DJ Mag ES #147

¡Por fin Mayo! El mes que recibimos siempre con infinitas ganas, pues trae consigo el inicio de la temporada ibicenca, la reapertura de sus clubs, las noches de verano y el buen tiempo. Como ya es costumbre, International Music Summit dará el pistoletazo de salida celebrando este año su 14ª edición en Destino Pacha. DJ Mag España en colaboración con Clubbing TV, Balearica Music Radio, Fiesta&Bullshit y Gray Area tenemos el placer de estar presentes un año más para disfrutar de una tarde de radio en directo, entrevistas y creación de contenido.

Las protagonistas de nuestra portada de mayo destacan por su magia, peculiaridad y por apostar por un sonido poco convencional dentro de la industria de la música. Pitty Bernad y Belah conforman este proyecto tan único, han logrado fusionar de manera exquisita el flamenco y la electrónica y son las personas que dan nombre al dúo MËSTIZA.

En clave internacional hablamos con Shermanology, el dúo formado por los hermanos Andy y Dorothy Sherman. Nos adentramos en sus raíces, hablamos sobre sus pasados y futuros proyectos, su trabajo de estudio, sus éxitos más recientes y su próxima gira por España. A continuación, el multiinstrumentista, productor y cantautor Elderbrook llega a nuestras páginas con motivo del lanzamiento de su nuevo LP, sus sensaciones en torno la paternidad, las colaboraciones del álbum, su live set up y planes futuros. Y para cerrar el círculo, aprovechamos el reciente lanzamiento del dúo ucraniano Woo York, EP Sumum en el legendario sello Watergate Records, para sentarnos con ellos y que nos cuenten más acerca de esta nueva hazaña en su exitosa carrera.

Recuperamos nuestra sección ‘la voz de la industria’ con motivo de la residencia en Ibiza de HE.SHE.THEY. En DJ Mag España nos hemos sentado con sus cofundadores, Steven y Sophia, para recordar el impacto de la fiesta en la cultura de club diversa y hablar de la necesidad vital de espacios que representen la diversidad en todos sus planos, más allá del baile, para promover una libertad y una transformación de la escena desde la pista de baile.

En cuanto a reportajes, este mes os traemos dos de gran interés. Por una parte, invitamos un año más a nuestras páginas a Joost Toast —fundador de Ibiza Loves Ears— para reiterar la importancia de proteger nuestra salud auditiva, especialmente quienes nos dedicamos a la industria de la música. Por otra parte, hacemos un ‘VS’ del vinilo y lo digital; profundizamos en lo que subyace a cada uno de los procesos de trabajo, cómo estos han cambiado la forma de trabajar y cómo podemos mantener vivo el espíritu del vinilo sin renunciar a todas las ventajas que suponen los equipos digitales.

En nuestra nueva entrega de tendencias, ponemos el foco en el nuevo programa de Artes en Vivo del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Esta vez está dedicado a la sexta extinción masiva en la que se encuentra inmerso nuestro planeta, centrándose en organismos marinos e insectos: especies que, por estar fuera de la escala de percepción humana, no gozan de tanta visibilidad en el imaginario popular como otros animales en peligro de extinción.

Gracias, lectores, por seguir confiando en nosotros mes a mes. ¡Que empiece la temporada 2023! Nos vemos en la pista de baile :)

PATRICIA PAREJA Directora

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Breves

Autor: REDACCIÓN

MALLORCA LIVE FESTIVAL CELEBRARÁ SU 6ª EDICIÓN EL 18, 19 Y 20 DE MAYO DE 2023

El próximo mes de Mayo, el Antiguo Aquapark de Calviá se convertirá de nuevo en el escenario de la sexta edición de un evento que se consolida cada año. Es el encuentro musical más importante de las Islas Baleares que logra reunir a estrellas internacionales y nacionales del pop, rock, indie y música urbana en tres días llenos de sorpresas y momentos inolvidables. Esta nueva edición traerá novedades y sus cuatro fiestas serán Coccon, BRESH, Sa Fonda Deià y Flexas. Además, contarán con 2 escenarios en la playa y habrá actividades paralelas al festival durante el día para mejorar las condiciones y el disfrute de sus asistentes. Entre las mejoras también se encuentran un plan de movilidad, mayor oferta de transporte y alojamientos para quienes vayan desde la Península al extranjero.

+ info & tickets: mallorcalivefestival.com

ANTS CELEBRA 10 AÑOS EN USHUAÏA IBIZA CON NUEVOS

RESIDENTES

ANTS 10 YEARS STRONG será una celebración semanal a lo largo de toda la temporada de música de vanguardia e impresionantes producciones inmersivas a una escala nunca vista. Junto a una producción totalmente nueva y envolvente, los asistentes verán a residentes nuevos y otros que regresan. En el meollo de cada fiesta ANTS están los residentes de la temporada, que este año incluyen a Andrea Oliva, uno de los incondicionales de la serie, el hitmaker brasileño Vintage Culture, el talento de la Isla Blanca Chelina Manuhutu, la estrella británica SYREETA, la leyenda del tech house y jefe de Saved Record Nic Fanciulli, y el también talento del tech Francisco Allendes + info & tickets: unitedants.com

LAURENT GARNIER SE TOMA UN DESCANSO DE LAS GIRAS Y LANZA SU NUEVO ÁLBUM ’33 TOURS ET PUIS S’EN VONT’

Laurent Garnier anuncia nuevo álbum “33 Tours Et Puis S’en Vont” para el próximo mes de mayo en COD3 QR. Será el primer álbum en solitario del ícono francés desde 2015. Laurent Garnier es uno de los productores y DJs más conocidos de la música electrónica, un nombre familiar y pionero responsable de décadas de clásicos de la electrónica de baile. En “33 Tours Et Puis S’en Vont“, el primer LP en solitario de Laurent Garnier en 8 años y el más orientado a la pista de baile, muestra un dominio total de House y del Techno. Los tracks, desde ‘Liebe Grüße Aus Cucuron’ hasta ‘Granulator Bordelum’ destilan sus años de experiencia en raves, clubs y festivales en emocionantes expresiones de tensión musical y liberación.

+ info: djmag.es

PIONEER DJ HA PRESENTADO SU ÚLTIMA CREACIÓN, EL CONTROLADOR DE CUATRO CANALES DDJ-FLX10

Este mes ha llegado lo último de la serie DDJ-FLX de Pioneer DJ: el DDJ-FLX10, un controlador de 4 canales para rekordbox y Serato DJ Pro. Se ha incorporado la función Track Separation: ahora, la FLX-10 permite a los artistas separar las voces, la batería y los instrumentos de una pista con la intención de que sea más fácil que nunca hacer remezclas y mashups sobre la marcha. También incluye el Mix Point Link, que permite establecer puntos en dos pistas y conectarlos entre sí. Esta función se añadió a la FLX-10 con la intención de proporcionar una ruta para una transición suave entre canciones de forma automática en lugar de pulsar el play manualmente, lo que te da la oportunidad de añadir efectos o entremezclar stems a través de Track Separation para crear tu propio mashup.

+ info: pioneerdj.com

Hola Chaim, un placer saludarte. Para quien no te conozca, ¿cómo te describirías?

Hola a todos y gracias por la invitación. Como persona, me describo como alguien amigable, un poco excéntrico y con la mirada puesta en el futuro. Como DJ, empecé a pinchar hace 20 años lanzando música en algunos de los sellos más reconocidos y tocando en todo el mundo. He vivido en diferentes países, experimentado diferentes escenas por todo el mundo y he sido parte de los cambios en la escena electrónica en diferentes regiones. Aún así, mi perspectiva de la música electrónica nunca ha cambiado. Mi motto siempre ha sido y sigue siendo que cuando haces lo que haces por la razón correcta, no hay motivos para que fracases.

Eres de Israel, ¿cómo ves la escena electrónica del país?

En los últimos ocho años mi ciudad, Tel Aviv, y el resto de este país ha crecido y se ha convertido en una "nación de baile", lo que es un gran avance respecto a lo que estaba sucediendo aquí desde finales de los 90 hasta el 2002. Hay grandes fiestas por todo el país y estoy en un lugar que acepta esta enorme escena en desarrollo. Hay muchos elementos diferentes en la escena y lo que me hace feliz es ver una enorme ola de nuevos artistas locales.

¿Cuáles son tus principales influencias? ¿Cómo llegaste a ellas?

Crecí siendo el más joven de cuatro hermanos y hermanas, su gusto musical me influenció mucho y me siento bendecido por ello. La música de los años 80 y 90 fue la banda sonora perfecta y hoy en día todavía tiene un gran impacto en mí. A principios de los años 90, mi hermano mayor formaba parte del nuevo movimiento de Goa Trance en Tel Aviv y el primer cassette de Goa Trance melódico acabó en mi sistema de sonido. Seguramente puedes imaginar la mezcla entre Goa Trance y el sonido sintético de bandas como Joy Division, Soft Cell y Depeche Mode con sonidos tan diferentes, me inspiró, pero también he tenido muchas otras inspiraciones.

CHAIM

Eres el fundador del sello Blue Shadow. ¿Qué nos puedes contar acerca de ese gran proyecto?

No es fácil formar y dirigir un sello discográfico, pero veo que esta es una gran oportunidad para conseguir exposición para artistas jóvenes y música ecléctica sin estar obligado a tener un género específico.

Tu música publicada en sellos como Get Physical, Renaissance, Disco Halal, Frau Blau ha sido apoyada por algunos de los máximos exponentes de la escena internacional como Gorgon City, Who Made Who, Sébastien Léger o Echonomist entre muchos otros. ¿Cómo ha sido el proceso para llegar a recibir estos grandes resultados?

Si observas mi discografía puedes ver muchas facetas diferentes. Como artista, siempre trato de encontrar un sonido nuevo y dar con la manera correcta de expresarme a través de la música. A veces funciona y a veces no, pero la consistencia es importante en el proceso... También, por supuesto, es vital ser leal a ti mismo. Por ejemplo, en 2010 lancé una canción llamada ‘Love Rehab’ en Bpitch Control; en ese momento la música que sonaba era techno minimal y la canción era puramente disco. Me sentía tan alejado de mi enfoque en esos días que casi me avergonzaba cuando salió publicada, pero me negué a cambiar mi sonido. Produje esa canción desde la parte más profunda de mi corazón. El tema se ha convertido en mi firma y todavía lo pinchan los DJs más grandes de todo el mundo.

En los últimos años te hemos visto pasar por eventos como DGTL, Burning Man o Boiler Room, entre muchos otros. ¿Qué podemos esperar de Chaim en 2023?

Por lo general, cada año tengo muchos festivales y eventos en todo el mundo. Pero este año será diferente, ya que mi esposa y yo estamos esperando nuestro primer hijo. Con esto en mente, he estado trabajando mucho en el estudio y tratando de terminar mucha música nueva que se lanzará durante el próximo año.

Finalmente, Chaim, pedimos a los invitados de 60 segundos que planteen una pregunta al siguiente. La última fue de Josephine: “¿Qué artista femenina te ha marcado a lo largo de tu vida?” Y a cambio, nos tienes que dejar una pregunta para el siguiente…

Puedo nombrar varias, desde Kate Bush hasta Björk, pero preferiría mantenerlo en nuestro territorio ya que no puedo olvidar cuando en el 2000, mientras muchos DJs estaban tocando el mismo sonido, escuché ‘Global Underground’ de Danny Tenaglia con Frank Sinatra de Miss Kittin y the Hacker. En aquel momento entendí que la música electrónica no tiene límites, y bendigo a Miss Kittin por compartir su talento con el resto del mundo.

Esta es mi pregunta para el siguiente: Si le pusieras a un tema el nombre de tu héroe de la infancia, ¿cuál sería?

Hola DCM, un placer saludarte. Para quien no te conozca, ¿cómo te describirías?

¡Hola, el placer es mío! Me describiría como un amante del arte en general, aunque locamente enamorado de la música electrónica. Me considero una persona bastante romántica y sobre todo entregado a lo que me mueve por dentro, que últimamente es el techno por encima de casi todas las cosas.

Eres de Sevilla, ¿cómo ves la escena electrónica de la ciudad? ¿Y de España en general?

Aunque nací en Sevilla, crecí en un pueblo de la provincia de Huelva, La Palma del Condado, donde la escena electrónica es prácticamente nula. Por este motivo, para poder desarrollarme musicalmente tuve que empezar a desplazarme a Sevilla, cuya escena es muy fuerte en comparación con la de mi pueblo.

A nivel artístico la ciudad cuenta con multitud de productores y DJs de altísimo nivel, aunque lo más normal es que este tipo de artistas acaben emigrando por no disponer de una escena de clubs a la altura donde exponer su música. Lo mismo pasa en España, hay muchos grandes artistas para poca escena de club.

¿Cuáles son tus principales influencias? ¿Cómo llegaste a ellas?

Desde que empecé a escuchar techno me gustan mucho, por ejemplo, los sellos FLOAT RECORDS de TWR72, o Dynamic Reflection de Abstract Division. Como artistas destacaría a Linkan Ray, Sciahri o Desroi, sin dejar de lado el techno español con artistas de la talla de Leiras, Oscar Mulero y Christian Wünsch, por poner algunos ejemplos. Aunque algunos de ellos sí que los descubrí como clubber, la mayoría los encontré buscando música desde casa. Desde que la música techno llegó a mi vida, empecé a dedicarle una parte importante de tiempo en mi día a día, esto me llevó a conocer a multitud de artistas que no son tan habituales de ver por aquí.

Eres el fundador de Dissident, ¿qué nos puedes contar sobre este proyecto tan personal?

Dissident Music es mi marca personal, mi seña de identidad, podría decirse que es una prolongación de mi perfil artístico, donde además puedo dar cabida a otros productores. El sello se centra en la música techno y deep techno, aunque para mí es fundamental que además hayan otros estilos de electrónica como el ambient o el electro.

Últimamente hemos visto que pinchas en clubs como Florida 135 o Cosmos, solo por mencionar algunos. ¿Qué importancia tiene para ti tu faceta como DJ respecto a la de productor?

La faceta de DJ me parece importante, pinchar en público es muy divertido y recarga de energía hasta a un muerto, aunque he de decir que desde la llegada de la pandemia, la faceta de productor frente a la de DJ para mí ha ganado mucho terreno.

Antes me encontraba muy activo en las cabinas, aunque el parón hizo que la cantidad de bolos se redujera. Aprovechando esto lancé Dissident Music, y además me he centrado con mucha más fuerza en la producción cogiendo solo los bolos más relevantes.

¿Qué podemos esperar de DCM en lo que queda de año?

Como he dicho, estoy muy centrado en Dissident, tenemos varios lanzamientos programados donde colaboran artistas de gran nivel. Además, contaremos a partir de ahora con un talentoso pintor como es Alejandro Alcántara para los artworks.

Además, fuera de Dissident, tengo un lanzamiento pronto en Rhod Records donde salen temas míos con Loss of Balance, dueño del sello.

Hace un año que me mudé a Barcelona, aquí he tenido la oportunidad de conocer a algunos artistas con los que he conectado realmente bien como Linear Phase o Victor Fernandez, tanto que estamos trabajando ya en proyectos conjuntos.

Finalmente, DCM, pedimos a los invitados de 60 segundos que planteen una pregunta al siguiente. El último fue de Chaim: “Si le pusieras a un tema el nombre de tu héroe de la infancia, ¿cuál sería?” Y a cambio, nos tienes que dejar una pregunta para el siguiente...

Creo que "El Héroe del Tiempo" en honor a Link del videojuego "Zelda” sería un buen nombre. Esta es mi pregunta para el siguiente: ¿Cuál es tu principal fuente de inspiración a la hora de hacer música?

Mis Favoritos

Mochakk

MochakkactuaráenCircolocoIbizatodoelverano,ytieneunesperadosetB2B conBlackCoffeeenlafiestadeaperturadeHiIbizael29deabril.

Álbum

EssaMulherdeEli'sRegina

Este álbum de Elis es una obra maestra y su banda un dream team: las canciones están escritas por los compositores más legendarios de Brasil, y los samples de Cesar Mariano son una locura, pura clase.

Libro

‘BabadoForte’deErikaPalomino

Babado Forte es un libro sobre el nacimiento de la cultura underground y de club en São Paulo a principios de los 90: la escena gay, la escena drag, los clubes de la época, la música, las historias… Es una lectura muy envolvente y emocionante.

Película

ElPadrinodirigidaporFrancisFord

El Padrino es la película favorita de mi padre, y la mía después de él. La primera vez que la vi fue con él, ¡y fue mágico! Aún a día de hoy, parece que cada vez que vuelvo a ver la trilogía me hace aprender algo nuevo.

Serie de TV

TrailorParkBoys

Trailer Park Boys es lo más divertido que he visto nunca. Además, me gustaría destacar lo mucho que me gusta la estética general de las primeras temporadas.

Deporte/Hobbie Skate

He crecido en esta cultura, me apasiona y he tenido la suerte de poder compartirla con mis amigos esté donde esté.

*Escanea el QR y échale un vistazo a su último remix

¿Cuándo fue tu última mentira y por qué?

Mentí a mi amiga diciéndole que aún no había vuelto de la gira, pero lo cierto es que ya estaba en casa, estaba muy cansada y no quería salir. Sabía que si le decía que había vuelto, intentaría convencerme para que saliera de fiesta, cosa que no me apetecía nada. Así que mentí y me fui a dormir… ¡Pero me sentí fatal porque odio mentir!

¿Eso que siempre has querido que te pregunten pero nadie te ha preguntado?

Normalmente, todo sucede al revés: la gente hace muchas preguntas. Pero lo típico es que me pregunten por mi carrera, y no todo el mundo está interesado en, por ejemplo, qué nuevas actividades me gustaría probar o a qué lugares quiero ir de vacaciones. Tengo un amplio abanico de intereses y aficiones fuera de mi carrera que me apasionan. Me encanta explorar nuevas actividades ya sea aprender un nuevo instrumento musical, practicar un nuevo deporte o adentrarme en una nueva afición… ¡Y siempre estoy deseando compartir mi entusiasmo por estas actividades con los demás! Del mismo modo, siempre estoy soñando con mi próximo destino de vacaciones y las aventuras que me esperan. Me encanta viajar y conocer culturas, cocinas y paisajes diferentes. Disfruto planeando e investigando mi próximo viaje, y siempre me entusiasma hablar de los lugares que quiero visitar y las experiencias que espero vivir. No me malinterpretéis, me enorgullezco de mi carrera y la valoro mucho. Pero también creo que una persona es mucho más que su vida profesional, así que agradezco que la gente se interese también por esos aspectos de mi vida.

¿Qué es lo que más te gusta de ir a un club? La principal razón por la que me gusta ir a cualquier club es

Xenia

por la experiencia de pinchar para un público. Como DJ, todo gira en torno a la energía y la emoción de la pista de baile, y me encanta crear una vibra que la gente recuerde. Ver el ambiente y sentir la energía del público es lo que alimenta mi pasión por la música y la actuación. Cuando me subo a la cabina, no estoy allí sólo para pinchar, sino para conectar con el público y asegurarme de que todo el mundo se lo pase en grande. Es una sensación increíble ver a la gente bailar y sonreír al ritmo de mis canciones. La alegría colectiva y la experiencia compartida de una gran noche en la pista de baile es lo que me motiva a seguir superando mis límites como artista y a esforzarme constantemente por perfeccionar mi arte. Así que lo primero que hago es ver el ambiente que se respira en la pista de baile, conectar con el público y asegurarme de que todo el mundo se lo pase en grande.

¿Cuál es tu comida favorita para la resaca?

Me encanta comer algo muy picante después de salir de fiesta, creo que limpia mi cuerpo (risas). Puede ser comida tailandesa, mexicana o china. También me gusta consumir muchos limones, que puedo comer con piel y casi enteros. Cuando vivía en Ucrania, descubrí que los tomates salados eran un remedio tradicional y delicioso para la resaca. Pero lo cierto es que siempre es mejor evitar la resaca. Por eso, intento ser consciente de mi consumo de alcohol y no beber demasiado, aunque a veces puede ser bastante complicado.

¿Qué tema no puede faltar ahora mismo en tu set?

Me he dado cuenta de que no puede faltar un tema de DRA:MA llamado ‘Last Rave’. Puede que no sea su trabajo más reciente, pero lo descubrí a principios de enero de este año y, desde entonces, no he dejado de pincharlo en mis sets. La

descarada e increíble voz masculina, combinada con la potente batería, siempre incendia la pista de baile.

¿Cuál ha sido el mejor momento de tu carrera hasta ahora?

Este último año, desde que me mudé a Barcelona y empecé a viajar casi todos los fines de semana por mis actuaciones, ha sido un hito importante en mi carrera. He tenido la oportunidad de tocar en muchos países, incluidos algunos destinos lejanos como Chile, Colombia, Brasil y Australia. Hay que reconocer que, con la intensidad de todo ello, en aquel momento no me di cuenta del alcance del crecimiento de mi carrera. Sin embargo, echando la vista atrás, ahora veo que antes de 2022 no tuve tantas oportunidades de viajar con mis actuaciones. Esta constatación deja claro que este último año ha sido uno de los mejores momentos de mi carrera hasta la fecha.

El momento más embarazoso de tu vida…

Para ser completamente sincera, no he vivido muchos momentos que me hayan avergonzado demasiado, ya que hay muy pocas cosas que me molesten. He vivido una vida bastante aventurera y salvaje, y suelo tomarme las cosas con calma. Sin embargo, si hago memoria, la última vez que recuerdo haberme sentido realmente avergonzada fue durante mi época escolar. Recuerdo que llamaron a mi madre por mi mal comportamiento, a pesar de que siempre había sido una estudiante aplicada y buena. Era bastante embarazoso que mi madre viniera al colegio por algo fuera de lo normal en mí. Pero mirando hacia atrás, también es un recordatorio de cómo todo el mundo tiene sus momentos malos, y todo forma parte del proceso de aprendizaje.

*Escanea el QR y descubre a Xenia

FOCUS ON ANATÓMICO

Autor: Sergio Parrado

Aunque hoy el apartado visual esta más unido a la música electrónica que nunca, lo cierto es que este arte se lleva haciendo muchos años. Y cuando digo muchos años, solo nos tenemos que remontar a aquellas “raves” de principio de los 80 en Inglaterra en las que el “acid house” se fusionaba con imágenes psicodélicas proyectadas en descampados enormes. Cuarenta años después, el casamiento entre ambos oficios escénicos es un hecho que todos damos por sentado. Pero para llegar a este punto se ha dado una evolución promovida por mentes creativas e inquietas. Una de estas mentes es la del

invitado de este mes en FOCUS ON: Luis Barrera más conocido como Anatómico, chileno de nacimiento y actualmente residente en Miami. Tengo la gran fortuna de conocer su trabajo desde hace más de dos décadas y ver su evolución. Desde una gira histórica que hicimos junto a buenos amigos hace más de dos décadas —de norte a sur del extenso Chile—, a reunirnos en una playa paradisíaca de República Dominicana ante un escenario titánico junto al mar. Una vida y una carrera fascinante de la cual no quiero develar más en esta introducción. Este mes en Focus On: Anatómico, un artista visual.

DJ MAG MINI TEST

¿Una ciudad?

Noto, Sicilia

¿Un club?

La Feria, Chile

¿Un libro?

Ardenas, La Batalla de Christer Bergtrön

¿Una comida?

Rigatoni de Osteria da Zi Umberto. Roma

¿Una serie?

Babylon Berlin

¿Una película?

El Séptimo Sello de Ingmar Bergman y El Último Emperador de Bernardo Bertolucci

¿Anatómico?

Un historiador del arte que transformó su disciplina en un lenguaje visual sobre los más diversos soportes, desde la proyección a los mega escenarios.

Ya desde finales del siglo pasado he estado experimentando con escenografías físicas y visuales. En Chile la conexión con la música electrónica ya es conocida, sobre todo por la influencia alemana. En ese contacto, a principios del año 2000, se comenzó a experimentar y compartir experiencias con diferentes generadores de tecnología y contenido. Histórico fue el 2005 y 2006 con el Love Parade en Santiago de Chile, donde estuve a cargo de todo el espectáculo visual, y donde asistieron más de 500.000 personas. En esa oportunidad conocí a los creadores de software Modul8, que luego pasó a ser una herramienta indispensable en la performance de los VJ’s a nivel mundial. Un gran aprendizaje fue ser soporte técnico local de CC LAB en su gira mundial para Heineken Thirst. A partir del año 2007, se desarrolló en Chile una vertiginosa e interminable lista de mega espectáculos —tales como Sensation, Creamfields y Mysteryland—, en los cuales pude compartir escenario con talentosos artistas visuales europeos.

