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OFARCH News Paola Molteni OFARCH Architettura/Architecture Francesca De Ponti, Nicola De Ponti, Elviro Di Meo, Maurizio Giordano, Cristina Molteni. OFARCH Architecture in USA Bradley Wheeler OFARCH Design Francesco Massoni OFARCH Zoom Paolo Rinaldi

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News

Edited by Paola Molteni

Biennale di Architettura

La rivoluzione copernicana firmata Koolhaas/ The Copernican Revolution according to Koolhaas

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Editoriale

Architettura per la mobilità/Architecture for mobility

Franco Mirenzi

Architettura

Vuoi prenotare il tuo posto nello spazio?/ Would you like to book your place in space?

Luca Sampò

Perla d’oriente/Oriental perl

Francesca Tagliabue

Dicotomia a mezz’aria/Mid-air dichotomy

Francesca Tagliabue

Business Aviation Center

Paola Molteni

Tutte le onde del Danubio/All the Danube waves

Francesca Tagliabue

Movimento iconico/Iconic movement

Paola Molteni

Contenitori di luoghi/The location memoires of a container

Paola Molteni

Associato all’Uniuone Italiana Stampa Tecnica Distribuzione per l’Italia/Distribution for Italy Sodip Via Bettola, 18 20092 Cinisello Balsamo (MI) Tel. +39 02 66030.1 Fax +39 02 66030.310 Distribuzione in libreria Bookshop distribution Joo Distribuzione

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Leggero come l’aria/As light as air

Francesca Tagliabue

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La Milano del futuro/The Milan of future

Francesca Tagliabue

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Movimenti composti/A combination of moviments

Francesca De Ponti

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Una nuova vita/A new life

Elviro Di Meo

Expo

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New York World’s Fair 1964

Carlo Paganelli

Design

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Franco Raggi. Incroci e visioni/ Intersections and vision

Francesco Massoni

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Il design come re-invenzione/ Design as re-invention

Francesca De Ponti

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L’architettura come racconto/ The narrative side of architecture

Francesca De Ponti

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Teorema di ortogonalità/Orthogonality theorem

Paola Molteni

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Spazio poliedrico/Polyhedral space

Paola Molteni

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L’architettura come organismo/ Architecture as a system

Francesca De Ponti

Testi, disegni e materiale fotografico non si restituiscono Texts, drawings and photographs will not be returned

X Design Diffusion World comprende le testate/ includes also the heads DDN Design Diffusion News, OFARCH International Magazine of Architecture, Cucina International, DDB Design Diffusion Bagno, DLUX, OFX Office Design, Hot & Cold, Contract Guide, Avant Garde Design Selection Köln, Italian Design Selection Milano, Eventi Extra Salone, Casa d, Decor Living, DHD Hospitality.

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NEWS ARTE/ART

THE PRESENT OF MODERNISM In un celebre lavoro dell’artista americano John Baldessari, Leone d’Oro alla carriera in occasione della Biennale d’Arte di Venezia del 2009, riconosciamo gli incroci astratti di linee orizzontali e verticali caratteristici della pittura di Piet Mondrian. Si tratta dell’opera “Color Corrected Studio (with Window)”, in cui Baldessari rivisita i segni iconici della modernità pittorica trasferendoli in altro contesto, nella fattispecie la riproduzione fotografica del proprio atelier. Benché risalga agli anni Settanta del XX secolo, questo lavoro sintetizza a dovere il senso della mostra “The Present of Modernism”, in svolgimento al MuMoK di Vienna, dove protagonista è la modernità della modernità, ossia l’eredità lasciata ai posteri dalle avanguardie artistiche del secolo scorso ispirate dalle utopie del Moderno. Curata da Susanne Neuburger e Katharina Schendl, l’esposizione illustra attraverso circa 150 opere di vario tipo – pitture, disegni, sculture, fotografie, film, modelli architettonici lo sviluppo di forme e linguaggi forgiati nell’era dell’astrazione geometrica e della fede incondizionata nelle “magnifiche sorti e progressive” della ragione progettuale come antidoto al caos dell’universo. Lo sviluppo, certo, ma anche la rielaborazione critica, se non la parodia ironica. Dal modernismo tout-court di Albert Renger-Patzsch e László MoholyNagy alla modernità di Walter Pichler e Mary Ellen Carroll, per non citare che alcuni degli artisti esposti, ecco che si fa largo un’idea: certamente le tracce di un passato cristallizzato dal rigore formale danno più rilievo e consistenza alla ricerca creativa, spesso fluida e inafferrabile, dell’età presente. (F.M.)

