DJ Mag ES #149

Sumidos en pleno verano, con festivales a lo largo y ancho del globo bañados por el Sol propio de estas fechas, fiestas en cada rincón del país y una buenísima proyección de lo que queda por delante, ¡en DJ Mag España empezamos julio con muy buenas sensaciones! Para celebrarlo, este mes tenemos el placer de presentar en portada a un artista con una larguísima trayectoria musical: Maurizio Colella, mejor conocido por todos como EDX.

El artista nunca ha parado de trabajar en la industria, esta es su tercera década como DJ y, tal como él nos comenta, “me hace sentir muy bien seguir siendo capaz de poder dedicarme a esto y que todo continúe fluyendo”. Hablamos con él sobre lo brillante que está siendo este 2023 para EDX y todo lo que está por venir, que no es poco.

En clave nacional, el DJ y productor vizcaíno Crusy vuelve a DJ Mag España para contarnos cómo está yendo 2023 y qué le depara el verano. En clave internacional, hablamos con el productor rumano Mahony, conocido por combinar su pasión innata por el hip-hop y el rap underground con la música electrónica, y también propietario del sello Take Notes.

Cambiamos de tercio para introduciros Masaka Africana, la experiencia ritual que trae Mickey Dastinz. Charlamos con él sobre la nueva y excitante residencia de Masaka Africana en Las Dalias tratando varios temas como los orígenes del proyecto, la innovación en su conceptualización, el equipo creativo que hace posible su realización y los planes futuros del espectáculo.

En cuanto a reportajes, este mes os traemos varios de gran interés. Por una parte, nos preguntamos: ¿se pueden preservar las identidades culturales en un mundo globalizado? Si queréis saber la respuesta, la encontraréis en estas páginas. Por otra parte, nos sumergimos en los beneficios de la música ambient y sus cualidades terapéuticas para nuestra salud mental, capaces de ayudar a tratar la ansiedad y la depresión. Y por último, te damos cinco motivos esenciales por los que no puedes perderte la edición 2023 de Brunch Electronik Festival 2023.

En cuanto a crónicas, y aprovechando la reciente celebración del Sónar en Barcelona, os acercamos en primera persona a dos megaeventos que tuvieron lugar esa semana. Por una parte, os explicamos cómo fue la segunda jornada de OFFSónar en su evento en colaboración con Brunch Electronik en el Poble Espanyol. Por la otra, os contamos las 5 jornadas del OFFBCN de Les Enfants Brillants, el club underground por excelencia en Barcelona.

En nuestra nueva entrega de tendencias, os hablamos de Soundset Series. El objetivo de este nuevo ciclo ha sido el de llevar al Centro de Cultura Contemporánea una propuesta musical que invita a la escucha atenta y profunda, dando espacio a aquellos creadores y creadoras disidentes que abren nuevos caminos en la escena electrónica, y que además exploran los distintos prismas del sonido y cuyas obras llegan a alterar los estados de consciencia. Y como siempre, las mejores secciones y críticas musicales.

Gracias, lectores, por seguir confiando en nosotros mes a mes.

PATRICIA PAREJA Directora

DIRECCIÓN

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DJ MAG 149 / JULIO 2023

Secciones

Breves

Autor: REDACCIÓN

LOS DJS YA SON CONSIDERADOS ARTISTAS A NIVEL LEGAL EN ESPAÑA

Después de 40 años de trabajo, la legislación laboral española por fin reconoce al colectivo de discjockeys como parte del entramado artístico de nuestro país. Desde la sede de la SGAE en Cataluña, la AEDYP (Asociación Española de DJs y Productores) y la Federación Nacional de Empresarios del Ocio Nocturno y Espectáculos, anunciaban un nuevo convenio histórico para los y las DJ españoles/as. Este nuevo estatus jurídico también favorece a videojockeys y a los lightjockeys responsables de la parte visual y lumínica de los clubs, salas y festivales. Julio Posadas, reconocido DJ y presidente de la AEDYP, ha afirmado que “comienza una nueva era para el gremio”. + info: aedyp.es

NACE UN NUEVO CLUB EN LA COSTA DEL SOL: STUDIO CLUB

El sábado 24 de junio abrirá sus puertas Studio Club para convertirse en el nuevo destino electrónico de la Costa del Sol. Situado en el centro neurálgico de Torremolinos, Studio es un club de última generación equipado con tecnología punta que ofrecerá una experiencia visual y sonora de vanguardia que revolucionará la escena de clubs en el sur de España. Desafiando los límites de lo convencional, Studio Club fusionará música a cargo de talento nacional e internacional y arte urbano y digital. Todo bajo el motto The Art of Music. Con tres residencias ya confirmadas, Visionnaïre by Zamna, Matrix y Cocoa, la programación musical estará protagonizada por artistas internacionales y nacionales, y apostará por el talento local.

+ info: studioclub.es

SPOTIFY ESPECULA CON INTRODUCIR UNA SUSCRIPCIÓN “SUPREMIUM” PARA FINALES DE ESTE AÑO

Bloomberg, la compañía americana de información financiera, anunciaba el pasado 20 de junio que Spotify planea lanzar una suscripción superior para su plataforma a finales de 2023. Esta nueva suscripción “súper premium” incluirá audio de alta fidelidad y acceso ampliado a los audiolibros. El plan “Supremium” está pensado para desarrollarse, en primer lugar, fuera de EEUU y requerirá de los usuarios un pago superior por las nuevas prestaciones. A pesar de que Spotify anunció en febrero de 2021 la intención de introducir el audio de alta calidad sin pérdida, bajo el nombre de Spotify Connect, esta funcionalidad todavía no está disponible a día de hoy.

+ info: spotify.com

NEVERSEA DESVELA EL CARTEL COMPLETO PARA 2023

El mayor festival de playa de Europa, Neversea (Constanza, Rumanía) se prepara para otra sólida edición del 6 al 9 de julio. El festival celebra su 5º aniversario y se ha asegurado de que sea una edición más que memorable para todos los participantes. No sólo la música elevará el nivel de la experiencia Neversea, sino que también habrá rincones de moda, maquillaje, peluquería y tatuajes por todo el recinto, así como una gran variedad de actividades interactivas, comida y bebida.

El line up lo conforman artistas de la talla de Alok, Lil Uzi Vert, Regard, Timmy Trumpet, MORTEN, Claptone, Lil Pump, Steve Aoki, Don Diablo, Alexandra Stan, Vini Vici, Lost Frequencies, J Balvin y Salvatore Ganacci entre otros.

+ info & tickets: neversea.com

Hola C.I.S.C.O, ¡un placer saludarte! Para quien no te conozca, ¿cómo te describirías?

Me encanta poder conectar con la gente dejando que la música capte el corazón de la persona que la baila o la escucha. Veo la música como veo la vida: llena de cultura, arte, amor y amistad. Cada vez que pincho en cualquier escenario es una sensación de euforia y pasión.

Vives en Barcelona, ¿cómo ves la escena electrónica de la ciudad?

Recuerdo en el 2019 cuando vine por primera vez a pinchar en Pacha Barcelona con Andre Buljat y lo único que pensé fue “¿por qué no vine antes?”. La escena en esta ciudad sigue creciendo y se aprecia por la cantidad de artistas que vienen a pinchar en diferentes clubes. Considero que hay una amplia variedad de artistas locales por conocer y, sobre todo, por reconocer.

¿Cuáles son tus principales influencias? ¿Cómo llegaste a ellas?

Me quedaría con el dúo Inland Knights. Desde hace ya un tiempo vengo analizando, disfrutando y mezclando muchos temas que lanzaron por Drop Music. Son de estos artistas que han influenciado mi manera de producir, así como Kerri Chandler, Sweely y Ricardo Villalobos. Una noche de sesión en el estudio estaba trabajando con Lancaster, recuerdo que hicimos una pausa para descansar del track en el que estábamos trabajando y me mostró sus producciones.

C.I.S.C.O

Eres el fundador del sello Vengo Records, ¿qué nos puedes contar sobre este proyecto tan personal?

Vengo Records nació en plena pandemia. Recuerdo como si fuera hoy el día que creé la identidad de la marca y muchas personas me preguntaban “¿por qué Vengo?”, y yo les respondía: “¡porque vengo con música!”. El 2022 fue un año hermoso para el sello ya que enfoqué mis energías en hacer edits de artistas que influenciaron mi carrera artística. Durante 1 año consecutivo, cada 15 días publiqué un edit a través de Bandcamp, generando interés de muchos DJs en todo el mundo que hicieron sonar los edits en festivales y clubes. El track más popular fue el edit que hice a Smooth Operator de la cantautora Sade, obteniendo 100.000 visitas en Youtube y más de 600 descargas en Bandcamp.

Este 2023 Vengo Records transforma su visión y emprende un nuevo comienzo con música original. El primer lanzamiento, Me Gusta EP, viene de la mano de un remix de mi gran amigo Nacho Bolognani, de nacionalidad Argentina. ‘Me Gusta’ describe la sazón que me regaló República Dominicana y ‘Funk’ es el tema perfecto para el verano. El remix, sin lugar a dudas, es el contraste perfecto para la pista de baile con un sonido más minimal. Tener a Nacho como primer remixer del sello lo hace aún más especial.

Últimamente hemos visto que estás pinchando en clubes y fiestas como Sight en Pacha Barcelona, e incluso has lanzado tu marca de eventos “Vengo Station” en Forum Station. ¿Qué nos puedes contar sobre esto?

Sight se ha convertido en una familia para mí y me encanta todo lo que vienen haciendo con el equipo. Cada vez que me presento en sus eventos me siento como en casa. Por otro lado, en abril de este año empezó la temporada de mi primer proyecto “Vengo Station”, en colaboración con Lancaster, donde un domingo al mes colonizamos las instalaciones de Forum Station, en Barcelona. El evento es patrocinado por mi sello Vengo Records y este cuenta con la participación de DJs nacionales e internacionales. Nuestro objetivo es curar una librería de puro house, minimal y deep tech en una terraza llena de energía hermosa, buena comida y un sonido de calidad, haciendo de los domingos una propuesta para salir a disfrutar mientras cae el sol de verano.

¿Qué podemos esperar de C.I.S.C.O en lo que queda de año?

Eventos en República Dominicana y Barcelona con mi proyecto "Vengo Station" y fiestas con la familia Sight en Pacha Barcelona.

Finalmente, C.I.S.C.O, pedimos a los invitados de 60 segundos que planteen una pregunta al siguiente. La última fue de Bojak: “Si eres productor, ¿cómo harías perdurar tu obra ahora que todo se ha vuelto tan efímero?” Y a cambio, nos tienes que dejar una pregunta para el siguiente…

Intentando ser lo más auténtico posible. Mi pregunta: ¿Prefieres pinchar en festivales o clubs?

Mis Favoritos

Álbum

WastelanddeBrentFaiyaz

Mi álbum favorito de todos los tiempos es Wasteland de Brent Faiyaz. Siempre que vuelvo al hotel después de un show increíble, es lo primero que pongo para crear ambiente y relajarme. La conmovedora voz de Brent Faiyaz combinada con las letras introspectivas y la fascinante producción crean una experiencia envolvente que resuena profundamente en mí. Desde el cautivador tema inicial hasta las sugerentes notas finales, cada canción me lleva a un viaje de autorreflexión y conexión emocional. Wasteland se ha convertido en mi banda sonora favorita para los momentos de introspección y relajación, y me proporciona consuelo e inspiración siempre que lo necesito.

Libro

ElAlquimista,dePauloCoelho

Uno de mis libros favoritos es El Alquimista, de Paulo Coelho. Esta encantadora historia sigue el viaje de un joven pastor llamado Santiago, que se embarca en una búsqueda para descu-

Hugel

brir su leyenda personal y cumplir sus sueños. La cautivadora narrativa de Coelho y sus profundas reflexiones sobre el espíritu humano hacen de este libro una lectura obligada, ya que explora maravillosamente temas como el auto descubrimiento, el destino y la búsqueda del verdadero propósito en la vida.

Película AIR

Mi película favorita de todos los tiempos es AIR, que retrata con brillantez la cautivadora historia del histórico fichaje de Michael Jordan por Nike y la creación de la emblemática zapatilla Jordan 1. Esta película capta magistralmente la esencia del espíritu de Michael Jordan y capta magistralmente la esencia del incomparable talento de Jordan, su ascenso al estrellato y el revolucionario impacto que su asociación con Nike tuvo tanto en la industria del deporte como en la de la moda. Desde su apasionante narración hasta sus impresionantes imágenes, AIR es una película imprescindible para los entusiastas del deporte, los adictos a las zapati-

llas y cualquiera que busque inspiración en la fusión del deporte y la creatividad.

Deporte Boxeo

Mi deporte favorito es el boxeo, y actualmente estoy mejorando mi técnica en el ring. Mi objetivo ahora es participar en intensas sesiones de sparring durante al menos 6 asaltos, cuatro veces por semana. Desafiándome a mí mismo con regularidad, pretendo mejorar mi resistencia, mi técnica y mi destreza general en este deporte.

Hobby Lacocina

La cocina no es sólo un hobby para mí, significa una parte esencial de mi cultura francesa. A medida que me sumerjo en el mundo culinario, busco constantemente nuevos trucos y técnicas para mejorar mis habilidades y mis platos. Con cada aventura culinaria, me esfuerzo por superar mis límites y convertirme en un mejor cocinero, abrazando la rica herencia y los sabores que definen la cocina francesa.

*Escanea el QR y entérate de las novedades de Hugel

Off The Record

Hector Oaks

¿Cuándo fue tu última mentira y por qué? Al encargado del club… “te prometo que es la última”.

Aquello que siempre has querido que te preguntaran y nadie te ha preguntado… No sé cual sería la pregunta pero siempre me apetece contar esta situación bastante absurda que se da a menudo:

Una rave de miles de personas, el soundsystem a tope, yo tocando con platos y mucha gente alrededor de la mesa. Cada vez que hay un drop o un cambio la gente enloquece golpeando la mesa y haciendo que la aguja salte. Me veo en la situación de estar montando un pollo tremendo y a la vez pidiendo calma a los ravers.

¿Qué es lo primero que te gusta hacer cuando llegas a un club/festival?

Tomarme un espresso o chequear el room y confiar que los técnicos no hayan cambiado todo el set up del soundcheck. Y si no he podido asistir, rezar para que hayan seguido el tech rider y no hayan decidido hacer su propia versión.

¿Cuál es la mejor comida para pasar la resaca?

La paella de mi abuela.

¿Qué track no puede faltar en tu set y por qué?

Siempre cierro con esta acapella del final de Player Three, un disco mítico de los early 2000 que samplea a Jeru Damaja (recientemente repressed en OAKS) que dice: “But I won’t compete in this competitions because I have a greater mission”.

¿Cuál ha sido el mejor momento de tu carrera hasta la fecha?

Creo que el momento presente es el mejor y el por venir es donde me encuentro más libre. Tengo los recursos para hacer todo lo que quiero artísticamente, llego a más gente y puedo inspirar a más personas a ser ellas mismas.

El momento más embarazoso de tu vida… El año pasado toqué un closing de Herrensauna en Berlín en RSO y estaba encabezonado con llevar mi mesa de casa (una rotary MASTERSOUNDS RADIUS V2). El caso es que tuve que movilizar a media plantilla de la discoteca para conseguir que me dejaran ponerla (técnicos, bookers, management…). Después de tanto esfuerzo, al tercer o cuarto track, el power supply empezó a fallar dejando la sala sin sonido varias veces hasta que tuve que conectar su mesa. He de decir que luego los chicos de Mastersounds me mandaron un power supply nuevo y la he usado varias veces más en clubes sin problemas.

*Hector Oaks actuará próximamente en Sonus Festival

FOCUS ON CASA SONIDO

Autor: Sergio Parrado

Felipe Venegas es uno de los artistas chilenos más importantes e influyentes de los últimos tiempos. Gracias a su gran formación como músico clásico de conservatorio ha podido sacar producciones de muchos quilates en varios de los sellos más importantes del mundo y hacer giras por infinidad de países. En 2017 da un giro a su car-

rera y monta el proyecto Casa Sonido, donde desempeña otra de sus grandes pasiones: la enseñanza. Aquí, junto a un equipo de grandes profesionales, forjan con mucha sensibilidad la carrera de infinidad de DJ’s y productores. Un proyecto muy interesante que destaca por la calidad humana de quienes están detrás.

DJ MAG MINI TEST

¿Una ciudad? Berlín

¿Un club?

Fabric London

¿Un libro? Biografías de Músicos

¿Una comida? Sushi

¿Una serie? Narcos

¿Una película? El Padrino 1

¿Casa Sonido? Una revelación

A¿Cuál es el origen de Casa Sonido?

El origen de Casa Sonido tiene sus bases en un profundo deseo de contribuir al desarrollo de la cultura musical electrónica en Chile a través de un enfoque personalizado en la formación y el crecimiento de los artistas. Nos dimos cuenta de que la música moderna muchas veces pone a la tecnología por encima de la expresión artística, así que decidimos empezar un proyecto donde el talento de nuestros alumnos fuera el centro de gravedad en sus inquietudes creativas y no la tecnología en sí. Esta visión humanista es parte esencial de nuestra identidad educativa y es uno de los atributos más valorados por nuestra comunidad estudiantil.

artista?

Es maravilloso saber que la academia sigue experimentando un crecimiento natural respaldado por todo el ecosistema en el que se encuentra. El cambio de sede que se avecina permitirá ampliar la capacidad de alumnado y brindar más oportunidades a aquellos interesados en la música electrónica. Además, la apertura de cursos especializados bajo demanda con artistas importantes de la escena es un gran avance que enriquecerá aún más la propuesta educativa.

Nuestros cursos cubren el desarrollo musical de los artistas electrónicos en cualquier etapa de su proceso de formación, desde los primeros pasos hasta el avance en sus carreras profesionales. La metodología que utilizamos brinda atención individualizada a cada estudiante para maximizar su potencial artístico y fomenta la exploración de nuevos sonidos, la experimentación y la innovación en la música electrónica. Dentro de los diversos cursos que ofrecemos, podemos encontrar aquellos destinados a la formación integral del DJ y el productor moderno. Sin embargo, cabe destacar que también ofrecemos programas especializados en el manejo de grandes escenarios o el live performance, por nombrar algunos.

CAparte de la formación, ¿qué otras cosas nos puede ofrecer Casa Sonido?

Con los años hemos ido construyendo un ecosistema cultural sostenible que mantiene sus bases en la comunidad local y en la generación de valor tanto para la escena chilena como para los artistas de nuestra academia que la componen. A día de hoy, este enfoque nos ha permitido crear 2 sellos discográficos; Casa Sampler® (sub-label de Drumma Records) y Shakti Records®. Nuestro festival; Sonidiano® y también una agencia de booking internacional llamada Ritmical®. Y a finales de 2022, realizamos la primera versión de un foro sobre música, cultura e industria de la música electrónica local llamado Bonus Talk®.

Además de nuestras plataformas, colaboramos con grandes aliados para que nuestros alumnos puedan exponer su música en eventos, festivales y clubs. Y, por último, pero no menos importante, brindamos espacios para la interacción, el intercambio de ideas y el networking en nuestra comunidad activa con más de 650 miembros la cual hemos bautizado como La Cofradía.

En cuanto a mi carrera artística, continúo activo y comprometido con mi música. Seguir tocando regularmente hace que mi pasión y dedicación por la música sigan intactas. Realizo remixes, lanzo EPs durante el año y apoyo mucho al talento emergente haciendo colaboraciones que puedan sumarle a sus carreras. Siento que el panorama musical actual necesita artistas que puedan romper los límites y ofrecer algo fresco y original, por lo que volveré al estudio a crear nuevos tracks en el futuro cercano para aportar valor a la escena a través de mi música.

En resumen, tanto la academia como mi carrera artística tienen emocionantes planes para el futuro. La academia continuará contribuyendo a la cultura de la música electrónica en el país, mientras que yo, como artista, seguiré trabajando en nuevas producciones y presentaciones en vivo.

ECarta libre para decir lo que quieras…

Como artistas, es crucial que nunca dejemos de explorar y profundizar en nuestras inquietudes creativas. Cada nuevo sonido, cada experimento audaz, nos acerca más a descubrir nuestra identidad en este género en constante evolución. Es fundamental formarnos constantemente, expandiendo nuestro conocimiento técnico y musical. Las herramientas y técnicas están en constante cambio, y estar al tanto de las últimas tendencias nos permite mantenernos relevantes y sorprender a nuestro público. ¡No tengas miedo de sumergirte en lo desconocido! La música electrónica necesita de mentes inquietas y valientes dispuestas a crear un futuro sonoro emocionante.

D¿Qué planes futuros podemos esperar de Casa Sonido como academia y de Felipe Venegas como

B¿Qué tipo de programas educativos podemos encontrar en la academia?

Kesia TRACKS 5

Prok & Fitch 'Tears' (Latmun Remix) [Suara]

Cuando empecé a descubrir más sobre el tech house europeo, encontré los temas de Latmun y abrió mi visión sobre el estilo que realmente quería tocar y producir. Aunque en ese momento casi nadie estaba tocando o produciendo tech house en Brasil, yo quise intentarlo. Latmun tiene mucho talento, este tema fue el primero suyo que escuché y me encantó.

Charlie Brown Jr 'O Preço' [EMI Brasil]

Es una canción de mi grupo favorito, también son de Brasil. La letra habla de una persona que pasó por momentos difíciles y siempre soñó con vivir de la música, el sueño del vocalista en este caso. Me encantaba esta canción cuando era adolescente, y hoy veo que también hablaba de mi vida, incluso cuando no sabía que podría llegar a trabajar en la música.

Iglesias 'Agony' [Revival Nueva York]

Desde que escuché ‘Agony' por primera vez, ¡me enamoré! Los arreglos y las voces de este tema son muy buenos. Siento una gran emoción cuando la escucho. Iglesias es un productor muy creativo, adoro muchos de sus temas y cada vez que escucho su música me inspira a probar cosas diferentes en el estudio, sin duda es uno de mis productores favoritos ahora mismo.

Frank Ocean 'Lost' [Def Jam Recordings]

Fue uno de los temas que me hizo darme cuenta de que quería dedicarme a la música cuando tenía 19 años. Me encanta la voz de Frank, y cuando escuché este tema como remezcla en el club me conmovió mucho y empecé a prestar más atención al trabajo de un DJ. La versión original sigue siendo mi favorita.

Anna 'Odd Concept' [Diynamic]

Este tema techno fue una de mis inspiraciones cuando empecé a aprender a pinchar. Estaba entre el techno y el tech house cuando empecé, y este tema me dio muchas alegrías en aquella época. Los sintetizadores, la tensión... Todos los elementos de esta pista en general son geniales. Anna es una inspiración para mí como mujer productora, y como persona que también decidió dejar su (nuestro) país para empezar su carrera fuera.

ELECTRÓNICA & ROLL

Autor: SERGIO BIFEIS

Pleno verano y queremos seguir recomendando álbumes refrescantes desde estas líneas, y no solo para esta época estival, sino con hechuras para colarse entre lo mejor del año dentro de 5 meses. Guy el segundo trabajo en larga duración de Jayda G que ha editado a través de Ninja Tune. Antes de hablar de este trabajo deberíamos hacer un recorrido por la carrera de esta compositora, productora, DJ, activista y toxicóloga ambiental que actualmente es una de las figuras más solicitadas en festivales y clubs alrededor del mundo. Una reina del House.

Jayda G es canadiense, oriunda de Vancouver, y tras mudarse a Berlín se hizo un nombre reputado dentro de la escena más underground gracias a trabajos propios que editó en Freakout Cult, el sello que creó junto a Fett Burguer. En 2019 saltaría al siguiente nivel con su primer álbum Significant Changes en Ninja Tune, donde abrazó el house y el Deep house más clásico sin remilgos en un gran paso en su carrera que le llevó mudarse a Londres. Luego llegó el single ‘Both Of Us’, un tema lleno de positividad que nos alegró durante la pandemia, que se convirtió en su hit y llegó a estar nominada al Grammy. Ya estás en otra liga cuando además de protagonizar un DJ Kicks, lanzas remezclas a artistas pop del cariz de Taylor Swift y Dua Lipa.