BEl nombre Anatómico, ¿es por algo en especial?

El nombre tiene que ver con dos motivos. El primero es que la palabra anatómico va relacionada con la capacidad de adaptarse a diferentes proyectos o situaciones. El segundo es que, cuando inicié este proyecto, hacía clases de Historia del Arte Clásico en la Universidad de Chile y quise diferenciar el mundo académico del creativo.

CComo Anatómico haces eventos de música electrónica pero, paralelamente, tienes otra empresa: Pixel Maker, donde haces eventos corporativos y trabajos para marcas. ¿Qué nos puedes contar sobre ella?

Las cosas se van dando naturalmente; primero fueron visuales para artistas, luego la música electrónica hizo más complejo el concepto de espectáculo, llevando la experiencia a un nivel donde todos los elementos debían estar entrelazados para potenciar la experiencia del espectador. Eso requiere de experiencia técnica, de especialización, pero también de innovación y la capacidad de sorprender con un lenguaje visual propio y potente. Finalmente, la televisión y las compañías también querían compartir ese sabor diferente que da el lenguaje tan particular y sorprendente de los mega espectáculos. Por ejemplo, con Red Bull Chile hemos estado trabajando desde hace mas de 10 años, en particular, me gusta contar la historia de Batalla de Gallos, que partió como un concurso donde cada país tomaba las directrices de la casa central de Red Bull pero la adaptaba localmente. Con los años eso fue cambiando, volviéndose cada vez más complejo, estandarizándose y requiriendo cada vez más desarrollo tecnológico e implementación técnica específica. Con Pixel Maker me hago cargo de esa área, pero los proyectos siguen teniendo el sello de Anatómico.

DEres chileno, pero desde hace un tiempo resides en Miami, donde tienes tu centro de operaciones. ¿Por qué este cambio?

¿Qué diferencias notas entre Sudamérica y USA a la hora de trabajar como VJ?

Fui convocado por UNIVISION, el canal latino más importante de los Estados Unidos, para realizar todo el contenido visual de sus estelares en el 2018. Esta misma instancia fue una plataforma donde pude relacionarme con artistas del género urbano como Karol G, Don Omar o Lunay, entre otros y comenzar a trabajar con ellos en sus shows. Poco después, varias empresas y directores de televisión se interesaron por mi particular interpretación visual de sus ideas, llegando a realizar programas como los Latín Grammy y Premios Heat. Esto me llevó a decidir llevar mis operaciones a los EEUU. En este país logré la diversificación como artista visual hacia el mundo corporativo y de los shows de televisión. Fue como subirme a un cohete, un día estoy en NYC por el lanzamiento de Beeple, el NFT más caro de la historia, y al otro día en un festival en baja California con los exponentes más renombrados del género urbano. Más enriquecedor, imposible.

E¿Qué nuevos proyectos se vienen?

Estoy convocado a participar en una nueva edición del festival Creamfields Chile, Premios Heat en República Dominicana, DGTL Chile y varios eventos de lanzamiento de NFT’s en los Estados Unidos, programas de TV y mapping. Un sinfín de plataformas y soportes para comunicar y crear.

FSi pudieras revivir una noche donde hiciste visuales ¿cuál sería y por qué?

Reviviría dos de ellas. La primera sería la de 2002, una fiesta que produje completamente y presenté a Ricardo Villalobos, Akufen y Dandy Jack. Un sueño musical de tres exponentes y amigos que hicieron de esa noche el punto de cierre del periodo formativo en la electrónica en Chile. La segunda, la de Creamfields 2022 y el montaje soñado para cualquier artista visual. Era una idea de tres volcanes, Chile en una metáfora, y en el cierre del show explotaron entre visuales, mecánicas y pirotecnia, todo sincronizado con láser y música por código SMPTE.

AEs un orgullo tener en la sección a alguien que, a mi parecer, es uno de los mejores artistas visuales del mundo.

Bienvenido Luis Barrera, aka Anatómico. Me gustaría que contases un poco a nuestros lectores cómo empezó tu carrera, cómo fueron los inicios y cómo surgió esa pasión por los visuales.

*ESCANEA EL QR PARA DESCUBRIRLO

TRACKS 5

Vintage Culture

New Order 'Blue Monday' [Warner Music UK]

Cuando era pequeño escuché ‘Blue Monday’ y me cambió la vida. Todo lo relacionado con la música era nuevo para mí, incluso el acento británico del cantante (Bernard Sumner) era único para mí. Me enganché en cuanto terminó la canción y me quedé con ganas de escuchar más. Todavía incluyo de vez en cuando ‘Blue Monday’ en mis sesiones de DJ, considero a New Order una gran influencia para mi propio sonido.

Depeche Mode 'Personal Jesus' [Sire Records / Warner Music]

Depeche Mode me enseñó lo importante que es la vibra y el estado de ánimo de una canción. ‘Personal Jesus’ es una canción con una letra provocadora e inteligente. Esta canción combina una instrumental con voces que encajan perfectamente en el tema. ‘Personal Jesus’ es un verdadero clásico que los fans escucharán durante generaciones.

Pink Floyd 'Another Brick in the Wall' [Sony Music]

Cuando empecé como productor y selector, esta canción clásica fue una de las primeras que remezclé. Mi versión era un bootleg pero llamó la atención de promotores y fans de todo Brasil. Debido a mi pequeño remix, empecé a recibir llamadas para shows por todo Brasil. ‘Another Brick in the Wall’ es de las canciones que realmente cambió mi vida al principio.

RadioHead 'Creep' [XL Recordings]

Thom Yorke de Radiohead es uno de los mejores compositores de la música actual, y lo ha sido durante décadas. En la canción ‘Creep’ no teme mostrar su propia vulnerabilidad. Su sentido de la melodía, combinado con sus letras, consigue crear canciones que permanecen en la memoria del oyente mucho tiempo después de haberlas escuchado.

Rüfüs du Sol 'Innerbloom' [Rose Avenue]

En el panorama musical actual Rüfüs du Sol está entre los mejores artistas por sus melodías frescas e inquietantes combinadas con temas instrumentales perfectos. Rüfüs du Sol aporta emoción y alma a la música electrónica dance, ¡ojalá esto fuera más común en nuestro género! Sin duda, uno de los grupos con más talento de la música electrónica actual. Tuve el privilegio de remezclar su canción ‘Next to Me’, un tema que continua siendo uno de mis favoritos en mis DJ sets.

ELECTRÓNICA & ROLL

Autor: SERGIO BIFEIS

La palabra de moda. Es nombrarla y todo el mundo intuye a qué tipo de fiesta nos referimos. Más salvaje, más auténtica, más libre y espontánea a pesar de una organización previa. No existen limitaciones más allá de un buen comportamiento donde tu libertad acaba donde comienza la del otro y suele traducirse en una experiencia con un gran sentimiento de hermanamiento. Un lugar de paz, amor, respeto y música. Su traducción literal sería ‘delirio’ pero todos la conocemos como rave.

Este 2023 lo comenzamos con un evento en Granada que abrió telediarios nacionales con una rave en el municipio granadino de La Peza en el que durante seis días se llegaron a congregar 5.000 personas sin incidentes graves. Con el buen tiempo primaveral y veraniego de los próximos meses es muy probable que comiencen a florecer este tipo de eventos, que siempre han existido como subcultura underground y que debido a la ilegalidad o, en el mejor de los casos, alegalidad en su celebración (no existen licencias para permitir tal actividad con tantas horas o días de duración) reside gran parte de su encanto. Lo prohibido siempre atrae en la fiesta por fiesta por antonomasia que compartes en comunidad con el objetivo de llegar a un trance con la música electrónica como principal hilo conductor y nexo de unión;

aunque existen otros condicionantes como en cualquier otro lado.

Una idea tan atractiva no puede pasar por alto para los promotores en sus estrategias de marketing. Es un término que tiene pegada y es normal sentirse tentado a la hora de utilizarlo como reclamo en sus propuestas de fiestas totalmente legales. Amoldar el concepto aprovechando la coyuntura de nuestros días con una tendencia musical cada vez más acelerada, que además bebe de sonidos británicos “raveros” donde techno, drum&bass, break-beat, acid house y el trance más psicodélico se entremezclan. Este anglicismo de marras no puede ser más actual. Además, después de una pandemia ¿quién no quiere delirar de disfrute?

CONCEPTOS

Los que tienen más callo en esto entienden que es robarle el alma a lo que representa la cultura rave, que en muchas ocasiones puede asociarse a un estilo de vida. Al querer hacer negocio puro y duro, y que se pierda ese componente espontáneo, nunca considerarán dichos eventos como una rave en el sentido estricto de la palabra al quedar desnaturalizada. Que la música que se pincha en ellas también suene en el circuito de clubs y festivales no convierten a estos en

lo mismo. Hay una serie de consideraciones e idiosincrasia para no hacerse trampas al solitario. Dicho de otra manera, una rave es una fiesta de música electrónica pero no toda fiesta de música electrónica es una rave.

Luego hay matices que grosso modo pueden asemejarse a la vivencia de lo que puede ser una rave, aunque su formato sea un festival. En ese sentido, desde la organización de Monegros Desert Festival han sido muy inteligentes a la hora de asociar a su evento con el concepto R.A.V.E. definiéndolo como una experiencia Radical, Auditiva, Visual y Extrema. Y no mienten. En ese juego de palabras sabes lo que te vas a encontrar y el aroma ravero queda implícito en el aire por duración y sentido de la aventura con todo lo que conlleva celebrar algo así en medio del desierto oscense.

Independientemente de si se trata de festival, club, free party o incluso organizar vuestra rave de fin de semana en una casa rural, lo realmente importante es que disfrutéis de la música y el baile más allá de cómo tengáis que llamar al evento en el que os encontréis. Deseamos que esta temporada estival en ciernes se convierta en vuestro tercer verano del amor.

RODABALLO AL HORNO

INGREDIENTES

› 1 rodaballo de 2 kilos aproximadamente

› 6 patatas

› Aceite de oliva virgen extra

› Sal de Añana

› 3 tomates

› 6 dientes de ajo

› 1 guindilla

› 1 copa de txakoli

iEste es sin duda mi plato favorito en el mundo! Exquisito y saludable, el rodaballo para mí es un pescado 5 estrellas por lo sabroso que es si se hace de la forma correcta. Aún así, normalmente no lo suelo pedir en restaurantes ya que en mi opinión es un plato muy personal y me encanta cocinarlo a mi manera.

La verdad es que soy un gran aficionado de la cocina. Mi padre es cocinero de toda la vida, al igual que mi hermano. Incluso yo mismo he trabajado siempre en el restaurante familiar elaborando todo tipo de platos diferentes que se pueden disfrutar a día de hoy en el restaurante. En realidad combino mi faceta de DJ y productor con la del restaurante… ¡Así que nunca me aburro! Es algo que me encanta. Sé que tarde o temprano montaré uno propio para desarrollar toda mi creatividad en la cocina.

• El primer paso para elaborar un espectacular rodaballo es preparar la guarnición. En este caso será una cama de patata panadera. Para ello precalentamos el horno a 180º con calor arriba y abajo. Mientras coge temperatura pelamos las patatas y las cortamos en láminas finas. También cortamos el tomate en trozos para darle un poco de color a la base. Una vez hecho esto, lubricamos con aceite de oliva virgen extra el fondo de una bandeja de horno y distribuimos sobre su superficie la cama de patatas panadera, le añadimos un pellizco de sal y horneamos unos 15 minutos a 180º hasta que la guarnición empiece a dorarse.

• A continuación, sacamos la bandeja del horno con las patatas panadera y encima colocamos el rodaballo. Damos un toque de sal de Añana a la superficie del rodaballo y echamos un chorrito de aceite de oliva virgen extra por encima. Personalmente me gusta hacerle un par de cortes al rodaballo para que, cuando tiremos la salsa por encima, coja mas gusto el pescado y así quede más jugoso. Por último rociamos por encima con una copa de txakoli y metemos el rodaballo al horno.

• Lo ideal es hornear el rodaballo durante 30 minutos a 180º grados y mientras, puedes ir preparando la salsa bilbaína que dará el toque final a este rico pescado. Corta en láminas 6 dientes de ajo (sin el germen) y los pones a freír en una sartén con aceite de oliva virgen extra con una guindilla seca justo hasta que empiecen a dorarse (no más porque el ajo tostado amarga) y retiramos del fuego. Comprobamos que el pescado esté en su punto y vertimos por encima la bilbaína con los ajos, procurando que el aceite resbale por toda la superficie del rodaballo.

• Ponemos en la misma sartén donde hemos dorado los ajos un buen chorro de vinagre de Jerez y calentamos hasta que llegue a punto de ebullición. Cuando empiece a burbujear vertimos el vinagre sobre el pescado. Mantenemos la sartén en el fuego y con ayuda de unos guantes de paño para no quemarnos, vertimos todo el jugo que contiene la bandeja en la sartén formado por el sofrito de los ajos, el vinagre reducido que acabamos de verter y, por supuesto, el néctar supremo que ha soltado el rodaballo al hornearse (incluyendo sus gelatinas).

• Ligamos la bilbaína que acabamos de elaborar con todos los jugos que ha soltado el rodaballo al asarse en el horno, el aceite de los ajos y el vinagre, y la vamos a convertir en un maravilloso pilpil a golpe de muñeca para que se ligue y se mezclen bien los sabores emulsionando rápidamente.

• Rociamos el rodaballo con el pilpil de bilbaína. Sacamos y servimos los lomos del rodaballo al horno y acompañamos cada ración con sus correspondientes patatas panadera y su pil pil. Esta es una de las maneras más sencillas que hay de preparar un rodaballo en casa y disfrutar de todo su maravilloso sabor. El pil pil le da una toque espectacular al rodaballo al horno, porque está lleno de sabor y recupera las gelatinas y los jugos que suelta durante el horneado.

*ESCANEA EL QR Y DESCUBRE A VIDALOCA

Landikhan

¿Qué canción te recuerda a tu infancia?

Soul Asylum ‘Runaway Train’

Recuerdo que mi hermano mayor había conseguido esta cinta (o se la habían traído de algún viaje). Creo que es un tema que marcó mucho el estilo de cosas que a día de hoy me gusta escuchar.

¿Cuál fue el primer disco que compraste?

Nirvana ‘Incesticide’

Lo compré en Pryca porque era un disco de Nirvana descatalogado que me llamó mucho la atención. ¡A día de hoy me sigue volando la cabeza!

¿El disco más cursi de tu colección?

Craig David ‘Born To Do It’

Este fue el primer disco de Craig David. Había muchos singles de este disco y la verdad es que me gustaban casi todos los tracks. También tenía una colaboración con Artful Dodger… Es de los pocos discos que tengo descargados en mi Spotify.

¿Cuál es la canción que garantiza ponerte sentimental?

Antonio Vega ‘Lucha de Gigantes’ Creo que este tema lo he escuchado 15 millones de veces y cada vez me emociona más y más… Tanto por Antonio, como por el contexto y la fuerza de su letra.

¿Algún disco que estés escuchando?

Foo Fighters ‘The Colour and The Shape’ Soy un verdadero fanático de Nirvana, Dave Grohl y del sonido Seattle. Este disco es un ‘must’ en mi colección musical, otro de los discos que me sé de memoria y no me canso de escuchar.

¿A qué disco de tu colección le guardas más aprecio?

Nirvana ‘Unplugged in New York’ Esta actuación me parece el MTV Unplugged mas icónico de la historia. Mi disco favorito de todos los tiempos.

¿Cuál es tu canción favorita de todos los tiempos?

Es totalmente imposible responder a esta pregunta… Todo depende del momento, de mi estado de ánimo y de mil factores más. Aun así te dejo 5 imprescindibles.

Vanessa Da Mata & Ben Harper ‘Boa Sorte’ Antonio Vega ‘Lucha de Gigantes’ Nirvana ‘The Man Who Sold The World' Morcheeba ‘Trigger Hippie’ Burial ‘Archangel’

Autora: PATRICIA PAREJA

HARMONY OF DESIGN AND PLAYABILITY

Sloping top plate, curved front edge, and elegant aesthetics

STANDALONE 4-DECK PLAYBACK

Jog ring illumination matches the color of each deck

EASY-TO-USE PROFESSIONAL EFFECTS

XY-Pad for Beat FX, plus Smooth Echo and Sound Color FX

SUPPORT FOR MULTIPLE MEDIA SOURCES 4 x USB inputs, plus Wi-Fi and Bluetooth connectivity

RAPID AND ACCURATE TRACK SEARCH 10.1-inch touch screen with keyboard and Playlist Bank, plus new Smart Rotary Selector

ZONE OUTPUT

Separate from the master, the zone output can play different music in a different room

PROFESSIONAL ALL-IN-ONE DJ SYSTEM

Sidney Charles

Río Tajo

Definitivamente lo que más me gusta hacer por las mañanas es pasear o salir a correr junto al río Tajo. ¡Me encanta el paisaje con el Golden Gate Bridge! En realidad es del mismo arquitecto que el de San Francisco.

Torra Cafe en Alcântara fue la primera cafetería a la que fui cuando me mudé a Lisboa hace 5 años. El café es excelente y también tienen opciones muy ricas para el desayuno.

Manteigaria

En mi opinión, el mejor pastel de nata está en Manteigaria... Está ubicado en el mercado Time Out, que además de estar cerca de mi casa, este mercado también ofrece muchas otras buenas opciones de comida para cuando quieras comer algo en condiciones. Hay que estar muy atento porque cuando el pastel de nata está recién hecho, suena una campana (lo que significa que lo recibirás caliente y recién salido del horno)… ¡Ahí es cuando están más ricos!

Costa da Caparica

cuanto más te diriges hacia el sur. Normalmente me meto en el agua en Praia do Castelo. También hay muchos beach clubs geniales para una buena comilona después de una larga sesión de surf.

Torra Cafe

NEXT_ GEN

KID GUS

Tenemos el placer de presentar este mes a otro de los DJs que, objetivamente, sólo “encajan” en esta sección por su corta edad (19), pues, si nos atenemos a su situación profesional a día de hoy, debemos ya tomarle como uno de los estandartes actuales de la música electrónica en México. Giras nacionales, internacionales e importantes festivales así lo atestiguan. Kid Gus, lanzado a la velocidad de la luz.

MAYO 2023

Para empezar, descubramos el origen de Kid Gus: ¿de qué manera surge en tu mente la idea de ser DJ?

Al ver un video de Steve Aoki pinchando en un festival de los más importantes del mundo cuando tenía 8 años. En ese preciso instante empezó mi gusto por la música electrónica.

En España, muchos potenciales DJs leen esta revista. Ayúdales a saber qué primer paso deben dar: ¿qué primera acción tomaste tú una vez supiste que querías ser DJ?

Prepararme en academias de DJs y de producción musical. Uno de mis consejos es que crean en ellos mismos, sean innovadores y mantengan su estilo.

¿Qué maestro/s tuviste para aprender esta profesión?

En esas academias, varios de los maestros que tuve fueron los mejores DJs residentes en esos momentos o productores musicales con una gran preparación.

Vamos a tu primer día en la cabina de un club: ¿cuál fue?, ¿cuándo sucedió?. Y, sobre todo, ¿cómo conseguiste obtener esa primera actuación?

Fue en un “tardeo” en México a mis 14 años. Obtener esta presentación no fue sencillo, ya que al inicio la gente no confía tan fácil, pero se logró gracias a un mashup que tenía.

Seguimos en ese primer día: háblanos de tus sentimientos al ver, por primera vez en tu vida, al público bailando delante de ti.

Es una experiencia única ver bailar a la gente con la música que tú estás pinchando. A esa edad, me transmitió mucha emoción y felicidad.

¿Qué pasó justo después de ese primer día? ¿Cuál ha sido el proceso antes de llegar a tu situación profesional actual?

Después de ese momento empecé con tardeos, y en uno de esos me vio un promotor de un festival de México y me invitó a su festival. Tenía 15 años. Ese primer festival fue con más de 100 mil personas de público, y compartí escenario con Steve Aoki.

A partir de ahí, sigo con un tour de festivales y empezando, a mis 18, otro por clubs de todo México. También pincharé próximamente en mi primer festival internacional: Holika, en España.

Vayamos ya al presente: has participado en grandes festivales como EDC, compartiendo escenario con artistas mundiales como Steve Aoki, Dimitri Vegas & Like Mike, Alan Walker o Timmy Trumpet. Háblanos sobre esas experiencias.

Llegar a EDC no es fácil ya que hay muchos talentos que desean estar ahí. Creo que lo logré porque siempre me gusta innovar en mis shows y transmitir a la gente una emoción y una razón para disfrutar cada día más de la música electrónica, con fusiones de urbano y música mexicana entre otras.

Te menciono esto porque en EDC no fue una excepción: llevé a mariachis en vivo para que interpretaran una canción conmigo en el escenario, logrando una combinación de música electrónica y ranchera.

Has pasado por algunas de las salas más importantes de España, tanto en Barcelona (Pacha, Opium), como en Madrid (Opium, Jowke, Blackhaus, Nazca). Cuéntanos, por favor, qué sientes al pinchar en España, y cómo percibes y sientes tú a nuestro público.

Definitivamente es un sueño, es algo que desde los 10 años -o antes- soñaba: estar en las mejores salas de otro continente, además, conociendo y llevando mi estilo musical a otros países. También mi propia música original, como en estos clubs, donde escucharon y bailaron temas míos como ‘Like this’ , ‘Whistle’ o ‘El paisano’, entre otros.

¿Cómo se define Kid Gus a sí mismo como DJ?

Creativo, carismático, innovador.

Por último, proyéctanos tu futuro: ¿cómo quieres que sea, a partir de ahora, tu vida profesional?

Estoy trabajando para estar en uno de los festivales más importantes de España. Además, me enfocaré mucho en crear para lanzar nueva música que muy pronto pueda pinchar en las mejores salas del mundo.

TENDE

CUANDO EL DESTINO NOS ALCANCE

Acciones desesperadas ante la sexta extinción

El nuevo programa de Artes en Vivo del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía está dedicado a la sexta extinción masiva en la que se encuentra inmerso nuestro planeta.

En este encuentro se aúnan el conocimiento popular y las investigaciones científicas, centrándose en organismos marinos e insectos: especies que, por estar fuera de la escala de percepción humana, no gozan de tanta visibilidad en el imaginario popular como otros animales en peligro de extinción.

El nombre de la actividad, Cuando el destino nos alcance, hace referencia al título español de la película dirigida por Richard Fleischer en 1973: Soylent Green. Este thriller policíaco aborda la sobreindustrialización y superpoblación humana han llevado al planeta a un punto de no retorno y crisis alimentaria. Solamente hay un alimento al que la población tiene acceso, el “Soylent Green” que se fabrica con plancton. El argumento está basado en la novela ¡Hagan sitio!, ¡hagan sitio!, escrita por Harry Harrison y publicada originalmente en 1966.

Este nuevo ciclo del Museo Reina Sofía nos hace reflexionar acerca de cómo nuestro presente se parece a este thriller y cómo en 2022 el movimiento Scientist Rebellion (pertenecientes a Extinction Rebellion) avisaron de que el planeta ya ha alcanzado un punto de no retorno, donde el comportamiento humano es el responsable del 60% de la extinción de la fauna salvaje desde hace 40 años. Esta situación de extinción no solamente se extrapola a la fauna sino que también afecta a la flora del planeta, con distintos estudios como el informe “State of the World´s Plants and Fungi”, publicado por la Royal Botanic Gardens de Londres, que afirma que dos de cada cinco especies de plantas están en peligro de extinción o el artículo "Worldwide decline of the entomofauna: A review of its drivers”, de la revista Biological Conservation, que revela que las tasas dramáticas de disminución de las poblaciones de insectos del mundo podrían llevar a la extinción del 40% de especies en las próximas décadas.