In a well-known work by the American artist John Baldessari, winner of the Golden Lion for career achievement on the occasion of the Art Biennale in Venice, 2009, we can recognize abstract crossings of horizontal and vertical lines which are typical of Piet Mondrian picture. It is the “Color Corrected Studio (with Window)” work, in which Baldessari reinterprets iconic signs of pictorial modernity, transferring them into another context, in particular in the photographic reproduction of his own atelier. Though it dates back to the Seventies of the last century, this work summarizes the intent of “The Present

of Modernism” exhibit at MuMoK in Vienna, where the real protagonist is the modernity of modernity, that is to say the heritage left by artistic avant-gardes of the last century which were inspired to Modern age utopia. Curated by Susanne Neuburger and Katharina Schendl, the exhibit uses 150 works –paintings, drawings, sculptures, photographs, movies, architectural models – to illustrate the development of shapes and languages arose during the era of geometric abstraction and of the unconditional faith in “magnificent and progressive fate” of reason as antidote to the chaos of the universe. Development, but also critic reinterpretation and maybe even ironic parody. From the tout-court modernism of Albert Renger-Patzsch and László Moholy-Nagy to the modernity of Walter Pichler and Mary Ellen Carroll, not to mention some of the exhibited artists, an idea takes shape: traces of a crystallized past with formal rigor surely give more relevance and consistence to creative search, often fluid and changing, of the present time. (F.M.) Vienna, MuMoK, Museumsplatz 1. Fino all’8 febbraio 2015/Until February 8th, 2015.

In senso orario/Clockwise: Fernand Léger Nature morte aux fruits, 1927; László Moholy-Nagy Komposition Q VIII, 1922; Simon Starling Venus Mirrors (05/06/12, Hawaii & Tahiti (Inverted), 2012; Max Frey Rotor d/64s, 2011; Runa Islam Empty the pond to get the Fish, 2008.

The relation with nature plays a central role in the poetry by Gabriele D’Annunzio (1863-1938). Between myth and transfiguration, aesthetic ecstasy and identification with natural world, nature is celebrated by the controversial poet and writer as a sensual and irresistible energy which livens men soul and the whole world. The initiative “D’Annunzio e I Giardini di Pan”, curated by Alessandra Coppa, promoted by EN SPACE and by Il Vittoriale degli Italiani Foundation, aims to pay homage to this symbiosis

indeed, foresaw four sound stations, the “Ascoltami”, realized with i.design EFFIX cement, innovative material created by i.lab, the research and innovation center by Italcementi. Furthermore, until October 31st, the Museo di Bordo of the Nave Puglia at the Vittoriale will host an exhibit dedicated to projects by Italo Rota. Gardone Riviera (BS), Parco del Vittoriale degli Italiani, via Vittoriale 12. Fino al 31 ottobre/Until October 31st.

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Il rapporto con la natura svolge un ruolo centrale e pervasivo nella poetica di Gabriele d’Annunzio (1863-1938). Fra mito e trasfigurazione, rapimento estetico ed esperienza panica, essa viene celebrata dal controverso poeta e romanziere come sensuale e irresistibile energia che anima l’uomo e il mondo. L’iniziativa “D’Annunzio e i Giardini di Pan”, curata da Alessandra Coppa, promossa da EN SPACE e dalla Fondazione Il Vittoriale degli Italiani, intende rendere omaggio a questa simbiosi e lo fa con una prima installazione – permanente - firmata dall’architetto Italo Rota. Un complesso scultoreo dal titolo emblematico “Sarco-phagus. Tra Natura, Amore e Morte”, immerso nel parco del Vittoriale, la dimora-mausoleo del poeta. “Rota ha capito e interpretato d’Annunzio come un filologo, un critico letterario, un biografo”, ha dichiarato in proposito Giordano Bruno Guerri, presidente della Fondazione Il Vittoriale degli Italiani. “La sua installazione parte dal culto dell’antico (il sarcofago), passa per la contemporaneità al soggetto (i bassorilievi che rimandano alla casa del Vate) e culmina nel futuro tecnologico con il percorso sensoriale che permetterà di ascoltare d’Annunzio nel parco”. Rota, infatti, ha previsto quattro postazioni sonore, gli “Ascoltami”, realizzate con malta i.design EFFIX, materiale innovativo messo a punto da i.lab, il centro ricerca e innovazione di Italcementi. Inoltre, fino al 31 ottobre, il Museo di Bordo della Nave Puglia al Vittoriale ospita una mostra dedicata ai progetti di Italo Rota.

through a first permanent installation signed by the architect Italo Rota. A sculptural complex with emblematic title “Sarco-phagus. Tra Natura, Amore e Morte”, surrounded by the park of the Vittoriale, the abode and mausoleum of the poet. “Rota understood and interpreted D’Annunzio as a philologist, a literary critic, a biographer”, declared Giordano Bruno Guerri, president of Il Vittoriale degli Italiani Foundation. “His installation starts from the cult of the ancient (the sarcophagus), passing through the contemporaneous dimension of the subject (low relieves recalling the house of the Prophet) and ending in the technological future with the sensorial course allowing to listen to D’Annunzio inside the park”. Rota,

