Ofarch 127 by Design Diffusion World

Poste Italiane s.p.a. - Spedizione in Abbonamento Postale D.L. 353/2003 (con.in L. 27/02/2004) art. 1, comma 1, DCB Milano. (TASSA RISCOSSA)

Trimestrale di architettura e design GR e 10,00 - P e 8,00 - E e 7,70 - A e 16,80 - F e 16,00 - B e 9,00 Italy only e 7,00

ARCH

OF 127

international magazine of arCHiteCtUre and deSign

David Closes • MLRP • Opus 5 • Ingarden & Ewy Architects (IEA) • Jakob + MacFarlane Architects • Paola Faroni • Andrea Giunti • Pierluigi Cerri • OFX •

the beatles

Ever ything else is unnecessar y.

I dettagli ci rendono unici. Il tutto vetro è il nostro: un profilo di alluminio incastonato nella trasparenza. Tutto il resto è stato ridotto ai minimi termini: tutto, tranne la qualità delle prestazioni. Tolto il superfluo, non resta che una finestra ESSENZA.

ZZZ HVVHQ]DÀQHVWUD LW

Fiera Milano, Rho

02-05 ottobre 2013

Pad. 5 Stand E23 F20

Verona - Italy

25-28 SETTEMBRE

48 th International Trade Fair for Stone Design and Technology

DDA Design Diffusion Advertising srl Via Lucano 3, 20135 Milano Tel. 02/54.53.009 - Fax 02/54.56.803 Agenti/Agents Paolo Bruni, Teo Casale, Roberto Gallo Amministrazione/Administration Norberto Mellini Ufﬁcio abbonamenti Numero Verde 800/31.82.16 Tel. 02/55.16.109 - Fax 02/54.56.803

SOMMARIO

127 Direttore responsabile/ Editor in chief Carlo Ludovico Russo Direttore/Editor Franco Mirenzi Redazione/Editorial staff Paola Molteni Progetto graﬁco e consulenza artistica/ Graphic layout & art consultant Franco Mirenzi Realizzazione graﬁca/Graphic designer Fabio Riccobono

OFARCH News Paola Molteni OFARCH Architettura/Architecture Francesca De Ponti, Nicola De Ponti, Elviro Di Meo, Maurizio Giordano, Cristina Molteni. OFARCH Architecture in USA Bradley Wheeler OFARCH Design Francesco Massoni OFARCH Zoom Paolo Rinaldi

Editorial Ofﬁce, Osaka Intermedia TS Bldg. 3-1-2 Tenma Kita-ku Osaka, Japan Tel. 00816/3571525 - Fax 3571529

Contributi/Contributors Carlo Paganelli, Luca Sampò, Mila Sichera, Francesca Tagliabue. Traduzioni/Translations Fiona Johnston, Studio ITS. Ufficio traffico/Traffic department Daniela D’Avanzo, Barbara Tommasini. Ufficio abbonamenti/ Subscription office Francesca Casale

Bimestrale/Bimonthly magazine Prezzo/Price Euro 7,00 Stampa/Printer Color Art Via Industriale 24/26 25050 Rodengo Saiano (BS) Tel. 030/6810155 Fotolito BitGraph Via Vittorio Veneto 8 20060 Cassina dè Pecchi (MI) Tel. 02/92278515 Poste Italiane s.p.a. - Spedizione in Abbonamento Postale - D.L. 353/2003 (conv.in L 27/02/2004 n. 46) art. 1, comma 1, LO/MI Reg. Tribunale Milano n./Milan Court Reg.No. 712 del 7 Aprile 1990

News Editoriale

Printed in Italy )33. s

Rigenerazione/Regeneration

Franco Mirenzi

Il colore del passato/The color of the past

Paola Molteni

Metro armonico/A harmonic composition

Paola Molteni

Nuovo ordine/New order

Francesca Tagliabue

Forme in dialogo/Interfacing shapes

Francesca De Ponti

Lezioni di stile/Lessons in style

Francesca De Ponti

Architettura a tinte forti/ Architecture in strong colors

Francesca Tagliabue

Per voce sola/A lone voice

Francesca De Ponti

Elogio della luce/A tribute to light

Paola Molteni

Nuova vita/New life

Francesca Tagliabue

Fiore delle mille e una notte/ The ﬂower of a thousand and one nights

Paola Molteni

100

Birzeit

Luca Sampò

106

Flessibilità come cifra progettuale/ Versatility as a design orientation

Paola Molteni

110

Work in progress

Elviro Di Meo

Expo

116

Roma 1942

Carlo Paganelli

Design

118

Pierluigi Cerri

Francesco Massoni

124

Oltre la materia/Beyond the solid state

Francesca De Ponti

130

Viaggio nel tempo/Time travel

Francesca Tagliabue

134

Precisione svizzera/Swiss precision

Francesca Tagliabue

138

Vitruvio sostenibile/A sustainable Vitruvian triangle

Mila Sichera

142

Architettura gioiello/Jewel architecture

Francesca De Ponti

Distribuzione per l’Italia/Distribution for Italy Sodip Via Bettola, 18 20092 Cinisello Balsamo (MI) Tel. +39 02 66030.1 Fax +39 02 66030.310 Distribuzione in libreria Bookshop distribution Joo Distribuzione

Design Diffusion World comprende le testate/ includes also the heads DDN Design Diffusion News, OFARCH International Magazine of Architecture, Cucina International, DDB Design Diffusion Bagno, DLUX, OFX Ofﬁce Design, Hot & Cold, Contract Guide, Avant Garde Design Selection Köln, Italian Design Selection Milano, Eventi Extra Salone, Casa d, Decor Living, DHD Hospitality.

Edited by Paola Molteni

Associato all’Uniuone Italiana Stampa Tecnica

Testi, disegni e materiale fotograﬁco non si restituiscono Texts, drawings and photographs will not be returned

Architettura

Distribuzione all’estero Sole agent for distribution abroad A.I.E. - Agenzia Italiana di Esportazione spa Via Manzoni, 12 - 20089 Rozzano (Mi) Tel. 02/5753911 Fax 02/57512606 e-mail : info@aie-mag.com www.aie-mag.com

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Design Diffusion World srl Redazioni/Editorial Ofﬁces Direzione, amministrazione, pubblicità Management, Administration, Advertising Via Lucano 3, 20135 Milano Tel. 02/55.16.109 - Fax 02/54.56.803 Internet: www.designdiffusion.com E-mail: ofarch@designdiffusion.com

Cover

128

Santpedor (Spain), David Closes (ph. Jordi Surroca)

Ă&#x2C6; USCITO IL NUOVO NUMERO DI DDN DESIGN DIFFUSION NEWS DISCOVER THE NEW ISSUE OF DDN PRODUCT DESIGN & MARKETING STRATEGIES

E 8.00 â&#x20AC;&#x153;Italy onlyâ&#x20AC;? - F E 13,00 - D E 13,00 - GR E 14,30 P E 15,40 - E E 8,90 - GB GBP. 10,00 - N NKR. 172,00 S SKR. 170,00 - CH SFR. 23,00 - NL E 19,00. - B E 10,00

196

*44/ t .FOTJMF 5"9& 1&3$6& 5"44" 3*4$044" 6''*$*0 $.1 304&3*0 .*-"/0 4QFEJ[JPOF JO BCCPOBNFOUP QPTUBMF % - DPOW JO - O BSU DPNNB %$# .JMBOP

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DDW srl | Via Lucano, 3 | 20135 Milano | Italy Tel. +39 02 5516109 - Fax +39 02 5456803 - e-mail: info@designdiffusion.com internet: www.designdiffusion.com - web tv: www.designdiffusion.tv

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INTERNATIONAL MAGAZINE OF ARCHITECTURE AND DESIGN

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INTERNATIONAL MAGAZINE OF ARCHITECTURE AND DESIGN

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OF Trimestrale di architettura e design '2 â&#x201A;¬ 0 â&#x201A;¬ 8,00 - E â&#x201A;¬ 7,70 - A â&#x201A;¬ 16,80 - F â&#x201A;¬ 16,00 - B â&#x201A;¬ 9,00 )TALY ONLY â&#x201A;¬ 7,00 Poste Italiane s.p.a. - Spedizione in Abbonamento Postale D.L. 353/2003 (con.in L. 27/02/2004) art. 1, comma 1, DCB Milano. (TASSA RISCOSSA)

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ARCH

INTERNATIONAL MAGAZINE OF ARCHITECTURE AND DESIGN

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144,00 56,00 54,00 18,00 60,00 80,00 56,00 32,00 52,00 52,00 30,00 30,00

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ARCH OF

NEWSARTE/ART

WALTER CHAPPELL. ETERNAL IMPERMANENCE

ENRICO BAJ. BAMBINI, ULTRACORPI & ALTRE STORIE

Allievo di Edward Weston che, con Alfred Stieglitz, Paul Strand e Ansel Adams, ha contribuito a dare alla fotografia americana un’autentica e originale dimensione artistica, Walter Chappell (1925-2000) ha saputo metabolizzare nel tempo la lezione dei maestri, sviluppando una ricerca autonoma che lo ha condotto a elaborare una propria visione del mondo, efficacemente illustrata dai suoi scatti in bianco e nero. Influenzato anche dall’esperienza di altri fotografi, su tutti Minor White, capace di infondere nelle sue visioni una sottile poesia zen, Chappell ha gradualmente focalizzato il proprio sguardo sulle sorprendenti analogie tra il corpo umano e il paesaggio naturale, cercando di comunicare allo spettatore quell’energia cosmica che attraversa il creato e lo plasma all’insegna di una bellezza e di un’armonia universali, in grado di fare vibrare le corde dello spirito. Convinto che l’arte fotografica possa nascere soltanto da una perfetta e totale padronanza dei mezzi tecnici, Walter Chappell, a differenza di altri illustri colleghi, non ha mai ceduto alle lusinghe della celebrità, preferendo condurre una vita da hippie, in simbiosi con la natura e con le sue meraviglie, nel villaggio di El Rito, in New Mexico, dove si è spento all’età di 75 anni. Oggi, la Fondazione Fotografia Modena, in collaborazione con la Fondazione Cassa di Risparmio di Modena, gli dedica una importante retrospettiva, curata da Filippo Maggia e composta da 150 fotografie vintage, realizzate tra gli anni Cinquanta e i primi anni Ottanta. Il catalogo è edito da Skira. (F.M.)

Fiero erede dell’avanguardia dada e surrealista, Enrico Baj ha rappresentato a partire dagli anni Cinquanta del secolo scorso un autorevole punto di riferimento a livello internazionale per l’arte e la cultura del dopoguerra. La sua fervida creatività, unita ad una incomparabile vivacità teorica e critica, ha contribuito a fare di Milano uno dei centri propulsivi della ricerca artistica di quegli anni. Nel 1951, con una mostra organizzata alla Galleria San Fedele contro l’accademismo pittorico e a favore della disintegrazione della forma, fonda con Sergio Dangelo il Movimento Nucleare che conquista numerosi adepti anche fuori dai conﬁni italiani. Nel ‘Manifesto della pittura nucleare’, stilato l’anno dopo, Baj invitava gli artisti ad affrancarsi dal manierismo imperante e a incarnare il ruolo di pittori anziché quello di tappezzieri. I suoi contatti con numerosi esponenti dell’avanguardia europea, come Arman, Asger Jorn, Édouard Jaguer e Yves Klein, favoriscono la nascita successiva del Mouvement International pour un Bauhaus Imaginiste, all’interno del quale si sviluppano le tesi espresse nel 1957 nel manifesto “Contro lo stile”, redatto da Baj assieme all’inseparabile amico e collega Sergio Dangelo. A dieci anni dalla scomparsa, la Fondazione Arnaldo Pomodoro rende omaggio a Enrico Baj con una mostra, curata da Flaminio Gualdoni in collaborazione con Roberta Cerini Baj e centrata proprio sul decennio cruciale 1950-1960, nella quale, oltre ad una selezione di opere dell’artista, vengono presentati documenti, manifesti, riviste e fotograﬁe che restituiscono il clima di quegli anni. (F.M.)

Walter Chappell (1925-2000) was a student of Edward Weston who with Alfred Stieglitz, Paul Strand and Ansel Adams, made an important contribution to defining American photography as an authentic and original artistic discipline. Over time, he was able to metabolize the Maestros lessons, and developed an independent research orientation that drove him to process his own vision of the world, efficaciously illustrated in his black and white shots. Chappell was also influenced by the experience of other photographers, particularly Minor Martin White, capable of including a subtle Zen poem in his visions and gradually focusing his mind on the astonishing analogies between the human body and the natural landscape; he tried to communicate to spectators the cosmic energy that crosses the universe and the plasma in an attempt to create beauty and universal harmony and stimulate the cords of the spirit. He was convinced that photographic

art can only develop from perfect and total familiarity with the machinery; compared to other illustrious colleagues, Walter Chappell never enjoyed his celebrity status, preferring to live like a hippie, in symbiosis with nature and its marvels, in the village of El Rito, in New Mexico, where he died at the age of 75 years. Today, the Modena Photography Foundation, in collaboration with the Modena Savings Bank Foundation, has dedicated an important retrospective exhibition, supervised by Filippo Maggia and presenting 150 vintage photographs, immortalized from the Fifties and the early Eighties. The Catalogue has been published by Skira. (F.M.) Modena, ex Ospedale di Sant’Agostino, largo Porta Sant’Agostino 228. Fino al 2 febbraio 2014/Until February 2nd 2014.

ENRICO BAJ. CHILDREN, ULTRABODIES AND OTHER STORIES

I SETTE SAVI DI FAUSTO MELOTTI

Enrico Baj proudly carried the legacy of avant-garde Dadaism and Surrealism and since the 1950s has been considered to be an indisputable international reference point for art and culture in the post-war years. His bubbling creativity, combined with an incomparable theoretical and critical vivacity, contributed to transforming Milan into one of the driving forces of artistic research in those years. In 1951, following an exhibition organized at the ‘San Fedele’ Gallery to ﬁght against painting academia and in favor of the disintegration of shape, he founded the Nuclear Movement with Sergio Dangelo; this attracted a number of disciples even from beyond the borders of Italy. In the ‘ “Manifesto della pittura nucleare”, (‘Poster of nuclear painting), designed the following year, Baj invited artists to collaborate with Mannerism and to become painters instead of upholsterers. His contacts with numerous exponents of the European Avant-garde movements, such as Arman, Asger Jorn, Édouard Jaguer and Yves Klein, led to the successive development of the Mouvement Intesupportrnational pour un Bauhaus Imaginiste; this developed into suggestions expressed in 1957 with the poster “Contro lo stile” (Against Style), drafted by Baj with his inseparable friend and colleague Sergio Dangelo. Ten years from his death, the Arnaldo Pomodoro Foundation pays tribute to Enrico Baj with an exhibition, supervised by Flaminio Gualdoni, assisted by Roberta Cerini Baj; it focused on the crucial decade of his work 1950-1960; the event presents a selection of the artist’s works, documents, posters, magazines and photographs that express the climate during those years. (F.M.)

Pittore e scultore formatosi nel periodo a cavallo tra le due guerre, in un clima di riscoperta del linguaggio artistico classico, allievo di Adolfo Wildt e vicino ad architetti come Gio Ponti, Luigi Figini e Gino Pollini, con i quali ebbe modo di collaborare, nel 1935 Fausto Melotti (1901-1986) fu fra i firmatari del “Manifesto per l’arte astratta” e tenne la sua prima personale presso la Galleria del Milione, a Milano, aderendo nello stesso anno al movimento parigino AbstrationCréation. Nel dopoguerra, sviluppò ulteriormente la sua attività creativa, dando vita a opere in metallo, ceramica e materiali eterogenei che ne consacrarono il talento. Tra queste, il gruppo scultoreo denominato “I sette savi”, concepito in origine come un insieme di 12 gessi esposti in occasione della VI Triennale di Milano. Melotti ne realizzò varie versioni, una delle quali gli fu commissionata dal Comune di Milano, su segnalazione degli architetti Piero Portaluppi, Franco Albini e Renzo Gerla, per adornare il giardino del Liceo Classico Giosuè Carducci. Deturpata da atti vandalici, l’opera venne rimossa e custodita in uno scantinato del Liceo, dove giacque dimenticata per vari decenni. Oggi, terminato il restauro, grazie alla Provincia di Milano e a SEA Aeroporti di Milano, che lo ha finanziato, il gruppo scultoreo torna visibile al pubblico nello spazio espositivo della Porta di Milano all’aeroporto di Malpensa, in una mostra curata da Angela Vettese e allestita, su progetto degli architetti Pierluigi Nicolin e Sonia Calzoni, con illuminazione firmata da Artemide. (F.M.)

This painter and sculptor trained in the period between the two wars, in the climate of rediscovery of the classical artistic language, a student of Adolfo Wildt and worked in close proximity with architects such as Gio Ponti, Luigi Figini and Gino Pollini. In 1935, Fausto Melotti (1901-1986) was one of the creatives involved in the “Manifesto per l’arte astratta”(Poster for abstract art); he had his ﬁrst personal exhibition in the gallery ‘Galleria del Milione’ in Milan and joined the Parisian movement Abstration-Création during the same year. Following the war, his creativity developed further and gave rise to wonderful works in metal, ceramic and heterogeneous materials that consecrated his talent. Among them, the sculptural group called the ‘Sette Savi’, originally conceived as a group of 12 plaster casts created for the VI Triennial in Milan. Melotti produced a number of different versions, one of which commissioned by the Milan City Council, on a recommendation of architects Piero Portaluppi, Franco Albini and Renzo Gerla, to

embellish the gardens of the Classical High School ‘Giosuè Carducci’. Tainted by vandals, the work was removed and stored in the cellar of the School where it lay forgotten for several decades. Now at the end of the restoration, thanks to funding from the Province of Milan and SEA – The Milanese Airport Authorities, the sculptural piece is once again on display to the public at the Gateway to Milan, the Malpensa Airport in an exhibition organized by Angela Vettese and designed by architects Pierluigi Nicolin and Sonia Calzoni, with the light ﬁttings supplied by Artemide. (F.M.)

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THE ‘SETTE SAVI’ BY FAUSTO MELOTTI

Milano, Fondazione Arnaldo Pomodoro, via Vigevano 9. Fino al 20 dicembre 2013/Until December 20th, 2013

Aeroporto di Malpensa (VA), Porta di Milano (Terminal 1). Fino al 10 novembre 2013/Until November 10th, 2013.

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NEWSMOSTRE/EXHIBITION

PORTO POETIC, ARCHITETTURA PORTOGHESE ALLA TRIENNALE DI MILANO Sarà aperta fino al 27 ottobre presso La Triennale di Milano la mostra Porto Poetic, curata da Roberto Cremascoli. Realizzata sotto l’Alto Patronato del Presidente della Repubblica Portoghese con la collaborazione del Canadian Centre for Architecture – CCA e del Museum of Modern Art – MoMA, la mostra è incentrata sull’analisi delle figure chiave dell’architettura portoghese quali in particolare Álvaro Siza ed Eduardo Souto de Moura, con gli architetti Adalberto Dias, Camilo Rebelo and Tiago Pimentel, Carlos Castanheira, Cristina Guedes e Francisco Vieira de Campos, Isabel Furtado e João Pedro Serôdio, João Mendes Ribeiro, José Carvalho Araújo e Nuno Brandão Costa. La città di Porto, negli ultimi anni al centro di grandi trasformazioni architettoniche, è la protagonista d’eccellenza di questo interessante appuntamento culturale. I recenti progetti come le stazioni metropolitane disegnate da Eduardo Souto de Moura, il Museo di Serralves di Álvaro Siza e la Casa da Musica di Rem Koolhaas, solo per citarne alcuni, ne hanno infatti modificato notevolmente il ‘modus vivendi’, imponendo all’attenzione del mondo intero le straordinarie capacità dei progettisti nazionali. Partendo dal 1950, il percorso espositivo arriva ai giorni nostri attraverso tre sezioni distinte intitolate Poetic (opere nazionali di Álvaro Siza ed Eduardo Souto de Moura), Community (opere internazionali di Álvaro Siza ed Eduardo Souto de Moura) e Design (8 opere di altri esponenti dell’architettura portoghese) per un totale di 41 progetti di architettura in mostra, 215 pezzi di design, 540 fotografie d’autore, 28 filmati in proiezione. (F.D.P.)

city, attracting the world’s attention to the extraordinary ability of the country’s designers. The exhibition covers the period from 1950 to the present day and has been split into three separate sections entitled Poetic (national works by Álvaro Siza and Eduardo Souto de Moura), Community (international works by Álvaro Siza and Eduardo Souto de Moura) and Design (8 projects by other exponents of Portuguese architecture) for a total of 41 architecture projects, 215 pieces of design, 540 photographs, 28 ﬁlm clips. (F.D.P.) Porto Poetic, Triennale di Milano. Fino al 27 ottobre 2013/Until 27 October 2013.

PORTO POETIC, PORTUGUESE ARCHITECTURE AT THE MILAN TRIENNALE The exhibition ‘Porto Poetic’ will remain open to the public until October 27th at the Milan Triennale. It was organized by Roberto Cremascoli, under the High Patronage of the President of the Republic of Portugal, with the Canadian Centre for Architecture (CCA) and the Museum of Modern Art (MoMA), and analyzes key ﬁgures of Portuguese architecture – in particular Álvaro Siza and Eduardo Souto de Moura,

the architects Adalberto Dias, Camilo Rebelo and Tiago Pimentel, Carlos Castanheira, Cristina Guedes and Francisco Vieira de Campos, Isabel Furtado and João Pedro Serôdio, João Mendes Ribeiro, José Carvalho Araújo and Nuno Brandão Costa. In recent years, the city of Porto has been at the center of major architectonic transformation and is the leading light in this interesting cultural event. The recent projects – the subway stations designed by Eduardo Souto de Moura, the Museum of Serralves by Álvaro Siza and the House of Music by Rem Koolhaas, to mention just a few – have brought about considerable change in the ‘modus vivendi’ of the

Dall’alto al basso e da sinistra a destra/From above to below, from left to right: Convento das Bernardas, Tavira, Eduardo Souto De Moura (ph: Luís Ferreira Alves); Laboratori Amore Paciﬁc, Corea del Sud, Alvaro Siza + Carlos Castanheira (ph: Fernando Guerra); Cantina vinicola Quinta da Faísca, Alijó, Carlos Castanheira (ph: Fernando Guerra); Museo Casa das Historias, Paula Rego, Cascais, Eduardo Souto De Moura (ph: Luís Ferreira Alves); Museo di Foz Côa, Vila Nova de Foz Côa, Camilo Rebelo + Tiago Pimentel (ph: Gabriele Basilico).

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NEWSPREMI/AWARDS

DI NUOVO A SINGAPORE. PER IL WORLD ARCHITECTRAL FESTIVAL Una casa a forma di giraffa realizzata in Thailandia, una stazione scientifica all’Antartide, un monastero a Taiwan… In altre parole: architetture e visioni sul tema del costruire (abitazioni, uffici, grattacieli, spazi pubblici, giardini…) da tutto il mondo. Questo il cuore del World Architecture Festival, autentica non-stop di conferenze e dibattiti sul progetto organizzata per il sesto anno consecutivo da i2i Events Group, con la partnership della nostra rivista. Obiettivo dell’iniziativa, che naturalmente va oltre l’assegnazione del premio finale al ‘migliore edificio dell’anno’: portare alla luce la qualità, linkando un sapere diffuso in ogni parte del pianeta, e lasciandone vedere, quasi per contrasto, la straordinaria specificità. Chi non ricorda, a questo proposito, il Mapungubwe Interpretation Centre sudafricano, vincitore nel 2009, o la libreria di Liyuan in Cina, premiata alla voce cultura nel 2012? 302 i progetti selezionati per questa nuova edizione della kermesse che, come di consueto, prevede la suddivisione dei lavori in 29 categorie tipologiche, comprensive dei ‘progetti futuri’ e dei progetti per il paesaggio. E che, grazie al successo delle stagioni precedenti, ha visto un notevole incremento delle partecipazioni, sia in Asia che in Europa e Nord America. Appuntamento dal 2 al 4 ottobre 2013 al Marina Bay Sands di Singapore, dunque. Dove gli shortlisted scenderanno in campo per contendersi il titolo di ‘World building of the year’. (F.D.P)

BACK TO SINGAPORE. FOR THE WORLD ARCHITECTURE FESTIVAL A giraffe-shaped house in Thailand, a scientific station in Antarctica, a monastery in Taiwan… In other words: architecture and visions on the theme of building (homes, offices, skyscrapers, public spaces, gardens…) from all over the world. This is the heart of the World Architecture Festival, which is the name for non-stop conferences and debates on design, organized by i2i Events group for the sixth year in a row, in partnership with our magazine. The project, which, obviously enough, goes beyond the awarding of the final prize to the ‘best building of the year’, is aimed at bringing quality to light, linking knowledge throughout the planet, and revealing - almost by contrast - its unique specificity. In this respect, everybody remembers the South African Mapungubwe Interpretation Centre, winner in 2009, or the Liyuan Library in China, award-winning in the culture section in 2012. For the new edition of the extravaganza, they selected 302 projects. As usual, the works were divided into 29 categories, including ‘future projects’ and projects for the landscape. Based on the success

of the previous seasons, attendances increased to a signiﬁcant extent, in Asia as in Europe and North America. See you at Marina Bay Sands, Singapore,

on October 2-4, 2013, then, with the short-listed designers taking the ﬁeld to compete for the title of ‘World building of the year’. (F.D.P.)

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NEWSPREMI/AWARDS

PREMIO MIES VAN DER ROHE 2013 Il Premio, nato per un’iniziativa congiunta della Commissione Europea e della Fundació Mies van der Rohe, riconosce l’eccellenza architettonica e valorizza l’importante contributo dei professionisti europei allo sviluppo di nuove idee e tecnologie, offrendo sia agli individui che alle istituzioni pubbliche l’opportunità di comprendere meglio il ruolo culturale svolto dall’architettura nella costruzione delle nostre città. Il Premio mira inoltre a supportare i giovani professionisti all’inizio della propria carriera. Ad ogni edizione biennale, le opere nominate, che devono essere state completate nei due anni precedenti, sono selezionate da un gruppo di esperti indipendenti, membri dell’Architects’ Council of Europe (ACE) e da altre associazioni nazionali di architetti. Per ogni edizione la Giuria seleziona due opere: a una è destinato il Premio e all’altra la Menzione Speciale; entrambi i riconoscimenti premiano le qualità concettuali, tecniche e costruttive dell’opera. La Giuria fa inoltre una selezione di progetti che verranno presentati nella mostra e nel catalogo realizzati in occasione dell’evento. Nell’ambito del Premio 2013, sono state nominate in totale 335 opere, tra le quali la giuria, al primo incontro a Barcellona, ha selezionato le cinque ﬁnaliste. Subito dopo avere visionato queste opere, la giuria si è riunita per la seconda volta alla Triennale di Milano ed è stata scelta come opera vincitrice Harpa, sala concerti e centro conferenze di Reykjavik progettata da Henning Larsen e Batteríið insieme all’artista plastico Olafur Eliasson. La Menzione speciale per il migliore architetto emergente va a María Langarita e a Víctor Navarro per la Nave de Música Matadero (Red Bull Music Academy), costruita per ospitare un festival musicale a Madrid. Il Premio consiste in 60.000 euro, mentre la Menzione Speciale riceve un assegno di 20.000 euro. I vincitori vengono inoltre premiati con una scultura realizzata dall’artista catalano Xavier Corberó ispirata al Padiglione Mies van der Rohe, simbolo del Premio e una delle più grandi opere architettoniche del ventesimo secolo. (P.M.)

THE MIES VAN DER ROHE AWARD 2013 The award was the result of a joint initiative by the European Commis14 sion and the Fundació Mies van der Rohe. It is presented in recognition of architectonic excellence and exalts the important contribution given by the European professionals to the development of new ideas and technology. It offers both individuals and the public authorities the opportunity for better understanding of the cultural role played by architecture in the construction

of our cities. The award aims to support young professionals at the start of their careers. With each biennial edition, the works nominated – completed during the previous two years – are selected by a group of independent experts, members of ACE (the Architects’ Council of Europe) and other national architects’ associations. For each edition, the jury selects two projects – one that will be awarded to prize and the other will be Highly Commended. Both of these awards recognise the concept, technical and construction qualities. The Jury will also select a number of projects that

will be presented during the exhibition and included in the catalogue. A total of 335 projects were nominated for the 2013 Award; during their ﬁrst session held in Barcelona, the Jury shortlisted a total of ﬁve projects. As soon as these were examined, the Jury convened for a second session, this time at the Milan Triennial, and decided the prize-winners: Harpa, a concert hall and conference center in Reykjavik designed by Henning Larsen and Batteríið together with the plastic artist Olafur Eliasson. The Highly-Commended Award for the best emerging architect was presented to

María Langarita and Víctor Navarro for the Nave de Música Matadero (Red Bull Music Academy), built to host a musical festival in Madrid. The ﬁrst Prize-winner was presented with check for 60,000.and the Highly-Commended project with a check for 20,000.-. The winners will also be presented with a piece of sculpture created by the Catalan artist, Xavier Corberó, and inspired by the Pavilion Mies van der Rohe, the architect to whom the award is dedicated and a building that is considered to be one of the most important architectonic works of the 20th-century. (P.M.)

concept+ad: romanoassociati.com photo: max rommel

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La prima e unica cabina doccia con uno spazio di servizio per la collocazione di elettrodomestici e non solo. Cersaie Bologna 23/27 settembre 2013 padiglione 29, stand C80

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NEWSLIBRI/BOOKS

LUDOVICO BELGIOJOSO. ARCHITETTO. 1909-2004. LA RICERCA DI UN’ITALIA ‘ALTRA’ La collana delle ‘monograﬁe’ di Skira si arricchisce di un nuovo volume dedicato a Ludovico Barbiano di Belgiojoso, a cura di Guya Bertelli e Marco Ghilotti. Obiettivo della pubblicazione, realizzata con il contributo di docenti e studiosi che hanno preso parte al convengo organizzato per il centenario della nascita dell’architetto, rileggerne l’apporto in seno alla produzione del gruppo BBPR, le cui realizzazioni hanno inciso profondamente sulla produzione italiana del Novecento. Ma, anche, mettere in luce l’impegno civile e politico di un professionista impegnato nella costruzione di un’Italia ‘altra’, capace di confrontarsi con i processi di crescita e trasformazione che l’hanno attraversata nel ‘secolo breve’ elaborando originali risposte. Cinque i capitoli, ognuno dei quali fatto di brevi saggi a più voci, che guidano alla comprensione di una figura a tutto tondo, perché impegnata sul fronte progettuale, urbanistico, storico, critico e didattico. Pagine da cui emerge soprattutto l’idea di un ‘metodo’, basato sull’abitudine a studiare tecnicamente ogni cosa per risolverla nel modo più appropriato; per arrivare quasi naturalmente alla costruzione di organismi ‘al servizio dell’uomo’. Ma da cui emerge soprattutto il profilo di un individuo che aveva scelto di confrontarsi coraggiosamente - e pacatamente - con la Storia. “Di rimanere lì per ascoltare, per capire e per poter decidere vedendo lontano”. (F.D.P.)

