Iglesias Mª Jesús

A Venetian touch

It is always an honor speak or write about Sofia Gandarias, even if I cannot say it is a pleasure, since it is painful to be reminded about her disappearance.

I met Sofia for the first time in Rome, about twenty years ago. I was impressed from the first moment by her figure: elegant, beautiful, subtle, kind, a sublime presence bred to float through social life. However, those delicate hands, although it seemed impossible, were the same ones that produced massive, powerful, vindicating works of denunciation against wars and social injustices. This duality really caught my attention: delicacy on one side, and strength and pain on the other.

In my opinion, the exhibition that best defined Sofia was the "Weeping of Flowers", about the 2004 terrorist attacks in Madrid. Like her, these were paintings of flowers of great delicacy, color and finesse that cried for the dead; they expressed the pain of the world witnessing the barbarism of indiscriminate terrorism.

As conservator of the Prado Museum, I should first and foremost write about her work, although I will not stop writing about her personality, since they two inseparable things.

Sofia had a very good pictorial technique and a great concern to excel in this field, to investigate the techniques of used by the masters of painting. This is an aspect about which we both talked a lot, and I wonder if this aspect is sufficiently

María Jesús Iglesias is conservator emeritus at the Prado Museum. Sofía Gandarias

María Jesús Iglesias

Un toque veneciano

Siempre es un honor, aunque no puedo decir que sea un placer, por lo doloroso que resulta recordar su desaparición, hablar o escribir sobre Sofia Gandarias.

Conocí a Sofía en Roma, hace unos veinte años. Me impresionó, desde el primer momento, su figura: elegante, hermosa, sutil, amable, hecha para pasar por la vida social como una presencia sublime. Pero aquellas manos delicadas, aunque pareciera imposible, eran las mismas que realizaban obras de gran formato, potentes, reivindicativas, de denuncia contra guerras e injusticias sociales. Esa dualidad era la que más me llamó la atención: delicadeza por un lado y fuerza y desgarro por otro.

La exposición que mejor definió a Sofía, en mi opinión, fue “Llanto de las flores”, sobre los atentados de 2004 en Madrid. Eran cuadros de flores de suma delicadeza, colorido y finura, como ella, pero que lloraban por los muertos, que expresaban el dolor del mundo ante la barbarie del terrorismo indiscriminado.

Yo, como restauradora del Museo del Prado, debería escribir ante todo sobre su obra, aunque no dejaré de hacerlo sobre su personalidad, porque son dos cosas muy unidas.

Sofía poseía muy buena técnica y una gran inquietud por formarse en este terreno, por investigar sobre las técnicas de ejecución de los maestros de la pintura. Este es un aspecto sobre el que ella y

Maria Jesús Iglesias es restauradora emérita del Museo del Prado

yo hablamos mucho y que no sé si es suficientemente conocido o valorado por quienes contemplan su obra.

Una de sus técnicas es el uso de veladuras, por ejemplo en sus desnudos, a la manera de los clásicos flamencos, utilizando mucho barniz y poco pigmento, a modo de transparencias de cristales de colores superpuestos.

Pero a la vez hay en ella un toque veneciano. Para los temas a los que quiere dar mayor fuerza, usa veladuras mucho más cargadas de color e introduce el siguiente color mientras el anterior se encuentra mordiente, logrando así que se fundan uno con otro. Son colores más sucios, menos puros, pero consigue con ellos mucho más movimiento.

Otra técnica suya que me llamó mucho la atención, y que no había visto usar antes, es la de la colocación de papeles de seda adheridos a la preparación, consiguiendo un acabado casi escultural para las figuras y dándoles una sorprendente sensación de vitalidad. Esto me impresionó sobre todo en una serie que hizo denunciando la situación de las mujeres musulmanas, en la que destaca la sensualidad de sus cuerpos bajo el burka, gracias a la vibración que logra con esos papeles. También es muy importante el color ultramar que domina en aquellos cuadros y que le da fuerza y misterio.

De esa fuerte personalidad que expresaba en su pintura quiero destacar también el colorido. Unos colores potentes y, a la vez, tétricos. Esos grises de la serie Primo Levi con una mancha roja, por ejemplo.

Yo tuve la oportunidad de hablar mucho con ella sobre los barnices y la terminación de los cuadros. known or valued by those who contemplate her work.

One of her preferred techniques is the use of glazes -for example in her nudes- just like the Flemish classics, using a lot of varnish and little pigment, as if they were overlapping transparent colored crystals.

But at the same time, there is a Venetian touch in her painting. When aiming to give more strength, she used glazes that are embodied in a color but at the same time introduced another color, whilst keeping the latter color mordant. IN doing this, she managed to perfectly fuse two colors. As result, her colors can look dirtier, less pure, but showing much more movement.

Another technique she used that caught my attention and that I had not seen before is the placement of silk paper directly adhered to the canvas, achieving a quasi-sculptural finish for the figures, and giving them a surprising sense of vitality. I found this to be especially impressive in one of her series denouncing the situation of Muslim women. Precisely, she highlighted the sensuality of their bodies under the burka, thanks to the vibration achieved with those papers. The ultramarine blue color dominating those paintings is also crucial, since giving strength and mystery.

Another feature of her strong personality expressed in her paintings can be spotted in the colors she used. Strong, but also dismal colors. The shades of grey used in the Primo Levi series with a red stain, for example.