D’ANNUNZIO E I GIARDINI DI PAN

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NEWS ARTE/ART

HIROSHI SUGIMOTO MODERN TIMES Tra gli interpreti di maggiore spicco della fotografia contemporanea è senz’altro da menzionare il giapponese Hiroshi Sugimoto (Tokyo, 1948). Da oltre trentacinque anni, egli ama lavorare intorno ai concetti di tempo e di percezione, indagandone i paradossi attraverso immagini in bianco e nero che, in un ideale incontro tra Oriente ed Occidente, mescolano spunti tratti dall’arte, dalla storia, dalla scienza e dalla religione. Oggi, la Fondazione Bevilacqua La Masa gli dedica una personale, la prima in Italia, allestita a Venezia, a Palazzetto Tito, e curata da Filippo Maggia. Le 11 opere esposte, situabili nel solco della ricerca avviata negli anni Novanta con le “Architecture Series”, annoverano vedute del Johnson Wax Building di Frank Lloyd Wright, della Torre Einstein di Erich Mendelsohn, del monumento ai Caduti di Antonio Sant’Elia, ma anche della Serpentine Gallery, a Londra, e del Museum of Modern Art, a New York. La loro peculiarità è rappresentata dal fatto che Sugimoto instaura con questi edifici un rapporto estraneo ad ogni convenzione di genere, optando per punti di vista eccentrici e tempi d’esposizione protratti oltre misura. Il risultato è del tutto spiazzante: le immagini appaiono sfocate e sono assimilabili più a delle visioni, attinte dalla memoria e dal sogno, che a testimonianze oggettive e fedeli di quell’arte del costruire celebrata dalla concomitante XIV Biennale Architettura di Venezia. Ancora una volta, Hiroshi Sugimoto lascia il suo segno distintivo e perturbante, smaterializzando l’evidenza dell’esistente, cercando di carpirne l’essenza. (F.M.)

Among the most prominent names of contemporary photography there is for sure the Japanese Hiroshi Sugimoto (Tokyo, 1948). For more than thirty-five years, he has been working using concepts of time and perception, seeking paradoxes through black and white images which, in an ideal meeting point between East and West, mix sparks coming from art, history, science and religion. Today, the Bevilacqua La Masa Foundation dedicates to him the first solo show in Italy, organized in Venice at Palazzetto Tito, curated by Filippo Maggia. The 11 exhibited works, belonging to the search started during the Nineties with the “Archi10 tecture Series”, show views of the Johnson Wax Building by Frank Lloyd Wright, the Einstein Tower by Erich Mendelsohn and the Monument to the Fallen by the Futurist Antonio Sant’Elia, alongside the latest otherwise unseen works on two of the most important sites of contemporary art in the world, the Serpentine Gallery in London and the Museum of Modern Art in New

A sinistra/Left: MoMA, Bauhaus Stairway, 2013. In alto/Up: Einstein Tower 2000. Sotto/Below: Rotary Demisphere, Marcel Duchamp 2013.

York. Their peculiarity is represented by the fact that Sugimoto establishes a relation with these buildings which is alien to any convention of genre, choosing eccentric points of view and shutter speeds beyond measure. The result is completely surprising: images are blurry and similar to visions, deriving from memory or dreams, rather than being real witnesses of that art of construction celebrated in the concurrent XIV Architectural Biennale in Venice. Once again, Hiroshi Sugimoto leaves his distinctive and perturbing sign, dematerializing the evidence of the existence, trying to understand its essence. (F.M.) Venezia, Fondazione Bevilacqua La Masa, Palazzetto Tito, Dorsoduro 2826. Fino al 12 ottobre/Until October 12th.

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NEWS MOSTRE/EXHIBITION

PAULO MENDES DA ROCHA Una mostra (curata da Daniele Pisani) dedicata all’architetto brasiliano Paulo Mendes da Rocha, tra le massime figure dell’architettura contemporanea, insignito nel 2006 del Pritzker Prize. La produzione architettonica di Mendes da Rocha, collocata nella storia, fa emergere temi ricorrenti, utili a mettere in luce la rilevanza della sua opera. Si scoprono i concetti cardine, alla base della produzione dell’architetto, per esempio l’architettura intesa come luogo deputato a operare un’ampia trasformazione del territorio, a modificare la topografia e a veicolare cambiamenti di tipo infrastrutturale. Girando tra disegni, plastici e progetti si comprende come Mendes da Rocha si sia confrontato con le varie tipologie architettoniche, quali siano i suoi interessi e i suoi principi di progettazione attraverso un percorso tematico. Grande attenzione è rivolta ai disegni: non solo agli impeccabili disegni tecnici dei progetti o agli schizzi a fondamento di questi progetti, ma anche ai disegni rimasti per anni ignorati. A questi si affiancano le fotografie, tanto quelle d’epoca quanto quelle realizzate negli ultimi anni appositamente per la monografia, a cura di Daniele Pisani, pubblicata da Electa. Presenti anche vari plastici delle sue opere, alcuni di questi fatti con semplici fogli di carta, che Mendes da Rocha ha realizzato per la mostra. Una notevole mole di materiali originali, provenienti in larga parte dallo studio dell’architetto: 150 tra foto d’epoca, documenti, volumi dello studio e riviste d’epoca; oltre 200 disegni, compresi schizzi di piccolo formato; una decina di plastici; disegni digitali; foto attuali; una serie di video girati appositamente per la mostra; una serie di poltroncine Paulistano. (P.M.)

