DJ Mag ES #111

C O N T E N I D O S D J M AG 111 / a b r i l 2 0 2 0

Secciones 006 008 010 0 12 0 14 016 018 020 022

BREVES 60 SEGS CON - MIND SYLENTH OFF THE RECORD - MARIANO MELLINO FOCUS ON - WHIM RECORDS 5 TRACKS - BLOODY MARY COCINAMOS CON - COSMIC GATE ELECTRONICA & ROLL - RECONFIGURACIÓN

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TENDENCIAS – SOUNDCLOUD X TWITCH LUCKY 7 – JORIS VOORN

Artículos

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0 2 6 MARCO FARAONE 0 3 6 #MEQUEDOENCASA: EL IMPACTO DEL COVID-19 EN LA INDUSTRIA

0 5 0 ALTERN-8 0 5 4 MZRIN 0 6 0 FERNANDO LAGRECA 0 6 8 ANIMAL SOUND 0 7 2 TOP 100 CLUBES 0 7 6 SCI-FI TECHNO

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Críticas 0 8 2 ÁLBUMES 0 8 4 SINGLES

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Te ch

TOP 100 CLUBS

0 9 0 PLASTIC

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E D I T O R I A L

Este mes me encantaría poder empezar editorial de otra forma, pero los acontecimientos que actualmente azotan al mundo nos obligan a lo contrario. El COVID-19 está causando estragos en nuestra industria. Y las consecuencias pueden ser definitorias de un nuevo paradigma en nuestra escena electrónica. Tanto a nivel nacional como internacional. Por ello, desde DJ Mag España, hemos hecho un ejercicio de investigación periodística profundo y concienzudo, para arrojar un poco de luz sobre el impacto que está teniendo y va a tener esta crisis sanitaria en todos los ámbitos de nuestra vida. En el reportaje #MeQuedoEnCasa: El Impacto del COVID-19 en la Industria, analizamos esta crisis desde tres ángulos diferentes – científico, jurídico-econó-

DIRECTOR GENERAL Y DE CONTENIDOS Eduardo Pérez Waasdorp | eduardo@djmag.es

todos vosotros, queridos lectores, pueda entender mejor a lo que nos enfrentamos.

REDACCIÓN Patricia Pareja Casalí | patricia@djmag.es Helena Bricio | redaccion@djmag.es

Pero la música debe continuar. Por eso este mes os traemos a uno de los artistas más

DIRECTORA DE ARTE Sheila Enfedaque | sheila@djmag.es

mico y psicológico – para juntar la mayor cantidad de información posible para que

interesantes de la escena techno a nuestra portada: Marco Faraone habla con nosotros para contarnos los entresijos de su reciente estrenado LP, ‘No Filter’, en Rekids, y cómo está viviendo toda esta situación. Alejándose de la pista de baile, con un ejercicio discográfico concienzudo, Marco da un paso al frente como artista, situándose

DISEÑO Y MAQUETACIÓN Sheila Enfedaque | sheila@djmag.es Miguel Ángel Alvira | miguel@djmag.es DISEÑO DE PORTADA Sheila Enfedaque | sheila@djmag.es

como un productor interesante y versátil.

Este mes también traemos a un dúo de leyendas de la escena rave, con quienes nos sentamos justo antes de su paso a principios del mes de marzo por la sesión #Ketapasando en Madrid. Altern-8, los creadores del mitico himno rave ‘E-Vapor-8’, cumplen 30 años de carrera y lo celebrarán a lo largo del año con diferentes acciones. En clave nacional, hablamos con un artista icónico de nuestra escena, Fernando Lagreca, justo antes del lanzamiento se su último LP, ‘Infamous’, y para que nos cuente cómo van el resto de sus proyectos. Y girando a los sonidos más mainstream, quisimos conocer mejor a una de las sensaciones de la electrónica más comercial de nuestro país. El jovencísimo MZRIN nos atiende a la vuelta de su gira por México y nos cuenta cuales son sus últimas novedades.

También hablamos con Álvaro Vargas, director del festival murciano Animal Sound, de la actualidad del festival en su edición prevista para este año y en el que analizamos su perfil, siendo uno de los promotores más jóvenes de la escena al frente de un festival que ha crecido mucho en los últimos años. Y para cerrar este número de abril, explo-

GENERAL INFORMACIÓN: Información General | info@djmag.es Notas de prensa | redaccion@djmag.es Eventos | tour@djmag.es ADMINISTRACIÓN: Carlos Peggo | c.peggo@djmag.es MARKETING MARKETING Y BUSINESS MANAGER: Sara González | sara@djmag.es MARKETING INTERNACIONAL: Jack Howell | jhowell@protonmail.com / jh@djmag.es DIRECCION COMERCIAL: Jassi González | jassi@djmag.es

ramos los confines del universo con un reportaje sobre el techno de ciencia ficción; y

COLABORADORES

repasamos brevemente los resultados de la encuesta emitida por nuestra matriz, DJ

Ángel Manrique, BigTopo, Borja Manzano, Bruno Garca, Cristina León, Charlie Braun, Eduardo Carbonell, Ekai, Esteban Martínez, Fernando Blanco, Gerardo Cartón, Guillermo Delmas, Gustavo Navedo, Helena Bricio, Julia Lozano, Jonathan Prada, Carlos Flavio Bustos, Mugni, Oliver Florez, Rohan G. Finger, Sandra Vian, Sergio Bifeis, Sergio Parrado, Willy Alcocer, Manuel Sánchez-Cid y Miguel Ángel Alvira.

Mag, el Top 100 Clubes.

Como particularidad, habréis visto que hemos prescindido de nuestras secciones de viaje y AAA. En signo de respeto hacia todos y como declaración. Ya habrá tiempo para que todos disfrutemos de nuevo. Este mes va a ser extraño. En nuestra próxima editorial, podremos valorar mejor cómo se desarrolla la situación. Mientras tanto, lo mejor que todos podemos hacer en estos momentos – y de cara al futuro – es arrimar el hombro, apoyarnos y demostrar unidad como escena (promotores, artistas, staff y público). Hemos sido uno de los colectivos que más en serio se ha tomado esta situación. Sigamos dando ejemplo. #NosQuedamosEnCasa. ¡Hasta dentro de un mes,

EDICIÓN REVISTA DJ MAG SL Avenida 8 de agosto, 11 – 10 bajo 07800 – Ibiza (España) B 16523805

amigos!

DJ Mag España no se hace responsable de las opiniones expresadas por sus colaboradores, entrevistados o autores. Prohibida la reproduccion total o parcial de los contenidos publicados sin autorizacion expresa de Dj Mag España.

EDUARDO PÉREZ WAASDORP Director

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B R E V E S Autor: REDACCIÓN

#LOVERECORDSTORES: LA CAMPAÑA PARA APOYAR A LAS TIENDAS DE DISCOS La comunidad musical ha lanzado una iniciativa global el jueves 26 de marzo con el fin de apoyar a las tiendas de discos durante la actual crisis del COVID -19. Muchas de estas tiendas están experimentando una bajada en sus ventas y a causa del cierre obligatorio de comercios por el virus, ahora más que nunca temen por el futuro de sus negocios por lo que es urgente estimular las

ventas. Con #loverecordstores, las diferentes compañías han coordinado ideas y recursos para movilizar a los artistas que representan. Desde DJ Mag ES, apoyamos la iniciativa y nos sumamos a la campaña animando a nuestros lectores a que también formen parte de ella.

www.facebook.com/LoveRecordStores/

MARCO FARAONE PUBLICA SU SEGUNDO ÁLBUM EN REKIDS El dueño del sello UNCAGE y nuestra flamante portada de este mes, Marco Faraone, lanza su segundo álbum en Rekids, donde hace hincapié en un paisaje sonoro sin restricciones ni filtros inspirado en su infancia, titulado ‘No Filter’. En palabras del propio Faraone, el álbum representa su pasión y amor por la música en su forma más pura, sin añadiduras, creada por su niño interior para llevar al oyente a un via-

je abstracto de paisajes sonoros sofisticados, pero accesibles, que inspiran conexión, reflexión e interpretación. ‘No Filter’ estará disponible el 24 de abril de 2020.

www.rekids.com

DJMAG PUBLICA SU GANADOR DE TOP100 CLUBS Y LANZA UN FONDO DE AYUDA POR EL COVID-19 Green Valley ha sido elegido como el club número 1 entre los 100 mejores clubes del mundo de la encuesta de este año. El superclub de Camboriú celebra su tercera victoria consecutiva en este 2020. Sin embargo, debido a la interrupción global causada por el nuevo coronavirus, COVID-19, clubes nocturnos y locales de música en directo en todo el mundo están siendo cerrados. Muchos están bajo

amenaza de no reabrir en un futuro bajo ningún concepto. ¿Como puedes apoyar? Donando, compartiendo tu historia, firmando peticiones de apertura y de cualquier forma que se te ocurra escribiendo a help@djmag.com o accediendo a www.djmag.com/features/during-coronavirus-pandemic-here%E2%80%99show-you-can-support-nightclubs-andmusic-venues.

EL FESTIVAL ANIMAL SOUND, EN MURCIA, INVITA AL PERSONAL SANITARIO AL FESTIVAL La familia de Animal Sound, desde la dirección al público, pasando por cada miembro del equipo, se suma a todos los que están luchando contra los efectos más nocivos del COVID19. Por ello se suman al aplauso emotivo que cada tarde se dedica al personal sanitario, alargándolo en el tiempo hasta la próxima edición del festival. Por ello y, por sugerencia del embajador Don Flúor, invitan este

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año a todos los trabajadores de nuestro sistema sanitario, que están defendiendo nuestra salud, a disfrutar de forma gratuita del Animal Sound.

www.animalsoundfestival.com

NEW ALBUM OUT NOW 007

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S E G U N D O S Autor: REDACCIÓN

Mind Sylenth ( B L A N C O

¡Hola, Jaume! ¡Un placer saludarte! Para quien no te conozca, ¿cómo te describirías? ¡Buenas a todo el equipo de DjMag España! Un placer estar aquí con vosotros. Pues me describiría como un artista distinto. No me cierro a ningún género musical en concreto, dentro de unos parámetros. Un día puedo publicar un track más comercial y otro día algo más underground.

Eres de Barcelona. ¿Cómo ves la escena de electrónica en España en la actualidad, y la de Barcelona en particular? Especialmente en el género que desarrollas…

Considero que en España tenemos un talento increíble, tanto en la escena mainstream como en la underground. El problema es que prácticamente en todos los lugares hay reggaetón y creo que eso ha hecho que muchos artistas, entre ellos yo, hayan decidido explotar su carrera profesional fuera de España. En Barcelona podría decir que es la misma historia que en el resto de España.

Mi género lo bueno que tiene es que puedo llevarlo a un lado más comercial y encajaría en prácticamente cualquier club. Por otro lado, los festivales son mi punto fuerte. Llevar a la gente a otro nivel es lo que me hace ser feliz como artista.

Tu último trabajo, ‘Say Goodbye’, está teniendo mucho éxito. Tiene una historia muy personal detrás

&

N E G R O

y es menos enérgico y duro que otros de tus tracks… ¿Qué te inspira para producir?

‘Say Goodbye’ es un track que empecé al dejarlo con una expareja y que tiene un valor personal enorme. Quería transmitir una parte de mi más íntima y más comercial también. Estoy muy orgulloso. Pronto anunciaré nuevas collabs ofreciendo ese toque menos agresivo.

M U S I C )

Mi configuración a la hora de trabajar es sencilla. La diferencia es que hoy en día puedes producir con un ordenador y unos auriculares, y eso hace que no necesitemos grandes aparatos para sacar buena música.

Yo tengo un Macbook Pro, con Logic, un teclado MIDI, un sintetizador, una buena tarjeta de sonido, una pantalla grande para trabajar y un controlador de comandos es la configuración que estoy usando Tu propuesta artística gira en actualmente. torno al espectro mainstream de la electrónica, en especial a los Y, como DJ, ¿cómo confeccionas sonidos más dubstep, con una tu selección musical? carga importante de toques hard. Como DJ, lo que me hace distinto es ¿Cuáles han sido tus principales que nunca pongo tracks originales. influencias? ¿Cómo entraste en Yo mismo me creo mis edits y mis mashups, que es lo que realmente esto de la electrónica?

Llevo produciendo desde los 16 mola en un festival. Sorprender al años. Siempre he intentado mos- público en todo momento. trar lo que soy como persona, es decir, diferente. He crecido con el Fuiste protagonista del docuhip-hop y el rap americano, y pa- mental 4Mil Manías, en el que sarlo a un estilo personal ha sido se visibiliza el impacto del TOC un trabajo muy laborioso, que he en tu vida, dentro y fuera de la ido puliendo con los años. Te po- música. ¿Qué tan importante es dría decir varios cantantes, más visibilizar este tipo de trastorque artistas, que me inspiran ac- nos, también la depresión, que tualmente, pero podría decirte DJ afectan a la salud mental de muSnake, Aazar, Borgore entre otros, chos artistas? han sido artistas con los que me El TOC ha marcado mi vida. Ha sido identifico mucho ya que no se cie- muy complicada y muy dura. Han rran a un solo género y eso es lo sido muchos años los que no he que realmente valoro y lo que siem- podido hacer nada, ya que tenía miles de manías diarias. A pesar de pre he querido transmitir. ello, siempre he sido optimista y la ¿Cómo es tu configuración en el música ha sido mi terapia. Este es el punto principal cuando digo que estudio?

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me considero un artista distinto.

Diría que le debo todo a la música.

Creo que hoy en día aún hay mucho estigma con los trastornos y las depresiones, cuando es algo mucho más común de lo que le gente piensa. Llevándolo como algo normal, rompes ese estigma. Hay que sentirse orgulloso de ser como uno es. Llevarlo como algo normal es la manera de poder convivir mejor con ello. ¿Qué proyectos tienes entre manos este 2020?

Para este año tengo varios proyectos potentes en camino. Grandes collabs y con ganas de encontrar más gente con la que poder trabajar a nivel de management.

Finalmente, Jaume, pedimos al invitado de 60 Segundos que plantee una pregunta al siguiente. El último fue el dúo granadino Matsu, que preguntaba: “En la composición, ¿das más importancia al beat o a la melodía?”. Y a cambio, nos tienes que dejar una pregunta para el siguiente…

Yo personalmente, al beat. La pregunta que hago al próximo invitado es.... Actualmente, viendo como evoluciona la industria.... ¿Consideras que se valora más a un artista por su talento o se valora más por el marketing depositado en él?

Muchas gracias por vuestro tiempo y con ganas de volver a encontrarnos pronto. ¡Un abrazo enorme!

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O F F

T H E

R E C O R D

Hacemos 5 preguntas a Mariano Mellino que poco nada tienen que ver con la electrónica…

ULTIMOS LANZAMIENTOS: Lonya & Mariano Mellino All The Rage (FSOEUV) https://soundcloud.com/ fsoeuv/lonya-mariano-mellino-all-the-rage-uv Mariano Mellino Astros (Sprout Music) https://soundcloud.com/ sprout-music/mariano-melino-astros-original?in=sprout-music/sets/ mariano-melino-astros-ep Mariano Mellino & Interaxxis Andromeda (Balance Music) https://soundcloud.com/ balance-series/5-mariano-mellino-interaxxis Mariano Mellino The Old Seawolf (Incl Hernan Cattaneo & Graziano Raffa Remix) (Plaisirs Sonores Records) https://soundcloud.com/ plaisirssonoresrecords/ sets/psr019-mariano-mellino-the-old

Mar iano Mellino ¿Cuál fue tu última mentira y por qué?

Honestamente no recuerdo bien pero seguramente fue alguna mentira piadosa de esas que se usan en el día a día.

Eso que siempre has querido que te preguntaran y jamás te han preguntado…

Me gustaría que me preguntaran acerca de qué hago en mis ratos libres, cómo era de pequeño, qué costumbres conservo de mi familia, qué opino de la pobreza y el hambre en el mundo, de los perros en la calle y ese tipo de cosas que, generalmente, al estar sumergido en la música quedan en segundo plano. ¿Si pudieras resucitar a alguien del mundo de la música, a quién sería? ¡Siempre juego con amigos a hacernos esta pregunta! Sin duda a Bob Marley. Siempre digo que sería lo máximo presenciar un show suyo. ¿La cosa más loca que has hecho por sacarte una foto con tu ídolo?

Quienes me conocen un poco saben que solo tengo dos ídolos: por un lado Hernan Cattaneo y por el otro Manu Chao. Por Hernan viajé de Berlín a Barcelona para conocerlo en persona en su presentación en el Off Sónar y fue algo maravilloso, venía siguiéndolo por todos lados en todas sus presentaciones pero siempre era algo muy lejano. Graziano Raffa (Label Manager de Sudbeat y gran amigo) se encargó de hacer que sucediera y tuve la posibilidad de charlar con él, sacarnos una foto y pasar un momento inolvidable y ahí arranco nuestra amistad. Deseaba muchísimo un encuentro con él y, aunque tardó muchos años, llegó. Con Manu Chao pasó algo parecido; en una de mis giras por Europa viajé a Barcelona con unos amigos y fuimos a buscarlo al Bar Mariatchi -un lugar donde él solía estar-, pero no tuvimos suerte. Aún así el señor de la puerta nos avisó de que había un rumor de que al próximo día iba a tocar y ahí estuvimos haciendo vigilia varias horas antes. Así fue. Logramos conocerlo y cruzar

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algunas palabras muy lindas, nos sacamos algunas fotos y compartimos un momento inolvidable. A las dos semanas volví al Bar Mariatchi de nuevo y no pude entrar porque había aforo completo, me quedé fuera mirándolo por la ventana hasta que terminó el show,. Recuerdo que en un momento se giró, me vió pegado a la ventana y me sonrió y cuando terminó el show nos pudimos reencontrar. Nos dimos un abrazo que aún recuerdo y continuamos con la charla.

Si se fuese a hacer una estatua en tu honor, en tu ciudad, ¿en qué pose te gustaría que fuera?

Nunca lo había pensado pero creo que sonriendo y haciendo el gesto de Namasté reflejando el respeto y el agradecimiento por poder vivir la vida que siempre he soñado; haciendo lo que amo y regalando felicidad a todos aquellos que son fanáticos de mi pasión.

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F O C U S

O N

Autor: SERGIO PARRADO

Whim Records La verdad se hace un poco complejo llevar una vida normal en mitad de todo lo que acontece al mundo en las últimas semanas, pero si hablamos de música y calidad, todo es mas llevadero. Desde la tierra azteca os presentamos el nuevo trabajo de Donovan Manjarrez, más conocido como Bastard Lov , uno de los artistas mexicanos

¿Cuál es el concepto y por qué decides crear el sello?

Es un proyecto que vengo pensando desde hace mucho tiempo; con este sello quiero celebrar mis más de 10 años haciendo fiestas y viajando por el mundo, siempre involucrado con el mundo de la música. Siento que mi misión es ser, y ha sido por mucho tiempo, el puente entre artistas foráneos no tan conocidos en México y la creciente industria electrónica del país; proponiendo a nuestros seguidores una opción más

más eclécticos e innovadores en los últimos años. Hace poco se lanzo con su proyecto más personal WHIM Records en donde pasara la flor y nata de la electrónica más puntera. Su primer release es una analogía a la música más ancestral, un tributo a lo femenino, con respeto hacía las mujeres y un viaje a las estrellas del beat.

para esos melómanos y ofreciendo una nueva experiencia saliendonos de la monotonía.