Y volvemos a Guy, el disco donde la emotividad recorre toda la obra. Un LP que explora y explota las cualidades de la artista como vocalista. Lo hace a través de 13 canciones, no demasiado largas, que se inspiran en sus raíces House, Disco, RnB y Soul, mientras enfatizan en una sorprendente sensibilidad como compositora pop. Todo ello intercalado con grabaciones de William Richard Guy, su difunto padre y el motivo del nombre del álbum. Estamos ante un trabajo que es un sentido tributo a su figura paterna y la vida que tuvo, porque esas grabaciones -de las que hay más de 11 horas, realizadas poco antes de que falleciera, cuando Jayda tenía sólo 10 años- forman la base de la narrativa del álbum. A su vez, captura una pequeña imagen de la experiencia americana, contada a través de los ojos de un joven afroamericano.

HERENCIA

Así su hija se las arregla mediante una combinación de citas directas y letras profundamente personales, para trazar un retrato de la vida de su progenitor en diferentes etapas y anécdotas. Desde sus primeros años en Kansas hasta su nueva vida en Canadá donde encontró su lugar en el mundo formando una familia, pasando por traumas como la guerra de Vietnam o conflictos raciales.

El álbum, que ha sido coproducido por Jack Peñate (SAULT, David Byrne, Adele), además de contar con la colaboración de Lisa-Kaindé Diaz (de Ibeyi) y Ed Thomas (Stormzy, Nia Archives, Jorja Smith), también rinde homenaje a su abuela y a la resistencia y la fuerza de las mujeres negras. Además, presenta varios giros más reflexivos, examinando no sólo el dolor por la muerte de su padre, sino también por lo que ha significado para Jayda G investigar su vida y escuchar estas cintas póstumas. Al final el disco es una experiencia vital en la que nos habla de ambos. Lo hace con un sonido lleno de groove y cargado de sofisticación. Un disco que entra muy bien con una ligereza sonora en contraste con la profundidad de su mensaje.

En definitiva, un viaje emocional que te atrapa, no desde la tristeza, sino desde un punto de vista positivo y edificante, casi hasta agradecido por el camino recorrido para realizarlo. Guy puede estar orgulloso del talento artístico que demuestra Jayda, que sin duda ha sido su gran herencia al mundo.

TARTAR DE SALMÓN NÓRDICO

INGREDIENTES

› Salmón nórdico fresco (calidad sashimi), 120 gr por persona.

› Aceite de oliva virgen extra

› 1/2 cidra BIO

› Queso parmesano (curado al menos 32 meses)

› Perejil

› Ajo silvestre

› Sal y pimienta

Este tartar fresco se puede consumir tanto como entrante, como plato principal. Resulta ligero y está plagado de sabores. Nos gusta mucho cocinarlo especialmente cuando el calor aprieta bien fuerte, ahora en verano.

• Lavamos bien la pieza de salmón fresco con abundante agua fría. Acto seguido la cortamos en cubos pequeños, no demasiado grandes.

• Ahora toca lavar y picar el perejil/ajo silvestre en láminas y dados pequeños. Ya podemos añadirle un chorrito de aceite de oliva.

• Cortar el queso parmesano, a ser posible del mismo tamaño que el perejil y el ajo silvestre.

• Colocar el salmón en un bol y sazonar con sal. Ahora echamos pimienta y un nuevo chorro de aceite de oliva virgen extra.

• Momento para poner todos los ingredientes en el mismo recipiente y mezclar. Los movimientos al mezclar deben ser suaves y sin presionar demasiado. De lo contrario, le sacaremos demasiado jugo al salmón.

• Colocamos las porciones en un buen plato y aprovechamos para exprimir un poco de zumo de limón sobre el tartar. Agregamos igualmente un poco más de pimienta fresca y otro tanto de queso parmesano.

• Recomendamos acompañar este plato con un buen vino rosado.

¡A disfrutar!

Lahox

Hablar de Mallorca no es sólo hablar de mi hogar, es hablar del hogar de muchas personas de nacionalidades diferentes que buscan una jubilación tranquila a la orilla del mar Mediterráneo y a tan solo unas horas de su país de origen.

Especificando un poquito más, mi hogar se encuentra al norte de la isla, en un pequeño pueblo de pescadores llamado Puerto de Pollensa. Me crié a tan solo unos metros de la playa y de aquí mi gran pasión por los deportes acuáticos como el kitesurf o el wakeboard, los cuales intento practicar cuando mi agenda me lo permite.

En el norte de la isla puedes ver uno de los atardeceres más bonitos (y me atrevo a decir que de el mundo) en la Talaia d’Albercuix, donde se encuentra el mirador del Colomer a más de 300 metros de altura con unas vistas panorámicas de 360º. Sin duda, una visita obligatoria. Eso sí, mejor ve con tiempo, pues es uno de los atractivos turísticos más transcurridos de la isla. Al ser un pueblo de pescadores, el marisco o el pescado fresco es uno de los indispensables en cualquier restaurante o “celler” de la zona. Pero como en todas las zonas turísticas, mi consejo es que eches un vistazo a las reseñas antes de ir, jaja.

Saliéndonos un poquito de mi zona (me gusta barrer para casa), Mallorca cuenta con más de 300 playas y calas, en su mayoría de aguas cristalinas como la playa de Es Trenc, Formentor, Cala Varques o Cala Mondragó y su Parque Nacional. Pero Mallorca no es solo Sol y playa, también es montaña. La sierra de Tramontana cuenta con varios de los pueblos más bonitos de España como son Valldemossa, Deia o Sóller. A este último recomendaría llegar en su tren de más de 100 años de historia, atravesando los pueblos nombrados anteriormente hasta el puerto de Sóller, donde podrás disfrutar de una de las mejores gambas rojas que jamás hayas probado.

Tampoco nos podemos olvidar de la capital de la isla, Palma. Una ciudad con historia romana, árabe y cristiana cuyo emblema es sin lugar

a dudas su majestuosa catedral a pie de mar, construida como templo dedicado a Santa María por Jaime I. Pasear por su casco antiguo te transporta a épocas pasadas con sus callejuelas llenas de vida y ocio, donde puedes encontrar desde tiendas de antigüedades hasta los restaurantes más sofisticados.

Recomendaría visitar la isla de Mallorca en cualquier época del año, ya que cuenta con más de 300 días de Sol al año. Sus playas y calas, su paisaje montañoso y su gastronomía mediterránea hará que te enamores de ella desde el primer momento.

Farrago

¿Qué canción te recuerda a tu infancia?

Daft Punk ‘Around The World’

¿Cuál fue el primer disco que compraste?

Thomas Bangalter - Trax On The Rocks (lanzado en Roulé)

¿Cuál es el disco más cursi de tu colección?

Bonzai Trance o Dance Opera

Me encantan los éxitos dance belgas, así que probablemente algo de Bonzai Trance o Dance Opera.

¿Qué canción te pone sentimental?

Florence + The Machine ‘Never Let Me Go’

¿Qué álbum te gusta actualmente?

Bandas sonoras de series/películas o videojuegos

No voy a mentir, rara vez tengo tiempo para escuchar discos. Cuando termino de investigar música y de escuchar demos, me gusta darle un pequeño descanso a mis oídos. El único otro tipo de música que consumo son bandas sonoras de series/películas o videojuegos.

¿Cuál es el disco de tu colección que más atesoras?

Un EP de Schatrax

Tengo un EP muy raro de Schatrax que me sentí muy orgulloso de encontrar tras diggear en Spacehall.

¿Cuál es tu canción favorita de todos los tiempos?

Kiss ‘I Was Made For Lovin’ You’

Autora: PATRICIA PAREJA

*ESCANEA EL QR PARA DESCUBRIR LO ÚLTIMO DE FARRAGO

HARMONY OF DESIGN AND PLAYABILITY

Sloping top plate, curved front edge, and elegant aesthetics

STANDALONE 4-DECK PLAYBACK

Jog ring illumination matches the color of each deck

EASY-TO-USE PROFESSIONAL EFFECTS

XY-Pad for Beat FX, plus Smooth Echo and Sound Color FX

SUPPORT FOR MULTIPLE MEDIA SOURCES 4 x USB inputs, plus Wi-Fi and Bluetooth connectivity

RAPID AND ACCURATE TRACK SEARCH 10.1-inch touch screen with keyboard and Playlist Bank, plus new Smart Rotary Selector

ZONE OUTPUT

Separate from the master, the zone output can play different music in a different room

PROFESSIONAL ALL-IN-ONE DJ SYSTEM

TENDE

SOUNDSET SERIES

El Centro de Cultura Contemporánea ha sido testigo este año de cómo emergía un nuevo ciclo musical orientado a propuestas artísticas más vanguardistas y contemporáneas dentro de la música electrónica.

El nuevo ciclo, llamado Soundset Series y comisariado por la plataforma Delicalisten, que lleva más de una década especializada en el comisariado artístico y la producción de eventos audiovisuales. El objetivo de este nuevo ciclo ha sido el de llevar al centro cultural una propuesta musical que invita a la escucha atenta y profunda, dando espacio a aquellos creadores y creadoras disidentes que abren nuevos caminos en la escena electrónica, que además exploran los distintos prismas del sonido y cuyas obras llegan a alterar los estados de consciencia.

Soundset Series comenzó con la propuesta del alter ego del músico italiano Guido Zen, Abul Mogard, que además de poseer una discografía admirable, se ha convertido en uno de los músicos imprescindibles en la escena experimental

europea, con un universo sonoro que viaja del ambient al drone, con un protagonismo incipiente de los sintetizadores modulares hechos por él mismo. Junto a la música de Mogard estuvieron los loops de guitarra eléctrica, las reverberaciones y los delays que crean paisajes oceánicos del músico multiinstrumentista Rafael Antón Irisarri, pilar de la escena ambient-drone internacional.

La siguiente cita la protagonizaron el dúo de Manchester Space Afrika, formado por Josh Reidy y Joshua Inyang, quienes hacen música que ellos mismos describen como mosaicos oblicuos de diálogo, ritmo, textura y oscuridad placentera. En cada uno de sus discos exploran distintas temáticas y van ampliando su abanico sonoro, cargándola de significado y buscando una representación de todo aquello que les rodea en clave dub techno. Por otro lado, pasaron por Madrid Ylia y Valentina Magaletti, que se unieron para presentar una pieza inédita compuesta en una residencia artística en colaboración con con el Instituto Italiano di Cultura.

Autora: HELENA BRICIO

NCIAS

La cuarta fecha de este ciclo tuvo lugar el 17 de marzo con la música californiana Ana Roxanne, quien mezcla distintas influencias que van del jazz al dream pop pasando por el folk hindustaní y cuya voz es la pieza central de su música. Para cerrar la jornada el público pudo disfrutar del dúo formado por Aho Ssan y KMRU, quienes llevan trabajando en este proyecto conjunto desde hace uno años, culminando con el lanzamiento de su disco ‘Limen’, el cual ha sido aclamado por la crítica y además se encuentra publicado en el prestigioso catálogo de Subtext. Una tarde en la que el ambient y el noise se entremezclaron con el maximalismo post-industrial, el noise y espacios sonoros cargados de texturas.

Por último, este primer ciclo de Soundset Series se ha cerrado el pasado 24 de junio con la celebración del Día Europeo de la Música con una de las artistas referentes de la música electrónica contemporánea, la compositora y música italiana Caterina Barbieri. Considerada como una virtuosa en la creación musical con sintetizadores modulares única en su técnica y en su forma de presentarla al público, llegó al patio del centro cultural acompañada del espectacular diseño de luces de MFO y los visuales de Rubén Spini para presentar su último álbum, ‘Spirit Exit’.

Fotografía: Camille Blake

CÓMO PRODUZCO

FIXON >2023

FIXON

Son muchos años produciendo, por lo cual mi proceso creativo se ha ido simplificando y transformado muchas veces. Aunque siempre existe el reto de ir evitando vicios en los que comúnmente caemos como productores, así que procuro arrancar diseñando un kick, suelo utilizar Operator de Ableton (DAW con el que trabajo desde el año 2004) o con Heartbeat de Softube. Creo kicks con alto contenido de armónicos, los cuales paso por un Distortion DS-1 de Boss para después mezclarlo con un kick limpio de TR909 o TR808. De esta forma consigo profundidad, cierta cantidad de distorsión y ese toque “sucio” que caracteriza mis producciones.

Este kick lo acompaño de un bajo o varios y subsónicos que pueden venir de distintas fuentes (software o hardware). Para mí, es indispensable tener una concentración importante de energía en las frecuencias bajas, por ello dedico tiempo a esos 2 procesos, los cuales son complementados con elementos rítmicos clásicos como hats, snares, claps y rides, que al igual que con el kick, mezclo elementos de diseño propio con sampleos de cajas de ritmos y los proceso buscando un alto contenido armónico en determinados sonidos. Con esos primeros pasos logro tener una base rítmica sólida y contundente.

En algunos casos, acompaño esta base con figuras de low toms con mucha distorsión con la finalidad de rellenar espacios dentro de la figura 4/4 de un kick de música electrónica bailable, y otorgar un groove particular a cada producción.

Una vez diseñado este loop percusivo, comienzo el diseño sonoro de mis leads, stabs o líneas melódicas. No tengo una fuente fija, utilizo muchos sintetizadores que yo mismo diseño en Reaktor o en Max. También me gusta el resultado que me da el “Modular V3” (Arturia) y el Modular (Softube). Este último es mi favorito para grabar sesiones largas y sacar pequeños fragmentos que utilizo como “acentos” en mis tracks.

A partir de aquí cada track y la idea que tengo de él me “pedirá solo” más o menos elementos, algunas veces una percusión escrita de manera sincopada, un pad profundo, algo de sampling de alguna voz, etc., depende del rumbo decidido.

Durante todo el proceso, me gusta ir puliendo cada elemento e ir realizando una simple premezcla. Algo que siempre recomiendo a mis alumnos en mi fase como docente es no dejar de lado este paso, debido a que te ayuda a acercarte a tu ideal en cada momento y sirve como ejercicio para no dejar tus tracks sin terminar… Espero que se entienda.

Me gusta comparar mi trabajo con quien pinta un cuadro, los elementos antes mencionados representan mi paleta de colores con los que trabajaré y mi secuenciador el lienzo en el que plasmar las ideas. En este proceso encuentro una de mis fortalezas.

Existen distintos tipos de estructura para cada track. A mí me gusta la clásica con un “intro”, un par de pequeños breaks, un break down principal y un “outro”. A mi gusto, esto me permite ser mucho más creativo, no puedo vivir haciendo todos los breaks iguales y eso significa un reto interesante para mí como productor.

Con los elementos que tengo, hago un loop gigante de unos 6 minutos y aplico una técnica sustractiva de producción, en la que voy dando una forma a la estructura antes mencionada, eliminar, eliminar, eliminar, hasta tener una evolución coherente en el track (lógicamente esto es a grandes rasgos).

La posproducción para mí significa otorgarle alma al track, hacer que esas entradas y salidas tengan matices por medio de automatizaciones. El procesamiento demandado por cada elemento es una tarea a la que dedico tiempo, cada compás debe aportar algo y, por ello, trabajo con bastantes canales de retorno/envío en los que coloco reverbs con distintas profundidades (NI), algunos delays, básicamente procesadores de tiempo… Es momento de hacer que deje de sonar a un loop y se convierta en un track de Fixon.

Puedes encontrar la versión impresa gratuita de DJ Mag ES en:

MADRID

GHETTO SHOP

Embajadores 13

INTED ELECTRONIC MUSIC SCHOOL

Isabel La Católica 6, Pasaje Comercial, Local 14

SAE INSTITUTE

Álcalá 265, 2º Edif 4

TRADE DJ

Moratalaz 149, Posterior

RECYCLED MUSIC CENTER

De la Palma 39

EL ALMACÉN DE DISCOS

Minas 13

TRADE FORMACIÓN

El Electrodo 5, Posterior, Rivas - Vaciamadrid

BARCELONA

33 | 45 BAR & GALLERY

Joaquín Costa 4

DISCOS PARADISO

Ferlandina 39

DISCOS REVOLVER

Tallers 13

TVINYL

Valldonzella 25

BRIDGE 48

Llull 48

ACADEMIA PLASTIC

Calabria 95

MICROFUSA

Ronda Guinardó 65

THE BASS VALLEY

Passatge Can Politic 13, Hospitalet de Llobregat

IBIZA

METRICA RECORDING STUDIO

De la Muralla 5, Sant Jordi Ses Salines

EGB IBIZA

Av. de Bartomeu de Roselló 16, Ibiza

AMANTE BEACH

Cala Sol d’en Serra, Calle Afueras, Cala Llonga

BLUE MARLIN IBIZA

Cala Jondal

DESTINO PACHA IBIZA RESORT

Cap Martinet, Talamanca

EL CICHETTO

Porreres 8, Ibiza

EL PUERTO IBIZA HOTEL Y SPA

Carles III 24, Ibiza

ELEMENTS IBIZA BEACH CLUB

Cala Benirras, Ibiza

ES CAVALLET CHIRINGUITO

Playa Es Cavallet, Ibiza

HOSTAL LA TORRE

Ctra. Cap Negret 25, Sant Antoni de Portmany

HOSTAL TALAMANCA

Playa Talamanca

HOTEL ARGOS

Playa de Talamanca, Carrer de S’Illa Plana

HOTEL HARD ROCK

Platja d’en Bossa, Sant Jordi Ses Salines

HOTEL OKU

Camí del Portixol 2, Sant Antoni de Portmany

HOTEL SIMBAD

Ses Figueres 22, Ibiza

LA CHICKERIA

Venda de Can Llàtzer 19, Santa Gertrudis

LOCALS ONLY

Plaza del Parque 5, Ibiza

PIGRO

Antoni Planells Ferrer 3, Ibiza

PIKES HOTEL

Camí de Sa Vorera, Sant Antoni de Portmany

PRINCE

Quartó de Portmany 2, Ibiza

SLUIZ

PM-804, Santa Gertrudis

TIKI TAKO

Ramón y Cajal 9, Ibiza

TRATTORIA DEL MAR

Botafoch 219, Ibiza

USHUAÏA IBIZA BEACH HOTEL

Ctra. de Platja d’en Bossa 10, Sant Jordi de Ses Salines

ASTURIAS

THE BASS VALLEY & STUDIO DJ CENTER

Jil de Jaz 3, CC Galerías Pidal, Local 14

BILBAO

POWER RECORDS

Villarías 5

ESCUELA BAFFLE DJS

Travesía Tivoli 3

CASTELLÓN

ENIGMA IMPORT RECORDS

Prim 10

CÓRDOBA

EVIL SOUND RECORDS

Arcos de la Frontera 18, Local 6

GIRONA

EUMES De Baix 2

GRANADA

DISCOS BORA BORA

Plaza De la Universidad, 11

ACADEMIA FÓNICA

Santo Tomás de Villanueva 12, Bajo

GUIPÚZKOA

DABADABA

Mundaitz Kalea 8

PONTEVEDRA

PLAYGROUND STORE

Conde de San Román 10

SEVILLA

TOTEMTANZ

Amor de Dios 66

ASOC. BREAKING BASS

Pasaje Mallol 18B

VALENCIA

STRAP

Av. Blasco Íbañez 33

ZARAGOZA

XPRÉSATE ESCUELA

Espacio Joven, Fernando El Católico 1-3

puntos de distribución, escríbenos a: info@djmag.es

JULIO DEL AMOR

Estamos en pleno verano y para este mes caluroso os traigo diferentes noticias que os servirán para refrescar, aunque sea solo eso, vuestras próximas decisiones importantes. Para comenzar os describo la nueva plataforma Groover, para luego entrevistar a los responsables de la escuela gallega de producción musical IGMA. Hablo también con el ‘recién’ llegado de Argentina, Guersman, y comenzamos El Rincón revisando el discazo recién editado de Daddy Squad. Cógete un refresco bien fresquito, un aperitivo suculento y disfruta de una buena lectura.

DADDY SQUAD - ALL DAY ALL NIGHT AUTOMATIC

El Nu-disco se renueva con este nuevo largo

AAA Battery

Ya puedes disfrutar de la nueva maravilla recién publicada del dj y productor inglés Daddy Squad. Trece canciones que renuevan el sonido indie dance más club del mercado. Un conglomerado de estilos que abarcan el disco, el boogie, el house 90s o el ítalo más fresco en una producción musical impecable y un sonido auténticamente Andrew Armstrong. Algunas de las canciones como ‘We´re So Lovely’ demuestran una auténtica actualización de todos estos géneros que marcaron tendencia a mediados de los 80s y los 90s. Recomendado 100%.

TRACKLIST

01. AND YET…FT ERIC SZMANDA

02. TOGETHER FOREVER

03. MUSIC4THEMIND

04. WE CAN WORK IT OUT

05. A HABIT I CAN´T BREAK – CLUB MIX

06. ALL DAY ALL NIGHT AUTOMATIC

07. I CAN FEEL IT – CHINASKI REMIX

08. THE ESCAPE

09. MY MAGIC NUMBER – LAUER REMIX

10. WE´RE SO LOVELY – HARD TON VS DADDY SQUAD REMIX

11. THE CONSTELLATIONS OF JUJU

12. THE GLAMONATRIX THEME

13. THE OBJECT

(LUIS V PR, COMO LAS GRECAS)

Electrónica

SOBLE – QUIEN ERAS

EXPmental Records

El dj y productor nacional Soble acaba de sacar un gran original con una voz flamenca que convierte la canción en una obra maestra atemporal, ‘Quien Eras’. Hablo con él con motivo de este nuevo lanzamiento en la etiqueta franco-española EXPmental Records.

¡Hola Jesús! Sabemos que eres de la vieja escuela, eres productor y dj con una dilatada experiencia, ¿Cómo fueron tus comienzos? ¿Con cuántos lanzamientos cuenta tu discografía? Danos detalles…

Mis comienzos fueron hace más de 20 años, como bien remarcáis yo empecé con la vieja escuela, por aquel entonces yo era “Jesus Soblechero” (dj y productor de techno), fueron muchos los años en los que “arrastré” mi maleta de vinilos por los clubs. Después de recorrer innumerables clubs (tanto dentro como fuera de España) y después de evolucionar a un sonido más Techno-House, un buen día decidí dar una vuelta a todo y comencé el proyecto Soble, con el que quería alejarme en cierto modo de la pista de baile y hacer la música que sentía en ese momento. Fue entonces cuando entré en el mundo del Downtempo, que es lo que desarrollo a día de hoy.

Si hablamos desde mis comienzos discográficos, cuento con más de 200 lanzamientos (digital y vinilo) pero en este proyecto como Soble me tomo las cosas con más calma, cuido mucho más cada lanzamiento y sobre todo el sonido, podéis encontrar unos 20 lanzamientos desde que Soble vio la luz en sellos como Amselcom, Leveldva, Café De Anatolia, LNDKHN…. Y por supuesto mi regreso a EXPmental después de unos cuantos años.

En tu vertiente artística sabemos que tu proyecto Soble acaba de publicar un track en la compilación de Mental Picks Vol. 41. Cuéntame el proceso de producción de esta gran canción.

El proceso de producción de cada canción es bastante largo desde que inicio un proyecto hasta que lo termino. Todos los sonidos están hechos “a mano” con mis sintetizadores analógicos y mis grabaciones orgánicas. No suelo tener un patrón definido cuando me siento en el estudio, si una idea me ronda por la cabeza intento dibujarla en Ableton. Es por eso que muchas veces salen temas para escuchar tranquilamente y otros pueden ir más enfocados al club. Lo importante para mí es hacer siempre lo que siento, sin importar el resultado ni a quién va dirigido, trato de causar alguna sensación en mis tracks. Si mi música te hace bailar o hace que te relajes o la disfrutes en un momento preciso, para mí la misión está completada.

¿Tu actuación es solo como DJ o tienes también el formato Live?

El formato en el que actúo actualmente es como DJ con platos, CDs y vinilo. Siempre es gratificante (si el sitio es adecuado) pinchar algún que otro vinilo, al fin y al cabo es de donde vengo. He estado trabajando en el formato Live, así que quizás en un futuro podréis verme en ese formato.

