Dhd 38

)33. s n ! n 0 n % n '" "0 n )TALY ONLY n " Spedizione in abbonamento postale - D.L. 353/2003 (conv.in L.27/02/2004 n.46) art.1, comma 1, DCB Milano

HOSPITALITY CONTRACT

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HOTEL DESIGN DIFFUSION

Huzhou Sheraton Hotel Londra Cafè Royal Toronto Momofoku Sydney QT Hotel Products/Outdoor

A.D. NATALIA CORBETTA / FOTOGRAFIA MARIO CIAMPI

“made in italy”

F L E X F O R M S PA INDUSTRIA PER L’ARREDAMENTO 20821 MEDA (MB) I TA L I A VIA EINAUDI 23.25

TEL. 0362 3991 FA X 0 3 6 2 3 9 9 2 2 8 w w w. f l e x f o r m . i t EVERGREEN ANTONIO CITTERIO

giugno/luglio/agosto - june/july/august 2013

38 Direttore responsabile/Editor in chief Carlo Ludovico Russo

Editoriale

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News

6 Books 8 Art

Direttore/Editor Franco Mirenzi

12 Exhibition 14 Award

Consulente di redazione Editorial consultant Luisa Castiglioni

16 Fairs 18 Design

Progetto grafico e consulenza artistica Graphic layout & art consultant Franco Mirenzi Realizzazione grafica/Graphic designer Elisabetta Maffina Fabio Riccobono Contributi/Contributors Barbara Basile Marta Bernasconi Maria Catena Caliri Arianna Callocchia Francesca De Ponti Elviro Di Meo Claudio Moltani Ester Pirotta Antonietta Redaelli Paolo Rinaldi Sara Schifano Francesca Tagliabue Daniela Zenone

Franco Mirenzi

22 Hotel 26 Project Products

38 Outdoor

Report p

50

Londra

56 Cafè Royal

Arianna Callocchia

Toronto

62 Caos ordinato/Organized chaos

Elviro Di Meo

Londra

72 Perfetto aplomb britannico/Perfect british aplomb

Francesca Tagliabue

y Sidney

78 Eccentriche atmosfere/Eccentric atmospheres

Luisa Castiglioni

g Parigi

82 Addio al minimalismo/Farewell to minimalism

Francesca Tagliabue

Huzhou

86 Natura e artificio/The man-made reflected by nature

Francesca Tagliabue

Vaxholm

90 Island lodge

Arianna Callocchia

Bad Ems

96 Fuga dalla città/Escape from the city

Francesca Tagliabue

Maria Catena Caliri

Barcellona

102 La dolce vita. Versione spagnola/Spanish style

Sara Schifano

Torino

108 Dalla A alla Z/From A to Z

Francesca Tagliabue

Vienna

114 Se i cani corressero liberi…/If dogs run free…

Francesca Tagliabue

DHD Architecture in USA Bradley Wheeler

g Längenfeld

118 Aqua Dome

Luisa Castiglioni

Schwäbisch Hall

124 Hotel reloaded

Francesca Tagliabue

Ufficio traffico/Traffic department Daniela D’Avanzo

q Pisco Elqui

130 Astronomical hotel

Ester Pirotta

y Akureyri

134 Cafè botanical

Marta Bernasconi

g Grossglockner

138 Gradonna

Daniela Zenone

g Parigi

144 All’insegna dei peccati capitali/Experience the seven deadly sins

Paolo Rinaldi

Milano

150 Raffinata semplicità/Elegant simplicity

Antonietta Redaelli

Tel Aviv

154 Street food for a cool restaurant

Marta Bernasconi

Vienna

158 Sans souci

Daniela Zenone

On demand

166 Sleepingg around

Barbara Basile

Copertina/Cover: Sheraton Huzhou

g Kong g Hong

170 Di tutto… un po’/Just a little… of everything y g

Francesca Tagliabue g

Design Diffusion World srl Redazioni/Editorial Offices Direzione, amministrazione, pubblicità Management, Administration, Advertising Via Lucano 3 20135 Milano Tel. 02/5516109 – Fax 02/5456803 www.designdiffusion.com

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Trimestrale/Quarterly magazine Prezzo/Price Euro 10,00

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Anche nel settore dei servizi dedicato all’ospitalità, declinato nelle varie funzioni, è da tempo in corso un rinnovamento delle offerte in linea con le esigenze contemporanee di chi lavora e anche di chi utilizza gli alberghi e i ristoranti per turismo. Si tratta di un adeguamento obbligato che può sembrare una rivoluzione, dati i tempi velocissimi con i quali la tecnologia dell’informazione si sta sviluppando. Il coinvolgimento è totale, investe tutto: l’ambiente con la domotica, le persone con l’informatica, la telematica e tutti gli altri sistemi oggi utilizzati per rendere più efficiente la gestione e la vita degli ospiti. L’ambiente architettonico si deve adeguare a queste nuove necessità; vanno ripensati gli spazi abitativi e quelli tecnici, alcuni elementi di arredo e di illuminazione che assecondino i comportamenti indotti dall’uso di strumenti, che consentono di razionalizzare i movimenti delle persone o il comando a distanza di svariate operazioni. Tutto questo è ormai conosciuto e obbligatorio per chi opera nella contemporaneità e pretende quell’efficienza diffusa che in molti desideriamo. DHD vuole mettere in evidenza gli aspetti progettuali e le tipologie architettoniche, raccogliendo in tutto il mondo gli esempi che rappresentano le tendenze culturali dei progettisti, il contenuto tecnologico delle realizzazioni e il rispetto dell’ambiente circostante. Un buon progetto architettonico stimola l’entusiasmo e la curiosità degli ospiti, produce risparmi energetici, ottimizza i tempi di gestione e partecipa a quel rinnovamento sociale in cui siamo tutti coinvolti.

Immagine tratta da/image taken from Peter Eisenman. Contropiede, Skira Editore.

The hospitality sector, with all of the various services and amenities, is being subjected to a generalized renewal process to suit the modern-day requirements for the business traveler and the tourists who use hotel and restaurant facilities. The hospitality professionals had no choice but to toe the line; and some might feel there is a revolution underway, given the speed with which communication technology is developing. The changes are affecting every aspect of the trade: the environment with domotics, people with computer technology, telematic communication and all of the other devices and systems employed to improve the management efficiency and make the guests’ experience a better one. The architecture has to adapt to these new requirements; the living and technical spaces have to be redefined, furniture has to be redesigned and illumination redeveloped to suit how the devices are used; these modifications allow rationalization of how people move about and permit the remote control of the various operations. The changes are mandatory for everyone operating in the modern world and who expect high standards of efficiency. In this edition, DHD wishes to highlight aspects of design and the different types of architectural projects by presenting examples that epitomize the cultural trends expressed by the designers, the technological contents of their creations and their respect for the surroundings. Good architectonic projects stimulate enthusiasm and the curiosity of the guests; they produce energy saving, optimize the management times and make an important contribution to the social renewal that affects everyone of us.

Franco Mirenzi

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BOOKS

Questo il segreto del successo. S. Ehmann, S. Borges, Brand Spaces. Branded Architecture and the Future of Retail Design, Gestalten, www.gestalten.com (F. T.)

THEATRES AND CONCERT HALLS. DREAM AND REALITY

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Teatri e sale da concerto sono tra le principali risposte a un’ambiziosa pianificazione urbana. Alcuni di essi emergono come nuovi punti di riferimento emblematici della città in cui sono stati costruiti. Si tratta di una tipologia architettonica che lascia libero sfogo all’immaginazione del progettista, pur richiedendo precise e puntuali competenze tecniche. Il nuovo volume della serie Construction and Design Manual ne introduce le tipologie edilizie. A un breve riassunto della storia dell’architettura dedicata ai teatri in Europa, segue una panoramica degli interni del teatro e della scenografia in generale. In primo piano vi sono 32 progetti contemporanei, ciascuno illustrato con fotografie a colori, disegni in scala e schizzi, accompagnati da note esplicative. Tra i progetti presi in esame, opere di Zaha Hadid, Herzog & de Meuron, Gottfried Böhm, Christian de Portzamparc, UN Studio, Dominique Perrault e Santiago Calatrava.

Birgit Schmolke, Theatres and Concert Halls. Dream and Reality, Dom Publishers, www.dom-publishers.com (L. C.)

Theatres and Concert Halls are the key issues in an ambitious urban program. Some of them emerge as new emblematic reference points for the city in which they are constructed. This is a type of architecture that unleashes the designer’s imagination, without compromising mandatory precise technical ability. The new volume of the series ‘Construction and Design Manual’ introduces the various building construction types. The short summary on the history of architecture dedicated to theatres across Europe is followed by an overview of theatres and stage settings in general. Focus is placed on 32 contemporary projects, each one illustrated with color photographs, scale designs and sketches, accompanied by explanatory descriptions. The projects analyzed include works by Zaha Hadid, Herzog & de Meuron, Gottfried Böhm, Christian de Portzamparc, UN Studio, Dominique Perrault and Santiago Calatrava.

Birgit Schmolke, Theatres and Concert Halls. Dream and Reality, Dom Publishers, www.dom-publishers.com (L. C.)

Communication is behind the success of major brands. It is not just a question of slogans, advertising and brand images; famous global brands create a strong recognizable image through the organization of events, pop-up store and sales points, all with focus on the overall finish. ‘Apple’ is immediately recognized for its top quality electronic products and the ‘bitten apple’ logo. However, the glass cubes used to decorate the store also contribute to impressing the brand indelibly in the public’s mind. For years, the Spanish footwear brand, ‘Camper, has commissioned the design for its stores to a number of different designers and architects, with a brief to create showrooms with original and eye-catching decor. Brand Spaces Branded Architecture and the Future of Retail Design gathers some key examples of showrooms and flagship stores. Some of the showrooms were designed by some leading architects, others are now so famous that they have been listed in the tourist guides for the most important cities in the world.

The projects create emotions, and the showrooms have been designed precisely, not following the established market regulations but creating many new ones.

This is the key to success. S. Ehmann, S. Borges, Brand Spaces. Branded Architecture and the Future of Retail Design, Gestalten, www.gestalten.com (F. T.)

BRAND SPACES La comunicazione è alla base del successo dei grandi marchi. Non solo slogan, pubblicità e brand images, le più celebri aziende del mondo devono pensare anche a crearsi un’immagine fortemente riconoscibile per mezzo di eventi speciali, pop-up store e punti vendita curati nei minimi dettagli. Apple è, certo, conosciuta per i prodotti elettronici di ottima qualità e il logo della “mela morsicata”…

Ma certamente anche i cubi di vetro dei suoi store contribuiscono a posizionare il marchio nell’immaginario collettivo.

Camper, marchio di calzature spagnolo, da anni affida i progetti dei suoi negozi a designer e architetti diversi, in modo da creare spazi sempre differenti e dal carattere originale. Brand Spaces raccoglie alcuni esempi magistrali di negozi e flagship store. Alcuni showroom sono disegnati da vere e proprie archistar, altri diventano così famosi da venire inclusi anche nelle guide turistiche delle più importanti città del mondo. Progetti che emozionano, spazi curati in ogni dettaglio che non seguono canoni predefiniti ma ne creano di nuovi.

ALVARO SIZA Una monografia dettagliata, corredata da saggi e fotografie di grande formato, per scoprire l’opera di uno degli architetti contemporanei più importanti. Álvaro Siza. Premio Pritzker nel 1992 e Leone d’Oro alla Carriera alla Biennale di Venezia 2012, Siza è tra i principali esponenti dell’architettura portoghese. I suoi lavori, caratterizzati da volumi geometrici semplici e presenza di richiami a diversi stili architettonici, sono sempre studiati in modo da inserirsi nel miglior modo possibile all’interno di brani di città o di spazi naturali. Tra le sue opere principali ricordiamo gli edifici del complesso per L’Expo Universale di Lisbona del 1998 e il Centro Culturale e auditorium della

Fondazione Ibere Camargo a Porto Alegre (Brasile). Il libro è stato realizzato in stretta collaborazione con l’architetto Siza e comprende un catalogo completo di tutti i suoi progetti, anche quelli ancora in fase di realizzazione.

Philip Jodidio, Álvaro Siza. Complete Works 1952-2013, Taschen, www.taschen.com (F. T.)

A detailed monography, complete with articles and large photographs, to describe the works by one of the world’s most important contemporary architects - Álvaro Siza. Pritzker Prizewinner in 1992 and the Leone d’Oro for his career was presented at the 2012 Edition of the Venice Biennial, Siza is the most important representative of Portuguese architecture. His projects are recognizable by the simple geometric shapes and the references to a variety of architectonic styles, designed specifically to become integral parts of the cities or the countryside. Among his more important projects are the buildings for the complex Universal Expo that was hosted in Lisbon in 1998, and the Cultural Center and Auditorium in the Ibere Camargo Foundation in Porto Alegre (Brazil). The book was published in close collaboration with Architect Siza and includes a complete catalogue of all of his projects, even those that are work-in-progress.

Philip Jodidio, Álvaro Siza. Complete Works 1952-2013, Taschen, www. taschen.com (F. T.)

ART JULIAN SCHNABEL

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Il CIAC (Centro Italiano Arte Contemporanea) di Foligno rende omaggio a Julian Schnabel con una importante mostra, a cura di Italo Tomassoni, in programma fino al 23 giugno. In esposizione: 14 lavori dell’artista/regista americano per cui i critici hanno coniato il termine neoespressionista. Quadri di grandi dimensioni – appartenenti in parte al gallerista Gian Enzo Sperone e in parte a un collezionista milanese – che documentano il lavoro di Schnabel tra il 1985 e il 2008.

Testimonianze di una creatività “selvaggia e gestuale”, abituata a inglobare anche oggetti rinvenuti qua e là; usati, ‘corrotti’ dalle intemperie, in qualche modo ancora ‘vivi’ e pieni di memoria.

Così come a espandersi su tela cerata, fondi di teatro giapponese, rivestimenti di pavimenti… Secondo un’idea di pittura che, come sottolinea lo stesso Speroni, “picchia duro, su telacce d’accatto, formati vertiginosi, colore non steso, ma spalmato con le mani”. E si completa con “scritte insolenti, a volte ovvie a volte fulminanti, mai tremolanti”.

Tra le opere esposte, il capolavoro JMB realizzato dopo il tragico suicidio dell’amico Jean Michel Basquiat. (F. D. P.)

CIAC (The Italian Center for Contemporary Art) in Foligno pays tribute to Julian Schnabel with an important exhibition, organized by Italo Tomassoni, and scheduled to run until June 23rd. On display, 14 works by the American artist/film-maker described by his critics as a ‘Neo-Expressionist’. Large paintings – some from the collection of gallery-owner Gian Enzo Sperone and some belonging to a Milanese collector – document Schnabel’s creativity between 1985 and 2008. The exhibition bears witness to the ‘wild and brutal’ creativity, that incorporates articles that were sourced casually here and there; pieces that are second-hand, weathered by the climate, and in some ways, still alive and heavy with memories. So like something that spreads over a waxed canvas, the backdrops of Japanese theater, floor coverings… According to Speroni himself: this idea of painting ‘hits hard, on the beggar’s mat, dizzy shapes, color that has not been brushed, but spread by hand”. And it is complete with ‘insolent writing, sometimes obvious and some incredible, but never faltering”.

Among the works displayed, the masterpiece ‘JMB’ that was created following the tragic suicide of his friend, Jean Michel Basquiat. (F. D. P.)

CATTELAN @ BEYELER FOUNDATION Difficile ingabbiare Maurizio Cattelan in precise definizioni e correnti artistiche.

Provocatorio, a volte al limite dello scorretto, il creativo italiano classe 1960 ama far parlare di sé e stimolare il dibattito.

Artista a tutto tondo, trae ispirazione dalle proprie esperienze personali che rielabora e dà in pasto all’osservatore. Le sue ultime fatiche? Il celebre dito medio di Milano – l’enorme scultura L.O.V.E. (acronimo di libertà, odio, vendetta, eternità) posizionato in Piazza degli Affari davanti alla sede della Borsa – e il progetto fotografico-editoriale della rivista Toilet Paper. Il suo talento è stato celebrato nell’inverno 2011/2012 dal Solomon R. Guggenheim Museum di New York da un’ampia retrospettiva. In quell’occasione, Cattelan annunciò persino il suo ritiro dalla scena artistica. Forse si trattava di una delle sue sfide. Per questo c’è grande curiosità per il nuovo progetto espositivo della Fondazione Beyeler di Basilea, il cui vernissage è previsto per il 26 maggio e sarà visitabile fino a settembre.

Il clima di attesa è alimentato dalle scarse informazioni che trapelano dalla fondazione elvetica. Si tratterà solo di una mostra di opere ormai storicizzate o sarà presentato qualche nuovo lavoro? Quanti e quali temi saranno affrontati da Cattelan? Ancora poche settimane e tutte le domande avranno risposta. (F. T.; ph: Attilio Maranzano)

It is not easy to categorize Maurizio Cattelan with precise definitions or in artistic styles. Provocative, on occasion, bordering on rude, this Italian creative (born in 1960) loves to be at the center of attention and stimulate debate. A complete artist, he is inspired by his own personal experiences that he adapts and feeds to the observers. His latest projects?

The famous middle finger installed in Milan – the sculpture L.O.V.E. [acronym for Libertà (freedom), Odio (hate), Vendetta (vendetta), Eternità (eternity)] located in Piazza degli Affari in front of the city’s Stock Exchange – and the photographiceditorial project of the journal Toilet Paper.

His talent was celebrated during the Winter season 2011/2012 by the Solomon R. Guggenheim Museum in New York with a comprehensive retrospective exhibition.

On that occasion, Cattelan announced his retirement from the artistic scene. Maybe it

was just one of his personal challenges.

For this reason, there is enormous curiosity for the new exhibition in the Beyeler Foundation in Basle. The event will be inaugurated on May 26th and will be open to the public until September.

The feeling of anticipation is heightened by the lack of information from the Swiss organization. Will it be a collection of his historical pieces or will he present some new creations? How many themes will Cattelan examine and what will these be?

Well, we will just have to wait a few more weeks to find out the answers to those questions. (F. T.; ph: Attilio Maranzano)

ragione); Now is Better (Adesso è meglio, nel senso di non procrastinare ma anche non indugiare nel ricordo del passato o nell’ansia per il futuro); Feel Others Feel (Senti come sentono gli altri, e vivi meglio con chi è diverso da te).

Cinque video e un’installazione, tutti realizzati con gusto eccellente, sei spunti su cui riflettere anche se Sagmeister non ha inventato nulla se non una straordinaria capacità di veicolare in pochi minuti ciò che dovreste imparare da voi stessi nel corso di una vita. Più rapido, bello ed efficace di qualsiasi manuale di auto aiuto. (S. S.)

IL SEGRETO DELLA FELICITÀ SECONDO SAGMEISTER

SAGMEISTER’S SECRET RECIPE FOR HAPPINESS

Il dilemma della vita contemporanea è, senza ombra di dubbio, la ricerca della felicità. Il raggiungimento della pace interiore con uno stile di vita che non rinunci all’appagamento in ogni campo: successo sul lavoro, salute e felicità in amore. Non è un caso che la nostra sia l’epoca della letteratura dell’auto aiuto, dell’egoismo e dell’autoindulgenza.

Ognuno è al centro del proprio piccolo universo e pur di raggiungere ciò di cui ha bisogno non è disposto a fare alcun sacrificio gratuito. Eppure la vita insegna ogni giorno che questa forma mentis non funziona. Il risultato è una generazione di annoiati, insoddisfatti e infelici.

Il concetto di felicità qualcosa di inafferrabile, troppo spesso legato al consumo di qualcosa più che alla sua preservazione. Ma che c’entra tutto questo col design?

Tanto, se uno come Stefan Sagmeister presenta una mostra intitolata ‘Six Things’ al Jewish Museum di New York (fino al 4 agosto). Le sei cose a cui si riferisce il designer grafico austriaco sono piccole regole per essere felici. Negli ultimi dieci anni Sagmeister ha conciliato la sua attività di rockstar della comunicazione (ha lavorato con David Byrne e Lou Reed per fare due nomi) con una personale ricerca dello stato d’animo a cui tutti anelano.

Certo, avere una carriera appagante come quella che Sagmeister ha sperimentato sin da giovane aiuta, eppure questo guru della contemporaneità è convinto che la mente possa essere allenata allo stesso identico modo del corpo.

In mostra vengono illustrate dunque le sei regole da seguire per essere felici: If I Don’t Ask I Won’t Get (Se non chiedo non ottengo, e qui Sagmeister racconta di come il suo amico – e fondatore di TED – Richard Saul Wurman l’abbia convinto a lavorare gratis per lui); Keeping a Diary Supports Personal Development (Tenere un diario supporta lo sviluppo personale e Sagmeister lo tiene da anni, ci torna e scopre cose di se che altrimenti avrebbe dimenticato); Be More Flexible (Essere più flessibile, ovvero non bloccarsi sulla prima idea che risulta sensata); It Is Pretty Much Impossible to Please Everyone (È praticamente impossibile accontentare tutti, quindi fatevene una

People in the modern world undoubtedly are faced with the dilemma associated with the quest for happiness – namely, how to achieve inner piece with a life-style that will not compromise success in all fields: in the workplace, with health and in relationships. It is no coincidence modern living is, for the most part, based on self-help reading, selfishness and self-indulgence.

Each person sits passively at the heart of his/her own little universe and to achieve the goals, will not make any gratuitous sacrifice. However, as everyday events unfold, we learn that this forma mentis does not work. And the result is a generation of bored, dissatisfied and unhappy people. The concept of happiness is something untouchable, and too often it is associated with consumerism as opposed to protecting the resources..

But what has design to do with all of this? Quite a lot it seems, given that Stefan Sagmeister has presented an exhibition called ‘Six Things’ at the Jewish Museum in New York (open until August 4th). The Austrian Graphic designer has listed the six things he feels are important contributions to achieving happiness. Over the last ten years, Sagmeister has combined his activity of rockstar communication (he has worked with David Byrne and Lou Reed to mention a couple of names) with a personal investigation into the moods that everyone desires.

Of course, anyone would benefit from the successful career pathway that started in Sagmeister’s youth; yet this guru of contemporary living is convinced that we can train our minds just as we train our bodies.

The exhibition illustrates the six rules to follow in order to be happy: If I Don’t Ask I Won’t Get (at this point, Sagmeister tells the story that his friend and founder of TED – Richard Saul Wurman convinced him to work for free); Keeping a Diary Supports Personal Development (Sagmeister has kept a diary for years and when he refers to it, he is reminded of things that he would have otherwise forgotten); Be More Flexible (do not stop withthe

first sensible idea that comes to mind); It Is Pretty Much Impossible to Please Everyone (so accept that this is and always will be the case); Now is Better (do not procrastinate, but do not live in the past or be anxious about the future); Feel [how] Others Feel (and live better alongside people who are different to yourself).

Five videos and an installation, all tastefully produced, illustrate six ideas to be considered. This despite the fact that Sagmeister has not invented anything other than an extraordinary ability to express in just a few minutes what we can learn about ourselves in a lifetime. And this is faster, more beautiful and more effective than any self-help manual (S. S.)

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ART GRAMSCI MONUMENT Gli Stati Uniti sono la nazione che fa della libertà di parola una divisa d’orgoglio, eppure ci sono termini che in questo nuovo mondo sono ancora tabù. Uno di questi è senz’altro “comunismo”, un concetto che – per gli americani – non solo è incomprensibile ma è anche imbarazzante da discutere. L’accezione legata a questo termine è dubbiosa e negativa, fatto che per chi viene dall’Europa è sia divertente che frustrante.

Per questo motivo sarà curioso osservare come il pubblico americano reagirà al progetto che l’artista svizzero Thomas Hirschhorn presenta a New York dal 1

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luglio al 15 settembre grazie al supporto della DIA Foundation.

Hirschhorn, tra gli artisti più apprezzati della nostra epoca, non è nuovo a provocazioni di questo genere, in primis nei confronti del mondo dell’arte che però – forse proprio per questo – accetta ogni suo progetto con ammirato stupore.

Lontano dalle gallerie patinate di Chelsea, Hischhorn presenta il ‘Gramsci Monument’, un padiglione multifunzionale installato all’interno delle Forest Houses nel Bronx. Sarà divertente osservare il mondo dell’arte arrivare in questi ‘projects’ (le nostre case popolari) e gridare al genio o indignarsi. Il progetto, quarto episodio di una serie che Hirschhorn ha dedicato a quattro filosofi (Spinoza, Deleuze e Bataille i primi tre) prevede la costruzione di un luogo da parte degli abitanti delle Forest Houses, un esperimento sociale che conterrà una biblioteca (dove scoprire tutto su Gramsci), un teatro, una serie di workshop, una lounge, un punto internet e anche il Gramsci Bar, sempre gestito dagli abitanti locali.

Un luogo di aggregazione i cui obiettivi sono stabilire un nuovo concetto di monumento; provocare incontri; creare un evento; pensare Gramsci oggi. Il motivo che spinge Hirschhorn a cimentarsi in tale progetto è il suo “amore per il pubblico non-esclusivo” e per tutto ciò che sorpassa i limiti dell’ordinarietà.

‘Gramsci Monument’ sarà dotato anche di una stazione radio, di un quotidiano e di un programma di seminari e conferenze, inoltre per seguire il progetto anche da lontano è attivo il sito internet temporaneo www.gramsci-monument.com.

“La mia decisione di realizzare il Gramsci Monument non viene da una conoscenza del filosofo, ma piuttosto dalla mia conoscenza dell’arte e dalla mia convinzione che l’arte possa trasformare”. Bilanciandosi sapientemente tra ricerca e mistero, Hirschhorn comunica che la sua scelta di Gramsci sia dovuta semplicemente alla sua ammirazione in tutto e per tutto del filosofo italiano. La scelta di presentarla nel tempio del capitalismo, New York, è intensa. La partecipazione in prima persona (Hirschhorn vivrà nel Bronx per tutta la durata del progetto) e l’invito obbligato al mondo dell’arte a uscire dai propri confini è geniale. È tuttavia curioso che il termine “comunista” non compaia per nulla nel comunicato stampa. (S. S.)

The United States of America is a nation that is proud of its freedom of speech; yet there are words that are still considered to be taboo. One of these is ‘Communism’ – a concept that – for the Americans – is not only incomprehensible but causes embarrassment when a subject for discussion. This word conjures up suspicion and negative implications; people who come across the pond from Europe find it extremely funny and highly frustrating. For this reason,it will be interesting to observe how the American public will react to the project that the Swiss artist Thomas Hirschhorn presents in New York between July 1st and September 15th, supported by the DIA Foundation. Hirschhorn is one of the most acclaimed artists of our times and is no stranger to controversy of this type, in primis with the art world that – possibly for this reason – welcomes each of his projects with admiration and astonishment. Light years from the polished galleries of Chelsea, Hirschhorn presents the ‘Gramsci Monument’, a multifunctional pavilion installed inside the Forest Houses complex in the New York district of the Bronx. It will be interesting to watch the art world arrive in these ‘projects’ (our social housing) to proclaim his genius or to turn their noses up in indignation.

The project, the fourth episode in a

series that Hirschhorn has dedicated to four philosophers (Spinoza, Deleuze and Bataille were the first three), involves constructions built by the inhabitants of the Forest Houses, a social experiment that will house a library (where they will find out everything they need to know about Gramsci), a theater, a series of workshops, a lounge, an Internet point and even a Gramsci Bar, managed by the local inhabitants. It is a place for social aggregation designed to define a new concept of a monument: facilitate meetings; create an event; think of Gramsci today. What drives Hirschhorn to embark on such a project is his ‘love for the non-exclusive public’ and for everything that surpasses the limits of what is ordinary. The ‘Gramsci Monument’ will also have its own radio station, a newspaper and a program of seminars and conferences; and people will also be able to follow the development of the project on-line by logging-onto www.gramsci-monument.com .

“My decision to create the Gramsci Monument did not emerge from my knowledge of the philosopher, but my knowledge of art and my belief that art can transform.” By skilfully balancing research and mystery, Hirschhorn based the exhibition simply on his admiration for the Italian philosopher. The emotional decision to present the exhibition in the inner sanctum of Capitalism, New York, was intense. Important information is that Hirschhorn will personally preside over the exhibition (he will be living in the Bronx for the duration of the project) and the invitation asking the art world to step outside of their box was pure genius. And it should be pointed out, strange as it may seem, that the word ‘Communist’ does not appear anywhere in the press release.

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EXHIBITION I PAESAGGI VISIONARI DI LE CORBUSIER

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Il più grande errore della maggior parte delle mostre dedicate all’architettura è quello di ridurre il tema a una sequenza di disegni tecnici, schizzi e plastici spiegati ai visitatori attraverso prolisse spiegazioni storiche. Questo metodo non solo allontana i profani da un tema che dovrebbe invece divenire familiare (visto che vissuto tutti i giorni) ma avvilisce l’architettura, trasformandola in qualcosa di inanimato. È vero, le costruzioni architettoniche sono entità statiche, ma la storia insegna quanto il logorio del tempo, l’epoca che le attraversa e le migliaia di fruitori che le usano possano cambiarle, rendendole vive.

Forse, la mostra dedicata a Le Corbusier che si tiene al MoMA di New York dal 15 giugno al 23 settembre 2013 riuscirà a evitare l’inconveniente della mostra d’architettura impenetrabile. Certamente, la grande retrospettiva – la prima dedicata al maestro svizzero nel museo americano – presenta una grande quantità di materiali documentari come il modello di Ville Savoye e gli schizzi della Chapelle NotreDame du Haut ma l’obiettivo della mostra è ricreare, davanti agli occhi dei visitatori, l’idea del paesaggio di Le Corbusier nella maniera più esaustiva possibile. Le quattro sezioni della mostra sono orientate

verso diverse sfumature: il paesaggio degli oggetti trovati; il paesaggio domestico; il paesaggio architettonico della città moderna e quello dei vasti territori.

Accanto a materiali classici viene esplorato un Le Corbusier più artista con gli acquarelli realizzati nei suoi viaggi nel Mediterraneo, diversi video e registrazioni audio realizzate da Le Corbusier stesso negli anni Trenta, ma è la sezione dedicata al paesaggio domestico che promette di offrire un’esperienza più intima e vivace con la visione di Le Corbusier. Qui, cinque interni sono stati ricostruiti con il mobilio originale, restaurati e ripresentati secondo l’esatta visione dell’architetto grazie a un attento lavoro di ricerca e ricostruzione che nelle originale Unité d’Habitation di Marsiglia si è persa/trasformata attraverso l’azione quotidiana dei suoi abitanti. Utopica e geniale fino al punto di diventare controversa, l’opera di Le Corbusier dovrebbe essere compresa da chiunque voglia capire qualcosa del modo in cui viviamo l’architettura e il design nella sua visione più completa, ovvero, come la intendeva Le Corbusier, paesaggistica. (S. S.)

LE CORBUSIER’S VISION OF THE LANDSCAPE ON DISPLAY One of the biggest mistakes observed in exhibitions dedicated to architecture is that the core theme is reduced to a sequence of technical designs, sketches and models explained to visitors through long-winded historical explanations. This format

frequently discourages any interest from laymen who should be attracted to these familiar topics; however, it also humiliates the architecture of the building, transforming it into an inanimate lifeless facility. By definition, architectonic buildings are static; however, history has shown us that the passage of time, the period of construction and the thousands of users can transform it and inject vitality and life. And it is possible that the exhibition dedicated to Le Corbusier in the MoMA Gallery in New York from June 15 to September 23, 2013 may avoid the problems associated with an impenetrable exhibition of the architecture. This major retrospective exhibition – the first the American museum has dedicated to the Swiss

Maestro – contains a large quantity of documentation, such as the model of the Ville Savoye and the sketches of Chapelle Notre-Dame du Haut.

However, the exhibition aims to detail Le Corbusier’s idea of the landscape.

The four sections of the exhibition are oriented to different aspects: the landscape of objects; the domestic landscape, the architectonic landscape of the modern city and the landscapes of vast territories.

Alongside the classical pieces, the exhibition explores the more artistic face of Le Corbusier through the watercolors painted during his trips to the Mediterranean, and a number of silent videos and sound tracks recorded

by Le Corbusier in the Thirties. However, the section dedicated to the domestic

landscape promises to offer a more intimate dynamic experience through Le Corbusier’s vision. The exhibition presents five interiors reconstructed with original pieces of furniture, restored and represented according to the exact vision of the architect following a detailed process of research and reconstruction of the original Unité d’Habitation in Marseille, features that had been lost/transformed through the routine activities of its inhabitants.

Le Corbusier’s vision can be described as utopic, ingenious, verging on the controversial and should be easily comprehended by anyone who wishes to understand about how we experience the myriad facets of architecture and design – just how Le Corbusier interpreted the landscape. (S. S.)

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AWARD 14

analizza un luogo che contiene patrimoni di memoria e natura di particolare densità e si presenta significativo per la sperimentazione di metodi e strumenti per la conoscenza e il buon governo dei beni culturali. “Skrudur è in sé un presidio e un crogiuolo: il suo recinto – spiega la commissione di studio – descrive una condizione che cerca un punto di contatto tra due mondi, quello della confidenza e della fiducia nel coltivare la terra, e quello dello sguardo cosciente sulla vastità di luoghi che accompagnano la stessa esperienza umana”. [E. D. M.; ph: Hervé Brunon-Fondazione Benetton Studi Ricerche.

Immagini storiche tratte da Sigtryggur Guðlaugsson, Skrúður á Núpi. Græðsla og gróður í fjörutíu ár (1909-1949)]

IL GIARDINO BOTANICO DI SKRUDUR

THE BOTANIC GARDENS OF SKRUDUR

Un lembo di terra recintato in uno spazio brullo e inospitale. Un piccolo grumo di vegetazione adagiato su uno dei fiordi che solcano la regione nord-occidentale dell’Islanda, a pochi chilometri dal circolo polare artico. Skrudur è un giardino botanico, circondato alle spalle da un’imponente cortina di montagne e a valle da un terreno solitario che scende verso la riva del fiordo. Con la scuola, la chiesa e la fattoria di Núpur, l’orto forma un luogo fisico e culturale che si presenta come sfida alle condizioni ambientali estreme e alle istanze di miglioramento sociale. Skrudur si sviluppa agli inizi del Novecento, grazie all’opera di Sigtryggur Guðlaugsson: lo stesso, che pochi anni prima, insieme al fratello Kristinn, aveva inaugurato un programma di educazione rivolto al riscatto dalle condizioni agricole arretrate.

Ed è a questo luogo e alla sua comunità, che tuttora lo cura e lo preserva dai segni del tempo e dalle forze devastanti della natura, che la giuria del Premio Internazionale Carlo Scarpa per il Giardino, ha conferito, per il 2013, l’importante riconoscimento. Il premio, giunto alla ventiquattresima edizione, è promosso e organizzato dalla Fondazione Benetton Studi e Ricerche; la quale, ogni anno,

A slither of land surrounded by a barren, inhospitable territory. A small clump of vegetation that lies alongside one of the fjords that slice the North-Western district of Iceland, a few miles away from the Arctic polar circle. Skrudur is a natural botanic garden, with a majestic mountain range at the back and downstream, land that sweeps down to the banks of the fjord. With the school, the church and the Núpur farm, the botanic garden is a physical and cultural location that can be described as a challenge to extreme environmental conditions and the basis for social improvement. Skrudur developed at the beginning of the 20th-century, thanks to the work of Sigtryggur Guðlaugsson.

