Ddn 197 by Design Diffusion World

ISSN 1120•9720 - Mensile -TAXE PERCUE (TASSA RISCOSSA). UFFICIO CMP/2 ROSERIO - MILANO. Spedizione in abbonamento postale - 45% - D.L. 353/2003 (conv.in L.27/02/2004 n.46) art.1, comma 1, DCB Milano

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197 DESIGN SPECIAL PARIS ISTANBUL MOSCOW

OFFICINANOVE/CARRY ON BY FRANCESCO FACCIN

ddn 197

CONTENTS DDN Design Diffusion News Direttore editoriale/Managing Editor Carlo Ludovico Russo c.russo@designdiffusion.com Direttore responsabile/Editor Rosa Maria Rinaldi r.rinaldi@ddworld.it Progetto graďŹ co e consulenza artistica Graphic layout & art consultant Franco Mirenzi

Editorial Spot Cover Project Report

Architecture Turkey Special

Lettonia Moscow Saint Petersburg Kiev France

Reallyitalian.it

Selection

Realizzazione graďŹ ca Graphic designer Antonietta Scuotri a.scuotri@ddworld.it

Luciana Cuomo luciana_cuomo@yahoo.it Inviato speciale/Special correspondent

Redazione/Editorial staff Manuela Di Mari m.dimari@ddworld.it Production&fashion/lifestyle Laura Galimberti l.galimberti@ddworld.it Technology & Research

Giulia Bruno giulia.bruno.r@alice.it Ecodesign&Reallyitalian.it Bradley Wheeler CoolNewProjects.com Architecture and design in the USA Oskar Landi Photo in NY

Traduzione/Translation ITS, Monza, Olga Barmine Studio Traduzioni Vecchia Fiona Johnston Hanno collaborato a questo numero: The following contributed to this issue: Cristina Fiorentini, Valentina Dalla Costa, Elviro di Meo, Claudio Moltani, Cristina Fiordimela, Paola Molteni, Francesca De Ponti, Emre Dorter, Edwige Lamy, Maris Lapins, Luca De Santis

Rosa Maria Rinaldi V. Dalla Costa, G. Bruno, C. Fiordimela, M. Di Mari L. Galimberti, E. Di Meo, C. Moltani Laura Galimberti Le due anime di OfďŹ cinanove Manuela Di Mari Gianni Santoro Architetto Valentina Dalla Costa Performance in Lighting Salone Internazionale del Mobile: innovazione e creativitĂ A cura di Cosmit Laura Galimberti B&B Italia Giulia Bruno Mendrisio: un progetto di Federico Delrosso Paola Molteni Raif DinĂ§kĂśk Yalova Cultural Center Paola Molteni Sancaklar Mosque/Istanbul Francesca De Ponti Un progetto di Merve GĂźleryĂźz Architecture Studio Francesca De Ponti Esteworld, Istanbul Francesca De Ponti Mersing Teras Park Luciana Cuomo Furnistanbul 2014 Laura Galimberti Flagship store dello stilista Atil Kutoglu Laura Galimberti #bunk: catena di ostelli di design Laura Galimberti Showroom italiani a Istanbul Luciana Cuomo Una villa sul Baltico Manuela Di Mari Hall Oscar, dealer ufďŹ ciale Poliform/Varenna Manuela Di Mari Progetto per ufďŹ ci dello studio Archi-do Manuela Di Mari Una penthouse arredata Poliform Luciana Cuomo Un progetto di Paolo NicolĂ˛ Rusolen Luciana Cuomo Designerâ&#x20AC;&#x2122;s Days a Parigi Nuove architetture nella Capitale Europea della Cultura Luciana Cuomo Luciana Cuomo Varenna inaugura un nuovo showroom a Marsiglia Cristina Fiordimela Progetti museali di Alain Moatti e Henri RiviĂ¨re Manuela Di Mari Lâ&#x20AC;&#x2122;ultima creazione di MH Way Giulia Bruno Capucci e i giovani/Manichini Bonaveri Giulia Bruno Automobili, che passione! Giulia Bruno Pierluigi Ghianda Claudio Moltani Cucine

5 Istanbul/Marsiglia/Moscaâ&#x20AC;Ś projects 10 Le news di DDN 54 58 62 64 66 70 72 76 80 84 88 90 92 94 96 100 106 110 114 116 118 130 140 142 146 148 156 160 164

Carry On carriola/wheelbarrow design Francesco Faccin prodotto/manufactured by OfďŹ cinanove

Cover

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Design Diffusion World srl Redazioni/Editorial OfďŹ ces Via Lucano 3, 20135 Milano Tel. 02/5516109 Fax 02/5456803 Internet: www.designdiffusion.com www.designdiffusion.tv E-mail: ddn@designdiffusion.com

OFFICINANOVE/CARRY ON BY FRANCESCO FACCIN

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Editorial OfďŹ ce, Osaka Intermedia TS Bldg. 3-1-2 Tenma Kita-ku Osaka, Japan PubblicitĂ /Advertising DDA Design Diffusion Advertising srl Tel. 00816/3571525 Fax 3571529 Via Lucano 3, 20135 Milano Tel. 02/5453009 â&#x20AC;&#x201C; Fax Mensile/Monthly magazine 02/54.56.803 n. 197 ottobre 2013 UfďŹ cio trafďŹ co/trafďŹ c department Prezzo/Price 8,00 euro Daniela Dâ&#x20AC;&#x2122;Avanzo d.davanzo@ddadvertising.it Stampa/Printer Color Art Via Industriale 24/26 ContabilitĂ /Accounting 25050 Rodengo Saiano (BS) Norberto Mellini Tel. 030/6810155 n.mellini@ddadvertising.it

Fotolito Bitgraph Via Vittorio Veneto 8 20060 Cassina deâ&#x20AC;&#x2122; Pecchi (MI), tel. 02/92278515/6/7 Spedizione in abbonamento postale - 45% - D.L. 353/2003 (conv.in L.27/02/2004 n.46) art.1, comma 1, DCB Milano Reg. Tribunale Milano n./Milan Court Reg.No. 278 del 7 aprile 1990 Printed in Italy -- Ă&#x160;ÂŁÂŁĂ&#x201C;Ă¤UÂ&#x2122;Ă&#x2021;Ă&#x201C;Ă¤

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EDITORIAL

ISTANBUL/MARSIGLIA/MOSCA...PROJECTS Istanbul e Marsiglia sono le città interessate e interessanti per il design e la cultura in generale, cui abbiamo dedicato buona parte del nostro numero di ottobre. La prima, con tutta la Turchia, naturalmente, conferma la posizione di mercato emergente e di porta di apertura verso i consumi del Medioriente. Furnistanbul, la nuova fiera di arredamento prevista per il maggio 2014, dà un segno preciso dell’interesse reale dello scambio economico in fieri tra le nostre aziende e il mercato turco. Le realizzazioni architettoniche, culturali e commerciali della Capitale confermano il trend positivo di un continuo sviluppo, nonostante le serie crisi passate nel Paese. Una rassegna aggiornata di nuove architetture pubbliche, private, religiose, di spazi urbani e di recenti showroom dimostrano lo sforzo e la sfida di un Paese determinato a raggiungere posti di eccellenza a livello internazionale. Una voce a sé riguarda Marsiglia, eletta Capitale Europea della Cultura 2013, dove i più grandi architetti contemporanei sono stati chiamati ad esprimersi per riqualificare la città: vi mostriamo le loro realizzazioni che, sia singolarmente che nell’insieme, diventano una lezione progettuale unica sulle possibiltà di trasformazione di aree urbane e zone periferiche in luoghi di cultura e di aggregazione sociale belli e qualificati. Infine, in concomitanza con i Saloni WorldWide Moscow, presentiamo alcuni progetti di interni e showroom di designer russi che prediligono il design italiano. Buona lettura Istanbul and Marseilles are the cities both interested by and interesting for design and culture in general, and we have dedicated a large part of our October issue to them. The former, with all of Turkey, naturally, confirms its position as an emerging market and gateway towards Middle East consumers. Furnistanbul, the new furniture fair to open in May 2014, gives a precise signal of the real interest in the economic exchange budding between our companies and the Turkish market. The architectural, cultural and commercial achievements of the capital confirm the positive trend of a continuous development, despite the serious crises experienced by the country. An updated survey of new public, private and religious architecture, urban spaces and recent showrooms demonstrates the effort and the challenge of a country determined to reach positions of excellence at the international level. A word apart must be reserved for Marseilles, elected European Capital of Culture 2013, to which the great contemporary architects have been invited to express themselves for the regeneration of the city: we will illustrate their works which, both individually and as a whole, constitute a unique lesson in design, in the possibilities of transforming urban areas and suburban zones into beautiful and qualified places of culture and social aggregation. Finally, concurrently with the Saloni WorldWide Moscow, we present a series of projects for interiors and showrooms by Russian designers who favour Italian design. Enjoy your reading

A.D. NATALIA CORBETTA / FOTOGRAFIA MARIO CIAMPI

“made in italy”

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DESIGN AT THE CINEMA Z \nkZ ]b EZnkZ @Zebf[^kmb

Dal 3 al 6 ottobre 2013, al cinema Apollo di Milano, si terrà la prima edizione di Milano Design Film Festival, rassegna internazionale di ﬁlm-documentari dedicati all’architettura e al design. Oltre venti lungometraggi racconteranno la storia di ediﬁci, città, designer e

FESTIVAL DEL DESIGN AUTOPRODOTTO

Prende il via la 4° edizione di Operæ, l’ormai noto festival del design autoprodotto e indipendente (Torino, 11-13 ottobre 2013). Designer, artigiani, studi di design, makers e graphic designer che gestiscono autonomamente ricerca, progetto e produzione, usufruendo di uno spazio dedicato, potranno dialogare con il pubblico, esporre e vendere direttamente, confrontarsi e scambiare opinioni ed informazioni con gli operatori del settore. I partecipanti, inoltre, potranno incontrare potenziali distributori, partecipare a workshop e dibattiti, usufruire di tariffe agevolate per il trasporto. Nutella®, partner della manifestazione, per il secondo anno consecutivo, offre la possibilità di partecipare a ‘Buongiorno Talento. Punto Nutella Design Contest’, concorso per selezionare il progetto migliore dedicato al consumo di Nutella in bar, hotel, ristoranti italiani. www.operae.biz Giulia Bruno

SELF-PRODUCED DESIGN FESTIVAL

The 4th edition of the self-produced and independent design festival, Operæ, will soon kick off (Turin, 11-13 October, 2013). Designers, artisans, design studios, makers and graphic designers who manage research, design and production on their own will rely on a dedicated space to interact with the general public, display and directly sell their products, exchange opinions and information with those working in the ﬁeld. Furthermore, the participants can meet prospective distributors, attend workshops and debates, and take advantage of reduced transport fares. For the second year in a raw, the partner of the event, Nutella®, offers an opportunity to enter the ‘Buongiorno Talento. Punto Nutella Design Contest’, launched to select the best project for consuming Nutella in Italian bars, hotels and restaurants. www.operae.biz

architetti attraverso protagonisti quali Philip Johnson, Milton Glaser, Hella Jongerius, Diller e Scoﬁdio gli Eames (in foto) e molti altri. Il progetto è nato da un’idea di Antonella Dedini, fondatrice di MiCue Milano design, con il supporto della fondazione americana no-proﬁt Design

Onscreen, con sede a Denver. Il festival è gratuito e patrocinato dal Comune di Milano. milanodesignfilmfestival.com L.G. From October 3 to October 6, 2013, the Apollo cinema in Milan hosts the first edition of the Milano Design Film Festival, an international event focused on films and documentaries dealing with architecture and design. Over twenty feature films tell about the history of buildings, cities, designers and architects through such big names as Philip Johnson, Milton Glaser, Hella Jongerius, Diller and Scofidio, Charles and Ray Eames (in photo). The project is based on an idea by Antonella Dedini, founder of MiCue Milano design, with the support of the American non-profit foundation, Design Onscreen, based in Denver. The festival is free of charge and is sponsored by the Municipality of Milan. milanodesignfilmfestival.com

IN REVERSE Fresco dal suo viaggio a Venezia a bordo del ‘Last Train’, Ron Arad è arrivato in Israele con una serie di Fiat al seguito, anche se con una carrozzeria totalmente distrutta. L’artista-designer, che ha sviluppato delle capacità magistrali di taglio, saldatura e lavorazione del metallo, ha installato sei Fiat 500 ‘compresse’ all’interno del Design Museum Holon, in Israele (In Reverse, in mostra dal 19 giugno al 19 ottobre 2013). Al momento, si tratta della sua creazione in acciaio più grande. I visitatori si trovano davanti a vere opere d’arte, le carrozzerie sono appese alle pareti come quadri: “Ho colpito e scolpito il metallo per creare oggetti utili, o utilizzabili” dice Arad, che ha lavorato questo metallo creando sedute per Moroso e Vitra. “Qui ho fatto l’esatto opposto.” www.dmh.org.il Valentina Dalla Costa

Fresh from his trip to Venice aboard the ‘Last Train’, Ron Arad has returned to Israel with a series of Fiat cars - though with totally destroyed bodies. The artist/ designer, who has developed extraordinary skills in cutting, welding and working metal, has installed six crushed Fiat 500s at the Design Museum Holon, in Israel (In Reverse, on show from June 19 to October 19, 2013). This is currently his biggest steel creation. Visitors can admire real works of art, the bodies hanging from the walls like paintings: “I used to hit and sculpt metal to create useful, or usable objects - said Ron Arad, who worked this metal making seats for Moroso and Vitra -. Here I did the exact opposite.” www.dmh.org.il

AD: Michael Loos Photo: Max Rommel

CUBO by Achille e Pier Giacomo Castiglioni Showroom: Via Durini, 23 Milano meritalia.com

CONTEMPORANEITÀ DEL LINGUAGGIO CERAMICO

La ceramica d’arte, sensibile ai mutamenti sociali in atto in un periodo a dir poco tormentato, esprime le tensioni culturali e si fa testimone dei difetti del secolo. La 53° Mostra della Ceramica organizzata dalla città di Castellamonte (Torino), attraverso un insolito linguaggio, ha esplorato territori a lei inconsueti, visitando i mondi di design, artigianato, tecnologia, architettura, moda, arti applicate. ‘Terra di Conﬁne’, progettata e realizzata da Vittorio Amedeo Sacco, con venti mostre differenti dislocate in antichi palazzi e castelli della città e di paesi vicini, ha voluto sperimentare l’incoerenza e le contraddizioni d’oggi, esponendo 1000 ceramiche, opera di 100 artisti, giovani talenti e affermati maestri, provenienti da tutto il mondo. Ardite installazioni contemporanee e irriverenti oggetti in ceramica d’arte sollecitano la percezione dello spettatore, trasformandolo in soggetto principale dell’opera artistica, che prende vita grazie al suo fruitore. Giulia Bruno

THE MODERNITY OF THE CERAMIC LANGUAGE

Art ceramic, which is sensitive to the social changes that are underway in a period which is troubled, to say the least, epitomizes cultural tensions and witnesses the defects of the century. The 53rd Ceramic Exhibition organized by the city of Castellamonte (Turin) relied on a peculiar language to explore unusual areas, visiting the worlds of design, crafts, technology, architecture, fashion and applied arts. ‘Terra di Conﬁne’ (boundary land), designed and staged by Vittorio Amedeo Sacco, with twenty different exhibitions in old buildings and castles throughout the city, was aimed at testing today’s inconsistency and contradictions, displaying 1,000 pieces of pottery by 100 artists, young talents and established masters, from any part of the world. Bold contemporary installations and irreverent objects stir viewers’ perception, transforming it into the main subject of the art work, which is brought to life through its user.

HAND MADE

ART AND INDUSTRY Da un progetto dello studio Ghigos Ideas, la mostra ‘(1:13) - Le tredici sedie mai dipinte nell’Ultima cena di Leonardo’ inizia la sua indagine da una delle opere d’arte più emblematiche, più studiate e interpretate di tutti i tempi. L’Ultima Cena di Leonardo è il punto di partenza da cui poi guardare oltre, provando a intuire su quali tipologie di sedute potessero accomodarsi Gesù e gli Apostoli. 13 designer sono stati invitati a dare la loro personale interpretazione. Il quadro svela così un aspetto sempre celato, un ‘retro’ certamente presente, ma mai citato o dipinto. Con questa manifestazione si mettono in relazione il sistema design con storiche botteghe artigiane della Brianza, dove realtà importanti come Cleaf, Vefer e Brugola, forniscono dei semilavorati utili alla creazione delle 13 sedute. I progettisti sono un piccolo spaccato della nuova generazione italiana: Alberto Biagetti, PG Bonsignore, CTRLZAK, Lorenzo Damiani, Ghigos Ideas, Gumdesign, JoeVelluto, Alessandro Marelli, Elena Salmistraro, Brian Sironi, Sovrappensiero, Alessandro Zambelli e infine, una figura storica, Alessandro Guerriero. Idea lanciata durante il Salone del Mobile di Milano, presentata poi, a ottobre, al MAC, Museo d’Arte Contemporanea di Lissone (MB) per aprirsi finalmente al territorio, raccontando il percorso che ha avvicinato il mondo del design a quello della produzione artigiana locale: alleanza antica, più che mai moderna. www.ghigos.com V.D.C. From a project by Ghigos Ideas, the exhibition ‘(1:13) - The thirteen chairs that were never painted in Leonardo’s Last Supper’ starts its investigation with one of the most emblematic, most studied and most interpreted works of art in history. Leonardo’s Last Supper is the starting point from where you can look beyond, trying to guess on what seats Jesus and the Apostles might have been sitting. Thirteen designers have been asked to give their own interpretations. Hence the painting reveals an aspect which has always been hidden, a ‘back’ which was there for sure, although it has never been mentioned or painted. This show connects the design system with time-honoured Brianzabased artisans’ workshops, where such big names as Cleaf, Vefer and Brugola supply semifinished products useful for creating the 13 seats. The designers are a small crosssection of the new Italian generation: Alberto Biagetti, PG Bonsignore, CTRLZAK, Lorenzo Damiani, Ghigos Ideas, Gumdesign, JoeVelluto, Alessandro Marelli, Elena Salmistraro, Brian Sironi, Sovrappensiero, Alessandro Zambelli and, finally, a historic figure, Alessandro Guerriero. The idea was launched in conjunction with the Salone del Mobile in Milan, was presented at MAC (Contemporary Art Museum) in Lissone (MB) in October and finally opened, telling about the course that has brought the design world close to local handicraft production: an old yet extremely modern relationship. www.ghigos.com

Una mostra temporanea che punta l’attenzione all’importanza di tesori, tutti italiani, prodotti dal sapere e dalle mani di mastri vetrai esperti. Le Mani (così s’intitola l’esposizione temporanea organizzata da De Majo presso la fornace dell’azienda a Murano) raccoglie venticinque scatti d’autore di Alberto Furtak: naturali gesti quotidiani di un lavoro delicato, fatto di piccole movenze abili e ripetute, che nel tempo creano oggetti preziosi di grande eleganza. Mostra aperta al pubblico, su prenotazione, fino al 30 novembre 2013. www.demajoilluminazione.com Valentina Dalla Costa A temporary exhibition with the emphasis on the importance of treasures - all Italian - produced by the knowledge and hands of expert master glass makers. Hands (this is the title of the temporary exhibition organized by De Majo at the company’s furnace in Murano) features twenty-five art photos by Alberto Furtak: natural daily gestures of a delicate job, made up of small, skilful, repeated movements, which, in time, create fine, elegant objects. Exhibition open to the general public, subject to reservation, until November 30, 2013. www.demajoilluminazione.com

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LIGHT YOUR HEART

INTORNO AL LIBRO

Il museo Poldi Pezzoli che, vantando una biblioteca di 3533 volumi, a Milano, è seconda solo alla Biblioteca Trivulziana, ha ospitato nelle sue sale la mostra ‘Intorno al Libro-Tra Arte e Design’, riconfermando il dialogo fra le arti applicate del museo e la creatività del design contemporaneo. L’esposizione, curata da Beppe Finessi, è un omaggio all’interpretazione del libro attraverso i tanti oggetti che gli ruotano intorno. Tra le cento e più opere, segnalibri, tavolini, sedie e poltrone, leggii, reggilibri e fermalibri, mensole e lampade ‘da libro’, libri di ceramica, casette o sgabelli costruiti con i libri, strane mensole, piccole architetture domestiche, parlano di un oggetto apparentemente surclassato dalla tecnologia di oggi, in realtà incredibilmente attuale. Benché stia assumendo la forma del digitale, il libro cartaceo ci dà ancora, afferma il curatore, “il piacere di sfogliare, di tenere in mano, di annusare addirittura (oltre che di leggere), dimostrando di possedere caratteristiche che lo rendono apparentemente immortale”. Gli oggetti in mostra sono ﬁrmati dai grandi maestri del design contemporaneo, tra cui Cini Boeri, Gae Aulenti, Franco Raggi, Giulio Iacchetti, Martí Guixé, Ross Lovegrove, Gabriele Pezzini. Il primo omaggio è Enciclopedia, opera con cui Stefano Arienti dialoga all’interno dell’antica biblioteca Poldi Pezzoli con la collezione dei pizzi esposta lì accanto. ‘Intorno al Libro’, accompagnato dal catalogo Corraini Edizioni, promosso e sostenuto da Foscarini è un progetto espositivo di Inventario, libro-rivista indipendente anch’esso sostenuto da Foscarini. www.museopoldipezzoli.it Giulia Bruno

AROUND THE BOOK

In Milan, Museo Poldi Pezzoli, which can boast a library of 3,533 volumes and is second only to Biblioteca Trivulziana, hosted the exhibition ‘Intorno al Libro - Between Art and Design’, thereby further proving interaction between the applied arts of the Museum and the creativity of contemporary design. The exhibition, curated by Beppe Finessi, is a tribute to the interpretation of the book through the many objects that revolve around it. The over one hundred works included bookmarks, coffee tables, chairs and armchairs, bookrests, bookends, shelves and ‘book’ lamps, ceramic books, small houses or stools built with books, peculiar shelves, small home architecture, dealt with an object which has apparently been outclassed by today’s technology, but is still unbelievably modern. According to the curator, although books are taking a digital shape, paper books still give us “the pleasure of leaﬁng through, holding, even smelling (and not just reading), thus proving to feature characteristics that make it seemingly immortal”. The objects on display were made by great contemporary designer masters, including Cini Boeri, Gae Aulenti, Franco Raggi, Giulio Iacchetti, Martí Guixé, Ross Lovegrove and Gabriele Pezzini. The ﬁrst tribute was Enciclopedia, with which Stefano Arienti interacted, in the old Poldi Pezzoli library, with the lace collection exhibited next to it. ‘Intorno al Libro’, accompanied by a catalogue published by Corraini Edizioni, was a display project by Inventario, an independent book/magazine which is also supported by Foscarini. www.museopoldipezzoli.it

Un’iniziativa benefica, a favore della Fondazione Città della Speranza. Leucos coordina il progetto ‘Light your heart’, in cui dieci firme del design internazionale personalizzano dieci esemplari di The Great JJ. Esposti lo scorso aprile in alcuni showroom del centro di Milano, in giugno hanno trovato casa, tutti insieme, allo spazio Galvanotecnica Bugatti di Zona Tortona e, tra luglio e agosto, nell’area partenze dell’Aeroporto Marco Polo di Venezia. Il 13 settembre il ‘viaggio’ è giunto al termine con un evento speciale presso l’istituto Ricerca Pediatrica di Padova, durante il quale i designer hanno illustrato il concept ispiratore delle loro creazioni, battute all’asta proprio in quell’occasione. Il ricavato è stato totalmente devoluto per finanziare la sperimentazione contro l’insorgenza e lo sviluppo di gravi patologie pediatriche. www.leucos.com www.cittàdellasperanza.org Valentina Dalla Costa A charitable event, organized for the Città della Speranza foundation. Leucos co-ordinated the Light your heart project, where ten international designers tailored ten pieces of The Great JJ. Exhibited at some showrooms in Milan’s centre in April, they were gathered together at the Galvanotecnica Bugatti factory in Zona Tortona in June and in the departures area of Venice Marco Polo Airport between July and August. The ‘journey’ ended on September 13, with a special event at the Children’s Research Institute in Padua, in the presence of the designers, who explained the inspiring concepts of their creations, which has been put up for auction on that occasion. All the proceeds has been used to finance trials against the onset and development of severe paediatric diseases. www.leucos.com www.cittàdellasperanza.org

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CONTEMPORARY INTERPRETATIONS Dieci tra i più affascinanti bene tutelati dal FAI, Fondo Ambiente Italiano, sono stati interpretati in chiave contemporanea dai giovani talenti di Fabrica con una serie di oggetti realizzati da artigiani del luogo. Dopo l’esposizione a Villa Necchi Campiglio, nel cuore di Milano, la mostra itinerante raccoglie, presso i Beni del FAI, dieci insolite creazioni della collezione Belvedere, omaggio alla bellezza e alle tradizioni italiane. Dai contrasti del Castello di Masino a Caravino (Torino) evocati in Vessel di Dean Brown, alla Baia di Ieranto a Massa Lubrense (Napoli) rivisitata nei tre Baskets di Sam Baron, dal Giardino della Kolymbetra nella Valle dei Templi ad Agrigento, riportato nell’insolito Fruit Bowl di Daniela Mesina, al Teatrino di Vetriano a Pescaglia (Lucca) - il più piccolo teatro storico al mondo, ricavato in un fienile di 71 metri quadrati e tenuto in vita dalla comunità locale, di cui Alphabet di Caterina Carreiras è delicato omaggio - attraverso i propri manufatti ogni designer narra di esperienze ed emozioni vissute nel luogo prescelto, studiato grazie alle testimonianze di guide, custodi, giardinieri e artigiani. Estremamente simbolica, ad esempio, Lamp di Giorgia Zanellato, ispirata al Bosco di San Francesco ad Assisi (Perugia). La lampada evoca le diverse modalità di relazione fra uomo e natura, dalla selva francescana rappresentata dalla base in quercia non trattata, alla radura abitata vista nella sezione di faggio senza corteccia, alla forma d’arte che ricorda Michelangelo Pistoletto nei rami d’ulivo disposti a corona attorno alla fonte luminosa. Space Divider di Charlotte Juillard si ispira all’Abbazia di San Fruttuoso a Camogli (Genova): tre paraventi richiamano, nelle cornici, le sagome delle finestre risalenti a tre fasi successive della storia dell’abbazia mentre i materiali tessuti all’interno sono il segno di un’attività secolare: la vecchia rete da pesca, la rete nuova e il macramè sono le lavorazioni artigianali svolte dalle donne del paese aspettando il rientro dei pescatori dal mare. Ancora, Candleholders di Valentina Carretta riprende i concetti di protezione ed attacco tipici del Castello D’Avio a Sabbionara d’Avio (Trento), David Raffoul con Project Box riflette la passione per le arti proiettate nel futuro dell’ultimo proprietario di Villa e Collezione Panza a Varese, la Balance di Ryu Yamamoto raffigura l’equilibrio fra architettura e natura di Villa Vescovi a Luvigliano di Torreglia (Padova), Stamp di Mariana Fernandes è il simbolo di infinite riproduzioni del Parco Villa Gregoriana a Tivoli (Roma), ormai paesaggio iconico. www.fondoambiente.it www.fabrica.it Giulia Bruno

Ten of the most charming assets protected by Fondo Ambiente Italiano (FAI) were given a contemporary interpretation by young talents from Fabrica, with a series of objects made by local artisans. Following the exhibition staged at Villa Necchi Campiglio, in the heart of Milan, the touring exhibition gathers - at FAI’s assets - ten peculiar creations from the Belvedere collection, a tribute to Italian traditions and beauty. From the contrasts of Castello di Masino in Caravino (Turin), evoked in Vessel by Dean Brown, to Baia di Ieranto in Massa Lubrense (Naples), revisited in the three Baskets by Sam Baron, from Kolymbetra Garden in the Valley of the Temples in Agrigento, brought into the odd Fruit Bowl by Daniela Mesina, to the Theatre of Vetriano in Pescaglia (Lucca) - the smallest historical theatre in the world, obtained from a 71 sq. m. barn and preserved by the local community, of which Alphabet by Caterina Carreiras is a delicate tribute - through his or her own products each designer tells about experiences and emotions in the place of choice, studied on the basis of evidence given by guides, attendants, gardeners and artisans. For example, Lamp by Giorgia Zanellato, inspired by the Woods of St Francis of Assisi (Perugia), is highly emblematic. The lamp is reminiscent of the different approaches to the relationship between man and nature, from the Franciscan forest represented by the untreated oak base, to the inhabited clearing viewed in the bark-free beechwood section, to the form of art that is reminiscent of Michelangelo Pistoletto in the olive branches arranged in a ring around the light source. Space Divider by Charlotte Juillard is inspired by the Abbey of San Fruttuoso in Camogli (Genoa): three screens evoke, in the frames, the silhouettes of the windows dating from successive stages of the history of the Abbey; whereas the materials woven inside provide evidence of an age-old activity: the old fishing net, the new net and macramé are the craft working techniques performed by women in the village waiting for fishermen’s return from the sea. In addition, Candleholders by Valentina Carretta relies on such concepts of protection and attack as typical of d’Avio Castle in Sabbionara d’Avio (Trento); David Raffoul, with Project Box, reflects the passion of the latest owner of the Panza Villa and Collection in Varese for arts as projected into the future; Balance by Ryu Yamamoto represents the balance of Villa Vescovi in Luvigliano di Torreglia (Padua) between architecture and nature; Stamp by Mariana Fernandes is the symbol of countless reproductions of Parco Villa Gregoriana in Tivoli (Rome), which has developed into an iconic landscape. www.fondoambiente.it www.fabrica.it

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TOURIST DESIGN

Presentato a Milano, in via Voghera, il primo bed&show italiano. Si tratta di un appartamento di 110 mq, composto da due camere da letto, due bagni, un living, una cucina e due giardinetti, che chiunque (dall’architetto alla persona ‘normale’) può afﬁttare con un costo che varia dai 250 ai 350 euro al giorno, a seconda della stagione (aprile e il Salone sono ovviamente considerati alta stagione) per poi vivere in tutta calma un week end, un evento ﬁeristico, una mostra alla Triennale, magari invitando gente (è previsto, con sovrapprezzo, anche uno chef dedicato); è anche possibile comperare gli arredi presenti nell’abitazione, che Cristina Oriani, la proprietaria, con un passato non remoto nel settore della comunicazione, in partnership tecnica con le aziende coinvolte, venderà di persona. Nube, Fabrika, KitchenAid, Zeroombra, Fabricatore, Ozzio, Stocco, New Line e Serralunga sono le aziende coinvolte in questo esperimento, marchi che hanno come unico ‘obbligo’ quello di variare nel tempo i loro stessi prodotti, per rendere la casa sempre aperta al mondo del design. Sul sito, è possibile non solo prenotare, ma anche scegliere una certa personalizza-

zione (un cuscino morbidissimo, un materasso da una parte più duro rispetto all’altra, una particolare fragranza… ma anche una guida per un tour in città). Anche le aziende potranno avere un ruolo attivo, proponendo prodotti e soluzioni come all’interno di uno showroom. experiencedesignmilano.com Claudio Moltani The first Italian bed&show has been unveiled in Milan (via Voghera). A 110 sq. m. flat comprised of two bedrooms, two bathrooms, one living room, one kitchen and two little gardens, which everybody (from architects to “normal” people) can rent at a price ranging from 250 euros to 350 euros per day, depending on the season (obviously enough, April and the days of the Salone are considered peak season), so that they can then enjoy a weekend, a fair, an exhibition at the Triennale, maybe inviting people (a dedicated chef is available at an extra charge). You can also buy the furniture in the flat; the owner, Cristina Oriani, who recently worked in the communication sector, will sell it personally, in technical partnership with the companies involved. Nube, Fabrika, KitchenAid, Zeroombra, Fabricatore, Ozzio, Stocco, New Line and Serralunga are the companies that are taking an active part

in this test; these brands’ only “duty” is to change their own products in time, so that the ﬂat can always be open to the design world. On the website, you can book, and even choose, a certain customized style (an ultrasoft pillow, a mattress

which is harder on one side, a particular fragrance… as well as a guide for a tour of the city). Companies can also play an active role, providing products and solutions like in a showroom. experiencedesignmilano.com

FUTURA MOBILITÀ SOSTENIBILE PERSONALE

Interpreta un concetto tutto nuovo il prototipo E4U, presentato da Hyundai allo scorso Salone dell’Auto di Seul. Si tratta infatti, come suggerito dal nome (E4U, Egg Evolution Electricity Ecofriendliness), di un mezzo di trasporto evoluto, a forma di uovo, con propulsione elettrica ed ecocompatibile: la soluzione ideale per muoversi in città. Pesa 80 kg, può raggiungere i 30 km/h e alcuni elementi posteriori e laterali possono essere ripiegati ed estratti solo quando necessario, per ridurre al minimo lo spazio necessario al parcheggio. www.hyundai-motor.it Laura Galimberti

FUTURE PERSONAL SUSTAINABLE MOBILITY The E4U prototype, unveiled by Hyundai at the latest Seoul Motor Show, interprets a brand-new concept. As suggested by the name (E4U, Egg Evolution Electricity and Eco-friendliness), it is an advanced vehicle, shaped like an egg, with an electric, environmentally friendly engine: the ideal solution for those with commutes of a few miles in the city. It weighs 80 kg and hits a top speed of 30 km/h (18.6 mph). The rear legs can be folded, and the side parts are also detachable, for tighter parking spaces. www.hyundai-motor.it

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FASHION IN

La terza edizione di Fashion In Faber ha visto protagoniste le fibre tessili di recupero. Dopo il successo delle creazioni in carta riciclata di Fashion In Paper, Fashion In Fiber Recovery ha portato alla ribalta venti giovani talenti della moda e del design italiano, premiati per l’estro e la bravura dimostrati con le loro creazioni e per aver avuto il maggior numero di clic sul sito fashion-in.it, per il concorso ‘Votami on line’, concluso a marzo. Tra gli oltre cento fra abiti, gioielli e accessori realizzati con materiali tessili recuperati da scarti industriali o dalla raccolta differenziata, già esposti presso la Triennale di Milano e al salone So Critical So Fashion, i venti finalisti sono stati premiati con diversi riconoscimenti. Afol Moda Milano, che ha visto 12 dei suoi studenti tra i vincitori, di cui i primi due classificati, ha messo a disposizione un corso annuale ed uno di breve durata per approfondire gli argomenti scelti. Blitz Bovisa, realtà commerciale milanese dalle vaste proposte di vendita, offre ai primi dodici classificati la possibilità di organizzare ed allestire uno spazio di vendita personale all’interno dei propri spazi. L’associazione Cool Hunter ha ospitato i venti finalisti nella prossima edizione del Salone Cool Hunter Italy Trade Show, a Palazzo delle Stelline nel mese di settembre 2013. Fashion In, progetto etico, didattico e culturale, affrontando ogni anno un materiale diverso, consente agli studenti delle migliori Scuole a livello superiore, Università, Accademie d’Arte italiane, visibilità, conoscenza e inserimento nel mondo del lavo-

ro. L’evento, promosso da Provincia di Milano in collaborazione con Afol Milano, è a cura di Bianca Cappello. Nelle immagini, dall’alto in senso orario, le creazioni di Martina Carosella, Angelica Dringoli, Alessandro Canti, Chiara Stella Niziolek. www.fashion-in.it Giulia Bruno The third edition of Fashion In Fiber was focused on recovered textile ﬁbres. Following the success of the recycled paper creations of Fashion In Paper, Fashion In Fiber Recovery brought twenty young Italian fashion and design talents

to the fore; they were awarded prizes for their creativity and skill shown with their works and for the largest number of clicks on the website fashion-in.it, for the competition ‘Votami on line’ (Vote for me online), which ended in March. Among the over one hundred pieces of clothing, jewels and accessories made from textile materials recovered from industrial waste or separated waste collection, already displayed at the Milan Triennale and the exhibition So Critical So Fashion, the twenty finalists were awarded several prizes. Afol Moda Milano, which had 12 of its students among the winners, including the first and second prize winners, has made an annual course and a short one available to go into the chosen subjects. Blitz Bovisa, a Milan-based commercial business with a wide range of products, offers those placed in the top 12 positions the opportunity to organize and fit out a personal sales space in its own area. The Cool Hunter association has invited the twenty finalists to the last edition of the Cool Hunter Italy Trade Show, at Palazzo delle Stelline, in September 2013. Fashion In, an ethical, educational and cultural project, deals with a different material every year, allowing students at Italy’s best senior schools, universities and academies of art to stand out, learn and enter the working world. The event, promoted by Provincia di Milano in collaboration with Afol Milano, is curated by Bianca Cappello. In photos, from top, clockwise, creations by Martina Carosella, Angelica Dringoli, Alessandro Canti, Chiara Stella Niziolek. www.fashion-in.it

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SLOW WOOD Gianni Cantarutti, imprenditore fondatore dell’associazione Culturalegno e Marco Parolini, ingegnere esperto in energie rinnovabili, entrambi appassionati di legni e foreste, lanciano Slow Wood, progetto culturale con l’obiettivo di creare una rete di artigiani e designer, fornitori ed esperti. Di prossima apertura, il Laboratorio Permanente metterà a disposizione uno spazio in cui la collaborazione fra giovani, fornitori ed acquirenti sia facilitata all’insegna di Artigianalità, Cultura, Sostenibilità. Nel frattempo, il 28 e 29 settembre prossimi, un primo workshop di design e prototipazione riunirà gli interessati a Slow Wood, ne selezionerà i progetti proposti, garantendo visibilità e giusto compenso agli ideatori dei prodotti che potranno diventare parte della collezione a marchio Slow Wood. www.slowwood.net Giulia Bruno Gianni Cantarutti, an entrepreneur and founder of the Culturalegno association, and Marco Parolini, an engineer expert in renewable energy, both keen on wood and forests, have launched Slow Wood, a cultural project aimed at creating a network of artisans and designers, suppliers and experts. The Permanent Workshop, which will soon open, will make a space available where young people, suppliers and buyers can work hand in hand, the emphasis being on Craftsmanship, Culture and Sustainability. On September 28 and 29, a design and prototyping workshop is going to bring together those interested in Slow Wood, selecting the submitted projects, allowing the designers to stand out and be rewarded, with their products being included in the Slow Wood collection. www.slowwood.net

NUOVO LOOK PER L’HEYDAR ALIYEV CENTRE A Baku, la capitale dell’Azerbaijan, la più grande città e il più grande porto di tutto il Caucaso, l’Heydar Aliyev Centre ha riaperto recentemente con una veste nuova e contemporanea, che porta la ﬁrma di Zaha Hadid. Per gli interni invece, il progetto è di Thierry Beillevaire dello Studio Creative Architecture & Urbanisme. Oltre 110mila metri quadrati ospitano museo, archivi, biblioteca, centro conferenze: un vero e proprio slancio verso la modernità, caratteristica evidente negli ultimi tempi dello Stato caucasico ex sovietico. Per l’arredo interno, Maligno Industria Arredamenti è stata chiamata dalla fondazione Aliyev per rendere accogliente il nuovo monumento nazionale del Paese, sviluppandolo in un rapporto di continuità e rispetto verso la cultura locale. www.malignogroup.com Valentina Dalla Costa

A NEW LOOK FOR THE HEYDAR ALIYEV CENTRE In Baku, the capital of Azerbaijan and the largest city and port in Caucasus, the Heydar Aliyev Centre recently reopened with a new, contemporary look, the fruit of a project by Zaha Hadid. Whereas the interior project is by Thierry Beillevaire of Studio Creative Architecture & Urbanisme. The museum, archives, library and conference centre cover an overall area of 110,000 sq. m. The facility stands out as modernity-focused, which has proved to be a major hallmark of the former Soviet Caucasian

state lately. As for the interior decoration, Maligno Industria Arredamenti was called by the Aliyev foundation to make the new national monument comfortable, relying on continuity with, and respect for, the local culture. www.malignogroup.com

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Teuco ha chiesto alla bellezza di nascondere la potenza. Così è nato Hydroline.

