di sessant’anni fa come primo 4X4 civile di serie, è diventato un simbolo di versatilità, capacità e fruibilità, scelto per questo da enti impegnati a intervenire in situazioni estreme, come la Croce Rossa e le Nazioni Unite, in tutto il mondo.

“L’evoluzione più grande rispetto al passato è lo spazio sempre maggiore riservato al design, cosa che prima non avveniva, essendo il Defender pensato dagli ingegneri per le sue grandi prestazioni su ogni tipo di terreno, e assai meno per il comfort”, continua McGovern, “in questo, il DC100, e poi la vettura che andrà in produzione, è e sarà radicalmente differente dal passato”. Il tutto con l’avanguardia come pietra angolare della progettazione: per la DC100 sono stati usati materiali hi-tech ispi-

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rati addirittura agli Space Shuttle oltre che a yacht e jet ordinari. L’elettronica naturalmente la fa da padrona, per rendere le avventure off-road, che una volta si facevano ‘al buio’, delle passeggiate grazie al doppio sistema Terrain-i e Wade Aid, che oltre a scansionare il terreno rilevando gli ostacoli (e proponendo al guidatore percorsi alternativi) fa ricorso alla tecnologia sonar per valutare la profondità dell’acqua e valutare fattibilità ed eventuale velocità di attraversamento del corso d’acqua.

Inoltre, il Land Rover Terrain Response ottimizza automaticamente la vettura per tutti i tipi di terreno senza che si debba intervenire dall’abitacolo. I motori 2.0 litri a trazione integrale con 8 rapporti sono poi pensati per la sostenibilità, per risparmiare carburante ed emissioni riducendo la potenza erogata quando non è necessaria. Immancabile, infine, la connettività totale della concept car con gli smartphone di ultima generazione, grazie alla tecnologia ‘always-on’, che consente alla macchina di dialogare costantemente con i computer. Venendo all’abitacolo, è stato rifinito con materiali che esaltano i concetti di robustezza e durevolezza, scelti per la loro sostenibilità sia in termini di composizione che di produzione, come la spuma di gomma del sedile che deriva dall’olio di ricino – novità assoluta per un produttore europeo –, i pannelli semi-strutturali e le tavole fonoassorbenti a base di polimeri naturali e di lino. Prendendo spunto dall’abbigliamento sportivo, la DC100 utilizza l’ultima generazione di materiali tecnici per creare un interno d’elevata qualità flessibile e resistente: i pannelli delle portiere e i rinforzi dei sedili sono rivestiti in Ultrafabric grigio ossidiana e nerofumo, un tessuto tecnico proveniente da mobili di design e dai super yacht. L’Ultrafabric non è solo antimicrobico, idrorepellente,

In queste pagine: vista frontale, posteriore e interni della DC100.

I sedili sono rivestiti dal tessuto ipertecnologico Ultrafabric, anche ecocompatibile.

On these pages: a view of the front, back and interiors of the DC100. The seats are upholstered in the hypertechnological Ultrafabric, which is also environmentally friendly.

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traspirante e resistente all’invecchiamento solare, è anche privo di PVC, a basso contenuto di composti organici volatili e leggero, rendendolo di fatto un prodotto ecocompatibile.

A complemento c’è il Superfabric, un tessuto quasi indistruttibile, che regala una sensazione d’elevata qualità. Normalmente è possibile trovarlo negli indumenti protettivi per ambienti estremi – tra cui le tute spaziali – e la DC100 lo utilizza per i cuscini dei sedili, nella zona del vano piedi e nello spazio di carico posteriore.

Il tessuto di base è riciclato al 100% e la piastra di stampa è in materiale atossico ecologico. Anche l’alluminio, ampiamente utilizzato in qualità di materiale da rivestimento è composto al 100 per cento di metallo riciclato. http://www.landrover.com/it/it/lr/ “No one should fear change, though innovation does not mean one should abandon the significant history of a brand such as Land Rover: in this case, on the contrary, its heritage and success have provided a springboard for the future”. There are no doubts in the mind of Land Rover’s design director, Gerry McGovern, as he describes the philosophy and guide lines that took him to step one in the development of the new version of one of the most distinctive vehicles built by this English brand, the Defender, redesigned and presented in a version which is still just a concept design, but is very similar to the version that will be launched on the market in 2015, if all goes well. And though the English car designer considers the word revolution somewhat excessive, because “it takes balance: in order to make progress it is

crucial to respect the automobile’s heritage without breaking away too harshly”, yet this vehicle is very different from the past versions, “because you can’t take the risk of doing too little, otherwise you will be rejected by the aficionados”. Who are increasingly demanding and striving for style and design, just like McGovern: had he not dedicated himself body and soul to fulfilling his dream on 4 wheels, he would have chosen architecture and design as a profession, perhaps for an Italian brand, given that he is particularly enamoured of Italy. The Concept Car DC100, introduced in Italy at the Motor Show in Bologna, is a mix of bold solutions with an eye towards the traditional design of the old Defender, but based on the idea of an all-terrain vehicle but with interiors that have nothing to envy the competition.

In fact, the heritage of the Defender is quite impressive: for those unfamiliar with its history, it was created over sixty years ago as the first standard civilian 4-wheel drive vehicle, and has become a symbol of versatility, functionality and usability, selected for this reason by agencies committed to intervening in extreme situations around the world, such as the Red Cross or the United Nations.

“The greatest advancement with respect to the past is the growing space for design, which was non-existent, because the Defender was conceived by engineers to provide remarkable performance on every type of terrain, and far less for comfort”, continues McGovern, “ in this sense, the DC100, and the vehicle which will subsequently go into production, is and will be radically different from the

past”. The avant-garde approach is the cornerstone of the design: the DC100 uses high-tech materials inspired by the Space Shuttle as well as yachts and ordinary jets. Electronics naturally play a critical role, turning the off-road adventures, which used to be driven “blind”, into a smooth ride thanks to the double Terrain-I and Wade Aid systems, which scan the terrain to identify obstacles (and indicate alternative safe routes to the driver) and rely on sonar technology to assess the depth of the water and evaluate the feasibility and possible speed at which to

wade across. In addition, the Land Rover Terrain Response automatically optimizes the vehicle for all types of terrain without any cues from the passenger compartment.

The 2.0 liter engines, featuring 8-speed 4 wheel-drive, have been conceived for sustainability, to save petrol and emissions by reducing power when it is not necessary. Inevitably the concept car features total connectivity with the latest-generation smartphones, thanks to the “always-on” technology that keeps the automobile in constant dialogue with the computer. The passenger cabin has been

finished with materials that underscore the concepts of ruggedness and durability, chosen because they are sustainable in terms of composition and manufacture, such as the seat rubber derived from castor oil – never used before by any European manufacturer -, the semi-structural panels and sound insulating boards made from flax and natural polymers. Taking its cue from sportswear, the DC100 uses the latest generation of performance materials to create these highly adaptable and durable interiors: the door panels and seat bolsters are upholstered in Obsidian grey and Carbon black Ultrafabric, a technical cloth found on designer furniture and super yachts. Ultrafabric is not only antimicrobial, water-repellent, breathable and resistant to solar ageing, it is also PVC-free, low in volatile organic compounds and lightweight, making it an environmentally friendly product.

Complementing this is Superfabric, an almost indestructible textile with a superior quality feel. Normally found in protective clothing for extreme environments - including spacesuits DC100 uses it on the seat cushions, in the area of the footwells and the rear load space. The base fabric is 100% recycled and the printed plate is made of ecofriendly non-toxic materials.

The aluminium used here, in particular as a finish material, is made of 100% recycled metal.

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BOAT/PROJECT

DESIGN DA REGATA

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Camper con Emirates Team New Zealand: il giro del mondo in barca a vela.

Camper with the Emirates Team New Zealand: around in the world in a sailboat.

Trenta’anni sono trascorsi da quando il colonello Bill Whitbread e l’ammiraglio Otto Steiner decisero di organizzare la prima “round-theworld race”, il primo giro del mondo in barca a vela. La prima Whitbread Round the World Race è stata concepita letteralmente “su una pinta di birra” e ha iniziato nel settembre 1973: in gara, yacht che erano poco differenti da quelli di crociera all’epoca in tutto il Mediterraneo. Da quei primi giorni, molto è cambiato. Oggi gli yacht sono concepiti nei laboratori di progettazione di alta tecnologia, sono macchine pensate per vincere in termini di velocità e forza, con alti livelli standard e confort inimmaginabili tempo fa. Molto è cambiato da allora, quindi, ma lo spirito e l’idea originale rimangono gli stessi. Ora è la volta di Camper, la famosa casa di calzature spagnola a entrare in competizione e avventurarsi nella gara. La barca ha avuto il suo battesimo a Londra. Forse non è cosa nota a tutti, ma la tradizione neozelandese della Volvo Ocean Race (e Whitbread Race prima ancora) vuole che lo scafo kiwi prima della partenza debba passare per Londra e, più precisamente, passare sotto al Tower Bridge. (Così fecero Lion New Zealand e New Zealand Endeavour prima di Camper). Nonostante il grande abbrac-

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cio ricevuto dal pubblico londinese, Camper ha dovuto girare subito la prua verso il mare per raggiungere il porto di partenza, in Spagna.

Da Alicante fino a Galway, passando per Cape Town, Abu Dhabi, Auckland, Miami e Lisbona: una delle regate oceaniche più impegnative e difficili che esista, con squadre che si sfidano per 39.000 miglia nei grandi Oceani, l’Atlantico, il Pacifico e l’Indiano e i mari Arabo e Cinese Meridionale. Spesso, nelle condizioni più difficili.

Il progetto della barca è firmato da Marcelino Botin, noto per la progettazione di alcuni degli yacht da corsa più veloci del mondo, e ha goduto di un successo internazionale senza precedenti, vincendo una serie di campionati e molti dei più prestigiosi eventi velici mondiali.

Il design globale e le vele sono firmati da Mark Farrow, che ha iniziato con il suo lavoro nei primi anni ‘80 per la Factory Records di Manchester e il leggendario club The Hacienda, realizzando alcune delle copertine dei dischi più rappresentativi del nostro tempo. Un approccio minimalista e precisa attenzione al dettaglio definisce l’estetica di Farrow. www.camper.com

Thirty years have gone by since Colonel Bill Whitbread and Admiral Otto Steiner decided to organize the first “round the world race” in a sailboat. The first Whitbread Round the World Race was conceived literally “over a pint of beer”, and was launched in September 1973: the race was run by yachts that were not very dissimilar to the leisure yachts of the time all over the Mediterranean. A lot has changed since those early days. Today the yachts are conceived in high-tech design laboratories, they are machines conceived to win in terms of speed and power, with high standard and comfort levels that were unimaginable some time ago. Much has changed since then, but the original spirit and idea remain the same. Today Camper, the famous Spanish shoe manufacturer, has entered the competition to stake its claim on the race. The boat was christened in London.