La realidad más dolorosa se plasma en un programa —organizado en colaboración con el TBA21— que incluye la presentación y proyección de un documental, dos experiencias

Autora: HELENA BRICIO

Fotografía: FINNBOGI PÉTURSSSON

NCIAS

sonoras y dos conversaciones que conectan de una forma u otra con los conocimientos en torno a la extinción global que amenaza a la Tierra. El público podrá experimentar cómo desde el arte y el sonido se puede promover la capacidad de escucha como ejercicio para remover conciencias acerca de esta problemática con una clara vocación activista para que nos replanteemos el futuro que queremos.

El programa comienza el jueves 13 de abril se llevará a cabo la proyección y presentación del proyecto 2020: The Walk de Marta Moreno Muñoz, artista y activista de Extinction Rebellion. Esta propuesta videográfica documenta el viaje realizado principalmente a pie a lo largo de cuatro mil kilómetros entre Granada, al sur de España, y el Círculo Polar Ártico, donde la artista conectó con activistas climáticos de movimientos afines y difundió el propósito y las preocupaciones del movimiento Extinction Rebellion, a la par que impartió charlas y formación en acción directa no violenta.

Xoán-Xil, Ariel Ninas y Paula Ballesteros ofrecen un concierto concebido como ensayo especulativo, a partir de la escucha atenta y desde una perspectiva actual, que revisita el mito de las abejas en las prácticas populares gallegas asociadas con la muerte. En Galicia, por ejemplo, el zumbido de las abejas, reproducido por medio de la voz, acompañaba a las personas muertas hacia la fosa. Se trata de una propuesta abierta y sugerente basada en la experimentación y la creación sonora, áreas desde las cuales se invita a repensar nuestra relación con el “ruido”.

Jana Winderen busca poner en valor la importancia de los organismos microscópicos tan necesarios para la ecología de nuestro planeta. Cuenta con formación en matemáticas, química y ecología enfocada a los peces. Su práctica presta especial atención a los entornos sonoros y a las criaturas de difícil acceso para los seres humanos por factores físicos o auditivos, como las profundidades del agua y el hielo o los rangos de frecuencia inaudibles para el oído humano. Winderen participa en el programa con un concierto que parte de la investigación “The Soundscape of anthropocene” (2021), cuyos resultados se publicaron en un artículo en la revista Science y del que la artista formó parte junto con otros autores. El texto, liderado por Carlos Duarte, expone el impacto que crea el ruido antropogénico, aquel producido por los seres humanos y las máquinas que estos fabrican y emplean, y que agrava la extinción de la fauna marítima, amenazada de por sí por la subida de la temperatura del océano.

El programa se completa con un conversatorio dividido en dos partes que lleva por título “Escuchando los océanos”. En la primera parte conversarán Carlos Duarte y Jana Winderen, y Txema Brotons y el comisario del programa, José Luis Espejo, participarán en la segunda parte.

DESCUBRE EL PROGRAMA COMPLETO:

Fotografía: SHUTTERSTOCK, INC

RECIPE

CONFIDENTIAL RECIPE

A decir verdad, cuando me siento a producir en el estudio nunca sé qué ocurrirá. Muchas de mis producciones fueron creadas de manera accidental. Me sucede mucho que estoy trabajando una idea de melodías en los pluginsde synthsque utilizo y de pronto algo hace ‘click’ y me voy por ahí. Vengo de una escuela muy arraigada al techno y al house, es por eso que casi en el 100% de mis producciones se escuchan ritmos creados con los sonidos de las Roland 909 y 808.

Mi workflow comienza cuando trabajo la percusión del track. Primero creo varios patrones de ritmo digitalmente -o en mi Roland TR8-, y después selecciono los que más me gustan. Los sonidos clásicos de Detroit, Chicago y UK siempre han sido mi mayor influencia a la hora de hacer música, por eso en mis tracks me gusta trabajar con muchos stabs, bleeps y melodías secuenciadas.

Dentro de mis plugins favoritos para producir están los de Arturia, Roland, Waves, Rob Papen, Moog y Maxfor Live. También utilizo los procesos nativos de Ableton Live, que es el DAW con el que trabajo.

Me encanta volver al pasado; a veces paso días solo escuchando discos de los años 70, 80 y 90 para encontrar inspiración y, quizás, algún elemento que quiera samplear.

Trabajo muchos de mis temas con vocales, a veces grabando mis propias voces y después procesándolas o consiguiendo un sample que me guste mucho. Considero que los temas con vocales son esenciales en la pista ya que dan una sensación especial del mensaje que quieres dar.

No utilizo muchos plugins, me gusta trabajar con los pocos que conozco bien y así tener mayor control de lo que hago. Uno de los plugins que más utilizo es el secuenciador de MaxForLive “Rozzer”, me parece que es una herramienta excelente para crear melodías y me ayuda bastante en mi proceso creativo.

A la hora de producir soy un poco minimalista, me gusta la simplicidad… Esa que te atrapa. La mayoría de mis tracks están compuestos con un máximo de 10 o 15 canales o elementos. Me gusta seguir la premisa de “menos es más” y es algo que caracteriza mis tracks: lo repetitivo, lo loopy,…

A pesar de que la mayoría de mis EPs son de techno, invierto mucho tiempo produciendo música house, electro, breaks y electrónica en general. Creo que la clave para salir del estancamiento creativo está en la variedad y en la exploración de caminos distintos.

WELCOME TO IMS IBIZA

El mes de mayo ya está aquí y la IMS se está celebrando en Ibiza. En dicho evento se congregan los profesionales más importantes de la industria musical electrónica y para aportar mi granito de arena, os traigo a dos artistas nacionales muy interesantes y las revisiones de tres lanzamientos internacionales. ¡Feliz mes de Mayo para todos los lectores de la revista!

EMESH – CANOPUS EP

Un viaje sideral de electrónica downtempo Sendero Records TRACKLIST

Antonio Muñoz regresa con otro nuevo trabajo titulado Canopus. Un disco lleno de electrónica ecléctica y bajada de BPMs que representan a la perfección el sonido de Emesh. Medicina musical para tu mente. Os recomiendo visitar su web: Armonía del Sonido.

(LUIS V PR, COMO LAS GRECAS)

ZALVADOR – EMOTIONS

Diferentes emociones expresadas en un mismo lanzamiento Clubsonica Records

El DJ y productor colombiano acaba de lanzar un LP de siete originales a través de la etiqueta, también colombiana, Clubsonica Records. Un debut en el sello donde Zalvador nos deleita con un sonido refinado dentro del estilo deep. Enfoca la cámara de tu móvil en la imagen QR para descubrir a un nuevo artista.

TRACKLIST

01. ZALVADOR 'Anxiety'

02. ZALVADOR 'Elevation'

03. ZALVADOR 'Fear'

04. ZALVADOR 'Love'

05. ZALVADOR 'Pride'

06. ZALVADOR 'Shame'

07. ZALVADOR 'Hope'

COSMAN – PHRYGIAN TRANCE

Sonidos electrónicos de la nueva ola lituana

ODD Pleasures

Lituania está siendo un hervidero de nuevos productores que revolucionan el abanico musical. Cosman es otro artista más que con pocos lanzamientos ha conseguido captar toda mi atención. Su nuevo lanzamiento en la etiqueta ODD Pleasures, Phrygian Trance, te ofrece un sonido vanguardista y de estilo slowmo que sorprende desde el primer minuto y en cada una de sus canciones. Descúbrelo a través de la imagen QR.

TRACKLIST

01. COSMAN 'Zumbi'

02. COSMAN 'Zumbi (Yotam Russo Zumbis in Tel Aviv Remix)'

03. COSMAN 'Phrygian Trance'

04. COSMAN 'Phrygian Trance (Heidenreich Remix)'

FURIA X SOCIETY ON MARS – PULL ME OUT

Un nuevo proyecto musical que apuesta por la conexión con su público XTR Records

El vocalista Society on Mars y el DJ y productor madrileño Furia se unen para formar un nuevo dúo que se especializa en el house melódico, pero con el techno siempre por bandera. Les hago algunas preguntas para que nos hablen sobre su nuevo proyecto en conjunto.

Hola chicos. Habéis montado un nuevo proyecto entre Furia y Society on Mars ¿Qué aporta este a diferencia de vosotros por separado?

Hablar de Furia y de Society on Mars es hablar de una magnífica y potente fusión musical la cual promete recrear un sonido contundente, cargada de melodías sofisticadas y con un toque de aire reivindicativo cuyo fin será romper moldes. Sin perder nunca el sonido techno.

¿Qué lanzamientos habéis tenido con anterioridad y cómo ha sido el proceso de producción de este Pull Me Out?

En diciembre publicamos nuestra primera colaboración titulada ‘One Day’. Con la canción preparamos además una performance que no ha dejado indiferente a nadie cuando la hemos ensayado. Lo que queremos transmitir es nuestra línea de trabajo, los sonidos contundentes que diseñamos sin perder su calidez y que las melodías no sólo expresen nuestro estado de ánimo, sino lo que se evidencie en la pista en ese momento. Buscamos crear un hilo conductor con nuestro público ya que para nosotros sus sentimientos son muy importantes.

Tenéis preparada una nueva performance muy interesante. ¿Qué nos podéis adelantar?

Estamos trabajando en un live act enfocado a clubs y festivales donde unimos la música techno con sintetizadores analógicos. Todo en directo y acompañado de las voces de Society On Mars. Queremos aportar un toque de distinción, de sorpresa y de espectáculo. Hacer vibrar el alma de quienes tengan el placer de escucharlo.

¿Habéis pensado en publicar en otra etiqueta o será un proyecto exclusivo de XTR Records?

En este momento tenemos exclusividad con XTR Records, aunque no descartamos algunas de las propuestas que nos llegan de otros sellos.

Y para finalizar, ¿qué novedad nos podéis adelantar?

En breve encontrareis a través de nuestras redes sociales el nuevo vídeo clip del live performance. Os invitamos a otra realidad musical donde la mezcla de sonidos y las melodías sofisticadas de nuestras canciones conecten con vosotros de manera evidente.

JGR & YAHAIRA – FECHORÍAS

Más sonido gamberro ‘Made in Spain’ Melómana Records

El duo de DJs y productores afincados en la capital española se estrena con un nuevo EP en Melómana Records: Fechorías EP. Un nuevo disco de tres canciones que incluye un remix de Panka Panka. Julian García-Reyes (JGR) y Yahaira nos hablan sobre su nuevo proyecto en la entrevista que tuve con ellos para el rincón.

Gracias chicos por la entrevista. ¿Cómo es que os ha dado por hacer esta colaboración? ¿Es vuestro primer trabajo juntos? ¿Os conocíais de antes?

Gracias equipo. Ambos tenemos mucha conexión musical, además de una gran amistad, disfrutamos mucho de esa sinergia y solo podían salir cosas buenas de esta unión. Sí, es nuestro primer trabajo, ¡pero no será el último! (risas). Nos conocimos en una fiesta en Madrid y desde ese día ya sabíamos que esto iba a ser para largo.

¿Cómo ha sido el proceso de producción de Fechorías? ¿Quién es Panka Panka?

El proceso fue divertido, natural y bastante rápido. El complemento fue instantáneo. En un par de semanas ya estaba terminado y todo fue súper fluido. Teníamos bastante claro que

queríamos hacer tracks con un cierto sonido, pero en los que convivieran un montón de estilos e influencias distintas. Por otra parte, el remix de Panka Panka, a quienes solo conocemos por redes sociales, nos encanta porque le añade otro elemento diferente al release.

¿Tenéis planeado otros lanzamientos en otras etiquetas? ¿Un álbum en conjunto quizás? ¿Vuestra propia perfomance?

Tenemos otro track terminado y estamos trabajando en dos nuevos. Aún no están terminados y cuando lo estén veremos por dónde saldrán, pero esperamos tener novedades pronto. Además de eso pinchamos mucho juntos y justo venimos de un tour por México y Colombia.

Y para finalizar, ¿Alguna noticia que nos queráis adelantar para este 2023?

Seguiremos colaborando tanto en las cabinas como en el estudio y en un futuro nos gustaría poder crear un proyecto más grande. Sabemos que esto aquí no se queda y tenemos muchas ganas de seguir creando tanto juntos como individualmente.

HE.SHE.THEY

LA VOZ DE LA INDUSTRIA

El colectivo de fiestas y sello inclusivo HE.SHE.THEY. cumplen cinco años en la escena electrónica y acaban de anunciar una residencia en Ibiza para las próximas semanas como parte de su gira mundial.

A lo largo de 5 años, HE.SHE.THEY. se ha adueñado de las pistas de baile de Nueva York, Londres, Sydney y París. Se ha convertido en una parte fundamental de la comunidad queer y colectivos minoritarios en el ocio nocturno, en un momento muy necesario en el que muchas salas se enfrentaban al cierre y en el que los locales queer tradicionales desaparecían poco a poco de la escena.

El concepto de HE.SHE.THEY. nació cuando Steven y Sophia fueron conscientes de la ausencia de fiestas nocturnas que reflejaran la diversidad y la representación de las distintas diversidades que existen en los clubes. El objetivo de HE.SHE.THEY era restablecer este equilibrio y devolver la paridad a la escena, independientemente de la edad, raza, sexo, género, capacidad, religión o preferencia sexual.

Con motivo de esta residencia en Ibiza, DJ Mag ES se sienta con cofundadores de HE.SHE.THEY, Steven y Sophia, para recordar el impacto de la fiesta en la cultura de club diversa y hablar de la necesidad vital de espacios que representen la diversidad en todos sus planos, más allá del baile, para promover una libertad y una transformación de la escena desde la pista de baile.

Hola Steven y Sophia, es un placer para nosotros teneros aquí en DJ Mag España. ¿Cuánto tiempo habéis estado trabajando ambos en la escena de la música electrónica antes de fundar la plataforma HE.SHE. THEY? ¿En qué géneros musicales están arraigados vuestros gustos musicales?

BRAINES: Yo empecé a trabajar en clubs antes incluso de los 18 años y ahora, ya soy un poco mayor... (risas) Siempre he sido más de techno, pero también me encantan los grupos góticos, el hip-hop e incluso he sido manager de artistas como Tricky por mi cuenta y después de artistas como Maya Jane Coles y SYREETA siguiendo con Magda y Tale of Us con Sophia.

¿Qué podéis contarnos sobre los orígenes de HE.SHE. THEY? ¿Cuáles son los principios en los que se basa la creación de esta plataforma?

SOPHIA: HE.SHE.THEY tiene como objetivo que la gente se sienta más cómoda en los espacios de ocio nocturno convencionales, ofrecer oportunidades y dar visibilidad a las personas con talento procedentes de colectivos discriminados de la sociedad. En definitiva, es una comunidad y un movimiento centrado en la amabilidad, la tolerancia y la libertad de expresión creativa.

Durante los últimos 5 años habéis promovido fiestas, sesiones y eventos, ¿qué se siente al haber cumplido cinco años logrando vuestros objetivos?

BRAINES: Me siento muy agradecido por haber conseguido sobrevivir a la pandemia y haber vuelto más fuertes. Es como si tuviéramos cinco años, pero en términos de eventos, ¡sólo llevamos tres! No parece real que hayamos celebrado fiestas en Norteamérica, Europa y Asia, ni que hayamos tenido una residencia en Amnesia con gente como Ellen Allien, Louie Vega, Ben Klock, Faithless, Honey Dijon y otros muchos pinchando para nosotros. Queremos entrar en Asia, África, Sudamérica y Australasia. No es fácil cuando se es independiente, solo contamos con dos personas y un asistente, pero creemos que el mensaje de la diversidad y la inclusión es muy importante para la escena mundial. Lamentablemente, hay países que no podemos visitar porque no es seguro para mí como hombre homosexual.

Autora: HELENA BRICIO

¿Por qué creéis que es importante promover la equidad e igualdad de género en la música electrónica?

SOPHIA: Es muy importante asegurarse de que la industria de la música electrónica ofrece igualdad de oportunidades, no sólo para los artistas que están detrás de los platos y para los que bailan, sino también para el público, para que todas las personas del público se sientan abiertamente bienvenidas y representadas en el espacio. El resultado de todo ello es una mayor diversidad en las pistas de baile, donde la gente se encuentra y se relaciona, lo que, con un poco de suerte, se traducirá en una mayor amabilidad y tolerancia en la sociedad en general. Queda también mucho trabajo por hacer para que los responsables de la toma de decisiones que trabajan entre bastidores en la industria sean más diversos también y así poder avanzar hacia una industria futura en la que se piense de forma inclusiva.

¿Cómo crees que la industria musical podría aliarse mejor con los colectivos discriminados?

BRAINES: Creo que lo más importante es escuchar a la gente y saber qué es lo que quiere, y dar a los diversos tipos de personas una plataforma para demostrar lo que valen. Hay mucho talento.

¿Habéis notado algún cambio significativo en la escena a lo largo de los últimos cinco años de trabajo?

SOPHIA: En los últimos cinco años he notado un cambio en el número de mujeres que se han convertido en cabezas de cartel, pero sobre todo desde la pandemia, cuando el mundo se paró a pensar que, gracias a movimientos como Black Lives Matter, Me Too, Stop Asian Hate y Times Up, la gente tiene mucha más conciencia social y moral en la música en general. Política y socialmente, todavía hay muchos problemas con el racismo, la homofobia, la transfobia y la misoginia, por desgracia aquellos con odio, miedo e ignorancia en sus corazones a menudo pueden ser más ruidosos, por lo que aquellos con la moral liberal de vivir y dejar vivir con bondad deben seguir luchando y educando para todo lo que es bueno en el mundo y no ser complacientes.

¿Podéis contarnos un poco los retos a los que os habéis enfrentado en vuestra carrera y cómo los habéis superado?

BRAINES: Al principio de mi carrera me dijeron que fuera "menos gay", entre otras cosas, así que trabajé el doble y seguí luchando, y espero haber abierto la puerta para que otras personas puedan ser ellas mismas.

¿Alguna vez habéis sido testigo de una situación en la que el club o local en el que estabais programando la noche HE.SHE.THEY no cumpliera con las normas de seguridad promovidas por vuestra plataforma?

SOPHIA: HE.SHE.THEY impulsa la idea de que los espacios sean más valientes que seguros. Puede ser muy difícil, casi imposible, clasificar un espacio como "totalmente seguro" cuando se pide a cientos, si no miles, de personas que se reúnan en un ambiente en el que puede haber algún tipo de estado de embriaguez. Lo que sí puedes hacer es promocionar nuestra ética en los folletos, en los comunicados y en el marketing, así como colocar carteles con las normas de la casa y comunicarlas en el espacio. Además, organizamos los eventos con antelación con los locales / promotores y les preguntamos sus procedimientos y contactos para saber con quién hablar y cuáles son los procedimientos en los distintos casos si los necesitamos esa noche.

Y, por el contrario, ¿cuál ha sido el mejor momento de estos cinco años? Si se pudiera retroceder en el tiempo, ¿qué momento volveríais a revivir una y otra vez?

BRAINES: Hay muchísimos y son todos especiales por motivos diferentes. Hacer eventos en clubes como Fabric, donde hacía cola para entrar cuando era joven, es una pasada. Cuando organizábamos fiestas en Nueva York, me preguntaba "¿cómo ha podido acabar aquí este chico de pueblo? Fue una locura agotar las entradas en nuestro primer concierto en Barcelona. Bailar en Ibiza, tener nuestra propia fiesta en Pacha y luego nuestra primera temporada de 3 sesiones en Amnesia, que ahora ya tiene 8, es increíble. España nos ha acogido muy bien. También hicimos un álbum de remezclas transinclusivo con Alanis Morrisette, y ella habló de ello en Jimmy Fallon y ella nos sigue y eso me dejó alucinado.

¿Qué estilos de música se pueden encontrar en las fiestas HE.SHE.THEY? ¿Hay alguna posibilidad de incluir nuevos géneros?

SOPHIA: En realidad depende del evento en cuanto a los estilos de música que se pueden encontrar. Algunos eventos son de hard techno, otros de house y tenemos escenarios de festivales que son una combinación de todos los géneros. Por ejemplo, en la Secret Garden Party, que se celebra en julio en el Reino Unido, tenemos de todo, desde house, techno y disco hasta drum and bass; programamos lo que nos gusta para los eventos y fichamos lo que nos gusta para el sello, ¡pero tenemos un gusto ecléctico!

Contadnos un poco sobre vuestra residencia en Ibiza para conmemorar este 5º aniversario. ¿Qué podemos esperar de HE.SHE.THEY en la Isla Blanca?

BRAINES: Vamos a tener otra vez bailarines, son en su mayoría de Ibiza y son INCREÍBLES. De todas las formas y tamaños y todos preciosos. Nos estamos centrando más en el lado más housero de la fiesta, aún no podemos anunciar nombres, pero el talento es increíble. Musicalmente con mucha clase. También vamos a traer a la isla a gente que no toca allí a menudo. Pero será más grande, mejor y más atrevido que el año pasado, ¡y vamos a vivir de verdad en la isla!

¿Qué consejo le daríais a alguien que no encuentra su lugar y su espacio en la escena electrónica, cómo puede acercarse a plataformas como la vuestra?

SOPHIA: Siempre llamar a las puertas y preguntar a través de las redes sociales o correo electrónico, esto va para todos los sellos / promotores / radio. Consigue algunas de tus mejores mezclas y una larga lista de demos y redacta correos electrónicos concisos que incluyan esto y tus enlaces de streaming y redes sociales y envíalos. Si nadie te conoce, la respuesta es definitivamente no, pero vale la pena enviar un montón de mensajes y hacer un seguimiento un mes después, nunca se sabe y en el peor de los casos tu nombre está en el radar de alguien. Además, ir a eventos, acercarse a la gente y saludarla es fabuloso: en la industria musical se trata tanto del don de gentes como de la música, así que si tienes la actitud, la moral y las expectativas adecuadas, además de talento musical, puedes llegar lejos. Postea en las redes sociales con regularidad y autoedita música y promociónala tú mismo, aunque sólo sea porque te alegrarás de tener una válvula de escape para tu creatividad.

Por último, y para que nunca olvidemos que somos libres de sentir, experimentar y expresar lo que realmente somos... ¿Qué canción te levanta el ánimo cuando todo parece un poco oscuro?

BRAINES: Soy gótica, así que me gusta la oscuridad (risas), aunque me gusta mucho el tema “Cherry Bomb” de Maya Jane Coles, tiene algo increíble esa canción.

HE.SHE.THEY

Las protagonistas de nuestra portada de mayo destacan por su magia, peculiaridad y por apostar por un sonido poco convencional dentro de la industria de la música. Pitty Bernad y Belah conforman este proyecto tan único, han logrado fusionar de manera exquisita el flamenco y la electrónica y son las personas que dan nombre al dúo MËSTIZA

Tras más de diez años pinchando de manera individual, ambas decidieron unir fuerzas para crear un nuevo concepto que fusionara sus dos principales pasiones musicales. Cuando las conoces resulta prácticamente imposible olvidarse de ellas; sus atuendos pensados al detalle, las performances de sus actuaciones y el sonido de sus sets tienen un toque único que les otorga ese toque mágico y distinto al resto.

En apenas dos años, han logrado crear su propia fiesta bajo el nombre Sacro y llevarla a lugares como Madrid, Ibiza o Tulum. Además, han logrado tener el apoyo de artistas increíbles tanto del mundo del flamenco como de la electrónica y están preparando un nuevo álbum en colaboración con algunos de los más grandes del panorama. Por si fuera poco, recientemente han iniciado otro nuevo proyecto en común en forma de podcast, “Aunque Es De Noche”, donde contarán con un nuevo invitado en cada episodio y desgranarán el sentido y la intención de diferentes canciones.

Os invitamos a conocer en profundidad a estas dos grandes amigas, artistas, DJs y productoras en esta charla que tuvimos con ellas con motivo de su portada en nuestra casa. Estamos seguros de que lograrán sorprenderos.

Autora: Patricia Pareja Casalí

Hola chicas, es un auténtico placer conoceros y celebrar nuestra portada de Mayo con vosotras. ¿Cómo estáis?

Hola equipo. Estamos genial, muy contentas de estar aquí con vosotros.