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CITY SCAPE DENIM

La generazione digitale interagisce con la tradizione. Frutto di questo connubio è la collezione Issey Miyake AW13 disegnata da Yoshyuki Miyamae, che sceglie, per la serie City Scape Denim, di guardare il mondo dall’alto. Trae ispirazione dalla bellezza del paesaggio visto dal cielo (campi di grano dorati, foreste verdi, laghi dall’effetto specchiante), ma si sposta in città. City Scape Denim è una collezione in tessuto stretch che raffigura paesaggi notturni di alcune metropoli internazionali, tra cui Tokyo, con le sue labirintiche strade di Ginza, Parigi e le sue vie che si espandono radialmente dal centro, New York e l’inconfondibile Manhattan con pianta a scacchiera. Il dettaglio a forma di stella, presente in ogni mappa, indica i negozi Issey Miyake presenti nella città rappresentata. Realizzata con la tecnica Apoc - “a piece of cloth” - in cui la programmazione della tessitura attraverso l’uso del computer permette di avere il capo già finito senza stampe o trattamenti successivi, la serie è disponibile in due diversi fitting, skinny e straight. www.isseymiyake.com Valentina Dalla Costa The digital generation interacts with tradition. The Issey Miyake AW13 collection is the fruit of this combination. For the City Scape Denim range, the designer, Yoshyuki Miyamae, chose to look at the world from above. He drew inspiration from the beauty of the landscape as seen from above (golden cornfields, green forests, lakes with a mirror effect), while moving to town. City Scape Denim is a stretch fabric collection portraying the night landscapes of a few international metropolises, including Tokyo, with the labyrinthine streets of the Ginza district, Paris and the streets radially extending from the centre, New York and unique Manhattan with its chessboard-like plan. The star-shaped detail, found in every map, shows the Issey Miyake stores in the represented city. Based on the Apoc (“a piece of cloth”) technique - where programming weaving on the computer allows you to get a finished garment without prints or further treatment -, the range is available in two different fittings - skinny and straight. www.isseymiyake.com

CROMATISMI GENERATORI

Questo il nome del gioiello firmato da Elviro Di Meo e Antonio Rossetti, creato per la mostra Gioielloinarte di Roma, dove 113 creazioni uniche interpretano ‘Il preziosismo pittorico di Gustav Klimt’. Spesso la rilettura del suo percorso artistico porta inevitabilmente alla ripetizione, alla mimesi del repertorio artistico di uno dei padri fondatori dell’Art Nouveau. Nel collier dell’immagine, invece, vengono sintetizzati i colori ricorrenti nell’opera di Klimt, e ridotti alla sola essenza significante: i cromatismi si intrecciano, divengono nuova immagine di contemporaneità. Nello specifico, il gioiello è formato da un triedro in argento 925, bagnato in oro giallo 18 k, con due barrette in argento e due bagettes in vetro colorato; il tutto sospeso a un cordone in stoffa intrecciato. La lavorazione è artigianale, e le tecniche riprese dall’antica tradizione orafa napoletana. V.D.C.

GENERATING CHROMATISMS This is the name of the jewel designed by Elviro Di Meo and Antonio Rossetti for the Gioielloinarte exhibition in Rome, where 113 unique creations interpret ‘Gustav Klimt’s pictorial preciousness’. The reinterpretation of his artistic career inevitably leads to the repetition, mimesis of his artistic repertoire of one of the founding fathers of Art Nouveau. Whereas in the necklace in the picture, the colours recurring in Klimt’s work are synthesized and reduced to one signiﬁcant essence: chromatisms intertwine, become a new image of contemporaneity. In the speciﬁc instance, the jewel is made up of a silver 925 trihedron, quenched in yellow gold 18 k, with two silver bars and two coloured glass bagettes; everything hangs from a woven fabric ribbon. It is based on exquisite craftsmanship and techniques inspired by old Napolitan goldsmith’s tradition.

PLOUM divano. Design: Ronan & Erwan Bouroullec. Catalogo: www.ligne-roset.it

LES 30 JOURS – DAL 1° AL 31 OTTOBRE

PORTE APERTE AL METODO ALBINI Così come la fondazione a lui dedicata, che si è posta l’obiettivo di divulgare una lezione che possa servire alla contemporaneità, la decisione di aprire al pubblico l’archivio storico e lo studio originale di Albini è stata presa con l’idea di far conoscere dal vivo il processo creativo e il rigoroso metodo progettuale appartenuto a un grande maestro. La Fondazione Franco Albini, a Milano in via Bernardino Telesio 13, dove è ancora attivo lo studio di Marco e Francesco Albini, è ricca di pezzi di design unici, inediti e seriali, disegni e foto d’epoca, interviste e riproduzioni 3D. Grazie a un percorso attraverso 30 pezzi di design, accompagnati dal ﬁglio Marco e dalla nipote Paola, è possibile far luce sulla ﬁgura articolata e complessa del grande architetto. Visite guidate su prenotazione. www.fondazionefrancoalbini.com Laura Galimberti

OPENING DOORS TO THE ALBINI METHOD As well as the foundation dedicated to him, aimed at popularizing a lesson which can prove useful to contemporaneity, the decision to open Albini’s historical archives and original studio was also made with a view to making a great master’s creative process and rigorous design method known. Fondazione Franco Albini, based in

Milan, in via Bernardino Telesio 13, where Marco and Francesco Albini’s studio is still active, can boast many single, unknown and serial designer pieces, period drawings and photos, interviews and 3D reproductions. A path

through 30 designer pieces, accompanied by the son, Marco, and the granddaughter, Paola, throws light on the complex ﬁgure of the great architect. Guided visits available upon reservation. www.fondazionefrancoalbini.com

CARTOCCI

Paola Paronetto costruisce i suoi Cartocci con carta, cartone, cellulosa e ﬁbra aggiunti all’impasto ceramico. Ne risultano grandi bottiglie e ciotole fuori scala dall’aspetto fragile e leggero, con superﬁci a volte lisce, a volte texturizzate, a volte semplicemente un po’ rugose. I Cartocci in paper clay fanno parte di una collezione molto varia di pezzi arricchiti con oro zecchino oppure lisci e bianchi, colorati o decorati con rettangoli sgargianti. Le sculture over size presentate durante l’edizione 2013 della design week milanese sono realizzate nei colori bianco e nero, hanno diverse altezze, arricchiscono qualsiasi ambiente sia come protagoniste solitarie, sia raggruppate in più esemplari. Paola Paronetto, ancora una volta, nei suoi oggetti artigianali dal delicato sapore moderno, riunisce la tradizione dell’arte della ceramica all’innovazione stilistica, anticipando le tendenze del design contemporaneo. www.paolaparonetto.com Giulia Bruno

Paola Paronetto makes her Cartocci with paper, cardboard, cellulose and ﬁbres added to the ceramic mixture. This results in big bottles and out-of-scale bowls which look fragile and lightweight, the surfaces being sometimes smooth, sometimes texturized, and sometimes slightly rough. The Cartocci

in paper clay belong to an extremely varied collection embellished with ﬁne gold or smooth and white, coloured or decorated with bright rectangles. The oversized sculptures exhibited in conjunction with the 2013 edition of Milan’s Design Week are black and white, vary in height, enhance

any room, whether standing on their own or grouped together. In her handicrafts with a delicate, modern ﬂavour, Paola Paronetto has, again, matched the tradition of ceramic art with style innovation, thus pioneering contemporary design trends. www.paolaparonetto.com

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SELETTI WEARS TOILETPAPER

Sbarca a Parigi la collezione nata dalla collaborazione tra il magazine di Maurizio Cattelan e Pierpaolo Ferrari e l’azienda italiana di design. Prima a Milano, per il Salone del Mobile, e poi a Parigi, al Palais de Tokyo in occasione di Maison et Objet. A decorare piatti, tovaglie, tazze e bicchieri sono le immagini di uno sturalavandino, un cavallo rampante, delle dita mozzate, insieme a un’interpretazione pulp del noto ‘I love you’, una natura morta spaesante con tanto di pesce ripieno di pietre preziose e una tavola imbandita popolata da ospiti inattesi. In anteprima per Parigi la celebre saponetta masticata, che da immagine si ‘evolve’ in oggetto vero, disponibile insieme al resto della collezione su yoox.it, alle Galerie Lafayette, a Le Bon Marché e al bookshop del Palais de Tokyo. Un link tra l’azienda e il magazine anche nei materiali: latta e cerata incarnano perfettamente lo spirito pop della rivista. “Sono fan di Toiletpaper fin dal primo numero e da subito ho desiderato utilizzare quelle splendide immagini per i nostri prodotti” – afferma Stefano Seletti, titolare ed art director dell’azienda. “Continuavo a pensare a come portare quelle fotografie nelle case dei nostri clienti. È bastato un incontro con Maurizio e Pierpaolo perché entrassimo in sintonia e condividessimo l’idea di mettere insieme materiali democratici e familiari come la latta e la plastica ad immagini decisamente inaspettate”. www.seletti.it Valentina Dalla Costa The collection that is the fruit of a collaboration between Maurizio Cattelan and Pierpaolo Ferrari’s magazine and the Italian-based design company has reached Paris. First in Milan, for the Salone del Mobile, and then in Paris, at the Palais de Tokyo, in conjunction with Maison et Objet. Dishes, tablecloths, cups and glasses are decorated with images of a plunger, a rampant horse, cut-off fingers, together with a pulp interpretation of the well-known ‘I love you’ phrase, a disorientating still life complete with fish filled with precious stones and a sumptuously laid table stuffed with unexpected guests. In Paris you can enjoy a preview of the well-known chewed cake of soap, which ‘evolves’ into a real object from an image, available together with the rest of the collection on yoox.it, at Galerie Lafayette, Le Bon Marché and the bookshop of the Palais de Tokyo. Between the company and the magazine there is a link in the materials as well: tin and oilskin perfectly epitomize the pop spirit of the magazine. “I have been a fan of Toiletpaper since the first issue, and I immediately desired to use those beautiful images for our products - said Stefano Seletti, owner and art director -. I couldn’t help thinking of how those photographs could be taken into our customers’ homes. Meeting Maurizio and Pierpaolo once was enough for us to find ourselves on the same wavelength and share the idea of bringing such democratic and familiar materials as tin and plastic together with definitely unexpected images.” www.seletti.it

FORME MORBIDE Al Design Post, in occasione di IMM 2013, Nimbus LED.next ha presentato le sue novità, tra cui Squeeze, un corpo illuminante scultoreo, un oggetto luminoso che invade lo spazio con la sua presenza estetica. L’azienda ha creato questa lampada insieme a Karim Rashid, mettendo in risalto la sua forte presenza ﬁsica e il carattere decorativo della luce. La sinergia con la tecnologia LED ha permesso al designer newyorkese di avere la massima libertà nel modellarne la forma ﬁnale: Squeeze rappresenta, più di ogni altro modello della collezione a LED Nimbus, l’esempio di come corpo lampada ed elemento luce possano convivere in modo versatile. Vincitrice del Good Design Award 2012, Squeeze crea nell’ambiente una piacevole atmosfera. Su richiesta, per la versione a sospensione, disponibile anche con il sistema di controllo della luce Gesture Touchless. I colori sono nero brillante, bianco o rosa. www.nimbus-group.com V.D.C.

SOFT SHAPES At Design Post, in conjunction with imm 2013, Nimbus LED.next presented its new products, including Squeeze, a sculptural lighting body, a lighted object which invades space with its attractive presence. The company developed this lamp with Karim Rashid, emphasizing its remarkable physical presence and the decorative character of light. Synergy with LED technology allowed the New York based designer to freely mould the ﬁnal shape: Squeeze shows - more than any other model of the LED collection, Nimbus - how the lamp body and light can coexist in a versatile way. The winner of the Good Design Award 2012, Squeeze creates a pleasant feel. The Gesture Touchless light control system is available for the suspension version on request. Colours: bright black, white and pink. www.nimbus-group.com

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A T

STEP Design

ANTONIO CITTERIO con Sergio Brioschi

Play the change

I DIAMANTI SONO STELLE DIAMONDS ARE STARS Decisamente suggestiva la scenograﬁa in cui sembrano volare gli ultimi lavori di Giulio Manfredi, che “riporta in vita il genio di ieri con il talento creativo di oggi”. Presso le antiche sale di Palazzo Landriani, sede dell’Istituto Lombardo, Accademia di Scienze e Lettere di Milano, tra i quattrocenteschi segni zodiacali affrescati nel salone principale, Manfredi racconta l’incontro tra arte e scienza con opere uniche ispirate a Scienze Naturali, Matematica, Medicina, Chimica, Astronomia, Energia e Studia Humanitatis. Con la mostra I Diamanti sono stelle a cura di Arnaldo Colasanti, tesori letterari e scientiﬁci intrecciano tesori artistici per non perdere la magia di Diversità, Armonia, Cambiamento, Immaginazione, Fantasia e Mito. www.manfredi-madeinitaly.eu Giulia Bruno

The set where the latest works by Giulio Manfredi - who “brings yesterday’s genius back to life with today’s creative talent” - look as if they are flying is definitely charming. At the old halls of Palazzo Landriani, where the Lombard Institute, Academy of Sciences and Letters, Milan, is headquartered, among the 15thcentury signs of the zodiac frescoed in the main hall, Manfredi tells about the meeting between art and science, with one-of-akind works inspired by Natural Science, Mathematics, Medicine, Chemistry, Astronomy, Energy and Studia Humanitatis. With the exhibition ‘Diamonds are stars’, curated by Arnaldo Colasanti, literary and scientific treasures harmonize with art treasures, not to lose the magic of Diversity, Harmony, Change, Imagination, Fantasy and Myth. www.manfredi-madeinitaly.eu

2-5 ottobre 2013

Made Expo

2-6 ottobre 2013

Salone Nautico Internazionale

6-8 ottobre 2013

SUN

Rimini

13-15 ottobre 2013

Abitare 100% Project

Verona

16-19 ottobre 2013

I Saloni WorldWide

16-19 ottobre 2013

Saie

Bologna

18-22 ottobre 2013

Host

Milano

Milano Genova

Mosca

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LUSSO A BORDO

Nel mondo della rubinetteria da oltre cinquant’anni, Fima Carlo Frattini ‘sale a bordo’ e arreda il lussuoso yacht La Perla del cantiere croato Belena – Vander/Cruysse con le sue collezioni di rubinetteria Spillo e Matrix. Una barca dotata di ogni comfort, arredata secondo i più alti standard qualitativi, in cui i prodotti Fima Carlo Frattini si inseriscono alla perfezione, grazie al loro design che prescinde dalla naturale funzione di erogatori d’acqua. I miscelatori della collezione Matrix si distinguono per la loro armonia nelle proporzioni, per la geometria semplice delle forme e per la compattezza lineare; mentre quelli della collezione Spillo hanno un design minimale e pulito che plasma lo scorrere dell’acqua. www.ﬁmacf.com Valentina Dalla Costa

LUXURY ABOARD

Fima Carlo Frattini, which has been active in the taps and fittings industry for over fifty years, ‘goes aboard’, furnishing the luxurious La Perla yacht of the Croatian shipyard, Belena - Vander/Cruysse, with its taps, Spillo and Matrix. A boat fitted with all comforts, furnished according to the highest quality standards, the Fima Carlo Frattini products fitting in perfectly, based on their design, which goes beyond the natural function of supplying water. The mixers of the Matrix collection stand out for their harmonious proportions, simply geometric shapes and linear compactness; whereas those of the Spillo collection rely on minimal, neat design which shapes flowing water. www.fimacf.com

NUOVA APERTURA A BASILEA

Ligne Roset apre a Basilea, antichissima città svizzera dove fermento culturale e sviluppo economico si fondono, e sceglie un edificio storico come sede del suo nuovissimo monomarca. Lo showroom ha una dimensione di 400 mq, è suddiviso in due piani ed è situato all’interno di Anfos Haus, uno dei primi edifici polifunzionali della città edificato tra il 1966 e il 1970. All’interno del nuovo Store, Ligne Roset espone le sue celebri collezioni di divani, mobili e complementi d’arredo nati dalla collaborazione con personalità di spicco del design internazionale, come Ronan & Erwan Bouroullec, Philippe Nigro, Didier Gomez, Inga Sempé, Pierre Paulin, Peter Maly, Pascal Mourgue. www.ligne-roset.it V.D.C.

NEW OPENING IN BASEL

Ligne Roset has opened a showroom in Basel, an ancient Swiss city where cultural excitement and economic development fuse. For their new single-brand shop, they have chosen a historic building. The showroom, which covers an area of 400 square metres, divided between two ﬂoors, is located in one of the ﬁrst multipurpose buildings in the city, Anfos Haus, erected between 1966 and 1970. In the new store, Ligne Roset displays its well-known collections of sofas, cabinets and furnishing complements, the fruit of collaborations with big names in international design, including Ronan & Erwan Bouroullec, Philippe Nigro, Didier Gomez, Inga Sempé, Pierre Paulin, Peter Maly and Pascal Mourgue. www.ligne-roset.it

ADD BEAUTY TO DAILY LIFE

Shanghai, la città più popolosa del mondo e capitale finanziaria della Cina, è stata scelta da Newform come sede del suo nuovo showroom, dopo la riscontrata attenzione verso il brand da parte del pubblico cinese e del mercato asiatico. Il progetto è firmato da Alfio Di Bella, lo spazio di 120 mq ospita un ufficio di rappresentanza e presenta le collezioni Bath, Kitchen e Wellness, oltre alle offerte pensate per il Contract. “Vogliamo consolidare la nostra internazionalizzazione, ma anche essere pronti e vicini ai nostri clienti per soddisfare le richieste di un mercato in forte sviluppo. Proprio in Cina, nei prossimi anni, sorgeranno centinaia di complessi residenziali e luxury hotel”, afferma Massimo Giroldi, AD di Newform. www.newform.it V.D.C. Newform has chosen Shanghai, the world’s most densely populated city and China’s financial capital, for its new showroom, as the Chinese public and the Asian market have proved to be interested in the brand. Designed by Alfio Di Bella, the showroom, which covers an area of approximately 120 sq. m., accommodates a representative office and displays the Bath, Kitchen and Wellness collections as well as those designed for the contract furnishing industry. “It is our goal to cement our internationally oriented approach and be ready, and close to our customers, to satisfy the requirements of a fastgrowing market. In the next few years, hundreds of residential complexes and luxury hotels will be rising in China”, said Massimo Giroldi, Managing Director of Newform. www.newform.it

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GEOMETRIA IN BAGNO MG12, azienda nata nel 1949 dalla collaborazione tra l’architetto Monica Freitas Geronimi e lo studio tecnico Margaroli, presenta la collezione I Geometrici, composta da sei modelli di scaldasalviette, elettrici e in alluminio con verniciatura epossidica bianco opaco ad alta resistenza. Prodotti 100% made in Italy, con una particolare attenzione al consumo energetico (45 W) e alla funzionalità, senza però togliere spazio alla bellezza delle forme pulite, adatte a bagni domestici, di spa o hotel. www.mg12.it Valentina Dalla Costa

FASHION CARPETS Con un design ipermoderno ispirato al fashion, Karim Rashid disegna inediti tappeti per la collezione Limited Edition di Illulian, realizzati nella linea esclusiva della qualità Platinum 120: lane e sete annodate e cardate a mano sono tinte esclusivamente con colori vegetali e la lavorazione molto complessa prevede180.000 nodi ogni metro quadrato. L’estro dell’industrial designer propone in chiave pop un complemento d’arredo antico e prezioso, rendendolo più adatto ai nuovi nomadi metropolitani. Colorazioni sgargianti, divagazioni geometriche di linee e di forme dagli incerti confini, intrecci regolari di pattern ripetuti all’infinito sono le nuove suggestioni di tappeti che parlano un linguaggio ai confini fra artigianato, arte e design. Info, tutto colore e grafica, Ether, dai giochi allucinati di pieni e vuoti in ripetuti poligoni irregolari, Data, a ricordare la trama ingrandita di un caleidoscopico tessuto, hanno illuminato la lounge del Nhow Hotel di via Tortona; Link in cui colore e geometria si fondono in ritmo veloce, è stato presentato in esclusiva al Salone del Mobile 2013. www.illulian.com Giulia Bruno Karim Rashid has relied on up-to-the-minute, fashion-inspired design to create new rugs for Illulian’s Limited Edition collection, namely the exclusive Platinum 120 range: wool and silk knotted and carded by hand are dyed with vegetable dyes only, with a density of 180,000 knots per square metre, based on an extremely complex working technique. The creative industrial designer offers a pop reinterpretation of an antique, precious furnishing complement, making it more suitable for new urban nomads. Gaudy colours, geometric digressions of lines and shapes with uncertain boundaries, regular, and endlessly repeated pattern weaves are the new charming ingredients of carpets which speak a language hovering between crafts, art and design. Info, based on colours and graphics; Ether, enhanced by dazzled effects produced by full and empty spaces in irregular, repeated polygons; Data, reminiscent of the enlarged texture of a woven kaleidoscope: these rugs lit up the lounge of the Nhow Hotel in via Tortona. Whereas Link, where colour and geometry fuse in a quick rhythm, was exclusively presented at Salone del Mobile 2013. www. illulian.com

GEOMETRY IN THE BATHROOM MG12, a company established in 1949 from a partnership between architect Monica Freitas Geronimi and the engineering studio, Margaroli, has unveiled the I Geometrici collection, which comprises six models of towel warmers, electrical and made of aluminium, with highly resistant matt white epoxy paint coatings. Made entirely in Italy, with particular attention to power consumption (45 W) and functionality, without giving up elegant, neat shapes, suited to bathrooms in homes, spas and hotels. www.mg12.it

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CRUISING MACHINE

È così che il team manageriale di Ferretti Yachts ama definire la nuova ammiraglia Ferretti 960, la più grande imbarcazione planante da diporto, progettata e realizzata interamente nello stabilimento di Cattolica dal marchio storico del gruppo, che offre prestazioni ai vertici della categoria grazie alla stretta collaborazione tra lo Studio Zuccon International Project – ormai firma consolidata –, AYTD Advanced Yacht Technology&Design e lo staff di ingegneri, architetti e designer del Gruppo Ferretti. I suoi 23,98 metri di lunghezza (29,20 fuori tutto) consentono di essere gestita senza l’ausilio di un comandante professionale - il limite è di 24 metri - e racchiudono concetti abitativi innovativi a cominciare da una superficie vetrata lungo tutto il ponte principale che apporta grande luminosità agli interni. Negli ambienti del ponte principale, un ampio open space con essenze in rovere naturale e dettagli in tinto noce accoglie il living, dotato di ampio divano bianco a U firmato Poltrona Frau, coffee table B&B ed un importante tavolo, produzione Bonaldo, con piano in cristallo, base in metallo verniciato ed allungabile sino ad accogliere 12 commensali. Adiacente la zona lobby, la cucina – con 3 diversi ingressi per assicurare massima privacy – ospita mobili e pensili contenitori Ernestomeda completati da dinette di servizio, con frigorifero side by side e elettrodomestici Bosch. Le cabine sottocoperta, insieme a quella armatoriale unica ubicata sul main deck, accolgono sino a 10 posti letto – più 5 per l’equipaggio –, sono dotate di massimo comfort grazie ad una attenta insonorizzazione acustica, arredate con testaletto in pelle e tessuto Kvadrat e tutte accompagnate da bagno en suite con lavabi Antoniolupi, top in Corian e box doccia separato in cristallo Bianchi & Fontana. Il passaggio di apertura e chiusura tra i vari ambienti è accompagnato da maniglie Colombo Design, sino ad una nuova area di poppa dedicata completamente al leisure, dove il pozzetto fa bella mostra di uno spazioso divano a C e un grande tavolo firmato Roda che ospita sino a 8 persone. Foto Alberto Cocchi. www.ferretti-yachts.com Manuela Di Mari “Cruising machine”: this is how the Ferretti Yachts management team enjoys defining the new flagship, Ferretti 960, the largest planing recreational boat, entirely designed and built at the Cattolica shipyard by the time-honoured brand of the Group, whose top-level performance is the fruit of close co-operation between Studio Zuccon International Project – an established company by now -, AYTD Advanced Yacht Technology & Design and the team of engineers, architects and designers of the Ferretti Group. Thanks to its 29.20-metre overall length and 23.98-metre hull length, it does not have to be piloted by a professional captain the limit being 24 metres - and implies innovative living concepts, including a glass surface along the main deck, which lets in plenty of light. On the main deck, a large open-plan area with natural oak and walnut-stained details accommodates the living area, fitted with a big white U-shaped sofa by Poltrona Frau, a coffee table by B&B and an imposing table by Bonaldo, with a crystal top, a coated metal base which can be extended to seat up to 12 people. Next to the lobby area, the kitchen - with 3 different entrances to provide the utmost privacy - accommodates furniture and wall-mounted cupboards by Ernestomeda, fitted with a service dinette, and furnished with a side-by-side fridge and household appliances by Bosch. The underdeck cabins and the master cabin on the main deck accommodate up to 10 beds - plus 5 for the crew members - and ensure maximum comfort, thanks to an accurate soundproofing system, leather headboards and Kvadrat fabric. All the cabins are en suite, with washbasins by Antoniolupi, Corian tops and separate glass shower cubicles by Bianchi & Fontana. The passageway between the rooms is enhanced by Colombo Design handles, as far as a new aft area, entirely used for leisure activities, where the cockpit is furnished with a spacious C-shaped sofa and a large table by Roda seating up to 8 people. Photography: Alberto Cocchi. www.ferretti-yachts.com

ROCCIA SCOLPITA

Nachtmann, azienda bavarese dalla pluri-centenaria tradizione nella produzione di vetro e cristallo d’alta qualità, presenta Sculpture, collezione di vasi e bicchieri in cristallo al piombo, frutto del talento di un giovane designer svedese. Ahmet Uslu, studente di design presso la prestigiosa Università Konstfack di Stoccolma, ha voluto scolpire il cristallo per catturarne la bellezza dall’interno: i suoi vasi illuminati da effetti di luce rifratta, mostrano la perfetta geometria del materiale non lavorato. La ricerca di Nachtmann focalizzata sulla Next Generation si è concretizzata nella collaborazione con due dei più importanti istituti di design degli Stati Uniti, Parson The New School for Design e Pratt Institute, entrambi a New York City. L’osservazione di generazioni del futuro si estende in Europa dove trova validi esempi, come Ahmet Uslu e le sue rocce scolpite. www.nachtmann.de Giulia Bruno

SCULPTED ROCKS

Nachtmann, a Bavarian-based company with a multi-centennial tradition in the production of ﬁrst-rate glass and crystal, presents Sculpture, a collection of lead crystal vases and glasses, the fruit of a young Swedish designer’s talent. Ahmet Uslu, a design student at prestigious Konstfack University in Stockholm, wanted to discover crystal, to capture its beauty from the inside: his vases lit by refracted light effects reveal the perfect geometry of the unworked material. Nachtmann’s research on the Next Generation has translated into a partnership with two leading US design institutes, Parson The New School for Design and Pratt Institute, both based in New York City. The observation of generations of the future stretches to Europe, where it ﬁnds sound examples, like Ahmet Uslu and his sculpted rocks. www.nachtmann.de

NUOVA LUCE SU TORINO

Uno spazio interamente dedicato alla luce. Artemide apre a Torino un nuovo ﬂagship store di oltre 2000 mq, in collaborazione con lo storico negozio d’arredo Gurlino. Situato in via Carlo Alberto, nel capoluogo piemontese è da oltre 40 anni il punto di riferimento dei più prestigiosi brand del panorama mondiale del design contemporaneo. Qui trovano spazio tutte le conoscenze illuminotecniche di Artemide, a disposizione di architetti, progettisti, lighting designer, operatori del settore. Parallelamente, è anche un negozio specializzato che offre consulenza nella progettazione e nell’assitenza pre e post-vendita al pubblico. “Ci siamo trovati davanti ad una scelta importante: quale azienda inserire nella nostra organizzazione per realizzare una forte e duratura presenza nel settore dell’illuminazione?” - afferma Franco Gurlino, fondatore dello storico negozio torinese - “La scelta di Artemide è stata condizionata non solo da un rapporto quarantennale e di profonda stima con Ernesto Gismondi, fondatore del gruppo, e con l’azienda (è stata la prima con la quale quando abbiamo iniziato a progettare la luce già alla ﬁne degli anni sessanta), ma è stata determinata dal fatto che essa ha non solo un grande centro di ricerca, ma che

qualità, futuro e sviluppo sono garantiti dagli investimenti che Artemide ha già programmato”. www.artemide.com www.gurlino.it Valentina Dalla Costa

NEW LIGHT ON TURIN

A showroom fully devoted to light. Artemide has opened a new ﬂagship store in Turin, over an area exceeding 2,000 sq. m., in collaboration with the time-honoured furniture

SOLAR RADIO Italia Energetica lancia sul mercato una nuova, piccola radio ad energia solare, comoda come un ipod nano e dal prezzo contenuto. Nell’era della tecnologia e dei problemi climatici, la nascita di strumenti a basso impatto ambientale è sempre salutata con entusiasmo. La radiolina solare rappresenta un buon esempio di attenzione all’ambiente e di fortunata applicazione della scienza dell’energia del sole. È in grado di far compagnia ovunque si vada e per tutto il tempo che si vuole, senza bisogno di portare con sé le pile di ricambio: è sufﬁciente lasciarla un po’ al sole e si ricarica automaticamente. www.italiaenergetica.it Giulia Bruno Italia Energetica has launched a new, compact solar energy radio, as comfortable as an iPod nano and available at a reasonable price. In the age of technology and climatic problems, the development of instruments with a low environmental impact is always welcomed enthusiastically. The portable solar radio means a good example of attention for the environment and successful application of the solar energy science. It can keep you company wherever you go and as long as you desire; what is more, you do not have to bring any spare batteries with you: you just have to leave it in the sun for some time, and it will be recharged automatically. www.italiaenergetica.it

shop, Gurlino. Located in via Carlo Alberto, in Piedmont’s capital, for over 40 years it has been a benchmark for the most prestigious contemporary design brands. The emphasis is on Artemide’s technical lighting know-how, which is made available to architects, designers, lighting designers and other professionals. It is also a specialized shop which provides design consultancy and before- and after-sales assistance. “We had to make a major choice: which company should be included in our

organization to stand out in the lighting industry for a long time? - said Franco Gurlino, founder of the historic shop in Turin -. Our choice is the fruit of both a forty-year-old relationship with, and our high opinion of, engineer Gismondi and the company (they were the ﬁrst we worked with to design light, as early as the late 1960s), and the fact that they have a big research centre, and that quality, the future and development are guaranteed by the investments they at Artemide have already planned.”