It may not be common knowledge, but the New Zealanders’ tradition for the Volvo Ocean Race (and Whitbread Race before that) demands that before the start, the Kiwi’s boat must go through London and more specifically under the Tower Bridge, as did Lion New Zealand and New Zealand Endeavour before Camper.

Despite the warm welcome it received from the public in London, Camper had to turn its prow towards the sea in a hurry to reach its port of departure in Spain.

From Alicante to Galway, through Cape Town, Abu Dhabi, Auckland, Miami and Lisbon: one of the most grueling and difficult ocean races in the world, with teams that challenge one other for 39,000 miles across the great Oceans, the Atlantic, the Pacific and the Indian Oceans and the Arabian and Southern Chinese seas.

Often, in the most difficult of conditions.

The project for the boat was by Marcelino Botin: known for his designs of some of fastest racing boats in the world, he has enjoyed unprecedented international success, winning a series of world championships and many of the most prestigious sailing events in the world.

The global design and the sails are by Mark Farrow, who began working in the early Eighties for Factory Records in Manchester and the legendary La Hacienda club, creating some of the most representative album covers of our time.

Farrow’s aesthetic is distinguished by a minimalist approach and his precise attention to detail.

In alto e nella pagina accanto, lo yacht Camper in gara per la Volvo Ocean Race, da Alicante fino a Galway, passando per Cape Town, Abu Dhabi, Auckland, Miami e Lisbona. Qui a sinistra, immagini del merchandising Camper e il ritratto di Mark Farrow con sua figlia.

At top and page across, the Camper yacht competing in the Volvo Ocean Race, from Alicante to Galway, sailing through Cape Town, Abu Dhabi, Auckland, Miami and Lisbon. At left, views of the Camper merchandising and a portrait of Mark Farrow with his daughter.

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JEWEL/SHOWROOM

DODO WORLD ]b IZheh KbgZe]b Inaugurato a MIlano, in corso Matteotti, il nuovo flagship store dedicato da Pomellato al suo animale portafortuna. Aperto a Londra, in Sloane Square, un intero building.

Entrambi gli showroom sono su progetto di Paola Navone.

Pomellato has opened a new flagship store dedicated to its lucky animal in corso Matteotti, Milan, and an entire building in Sloane Square, London.

Both showrooms were designed by Paola Navone.

UN MILANESE DI RAZZA Il nuovo flagship store Dodo di corso Matteotti 9 a Milano - su tre livelli e come sempre progettato da Paola Navone - è caratterizzato da temi e colori cari al marchio, ma niente è come te lo aspetti. Già dall’ingresso: proprio sopra le vetrine, lo sguardo è attratto dalle finestre completamente invase dal verde di fili d’erba gigante in silicone. A piano terra domina il grande lampadario-scultura in bronzo, di un giovane artista, che si staglia su una parete completamente ricoperta di fiori rossi e rosa. In tutto il negozio, pavimenti di mosaico metallico, muri con finitura che ricorda la sabbia bagnata, vetrinette in ferro

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al naturale. Scendendo al piano inferiore si entra nel regno dei cuori, come suggeriscono i neon rosa della romanticissima linea Dodo ‘100% amore’. Pareti a maxi pois e tanti pouf rossi intorno al tavolone di vendita in legno massiccio in stile neoprimitivo. Al primo piano, il grande tavolo in legno dalla forma a fagiolo è attorniato da pouf arancio e viola e ha come sfondo il muro ricoperto dall’erba verde fluo in silicone.

Di fronte si apre una sontuosa alcova imbottita con pelle capitonné rosso fuoco, con panchetta e massicci tavolini da bistrot. Qui ci si siede e si ragiona con calma su che Dodo comprare.

Qui sopra, l’ingresso al negozio, dove il grande lampadario-scultura in bronzo si staglia su una parete completamente ricoperta di fiori rossi.

Above, the entrance to the shop, where the big bronze chandelier/sculpture is silhouetted against a wall entirely covered with red flowers.

Al primo piano, il tavolo in legno dalla forma a fagiolo è attorniato da pouf colore rosso. Di fronte si apre una sontuosa alcova imbottita con pelle capitonné rosso fuoco, con panchetta e massicci tavolini da bistrot.

Upstairs, the bean-shaped wood table is surrounded by red poufs (top).

Opposite, there is a magnificent alcove covered with fiery red tufted leather, complete with bench and massive bistro coffee tables (above).

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A FIRST-RATE MILANESE ONE The new three-level Dodo flagship store in corso Matteotti 9, Milan, designed, as usual, by Paola Navone, is based on themes and colours which are dear to the brand; yet nothing is as you expect it to be. This is the case, for example, with the entrance: just over the shop windows, your eyes are attracted to the windows, which are totally invaded by green blades of giant grass made of silicone. The big bronze chandelier/sculpture by a young artist stands out on the ground floor, silhouetted against a wall entirely covered with red and pink flowers. Metallic mosaic floors, wet sand like finished walls and natural

iron showcases are to be found throughout the shop. As you go downstairs, you enter the kingdom of hearts, as suggested by the pink neon lights of the very romantic Dodo range, ‘100% amore’ (100% love).

Walls decorated with oversized polka dots and many red poufs around the large selling table made of solid wood, in the neo-primitive style. Upstairs, the large, bean-shaped wood table is surrounded by orange and purple poufs, and the wall in the background is covered with fluorescent green grass made of silicone. Opposite, there is a magnificent alcove covered with fiery red tufted leather, complete with bench and massive bistro coffee tables.

There you can sit and take your time to decide which Dodo jewel to buy.

In basso, l’edificio londinese scelto come nuova sede di Dodo. Nella pagina a lato: in alto, il banco in legno grezzo massiccio a forma di banana completato da sgabelli da bar in metallo nero; in basso, una teca per l’esposizione dei gioielli e una zona arredata con panche, pouf rossi e specchi sagomati a parete.

Bottom, the building in London chosen as Dodo’s new headquarters.

Opposite: top, the banana-shaped counter, made of solid raw wood, is fitted with black metal bar stools; bottom, jewellery showcase and area furnished with benches, red poufs and rounded wall-mounted mirrors.

MOLTO INGLESE

Lo stupore comincia quando sull’imponente facciata del building tipicamente londinese appare la grande nicchia protetta da cristallo e rivestita di fili d’erba in silicone verde, in singolare contrasto con le vetrine in prezioso mosaico veneziano blu Klein. Si entra calpestando ciottoli di fiume e ci si trova in un ambiente a metà fra la casa dei Flintstones e la più sofisticata e trendy architettura organica.

Un altro prato in verde brillantissimo cresce a testa in giù dal soffitto. I muri sembrano fatti di sabbia bagnata e spianata con le mani. I gioielli sono esposti in teche di metallo rosso fuoco. Rossa anche la lunga panca e i pouf in pelle ecologica, davanti ai quali ci sono massicci tavolini da bistrot, per sedersi e comporre con calma il Dodo del cuore. Il grande banco, in legno grezzo massiccio a forma di banana, è completato da sgabelli da bar in metallo nero.

Specchi arrotondati riflettono questa festa di colore. Una scala scultura ad ampie volute porta al secondo piano, dai muri blu elettrico e soffitto a mosaico di specchietti. Il building prosegue con un piano interrato, uno spazio luminosissimo che Dodo dedica alla fantasia e ad ospitare un calendario di eventi ancora top secret. Tra forme inaspettate, materiali da toccare, allegria sprigionata dai colori, entrare nello store Dodo diventa un’esperienza che si vive anche con le emozioni grazie a Paola Navone, che firma l’allestimento. Commenta Andrea Morante, amministratore delegato del Gruppo Pomellato: “L’apertura del flagship store londinese, in Sloane Square, rappresenta una mossa strategica nel processo di internazionalizzazione del marchio. Londra è sempre più una città cosmopolita e internazionale, una tra le migliori piattaforme al mondo da cui cominciare un’importante espansione globale.” www.pomellato.it e www.dodo.it

A VERY BRITISH ONE

The amazement begins when, on the imposing façade of London’s typical building, there appears the big niche protected with glass and covered with green silicone blades of grass, peculiarly contrasting with the windows in fine Klein blue Venetian mosaic. As you enter, you

walk on river cobbles and find yourself in a setting which is a cross between the Flintstones’ house and sophisticated, trendy organic architecture. Another ultrabright green meadow grows upside down from the ceiling. The walls look as if they are made of wet sand smoothed with the hands. The jewels are displayed in fiery red metal showcases. The long bench and the eco-friendly poufs are also red; they match massive bistro coffee tables, so that you can sit and take your time to create your favourite Dodo jewel.

The big, banana-shaped counter, made of solid raw wood, is fitted with black metal bar stools. Rounded mirrors reflect the riot of colour. A staircase/sculpture with

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large volutes takes to the second floor, with electric blue walls and a mirror mosaic ceiling. The building continues with a basement, an ultrabright area devoted to imagination and a calendar of events which is still top secret. With the unexpected shapes, materials to touch and cheerful colours, entering the Dodo store becomes an experience to enjoy, for example, through emotions, as the result

of Paola Navone’s shopfitting project.

Andrea Morante, Managing Director of the Pomellato Group, said: “The opening of the flagship store in Sloane Square, London, means a strategic step within the internationalization process of the brand.

London is increasingly developing into a cosmopolitan and international city, one of the world’s best springboards to massive global expansion.”

In queste pagine, ambienti e dettagli dell’arredo nel nuovo showroom Dodo a Londra. Da notare, le panche e i pouf rossi matelassé, i tavoliniespositori con lucchetto rosso, le pareti blu e il soffitto verde smeraldo.

Nonché gli specchi con immagini serigrafate di palme e dell’uccello Dodo, ormai estinto.

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These pages, room settings and furniture details in Dodo’s new showroom in London. The emphasis is on the red matelassé poufs and benches, the coffee tables / display stands with red padlocks, the blue walls, the emerald green ceiling, and the mirrors with screen-printed images of palms and the extinct Dodo bird.

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ECO/EXHIBITION

RIUSO E ARCHITETTURA REUSE AND ARCHITECTURE ]b @bnebZ ;kngh

L’esigenza contemporanea del riciclo assume la nuova veste di strategia creativa come impulso generatore di innovazione architettonica. Una mostra al MAXXI di Roma indaga le potenzialità del re–cycle nel dialogo fra elaborazioni strutturali del costruire, design, fotografia, video, arte e musica.