MUNARI POLITECNICO An exhibit curated by Daniele Pisani, dedicated to the Brazilian architect Paulo Mendes da Rocha, one of the most important names of contemporary architecture, winner of the Pritzker Prize in 2006. The exhibition puts the architectural works of Mendes da Rocha in their historical context, highlighting a number of recurring themes which illustrate the importance of his work. Core concepts are rediscovered, for instance the architecture conceived as a place dedicated to territory transformation, to changes of topography and to infrastructural modifications. Looking at his drawings, plastic models and projects, we can understand how Mendes de Rocha confronted himself with different architectural typologies, we can realize his interests and design principles through a themed course. Great attention is paid to drawings: not only the impeccable technical drawings of projects, or the outlines on which these projects were based, but also those drawings which remained ignored for years. Alongside we can find pictures, vintage photographs and those realized during the last years right to create his monograph, curated by Daniele Pisani, published by Electa. We can also find different plastic models of his works, some of these are made with simple paper, which Mendes de Rocha specifically realized for the exhibit. The exhibition thus includes a considerable amount of original material, most of which comes from the architect’s studio: 150 vintage photographs, documents, books of the firm and period magazines, over 200 drawings, including small sketches, ten models, digital drawings, contemporary photographs, a series of videos made especially for the exhibition, and a series of Paulistano armchairs. (P.M.)

“La fantasia è una facoltà dello spirito capace di inventare immagini mentali diverse dalla realtà dei particolari o nell’insieme: immagini che possono essere anche irrealizzabili praticamente. La creatività è una capacità produttiva dove fantasia e ragione sono collegate per cui il risultato che si ottiene è sempre realizzabile praticamente”. Queste le parole di Munari, la cui mostra a cura di Marco Sammicheli, allestimento e progetto grafico di Paolo Giacomazzi, racconta di un artefice poliedrico, del suo ruolo nell’arte italiana ed europea, nel corso del Novecento e dei legami che lo hanno portato ad essere un protagonista eclettico di numerosi movimenti artistici. Le opere in mostra provengono in gran parte dalla collezione di Bruno Danese e Jacqueline Vodoz che nella molteplice veste di amici, collezionisti, editori e industriali, per decenni hanno sostenuto e incentivato Munari a sperimentare linguaggi. Il percorso della mostra mette in dialogo le opere di Munari con quelle appartenenti alle Collezioni Civiche del Comune di Milano, al Museo del Novecento e agli archivi di ISISUF – Istituto Internazionale di Studi sul Futurismo, di cui Munari fu tra i fondatori assieme a Carlo Belloli.

‘Paulo Mendes da Rocha’, Milano, fino al 31 agosto 2014/until August 31st 2014

L’obiettivo di ‘Munari politecnico’ è rivelare la sua propensione artistica, compito che idealmente prosegue l’esposizione allestita nel 1996 nelle sale della Fondazione Vodoz-Danese di Milano, rileggendo la collezione e aprendola a un dialogo con una generazione di artisti che con lui hanno avuto un rapporto dialettico. Le prime quattro sezioni della mostra sono dedicate rispettivamente: agli orientamenti artistici giovanili di Munari attraverso il disegno, il collage e una prassi visuale riferibile alle pratiche delle avanguardie storiche; al suo rapporto con la ricerca scientifica, come ancella e supporto di intuizioni plastiche, di risposte linguistiche nonché come elemento attivatore di funzioni creative; all’arte come matrice generative di nuovi approdi disciplinari; alla produzione artistica durante il susseguirsi di diversi movimenti novecenteschi.

Accanto alla mostra principale, il Focus è dedicato all’opera fotografica, in parte inedita, realizzata da Ada Ardessi e Atto, autori che per decenni hanno lavorato a stretto contatto con Munari, testimoniando i principali momenti della vicenda professionale e umana dell’autore. L’esposizione ha come titolo “Chi s’è visto s’è visto” locuzione molto amata da Munari per sovvertire con familiarità il rapporto tra la rappresentazione di sé, la dimensione visuale del ritratto e le sue apparenze riflesse. Espressione spesso reinterpretata durante la condivisione di lunghi periodi di collaborazione e di momenti di amicizia, tanto con Ada Ardessi quanto con Atto, che per oltre quarant’anni hanno documentato le più importanti tappe del suo percorso creativo. (P.M.)

‘Munari politecnico’, Museo del Novecento Milano, fino al 7 settembre 2014/Until Septeber 7th 2014.