Algo que haremos con WHIM Records es invitar artistas de todo el mundo, no tenemos bandera aunque es un sello con base en México y Berlín, estaremos sacando música de amigos de cada rincón del mundo, UK, España, Venezuela, Colombia, Berlín, por mencionar algunos y por supuesto México, que a nuestra perspectiva hacen música con el cora-

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zón, con una personalidad peculiar y que conectan con nuestro pensamiento. ¿Por qué llamarlo WHIM? Bueno, Whim significa “Capricho”.

Queríamos algo más corto y ligero para nuestro sello, pero que fuera conectado con el nombre de nuestras fiestas.

Sé de primera mano que tu objetivo con WHIM es sacarlo en formato vinilo y esto es algo que nos gusta mucho. ¿Qué nos puedes contar acerca de esto?

F O C U S

¡Claro! El objetivo es imprimir en vinilo y llegar a todo el mundo con este formato, pero yo soy un artista digital también y no tengo ese prejuicio de solo dirigirme a un estilo de gente. Como la esencia del sello es inclusión y libertad, queremos compartir música con el mundo en todos los formatos posibles, sin límites. ¿Cuáles son los planes para el futuro cercano de Whim? ¿Y qué hay de tus planes personales?

WHIM Records tiene una agenda para el 2020 llena de proyectos. Primero que nada sacar los 3 releases que ya tenemos preparados y con ellos esperamos ir haciendo fiestas de lanzamiento, plus las fiestas Capricho en sus 3 formatos: 1. #lookingxFreedom, fiesta dedicada al house y sus variantes.

2. #Critico, dedicado al Techno.

3. #Juntosx, fiesta dedicada a la inclusión de nuevos talentos y productoras hermanas.

Haremos pocas fiestas pero serán algo muy especial, proponiendo artistas que nunca han pisado el territorio mexicano y que en lo personal me han influenciado bastante durante mis múltiples viajes en los últimos años, pero esto será una sorpresa.

Me siento muy feliz pues de presentar el primer EP, que se lanza este mes y que

O N

será la primera de muchas. Grandes artistas alternados para crear composiciones de gran calibre. ‘CUATRO PISOS’, que es como se llama esta primera edición, es el ejemplo de un buen combo entre dos invitados brutales. Contiene dos pistas originales de un gran productor mexicano, Rubinskee, con un sonido avant garde que conecta perfectamente. Complementamos este lanzamiento con un remix de la mano de un respetado y legendario productor y a la vez gran amigo: Argenis Brito que cumple con esta parte minimalista que tanto nos gusta y que resulta en una combinación exquisita. Este EP dice mucho de la dirección que tomará el label.

En lo personal pienso dedicarme a mi sello al 100% pero aparte tengo otros proyectos como por ejemplo continuar con D.O.G., proyecto dedicado a mis sentimientos más oscuros con mi gran amigo GOG, y a parte continuar con mi residencia y colaboración en uno de los spots más underground de la CDMX, la ya conocida Ex-FÁBRICA DE HARINA. Y ya en otros temas estoy trabajando en la apertura de un nuevo spot en Ciudad de México y la creación de una marca de ropa, todo esto con un equipo de amigos.

Si pudieras viajar a otra época (musicalmente hablando), ¿a dónde irías y por qué?

MINI

Sin duda la época de los setentas y un poco los ochentas por qué? Es la época que conecta con nuestra ideología : Libertad y Rebelión, es el inicio de la música que hoy conocemos como música electrónica, el disco, el funk, el rock psicodélico! Y los 80’s el inicio de las máquinas! Respetamos las bases y la historia, entonces me voy sin duda a la transición de los 70’s y 80’s con esa libertad retorcida. ¿Qué te gustaría destacar de la escena real? Artistas o sello que crees que necesitamos seguir de cerca Lo que destacaría es la evolución del sonido, cada dia sale música increíble en todo el mundo, entre lo clásico y lo contemporáneo puedes encontrar piezas maravillosas y artistas increíbles por descubrir en cada rincón del planeta y bueno nos llena de placer compartir y ser parte de este mar de opciones.

Recomiendo que sigan a algunos artistas mexicanos, como Rubinskee, Frankov, GOG, D.O.G., o algunos globales como Argenis Brito, Maher Daniel o Alex Arnout. También recomiendo sellos de mis colegas como Akbal Musik, de Robbie Akbal; Departures de Rubinskee; FRUCHT-Label de Frankov; y N.E.U.N.M de GOG.

TEST

¿Una ciudad?

¿Una comida?

¿WHIM Records?

Berlín

Mexicana

Libertad

¿Un club?

¿Un libro?

Hoppetosse

Juliette o Las prosperidades del vicio, del Marqués de Sade

013

5

T R A C K S

Preguntamos a Bloody Mary por los 5 Tracks que más le han influenciado

Bloody Mar y

1.

2.

T i m Tay l o r & DJ Slip

Bloody Mary & Cardopusher

‘Pleasure Unit’

‘Out of Control’

He estado pinchando y recolectando discos de Missile durante años, y tengo casi todo el catálogo en vinilo. Hace un par de años, lancé Missile, y luego invité a Tim Taylor a aparecer en Dame-Music. El resultado fue un relanzamiento de sus icónicas canciones techno de los 90 con DJ Slip, Pleasure Unit. El release también incluye un remix de Jerome Hill, así como 2 remixes de mi parte, ya que estaba muy emocionada e inspirada para trabajar en este proyecto.

Este es el último release del sello, Dame-Music 041. Cardopusher y yo nos conocimos el año pasado y ese día hablamos mucho sobre equipo y producción musical. Después de eso, decidimos grabar algo de música juntos, y así es como nació este release (Conformity Kills EP).

Fue interesante trabajar juntos y compartir nuestro background -tan diferente en cada uno de nosotros- en un solo disco. ¡Sabor ácido EBM!

3.

Para celebrar el décimo aniversario de Dame-Music, la fundadora del sello Bloody Mary ha seleccionado los 5 temas que mejor definen su sello.

4.

5.

KiNK

Bloody Mary

‘Throwing Elbows’

‘Mono’

Este track es parte de una serie especial en Dame-Music llamada “The Melting Point”. El concepto es invitar a amigos (como KiNK, Josh Wink, Hardfloor ...) que producen y aman el Acid tanto como yo, para hacer un release en el sello. En los últimos años se han lanzado 3 volúmenes en vinilo, y esta canción apareció en el Volumen 1. ¡Estad atentos para el Volumen 4!

En mi estudio, cuando se acercan las etapas finales del proceso de producción y llego al momento de hacer el mix, me gusta comprobar cómo suena en mono. He estado haciendo esto durante algunos años y, en mi opinión, es bueno tener ambas perspectivas de cómo suena el mix final al escucharlo tanto en estéreo como en mono. ¡Así es como este track consiguió su nombre!

014

Innerspace Halflife ‘Custom LSE’ En 2014, invité a Innerspace Halflife de Chicago a hacer un disco en Dame-Music. Disfruté mucho viendo a los chicos pinchar en vivo en el stage, por lo que la idea de hacer algo en el sello surgió de forma natural cuando hablé con mi amigo Ike Release, que también es parte del dúo.

Puedes encontrar la versión impresa de DJ Mag ES gratuitamente en:

MADRID •

PALMA 39 Calle de la Palma, 39. 28004

•

EL ALMACEN C/Minas 13, 28004

BARCELONA •

DISCOS PARADISO C/Ferlandina 39. 08001

•

PLASTIC C/Calabria 95. 08015

•

PACHA BARCELONA C/Ramón Trias Fargas. 08005

•

THE BASS VALLEY Passatge Can Polític, 13, 08907 L’Hospitalet de Llobregat

• •

DABADABA Camino de Mundai, 8, 20012

GIRONA •

EUMES Carrer de Baix, 2, Espai Marfà, 17006

GRANADA •

DISCOS BORA BORA Plaza de la universidad 11. 18001

•

ACADEMIA FONICA Calle Azorín, 10, 18004

IBIZA USHUAÏA IBIZA BEACH HOTEL Playa d’En Bossa 10, 07817

BRIDGE_48 Carrer de Llull, 48, 08005

•

CAFÉ MAMBO Carrer Vara de Rey, 40

DISCOS SUBWAX Carrer de la Riera Baixa, 10, 08001

•

METRICA STUDIO Carrer de la Murtra, 5, 07817

THE BASS VALLEY & STUDIO DJ CENTER Calle Jil de Jaz nº3, C.C Galerías Pidal, local 14. 33004. Oviedo

BILBAO •

POWER RECORDS C/Villarías 5, Bajo. 48001

•

ESCUELA BAFFLE DJS Travesia Tivoli 3, 48007

CASTELLÓN •

•

•

ASTURIAS •

DONOSTI

ENIGMA RECORD C/Prim 10, Bajo. 12003

PONTEVEDRA •

PLAYGROUND STORE C/San Roman 10, Bajo. 36002

SEVILLA •

TOTEMTANZ C/Amor de Dios 66. 41002

VALENC IA •

FOR THE LADIES C/ Gasco Oliag 6 , bajo izq 46010

•

STRAP V. Blasco Ibañez, 33. 46010

ZARAGOZA •

XPRÉSATE/LAS ARMAS Plaza Mariano de Cavia, 2

Si quieres formar parte de nuestros puntos de distr ibución, escríbenos a: info@djmag.es, con el asunto distribución

C O C I N A M O S

C O N

Cosmic Gate

No es ningún secreto entre nuestros amigos y familiares que las decisiones sobre qué comer y dónde comer dictan nuestros momentos de vigilia. De hecho, siempre estamos pensando en nuestra próxima comida, ya sea una bomba en un restaurante en la Barceloneta, laksa de un puesto de comida en Singapur, una cena omakase en Tokio o una comida casera hecha en nuestra propia cocina. Estamos extremadamente agradecidos de que nuestro trabajo como DJ nos permita viajar y descubrir tantas ciudades inspiradoras alrededor del mundo.

Aunque nos apasionan todos los géneros de comida, siempre tenemos un antojo especial reservado para la cocina del Medio Oriente y (especialmente) libanesa.

Y, aunque somos grandes admiradores de la propagación tradicional antes mencionada, también disfrutamos mucho los platos más propios de la cocina de la abuela. Por eso, hoy compartimos uno de nuestros favoritos: koussa ablama (o koussa bi laban), que se traduce en “calabacín en yogurt”. Es un tipo de plato gratificante para el alma, cálido desde el interior, que se devora mejor en un día frío. El ingrediente estrella: calabacín frito relleno de carne molida, bañado en salsa de yogurt caliente y servido con arroz tibio. No hagas planes después de la cena… ¡probablemente no te moverás del sofá!.

Salud, buen provecho, ¡sahtein!

INGREDIENTES 12 calabacines pequeños 1 kg de cordero o carne molida 1 cebolla grande amarilla o blanca cortada en cubitos ¼ taza de piñones tostados 3 tazas de yogur natural (con o sin grasa) 1 ½ cucharada de maicena disuelta en 2 cucharadas de agua fría 1 huevo Aceite vegetal para freír calabacines Sal Pimienta ¼ cucharadita de canela 1 cucharadita de pimienta de Jamaica

KOUSSA ABLAMA / KOUSSA BI LABAN Retíralo del fuego. Usando una cuchara (o la Mientras tanto, para preparar la salsa de yomano), rellena los calabacines con la mezcla gurt, bate el yogurt, el huevo y la maicena de carne hasta que estén llenos hasta el borde. en una olla grande. Enciende a fuego medio y comienza a remover con un gran movimiento Calienta el aceite vegetal en una sartén. Lue- circular en una misma dirección hasta que el go fríe los calabacines hasta que se doren y se yogur comience a burbujear y a estabilizarse, A fuego medio, saltea la cebolla cortada en cu- arruguen. Ve con cuidado de no echar dema- (no dejes de remover hasta que esto suceda; de lo contrario, el yogur se separará). bitos con aceite hasta que quede transparente. siado calabacín en la sartén cuando lo frías.

Añade la carne y cocínala hasta que ya no esté rosada. Luego añade la sal, la pimienta, Retira el calabacín y colócalo en un plato fo- Sazónalo con sal y añade el calabacín frito. rrado con papel para que absorba parte del Sírvelo con arroz y… ¡a comer! la canela y la pimienta de Jamaica.

Añade los piñones tostados a la mezcla de exceso de aceite. carne y mézclalo bien.

Lava los calabacines, corta los tallos y luego vacíalos (consejo: no deseches el relleno de los calabacines. Saltéalos en aceite de oliva con ajo, añade sal y menta seca y cómetelo con pan de pita caliente o frío).

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@DJMAG.ES

#DJMAGESANIVERSAR

En el año de nuestro #Aniversar10, ¡DJ Mag ES llega a tu casa!

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#DJMAGESANIVERSAR

@DJMAG.ES

E L E C T R O N I C A

&

R O L L

Autor: SERGIO BIFEIS

Reconf iguración El mundo en pausa o quizá deberíamos decir en stop. Eso es lo que nos está dejando la crisis sanitaria del COVID-19. El virus que se ha transformado en una pandemia global y que ha hecho que la vida tal y como la conocemos se pare y reine la incertidumbre. Mientras escribo estás líneas seguimos en Estado de Alarma y en cuarentena, y es muy posible que si estás leyendo esto en abril continuemos igual. Y si el futuro, que es ya de por sí incierto, no es muy halagüeño con una más que presumible crisis económica como resaca derivada de la inactividad.

Hemos visto como esta crisis ha golpeado al sector de la música y del clubbing en particular con la cancelación de todos los eventos desde mediados del mes de marzo y prácticamente el mes de abril íntegro a lo largo de todo el mundo. Y más allá de un parón que afecta a todo los estratos de la industria que no solo va desde los propios

artistas (que nos saturan con streamings para entretenernos y seguir en el candelero) y promotores (grandes y pequeños), también es un problema de agencias, camareros, seguridad, fotógrafos e incluso medios de comunicación. Toda la estructura anteriormente conocida se tambalea y nadie sabe si a raíz de esto habrá un cambio de paradigma, al menos a corto plazo, o todo volverá a ser igual.

En este momento que podría ser el mes cero, en el que tanto el dj que cobra cuatro ceros en su caché y el dj de dormitorio que pincha para su pared están en igualdad de condiciones; la gran pregunta es cómo se desarrollará ese hipotético primer escenario en el que una probable crisis económica sea quién marque los pasos a seguir. Quizá el público no tenga entre sus prioridades gastar dinero en ocio trayendo como consecuencia una rebaja de precios, cachés e influencias para la supervi-

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vencia de una burbuja que se ha pinchado de golpe.

Y no cabe duda que con el paso del tiempo volverá a inflarse y puede que se vuelva a la situación pre-COVID-19 a medio y largo plazo, pero la clave a corto plazo puede que sea un modelo de negocio que tenga que adaptarse donde lo local tenga un impulso y se potencie. Una solución para que la música en directo no deje de sonar y se construya una escena con unos buenos mimbres sin prácticas deleznables como hace 10 años con la proliferación de los infames RRPP-DJ’s de los que más de un promotor se aprovechó. Quizá es la hora de que se reconozca el trabajo de los que siempre han estado ahí y las nuevas generaciones con ganas de demostrar su talento. Puede que sea la hora de la vuelta de la verdadera esencia de la cultura de club. Una reconfiguración más justa y equilibrada.

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T E N D E N C I A S Autor: REDACCIÓN

#YOMEQUEDOENCASA SOUNDCLOUD Y T WITCH SE ALÍAN PARA AYUDAR A LOS AR TIS TAS A MONETIZAR SUS DIRECTOS VÍA S TREAMING

Estamos sufriendo los estragos de la pandemia del COVID-19 ampliamente en todos los sectores de la sociedad. La comunidad musical, como exploramos en este número en un extenso reportaje, se está llevando un duro golpe. Pero justamente, son los gestos entre los miembros de esa comunidad los que están ayudando a sobrellevar las duras medidas de restricción de movilidad y reunión que viven países de medio mundo.

En este contexto, nuestra plataforma de streaming favorita, SoundCloud, y el gigante de streaming en directo Twitch, se han aliado para lanzar un nuevo servicio que ayude a los artistas a monetizar su contenido. De esta forma, estos podrán paliar un poco el duro golpe económico que ha supuesto la cancelación masiva de actuaciones en todo el mundo.

El servicio estará disponible para todos los usuarios de SoundCloud Pro, SoundCloud Premier y Reposts de

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T E N D E N C I A S

artistas en SoundCloud y permitirá a los artistas ya afiliados a SoundCloud crearse de forma rápica una cuenta en Twitch, en modo Affiliate, que desbloquea las varias herramientas de monetización de Twitch.

Esto significa que los artistas van a poder pasar los critierios habituales para un usuario Affiliate y empezar a hacer dinero gracias a la plataforma en cuestión de días. Sin embargo, también advierte que el acceso “no está garantizado” y aconseja a los

usuarios que se aseguren de que su perfil de Twitch tengan todo en orden antes de apuntarse.

El formulario se puede encontrar en: https:// blog.soundcloud.com/2020/03/20/soundcloud-is-partnering-with-twitch-so-you-canconnect-with-new-fans-and-get-paid/

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L U C K Y

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Autor: REDACCIÓN

Jor is Voorn [ S P E C T R U M ]

¿Qué track te recuerda a tu infancia?

Pink Floyd - ‘Another Brick In The Wall’. Fui un gran admirador de Pink Floyd en mi adolescencia, y todo empezó con su álbum The Wall. Comencé a coleccionar todos sus álbumes después de escucharlo muchas veces, y hasta el día de hoy me encantan todos. ¿Qué álbum compraste primero?

Realmente no lo recuerdo, pero podría ser un álbum de Queen cuando tenía 11 años más o menos... También fui gran fan de Queen en aquellos tiempos. Uno de los primeros discos de vinilo Techno que compré fue C4 de Maurizio, uno de los mejores discos que se ha hecho. ¿Cuál es el álbum más cursi de tu colección?

Tengo unos cuantos. Cuando empiezas una colección de discos no siempre estás seguro de qué comprar y cómo seleccionar una

buena colección. Sentía mucho interés y aún continúo desarrollando mi gusto por la música electrónica, lo cual era completamente nuevo para mí. El acid fue una de las primeras cosas que empezaron a fascinarme, y un día de compras en una tienda de discos ya cursi encontré un EP de Nostrum llamado The End. Tenía un gran riff acid hacia el final, pero el resto era una mezcla cursi entre B.B.E y Faithless. Todavía tengo el registro y todavía me gusta el riff ácido, el resto no tanto. ¿Qué track garantiza hacerte llorar?

The Aztec Mystic A.K.A DJ Rolando - ‘Knights Of The Jaguar’. Hoy en día todavía es uno de los tracks techno más emocionales que se han hecho ¿Qué álbum escuchas ahora?

Después de la muerte de Andrew Weatherall comencé a escuchar uno de mis álbumes

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favoritos, Sabres of Paradise – ‘Haunted Dancehall’. Es una verdadera obra maestra de música electrónica extremadamente imaginativa del mix de los 90. ¿Cuál es el álbum que más atesoras de tu colección?