The contemporary need for recycling turns into a creative strategy to become a generating force in architectural innovation. An important exhibition at the MAXXI in Rome explores the potential of re-cycling in the dialogue between the structural elaborations of building, design, photography, video, art and music.

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Più di ottanta opere, due installazioni sitespecific e una mostra fotografica illustrano in modo preciso e strutturato la relazione fra architettura, ricerca espressiva d’avanguardia e attenzione all’ambiente, analizzando le modalità di recupero di paesaggi e città e la funzione ecologica dell’architetto in un mondo già troppo costruito. Vagheggia una nuova possibile teoria dell’architettura Pippo Ciorra, curatore di ‘Re-Cycle. Strategie per l’architettura, la città e il pianeta’ insieme con Elena Motisi, Alexandra Kaspar, Alessio Rosati, Reinier de Graaf, Sara Marini, Mosè Ricci, Jean-Philippe Vassal e Paola Viganò (Catalogo Electa. MAXXI, Roma. www.fondazionemaxxi.it ). Nel confronto fra arte e architettura il posto del riciclo di edifici, materiali, spazi assume grande importanza se inteso come buona pratica civile, diventando “ reinvenzione creativa dell’opera costruita sull’opera applicata al progetto urbano”. Gallerie dismesse che diventano musei, case costruite dentro o sopra altre case, paesaggi agricoli sorti su discariche abbandonate di città spagnole, tedesche, americane e molto altro ne testimoniano le potenzialità d’uso. Spettacolari, il plastico originale del progetto di James Corner Field Operations, Diller Scorfidio+Renfro e Piet Oudolf per la High Line di New York, nuovo par-

Qui a fianco, S(ch)austall, naumann. architektur, Ramsen, Germania.

In apertura. A sinistra: Digital C-Prints©Pieter Hugo, Courtesy Galleria Extraspazio, Roma; Michael Stevenson Gallery, Cape Town; Yossi Milo, New York, n.25. A destra: Freitag Flagship Store Zurich, spillmann echsle architekten, Zurigo, Svizzera.

Across, S(ch)austall, naumann. architektur, Ramsen, Germany.

On the opening page. At left: Digital C-Print©Pieter Hugo, Courtesy Galleria Extraspazio, Rome; Michael Stevenson Gallery, Cape Town; Yossi Milo, New York, n.25. At right: Freitag Flagship Store Zurich, spillmann echsle architekten, Zurich, Switzerland.

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co pubblico realizzato lungo una linea sopraelevata di metropolitana dismessa, il modello dei tunnel scavati a Trento, poi abbandonati e trasformati in Museo Storico del Trentino da Elisabetta Terragni, i disegni di Superstudio per sopraelevare il Colosseo nel ‘Monumento Continuo’. La modernità del terzo millennio ha radici antiche, ed ecco le immagini del Wagrestaurant progettato nel 1929 da Piero Portaluppi per il passo alpino di San Giacomo in Val Formazza (Verbania), distrutto nel 1944 perché presunto rifugio di partigiani. Oppure i dischi incisi clandestinamente nell’Unione Sovietica di Stalin su lastre radiografiche per ascoltare le musiche di Jimi Hendrix attraverso la ‘musica sulle ossa’ che per il Kgb era un reato punibile con 7 anni di carcere. 26 Smart TV LED Samsung di ultima generazione guidano i visitatori alla scoperta dell’importanza del riciclo (www.samsung.com), testimoniato dai video di Rybczynski, Nina Fisher & Maroan el Sani, Song Dong, o da quelli con la rielaborazione di opere di Frank O. Gehry e Venturi, Scott Brown and Associates. Il fotografo sud africano Pieter Hugo con ‘permanent error’, a cura di Francesca Fabiani, racconta una delle discariche hi-tech più grandi del mondo: nella baraccopoli di Agbogbloshie, periferia di Accra, Ghana, computer, schede, monitor sono

bruciati per ottenere rame, ottone, alluminio e zinco da rivendere, producendo residui tossici altamente inquinanti. Negli spazi esterni del museo due grandi installazioni site-specific invitano alla riflessione. Il progetto Maloca di Fernando e Humberto Campana, curato da Domitilla Dardi, riferendosi alla grande capanna comunitaria dei nativi brasiliani, offre riparo ai visitatori del MAXXI dialogando con le originali forme architettoniche di Zaha Hadid.

Vero pezzo di design nella sua funzione primaria di accoglienza e protezione, viene considerato opera d’arte per la potenza del segno.

‘Officina roma’ sorge sul piazzale del museo: è opera dello studio tedesco raumlaborberlin e degli studenti di un workshop coordinato dal Dipartimento Educazione del MAXXI (www. recyclelab.it ). Si presenta come una casa con cucina, camera da letto, sala-laboratorio, realizzata esclusivamente con materiali di scarto, ante di armadi, bottiglie di vetro, barili di petrolio, catinelle e travi di legno, finestre, portiere di automobili, pezzi di lamiera.

Il Re-Cycle, afferma Margherita Guccione, direttore del MAXXI Architettura, “ è una pratica capace di attraversare le più diverse forme espressive, da quelle di natura artistica e concettuale, agli interventi di tipo materiale, fino ai progetti urbani e ambientali”.

In alto, a sinistra: Monumento Continuo, sopraelevazione del Colosseo, Superstudio (A.Natalini, C.Toraldo di Francia, R.Magris, G.P.Frassinelli, A.Magris, A.Poli) Roma, Italia. Qui sopra: Wagristoratore, Piero Portaluppi, Passo San Giacomo Val Formazza (VB), Italia. A sinistra: Le Fresnoy Studio national des arts contemporains, Bernard Tschumi Architects, Tourcoing, Francia.

At top, left: Monumento Continuo, addition on top of the Colosseum, Superstudio (A.Natalini, C.Toraldo di Francia, R.Magris, G.P.Frassinelli, A.Magris, A.Poli) Rome, Italy. Above: Wagristoratore, Piero Portaluppi, Passo San Giacomo Val Formazza (VB), Italy. At left: Le Fresnoy Studio national des arts contemporains, Bernard Tschumi Architects, Tourcoing, France.

More than eighty works, two site-specific installations and a photography exhibition offer an unbridled illustration of the relationship between architecture, avantgarde expressive experimentation and environment awareness, analyzing the means to restore the landscape and the city and the ecological function of the architect in a world is already overbuilt.

Pippo Ciorra shapes a possible new theory for architecture, as the curator of ‘Re-Cycle. Strategies for Architecture, the City and the Planet’, with Elena Motisi, Alexandra Kaspar, Alessio Rosati, Reinier de Graaf, Sara Marini, Mosè Ricci, Jean-Philippe Vassal and Paola Viganò (catalogue by Electa, MAXXI, Rome. www. fondazionemaxxi.it). In the dialogue between art and architecture, the place for the recycling of buildings, materials, spaces becomes very important if it is understood as a civil good practice, “a creative reinvention of the work built on the work applied to city planning”.

Abandoned galleries that become museums, homes built inside or on top of other homes, agricultural land developing on abandoned waste disposal sites in Spanish, German and American cities, and much more, demonstrate the potential for new uses. The spectacular exhibits include the original model for the project by James Corner Field Operations, Diller Scofidio+Renfro and Piet Oudolf for the High Line in New York, the new public park created along the abandoned elevated subway line, the model of the tunnels excavated in Trento,

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later abandoned and transformed into the Historic Museum of Trento by Elisabetta Terragni, the drawings by Superstudio to elevate the Colosseum in the ‘Continuous Monument’. The modernity of the third millennium has ancient roots, as may be seen in the pictures of the Wagrestaurant designed in 1929 by Piero Portaluppi for the Alpine mountain pass of San Giacomo in Val Formazza (Verbania), destroyed in 1944 because it was thought to be a refuge for partisans. Or the albums recorded underground on X-ray negatives in the Soviet Union, to listen to music by Jimi Hendrix thanks to ‘music on bones’, a crime punishable for the KGB with 7 years of prison. Twenty-six latest-generation Samsung LED Smart TVs guide visitors through the discovery of the importance of recycling (www.samsung.com), as shown in the videos by Rybczynski, Nina

Fisher & Maroan el Sani, Song Dong, or the ones that re-elaborate works by Frank O. Gehry and Venturi, Scott, Brown and Associates. South African photographer Pieter Hugo, in ‘permanent error’ curated

by Francesca Fabiani, tells about one of the largest high-tech dumps in the world: in the slums of Agbogbloshie, in the suburbs of Accra, Ghana, computers, disks and monitors are burned to extract copper, brass, aluminium and zinc to resell, producing highly polluting toxic residues.

In the outdoor spaces of the museum, two large site-specific installations invite visitors to think. The Maloca project by Fernando and Humberto Campana, curated by Domitilla Dardi, and modeled on the large community cabins of native Brazilians, offers shelter to the visitors of the MAXXI as it dialogues with the soft architectural forms of Zaha Hadid. A true

work of design as it serves its primary function of welcoming and protecting, it is considered a work of art because of the power of its line. ‘Officina roma’ stands on the museum square: this is a work created by the German studio raulaborberlin and the students of a workshop coordinated by the Education Department of the MAXXI (www.recyclelab.it). It appears as a home with a kitchen, bedroom and laboratory, made exclusively out of waste materials, closet doors, glass bottles, oil barrels, basins and wood beams, windows, automobile doors, pieces of sheet metal.

Re-Cycle, states Margherita Guccione, director of MAXXI Architecture, “is a practice that ranges across the most diverse forms of expression, from those of an artistic and conceptual nature, to material types of intervention, through urban and environmental projects”.

In alto, Dovecote Studio, Haworth Tompkins, Snape Maltings, Suffolk, Regno Unito. Qui sopra, Gemini Residences Frøsilos MVRDV, Copenhagen, Danimarca.

Pagina accanto, Live/Work Space, sculp(IT) architecten, Anversa, Belgio.

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At top, Dovecote Studio, Haworth Tompkins, Snape Maltings, Suffolk, United Kingdom. Above, Gemini Residences Frøsilos MVRDV, Copenhagen, Denmark. Page across, Live/Work Space, sculp(IT) architecten, Antwerp, Belgium.

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Digital C-Print©Pieter Hugo, Courtesy Galleria Extraspazio, Roma; Michael Stevenson Gallery, Cape Town; Yossi Milo, New York, in alto n.23, a fianco, n.06 Yakubu Al Hasan.