TALENT SCOUTING ‘Da nonno felice e in salute e da comproprietario di Riva 1920, mi sento in dovere di aiutare i giovani e meno giovani architetti e designer, lanciando l’ennesimo concorso di idee’. Esordisce così Maurizio Riva, raccontando del primo Design Award ‘Accendi la tua idea’, attraverso il quale saranno scelti e premiati dieci tavoli realizzati in legno massello di riforestazione, che entreranno a far parte della collezione Riva 1920. Per la cerimonia di premiazione si dovrà attendere il prossimo Salone del Mobile, ad aprile 2014. www.riva1920.it Valentina Dalla Costa ‘As a happy and healthy grandfather and as a joint owner of Riva 1920, I feel obliged to help younger and older architects and designers, launching one more competition of ideas’, said Maurizio Riva, telling about the ﬁrst Design Award ‘Light your idea’, through which they will select, and award prizes to, ten tables made from the Riva 1920 collection. The award-winning ceremony is scheduled for the next Salone del Mobile, in April 2014. www.riva1920.it

PORADA INTERNATIONAL DESIGN AWARD 2013 Dopo la prima fortunata edizione, Porada Arredi Srl e POLI.design, embodying the values and the identity of Porada production. Consorzio del Politecnico di Milano, con il patrocinio di ADI, lanciano il nuovo concorso internazionale 2013, rivolto a progettisti, creativi italiani e stranieri, liberi professionisti, studenti. ‘Porada International Design Award 2013’ cerca concept innovativi, originali, dove il tavolo in legno sia protagonista del progetto. Questi i cardini della nuova edizione, che vede il legno come materiale veicolante dei valori e dell’identità del marchio Porada. Il bando scade il 30 novembre 2013. www.porada.it V.D.C. Following the ﬁrst successful edition, Porada Arredi Srl and POLI.design, a Consortium of Politecnico di Milano, have launched - under the aegis of the Italian Design Association, ADI - the new international competition 2013, for Italian and foreign designers, professionals and students. ‘Porada International Design Award 2013’ is aimed at developing innovative, original concepts, with the emphasis on wood tables. These are the foundations of the new edition, with wood

The required material should be submitted by November 30, 2013. www.porada.it

Where next is now! 8 â&#x20AC;&#x201C; 11. 1. 2014

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CONTEMPORARY DESIGN

Quali sono le ricerche e i campi di applicazione dell’interior design contemporaneo? Il senso comune associa il design alla composizione e alla realizzazione di un prodotto, di un oggetto, di un utensile, di un arredo, ma se questi sono ambiti a cui sono riconducibili gli albori del disegno industriale, nel corso del tempo gli interessi di questa discipina si sono notevolmente estesi allo studio e al ridisegno di brani urbani, delineando approcci

teorici e pratiche che mettono in discussione l’eredità del pensieo razionalista e le compartimentazioni che ne sono susseguite, e si aprono a nuovi modi di pensare al progetto di architettura degli interni e alla cultura dell’abitare come area privilegiata per elaborare e sperimentare letture inedite della contemporaneità. Ne scrive Luciano Crespi, professore ordinario e presidente del Corso di Studi in Interior Design del Politecnico di Milano, che in questo suo ultimo saggio sviluppa le proposte maturate nell’ultimo decennio dalla scuola milanese. La reversibilità di ambienti e dispositivi, le “interferenze” tra le arti, la ricerca di strategie progettuali generatrici di valori, e la lettura del progetto come detonatore di “cortocircuiti mentali” attivati con la consapevolezza “che non esistono conﬁni rigidi tra un passaggio e un altro”, sono i caposaldi di un discorso articolato con affondi puntuali volti a precisare concetti e riconnettere le lezioni dei maestri alle esperienze in atto, ricollocando l’interior design nella dimensione di una cultura multiforme che attinge alla letteratura, alla musica, alla sociologia e alle scienze antropologiche. La trasformazione dello spazio come condizione esistenziale del nostro tempo è l’assunto da cui prende avvio un processo analitico “che riesce a fare ricerca progettando” e che trova nelle “neotopie” il neologismo per descrivere “un nuovo tipo di spazi innovativi e possibili,

MATTEO THUN - THE INDEX BOOK

Un’accurata selezione del lavoro di tanti anni, per lo più fotograﬁca, ma di alta qualità, ci permette di entrare nel mondo di Matteo Thun attraverso le sue realizzazioni più importanti, dall’architettura al design, dal Vigilio Mountain Resort di Merano al Side Hotel di Amburgo, dagli oggetti per Alessi agli arredi per Duravit. La monograﬁa, da lui stesso curata, con testi di Francesca Acerboni e Giulia Mezzalama, è un progetto di per sé: le realizzazioni che ne raccontano l’opera sono presentate attraverso sei diversi indici dettagliati, organizzati in modi differenti, che rendono il libro un vero oggetto di design. www.matteothun.com Laura Galimberti An accurate selection of many years’ work, mainly photographic, of high quality, allows us to enter Matteo Thun’s world through his main projects, from architecture to design, from the Vigilio Mountain Resort in Merano to the Side Hotel in Hamburg, from the objects for Alessi to the furniture for Duravit. The monograph, edited by Matteo Thun himself, with texts by Francesca Acerboni and Giulia Mezzalama, is a project in itself. The projects that tell about Matteo Thun’s work are presented through six detailed, differently arranged indexes, which make the book a project in itself. www.matteothun.com

che lavorano sul microambiente urbano, mettendo al centro le pratiche dell’abitare contemporaneo” deﬁnite da nuove relazioni tra spazio pubblico e privato e da una maggiore reversibilità dei luoghi e dei rapporti tra interni ed esterni. Immagine di copertina di Ugo La Pietra. www.postmediabooks.it Cristina Fiordimela What are the studies and ﬁelds of application of contemporary interior design? According to common sense, design is connected with the making of a product, an object, a utensil, a piece of furniture, but while the dawn of industrial design can be traced back to them, the interests of this area have been considerably extended to the studying and redesigning of urban pieces, outlining theoretical approaches and experiences which question the legacy of the rationalistic thought and the compartmentation that has ensued, and open up to new ways of thinking of interior architecture design and living culture as a favoured area to work out and try new approaches to contemporaneity. In his latest essay, Luciano Crespi, full professor and president of the Interior Design Department of Politecnico di Milano, wrote about it, developing the proposals worked out by Milan’s school over the

last decade. Reversible rooms and devices, “interferences” between arts, the search for design strategies generating values, and understanding design as a detonator of “mental short-circuits” triggered in the awareness that “there are no ﬁxed boundaries between a passage and another” mean the cornerstones of a complex theme, with accurate investigations aimed at clarifying concepts and reconnecting masters’ lessons with the experiences that are underway, restoring design to the dimension of a varied culture inspired by literature, music, sociology and anthropological sciences. Transforming space as an existential condition of our time is the assumption that means the starting point for an analytical process which “involves research while designing” and in “neotopies” ﬁnds the neologism to describe “a new type of innovative, feasible spaces, which work on the urban microenvironment, assigning a central role to contemporary living”, as resulting from new relationships between public and private spaces and increased reversibility of places and relations between interiors and exteriors. Cover image by Ugo La Pietra. www.postmediabooks.it

MICHELE DE LUCCHI’S MOUNTAINS Montagne è il titolo della mostra che la galleria Antonia Jannone-Disegni di Architettura di Milano ha voluto dedicare a Michele De Lucchi, presentando il lavoro di scultore dell’architetto milanese nella sua naturale evoluzione, dopo le opere sui ‘tavolini’ e le ‘casette’. “Avevo bisogno di immaginare edifici non architettonici”, racconta De Lucchi. “A volte parto da un unico blocco di legno, altre volte da pezzetti relativamente piccoli, altre volte ancora da listellini”. Le Montagne, progetto in cui l’architettura si mescola a segno, composizione, scultura, interpretano il legno come materia delicata. Sono circa diciotto lavori, in legno di noce e di rovere, alcune con tetto rimovibile, tutte dalle linee morbide e arrotondate. “Nell’abbraccio del tratto, il racconto della montagna si allunga, si contrae, si espande, si flette e si riavvolge rincorrendo il vortice grafico delle linee concentriche, un effetto cannocchiale che aggrava lo smarrimento dimensionale e restituisce la centralità protagonista al dato formale”. Sono parole di Danilo Eccher che nel testo di accompagnamento della mostra parla delle sculture di Michele De Lucchi come “pretesto per scardinare con un’allucinatoria suggestione il rigore di una progettualità meccanica”. “Legno di noce e ciliegio, colori caldi, mielosi, delicatamente soffici, cremosi, pelli da sfiorare, forme assemblate o incise, sedimentate o scavate, sono tutti personaggi di una recita che nella sua visionarietà e nella suggestione della sua poesia non potrà mai cancellare, né rinnegare, la disciplina di un intimo sapere architettonico”. Alcune incisioni, nate da piccoli e dettagliati schizzi a china e realizzate su grande scala, completano l’esposizione. www.antoniajannone.it Giulia Bruno Montagne (Mountains) was the title of the exhibition on Michele De Lucchi hosted by the Antonia Jannone - Disegni di Architettura gallery in Milan, featuring the Milanese architect’s work as a sculptor in its natural evolution, after the ‘small tables’ and the ‘small houses’. “I needed to picture non-architectural buildings - said Michele De Lucchi -. Sometimes I start from a single block of wood, sometimes from relatively small pieces, other times from small splints”. Le Montagne, a project where architecture blends with signs, arrangements and sculpture, approaches wood as a delicate material. Approximately eighteen works were on display, made of walnut and oak, some with removable roofs, all in soft, rounded shapes. “In the embrace of the stroke, the story of the mountain stretches, shrinks, expands, bends and wraps itself up, running after the graphic vortex of concentric lines, a telescopic effect which increases dimensional confusion and restores formal data to a central role”, wrote Danilo Eccher, who, in the text accompanying the exhibition, defined Michele De Lucchi’s sculptures as a “pretext for destroying the rigour of mechanical design with hallucinatory power”. “Walnut and cherry wood, warm, honey-like, delicately soft, creamy colours, skins to brush, assembled or engraved, sedimented or eroded shapes: these are all characters of a play which - in its visionariness and the fascination of its poetry - will never cancel or deny the discipline of intimate architectural knowledge”. The exhibition also featured a few large-scale engravings based on small and detailed Indian ink sketches. www.antoniajannone.it

ORGANIC EXCELLENCE

Ha aperto le porte in occasione del Salone del Mobile, a sottolineare lo stretto legame tra ricerca estetica e valorizzazione del territorio. È il nuovo bistrot OM Food, dedicato all’eccellenza del biologico. L’idea, che ha preso corpo all’interno di un palazzo d’epoca in Corso Magenta, a Milano, è quella di dar vita a un locale che sia anche e soprattutto un temporary della piccola distribuzione, in cui pranzi, aperitivi e merende siano l’occasione per scoprire le prelibatezze delle realtà produttive selezionate (tra cui, ad esempio, Oasi di Galbusera Bianca). Il risultato è un ristorante dal fascino discreto, dominato dai colori candidi e dalla luce. Arredato quasi esclusivamente con tavoli e sedie in legno che fanno parte della collezione Tria, prodotta da Colè italan design label. Foto Emilio Tremolada. Francesca De Ponti The new OM Food bistro, devoted to biological food, opened in conjunction with the Salone del Mobile, to emphasize the close connection between aesthetic research and regional enhancement. The idea, which has materialized in a period building in Corso Magenta, Milan, involves a restaurant which is meant to be, above all, a temporary retail distribution store, where dinners, aperitifs and snacks are an opportunity to discover the delicacies offered by the selected producers (including Oasi by Galbusera Bianca). The result is a discreetly charming bistro, where pure colours and light prevail. Furnished almost entirely with wood tables and chairs of the Tria collection, manufactured by Colè italian design label. Photography: Emilio Tremolada.

Ã&#x2C6; USCITO IL NUOVO NUMERO DI CASADI MODI DELLâ&#x20AC;&#x2122;ABITARE CONTEMPORANEO DISCOVER THE NEW ISSUE OF CASADI CONTEMPORARY WAY OF LIVING 0

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Ilkka Suppanen, classe 1968, designer e architetto finlandese, è un accanito sostenitore delle potenzialità sociali del design. Oltre ai progetti che sviluppa per aziende del settore, è infatti coinvolto in operazioni umanitarie, dove la progettazione può servire a migliorare la qualità della vita. “Penso che il design sia una disciplina talmente vasta da poter aiutare l’ambiente e le persone in molti modi differenti. Noi progettisti immaginiamo quello che accadrà in futuro, che servirà a qualcuno o qualcosa. Non amo utilizzare la parola ‘sostenibile’, molto di moda in questo momento. In realtà credo che ogni oggetto e prodotto di design debba esserlo, in un modo o nell’altro. Il Club of Helsinki, associazione da me fondata, è una piattaforma no-profit studiata per lo sviluppo urbano sostenibile. Propone nuovi modelli di gestione, basandosi su conoscenze legate al design, alla comunicazione, all’innovazione. ‘Angels of Sao Paolo’ è stato il progetto pilota, nato con l’ambizione di sviluppare una catena di lavoro in grado di riconvertire a nuova vita materiali di scarto. Abbiamo preso in analisi i Catadores, contenitori per materiali riciclabili, e abbiamo così aiutato la comunità a mappare, identificare e creare una sorta di scala dei valori, che può aiutare a migliorare il processo di smaltimento dei rifiuti. Ho sostenuto e promosso altri progetti legati al ‘design umanitario’. In India, per esempio, ho lavorato in un villaggio popolato dai Dalit (i cosiddetti ‘intoccabili’). Nonostante il sistema delle caste sia stato abolito, all’interno di questa comunità ci sono ancora 160 milioni di persone discriminate, che soffrono per colpa della stigmatizzazione sociale, dell’oppressione politica e della continua violenza.

ILKKA SUPPANEN

DESIGN UMANITARIO 48

È USCITO IL NUOVO NUMERO DI DECOR LIVING LA TUA CASA, IL TUO STILE DISCOVER THE NEW ISSUE OF DECOR LIVING YOUR HOME, YOUR STYLE

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Lo scopo del progetto che mi ha visto coinvolto era quello di migliorare le condizioni di vita del piccolo villaggio di Orissa. Abbiamo costituito un programma di formazione per il commercio equo e formato artigiani (in realtà già qualiﬁcati), che ora sono in grado di creare lampade con il bamboo locale: Tikau Lamp (nelle immagini) è il risultato di questo appagante progetto, che ha reso visibile al pubblico internazionale le potenzialità di operazioni di questo tipo”. www.suppanen.com Valentina Dalla Costa

HUMANITARIAN DESIGN Ilkka Suppanen, born in 1968, is a Finnish designer and architect, and a passionate supporter of the social potentialities of design. As well as the projects he draws up for design companies, he is also involved in humanitarian operations, where design can help to improve the quality of life. “I believe that design is such a vast discipline that it can help both the environment and people in many different

ways. As designers, we envisage what will happen in the future, which will be useful to somebody or something. I don’t like using the word ‘sustainable’, which is very popular at the moment. Actually, I believe that each designer object and product should be like that, one way or another. The Club of Helsinki, founded by me, is a non-proﬁt platform driving sustainable urban development projects that prototype new business and management models, relying on knowledge connected with design, communications, innovation. ‘Angels of Sao Paulo’ was the pilot project, drawn up with the ambition of developing a work chain to reuse waste materials. We examined the Catadores, containers for recyclable materials; hence we helped the community to map and identify a sort of scale of values, which can help to improve the waste disposal process. I have been supporting and promoting other projects relating to

‘humanitarian design’. In India, for example, I worked in a village inhabited by Dalits (‘untouchables’). Although the caste system has been abolished, this community still includes 160 million discriminated people, who suffer because of social stigmatization, political oppression and ongoing violence. The project I was involved with was aimed at improving the living conditions of the small village of Orissa. We developed a

training programme for fair trade, and trained artisans (actually, they had already been trained), who can now make lamps with local bamboo: Tikau Lamp (photos) is the fruit of this rewarding project, which has made the potentialities of such operations visible to the international public.” www.suppanen.com

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ARCHITETTURA E INTERIOR DESIGN NEL MONDO CESAR/GIAN VITTORIO PLAZZOGNA

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PYRAMIDENKOGEL È la torre panoramica in legno più alta del mondo, realizzata in Carinzia e composta da 16 pilastri di legno lamellare stabilizzati da 10 anelli e 80 tiranti trasversali. La Pyramidenkogel, struttura avvitata a spirale e alta oltre 100 metri, offre una spettacolare vista sui monti e le valli austriache, ﬁno alle Alpi italiane e slovene. Ideata senza barriere architettoniche, è dotata di un originale scivolo, che da un’altezza di 50 metri porta direttamente a terra. www.carinzia.at Giulia Bruno The world’s tallest wooden observation tower, was built in Carinthia, with 16 glulam pales, stabilized by 10 elliptical rings and 80 diagonal stuts. Pyramidenkogel, which is composed out of an elliptically arranged support construction and is over 100 metres tall, provides a stunning view of the Austrian mountains and valleys, as far as the Italian and Slovenian Alps. Free from barriers to handicapped people, it is ﬁtted with an original chute, which takes you to the ground from a height of 50 metres. www.carinzia.at

UN MUSEO PER IL LAMINATO Il nuovo museo di Abet Laminati, inaugurato a Bra lo scorsa estate, racconta la storia di un materiale eccezionale, quella di un’azienda altrettanto straordinaria e, naturalmente, anche un pezzo di storia del design italiano. Il museo è stato realizzato nel cuore della

fabbrica, sopra una delle grandi presse della catena di produzione ed è stato rivestito esternamente da MEG, in stampa digitale nelle tonalità di verde e azzurro. Gli interni, distribuiti su oltre 600 metri quadrati, si articolano in due sale collegate da una passerella aerea

che graﬁcamente sintetizza il percorso progettuale di Abet. La collezione, che andrà nel tempo ad arricchirsi con le nuove creazioni, comprende 137 opere realizzate dagli anni ’70 ad oggi, molte delle quali sono pezzi unici. Visitabile su prenotazione. www.abet-laminati.it Laura Galimberti

A MUSEUM FOR LAMINATES

Abet Laminati’s new museum, opened in Bra last summer, tells the history of a unique material, that of a company which is as unique and, obviously enough, it tells about a piece of history of Italian design as well. The museum is located in the heart of the factory, above one of the big presses of the production chain and is in digitally printed MEG, in the shades of green and light blue. The interior, which covers an area of over 600 square metres, is composed of two halls connected by an overhead walkway which graphically sums up Abet’s design course. The collection, which will be enriched with new creations, comprises 137 works made between the 1970s and today, including many single pieces. Visits subject to reservation. www.abet-laminati.it

ARCHITECTURE: NEW NOTEBOOKS Studio Mumbai e Dominique Perrault: Moleskine pubblica due nuovi titoli della collana ‘Inspiration and Process in Architecture’, curata da Francesca Sarzanetti e Matteo Schubert, creata con l’obiettivo di valorizzare le fasi più nascoste del lavoro di importanti architetti nel mondo e di mostrare ‘il dietro le quinte’ della loro professione, di cui spesso viene svelato solo il risultato di un lungo percorso. Il taccuino dedicato a Studio Mumbai, gruppo di architetti e artigiani indiani, si focalizza sullo sviluppo del processo mentale di Bijoy Jain e sul costante dialogo collettivo da cui ogni progetto prende forma. Quello dedicato a Dominique Perrault raccoglie invece il materiale prodotto dallo studio per la partecipazione a due concorsi internazionali per realizzazioni museali. La collana già include i volumi dedicati al lavoro di Zaha Hadid, Giancarlo De Carlo, Bolles+Wilson, Alberto Kalach, Cino Zucchi e Wiel Arets. Immagini Moleskine®-Inspiration and Process in Architecture. www.moleskine.com Laura Galimberti Studio Mumbai and Dominique Perrault: Moleskine has published two new volumes of the series ‘Inspiration and Process in Architecture’, edited by Francesca Sarzanetti and Matteo Schubert, created with a view to enhancing the most hidden phases of the work of world-leading architects and showing the ‘behind the scenes’ of their job, of which only the results of a long course are usually revealed. The notebook on Studio Mumbai, a group of Indian architects and artisans, is focused on the development of Bijoy Jain’s mental process and the ongoing collective dialogue from which each project takes shape. Whereas the one on Dominique Perrault has involved collecting the material produced by the studio to enter two international competitions for museums. The series already includes the volumes on the work of Zaha Hadid, Giancarlo De Carlo, Bolles+Wilson, Alberto Kalach, Cino Zucchi and Wiel Arets. Photography: Moleskine®-Inspiration and Process in Architecture. www.moleskine.com

LE DUE ANIME DI OFFICINANOVE THE TWIN SOUL OF OFFICINANOVE ]b EZnkZ @Zebf[^kmb Nei nuovi progetti dell’azienda ligure convivono, in un disegno asciutto e libero da orpelli e stilismi, materiali quali legno e metallo. Un binomio interessante che caratterizza l’intera collezione curata da Antonio Norero. The new projects by this company, based in the Liguria region, combine materials such as wood and metal, with a design that is clean and devoid of ornament and stylization. An interesting union that characterizes the entire collection curated by Antonio Norero.

La nuova collezione di Ofﬁcinanove, nata sotto l’art direction di Antonio Norero, ha riscosso in pochi mesi grandi consensi. La carriola Carry On, presentata al Salone di Milano, è già stata selezionata dalla Triennale per la mostra itinerante The New Italian Design. In ogni prodotto convivono due anime, una prettamente industriale, metallica, asciutta ed essenziale, e una squisitamente artigianale, in legno, calda e accogliente. Trovarne il giusto equilibrio, in una serie di prodotti semplici nella composizione e liberi da ogni formalismo inutile, è stata una sﬁda interessante, che ci racconta Antonio Norero, architetto, partner dello studio SP10 di Genova, dallo scorso gennaio direttore artistico dell’azienda.

Come è entrato in contatto con l’azienda? Nel 2009 ho curato l’allestimento di una mostra a Palazzo Ducale di Genova, per la quale ho disegnato alcuni pezzi in lamiera metallica. Mi sono rivolto a Officinanove per la loro realizzazione e da lì è nato un rapporto di collaborazione che ha portato alla produzione dell’appendiabiti Tripod, attualmente in collezione. Cosa l’ha più affascinata di questa realtà? La storia e il fascino di Officinanove sono tutti scritti nel nome. Le sue radici affondano in quella fitta rete di aziende, calate da decenni nel tessuto produttivo toscano, che hanno sviluppato il proprio know how nella lavorazione dei metalli. Aziende perlopiù a carattere arti-

giano, accomunate da un importante cliente: la Piaggio di Pontedera. Pare che nell’officina numero Nove della stessa Piaggio siano stati concepiti e sviluppati i prototipi dei più celebri veicoli dell’azienda. Un tributo agli abili lattonieri che in quel reparto hanno dato vita a prodotti passati alla storia. Mi affascina inoltre, insieme all’estrema competenza nella lavorazione dei metalli, l’attenzione di Officinanove per la tutela dell’ambiente, che garantisce riciclabilità dei prodotti fino al 99% anche grazie all’utilizzo predominante dell’alluminio, materiale ecocompatibile, leggero e resistente. Tutti i prodotti, infine, sono ideati, testati e realizzati in Italia.

Quale linea ha voluto intraprendere in qualità di art director? Ho subito pensato a prodotti di estrema semplicità progettuale, rassicuranti e privi di inutili compiacimenti formali, che trasmettano la sensazione di totale elementarità del processo produttivo. Inoltre, ho ritenuto funzionale l’introduzione del legno per dare il senso di calore che mancava. L’obiettivo è stato quello far convivere la componente metallica e industriale con quella in legno artigianale. Penso che oggi sia utile e necessario trovare un punto di equilibrio tra queste due realtà. Protagonista resta comunque il metallo, la cui lavorazione rappresenta il core business dell’azienda. I prodotti sono disponibili in 190 colorazioni, corrispondenti a 190 tonalità cromatiche della scala RAL, e quindi personalizzabili secondo le esigenze e i gusti del cliente. A chi si è rivolto per progettare la nuova collezione? Brian Sironi faceva già parte della squadra ancora prima del mio arrivo, mentre ho chiamato io Francesco Faccin. Entrambi sono giovani progettisti che apprezzo molto. Sono in fase di sviluppo ulteriori progetti che coinvolgono, tra gli altri, Paolo Ulian, per me uno dei più interessanti designer italiani. Parliamo dei prodotti? Tripod è stato il primo prodotto che ho disegnato per Officinanove nel 2011. È un appendiabiti molto elementare formato da tre bastoni in legno uniti da uno snodo metallico colorato. Un dettaglio tecnico-costruttivo diventato poi elemento caratterizzante il progetto. Carry On, la carriola, ha una storia particolare. Quando ho proposto a Francesco Faccin di disegnare una sedia mi ha risposto che in questo momento c’è molto più bisogno di carriole che di sedie. Ho subito trovato l’idea molto divertente, se non provocatoria. Per il Salone abbiamo presentato anche Butterfly, di Brian Sironi, appendiabiti composto da un binario metallico colorato su cui scorrono farfalle di legno in essenze diverse, e James, progettato da me, servomuto che unisce due oggetti differenti, una panchetta in legno e un appendiabiti metallico dalle linee scheletriche. www.officinanove.it

Tripod, design Antonio Norero, appendiabiti con aste in faggio e snodo in metallo disponibile in 190 colori della scala RAL. Pagina accanto, Carry On, carriola disegnata da Francesco Faccin, un oggetto provocatorio che invita a ripensare allo stile di vita contemporaneo e al sistema economico globale. Tripod, designed by Antonio Norero, a coatrack made of beech wood dowels and a metal joint available in 190 colours of the RAL scale. Page acros, Carry On, a wheelbarrow designed by Francesco Faccin, a provocative object that is an invitation to rethink contemporary lifestyle and the global economic system.

The new Officinanove collection, created under the art direction of Antonio Norero, has gathered remarkable consensus in just a few months. The Carry On wheelbarrow, presented at the Salone del Mobile in Milan, has already been selected by the Triennale for the traveling exhibition ‘The New Italian Design’. Each project harbours two souls within: one is strictly industrial, metallic, clean and essential, the other is exquisitely artisanal, made of wood, warm and friendly. Finding just the right balance, in a series of products that are simple in their composition and free of any futile formalism, was an interesting challenge, explains Antonio Norero, architect, partner of the SP10 firm in Genoa, appointed artistic director of the company last January. How did you come in contact with the company? In 2009 I curated the exhibition design of an exhibition at the Ducal Palace in Genova, for which I designed some sheet metal pieces. I commissioned Officinanove to build them, and that was the beginning of the collaboration which led to the

production of the Tripod coatrack, which is currently in the collection. What attracted you most about this reality? The history and the attraction of Ofﬁcinanove are all written in its name. Its roots plunge deeply into that dense network of companies, which for decades have settled into the productive fabric

of Tuscany, developing their know-how in the processing of metals. Most of these companies are artisanal, and have an important client in common, Piaggio in Pontedera. It seems that Piaggio’s workshop (Ofﬁcina, in Italian) number Nine, conceived and developed the prototypes for the company’s most famous scooters. A tribute to the skillful sheet-

metal workers who dedicated their lives to the products that have come down through history. I am fascinated not only by their extreme competence in metalworking, but also by Officinanove’s attention to the preservation of the environment, which guarantees that the products can be 99% recycled, thanks to the predominant use of aluminum, an eco-compatible, lightweight and durable material. Finally, all the products were conceived, tested and produced in Italy. What direction did you choose to take as the art director? I immediately chose to make products with an extremely simple design, reassuring and devoid of any useless formal frills, giving the sensation of a totally elementary production process. In addition, I felt it would be functional to introduce wood in order to provide the sense of warmth that was lacking. The goal was to bring together the industrial metal component and the artisanal wood component. I think that it is useful and necessary today to find a point of equilibrium between these two realities. In any case the true protagonist remains metal, the core business of the company. The products are available in 190 different colours, corresponding to 190 shades of colour on the RAL scale, and thereby personalized to fit the needs and tastes of the client. Who did you ask to design the new collection? Brian Sironi was already part of the team before I got there, whereas I brought in Francesco Faccin. Both are young designers whom I greatly appreciate. There are new projects currently being developed which involve, among others, Paolo Ulian, whom I consider one of the most interesting Italian designers today. Shall we talk about the products? Tripod was the first product I designed for Officinanove in 2011. It is a very elementary coatrack made of three wooden rods joined by a colourful metal joint. A technical construction detail that then became the characterizing element of the project. Carry On, the wheelbarrow, has a particular story. When I asked Francesco Faccin to design a chair, he answered that at this moment there was a greater need for wheelbarrows than for chairs. I found the idea quite amusing, even provocative. For the Salone we also presented Butterfly, by Brian Sironi, a coatrack composed of a brightly coloured metal track with sliding wood butterflies in various wood essences, and James, which I designed, a valet stand that combines two different objects, a wooden bench and a metal coatrack with a spindly design. www.officinanove.it

James, servomuto disegnato da Antonio Norero, nasce dall’unione di due oggetti distinti che fondendosi danno origine ad un nuovo e singolare complemento. Pagina accanto, attaccapanni Butterﬂy di Brian Sironi, barra-binario in metallo e ganci in legno che non necessitano di ulteriori elementi per essere ﬁssati.

James, a valet stand designed by Antonio Norero, is the product of the union between two distinct objects that fuse to create a new and particular accessory. Page across, the Butterﬂy coatrack by Brian Sironi, a metal track with wooden hooks that require no additional elements to be fastened.

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L’AZIENDA È COME UN FARO THE COMPANY IS LIKE A BEACON

È la ferma convinzione dell’architetto Gianni Santoro maturata in anni di esperienza sul campo. Una valutazione che abbraccia sia la propria azienda, impegnata nella vendita di arredo, che quelle di cui è stretto collaboratore, alcune delle quali considerate vere e proprie fonti di insegnamento. This is the ﬁrm conviction of architect Gianni Santoro, after many years’ experience in the ﬁeld. This consideration embraces his own company, which sells furniture, as well as those he works hand in hand with, some of which are regarded as veritable teaching sources.

Sopra, una realizzazione ‘contract’ dell’architetto Gianni Santoro (nella foto in alto) per uno studio legale. Pagina accanto, due scorci dello showroom di Santoro Arredamenti con prodotti Poliform. Riconoscibili: in alto, la poltrona Santa Monica Lounge, design Jean Marie Massaud, accanto al tavolino Baba di Roberto Barbieri; in basso, tavolino Woodstock e madia Pandora, sempre di Massaud. Above, project for the contract market drawn up by architect Gianni Santoro (top) for a law ﬁrm. Opposite, two views of the Santoro Arredamenti showroom with products by Poliform: top, Santa Monica Lounge armchair, designed by Jean Marie Massaud, next to the Baba coffee table by Roberto Barbieri; bottom, Woodstock coffee table and Pandora, by Massaud.

Santoro Arredamenti si occupa di interior dal 1978, a Latina, producendo divani di buon livello, per poi trasformarsi in punto vendita: è oggi considerato tra i migliori rivenditori in Italia, con ottimi risultati di fatturato e di insediamento sul mercato locale e nazionale, con esperienze di contract all’estero; tratta marchi prestigiosi, strategicamente scelti, come Flou, Poliform, Varenna, Cassina, Scavolini, Blu, Ernestomeda, Rimadesio, Miele, Oluce, Lago, Porada, Alias, Flos, Davide Groppi, Fiam Italia, Former, Fontana Arte, Gaggenau, Neff... Con una struttura ben organizzata per la commercializzazione al pubblico, tarata sin da subito su nomi importanti della produzione di design, Gianni Santoro, figlio del titolare, entra in azienda pressoché ventenne e i primi 10 anni li trascorre ‘bevendo’ gli insegnamenti di quelle realtà punti di riferimento del distretto brianzolo. “Mi sono reso conto che grazie ad aziende come Poliform, Flou, Rimadesio, ho potuto esprimere dei valori attraverso i miei progetti realizzati a posteriori”. Santoro, infatti, realizza la necessità di rispondere a richieste specifiche del cliente legate alla progettazione di interi spazi. Per questo si iscrive alla facoltà di architettura La Sapienza di Roma, per “teorizzare la pratica”. Il gioco è fatto, anche se al contrario. Attualmente, ha inoltre aperto uno studio di progettazione staccato dallo showroom, gestito con l’ausilio di alcuni collaboratori. Mentre, l’attività di servizio e assistenza al cliente che svolge all’interno dell’azienda familiare si differenzia in tre tipologie. Quella dell’architetto che si occupa degli interni sino ad estendersi all’intervento strutturale: “per il privato che ha una casa importante e che non ha un suo architetto – spiega Santoro – vendiamo gli elementi d’arredo, ne studiamo la collocazione, seguiamo il cantiere arrivando a progettare la casa secondo lo stile ed il gusto del committente”. La seconda opzione vede il cliente che ha già un architetto esterno, il quale ha però necessità di essere affiancato in una valutazione più tecnica e specialistica riguardo gli arredi e la progettazione degli interni. Il terzo aspetto tratta il contract e offre un servizio di fornitura con assistenza piena e propositiva anche di soluzioni alternative, in aggiunta a lavori prettamente tecnici come ad esempio il calcolo illuminotecnico. Quali gli insegnamenti trasmessi da aziende come Flou e Poliform?

Grazie a Poliform ho imparato a progettare, a trattare i pezzi base di un prodotto e a costruire le varie alternative. In Flou, ho imparato tanto da Rosario Messina, tutto ciò che dalla scuola non si apprende, mi ha insegnato la qualità, la concretezza… Diceva: “siamo tutti venditori”, i suoi corsi erano sempre energici come il suo piglio, l’indicazione era rivolta al miglioramento continuo, rimanendo umili. Quali direttive arrivano oggi da queste aziende? Tanta sicurezza. Sono sicuro di dare il prodotto migliore, nel modo migliore, con la qualità tra le migliori. Chi è il vostro cliente tipo? Oggi il cliente o non bada a spese oppure sa già quello che può spendere e chiede un buon progetto rimanendo dentro un badget preciso e invalicabile. I clienti si muovono su una griglia costituita da aree di gusto, livello culturale e apprendimento, potenzialità di prezzo: ambiti, però, non rigorosamente separati ma che si interscambiano tra loro. Questo è il mercato oggi. Quindi è poco identiﬁcabile… L’abilità è del progettista, questa scrematura l’azienda non riesce a farla. Come riesce, lo spazio vendita, a conciliare questi due aspetti estremi? In questa situazione di ‘downshifting’ sul mercato italiano, un’azienda che offre diversiﬁcazione di prodotto e prezzo aiuta molto. Riesco a realizzare tipologie di progetto differenti con le stesse aziende. Per fare un esempio: vendo letti da 1000 euro oppure da 10.000. Non

ci sono vie di mezzo. Sia Poliform che Flou hanno esteso la produzione ad altri ambiti della casa sino a toccare diverse aree di gusto, su una forbice di prezzo piuttosto ampia ma mantenendo lo stesso livello qualitativo. Come rivenditore sono soddisfatto. I pezzi più venduti? Per Poliform il Sistema Sintesi. Nathalie di Flou è un caposaldo. Arco e Parentesi di Flos. Con Miele, che proponiamo con Varenna ed

Ernestomeda, abbiamo una bella collaborazione: da noi gli elettrodomestici funzionano per poterli testare dal vivo. Abbiamo ‘acceso’ le cucine, anzi il vapore, in questo caso, e i clienti li invitiamo a pranzo one to one. Cuciniamo noi. Siamo tra i 32 in Italia scelti dall’azienda tedesca, molto severa nella selezione dei rivenditori. La bellezza è funzione. www.santoroarredamenti.it www.giannisantoro.com

Latina-based Santoro Arredamenti has been active in the furniture industry since 1978, manufacturing ﬁrst-rate sofas and later changing into a sales point: it is now considered one of the best dealers in Italy, with outstanding results in terms of both the turnover and penetration of the local and national markets, and having been active in the foreign contract market as well; they deal in prestigious, strategically selected brands, including Flou, Poliform, Varenna, Cassina, Scavolini, Blu, Ernestomeda, Rimadesio, Miele, Oluce, Lago, Porada, Alias, Flos, Davide Groppi, Fiam Italia, Former, Fontana Arte, Gaggenau and Neff. They rely on a well-organized retail marketing structure, which has always been based on big names in design production. Gianni Santoro, the owner’s son, joined the company when he was almost twenty; he spent the ﬁrst 10 years ‘using’ the teachings of the companies which functioned as benchmarks for the Brianza district. “I realized that such companies as Poliform, Flou and Rimadesio had allowed me to express certain values through my projects carried out a posteriori”. Indeed, he became aware of the need to meet customers’ individual requirements connected with the design of entire spaces. Hence he enrolled at the Faculty

of Architecture of Rome’s La Sapienza University, to “theorize practice”, and... Bob’s your uncle. In addition, he has set up a design studio which is separate from the showroom, managed with the

help of some collaborators. Whereas the customer service and assistance business, carried out within the familyrun company, comprises three different types. The architect who is involved

Pagina accanto, due esempi di realizzazione di interni ad opera di Santoro Arredamenti. Qui a sinistra, il corner Flou all’interno dello showroom con i letti Tadao e Nathalie, prodotti storici disegnati da Vico Magistretti. Sotto, un angolo dello studio di Gianni Santoro. Opposite, two examples of interior projects by Santoro Arredamenti. Left, Flou corner in the showroom with the Tadao and Nathalie beds, timehonoured products designed by Vico Magistretti. Below, corner of Gianni Santoro’s studio.

with the interiors, which comes to include structural projects: “for private individuals who have important homes and do not have their own architects - said Gianni Santoro -, we sell the furnishings, study how to place them, supervise the yards, designing homes according to the customer’s style and taste.” In the second option, the customer already has an external architect, who however needs to be supported through more technical, specialized assessments of the furniture and interior designs. The third aspect concerns the contract market, providing a supply service with comprehensive, proactive assistance, including alternative solutions, in addition to purely technical jobs, like technical lighting calculations. What did you learn from such companies as Flou and Poliform? Poliform taught me how to design, negotiate the basic prices of a product and build alternatives. At Flou, I learnt a lot from Rosario Messina, everything that you cannot learn at school; he taught me quality, pragmatism... He used to say: “We are all sellers”. His courses were always dynamic, just like his manner. His recommendation was to aim for ongoing improvement, while remaining humble. What directions come from these companies nowadays? Reliability is the key word. I am sure I can provide the best product, in the best way, with outstanding quality. Who are your typical customers? Nowadays there are customers who spare no expense, and there are customers who already know how much they can spend and ask for good projects, within a certain budget which cannot be exceeded. Customers move on a grid which is composed of areas of taste, cultural level and learning, price potential: however, these ﬁelds are not strictly separate; they can be interchanged.

This is today’s market. So it is hardly identiﬁable… The designer makes the difference; the company cannot make this selection. How can the sales point reconcile these two opposite aspects? In this downshifting situation in the Italian market, a company which provides diversiﬁed products and prices helps a lot. I can carry out different types of projects with the same companies. Let me give you an example: I sell beds worth 1,000 euros, and beds worth 10,000 euros. There are no middle courses. Both Poliform and Flou have extended production to other rooms of the home, covering several different areas of taste, with quite a wide price range, while maintaining the same quality

standard. As a dealer, I am satisﬁed. Which are the bestselling pieces? For Poliform, Sistema Sintesi. Nathalie by Flou is a cornerstone. Arco and Parentesi by Flos. With Miele, which we provide with Varenna and Ernestomeda, we have established a good relationship: in our sales point, household appliances work, so that you can test them on your own. We have ‘turned on’ the kitchens, or rather steam, in this case, and we invite our customers for lunch one to one. We cook ourselves. We are among the 32 sales points in Italy chosen by the Germanbased company, which is very strict in selecting the dealers. Beauty is function. www.santoroarredamenti.it www.giannisantoro.com

REPORT

PERFORMANCE IN LIGHTING

NEW LIGHT FOR IL ‘MONDO DI LEONARDO’ ]b OZe^gmbgZ =ZeeZ <hlmZ La mostra Leonardo3 – Il mondo di Leonardo, a Milano ﬁno al 28 febbraio 2014, è illuminata dalle soluzioni di Performance in Lighting. The exhibition, ‘Leonardo3 - Il mondo di Leonardo’, which will be on until February 28, 2014, is lit by Performance in Lighting’s solutions.