L’ARCHITETTURA DEL XX SECOLO

The series of ‘monographs’ published by Skirà now includes a new volume on Lodovico Barbiano di Begiojoso, edited by Guya Bertelli and Marco Ghilotti. The publication, with contributions by lecturers and scholars who attended the conference organized for the centenary of the architect’s birth, is aimed at reinterpreting the role within the production of the BBPR group, whose works have had a deep impact on 20th century Italian production, as well as at emphasizing the civil and political commitment of a professional involved in building a ‘different’ Italy, which should deal with growth and transformation processes in the ‘brief century’, working out original answers. The volume comprises five chapters, each made up of short part essays, which help you understand a versatile figure, involved with design, town planning, history, criticism and education. The pages reveal the idea of a ‘method’, based on the habit of technically studying every single aspect, to deal with it in the most appropriate way, ending up - almost naturally - building ‘man focused’ structures. However, stress is laid, above all, on the profile of an individual who had chosen to approach history bravely - and calmly. “To be there to listen, understand and be able to decide far-sightedly”. (F.D.P) Ludovico Belgiojoso. Architetto. 19092004. La ricerca di un’Italia ‘altra’, a cura di/edited by Guya Bertelli e Marco Ghilotti, Skira Editore.

Si chiama ‘Atlante mondiale dell’Architettura del XX secolo’, e raccoglie in un unico volume oltre 750 edifici realizzati in ogni parte del globo. È il nuovo ‘index’ di Electa-Phaidon: un’autentica panoramica di tutto quanto (di meglio) è stato costruito in Europa, Asia, Africa, Nord America, Sud America e Oceania nel corso del Novecento. Risultato di un lungo processo di ricerca e selezione, che ha coinvolto un gran numero di specialisti e addetti ai lavori, l’Atlante racconta attraverso mappe e grafici le trasformazioni dell’ars aedificandi nei tre periodi presi in considerazione: 1900-1939, 1940-1973, 1974-1999. In particolare, i grafici esplorano i cambiamenti economici e politici avvenuti nel corso del secolo, individuando il flusso delle idee e il ruolo degli architetti per ogni area trattata. Mentre i progetti, localizzati chiaramente e corredati da un ricco apparato di immagini e disegni, illustrano le conseguenze che le trasformazioni culturali e formali hanno avuto sulla produzione reale. L’apparato di indici posto a conclusione del volume costituisce un importante strumento di consultazione, suggerendo diverse modalità di ricerca e di rimando sia dei lavori presentati che degli studi che li hanno realizzati. (F.D.P.)

The book has been called ‘Atlante mondiale dell’Architettura del XX secolo’ [The World Atlas of 20th-century Architecture]; it groups together more than 750 buildings constructed in every part of the world. It is the new ‘index’ published by Electa-Phaidon and can be described as an authentic overview on all the best projects that have been constructed in Europe, Asia, Africa, North America, South America and Oceania in the Twentieth-century. The book was the result of a long process of research and selection, that involved a large number of specialists and experts. Through maps and graphic designs, the Atlas illustrates the transformation observed in the ars aediﬁcandi in the three periods examined: 1900-1939, 1940-1973, 19741999. In particular, the graphics explore the economic and political changes that occurred during this century, and deﬁne the identity of the ideas and the role of the architects for each area examined. The projects underline the consequences that the cultural and formal transformations had on the real production, through the detailed support of images and drawings. The indices included at the back of the book form an important tool for consultation, orienting the reader to a number of different research pathways and references, based on the works presented and the studios that led to their realization. (F.D.P.) Atlante Mondiale dell’architettura del XX secolo, Electa-Phaidon.

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NEWSDESIGN

QUARANTA

SOFT LIGHT

Un omaggio all’architettura razionalista, al rigore geometrico, all’essenzialità di forme e volumi, privi di orpelli e decori che, viceversa, ﬁnirebbero in una sterile retorica, a tratti persino stucchevole. La collezione Quaranta trasla il linguaggio sperimentato da Terrigni, Piacentini e Pagano, così come la corrente architettonica europea iniziata da Le Corbusier e Gropius, nel gioiello d’autore. Per gli autori, Elviro Di Meo e Antonio Rossetti, la Collezione è destinata ad ampliarsi, attraverso l’uso di mezzi espressivi e di una componente materica in cui predomina il ferro, l’acciaio e il cemento crudo. Materiali che evocano la matrice semantica del razionalismo più puro. È evidente, nell’elaborazione volumetrica della spilla di base rettangolare, la cifra stilistica che caratterizza i progetti di Terragni; in particolare, la Casa del Fascio di Como. Questa, infatti, si sviluppa su un impianto rigido, organizzato intorno a un rapporto serrato scaturito dall’intersezione dei reticoli strutturali, variati in facciata e negli altri tre prospetti. Ed è proprio nella contrapposizione tra i pieni e i vuoti che si individua la volontà dell’architetto di stabilire un confronto dialettico tra spazi interni e il contesto circostante. (Foto: Roberta Gragnaniello) www.gioielli2000.com (P.M.)

Soft Light è la lampada del designer tedesco Simon Frambach che può essere utilizzata come un morbido e luminoso cuscino. In poliuretano espanso Soft Light risulta particolarmente ﬂessibile e adattabile ad ogni ambiente ed angolo della casa, quasi a colmare gli spazi vuoti. La luce soffusa che emette scalda l’atmosfera circostante e grazie alla sua superﬁcie e alla sua forma si è invitati al tocco o ancor di più ad usarla come comodissimo cuscino. (A.M.)

A tribute to the rationalist architecture, the geometric precision, the essentiality of shapes and volumes devoid of frills and decorations which, conversely, would end up in a sterile, sometimes even sickening, rhetoric. The collection Quaranta intends to transfer the language experienced by Terragni, Piacentini and Pagano, as well as the architectural European trend initiated by Le Corbusier and Gropius, into design jewelery. For the two authors, Elviro Di Meo and Antonio Rossetti, this collection will be expanded, through the use of media and a material component in which iron, steel and bleak cement prevail. All these materials evoke the semantic matrix of pure rationalism. In the volume processing of the pin with a rectangular base, we can notice the stylistic feature that distinguishes Terragni’ projects; in particular, the Casa del Fascio in Como. In fact, this is developed on a system drive, organized around a close relationship resulted from the intersection of structural pat18 terns, changed in the façade and in the other three fronts. And it is exactly the contrast between full and empty spaces that shows the architect’s will to establish a dialectic comparison between the interior spaces and the surrounding context. (Photo: Roberta Gragnaniello) www.gioielli2000.com (P.M.)

Soft light by German designer Simon Frambach has a dual function as a light source and a pillow. Soft Light is a soft and flexible light shade made of foamed polyurethane. Its curvy fluent shape that resembles a calabash pumpkin provokes an organic and familiar appearance for a thoroughly synthetic and industrialized material. Its warm and tangible surface invites to touching and literally feeling light. The result is a light which is extremely flexible in use without having a technical characteristic. The porous pillow light is also slightly warm to the touch, to keep you nice and cozy in bed or during a nap on the couch. (A.M.)

Home office Lavorare in un ambiente familiare – Sistemi di arredamento USM uniscono i mondi.

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NEWSEVENTI/EVENTS

ARCHITECT @ WORK Nata in Belgio dieci anni fa, la fiera Architect@Work è l’evento di respiro internazionale concepito per far conoscere ai professionisti del settore tutte le novità in fatto di materiali costruttivi di nuova generazione e finiture per l’architettura. Da due anni questa “piattaforma per l’innovazione architetturale” ha anche un appuntamento a Shanghai. L’edizione 2013, che si è svolta il 27 e il 28 giugno scorsi e di cui Of Arch è stato ‘Strategic Media Partner’, ha ricevuto la visita di più di 8800 operatori, il 5 % provenienti da Paesi extra asiatici. Architetti e designer, ma anche buyer e operatori stampa, hanno visitato i 111 stand delle 86 aziende espositrici provenienti dai quattro angoli del mondo. La formula vincente dell’edizione di Shanghai è stata quella di organizzare gli spazi espositivi in piccoli stand triangolari, micro showroom che si sono rivelati – a detta dei visitatori un aiuto per rendere concrete le loro idee. Oltre agli spazi allestiti dalle aziende, la fiera ha organizzato eventi e conferenze a cui hanno partecipato autorevoli progettisti di fama internazionale. Quali sono i prossimi appuntamenti di Architect@Work? A Pechino il 5 e 6 dicembre 2013 e a Shangai il 12 e il 13 giugno 2014. (F.T.) www.architectawork.eu

The ﬁrst edition of the exhibition Architect@Work was inaugurated in Belgium ten years ago; this is an event of international standing, designed to present all of the latest developments in construction materials and ﬁnishes for buildings to the trade specialists and the design professionals. For the last two years this ‘platform for architectural innovation’ has also enjoyed a spin-off in Shanghai. The 2013 edition in Asia was held between June 27/28th and our journal Of Arch was the “Strategic Media Partner”; the event recorded more than 8800 operators - 5 % of which from countries beyond the boundaries of Asia. The visitors included architects and designers, buyers and press representatives;

they enjoyed the 111 stands from the 86 exhibiting companies that traveled from all four corners of the world. The winning formula of the Shanghai event was the organization of the exhibition facilities as small triangular stands; according to the visitors, these micro-showrooms proved to make a major contribution for the clear presentation of the ideas. In addition to the company stands, the exhibition management also organized a series of events and conferences that were attended by respected designers of international renown. The next editions of Architect@Work will be held in Beijing on 5/6 December 2013 and in Shanghai on 12/13 June 2014. (F.T.) www.architectawork.eu

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NEWSEVENTI/EVENTS

HS DESIGN MATCH MEETING Una nuova formula, un nuovo concept comunicativo, un’idea nuova per mettere in contatto aziende, studi di progettazione, titolari di alberghi e giornalisti. Nella splendida cornice di Ischia si è concluso a luglio la prima edizione del HS Design Match Meeting: Workshop, mostre, dibattiti, conferenze e meeting, interamente dedicati all’architettura dell’accoglienza e del benessere, che hanno reso queste giornate di lavoro ricche di numerosi, interessanti e concreti scambi di informazioni professionali. Motore e cuore pulsante della manifestazione sono stati i match meeting che, sul modello del blind date, hanno consentito a più di 100 persone, tra professionisti e imprenditori, di condividere conoscenze e opinioni, passando da un progetto di un agriturismo a quello di un albergo a 5 stelle, dalla riqualificazione di un edifico storico, alla progettazione di una SPA. Un vero e proprio ‘incontro’ fra architettura ed ambiente, fra tradizione e innovazione, fra domanda e offerta, fra industria e architetti, svoltosi in concomitanza del Concorso Pida - prestigioso premio di architettura riservato a giovani architetti e laureandi - diviso in due specifiche macro-sezioni: alberghi (hotel, agriturismi, pensioni) o SPA (Centri Termali, Parchi Termali, Beauty Farm, Centri Estetici) con progetti ultimati e documentabili (Sezione “PIDA”) o con progetti non ancora realizzati (Sezione “PIDA Concept”). Le opere selezionate hanno riguardato la nuova architettura o il recupero, la riqualificazione, l’ampliamento di edifici esistenti, purché fosse chiaramente leggibile un esplicito e autonomo dialogo con la contemporaneità. L’HS Design Match Meeting è stato ideato e organizzato da HS Design: società specializzata nell’organizzazione di eventi dedicati ad architettura e design, che, per questa edizione, ha anche collaborato alla promozione del Premio Pida. Cortina, Toscana, Sicilia, Puglia, Montecarlo, Dubai, Mosca, San Paolo, saranno alcuni dei luoghi dove HS Design organizzerà i prossimi match meeting, collegati anche ai settori del retail, delle SPA, del bagno, degli hotel di campagna, degli hotel di lusso e ad altri nuovi settori emergenti. (P.M)

A new formula, a new communication concept, a new idea, designed to bring companies, design studios, hotel owners and journalists into contact with each other. In the beautiful setting of Ischia Island, in July they closed the first edition of the HS Design Match Meeting: workshops, exhibitions, debates, conferences and meetings, entirely devoted to hospitality and wellness architecture, translated into work days rich with challenging, effective exchanges of professional information. The match meetings meant the driving force and heartbeat of the show. Based on the blind date model, they allowed over 100 professionals and entrepreneurs to share knowledge and opinions on projects ranging from a holiday farm to a five-star hotel, from a rehabilitated historic building to a spa. A veritable “meeting” of architecture and environment, hovering between tradition and innovation, demand and supply, industry and architects, held in conjunction with the Pida competition - a prestigious architecture award for young architects and graduands - divided into two specific macro-sections: hotels (including holiday farms and guest houses) or spas (spa centres, spa parks, beauty farms, beauty centres) with completed and verifiable projects (“PIDA” section) or projects still to be completed (“PIDA Concept”). The selected works concerned new architecture or the restoration, rehabilitation, extension of existing buildings, as long as they were clearly and autonomously connected with the contemporary world. The HS Design Match Meeting was conceived and organized by HS Design: a company specializing in organizing architecture and design events, in this edition they also took an active part in promoting the Pida Award. Cortina, Tuscany, Sicily, Apulia, Monaco, Dubai, Moscow and São Paulo will be some of the venues for the next match meetings, which will also be connected with the retail, spa, bathroom, country hotel and luxury hotel industries as well as with some new, emerging sectors. (P.M)

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BRIANZA PLASTICA

tino dal piatto di appoggio più ampio che garantisce una maggiore ﬂessibilità di applicazione dei rivestimenti esterni. La maggior altezza del correntino invece aumenta la ventilazione, che arriva a superare i 200 cmq/ml. Tutti questi prodotti sono mappati e classiﬁcati secondo i criteri LEED (Leadership in Energy and Environmental Design). www.brianzaplastica.it

La guarnizione in PVC della versione Isotec XL Plus. The PVC seals used with Isotec XL Plus.

ISOLARE CON LA QUALITÀ Txt: Francesca De Ponti Frutto della avanzata ricerca tecnologica di Brianza Plastica, il sistema di isolamento termico Isotec ® per coperture a falde nelle tre versioni Isotec®, Isotec XL® e Isotec XL plus® e il sistema Isotec Parete ® offrono ai professionisti del settore soluzioni all’avanguardia per l’edilizia Vero e proprio cavallo di battaglia di Brianza Plastica, il sistema di isolamento termico Isotec® per coperture a falde risponde in modo puntuale sia alle esigenze di recupero dei tetti d’epoca sia alla realizzazione di tetti per nuove costruzioni con le tre diverse versioni Isotec®, Isotec XL® e Isotec XL plus®. I pannelli Isotec®, in poliuretano espanso rigido, realizzano, in sequenza di posa, un impalcato portante, termoisolante, impermeabile alle infiltrazioni accidentali e microventilato grazie allo speciale correntino in acciaio zincato. Con queste caratteristiche, Isotec® consente di ottenere fino al 50% del risparmio energetico. Il modello Isotec XL®, grazie al correntino più alto, assicura una ventilazione sottotegola pari a oltre 200 cmq/m di gronda e la massima garanzia di pedonabilità anche in presenza di pendenze di falde molto elevate. La versione Isotec XL plus ® è dotata invece di una guarnizione in Pvc preapplicata sotto al correntino metallico. Tale guarnizione, composta da una schiuma in Pvc ad alta densità e a celle chiuse, incrementa la resistenza a infiltrazioni accidentali dovute a rotture del manto di copertura in laterizio e offre un’eccellente sigillatura alla polvere e all’aria. Inoltre resiste all’abrasione, alla corrosione, all’umidità e ai raggi ultravioletti. Altro prodotto di punta per l’edilizia firmato da Brianza Plastica è Isotec Parete®, un sistema di isolamento termico per pareti verticali che consente di comporre a secco un cappotto termoisolante e strutturale per facciate ventilate. Il corpo centrale isolante in poliuretano espanso rigido, autoestinguente, è ricoperto da un involucro impermeabilizzante in lamina 24 di alluminio goffrato, reso portante da un profilo nervato in acciaio zincato che costituisce la camera di ventilazione e la struttura di supporto del rivestimento di facciata. I fori del profilo metallico garantiscono la ventilazione della facciata. Battentati sui lati, i pannelli ad incastro eliminano la possibilità di formazione di ponti termici. Isotec Parete® è prodotto oggi nella nuova versione con un corren-

INSULATE WITH QUALITY The result of advanced technological research by Brianza Plastica, the system of thermal insulation Isotec ® for pitched roofs in the three versions Isotec®, Isotec XL® and Isotec XL plus® and the Isotec Parete ® wall systems provide avant-garde solutions to the professionals in the building trade A ﬂag-bearer of the company Brianza Plastica, the Isotec® system of thermal insulation for pitched roofs provides an excellent solution for repairing and restructuring of period properties and new builds with the three versions Isotec®, Isotec XL® and Isotec XL plus®. The Isotec® panels, in stiffening expanded polyurethane, employ an installation sequence that produces a load-bearing structure, thermal insulation – second stage impermeability to accidental leakage and microventilation, thanks to the special components in galvanized steel. Thanks to the product’s properties, Isotec® can result in 50% energy saving. More speciﬁcally, Thanks to the larger ridge, the model Isotec XL® guarantees a greater degree of ventilation below the tiles, equivalent to more than 200 cm.sq./m of gutter; it provides maximum weight-bearing properties even when the roofs have steeply sloped pitches. The Isotec XL plus ® version is equipped with a pre-applied PVC seal below the metal. This sealing component, in high density, closed-cell PVC foam, increases the degree of protection against accidental leaks if the roof tiles split; it also creates a perfect barrier to dust and air. Moreover, it resists scratching, corrosion, damp and damage from UV lighting. Another key project by Brianza Plastica is Isotec Parete®, an insulation system for vertical walls that allows the dry-laid layer of insulation and structural support for ventilated facings. The central insulating layer is self-extinguishing, expanded rigid polyurethane and is coated with a

waterprooﬁng shell in goffered aluminum sheeting, stiffened by galvanized steel rods that form the ventilation chamber and the support structure for the wall covering. The perforations on the metal rods ensure the ventilation of the façade. The interlocking design of the panels prevents the formation of thermal bridges. The Isotec Parete® wall system is now available

with the board from the larger base panel designed to provide greater application versatility for the external coatings. The wider component increases the degree of vertilation that can reach sq,cm./ ml. All of these products have been deﬁned and classiﬁed according to the LEED criteria (Leadership in Energy and Environmental Design). www.brianzaplastica.it

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LA TECNOLOGIA INCONTRA IL DESIGN Colcom Group è il gruppo bresciano che opera nel campo dell’applicazione architettonica del vetro e che riunisce al suo interno tre brand, ciascuno dotato di peculiarità e punti di forza: la ricca produzione a catalogo di Colcom, la capillare distribuzione commerciale di Minusco e lo sviluppo tecnologico di nuove applicazioni in codesign e design su incarico di Saipro. Tra i prodotti a catalogo Colcom meritano attenzione i prodotti oleodinamici, in particolare Biloba e Triloba evoluzione e sintesi delle cerniere ‘automatiche-meccaniche’ e dei chiudiporta idraulici già esistenti sul mercato. Pensate per essere utilizzate rispettivamente su porte interne ed esterne, offrono requisiti prestazionali che superano i limiti dei chiudiporta di tipo tradizionale, garantendo funzionalità, versatilità, sicurezza e durata nel tempo. (Oltre ad un ottimo rapporto qualità/ prezzo). Altrettanto interessanti Biloba Unica e Bilobina, caratterizzate da un meccanismo interno oleodinamico. Così come Slash: primo sistema per box doccia con apertura pivottante e meccanismo oleodinamico incorporato. (F.D.P)

Colcom Group is a Brescia-based company specialized in architectonic applications of glass. It is the umbrella organization for three brands, each with its own peculiar properties and strong points: the comprehensive product range listed in the Colcom catalogue, the capillary commercial distribution of Minusco and the technological development of new applications in co-design and on commission from Saipro. The company’s oleo-dynamic products, Biloba and Triloba, deserve a mention; these are the exciting evolution and synthesis of ‘automatic-synthetic’ hinges and door closure systems already available on the market. Developed for use on interior and exterior doors, their performance exceeds the limits of the traditional door closures and locks, guaranteeing excellent function, versatility, security and durability – and have the all-important excellent quality/pri-

ce ratio. Of equal interest are the products Biloba Unica and Bilobina, characterized by an internal oleo-dynamic mechanism,

and Slash, the ﬁrst system for shower boxes with an incorporated swivel and oleo-dynamic mechanism. (F.D.P)

NEWSDALLEAZIENDE/FROMTHECOMPANIES DESIGN VS TECNOLOGIA Nimbus presenta una nuova gamma di lampade a Led eleganti e scultoree, adatte sia per gli ambienti domestici che per gli ufﬁci. (Basti pensare che tutti i modelli sono disponibili nelle temperature di 2700, 3000 e 4000 k, e quindi capaci di produrre quella luce calda e accogliente che spesso si pensa non possa essere ottenuta con la tecnologia a basso consumo). Tra queste spicca Roxanne, disegnata dal progettista berlinese Rupert Kopp, disponibile in versione da tavolo (in due diverse dimensioni), da terra e da parete. Una lampada complessa perché studiata in ogni minimo dettaglio, ergonomica e dotata di caratteristiche tecniche fuori dal comune, come la gestione touchless per 26 l’accensione o lo spegnimento. Ma allo stesso tempo leggera, elegante e friendly grazie all’alto contenuto di design. (F.D.P.)

DESIGN VS TECHNOLOGY Nimbus presents a new range of elegant, sculptural LED lamps, suited to both homes and ofﬁces. (Just think that all the

models are available in three different temperatures - 2700, 3000 and 4000 k -, and can thus produce the warm light that is often believed not to be able to be obtained with low-consumption technology). The lamps include Roxanne, designed by Berlin-born Rupert Kopp, available in table (in two different sizes), ﬂoor and wall versions. It is a complex lamp synonymous with accurately studied details, outstanding ergonomic properties and unique technical speciﬁcations, including touchless on/ off management. It is also lightweight, elegant and friendly, as the result of the high design content. (F.D.P.)

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IL GIARDINO DELLE IDEE Il Giardino delle Idee è il nome del nuovo spazio che antoniolupi ha costruito all’interno della storica struttura aziendale per ospitare il proprio centro di ricerca, immagine e sviluppo. Il nuovo edificio, strutturato su tre livelli, che si presenta come una ‘scatola’ di vetro, è realizzato con materiali tecnologicamente avanzati come le innovative lastre in vetro che garantiscono un perfetto isolamento termico pur mantenendo grande trasparenza. Al piano terreno sono ospitati due sale direzionali e un locale archivio/biblioteca adatto ad ospitare ricercatori, designer e studenti. Al primo piano un grande open space che ospita una sala riunioni, la stanza del brainstorming, il posto dove confrontarsi, scambiarsi idee e opinioni, prendere decisioni operative, fissare tempistiche e strategie e la zona operativa vera e propria con diciotto postazioni previste. Al secondo piano una zona cucina/relax e un grande terrazzo esterno dal quale si ha una visione a volo d’uccello dell’intero corpo dell’azienda e delle colline circostanti. Il tutto realizzato come nel dna antoniolupi con grande purezza formale, materiali scelti con cura, colori tono su tono riposanti e luminosi, strutture della Uniform e sedute Vitra, luci confortevoli, un impianto di filodiffusione gestibile da tutti gli ambienti che copre l’intera struttura. Progettato dal Alessandro Nucci in collaborazione con Andrea Lupi, il Giardino delle Idee vuol essere un luogo dove lavorare in modo creativo, fare squadra, vivere in armonia con la natura, confrontarsi e migliorarsi in modo da poter continuare ad offrire concetti, prodotti, comunicazione, sempre un passo avanti rispetto ai tempi. (P.M.)

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THE GARDEN OF IDEAS The Garden of Ideas is the name of the new building where antoniolupi has created - inside the existing factory building - its centre for research, brand image, and development. The new three-storey building, which looks like a ‘box’ of glass, is made of state-of-the-art materials, including the groundbreaking glass plates that guarantee perfect thermal insulation, while maintaining remarkable transparency. The ground floor houses two boardrooms and an archive/library room for researchers, designers and students. On the first floor a large open plan area which accommodates a meeting room, a room for brainstorming, a place where people can meet, exchange ideas and opinions, make operational decisions, set timing and strategies, and the true operational office with 18 workspaces available. On the second floor there is a kitchen/ relaxation area and a large exterior terrace from which you can enjoy a bird’s eye view of the entire factory and the surrounding hills. Everything is characterized by the antoniolupi style: purity of shapes, carefully chosen materials, tone on tone colours which appear soothing and bright, structures by Uniform and chairs by Vitra, comfortable lights, a cable radio system which can be managed from any room in the building. Designed by Alessandro Nucci in collaboration with Andrea Lupi, the

Garden of Ideas is meant to be a place where the team can work with creativity, live in harmony with nature, share ideas and improve, with a view to keeping offering cutting-edge concepts, products and communication. (P.M.)

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SPAZIO ALLA CULTURA

SPACE FOR CULTURE

Ricerca e perfezione dalla nascita di un’idea alla realizzazione dell’opera. L’azienda TMA si occupa da oltre 30 anni di arredamenti per teatri, auditorium e sale conferenze. Fra le ultime realizzazioni il Parco della Musica di Firenze, progettato dallo studio ABDR che si è occupato anche della progettazione delle poltrone costituite da monoscocca portante in multistrati di faggio impiallacciata in legno pero a vista, con base a colonna forata per la diffusione dell’aria. TMA ha fornito anche tutte le boiserie e i rivestimenti della sala realizzate sempre in legno pero. Ogni pannello in legno precostruito in ofﬁcina, con sistemi a controllo numerico, è stato trattato ed omologato per restare in classe 1, è stato inoltre ﬁssato alle pareti medianti sistemi meccanici (evitando qualsiasi tipo di incollaggio) e ammortizzati da cuscinetti e fasce in neoprene per impedire che le sonorità si trasmettano alla struttura in calcestruzzo, evitando spiacevoli dissonanze. (P.M.)

Research and perfection that spans from the original idea to completion. For more than 30 years, the company TMA has been specialized in furnishings for theaters, auditoriums and conference halls. One of its latest projects is the Music Park in Florence, designed by studio ABDR, also responsible for the design of the armchairs – a load-weight frame in beech multiplayer with a pear wood veneer, with a punched column-like base for ventilation. TMA also supplied all of the boiseries and the wall-cladding, again in pear wood. Each wooden panel has been produced in the workshop with CNC systems; the timber panels have been treated and homologated to ensure their Class 1 category ranking; they are anchored to the walls mechanically (avoiding any type of adhesive) and buffered by dampers and strips of neoprene to prevent sound being transmitted to the cement structure eliminate any unpleasant and unwelcome noises. (P.M.)

PRECISAZIONI Precisiamo che il nome dell’azienda produttrice di parquet, pubblicata a pag. 28 del numero 126 di OF ARCH è BHC. BHC Collection presenta una nuova linea di listoni in parquet che raggiungono lunghezze ﬁno a 12 metri, si tratta del prodotto Oversize (foto Andrea De Naro).

PLEASE NOTE 30

Please note that the wooden ﬂooring published on Page 28 of issue 126 of OF ARCH was manufactured by BHC. The BHC Collection offers a new line of wooden slats supplied in Oversize lengths of up to 12 meters (photo by Andrea De Naro).

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NEWSDALLEAZIENDE/FROMTHECOMPANIES

SUPERFICI DI VALORE Lapitec® è un prodotto ceramico a ‘tutta massa’ studiato e prodotto interamente in Italia, testimone perfetto dei valori dell’architettura e dello stile Made in Italy. Viene prodotto in lastre di dimensioni 150 x 340 cm con spessori uniformi da 12, 20 e 30 mm. È ottenuto impiegando materie prime ceramiche selezionate, processate con la tecnologia, gli impianti ed il know how esclusivi appositamente sviluppati da Breton S.p.A. (azienda leader mondiale nella costruzione di impianti per l’industria lapidea e degli agglomerati naturali). Le varie finiture superficiali delle lastre di Lapitec® vengono ottenute combinando uno o più processi di lavorazione che ne variano l’aspetto finale e il coefficiente di attrito, rendendo il prodotto idoneo alle più svariate applicazioni nell’arredamento e nell’architettura mantenendo inalterate le sue eccezionali caratteristiche fisico meccaniche. Il peso specifico di 2,4 kg/dm3 rende Lapitec® il prodotto

da facciata più leggero in rapporto alle caratteristiche meccaniche fornite. La superﬁcie in Lapitec® è totalmente priva di porosità quindi assolutamente non assorbente, non macchiabile, igienica, facilissima da pulire e del tutto inospitale all’insediamento di batteri e muffe. (P.M.)

EXCELLENT SURFACE PRODUCTS Lapitec® is a full-body ceramic product that is developed and made in Italy; it enhances the intrinsic value of the architecture and embodies the Made in Italy style. It is produced in slabs measuring 150 x 340 cm with uniform thicknesses of between 12 mm, 20 and 30 mm. The products are produced using select ceramic raw materials, processes using the technology, the plant and the exclusive

NEWSFIERE/FAIRS CALENDAR Milano 2/5 ottobre 2013 Made expo www.madeexpo.it Verona 13/15 ottobre 2013 Abitare 100% Project abitareproject.com Mosca 16/19 ottobre 2013 I Saloni WorldWide www.cosmit.it Bologna 16/19 ottobre 2013 Saie www.saie.bolognaﬁere.it Parigi 4/8 novembre 2013 Batimat, interclima+elec, ideo bain www.batimat.com Torino 6/8 novembre 2013 Urbanpromo www.urbanpromo.it Parma 13/16 febbraio 2014 ‘Future Build – Salone della Sostenibilità’ www.futurebuild.it

know-how that was specifically developed by Breton S.p.A. (a world leading company in the construction of plant for the natural stone and agglomerates industry). The various surface finishes of the Lapitec® slabs are produced by combining one or more processes to create different effects and modify the degrees of friction, making the product suitable for the widest range of applications in interior and exterior decor and architecture while preserving the product’s exceptional physical and mechanical characteristics. The specific weight of 2.4 kg/cu.dm defines Lapitec® as a much lighter facing product than its mechanical properties would suggest. Surfaces in Lapitec® are totally void of porosity and consequently, they are nonabsorbent, stain proof, hygienic, easy to clean and provide total protection against colonies of bacteria and moulds. (P.M.)