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Digital C-Print©Pieter Hugo, Courtesy Galleria Extraspazio, Rome; Michael Stevenson Gallery, Cape Town; Yossi Milo, New York, at top n.23, across, n.06 Yakubu Al Hasan.

Saving Lieb House, John Halpern, Jim Venturi, Stati Uniti. Foto Ekaterina Choutova.

Saving Lieb House, John Halpern, Jim Venturi, Stati Uniti. Foto Ekaterina Choutova.

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SPORT/ARCHITECTURE

URBAN SPACES CHANGING Progettato dagli architetti Jurij Sadar e Bostjan Vuga, e collocato nella periferia Nord del nucleo urbano, lo Sports Park Stozice - un complesso che unifica attività sportive e terziarie - è concepito alla pari di un’opera la cui influenza va oltre i confini del sito, che la accoglie fino a coinvolgere le dinamiche di trasformazione del tessuto esistente. Intorno, un parco circonda gli edifici, diventando elemento di connessione visiva fra il fiume Sava e il verde situato nel cuore del centro cittadino.

Designed by architects Jurij Sadar and Bostjan Vuga, and located in the northern suburbs of the city, the Sports Park Stozice – a complex that brings together sports and the tertiary sector – is conceived as a work whose influence reaches beyond its site and engages the dynamics of transformation of the existing urban fabric. Around it, a park surrounds the buildings, and visually connects the river Sava to the green area in the heart of the city centre.

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Il palazzetto dello sport, con la sua particolare copertura-guscio a forma di cupola. Emerge un disegno che genera, come un festone, una sequenza di aperture a mezzaluna simili a ‘occhi’ o a ‘cannocchiali’ visivi aperti sul parco circostante. Foto, © David Lotric.

The sports arena, with its particular shell-roof in the shape of a dome.

The result is a design that generates a sequence, similar to a festoon, of half-moon shaped windows that are like ‘eyes’ or ‘telescopes’ open onto the surrounding park. Photo ©David Lotric.

Dà una nuova identità al territorio il complesso Sports Park Stozice, progettato dagli sloveni Jurij Sadar e Bostjan Vuga. Collocato nell’area Nord della periferia, fuori dal centro storico, conferma la capacità degli stessi architetti di intervenire nella ridefinizione delle dinamiche urbane, inventando un landmark alternativo. Il complesso, che unifica attività sportive e terziarie, inserito in un ampio parco che lo circonda totalmente, diventando elemento di connessione visiva fra il fiume Sava e il verde del tessuto cittadino, è il risultato dell’interazione fra pubblico e privato. Nello specifico, fra la Città di Lubiana e la Grep Development Company. Lo studio SADAR + VUGA, fondato nel 1996, ha concepito, ancora una volta, un’opera la cui influenza va oltre i confini del sito che la accoglie fino a coinvolgere le politiche di trasformazione del contesto esistente. Con il suo manto verde, il parco fa da eco all’andamento orizzontale del luogo, esprimendo un senso di confidenza con l’area nella quale è stata realizzata l’intera struttura. Struttura, questa, distribuita su una superficie di 187.500 mq, in cui si innalzano i corpi monolitici dello stadio, il palazzo dello sport e il centro commerciale, costituendo un punto di vista privilegiato sulle Alpi, sul castello in collina, sulle torri del centro cittadino. Chiaro l’intento dei progettisti: creare nuovi scenari per l’interazione sociale e le attività della comunità slovena. Protagonista indiscussa del palazzetto dello sport, con 12.000 posti a sedere, in parte interrato, è la copertura a forma di cupola. Qui il design raggiunge i suoi massimi livelli sia nella sperimentazione del linguaggio architettonico individuato e sia nell’innovazione tecnologica. La piattaforma del parco incontra il bordo del guscio che, disegnato come un festone, si

apre verso l’esterno. Ne deriva una copertura che scandisce, attorno al suo perimetro, una sequenza di aperture a mezzaluna simili a ‘occhi’ o a ‘cannocchiali’ visivi sul parco. L’intera copertura presenta un rivestimento che cambia colore in funzione delle condizioni atmosferiche e della distanza dalla quale la si osserva. La collocazione delle tribune è studiata per avere la massima compattezza degli spazi e per consentire agli spettatori la massima vicinanza all’azione. L’ingresso inferiore, destinato al pubblico selezionato, e quello superiore con i chioschi, circondano l’edificio e si affacciano sul verde; l’ambiente a doppia altezza, rende, inoltre, possibile la vista sull’esterno anche dalle tribune. Nel suo complesso, il progetto propone un dialogo fra natura e ambiente costruito, oltre che un modello di riferimento per la trasformazione degli spazi pubblici della città. Design di eccellenza confermato anche per lo stadio, costruito nel rispetto degli standard economici, sociologici, ambientali stabiliti dalla UEFA. Esso affonda nel parco, emerge soltanto la parte terminante, simile al cratere di una cava abbandonata. In questo senso, lo stadio e il palazzo dello sport si configurano come la giustapposizione l’uno dell’altro: il primo è il ‘negativo’ del secondo, che invece viene fuori dalle viscere del terreno. Per quanto dissimili nella loro struttura, entrambi adottano lo stesso linguaggio formale in modo da essere letti come elementi di unico scenario progettuale, sintatticamente omogeneo. La scelta dei materiali contribuisce a creare una liaison fra i due edifici: il rivestimento della copertura dello stadio è lo stesso di quello adoperato per il guscio del palazzetto. Attorno alla copertura si distribuiscono quattro rampe di scale che conducono agli ingressi, in prossimità

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di esse, il parco si abbassa gradualmente fino a rivelare la struttura come un edificio aperto, come una depressione nel terreno. Terzo elemento dello Sports Park Stozice è il centro commerciale. Aperto ogni giorno della settimana, contribuisce a rendere vitale l’area anche in assenza di eventi sportivi. I due livelli del centro commerciale e del parcheggio si sviluppano per dodici metri sottoterra, lì dove da tempo si trovava una cava di pietra ora dismessa. La copertura sulla quale si estende la piattaforma del parco, progettato dallo Studio AKKA di Lubiana, è organizzata in singoli microambienti che offrono luoghi di ristoro e relax. Il parco è concepito come qualcosa di più rispetto a un semplice spazio all’aperto: le aree gioco, la micro topografia, la varietà della sua vegetazione, l’articolazione della sua pavimentazione lo trasformano in uno spazio urbano ibrido, nel quale l’aspetto naturale dialoga con quello artificiale, la vivacità con la quiete, il pieno con il vuoto. www.sadarvuga.com

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The Sports Park Stozice complex, designed

by Slovenian architects Jurij Sadar and Bostjan Vuga brings a new identity to the territory. Located in the northern part of the suburbs, outside the historic city centre, it confirms the architect’s ability to intervene in the definition of new urban dynamics, by inventing an alternative landmark. The complex, which brings together sports activities and the tertiary sector, encompassed within a larger park that totally surrounds it, thereby making it a visual link between the Sava river and the green spaces of the city’s urban fabric, is a result of the interaction between public and private; specifically, between the City of Ljubljana and the Grep Development Company.

The firm SADAR + VUGA, founded in 1996, has again conceived a work the influence of which stretches beyond the boundaries of the site it is located on and engages the transformation policies of the existing context. With it green covering, the park echoes the horizontal perception of the place, expressing a sense of confidence with the area on which the entire structure was built. The structure is distributed over a surface of 187,500 square meters; within it rise the monolithic volumes of the stadium, the sports arena and the shopping rise, constituting a privileged point of view

onto the Alps, the castle on the hilltop, the towers in the city centre. The intention of the designers is very clear: to create new scenarios for social interaction and the activities of the Slovenian community.

The protagonist is clearly the sports arena, which seats twelve thousand, and is buried partly underground, topped by a roof shaped like a dome. Here the design reaches its highest level in terms of experimentation with the chosen architectural language and in terms of technological innovation. The platform of the park meets the edge of the shell which, designed like a festoon, opens outwards.

The result is a roof that creates a series of openings around the perimeter in the shape of half-moons, that look like “eyes” or visual “telescopes” focused on the park. The entire roof is clad in a material that changes colour depending on the weather and the distance it is viewed from. The placement of the bleachers was studied to achieve the most compact spaces possible and to allow viewers to be as close as possible to the action.

The lower entrance, for a more selected public, and the upper entrance with the booths, surround the building and face the green space; the double-height space also creates a view to the outdoors from the bleachers. Overall, the project fosters a dialogue between nature and

the built environment, and becomes a model to refer to for the transformation of the city’s public spaces. A design of excellence which may also be found in the stadium, built to respect the economic, sociological and environmental standards established by UEFA. It is immersed in the park; only the tip emerges, similar to the crater of an abandoned quarry.

In this sense, the stadium and the sports area appear as a juxtaposition of one another: the first is the “negative” of the second, which instead emerges from the bowels of the earth. Though they are dissimilar in their structure, both adopt the same formal language so that they may be read as elements of a single design scenario, with a homogeneous syntax.

The choice of materials helps to create a liaison between the two buildings: the cladding on the roof of the stadium is the same used for the shell of the sports arena. Four different staircases lead up to the entrances; near the homes, the park gradually grades downwards until it reveals the structure as an open building, as a depression in the terrain. The third element of the Sports Park Stozice is the shopping centre. Open every day of the week, it helps bring vitality to the area even when there are no sports events going on. The two floors of the shopping centre and the parking garage run twelve

meters underground, where a stone quarry, now abandoned, existed for many years. The roof over which the platform of the park extends was designed by Studio AKKA in Ljubljana: it is organized into individual micro-spaces that offer places for refreshment and relaxation. The park was conceived as something more than a simple open space: the playgrounds, the micro-topography, the variety of the vegetation, the articulation of the paving, transform it into a hybrid urban space, in which the natural aspect dialogues with the artificial, liveliness with peace, solid with void. www.sadarvuga.com

A sinistra, esterni del palazzetto dello sport, (particolare della copertura); foto, © David Lotric. In basso, la struttura interna: la collocazione delle tribune è studiata per avere la massima compattezza degli spazi.

At left, outdoor views of the sports centre (roof detail); photo © David Lotric.

Below, the inner structure: the location of the bleachers was studied to make the spaces as compact as possible.

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Qui sopra, veduta interna dello stadio. In alto e nella pagina accanto, il palazzetto dello sport: corridoio e galleria vip nei toni del bronzo; al centro, gli interni dell’edificio. A sinistra, ancora lo stadio; foto, © David Lotric.

Above, an inside view of the stadium.

At top and page across, the sports arena: hallway and VIP gallery in shades of bronze; at centre, views of the interior. At left, another view of the stadium; photo © David Lotric.