Y para finalizar, ¿qué futuras actuaciones tienes para los próximos meses? ¿Un nuevo álbum de Soble en EXPmental?

El próximo 20 de Agosto estaré actuando en Londres en el club LDNEAST, en el evento Worlds de SoundVision con Silicone Soul y otro grandes artistas. Y sí, habrá un próximo álbum en EXPmental, pero aún estamos trabajando en ello, así que será para el 2024.

y flamenco fusionados perfectamente en una canción

INSTITUTO GALLEGO DE MÚSICA AVANZADA

La mejor formación del norte de España IGMA

Si por casualidad eres del norte y estás buscando un lugar referente para formarte en aspectos relacionados con la producción musical, el sonido, el mundo del DJ o la composición, el Instituto Gallego de Música Avanzada es tu mejor opción. Hablo con su director (Toni Álvarez) y su coordinador de estudios (Marco Octavio) para que nos cuenten de primera mano cómo es IGMA.

¡Hola chicos! Para situar primero a los lectores, ¿cómo ha sido la evolución de la escuela hasta convertirse en la academia de Galicia más importante en este campo?

Nuestra escuela de producción musical y DJ fue fundada en 2017 con el objetivo de proporcionar una experiencia educativa única y de alta calidad para los estudiantes interesados en la música electrónica. Desde entonces, hemos colaborado con algunos de los mejores productores y DJs para desarrollar un plan de estudios innovador y actualizado que aborde los desafíos y oportunidades de la industria musical moderna. Nuestra dedicación a la excelencia académica y a la experiencia práctica ha sido reconocida por los estudiantes y profesionales de la industria, lo que nos ha permitido convertirnos en la mejor escuela de producción musical y DJ de Galicia.

¿Qué diferencia a IGMA de otras instituciones educativas en el campo de la producción musical y el DJ?

Creemos que la principal diferencia radica en nuestro enfoque en la experiencia práctica. Nuestro plan de estudios está diseñado para proporcionar a los estudiantes la oportunidad de trabajar en proyectos reales y colaborar con otros músicos y productores. Además, nos aseguramos de que nuestros profesores

sean profesionales en activo en la industria de la música, lo que significa que los estudiantes tienen acceso directo a las últimas tendencias y técnicas en producción musical y DJ. También ofrecemos una amplia gama de recursos y equipos de vanguardia para garantizar que los estudiantes tengan las herramientas que necesitan para tener éxito.

¿Cómo ha sido la respuesta de los estudiantes y la industria musical al programa de estudios de la escuela?

Hemos tenido una respuesta increíblemente positiva tanto de los estudiantes como de la industria musical. Los estudiantes han elogiado la calidad de nuestra enseñanza y la oportunidad de trabajar en proyectos reales, mientras que la industria ha reconocido la calidad y profesionalidad de nuestros graduados. Hemos tenido muchos graduados exitosos que han trabajado en la producción de música y DJ en muchos países, y muchos de ellos han regresado para compartir su experiencia con los estudiantes actuales.

Y para finalizar… ¿Qué planes de futuro tenéis para IGMA?

Actualmente estamos trabajando en la expansión de nuestra oferta educativa para incluir cursos en aéreas relacionadas con la gestión de eventos, la producción audiovisual y la producción de sonido para cine y televisión. También estamos trabajando en colaboración con la industria musical para desarrollar oportunidades de pasantías y prácticas profesionales para nuestros estudiantes. En última instancia, nuestro objetivo es seguir siendo una institución líder en educación musical avanzada y preparar a nuestros estudiantes para el éxito en la industria musical.

GUERSMAN – TIMEFALL

El techno argentino aterriza en Barcelona

XTR Records

El DJ y productor Guersman acaba de lanzar un potente single a través de la etiqueta madrileña de Furia. Nos cuenta cómo ha sido su traslado a la ciudad condal y nos habla sobre su nuevo trabajo en XTR Records, ‘Timefall’. ‘Timefall’ es un track de techno melódico lleno de elementos futuristas de primera clase, vocales originales y melodías que te transportarán a otro lugar. Descúbrelo mientras lees la entrevista enfocando tu cámara a la imagen QR.

¡Hola amigo! para comenzar, ¿podrías contarnos algunos detalles sobre tus comienzos en la electrónica? ¿Dónde naciste y cómo te introdujiste en este mundo? ¿En qué ciudad o lugar resides actualmente? ¿Cómo influye tu entorno en tu trabajo artístico?

Soy de Argentina, de la provincia de Tucumán, bien al norte del país. Desde el 2019 resido en Barcelona. Desde pequeño comencé con la música gracias a mis padres, que también son músicos… él es director y violinista y ella cantante. Mi camino con la música comenzó estudiando el violín, después estudié en el conservatorio y luego formé parte algunos años en la orquesta juvenil y sinfónica de mi ciudad hasta que un día conocí la electrónica… Un increíble 31 de diciembre donde ‘main’ tocaba Satoshi Tommie. Recuerdo que en ese momento supe de alguna forma que este era el camino que quería seguir. En la música electrónica encontré la posibilidad de unir todos aquellos recursos musicales que siempre me fascinaron.

Hablemos de tu discografía. ¿Cuántos álbumes has lanzado hasta ahora y cuál es el estilo predominante en tu música?

Mi sonido hoy es melodic techno. Hasta el momento participé en 3 lanzamientos. El primero fue en 2022 donde formé parte de una co-producción de 2 tracks para el EP de un gran amigo y talentoso artista que quiero mucho, Nick Varon. Fue lanzado a través del sello Dawn Till Dusk de Balance Music. A finales del mismo año publicamos un EP de 4 tracks titulado Perceptions,

el cual fue publicado de forma independiente. Y en este 2023 acabo de editar ‘Timefall’ a través de XTR Records.

Este último single ha sido incluido en la importante playlist Electronic Rising de Spotify. ¿Qué puedes contarnos al respecto? Y ¿cuál fue tu inspiración detrás de él y qué tipo de sonido exploraste en este proyecto?

Así es, sacamos este single hace poco a través de XTR Records y estamos muy contentos con la recepción que ha tenido en muchas plataformas. Este single es una canción que comencé a componer en el primer viaje que hice cuando terminó el lockdown. La elección de sonidos y texturas fue un poco una mezcla entre ese sabor amargo y oscuro que nos dejó la pandemia y la esperanza optimista y luminosa por todo lo bueno que aún tenemos y podemos construir como humanidad.

Además de tu trabajo en el estudio, ¿actúas como DJ o solo te enfocas en actuaciones en vivo con tu propio material? Háblanos sobre tu equipo de producción musical y set up, los instrumentos o softwares que utilizas para crear tu música, etc.

Sí. En realidad, tocar en vivo es lo que más disfruto y a lo que dedico más tiempo. Actualmente toco en formato live donde utilizo Ableton como ‘main’ y otros instrumentos como synths en vivo, vocales, guitarra y violín. Es un live con tracks propios y con un sonido full melodic techno.

Y, por último, ¿hay alguna noticia o proyecto emocionante en el que estés trabajando actualmente y que nos puedas adelantar?

Estoy muy feliz porque estamos comenzando la gira de verano, donde estaré tocando por primera vez en diferentes ciudades de Europa como Amsterdam, Bruselas, Paris o Berlin, y por supuesto España. ¡Poder llevar mi música a diferentes lugares es un sueño haciéndose realidad y estoy muy agradecido por eso!

LA VOZ DE LA INDUSTRIA -

Hablamos con Hugo Quintanilla, profesional de la industria de la música desde hace 25 años. Nos cuenta un poco más de cerca el proyecto que tiene entre manos, Backline Pro DJ, un proyecto que ofrece servicios de backline con las mejores marcas con sede en Barcelona y operando en el resto de España.

Hola Hugo, un placer poder charlar contigo. Cuéntame, ¿cómo aparece música electrónica en tu vida?

Hola equipo, un placer poder charlar contigo también. La música electrónica aparece en mi vida en Vigo (Galicia). Hubo una explosión de cultura techno y música electrónica que generó numerosos eventos y festivales, gracias a los DJs locales y las ganas que tenía de ir, conseguí ir a Sonar 97, momento en el que apareció realmente.

¿Cuándo empiezas a dedicarte por completo a la industria musical? ¿Algún recuerdo que puedas compartirnos de aquellos inicios?

Empecé a dedicarme por completo a mi profesión en plena gira con Massive Attack, esta gira es uno de mis mejores recuerdos, poder ir de tour por toda Europa con tu grupo favorito… ¡Es un privilegio y una meta!

A continuación, empecé mi carrera en Space Ibiza… Y estos son los recuerdos de los 15 años más bonitos que me han pasado en vida hasta día de hoy.

¿Cuánto tiempo llevas dedicándote al sector?

Nada más y nada menos que 25 años.

¿Cuál es tu experiencia en el sector y cómo ha evolucionado tu carrera?

A lo largo de mi carrera siempre he estado vinculado y se me ha reconocido como persona de sonido, pero mi experiencia es AV audiovisual. Desde que me establecí en Barcelona estoy desarrollando la parte de visual (o arte lumínico) con muy buenos feedbacks.

¿Siempre has trabajado en la industria de la música o vienes de otros sectores? ¿Qué querías “ser de mayor” cuando eras un niño?

Nunca he trabajado en otro sector que no fuese este. Cuando era niño siempre me llamó la atención la música, las discotecas y los escenarios, tenía claro que la industria musical formaría parte de mi vida tarde o temprano.

Y llega Backline Pro DJ a tu vida, ¿qué puedes contarnos del proyecto? ¿Cómo surge la idea?

Backline Pro DJ surge por defecto de mi profesión y la conjunción con otras marcas para propósitos de avances tanto técnicos como de marketing.

Autora: HELENA BRICIO

¿Qué objetivos tenéis con el proyecto a corto plazo? ¿Y a largo plazo?

Por el momento estoy muy centrado en planear proyectos a largo plazo, tan largo que pienso en diferentes sedes repartidas en España / Europa.

Imagino que este proyecto involucra a bastante gente, cuéntanos, ¿con quién te embarcas en esta aventura?

Mi entrada en Barcelona empezó como VTècnics, empresa de touring, y así sigue siendo. La idea de Backline surge trabajando con VTècnics, venía bien para el proyecto general ya que se especializa al 100% solo en la parte del escenario, con lo cual estoy rodeado de lo mismo de siempre. Soy muy afortunado por toda la gente con la que trabajo ahora.

¿El proyecto está localizado en un territorio concreto de España? ¿Y fuera de España?

El proyecto tiene como base Barcelona, pero operamos también en Ibiza y Alicante, hasta el punto de generar sedes por demanda.

¿En qué se diferencia Backline Pro DJ de otras propuestas del sector? ¿Qué servicios ofrecéis?

Nos diferenciamos por la experiencia de 25 años trabajando en los mejores clubs, discotecas y festivales que se han hecho y se harán y también nos diferenciamos por nuestros montajes, dispositivos y servicio efectivo.

¿Cuál es vuestro público objetivo o a quién están dirigidos estos servicios?

Nos consideramos una parte más en la producción, el nombre de este proyecto BACKLINE PRO DJ respeta y protege a nuestra cultura Backliner y aun a día de hoy seguimos peleando para establecernos como los Backlines de bandas. Nosotros hacemos DJ y Live a otro nivel audiovisual.

Como profesional de la industria, ¿cuáles son tus metas en la música?

Poder vivir de esto toda mi vida, no me imagino haciendo otra cosa. Para mí no es trabajar si no que es “un ritmo de vida” que no entiende ni de horas, ni finales.

¿Cómo podemos acercarnos a Backline Pro DJ y contratar sus servicios?

Estamos en plena construcción de un proyecto online donde todo será muy accesible e interactivo, pero por el momento podéis contactarnos por correo, teléfono e Instagram.

hugo@backlineprodj.com @backline_prodj

BACKLINE PRO DJ

EDX

TRES DÉCADAS DE MÚSICA

Nos adentramos en julio en DJ Mag España y para la ocasión tenemos el placer de presentar en portada a un artista con una larguísima trayectoria musical: Maurizio Colella, mejor conocido por todos como EDX.

De padres italianos, nació y se crio en Zúrich, Suiza. El artista lleva sumergido en la industria musical desde 1994, cuando aparecieron sus primeros mixtapes. Posteriormente colaboró con Leon Klein, con quien produjo numerosas compilaciones. En el 2000 ambos ganaron reconocimiento con el lanzamiento del sencillo ‘Gonna Catch You’, a través de Warner Music de Suiza, además produjeron varios remixes incluyendo los realizados para Kool & The Gang, Armand Van Helden y Steve Angello.

Desde entonces, la carrera musical de Maurizio no hizo más que avanzar a pasos agigantados y en la mejor dirección, con numerosas peticiones de remezclas de artistas tales como Armin van Buuren, Deadmau5, Kaskade, Axwell, Sebastian Ingrosso, Laidback Luke y Robbie Rivera. Poco después, Beatport lo ubicó en el top 3 de los mejores artistas de house progresivo junto a Deadmau5 y Eric Prydz.

El artista nunca ha parado de trabajar en la industria, esta es su tercera década como DJ y, tal como él nos comenta, “me hace sentir muy bien seguir siendo capaz de poder dedicarme a esto y que todo continúe fluyendo”. Recientemente, Maurizio ha sido nominado a un Grammy en la categoría Mejor Grabación de Remix, uno de sus lanzamientos se alzó con fuerza en la Miami Music Week, desde marzo de 2011 mantiene su programa de radio de una hora semanal llamado No Xcuses y actualmente ya alcanza los 640 episodios, ha hecho remixes para artistas de gran renombre como Beyoncé, David Guetta o Calvin Harris, y más. Hablamos de esto y mucho más con el artista italiano para celebrar su portada en esta casa.

Autora: Patricia Pareja Casalí

Bienvenido a DJ Mag España, EDX. Es un placer para nosotros tenerte en portada este mes de julio. ¿Qué tal está siendo este 2023 hasta la fecha?

Hola equipo. ¡Muchas gracias por acogerme! España es un lugar muy especial para pinchar, aquí la gente siempre ha demostrado un gran entusiasmo por la música electrónica desde que toqué por primera vez aquí hace 20 años... Tener ahora una entrevista con DJ Mag España es algo muy especial para mí.

El 2023 ha empezado bastante bien, siento que es el primer año de normalidad desde que pasamos el confinamiento por la COVID. Por supuesto, eso no quita que aún haya ciertas restricciones que hace que algunos sectores lo tengamos más complicado, pero al menos a mí de momento me está yendo bien. He podido hacer varios shows alrededor del mundo y en casi todos los continentes. Es casi mi tercera década siendo DJ, y me hace sentir muy bien seguir siendo capaz de dedicarme a esto y que todo continúe fluyendo así de bien.

Musicalmente hablando, este año ha empezado increíblemente bien para ti. Tu primer lanzamiento este año ha sido ‘Renascence’ y se ha proclamado como uno de los temas más variados de la Miami Music Week. ¿Cómo ha sido esto para ti? ¿Qué hay detrás de ese tema?

¡Totalmente! Este tema lo estuve tocando en algunos shows un poco antes de que saliese a la luz, y siempre ha tenido un gran recibimiento por parte del público. Me lleva de vuelta a mis raíces con ese toque de progresión de acordes, al mismo tiempo que he añadido un trozo de orquesta en la segunda parte del disco.

Ha sido realmente increíble para mí ver esa buena acogida y recibir todo el apoyo que me ha llegado desde diferentes partes del mundo, y he recibido muchos mashups utilizando mi tema original. Es un tema diferente porque es un triplete, no un compás de cuatro por cuatro, por lo que es lo que más destaca en este momento.

Los acordes y plugs que he estado utilizando durante casi veinte años tienen esa magia que me hace enamorarme constantemente de lo que hago, y esto es algo que lo hace muy especial para mí.

Has sido nominado al Grammy por el remix de Dubai Skyline del gran éxito de Charlie Puth 'How Long' como Mejor Grabación de Remix. ¡Enhorabuena! ¿Cuál dirías que ha sido la clave del proceso para conseguirlo?

Mi nominación a los Grammy ha sido sin duda mi mayor alegría hasta la fecha después de 30 años de carrera artística. He hecho remixes para muchos artistas de música pop y para casi cada artista que ha tenido un gran impacto en el mundo de la música, incluyendo Avicii, David Guetta, Armin van Buuren, Tiësto, Axwell, Ingrosso... y la lista seguiría. Y para mí siempre ha sido algo muy especial trabajar en estos remixes, porque es como hacer una colaboración con alguien, pero llevando el tema a una dimensión totalmente diferente.

Cuando tuve que escoger entre trabajar con Charlie Puth u otros, piensa que nosotros llevamos trabajando mano a mano casi quince años, y hemos hecho remixes de mucho éxito llegados a ese punto. Le escogí a él por la buena vibra que tenemos, además de que el tema original era genial, y me encantó la letra y la voz, así que pensé ¡vamos allá!

Él no estaba nominado a los Grammy en ese momento, pero sentimos que realmente podía encajar y estaba emocionado de poder añadir esa vibra de EDX al tema original. Fue un día súper emocionante para mí y para mi equipo, incluyendo a mi equipo de PR, de dirección y gestión, y a mi compañero Christian... sin duda es un recuerdo que nunca olvidaremos.

Una de tus colaboraciones más recientes es ‘Out of control’ con Nicky Romero, la cual ha sido seleccionada para la banda sonora de la EA F1 23. ¿Qué crees que tiene este tema que lo hace perfecto para formar parte de una banda sonora? Mientras lo producías, ¿te imaginabas que podía pasar algo así?

¿A que es increíble? Nicky y yo hemos sido amigos durante muchos años, y de repente nos sucedió esto, han sido muchas idas y venidas de ideas, intentando que el tema se adaptara a los perfiles musicales de ambos.

Respecto al tema de la escritura de la canción, ha habido mucha gente involucrada en el proceso, incluyendo a Lukas de Vintage Culture y al equipo de Fast Boy. Sigo tocando el tema en mis sets, aunque sea un poco diferente al resto de mis temas habituales, pero es que es justo esto lo que hace que las colaboraciones sean especiales, y que hacen que innoves un poco de tu estilo habitual y en tu carrera musical. Haber sido incluido en la banda sonora es una noticia muy guay, y otro logro más que me hace sentir muy orgulloso.

Además, has hecho remixes para artistas de gran renombre como Beyoncé, David Guetta o Calvin Harris, entre otros. ¿Cómo se te presentaron esas oportunidades?

Hace tiempo que perdí la cuenta, pero hubo un momento entre 2008 y 2018 que estuve haciendo un montón de remixes de grandes canciones de artistas increíbles. El remix que hice para David Guetta y Anne Marie fue sin duda algo increíble; también el que hice para Calvin Harris fue genial, pero han habido muchos otros. Me suelo sentir muy inspirado por las voces de estos temas, así que normalmente me siento atraído naturalmente por temas originales con grandes voces.

¿Hay algún artista con el que sueñas poder colaborar algún día?

Hace un tiempo, siempre soñaba con poder colaborar con mis ídolos y con aquellos artistas que me han influenciado a lo largo de los años. Cuando era niño era muy fan de Barry White. Ser un niño de los 80 ha hecho que siempre estuviese interesado en trabajar con Madonna. Si hablamos de artistas de música dance, hay un par que podría estar bien, pero no podría escoger solo a uno.

Tu remix de Kaskade ‘Angel On My Shoulder’ te ha ayudado mucho a hacerte hueco en Estados Unidos. ¿Cómo ha ido evolucionando tu carrera musical desde ese momento?

Aún recuerdo estar escuchando el tema original cuando la discográfica se puso en contacto conmigo. Me mencionaron que el próximo single de Kaskade para su álbum sería con Tamra Keenan, el cual era un nombre de mucho éxito para las portadas de DJ Mag por sus proyectos del momento. Recuerdo que yo estaba de camino a un show que tenía en Austria, y estuve pensando en ello en bucle durante todo el tiempo que duró el trayecto. Sentí que tenía muy buenas vibras, sobre todo la voz de Tamra. Justo había hecho unos remixes de canciones de Armin y Dubfire, las cuales estaban teniendo una gran acogida en Ibiza, y sentí que podía añadir mi firma a cómo iba a sonar el tema ‘Angel On My Shoulder’.

Para mí, fue un proyecto muy divertido, y en aquel entonces yo vivía en EEUU unos tres meses al año. Mis temas empezaban a llamar la atención y a reproducirse bastante en la radio americana, y entonces me seleccionaron para tocar en un club. Creo que tanto para mí como para Kaskade, fue una gran oportunidad para nuestras carreras musicales. También hizo que la música dance fuera más accesible y que llegase a una audiencia más amplia.

¿Cuál ha sido tu último trabajo? ¿Y en qué estás trabajando en el estudio?

He estado trabajando constantemente en música, y este verano creo que sacaré temas más de estilo house y funky. Hace un tiempo, solía trabajar con muchos artistas de estilo soul y gospel de los EEUU y me gustaría intentar traer eso de vuelta.

También acabo de sacar a la luz una nueva versión de un gran, gran, gran disco que hice hace unos treinta años, ‘The Rhythm Of the Night’ de Corona, con mi gran amigo FREY. Este tema ha marcado tres décadas desde que se estrenó, y aún recuerdo cuando lo escuché por primera vez durante las vacaciones de verano. Fue un disco muy mágico de producir, y obtener el permiso del productor principal (Roberto Zanetti) para rehacerlo fue realmente especial e importante para mí. De hecho, ya está disponible en Spinnin’.

Hablando de creatividad, ¿qué es lo que más te inspira a la hora de producir un tema?

Para mí, siempre se trata de lo que reside en la melodía o la voz. Normalmente, siempre busco algo mágico con lo que tener una conexión especial. A partir de ahí, se trata de explorar qué progresiones de acordes funcionan con según que teclas, y luego añadir tu propio estilo, ritmo y arreglos.

Siempre voy en búsqueda de nuevas voces para utilizarlas como elemento principal, por lo que los cantantes normalmente se sienten libres de contactarme a través de mis redes sociales, ya que siempre estoy disponible e interesado de trabajar con nuevos artistas.

En relación a tu Radio Show, me gustaría felicitarte personalmente porque ya has estrenado alrededor de 640 episodios hasta la fecha. Teniendo en cuenta lo estresante que es el día a día mientras se está de gira, ¿cómo encuentras tiempo e inspiración para llevar a cabo cada episodio?

Sí, es una locura, y llevamos 13 años haciéndolo. Empecé este proyecto porque sentía que era importante y fue en la época en la que la música electrónica empezaba a escucharse en los EEUU. Tuve muy buena acogida y apoyo por parte del público, así que quería devolverlo de alguna manera. Estuve haciendo un programa de radio en el 1992, así que ya había pisado ese mundillo. Hay algo mágico y especial en el mundo de la radio que me hace disfrutarlo muchísimo, y a la vez, me parece maravilloso poder devolverle a los fans un poco de lo que ellos me dan. La vida estando de gira no es muy estresante para mí, pero sí que es cierto que necesitas encontrar momentos en tu día a día para hacer ciertas cosas que requieren estar focalizado y atento, como hacer entrevistas maravillosas como esta o preparar radio show. Simplemente me siento muy agradecido por ser capaz de viajar alrededor del mundo mientras estoy de gira y, a su vez, poder conectar con gente increíble alrededor del mundo de diferentes culturas.

En relación al proyecto No Xcuses, tu próxima fiesta en un yate tendrá lugar este mes en NYC, ¡Enhorabuena! ¿Qué destacarías de tus fiestas en yates?

¡Totalmente! Empezamos este proyecto hace unos diez años con un primer evento durante la MMW, y nos extendimos en un Bus Tour en 2016 en EEUU, presentando a artistas de la talla de Croatia Squad, Antonio Giacca, y Nora En Pure al público americano. Fue muy divertido, nos lo pasamos genial, nos reímos muchísimo y fue otro sueño cumplido.

Ahora volvemos de nuevo a Nueva York, a hacer un crucero al atardecer por el Rio Hudson. ¡Sin duda vamos a ir a saludar a la Estatua de la Libertad! Es muy guay saber que hemos conseguido añadir una fiesta en vivo a la marca No Xcuses y que mucha gente nos va a acompañar alrededor del mundo.