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NEWSARCHITETTURA/ARCHITECTURE

DIOGENE CAMPUS VITRA, WEIL AM RHEIN, GERMANIA Txt: Arianna Callocchia

Project: Renzo Piano and RPBW for Vitra

Lo scorso mese di giugno in occasione dell’Art Basel 2013, è stato inaugurato ‘Diogene’. Un prototipo per un’unità abitativa minima ecosostenibile, progettata dall’architetto italiano Renzo Piano con il Renzo Piano Building Workshop (RPBW) e posizionato sulla collina antistante la VitraHaus, all’interno del Campus Vitra

e gli interni sono di legno mentre all’esterno un rivestimento in alluminio la protegge dalle intemperie. Con una superficie di 2,40 x 2,96 metri, può essere prodotto in serie e caricato su un camion già completamente assemblato e arredato per essere trasportato ovunque. Diogene non è una banale capanna, ma un prodotto contemporaneo con molteplici usi che può essere posizionato nella natura o nell’ambiente urbano per essere utilizzato come casetta per il fine settimana, studiolo, piccolo ufficio, hotel informale o rifugio alpino.

‘Diogene’, dal nome dell’antico filosofo greco che viveva in una botte, è una soluzione abitativa ridotta all’essenziale che funziona in diverse condizioni climatiche e indipendentemente dalle infrastrutture esistenti. Diogene è stato progettato come un sistema autonomo e autosufficiente dota34 to di vari impianti e sistemi tecnici: celle fotovoltaiche e pannelli solari, serbatoio di acqua piovana, toilette biologica, ventilazione naturale, finestre con doppio vetrocamera. La parte frontale è utilizzata come spazio abitativo che ospita un divano letto, un tavolo pieghevole sotto la finestra, una piccola cucina, una doccia e toilette nascoste dietro un divisorio. La struttura

‘Diogene’was inaugurated in June, during Art Basel 2013. This is the prototype of a compact eco-sustainable living unit, designed by the Italian architect, Renzo Piano and the Renzo Piano Building Workshop (RPBW); it has been located on the hillside in front of VitraHaus within the boundaries of the Vitra Campus Diogenes was a philosopher in ancient Greece who lived inside a barrel. The product ‘Diogene’ is a residential unit that has been reduced to a minimum; it is the ideal shelter for a number of different climatic conditions and operates independently of the existing infrastructures. Diogene has been designed as an autonomous, self-sufﬁcient unit equipped with essential plant and technical systems: photovoltaic cells and solar panels, rain water collection tanks, a biological toilet, natural ventilation, double-glazed windows. The front section is used as a living space that contains a sofa bed, a foldaway table positioned below the window,

a small kitchen block, a shower and a toilet hidden behind a partition. The structure and the interiors are in timber while the external aluminum layer protects against bad weather. With a surface area of 2.40 x 2.96 meters, this prototype could eventually be produced in series and loaded onto trucks in the fully-assembled, fully-furnished state for transport to any desired location. Diogene is not a non-descript hut but it is a contemporary product that could be used in a number of different situations – in the heart of nature or the city – it can be used as a weekend retreat, a studio, a small ofﬁce, informal hotel accommodation or an Alpine lodge.

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NEWSARCHITETTURA/ARCHITECTURE

STABILIMENTO INDUSTRIALE SANAA CAMPUS VITRA, WEIL AM RHEIN, GERMANIA

Project: Kazuyo Sejima + Ryue Nishizawa/SANAA

Txt: Arianna Callocchia Dopo l’ultimo progetto Vitra Haus di Herzog & de Meuron, inaugurato nell’anno 2010 all’interno del rinomato Campus Vitra, nell’aprile 2012 viene inaugurato un nuovo edificio a firma dello studio giapponese SANAA. Uno stabilimento industriale di circa 20.000 metri quadrati di superficie, costituito da un unico volume circolare di 160 m di diametro e un’altezza di 11, 4 metri con una pianta, apparentemente regolare, che in realtà ha una forma irregolare e organica. Una superficie ondulata totalmente bianca riveste l’esterno dell’edificio e gli conferisce immaterialità, morbidezza e leggerezza. L’involucro della facciata contiene un ampio spazio vuoto multifunzionale, diviso per zone, che viene utilizzato in modo flessibile grazie a scaffalature progettate appositamente per essere rimosse o montate diversamente, per soddisfare perfettamente le particolari esigenze del sito. Gli interni dello stabilimento sono molto luminosi grazie ai numerosi lucernari a fasce strette e parallele che scandiscono la superficie della copertura.

Following a recent project from Vitra Haus by Herzog & de Meuron, inaugurated in 2010 within boundaries of the Vitra Campus, a new building designed by the Japanese studio SANAA was inaugurated in April 2012. The industrial complex covers approximately 20,000 sq.m.; the factory is a single circular volume of diameter 160 meters for a height of 11.4 meters; the layout appears to be fairly uniform but on closer examination, its shape is irregular and organic. An undulated, total white surface covers the outside of the building, giving the ensemble a sensation of immateriality, softness and lightness. The façade encloses a large empty and multifunctional space, split into zones, allowing highly-versatile re-arrangement of the space, thanks to the specially-designed shelving that allows it to be removed or re-assembled to suit changing requirements of the factory. The interiors are extremely luminous with natural light ﬂooding in through the numerous skylights. These have been installed in narrow parallel rows in the roof covering.

INNOVAZIONI PER L’EDILIZIA E L’ARCHITETTURA

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WORKINPROGRESS

ANIMA, GROTTAMARE Txt: Arianna Callocchia Nell’anno 2014 comincerà la costruzione di ANIMA, la prima opera di Bernard Tschumi in Italia. Uno spazio multifunzionale progettato per ospitare e incentivare le molteplici espressioni della creatività e della cultura. Il progetto Commissionato dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Ascoli Piceno e dal Comune di Grottammare, nasce con l’obiettivo di sostenere e incrementare lo sviluppo economico della comunità, favorendo il processo di identificazione del territorio e connotando la sua immagine attraverso la realizzazione di un polo pubblico con un’elevata flessibilità per accogliere nei suoi spazi le più svariate manifestazioni della cultura attraverso spettacoli, mostre, conferenze e laboratori. Il nome dell’opera, ANIMA, nasce come acronimo: A come Arte, N come Natura, I come Idee, M come Musica, A come Azione. Sono le ‘cinque anime’ del progetto, che l’architetto svizzero ha interpretato come un’identità in divenire, uno spazio dinamico, in costante movimento e in evoluzione, che mai si esaurisce nella sua portata culturale. L’opera è stata progettata come un volume compatto con una facciata 38 permeabile e una superficie di circa 7000 metri quadrati che coincide con quella del piccolo centro medievale di Grottammare richiamando non solo nelle dimensioni ma anche all’esterno e all’interno, il concetto di urbs.

Project: Bernard Tschumi

Work on ANIMA (Soul) will begin in 2014; it is Bernard Tschumi’s first enterprise in Italy. This multifunctional facility has been designed to house and drive the multiple expressions of creativity and culture. The clients – the Fondazione Cassa di Risparmio di Ascoli Piceno bank and the City Council of Grottammare – contracted the project developed to support and increase the economic development of the community; the brief aimed to drive a process of territorial identification and define its image through the realization of a public facility with a high degree of flexibility to host a wide range of cultural events: shows, exhibitions, conferences and workshops. The name of the project – ANIMA – is an acronym for Art, Nature, Ideas, Music and Action. These are the five core features of the project, that the Swiss architect interpreted as a developing identity, a dynamic space, in constant movement and ongoing evolution, with steadfast cultural importance. The building was designed as a compact volume with a permeable façade and a surface area of approximately 7000 sq.m. that coincides with the size of the small Medieval town of Grottammare, a clear reference to the existing dimensions and the concept of urbs.

Ã&#x2C6; USCITO IL NUOVO NUMERO DI DDB DESIGN DIFFUSION BAGNO DISCOVER THE NEW ISSUE OF DDB BATH DESIGN

design diffusion Bagno e Benessere

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PROGETTO COVER ANTRAX, CHE INTRIGANTE PROFILO LE INTERVISTE PERSONE A CONFRONTO

DDB Design Diffusion Bagno Rivista bimestrale anno VII n.69 luglio-settembre 2013 Italian/English edition Taxe percue (tassa riscossa) uff. CMP/2 Roserio_MI Sped. a. p. 45% Decreto legge 353/2003 (conv.in L.27/02/2004 n.46) art.1, comma 1, DCB Milano â&#x201A;¬ 5,00 (Italy only) - A â&#x201A;¬ 17,60 - F â&#x201A;¬ 9,80 D â&#x201A;¬ 10,50 - GR â&#x201A;¬ 9,00 - P â&#x201A;¬ 8,40 E â&#x201A;¬ 8,00 - GB BP. â&#x201A;¬ 5,70 - N NKr. 100,00 S SKr. 108,00 - CH SFr. 14,50

DDW srl | Via Lucano, 3 | 20135 Milano | Italy Tel. +39 02 5516109 - Fax +39 02 5456803 - e-mail: info@designdiffusion.com internet: www.designdiffusion.com - web tv: www.designdiffusion.tv

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RIGENERAZIONE REGENERATION 40

Recupero, riqualificazione, restauro: questi termini, riferiti all’architettura, indicano azioni complesse, in rapporto con il passato più o meno recente, per un uso futuro di edifici ai quali, quasi sempre, viene cambiata la funzione originaria per essere adattati ad usi completamente diversi. Un mattatoio diventa sede di uffici ipertecnologici, un convento si trasforma in una scuola o museo e così via. Molte attività subiscono trasformazioni profonde che costringono a cambiamenti radicali di tecnologie, impianti e ambienti di lavoro adatti ai nuovi standard produttivi. Questi edifici ormai vuoti restano in attesa di piani di recupero e di buone idee da parte di chi, con lungimiranza, può intelligentemente metterle a disposizione della collettività. L’enorme patrimonio di aree e di edifici dismessi, alcuni con glorioso passato e ottimo progetto architettonico, dovrebbero godere di priorità per la loro rigenerazione, evitando così di costruire solamente ex novo e abbandonando nel degrado tanti pregevoli manufatti spesso ubicati nei centri storici e in aree vitali delle città. Franco Mirenzi

Reclaim, requalification, restoration: when these terms are used in reference to architecture, they indicate a series of complex procedures applied to constructions of the recent or distant past. The actions define the future use for the buildings and almost always modify the original function and adapt them to completely different purposes. A former slaughterhouse is converted into a hyper-technological office block; a convent is transformed into a school or museum and so on. Many activities involve radical transformations that dictate major changes in technology, plant and work environments, that satisfy new production

standards. These empty buildings are waiting anxiously for redevelopment and good ideas from visionary creatives who look to the future and are committed to intelligently returning the properties to the community. The enormous legacy of abandoned areas and empty buildings, some with a glorious past and of excellent architectonic manufacture, should be high on the priority list for regeneration, sidestepping the need for new builds in many no-go areas and reclaiming derelict, formerly prestigious buildings located in the historical centers or the lively districts of the city.

Franco Mirenzi

Clockwise: the Rijksmuseum in Amsterdam, Studio Cerri & Associati, close-up of the new industrial plant IPI Prada, the ‘house of mirrors’ in Copenhagen, the rendering of the station ‘Porta del Mare’ in Rome, the hybrid vehicle, Urbee 2, the convent of St. Francis in Spain. On the

opposite page, clockwise, the fortress in Thula, the Cube Orange in Lyons, the convent in Louviers, in Normandy, a section of the Malapolka Garden, the Capitolino Temple in Brescia.

ARCH

Roma, l’auto ibrida Urbee 2, il convento di San Francesco in Spagna. Nella pagina a ﬁanco, in senso orario: il forte di Thula, il Cube Orange a Lione, il convento a Louviers, in Normandia, sezione del Malapolka Garden, il Tempio Capitolino di Brescia.

In senso orario: il Rijksmuseum di Amsterdam, Studio Cerri & Associati, dettaglio del nuovo impianto industriale IPI Prada, la ‘casa degli specchi’ a Copenhagen, il rendering della stazione ‘Porta del Mare’ a

ARCH OF

ARCHITETTURA ARCHITECTURE

RESTAURO RESTORATION

La facciata principale che mostra come i volumi nuovi sono stati ‘appoggiati’ all’esterno, senza intaccare lo spazio interno. View of the main facade that illustrates how the new volumes appear to be resting against the outside walls without affecting the interiors.

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IL COLORE DEL PASSATO THE COLOR OF THE PAST Txt: Paola Molteni

Project: David Closes Collaborators: Dídac Dalmau (construction engineer), BOMA (structures consultants), Toni Vila (industrial engineer), Jordi Surroca (photographer) Una rovina che si trasforma in gioiello, un’architettura impreziosita da ferite e cicatrici, un convento che diventa auditorium. L’intervento magistrale di David Closes è stato realizzato a Santpedor, in Spagna David Closes è senz’altro un architetto contrario alla chirurgia plastica e a ogni tipo di intervento che cancelli le tracce degli anni e dei secoli che passano. Il tempo scorre sugli edifici, sulle superfici, sui materiali e lascia il suo segno. Deposita ovunque la nostalgica patina del passato, toglie lucentezza, distrugge, fa crollare parti, fa sprofondare tetti e pavimenti. Ma ogni traccia deve essere mantenuta, così come il volto umano durante la vecchiaia è solcato da rughe che sono lo specchio fedele di quello che è successo allo spirito durante l’esistenza. Il convento costruito nel XVIII secolo dai francescani è poi distrutto nel 1835. In seguito inizia il processo di progressivo deterioramento che si conclude nel 2000. Soltanto la chiesa rimane in piedi, ma in uno stato di completa rovina. Nel 2003 si avvia il progetto di recupero, ma la chiesa mostra la modesta qualità delle tecniche di costruzione, soprattutto per quanto riguarda gli elementi orizzontali (tetto e volte). Lo spazio interno, però, nonostante lo stato in rovina, evidenzia qualità spaziali notevoli. Grazie al tetto e alle volte distrutte la luce entra dirompente all’interno, trasformando lo chiesa in un luogo maestoso e divino. Il progetto di David Closes prevede di trasformare la chiesa in un auditorium e in uno spazio multifunzionale e culturale. L’intero progetto ha mantenuto non solo le dimensioni della chiesa, ma anche la bizzarra entrata della luce proveniente dal tetto collassato. Nulla nel processo di deterioramento è stato cancellato: mantenuto il colore 43 del passato, conservate fessurazioni e crolli. Invece che ricostruire, l’architetto ha pensato di consolidare la parte vecchia dell’edificio distinguendo chiaramente i nuovi elementi e le nuove strutture inserite. I volumi progettati, come gli accessi verticali e i blocchi scale sono stati collocati fuori dal perimetro, ‘appoggiati’ alle vecchie pareti della chiesa per preservare lo spazio interno. Inoltre, le scale e le rampe creano un percorso circolare insolito attraverso l’edificio, con una viste mozzafiato. Di solito, in interventi simili, gli architetti scelgono un determinato periodo dell’edificio da preservare, non è questo il caso perché il lavoro sul convento di San Francesco registra una tale onestà architettonica da conservare e mantenere ogni passaggio che l’architettura ha registrato, in modo da consentire una lettura chiara dal XVIII secolo fino ai giorni nostri. In futuro, si prevede di inserire un archivio storico ai piani superiori, sul lato sud della chiesa.

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Pianta pian terreno/Project plans for the ground ﬂoor

Pianta pian rialzato/Project plans for the upper ground ﬂoor

Sezioni trasversali/Cross-sections

44 Nella pagina a ﬁanco: ogni intervento dell’architetto ha conservato fessurazioni, crolli e distruzioni. Il lavoro sul convento di San Francesco registra una tale onestà architettonica da conservare e mantenere ogni passaggio che l’architettura ha registrato, in modo da consentire una lettura chiara dal XVIII secolo ai giorni nostri.

On the opposite page: each area of the architect’s planning has managed to preserve the wounds, the collapses and the signs of destruction. The work performed on the convent of St. Francis expresses pure architectonic honesty that has preserved and maintained every phase of the building’s life, to allow its existence to be clearly interpreted from the 18th-century to the present day.

The architect David Closes is clearly not a fan of plastic surgery or any other procedure that eliminates the signs of time and the centuries of the past. Time also leaves its mark on building, facings, materials… Each and every element carries the nostalgic patina of the past; time removes the gloss, it destroys, it leads to collapse, it demolishes roofs and floors. Yet every trace must be maintained, like the lines on a face that reflect the spirit of his existence. The convent was constructed in the 18th-century by the Franciscan monks and destroyed in 1835, just the start of progressive deterioration that concluded in 2000; only the church was left standing, though in a state of total ruin. In 2003, a program to reclaim the property was initiated; however, the quality of the building construction techniques in the church was modest, particularly where the horizontal elements were concerned (roof and vaults). Despite the pitiful state of repair, the interiors preserved some interesting quality features. Thanks to the damage to the roof and the vault, natural light floods inside, transforming the church into a divine and majestic entity.

ARCH

The project by Davide Closes aims to transform the church into an auditorium and a multifunctional cultural facility. The plans not only managed to preserve the original dimensions of the church but also the bizarre blaze of light from the collapsed roof. None of signs of the deterioration process were eliminated: the colors of the past, the wounds and collapses were preserved. Instead of reconstructing, the architect decided to consolidate the older part of the building, with clear separation from the new elements and additions. The volumes were cleverly designed, and the vertical accesses and the stairwells were installed on the outside of the walls, as though resting against the old walls of the church – this serves to preserve the interiors. Moreover, the new stairwells and ramps create an unusual circular pathway across the building, with breathtaking views. In their work with similar projects, the architects usually identify with a specific historic period of the building that they will preserve and enhance; this was not the case because the work on the convent of St. Francis is so honest in architectonic terms that it has managed to preserve and maintain every event and influence in the building’s life; this consents the clear interpretation of its existence from the 18th-century to the present day. In the future, archives relative to its past will be created in the upper floors of the church’s south elevation.

Ruins transformed into gems, architecture embellished with wounds and scars, a convent converted into an auditorium. The plans by David Closes materialized by Santpedor, Spain

Pianta primo piano/Project plans for the ﬁrst ﬂoor

ARCH

The interiors of the auditorium are ﬂooded with light that blazes down from the damaged roof and vaults. The position of the curved stairwells and ramps are visible. On the opposite page, the strong combination of stone, cement and metal grids.

Gli spazi interni dell’auditorium sono bagnati di luce che entra attraverso il tetto e la volta crollati. Visibile l’inserimento delle scale e delle rampe con andamento circolare. Nella pagina a ﬁanco: l’accostamento forte della pietra con il cemento e le griglie metalliche.

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ARCHITETTURA ARCHITECTURE

RIQUALIFICAZIONE REQUALIFICATION

Txt: Paola Molteni

METRO ARMONICO A HARMONIC COMPOSITION

Project: Opus 5

Un intervento di rilievo quello compiuto dagli Opus 5 che, nell’antico sito del convento a Louviers, in Normandia, si sono occupati della progettazione di una scuola di musica. Un complesso che si proietta nel futuro, rispecchiando il passato

In alto: l’incastro perfetto tra nuovo e vecchio. Il progetto della scuola di musica si sviluppa nel pieno rispetto dell’antico convento. Nella pagina a ﬁanco, in alto: dettaglio del pannello prefabbricato montato sulla struttura metallica. In basso: il chiostro davanti al corpo principale del nuovo progetto che si presenta come una scatola vetrata e schermata (foto Luc Boegly).

Top: the perfect link between the old and the new. The plans for the school of music have been drafted in full respect of the ancient monastery. On the opposite page, top: close-up of the pre-fabricated panel with its metal support structure. Bottom: the cloisters in front of the main block of the new build, a screened glass box (photos Luc Boegly).

“Architecture et musique sont sœurs, très intimes …, l’architecture est dans la musique, la musique dans l’architecture”. (L’architettura e la musica sono sorelle, assai vicine… l’architettura è dentro la musica, la musica è dentro l’architettura). Queste le parole di Le Corbusier che ha sempre considerato le due arti come linguaggi legati allo spazio e al tempo, due importanti contenitori, spaziale e temporale, che poggiano le loro basi sul numero, sulla misura, sulla simmetria e sulla proporzione, in poche parole, sull’armonia. Ed è proprio questa la caratteristica principale del progetto sviluppato dagli Opus 5 che hanno saputo trattare con maestria le due arti ‘sorelle’. L’antico convento dei Penitenti, a Louviers era un complesso nato da stratificazione successive, il monastero fu edificato tra il 1646 e il 1659 dai Francescani, con una chiesa che si ergeva a Ovest e due ali conventuali attorno all’edificio centrale. Nel 1789 il complesso subì numerosi cambiamenti che trasformarono il convento in una prigione e la chiesa in un tribunale. Dopo successivi lavori che hanno portato a numerose demolizioni, l’edificio nel 1990 fu usato come scuola di musica. I resti del convento, il fiume ‘l’Epervier’, la combinazione di vegetazione, acqua e pietre hanno contribuito a creare quell’armonia magica che lega oggi l’architettura alla musica nella Scuola Louviers. Il brief prevede la progettazione di una scuola funzionale, un edificio moderno che però guardi con rispetto i reperti del passato. Ventiquattro classi, un archivio per gli spartiti e due grandi sale concerto: si tratta di un intervento importante con la parte costruita più estesa di quella esistente. Il risultato è un complesso omogeneo dove il ‘nuovo’ domina ‘l’antico’, ma dove è possibile respirare ancora l’atmosfera mistica e religiosa fondamentale per avere concentrazione e isolamento, esigenze importanti in una scuola di musica. Nella parte a Sud, di fronte allo specchio d’acqua, si sviluppa il corpo principale con la hall della sala concerto che rappresenta l’emblema della scuola. Si tratta di una scatola vetrata con schermature, strisce riflettenti che salgono verso il cielo, un’immagine poetica del suono, un’eco della musica, ma anche un modo per riflettere il passato specchiando le rovine e i resti dell’antico convento. Le facciate laterali sono fatte di pannelli prefabbricati in cemento con spessore 8 cm e larghezza di 180 cm con altezza variabile. Questi pannelli, tagliati seguendo la superficie della antica muratura, sono rinforzati e fissati su struttura metallica che oltre ad avere un ruolo funzionale crea uno spartiacque tra passato e futuro.

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Opus 5 has achieved great heights in the project on the ancient site of the former convent in Louviers in Normandy. The brief was to design a School of Music oriented to the future while mirroring the past “Architecture et musique sont sœurs, très intimes …, l’architecture est dans la musique, la musique dans l’architecture”. (Architecture and music are sisters, close friends… architecture is part of music, music is inside architecture). Le Corbusier has always considered these two art forms as languages entwined with space and time, as two important spatial and temporal containers; they base their creativity on numbers, measurements, symmetry and proportions, in other words on harmony. This was the main feature of the design, developed by the designers of Opus 5, and it skilfully managed the two ‘sister’ art forms. The ancient Monastery of the Repentant was a complex founded on successive stratiﬁcations; it was built by the Franciscan monks between 1646 and 1659; there is a Church on the West of the site and the two dormitory structures were created around the central block. In 1789, the religious complex was subjected to a number of transformations over the years – the dormitories were converted into a prison structure and the church itself was transformed into law courts.

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The subsequent changes led to demolition and transformation of the complex; in 1990, it emerged as a School of Music. The monastic ruins, the River Epervier, the combination of vegetation, water and stone contributed to creating that magical harmony that today binds architecture inextricably to the Louviers School of Music. The project brief commissioned the design of a school that would be functional; a modern building that showed evident signs of the past. There are 24 classrooms, a ﬁling system

for the sheet music and two large concert halls: it was an important project with the new build is more extensive that the existing walls. What results is a homogeneous complex where ‘the new’ dominates ‘the old’; however, it is still possible to breathe that mystical and religious atmosphere that is essential for meditation and retreat, unavoidable ingredients in a School of Music. In the southern portion of the site, in front of the stretch of water, the architects have created the main block

Planimetria/Site plan

Pianta piano terra/Layout plans for the ground ﬂoor

In alto: due viste 3D che mostrano il complesso prima dell’intervento e dopo. Nella pagina a ﬁanco: la vetrata riﬂettente del corpo aggiunto (foto: Bruno Decaris) e le arcate dell’antico complesso conventuale (foto: Luc Boegly).

Pianta piano primo/Layout plans for the ﬁrst ﬂoor

Top: two 3D views that illustrate the complex before and after the development. On the opposite page: the reﬂecting glass of the new block (photo: Bruno Decaris) and the archways of the ancient monastic building (photo: Luc Boegly).

Pianta piano secondo/Layout plans for the second ﬂoor

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containing the concert hall that is the core symbol of the School of Music. It is a glass box with reflecting strips that dissolve and disappear towards the sky, a poetic image of sound, a musical echo, but also reflections of the past by mirroring the ruins and the remains of the ancient religious building in the new construction. The lateral facades have been created using prefabricated cement panels, of varying height a width of 180 cm and thickness of 8 cm. The panels have been cut to match the surface contours of the ancient walls. These panels are reinforced and fixed to a metal structure that has a functional role in the complex and creating an interface between the past and the future.

Dettaglio di facciata/Close-up of the facade

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Prospetto Nord/North elevation

Prospetto Ovest/West elevation

In questa pagina e in quella a ﬁanco: foto dell’interno della scuola che comprende ventiquattro classi, un archivio per gli spartiti e due grandi sale concerto (foto: Luc Boegly). On this page and on the opposite page: photo inside the school that counts 24 classrooms, a ﬁling system for the sheet music and two large concert halls (photos: Luc Boegly).

Sezione trasversale/Cross-section

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ARCHITETTURA ARCHITECTURE

RIQUALIFICAZIONE RIQUALIFICATION

Txt: Francesca Tagliabue Ph: Krzysztof Ingarden

NUOVO ORDINE NEW ORDER

Project: Ingarden & Ewy Architects (IEA)

La forme contemporanee di un nuovo centro culturale a Cracovia si inseriscono alla perfezione in un brano di città storica. Un progetto esemplare, tra virtuosismo e rispetto delle leggi in materia di tutela del patrimonio artistico

L’ingresso principale del Malopolska Garden, la nuova struttura polifunzionale del centro di Cracovia. Qui sopra: uno schizzo progettuale della facciata. Nella pagina accanto: quando gli interni vengono illuminati la facciata diventa completamente trasparente e i sostegno verticali scompaiono alla vista. Sotto: due maquette mostrano l’ampiezza dell’intervento. The main entrance of Malopolska Garden, the new polyfunctional facility in the center of Krakow. Above: a design sketch of the facade. On the opposite page: when the

C’è chi addita il Malopolska Garden Of Art come il ‘Centre Pompidou polacco’. Le affinità tra le due opere non sono né estetiche né di destinazione d’uso. La loro similitudine sta nel fatto di essere edifici contemporanei sperimentali nell’estetica e nella divisione degli spazi interni. Il Malopolska Garden, progettato dallo studio Ingarden & Ewy Architects (IEA), si trova a Cracovia. L’edificio è stato realizzato per unire due importanti istituzioni cittadine, il Juliusz Slowacky Theatre e la Malopolska Voivodeship Library. La struttura – che ospita un teatro, un cinema, un caffè e spazi per l’organizzazione di eventi culturali di vario tipo – è stata concepita seguendo le linee guida di mimesi ed astrazione. Il Malopolska Garden infatti si differenzia nettamente nello stile dagli edifici adiacenti, risultando tuttavia in perfetta armonia con essi. Gli architetti hanno seguito alla lettera le leggi che regolano gli interventi edilizi in contesti antichi. In sostanza, la legislazione polacca impone che i nuovi interventi abbiano continuità di funzione con le preesistenza, e la consequenzialità della nuova costruzione col teatro e la biblioteca risulta evidente fin da subito; il sito occupato dal Malopolska Garden inoltre ospitava nel XIX secolo una scuola primaria, ulteriore legame con l’ambito culturale attorno a cui gravita l’intero isolato. Appare chiaro fin da un primo sguardo anche il rispetto delle misure delle costruzioni vicine. L’altezza del Garden, infatti, è la medesima di tutto il blocco. Sono state inoltre preservate alcune pitture murarie che decoravano la vecchia scuola e persino la scelta dei materiali – vetro e mattoni rossi per la facciata – rimandano all’ex istituto scolastico. Purtroppo lo studio IEA non ha potuto preservare nulla della scuola, ma l’ampiezza della hall del Malopolska Garden è identica nella volumetria a quella in cui transitavano gli studenti prima delle lezioni. “L’idea – raccontano gli architetti - è quella di adottare le nuove forme a quelle delle architetture adiacenti, comprese le abitazioni private. La facciata del Malaposka Garden of Art reinterpreta le cornici utilizzate per scandire i fronti su strada delle case, e perfino i colori scelti per le finiture sono in armonia con il resto del quartiere. Il codice stilistico scelto è geometrico, ma adatto all’intorno”. La reinterpretazione in chiave contemporanea dello stile tradizionale locale è forse il maggior punti di forza del Malopolska Garden of Art; certamente una delle caratteristiche che hanno permesso al complesso (e ai suoi progettisti) di essere apprezzati e di ricevere diversi premi anche fuori dai confini polacchi. interiors are illuminated, the façade becomes completely transparent and the vertical columns disappear from view. Below: two models show the extent of proceedings.

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The contemporary design of a new cultural center in Krakow slides perfectly into a district in the historical city. An exemplary project based on the inventiveness and respect for the laws that protect the country’s artistic heritage Some people have grouped the Malopolska Garden Of Art and the “Polish Pompidou Centre”. The afﬁnity between the two buildings is not related to the appearance nor to the destination of use. The similarities lie with the fact that they are both experimental contemporary buildings with innovative esthetics and unusual interior space division. The Malopolska Garden of Art, designed by studio Ingarden & Ewy Architects (IEA), is located in Krakow. The building was aimed to link two important facilities in the city: the Juliusz Slowacky Theatre and the Malopolska Voivodeship Library. The complex will house a theater, a cinema, a coffee-bar and halls ideal for a range of cultural events; it was designed according to the guidelines of ‘camouﬂage and abstraction’. The style of the Malopolska Garden of Art is completely different to the surrounding buildings yet manages

to maintain wonderful harmony. The architects closely followed the planning regulations that govern building constructions in ancient contexts. In other words, Polish legislation states that the new projects must have functional continuity with the theater and the library, and this is clearly obvious in the end-result. During the 19th-century, the site occupied by the Malopolska Garden of Art was previously occupied by a primary school, an additional link with the cultural history of the entire block. The new build reiterates the harmony of the proportions portrayed the nearby constructions, with the height of the Garden of Art equal to the nearby buildings. Some of the wall paintings that decorated the walls of the old school have been preserved – the glass and red brick façade is another reference to the former school building. Unfortunately, studio IEA 55 was unable to save anything from the school; however, the width of the hall in the Malopolska Garden of Art is identical to the corridors that children would run along between lessons. The architects explained: ‘The idea is to adopt the new shapes to those of the adjacent constructions, including the private homes. The façade of the Malaposka Garden of Art

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re-presents the cornices used to deﬁne the street-side elevations, and even the colors selected for the surface ﬁnishes blend with the other buildings in this district. The style chosen is geometric and beautifully suits the surroundings’. The traditional local style has been re-interpreted in a

contemporary key and is possibly one of the strong points in the design of theMalopolska Garden of Art; and these are just some of the characteristics that won the design (and its architects) a number of prizes on both the domestic and international markets.