Some years earlier, brothers Sigtryggur and Kristinn initiated an educational program to improve the primitive farming conditions. The location and its community still preserve the signs of time and the devastating power of nature, this merited the prestigious Premio Internazionale Carlo Scarpa per il Giardino (The Carlo Scarpa International Prize for the Garden) that was presented to the area in 2013. This is the 24th edition of the prize, promoted and organized by the

Benetton Research and Development Foundation. Each year, the Foundation analyzes a location that preserves the important legacy of the past and nature and is described as an important facility for the experimentation of methods and instruments for the protection and good management of a country’s national heritage. “Skrudur is simultaneously a garrison and an arena; according to the development commission: its boundaries describe a condition that aims to identify a point of contact between two worlds – one being the confidence and faith in land cultivation, and the other being the conscious examination into the vastness of the locations that accompany Man’s experience itself”. [E. D. M.; ph: Hervé BrunonFondazione Benetton Studi Ricerche.

Historical pictures taken from Sigtryggur Guðlaugsson, Skrúður á Núpi. Græðsla og gróður í fjörutíu ár (1909-1949)]

PREMIO PIDA Evidenziare con occhio critico il ruolo e la responsabilità che l’architettura e l’architetto assumono nel processo di trasformazione del paesaggio e di costruzione delle politiche di sviluppo. Un processo dal quale la società può trarre grandi benefici ambientali, sociali, economici ma che negli ultimi decenni invece ha prodotto in Italia degrado ambientale ed impoverimento culturale.

I feroci abusi perpetrati a danno dell’ambiente naturale richiedono all’architettura un’inversione di tendenza, u che parta dall’equilibrio tra ambiente naturale e ambiente costruito.

Essendo l’Italia un paese che vive di turismo, una buona parte dell’architettura che si realizza ne nostro paese è dedicata a questo settore, ed è per tale motivo che intervenendo su questa tematica si può incidere sulla qualità di vita della società civile. Il Premio Internazionale Ischia di Architettura, organizzato dall’associazione PIDA con la collaborazione dell’Ordine degli Architetti di Napoli e HSDesign, vuole essere uno strumento propositivo e di critica per chi opera in questo settore. Il tema del concorso è la qualità dell’ospitare. Il PIDA viene assegnato alle opere di architettura ultimate e documentabili per la sezione “premio PIDA”, e riferite alla sola progettazione di esse per la sezione “premio PIDA Concept”, riferite alle due macro sezioni del premio: alberghi (hotel, agriturismi, pensioni, ) o SPA (Centri Termali, Parchi Termali, Beauty Farm, Centri Estetici). Le opere possono riguardare la realizzazione di nuova architettura o il recupero, la riqualificazione, l’ampliamento di edifici esistenti purché sia chiaramente leggibile un esplicito ed autonomo dialogo con la contemporaneità. La kermesse si pone l’obiettivo di esportare l’identità italiana attraverso la cultura e l’imprenditoria, mettendo a confronto le architetture del mondo del turismo italiane con quelle estere. La premiazione della VI edizione è in programma a Ischia dal 8 al 13 luglio 2013, insieme a mostre, workshop, dibattiti, conferenze, kermesse musicali, e stand fieristici. www.pida.it

THE PIDA AWARD A critical eye has been directed to highlight the role and the responsibility of architecture and the architect in the transformation process that affects the landscape and the development of the development policies. This is a process that can be translated into enormous environmental, social and economic benefits for society; however in recent years, in Italy it has led to blights on the countryside and widespread cultural impoverishment. This ferocious abuse of the natural surroundings must be tackled with architecture that can reverse these trends, starting from the equilibrium between the natural and constructed ambiences. It is no secret that Italy is a country with an economy largely based on tourism; consequently, a large part of the architecture is dedicated to this sector, and for this reason any intervention in this field may influence the quality of life in a civil society. The International Ischia Award for Architecture (PIDA) , organized by the PIDA association, in collaboration with the Architects’ Guild of Naples and HS Design, aims to be a driving and critical tool for people involved in this sector. The core theme of the competition is the quality of the

hospitality. The PIDA prize is assigned for the architectonic projects that have been completed and submitted for the section ‘PIDA Prize’. These projects refer exclusively to the design for the ‘PIDA Concept prize’, specific for the two macro sections of the prize: accommodation (hotels, farmhouses, guest houses, ) and SPA centers (Spa centers or parks, Beauty Farms, Wellness centers). The constructions may be new builds or refurbished buildings,

makeovers or extensions to existing facilities, as long as they can be clearly interpreted in the autonomous dialogue with modern day living. The event aims to export the identity of Italy through culture and business, comparing the architecture in the Italian tourism sector with that of its foreign counterparts.

The prize-giving for the 6th edition has been scheduled in Ischia between July 8-13 2013, along with an exciting calendar of exhibitions, workshops, debates, conferences, music shows and stands. www.pida.it

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FAIRS HOST 2013

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Cinque giorni di mostra e una lavorazione sotto traccia di 24 mesi. Questa è la filosofia di Host 2013, il Salone internazionale dell’ospitalità professionale, leader mondiale nel settore Ho.Re.Ca. e Retail, che si tiene alla fiera di Milano a Rho da venerdì 18 a martedì 22 ottobre 2013.

Perché grazie a un costante lavoro di analisi dei mercati e di supporto agli operatori, Host 2013 va molto al di là dei cinque giorni di manifestazione per diventare un vero osservatorio delle tendenze e delle evoluzioni del mercato e una piattaforma di business globale, attiva tutto l’anno.

Cuore di questa filosofia, la capacità di coniugare una visione di ampio orizzonte sui mercati internazionali con un’idea a tutto tondo dell’innovazione.

Host è un punto di riferimento confermato e testimoniato dalle stesse aziende: a ottobre gli hosted buyer provenienti da tutti i mercati saranno oltre 1.500 e gli espositori saranno oltre 1.600 da 50 Paesi. In particolare, il 40% degli espositori è rappresentato da aziende estere, a rafforzare il trend di sempre maggiore internazionalizzazione che caratterizza Host. In linea con un concept pensato per valorizzare le prossimità di filiera, il percorso espositivo di Host 2013 sarà organizzato su 12 padiglioni e in tre macro-aree: Ristorazione Professionale

insieme a Pane-Pasta-Pizza; Bar e Macchine Caffè in sinergia con Caffè-Tè e Gelato-Pasticceria; Arredo e Tavola. A completare l’offerta di Host 2013, un ricco palinsesto di momenti di formazione e informazione, dimostrazioni e gare, show-cooking e tasting che, grazie alle partnership con le più autorevoli associazioni di categoria e con le più importanti realtà della consulenza e delle analisi di mercato, forniranno sia spunti pratici, sia indicazioni per nuove strategie di marketing e vendita e analisi di scenario a più ampio raggio. EXIHS – Excellent Italian Hospitality Services – è una grande scatola trasparente di 500 mq, un “acquario del bello” che ospiterà il design proposto da aziende italiane. Format innovativi, che sposano le esigenze del mercato con la bellezza in progetti funzionali e business-oriented, sono ospitati in una lounge con un focus su 4 aree tematiche: Lavoro, Mente, Corpo e Relax.

Innovativo è anche il concetto che mixa wellness e food. A Host 2013 lo esprime Cloud & Lounge, installazione ideata da Alberto Apostoli Architecture & Design: la filosofia progettuale valorizza il dialogo con il green, per riproporre un sito in funzione ‘customizzata’. Un ristorante “Km 0” con terrazzi o orti pensili e visibili alla clientela, o una gelateria bio che offre anche servizi di cura per il corpo, si animano di tessuti ecologici per la biancheria e materiali naturali e alternativi come pietra, legno, bambù e cocco per stoviglie, posateria e ménage.

Il progetto Bar 24, in collaborazione con Il Sole 24 Ore, mette in scena due format, rispettivamente di Silvio De Ponte Architect / DPSA+D e Paolo Bulletti + Lombardini22, che presentano il bar dell’hotel come luogo innovativo. iBarConcept è un nuovo modello di servizio al cliente, in dialogo continuo con i device mobili, ma vive anche come semplice servizio bar e caffetteria “sempre aperto”. Il trasformismo è invece la chiave di Smart Bar: le luci cambiano secondo i momenti della giornata, mentre superfici interattive consentono lo scambio di informazioni e l’entertainment.

Sviluppare nuovi format di design, originali e innovativi, è la sfida che Host e POLI.design lanciano ai designer di tutto il mondo con HOSThinking – a design award: il riconoscimento, con il patrocinio di ADI - Associazione Italiana per il Disegno Industriale, premierà i progetti che esprimeranno al meglio, con proposte inedite e distintive, l’evoluzione dei nuovi spazi ibridi, con particolare attenzione al coinvolgimento del cliente nel concept. Una giuria individuerà una short-list di finalisti che saranno esposti a Host 2013, tra i quali verranno individuati i 3 vincitori, premiati durante la manifestazione. A oggi, 175 le candidature ricevute dai 5 continenti.

Tecnologie protagoniste con Smart L

bel, Host e Fiera Milano con POLI.design premiano le proposte più innovative in termini di funzionalità, tecnologie, sostenibilità ambientale, risvolti etici e sociali per prodotti e aziende, presenti a Host 2013. Fino a maggio 2013, le aziende potranno inviare la candidatura di un prodotto o progetto in realizzazione: una commissione di docenti del Politecnico di Milano ed esperti di settore valuterà le candidature e attribuirà il riconoscimento ai prodotti con i requisiti necessari. www.host.fieramilano.it

Five days of exhibition and preparatory organization of 24 months. This is the philosophy behind Host 2013, the international salon of professional hospitality, the world leader in the Ho.Re. Ca. and Retail sectors. The event will be held in the exhibition headquarters of Rho-Milan between Friday 18th and Tuesday 22nd October 2013.

Thanks to its ongoing market analysis and the constant support provided to the operators, Host 2013 reaches far beyond the five days of the event and can be classed as a true observatory of the trends and the evolutionary progression of the market, as well as being a platform for global business, active all year round.

The core theme of this philosophy is the company’s ability to combine the far-reaching vision of the international markets with the full-circle interpretation of innovation. Host is an important reference point for the companies: in October, the event will welcome more than 1500 invited buyers from all over the world in addition to more than 1600 exhibitors from 50 countries. Almost half (40%) of the exhibitors will be from abroad and this figure reiterates and reinforces the international personality of Host. With a concept devised to enhance the proximity of the production facilities, the exhibition pathway for Host 2013 will be contained in 12 pavilions split into three macro-areas: Professional Catering along with Pane(Bread)-PastaPizza; Bars and Coffee machines in synergy with Coffee-Tea and Ice-CreamConfectionary; Furnishing and Tableware.

The program of events on offer at Host 2013 will include training and information workshops, demonstrations and competitions, show-cooking and tasting; thanks to the partnership with the most influential trade associations and with the most important realities of consulting and market analysis, these events will provide practical tips and indications for new marketing and sales strategies and a broader analysis of the current scenarios. EXIHS – Excellent Italian Hospitality Services – is a large transparent box of 500 sq.m., an aquarium for observing what is beautiful that will contain the designs proposed

by Italian companies. Innovative formats that respond to the market requirements with beauty visible through functional and business-oriented projects are presented to the visiting public in a lounge devised to focus on 4 theme areas: Work, Mind, Body and Relaxation.

The concept that mixes wellness and food is also innovative. The perfect expression at Host 2013 was Cloud & Lounge, an installation created by Alberto Apostoli Architecture & Design: the design philosophy encourages the creation of an ecological interface with vegetation, to produce a custom location. A restaurant based on ‘0 Km supplies’ with terraces and hanging gardens for the delight of the customers, or an organic ice-cream parlor that also offers body-care treatments – these are enhanced by with eco-friendly fabrics and natural, alternative materials such as stone, wood, bamboo and coconut for crockery, cutlery and other pieces of tableware.

The project Bar 24, in collaboration with Il Sole 24 Ore, presents two formats –

by Silvio De Ponte Architect / DPSA+D and Paolo Bulletti + Lombardini22 respectively; the idea is the hotel bar spiced with innovation. The iBarConcept is a new model at the service of the client; it has an ongoing dialogue the surroundings yet also operates as a 24/7 coffee bar and lounge. Transformism is the keyword for Smart Bar: the lighting changes throughout the day, while interactive surfaces allow the exchange of information and provide entertainment.

When a product is the foundation stone in a company’s history, it will be the undisputed protagonist. The development of new original and innovative design formats is the challenge that Host and POLI.design have thrown down to designers across the world with HOSThinking - a design award: this prize will be presented under the patronage of ADI – the Italian Association for Industrial Design, for the projects that best express the evolution of new hybrid spaces, through original and distinctive proposals, with special attention paid to ensure that the client has hands-on involvement in the definition of the concept. A panel of experts will draw-up a short-list of finalists and all of the projects will be displayed during Host 2013. The three winning projects will be selected from those on show and the awards will be presented during the event. At the time of writing, 175 projects have been submitted from 5 continents. Technology takes centerstage with Smart Label. Host and Fiera Milano with POLI.design will reward the most innovative proposals presented during Host 2013, basing the decision on performance, technology, environmental sustainability, ethical and social factors for products and companies. Until the end of May 2013, companies can submit a product or a project (work-in-progress); a panel of lecturers from the Milan Polytech joined by a group of experts will examine the proposals and select the winning products with the necessary requisites. www.host.fieramilano.it

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DESIGN

UN LAMPADARIO CHE SUONA?

DOMITALIA

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Da sempre specializzata nella produzione di sedute, tavoli e complementi d’arredo, per uso residenziale e contract, Domitalia propone modelli innovativi e dal look originale, prodotti poliedrici in grado di combinare funzionalità ed estetica. Il made in Italy come missione e un design che fa della pulizia e della comodità i suoi punti fermi, sono tra i suoi valori principali. Dal gennaio 2013 la coppia Folco Orlandini e Andrea Radice è responsabile della direzione artistica dell’azienda, la quale ha deciso di intensificare il rapporto di collaborazione con i due designer, già autori di modelli di successo come la poltrona Babà. Il mercato contract realizza circa il 15% del fatturato totale dell’azienda, che include anche Health Care, una speciale collezione destinata alle comunità di anziani e persone con problemi di deambulazione.

Da sottolineare la vocazione internazionale di Domitalia, dimostrata da una quota export pari al 70% e dalla presenza in oltre 70 Paesi con Scandinavia, Francia, Russia e Stati Uniti come principali mercati. Nelle immagini, Bouchon, l’originale famiglia di sedute realizzata in sughero rigenerato, materiale dalla particolare elasticità, resistenza e impermeabilità; e la poltrona Coquille. www.domitalia.it (L. C.I

The company has always been specialized in the production of seating, tables and accessories, for use in the residential and contract sectors. Domitalia has always presented innovative models with an original appearance, polyhedral items that combine high performance with esthetics. The mission is clearly under the ‘Made in Italy’ banner and the design is based on clean comfortable lines. From January 2013, the designers Folco Orlandini and Andrea Radice have been in charge of the companies art direction. The company decided to intensify the partnership with the two designers – who had previously created successful models such as the armchair Babà.

The contract market accounts for approximately 15% of the company’s total turnover; this includes Health Care, a special collection for the elderly in care homes and people with mobility problems. Domitalia’s international vocation is indicated by its 70% exports and the company’s presence in more than 70 countries with Scandinavia, France, Russia and USA being the main markets. The picture shows, Bouchon, an unusual family of seating produced in regenerated cork, a material with unusual elasticity, resistance and waterproof properties; and the armchair, Coquille. www.domitalia.it (L. C.)

Fabio Fornasier e LU Murano rappresentano un binomio dal quale nascono prodotti spesso sorprendenti: è il caso di iLUsion, un lampadario che, oltre a svolgere il suo “ruolo naturale”, è in grado anche da fungere da impianto stereo wi-fi. Possibile? Lo abbiamo visto e… ascoltato. A Venezia 36 luci, dimmerabili, 125 kg di peso, tutto in vetro specchiato, 2x2,20 le dimensioni, 90.000 euro il costo, un anno di lavoro dall’idea alla realizzazione dei due prototipi esposti nella cornice dell’Hotel Liassidi Palace di Venezia, dove saranno visibili fino alla fine del mese di settembre. Parliamo di un lampadario, muranese, creato da Fabio Fornasier con l’aiuto di un tecnico quale Stefano Busetto, esperto di progettazione di sistemi audio complessi. Durante la presentazione alla stampa, all’inizio non tutti hanno capito che la musica diffusa nella sala dell’hotel proveniva proprio dagli altoparlanti inseriti nel lampadario. Lampadario a cui, giustamente, è stato dato il nome di ilLUsion, come a sottolinearne il carattere un po’ magico. Un anno di lavoro tra vibrazioni, risonanze, frequenze, pressioni sonore… tutto da scoprire e sperimentare, e a questo proposito sono stati provati coni in kevlar, in cartone per poi arrivare alla scelta finale della fibra di vetro, e poi testati e opportunamente modificati filtri crossover, fino a trovare il giusto taglio di incrocio delle frequenze di lavoro fra gli altroparlanti (rigorosamente di serie) midwoofer e tweeter.

E poi, gli spessori e le forme del vetro, lavorati fino a ottenere un sistema privo di risonanze. Il risultato sono stati questi due lampadari, identici ma ruotati di 180° l’uno rispetto all’altro, che hanno prodotto la diffusione della stereofonia a 360°. Dopo la presentazione, a Euroluce, dei modelli in fibra di carbonio, LU Murano ha voluto stupire un’altra volta, riuscendoci, con un prodotto inusuale ma perfettamente inseribile in ogni contesto contract. (C. M.)

+ 100% RECYCLED MATERIAL

assistance of Stefano Busetto, an expert designer of complex sound systems. During the press conference, not everyone present was aware that the music piped in the Hotel room was being emitted from the loud-speakers installed in the light fittings. The clever name given to the chandelier was ilLUsion, to underline its somewhat magical personality. A year of careful investigation into the vibrations, resonance, frequencies, sound pressures… all important features to be discovered and experimented.

The designers tested sound-diffusion cones in Kevlar, in cardboard with the final choice falling on glass fiber, then special crossover filters, to achieve the appropriate frequency crossover between the midwoofer and tweeter loudspeakers (supplied as standard).

The thickness and the shape of the glass components were tried and tested to achieve a system free from resonance. The two chandeliers are identical but rotated through 180°, producing 360°stereophonic sound diffusion. Following the presentation at Euroluce of the models in carbon fiber, LU Murano wished to astonish us once again with an unusual product that would be the perfect addition to any contract context – and it’s no surprise that its efforts hit the mark! (C. M.)

A CHANDELIER WITH SOUND? Fabio Fornasier and LU Murano is a partnership that often produces astonishing products: and illusion is no exception! Would you believe that they have created a chandelier that emits light but is also a stereo Wi-Fi system?

Well, it’s true! Our eyes and ears didn’t lie when it was previewed in Venice…

The fitting is equipped with 36 light sources that can be dimmed. The ensemble weighs 125 kg, has been produced in mirrored glass, measures 2x2.20 m and costs 90,000 euros. The design team took one year to complete the two prototypes (from planning to finish) that are now on display in the Hotel Liassidi Palace, Venice, where they will stay until the end of September.

This Murano chandelier was designed

by Fabio Fornasier, with the technical

Si chiama Milca Series. È una nuova collezione di arredi in cartone riciclato al 100% progettata da Toshiyuki Kita per Bolda. Ne fanno parte, per ora, un tavolo, una sedia e uno sgabello leggeri e facili da assemblare, caratterizzati da divertenti texture d’ispirazione naturale e altamente personalizzabili mediante la stampa. Presentati presso gli spazi di MAD, allestiti da Design Diffusion World presso le Officine del Volo di Via Mecenate durante il Salone del Mobile 2013, hanno subito catturato l’attenzione per il contenuto d’innovazione sotteso al progetto, che ha già ricevuto la certificazione FSC®, destinata ai prodotti ecofriendly. (F. D. P.)

The Milca Series is a new collection of furniture in 100% recycled cardboard, designed by Toshiyuki Kita for Bolda.

The collection includes a table, a chair and a stool; all of the pieces are light and easy to assembly; they have a delightful texture of natural inspiration and are easy to personalize with printing. The collection was presented during MAD in a display organized by Design Diffusion World in the Officine del Volo facilities in Via Mecenate, during the 2013 International Furniture Salon in Milan. The collection attracted enormous attention for the innovative features of its design. It has already been awarded the FSC® certification for eco-friendly products. (F. D. P.)

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DESIGN MULTIPLICITIES Questo il titolo dell’installazione sonora con cui Poltrona Frau e Cassina hanno presentato i nuovi progetti rivolti al mercato del contract in occasione del Salone del Mobile 2013. Grande regista, nonchÊ interprete, per entrambe le aziende, Zaha Hadid, artefice di un evento-installazione, svoltosi alla Fonderia Napoleonica di via Thaon de Revel a Milano, in cui suoni, forme e segni si moltiplicavano generando una vera e propria architettura sonora. Ma anche, e soprattutto, acuta ideatrice di pezzi che, con le loro forme aerodinamiche, escono dagli schemi per inaugurare un nuovo linguaggio per gli spazi collettivi, fatto di ergonomia e comfort. Tra questi, la poltroncina Array (il cui nome significa matrice), caratterizzata da una forma sinuosa e da un meccanismo di chiusura inedito. Insieme di schienale, bracciolo e sedile che appaiono uniti tra loro e pronti a schiudersi nel movimento come farebbe un bocciolo. Un progetto raffinato e complesso, che Poltrona Frau ha saputo realizzare grazie al suo consueto approccio sartoriale alla lunga esperienza maturata nel campo del seating con realizzazioni nei teatri e negli auditorium di tutto il mondo. (F. D. P.)

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This is the title of a sound installation to announce the new designs for the contract sector by Poltrona Frau and Cassina, presented during the recent 2013 Milan International Furniture Salon. The renowned director and protagonist, Zaha Hadid, worked for both companies and designed the event-installation, positioned in the Fonderia Napoleonica on Milan’s Via Thaon de Revel; sound, shape and signs are multiplied to generate a true piece of sound architecture. The designer also created pieces with aerodynamic

shapes that were projected outside the box to promote a new language for collective spaces, based on ergonomics and comfort. Among the pieces created, the armchair Array (the name means matrix), with its sinuous shape and an original folding device. The backrest, the armrest and the seat look connected and ready to unfold like a flower bud.

Poltrona Frau was able to design is elegant and complex item thanks to its well-known tailor-made approach and its considerable experience with the creation of seating arrangements for theaters and auditoriums around the world. (F. D. P.)

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Tutto l’edificio possiede un’atmosfera caratteristica. Gli ospiti non devono rimanervi costretti a costo di grandi privazioni, come in passato; al contrario vengono coccolati con tutte le attenzioni del caso. (P. R.)

PIACEVOLI ARRESTI

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Het Arresthuis a Roermond è un ex carcere che oggi offre quaranta lussuose camere e suite, ricavate da un totale di 150 celle, in un ambiente storico. I lavori sono stati eseguiti dal gruppo olandese Van der Valk. Le camere sono state completamente accessoriate mentre sono state mantenute le porte originali. Le quattro suite portano i nomi di The Jailer, The Lawyer, The Director e The Judge.

Le camere affacciano sul cortile centrale trasformato in lounge completa di café e una terrazza circondata da ulivi. Non mancano alcuni bar, un piccolo giardino e una sauna.

Roermond, in italiano Ruremonda, è un comune olandese del Limburgo con un importante passato commerciale. Lo skyline del centro storico è dominato dalle torri delle sue due chiese principali: la Cattedrale di San Cristoforo e la Munsterkerk. Oltre a importanti chiese, il centro della città possiede altri edifici e monumenti storici. E possedeva una prigione, quella appunto trasformata nell’hotel, che ha aperto le sue porte recentemente. Nei suoi ex giorni come carcere, è stato un luogo dove nessuno avrebbe voluto godersi il soggiorno; ora è diventato un glorioso hotel dove sicuramente a nessuno dispiacerebbe esservi rinchiuso, negli spazi originali che risalgono al 1863, benissimo conservati.

ARRESTING DELIGHTS Het Arresthuis in Roermond is a former prison facility that has been converted into forty luxury bedrooms and suites, created from 150 cells in this historical detention center. The makeover was completed by the Dutch Group Van der Valk. The bedrooms have been decorated with all mod. cons., however the architects used the original cell doors. The four suites have been called The Jailer, The Lawyer, The Director and The Judge. The bedrooms overlook the central courtyard that has been transformed into a lounge complete with a coffee bar and a patio and surrounded by olive trees.

There are a number of bars, a small garden and a sauna. Roermond is a city in the Dutch district of Limburg with an important commercial past.

The skyline of the historical center is dominated by the towers that rise up from the city’s two main churches: the Cathedral of St. Christopher and

the Munsterkerk. In addition to the magnificent churches, there are other historical buildings and monuments in the city center. It also ‘boasted’ its own prison that was later converted into this recently-inaugurated hotel facility. In its past life as a prison, the inmates did not really enjoy their stay; it is now a luxury hotel where guests will be more than happy to spend a lot of time. Inside this glorious hospitality structure, the original features that date back to 1863 have been perfectly preserved, giving the entire building a tangible characteristic atmosphere.

Guests will never be condemned to stay there and eat ‘porridge’ as in the past; on the contrary, they will be cuddled and cosseted with all of the care and attention expected from a luxury facility such as this. (P. R.)

BUDGET HOTEL A 5 STELLE

A 5-STAR BUDGET HOTEL

Ospitalità di lusso connotata da forma e funzione. E, soprattutto, da un prezzo accessibile. Nascono da questi obiettivi i Bloc Hotels: ‘scatole abitative temporanee’ in cui l’eccellenza in termini di comfort, design e tecnologia la fa da padrona.

Il primo Bloc Hotel è stato inaugurato nel 2011 a Birmingham, nel quartiere dei gioiellieri, e dispone di 73 stanze; il secondo (244 camere) aprirà in modo strategico nelle immediate vicinanze dell’aeroporto di Gatwick (terminale sud) a Londra, nell’autunno 2013. Di altissima gamma i marchi coinvolti per le finiture e per gli arredi interni di un progetto improntato alla massima cura del dettaglio, secondo una filosofia particolarmente cara a Boxbuild (società specializzata nella costruzione di spazi modulari che ha dato vita al progetto).

Tra questi: Artemide (illuminazione), Missoni (tappeti), Armani/Roca (bagni), Led Samsung (televisori).

Inutile dire che grazie alle più moderne tecnologie i viaggiatori possono effettuare le prenotazione via smartphone e ricevere la ‘chiave’ per accedere alla propria stanza direttamente sul telefonino. Concedendosi il meglio in fatto di riposo, senza perdere tempo nelle pratiche di check-in e check-out. www.blochotels.com (F. D. P.)

Luxury hospitality expressed through shape and function, and above all, at an accessibile price. These ideas led to the development of the Bloc Hotels: ‘pop-up box accommodation’ in which excellence in terms of comfort, design and technology are the key features. The first Bloc Hotel – with 73 bedrooms –was inaugurated in 2011 in Birmingham, in a district populated by jewellers. The second (244 bedrooms) will open in the Fall of 2013, in a strategic position close to London’s Gatwick Airport (South Terminal). For the interior design, a number of top quality brands were selected for the finishes and the embellishments. Maximum attention was paid to details, according to a philosophy particularly dear to Boxbuild (a company specialized in the construction of modular units) and this breathed life into the project. Among them, Artemide (illumination), Missoni (rugs), Armani/Roca (bathrooms), Led Samsung (television sets). It goes without saying that thanks to modern technology, travelers can book their stay with their Smartphone; the ‘key’ or code for access to their bedroom will be sent directly to their handset. Guests can rest and relax in delightful surroundings, without wasting any time with the check-in and check-out. www.blochotels.com (F. D. P.)

OKKO-HOTELS Coniugare il meglio delle grandi catene alberghiere, soprattutto in termini di contenimento dei costi e servizi, con la cura del dettaglio e l’autenticità tipica delle piccole strutture. Questa l’idea da cui sono partiti Olivier Devys e Paul Dubrule nell’immaginare una nuova formula di ospitalità, basata su isole d’eccellenza collocate nei punti nevralgici di città storiche come Nantes e Grenoble. È nato così il progetto degli Okko-Hotels, il primo dei quali aprirà in ottobre, fortemente caratterizzati dal disegno d’interni sobrio e avvolgente di Patrick Norguet. “Come quasi tutte le avventure imprenditoriali, anche questa è il frutto di un incontro tra persone e, in particolare, della condivisione di una visione”, ci racconta il designer. “La mia intenzione, così come quella dei soci fondatori del marchio, è infatti quella di rispondere alle nuove esigenze dei viaggiatori, bypassando quello che si è soliti dare per scontato nel caso di un albergo e creando nuovi codici”. Ecco allora camere moderne e ultra-accessoriate, pensate in ogni dettaglio per ridurre qualsiasi spreco di spazio e al contempo offrire il meglio in termini di comfort e servizi. Stanze in cui il letto si prolunga in un piano d’appoggio che diventa anche seduta, la scrivania scompare come un quadro a parete e l’armadio è, di fatto, una semplice tenda. Sempre nel segno della piacevolezza dello stare e del massimo rigore estetico.

Altrettanto curati gli ambienti comuni (Club), destinati a una fruizione condivisa e arredati con importanti pezzi di design contemporaneo. (F. D. P.)

The idea was to combine the best offered by the large hotel chains, particularly in terms of cost-containment and services, with maximum attention paid to detail and the authentic hospitality associated to small facilities. This was the starting point for Olivier Devys and Paul Dubrule as they envisaged a new hospitality formula, based on oases of excellence positioned at key positions in historical cities, such as Nantes and Grenoble. What resulted was OkkoHotels – the first venue will open in October – with its characterizing stylish interiors designed by Patrick Norguet.

“Like any entrepreneurial adventure, this is also an opportunity of meeting between people and, in particular, their shared vision”, according to the designer. “My intention, and that of the brand’s founder partners, was to satisfy travelers’ demands, by-passing everything that is always taken for

granted in a standard hotel and creating new codes for hospitality”. The hotel’s modern, fully-accessorized bedrooms were designed down to the finest details to reduce any space wastage and to offer the very best in terms of comfort and amenity services. In the bedrooms, the bed extends to form a type of shelf that can also be used as a seat; the desk disappears like a painting on the wall and the wardrobe space is hidden behind a curtain –everything has been designed with a large dose of pleasure and maximum esthetic edge. The Club has also been given the same amount of care and attention; it has been designed to encourage social interaction and sharing and has been furnished with important pieces of contemporary design. (F. D. P.)

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HOTEL ENCANTO Affacciato sulle candide spiagge oceaniche di Acapulco, in Messico, l’Hotel Encanto stupisce per la sua semplicità. Un resort da favola, progettato e costruito in armonia con l’ambiente, utilizzando materiali ecocompatibili e poco costosi. 44 stanze, di cui 20 dotate di piscina privata, fanno dell’Encanto un vero e proprio gioiello di ospitalità.

Disegnato dall’architetto Miguel Angel Aragonés, questo albergo è il luogo adatto a un soggiorno rigenerante immersi nella natura. Gli edifici bassi e dalle linee austere si inseriscono alla perfezione nella fitta vegetazione tropicale. Il colore bianco delle architetture ha permesso ai progettisti di prevedere diversi scenari luminosi che, la notte, colorano facciate e tetti dell’Encanto.

Tra le facilities per gli ospiti anche palestra, sauna, SPA, bar e biblioteca. A due passi dal mare. (F .T.; ph: Nicola Laourusso, Joe Fletcher, MAA, Paul Cztrom)

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Overlooking the white beaches of Acapulco, Mexico, Hotel Encanto is memorable for its simplicity. It is a magical resort, designed and constructed in harmony with the environment, using eco-compatible, low cost materials.

There are 44 bedrooms, 20 of which with a private swimming-pool; and these transform Hotel Encanto into a true gem of hospitality. Designed by Miguel Angel Aragonés, this hotel is the perfect location for a revitalizing break in beautiful natural surroundings.

Low rise, simple buildings slide perfectly into the dense tropical vegetation. The white architecture was the backdrop for a number of different lighting systems, that at night color the facades and the roofs of the hotel. The additional guest facilities include a fitness center, a sauna, a Spa, a bar and a library – all just a stone’s throw from the sea. (F .T.; ph: Nicola Laourusso, Joe Fletcher, MAA, Paul Cztrom)

RIFUGIO A COLORI Un albergo dove dipingere sui muri non è vietato ma, al contrario, assolutamente raccomandato! Il nome, Hotel Crayon, racconta molto di questa insolita pensione parigina a pochi passi dal Louvre. Si tratta di un piccolo boutique hotel con 27 tra camere e suite, un gioiello bohémien-chic concepito dall’artista francese Julie Gauthron. Gli interno sono arredati con pezzi vintage acquistati al mercatino delle pulci di Saint-Ouen e arredi scovati nei piccoli negozi della capitale francese. Mobili e complementi sono accostati in maniera libera, creando ambienti dal sapore domestico in cui gli ospiti possono sentirsi come a casa di amici. Le stanze sono tutte una diversa dall’altra; i clienti possono scegliere tra l’essenzialità delle ‘Singolari’, i curiosi abbinamenti delle ‘Insolite’ o la carta da parati da dipingere secondo il proprio estro delle camere ‘Schizzo di squisita fattura’.

Un consiglio: prenotate con pastelli alla mano. (F. T.; ph: Jacques LeBar)

COLORFUL HIDEAWAY In this hotel, writing on the walls is not a sign of bad-manners, on the contrary, it is actively encouraged! Its name ‘Hotel Crayon’ reflects the orientation of this unusual Parisian hotel, just a short distance from the city’s Louvre museum. This compact boutique hotel has 27 bedrooms and suites; it is a gem of Bohemian-chic designed by the French architect Julie Gauthron.

The interiors have been decorated with vintage pieces sourced at the Saint-Ouen flea market and pieces of furniture purchased in the small stores in the French capital. Furniture and accessories are combined to produce an almost domestic environment and guests will have the impression that they are relaxing at home with their friends. The décor in each room is different; guests can choose between the basic ‘Singular’, the curious combinations in ‘’Unusual’ or rooms lined with wallpaper just waiting for the guests themselves to add their personal touch in the bedrooms ‘Delightful sketches’. And a piece of useful advice? When you book, make sure you have your crayons handy!

(F. T.; ph: Jacques LeBar)

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PROJECT A MISURA DI ARCHITETTO

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Si chiama Gevi design, la nuova showroom progettata dallo studio Miccoli Santoro Associati per sgb Gevi. Fiore all’occhiello di una società specializzata nella commercializzazione di tecnologie per l’edilizia che ha deciso di rivolgersi ai professionisti con uno spazio di nuova generazione, pensato per raccontare i prodotti nel loro giusto contesto e, soprattutto, per ricevere in un’atmosfera ad alto tasso di gradimento. È nato così un punto vendita e informazione atipico e fuori dagli schemi. Incastonato in un capannone industriale nella zona est di Napoli – dove per altro hanno sede molte altre attività della ‘casa madre’ e del terziario in genere – e modellato come un gioiello. In cui trovare tutto il meglio di Artemide, Viabizzuno, Davide Groppi, Modulnova, Metalco, Marazzi, Casadolcecasa, Brics, e poi magari fermarsi a chiacchierare indugiando davanti a un caffè.

“Il punto da cui siamo partiti – ci racconta Luca Santoro – era quello di accogliere gli architetti, che davvero passano ore in questo tipo di spazi, in un luogo piacevole, quasi una casa.

Di qui la scelta di un progetto totale e

definito in ogni minimo dettaglio: dalla struttura di base, costituita da muri in cartongesso che danno vita a una ‘scatola nella scatola’, impreziosita da un giardino pensile su Corten®, a vere e proprie nicchie, ideate per esporre i vasi da collezione di Venini che arricchiscono l’ambiente. Il tutto completato da mobili comodi e fruibili, come il tavolo di sei metri su cui ragionare con i disegni alla mano e la parete attrezzata con cataloghi e materiali vari posta di fronte a dove si siedono gli acquirenti”.