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“Fantasy is a power of soul able to invent mental images different from the reality of details or of the whole: images that can be also practically unattainable. Creativity is a productive ability where fantasy and reason are connected so the result is always practically realizable”. These are the words of Munari, whose exhibit curated by Marco Sammicheli, design project and set-up by Paolo Giacomazzi, is the story of a multifaceted creator, his role in Italian and European art in the course of the twentieth century and the connections that led him to become an eclectic protagonist of many artistic movements. The works in the exhibition come largely from the collection of Bruno Danese and Jacqueline Vodoz, who in their alternating roles as friends, collectors, publishers and entrepreneurs, supported and encouraged Munari to experiment with languages for decades, often acting as accomplices in important encounters and “trespassings”. The course of the exhibit make Munari work communicate with pieces of the Civic Collections of Milan, at the Museo del Novecento and at the ISISUF archives – International Institute of Futurist Studies, of which Munari was founder together with Carlo Belloli. The goal of ‘Munari polytechnic’ is to reveal his artistic inclination, a task that seems to be the continuation of the exhibition held in 1996 at the Vodoz-Danese Foundation of Milan, re-reading the collection and initiating a dialogue with a generation of artists who had a dialectical relationship with him. The first four sections of the exhibition are devoted respectively to: the earliest artistic orientations of Munari as seen through drawing, collage and a visual approach related to historical avant-garde practices; his relation to scientific research as an aid to insights into plastic relationships, linguistic responses and as an activating element of creative functions; art as a generator of new disciplines; to the production of art during the succession of different twentieth century movements. Alongside the main exhibition, the focus is dedicated to the photographic work, partly unpublished, of Ada Ardessi and Atto, authors who for decades worked closely with Munari and witnessed the main events in the life of the man and artist. The exhibition is titled “Chi s’è visto s’è visto (And that is that)”, a phrase that Munari loved to quote in order to subvert knowingly the relationship between self-representation, the visual dimension of portraits and their apparent reflections. This expression was often reinterpreted during long periods of collaboration and in special moments of friendship, as much with Ada Ardessi as with Atto, who for more than forty years have documented the most important stages of his creative path.

IL DESIGN OLTRE LA CRISI

MUNARI POLYTECHNIC

“Progettare ai tempi delle crisi economiche sembra essere una condizione particolarmente favorevole allo stimolo della creatività.” Queste le parole di Beppe Finessi, curatore della settima edizione della Triennale design Museum. Un progetto ideato e diretto da Silvana Annichiarico, con l’allestimento di Philippe Nigro e la grafica di Italo Lupi. Il percorso all’interno del museo si sviluppa in maniera cronologica, dalle origini del design italiano negli anni trenta, anni in cui i grandi progettisti hanno realizzato opere esemplari, ai distretti produttivi (nati negli anni settanta in piccole aree geografiche tra patrimoni di sapere e di eccellenza,

basati su tradizioni locali e disponibilità diretta di materie prime) per arrivare alle sperimentali forme di produzione dal basso e di autoproduzione. Viene delineata una storia ‘alternativa’ del design italiano, fatta anche di episodi all’apparenza minori, attraverso una selezione di oltre 650 opere di autori fra cui Fortunato Depero, Bice Lazzari, Fausto Melotti, Carlo Mollino, Franco Albini, Gio Ponti, Antonia Campi, Renata Bonfanti, Salvatore Ferragamo, Piero Fornasetti, Bruno Munari, Alessandro Mendini, Gaetano Pesce, Ettore Sottsass, Enzo Mari, Andrea Branzi, Ugo La Pietra fino a Martino Gamper, Formafantasma, Nucleo, Lorenzo Damiani, Paolo Ulian, Massimiliano Adami. Su questo percorso si intrecciano focus scelti a campione (un materiale: il vimini; un distretto produttivo: il marmo; una tecnica di lavorazione: il mosaico; una città: Torino; una regione: la Sardegna…). Per il progetto di allestimento sono stati scelti materiali che rievocano il lavoro artigianale e autoprodotto: il metallo e l’OSB (materiale composito di pezzi di legno di pioppo del Monferrato). (P.M.)

DESIGN BEYOND CRISIS “Designing during economic crisis seems to be a condition which particularly favors creativity.” These are the words pronounced by Beppe Finessi, curator of the seventh edition of the Triennale design Museum. A project created and managed by Silvana Annichiarico, with set-up by Philippe Nigro and graphics by Italo Lupi. The course inside the museum is developed according to chronological parameters, from the origins of Italian design during the Thirties, years when great designers realized incredible works, to the production districts (arose during the Seventies in small geographic areas surrounded by heritages of knowledge and excellence) to get to experimental production and self-production shapes. An ‘alternative’ story of Italian design is shown, made of apparently smaller events, through a selection of more than 650 works by authors such as Fortunato Depero, Bice Lazzari, Fausto Melotti, Carlo Mollino, Franco Albini, Gio Ponti,

Antonia Campi, Renata Bonfanti, Salvatore Ferragamo, Piero Fornasetti, Bruno Munari, Alessandro Mendini, Gaetano Pesce, Ettore Sottsass, Enzo Mari, Andrea Branzi, Ugo La Pietra and again Martino Gamper, Formafantasma, Nucleo, Lorenzo Damiani, Paolo Ulian, Massimiliano Adami. Inside this course, random selected focuses (a material: wicker; a production district: marble; a working technique: mosaic; a city: Turin; a region: Sardinia…). For the set-up project the protagonists are materials able to recall the artisan and self-made production: metal and OSB (material made of poplar wood coming from Monferrato). (P.M.) ‘Il design oltre la crisi. Autarchia, auste- 13 rità, autoproduzione’, Triennale, Milano