Il Malopolska garden collega due istituzioni culturali già esistenti, un teatro e una biblioteca. Il passaggio tra i due blocchi è risolto con un’alta copertura che protegge un giardino ‘minimalista’ con piante basse e qualche panchina.

The Malopolska Garden connects two existing cultural institutions – a theater and a library. The passageway between the two blocks lies beneath a high-level roof that protects a minimalist garden with low shrubs and plants surrounding the occasional bench.

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Da alcuni sopranominato il ‘centro Pompidou polacco’, il Malopolska Garden diventa leggero ed etereo durante la notte. Qui sopra: un close up sulla facciata mostra l’insolito accostamento di bow window e sostegni verticali.

Some people have described this as the ‘Polish Pompidou Centre’; the Malopolska Garden becomes light and ethereal during the night. Up: a close-up view of the facade shows the unusual combination of bow windows and vertical supports.

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Pianta del piano terra/Layout plans for the ground ďŹ&#x201A;oor

Diversi gli spazi ricavati allâ&#x20AC;&#x2122;interno della nuova struttura, persino ampie sale dove organizzare mostre temporanee o convegni di ogni tipo. Nella pagina a ďŹ anco: la sala cinema. A number of different spaces have been created inside the new structure, including large halls that can be used to host a wide range of events, such as temporary exhibitions or conferences. Opposite: the cinema hall.

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I due prospetti principali/Two main elevations

Sezione DD/Section DD

Sezione AA/Section AA

Sezione BB/Section BB

Sezione EE/Section EE

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ARCHITETTURA ARCHITECTURE

RIQUALIFICAZIONE RIQUALIFICATION

Txt: Francesca De Ponti Ph: Nigel Young/Foster + Partners

FORME IN DIALOGO INTERFACING SHAPES

Project: Foster + Partners

Ha riaperto le porte all’inizio dell’estate la Stadtische Galerie im Lenbachhaus di Monaco, oggetto di un interessante intervento di restauro e ampliamento ad opera dello studio Foster + Partners Il progetto, avviato nel 2009, prevedeva il recupero e l’adeguamento funzionale dell’edificio ottocentesco appartenuto al principe-pittore Franz von Lenbach (1836-1904), acquistato dalla città di Monaco nel 1925 e divenuto un’importante galleria d’arte municipale (soprattutto a partire dal 1957, quando ricevette in donazione gli oltre 400 dipinti ad olio e acquerelli collezionati da Gabriele Münter). Parte integrante dell’incarico era la creazione di un nuovo volume destinato ad accogliere i lavori degli artisti affiliati alla corrente del ‘Cavaliere azzurro’ (diffusasi nella capitale della Baviera nel primo Novecento), fiore all’occhiello del museo. Tema chiave dell’intervento era dunque quello del rapporto con la preesistenza, data da un corpo di fabbrica a tre ali, sviluppato attorno ad un giardino, che era già stato oggetto di numerose aggiunte e in cui ormai cominciavano ad affluire circa 280.000 persone all’anno. Riconoscendo il valore, anche simbolico, del complesso, gli architetti hanno scelto la strada del dialogo, riportando la villa a nuova vita mediante una serie di lavori miranti ad eliminare le superfetazioni e a migliorare gli accessi, e completandola con un volume che – pur avendo un volto contemporaneo – vi si accosta con delicatezza, in quanto ne riprende colori e proporzioni. La nuova ala, ricoperta da vibranti lamelle di Tecu®Gold dell’azienda KME e concepita come uno scrigno, s’innesta infatti coraggiosamente nel tessuto esistente, assolvendo a pieno alla sua funzione espositiva ed enfatizzando, per contrasto, la qualità architettonica dell’edificio che le sorge accanto. Edificio che, soprattutto in prossimità dell’ingresso, e nella porzione perimetrale inglobata e ‘messa sotto teca’, ritrova tutto il plasticismo dell’epoca in cui fu costruito. Per quanto riguarda la galleria nel suo complesso, gran parte degli sforzi si sono concentrati sul tema della distribuzione, perché gli interventi che si erano succeduti nell’arco del secolo scorso avevano trasformato il percorso allestitivo in una sequenza di stanze astrusa e disordinata, assolutamente inadeguata alla corretta fruizione delle opere. Ecco dunque un atrio a tutt’altezza, da cui si dipartono le scale mobili, che introduce alla nuova ala così come alla villa e al giardino. E nuovi percorsi interni, arricchiti da facilities, tra cui un ristorante, una terrazza e alcuni ambienti destinati all’educational. All’interno delle stanze propriamente adibite a museo, che oggi si snodano appunto tra il manufatto dorato e l’edificio ottocentesco, gli architetti hanno lavorato sul miglioramento della percezione delle opere, ‘ripulendo’ gli ambienti dal superfluo e facendo in modo che la luce naturale potesse entrare con la giusta incidenza mediante lunghi tagli a soffitto. Il risultato è uno spazio dedicato all’arte, in cui si svolgono anche mostre temporanee ed eventi, contemporaneo e altamente fruibile, che trae la sua identità dal rapporto osmotico tra passato e presente.

The project commenced back in 2009 with the objective of recovering and restoring the functional activities of the 19th-century building that belonged to the Painter-Prince Franz von Lenbach (1836-1904); it was purchased by the Munich city administration in 1925 and was transformed into a civic art gallery (particularly from 1957 when more than 400 oil and watercolor paintings were donated by Gabriele Münter). An integral part of the brief was the creation of a new wing for the works by artists afﬁliated to the ‘Blue Horseman’, a movement that was popular in Munich at the start of the 20th-century, of which the museum goes proud. The key issue of the project was the relationship with the existing buildings, with the development of a three-wing building that wraps around a garden; the garden had been extended in the past and attracts approximately 280,000 visitors each year. In recognition of the formal and symbolic value of the complex, the architects opted for dialogue, revitalizing the villa

ARCH

with a series of projects that eliminated the superfluous; they improved the access points, creating a contemporary yet delicate volume, inspired by the existing colors and proportions. The new wing, covered in bright Tecu®Gold by KME slats and designed like a casket, slides courageously into the existing urban fabric. It satisfies the needs for an exhibition facility and also enhances the architectonic qualities of the nearby buildings. Particularly, close to the entrance and in the roofed peripheral areas, the building re-iterates the typical qualities of the historic period in which it was built. Generally-speaking, most of the energy in the gallery has been concentrated into the distribution networks; over the years, subsequent interventions had transformed the exhibition pathway into a sequence of disjointed and untidy rooms, that were completely inappropriate for the correct presentation of the works of art. The architects created a new full-height lobby with escalators that lead to the new wing, the villa and the garden. The new interiors have been enriched with a number of visitor facilities, including a restaurant, a terrazzo and some educational facilities. Inside the museum halls, that now wind their way through the gilding and the walls of the 19th-century building, the architects improved how the works of art are perceived, ‘stripping’ the rooms of the superfluous and ensuring that natural light can enter at an appropriate angle through long slits in the ceiling. The result is a space dedicated to art; here, short-term contemporary exhibitions and events can been organized and enjoyed by the visiting public; its identity is defined by the osmotic relationship between the past and the present.

The doors of Munich’s Stadtische Galerie im Lenbachhaus re-opened at the beginning of Summer 2013, following an interesting restoration and extension project by Foster + Partners

A sinistra: una pianta del sito che evidenzia il rapporto tra il nuovo volume e il corpo di fabbrica ottocentesco. In alto e nella pagina accanto: due scorci del volume rivestito in Tecu® color oro della KME, che oggi costituisce l’ingresso al museo e il suo naturale ampliamento. Left: a layout of the site highlighting the relationship between the new volume and the 19th-century building. Top and on the opposite page: two shots of the volume coated in gold-colored Tecu® by KME. This is now the entrance to the museum and its natural extension.

ARCH OF

Pianta piano terra/Ground ﬂoor plan

Rendering e foto esemplificano chiaramente l’innesto tra il vecchio edificio a tre ali, articolato attorno ad un giardino, e il nuovo volume che si allunga fino ad inglobare parzialmente la preesistenza, dotato di un’identità cangiante e contemporanea. Rendering and photos clearly exemplify the connection between the old building and its three wings, positioned around a garden, and the new volume that extends to partially engulf the existing structures, expressing a changing contemporary identity.

Pianta primo piano/First ﬂoor plan

ARCH OF

Sezione trasversale/Cross section

Sezione longitudinale/Long section

Lenbachha

Pianta secondo piano/Second ďŹ&#x201A;oor plan

ARCH OF

Il grande atrio d’ingresso, attraversato da scale a nastro e illuminato dalla scultura in metallo e vetro Wirbelwerk di Olafur Eliasson. Nella pagina accanto: un’altra vista dell’atrio/reception e alcune viste degli interni.

The large lobby, crossed by stairways and illuminated by sculptures in metal and glass ‘Wirbelwerk’ by Olafur Eliasson. On the opposite page: another vision of the reception lobby and some views of the interiors.

ARCH OF

Altre immagini della nuova Lenbachhaus. In evidenza: il costante dialogo tra i corpi aggiunti e le porzioni storiche dell’ediﬁcio e l’attento studio della luce, che prevede l’uso di lucernari così come di pioneristiche soluzioni LED. More shots of the new Lenbachhaus. Note the constant dialogue between the new additions and the historical portions of the building and the careful lighting design that includes the use of skylights in association with ground-breaking LED ﬁttings.

ARCH OF

ARCHITETTURA ARCHITECTURE

RIQUALIFICAZIONE REQUALIFICATION

Txt: Francesca De Ponti Ph: Stamers Kontor/www.stamerskontor.dk

LEZIONE DI STILE LESSONS IN STYLE

Project: MLRP Project leader: Robert Warren Paulsen Collaborators: Engineers: Grontmij A/S Landscape: GHB Landscape A/S Contractor: A.F.Hansen Client: City of Copenhagen (CAU) and a donation from the fund of A.P.Møller and Wife Chastine Mc-Kinney Møller

La ‘casa degli specchi’ che lo studio MLRP ha progettato per i bambini di Copenhagen. Interessante esempio di architettura della riconversione, che lavora sull’esistente e insegna come ovviare, con grande eleganza, alla mancanza di budget

68 Due scorci della Mirror House di Copenhagen, concepita come un ediﬁcio-giocattolo che invita all’interazione e si mimetizza nel paesaggio. Two shots of the Mirror House in Copenhagen, designed as a play-building that invites interaction; it slides unobtrusively into the landscape.

Poco prima dell’estate ‘Sette’, allegato del ‘Corriere della Sera’, ha pubblicato un interessante articolo di Agostino Gramigna, con foto di Alessandro Gandolfi, sulla città fantasma che “vive dentro Milano”. Ovvero, su quei 700 ettari di aree abbandonate (sedici volte il Vaticano!), che comprendono ex scuole, piscine liberty, stazioni in disuso e addirittura edifici manifesto del Moderno (tra cui l’Istituto Marchiondi di Vittoriano Viganò) consegnati all’abbandono. Di lì a pochi giorni, l’Assessore alla Mobilità dello stesso Comune si è rivolto ai cittadini per cercare suggerimenti validi alla riconversione del nuovo (e mai finito) tunnel di 970 metri eretto tra via Gattamelata e Viale De Gasperi, che era stato pensato per servire la Fiera prima che questa si spostasse a Rho-Pero. E che oggi giace in disuso come uno scheletro mai nato. Il tema della trasformazione è dunque più che mai all’ordine del giorno, soprattutto se si pensa che, nel Mondo Occidentale, gran parte del risparmio energetico può venire solo dalla riconversione di edifici esistenti e dal loro adeguamento a nuovi standard ambientali. E che non sempre, per far qualcosa di corretto e prezioso che migliori la qualità della vita delle persone, è necessario disporre di enormi budget. Piace dunque segnalare un progetto che, nello stesso periodo di cui stiamo parlando, ma ad altre latitudini, l’anno scorso riceveva una menzione d’onore all’interno del premio Red Dot. Ricordandoci come in molti Paesi del Nord Europa il problema del recupero, e della memoria, sia ormai entrato a far parte della prassi architettonica. L’intervento, immaginato – o forse faremmo meglio a dire inventato – dallo studio MLRP, prevedeva la rimessa a nuovo di un anonimo edificio di mattoni in disuso, integralmente ricoperto di graffiti, all’interno dell’Interactive Playground Project di Copenhagen. E la sua trasformazione in uno spazio di gioco per i bambini: quindi in qualcosa di ludico, solare, aperto al paesaggio, invitante. L’idea, geniale per la sua semplicità, è stata quella di non toccare la forma esistente, ma di lavorare solo sul rivestimento, avvolgendo il volume con una ‘pelle’ di legno trattato a caldo che si prolunga dalle facciate al tetto, dotandolo di una nuova integrità. Ma soprattutto, di introdurre grandi superfici riflettenti, che sembrano quasi annullare i contorni delle cose e arrivano ad annegare la materia fisica nel paesaggio. Il risultato è una grande scatola magica, che ricorda la fiaba capolavoro di Lewis Carrol, ma anche le ultime opere di Anish Kapoor. Capace di attrarre i bambini con il potere deformante degli specchi, ma anche di porsi come naturale completamento di un progetto urbanistico più complesso, in dialogo con la città. Inulte dire che l’intervento, realizzato con un grosso contenimento dei budget, ha preso le mosse dall’uso di materiali certificati (tra cui il Termo Wood®) e ha previsto anche l’adeguamento energetico.

ARCH OF

PROJEKT GRĂ&#x2020;NSEFLADE

Pianta del sito/Site-plans

Pianta/plans

Prospetto Nord-Ovest + Sud-Ovest/North-West + South-West elevations

Prospetto Sud-Est + Nord-Est/South-East/North-East elevations

ARCH OF

ﬂuous to state that the project, with its tight budget constraints, used certiﬁed building materials (such as Thermo Wood) and focused on optimization of energy consumption.

It will attract the children thanks to the deforming qualities of the mirrors, and will also be a natural complement in a more complex urban development plan, interfacing with the city. It is super-

6070

1482 118 56 92 56 118 56 118 56 92 56 118 56 118 56 92 56

r.k. til eksist. skorsten +50mm

r.k. 5,20m

ny sort malet varmbehandlet bræddebeklædning, 22mm

0 40°

ny stålramme konstruktion, henvises til ing. projekt

Detajle henvises til tegn. nr.

demonterbart parti til rensning af eksist. tagrende module længde1,08m

ny vandret liste træ, 45x45mm

ny stål konstruktion, henvises til ing. projekt ny stålramme konstruktion, henvises til ing. projekt

71 Eksist. ovn

ny 100mm isolering med membran 497

r.k. 00,10m

147

367

r.k. 2,10m (top af eksist døre og vindue hul) ny sort malet varmbehandlet bræddebeklædning, 22mm

50 25

900

r.k. 2,40m (stål samling)

900

Just prior to Summer, the magazine ‘Sette’ supplied with Italy’s daily broadsheet paper ‘Corriere della Sera’, published an interesting article by Agostino Gramigna, with photos by Alessandro Gandolﬁ; it dealt with the ghost city ‘inside Milan’. In other words, the 700 hectares (1750 acres) of abandoned space (equivalent to 16 times area covered by the Vatican City in Rome!); there are former school buildings, period swimming pools, derelict stations and even some examples from the Modern Movement (including the Marchiondi Institute by Vittoriano Viganò) that have fallen into disrepair. The City Transport Administrators appealed to the public for their valid suggestions for the conversion of the newly-built (and never completed) tunnel that extends for 970 meters between Via Gattamelata and Viale De Gasperi. It was designed for the Milan central Fiera exhibition quarters before the decision was taken to move them to the suburban Rho-Pero location. The tunnel has been lying forgotten and useless for years. The topic of transformation is always on the agenda, particularly given that

in the Western World, maximization of energy saving can result only from the conversion of the existing buildings and their adaptation to the new environmental standards. It should also be pointed out that correct and valid modifications will not always improve people’s quality of life, and to do it an enormous budget is not always required. Other projects built elsewhere in the world during these last years also deserve a mention. In most countries of Northern Europe, recovery and restoration of period properties is a run-of-the-mill procedure. The plans for this project were designed, or invented, by studio MLRP and involved the conversion of an anonymous abandoned brick building, heavy with unsightly graffiti, into part of the Interactive Playground Project in Copenhagen and a transformation into a children’s play area. It is a wonderful leisure facility, that is bright, inviting and open to the surroundings. The idea is ingenious thanks to its simplicity; the architects did not interfere with the existing shape but worked on the façade, wrapping the building in a ‘skin’ of heat-treated wood that extends from the skin to the roof, injecting a new degree of integrity. But above all, it introduces large reflecting surfaces that appear to eliminate any outlines, submerging the physical dimensions in the landscape. The result is a large magical box that appears to have been inspired by fairytale by Lewis Carrol, or by the latest creations by Anish Kapoor.

100

The ‘house of mirrors’ was designed by Studio MLRP for the children of Copenhagen and is an interesting example of an architectonic reconversion project. The plans develop the existing buildings and elegantly sidestep the constraints of the limited budget

r.k. 00,00m 320

ny vende/punket fundament henvises til ing. projekt

Dettaglio sezione/Detailed section

ARCH OF

Altre immagini della ‘Casa degli Specchi’, interamente avvolta da listelli di TermoWood®. Il progetto è nato dal recupero di un anonimo edificio in mattoni abbandonato e ricoperto di graffiti. Additional shots of the ‘House of Mirrors’ completely cladded in heat-treated TermoWood®. The project was based on the recovery of an anonymous brick construction that had been abandoned and covered with unsightly graffiti.

ARCH OF

ARCHITETTURA ARCHITECTURE

RECUPERO RECYCLING

Txt: Francesca Tagliabue Ph: Nicolas Borel

ARCHITETTURA A TINTE FORTI ARCHITECTURE IN STRONG COLORS

Project: Jakob + MacFarlane Architects

Nuovi sistemi di comunicazione e trasporto delle merci rendono le zone dei dockland brani di città da recuperare. Riconversioni e nuovi edifici portano ventate d’aria fresca in queste ex zone industriali con magazzini. Anche a Lione… Un tempo il porto vecchio di Lione era crocevia di uomini e commerci, un susseguirsi di magazzini per i diversi materiali, caselli e edifici per il controllo del traffico nautico. La città francese è attraversata da due grandi fiumi (la Saona e il Rodano), anni fa vitali vie di comunicazione, oggi semplicemente maestosi corsi d’acqua. Il quartiere del porto vecchio è stato recentemente sottoposto a un ampio processo di recupero e riconversione, coordinato dal VFN – Voies Naviguables de France (Percorsi Navigabili di Francia). Le architetture più vecchie sono state trasformate in spazi per terziario e ne sono state edificate altre nuove. Tra queste il Cube Orange, il nuovo landmark firmato dallo studio Jakob + MacFarlane Architects. Si tratta della nuova sede dello showroom di design RBC Mobilier, specializzato nella vendita di arredamento contemporaneo delle migliori marche internazionali. Tra le tante: Knoll, Cappellini, Kartell, Poliform, Moroso, Cassina, Driade, Poltrona Frau, Vitra, Flos e Artemide. La costruzione, adiacente alla vecchia marina, è un semplice cubo arancione acceso con facciate decorate con ‘buchi’ di differenti dimensioni. Il colore è stato scelto dagli architetti perché è la tipica tonalità utilizzata nelle zone industriali portuali. I cinque piani fuori terra sono sostenuti da una maglia di pilastri di cemento armato e finiti con una ‘doppia pelle’ in acciaio arancione decorato con un pattern a cerchi di differenti dimensioni. Il motivo a buchi si ripete costante su tutti i fronti, mentre quello principale che si affaccia sul fiume è definito da un susseguirsi di vuoti e pieni. I tre vuoti più grandi si trovano rispettivamente in corrispondenza della zona di ingresso, dell’angolo sinistro della facciata e del tetto piatto terrazzato da cui si gode una favolosa vista su Lione. Il Cube Orange cambia aspetto a seconda del punto da cui viene osservato, ma i vuoti non sono solo un espediente estetico. I buchi infatti sono zone di collegamento tra i veri piani del palazzo, balconi utili a creare connessioni e favorire l’interazione tra le persone che lavorano all’interno della struttura. Il lavoro di Jakob + MacFarlane Architects è stato concepito seguendo le principali linee guida in fatto di risparmio energetico, perseguendo il massimo del comfort luminoso e termico all’interno. Tutti gli spazi hanno delle aperture da cui filtra la luce naturale e un sistema di filtraggio naturale favorisce il ricircolo dell’aria all’interno.

Il ‘Cubo arancione’, nuovo simbolo della Lione contemporanea, si trova nella zona dei dockland, la vecchia area portuale e commerciale della città francese. Nella pagina accanto: una vista della facciata principale, caratterizzata da un rivestimento metallico color arancione acceso.

The ‘Cubo arancione’ (Orange Cube) symbolizes contemporary Lyons and is located in the city’s docklands, the old marittime commercial hub of this famous French city. On the opposite page: a view of the main elevation, with its eye-catching bright orange metallic facing.

ARCH OF

Pianta del piano terra/Layout plans for the ground ﬂoor

Pianta del quarto piano/Layout plans for the fourth ﬂoor ‘CHIMNEY EFFECT’ VENTILATION

PERFORATED FACADE 70% OPACITY SOLAR REDUCTION

CROSS VENTILATION THERMAL FACADE 50% OPACITY THERMAL LOSS (WINTER)

UNDER RIVER HEAT PUMP

Sezione con ‘accorgimenti ecologici’/Cross-section showing the ‘ecological installations’

New systems of communication and goods transportation transform the docklands into areas of the city ideal for redevelopment. Conversions and new buildings inject a breath of fresh air into these former industrial precincts with warehouses. Even in Lyons… In the past, the old docklands of Lyons was a crossroads of men and merchan76 dise, an endless ensemble of warehouses for a whole range of merchandise, jetties and buildings for sea-trafﬁc control. This French city of crossed by two large rivers (the Saona and the Rodano), in the past very important communication routes but today just majestic stretches of water. The old docklands district was recently subjected to a comprehensive process of recovery and conversion, coordinated by

Uno scorcio interno della zona ‘introﬂessa’, studiata dai progettisti per garantire abbondante luce e un continuo ricircolo d’aria negli interni.

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Pianta del quinto piano/Layout plans for the ﬁfth ﬂoor

Lo showroom multimarca RBC Mobilier si trova proprio accanto alla vecchia marina di Lione; questo edificio è stato recuperato e destinato ad attività del terziario. In basso: la facciata principale con l’angolo ‘introflesso’ e un close up sul rivestimento arancione. The multi-brand showroom RBC Mobilier is located right beside the old Marina in Lyons; this building was restored and is now destined to be used as office or commercial premises. Bottom, the main façade with the ‘introflexed’ corner and a closeup of the bright-orange facing.

An interior view of the ‘introﬂexed’ zone that the architects created to ensure abundant light and a continuous recirculation of air through the interiors.

Sezione longitudinale (con i parcheggi sotterranei)/Longitudinal section (with the underground parking lots)

VFN – Voies Naviguables de France (The French Waterways authorities). Office buildings emerged from the conversion of the older buildings and additional new builds. Among them Cube Orange, the new landmark construction designed by Jakob + MacFarlane Architects. This is the new showroom of the design company RBC Mobilier, specialized in the sales of contemporary furnishings produced by top international brands. These include: Knoll, Cappellini, Kartell, Poliform, Moro- 77 so, Cassina, Driade, Poltrona Frau, Vitra, Flos and Artemide. The building lies close to the old marina and is a simple bright-orange cube with the façade decorated with ‘holes’ of different sizes. The architects selected the color orange because it is commonplace in dockland areas. The five floors above ground have been supported by

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a network of reinforced concrete pillars and finished with a ‘double skin’ in orange steel decorated with a pattern of circles in different sizes. This hole motif is repeated again and again on all fronts; the main façade that overlooks the river is defined by a progression of empty and full volumes. The three largest opening correspond to the entrance, the left corner of the façade and the flat terraced roof that provides breathtaking views over Lyons. The appearance of Cube Orange changes appearance depending on the observation point; however the openings are not the only esthetic expedient. The holes are actually links between the various floors of the building, balconies that prove useful for creating connections and encouraging interaction between people who work inside the structure. The project designed by Jakob + MacFarlane Architects followed the principle guidelines in terms of energy saving to produce optimal luminous and heat comfort inside the building. All of the spaces are complete with window openings that allow natural light to flood inside and a natural filter system to encourage recirculation of air inside the building.

In alto a destra: all’ultimo piano è stato ricavato un grande terrazzo, dove dipendenti e avventori possono rilassarsi. Qui sopra e nella pagina accanto: alcuni ambienti dello showroom multimarca. Tutti gli spazi hanno aperture verso l’esterno e sono quindi pieni di luce naturale.

Top right: on the top ﬂoor, there is a large terrace, an ideal place where staff and visitors can take time out and relax. Above and on the opposite page: some areas inside the multi-brand showroom. All sectors interface with the outside and consequently are ﬂooded with natural light.

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ARCHITETTURA ARCHITECTURE

RIQUALIFICAZIONE REQUALIFICATION

The Shard

Guy’s Hospital

Txt: Francesca De Ponti Ph: Dennis Gilbert

PER VOCE SOLA A LONE VOICE

Project: DSDHA

La nuova sede della gioielleria Alex Monroe, a Londra. Curioso esempio di negozio/studio/laboratorio che s’innesta nel paesaggio urbano, tra modernità e tradizione Non sempre l’architettura ha bisogno di spazio. Talvolta è un gesto: delicato, composto, deciso. Tanto più forte quanto più riesce a misurarsi con il contesto, trasformando i limiti posti dalla preesistenza nella propria speciﬁca identità. È quanto è accaduto a Londra, Snowsﬁelds, dove lo studio DSDHA ha letteralmente completato un negozio d’epoca vittoriana ‘appoggiandogli’ sopra un nuovo volume ‘gioiello’. Volume che non solo costituisce un ampliamento in senso verticale della storica bottega in legno, ma si pone anche come naturale testa d’angolo dell’isolato in cui essa è inscritta. Lavorando sul particolare e sull’universale, alla ricerca della sintesi di hegeliana memoria, perché intesa come momento di concretezza conclusiva, capace di accogliere e sublimare istanze tra loro opposte. L’intervento ha preso le mosse dalla necessità di creare una nuova sede creativa e di vendita per il marchio di gio-

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The new headquarters for the Alex Monroe jewelry company in London is a curious example of a delicious boutique/studio/workshop that slides into the urban landscape between modernity and tradition Interesting architecture does not always need large extensive spaces. Sometimes it can just be a delicate, compact, firm gesture. A building will always have a more powerful impact when it connects with the context, transforming the restrictions associated with the existing buildings into something advantageous. This is the story of Snowsfields, in London, where studio DSDHA literally added a new ‘gem-like’ volume to the top of a Victorian shop. It is not just a vertical extension of the old wooden construction but a logical end of the terrace. The architects worked on the fine details and on the general design to define a slice of Hegelian memory, intended as a conclusion to welcome and sublimate contrasting ideas. The project brief was the demand for new creative and sales headquarters for the Alex Monroe jewelry brand, specialized in the creation of gold and silver adornments inspired by nature. The new build was created by adding a three-floor structure above the existing period shop. It contains the design and production facilities; however, it is also an area for sharing, for lunches and meetings; it was designed to extend the daily activities on the inside to the world outside. Maximum attention was paid to the design of the facade to epitomize the ‘art of making’ typical of the production world while simultaneously exalting elegant dialogue with this historical quarter of London. This led to the idea of a sculptural façade in vibrant shades of gray and bronze, achieved through the application approach to the surface cover. The ensemble was given exciting energy In queste pagine: l’edificio che accoglie la gioielleria Alex Monroe a Londra, concepito come una prua che ‘chiude’ e allo stesso tempo prolunga idealmente l’isolato.

ielleria Alex Monroe, specializzato nella realizzazione di monili d’oro e d’argento d’ispirazione naturale. E l’ha fatto sovrapponendo al corpo storico una struttura di tre piani, in cui trovano posto i laboratori di progettazione e produzione, ma anche un’area condivisa, per pranzi di studio e meeting, e una terrazza, intesa come prolungamento delle attività quotidiane verso l’esterno. Grande attenzione è stata dedicata al tema dell’involucro, che doveva riflettere l’arte del fare tipica della manifattura, e al contempo intessere un dialogo colto con un quartiere storico di Londra. Da qui l’idea di una facciata scultorea, nelle tonalità vibranti del grigio e del bronzo, uniformemente definita dal ritmo del rivestimento. Resa viva, e quasi palpitante, da una serrata sequenza di listelli metallici che si allontanano l’uno dall’altro solo in prossimità delle finestre, in modo da consentire l’ingresso della luce (e generare un sottile effetto di spiazzamento decorativo). A livello degli interni, il progetto è caratterizzato dalla scelta di lasciare a vista la struttura prefabbricata in legno sottesa un’atmosfera calda e domestica, volutamente ‘vissuta’.

On these pages: the building that contains Alex Monroe’s jewelry enterprise, designed like a prow that closes yet extends the block.

by a copious series of metal slats that are spaced-out only in vicinity of the 81 windows (generating a subtle dynamic highly-decorative effect). Inside, one feature of the interior design was to leave the prefabricated wooden structure exposed; it runs beneath the whole extension. There was an evident preference for natural, almost raw materials that were used to create a warm, homely and lived-in ambience.

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Tower Bridge

GLA

The Shard

Una pianta del sito e altri scorci del nuovo volume, concepito come un gioiello che si innesta con delicatezza nella preesistenza. Nella pagina accanto: gli interni del negozio/laboratorio, sviluppato su quattro piani e sormontato da una terrazza che ne amplia la superďŹ cie. The layout plans and other shots of the new volume, designed as a gemstone that has been delicately set into the existing building. On the opposite page: the inside of the boutique/workshop, split over four ďŹ&#x201A;oors and lying beneath a terrace that expands its surface area.