Tema chiave dell’intervento, quello della luce naturale: da convogliare all’interno ad ogni costo, nonostante l’altezza di muri perimetrali e finestre. Cosa che ha portato alla creazione di un soppalco di quattro metri, con un soffitto inclinato in modi diversi, e che ha generato tutto l’impianto distributivo. Con il risultato di avere una struttura nella struttura, contrapposta sia sul piano formale che sul piano cromatico al volume che la contiene.

Altrettanto determinate nella genesi del lavoro, il desiderio di recuperare il più possibile ciò che si andava trovando man mano che il capannone industriale del primo Novecento, originariamente adibito alla lavorazione del ferro, veniva rimesso a nuovo. Dalle assi destinate al macero ai pallet. Secondo un gioco di re-invenzione ispirato a Munari, che rende ancora più interessante un progetto condotto con eleganza e misura.

In costante dialogo con la preesistenza.

(F. D. P.; ph: Roberto Pierucci)

IN AN ARCHITECT’S DIMENSION The new showroom designed by Studio Miccoli Santoro Associati for sgb Gevi is called Gevi – no surprise there!. It is the flagship store for a specialist trader in the building technology; the target clientele for this new-generation space is the professional who can examine the products presented in the ideal context of a showroom that welcomes its visitors in an ambience designed to task. This is the background for this atypical sales room and information point that clearly lies outside of the traditional boxes.

The showroom has been created in an industrial warehouse in the Eastern districts of Naples, in Southern Italy; the warehouse also contains a number of other activities of the parent company and the contract sector in general; it has been styled like a jewel. The very best articles by Artemide, Viabizzuno, Davide Groppi, Modulnova, Metalco, Marazzi, Casadolcecasa, Brics can be admired, and visitors can also take time-out to chat over a coffee. According to Luca Santoro: “Our starting point was to welcome the architects who – by definition of their work – spend many hours in this type of space, in a pleasant homelike atmosphere. This led

to the development of a total project with definition of all of the fine details: starting from the basic structure, with plasterboard walls that create a sort of a box inside a box, embellished by a hanging garden in Corten®, a delightful alcove, ideal to display vases belonging to the Venini collection that add decorative touches to the ensemble.

The décor has been completed with invitingly comfortable furniture, such as a 6-meter table for brain-storming sessions to discuss the plans; there is an equipped wall with catalogues and materials on display in front of the professionals discussing their potential purchases”.

Exploitation of natural light is the core theme of the intervention; light beams must be channeled inside, overcoming the problems posed by the height of the walls and the windows. The architects created a four-meter platform, with a ceiling that slopes in different directions and this led to the distribution plant.

This structure within the structure contrasts formally and chromatically with the box that contains it. Another important feature in the design was to reclaim everything found in this early 20th-century industrial warehouse, a former iron-works. The architects included beams and wooden pallets that were destined for the chipping machine.

The great Maestro Munari inspired the re-invention of this project that oozes elegance and balance, with an ongoing interaction with the existing structures. (F. D. P.; ph: Roberto Pierucci)

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“INCONTRI PREFISSATI TRA AZIENDE, PROGETTO, OSPITALITÀ E STAMPA”

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PARTECIPA ALL’EVENTO HSDESIGN MATCH-MEETING “incontri organizzati tra progettisti, ospitalità, stampa e aziende”

L’idea di fondo di quest’evento è semplice e intelligente. Invitare, in una piacevole location, professionalità selezionate di alto livello compatibili secondo reciproci interessi in modo da far convergere opportunità, suscitare confronti, creare contatti per generare benefici incrociati. Questo progetto nasce dall’ottimizzazione dell’esperienza maturata nelle 11 edizioni di mostre espositive HS Design che hanno, come scopo finale, mettere in contatto il mondo del progetto, con la stampa e con le aziende di settore.

INCONTRERAI: 50 migliori firme italiane dell’architettura e del design specializzati in hotel e spa

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CEO, A.D., Direttori Commerciali ed Esecutivi di aziende dirette produttici di contract, arredamento, illuminazione, materiali, outdoor, bagno, piscine e SPA chiavi in mano, attrezzature impiantistiche e soluzioni per hotel, architettura e design

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Albergatori e direttori d’albergo e di catene in Ischia e in Campania che hanno in previsione progetti di ristrutturazione o realizzazione di SPA e reclutati attraverso una specifica attività di ricerca in collaborazione con Federalberghi

partners:

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Uffici Sede Legale 80132 Napoli 20100 Milano Via Vetriera, 12 Via Larga, 23 T +39 081 4976352 F +39 081 4976309 info@hsdesign.it www.hsdesign.it CITTÀ DI ISCHIA

PROJECT

TWO IN ONE

Duty and pleasure – a corruption of the famous proverb by Dries Henau & Yuri Vandenbogaerde, two ‘Twenty-something’ Belgian designers who have invented the Wasbar. As the name suggested, this is a bar where visitors can do their washing, have a coffee with friends, snack and even have a haircut or a blow-dry! The first Wasbar was opened in Gand, Belgium, in a former bookstore. The facility was designed by Studio Pinkeye, commissioned by the two young entrepreneurs to create

DUE IN UNO

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Il dovere e, nel mentre, anche il piacere. Stravolgono il celebre proverbio Dries Henau & Yuri Vandenbogaerde, due “poco più che ventenni” belgi che hanno inventato il Wasbar. Come suggerisce il nome, si tratta di un locale dove è possibile fare il bucato, ma anche prendere un caffè in compagnia, mangiare un boccone e – dulcis in fundo – perfino tagliare i capelli o fare la piega dal parrucchiere! Il primo Wasbar ha aperto a Gand, in Belgio, negli spazi di una ex libreria. Per la progettazione degli spazi, i giovani imprenditori si sono affidati allo studio Pinkeye, che ha curato anche tutta l’immagine coordinata del locale. Il logo, cavatappi e molletta incrociati, riassume alla perfezione lo spirito del Wasbar.

Gli interni sono accoglienti come una casa, con parquet chiaro a lisca di pesce, soffitti con decori in gesso, sedie di legno, poltrone imbottite vintage e graziosi lampadari ricavati da grucce per abiti. Il bancone bar è coperto di piastrelle quadrate color pastello, mentre il menu delle consumazioni è appeso sulla parete retrostante, in cornici di legno di grandezze diverse.

Le lavatrici, cuore pulsante del Wasbar, sono allineate sul lato opposto. Divertente la trovata di dare alle macchine nomi diversi, come Mariette, Alphonsine o Jacob, suggeriti dagli avventori sulla pagina Facebook del Wasbar. Le lavatrici sono tutte a marchio Electrolux. Altre facilities del Wasbar? Spazio riservato per stirare i vestiti, wi-fi gratuito, tablet Samsung a disposizione dei clienti (che in questo modo non devono per forza portare il computer da casa) e, nell’angolo, un pianoforte che si può suonare in libertà. Il format ha avuto successo e, presto, altri due Wasbar saranno inaugurati in altrettante città del Belgio. (F. T.)

the coordinated image for the bar.

The logo – crossed corkscrews and clothes-pegs – perfectly summarizes the spirit of Wasbar. The interiors are as welcoming as the home, with pale fish-bone parquet flooring, ceilings with plaster decorations, wooden seating, vintage upholstered armchairs and delightful lampshades created from clothes-hangers. The bar counter has been covered with square, pastel-colored tiles, while the menus for the refreshments have been applied to the walls behind the counter in frames of different dimensions.

The washing-machines – in a row against one the walls – are the main attraction of Wasbar. The idea of giving the machines names was ingenius and the names – such as Mariette, Alphonsine or Jacob – were suggested by visitors to the Wasbar Facebook page. The washing machines were all produced by Electrolux. And what about the other facilities in Wasbar? There is an area for ironing the clothes, free Wi-Fi, Samsung tablets that can be used by the customers (they can leave their own computer at home) and in the corner, a piano that the customers can use if they wish. The idea has been a great success and in the near future, another two Wasbars will be inaugurated in two other Belgian cities. (F. T.)

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PROJECT BACK TO THE 50’S Si chiama Wishbone il nuovo allegro ristorante londinese specializzato in pollo fritto. Il locale si trova all’interno del Brixton Market, un mercato coperto pochi chilometri a sud del Tamigi. Nel locale si respira un’aria da fast food anni Cinquanta. Lo studio Shed, autore del concept generale degli interni, ha voluto mantenere l’atmosfera semplice dei locali di un tempo, per questo ha optato per arredi in legno, metallo e formica colorata. Al piano terra, davanti al bancone, ci sono degli alti tavoli con sgabelli, ideali per gustare uno spuntino veloce a base di ali di pollo fritte; al piano superiore, aperto sull’interno del Brixton Market, grandi tavoli rotondi invitano i clienti a sostare più a lungo.

I graffitari di Paintshop Studio sono gli autori dei grandi murales che ravvivano il Wishbone. Colorati e divertenti, i graffiti riprendono le tipiche grafiche americane del secolo scorso e decorano sia le pareti, sia i grandini della scala che conduce alla sala da pranzo del piano superiore. “L’idea alla base del progetto di questo ristorante – hanno dichiarato dallo studio Shed – è quella di prendere una cosa semplice e renderla bellissima. Dalla scelta dei materiali alla cura di tutti i dettagli, la schietta sincerità del Wishbone è la perfetta scenografia per il buon cibo tradizionale.” (F. T.)

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Wishbone is the name of the new restaurant in London specialized in the preparation of fried chicken. The eatery is found in the indoor Brixton Market, a few kilometers south of the River Thames. It feels like a Fifties fast food restaurant, thanks to the general interior concept designed by Studio Shed. The architects wished to preserve the simple atmosphere of the past and consequently opted for furniture in wood, metal and colored Formica. On the ground floor, in front of the counter, there are tall tables with stools, ideal for a quick snack of fried chicken wings; on the floor above, overlooking the interiors of Brixton Market, large round tables invite guests to relax and enjoy their food. The graffiti artists of Paintshop Studio add a dynamic touch to Wishbone with their brightly colored murals. These depict typical American images from the last century and they decorate the walls and the steps of the stairs that lead to the dining room on the upper floor. “The idea behind the project for this restaurant – stated the creatives of Studio Shed – is to take something simple and transform it into something really beautiful. From the choice of the materials to the care for detail, the disarming simplicity of Wishbone is the perfect backdrop for good wholesome traditional food.” (F. T.)

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PROJECT STUDENT HOUSING

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Per gli studenti universitari fuori sede la scelta di una casa e i sacrifici per poter pagare l’affitto non sono problemi da poco.

Per garantire alloggi di qualità a prezzi calmierati nasce a Londra Scape Living. La società ha aperto due case per studenti (una nell’East London, l’altra a Greenwich).

Si tratta di palazzi di nuova costruzione suddivisi in camere o mini-appartamenti.

I progettisti hanno posto particolare attenzione alla scelta degli arredi, dei colori e allo sfruttamento dello spazio. Le stanze sono ispirate alle cuccette dei treni, dove ogni centimetro è utilizzato al meglio. In pochi metri quadrati trovano spazio letto, scrivania, armadio e libreria. Sedute supplementari possono essere create grazie ai cuscini messi a disposizione degli inquilini, per esempio sfruttando lo spazio libero davanti alle finestre. Le camere sono tutte dotate di servizi igienici. I progettisti hanno anche prestato attenzione al risparmio energetico: le lampadine sono tutte LED, il tetto è coperto di piante per migliorare l’isolamento termico e risparmiare fino al 25% di energia elettrica ogni anno. Scape Living non è solo una ‘casa’, ma anche un posto dove studiare con i compagni di corso e socializzare con gli altri ospiti. All’interno ci sono aree attrezzate per i gruppi studio e perfino ristoranti e bar. Nel 2015 è prevista l’apertura della terza casa Scape, nella zona di Shoredicht. Informazioni al www.scapeliving.com (F. T.)

For university students who are living away from home are faced with the difficult dilemma of where to live and how to afford the rental. To guarantee quality accommodation at an affordable price, two complexes have been created in London by Scape Living. The company has opened two student halls of residence, one in East London and the other in Greenwich. These newly-built blocks have been split into bedrooms or mini apartments. The designers have paid special attention to the furnishings, the colors and maximization of the space. The design of the bedrooms was inspired by train sleeping cars where every piece of space has been carefully filled with the bed, the desk, a wardrobe and a bookcase. Extra seating can be created with floor cushions thrown-down beneath the windows. All of the bedrooms are en-suite. The designers also focused on energy saving: the lamps are all LED lights, the roof has been covered in plants to improve the heat insulation

and can result in a saving in electricity consumption of up to 25%.. Scape Living is not just a ‘home’ but it also provides the ideal ambience for studying with fellow students and socialize with the other residents. In actual fact, there are areas for group study and catering and bar facilities. In 2015, a third compound is due to be opened in London’s Shoreditch district.

For further information, log-onto www. scapeliving.com (F. T.)

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PROJECT NOMA Aperto nel 2004, il ristorante Noma di Copenhagen si trova in un vecchio magazzino sull’isola artificiale di Christianshavn.

Considerato uno dei migliori ristoranti al mondo (merito dello chef stellato René Redezpi), il Noma è stato recentemente oggetto di un generale restyling. Il progetto è dello studio danese Space Copenhagen che, con un calibrato lavoro di cesello, ha saputo preservare lo spirito austero del luogo. Una generale ridistribuzione degli spazi e una nuova palette di colori per mobili e finiture sono gli interventi operati dal team. Gli arredi sono ancora pezzi di design scandinavo dalle linee essenziali e rigorose, ma il legno naturale ha lasciato spazio a tonalità grigio-antracite e a pellicce morbide adagiate sulle poltroncine. Il pavimento chiaro e le travi a vista in legno sbiancato del soffitto illuminano l’ambiente. Pochissime le concessioni al decorativismo. Alcune sculture metalliche alle pareti arricchiscono la sala, ma senza appesantirla. Eleganza nordica, per una delle mete gourmand più celebri di sempre. (F. T.)

The restaurant Noma in Copenhagen opened in 2004. It was created in an old warehouse on the artificial island of Christianshavn and has the reputation of being one of the best restaurants in the world (thanks to the delights prepared by star-rated chef René Redezpi). Noma was recently given a complete makeover to plans by the Danish studio, Space Copenhagen.

Thanks to their skilful operations, they managed to preserve the austere soul of the location. The team redistributed the spaces and decorated the rooms with a

new range of colors for the furnishings and finishes. The furniture are still pieces of Scandinavian design with the traditional clean basic lines; however, the colors of natural wood left room for shades of anthracite gray and the soft fur on the armchairs. The pale flooring and the visible limed wooden beams on the ceiling add light to the ambience.

There is little decoration. Some metal sculptures on the walls embellish the halls without labouring the ambience.

Nordic elegance, for one of the world’s all-time famous gourmand eateries (F. T.)

CINEMA D’AUTORE Poco (anzi, pochissimo) tempo per eseguire demolizioni e ricostruzioni e budget limitatissimo. Nonostante le premesse date dal committente, il New Horizons Cinema di Wroclaw in Polonia, i Buck Architekci hanno fatto davvero un lavoro magistrale.

Gli architetti, incaricati di convertire il tradizionale foyer del cinema in uno spazio polifunzionale più ampio, hanno impiegato un solo mese per elaborare il progetto, mentre i lavori veri e propri sono stati eseguiti in soli sei giorni. Il New Horizons è uno dei cinema più grandi d’Europa; la struttura dispone di ben 2.300 posti a sedere e nove sale proiezione! Il multisala polacco ha deciso di implementare la sua offerta culturale, affiancando ai film in cartellone un calendario di mostre, cineforum, workshop e progetti educativi. Per questo motivo la struttura doveva dotarsi assolutamente di uno spazio ampio, flessibile, che potesse accogliere decine di persone contemporaneamente, offrendo tutti i servizi necessari e un punto ristoro. I Buck hanno pensato a soluzioni che potessero essere di semplice realizzazione, facilmente adattabili alle varie esigenze e poco costose. Uno degli escamotage per risolvere l’arredo è stata la creazione di lastre in acciaio che, a seconda della sistemazione, si sono trasformate in piani d’appoggio per i tavoli, mensole, scaffali e persino altalene. Gli altri pezzi sono un eclettico mix di sedie e tappeti di recupero. I banconi della biglietteria e del bar sono realizzati con lamiera metallica ondulata dipinta con smalti colorati, mentre a pavimento è stato mantenuto il massetto in cemento grezzo, protetto da una speciale resina. Anche l’impianto di illuminazione è stato completamente rinnovato. I progettisti hanno disegnato due tipi di lampade – delle barre fluorescenti a forma di saetta e delle sospensioni “con cappello” – che hanno installato nel foyer.

Un vero e proprio cinema d’autore!

(F. T.; ph: Mateus Gzik, Slawek Okrzesik)

CINEMA D’AUTEUR 34

Just a (very) short period was allocated for the demolition and reconstructions, this combined with a limited budget.

Despite the restrictions in the client’s

brief, the New Horizons Cinema in Wroclaw, Poland, studio Buck Architekci have done a really great job. The architects were commissioned to convert the traditional cinema foyer into a larger polyfunctional space; they needed just one month to finalize the plans, while the work was completed in just six days. New Horizons is one of Europe’s largest cinema complexes: it can accommodate 2300 people in nine halls! This Polish multiplex cinema made the decision to exalt its cultural legacy, presenting the films alongside a rich calendar of exhibitions, film forums, workshops and education projects. For this reason, the structure necessitated a wide open, flexible space, that could welcome a considerable number of people at once, offering all of the mandatory amenity services and a refreshment facility.

The architects of Buch devised solutions that were extremely straightforward and would adapt easily a variety of low-cost requirements. One of the ideas used in the furnishings was the creation of steel shapes that, depending on the position, can be used as table tops, shelving, bookcases and even swings!

The other furnishings are an eclectic mixture of seating and reclaimed rugs. The ticket and bar counters have been produced with undulated metal sheeting painted with colored enamels; the unfinished cement screed flooring has been preserved and protected by a special resin.

The illumination plant has also been completely revamped. The designers have designed two types of lamps – a fluorescent strip that has been shaped like a lightning bolt and suspension lamps – and installed them in the foyer.

The epitome of cinema d’auteur! (F. T.; ph: Mateus Gzik, Slawek Okrzesik)

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PROJECT ESTETICA CONTEMPORANEA

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Ha cambiato immagine, ma non la qualità che lo contraddistingue da sempre: con il progetto di restyling firmato da Alessio Princic, il negozio Vattolo di Udine si è trasformato in uno spazio moderno, estremamente attuale, ma per nulla minimale. Uno spazio, arredato insieme alla famiglia Gervasoni, immaginato come una fucina di idee aperta a tutti. La boutique, ubicata nell’angolo sud-ovest di Palazzo d’Aronco e distribuita negli ambienti del piano terra e del livello interrato, è un urlo dirompente, fatto di luci e colori, di segni e di materiali reinterpretati nella pluralità del linguaggio contemporaneo, che squarcia il silenzio della città sonnolenta.

L’ingresso vetrina stimola la curiosità del passante; è un chiaro invito che induce a entrare e a scoprire l’interno. Nel nuovo allestimento, gli archi della facciata sono portati fino alla parete di fondo, formando due ambienti distinti; nel punto in cui essi s’incontrano si assiste alla compressione dello spazio che si contrappone all’altezza massima dell’arco. Il disegno è geometrico, ma è l’imperfezione dell’uomo a conferirgli la morbidezza dell’inesattezza.

A terra scorre un pavimento in lamiera di ferro nera, riciclata dagli arredi precedenti. Questa riveste la scala che conduce nell’interrato, caratterizzato da volte e pilastri di grosse dimensioni e da nicchie perimetrali: è il cuore del negozio. Qui l’architetto Princic propone una sorta di cantina domestica, capace di raccontare emozioni.

L’intonaco grezzo imbiancato, trattato alla pari di una vecchia superficie corrosa dal tempo, è stato dipinto con uno strato diluito di colore perlato, successivamente lucidato a cera. Sotto alle grandi vele, il progettista appende gli anelli tecnici che supportano i Led. Alcuni sono rivolti verso il soffitto per diffondere omogeneamente la fonte luminosa; altri, del tipo a faretto, sono posizionati a piacere per regalare eleganti luci d’accento che enfatizzano lo spazio espositivo. (E. D. M.; ph: Claudio Cescutti, Udine

old weather-beaten surface, have been painted with a diluted layer of a pearly shade, that was then wax-polished.

Underneath the large drapes, the designer has added technical rings that support the Led light fittings. Some are uplighters to uniformly diffuse the light; other spotlights have been positioned to create elegant accent lighting to exalt features of the exhibition space.

(E. D. M.; ph: Arianna Gervasoni)

CONTEMPORARY ESTHETICS The boutique’s image has changed but the quality has not been that has always distinguished the company has not been affected . With the restyling project designed by Alessio Princic, the store ‘Vattolo’ in Udine has been transformed into a modern, delightful space that has avoided the label of minimalist. The interior design was created with the Gervasoni family as a melting pot of ideas to attract buyers from all walks of life. The boutique is located in the South-West corner of Palazzo d’Aronco and consists of a ground floor and a basement. It is loud, with splashes of bright colors, signs and materials reinterpreted by the plurality of a contemporary language and cuts through the silence of the sleeping

city. The entrance window attracts the passers-by: it extends a clear invitation to walk through the door to discover what lies inside. In the new layout, the arches of the façade extend to the back wall to create two individual ambiences; where the two sectors meet, the compression of the space counters the maximum height of the arch. The sharp geometric design has been softened by the imperfection and inaccuracies associated with Man. The flooring is black iron sheeting that has been reclaimed from the previous arrangement. This material has been used to coat the stairs that lead to the basement, the very heart of the boutique, with its vaults and large pillars and alcoves in the walls. In this area, Architect Princic created a sort of domestic cellar to concentrate emotions.

The raw painted walls, treated like an

PICCOLI PECCATI DI GOLA L’amore per i dolci e le delicatessen non conosce confini. E così vicino a Melbourne apre i battenti la pasticceria francese By Josephine, un piccolo gioiello progettato dalla designer Anne-Sophie Poirier (conosciuta con lo pseudonimo di Sasufi). L’ampia vetrina su strada con la serigrafia di una silhouette femminile è il biglietto da visita del By Josephine.

Un locale semplice e accogliente, dove gustare un macaron o assaporare un pregiato infuso Kusmi Tea. I pannelli bianchi e il soffitto a cassettoni reinterpretano, alleggerendoli, gli arredi tipici di un bistrot parigino.

Unica concessione al colore la parete viola, impreziosita dalla composizione di piatti vintage in ceramica decorata.

Il bancone quadrato occupa circa un quarto dell’ambiente; non ci sono spazi per frivoli decorativismi, anche gli espositori dei pasticcini sono semplici teche di vetro. Per momenti di autentico piacere.

(F. T.; ph: Anne-Sophie Poirier)

TINY NAUGHTY INDULGENCES Love for desserts and confectionary knows no boundaries. And so close to Melbourne, in Australia, a French patisserie ‘By Josephine’ was inaugurated quite recently. This delightful gem was designed by AnneSophie Poirier (known by her nickname ‘Sasufi’). Its large street-side window carries the silk-screened silhouette of a female figure and this is clearly

By Josephine’s visiting card. The shop is simple and extremely welcoming; visitors can enjoy a macaron or sip one of the delicious infusions of Kusmi Tea. The white panels and the vaulted ceiling create a lighter interpretation of the traditional Parisian-style bistro.

The only indulgence to color is a lilac wall embellished with an arrangement of decorated vintage ceramic plates.

The square counter occupies approximately one-quarter of the available space; there is little room for frivolous decorations; even the cake

display units are simple glass cabinets.

An ideal occasion for those naughty indulgences and moments of authentic pleasure. (F. T.; ph: Anne-Sophie Poirier)

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OUTDOOR

DAVIDE GROPPI

ALIAS

ARPER

Belladinotte è una lampada da terra led, con riflettore orientabile in metallo.

Nasce dall’idea di specchiare l’ambiente esterno. La sua superficie riflettente viene utilizzata come strumento per mimetizzare e nascondere l’apparecchio per fare luce. L’inserimento di un corpo artificiale come uno specchio in un ambiente naturale diviene elemento di sorpresa, ma nello stesso tempo estremamente spontaneo. Ha le dimensioni di 25x25 cm e profondità di 6 cm.

Elle è la nuova seduta disegnata da Eugeni Quitllet. La sua particolarità è di essere stata progettata mescolando diversi materiali: la sua struttura in alluminio verniciato o lucidato può supportare la scocca in poliuretano TECH® in diversi colori oppure interamente rivestita in cuoio. La scocca a sua volta può ospitare un cuscino interno rivestito in tessuto Kvadrat® o in pelle. La seduta ha una forma slanciata inclinata leggermente in avanti e raggiunge un adeguato livello di comfort grazie a piccoli accorgimenti ergonomici come l’infossatura scavata nella seduta.

Ply è un sistema di tavolini e sgabelli modulari dalla forma triangolare. Progettato come un segno continuo che dal piano prosegue fino alla base, combina il calore del materiale a una forma dinamica e a un profilo minimale. Un elemento d’arredo singolo che, grazie alla forma geometrica delle superfici, diviene un vero e proprio sistema da comporre liberamente. Simile al gioco del Tangram unisce forme e colori in configurazioni casuali e infinite. Disponibile in varie dimensioni e altezze (36 cm e 44 cm) e nelle finiture rovere naturale, nero e rosso. Gli sgabelli, destinati ad ambienti domestici o contract, sono realizzati in tre altezze (44, 64 e 76 cm), nei due colori rovere naturale e nero.

Belladinotte is a Led standard lamp with an adjustable metal reflector.

The inspiration was a reflection of the outside environment. Its reflecting surface is used as an instrument to camouflage and hide the light fitting.

An artificial element – such as a mirror –when installed in a natural environment is transformed into an element of surprise and extreme spontaneity. It measures 25x25 cm and is 6 cm deep.

Elle is a new chair designed by Eugeni Quitllet. It is unusual because different materials have been used: the structure in coated or polished aluminum can support the body in TECH® polyurethane, available in a range of colors or with hide covers.

The body can be upholstered with a cushion in Kvadrat® fabric or in leather.

The seat is slim and tilted slightly forwards; an excellent degree of comfort is achieved thanks to the tiny ergonomic features such as the grooves carved in the seat panel.

txt: Maria Catena Caliri

Ply is a modular system of triangular coffee-tables. It has been designed as a continuous entity that extends from the worktop to the base, and combines the warmth of the material with a dynamic shape and a thin minimal edge. It is a single furnishing element that, thanks to the geometric shape of the surfaces, becomes a system that can be freely assembled. Similar to the Chinese Tangram puzzle, it combines shapes and colors to produce casual and infinite arrangements. It is available in a range of dimensions and heights (36 and 44 cm) and with an oak, black or red finish.

The stools are ideal for the domestic or contract environments and are available in three heights (44, 64 and 76 cm), and with a choice of a natural oak or black finish.

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Davide Groppi srl via Belizzi 20 / 22 29122 Piacenza tel. 0523 571590 info@davidegroppi.com www.davidegroppi.com

Alias spa via delle Marine 5 24064 Grumello del Monte (Bergamo) tel. 035 4422511 info@aliasdesign.it www.aliasdesign.it

Arper spa via Lombardia 16 31050 Monastier di Treviso (Treviso) tel. 0422 7918 www.arper.com

BERGA

AZZURRA

BD BARCELONA

COVO

Tre portavasi in cemento e tre grate in struttura metallica, che fungono da sostengo per piante rampicanti, formano la collezione Plantrellis disegnata da Luca Nichetto. L’ispirazione principale è stata quella di dare una funzione decorativa alle piante stesse creando un progetto modulare e componibile con funzioni simili alle pareti mobili. Le grate di tre dimensioni diverse si inseriscono all’interno dei portavasi grazie a un sistema di sovrapposizioni su più livelli e alla possibilità di collegare più portavasi con la stessa grata.

Graal è il lavabo freestandig in terracotta per esterni realizzato con uno speciale trattamento contro le infiltrazioni d’acqua. I designer Daniele Ruzza e Silvana Angeletti si sono ispirati alla forma di un anfora e di una coppa, amplificandone le proporzioni e pensando a un monolite realizzato con un materiale caldo e materico. Un elemento scultoreo da inserire in diversi contesti naturali che ricorda, grazie all’uso del materiale, i contenitori del passato.

Gardenia è il nome di una collezione di mobili da giardino realizzata in metallo e caratterizzata dal movimento delle forme prevalentemente sottili e curvilinee.

Il designer spagnolo Jaime Hayon ha voluto creare una collezione dal gusto classico in chiave contemporanea ideale per cortili, terrazze di un ristorante o hall di alberghi che ben si adatta anche a un uso interno.

Le finiture dell’intera collezione possono essere accessori tessili o semplicemente vernici Alesta® nei colori bianco e grigio. Ulteriori pezzi verrano aggiunti in futuro compresi vasi scultorei, fioriere, panchine e anche un annaffiatoio.

Un semplice strumento in rame che, oltre al design particolare, esprime il concetto di migliore materiale per una giusta funzione. ZZZ è un sottovaso in rame che sfruttando le sue proprietà elettrolitiche permette di eliminare, in maniera naturale rispettando l’ambiente, le larve delle zanzare e di altri insetti che prolificano proprio nell’acqua di scolo dei vasi di piante. Disegnato da Massimo Ciafrei e Francesca Cuicchio è confezionato in set da tre con diversi soggetti.

Three cement planters and three metal trellises that are support structures for climbing plants – this is the summary of the Plantrellis collection, designed

by Luca Nichetto. The inspiration was the idea of giving the plants themselves a decorative mission and to create a modular project similar to mobile walls.

The trellises are supplied in three different dimensions and connect to the planters by superimposition on different levels; there is the additional option of connecting the same trellis to several planters.

Graal is a freestanding basin in terracotta for outdoor use; the terracotta has been treated to prevent infiltration of water. The designers Daniele Ruzza and Silvana Angeletti were inspired by the shapes of a flask and a chalice, amplifying the proportions while envisaging a monolithic structure produced in a warm tactile material. This sculptural element is ideal for a number of different natural contexts and is reminiscent of containers from the past.

Gardenia is a collection of metal garden furniture with eye-catching slim, curved lines. The Spanish designer, Jaime Hayon, wished to create a collection in a traditional style that would be ideal for use in courtyards, restaurant terraces or hotel entrances, and can also be used indoors.

The entire collection can be embellished with textile accessories or simply coated with Alesta® gray and white paints.

Further pieces will be added to the collection in the future – sculptural vases, flower planters, benches and even a sprinkler watering system.

A simple copper instrument with an unusual design epitomizes the concept of the best material for the right purpose. ZZZ is a copper tray that exploits the electrolytic properties of the metal to eliminate the larvae of the mosquitoes or other insects that proliferate in the stagnant water found in the plant-pot trays and does so in a natural environment-friendly manner.

Designed by Massimo Ciafrei and Francesca Cuicchio, the set contains three different pieces.

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Berga Berga Form ABJärnvägsgatan 45SE-57930 Högsby (Svezia) www.berga-form.se

Azzurra sanitari in ceramica spa via Civita Castellana snc 01030 Castel S. Elia (Viterbo) tel. 0761 518155 www.azzurraceramica.it

BD Barcelona Design Ramon Turró 126 08005 Barcelona (Spagna) tel. 0034 93 4570052 www.bdbarcelona.com

Covo srl via degli Olmetti 3/B 00060 Formello (Roma) tel. 06 90400311 www.covo.it

PRANDINA

CAIMI BREVETTI

CASAMANIA

CEA DESIGN

Equilibre nasce come lampada da terra a luce indiretta. Deve il suo nome al sottile equilibrio formale tra il fusto affusolato e il grande diffusore circolare. L’altezza considerevole di 2 metri e l’adozione di colori pieni dalla tattilità soft ne esaltano l’intrigante presenza scultorea.

La versione per outdoor è a luce diffusa verso l’alto e verso il basso. Ha la struttura in polietilene rotazionale bianco, la base di stabilizzazione in metallo verniciato su richiesta, indice di protezione IP55. Con reattore elettronico. Design di Luc Ramael.

Un oggetto dall’aspetto ludico che risolve il problema degli anti-estetici contenitori di mozziconi di sigaretta nei luoghi pubblici e di passaggio. Cucu funge da posacenere per esterni, si ispira alle classiche casette degli uccellini ed è realizzato interamente in acciaio zincato e verniciato. Disponibile nelle finiture ruggine o multicolore, si inserisce in modo discreto e piacevole in qualsiasi tipo di ambiente.

La nuova poltroncina Raphia nasce dalla ricerca progettuale dei matereriali e relative applicazioni all’arredo. Le sue forme tradizionali nascondono una contemporaneità che unisce l’industria del metallo alle realtà manifatturiere del midollino.

I progettisti LucidiPevere hanno voluto unire in modo equilibrato due materiali: la struttura in metallo che èappunto il telaio su cui intrecciare il midollino e il rattan. La struttura è disponibile nei colori bianco, nero, bordeaux, azzurro.

L’azienda italiana dedica grande attenzione al design e alla qualità dei prodotti nel settore idro-termo sanitario, anche nella collezione outdoor. La colonna doccia Rain per esterno presenta la forma essenziale di un esile parallelepipedo d’acciaio, sormontato da un soffione cilindrico a risparmio idrico. È dotata di una piastra per l’installazione freestanding e di un pratico getto lava piedi, mentre i miscelatori idroprogressivi assicurano un’esatta regolazione del flusso. Interamente realizzata in acciaio inossidabile AISI 316L, finitura satinata o lucida.

Equilibre was developed as a standard lamp producing indirect light. It owes its name to the subtle formal equilibrium between the tapered casing and the large circular diffuser. The considerable height of the fitting (2 meters) and the use of plain colors with soft textures enhance the intriguing sculptural presence. The outdoor version produces up- and down-lighting.

The casing is white rotation-molded polyethylene, the stabilizing base is metal and can be supplied with a paint finish on request; it has an electronic reactor and the protection index is IP55.

Design by Luc Ramael.

The playful creation resolves all of the problems associated with anti-esthetic ashtrays installed in public facilities and along footpaths. Cucu is an outdoor ashtray, inspired by traditional birdhouses and produced in galvanized, painted steel. Available with a rusted or multi-colored finish, it slides discretely and unobtrusively into any ambience.

The new armchair, Raphia, was the result of research into the materials and the relative applications in furniture.

The traditional shapes hide the modern content that combines the energy from the metal industry and the realities of wicker articles The designers LucidiPevere wished to combine two materials – the metal structure and the frame to support the wicker and rattan weave. The frame is available in white, black, maroon and pale blue.

The Italian company pays great attention to design and the high quality of the products in the heating-plumbing sector, even where outdoor fittings are concerned. The outdoor shower fitting ‘Rain’ has a clean slim steel geometric shape, topped by a water-saving cylindrical showerhead. It is fitted with a platform that allows free-standing installation and a practical foot shower; the hydro-progressive mixer jets guarantee an exact control of the water flow. The article is produced in stainless steel AISI 216L, available in a brushed or polished finish.

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Prandina srl via Rambolina 29 36061 Bassano del Grappa (Vicenza) tel. 0424 566338 info@prandina.it www.prandina.it

Caimi brevetti spa via Brodolini 25/27 20834 Nova Milanese (Monza Brianza) tel. 0362 49101 www.caimi.com

Casamania via Ferret 11/9 31020 Vidor (Treviso) tel. 0423 6753 casamania@casamania.it www.casamania.it

Ceadesign srl Strada Cartigliana 125/c 36061 Bassano del Grappa (Vicenza) tel. 0424 566606 www.ceadesign.it

CORO

DE CASTELLI

ADELE-C

GREENWOOD

Cocotte è una morbida collezione da esterni disegnata da Ilaria Marelli.