Nos despertáis mucha curiosidad, vuestro concepto MËSTIZA es algo muy distinto dentro del mundo de la electrónica; nos gustaría que fuerais vosotras mismas quienes os presentarais; ¿quién hay detrás de MËSTIZA? ¿Quiénes sois?

Somos dos amigas que, ya antes del proyecto, éramos DJs y productoras individualmente. Decidimos unir fuerzas y creamos este dúo que comenzó siendo una fiesta, un concepto de fiesta, y con el tiempo nos dimos cuenta de que funcionaba muy bien y a la gente le empezó a gustar. Básicamente lo que hacemos es fusionar la electrónica con el flamenco, dos géneros que nos encantan y somos fieles seguidoras desde hace años.

Tal como dices, antes de crear MËSTIZA erais ya DJs por separado y estuvisteis, si no me equivoco, unos diez años pinchando antes de conoceros. Siempre tuvisteis un estilo muy parecido antes de uniros, ¿en algún momento os considerasteis competencia entre vosotras?

La realidad es que trabajábamos en el mismo sector y no es que nos consideráramos competencia, pero realmente la había a nivel negocio. Aunque para nosotras nunca ha existido eso, porque creo que en este sector hay trabajo para todos, al final uno tiene que tener una idea y trabajar por ella. Siempre hemos sido muy amigas y nos admirábamos la una a la otra, entre nosotras lo hablábamos.

Y, ¿por qué el nombre MËSTIZA? ¿Qué significado tiene?

MËSTIZA significa mezcla y, algo que teníamos muy claro desde el principio, es que queríamos un nombre femenino y que no fuera plural. Lo pensamos así porque al final es un reflejo de lo que somos nosotras: mujeres que estamos trabajando en un proyecto musical, por eso es un nombre en femenino. Y MËSTIZA porque hace referencia a la mezcla, a la fusión del flamenco y la electrónica.

Apenas lleváis dos años con el proyecto MËSTIZA y ha tenido una muy buena acogida. ¿Qué momento marcó un antes y un después en vosotras y os hizo ver que este proyecto sí podía funcionar?

Esto surgió de una manera totalmente altruista. Realmente no habíamos pensado que podría suceder todo esto, que podía evolucionar más allá. En el momento de pandemia con todos los clubs cerrados hacíamos sesiones en casa por diversión y de repente nació una pequeña llama que nos animó a crear este concepto y divertirnos en petit comité. Ha ido creciendo mucho hasta lo que es hoy, y estamos súper agradecidas. Todo cambió en el momento en el que empezamos a recibir muchos mensajes de apoyo y nos dimos cuenta de que esto tenía y podía ir más allá.

En la primera fiesta que hicimos en Club Malasaña, en Madrid, ya teníamos unas ideas muy, muy claras como base: cuando hacíamos la fiesta debíamos tener una performance flamenca de chicas y chicos, bailaores flamencos, la decoración, los claveles en la mesa, nuestra vestimenta,… Ahí tuvimos el presentimiento de “esto va a funcionar”, y lo que hacemos básicamente es trabajarlo día a día, porque trabajamos muchísimo, y confiar al máximo en lo que hacemos.

Exacto, aprovecho que tú misma lo mencionaste ahora Belah —aunque es imposible no darse cuenta a primera vista—, para ver que vuestros looks están trabajadísimos. ¿Le dais casi tanta importancia como a la música que hacéis? ¿Lo preparáis vosotras o hay alguien detrás que os ayuda?

Además de por la música, también sentimos debilidad por la moda desde hace muchos años. Estamos muy, muy compenetradas en todo y ambas tenemos una visión creativa sobre lo que nos podríamos poner, lo que no, qué complementos,… Lo trabajamos mucho, no tenemos un equipo detrás sino que lo ideamos nosotras. Pero hay veces que en algunas fiestas concretas o determinados momentos sí, tenemos el apoyo de compañeros nuestros que nos ayudan a crear los looks. Pero cuando creamos el concepto y empezamos a maquinar todo, esto ya lo hacíamos solas por lo que ahora simplemente es fácil. Lo trabajamos, pero no nos cuesta porque ya sabemos lo que queremos. Y ahora, cada vez más, tenemos el gran apoyo de artistas y diseñadores, tanto nacionales como internacionales, que en base a la propuesta que le hacemos también nos visten.

Aprovecho para decir que realmente hay un currazo detrás, cuando os he visto aparecer he dicho “¡pero qué guapas!”. Cuando me meto en vuestro Instagram y veo los looks, todos tan distintos, se nota que hay dedicación. Os felicito. Hablando ahora un poco sobre vuestras influencias, ¿cuáles son vuestros principales referentes e inspiraciones? Me gustaría que me dijerais algunos tanto del flamenco como de la electrónica.

En cuanto a flamenco, ante todo La Niña de los Peines, Manuel Camarón, Lola Flores es la voz de nuestra primera canción ‘El Brillo’,… Hay muchísimos, pero especialmente destacaría estos porque en nuestro próximo álbum hay muchísimas referencias a ellos concretamente, tanto en cuanto a estructura como letra y estética.

En la electrónica tenemos muchísimos referentes, concretamente algunos productores como Derun que mezclan sonidos orgánicos con electrónica. También hay un chico que se llama Tayllor y hace una música increíble, dentro de nuestro género también hay artistas que nos gustan mucho como AMÉMÉ, por ejemplo, Seguimos a mucha gente, compañeros y colegas que admiramos muchísimo y que hacen un género parecido a nosotras, orgánico. Podría nombrar muchísimos…

Muchísimos, yo ahora pienso en artistas del estilo de &ME, Satori,…

Exacto, justo ese estilo. En nuestro próximo álbum vamos a introducir algunos sonidos un poquito más oscuros, ya lo veréis…

Justo te iba a llevar ahí. Sé que además de DJs sois productoras, eso es maravilloso, y estáis trabajando en un nuevo álbum. Me contabas ahora que vais a darle un sonido más oscuro a este trabajo, ¡explícame eso!

Realmente podría decirse que es como un melodic techno o algo así, pero no lo podríamos encajar en ningún estilo particular porque lo que hacemos es incluir vocales flamencas y orgánicas con instrumentos, creando un sonido un poquito más oscuro dentro de nuestro género. Todo este proyecto nos ha conducido de manera casi natural a la producción, no solo porque queramos hacerlo y forme parte de nuestro proyecto, sino porque si no hacemos nosotras la música, no tendremos nada que compartir. Gran parte de nuestro set, alrededor del 75%, son edits o temas nuestros.

Y, ¿qué me podéis contar de las próximas colaboraciones? Sé que estáis creando algo nuevo con algunos artistas de flamenco…

Estamos muy felices porque el trabajo que estamos haciendo en el estudio está siendo increíble. Estamos muy contentas porque estamos colaborando con músicos no solamente del flamenco, sino también músicos turcos, percusionistas,… lo estamos haciendo todo de cero. En cuanto a las vocales tenemos a Pitingo, a Reyes Carrasco, La Mari de Chambao, Ana Brenes, tenemos muchísimos cantaores flamencos increíbles,… Y ha sido un placer trabajar con todos ellos. Hemos aprendido muchísimo y ya estamos dando las últimas pinceladas al álbum y muy contentas de presentarlo, a ver qué tal.

Y para el álbum, ¿hay alguna fecha ya?

No, todavía no te la podemos decir, pero básicamente porque no tenemos una fecha concreta, tenemos una fecha estimada, pero no un día concreto. Va a ser antes de verano, eso sí. Seguramente este mes de Mayo, el mismo que el de nuestra portada en la revista. Saldremos con algún adelanto y el primero será el de Chambao.

Quiero que me habléis ahora un poquito de vuestra fiesta, SACRO, cuyo significad es ‘sagrado’. La habéis llevado a Madrid, Tulum e incluso Ibiza. Contadme un poquito cuál es el concepto que hay detrás y qué podemos esperar de esta fiesta este año.

Como dijimos antes, nuestro proyecto surgió de esta fiesta y justo después empezamos a llamarla así. Separamos las marcas, por un lado nosotras bajo el nombre MËSTIZA como dúo y la fiesta, Sacro. Digamos que es donde exponemos todo nuestro universo, nuestras ideas, nuestro concepto al máximo esplendor. Tenemos nuestro grupo de performance, nuestros actores,… Es, básicamente, donde mostramos todo nuestro concepto y se compagina todo muy bien; la música que estamos tocando en la fiesta se ve representada a través de estos personajes que están en la fiesta, de la ambientación, de la decoración y del espacio. Y sí, efectivamente la hemos hecho en Tulum, la hemos hecho en Madrid, en Ibiza, en varias localizaciones… Ahora la vamos a hacer también en Cádiz y aquí en Barcelona, en un sitio muy especial.

Casi para cerrar, me gustaría que me hablarais de algo muy, muy reciente que habéis lanzado. Yo de hecho me lo he escuchado esta mañana antes de venir mientras desayunaba… ¡Me refiero a vuestro podcast!

¡Ay! Muchas gracias por escucharlo. Pues mira, nunca nos habían preguntado por el podcast porque como es tan nuevo… Bueno, realmente lo que has podido escuchar es una introducción a lo que va a ser “Aunque Es De noche”, así se llama el podcast que que hemos creado. Lo que queríamos hacer es dar voz a muchos pensamientos y contextos que nos llevan a hacer música, como letras y música que respetamos, y nos gusta mucho la idea de llevarlo a una charla sobre una mesa. Lo hemos llamado así “Aunque Es De noche” porque queríamos salir un poco de ese contexto de la noche y darnos voz a nosotras mismas. Además, también porque es una canción preciosa de Enrique Morente que también ha versionado Rosalía, a quien muchos conoceréis. Y bueno, realmente lo que os recomendamos es que lo escuchéis.

Publicaremos uno por semana y en todos los capítulos tendremos a un invitado y analizaremos una canción, no tanto a nivel técnico, sino más bien sobre la letra de la canción, de lo que habla.

¿Todos los invitados serán cantantes? No, de todo tipo. Serán invitados que tengan un proyecto que tenga relación con la cultura. Puede ser incluso comunicación, redes sociales, no solamente de música.

¡Qué interesante! Además, aprovecho para decir que me ha gustado mucho la introducción porque cuando estabais hablando decíais “empezamos este podcast en el mismo sitio donde nació MËSTIZA”, eso es especialmente bonito. Os deseo muchísima suerte.

¡Muchísimas gracias!

Contadles a nuestros lectores, ¿dónde os pueden encontrar este 2023? ¿Hay algo que nos hemos dejado por ahí en la charla? hemos hablado de muchas cosas, pero no sé si queréis añadir algo más…

En cuanto a actuaciones, acabamos de anunciar un pequeño ‘spring tour’ en nuestra cuenta de Instagram. Este verano vamos a estar, por supuesto, en Ibiza, en Marbella, en Cádiz,… e intentaremos estar más por Europa, y ya a partir de enero haremos un tour más internacional. En mayo vamos a hacer una gira por Miami y México pequeñita, iremos contando todo por nuestras redes sociales @mestiza.music :)

También podéis informaros en nuestra web, en Soundcloud, en YouTube, en TikTok, a través de nuestro podcast,… ¡Y ahora también en DJ Mag España! (risas). Pero sobre todo en Instagram, donde publicamos todo lo que vamos a hacer.

Escanea para escuchar el set exclusivo de MËSTIZA

PROTEGE TU SALUD AUDITIVA

Autor: Borja Comino

Un día te vas a ver un concierto de tu grupo de garage favorito a una ciudad francesa. Son americanos y, quién sabe cuándo te vas a ver en otra igual. Haces cola un buen rato antes para ser de los primeros en entrar, que para algo te has gastado tus ahorros en el billete de avión y el Airbnb. Llegas antes que nadie, consigues plantarte en primera fila antes de que empiece el bolo. Un imponente amplificador de guitarra al alcance de la mano. ¿Será atrezo? Al primer acorde, una ventolera sonora que te tira el flequillo para atrás. En el hotel, toda la noche en vela. Preguntas a tu compañera si ella también puede oír ese zumbido. Te dice que ella no oye nada. Pasan ocho años. Desde entonces no ha dejado de sonar.

Ibiza Loves Ears es una campaña de concienciación sobre la salud auditiva que Joost Toast inició en Ibiza hace casi siete años, en 2016. Joost es también director de ACS Custom en España, ex manager de artistas y DJ. Uno de los síntomas que sufre después de décadas estrechamente relacionado con el mundo de la música es el tinnitus. Cree en la importancia de la educación para crear un cambio global en la sensibilización sobre estos problemas causados por la música.

El objetivo es crear un futuro sin problemas auditivos irreversibles para la generación actual y las venideras. Evitarlo es tan sencillo como usar protección auditiva.

¿Cuál fue la chispa que enchufó la maquinaria de Ibiza Loves Ears?

Me mudé a la isla en 2016 para integrarme en la escena de la fiesta ibicenca al mismo tiempo que trabajaba como mánager artístico de Tom Hades y Enrico Sangiuliano. Me pareció que era importante estar cerca del meollo para expandir mi red de networking. Todos sabemos que es imposible tratar de llevar a cabo un negocio si no trabajas dentro de un círculo en el que conoces quién está en el candelero.

Al poco de llegar me di cuenta de que no había protección auditiva disponible en ningún sitio. Como tengo una profunda y personal experiencia con el tinnitus y la pérdida de audición, siempre he tratado de promover la importancia de la protección auditiva con familiares, amigos

y compañeros de la industria de la música. En Holanda el negocio de los protectores auditivos ya lleva tiempo muy asentado, incluso saturado, así que vi claramente que en Ibiza había un nicho por explorar. Por ello, a finales de ese mismo año me retiré del tema del management y empecé lo que ahora es Ibiza Loves Ears. Creo que cualquier cambio en la forma en la que uno hace las cosas solo es posible si previamente tenemos la información y educación adecuada. Si tenemos claro el por qué hacemos algo es mucho más fácil adaptarnos a cierto estilo de vida. Empecé a trabajar junto a ACS Custom y desde entonces me dedico plenamente a suministrar y ofrecer soluciones para que la gente pueda gozar de protección auditiva. Son ya muchos los clientes que han quedado super satisfechos. Y no solo en la isla, sino en todo el mundo.

¿Crees que tardaste más tiempo de la cuenta en entender que tu audición no estaba del todo bien?

Fui 100% consciente de que algo no andaba bien la misma mañana que lo noté, después de haber ido a una fiesta de música hardcore en la que el sistema de sonido no era el mejor ni de lejos. Eso fue en 2003 –tenía 15 años. En cuanto me desperté con el típico pitido en el oído pensé que tampoco era tan raro después de haber estado por ahí escuchando música a todo volumen. Después de unas semanas en las que el pitido no cesaba, empecé a buscar en internet y es cuando apareció la palabra tinnitus. En ese momento me di cuenta de que mi calidad auditiva ya no iba a poder ser la misma de siempre nunca más.

A partir de ahí no salía de fiesta si no era con tapones para el oído. Así que seguí disfrutando de la música y las pistas de baile. Estaba todo el tiempo escuchando música y conseguía copiar temas guardándolos desde un CD a una grabadora –sí, el buen old school– y más tarde ya empecé a pinchar como DJ. Para mí, llevar protección auditiva era lo más normal del mundo, pero un montón de gente se extrañaba al verme así y solían preguntar “¿qué llevas puesto en las orejas?”. Con el paso del tiempo, esa pregunta se ha vuelto algo mucho menos frecuente, lo cual es una clara señal de que nos estamos empezando a dar cuenta de que exponernos a volúmenes altos de música no es, para nada, bueno. Aun así, sigue habiendo demasiada gente que salen por ahí y se pasan horas frente a los altavoces sin ser conscientes del riesgo que eso conlleva.

¿Cuál es tu sintomatología?

Nuestro sistema auditivo es pequeño pero complejo. En el oído medio se pueden producir distintos tipos de daño. Lo que yo tengo es pérdida de audición, sobre todo en el clásico disco dip, que es como los profesionales llaman a pérdida de agudeza auditiva en la gama de frecuencias más altas (entre 3000 y 6000 Hz) y en particular alrededor de los 4000 Hz. Eso se traduce en que me suele costar bastante entender conversaciones en las que hay mucha gente hablando a la vez, y más si es en espacios con mucha resonancia y sonido reflejado. A parte de eso, tengo tinnitus con un pitido que ya me conozco a la perfección en los 12000 Hz. Y nunca cesa. Algunos días pita más fuerte que otros. Depende un poco de los niveles de sonido a los que me he expuesto ese día y del estrés al que estoy sometido en ciertas épocas. Debido a que he sido DJ durante tantos años, sufro por igual en ambos lados. Mucha gente también tiene hiperacusia. Yo, por ejemplo, en cuanto oigo un ruido fuerte o alguien me habla directamente al oído, no puedo evitar taparme las orejas de forma instintiva.

¿Alguna vez, en alguna cabina, has llegado a sentir dolor físico por culpa de un mal sonido en los monitores?

Sí. Y no han sido pocas veces. Es uno de los motivos por los que decidí apartarme un poco de la vida de DJ y si lo hago, nada de beat matching. Normalmente los sistemas de altavoces están tan a tope que los monitores se tienen que subir todavía más y, encima, los cascos tienen que estar al máximo porque sino, no oyes ni lo que estás mezclando. Todo eso confluye en un bucle de añadir más y más volumen y, como artista, eso acaba haciendo mella. En la industria, todos sabemos que el daño auditivo y el tinnitus es el problema de salud más asociado a nuestra profesión. No obstante, la mayoría de la gente no hace nada al respecto. A veces me llaman artistas que están de gira tratando de buscar solución a sus problemas auditivos después de haberse hecho daño. No antes. Es un poco “el mundo al revés”.

¿Qué cambios has notado en el día a día desde que usas protección auditiva?

Me ha cambiado la vida, básicamente. Sin ello sería incapaz de hacer lo que hago. Llevo los últimos 20 años moviéndome en ambientes muy ruidosos y la única forma posible de seguir en ello es intentando proteger al máximo mi audición, o lo que queda de ella. Soy consciente de que sufro una merma auditiva que me va a acompañar el resto de mi vida. Por suerte, he logrado entablar una relación sana con este pesar y estoy más que contento desde que empecé a trabajar en ello.

Imagino que aprender a pinchar con protectores debe ser complicado. ¿Tardaste mucho en hacerte a ello?

Buena parte de mis clientes son DJs y artistas en general del más alto nivel, así que es una pregunta que me han hecho decenas de veces. Está claro que todo se oye bastante diferente cuando usas tapones mientras tocas. Es como si, de repente, te pones unas gafas de sol oscuras para pinchar en un club. Claramente te va a costar un poco acostumbrarte a ello. Pues lo mismo con esto. Es a través de horas y horas practicando que uno empieza a cambiar su percepción sonora. Yo siempre recomiendo a los artistas que no lo usen en directo hasta que no se hayan acostumbrado del todo y se sientan cómodos practicando con ellos en la intimidad. Uno de nuestros embajadores, Joris Voorn, necesitó unos tres meses para sentirse totalmente cómodo y, desde entonces, usa protectores auditivos todo el tiempo.

¿Cuáles son las diferencias más notables entre el típico tapón genérico o unos protectores personalizados?

Hay protectores de todas formas y tipos, tanto universales como customizados. Lo bueno viene cuando le metes filtros a los tapones. Ahí es donde se crea la magia. Los filtros, por supuesto, pueden ser de todo tipo con distintos tamaños, calidades y diferentes grados de atenuación. Antes de comprar protectores auditivos habría que tener en cuenta varias cosas.

Para empezar: el precio. Obviamente unos protectores personalizados no costarán lo mismo que unos genéricos. Al personalizarlos, los amoldas a la forma de tu oreja y son mucho más cómodos. El tema filtros es algo a tener muy en cuenta dependiendo del uso que se les vaya a dar.

Personalmente uso los dos tipos de protección. Los tapones genéricos que suelo utilizar son los ACS Pacato que llevo siempre colgando en mi llavero. Si, por lo que sea, me encuentro en una situación de mucho ruido de forma repentina, sé que voy a poder gozar de suficiente reducción de sonido y al mismo tener la capacidad de escuchar claramente conversaciones sin agobiarme por el ruido.

Por otra parte, uso los ACS Custom PRO cuando voy a clubs o festivales. Un puntazo es que, hay veces que tengo que usar walkie-talkie, así que lo enchufo a mis ACS y puedo oír perfectamente las comunicaciones de radio sin dejar de proteger mi oído en ningún momento. Siempre llevo varios tipos de filtros encima. Lo más normal es que vaya cambiando entre los filtros PRO 17, que son los más planos y los PRO 20, que filtran un poquito más en las frecuencias medias más punzantes y las altas.

¿Qué lecciones has aprendido durante los últimos seis años en los que has estado haciendo campaña de concienciación con Ibiza Loves Ears?

1_ Una cosa que no puedo entender es que tanta gente siga sin tener ni idea de los riesgos que conlleva exponerse a volúmenes altos de sonido. Nuestro oído está expuesto a más volumen que nunca, sobre todo por el auge de los auriculares que la gente lleva puestos durante horas. A eso, súmale todas las noches de festivales y discotecas. Muchos salen a divertirse, sin darse cuenta de que ponen en peligro su audición y su salud mental.

2_ Viniendo de los Países Bajos, he visto un gran cambio de conciencia en cuanto al uso de protección auditiva. En otras partes de Europa y del resto del mundo, el grado de concienciación sigue siendo muy bajo. Harán falta muchos años y más atención por nuestra parte, como industria, para informar y educar al público sobre los efectos perjudiciales que se pueden sufrir.

3_ La gente tiende a ignorar todo este tema hasta que es demasiado tarde. En cuanto notan un cambio en su audición suplican una solución rápida. Yo puedo estar ahí para escuchar, aconsejar y proporcionar la atención y protección adecuada, pero lo que se daña, en la mayoría de los casos, se daña de por vida.

4_ Las personas con daños auditivos creen que sólo afectan al oído. Sin embargo, a menudo son los problemas de salud mental los que arruinan la carrera y la vida de las personas. Lo que empieza con un problema auditivo, pronto desemboca en ansiedad, depresión, hipersensibilidad, pérdida de sueño y todas las espirales descendentes que conllevan estas afecciones. Me duele ver que hay muchos disgustos que podrían haberse evitado.

5_ Todavía existe un gran malentendido sobre los tapones para las orejas y la protección auditiva. Hoy en día los hay de todas las formas y tamaños, aunque la mayoría de la gente piensa en los tapones de espuma (que son estupendos para la trabajadores del sector de la construcción, pero no para el mundo de la música). Si alguien quiere comprar protectores de oído para salir por ahí, lo mejor es elegir productos que tengan filtros. De ese modo se puede escuchar la música prístinamente y las conversaciones se pueden entender a la perfección.

Reúne todo tu conocimiento en un par de consejos para nuestros lectores y melómanos del mundo.

Solo tenemos un kit auditivo que, ya de por sí, va degenerándose con el paso del tiempo. La generación del rock, gran porcentaje de la cual sufre problemas auditivos, vino antes de la generación rave. Una ventaja que tenemos es que disponemos de protección a la que ellos no tenían acceso. Aprovechémoslo.

Si te gusta la música. Si te gusta vivir y tienes amor propio, ¡cuídate, a ti y a tus oídos! Ponte protectores, tapones, audífonos, como quieras llamarlo. Mostrar que te importa tu salud no te hace ser menos guay, todo lo contrario. Escucha a la gente que sabe del tema. Habla de ello con tus amigos. No ignores el tema porque realmente no es ninguna tontería.

*ESCANEA EL QR

Ibiza Loves Ears y ACS Custom quieren alentaros a usar protección auditiva. Por eso, dan a todos los lectores un 10% de descuento en la compra de cualquiera de sus productos con el código DJMAG10.

Above & Beyond Eelke Kleijn Camelphat Lost Frequencies

“Esta temporada animamos a los amantes de la música a que cuiden su audición. Tanto si eres un veterano de Ibiza como si es tu primera vez en esta isla mágica, respeta tus oídos”.

“Llevo más de veinte años tocando con protectores auditivos. Ya no me puedo imaginar lo que sería pinchar sin ellos, me he desacostumbrado por completo a volúmenes altos de sonido. Siempre he dicho que quiero mantener mi capacidad auditiva en el mejor estado posible porque lo que más me gusta en el mundo es escuchar y tocar música. La protección es la única manera de poder seguir haciéndolo por mucho más tiempo”.