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R Roof Terrace

3 Meeting Roo

2 Workshop

1 Studio

G Shop

B Dispatch

Ground ﬂoor plan

Underground ﬂoor plan

1 2

First ﬂoor plan

Second ﬂoor plan

83 5

3 3

5 4 1 1

Third ﬂoor plan

Roof ﬂoor plan

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ARCHITETTURA ARCHITECTURE

RESTAURO RESTORATION

Txt: Paola Molteni

Project: Cruz & Ortiz, Sevilla Restoration: Van Hoogevest Architecten, Den Haag Interiors: Wilmotte & Associés, Parijs Lighting Design: Arup Lighting, Amsterdam i.s.m. 84 Rijksmuseum, Lichtontwerp ter plaatse: Beers Nielsen, Rotterdam

ELOGIO DELLA LUCE A TRIBUTE TO LIGHT Nuova vita per il Rijksmuseum di Amsterdam e per le sue opere che si animano grazie al progetto di illuminazione curato da Philips. Dopo 10 anni di restauro, condotto da Cruz & Ortiz, il museo che possiede la più grande collezione del periodo d’oro dell’arte fiamminga, regala ai visitatori un vero viaggio nell’arte Pulsa nelle tele dei quadri e sulle superfici delle sculture come sangue. La luce illumina i volti, fa brillare le lance di combattenti, rende morbidi i tessuti dei vestiti dipinti, fa risaltare dettagli che sarebbero stati inghiottiti dall’oscurità, fa luccicare le ceramiche e sembra far navigare i velieri. Ai LED Philips è stato affidato il delicato compito di illuminare opere uniche al mondo, tra le quali quadri di Rembrandt e Vermeer. Si è trattato di un lavoro di equipe svolto con maestria da ciascuno dei partecipanti: la progettazione affidata agli architetti spagnoli Cruz y Ortiz, a guida di un team composto da Wilmotte & Associés per l’interior design e ARUP per gli aspetti strutturali e di lighting design. Cruz y Ortiz hanno lavorato sulla trasformazione dell’edificio del XIX secolo in un museo contemporaneo al quale si accede tramite un ingresso maestoso dove piove luce dal cielo. Un nuovo padiglione è stato pensato per opere d’arte asiatica e gallerie per opere del ‘900 e design moderno. Un intervento misurato il loro, in grado di far coesistere con armonia il

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In alto: il sistema di illuminazione usato all’ingresso del museo (foto: Roos Aldershoff Fotograﬁe). Nella pagina a ﬁanco: l’ingresso maestoso progettato da Cruz y Ortiz con luce che piove dal cielo (foto: Pedro Pegenaute).

Top: the illumination system used in the entrance lobby of the museum (photos: Roos Aldershoff Fotograﬁe). On the opposite page: the majestic entrance hall designed by Cruz y Ortiz architects with natural light that ﬂoods down from the sky (photos: Pedro Pegenaute).

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A new lease of life for the Rijksmuseum in Amsterdam and its works of art that spring to life thanks to the illumination project designed by Philips. Following a 10-year restoration project by Cruz & Ortiz, the museum that proudly houses the world’s largest collection of Flemish masterpieces provides its visitors with a wonderful trip through the universe of art Light energy throbs like blood, bringing life to the canvases of the paintings and to the surfaces of the sculptures. Light illuminates the faces, glints on the soldier’s spears, softens the fabrics of the painted garments, exalts details that would otherwise have been swallowed by the darkness, adds a sparkle to the ceramics and follows the motion of the ships on the high seas. The LED Philips were installed to illumi-

‘vecchio’ con il ‘nuovo’ seguendo la filosofia “Non fare ciò che non è strettamente necessario”. Tra i partner principali della ristrutturazione, Philips ha lavorato concentrandosi sull’esperienza del visitatore e sulla conservazione delle opere d’arte. Il Rijksmuseum vanta di una collezione composta da 7.500 pezzi, distribuiti su uno spazio espositivo di 9.500 mq. L’illuminazione crea un’atmosfera omogenea in grado di mettere in risalto le caratteristiche uniche di ciascuna opera. Il progetto ha puntato sulla creazione di effetti e di contrasti visivi che ricreassero fedelmente la luce naturale, quella che arriva dal cielo. “Abbiamo scelto l’illuminazione a LED perché consente di illuminare le opere d’arte nel modo migliore, facendo risaltare tutti i colori e i dettagli che l’artista ha pensato per il pubblico.” queste le parole di Tim Zeedijk, Responsabile Ufficio Organizzazione Mostre presso il Rijksmuseum. Philips si è occupata dello studio del dettaglio, dell’ideazione e dell’implementazione dei moduli di supporto delle luci (studiati da Wilmotte & Associés e Arup, progettati da Bronnenberg), migliorando ulteriormente il design e personalizzando le soluzioni di illuminazione a LED. Le strutture sostengono 3.800 apparecchi Philips StyliD dotati di Philips Fortimo LED Spotlight Module a fascio stretto e LUXEON S LED con Lumiled. Le strutture montano anche 1,8 chilometri di moduli per uplight con driver LED Xitanium. Il design compatto della superficie riflettente e le dimensioni contenute dell’apparecchio si traducono nella possibilità di ottenere fasci ristretti (<10º). Si ottiene così un fascio uniforme e netto e un’ombra incisiva da una singola sorgente, che intensifica l’aspetto della struttura e lo scintillio degli oggetti. Un esclusivo schermo antiriverbero interno è stato studiato per ridurre il riverbero proveniente dalle sorgenti luminose. Lo schermo elimina la luce diffusa periferica e minimizza il riverbero della sorgente all’interno dell’apparecchio, riducendo la necessità di filtri a nido d’ape o di coni anti-abbagliamento esterni di grandi dimensioni. L’uplight all’interno dei vari spazi della galleria è realizzata con sistemi Fortimo LED Strip. Un diffusore progettato specificatamente garantisce che i contorni troppo marcati dell’ombra determinata dall’uplight sui muri vengano attenuati. Philips sfrutta la flessibilità dei LED come sorgente luminosa digitale, combinandola con un sistema di controllo dell’illuminazione allo stato dell’arte, che consente di controllare la luce nel museo anche tramite un ipad.

Planimetria generale/General layout plans

nate some of the world’s most acclaimed works of art, including masterpieces by Rembrandt and Vermeer. The team-work cleverly exploited the skills of each member: the plans were contracted to the Spanish architects Cruz y Ortiz, who led the team that included of Wilmotte & Associés for the interior design and ARUP for the structural aspects and the lighting design. Cruz y Ortiz worked on the transformation of the 19th-century building into a contemporary museum with a majestic entrance lobby where natural light tumbles down from the sky. A new 86 pavilion has been designed for works of art from Asia in addition to galleries for 20th-century works and modern design. The plans for the project were understated and carefully balance the old with the new, according to the philosophy of “Not intentionally doing more than what is essentially needed.” Philips, one of the main partners in the enterprise, focused on the visitor’s

Una delle scale presenti all’ingresso, dalle quali poi si accede al museo (foto: Pedro Pegenaute).

One of the stairwells in the entrance lobby that provides access to the museum exhibition halls (photo: Pedro Pegenaute).

ARCH OF

Piano terra/Ground ﬂoor

Primo piano/First ﬂoor

Due passaggi all’interno del museo dove si vede l’intervento misurato in grado di far coesistere con armonia il ‘vecchio’ con il ‘nuovo’. In alto (foto: Pedro Pegenaute), sotto (foto: Jannes Linders courtesy Rijksmuseum).

Secondo piano/Second ﬂoor

Two images inside the museum showing the harmonious co-existence of the old and the new. In alto (photos: Pedro Pegenaute), below (photos: Jannes Linders courtesy of the Rijksmuseum).

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experience and the protection of the works of art. The Rijksmuseum is proud of its world famous collection of 7500 masterpieces; they are presented to the public in an exhibition facility covering 9500 sq.m. The lighting design creates a uniform atmosphere that can highlight the unique characteristics of each work of art. The lighting design project by Philips focused primarily on creating interesting visual effects and contrasts that would faithfully mimic the properties of natural light. Tim Zeedijk, Manager of the Exhibition Organization Department of the Rijksmuseum explained: “We opted for LED lighting as it illuminates the works of art in the best possible way, enhancing the colors and the ﬁne details of each piece”. The company Philips was responsible for the ﬁne details of the plans, the

LED fitted with Lumiled. The structures have also been fitted with 1.8 km of uplighting modules complete with a LED Xitanium driver. The compact design of the reflecting surfaces and the limited dimensions of the fitting are translated into narrow beams (<10º). The light beams obtained from a single light source have a tight uniform beam producing sharp shadows, and this serves to intensify the appearance of the structure and the sparkle of the articles. An exclusive internal anti-glare screen was designed to reduce the reflections from the light sources. The screen eliminates the diffused peripheral light and minimizes the glare from the fitting’s light source, reducing the need for honeycomb filters of large external anti-glare cones. The uplighting inside the galleries has been supplied with Fortimo LED Strip systems. A specially-

invention and use of the light support units (devised by Wilmotte & Associés and Arup, designed by Bronnenberg), improving the design further and personalizing the illumination and LED lighting solutions. The structures were ﬁtted with 3800 light ﬁttings Philips StyliD equipped with narrow beam Philips Fortimo LED Spotlight Module and LUXEON S

designed diffuser ensures that any excessively sharp shadows created on the wall by the uplighting are softly attenuated. Philips has exploited the versatility of the LEDs as a digital luminous source, combining it with a state-of-the-art lighting control system connected to a management a iPad device.

In questa pagina, in alto: una delle sale espositive del museo. Sotto, e nelle prime due immagini della pagina a ﬁanco: il maestoso lampadario che illumina la great hall. Nella pagina a ﬁanco, in basso: le gallerie.

On this page, top: one of the museum’s exhibition halls. Below, and in the ﬁrst two images on this page: the majestic chandelier that illuminates the Great Hall. On the opposite page, bottom: the exhibition galleries.

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ARCHITETTURA ARCHITECTURE

RESTAURO RESTORATION

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Txt Francesca Tagliabue

Project: Paola Faroni

Nella pagina accanto: l’esterno del tempio Capitolino. Parti del timpano e delle colonne sono state ricollocate nella loro posizione originale, tenute insieme da materiale bianco facilmente individuabile. Questo tipo di restauro evita il rischio di fraintendimenti ﬁlologici. In questa pagina: una delle celle laterali in cui sono esposti i reperti di vario tipo e i frammenti lapidei. La nuova copertura ‘a padiglione’ ricrea la spazialità originaria e protegge gli elementi portanti in legno. On the opposite page, the outside of the ‘Capitolino’ Temple. Parts of the gable and the columns have been returned to their original position and are connected by a clearly visible white substance. This type of restoration avoids the risk of philological misunderstandings. On this page: one of the lateral cells with its ancient relics and stone fragments. The new roof recreates the original spatial dimension and protects the wooden weight-bearing elements.

NUOVA VITA NEW LIFE Un complesso lavoro di consolidamento e adattamento degli spazi ha permesso di aprire al pubblico il Tempio Capitolino di Brescia, gioiello architettonico di età romana imperiale Affrontare la rimessa in sicurezza di un manufatto antico significa confrontarsi con le vestigia del passato e con un’ampia e controversa letteratura che riguarda il restauro. C’è chi ritiene che la scelta migliore sia semplicemente consolidare le pre-esistenze e chi, in virtù di una fruizione pubblica del bene in questione, protende per interventi che comprendono anche la ricostruzione di porzioni architettoniche deteriorate e la ricollocazione di accessori (decorazioni, fregi, dipinti, ecc…) nelle loro sede originale. Un caposaldo ormai acquisito a tutti i livelli è che l’intervento non debba essere mimetico ma dichiarare il più apertamente possibile la sua natura di ‘salvataggio’. Stupisce per complessità e varietà di soluzioni adottate il lavoro eseguito nel Tempio Capitolino di Brescia. I lavori, coordinati dall’architetto Paola Faroni, hanno permesso l’apertura ai turisti del tempio e la creazione di nuovi percorsi multimediali. Faroni ha dettato poche e chiare linee guida al suo team di professionisti: privilegiare tutto quello che risale all’Età Imperiale, soddisfare le due richieste di sicurezza e accessibilità dell’edificio senza alterarne la struttura, introdurre un chiaro percorso di visita e pensare all’adattamento degli spazi per ospitare anche altri eventi, artistici e culturali. All’interno del Tempio Capitolino inoltre sono conservati pavimenti musivi e in opus sectile, da mantenere visibili evitandone il calpestamento. A vari livelli, tutti gli interventi hanno portato alla totale messa in sicurezza e alla riapertura del complesso monumentale. Le celle e l’ingresso principale sono stati tutti chiusi da portoni con profili metallici e vetri realizzati ad hoc. All’interno invece è stata costruita una passerella (dalla superficie totale di 170 metri quadrati) per permettere alle persone di muoversi liberamente ammirando i pavimenti senza che questi siano sottoposti a eccessiva usura. La passerella non è però solo uno strumento di salvaguardia, ma è stata sfruttata anche per coprire l’impianto di riscaldamento a pannelli radianti elettrici. Le sale sono tutte dotate di ventilazione naturale (griglie e finestre) e di un sistema di ventilazione 91 meccanica con controllo automatizzato che garantisce il mantenimento delle ideali condizioni termiche e di umidità anche quando non è presente il personale. Infine, il puntuale studio delle luci valorizza il Tempio anche nelle ore serali. Una serie di faretti evidenza le emergenze architettoniche nelle tre celle, mentre all’esterno potenti proiettori enfatizzano i muri e le alte colonne.

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A complex process of consolidation and adaptation has led to the re-opening to the public of the ‘Capitolino’ Temple in Brescia - a delight of Imperial Roman architecture Making safe an ancient building means examining the past and the detailed, controversial documention for the restoration. Some people believe that the best course of action is the consolidation of the existing structure; others, in view of the future public access to the structure, tend more towards the reconstruction of the deteriorated portions of the buildings and the restoration in situ of the accessories (decorations, friezes, painting etc…). The restored building the Capitolino Temple in Brescia, a city in the north of Italy has to make its

Le celle laterali sono state chiuse con enormi portoni bronzei. I visitatori camminano su una passerella che protegge i pavimenti originali che si sono miracolosamente conservati. La pedana si articola in maniera differente in ognuna delle tre celle, diventando meno ingombrante dove la pavimentazione è di particolare pregio.A contatto con il pavimento la struttura di piombo poggia su uno speciale strato protettivo in poliuretano. The side cells are enclosed by enormous bronzed doors. Visitors can walk along a walkway that protects the original flooring, that have been miraculously well-preserved. It is arranged differently in each of the three cells, becoming less obvious in the areas where the beautiful flooring deserves the visitors’ special attention. The contact points between the metal structure and the floor are protected by a layer of polyurethane.

own statement and not hide in the shadows. It has to openly state its ‘rescued’ nature, it must astonish through its complexity and the range of solutions employed in the project. Work was coordinated by Architect Paola Faroni and the Temple is now open to visitors who can also enjoy the newly-created multimedia pathways. Faroni presented just a few clear guidelines to his team of professionals; namely to focus on every aspect of the building that could be dated back to the period of Imperial Rome, to satisfy the two essential ingredients of ‘safety’ and ‘accessibility’ without interfering with the structure, to create a clearly-identiﬁable pathway for visiting this wonderful historical moment and to produce spaces that could be easily adapted for other artistic and cultural events. Inside the Temple,

the mosaic floors and opus sectile walls were left visible. Structures were installed to prevent them being walked on. On various levels, all of the interventions contributed to securing the monument and accelerating its re-opening for visitors. The cells and the main entrance have all been enclosed by ad hoc doors with metal trim and glass panels. Inside, a walkway (covering 170 sq.m.) has been constructed that allows the visitors to move freely inside; they can admire the wonderful flooring with no risk of it being damaged by the pedestrian traffic. However, the walkway is not just a protective installation; it also camouflages the electric radiator panels of the heating system. The halls are all fitted with natural ventilation devices (grids and windows); a system of mechanical

ventilation has also been installed with automated controls that guarantee the ideal levels of heat and humidity even when the members of staff are off-premises. Finally, the skilful study of the lighting system enhances the beauty of the Temple at night. Spotlights are directed onto the architectonic features in the three cells; on the outside, powerful light beams exalt the building’s walls and the tall columns.

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Prospetto con nuovi portali/ General view showing the new doorways

Pianta delle tre celle con allestimento/Layout plans for the three cells

Allâ&#x20AC;&#x2122;interno del Tempio sono esposte lapidi e sculture. Lâ&#x20AC;&#x2122;allestimento Ă¨ essenziale e assolutamente non invasivo per mantenere inalterata la sensazione di ampiezza che gli spazi trasmettono. Stones and sculptures are on display inside the temple. The general layout is clean and unobtrusive to preserve the feeling of space.

Sezione della cella centrale/Cross-section of the new central cell

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In alto: la cella centrale del tempio. Sotto, la cella orientale ospita le attrezzature per la visita multimediale del monumento.

Up: the central portion of the temple. Below, the east cell contains the equipment for the multimedia visit to the monument.

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ARCHITETTURA ARCHITECTURE

RIQUALIFICAZIONE REQUALIFICATION

Txt: Paola Molteni Ph: AKAA/Cemal Emden

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FIORE DELLE MILLE E UNA NOTTE THE FLOWER OF A THOUSAND AND ONE NIGHTS Project: Abdullah Al-Hadrami Social Fund for Development

Il forte di Thula è uno dei più antichi siti storici dello Yemen. Camminare in questa terra significa andare a ritroso nel tempo, in un medioevo islamico dove l’uomo deve battersi contro l’uomo per far sopravvivere intatto e incontaminato questo scrigno di tesori “... architettonicamente, è il paese più bello del mondo. Sana’a, la capitale, è una Venezia selvaggia sulla polvere senza San Marco e senza la Giudecca, una città-forma, la cui bellezza non risiede nei deperibili monumenti, ma nell’incompatibile disegno... è uno dei miei sogni”. Questa è la descrizione di Pier Paolo Pasolini sullo Yemen. A Sana’a, capitale dello Yemen del Nord, vi girò nel 1970 alcune scene del film ‘Il Decameron’ (nella città fu realizzata anche parte della lavorazione del ‘Fiore delle Mille e una notte’, tra il ‘73 e il ‘74). E fu proprio in questa occasione che decise di realizzare un documentario di 13 minuti per rivolgere un appello all’Unesco con l’intento di proteggere la bellezza di questo territorio incontaminato. Sicuramente non fu vano il suo appello se anni dopo il lavoro di restauro, il forte di Thula rientra tra i venti finalisti selezionati per l’Aga Khan Award for Architecture. Un premio istituito nel 1977 dall’Aga Khan IV, il Principe Shah Kar m al-Husayn, imam dei musulmani ismailiti e fondatore dell’Aga Khan Development Network, organizzazione privata che promuove lo sviluppo sociale, economico e culturale nel Sud del mondo e nel Medio Oriente. Conferito ogni tre anni il premio è associato all’Aga Khan Trust for Culture e mette in luce progetti di eccellenza architettonica. Thula è una città che fiorisce nel XV secolo e per la particolare posizione nello Yemen ricopre da sempre un ruolo fondamentale. Minacciata dalle catastrofiche conseguenze che sarebbero potute derivare dalla costruzione, nel 2004, di una strada che collega il villaggio con le città, la comunità Thula, con l’aiuto del Social Fund for Development e sotto lo sguardo attento dell’architetto Abdullah Al-Hadrami si è impegnata in una serie di progetti di conservazione storica atti a tutelare i beni culturali del territorio. I lavori archeologici hanno inoltre portato alla luce porte e mura che faranno scoprire preziosi aspetti della cultura e della storia legata alla civiltà dei sabei. Numerosi gli interventi realizzati: ricostruzione delle mura della necropoli e dei terrazzamenti agricoli, recupero della porta di Bab al Mayah, lavori sulle torri di controllo, sentieri, corsi d’acqua e interventi sulla cisterna ancora funzionante. Il sistema idrico, sorprendente per l’epoca in cui è stato pensato, scorre sotto le mura della città tramite canali che raccolgono l’acqua e la distribuiscono nella città. Nessun forte nello Yemen è come Thula e la comunità, coinvolta in questi lavori di restauro, è stata sensibilizzata sull’importanza del recupero e sul rispetto del patrimonio storico e artistico di un territorio così unico.

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The fortress of Thula is one of the oldest historical sites in Yemen. A trip to this land means taking a step back in time, to a Medieval Islamic country where Man wars against Man to safeguard the intact, pure survival of this magical box of treasures “...in architectonic terms, this is the most beautiful country in the world. The capital Sana’a could be described as a wild Venice built on sand, without St. Mark’s Square and without the Giudecca island; the beauty of this city does not lie in the dilapidated monuments but in the incompatible design… this is one of my dreams’. These were the words that film directots Pier Paolo Pasolini used to describe Yemen. In 1970 he shot some scenes of the film ‘Decameron’ in the city of Sana’a, the capital city of Northern Yemen. Some scenes from his project ‘Fiore delle Mille e una notte’ [The flower of a thousand and one nights] were also shot there between ‘73 and ‘74). And he took the opportunity to produce a 13-minute documentary that appealed to UNESCO to protect the beauty of this unspoilt territory. And his appeal was not in vain because 6 years later, following the restoration ancient monument, the Thula fortress joined the group of 20 finalists shortlisted for the Aga Khan Award for Architecture. The prize was founded in 98 1977 by the Aga Khan IV, Prince Shah Kar m al-Husayn , Imam of the Ishmaelite Muslims and founder of the Aga Khan Development Network, a private organization that promotes the social, economic and cultural development in the Middle-East and in the southern territories of the world. The prize is presented every three years and is associated with the Aga Khan Trust

for Culture; it exalts projects of architectonic excellence. Thula is a city that was founded in the XV century and over the centuries has always been a particularly important reality in the country. Threatened by the catastrophic consequences that could have resulted from the 2004 construction of a road that would connect the village with the cities, the community of Thula, assisted by the Social Fund for Development under the watchful eye of architect Abdullah Al-Hadrami, joined forces in a drive for historical conservation to protect the territory’s cultural heritage. The archeological digs also revealed gates and walls that provided precious insight into some aspects of the

culture and the history associated with the ancient Sabian civilization. A number of projects were completed: the walls of the necropolis and the farmland terraces were reconstructed, the city gate of Bab al Mayah was restored, work was carried out on the control towers, the paths, the streams and repairs were made to the cisterns that were still operational. The plumbing system that runs beneath the city walls consists of a series of canals that collect water and distribute it across the town. The fortress in Thula is unique and the Yemeni community involved in this restoration project was fully aware of how important the restoration and respect for the historical and artistic legacy was for this unique territory.

In alto e nella pagina a ﬁanco: la cisterna Al Mayah. Il sistema idrico, che scorre sotto le mura della città è fatto da canali che raccolgono l’acqua e la distribuiscono nella città. Sotto, da sinistra a destra: le mura, la torre di controllo e la scalinata della parte superiore del Forte di Thula. Nella pagina precedente: la mappa con le diverse fasi di restauro e conservazione e la vista del forte dall’alto. Top and on the opposite page: the Al Mayah cistern. The plumbing system that runs below the city walls consists of a series of canals that collect water and re-distribute it across the city. Below, from left to right: the walls, the control tower and the steps in the upper part of the Thula Fortress. On the previous page: the map with the various phases of restoration and conservation and a view of the fortress from above.

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ARCHITETTURA ARCHITECTURE

RESTAURO RESTORATION

Txt: Luca Sampò

Project: University Bir Zeit + Nasser Golzari Architects (NGA) coordinated by Riwaq

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Negozio di biciclette in Bir Zeit, prima del restauro. A bicycle shop in Bir Zeit, prior to the refurbishment.

BIR ZEIT: IL PATRIMONIO VIVENTE DELL’ARCHITETTURA THE LIVING LEGACY OF ARCHITECTURE Un restauro, vicino a Gerusalemme che sfida la crisi globale Bir Zeit è una piccola città di circa cinquemila abitanti situata a venticinque chilometri a nord di Gerusalemme, sede di una delle principali università della Palestina. Il progetto di recupero e ristrutturazione del centro storico è stato intrapreso con spirito pionieristico e sperimentale, trasformando quest’esperienza in un esempio pilota da cui ripartire per intraprendere l’importante lavoro di recupero che nei prossimi anni la Palestina dovrà affrontare in oltre cinquanta centri storici. Il progetto è stato sviluppato dai docenti e dagli studenti dell’Università di Bir Zeit in collaborazione con lo studio londinese Nasser Golzari Architects (NGA), coordinati dal Riwaq. Il Riwaq nasce nel 1991 e lavora, tra il 1994 e il 2007, ad un imponente lavoro di rilevamento, catalogazione e studio del patrimonio architettonico della Palestina, pubblicando tre volumi, corredati da fotografie, rilievi, analisi diagnostiche e ricerche storiche di circa 420 villaggi in 16 provincie del West Bank, di Gerusalemme e della Striscia di Gaza, che sono ad oggi un punto di riferimento chiave per la conoscenza e la difesa del patrimonio culturale palestinese. Il Riwaq affronta il recupero dei centri storici con un’ottica distante da quella della pura conservazione, o del restauro inteso come “costosa attività di élite”, orientandosi piuttosto verso “l’abilità di creare posti di lavoro attraverso la conservazione “, trasformando la cultura in un importante strumento di rinascita dell’economia locale. Rendendosi conto della scarsità delle risorse umane ed economiche, il Riwaq si è orientato verso il recupero e la conservazione di ‘singoli elementi significativi’, parti di edifici, o piccoli centri storici.A seguito dell’analisi condotta tra il 1994 e il 2007 si è potuto chiarire che il 50% degli edifici storici nelle aree rurali del West Bank e della Striscia di Gaza si trovano riuniti in appena cinquanta villaggi. Si è scelto quindi di lavorare al recupero di questi abitati, “mirando al miglioramento dei servizi, delle infrastrutture e delle condizioni di vita degli spazi pubblici e privati”. La città di Bir Zeit è stata identificata come caso di studio esemplare in area rurale, “in funzione della sua posizione centrale nel West Bank e delle sue relazioni con i centri abitati limitrofi”. Sebbene Bir Zeit sia un centro piuttosto piccolo ha subito i classici effetti di ‘compressione’ urbana causati dalla realizzazione di una nuova città nelle vicinanze, dall’edificazione intensiva nella sua periferia, nonché dal posizionamento dei checkpoint dell’armata israeliana. Tutto ciò ha causato un

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rapido declino, e successivo abbandono, del suo centro storico, incapace di adattarsi e rigenerarsi in funzione delle mutate condizioni al contorno; fino ad arrivare alla deliberata distruzione dei suoi edifici storici. Nel restauro del centro di Bir Zeit la priorità è stata data alla ricerca di equilibrio e compromesso tra istanze di carattere “estetico, culturale e sociale, nel tentativo di evitare che i pochi abitanti rimasti nel centro storico fossero spinti a trasferirsi”. Un processo dialettico, quindi, ragionando sulla necessità che il restauro offra occasioni di arricchimento della cultura e della struttura sociale esistenti, rafforzando i legami tra abitanti e territorio, e generando micro-economie virtuose che permettano il miglioramento delle condizioni di vita. Nella logica del Riwaq, dello studio NGA e di tutte le parti coinvolte – fortissimo è stato, ad esempio, il coinvolgimento della popolazione nel processo progettuale –, gli spazi abbandonati ed emarginati dalla vita quotidiana sono divenuti i punti chiave di un processo dinamico di rigenerazione, che li ha trasformati in “ingredienti essenziali, ponti sociali tra il vecchio centro e il contesto periferico”. Tutti gli elementi chiave della vita quotidiana degli abitanti sono stati identificati ed inseriti tra gli input progettuali,“leggendo gli spazi, i momenti della vita quotidiana, e mappando le risposte emotive e le interazioni con i luoghi”. “Il negozio dove Amir e suo fratello Amjad riparano le biciclette”, ad esempio, uno dei tanti “box in cemento armato da demolire”, si è trasformato subito in qualcosa di speciale; non doveva essere rimosso, non era più una brutta architettura da eliminare, ma un luogo magico dove i bambini possono stare insieme. I percorsi dove passeggiano le ragazze, i passaggi che collegano i tetti creando un percorso aereo,“e molti altri momenti della quotidianità, diventano in tal modo un network, che può diffondersi in tutto il centro storico” generando connessioni possibili, e rivitalizzando il tessuto urbano. Il risultato di queste strategie di analisi e rigenerazione ha condotto i progettisti ad identificare due principali nuovi assi all’interno della città: la strada dei commerci e la strada delle chiese, su quest’ultima affaccia uno degli edifici più antichi di Bir Zeit, una chiesa risalente al quindicesimo secolo. Il restauro, condotto nell’arco di cinque anni, ha permesso di trasformare il centro della città in un luogo vitale e stimolante, ricco di iniziative. Si è scelto di restaurare con tecniche conservative tutti i brani di edifici storici ancora presenti, inserendo elementi con caratteristiche contemporanee, facilmente distinguibili, là dove non era possibile. Gli interventi, condotti a stretto contatto e con la partecipazione degli abitanti, sono stati realizzati con materiali e tecniche costruttive locali, a basso costo. Il lavoro condotto a Bir Zeit – recentemente inserito nella shortlist dei finalisti per il prestigioso Aga Kahn Architecture Award, conferito per l’attenzione alla sostenibilità globale del progetto – è solo l’inizio di un ampio processo di rigenerazione, dall’interno, del territorio rurale palestinese il cui obiettivo è rendere esperibile alla popolazione, attraverso il ritmo della quotidianità, ciò che può essere fatto, in termini di architettura e di qualità urbana, recuperando e ristrutturando i vecchi edifici, “migliorandone le caratteristiche tecniche e ambientali, e mantenendone al contempo i caratteri e i valori estetici”. Riwaq e NGA hanno inoltre affiancato il gruppo ‘Think Net’ che si dedica allo studio e alla sperimentazione di metodi e strategie di riciclo di materiali per un’architettura “più sostenibile, attenta alle abitudini culturali e alle pratiche quotidiane”. Bir Zeit, grazie alla qualità degli interventi di restauro e all’attenzione dei progettisti ai problemi sociali e culturali della popolazione, è già divenuto un punto di riferimento nell’ambito del recupero e della valorizzazione dei centri storici, non solo per la Palestina, ma per tutti coloro che si interessano del recupero del patrimonio culturale e architettonico, lontano dalla ‘musealizzazione’, cui ancora oggi purtroppo in certi ambiti si assiste, cercando di mantenere vivo, invece, l’impulso vitale dello spirito dei luoghi.