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NEWS LIBRI/BOOKS

RAFIQ AZAM

SOTTSASS

Aprire le pagine del libro ‘Rafiq Azam. Architecture for Green Living’ equivale a fare un viaggio in Bangadlesh tra le architetture e la natura che contraddistinguono questo paese. Rafiq Azam sa bene come fonderle nei suoi maestosi progetti. Architetto di fama mondiale, ha ricevuto il premio LEAF 2012 per l’Edificio residenziale dell’anno al London Design Festival. Studiando e analizzando le caratteristiche urbanistiche di Dacca, capitale del Bangladesh, il linguaggio architettonico di Azam è essenziale, con cortili tradizionali, scalinate e molta vegetazione all’interno e all’esterno. L’architettura di Rafiq Azam racchiude la natura come il corpo racchiude l’anima. Con oltre 300 immagini, schizzi e vedute aeree, insieme ad acquerelli e poesie, questo libro racconta non solo il lavoro di un architetto visionario, ma anche la vita nel Bangladesh di oggi. (P.M.)

Scorrendo le pagine del libro saltano subito all’occhio i prodotti e i progetti più celebri, quali la macchina da scrivere ‘Valentine’ per Olivetti, i Superbox e i Mobili grigi per Poltronova, i negozi monomarca Fiorucci. E ancora

Browsing pages of the book ‘Rafiq Azam. Architecture for Green Living’, is like traveling across Bangladesh among architectures and nature which feature this Country. Rafiq Azam knows how to melt them inside his stunning projects. Internationally well-known architect, he received the LEAF 2012 award for the residential building of the year at the London Design Festival. Studying and analyzing urban characteristics of Dacca, capital city of Bangladesh, Azam architectural language is essential, with traditional courtyards, stairwells and greenery, both indoor and outdoor. Rafiq Azam architecture contains nature the same way our body contains our soul. With more than 300 images, 14 outlines and bird’s eye views, together with watercolor drawings and verses, this book tells not only the work of an exceptional architect, but also how life is nowaday in Bangladesh. (P.M.) ‘Rafiq Azam Architecture for Green Living’, Skira.

industrial design, photograph, ceramics, glass, jewels are the topics – and the ‘subchapters’ – in which the volume is organized. The Electa-Phaidon volume, curated by Philippe Thomè, is the first monograph published after his death: a

ampliamento del Kimbell Art Museum a Fort Worth (2013). La monografia RENZO PIANO è organizzata in capitoli, tanti quante le opere presentate nel volume, ed è arricchita da numerose fotografie provenienti dall’album personale dell’architetto, da schizzi di studio, disegni esecutivi, fotografie di cantiere e delle opere costruite. Un ricco apparato iconografico, per la maggior parte inedito. (P.M.)

Francesco Dal Co introduces with passion and competence to the understanding of the work made by the greatest Italian contemporary architect, retracing the most significant events of his international career: from Centre Georges Pompidou in Paris (1971-77) to the Menill Collection in Houston (1982-87), from the Museum of Beyeler Foundation in Basle (1991-97) to the Niccolò Paganini auditorium in Parma (1997-2001), from the renovation and widening of the Morgan Library (2000l’ideazione, il disegno di molti oggetti d’uso quotidiano. Il volume presenta la vita dell’architetto e designer Ettore Sottsass (1917 – 2007) attraverso un percorso cronologico diviso in capitoli. Ogni capitolo coincide con un arco temporale biografico e produttivo, facendo luce sul contesto generale in cui lavorava. Scultura, pittura, architettura, arredamento, produzione d’interni, allestimenti, graphic design, pubblicazioni, progettazione industriale, fotografia, ceramica, vetro, gioielli sono i temi - e le ‘sottosezioni’ ai capitoli - in cui è scandito il racconto nel volume. Il volume Electa-Phaidon, a cura di Philippe Thomè, è la prima monografia pubblicata dopo la sua morte: una grande opera da collezione riccamente illustrata, ricercata nell’uso della grafica, nella scelta dei colori e nella selezione delle carte. (P.M.)

Browsing pages of this book we are immediately captured by most famous products and projects, such as the ‘Valentine’ typewriter for Olivetti, the Superbox and the grey furniture pieces for Poltronova, Fiorucci single brand shops. And again the conception, the design of several objects we use in our daily lives. The volume shows the life of the architect and designer Ettore Sottsass (1917 – 2007) through a chronological course organized into chapters. Each of them corresponds to a biographic and productive period, clarifying the general context in which he used to work. Writing, painting, architecture, furniture, interior design, set-ups, graphic design, publications,

great work rich of illustrations, refined in the use of graphics, the choice of colors and the section of cards. (P.M.) ‘Sottsass’ a cura di/edited by Philippe Thomè, Electa Phaidon.