I had the opportunity to talk a lot with her about the varnishing and finishing of paintings. Varnishes

are very important because they give juiciness to paintings, while highlighting their colors. However, with varnishes made of natural resins such as Dammar, it is not only possible to dry out a color and protect it, but it also to improve the final aesthetic sensation, since not shining excessively whilst penetrating to the deep layer of the painting. She quickly learned the distillation of varnishes and the way to apply them, something that is not usual in modern painters, who seek more a momentary impact than the creation of a lasting work. In this sense, she can be placed closer to the classics.

Sofia was not only interested in painting, but in the world and reality she had to live in. She was very involved in the culture, politics and society of her time; and very attracted to leading cultural figures at a global level, such as Pablo Neruda, Gabriela Mistral, Yehudi Menuhin or José Saramago, whom she portrayed, and in some cases even had a close friendship with.

Another particularly significant series painted by Sofia Gandarias was Primo Levi, carrying the memory of the extermination camps. She showed it to me one morning, while having breakfast together. That night, I had trouble sleeping.

Her work never left me cold. In her portraits, above all, she was more interested in the psychological essence of the characters, than their physical resemblance.

As a painter, she brought together two features that distinguish great masters: rationality and sensitivity. She wanted to convey ideas, but always through sensations expressed with the appropriate technique. Los barnices son muy importantes porque le dan gran jugosidad a la pintura, a la vez que resaltan los colores. Pero con barnices de resinas naturales, como el Dammar, no solamente se consigue enjugar el color y protegerlo sino que mejora la sensación estética final, porque no brilla en exceso pero sí penetra hasta la capa de preparación. Ella aprendió rápidamente la destilación de barnices y la forma de aplicarlos, cosa que no es habitual en los pintores modernos, que buscan más el impacto momentáneo que la creación de una obra duradera. En este sentido, se puede considerar más cercana a los clásicos.

Sofía no sólo se interesaba por la pintura, sino por el mundo, por la realidad que le tocó vivir. Era una persona muy implicada en la cultura, la política y la sociedad de su momento. Y muy atraída por personajes de primera fila de la cultura mundial, como Pablo Neruda, Gabriela Mistral, Yehudi Menuhin o José Saramago, a los que retrató y en algún caso tuvo gran amistad.

Otra serie especialmente significativa de la obra de Sofía Gandarias fue la de Primo Levi y la memoria de los campos de exterminio. Me la enseñó una mañana que fui a desayunar con ella. Aquella noche me costó dormir.

Porque nunca te dejaba fría con su obra. En sus retratos, sobre todo, le interesaba más el fondo psicológico de los personajes que el parecido físico.

Como pintora, reunía esos dos rasgos que distinguen a los grandes maestros: racionalidad y sensibilidad. Quería trasmitir ideas, pero siempre a través de sensaciones expresadas con la técnica adecuada.

De la rica personalidad de Sofía, y de cómo primaban en ella las sensaciones, como los colores y olores, da idea también uno de mis recuerdos: una tarde de otoño, en que estábamos cenando en su terraza, hablábamos precisamente de las flores y plantas que adornaban aquel rincón tan bello. Y me contó cómo se había preocupado de colocar las distintas clases de plantas para que fueran floreciendo escalonadamente y así tener alguna en floración en cualquier momento del año. Le pregunté sobre una especie, que yo llamo periquitos, y me dijo que los había de diferentes colores y me explicó cómo cuidarlos. La siguiente vez que nos vimos, me había preparado unos sobrecitos en los que había recogido las simientes y había escrito el color y la época de floración de cada uno. Así era ella. Hasta la más pequeña de las cosas la engrandecía con su sensibilidad. Este tipo de cosas nos unieron más que la pintura.

Sofía siempre estará viva. No sólo entre los que la conocimos y quisimos, que somos tan transitorios como ella y poseemos por tanto una memoria perecedera, sino, y sobre todo, entre los que contemplen su obra pictórica, que es el gran legado que ha dejado para la posteridad.

Un legado que Enrique, con quien formó un tándem tan perfecto, está cuidándose de que no se olvide y, por el contrario, se expanda y conozca cada vez mejor.

María Jesús Iglesias, Restauradora del Museo del Prado Regarding Sofía’s rich personality, and how sensations, colors and odors prevailed in her can be expressed by one of my memories: one autumn afternoon, we spent an entire dinner on her terrace just talking about the flowers and plants that garnished that beautiful corner. She told me how she had carefully taken care of placing the different kinds of plants in the terrace so that they could be flower in stages, thus having blooming plants at any time of the year in her own terrace. I asked her about a species, which I call “budgie”, and she told me that they existed in different colors, and taught me how to take care of them. Next time we met, she had prepared several small envelopes carrying seeds, with the color and blossoming time of each seed. She was like that. Even the smallest thing was magnified by her with her sensitivity. This type of things united us even more than painting.

Sofia will always be alive, not only among those who knew and loved her, as we are all in transit as she was, and for we all hold a perishable memory. But and above all, she will be alive among those who contemplate her pictorial work, the great legacy she left for posterity.

A legacy that Enrique, with whom she formed such a perfect tandem, takes care so that it will not to be forgotten but on the contrary, that it will be expanded and better known.

#22 El Caballero Gregorio Marañón Óleo sobre lienzo / 100 x 81 cm. / 2014