A restoration project to challenge the global crisis Bir Zeit is a small city of approximately 5000 inhabitants located 25 km north of Jerusalem, and boasts one of Palestine’s main universities. The recovery and restructuring project in the city’s historical center was approached with an experimental pioneering spirit, transforming this particular experience into a pilot example that could turn out to be the starting point for more important restructuring projects that are forecast for 50 historical centers across Palestine in the near future. The project was developed by the lecturers and the students of the University of Bir Zeit in collaboration with the London studio Nasser Golzari Architects (NGA), coordinated by Riwaq, an enterprise founded in 1991; between 1994 and 2007, it was responsible for an impressive enterprise to identify, catalogue and study the impressive architectonic heritage of Palestine. Three books were published, complete with photographs, discoveries, diagnostic analysis and historical research relative to approximately 420 villages across16 provinces on the West Bank, in Jerusalem and on the Gaza Strip; these are still a key reference point for the knowledge and the defence of the Palestinian cultural heritage. 101 For Riwaq, the approach to reclaiming the historical centers was distant from pure conservation, or restoration intended as an ‘expensive élite activity’, and is oriented towards the ‘ability of creating employment through conservation’, transforming the cultural heritage into an important tool to jump-start the local economy. Due to the lack of human and economic resources, Riwaq directed its energy into the recovery and conservation of ‘important individual elements’, parts of buil-

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dings or small historical centers. Based on the results of analyses between 1994 and 2007, it was established that 50% of the historical buildings in the rural areas of the West Bank and the Gaza Strip are found in just 50 villages. The decision was taken to proceed with the recovery of these buildings, ‘aiming to improve the services, the infrastructures and the living conditions associated with the public and private spaces’. The city of Bir Zeit was identiﬁed as an exemplary case study for a rural area, ‘because of its central position on the West Bank and its relationship with the adjoining towns’. Even though Bir Zeit is a fairly small town, it has also been affected by the classical effects of urban ‘compression’ from the new towns built nearby, intensive building in the suburbs, and also by the checkpoints of the Israeli army. All of these factors have led to the rapid decline and the successive abandon of the historical center; these buildings were not able to adapt and regenerate in relation to the changing conditions of the context; the situation deteriorated with episodes of the deliberate destruction of the historical buildings. In the restoration project of the town of Bir Zeit, the priority was to identify the equilibrium and compromise between the ‘esthetic, cultural and social aspects in an attempt to prevent the few inhabitants remaining in the historical center are moving away’. It is a dialectic process that underlines the fact that restoration can offer opportunities for enriching the existing social structure, reinforcing the bonds between the inhabitants and the territory, and generating virtuous micro-economies that lead to an improvement in the living conditions. In the design logic of Riwaq, the studio NGA and all of

La proposta per la rigenerazione del centro storico di Bir Zeit. Sulla pagina opposta: la pensione Bir Zeit University, prima e dopo la ristrutturazione (©AKAA/RIWAQ). Sotto: la pensione ‘Bir Zeit Municpality’ prima e dopo la ristrutturazione (©AKAA/RIWAQ) Proposed scenario to regenarate Bir Zeit’s historic centre. Opposite: Bir Zeit University guest house, before and after restoration (©AKAA/RIWAQ). Below: Bir Zeit Municpality guest house, before and after restoration (©AKAA/RIWAQ).

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the other parties involved – the population itself made an important contribution to the design process – the abandoned buildings, isolated from the hustle and bustle of everyday living - become the key features of a dynamic regeneration process that has transformed them into ‘essential ingredients that form social bridges between the old historical center and the peripheral surroundings’. All of the ‘key’ activities in the inhabitants’ everyday lives have been identiﬁed and included in the design recipe, ‘interpreting’ the spaces and the ‘moments’ of everyday life, and mapping the emotional responses and interactions with the locations’. For example, the bicycle repair workshop run by Amir and his brother, Amjad, repair bicycles was one of the many units in reinforced concrete considered for demolition and was immediately transformed into something special; it was no longer an ugly piece of architecture to be knocked down, but was converted into somewhere magical, where children could gather and play. Young people stroll along the paths, the walkways that connect the roofs create an aerial pathway, and the ensemble is spiced with ‘many other instances of everyday living – all of these are transformed into a network that inﬁltrates the historical center’ generating possible links and re-vitalizing the urban fabric. The result of the analytical and regeneration strategies led the architects to identify two new main axes inside the city: the road for commerce and the road of the churches; this includes one of the oldest buildings of Bir Zeit – a Church dating back to the 15th century. The restoration project extended over a period of 5 years and resulted in the transformation of the city center into a dynamic, stimulating location, rich in

initiatives. All of the remaining historical buildings were restored using conservative techniques and improved with the addition of previously unthinkable and easily identifiable contemporary elements. The project was developed with local, low-cost materials and techniques, in close contact with and thanks to hands-on participation of the inhabitants. The project in Bir Zeit – recently included in the shortlist of finalists for the prestigious Aga Khan Architecture Award, presented for the attention paid to the global sustainability of the design – was only the first step of a broader regeneration process, in rural Palestine to present it to the population; taking their everyday routines into account, the architects showed the public what can or cannot be done in terms of architecture and urban quality, recovering and restructuring the old buildings, «improving the technical and environmental characteristics while preserving the esthetic traits and values». Riwaq and NGA joined forces with the group “Think Net”, an enterprise dedicated to the study and the experimentation of recycling methods and strategies to create «more sustainable architecture, while preserving the cultural customs and the everyday practises». Thanks to the quality of the restoration and the architects’ attention to the population’s social and cultural problems, the town of Bir Zeit has already become a reference point for restoration and development of the historical centers, not just for Palestine but for anyone interested in the conservation of the cultural and architectonic legacy, without creating a museum, that today is unfortunately the only way forward in many realities; in this specific case the architects have tried to keep the spirit of the location and its people very much alive.

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Palestinian circus school, - la scuola circense Palestinese, prima e dopo la ristrutturazione (©AKAA/RIWAQ). Sotto: parco giochi per bambini (©AKAA/RIWAQ). Palestinian circus school, before and after restoration (©AKAA/RIWAQ). Below: children’s playground (©AKAA/RIWAQ).

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La pensione Bir Zeit University, prima e dopo la ristrutturazione (©AKAA/RIWAQ). Intervento di restauro conservativo in una strada (©AKAA/RIWAQ). Bir Zeit University guest house, before and after restoration (©AKAA/RIWAQ). Preventive conservation in a street (©AKAA/RIWAQ).

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ARCHITETTURA ARCHITECTURE

RIQUALIFICAZIONE RIQUALIFICATION

Txt: Paola Molteni

Blocks 6 and 7 Project: Insula architettura e Ingegneria srl, Eugenio Cipollone, Paolo Orsini, Roberto Lorenzotti General Manager: Francesco Cellini Design Group: Nicoletta Marzetti, Paolo Diglio, Andrea Giuffrida, Amelia Blundo, Laura Barbieri Block 2B Project: Insula architettura e ingegneria srl, Eugenio Cipollone, Paolo Orsini, Roberto Lorenzotti Collaborators: Nicoletta Marzetti, Renzo Candidi, Lusilla Voci, Fabrizio Bonatti Ph: © Stefano Cerio © Alberto Novelli © Insula srl

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FLESSIBILITÀ COME CIFRA PROGETTUALE VERSATILITY AS A DESIGN ORIENTATION Un delicato gioco da equilibristi quello condotto dallo studio Insula sull’ex Mattatoio, nell’area Testaccio di Roma. Tra intervento e conservazione nascono i primi padiglioni del Campus Universitario, per la Facoltà di Architettura dell’Università Roma Tre Sono brani di città, pezzi di storia, terreno fertile di ricerca e determinano sulla trama del costruito un grande impatto a livello urbanistico e architettonico. I siti industriali dismessi sono elementi determinanti per la gestione economica del territorio e diventano capisaldi importanti per lo sviluppo sostenibile. Riconoscere l’importanza delle aree industriali dismesse, posizionate in zone strategiche, è il primo passo perché queste riserve vengano adeguatamente sfruttate senza intaccare terra diventata ormai bene prezioso e raro. Si passa dal restauro, al risanamento conservativo, dall’incremento delle superfici interne fino alla demolizione senza ricostruzione di padiglioni poco adatti al nuovo complesso. Lo studio Insula ha coordinato questo delicato lavoro di riqualificazione e riconversione dal 2001 al 2013, lavorando su alcuni padiglioni che il Comune di Roma ha concesso all’Università. Il primo intervento in questo brano di archeologia industriale romana riguarda i padiglioni 6 e 7, dove l’obiettivo era di realizzare tre aule per laboratori e un’aula magna di 260 posti. Gli architetti esaltano il corpo industriale e creano ambienti separati e isolati acusticamente, attraverso l’inserimento di tre pareti divisorie con struttura in acciaio: diaframmi trasversali parzialmente trasparenti, lineari, leggeri, realizzati con materiali (ferro, legno, vetro) e colori (bianco, grigio e blu) essenziali. Oltre ai tavoli posti all’interno dello spazio, il contorno interno del padiglione è percorso da tavoli pensili per sottolineare l’uso universitario di quello che prima era un mattatoio. Il progetto del padiglione 2B, da poco concluso, prevede la riconversione dell’edificio in spazi adatti allo svolgimento di lezioni e seminari. La flessibilità è un valore che contraddistingue ogni singolo intervento all’interno del Campus Universitario. In questo spazio sono previsti elementi mobili divisori che ricalcano la suddivisione originale in sette ambienti adibiti a stalle (demolite nel 1932) e diventano l’elemento ritmico del grande ambiente unico (840 mq). Le sei pareti poste tra le coppie di capriate, sono costituite da una parte perimetrale fissa (vetro e acciaio) e da una centrale opaca costituita da pannellature manovrabili e richiudibili a pacchetto, che permettono con estrema rapidità l’allestimento di ambienti di varie metrature da un minimo di120 fino a 720 metri quadri. Le facciate e gli elementi decorativi sono stati restaurati filologicamente secondo l’antico progetto. L’opera di riqualificazione di tutto il complesso prosegue con l’incarico di progettazione definitiva dei padiglioni 15 A, 15 B, 15 C. In programma c’è il recupero dei tre padiglioni, la loro rifunzionalizzazione e trasformazione in uffici dipartimentali e laboratori dell’Università.

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A delicate enterprise of balance developed by Studio Insula for the former abattoir in Rome’s Testaccio district - the first blocks for the University Campus for the Faculty of Architecture of Rome’s Università Roma Tre These are slithers of the city, pieces of history, fertile research terrain and they determine the building construction orientation of enormous urban and architectonic impact. The derelict industrial sites are defining elements in the economic management of the territory and eventually become the foundation stones of sustainable development. Being able to recognize the importance of the abandoned industrial areas, with their fundamental strategic positions, is the first step to allowing these wastelands to be exploited without consuming virgin land, a rare and increasingly precious commodity. The project spans from restoration to conservative reconstruction, from the expansion of the interior surfaces to demolition without reconstructing units unsuitable for the new complex. Studio Insula coordinated this delicate project of requalification and reconversion between 2001 and 2013, working on some of the facilities that the City Council of Rome assigned to the University. The first phase in this slice of Rome’s industrial archeology focused on

In questa pagina, nelle tre immagini: interno del Padiglione 7, sono presenti i tavoli perimetrali e le pareti divisorie. Nelle foto è visibile la struttura industriale dell’aula. Nella pagina a ﬁanco: vista della facciata esterna dei Padiglioni 6 e 7. On this page, in the three pictures: the inside of Pavilion 7 showing the peripheral panels and the partition walls: The industrial structure of the hall is also visible. On the opposite page: view of the external façade of Pavilions 6 and 7.

pavilions 6 and 7; the architects created three laboratories and lecture hall to accommodate 260 people. They exalted the industrial construction and created separate and sound-proofed ambiences through the addition of three partition 107 walls with a steel support structure: the partially transparent transversal diaphragms are linear, light and produced in simple materials (iron, wood, glass) and muted colors (white, gray and blue). In addition to the interior panels, the external walls of the buildings have been exalted with features highlighting the university’s former life

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as an abattoir. Block 2B was completed recently and the design includes the reconversion of the building into lecture and seminar facilities. Versatility is an intrinsic property that identiﬁes every intervention to the interior of the University Campus. They will be furnished with partition walls that re-iterate the original format of seven areas (the stables demolished in 1932) to become a deﬁning style

element of the single space (840 sq.m.). The six walls positioned between the pairs of vaulted features have been created by a ﬁxed peripheral portion (steel and glass) and by a central opaque section of mobile, foldaway panels; this arrangement consents an extremely rapid rearrangement of the space into rooms of varying dimensions, ranging from a minimum of 20 to a maximum of 720 sq.m.

The facades and the decorative elements have been sympathetically restored according to antique designs. The overall requalification project will continue with the definitive plans for pavilions 15A, 15B and 15C. The idea behind the plans is to reclaim the three pavilions, revitalize their functions and transform them into departmental offices and laboratories for the University’s Faculty of Architecture.

In alto, in questa pagina: due immagini di cantiere. Nella pagina a ﬁanco, dall’alto al basso: esterno del padiglione 2b con la facciata restaurata. Sotto: vista interna del grande volume industriale del padiglione 2b. Top, this page, two shots of the building-site. On the opposite page, from top to bottom: the outside of Pavilion 2b with its refurbished facade. Below: an internal view of the large industrial volume of Pavilion 2b.

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Planimetria generale/General layout plans

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Pianta Padiglione 7 restaurato/Layout plans of Pavilion 7 following refurbishment

Pianta del Padiglione 7/Layout plans of Pavilion

Sezione del Padiglione 7/Cross-section of Pavilion 7

Sezione del Padiglione 2b/Cross-section of Pavilion 2b

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URBANISTICA CITY PLANNING

CONNESSIONI CONNECTIONS

WORK IN PROGRESS Txt: Elviro Di Meo

Architectonic design and general management: Andrea Giunti with Progetti e Territorio, European Engineering and A.C. Spa Rendering: Christopher Stack Le trasformazioni degli anelli suburbani della città di Roma richiedono una profonda rilettura dell’area compresa tra l’Eur e i quartieri della fascia litoranea, attraverso il riassetto del territorio e l’introduzione di una metropolitana leggera per decongestionare il trafﬁco veicolare Lo sviluppo edilizio degli ultimi decenni ha mutato profondamente la fisionomia della periferia di Roma, incidendo sulla struttura degli anelli suburbani, cresciuti in maniera disorganica e convulsa, e accentuando la continua modifica delle aree di espansione prossime al centro. Il che ha portato, come in altri contesti metropolitani, a una rilettura del territorio, nell’ottica di una riorganizzazione più omogenea e funzionale. Il cambiamento è palese. In alcuni brani della capitale è fin troppo evidente. É il caso di via Cristoforo Colombo, che ha perso la sua naturale connotazione, trasformandosi, da asse monumentale verso il mare di Ostia, in un’ordinaria via di collegamento con il centro della città e l’Eur; percorsa, in particolar modo, dai residenti dei quartieri sviluppatisi nelle sue vicinanze. Non solo; l’arteria è chiamata, allo stato attuale, ad assolvere anche una seconda funzione; ovvero, si configura come la porta di accesso di Roma per il traffico proveniente dall’aeroporto di Fiumicino dopo la confluenza dell’autostrada, all’altezza della Magliana. Ne è derivato il progressivo congestionamento della mobilità in qualsiasi fascia oraria e periodo dell’anno, che rasenta, in qualche caso, la paralisi del traffico veicolare. Una situazione destinata a peggiorare, considerata la fervida attività edilizia, con l’edificazione di ulteriori insediamenti residenziali (Torrino–Mezzocammino) e direzionali (Europarco) di grande rilievo. In questo contesto, e alla luce delle istanze recepite dal nuovo Piano Regolatore, che prevede un corridoio per la mobilità da affiancarsi alla stessa via Colombo, partendo dall’Eur in direzione Ostia, si inserisce il progetto elaborato e coordinato dall’architetto Andrea Giunti. ‘La Porta del Mare e il riassetto del Corridoio di via Cristoforo Colombo’ – il piano redatto in collaborazione con le società di progettazione ‘Progetti e Territorio’, ‘European Engineering’, e ‘A.C. Spa’ – intende affrontare più esigenze, a cominciare dalla stessa mobilità. Per Giunti è fondamentale riorganizzare l’intero sistema, mediante un’integrazione funzionale dei trasporti esistenti e quelli inseriti nel Piano Strategico della Mobilità Sostenibile, così da garantire una soddisfacente risposta ai problemi del traffico e della vivibilità dei quartieri ricadenti nel settore urbano oggetto di studio. Altro aspetto, non meno importante del primo obiettivo, 110 è la ristrutturazione in chiave ambientale e monumentale di via Colombo, quale principale via di ingresso al centro di Roma, recuperandone il ruolo originario di collegamento con la fascia litoranea. Nell’intervento di riassetto sarà inclusa anche la riqualificazione sia delle strutture sportive e sociali attualmente insediate, sia del profilo della città nel tratto urbano compromesso da costruzioni di modestissimo valore architettonico. Concepito come asse plurimodale, il Corridoio Colombo verrebbe dotato di un servizio di trasporto pubblico rapido, sicuro ed ecologico, senza punti di conflitto con il traffico veicolare e pedonale e, soprattutto, senza importanti cesure per il territorio. La soluzione proposta viene individuata nell’introduzione di una metropolitana leggera che scorre in sede propria,

su gomma o su ferro, con armamento del tipo monorotaia, binari tradizionali e automazione integrale. Tanti i benefici che ne deriverebbero. Il sistema automatico è, infatti, in grado di assicurare alla linea una capacità di trasporto medio - alta. I convogli di ridotte dimensioni, a elevata frequenza di passaggi, consentono di gestire, inoltre, con grande elasticità sia l’esercizio del servizio quotidiano, sia l’adeguamento dello stesso in funzione dell’evoluzione temporale della domanda. Nello stesso tempo, i convogli, viste loro caratteristiche, permettono di realizzare stazioni dalle volumetrie contenute, vie di corsa più leggere e meno ingombranti, garantendo un basso impatto fisico e visivo per l’ambiente. Il progetto di Andrea Giunti ha ricadute anche sul piano urbanistico, attraverso la costruzione di un parco urbano monumentale, con tutte le aree limitrofe alla via Colombo, dall’Eur alle Mura Aureliane, e l’integrazione delle aree verdi presenti, inserite all’interno di un organico parco territoriale. Il progetto, stando alle sue linee guida, si completa con il decentramento delle funzioni ministeriali e delle sedi istituzionali di carattere comunitario e internazionale, riunite nel comprensorio di proprietà demaniale ‘Vigna Murata’. A tale riguardo, il progettista disegna un enorme complesso a prevalente destinazione pubblica, sul modello della Defense parigina, denominato ‘Esplanade Vigna Murata’. Questi, caratterizzato dalle forme ‘a greca’ degli edifici, andrebbe a definire la testata nord della metropolitana, con una previsione di impatto zero dal punto di vista energetico, grazie alle avanzate tecnologie costruttive. Le continue e inedite prospettive che si instaurano tra i corpi di fabbrica del complesso monumentale e la campagna romana circostante sono le cifre stilistiche dettate dalla particolare morfologia dell’architettura. Elemento strategico del piano di Giunti è

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il nodo funzionale di scambio e servizi, posto all’esterno del grande raccordo anulare, in prossimità dell’incrocio tra via Colombo e l’autostrada per Fiumicino. Due torri triangolari di cristallo, trasparenti e leggere, in grado di mutare aspetto con la luce, e visibili da grande distanza, formano un gigantesco portale socchiuso. L’arco di alluminio di Adalberto Libera, simbolico segno di accoglienza dell’Esposizione Universale del ’42, è riletto e reinterpretato in un moderno luogo di funzioni con due edifici che ne evocano la forma e il significato. Si delinea, in questo modo, un aggregato di funzioni moderne, immaginato alla pari di un vero e proprio centro di attrazione per i cittadini e i lavoratori che vi transiteranno.

L’inquadramento territoriale con le nuove funzioni introdotte e il riassetto del corridoio di via Cristoforo Colombo. La metropolitana leggera dovrà collegare l’Aeroporto di Fiumicino, la Fiera di Roma, la ‘Porta del Mare’ – (il nodo di scambio con il corridoio tirrenico), l’Eur e ‘l’Esplanade Vigna Murata’. Questi è il complesso polifunzionale realizzato per ospitare il decentramento ministeriale e altre attività direzionali dislocale dal centro storico di Roma.

The territory showing the new functions and the re-arrangement of Via Cristoforo Colombo. The subway is expected to connect Rome’s Fiumicino Airport, the city’s Exhibition grounds, the ‘Porta del Mare’ (the ‘Gateway to the Sea’ that intersects with the Tyrrenian track), the Eur district and the e ‘Esplanade Vigna Murata’. These are joined by the polyfunctional complex that was built to house the decentering of the Ministerial Ofﬁces and other management activities that have been dislocated from the historical center of Rome.

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The transformation of the suburban districts around Rome necessitates an in-depth review of the area that lies between EUR and the nearby seaside; this was possible through the re-organization of the territory and the introduction of an overground train link to relieve the congestion of road trafﬁc In recent decades, building development has deeply changed the appearance of the Rome suburbs, affecting the structure of the city’s districts that have expanded in a haphazard and untidy manner; this also highlights the continuous modiﬁcations of the areas of expansion close to the center. As in other metropolitan contexts, it led to a complete review of the territory oriented

to a more homogeneous and functional re-organization. The change is clearly visible in some areas of the city. One perfect example is the important Via Cristoforo Colombo that has now lost some of its distinguishing features; from a monumental artery leading to the Ostia coastline, it has been transformed into a very ordinary road that connects to the city center and the EUR quarter; this road is used for the most part by the residents in the adjoining districts. However, this artery has had another job to do – it is an access gateway to Rome for trafﬁc from the city’s Leonardo da Vinci (Fiumicino) international airport after it joins the motorway in the area of the Magliana. The increase in trafﬁc has resulted in the progressive congestion of the road network through the day and in any period of the year with frequent episodes of total paralysis. This situation was destined to deteriorate, in view of the fervid building activity and the creation of additional extremely important residential (Torrino–Mezzocammino) 112 and business (Europarco) hubs. Another aggravating factor was the program devised by the Town Planners to include an additional transport route running parallel to Via Colombo, starting from EUR in the direction of Ostia; it included the project devised and coordinated by Architect Andrea Giunti. “The Gateway to the Sea and the upgrading of Via Cristoforo Colombo’ – this was the title given to

the project plans drafted in collaboration with the design and engineering companies “Progetti e Territorio”, “European Engineering”, and “A.C. Spa”. The intervention aimed to tackle a number of requirements, starting with the basic issues of mobility. For Giunti, the entiresystem had to be re-organized - with the functional integration of the existing transport links and the additional ones included in the Strategic Plan for Sustainable Mobility – in order to guarantee a satisfactory answer to the problems of trafﬁc and the liveability issues of the people resident in the urban districts at the heart of this study. Another equallyimportant aspect was the environmentoriented and physical restructuring of Via Colombo, as a main gateway to the center of Rome, restoring the original link with the seaside. This intervention will

also include the requalification of the popular sport facilities and social amenities and a revamping of the urban districts compromised by buildings of extremely modest architectonic value. Conceived as a multi-purpose transport link, Via Colombo would be equipped with a fast, safe and ecological public transport service, free from complex intersections with road and pedestrian traffic and above all, without causing major damage to the landscape. The solution identified was the creation of an overland train link with a single track, traditional platforms and integral automation. There would be a number of important benefits. The automatic system can guarantee a moderate–to-high volume train link. The compact trains with their high journey frequency are extremely flexible and versatile for the daily services and when the timetables need to be adapted to suit the changing demands. The specific features and compact size of the carriages meant that the stations constructed could be smaller with lighter and less bulky tracks - resulting in a lower physical and visual impact for the environment. Andrea Giunti’s plans had a spin-off on the town planning of the entire area lying close to Via Colombo – from EUR to the ancient Aurelian city walls, with the integration of the civic gardens within an organic territorial park. On the basis of the guidelines, the project was concentrated in Rome’s “Vigna Murata” district and was

completed with the decentralization of the ministerial and institutional headquarters, both for the local community and with an international vocation. For this reason, the architect designed a large complex largely for public use – called ‘Esplanade Vigna Murata’, along the lines of ‘La Defense’ in Paris. One of the identifying features is the ‘Grecian’ shape of the buildings that deﬁne the northern elevation of the subway, with ‘zero-impact’ expected in energy terms, thanks to the advanced construction technology employed. The ongoing and original prospects that are created between the blocks of this monumental complex and the surrounding Roman countryside are the style features in the unusual architectonic shapes. A strategic element of Giunti’s plan is the functional intersection of transition and services, beyond the catchment areas of the city’s

major ring road (Rome’s Grande Raccordo Anulare), close to the junction between in Via Colombo and the motorway that leads to the city’s ‘Leonardo da Vinci/Fiumicino international airport. Two transparent airy triangular towers change under the effects of lighting and are visible from a large distance, creating the illusion of a gigantic half-closed gateway. The aluminum archway by Adalberto Libera, a symbolic sign of welcome for the Universal Exposition in 1942 has been reviewed and reinterpreted as a modern functional location with the two buildings expressing the shape and meaning. In this way, the architect has drafted an aggregate of modern functions and services, envisaged as an attraction for the citizens who live there and for the staff who commute through the area during the working week.

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On this and the opposite page: the renderings, the elevations and the layout plans for the ‘Porta del Mare’: an important functional crossroads of Exchange and services, and the terminal of this new overground subway line. It will be characterized by two triangular glass towers – one to be used as a hotel and the other as an ofﬁce block. These buildings are visible at a great distance and appear to form a gigantic gateway between the Tyrrhenian Sea and the EUR district.

In questa e nella pagina accanto: i rendering, i prospetti e la planimetria della ‘Porta del Mare’: un importante snodo funzionale di scambio e di servizi, terminale della metropolitana leggera. Esso sarà caratterizzato da due torri triangolari di cristallo, una destinata ad albergo e l’altra a servizi, visibili a grande distanza, tali da formare un gigantesco portale socchiuso tra il mar Tirreno e l’Eur.

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Alcuni rendering ‘dell’Esplanade Vigna Murata’: un enorme complesso a prevalente destinazione pubblica, disegnato sul modello della Defense parigina. Le continue e inedite prospettive che s’instaurano tra gli ediﬁci e la circostante campagna romana sono le cifre stilistiche della particolare morfologia architettonica. Nella pagina accanto: il rendering della stazione ‘Porta del Mare’.

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Some presentations of the ‘Esplanade Vigna Murata’: an enormous complex largely destined to the public and designed along the same lines as the Parisian Défense. The continuous and original prospects that develop between the buildings and the countryside surrounding Rome are the style traits of the unusual architectonic arrangement. On the opposite page: a drawing of the ‘Porta del Mare’ station.

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Txt: Carlo Paganelli

EXPO

ROMA 1942 $)#)/44%3)-! 05.4!4! s PART XVIII

Fortemente voluta da Benito Mussolini per celebrare il ventennale della marcia su Roma, l’evento non avrà luogo a causa della Seconda Guerra Mondiale. Nel 1936 il Commissario generale dell’Ente E42 (Esposizione 1942), Vittorio Cini, presenta a Mussolini una rosa comprendente alcuni tra i più noti architetti del tempo: Adalberto Libera, Enrico Del Debbio,Giuseppe Terragni, Giovanni Michelucci, Eugenio Montuori e Giovanni Muzio. Tra i numerosi nomi proposti, vengono scelti gli architetti Marcello Piacentini,Giuseppe Pagano, Luigi Piccinato, Luigi Vietti, Ettore Rossi. Il primo progetto viene presentato nel 1938 e riguarda la zona denominata Tre Fontane, un’area totalmente estranea alla pianificazione del PRG del 1931, ciò comporta l’adozione di misure legislative ad hoc che ne consentono la realizzazione mediante piani esecutivi particolareggiati approvati, di volta in volta, non dal M.L.L.P.P. né dal Consiglio Superiore dei Lavori Pubblici, bensì da un’apposita commissione. Obiettivo dell’esposizione è di evidenziare i progressi ottenuti in secoli di storia, “da quando Roma fece brillare sul mondo il suo genio e la sua potenza”, e costruire nuovi edifici sul percorso Roma – Ostia, un asse indicato da Mussolini per il programma di espansione di “Roma verso il mare”. La domanda ufficiale per organizzare a Roma una Esposizione internazionale di prima categoria, presentata dall’Italia nel 1935 al Bureau International des Expositions, viene accolta nel giro di qualche giorno. L’istituzione dell’Ente E42 doveva assicurare un rapido sviluppo del progetto, in realtà i lavori subiscono pesanti rallentamenti causati dai forti contrasti tra gli addetti ai lavori. Piacentini riesce a imporre la sua personale visione attraverso un progetto comprendente ampi spazi verdi ed effetti scenografici di forte impatto. L’attività dell’Ente E42 procede speditamente nonostante le polemiche da parte di alcune riviste specializzate. Si aprono inoltre i grandi cantieri dove saranno realizzate opere ancora oggi considerate simboli rappresentativi dell’Eur: il Palazzo della Civiltà Italiana, il Palazzo dei Ricevimenti e dei Congressi, la Piazza Imperiale con l’Obelisco dedicato a Marconi, la Basilica SS. Pietro e Paolo e il laghetto. Il complesso monumentale dell’Eur rimarrà in stato di completo abbandono per tutti gli anni Quaranta. I lavori riprendono sotto la guida di Virgilio Testa, Commissario straordinario dell’Ente Eur (Esposizione Universale di Roma) e, dal 1951 al 1975, vengono completate alcune delle opere progettate che costituiscono il fulcro del rinato quartiere Eur. Giuseppe Pagano Pogatschnig (Parenzo- Porec, Croazia, 1896, Mauthausen, 1945). Architetto e urbanista di rilievo del Razionalismo in Italia. Alcune sue realizzazioni: sistemazione di Via Roma, a Torino; Casa a struttura d’acciaio alla V Triennale di Milano (1933); Città Universitaria a Roma; Padiglione aggiunto alla Triennale di Milano; Piano regolatore ‘Milano verde’ (1938); Padiglione italiano all’Esposizione internazionale di Liège (1930); Università Bocconi di Milano (1938- 41); Istituto di Fisica dell’Università degli studi di Roma “La Sapienza” (1934). Marcello Piacentini (Roma 1881, Roma 1960). I primi progetti sono riconducibili alla Secessione Viennese (cinema Corso, Roma 1915, ora etile). La sua architettura propone una monumentalità tra Razionalismo e Classicismo. Nel periodo 1923- 43, ottiene importanti incarichi nel settore urbanistico (sistemazione dei centri di Bergamo e di 116 Brescia e, a Roma, dei Borghi e dell’attuale via Bissolati). Preoccupato soprattutto degli aspetti rappresentativi e della scenografia urbana, in varie città sostituì antichi quartieri con vistosi edifici. Luigi Piccinato (Legnago 1899, Roma 1983). Professore di urbanistica nelle università di Venezia (1949-63) e di Roma (1963-69). Piano Regolatore di Sabaudia (1933-34), in collaborazione con G. Cancellotti, E. Montuori, A. Scalpelli. Sono dello stesso periodo i Piani Regolatori per La Spezia, Benevento, Cagliari, Arezzo e Catania. Tra le maggiori opere architettoniche sono da ricordare: abitazioni e servizi a Borgo Venusio (1951-52) e il quartiere Serra Venerdì (1951-54) a Matera, lo Stadio Adriatico di Pescara (1951-55), la Città Universitaria di Catania (1964), un complesso per uffici in via C. Colombo a Roma (1960) e il complesso direzionale di Taranto (1970-72). Nel 1983 gli viene assegnato il premio internazionale Feltrinelli.