Un’occasione da non perdere, per ammirare dal vivo le note e affascinanti macchine interattive (tra le altre il Grande Nibbio, la Vite Aerea, il Pipistrello Meccanico e la Libellula Meccanica), i modelli fisici, i manoscritti e i disegni nati dal genio rinascimentale di Leonardo Da Vinci. Di grande impatto scenico la Macchina Volante, creazione con un’apertura alare di otto metri che Leonardo costruì in gran segreto dietro l’attuale Palazzo Reale di Milano. L’atmosfera creata dall’illuminazione è opera dell’ufficio di progettazione di Performance in Lighting, che ha studiato un’istallazione realizzata con i sistemi 4Seasons Cut: a forma di cubo, sono dotati di maschere con motivi decorativi e geometrici che permettono di modulare l’emissione luminosa. Il loro elemento distintivo è il taglio inclinato lungo una faccia del cubo. Solitamente utilizzati per la decorazione luminosa di ambienti esterni quali parchi o giardini, qui i sistemi 4Seasons Cut vengono utilizzati in modo ‘alternativo’, grazie alla loro duttilità: un fascio di luce è rivolto dal basso verso la Macchina Volante, sospesa a circa tre metri d’altezza. “Leonardo è un tema molto caro agli italiani” - afferma Alessia Usuelli, marketing manager del gruppo - “e per noi, che siamo un’azienda italiana con filiali in tutta Europa e portiamo la nostra esperienza all’estero, rappresenta un’occasione per veicolare il Made in Italy. L’evento milanese rientra nell’ambito di un settore, quello museale, al quale Performance in Lighting si sta dedicando da qualche tempo, sviluppando esperienze come l’illuminazione del museo Amo – ArenaMuseoOpera – di Verona, dedicato all’opera lirica italiana, o del museo di arti figurative a Lipsia. In quest’ultimo caso, la situazione è stata un po’ complessa, gli esperti dell’azienda sono dovuti intervenire in corso d’opera. L’allestimento della sala era già stato fatto e, per giunta, all’interno di un palazzo con un’architettura antica già caratterizzante. Abbiamo iniziato così a giocare con la luce, allo scopo di generare, un’emozione nel pubblico”. L’organizzatore della mostra, Massimiliano Lisa, di Leonardo3, sottolinea l’importanza dell’illuminazione: “Fin dai tempi di Leonardo, la luce ha rappresentato un fattore vitale per l’arte. Il know-how di Performance in Lighting era quanto di meglio potessimo scegliere: le loro soluzioni valorizzano l’opera senza recarle alterazioni e sono l’ideale per apprezzarne i dettagli. L’intervento di Performance in Lighting è stato fondamentale soprattutto per l’analisi e la ricerca della migliore soluzione illuminotecnica rispetto agli obiettivi della mostra”. Filippo Del Corno, assessore alla cultura del Comune di Milano, ha espresso la piena soddisfazione dell’amministrazione comunale, indi-

viduando i due fattori di successo della mostra: “Innanzitutto l’impostazione scientifica che sviluppa una nuova visione della figura di Leonardo, sottolineando la consapevolezza della sua importanza nello sviluppo del pensiero tecnologico. Il secondo fattore è rappresentato dal luogo in cui è esposta: le Sale del Re, presso la Galleria Vittorio Emanuele II, un luogo capace di intercettare flussi turistici importanti, che dimostra una tendenza in aumento, quella delle presenze nei settori culturali, e che caratterizza Milano come una città d’arte e di cultura. La proroga della mostra per il successo avuto testimonia la vitalità culturale della città, anche in vista di Expo 2015 di cui Leonardo sarà l’eroe, perché rappresenta colui che ha saputo innovare attraverso la bellezza e la creatività”. Foto, ‘Leonardo3 - Il Mondo di Leonardo’ - Milano - © Leonardo3. www.performanceinlighting.com A not-to-miss opportunity to admire the well-known, charming interactive machines (including the Great Kite, the Aerial Screw, the Mechanical Bat and the Mechanical Dragonfly), the physical models, the manuscripts and the drawings produced by Leonardo da Vinci’s Renaissance genius. The Flying Machine has a major scenic impact, with a wingspread of 8 metres, secretly built by Leonardo behind Milan’s current Royal Palace. The atmosphere created by lighting was created by Performance in Lighting’s design department, which studied an installation made with the 4Seasons Cut systems: shaped like cubes, they are fitted with masks with decorative and geometric patterns which allow light emission to be modulated. The angled cut along the face of the cube is their distinguishing feature. Normally used for lighted decorations of such outdoor environments as parks and gardens, here the 4Seasons cut systems are used in an ‘alternative’ manner, as the result of their versatility: a beam of light is turned from the bottom to the Flying Machine, which hangs approximately three metres from the ground. “Leonardo means a theme which is very dear to the Italians - said Alessia Usuelli, Marketing Manager of the group - and to us, who are an Italianbased company with branches across Europe and take our experience abroad, it means an opportunity to spread Italian design. The event in Milan belongs to a sector - that is, the museum one -, on which Performance in Lighting has been focusing

its attention for some time, developing such experiences as the lighting of the Amo ArenaMuseoOpera - museum in Verona, which is devoted to the Italian opera, and the museum of figurative arts in Leipzig. In the latter instance, the situation was quite complex; the company’s experts had to take action during the execution. The hall had already been fitted out, in a building with an old, distinguishing architecture. Hence we started playing with light, to arouse an emotion in the general public.” The organizer of the exhibition, Massimiliano Lisa, of Leonardo 3, emphasized the importance of lighting: “Since Leonardo’s time light has meant a vital factor for art. Performance in Lighting’s know-how was the best we could choose: their solutions enhance the work without changing it, and are ideal for appreciating the details. Performance in Lighting’s was fundamental, especially for studying and searching for the best technical lighting solution with respect to the objectives pursued through the exhibition.” Filippo Del Corno, the councillor responsible for culture in Milan, expressed his full satisfaction with the municipal administration, identifying the two main secrets for the success of the exhibition: “Firstly, the scientific approach resulting in a new vision of the technological thought; secondly, the place where it is displayed: the Sale del Re (rooms of the king), at Galleria Vittorio Emanuele II, a place which can capture major tourist flows, shows a growing trend - that is, presence in cultural sectors - and typifies Milan as a city of art and culture. The extension of the exhibition following its success testifies to the cultural vitality of the city, with a view, for example, to Expo 2015, where Leonardo will be the hero, since he is the one who could innovate through beauty and creativity”. Photo, ‘Leonardo3 - Il Mondo di Leonardo’ - Milano - © Leonardo3. www.performanceinlighting.com

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SALONE INTERNAZIONALE DEL MOBILE: INNOVAZIONE E CREATIVITÀ SALONE INTERNAZIONALE DEL MOBILE: INNOVATION AND CREATIVITY A Milano ad aprile la manifestazione più importante dell’anno. The most important event of the year opens in Milan in April.

Il Salone Internazionale del Mobile più che una fiera internazionale è una fiera globale e “si conferma- dichiara il presidente di Cosmit Claudio Luti - il più importante strumento di promozione dell’eccellenza creativa dove impresa e progetto trovano il loro naturale punto di incontro e di presentazione privilegiata del nostro saper fare”. La 52a edizione del Salone Internazionale del Mobile, con il Salone Internazionale del Complementod’Arredo,ilSaloneSatelliteelebiennaliEuroluce,ilSalone Internazionale dell’illuminazione, e SaloneUfficio, si è conclusa con un “successo oltre ogni aspettativa” per citare nuovamente Claudio Luti. Impegnati anche nella preparazione della 9a edizione dei Saloni WorldWide Moscow 2013 di ottobre, gli organizzatori sono già al lavoro per preparare la 53a edizione dei Saloni che vedrà schierati, accanto al Mobile, al Complemento e al Satellite, le biennali EuroCucina e Salone Internazionale del Bagno. L’evento collaterale del 2014, dopo l’eccellente risultato di “Progetto: ufficio da abitare” curato dall’architetto francese Jean Nouvel, vedrà confrontarsi sul tema della casa altri grandi nomi dell’architettura internazionale. Arrivederci quindi a Milano dall’8 al 13 aprile 2014.

The Salone Internazionale del Mobile has become more than just international – it has now gone global - and, as Cosmit president Claudio Luti says: “has yet again proved to be the most effective promotional tool for creative excellence, a natural coming together of business and design, and an unparalleled platform for our tremendous expertise.” The 52nd edition of the Salone Internazionale del Mobile which, along with the International Furnishing Accessories Exhibition, SaloneSatellite and the biennial Euroluce and SaloneUfﬁcio,drew to a close on 14th April having “exceeded all expectations,” to quote Claudio Luti again. While working towards the 9th edition of the Saloni WorldWide Moscow 2013 in October, the organisers have also been gearing up for the 53rd edition of the Saloni, featuring the biennial EuroCucina / International Kitchen Furniture Exhibition and the International Bathroom Furniture Exhibition alongside the Salone Internazionale del Mobile as well as the International Furnishing Accessories Exhibition and SaloneSatellite. The Saloni 2014 collateral event, following on from French architect Jean Nouvel’s superb “Project: ofﬁce for living,” will see other great names from the world of international architecture tackle the theme of the house. See you in Milan from 8th to 13th April 2014.

REPORT

B&B ITALIA

DENTRO IL PROGETTO INSIDE THE DESIGN PROJECT ]b EZnkZ @Zebf[^kmb

Flat.C di B&B Italia è un prodotto che parla di ricerca, di sviluppo e di grande innovazione. Un sistema giorno che nasconde una vera e propria rivoluzione. Ne parliamo con Antonio Citterio, che l’ha progettato, e con Ambrogio Spotti, che l’ha sviluppato in azienda. Flat.C by B&B Italia is a product that focuses on research, development and advanced innovation. A living room system that conceals a real revolution. We talk about it with Antonio Citterio, who designed it, and Ambrogio Spotti, who developed it within the company.

Da sempre, l’ambizione di B&B Italia è stata quella di farsi portavoce di novità e innovazione, innanzitutto nel settore degli imbottiti, che resta ancor oggi il suo core business, ora anche con i sistemi giorno e più di recente con gli armadi. Per questo motivo, il suo Centro Ricerche e Sviluppo, anima operativa e struttura che sviluppa il prodotto insieme al progettista, oltre a organizzare le attività legate alla promozione e alla comunicazione, rappresenta un fiore all’occhiello dell’azienda. Ci siamo entrati per scoprire i segreti di Flat.C, un sistema a parete disegnato da Antonio Citterio, che ha saputo coniugare, con la maestria che gli è propria, una componente tecnologica innovativa a grande eleganza e massima leggerezza. Modularità e flessibilità sono le qualità che lo distinguono: Flat.C è pensato per contenere libri, ma anche per alloggiare televisore e apparecchi hi-fi e ospitare una postazione home-office. Ha una profondità di soli 25 centimetri, sebbene le mensole a profondità variabile permettano di posizionare anche libri e oggetti molto voluminosi, gli spessori di piani e fianchi sono estremamente ridotti e nessun giunto è a vista. La presenza di piani e volumi sospesi e aggettanti, aperti o chiusi, a tutt’altezza o bassi, con funzione decorativa o contenitiva, insieme alle ante scorrevoli orizzontali permettono infinite configurazioni. Un sistema di canaline ispezionabili per i cavi

e finiture colorate o monocrome lo rendono infine estremamente interessante anche sul piano estetico. www.bebitalia.com The ambition of B&B Italia has always been to embody change and innovation, especially in the field of modular seating, which remains its core business, though it also produces bookcase systems and more recently closet systems. For this reason, its Research and Development Centre, the heart of operations and the department that develops the product with the designer, and organizes the promotion and communication activities, is the pride of the company. We were invited to discover the secrets of Flat.C, a wall system designed by Antonio Citterio who, with his usual mastery, combines innovative technological components with remarkable elegance and lightness. Modularity and flexibility are its distinguishing qualities: Flat.C is conceived to contain books, as well as to carry a television and hi-fi system, or a home-office workstation. It is only 25 centimetres deep, though the variable depth of the shelves makes it possible to hold particularly bulky books and objects;

Sistema Flat.C, B&B Italia, design Antonio Citterio. In evidenza, l’esploso della struttura in alluminio con spalle e traversi da ﬁssare a muro. I disegni in alto mostrano come è stato risolto il problema del passaggio dei cavi. Lo schizzo qui sopra indica come mensole e traversi siano uniti alla struttura (nessuna vite è a vista). Pagina accanto, un dettaglio della libreria con piani a profondità variabile. The Flat.C system, designed by Antonio Citterio. Highlighted is the exploded view of the aluminium structure with the vertical elements and crossbars to be fastened to the wall. The drawings at top illustrate the solution adopted for the wires. The sketch above shows how the shelves and crossbars are fastened to the structure (no screws are visible).

the shelves and vertical elements are extremely slender and none of the joints are visible. The catalogue of suspended cantilevered shelves and volumes, open or closed, low or full-height, decorative or for storage, along with horizontallysliding doors, offer an infinite variety of configurations. A system of readily serviceable channels for the wiring, and coloured or monochrome finishes also make it extremely interesting from an aesthetic point of view. www.bebitalia.com

ANTONIO CITTERIO QUESTIONE DI GAP “Il progetto della libreria Flat.C parte dal presupposto che lo spazio fisico necessario ai libri, sostituiti in parte da quelli in formato digitale, si sia molto ridotto negli ultimi anni; aumentano invece le dimensioni degli schermi televisivi, degli strumenti tecnologici in genere e, di conseguenza, degli spazi necessari a ospitarli. Credo che in questo momento il tema del contenimento nel settore dei mobili, categoria che più delle altre ha attraversato una profonda crisi negli ultimi 10 anni, sia totalmente da ripensare; sta infatti cambiando radicalmente il significato che le pareti attrezzate avevano negli anni ’70 e ’80. Abbiamo quindi cercato di capire quale fosse l’evoluzione tipologica del prodotto e cosa succedesse nel mondo reale del progetto: il furniture design troppo spesso immagina case che in realtà non esistono e che hanno a disposizione spazi molto più piccoli di quelli che vengono mostrati. B&B Italia non ha mai avuto in catalogo una tipologia del genere, se non il sistema Domus, progettato 15 anni fa e caratterizzato da grandi superfici in vetro che potevano scorrere in verticale. L’azienda infatti non ha mai puntato ai grandi numeri nella produzione di mobili, ma a prodotti di eccellenza che potessero rivolgersi al mercato internazionale degli architetti d’interni. Flat.C nasce da queste considerazioni ed è quindi un prodotto estremamente flessibile ed economicamente competitivo: può assumere la forma di una parete semplicis-

sima e lineare o di un oggetto a servizio dei media, può contenere libri e oggetti o assumere le fattezze di una postazione di lavoro. Abbiamo risolto il problema del passaggio dei cavi - di televisore, computer… -, in maniera molto semplice e lavorato su un materiale, l’alluminio, che potesse sostituire il pannello truciolare e creare un gap rispetto ai prodotti analoghi facilmente copiabili o riproducibili in modo artigianale. Il disegno, già interessante nella sua conﬁgurazione esterna, si risolve nei dettagli, anche costruttivi, che fanno la vera differenza e posizionano il prodotto in una nicchia di mercato precisa”.

A MATTER OF GAPS “The design of the Flat.C bookcase is based on the premise that the physical space required by books, many of which have been replaced by books in digital format, has diminished considerably in recent years; on the contrary, the size of television screens and technological equipment in general has grown, and consequently so have the spaces required to hold them. I believe that at this point in time, in the ﬁeld of furniture, a category that more than many others has gone through a deep crisis over the past 10 years, the concept of storage needs to be completely overhauled; the idea of bookcases as they were conceived in the ‘70s and ‘80s is changing radically. We have therefore made an effort to understand the typological evolution of the product and what is going on in the actual world of furniture: far too often, furniture design imagines homes that do not correspond to reality, because homes generally have much smaller spaces than those we are given to see. B&B Italia has never had this kind of typology in its catalogue, apart from the Domus system designed 15 years ago, and characterized by large glass surfaces that could slide vertically. The company has never aimed

at the mass production of furniture, but at products of excellence for the international market of interior designers. Flat.C starts with these considerations, and is therefore an extremely flexible and economically competitive product: it can take the form of a simple linear wall system, or an object at the service of media; it can hold books and objects or be used as a workstation. We have solved the problem of wiring – for the television, the computer, etc. -, in a very simple way, and have worked on a material, aluminium, that replaces chipboard panelling and widens the gap with respect to similar products that are easy to imitate or to duplicate by hand. The design, which is quite interesting in its outer configuration, is resolved in the details, including the construction details, which really make the difference and position the product within a specific market niche”.

AMBROGIO SPOTTI PROGETTARE L’INVISIBILE “È stato particolarmente difficile affrontare lo sviluppo di Flat.C, iniziato nel 2006 e terminato due anni dopo con l’uscita sul mercato del prodotto. Antonio Citterio aveva avuto buone intuizioni per un nuovo elemento della zona giorno (spessori sottili, profondità ridotte, flessibilità totale, adattabilità alle tecnologie…); dovevamo quindi assicurarci che quello da lui prospettato fosse il pezzo giusto per B&B Italia e cercare di capire come renderlo davvero innovativo e non omologato all’esistente. Fino a quel momento, tutte le aziende proponevano librerie e sistemi a spalla portante. Ovvero la spalla era l’elemento che supportava l’intero mobile, ma doveva ripetersi a intervalli molto ristretti e dava luogo a mensole molto ridotte. Flat.C è invece un sistema a parete, dotato di una struttura in alluminio autoportante composta da fianchi laterali e traversi di collegamento posizionati sul fondo. A questa struttura è possibile ‘agganciare’ una serie di elementi che compongono il mobile: piani orizzontali, che possono raggiungere una campata massima di 3,5 metri senza interruzione, piani a doppia profondità e contenitori sporgenti di varie dimensioni. Tutto ciò senza che sia visibile una sola vite. Per questo mi piace dire che abbiamo dovuto progettare l’invisibile, in quanto tutte le parti ‘meccaniche’ e la ferramenta, da noi studiata ad hoc, scompaiono completamente. Il sistema può assumere infinite configurazioni grazie ai piani orizzontali a profondità variabile per piccoli e grandi oggetti, ai piani robusti e contenitori per alloggiare le apparecchiature tecnologiche e ante e cassetti di varie dimensioni. Que-

sto tipo di flessibilità fa in modo che Flat.C sia un prodotto ‘sartoriale’. L’azienda ha saputo adattarsi alla lavorazione dell’alluminio, utilizzato per la prima volta da B&B Italia per la struttura di un sistema a parete, anche se trattato con finiture più idonee all’utilizzo domestico. In molti hanno già cercato di replicarlo dal punto di vista formale, ma nessuno è ancora stato in grado di riprodurne la parte tecnica, che ci consente i vantaggi di cui abbiamo parlato. E di questo ne andiamo molto fieri”.

DESIGNING THE INVISIBLE “The development process for the Flat.C was particularly difﬁcult: it began in 2006 and ended two years later when the product was released on the market. Antonio Citterio had an excellent intuition for a new living room element (more slender, not as deep, totally ﬂexible, built to carry technology…); we had to ascertain whether his idea was right for B&B Italia and understand how to make it truly innovative and not just similar to what was already on the market. Up to that moment, every company offered bookcases and wall systems with structurally-bearing sides. The vertical element carried the entire piece, but needed to be repeated at rather limited intervals so that the shelves were necessarily rather short. Flat.C on the contrary is a wall system consisting in a selfsupporting aluminium structure made of vertical elements and horizontal connecting crossbars located on the bottom. A series of

elements that compose the system can then be ‘hung’ onto the structure: horizontal shelves that can reach a maximum span of 3.5 metres without interruption, doublewidth shelves and jutting storage cabinets in varying sizes. Not a single screw is visible. That is why I like to say that we designed the invisible, because all the ‘mechanical’ parts and the hardware, which we developed ad hoc, are completely concealed. The system can be configured in infinite compositions thanks to the horizontal shelves that vary in width to hold large or small objects, to the solid shelving and storage cabinets that hold technological equipment and the doors and drawers in various sizes. This type of flexibility makes Flat.C a ‘custom-tailored’ product. The company was able to adapt to working with aluminium, which B&B Italia was using for the first time in the structure of a wall system, even though a finish treatment more appropriate for domestic spaces was chosen. Many others have tried to reproduce this system from a formal point of view, but so far no one has been able to duplicate its technical components, which provide the advantages we spoke of earlier. This is something we are very proud of.

Flat.C, accessoriato con piani e volumi sospesi o aggettanti, aperti e chiusi, a tutt’altezza, bassi, con funzione decorativa e contenitiva, con ante scorrevoli orizzontali. I disegni ne mettono in risalto la ﬂessibilità di composizione. Flat.C, accessorized with shelving and suspended or overhanging volumes, open or closed, full-height or low, decorative or for storage, with horizontally-sliding doors. The drawings highlight the ﬂexibility of the composition.

ARCHITETTURA IN DIVENIRE

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EVOLVING ARCHITECTURE

Nell’ampliamento e ristrutturazione di una villa monofamiliare, l’architettura di Federico Delrosso ne evidenzia l’evoluzione interpretando materiali, nuovi volumi, elementi interni. Under the extension and renovation project for a detached house, Federico Delrosso’s architecture emphasizes its development, interpreting materials, new volumes, interior elements.

Il progetto dell’architetto Federico Delrosso per la ristrutturazione di una villa monofamiliare a Mendrisio in Svizzera, si è basato sull’aspetto evolutivo della struttura: dall’esigenza di aumentare i volumi abitativi pur mantenendo l’immagine primordiale della casa, è nata l’idea di usare un ‘esoscheletro in ferro’ per la costruzione di balconi, ballatoio e portico su giardino, accostato alle preesistenti pareti strombate in pietra di Trani lavorata a spacco. All’interno, porte scorrevoli a tutt’altezza, aperture multiple e parallele sulla parete esterna, scala resa trasparente e dai colori cangianti grazie alla balaustra in cristallo, riprendono la narrazione architettonica in chiave evolutiva dell’intera abitazione. www.federicodelrosso.com The project by architect Federico Delrosso for the renovation of a detached house in Mendrisio, Switzerland, was based on the evolving character of the structure: the need to expand the living volumes, while maintaining the original image of the house, translated into the idea of using an ‘iron exoskeleton’ to build the balconies and portico with garden, matched with the pre-existing splayed walls in cleft-worked Trani stone. Inside, sliding full-height doors, multiple and parallel openings onto the outside wall, and a transparent staircase in iridescent colours with a glass banister are in keeping with the evolving architectural style of the entire house. www.federicodelrosso.com

Il portico sul giardino caratterizzato dalla struttura in metallo. Pagina accanto, facciata esterna della villa con la parete in pietra di Trani e un interno dedicato al ďŹ tness. The portico overlooking the garden, enhanced by a metal frame. Opposite, exterior front of the house with the Trani stone wall and interior ďŹ tness area.

TURCHIA

ARABIC TEXTURE

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Yalova, città del Nord-Ovest della Turchia, presenta un doppio volto: da una parte l’amenità del suo paesaggio naturale, dall’altra la sua anima industriale. Il Raif Dinçkök Yalova Cultural Center, progettato da Emre Arolat Architects sa coniugare con maestria i contrasti del luogo. Yalova, a city in Northwestern Turkey, has two faces: on the one hand, the beauty of its natural landscape, on the other its industrial spirit. The Raif Dinçkök Yalova Cultural Center, designed by Emre Arolat Architects, skillfully reconciles the contrasts of the place.

Il fulcro del progetto è la sua facciata, un involucro in acciaio che avvolge il centro culturale creando una quinta scenografica che fa da filtro tra interno e esterno, tra natura e costruito. Posto nella parte Ovest di un lotto di terreno dalla forma trapezoidale, l’edificio si inserisce armonicamente nel paesaggio con un gioco di texture e trasparenze. Non essendoci porte o barriere, oltre a 3 ingressi, il centro è un tutt’uno con il giardino esterno e con l’intera città. La sensazione che si percepisce camminando dentro è quella di seguire percorsi esterni tra le vie di Yalova. Il progetto di Emre Arolat prevede un auditorium per 600 persone, un laboratorio da 150 posti, spazi espositivi, caffetteria, libreria, uffici e numerosi ascensori e rampe che collegano i livelli dove sono dislocati i servizi. La facciata è completamente svincolata dalla funzione strutturale, svolta invece dalla maglia di pilastri in cemento armato che seguono il perimetro dell’edificio. La pelle si presenta come un elemento decorativo: la griglia ricorda le maglie geometriche e i tasselli dell’architettura tradizionale araba. I moduli della facciata si sollevano e si inclinano in alcuni punti, rafforzando la continuità tra dentro e fuori. I toni e i colori della superficie variano a secondo del livello di ossidazione dell’acciaio, mentre di notte la materia perforata si dissolve diventando semitrasparente come una tenda in tulle. Committente del progetto è Akkök, la più grande compagnia industriale della città che ha deciso di donare l’intero spazio alla municipalità. www.emrearolat.com

The focus of the project is the façade, a steel envelope that wraps around the cultural centre to create a scenographic backdrop which serves as a filter between inside and outside, between nature and built form. Located in the western part of a trapezoid-shaped site, the building fits harmoniously into the landscape with a play of textures and transparency. There are no doors or barriers, other than the 3 entrances: the centre is one with the outside garden and the entire city. The perception as one walks through it is that of walking outside through the streets of Yalova. The project by Emre Arolat includes a 600-seat auditorium, a laboratory with 150 positions, exhibition spaces, cafeteria, library, offices and a

La pelle dell’edificio ricorda le geometrie dell’architettura tradizionale araba. Nella pagina accanto, la facciata dell’edificio si presenta come una quinta scenografica che fa da filtro tra interno ed esterno. The building’s skin is reminiscent of the geometry of traditional Arab architecture. Page across, the façade of the building appears as a scenographic backdrop that serves as a filter between inside and outside.

Dettagli della pelle perforata che avvolge il centro culturale, una sezione dell’ediﬁcio e una vista a volo d’uccello del complesso. Nella pagina accanto, viste degli interni con l’auditorium progettato per 600 persone. Details of the perforated skin that wraps around the cultural centre, a section of the building and a bird’s eye view of the complex. Page across, view of the interiors with the auditorium designed to seat 600 spectators.

large number of elevators and ramps that connect the various levels on which the services are located. The façade is unconstrained by the structural function, which is served instead by the grid of reinforced concrete columns that follow the building’s perimeter. The skin becomes a decorative element: the grid is reminiscent of the geometric patterns and inlays of traditional Arab architecture. The modules of the façade lift up and tilt in several points, reinforcing the continuity between inside and outside. The shades and colours of the surfaces vary depending on the level of oxidation of the steel, while at night the perforated material dissolves to become semitransparent, like a tulle curtain. The client for the project is Akkök, the largest industry in the city, which has chosen to donate the entire space to the municipality. www.emrearolat.com

TURCHIA

RELIGIOUS SPACE ]b IZheZ Fhem^gb Sono tratti severi e decisi quelli del progetto di Emre Arolat Architects per Sancaklar Mosque, nei pressi di Istanbul. A severe and purposeful design distinguishes the project by Emre Arolat Architects for the Sancaklar Mosque, near Istanbul.

Sembra quasi di sentire la voce del muezzin che richiama i fedeli alla preghiera. Un urlo cadenzato, che salendo dall’alto del minareto non si confonde con il sottofondo della grande città, con il brusio, i clacson, le urla, ma taglia l’aria di netto, proprio come l’architettura pensata dallo studio Emre Arolat Architects. Siamo a Buyukçekmece, un suburbio nella periferia di Istanbul, immerso nella prateria e separato nettamente dalla città da una autostrada trafficata. L’edificio religioso intende affrontare le questioni fondamentali della progettazione di una moschea, prendendo le distanze dagli attuali dibattiti architettonici basati solo sulla forma, concentrandosi invece sull’essenza dello spazio. I muri alti e snelli che circondano la moschea sotterranea rappresentano un confine chiaro tra il mondo caotico esterno e l’atmosfera serena del parco attorno. La lunga tettoia che si estende nel parco è l’unico elemento architettonico visibile da lontano. La moschea, sotterranea, alla quale si accede da un sentiero attraversa il parco, si integra con la geografia del luogo. Una volta che si sale sulla collina e si entra tra le mura, il caotico mondo esterno viene lasciato alle spalle. L’interno è uno spazio semplice e spoglio, quasi drammatico, adatto alla preghiera in solitudine. I tagli e le fessure lungo il muro della Qiblah, che indica la direzione della Mecca, portano l’attenzione allo spazio dedicato alla preghiera e nello stesso tempo filtrano la luce del giorno che penetra frammentata all’interno. Ogni dettaglio del progetto mostra la tensione tra la natura e il costruito. Il contrasto tra le scale in pietra che seguono la dolce inclinazione del terreno e i muri in cemento che si innalzano per oltre 6 metri sottolineano con forza questa dualità trasformandola in un punto di forza del progetto. www.emrearolat.com

La moschea Sancaklar sorge a Buyukçekmece, nei pressi di Istanbul. I muri alti e snelli separano il mondo caotico esterno dall’atmosfera di raccoglimento interna. La tettoia è l’unico elemento architettonico percepibile a distanza.

The Sancaklar Mosque stands in Buyukçekmece, near Istanbul. The tall and slender walls separate the chaotic outside world from the atmosphere of prayer within. The roof is the only architectural element that may be perceived at a distance.

You can almost hear the voice of the Muezzin calling the faithful to prayer. A rhythmic wail that, rising from the top of the minaret, is not lost amidst the noise of the big city, with the clatter, the honking, the shouting, but cuts clearly through the air, like the architecture conceived by the ﬁrm Emre Arolat Architects. We are at Buyukcekmece, a suburb of Istanbul, immersed in the grasslands and cut off from the city by a busy highway. The religious building seeks to address

Lo spazio interno, semplice e spoglio, aiuta il raccoglimento dei fedeli. Lungo il muro della Qiblah ci sono tagli e fessure che portano l’attenzione verso lo spazio dedicato alla preghiera, ﬁltrando nello stesso tempo la luce del giorno. The interior space, simple and austere, helps to create a spiritual atmosphere for the mosque-goers. Along the Qiblah wall there are cuts and slits that focus attention on the space dedicated to prayer, while ﬁltering the light of the day.

the fundamental issues in designing a mosque, keeping its distance from today’s architectural debate focused on form and concentrating instead on the essence of the space. The tall and slender walls surrounding the underground mosque represent a distinct boundary between the chaotic outside world and the peaceful atmosphere of the surrounding park. The long roof that extends into the park is the only architectural element visible at a distance. The underground mosque that is entered at the end of a trail leading through the park blends into the geography of the place. Once you walk up the hill and pass through the walls, the chaotic outside world is left behind. The inside is a simple bare space, which has an element of drama, made to remain in solitary prayer. The cuts and slits along the wall of the Qiblah, which indicate the direction of the

Mecca, draw attention to the prayer space and at the same time ﬁlter the light of day which is fragmented as it enters the space. Every detail of the project highlights the tension between nature and built form. The contrast between the stone stairs that follow the soft slope of the site and the concrete walls that rise over 6 metres high forcefully emphasize this duality and make it the strong point of the project. www.emerarolat.com

TURCHIA

ISTANBUL DENCITY HOUSING ]b ?kZg\^l\Z =^ Ihgmb

Due ediﬁci ad alta densità abitativa per la zona di Tuzla. Un progetto di Merve Güleryüz Architecture Studio. Two high-density residential buildings for the district of Tuzla. A project by Merve Güleryüz Architecture Studio.

Scorci del nuovo complesso di edilizia residenziale da poco sorto nel quartiere di Tuzla. Qui sotto, Merve Güleryüz (Istanbul, 1986) e Murat Ertug ˘ YILMAZ (Düzce, 1981), dal 2011 partner della Balvin Construction and Merve Güleryüz Architects.

PROJECT

Views of the new residential complex recently built in the Tuzla district. Below, Merve Güleryüz (Istanbul, 1986) and Murat Ertug˘ YILMAZ (Düzce, 1981), since 2011 partner in Balvin Construction and Merve Güleryüz Architects.

Difficile che un ‘giovane’ studio di architettura si misuri con un complesso di edilizia residenziale, potendo metter mano al delicato sistema di equilibri che tocca il cuore delle città (e determina la qualità della vita delle persone). Ma non se ci troviamo in Turchia, Paese che - soprattutto in virtù della sua felice collocazione geopolitica - conosce una fase di straordinario sviluppo economico e di conseguenza vede crescere le sue aree urbane ad un ritmo senza precedenti. Tra gli interventi più recenti, segnaliamo quello relativo a due edifici ad alta densità abitativa realizzato dallo studio Merve Güleryüz per una zona di Instanbul soggetta a un’importante trasformazione: il quartiere di Tuzla. Il progetto, iniziato nel 2011 e ultimato quest’anno, prevedeva la costruzione di 32 unità ad uso domestico da erigersi su una superficie di 21.662 metri quadrati. Unici vincoli

posti dal piano regolatore: quello che i nuovi corpi di fabbrica si disponessero paralleli alla strada e non superassero i 4 piani in altezza. Gli architetti hanno portato a termine l’incarico puntando soprattutto sui valori della sostenibilità e della qualità della vita, lavorando sui ‘tagli’ delle singole unità e al contempo sugli spazi di socialità. Gli appartamenti, incastonati all’interno di volumi in cemento armato volutamente neutri, animati da pannelli colorati in alluminio composito che inquadrano alcune ﬁnestre, sono infatti sormontati da terrazze destinate ad una fruizione condivisa. Mentre a livello del sottosuolo, sono collegati tra loro da un garage e da un piccolo centro benessere/spa a disposizione dei condomini. Tra i due manufatti è stato ricavata un’area con giardino e piscina, anch’essa destinata ad una fruizione condivisa. www.merveguleryuz.com

Piante, sezioni e rendering illustrano nel dettaglio un progetto incentrato sullâ&#x20AC;&#x2122;idea della condivisione dei servizi e di unâ&#x20AC;&#x2122;alta qualitĂ della vita, dove anche il verde gioca un ruolo importante. Plans, sections and renderings provide a detailed illustration of a project centred on the idea of sharing services and a higher quality of life, where green spaces also play an important part.

It’s not often that a ‘young’ architectural ﬁrm tries its hand at a residential building, intervening on the delicate system of balances that rules the heart of the city (and determines the quality of life for its inhabitants). But not if we are in Turkey, a country that – especially by virtue of its fortunate geo-political location – is undergoing a phase of extraordinary economic development, and as a consequence is experiencing unprecedented growth in its urban areas. The most recent jobs include the project for two high-density residential buildings

by the Merve Güleryüz ﬁrm for an area of Istanbul undergoing signiﬁcant transformation: the Tuzla district. The project began in 2011 and was completed this year: it included the construction of 32 domestic units to be built on a surface of 21,662 square metres. The only constraints imposed by the master plan: the new buildings had to stand parallel to the street and be no higher than 4 stories. The architects completed the project by focusing primarily on the values of sustainability and quality of life, working on the cut of

the individual units and on the gathering spaces as well. The apartments, embedded within volumes of deliberately-neutral reinforced concrete, animated by coloured panels in composite aluminium that frame certain windows, are then topped by terraces made to be shared. While at the basement level, they are connected by a garage and a small wellness spa open to the inhabitants. Between the two buildings is a small area with a garden and swimming pool, also intended to be shared. www.merveguleryuz.com

TURCHIA

ESTEWORLD, ISTANBUL ]b ?kZg\^l\Z =^ Ihgmb Ovvero, una clinica di chirurgia plastica dal volto umano. Ad opera di H. Arto Uysun di Design Partners International. A plastic surgery clinic with a human approach. By studio H. Arto Uysun (Design Partners International).

Si tratta del terzo ospedale che gli architetti hanno disegnato per il gruppo Esteworld, specializzato nella sanità. È dunque uno dei tasselli di un’operazione di ‘corporate’ volta alla costruzione di edifici di qualità, capaci di offrire il meglio in termini di innovazione tecnologica e design. Progettato per essere inserito nel contesto di via Altunizade, nella parte asiatica di Istanbul, occuperà una superficie di 4000 metri quadrati e si articolerà in quattro piani fuori terra definiti in base alle funzioni specifiche richieste ad un centro di chirurgia plastica. Struttura che, a differenza dei normali ospedali, non prevede lunghe degenze, e dunque necessita soprattutto di sale operatorie, stanze per i medici, aree per la ristorazione e l’attesa. Elemento chiave dell’intervento

è stato lo studio degli interni, progettati per essere caldi e ‘user friendly’, volutamente molto lontani da qualsiasi idea di medicalizzazione. Da cui la scelta di materiali naturali, dalla forte valenza tattile, come legno e marmo, e di colori riposanti, tra cui dominano il marrone, il grigio e il beige. Grande attenzione è stata dedicata al tema della luce, risolto con sofﬁtti ribassati equipaggiati con apparecchi LED che producono un irraggiamento soffuso e indiretto. Dominante su tutto: una chiara idea di eleganza, intesa come lavoro sul dettaglio a 360°, dal taglio dello spazio alle ﬁniture, e da queste alla scelta dei mobili. www.dpigroup.it

This is the third hospital designed by the architects for the Esteworld Group, specialized in health services. It is therefore one of the phases in a ‘corporate’ project to build quality buildings that offer the best in terms of technological innovation and design. Planned to fit into the context of Via Altunizade, in the Asian section of Istanbul, it will occupy a surface of 4000 square meters and will consist in four stories above ground defined on the basis of the specific functions required by a centre for plastic surgery. This structure, unlike traditional hospitals, does not require long-term hospitalization, but mostly operating rooms, doctors’ offices, areas for food service and waiting rooms.

Scorci degli esterni e degli interni della nuova clinica di chirurgia plastica Esteworld di via Altunizade ad Istanbul. Il progetto è dell’architetto H. Arto Uysun di Design Partners International, classe 1974 (in foto), che dopo aver studiato presso la Eastern Mediterranean University si è perfezionato in Italia, all’Istituto Europeo di Design di Milano.

Views of the outside and the interiors of the new plastic surgery clinic Esteworld in Altunizade street in Istanbul. The project is by architect H. Arto Uysun of Design Partners International, born in 1974 (in the photo), who studied at the Eastern Mediterranean University and later specialized in Italy, at the Istituto Europeo di Design in Milan.

One of the key elements in the project was the study of the interiors, designed to be warm and user-friendly, deliberately distant from the idea of medicalization. Hence the choice of natural materials, with particular tactile value, such as wood and marble, with relaxing colours dominated by browns, greys and beiges. Particular attention was dedicated to the theme of light, resolved with hung ceilings equipped with LED ﬁxtures that create soft indirect lighting. The dominating idea is one of elegance, understood as the attention to detail in every aspect, from the spatial arrangement to the ﬁnishes, and from these to the choice of furniture. www.dpigroup.it

Altre immagini della clinica che riflettono l’accurata scelta dei materiali e la filosofia del dettaglio elaborata per tutte le sedi Esteworld. Elemento chiave del progetto è infatti l’idea di una ‘piacevolezza’ a 360°, che deriva dal muoversi in un ambiente che ha ben poco di ospedaliero.

More images of the clinic, which reﬂect the careful choice of materials and the philosophy of the detail developed for all the Esteworld clinics. A key element of the project is the idea of ‘total enjoyment’ which derives from experiencing a space which is not at all like a hospital.