Con un rivestimento bicolore che ne accentua l’aspetto giocoso, Cocotte si caratterizza per la sua flessibilità modulare: un gioco di bottoni e cordoncini elastici si trasformano da decorazione ad aggancio dei vari moduli formando un sistema di sedute da unire o slegare facilmente. Singolo o declinato nella versione divanetto è un complemento adatto per esterni, colorato e resistente grazie all’uso di tessuti tecnici idrorepellenti. Il rivestimento sfoderabile è disponibile in diversi colori e texture. Imbottitura impermeabile in polistirene, tessuto in acrilico 100% sfoderabile.

Placas è una collezione di tavolini progettati per ambienti indoor e outdoor.

Il progetto consiste nell’accostare tre spicchi di cerchio di uguale dimensione che completano la figura circolare lasciando a vista, negli spazi vuoti esistenti, la struttura di sostegno e le gambe. La semplicità del progetto, oltre a mettere in risalto il disegno grafico, lascia spazio all’espressività del materiale lavorato qui con la tecnica della piegatura. Per l’outdoor sono realizzati in acciaio inox maistral o satinato, corten. Design di LucidiPevere.

Già presente nella collezione indoor la seduta Memory è stata presentata al Salone del mobile di Milano 2013 nella versione outdoor. Disegnata da Paolo Bizzozero e Vincenzo Ruli, Memory ha una grande resistenza e maneggevolezza: sono infatti semplice il montaggio e lo smontaggio e grazie al suo schienale arcuato è facile traspostarla. Nella versione outdoor la seduta è in poliuretano rigido disponibile in due colori: grigio e arancio. Infine un pratico imballo con maniglia di ridotte dimensioni ne facilita il trasporto.

Greendeck è un sistema di pavimentazione che valorizza qualsiasi tipo di ambiente tradizionale o moderno. È un modulo completo di tavole di legno composito dal design essenziale studiato per garantire resistenza contro il rapido degrado e le difficoltà ecologiche ed economiche dell’impiego del legno. La sua installazione è molto semplice grazie a un sistema di clip invisibili in acciaio.

Cocotte is a delightfully soft outdoor collection designed by Ilaria Marelli.

The twin-tone covers enhance the playful aspect of Cocotte and exalts the modular versatility: buttons and elastic cords are converted from decorative features into anchor systems for the various models, to create seating systems that can be joined or separated very easily. The pieces can be supplied as single seating or sofa units that are ideal for outdoor use; they are colorful and resistant to the elements thanks to the use of high tech waterrepellent fabrics. The removable covers are available in a range of different colors and textures. The padding is impermeable polystyrene contained in removable 100% acrylic fabric.

Placas is a collection of coffee tables designed for indoor and outdoor settings. There are three equally-sized ‘segments’ of mirror joined to complete a circle, with the support structure and the legs visible through the gaps.

The simplicity of the design enhances the graphics and leaves room for the intrinsic expression of the material processed through folding.

The outdoor pieces have been produced in polished, brushed or corten stainless steel. Design by LucidiPevere.

Already a part of the company’s indoor collection, the chair Memory was recently presented as an outdoor version during the 2013 Milan International Furniture Salon.

Designed by Paolo Bizzozero and Vincenzo Ruli, Memory is highlyresistant and easy-to-handle: the assembly and dismantling procedures are extremely straightforward and thanks to its curved backrest, it is easy to transport. The seat of the outdoor version is rigid polyurethane available in two colors: gray and orange. Finally, practical packaging with small handles facilitates transport.

Greendeck is a flooring system that enhances any type of traditional or modern setting. The systems consists of composite wooden planks; their clean lines were studied to guarantee high resistance to rapid deterioration and decay and to combat the ecological and economic difficulties associated with timber, its use and its maintenance.

Installation is a very simple procedure thanks to a series of invisible steel clips.

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Coro srl viale della Repubblica 59 20851 Lissone (Monza Brianza) tel. 0392726260 www.coroitalia.it

De Castelli srl via del commercio 14/16/18 31041 Cornuda (Treviso) tel. 0423 638218 info@decastelli.com www.decastelli.it

Adele-C srl via Tommaso Grossi 2 20121 Milano adele-c@adele-c.it www.adele-c.it

Greenwood srl via delle Industrie 11 30030 Salzano (Venezia) tel. 041 482024 info@greenwood-venice.com www.greenwood-venice.com

OMIKRON DESIGN

EMU

ALPES

VIBIA

Charles Kalpakian propone con 2Tubes una lampada da terra e da parete outdoor che trova la sua forza espressiva negli equilibri dei volumi e delle proporzioni.

Due corpi cilindrici, simili ma al tempo stesso diversi per taglio e finitura ,si sfiorano appena; l’elemento più piccolo rimane sospeso dando vita a una luce indiretta sul pavimento o sulla parete, che va ad aggiungersi a quella diretta a effetto flood.

Realizzata interamente in alluminio, la nuova collezione Shine di Arik Levy è adatta a numerosi contesti sia nel settore residenziale, che nel contract hospitality. L’alluminio rende la collezione allo stesso tempo leggera, e quindi molto funzionale e resistente agli agenti atmosferici. Poltrone, sedie e lounge, impilabili, sono dotate di braccioli in teak, i tavoli vengono forniti con top in teak.

La collezione Shine, la cui anteprima è stata presentata al Salone del mobile di Milano 2013, è pensata per l’arredo di aree dining e relax. Tutti gli elementi di Shine sono proposti in nuovi colori.

La collezione Liberi in cucina propone cucine mobili freestanding configurabili in modo flessibile. Elementi in acciaio inox su ruote integrano in un unico modulo indipendente tutte le funzioni del lavaggio, della cottura e preparazione dei cibi, comprendendo anche l’aspirazione e lo stoccaggio dei rifiuti differenziati. Ideati da Nico Moretto, i moduli sono attrezzati con vasche e lavelli di varie dimensioni e tipologie, sono affiancabili a piani cottura ribaltabili, da appoggio o da incasso mentre nella parte frontale trovano posto forni, cantinette frigo oppure cassetti e ripiani estraibili.

Port si ispira alle lanterne tradizionali giapponesi e le reinterpreta in chiave contemporanea e minimalista. Il suo concept si basa sulla possibilità di illuminare punti chiave delle zone esterne; può essere spostata facilmente per portare luce in aree specifiche come il bordo di una piscina, il ripiano di un tavolo o un piccolo sentiero in mezzo alla vegetazione. Il suo diffusore è realizzato in policarbonato. È disponibile in due colori a scelta: laccato bianco e ruggine opaco.

Design di Josep Lluís Xuclà.

Produced in aluminum, the new collection Shine by Arik Levy is ideal for the residential and the contract hospitality sectors. The aluminum adds a touch of lightness to the collection, enhancing performance and resistance to the atmospheric agents. The armchairs, chairs and loungers can be stacked; the armrests and table tops are made from teak wood. The Shine collection was previewed at the 2013 Milan International Furniture Salon and was designed specifically for the dining room and for moments of relaxation. All of the elements of the Shine range are available in a range of new colors.

The collection ‘Liberi in cucina’ presents freestanding kitchen units that are versatile and can be arranged in a wide variety of configurations.

Wheel-mounted, independent stainless steel units contain all of the necessary devices for washing, cooking and preparation of food. There is also an extractor hood and units for differentiated waste collection.

Invented by Nico Moretto, these units can be fitted with basins and sinks in a variety of shapes and types, they can be combined with flip-over hobs and worktops, while the oven, wine-cooler, drawers or pull-out worktops can be fitted at the front.

With 2Tubes, Charles Kalpakian presents an outdoor standard lamp and wall-fitting; the power of these items is expressed through the equilibrium of the volumes and the proportions.

The two cylindrical bodies are similar in shape yet different in terms of size and finish, and they barely touch; the smaller of the two remains suspended, projecting indirect light onto the floor or onto the wall; this is joined by the direct flood-lighting produced.

Port is inspired by the traditional Japanese lanterns, reinterpreting them in a contemporary and minimalist style.

The concept is based on the possibility of illuminating key features outdoors.

The light fitting can be moved easily to focus light on specific areas such as the edge of the swimming pool, a table top or a narrow pathway that cuts through the garden. The diffuser has been produced in polycarbonate. It is available in two colors: dipped white or matte rust. Design by Josep Lluís Xuclà.

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Omikron design srl via Ariosto 54 20089 Rozzano (Milano) tel. 02 53031064 omikrondesign@omikrondesign.com www.omikrondesign.com

Emu Group spa Zona industriale 06055 Marsciano (Perugia) tel. 075 8743252 me.emu.it

Alpes inox spa via Monte Pertica 5 36061 Bassano del Grappa (Vicenza) tel. 0424 513500 info@alpesinox.com www.alpesinox.com

Grupo T Diffusion S.A. Barcelona 72-74 08820 El Prat de Llobregat Barcelona (Spagna) tel. 0034 934796970 www.vibia.com

GABER

GANDIA BLASCO

ETHIMO

IGUZZINI

More è una sedia versatile nata per l’outdoor e progettata dai designer Favaretto&Partners. Costituita da una monoscocca in polipropilene che si presta a essere rivestita interamente o in parte grazie all’applicazione di una sorta di trapunta fissata alla scocca mediante nove bottoni realizzati ad hoc in materiale plastico. Le strutture di sostegno sono: 4 gambe in metallo cromato o verniciato, 4 gambe in legno, traliccio in tondino di acciaio, base girevole a 4 razze e la versione a 5 razze con ruote e infine su barra.

Textile è un progetto di Ana Llobet ispirato alla moda, dove i valori e la tecnica del settore tessile vengono proposti al mondo dell’arredo.

L’unione dei pezzi che formano la collezione si ottiene attraverso una tecnica che simula la “cucitura” degli indumenti.

In questo modo si ottiene un prodotto flessibile che si adatta a ogni persona proprio come un vestito. La seduta è realizzata in polietilene riciclabile al 100%, la corda invece è in poliestere intrecciato ad alta tecnologia.

La collezione Tapisserie è composta da sedia, poltrona, divano, tavoli e tavolini.

L’ ispirazione proviene dai preziosi tessuti a righe, utilizzati nel Settecento e nell’Ottocento, per ricoprire poltrone, sedie e divanetti. L’intera collezione simula nella forma il movimento del tessuto riprodotto utilizzando il tondino di metallo curvato ad arte per creare l’illusione di un’imbottitura. L’effetto tridimensionale è inoltre amplificato dall’uso del colore.

Grazie a ingegnosi dettagli costruttivi, ogni elemento della serie è bicolore. Progetto di Alessandra Baldereschi.

Typha è un sistema a led flessibile e contemporaneo ispirato ai giunchi. Progettato per essere inserito nei parchi, giardini ed esterni residenziali è un apparecchio che dà vita a diverse interpretazioni luminose e particolari atmosfere notturne.

Il corpo in policarbonato trasparente, anti UV, ospita un cilindro diffondente in metacrilato che, quando acceso, crea dei percorsi visivi. È disponibile per l’installazione multipla (fino a nove) sia a terreno che a pavimento, su base in acciaio inox che funge da supporto con all’interno dei led warm white per l’illuminazione del tubolare, oppure è previsto con installazione singola a picchetto.

‘More’ is a versatile chair designed for outdoor use by Favaretto&Partners.

The body in polypropylene lends itself to be wholly or partially upholstered, thanks to the application of a sort of quilt anchored to the body using nine plastic poppers. The support structures are: 4 chrome-plated or painted legs, 4 wooden legs, metal piping, 4-spoke swivel base or a 5-spoke wheelmounted base, and finally a barmounted version.

Textile is a project by Ana Llobet inspired by fashion where the intrinsic value and the technical content of the textile industry are introduced to the world of furnishings.

The pieces in the collection are joined by means of through a technique that simulates the ‘stitching’ in clothing.

In this way, a versatile product is produced that adapts to people just like a made-to-measure garment. The seat is produced in polyethylene that can be 100% recycled; the cord is high-tech polyester twist.

The Tapisserie collection consists of chairs, armchairs, sofas, tables and coffee tables. The inspiration originates from delightful striped fabrics, used traditionally in the 18th and 19th centuries to upholster armchairs, chairs and sofas. The outlines of the entire collection simulate the movement of the fabric, reproduced using the curved metal piping to create the illusion of upholstery. The three-dimensional effect is amplified with the use of colors.

Thanks to ingenious construction details, each element in the series is available in two colors. Design by Alessandra Baldereschi.

Typha is a versatile, contemporary Led system that was inspired by bulrushes.

It was designed to be used in parks, gardens and outside residential properties; this light fitting produces different interpretations of light and can create suggestive atmospheres at night.

The clear polycarbonate casing has antiUV properties and contains a diffusing cylinder in methacrylate. When this is activated, it creates visual pathways.

The fitting can be used in clusters of up to 9 pieces, installed on the ground and on the floor, with a stainless steel base that acts as a support fitted with warm white led lights to illuminate the pipe; alternately, single pieces can be used as a peg or a stake.

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Gaber srl via Schiavonesca 75/1 31030 Caselle di Altivole (Treviso) tel. 0423 915521 info@gaber.it www.gaber.it

Gandia Blasco S.A. c/Músico Vert 4 46870 Ontinyent Valencia (Spagna) tel. 0034 96 2911320 info@gandiablasco.com www.gandiablasco.com

Ethimo via La Nova 6 01030 Vitorchiano (Viterbo) tel. 0761 300400 www.ethimo.it www.ethimo.it

iGuzzini illuminazione spa via Mariano Guzzini 37 62019 Recanati (Macerata) tel. 071 7588 1 iguzzini@iguzzini.it www.iguzzini.com

KARMAN

LA CHANCE

LIGNE ROSET

LA CIVIDINA

Moby Dick è una lampada in vetroresina lasciata grezza all’interno e liscia all’esterno. Le linee ondulate mimano i flutti marini e la linea concava fa il verso alla celebre balena dalla gobba candida.

Un’immagine forte e lieve allo stesso tempo che proprio in questo gioco ossimorico di forme e consistenze acquista la sua connotazione principale.

Disponibile anche la versione applique che in un elegante gioco di luci e ombre si adatta ad ambienti minimali o a contesti più decorativi oltre che spazi esterni di ogni tipo. Design di Matteo Ugolini.

Luca Nichetto ha progettato Earhart pensando a una panchina per esterni che non avesse un unico schienale bensì due, posti uno di fronte all’altro per permettere una conversazione frontale tra le persone come una sorta di salotto urbano. Realizzata in alluminio alveolare proprio per dar vita a un oggetto leggero, la panchina è composta da lastre, di cui due racchiudono schienale e gambe e la terza la seduta. Le sue forme slanciate ricordano le lunghe ali di un aereo: il nome Earhart infatti fa riferimento alla celebre Amelia Earhart, che negli anni Trenta volava su un Lockheed Vega.

Fifty si ispira chiaramente alla Flag Halyard Chair, la poltrona da riposo in metallo e corda creata nel 1950 in Danimarca da Hans Wegner.

Il duo Dögg & Arnved ha disegnato uno schienale dritto, per consentire a chi si siede di riposare, ma anche di leggere.

I 350 metri di corda intrecciata che la compongono possono essere in tinta nera o tabacco. In entrambi i casi, la poltrona Fifty diventa una presenza scultorea nell’ambiente in cui si colloca e la struttura in acciaio nero alleggerisce il suo design. Fifty è stata progettata per essere utilizzata anche all’aperto.

Luca Nichetto designed Earhart.

He envisaged a bench with two backrests, facing each other to allow conversations and interaction between people who are seated in front of one another; in other words he wished to create a sort of urban lounge. The bench consists of slats in aluminum honeycomb to ensure lightness,– two slats form the backrest and the legs and the third creates the seat. The tapered shape is reminiscent of the long wings of an airplane: the name refers to the famous female aviator, Amelia Earhart, who flew on a Lockheed Vega back in the Thirties.

‘Fifty’ was clearly inspired by the Flag Halyard Chair, the armchair in metal and cord created in Denmark in 1950

by Hans Wegner. The duo, Dögg & Arnved, designed a straight backrest to allow people who sit down to rest in a comfortable position while reading.

The 350 meters of entwined cord can be dyed black or tobacco brown. In both cases, the armchair Fifty adds a sculptural touch to its surroundings and the black steel frame lightens the overall appearance. Fifty can also be used outdoors.

La collaborazione tra l’azienda e Antonino Sciortino, il designer siciliano che ha reinterpretato il vecchio mestiere del fabbro, ha portato alla realizzazione dei nuovi tavolini Scancarò. Il loro nome deriva da un termine preso dal dialetto siciliano che significa “si piegò”.

Sono realizzati utilizzando una lamiera di ferro calandrata e saldata e mantengono una netta inclinazione che li rende complementi originali e adatti a qualsiasi ambiente. Il tavolino è sempre tenuto sollevato da terra con un piccolo spessore che dà leggerezza all’insieme. Disponibili in diversi diametri (da 35 a 110 cm) prevedono anche una versione dritta.

La Chance 1, rue Beautreillis 75004 Paris (France) info@lachance.fr www.lachance.fr

Roset Italia srl Corso Magenta 56 20123 Milano tel. 02 48022348 www.ligne-roset.it

Moby Dick is a glass resin lamp – left rough on the inside and smooth on the outside. The undulated lines were inspired by the waves of the ocean and the concave shape is reminiscent of the hump-back whale. The image projected is simultaneously powerful and understated, thanks to the combination of shapes and consistencies that define its appearance. It is also available as an appliqué version; thanks to the elegant interaction of light and shadows, it is the perfect addition to minimal interiors or more elaborate settings and is an ideal article for outdoor use. Design by Matteo Ugolini.

The partnership between the company and the Sicilian designer, Antonino Sciortino, who has given a new meaning to age-old blacksmith skills, brought about the new coffee tables, Scancarò.

Their name is a word in Sicilian dialect that means ‘tilting’. The tables have been produced using calandered and welded metal sheeting; the articles are tilted and give a completely original touch to any environment. The table is raised from the ground with a tiny invisible base component and this injects a sensation of lightness into the overall ensemble. The table is available in a range of diameters (from 35 to 110 cm) and also a version with straight sides.

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Karman srl Zona Industriale San Martino del Piano 75 61034 Fossombrone (Pesaro Urbino) tel. 0721 715042 info@karmanitalia.it www.karmanitalia.it

La Cividina srl via Cividina 176 33030 Martignacco (Udine) tel. 0432 677433 info@lacividina.com www.lacividina.com

LINEA LIGHT

LIVING DIVANI

MAGIS

LUCIFERO’S

Svaso è una lampade di design dal nome ironico, un vaso che non contiene dove contengono tutti gli altri. Disegnato da Roberto Talaia che ne ha curato in particolar modo forma e colori. Progettato sia per ambienti interni che per esterni, è disponibile nella versione illuminata e non illuminata. Realizzato in polietilene, ha una base di diametro 45 cm e l’altezza di 114 cm. L’illuminazione è affidata a led oppure a led rgb.

Il divano componibile Cabrio progettato da Piero Lissoni è composto da una poltroncina con imbottitura in polietilene espanso a cellula fine. Un semplice elemento compatto e lineare che, accostato ad altri moduli, assume dimensioni e forme svariate. I suoi piedini regolabili sono in PVC nero e il rivestimento in tessuto per esterni è interamente sfoderabile tramite velcro a strappo. È disponibile in vari colori a catalogo. Misura 62x57 cm, la profondità di seduta è 46 cm.

Come gli stessi fratelli Bouroullec affermano la sedia Pila è nata dall’idea di ridurre al minimo le sue dimensioni ovvero utilizzare la minima quantità di materiale e di elementi di assemblaggio.

Le parti in multistrato del sedile e dello schienale sono sostenute da quattro sottilissimi elementi in legno massello tenuti insieme da una struttura in fusione di alluminio.

Lo schienale della sedia si inserisce in maniera molto delicata nella struttura principale, garantendone al contempo la massima resistenza. In abbinamento alla sedia vi è il tavolo Pilo che riprende le stesse caratteristiche di leggerezza e semplicità tipiche della seduta Pila.

I-Cementi è una nuova collezione di lampade nata dalla voglia di sperimentare materiali innovativi nel campo del light design impiegando il piumacemento.

Questo materiale colpisce per il valore aggiunto funzionale, infatti pur mantenendo le caratteristiche del cemento, la sua robustezza e la lunga durata nel tempo, offre una leggerezza superiore fino all’80% rispetto al materiale originale. Fanno parte della collezione arredi luminosi per parchi e giardini, lampade per esterni paletti o simili, grandi sospensioni per centri commerciali e strutture con altezze elevate.

Svaso is a design lamp with an ironic name as it is also a vase that does not store its contents like anything else.

Designed by Roberto Talaia who paid special attention to the shape and the colors, it was created for use indoors and outdoors and is available in an illuminated and a non-illuminated version. Produced in polyethylene, the base has a diameter of 45 cm and a height of 114 cm. The light sources are Led or Led RGB.

The modular sofa, Cabrio, designed by Piero Lissoni consists of an armchair with padding in fine-cell expanded polyethylene. This simple compact and linear unit can be combined with other units to create ensembles of varying shapes and sizes. The adjustable feet are black PVC and the completely removable covers can be used outdoors and are attached by means of Velcro fastening. The range of colors available are illustrated in the catalogue. The unit measures 62 x 57 cm and the depth of the seat is 46 cm.

As confirmed by the Bouroullec Brothers themselves, the chair Pila developed from the idea of reducing dimensions to a minimum; in other words, the architects wished to employ the smallest quantity of materials and number of assembly components.

The components of the seat and backrest in multilayer are supported by four, very thin elements in heartwood held together by a structure in cast aluminum.

The backrest is attached delicately to the structure, guaranteeing maximum resistance. The chair is joined by the table Pila that possesses the same features of lightness and simplicity, typical of the Pila seat.

I-Cementi is a new collection of lamps that emerged from experimentation with innovative materials in light design using featherlight cement. This is an astonishing material because of its functional value. While providing all of the properties of cement in terms of strength and duration, it is up to 80% lighter than the original material. The pieces belong to the luminous furnishing collection for parks and gardens, outdoor fittings, large suspension lamps for shopping malls and other constructions with high ceilings.

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Linea Light srl via Della Fornace 59 z.i.

31023 Castelminio di Resana (Treviso) www.linealight.com

Living Divani srl strada del Cavolto 22040 Anzano del Parco (Como) tel. 031 630954 info@livingdivani.it www.livingdivani.it

Magis spa Zona Industriale Ponte Tezze via Triestina accesso E 30020 Torre di Mosto (Venezia) tel. 0421 319600 info@magisdesign.com www.magisdesign.com

Lucifero’s srl via del Tappezziere 3 40138 Bologna tel. 051 6014276 www.luciferos.it

MISSONI HOME

PELLITTERI LED LIGHT

MOROSO

DEDON

I tessuti outdoor si caratterizzano per gli spessori più corposi e la grande qualità sotto il profilo tecnico, ma piacevoli al tatto. Tra le novità vi è il “falso unito” in micro-fibra dai toni pieni in armonia con le spugne e i tessuti stampati. Varietà di fantasie: dalle margherite alle righe, ai macro-punti crochet su pouf giganti e sagomati. I tessuti sono lavabili, a prova d’acqua, ma anche flame retardant in fantasie proposte in poliestere Trevira, completamente ignifughe.

I Led sono diventati con il tempo sempre più potenti fino a fungere da vere e proprie sorgenti di luce ed offrire flessibilità ad ampio raggio oltre che significativi effetti cromatici. Ne è un esempio Pliz, un apparecchio LED da giardino a emissione radiale in alluminio anodizzato lucido o finitura rame per ossidazione naturale.

La posa in opera di questo apparecchio ha un semplice sistema “radici” che viene inserito in profondità nel terreno e non prevede particolari predisposizioni.

These outdoor fabrics are thicker and are better quality in technical terms; they are also extremely pleasant to touch. One of the latest development is the ‘false plain color’ in microfiber that matches the towellng and the printed fabrics. A variety of patterns: from daisies to stripes to large crochet stitches on the gigantic molded poufs. The waterproof fabrics can be washed; they are also flame-retardant and supplied in a wonderful range of patterns, in fireproof Trevira polyester.

Over the years, Led lights have consolidated their position in the illumination technology sector and offer considerable versatility and important chromatic effects. One example is Pliz, a Led light fitting for garden use that emits radial illumination. It has been produced in polished anodized aluminum or with a naturally-oxidized copper finish. This fitting is extremely easy to install: it has a number of ‘roots’ that penetrate deep into the ground with no special plant system required.

Banjooli è un nuovo elemento della collezione M’Afrique. Le sue linee curve traggono ispirazione dalla danza di corteggiamento degli struzzi in Africa orientale. Il battito delle ali crea forme sporgenti che sono state trasferite alla silhouette della sedia.

L’intreccio sulla struttura in acciaio è realizzato con fili da pesca colorati tessuti in modo da creare un originale motivo bicolore. Banjooli è realizzata a mano in Senegal e ogni sedia è un pezzo unico.

Su richiesta, sono disponibili colori e intrecci di tipo diverso. Design di Sebastian Herkner.

Swingrest è un divano sospeso, inizialmente immaginato per arredare gli ampi spazi delle ville arredate dall’azienda. Ha una base circolare, è molto spazioso e può essere posizionato in una terrazza, una veranda, così come in un ambiente interno. È composto da un sistema di sospensione minimale, dotato di una tenda, che permette la vista verso l’esterno.

Ospita un tavolino girevole comodo per appoggiare bevande e bicchieri. Il tubolare della struttura è rivestito in corda.

Ha un diametro di 195 cm.

T&J Vestor spa via Roma 71/b 21010 Golasecca (Varese) tel. 0331 950311 www.missonihome.it

Pellitteri Ledlight srl via Enrico Mattei 2 50038 Scarperia (Firenze) tel. 055 8487178 info@pellitteri.it www.pellitteri.it

Banjooli is a new element in the M’Afrique collection. Its curved lines were inspired by the courtship dance of the East African ostriches. When they flap their wings, the protruding shapes created are transferred to the outline of the chair. The steel structure has been softened with colored fishing lines woven to create an original two-tone design. Banjooli has been hand-made in Senegal and each piece is unique. Different colors and patterns can be supplied on request. Design by Sebastian Herkner.

Swingrest is a swinging sofa, initially designed for the spacious rooms of company’s villas. This roomy seating unit has a circular base and is ideal for outdoor terraces and verandas, and can also be used indoors. The system consists of a minimal suspension device, with a canopy that allows observation of the surroundings. It is fitted with a swivel table for drinks and glasses. The metal piping structure is covered in cord.

The unit has a diameter of 195 cm.

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Moroso spa via Nazionale 60 33010 Cavalicco (Udine) tel. 0432 577111 www.moroso.it

Dedon GmbH Zeppelinstrasse 22 21337 Luneburg (Germania) tel. 0049 4131224470 office@dedon.de www.dedon.de

NEMO

BITOSSI CERAMICHE

ROYAL BOTANIA

SERRALUNGA

Nuvola di Mario Bellini è una grande nube luminosa in grado di conferire luce all’ambiente senza risultare invadente.

Con questo design ideato nel 1974 il noto architetto ha precorso la moderna tendenza di corpi luminosi in materiale plastico. Il progetto nacque in occasione della campagna di lancio di Pianeta Ufficio, sistema di mobili per il lavoro disegnati dallo stesso Bellini. Riattualizzata nelle dimensioni, Nuvola è ancora oggi in produzione.

Il progetto di Arik Levy per l’azienda esprime l’idea di ceramica scultorea e nasce proprio dalla storia dei maestri ceramisti che lavorano questo materiale inserendo nella collezione un nuovo elemento (rispetto alle collezioni passate già progettate dal designer): l’impilabilità. Il nome della nuova collezione è Totem, una serie di cilindri di diverse dimensioni sezionati a intervalli con dischi orizzontali. I totem sono composti da elementi torniti e verniciati a mano, poggiano su un disco di acciaio verniciato nero e la struttura di elementi impilabili è tenuta insieme da un’asta che attraversa tutti gli elementi ed è bloccata con l’ultimo elemento in alto. Ogni totem è disponibile in 2 versioni di colore, una dominata dal rosso lucido e l’altra dal verde Oliva.

Una collezione in alluminio per l’outdoor che si distingue per comfort e funzionalità. Si chiama Alura e comprende sedie impilabili, sedie relax, sgabelli e lettini. La famiglia di lettini/sdraio accoglie all’interno del telaio un pistone idraulico che, con il tocco di un pulsante, abbassa la seduta sollevando lo schienale e la parte inferiore su cui poggiano le gambe. Infine, l’intera gamma è disponibile in una finitura nera, bianca e sabbia.

Il designer Eero Aarnio ha progettato una seduta/scultura luminosa ispirandosi a uno dei suoi animali preferiti: la colomba.

Ha pensato così a una Paloma (questo il suo nome) divertente ma elegante, una scultura a forma di uccello che può stare in un giardino o in un parco, singola o ripetuta ma sempre in grado di creare un ambiente poetico. La sua struttura è in polietilene completamente riciclabile, stampato in rotazionale. È disponibile anche una versione luminosa per esterni.

Le sue dimensioni sono 190x38xh53 cm.

Nuvola by Mario Bellini is a large luminous cloud that can illuminate a room without overwhelming. With this design dating 1974, the well-known architect followed the modern trend of plastic light fittings. The project developed during the launch campaign for Pianeta Ufficio (Office Planet), a furniture system designed by Bellini.

Nuvola is still being produced today though the dimensions have been revisited.

The project designed by Arik Levy for this company expresses the idea of sculptural ceramic; it developed from the history of the master ceramic craftsmen who process this material, adding a new feature to the designer’s existing collection: stackability. The new collection is called Totem – a series of cylinders in different dimensions that have been interrupted by horizontal disks. The totems consist of elements that have been hand-turned and painted; they sit on a steel disk that has been painted black and the structure consisting of stackable elements is held together by a rod that passes through all of the elements and is blocked with the last element at the top. Each totem is available in two colors, one dominated

by Fire Red and the other by Olive Green.

This outdoor collection in aluminum makes its mark for comfort and performance. It is called Alura and includes stackable chairs, seating for relaxation, stools and loungers. The family of sun-beds/loungers is fitted with a hydraulic piston; by pushing a button, the seat can be lowered and the backrest and the footrest raised. The entire range is available in black, white or beige.

Designer Eero Aarnio created a seat/ luminous sculpture inspired by one of his favorite animals: the dove. He invented Paloma (its name), a fun yet elegant item, a piece of sculpture shaped like a bird; it can be installed in the garden or in a park, as a single or multiple unit. The common denominator is that it can always create a poetic ambience. Its structure is rotation molded, completely recyclable polyethylene. It is also available in a luminous version for outdoor use. It measures 190x38xh53 cm.

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Nemo spa viale Brianza 30 20823 Lentate sul Seveso (Monza Brianza) www.nemo.cassina.it

Bitossi Ceramiche via Gramsci 16 50056 Montelupo Fiorentino (Firenze) tel. 0571 51403 info@bitossiceramiche.it www.bitossiceramiche.it

Royal Botania nv Elsendonkstraat 146 2560 Nijlen (Belgio) tel. 0032 34112285 info@royalbotania.com www.royalbotania.com

Serralunga srl via Serralunga 9 13900 Biella tel. 015 2435711 info@serralunga.com www.serralunga.com

TORREMATO

TACCHINI

TAO ESTERNO

SWAN

Un inchino (in giapponese keirei) come segno di rispetto verso l’ambiente. Un tributo al rituale orientale che si traduce in una lampada con l’aspetto di un tubo piegato verso il basso. Realizzata in vetro e fusione di ghisa che si piegano in un sorprendente inchino, Keirei è un incisivo segno materico, una scultura che abita i luoghi esterni con la discrezione tipica del saluto giapponese da cui prende il nome.

Visibilmente ispirata al mondo della moda, realizzata con cura sartoriale in ogni dettaglio, la poltrona Jacket si presenta in una versione per esterni e mantiene l’eleganza dell’omonima seduta per interni. Progettata dal designer francese Patrick Norguet, anziché di tessuto si veste con le calde venature del legno di teak: un classico dell’arredamento all’aria aperta, ideale per affrontare ogni intemperia. La poltrona può essere affiancata da un poggiapiedi coordinato, sempre con struttura metallica e doghe in legno di teak.

La copertura a vela Patio è realizzata con un particolare tessuto tecnico che permette il naturale abbassamento della temperatura. Grazie a un impianto di rinfrescamento ottenuto dalla nebulizzazione è possibile rendere fresco l’ambiente sottostante anche in orari in cui il calore estivo può raggiungere temperature elevate. La struttura è in alluminio anodizzato motorizzata con telecomando e il tessuto usato può essere il Dacron standard oppure il tessuto Brezza che permette un naturale abbassamento della temperatura grazie al rivestimento anti-UV.

Visibly inspired by the world of fashion, with tailor-made attention for detail, the armchair Jacket is presented in an outdoor version while maintaining the elegance of the version for interiors.

Creatied by the French designer, Patrick Norguet, the fabric has been replaced with the warmth of teak wood: it is a classic in the sector of open air furnishings, and can withstand even the most inclement weather conditions.

There is a footrest to match the armchair, again with a metal frame and teak wood slats.

The canopy roof, Patio, has been produced with a special technical fabric that consents a natural reduction in the temperature. Thanks to the cooling nebulizer, the ambience can be refreshed even when the summer temperatures reach their maximum levels. The structure in anodized aluminum is remote-controlled and motorized and the fabric options are standard Dacron or Brezza, a fabric that reduces the temperature, thanks to its anti-UV coating.

Miami outdoor, il nuovo progetto firmato da Francesco Lucchese, si fonda su moderni intrecci grafici, sull’unione di pieni e di vuoti e sul gioco di proporzioni di comfort e sostegno. Il risulato è un equilibrato connubio tra leggerezza dello schienale e rigore della struttura.

Per la realizzazione di Miami si è scelta una struttura in metallo e fasce elastiche con base girevole e inserti antiscivolo.

La struttura della seduta è in Polimex® con tampone in poliuretano espanso rivestito in fibra accoppiata con maglina.

Piedini in materiale Moplen. Gli elementi sono completamente sfoderabili.

Tacchini Italia Forniture via Domodossola 19 20030 Baruccana di Seveso (Milano) tel. 0362 504182 info@tacchini.it www.tacchini.it

Tao by Everest srl via Roma 98 31050 Miane (Treviso) tel. 0438 970436 italia@tao.eu www.tao.eu

A bow (keirei in Japanese) as a sign of respect for the environment. A tribute to the Eastern rituals that is translated into a lamp made from metal piping that has been folded downwards. Produced in glass and cast iron, the sculptural lines bend in a courteous bow, with Keirei presenting a cutting edge design, a sculpture that thrives in the outdoors yet is powered by the discretion typical of the Japanese gestures referred to in its name.

‘Miami outdoor’ is the new project designed by Francesco Lucchese; it is based on modern graphics, on the alternation of solid and empty components and on an interaction between comfort and support. The result is a well-balanced combination of lightness in the backrest and strength in the structure. In order to produce Miami, the architects opted for a metal structure and elastic belts, a swivel base and slip-proof inserts. The structure of the chair is in Polimex® with an expanded polyurethane buffer covered in fiber coupled with knitted cotton. The feet have been produced in Moplen. The covers of all elements can be completely removed.