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LIVING/PROJECT

HOME SWEET HOME

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Un candido e composto ambiente segnato da geometrie ieratiche e pure. Una culla comoda e meditativa che crea un’atmosfera temperante, capace di unire la percezione visiva alla più intima dimensione dello spirito. È la recente cellula abitativa progettata da Simone Micheli per una giovane coppia di Oderzo, distribuita su una superficie di 80 mq, ubicata all’ultimo piano di un palazzo residenziale. Qui, l’accostamento di forme essenziali e prive di orpelli rifiuta le regole tradizionali, proponendo un nuovo modo di vivere il privato.

A poised and candid space distinguished by its pure and austere geometry. A comfortable and meditative cradle to create an soothing atmosphere that brings visual perception into unity with the most intimate dimension of the spirit. This is the recent living cell designed by Simone Micheli for a young couple in Oderzo, distributed over a surface of 80 square meters, located on the top floor of a residential building. Here, the combination of essential forms with no frills, rejects the rules of tradition, proposing a new way of experiencing private life.

“Un insieme segnico e contenutistico di forte spessore; una dimora caratterizzata da continue geometrie e candidi cromatismi, in grado di stimolare e vivificare l’esperienza visiva e sensoriale di chi la abita”.

Commenta così l’architetto Simone Micheli il recente progetto realizzato a Oderzo, città in provincia di Treviso, in cui, fedele alla matrice progettuale, sperimenta ancora una volta un linguaggio composito e plurale, fatto di contaminazioni e di innesti stilistici eterogenei, ma pur sempre in armonia con il contesto. La cellula abitativa, distribuita su una superficie di 80 mq, ubicata all’ultimo piano di un palazzo residenziale, è il risultato dell’accostamento di forme essenziali; di un concept che rifiuta le regole tradizionali e propone un nuovo modo di vivere il

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privato. Lo stereotipo trascende sin dal primo momento in cui il visitatore entra in questo mondo. Al piano terra gli si presenta un open space filtrato: un ampio monolocale diviso solo da grandi lamine di vetro trasparente extrachiaro con satinature di tronchi d’alberi stilizzati. Si dipana allo sguardo un ambiente niveo, puro, con una pavimentazione in parquet di rovere. Ed è in questo luogo che, superata la porta blindata, l’architetto colloca un divano angolare, semplice, di color marrone metallico, il cui poggiatesta sale fino al soffitto intraprendendo un percorso irregolare, ma funzionale al tempo stesso. “Da questo serpente librato - aggiunge Micheli - si svelano dei piccoli led luminosi che ravvivano, insieme alle casse acustiche incorporate, il soggiorno”. Le

Il divano angolare in tessuto marrone metallico con poggiatesta che sale fino al soffitto, completo di led e casse acustiche. Qui a sinistra si intravede il soppalco con parapetto in vetro.

The corner sofa in brown metallic fabric with a headrest that rises up to the ceiling, complete with LEDs and speakers. At left, a glimpse of the mezzanine with glass parapet.

luci multicolore sottostanti al sofà modificano l’atmosfera dello spazio vissuto. La cucina attigua, completa di sala da pranzo, è come ‘ospitata’ all’interno del living. Anch’essa si palesa nella purezza di un bianco lucido laccato; colore che si abbina al tavolo in vetro trasparente sorretto da gambe in acciaio inox. Il candore che contraddistingue l’ambiente si spande nella sala investendo il mobile che funge da parete frontale al divano, in cui è stata incastonata la tv retroilluminata da un led Rgb. Adiacente al locale, si lascia intravedere lo studiolo in tutta la sua regolatezza. Le tre librerie girevoli retro-specchiate consentono di personalizzare lo spazio a proprio piacimento. Un’altra parete trasparente con satinature divide questo spazio dalla palestra: semplice e minimale nel suo equilibrio compositivo. Ognuna delle geometrie antropomorfe è valorizzata da faretti la cui luce sale dal pavimento mettendo in risalto la fantasia disegnata. “Vi è una forte eufonia fra il bianco che caratterizza apparentemente quasi tutto l’appartamento, gli specchi e i vetri trasparenti con satinature in tutti luoghi del piano terra”. Subito dopo si apre il bagno di servizio. Anche in questo caso il vetro finito a specchio con la stessa satinatura svolge ruolo importante nell’arredamento, riempiendo ogni angolo della stanza. Motivo che ritorna nelle satinature retroilluminate della superficie posta sopra il lavabo e nelle altre che fanno da sfondo alle naturali geometrie. Nella camera superiore mansardata è collocato soltanto il letto che “levita su un luminoso bagliore colorato, come per mettere al centro l’uomo”. Una tenda in organza abbraccia completamente l’immensa finestra, chiusa superiormente da una veletta di acciaio inox; mentre uno specchio analogo a

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quelli del piano inferiore copre lâ&#x20AC;&#x2122;altra parete. Da qui si cela il bagno privato che, in controtendenza rispetto a quanto progettato, evidenzia un pavimento e la parete in labradorite verde. Il piano del lavabo è in solid surface. Per ottimizzare lo spazio, partendo dalla parete stessa, si è creato un mobile contenitore rivestito esternamente in specchio, senza per nulla alterare lâ&#x20AC;&#x2122;equilibrio faticosamente raggiunto. www.simonemicheli.com

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“A sum of sign and substance with considerable significance: a home distinguished by uninterrupted geometries and a candid chromatic decor, that stimulate and enliven the visual and sensorial experience of the people who live there”. This is Simone Micheli’s remark on the recent project he developed in Oderzo, a city in the province of Treviso: faithful to his design approach, he again experiments with a pluralistic, composite language, distinguished by crossfertilization and heterogeneous stylistic insets, to remain harmonious with the context. The living cell, distributed over a surface of eighty square meters located on the top floor of a residential building, is the result of a combination of essential forms, that rejects the rules of tradition and offers a new way of experiencing private life. Stereotypes disappear from the moment the visitor enters this world.

The ground floor opens onto a filtered open space, divided only by large extralight transparent glass panels decorated with stylized satin-finished tree trunks.

A vision of a pure snow-white space, with an oak parquet floor. And here, just past the security door, the architect places a corner sofa, a simple design, metallic brown in color, with a headrest that climbs up to the ceiling, following an irregular, yet functional design.

“This floating serpent, explains Micheli,

conceals little LED lights that, along with the incorporated audio speakers, enliven the living room”. The multicoloured lights under the sofa modify the atmosphere of the living space. The adjacent kitchen, complete with dining room, is in a sense “contained” within the living room. It too shines within the purity of painted glossy white surfaces; this colour base is matched with a clear glass table on stainless steel legs. The whiteness that distinguishes the space extends into the room and over the cabinets designed as a wall in front of the sofa; the television, backlit by an RGB Led light, has been embedded into it. Next to this room, a glimpse may be caught of the highly orderly study. The three swiveling bookcases, mirrored at the back, make it possible to customize the space as desired. Another transparent wall with satin-finished decoration separates this space from the gym, simple and minimal in its balanced composition.

Each of the anthropomorphic geometries is emphasized by spotlights with light that rises from the floor to highlight the design pattern. “There is a powerful euphony between the white that apparently characterizes the entire apartment, the mirrors and the clear glass with satinfinished decorations in all the spaces of the ground floor”. Next to it is the guest bathroom. Here too the mirrorfinished glass with the same type of satin

decoration plays an important role in the interior decoration, filling every corner of the room. A motif repeated in the back-lit satin-finished decorations of the surface above the wash-basin and in the others that serve as a background for the natural geometry. In the upper-floor bedroom under the roof beams there is nothing but the bed that “levitates over a coloured glowing light, as if to place man at the centre”. An organza curtain completely embraces the immense window, closed at the top by a stainless steel canopy, while a mirror similar to the one on the ground floor covers the other wall. Behind it is concealed the private bathroom, which unlike the rest of the project, features a floor and wall in green Labradorite. The washbasin countertop is made out of Solid Surface. To optimize the space, a cabinet clad in mirrored glass was built from the wall outwards, without altering the balance that was so arduously achieved. www.simonemicheli.com

Nella pagina accanto, la camera da letto, con la base in MDF laccato bianco.

Sopra, il bagno con sanitari e lavabo in ceramica.

Page across, the bedroom, with the base in MDF painted white. Above, the bath with ceramic fixtures and washbasin.

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ARCHITECTURE/ART

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LABORATORIO CREATIVO

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CREATIVE WORKSHOP

Un ex-tabacchificio nel Salento, imponente costruzione nella zona della campagna leccese chiamata Le Cupe, è sede da alcuni anni di un interessante progetto ideato e promosso dall’architetto padovano Piergiorgio Semerano e dall’esperta d’arte Anna Cirignola: il Laboratorio d’Arte e Architettura.

For a few years a former tobacco factory in Salento, an imposing building in Lecce’s countryside called Le Cupe, has been accommodating a challenging project drawn up and promoted by the Padua-born architect Piergiorgio Semerano and the art expert Anna Cirignola: Laboratorio d’Arte e Architettura (Art and Architecture Workshop).

Pagina accanto, opere dell’artista Antonio De Luca sulla facciata dell’extabacchificio, sede dell’associazione Nex Tab. Sopra e accanto, l’ingresso dell’Italcogim a Casarano, progetto dell’architetto Piergiorgio Semerano.

Opposite, works by the artist Antonio De Luca on the façade of the former tobacco factory, where the Nex Tab association is headquartered. Above and left, the entrance to Italcogim in Casarano, a project by the architect Piergiorgio Semerano.

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Pensato come luogo di ricerca, confronto, progettualità, produzione e comunicazione per promuovere la crescita dei giovani artisti e curatori d’arte del Salento, e metterli in contatto con altre realtà, il Laboratorio d’Arte e Architettura è diventato molto di più: un luogo di partecipazione e condivisione d’esperienze in grado di interagire con il territorio in vari modi e di formare professionalità e sperimentazione. Sono nate, così, importanti iniziative in collaborazione con artisti e designer, come Hidetoshi Nagasawa, ormai cittadino onorario del Salento, Marco Bagnoli, Riccardo Dalisi, Patrick Blanc e molti altri.

Attualmente il Laboratorio è sede anche del progetto Archiviazioni, che crea scambi culturali tra artisti e ha organizzato mostre ed eventi di grande interesse, come la recente installazione dell’artista turca Devrim Kadirbeyoglu, e la neonata Associazione Nex Tab, che ha in cantiere un importante progetto per portare ad aprile a Milano, nell’ambito del MiArt, la cultura Salentina. “È fondamentale non perdere la cultura del territorio, lavoriamo con artisti che vivono al Sud e con altri che invece hanno scelto di andarsene, perché questo fa parte della nostra storia” - racconta Anna Cirignola - “come fa parte della storia di questa regione il duro lavoro, del quale il tabacchificio è un po’ il simbolo”. Continua: “invitiamo gli artisti anche a misurarsi con il tema del lavoro e a tutto ciò che ad esso è correlato come sfruttamento e dignità umana.