TURCHIA

MERSIN TERAS PARK ]b ?kZg\^l\Z =^ Ihgmb Gli architetti Batu Alper ed Hakan Demir ﬁrmano un ‘parco delle meraviglie’ per la cittadina di Mersin, a Sud della Turchia. Architects Batu Alper and Hakan Demir have designed a ‘park of wonders’ for the city of Mersin, in southern Turkey.

Si tratta del Mersin Teras Park, adagiato lungo le rive del mare, destinato ad accogliere un articolato sistema di ‘amenities’, tra cui una ruota panoramica, un anfiteatro, un trampolino per il bungee jumping, un castello, un osservatorio, un molo per canoe, una piscina… Oltre, naturalmente, ai servizi ad essi connessi, tra cui un ristorante e due bar. Il progetto, attualmente in fase di costruzione, trae vantaggio dall’esperienza che i due giovani architetti hanno già maturato sul tema dei parchi (loro una delle proposte finaliste per il Kayseri Park di Istanbul, e l’avveniristico re-design dell’arredo urbano di Ganziantep City). Riflette infatti il tentativo di conciliare la passione, squisitamente mediterranea, per gli spazi all’aperto con un approccio contemporaneo, connotato da forme organiche e innervato da tecnologia green (si vedano in proposito i pannelli eolici previsti per il progetto di cui stiamo parlando). “La recente vicenda

di Taksim Gezi Park ci ha ricordato quanto i turchi amino i parchi”, ci spiega Batu Alper. “Hanno il piacere di stare fuori, di perdere tempo chiacchierando”. Questa, in qualche modo, è la loro idea di civiltà. “Eppure io non credo abbia senso continuare ad ispirarsi al Castello di Schönbrunn. Al contrario, dobbiamo guardare avanti e proporre innovazione andando a cercarla là dove abbiamo visto gli esempi migliori, come nel caso di Barcellona, o di alcuni recenti progetti giapponesi o coreani”. Lavorare sul ‘segno’ e sulla sostenibilità, dunque, ma senza stravolgere ciò che attiene propriamente all’identità di un popolo che ha una lunga storia. “La parola d’ordine? We need green”.

The park is the Mersin Teras Park, which stretches out along the seashore, and will include an articulated system of amenities, including a Ferris wheel, an amphiteatre, a platform for bungee jumping, a castle, an observatory, a dock for canoes, a swimming pool… In addition, naturally, to the relative services, including a restaurant and two bars. The project, which is currently under construction, benefits from the experience that the two young architects have already developed in the area of parks. (Their project for the Kayseri Park in Istanbul was one of the competition finalists, and theirs was the futuristic re-design of the urban furniture for Ganziantep City). It reflects their attempt to reconcile the exquisitely Mediterranean passion for open spaces, with a contemporary approach, distinguished by organic forms and permeated with green technology (such as

the wind panels that will be installed in this project). “The recent story of Taksim Gezi Park reminded us how deeply the Turks love parks”, explains Batu Alper. “They enjoy being outside, wasting time in conversation”. This is, in some way, their idea of civilization. “Yet I don’t believe it makes sense to continue to find inspiration in the Castle of Schönbrunn. On the contrary, we need to look forward and advance innovation, seeking it where we have found the finest examples, such as Barcelona, or the more recent Japanese or Korean projects”. Working on ‘sign’ and sustainability, but without altering that which is fundamental to the identity of a people with an ancient history. “The motto? We need green”. Tecnologia green per il parco dei divertimenti di nuova generazione ideato dagli architetti Batu Alper (a sinistra) e Hakan Demir (qui a fianco). Il primo, nato a Gaziantep City nel 1990, ha studiato architettura presso la Çukurova University, in Turchia, e si è perfezionato presso la Szent Istvan University di Budapest. Il secondo, nato a Mersin, si è laureato alla Konya Selçuklu University e si è dedicato anche all’arte. Green technology for the new-generation amusement park conceived by architects Batu Alper (at left) and Hakan Demir (across). The former, born in Gaziantep City in 1990, studied architecture at Çukurova University, in Turkey, and specialized at the Szent Istvan University in Budapest. The latter, born in Mersin, graduated from the Konya Selçuklu University and also dedicates his time to art.

TURCHIA

FURNISTANBUL 2014 ]b En\bZgZ <nhfh Con FURNistanbul, il nuovo Global Furniture Show, la Turchia apre al mercato dell’arredamento. Ecco le ragioni per partecipare al nuovo show che si tiene ad Istanbul, strategica città ponte tra Europa ed Asia. With FURNistanbul, the new Global Furniture Show, Turkey opens to the furniture market. Here is why it is worth taking part in the new show held in Istanbul, a strategic city which connects Europe and Asia.

Furnistanbul 2014, il nuovo evento che si terrà dal 24 al 27 maggio 2014 presso il centro fieristico di Tuyap, Istanbul, si è presentata a Milano con ottime credenziali. Perché una nuova fiera turca del mobile e perché le imprese italiane dovrebbero andarci? È il primo Salone del Mobile turco con caratteristiche molto innovative - non c’è attualmente in Turchia un evento fieristico dedicato ai brand internazionali -. Nasce, quindi, con decise prospettive in fatto di internazionalizzazione con l’obiettivo di ospitare l’intero mondo dell’arredamento, mobili per la casa, l’ufficio, il contract. Letti, imbottiti, cucine, decorazione d’interni, apparecchi di illuminazione, tessili, accessori e complementi d’arredo. Lo organizza la società Atlantis Fair, del gruppo editoriale Ekin, specializzato in pubblicazioni b2b nel campo dell’arredamento. Forte di una esperienza specifica che Nesip Uzun, del gruppo Atlantis, ha voluto sottolineare all’uditorio milanese di operatori e stampa, intervenendo alla presentazione. Riconosciuto nel 2008 dal Premio Europeo della Qualità, Atlantis dispone di ampie competenze nel settore, in cui è presente da anni con prestigiose pubblicazioni e come partner delle principali associazioni internazionali. “Il gruppo Ekin - racconta il general coordinator e manager del nuovo Show, Zeki Yucel - è presente in almeno una cinquantina di eventi l’anno dedicati al mobile e ai componenti, e, da tempo, rappresenta la Turchia nei momenti strategici di marketing, comunicazione, convegni e seminari”. La manifestazione, che avrà cadenza annuale e uno spazio di 60mila metri quadrati, è aperta al mercato turco, ma anche all’ampio bacino di utenza economicopolitico che alla Turchia fa riferimento. A quei 14 Paesi con cui la Turchia confina, per terra e per mare. Vale la pena citarli tutti: Iran, Egitto, Ucraina, Grecia, Serbia, Arabia Saudita, Bulgaria, Romania, Turkmenistan, Kazakistan, Israele, Dubai, Iraq, Georgia e la stessa Russia. Un bacino che, con oltre 550milioni di persone, vale più dell’Unione Europea, e che, nell’attuale scenario economico internazionale, prospetta rapidi interessanti sviluppi. Da sottolineare l’internazionalità dei visitatori: attraverso accordi con le principali associazioni

locali della distribuzione, FURNistanbul potrà contare sulla presenza dei grandi buyer turchi e dei Paesi di riferimento, invitati dall’organizzazione. Ma le principali garanzie che il nuovo Salone di Istanbul offre agli espositori della prima edizione, ancor prima che nelle parole, sono nei fatti. “L’economia turca - ricorda Nesip Uzun, di Atlantis - è oggi al 5°/6° posto tra i Paesi europei, ma cresce a un ritmo decisamente superiore alla media dell’Unione Europea; secondo l’Ocse, tra il 2011 e il 2017, la crescita media annua del PIL della Turchia sarà tra il 6 e il 7%. Per non parlare del potere di riferimento della Turchia: a circa 3 ore di volo dal nostro Paese, troviamo 56 Paesi in cui vivono un miliardo e mezzo di persone, che rappresentano un terzo dell’economia mondiale e il 46% delle importazioni del mondo, più o meno 8500 miliardi di dollari. Inﬁne - conclude Nesip Uzun - ci piace segnalare che, oggi, per gli europei in Turchia non esistono problemi di visto o di dogane e che l’ambiente, straordinariamente bello, è anche accogliente e ospitale”. Questo vale, a maggior ragione, se visto dall’industria italiana dell’arredamento. L’Italia, che è il terzo esportatore mondiale dopo Cina e Germania, e che è stata capace di raggiungere e presidiare mercati in ogni continente, è stranamente assente proprio da quest’area dove, al contrario, stanno investendo molto i tedeschi, partner storici della Turchia. Sarebbe proprio la penetrazione in quest’area ad aver favorito il sorpasso delle imprese tedesche sull’Italia nel campo dell’export. “Vediamo che il mercato interno italiano - aggiunge Kadri Coklar, vice presidente di MOBDER, l’associazione tra i produttori turchi del mobile - è tuttora in stagnazione senza prospettive di inversione di tendenza a medio periodo. Attraverso FURNistanbul i brand italiani hanno l’opportunità concreta di promuovere i loro prodotti su questo grande e promettente mercato, in particolare verso quei Paesi, come Iran e Iraq, che sono ancora pressoché sconosciuti alle imprese italiane. Sono Paesi che stravedono per i prodotti italiani, e hanno i soldi per acquistarli”. www.furnistanbul.com info: paolo.mastromo@gmail.com

Furnistanbul 2014, the new event scheduled for 24-27 May, 2014, at the Tuyap fair centre, Istanbul, was presented in Milan, with outstanding credentials Why a new Turkish furniture fair and why should Italian businesses be there? It is the first Turkish furniture exhibition with extremely innovative peculiarities - at the moment Turkey cannot boast any other fair focused on international brands -. Hence it is definitely internationally oriented, with a view to displaying the entire furniture world, including home, office and contract furnishings. Beds, upholstered furniture, kitchens, interior decoration, lighting fixtures, textiles, furnishing accessories and complements. It is organized by Atlantis Fair, owned by the publishing group, Ekin, which specializes in b2b interior design publications, and relies on specific expertise, which Nesip Uzun, of Atlantis, wanted to emphasize when he addressed the audience of dealers and journalists attending the presentation in Milan. Winner of the European Quality Award in 2008, Atlantis offers unique know-how in the sector, where it has been active for several years, with prestigious publications and as a partner of the main international associations. Ekin - said Zeki Yucel, general coordinator and manager of the new Show - takes part in at least fifty events focused on furniture and complements every year, and for a long time it has been representing Turkey in strategic marketing and communication moments as well as in conferences and seminars. The fair, which will be held every year, over an area of 60,000 square metres, is open to the Turkish market as well as to the large economic/political catchment area which looks to Turkey. To the 14 countries that border Turkey, by land and sea. It is worth mentioning all of them: Iran, Egypt, Ukraine, Greece, Serbia, Saudi Arabia, Bulgaria, Romania, Turkmenistan, Kazakhstan, Israel, Dubai, Iraq, Georgia, and Russia as well. An area which, with over 550 million people, counts more than the European Union, and which, in the current international economic scenario, is going to be connected with quick, challenging developments. Stress should be

laid on the international character of the visitors: on the basis of agreements with the main local distribution associations, FURNistanbul will rely on major buyers from Turkey and benchmark countries invited by the organizers. However, the new Istanbul Show offers the exhibitors of the first edition actions, rather than words. “The Turkish economy - said Nesip Uzun, of Atlantis - currently ranks fifth or sixth among European countries; nevertheless, it is growing definitely faster than the average in the European Union; according to the OECD, between 2011 and 2017 the Turkish GDP will grow, on average, by 6-7% a year. Not to mention Turkey’s connection power: at approximately 3 hours’ flight from our country, we can find 56 countries inhabited by one and a half billion people, which account for one third of the world’s economy and 46% of the world’s imports, totalling approximately 8,500 billion dollars. Finally - said Nesip Uzun -, let us point out that today, for the Europeans in Turkey, there are no problems with the visa or customs, and that the uniquely beautiful environment is also welcoming and friendly.” This is particularly the case from the point of view of the Italian furniture industry. Strangely enough, Italy, which is the world’s third biggest exporter, after China and German, and has managed to reach and control markets in every continent, is not to be found in this area, where, on the contrary, the Germans are investing a lot, as Turkey’s “historic partners”. Indeed, penetrating this area has helped German businesses to surpass Italy in exports. “We see that the Italian home market - said Kadri Coklar, Vice Chairman f MOBDER, the association of Turkish furniture manufacturers - is still stagnating, and it does not seem that the trend will be reversed in the medium term. Through FURNistanbul, Italian brands are offered a real opportunity to promote their products in this large, promising market, in particular in countries like Iran and Iraq, which are still almost unknown to Italian businesses. In those countries, people are crazy about Italian products, and can afford to buy them.” www.furnistanbul.com info: paolo.mastromo@gmail.com

TURCHIA

DUE MONDI TWO WORLDS ]b EZnkZ @Zebf[^kmb _hmh >fk^ =hkm^k Il primo flagship store dello stilista Atil Kutoglu parla italiano grazie al progetto di Claudio Nardi Architects. Fashion designer Atil Kutoglu’s first flagship store speaks Italian thanks to the design of Claudio Nardi Architects.

Forse lo stilista turco più famoso nel mondo - ha vestito first lady, principesse e personaggi del mondo dello spettacolo come Jessica Alba, Catherine Zeta Jones, Naomi Campbell -, Atil Kutoglu ha una formazione internazionale e la sua attività si divide tra l’Austria e la Turchia. Il suo atelier di Nisantasi a Istanbul, progettato dallo studio fiorentino Claudio Nardi Architects, riesce a raccontare con efficacia la storia della contaminazione tra questi due mondi, tra Est e Ovest, tra Asia ed Europa. Nonostante l’atmosfera luminosa e contemporanea, lo spazio combina pezzi di design moderni, sofisticati e dallo stile internazionale con elementi e decorazioni tipiche della cultura ottomana. La prima stanza a cui si accede dalla strada si caratterizza per l’originale soffitto, che riproduce il disegno di un tappeto antico esposto in un museo della città. Un enorme e imponente cilindro bianco appeso al soffitto inonda invece la seconda stanza dell’atelier, anch’essa interamente intonacata di bianco. Una forma pura e moderna, con interni in ottone lucido, che racchiude una sfera luminosa ricoperta di piume. Ancora una volta, design minimale ed elementi della tradizione asiatica convivono e si fondono per un risultato sorprendente. www.claudionardi.it

Perhaps the most famous Turkish fashion designer in the world – who has dressed ﬁrst ladies, princesses and the divas of show business such as Jessica Alba, Catherine Zeta Jones, Naomi Campbell – Atil Kutoglu was trained internationally and divides his time between Austria and Turkey. His atelier in Nisantasi in Istanbul, designed by the Florentine ﬁrm Claudio Nardi Architects, is effective in telling the story of the cross-fertilization

between these worlds, between East and West, between Asia and Europe. Despite the brightly lit contemporary atmosphere, the space combines pieces of modern design, in a sophisticated international style, with elements and decorations typical of the Ottoman culture. The ﬁrst room off the street is distinguished by the original ceiling, which reproduces the design of an ancient carpet on exhibit in a museum in

the city. A large striking white cylinder hanging from the ceiling ﬂoods the second room of the atelier, it too entirely plastered in white, with light. A pure modern form with polished brass inside, which encloses a luminous sphere covered in feathers. Once again, minimal design and elements of Asian tradition coexist and blend to create a surprising result. www.claudionardi.it

In queste pagine, lo showroom di Atil Kutoglu a Nisantasi, un quartiere di Istanbul. Il progetto è dell’architetto ﬁorentino Claudio Nardi.

On these pages, Atil Kutoglu’s showroom at Nisantasi, a district in Istanbul. It was designed by Florentine architect Claudio Nardi.

TURCHIA

CHEAP AND CHIC ]b EZnkZ @Zebf[^kmb Stile, design, comfort, arte e divertimento per i cosiddetti ‘budget traveller’, nel centro di Istanbul. È #bunk, interessante catena di ostelli, rigorosamente di design. Style, design, comfort, art and fun for so-called ‘budget travellers’ in the centre of Istanbul. It’s #bunk, an interesting chain of hostels, rigorously design-oriented.

Sono due, per il momento gli ostelli della catena #bunk, creata nel 2011 da quattro giovani uomini d’affari creativi, cosmopoliti (due sono turchi, uno inglese e un altro tedesco) e appassionati di design. La loro idea è stata quella creare un ambiente ricercato e glamour, offrire tutti i comfort di un vero hotel, ma a prezzi davvero competitivi. #bunk beyoglu, in un edificio completamente rinnovato accanto al Balik Pazari, il mercato del pesce, nel quartiere più vibrante della città, offre 32 posti letto in camere matrimoniali, doppie o quadruple. Ogni stanza si caratterizza per l’unicità del soffitto, dove è stato riprodotto quello di 11 importanti moschee di Istanbul. L’edificio dispone inoltre di una splendida terrazza da cui godere la vista della città con poltrone per rilassarsi, leggere o bere un drink all’aria aperta e un piano intero, l’ultimo, con una cucina ben attrezzata a disposizione dei clienti e postazioni computer con accesso gratuito a internet. Il secondo ostello del gruppo, #bunk taksim, progettato all’insegna del minimalismo, aprirà entro la fine dell’anno con ben 170 posti letto. www.bunkhostels.com

So far there are two hostels in the #bunk chain, created in 2011 by four young creative and cosmopolitan businessmen (two are Turkish, one is English and the other is German) with a passion for design. Their idea was to create a sophisticated glamorous environment, offering all the comforts of a real hotel, but at truly competitive prices. #bunk beyoglu, in a completely renovated building beside Balik Pazari, the ﬁrst market, in the most vibrant district of the city, offers 32 beds in double or quadruple rooms. Each room is distinguished by a unique ceiling that reproduces one of the 11 important mosques in Istanbul. The building also features a splendid terrace from which to enjoy a view of the city with armchairs to relax in, read a book or have a drink

In queste pagine, #bunk beyoglu, ostello di design nell’omonimo quartiere di Istanbul. Il sofﬁtto di ogni stanza ripropone quello di 11 moschee della città. On these pages, #bunk beyoglu, a design hostel in the eponymous district of Istanbul. The ceiling of each room reproduces the ceiling of one the 11 mosques in the city.

outdoors, and an entire ﬂoor, the top ﬂoor, with a well-equipped kitchen at the disposal of guests and computer stations with free Internet access. The group’s second hostel, #bunk taksim, designed in the minimalist style, will open at the end of the year with a total of 170 beds. www. bunkhostels.com

ISTANBUL IN DESIGN ]b EZnkZ @Zebf[^kmb Due marchi italiani aprono di recente il proprio flagship store nel prestigioso quartiere di Levent, polo dedicato all’arredo e allo shopping. Il terzo conferma invece il successo della sua presenza ormai decennale nella capitale turca. Two Italian brands recently opened a flagship store in the prestigious district of Levent, a hub for furniture and shopping. A third brand confirms the success of its ten-year presence in the Turkish capital.

B&B ITALIA Emirhan Cad. 2, Fulya, Istanbul

230 metri quadrati distribuiti su due livelli per le collezioni di B&B Italia e Maxalto, dal 2004 presenti nel mercato turco anche con il ﬂagship store di Istanbul, realizzato con il partner Mozaik. www.bebitalia.com Emirhan Cad.2, Fulya, Istanbul

230 square metres on two levels for the collections of B&B Italia and Maxalto, present on the Turkish market since 2004 with the ﬂagship store in Istanbul, a joint endeavour with their partner Mozaik. www.bebitalia.com

In queste pagine, lo showroom B&B Italia di Istanbul che ospita anche le collezioni Maxalto.

On these pages, the B&B Italia showroom in Istanbul, which also displays the Maxalto collections.

DEVON&DEVON Çilekli Cad. 16, Levent, Istanbul

Dara Kirmizitoprak, molto conosciuto nel suo paese per le importanti realizzazioni di alberghi, negozi e centri commerciali, ﬁrma l’intero progetto di ristrutturazione e di arredo del ﬂagship store Devon&Devon, il più grande mai realizzato dall’azienda, che si presenta all’esterno con una bella facciata rivestita con legno grigio e basamento in granito nero. L’architetto reinterpreta lo spazio di 300 metri quadrati disegnando un sapiente percorso attraverso le collezioni del marchio e utilizzando i materiali del catalogo Devon&Devon per valorizzare la presentazione dei prodotti. Il piano terra è dedicato alle collezioni, come Atelier, Intarsia, Wood, ai rivestimenti in pelle Patina, alle ceramiche Lambris e Simply e all’Home Boutique, nuova linea dedicata alla casa e alla cura della persona. Il primo piano accoglie invece un ampio spazio tecnico con sala meeting. Con l’apertura dello showroom di Istanbul, Devon&Devon continua a sperimentare una formula che nel giro di pochi anni l’ha portata in numerosi mercati internazionali. www.devon-devon.com

Çilekli Cad. 16, Levent, Istanbul

Dara Kirmizitoprak, renowned in his country for his important projects for hotels, retail stores and shopping centres, has designed the entire project for the restoration and interiors of the Devon&Devon ﬂagship store, the largest ever built by the company, featuring a beautiful façade clad in grey wood with a black granite base on the outside. The architect reinterprets the 300-square metre space, tracing a masterly path through the collections of the brand, and using the materials from the Devon&Devon catalogue to enhance the presentation of the products. The ground ﬂoor is dedicated to the collections, including Atelier, Intarsia, Wood, to the leather Patina claddings, the Lambris and Simply ceramics and the Home Boutique, a new line dedicated to the

home and to personal care. On the ﬁrst ﬂoor is an ample technical space with a meeting room. With the opening of the Istanbul showroom, Devon&Devon continues to experiment with a formula which in a few short years has conquered many international markets. www.devon-devon.com

RIMADESIO Levent Cad. 52, Levent, Istanbul

La progettista Tiziana Valtorta mette in scena, attraverso un percorso espositivo che si sviluppa su più piani, un allestimento rigoroso, essenziale e ricercato, in pieno stile Rimadesio. Ambienti diversi, dal living alla zona notte, su cui prendono forma porte e pannelli scorrevoli, danno vita a un’architettura di interni discreta e leggera, luminosa e versatile. Qui l’oggetto si spoglia da ogni sovrastruttura e rivela la sua forza progettuale. Materiali e colori neutri tra il grigio e il beige, per pareti e pavimenti, sottolineano la materia e danno risalto ai prodotti, insieme a una regia luminosa di ultima generazione che regala effetti particolarmente suggestivi all’intero showroom. Ancora una volta Rimadesio racconta il suo modo di concepire e scandire lo spazio portando il suo marchio nelle più belle città del mondo insieme a partner di eccellenza. www.rimadesio.it

In queste pagine, gli showroom di Rimadesio (qui sotto) e di Devon&Devon (pagina accanto), entrambi nel rinomato quartiere di Levent, a Istanbul.

Levent Cad. 52, Levent, Istanbul

Designer Tiziana Valtorta conceives a rigorous, essential and sophisticated space, in perfect Rimadesio style, along an exposition path that develops over several ﬂoors. Different spaces, from the living room to the nighttime area, in which doors and sliding panels take shape and bring to life a discreet, light, luminous and versatile architecture of interiors. Materials and neutral colours ranging from grey to

On these pages, the showrooms of Rimadesio (below) and Devon&Devon (page across), both in the renowned district of Levent, in Istanbul.

beige, for the walls and ﬂoors, emphasize the materials and highlight the products, in combination with a latest-generation lighting system that creates particularly suggestive effects throughout the showroom. Once again Rimadesio exhibits its conception and articulation of space, introducing its brand into the ﬁnest cities of the world in endeavours with partners of excellence. www.rimadesio.it

LETTONIA

UNA VILLA SUL BALTICO A VILLA ON THE BALTIC SEA

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Una casa di vacanza monofamiliare nell’antico villaggio di Kaltene, Lettonia, a 100 chilometri da Riga. Il progetto, ﬁrmato dall’architetto lettone Brigita Bula, rispetta le tradizioni, recupera e utilizza materiali e lavorazioni locali, e nell’arredamento si apre al design italiano. A single-family vacation house in the ancient village of Kaltene in Lithuania, 100 kilometres from Riga. The project, by Lithuanian architect Brigita Bula, respects tradition, reclaims and uses local materials and building techniques, and opens to Italian design for the furniture.

La Lettonia, perla del Baltico, è piena di vecchi villaggi di pescatori sulle coste di questo mare affascinante e noto per il grigio intenso delle sue acque. Trovare casa, o potere costruire una villa sul mare, è un privilegio, visti i rigidi regolamenti che proteggono la costa. La villa Lapinas in Kaltene, 100 chilometri circa dalla capitale, nasce dalla riconversione di un’ antica corte di pescatori: la vecchia costruzione in pietra e calcestruzzo viene incorporata all’interno di una nuova struttura in vetro per creare un’area living aperta, la cucina e l’area pranzo. I resti dell’antica capanna in legno sono stati demoliti per fare spazio ad una nuova extension con tre camere da letto e due bagni affacciati sul mare. I 225 metri quadri della casa sono inseriti in un bellissimo paesaggio realizzato dagli austeri elemen-

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ti della natura locale: il mare, i sassi ovali, la sabbia, gli uccelli e una grande distesa tra cielo e mare, e, “proprio come nell’ambiente circostante - sottolinea la progettista Brigita Bula, dello Studio Lukabuka di Riga - l’essenza dell’architettura è inseparabile dai materiali di cui è fatta”. I blocchi di argilla, prodotti in loco, sono stati usati per creare la struttura dell’extension e il famoso pino del Baltico è servito a fare il tetto della costruzione ed il rivestimento della facciata. Il legno recuperato da costruzioni demolite è stato riciclato, trattato con un misto di catrame, olio di lino e pigmenti minerali per essere usato negli interni. Dove necessario, le superﬁci di blocchi monolitici in cemento e ﬁbrolite sono state isolate con ecowool e trattate esclusivamente con tinte naturali. La casa è per lo più fatta

a mano, nel senso che le tecniche costruttive e i materiali sono opera di costruttori e artigiani locali. Per rispetto della sostenibilità ambientale, una pompa di calore e le tubazioni dell’acqua a pavimento vengono usate per il riscaldamento. L’impianto per il trattamento bio delle acque di scolo riguarda anche le fognature. L’edificio occupa 1700 metri quadri di mappa lungo la spiaggia. Nel contesto, le due principali facciate della casa riflettono le angolazioni del mare. In mezzo accolgono uno spazio coperto per attività meditative. Tra i brand scelti per l’interior design della villa, figurano gli italiani Gervasoni per i divani del soggiorno, La Palma per gli sgabelli del bar; e ancora, Habitat, Hay, Duravit, alcuni marchi lettoni e altri arredi custom made. www.lukabuka.lv

Nel concept del progetto dellâ&#x20AC;&#x2122;architetto prevale il rispetto della tradizione. La nuova struttura in vetro della villa nellâ&#x20AC;&#x2122;antico villaggio di pescatori incorpora al proprio interno la vecchia costruzione in pietra. Respect for tradition prevails in the design concept of the architect. The new glass structure of the house in the ancient ďŹ shing village incorporates the old stone construction within it.

Lithuania, the pearl of the Baltic Sea, is full of old ﬁshing villages on the coasts of this fascinating sea famous for the intense grey colour of its waters. To ﬁnd a house, or get a permit to build a villa on the seashore, is a privilege, given the rigid regulations that protect the coast.

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The Lapinas villa in Kaltene, about 100 km from the capital, reconverted an ancient ﬁsherman’s courtyard: the old stone and concrete construction was incorporated into a new glass structure to create an open living room area, kitchen and dining area.

The remains of the ancient wood cottage were demolished to make space for a new addition with three bedrooms and two bathrooms overlooking the sea. The 225 square metres of the home blend into a beautiful landscape created by the austere elements of local nature: the sea,

the oval pebbles, the sand, the birds and a large expanse between sea and sky. And here, like in the surroundings environment – underlines designer Brigita Bula, of the Lukabuka ﬁrm in Riga – the essence of architecture is inseparable from the materials it is made of. The clay blocks, made locally, were used to create the structure of the addition and the famous Baltic pine was used to build the roof of the construction and the cladding of the façade. The wood reused from demolished constructions was recycled, treated with a mixture of tar, linseed oil and mineral pigments, to be used in the interiors. Where necessary, the surfaces of the monolithic blocks of concrete and ﬁbrolite were insulated with ecowool and treated exclusively with natural paints. The house is mostly built by hand, in the

Tra i materiali prescelti, blocchi d’argilla di produzione locale e legno recuperato da costruzioni demolite connotano sia l’architettura che l’interior della casa. L’area living, la cucina e l’area pranzo sono collocate all’interno della nuova struttura in vetro.

The selection of materials includes locally-produced clay blocks and wood recycled from demolished buildings, which characterize both the architecture and interiors of the home. The living area, the kitchen and dining areas are located inside the new glass structure.

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sense that the construction techniques and materials are the work of local builders and craftsmen. Out of respect for environmental sustainability, a heat pump and water pipes embedded in the ﬂoor are used for the heating. The organic treatment of drain water is ensured by a system that also treats the sewage. The building occupies 1700 square meters along the beach. In the context, the two main façades of the house reﬂect the angles of the seashore. In the middle they protect a covered space for meditation. The brands chosen for the interior design of the villa include the Italian manufacturers Gervasoni for the livingroom sofas, La Palma for the bar stools; and Habitat, Hay, Duravit, several Lithuanian brands along with some custom-built furniture. www.lukabuka.lv

Il design è ben presente nell’arredamento della villa: tra gli altri, Gervasoni per i divani del living e Duravit per il bagno; mentre altri elementi sono realizzati custom made.

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Design is a signiﬁcant present in the decoration of the home: among others, Gervasoni for the sofas in the living room and Duravit for the bathroom; while other elements are custom-made.

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MOSCA

HOW TO IMPROVE YOUR LIFE ]b FZgnêZ =b FZkb Hall Oscar è dealer ufficiale di Poliform/Varenna in Russia con showroom a Mosca e a San Pietroburgo; tutti lavorano in cooperazione sinergica. Ne parliamo con Yana Malygina, direttrice dello spazio moscovita in Komsomolskiy Prospekt. Hall Oscar is Poliform/Varenna’s official dealer in Russia, with showrooms in Moscow and St. Petersburg, all working synergetically. We interviewed Yana Malygina, director of the sales point in Komsomolskiy Prospekt, Moscow.

Cosa cerca chi entra in uno showroom Hall Oscar? La gente cerca sempre un’opportunità per migliorare il proprio spazio privato, lo stile di vita. Vuole portarsi a casa professionalità e creatività, sia da parte del designer che dell’azienda. Il compito principale di Hall Oscar è raccogliere e valutare i desideri del cliente per poi fornire consulenza e competenza in ogni sfera dell’interior project. Perché scelgono Poliform? Il range di offerta del marchio è talmente ampio e di alto livello da soddisfare pienamente ogni singola esigenza. Il pubblico lo ama molto, trova sempre qualcosa di speciale e unico. Personalmente, mi piace per la sua eleganza, qualità e costante ricerca della perfezione in ogni dettaglio, oltre al fatto che cerca sempre

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di anticipare le tendenze. La nostra clientela non è omogenea, ma piuttosto diversiﬁcata per età, abitudini, richieste. Ci vuole esperienza e abilità per distinguere correttamente queste differenze. In che modo avete adattato lo stile dell’azienda a quello russo? Un altro elemento che fa la differenza in Poliform è il comfort: non abbiamo bisogno di adattare il suo stile ai gusti russi. La maggior parte dei nostri clienti apprezza questa unicità, che è un valore aggiunto. Quale strategia avete attuato per rendere lo spazio sempre attraente? È molto importante il continuo aggiornamento dell’esposizione. Cosa che facciamo sia nello showroom moscovita che in quello di S. Pietroburgo. Cerchiamo di rendere visibili le

novità dell’ultimo Salone del Mobile milanese. Ogni anno organizziamo 3 o 4 eventi speciali, che cerchiamo di rendere il più piacevole possibile con musica e cocktail, durante i quali rinnoviamo la presentazione dei pezzi più recenti. Quest’anno ne abbiamo organizzato uno molto importante, coinvolgendo designer e architetti russi, proprio a Milano nello spazio Poliform/Varenna, durante la settimana del design (ndr pubblicato su DDN 195 giugno 2013). Tratti distintivi del suo lavoro? L’aspetto migliore del mio lavoro è che sono consapevole di offrire il meglio, la produzione ﬁrmata Poliform parla da sola. Ed il cliente lo riconosce. Lo stesso vale per Varenna, il brand di cucine dell’azienda: la qualità rimane invariata.

Alcuni corner dello showroom Hall Oscar, a Mosca, ricreano ambienti domestici ﬁrmati Poliform. A sinistra, in primo piano: alla parete, sistema giorno Sintesi di Carlo Colombo; divano Bolton di Giuseppe Viganò con tavolino Class, design Matteo Nunziati e, in rosso, Ics Ipsilon, design Rodrigo Torres. A destra, poltrona Ventura Lounge di Jean-Marie Massaud davanti al sistema Wall System, CR&S Poliform, e accanto al tavolino Flute di Roberto Barbieri. Sotto, seduta Grace e tavolo Concorde, design Emmanuel Gallina. Corners of the Hall Oscar showroom, in Moscow, recreate home settings by Poliform. Left, foreground: on the wall, Sintesi living system by Carlo Colombo; Bolton sofa by Giuseppe Viganò with Class coffee table, designed by Matteo Nunziati, and, in red, Ics - Ipsilon, designed by Rodrigo Torres. Right, Ventura Lounge armchair by JeanMarie Massaud, in front of the Wall System by CR&S Poliform, and next to the Flute coffee table by Roberto Barbieri. Below, Grace seat and Concorde table by Emmanuel Gallina.

Prodotti più venduti? I prodotti disegnati da Jean Marie Massaud: in questo momento piace molto il suo stile, che si ispira a forme di un tempo rivisitandole, un accenno ‘nostalgico’ che i russi amano perché ricorda il passato. Il designer è riuscito a trovare un punto di contatto ed equilibrio tra rètro e contemporaneo. Tutti i pezzi di Massaud si abbinano molto bene a ﬁniture importanti come ad esempio gli stucchi, le porte classiche, gli elementi in massello. Soluzioni che piacciono agli architetti perché consentono di muoversi agilmente ed esprimersi in tutta libertà. www.poliform.it www.halloscar.ru

What do those entering any of the Hall Oscar showrooms look for? People always seek an opportunity to improve their own private spaces, their lifestyles. They want to take the designer’s and company’s skills and creativity to their homes. Hall Oscar has a mission to fulﬁl in collecting and assessing customers’ desires and then providing comprehensive consultancy and expertise in interior projects. Why do they choose Poliform? The brand offers such a wide and highend range as to fully satisfy individual requirements. The general public loves it; they always ﬁnd something special and unique. Personally speaking, I like its elegance, quality and ongoing quest for

perfection in every single detail. What is more, they always try to anticipate trends. We do not have a homogeneous customer base. Our customers vary in age, habits and requirements. You need expertise and skills to clearly see these differences. How have you adapted the company’s style to the Russian style? At Poliform, comfort also makes a difference: we do not need to adjust its style to Russian taste. Most of our customers appreciate this uniqueness, which is a plus. What strategy have you implemented to allow the showroom to always look attractive? Regularly updating the displays is of the utmost importance, and we do that in the

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I corner dedicati alla cucina Varenna e alla zona notte, con la cabina armadio Ubik, CR&S Poliform, e le poltroncine Santa Monica di Jean-Marie Massaud (qui a sinistra), i letti Onda, design Paolo Piva (pagina accanto) e Dream, design Marcel Wanders (sotto) e la poltrona ‘biomorfa’ Wallace di JeanMarie Massaud. Corners focused on the Varenna kitchen and the sleeping area, with the Ubik walk-in wardrobe, by CR&S Poliform, and the Santa Monica armchairs by Jean-Marie Massaud (left), the Onda beds, designed by Paolo Piva (opposite), and Dream, designed by Marcel Wanders (below), and the ‘biomorphic’ Wallace armchair by Jean-Marie Massaud.

showroom in Moscow as in the showroom in St. Petersburg. We try to make the new products launched at Milan’s Salone del Mobile stand out. Every year we organize 3 or 4 special events, which we try to make as enjoyable as possible, with music and cocktail parties, where we update the displays of the latest pieces. This year we organized a very important one, involving Russian designers and architects, in Milan, namely in the Poliform/Varenna showroom, during the design week (editor’s note: published in DDN issue n°. 195 of June 2013).

What are the distinguishing features of your job? The best aspect of my job is that I am aware that I am offering the very best; Poliform’s production speaks for itself. And customers acknowledge this. The same is true for Varenna, the company’s brand of kitchens: quality remains the same. What are the best-selling products? The ones designed by Jean Marie Massaud: his style is very popular at the moment; he draws inspiration from old forms, redesigning them, a ‘nostalgic’

hint, of which the Russians are fond, because it is reminiscent of the past. The designer has managed to ﬁnd a point of contact and balance between retro and contemporary. All of Massaud’s pieces perfectly match prominent ﬁnishes, including stuccoes, classic doors, parts made of solid wood. These solutions appeal to architects, because they allow them to be agile and express themselves freely. www.poliform.it www.halloscar.ru

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MOSCA

FOR PAST LOVERS ]b FZgnêZ =b FZkb Stile anni ’60 e ’70 ripresi dallo studio Archi-do per uffici di rappresentanza nel centro di Mosca. The style of the ‘60s and ‘70s borrowed by the Archi-do firm for executive offices in the centre of Moscow.