(Dave): “Como persona que convive con tinnitus no podría decirlo más alto ni más claro: ¡¡Usad protección!! El tinnitus no tiene cura y puede influir negativamente en tu salud mental afectando muchos aspectos de tu vida fuera del mundo de la fiesta. Yo, por ejemplo, tengo que controlar el tiempo que paso en el estudio o pinchando música. Es muy importante dejar descansar el oído siempre que sea posible”.

“Soy una persona que pasa mucho tiempo en festivales, clubs y salas. Por eso siempre utilizo protectores antes de entrar a cualquier espacio en el que haya niveles altos de ruido. Incluso en mi rider estipulo que siempre haya tapones de espuma disponibles. De ese modo, si vienen acompañantes siempre van a tener protección auditiva a su disposición. Para mí no es algo que haga solo mirando de cara al futuro. Las frecuencias altas pueden hacerse especialmente desagradables en altavoces grandes, lo que hace que sea más difícil disfrutar la experiencia. Usando tapones puedes escuchar igualmente la música y, sobre todo, sentirla. Para mí, eso es lo más importante.”

Shermanology

Soultec, el sonido único de house caribeño de los hermanos Sherman

Con un sonido muy característico, cuando lo oyes no hay duda que es Shermanology. El dúo formado por los hermanos Andy y Dorothy Sherman ha pasado los últimos cinco años perfeccionando su dinámica mezcla de tech house con toques soul, aportando la energía de sus raíces caribeñas y holandesas para dar a las pistas de baile esa aportación que tan difícil es de encontrar en la escena electrónica.

Su pasión por la música tiene sus orígenes desde muy pequeños, ya que vieron el ascenso de su familia como grupo de R&B de los años 70, los Sherman Brothers, y se convirtió en un grupo en el que ambos hermanos encontraron su propia manera de mantener vivo el legado de los Sherman en los tiempos modernos. Dorothy, una diva del soul moderno con una de las voces más inconfundibles del house actual, se mantiene fiel a sus raíces gospel y R&B en todo momento. Andy, cuya experiencia como productor y MC ha escalado por igual la escena garage del Reino Unido y el circuito underground holandés, se encuentra ahora marcando el ritmo del característico sonido "soultec" de Shermanology, tanto detrás de la mesa de producción como de los decks.

'Move Out Of My Way' junto a Dennis Quinn demostró ser un momento decisivo para el dúo en 2019. Entre el apoyo de la radio y los DJs, estaba claro que la industria finalmente estaba prestando atención a la magia del sonido Shermanology. Desde entonces no han dejado de deleitarnos con auténticos hits como ‘It’s a Killa’, su colaboración con FISHER, o ‘Move Out Of My Way’, además de tener el apoyo de los grandes nombres de la escena como MK, The Martinez Brothers y Jamie Jones, entre muchos otros.

En esta entrevista nos adentramos en sus raíces, hablamos sobre sus pasados y futuros proyectos, su trabajo de estudio, sus éxitos más recientes y su próxima gira por España. ¡Allá vamos!

Autora: Caterina Günther Fotografía: Thomsen-Photography

¡Hola Andy y Dorothy! Qué bien teneros en este nuevo número de DJ Mag España. Raras veces tenemos la oportunidad de entrevistar un dúo formado por dos hermanos... ¿Cómo definiríais la sensación de rodar mundo junto a tu hermano/a?

¡Hola! Pues la verdad es que es genial porque nos conocemos muy bien. No tenemos que contarnos lo que hemos visto, porque lo vivimos todo juntos. Siempre hemos estado así de unidos, así que es algo maravilloso. Es genial conocer a nuestros fans de todo el mundo y a gente increíble durante las giras. Crear recuerdos juntos es lo más importante, ¡y lo hacemos todo el tiempo!

Crecisteis en Curaçao, una pequeña isla situada en el Caribe, aunque actualmente vivís en Amsterdam. ¿Creéis que vuestro sonido se ha visto impregnado por vuestras raíces caribeñas?

Nacimos en Holanda pero nos mudamos a Curaçao muy jóvenes. Dorothy vive en Rotterdam y Andy en Amsterdam. La verdad es que sí, nos influyó mucho, incluso antes de mudarnos a Curaçao nuestro padre solía cantar muchas canciones caribeñas. En Curaçao escuchamos muchos géneros diferentes y nos encantaron todos. En el Caribe se escucha mucha música americana, como hip hop, R&B y música latina, pero también reggae y dancehall.

Dorothy solía cantar en grupos caribeños y por eso cantar en español también forma parte de nuestro show: cantar salsa, bachata, ranchera, merengue y también cantar en papiamento (nuestro idioma nativo en Curaçao) es lo que ella ha estado haciendo toda su vida. Dancehall y hiphop es definitivamente una parte que escuchamos mucho en Curaçao y que nos ha influenciado mucho.

Sois hijos del grupo de R&B de los años 70 ‘The Sherman Brothers’, esto claramente os dio un temprano conocimiento y cultura musical además de un acercamiento a un amplio espectro de géneros. Habladnos un poco sobre vuestras influencias.

Nuestro padre, Tony Sherman, y sus hermanos formaron un grupo llamado The Sherman Brothers. Ellos cantaban canciones pop, disco y soul, y nosotros éramos unos críos que íbamos de un lado para otro y nos uníamos a ellos cuando ensayaban en casa. A nosotros también nos encantaba la música disco, así que es posible que también se escuche esta influencia en nuestra música. Después de eso mi padre se hizo solista e hizo más música disco pero también música ranchera. Nosotros solíamos hacer los coros en sus espectáculos. También hizo espectáculos de gospel en Curaçao y nosotros cantábamos en el coro y también cantábamos algunas canciones de gospel en solitario en sus espectáculos.

Solíamos estar en un grupo de R&B donde cantábamos canciones neo-soul en clubes y también hicimos algunos programas de televisión en Curaçao, eso es lo que siempre nos ha gustado. También hicimos conciertos de Motown en las Islas Canarias y en Grecia y cantábamos coros en una banda de reggae que estaba de gira por Europa. Todo es parte de nosotros. Andy era el cantante de The Artful Dodger, por eso se oyen influencias del garage. Nos hemos movido mucho y eso se nota en nuestra música. Nuestra música es una gran mezcla de todas nuestras influencias.

Mientras escribimos esto nos damos cuenta de que nuestra música es un reflejo de nosotros mismos... Cuenta una historia de dónde hemos estado, a quién hemos escuchado y qué hemos estado haciendo desde que éramos niños.

Para aquellos que no os conocen, vuestros orígenes también se relacionan estrechamente con la escena UK Garage. ¿A qué es debido?

Como hemos mencionado anteriormente, Andy vivía en el Reino Unido y era el cantante de The Artful Dodger. Estaba de gira con ellos e iba a todas las raves. A raíz de eso Dorothy también descubrió su amor por el garage del Reino Unido e iba a las fiestas de garage en los Países Bajos.

En la escena tech house no es muy común ver live acts. ¿En qué consiste vuestro singular live y cómo surgió esta idea?

Andy se unió a Artful Dodger en Inglaterra y le encantó lo que hacía. Cuando volvió a Holanda quería seguir haciéndolo… Nosotros trabajábamos en un banco y queríamos volver a la música. Además, Andy también era MC en fiestas aquí en Holanda, y Dorothy empezó a hacer lo mismo (a veces juntos y a veces separados). Un día decidimos dejar nuestros trabajos y ser MC's a tiempo completo y fue entonces cuando aparecimos, por ejemplo, en ‘3 Minutes To Explain’ con Fedde Le Grand y Funkerman y ‘Blessed’ con Avicii. Andy tiene un amigo DJ que le enseñó a manejar las turntables y un día decidimos que podíamos hacerlo nosotros mismos. Fue entonces cuando debutamos en 2008 y nació Shermanology.

Este pasado marzo tuvisteis vuestro Essential Mix debut en BBC Radio 1. ¿Qué estilo musical mezclasteis y qué historia contasteis detrás de este mix tan especial?

En el Essential Mix puedes escuchar quiénes somos y qué puedes esperar de nosotros. Te llevamos de viaje por nuestra vida. Está lleno de experiencias personales y de lo que nos ha inspirado hasta ahora… Es un fiel reflejo de lo que hemos estado haciendo los últimos años.

Tanto en Países Bajos como en Bélgica habéis estado presentes en Spotify Radar Artists 2023. Si vosotros tuvierais la potestad para colocar artistas en una playlist similar, ¿a quién añadiríais?

Un DJ holandés llamado Menesix. Combina sus raíces brasileñas con la música electrónica. ¡Deberíais echarle un vistazo!

Vuestro EP debut ‘Hey You’ fue lanzado en 2009, han pasado más de 14 años ya. ¿Ha habido una evolución en vuestro sonido desde entonces?

Seguro que si… ¡Menudo viaje hemos dado hasta ahora! Nos sentimos bendecidos por haber estado haciendo música todos estos años. Sin duda ha habido una evolución, ya que por aquel entonces no combinábamos todas nuestras influencias como lo hacemos ahora… ¡Esta es sin duda la mayor evolución de nuestra música!

A nivel de trabajo de estudio, ¿tenéis algún álbum, EP o single en marcha de cara a este 2023?

Ahora mismo tenemos mucha música lista para salir. En junio tenemos un single en Defected, en el que combinamos nuestra formación Motown con house y vamos a lanzar nuestro álbum después del verano. Así que para responder a tu pregunta… ¡Sí, este año saldrá mucha música nueva! Y estamos deseando compartirlo con vosotros :)

¿Cómo es un día vuestro en el estudio?

Es totalmente diferente para los dos. Escribir y grabar una canción no es ni de lejos tanto trabajo como producir un tema. A Dorothy le lleva entre 3 y 6 horas, dependiendo de cuántos coros quiera hacer. A veces puede grabar dos o tres canciones en un día, dependiendo del estado de ánimo y la inspiración… Pero para Andy es otra historia, ¡puede llevar semanas conseguir que todo suene como él quiere! A veces lo consigue en un día y otras tarda más. Tenemos la teoría de que siempre vamos a ir a por lo máximo hasta que no podamos conseguirlo mejor. Siempre queremos hacer lo mejor que podamos, ¡y a veces eso lleva su tiempo!

Menudo exitazo tuvo ‘It’s a Killa’ el año pasado, más de 35 millones de streams ¡muchas felicidades! Contadnos como surgió esta colaboración entre vosotros y FISHER.

Después de ‘Boyz n Da Club’ recibimos un mensaje de Fisher preguntándonos si queríamos hacer algo. Nos encantaban los discos que hacía así que aceptamos el reto. Hicimos el tema a distancia trabajando la letra en Holanda. Queríamos crear algo que estuviera a la altura de su energía. Y así nació el tema.

Estos últimos años os hemos podido ver trabajando con algunos de los artistas más potentes de la industria, y es que además de FISHER, también habéis sacado temas con Eats Everything y Afrojack. Si pudierais colaborar con algún artista estos próximos años, ¿quién sería?

Nos encantaría colaborar con artistas de otros géneros, artistas como Kaytranda y Her o Anderson Paak para el ambiente soulful. Pero también tenemos la ambición de trabajar con artistas latinos como por ejemplo Bad Bunny o Ruben Blades para combinar salsa y house. ¡Vamos a buscar mezclas de estilos que no te esperas!

A lo largo de vuestra carrera habéis producido un gran número de tracks, ¿cuáles destacaríais y por qué?

Nos gustaría destacar ‘Tribe’, una canción para nuestra tribu, nuestros fans. Queríamos motivarles para que sigan adelante y hagan lo que les gusta (aunque no le guste a todo el mundo)... sólo por amor a ello. También es un agradecimiento a todos los que nos han escuchado, una canción de agradecimiento para vosotros.

También nos gustaría destacar ‘Di Nobo’. Esta canción está en nuestra lengua materna, el papiamentu, y significa empezar de cero o un nuevo comienzo. Trata de la orientación en un nuevo viaje, es exactamente lo que hemos estado haciendo. Queríamos que supierais que no pasa nada por cambiar de dirección, y que esto se aplica a todo: al trabajo, a las relaciones, etc. A veces tienes que arriesgarte, puede que no siempre funcione como quieres, pero creemos que es mejor arrepentirse de algo que has intentado que no intentar hacer algo que te haría feliz si al final funciona. Admitimos que hay que tener muchas agallas para hacerlo. Pero en cuanto veas el fruto de tu trabajo serás feliz, te lo prometemos.

¿Cómo veis la escena house actual? ¿Creéis que goza de buena salud?

Creo que se encuentra en un buen momento, se puede pinchar desde soul hasta techno, y el público está abierto a nuevos sonidos. Es algo maravilloso.

En marzo os vimos actuar en Miami en Paradise y La La Land. ¿Es muy distinta la vibe entre el público americano y el europeo?

En general no es muy distinta, a la gente le encanta la fiesta en cualquier parte del mundo, pero hay una pequeña diferencia en la manera de vivirlo. Cuando tocamos en diferentes países, nos damos cuenta de que la gente de Reino Unido reacciona de forma diferente a las canciones que la gente de Estados Unidos. En el Reino Unido, por ejemplo, hay una clara reacción a las canciones con bajo... más que en ningún otro sitio.

¿Hay alguna gira por España próximamente?

¡Sí, iremos a veros este verano! Estaremos en Alicante el 6 de mayo, en Mallorca el 2 de julio, e Ibiza nos verá mucho este verano: vendremos para elrow, Defected y Paradise. Esperamos encontrarnos con nuestros fans allí, así que venid a saludarnos y os damos las gracias por todo el amor :)

Elderbrook

CONOCEMOS EN PROFUNDIDAD SU NUEVO ÁLBUM LITTLE LOVE

Autora: Caterina Günther

Fenómeno del directo, multiinstrumentista, productor y cantautor, Elderbrook tiene un don innato para crear música emotiva que explora los temas sensibles e introspectivos de la identidad, la salud mental y, más recientemente, la paternidad. Más de 1.500 millones de streams globales, nominaciones a los Grammy y al Ivor Novello, giras con artistas respetados como Jungle, Rüfüs Du Sol y Odesza, y colaboraciones con Camelphat, Diplo, Bob Moses y Black Coffee le han granjeado una venerada reputación de talento dinámico, polifacético y con visión de futuro.

El pasado mes de marzo, Elderbrook sacó a la luz su segundo álbum Little Love, en el que profundiza en el impacto de la paternidad y cómo ésta te llega a cambiar la vida. Su perspectiva se centra en el panorama general, reconectando con el DJ y las raíces de su música en la pista de baile. El resultado es un LP positivo centrado en el pista y lleno de ese sonido emotivo tan característico del productor británico.

Little Love es una colección de 12 tracks que ha ido componiendo desde el nacimiento de su hija en 2020. Elderbrook se inspira en su paso a la paternidad y en cómo ha cambiado su perspectiva, a la vez que explora el amor paternal en toda su gloria a través de su singular visión melódica y conmovedora sobre la música house progressive.

Los ritmos cautivadores definen Little Love, mientras la voz inconfundible de Elderbrook guía a través de la temática vital del álbum. "Estaba claro que el tema principal eran los mensajes que me gustaría compartir con mis hijos cuando se hicieran mayores", explicaba el artista londinense junto al lanzamiento. "Todos vivimos unos años muy extraños y difíciles durante la pandemia, pero yo recibí el mayor regalo y la mayor responsabilidad de todas en ese tiempo, y me pareció justo que mi segundo álbum fuera una dedicatoria a eso, a ellos, mis pequeños amores”.

En DJ Mag España hemos tenido la oportunidad de charlar con Elderbrook para adentrarnos en su nuevo trabajo de estudio tan esperado y tratar varios temas así como el significado de las letras de este nuevo LP, sus sensaciones en torno la paternidad, las colaboraciones del álbum, su live set up y sus planes futuros, entre otros.

Hola Alexander, en primer lugar felicidades por el lanzamiento de este segundo álbum, ¡qué buena manera de empezar el año! ¿Estás contento con la acogida que ha tenido Little Love hasta ahora?

¡Hola! Muchas gracias. La verdad es que estoy muy contento. He pasado mucho tiempo intentando conseguir el sonido adecuado para este álbum. Es un poco diferente al primero, así que ver que a la gente le ha gustado ha sido muy bueno.

Desde Why Do We Shake In The Cold hasta Little Love, gran parte de tu música parece un viaje. ¿Cómo empiezan estos viajes?

Creo que lo más importante para mí en cualquiera de mis lanzamientos es que la música tenga profundidad, pasión, sentimiento y un propósito. Gran parte de la música electrónica gira en torno al ritmo y la fiesta, pero crear algo con emoción siempre ha sido muy importante.

En este nuevo álbum has creado auténticos paisajes sonoros etéreos y grooves cautivadores. ¿Cómo ha cambiado tu forma de hacer música esta vez?

Esta vez la música tiene una base más electrónica. Mantengo la misma emoción y el mismo sentimiento, pero con un sonido más pesado. Con este álbum quería que algunos de los sonidos fueran realmente intensos y creo que funciona.

¿Qué temas tratan las letras del nuevo LP?

Entre que escribí el primer y segundo álbum, fui padre. Sabía que con el segundo quería escribir sobre ello de alguna manera, y de eso trata Little Love. El álbum empezó casi como un mensaje que quería dejar a mis hijos. Sin embargo, cuando empecé a escribirlo, gran parte de la música se convirtió en un viaje introspectivo sobre lo que es importante para mí.

¿Cuál crees que es el verdadero significado de “paternidad”?

Hay muchas cosas que conforman la paternidad, pero creo que lo más importante es simplemente estar ahí. De eso trata mi canción ‘I'll be Around’.

¿Cómo has conseguido plasmar el amor por tus hijos en tu música?

Como el álbum se centra tanto en ellos, quería hacerlo lo mejor posible. No quería escatimar ni repetir la primera estrofa por pereza. Quería hacer el mejor y más minucioso trabajo posible.

¿Puedes hablarnos de ‘Howl’ y en qué se inspiró?

Howl trata de mi hija. Cuando escribí la canción, ella era muy pequeña y la letra habla de oírla llorar por la noche. Cuando llegó el momento de escribir la segunda estrofa, había estado de gira durante un tiempo y la canción trataba sobre mí "aullando" deseando estar de vuelta con mi familia.

Tienes algunas colaboraciones en el álbum. ¿Fue a partir de la creación de la canción que decidiste la colaboración o sabías de antemano con quién querías trabajar?

Siempre estoy trabajando con diferentes músicos y las colaboraciones en este álbum tenían sentido. Las canciones funcionaban bien con el resto de la música y pensé en incluirlas.

Junto con el lanzamiento del álbum has deleitado a todos tus fans con un vídeo grabado en directo en Colorado. Realmente impresionante. ¿Qué papel juega la naturaleza en tu música, especialmente en este nuevo álbum?

Pensé que el paisaje del vídeo funcionaba con el tema. Volvemos a hablar de la "imagen más grande". El amor que un padre siente por sus hijos es algo tan natural que grabar este vídeo rodeado de naturaleza tenía mucho sentido para mí.

Tu música explora temas sensibles e introspectivos como la identidad y la salud mental. ¿Qué importancia crees que tiene dar visibilidad a temas tan delicados como estos?

¡Es muy importante! Lo diferente de este nuevo álbum es que se centra en la idea de que todo el mundo pasa por las mismas situaciones. Sientas lo que sientas y pases por lo que pases, no estás solo.

La música que haces implica mucha construcción sonora. ¿Qué te gusta de la construcción literal de tu sonido?

Para mí es muy importante perderme en la música. Eso me encanta. Cuando pierdo la noción del tiempo, construyo y construyo. Es muy terapéutico para mí y por eso me gusta.

También tienes un live set up realmente único, háblanos un poco de él.

Mi directo siempre está evolucionando. Principalmente toco keys, mpd y spdx, y obviamente canto todo el rato. También hago muchos loops (sobre todo con mis voces en directo), lo cual es divertido. Para mí también es grato porque significa que cada actuación es única.

Para los fans de Elderbrook, ¿qué pueden esperar de ti mientras nos preparamos para el verano?

El verano se presenta con muchas giras por todas partes. También estoy trabajando en nueva música, ¡así que espero poder compartir algo pronto!

EL DÚO UCRANIANO PRESENTA SUMUM EP WOO

YORK

Autor: Victor Fernández

Este mes de mayo hemos querido traeros a un dúo referente de la escena internacional, hablamos de los ucranianos Woo York. Desde el comienzo de su carrera en 2009, el dúo con sede en Kiev ha recorrido un largo camino; desde ser héroes locales hasta ser reconocidos mundialmente por su live act y su sonido tan característico.

Aprovechamos su recién publicado EP Sumum en el legendario sello Watergate Records para sentarnos con ellos y que nos cuenten más acerca de esta nueva hazaña en su exitosa carrera.

Hola chicos, es todo un placer recibiros en nuestra revista. Seguimos vuestro trabajo desde hace años, pero hoy venimos a hablar, sobre todo, de lo que está por venir. Acabáis de publicar Sumum EP, vuestro debut en el mítico sello berlinés Watergate ¿Cómo surgió la idea de publicar en este sello?

Gracias por recibirnos. Es un honor estar aquí.

Siempre hemos sido grandes admiradores de Watergate Records y su estatus icónico en la escena de la música electrónica. Así que la idea de lanzar nuestros temas en este sello siempre estuvo en nuestras mentes. Trabajamos duro en nuestro sonido y queríamos mostrarlo en una plataforma que se alineara con nuestra visión artística, y Watergate era la opción perfecta.

Nos pusimos en contacto con el sello, les enviamos nuestras demos y, afortunadamente, les encantó. Tuvimos varias charlas sobre la música y la visión de ambas partes, y después de unos meses, finalmente lanzamos el EP. No podríamos estar más felices con el resultado, la respuesta del público ha sido abrumadora. Ha sido un viaje increíble y estamos emocionados de ver qué deparará el futuro.

Vale la pena mencionar que el artista ucraniano multidisciplinario Waone Interesni Kazki ha contribuido generosamente con una de sus impresionantes pinturas hechas a mano para ser presentada como la portada de este lanzamiento. Su estilo único y cautivador captura perfectamente el espíritu de nuestro proyecto, y nos honra tener su obra de arte en nuestra portada. Cuando los artistas de diferentes campos se unen, en nuestra opinión, incluso se amplifica el impacto cultural. ¡Gracias, Waone Interesni Kazki, por tu apoyo y colaboración

¿Sumum es un EP que habéis producido pensando en Watergate o ha sido una colaboración que ha surgido de forma 100 % orgánica?

Esa es una gran pregunta. Diríamos que es un proyecto que surgió de manera orgánica, pero con Watergate Records en mente. Como artistas, siempre estamos experimentando con diferentes instrumentos y estilos, y este EP no fue una excepción. Queríamos crear algo que representara nuestra visión artística y mostrara nuestro crecimiento como músicos.

Sin embargo, sabíamos que el sello tiene un sonido particular y una gran reputación en la escena de la música electrónica. A medida que trabajamos en este EP, se hizo cada vez más evidente para nosotros que Watergate Records proporcionaría la plataforma ideal para él. Lo que creamos aquí fue algo que resonaría entre el público del sello y se ajustaría a su visión artística. Afortunadamente, compartieron la misma percepción que nosotros.

Diríamos que esta colaboración surgió de manera orgánica, pero creo que subconscientemente teníamos ese objetivo particular en mente de lanzar música en un sello que se alineara con nuestra visión. Estamos encantados con el resultado, y esperamos que nuestra música continúe conectando con el público e inspirando a otros artistas.

Este lanzamiento viene precedido de años de pasar por su club. ¿Qué nos podéis contar sobre vuestras actuaciones en este legendario lugar?

Sí, hemos tenido la suerte de tocar en varias ocasiones en Watergate Berlín, y cada vez ha sido una experiencia única e inolvidable. El club tiene un sitio especial en nuestros corazones, y nos sentimos increíblemente honrados de haber sido parte de su historia.

Una de las cosas que nos encanta de Watergate es la energía en la sala, la gente es increíblemente diversa y conocen la música. Siempre es un placer actuar para un público que realmente la comprende y aprecia, todo ello nos proporciona una experiencia inmersiva que nos permite expresarnos plenamente como artistas.