RENZO PIANO Francesco Dal Co introduce con passione e competenza il lavoro del maggiore architetto contemporaneo italiano, ripercorrendo le tappe più significative del suo percorso, su scala mondiale: dal Centre Georges Pompidou di Parigi (1971-77) alla Menill Collection di Houston (1982-87), dal Museo della Fondazione Beyeler di Basilea (199197), all’auditorium Niccolò Paganini di Parma (1997-2001), dalla ristrutturazione e ampliamento della Morgan Library (2000-06) al grattacielo per il New York Times, di New York (200007), fino all’Art Institute di Chicago (2000-09) e all’appena inaugurato

06) to the skyscraper for the New York Times in New York (2000-2007), and again to the Art Institute in Chicago (2000-09) and the recently opened widening of the Kimbell Art Museum in Fort Worth (2013). The monograph of Renzo Piano is organized into chapters, one for each work described inside the volume, and it is embellished by several photographs coming from the personal album of the architect, from his outlines, working drawings, construction sites pictures and realized works. A rich iconographic structure, mostly unreleased. (P.M.) ‘Renzo Piano’, Francesco Dal Co, Electa, 2014.

Un profilo continuo filomuro per un nuovo design. Il primo sistema integrato per porte scorrevoli a scomparsa e porte battenti filomuro che si applica senza alcuna interruzione: battiscopa, stipiti e cornici coprifilo diventano filomuro, segni a zero spessore, che disegnano i volumi, definiscono i campi, circondano lo spazio. Bellezza e funzione. La grazia di una linea, la forza di un gesto continuo. Calligrafico appunto. SHODO Ă¨ il nuovo assoluto. Il tratto essenziale della contemporaneitĂ . Eclisse risponde: 840 000 441 lun.-ven. 8-12/14-18

www.eclisse.it

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NEWS TECNOLOGIA/TECHNOLOGY

TECNOLOGIA SOSTENIBILE

ECO-FRIENDLY TECHNOLOGY

Come ogni anno, in occasione del Salone del Mobile, Well Tech ha assegnato il premio WT Award, rivolto ai prodotti che si sono distinti per innovazione, valori di sostenibilità e accessibilità. Contribuendo ancora una volta a mappare lo stato dell’arte di un design spesso poco conosciuto, che ha di fatto un ruolo chiave nel determinare la qualità della vita degli individui e delle collettività. Sono dunque stati portati all’attenzione veicoli elettrici di nuova generazione, assieme a ruote pieghevoli di dimensioni ridottissime e intelligenze artificiali capaci di apprendere come bambini. Testimoni di una ricerca che si sforza continuamente di andare ‘oltre i confini del conosciuto’, e che dà il meglio di sé quando riesce a stimolare l’industria. Vincitori assoluti di questa edizione: la sedia a due ruote elettrica di Genny Mobilità (Sezione Accessibilità); la rete da pesca che fornisce una via di fuga illuminata ai pesci più piccoli di SafetyNet Technologies (Sezione Sostenibilità) e i robot progettati per assistere persone anziane o disabili di Robot Era Project (Sezione Qualità della vita). Affiancati da cinque menzioni speciali tra cui segnaliamo, in particolare, lo scooter/ bicicletta dotato di sistema di ricarica fotovoltaica con pensilina solare di Electric Mobility Company, S.L e il lampione stradale a led che promuove il benessere sostenibile delle comunità urbane e rurali di Schreder. Da menzionare anche il Prize WT SmartCityAward 2014, che quest’anno ha visto sul podio Mario Cucinella con la Nuova Sede dell’ARPT (primo premio), Jessica Hernandez, Edgar Garcia & Bing Bai con il progetto Biotic City (secondo premio) e BAT and ACHAZABALLA arquitectos con il Baltic Sea Park (Terzo Premio). (F.D.P.)

Every year, on the occasion of the Salone del Mobile, Well Tech assigned the WT Award to products which distinguished themselves in innovation, sustainability and accessibility. Once again contributing to map out the state of art of a design which is often unknown, having indeed a key role in daily life of individuals and collectivities. New generation electrical vehicles, foldable wheels with reduced sizes and artificial intelligences able to learn like children do. Witnesses of a research which continues to go ‘beyond boundaries of knowledge’, and which gives the best when it succeeds in stimulating the

In questa pagina: alcuni tra i progetti insigniti dal Well-Tech Award 2014. E, precisamente: la rete da pesca ‘amica’ dei pesci piccoli di SafetyNet Technologies, la sedia per disabili di Genny Mobilità e lo scooter/ bicicletta dotato di sistema di ricarica fotovoltaica con pensilina solare di Electric Mobility Company, S.L.

This page: some of the projects of the WellTech Award 2014 assigned by Well-Tech Award 2014. And precisely: the fishing net which is ‘friend’ of small fishes by SafetyNet Technologies, the chair for disabled by Genny Mobilità and the scooter/bicycle equipped with photovoltaic charging system by Electric Mobility Company, S.L.

industrial field. Winners of this edition: the electronic two wheels chair by Genny Mobilità (accessibility category); the fishing net which provides an illuminated way of escape to smaller fishes (sustainability category) and the robots designed by Robot Era Project to assist elders and disabled persons (Quality of life category). Pulled alongside five special mentions among which we report the scooter/bicycle equipped with photovoltaic charging with solar platform by Electric Mobility Company, S.L and the street light with led which promotes sustainable wealth of urban and rural

communities by Schreder. To be mentioned, the Prize WT SmartCity Award 2014, which this year saw Mario Cucinella on the podium with the New ARPT Headquarters (first place), Jessica Hernandez, Edgar Garcia & Bing Bai with Biotic City project (second place) and BAT and ACHAZABALLA arquitectos with Baltic Sea Park (Third place). (F.D.P.)