Nella mostra organizzata la scorsa estate, ‘Km 0 - Segni d’arte al Sud’, parte dell’emotività

nasceva anche da questa ricerca.”

Il Laboratorio è uno spazio aperto cui si può accedere sia fisicamente che attraverso la rete, un punto di convergenza per tanti professionisti ‘con la valigia’, ognuno con il suo contributo d’esperienza. All’architetto Semerano, uno dei motori dell’iniziativa e autore di significativi progetti in Salento, come la ristrutturazione della sede Italgest, la Wine Factory di Otranto, la Masseria Capasa, lo stadio di Casarano, solo per ricordarne alcuni, abbiamo rivolto alcune domande sulla sua esperienza pugliese.

Come è iniziata l’esperienza salentina?

Nasce come una sfida: costruire una struttura d’eccellenza alla periferia dell’impero.

Sono convinto che il futuro avrà luogo in zone non previste, il Sud del mondo e anche il Sud dell’Italia sono ricchi di percorsi non esplorati, di energie latenti pronte a emergere. Penso che i tempi siano maturi per un percorso all’inverso: una volta si emigrava dalle zone periferiche verso i grandi centri industriali, oggi è iniziato un processo di ritorno verso quelle zone del mondo dove è ancora possibile trovare le radici culturali. Una migrazione verso luoghi dove energie nuove possono essere liberate e generare prospettive per il futuro. Il Sud del mondo è in movimento, non è morto come altri luoghi svuotati dal consumismo e dal conformismo. Nei momenti di grande crisi, sia economica che culturale, è vitale la convinzione di poter reinventare il proprio domani.

Come vede il rapporto tra arte e architettura?

L’arte contemporanea è in grande esplosione, attraversa un momento estremamente vitale. Attualmente uscire dai propri schemi può essere molto vantaggioso, e creare una sinergia tra due discipline diverse e parallele può portare a interessanti rapporti inconsueti e fecondi. Credo nella grande possibilità del lavoro svolto a fianco di persone con diverso spirito, per scambiarsi esperienze di lavoro ma anche di vita, contaminandosi a vicenda.

Quanto sono importanti il territorio e il contesto culturale per l’approccio a un progetto?

Non esiste un progetto che vada bene ovunque. Il progetto vive solo nel rapporto con un luogo specifico, al di fuori di questo non esistono né l’architettura né il luogo.

Che importanza hanno i materiali e la luce nei suoi progetti?

I materiali sono la vita in rapporto al disegno, che è un concetto. Per dare vita a un concetto si passa per la conoscenza approfondita dei materiali, che sono strumento ed espressione della cultura del luogo. Luce e materiali sono legati da un’alchimia sottile, la luce ha la capacità di modificare forme e dimensione dei materiali. I materiali, invece, hanno la qualità di conservare la memoria del luogo che, al di là di ogni dogma, è possibile estrarre e trasformare attraverso il progetto; questo a sua volta può essere anche molto innovativo, originale, autentico, ben oltre parole vuote e inflazionate come tradizione e innovazione. Per approfondire lo studio dei materiali è fondamentale instaurare stretti rapporti con gli artigiani, de-

positari della sapienza e della cultura locale; con loro è possibile rivitalizzare la tradizione con continue ricerche e sperimentazioni.

Come interpreta la grande attenzione che c’è attualmente per il Salento e che influenza pensa possa avere sulla vita culturale e sociale locale?

Questo tipo d’attenzione nasce spesso per caso, attraverso un primo approccio, anche superficiale, verso la qualità di luoghi naturali e storici di cui questa terra è ricca. In molti casi, a questo primo incontro segue la scoperta della grande complessità e della grande profondità della gente del Salento. Si scoprono relazioni e rapporti umani molto forti, pieni di vitalità e, a volte, più promettenti e stimolanti di tante occasioni offerte nelle grandi metropoli. Questa scoperta è la ragione che ha generato il Laboratorio.

In queste immagini e nelle pagine successive, lo studio dell’architetto Semerano, situato al primo piano dell’edificio, e alcuni plastici in fase di realizzazione.

These photos and following pages, architect Semerano’s studio, located on the first floor of the building, and a few plastic models under construction.

Conceived as a place for research, exchanges, design, production and communication, with a view to promoting the growth of young artists and art curators in Salento, and allowing them to get in touch with different situations, the Art and Architecture Workshop has developed into something more, a place for participating in and sharing experiences, capable of interacting with the territory in several different ways, training and experimenting. This has resulted in major collaborations with artists and designers, including Hidetoshi Nagasawa (who has become an honorary citizen of Salento), Marco Bagnoli, Riccardo Dalisi and Patrick Blanc.

The Workshop also functions as the venue for the project Archiviazioni (recording), designed to encourage cultural exchanges among artists, and has hosted interesting exhibitions and events, including the recent installation by the Turkish artist, Devrim Kadirbeyoglu, and the newly founded Nex Tab association, which is going to embark on a major project – that is, taking Salento’s culture to Milan in April, in conjunction with the International Modern and Contemporary Fair, MiArt. “It is of the utmost importance not to lose local culture. We work with both artists who live in Southern Italy and others who have chosen to leave, because this is part of our history – said Anna Cirignola –. Likewise, hard work, somehow symbolized by the tobacco factory, is part of this region’s history. We also ask the artists to deal with the theme of work and everything that is related to it, including exploitation and human dignity. In the exhibition organized last summer, ‘Km 0 – Segni d’arte al sud’ (art signs in Southern Italy), the emotional aspect was partly the result of this search”. The Workshop is an open space which you can access both physically and through the Web, a meeting point for many professionals who are ready to leave, each contributing their own experiences. We asked architect Piergiorgio Semerano, who has been among the promoters of the Workshop and carried out significant projects in Salento – the renovation of Italgest’s headquarters, the Wine Factory in Otranto, Masseria Capasa and the stadium in Casarano, to name but a few –, some questions about his experience in Apulia.

How did your experience in Salento start?

It started as a challenge: building a firstrate facility on the outskirts of the empire.

In my opinion, the future will take place in unexpected areas; the world’s south as Italy’s south are rich with unexplored routes, hidden energies that are ready to come out. I believe that the time is ripe for a course in the opposite direction; people used to move from suburban areas to big industrial hubs; now they tend to go back to those areas of the world where

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cultural roots can still be found, moving to places where new energies can be released and generate future prospects.

The world’s south is thriving with activity; it is not as dull as other places which have been drained by consumerism and conformism. Believing that you can reinvent your future is crucial in economically and culturally critical moments.

What about the relationship between Art and Architecture?

Contemporary art is booming; it is extremely vital. Breaking out of the mould can prove very useful and create synergy between two different, parallel disciplines; it can translate into challenging, unusual, fruitful relationships. I believe in the major opportunities offered by working with people differing in spirit, to exchange work and life experiences, thereby contaminating each other.

How important are the territory and the cultural background when approaching a project?

No project will go off well anyway. All projects are closely related to certain places. Outside this relationship, there are neither architecture nor places.

What is the role of materials and light in your projects?

Materials mean life in relation to the sketch, which is a concept. Thoroughly knowing the materials – which are a tool of, and epitomize, local culture – is a

Ancora l’interno del Laboratorio d’Arte e Architettura, che ospita anche Archiviazioni, archivio di arte contemporanea.

The interior of Laboratorio d’Arte e Architettura (Art and Architecture Workshop), which also accommodates the contemporary art archives, Archiviazioni.

must, if you are to develop a concept.

Light and materials are connected with each other by fine alchemy; light can change the shapes and dimensions of materials. Whereas materials can store the memory of a place which – apart from dogmas – can be extracted and transformed through the project; this, in turn, can also prove very innovative, original, genuine, well beyond such empty, overused words as tradition and innovation. Establishing close relationships with craftspeople, the guardians of local knowledge and culture, is key to investigating materials; with them you can revive tradition, through ongoing research and experimentation.

How do you explain the attention Salento is attracting and how do you think it might influence local cultural and social life?

This type of attention is often but a coincidence; it may arise from an initial approach – even a superficial one – to the quality of the natural and historical places this area is rich with. In many cases, the first approach is followed by the discovery of the complexity and depth of the people from Salento. You become aware of very strong, vital human relations which are sometimes more promising and stimulating than many opportunities offered by big metropolises.

This discovery is what has allowed this Workshop to become ‘bricks and mortar’.

Sopra, un’opera di Luigi Presicce. Qui accanto, da destra: un’installazione di Fernando Schiavano; Anna Cirignola, direttore artistico di Nex Tab. I primi di aprile verrà inaugurato il Mus, il nuovo Museo d’arte di Lecce, con una mostra organizzata da Nex Tab. Above, work by Luigi Presicce. Adjacent from right: installation by Fernando Schiavano; Anna Cirignola, artistic director of Nex Tab. The new Art Museum in Lecce, Mus, is being inaugurated in early April, with an exhibition organized by Nex Tab.

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DESIGN/SELECTION

IL DIVANO VIVE THE SOFA LIVES ON ]b FZgn^eZ =b FZkb

LIGNE ROSET Entailles, design Philippe Nigro, cambia configurazione secondo necessità, una varietà di utilizzo assecondata ulteriormente da profondità delle sedute e altezze degli schienali diversi. Gravitano attorno due tavolini – uno rettangolare e uno a tre bracci - e un poggiareni in piuma.

Bracciolo opzionale assemblato in due colori o in due materiali.

Entailles, designed by Philippe Nigro, changes configuration as required, for a variety of uses further supported by a choice in depth of the seating and the height of the backrests.

They gravitate around two coffee tables – one rectangular and one with three arms – and a lower back support pillow stuffed with feathers.

The optional armrest is assembled in two different colours or two different materials.

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Articolati da moduli funzionali e sempre in movimento, gli imbottiti formano configurazioni possibili all’infinito che nascono, di volta in volta, per assecondare la quotidianità.

Rompono immagini e forme convenzionali dando vita ad nuova estetica, assecondano incastri di materiali e colori diversi. In equilibrio tra cedevolezza e robustezza, tutto si modifica, tranne qualità e comfort. Sempre presenti nei minimi dettagli.