¿Tienes más proyectos a corto plazo con No Xcuses? ¡Cuéntanos!

Tenemos muchos planes en mente de cara a los próximos años, pero estoy intentando centrarme en mis proyectos musicales y creo que esto nos va a llevar a donde tengamos que estar. Siempre he querido utilizar una marca como herramienta para abrirme puertas hacia otros artistas y difundir buenas vibras y energías.

Creo que buscaremos organizar y hospedar más residentes, como nuestra residencia en Privilege Ibiza hace años, o en Space en 2012. Tengo muchas ganas de emprender este viaje, y estoy rodeado de un gran equipo... pero lo más importante ahora mismo es centrarnos en la música.

Y por último, pero no menos importante... Eres el miembro principal del colectivo musical con sede en Suiza “Helvetic Nerd” ¡Cuéntanos más sobre esto! ¿Qué tal está yendo?

Esto se remonta a unos años atrás cuando empecé a trabajar con mi compañero de negocios Christian. Suiza nunca tuvo realmente una plataforma para que los artistas evolucionasen, y tuve la suerte de tener experiencia en diferentes posiciones en la industria —desde el lado discográfico hasta el de la gerencia y dirección—, por lo que tuve un enfoque de 360° y fue realmente apasionante. Desarrollé una gran red e hice grandes contactos dentro de la industria, por lo que decidimos lanzar un proyecto con Daniel Portman, Dinka, Chris Reece, y algunos otros. Crecimos y evolucionamos mucho con Croatia Squad y Nora En Pure. Siempre ha sido una gran plataforma para la música, y ha brindado grandes oportunidades a artistas de Suiza que crean buena música y que el mundo merece escuchar. Crecí sintiendo una gran pasión por la música, y muero de ganar por ver cómo sigue evolucionando.

¿Qué está por venir en este 2023?

¡Voy a ser padre de nuevo muy pronto, y esto es algo que me emociona mucho! También estoy deseando volver a Pachá Ibiza para hacer algunos shows en verano, ya que ese sitio tiene mucha historia detrás y siempre es muy especial para mí volver a actuar allí. También tengo muchas ganas de que llegue agosto, ya que después del Street Parade llega el Insomnia Dance Festival en Zúrich. Siempre me ha encantado tener la oportunidad de pinchar en casa, así que seguro que será increíble.

Vuelvo a EEUU en octubre después de pasar el verano por Europa. En cuanto a música, creo que es muy importante seguir a los artistas en las redes sociales, ya que a veces suceden cosas de forma muy rápida, por lo que hay que estar siempre pendientes y estar al día de las nuevas novedades musicales.

Muchas gracias por tu tiempo.

Igualmente, ¡es siempre un placer! Por mis raíces italianas, siempre soy muy feliz de poder hablar con mis hermanos y hermanas de España.

CRUSY

CRUSY VUELVE A DJ MAG PARA CONTARNOS CÓMO HA IDO 2023 Y QUÉ LE DEPARA EL VERANO

Autora: NiZ

El DJ y productor vizcaíno lleva más de diez años en activo en la industria electrónica. Una carrera que explotó rápido en términos de popularidad, pero con una buena cimentación, lo que lo ha llevado a publicar en sellos como Toolroom o Knee Deep In Sound y a compartir cartel con Amelie Lens y Vintage Culture. Empezamos 2023 charlando con él, pero desde entonces han pasado tantas cosas que aquí lo tenemos de nuevo. Estamos ansiosxs porque nos cuente todo.

Bienvenido de nuevo a DJ Mag, Crusy. ¿Cómo estás? ¿Cómo han ido estos meses?

Hola, chicos. Es un placer estar aquí otra vez. ¡Muy bien! Esperando con muchas ganas el verano y preparando un montón de música nueva para probar de tour.

Todo ha avanzado mucho en los últimos meses. Hemos cerrado una gira alucinante y varios raleases y colaboraciones con sellos y artistas con los que hace años soñaba, con lo cual no puedo estar más satisfecho.

Arrancaste 2023 lanzando trabajo en Toolroom junto a Hugel, un remix para Malaa y un sencillo junto a Low Steppa, ¿Cómo están funcionando estos trabajos? ¿Cómo has vivido este inicio de año tan prolífico a nivel producciones?

La verdad es que la acogida está siendo increíble. Esperaba que, en especial, KLK junto a Hugel fuera un tema que funcionase, dada su alta energía, pero para nada me esperaba a Carl Cox o Swedish House Mafia poniéndolo en sus últimos sets. Creo que en especial es una canción que está envejeciendo muy bien. Mi remix a Malaa fue un punto muy especial en mi carrera. He estado más centrado en sacar temas originales y afrontar una remezcla a un artista tan vanguardista como Malaa fue todo un reto dado que era el single estrella de su nuevo álbum, pero todo salió genial y ha sido un tema que muchos DJs han utilizado en sus sets! Estoy asimilando todo poco a poco, y sobre todo saboreando cada paso. No es una industria fácil y muchas veces damos por sentadas cosas que conseguimos, por lo que para mí está siendo vital tomarme tiempo para valorar lo que sucede.

También has lanzado Pills en Spinnin Deep, que ha alcanzado el top 10 de temas más pinchados del mundo en 1001 tracklists y que lo están pinchando grandes DJs. ¡Cuéntanos más!

Es un tema muy especial para mí, algo bastante diferente a lo que suelo editar. Desde su salida vimos un gran apoyo de DJs como Vintage Culture, Cristoph y John Summit, con lo que sabíamos que podía tener potencial. Pero la gran sorpresa fue cuando Claptone lo utilizó como intro en la apertura de su fiesta Masquerade en Pachá Ibiza. La reacción del público fue brutal y desde entonces no ha parado de subir en los charts. Un mes después aún sigue en el TOP 50 más vendido de Tech House en Beatport, y con nombres como Fatboy Slim o Jack Back (aka David Guetta) apoyándolo. La verdad es que estamos contentísimos con la acogida que ha tenido.

Tu tema El Beso sigue siendo un hitazo y lo siguen pinchando DJs de primer nivel. ¿Qué se siente cuando se alcanzan los dos millones de reproducciones y tu tema suena en Coachella?

El Beso es un tema muy especial para mí. Dom y yo lo escribimos en un momento en que toda mi carrera estaba empezando a despegar y ha tenido un éxito mucho mayor del que pensé que tendría. Además, colaborar con Dombresky, uno de los nombres más fuertes de la escena y que ya es un muy buen amigo, fue un placer. Es difícil explicar qué se siente al ver a tantas personas bailando con algo que tú has creado, pero más aún, como dices, verlo en lugares tan especiales como Coachella. Para mí es un festival sumamente vanguardista y ver que mi música ha sonado en él varias veces me hace sentir muchísimo orgullo. Tengo que dar las gracias a todas las personas que lo escuchan cada día en las plataformas, ya que sin ellos sería imposible llegar a esas cifras.

Hablemos de tu release en Knee Deep In Sound (sello de Hot Since 82). Lo pusieron Nicole Moudaber y John Summit en su fiesta en Miami. ¿Cómo te enteraste? ¿Cómo viviste ese momento?

La verdad es que me pilló pinchando en ese momento en la fiesta de Toolroom en Miami. Un amigo mío que estaba allí lo grabó con su teléfono y me lo envió. Con el ajetreo de la fiesta no pude ver el teléfono hasta el día siguiente. Y mi sorpresa fue inmensa cuando lo estaban poniendo en el momento cumbre de su set. Daley (Hot Since 82) siempre, siempre ha sido uno de mis referentes. Para mí editar un EP en su sello fue algo muy especial. Fueron 4 temas de los cuales 2 son originales, y son algo bastante más underground de lo que suelo hacer. Fue todo un reto, por lo que es genial ver el apoyo de nombres tan potentes de la escena.

Y hablando de hits, sabemos que tienes varios lanzamientos preparados para este verano en Defected y en Toolroom. Háblanos de ello.

¡Sí! Como he mencionado antes, trabajar con dos de los sellos más importantes del panorama era un sueño hace años y no puedo estar más contento de poderlo estar viviendo. Toolroom ha sido un sello que ha marcado un antes y un después en mi carrera y, además, ahora, poder editar con Defected hace que este 2023 sea para mí un año para recordar. La primera canción es una colaboración con Tony Romera llamada Attracted en Toolroom. La siguen dos singles muy potentes en Defected: uno junto a Low Steppa, llamado This Is The Sound, que sale el próximo 25 de Agosto; y otro colaborando con Piem y Might Delete Later, que acaba de sacar un tema con Patrick Topping. Este último se llama Snap It y actualmente es uno de los momentos cumbre de mis sets. Lo tendréis disponible el próximo 14 de Julio en todas las plataformas.

Te espera un verano de 24 fechas en 11 países. Danos detalles de este tour. ¿Cómo te pararas para semejante terremoto?

Lo anunciamos el pasado junio y aún seguimos sumando fechas a la fase 1 del tour. Van a ser unos meses de mucho ajetreo visitando un montón de países. Soy una persona de rutinas y me gusta hacer deporte de forma regular para mantenerme sano y despejado. Como digo siempre: a la vida hemos venido a jugar, y esta vez no va a ser menos. Tener esta acogida por parte de los promotores que nos brindan su confianza para los shows es muy importante para mí. Les estoy muy agradecido de poder llevar mi música a tanta gente en directo.

Nos dicen por el pinganillo que tienes una fecha muy especial en el Hotel W en Barcelona. ¿Cuándo está prevista la cita? ¿Con quién compartes cartel?

Barcelona es una ciudad que me encanta y que hasta este año siempre se me había resistido. Estuve el pasado 20 de febrero con Dombresky y poder estar esta vez (9 julio) en una sesión tan bonita como W Deck Summer Series junto a Dennis Ferrer va a ser alucinante. Dennis es un artista que siempre he admirado y compartir cabina con él va a ser emocionante. Además, hay grandes amigos como Piem allí, por lo que va a ser una tarde-noche muy especial.

Te deseamos un verano tan estupendo como parece que será. Mucha mierda, muchas vitaminas y a triunfar. Un placer compartir este ratito contigo. Muchas Gracias, Crusy.

Gracias por tenerme con vosotros. El placer es mío. Muchos éxitos y a disfrutar mucho del verano. Abrazo enorme.

MASAKA

MICKEY DASTINZ PRESENTA MASAKA AFRICANA

Autora: Caterina Günther

Resonando con la frecuencia del planeta, Masaka Africana es la experiencia ritual que trae Mickey Dastinz. Encargándose de Las Dalias y Akasha, Masaka constituye una excitante propuesta sonora que combina ritmos afro, deep y progressive house con percusiones tribales y otros instrumentos en vivo para que prendas fuego a la pista de baile de Akasha.

Masaka ya había celebrado varias fiestas exitosas en Madrid, Barcelona o Tulum, y ahora ha encontrado su hogar perfecto en la isla en un lugar icónico y multicultural como es el club de Las Dalias Ibiza. Creada por Mickey Dastinz, la fiesta es una propuesta que se inspira en la cultura africana y sus dioses y espíritus para proponerte un auténtico viaje inmersivo que combina visuales y decoraciones de estilo africano, música, arte y performances de danza.

En DJ Mag España nos hemos sentado a charlar con Mickey sobre esta nueva y excitante residencia de Masaka Africana en Las Dalias tratando varios temas como los orígenes del proyecto, la innovación en su conceptualización, el equipo creativo que hace posible su realización y los planes futuros del espectáculo.

¡Hola Mickey! Es un placer poder hablar contigo en este nuevo número de DJ Mag España. Para todos aquellos que todavía no han tenido la oportunidad de vivir una de vuestras fiestas, ¿podrías explicarnos en qué consiste la experiencia Masaka Africana?

Masaka Africana nace del deseo de crear un mundo mejor a través de la armonía del ser humano y las conexiones con todo lo que le rodea. Mas allá de la danza sagrada, expresión corporal a través de la música y el arte al ritmo de los tambores africanos, es una mezcla de arte y rituales. En esta experiencia podréis ver la representación de una tribu africana (ZULÚ) y nuestro legado guerrero, la danza tradicional y la música vibrante. Todo se une en una combinación con trajes artesanales e impresionantes ceremonias y rituales en ofrenda al Dios del fuego. Nuestro objetivo es transmitir energías sanadoras con la música y los rituales que acompañan todas las culturas y las sabidurías ancestrales. Rendimos tributo al Dios del Sol, a las emociones positivas y a la elevación del ser humano.

Cuéntanos sobre el origen y la inspiración a la hora de crear este concepto sin igual. ¿Qué te cautivó de la cultura africana?

La inspiración nace de mis raíces afro-taínas. Desde muy niño he crecido con la música y con los tambores Batá y la Santería que se practica. Esta religión proviene de la República Dominicana, una mezcla de ritmos ancestrales muy profundos… Estos son mis inicios y mi interés por conocer más la cultura taína, que ahora se ha fusionado entre África y el Caribe. Durante un tiempo viví en París y allí empezó toda la creación, allí pude expresar mis conocimientos y la conexión espiritual me impulsó a diseñar este espectáculo con alma africana.

¿Cuál es el recuerdo más destacado del primer evento que organizasteis el pasado 6 de junio en Ibiza?

Tuvimos la oportunidad de vivir grandes momentos cuando presentamos Masaka open air en el Garden de Las Dalias & Akasha club… ¡Allí sucedió algo sorprendente! Todo el público se conectó de una manera muy especial, las emociones e incluso lágrimas de alegría surgieron cuando todo el mundo empezó a levantar los brazos aplaudiendo y dando las gracias. Lo que sucedió fue que el equipo de artistas pusieron el alma bailando al ritmo de tambores en directo y expresando a través de la danza africana un espectáculo único de altas vibraciones.

En vuestras fiestas hay un fuerte elemento interactivo igual de importante que el factor musical. ¿Cómo encapsula Masaka Africana su personalidad y espíritu?

En Masaka Africana podrás ver tres reinas africanas y dos reyes que realizan rituales y ceremonias del infra-mundo. Representamos a los guerreros muertos más temidos y conquistadores de toda África. Predomina la tribu africana (ZULÚ) y nuestro legado guerrero, la danza tradicional y la música vibrante.

No debe ser tarea fácil innovar dentro de un concepto tan concreto como el vuestro… África tiene muchos recursos y para los próximos meses estamos ya trabajando para incorporar innovación y tecnología con NFT, realidad virtual y trajes inteligentes, todo inspirado en el legado de Egipto como nuevo concepto dentro del mundo africano.

Hay nuevos cambios en la producción y la ambientación este 2023?

Sí. Ahora estamos trabajando en la expansión de la marca para llevarla a Miami, NYC y Las Vegas, entre otras ciudades. Masaka cuenta con un nuevo espectáculo mucho más inmersivo y la creación del festival 2024 donde estamos ya trabajando con la tecnología artificial. Por otra parte, también estamos conectando con algunas de las más importantes fundaciones para donar una parte económica de cada evento de gran tamaño y poder ayudar niños en África tanto para las necesidades básicas como para ayuda humanitaria.

Este verano tenéis la residencia los martes en Akasha, el club de Las Dalias, sin duda un must-see de la isla blanca. ¿Se respira la misma buena vibra en el club que en el mercadillo nocturno? ¿Qué tipo de público suele acudir?

Es un público muy diverso que proviene de todas partes del mundo y lo mejor es que muchos de ellos se encuentran con la experiencia de sorpresa. Además, hay la energía de los niños y esto convierte en único estos momentos… Las Dalias es un lugar legendario y con mucha historia en Ibiza y la gente que visita este lugar va dispuesta a experimentar la parte más autentica y hippy-chic de la isla. Simplemente es un público que valora cada detalle y se encuentra sumergido en un mundo lleno de arte ibicenco junto a nuestra experiencia Masaka Africana.

Sabemos que tienes grandes habilidades musicales como el canto, la producción y la mezcla. ¡Quién pudiera! Cuéntanos, ¿qué es lo que más te atrae del estilo afro house, progressive y deep? Sin duda es un género en alza.

Me identifico con mis raíces afro-caribeñas, estos estilos musicales contienen muchas percusiones y frecuencias que provienen de la salsa, del jazz y los tambores. Las melodías frescas fue lo que me atrajo, además es un estilo que puedes mezclar con casi cualquier otro… Además me permite introducir elementos. sonidos típicos dominicanos como la guira y la tambora, permitiéndome expresar mis raíces.

¿Quiénes fueron tus referentes a la hora de sumergirte en este sonido tan concreto?

Empezamos por Black Coffee como revolución musical, pero poco a poco fui descubriendo nuevos artistas que mezclaban sonidos más caribeños. Desde entonces empecé a producir este estilo para Masaka inspirado por Adam Port y Louie Vega entre muchos artistas más, pero toda esta experiencia con la música me llevó a crear nuestro propio sonido que podría definir como orgánico, tribal y afro pero con la esencia del jazz y muchos elementos latinos.

“Se trata de un viaje musical que eleva al público en un viaje espiritual”

¿Qué artistas pasarán por la cabina de Akasha los martes?

En Masaka Ibiza nuestros DJs son locales e internacionales y con Mickey Dastinz representando la marca. Los demás invitados están muy bien sincronizados para lograr un viaje musical hasta elevar al público en un viaje espiritual. Los invitados saben muy bien conectar con la música fusionando varios estilos: desde el deep house hasta el afro house, deep progressive y la música de club elegante. Cuéntanos en qué te basas a la hora de escoger el talento que pondrá ritmo a las noches de Masaka.

En Masaka nuestra ideología es trabajar con artistas africanos y occidentales incorporando nuevos talentos: desde música en vivo hasta vocalistas e incluso nuestra maestra de ceremonias Leonie Williams y la comunidad de músicos y bailarines Senegaleses.

A parte de DJ y gran selector, también eres director de arte. ¿Cuántos sois en el equipo creativo del proyecto?

Sí, tengo un gran background de fotografía y cine pero además trabajé muchos años diseñando espectáculos y eventos multitudinarios como director creativo. Aquí en Masaka hago la creación de arte y la dirección del espectáculo.

¿Nos podrías explicar cómo es un día de oficina para vosotros?

Diría que la parte más difícil es la logística, pero en realidad nuestro socio Jordi Rubio es el responsable de organizar y controlar esta sesión. Se realiza como si fuera una obra de teatro, es muy divertido y estresante a la vez.

Estos últimos años habéis conseguido llevar la experiencia Masaka a grandes ciudades como Ibiza, Barcelona, Madrid, Dubai... ¿qué próximos países y ciudades hay a la vista?

Ahora estamos trabajando en la expansión de la marca para llevarla a Miami, NYC, las Vegas etc, entre otras ciudades.

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BRUNCH ELECTRONIK FESTIVAL

damos cinco motivos esenciales para que dejes todo lo que estás haciendo y te hagas ya con tu entrada para el Brunch Electronik Festival 2023

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UN FIN DE SEMANA ENTERO ACOMPAÑADO DEL CONSTANTE RITMO DE LA MÚSICA

Brunch Electronik Festival es una celebración de 3 días al aire libre que toma el control de 3 venues de Barcelona para bailar durante el día y la noche al ritmo de más de 90 artistas y 5 escenarios a la vez. Se trata, básicamente, del sueño de cualquier amante de la música electrónica de calidad.

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TE SENTIRÁS CUIDADO

Los dos primeros días del festival (viernes 11 y sábado 12 de agosto) tendrán lugar en el Parc del Fòrum, en 5 escenarios distintos, y se celebrarán desde las 15:00 hasta las 3:00 de la madrugada. El domingo 13 de agosto, el Brunch Electronik se celebrará en los Jardins de Joan Brossa, de 13:00 a 22:00 horas, y será el último día del festival.

Durante el festival, los asistentes podrán disfrutar de artistas internacionales y nacionales que brindarán grandes sesiones a la luz del día hasta bien entrada la madrugada. Por si fuera poco, la Nitsa Club abrirá sus puertas para que los más nocturnos puedan terminar la sesión por todo lo alto.

A pesar de que, previsiblemente, hará el calor de agosto al que ya estamos acostumbrados cada verano en Barcelona, habrá una gran cantidad de herramientas disponibles para que los asistentes puedan combatir el calor. A lo largo y ancho del recinto se podrán encontrar zonas de sombra, ventiladores y nebulizadores de agua. Además, también habrá zonas de descanso con hamacas para tomar un respiro entre baile y baile.

Autor: Borja Comino

COMPROMISO COMO SEÑA DE IDENTIDAD

El compromiso de la organización por brindar una experiencia confortable (a la vez que entusiasmante) es una constante en cualquiera de los eventos de Brunch Electronik, en los que se llevan a cabo diferentes acciones promoviendo la igualdad. Organizaciones como el grupo antihomofobia de Barcelona OCH también estarán presentes, informando, educando y reforzando el compromiso del evento con la inclusión, el respeto y la compasión.

También habrá una amplia selección de foodtrucks, incluidos puestos veganos y vegetarianos, con una estricta política de productos locales que limita los kilómetros y huellas asociados. Consciente de los retos medioambientales que el sector de la música en directo no puede seguir ignorando, Brunch Electronik Festival se basa en un impresionante legado de sostenibilidad, con proyectos activos para 2023 que incluyen limpiezas de playas y donaciones de comida sobrante a ONGs como Social Fooding.

TRES LOCALIZACIONES EMBLEMÁTICAS

Todos conocemos ya el Parc del Fòrum, ese gran espacio de 200.000 metros cuadrados que mira al mar, al final de la Diagonal y fronterizo con Sant Adrià de Besòs. Cientos de miles de personas lo han pisado en los más grandes eventos musicales celebrados en Barcelona. Se trata de un lugar inmejorable de cara a ofrecer el mejor sonido, sin ningún tipo de solapamiento acústico, a la vez que la gran superficie permite no escatimar en el tamaño de los cinco escenarios que se repartirán a lo largo del recinto.

El domingo, la pista de baile se situará en un entorno inmejorable: los Jardins de Joan Brossa. Lo que durante más de treinta años fue el Parque de Atracciones de Montjuïc, hoy es un gran espacio verde natural y frondoso con unas magníficas vistas de Barcelona en el que disfrutar del Extended Set de Keinemusik y las actuaciones de Benji B, Isa Rojas, Shimza, ¡y más!

Por si fuera poco, la Sala Apolo queda a disposición de los asistentes para las After Parties de Brunch Electronik Festival.

UN CARTEL IMPRESIONANTE

Si eres de esas personas a las que les cuesta decidir qué estilo musical dentro de la electrónica te gusta más, en Brunch Electronik Festival lo tienes fácil. Con más de 90 artistas en el line up, habrá siempre música para todos los gustos.

Durante la primera jornada, que será el viernes 11 de agosto, podrás deleitarte con los sets de leyendas como Paul Kalkbrenner, Jeff Mills, Hot Chip y Marco Carola y el b2b de Âme y Dixon, además del directo de HVOB y la actuación de FKJ, todo un genio de la composición y producción musical.

El sábado 12 de agosto acogerá a artistas como Carl Cox, Boys Noize b2b VTSS, los sets de Ross From Friends e Innellea, los míticos Underworld, y la actuación de Little Dragon, SBTRKT o Stavroz.

En Nitsa Club podrás vivir un set de categoría con el b2b de Axel Boman y Sofia Kourtesis además de Farrago, Tama Sumo, Airod, NIZ y Sonido Tupinamba.

Para cerrar el fin de semana, en los Jardins de Joan Brossa, en Montjuïc, estarán Keinemusik (&ME, Adam Port y Rampa) además de Arodes, Benji B, Yulia Niko, Shimza, Isa Rojas y Way Of Thinking desde la una del mediodía hasta las 10 de la noche.

Estos son solo algunos ejemplos del amplio abanico de posibilidades que ofrece el cartel del Brunch Electronik Festival de 2023, te animamos a que revises la oferta completa, ¡no te decepcionará!

HIP-HOP Y LA ELECTRÓNICA SON COMO DOS VECINOS CARIÑOSOS QUE VIVEN EN EL MISMO BLOQUE"

Autor: Borja Comino Forografía: Pablo Bustos

Mahony lleva un par de años arrasando con la escena house y minimal. El productor rumano, conocido por combinar su pasión innata por el hip-hop y el rap underground con la música electrónica, es también propietario del sello Take Notes.