This project was commissioned by Benito Mussolini to celebrate the 20th anniversary of the March into Rome. The event did not take place due to the Second World War. In 1936, the Commissioner for the Expo E42 (Exposition 1942), Vittorio Cini presented Mussolini with a list containing the names of the most famous architects of that period: Adalberto Libera, Enrico Del Debbio,Giuseppe Terragni, Giovanni Michelucci, Eugenio Montuori and Giovanni Muzio. The projects designed by architects Marcello Piacentini,Giuseppe Pagano, Luigi Piccinato, Luigi Vietti, Ettore Rossi were shortlisted from those submitted. The first project was presented in 1938 and focused on the zone called ‘Tre Fontane’ (Three Foutains), an area that was totally foreign to the General Urban Development project of 1931. This led to the adoption of ad hoc legislation that would consent the completion under the effects of specific executive plans, approved on each occasion, not by the M.L.L.P.P. (The Italian Ministry for Public Works) nor by the Superior Board of Public Works, but by a special committee. The main objective of the exposition was to highlight the progress down through the centuries of history ‘since the times that Rome’s genius and power were unparalleled’. New buildings were created along the Rome-Ostia artery, indicated by Mussolini himself as part of the program for the expansion of ‘Rome towards the seaside’. Italy presented its official request

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Nella pagina a ﬁanco: l’attuale quartiere Eur; il Museo della Civiltà Romana (progetto: P. Aschieri, C. Pascoletti, G. Peressuti, D. Bernardini); il plastico del sito di Roma 1942. Opposite page: the Eur district as it looks today; the Museum for Roman Civilization (project plans: P. Aschieri, C. Pascoletti, G. Peressuti, D. Bernardini); the model for the complex in Rome 1942.

to organize a top level international exposition in Rome to the Bureau International des Expositions in 1935. The request was accepted in the space of a few days. The E42 Body was founded to guarantee the rapid development of the project; however, the works were heavily delayed by the serious arguments between those involved. Piacentini impressed his personal vision through a project that would include large parks and gardens and elements of enormous visual impact. The activity of Ente E42 progressed rapidly in spite of the criticisms reported in some specialized journals. Large building sites were opened and many works emerged that are still considered to be representative symbols of the Eur district: The Palazzo della Civiltà Italiana, The Palazzo dei Ricevimenti e dei Congressi, The Piazza Imperiale with the obelisk dedicated to Marconi, the Basilica of St. Peter and St. Paul, and the lake. The monumental development of Eur was completely abandoned during the Forties. Work recommenced under the guidance of Virgilio Testa, Extraordinary Commissioner for the Universal Exposition of Rome and between 1951 and 1975 some of the works designed were completed forming the pivot of the redevelopment of the Eur district. Giuseppe Pagano Pogatschnig (Parenzo- Porec, Croatia, 1896, Mauthausen, 1945). An important architect

and urban planner in Italy’s Rationalist movement. His projects include: the redevelopment of Via Roma in Turin; a home with a steel frame at the 5th Milan Triennial (1933); Rome’s University Campus; An additional Pavilion for the Milan Triennial complex; the Urban Development plans for «Milano verde» (Milan’s parks and gardens)(1938); The Italy Pavilion at the International Expo in Liège (1930); Milan’s ‘Bocconi’ University (1938- 41); The Institute of Physics for Rome’s “La Sapienza” University (1934). Marcello Piacentini (Rome 1881, Rome 1960). The ﬁrst projects can be traced back to the Viennese Secession (The Corso Cinema, Rome 1915). His architecture could be described as a mixture of Rationalism and the Classics. Between 1923-43, he was commissioned with important urban development projects (Redevelopment of the city centers of Bergamo and Brescia, in the north of Italy; in Rome, he redesigned ‘Borghi’ and Via Bissolati). His work focused particularly on the representative and visual impacts of the urban architecture. In several cities, he replaced the ancient settlements with eye-catching modern complexes. Luigi Piccinato (Legnago 1899, Rome 1983). He was a lecturer in Urban Planning at the Universities of Venice (1949-63) and Rome (1963-69). He was responsible for the Urban Planning

of Sabaudia(1933-34), in collaboration with G. Cancellotti, E. Montuori, A. Scalpelli. At that time, he was also responsible for the Urban Planning in the Italian provinces of La Spezia, Benevento, Cagliari, Arezzo e Catania. His more important architectonic works included: residential and service buildings in Borgo Venusio (1951-52) and the Serra Venerdì district (1951-54) in Matera, The Stadium ‘Stadio Adriatico’ in Pescara (1951-55), The Catania University Campus (1964), an ofﬁce building on Rome’s Via C.Colombo (1960) and an ofﬁce building in Taranto (1970-72). He was awarded the Feltrinelli International Award in 1983.

Dall’alto: rendering recente di una variante dell’Arco Imperiale progettato da Adalberto Libera; Palazzo dei Ricevimenti e dei congressi (progetto: A. Libera); Palazzo della Civiltà Italiana (progetto: E. La Padula, G. Guerrini, M. Romano); Complesso abitativo (progetto: A. Libera); Manifesto dell’esposizione (progetto graﬁco: Erberto Carboni). From top: a recent model of a variation of the Imperial ARch, designed by Adalberto Libera;The Palazzo dei Ricevimenti e dei congressi (project plans: A. Libera); Palazzo della Civiltà Italiana (project plans: E. La Padula, G. Guerrini, M. Romano); Residential complex (project plans: A. Libera); A poster for the ex position (graphic design: Erberto Carboni).

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D DESIGN

COMUNICARE TO COMMUNICATE

PIERLUIGI CERRI LA CONQUISTA DELLA SEMPLICITÀ TO CONQUER SIMPLICITY Txt: Francesco Massoni

Nella moltitudine di segni e oggetti che affollano, e spesso offuscano, la nostra percezione del mondo, è sempre più arduo discriminare tra autenticità e banalità. Pierluigi Cerri ha scelto la strada più difficile, quella della semplicità, per dare un senso e una forma alla qualità Incrociando le discipline progettuali, dai libri alle navi, dai musei ai negozi, dalla corporate image ai mobili, l’architetto Pierluigi Cerri ci dimostra che, nonostante tutto, è ancora possibile conferire, e comunicare, un senso coerente e compiuto agli spazi, alle attività, agli oggetti, ai servizi che costellano la nostra esperienza quotidiana in un mondo sempre più complesso da decifrare e gestire. Forgiare identità, elaborare visioni, coniare segni e strumenti utili a definire i nostri orizzonti professionali, culturali, sociali, con chiarezza e semplicità, questo è il compito che si è dato Pierluigi Cerri nell’arco della sua carriera, lavorando prima con Vittorio Gregotti, e poi, dal 1998, aprendo a Milano il proprio studio Cerri & Associati, assieme ad Alessandro Colombo. Vincitore di tre premi Compasso d’Oro ADI, Cerri ha lavorato o lavora per aziende quali Arflex, B&B Italia, Costa Crociere, Einaudi, Electa, Fontana Arte, Fiat, Fratelli Guzzini, Fusital, iGuzzini Illuminazione, Molteni & C., Poltrona Frau, Prada, Skira, Trussardi, Unifor. La mostra “Design. La sindrome dell’influenza” in corso al Triennale Design Museum di Milano, realizzata a cura di Pierluigi Nicolin e della quale Pierluigi Cerri ha firmato progetto d’allestimento e immagine, ha rappresentato lo spunto di partenza per la nostra conversazione… La sesta edizione del Triennale Design Museum, intitolata “Design. La sindrome dell’influenza”, dimostra che i linguaggi progettuali che hanno dato vita al fenomeno dell’Italian Design non sono immuni da contaminazioni, 118 innesti, suggestioni provenienti da altri mondi e culture. Dunque, una sindrome molto benefica… Al di là della retorica celebrativa e del legittimo orgoglio nazionale, il successo dell’Italian Design non è affatto un fenomeno autarchico, ma l’espressione locale di un’evoluzione progettuale che è maturata in un più ampio contesto con lo sviluppo dell’economia industriale. Molti dei nostri ‘padri fondatori’ hanno saputo guardare fuori dai loro confini geografici, e direi anche linguistici, accogliendo spunti e suggestioni provenienti da diversi ambiti disciplinari. In particolare, credo che il delinearsi di un modello tipicamente italiano possa essere riconducibile al periodo tra le due guerre del XX secolo, quando architetti come Luigi Figini e Gino Pollini, Franco Albini, Gio

Ponti, diedero nuove interpretazioni dell’abitare, dei suoi spazi e arredi. Non voglio entrare nella mente di Pierluigi Nicolin, vecchio compagno di studi e di studio, ma sono convinto che, nella scelta dei titoli dati alla mostra e ai suoi tre capitoli, il curatore sia stato animato da una riflessione acuta e ironica al tempo stesso: non può sfuggire il fatto che la seconda sezione, quella intermedia, prende il nome dalla “Teoria dello sviluppo economico” di Joseph Schumpeter, in cui si parla espressamente di “distruzione creatrice”, alludendo a quella confusione di linguaggi che ho visualizzato con un gioco di specchi nel quale gli oggetti si mescolano alle immagini e alle parole dei vari autori. Al di là di questo, credo che la parte più originale della mostra – e il merito è tutto di Nicolin – sia la prima, quella dedicata alla “invenzione del design italiano” con le sue 10 installazioni, medium espressivo privilegiato dalle generazioni d’oggi. È bello e stimolante vedere come i progettisti più giovani interpretino i loro maestri prediletti in chiave spettacolare, usando mezzi e supporti molto attuali. Di questa mostra lei ha firmato il progetto d’allestimento e l’immagine grafica e tuttavia ne parla come se fosse un visitatore… Ho fatto tanti progetti d’allestimento per mostre d’arte, architettura e design, lavorando con o al servizio di personaggi come Germano Celant e Frank O. Gehry, e preoccupandomi sempre di non sovrastare con il mio intervento il valore delle opere esposte. Il fatto di disegnare un ‘condominio’, come è avvenuto in questo caso, non deve gratificare il mio narcisismo professionale. Non ho ambizioni di protagonismo, se è questo che intende. Parlando dei suoi maestri, chi ha influenzato di più la sua attività? Dirò forse una cosa scandalosa, ma il mio modello, il personaggio che ammiro di più, e con il quale mi sono spesso idealmente confrontato, è Peter Behrens che nei primi decenni del XX secolo non solo ha forgiato la corporate identity della tedesca AEG ma ne ha anche progettato la fabbrica di turbine, insomma: designer e architetto, dal cucchiaio alla città… E pare che, in occasione di un compleanno del suo datore di lavoro, Walther Rathenau, abbia composto anche una canzone in suo onore. Per la Unifor, azienda con cui collaboro da circa trent’anni, non mi sono ancora spinto così in là, ma chissà… E Vittorio Gregotti? Sono stato suo assistente alla Facoltà di architettura del Politecnico di Milano, poi

Da sinistra a destra e dall’alto in basso: Pierluigi Cerri, progetto graﬁco per la rivista “Rassegna”, 1982; Pierluigi Cerri, manuale per la corporate identity di Ferrari Auto, 1994-95; Studio Cerri & Associati, marchio per Genova ’04, capitale europea della cultura, 2003; Studio Cerri & Associati, corporate identity per Luna Rossa Prada per America’s Cup 2000, 1998.

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La sua passione per la graﬁca è nata in quegli anni? No, direi che risale a prima dei miei studi universitari. Una passione alimentata da alcuni amici che frequentavano la Kunstgewerbeschule di Zurigo e per i quali avevo una grande ammirazione. Come pure per artisti quali Piero Manzoni o Enrico Castellani, con cui ho condiviso per un certo periodo la ricerca visiva, interessandomi anche, grazie a Giovanni Anceschi, compagno di liceo, al movimento dell’Arte Programmata. Poi, grazie ai fratelli Castiglioni, ho conosciuto Max Hüber e Bob Noorda. Da Achille Castiglioni, con cui ho elaborato tra l’altro il progetto della visual identity del Lingotto di Torino, ho imparato che si può progettare divertendosi. Il suo umorismo era davvero contagioso.

ho partecipato con lui al progetto per la sede dell’Università della Calabria. Abbiamo vinto il concorso e, nel 1974, con altri soci fondatori, abbiamo dato vita allo studio Gregotti Associati. Devo molto a Vittorio, soprattutto dal punto di vista metodologico. È un uomo di straordinaria cultura, uno che sa mettere a fuoco la visione del mondo, quella che i tedeschi chiamano Weltanschauung, e che sa distinguere tra progresso e sviluppo, tra utile e superﬂuo, considerando l’architettura come uno strumento di trasformazione. Tutt’altra cosa rispetto alle odierne archistar… Del resto, allora eravamo convinti di poter contribuire a cambiare il modo di vivere della gente e dibattevamo animatamente sulla necessità di anteporre la funzione alla forma o viceversa. Oggi, siamo certi che il business viene prima di ogni altra cosa.

From left to right and from top to bottom: Pierluigi Cerri, graphic design for the journal “Rassegna”, 1982; Pierluigi Cerri, manual for the corporate identity of Ferrari Auto, 1994-95; Studio Cerri & Associati, branding for Genova/Genoa ’04, European capital of culture , 2003; Studio Cerri & Associati, corporate identity for Luna Rossa Prada for America’s Cup 2000, 1998.

E il design? Non lo considero come un settore distinto. Prima con Gregotti, poi insieme ad Alessandro Colombo nello Studio Cerri & Associati, ho sempre attraversato le discipline preoccupandomi di dare un senso e uno scopo precisi ad ogni progetto, senza indulgere in svolazzi espressivi, forse per questo vengo considerato un minimalista. Dalla riviste alle collane editoriali, dagli allestimenti museali agli stand fieristici, dall’immagine aziendale ai negozi e showroom, dall’architettura all’interior design, dagli arredi per casa e ufficio agli interni per navi da crociera e yacht, il comune denominatore è la rinuncia al superfluo e la ricerca della semplicità. Tanti mi chiedono: “Ma come ha fatto a concepire la linea rossa di Prada?”. E io rispondo: “Semplice, ho tracciato una riga rossa”.

Nella pagina a sinistra: Pierluigi Cerri con Achille Castiglioni, immagine per la mostra “Venti progetti per il futuro del Lingotto”, Torino, 1983; Pierluigi Cerri (foto Filippo Fortis).

On the left page: Pierluigi Cerri with Achille Castiglioni, the image for the exhibition “Venti progetti per il futuro del Lingotto”, (Twenty projects for the future of Lingotto) Turin, 1983; Pierluigi Cerri (photos Filippo Fortis).

Nell’arco della sua carriera ha vinto tre Compassi d’Oro, uno dei quali, nel 2004, per il Naòs System prodotto da Unifor, un sistema che ha contribuito a cambiare il modo di vivere l’ufficio… Con l’avvento delle tecnologie digitali tante cose sono cambiate. Una volta si costruiva il mobile attorno alla macchina, poi le macchine si sono progressivamente smaterializzate e i mobili per ufficio sono diventati sempre più elementari, disponendosi anche al cablaggio, come nel caso di Naòs. Riguardo agli uffici sono d’accordo con quanto diceva George Nelson: è inutile che noi facciamo la sedia più ergonomica del mondo, il problema è un altro ed è dovuto al fatto che si è costretti a stare seduti su questa sedia per 9 ore al giorno. Il punto non è tanto, o non solo, la sedia piuttosto che il mobile, è il layout dell’ufficio. Perché bisogna passare l’intera giornata lavorativa confinati nella propria postazione? Occorre dunque creare spazi di lavoro meno coercitivi e più favorevoli all’interazione. Tornando alla rivoluzione digitale, si è tanto favoleggiato a proposito dell’home office e del lavoro a distanza: i rapporti tra le persone non 119 possono correre esclusivamente su un cavo, in modo virtuale, la comunicazione interpersonale ha una forte componente fisica e gestuale. Una importante società di ricerca farmaceutica, per cui abbiamo lavorato, ci ha chiesto di progettare degli uffici a Basilea per favorire l’incontro tra i suoi ricercatori, perché tendevano ad isolarsi. Così abbiamo strategicamente distribuito nell’edificio varie aree di ritrovo e ciò ha contribuito a favorire una migliore interazione tra i dipendenti. Il vero problema della nostra era digitale è che in realtà, nonostante la proliferazione di strumenti di comunicazione, si favorisce l’isolamento, la staticità, e si scoraggiano gli scambi, quelli veri, quelli diretti, quelli che muovono le cose e le trasformano. Come hanno fatto i leggendari imprenditori

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dell’Italian Design capaci di osare e di rischiare, con il loro ﬁuto e la loro scaltrezza soprannaturali. Penso, tra gli altri, a Piero Busnelli di B&B che fece progettare a Renzo Piano, quando ancora era uno sconosciuto, la sua prima fabbrica a Novedrate. “Bisogna prenderli bravi – diceva – tanto costano lo stesso”. Come vede il futuro del design? Mi auguro di poter vedere, perché non sono un mago, un ritorno al signiﬁcato originario della parola design, oggi tanto abusata e banalizzata. Un design davvero inteso come progetto, come capacità di proiettarsi in avanti. Un design meno legato alle logiche del consumo e una progettualità più diffusa e condivisa, ad ogni livello.

Tra i designer italiani delle nuove generazioni ce n’è qualcuno che apprezza in modo particolare? Tra quelli che hanno preso parte alla mostra “La sindrome dell’inﬂuenza” mi sono piaciuti Paolo Ulian, con la sua installazione dedicata a Vico Magistretti, Matilde Cassani e Francesco Librizzi, autori dell’omaggio a Bruno Munari, e Lorenzo Damiani, che ha ﬁrmato il tributo ad Achille e Pier Giacomo Castiglioni. Progettisti capaci di unire pensiero e poesia.

linguistic boundaries, collecting ideas and suggestions from various disciplines. More specifically, I believe that the definition of a typically Italian model can be traced back to the period between the two World Wars in the 20th-century, when architects such as Luigi Figin and Gino Pollini, Franco Albini, Gio Ponti, defined new interpretations of living space and furnishings. I do not wish to go deep inside the mind of Pierluigi Nicolin, a fellow student of mine, but I am convinced that, in the choice of the titles given to the exhibition and its three chapters, the curator was driven by an acute yet ironic reflection: it is impossible to escape the fact that the second, called the ‘Theory of Economic Development’ by Joseph Schumpeter, is a specific reference to ‘creative destruction’; this alludes to the confusion of languages that I envisaged with the effect of mirrors with objects mixed with images and the design universes of various authors. Apart from this, I believe that the most original part of the exhibition – and all credit is due to Nicolin – is the first, the one dedicated to the ‘invention of Italian design’ with its 10 installations, a privileged expressive overview for today’s generations. It is wonderful and highly stimulating to see how the younger protagonists interpret their preferred Maestros in such a spectacular manner, using the latest technological means and support devices. In this exhibition, you designed the layout project and the graphic image yet you talk about it as though you were a visitor… I have created a wide range of layout projects for art exhibitions, architecture and design, working with or assisting celebrities in the field – such as Germano Celant and Frank O. Gehry; I was always worried about not overwhelming the value of the works on display with my contribution. The design of a condo such as this cannot gratify my professional narcissism. I don’t want to steal the show if that’s what you mean…

Amidst the multitude of signs and articles that crowd and often blur our perception of the world, it is increasingly difficult to discriminate between what is authentic and what is banal. Pierluigi Cerri opted for the more difficult pathway – simplicity – in an attempt to give meaning and shape to quality Intersecting the design disciplines, from books to ships, from museums to stores, from the corporate image to furniture, architect Pierluigi Cerri illustrates how it is still possible to produce and communicate coherent, complete meaning for spaces, activities, articles, services that are part of our everyday experience, in a world that is increasingly difficult to interpret and manage. Defining the identity, processing visions, forging signs and instruments that are useful for defining our professional, cultural social horizons, with clarity and simplicity - this was the target that Pierluigi Cerri aimed at throughout his career, working first with Vittorio Gregotti and then from 1998, opening his own studio in Milan - Cerri & Associati – along with Alessandro Colombo. Cerri won three ADI Compasso d’Oro awards and has worked with companies such as Arflex, B&B Italia, Costa Crociere, Einaudi, Electa, Fontana Arte, Fiat, Fratelli Guzzini, Fusital, iGuzzini Illuminazione, Molteni & C., Poltrona Frau, Prada, Skira, Trussardi, Unifor. The exhibition “Design. La sindrome dell’influenza” that in currently open in Milan’s Triennale Design Museum, organized by Pierluigi Nicolin with Pierluigi Cerri responsible for the layout and image design, was the starting point for our conversation …

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The sixth edition of the Triennial Design Museum entitled ‘Design. La sindrome dell’inﬂuenza, shows that the design languages that gave rise to the phenomenon of Italian Design are not immune to contamination, intersections, suggestions from other worlds and cultures. In other words, it is an extremely beneﬁcial syndrome… Apart from the celebratory rhetoric and our legitimate national pride, the success of Italian Design is not an autarchic phenomenon, but the local expression of design evolution that matured in a wider context with the development of the industrial economy. Many of our ‘founder fathers’ have been able to look beyond their geographical and

Let’s talk for a moment about the Maestros who were the greatest influence on your work… What I am about to say is possibly shocking, but my model, the architect that I admire most and who made a major influence on my design direction, is Peter Behrens. At the beginning of the 20th-century, he defined the corporate identity for the German company AEG and also designed the turbine factor; design and architect, from the spoon to the city… Apparently, to celebrate his boss’s (Walter Rathenau) birthday, he composed a song as a tribute. For Unifor, a company I have been working with for some thirty years, I have never pushed the boundaries that far, but who knows… What about Vittorio Gregotti? I was his assistant at the Faculty of Architecture in the Milan Polytech, and then I worked with him on the project for the headquarters of the University of Calabria. We won the contract and in 1974, with other founder members, we founded Studio Gregotti Associati. I owe Vittorio a lot, particularly where know-how is concerned. He is a man of great culture, one who knows how to focus on the world – the Germans would refer to him as Weltanschauung – he manages to distinguish between progress and development, between the useful and the functional… he considers architecture to be a tool for transformation. His approach is totally different to today’s megastars… However, at that time we were convinced that we had to envisage the function with respect to the shape and vice versa. At the time of writing, we are convinced that business and profit is more important than anything else. Did your passion for graphics develop at that time? No, I would say that my passion emerged even before I had started my university studies. My passion was fueled by some of my friends who frequented Kunstgewerbeschule in Zurich… I really admired their vision. The same applies to artists - Piero Manzoni or Enrico Castellani – I shared with them a certain period of time focusing on visual research; at that time, I was also curious about the Programmed Art movement,

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In alto a destra: Studio Cerri & Associati, dettaglio del nuovo impianto industriale IPI Prada, Piancastagnaio, Arezzo, 1998. A ﬁanco, Studio Cerri & Associati, sedia Donald per Poltrona Frau, 2001. In basso, Studio Cerri & Associati, nuovo padiglione 14-15, Fiera di Bologna, 2006-2008 (foto Mario Carrieri). Nella pagina a sinistra, dall’alto: PierluigiCerri, tavolo e libreria Naòs per Unifor, 1993 (foto Mario Carrieri); Studio Cerri & Associati, progetto per la nuova collana Einaudi tascabili, 2012. Top right: Studio Cerri & Associati, closeup of the new industrial plant IPI Prada, Piancastagnaio, Arezzo, 1998. To the side, Studio Cerri & Associati, the chair Donald for Poltrona Frau, 2001. Bottom: Studio Cerri & Associati, the new pavilion 14-15, Exhibition of Bologna, 2006-2008 (photos Mario Carrieri). On the left page, from top: Pierluigi Cerri, table and bookcase Naòs for Unifor, 1993 (photos Mario Carrieri); Studio Cerri & Associati, design for the new Einaudi pocketbook collection, 2012.

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Dall’alto in basso: Studio Cerri & Associati, allestimento della sede provvisoria della Triennale Bovisa, 2006 (foto Carlo Valsecchi); Pierluigi Cerri, mostra “19611991. Mobili italiani. Le varie Età dei linguaggi”, Triennale di Milano, 1992; mostra “L’idea Ferrari al Forte di Belvedere”, Firenze, 1989; Pierluigi Cerri, interior design della nave da crociera Costa Classica, 1990-94, vista della scala sospesa sopra la hall di ingresso (foto Luigi Ghirri). Nella pagina a destra, dall’alto in basso: Studio Cerri & Associati, showroom Valextra, via Manzoni, Milano, 2003; Studio Cerri & Associati, mostra “Espressioni di Gio Ponti”, Triennale di Milano, 2011 (foto Paolo Rosselli). From top to bottom: Studio Cerri & Associati, layout for the temporary Headquarters of the Milan’s ‘Triennale Bovisa’, 2006 (photos Carlo Valsecchi); Pierluigi Cerri, exhibition “1961-1991. Mobili italiani. Le varie Età dei linguaggi”, (Italian

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furniture: the various periods of the design languages) Triennale Milan, 1992; exhibition “L’idea Ferrari al Forte di Belvedere”, (The Ferrari idea at Forte di Belvedere) Florence, 1989; Pierluigi Cerri, interior design for the cruise liner Costa Classica, 1990-94, view of the stairwell suspended above the entrance hall (photos Luigi Ghirri). On the right page, from top to bottom: Studio Cerri & Asso-

ciati, the Valextra showroom, Via Manzoni, Milano, 2003; Studio Cerri & Associati, the exhibition “Espressioni di Gio Ponti” (Expressions of Gio Ponti), Triennale Milan, 2011 (photos Paolo Rosselli).

thanks to a high-school chum of mine, Giovanni Anceschi. Then, thanks to the Castiglioni Brothers, I met Max Hüber and Bob Noorda. I worked with Achille Castiglioni on the Visual Identity design for Turin’s Lingotto and what I realized was that it is possible to enjoy yourself while designing. His sense of humor was infectious. And what about design? I don’t consider this to be a separate sector. Initially with Gregotti and later with Alessandro Colombo in Studio Cerri & Associati, I always crossed the various disciplines to give meaning and objectives to every project, with no concession to expressive

flourishes and this is possibly why I am considered to be a minimalist designer. From magazines to books, from museum layouts to exhibition stands, from corporate image to showrooms and stores, from architecture to interior design, from home and office furniture to interiors for cruise liners and yachts, the common denominator is the elimination of the superfluous and the quest for simplicity. Many people ask me: ‘Where did the inspiration come from for the Prada Red Line concept?’ My answer is: ‘Simple, I drew a red line!’. In your career, you have won three Compassi d’Oro prizes, one of which in 2004 for the Naòs System produced by Unifor, a system that made an important contribution to changing the way we ‘live’ in the office… With the development of digital technology, many things changed. In the past, the furniture was designed to suit the equipment; then the pieces of equipment dematerialized progressively and the office furniture became more elementary and designed for

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cabling – as was the case for Naòs. In reference to the offices, I agree with what George Nelson said: there is no point in designing the world’s most ergonomic chair; the problem is something else and it is due to the fact that people often have to remain seated on that chair for some 9 hours every day. The issue is therefore not just the seat or the piece of furniture but the layout of the office. Why do we have to spend the entire working day sitting at the same work station? This highlighted the need to design spaces that were less restrictive and that would encourage interaction. Getting back to the digital revolution, a lot has been said about the home office and remote work: however, the relationships between people cannot be channeled exclusively through a cable, in a virtual dimension; interpersonal communication has a major physical component; we need to observe the facial expressions, the body language and the gesticulation. An important pharmaceutical research company we worked for asked us to design offices in Basle, Switzerland, that were geared to facilitating meetings between the members of staff who tended to withdraw and become isolated. As a result, we included relaxation areas positioned strategically throughout the building, in the hopes that this would improve interaction between the employees. The real problem of our digital era is that in reality, despite the proliferation of the instruments of communication, isolation is more widespread, people are more static, information exchange is not encouraged – meaning the real, direct contacts based on the energy that moves and transforms is lacking. This is what we saw the legendary entrepreneurs of Italian do in the past when they decided to risk and use their supernatural intuition. For example, Piero Busnelli of B&B who asked Renzo Piano to design his first factory in Novedrate, just outside Milan, when he was still an unknown architect. His explanation was: ‘The secret is contracting the best, the price is the same!’ How do you envisage design in the future? I don’t have a crystal ball to see into the future; however, I would like to see a return to the original meaning of the word design that is abused and insignificant nowadays. I would like to see design interpreted as a project, as the ability to drive towards the future, unbridled creativity that is not based exclusively on consumerism with design that is shared and more widespread on all levels. Taking a look at the new generation of Italian designers, who has caught your eye so far? If we look at the creatives who took part in the exhibition “La sindrome dell’influenza”, I was particularly impressed by Paolo Ulian and his installation dedicated to Vico Magistretti, Matilde Cassani and Francesco Librizzi, who were behind the tribute to Bruno Munari, and Lorenzo Damiani, who organized the tribute to Achille and Pier Giacomo Castiglioni – in my opinion, these designers can successfully twist thinking and poetry together.