Uno de mis discos techno favoritos siempre fue ‘SW37’ en Synewave Records. Nunca supe quién hizo el disco, pero aparentemente es Joey Beltram. No es una pista techno de hora punta, pero su ritmo es irresistible. Cálido soul minimal techno en su máxima expresión. ¿Cuál es tu track favorito de todos los tiempos?

Mi canción techno favorita todavía continúa siendo Dave Clarke – ‘Wisdom To The Wise’. Es el modelo del techno hecho en su mejor expresión en 1994 y nunca más vuelto a hacer por nadie.

N U E VA WEB 2017

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# Y O M E Q U E D O E N C A S A

# YOME Q UEDO EN C ASA

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# Y O M E Q U E D O E N C A S A

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MARCO FARAONE

Autor: PATRICIA PAREJA CASALÍ Fotos: JAVI ICECID

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Marco Faraone no necesita presentación. El DJ y productor italiano, dueño del sello UNCAGE, es ya uno de los artistas más conocidos en el mundo de la música electrónica. A lo largo de su carrera musical -que hoy en día suma ya más de 10 años- se ha convertido en una pieza fundamental en los festivales de todo el mundo, además de ser uno de los habituales en la isla ibicenca.

Desde su aparición inicial en el sello de Radio Slave en 2018, el italiano ha continuado entusiasmando a las comunidades techno de todo el mundo tocando en eventos como Awakenings, Caprices, Tomorrowland y Kappa FuturFestival. Sin olvidar sus lanzamientos anteriores en Ovum, Drumcode y Be As One, que han tenido el apoyo de artistas como Len Faki, Rodhad, Laurent Garnier y muchos más.

La magia de cada uno de sus sets se debe a su gran versatilidad en cabina ya que, si hay algo que caracteriza a Faraone, sin duda es que hablamos de un artista sin etiquetas que no pertenece a un único género musical, sino a varios. De ahí que pueda expresarse libremente cuando se dispone a los platos. Y de ahí que siempre sea capaz de sorprendernos con algo nuevo.

Faraone lanza este mes de Abril su nuevo álbum “No Filter” en Rekids, el sello del gran conocido Matt Edwards aka Radio Slave. En palabras del propio artista “el álbum representa mi pasión y amor por la música en su forma más pura, sin filtros, creado por mi niño interior para llevar al oyente a un viaje abstracto de paisajes sonoros sofisticados -pero accesibles-, que inspiran conexión, reflexión e interpretación”.

En plena crisis mundial -a consecuencia de los acontecimientos que estamos viviendo alrededor del mundo-, hemos conseguido sentarnos a charlar con este gran artista. Hemos hablado de su nuevo trabajo, de cuánto significa este álbum para él y por qué es tan diferente al resto. También se ha abierto a nosotros para contarnos más acerca de la iniciativa #YoMeQuedoEnCasa, nos ha dado su pincelada personal acerca de la situación actual a causa de esta pandemia, pero también nos ha infundado un aire optimista de cara a los tiempos que vienen,… Sin más dilación, aquí os traemos esta charla para amenizaros estos días de cuarentena y, sobretodo, ¡para que disfrutéis conociendo más en profundidad a este artistazo!

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“EL ÁLBUM REPRESENTA MI PASIÓN Y AMOR POR LA MÚSICA EN SU FORMA MÁS PURA”

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ola Marco! Es un placer sentarnos a charlar contigo, aún en tiempos difíciles como los que estamos viviendo en el mundo entero ahora mismo… ¡Es difícil de creer todavía! Pero estoy muy seguro de que saldremos de esta.

Este virus se ha convertido en un gran problema que no podemos tomarnos en broma, es muy serio y debemos tomar todas las precauciones posibles. Y, sobretodo, quedarnos en casa.

Toda la razón. Por eso, ¡vamos a intentar amenizar un poco el tiempo de cuarentena de todos nuestros lectores! Empezaste el año a lo grande con un “All Night Long” en Pacha Barcelona. Cuéntanos, ¿te gusta más hacer este tipo de sesiones en comparación con sets más cortos?

Sin duda prefiero pinchar un “All Night Long” porque me da más libertad en cuanto a expresión musical. De hecho, yo mismo le pedí a Pacha que me permitieran pinchar más rato, acostumbro a pedirlo a los clubes con los que tengo buena relación como, por ejemplo, Pacha.

Cuando realmente quiero hacer algo especial les pido un mínimo de tres horas o incluso un “All Night Long”. Me considero un artista muy versátil, me encanta pinchar diferentes estilos de música desde el primer día. Mucha gente cree que soy un “artista techno”, otros creen que soy un “artista house” pero, al final, soy solo un DJ y siempre intento pinchar lo que mejor convenga en cada momento específico. Esto es algo que te permite expresarte bien cuando se trata de un set largo porque si solo pincho una hora y media o dos horas, solo tengo que seguir una dirección musicalmente hablando. Pero en cambio, si pincho muchas horas realmente puedo pinchar música

muy diferente y, además, tengo tiempo entre medio; puedo pinchar una buena línea sonora y crear una buena evolución hasta el final. ¡Siempre prefiero un “All Night Long” por esta razón! ’No Filter’ es el trabajo que presenta el próximo 24 de abril. Es un trabajo muy personal y abstracto, donde no todos los tracks suenan al Marco Faraone de la pista de baile. De hecho, hablas de que has liberado a tu niño interior en este disco… ¿Cuándo decidiste la dirección que querías darle al proyecto?

La historia detrás de este álbum empezó cuando me mudé a Barcelona a principios del año pasado después de haber estado viviendo mucho tiempo en Italia, en Florencia. Venía de una relación de amor difícil que oficialmente terminó el pasado año. En ese punto me decidí a mudarme a Barcelona; cambié mi vida, mi ciudad, todo. Para mí fue algo así como empezar mi vida de nuevo desde el principio ya que me mudé a una ciudad completamente nueva con nuevos amigos. Cogí todas mis cosas y conduje hasta aquí solo. Estuve viviendo muchos meses solo en Barcelona y en ese momento fue cuando decidí empezar el álbum. Digamos que este gran cambio en mi vida y esta nueva ciudad, este nuevo entorno tan diferente influyó mucho en mi producción musical. Empecé a crear música de manera más espontánea sin barreras ni compromisos, simplemente porque quería expresarme de una manera nueva. Viví una evolución personal que empezaba a sonar diferente a consecuencia de este gran cambio y mi nueva percepción musical dio paso a un nuevo Marco Faraone. De alguna manera me convertí en un niño de nuevo, para mí fue algo así como haber nacido otra vez; todo lo que me envolvía me sorprendía y estaba emocionado. Al llegar a Barcelona sentí la misma excitación que podría haber sentido un niño pequeño: veía todo con nuevos ojos y tampoco era lo mismo para mí en términos musicales. Por esa razón decidí producir este álbum con una “visión de niño pequeño”.

En una entrevista de finales de 2019 hablabas de este álbum y lo definías como “un álbum realmente experimental y diferente a lo que suelo publicar”. ¿Por qué? ¿Qué hace este álbum tan diferente al resto?

Se trata de un proyecto completamente diferente porque este no es un álbum que yo haya producido con intención de venderlo o de enviarlo a un sello en concreto. Produje este álbum y al principio quería lanzarlo en mi propio sello, pero como en los últimos años he mantenido una muy buena relación con Matt Edwards (Radio Slave) -el dueño de Rekids-, finalmente decidí enviarlo a Rekids. Pensé que, como era un buen álbum, era mejor lanzarlo en esa pla-

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taforma porque creo que en este sello el álbum recibirá la atención que merece. Se lo envié a Matt porque quería que este trabajo estuviera más expuesto y mostrar así a la gente “qué es Marco Faraone”, pero también para que vean “qué puede ser también Marco Faraone”, y con esto me refiero a mí produciendo música en un ambiente totalmente diferente, porque me sentí muy influenciado por todo lo que me empezó a rodear. Así que digamos que este es un álbum concreto que produje en un momento muy concreto de mi vida, y este es el resultado de Marco Faraone en esa situación. Este álbum es un concept-techno álbum y se trata de un sonido que no es muy accesible a todo el mundo, un proyecto mucho más experimental. ¿De donde sale la idea del arte? Entiendo que el niño que sale eres tú… ¡Cuéntanos la historia de esa foto!

El álbum se llama “No Filter”, esto significa “Sin Filtros”. La foto por supuesto soy yo cuando era pequeño, quizás tendría dos años, y es una foto analógica hecha por una cámara realmente antigua, quizás Polaroid, o algo así… en definitiva, ¡una cámara muy antigua!. La foto que ves en la portada tampoco tiene photoshop ni ha sido editada de ninguna otra manera. Es la foto tal como es, original, “Sin Filtros”. ¿Qué hay mejor que una foto de mí mismo cuando era un niño? Tan pura, sin ningún filtro, sin ningún tipo de contaminación del mundo,…

Cuando eres pequeño todavía no estás contaminado por el sistema, ni por la gente, ni por las redes sociales. Este es exactamente el mensaje musical que quise comunicar con el álbum y especialmente lo encontramos en el track “No Filter”, el principal, el que le da nombre al álbum. Es un track que me recuerda la manera como creé este álbum y donde quise transmitir el momento en el que un niño llega a la vida. La idea de la portada viene de aquí porque pensé; "¿qué puedo poner? Una foto mía posando en blanco y negro, de lado,… ¡No!” Decidí poner esta sacando mi lengua donde sólo puedes ver a un niño espontáneo haciendo una expresión natural, sin filtro.

En cuanto a tus tracks, especialmente el primero ‘Force Deep’ y el último, ‘Iconic’, que son más bien exploraciones downtempo-breakbeat-melodico… ¿de donde sale la inspiración para estos tracks?

Está claro que un álbum no puede tener solo tracks para la pista de baile, necesitas hacer un poco de “mix” de todo. Intenté crear una especie de viaje entre tracks techno y algo más atmosférico o dreamy. En términos de producción, el álbum ha sido producido de la siguiente manera; cada track como un sonido único. Pue-

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do describir este álbum como algo techno, por supuesto, pero de alguna manera también incluye elementos dreamy y psicodélicos porque cada track tiene un único elemento que está presente a lo largo de todo el track. Es como un “loop” o un gancho distinto en cada canción, y cada track está construido alrededor de ese elemento. Por ejemplo en “Night Ride” el loop es el sonido de un carillón real, ese sonido me recuerda completamente a la infancia y está presente en todo el track de principio a fin. Este es un pequeño detalle de todo el álbum. Por supuesto también he añadido unos tracks downtempo porque, ya que he tenido la oportunidad de expresarme sin ningún tipo de atadura a lo largo de 10 tracks, quise crear una especie de “viaje” y producir diferentes elementos para completar el álbum.

Por otra parte, muchos tracks son viajes de techno seco, lento, casi sin melodías y centrados en los efectos y la percusión. ¿Cómo ha sido tu proceso de producción en ‘No Filter?

Que haya tracks sin melodías es en parte verdad y en parte mentira, porque si escuchas el track “Force Deep” hay una melodía, en “No Filter” hay una melodía, en “Trust Me” hay una melodía,… pero la mayoría son melodías deep, algo como hipnótico, no es la típica melodía épica como las que puedes encontrar en algunas producciones mías para Drumcode, o en algún otro track mío como “Over The Clouds”,… Estos tracks de alguna manera tienen melodía, pero la mayoría están creadas para construir una atmósfera, un viaje que conduzca al oyente hacia una dirección completamente distinta más soñadora que melódica. Melodías dreamy con un gran recorrido. Por ejemplo, el track “Addiction” tiene golpe al principio pero a mitad del track aparece ese largo eje que convierte un track techno en algo mucho más enfocado para los oyentes, algo más atmosférico. ¿Cuánto tiempo te ha costado terminarlo?

Me ha llevado un año terminar todo el trabajo.

Digamos que, en lo que se refiere a realizar todo el trabajo ha sido más de un año -teniendo en cuenta que durante el verano estuve viajando mucho y tuve que terminar muchos de los tracks en la carretera, en el avión-,… Pero en términos de producción musical ha sido un año.

De los tracks de tu nuevo álbum, cuéntanos… ¿Cuál es tu favorito?

En términos emocionales es “No Filter” porque cuando lo escucho siento escalofríos, piel de gallina. Me emociona mucho porque tiene su justa melodía, es sensible, es la canción que le

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da nombre al álbum y por tanto es la más importante, es el mensaje principal del álbum. En términos de producción y creatividad mi track favorito es “Time Equals Eternity”. ¿Cuál es el que mejor funciona en la pista de baile?

Addiction. ¿Cuál ha sido el más difícil de componer?

Time Equals Eternity, porque este track fue completamente compuesto con un modular y yo no soy muy fan de los modular. Un amigo mío me prestó uno y me llevó mucho tiempo preparar todo y entenderlo porque nunca antes había usado uno. Fue un proceso largo pero quise hacer un track que fuera algo especial. Grabé casi 30 minutos de sonidos, luego los edité todos y lo acorté para convertirlo en track.

Para nosotros la joya de este álbum es ‘No Filter’, el track que da titulo al álbum… una orgía de breakbeats cargado de atmósferas luminosas y elevadoras. ¿De dónde sale esta exuberancia sonora? ¿Por qué te has querido distanciar tanto de la pista de baile?

“No Filter” es así porque la melodía me recuerda al momento exacto en que un niño llega a la vida y abre sus ojos por primera vez. Estuve muy sentimental mientras producía este track porque quería transmitir ese mensaje y reproducir este sentimiento en un sonido, y fue algo complicado. Quizás para otras personas esta canción no es nada del otro mundo, tan solo es una canción normal, pero para mí lo es. Quise transmitir un sentimiento de niño en una melodía, un sonido de pasos corriendo, el frenesí de cuando un niño nace… Fue muy complicado.

El álbum lo publicas en Rekids el reverenciado sello de Radio Slave. ¿Por qué elegiste su sello? ¿Qué relación tienes con Matt?

Mi relación con Matt siempre ha sido buena, él siempre ha reproducido mucha música mía aún cuando no estaba lanzada en Rekids. Obviamente he lanzado producciones en muchos otros sellos como Dumcode pero, a medida que he ido creciendo como artista, me he dado cuenta de que me gusta hacer de todo. Mi espectro musical es tan grande que no me gusta que la gente me encasille y diga que soy un “dj techno” o un “dj house”, tampoco un “dj productor de techno y house”. Odio cuando la gente viene a la fiesta y espera algo de mí, no quiero que esperen nada en concreto. Por este motivo he dicho en muchas otras entrevistas que me encanta Laurent Garnier como DJ porque él puede pinchar todo, cualquier cosa. Y nadie dice nada. Él es Laurent Garnier y si vas

a verle sabrás que él puede pinchar cualquier cosa, y cualquier cosa que pinche será música de calidad. Por supuesto él es un DJ de la vieja escuela, old school, y le ha llevado mucho tiempo hacerse respetar por esto porque todo el mundo hoy en día está siguiendo un formato; les quieren porque pinchan A, o pinchan B,…

Y les bookean porque esperan algo concreto de ellos, y eso para mí significa que no hay libertad de comunicación. Yo siempre quise libertad en mi música para poder comunicarme con libertad sin tener un formato. Mi desarrollo musical ha sido largo y ya llevo más de 10 años produciendo música, por ello he creado diferentes tipos de sonido. Me encanta pinchar de todo.

Rekids tiene una oferta súper variada que va

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desde el house hasta el techno y lanzan muchos álbumes, mucho techno, pero también lanzan mucho house. Todo con mucha calidad, y no es fácil tener un sello que no tiene un formato definido y que, a su vez, tiene una fuerte reputación porque todo lo que lanzan tiene calidad.

Radio Slave es un chico muy abierto de mente en cuanto a música se refiere, él no tiene un formato. Así que si le envío algo techno sé que él va a escucharlo por lo que es. Y si le envío algo house, si es buen house, él también lo va a aceptar en su sello. Él no espera nada de mí y por ese motivo siempre puedo sorprenderle, cosa que también es buena para el artista porque sientes una gran libertad de expresión en un sello y tienes la capacidad de sorprenderles

siempre. Como artista, esto te da más motivación para crear música.

Por todo esto, cuando creé el álbum pensé “¿debo lanzar esto en mi sello?”, y luego pensé “bueno, ¿sabes qué? si se lo envío a Matt quizá a él le gusta porque a él le gusta todo tipo de formato.” Si él creía que en este álbum había buena música estaba seguro de que lo iba a lanzar en su sello, y así fue. Lanzar este proyecto tan bonito en un sello como Rekids -que lanza álbumes de artistas muy grandes como Nina Kraviz -, es un gran honor para mí.

Continuando la entrevista en términos discográficos, pero hablando de otro tema… ¿Qué nos puedes contar de tu sello UNCAGE? El nombre del sello quiere transmitir un sentimiento de libertad de expresión, el mismo que he ido explicando hasta ahora. La palabra UNCAGE pone en conjunto todos mis mensajes en términos de evolución musical. El sello está funcionando bien aunque tuve problemas con el distribuidor y me ha llevado algo de tiempo cambiarlo y restablecerlo todo, y ahora justo empezamos de nuevo. Por supuesto hemos colaborado con grandes artistas como Radio Slave, Donato Dozzy,… siempre tenemos grandes artistas en el sello.

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Recientemente he abierto un nuevo “subsello” llamado UNCAGE SWAP SERIES que ahora mismo está funcionando con música house y experimental house, justo ahora lanzamos un nuevo LP con remixes de grandes artistas como Traumer, producciones tech-house. También tenemos un nuevo proyecto en marcha con AUX 88, un duo legendario de Detroit que hace música electro, algo más experimental. Quise darle al sello un gran espectro; si quiero ver mi sello de aquí a 10 años, me encantaría verlo muy parecido a Rekids. Rekids es mi ejemplo a seguir para construir UNCAGE porque creo que en este preciso momento en que la industria musical no está vendiendo música, y donde es muy difícil enviar música, Matt de Radio Slave está llevando su sello de una manera muy inteligente para el mercado. Es listo; siempre lanza música cool pero a la vez es música que vende, se vende bien, llega a los charts, siempre hay un buen equilibrio entre calidad y efecto en el mercado. Así que esto es lo que estoy intentando seguir como ejemplo para mi sello. Además, ahora también estoy abierto a hacer vinilo con un catálogo solo digital. Recibo toneladas de demos que no puedo lanzar por el lento proceso que conlleva lanzar un vinilo -alrededor de tres o cuatro meses-, así que para lanzar más música he abierto un catálogo únicamente digital también bajo el nombre “UNCAGE” para dar a conocer más artistas, nuevos descubrimientos, newcomers, nuevos talentos,.. ¿Hay algún artista que hayas fichado últimamente para tu sello que quieras destacar?

El nuevo artista que acaba de entrar es Gene Richard Jr y podéis encontrar la preventa de su nuevo release en Beatport. Es un productor increíble y este es su primer EP, nunca antes ha lanzado ninguno y será su primer EP debut en UNCAGE con grandes remixes de Alexander Kowalski, que es un icono y una leyenda de la música Old School, alguien a quien todo el mundo conoce y respeta sobretodo en España, aquí todo el mundo le conoce.