Estamos agradecidos por cada oportunidad que hemos tenido de tocar allí. No podemos esperar para volver a esa pista de baile y compartir nuestra música con el mundo.

El EP cuenta con dos pistas originales: la que da nombre al EP, Sumum, y Prophet. Es curioso escucharlas a sabiendas de vuestros lanzamientos anteriores —publicados en sellos tan dispares entre sí— en cuanto a identidad sonara se refiere, como Life And Death, Soma, Dystopian, Drumcode y Afterlife y, aun así, todas y cada una de las pistas tienen impreso vuestro propio sello de identidad. ¿Cuál creéis que es la clave para llegar a ello? ¡Aprovecho para felicitaros!

¡Muchas gracias por tus palabras! Nos alegra saber que disfrutaste el EP.

Bueno, pensamos que como artistas es esencial seguir experimentando con diferentes sonidos y estilos. Cada sello discográfico tiene su propia identidad única y nosotros nos esforzamos continuamente por crear música que se alinee con su visión artística al mismo tiempo que mantenemos nuestra esencia sonora.

Para nosotros, la clave para lograr esto es mantenernos fieles a nuestro proceso creativo y no tener miedo a correr riesgos. Siempre nos estamos desafiando a nosotros mismos para explorar nuevos territorios sonoros y técnicas, y eso nos permite producir música auténtica y genuina.

Al mismo tiempo, siempre somos conscientes de la audiencia y la reputación del sello discográfico. Queremos que nuestra música resuene con los oyentes y conecte con ellos a un nivel más profundo. Por lo tanto, estamos constantemente refinando y perfeccionando nuestro sonido para crear música que sea única y atractiva.

Creemos que la clave para lograr nuestra propia identidad en cada una de nuestras pistas es mantenernos fieles a nosotros mismos, experimentar con nuevos sonidos y producir música que conecte con nuestra audiencia mientras se alinea con la visión artística del sello discográfico.

El EP está complementado por dos excelentes remezclas, uno de la mano de vuestro compatriota 8Kays y el otro del artista griego Echonomist. ¿Qué es lo más importante para vosotros a la hora de elegir un remezclador?

Cuando se trata de elegir un remezclador para nuestra música, lo más fundamental para nosotros es encontrar a alguien cuyo sonido y estilo se alineen con el nuestro. Queremos a alguien que pueda aportar una perspectiva fresca a la canción mientras se mantiene fiel a la vibra y energía original.

Pero también buscamos a alguien que tenga un estilo único y pueda añadir algo nuevo y emocionante. Nos encanta colaborar con otros artistas y descubrir nuevos sonidos y técnicas, y un gran remezclador puede aportar una dimensión completamente nueva a la música. Esto puede significar llevar la canción a nuevos lugares o llegar a un público completamente nuevo. La selección del remezclador adecuado es un aspecto desafiante pero esencial para cumplir con estos requisitos.

Otro factor crucial para nosotros es encontrar a alguien que sea profesional, talentoso, creativo y fácil de trabajar. La remezcla es un proceso colaborativo y es importante tener una buena relación de trabajo con la persona a cargo. Queremos a alguien que sea comunicativo, abierto a comentarios y comprometido a crear la mejor remezcla posible.

¿Cuáles son los siguientes pasos que podemos esperar de Woo York en 2023?

Como artistas, siempre buscamos desafiarnos creativamente y explorar nuevos territorios sonoros. En 2023 escuchareis más música nueva, tanto en forma de EP y singles como colaboraciones con otros artistas.

También estamos ansiosos por actuar en vivo y conectarnos con nuestros fans a un nivel más profundo. Tenemos algunos espectáculos y festivales emocionantes programados para este año, y estamos ansiosos por compartir nuestra música con nuevas audiencias en todo el mundo. Nuestros próximos viajes nos llevarán a América del Norte y del Sur, pero también haremos muchas giras por Europa y el Medio Oriente.

Seguramente también nos verás aparecer en lugares donde hemos estado antes, como en uno de los espectáculos de Afterlife, en The Grand Factory en Beirut, el Festival Undercity en Polonia o Soho Garden en Dubai.

En general, podéis esperar que sigamos creciendo y evolucionando como artistas en 2023. Siempre buscamos desafiarnos a nosotros mismos y crear música que se conecte profundamente con nuestra audiencia y la comunidad de la música electrónica en general. ¡Así que estad atentos a las cosas emocionantes que están por venir!

No queríamos dejar pasar la oportunidad de hablar con vosotros de un tema fundamental, a finales de año veíamos una publicación en vuestras redes sociales en la que decía “A year without home”. ¿Cómo estáis viviendo la terrible situación por la que pasa Ucrania y todos sus habitantes?

La situación en Ucrania es sin duda un desafío difícil y desgarrador. Como artistas y ucranianos, nuestro apego y afinidad hacia nuestra patria son cruciales y sentidos. Es increíblemente difícil para nosotros ver a nuestro país y a nuestros conciudadanos siendo desgarrados por esta terrible guerra que Rusia inició contra nuestro país, contra los ucranianos, contra la humanidad.

Andrii, en particular, perdió su hogar durante los primeros días de la guerra. Fue capturado y saqueado por los rusos, y solo podemos imaginar qué habría pasado si no hubiera evacuado unas horas antes de que eso ocurriera. Afortunadamente, su ciudad fue liberada por las fuerzas ucranianas

después de unos meses de ocupación, pero ha sido una experiencia profundamente traumática para él y su familia, y es algo con lo que seguimos lidiando, incluso ahora.

Como individuos, hemos estado haciendo lo que podemos para apoyar a aquellos afectados por la situación. Hemos estado donando a organizaciones y caridades que están trabajando en el terreno para proporcionar ayuda y apoyo a quienes lo necesitan. También hemos estado utilizando nuestra plataforma como artistas para crear conciencia sobre la situación y animar a otros a involucrarse y ayudar de cualquier manera que puedan.

Creemos que es esencial usar nuestro arte y nuestra voz, y estamos comprometidos a hacer todo lo que podamos para apoyar a nuestros compatriotas ucranianos durante, probablemente, la guerra más devastadora desde la Segunda Guerra Mundial.

Gracias por vuestro tiempo, chicos. Os deseamos lo mejor con el lanzamiento de Sumum y, sobre todo, que podáis volver a casa pronto.

Fotografía: Soho Garden DXB

Fotografía: Soho Garden DXB

VINILO vs DI G ITLA

Autora: NiZ

En 2022, por primera vez desde 1991, el mercado del vinilo creció más que el del CD (fuente: informe de Promusicae). Un hecho histórico que no hace sino demostrar la vigencia de este formato físico que tantos admiradores despierta en pleno año 2023. No solo los sellos de música electrónica se han aventurado de nuevo a planchar vinilos, algo que hace unos años era un gesto comercial arriesgado y minoritario, sino que artistas de todo género están lanzando LP’s en este legendario formato.

Pero centrémonos en nuestro sector, el de la música electrónica. ¿Por qué algunxs de lxs DJs más veteranxs están desempolvando sus viejos platos y rescatando piezas añejas de su colección? ¿Por qué vuelve a haber clubs donde se programan sesiones solo a vinilo? ¿Por qué hay un creciente interés por un mercado que hace unos años se daba por muerto? ¿Están las nuevas generaciones interesadas en el aprendizaje real o solo en los resultados rápidos? ¿Por qué necesitamos reivindicar una manera concreta de hacer las cosas? Bajo mi punto de vista, la respuesta puede organizarse alrededor de dos grandes bloques: por un lado, la ferviente ola revival dosmilera que estamos viviendo tanto en el plano estético como en el musical; y por otro, la innegable saturación del sector, provocada, en gran medida, por la democratización absoluta que ha supuesto la digitalización de los procesos.

Antiguamente, quien decidía empezar su aventura como DJ debía tener muchas ganas, tiempo y dinero. Todos los que pinchamos a vinilo sabemos que la primera vez que te enfrentas a una mezcla en plástico, piensas que jamás será posible que vaya a sonar bien. El barullo infernal que se monta en tus oídos tira por tierra todas tus esperanzas e ilusiones. Pinchar a vinilo no es fácil. Al principio desespera, irrita y decepciona. Pero, sobre todo, dominar este arte lleva tiempo. Muuucho tiempo.

El formato digital, en cambio, ha democratizado la profesión en términos de inversión, dedicación y de rentabilidad, lo cual tiene, por supuesto, su parte positiva: agilidad, comodidad y creatividad ilimitada. ¿Dónde estaría el punto negativo según mi humilde opinión? En que en algunos casos se ha quedado por el camino parte del compromiso con el aprendizaje, con los tiempos y los procesos, con la profesionalidad y, por supuesto, con la motivación real para convertirse en DJ.

No voy a reavivar la vieja batalla ya superada de si es mejor DJ quien pincha a vinilo que en digital, porque a estas alturas ya sabemos todxs que el hábito no hace al monje. Pero sí que creo que ahondar en lo que subyace a cada uno de los procesos de trabajo, y cómo estos han cambiado la forma de trabajar, puede llegar a ser determinante. Por ello, creo que es importante que veamos punto por punto cómo podemos mantener vivo el espíritu del vinilo sin renunciar a todas las ventajas que suponen los equipos digitales.

Elegir el primer equipo

Mis primeras mezclas fueron con un radio CD y una Playstation 1. Delirante, lo sé, pero necesitaba probar lo que ya tenía en mente sin tener equipo. Todos empezamos en esto como podemos. Y ya sabemos que por muy baratos que puedan llegar a ser los platos más sencillos, siempre supondrán una inversión muchísimo mayor que una controladora o reproductor de gama baja. Además, comprar discos supone un desembolso constante que no todo el mundo se puede permitir, al menos no por capricho. He aquí el primer compromiso, el económico. Alguien que se compra unos platos, en general, lo hará con mayor convencimiento. Pero no todo el mundo puede permitirse entrar en la profesión con un desembolso de semejante calibre sin saber si el impulso y la ilusión darán sus frutos.

Briconsejo: si la idea es empezar probando con un equipo digital sencillo, aunque sea una inversión inicial de prueba, mejor ahorrar un pelín más y tener un equipo que nos permita aprender sin que la máquina haga todo el trabajo por nosotrxs y que nos dé cierto recorrido y no agotemos el aprendizaje en dos meses. Y es que aprender con unas malas bases, supondrá crecer profesionalmente con carencias y vicios difícilmente superables después. Mejor centrarse en los cimientos que en la cima.

Más horas, más complejidad, menos inmediatez

Tras el económico, el segundo compromiso que se establece es con el tiempo. Elegir pinchar a vinilo, o hacerlo en digital siguiendo la técnica de este, supone mayor tolerancia a la frustración y ejercitar la poca o mucha paciencia que tengas. El proceso es más lento, porque implica adiestrar el oído de una forma que, por desgracia, el digital permite saltarse (algo que no recomiendo). Por otro lado, los resultados tardan mucho más en llegar y lucirse en un escenario pasa a convertirse en un objetivo a medio-largo plazo.

Briconsejo: la única metodología que funciona en este sentido es practicar, practicar y practicar. Y todo ello sin desesperar y decidir saltarse los pasos necesarios para dominar la máquina, a pesar de que nos tiente confiar en los botoncitos y pasar al siguiente nivel rápido. ¡Paciencia! Los resultados llegarán más tarde, pero el aprendizaje habrá sido real. Y si va y tienes la oportunidad de que alguien, en paralelo, te enseñe a pinchar a vinilo, mucho mejor. Te dará herramientas extra muy sólidas para trabajar en digital. Todo suma.

Pasito a pasito

En los 90, los DJs que querían aprender se pegaban a las espaldas de unx DJ con la intención de empaparse de toda su sabiduría. Observar, practicar y esperar el momento adecuado, véase que el/la residente se fuera al baño o a pedir a la barra, para que le dejara poner un par de discos cuando no había mucha gente. Y así hasta que alguien le diera la oportunidad considerando que ya estaba preparadx para debutar. El digital ha acelerado ese proceso haciendo que los posibles errores de inexperiencia queden cubiertos por las múltiples funcionalidades automatizadas que ofrecen los equipos modernos. O lo que es lo mismo, subirse a un escenario antes de tiempo esperando que la máquina tape lo que el humano aún no es capaz de controlar.

Briconsejo: obvio. No precipitarse. El equipo tiene que estar al servicio del/la DJ y no al revés. El/ la artista es el que debe mandar sobre la máquina y si no la controlamos, mejor esperar y practicar un poco más, que querer hacerlo todo ya y confiar en que la tecnología brille por nosotrxs. Llegará tu momento, pequeño saltamontes.

Depredadores vs selectores

El consumismo en general está disparado en el mundo. Nuestras vidas y todo lo que las atesta es de usar y tirar. Con la música digital pasa un poco lo mismo. Compramos casi sin pensar, la consumimos un par de veces y la abandonamos en el último rincón telarañoso del pen drive. Comprar discos físicos implica un proceso de selección mucho más reflexivo, profundo y duradero. Quizás sea por la corporeidad del propio objeto, es decir, por el mero hecho de poderlo ver y tocar, que le dedicamos más cariño y atención a la música en formatos físicos. También la oferta es más reducida, por tanto, el apabullamiento al que es sometido el/la DJ es menor. En definitiva, seleccionar música para pinchar a vinilo es un proceso que implica mayor respeto e interés por el sello, el/la artista y la música en sí. Por no hablar del mero hecho de acercarse a la tienda, rebuscar, dejarte aconsejar y charlar con lxs clientes y propietarioxs. Un proceso que yo personalmente disfruto muchísimo.

Briconsejo: aunque no compremos música física, intentemos hacer el proceso de un modo más consciente, para no convertirnos en Diógenes digitales. Mejor hacer una cuidada selección, apropiada para cada bolo y darle vida y desarrollo a la música que compramos, que arrasar al bulto de forma compulsiva y luego no saber ni lo que tenemos guardado en el disco duro. No todo tiene que ser de un único uso en esta vida.

Trabajo más cómodo y más creativo

Creo que no le descubro nada a nadie cuando digo que la principal ventaja de pinchar en digital es no tener que cargar con las dichosas maletas de discos, aunque algunxs le veamos el punto esteta. Sin duda, ganas en agilidad, ligereza y simplicidad, y las posibilidades creativas son infinitas: los loops, las listas de reproducción inteligentes, los hot cues, los memory cues, los beatjumps, la organización… Ahora bien, el problema surge cuando solo se utilizan las funcionalidades digitales para enmascarar la falta de experiencia, el criterio o el carisma en cabina. Es decir, si solo usamos el sync, el key sync, las recomendaciones tonales, etc, y no conseguimos leer la pista, ni transmitir energía ni pasión ni contar una historia como selectores musicales, entonces es cuando el digital le hace un flaco favor a la escena, al público y al propio/a artista.

Briconsejo: no apalancarse en el confort que ofrecen las máquinas, sino utilizarlas como complemento al talento artístico para poder llevar nuestro trabajo creativo a un nivel superior. De nuevo, lo más importante siempre será el criterio y el talento del/la DJ. Y eso no hay botón de sync que lo supla.

El sentido de la vista como complemento

El punto más crítico para mí en el proceso digital es renunciar al oído como fuente principal de información. Es decir, dejar de escuchar la música para empezar a verla: los bpms, la tonalidad, la rejilla, la onda… Todo herramientas excepcionales y necesarias, pero que no pueden sustituir lo más importante: TENER OÍDO. Sin él, esta profesión no tendría sentido. Restarle protagonismo a la vista en un sentido más holístico también implica que nuestra imagen y nuestra presencia en cabina, evidentemente serán determinantes, pero nunca deberían ser más importantes que la propia música que ofrecemos. Al menos, no si queremos dedicarnos a esta profesión de un modo sincero.

Briconsejo: existen multitud de ejercicios que nos permiten educar el oído de un modo casi igual de efectivo que si lo hiciéramos a vinilo: tapar las pantallas de los reproductores durante un tiempo, cuadrar solo con el pitch o solo con el jog, identificar las estructuras de las canciones sin mirar la forma de onda… Lo importante en este punto es no acomodarse e intentar que la guía siempre sea la escucha; y la vista, un mero complemento. Adiestrar el oído hoy en casa significa estar mucho más cómodxs en las cabinas que pisemos mañana. Por otro lado, estar pendientes de nuestra imagen como marca que se presenta ante una audiencia es fundamental, sobre todo en los tiempos que corren, pero si basamos toda nuestra carrea en ello, bajo mi punto de vista, estamos perdiendo la fuerza que tenemos como curators musicales.

Tras esta extensa argumentación, creo que ha quedado más que claro que la clave no está en si el equipo que escojamos para trabajar es analógico o digital, sino en lo que destila nuestro proceso de trabajo: la dedicación, el interés por aprender, la paciencia, el respeto por la profesión y por nosotrxs mismxs como artistas, y en mantener vivo el espíritu original, que conlleva una forma concreta de hacer las cosas, donde la máquina es una extensión del talento de la persona y no un parche que cubre carencias y/o propósitos poco nobles.

El hecho de que la escena esté recuperando a gran velocidad la presencia del vinilo es un reflejo de la imperante necesidad de devolverle el prestigio, la dignidad y la autenticidad que le son propias a la profesión de DJ, frente a la saturación ilógica del mercado, los despropósitos megamercantilizados, los productos hechos a medida y los arribistas y oportunistas sin nobleza ni pasión. Y no creo que sea un tema de esnobismo ni meramente estético, sino más bien una reivindicación colectiva que nos devuelva a lo más puro, clásico e instintivo de este trabajo. Una oda desde la veteranía a los pilares de nuestro bello arte, a lo que vibra de verdad en nuestro interior como melómanos.

No querría yo quedar de elitista ni de clasista musical, pero sí, soy una romántica, una nostálgica, y tengo una edad, pero también amo lo que hago y cómo lo hago. Y por eso lo comparto. Sinceramente, creo que Venerar el vinilo y devolverle el lugar que ocupó es una de las pocas acciones grupales que nos quedan en un sector cada vez más individualista de preservar la verdadera pasión por la música de baile y su pista, que, como digo siempre, es lo que de verdad nos mueve.

Con un backspin final, se despide NiZ

MOSTRA 2023

Tras el éxito de esta segunda edición, Mostra se afianza como referente de un nuevo tipo de festival con identidad propia que apuesta por lo local, la inclusividad y la sostenibilidad

Los tres ejes sobre los que se ancla Mostra son tan sencillos como poderosos. Por supuesto que no es la primera vez que oímos hablar de programaciones que expresan la importancia de solidarizarse con este tipo de valores. Lo local, la inclusión, la sostenibilidad… Pero no siempre se pone la cuarta pata de la mesa, que es el compromiso. En el caso de Mostra, queda patente que sí lo ha habido.

La organización del festival se pone manos a la obra después de una pandemia que deja al descubierto lo importante de lo local. Si hay que salvar a alguien, que por lo menos sea gente que nos quede cerca. Probablemente será más sencillo echar una mano. En esta edición se ha apostado por un aumento de artistas locales en la programación.

No solo ha habido un aumento de localismo a mandos de la mesa de mezclas, sino que también se ha apostado por una elección consciente de proveedores y colaboraciones que se han hecho en la ciudad. Se ha celebrado una Fira de expositores durante el festival para el cual sus creadores ya venían generando contenido durante todo el año a través de un programa de radio en formato podcast bajo el nombre de MostRadio. Paralelamente pusieron a disposición del público un espacio de reflexión llamado Mostra’m y, por si fuera poco, se llevaron a cabo una serie de eventos en salas y clubs de Barcelona con ExtraMostra.

Otro pilar: la inclusividad. Comprometidos con romper la brecha de género en una escena que venía siendo muy masculinizada, Mostra ha procurado cerrar una programación que refleja una escena más amable. En esta no hay espacio para violencia y el respeto a la diversidad es un elemento fundamental presente en las cuatro jornadas del festival. En apoyo a estos cimientos, varios miembros de Mostra ofrecían su acompañamiento y ayuda en un protocolo propio en el que se asegura una experiencia confortable y segura.

Uno de los cargos de la organización del festival es el de dirección de sostenibilidad que trata de afianzar Mostra como referente social y medioambiental mediante acciones concretas de buenas prácticas tanto con la ciudad como con el planeta. ¿Cómo? Pues, por ejemplo, se ha limitado la programación de artistas extranjeros para reducir la huella de carbono y se ha apostado por la colaboración con entidades de inserción y economía social y solidaria de Barcelona.

UN FESTIVAL PARA HACER ESCE NA

Autor: Borja Comino Fotografía: Paquito Pizarro

El festival estrenó la segunda edición con un ciclo de tres días de debate y talleres abiertos a todos los públicos bajo el nombre de MOSTRA’M. El primero, Recorreguts i alternatives possibles a l’escena musical de Barcelona con Anna Cerdà, Marta Mei, Ona Elena, Carles Llàcer, Hache Retamar i Fèlix Beltran. Una mirada a la igualdad de género y la música con la Presentación del Segundo Estudio de Género de MIM de la industria musical española con Carmen Zapata y una de las redactoras de esta casa, Helena Bricio. La tercera charla, el día antes del inicio del festival, fue Exploring the Intersection of Sound, Art, and Nature. With Grand River and Arquea Colectivo.

Después de este ciclo, 30 artistas programados durante 50 horas de música que sonó de jueves a domingo en dos de los lugares más originales para escuchar música en vivo en Barcelona.

Los platos empezaron a girar un jueves en Hangar, un centro dedicado al arte, la investigación y la producción para artistas cuya misión es facilitar el desarrollo de distintos proyectos artísticos. En este caso el cometido de Hangar ha sido tan sencillo como poner su headquarter de Can Ricart en Poblenou con todo su esplendor industrial.

A las 12 del mediodía Mareena, quien puede presumir de tener el pequeño pero sabroso premio de “Álbum del Día” para Resident Advisor, dio el pistoletazo de salida a los cuatro días de música que se venían de la mano de Mostra. La japonesa Kazumi Sakoda puso en la mesa un refinado uso de técnicas de looping y sampling investigando las diferencias que encuentra entre los paisajes sonoros de su Tokio natal y los sonidos que recoge en las calles de Barcelona. Le siguieron Avsluta con una creativa práctica de improvisación libre mediante grabaciones de campo, el alemán Joaquim Spieth y la también nipona Menou/Iwamaki con sendas sesiones de puro ambient. Son Of Chi & Arthur Flink llevaron la esfera ambient de las últimas horas un poco más allá con el uso de una trompeta a lo Chet Baker con el toque selecto de que da la sordina. Félicia Atkinson cree que las voces humanas habitan una ecología junto y dentro de muchas otras cosas que no hablan, en el sentido convencional: paisajes, imágenes, libros, recuerdos, ideas. La compositora electroacústica y artista visual francesa creó música que anima estas otras voces posibles en conversación con la suya propia, combinando grabaciones de campo, instrumentación MIDI y fragmentos de lenguaje ensayístico. Aa Sudd se dispuso a cerrar la primera jornada añadiendo pulso con una percusión de drum and bass experimental fusionada con elementos de techno.

Binomi fueron los primeros en enchufarse a los monitores el viernes. El duo formado por Jordi Aparicio y Joan Gila llevan más de diez años haciendo música juntos y son creadores de HOC Radio y Geografia i Història en Dublab. Los tarraconenses le dieron bastante caña al uso de samples de cantos étnicos y loops de percusiones procesadas envueltas en el ambiente etéreo que se venía respirando desde el día anterior. Más tarde, .apart y Multicast Dynamics hicieron lo propio en formato directo. Vincent Rang y Ferran Belmon fueron los encargados de proyectar las visuales que acompañaban el mood de los artistas de la tarde. Refracted, Puntalaberinto y ABSIS también se lucieron gracias a la escolta lumínica de na.b3collective, un colectivo multidisciplinar que aborda prácticas de experimentación y creación con interés en la articulación entre arte, ciencia, cuerpo y tecnología. En los descansos entre actuaciones era buena idea darse un paseo por las singulares instalaciones de Hangar y aprovechar para echar un vistazo y comprar vinilos y otros ítems de sellos discográficos independientes ligados a los artistas de Mostra. Grand River presentó Tuning the Wind. Ella es Aimée Portioli, compositora y diseñadora de sonido holandesa-italiana afincada en Berlín que, además de haber publicado varios álbumes de estudio, se dedica a crear instalaciones de arte sonoro originales e incluso ha colaborado con Ableton para la creación de Live 11.