Ya de joven tenía una posición privilegiada en la escena de Bucarest siendo residente del emblemático Kristal Club y desde entonces no ha parado. Space Miami, DC10 Ibiza, Music On, Solid Grooves y Pacha Barcelona son solo algunas de las grandes cabinas en las que ha estado pinchando durante los últimos meses.

Hola Mahony, es un placer para nosotros tenerte aquí en DJMag ES. Siempre has combinado tu pasión por el hip-hop con la música electrónica. ¿Cómo fue esta evolución hasta que te centraste específicamente en la escena house y minimal?

Es curioso porque siempre he sentido que el hiphop y el techno son como dos vecinos cariñosos que viven en el mismo bloque y yo me considero como un hijo de esta unión. Desde que era joven, me atraían mucho esos ritmos boom-bap de la vieja escuela. Las cosas se me fueron tanto de las manos que incluso intenté hacer carrera como bailarín de breakdance. Lo cierto es que aún no he olvidado esas habilidades (risas).

Algo que nunca olvido es el viaje musical en sí. El hip-hop es definitivamente la base de lo que vendría después, y creo que fue la puerta perfecta hacia mi amor por el techno. Supongo que el minimal y el house se incrustaron en mi estilo (e incluso en mi vida) a medida que maduraba. Siempre me río con mis amigos músicos hablando de que al principio todos queríamos ser los más ruidosos y los más locos en el escenario y, en cambio, ahora todos buscamos causar el mayor impacto con los detalles más sutiles en nuestros sets. Por eso me intriga profundamente la buena música minimal.

¿Cómo fue ser residente del emblemático Kristal Club de Bucarest siendo tan joven?

Sinceramente, en aquel momento lo viví literalmente como un sueño hecho realidad. Kristal Club y su equipo han sido fundamentales en mi carrera y agradezco profundamente la oportunidad que me ofrecieron en su día. Ser telonero de grandes artistas como Loco Dice, Marco Carola y leyendas como John Digweed, Sasha o Lee Buridge me sacó de mi zona de confort y me convirtió en mejor DJ con cada set.

Supongo que esa es una de las razones por las que mis sets se han hecho más versátiles con el paso de los años. También me ayudó a entender lo que significa un buen calentamiento, que es fundamental para ser un buen DJ. Pero también algo que no se aprende realmente hasta que te pones a prueba. Agradecidísimo a Kristal Club por ponerme en primera línea durante tantos años/meses/sets… Lo que sea.

Hiciste un b2b con Paco Osuna en Kristal Club. ¿Existe algo que pueda mejorar esa experiencia?

Para ser sincero, tocar b2b con él fue una alegría inmensa, pero también me sentí bastante presionado. Antes le veía desde la pista de baile y ahora he tenido la suerte de compartir cabina con él, lo cual es surrealista. Creo sinceramente que es uno de los mejores DJ del mundo. Tocamos durante 8 horas y el club estuvo lleno en todo momento. Fue un auténtico viaje musical de principio a fin y creo que lo hicimos muy bien. Sin duda, una noche para recordar.

Tu tema ‘Phillshock’ con Tedi llegó a ser número 1 en Beatport el pasado diciembre. ¿Fue el primero ever?

Efectivamente, es mi primer tema número 1 en Beatport. Trabajar con Tedi fue un proceso súper sano de principio a fin. Me encanta trabajar con artistas frescos con amplios conocimientos musicales de diferentes orígenes. Recuerdo que Tedi se sintió súper inspirada en cuanto le puse el groove y se puso a trabajar directamente y terminamos el tema en cuestión de 30 minutos, lo que dice mucho sobre ella artísticamente.

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Cuéntanos algún secretillo acerca de tu proceso creativo.

A veces me inspiro en los momentos más aleatorios. Normalmente, cuando una idea es buena, me persigue hasta que me meto en el estudio y la transpongo en una canción. Una cosa de la que siempre dependo a la hora de producir música de alta calidad es estar de buen humor. Si no lo estoy, nunca lo fuerzo.

¿Cuál es el lugar más extraño en el que has pinchado?

Quizás en la cocina de un desconocido en un barrio marginal de Bucarest. Recuerdo oír los platos y los vasos saltar por la vibración de la música, así como los ladridos del perro de los vecinos como si formara parte del ritmo.

¿Hay algún artista con el que sueñes colaborar algún día?

Puede que no sea lo que uno esperaría, pero los principales artistas de mi lista son: Pharrell, Quincy Jones, Max Martin y Hans Zimmer.

Este año vas a actuar en ANTS con Loco Dice, Skepta y tu B2B con Yaya. ¿Cuántas ganas tienes de que eso suceda?

Tocar en el cumpleaños de Loco Dice es un gran honor. Le considero uno de mis mentores. Sinceramente, creo que he aprendido más charlando con él después de un concierto que por mí mismo durante meses pinchando. Es como un maestro Jedi de nuestra escena. También nos ha apoyado mucho con todo nuestro equipo y hemos tocado muchos sets b2b juntos en Sunwaves y Kristal, entre otros. Este próximo show va a ser uno de los más destacados del verano y, ¿qué mejor lugar que Ushuaïa para hacerlo? ¡Estoy súper emocionado!

¿Hay más noticias que quieras compartir con nosotros?

En realidad hemos estado trabajando mucho entre bastidores con mi sello Take Notes. Todo lo que puedo decir es que estamos preparando grandes lanzamientos para este año y que tenemos muchas ganas de compartir nuestro viaje musical con tanta gente como sea posible.

¡Muchas gracias por tu tiempo, Mahony!

"(...) cuando una idea es buena, me persigue hasta que me meto en el estudio y la transpongo en una canción."

Masificación turística, procesosglobalizaciónmigratorios, y cultura musical.

AUTORA: NIZ

¿Se Pueden Preservar Las Identidades Culturales En Un Mundo Globalizado?

Como decía Megalo allá por el año 2001, “el verano ya llegó y la fiesta comenzó”. La temporada ya está en marcha y con ella llegan los festivales, las giras de verano y los turistas en masa. Es la época del año en la que más nos desplazamos a otras zonas del planeta. Viajar, entre otras cosas, nos permite conocer culturas radicalmente diferentes a la nuestra, con todo lo que ello conlleva. En el pasado cuando alguien quería adentrarse en territorios inexplorados debía ahorrar mucho y volar lejos. Con la democratización de los viajes en avión, el turismo, como parte del ocio, se ha convertido en una herramienta fundamental del sistema capitalista en el cual vivimos inmersos. Por otro lado, actualmente, si vives en una urbe basta con bajar a la calle y echar un vistazo a sus ciudadanos diversos para navegar en aguas internacionales. El enriquecimiento cultural de las grandes ciudades ha transformado la realidad de estas en todos los planos posibles.

¿Pero cómo afecta esta multiculturalidad a la identidad musical de una zona concreta? ¿Se pueden integrar elementos externos sin perder la esencia de una comunidad? ¿Supone la masificación turística una pérdida de capital cultural propio? ¿Cómo influye la globalización en la calidad de la oferta musical de una gran ciudad?

Partamos de la base de que las identidades culturales puras inamovibles no existen. Las interferencias externas son inevitables. Por tanto, hablamos de realidades vivas en constante movimiento. Con la música, como parte de ese ente cultural colectivo, pasa lo mismo. No existe una identidad musical local estanca y perpetua, sino que esta, por muy marcada que sea en una zona, va mutando constantemente a partir de las influencias constantes que recibe. Solo así se explican las fusiones musicales, el interés por la música de otros continentes o la evolución de los géneros. Pero, sin duda, una vez más, en el abuso o la falta de control puede estar, sin darnos cuenta, la pérdida total de la identidad propia.

Bajo mi punto de vista, hay cuatro macroprocesos que influyen de menos a más en esa pérdida de elementos propios culturales en términos musicales: los procesos migratorios, los nómadas digitales y la comunidad internacional, la masificación turística y la globalización. Veamos qué consecuencias supone cada uno de ellos y cómo abordarlos para que se produzca un enriquecimiento cultural interesante y no una homogeneización musical absoluta producto de un mundo salvajemente globalizado.

LOS MOVIMIENTOS MIGRATORIOS

El mundo es un lugar injusto y nada gratificante para la mayoría de la población mundial. Para entendernos, el 20% de los habitantes del planeta posee el 80% de la riqueza total. Con este panorama en el que una minoría vive gracias a la explotación de la mayoría no es raro que se produzcan desplazamientos migratorios desde las zonas menos favorecidas a las más agraciadas.

España es un país puente entre África y Europa. Además, comparte idioma con casi toda América Latina. Esto hace que, en general, ya seamos un país tradicionalmente mezclado. Pero en grandes núcleos como Madrid, Valencia o Barcelona estos procesos, ya de largo recorrido, han propiciado que la estética de las urbes haya cambiado por completo. Y cuando hablo de estética me refiero a lo visual, pero también a lo sonoro. Así se explican la incorporación de ritmos africanos y tribales a las producciones, el indudable ascenso de la música urbana, la extensión de los ritmos latinos en la música pop, las influencias hindúes en determinados géneros de música electrónica, etc.

En términos de enriquecimiento musical este es el mejor escenario de los cuatro, ya que supone la incorporación de nuevos instrumentos y ritmos hasta el momento desconocidos, nuevos patrones, métodos y formas de trabajar, nuevas alianzas, el surgimiento de nuevos subgéneros fruto de la fusión, o la posibilidad de viajar a otras zonas para dar a conocer estas nuevas corrientes, así como para nutrir futuras producciones.

¿Dónde está para mí el problema en este sentido? Pues como casi siempre en el capital. Muchas de las fusiones surgen en los márgenes de estas sociedades plurales, donde la mezcla de nacionalidades es más evidente, donde los menos pudientes de aquí se juntan con los menos favorecidos de allá. Pero rara vez esas escenas neolocales pasan del gueto, entre otras cosas, porque el acceso a la escena local predominante supone un mayor desembolso económico. Tanto en el caso de ser usuarixs de clubs, salas y festivales como en el caso de ser artistas, no es fácil romper la brecha económica. A no ser que el mainstream decida que esa fusión o ese género surgido pueda resultar rentable y entonces salte a la escena local predominante ya bajo los parámetros, los estándares y la tiranía propios de LA INDUSTRIA.

LA COMUNIDAD INTERNACIONAL

La diferencia entre un nómada digital y un migrante, de nuevo, es el poder adquisitivo. Siempre me ha resultado muy curioso que se llame comunidad internacional a la gente que viene del norte y emigrantes a los que vienen del este o del sur. Pero ese es otro debate. Los nómadas digitales, o siendo claros, la gente pudiente que viene a vivir a nuestro país lo hace buscando mejor clima, diferente ambiente, enriquecimiento cultural, otras perspectivas profesionales… Esos movimientos no obedecen a calamidades y huidas varias, sino a decisiones vitales que pueden ser auto subvencionadas.

En referencia a la música, de nuevo, estos movimientos suponen un enriquecimiento creativo. A pesar de que el choque cultural sea menor en estos casos, la incorporación de elementos propios de diferentes países, por muy cercanos que sean, siempre será un punto a favor. Además, suele tratarse de estadías de media y larga duración que favorecen las conexiones y la red de contactos internacional-local. Si hay voluntad de integración y ganas de compartir, ¡adelante con el proyecto de remix!

El problema con estos desplazamientos es que suelen producirse desde países con mayor poder adquisitivo que el de destino. Esto, irremediablemente, hace subir los precios de forma paulatina y generalizada: alquileres, restaurantes, instalaciones deportivas… Pero también, por supuesto, hace subir los precios de clubs, festivales y salas de conciertos. Si hay personas dispuestas a pagar un poco más, ¿por qué no hacerlo? Y todo ello, de nuevo, redunda en la guetificación de la música: sitios para pobres y sitios para ricos. En este escenario sesgado, la fusión norte-sur, musicalmente hablando, se vuelve improbable. De hecho, la fusión de la escena local-local y la escena local-internacional es compleja.

Por otro lado, esta comunidad internacional asentada localmente, pero con mayores recursos, tiene una mayor capacidad creativa: mejores sueldos, más tiempo libre de calidad, mejores equipos, mejores ingenieros de mezcla, más y mejores contactos, más recursos de comunicación y promoción… En definitiva, mejores condiciones para desarrollar el talento creativo en paz; no desde la precariedad del margen, sino en el centro de la sociedad cultural, desplazando incluso a los locales-locales. Es decir, este tipo de gentrificación a gran escala destierra progresivamente las propuestas musicales locales, limitando el crecimiento de “lo propio” y forzando que la oferta se adapte lentamente a aquellos participantes más pudientes.

LA MASIFICACIÓN TURÍSTICA

Sin duda, el proceso más destructivo en cuanto al crecimiento sostenible de una escena local única, es la avalancha de turistas. La gente que está de paso, en su mayoría, no busca coexistir ni integrarse, sino sentirse como en casa y disfrutar con todas las comodidades posibles. Y a medida que el proceso de venta turística se va haciendo más ancho, la propuesta musical se va haciendo más estrecha. Cuanta menos cultura musical tenga el/la turista tipo, menor calidad tendrá la oferta cultural que se cocine para ellxs.

El turismo es un motor económico innegable en este país, pero someterlo todo a las decisiones homogeneizantes que esto implica es un ataque directo a las identidades culturales locales. Un buen ejemplo de cómo construir turismo de calidad basado en la propuesta musical local, sin caer en el aplanamiento musical absoluto, es el proyecto UNESCO Cities of Music, en el que se dan a conocer diferentes ciudades del mundo, su cultura y su identidad a través de propuestas musicales únicas y con valor añadido para el visitante. Se puede consultar el programa en citiesofmusic.net

En el hemisferio opuesto a este tipo de turismo sosegado, meditado y de calidad, encontramos la masificación, la homogeneización y la propuesta musical al bulto. Esta avalancha desmedida de turistas procedentes de todo el mundo obliga a los entes culturales y musicales locales a adaptar su oferta, a convertirla en un producto sin alma accesible para todxs. Música barata para un público low cost.

Un buen ejemplo de ello es Ibiza en general y San Antonio en particular. A medida que la calidad del turismo ha ido cayendo en favor de la cantidad, la propuesta musical se ha ido desplomando hasta lo vergonzoso. Caminar por las calles de San Antonio es como hacerlo por Benidorm, Lloret, Magaluf, Koh Phangan o Santa Mónica. Lo mismo da. La pérdida de la identidad estética local es absoluta; de nuevo, entendiendo la estética de un modo holístico.

Hablando de lo más cercano y conocido, Barcelona tiene zonas localmente cedidas en las que es imposible escuchar una sola palabra en castellano (ya no digo en catalán) y en las que solo suenan en bucle los grandes hits internacionales, esos mismos que estarán sonando a la vez en cualquier parte del mundo. Si las ciudades se convierten en parques temáticos, sus propuestas musicales serán de cartón piedra.

LA GLOBALIZACIÓN MUSICAL

No se trata de un asunto aislado, como bien sabemos. Es algo que afecta al capital cultural, social y económico de las ciudades en todas las capas de la vida. ¿Pero qué implica en lo que a música electrónica se refiere? El mecanismo es obvio y sencillo. Si los clubes se lanzan en masa a cubrir las necesidades de los visitantes temporales y de los más pudientes de la urbe, la identidad de la zona, irremediablemente, sufrirá las consecuencias. Menos diversidad, menos oferta, precios más altos, menor calidad, menos cultura musical del público local y, por ende, menos demanda de calidad en un futuro. Es un círculo vicioso difícil de romper que puede traer consecuencias nefastas para la creatividad musical.

Las RRSS, la hiperconectividad, la democratización de los desplazamientos… son todo avances que han propiciado que los sistemas de trabajo, las conexiones laborales y la exposición dentro del mundo de la música den un salto cualitativo en favor de una mayor difusión y comunicación artística. Todo ello ha permitido que los DJs y productorxs puedan ser escuhadxs y reconocidxs incluso al otro lado del globo. De todas las ventajas nadie tiene dudas. Pero…

Sobra decir que una globalización sin límites, fruto de un capitalismo voraz, ciego y sordo, puede suponer lentamente la pérdida de las identidades musicales diversas y únicas de cada zona. ¿De qué sirve viajar a un festival a la otra punta del mundo si la semana que viene tendrás el mismo cartel en tu ciudad? ¿Dónde queda el espacio para el matiz, la anomalía y lo diverso? ¿Es la globalización el fin de la contracultura?

ENRIQUECIMIENTO CULTURAL VS HOMOGENEIZACIÓN GLOBAL

Creo que la clave para lidiar con la realidad musical imperante es actuar global, entendiendo lo global como la mezcla enriquecedora de las partes, sin perder lo local, esto es, dando cabida a las peculiaridades de estas. O más sencillo, mantener de algún modo la esencia de cada una de las zonas con capital cultural propio sin rechazar la multiculturalidad, pero sí evitando, en la medida de lo posible, aquellos mecanismos y procesos que suponen el aplanamiento completo de las diferencias visibles. Es decir, no se trata de no incorporar, sino de preservar y ensalzar lo propio, de proteger la uniqueness de las zonas y evitar a toda costa convertirnos en un McDonalds musical con presencia idéntica replicada en todo el mundo.

¿QUÉ PODEMOS HACER CADA UNO DE LOS IMPLICADXS?

01. Voluntad política y social. Si no hay presiones por parte de las entidades locales, públicas y privadas, los grupos internacionales, por puro músculo económico, terminan tragándoselo todo y homogeneizando la propuesta. Hacen falta iniciativas públicas que respeten las identidades culturales propias sin olvidarse de las nuevas. No se trata de convertirnos en un búnker cultural en el que ni entre ni salga nada, pero sí de preservar ciertos signos de identidad que nos hacen únicos como comunidad local (entendiendo esta como el conjunto complejo que hemos descrito líneas arriba).

02. Incorporar las nuevas realidades musicales sin crear guetos ni estigmas. Hacer llegar la cultura musical a los márgenes, ofrecer herramientas y opciones para integrar esas otras realidades, moderar las predominantes, dar voz y visibilidad a la diversidad, apoyar iniciativas minoritarias, favorecer e impulsar. Ofrecer espacios de diálogo, de difusión y de debate en medios predominantes, y dar fuel a los minoritarios con iniciativas enriquecedoras y plurales.

03. Desde promotoras y clubs, es necesario no dejarlo todo en manos de la taquilla. Evidentemente la música electrónica es un negocio y una industria muy potente en el mundo, y muy concretamente en este país, que mueve más 20.000 millones de euros al año y supone el 2% del PIB del Estado. Pero es necesario seguir dejando espacio para las propuestas locales, diversas y auténticas. Apostar por el talento local en un sentido amplio y mimar lo propio. En definitiva, velar por la calidad de la oferta además de por su rentabilidad.

04. Educar en la cultura musical. Necesitamos más que nunca curators que velen por la originalidad, la calidad y la autenticidad de las escenas. De nuevo, y como siempre, educar a las nuevas generaciones locales, pero también a las visitantes: moderar el turismo, apostar por la calidad y no por la cantidad… Invertir en educación y cultura musical hoy supondrá una escena más rica, identitaria y de calidad en el futuro.

05. Desde los actores principales de esta cena, los DJs y prouctorxs, tender puentes con nuevas realidades culturales que supongan un enriquecimiento musical y no una prostitución absoluta a la tendencia comercial imperante, acción que no hace sino perpetuarla. Compartir desde las ganas de crecer juntos, apoyo, cooperación y, como ya hemos visto en otros textos, fomentar la construcción de una escena más sana y libre. Todo ello construirá una identidad propia que luego podrá ser capitalizada, exportada y comercializada.

A pesar de los jardines en los que me gusta meterme siempre, no soy antropóloga ni socióloga ni musicóloga ni activista política, pero creo que ya ha quedado claro que me interesan muchísimo los procesos sociales que subyacen a la música y su industria. Por tanto, mis conclusiones y apreciaciones no son más que fruto de observaciones, análisis y reflexiones de noches en vela. Pero ojalá sirvan, e inspiren, movilicen y, sobre todo, nos hagan parar un poquito y pensar.

Desde el centro de Barcelona, en pleno verano, con toda la identidad local, y la pérdida de esta que ello supone, se despide NiZ.

Descubriendo la relación entre la música ambient y la salud mental

TEXTO ORIGINAL: MANU EKANAYAKE TRADUCCIÓN: HELENA BRICIO

Cada vez más artistas y oyentes descubren los beneficios de la música ambient para nuestra salud mental. En este artículo, Manu Ekanayake habla con Meemo Comma, Auntie Flo, CLAIR y KMRU sobre sus cualidades terapéuticas, y explica cómo James Kilner, neurocientífico del NHS, la utiliza para ayudar a personas con ansiedad y depresión.

Quienes conozcan la música ambient sabrán que el género toma su nombre del álbum seminal de Brian Eno de 1978, "Ambient 1: Music For Airports". Según Cambridge University Press, se trata de "un tipo de música, a menudo sin melodía ni ritmo, que pretende relajar o crear un estado de ánimo particular". Quizá la conozcas como "chill-out", esa música que pones cuando se va acabando el after o cuando ya has tenido bastante durante el fin de semana y te apetece relajarte. O quizá el ambient te ayuda a trabajar desde casa, una situación con la que nos hemos familiarizado cada vez más durante la pandemia. En cualquier caso, es probable que te hagas una idea de a qué nos referimos cuando utilizamos el término, aunque tu interpretación sea un poco confusa.

Esa ausencia de una definición precisa cobra sentido para DJ Mag, porque cuando estábamos investigando este artículo, hablamos con cinco artistas de ambient (además de un neurocientífico, pero llegaremos a él más tarde), y cada uno llegó a una definición diferente. "La música ambient no tiene por qué ser relajante", dice la artista de Planet Mu y jefa del sello Objects Ltd Meemo Comma, alias de Lara Rix-Martin, cuyo álbum 'Sleepmoss' de 2019 ha sido ampliamente considerado ambient, aunque en su opinión es más música experimental. "Puede ser inquietante. Puede ser cruda y emocional. No tiene por qué ser solo sonidos titilantes y gente relajándose".

De hecho, no necesariamente tiene que ser tan relajante. Auntie Flo, alias de Brian D'Souza, que durante el confinamiento empezó a presentar programas de radio online semanales bajo el nombre de Ambient Flo (que se convirtieron en un canal de radio online 24/7 homónimo), está de acuerdo.

"Puede ser una de las músicas más absorbentes y envolventes que existen", explica, "porque no está necesariamente ligada a una estructura temporal y un metrónomo determinado. Por ejemplo, cuando tienes un kick a unos 120 bpm, es muy fácil fijarse en él. Pero el ambient es mucho más libre y flexible, y ahí radica mi interés".

El ambient es un género difícil de definir, incluso para sus creadores. Quizá el más difícil de definir, hasta en el subjetivo mundo de la música electrónica moderna. Pero lo caracterices como lo caracterices, cuando DJ Mag escuchó el nuevo álbum de Richard Norris 'Deep Listening 2019-2022', nos quedamos alucinados con su reciente trabajo ambient, y tuvimos que hablar con él. Y cuando descubrimos que llevaba años trabajando con un neurocientífico de la UCL, el profesor James Kilner, sobre lo que la música ambient puede hacer para ayudar a las personas con problemas de salud mental, tuvimos que investigar más.

"El álbum es una especie de manual para la gente que no ha estado expuesta a mi música en los últimos años", afirma Norris. Su reputación en la cultura electrónica del Reino Unido se remonta a los inicios, cuando coprodujo el álbum de 1988 "Jack The Tab" con el músico experimental Genesis Breyer P-Orridge y encabezó las listas de éxitos de todo el mundo con el tema "Swamp Thing" como parte de la banda electrónica en directo The Grid, en la que también participaba Dave Ball, ex miembro de Soft Cell. Posteriormente, se unió a Erol Alkan para formar el dúo psicodélico de remezclas y reediciones Beyond The Wizards Sleeve en la década de 2010, y también lanzó su proyecto psicodélico en solitario The Time And Space Machine. Así que, aunque siempre ha traspasado los límites del dance, está claro que esta es una nueva trayectoria.