Para mí es un placer. Como puedes ver, yo siempre intento descubrir nuevos talentos dándoles un buen remix para darles un buen push y ayudarles en términos de producción. Este es el objetivo de mi sello y es lo más importante para mí; lanzar releases de renombre y buenos artistas, pero también descubrir nuevos talentos. ¿Qué viste Gene Richard Jr para que decidieras que debía formar parte de UNCAGE? Me encanta su música. Él me envió un email con solo 5 tracks y resultaron ser 5 tracks increíbles.

Anteriormente también habíamos recibido muy buen feedback de este artista por parte de Ben Sims, Joseph Capriati, The Advent,… ¡muchos

artistas grandes me recomendaban a Gene! y esto me alegró mucho por él. Gene va a tener ahora un buen release en mi sello y yo no puedo pedir más cuando descubro a un nuevo y gran talento en mi sello. Estoy muy contento.

Cambiando de tema para hablar de los acontecimientos que nos rodean hoy en día; COVID-19 ha devastado Italia y se ha llegado a convertir en principal foco de infección. Todos estamos viviendo la crisis de este virus e Italia al igual que España se está llevando un duro golpe. ¿Cómo estás viviendo esta situación?

En este preciso instante en el que me haces la entrevista estoy en mi estudio desconectando todo mi equipo. Un estudio que comparte conmigo el fantástico equipo de AULART ya que, como yo no tengo estudio en mi propia casa, ellos me han acogido por dos meses para poder trabajar desde aquí. Cuando todo esto empezó a suceder yo estaba aquí en el estudio haciendo música y mi amigo Marc Marzenit -uno de los dueños del estudio-, me dijo: “Marco, tu necesitas componer música, ¿por qué no te quedas unos cuantos días aquí en mi casa?”

Por eso me pareció genial la idea de pasar unos cuantos días de mi cuarentena aquí. Pero ahora necesito llevarme al menos la mitad del equipo a mi casa porque lo más importante en este momento es mantenerse a salvo y no andar por las calles. Esto para mí también es una nueva oportunidad para crear nueva música y trabajar en nuevos remixes. ¡Todos estamos a la espera de buenas creaciones vuestras estos días de cuarentena!… ¡Me encantaría producir un nuevo álbum! En estos momentos y con este nuevo y extraño sentimiento, sentirme solo de nuevo, me pregunto “¿cómo podría transmitir este sentimiento en música?”. Es un reto ya que como ya sabéis a los DJ también nos ha afectado, a mí me han cancelado más de 30 shows hasta Mayo. Aunque yo siempre creo que entre las cosas malas siempre debe haber algo bueno. La parte mala es que todos nos tenemos que quedar en casa encerrados en cuarentena, pero la positiva es que todos los artistas vamos a producir nueva música con un aire diferente que creo que nunca hubiéramos compuesto. Por mi parte voy a trabajar un montón en el estudio y voy a producir tanta música como pueda para tener más releases en marcha cuando todo esto acabe. Pero por el momento necesitamos ser responsables y quedarnos en casa por nuestra seguridad y por la seguridad de los demás que nos rodean.

Con motivo de la iniciativa #yomequedoencasa / #iorestoacasa / #stayatho-

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me, fuiste uno de los primeros artistas en compartir un facebook live en Who Is In Da House de hasta 4 horas. “El objetivo de esta sesión tan especial es aportar mi grano de arena, amenizar el sábado de los amantes de la música, en estos momentos tan difíciles que afectan a nuestra industria y a la comunidad en general”, así decías. ¿Qué sentiste al hacer este LIVE? Ya que, los motivos que te llevaron a hacer este LIVE son inusuales e inéditos.

Como ya sabéis soy italiano y mi familia vive en Italia, así que por lo que me contaba mi familia en Italia yo ya sabía lo que iba a suceder en España en las próximas semanas y todo el mundo se estaba riendo de la situación haciendo memes de este virus. Exactamente lo mismo que estaba sucediendo en Italia al principio, porque nadie se estaba tomando esta situación demasiado en serio. Yo empecé a decir a la gente; “¡ey! Tened cuidado porque en los próximos días esto va a ser un problema…” Y todos decían; “no, no, ¡qué va!”.

Mi país ahora mismo es el país europeo más afectado y faltaba poco para que pasara en España también. Por este motivo fui el organizador del LIVE y fui uno de los primeros haciendo el streaming. El día que hice el streaming -que fue el primer día de estado de alarma-, pensé que debía hacer algo en ese primer día de confinamiento, el primer sábado muerto. Pensé que un LIVE era la mejor manera de conectar con la gente pero, además de eso, esta vez necesitaba comunicarme con la gente. No soy nadie, no soy nadie para enseñar a la gente, no soy nadie para decirles qué tienen que hacer, pero si podía hacer algo y alguien estaba escuchándome quería hacerles entender la situación porque tenía la oportunidad de comunicarme con ellos, quise aprovechar para lanzar un mensaje e hice un streaming muy especial. Después de mí hubo un montón de DJs que también pincharon música, pero solo hicieron eso. Yo pensé que en el momento de hacer el LIVE era completamente necesario, obligatorio e importantísimo hablar con la gente y transmitirles un mensaje aunque fuera aburrido, aunque mucha gente me hubiera pedido que me callara y que empezara a pinchar, aunque solo me escucharan 2 personas, 200 o 2.000. Al final obtuvimos 150.000 visiones, que es muchísimo. Nuestro pico de audiencia fue de hasta 6.000 personas conectadas en el mismo momento y me encantaría agradecer a todas las plataformas que nos ayudaron; Dj Mag, Ibiza Global Radio, todos los clubes de Italia, todos los partners que me ayudaron a hacer crosspot del vídeo,… Y que consiguió que ese contenido se hiciera viral y que todo el mundo lo viera en ese día tan concreto y especial.

Me siento bastante orgulloso de haber sido el

primero en hacerlo y, hasta el día de hoy, no he visto a nadie más haciendo un streaming hablando a la gente. Recibí llamadas, llamé a Paco Osuna, a Dubfire, contesté a personas random que me enviaron mensajes,… quise hacer ese sábado lo más interactivo posible para conectar con cuanta más gente, mejor. ¿Cómo ves el futuro de la escena después de la cuarentena (festivales, clubes,…)?

La situación puede ser muy buena y muy mala.

Cuando digo “muy buena” me refiero a que cuando todo esto termine la gente empezará a valorar y apreciar mucho más lo que han perdido y han dejado de disfrutar estos días de cuarentena. Lo bueno es darse cuenta de lo importante que son las cosas cuando las has perdido. Cuando tienes algo y estás acostumbrado a tenerlo y de repente lo pierdes, te das cuenta de lo importante que era eso para ti. Esto lo puedes aplicar a todo; a un familiar, a una fiesta, a tus abuelos, a tus padres,… Después de tres meses encerrados todos van a querer salir de fiesta, esto no va a influenciar a la gente en las ganas de divertirse.

Al contrario, ¡las próximas fiestas y festivales las van a coger con muchas más ganas!

Cuando digo que puede ser “muy mala” hablo en términos económicos. Va a haber mucha gente que no va a trabajar durante dos o tres meses y por tanto va a perder mucho dinero. A partir de ahora la prioridad de muchas de esas personas va a cambiar; van a gastar dinero en cosas distintas, quizás no irán de vacaciones porque necesitan ahorrar dinero para sus hijos, o para pagar las facturas,… Para reajustar sus vidas lo mejor que puedan. La situación es muy mala y creo que habrá clubes que empezarán a gastar menos dinero en DJs caros. Quizá esta situación se alarga y afecta bastante a la escena - que espero que no - pero entonces mucha gente empezará a apreciar el rol del DJ residente más que al invitado y todo va a ser redimensionado de alguna manera. Quizás los clubes más pequeños tendrán que volver a abrir de nuevo porque ya no se conseguirá llenar espacios grandes. Esto solo si la situación se alarga.

En definitiva; la gente va a tener muchas ganas de volver a ir de fiesta, pero al mismo momento va a haber un grave problema económico. Veremos cómo va avanzando la situación.

Dejando a un lado este tema tan delicado, vamos a hablar de otros temas más optimistas pensando en que esta situación ya estará resuelta de cara a verano. Llevas algo más de 10 años pinchando en la isla ibicenca. Cuéntanos, ¿qué crees que tiene esta isla que la hace tan especial?

La isla es tan especial porque tiene un ambiente que no puedes encontrarlo en ningún otro sitio. Tiene que ver con el entorno, el sitio en sí tiene una energía única. Ibiza es el lugar en el que todo comienza, nuevos DJs, nuevas tendencias,… El mensaje que llega y se transmite desde esa isla todavía es muy fuerte. Creo y espero que este verano todavía no se vea afectado, mi cita en el opening de Amnesia el próximo mes de Mayo todavía sigue en pie y es una fecha que cojo con muchas ganas y llevo esperando mucho tiempo. Muchos de mis shows estos meses han sido cancelados y no los puedo recuperar, así que espero que este se mantenga. Tengo muchos shows planeados en Ibiza este verano y parece que va a ser mi verano más importante en la isla. Por el momento no hay nada que podamos hacer, ¡solo ser optimistas y pensar que para entonces estará todo bien! ¿Recuerdas tu primera vez en la isla? ¡Cuéntanos!

Mi primera vez en la isla fue a mis 18 años y fui a pinchar en pequeñas fiestas, en villas, en catamaranes,… Pinché en fiestas muy, muy pequeñas solo para mis amigos. Nada especial. El primer show importante que hice en Ibiza fue alrededor de 2011 cuando pinché en Space, y me ha llevado mucho tiempo mejorar, mejorar y mejorar. Necesitas trabajar muy duro y hacer un montón de sacrificios para ir subiendo escalones en este mundillo.

Naciste en Lucca (Italia) pero llevas años afincado en Barcelona. ¿Qué te motivó a mudarte a la ciudad catalana?

Me mudé aquí porque me encanta Barcelona.

Barcelona lo tiene todo es un lugar maravilloso, tiene un aeropuerto increíble, buen clima, buena comida, la gente es fantástica… El carácter de los españoles es muy parecido al de los italianos. Aquí hay muy buena vibra. No hay ningún lugar en europa que sea así y por eso lo siento como una segunda casa, porque se parece mucho a Italia. ¿Cómo ves la escena en la ciudad de Barcelona? ¡Increíble! Barcelona tiene una de las mejores escenas de toda europa. Hay muchas fiestas buenas: elrow o Brunch in The Park, sin olvidar Sónar que es una de las mayores conferencias que reúne fiestas y DJs. También clubes impresionantes como INPUT, Pacha Barcelona, Razzmatazz,… ¡muchísimos buenos clubes que siempre están ofreciendo una gran programación! ¿Cuáles son tus lugares favoritos de la ciudad?

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Me encanta la playa, la Barceloneta. Este el lugar en el que estuve cuando produje mi álbum e invertí mucho tiempo en ir a la playa para pensar, cargar energías, refrescarme,… ya que mi primera casa en Barcelona fue en la Barceloneta. Ahora vivo más hacia el centro donde todo está un poco más calmado, pero la zona en la que estaba viviendo en la Barceloneta era maravillosa para componer el álbum. Es algo que echo de menos así que, si cambio de nuevo mi piso aquí, sin duda volveré a la playa de nuevo ya que es lo que necesito para mi inspiración.

Recientemente publicaste en tus redes sociales un carrusel de imágenes de tu fecha en INPUT Barcelona y destacabas tu b2b junto a Dubfire, quien casualmente también vive en Barcelona. Lo definías como “no ha sido solo una experiencia, ha sido mucho más para mí” ¿Por qué? ¿Qué significó para ti ese b2b junto a Dubfire?

Como ya sabéis, Dubfire es cofundador de Deep Dish. Cuando yo empecé a comprar records compré un montón de Deep Dish así que para mí Dubfire era alguien irrepetible, un artista muy, muy grande sobretodo comparado conmigo. Lo veía como un auténtico ídolo. Cuando él empezó a producir música como Dubfire recuerdo que también estuve comprando muchos de sus tracks y siempre le he visto como una leyenda, como un DJ súper estrella.

Yo soy alguien que viene de un lugar muy pequeño en Italia, de Lucca, un lugar que apenas tiene habitantes. Lucca no es Londres, ni Nueva York,… ¡es una ciudad sin nadie! y yo siempre estaba viendo a todos esos DJs pinchando alrededor del mundo como súper estrellas. Imagíname a mí después de más de 10 años pinchando al lado de esta leyenda, quien ha sido y es la principal influencia para muchos de nosotros como artistas. Una gran influencia como Dubfire pero también como Deep Dish. Por mi parte no tengo palabras, para mí pinchar junto a Dubfire -o artistas como él ya que he pinchado también junto a otros grandes como Chris Liebing, con grandes artistas con los que nunca creí que iba a compartir cabina algún día-, fue algo más que especial. ¡Ni siquiera puedo decir especial! Fue algo más…

A principios de año estuviste en The BPM en Costa Rica y estaba programado tu debut también en The BPM Miami, pero ha sido pospuesto por motivos de salud. ¿Qué nos puedes contar de The BPM Costa Rica?

The BPM Costa Rica fue increíble, el festival tuvo una producción buenísima y teniendo en cuenta que fue su primera edición allí -que siempre acostumbra a ser algo difícil- siento que hubo grandes promotores, buena promo-

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ción, buenas experiencias,… The BPM ya se ha realizado en muchos lugares así que saben perfectamente cómo preparar un festival aunque fuera en un lugar tan difícil como Costa Rica. Se trata de un lugar con muchísima gente, muy buena vibra, todo realizado en una jungla natural porque Costa Rica es así, un lugar muy natural. Aquello fue algo impresionante.

Tenía muchas ganas de pinchar con ellos también en Miami. Iba a pinchar con Deep Dish, lo que significaba que Dubfire también iba a estar allí e iba a ser incluso más especial… Íbamos a pasarlo en grande pero, bueno, la situación ha obligado a posponerlo. ¡No quiero ni pensarlo! ¿Te imaginas algún día abandonando la electrónica para dedicarte a otra cosa?

Hmmm. ¡Uff! Esto es muy difícil porque lo que hago en mi tiempo libre es producir música, así que la música es mi trabajo pero también es mi mayor hobby. Yo siempre digo que cuando estoy pinchando no estoy cobrando por ser DJ, estoy cobrando por viajar. Ser DJ no es mi trabajo, viajar para ser DJ sí lo es. Así que lo que me pagan viene de mis viajes, de mi tiempo libre, de mis momentos en el avión, del estrés del aeropuerto, de estar solo en casa durante mucho tiempo, de los tours -que es algo muy heavy-,… Pero tan pronto como estoy en el stage yo estoy disfrutando y me lo estoy pasando bien, por estas razones no considero esto mi trabajo sino que lo considero mi mayor hobby y mi mayor pasión. No me imagino a mí mismo dedicándome a otra cosa porque produzco y pincho música con tanta pasión que me es muy difícil imaginarme en otra dirección…

Me encanta la comida ¡eso sí!, así que si tuviera que dedicarme a otra cosa seguramente me encantaría cocinar mejor. No te digo como un chef (risas), ¡pero sí me gustaría mucho mejorar mi técnica!. ¿Qué podemos esperar de Marco Faraone en los próximos meses?

No esperéis nada de mí, ¡de Marco Faraone no podéis esperar nada! (risas). Creo que lo más importante es que vosotros siempre os sorprendáis conmigo, y pienso que esto es lo que mantiene a la gente queriendo saber más de ti porque que os sorprendáis conmigo significa que soy un auténtico artista, y creo que es muy importante sorprender a la gente y sorprenderme a mí mismo también. Si me sorprendo a mi mismo me quedaré como… “¡wow! ¿hice yo esto?, ¿es cool? ”. Esto a mí también me gusta, me sorprende y me motiva porque he hecho algo que ni yo mismo esperaba -como por ejemplo mi álbum “No Filter”-, yo tampoco lo esperaba. Así que… ¡no esperéis nada de mí! Solo esperad música.

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# ME QUEDO EN CASA EL IMPACTO DEL COVID-19 EN LA INDUSTRIA Autor: EDUARDO PÉREZ WAASDORP, DIRECTOR DE DJ MAG ESPAÑA

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De golpe y sin avisar, el mundo entero se ha visto sumergido en la crisis bio-sanitaria más importante de la historia reciente. El COVID-19 acapara los titulares de todo el mundo y las cifras de cómo nos está afectando son alarmantes. En todos los ámbitos.

De un día para otro nos hemos tenido que enterar de qué es, cómo puede afectarnos a nivel físico y hemos visto, atónitos, el desarrollo de los acontecimientos a medida que se acercaban.

Y ese sector que parecía más o menos inmune a las crisis económicas – “la gente siempre sale de fiesta” – ha sido uno de los que se ha llevado el golpe más fuerte: el sector musical y la industria electrónica, en el caso particular que nos ocupa…

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LA PARTE CIENTÍFICA Desde que se decretase el Estado de Alarma el pasado 14 de marzo, con la cuarentena obligada como medida principal de contención del virus, la industria musical ha vivido con vilo cada una de las cancelaciones de eventos, encuentros y reuniones que se han ido sucediendo. Especialmente por la incertidumbre que provoca ver como casi toda actividad económica se ha paralizado en el sector, así como los ingresos de artistas, promotores, bookers, agencias de prensa, medios, eventos y staff (montadores, seguridad, camareros, técnicos, alquiler de equipos, etc). En muchos casos, la desaceleración ha sido de 100 a 0. En un día. Y, de momento, la cosa no tiene pinta de acabar a corto plazo.

Lo cierto es que los eventos, más o menos masivos, son uno de los caldos de cultivo ideales para la propagación de un patógeno tan contagioso como el que provoca el COVID-19. Por este motivo la incertidumbre en el sector es aún mayor, con la temporada veraniega a la vuelta de la esquina.

El COVID-19 es la enfermedad que está provocando estragos en los sistemas sanitarios de todo el mundo. Para entenderla, hemos querido contar con el aporte de dos expertos en el campo biomédico, para que nos expliquen todo el aspecto científico y sanitario que rodea a esta crisis. Queremos agradecer la participación, por una parte, de Julio Rodríguez Lavado, doctor en Química Orgánica por la Universidad de Sevilla, investigador y finalizado posdoctorado en Química Medicinal por la Universidad de Chile; y por la otra, de Fernando Baisón Olmo, licenciado y doctor en Biología por la Universidad de Sevilla, postdoctorado en un laboratorio de microbiología del Departamento De Bioquímica Y Biología Molecular de la Facultad de Ciencias Químicas y Farmacéuticas de la Universidad de Chile.