Per il progetto di interni degli uffici della Wooden Fish Company, Vadim Kondrashev e lo studio Archi-do, di cui è fondatore, si è ispirato a Joe Colombo e all’arredo realizzato tra il 1962-64 per l’Hotel Pontinental nel Golfo dell’Asinara, in Sardegna. Profondo estimatore del designer italiano e della modernità espressa negli anni ’60 e ’70, Kondrashev ha fatto propri questi stilemi restituendoli filtrati e adattati a contemporaneità e necessità, nel rispetto di calcoli tecnici e distanza degli spazi condivisi, comfort delle postazioni di lavoro operative e direzionali. La geometria ottagonale dello spazio - 380 mq -, situato al 24esimo piano della Paveletskaya Plaza Tower, ben si è prestata al variare delle proporzioni, dando vita a ‘spazi fluttuanti’ grazie ad un sistema di partizioni ortogonali indipendenti. Per gli arredi sono stati scelti pezzi di Fritz Hansen, USM, Fredericia, Gira, Vitra, insieme ad artobjects di Achille Castiglioni e Weltron-b, con evidente intento di immergere i fruitori in una atmosfera carica di eredità di tempi specifici.

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Per Kondrashev è determinante essere eredi dei maestri del passato, mentre la missione dello studio è comunque sempre quella di fornire al cliente le giuste condizioni afﬁnché l’architettura contribuisca a facilitare la vita di chi la abita. www.archi-do.ru

For the interior design of the executive offices of the Wooden Fish company, Vadim Kondrashev and the Archi-do firm, of which he is a founder, were inspired by Joe Colombo and the furniture he designed for the Hotel Pontinental in the Gulf of Asinara, in Sardinia. A profound admirer of the Italian designer and the modernity he expressed in the ‘60s and ‘70s, Kondrashev adopted this design language, which he filtered and adapted to the contemporary spirit and to contemporary needs, designing the common spaces to comply with technical standards and distances, and standards of comfort for operative and executive workstations. The octagonal geometry of the space – 380 square metres – located on the 24th floor of the Paveletskaya Plaza Tower, is well suited to the differentiation of proportions, which creates ‘fluctuating spaces’ by means of a system of independent orthogonal partitions. The furniture was selected to include pieces by Fritz Hansen, USM, Fredericia, Gira, Vitra as well as art-objects by Achille Castiglioni and Weltron-b, with the clear intention of immersing the users in an atmosphere laden with the legacy of a specific era. Kondrashev believes that the legacy of the masters of the past is crucial, while the mission of the firm is consistently to provide the right conditions for the client so that the architecture may contribute to making life easier for those who live in it. www.archi-do.ru In queste pagine, punti di osservazione diversi sull’area d’attesa e reception degli uffici della Wooden Fish Company, a Mosca. Un progetto dello studio Archi-do con base a S. Pietroburgo. On these pages, different points of view over the waiting area and reception in the offices of the Wooden Fish Company, in Moscow. A project by the firm Archi-do, based in Saint Petersburg.

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Pianta ottagonale degli uffici situati al 24° piano della Paveletskaya Plaza Tower a Mosca, ed alcuni degli spazi separati con pareti a lamelle, postazioni di lavoro, ufficio e bagno del direttore, meeting room. Progetto studio Archi-do. The octagonal plan of the offices located on the 24th floor of the Paveletskaya Plaza Tower in Moscow, and some of the spaces partitioned with slatted walls, workstations, the office and bathroom of the director, the meeting room. Project by the Archi-do firm.

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SAN PIETROBURGO

PROGRESSIVE THINKING

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A San Pietroburgo, vista mozzaﬁato sulla fortezza di Pietro e Paolo e Neva Embankment per la penthouse arredata Poliform. In Saint Petersburg, a breathtaking view over the fortress of Saint Peter and Paul and the Neva Embankment for the penthouse furnished by Poliform.

Ricalca volutamente l’estetica del design sovietico, il doppio attico situato nel cuore di San Pietroburgo, in Mitchurinskaya street, ispirato agli appartamenti dei diplomatici del tempo. Una scelta dello studio Archi-do che, per gli interni, ha voluto l’italiana Poliform quale miglior interprete per dialogare con l’insieme. Un compito delicato per una residenza che deve riﬂettere l’energia, lo stile di vita e l’apertura mentale di una coppia che ama viaggiare molto ma, quando è a casa, accoglie e vede gravitare una famiglia numerosa. La combinazione di aspetti classici e proporzioni severe con uno stile nuovo e vivace è stato il primo passo. Ogni stanza ospita un pezzo unico e iconico di design per conferire familiarità e armonia ai proprietari, come il lampadario in vetro di Murano creato da Gio Ponti, “un

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classico disegnato da un uomo dal pensiero progressista” - raccontano gli architetti -, probabilmente in linea con quello dei proprietari. “L’appartamento - continuano - ha poi acquistato uno stile senza tempo grazie alla ﬂessibilità e modularità degli elementi Poliform, trasformando lo spazio in multifunzionale e totalmente personalizzato”. www.archi-do.ru

Deliberately mirroring the aesthetics of Soviet design, the double penthouse located in the heart of San Petersburg, in Mitchurinskaya Street, was inspired by the apartments of the diplomats of the time. A design approach by the Archido firm which, for the interiors, selected Italian furniture by Poliform as the best counterpart for a dialogue with the whole. A delicate task for a residence that must reflect the energy, lifestyle and open mind of a local couple who loves to travel; but when they are at home, it must welcomes a large family that gravitates around it. Combining classical aspects and austere proportions with a lively new style was the first step. Each room features a unique iconic design piece to bring familiarity

Interni della penthouse a San Pietroburgo progettata dallo studio Archi-do e arredata con elementi Poliform.

Interiors of the penthouse in Saint Petersburg designed by the Archi-do ﬁrm and furnished with elements by Poliform.

and harmony to the owners, such as the Murano glass chandelier created by Gio Ponti, “a classic designed by a man known for his progressive thinking” – explain the architects – probably similar to that of the owners. “The apartment – they continue – also achieved a ‘timeless’ style thanks to the ﬂexibility and modularity of the Poliform elements, which transform the space to make it multifunctional and totally personalized.” www.archi-do.ru

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KIEV

PROJECT FUSION

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La nuova churrascaria progettata da Paolo Nicolò Rusolen a Kiev. The new churrascaria designed by Paolo Nicolò Rusolen in Kiev.

Paolo Nicolò Rusolen, giovane architetto e designer italiano, è in grado di parlare a pieno titolo dell’Ucraina contemporanea e, in particolare, della capitale Kiev. Da sei anni riceve importanti commesse e realizza strutture residenziali e spazi per la ristorazione. Ha aperto un ufﬁcio a Kiev e vive tra Italia e Ucraina, maturando una forte esperienza della cultura, degli stili di vita e dello sviluppo del business e del mercato in un Paese promettente per gli investitori, in particolare nell’area delle costruzioni e della domanda di arredi di design. In questo senso, interessante è il ruolo che il progettista italiano si è trovato a svolgere nello sviluppo di due ristoranti, uno di sushi e uno di churrasco, nel pieno centro di Kiev, commissionati da un unico sponsor ucraino fortemente orientato alla fusion culturale in nome del design. Il modello del Sushi Shusiya è stato già replicato 10/12 volte in varie città, oltre a Kiev, mentre la nuovissima churrascaria apre in gennaio nella Capitale. Racconta Rusolen: “la churrascaria sarà la prima del suo genere a Kiev e la prima in Ucraina. L’idea del cliente è di trasferire la cultura brasiliana del cibo, dello stare a tavola e della convivialità all’interno di una cultura molto forte, un po’ rigida e, direi, totalmente differente come quella ucraina. Abbiamo fatto una ricerca e, prima di concentrarci sul progetto, siamo andati in Brasile per capire meglio la cultura dello stare a tavola a lungo, del mangiare, del parlare. E siamo entrati nei dettagli della churrascaria, ﬁno al punto di portare a Kiev anche i Churraschi, che dovranno insegnare ai locali le tecniche di taglio della carne. Abbiamo studiato le varie attrezzature usate per cuocerla, lasciando sulla carne un inconfondibile sapore. A queste indagini abbiamo dedicato molto tempo,

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esattamente come avevamo fatto per il primo ristorante Sushi- Design in Ucraina”. Che tipo è il committente? Gennadiy Madvedev è un imprenditore che ama investire su più fronti, una persona molto curiosa e aperta al nuovo, con una gran voglia di far conoscere agli ucraini le più varie culture. Per la catena di ristoranti Sushi, il committente mi ha chiesto di fare un passo avanti, e creare un nuovo concept di design, un network con una impostazione innovativa. In questa occasione, ho dedicato la mia ricerca alla cultura giapponese del cibo e della tavola su specifiche tipologie di ristoranti, per cercare di creare una fusion tra questa cultura e quella di un progetto Made in Italy. Con un risultato che ha raggiunto l’obbiettivo desiderato. Il briefing per la churrascaria? Come ho anticipato, non mi si chiedeva di realizzare un ristorante in stile ‘churrascaria’, ma di trasferire la cultura brasiliana all’interno dell’Ucraina. La ricerca della location più idonea si è ispirata ad uno spazio ampio che permettesse di sviluppare il tema ‘l’uomo e la carne’, inteso come concetto nutritivo, su una delle pareti del locale attraverso una sorta di affresco, quasi un murale dipinto a mano. Altri punti salienti del progetto sono un camino in pietra, posizionato strategicamente sotto una grande cupola a vetri; e poi materiali costruttivi, come il legno essiccato, che io stesso ho portato dal Brasile. Sicuramente, elemento forte di questo tipo di ristorante è il bancone degli antipasti, che ho disegnato e pensato nella duplice funzione estetica e di approvvigionamento, preliminare alle fasi successive della tavola. A livello di grafica, abbiamo pensato ad un logo come Grill do Brasil, che po-

tesse identificare subito la tipologia del ristorante, attraverso l’immagine di un bovino inciso su targa in acciaio. Chi entrerà nella churrascaria? Ci aspettiamo chiunque, di qualunque età, ma di classe sociale medio-alta. Se al prezzo fisso del menu di 25 dollari si aggiungono le bevande si arriva a 35-40 dollari: una cifra importante sul mercato ucraino. I nuovi stili di vita lo consentono? Il mercato ucraino è in grande sviluppo e lo vediamo dai molti edifici che si continuano a costruire. C’è richiesta da parte di investitori provenienti da tutto il mondo a promuovere in Ucraina nuovi business. Questo è un Paese ricco di materie prime e di grandi potenzialità. In particolare Kiev è una città dalla forte personalità, in grande espansione. Forte è la sua cultura, forte il carattere delle persone che vogliono comunque imporsi e farsi sentire. Anche i giovani stanno cercando di ritagliarsi un loro spazio, intraprendendo nuove iniziative. La forte cultura ucraina è in netta evoluzione rispetto a canoni precedenti. Come progettista italiano, hai dovuto mediare tra queste culture? Sicuramente ho dovuto trovare la via di mezzo tra il bianco e il nero. All’interno di questa triangolazione Brasile-Ucraina-Italia, ho cercato la giusta misura per far convivere tipologie e concetti alimentari diversi rispetto a quelli abituali. Come progettista, il mio ruolo è stato di promuovere l’incontro tra culture diverse, di farle coesistere, di favorire una ‘crossfertilisation’. E, in quanto designer italiano, portatore dei valori e del know how del Made in Italy, mi sono messo in gioco promuovendo una fusion tra le due culture. www.pnrdesign.com

The young Italian architect and designer, Paolo Nicolò Rusolen, can legitimately speak about contemporary Ukraine in general, and the capital city, Kiev, in particular. For six years he has been commissioned major projects and designing homes and restaurants. He has set up his own business in Kiev and has split his life between Italy and Ukraine, being familiar with culture, lifestyles, and business and market development in a country which looks promising for investors, especially in the building and designer furniture sectors. In this respect, stress should be laid on the role the Italian designer played in developing two restaurants, namely a sushi restaurant and a churrascaria, in the heart of Kiev, commissioned by one Ukrainian sponsor, strongly oriented towards cultural fusion in the name of design. The Sushi Shusiya model has already been replicated 10 to 12 times in several cities, and not only in Kiev, whereas the brand-new churrascaria opened in the capital in January. P.N. Rusolen: The churrascaria is going to be the ﬁrst of its kind in Ukraine. It is the customer’s goal to transfer the Brazilian culture of food, dining and conviviality into the deep-rooted, somewhat rigid and, I would say, totally different Ukrainian

culture. We carried out research and, before concentrating on the project, we went to Brazil, to become more familiar with the culture of long dining hours, of eating and talking. And we went into the details of the churrascaria, and even took the churrascos to Kiev. They will have to teach the locals how to cut meat. We studied the utensils used to cook meat, leaving a unique flavour on it. We spent much time on such research, just as we had done for Ukraine’s first Sushi-Design restaurant. What about the customer? Gennadiy Madvedev is an entrepreneur, who loves investing on several fronts, a curious person open to what is new, who is longing to make a variety of cultures known to Ukrainians. As far as the chain of Sushi restaurants is concerned, the customer asked me to take a step forward, and create a new concept of design, a network with an innovative approach. In this case, I focused my research efforts on the Japanese culture of food and dining, on certain types of restaurants, to try to fuse this culture with an Italian made project. The goal has been achieved... What brief did you get for the churrascaria exactly? As I said before, I was not asked to make a churrascaria style restaurant; I was asked to transfer Brazilian culture into Ukraine. The search for the most suitable location was inspired by large premises designed to allow the theme “Man and meat”, understood as a nutritional concept, to be developed, on one of the walls of the place, through a sort of fresco, nearly a handpainted mural. The other salient points of the project include a stone fireplace, strategically placed under a big glass dome, and building materials, such as dried wood, which I personally brought

from Brazil. No doubt the key ingredients of this type of restaurant include the starter counter, which I wanted to perform a dual function - that is, an aesthetic and a supplying one - as preliminary to the next dining steps. As for the graphic design, we thought of the logo “Grill do Brasil”, which was meant to immediately identify the type of restaurant, through the image of a cow engraved on a steel plate. Who is going to enter the churrascaria? We expect it to be entered by anybody, of any age, though belonging to mediumhigh social classes. If you add drinks to the set 25 dollar menu, you get to a ﬁnal price of 35-40 dollars: quite a high amount in the Ukrainian market. Do new lifestyles make this possible? The Ukrainian market is developing signiﬁcantly, as you can see from the many new buildings that are rising everywhere. Investors from all over the world are interested in promoting new lines of business in Ukraine. This country is rich with raw materials and can boast remarkable potentialities. In particular, Kiev is a fast-growing city with a strong personality. Its culture is strong, just like the characters of the people, who want to stand out and make themselves heard. Young people are also trying to carve out a niche for themselves, embarking on new projects. Strong Ukrainian culture is evolving to a marked extent compared to previous standards. As an Italian designer, did you have to mediate between these cultures? No doubt I had to opt for a cross between black and white. Within the Brazil-Ukraine-Italy triangle, I tried to match types and concepts of food differing from habitual ones. As a designer, my role was to promote harmony between different cultures, make them coexist, encourage cross fertilization. And as an Italian designer supporting Italian values and know-how, I put myself on the line, promoting a fusion between the two cultures. www.pnrdesign.com

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PARIS

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ET DEMAIN… DESIGN m^lmh ^ _hmh ]b En\bZgZ <nhfh

Et demain… è il tema che tesse il ﬁlo del percorso parigino del design, nei primi giorni di giugno e negli spazi più belli dedicati al progetto: showroom, musei, gallerie, studi, atelier. Prendiamo il via dalla mostra Momentané dei fratelli Bouroullec al Museo delle Arti Decorative, per arrivare alla Ocean Collection dei fratelli Campana alla Carpenters Workshop Gallery. E facciamo tappa negli eleganti showroom dei top brand italiani della Rive Gauche. Et demain… is the theme that wove through the thread of the design itinerary in Paris, in early June in the most beautiful spaces dedicated to design: showrooms, museums, galleries, studios, ateliers. We start the journey from the Momentané exhibit by the Bouroullec brothers to the Museum of Decorative Arts, ending at the Ocean Collection by the Campana brothers at the Carpenters Workshop Gallery. With stops along the way at the elegant showrooms of the top Italian brands on the Rive Gauche.

In queste pagine, Momentané, mostra monograﬁca dei fratelli Ronan&Erwan Bouroullec al Museo delle Arti Decorative. In foto, la grande navata centrale.

On these pages, Momentané, a monograph exhibition of the work of brothers Ronan&Erwan Bouroullec at the Museum of Decorative Arts. In the photo the large central nave.

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Bel titolo si è dato il Designer’s Days 2013: E domani… che ne sarà del design? Il design che è un mestiere, una disciplina, un valore aggiunto economico e creativo, una funzione strategica di sviluppo per tutti gli operatori di questa “bella impresa”, come la deﬁnisce il presidente dell’associazione René-Jacques Mayer. Per questo evento, che porta il design nelle più belle vie di Parigi, nei suoi negozi, nelle periferie rinnovate... “Noi - dichiara Mayer - abbiamo fatto un sogno: che il design, proprio e solamente lui, continui ad esserne la bandiera, perché è un contenuto così ricco, che non serve addentrarsi in altri territori. Che, all’interno di esso, i design(s) siano tutti rappresentati, graﬁci, tessili, di materiali e oggetti, industriali e di servizi. Che il D’DAYS sia piattaforma di creazione ed esposizioni che incrocino i punti di vista, gli sguardi di tutti gli attori di questa disciplina e degli altri settori della creazione contemporanea. Che generi il dibattito, l’apporto di contributi politici, economici e personali. Che giochi un ruolo di collegamento tra attori economici e culturali, che vivono di design, nella relazione tra scuole, imprese, musei e forze economiche nazionali e internazionali”. Con questa tematica D’DAYS riafferma, nella 13a edizione, il suo statuto di festival e di agitatore di idee e assume una dimensione di progresso, di innovazione, di evoluzione, all’interno della esecuzione dei nostri gesti quotidiani. Essere designer nel 2013, e domani…, è prendersi la responsabilità di creare abitudini, oggetti che saranno esemplari, nel loro ciclo produttivo, e che avranno una vita durevole. Il vero bisogno di domani è proporre soluzioni alternative, idee per vivere meglio insieme. Pensare a domani è ricordarsi che il design è uno strumento creativo e culturale per uscire dalla crisi. E domani sarà anche il teatro di nuovi legami, nuovi incontri tra i campi della creazione che D’DAYS si augura di provocare, incrociando gli approcci e incoraggiando lo spostamento degli sguardi. www.designersdays.com

L’installazione tessile dei fratelli Bouroullec nella grande navata e gli spazi laterali dedicati, sempre dai Bouroullec, al progetto domestico (pagina accanto). The textile installation by the Bouroullec brothers in the large nave and side spaces dedicated by the Bouroullec brothers to domestic design (page across).

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What a great title they thought of for Designer’s Days 2013 : “And tomorrow… what will be of design? Design is a trade, a discipline, an added economic and creative value, a function for strategic development for all the professionals of this “lovely endeavor”, the D’DAYS in Paris – as it is deﬁned by the president of the association René-Jacques Mayer. For this event, which brings design into the ﬁnest streets of Paris, into its stores, into its renovated suburbs… “We – declares Mayer – had a dream: that design, and design alone, continue to be a banner, because so rich is it in content that it doesn’t need to move into other territories. That in design(s), everyone be represented, graphic, textile, material and object designers, industrial and service designers. That

the D’DAYS be a platform for creation and exhibition that crossbreeds points of view, the visions of all the actors in this discipline and the other sectors of contemporary creation. That it generate debate, that it attract political, economic and personal contributions. That it serve as a connection between economic and cultural actors, who live by means of design, in a relationship between schools, businesses, museums and national and international economic forces”. With this theme D’DAYS, in its 13th edition, conﬁrms its status as a festival and as a shaker and mover of ideas, to build a dimension of progress, innovation, evolution, for the implementation of our everyday gestures. To be a designer in 2013, and tomorrow… is to take responsibility for creating

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Exhibition sul design nordico organizzata da Galerie Maria Wettergren al Museo Eugène Delacroix. In alto, la chaise longue Slow Relief di Louise Cambell. Qui sopra, il giardino con scultura di Mathias Bengtsson e le tappezzerie a ﬁbre ottiche della designer danese Astrid Krogh.

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Exhibition on Nordic design organized by Galerie Maria Wettergren at the Eugène Delacroix Museum. At top, the Slow Relief chaise longue by Louise Campbell. Above, the garden with a sculpture by Mathias Bengtsson and the optical ﬁbre tapestries by Danish designer Astrid Krogh.

Showroom Poliform Silvera in Rue du Bac: installazione Material Evidence di Ammar Eloueini. The Silvera Poliform showroom in Rue du Bac: Material Evidence installation by Ammar Eloueini.

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habits, objects that will be exemplary in their productive cycle, and that will have a life of longevity. To think about tomorrow is to remember that design is a creative and cultural tool that can help get us through the crisis. And tomorrow it will also be the stage for new bonds, new encounters between the ďŹ elds of creation which Dâ&#x20AC;&#x2122;DAYS hopes to provoke, by crossing approaches and encouraging a shift in vision. www.designersday.s.com

In questa pagina, evento Silvera Poliform. Sopra, da sinistra, Paul Silvera (CEO Silvera) e Giovanni Anzani (CEO Poliform). Qui accanto, il progettista franco-americano, di origine libanese, Ammar Eloueini, studio AEDS. Alcune sue collezioni sono esposte al MoMA, New York. Nella pagina accanto, Material Evidence, che studia il rapporto tra architettura, spazio e mobile. On this page, the Silvera Poliform event. Above, from left, Paul Silvera (CEO Silvera) and Giovanni Anzani (CEO Poliform). Across, the FrenchAmerican designer, of Lebanese origin, Ammar Eloueini, studio AEDS. Some of his collections are on display at the MoMA, New York. Page across, the Material Evidence installation, which explores the relationship between architecture, space and furniture.

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In alto, interpretazioni degli studenti della École Camondo: nell’immagine, il progetto di Eudes Bergoin&Tanguy Perisset. A sinistra, evento B&B Italia-Silvera nello showroom in Rue du Bac: scenograﬁa Effetto Papilio, Studio B&B Italia. Qui sopra, lo showroom Cappellini presenta la ‘metaforma’ di Matali Crasset (in foto).

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At top, interpretations by the students of the École Camondo: in the picture, the project by Eudes Bergoin&Tanguy Perisset. At left, the B&B ItaliaSilvera event in the showroom in Rue du Bac: set design by Effetto Papilio, Studio B&B Italia. Above, the Cappellini showroom presents the ‘metaform’ by Matali Crasset (in the photo).

Showroom Boffi Bains: scenografia Tomorrowmorphing, design Claudio Colucci. Showroom Boffi Bains: set design by Tomorrowmorphing, design Claudio Colucci.

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Bofﬁ Paris presenta Utensili culinari di domani, con i lavori di 6 giovani designer. In alto, la vetrina su Boulevard Saint Germain e, accanto, progetto e installazione ﬁrmata dallo studio Pool (in foto, Lea Padovani). Al centro, da sinistra, strumenti per la conservazione, di Germain Bourré (in foto) e, accanto, Cuisine vernaculaire di Francois Mangeol (in foto). In basso, Pauline Deltour designer di Matières à découvert.

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Bofﬁ Paris presents The Kitchen Utensils of Tomorrow, with works by 6 young designers. At top, the store window on Boulevard Saint Germain and, across, design and installation by studio Pool (in the photo, Lea Padovani). At centre, from left, conservation utensils by Germain Bourré (in the photo) and, across, Cuisine vernaculaire by François Mangeol (in the photo). Below, Pauline Deltour designer of Matières à découvert.

In alto, showroom Poltrona Frau: L’oeil eclipse la lune, scenograﬁa surrealista di Vincent Darré. Sotto, la Carpenters Workshop Gallery espone la Ocean Collection dei fratelli Campana. In foto, da sinistra, Sushi Cabinet e alcuni esemplari unici dei Wall and Pendant Mirrors.

At top, Poltrona Frau showroom: L’oeil eclipse la lune, Surrealist backdrop by Vincent Darré. Below, the Carpenters Workshop Gallery exhibits the Ocean Collection by the Campana brothers. In the photo, from left, Sushi Cabinet and some one-of-a-kind pieces from Wall and Pendant Mirrors.

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LA CULTURA DI MARSIGLIA MARSEILLE’S CULTURE ]b En\bZgZ <nhfh _hmh <kblmbgZ ?bhk^gmbgb La Capitale Europea della Cultura 2013 ha colto l’occasione per aggiudicarsi alcune tra le architetture pubbliche più belle del Mediterraneo. The European capital of culture 2013 has taken the opportunity to win some of the most beautiful public buildings in the Mediterranean region.

LA TETTOIA DI NORMAN FOSTER NORMAN FOSTER’S SHELTER Progettata nel segno della semplicità e del rispetto della storia, è considerata il vero simbolo della riscoperta dello spazio pubblico. Un viaggio allo specchio per la città. Designed in the name of simplicity and respect for history, it is considered the real symbol of the rediscovery of public space. A mirror tour around the city.

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In queste pagine e nella seguente, il padiglione progettato dallo studio Foster+Partners insieme al landscape designer Michel Desvigne, per Marsiglia Capitale Europea della Cultura 2013. È una tettoia in acciaio inox su ‘pilotis’ nel vecchio porto della città, destinata ad eventi, spettacoli e mercati. These pages and overleaf, the pavilion designed by Foster+Partners with the landscape designer, Michel Desvigne, for Marseille, European Capital of Culture 2013. It is a blade of stainless steel supported by pillars in Marseille’s Vieux Port, sheltering a ﬂexible new pavilion for events, shows and markets.

Progettata da Foster+Partners, con Michel Desvigne, situata in Quai des Belges, sembra essere il vero simbolo della riscoperta dello spazio pubblico nel Vieux Port di Marsiglia, Capitale Europea della Cultura 2013. Opera quasi astratta, una semplice linea all’orizzonte, è un padiglione aperto, di 46 metri per 22, alto 6 metri, in acciaio inox che posa su 8 esili ‘pilotis’. Un grande specchio, che riflette e moltiplica la vita circostante, invertendo il punto di vista e catturando l’attenzione della gente. La città si specchia in quel rettangolo di cielo che riflette il suolo, le barche, il mare, le case, in un gioco di rimandi che amplia all’infinito

lo spazio. L’intervento temporaneo di Norman Foster si inserisce nel più ampio masterplan di riqualificazione dei moli come spazio pubblico e del porto, in generale, per riconnetterlo alla città, firmato da Foster, insieme al landscape designer Michel Desvigne. Il piano prevede anche una progressiva riduzione del traffico e un ampliamento delle aree pedonali, oltre a una risistemazione della pavimentazione del porto, con nuove lastre di granito chiaro, che richiamano le tonalità originali dei ciottoli di calcare. Viene favorito l’utilizzo di materiali scabri e resistenti, e di tutto quanto contribuisce a migliorare l’accessibilità e la flessibilità d’uso delle

vecchie banchine, riproposte come elementi di uno spazio civico pedonalizzato. Ai piedi della tettoia, una sottile lastra in granito amplifica l’effetto del riflesso. Il padiglione può diventare teatro per manifestazioni, spettacoli, mercati e ritrovo di ogni genere. L’intervento progettuale minimizza l’impatto della struttura sull’ambiente e amplifica l’impatto visivo del luogo. “L’approccio che abbiamo adottato - sono parole di Foster - è stato lavorare con l’ambientazione a creare ombra, rispettando, al tempo stesso, lo spazio del porto, cercando soltanto di renderlo migliore”. www.fosterandpartners.com

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Designed by Foster+Partners, with Michel Desvigne, and located in Quai des Belges, it looks as if it is the real symbol of the rediscovery of public space in the Vieux Port of Marseille, European Capital of Culture 2013. A nearly abstract work, a simple line on the horizon, it is an open pavilion, 46x22 m, 6 metres high, made of stainless steel, supported by 8 slender pillars. A large mirror, which reflects and multiplies surrounding life, reversing the viewpoint and catching people’s attention. The city is mirrored in that rectangle of sky which reflects the ground, the boats, the sea, the houses, with such effects as to expanding space endlessly. Norman Foster’s temporary project is part of the wider-ranging masterplan for the reclamation of the quaysides as a civic space, and, generally speaking, of the harbour, to connect it with the city, developed by Foster with the landscape designer, Michel Desvigne. Under the plan, traffic will also be progressively removed, and the space for pedestrians enlarged; in addition, the paving of the harbour will be renovated, with a new pale granite surface, which echoes the shade of the original limestone cobbles. The emphasis is on the use of roughly textured, hardwearing materials and everything that helps improve accessibility and flexible use of the old quays, redeveloped to create a pedestrianised public realm. At the foot of the shelter, a thin slab of

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granite ampliﬁes the effect of reﬂection. The pavilion can also be used for shows, markets and all sorts of meetings. The project is such as to minimize the impact of the structure on the environment and amplify the visual

impact of the place. “Our approach - said Lord Foster - has been to work with the climate, to create shade, but at the same time to respect the space of the harbour just making it better.” www.fosterandpartners.com

IL FRAC DI KENGO KUMA KENGO KUMA’S TAILCOAT Un museo senza un museo, vivo e cangiante, un laboratorio interattivo, un forte segnale urbano rivolto alla strada. Uno spazio ﬂuido e dinamico, che si lascia invadere. A museum without a museum, lively and changeable, an interactive workshop, a strong urban, street-focused signal. A smooth, dynamic space, which lets itself be invaded.

Il FRAC, museo di arte contemporanea, è un progetto di Kengo Kuma. L’ediﬁcio è diviso in due corpi interconnessi da una doppia passerella. Nelle foto, la Torre rivestita da 1500 pannelli fotocromatici in vetro riciclato. The contemporary art museum, FRAC, is a project by Kengo Kuma. The building is divided into two bodies interconnected by a double walkway. Photos, the Tower clad with 1,500 photochromic panels made of recycled glass.

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Ancora una volta la grande capacità francese di decentrare la cultura trova lo spazio degno ad esprimerla. In 5 anni Kengo Kuma, dopo avere sbaragliato in un concorso a inviti 5 formidabili competitor, ha progettato e realizzato il FRAC, il più suggestivo dei 23 centri francesi dei Fondi Regionali d’Arte Contemporanea, che ospita collezioni pubbliche e temporanee, con l’obiettivo di renderle fruibili dal grande pubblico. L’edificio è nel quartiere di Joliette, nella zona del porto di Marsiglia, in un’area in piena ristrutturazione urbana. L’inserimento del progetto all’interno di un contesto urbano complesso ne ha condizionato le volumetrie. L’edicio è diviso in due corpi separati da aree aperte e interconnessi da una doppia passerella; una torre al Nord e il corpo principale nella parte Sud Est. Quest’ultimo, che si sviluppa lungo la via, è destinato agli spazi espositivi, ai centri media, alla documentazione, ai residence-studios e agli uffici, mentre la torre ospita l’auditorium, un laboratorio didattico, il caffè ed una terrazza urbana panoramica aperta sul boulevard. Il direttore del FRAC di Marsiglia lo descrive come un laboratorio piuttosto che un museo, rivolto a formare uno straordinario circuito culturale, in relazione alle numerose architetture marsigliesi che stanno sorgendo. Le aree tra i due corpi del FRAC, non edificabili, servono da pretesto per la creazione di spazi esterni unici, come la terrazza nel cuore dell’isolotto e il giardino di agrumeti collegato all’edificio. Sono spazi che offrono una vista libera sul verde per gli edifici vicini. La torre gioca un ruolo di forte segnale urbano rivolta alla strada, ad annunciare le nuove attrattive. L’ingresso dell’edificio ha una trasparenza to-

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tale che invita il pubblico ad entrare ed esplorare liberamente . L’involucro del FRAC è fatto di elementi in vetro a varia opacità, costruiti secondo una geometria snella e verticale che crea una sottile pelle fotocromatica e variabile. I pannelli in vetro sono 1500 pezzi di materiale riciclato, fuso con smalto e fatti a mano nel laboratorio del maestro-vetraio Emmanuel Barrois. All’interno del museo, le stanze spaziose hanno alti sofﬁtti, tagli di luce e cemento a vista. È un Museo senza un Museo - secondo Kengo Kuma -, un museo vivo e mutevole, in cui i lavori sono in perenne movimeto e fanno parte di in concetto di disseminazione e interazione con il pubblico. Progettato in modo naturale, secondo gli altissimi nuovi standard di qualità ambientale cari all’architetto giapponese delle sublimi strutture di bambù in Asia, che qui presenta una variazione contestuale del suo lavoro con la luce. E, in accordo con l’idea di spazio aperto alla città, il progettista concepisce i volumi in una spirale di movimento e punta a creare un legame ﬂuido come un’onda di luce tra interno ed esterno dell’architettura. Sono questi elementi, che rappresentano fragilità e vaghezza attraverso l’uso di lenti speciali, che funzionano come pixel, non senza un richiamo al maestro della ‘citta radiosa’. Come spazio espositivo, library, aule e residence per artisti, il FRAC dimostra un’ambizione interattiva e multidisciplinare. Anche al suo interno, il cortile con la terrazza apre su una visione in cornice della realtà marsigliese: il programma del FRAC è, prima di tutto, una collezione vivente in sintonia con la città. www.kkaa.co.jp

The outstanding French ability to decentralize culture has, again, found a space worth expressing it. It took Kengo Kuma, who had routed 5 amazing competitors in a contest by invitation, 5 years to design and make FRAC, France’s most charming centre among the 23 ones built under the Regional Contemporary Art Funds. It accommodates public and temporary collections, with a view to

allowing the general public to gain access to them. The building stands in the Joliette district, in Marseille’s harbour area, where urban renovation projects are in full swing. The inclusion of the project in a complex urban background has inﬂuenced the volumes. The building is divided into two bodies separated by open areas and interconnected by a double walkway; a tower facing north, and the main body facing south-east. The latter, which rises along the street, has been designed to accommodate exhibition spaces, media centres, documentation, residence studios and ofﬁces; whereas the tower houses the auditorium, an educational laboratory, a cafe and a panoramic urban terrace overlooking the boulevard. The director of Marseille’s FRAC described it as a laboratory, rather than a museum, designed to form a unique cultural circuit, in relation to the many buildings that are rising in Marseille. The non-building areas between the two bodies of FRAC mean an opportunity to create unique exterior spaces, like the terrace in the heart of the islet, and the citrus garden connected with the building. These spaces provide a free view of the greenery for the nearby buildings. The tower stands out as an urban, street-focused signal, with a view to announcing new attractions. The entrance of the building is totally transparent, thereby encouraging people to go in and freely explore it. The shell of FRAC is made up of glass parts varying in opacity,

based on a slender, vertical structure which forms a thin photochromic and variable skin. The glass panels are 1,500 pieces of recycled material, melted with enamel and hand-made in the workshop of the master glass-maker, Emmanuel Barrois. In the museum, the spacious halls are fitted with high ceilings and exposed openings and concrete parts. According to Kengo Kuma, it is a Museum without a Museum, lively and changeable, where works are moving non-stop and are part of a concept of dissemination and interaction with the general public. Naturally designed, according to the new, very high standards of environmental quality of the sublime bamboo structures in Asia, dear to the Japanese architect, who presents a contextual variation of his work with light. And, according to the idea of space open to the city, the designer understands the volumes as a spiral of movement, and aims to establish a smooth connection between the interior and the exterior of the building, like a wave of light. These ingredients, which epitomize fragility and vagueness through the use of special lenses, function as pixels, while referring to the master of the “radiant city”. As an exhibition venue, library, halls and residences for artists, FRAC provides evidence of an interactive and multidisciplinary ambition. Inside, the courtyard with terrace opens onto a framed view of Marseille: the FRAC programme is mainly a living collection in step with the city. www.kkaa.co.jp Il corpo principale del museo di Kengo Kuma, destinato agli spazi espositivi, ai centri media e agli uffici. La Torre ospita un laboratorio didattico, il caffè e una terrazza panoramica. The main body of the museum by Kengo Kuma, designed to accommodate exhibition spaces, media centres and offices. The Tower houses an educational laboratory, a cafe and a panoramic terrace.

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IL MEDITERRANEO DI STEFANO BOERI STEFANO BOERI’S MEDITERRANEAN SEA Il mare governa il progetto di Villa Mediterranée, centro internazionale per il dialogo e gli scambi nel Mediterraneo, ﬁrmato da Boeri Studio. The sea rules the project for Villa Méditerranée, an international centre for dialogue and exchanges in the Mediterranean Sea, designed by Boeri Studio.

L’idea che governa il progetto è di fare entrare il mare all’interno dell’edificio: l’acqua viene accolta in una darsena artificiale, che diventa lo spazio centrale dell’edificio tra la sua parte sospesa a sbalzo e quella interrata. La darsena è progettata come uno spazio pubblico dagli usi molteplici e liberi: piattaforme pedonali flottanti, scenografie provvisorie, performance e, naturalmente, barche, pescherecci, vele. Villa Méditerranée, lo spettacolare dono di Stefano Boeri - e del team progettuale da lui guidato nel 2004 - a Marsiglia Capitale Europea, è un’architettura destinata all’incontro e allo scambio tra le civiltà mediterranee e un luogo di riflessione sui destini che legano i popoli del mare. Un grande sbalzo di 36 metri, sospeso a 14 metri di altezza dal livello del

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mare, ospita uno spazio espositivo, una sala polivalente e un belvedere aperto al pubblico. La luce proviene dai fianchi vetrati, dai lucernari, dai vetri a pavimento. Al di sotto del bacino artificiale si trova la base dell’edificio, che ospita un anfiteatro per spettacoli, e mantiene il contatto col mare attraverso lucernari oblò. Un grande atrio verticale lega i due spazi tra loro e con altri luoghi che accolgono uffici e ristoranti. Autentico Giano bifronte, il complesso volume di 9000 metri quadrati circa, mostra alla città e al mare due volti distinti: il sobrio prospetto antistante le mura del Fort Saint Jean e la facciata modernista sul Mediterraneo, quasi una macchina navale all’orizzonte o un trampolino che sembra slanciarsi oltre la diga.