"He estado componiendo mucha música, en parte ambient, en parte más abstracta, en parte más cinematográfica", nos cuenta. "Así que he reunido mi trabajo de los últimos tres años con versiones cortas recién editadas en un álbum para presentar esta música a un público más amplio. Me demuestra que concibo la música de otra manera: no pienso en ritmos, no pienso en drops ni en breakdowns. Es algo más abstracto, sin estructuras compositivas. Es mucho más libre que lo que haría normalmente. Así que, aunque no esté impulsado por el ritmo, sigue siendo electrónico y se nutre de años de clubbing. Creo que todavía hay una cierta sensibilidad que viene de haber estado involucrado también en la cultura de club".

Norris llegó a esta nueva andadura a través de algunos conflictos personales, un tema común entre los artistas con los que hemos hablado. "Seis meses antes del confinamiento, vivía en Portobello Road, en el oeste de Londres, y todas las noches había caos en el exterior, con varios vecinos peleándose entre sí en una especie de guerra callejera. Esto hizo que mi familia y yo nos sintiéramos un poco encerrados, así que al principio sólo intentaba crear un lugar seguro dentro de mi estudio. En primer lugar, meditaba; llevo 35 años haciendo meditación trascendental, dos veces al día durante 20 minutos. Pero en lugar de utilizar el mantra trascendental habitual [un sonido que se utiliza para centrar la meditación, como el canto "Ohm", por ejemplo], escuchaba música drone.

"En particular, música como la de Éliane Radigue (compositora electrónica francesa), que es una especie de drone techno que utiliza un viejo y enorme sintetizador ARP 2500". Trabajaba con la antigua banda electrónica parisina de Pierre Schaeffer y su grupo, creando estos bucles increíbles, que se llaman 'Trilogie De La Morte'. Lo estaba escuchando y, por alguna razón, su sonido me hizo detener mi mantra y limitarme a escuchar el sonido. Me di cuenta de que, con el mantra, aunque no es algo en lo que pienses en términos de palabras, no parecía tan inmediato como la música. Parecía otro tipo de meditación, posiblemente más fuerte".

Esto le llevó a crear piezas de 20 minutos, la misma duración que sus meditaciones diarias, que finalmente compartió a través de su sello Group Mind y su página de Bandcamp. En cuanto al sonido en sí, Norris "utilizaba varias técnicas para que fuera calmante; así que no hay explosiones repentinas de tambores o cosas que el cerebro no reconocería. No hay 'shocks'. Quité ciertas frecuencias altas para intentar crear un 'baño de burbujas analógico', como diría Aphex Twin", ríe, refiriéndose al título del clásico EP. "Algo muy cálido y seguro. Definitivamente pienso en ello como un espacio, como un paisaje".

Quizá pienses que todo esto está muy bien, pero ¿puede esta música ayudar realmente a las personas con su salud mental? La respuesta, muy sencilla, es sí. DJ Mag consultó al profesor James Kilner, de la UCL, que se unió a la charla de Zoom con Richard Norris. Los dos se conocieron socialmente hace siete años y desde entonces han trabajado juntos, porque "compartimos intereses en la música y el papel que puede desempeñar en la vida de las personas", como dice Kilner, mientras explica amablemente su trabajo de forma que DJ Mag pueda entenderlo.

"Estudio neurociencia, es decir, el cerebro. Concretamente dos áreas: cómo nos movemos y por qué nos movemos. Cómo procesamos la información. Y mi principal interés ahora mismo es la conexión de nuestras señales corporales (signos físicos de que estamos estresados o inseguros) y nuestro cerebro. Durante los últimos 20 o 30 años hemos tenido la idea subconsciente de que el cuerpo transporta el cerebro y le suministra oxígeno, nutrientes y todo lo que necesita. Pero ahora por fin hemos vuelto a la idea de una interacción bidireccional, entre cosas como nuestro ritmo cardíaco, nuestro ritmo respiratorio, la velocidad a la que nos movemos. Todo ello influye en nuestro estado de ánimo o en cómo pensamos sobre las cosas, o cómo percibimos las cosas en el mundo. Es una conexión mucho más directa entre esas señales. Por eso las cosas de nuestro entorno que pueden cambiar nuestras señales corporales, directa o indirectamente, pueden cambiar también nuestro estado emocional".

Así que crear un entorno beneficioso, sonorizado con música ambient, puede calmar a las personas que sufren ansiedad o depresión. Esto es algo que Kilner y Norris han hecho recientemente para el NHS. Norris nos cuenta: "Hemos empezado a hacer algunos estudios con una gran clínica de York. Hemos conseguido que grupos reducidos de personas se sienten a escuchar esta música. Les dimos una estructura: 'Sentémonos a escuchar esto a las 7 en punto durante 20 minutos, reflexionemos y veamos qué pasa'. Y creo que recibir esas instrucciones de un médico también ayudó."

"Hay varios niveles de placebo que podrían estar funcionando en ese sentido", continúa. "La idea es que 'si el médico dice que va a funcionar, entonces va a funcionar'. Es algo interesante y tenemos muchas ganas de seguir haciéndolo". La respuesta de la comunidad fue que querían hacerlo más, tanto para su personal como para sus pacientes. Así que se trata de encontrar la manera de extenderlo. Por supuesto, la gente puede poner Spotify, la radio del hospital o lo que sea, pero sería estupendo hacerlo de esa forma específica, incluso con un trabajo site-specific que analizara cómo la propia arquitectura influye también en las reacciones".

CLAIR, también conocida como Clair Crawford, es una productora de ambient de Glasgow con experiencia personal en cómo el entorno afecta a la ansiedad. Después de muchos años trabajando en el mundo de la música electrónica como mánager de artistas y creativa, con habilidades que van desde el diseño web a la fabricación de joyas, finalmente se sintió con confianza para hacer música en 2016, cuando creó lo que se convertiría en la canción final de su álbum debut de 2021, "Earth Mothers: A Witches Bedroom Chimes".

"Mis niveles de ansiedad estaban por las nubes en ese momento, y me ayudó a superarlo", recuerda.

"Estaba cansada de trabajar en el mundo de la música y también había pasado por un episodio traumático violento. Me dolía mucho la espalda, así que no podía ponerme a trabajar y hacer joyas. Pero sabía que tenía que crear algo. Fue entonces cuando presenté un tema al festival The Dark Outside de Stuart McClean, en el que se emiten 24 horas de música inédita desde un repetidor de radio improvisado en el bosque de Dumfries y la gente la escucha en esas pequeñas radios de transistores mientras pasea. Fue una experiencia muy sanadora para mí".

Esta sensación de curación es algo que Crawford descubrió que continuó durante la pandemia. "Cuando se produjo el confinamiento, como mucha gente, estaba pasando el rato en el parque. Empecé a tomar microdosis de setas (mágicas) y a pasar mucho tiempo en la naturaleza, jugando con pájaros y ardillas, ese tipo de cosas. Empecé a ver las cosas de otra manera. Básicamente, creo que la humanidad no está diseñada para tener tanta tecnología a nuestro alrededor: ha evolucionado más rápido que nosotros. Cosas como el bombardeo de las redes sociales y que la gente no descanse lo suficiente, ya que vivimos en un entorno tan acelerado. Y el ruido constante también, estamos constantemente rodeados de un jaleo absoluto, especialmente si vivimos en ciudades. Eso tiene un efecto sutil que desgasta el cerebro. Todo el mundo parece tener ansiedad y estrés, mientras que la pandemia, por mucho que fuera lo más duro socialmente, a mí personalmente me gustó mucho porque todo estaba muy tranquilo. Apenas había tráfico y sentí que conectaba con la naturaleza".

Brian D'Souza (Auntie Flo) también está de acuerdo con la idea del ruido de la sociedad moderna. "Vivimos en un entorno urbano distópico que afecta negativamente a nuestra salud", afirma cuando quedamos en su estudio del norte de Londres.

"Quiero decir, no puedo sobrevivir al metro sin auriculares con cancelación de ruido, e incluso así es muy ruidoso".

La necesidad de volver a conectar con la naturaleza es también una parte importante de la emisora de radio online Ambient Flo. "Cuando emitía el programa de radio los sábados por la mañana desde el jardín de mi casa, como lo hacía desde mi teléfono, además de la música se oían muchos ruidos de la naturaleza, y recibía comentarios como 'Me han gustado mucho las canciones, pero también el canto de los pájaros'. Por eso en la emisora hay un canal de música y otro de ruidos de la naturaleza, y puedes mezclarlos si quieres. Me di cuenta de que mucha gente no tiene jardín, o no puede ir a un parque -quizá porque estaban confinados-, así que por lo menos poder escuchar los sonidos de la naturaleza tenía que ser beneficioso".

Del mismo modo, el artista afincado en Berlín KMRU, originario de Nairobi y cuyo álbum de 2020 para Editions Mego, "Peel", fue aclamado como un clásico del ambient contemporáneo, cuenta a DJ Mag que lo que busca cuando hace música es la lentitud.

" Durante el confinamiento, me sentía como: 'Estoy haciendo esta música para ralentizarme y tener compañía'. Siempre he sido una persona de interior, que se quedaba en casa para aprender a hacer música. Tuve que hacer frente a muchas cosas durante la pandemia; había terminado mi licenciatura en Kenia y no estaba seguro de poder venir de gira a Europa; además, mi madre también tenía problemas de salud mental. Pero, al mismo tiempo, grabé dos discos con los que mucha gente se puso en contacto y me dijo que les había ayudado a superar la pandemia. Fue una especie de equilibrio entre todas las emociones por las que estaba pasando".

Para terminar, volviendo al profesor James Kilner, coincide en que bajar el ritmo es clave. "Una cosa que le digo a menudo a Richard es que en la sociedad moderna no valoramos el tiempo para no hacer nada. Siempre tenemos un teléfono o un portátil, así que la idea de dejar vagar la mente es probablemente más necesaria que nunca. Tenemos que trabajar para encontrar ese espacio, como hace Richard con sus dos meditaciones diarias de 20 minutos. Mis padres son reverendos y, aunque no soy religioso, me parece interesante que la mayoría de las religiones tengan una idea de la oración o la autorreflexión, que es meditativa. Incluso la música coral de las iglesias tiene algunas similitudes con la música ambient. Así que creo que ahí hay un beneficio fundamental".

OFFBCN EN LES ENFANTS BRILLANTS

Representando el sonido underground en Barcelona

Autora: Caterina Günther Fotografía: Nil Calvarons

Creado en 1994, el reputado festival Sónar se ha ido estableciendo poco a poco como un acontecimiento cultural referente a nivel internacional, atrayendo a miles de seguidores del sonido electrónico de alrededor del mundo y transformando la ciudad condal cada mes de junio en el epicentro de la cultura de vanguardia y la exploración musical. Orbitando alrededor del Sónar, a lo largo de los años han ido apareciendo fiestas paralelas que toman lugar esa misma semana, como el OFFSónar, el OFFWeek, y los múltiples eventos repartidos por emblemáticos lugares de la ciudad y en los clubes de Barcelona. Esta congregación de eventos ha hecho crecer orgánicamente la famosa ciudad española hasta convertir la semana del Sónar en uno de los eventos de música dance más importantes de Europa.

A diferencia del ADE, festival celebrado en Ámsterdam y respaldado económicamente por el Gobierno holandés, Barcelona se ha posicionado como el place-to-be dentro de la escena electrónica gracias al inagotable amor por la música y el empeño y trabajo duro de todos los players de la industria, quienes apuestan por el descubrimiento de las últimas tendencias musicales y los nuevos talentos y por establecer contactos con líderes empresariales de todo el mundo.

Todos los géneros musicales tienen cabida durante la tan esperada semana del Sónar, desde los estilos más hard como el techno, el hard trance o el drum and bass, hasta fiestas enfocadas puramente al house, el minimal o el sonido de Detroit. Mientras que reconocidas marcas han ofrecido propuestas musicales a base de headliners y caras conocidas, los clubes con capacidad más reducida y enfocados al sonido underground, han dado cabida a artistas y sellos independientes que dan prioridad a la expresión artística sobre el éxito comercial. De esta manera, con el objetivo de hacerse su lugar en esta semana rebosante de eventos, han brindado line ups con artistas pertenecientes a escenas musicales menos mainstream para así crear una experiencia única para los clubbers que buscan sonidos alternativos y una conexión más íntima con la música.

En DJ Mag España hemos tenido la oportunidad de asistir a las 5 jornadas del OFFBCN de Les Enfants Brillants, el club underground por excelencia en Barcelona. El céntrico club -situado en una pequeña calle del Raval- se ha posicionado en menos de un año como uno de los baluartes de Barcelona y no son ajenos a la semana del Sónar. Desde que abrieron sus puertas por primera vez en abril del 2022, Les Enfants Brillants -más conocido como Les Enfants-, se han consolidado como promotores clave en la vitalidad y tenacidad que ha llegado a ser la escena electrónica underground de Barcelona con un impresionante catálogo de eventos que les ha ganado su lugar en el mapa.

Cualquiera que tuvo la suerte de asistir a la semana OFF de 2022 recordará sin duda su programación, en la que pasaron por los platos artistas como Maayan Nidam, Janeret, Miroloja, Cassy, Cinthie, Priku, Voigtmann y Spokenn (Ferro & Reiss), entre otros, durante 3 jornadas. Tras el éxito de la semana OFF del año pasado, este año se han concedido dos día más de fiestas al club barcelonés, ampliando sus eventos desde el miércoles 14 hasta el domingo 18 de junio.

En 2022, Les Enfants Brilliants ofrecieron una serie de fiestas de primer nivel en colaboración con algunos de los mejores promotores underground europeos, como Animal Crossing, Yoyaku y Crystal Grooves. Este año han seguido impresionando con colaboraciones con el icónico trio francés Apollonia, el reputado sello londinense Cartulis, el showcase de Gene on Earth Limousine Dream, el evento Get-traum de Traumer y el regreso de Yoyaku, lo que da como resultado una selección excepcional.

Miércoles 14 De Junio APOLLONIA ALL NIGHT LONG

Tras pasar por la cabina a modo individual a lo largo del año pasado, Dyed Soundorom, Dan Ghenacia y Shonky, los miembros del reputado colectivo de DJs franceses Apollonia se reunieron por primera vez en Les Enfants para dar pistoletazo de salida a la tan esperada semana del OFFBCN en el icónico club de los lasers rojos. Individualmente, Apollonia han hecho contribuciones significativas a la escena underground y como colectivo, se han ganado un gran reconocimiento por sus dinámicos DJ sets, y así lo demostraron el pasado miércoles 14 de junio.

Conocidos por sus sets de house y techno en los que mezclan tintes deep y groove, el trío pinchó a modo B3B durante 7 horas seguidas mezclando sonidos clásicos con toques contemporáneos. Las primeras personas al llegar al club se encontraron con el carismático terceto amenizando la pista con un warm up de primer nivel mientras iban rebuscando auténticas joyas prensadas en cera en sus maletas de discos.

Y es que Apollonia se ha hecho su lugar en la escena en gran parte por su talento en el vinyl digging, un arte considerado más que el mero acto de adquirir discos, sino el proceso creativo y exploratorio que implica descubrir tesoros musicales y ediciones inusuales.

Fue a partir de la 1AM que el trio dejó el calentamiento de pista atrás y empezó a deleitar a los asistentes con su energía contagiosa y su capacidad para crear experiencias memorables en el dancefloor.

Lo que muchos podrían considerar música plana, otros consiguen poner en valor la elegancia de los DJ sets ausentes de enérgicos build ups y heavy drops.

Y el público de Les Enfants lo supo entender muy bien. Con el club a rebosar de seguidores y amantes del vinilo, Apollonia embelesó a sus seguidores a base de tracks de house fino y elegante, selecciones de garage, electro y acid e incluso breakbeat para los momentos que necesitaban bajar un poco la energía de la pista.

Jueves 15 De Junio

YOYAKU

La segunda jornada del OFFBCN en Les Enfants fue de la mano de Yoyaku, la reputada marca parisina conocida por ser sinónimo de calidad y pasión por la música underground. Su compromiso con la cultura del vinilo, su amplia red de distribución y la representación de artistas de talento les han convertido en una entidad respetada e influyente en la industria. Después de su exitosa edición en el 2022, el pasado jueves 16 de junio regresaron para ofrecer una experiencia musical sin igual a los entusiastas del vinilo y todos los seguidores de la marca y de la tienda de discos ‘Chapelle XVI’ del grupo Yoyaku, considerado el centro neurálgico por excelencia en la capital francesa para descubrir nuevos lanzamientos y hallazgos raros.

La encargada de poner ritmo las primeras horas del showcase de Yoyaku fue Morgan, residente de Golden Record NYC y ecléctica DJ afincada en Estados Unidos, quien calentó la pista a base de clásicos como ‘Baby Wants to Ride’ del legendario productor Frankie Knuckles. La joven selectora no dudó ni un momento en demostrar su eclecticismo a la hora de pinchar mezclando matices de deep house con breaks teñidos de garage y minimal traqueteante durante las 2 horas y media que duró su warm up.

Los slipmats de Les Enfants se prepararon para girar durante dos horas y media cuando Tomas Station y O.Bee entraron en cabina… ¡Y qué maravilla de set!

Cómo no, los habituales de Circoloco, residentes de ReSolut y dueños del label Can You Jigit se encargaron de compartir decenas de discos repletos de sonidos old school con alarmantes nasty vocals -característico de sus DJ sets- y mezclando todo tipo de estilos como el acid house y el electro con el objetivo de embarcarnos en su universo sónico único.

El último set del showcase de Yoyaku fue muy especial. Los mundialmente conocidos DJs Janeret, uno de los productores principales y director artístico de la marca francesa, y Kolter -mundialmente conocido anteriormente como Djoko- compartían por segunda vez cabina juntos. Expectantes de este b2b, cuando los dos artistas aparecieron detrás de la cabina la sala chilló para dar una cálida bienvenida a los headliners del evento. Nosotros sentíamos curiosidad por este b2b ya que Kolter es conocido por sus ritmos más funk y Janeret por tener un sonido enfocado al house con tintes deep e hipnóticos… ¡Pero la verdad es que definitivamente fue un b2b para la historia de Les Enfants! Los dos artistas, quienes a finales de año lanzaron un EP juntos bajo el nombre de Janeko -Janeret y Kolter-, se entendieron a la perfección en términos de selección musical. Un viaje repleto de ritmos cálidos y groove y percusión intrincada hizo bailar a la pista hasta el cierre a lo largo de 3 horas, hasta que los lasers de la sala se desvanecieron por la aparición de la luz blanca que ponía punto y final a la segunda edición de Yoyaku en el club.

Viernes 16 De Junio LIMOUSINE DREAM

Para aquellos que el nombre Limousine Dream no os sea familiar, os recomendamos echarle un ojo al repertorio de la discográfica… ¡No tiene desperdicio! Lanzado por Gene On Earth en 2017, poco a poco se ha ido estableciendo el sonido de su sello Limousine Dream a través de una sucesión de seis EP y dos álbumes de larga duración. En 2020, el sello abrió las puertas a una plétora de artistas, tanto nuevos como consagrados, a través de la creación de dos subsellos: TSOL y Nug-Net -también recomendamos indagar en la discografía de ambos labels-. Sugar Free y Fonte -cuyos nombres reales son Alejandra y Álvaro- tomaron las riendas de Les Enfants Brillants las primeras 3 horas de la sesión. Con una sonrisa relajada los dos artistas iban compartiendo sus mejores vinilos con el público que rápidamente llegó al club con el fin de no perderse el warm up a cargo de los dos artistas madrileños afincados a Berlín. Entrelazando décadas y atravesando géneros, Sugar Free y Fonte no se encasillaron en ningún estilo rígido, iban intercalando temas de house cálido y optimista con discos de dub techno y sonidos hipnóticos que dejaron a la pista embelesada con sus delicadas mezclas.

La última hora del b2b de los dos compatriotas dejó la pista a punto de caramelo para dar paso al b2b de tINI y Gene on Earth, quienes pinchaban por primera vez juntos -hecho sorprendente para los seguidores de la escena underground ya que ambos han compartido carteles de manera muy recurrente alrededor del mundo. Todos aquellos que habían comprado el ticket seguramente se esperaban una multitud de sabores house underground provenientes de sus interminables colecciones de vinilos, pero lo que se encontraron fue todavía mejor: un set de 3 horas de pura ecléctica magia musical -incluso tINI al terminar la sesión se ponía las manos en la cabeza sin acabar de creerse la complicidad creada entre ella y Gene a lo largo del b2b.

La gente del público estuvo sudando endorfinas y bailando bajo los lasers rojos mientras a alguno se le caía una lágrima de la emoción al escuchar la finura de las mezclas y la excelente selección que nos regalaban la productora berlinesa y el dueño de Limousine Dreams: percusiones intrincadas, lineas de bajo groovy repletas de sonidos clásicos y contemporáneos creando un viaje sonoro completamente atemporal. Definitivamente el debut del sello será recordado por los afortunados asistentes durante mucho tiempo…

Sábado 17 De Junio GET-TRAUM

Recientemente el reconocido productor francés Traumer se lanzó a la aventura de la organización de eventos con su marca Get-traum y, cómo no, incluyó en su tour europeo la parada obligatoria en Les Enfants Brillants para la semana del Sónar. Para este showcase tan especial de la marca, Traumer invitó a sus amigos rumanos Praslea y Sepp y al joven productor argentino Momo Trosman, quien este último año ha estado tocando para algunos de los festivales más importantes de Latinoamerica.

Aunque ya anunció que iba a actuar con una severa gripe, Momo no defraudó en deleitar a los asistentes que llegaron pronto al club para disfrutar del showcase completo. La predilección por los vinilos de Momo y su compromiso con la música se dejó ver de forma clara a lo largo de las 2 horas de su warm up. El co-fundador del sello Cure Music y parte del colectivo Melcure, nos hizo bailar a ritmo de archivos del pasado, presente y futuro de sus géneros favoritos a base de grooves minimal y funk irresistible.

De 00:30 a 2:30 el productor rumano Sepp tomó control de los platos con un set enérgico manteniéndose fiel al sonido rominimal con el que inició su carrera musical años atrás y combinándolo con sonidos más actuales a base de basslines pesados para asegurar las manos arriba del público en todo momento. Con su sonido hipnótico y con esa pizca de folclore local dejó la pista preparada para el esperado b2b de Traumer y Praslea.

En cuanto Sepp dio paso a Romain y Florin -nombres reales de los headliners del evento- la pista los acogió con un aplauso y gritos de emoción que pusieron a más de uno los pelos de punta. La admiración por estos dos productores y selectores se podía palpar y los artistas agradecidos daban las gracias al público por la cálida recibida. Desde clásicos como el remix de Kevin Saunderson de ‘Vamp’ hasta rompe pistas como ‘Frolic’ del mismísimo Traumer, consiguieron mantener el club lleno hasta el final de la noche.

Domingo 18 De Junio CARTULIS

Aunque se podía percibir el cansancio del público tras la dura semana del Sónar, la marca Cartulis goza de suficiente salud como para conseguir arrastrar a sus seguidores más fieles a finalizar el OFFBCN de Les Enfants al más puro estilo electro.

Cartulis Music es un sello discográfico y colectivo de fiestas con sede en Londres conocido por sus contribuciones a la escena underground. Fundado en 2009 por Tommy Vicari Jnr y Unai Trotti, Cartulis Music se ha convertido en una plataforma respetada para la publicación de música house, electro y techno de calidad. Centrado en mostrar sonidos innovadores y con visión de futuro, el sello a menudo desdibuja las líneas entre géneros y explora diferentes influencias musicales. Cartulis se ha ganado un gran número de seguidores dentro de la comunidad musical underground, y sus lanzamientos y eventos gozan de gran prestigio tanto entre los aficionados como entre los profesionales del sector, y así quedó demostrado en el club barcelonés.