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D DESIGN

TECNOLOGIA TECHNOLOGY

Txt: Francesca De Ponti

Project: Jim Kor/Kor EcoLogic

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OLTRE LA MATERIA BEYOND THE SOLID STATE Si chiama Urbee 2. È un’auto leggera, del tutto aerodinamica, che riduce i consumi perché interamente prodotta con la stampa 3D. E quindi ‘fatta’ solo con ciò che è strettamente indispensabile. Da diversi anni l’industria automobilistica è concentrata sulla creazione e il miglioramento di veicoli elettrici. Riuscire a spostarsi usando solo fonti rinnovabili è la sfida del futuro imminente. E sembra che la società si stia muovendo davvero – anche se lentamente – in questa direzione. Ma esiste un altro punto, che sembra spesso venga dimenticato, da integrare nella progettazione dei veicoli affinché si riduca ulteriormente l’impatto ambientale della mobilità: consumare di meno. Jim Kor da più di dieci anni guida un team di progettisti intenzionati a sviluppare un’automobile interamente prodotta con la stampa 3D. Una tecnologia, inizialmente usata nei dipartimenti d’ingegneria per lo sviluppo di prototipi, che si prevede rivoluzionerà il settore manifatturiero. Perché le cose pensate per essere realizzate con questo metodo vengono progettate al millimetro, in modo che in fase di stampa le particelle di materiale si posizionino solo ed esclusivamente dove sono necessarie. (Si pensi che, come una stampante ink-jet colora ‘punto per punto’ il foglio di carta, una stampante 3D a laser deposita materiale ‘strato per strato’). Dalle protesi maxillo-facciali ai modellini di aeroplani telecomandati, gli oggetti realizzati ad oggi con questo metodo - sempre super leggeri e resistenti, proprio perché il materiale viene distribuito solo dove ce n’è bisogno – erano per lo più di dimensioni medio-piccole. Colpisce dunque particolarmente il fatto che Kor EcoLogic (questo il nome del gruppo di lavoro attivo sul progetto da una quindicina d’anni) sia riuscito a sfruttare la nuova tecnologia per produrre pannelli di grandi dimensioni e ad avvalersi del crowfunding in rete per produrre la prima auto con carrozzeria in ABS interamente stampata in 3D. Il primo prototipo, chiamato Urbee (Urban+Electric), è stato presentato nel 2013. Si tratta di un veicolo a forma di goccia che può accogliere fino a due passeggeri con bagagli e possiede solo tre ruote (soluzione che riduce la resi-

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On these pages: some images and a construction design that highlight the aerodynamic roof of Urbee 2, consisting of nine large 3D printed panels.

In queste pagine: alcune immagini e un disegno costruttivo che mettono in luce il volto aerodinamico di Urbee 2, costituita da nove pannelli di grandi dimensioni stampati in 3D.

Urbee 2 is a highly aerodynamic lightweight car; consumption is greatly reduced because it has been produced entirely with 3D printing and uses only the strictly indispensable resources For a number of years the automobile industry has concentrated on the creation and improvement of electrical vehicles. Being able to travel from place to place using renewable resources only is the challenge of the immediate future. And it would appear that society is moving – albeit slowly - in this direction. However, there is another issue that is often forgotten – and that is to further reduce the environmental impact of mobility by integrating features or procedures in the plans designed speciﬁcally to reduce consumption. For more than 10 years, Jim Kor has led a team of specialist designers and they have developed a car that is produced entirely with 3D printing. This type of technology was initially used in engineering departments for the development of prototypes; now it is set to revolutionize the entire manufacturing sector. Any items for production using 3D

stenza all’attrito e diminuisce ulteriormente il peso). Il sistema di alimentazione è ibrido, ovvero, combina due fonti energetiche: in città si serve delle batterie caricate con l’elettricità, mentre per lunghe percorrenze in autostrada si avvale del motore alimentato ad etanolo. Nel caso si necessiti di ancora più potenza, come in montagna, adopera entrambi i motori. L’iniziativa ha riscosso grande interesse, tanto che subito dopo la presentazione del primo modello è partita l’ingegnerizzazione di un secondo, il cui debutto su strada è previsto nel 2015. Urbee 2 sarà totalmente realizzata con tecnologia di stampa 3D (usata anche per gli interni) e compirà un viaggio dimostrativo percorrendo la strada che collega San Francisco a New York City (4.675 km) in due giorni, consumando solo 150 litri di carburante. http://korecologic.com

printing are designed with millimetric precision so that during the printing phase, the solid particles come to rest only where required. (It actually works in a similar way to how the ink-jet printers add the dots of color on a sheet of paper: the 3D laser printer deposits material layer-by-layer). From maxillo-facial prosthesis to remote

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La nuova auto ibrida durante le fasi di progettazione, costruzione, presentazione (presso TEDX) e prova su strada. Nella pagina accanto, in basso: Jim Kor, ingegnere/inventore. The new hybrid vehicle during the design phases, the presentation (at the TEDX facility) and the road trial. On the opposite page, bottom: Jim Kor, engineer/inventor.

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vehicle’s weight). It is a hybrid vehicle that exploits two energy sources: for city driving it uses electric batteries; for longer trips on highways and toll roads, the engine is powered by ethanol. For mountain driving, for example, that requires greater power levels, both engines are used. This initiative has created such a stir that immediately after the presentation of the ﬁrst model, the team got down to work on the engineerization of a second, that will make its road debut in 2015. Urbee 2 will be wholly produced with 3D printing technology, and that includes the interiors). A pilot demonstration journey has been scheduled along the highway that connects San Francisco to New York City (4,675 km) in just two days, with a fuel consumption of only 150 liters (approximately 35 gallons). http://korecologic.com

controlled airplanes, to date all of the articles produced using these methods – the common feature being lightness and resistance – simply because the material is deposited only where it is required – have been medium-small in size. Of interest is the fact that Kor EcoLogic (the name of this group active in this field for 15 years or thereabouts) has been able to exploit this new technology to produce very large panels and to benefitted from on-line crowdfunding to produce the first motor vehicle with an ABS body that has been completely printed with 3D technology. The first prototype, called Urbee (Urban+Electric), was presented in 2013. It is a drop-shaped vehicle that can accommodate up to two passengers and their baggage. It only has three wheels (a design feature that will reduce friction resistance and the

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INTERNATIONAL MAGAZINE OF OFFICES AND DESIGN

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ARCHITETTURA ARCHITECTURE

RIQUALIFICAZIONE RIQUALIFICATION

Txt: Francesca Tagliabue

130 Project: Park Associati (Filippo Pagliani, Michele Rossi)

VIAGGIO NEL TEMPO TIME TRAVEL Se dall’esterno le forme sono rimaste quelle originali, il cuore dell’edificio La Serenissima di Milano è oggi ecologico e più funzionale. Grazie ai recenti lavori di restyling è stata migliorata l’efficienza energetica e la distribuzione interna degli spazi per lavorare Negli anni Sessanta, il periodo del boom economico, molte aziende di importanza nazionale decisero di dotarsi di sedi e uffici di rappresentanza. Non fece eccezione la Campari, che nel 1968 commissionò il proprio palazzo di via Turati a Milano ad Ermenegildo ed Eugenio Soncini. L’azienda aveva espressamente richiesto ai progettisti un edificio

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The exteriors have remained unchanged but following the redevelopment project, the ‘La Serenissima’ building in Milan is now more ecological and more functional. Thanks to the recent restyling, the energy efﬁciency and the internal distribution of the work spaces have been greatly improved In the 1970s, during the economic boom, many important Italian companies decided to open their headquarters or a head ofﬁce in Milan. One of these was the drinks company Campari; in 1968, it commissioned a building in Milan’s Via Turati, designed by Ermenegildo and Eugenio Soncini. The company brief clearly stated that the building was to be designed with extremely versatile interiors. A perfect interlock between shape and function was the starting point for the building’s restyling, designed by studio ‘Park Associati’ for the building’s new proprietor, the company Morgan Stanley. The design competition was run in 2008 but work only got underway in 2010,

In apertura, la facciata principale di Palazzo Campari su via Turati, con zone vetrate alternate a tamponamenti in alluminio pressofuso. In questa pagina, a sinistra, la scala elicoidale e una vista del cortile interno risistemato su progetto di Park Associati che l’hanno trasformato da giardino interno a spazio utilizzabile dai dipendenti. Opening shot, the main facade of Palazzo Campari on Via Turati, with an alternation of glass and pressure-fused aluminum inserts. On this page, left, the spiral staircase and a view over the internal courtyard; this has also been reorganized to plans by Park Associati. The architects transformed the courtyard from an internal garden into a facility that can be used by the staff.

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OFX Prospetto frontale/Front elevation

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Pianta/Layout plans

per uffici che fosse molto flessibile nella disposizione degli interni. La perfetta compenetrazione tra forma e funzione è stato il punto di partenza per il progetto di restyling del palazzo, firmato dallo studio Park Associati per la nuova società proprietaria dell’immobile, la Morgan Stanley. Il concorso fu indetto nel 2008, ma i lavori sono partiti solo nel 2010 e sono stati terminati nel 2012. Gli architetti hanno ridefinito la scansione di entrambi i fronti (su via Turati e su via Cavalieri, proprio di fronte alla Cà Brutta). Le facciate originali del Palazzo Campari avevano ampie aperture vetrate alternate a zone tamponate con vetri retro-verniciati color bronzo. L’alternanza di zone aperte e zone cieche è stata mantenuta anche dai Park Associati, che hanno però optato per l’avvicendamento di finestre e scatole di alluminio forato pressopiegato su via Turati, mentre hanno alternato vetro trasparente e vetro opaco sul corpo più basso di via Cavalieri. Inoltre le facciate sono state arretrate rispetto al perimetro originale dell’edificio per eliminare i così detti ponti termici (non valutati negli anni Sessanta). Le nuove facciate permettono una flessibilità estrema nella distribuzione interna, riorganizzata completamente grazie a un sistema più razionale di accessi all’edificio e migliori collegamenti verticali. Al piano terreno sono state recuperate delle volumetrie ora destinate a terziario/negozi. Rimane intatto il cuore segreto di Palazzo Campari, la corte interna con giardino. I recenti lavori di ristrutturazione hanno nettamente migliorato anche il rendimento energetico dell’edificio (passato dalla Classe G alla Classe B); al palazzo inoltre è stata data la Leed Gold Certification.

Prospetto laterale/Side elevation

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terminating in 2012. The architects redefined both facades (facing onto Via Turati and onto Via Cavalieri, right in front of Cà Brutta). The original frontage of the Campari building was interrupted by large transparent windows alternating with bronze back-coated glass panels. The combination of open and opaque zones was continued by the architects of Park Associati, who opted for an oscillation of windows and punched pressure-molded aluminum on Via Turati, with a combination of clear and opaque glass for the lowest portion on Via Cavalieri. Moreover, the facades have been recessed with respect to the original walls to eliminate to so-called heat-bridges (that were not considered in the Sixties). The new facades also point towards extreme versatility of the internal distribution; this has been completely re-organized thanks to a more rational system for access to the building and better vertical connections. On the ground floor, the architects redeveloped a series of volumes now used as office or commercial premises. The secret heart of the Campari Building – the internal courtyard - has been left intact. The recent restructuring programs have improved the building’s energy rating (from Class G to Class B) with the building awarded the Leed Gold Certification.

133 In alto, la facciata su via Cavalleri, in origine destinata ad abitazioni, caratterizzata dall’alternarsi di vetro trasparente e vetro opaco. Qui sopra due scorci degli interni. Oggi il palazzo La Serenissima ospita gli ufﬁci della Morgan Stanley e gli architetti hanno compiuto un magistrale lavoro nella rideﬁnizione degli spazi e dei percorsi interni.

Top, the frontage on Via Cavalleri of the building that was originally used as accommodation, with an alternation of clear and opaque glass. Above, two shots of the interiors. The ‘La Serenissima’ building currently contains the offices of Morgan Stanley and the architects have magnificently redefined the room arrangements and the internal corridors.

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ARCHITETTURA ARCHITECTURE

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INTERNI INTERIORS

Txt: Francesca Tagliabue Ph: Walter Mair, Thies Wacher

PRECISIONE SVIZZERA SWISS PRECISION

Project: Annette Gigon / Mike Guyer, Architects Furniture: USM Modular Furniture

Nuovo ampliamento per gli uffici elvetici di Ernst &Young Ltd La nota società di revisione e consulenza finanziaria Ernst & Young ha recentemente inaugurato la nuova ala della sua sede di Zurigo. A pochi passi dalla stazione ferroviaria, il nuovo Platform Office Building completa il progetto dell’headquarter, aggiungendosi alla svettante Prime Tower (ad oggi la costruzione più alta della Svizzera) e alle costruzioni più basse chiamate Cubus e Diagonal. Il complesso si articola intorno a una grande piazza centrale, connessa direttamente alla vicina pista ciclabile con percorso pedonale e al sottopassaggio di collegamento alla stazione. Il Platform Office Building (progettato dagli architetti Annette Gigon e Mike Guyer che si sono occupati di tutti e quattro gli edifici) è composto da sette piani fuori terra con superficie sempre crescente verso l’alto. Il suo andamento orizzontale, sottolineato dalle lastre di vetro scuro e dalle balaustre della facciata, contrasta con l’altezza della torre ma, al tempo stesso, ne diventa l’ideale prolungamento. Gli interni – ben 20800 metri quadrati di superficie utile - sono stati concepiti all’insegna della flessibilità; i collegamenti verticali si trovano tutti nella zona centrale dell’edificio, in questo modo i piani dal primo al settimo potranno essere divisi – in caso di bisogno – in un numero superiore di uffici o addirittura in quattro unità immobiliari separate. Inoltre, a livello strutturale, gli architetti hanno optato per un sistema costruttivo che limitasse l’utilizzo di colonne e pareti portanti, in modo da poter (eventualmente) demolire e ricostruire con facilità i muri divisori. Il grande foyer del piano terra funge da ingresso principale, e permette l’accesso diretto a tutte le altre facilities per i dipendenti: ristorante, caffetteria e auditorium. Al primo piano si trovano le conference room, mentre a quelli superiori ci sono gli uffici, attrezzati per 1.150 dipendenti. Per la fornitura degli arredi è stata scelta USM Sistemi di Arredamento, azienda specializzata nella produzione di mobili da ufficio. All’interno del Platform Office le postazioni di lavoro singole e quelle occupate da due persone sono rare; circa un quarto degli impiegati lavora in ampi open space e condivide la scrivania con i colleghi. Grazie alle versatili soluzioni del catalogo USM Haller gli uffici sono stati attrezzati con sistemi modulari che ne scandiscono gli spazi massimizzandone l’efficienza. I colori dominanti sono l’argento opaco dei mobili contenitore, disposti in modo da separare le differenti aree di lavoro, e il grigio perla dei tavoli. Linee essenziali e tonalità delicate per arredi che dureranno nel tempo.

On this page and the opening shots, two views of the facade of Platform Ofﬁce Building.The glass façade, created with windows and balconies in smoked glass, is adequately sound-proofed thanks to the use of double grazing.

A new extension for the Swiss ofﬁces of Ernst &Young Ltd

structures are all located in the central section of the building. In this way, floors one to seven can be split into a larger number of offices if required, or they can be subdivided into four separate properties. In structural terms, the architects opted for a construction system that limited the use of loadbearing columns and walls. This would facilitate and simplify any demolition or reconstruction interventions in the future. The large lobby on the ground floor acts as the main entrance and allows the staff direct access to all of the other facilities: the restaurant, the coffee bar and the auditorium. The conference room has been created on the first floor, while the upper floors contain the offices that can accommodate 1150 members of staff. USM Modular Furniture, a company specialized in the production of office furniture, supplied the furnishings. Inside the Platform Office, there are very few workstations for just one or two people; approximately 25% of employees share a desk with their colleagues. Thanks to the versatile solutions available in the USM Haller catalogue, the offices have been equipped with modular systems, positioned to maximize the space. The predominant colors are matt silver for the storage containers, used to separate the different operational areas, and the pearl gray of the tables – all in all, the general design has been based on clean lines and delicate colors for furnishings that will last over the years.

The well-known auditing and financial consulting company Ernst & Young recently inaugurated a new wing at its Zurich headquarters. Just a stone’s throw from the railway station, the new Platform Office Building completes the project for the headquarters, and joins the tall Prime Tower (the tallest building in Switzerland at the time of writing) and the lower-rise buildings, Cubus and Diagonal. The complex has been arranged around a large central square, connected directly to the adjoining cycle track, with a pedestrian walkway and an underpass that leads directly to the station. The Platform Office Building (architects of the four buildings: Annette Gigon and Mike Guyer) has seven floors above ground that increase in floorspace as they progress upwards. The horizontal dimension is emphasized by panes of dark glass and the balconies on the facade; this contrasts with the height of the tower and becomes the ideal extension. The interiors – a total of 20800 sq.m. of usable floorspace have been designed with flexibility the main feature; the vertical connecting

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In questa pagina e in apertura, due viste della facciata del Platform Ofﬁce Building. Il fronte vetrato, realizzato con ﬁnestre e balaustre effetto fumè, è ben isolato acusticamente grazie all’utilizzo di lastre di vetro doppio.

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Piante del quarto e del quinto piano Layout plans for the 4th and 5th ﬂoor

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In questa pagina, in alto, vista dell’atrio di ingresso; inondato di luce naturale, forma un open space interno e collega il livello centrale ai piani superiori che accolgono gli uffici. A destra: uno dei pochi ‘uffici singoli’ della struttura, arredato in maniera essenziale con mobili USM Haller. Nella pagina a fianco. Una zona degli uffici. Le postazioni di lavoro sono condivise da più persone in desk sharing; gli spazi sono scanditi dai mobili contenitore bassi USM Haller color argento.

On this page, top, a view of the entrance foyer, flooded with natural light, forms an internal open area and links the entrance level with the office floors above. Right, one of the few individual offices in the complex, with its sharp stylish décor created with units by USM Haller. Opposite. An office area. The workstations are shared by several people; the spaces are dotted with low-level storage units produced by USM Haller in silver gray.

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ARCHITETTURA ARCHITECTURE

INTERNI INTERIORS

Txt: Mila Sichera Ph: Daniele Domenicali

VITRUVIO SOSTENIBILE A SUSTAINABLE VITRUVIAN TRIANGLE

Project: Mario Cucinella

A Milano, in via Santander, nella ‘torre orizzontale’ progettata da Mario Cucinella, sede dell’headquarter BNP Paribas, il triangolo vitruviano trova adeguata celebrazione, segno di un’intramontabile modernità

In questa pagina. La ‘torre orizzontale’ libra la massa volumica a 13 metri dal suolo, sospesa su totem plasmati secondo una molteplice composizione di triangoli. Nella pagina successiva. In alto: la poetica del triangolo celebrata dal vertice topico della torre. Nel rigore della sua classicità, la torre non rifugge un piccolo zoccolo vetrato su cui si eleva la facciata continua a tripla scansione orizzontale, che assicura la certiﬁcazione in classe A dell’intero corpo edilizio. In basso: la pelle trasparente dell’ediﬁcio rivela il sistema delle strutture verticali, conformate su maglie triangolari.

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On this page: the horizontal tower balances the volume 13 meters from the ground, suspended on a totem, shaped by a collection of triangles. On the successive page. Top: the poetry of the triangle celebrated by the summit of the tower. The tower does not disdain a small glass insert In the severity of the classical shapes; the raised façade continues with a triple horizontal development that guarantees its Class A certiﬁcation for the entire building. Bottom; the transparent façade of the building exposes the system of vertical structures, arranged on a triangular grid.

In pianta, un triangolo. In elevato, una proliferazione di triangoli, che segnano in trasparenza l’involucro esterno. Nell’essenza, il triangolo vitruviano declinato secondo i parametri della eco-sostenibilità, per valorizzare le tecnologie costruttive, e la tensione etica intrinseca verso il risparmio delle risorse e il benessere psico-fisico di coloro che fruiscono dell’opera. È ‘Parallelo’, palazzo per uffici in Via Santander, periferia sud di Milano, in un’area dismessa in fase di rigenerazione attiva. Da una parte l’Università IULM, in costante processo di espansione, e dall’altra il centro direzionale Santander, appunto, headquarter del gruppo BNP Paribas, testimonianza di una Milano che cambia in vista dell’Expo ‘verde’, e accoglie un palazzo per uffici da 14mila mq, primo edificio per il terziario di classe A, in città.Autore del progetto, Mario Cucinella, da anni indiscusso paladino della sostenibilità. Un credo profondo, che ne sostanzia la filosofia progettuale, e ne segna tutta la produzione architettonica, scevra da formalismi preconfezionati, attenta al contesto, e a coloro che lo animano. Da tale accorta cura discende, nel progetto Santander, la scelta di librare la massa volumica, elevando a 13 metri dal suolo l’ingombro della superficie utile, che occupa in proiezione l’intero lotto, segnandone visivamente i confini con le grandi facciate dematerializzate dalla trasparenza dei doppi vetri. Un edificio icona, una torre orizzontale che sviluppa su tre piani paralleli il programma costruttivo sorretto da solidi monoliti, disegnati come totem, per conferire identità allo spazio della piazza. Una sorta di ricucitura urbana, tessuta con il verde degli alberi, capaci di rimodulare la dimensione dello spazio esterno come fosse un interno urbano, conferendo una dinamicità tale da sospendere l’edificio tra cielo e terra. Uno spazio fluido, che partecipa alla costruzione di scorci mutevoli, che cambia pelle sul fronte interno per rivestirsi di una finitura rosso amaranto (pannelli in cls rinforzato 18mm), interrotta di tanto in tanto da piccoli volumi vetrati. Minuscole folies arricchiscono l’immagine dell’intero complesso, ideato attraverso la poetica del triangolo, figura geometrica di difficile direzione, gestita tuttavia con abile visione urbana e sensibilità sociale. Lo spazio non gerarchizzato del lavoro, in maniera attiva e partecipata indaga i confini labili tra pubblico e privato, scardina il crescente individualismo per offrire occasioni nuove nelle quali le persone possano confrontarsi e sviluppare una coscienza dell’identità del luogo in cui operano, vivono, lavorano. Il risultato è un profondo realismo etico e sociale che indirizza anche la scelta di collocare in copertura 2.500mq di pannelli fotovoltaici, per garantire il soddisfacimento del fabbisogno elettrico per il riscaldamento invernale e contribuire in gran parte alla produzione necessaria al raffrescamento estivo della struttura. Ulteriore sorgente è l’acqua di falda (torrente Olona), utilizzata attraverso l’installazione di pompe di calore acqua-acqua a ciclo reversibile, caratterizzate da un’elevata efficienza per la climatizzazione sia invernale sia estiva. Il livello ottimale di confort degli ambienti di lavoro è stato assicurato da uno studio accurato delle facciate per valutare la

OFX The cross-section is triangular; from above it is a proliferation of triangles that add the transparency to the external facing. The location is Milan’s Via Santander and the offices designed by Mario Cucinella Basically, this building is the expression of the Vitruvian triangle declined according to parameters of ecosustainability. It exploits the construction techniques and the intrinsic ethical commitment to saving the natural resources and improving the psycho-physical wellness of the people who visit the complex. The name given to this office block in Via Santander is “Parallelo”; it is located in the southern districts of Milan, in an abandoned area that is currently undergoing active regeneration. On the one hand, Milan’s IULM University for Modern Languages that is constantly expanding, and on the other, the administrative headquarters of Santander – bearing witness to the city of Milan and its progressive changes to accommodate the ‘environment-friendly’ Expo in 2015. The luxury office building, a first for Milan, covers a floorspace of 14,000 sq.m. The plans were drawn-up by Mario Cucinella, who for many years has been the indisputable defender of sustainability. He has a profound belief that substantiates the design philosophy, and marks all of the architectonic production; his plans are void of preconceived formalisms

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OFX and pay attention to the context and the people who exploit it. For the Santander project, this acute vision leads to the decision to free the ground from occupation by large volumes, raising the useful surfaces 13 meters from the ground. It visually deﬁnes the boundaries through the large dematerialized transparent facings of the double

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quantità di radiazione solare incidente in rapporto agli ombreggiamenti, dovuti alla conformazione dell’edificio stesso e alla presenza delle alberature. Ciò ha permesso di modificare la scelta preliminare che aveva lanciato un’opzione su un sistema schermante costituito da reti metalliche esterne in acciaio inox, ad interasse variabile sui fronti sud-ovest e ovest. I test in cantiere su alcuni prototipi hanno indotto a selezionare un involucro vetrato dalle alte prestazioni termiche, composto da una serie di lamelle orizzontali mobili frapposte alle due lastre di vetro, che consentono di schermare adeguatamente i raggi solari, senza occludere la vista verso l’esterno, lasciando che l’edificio si imponga al paesaggio con la nettezza delle sue forme, la sua mole, e i suoi volumi, manifesta estrinsecazione di una volontà espressiva ordinata ed esemplare.

glazed windows. The building is unquestionably an icon – a horizontal tower that develops the construction in three parallel planes; the building is supported by solid totemlike monoliths that inject an identity into the square. In many ways, this could be described as urban weaving, an interface with the green foliage of trees that can

reorganize the dimension of the external space as though it was inside a city, creating an energy exchange in the space itself and suspend the building between the sky and earth. The design ﬂows well; it makes its contribution to the creation of mutating aspects that modify their appearance inside with a cloak of deep red (18 mm reinforced

cls panels), interspersed by small glass inserts. These tiny follies brighten the general image of the complex; they have been designed through the poetry of the triangle, a geometric ﬁgure with a complex direction, managed by capable urban vision and social sensitivity. The simple design with the work spaces actively investigates

the blurred edges between public and private and releases the growing individualism to offer new opportunities for people to brainstorm and develop greater awareness of the identity of their surroundings, where they live and work. The result is an extreme form of ethical and social belief that led to the choice to install 2500 sq.m. of voltaic

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panels on the rooftop. These guarantee the energy requirements for heating in the winter and make an important contribution to the cooling and conditioning in the summer. Another installation exploits the water from the nearby River Olona), ; the cold water is extracted by water-water heat pumps with a reversible cycle, characterized by high efﬁciency for acclimatization throughout the four seasons of the year. The optimal degree of comfort inside the workplace is guaranteed by the careful study of the facade to determine the quantity of incident sunlight in relation to the shade created by the design of the building and the lush foliage of the surrounding trees. The original ideas were modiﬁed – they were based on a system of screens on the South-west and West elevations, consisting of external stainless steel grids with variable inter-axes. On-site testing of prototypes oriented the choices to a

metal shell with high heat conduction properties; the units consist of a series of mobile horizontal slats positioned between the two panes of glass. The sharp outline of the building cuts through the landscape, in an expression of its majesty and its volume to define this neat and highly exemplary objective. In questa pagina: una sequenza di spazi distributivi interni, modulati da box vetrati Universal Selecta, assicura massima flessibilità e comfort degli ambienti di lavoro con armadi annegati nelle pareti, controsoffitti metallici fonoassorbenti in lamiera di acciaio zincato, sistemi di illuminazione a incasso e pavimenti flottanti. Nella pagina a fianco, in alto, a sinistra: l’edificio con la finitura in pannelli in cls rinforzato, rosso amaranto. In alto, a destra: uno scorcio notturno. In basso: l’attacco al suolo della scala antincendio. On this page: a sequence of internal spaces, modulated by Universal Selecta glass boxes. This provides maximum flexibility and comfort in the workplace with cupboards recessed in the walls, soundproofed lower ceilings in galvanized zinc, recessed lighting systems and floating floors. Opposite, top, left: the building faced with reinforced deep red cls panels. Top right: a night-time view. Bottom: the fire escape anchored to the ground.

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ARCHITETTURA ARCHITECTURE

INTERNI INTERIORS

Txt: Francesca De Ponti

Project: Stride Treglown

ARCHITETTURA GIOIELLO JEWEL ARCHITECTURE Il nuovo complesso amministrativo della contea di Wiltshire, in Inghilterra. Oggetto di un lavoro di ampliamento e restauro premiato con il British Council for Offices, edizione 2013 Il progetto, opera di uno studio che ha all’attivo diversi interventi sul tema del recupero, prevedeva la ristrutturazione di un complesso per uffici risalente agli anni ’30, già parzialmente ampliato negli anni ’70. Temi chiave erano dunque il rapporto con la preesistenza e la modernizzazione, intesa soprattutto come capacità di garantire spazi funzionali, energeticamente sostenibili e flessibili per i 1500 dipendenti (nonché per i numerosissimi utenti) dell’istituzione, che ha sede nella città di Trowbridge, in Inghilterra. Il risultato è un edificio gioiello, composto da più corpi di fabbrica in stretta relazione che si suddividono le funzioni e riflettono, con le loro diverse identità, la stratificazione delle epoche. Architettura del dialogo che muove da un’attenta riflessione sui materiali, tra cui spiccano, in particolare, le superfici cangianti scelte per gli esterni e le piastrelle Visual di Refin, utilizzate sia nella hall che nella biblioteca. E che, come tutti i progetti dello studio britannico, non prescinde dalla riflessione sull’impatto ambientale, con una notevole riduzione delle emissioni di carbonio. In questo nuovo contesto un ruolo chiave è affidato al grande atrio centrale, ricavato mediante la copertura del patio originario e concepito come spazio di connessione - anche visiva - tra gli ambienti. Sotto la grande volta vetrata, che lega le diverse facciate interne, hanno sede la reception, i punti informativi, le aree meeting e di ristorazione. Ambienti curati e versatili, pensati come realtà ‘in progress’ capaci di ‘cambiar pelle’ e di accogliere eventi temporanei tra cui mostre, seminari, installazioni.

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Sopra: il grande atrio di collegamento, vera e propria piazza coperta su cui affacciano gli ufﬁci. Nella pagina accanto: l’ingresso della County Hall, concepita come un’architettura gioiello incastonata tra i volumi storici, e un’altra vista dell’atrio coperto.

Above: the large atrium designed as a roofed square surrounded by the ofﬁces. On the opposite page: the entrance to the County Hall, a gem of architecture set among the historical volumes, and another view of the roofed atrium.

The County Hall in the English county of Wiltshire has been extended and restored, winning it the acclaim from the British Council for Ofﬁces prize, 2013 edition The plans were devised by a studio with a number of similar reclaim projects to its credit; they involved the restructuring of an ofﬁce complex originally built in the Thirties and partially extended in the Seventies. The key issues were the interaction and modernization of the existing buildings located in the city of

Trowbridge, England, and interpreted as the ability to construct highly versatile and functional spaces, that are sustainable in energy terms and ideal for the changing needs of the company’s 1500 staff (and visitors).The result is a gem, consisting of several closely-linked blocks, each with an individual identity and expressing the features of the various historical periods. This interaction of architecture is entwined with a careful reﬂection on the materials – in particular, the shimmering surfaces selected for the exteriors and the Visual tiles by Reﬁn, used to embellish the

entrance lobby and the library. As in all of the projects by the British studio, careful attention has been paid to the environmental impact of the build with installations geared to a marked reduction of carbon emissions. In this new context, a key role has been assigned to the large central atrium, created by means of the original patio roof and conceived as a feature to physically and visually connect the various ambiences. The reception hall, the information points, the meeting areas and the catering facilities are all located below the large glass dome,

that uniﬁed the ensemble. Special care has been given to creating versatile, well-designed ambiences, envisaged as ‘reality in progress’ and able to change rapidly and efﬁciently to house temporary events such as exhibitions, seminars 143 and installations.

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