Articulated by functional modules that move around all the time, upholstered seating systems create an infinite number of possible configurations that are made, each in turn, to support the requirements of everyday life. They reject conventional images and forms to give life to a new aesthetic, facilitating combinations of different materials and colours.

Balanced between pliancy and rigidity, everything changes, except quality and comfort.

Which are always there in the tiniest of details.

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B&B Tutte le sue componenti sono assemblate in modo da consentire la loro totale separazione, agevolando così il processo di riciclo e diminuendo l’impatto ambientale. La poltroncina Husk, design Patricia Urquiola, è formata da scocca rigida in materiale plastico che sorregge una serie di cuscini soffici, declinati in 3 tipologie: standard, di misure più generose e avvolgenti, oppure con poggiatesta.

Cuscini e scocca giocano con un’ampia gamma di: colorazioni e rivestimenti, per i primi; finiture, per la seconda, che può avere supporto fisso o girevole.

Provvista di pouf poggiapiedi.

All its components are assembled so that they can be completely separated and later recycled, reducing their environmental impact: the Husk chair, designed by Patricia Urquiola, is composed of a hard plastic shell that supports a series of soft cushions, developed in 3 typologies: standard, more generous and embracing, or with a headrest. Both play on an ample range of colours and upholstery fabrics for the pillows, on a range of finishes for the shell, which is available on a fixed or swivelling base. It also features a footrest.

MANIFESTO Intreccio di carta, tessuto, 4 viti metalliche, 4 feltrini per piedini, palline di polistirolo riciclato, 2 cerniere in plastica facilmente estraibili per la raccolta differenziata: questi gli elementi che compongono Mao, il pouf, che ricorda la testa di un gatto, ottenuto da un unico foglio di tessuto di carta intrecciato a telaio, ripiegato su se stesso come un origami e fissato nella forma grazie alle cerniere. All’interno, il cuscino e una tavoletta di legno multistrato per dare più sostegno.

Progetto di Viola Tonucci.

Woven paper, fabric, 4 metal screws, 4 felt pads for the feet, recycled Styrofoam beads, 2 plastic hinges that are easy to remove for separated waste disposal: these are the elements of Mao, the footrest that looks like a cat’s head, created out of a single sheet of paper woven on a loom, folded over like an origami and fastened into shape by the hinges. Inside, a pillow and a plywood board to offer greater support.

Design by Viola Tonucci.

POL 74 Geometrico e componibile, Brera è un divano letto che offre ampia scelta di materassi: a molle, sia sfoderabile che non; in espanso sfoderabile; a molle insacchettate, sfoderabile e non. Tutti certificati con test EN 1957:2000, par 7.2. eseguito presso l’istituto CATAS. Con o senza bracciolo, nelle soluzioni large e small; pouf small come elemento angolare. Design Paolo Salvadè.

Geometric and modular, Brera is a sofa-bed that offers a wide selection of mattresses: a spring mattress, with or without slipcover; polyurethane with slipcover; with bagged springs, with or without slipcover. All certified and tested EN 1957:2000, par 7.2, by the CATAS Institute. With or without armrests, in the small or large solution; a small footrest serves as a corner element. Design Paolo Salvadè.

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MUSSI Una piattaforma da creare a piacere sulla quale rilassarsi. Lunga quanto serve, si avvolge su se stessa oppure si snoda all’infinito: Sedutalonga, per la casa o gli spazi collettivi, si adatta all’evoluzione del vivere contemporaneo. Design Bruno Rainaldi.

A platform to create as desired, and to relax on. It can be as long as you need, curving in on itself or rambling on forever: Sedutalonga, for the home or collective spaces, can adapt to the evolution of contemporary living.

Design by Bruno Rainaldi.

POLIFORM Abbondante, morbido, essenziale: sono doti che si fondono nel divano Bolton per una funzionalità totale. Lo schienale si alza stando comodamente seduti, ben integrato nella struttura con basamento in legno, ed è regolabile in altezza in tre posizioni differenti mediante apposito meccanismo. Prerivestimento in ovatta di poliestere e rivestimento finale tesato sfoderabile in tessuto; non sfoderabile in pelle e ecopelle. Design Giuseppe Viganò.

Abundant, soft, essential: these are qualities that work together in the Bolton sofa to provide total functionality. The backrest can be raised comfortably from a seated position, and is well integrated into the structure that features a wooden base: it may be adjusted in height to three different positions thanks to a special mechanism. It is padded in polyester and upholstered with stretched fabric removable slipcovers; it may also be upholstered in non-removable leather and eco-leather. Design Giuseppe Viganò

BIBA SALOTTI Segue una linea geometrica pulita e lineare, si esprime in maniera essenziale e senza eccessi, per questo si accosta facilmente a tipologie d’arredo diverse. Non rinuncia a funzionalità e comfort. È imbottita nei punti strategici Frog, la poltroncina in tubolare di metallo arricchita di pouf poggiapiedi per un relax totale.

The geometric design is clean and linear, it is expressed in an essential manner with no excess, and is hence easy to match to various decorating typologies. It highlights functionality and comfort: padded in strategic places, Frog is a metal tube chair featuring a footrest for total relaxation.

BONALDO Seduta, schienale e bracciolo creano un insieme dinamico e confortevole. I volumi del divano Melt si aggregano in composizioni flessibili e invitanti, resi ancor più dinamici dalla scelta cromatica dei rivestimenti. Design Mauro Lipparini.

Seating, backrest and armrest create a dynamic and comfortable composition.

The volumes of the Melt sofa combine into flexible and inviting compositions, made even more dynamic by the choice of colours in the upholstery.

Design Mauro Lipparini.

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DEMA Un meccanismo brevettato permette di spostare in avanti e indietro lo schienale, consentendo un uso diversificato della seduta. Veliero è una collezione di imbottiti con assetto variabile e movimento su leve di acciaio inox. Il bracciolo cilindrico, in poliuretano espanso e coperto da una soffice falda di piuma, contiene al suo interno una serie di sfere nichelate che gli permettono di rimanere stabile e fisso in qualunque posizione lo si collochi. Design G. Gualtierotti.

A patented mechanism makes it possible to slide the backrest forwards and backwards, so that the seating can be used in many ways. Veliero is a collection of upholstered seating with variable configurations that can be moved with stainless steel levers. The cylinder-shaped armrest, made out of polyurethane foam and covered in a soft layer of feathers, contains a series of nickel-plated spheres inside that keep it stable and fixed in any position it is adjusted to. Design G. Gualtierotti.

ERBA ITALIA Già icona aziendale, è l’emblema della creatività e del saper fare ‘in casa’: Red Baron è la poltrona con schienale oversize accogliente, realizzata con struttura in metallo, molleggio con cinghie elastiche, ricoperta con poliuretano espanso e rivestita con fibra poliestere. Sedile e schienale hanno imbottitura in piuma d’oca vergine e poliuretano espanso indeformabile. Rivestimento in tessuto - 100% cotone - o pelle.

Considered a company icon, it is the emblem of ‘in-house’ creativity and know-how: RedBaron is a chair with a cozy oversize backrest, made with a metal frame, elastic belt springs, padded in polyurethane foam and covered with polyester fibre. The seating and backrest are padded with virgin goose feathers and nondeforming polyurethane foam. It may be upholstered in fabric – 100% cotton – or leather.

BPA INTERNATIONAL Privo di braccioli e dotato di ampie proporzioni - specie lo schienale in piuma d’oca - Albert è un sistema di divani fissi e componibili con struttura in legno e metallo, imbottitura in poliuretano espanso indeformabile a densità differenziata, rivestito in tessuto protettivo accoppiato. Cuscini di seduta reversibili in piuma d’oca con inserto in schiuma poliuretanica termosensibile e poliuretano espanso ad alta resistenza. Sfoderabile solo nella versione in tessuto. Design Stefano Gallizioli.

Devoid of armrests yet sporting ample proportions – especially in the goose-feather backrest – Albert is a system of modular and fixed sofas with a wood and metal frame, non-deforming polyurethane foam padding with varying density, upholstered in coupled protective fabric. The reversible seat pillows are stuffed with goose feathers with an insert in heatsensitive polyurethane foam and high-resistance polyurethane foam. Only the fabric slipcovers are removable. Design Stefano Gallizioli.

BUSNELLI Sembra essere plasmata come un impasto, la poltroncina Scilla disegnata da Enrico Cesana.

Cinghie elastiche per il molleggio di seduta e schienale, poliuretano espanso indeformabile a densità differenziata per l’imbottitura, ricoperta da fiocchi 100% poliestere con fodera in puro cotone, invitano a sedersi. Completamente sfoderabile.

It seems to have been shaped like dough, the Scilla armchair designed by Enrico Cesana. The elastic belting for the seating and backrest, non-deforming polyurethane foam with varied densities for the padding, covered in 100% polyester flakes with a pure cotton upholstery, invite you to sit down. The slipcovers are completely removable.

LA CIVIDINA Una poltrona-scultura, Nautile, creata da Peter Harvey, frutto di abilità artigianale e attenta cura del dettaglio, declinata in tre versioni: in metacrilato e in edizione numerata, da un blocco unico di materiale, reso vivo e sempre diverso dalla luce che lo attraversa; in tessuto, in una morbidezza di forma e funzione; completamente eco-sostenibile, con scocca in multistrato realizzata con legnami provenienti da foreste con certificazione FSC, imbottitura con schiuma poliuretanica riciclabile e rivestimento in microfibra totalmente priva di sostanze tossiche o inquinanti.

Nautile is an armchair-sculpture, created by Peter Harvey, made possible by handcrafting skill and meticulous attention to detail, and available in three versions: in metacrylate in a limited numbered edition, made from a single block of material, enlivened and constantly changing thanks to the light that filters through it; in fabric, for softness of form and function; environmentally-friendly, with a plywood shell made out of wood from forests with FSC certification, upholstered with recyclable polyurethane foam padding and micro-fibre slipcovers totally devoid of toxic or polluting substances.

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MERITALIA “Un labirinto metallico dove si perdono grandi cuscini avvolgenti e colorati”, così Marc Sadler commenta ‘la sua creatura’ Minosse, il divano con molleggio a cinghie elastiche pretensionate, imbottitura in poliuretano flessibile e fiberfill, cuscini di schienale in piuma e poliuretano, e rivestimento, completamente sfoderabile, disponibile in diversi colori.

“A metal labyrinth in which large cozy and colourful pillows get lost”, that is how Marc Sadler defines ‘his creature’ Minosse, the sofa with springs made of pre-tensed elastic belting, with flexible polyurethane padding and fibrefill backrest pillows with feathers and polyurethane, and with removable slipcovers available in a variety of colors.