Partimos de un hecho: al COVID-19 se le ha subestimado desde el principio. Desde todos los ámbitos. Fernando Baisón, que trabaja

directamente con patogénesis (descripción del origen y evolución de una enfermedad con todos los factores que están involucrados en ella), lo explica: “Lo cierto es que los antecedentes incitaban a ello en un principio. Hablo del coronavirus conocido como SARS (2002-2003), la gripe porcina de hace algunos años – que a España no llegó con fuerza y que no se propagó de forma catastrófica más allá de China – la gripe aviar… Con todos esos antecedentes se pensó en un principio que esto se desarrollaría igual, pero la evidencia está demostrando que no es así”. Y no tanto por la mortalidad que está teniendo – que sigue estando dentro de la media anual de muertes por afecciones respiratorias, de entorno al 2% –, sino por el colapso de los sistemas sanitarios, que se ven incapaces de gestionar el número de casos graves surgidos a la vez. “La gente sigue sufriendo de sus patologías, sigue habiendo accidentes de coche… y a eso se le suman la avalancha de casos con COVID-19”, añade Fernando.

Por su parte, Julio Rodríguez apunta: “Realmente no estamos ante algo espe-

Desde DJ Mag España hemos querido pasar de noticias banales – e incluso falsas – vistas en medios especializados y generalistas, para poder hablar con suficiente preparación sobre un tema realmente complejo que se ha prestado para mucha especulación.

Por ello, desde hace unas semanas llevamos preparando este reportaje especial sobre el impacto que puede tener y está teniendo el COVID-19 en la industria musical.

El motivo: arrojar algo de luz y unificar la mayor cantidad de información veraz y de primera mano posible para que vosotros, queridos lectores – seáis artistas, promotores, bookers, trabajéis en el mundo del espectáculo o seáis ravers de pura cepa –, podáis saber a qué nos estamos enfrentando y que el papel que jugamos cada uno, de forma individual, va a ser vital para poder recuperar la escena.

Este reportaje, en tres bloques – científico, jurídico-económico y psicológico –, no busca predecir el futuro. Busca reflejar, mediante el testimonio y opiniones de expertos y entidades, lo que está ocurriendo, para poder entenderlo con realismo, pero también con la mirada puesta en el futuro.

Personal sanitario del Hospital Clínic | Francisco Àvia para Hospital Clínic

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cialmente diferente a lo que es la gripe común. Es un poco más contagioso y un poco más letal. Lo que ocurre es que al enfrentarnos a un virus nuevo, para el que no existe vacuna, del que no se conocen sus mecanismos de patogénesis o contagio a la perfección… Si sumas todos esos factores al pánico generalizado, da lugar a esta crisis, que es muy real. Aunque la respuesta global tampoco ha contribuido a que pare.

Especialmente porque es la primera vez que la sociedad globalizada se enfrenta a una gran pandemia”. ¿Qué es el COVID-19?

Pero, ¿qué es un coronavirus? Es una familia de virus descubierto en los 60, cuyo origen todavía es desconocido, en la que cada tipo de virus provoca una enfermedad diferente. En concreto, COVID-19 es un acrónimo que significa: COrona VIrus Desease 2019 o enfermedad provocada por el Coronavirus de 2019.

Imagen de un microscopio electrónico de transmisión, de una muestra aislada del primer caso confirmado de COVID-19 en EEUU. Las partículas esféricas coloreadas en azul contienen secciones cruzadas del genoma del virus, identificado como los puntos negros. Fuente: CDC

Y, ¿a qué coronavirus nos enfrentamos?

Se trata del SARS CoV-2 (por sus siglas en inglés, Severe Acute Respiratory Syndrome Corona Virus 2, o Síndrome Respiratorio Agudo Grave por Coronavirus 2) (el primero fue el de 2003). Como explica Fernando Baisón: “Es un síndrome, un conjunto de síntomas que se presentan juntos, que causa una infección en la vías respiratorias en la mayoría de los casos, que puede provocar neumonía, que al final es lo grave”. Además, apunta al peligro de la co-infección del COVID-19 con otras enfermedades previas y las sinergias que potencian algunos cuadros que pueden ser mortales. “Cualquier afección previa del sistema respiratorio como ser asmático, tener bronquitis crónica o ser fumador son factores de riesgo”. Julio Rodríguez hace la analogía con el VIH, el virus que provoca el SIDA, en donde: “Cualquier tipo de co-infección del VIH con otro virus, puede provocar que ese virus sea mortal”. ¿Dónde surge?

La evidencia ha permitido trazar el primer foco de infección a China, a la provincia de Hubei, concretamente a su capital Wuhan.

Una ciudad “pequeña” para los estándares chinos, de unas 10 millones de personas – “más que la comunidad autónoma de

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Andalucía, que es la más poblada de España”, apunta Fernando –. Luego están los estudios genéticos que se han hecho, donde se han conseguido secuenciar más de 1543 cepas de este brote en distintos países mediante estudios de metagenómica, donde se ha descubierto que esta variedad de coronavirus tiene muchas similitudes con los que se suelen encontrar en especies animales exóticas como murciélagos y pangolines.

Y aunque esto pueda sonar a teoría loca y sin sentido, la evidencia científica lo respalda de forma abrumadora. Pero, ¿cómo ha conseguido un virus que afecta a dos especies exóticas haber llegado a afectar a todo el mundo? Como bien dice Fernando: “Estas dos especies forman parte de la dieta típica que se puede encontrar en el mercado de Wuhan donde se identificó el foco inicial de todo, en el que no había ningún tipo de control sanitario.

También se usan mucho en la medicina tradicional china”. Esto plantea dos preguntas: La primera, ¿cómo acabaron especies exóticas como estas en un mercado chino? Para entender esto hay que saber

Barcelona | Pexels.com

un poco sobre historia reciente de China y remontarse a 1970. Década en la que, lejos de ser la potencia que es hoy, vivió una de las hambrunas más fuertes – del siglo pasado –, que se saldó con la vida de más de 36 millones de personas. El régimen comunista, que controlaba entonces la producción agropecuaria del país (ganado porcino, ovino y avícola), incapaz de alimentar a su población que rondaba los 900 millones de personas, les alentó a salir de la pobreza y alimentarse como pudieran durante esa crisis alimentaria. Esto llevaría, años más tarde, a la aprobación de la Ley de Protección de la Vida Salvaje de 1988, que designaba a los animales como “recursos propiedad del estado” y que protegía a los ciudadanos y entidades que desarrollasen actividades de explotación de la fauna salvaje. Fue esta ley la que abriría la puerta a la creación de los Wet Markets (como el mercado de Wuhan donde se encontró el primer foco de infección), que tienen la particularidad de albergar la venta de animales vivos, que son matados y despiezados in-situ, y cuyo almacenamiento o procedimientos no siguen ninguna regla sanitaria.

Y la segunda, ¿cómo ha conseguido el virus saltar de un murciélago y un pangolín al ser humano? Ambos expertos coinciden en que la falta de salubridad en las condiciones generales de estos mercados y en el estado de los animales vivos,

hace que sea muy fácil que estos enfermen.

Al estar todos en el mismo espacio, donde además hay aglomeraciones de gente, que consume estos animales – que no han sido vacunados o tratados de ninguna forma – muchas veces crudos, la transmisión de patógenos es algo que puede ocurrir muy fácilmente. Como explica Fernando: “En ese contexto, para un patógeno, mucha gente andando y aglomerada, es el ambiente perfecto para poder proliferar”. ¿Puede haber sido creado en un laboratorio?

Una de las teorías alternativas que más se ha podido oír es la de que este virus ha sido creado artificialmente en un laboratorio. Concretamente, en un laboratorio de investigación biológica que se encuentra en la propia provincia de Hubei. Sin embargo, tanto Julio Rodríguez – investigador postdoctorado en química medicinal – como Fernando Baisón – doctor en biología y cursando un postdoctorado en microbiología – niegan tajantemente este supuesto. “De hecho, ya se han publicado artículos científicos donde, tras analizar la secuencia genética del virus, ha quedado claro que este no había sido manipulado. Básicamente, todas las 1543 cepas analizadas tienen en común cosas con coronavirus encontrados en murciélagos y pangolines.

Esa evidencia deja claro que lo que ha ocurrido aquí es una zoonosis (cuando

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una enfermedad pasa de un animal a un ser humano, por las razones que sea).

Como ha habido tantas a lo largo de la historia”, afirma Fernando. Además, asevera que incluso la gripe común originariamente fue un virus de aves, que en un momento determinado saltó al ser humano.

Para Julio Rodríguez, hay evidencias claras de que este SARS CoV-2 no puede haber sido creado en un laboratorio. “Primero, es un hecho que los virus saltan de animales a humanos. Segundo, crear un virus en un laboratorio es algo difícil, pero posible. Sin embargo, atinar con las características concretas del virus y decir ‘Quiero que mute aquí, aquí y aquí’ y que esas mutaciones vayan a tener el efecto que tu quieras, es algo extremadamente complicado y que no es posible hacer en un laboratorio, ni en dos, ni tres. Harían falta décadas de investigación coordinada entre laboratorios del mundo entero, con miles de científicos involucrados”. Una conspiración de ese tamaño, concluye, sería simplemente imposible de encubrir.

“También existe una tercera evidencia de que es imposible que se haya creado en un laboratorio. Cuando uno manipula un virus, está alterando su estructura natural, añadiendo partes nuevas al genoma del virus. Por ejemplo: igual que un médico puede reconocer al instante

Londres | Sarflondondunc. Flickr.com

a un paciente que ha sido trasplantado de hígado, solo con examinarlo o con una analítica, los científicos podemos determinar si un virus ha sido o no manipulado, porque esa manipulación dejaría una marca detectable a nivel genómico”.

Fernando amplia la idea: “Yo por ejemplo trabajo mucho con bacterias.

Cuando uno compara la secuencia del genoma normal de una bacteria, con la secuencia después de un proceso de poner y quitar uno o varios genes o una secuencia determinada de nucleótidos, en la secuencia alterada queda una marca donde antes podría haber estado un gen o una secuencia de nucleótidos determinada. Eso, cuando uno hace un análisis genético, queda claro al instante”. En el caso de la secuencia del virus que provoca el COVID-19, como apuntan tanto Fernando como Julio citando un artículo de la revista Nature de hace unas semanas, no se observa ninguna manipulación. De hecho, al compararlo con otros coronavirus de otras especies, queda claro que ha habido mutaciones puntuales, provocadas por una evolución aleatoria, a partir de cepas que tienen cosas en común con el coronavirus de murciélagos y pangolines. ¿El aislamiento, es la única forma de protegerse ahora mismo?

Madrid | Jan M. Henrich. Flickr.com

Teorías de la conspiración aparte, una de las cosas que más preocupa es cómo podemos evitar el contagio. Y no hemos parado de oír una y otra vez cuarentena, la palabra que más resuena en nuestras cabezas – y las paredes de nuestras casas – desde hace ya dos semanas. Sin duda, el aislamiento ha sido la medida más dura de todas las tomadas por los gobiernos del mundo, incluido el de nuestro país. Preguntados sobre este respecto, Julio y Fernando coinciden en que es la forma más segura y efectiva, ante la falta de una vacuna o tratamiento establecido. “Lo único malo de aislarte es que esa medida va a tener unos impactos que van más allá de la salud, como estamos viendo en la economía y al final siempre pagan, por desgracia, los mismos”, apunta Fernando Baisón.

Julio desarrolla un poco más sobre la idea del aislamiento como medida: “No sabemos si habría otra mejor, pero sí es la más eficiente y la más fácil de controlar. Porque si todo el mundo empieza a teletrabajar, a tomar un metro de distancia cuando salga, probablemente también se podrá parar la proyección del virus. Pero el problema es que no nos podemos fiar de que sea algo que todo el mundo vaya a cumplir. La evidencia está en lo que ha ocurrido en Italia o en Madrid. Porque lo importante es sacar al virus de la circulación y cortar su transmisión de

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humano a humano”, concluye, haciendo referencia a la crisis del SARS de 2003, que provocó bastantes infecciones y muertes, pero que tras el aislamiento y después de las medidas implementadas se sacó de la circulación y no ha vuelto a aparecer.

Otra cuestión importante que remarca Julio Rodríguez es que, aunque el mundo está mejor preparado que nunca para hacer frente a una pandemia de este tipo, se necesitan tiempo y recursos, para producir las pruebas necesarias para detectar los casos positivos, que es el gran problema al que nos enfrentamos ahora, sumado al colapso general de los sistemas sanitarios. ¿Vacuna? ¿Cuándo?

También se discute mucho son las noticias que aparecen sobre el desarrollo de las vacunas y la procedencia de estas. Preguntados directamente sobre qué tan inminente es que encuentren una y esta llegue a los afectados, ambos coinciden en que depende de los plazos establecidos por las Agencias de cada país, que suelen ser más bien largos. Aunque, teniendo en cuenta que en condiciones normales, primero se empezarían las pruebas en animales y luego se pasaría a muestras de población de forma escalonada hasta determinar que la vacuna es segura para todos, Fernando apunta que: “Si se saltan algunos de los pasos, pueden aparecer eventualmente

Investigadora del Hospital Clínic, analizando muestras | Francisco Àvia para Hospital Clínic

efectos secundarios no deseados o contraindicaciones con otros fármacos”.

Dentro de la carrera por la vacuna hemos oído de todo. Desde que EEUU quería comprársela a investigadores alemanes, a que China ya está en vías de conseguirla.

Muchos, incluso tomaban con recelo el hecho de que sea justamente el Gigante Asiático el que dé con la vacuna e incluso del porqué está saliendo de la crisis ahora, mientras el mundo batalla contra su propagación. Julio Rodríguez tiene una respuesta clara sobre este tema: “Comunismo.

China es una sociedad híper ordenada, en la que las órdenes del gobierno no solo se acatan por miedo, sino por cultura. En Corea del Sur, donde no hay comunismo, el tipo de sociedad también ha influido tremendamente en su control. Allí hacían controles de carretera para monitorizar la temperatura de la gente para hacerles test rápidos, con una eficiencia y una cantidad de gente trabajando para el estado imposibles de ver en Europa”. También hace referencia al problema del secretismo de China y sus cifras, a la hora de poder extrapolar los resultados de las medidas del país asiático a Europa. ¿Un virus estacional?

Otra de las cosas sobre las que se especula – promovida por la diarrea verbal de Donald Trump y la ligereza con la que se tomó esta crisis hace unos meses – es que se trata de un virus estacional, que como la gripe desaparecerá con la subida de temperaturas. Sin embargo, no hay

evidencia científica de que el sol veraniego que baña nuestras costas mitigue su propagación. Julio y Fernando lo explican con una sencilla evidencia: “Nosotros estamos en Chile, donde ahora es verano y estamos a 33ºC. Ya hay 1100 contagios y de momento 4 muertes, al mismo ritmo que otros países al principio”. Y Julio sentencia diciendo: “No hay evidencia científica de que el virus desaparezca con el calor”.

Esto demuestra que no se trata de una enfermedad estacional. Como apuntan tanto Fernando como Julio, que se encuentran en Chile – donde es verano –, la estacionalidad no está impidiendo que el virus se propague a esas latitudes también.

Aunque Fernando comenta que en el caso de Sudamérica, la cercanía con el invierno puede ser un factor negativo. “Ahora mismo España está saliendo del periodo de gripe estacional, por lo que los casos de co-infección de ambos virus van a ser menores. En cambio en Chile estamos entrando en la época de influenza – nombre real del virus de la gripe – y eso es muy peligroso”. Justamente, como vemos diariamente en las noticias, las personas que están inmunodeprimidas o tienen alguna otra enfermedad son las más vulnerables ante los síntomas del COVID-19.

Y este debería ser uno de los principales factores de concienciación para la comunidad musical electrónica. Ya no porque lo podamos contraer y morir – aunque pocos, existen casos de muertes con/por

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coronavirus en menores de 40 años – sino porque es justamente la gente joven la que lo puede transmitir con mayor facilidad, incluso sin mostrar síntomas, pasándoselo a personas que sí puedan estar en riesgo.

“Si lo que queremos hacer es sacar al virus de circulación, llevar a cabo cualquier reunión multitudinaria como partidos de futbol, manifestaciones, conciertos o mítines antes de tiempo va a tener el efecto contrario y habrá rebrotes”, concluye Fernando. – La pregunta del millón: ¿Hasta cuándo?

Ambos expertos coinciden en este puto.

“Para empezar, hasta que se aplane la curva de contagios, sin una fecha concreta”. Y Julio continúa: “Hasta que esto no ocurra, no se puede acabar la cuarentena. Y no solo se tiene que aplanar la curva, sino que ese aplanamiento tiene que ser tan sostenido en el tiempo que el número de casos diarios sea cero o cercano a cero. Y ese día, o esa semana en la que se llegue a cero casos, se debería estar en cuarentena otros 15 días. No soy político ni epidemiólogo, pero creo que para asegurarnos de la efectividad de las medidas, no se puede hacer otra cosa. Porque aún cuando parezca que el virus no está, todavía puede quedar gente asintomática o portadora”. Y Fernando añade que incluso a los pacientes que ya han sido dados de alta, se le está recomendando hacer una cuarentena de 15 días más en casa, para asegurarse de que están totalmente libres del virus.

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LA PARTE LEGAL Y ECONÓMICA: ARTISTAS, CLUBES, FESTIVALES Y DAÑOS COLATERALES

Las evidencias científicas nos dejan clara una cosa: superar el coronavirus depende de la voluntad de la gente a la hora de seguir las recomendaciones y el aislamiento propuesto desde las autoridades sanitarias y los gobiernos; ya que de nuestra capacidad de quedarnos en casa dependerá el factor de “por cuánto tiempo”. Probablemente, el verano no traerá una solución milagrosa – a excepción de que surja una vacuna o tratamiento, claro está –.

La crisis del COVID-19 ha traspasado el ámbito sanitario y se ha colado de lleno en todos los aspectos de nuestra vida, especialmente el económico. Hemos visto la paralización de toda actividad económica no esencial y, en nuestro caso concreto, la masiva cancelación y posposición de eventos. Para el momento en el que se escribe este artículo, los estragos del COVID-19 ya han afectado a todos los eventos programados durante el pasado mes de marzo, algunos de mes de abril y, ante el temor de la posible prolongación de las medidas restrictivas, incluso algún encuentro de mayo o junio, como el International Music Summit de Ibiza, que ya ha pospuesto su edición a 2021 o Primavera Sound, que ha hecho lo propio moviéndose a la última semana de agosto.

Rototom, Sónar o Vida Festival, entre otros) a través del inestimable testimonio y experiencia de Patricia Gabeiras, socia fundadora del bufete Gabeiras y Asociados, especializado en derecho cultural y representantes de la Asociación de Festivales de Música-FMA. Está claro que la industria musical se ha visto masivamente afectada por cancelaciones y posposiciones, además de ver con incertidumbre al futuro… Así que, ¿cuáles son las novedades en el posicionamiento de la AFM después de las ultimas novedades por parte del Gobierno? “El primer comunicado que hicimos fue partiendo de la cautela, porque no había ninguna información y ningún festival había tomado decisiones. Lo único que se podía hacer, que creo que es un ejercicio de responsabilidad, es que todas estas empresas continuasen la actividad como lo venían haciendo. A medida que ha avanzado el tiempo, ya hay festivales que han tomado decisiones duras”, comenta Patricia Gabeiras, haciendo referencia a la decisión de posponer Viñarock, uno de los festivales representados por la asociación, que se celebraba a principios de mayo. Otros festivales – tanto de la FMA como algunos consultados por DJ Mag ES – están contactando con artistas y agencias de contratación, para tomar decisiones según se desarrollen los acontecimientos. Aunque para el momento de la publicación de este artículo, no hay ninguna novedad destacable. “Se está trabajando

con la idea de que los festivales que se celebran más adelante en el año, durante el verano o después, se puedan celebrar con normalidad y los que no puedan, sean pospuestos”. Patricia aclara que cada festival se encuentra en circunstancias diferentes y se va analizando la situación y las posibilidades.