Los últimos en tocar justo antes de empezar el fin de semana fueron Varuna, trío que forma parte de la escena musical de Basilea, conocida especialmente por ser el centro gravitacional de una movida jazzística muy potente.

El sábado por la mañana ya estaba todo dispuesto para empezar la tercera jornada en el Castillo de Montjuic. Nathalia, el residente de Nitsa Club y también creador de HIRU junto a los anteriormente mencionados Binomi, Imox –que ofreció un set con más cafeína que sus compañeros– fueron haciendo relevos hasta que empezó a bajar un poco el sol mientras la taiwanesa Jin, también animada por la actuación de Imox, estaba a los mandos de la velada. Ya con el Live de Laima Adelaide empezaron a disfrutarse las proyecciones de Sonolum y FTFS que surtieron máximo efecto al entrar el bombo a negras de Marco Shuttle que marcó el inicio de una party que el barcelonés Mod.1 se encargó de cuidar hasta pasadas las 2 de la mañana en lo alto de la montaña de Montjuic.

Último día. El británico Sciama vuelve a engrasar el asunto con un set mañanero y más tarde el productor de Barcelona oma totem, involucrado en el sello Hivern Discs, hizo lo suyo en puro formado de directo, acostumbrado a pinchar frecuentemente en clubs de Barcelona como Nitsa y Human. Mattikk, Dino Sabatini y Timnah fueron pasando por la tarima mientras pacíficas hordas de guiris se convertían en inesperados asistentes de sus sets bajo un agradable sol de domingo. Llegó el turno de Patrick Russell, todo un veterano del underground de los Estados Unidos que hizo precisamente eso: convertir los viejos muros de piedra del castillo en una insólita fiesta al estilo de basement americano como los que Russell habrá visitado cientos de veces.

El telón se cierra con Lynne, una artista japonesa que explora los reinos exteriores del techno, lo experimental y el drum and bass. Es decir, exactamente la línea editorial de Mostra. Es por eso que el set final no decepcionó y cerró la edición de un festival cuyos asistentes, al contrario de estar cansados después de 4 días seguidos de música sin parar, no hubiesen tenido ningún problema en seguir disfrutando.

Críticas | ÁLBUMES

BEDOUIN

Temple Of Dreams

Human By Default

Se han hecho de rogar a base de temarracos -sencillos y 12" EP- pero ahora sí, ya podemos degustar al completo un primer álbum de Bedouin. El dúo formado por Rami Abousabe y Tamer Malki, auto-proclamados nómadas aunque nos vienen desde el corazón de Brooklyn, se estrenan en formato largo con ‘Temple of Dreams’. Un hermoso, exótico y delirante disco de hasta quince cortes. Con este gran trabajo toman ventaja. Se amplían las posibilidades de experimentar con sonidos donde se subrayan los verdaderos orígenes de ambos -Oriente- a la vez que se explora de un modo más diverso tonalidades y cambios de humor electrónicos. Que también tradicionales y rendidos al pop fusionado con lo ascético. Alma y tecnología que se abrazan para lograr canciones tan apasionantes como ‘Wash Away', ‘Coldman’ (con Nathan Daisy) o ‘Voices in My Head’.

TERR

Consciousness As A State Of Matter

Phantasy Sound

Ya la manera de arrancar el disco engancha. Terr sorprende a las primeras de cambio con ‘Tale of Devotion (Sunny Version)’, poco después con algo incluso mejor: ‘Energy Sync’. El principal atractivo de Daniella Cadellas recae en su voz algodonada y la propuesta altamente bailable a base de ritmos sintéticos, electro y pop. En su música se puede intuir la pasión por artistas como Giorgio Moroder o Wendy Carlos. ‘Consciousness As A State Of Matter’, que es por cierto álbum donde debuta en solitario, se mira en espejos del pasado para reflejar el presente. Y la prueba del tiempo la pasa con creces. Es intuitivo e instintivo. En sus letras encontramos mucha ternura (‘Imagination’) que también homenajea las noches depravadas donde a voleo todo pueda pasar (‘Only For Tonight’) o directamente nos hacen sentir bien sin importar los motivos (‘Time Crystal’).

Art vs Sound

Desde las antípodas de nuestra geografía, tierras australianas, nos llega el álbum de debut de Charles Oliver. El de Melbourne llevaba unas cuantas semanas lanzándonos migas como ‘Formulate’ o ‘Angst’, ahora por fin tenemos la barra de pan al completo. Su discurso no es para nada complejo, sí muy decidido y contundente. Su música apuesta por esa variante del techno que destroza pies y seduce mentes a través de mecanismos muy bailables teñidos de oscuridad e intensidad. Ritmos industriales pesados que coquetean con la IDM, las fallas de sonido y lo hipnótico. Son pistas donde se entrelaza lo violento y lo atmosférico. Ganando el ímpetu la partida final casi siempre. La progresión y el dinamismo de sus bajos son también marca de la casa. Dos perfectos ejemplos: ‘Formulate’ y ‘Fortify’.

MODERAT EVEN MORE D4TA Monkeytown Records

Tuvimos el año pasado la oportunidad de disfrutar de un nuevo álbum de estudio de ese eficaz equipo formado por Sascha Ring (Apparat) y esos dos insurrectos que son Modeselektor. Lo que no sabíamos, hasta ahora, es que durante la gira de presentación de ‘MORE D4TA’ iban a estar lanzando dardos a un puñado de productores para que ya fuesen construyendo este LP de remezclas. ‘EVEN MORE D4TA’ es una espiral de formas. Un conjunto irregular donde caben desde los lazos electrónicos emotivos a los más descarados y abrasivos. De otro modo. Desde nebulosas hirientes como las de The Bug, el reparto bombos y hostias de DJ Lag, al electro preciosista de Marie Davidson. Tampoco por supuesto las propuestas insólitas con el beat (SHERELLE) o con sabor urbano de dub remodernizado (Sylvere).

DEGIHEUGI Remixed Treasures Endless Smile / X-Ray

Veterano y en forma. Vaya si se nota cuando uno no siente cansancio alguno y sigue disfrutando como un enano haciendo lo que entendemos mejor se sabe hacer. En el caso del francés Degiheugi, buenas bases abstractas de hip hop con salvas de todo tipo. Casi una decena de álbumes lo acreditan. Veinte años sin parar y ocho discos llenos de tesoros que ahora vuelven a resurgir de la mano de un variopinto grupo de artistas. Hasta trece. Entre ellos gente como L'Orange, Moderator, Souleance, iZem, The Architect, Mounika., DJ Vadim, La Fine Equipe, Kognitif, ProleteR o Scratch Bandits Crew. Juntos han logrado definir un vinilo redondo donde sobresalen los sonidos más abiertos del rap, el electro, el ambient e incluso el drum & bass y el jazz. Diversas generaciones y escenas creando un mural colorista altamente disfrutable.

CHARLES OLIVER

A Glimpse From The Other Side

Autor: BRUNO GARCA | bruno@djmag.es

Críticas | ÁLBUMES

Autor: BRUNO GARCA | bruno@djmag.es

INTERCITY 106

Intercity 106

PIAS

Con las espadas en alto celebramos este nuevo binomio llamado Intercity 106. Se trata de Sjam Sjamsoedin (Sjamsoedin) y Robert Vosmeijer (De Sluwe Vos) quienes a finales de 2020, y ’animados’ por la dichosa pandemia, se embarcaron en este nuevo proyecto. Aislados del mundo se encerraron en una cabaña del bosque repleta de cacharros. Sintes modulares, cajas de ritmos, un Juno 106 -de ahí el nombre del nuevo invento- con los que tras una semana harto intensa (con sus días y sus noches) armaron este nuevo disco. No pararon de experimentar con melodías sintéticas, vocoders, pellizcar knobs de sus piezas analógicas... hasta finiquitar un álbum que destaca por su retrofuturismo. Aquí se disfruta de lo lindo a base de cortes de electro y techno con aroma a 80s-90s. Realizado con técnicas de producción modernas y partículas de ciencia ficción.

Oscilación

We Are Wolves

Demasiado de puntillas ha pasado el nuevo trabajo de Matsu. Y debo deciros que es una preciosidad. Para que lo tengáis claro. Se trata de un dúo granadino que sienta sus bases en la experimentación y exploración electrónica desde el semblante más sutil de los sonidos de baile. Elegancia con tintes micro-house sostenido por el embrujo. Vuelas con cortes como ‘Inercia’. ‘Reposo’ o ‘Momento’. Flotas sin acabar de caer con ‘Desviación’. Y, de todo te puede pasar repasando ‘Acto’. Es deslumbrante como capean BPM con atmósferas y notas de piano clásico. Apuntar también que el disco tiene como telón de fondo la teoría aristotélica del movimiento. Cada uno de los títulos guardan relación con este y los diferentes estados y/o fases. Una especie de recorrido vital y sonoro que ya podemos disfrutar todos.

Lo primero que se percibe en la puesta en escena de Samer Soltan es su ramalazo místico. Un viaje espiritual a base de latigazos y ritmos de techno house supersónico (‘Crazy’), con paradas también en alguna que otra ciudad del desierto donde no falta algún un buen antro amante de mezclar la electrónica con la tradición. Samer es originario de Túnez, esto se percibe bastante bien en ‘No Time For the Past’ o ‘Damar’ (este segundo, de lo mejorcito del LP). En estos cortes conquista su conducción melódica. Nunca pierde la compostura, mantiene el tacto y la apariencia. Ahí no queda todo. Estamos ante un disco bastante ecléctico. Bien cuando encara avenidas trance (‘Euphoria’), también al servirse de sintes para autovías estelares ('Cyberpunk’)... aunque un poco más del montón cuando juega a rebajar los humos (‘Is This a Dream?’).

TILL KRÜGER

Una de las mejores virtudes de Till Krüger produciendo es su limpieza. Algo que resulta muy disfrutable cuando estructura bases rítmicas con líneas puras de bajo y algún matiz melódico-analógico, por ejemplo ‘Ton’. De lejos, el mejor track de este su segundo larga duración. Sin embargo, peca de apático cuando afronta notas en el piano (‘Due’, ‘Iki’). Ojo, entiendo como un arte fascinante interpretar emociones con lo mínimo. En mi testa Ludovico Einaudi, por ejemplo. En el caso de Krugër denoto carencias. Mejor la narrativa del artista con los bocetos electrónicos y ambientales. Aquí si esas melodías se vinculan y sitúan con más acierto ante la soledad, la tranquilidad e incluso el dinamismo. ‘Twain’ posee perfectamente esa dualidad. Moldeado desde un punto intimista pero a la vez resulta muy disfrutón para bailar.

El sello de Phonique ya cuenta con suficiente material como para marcarse buenos recopilatorios. En ‘Zatar Spices’ vamos a descubrir la estética y la filosofía por la que se guía. Será a través de doce pistas, seis de ellas completamente nuevas. En el temario encontraremos artistas de diversos continentes como el brasileño Bakka, el danés NILU, y por supuesto el mismo Phonique defendiendo con uñas y dientes lo suyo y con títulos como ‘Morgana’ o ‘Feel What You Want’ junto a Rebecca. También remezclado, en dos ocasiones, por Alar y Korolova respectivamente. El propio berlinés también revisa uno de los temas más conocidos de la discográfica: ‘Haunted’ de Bauarbeiter der Liebe. En definitiva, un desfile altamente inflamable de electrónica y house. Unas veces de corazón robótico, otras psicodélico o cósmico. Me encantó Burlyaev con ‘Astana’.

Críticas | EDM/DANCE

Autor: WILLY ALCOCER | willy@djmag.es

DARUDE Outlaws VIBING OUT

No presentaría a Darude si no fuera la primera vez que le traigo a estas páginas. Aunque realmente, no necesita presentación: es y será siempre "el del Sandstorm", el vinilo más vendido en el mundo en el año 2000, emblema histórico del dance-progressive. Seiscientos millones de reproducciones y tres discos de platino lo atestiguan. En 2019, el DJ y productor tuvo el honor de representar a Finlandia en el Festival de Eurovisión, saliendo al escenario con su sintetizador y acompañando al vocalista de la canción. ‘Outlaws’ (delincuentes) es una fusión poco ortodoxa de sonidos electrónicos, una suerte de EDM psicodélico. La guitarra acompaña a la poderosa voz mientras la base -cruda, limpia, pero muy bailable- incrementa su contundencia. Técnicamente es una joya. Como idea, espectacular.

JOHN NEWMAN

Hold On To My Love

Tomorrowland Music

Vuelve John Newman, el gran icono del pop/dance británico de la actualidad debuta en Tomorrowland Music con esta auténtica balada dance. Tras sus aclamadas colaboraciones con Calvin Harris, David Guetta o Rudimental, este tema apunta a ser el nuevo éxito mundial del artista multi-platino. Tras un públicamente reconocido periodo de búsqueda espiritual, el cantante, compositor y productor abraza sus raíces como DJ con un sonido fuertemente inspirado en la música dance de su infancia, ahora fusionado con soul y hip hop. Un tema sonoramente impecable, rebosante de sintetizadores perfectamente mezclados y con el éxito seguro que ofrece la voz de Newman. Si bien el tema parece estar enfocado por igual tanto a pistas y "brazos arriba" como a radio, llega justo a tiempo para la temporada de festivales. Éxito garantizado.

DJ JOSSI

All About You

Addicting Records

¡Cuánto tiempo, Don José Quintela! Le echábamos de menos por esta sección. Entendemos que ande usted entretenido por los bellos parajes de su Vigo natal, pero hace bien en volver a presentarnos una de sus extraordinarias aportaciones al EDM nacional. Cómo se nota aún ese pequeño CASIO PT-10 que recibió a los 8 años. Cualquiera diría que no ha parado usted de tocarlo hasta conseguir, una y otra vez, melodías tan preciosas, tan bien elaboradas y tan épicas como la de este nuevo lanzamiento. Cómo se nota también ese trasfondo dance de cada una de sus producciones. Sepa usted que estoy deseando llegar a la pista de baile para pinchar esta pieza sonora tan limpia como potente, tan bailable como aprendible, tan radiofónica,… en definitiva, tan DJ Jossi.

GONZALO CEREZO

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ROCK-ARO, EL CHUAPE Pumpataka Clipper’s Sounds

No os asustéis por la portada y el nombre del tema, queridos lectores: no es reggaetón. Bueno, durante unos 30 segundos, sí lo es (estamos ante una de las nuevas incorporaciones a la moda del cambio repentino de tempo) pero, desde una perspectiva más amplia, esto es lo que se llama hoy en día "urban dance". La estructura (salvo ese cambio de tempo) es dance, al igual que la línea de bajos, los arreglos y el espíritu general. Pero cantado por un afamadísmo artista urbano: El Chuape. Hace unos años, hubiera dicho que Rock-Aro arriesga con esta mezcla. Hoy en día, tras los arrolladores éxitos de Deorro y Aoki con sus ‘Bailar’ y ‘Azukita’, más bien diría que este tema será el que les acompañe en el podio del género.

TIBASKO Must Be Right Another Rhythm

Cómo se nota que estamos perdidamente inmersos en la era de la fusión de géneros musicales. Veréis: cualquier crítico musical con dos dedos de frente (yo no), diría que este tema es breakbeat. Y en realidad os digo, queridos lectores, que técnicamente lo es. Sin embargo, eso que llamo yo "el espíritu" del tema… ¡Uf! Me resulta tan dance que quiero poner en valor tan espléndida fusión. DJ Seinfeld, Bonobo, Jon Hopkins, Danny Howard, Pete Tong… son los apoyos que Tibasko ofrece como carta de presentación. En constante evolución sonora, el creativo dúo, formado por Ken Petalcorin y Andy Bowden pretende seguir la estela de éxito de su ‘Hawt' (4 millones en Spotify). Tienen todas las papeletas para conseguirlo. Enhorabuena.

01. JOHN SUMMIT, HAYLA 'Where You Are' [Off The Grid]

DAVID GUETTA FEAT ANNE-MARIE & COI LERAY 'Baby Don't Hurt Me' [Parlophone UK]

03. CALVIN HARRIS FEAT. ELLIE GOULDING 'Miracle' [Columbia]

DAVID GUETTA & COI LERAY 'Players (David Guetta Remix)' [Uptown / Republic Records]

SOLAR STATE & DUALITIES FEAT. GIA KOKA 'Crazy In Love' [Soave]

ACRAZE 'Take Me Away' [Thrive Music / Capitol Records]

PURPLE DISCO MACHINE & KUNGS 'Substitution' [Columbia]

OLIVER HELDENS & KYLIE MINOGUE '10 Out Of 10' [Kangarooli Tracks / RCA Records]

GORGON CITY 'Voodoo' [REALM]

ARMIN VAN BUUREN & PUNCTUAL FEAT. ALIKA 'On & On' [Armada Music]

Críticas | TECHNO

Autor: VICTOR SANTANA | victorsantana@djmag.es

VVAA

Cod3 Qr

COD3QR011

Los amantes del techno y sus derivados estamos de enhorabuena ya que la plataforma de Laurent Garnier y Scan X acaban de lanzar un nuevo recopilatorio. En dicha plataforma la única prioridad es la música, al igual que para los que compartimos la misma visión que los creadores de este bonito proyecto. Esta vez nos traen al mundo 8 tracks increíbles que van desde el ambient lounge al deep house pasando por el techno o el electro, entre otros. Cada compilación es mejor, con una visión global increíble de la música electrónica en todos sus sentidos. El camino se construye trabajando y eso hacen Laurent Garnier y Scan X.

FARRAGO

Blessed LP

Vermillion Trax

El productor belga Farrago nos presenta su nuevo LP Blessed, una auténtica bomba de mano para tu maleta de discos. Techno sin miramientos para reventar cualquier pista de baile a altísimos BPMs con trance, sonido rave clásico y atmósferas voladoras. Destacaría el track que tiene en conjunto con su mujer Amelie Lens llamado ‘Addicted to Bass’, donde ella habla de la conexión con la música. Farrago sabe muy bien lo que hace en el estudio con sus máquinas, lleva toda la vida en esto. Este álbum es como un tributo al trance mezclado con techno y todos sus derivados.

JULIEN VERTIGO

Quest of Bliss

Mirror Records

El artista suizo nos presenta ‘Quest of Bliss’ en Mirror Records, un viaje dentro del techno en todos los sentidos. Julien nos quiere contar una historia con bajos profundos, pads voladores y percusiones que te van atrapando poco a poco hasta llevarte a ese climax total. Melodías, pads y arpegios que te llevan de viaje y patrones que parecen infinitos junto con subidones interminables. Un track con muchos arreglos musicales y de percusión. Se nota que sabe de música por esos cambios de acordes y la afinación. Julien tiene una musicalidad increíble, se nota su dominio con los sintetizadores. ¡Escuchadlo vosotros mismos y os daréis cuenta de todo esto!

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WOO YORK

Samsung Ep

Watergate Records

El dúo de Ucrania se estrena en Watergate Records con dos tracks originales y dos remixes. Los remix vienen de la mano de 8kays y Echonomist. Este EP en Watergate Records me parece magnifico, primero por su musicalidad y luego por su variedad. Woo York ha editado música en los labels más top de nuestra industria, si comentara la larga lista me faltaría tiempo. Se nota su trabajo en el estudio a kilómetros. Da gusto cuando los artistas dan prioridad por encima de todo a la música, es de agradecer en estos tiempos que nos tocó vivir. Estos tracks vuelven a demostrar lo buenos que son con sus machines.

VVAA

Tresor Yet

Tresor 350

La marca Tresor no necesita presentación, es un estándar de calidad solo con nombrarlo. Es la definición de techno en todas sus variantes. Esta vez la marca de Berlín nos presenta un LP de 13 tracks muy dispares que van desde techno con influencias hardcore y ritmos rotos con UK bass hasta ambient experimental. Es una edición limitada con un artwork del artista Malik Arbabm. Esta edición limitada va con una presentación en vinilo increíble. Hazte con tu LP rápido porque seguro que se agota en segundos, es de esos álbumes de colección.

ANDRES CAMPO ‘Bulgari’ [Odd Recordings]

SRVD ‘The Yard Man’ [Rekids]

CHRISTIAN WUNSCH ‘Holographic’ [Tsunami records]

CHARLOTTE DE WITTE ‘The World Inside’ [KNTXT]

FANGO ‘Rectum’ [Highlight Records]

SVETEC ‘You Can Not resist’ [Mad Made]

LUCA MAIER, LAU TASTIC ‘Oh Gosh’ [Darkground Records]

WITHECKER ‘Music Culture’ [SMQ Records]

MORSURE ‘To My Colombian Ravers’ [Rubber Mind Recordings]

DIOGO RAMOS ‘Stomp’ [Audio Code]

KARIM BCSR [Silencio]

Críticas | UK GARAGE

Autor: BORJA COMINO | borja@allinpress.com

CONDUCTA, NOVELIST Get Busy With It Kiwi Records, Supernature

Conducta, originario de Bristol, lleva liderando la vanguardia de la cultura garage británica desde hace más de diez años. ‘Get Busy With It’ es su último single, en el que aparece Novelist para darle más bombo a su ya de por sí frenética melodía y llevarla a nuevas cotas. Novelist, un buen MC y narrador, es más como una textura que una característica que va apareciendo entre sintetizadores zumbantes. El rapero sigue enraizado en el grime pero, en realidad, puede soltar barras sobre cualquier cosa. Cuenta con un amplio catálogo bajo la manga y su necesidad continua de explorar le convierte en el MC perfecto para poner la parte vocal sobre este idiosincrático ritmo de Conducta. Con todo ello, es el bajo aplastante de Conducta el que hace el trabajo duro, y marca una especie de cambio para el productor. Conocido por sus producciones siempre ligeras este single se siente un poco más cercano al dubstep de antaño. La evolución le sienta bien.

SALUTE

Wait For It

Technicolour

Este tema es la primera referencia de salute tras fichar por Technicolour, un subsello de Ninja Tune. El productor austriaco crea temas como este ‘Wait For It’ que reúne todo lo que hay entre medio del RnB, el dubstep, el dance, el hip-hop e incluso el jazz y el gospel. Energía brillante, ritmos housey de 4 por 4, líneas de sinte al estilo “bittersweet” y vibrantes voces choppeadas. Con el lanzamiento de la trilogía ‘CONDITION’, Salute se convirtió en un muy conocido miembro entre los colegas de la electrónica británica y un artista a tener en cuenta para los fans de los samples de estilo garajero y ya ha logrado ser el autor de remezclas para DJ Seinfeld y Kaytranada.

ATRIP captura la emoción audible utilizando su ordenador portátil. Ajeno a la idea de que los músicos electrónicos sólo pueden encajar en un contexto único, su objetivo es crear música que no cuadre en una sola etiqueta. Según el propio ATRIP, sus temas se van produciendo poco a poco en cualquier lugar y en todas partes, desde el pub hasta el parque, su marca especialmente personal viene de un tipo de música con ciertos tintes psicodélicos que deja espacio para apoyar su potencial en la textura de los sonidos y se desprende por momentos de la base rítmica. Tanto que, aunque siempre esté presente, a veces uno puede llegar a obviar la presencia de esta, sin ser esto una apreciación negativa. Más bien es un ejercicio de estilo. Si no molesta es porque precisamente está concienzudamente bien hecho.

JASPER TYGNER

Real Time

LG105

El productor emergente pero ya apoyado por los creadores de tendencias del sector, lanzó su polifacético EP de cuatro pistas ‘Real Time’ a través el sello de electrónica alternativa LG105 (Mall Grab, Effy, Steel City Dance Discs…). El EP llega después de su debut en directo en noviembre, con todas las entradas agotadas. Atentos al dato. Mi tema favorito es precisamente el que menos reproducciones tiene de los cuatro cortes, ‘FLLL’ –‘Need You’ también es un temazo serio. Sencillo, pero serio. Sintetizadores melódicos palpitantes, bombos enérgicos y sección de cuerdas, que no falte. “Quería hacer mi propia versión de algo del techno que había escuchado, algo con melodías y acordes entrelazados, pero aún apoyándome en la textura y la estructura para impulsar la pista”, cuenta acerca del tema.