El habitual de Cartulis, Raphael Carrau se encargó de crear el ambiente ideal para las primeras horas del evento con su selección de vinilos excepcional. Y es que los residentes de Cartulis son conocidos por ser auténticos diggers, dedican la gran mayor parte de su tiempo en rebuscar entre pilas de discos en tiendas de vinilos, mercadillos y plataformas online en busca de ediciones pasadas por alto que ofrezcan una experiencia auditiva única. Para la edición debut de Cartulis en Les Enfants, Carrau se aseguró de seleccionar cuidadosamente los discos colocados en los turntables para que el público pudiera experimentar la calidez y profundidad del sonido analógico que muchos entusiastas del vinilo aprecian.

De 01:30 a 3:00 de la mañana, en pleno peak time, fue el momento en el que la deidad del techno Keith Tenniswood, mejor conocido como Radioactive Man, se abrió paso con un robusto recordatorio del imponente legado del sonido británico. Con su emotivo y oscuro estilo techy, electro y breakbeat Keith no defraudó al público mientras hacia sonar su mesa

analógica Mackie 1604 VLZ4 de 16 canales. Su viejo amigo Craig Richards tampoco quiso perderse el live set de Radioactive Man, así que se pasó por la cabina a disfrutar de su mágica en directo antes de dirigirse a su actuación en la sala Wolf. Antes de dar paso a Unai Trotti y Z@P, Keith terminó el live con un tema de drum and bass, sonido poco común en Les Enfants, cosa que enloqueció del todo a los asistentes mientras aplaudían frenéticamente para despedir posiblemente uno de los mejores live sets que han sonado hasta el momento en el céntrico club de Barcelona.

Para poner punto y final a la edición del OFFBCN Unai Trotti, el selector afincado a Londres que tanto respeto se ha ganado en la comunidad underground, y Z@P el selector uruguayo que habíamos visto pasar anteriormente por la cabina de Les Enfants, impresionaron al público con una sesión únicamente a vinilo durante 3 horas con una técnica inmaculada a la hora de mezclar que sus compañeros de oficio no pudieron evitar no comentar. Puros ritmos electro, techno y breakbeat impregnaron la sala aportando esa energía a la pista que tan necesaria era después del rally de la semana del Sonar al que se habían sometido los seguidores de la electrónica.

Sin duda una semana que ha marcado un antes y un después al pequeño venue barcelonés y que lo ha posicionado entre uno de los mejores clubes underground a nivel mundial. Si eres amante de los sonidos menos convencionales te recomendamos que estés al tanto de la programación que traerán para la próxima semana del OFFBCN y que no te eche atrás el hecho de no conocer los nombres de los artistas presentes en los line ups: lo más probable es que te enamores del lugar, del equipo de sonido y de los talentosos artistas que pasan por la cabina. ¡No hay nada más bonito que descubrir nuevos artistas y estilos musicales!

6-9 JULY 2023

CONSTANȚA | ROMANIA NEVERSEA.COM

MAIN STAGE INTERNATIONAL - ALPHABETICAL ORDER

ALOK • CKAY • CLAPTONE • DON DIABLO • J BALVIN • LIL UZI VERT • LIL PUMP

LOST FREQUENCIES • MORTEN • PAUL KALBRENNER • SALVATORE GANACCI

STEVE AOKI • TIMMY TRUMPET • TUJAMO • VINI VICI

AND MANY MORE

DAYDREAMING STAGE - ALPHABETICAL ORDER

DAY DREAMERS • HERNAN CATTANEO B2B NICK WARREN

MAGA • MARWAN DUA • MATTHEW DEKAY B2B YOKOO • PAAX (TULUM)

PABLO FIERRO • SÉBASTIEN LÉGER

AND MANY MORE

Brunch Electronik x OFFSónar 2023

LO RARO SERÍA NO HABER AGOTADO LAS ENTRADAS

Autor: Borja Comino

El Poble Espanyol, situado entre colinas y a las afueras de la ciudad, acogió nueve horas de música increíble como parte del programa OFFSónar de Barcelona. OFFSónar es una serie impulsada por la particular visión musical de cada uno de los sellos y grupos participantes que muestran al público su propio estilo de la música electrónica moderna a través de 6 fiestas en 3 salas durante 4 días. Se llama así porque las fechas coinciden con los días en los que se celebra el Sónar. En esencia, se podría considerar un festival dentro de un festival.

Entre el 15 y el 18 de junio, sellos y promotores tomaron este increíble local polifacético y lo convirtieron en todo un acontecimiento por derecho propio. Circoloco, Diynamic, Elrow, Lost In A Moment Unreal y Brunch Electronik pasaron por el histórico recinto dejando a su paso un camino de eufóricos asistentes.

El 16 de junio, Brunch Electronik abrió sus puertas para los más impacientes a las 5 de la tarde. Monile, Noizar, Noncitizens y Vonda7 fueron los encargados de ir calentando los motores de una velada que se extendería durante nueve horas, hasta bien entrada la madrugada. DJs como Pole Position, Etapp Kyle, Deniz Bul, Layla Benitez y Moritz Hofbauer iban cediéndose los turnos a medida que el aforo de los cuatro escenarios crecía. Los eventos vespertinos de Brunch durante el verano se suelen desenvolver de una forma bastante lógica: cuanto menos calor, más gente en la pista de baile.

Monasterio es uno de los mejores spots para las últimas horas de Sol de la tarde, un ambiente recogido y rústico con todo el encanto mediterráneo. La sombra que proporcionan los pinos, casetas en las que conseguir el avituallamiento necesario para aguantar el maratón musical, y mesas de picnic con vistas a la ciudad –tan cotizadas que bien podrían alquilarse por horas– convirtieron este escenario en el lugar ideal en el que disfrutar del set de Romy. La londinense, pese a emanar una timidez evidente, ya tiene bastantes tablas en esto de estar encima de un escenario, pues es una de las integrantes de la archiconocida banda indie británica The XX.

Acto seguido, se pusieron a mandos de la mesa de mezcla Gerd Janson con Jennifer Cardini. Se ve que se entienden bien para trabajar juntos, es por eso que no es el primer b2b que hacen este año.

Aunque el momento y el lugar pedía un poquito más de esa pátina ochentera de Cardini cuando capitanea el barco en solitario, ambos hicieron un muy buen trabajo en subir las revoluciones encadenando temas más cercanos al techno y al electro que el house al que ambos nos tienen acostumbrados. Al mismo tiempo, la ucraniana Miss Monique también demostraba bajo la lona de Carpa que tampoco es nueva en esto, ya que lleva una década produciendo y pinchando house progresivo sin parar. Moritz Hofbauer, por su parte, veía cómo el escenario principal se iba llenando a medida que caía la noche en la montaña de Montjuic.

Ann Clue fue la elegida para, prácticamente, telonear a la estrella de la noche, Boris Brejcha. Dicha elección no fue casualidad, ya que hizo un ejercicio de estilo al más puro estilo high tech minimal del DJ alemán. Es más, fue la artista que más hizo vibrar los subgraves de los arrays de Plaza en toda la jornada. Jan Blomqvist, creador del concepto concert techno que viene a ser el uso vocales etéreas y beats simples llevó a la práctica otro estilo, también muy personal, que suele ser su seña de identidad cuando pincha en directo, el llamado clubsoul. AMEMÉ nacido en la república de Benín, al oeste de África, fue la última persona pinchando en Carpa antes de los otros protagonistas de la noche, el duo Bedouin, impregnando el lugar con su innegable influencia de África Occidental con un estilo novedoso que resulta refrescante para los amantes del deep house.

En la sala Upload se vivieron las dos sorpresas de la noche. La primera fue el pedazo de set de KETTAMA, quien saltó o a la fama en 2021 gracias a su EP en colaboración con Lone y su tema ‘The Way You Feel’, que ha estado rotando regularmente en los mejores festivales durante estos dos años. Ahora, el productor nacido en Galway es el máximo responsable del recién creado G-TOWN Records y se le puede encontrar emparejado con artistas de la talla de Lone, DJ Haus, y 1-800 Girls, a la vez que publica regularmente en el sello británico Shall Not Fade. Con ese background, uno ya se puede imaginar, breaks a muerte que se mantienen a ralla a base de un hihat house que funciona como cohesión e hilo conductor de un set de dos horas que bien podrían haber sido seis. Nadie se hubiese quejado.

La segunda sorpresa de la noche fue Daria Kolosova, dando clausura a la misma sala. Kolosova, nacida en el este de Ucrania, no limitó su estilo a un solo género, añadiendo toques breakbeat e industrial a un techno lo suficientemente hardcore como para mantener a los asistentes enganchados a su set. Una gran hazaña si se tiene en cuenta quién estaba en los demás escenarios.

Los encargados de rematar la jornada fueron nada menos que Maceo Plex en Monasterio, Bedouin en Carpa, y Boris Brejcha en Plaza. El dominio de estos últimos es total. Tanto es así que no hace falta añadir mucho más. Dominio, poder y señorío describen a estos capos de la música electrónica internacional que sirvieron como ceremonia de clausura a un Brunch Electronik x OFFSónar 2023 cuyos asistentes están deseando, seguro, repetir en 2024.

Críticas | ÁLBUMES

Autor: BRUNO GARCA | bruno@djmag.es

Un trío de maestros de salón donde la electrónica nos calma al mismo tiempo que nos mete a trabajar. Kraak & Smaak, a quienes muchos creían alemanes, pero no, ellos son de los Países Bajos, nos nutren con un discote plagado de temazos. Hasta una veintena de cortes que, directa o indirectamente, conoceremos. Hay ideas y géneros para dar y regalar. Referencias al sonido lounge con toque francés y algo bossa (‘Danse Macabre’); al funky beat más picantón (‘Keep On Searching’, ‘Money in the Bag’) o incluso al neo disco de empuje house (‘I Don’t Know Why’, ‘Hold Back Love’, ‘Bobby & Whitney’). Tampoco faltan a este veinte aniversario tan especial: soul renovado como ‘Sweet Time’. Éxitos como ‘One of These Days’, ‘Man of Constant Sorrow’ o ‘Squeeze Me’ con la voz de Ben Westbeech. Mucho jugo para exprimir este verano.

Capítulo para un desconocido. Al menos para mí. Desde Austin (Texas) llega este productor. Un tipo que no se casa con ningún género, los quiere todos cerquita. Eso sí, la batuta la llevan a partes iguales la electrónica y el baile. Su nuevo disco es una mezcla de deep house con techno pacificado y ritmos rotos. Unas de las pistas más notables del LP sería ‘Shakes and Shrugs’, donde hay de todo eso… junto a una buena inyección de acid y sonidos de principio de los 90. Los picotazos ácidos continúan a ritmo de 2step en ‘2B Goodat’ o se convierten en bajos al servicio del electro (‘Totem’). En este entretenido batiburrillo también se atreve con marcianadas, pizca relleno, como sucede con ‘Raw Earth Power’. Sobró. Pronto se olvida cuando nos enchufamos a ‘Flights of Fancy’, donde explora con el house de efecto flotador.

Me juego el pescuezo a que muchos de vosotros, y vosotras, os acordáis de John Beltran por estar vinculado de pleno a la escena Detroit, y por habernos regalado dinamita pura como ‘Earth & Nightfall’. El caso es que nadie puede dudar a estas alturas de su pasión hacia sonoridades más cálidas, incluso jazzísticas y latinas. Cambiando la sombra de un complejo industrial y los sintes por texturas más soleadas y ‘humanas’. El icono al natural, y es que estos son los derroteros de su nuevo LP ‘Serendipia’. En temas como ‘Sueños Soleados’, ‘Taina’ o ‘Cachaça’ vamos bien provisto de todo eso. Pero esperen, aún hay más. El Balearic toma posiciones en cortes como ‘Em Trancoso’, ‘La Hermosa Vista’ o ‘Mallorca’. Otro dato que no juega al escondite es que ‘Juanito’ está pirradísimo por las Islas Baleares y sus siempre suaves sensaciones.

INCREDIBLE BONGO BAND

Bongo Rock (50 Years)

Mr Bongo

Un lanzamiento original culpable de los cimientos del primer y mejor rap de la década de los 80 y 90. También artífice de más de un hostiazo entrenando para ser un buen breaker (experiencia propia). Incredible Bongo Band es uno de esos combos plagados de músicos virtuosos que luego artistas como Nas, Kanye West, Beastie Boys, The Sugarhill Gang e incluso Leftfield o The Chemical Brothers han sampleado impunemente. Que también servido de fondo en mucha peli de serie B. Ojo, por el bien de todos. Se cumplen ahora 50 tacos del maravilloso ‘Bongo Rock’ y se ha decidido replancharlo. Aquí lo tenemos, sacando pecho y con un buen puñado de títulos donde destacan ‘Apache’, ‘Let There Be Drums’, ‘In A Gadda Da Vida’ o el propio ‘Bongo Rock’. Se trata de un imprescindible para sentir la esencia del ritmo.

Fue ‘Zulu’ el tema que nos avanzó, allá por mayo, la inminente salida de este LP titulado ‘Echoes’. Con él, este sello con base de operaciones en Mozambique nos pone en bandeja, y con honores, el rostro más afable de un house, a veces medio-techno, donde se hermanan lo orgánico y lo electrónico. Las melodías sintéticas con voces tanto pop como de raíces africanas. Una colección que cuenta con una docena de canciones donde se invita a emocionarse bailando despiertos. Surcos como ‘You Better Hold’, ‘Zulu’ o la propia ‘Echoes’ mitigan un fuego generado por el estrés o el mal rollo. Lástima en este lanzamiento que se complete al final con alguna versión más propia de cara B de vinilo y algo de menos magia. Por todo lo demás, buena savia.

KRAAK & SMAAK Twenty Jalapeno Records

DANIEL ALLEN Phantoms of My Former Self

Denied Music

JOHN BELTRAN Serendipia Oath

DJ TOMER & RICARDO Echoes My Other Side of The Moon

Críticas | ÁLBUMES

Autor: BRUNO GARCA | bruno@djmag.es

YLIA

Ame Agaru Balmat

En el caos jamás encontraremos un mensaje musical como el de mi admirada Ylia -Susana Hernández- en este ‘Ame Agaru’ (en japonés, algo así como “deja de llover”). Contemplativo, aún así directo y penetrante. Con la seguridad de saber controlar el espíritu de las máquinas, bordándolo luego con su talento como compositora ante instrumentos como el piano. Benditas son las teclas que imparten emoción en cortes como ‘Tus Manos Cobijo’ o ‘El Único Adiós Posible’. En este burbujeo sobrecogedor de atmósferas, que bien expresan el continuo tormento por el que no debería pasar una persona como ella, se suman también cuerdas e incluso más profundidad (‘Todos los Cuerpos’, ‘Nuances of Care’). La esencia del dub y el techno refinado están presentes en ‘Flowers in June’. En este su segundo álbum la alicantina deja mucha huella. Todo lo mejor siempre para ella.

En una selva como Barcelona, plagada de todo tipo de artistas que se aventuran con la música electrónica hilada para hacernos bailar, emergen propuestas tan finas e interesantes como esta: Palladian. Un dúo que apuesta por la descongestión de la materia rítmica para vislumbrarla con micro toques muy orgánicos y melódicos. Desfile de retales vocales incluidos. Música tangible. ‘Ocra', un trabajo abierto en canal donde, gracias a composiciones como “Sierra”, ‘Zagara’ o ‘Lithica’ vamos a oír cómo se derriten beats y texturas hermosas. Desde el Mediterráneo y con el deseo de abrirse al mundo, un trabajo místico pero cercano. Según los propios artistas se trata de una colección de recuerdos, paisajes, visiones y esperanzas relacionadas con el “ocre”, un color que evoca cierta calidez. Amén a eso.

La intención detrás de este álbum del productor nacido en Ucrania, Wyro, está muy clara. Música house sin muchos fuegos artificiales, los suficientes para hacernos bailar y desde luego olvidar las horribles historias que suceden en nuestro mundo. Muy especialmente, ahora, en su país de origen. El sonido propuesto es siempre indulgente, electrónico y poco recargado. Tanto que en ocasiones resulta un poco desganado. Sin embargo, en la mayoría de títulos como ‘Fields’ (junto a Komey), ‘Stop Thinking’ o ‘Blue Screen’ (con Farid Odilbekov) el rendimiento de las capas, bases y texturas es más que notable. Mención aparte a las líneas de sinte que, aún siendo gruesas, suenan nítidas. El resultado es también atractivo cuando encara algo de electro. Así ocurre con ‘No Sightseeing', justo al final del disco y con HC colaborando.

El regreso en formato largo (dos discos) del veterano Len Faki viene entretejido por un lado con una sonora mansalva de bombos, por el otro, con electrónica más conceptual y abierta. El ‘disco 1’ será devoción para los que buscan sensaciones fuertes y cañeras. Techno poco impermeable, del que hierve la sangre y nos pone a bailar con espasmos. Queda demostrado en cortes como ‘Temple’, el porqué este alemán de origen turco es llamado a filas en templos berlineses como OstGut o Berghain. Por su parte, el ‘disco 2’ nos ofrece los otros rostros del que sabe apreciar la magia y las oportunidades que variantes como el electro, el jackin’ house, el ambient, incluso la EBM pueden aportar a un extenso currículo. ‘Shri Yantra’, ‘Waver’ y ‘It's Time (to Move Your Body)’) nos hacen viajar en este sentido.

Juventud, divino tesoro. Crackazat la posee, pero no es lo único de lo que puede presumir. Produce con descaro, frescura y gran acierto. Ya lo demostró el año pasado en su anterior LP ‘Evergreen’, disco forjado para Freerange. Las pautas en ‘Senses’ son parecidas, pero no exactas. Su inclinación por el house, los sonidos deep, el jazz y el funk-soul de terciopelo siguen presentes, son desde luego su seña de identidad… sin embargo, percibimos mayor personalidad a la hora de los arreglos. En los vocales, musicales y sobre todo en los acordes y en los teclados. Hay incluso guiños muy especiales a personajes ilustres como Pépé Bradock y Freddie Hubbard: ‘Freddie's Groove’. ‘When We Last Met’ calma cualquier fiera y ‘Endless Life’ es una preciosa voladura. En modo ‘repeat’ este verano.

PALLADIAN Ocra Loci Records

LEN FAKI Fusion Figure

WYRO Focus Engineer

CRACKAZAT Senses Heist Recordings

Críticas | EDM/DANCE

Autor: WILLY ALCOCER | willy@djmag.es

ISHAWNA, ED SHEERAN Brace It Payday Records

Primer single Dancehall que traigo aquí: género tradicional de música popular jamaicana, surgido en los 70s como una de las evoluciones del Reggae. Más rápido, culturalmente más Pop, y técnicamente más Dance. Ishawna era ya una de las voces más destacadas -firma, desde Jamaica, con la newyorkina Payday- del Dancehall actual. Si, partiendo de esa base, consigues que cante tu canción el mismísimo Ed Sheeran (primer artista de la historia en alcanzar 3.000 millones en Spotify, por dar un dato), pues te encuentras con el nº 1 en el iTunes Reggae Chart, y 6 millones de reproducciones en 1 mes para este potencial mega-éxito internacional. Un tema precioso, a dos voces, de esos que apetece escuchar siempre, y bailar a primera hora. Suena ya en todas las radios del mundo.

NATHAN DAWE, JOEL CORRY, ELLA HENDERSON

0800 Heaven

Warner Music Uk

El DJ y productor Nathan Dawe, residente en Ibiza Rocks, presenta esta colaboración veraniega con Joel Corry y la maravillosa voz de Ella Henderson. Nathan colabora por primera vez con Corry, y por tercera vez con Henderson, quien escribió y cantó 'Lighter', (Top 3 en el chart oficial de Reino Unido), y volvió a unir fuerzas con Nathan en el himno de 2022, '21 Reasons'. Corry cuenta con 5 discos de platino en Reino Unido, otras tantas nominaciones al BRIT y el récord histórico de 24 horas en Shazam UK con +41,000 etiquetas. La canción es una delicia. La vocal es preciosa, profunda y aprendible. La producción, una obra de artesanía: sintetizador enérgico y base marcada: puro Dance, con ese espíritu noventero que empieza ya a ser mainstream.

SAN HOLO, AURORA

Bring Back The Color

Helix Records

El artista holandés San Holo (se comprende que le gusta Star Wars) presenta colaboración con la superestrella del pop Aurora (12 millones de oyentes mensuales en Spotify). Es el primer single de su próximo álbum ‘Existential Dance Music’. Estamos ante un tema que enarbola perfectamente las 3 banderas musicales más mainstream en la actualidad: Pop, Dance, EDM. Técnicamente, es un auténtico tutorial de la producción de música electrónica. Entrelaza una delicadísima composición de pistas con la espectacular voz de Aurora, que musicaliza unos versos que hablan de la esperanza del ser humano. Una letra comprometida y profunda (ya lo anunciaba el título del tema), más de lo habitual en estos géneros. Y, sin embargo, las melodías puramente Dance otorgan al tema un espíritu veraniego: mezcla perfecta con éxito garantizado.

DJDANOS

All For Love

Universal Music

El productor y DJ Felix Jaehn -ganador de varios discos de platino, 22 millones de oyentes mensuales en Spotify, elegido por Taylor Swift como remezclador de su canción 'Lavender Haze'- , se une al cantautor sueco Sandro Cavazza (el cantante de 'Without You’ de Avicii y ‘Happy Now’ de Kygo) para crear este veraniego himno Dance. El tema respeta el estilo característico de Jaehn de mezcla de melodías pegadizas con ritmos alegres, mientras que la voz de Cavazza añade una capa extra de emociones a la canción. La parte instrumental presenta elementos de Pop y Progressive House, con un ritmo enérgico y sintetizadores brillantes. Es una canción para disfrutar en cualquier situación: funcionará perfectamente tanto en radios -enseguida la aprenderemos- como en discotecas y festivales, pues tiene energía de sobra.

LOPICO Mi Panamera Down2earth Music

El sello heleno Down2Earth Music ha creado un nuevo "artefacto" de marketing: el lanzamiento de un single con una fórmula musical potencionalmente exitosa, pero sin desvelar quién o quiénes son sus autores. Todo gira sobre un enigmático nombre: Lopico. De momento, ya ha alcanzado el número 1 en Shazam Grecia. Es una vuelta de tuerca al tan aclamado género del Latin-Dance / Latin-EDM (‘A-zukita’ de Aoki) que evoluciona aquí hacia una suerte de Latin-Electro (no confundir con el ‘Electro Latino’ de Juan Magán, al que se llegó evolucionando desde otro espectro totalmente distinto de la música). Retumba en nuestra cabeza una pegadiza voz latina repitiendo frases cortas en español, sobre una línea de bajo tan gruesa como adictiva (tipo Electro de 2010). Tiene todo para ser un éxito viral… ¡sin autor!

01. MARTIN GARRIX 'Animals' [Spinnin Records]

02. ALESSO,SICK INDIVIDUALS 'We Go Out' [UMG Recordings]

03. DAVID GUETTA 'Alive Again' [Musical Freedom]

04. AVICII 'Levels' [Universal Music Group]

05. DAVID WHISTLE 'Broken Ties (The Whistlers Remix)' [The Whistlers]

06. INNDRIVE 'Shake It' [HubVEVO]

07. JAMES HYPE,MIGGY DELA ROSA 'Ferrari' [Universal-Island Records]

08. HARDWELL,LUCIANA,MADDIX 'Acid' [Revealed Recordings]

09. DJ TANI 'Komodo-Hardstyle' [Unlimited Music Records]

10. DIMITRI VEGAS 'Pull Me Closer' [Warner Chappell Music]

FELIX JAEHN FEAT. SANDRO CAVAZZA

Críticas | TECHNO

Autor: VICTOR SANTANA | victorsantana@djmag.es

MOTECH COMPILATION

Consortium Vol. 4

Motech Records

Desde las oficinas de Epm Music Uk nos lleva la promo de esta maravilla de compilación. Motech Records, nacido en Detroit, es un label muy respetado desde hace muchos años. Su creador Dj 3000 siempre ha sabido seguir trabajando duro por muchas modas pasajeras que atraviesen nuestra escena techno. En esta compilación de 19 tracks puedes encontrar desde sonidos más deep con toques groove hasta techno más menta. Esta compilación es magnífica de principio a fin. Os recomiendo cualquier track.