Por otra parte, Patricia destaca la implicación del Ministro de Cultura, que ya se ha puesto en contacto con el sector, para saber las medidas que cada asociación necesita, y transmitirles que cuentan con el apoyo del Gobierno. “Nosotros estamos preparando esas medidas específicas para la Asociación de Festivales – FMA, de apoyo y ayuda. Ya sabes que Alemania ha declarado la Cultura como bien de primera necesidad en esta crisis y en esa línea vamos. Sin embargo, vemos también que hay medidas más ordinarias que pueden ayudar mucho al sector, más allá de las ayudas directas del Gobierno.

Medidas que se han postergado y que igual viene bien adoptar de manera urgente. Una de ellas es el Estatuto del Artista, porque aunque se están tomando medidas para el régimen de autónomos, lo primero que hay que hacer con los artistas es dotarles de un régimen que sea digno y a partir de ahí se pueden mirar las ayudas. Para nosotros es esencial que se regularice ese tema cuanto antes”. Patricia también habla del apoyo a la contratación y otras medidas para el soporte financiero. “Si se van a abrir líneas de

El impacto está siendo brutal. Y la gran mayoría de festivales ha optado por la prudencia y por situarse del lado de las autoridades sanitarias, a sabiendas de la importancia de que todos cumplamos las medidas de confinamientos para poder retomar la actividad lo antes posible. Tal es el caso de iniciativas promovidas por festivales, promotoras, agencias de booking, artistas y otros profesionales del gremio, que invitan a quedarse en casa para salvar el verano, mediante streamings, masterclasses, tutoriales y otros contenidos digitales.

Para poder analizar bien las implicaciones que está teniendo el COVID-19 en la industria, contamos con la Asociación de Festivales de Música-FMA (que aglutina plataformas como Arenal Sound, BBK Live, BIME, BBF, Cruïlla, FIB, Madrid Salvaje, Mallorca Live, Paraíso,

Santiago Bernabéu | Pablo Cordero. Pexels.com

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crédito, que los bancos presten dinero a la cultura con tipos de interés bonificados, además de otras medidas que tenemos propuestas. Es esencial para la supervivencia del sector”.

Un sector que, solo con las cancelaciones de marzo, abril y parte de mayo, ya acumula pérdidas millonarias. Preguntada por cuál es la valoración inicial, Patricia es clara: “Lo primero que ha surgido es una incertidumbre tremenda en el aspecto laboral de los trabajadores vinculados a festivales, que ya de por sí en muchos casos son contrataciones temporales. Ahora mismo, todos esos puestos laborales están en peligro. Luego está la dificultad de cuadrar las agendas, ya que los artistas están cambiando sus itinerarios y eso también puede afectar a festivales que se pospongan”.

En este clima de incertidumbre, las dudas sobre qué hacer por parte de todos los sectores de la industria son palpables. En este contexto, ¿Qué recomendaciones se pueden dar a los profesionales de la industria musical?

“Una de las cosas que hemos hecho desde la asociación ha sido abrir absolutamente nuestro asesoramiento jurídico gratuito a todo el sector de festivales aunque no estén en la asociación. Porque una de las cosas que creemos que se necesita es ese conocimiento de la norma. Nosotros invitamos a los festivales a que acudan a nosotros, precisamente para obtener apoyo, ir todos a una y para que sepan qué pasos tienen que dar. Especialmente ante la incertidumbre sobre derechos laborales, del consumidor, cancelaciones o qué medidas necesitan adoptar”. En resumidas cuentas, unidad y solidaridad.

Y volviendo a las medidas anunciadas por el Gobierno durante las pasadas semanas, enfocadas en paliar el impacto económico de esta crisis… ¿A cuáles se puede acoger el gremio?

“El problema de los artistas es que no tienen un estatuto propio. Y si desaparecen las cooperativas y no tienen contrataciones, la incertidumbre es bestial. Por eso hay que pedir ayuda para la base y esa es el tejido artístico”, dice Patricia. Pero muchos – por no decir todos – de los artistas en España se acogen al régimen de autónomos, por lo que la pregunta es obligada. ¿Las medidas del gobierno han sido lo bastante profundas? “No. Creo que tiene que haber inyección directa de recursos”, sentencia. “No sirve solo la suspensión de cotizaciones,

es necesaria la inyección de dinero, que es una de las cosas que proponemos. Crear una bolsa para promover las contrataciones de artistas, precisamente para que les llegue a ellos el dinero”.

Por otra parte, está el resto de trabajadores del sector. Los que son asalariados probablemente se habrán visto afectados por un ERTE (expediente de regulación temporal de empleo), si su empresa se ha visto obligada a parar totalmente su actividad. Si por el contrario son autónomos, la cosa se complica un poco. En este – genial y útil – artículo de los compañeros de Hispasonic, que os animamos a investigar, se recogen las distintas ayudas a las que se pueden acoger los profesionales autónomos, se resuelven dudas como en qué consiste un ERTE, así como otras ayudas. Entre otras cosas de interés, destacan información como que: los autónomos que se acojan a la prestación extraordinaria por cese de actividad no tendrán que pagar la cuota de autónomos. Asimismo, la ayuda para este colectivo durará un mes (desde que entró en vigor el decreto), ampliable hasta que finalice el Estado de Alarma y supondrá el 70% de la base reguladora de la prestación (si se lleva al menos 12 meses cotizados). Y si se tiene menos tiempo cotizado, será el 70% de la base mínima de la cotización, que depende de la edad y otros factores. Toda esta gestión es recomendable llevarla a cabo a través de dirección provincial competente de la entidad gestora o mutua con la que se trabaje. (Hispasonic Coronavirus: ayudas para autónomos, músicos y profesionales del sonido. Soyuz, 2020).

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Desde la perspectiva del público, uno de los temas que preocupa es la devolución/ prórroga de entradas de algunos eventos.

Preocupación a la que no ayudan algunas informaciones poco fundamentadas en medios especializados nacionales, sobre cómo están procediendo algunos eventos internacionales. ¿Cómo se ve este tema desde la FMA? “Para los festivales, el público es su aliado. Lo último que quiere ningún festival es hacerle una faena a quien lo hace posible, y menos en un momento como este. Además, lo que ocurre a nivel global, con otros eventos fuera de España, no es representativo de lo que vaya a ocurrir aquí. En España, además, es que tenemos 17 normativas diferentes, una por comunidad. Y una de las cosas en las que se está trabajando desde la asociación: hacer un planteamiento lógico de la finalidad de la norma de protección del consumidor. Esa norma es que no se vean frustradas sus expectativas y que dentro de una relación de buena fe con los festivales, puedan obtener una compensación. Habrá festivales que devuelvan la entrada y otros que pidan a su público una prórroga a otra edición o darles una compensación de otro tipo. Ahí es donde también entra la relación solidaria entre consumidores, festivales y el Gobierno”.

Es justamente eso lo que promueven iniciativas como #SaveOurScene, iniciada por Resident Advisor, que hace énfasis en la importancia de que los clubbers ayuden y sean flexibles con clubes y festivales, no pidiendo la devolución del dinero si realmente no lo necesitan. Recordamos que RA también tiene

Advertencias de las autoridades neerlandesas en anuncios en vía pública.

Guido van Nispen. Flickr.com

servicio de venta de tickets, siendo una de las plataformas más importantes de la música electrónica a nivel global. Pero este tipo de iniciativas también suscita desconfianza en algunos, que ven en esto una nueva forma de lucro por parte de algunas grandes marcas de clubbing. “La mala fe solo opera cuando hay intencionalidad”, comenta Patricia.

“Y en esta situación lo que se intenta es mantener viva la cultura, las contrataciones musicales, la economía y los puestos de trabajo. Se busca un equilibrio. No son circunstancias normales, por lo que creo que la mala fe en estos casos no es aplicable. La primera preocupación de los festivales es complacer a su público, no quieren defraudarles porque depende de ellos. Lamentablemente, hay festivales que tendrán más margen de maniobra, porque todavía no han agotado su presupuesto; y otros que estén con la fecha encima y la única forma para no perder la inversión sea posponer”, concluye.

En ese sentido, consultados por DJ Mag España, varios promotores nacionales quisieron dar su visión y perspectiva de futuro también.

Mientras que muchos guardan cautela y se adhieren al comunicado conjunto de AFM, otros como Dreambeach – que tiene lugar en agosto – han querido dar su punto de vista, abogando por la cautela, el hacer caso a las directrices del gobierno y mantener su fecha intacta. “A día de hoy, la fecha del evento se mantiene intacta y seguimos trabajando en los preparativos de forma 100% normal y con la máxima ilusión. No hemos recibido ninguna instrucción en contra, así que todos los planes siguen en pie”, nos comentó directamente la organización del festival.

*De los promotores y clubes contactados en Ibiza, todos apelan a la cautela y a que están siguiendo con detenimiento el desarrollo de los acontecimientos. Seguiremos ampliando a medida que tengamos más información. *iremos actualizando este articulo en su versión online para ir añadiendo cualquier novedad en estos aspectos.

EL IMPACTO PSICOLÓGICO: DEL CLUB AL SALÓN DE CASA

Por otro lado, está el impacto psicológico que está teniendo esta crisis en la gente. Algo de lo que se hablaría menos, si no fuera por el hecho de que el encierro, en una sociedad acostumbrada al contacto, causa estragos.

Para poder analizar mejor este aspecto consultamos con la reconocida psicóloga de artistas y experta en industria musical, Rosana Corbacho, de dónde viene esa vorágine de emociones que muchos sentimos en la actualidad y cómo podemos manejarlas.

La falta de información, las fake news, los audios de WhatsApp poco fiables, están causando mucha incertidumbre, alarma y miedo en gran parte de la población, que no entiende, ni asume, todo lo que está ocurriendo. ¿Cómo podemos lidiar con estos sentimientos y con el encierro repentino? “Lo que pasa en este momento es que la situación puede llegar a ser un poco sobrecogedora”, comenta Rosana. “Especialmente con el sensacio-

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nalismo que vemos en la televisión y en todos los medios, además de lo que se comparte. Es un exceso de información”.

Un exceso de información que a veces se convierte en una búsqueda obsesiva de esa noticia que nos acabe dando la razón. “Uno lo que busca es sentir un alivio de esas emociones que está pasando. Al tener mucha información, en su mayoría negativa, lo que ocurre es que la sensación de miedo inicial crece. Porque todo lo que estás viendo se escapa a tu control”. Así que mientras una parte de nuestro cerebro (el córtex prefrontal) busca la coherencia y el control, ante la ausencia de este, las emociones – ubicadas en una parte más primitiva del cerebro – desatan la ansiedad, el miedo o los ataques de pánico. “Desatan las alarmas de supervivencia. Pero claro, sobrevivir en la naturaleza para el ser humano, tal y como ha evolucionado, activa dos tipos de respuestas: huir o pelear. Por eso estar recluido, con toda esta información que nos bombardea, es como tener a un tigre de bengala dentro de tu casa”.

Rosana define la ansiedad como la anticipación a un peligro que todavía no está presente. “Si uno se hace consciente de ese aspecto, puede pararse e identificar qué le está pasando. La terapia cognitivo-conductual (utilizada en el tratamiento de las fobias, los ataques de pánico o estrés entre muchos otros) se basa en analizar qué pensamientos, emociones y conductas se tienen y modificarlas en caso de que esa respuesta no sea ajustada o beneficiosa para la persona. Como ejemplo: si tengo un estresor o estimulo externo (todo lo que está pasando con el virus, las preocupaciones, lo externo) y luego una reacción a ese estímulo, que no solo es el pensamiento (preocupación, obsesión...), sino la reacción emocional (angustia, miedo, ansiedad), eso provocará una reacción. Una acción que realizo debido a la interacción de las dos reacciones (¿hago yoga? ¿llamo a alguien? ¿busco más noticias?)”. Los sentimientos de miedo, frustración e incertidumbre están muy activos en estos momentos, por lo que Rosana recomienda no estimularlos con más información. “Eso lo que hace es alimentar la preocupación, por lo que hay que intentar separarse y poner límites tanto a los estímulos externos como a tus propios pensamientos”, concluye. Además, Rosana comenta: “Hay que darse permiso para sentir miedo. Esto no se trata de arrancarse el miedo y no sentirlo. Se trata

de saber identificarlo y lidiar con él. Es algo que trabajo habitualmente en mis terapias con músicos que sufren de pánico escénico o bloqueo creativo”.

Lo cierto es que muchas personas están teniendo problemas para gestionar la frustración que provoca toda esta crisis del COVID-19, básicamente porque su vida, de un día para otro, se ha escapado de su control.

En cierto modo, es una especie de duelo, con sus fases – negación, ira, negociación, depresión y aceptación – ante una situación sobre la que poco podemos hacer (aparte de quedarnos en casa) ¿Cómo puede la gente auto ayudarse? ¿Cómo se puede llegar a aceptar la situación? “Para mí la clave es la identificación de emociones. En internet hay herramientas muy útiles para esto. Hay que partir de la base de que las emociones son todas adaptativas, no hay buenas ni malas. Cuando hay una hiperactivación cognitiva compuesta de pensamientos rumiativos hay que intentar dejar de buscar estímulos externos (noticias, información). En ese momento sería conveniente parar y analizar qué siento. Puedes intentar ponerlo por escrito, llamar a alguien y compartirlo, o quedarte con esa emoción, sin alimentarla, hasta que la activación baje”. Las claves, en resumen, son identificar las emociones, poner límites a pensamientos internos y estímulos externos, y evitar la sobreinformación. “Especialmente, dependiendo de nuestras emociones y reacciones internas a todo lo relacionado con el coronavirus, estando solo en casa”, concluye.

Rosana, además, pone un ejemplo práctico.

“Imagínate que eres artista, estás en casa y miras tu calendario. Y no tienes fechas porque te las han cancelado todas hasta mayo y no sabes de qué vas a vivir. ¿Qué te hace sentir eso? ¿Miedo, frustración o ansiedad? ¿Las tres? La reacción de muchos es ponerse a ver el calendario de otros artistas. O mirar si han cancelado tal o cual festival. Y eso activa de nuevo la preocupación, que activa el miedo. Por eso hay que identificar que todo eso está en el futuro y centrarse en el hoy. ¿Qué voy a hacer? ¿Qué voy a comer? ¿Qué puedo hacer en casa? En resumen, intentar gestionar el día a día y, durante este tiempo de incertidumbre, intentar no pensar en lo que va a pasar mucho más adelante”.

Y si ya estamos metidos en ese bloqueo mental, ¿cómo salimos? “Hay que intentar

ser consciente de cómo nos hacen actuar las emociones. Es decir, si alguien siente miedo o ansiedad, es muy difícil que sea creativo. El cerebro humano está hecho, desde que evolucionamos de los primeros humanos en África, para seguir el camino más seguro conocido siempre que se siente amenazado. Por eso no hay una respuesta creativa, solo de supervivencia. Es muy importante el fomento de la aceptación y de las emociones agradables, bajando la hiperactivación”.

Rosana también trata el tema de adicciones, en el que se trabaja mucho el concepto ‘solo por hoy’, que ayuda en la rehabilitación.

Básicamente, se trata de marcar objetivos a corto plazo, que en situaciones como la que vivimos, son más manejables y visibles que plantear ideas a largo plazo. “Si le dices a alguien que lleva toda su vida bebiendo alcohol que no puede beber más, le parecerá imposible. Pero si le das las herramientas y vas poco a poco, marcando objetivos como ¿puedes estar hoy sin beber? Esto se puede extrapolar a ¿puedes sobrevivir hoy a esta crisis? ¿Qué puedes hacer hoy, que esté en tu mano, para poder vivirlo mejor? Eso te va a dar otro tipo de oxígeno y te va a permitir explotar otros potenciales”.

Además, hace énfasis en que hay que saber identificar eso que podemos controlar y lo que no. “Uno no puede controlar lo que pasa a nivel mundial y lo que pasa entre Europa, EEUU y China. Sí puedes controlar lo que comes hoy, cómo gestionas tus emociones, qué eliges hacer, cómo quieres organizar tu día…”.

Fuente: Travis Wise, Flickr.com

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Otra cosa que para Rosana cobra una importancia fundamental es saber diferenciar quién soy, de lo que hago, y poder separarlo. “Es algo que ocurre mucho en el mundo de la música. A veces nos define tanto nuestro tipo de trabajo que perdemos parte de nuestra identidad. Ahora es el momento de pararse, ver quien es cada uno y evaluar lo que es importante, qué valores me hacen sentir arraigado, estable… y saber reconocerse”.

Y eso nos lleva a la última gran pregunta de este bloque. ¿Cómo va a ser el día después del fin de la cuarentena? ¿Qué tan impactante va a ser para la gente? ¿Cómo se puede ayudar a lidiar con esos sentimientos? “Para mí la clave estará en saborear lo positivo, la novedad, el estar presente, el conectar con las personas… Todo eso que ahora mismo no podemos hacer. Yo espero que aprendamos a poner límites, a vivir más el presente y a apreciar lo que tenemos internamente y en nuestro circulo más cercano. Eso también, en la industria de la música, es algo muy importante. Para mí, de los ejemplos a seguir de artistas con una salud mental equilibrada, todos tienen en común que viven unas vidas muy humanas y saludables. Esto es algo positivo que podemos sacar de esta situación: reajustar el estilo de vida para encontrar equilibrio.

También es el momento para que muchos músicos y productores puedan crear o incluso reinventarse, ahora que están en casa sin la presión de la logística asociada al estilo de tour del mundo de la electrónica. Todo esto sucede cuando conseguimos esas emociones positivas de apertura, de aceptación, de tranquilidad”.

FUTURO

EL DÍA DESPÚES

En estos momentos nos encontramos finalizando la segunda semana de encierro y cuarentena y los prospectos oficiales nos dictan que continuaremos así hasta el 11 de abril. Sin embargo, tras lo que hemos podido descubrir a lo largo de este extenso artículo, la realidad que tenemos que afrontar todos es que quizá la situación se escapa a nuestro control y que tendremos que asumir lo que vaya ocurriendo.

Tenemos que asumir que, al final, este COVID-19 pueda ser el primero de una nueva serie de amenazas bio-sanitarias. Para Fernando Baisón, doctorado en Biología y cursando postdoctorado en Microbiología, la historia demuestra que las amenazas de este tipo siempre han estado ahí. “¿Cuántas veces arrasó Europa la peste negra? ¿Qué pasó con la mal llamada gripe española? Y en este siglo hemos tenido la gripe aviar, la gripe porcina, el SARS, el ébola, el retorno del sarampión por el boom del movimiento anti-vacunas… Amenazas sanitarias hemos tenido siempre y las seguiremos teniendo. Lo que pasa es que hemos tenido la suerte de nacer en una época en la que, cuando éramos niños, nos ponían vacunas para sarampión, varicela, polio y todo lo demás. Lo peor que llegábamos a pasar era alguna gripe más fuerte que otra. Debido a esa burbuja de seguridad sanitaria en la que hemos crecido, cualquier cosa nos puede parecer más grave”.