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Torremato by Il Fanale Group via Bredariol Olivo 15 Località Cavriè, San Biagio di Callalta (Treviso) tel. 0422 895200 info@torremato.com www.torremato.com

Swan Italia srl via Montenero 15 22063 Cantù loc. Vighizzolo (Como) tel. 031 730222 info@swanitaly.com www.swanitaly.com

TRIBÙ

VEGETABLE

VERY WOOD

VG LIGHTING

La poltrona Neutra fa parte di una linea di sedute progettate in lega di alluminio per ambienti esterni. La resistenza alla corrosioni è ottenuta tramite iniezione ad alta pressione, le finiture superficiali sono in polvere epossidica con rivestimento in polvere poliestere. La seduta e lo schienale sono disponibili in Batyline® o in legno Belmadur® verniciato bianco o nero. Infine i braccioli sono realizzati in pelle sintetica. Design di Vincent Van Duysen.

VegeTable® è un nuovo sistema modulare in legno massello che permette di coltivare un piccolo orto ovunque e con grande facilità. Ideato dall’ingegnere Giacomo Borta, è stato progettato per il terrazzo di casa, ma anche per le aziende, la ristorazione, le scuole. Realizzato con materiali di prima qualità, si sposta facilmente grazie alle sue grandi ruote ed è disponibile in due altezze: il più alto per lavorare senza chinarsi, mentre il più piccolo è dedicato ai bambini o ai disabili che possono utilizzare facilmente la struttura.

L’azienda realizza sedie, poltrone, lounge, divanetti, sgabelli e tavoli rigorosamente in legno adatti al contract. La scelta di chiamare a far parte del gruppo progettuale designer esperti e molto creativi ha dato vita a nuovi prodotti apparentemente semplici ma interessanti sotto il profilo costruttivo. Ne è un esempio la sedia impilabile Frame out, disegnata da Paola Navone e realizzata in rovere trattato per esterni, disponibile anche nella versione lounge. Si caratterizza per le doghe curvate dello schienale e la seduta leggermente imbottita realizzata con tessuti adatti all’outdoor.

Magic Sphere è un kit led rgb utilizzabile in tutti i modelli della nota collezione di vasi illuminanti Inside Out, ricaricabile a induzione magnetica e dotato di controller in remoto a frequenza fissa o variabile, dalla durata di circa 12 ore. La collezione di vasi-lampada per interni ed esterni gioca sapientemente con materiali, finiture e linee per creare scenografie differenti in cui la luce diviene un elemento di sorpresa. I vasi illuminanti sono disponibili in otto modelli. Gli articoli della collezione sono realizzati in polietilene color naturale (bianco/ avorio) e montano una sorgente led ed rgb.

The company produces wooden chairs, armchairs, loungers, sofas, stools and tables, ideal for the contact sector.

The decision to commission a dynamic group of expert, highly-creative designers brought about these new, apparently simple products that are extremely interesting in construction terms. One example is the stackable chair ‘Frame Out’, designed by Paola Navone and produced in oak that has been treated with outdoor protection; it is also available in a lounger version.

The identifying features include the curved slats of the backrest and the slightly padded seat, upholstered with resistant fabrics for outdoor use.

Magic Sphere is an RGB Led kit that can be used in all models of the well-known collection of illuminating vases ‘Inside Out’. The fitting can be recharged by magnetic induction and is supplied with a fixed or variable-frequency remotecontrol; duration is approximately 12 hours. The collection of vases-lamps for interiors and exteriors interacts skillfully with the materials, the finishes and the lines to create different effects in which light is the surprise element.

The illuminating vases are available in eight different models. The articles in the collection are produced in naturalcolored polyethylene (white/ivory) and are fitted with an RGB Led bulb.

The armchair Neutra belongs to a range of seating in aluminum alloy for outdoor use. Resistance to corrosion is achieved thanks to the high pressure injection procedures used in the production, the special finishes are epoxy powders with a coating in polyester powder. The seat and backrest are available in Batyline® or in Belmadur® wood, with a white or black paint finish. The armrests are imitation leather. Design by Vincent Van Duysen.

VegeTable® is a new modular system in heartwood that allows anyone to cultivate a vegetable garden easily and anywhere they choose. Invented

by Engineer Giacomo Borta, it was designed for the domestic terrazzo; however, it can also be used in large corporate buildings, in catering facilities and in schools. Produced using top quality materials, it can be moved around easily thanks to its large wheels.

It is available in two heights: the taller is ideal for working in the ‘garden’ without having to bend over; the smaller one is dedicated to children or the disabled who will find it very easy to use.

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Tribù NV Langendijkstraat 5a 3690 Zutendaal (Belgio) tel. 0032 89 612750 info@tribu.com www.tribu.com

Vegetable via Umberto I 80 33034 Fagagna (Udine) tel. 347 2543034 info@ilvegetable.it www.ilvegetable.it

Very Wood è un marchio di/is a brand of IFA srl Gervasoni Group via Manzano 66 33040 Premariacco (Udine) tel. 0432 716 078 info@verywood.it www.verywood.it

VGnewtrend via Gramsci 1-2 31055 Quinto di Treviso (Treviso) tel. 0039 0422 4724 info@vgnewtrend.it www.vgnewtrend.it

CEMI Inizia nel 1972, con Alessandro Bacco, la storia di Cemi, una realtà imprenditoriale dinamica e all’avanguardia sempre attenta alle evoluzioni tecnologiche. In crescita da 40 anni, Cemi si distingue nel campo del wellness e del divertimento per la qualità delle sue piscine, con realizzazioni su misura nate dalla collaborazione con architetti e progettisti. Oggi Cemi si rivolge al mercato con un servizio a 360 gradi, assistendo il cliente in tutte le fase del processo produttivo: dalla consulenza preliminare alla progettazione, dalla realizzazione alla manutenzione. La volontà di soddisfare ogni richiesta e la continua

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ricerca delle tecnologie più avanzate hanno fatto sì che Cemi sia presente nel mercato nazionale e internazionale come leader nella progettazione e realizzazione di piscine residenziali e pubbliche, piscine da giardino, piscine di lusso, piscine da competizione nonché parchi acquatici e tematici secondo le più moderne soluzioni costruttive. Con la stessa professionalità Cemi gestisce il settore wellness e relax collocando il benessere dei clienti al centro dell’attenzione durante la progettazione e l’installazione di saune e bagni turchi, vasche idromassaggio e docce emozionali. Cemi è attiva anche nella progettazione e realizzazione di piscine terapeutiche e riabilitative. L’azienda ha recentemente collaborato al prestigioso progetto di

ristrutturazione del WellnessHotel Kurhaus Cademario, in Svizzera. Il progetto realizzato da Cemi prevede un’area wellness, per la quale sono stati sapientemente studiati percorsi benessere che al relax uniscono proprietà terapeutiche, e un’area piscine con la duplice scelta talasso e rigenerante.

Queste due zone si sviluppano su una superficie complessiva di circa mq 1.000, distribuiti su due piani. La zona wellness prevede microaree benessere quali grotta del sale, tepidarum marino, docce emozionali, hammam, sauna, centro estetico per una completa sinergia di relax, salute e bellezza. Illuminazione scenografica ed effetti sonori contribuiscono a rendere l’ambiente unico e in perfetta armonia

con gli standard qualitativi di questa lussuosa struttura ricettiva. La zona piscine si caratterizza per la presenza di due vasche frigidarium che, come nell’antica tradizione delle terme romane, offrono la possibilità di bagni in acqua fredda. Il tutto è completamente contestualizzato in una suggestiva scenografia rocciosa. Le piscine, dotate di impianti automatizzati, e realizzate con struttura Steela in acciaio inox, prerogativa esclusiva di Cemi, sono completamente rivestite in pregiato mosaico e si caratterizzano per le proprietà talassemiche e vascolarizzanti, enfatizzate da giochi d’acqua che inducono il relax, quali idromassaggi, cascate cervicali, sedute effervescenti. www.cemi.it

Cemi’s story began in 1972 with Alessandro Bacco; this dynamic, avant-garde entrepreneurial reality has always paid maximum attention to the technological developments.

The company is a leading company in the field of wellness and leisure time activities thanks to the quality of its swimming-pools. It supplies custom products developed in collaboration with architects and designers. At the time of writing, Cemi is targeting the market with a 360° service, assisting the client in all phases of the production process: from the preliminary consult to the design, from the construction to the maintenance. The desire to satisfy every

demand and the ongoing research into the very latest technology has projected Cemi to the position of national and international leader in the design and production of private residential and public swimming pools, garden pools, luxury pools, competition pools, water and theme parks that satisfy the criteria dictated by modern construction techniques. Cemi employs the same professional approach in the sectors of wellness and relaxation.

The customers’ comfort is the focal point during the design and installation procedures for saunas and Turkish baths, hot tubs and emotional showers.

Cemi also designs and produces therapy

and rehabilitation pools. The company was recently involved in the restructuring project for the prestigious WellnessHotel Kurhaus Cademario, in Switzerland.

Cemi’s project includes a wellness area with clever health and relaxation programs combined with therapeutic properties; there is also a swimmingpool zone with a choice of thalassic and regenerating options. These two zones are developed on a surface area of approximately 1000 sq.m, split over two floors. The wellness zone includes micro wellness areas such as saline caves, a salt water tepidarium, emotional showers, a Hammam, a sauna, a beauty center for total synergy of relaxation,

healthcare and beauty treatments. The scenographic illumination complete with sound effects contributes to the creation of a unique ambience in perfect harmony with the quality standards of this luxury hospitality structure. The swimming-pool area has two frigidarium pools providing guests with the ancient Roman Spa tradition of cold baths.

Everything has been designed to blend with the suggestive rocky landscape.

The swimming pools, complete with automated plant and produced with a stainless steel ‘Steela’ structure, exclusive to Cemi, have been completely lined with top quality mosaic and have excellent properties to improve blood circulation, with water features that encourage relaxation, for example, hot tubs, neck-massage cascades and bubbling jets. www.cemi.it

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COLCOM Azienda bresciana specializzata nella produzione di cerniere, serrature e fissaggi per porte e pannelli in vetro temperato che da sempre pone particolare attenzione all’innovazione e alla cura del design, Colcom è si è imposta sul mercato in modo costante e dinamico diventando negli anni un vero e proprio punto di riferimento per gli operatori dell’edilizia e dell’arredamento.

Colcom distribuisce i propri prodotti attraverso la consociata Minusco, realtà costituita nel 2004 e attiva sia in Italia che nei principali mercati internazionali. Compito di Minusco, è organizzare la distribuzione con particolare attenzione al just in time per soddisfare l’esigenza di pronta consegna espresso dal mercato arrivando a essere un punto di riferimento per l’installatore e per il

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vetraio offrendo soluzioni basate su un catalogo standard a livello internazionale, ma che tiene conto di differenze locali. Dario Pedretti, responsabile marketing e commerciale di Colcom, reputa il contract un segmento di mercato sempre più interessante per l’azienda: “Il contract rappresenta un importante riferimento per Colcom, da sempre particolarmente attenta alle industrie, a clienti che richiedono un prodotto personalizzato, di alta qualità e che realizzano numeri importanti. Questa tipologia di mercato ci ha dato buone soddisfazioni nel corso del 2012, anche grazie all’acquisizione di nuovi clienti che operano a livello internazionale.”

Tra i prodotti dell’azienda, si segnalano Biloba e Triloba, evoluzione e sintesi delle cerniere automatiche-meccaniche e dei chiudiporta idraulici già esistenti sul mercato. Biloba e Triloba sono state pensate per essere utilizzate rispettivamente su porte interne ed esterne.

Da menzionare inoltre Biloba Unica, cerniera di soli 56 mm di altezza e in grado di gestire porte di peso fino a 100 kg, che si caratterizza per il suo meccanismo interno oleodinamico.

Sviluppata per applicazioni interne ed esterne Biloba Unica coniuga alta qualità tecnica e sicurezza del movimento al design flessibile per porte in cristallo temperato.

Bilobina è un’innovativa cerniera oleodinamica per box doccia disponibile

sul mercato in due versioni di fissaggio: vetro-vetro e vetro-muro. Ha un cuore oleodinamico indipendente removibile all’interno, è adatta a sostenere ante con una larghezza massima di 800 mm e un peso di 50 kg con spessori vetro 6-8-10 mm.

L’ultimo nato in casa Colcom è Slash, un sistema per box doccia composto da un fascione che racchiude al suo interno il meccanismo oleodinamico soft close e da una cerniera pivottante che è

possibile traslare a piacimento in modo da definire a seconda delle esigenze la sporgenza verso l’esterno dell’anta. Il vantaggio di questo nuovo prodotto è che, grazie al sistema pivottante, l’anta occupa poco spazio in apertura permettendo quindi di montare un’unica lastra di vetro. Tutti i prodotti si distinguono per il design pulito ed elegante unito alla funzionalità e alla semplicità di installazione. www.colcom.it

The Brescia-based company is specialized in the production of hinges, frames and fixtures for doors and tempered glass panels, with innovation and design the key areas of interest.

Colcom has made a lasting impression on the market, developing into a fundamental reference point for the operators in the building construction and furniture industries.

Colcom distributes its products in Italy and the more important international

markets through its partner Minusco, a company founded in 2004. Minusco is responsible for the logistics, distribution and express JIT (just-in-time) delivery. It has key importance in the professional activities of the installation technician and the glazier, offering solutions based on a standard internationally-oriented catalogue that takes local differences into account. Dario Pedretti, marketing and commercial manager of Colcom, considers the contract sector to be

the most interesting for the company: “The contract sector is an important entity for Colcom; our operators have always focused on the industries, those customers who demand a high quality personalized product for large scale production. This sector of the market returned very positive results in 2012 that were partly due new clients acquired on the international scenario”.

A couple of the company’s products deserve a mention – Biloba and

Triloba – the evolution and summary of automatic-mechanical hinges and hydraulic door closures available on the market. Biloba and Triloba were designed for the use with internal and external doors respectively.

Biloba Unica also deserves a mention: this is a hinge of length 56 mm that can be used with doors weighing up to 100 kg. The hinge operates with an internal oleodynamic device; developed for internal and external use, the Biloba Unica hinge combines high technical quality and movement safety with a versatile design for tempered glass panels. Bilobina is an innovative oleodynamic hinge for shower cabins, available in two versions – for glassglass attachment and glass-brick attachment. It has a removable independent oleodynamic device integrated in its structure; this hinge can be used with a door of maximum width 800 mm and a weight of 50 kg, with glass panes 6-8-10 mm thick.

The latest addition to the Colcom family is Slash, a system for shower boxes; it has a fascia with a soft-close oleodynamic device and a swivel hinge that can be displaced as required to determine the outward protrusion of

the door. The primary advantage of this new product is that just one pane of glass is required; the swivel system ensures that door occupies a minimum amount of space when opened.

All of the products can be identified by the clean and elegant design, high performance and ease of installation. www.colcom.it

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DDW srl | Via Lucano, 3 | 20135 Milano | Italy Tel. +39 02 5516109 Fax +39 02 5456803 e-mail: info@designdiffusion.com internet: www.designdiffusion.com web tv: www.designdiffusion.tv

Design Diffusion World

::: '(6,*1',))86,21 &20

LONDON ;9> JGQ9D txt: Arianna Callocchia ph: Amit Geron project: David Chipperfield

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Vista dell’hotel e della statua di Eros da Piccadilly Circus; la storica hall d’ingresso e la Pompadour Suite.

View of the hotel and the statue of Eros from Piccadilly Circus; the historic entrance and the Pompadour Suite.

Un nuovo hotel fa rivivere il fascino dell’Art Déco Nella capitale inglese, sempre all’avanguardia nel campo dell’architettura, del design e delle nuove tendenze sia a livello europeo che mondiale, la società Alvey ha deciso di investire nuovamente nel campo dell’hotellerie di lusso aprendo anche qui una nuova struttura, dopo il Conservatorium Hotel ad Amsterdam e il Mamilla Hotel a Gerusalemme.

Il Cafè Royal Hotel, a firma dello studio David Chipperfield che nel 2012 è stato anche direttore della XV edizione della Biennale di Architettura a Venezia, apre le sue porte a una clientela locale e internazionale nel cuore di Londra.

Il nuovo albergo, composto da tre preesistenti edifici (County Mark House, il vecchio Oddenino Hotel e il Café Royal da cui prende il nome la nuova struttura), occupa infatti tutto il blocco Quadrant di Regent Street e si affaccia su Piccadilly Circus.

L’hotel si sviluppa su dieci piani di cui otto piani fuori terra ed è costituito da 160 camere e alcuni spazi comuni come bar, ristoranti, una caffetteria e un centro benessere sotterraneo.

L’intero hotel si caratterizza per gli interni molto sobri ed eleganti dove un design essenziale e minimalista si armonizza con la struttura architettonica esistente in stile Art Déco creando degli ambienti molto raffinati e ricercati in cui storia e contemporaneità convivono armoniosamente. Stucchi, affreschi, bassorilievi, decorazioni in legno a foglia d’oro, capitelli e cornici decorano e arricchiscono pareti, soffitti e pavimenti. Alla ricchezza stilistica dell’Art Déco dei primi del Novecento con i caratteristici colori accessi e vivaci, le decorazioni organiche e floreali, si contrappone la semplicità del design contemporaneo dell’architetto David Chipperfield che ha fatto uso di colori neutri e forme lineari, mettendo così in risalto la bellezza delle decorazioni del passato ma con il giusto equilibrio.

Alcuni degli ambienti storici esistenti, finora non aperti al pubblico, sono stati resi finalmente accessibili grazie a questo attento intervento di restauro, consentendo così di godere delle bellissime opere in stile Art Déco. Una fruibilità diretta in considerazione del fatto che vi sono ospitati un ristorante, sale riunioni, sale per banchetti privati, aree lounge e in particolare alcune suite.

L’Hotel Cafè Royal non offre solo un soggiorno in totale comfort nell’affascinante capitale inglese, godendo di servizi efficienti e funzionali grazie anche all’utilizzo delle tecnologie più all’avanguardia, ma consente all’ospite di rivivere nella storia dell’epoca dell’Art Déco di inizio Novecento proprio attraverso la bellezza delle sue decorazioni e della struttura architettonica esistente riportata al massimo splendore negli esterni e negli interni.

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A new hotel revives the charm of Art Déco The Alvey corporation has decided to invest once again in luxury hospitality by opening a new structure in the British capital, London. This enterprise follows the Conservatorium Hotel in Amsterdam and the Mamilla Hotel in Jerusalem and will again reflect the company’s avant-garde approach to architecture, design and new trends on a European and international level.

The Cafè Royal Hotel was designed by Studio David Chipperfield; in 2012, the architect directed the 15th Biennial of Architecture in Venice and has now accepted the brief of local and International clientele in the heart of London.

The new hotel faces onto Piccadilly circus: it consists of three existing buildings belonging to the Crown Estate (that includes Mark House, The Old Oddenino Hotel and the Cafè Royal that gives its name to the new structure) and occupies an entire quadrant of Regent Street.

The hotel is split over ten floors – two basements and eight floors above ground.

There are 160 bedrooms and some common facilities – such as bars, restaurants, a coffee bar and an underground wellness center. The design of the interiors is charming and elegant, where the minimal cleancut design blends with the existing Art Déco architecture, creating extremely elegant stylish surroundings in which history and the contemporary live side by side in perfect harmony.

Stuccoes, frescoes, bas-reliefs, wooden decorations covered in gold leaf, capitals and cornices decorate and embellish the buildings walls, ceilings and floors.

Early 20th-century Art Déco style is rich and expressed through the typically bright colors of the organic and floral shapes; this is counterbalanced by the simplicity of contemporary designs envisaged by architect David Chipperfield who used neutral colors and linear shapes to exalt the beauty of the decorations from the past with the right balance.

Some of the existing historical sections were closed to the public but have recently been opened, thanks to this careful restoration project. This gives guests the chance to admire these beautiful Art Déco masterpieces in a portion of the building that contains a restaurant, meeting rooms, private banquet rooms, lounge areas and some of the suites.

The Hotel Cafè Royal offers a unique hotel experience in luxuriously comfortable surroundings, in the heart of the charming British capital. The guests can enjoy efficient, high-performance service, integrated with the very latest technology.

However, it also allows the visitors to wallow in the history of the Art Déco period of the early 20th-century, through the beauty of its decorations and the existing architectonic structure that has been returned to its former glory both inside and out.

La Grill Room. Accanto, il bancone del bar del Café Royal e i particolari del capitello e cornice in stile Art Decò e della decorazione floreale in legno a foglia d’oro nella Grill Room.

The Grill Room. To the side, the bar counter of the Café Royal and details of the Art Decò capital and cornice and the floral decoration in gold-leaf covered wood in the Grill Room.

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Il corridoio; il letto matrimoniale della Regent Suite e un particolare della stanza Portland.

The corridor; the King Size bed in the Regent Suite and a close-up of the Portland bedroom.

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Vista verso la zona pranzo e il salotto della Westminster Suite; bagni realizzati in marmo italiano di Carrara e la piscina del centro benessere denominato Akasha Holistic Wellbeing.

View towards the dining room and the lounge of the Westminster Suite; bathrooms in Italian Carrara marble and the swimming pool in the wellness center – the Akasha Holistic Wellbeing.

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In primo piano, la scultura metallica di Zhang Huan. Nella pagina accanto, un’ampia veduta sul Momofuku Noodle Bar.

In the foreground, the metal sculptures by Zhang Huan.

On the opposite page, a wide-angle view of the Momofuku Noodle Bar.

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txt: Elviro Di Meo ph: Bob Gundu design, graphic design: The Design Agency

Ruvido ma elegante, caotico ma non confuso, vivace ma anche intimo e riservato: è il primo Momofuku Restaurant inaugurato nella città canadese. Ambienti diversi, ognuno caratterizzato dal proprio segno, sono stati progettati da The Design Agency all’interno del cubo di cristallo affacciato sulla University Avenue. Al ritmo della metropoli newyorkese – sede storica del brand e del suo paradigma identitario – si uniscono, nello stesso insieme composito, le tendenze architettoniche della cultura asiatica e l’influenza del luogo

Si respira l’atmosfera rutilante della metropoli newyorkese nel primo Momofuku Restaurant di Toronto, marchio specializzato nel settore dell’accoglienza e della ristorazione, fondato dallo chef David Chang. È l’agosto del 2004 quando viene inaugurato il Momofuku Noodle Bar nell’East Village di New York. Da allora, il gruppo si è esteso in Australia e in Canada e ha guadagnato il riconoscimento mondiale per il suo approccio innovativo alla cucina, pur sostenendo gli agricoltori e i fornitori alimentari locali, attraverso la preparazione di cibi rispettosi della tradizione. Caratteristica, questa, che si accentua maggiormente nel progetto pensato per la città canadese.

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Le planimetria dei piani primo e secondo, e accanto, il terzo livello.

The layout plans for the first and second floors; on the opposite page, the third floor.

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Al ritmo dello stile underground, nello stesso insieme composito, si uniscono le tendenze della cultura asiatica e l’influenza del luogo. Il ristorante, distribuito su tre livelli, per una superficie complessiva di 6600 metri quadrati, è, innanzitutto, il risultato di una raffinata soluzione progettuale, in cui diventa difficile stabilire il confine tra lo spazio architettonico e l’intervento di design. A giudicare dal progetto, il punto di contatto è davvero labile, per non dire indecifrabile. La considerazione parte dalla scomposizione dell’edificio: formato da un involucro esterno, rigorosamente in vetro e acciaio, progettato anni addietro dall’architetto James KM Cheng, e da un cubo di legno. Questi, al terzo piano, si eleva verso l’alto, staccandosi dalla struttura in cristallo, e sovrasta, quasi a proteggerlo, un parallelepipedo di pietra

nera su cui è poggiato. Si è in presenza, infatti, di un’organizzazione spaziale costituita da una sorta di sovrapposizione di piani e di incastri tra più volumi, che ha rappresentato il filo conduttore dell’intervento di The Design Agency: la società di consulenza architettonica impegnata nella definizione dell’organismo interno, diviso in vari ambienti e angoli di ristoro. “Il guscio di vetro di Cheng è la scatola all’interno della quale abbiamo impostato tutte le funzioni del ristorante. Il primo contatto con il cliente ci ha permesso di comprendere la filosofia del progetto e di dare una nostra interpretazione partendo proprio dal locale newyorkese, considerato il flagship del gruppo. Lo avevamo già visitato in passato e poi quando abbiamo iniziato a lavorare.

Il che è stato importante per capire le sue caratteristiche fondamentali e il concetto

generale che è alla base del Momofuku. A quel punto, si trattava di declinarli nel nuovo contesto, stabilendo da subito il legame con l’edificio preesistente e assicurare la permeabilità degli spazi e la loro connessione. Per questo, ci siamo serviti di ponti, passerelle sospese, scale e di tutti gli altri collegamenti verticali”. A parlare è Allen Chan, uno dei partner di The Design Agency. Con Matt Davis e Anwar Mekhayech, lo studio, con sede a Toronto, si occupa di architettura, interior design e branding. L’esperienza raggiunta nel tempo con aziende leader di vari settori ha permesso di sviluppare un approccio con qualsiasi tipo di realtà progettuale, grazie a un team multidisciplinare aperto all’innovazione.

L’influenza asiatica si avverte sin dall’ingresso del ristorante, dove vibra verso l’alto un corpo tortile, a mo’ di spirale. Una specie di drago o di radice che, con una forza dirompente, si solleva dalle viscere della terra. È la scultura dell’artista cinese Zhang Huan: un’opera in acciaio inossidabile alta dieci e larga venti metri. Con il suo movimento, azione sottolineata anche dal moto degli uccelli che si staccano dal tronco, sembra gettare un ponte tra la base della strada e le vetrate della facciata.

L’energia vitale sprigionata da ‘Rising’ contamina gli ambienti interni. Se la monumentalità scultorea del lavoro di Zhang Huan rimane sull’uscio della porta, il suo fascino elettrizzante è contagioso; si estende al primo livello, dove è stato attrezzato il Momofuku Noodle Bar: uno spazio di 2000 metri quadrati, con una capienza di 70 posti a sedere. Progettato a doppia altezza, esso è avvolto completamente da pareti di quercia bianca, intersecate da ponti in acciaio annerito e da scale panoramiche.

Si configura, così, un ambiente che alla vivacità creativa associa un design attento e rigoroso. Lo completano la cucina lasciata a vista, la lunga panca, sempre di quercia bianca, e il dipinto colorato di Steve Keene, che celebra il cantautore canadese Neil Young, durante uno dei suoi concerti al Madison Square Gardens. Chiaro l’intento: l’atmosfera che si percepisce dal quadro è un esplicito riferimento evocativo che richiama alla mente la città e l’aspetto dell’originario Noodle Bar di New York.

“In questo progetto – commenta Allen Chan – abbiamo sentito il bisogno di differenziare gli spazi attraverso i colori e quei materiali che ben riflettono l’identità del marchio, come il legno, il calcestruzzo grezzo, l’acciaio, il vetro e la pietra. Volevamo conferire al luogo un carattere particolare, che fosse ruvido ed elegante al tempo stesso, caotico ma non disordinato, vivace e conviviale ma anche intimo e riservato”.

Una contraddizione formale risolta, in parte, dalla circolazione interna delle persone e dall’articolazione spaziale che indirizza in verticale lo sguardo del visitatore e, in parte, dal modo cui sono stati lavorati i materiali e le stesse superfici. Le pareti del Noodle Bar, infatti, sono trattate con una sovrapposizione di strati e di elementi lignei sporgenti, posizionati in maniera del tutto casuale, così da incidere il muro

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con tagli improvvisi e bucature irregolari. È ancora una volta il cibo, o meglio la sua degustazione, a fornire il segno grafico che contraddistingue lo spazio, immaginato come una grande ciotola ricolma di noodle vorticosamente aggrovigliati. La ruvida struttura in rovere prosegue anche al secondo piano. Qui trovano posto un bar e un salone, spalmati su 1600 metri quadrati di superficie, che concorrono a definire il Nikai: un altro ambiente del ristorante, decisamente più raccolto e appartato. Nella sala interna si accede tramite eleganti porte scorrevoli, somiglianti a schermi Shoji, tratti direttamente dalla cultura giapponese. L’architettura, dal gusto asiatico, si mischia ai classici sgabelli di Arthur Umanoff, ai mobili del luogo in stile vintage, ai divani in pelle progettati su misura per i clienti. Salendo al terzo piano, il visitatore è sorpreso da una realtà affascinante. È il volume cubico che lo attrae. La sua intelaiatura trasparente funge da magnete catalizzatore e proietta il ristorante sulla bella University Avenue.

Un secondo volume, sempre cubico, scanalato e fatto di alette che sporgono dal masso di quercia, sembra galleggiare nel vuoto. È il profilo del corpo sovrastante che protegge lo spazio Daisho, dove un bancone scuro, in quercia, allinea i posti a sedere davanti al bar. Nella sala, con vista panoramica sulla città, sono disposte, oltre a un tavolo rotondo in stile cinese, e ai tavoli apparecchiati fino a dieci persone, postazioni più piccole. Queste, di forma quadrata, hanno le basi intagliate, eseguite su progetto di The Design Agency, e sono accompagnate dalle sedie artigianali di colore nero, modello ‘Hiroshima’, prodotte da Maruni. Di sera, i lampadari di Rich Brilliant Willing e le lampade da pavimento illuminano la sala in modo sobrio e discreto, per non compromettere, con fonti luminose troppo forti, la fruizione del paesaggio.

Dietro al bar, i clienti possono raggiungere lo chef nell’angolo Shoto. Ed è qui che si rafforza il contrasto cromatico e materico con i primi due livelli. Il nero si evolve in una cromia scurissima. Si fa totale; diventa lucido e brillante, esaltato dal bianco dei piatti, delle tovaglie, delle divise del personale. Una patina raffinata, come una pelle seducente, riveste l’architettura. Questa diviene l’espressione di un monolite compatto che fa da contrappeso alla leggerezza del cubo di cristallo. Incapsulata dai frigoriferi per il vino, Shoto è una cucina aperta agli ospiti. Uno spazio sacro, interno al locale, tutto verniciato nero. I clienti si avvicinano al bancone in granito, della stessa nuance del luogo; siedono sugli sgabelli ‘Catenary’, prodotti da Token e realizzati a mano a Brooklyn, con l’acciaio in parte riciclato. Sono allettati dal profumo del cibo; dal menu di degustazione giornaliera, per provare, almeno una volta, una vera esperienza da ‘backstage’.

I diversi ambienti del ristorante.

In basso e qui accanto, lo spazio Nikai collocato al secondo livello.

Nella sala interna si accede tramite eleganti porte scorrevoli, somiglianti a schermi Shoji giapponesi. Alle pareti rimangono i segni del Noodle Bar. Nella pagina accanto, a destra, lâ&#x20AC;&#x2122;angolo Daisho allâ&#x20AC;&#x2122;ultimo piano; a sinistra, unâ&#x20AC;&#x2122;altra immagine del Noodle Bar al piano terra.

The different areas of the restaurant. Below and to the side, the Nikai space on the second floor. Sliding doors, that resemble Japanese Shoji screens, provide access to the internal hall. Signs of the Noodle Bar persist on the walls.

On the opposite page, right, the Daisho corner on the top floor; left, another shot of the Noodle Bar on the ground floor.

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Nel Nikai lâ&#x20AC;&#x2122;architettura, dal gusto asiatico, si mischia con i mobili del luogo in stile vintage e con i divani in pelle progettati su misura per i clienti. A lato, lo spazio Daisho.

Nella sala, con vista panoramica sulla cittĂ , sono disposti, oltre a un tavolo rotondo in stile cinese e ai tavoli apparecchiati fino a dieci persone, postazioni piĂš piccole.

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In Nikai, the Asian-style of the architecture is mixed with local vintage-style furniture and leather sofas custom-designed for the clients. To the side, Daisho.

The hall has a panoramic view over the city; it has been furnished with a round Chinese-style table, tables set for up to 10 people and smaller groups of diners.

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Rough yet elegant, chaotic yet not confused, lively yet intimate and reserved – this is a fitting description of the first Momofuku Restaurant inaugurated in the Canadian city of Toronto. The design has split it into a number of different zones, each characterized by its own distinctive features. The plans was defined by The Design Agency, an outfit operating inside a glass box that overlooks the city’s University Avenue. The buzz of New York – the brand’s historical headquarters and its inspirational identity – is joined by architectural influences from the Asian cultures and from the surroundings The first Momofuku Restaurant recently opened in Toronto and exudes the same energy and vitality breathed in New York. The brand ‘Momofuku’ was founded by chef David Chang and is synonymous with hospitality and catering. The visionary proprietor inaugurated his first Momofuku Noodle Bar in New York’s East Village in August 2004. Since then, the group has expanded into Australia and Canada and has built-up an excellent reputation for its innovative approach to cuisine, that supports local farmers and food suppliers and offers dishes that respect traditions.

These features are further accentuated in the project presented for the Canadian city. Reflecting the underground style, the restaurant combines the trends of the Asian Culture and the influence of the surrounding location. There are three floors in this restaurant for a total of 6600 sq.m.; the result is an elegant design where the boundaries between the architectonic space and the design additions are blurred.

Examination of the projects demonstrated that the contact points were almost unidentifiable and indistinct. This begins from the decomposition of the building: it consists of an external shell in glass and steel, designed years ago by architect James KM Cheng, and a wooden box. On the third floor, these stretch upwards, detaching from the glass structure, almost to protect the black stone parallelepiped below.

The spatial organization in this case is based on stacked floors and interlocking volumes – and this was the common theme in this project presented by The Design Agency: this architectonic consulting company was responsible for the definition of the interiors, split into a number of different zones and dining corners.

“Chang’s glass box contains all of the essential restaurant functions. The first contact with the guests releases the under standing of the design philosophy and allows us to give our interpretation, starting from the company’s New York flagship venue.

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We had called in there when we were about to start work. This was an important phase as it allowed us to understand the fundamental characteristics and the general concept behind Momofuku. At that point, it was up to us to define a new context, and immediately establish a new link with the existing building, ensuring the permeability and connection of the spaces. For this reason, we included a series of bridges, suspended walkways, stairs and all of the other vertical connecting devices”.

These are the words of Allen Chan, one of the partners of The Design Agency.

With Matt Davis and Anwar Mekhayech, this Toronto-based studio is specialized in architecture, interior design and branding. The experience acquired over the years with leading companies in the various sectors allowed it to develop an approach to satisfy any design reality, thanks to its multidisciplinary team open to innovation.

The Asian influence is perceived at the entrance of the restaurant, surrounded by a sinuous, dynamic structure that can be likened to a dragon or a root that forcefully pushes its way from the earth. This piece of sculpture was created by the Chinese artist Zhang Huan: it has been produced using stainless steel and measures 10 x 20 meters. Its sense of movement is emphasized by the birds that take flight from the trunk as though creating a bridge between the road and the glass in the façade. The vital energy released from ‘Rising’ contaminates the interiors. If the monumental sculptural characteristics of Zhang Huan’s lies dormant in the doorway, its electrifying energy is contagious: it extends to the first floor that contains the Momofuku Noodle Bar: this area covers 2000 sq.m.and can seat 70 diners. It has been designed with double-height ceilings with the walls completely cladded in white oak; the space has been intersected by blackened steel bridges and panoramic stairwells. The atmosphere is one of creative energy associated with careful, well-thought design.