IDES OF MARCH

Reticent

Wout Records

El duo holandés Ides of March nos presenta nuevo Ep con 2 remixes de infarto. Esta pareja de productores de Ámsterdam estrena nuevo single de Techno melódico y volador. Este Ep camina entre arpegios, melodías increíbles y percusiones sintéticas. Cuenta con dos remezclas de los artistas Toxism y Doguez. Cualquiera de los dos remix son buenos, destacaría el de Doguez por su pads voladores con acordes que apoyan este movimiento percusivo tan profundo. El remix de Toxism es pistero y a su vez mucho más progesivo. Este EP camina entre la sonoridad profunda de Afterlife y el techno actual melódico. Una buena herramienta para cualquier DJ en festivales o clubs, tanto los originales como los remixes. Buen trabajo compañeros.

STEVE

RACHMAD - KR!Z

Lightworks Ep Reclaim Your City

El maestro holandés Steve Rachmad, conocido como Sterac, y el jefe del techno belga Kr!z unen sus fuerzas en el EP Lightworks. Su música consigue un equilibrio perfecto entre potentes ritmos que destruyen el suelo y viajes sonoros que expanden la mente, y se publica como decimonovena entrega del sello Reclaim Your City, con sede en Rotterdam y vía Berlín. Es un homenaje a su visión escapista, despojada y hermosa, que encarna tanto una sensación clásica como una paleta de sonidos con visión de futuro. Discazo para recordar.

DARK VEKTOR [GSVC - UTIL]

AMOTIK Sattar

AMTK013

El productor con base en Berlín Amotik vuelve a la carga con techno minimalista con grandes influencias de un techno mental continuo simple, pero muy bien construido. Amotik sigue fiel al formato físico y sus vinilos están en todas las tiendas más importantes del globo por su buen hacer. En la música de baile menos es más, y en los tiempos que estamos más todavía. Los altos BPMs han invadido toda la industria, todos lo sabemos pero mucha gente sigue siendo fiel y Amotik es uno de ellos. Su techno minimalista es muy cuidado y con pocos elementos, desde las percusiones hasta las atmósferas que generan el beat.

HERTZ Gear Up Suara

El Sueco Hertz vuelve al ataque con una bomba de EP que, desde el minuto uno, ya te das cuenta de lo increíble que es. El recorrido del sueco Hertz por todos los labels más importantes del techno mundial es algo innegable, su música es utilizada por cientos de artistas en todo el planeta. Esta vez Suara, como de costumbre, sabe dónde tiene que ir para no defraudar en la pista de baile. El label español conoce a la perfección las pistas de baile y no suele fallar. Una buena elección para tu maleta de discos facilitando al DJ un amplio espectro dentro del techno en todas sus vertientes.

01. DOPPLEREFFEKT ‘Plastiphilia’ [Dataphysix Engineering]

02. SEM ‘Area 5’ [Electron Industries]

03. AUX 88 ‘Extraterrestrial Time Travelers’ [Puzzlebox Records]

04. THE EXALTICS ‘Tunnel Chase Clone’ [West Coast Series]

05. DMX KREW ‘Showroom Dummies’ Part I & II [International DJ Gigolo]

06. TWO WITCHES ‘Pimeyden Jousi’ (Polytron Remix) [Kostamus Records]

07. JAM & SPOON MIX ‘The Age Of Love’ [React]

08. ABFAHRT ‘Alone (It’s Me)’ [ZYX Records]

09. QUINCE ‘My Life's Rhythm’ (original mix) [Buma Cultuur]

10. HANTE ‘A Contrecoeur’ [Synth Religion]

Críticas | UK GARAGE

Autor: BORJA COMINO | borja@allinpress.com

ANZ

Clearly Rushing Hessle Audio

Hessle Audio está viviendo una de sus mejores temporadas de primavera-verano produciendo un éxito tras otro. En el último año el sello ha dominado las pistas de baile como nadie. No sé cómo se lo han montado, pero se han sabido situar en el ojo del huracán de lo que es cool. El extraordinario ‘Clearly Rushing’ de Anz es su último himno. Engañosamente sencillo, el tema se construye en torno a un riff de teclado de 8 bits y uno de los ritmos por excelencia del UKG. El tema va derivando hacia una ruptura bastante loca, con sintetizadores silbantes que dicen claramente que algo grande está a punto de suceder, pero cuando aparece el segundo drop, es sólo esa batería de nuevo, sonando tan imposiblemente poderosa como al principio Es asombroso lo que se puede hacer quitando y volviendo a poner algo. No hace falta reinventar la rueda para sorprender.

PANGAEA

Changing Channels / Hole Away

Hessle Audio

Es verdad que parece que este espacio esté patrocinado por Hessle Audio. Pero es que no lo puedo evitar. Pangaea llega a tiempo para la temporada de festivales de verano y descarga combustible de baile por las dos caras del avance que hace de su nuevo álbum, que sale en setiembre. Changing Channels trabaja una línea caliente de bajo cuadrado ondulante y hi-hat shuffle con acordes dub efervescentes que se desenrollan alrededor de un swing garage-techno ágil. Los dos temas son tan infecciosos como hipnóticos y captan el talento de Pangaea para crear temazos para la pista de baile que reflejan una inclinación innata por lo experimental.

NIKKI NAIR, HUDSON MOHAWKE

Set The Roof

Warp Records

Este EP fusiona el jugueteo maximalista de Mohawke y el enfoque centrado en los breaks del techno de Nikki Nair (que durante el último año lo ha petado muchísimo) para construir una atmósfera de club lúgubre. Alrededor de la marca de un minuto y 15 segundos, el ritmo se detiene, dando a las voces resonantes y repetitivas de Tayla Parx un espacio para brillar. Los exuberantes sintetizadores comienzan a burbujear de nuevo, construyendo un peculiar ritmo de garage que sólo estos dos productores podrían crear. En la segunda pista 'More Recently' Nair y Mohawke demuestran su capacidad para trabajar con una amplia paleta y un tempo variado, encontrando sonidos y percusiones poco convencionales que suponen un soplo de aire fresco. Está bien escapar de la comodidad que supone utilizar samples que todo el mundo reconoce y sabe que va a funcionar. El tercer tema ‘Demuro’ realmente suena como una muestra de house francés en un frenético viaje que, seguro, funciona a la perfección en el club.

AL WOOTTON We Have Come To Banish The Dark Trule Records

Al Wootton regresa a su sello Trule con su segundo álbum. El disco es producto de tiempos distópicos y tiene como hilo conductor la unidad, la liberación y la resistencia a un mundo cada vez más oscuro, según comenta el productor. Wootton saca a relucir sus experiencias de juventud tocando en bandas postpunk y escuchando metal, y eso queda plasmado en la variedad de géneros que se presentan a lo largo del álbum. Hay momentos para todo, desde el hardcore británico a través del jungle y UKG, que permanecen siempre presentes, con toques de drum and bass bastante minimal y, en general, un ambiente de techno oscuro. Los ritmos mantienen una flexibilidad y ligereza que contrastan con la paleta de sonidos industriales que ha elegido para mantener cohesión en ‘We Have Come To Banish The Dark’.

JERRIX

JOE ARMON-JONES, MAXWELL OWIN Archetype Aquarii

Llevo siguiendo a Joe Armon-Jones desde hace mucho tiempo. Es un pianista increíble. Pero la cosa nos se queda ahí. Este nuevo disco demuestra lo mucho que ha expandido su horizonte musical durante los últimos años. Ha creado un sonido único que es, ya, inconfundible, con una composición pulida y sofisticada, fusionando una gran cantidad de estilos en algo totalmente contemporáneo, fresco y absorbente. Con este álbum, Armon-Jones y Maxwell Owin amplían los límites de su sonido y se adentran en nuevos territorios. Se trata de un conjunto de temas en los que se difumina las fronteras entre el dub de bajos pesados, la cultura de club contemporánea y sus antecedentes como fuerza pionera en la escena del jazz moderno. Esta visión singular se realza con toques de R&B, hip-hop y p-funk. Es música con sustancia, relevante para el aquí y el ahora. Y, por si fuera poco, con la certeza de que se anuncia como una influencia para los años venideros.

01. KATY B ‘Katy On A Mission’ [Sony Music]

02. INDO ‘R U Sleeping’ [Westbury Music]

03. PLOY ‘Garys’ [Hemlock Recordings]

04. WOOKIE ‘What Going’ [Man Recordings] 05. RIKO ‘Rolla’ [Ronin] 06. STEVE GURLEY, PAT BEDEAU, CHANEL ‘Just Can’t Wait’ [Strictly Music] 07. TESSELA ‘Glisten’ [AD 93] 08. BFTT ‘Mauldeth’ [All Centre]

09. O’FLYNN, FRAZER RAY ‘Light It Out’ [Technicolour]

10. HENRY GREENLEAF ‘Put By’ [Redstone Press]

Críticas | HOUSE

Autor: ALEJANDRO SERRANO | alejandroserranopr@gmail.com

LE HUTIN Expectations ?! (De La Groove)

Le Hutin es la creación del autodidacta productor, DJ y excapo de sello francés Robin Ballaud, cuya trayectoria musical es intensa y llena de sorpresas. Su último trabajo, ‘Expectations ?!’ es un trabajo único, que consolida un sonido lleno de influencias cinematográficas, de sonido House, UK Garage y Soul, inspirado en artistas como Johnick, Masters at Work, Grant Nelson, Purser, Saint-Germain y Atjazz. El conjunto es bello, emocional, con luces y sombras, consiguiendo dar con un resultado redondo, que no flaquea por ningún lado. La elegancia, el vigor y la aventura no están reñidas con la accesibilidad, y aquí se demuestra en cada una de sus notas. Entre el House y el Garaje, estamos ante una experiencia a la que vale la pena volver una y otra vez para absorber la emanación constante de emoción, ritmo y pasión.

VVAA

Manzo Edits Vol. 2

Manzo Edits

Vuelve el emblemático label Manzo Edit, siguiendo su estela irresistible, uniendo artistas capaces de hacer rugir los clubs, y creando una comunidad tan singular como sólida. Ahora aterriza con Manzo Edits Vol. 2, con tracks que van del disco al Jazzy House, pasando por sonidos funky y latinos. Cada track es cautivador, con la cantidad perfecta de sustancia para que sea incombustible, presentado con un estilo potente que va desde lo clásico hacia lo más innovador. Una delicia sólo para melómanos, que resume la filosofía musical de un sello que sabe muy bien cómo empuñar una paleta sonora llena de contrastes en cada una de sus decisiones.

MAX SINÀL SQR002

Soul Quest Records

El segundo lanzamiento en llegar a Soul Quest Records es una bomba de dos pistas a cargo del londinense Max Sinàl, que forma equipo con el pianista y vocalista Hutch The Great, el trompetista de jazz Mark Crown y la poetisa Melodi Marsh. Juntos ofrecen un trabajo brillante de música deep house con tintes de jazz. Estamos con una banda sonora ideal para los interminables atardeceres de este verano, de una forma de perdernos en cada una de las notas de su música, absorbiendo multitud de influencias con coherencia, elegancia, pero sobre todo, con un sentimiento de vitalidad y ganas de comerse el mundo que no conoce límites.

THEARCHITECH

AZYMUTH & BRUCE LEROYS

Melo da Cuíca (Aureum Remix) Aureum

Los productores Azymuth y Bruce Leroys se unen con ‘Melo da Cuíca’, su último proyecto musical, con remix de Aureum, y lo hacen con un trabajo tan narrativo como bailongo. ‘Melo da Cuíca’ se abre como una amalgama de influencias de varias décadas, este singular trabajo es muy personal, y como pocos, es capaz de desencadenar un sentimiento que a veces es desconcertante, familiar y acogedor al mismo tiempo. Casi podríamos decir que estamos ante una oda al eclecticismo más profundo, cañero y absorbente de dos maestros del house, llenos de matices, guiños y movimientos de los que seríamos incapaces de imaginar.

THEARCHITECH

AMBIGRAM

TheWarehouse Miami

En esta novena referencia de TheWarehouse Miami, TheArchitech descubre con AMBIGRAM una nueva evolución en su sonido. Ambigram es, en términos etimológicos, algo dibujado que está destinado a ser visto tanto en una posición primaria como en una secundaria. Y como su nombre indica, este EP consigue transportarte a un viaje por el tiempo y el espacio repleto de emociones y sentimientos. Su estética apela a lo más básico, profundo y receptivo del espíritu. Y lo hace de forma contundente, pero no menos evocadora. El resultado habla por sí solo, en un trabajo que consolida el sonido del productor, pero también, el de una trayectoria marcada por un trabajo constante, lleno de aciertos, y un talento creativo que atraviesa fronteras.

01. LAKE AVALON ‘Monumental’ (Original Mix) [Click Records]

02. AFFKT ‘Sopasona’ (1979 Remix) [Renaissance Records]

03. STEVEN MCCREERY ‘Interference’ (Eze Ramirez Remix) [Sudbeat Music]

04. DARIN EPSILON ‘Sonoran’ (VONDA7 Remix) [Perspectives Digital]

05. EMI GALVAN ‘Samsara’ (Original Mix) [Replug]

06. KOLSCH, KEVIN DE VRIES ‘Masterplan’ (Original Mix) [IPSO]

07. CHOOPIE, GOLAN ZOCHER ‘SAO’ (Hernan Cattaneo & Simply City Extended Remix) [Univack]

08. MADLOCH, ANTTI RASI ‘Salty Roads’ (Original Mix) [The Audio Atelier]

09. D-FORMATION, GRAZZE, DAVIDE FAMULARO ‘The Sun & the Sky’ (Original Mix) [BeatFreak Limited]

10. SATOSHI FUMI ‘Prayer’ (Nick Warren & Nicolas Rada) Remix [TheSoundgarden]

Críticas | DRUM & BASS

Autor: DANIEL PANIAGUA AKA D-PR | drumandbass@djmag.es

NEOH & MC MOOD OLE Black Monsta Records

El verano empieza a ritmo de la letra adictiva y rápida del madrileño MC Mood, que demuestra su habilidad en ambos idiomas con el esperadísimo OLE que aterriza en Black Monsta Records producido por NEOH. Un tema con toques de flamenco, letra en español e inglés y un videoclip magnífico, todo esto, en descarga gratuita, ¡no lo dejes pasar!

DUNK Basketball

Low Freq MX

El brasileño Dunk es uno de los artistas de Drum & Bass que más música acaba sacando al año. Pues bien, con este lanzamiento de dos singles por el sello mejicano Low Freq MX demuestra sus grandes habilidades al crear deep drum & bass de primer nivel, ¡toda una delicia!

THE VANGUARD PROJECT

D.I.T.U. (L-Side Remix)

Spearhead Records

Otro gran representante del Drum & Bass brasileño es L-Side, conocidísimo artista por su mezcla de liquid con toques de jungle y rollers que le hacen siempre una apuesta segura en la pista de baile. Pues bien, con este remix a The Vanguard Project vuelve a ejecutar su fórmula a la perfección, ¡todo un temazo para el verano!

DUBWEISER [Fumany]

BRAIN No Title

Citate Forms

Uno de los mayores representantes del Drum & Bass colombiano es sin duda Brain, que nunca decepciona en sus lanzamientos. En este EP por Citate Forms regresa a una fórmula club con atmósferas de oscuridad perfectamente entrelazadas, siendo para nosotros ‘No Title’ el auténtico club banger del trabajo.

SLIX Brighter Dayz (SUV Remix)

Ramp Up Records

Desde Bristol nos llega una de las leyendas del Drum & Bass como es SUV, que remezcla a Slix en Brighter Dayz. ¿Jump Up? Sí, pero del bueno, del que te hace no parar de bailar y que no usa en todo momento synthes estridentes y sobrecargados. El estilo propio de SUV está presente con un gran subgrave y unas baterías que imprimen movimiento al tema.

Críticas | BREAKS

Autor:

EDUARDO CARBONELL / evilsound@djmag.es

ED IS DEAD

Wolfram Alpha Bandcamp

El madrileño Ed Ostos, más conocido como Ed is Dead, es uno de los estandartes de la música electrónica patria. No en vano ha sido requerido por entidades tan importantes como SAE España, Future Music, Hispasonic o Microfusa, para impartir sus masterclasses sobre producción, mezcla y mastering. Ya comentamos en su momento por estas páginas algunos de sus trabajos, como los álbumes ‘#YL48H’ y 'Global Sickness' o remixes como ‘Playgame’ de Alice Wonder. Ed ya nos sorprendía con algunos cortes breaks, como el genial single 'Inner Love' o su sesión cargada de ritmos rotos 'Ignition Mix', para la BBC Radio 1, presentada por la mítica Annie Nightingale. En esta ocasión llega con esta etérea producción de future garage titulada 'Wolfram Alpha'.

THE DARROW CHEM SYNDICATE Cubano (Perfect Kombo & Hankook Remix)

Nipponeer Records

Nipponeer Records, con sede en Tokio, Japón, fue fundada por Hiroshi Fukuma en 2003. Su primer EP salió al mercado en 2009, y desde entonces ha estado coqueteando con diversos estilos como electro, glicht hop, drum and bass y breaks, siendo este último el más frecuente en sus lanzamientos. Recientemente han superado la centena, con material tan interesante como este jungle breaks compuesto por el onubense Perfect Kombo y el gaditano Hankook. Estos dos artistas nacionales son de los más activos en la casa nipona, publicando material tanto en solitario como en conjunto. Como dupla, recomendamos también sus lanzamientos 'Jaxx Freaks', 'No More Do D A T', 'You Don't Know Yours', 'Oh My Cryptic Venus', 'Coney's Blur', 'Músic Eyes', 'Echo Chamber', 'Alcatraz' y 'Karakuri'.

COOLTASTY

Underwater

Close Your Eyes

El productor gaditano Jose Segundo, más conocido como CoolTasty, nos sorprende con una gran producción de liquid breaks. Un subgénero del progressive breaks que está creciendo cada vez más, tanto entre los asiduos a los ritmos rotos, como entre los seguidores del melodic house y el melodic techno. Y es que de estos últimos tiene mucha influencia en cuanto a sintes, con unos breaks más relajados en BPM que atraen a cualquier tipo de público. Uno de los sellos que está fomentando este estilo es el nacional Close Your Eyes, junto a otros estilos aledaños que se pueden mezclar perfectamente en un mismo set, como puede ser el electro más mental. Recomendar también los recientes 'Asteroids' de MKII o 'Beauty In Life' de Guau.

TOMY [ELEKTROSHOK RECORDS)]

TESSERACTS Right To The Left Bandcamp

El pasado mes nombrábamos al dúo polaco Tesseracts, con referencia al sello de los ingleses AKOV y Pluvio, Symbiotik Records. Por esta casa publicaban en 2022 los singles 'Overflow' y 'Never Say Never', dos potentes piezas de neurobreaks que ya ponían en mi radar a esta dupla, junto a su otro lanzamiento por el sello Audiogore con los singles 'Unreal' y 'Velorum'. Ese mismo año también publicaban el single 'Good Enough' y el remix al track 'Welcome To The Club' de Pegboard Nerds & Stonebank, a través del sello Nerd Nation, y 'Not Ordinary' por Gold Digger Records. En esta ocasión llegan con este lanzamiento autoproducido, directamente desde su cuenta de Bandcamp, donde los hermanos se han pasado el juego respecto a este género.

DIGITAL BASE & ANDY VIBES

Attention

Old Skool Records

Otro artista que despunta en el género del liquid breaks, y de los ritmos rotos más bellos y orgánicos, es el sevillano Digital Base alias Andy Vibes. Desde su sello Old Skool Records nos llega este tremendo single titulado 'Attention', con una producción realmente emotiva y con sentimiento. No te pierdas tampoco su justo anterior trabajo 'Home', el acid breaks 'Inmagine' de SellRude y GreenFlamez, el breakbeat hardcore 'All Night' de Loopcrashing y 'Cand You Feeling' de Fantasy y el funky breaks 'Stratospheric' de Phökal y la guitarra de Manolito Page. Si te quedas con ganas de más buenas vibras, puedes buscar sus recopilatorios 'Best Old Skool' y 'My Life Sampler' y si lo tuyo es el vinilo, no te pierdas la edición coleccionista de 'OSRLD001'.

01. THE TWEAKERS ‘All Tweaked Out (Original Mix)’ [Adrenalin Records]

02. COLONEL REEFA ‘Flexin' Round (Original Mix)’ [Nice n' Rip Records]

03. MOSEH NAÏM ‘Neem (Mr. Fli Remix)’ [Zeroes & Ones]

04. WAVEFORM ‘New Frontier (Original Mix)’ [Thursday Club Recordings]

05. DAN F ‘Close Yer Eyez (Original Mix)’ [Disuye]

06. DESTROYERS ‘Moove (Original Mix)’ [83]

07. GUAU ‘Feel It (Original Mix)’ [83]

08. HANKOOK, MURIX ‘Only You (Original Mix)’ [Elektroshok Records]

09. BOWSER, RAVERMAN ‘Moonlight (Original Mix)’ [Elektroshok Records]

10. INTROSPECTIVE ‘Inside (Original Mix)’ [Sinister Recordings]

BEHRINGER Pro-800

El pasado mes, la empresa con sede en Alemania y que forma parte del conglomerado “Music Tribe”, Behringer, lanzó unos de los sintetizadores más esperados para los amantes de la electrónica, el clon del legendario Sequential Prophet-600, bautizado como Pro-800.

Después de mucha especulación en torno al lanzamiento de este nuevo clon, Pro-800 ya es una realidad y según informa Behringer, han recibido más de 50.000 pre-reservas.

El Pro-800 se trata de un sintetizador compacto de sobremesa con polifonía de 8 voces. Está formado por dos osciladores, una fuente de ruido, arpegiador, secuenciador, LFO, envolvente de AMP y de filtro. La sincronización y el filtro pueden controlarse vía CV (control voltage). Además, uno de los highlights de este nuevo sintetizador es que cuenta con la posibilidad de almacenar un total de 400 presets, algo muy a tener en cuenta para los usuarios de Behringer, ya que era una función que se echaba en falta en gran parte de sus productos.

El sintetizador incluye en su caja una fuente de alimentación externa, el cable de alimentación (enchufe europeo), dos cables de patch para su conexión al “sync in” y “filter CV in”, un cable USB para conectarlo al ordenador y también una guía de instrucciones.

En cuanto a la composición del mismo sintetizador, podemos ver que los knobs están lo suficientemente separados como para manipularlos cómodamente y tienen un tacto sólido que maximiza la experiencia del usuario.

Las entradas y salidas se encuentran en el panel posterior del sintetizador: DIN MIDI-Out/Thru (incluyendo un interruptor DIP para cambiar el canal MIDI). También encontramos el puerto USB, la conexión de alimentación, la salida de audio principal en mono y la entrada del pedal.

En el panel superior encontramos una entrada DIN MIDI, dos puertos de salida en formato mini jack (uno para auriculares y uno para salida principal) y dos entradas para sincronización y filtro CV.

Hace falta mencionar que los primeros feedbacks de los usuarios están siendo muy positivos en cuanto a la fidelidad del sonido analógico que emula, pero han recibido muchas críticas en referencia a la velocidad de sus envolventes. Algo en lo que el equipo de Behringer ha trabajado rápidamente para solucionar y, en cuestión de días, ya han puesto a disposición de los usuarios un update del firmware para corregirlo.

Como viene siendo habitual en los clones de Behringer y el que, podríamos decir, es su gran punto fuerte, es el precio. Este sintetizador tiene un valor de 400€, siendo 3.000€ más económico que el original Sequential Prophet-600. El nuevo Behringer Pro-800 se convierte en el sintetizador analógico, polifónico más económico del mercado.

Aunque la empresa alemana siempre recibe muchas críticas por nutrirse de los sintetizadores clásicos de otras marcas, un servidor y, como muchos de los amantes de estos instrumentos, siempre les estaremos agradecidos de que nos brinden la posibilidad de tener en nuestros estudios máquinas tan buenas y fieles a sus predecesores a precios más que asumibles.

Sin duda, el nuevo Behringer Pro-800 es un sintetizador imprescindible para los fanáticos del hardware. Estaremos atentos a los futuros clones en los que están trabajando.

Escanea el QR y encuentra más información sobre el producto en la web de Behringer.