Otra lección que nos llevamos la resalta, Julio Rodríguez: “Ahora, lo único que puede mantenernos preparados ante este tipo de amenazas es invertir el dinero necesario en investigación científica y no recortar en sanidad. Hay que invertir más en la ciencia básica, esa que no produce beneficios, porque es lo único que puede prevenir que estos patógenos causen estragos a estos niveles. Aunque sea un reservorio de bacterias asociadas a un gusano que se cría solo en unas pozas de agua dulce de América Central, porque no sabemos cuando pueda hacer falta”. Por otra parte, se moja dando su predicción sobre el futuro de esta crisis: “Vamos a pasar unos meses duros hasta que se encuentre vacuna o vacunas y al final tendremos que aprender a convivir con él, como convivimos y controlamos otras enfermedades.

Al final habrá países que aprendan la lección y, como en todo, otros que no”.

Otra cuestión que preocupa es, una vez terminado el confinamiento, ¿cuándo se autorizarán nuevos eventos multitudinarios? Tanto Julio Rodríguez como Fernando Baisón coinciden en que habrá que esperar para estar seguros. “Lo que es más probable es que las medidas de restricción de movilidad dentro de los países se relajen, como ha ocurrido en China. Irá gradualmente. La libre circulación de personas entre países o la organización de eventos masivos creo que serán de las últimas cosas que se reanuden. Probablemente, se irán relajando las medidas para pequeñas multitudes, en la medida que pueda garantizarse la seguridad sanitaria en mayor o menor medida, hasta que ya se haya dominado el virus por completo, con una vacuna u otro fármaco. Pero adelantarse a los tiempos, antes de que los casos lleguen a cero durante un periodo prolongado, puede provocar un rebrote masivo”, explica Julio.

Pero el momento de retomar la actividad llegará. Más tarde o temprano, llegará. Y visto el ánimo que tiene la gente por salir, muchos medios están hablando de un posible

boom en las operaciones. Patricia Gabeiras hace énfasis en la profesionalización vivida por el sector de festivales en los últimos años y como esto hace que los organizadores analicen sus opciones y tomen decisiones basados en sus propias características.

“Por ejemplo, los festivales de mayo se han intentado mover hacia el último trimestre del año, mientras que el resto observamos con cautela, ya que tenemos más tiempo. Es por eso que las medidas tienen que ir dirigidas a paliar la caída de ingresos y compensarlas, sabiendo que no va a ser un año muy boyante para nadie”.

El COVID-19 también está sirviendo para darnos cuenta, entre otras cosas, de que en las verdaderas crisis debería prevalecer el bienestar común por encima de signos políticos; para que tomemos conciencia de lo mucho que estamos dañando al planeta – fijaos en la nube de smog que cubría Madrid, el norte de Italia o cómo de limpios están ahora los Canales de Venecia –; o de que si seguimos destruyendo nuestro ecosistema, la naturaleza tiene formas muy crueles de vengarse.

Imagen de Milán, durante la cuarentena | Alberto Trentanni. Flickr.com

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Esta crisis se ha revelado como fruto de la mala relación del hombre con su entorno y la única forma de prevenir desastres futuros es replantearnos esa relación, para que vuelva a ser simbiótica y no parasitaria.

Al final, el COVID-19 está demostrando la fragilidad de un sistema que creíamos infalible ante estas amenazas. Y tenemos que aceptar que sus consecuencias se seguirán notando y probablemente ya nada vuelva a ser como antes. Eso no quiere decir que este tiempo de confinamiento no nos sirva para evaluar el estado actual de nuestra escena musical en España y de si es necesario un cambio de paradigma.

Un cambio de paradigma que nos lleve a ser más solidarios con nuestros artistas y promotores nacionales, especialmente los medianos y pequeños, que son los que peor lo están pasando durante la crisis del COVID-19. También son los que más cariño van a necesitar después de estos duros tiempos.

Y por la parte que nos toca, en la música electrónica, tenemos que mantener esa conciencia que nos ha llevado a ser uno de los colectivos más comprometidos y que

más en serio se ha tomado la cuarentena.

Las muestras de creatividad de artistas y ravers por igual durante este periodo – a base de sesiones en el balcón, streamings o memes – sin duda nos están ayudando a mantener la cordura en el encierro.

Cuando pase la crisis sanitaria y las medidas para reunión de personas se empiecen a relajar, se verá realmente quiénes han sido los principales damnificados – y quienes han estado allí y quienes no –. Lo cierto es que el prospecto augura una temporada en la que no podremos viajar fuera de nuestros países, con lo que el turismo internacional – una de las principales fuentes de ingresos de España – se verá drásticamente reducido. Esto hará que, para evitar que nuestro país entero colapse, todos debamos arrimar el hombro para con nuestros vecinos, apoyando y fomentando el turismo intra-nacional. De esta forma, también se estará dando soporte a la cultura y los eventos nacionales, que serán fundamentales para poder reconstruir la escena desde los cimientos.

Algunos auguran el fin de la burbuja de la cultura de los headliners, grandes festivales y fees exorbitados – que, por cierto, solo se pagan en nuestro país –. Quizá esta situación sea la que regule de forma definitiva las cosas en nuestra escena.

Otros creen que todo seguirá igual y que en cuanto se pueda, volverán las mismas prácticas. Pero lo cierto es que el futuro de la escena en España está únicamente en nuestras manos, en las manos del público. Un público que está ya hambriento de poder bailar. Un público que tendrá que empezar a pensar en cuidar su cantera de artistas, que nada tiene que envidiar a los de fuera. Ha llegado el momento de hacernos respetar más como industria y creadores de talento.

Es una pena que haya tenido que llegar una pandemia para que nos lo planteemos en serio, y dejemos de ver escenas como la neerlandesa con envidia por lo bien que tratan a sus propios artistas y promotores.

Es hora de hacerlo nosotros.

En resumen, turismo nacional, que fomente y pida a los festivales la contratación de artistas nacionales, para hacernos crecer como escena y para que en un futuro podamos brindar las mismas oportunidades a todos. Así y solo así podremos prosperar y salir del bache que ha provocado este SARS CoV-2. Está en nuestras manos. ¿Aceptamos el reto?

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FUENTES EXPERTAS DE ESTE ARTÍCULO: Julio Rodríguez Lavado, doctor en Química Orgánica por la Universidad de Sevilla, investigador y finalizado posdoctorado en Química Medicinal por la Universidad de Chile; Fernando Baisón Olmo, licenciado y doctor en Biología por la Universidad de Sevilla, postdoctorado en un laboratorio de microbiología del Departamento De Bioquímica Y Biología Molecular de la Facultad de Ciencias Químicas y Farmacéuticas de la Universidad de Chile.

Patricia Gaberias, socia fundadora Gabeiras y Asociados. En representación de la Asociación de Festivales de Música – FMA Rosana Corbacho, psicóloga experta en la industria musical y el tratamiento de adicciones y fundadora de M.I. Therapy.

ARTÍCULOS Y MATERIAL CONSULTADOS: Plowright, R., Parrish, C., McCallum, H. et al. Pathways to zoonotic spillover. Nat Rev Microbiol 15, 502–510 (2017). https://doi. org/10.1038/nrmicro.2017.45 https://medium.com/@tomaspueyo/ coronavirus-the-hammer-and-the-dance-be9337092b56 https://www.iflscience.com/health-and-medicine/the-novel-coronavirus-was-not-engineered-in-a-lab-new-research-confirms https://www.vox.com/videos/2020/3/6/21168006/coronavirus-covid19-china-pandemic https://www.hispasonic.com/reportajes/ coronavirus-ayudas-autonomos-musicos-profesionales-sonido/45018 https://www-lavanguardia-com.cdn.ampproject.org/c/s/www.lavanguardia.com/musica/20200319/474254835741/musica-en-vivo-coronavirus-perdidas.html?facet=amp https://maldita.es/

ALTERN-8 Autor: EDUARDO P. WAASDORP Traducciรณn: PATRICIA PAREJA CASALร

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Cuando un servidor empezó a salir a clubes techno, tuvo la suerte de vivir a solo 113km de la catedral del techno, Florida135. A finales de los 2000, la discoteca fragatina llevaba, cada fin de semana, a los artistas más selectos, icónicos y legendarios de la electrónica mundial, para el deleite de un público venido de todas partes del país y del mundo.

Entre tantos de los artistas que pasaron por ahí entorno a 2008-2010, estaban nuestros protagonistas de esta entrevista. Altern-8 necesita poca presentación para los amantes del sonido acid house/break/rave británico.

Para los que no estén familiarizados, son los creadores de himnos atemporales como ‘E-vapor-8’, ‘Armaggedon’, ‘Infiltrate 202’ o ‘Frequency’, entre muchos otros.

Unos artistas que marcaron época y que este año cumplen 30 de carrera en esta escena. Justo a principios del mes de marzo, con motivo de su paso por la sesión #Ketapasando, celebrada en Café La Palma el 7, quisimos sentarnos el icónico Mark Archer – mitad del dúo – para que nos contasen qué tienen planeado este año tan especial en su carrera y cómo se prepara para las celebraciones. ¡Música, maestro!

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¡Hola Mark! Es un gran honor teneros en la revista. ¿Cómo ha comenzado el año para vosotros?

El año ha comenzado muy bien, gracias. Es un año muy especial y esperamos con ansias algunos festivales y shows de club realmente buenos en el Reino Unido y en todo el mundo.

Ya hemos tenido algunas actuaciones fantásticas.

Nunca pinchamos en España en los años 90.

Nuestro primer concierto fue en Ibiza, en Es Paradis, en 2002. Así que realmente no estábamos seguros de cómo nos iría en nuestra primera visita al continente, pero no tuvimos que preocuparnos, ya que fue una gran actuación en un club llamado Be Cool en Barcelona.

Nos gustó mucho ese lugar y la pista de baile giratoria lo hizo muy divertido.

Acabáis de pasar por Madrid, en la sesión #Ketapasando, un nuevo concepto en la ciudad que se celebra en el Café La Palma. ¿Cómo es vuestra relación con la multitud española?

Donde quiera que haya tocado en Madrid, Barcelona o en cualquiera de las islas Baleares las multitudes siempre son increíbles, conocen su historia de música house y están abiertos a escuchar música que tal vez no han escuchado antes, pero la reciben con los brazos abiertos. Siempre es un placer pinchar en cualquier lugar de España y en este evento no ha sido diferente. ¡Un gran ambiente!.

La primera vez que os vi pinchar fue en Florida 135, hace poco más de 10 años ... ¿cómo os han ido las cosas durante la última década?

Han sucedido muchas cosas en los últimos 10 años con Altern-8, pero hemos conseguido tener remixes de Activ 8 en las listas del Reino Unido de nuevo y también tener el álbum 'Full On Mask Hysteria' remasterizado y lanzado hace unos años. Además, yo he estado muy ocupado haciendo DJ sets y actuaciones en directo.

¿Qué recordáis de vuestra primera visita a nuestro país?

2020 también marca un gran hito para vosotros: vuestro 30 aniversario como grupo. ¿Qué nos podéis decir sobre las ce-

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lebraciones que se están preparando para un momento tan importante?

Hace 2 años celebré mi trigésimo año en la industria de la música con una gira de un año y este año se cumplen los 30 años de Altern-8.

Estamos haciendo algo similar con nuestros DJ sets y las fechas para Lives por todo el mundo, pinchando cualquiera de las pistas de nuestro álbum si es una actuación en vivo, o música de la era dorada del rave si se trata de un DJ set. También estamos haciendo eventos de 30 Years Of Rave, con otros DJ de la escena rave oldskool, ¡por lo que será otro año entretenido!

Hemos visto que vuestra página web y vuestros perfiles en redes sociales se han actualizado de forma masiva. ¿Cómo ha sido para vosotros adaptarse, desde los tiempos en que este tipo de alcance era impensable, a las formas actuales de comunicaros como artistas?

En los años 90 la única forma de saber qué lanzamientos, eventos y novedades había era a través de revistas o flyers, pero todo eso ha cambiado. Estamos tratando de asegurarnos

de que tenemos todas las páginas de redes sociales actualizadas regularmente, para mantener a todos informados de dónde estamos pinchando, mucho antes de las actuaciones y de cualquier remix que podamos estar haciendo.

Empezasteis en 1990, justo cuando todo este género todavía estaba en pañales. ¿Cómo veis la evolución de la escena desde el movimiento rave hasta los grandes festivales de hoy en día?

Incluso en 1990 hubo grandes raves, solo ha cambiado la forma en la que la gente se entera de ellas. Obviamente, la música ha cambiado en los últimos 30 años, pero cada año más y más personas descubren raves y música de baile. Creo que la escena tiene la mejor salud que podría tener.

Actualmente estamos viviendo un momento dulce de revival, de los primeros sonidos progresivos y acid. Muchos artistas están adoptando esta paleta de sonidos trayendo ese aire a techno old-school a lo que se produce hoy. Algunos lo alaban, otros lo odian. ¿Cuál es tu opinión?

La música dance siempre ha consistido en utilizar la música que había antes, tanto si estás sampleando tracks disco viejos o rehaciendo grooves de acid house de Chicago. Es de lo que se trata la música. Personalmente amo el viejo house de Chicago y el acid y el techno de Detroit, así que creo que es genial que estos estilos hayan regresado.

Obviamente es educativo ya que algunos jóvenes, al escuchar este sonido, buscan y revisitan los clásicos de la vieja escuela como vuestro "Frequency" o "E-Vapor-8"… esto es algo positivo. Pero luego tienes a las personas que se "inspiran", tal vez demasiado, creando solo otra pista de acid más. ¿Cómo pueden los productores encontrar el equilibrio entre rendir homenaje a un sonido o copiarlo?

A algunas personas les gusta usar un sample de algo antiguo, pero lo actualizan con nuevas técnicas de producción o lo mezclan con nuevos estilos, mientras que a otras les gusta probar y replicar un sonido totalmente y hacerlo lo más auténtico posible. Mientras las pistas no sean un plagio completo del trabajo de otra persona, no veo ningún problema.

Vuestro álbum, ‘Full On Mask Hysteria’ es un clásico icónico. ¿Vamos a escuchar nueva música vuestra en los próximos meses?

Escribí una canción hace unos años solo para tocar en sets en directo y ha estado funcionando muy bien, por lo que es posible que podamos trabajar en algo más de nuevo material para un lanzamiento.

Ya has confirmado tu presencia en Field Maneuvers en septiembre y también en Ibiza en verano... muchos se sorprenderían de ver tu nombre en un line up de Ibiza hoy... ¿qué recuerdas de la isla?

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He estado yendo a la isla desde 1976 (risas), así que tengo muchos buenos recuerdos allí. Las escenas musicales han cambiado mucho a lo largo de los años, pero siempre habrá un lugar especial para la música de finales de los 80 y principios de los 90, que ayudó a hacer de la isla un refugio para las discotecas. Por eso es genial que la gente pueda ir a la isla para disfrutar también música oldskool…

También hemos visto confirmada una actuación en Printworks London... definitivamente es uno de los mejores clubes de la escena electrónica... ¿cómo veis la salud de la escena inglesa ahora?

Más de 30 años después… ¡y la escena está tan sana como siempre lo ha estado! No es una moda como todos nos dijeron al comienzo de la escena rave y con fiestas masivas como Printworks y WHP Manchester, así como con todos los otros clubes y festivales, el país todavía no se detiene. ¿Qué más os depara el año?

Muchos trabajo, así como colaborar con Shadow Child en el proyecto MASC, además de remixes y lanzamientos en algunos sellos. ¡Y nunca se sabe, incluso podemos llegar a lanzar algo como Altern-8 este año! ¡Gracias por tu tiempo, Mark! ¡A vosotros!

Autor: ÁNGEL MANRIQUE

LA PROMESA DEL MAINSTREAM NACIONAL 054

Pol Marín – aka MZRIN – es un joven talento nacional que ha tomado con fuerza una posición destacada en el circuito de electrónica mainstream. Algunas de sus producciones musicales y su versatilidad a la hora de producir en distintos géneros le ha llevado a captar la atención de grandes nombres del EDM, como Nicky Romero.

LA PROMESA DEL MAINSTREAM NACIONAL

Con tan solo 19 años y habiendo empezado a entrar en contacto con la electrónica apenas superada la decena, MZRIN ha ido escalando posiciones a base de autoaprendizaje e inquietud. A muy temprana edad descubre su gran pasión y se marca como objetivo, como tantos otros jóvenes en la actualidad, llegar a actuar en los festivales que solo podía ver en videos de internet.

Con el claro objetivo de convertirse en productor musical, Pol empezó a estudiar y decide continuar con su preparación en una reputada escuela de Girona. Ni siquiera el no tener la edad mínima necesaria para ingresar en los clubes le ha frenado, dedicando ese tiempo a cultivarse en otras áreas y potenciando su carrera como productor.

Hablamos con MZRIN para conocer mejor a este joven talento, ver como ha empezado este año y cuáles son sus principales proyectos este 2020.

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¡Muy buenas, Pol! Un placer hablar contigo. ¿Cómo empezó tu 2020? ¡Hola a todos! Pues la verdad con mucha fuerza y ¡con muchas ganas de poder anunciar todo lo que se viene! También lo que ya hemos recorrido, como el primer tour en México…

Tu alter ego, MZRIN, es uno de los proyectos de electrónica mainstream más interesantes de los últimos años. ¿Cómo surge tu pasión por la música de baile?

Pues la verdad es bastante curioso, porque mucha gente me pregunta siempre si mi familia viene de la música, o si alguien me enseño alguna cosa para poder empezar.

Nada de eso es así: yo empecé interesándome por las mezclas y la música electrónica, viendo videos de todos los grandes DJs y festivales. De ahí, todo fue encaminándose a querer una mesa de mezclas y ponerme a pinchar. Claro que ahí también me faltaba algo, hasta que encontré el mundo de la producción musical. ¿Qué te inspira o en qué te fijas ahora a la hora de producir/pinchar?

Creo que siempre he querido sentir la música y probar todo tipo de estilos, pero obviamente sin dejar el género con el que empecé, que es el EDM. Sigo con la idea de producir electrónica, pero creo que con los años la música también cambia y no nos podemos quedar parados mientras eso sigue.

Con el tiempo he visto que tienes que seguir lo que a ti te gusta, pero siempre con los sonidos más innovadores.

No hace mucho que cumpliste la mayoría de edad… ¿Qué tan difícil ha sido hacerte hueco en la escena mainstream durante este tiempo?

Creo que ahora, en España, no es fácil poder hacerte un hueco y más en la música electrónica. Desde que empecé a interesarme por la música y pinchar, ya hace unos 6/7 años, no a sido nada fácil por varias razones. La primera, antes de ser mayor de edad no podía ir a pinchar a ningún club, así que eso fue mi barrera. Por eso decidí empezar a producir y sacar mis propios temas, hasta que pudiera empezar a pinchar en clubs.

Cuando pude empezar, el año pasado, ya ha sido cuestión de poco a poco ir arrancando, con todas mis fuerzas, hasta llegar a hoy.

¿Cómo hacías con las restricciones en clubes para menores de edad?