CLAVINET DEVALL

BVNQUET Sublime Garage Shared

No sé si BVNQUET pagan un extra a las plataformas o tienen un agente de promoción que se lo curra bastante. Pero por algún motivo u otro siempre acabo encontrándome algo suyo en las plataformas de streaming. No les sigo en Instagram para ver sus nuevas noticias. No tienen grandes números en cuanto a reproducciones. Pero ahí estoy, cada vez que lanzan algo lo escucho. Y me gusta. La historia, en resumen, es que Pete y Sam son músicos de jazz de Londres que de repente se han convertido en productores de UK Garage. ‘All I Wanted Was You’ –que ya reseñé en diciembre– acumuló más de 25.000 streams sin apoyo editorial y desde entonces, BVNQUET ha aparecido en BBC Radio 1, Kiss FM, entre otros. ‘Sublime’ es el típico tema UKG que no falla. Tampoco sorprende. Me encajan bien como los hermanos pequeños más NPC de Overmono.

01. SWAMI SOUND, CVMILLE ‘Back In The Day’ [Notes By Design]

02. TAMA GUCCI ‘Hot Boy’ [U-NXT]

03. NAMASENDA ‘Black Ops 2’ [PC Music]

04. SZARE ‘Kodiak’ [Different Circles]

05. ELL MURPHY, DJ CRISPS ‘Freedom’ [Shall Not Fade]

06. OPUS ‘Newspeak’ [Crucial Recordings]

07. TAIKO ‘No More’ [White Peach]

08. CARTRIDGE ‘Labyrinth’ [Deep Dark & Dangerous]

09. HEBBE, MELLE, MR. K ‘Wayside’ [DUPLOC]

10. PUSHLOOP ‘Secret Society’ [Dank ’N’ Dirty]

Críticas | HOUSE

Autor: ALEJANDRO SERRANO | alejandroserranopr@gmail.com

OLIVER OSBORNE

Hold On Integrity

El sello Integrity Records lleva recorrido intentando visibilizar una serie de propuestas musicales diferentes —que transcienden los géneros y clichés más recurrentes— poniendo el acento en estructuras más narrativas e hipnóticas, sin perder por el camino la contundencia e intensidad necesaria para poner patas arriba una pista de baile. Ahora aterriza de nuevo con un nuevo lanzamiento: ‘Hold On’ a cargo del productor Oliver Osborne. Si algo tiene en común Oliver con el resto de productores de su generación es la capacidad de introducirnos en ambientes líquidos y burbujeantes que cierran un compilatorio con muchas ideas oscuras. Con grooves de una luminosidad tenue y cautivadora, donde la linealidad en el desarrollo del discurso cobra especial importancia, comunicando así una extraña sensación de madrugada eterna, ‘Hold On’ tiene ideas y suficiente experiencia para llevarnos mucho, mucho más lejos.

SA.L.AH Y THEARCHITECH

Glitch

TheWarehouse Miami

TheWarehouse Miami presenta "Glitch" a cargo de SA.L.AH y TheArchitech, con la colaboración a las vocales de Lama Sumlaji y el remix del enorme DJ y productor de música electrónica Mushroom Pastel. Los cortes que componen este disco, más allá de traer un soplo de aire fresco a las pistas de baile, buscan sin descanso renovar el lenguaje musical con ideas brillantes que hagan que esa experiencia sea mágica y singular, pero sobre todo endiabladamente divertida. A todos los melómanos y buscadores de tesoros musicales parece entregado este trabajo de ambos productores, que les satisfará con creces con una selección tan amplia como absorbente. Ir tema a tema sería una pérdida de tiempo, puesto que en este disco no sobra nada. Es más bien un curso completo, una clase magistral extendida y dominada con rigor.

KX9000

The Sofa Lamp EP LYAM / Last Year At Marienbad

KX9000 es el alias de Kerim Ben Mustapha, quien durante un buen tiempo ha estado lanzando tracks de cortes de jazz tan embriagadores como reflexivos. De apetito insaciable, su amor por la música no conoce jerarquías ni formas ni tamaños. 'The Sofa Lamp' es su último trabajo, donde hilvana temas que componen estructurados en forma de bucles infinitos, recreando pasajes musicales psicodélicos pero vivos. En cada cada tema hay un equilibrio preciso entre las tonalidades melancólicas y alegres. Así, este disco parece que nace para avanzar en una concepción de las cosas que nos hace contemplarlas con mesura y delicadeza, pero sin llegar a perdernos en ellas. En este principado electrónico donde todo se rige por conceptos como pureza, elegancia y devoción por la música, se admira a gente como Kerim, alguien capaz de sacrificar sus mejores años por aportar su grano de arena a la causa.

SON OF SOUND

The Unreleased DAT Tapes 2

District 30

The Unreleased DAT Tapes 2 no está inspirado en el House de los 90, es el House de los 90. Cuanto más se escucha el disco, más difícil es ubicarlo en un lugar geográfico concreto. Su música parece que no se solidifique nunca, que sea un fluir de sonidos e impresiones que no parecen quedarse nunca fijas ni en el sitio ni la memoria, como un perfume o una visión rápida de un cuerpo en movimiento, hasta postularse como uno de los verdaderos valores de futuro de la electrónica mansa y lustrosa. El dominio del lenguaje de estos productores es total, y aquí han vuelto a ahondar en el pasado para inspirarse con una propuesta más contundente, pero no menos evocadora.

DCM [Dissident Music]

TEN FINGERZ Fingerz Wurk Frappé

Ten Fingerz vuelve con un EP contundente, electrónico y super funky, de 3 tracks titulado "Fingerz Wurk". El disco mezcla las influencias de Chicago, Detroit y París. Se trata de un tributo a los primeros tracks de techno que llegaron a las pistas de baile de las raves europeas en los años 90. Ten Fingerz lleva tiempo desarrollado un nombre con música que abarca múltiples géneros. La diversidad en la música es su núcleo. El sonido de Ten Fingerz tiene una característica común reconocida por temas recurrentes; la nostalgia, melodía y profundidad cósmica, que te arrastra, pero sin perder la energía. El resultado es una obra seria, cuidada con esmero, que se presta a empezarla y no volver a la realidad hasta que no haya acabado: los auriculares son como la bombona de oxígeno que permiten bucear hasta el fondo de esta gran rotación sonora, de esta órbita cósmica, y estar ahí en un estado de fascinación hipnótica.

01. DCM ‘Empty Future’ [Dissident Music]

02. LOSS OF BALANCE ‘Exodo’ [Dissident Music]

03. BLOVK ‘Plastic Sea’ [Dissident Music]

04. BLNDFLD ‘Water Rising’ [Circular Limited]

05. ALFREDO MAZZILLI ‘Windy Side’ [Edit Select]

06. ALEX.DO ‘Stiller’ [Dystiopian Records]

07. DONATO DOZZY ‘Gol’ [Dozzy. Records]

08. BEN KLOCK ‘Twenti’ [Klockworcks]

09. VOICES FROM THE LAKE ‘Samhain’ [Delsin Records]

10. WORG ‘Lupercus’ (Feral reinterpretation) [Lykos Records]

Críticas | DRUM & BASS

Autor: DANIEL PANIAGUA AKA D-PR | drumandbass@djmag.es

VISIONOBI (W/ PYXIS)

Shadow

Soulvent Records

El conocidísimo MC Visonobi lanza su primer álbum de estudio con un montón de productores de primerísima calidad en Weather The Storm por Soulvent Records. Un álbum lleno de sentimiento y personalidad, como en la collab con la productora pyxsis, que no deja de lanzar auténticas joyas de soulful drum & bass. ¡Todo un ‘must have’ de tu colección!

SUB:LIMINAL Scars

Fokuz Recordings

El rumano Sub:liminal regresa a Fokuz Recordings con otro EP de liquid drum & bass con muchísima personalidad. En ‘Scars’ destacan la línea de graves y los pads melódicos que te teletransportan a otra galaxia y te evocan miles de sentimientos y recuerdos buenos. Un tema con muchísima garra que debes escuchar si eres amante del género.

EXILE FEAT. MADRUSH MC

Rattle Speaker (VIP)

Audio Addict Records

Cuando un tema te cautiva, ¡te cautiva! En este caso el VIP de Rattle Speaker da en la clave. Esta revisión del tema lanzado el pasado 2022 es algo más pausado y limpio en ocasiones y limpio, creando una atmósfera de oscuridad perfecta y jugando con el patrón rítmico del synthe de los graves perfectamente acompañado por las vocales del MC.

JAV1 TAYLOR

NU:LOGIC Morning Light (Technimatic Remix) Hospital Records

Marcando el décimo aniversario del álbum debut What I’ve Always Waited For de Nu:Logic, unión de Logistics y Nu:Tone, nos llegan cuatro remixes por cuatro titanes de la industria. Nuestro favorito es el remix a cargo del duo Techminatic, unión de Technicolour y Komatic ‘Morning Light’, que es otra joya del liquid drum & bass dentro del vasto catálogo de Hospital Records.

VICI Concentrate (VIP) Impact Music

De VIPs va la cosa en este mes, pues otro tema que recibe una revisión tres años después del lanzamiento del original es ‘Concentrate’ del francés Vici, que se incluye dentro del EP compilación More Impact Vol. 2. Un tema bien trabajado y mejorado respecto del original, adaptado perfectamente al estilo vigente en pleno 2023.

01. TECHNIMATIC 'Bristol' (Break Remix) [Shogun Audio]

02. RIYA FEAT. VILLEM & MCLEOD X DYNAMITE MC 'Fear Bites' (VIP) [Spearhead Records]

03. RAYBEE 'Reflex' [Lost Recordings]

04. DOSSA & LOCUZZED 'Shag' [Viper Recordings]

05. DJ MARKY & S.P.Y. 'Yellow Shoes' [Innerground Records]

06. CAMO & KROOKED FEAT JENNA G & FUTUREBOUND 'In The Future' [Hospital Records]

07. PHACE & CURRENT VALUE 'Wild Thing' [Critical Music]

08. DAWN WALL 'Hyperstone' [Ekho]

09. CULTURE SHOCK 'Rush Connection' [Ram Records]

10. DES MCMAHON 'Stone Fist' (VIP) [Play Me Records]

Críticas | BREAKS

Autor: EDUARDO CARBONELL / evilsound@djmag.es

BASSCHAOS

Anger driven Audiogore

Como bien reza en la web del sello Audiogore, la música de BASSCHAOS es una mezcla de breakbeat, drum and bass, techno e industrial. Inspirada en el ruido de los motores, el humo de las fábricas y el estado neurótico de la sociedad moderna. A mi parecer, es uno de los máximos exponentes de esta vertiente más oscura que podríamos denominar como neurobreaks, junto a los ucranianos Bios Destruction y Mechanical Pressure. Tras varios lanzamientos por Audiogore, nos encontramos con su primer larga duración compuesto por 13 frenéticas producciones. Es curioso como buena parte de los artistas de este género vienen del drum and bass, dando un soplo de aire fresco a los amantes del breakbeat más agresivo y contundente.

BAYMONT BROSS & SEKRET CHADOW

The Umami Chefs

13monkeys Records

Los 13 monos no dejan de lanzar buen material en formato digital, pero también tienen su vertiente física. Prueba de ello es esta edición especial de 200 copias en vinilo morado, donde Baymont Bross y Sekret Chadow unen fuerzas para fusionar los breaks más clásicos con los sonidos más actuales, además de otras joyas como 'The Bond Of The Monkeys Part.1' de Adam Vyt y Sekret Chadow, 'Positive Vibrations' de Case 82, 'Remember The Time EP' de Adam Vyt, el segundo EP de clásicos del tinerfeño Eddy Mendez, esta vez con los singles 'Oriental Connection' y 'Time To Get Funky' o el EP 'The Stellar Monkeys Part.1', con producciones de Sekret Chadow, Made To Move, FM3, Cooltasty, Play Insane y Urbano.

LIQUID SOUL

Anjuna (DJ Genesis Galactic Breaks Remix)

Bandcamp

Si el pasado mes os recomendábamos algunos trabajos del estadounidense DJ Genesis, para los amantes del Florida breaks, este mes damos otro repaso al buen material que tiene disponible en su cuenta de Bandcamp. Buen ejemplo es este remix al track 'Anjuna' de Liquid Soul o remezclas anteriores a trabajos como 'When Doves Cry' y 'Purple Rain' de Prince, 'You Right' de The Weeknd, 'In Your Arms' de Paul Van Dyk, 'Baker Street' y 'Forever Young' de Smyles, 'It Don't Matter' de ALOK, 'Almost Home' y 'Counting Down the Days' de Above & Beyond, 'You Got Me Fallin' de Three N One, 'Precious Little Fantasy' de Precious, 'Exploration of Space' de Cosmic Gate, 'Insomnia' de Faithless y 'Somebodys Watchin Me' de Rockwell. Joe Lawson tiene una gran habilidad con las remezclas.

JORMEK [DIESEL RECORDINGS / 83]

BROTHERS OF FUNK

White Girl Got Some Ass (DJ 33 Remix)

ElectroBreakz

Hace un tiempo que no hablamos de nuestros amigos de Florida DJ Storm y Johnny Dangerously, que bajo su formación Brothers Of Funk llegaron para revolucionar el electro breaks con su sello ElectroBreakz. Para su última referencia cuentan con el bielorruso Valery Shvyndzikau, más conocido como DJ 33, para remezclar su single 'White Girl Got Some Ass' de 2022. Tampoco te pierdas otros grandes lanzamientos de esta casa como 'Kyrie Eleison' y 'The Morning After' de Brothers of Funk y Analog Hustler, 'Gold Walls' de Darkleads, 'Nikalleta' de Sergei Orange, 'Automatic' de Fuxy, 'Thuggin' de Mizzo o los remixes de Brothers Of Funk y Analog Hustlers Remix a los tracks 'Im Your Pusher' de Bradley Drop & B-Phreak y 'Yummy' de Andy Hughes, clásico donde los haya de 1996.

VVAA

EvilSound presents: 40 Evil Records

BassCrime, BasStyler, Boombassbrothers, Bubble Couple, DeiBeat, Dirty Terrain, DJ PaRe, Drum Invaders, F.E.R., Future Funk Squad, Groovegardener, Hankook, Javy Groove, Jormek, JM Weinx, Maceo Rivas, Maikel Noize, Mc Bestbasstard & Hackcore, Mr Fli, Mutantbreakz, Raggafá, Space Karma, Stormtrooperz, Suga7, Sylverfortem, thec4, Tony Lizana, Xema o Zona BreakBeat Dj´s, son solo algunos de los nombres que aparecen en este recopilatorio por el 40º aniversario de EvilSound. Un trabajo que reúne 40 producciones de 40 artistas diferentes, donde predominan los ritmos rotos de los mencionados, pero en el que también hay cabida para el neofolk de Bear, The Storyteller, el downtempo de Maik Falls, el minimal de Christian Szer, el progressive de Jose Franko y el trance de Lowfreak. Descarga gratuita desde Bandcamp con opción a donar para Cruz Roja.

01. GREENFLAMEZ ‘Get Tough (Original Mix)’ [83]

02. LOOPCRASHING ‘Get Down (Original Mix)’ [83]

03. JORMEK ‘Your Time Is Now (Original Mix)’ [Solid Breaks Records]

04. OVERPEAK ‘Move (Original Mix)’ [Banana Club]

05. ALT-A ‘Do It (Original Mix)’ [Diesel Recordings]

06. JIRO ‘Old Flavor (Original Mix)’ [Elektroshock Records]

07. URBANO ‘Shiva (Original Mix)’ [Raveart Records]

08. GL0X ‘Look At Me (Original Mix)’ [Electroshock Records]

09. PERFECT KOMBO ‘Revo (Original Mix)’ [Funktasty Crew Records]

10. NOSK ‘Sweet Revenge (Original Mix)’ [83]

ROLAND SH-4D

Durante medio siglo, los innovadores instrumentos musicales electrónicos y productos multimedia de Roland han inspirado a artistas y creadores en todo el mundo. Es por eso que este mes de mayo en nuestro apartado Tech no podía faltar su nuevo sintetizador de sobremesa.

Roland ha anunciado el sintetizador SH-4d, un poderoso instrumento de escritorio que se centra en la síntesis y el diseño. SH-4d ofrece 11 modelos de oscilador y un panel práctico lleno de perillas, botones y deslizadores, lo que permite la creación instantánea y un descubrimiento sonoro infinito. Además, dispone de un secuenciador multitímbrico con cuatro partes de sintetizador y una parte de ritmo personalizable, lo que permite a los usuarios componer patrones complejos con grabación de movimiento, una gran cantidad de efectos y más. Equipado para la producción musical, las actuaciones en escenarios y los viajes, el SH-4d es un instrumento divertido y versátil que atraerá tanto a los creadores de música electrónica moderna como a los coleccionistas de sintetizadores de todo el mundo.

Hace 50 años, Roland lanzó su primer sintetizador, el innovador SH-1000. A partir de entonces, el nombre SH ha representado los instrumentos de sintetizador fundamentales de la compañía, fusionando nuevas tecnologías innovadoras con interfaces táctiles para diseñar sonidos de manera rápida en el momento. El SH-4d abre un nuevo capítulo en la larga serie, ofreciendo los últimos avances en modelado analógico de Roland y un panel profundo, pero acogedor que cataliza la creatividad y recompensa la exploración en cada momento.

La leyenda del techno de Detroit, Carl Craig, quedó tan impresionado con el SH-4d que aceptó ser la cara del video de lanzamiento, ofreciendo una enérgica actuación con música compuesta exclusivamente en el dispositivo. “Esa máquina es un verdadero monstruo”, dijo después de pasar poco tiempo con el SH-4d. “Tiene muchas opciones para dar forma tanto al sonido como a la composición musical".

Once modelos de oscilador ofrecen una amplia variedad de posibilidades para la creación de sonidos, desde tonos analógicos retro con los modelos SH-4d, SH-3D, Chord, Ring y Sync, hasta texturas digitales de vanguardia con los modelos Cross FM, Wavetable y Drawing. Las voces influyentes del pasado histórico de Roland incluyen los modelos SH-101 y JUNO-106, así como un modelo PCM con una amplia selección de sonidos basados en samples. El SH-4d también cuenta con un sintetizador flexible de batería con amplias capacidades de modelado de tono para crear kits personalizados desde cero.

El SH-4d brinda a los creadores todos los elementos necesarios para el diseño de sonido profesional, con 32 perillas, cuatro deslizadores y una gran cantidad de botones multifunción. La pantalla LCD, los deslizadores y los botones reconfiguran de forma automática sus funciones para seguir el modo seleccionado, lo que elimina los obstáculos de navegación de menús que ralentizan el flujo creativo. Las secciones de filtro, amplificador y LFO siempre están dispuestas para moldear cualquier tono o patrón. Con la potente sección de matriz, los usuarios pueden generar una amplia variedad de sonidos mediante el enrutamiento de la salida del LFO o generador de envolvente a distintos parámetros.

El SH-4d cuenta con sensores de movimiento incorporados que permiten al usuario ajustar los sonidos con movimientos físicos. El modo D-Motion ofrece control X/Y para dos parámetros, mientras que el exclusivo Visual Arpeggio da forma a los patrones de notas a través de divertidas pantallas interactivas.

El SH-4d cuenta con un secuenciador que permite transformar ideas de sonido en bucles compactos o composiciones extendidas con solo presionar un botón. Dispone de hasta 60 notas de polifonía total que permiten desarrollar ideas musicales completas en el mismo dispotitivo. También existe una versátil selección de prestigiosos efectos Roland para realzar, perfeccionar, oscurecer o deformar tonos y patrones.

El SH-4d funciona con un cargador USB-C estándar o con baterías AA con una durabilidad durante hasta cuatro horas. Cuenta con un teclado de botones de dos octavas y media para una composición autónoma, además de conectividad MIDI para utilizarlo como módulo de sonido y controlador en una configuración de hardware expandida. El SH-4d también funciona como interfaz de audio/MIDI USB-C con 12 canales de audio discretos para la producción de música en el ordenador.

Sin duda, el nuevo sintetizador de Roland es un must para incorporar en el estudio.

Podéis descubrir más a través del enlace QR o en la web de Roland.

Puedes encontrar la versión impresa gratuita de DJ Mag ES en:

MADRID

GHETTO SHOP

Embajadores 13

INTED ELECTRONIC MUSIC SCHOOL

Isabel La Católica 6, Pasaje Comercial, Local 14

SAE INSTITUTE

Álcalá 265, 2º Edif 4

TRADE DJ

Moratalaz 149, Posterior

RECYCLED MUSIC CENTER

De la Palma 39

EL ALMACÉN DE DISCOS

Minas 13

TRADE FORMACIÓN

El Electrodo 5, Posterior, Rivas - Vaciamadrid

BARCELONA

33 | 45 BAR & GALLERY

Joaquín Costa 4

DISCOS PARADISO

Ferlandina 39

DISCOS REVOLVER

Tallers 13

TVINYL

Valldonzella 25

BRIDGE 48

Llull 48

ACADEMIA PLASTIC

Calabria 95

MICROFUSA

Ronda Guinardó 65

THE BASS VALLEY

Passatge Can Politic 13, Hospitalet de Llobregat

IBIZA

METRICA RECORDING STUDIO

De la Muralla 5, Sant Jordi Ses Salines

EGB IBIZA

Av. de Bartomeu de Roselló 16, Ibiza

AMANTE BEACH

Cala Sol d’en Serra, Calle Afueras, Cala Llonga

BLUE MARLIN IBIZA

Cala Jondal

DESTINO PACHA IBIZA RESORT

Cap Martinet, Talamanca

EL CICHETTO

Porreres 8, Ibiza

EL PUERTO IBIZA HOTEL Y SPA

Carles III 24, Ibiza

ELEMENTS IBIZA BEACH CLUB

Cala Benirras, Ibiza

ES CAVALLET CHIRINGUITO

Playa Es Cavallet, Ibiza

HOSTAL LA TORRE

Ctra. Cap Negret 25, Sant Antoni de Portmany

HOSTAL TALAMANCA

Playa Talamanca

HOTEL ARGOS

Playa de Talamanca, Carrer de S’Illa Plana

HOTEL HARD ROCK

Platja d’en Bossa, Sant Jordi Ses Salines

HOTEL OKU

Camí del Portixol 2, Sant Antoni de Portmany

HOTEL SIMBAD

Ses Figueres 22, Ibiza

LA CHICKERIA

Venda de Can Llàtzer 19, Santa Gertrudis

LOCALS ONLY

Plaza del Parque 5, Ibiza

PIGRO

Antoni Planells Ferrer 3, Ibiza

PIKES HOTEL

Camí de Sa Vorera, Sant Antoni de Portmany

PRINCE

Quartó de Portmany 2, Ibiza

SLUIZ

PM-804, Santa Gertrudis

TIKI TAKO

Ramón y Cajal 9, Ibiza

TRATTORIA DEL MAR

Botafoch 219, Ibiza

USHUAÏA IBIZA BEACH HOTEL

Ctra. de Platja d’en Bossa 10, Sant Jordi de Ses Salines

ASTURIAS

THE BASS VALLEY & STUDIO DJ CENTER

Jil de Jaz 3, CC Galerías Pidal, Local 14

BILBAO

POWER RECORDS

Villarías 5

ESCUELA BAFFLE DJS

Travesía Tivoli 3

CASTELLÓN

ENIGMA IMPORT RECORDS

Prim 10

CÓRDOBA

EVIL SOUND RECORDS

Arcos de la Frontera 18, Local 6

GIRONA

EUMES De Baix 2

GRANADA

DISCOS BORA BORA

Plaza De la Universidad, 11

ACADEMIA FÓNICA

Santo Tomás de Villanueva 12, Bajo

GUIPÚZKOA

DABADABA

Mundaitz Kalea 8

PONTEVEDRA

PLAYGROUND STORE

Conde de San Román 10

SEVILLA

TOTEMTANZ

Amor de Dios 66

ASOC. BREAKING BASS

Pasaje Mallol 18B

VALENCIA

STRAP

Av. Blasco Íbañez 33

ZARAGOZA

XPRÉSATE ESCUELA

Espacio Joven, Fernando El Católico 1-3

puntos de distribución, escríbenos a: info@djmag.es