The ambience is completed with the visible kitchen, a long bench – again in white oak – and a colorful painting by Steve Keene, who celebrates the iconic Canadian singer-songwriter Neil Young, immortalized during one of his concerts in New York’s Madison Square Gardens. The intention is clear: the atmosphere perceived from the painting is an explicit evocative reference to New York and the original Noodle Bar. “In this project – commented Allen Chan – we felt the need to differentiate the spaces through color and materials that would reflect the identity of the brand – for example, wood, rough cement, steel, glass and stone. We wished to give the location a special personality, that was rough at the edges yet elegant, chaotic yet not untidy,

lively and convivial yet intimate and reserved”. This formal contradiction was partly resolved by the internal people flow, by the spatial arrangement that draws the guest’s eyes upwards and partly, and in the way the materials and the surfaces have been processed. The walls of the Noodle Bar have been treated with several surface layers and wooden components protrude from the brickwork, apparently positioned in a random or casual manner; these create unexpected and irregular holes in the wall. And once again, food, or more precisely, the tasting of the specialities, provides the graphic feature that identifies this dining room, envisaged as a large bowl filled with a tangle of noodles. The rough oak frame continues to the second floor. This contains the bar and a lounge that spread over 1600 sq.m.; these two amenities compete in the definition of Nikai, a cozier, more intimate portion of the restaurant.

The inner room is accessed through elegant sliding doors, similar to Shoji screens, a direct extraction from Japanese culture. The Asian-style architecture is mixed with the classical stools by Arthur Umanoff, locally-sourced pieces of vintage furniture and leather sofas custom-made for the clients. On the third floor, visitors will be surprised by the fascinating reality. The cubic volume immediately attracts attention.

Its transparent frame can be compared to a catalyzing magnet that launches the restaurant onto the beautiful University Avenue. A second cubic volume, this time grooved and with wings that protrude from the oakwood, appears to float in mid-air.

It is like a protective dome above Daisho where a dark counter in oak is joined by a row of seats in front of the bar. The lounge has a panoramic view over the city and has been furnished with a Chinese-style round table, tables set for up to 10 people and others for smaller groups of diners. These tables are square with decorative bases. They were custom-designed by The Design Agency, and are joined by black seating, ‘Hiroshima’ model, produced by Maruni.

At night, Rich Brilliant Willing chandeliers and floor-level lighting illuminate the hall elegantly and discretely. Excessively strong light sources could create glare and jeopardise the appraisal of the views outside. Behind the bar, the guests can meet chef Shoto. It is here that the contrast between the colors and the materials on the first two floors is strengthened. The black becomes darker; it becomes total, shiny and glossy and exalted by the white tableware, linens and staff uniforms. An elegant patina coats the architecture like a seductive skin. This becomes the expression of a compact monolith that counterbalances the lightness of the glass cube.

Encapsulated by the wine-coolers, Shoto is a guest-friendly kitchen. It is a sacred total-black sanctuary inside the restaurant. Guests can approach the granite counter to keep in line with the same colors of the ensemble; they can take a seat on the ‘Catenary’ stools, designed by Token and handmade in Brooklyn, in partly recycled steel. The guests are tickled by the aroma of the cuisine, with a daytime taster menu, ideal for enjoying a true ‘behind the scenes’ experience.

In basso, il bancone in legno di quercia allinea i posti a sedere davanti al bar della sala Daisho.

Nella pagina accanto, s’intravede lo spazio Shoto con la cucina aperta agli ospiti.

Bottom, the counter in oak wood is joined by the seats aligned in front of the bar in the Daisho hall.

On the opposite page, glimpses of the Shoto facility with the kitchen open to the guests.

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LONDON H=J>=LLG 9HDGE: :JAL9FFA;G H=J>=;L :JALAK@ 9HDGE: txt: Francesca Tagliabue ph: Francisco Guerrero, Nigel Young project: Foster + Partners

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Lo stereotipo vuole gli inglesi persone compassate, che difficilmente cedono agli eccessi. Se dovessimo trasferire queste qualità a un hotel, probabilmente il progetto risulterebbe molto simile a quello del ME London, firmato da Sir (appunto!) Norman Foster Un progetto totale quello dello studio Foster + Partners per il ME London Hotel, un cinque stelle al centro della capitale britannica. L’albergo si trova nell’isolato in cui sorgeva il teatro Gauty (danneggiato irreparabilmente durante i bombardamenti della Seconda Guerra Mondiale) sullo Strand, il viale che parte da Trafalgar Square e termina in Flee Street, segnando il confine della City. L’edificio di nuova costruzione ingloba anche la novecentesca Marconi House, completamente restaurata e divisa in 87 piccoli appartamenti. Il palazzo è stato disegnato dagli architetti per integrarsi quanto più possibile con le pre-esistenze della zona. I 39 metri di altezza e la pietra di Portland scelta per rivestire le facciate corrispondono alla misura e al materiale degli edifici adiacenti. Tratto saliente del ME London è la torre d’angolo con cupola in vetro, una reinterpretazione in chiave contemporanea di uno dei tratti più tipici dell’Edwardian Style. Proprio nella torre si trova la penthouse suite dell’hotel, con vista a 360 gradi sulla città. Il ME London è una grande struttura dotata di 157 camere, oltre agli 87 appartamenti Marconi.

Diverse le tipologie di stanze: ci sono alloggi disposti su uno o due piani, con terrazzo privato e suite con bagno di marmo.

Gli interni sono stati studiati tutti seguendo una precisa palette di colori neutri. Gli arredi, sobri e dalle linee contemporanee, sono prodotti da alcune tra le più importanti aziende del design italiano. Il contract degli imbottiti è stato affidato a B&B Italia, mentre molte delle lampade appartengono al catalogo Flos. I bagni sono tutti Zucchetti Kos (collezione Aguablu). All’hotel si accede dal livello della strada (con bar e ristorante aperti a tutti); per raggiungere le stanze gli ospiti devono attraversare lunghi corridoi che sono illuminati solamente dai raggi che entrano dal pozzo di luce piramidale che taglia l’edificio a tutta altezza. Giles Robinson, Partner dello studio di Foster, racconta: “Disegnando l’hotel dentro e fuori, fino all’ultimo e più piccolo dettaglio, abbiamo potuto mantenere continuità di stile nelle soluzioni e un alto standard ovunque. All’interno, il bianco e nero puri definiscono una forte identità; attraverso le sfumature di questi colori abbiamo creato l’identità di ogni singolo spazio. La qualità totale è stata raggiunta grazie all’incoraggiamento del committente e alla nostra voglia di creare un’esperienza unica per gli ospiti della struttura.”

La terrazza sul tetto e uno dei corridoi di accesso alle camere del Me London Hotel. La facciata sullo Strand dell’albergo. L’alta torre d’angolo, un richiamo all’Edwardian Style, ospita la lussuosa penthouse suite da cui si gode un panorama a 360° gradi.

The rooftop terrace and one of the corridors that leads to the bedrooms of Me London Hotel. The façade on the Strand of the hotel. The tall tower at the corner, in reference to Edwardian Style, contains the luxury Penthouse Suite with its incredible 360° panorama.

The stereotypical British are self-controlled and unlikely to be swayed to excesses. If we transfer these qualities to a hotel, the result would probably resemble the ME London, designed by Sir (sic!) Norman Foster Studio Foster +Partners took care of every aspect of the project for ME London Hotel, a five-star delight in the center of the British capital. The hotel is located on The Strand, in the block previously occupied by the Gauty Theater (that was irreparably damaged during the bombing raids of the Second World War). The Strand is an avenue that leads off Trafalgar Square and runs to Fleet Street, defining the boundaries of the financial City district. This newly-built structure also includes the 20th-century Marconi House; this has been completely restored and split into 87 small apartments. The studio designed the building specifically to blend unobtrusively with the existing constructions in the area. Portland Stone has been used for the facades that stretch-up 39 meters, reiterating the dimensions and the materials of the adjoining buildings. An identifying feature of ME London is the tower positioned at one corner with its glass dome, a contemporary re-interpretation of one of the most typical features of Edwardian architecture. The tower contains the hotel’s penthouse with 360° panoramic views over this magnificent historical capital. ME London contains 157 bedrooms in addition to the 87 Marconi apartments. There is a choice of room: one or two-floor accommodation, with private patios and suites with marble bathrooms. The interiors have been designed using a deliberately understated palette of neutral colors. The furnishings are stylish and contemporary; they have been produced and supplied by some of the most important Italian design companies. The contract for the seating was assigned to B&B Italia, while many of the lamps were selected from the Flos catalogue. The bathroom fittings were produced by Zucchetti Kos (Aguablu collection). Guests enter the hotel directly from the street (the bar and the restaurant are open to non-residents); long corridors lead to the bedrooms and are illuminated by natural light that cascades from light wells that extend for the entire height of the building. Giles Robinson, Partner, Foster + Partners explained: “By designing the hotel inside and out, down to the last detail, we were able to maintain a high level of quality and continuity. Inside, the bold black and white interior palette establishes a strong identity – we defined the individual character of each space through variations in tone, texture and scale. This commitment to quality throughout would not have been possible without the encouragement of our client and our shared goal to create an exceptional experience for guests.”

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Piante del piano terra, primo piano e del decimo/ultimo piano. Qui sotto, il ristorante dell’hotel, situato al piano terra e aperto a tutti. Nella pagina accanto, due scatti mostrano il pozzo di luce che attraversa l’edificio e tutta altezza e illumina i corridoi di accesso alle camere; a destra, l’interno della penthouse suite e il terrazzo all’ultimo piano.

Layout plans for the ground floor, first floor and the tenth/top floor.

Below, the hotel’s restaurant, located on the ground floor and open to non-residents. On the opposite page, two images showing the light-well that cuts through the building, from floor-to-ceiling, and illuminates the access corridors to the bedrooms; right, inside a penthouse suite and the terrace on the top floor.

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La hall dellâ&#x20AC;&#x2122;albergo. I divani bianchi sono di Futura, gli altri imbottiti sono di B&B Italia. Qui sopra e di lato una delle camere caratterizzata da arredi bianchi e finiture grigie e nere a contrasto. Il bagno ensuite è realizzato con sanitari Zucchetti Kos. A lato, una sezione verticale e una vista della zona conversazione della penthouse suite situata nella torre dâ&#x20AC;&#x2122;angolo.

The hotel lobby. The white sofas were produced by Futura, the remaining upholstered pieces were produced by B&B Italia. Above and to the side, one of the bedrooms characterized by white furnishings that contrast with the black and gray finishes. The bathroom fittings were produced by Zucchetti Kos. To the side, a vertical cross-section and a view of the conversation area in the penthouse suite located in the tower at the corner.

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SYDNEY =;;=FLJA;@= 9LEGK>=J= =;;=FLJA; 9LEGKH@=J=K txt: Luisa Castiglioni architecture: Woodhead interior design: Nic Graham & Associates; Indyk Architects

Il nuovo QT Sydney è stato creato rinnovando due palazzi di inizio XX secolo, il grande magazzino Gowings e lo State Theatre. Nic Graham per le aree pubbliche – centro benessere, ristorante e cocktail bar – e Indyk Architects per le camere da letto, hanno fuso i diversi dettagli stilistici dei due storici edifici per creare una nuova armonia, un moderno linguaggio estetico, eccentrico e d’atmosfera insieme a Nic Graham, lo studio Indyk Architects, che ha progettato e disegnato in esclusiva gli arredi per le le 200 camere e per le relative aree pubbliche, ha immaginato gli spazi per una elite creativa ed esclusiva, che apprezza il design unico e irripetibile non disgiunto dallo stupore e dal comfort.

Il design audace, eclettico e dinamico dell’hotel si compenetra con naturalezza alle caratteristiche storiche degli spazi. Una imponente parete a LED di arte digitale, mobili su misura, disegni geometrici su soffitti e pavimenti, una spruzzata di colori e di soluzioni eccentriche sono alcuni dei punti salienti del progetto QT, miscelato da un uso audace del bianco e nero, del blu Klein, magenta e lime.

Le 200 camere – suddivise in 12 tipologie – sono insolite e uniche e trovano concretezza attraverso quattro diverse palette di colori. La varietà cromatica si esprime con una molteplicità di arredi, tessuti, lampade, tendaggi ed essenze di legno. Tutti gli arredi, mobili o fissi – delle camere e di alcune aree pubbliche – sono stati disegnati e prodotti in esclusiva e su misura per questo hotel secondo elevati standard qualitativi dall’azienda italiana Interna. Attraverso la filiale a Shanghai Interna offre prodotti su misura e servizi di installazione chiavi in mano per il contract, l’hotellerie e il residenziale d’alta gamma all’intera area del Pacifico.

Ogni elemento è stato progettato appositamente per l’hotel di Sidney, dagli armadi alle testate dei letti dai tappeti ai materiali: ogni ambiente è pensato per rappresentare la personalità straripante e l’atmosfera artistica e colorata dell’albergo australiano.

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Nic Graham nelle aree pubbliche – centro benessere, ristorante e cocktail bar – e Indyk Architects nelle camere da letto hanno dato vita a un hotel innovativo e dal linguaggio eccentrico.

Nic Graham for the public areas – a wellness center, a restaurant and a cocktail bar – and Indyk Architects forthe bedrooms have produced an innovative hotel designed in an eccentric language.

The new QT Sydney has been created by refurbishing two buildings that date back to the early 20th-century – the Gowings department store and the State Theatre. The design was split between Nic Graham for the public areas – the wellness center, a restaurant and a cocktail bar – and Indyk Architects, the group responsible for the bedrooms. The sleeping quarters contain a number of the style features from the two historical buildings to create new harmony and a modern esthetic language that produces a tangible atmosphere of eccentricity.

With Nic Graham, Studio Indyk Architects designed and created the exclusive furnishings for the 200 bedrooms and relative public areas. The studio envisaged ambiences for an elite, creative and exclusive clientele that would appreciate the unique, one-off design with no compromise in terms comfort and astonishing pleasure. The audacious, eclectic and dynamic design of the hotel blends beautifully with the historical features of the past. A cutting-edge LED digital art wall, custom furniture, geometric patterns on the ceilings and floors, a splash of color and eccentric solutions are just some of the key ingredients of the QT project; these have been spiced by the bold use of black and white, Klein blue, magenta pink and lime green.

The 200 bedrooms are split into 12 different, unusual and unique types; the décor is based on four different color palettes. The variety of shades can be perceived in the range of furnishings, fabrics, lamps, drapes and timber. All of the customized fixed or mobile furniture – in the bedrooms and in the public areas – have been designed and produced exclusively for this hotel, in the traditionally high quality standards of the Italian company, Interna. Through its branch in Shanghai, Interna offers customized products and a turnkey installation service for the luxury contract, hospitality and residential sectors and supplies the entire area of the Pacific. Each element has been designed specifically for the hotel – from the wardrobes to the headboards, the rugs to the soft furnishings: each room has been devised to represent the exuberant personality of the hotel’s brightly-colored artistic atmosphere.

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La curatrice Amanda Love ha riunito nell’hotel opere di artisti come Richard Blackwell, Morgan Shimeld, Daniel Crooks, Daniel Boyd e Grant Steven. L’azienda italiana Interna è stata scelta per la realizzazione, in esclusiva, di tutti gli arredi sciolti per le camere e per alcune selezionate aree pubbliche.

The curator Amanda Love decorated the hotel with works of art by artists such as Richard Blackwell, Morgan Shimeld, Daniel Crooks, Daniel Boyd and Grant Steven. The Italian company, Interna, was contracted to design all of the pieces of furniture for the bedrooms and some pieces positioned in specific public areas.

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9<<AG 9D EAFAE9DAKEG >9J=O=DD LG EAFAE9DAKE txt: Francesca Tagliabue visual identity: Eric Dalbin project: Philippe Starck, Claude Louzon

PARIGI

Distante anni luce da tutto ciò che potremmo definire ‘ordinario’, il Miss KŜ è un locale che non passa certo inosservato Il ristorante giapponese si trova a Parigi, poco distante dagli Champs Élysées. Gli interni, progettati da Philippe Starck con la collaborazione di Claude Louzon, non seguono alcun codice stilistico, ma la parola d’ordine sembra essere: follia! Tutto, dall’insegna ai menu – l’immagine coordinata è di Eric Dalbin –, racconta qualcosa della misteriosa Miss KŜ, un’eroina dal corpo completamente ricoperto di coloratissimi tatuaggi in stile tradizionale giapponese, avvolta nel più totale mistero. Non si conosce nulla di questa giovane e bellissima guerriera, neppure il volto! Il locale appare più simile a un bazar o a una stanza delle meraviglie che a un ristorante. La cucina a vista con centinaia di utensili appesi occupa un lato lungo della sala, mentre le altre pareti sono coperte da un affresco dell’artista David Rochine. Il dipinto raffigura personaggi misteriosi, simili a spettri. Gli arredi sono di ispirazione asiatica: una grande teiera e degli ombrellini tipici del Sol Levante fungono da lampadari, le sedie di legno sono decorate da kanji (i caratteri della scrittura giapponese). Il lighting designer Jean-Philippe Bourdon, che ha curato ogni aspetto dell’illuminazione, ha pensato di installare un lungo neon arancione che attraversa tutto il soffitto, una sorta di fulmine che diventa punto focale dell’intero ristorante.

Philippe Starck ha dichiarato che “Miss KŜ: una pletora di segnali incomprensibili. Forse asiatici, forse no.” Kitsch sì, ma di classe.

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La sala da pranzo del ristorante parigino mostra tutta la ‘follia’ del progetto. Ombrelli giapponesi capovolti fungono da lampade e un lungo fulmine-neon attraversa l’intero spazio. I clienti possono cenare su tavolini quadrati o su lunghe mensole con sgabelli.

The dining room in the Parisian restaurant illustrates the mad streak in the project. Inverted Japanese umbrellas are used as lampshades, and a long neon ‘lightning’ strip cuts across the entire space. Guests have the option of dining at square tables or seated on stools at large shelves.

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Miss KŜ is an eatery that does not blend into the background and is light years from everything that can be defined as ‘ordinary’ The Japanese restaurant is located in Paris, not far from the Champs Élysées.

The interiors, designed by Philippe Starck assisted by Claude Louzon, are not branded by a specific style code – the password would appear to be ‘madness’.

Everything, from the sign to the menus (coordinated image by Eric Dalbin) reveals something about the mysterious Miss KŜ a heroine whose body was completely covered in brightly colored, Japanese-style tattoos. Little is known of this young, beautiful warrior; not even her face is recognizable!

The restaurant more closely resembles a bazaar or a treasure trove than an eatery.

The kitchen is visible with hundreds of utensils hanging along one of the hall’s

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L’immagine coordinata è stata curata da Eric Dalbin. Nella sala da pranzo più piccola un grande lampadario-teiera rende omaggio all’antico rito giapponese del tè.

The coordinated image of the eatery was designed by Eric Dalbin. In the smaller dining room, a large teapotchandelier pays tribute to the ancient Japanese ritual of tea.

long sides; the other walls have been embellished with a fresco by the artist David Rochine. The images depict mysterious, ghost-like figures. The furnishings are clearly of Asian inspiration: a large teapot and the umbrellas typical of the Land of the Rising Sun are used as lampshades; the wooden chairs have been decorated with kanii, the characters of Japanese writing.

The lighting designer Jean-Philippe Bourdon, who was responsible for every aspect of the illumination, decided to install a long orange neon light that cuts across the ceiling like a lightning bolt – it is a delightful focal point of the restaurant. Philippe Starck explained “Miss KŜ is a plethora of incomprehensible signals – they may be Asian and maybe not”. Definitely kitsch, but very, very classy!

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HUZHOU 86

F9LMJ9 = 9JLA>A;AG L@= E9F%E9<= J=>D;=L=< :Q F9LMJ= txt: Francesca Tagliabue ph: Xia Zhi project: MAD Architect Un anello gigante che si erge sulle rive del placido lago Nan Tai Si tratta del nuovo Sheraton Moon Hotel, un visionario albergo recentemente inaugurato a Huzhou, città a ovest di Shanghai.

Autori dell’insolita architettura lo studio MAD Architect, folli progettisti che hanno saputo creare un nuovo landmark per la regione, celebre un tempo per la produzione della seta. Costruire la struttura del Moon Hotel è stata una vera e propria sfida progettuale. L’edificio è retto da una serie di colonne in cemento armato resistenti e antisismiche; la struttura curva abbraccia tutti i piani aggiungendo resistenza alla costruzione. Durante il giorno il Moon Hotel è semitrasparente mentre di notte, grazie all’impianto di illuminazione programmato in RGB, si tinge di colori accesi, che spaziano dal verde smeraldo al blu elettrico.

Inoltre, la forma circolare del Moon Hotel corrisponde con quella del suo riflesso sull’acqua, creando un effetto quasi surreale, di connessione tra reale e incorporeo. Le camere della struttura, tutte aperte verso l’esterno e inondate di luce naturale, godono di un panorama a 360° del lago e della campagna circostante.

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La straordinaria architettura â&#x20AC;&#x2DC;a ferro di cavalloâ&#x20AC;&#x2122; si riflette nel lago durante la notte. Le luci sono state programmate in RGB e la struttura cambia colore ciclicamente a intervalli regolari.

The extraordinary horse-shoe shaped architecture reflects in the waters of the lake at night. The lights have been programmed in RGB mode allowing the structure to change color cyclically, at regular intervals.

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A gigantic ring that rises from the banks along the still waters of Lake Nan Tai This is the first impression of the new Sheraton Moon Hotel, a visionary hospitality structure that was inaugurated recently in Huzhou, a city to the west of Shanghai.

Studio MAD Architect drew-up the plans and this crazy group of designers created a landmark for the region that was renowned for its silk-production. The architects faced an enormous challenge in the construction of the Moon Hotel.

The building is supported by a series of columns in strong, anti-seismic reinforced concrete; the curved structure wraps-around all of the floors and increases the building’s resistance. During the daytime, the Moon Hotel is semi-transparent; at night, thanks to the illumination plant set in RGB mode, it shimmers in bright colors – emerald green and electric blue. Moreover, the circular shape of Moon Hotel matches its reflection in the water, creating a wonderful surreal effect, a bond between the real and the ephemeral. The bedrooms all face to the outside and are flooded with natural light allowing guests to enjoy a 360° panorama over the lake and the surrounding countryside.

La sagoma dello Sheraton si alza fiera sulle sponde del lago, ma la scelta delle finiture e dei loro colori rende l’architettura ben integrata nel paesaggio circostante.

The outline of the Sheraton rises proudly from the lake; however, the choice of finishes and colors ensures that this architecture integrates with the surrounding countryside.

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txt: Arianna Callocchia ph: Torkild Berglund project: Kristina Bonde Su una delle isole dell’arcipelago di Stoccolma, il più grande della Svezia e uno dei maggiori del mar Baltico, sorge Island Lodge. Una versione lusso delle tende da campeggio che offre agli ospiti il massimo comfort a contatto diretto con la natura L’eco lodge è stato progettato secondo i principi della sostenibilità e nel rispetto dell’ambiente, considerando che l’isola su cui sorge, caratterizzata da una foresta incontaminata e da spiagge bianche che affacciano sull’arcipelago, è disabitata.

A Island Lodge gli ospiti possono dormire in una delle sette tende dislocate sull’isola e progettate in modo tale da mimetizzarsi con gli alberi della foresta, così da non essere individuate dal mare. Ogni tenda, realizzata con una struttura high tech molto pesante per sopportare qualsiasi condizione climatica avversa come venti o temporali, ha una superficie di 18 metri quadrati ed è dotata di tutti i comfort compresi ampi letti per dormire in totale relax sotto le stelle. Da ampie aperture tonde in vinile, realizzate sulla superficie di ogni tenda, gli ospiti possono godere di viste mozzafiato sulla foresta e il mare.

Il complesso di Island Lodge è costituito, inoltre, da un ristorante-lounge bar con vista mare, coperto da un’ampia tenda, da aree relax, spazi esterni per incontri o svago, una piscina in legno per dieci persone, una cantina vinicola e una spiaggia privata. Inoltre, un struttura in pietra già esistente è stata trasformata in una sala polivalente con wi-fi e una cucina a vista. Considerando che l’utilizzo dell’energia elettrica è stato ridotto al minimo proprio per limitare le emissioni di Co2, il riscaldamento avviene mediante una stufa a legna e l’illuminazione solo con candele o piccole lampade a kerosene.

A Island Lodge un design molto sobrio e minimalista, tipicamente scandinavo, combina tecnologie high tech a materiali naturali e organici, come legno, pelle e pietra, per armonizzarsi e mimetizzarsi con la natura circostante e offrire agli ospiti la possibilità di dormire immersi nella natura, vivendo un’esperienza unica e indimenticabile, a diretto contatto con l’arcipelago.

Lâ&#x20AC;&#x2122;arcipelago di Stoccolma attraverso la nebbia del mattino. Il faro dietro Island Lodge e il ristorante allâ&#x20AC;&#x2122;aperto.

A view of the archipelagos of Stockholm through the morning mist. The lighthouse behind Island Lodge and the open-air restaurant.

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Island Lodge has been constructed on one of the islands of the archipelagos of Stockholm, the largest in Sweden and one of the largest in the Baltic Sea. It can be described as a luxury tent that offers the guests maximum comfort in contact with nature The eco lodge was designed according to the principles of sustainability and respect for the environment. It has been built on an uninhabited island with lush uncontaminated forests and white beaches that overlook the archipelagos.

In Island Lodge, guests can sleep in one of the seven tents dotted over the island, designed to be almost invisibly camouflaged among the trees of the forest and not visible from the sea. Each tent has been produced with a very heavy high tech frame that can withstand bad weather, such as high winds or storms.

Each tent covers 18 sq.m. and is fitted with all mod. cons. including large beds to allow the guests to relax under the stars. There are large circular vinyl windows on the sides of each tent to allow guests to enjoy the breathtaking views over the forest and the sea.The Island Lodge complex contains a restaurant-lounge bar with a seafront patio protected by a large canopy; there is a relaxation area, outdoor facilities for social interaction or leisure activities, a wooden swimming pool that can accommodate ten people, a wine cellar and a private beach.

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The existing stone structure was converted into a multipurpose hall with wi-fi and visible kitchen-catering facilities. Considering that the electricity consumption has been reduced to a minimum to contain the levels of CO2 emissions, the units in the complex are heated using log burners; illumination is provided by candles or small kerosene lamps.

Island Lodge has a simple minimalist, typically Scandinavian design; it combines high technology with natural organic materials, such as wood, leather and stone, to harmonize and camouflage the complex in the surrounding nature, offering guests the delightful opportunity of sleeping in the wild and giving them a unique and unforgettable experience in direct contact with the marvels of the archipelagos.

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Particolare di una delle aperture realizzate nella tenda. Le camere sono arredate con letti in piuma dâ&#x20AC;&#x2122;oca. Planimetria della copertura della struttura di una tenda.

A close-up of one of the openings in the tents. The bedrooms have been furnished with goose-down beds. Plans for the cover over the tent frame.

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La stufa allâ&#x20AC;&#x2122;interno della tenda e particolari della tenda nella natura.

Accanto, la banchina dellâ&#x20AC;&#x2122;Island Lodge illuminata con torce; la piscina in legno; planimetria e immagine della sala polivalente con, sullo sfondo, la cucina a vista e la sala da bagno con doccia esterna.

A stove inside the tent and close-ups of the tent surrounded by nature.

To the side, the jetty of the Island Lodge, illuminated with torches; layout plans and an image of the multi-purpose hall with the kitchen visible in the background and the washroom with an external shower.

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BAD EMS

La piscina esterna con acqua calda e una vista generale delle terme di Bad Ems. La facciata su strada del complesso termale si caratterizza per le grandi vetrate dalla forma ispirata a quella dei ciottoli di fiume.

The outdoor, warm water swimming pool and a general view of the Bad Ems Spa. The streetside facade of the Spa center has been interrupted by large windows; the shape of these windows was inspired by river rocks.

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>M?9 <9DD9 ;ALL =K;9H= >JGE L@= ;ALQ txt: Francesca Tagliabue ph: David Mathiessen project: 4a Architekten Benessere totale, per la mente e per il corpo L’antica cultura termale e le soluzioni architettoniche più contemporanee si uniscono nella nuova struttura dedicata al benessere di Bad Ems, in Germania. A pochi passi dal fiume Lahn, i nuovi bagni termali sono stati progettati dallo studio 4a Architekten guardando alla natura circostante. Gli architetti hanno infatti tratto ispirazione dalla forma dei sassi che si trovano sul lungofiume sia per l’impostazione generale della struttura sia per i dettagli. I diversi ambienti dei bagni termali occupano edifici di grandezze diverse, tutti comunicanti tra di loro; le forme arrotondate dei corpi e la loro posizione richiama alla mente i ciottoli.All’esterno, la struttura ha un aspetto naturale, con fronti vetrati e ricoperti di legno di larice. La zona delle piscine occupa il corpo principale; accanto a questa si innesta l’area

sauna/bagno turco. I due edifici più piccoli, sul lato opposto, ospitano rispettivamente un piccolo negozio e il ristorante. Al primo piano si trova l’area wellness, con una palestra e un ampio solarium per allenarsi all’aria aperta. Tutti gli impianti e gli uffici del personale si trovano nel seminterrato, completamente nascosti alla vista. Gli interni sono caratterizzati da un’atmosfera rilassante, connotata fortemente dalle scelte cromatiche operate dai 4a Architekten. I pavimenti delle zone di passaggio sono di un beige neutro, colore di fondo che crea un forte contrasto con gli azzurri e gli arancioni accesi dei rivestimenti musivi delle piscine e delle pareti. Grazie alle ampie vetrate, tutti gli ambienti sono inondati di luce naturale. Il progetto illuminotecnico si è concentrato quindi sulla creazione di scenari luminosi differenti, seguendo i principi della cromoterapia. Per un benessere totale.

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Dallâ&#x20AC;&#x2122;alto, pianta del piano terra, sezione verticale e pianta del primo piano. Nella pagina a lato, la piscina interna.

From top, layout plans for the ground floor, a vertical section and the layout for the first floor. On the opposite page, the indoor swimming pool.

Total wellness for mind and body The age-old Spa culture and the most contemporary architectonic solutions join together in a new structure dedicated to wellness in Bad Ems, Germany. Located close to the River Lahn, the new Spa baths were designed by Studio 4a Architekten and overlook the magnificent natural surroundings. The architects were inspired by the shape of the stones that are found on the river bank – they influenced the general arrangement of the structure and the smaller details. The different facilities of the Spa center have been created in buildings of different sizes, all communicating with each other; the rounded shapes and their position resemble a pile of pebbles or cobblestones. Outside, the structure leans towards the natural, with glass windows and larchwood facing. The swimming pool has been housed in the main block; the sauna/Turkish bath facilities are found next door. The two smaller buildings on the opposite side contain a small shop and the restaurant.

The wellness area is located on the first floor and includes a fitness suite and a large solarium for outdoor circuits. The plant and the staff offices are located in the basement, and are completely hidden from view. The interiors are relaxing and decorated with an interesting color palette selected by 4a Architekten. The flooring of the transition zones and corridors are a neutral beige and this background color creates a strong contrast with the pale blues and the bright shades of orange of the mosaic used in the swimming pool area. Natural light floods in through the large windows; consequently, the illumination technology project was based on the creation of different luminous scenarios, in accordance with the principles of colortherapy… with everything geared to total wellness.There are also some carefully

selected pieces that represent the best of Belgian design, like the brightly-colored coffee tables/pouf Extremis and the abat-jour light fittings by Dark. A station for recharging i-Pods and a Dyson air-conditioning plant have also been installed.

However, the truly unique feature of Sleeping Around is that the container – designed for goods transportation – can be moved to any desired location.

The hotel can be installed and be operational within 5 hours of its arrival on-site – all that is required is a lorry and access to water and electricity mains. The units are complete with a water purifying plant and the project has the potential of being even more environment-friendly and self-sufficient, thanks to the use of sun and wind power. Since its inauguration in January 2012, the containers of Sleeping Around have already changed location in Belgium on several occasions. From the banks of the River Scheldt, they traveled to Villa Vanthilt, then to Kortrijk for Interieur, the design exhibition and finally to Rijnkaai (Waagnatie), where they sit at present. However, the exciting aspect of this concept is that the hotel can be moved to wherever the guests require – even occupying locations that are unsuitable to traditional static architecture: in a ski resort, on a desert island or on the roof of a building. In this way, the hotel moves to meet the needs of the guests and optimizes the balance between demand and supply. Only available on the Internet, the bedrooms in Sleeping Around have not been designed for long stays but just for one or two nights. Once again, we find the luxury hotel category pushed beyond its natural boundaries, spiced with a mixture of design and adventure that reflects the thirst for something new and in some ways, it epitomizes the restlessness of the contemporary traveller.

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La sauna finlandese; a lato, gli spogliatoi con i servizi igienici; sotto, il bagno turco in mosaico rosso e arancione.

Accanto, due viste della piscina principale – realizzata in mosaico sui toni del blu e dell’azzurro – che prosegue anche all’esterno.

The Finnish sauna; to the side, the changing rooms with the shower and toilet facilities; the Turkish bath in red and orange mosaic.

To the side, two views of the main swimming pool, lined with mosaic in numerous shades of blue – and this feature continues to the outside.

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BARCELLONA D9 <GD;= NAL9 N=JKAGF= KH9?FGD9'KH9FAK@ KLQD= txt: Sara Schifano project: Lagranja design graphic design: Maneko, Espluga + associates

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Qual è il periodo della storia recente dell’architettura più contraddittorio? Quasi certamente gli anni Sessanta che, se da una parte hanno visto architetti geniali e visionari all’opera – basti pensare ad Aldo Rossi o César Pelli – dall’altra hanno anche visto le città di mezzo mondo popolarsi di palazzoni economici e di scarsa personalità Sono gli anni del boom economico, dello sviluppo della cultura di massa e del turismo che costruisce grattacieli devastando le coste di gran parte del Mediterraneo. È il sogno postmoderno, un pasticcio ribelle che si fa beffe della sobrietà del razionalismo, destinato a cambiare (spesso in peggio) il volto delle città come si conoscono al giorno d’oggi. È il caso dell’edificio che ospita l’Hotel Chic & Basic Ramblas a Barcellona, a due passi dalle Ramblas, nel quartiere un tempo malfamato ma ormai vivace del Raval. Lo studio di Barcellona Lagranja si è dovuto cimentare con questo poco appetibile blocco di cemento postmoderno e per di più con un budget ridotto (1 milione di euro) con l’obiettivo di creare un boutique hotel adatto al mercato sempre più alla moda del quartiere.

L’ispirazione è arrivata naturalmente. A guardarlo bene, il luogo ricorda subito i primi film di Almodovar, dove il degrado si mescola in maniera inspiegabilmente naturale all’immagine di una vita eccitante (qui l’ubriacatura postmoderna era già passata). Così il tema del progetto segue passo dopo passo la dolce vita spagnola degli anni Sessanta.

A partire dalla lobby dell’hotel: Barcellona alle prese con orde di turisti da tutta Europa diventa una scrivania da reception ricavata da vecchie valige impilate (il piano d’appoggio è una lastra di ottone realizzata da Essapunt), la peseta, mitica moneta spagnola, si ingigantisce per trasformarsi in tavolo (anche questo firmato Essapunt), e una Seat 600 verde – prima automobile spagnola prodotta in massa e simbolo del boom economico – è parcheggiata e sembra pronta per essere caricata di attrezzi da spiaggia. In uno spazio separato è allestita una sala da biliardo immacolata, da immaginare idealmente piena di fumo, un tipo di spazio comune praticamente estinto negli hotel contemporanei.

L’arredamento, con poltrone firmate Lagranja design, tappezzerie Iman Collection by Güell Madrid e tappeti Nani Marquina, è colorato e vivace senza diventare troppo rumoroso. La vera storia, però, inizia al primo piano con le stanze che, porta dopo porta, raccontano gli anni Sessanta spagnoli seguendo i filoni tematici legati alla cultura e alla società. Icone del design, turismo, consumo di massa, folklore, jet set intellettuale e così via. Le porte sono pannelli espositivi, scorci di cultura spagnola (da Julio Iglesias a Eurovision). Grigio, blu, giallo, rosso e verde: un colore per ogni tema, uno spirito diverso per ogni stanza. Gli interni qui si semplificano, gli arredi realizzati su misura sono semplici e l’effetto finale è fresco e neutro. Molte stanze hanno un’abbondante luce naturale e richiamano il colore tematico che si fa poi più deciso nella piastrellatura dei bagni. Ironia e furbizia fanno di questo hotel un fiore all’occhiello per il giovane studio di Barcellona e una destinazione più che piacevole per i turisti che, dagli anni Sessanta, non hanno mai smesso di arrivare in massa nella città spagnola.