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17 Qui sopra: i progetti per la Nuova Sede dell’ARPT (di Mario Cucinella) e per il Baltic Sea Park (di BAT + ACHAZABALLA arquitectos), premiati con il WT SmartCityAward 2014. Sopra: il bambino-robot capace di apprendere iCub, sviluppato dall’Istituto Italiano di Tecnologia con RobotCub Consortium e il lampione stradale Perla LED Lamp di Schreder.

Up: projects of the new ARPT headquarters (by Mario Cucinella) and of the Baltic Sea Park (by BAT + ACHAZABALLA arquitectos), awarded the WT SmartCityAward 2014. Top: the childrobot able to learn iCub, developed by the Italian Institute of Technology with RobotCub Consortium and the Perla LED streetlight by Schreder.

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NEWS PREMI/AWARDS

JOSÉ MARIA SANCHEZ GARCIA, VINCITORE DEL BSI SWISS ARCHITECTURAL AWARD “I suoi interventi si traducono in un gesto misurato e potente al tempo stesso, scevro da compiacimenti formali, che ordina e configura un luogo, evidenziandone le qualità specifiche”. Queste le parole del presidente della giuria Mario Botta per descrivere le opere del vincitore alla quarta edizione del BSI Swiss Architectural Award: lo spagnolo José Maria Sanchez Garcia. Il premio verrà consegnato il 18 settembre 2014 all’Accademia di architettura di Mendrisio. Il premio internazionale di architettura, assegnato ogni due anni, è promosso da BSI Architectural Foundation, con il patrocinio dell’Ufficio Federale della Cultura a Berna e dell’Accademia di architettura di Mendrisio (Università della Svizzera Italiana), in collaborazione con l’Archivio del Moderno di Mendrisio. Il premio intende segnalare all’attenzione del pubblico architetti di tutto il mondo, la cui età non abbia superato i 50 anni e la cui opera offra un contributo al dibattito e alla pratica architettonica contemporanee, dimostrando particolare sensibilità al contesto paesaggistico e ambientale. La Giuria ha attribuito il premio a José Maria Sanchez Garcia, per la sistemazione dell’area del Tempio di Diana a Merida (2005-2008), il centro per l’innovazione sportiva ‘el Anillo’ a Guijo de Granadilla (Cáceres, 2008-2009), il centro per il canotaggio ad Alange (Badajoz, 2008-2010). La giuria della quarta edizione del premio è stata presieduta da Mario Botta (Svizzera) e composta da Alberto Campo Baeza (Spagna), Marc Collomb (Svizzera, direttore dell’Accademia di architettura di Mendrisio), Charles Kleiber (Svizzera, presidente di BSI Architectural Foundation) e Bruno Reichlin (Svizzera). Segretario del premio è Nicola Navone (Svizzera). www.bsiswissarchitecturalaward.ch/it (P.M.)

A sinistra/Left: veduta aerea/Aerial view, (Ph: José Maria Sanchez Garcia). In alto/ Top: Environment Diana Temple (Ph: Roland Halbe). Sotto/Below: Rowing Centre (Ph: Roland Halbe); Centre ‘The Ring’ (Ph: Studio Sanchez Garcia); Centre ‘The Ring’ (Ph: Roland Halbe).

JOSÉ MARIA SANCHEZ GARCIA, WINNER OF THE BSI SWISS ARCHITECTURAL AWARD “His works are translated into a moderate but powerful gesture, devoid of any formal redundancy, which organizes and configures a place, highlighting its specific qualities”. These are the words used by Mario Botta, president of the board, to describe works of the winner of the BSI Swiss Architectural Award fourth edition: the Spanish José Maria Sanchez Garcia. The award will be consigned on September 18th 2014 at the Architecture Academy in Mendrisio. The international prize for architecture, assigned every two years, is promoted by BSI Architectural Foundation, under the patronage of the Federal Office of Culture in Bern and of the Architecture Academy in Mendrisio (Università della Svizzera Italiana), in cooperation with the Archive of the Modern in Mendrisio. The award is meant to signal architects from all over the world, no more than 50 years old, whose works offer a contribute to contemporary architecture debate, showing particular sensitiveness to the environmental context. The Board assigned the award to José Maria Sanchez Garcia, for the renovation of the Diana Temple area in Merida (2005-2008), the ‘el Anillo’ center for sport innovation in Alange (Badajoz, 2008-2010). The board of the fourth edition has been headed by Mario Botta (Switzerland) and also included Alberto Campo Baeza (Spain), Marc Collomb (Switzerland, director of the Architecture Academy in Mendrisio), Charles Kleiber (Switzerland, president of BSI Architectural Foundation) and Bruno Reichlin (Switzerland). Secretary of the award is Nicola Navone (Switzerland). www.bsiswissarchitecturalaward.ch/it (P.M.)