L’ediﬁcio è caratterizzato da un nastro di cemento a vista che parte dalla facciata posteriore per poi rivestire l’intero sbalzo, mentre le facciate laterali sono completamente vetrate, dando così l’illusione di un effetto ‘sezione’ del monolite in cemento. www.stefanoboeriarchitetti.net

Villa Méditerranée, centro internazionale per il dialogo e gli scambi nel Mediterraneo, è un progetto Boeri Studio, inaugurato nella primavera 2013. Nelle foto, la darsena artiﬁciale che entra nel corpo centrale, tra la parte sospesa e quella interrata, è destinato a spazio pubblico. L’ediﬁcio è rivestito da grandi pannelli in cemento.

Villa Méditerranée, an international centre for dialogue and exchanges in the Mediterranean Sea, is a project by Boeri Studio, unveiled in spring 2013. Photos, the artiﬁcial basin that enters the main body, between the suspended part and the underground one, is meant to be used as a public space. The building is clad with large concrete panels.

The idea that rules the project is to make the sea go into the building: water is collected in an artiﬁcial basin, which becomes the core of the building, between the overhanging part and the underground one. The basin has been developed as a public space for multiple, free uses: ﬂoating pedestrian platforms, temporary sets, performances and, obviously enough, boats, trawlers and sails. Villa Méditerranée, the scenestealing gift of Stefano Boeri and the design team he led in 2004 to Marseille, European Capital, is a building designed for meetings and exchanges between the Mediterranean civilizations, and a place of meditation about the destinies shared

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by sea peoples. A 36-metre cantilever, suspended at 14 metres from the sea level, accommodates an exhibition area, a multipurpose hall and a belvedere open to the general public. Light comes from the glass sides, the skylights, the floor panes. The base of the building is found under the artificial basin; it houses an amphitheatre for shows and maintains contact with the sea through skylights/ portholes. A big vertical hall connects the two spaces with each other and with other places where you can find offices and restaurants. A veritable two-faced Janus, the complex volume (approximately 9,000 square metres) shows the city and the sea two distinct faces: the simple front opposite the Fort Saint Jean walls and the modernist façade overlooking the Mediterranean Sea, almost a naval machine on the horizon or a springboard which looks as if it reaches up beyond the dam. The building is enhanced by a strip of exposed concrete which starts from the back façade and covers the entire cantilever; whereas the side glass façades give the impression of a “section” effect of the concrete monolith. www.stefanoboeriarchitetti.net

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All’interno di Villa Mediterranée, un grande atrio lega i due spazi principali dell’ediﬁcio tra loro e ad altri luoghi che accolgono sale per mostre (in foto, una temporanea sui Futuri del Mediterraneo), ufﬁci e un ristorante. Gli oblò in vetro offrono la vista dei fondali marini.

Inside Villa Mediterranée, a big hall connects the main spaces of the building with each other and with other places accommodating exhibition halls (photo, a temporary exhibition on the Futures of the Mediterranean Sea), ofﬁces and a restaurant. The glass portholes provide views of the seabed.

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MARSIGLIA

IL CUORE DELLA CASA

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THE HEART OF THE HOME

Varenna inaugura un nuovo showroom a Marsiglia con il partner storico Sinibaldi. Varenna has opened a new showroom in Marseille with its time-honoured partner, Sinibaldi.

La cucina è la nuova anima della casa, il cuore pulsante che nutre le relazioni, il luogo in cui sostare e vivere. È questo il concetto che accomuna i partner storici Poliform e Sinibaldi e che sta alla base dell’elegante nuovo showroom Varenna, aperto da Sinibaldi a Marsiglia. La cucina è il cuore della casa e Sinibaldi è l’anima del design marsigliese. Da anni declina una delle più rigorose selezioni delle grandi marche del mobile contemporaneo ‘haut de gamme’ su Marsiglia e la Provenza. Un rapporto ormai collaudato quello tra Poliform/Varenna e la maison francese, iniziato 15 anni fa, rafforzato con l’apertura dello shop in shop presso lo showroom storico in rue Paradis e sfociato in una partnership esclusiva con il marchio Varenna. Il nuovo spazio, che sta proprio di fronte allo showroom storico, è

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interamente dedicato ai modelli Artex, Alea e Twelve. Tre proposte per interpretare al meglio la cucina concepita, appunto, nella sua centralità domestica, secondo gli stili di vita contemporanei che guidano la progettazione delle cucine Varenna. Il tutto è enfatizzato dallo stile architettonico dello showroom di Rue Paradis, pensato ad hoc per mantenere un trait d’union tra i modelli presentati e lo stile Sinibaldi. Lo spazio esprime la capacità dei due protagonisti di creare ambienti caldi e armoniosi, dove ritrovare il piacere di accogliere clienti e ospiti: archi, soppalchi e travi a vista fanno da cornice alle proposte Varenna Poliform, in elegante sintonia con la continua ricerca dell’alta qualità di cui sono testimoni. www.poliform.it www.sinibaldi-design.com

The kitchen is the new soul of the home, the heartbeat that nourishes relationships, the place where you can stop and live. This is the concept that is shared by the time-honoured partners, Poliform and Sinibaldi, and is the foundation for Varenna’s new, elegant showroom, opened in Marseille by Sinibaldi. The kitchen is the heart of the home, and Sinibaldi is the soul of Marseille’s design. For several years they have been rigorously selecting the great brands of top-end contemporary furniture for Marseille and Provence. Poliform/Varenna and the French maison rely on a tried and tested relationship, which was established 15 years ago, and has been further strengthened with the opening of the shop in shop at the

historic showroom in rue Paradis and has resulted in an exclusive partnership with the brand Varenna. The new area, which stands just opposite the historic showroom, is entirely focused on the Artex, Alea and Twelve models, which epitomize the kitchen conceived as a central room of the home, according to the contemporary lifestyles that guide Varenna’s kitchen design. Everything is emphasized by the architectural style of the showroom in Rue Paradis, specially designed to maintain a connection between the models on display and Sinibaldi’s style. The space suggests the players’ ability to create warm, harmonious rooms, where you can recapture the pleasure of welcoming customers and guests: arches, false ceilings,

and exposed beams frame Varenna/ Poliform’s projects, in elegant harmony with the ongoing search for high quality, which they witness. www.poliform.it www.sinibaldi-design.com

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PARIS

MOATTI&RIVIÈRE RÊVERIES DI ARCHITETTURA ]b <kblmbgZ ?bhk]bfêZ Tutto ha inizio con un viaggio o, meglio, con un pellegrinaggio alla scoperta dei musei del libro in Europa. È il settembre 2007 e si é appena inaugurato il Musée Champollion – les écritures du monde a Figeac, oggi assunto come simbolo della regione Midi-Pyrénées. Qui la dimensione simbolica non è solo un fatto istituzionale, ma la radice di un lemma architettonico che incorpora e restituisce il senso del progetto museografico e i legami che esso instaura tra il sito e la cultura dei suoi abitanti, ascrivendoli a una storia più ampia, quella della scrittura, e radicandoli al racconto puntuale dell’eredità scientifica lasciata

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dall’egittologo Jean-François Champollion, che nacque in questo palazzo, riallestito in museo dallo studio parigino Moatti-Rivière. Cominciare da questo museo per conoscere il lavoro di Alain Moatti e Henri Rivière (1965-2010), non è solo una questione di cronologia, ma una scelta precisa che trova nel simbolo la chiave di lettura per esplorare il loro modo di fare architettura alle diverse scale di progetto. Simbolo inteso non come elemento di decoro, ma “come costante formale, come nesso che da un lato lascia intravedere un universo mentale e dall’altro trova nella ricerca di unità tra forma e signiﬁcazione le ragioni in-

site nel luogo”. Alain Moatti racconta il processo di ricerca che supporta il progetto museograﬁco come habitat ideale dove applicare studio, sperimentazione e professione, tradizione e innovazione, architettura di interni e riuso, design e progettazione urbana. Siamo in viaggio tra Parigi e Marsiglia, dove il settecentesco Chateau Borely ha dischiuso le sue porte il 14 giugno, portando alla luce una collezione di arte applicata eclettica per tipo, manifattura e epoca, ricucita dalla messa in scena dello studio Moatti-Rivière e dalle abili mani di artigiani e allestitori. Moatti mi spiega che ogni progetto parte da una domanda

scaturita dalla collezione, dai temi che convergono in una esposizione, dall’identità del luogo e della storia del popolo che lo abita. “Cosa ci spinge a conservare gli oggetti e utensili che hanno perso la loro funzione d’uso? La loro inutilità li rende indispensabili spostandoci dal piano efﬁmero dell’uso a quello simbolico e sempiterno di un racconto individuale e universale allo stesso tempo”. L’oggetto emana tante storie, ma è l’allestimento che le disvela. “Il museografo lavora negli spazi interstiziali, nello scarto tra l’architettura e l’ordinamento museologico, cercando di innescare altre domande, non prevedibili, dove l’immaginazione deve essere lasciata libera di trovare nuove letture”. L’allestimento non è un itinerario univoco, scandito dalla successione di tappe cognitive concluse, ma oscilla tra l’immanenza del luogo e lo smarrimento psicologico di una memoria globale, dove l’oggetto esposto è il tramite tra la nostra contemporaneità e culture più lontane e remote. Il treno sfreccia veloce, il paesaggio perde i contorni delle ampie distese di pascoli appena punteggiate da borghi e castelli, ﬁno a diventare qualcosa di astratto e impalpabile, la realtà concreta sfuma lasciando spazio

all’immaginazione. Una sensazione che ritorna nei padiglioni progettati per la Tour Eiffel dalle curve cangianti e nelle stanze della ‘bastide’ di Marsiglia, riflesse e distorte nelle superfici lucide e concave dei grandi plafoni che galleggiano in una luce soffusa, per lasciare che ogni cosa, come nel romanzo di Jonathan Safran Foer, sia illuminata dagli occhi di chi la guarda. “È il principio della discretizzazione, che traduce nella geometria algebrica complessa il concetto di una possibilità infinita di relazioni nella visione di uno spazio continuo”. Le vetrate dei padiglioni della Tour Eiffel, la facciata convessa del Museo del Merletto a Calais, la giustapposizione dei setti del futuro Centro internazionale della grafica a Chaumont, le ali che ridisegneranno i prospetti del Centro Bourse a Marsiglia, gli ambienti della Banca di Francia a Parigi, la grande vetrina del Museo della gendarmeria a Melun, in costruzione, incorporano questa idea di architettura come medium, dove risuonano le parole di Foucoult e Derrida. La matrice simbolica dell’architettura di Moatti-Rivière si completa nella tecnologia, ancorando forma e costruzione a un unico elemento strutturale che si ripercuote come invariabile

dello spazio progettato. Aree di conﬁne, ambiti liminari della memoria e della percezione sono trascritti nello spazio dall’intreccio di curve paraboliche e disequilibri statici, che attraverso la materia prendono sostanza. L’afﬂato simbolico dell’architettura è una sorta di lente che mette a fuoco modi di guardare al mondo delle cose, siano esse opere d’arte, oggetti, architetture, e che

A sinistra, Tour Eiffel, riallestimento del primo piano della torre, inaugurazione del Padiglione Eiffel, 14 luglio 2013. Per questa piccola urbanità sospesa a 58 metri di altezza, il tema dell’architettura è quello della vertigine del vuoto, dell’obliquità, della contemplazione della città. Left, Eiffel Tower, new mounting project for the ground ﬂoor, inauguration of the Eiffel Pavilion, July 14, 2013. For this small suspended urban design plan, 58 metres from the ground, the theme of architecture is the one of space vertigo, obliquity, contemplation of the city.

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a seconda del punto di vista, della postura, della dislocazione spaziale, stabiliscono differenti rapporti tra universo interiore, esperienza sensoriale e interrelazioni tra le persone che attraversano quel luogo. Un nuovo modo di pensare all’abitare di cui la Glass House rappresenta la sintesi estrema e radicale di un microambiente integrato e plastico, di una rêverie, uno ‘stato fuggitivo’ alla maniera di Rousseau, fra sogno e desiderio .

In queste pagine e in quella precedente, Banque de France, Parigi, 2012. Partendo dal carattere della presistenza, tra tradizione e modernità, il progetto di allestimento degli interni della grande hall prolunga la storia dell’ediﬁcio, adottando un linguaggio contemporaneo: sospendere l’auditorio al plafone e rivestire tutta la superﬁcie di acciaio specchiante. This page and previous page, Banque de France, Paris, 2012. Based on the character of pre-existence, between tradition and modernity, the mounting project for the interior of the large hall extends the building’s history, embracing a contemporary language: hanging the auditorium from the plafond and cladding the entire surface with mirror steel.

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It all started with a trip, or rather, a pilgrimage in search of book museums across Europe. It was September 2007, and, in Figeac, they had just opened the Musée Champollion - les écritures du monde, which now stands out as the symbol of the Midi-Pyrénées region. There the symbolic dimension is not only an institutional fact; it is also the root of an architectural headword, which incorporates and returns the meaning of the museographic project and the connections it establishes between the site and its inhabitants’ culture, ascribing them to a wider-ranging history - that of writing -, and rooting them in the accurate narration of the scientific legacy left by the Egyptologist, JeanFrançois Champollion, who was born in that building, converted into a museum by Paris-based Moatti&Rivière. And starting from this museum to learn about the work of Alain Moatti and Henri Rivière (1965-2010) is not only a matter of chronology, but also a precise choice which finds its interpretation in the symbol, to explore their approach to architecture, to the different scales of design. The symbol understood as a “formal constant, a connection which, on the one hand, indicates a mental universe, and, on the other, finds the reasons inherent in the

place”, rather than as a decorative element. Alain Moatti tells about the research process that supports the museographic project as an ideal environment where research, experimentation and profession, tradition and innovation, interior architecture and reuse, design and urban design can be applied. We are travelling between Paris and Marseille, where Chateau Borely, which dates from the 18th century, opened its doors on June 14, revealing an applied art collection which stands out as versatile, in terms of type, workmanship and age, put together by M&R and the skilled hands of artisans and set-up men. Alain Moatti explained to me that each project begins with a question arising from the collection, the themes converging on an exhibition, the identity of the place and history of the people inhabiting it. “What leads us to store the objects and utensils that have lost their function? Their uselessness makes them indispensable, moving from the ephemeral level of use to the symbolic and sempiternal level of an individual and universal story”. The object radiates many stories, but it is the mounting project that unveils them. “The museographist works in interstitial spaces, between architecture and museum organization, trying to trigger

other questions, unpredictable ones, where imagination must be left free to find new interpretations”. The mounting project is not an unambiguous itinerary, marked by the succession of completed cognitive stages; it hovers between an immanent place and the psychological bewilderment of a global memory, where the displayed object acts as an intermediary between our countemporaneity and farther, remote cultures. The train whizzes past, the landscape loses the contours of the vast expanses of pastures slightly dotted with small villages and castles, and becomes something abstract and insubstantial; reality fades into imagination. This feeling also permeates the Eiffel Tower pavilions, with iridescent curves, and the rooms of the bastide in Marseille, reflected and twisted in the glossy, concave surfaces of the big plafonds floating in soft light, to

allow everything to be lit by the eyes of those looking at them, like in the novel by Jonathan Safran Foer. “This is the principle of discretization, which translates the concept of an endless possibility of relations into the idea of a continuous space in complex algebraic geometry.”. The windows of the Eiffel Tower pavilions, the convex façade of the Lace Museum in Calais, the juxtaposed partitions of the future international centre for graphic design in Chaumont, the wings that are going to redesign the elevations of the Bourse Centre in Marseille, the halls of the Banque de France in Paris, the large showcase of the Gendarmerie Museum under construction in Melun, incorporate this idea of architecture as a medium, echoing with Faucoult’s and Derrida’s words. The symbolic role of M&R’s architecture combines with technology,

anchoring form and construction to one structural element which is reflected as an invariable of designed space. Boundary areas, threshold fields of memory and perception are transcribed in space by twisting parabolic curves and static imbalances, which take form through matter. The symbolic afflatus of architecture is a sort of lens which focalizes ways of looking at the world of things, whether works of art, objects, buildings, and which, depending on the point of view, position and space distribution, establish different relationships between the interior universe, sensory experience and relations between the people who go through that place. A new approach to living, where the Glass House means the extreme and radical synthesis of an integrated, plastic microenvironment, a rêverie, a “fugitive state” in Rousseau’s way, hovering between dream and desire.

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MH WAY

COME TU MI VUOI JUST THE WAY YOU WANT ME ]b FZgnêZ =b FZkb Mix Match è l’ultimo tra i modelli disegnati da Makio Hasuike per l’azienda tutta italiana MH Way, inseparabili creatori di alternative non convenzionali alla borsa da lavoro e da viaggio. Super leggera, ecofriendly, trasformabile: è la borsa-zaino – a seconda di come si posizionano bande elastiche e tracolla – con scocca morbida e flessibile in XL EXTRALIGHT®, poliolefina reticolata resistente agli agenti chimici e alle temperature (-25°/+55°), priva di solventi e metalli pesanti. Senza cuciture, rivettature, fissaggi permanenti, l’estetica della ‘monovolume’ si riduce ad una purezza formale in cui gli unici ganci sono in acciaio inox, le minuterie in metallo nichel, le viti di fìssaggio in polietilene. Tutto è montabile e smontabile in modo semplice. Unico vezzo, la personalizzazione attraverso l’abbinamento e l’incrocio a piacere dei diversi colori a disposizione di cinghie e scocca. www.mhway.it

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Mix Match is the latest model designed by Makio Hsuike for the Italian brand MH Way, inseparable creators of unconventional alternatives to the briefcase and travelling bag. Ultralight, eco-friendly, convertible: it is a bag/backpack - depending on how you place the elastic bands and the shoulder strap - with a soft and flexible body in XL EXTRALIGHT®, a cross-linked polyolefin resistant to chemicals and temperature (-25 °C/+55 °C), free from solvents and heavy metals. There are no stitches, no rivets, no permanent fasteners. The single-piece appearance translates into formal purity, the only hooks, the fittings and the fixing screws being made from stainless steel, nickel metal and polyethylene respectively. Everything can be easily taken apart and put back together. In addition, you can create your favourite “mix match” by combining the colour of the bag with that of the strap and the elastic bands. www.mhway.it

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FASHION

ROBERTO CAPUCCI E I GIOVANI DESIGNER ROBERTO CAPUCCI AND YOUNG DESIGNERS ]b @bnebZ ;kngh Considerato uno dei più straordinari creatori di moda, Roberto Capucci apre al mondo giovanile il proprio archivio storico, mettendo a disposizione disegni, illustrazioni, fotograﬁe, audiovisivi e spettacolari abiti-scultura. Tiene lezioni sulla creatività e il colore e lancia concorsi per giovani designer.

Roberto Capucci, già deﬁnito nel 1956 da Christian Dior ‘il miglior creatore della moda italiana’, da più di sessant’anni dà vita ad abiti-scultura destinati esclusivamente all’alta moda. Stile unico ed inconfondibile, design sperimentale, misurato equilibrio fra tradizione e innovazione ne fanno importante testimone dell’italian style. Maestro indiscusso del design - molti i riconoscimenti, dalla Laurea Honoris Causa in Design Industriale da parte della Facoltà di Architettura dell’Università degli Studi La Sapienza di Roma alla nomina a Socio Onorario conferita dal Consiglio Nazionale dell’ADI, Associazione per il Disegno Industriale - ha esercitato grande attrazione sui giovani delle scuole di moda, design e belle arti. Raggiungere e dialogare con il mondo giovanile, esigenza fortemente sentita da Capucci, sono l’obiettivo delle sue tante lezioni sulla creatività e il colore, dei seminari tenuti presso l’Università La Sapienza e della Fondazione Roberto Capucci, nata nel 2006. Il desiderio di trasmettere il proprio know-how dando continuità alla propria opera spingono il maestro ad aprire l’archivio storico del museo di Villa Bardini a Firenze, ricco di articoli, disegni, illustrazioni e abiti dalle elegantissime forme, costruiti per esaltare la bellezza femminile e in cui volumi e materiali sono modellati

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Qui a sinistra, progettazione artistica di Alice Musmeci, foto Giulia Bruno. Sotto, oggetto scultura di Livia Falco. In basso, Walking Wave, scarpe in raso di Jasmin Pircher e Tiziana Scaglione. Pagina accanto, bozzetto autentico di Roberto Capucci (foto Giulia Bruno) abito scultura Onda by Roberto Capucci (foto Giulia Bruno), architettura di Antonia Angelone. Nella pagina seguente, poltrona disegnata da Filippo Casalini.

Left, artistic design by Alice Musmeci, photo by Giulia Bruno. Below, sculpture by Livia Falco. Bottom, Walking; left, artistic design by Alice Musmeci, photo by Giulia Bruno. Below, architecture by Livia Falco. Bottom, Walking Wave; satin shoes by Jasmin Pircher and Tiziana Scaglione. Opposite, authentic sketch by Roberto Capucci (photo by Giulia Bruno); Onda sculpted dress by Roberto Capucci (photo by Giulia Bruno), architecture by Antonia Angelone. Overleaf, design by Filippo Casalini.

Roberto Capucci, one of the most outstanding fashion designers, opens his historical archives to young people’s world, making drawings, illustrations, photographs, audiovisuals and impressive sculpted dresses available. He holds lectures on creativity and colours, and launches competitions for young designers.

come sculture. Nel 2012 la Fondazione e l’Associazione Moda e Modi, che promuove lo sviluppo di senso critico, estetico, qualità ed eleganza attraverso attività di carattere culturale ed artistico, con il sostegno del comune di Milano, lanciano il concorso ‘Roberto Capucci per giovani designer. Oltre (a) gli abiti - Il design prende una nuova piega’, dedicato alla realizzazione di oggetti di design, accessori moda, gioielli e abiti in materiale non convenzionale e pattern di vari tessuti. I partecipanti si ispirano ad otto abiti ideati da Capucci nel 2007 in occasione dell’inaugurazione del Museo della Fondazione nella villa fiorentina. Le sale di Palazzo Morando - Costume, Moda, Immagine di Milano, hanno visto esposti i prototipi realizzati dai 27 concorrenti finalisti e dai 3 vincitori del concorso. Accanto ai lavori degli studenti, selezionati fra le proposte di 600 iscritti, si sono potuti ammirare gli otto abiti-scultura del maestro toscano e venti bozzetti autografi dell’Archivio della Fondazione, quasi tutti inediti. I vincitori, reinterpretandone forme e colori, rendono omaggio al genio del grande stilista: i primi tre classificati, Margherita Marchioni, Carla Primiceri e Jasmine Pircher con Tiziana Scaglione hanno lavorato sulla leggerezza scultorea e sulle cromie, così come Antonia Angelone e Livia Falco, che hanno ricevuto una menzione speciale. Melissa Magnani è stata premiata con menzione speciale per l’uso innovativo del materiale, Linda Carlocchia, Ida Manca e Sara Foriglio, gruppo fuori concorso, per l’interpretazione della monumentalità degli abiti di Capucci, Filippo Casalini ha ricevuto il Premio Lombardi Trenord. L’opera di Roberto Capucci si trasforma così in patrimonio vivo, capace di aprirsi a nuovi contributi. www.fondazionerobertocapucci.com www.concorsocapucci.org

Roberto Capucci, who was deﬁned by Christian Dior “the best Italian fashion creator” in 1956, has been designing sculpted dresses for the haute couture industry for over sixty years. A unique style, experimental design, and a measured balance between tradition and innovation make him a major symbol of the Italian style. An undisputed master of design - he was awarded, for example, an honorary degree in industrial design by the Faculty of Architecture of Università degli Studi La Sapienza, Rome, and appointed honorary member by the National Council of the Industrial Design Association, ADI -, he has had a major impact on young students at Fashion, Design and Fine Arts Schools. Approaching and interacting with young people, a desire strongly felt by Roberto Capucci, is the objective pursued through his many lectures on creativity and colours, the seminars held at Università La Sapienza and Fondazione Roberto Capucci, established in 2006. The desire to transmit his know-how, giving continuity to his work, has encouraged the Master to open the Historical Archives of the Villa Bardini Museum in Florence, rich with articles, drawings, illustrations and extremely

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elegant dresses, designed to enhance female beauty, and where volumes and materials are shaped like sculptures. In 2012 the Foundation and Associazione Moda e Modi, which promotes the development of a critical and aesthetic sense, quality and elegance through cultural and artistic activities, with the support of the Municipality of Milan, launched the competition ‘Roberto Capucci for young designers. Beyond clothes - Design takes a new turn’, to make designer objects, fashion accessories, jewels and dresses in unconventional materials and patterns

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with several fabrics. The contestants were inspired by eight dresses designed by Roberto Capucci in 2007, in conjunction with the opening of the Foundation’s Museum in the Villa in Florence. The halls of Palazzo Morando – Customs, Fashion, Image of Milan, displayed the prototypes made by the 27 ﬁnalists and the 3 winners of the competition. As well as the students’ works, selected from 600 entrants, you were also able to admire the eight sculpted dresses by the Tuscan master and twenty autograph sketches from the Foundation’s Archives,

nearly all of which had never been exhibited before. The winners reinterpreted the shapes and colours, paying homage to the great fashion designer’s talent: the three winners, Margherita Marchioni, Carla Primiceri and Jasmine Pircher with Tiziana Scaglione, worked on sculptural lightness and shades of colour, just like Antonia Angelone and Livia Falco, who were given an honourable mention. Melissa Magnani was awarded a special mention for the innovative use of the material; Linda Carlocchia, Ida Manca and Sara Foriglio, a non-competing team, were mentioned for their interpretation of the monumental character of Roberto Capucci’s dresses; Filippo Casalini won the Lombardi Trenord Prize. Hence Roberto Capucci is the name for a lively legacy, where new contributions are welcomed. www.fondazionerobertocapucci.com www.concorsocapucci.org

FASHION

BONAVERI, MANICHINI CON L’ANIMA BONAVERI, DUMMIES WITH A SOUL

]b @bnebZ ;kngh

L’azienda Bonaveri da più di sessant’anni produce manichini, coniugando automazione e artigianalità in una ricerca visionaria del senso della forma. Manichini in grado di interpretare gusti, generi, stili molto diversi, capaci di sfidare il passare del tempo raccontando, nelle figure sottili e flessibili, le storie di chi li ha creati.

Le vicende della moda sono strettamente legate a quella del manichino, copia artigianale del corpo, supporto indispensabile per esaltare la bellezza dell’abito. Bambole, mezzibusti, stampelle, modelle in prova o addirittura opere scultoree astratte, simboliste, zoomorfe: la ricerca di una forma da plasmare per la propria idea di modernità ed eleganza ha prodotto innumerevoli esempi di corpi, mimati in fil di ferro o con volti modellati a sembrar veri. Le silhouette umane Bonaveri raccontano al mondo le idee dei fashion designer attraverso vetrine palcoscenico, esasperando la realtà, offrendo, affabulanti, abiti ed accessori oggetto del desiderio. Muti e solo apparentemente inanimati, attirano lo sguardo dei passanti in un sottile gioco di rimandi nei racconti interpretativi di primavere sfolgoranti, improbabili paesi delle meraviglie, paesaggi futuristi al limite della fantascienza. Dice lo stilista Antonio Marras nel volume ‘Mannequins Bonaveri - A History of Creativity Fashion and Art’ (Skira editore): “Il manichino è il doppio, lo specchio in cui ognuno di noi si vede e vede riflessa la propria personalità, che non è una, ma cento, mille, molteplice, poliedrica, prende consistenza nelle centomila identità di cui il manichino, figura nuda, si veste”. Da Yves Saint Laurent ad Anna Molinari, da Valentino ad

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Bonaveri has been producing mannequins for over sixty years, matching automation with craftsmanship, in a visionary quest for the sense of form. Mannequins designed to interpret tastes, genres, styles significantly differing from each other, capable of challenging the passing of time, relying on the thin and flexible figures to tell the stories of those who have created them.

Fashion is closely connected with the mannequin, as an artisanal copy of the body, a key aid for enhancing the beauty of clothes. Dolls, busts, coat hangers, ﬁtting models or even abstract, symbolist, zoomorphic sculptural works: the quest for a form to shape for one’s idea of modernity and elegance has produced countless examples of bodies, in wire, or with faces so shaped as to look real. Bonaveri’s human silhouettes tell the world about fashion designers’ ideas through shop windows functioning as stages, heightening reality, offering narrating clothes and accessories as objects of desire. Mute and only apparently inanimate, they draw passersby’s attention, with subtle references, in the interpretative stories of dazzling springs, improbable wonderlands, futuristic landscapes close to science ﬁction. In the volume Mannequins - Bonaveri - A History of Creativity Fashion and Art (published by Skira), the fashion designer, Antonio Marras stated: “The mannequin is the double,

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Emilio Pucci e alla sartoria teatrale Tirelli, da Missoni a Louis Vuitton e Marc Jacobs, da Roberto Capucci a Balenciaga ed Armani, solo per citarne alcuni, molti sono gli stilisti che prediligono i manichini Bonaveri per la capacità di coniugare le esigenze di vestibilità con quelle estetiche, esprimendo nei negozi, sui set fotografici, nei musei, negli allestimenti scenografici, la magia senza tempo degli strumenti di valore. La storia dell’azienda Bonaveri, che oggi produce dai 18 ai 20 mila manichini l’anno, rispecchia quell’heritage artigianale che rende il Made in Italy unico al mondo. Determinazione, rispetto delle tradizioni e capacità di sognare consentono a Romano Bonaveri - siamo agli inizi degli anni cinquanta - di trasformare la passione per i manufatti in cartapesta che con grande maestria costruisce per i carri allegorici del carnevale, in professione, fondando a Cento, in provincia di Ferrara, il primo nucleo dell’azienda. Realizza, lui ottimo disegnatore dotato di manualità eccezionale, busti per una sartoria del paese e consiglia i clienti su quali modelli esporre in vetrina. Con la moglie Adele inizia una crescita inarrestabile che lo porta alla collaborazione con le grandi aziende di macchine da cucire dell’epoca, alle commesse provenienti dall’estero e all’introduzione di nuove tecnologie. Nel 1969 i manichini Bonaveri sono in plastica, con parrucca in nylon e occhi in vetro, non più dipinti. Negli anni ottanta la collaborazione con i fashion designer e l’entrata dei figli nell’azienda segnano un’ulteriore svolta positiva, grazie anche alla modernizzazione degli aspetti gestionali e produttivi. La sperimentazione su nuovi materiali, legno, metallo, cuoio, cartone, l’utilizzo di tecnologie sempre più avanzate, l’acquisto della svizzera Schläppi, famosa per il design avveniristico, arricchiscono la Bonaveri, che nel 2006 inaugura a Renazzo di Cento, Ferrara, la nuova sede di 40 mila metri quadrati, di cui 10 mila a parco. Nello stabilimento affacciato sul verde sono ospitati laboratori di progettazione e realizzazione, uffici di rappresentanza e stile, mensa, studio fotografico, zona fitness. Da lì le due linee Bonaveri Artistic Mannequins e Schläppi sono esportate in tutto il mondo, attraverso gli uffici di New York, Londra, Parigi, Düsseldorf, Amsterdam, Anversa, Zurigo, Atene, Singapore, Hong Kong, Tokyo e Melbourne. Basata su intervento manuale o tecnologia avanzata, la componente artigianale costituisce l’anima dei manichini Bonaveri, che, frutto delle mani di abili scultori, sono in grado di esaltare la bellezza del vestito, rispecchiando creatività e stile del designer. www.bonaveri.com

In questa pagina, uno spazio interno della Bonaveri (©Gianni Grazia). Pagina accanto, dall’alto: la famiglia Bonaveri con Adele e Romano al centro (©Gianni Grazia); fasi di progettazione e realizzazione di un manichino (©Roberta Zecchi); manichini della Collezione Season. Pagina precedente: in alto, manichini serie De Chirico del 1958; in basso, laboratorio nel ghetto ebraico nel 1953. ©Archivio Bonaveri.

This page, interior of Bonaveri’s headquarters (©Gianni Grazia). Opposite, from top: the Bonaveri family with Adele and Romano in the centre (©Gianni Grazia); design and production of a mannequin (©Roberta Zecchi); mannequins of Collezione Season. Previous page: top, De Chirico mannequins, 1958; bottom, workshop in the Jewish ghetto in 1953. ©Archivio Bonaveri.

heritage which makes Italian design so unique worldwide. Determination, respect for tradition and the ability to dream allowed Romano Bonaveri - back in the early 1950s - to transform his passion for papier-mâché products, which he skilfully built for ﬂoats, into a craft, founding the initial core of the company in Cento, in the province of Ferrara. An excellent drawer with unique manual skill, he made busts for a local tailor’s and gave customers tips as to which models should be displayed. With his wife, Adele, he started growing non-stop, which allowed him to work with big sewing machine manufacturers of the time, receive orders from abroad and introduce new technologies. In 1969 the Bonaveri mannequins were made of plastic, with nylon wigs and glass eyes (no longer painted). In the 1980s he worked with fashion designers, and his sons joined the company, which marked one more positive turning point, as the result, for example, of the modernization of the management and production processes. Experimentation with new materials, wood, metal, leather, cardboard, the use of increasingly stateof-the art technology, and the acquisition of Swiss-based Schläppi, which was renowned for its futuristic design, enriched Bonaveri, which, in 2006, opened the new headquarters in Renazzo di Cento (Ferrara), over an area of 40,000 square metres, including 10,000 square metres given over to a park. The factory overlooking parkland accommodates design and production workshops,

the mirror where each of us looks himself or herself and his or her personality, which is not one; it is one hundred, one thousand, multi-faceted, versatile, gains substance in the thousands of identities worn by the mannequin, as a nude ﬁgure”. Yves Saint Laurent, Anna Molinari, Valentino, Emilio Pucci, the theatrical tailor’s Tirelli, Missoni, Louis Vuitton, Marc Jacobs, Roberto Capucci,

Balenciaga and Armani, to name but a few, are among the fashion designers who choose the Bonaveri mannequins, because they match ﬁt with aesthetic requirements, showing the timeless magic of invaluable instruments in shops, photographic sets, museums, and stage designs. The history of Bonaveri, which currently produces 18,000 to 20,000 mannequins a year, mirrors the artisanal

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representative and style ofﬁces, a canteen, a photographer’s studio and a ﬁtness area. From there, Bonaveri’s two lines, Artistic Mannequins and Schläppi, are exported worldwide, through the branches in New York City, London, Paris, Düsseldorf, Amsterdam, Antwerp, Zurich, Athens, Singapore, Hong Kong, Tokyo

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and Melbourne. Based on manual work and state-of-the-art technology, the craft component means the soul of the Bonaveri mannequins, which are the fruit of skilled sculptural work, thereby enhancing the beauty of clothes, while mirroring the designer’s creativity and style. www.bonaveri.com

In questa pagina, fasi di lavorazione del manichino (ÂŠRoberta Zecchi). Pagina accanto: in alto, manichini in cuoio e pelle; in basso, nuova tecnologia nella progettazione dei manichini. This page, working of the mannequin (ÂŠRoberta Zecchi). Opposite: top, leather mannequins; bottom, new technology in mannequin design.

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CAR DESIGN

AUTOMOBILI, CHE PASSIONE! CARS, WHAT A PASSION! ]b @bnebZ ;kngh Progettare automobili comporta cultura, competenza, creatività e soprattutto grande passione. Disegnatori, pellettieri, fabbri, modellisti hanno dato forma alle auto più belle del mondo, rendendo grande il mestiere del car designer.