La reception dell’hotel dove ricorrono i temi del boom del turismo spagnolo degli anni Sessanta: la Seat 600, le vecchie valigie e il tavolo ‘Peseta’.

The hotel reception has been decorated with items reminiscent of the boom years of Spanish Tourism in the Sixties: the Seat 600, old suitcases and the ‘Peseta’ table.

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In recent times, which period is most likely to be described as the most contradictory, where architecture is concerned?

The swinging 60s by all accounts; on the one hand, this decade enjoyed the genius and vision of some exciting architects, such as Aldo Rossi and César Pelli – on the other, it was a decade during which cities around the world mushroomed with low cost tower blocks with little personality These were the economic boom years and saw the development of mass culture and tourism with the construction of sky-scrapers that devastated and blighted a large portion of the Mediterranean coast.

The post-modern dream, a rebellious confusion that laughed off the staidness associated with rationalism, and was destined to change (and often for the worse!) the appearance of the cities as we know them today.

One example of this is the building that houses the Hotel Chic & Basic Ramblas

in the Spanish city of Barcelona, a stone’s throw from the Ramblas, in the once seedy district of Raval that has been revived to buzz with social energy.

The Barcelona-based Studio Lagranja was faced with this unattractive postmodern block of cement on a shoestring budget (just 1 million Euro) with the objective of creating a boutique hotel that fits beautifully into the district’s trendsetting qualities. The inspiration is clear. It looks like the location set of an Almodovar film, where the run-down appearance of the area mixed beautifully and inexplicably with the dynamic Vida loca (the postmodern headiness is already passé). The core theme of the project follows the Spanish La Dolce Vita of the 60s step by step. And it all begins in the hotel lobby: Barcelona attracts hoards of tourists from all over Europe. The reception desk in the hotel has been created by stacking old suitcases (the countertop is a slab of brass produced by Essapunt); a peseta coin, the mythical pre-Euro Spanish currency, has been enlarged to become a table (again produced by Essapunt) and a green Seat 600 – Spain’s first

mass produced car and a symbol of the economic boom – has been parked ready to be loaded with all of the paraphernalia needed on the beach. An immaculate billiard room has been created in a separate space; just try and imagine it heavy with cigarette and cigar smoke – a smoker’s den that is almost totally extinct.

The furnishings include armchairs by Lagranja design, wallpaper from the Iman Collection by Güell Madrid and rugs by Nani Marquina – these add color and energy without being too loud. The true story begins on the first floor with the bedrooms; door after door, they reveal the history of Spain in the 60s. They unfold the themes associated with the country’s culture and society. Included are icons of design, tourism, mass consumption, folklore, the intellectual Jet Set and so on.

The doors are display panels, small glimpses of Spanish culture (from Julio Iglesias to the Eurovision Song Contest).

Gray, blue, yellow, red and green: a color for every theme, a different spirit for each room. The interiors are then toned-down to something more simple, the custom furniture pieces are simple and the final effect is fresh and natural. Many rooms are bathed in copious amounts of natural light and the colored references continue in the bathroom tiles.

Large doses of irony and guile have allowed the architects of this young Barcelonabased studio to design a truly delightful hospitality venue for tourists who have been flocking to this Mediterranean city in their droves since the Sixties heydays!

L’arredamento della reception è colorato e vivace con poltrone firmate Lagranja design, tappezzerie Iman Collection by Güell Madrid e tappeti Nani Marquina.

The reception area has been decorated in bright colors with the armchairs

by Lagranja design, wall-paper from the Iman Collection by Güell Madrid and rugs by Nani Marquina.

Le camere sono organizzate tematicamente con diversi colori per piano: design, turismo, consumo di massa, folklore.

The rooms have been organized with different colors on each floor: the themes are design, tourism, mass consumption, folklore.

Lâ&#x20AC;&#x2122;arredamento delle stanze è semplice, con mobili in legno fatti su misura e atmosfera neutra.

Sotto, uno schizzo per la lampada da camera da letto.

The furnishings used in the rooms are simple, with custom-built furniture and a neutral ambience.

Below, a sketch for the bedroom lamp.

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Le stanze richiamano uno dei colori tematici che si fanno poi pi첫 decisi nella piastrellatura dei bagni, e uno schizzo della reception.

The bedrooms link to one of the theme colors that then grows in strength in the bathroom tiles and a sketch of the reception.

TORINO <9DD9 9 9DD9 R >JGE 9 LG R txt: Francesca Tagliabue project: yet/matilde (con Francesco Stassi e Nicola Di Fonso)

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Il tema scelto – quello della tipografia a caratteri mobili – rende unico un ristorante-pizzeria a Torino. Qui tutto (ma proprio tutto!), dagli appendiabiti ai mobili, riprende la forma di tutte le lettere dell’alfabeto Il fascino esercitato dalla stampa a caratteri mobili non si esaurisce mai, neanche nell’epoca dei computer e degli smartphone.

Ne sono caduti vittima anche i designer dello studio yet/matilde, autori del concept e degli interni del ristorante-pizzeria Alla Lettera di Torino.

Creativi a 360 gradi, gli yet/matilde sono attivi nei campi del product, dell’exhibition e dell’interaction design. “La cucina e la grafica – raccontano gli yet/matilde – sono due mondi con dinamiche progettuali accomunabili, in cui vive la commistione tra sensi e necessità. Proprio da questo parallelismo nasce il tema allestitivo del locale, l’utilizzo dell’ingrediente carattere tipografico in qualunque sua forma, grafica o fisica, attraverso la realizzazione di elementi ex-novo o il riutilizzo di elementi preesistenti. Del resto, in un momento in cui l’editoria abusa della cultura del cibo per vendere, perché una pizzeria non può utilizzare il linguaggio editoriale per connotare i propri spazi?”.

Forse ispirati dalla vicina piazza Bodoni (Giovan Battista, si intende, l’autore dell’omonimo font graziato), gli yet/matilde hanno letteralmente invaso i 220 metri quadrati del locale con caratteri di ogni tipo.

La pizzeria è pensata come un work in progress; i materiali utilizzati – cemento verniciato a terra, legno chiaro per gli arredi abbinati ad apparecchiature con tovaglie di lino grezzo e cotone – danno la sensazione di trovarsi in un luogo in continuo divenire. Le pareti, dipinte di un beige che riscalda l’ambiente, sono arricchite da vecchie “o” di diversi font recuperate da insegne dismesse e murales con lettering decorativi.

Inoltre, ogni stanza è impreziosita da interventi di artisti e creativi, installazioni diverse che periodicamente verranno aggiornate. Le installazioni sono di yet/matilde, Sergio Cascavilla, Borromeo & De Silva, ToDo, Bellissimo and the Beast, /LAM, Undesign, Civico 13. Non potevano poi certo mancare i veri e propri caratteri mobili: posizionati sui muri, incollati sui mobili o utilizzati come veri e propri complementi d’arredo, i caratteri mobili sono oggetti originali provenienti dall’archivio tipografico del comune di Bussoleno. Lo studio yet/matilde ha anche curato l’immagine coordinata di Alla Lettera, realizzando menu che sembrano giornali quotidiani e chiamando lo stilista Antonio Rizza a disegnare le divise di tutto il personale, vestito come i tipografi di un tempo, con tanto di coprimaniche per non sporcarsi di inchiostro!

I caratteri tipografici decorano ogni angolo del locale, perfino le pareti dei bagni e gli appendiabiti.

Accanto, il bancone bar e il forno a legna realizzati con metallo e assi di legno chiaro.

Printing characters decorate every corner of the restaurant, and are even found in the bathrooms and the clothes-stands. To the side, the bar counter and the wood-burning oven, in metal and pale wood planks.

The chosen theme was typography or typesetting using mobile characters to add a unique touch to the Pizza Parlor in Turin, Italy.

Everything – and that means everything – from the clothes hooks to the furniture – has been inspired by the letters of the alphabet Mobile letter print-set has always fascinated the vast majority of people and its attraction has not waned even in this modern era swamped with computers and smartphones. Its magic also worked for the designers of studio yet/matilde, who created the concept and the interiors of the pizza parlor ‘Alla Lettera’ in Turin, Italy. As full-circle creatives, the designers of yet/matilde operate in the fields of product development, exhibition layouts and interaction design.

They explained: “Cuisine and graphics are two worlds with common design dynamics, that mixes meaning and necessity.

These parallels create the design orientation of the eatery based on the use of the letters in all its graphical and physical shapes, through the creation of new elements or the re-use of existing elements.

On the other hand, in this period in which publishing exploits the food culture in order to sell, why can’t the pizzeria not use publishing to define the spaces?”

Maybe they were inspired by the nearby Piazza Bodoni (Giovan Battista Bodoni designed the elegant ‘Bodoni’ font); at any rate, the designers of yet/matilde have literally invaded the restaurant’s 220 sq.m. with letters of all shapes and sizes.

It is clearly work-in-progress; the materials used – painted cement for the floors, pale wood for the furniture joined by table settings in raw linen and cotton – give the sensation of a place that is constantly changing and evolving.

The walls have been painted a shade of beige that warms the ambience, with the letter ‘O’ in a selection of fonts reclaimed from old signs and murals with decorative lettering decorating the walls. Moreover, each room has been embellished with pieces by artists and creatives, and a number of different installations that are periodically updated. The installations were designed by yet/ matilde, Sergio Cascavilla, Borromeo & De Silva, ToDo, Bellissimo and the Beast, / LAM, Undesign, Civico 13. And of course, there are plenty of mobile letters – on the walls, stuck to the furniture or used as decorative ornaments.

These letters are original pieces from the type-setting archives in the County Hall of Bussoleno. Studio yet/matilde was also responsible for the coordinated image of ‘Alla Lettera’ and designed the menu cards as a facsimile of daily newspapers.

Stylist Antonio Rizza was asked to create the staff uniforms, in the style of the period print-setters, even down to the sleeve covers to protect against the ink!

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Pianta del piano terra: vi sono indicati i nomi degli autori delle installazioni esposte nelle sale.

Layout plan for the ground floor: the artists who designed the installations on display are indicated.

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Una composizione realizzata con veri caratteri mobili in metallo utilizzati il secolo scorso e provenienti dallâ&#x20AC;&#x2122;archivio del comune di Bussoleno. Nella sala da pranzo i tavoli sono apparecchiati in maniera semplice, con essenziali tovaglie beige o grigio chiaro.

A decorative arrangement with movable metal print characters from the last century, sourced in the archives of the Bussoleno City Council. In the dining-room, the tables have been set with style and simplicity, with beige or pale gray linens.

Le grafiche dei menu e delle tovagliette di carta sono stati progettati dallo studio yet/matilde come veri e propri prodotti editoriali.

The graphic design of the menus and the paper placemats were created by studio yet/matilde and look like genuine editorial publications.

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Nella pizzeria trova spazio anche una vecchia macchina da stampa a caratteri mobili. Le lettere sono davvero in ogni angolo!

The pizzeria also contains an old printing press with mobile characters. Letters are found in every nook and cranny!

VIENNA

K= A ;9FA ;GJJ=KK=JG DA:=JA A> <G?K JMF >J== txt: Francesca Tagliabue ph: Stephan Zenzmaier, Jochen Fill graphic designer: Maria Prieto Barea project: Tzou Lubroth Architekten

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Il piccolo ingresso dell’insolito locale con tre vetrine su strada, in una zona di Vienna ricca di uffici che si anima dopo l’orario di lavoro. Il soffitto è un’installazione artistica creata dai proprietari che rappresenta delle cime montuose stilizzate.

The small entrance to this unusual venue with three streetside windows.

It is located in an office district in Vienna that comes alive when the working day ends. The ceiling is an artistic installation created by the proprietors; the patterns are stylized mountain peaks.

Senza un filo logico coerente, un piccolo ‘bar dell’assurdo’ si propone come spazio altro, dove tutto è concesso Un pizzico di mistero, quanto basta per produrre curiosità. Questo l’ingrediente segreto di If dogs run free, un bar viennese che punta tutto sull’effetto sorpresa.

“Se i cani corressero liberi”, questa la traduzione letterale del nome, è un posto dove evadere dalla routine quotidiana, dove incontrare gente diversa e scoprire un mix di arte e design davvero stimolante. Il bar è di proprietà di un’attrice, un ristoratore, un grafico e due architetti. Un mix vincente a giudicare dal risultato!

Gli interni sono stati studiati da Tzou Lubroth Architekten (design team: Gregorio S. Lubroth e Chieh-shu Tzou).

Gli 82 metri quadrati sono simili a una scatola nera, un espediente utile a rendere il bar uno spazio da reinventare ciclicamente, un locale da vestire in modo diverso col passare delle stagioni. Pavimenti scuri fatti con polvere di asfalto, muri grigi senza decorazioni e arredi essenziali in MDF nero fanno in modo che il soffitto diventi il punto focale dell’interno. Il soffitto si trasforma in una vera e propria opera d’arte grazie al lavoro di artisti diversi chiamati, di volta in volta, a realizzare un’installazione site specific a tema “uomo e natura”. La prima installazione è stata progettata e realizzata dai proprietari. Si tratta di un paesaggio montano stilizzato e capovolto; le cime sono realizzate con piastrelle colorate unite in un pattern geometrico di colori diversi. Trattandosi di uno spazio in progress, anche l’impianto di luci è stato concepito per essere il più flessibile possibile. Le applique a parete e i faretti architetturali sono tutti orientabili, per puntare direttamente sulle installazioni che cambieranno aspetto a If dogs run free.

Without any coherent logical thread, a small ‘bar of the absurd’ could 115 be described as an alternative space, where everything is permitted It is spiced with a pinch of mystery, just enough to stimulate curiosity. This is the secret ingredient of ‘If dogs run free’, an astonishing Viennese bar.

In ‘If dogs run free’, people can escape from the hum-drum of their everyday routine; they can meet their friends and enjoy the surroundings based on a mixture of highly-stimulating art and design. The bar belongs to an actress, a caterer, a graphic designer and two architects – a highly successful combination if the results are anything to go by! The interiors were studied by Tzou Lubroth Architekten (design team: Gregorio S. Lubroth and Chieh-shu Tzou).

The restaurant covers 82 sq.m. and resembles a black box, a useful expedient that allows the bar to be reinvented periodically, a venue that can be decorated to suit the changing seasons. Dark-colored flooring created from tar dust, bare gray walls and simple furniture in black MDF draw attention to the ceiling as the focal point of the design. The ceiling is transformed into a delightful work of art, thanks to the a number of artists who will be asked to invent site-specific installations on the subject of ‘man and nature’. The first installation was designed and produced by the owners themselves. It depicts a stylized, inverted mountain landscape; the peaks have been created with colored tiles combined to produce a geometric pattern in a range of colors. As this is a ‘space in progress’, even the lighting design is as versatile as possible. The wall-fittings and the architectural spotlights are all adjustable to enhance the installation that modifies the overall appearance of ‘If dogs run free’.

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Il bancone bar con gli alti sgabelli imbottiti di pelle. I disegni progettuali del particolare soffitto e lâ&#x20AC;&#x2122;assonometria esplosa dello spazio.

The counter joined by tall stools upholstered in leather.

The plans for the unusual ceiling and detailed models of the space.

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L’interno del locale è realizzato con materiali grezzi. Soffitti e pavimenti sono di cemento, mentre le scale che collegano i due livelli sono di metallo smaltato nero. L’unica concessione al decorativismo è l’installazione sul soffitto, un’opera d’arte che sarà cambiata a intervalli regolari.

The interiors of the bar have been produced with unfinished materials.

Cement has been used in the ceilings and floors, while the stairs that connect the two floors are black enamelled metal. The only concession to decoration is the installation on the ceiling, a work of art that will be changed at regular intervals.

LÄNGENFELD 9IM9 <GE= txt: Luisa Castiglioni interior design: Zeytinoglu ZTGmbH spa philosophy: Heinz Schletterer project: Holzbauer & partner architekten

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A pochi chilometri da Innsbruck, nella vallata tirolese dell’Ötztal, Aqua Dome abbina scenografiche strutture in pietra, cemento e vetro con l’antica tradizione curativa dell’acqua termale Per valorizzare il grande complesso termale e renderlo unico al mondo, la natura si è affiancata all’architettura: le gigantesche vetrate e le pareti trasparenti consentono agli ospiti di vivere anche negli spazi interni l’atmosfera del paesaggio alpino che circonda Längenfeld. Con i singolari giochi di luci e di specchi che creano le superfici acquatiche con le cime delle montagne, il connubio tra la natura e la struttura termale è perfetto. Aqua Dome è stato realizzato secondo gli ultimi criteri di eco compatibilità ma anche seguendo i moderni concetti del feng shui con flussi energetici positivi che sostengono la salute, la vitalità e la gioia di vivere di chi vi soggiorna.

Sono state recentemente inaugurate 60 nuove stanze – di cui 6 suite per famiglie – e 5 sale per riunioni dislocate in una nuova ala dell’edificio e una nuova spa di 2000 metri quadri, dedicata agli ospiti dell’hotel, situata sul tetto della costruzione termale originale. Anche il ristorante, la cucina, la hall, il bar e la facciata hanno ora un nuovo volto, più contemporaneo.

Di seguito a questo ampliamento, l’hotel Aqua Dome è diventato il più grande albergo a 4 stelle superior in Tirolo. In ogni ambiente della struttura il design minimalista, dalle linee pulite e sobrie, si sposa con il materiale d’eccellenza tipicamente alpino: il legno, chiaro riferimento alla regione. Il design moderno rivisitato conserva elementi tradizionali come i tavoli apparentemente rustici e le pareti in legno che dialogano con mobili dalle linee minimaliste ma dal carattere antico grazie sempre al largo uso del legno a creare spazi particolari, caldi e confortevoli. Entrare nelle stanze è come lasciarsi avvolgere da un abbraccio rassicurante, il profumo naturale del bosco dà atmosfera agli ambienti, le sfumature del marrone infondono tranquillità: l’atmosfera ricorda quella di una baita rimessa a nuovo, sapientemente ristrutturata accostando agli elementi tradizionali ingredienti innovativi. Il legno utilizzato per le camere da letto è il cirmolo, di cui sono oramai ampiamente conosciuti gli influssi positivi sulla qualità del sonno attraverso la diminuzione del ritmo cardiaco e la stabilizzazione della pressione sanguigna.

119 L’imponente struttura dell’hotel Aqua Dome circondata da saune e piscine, interne ed esterne.

The impressive Hotel Aqua Dome surrounded by saunas and swimming pools, indoor and outdoor.

Anche i tessuti utilizzati amplificano l’armonia tra presente e passato: i tradizionali tessuti con disegni a quadri, che fanno parte nell’immaginario collettivo delle tipiche case di montagna, ricoprono divani e poltrone dal design moderno. La particolare illuminazione dona agli ambienti un’aria elegante e allo stesso tempo originale: le lampade sono disposte in modo da regalare una luce capace di fare risaltare le caratteristiche dei diversi angoli. Niente appare piatto: le stanze sono luoghi privilegiati in cui respirare la natura e la semplicità, elementi principali cui si sono ispirati gli architetti. Ed è come una cresta futuristica che si staglia nel cielo, la nuova Premium Spa 3000 che si sviluppa su due livelli per un totale di 2.000 metri quadrati.

Il simbolo di Aqua Dome è ancora rapresentato dalle 3 piscine a forma semisferica che si stagliano in mezzo all’ampio prato: sorrette da un pilastro, sembrano fluttuare nell’aria fino a un’altezza di 12 metri.

A few miles from Innsbruck, in the Tyrolese valley of Ötztal, the Aqua Dome wellness hotel combines the lines of the scenographic stone, cement and glass structures with the ancient curative traditions of the Spa waters In order to enhance the large Spa complex and turn it into something unique, nature joins forces with the architecture: the gigantic windows and the transparent walls allow the guests to enjoy the atmosphere of the Alpine landscape around Längenfeld wellnss inside the interiors. Thanks to the unique lighting effects and mirrors that interact with the water features and the mountain peaks, the resulting union of a natural landscape and the Spa structure is absolutely perfect.

Aqua Dome has been constructed in line with the very latest criteria of ecocompatibility, but also according to the modern concepts of feng shui with positive energy flows that support health, vitality and the joy of living for the guests.

Sixty new bedrooms – including 6 family rooms – and 5 meeting rooms were inaugurated recently, in the new wing of the building. The new 2000 sq.m. Spa center is exclusive to the hotel’s guests and has been created in the roof of the original Spa building. The restaurant, the kitchen, the hall, the bar and the façade have all been given a contemporary makeover.

Following this extension, Hotel Aqua Dome became the largest 4-star superior hotel in the Tyrol district. Throughout the Hotel and Spa, minimalist design with its clean stylish lines joins forces with the elective and typically-Alpine material – wood - producing a clear reference to the region. The modern design has preserved traditional elements with tables that are apparently rustic and wooden walls that interface with the antique-style minimalist furniture, thanks to the wide-spread use of timber that creates delightful, warm and extremely comfortable spaces.

Entering the room is like being thrown into a reassuring embrace; the scent of the

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wood evokes the atmosphere of a refurbished mountain lodge, skilfully restructured by mixing traditional and innovative ingredients. Pinewood has been used in the bedrooms because of the effects of its positive energy flows on the quality of sleep with the reduction in the heart rate and the stabilization of the blood pressure.

Even the fabrics used in the soft furnishings amplify the harmony between the past and the present: the traditional checked fabrics cover the modern sofas and armchairs and strike a nostalgic cord in the minds of anyone who envisages the typical mountain homes. The unusual illumination system injects elegance and originality: the lamps have been arranged to ensure that the light enhances the features in this property. Nothing is flat or boring: the bedrooms are privileged oases where guests can absorb nature and simplicity, the main elements that inspired the architects.

Like a futuristic crest that extends and cuts the skyline, the new Premium Spa 3000 is split over two storeys for a total of 2,000 sq.m. floorspace.

The symbolic features of Aqua Dome are the three hemispherical swimming pools that sit in the middle of a large lawn: each circular bowl is supported by a single pillar and appears to float in mid-air at a height of up to 12 meters.

La nuova Spa 3000 è un progetto dell’architetto Heinz Schletterer, specializzato nella progettazione e sviluppo dei complessi termali.

The new Spa 3000 is a project by the architect Heinz Schletterer, specialized in the design and development of Spa facilities.

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Il recente ampliamento dell’hotel ha riguardato 60 nuove stanze – di cui 6 suite per famiglie – e 5 sale per riunioni dislocate in una nuova ala dell’edificio e una nuova spa di 2000 metri quadri, situata sul tetto della costruzione termale originale.

The recent extension to the hotel added 60 new rooms – including 6 family suites – and 5 meetings rooms dotted throughout the new wing of the building and a new Spa facility measuring 2000 sq.m., situated on the roof of the original Spa building.

SCHWÄBISCH HALL 124

@GL=D J=DG9<=< txt: Francesca Tagliabue ph: peterchumacher.com interior design: Seifried&Mack Contrasto massimo tra contenitore e contenuto. Architetture medioevali nascondono al loro interno arredi contemporanei e sorprendenti opere d’arte. Come uno scrigno Tre palazzi antichi nel centro storico di Schwäbisch Hall, una cittadina rurale del sud della Germania, ospitano dal 1955 l’Hotel Scholl. La famiglia, che possiede la struttura da oltre sessant’anni, ha deciso nel 2012 di comprare un quarto edificio medioevale, adiacente agli altri. All’investimento hanno fatto seguito importanti lavori di rinnovamento, che hanno dato una nuova immagine e un ritrovato brio all’hotel. Gli interni sono stati progettati dal duo di architetti Seifried&Mack (Alexander Seifried + Felix Severin Mack). Convinti che ogni lavoro di ristrutturazione debba aggiungere valore agli immobili, ferventi sostenitori della cura maniacale dei dettagli in ogni fase della progettazione, Seifried&Mack hanno creato ambienti che attirano l’attenzione grazie ai loro particolari stravaganti, rimanendo però sempre funzionali e accoglienti.

Antico e contemporaneo si rincorrono, ovunque con un pizzico di ironia. Impossibile non notare le massicce travi di legno che sostengono i soffitti e guardarle scomparire dentro le pareti chiare rasate a gesso o dipinte con colori a smalto. Le aree comuni della struttura sono più simili a ‘cabinet of curiosities’ che a zone di servizio. L’ingresso, passaggio obbligato per i clienti, è risolto con un imponente lampadario Dear Ingo di Moooi e maioliche a terra; in bella mostra anche una scultura di schiuma che raffigura un enorme piede, un omaggio dei progettisti al calligrafo Thomas Schweicker, un uomo nato senza braccia celebre nel circondario per la sua abilità a scrivere con gli arti inferiori. Elemento unificatore di tutti gli spazi è una tenda metallica realizzata con catene colorate. L’insolito drappeggio sottolinea il banco della reception, impreziosisce le pareti del caffè e ricopre i muri fino agli ingressi degli ascensori. La biblioteca mette a disposizione degli ospiti decine di libri, ma è anche il posto giusto per sostare su comode poltrone guardando stravaganti opere d’arte, gufi albini o ‘nonne-stambecco’. Nei corridoi che conducono alle stanze private, stormi di uccelli dorati guidano gli ospiti fino alla porta. Le otto camere della nuova ala sono tutte diverse una dall’altra (alcune sono nel sottotetto, altre sono disposte su due livelli, altre ancora hanno la doccia a centro stanza), ma rimane costante il pavimento in parquet a listoni larghi e i bagni ensuite realizzati con mosaici variopinti. Questo il nuovo Hotel Scholl, un albergo 2.0.

There is maximum contrast between the container and the contents.

Medieval architecture hides its contemporary furnishings and astonishing works of artâ&#x20AC;Ś like precious jewels in a casket Since 1955, Hotel Scholl has been contained in three ancient buildings located in the historical center of Schwäbisch Hall, a rural town in the south of Germany. It has been owned by the same family for more that sixty years. In 2012, the family decided to purchase a fourth adjacent Medieval building. This investment resulted in a need for a complete makeover to project a new image and inject vitality into Hotel Scholl. The interiors were designed by architects Seifried&Mack (Alexander Seifried + Felix Severin Mack). They are convinced that every refurbishment project adds value to the properties and are fervent supporters of the obsessive attention to detail in every phase of the design, Seifried&Mack managed to create ambiences that attract attention, thanks to their extravagant touches, while managing to preserve their function and welcome. The ancient and the contemporary walk hand-in-hand with a pinch of irony. It is impossible to ignore the large wooden beams that support the ceilings as they disappear into the walls that have been finished with smooth plaster or gloss paint. The common areas of the structures closely resemble curiosity cabinets rather thnt service facilities.

All of the guests must pass through the entrance decorated with a majestic chandelier Dear Ingo by Moooi and colored cement floor tiles; clearly on display a piece of sculpture in foam rubber in the shape of a gigantic foot, the designersâ&#x20AC;&#x2122; tribute to the calligrapher Thomas Schweicker, who was born without arms and was famous in the area for his ability to write with his feet. The unifying element for the spaces is a metal curtain created with colored chains. This unusual structure exalts the reception counter, embellishes the walls of the coffee bar and covers the walls as far as the elevators. The library provides the guests with an interesting selection of books in an ambience where they can sit and relax on comfortable armchairs and enjoy the extravagant works of art depicting white owls or old rock goats. In the corridors that lead to the private quarters, flocks of golden birds guide the guests to the bedroom doors. The eight bedrooms contained in the new wing are all different (some are located under the eaves, others are split over two levels, with others having a shower unit at the center of the room). A constant feature throughout is the wooden flooring consisting of large slats and the en-suite bathrooms decorated with multi-colored mosaics. This, in short, is the new Hotel Scholl, a 2.0 hotel.

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La biblioteca decorata con fotomontaggi a tema zoologico, la zona bar e il bancone della reception, enfatizzato dal drappeggio metallico.

Su tutto dominano il rosso degli imbottiti, il giallo dorato delle pareti e del parquet.

The library decorated with the animal-themed photos, the bar and the reception counter, emphasized by the metallic drapes. The main colors are the red of the upholstery, the golden yellow of the walls and the wooden flooring.

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Le otto camere per gli ospiti ricavate nel palazzo di nuova acquisizione hanno tutte piante differenti. Gli arredi sono pezzi di design scelti dai cataloghi di Vitra e Moooi. Nei corridoi di accesso agli alloggi uno stormo di uccelli dorati guida gli ospiti alla porta della loro camera.

The eight guest bedrooms created in the newly-acquired building all have different layouts. The furnishings are design pieces selected from the Vitra and Moooi catalogues. A flock of golden birds guides the guests along the corridors to their bedrooms.

La pianta del piano terra e la sezione verticale (da notare i palazzi di epoca medievale collegati tra loro).

Layout plans for the ground floor and a vertical section (note the Medieval-period buildings that are connected).

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Il corridoio di accesso alle camere e una delle stanze. Sotto l’ingresso dell’Hotel Scholl, uno spazio di passaggio con pavimento di maioliche e il grosso lampadario Dear Ingo di Moooi. La grande scultura che rappresenta un piede è un omaggio al calligrafo di Schwäbisch Hall, Thomas Schweicker, famoso per la sua capacità di scrivere con gli arti inferiori.

The corridor that leads to the bedrooms and shots showing one of the rooms. Below the entrance to Hotel Scholl, a transition zone with Majolica floors and a large chandelier, Dear Ingo by Moooi.

The large foot sculture pays tribute to the armless calligrapher of Schwäbisch Hall, Thomas Schweicker, famous for his ability to write with his lower limbs.

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PISCO ELQUI 9KLJGFGEA;9D @GL=D txt: Ester Pirotta ph: James Florio project: Rodrigo Duque Motta – RDM Arquitectura y diseño

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Ogni singola unità, progettata dall’architetto Rodrigo Duque Motta, è costituita da un volume rialzato dal suolo scosceso e dotata di grandi vetrate e un terrazzo al piano superiore. I volumi geometrici che si integrano perfettamente con il paesaggio circostante.

Each individual unit, designed by architect Rodrigo Duque Motta, consists of a unit raised from the ground, large windows at each end and a roof terrace. The geometric shapes blend beautifully with the surrounding landscape.

L’Elqui Domos è uno dei sette hotel astronomici del mondo, sito nella Valle del Elqui in un luogo di straordinaria bellezza dove la principale attrazione è il cielo terso (e le sue innumerevoli stelle) La Valle del Elqui è una stretta vallata che si snoda tra le Ande cilene, famosa per il cielo di un blu intenso, il clima sempre piacevole e l’alto potenziale in ambito vinicolo. Nei pressi di una piccola cittadina chiamata Pisco Elqui, a 500 km da Santiago del Cile, si trova un hotel costituito da singole unità abitative, progettato con lo scopo di consentire agli ospiti il massimo godimento del cielo stellato e della natura circostante. Il primo impianto architettonico dell’hotel è costituito da alcune cabine di legno dotate di cupole geodetiche traslucide in tessuto, che consentono di vivere un’esperienza unica a stretto contatto con la natura, addormentandosi guardando le stelle. Un paio di anni fa al giovane architetto cileno Rodrigo Duque Motta fu commissionato un progetto di ampliamento che, sfruttando al massimo il lotto di terreno disponibile, riuscisse a fornire altre quattro stanze con standard qualitativi migliori ma senza perdere di vista lo spirito dell’esistente, ossia il rapporto diretto con il cielo. Il progetto prevedeva anche il ridisegno delle cupole in tessuto bianco che in realtà non sono poi state interessate dall’intervento; quello che vediamo oggi è quindi la coesistenza di due progetti, realizzati in tempi diversi.

L’ampliamento dell’architetto Duque Motta era mirato alla realizzazione di unità complementari rispetto alle esistenti, più confortevoli, al fine di fornire i presupposti ideali per arricchire ulteriormente l’esperienza di un soggiorno all’Hotel Elqui Dolmi. Tutto ruotava attorno al cielo, protagonista assoluto del progetto. L’architettura delle nuove camere da letto è il risultato di considerazioni legate alla topografia del luogo, dovendo essere necessariamente posizionate fra la vasta vegetazione della valle e la sporgenza dura e asciutta della montagna. Si tratta di volumi dal disegno pulito, quasi grafico, che convivono perfettamente con l’aspra natura circostante e con le preesistenti cupole bianche.

Per ottenere il miglior risultato in termini di sfruttamento della luce naturale e di ottimizzazione della vista nelle due direzioni opposte – verso la valle e verso la montagna – le cabine sono state sopraelevate rispetto al suolo scosceso e le due pareti principali di ogni stanza sono state dotate di grandi vetrate. Queste ultime creano un’interazione continua tra spazio interno e natura circostante consentendo, grazie alla loro inclinazione, di catturare con lo sguardo la vetta della montagna e il cielo stellato. L’armonia con la natura è enfatizzata anche dall’impiego del legno sia per l’esterno dell’architettura sia per gli interni, caratterizzati da un design minimale di spirito nordico. Ogni singola camera, chiamata osservatorio, è dotata di un terrazzo privato sul tetto, raggiungibile attraverso una scala esterna, per godere al massimo del paesaggio circostante e, ovviamente, di un telescopio, per consentire agli ospiti di trascorrere indimenticabili notti guardando il cielo. Se qualche ospite si appassionasse seriamente all’astronomia, poco distante dall’Elqui Domos Hotel trova il famoso Cerro Tololo Inter-American Observatory, dove poter fare una scorpacciata di stelle.

The Elqui Domos is one of the world’s seven astronomic hotels. It is located in the Valle del Elqui, a place of extraordinary beauty where the main attraction is the clear night sky (and its countless stars) The Valle del Elqui is a narrow valley that winds its way through the Andes mountain range in Chile, an area famous for its clear blue skies, the wonderful climate and the high standards of wine production. Close to Pisco Elqui, a small town approximately 500 km from Santiago del Cile, there is a hotel complex consisting of individual dwellings, designed specifically to allow guests to enjoy the starlit sky and the surrounding natural habitat. The first part of the hotel complex consists of a group of wooden cabins complete with translucent geodetic textile-covered domes; this type of construction allows the guests to experience a unique vacation in close contact with nature; they can even fall asleep under the stars.

A couple of years ago, the young Chilean architect Rodrigo Duque Motta was asked to design an extension that would exploit the position of the site; he was asked to create an additional four higher quality rooms, without losing sight of the spirit of the extraordinary direct relationship with the sky and the universe.

The plans also involved a revamp of the dome in white fabric. In actual fact, this part of the project was postponed at that stage. Consequently, what we observe today is the co-existence of two projects, produced at different times.

The extension designed by Architect Duque Motta created units that would complement the existing constructions; the brief wanted them to be more

comfortable to guarantee an even more memorable stay at the Hotel Elqui Dolmi.

Every aspect of the plans has been designed around the sky, the unchallengeable protagonist of the project. The architectonic arrangement of the new bedrooms was based on the natural geographical features of the location – the lush, extensive vegetation of the valleys and the sharp, craggy slopes of the mountains.

The lines are clean, almost graphical, and they live side-by-side with the difficult yet stunning surroundings and the existing white domes.

In order to maximize the natural light and optimize the views in the two opposite directions – up the mountains and down the valleys – the cabins were raised from the ground and the two main walls of each room were replaced with large windows.

These allow constant interaction between the interior space and the surrounding countryside. The sloping lines also draw the eyes towards the mountain tips and the starry night sky.

The harmonious bond with nature is emphasized by timber that has been used inside and outside of the buildings, highlighting a minimalist design with a Nordic soul.