NATUZZI È dotata di un cuore tecnologico, Sound, la poltrona in tessuto o pelle pregiata, che contiene al suo interno un sistema audio integrato. Sound, collezione Audio Sofa, ospita infatti le casse audio direttamente nel poggiatesta, mentre le forature del rivestimento esaltano la diffusione tridimensionale del suono. La sensazione è quella di essere letteralmente abbracciati dal comfort e dalla musica.

It has a technological heart, Sound, the fabric or fine leather armchair that contains an integrated audio system inside. Sound, from the Audio Sofa collection, has audio speakers built directly into the headrest, whereas the perforations in the upholstery enhance the threedimensional sound diffusion.

You feel like you are literally embraced by comfort and music.

SABA ITALIA Bed&Breakfast coniuga la funzione di divano a quella di letto: un meccanismo permette di ribaltare lo schienale e di trasformarlo in confortevole letto con un semplice gesto, aiutato da una particolare struttura di incastro a pettine, che crea l’allungamento. Tutte le cuscinature sono frutto di un’avanzata ricerca sui materiali di ultima generazione, per garantire massimo comfort mantenendo inalterata la compostezza del divano. Design Giuseppe Viganò.

Bed&Breakfast perfectly blends the function of sofa and bed: a mechanism makes it possible to slide down the backrest to turn it into a comfortable bed with a single gesture, aided by a particular finger-joint structure that creates the extension. All the pillows are the result of advanced research on latestgeneration materials, to guarantee utmost comfort while maintaining the composure of the sofa intact. Design Giuseppe Viganò.

BRIANFORM La struttura a vista completamente in acciaio cromato satinato caratterizza immediatamente Sparck, il sistema di divani e poltrone di varie misure con cuscini di seduta in poliuretano espanso ad alta resilienza, cuscini di schienale in piuma d’oca a camere differenziate. Rivestimento in pelle o tessuto. Design Michele Mantovani.

The completely visible matte chromeplated steel structure immediately distinguishes Sparck, the system of sofas and armchairs in various sizes with seat pillows in highly resilient polyurethane foam, backrest pillows stuffed with goose feathers in separate compartments. Upholstered in leather or fabric. Design Michele Mantovani.

DÉSIRÉE Disegnata da Marc Sadler, Glow-in è una serie di divani oversize dotati di ampie sedute - due le versioni, da 100 e 130 cm. - con morbida imbottitura: in poliuretano MIND e piuma, per i cuscini di seduta, in Flyn-piuma (piuma e fibra di poliestere), per quelli di schienale. Isole, penisole, elementi centrali e laterali, con e senza braccioli, la vasta gamma di soluzioni possibili.

Designed by Marc Sadler, Glow-in is a series of oversize sofas with ample seating – there are two versions, 100 and 130 cm, with soft padding: in MIND polyurethane and feathers, in the seat cushions, in Flyn-feather (feathers and polyester fibres) for the backrest. Islands, peninsulas, central and side elements, with or without armrests, cover the wide range of possible solutions.

FLEXFORM Componibile (in foto nella versione ad angolo), Grandemare ha braccioli e schienale in poliuretano, dacron e piuma con inserto in metallo, e telaio con base in metallo smaltato a forno con polveri epossidiche. Cuscini di seduta in poliuretano e piuma, rivestimento in tessuto o pelle con possibilità di inserimento di tavolini in marmo.

Rivestimento in tessuto o pelle sfoderabili.

Progetto di Antonio Citterio.

A modular sofa (shown in the photo in the corner version), Grandemare features armrests and backrest in polyurethane, dacron and feathers with a metal insert, and a frame with a base in enamelled metal kiln-fired with epoxy powders.

The seat pillows are made out of polyurethane and feathers, the upholstery is available in fabric or leather with the possibility of adding marble tables.

The fabric and leather slipcovers are removable.

Design by Antonio Citterio.

PIERANTONIO BONACINA/ MATTEOGRASSI Cresce all’infinito, Muffin, il sistema di sedute con alto livello di modularità, che si presta a cambiare forma e dimensione in modo agile.

Ha struttura interna in massello di legno e imbottitura in poliuretano espanso a densità differenziata e fibre ovattate accoppiate. Tessuto sfoderabile. Design Piero Lissoni.

Foto Beppe Raso.

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Muffin, the seating system with a superior degree of modularity, can grow as long as desired, and changes shape and size quickly and easily. It has a solid wood inner structure and is upholstered with varied-density polyurethane foam and coupled padded fibres. The fabric slipcovers are removable. Design Piero Lissoni.

Photography by Beppe Raso.

MINOTTI Piedini in primo piano per Allen, il divano della collezione Design Identity interamente coordinata e disegnata da Rodolfo Dordoni. Realizzati a stampo in alluminio pressofuso verniciato color Peltro (tonalità ideata da Minotti Studio) sono frutto di ricerca tecnologica e sottolineano il senso di unicità aziendale. Mentre la parte superiore offre massimo comfort, grazie allo schienale alto che consente l’appoggio totale sia per la schiena che per la testa. La parte imbottita interna del bracciolo e dello schienale è realizzata tramite stampo, ed il sedile reversibile è rivestito in piuma d’oca.

The focus is on the feet in Allen, the sofa from the Design Identity collection coordinated and designed entirely by Rodolfo Dordoni. Die-cast in aluminium painted in Pewter (a colour conceived by Minotti Studio), they are the result of technological research and highlight the uniqueness of the company. The upper part offers maximum comfort, thanks to the tall backrest that creates total support for both the back and the head.

The internal upholstered part of the armrest and backrest is moulded, and the reversible seating is stuffed with goose feathers.

VARASCHIN Per interno ed esterno, la serie imbottiti modulari Grid ha struttura a griglia in filo di metallo elettrosaldato che ospita cuscini di seduta e schienale. I moduli si legano tra loro attraverso particolari ganci che permettono composizioni versatili, arricchite, a piacere, da una fodera che copre la struttura in metallo e il cuscino di seduta, creando un divano a tutti gli effetti. Design Kensaku Oshiro.

For the indoors and the outdoors, the Grid modular series of upholstered seating features a grid structure in electro-welded metal wire that holds the seat and backrest cushions. The modules are connected with particular hooks that make it possible to create versatile compositions, enriched as desired with a lining that covers the metal structure and the seat cushion, creating what is in fact a sofa. Design Kensaku Oshiro.

POLARIS Ampia modularità degli elementi per Yucatan, sin nella scelta del rivestimento in pelle, disponibile nel ricchissimo campionario tra dieci tipologie diverse tra le più pregiate. Di grande qualità anche la struttura in fusto di legno d’abete, cinghiatura artigianale, imbottitura delle sedute in piuma con inserto di poliuretano, cuscini dello schienale in piuma. Design Fabrizio Ballardini.

Yucatan has an ample selection of modular elements, even in the choice of leather upholstery, available in a broad selection of ten different typologies of the finest quality. The frame is also made of the finest quality fir, with handcrafted belting, pillows upholstered with feathers featuring a polyurethane padding inside, backrest pillows with feathers.

Design Fabrizio Ballardini.

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ADDRESSES

Artemide Nord Light

Flexform

Porada

www.nordlight.eu

www.flexform.it

www.porada.it

B&B Italia

Hotpoint Ariston

Res

www.bebitalia.it

www.hotpoint.it

www.resitalia.it

iGuzzini

Saba Italia

www.iguzzini.it

www.sabaitalia.it

La Cividina

Scic

www.lacividina.com

www.scic.it

Lema

Steeltime

www.lemamobili.com

www.steeltime.it

Ligne Roset

Tao

www.ligne-roset.it

www.tao.eu

Manifesto

Turri

www.manifestodesign.it

www.turri.it

Matteograssi

Varaschin

www.matteograssi.it

www.varaschin.it

Meritalia

Zumtobel

www.meritalia.it

www.zumtobel.it

Biba Salotti

www.bibasalotti.com Bonacina Pierantonio

www.pierantoniobonacina.it Bonaldo

www.bonaldo.it Bpa International

www.bpainternational.com Brianform

www.brianform.it Busnelli

www.busnelli.it Camper

www.camper.com Coleman

www.coleman-eur.com Dema

www.dema.it Désirée

www.gruppoeuromobil.com Dodo

www.dodo.it Driade

www.driade.it Erba Italia

www.erbaitalia.it Fima Carlo Frattini

www.fimacf.com

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Minotti

www.minotti.com Mussi

www.mussi.it Natuzzi

www.natuzzi.com Penta

www.pentalight.it Pol 74

www.pol74.it Polaris

www.polaris3b.it Poliform

www.poliform.it

DDN INTERNATIONAL DISTRIBUTORS

BRAZIL MAGAZINE EXPRESS LTDA ED ABRIL - 4째 ANDAR AV. DAS NACOES UNIDAS 7221 - PINHEIROS 05425-902 - SAO PAULO Tel.+55 11 36446008 Fax +55 11 36447722 magexpress@magexpress.com.br CANADA L.M.P.I. 8155, RUE LARREY MONTREAL H1J 2L5 QC Tel.+1 514-3555610 Fax +1 514-3555676 lmpi@lmpi.com CHINA FOREIGN PRESS DISTRIBUTORS LTD 328 KWUN TONG ROAD, G/F WANDA INDUSTRIAL CENTRE. KOWLOON - HONG KONG Tel. +852 2566 4885 Fax +852 27998840 karen@foreignpress.com.hk CYPRUS HELLENIC DISTRIBUTION AG.LTD. LEMESOS AVENUE 204, LATSIA NICOSIA Tel. +357 22 878500 Fax + 357 22 489131 miacovides@hellenicmags.com DUBAI JASHANMAL NATIONAL CO.(L.L.C.) - NPP DIVISION P.O.BOX 1545 DUBAI Tel. + 971 4 2665964 Fax + 971 4 2650939 kumar@jashanmal.ae GREECE HELLENIC DISTRIBUTION AGENCY LTD. 1, DIGENI STREET 17456 ALIMOS Tel. + 30 2112114300 Fax + 30 2109936043 l.koutzavekiari@hdaath.gr GERMANY W.E. SAARBACH GMBH HANS BOCKLER STRASSE 19 50534 HURTH-HERMUELHEIM tel. + 49 223379960 fax + 49 2233799610 gabi.koerner@saarbach.de GREAT BRITAIN COMAG SPECIALIST DIVISION TAVISTOCK WORKS - TAVISTOCK RD. - WEST DRAYTON MIDDLESEX UB7 7QX tel. + 44 1895433811 fax + 44 1895-433801 Andy.Hounslow@comag.co.uk

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