Già i primi carrozzieri degli anni Venti del Novecento subivano il fascino di un mestiere ricco di contraddizioni e problematiche. Attività vincolata da rigide leggi, quella del car designer, sottoposta a straordinari cambiamenti, si è sviluppata nel tempo grazie a sperimentazione e ricerca, fino ad arrivare ai centri stile delle maggiori case automobilistiche. Sostenuta da conoscenze tecnologiche d’avanguardia, la vera essenza di questa professione è la vocazione artigianale unita alla creatività: il car design entra così a pieno titolo nel novero dei mestieri d’arte, di cui la cultura italiana è maestra. La storia dell’industria automobilistica in Italia è ricca di risultati vincenti nel campo della competizione e dell’estetica, dall’Alfa Romeo alla Maserati, dalla FIAT o la Lamborghini ai successi di carrozzieri come Castagna, Zagato, Pininfarina, Bertone. Modellisti, battilastra, restauratori, con il loro saper fare diedero grande impulso al mestiere in Piemonte, Lombardia ed Emilia, dove fiorirono, tra gli altri, Bugatti, Brovarone, Bonetto, Sacco, Fioravanti, Formenti, Scaglione. Profonda cultura automobilistica e conoscenza dell’ergonomia, delle potenzialità e dei limiti delle tecnologie produttive, sono indispensabili a chi si occupa di auto e progetta il cerchione della ruota o la strumentazione di bordo; i particolari estetici, ideati in media tre anni prima dell’inizio del processo di industrializzazione, ferme restando le caratteristiche del marchio, devono tener conto della veloce evoluzione dello scenario sociale, del gusto e del mercato, nonché della comunicazione. Nascono le figure dell’advanced designer, marketing designer, product designer, Color & Trim designer, che affiancano i creative designer, attenti a funzionalità, qualità, budget. Oggi i centri stile delle aziende

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automobilistiche, occupandosi anche di brand, ingegneria e produzione, sono il nucleo di costante e coordinata intesa fra differenti professionalità, fondamentali per il lancio di una nuova vettura di successo. Dal primo Salone dell’Automobile organizzato a Torino nel 1904 ed ospitato dal 1959 nel ‘Padiglione5’ realizzato da Riccardo Moranti nel Parco del Valentino, all’auto del futuro, rispettosa della tutela ambientale e delle risorse energetiche, la fase fondamentale del progetto rimane la lavorazione artigianale del modello, in cui cominciano a prender forma idee maturate con grande passione. Di bellezza, creatività, equilibrio parlano quattordici car designer italiani per nascita o formazione, intervistati da Mario Favilla nel volume Fare l’Automobile, Marsilio Edizioni, per la collana Mestieri d’Arte, Fondazione Cologni. Da Elvio D’Aprile, Walter de Silva e Chris Bangle a Giorgetto Giugiaro, Roberto Giolito, Marcello Gandini e Wolfang Egger, da Simona Falcinella, Valeria Vigevani, Flavio Manzoni e Filippo Perini a Roberto Piatti, Lorenzo Ramaciotti e Michael Robinson, i pensieri e le opinioni dei maggiori protagonisti di un affascinante mestiere testimoniano come il car design sia, oggi più che mai, ricco di potenzialità e promesse per il futuro. www.marsilioeditori.it In questa pagina: in alto, Galleria del vento, Centro Ricerche FIAT, Orbassano (TO) e lavorazione di un modello in gesso, Centro Stile Bertone, Caprie (TO); sotto, Alfa Romeo 8c 2900 (1937) disegno di Enrico Pagano. Pagina accanto: in alto, frontale in legno di Alfa Romeo Giulietta (1955); in basso, modello per esercitazioni, Master in Trasportation & Automobile Design, Politecnico di Milano. Foto Aldo Agnelli (dal volume Fare l’Automobile, Marsilio Editori).

This page: top, Wind Tunnel, FIAT Research Centre, Orbassano (Turin), and working of a plaster model, Bertone Style Centre, Caprie (Turin); below, Alfa Romeo 8c 2900 (1937), designed by Enrico Pagano. Opposite: top, wood front of Alfa Romeo Giulietta (1955); bottom, practice model, Master in Transportation & Automobile Design, Politecnico di Milano. Foto Aldo Agnelli (Fare l’Automobile, Marsilio Editori).

Designing cars requires culture, skills, creativity and, above all, much passion. Designers, leather goods manufacturers, smiths, and model makers have been shaping the world’s most beautiful cars, making the car designer’s job unique.

Early coachbuilders of the 1920s were already fascinated by a job which was connected with contradictions and problems. Car design is subject to stringent laws and extraordinary changes; over the years it has grown as the result of experimentation and research, and leading car manufacturers now rely on Style Centres. Supported by state-of-the-art technological know-how, craftsmanship combined with creativity is the real essence of this job: hence car design has become one of the art crafts Italian culture is synonymous with. The history of the

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car industry in Italy is rich with major achievements in racing as in elegance, from Alfa Romeo to Maserati, from FIAT or Lamborghini to the successes of such coachbuilders as Castagna, Zagato, Pininfarina and Bertone. Model makers, panel beaters and restorers managed to signiﬁcantly boost the profession in Piedmont, Lombardy and Emilia, where Bugatti, Brovarone, Bonetto, Sacco, Fioravanti, Formenti and Scaglione throve. Great car culture and knowledge of ergonomics, the potentialities and limits of manufacturing technology are key ingredients for those who are involved in the car industry and design wheel rims or instruments; aesthetic details, which are designed, on average, three years before the start of the industrialization process, should be faithful to the characteristics of the brand, while considering the rapidly evolving social scenario, taste, market and communication. Such ﬁgures as advanced designers, marketing designers, product designers, colour & trim designers now support creative designers, the emphasis being on functionality, quality and the

In alto, concept car di Alfa Romeo Nuvola (1966), Centro Stile Alfa Romeo, Arese (MI). Al centro, da sinistra, Roberto Giolito, Marcello Gandini e una veriﬁca delle linee presso l’Advanced Design Audi Monaco. In basso, Carlo Giavazzi designer, Centro Stile Alfa Romeo, Arese (MI). Top, concept car of Alfa Romeo Nuvola (1966), Alfa Romeo Style Centre, Arese (Milan). From centre left, Roberto Giolito, Marcello Gandini and line test at Advanced Design Audi Munich. Bottom, designer Carlo Giavazzi, Alfa Romeo Style Centre, Arese (Milan).

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budget. Car manufacturers’ Style Centres, which are also involved with branding, engineering and production, allow for ongoing co-operation between different professionals, which is key to launching a new successful car. From the ﬁrst Turin Auto Show, organized in 1904, since 1959 hosted by ‘Padiglione5’, designed by Riccardo Moranti in Parco del Valentino, to the environmentally friendly and energy saving car of the future, craft working of the model meant, and still means, the fundamental phase of any project; it is there that the ideas developed with great passion begin to take shape. Fourteen car designers born or trained in Italy talk about

beauty, creativity and balance in interviews made by Mario Favilla, in the volume Fare l’Automobile, published by Marsilio, for the series Mestieri d’Arte, Fondazione Cologni. From Elvio D’Aprile, Walter de Silva and Chris Bangle to Giorgetto Giugiaro, Roberto Giolito, Marcello Gandini and Wolfang Egger, from Simona Falcinella, Valeria Vigevani, Flavio Manzoni and Filippo Perini to Roberto Piatti, Lorenzo Ramaciotti and Michael Robinson, the thoughts and opinions of leading ﬁgures in a charming craft prove that car design is the name for remarkable potentialities and promises for the future, now more than ever before. www.marsilioeditori.it

Da sinistra: in alto, Flavio Manzoni direttore Centro Ferrari Design; ologramma di un modello, Museo Audi, Wolfsburg; al centro, Wolfang Egger, Giorgetto Giugiaro, Lorenzo Ramaciotti; in basso, Centro Stile Bertone, Caprie (TO) e concept car elettrico Valmetautomotive, Salone di Ginevra.

From left: top, Flavio Manzoni, Director of the Ferrari Design Centre; hologram of a model, Audi Museum, Wolfsburg; centre, Wolfang Egger, Giorgetto Giugiaro, Lorenzo Ramaciotti; bottom, Bertone Style Centre, Caprie (Turin) and electric concept car by Valmet Automotive, Geneva Motor Show.

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CRAFTWORK

IL SIGNORE DEL LEGNO THE LORD OF WOOD ]b @bnebZ ;kngh Pierluigi Ghianda, ebanista brianzolo, ﬁgura fondamentale del design italiano, ha progettato e lavorato per i maestri del Made in Italy, da Gio Ponti a Ettore Sottsass, dai fratelli Castiglioni a Gae Aulenti, da Cini Boeri a Vico Magistretti. Per lui ‘fare è pensare’, senza mai dimenticare l’ascolto del materiale e il pieno rispetto del passato, in cui si annida il futuro. Pierluigi Ghianda, a cabinetmaker from the Brianza area, and a fundamental ﬁgure in Italian design, worked and designed for the masters of Made in Italy, from Gio Ponti to Ettore Sottsass, from the Castiglioni brothers to Gae Aulenti, from Cini Boeri to Vico Magistretti. He believes ‘making is thinking’, that it is important to listen to the material and respect the past, because that is where the future is embedded.

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I suoi oggetti parlano di maestria, raffinatezza, armonia. Pierluigi Ghianda, capace di rendere il legno morbido come seta, si definisce artigiano di un materiale “dono di Dio: per lavorarlo, il legno va rispettato, bisogna conoscerlo, amarlo anche; se ne devono tenere in considerazione tempi e caratteristiche; ci si deve mettere in sintonia, solo così si possono ottenere buoni risultati con un materiale che è e resta materia viva dopo moltissimi anni e non muore mai”. Sono parole di un ‘falegname’ che ha sempre lavorato ascoltando il materiale, riproponendo i segreti di un mestiere tramandato dalle generazioni passate, esercitando l’artigianalità del fare con le mani. Le macchine aiutano molto, sostiene, “ma non hanno mica i polpastrelli”. Un tempo, ogni artigiano si costruiva i propri strumenti, oggi l’uomo deve svolgere da sé almeno le parti più importanti e delicate del lavoro, scelta del legno, punto della tavola da usare, come tagliare, quanto far riposare il pezzo dopo il primo taglio e rifinirlo, levigandolo per ore. Per il maestro Ghianda, la sua è una bottega nel senso

antico e classico del termine, dove il mestiere è tramandato di padre in ﬁglio, rispettando i tempi imposti dal legno e non dal mercato. “Perché la bottega è bella e stimolante, ogni giorno si inventa qualcosa, magari anche solo un modo diverso di congiungere due legni”. Oltre settant’anni fa, a Boviso Masciago, paese brianzolo poco lontano da Milano dove tuttora abita e lavora, il giovane Pierluigi, tornando da scuola, doveva per forza passare davanti al laboratorio del padre, falegname ed ebanista, che lo chiamava con la frase “Ven chi un minüt”, vieni qui un minuto, ed obbediva, rinunciando al pallone o all’oratorio perché il minuto si trasformava in ore. Così ha imparato l’arte che lo ha reso famoso nel mondo, richiesto da aziende come Rosenthal, Knoll, Memphis, Dior, Loro Piana, Pomellato, De Padova, tanto per citarne alcune. Grazie alla passione ereditata, ha collaborato con i grandi designer internazionali che amano e conoscono il legno: famosi il tavolo Kyoto di Gianfranco Frattini, con 1705 incastri a formare 1600 fori quadrati dall’incredibile gioco di luci e ombre

In questa pagina, squadrette Bottega Ghianda con il disegno di Mauro Fabbro e artigiani del laboratorio. Pagina accanto, Pierluigi Ghianda al lavoro. Foto G. Pradelli.

On these pages, the draftsmanâ&#x20AC;&#x2122;s triangle with the drawing by Mauro Fabbro and the craftsmen in the workshop. On the opposite page, Pierluigi Ghianda at work. Photo by G. Pradelli.

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o il leggio creato su disegno di Gae Aulenti, richiudibile, solido, molto resistente, con triplice telaio in legno di pero e incastri a coda di rondine. Tante le collaborazioni con personaggi del mondo dell’architettura e del design, tra gli altri, Mario Bellini, Cini Boeri, Giuseppe Raboni e Marco Zanuso Jr, Pino Tovaglia, Albert Barokas, Livio e Piero Castiglioni, Franco Raggi e Daniela Puppa, Ettore Sottsass, Noorda, Aldo Cibic, l’elenco sembra non ﬁnire mai. Alcune sue opere, realizzate in faggio, noce, pero, cipresso o in essenze pregiate che ricerca personalmente in giro per il mondo, sono conservate al MoMA di New York: Portoﬁno di Gianfranco Frattini, Etagère di Mario Bellini, la scatola con coperchio scorrevole di C e E Magnusson, la scatoletta Moma rielaborazione di un’idea di Gae Aulenti, il segnalibro, la squadretta o il calzascarpe concepiti dalla bottega Ghianda, ne sono esempi. Ha realizzato progetti nel mondo, dal Musée d’Orsay a Parigi al MoMA di New York, da Palazzo Grassi a Venezia al Teatro Rossini di Pesaro. Per lui ‘fare è pensare’. Spiega così “quel che avviene in bottega: provando e riprovando vengono fuori le idee, si migliora una forma, si decide di accantonare un lavoro per un po’ e poi lo si riprende. Nella bottega artigiana il processo creativo è frutto del fare”. www.pierluigighianda.com

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His objects express mastery, sophistication, harmony. Pierluigi Ghianda, who can make wood as soft as silk, defines himself as an artisan of a material that is “a gift from God: to work with wood, you must respect it, understand it, even love it; its timing and characteristics must be taken into account; it requires syntony, which is the only way to achieve results with a material that continues to live many years afterwards and never dies”. These are the words of a ‘carpenter’ who has always worked with and listened to this material, keeping alive the secrets of a trade handed down from past generations, exercising the craftsmanship of making things by hand. Machines are very helpful, he says, “but they don’t have fingertips”. In the past, every craftsman built his own tools; today man must personally take care of the most important and delicate parts of the work, the choice of wood, which part of the board to use, how to cut it, how long to let the wood rest after the first cut and when to finish it, polishing it for hours. For maestro Ghianda, his workshop is an atelier in the ancient and classical sense of the term, where the trade is handed down from father to son, respecting the timing needed by the wood, not the market. “Because the workshop is wonderful and exciting, you invent something every day, be it nothing but a different way of joining two pieces of wood”. Over seventy years ago, at Boviso

that brought him international fame, sought by companies such as Rosenthal, Knoll, Memphis, Dior, Loro Piana, Pomellato, De Padova, to name just a few. Thanks to the passion he inherited, he has worked with great international designers who love and understand wood: on the famous Kyoto table by Gianfranco Frattini, with 1705 joints that form 1600 square holes to create an incredible play of shadow and light, or the bookstand created to the design of Gae Aulenti, which is folding, solid and durable, made with a triple pear wood frame and dovetail joints. He has collaborated with many figures in the world of architecture and design, including Mario Bellini, Cini Boeri, Giuseppe Raboni and Marco Zanuso Jr, Pino Tovaglia, Albert Barokas, Livio and Piero Castiglioni, Franco Raggi and Daniela Puppa, Ettore Sottsass, Noorda, Aldo Cibic, the list is endless. Some of his works, made out of beech wood, walnut, pear, cypress or fine wood essences which he personally discovers all around the world, are part of the MoMA collections in New York: Portofino by Gianfranco Frattini, Etagère by Mario Bellini, the box with the sliding top by C and E Magnusson, the Moma box which was a reinterpretation of an idea by Gae Aulenti, the bookmark, the little draftsmen’s triangles or the shoehorn conceived by the Ghianda atelier, are just some examples. He has built projects around the world, from the Musée d’Orsay

Masciago, a town in Brianza not too far from Milan where he still lives and works, on his way home from school the young Pierluigi had to walk by the carpentry and cabinet-making workshop owned by his father, who invariably called him inside with the phrase “Ven chi un minut”, come here a minute; he obeyed, giving up football and parish activities when the minute turned into hours. And so he learned the art

in Paris to the MoMA in New York, from Palazzo Grassi in Venice to the Teatro Rossi in Pesaro. He believes ‘making is thinking’. He explains “what happens in the workshop: trying and trying over again, new ideas emerge, a shape is improved, a work is sidelined for a while, then taken in hand again. In a handcrafting workshop the creative process is the result of making”. www.pierluigighianda.com

In questa pagina, in alto da sinistra: leggio pieghevole; immagini del portariviste pieghevole di Albert Barokas. Foto M. Toscani Ballo. Al centro, da sinistra: libreria girevole da tavolo di Cini Boeri (foto G. Pradelli); segnalibro (foto M. Toscani Ballo). In basso, tavolo Kyoto di Gianfranco Frattini. Pagina accanto, leggio Musée d’Orsay di Gae Aulenti (foto G. Pradelli), con il disegno di Mauro Fabbro. On this page, at top from left: folding bookstand; images of the folding magazine rack by Albert Barokas. Photo by M. Toscani Ballo. At the centre, from left, swiveling table bookshelf by Cini Boeri (photo by G. Pradelli); bookmark (photo by M.Toscani Ballo). Below, the Kyoto table by Gianfranco Frattini. Page across, the Musée d’Orsay bookstand by Gae Aulenti (photo G. Pradelli) with the drawing by Mauro Fabbro.

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TASTE OK KITCHEN ]b <eZn]bh FhemZgb

La cucina conquista sempre più spazio, inoltrandosi nel living, senza nascondere i piani di lavoro e di preparazione degli alimenti, anzi esaltandone le linee rigorose e le ampie superﬁci, queste ultime arricchite da una scelta materica sempre più personalizzabile che spazia dal cemento all’acciaio, dalle pietre alle varie essenze lignee. Le composizioni sono articolate, perfettamente adattabili anche ad ambienti metropolitani di piccole dimensioni o a loft, gli elementi sono ridotti alla pura essenzialità. Gli elettrodomestici, sempre ad incasso, sono deﬁniti in base a prestazioni e standard professional. In questo modo, la cucina diviene spazio fondante dell’intera abitazione, caratterizzandola dal punto di vista estetico e funzionale, ma senza abbandonare la naturale predisposizione alla socialità. The kitchen is gaining an increasingly important role, penetrating into the living area, without hiding the work and food preparation surfaces, actually heightening the rigorous lines and the large surfaces, the latter being enhanced by a choice of materials which can be increasingly customized, ranging from concrete to steel, from stone to wood. The arrangements are complex, perfectly suited to compact urban settings or lofts, the elements being reduced to the essential. The household appliances - always built in - are the name for professional performance and standards. Hence the kitchen becomes the core of the entire home; it has an aesthetic and functional impact, while maintaining its natural bent for sociality.

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In un loft in via Tortona, nel distretto del design di Milano, il progetto di Giuseppe Tortato prevede una cucina su misura, concepita come un gioco di volumi che organizzano spazi e funzioni: la zona operativa, in nicchia con ante chiudibili a libro in essenza, definisce un monolite che esalta con la sua verticalità l’altezza dello spazio. Questa caratteristica viene bilanciata dall’orizzontalità dell’isola centrale in porfido viola che contiene i fuochi e il tavolo alto. In nicchia anche la zona dispensa. Il gioco dei volumi viene richiamato dai materiali: il porfido viola dell’isola è utilizzato sul piano di lavoro e sulla base. A questo si accosta l’essenza utilizzata per le ante scorrevoli in eucalipto tinto scuro, con effetto lievemente violaceo che riprende il colore del porfido.

In a loft in via Tortona, in Milan’s design district, the project by Giuseppe Tortato is based on a customized kitchen, approached as an interplay of volumes arranging spaces and functions: the operating area, set in a niche with folding wood doors, features a monolith which emphasizes the height of space through its verticality. This characteristic is balanced by the horizontality of the central island - made of purple porphyry -, which accommodates the burners and the high table. The storage area is also set in a niche. The interplay of volumes echoes in the materials: the purple porphyry of the island is used on both the work surface and the base. This matches the sliding doors, made of dark-coloured eucalyptus, with a slightly purplish blue effect matching the colour of porphyry.

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BOFFI Disegnato da Piero Lissoni + CRS il sistema cucina Aprile Kitchen è progettato per valorizzare l’uso dei materiali naturali: legni lavorati con trattamenti esclusivi, acciaio inox e pietre per piani di lavoro. Le ante in massello a doghe sono realizzate con moduli di varia larghezza e differente spessore per creare un effetto 3D, con la maniglia ricavata nello spessore dell’anta, e trattate con prodotti naturali ad olio. I piani sono in Corian© bianco, con funzioni effetto vasca, attrezzate con lavaggio a botola per spazzatura e, posteriormente, con vaschette di contenimento. Disponibile anche una nuova gamma di piani cottura in acciaio inox, pietra serena, marmo di Carrara e granito nero assoluto.

EUROMOBIL FiloAntis, design di Roberto Gobbo, è un progetto cucina caratterizzato da essenzialità ed eleganza, coerente con il concetto progettuale Living and Cooking, che esprime l’unità dell’abitare tra cucina e soggiorno. Mobili colonna, basi e pensili sono estremamente puri e privi di elementi che ne individuano l’utilizzo e accostano a 45° frontali e copri ﬁanchi, mentre gli interni sono dotati di molteplici funzionalità. Elettrodomestici, dispense, cassetti, cestoni e appendiabiti scompaiono all’interno di colonne-armadio, dotate di apertura a battente, estrazione, complanare Flexy o con anta a scomparsa laterale-cabinet per agevolarne l’uso. Il legno trattato in modo naturale interagisce con nuovi colori laccati, opachi e lucidi. I frontali presentano un taglio dell’anta a 30° per presa maniglia, orizzontale nelle basi e verticale nelle colonne, integrato con la curva della gola. FiloAntis, designed by Roberto Gobbo, is a kitchen project synonymous with simplicity and elegance, consistent with the Living and Cooking design concept, which epitomizes the unity of living between the kitchen and the lounge. The tall units, bases and wall units are highly pure and free from elements which identify the use, and match fronts and side panels at an angle of 45 degrees; whereas the interiors serve several purposes. Household appliances, storage units, drawers, baskets and coat racks disappear within tall units, with hinged, extraction, coplanar - Flexy or retractable side door - cabinet for ease of use. Naturally treated wood interacts with new lacquered colours, matt and glossy. The fronts feature a 30-degree slash in the door, which creates a grip handle, horizontal in the base units and vertical in the tall units, matching the curve of the recess.

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Designed by Piero Lissone + CRS, the Aprile Kitchen system emphasises the value of using natural materials: uniquely treated wood, stainless steel and stone for the worktops. The slatted solid wood doors are made up with modules varying in width and thickness, to produce a 3D effect, with the handle built into the door, and treated with natural oil products. The tops are made of white Corian©, with basineffect functions, a trapdoor washing unit for rubbish and, at the back, small basins. A new range of hobs in stainless steel, Serena stone, Carrara marble and solid black granite is also available.

TONCELLI Il Ductal© è un impasto di cemento composto da fibre organiche mescolate casualmente, legante strutturale che rende il materiale compatto ed elastico allo stesso tempo. Nella realizzazione di Progetto50 Wind, l’azienda lo ha utilizzato unitamente al noce solcato, al cuoio ed al marmo, sfruttandone le caratteristiche: la forte resistenza alla compressione ha permesso la creazione dei piani con spessori ridotti, mentre la scarsa porosità lo ha reso impermeabile. È ignifugo e dimostra una eccellente resistenza agli shock termici ed all’abrasione. Infine, essendo un composto di fibre organiche, è riciclabile come inerte al termine del suo ciclo di vita. Ductal© is a concrete mixture, composed of randomly mixed organic fibres, the structural binder that makes this concrete both compact and elastic. For Progetto50 Wind, the company used it with grooved walnut, leather and marble, making the most of its characteristics: its outstanding resistance to compression allowed thin tops to be created; whereas limited porosity makes it waterproof. In addition, it is non-flammable, and is remarkably resistant to thermal shocks and abrasion. Finally, as a mixture of organic fibres, it is recyclable as an inert at the end of its lifecycle.

DEL TONGO Il modello Milano, con le sue inedite combinazioni cromatiche e le ergonomie più attuali, presenta una formula versatile che asseconda esigenze di spazio e accessibilità dei prezzi. Il progetto di Prospero Rasulo richiama lo skyline della Milano che verrà e si fonde alle soluzioni tecniche d’avanguardia che caratterizzano l’azienda. Milano gioca su composizioni a forte emozionalità, studiate anche per misure lineari contenute. Il design

contemporaneo viene coniugato alle esigenze ergonomiche degli utenti e all’intelligenza delle soluzioni pratiche, per ottenere uno spazio cucina attuale e funzionale. The Milan model, with its new colour combinations and up-to-the-minute ergonomic properties, features a versatile formula which caters to the need for space and affordable prices. The project by Prospero

Rasulo is reminiscent of future Milan’s skyline and fuses with the state-of-the-art technical solutions typical of the company. Milano is based on highly emotional arrangements, also suiting compact, linear spaces. Contemporary design matches users’ ergonomic requirements and smart practical solutions, with a view to obtaining a modern, functional kitchen.

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VENETA CUCINE La forza espressiva del vetro, declinato in più soluzioni cromatiche, caratterizza il progetto Ri-flex (design Centro Sviluppo Veneta Cucine). La cucina impiega il sistema di apertura Shell System, applicato orizzontalmente alle basi come dispositivo di presa per l’apertura e la chiusura dei vani, che estende la sua praticità, in verticale, alle colonne. Il profilo, in alluminio finitura titanio, permette l’apertura dell’anta senza l’utilizzo della maniglia. Bancone e pensili sono impiallacciati in rovere cotto tranché come anche gli elementi living che richiamano il colore della cucina attraverso l’alternanza con le schiene in laccato lucido bianco. The expressive power of glass, which takes shape in several colour solutions, is the hallmark of Ri-flex (designed by Veneta Cucine’s Development Centre). The kitchen uses the Shell System for opening. This is applied horizontally to the bases as a ‘shell’ for opening and closing the compartments, and extends its practicality vertically to the columns. The profile, made of titanium-finished aluminium, allows the door to be opened without handles. The worktop and the wall units are veneered in fired oak. The furniture in the living area is veneered in fired oak and matches the colour of the kitchen, through alternation with the glossy white lacquered back panels.

LUBE Nella cucina Gallery una rivisitazione moderna di tradizioni antiche. L’isola centrale, che con il comodo piano di lavoro offre un’ampia superficie di appoggio, rievoca i grandi tavoli delle case coloniche. L’anta con maniglia integrata e presa stondata caratterizza fortemente l’intera composizione diventando elemento decorativo. Top gres laminam noce finitura blend e maniglia in legno integrata. In the Gallery model a modern revisitation of old traditions. The central island, which is fitted with a large work surface, is reminiscent of the big tables found in farmhouses. The door with built-in handle and rounded grip has an impact on the entire arrangement, thereby functioning as a decorative element. Top made of blend-finished walnut laminam stoneware and built-in wood handle.

MK Mk 045 si definisce a partire dalla matericità e dalla naturalità degli elementi che ne delineano i tratti esteriori. Le lavorazioni di ante e top creano profili inclinati precisi e rigorosi. La cucina diviene così un elemento esclusivo e importante all’interno dello spazio abitativo, caratterizzandolo in maniera equilibrata ma visivamente e qualitativamente importante. Design Mk StyleLab. Mk 045 relies on the material and natural character of the elements that make up its exterior traits. The working techniques used for the doors and tops create angled, precise, rigorous edges. Hence the kitchen becomes a unique, outstanding element in the home, having a balanced, though visually and qualitatively significant impact. Designed by Mk StyleLab.

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LANDO Il sistema cucina Convivio, ideato e progettato da Enzo Berti, si contraddistingue per l’impatto scultoreo e permette diverse possibili modulazioni, sia a centro stanza che a parete. Viene esaltata la matericità del legno, disponibile in essenza noce o larice, dell’acciaio per il modulo Forgia e del marmo per il modulo Dolmen (in foto). Nel caso di predisposizione per il centro stanza, è possibile creare una combinazione libera con i tavoli facenti capo alla medesima linea progettuale. Il sistema si compone di una serie di madie, con ante ad apertura a pacchetto, ognuna delle quali assolve una speciﬁca funzione: dal contenimento, allo stoccaggio, ﬁno al modulo cottura. The Convivio kitchen system, designed by Enzo Berti, has a highly sculptural impact, enhancing the spaces, with different modules, whether in the middle of the room or wall-mounted. The emphasis is on the material character of wood, which is available in walnut or larch, of steel for the Forgia module and marble for the Dolmen module (photo). If arranged in the middle of the room, it can be freely combined with the tables sharing the same design. The kitchen system is made up of several sideboards, with folding doors, each performing a certain function: containment, storage, cooking.

VARENNA Firmata da CR&S Varenna, il sistema cucina Artex è caratterizzata da superfici ampie e volumi ridotti. Il top in pietra Fossena fiammata a doppio spessore (20 e 80mm) garantisce valenza estetica e funzionale; la cappa Professional ad isola in acciaio e vetro si integra perfettamente nella composizione, gli sgabelli Ics sono realizzati in finitura rovere spessart. Designed by CR&S Varenna, the Artex kitchen system is the name for large surfaces and volumes reduced to the essential. The worktop in Fossen stone blaze with double thickness (20 mm and 80 mm) can boast unique appearance and functionality; the Professional island-hood in steel and glass perfectly matches the arrangement; the Ics stools are finished in spessart oak.

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OFFICINE GULLO L’azienda presenta una cucina ad isola di dimensioni, l. 360 x p. 180 cm, con piano in acciaio satinato ad alto spessore e bordo perimetrale in ottone anticato. All’interno, la macchina di cottura professionale P70 è dotata di bruciatori ad alto rendimento fino a 7,5 Kw, cuoci-pasta/vaporiera e barbecue professionale a pietra lavica alimentati a gas oltre ad un maxi forno professionale in acciaio 80 cm compatibile con standard Gastronorm. La cappa a ‘piramide’ in rame ad alto spessore è accessoriata di motore aspirante professionale e mensole porta pentole in ottone. Il lavello è a doppia vasca, in acciaio satinato ad alto spessore, corredato di piletta e rubinetto miscelatore in ottone anticato. Gli sportelli e le cassettiere sono accessoriate di cerniere e guide scorrevoli Bluemotion, colore nero semilucido e finiture in ottone anticato. The company presents an island kitchen, 360Lx180D cm, with a thick satin-finished top with an antiqued brass perimetral edge. Inside, the professional cooking machine, P70, fitted with high-performance burners (up to 7.5 kW), a pasta/steam cooker and a professional gas-powered barbecue made of lava stone and a professional maxi oven 80 cm in length, made of steel, compatible with the “Gastronorm” standards. The pyramid-shaped extractor hood made of high-thickness copper is equipped with a professional extractor motor and brass shelves accommodating pots and pans. The dual-basin sink is made of high-thickness satin-finished steel and is fitted with a drain and mixer made of antiqued brass. The doors and chests of drawers come with hinges and Bluemotion sliding guides, in semigloss black, finished in antiqued brass.

ELMAR La cucina Slim, un progetto Ludovica+Roberto Palomba, presenta inedite essenze e materiali, con nuove dimensioni per basi e isole che consentono composizioni articolate anche in ambienti ridotti, come appartamenti di città o piccoli loft. In spazi più importanti, l’alternanza di profondità standard (64/67 cm) e contenute (50/53 cm) permette effetti graﬁci e volumetrie diverse. Slim è perfettamente integrabile con lavelli, fuochi e piani di lavoro in misure standard; mentre l’isola (disponibile anche in una profondità di soli 54 cm) è accessoriabile con Wing Table, un piano di lavoro a ribalta. Le colonne sono dotate di ante rientranti, e diventano piani di lavoro a scomparsa. Le ante, modellate per apparire sottili ma mai fragili, sono sagomate in orizzontale (per basi e colonne) e in verticale (per colonne).

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The Slim kitchen, designed by Ludovica+Roberto Palomba, comes with new types of wood and materials, and new dimensions are now possible for base units and islands, making it possible to achieve well-constructed spatial arrangements, even in smaller homes, such as city flats or small lofts. In larger spaces, by alternating the standard depth (64/67 cm) with a smaller one (50/53 cm), it is possible to create architectural-type graphical and volumetric effects. Standard-sized sinks, hobs and worktops can be integrated in this kitchen system; whereas the island (also available in a depth of no more than 54 cm) can be fitted with the foldaway Wing Table. The tall units can be fitted with receding doors that become hide-away worktops. The doors, which are designed to look slim but are never fragile, are shaped horizontally (for base and tall units) and vertically (for tall units).

CESAR Disegnata da G.V. Plazzogna la cucina Cloe si caratterizza nel profilo a 30° che evidenzia il bordo superiore delle ante delle basi, dei frontali dei cestoni e di quello laterale delle colonne. Una soluzione ideata per agevolare, con la gola che si è venuta a creare, l’apertura di tutti gli elementi senza l’utilizzo delle maniglie. Fra le essenze disponibili, oltre ai laccati e ai laminati Unicolor, un inedito rovere nodato che pone in risalto le peculiarità del legno. Cloe viene proposta anche nella versione Vip, con essenze raffinate come l’olivo, l’ebano e l’eucalipto, o con materiali dall’estetica metropolitana come l’eco cemento. Designed by G.V. Plazzogna, the Cloe kitchen stands out for its 30-degree upper edge of the base unit doors, of jumbo drawer fronts and the side edge of tall units. A solution that makes it possible to open all the units without using a handle, thanks to the recess created by the slant. As well as lacquers and Unicolor laminates, a new type of knotted oak is also available, to emphasize the specific natural features of wood. Cloe also comes in the Vip version, with refined types of wood, including olive wood, ebony and eucalyptus, or with materials with an urban appearance, like eco-concrete.

PRISMA Attiva fin dal 1983 nel settore della ristorazione professionale, l’azienda presenta Abimis, un progetto formato da tre monoliti modulari in puro acciaio satinato Made in Italy e comprendenti il blocco per la conservazione, quello per la cottura e quello per il lavaggio degli alimenti. Numerose le novità tecnologiche: la regolazione del piano di lavoro; un bordino di 7 mm che cinge tutto il piano di lavoro (completamente privo di saldature e vie di fuga) per impedire gocciolamenti; totale eliminazione degli angoli; tutti gli elementi (lavelli, vassoi, pentole, ecc) impilabili secondo le norme ‘gastronorm’; vani refrigerati o riscaldati (anche in remoto, con il compressore sistemato in un locale di servizio, compreso il ripiano per la spazzatura, refrigerato a 15° per prevenire cattivi odori); cerniere brevettate a scomparsa, manopole di regolazione a filo fronte piatto e retroilluminate. Design di Alberto Torsello. The company, which has been active in the professional catering industry since 1983, has taken its professional expertise and performance into homes, under a project made up of three Italianmade monoliths in pure satin-finished steel, available “modularly” and comprising the storage unit, the cooking unit and the food washing unit. Much is new from a technological point of view: work surface adjustment, a 7-mm-thick edge enclosing the entire work surface (which is totally free from welds and escapes) to prevent dripping, completely removed corners, all pieces (sinks, trays, pots and pans etc.) being stacked in accordance with the “gastronorm” rules, refrigerated or heated compartments (for example, remotely, with the compressor in a service room, including the rubbish shelf, refrigerated at 15 °C to prevent bad smells from forming), patented hide-away hinges, built-in and backlit adjustment knobs. Designed by Alberto Torsello.

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ADDRESSES

B&B ITALIA

FRITZ HANSEN

PRISMA

www.bebitalia.com

www.fritzhansen.com

www.prismacucine.it

BOFFI

GERVASONI

RIMADESIO

www.bofﬁ.it

www.gervasoni1882.it

www.rimadesio.it

CAPPELLINI

LANDO

SANTORO ARREDAMENTI

www.cappellini.it

www.madeinlando.it

www.santoroarredamenti.it

CESAR

LUBE

TONCELLI

www.cesar.it

www.cucinelube.it

www.toncelli.it

DEL TONGO

MH WAY

USM

www.gruppodeltongo.com

www.mhway.it

www.usm.com

DEVON&DEVON

VARENNA

www.devon-devon.com

www.mkcucine.com

www.poliform.it/varenna_it

DURAVIT

OFFICINE GULLO

VENETA CUCINE

www.duravit.it

www.ofﬁcinegullo.com

www.venetacucine.com

ELMAR

PERFORMANCE IN LIGHTING

VITRA

www.elmarcucine.com

www.performanceinlighting.com

www.vitra.com

EUROMOBIL

POLIFORM

www.gruppoeuromobil.com

www.poliform.it

FREDERICIA

POLTRONA FRAU

www.fredericia.com

www.poltronafrau.com

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Ã&#x2C6; USCITO IL NUOVO NUMERO DI DDN SPECIALE CUCINE DISCOVER THE NEW ISSUE OF DDN CUCINE INTERNATIONAL KITCHEN

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DDN INTERNATIONAL DISTRIBUTORS BELGIO A.M.P. LENNIKSEBAAN 451 ROUTE DE LENNIK 1070 ANDERLECHT Tel. + 32 22 525 14 09 Fax + 32 22 525 18 06 BRASILE MAGAZINE EXPRESS CML IMP EXP DE REVISTAS LTDA AVENDIA DR. GASTAO VIDIGAL, 620 - SALA 1 CEP: 05314-000 LEOPOLDINA 000 SAO PAULO Tel. + 55 11 3789-2562 Fax + 55 11 36447722 CIPRO KRONOS PRESS DISTRIBUTION AG PLC NISSOU IND AREA - LIMASSOL AVE 345° 2571 NISSOU, NICOSIA Tel. + 357 22711111 Fax + 357 22323942 DUBAI JASHANMAL NATIONAL CO.(L.L.C.) - NPP DIVISION P.O.BOX 1545 DUBAI Tel. + 971 4 2665964 Fax + 971 4 2650939 FRANCIA PRESSTALIS 30 RUE RAOUL WALLENBERG 75019 PARIS Tel. + 33 1-49287042 Fax + 33 1 149287622 GERMANIA W.E. SAARBACH GMBH HANS BOCKLER STRASSE 19 D-50354 HURTH-HERMUELHEIM Tel. +49 2233 7996-0 Fax +49 2233 799-610 GIAPPONE KINOKUNIYA CO. LTD. BOOK IMPT DEPT.-3-7-10 SHIMOMEGURO, 153-8504 MEGURO -KU, TOKYO Tel. + 81 3-6910-05301 Fax + 81 3-6910-05301 hidai@kinokuniya.co.jp KAIGAI INC. SANKO BLDG. 2F, 3-4-14,MINAMIKYUHOJI-MACHI, CHUO-KU OSAKA Tel. + 81 6-62440755 Fax + 81 6-662440757 GRAN BRETAGNA COMAG SPECIALIST DIVISION (distributore classico) TAVISTOCK WORKS TAVISTOCK ROAD WEST DRAYTON, MIDDL. UB7 7QX Tel. +44 1895 433811 Fax +44 1895 433801

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INTERNATIONAL MAGAZINE OF ARCHITECTURE AND DESIGN

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È USCITO IL NUOVO NUMERO DI OFARCH ARCHITETTURA E DESIGN DISCOVER THE NEW ISSUE OF OFARCH DESIGN & ARCHITECTURE

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