Each individual room or observatory has its own private roof terrace, accessed by an external staircase. From this position, guests can fully absorb the surroundings and a telescope on each terrace guarantees unforgettable magical nights staring at the sky. If any visitors are seriously passionate about astronomy, just a short distance from the Elqui Domos Hotel, the Cerro Tololo Inter-American Observatory offers the opportunity for a ‘banquet’ of stars and heavenly bodies.

Le cupole geodetiche traslucide in tessuto bianco fanno parte del progetto iniziale dell’Elqui Domos Hotel.

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The translucent geodetic domes covered in white fabric were part of the original project for the Elqui Domos Hotel.

Le pareti e vetrate inclinate della camera da letto sono studiate per consentire di ammirare il cielo stellato stando sdraiati sul letto.

The sloping walls and windows of the bedroom have been designed to allow guests to admire the amazing starlit sky while lying on their beds.

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AKUREYRI ;9> :GL9FA;9D txt: Marta Bernasconi project: Kollgata arkitektur (Logi Mar Einarsson, Ingolfur Gudmundsson)

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Il Café Botanical si caratterizza per il disegno, particolarmente evocativo della vetrata che sembra sorretta da grandi rami.

Café Botanical attracts attention for the unusually evocative design of the windows that appears to be supported by large branches.

In una città dell’estremo Nord ricorre un anniversario importante. Celebrato con un progetto che riconferma e rinnova il legame indissolubile del luogo con la natura Il comune di Akureyri, nel nord dell’Islanda, ha festeggiato un doppio compleanno: 150 anni dalla sua nascita e 100 dall’inaugurazione dei giardini botanici cittadini. Per celebrare tali ricorrenze con un gesto che potesse creare un ponte tra la storia della città e la memoria dei suoi futuri abitanti, il consiglio comunale ha commissionato la progettazione di un locale destinato ai giardini botanici. Il luogo individuato si trova proprio al centro dei giardini, in uno spazio che ha consentito la realizzazione di un edificio con una superficie calpestabile di 150 mq.

Da queste premesse è nato il Café Botanical. I principali obiettivi dello studio Kollgata erano chiari e significativi: in primis, creare un’architettura che fosse capace di catturare e restituire lo spirito dell’ambiente circostante. Ulteriore requisito era che la nuova costruzione rappresentasse un nuovo polo di interesse nonché di servizio necessario per i visitatori dei giardini, così da favorire la nascita di un fulcro sociale attivo lungo tutto l’arco dell’anno.

Nei giardini esistevano già due piccole costruzioni, una delle quali – in quanto appartenente al gruppo dei più antichi edifici di Akureyri – imponeva il rispetto del suo valore storico e di tradizione. Tali preesistenze hanno dunque avuto un ruolo determinante nell’ispirare i progettisti, che desideravano sì lasciare una testimonianza dei tempi in cui oggi viviamo ma allo stesso tempo ottenendo un tutt’uno armonico con l’atmosfera già consolidata grazie ai vecchi edifici. Da questi ultimi – alla loro forma, ai colori e alla scala – gli architetti di Kollgata arkitektur hanno tratto spunti per la progettazione, guardando ai materiali di produzione locale per essere coerenti con le idee di sostenibilità e di tradizione. Tali scelte hanno comunque permesso di realizzare dettagli moderni, seppure con grande attenzione: il carattere del nuovo edificio doveva infatti risultare umile, onesto e sempre in contatto con la natura le architetture già edificate sul sito.

Il disegno, particolarmente evocativo nella vetrata che sembra sorretta da grandi rami, risente anche dalla connessione con le aree comuni destinate ai visitatori. Da qui la necessità di creare ampie finestre e una forte connessione visiva con la vegetazione, le aree pic-nic e i sentieri che circondano il café.

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An important anniversary is being celebrated in a city in the extreme north, with a project that reconfirms and renews the powerful bond between the location and its natural surroundings The town of Akureyri, located in the northern district of Iceland, recently celebrated a double birthday: 150 years since the city was founded and 100 years since the inauguration of the Botanical Gardens. To mark these events, span the city’s history and connect it to the memory of its future inhabitants, the County Council commissioned the design of a facility – a coffee bar – dedicated to the Botanical Gardens. This building covers a floorspace of 150 sq.m and was created at the center of the gardens.

And that is how Café Botanical was born! The main objectives of Studio Kollgata were clear and decisive: firstly, to create a piece of architecture that could capture and restore the spirit intrinsic to this wonderful territory. A further requisite was that the new build would become a new pole of interest and an essential service for the visitors to the gardens, to encourage the development of a social fulcrum that would be active all year round.

There were two small constructions in the gardens already – one of which belonging to a group of ancient buildings in Akureyri; this oriented the plans to fully respecting the historic and traditional value. These were a powerful inspiration for the designers who wished to leave a tangible sign of today’s world but would

form a harmonious ensemble with what has already been consolidated thanks to the older buildings. Their shape, the colors and their scale inspired the plans produced by the architects of Kollgata arkitektur; they used local materials to maximize the ever-present theme of sustainability and tradition. Consequently, the choices allowed the inclusion of modern, yet carefully-selected details.

The idea was to create a building that was simple, honest, in contact with nature and the surrounding buildings.

One evocative feature of the plans is the window that appears to be supported by large branches. It is also influenced by its links with the common areas for the visitors.

This dictated the need to create large windows and a strong visual bond with the vegetation, the picnic areas and the tracks and paths that surround the coffee-bar.

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Il corpo del nuovo Café Botanical sorge al centro dei giardini botanici di Akureyri. I progettisti hanno creato un’architettura nuova e del tutto originale, pur nel rispetto del valore storico dei due edifici già esistenti sul lotto.

The Café Botanical has been built in the Botanical Gardens of Akureyri. The designers have created new original architecture, while managing to fully respect the historical value of the two existing buildings on the site.

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Il dialogo tra in e outdoor è assicurato dalle ampie superfici in vetro. E la connessione con la natura culmina nel reticolo di legno che sorregge la vetrata piÚ ampia, simile a rami di albero.

The interface between the inside and the outside is guaranteed by the large glass windows. Moreover, the connection with nature culminates in a wooden tree-inspired structure that supports the largest window.

GROSSGLOCKNER

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42 chalet incastonati nella montagna. Gradonna è un resort senza auto, mimetizzato nella natura del Tirolo, in Austria.

The car-free Gradonna resort includes 42 chalets set into the mountain-side, and camouflaged in the natural surroundings of the Austrian Tyrol district.

?J9<GFF9 EGMFL9AF J=KGJL txt: Daniela Zenone project: studio reitter_architekten Dimenticatevi l’estetica rustica degli chalet alpini e le decorazioni artigianali tendenti al kitsch. Il Gradonna rompe i cliché di quello che il nostro immaginario riconosce come tipico tirolese, presentandosi come una struttura moderna, animata da un’estetica contemporanea Kals am Grossglockner è uno dei più bei paesi montani del Tirolo. Esattamente qui, immerso nella magnificenza della natura alpina a un’altezza di 1350 metri, è sorto un progetto architettonico alberghiero che ha suscitato molto clamore: il Gradonna Mountain Resort.

Il Gradonna, il cui nome fa riferimento a un vicino sito preistorico dove sono stati ritrovati i reperti tirolesi più antichi dell’Età del Bronzo, è infatti l’antitesi di quello che è considerata una tipica architettura montana. Dimenticatevi l’estetica rustica degli chalet alpini, le decorazioni artigianali tendenti al kitsch e, in generale, il flair pre-industriale delle casette montane. Il Gradonna rompe i cliché di quello che il nostro immaginario riconosce come casa ‘tipica’ tirolese, presentandosi come struttura moderna, animata da un’estetica contemporanea. “I metodi di costruzione tradizionali sono stati determinati dal luogo, dal terreno e dalla possibilità tecnico-costruttive del tempo. Noi facciamo esattamente lo stesso”, spiega Helmut Reitter che con il suo studio reitter_architekten (www.reitter.cc) di Innsbruck ha firmato il progetto di Gradonna. Il resort, della categoria quattro stelle superior, è costituito da un hotel e da 41 chalet disposti armonicamente nella natura. In tutto l’impianto non circolano automobili, che trovano posto nei garage sotterranei costruiti sotto gli chalet.

La caratteristica di questo impianto alberghiero è la sua simbiosi con il territorio: le strutture architettoniche sono state concepite e realizzate nel pieno rispetto della topografia e della vegetazione del luogo, mantenendo intatta la natura. L’architettura si è, per così dire, incastonata negli spazi liberi offerti dalla terra, senza neanche dover abbattere un albero.

Gli architetti hanno voluto integrare architettura e natura così da creare un’unità tra ‘esterno’ e ‘interno’, ‘dentro’ e ‘fuori’.

I materiali e i colori naturali delle strutture si rifanno all’ambiente che le accoglie, entrando in dialogo con la vegetazione che le circonda. La natura ‘entra’ negli spazi abitativi tramite le ampie finestre che scendono fino a terra.

L’areale sul quale è stato costruito il resort è di 50.000 mq, situato strategicamente ai piedi di un importante impianto sciistico, il Kals-Metrei, a 2500 metri d’altezza con a disposizione 110 chilometri di piste. Il Gradonna è concepito per offrire il maggior comfort ai turisti che desiderano godersi una vacanza all’insegna dello sport sciistico e del fascino montano. Gli chalet, costruiti in forma cubica e adattati alla pendenza del terreno, poggiano su un piedistallo di cemento e sono realizzati in pannelli di legno massiccio, ricoperti da una facciata in ciottoli di colore rosso larice. L’effetto mimetico dell’architettura è rafforzato dal fatto che i tetti piani degli chalet sono ricoperti d’erba. Ci sono due diverse tipologie di chalet, klassik e deluxe, che arrivano fino a una grandezza di 250 mq e che possono ospitare fino a otto persone. Ogni chalet dispone di quattro camere da letto con TV, due bagni, due WC, un balcone, un angolo cucina, un soggiorno con camino e divani.

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Genitori rilassati, bambini contenti…. Eppure c’è anche riserva critiche al resort. Si tratta degli ambientalisti della regione che nell’altezza, ovvero nelle dimensioni simili a grattacielo, dell’hotel interpretano un intervento improprio e radicale, una dissonanza estetica nei confronti dell’ambiente circostante. Sicuramente il Gradonna Resort si discosta dai parametri convenzionali dei tradizionali chalet di montagna, ma proprio per questo è degno di nota e meritevole di aver scritto una nuova pagina nell’architettura montana.

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Gli interni sono in legno di abete, un materiale che conferisce un accento caldo e confortevole allo stile sobrio-austero degli interni. Per le stanze da letto è stato, invece, scelto il legno di pino, materiale ideale per la zona notte grazie alle sue proprietà rilassanti per bilanciare l’equilibrio psicofisico. Per il benessere degli ospiti è stata apportata in ogni chalet una cabina a raggi infrarossi per la terapia della luce. Ma lo spazio più importante dedicato al wellness si trova nell’edificio a torre dell’hotel, dove su 3000 mq i visitatori possono usufruire di piscine, saune e cabine per massaggi e trattamenti beauty.

L’hotel dispone di 117 camere e di 12 suite tutte arredate in stile minimal, reso accogliente dalla materialità e dai colori naturali del legno di pino, usato per arredare tutte le stanze. Ai primi piani dell’hotel sono invece collocate le sale adibite alla collettività, raggruppando bar, ristoranti, sale per seminari, negozi e SPA. C’è anche un negozio di alimentari dove sono in vendita prodotti locali provenienti dai contadini della regione.

Il resort è family-friendly, nel senso che bambini e ragazzi possono usufruire di sconti fino al 50% e per i più piccoli c’e anche un club a loro dedicato, il kinderclub, aperto dodici ore al giorno. Qui i bambini, a partire dai 3 anni, possono giocare e intrattenersi senza i genitori, accuditi da personale specializzato.

Forget about the rustic esthetics of the Alpine chalets and the simple decorations tending towards the kitsch. Gradonna destroys the cliché that our minds recognize as typically Tyrolese, projecting the image of a modern facility, energized with contemporary esthetics.

Kals am Grossglockner is a picture-postcard Tyrolese mountain village, nestling in the magnificent Alpine landscape at an altitude of 1350 meters. This is the backdrop for a jaw-dropping hospitality structure: the Gradonna Mountain Resort. Its name ‘Gradonna’ refers to the nearby prehistoric site where archeological finds – dating back to the Bronze Age - were uncovered.

The new build is a complete contrast to the traditional mountain abode.

Forget about the rustic esthetics of the Alpine chalets, the simple decorations tending towards the kitsch, and more generally, the pre-industrial flair of the mountain chalet. Gradonna destroys the cliché that our minds recognize as typically Tyrolese, projecting the image of a modern facility, energized with contemporary esthetics.

“The traditional construction methods were guided by the location, by the land and by the technical-construction possibilities of the weather. We are doing exactly the same thing”, explained Helmut Reitter. His Innsbruck-based studio reitter_architekten (www.reitter.cc) designed the plans for the 4-star Gradonna Resort. The complex contains a hotel and 41 chalets dotted harmoniously in the natural surroundings. No traffic is permitted inside the resort.

Vehicles must be parked in the underground lots below the chalets.

The symbiosis this resort has with the territory is quite astonishing: the architectonic structures have been designed and produced in full respect of the formation and vegetation of the natural landscape. The architecture has been set in the free spaces offered by the land, with not even one tree being felled.

The architects wished to blend architecture and nature to create unity between inside and out. The natural materials and colors used in the creation of this ensemble refer to the landscape, enjoying interaction with the surrounding vegetation. Nature penetrates the rooms through the large windows. The entire site covers 50,000 sq.m., and lies at the foot of the important Kals-Metrei ski resort with its 110 km of runs; it is found at an altitude of 2500 meters above sea level. The Gradonna has been devised to provide maximum comfort for tourists who wish to enjoy a ski vacation while taking-in the fascination of the mountains. The chalets are cube-shaped and have been designed to adapt to the natural slopes of the hillside; they rest on a cement pedestal and have been produced using solid wood panels; the facades of the chalets have been covered

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Abbandonata l’estetica delle casette alpine intrise di flair contadino, il Gradonna offre un esempio di una nuova architettura montana basata sui pilastri di minimalismo, funzionalità ed essenzialità. Interni ed esterni sono declinati alla contemporaneità.

Leaving aside the esthetics of the Alpine chalets, rich with rustic charm, the Gradonna resort presents a new direction in mountain architecture based on minimalism, performance and basic design.

Interiors and exteriors are clearly contemporary.

with larch-red cobbles. The camouflage effect of the architecture is reinforced by the fact that the flat roofs of the chalet have been covered in grass. Two types of chalet are available - klassik and deluxe; they can measure 250 sq.m and can house up to 8 people. Each chalet contains four bedrooms, each with its own TV, two bathrooms, two WC, a balcony, a kitchen corner, a lounge with a fireplace and sofas. The interiors have been cladded with fir wood, a material that injects a warm homely touch to the traditionally austere style of Austrian interiors.

Pine wood was selected for the bedrooms as it is considered to be ideal for its relaxing properties and this makes an important contribution to redressing the psycho-physical balance. An IR cabin has been installed in each chalet to provide each guest with light therapy facilities. Moreover, a fully equipped wellness center is found in the tower of the main hotel. This facility covered 3000 sq.m. and guests can enjoy the swimming pools, saunas and booths for massages and beauty treatments. There are 117 bedrooms and 12 suites in the hotel and they have all been furnished in a minimal style; the texture and the natural colors of the pine wood used through the rooms soften the esthetics and increase the feeling of comfort. The lower floors of the hotel contain the common areas with bars, restaurants, seminar rooms, shops and the Spa. There is also a small store that sells local produce. The resort is family-friendly, with children and babies offered a discount of up to 50%; young children can enjoy the kinderclub that operates 12 hours every day. Children of 3 or over can play and be entertained by specialized carers, leaving the parents free to enjoy everything the resort and the surroundings can offer – the result? Relaxed parents and happy children…

However, some people criticize the resort. The local environmentalists feel that the height of the buildings in the resort – comparable to a skyscraper – is radical and inappropriate, clashing with this area of astonishing natural beauty.

Undoubtedly, the Gradonna Resort has broken away from the conventional parameters of the traditional mountain chalets, but for this very reason it deserves attention and can claim the honor of having written a new chapter in the history of mountainous architecture.

Oltre alla camere, Gradonna dispone di due diverse tipologie di chalet, klassik e deluxe, che arrivano fino a una grandezza di 250 mq.

In addition to the bedrooms, Gradonna offers two different types of chalet â&#x20AC;&#x201C; klassik and deluxe â&#x20AC;&#x201C; that can measure up to 250 sq.m.

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I materiali degli interni citano la natura dellâ&#x20AC;&#x2122;esterno. Tanto legno e colori naturali per creare ambienti accoglienti.

The materials used in the interiors link to the natural surroundings outside â&#x20AC;&#x201C; large quantities of wood and natural colors have been used to define a warm and welcoming atmosphere in the resort.

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PARIGI 9DD AFK=?F9 <=A H=;;9LA ;9HAL9DA =PH=JA=F;= L@= K=N=F <=9<DQ KAFK txt: Paolo Rinaldi project: Chantal Thomass

Dall’inferno al paradiso: il Vice Versa Hotel Paris L’ingresso avviene in un salotto completamente bianco, attrezzato con comode sedie. È solo il preludio a una serie avvincente di avvenimenti. Il Vice Versa Hotel Paris si sviluppa su sei piani e trentasette camere e ogni piano è dedicato a un peccato capitale con temi riflessi dal pavimento al soffitto. Quindi, è impossibile resistere alla tante debolezze nel piano della Gola.

L’Avarizia conduce nelle zone in cui le banconote sono in abbondanza sulle pareti. La Collera si tinge di rosso e nero, con pistole ritratte sul tappeto. Composto da oro, statue e pavimenti in marmo, l’Orgoglio immerge in una atmosfera di palazzi etruschi. L’Invidia suscita tutti i desideri con i suoi accessori di moda molto parigina. La Pigrizia può essere goduta in un ambiente rustico e molto bucolico. E ci si perde nella Lussuria, tutta in rosa e nero. Infine, l’Inferno: l’hamman, tutto ammantato di nero e rosso. Nella rilassante e accogliente atmosfera di Vice Versa Hotel Paris, si dimentica la frenesia della capitale per immergersi in una realtà visionaria, in sintonia con i tempi e le nuove tecnologie, e un concetto particolarmente innovativo.

Pronti a partire per un viaggio alla scoperta della città, dove ritrovare fatalmente i sette peccati capitali.

Total white per la reception e la lounge dâ&#x20AC;&#x2122;attesa del Vice Versa Hotel Paris, su progetto di Chantal Thomass.

Total white has been used in the reception area and the waiting room of the Vice Versa Hotel Paris, designed by Chantal Thomass.

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Dallâ&#x20AC;&#x2122;alto in senso orario, la camera da letto denominata dellâ&#x20AC;&#x2122;Avarizia e due ambienti dedicati alla Pigrizia.

From the top, clockwise, the bedrooms based on Avarizia (Greed) and two rooms dedicated to Pigrizia (Sloth).

La camera dellâ&#x20AC;&#x2122;Avarizia. Le altre due immagini sotto si riferiscono alla stanza Lussuria.

The bedrooms based on Greed.

Below, the other two images refer to the bedroom Lust.

From Hell to Heaven: the Vice Versa Hotel Paris The entrance leads to a heavenly, completely white lounge, furnished with comfortable seating. This is only the prelude to a delightful series of winning events. The Vice Versa Hotel Paris is split over 6 floors for a total of 36 bedrooms. Each floor is dedicated to one of the deadly sins, with references visible everywhere from floor to ceiling! It is almost impossible to resist the temptations of Gluttony.

Greed leads to an area with bank notes abounding on the walls. Wrath, or anger, is decorated in red and black, with guns depicted on the carpet.

Pride consists of gold, statues and marble flooring and leads guests into the ancient atmosphere of Etruscan palaces. Envy stimulates the burning desire 147 for the highly-fashionable Parisian accessories.

Sloth is enjoyed in a peaceful, rustic ambience.

Guests will lose themselves in the pink and black shades of Lust. Finally, Hell, with its hammam in black and red. Relaxing in the welcoming atmosphere of the Vice Versa Hotel Paris, guests will quickly forget the bustle of the city outside and their minds and bodies will absorb the visionary reality around them, in tune with the times, the new technologies, and a delightfully innovative concept.

They will be ready to step-out to explore the city, where without doubt they will stumble across each and every one of the Seven Deadly Sins.

In alto, a sinistra, la Gola. Nelle due immagini a destra, la stanza Invidia.

Top, left, Gluttony. In the two images, the bedroom, Envy.

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Dallâ&#x20AC;&#x2122;alto a sinistra, in senso orario, i due ambienti dedicati alla Collera e altri due allâ&#x20AC;&#x2122;Orgoglio.

From top left, clockwise, the two rooms dedicated to Wrath and another two dedicated to Pride.

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MILANO

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txt: Antonietta Redaelli ph: Santi Caleca interior design: Vudafieri Saverino Partners

Nasce nel cuore di Brera un bistrot dall’animo contemporaneo. Il quartiere milanese degli artisti ha ora un nuovo luogo di incontro, dove le due anime della zona – quella artistica e quella modaiola – convivono in armonia Due ampie vetrine su strada sono sufficienti ad attirare l’attenzione. Non servono effetti speciali a Pisacco Restaurant & Bar. Di sicuro buona parte del merito è dello chef stellato Andrea Berton che dirige la cucina, ma il successo del locale è da attribuire anche all’atmosfera calda e quasi domestica che si respira all’interno. Il progetto è dello studio Vudafieri Saverino Partners (Tiziano Vudafieri + Claudio Saverino), che ha pensato a tutto, dai mobili alle finiture. Pisacco si sviluppa su due piani: uno a livello della strada, che comprende la zona bar/caffetteria, e uno inferiore con il ristorante che si apre sul giardino interno. Questa piccola oasi di verde occupa un tratto di quella che fu la Conca delle Gabelle, dove anni fa il Naviglio della Martesana confluiva in piazza San Marco. Tutti gli arredi – fatta eccezione per i due tavoli di ferro grezzo, che fungono da bancone e appoggio informale per i clienti, e i lampadari in filo elettrico provenienti dal negozio Merci di Parigi – appartengono al catalogo di Discipline.

Questo marchio, nato nel 2012, produce oggetti per la casa con materiali naturali come legno, pelle e metallo, pezzi concepiti da designer di fama internazionale secondo il motto: “Beautifully designed, Consciously made”.

Il parquet chiaro a listoni posato a correre, unito al legno delle sedute e dei tavoli, aggiunge calore alla sala da pranzo. Grazie alla passione per l’arte contemporanea e alle conoscenze dei proprietari, al Pisacco decine di opere di esponenti della scena artistica più recente impreziosiscono le pareti delle sale, della scala e perfino quelle dei bagni. Inoltre, la siciliana Gabriella Ciancimino ha realizzato un grande wall drawing su uno dei muri della zona bar. Al Pisacco nulla è lasciato al caso. Per questo anche i complementi di servizio sono stati scelti con estrema cura. La forchetta è super-leggera, mentre tazze e bicchieri hanno forme vintage.

151 Il piano terra è decorato con un grande dipinto di Gabriella Ciancimino ispirato ai giardini urbani incolti.

A sinistra, il neon arancione di Jonathan Monk che simboleggia l’incontro e lo scambio avvenuto tra artista e collezionista. Scendendo sono visibili un video e delle foto del collettivo cinese Island 6.

The ground floor has been decorated with a large painting by Gabriella Ciancimino inspired by wild untidy urban gardens. Left, the orange neon light by Jonathan Monk, symbolizing the meeting point and exchange between the artist and the collector.

Heading downwards, a video and photographs from the Chinese collective Island 6.

This bistro has a contemporary soul. It has been opened in the heart of the Milanese Brera district, the Bohemian quarter frequented by artists and creatives who now have a new meeting place available; the two main energy streams – art and fashion – live side-by-side in perfect harmony Two streetside windows are enough to attract attention. There is no need for special effects in the Pisacco Restaurant & Bar. A large portion of the success can be attributed to the star-rated chef, Andrea Berton, who manages the kitchen; however the warm almost domestic ambience inside makes an important contribution to its notoriety.

The plans designed by Studio Vudafieri Saverino Partners (Tiziano Vudafieri + Claudio Saverino) covered every aspect of the process – from the furnishings to the finishings. Pisacco is split over two levels – one streetside that includes the bar/café and a basement containing the restaurant that opens onto the internal garden. This tiny oasis of greenery occupies the former Conca delle Gabelle, where many years ago, the Naviglio della Martesana waterway flowed into the

152 La sala da pranzo del seminterrato.

Gli arredi sono tutti del marchio italiano Discipline, mentre i lampadari sono stati comprati da Merci, a Parigi. A destra, a piano terra, il grande tavolo di metallo – prodotto su disegno dei progettisti – funge da appoggio per i clienti più informali.

The dining room in the basement.

The furnishings were all produced by the Italian company Discipline; the chandeliers were purchased by Merci in Paris. Right, ground floor, the large metal table – a custom item designed by the architects – and this can be used informally by some of the customers.

city’s Piazza San Marco. All of the furnishings were selected from the Discipline catalogue – with the exception of two tables in raw iron used as the counter for the staff and customers, and the chandeliers in cable wires sourced in the Parisian store, Merci. The brand Discipline was founded in 2012 and the company produces household goods using natural products such as wood, leather and metal.

They were created by internationally renowned designers according to the philosophy: “Beautifully designed, Consciously made”. The pale parquet slats and the wooden structures of the seating and the tables, injects warmth into the dining hall. Thanks to their knowledge and passion for contemporary art, the owners of Pisacco have embellished the walls, the stairwells and even the bathrooms with dozens of works by current exponents on the artistic scene. The Sicilian artist Gabriella Ciancimino added a large wall drawing to one of the walls in the bar area. Nothing has been left to chance in Pisacco; even the tableware has been selected with enormous care and attention. The forks are superlight and the cups and glasses have a distinctly vintage flavor.

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TEL AVIV

KLJ==L >GG< >GJ 9 ;GGD J=KL9MJ9FL txt: Marta Bernasconi ph: Amit Geron project: Pitsou Kedem Architects and Baranowitz-Amit Design Studio In un nuovo locale, il Taizu, architetti e chef hanno trovato la sintesi ideale tra abitudini, sapori e colori della tradizione culinaria del sud-est asiatico Un anno e mezzo di progettazione, ricerca e costruzione. Questo il tempo necessario per aprire le porte del Taizu – Asia Terranean Kitchen, locale di Tel Aviv con una visione culinaria e un’idea di design molto particolari, il cui concept è stato affidato all’architetto israeliano Pitsou Kedem in collaborazione con i progettisti d’interni Sigal Baranowitz e Gali Amit. L’interno ruota intorno a due temi principali: i cinque elementi dell’antica filosofia cinese – fuoco, acqua, metallo, legno, terra – e la caratterizzazione del menu. Sapori, consistenze e colori sono frutto della personale interpretazione del celebre chef Yuval Ben Neria, che si è ispirato ai cibi di strada dei cinque paesi del Sudest asiatico, vale a dire India, Cina, Thailandia, Cambogia e Vietnam.

Il ristorante ha scelto la formula del pranzo informale ma raffinato, offrendo dunque il più alto livello qualitativo per quanto riguarda cibo, design e ospitalità pur restando in una fascia accessibile. L’interno evoca suggestioni dell’Asia senza risultare tradizionale o déjà vu. Un filo conduttore unisce la progettazione dello spazio con i viaggi dello chef nell’Estremo Oriente e i relativi menu. La forma organica e la consistenza della foglia di banana, per esempio, si trovano anche come pattern sulle pareti di cemento lungo l’asse principale del locale e sulle alte partizioni divisorie girevoli.

Materiali e forme della natura reinterpretati in chiave design: come la parete realizzata in blocchi di bambù e il pattern che riproduce la sagoma della foglia di banana sulle pareti in cemento e sulle partizioni girevoli.

Natural materials and shapes reinterpreted with a design twist: for instance, the wall created from blocks of bamboo wood and the pattern that reproduces the outline of the banana leaf on the cement walls and on the swivel partitions.

I 150 posti a sedere si distribuiscono in diverse aree, all’interno dei 350 metri quadrati coperti e degli 85 all’aperto. Una zona lounge si snoda lungo una composizione informale di sgabelli da bar disposti lungo un ampio tavolo in ardesia, layout ispirato al tipico arredo da street-food comune in Asia; una lunga cantina vino refrigerata, dotata di ante in vetro colorato, è stata pensata appositamente per questo spazio. 155 Più formale l’atmosfera della sala da pranzo principale, che risente comunque delle dinamiche della zona bar adiacente e della cucina aperta, fonti costanti di energia e movimento.

La zona operativa dello chef, separata dalla sala da pranzo principale mediante porte girevoli in vetro, è allo stesso tempo una sala privata e aperta a tutti (a rendere questo spazio più intimo pensano le due pareti di blocchi di bambù). Vi è anche una grande terrazza, arredata con tavoli su misura in ardesia nera e racchiusi da alte piante di citronella, scelte per il loro profumo e per l’effetto di movimento della luce a opera del fogliame. Le scelte progettuali e di interni ideate dagli architetti, così come gli oggetti di produzione industriale (lampade Foscarini, sedie Vitra, arredi Boffi), vogliono essere percepiti per il proprio valore senza comunque risultare predominanti nel progetto di interior design. Che si connota per un originale tocco sospeso tra mood classico e contemporaneo.

In this new eatery, Taizu, architects and chefs have found the perfect blend of customs, tastes and colors, emblematic of South-eastern culinary traditions The project required 18 months of design, research and construction for the doors to open for business. Taizu is an Asia Terranean Kitchen, a restaurant in Tel Aviv based on culinary vision combined with a very unusual design.

The plans for the concept were commissioned to the Israeli architect, Pitsou Kedem in collaboration with the interior designers Sigal Baranowitz and Gali Amit.

The interiors are based on two main themes: the five elements of ancient Chinese philosophy – fire, water, metal, wood and earth – and the wonderful contents of the menu.

Flavors, textures and colors are the fruit of the personal interpretation by the famous chef, Yuval Ben Neria. He took his inspiration from street-food stalls in five different South-east Asian countries – India, China, Thailand, Cambodia and Vietnam. The restaurant opted to serve the food in informal but elegant surroundings, with high quality food, design and hospitality at acceptable prices.

There is a clear Asian style in the restaurant though it is not purely traditional or based on déjà vu. The plans include strong references to the chef’s trips across the Far East and its cuisine.

The organic shape and the consistency of the banana leaf, for example, are used to decorate the cement walls along the restaurant’s main axis and on the tall swivel partition walls. There are 150 places arranged throughout the 350 sq.m. of the indoor space and the additional 85 sq.m. outside. A lounge area winds its way along an informal arrangement of bar stools that sit next to a large slate table, a layout inspired by the street-food stalls that are common in Asia; a long cool wine cellar, fitted with colored glass doors, was specially designed for this space.

The main dining hall is more formal yet it is greatly influenced by the dynamics and energy of the adjacent bar and the kitchen that buzzes with life and movement.

The chef’s operative area is separated by the main dining hall through swivel glass doors. It is simultaneously a private hall and somewhere open to everyone (the intimate aspects are increased by the two walls built from blocks in bamboo wood).

There is also a large patio, furnished with made-to-measure tables in black slate, and surrounded by tall citronella plants, chosen because of their scent and the wonderful effect created by light filtering through the swaying branches. The architects’ choices for the structure and the interiors combined with the industrial design products (lamps by Foscarini, chairs by Vitra, furnishings by Boffi), wish to be perceived for their intrinsic value without overwhelming the overall effect of the interior design to produce an original combination of the classical and the contemporary.

150 posti a sedere distribuiti nei 350 metri quadrati al chiuso e negli 85 all’aperto. I progettisti hanno pensato a diverse situazioni, dall’atmosfera formale (ma non troppo) della sala principale, alla zona lounge caratterizzata dal lungo tavolo in ardesia, che prende luce e colore dalla cantina vino retrostante.

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There are 150 places in the 350 sq.m. of the indoor dining hall and the additional 85 sq.m. outside. The designers envisaged a number of different situations, from the formal (but not stiff) gathering possible in the main hall and the lounge area with its long slate table, that enjoys the light and the color of the wine cellar behind.

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VIENNA K9FK KGM;A txt: Daniela Zenone project: Philippe Starck

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La capitale austriaca si arricchisce di una nuova meta alberghiera declinata al lusso: nel febbraio di quest’anno ha aperto i battenti il Sans Souci, design hotel a 5 stelle firmato da Philippe Starck È ormai un dato di fatto che Vienna stia registrando un fervido proliferare di hotel di alto segmento. Il fascino della Mitteleuropa non conosce crisi e forse proprio in virtù del suo passato imperiale grandi case alberghiere e investitori immobiliari impiegano capitale in prestigiosi progetti pensati per l’ospitalità turistica. Tra questi il Sans Souci rappresenta un caso caratteristico, dato che è il primo hotel europeo realizzato da yoo (www.yoo.com), marchio londinese di “global design” fondato nel 1999 dal designer Philippe Starck e dall’imprenditore immobiliare John Hitchcox.

Nelle creazioni di yoo, siano queste residence o loft oppure hotel, il lusso è sinonimo di stile, cultura ed emozioni. Ispirandosi a questo credo, il Sans Souci ingloba arte, design, coolness e savoir vivre.

Situato nelle vicinanze del distretto museale, nel centro di Vienna, il Sans Souci occupa un edificio d’epoca che dalla sua data di costruzione nel 1872 aveva ospitato la locanda Zum grossen Zeisig, diventata leggendaria perché qui il re del valzer Johan Strauss fece la prima esecuzione della sua Tritsch-Tratsch Polka. L’edificio funzionò da hotel fino al 1953, con una piccola pausa durante il tempo dell’occupazione americana al termine della Seconda Guerra Mondiale. Dalla metà degli anni Cinquanta al 2004 è stato adibito a uso uffici. E poi rimase vuoto, fino a quando nel 2010 il gruppo immobiliare austriaco Sans Souci comprò l’edificio, investendo nell’impresa quasi 15 milioni di euro per la ristrutturazione. Per gli arredi degli interni è stato coinvolto yoo che ha voluto creare un hotel dal “lusso carismatico”. Le 63 stanze e le suite dell’hotel sono arredate con mobili di design e rese uniche dalla presenza di opere d’arte di rinomati artisti internazionali come Roy Lichtenstein. I mobili vanno dall’antiquariato al modernariato, coprendo uno spettro eclettico di mood e stili. Le stanze, dai 25 ai 70 metri quadrati, sono in tinte chiare – grigio, beige, crema – con pavimenti in parquet. L’atmosfera dominante è calda, naturale e rilassante con accenti di estro e raffinatezza. I bagni sono in marmo con ampia vasca circolare. Gli spazi pubblici dell’hotel, tra cui il ristorante La Vèranda, il bar, il salone e la SPA, sono accessibili anche a fruitori esterni. La SPA è particolarmente apprezzata per la sua piscina, le saune e i trattamenti di massaggi esotici con i prodotti esclusivi del marchio francese Anne Semoni e il marchio austriaco di cosmesi naturale Vinoble.

Dal quarto piano in su, al Sans Souci sono stati collocati 15 appartamenti di lusso, dieci dei quali sono già stati acquistati, mentre altri cinque sono ancora in attesa di un acquirente. Sicuramente la disponibilità non durerà a lungo, dato che, oltre al valore prestigioso degli immobili, gli acquirenti degli appartamenti godono anche del bonus di poter usufruire di un vasto spettro di servizi offerti dall’hotel.

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