Nuestra escena es cada vez más seria y los clubs no quieren tener problemas. Sí que había clubs que alguna vez hacían sesión de tarde para gente más joven, incluso llegaron a contactarme algunas, pero no era frecuente. Lo principal para mí en ese momento fue ir cogiendo experiencia para cuando fuera mayor de edad.

Antes, las sesiones light (para menores de 18, sin alcohol) eran una de las escenas musicales más importantes, sirviendo de educación musical para muchos jóvenes. ¿Cómo ves el estado de esa escena? ¿Debería potenciarse de nuevo?

Creo que la música siempre será para todas las edades, así que todo lo que sea compartir música y poder disfrutarla es bueno para todos. Siempre digo que todo el mundo tiene derecho a disfrutar de la música, así que seria interesante poder hacer este tipo de sesiones más a menudo, para hacer que a más gente.

Fuiste el artista más joven en participar en Arenal Sound. Este año vuelves, además de a otras citas durante el verano. ¿Cómo fue tu primera experiencia en un gran festival? ¡Creo que fue el momento mas increíble que he vivido! Nunca había pinchado en un festival y menos delante de tanta gente.

Fue una experiencia que sé que nunca olvidaré. Cuando no estás acostumbrado, sí que impacta mucho estar delante de tantas personas, que van para que tú les pongas música. Pero siempre he pensado que todo se trata de ir cogiendo experiencia,

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con todas las ganas para poder seguir progresando. La verdad que es un placer poder estar en los mejores festivales de España. ¿Qué es lo que más te gusta de pinchar para públicos así de masivos? ¿Y lo que menos?

Lo que más me gusta de poder pinchar en sitios con tanta gente es la energía que puedes llegar a transmitir, recibir y ver que la gente está disfrutando de tu música. Posiblemente lo que menos son los nervios al principio, pensando en toda la gente que tienes que hacer disfrutar y poder hacer un buen show. Pero una vez se pasan los nervios, todo es disfrutar.

Eres de Barcelona, ¿cómo ves el estado actual de la escena musical en la ciudad? ¿Hay suficientes oportunidades para artistas jóvenes?

Creo que no es el mejor momento ahora para la música electrónica mainstream en Barcelona, pero sí que lo está siendo para otros tipos de música y clubes. Creo que está llena de oportunidades y creo que la gente se tendría que animar más a abrirse a este mundo. Siempre he creído que cuando antes empieces, antes iras aprendiendo y sabiendo qué te gusta de toda la música que hay hoy.

Tu, particularmente, ¿sigues el trabajo de artistas de otros géneros – tanto mainstream como underground – dentro de la electrónica?

Me encanta poder abrirme a nuevos tipos de música y nuevos sonidos dentro de la música electrónica. Siempre intento escuchar todo tipo de música para poder inspirarme después en la producción. Algo que

no he probado, pero sé que me gustaría desarrollar, es algo como la música de El Alfa, pero con electrónica… algo diferente.

En el mundo de la electrónica, sabemos que tienes gran relación con el neerlandés Nicky Romero, ¿No es así? ¿Cómo surgió esta relación?

La verdad es que cuando saque el tema ‘Going Under’, no pensábamos que llegaría a tanta gente. Una vez vimos que el tema arrancó tan bien, pensamos que lo mejor era aprovechar y poder hacer mas promoción, así que decidimos contactar con él a través de un amigo. Desde el momento que nos dijo que le gustó el tema, pudimos ponerlo en su radio y nos ayudó a darle otro empujón. Solo siento agradecimiento hacia él.

Justamente ‘Going Under’ tiene más de 1,5 millones de reproducciones en YouTube. ¿Cómo fue el primer impacto que tuviste, cuando te diste cuenta de estas cifras? ¿Cómo se digiere esto teniendo tan solo 17 años en ese momento?

La verdad que fue algo muy impactante.

Fue ya el segundo tema que explotó mucho, y como bien dices, solo tenia 17 años.

Lo primero que realmente pensé es que no podía aprovechar el “boom”, porque aún no tenia la edad suficiente para poder pinchar en clubes. Por eso aproveché al máximo otras oportunidades, como hacer cosas con las radios y todos los medios que pudiese en ese momento. Creo que estas cifras te pueden ayudar en el momento en el que está sonando. Aunque lo realmente importante es saber mantenerte en ese lugar y sacar temas que gusten, para seguir subiendo.

Y en cuanto a tu selección musical… ¿Cuáles son tus principales fuentes a la hora de hacer tus sesiones?

Eso puede variar mucho. Depende de donde pinches, pero creo que mi selección siempre ha sido la electrónica con su toque mainstream. Siempre intento ponerme en la situación del club y pinchar lo que ese público pueda disfrutar, pero siempre con mi criterio personal.

La salud mental de los artistas electrónicos es una cosa de la que cada vez se habla más. Viajes constantes, soledad de tour, dietas de aeropuerto, alcohol y otras tentaciones no suelen ser buenos aliados de una mentalidad equilibrada, a menudo llevando a situaciones de depresión u agotamiento incluso en los DJs más veteranos de la escena. ¿Cómo llevas tu este tema? ¿Has experimentado estas sensaciones? ¿Tienes a alguien que te sirva de apoyo (familia, amigos, terapeutas, coaches)?

Creo que todos sabemos que en el mundo de los clubs hay muchas tentaciones, pero la verdad es que tengo la suerte de contar con una familia muy sana y que me ha ayudado mucho a saber lo bueno y lo malo de las cosas. Creo que estar pinchando es un trabajo como cualquier otro, y no creo que en el momento que estás trabajando sea adecuado beber alcohol o cualquier otra cosa. Siempre intento hacer mi sesión primero y después, si me apetece quedarme, ya me puedo relajar y disfrutar.

Por otra parte, en los tours, es verdad que hay momentos de todo: puedes tener momentos en que estés pinchando y puedas

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estar muy bien… y otros en los que puedes estar muy cansado y agotado, después de muchas horas sin dormir. Pero siempre sé que cuando acaba el tour estoy muy feliz, porque tengo a la gente que me apoya esperándome.

Tu caso particular, en el que has saltado a la línea más visible de la escena antes de cumplir la mayoría de edad, no es muy habitual. ¿Qué consejos les darías a los chavales jóvenes que se fijan en ti, pero a los que igual costará más tiempo llegar a tu status?

Creo que lo más importante al empezar es que el artista tiene que hacer lo que a él o ella realmente le guste. Lo que les haga sentir la música. No importa qué tipo de música haga o pinche, el único requisito es que le guste y pueda disfrutar haciéndolo.

Así es como podrá progresar y llegar donde quiera.

Ahora mismo, la pregunta es obligada… Ante la actualidad que vivimos con el COVID-19… ¿Cómo te ha afectado?

Creo que es una situación muy difícil para todos. Nos afectará muchísimo a la industria de la música, clubes y festivales. Todas las fechas que tenía en estas semanas en España han sido aplazadas y aún no se sabe cuándo se podrán hacer, así que estamos a la espera de todo. Esperamos que vaya todo bien y podamos estar otra vez en la cabina lo antes posible. ¿Qué más tienes preparado para este 2020?

Creo que lo que tengo más en la cabeza son los temas que tengo por sacar y los que me quedan por acabar. Ahora es muy importante para mí poder sacar buenos temas y con sellos discográficos grandes. Por el resto, seguir disfrutando en los clubes y esperemos poder empezar los festivales en verano con muchas ganas! ¡Muchas gracias por tu tiempo, Pol! ¡A vosotros!

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Fernando

Lagreca

Fernando Lagreca

Autor: ANGEL MANRIQUE Fotos: NATÀLIA MARTÍN

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Dos décadas haciendo del estudio de grabación su laboratorio sonoro favorito –con permiso de los escenarios, el otro campo de batalla donde se defiende a las mil maravillas con sus directos- dan para mucho. Cruzar el Gran Charco (desde Montevideo, Uruguay) para, tras pasar por ciudades europeas como Berlín, asentarse definitivamente en Barcelona tuvo su recompensa. Es actualmente desde esa Ciudad Condal que se ha ganado a pulso el reconcomiendo a nivel global bien como productor, músico de directo, director de management y agente de artistas, así como instructor dando masterclasses (en SAE, EUMES) sobre el mundo de los sintetizadores, la gestión artística, etc. Su carrera es tan interesante como todo lo que demuestra. Fruto de su evolución es “Infamous”, su nuevo LP a ser publicado este mismo mes en Beautiful Accident (ah, su propia discográfica).

Un crisol de canciones plagado de sapiencia, y ahora más que nunca, atrevimiento.

¡Con dos bemoles!

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Fernando

Lagreca

Hola Fernando, contigo es harto complicado decidir por dónde empezar. Eres el vivo ejemplo de lo que yo llamo una ‘persona todoterreno’ ¿nos desvelas a los lectores por qué puede ser eso?

Bueno, imagino que es porque no me puedo quedar quieto un minuto… seguramente sea algo de esto, no es que sea un mega workaholic, ya que me gusta descansar también y tener mis ratos de ocio, pero es que me cuesta dejar de hacer cosas, sobre todo cuando uno tiene la suerte de intentar al menos sobrevivir en temas relacionados a lo cultural, la música, etc., que es lo que me más me gusta hacer. Entonces se trata simplemente de encontrarte día a día moviéndote de un lado a otro. Supongo que si tuviera un trabajo aburrido, o que no me gustara, no estaría tan liado ni haría tanta cosa a la vez (risas).

Compaginar por ejemplo la dirección de una agencia como MiracleMgmt, con la de encerrarte en el estudio a componer música nueva, debe ser tarea harto complicada ¿cómo te sueles organizar?

Gran pregunta, y la verdad es que a veces ni yo mismo sé cómo saco tiempo de no sé dónde para producir, creo que la clave es que con el tiempo he desarrollado una cierta capacidad de ponerme en el estudio con las ideas bastante claras, aunque dedico bastante tiempo a improvisar y jugar con los sintes antes de pasar a la parte compositiva propiamente dicha, y por supuesto intento optimizar. También hay veces que directamente le robo horas al sueño cuando tengo estos momentos de gran inspiración o tengo muchas ganas de ponerme a hacer música nueva, y entonces esto lo compensa y es la manera de poder dedicarme también. Otra cosa que he aprendido con el tiempo es que hay gente que te puede ayudar a hacer que tu música suene mejor (por ejemplo contar para mezcla y mastering con la ayuda y consejos de gente como Pobla, eso simplifica muchísimo la tarea) y si un artista es capaz de confiar en que un estudio le ayude, esto te evita muchas horas rompiéndote la cabeza para hacer una mezcla o un mastering, y te hace ganar tiempo para usarlo en precisamente, componer.

En mi caso todos los masters los hago fuera y algunos tracks en los que la mezcla se puede mejorar pues también se los dejo a los chicos de Pobla.

Partiendo de esa táctica que es soler tener las cosas muy claras ¿Debe resultar chocante libertarte y crear mientras con-

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frontas ‘egos’ artísticos de todo tipo, y cómo no, gestionas tu trabajo teniendo en cuenta los distintos horarios de tantos países (Brasil, Argentina, Australia, etc.), giras o eventos los fines de semana…?

Sí, a veces me resulta fácil acabar un track porque ya sé a lo que voy, y aunque como siempre digo, intento dejar un margen grande al juego y la improvisación, hay cosas que ya sé por dónde ir, o qué equipos usar, o qué tipo de sonidos me dará tal o cual sinte y entonces es cuestión de optimizar también por allí… lo mismo con ciertos samples que suelo usar, por ejemplo tengo mis propias librerías de kicks que ya me las hice desde hace tiempo y básicamente las uso combinadas con kicks de cajas de ritmo y entonces componer un ritmo lo tengo bastante simplificado ya, porque parto de cosas que ya tengo probadas y que me permiten sonar con un mínimo de calidad que hará que el track final resulte aceptable a nivel sonido. Sobre la otra cuestión, imagino que te refieres a los egos de ¿otros artistas? ¿O los míos? ¿O de ambos? ¡Je! pues tengo bastante claro que mi prioridad ahora mismo es la agencia y los artistas a los cuales intentamos representar y cuidar, y mi propia parte artística la pongo por debajo, entonces no hay egos posibles ni tampoco conflictos a este nivel. Me gusta tanto el trabajo en la agencia y el contacto con los artistas, promotores, otros agentes, gente de la escena, que creo que alimentan también mi parte artística y me permiten irme conectando cada vez a un nivel más importante y sin dejar de lado mi parte creativa, simplemente poniéndola un poco más alejada del foco, logro un equilibrio en este sentido. Luego, respecto la posible altiveza de otros artistas, al menos los que llevamos en Miracle son todos muy humanos y muy cercanos, intentamos que así sea, no hay ningún problema en ese sentido, tampoco de celos profesionales ni nada parecido.

Intentamos construir equipos, siempre.

¡Sin duda es un remanso! El estudio es como ese rincón mágico al que siempre quieres llegar, ahí todo lo que pasa es sencillamente magia pura, no siempre estar en el estudio significa para mí sacar un tema, a veces es solamente seleccionar sonidos, otras veces, pensar un directo, otras ensayar, otras simplemente no hacer nada, sólo pensar. Sí que intento cuando estoy allí sólo pensar cosas relacionadas con mi música y mis cosas, casi nunca me llevo el móvil cuando me encierro en el estudio. Tengo el estudio en casa, casi siempre ha sido así, salvo una vez que lo tuve en el Niu, en Barcelona. Un centro cultural al que tengo mucho cariño. Entonces me resulta fácil combinarlo todo a nivel horario, etc. No quiere decir que cada rato libre que tengo me voy al estudio, pero si quiero y puedo, pues lo tengo ahí a la mano y lo intento aprovechar.

Con tu permiso, regresamos de nuevo a tu rincón de músico, y nos encerramos un rato en el estudio. Porque imagino que liarte a trastear con los cacharros, a componer nuevos temas, debe resultar –ahora más que nunca- en una especie de escape. De desconexión de tantos contratos, reuniones, luchando con la logística, etc.

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Ahora sí. Tenemos ya ante nosotros tu nuevo álbum “Infamous” (Beautiful Accident, 2020) ¿nos cuentas que nos vamos a encontrar en él? ¿Qué tan distinto es con respecto a tus anteriores LPs? Sobre todo si lo comparamos con el anterior de 2014 en Irregular “Control”.

Este es un álbum que si bien conserva –creoalgo de mí impronta y estilo, aporta otras cosas respecto a anteriores LPs ya que a nivel sonido es un poco más potente, y sobre todo, mucho más variado. Es un trabajo al que he querido dotar de distintos estilos, es como contar un cuento con muchas técnicas. Todas distintas, pero sin dejar de ser uno mismo. “Control” por ejemplo es un álbum súper frío y sintético, es un disco al que le tengo mucho cariño y me ha dado muchas alegrías, pero no por eso dejo de analizarlo como un álbum nórdico, frío, muy digital,

y me gusta mucho que así sea. Sólo que en este caso este ‘Infamous’ es mucho más cálido, más urbano, más noventero en algunos aspectos, más crudo en otros, los bajos son mucho más gordos, están más presentes que en otros trabajos míos, los beats están más desarrollados también, y tiene mucha más presencia vocal a raíz de varias colaboraciones o features que aparecen por allí.

Es sin duda lo más llamativo de tu nuevo disco. Esa manera de interpretar y hacer tuya por momentos la temática urbana (soul, hip hop, breaks) ¿sueles escuchar y seguir artistas de bass, trap y esas historias… o ya igual sería too much? Ahora es cuando también me huelo nos vas a sorprender e igual contar que nada más te iniciaste en la música te pirraban géneros como el drum’n’bass… ¿sí?

Seguramente sea algo llamativo este aspecto del álbum, al menos si se compara con otras cosas que he lanzado anteriormente.

A ver, tampoco pretendía hacer un álbum urbano ni mucho menos, ya que mi base es siempre electrónica, puede ser más pop o menos pop pero es electrónica, y dentro

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de ésta hace bastante tiempo que hago cosas para bailar, y aunque en otros discos más conceptuales no tenía temas techno o house súper definidos, en este sí que hay un par. Pero es que también quería sacar un trabajo en el que enseñara otras cosas que hago, creo que se trata de un álbum cero prejuicios por mi parte y en donde tuve la imaginación muy abierta en todo momento, receptivo para procesar un poco lo que venía a la mente y sin banear nada. No escucho muchas cosas de trap o bass, sí que tuve mi época más hip hop, siempre me gustaron los breaks y sin lugar a dudas el drum’n’bass fue y es importante en mi catálogo de gustos musicales. De hecho, en Montevideo, mis primeros shows en vivo en solitario en los ’90 eran directos de D’n’B, que los hacía con una Roland MC303 y un pequeño sampler Roland MS1, allá por el año 95-96. También me sentí siempre atraído por la IDM y el Dubstep, y por supuesto el ambient, con lo cual todo lo que tenga base electrónica ahí me tiene.

A todo esto, llevas muchísimos años lejos de tu cuna: Uruguay ¿qué tal has ido percibiendo los desarrollos, cambios de tu país a lo largo de todo este tiempo? ¿Sabes qué tal anda la escena de música electrónica por allá?

Hace ya casi 18 años que estoy por aquí en España, y por supuesto que cada tanto voy a visitar familia y amigos allí, y aunque he ido varias veces a tocar a mi país desde que vivo en Europa, no participo muy activamente en la escena local, por razones obvias, básicamente la distancia; aunque estoy siempre en contacto con gente de ahí y puedo decir que hay un desarrollo bastante interesante a varios niveles, por un lado en los últimos 4-5 años se han consolidado una serie de promotores que hacen eventos de electrónica underground muy interesantes con artistas de primer nivel, y con line-ups similares a los grandes festivales que se hacen en Europa o USA. Tal vez en algunos casos con un formato más reducido adaptado al país y los espacios disponibles, pero con fiestas de bastante nivel y producciones muy profesionales. Por otro lado, hay varios proyectos súper interesantes y muy auténticos con gente como por ejemplo Two Phase U o DJ Koolt que están incluso llevando producciones uruguayas fuera de sus fronteras, y haciendo giras europeas casi cada año. También hay una escena indie bastante emergente, que suele participar con delegaciones en bastantes festivales europeos cada año, como puede ser el Primavera Sound o el

Eurosonic. Este tipo de cosas en el Uruguay de finales de los ’90 o comienzos de los 2000 eran pura utopía, con lo cual creo que sin duda ha habido una mejora considerable.

Nos consta eres de los que sigue apostando por el formato físico, más concretamente el vinilo ¿por qué crees que este formato volvió a renacer? ¿Crees que ha vuelto para instaurarse definitivamente y, como no, podremos tener en nuestras manos “Infamous” como un auténtico Long Play?

Siempre me ha gustado el formato físico pero también siempre he sido súper fan del formato digital, no olvidemos que estuve mucho tiempo vinculado al movimiento de net labels, Creative Commons… y desde entonces ‘lo digital’ en general es algo que siempre me ha movido. De todas maneras lo físico es interesante, es un mundo distinto, y me gusta también participar de él e intento que mis lanzamientos más ‘conceptuales’ sean, desde un tiempo a esta parte, también en formato físico. He publicado cosas en cinta/casete, CD y últimamente en vinilo. El formato creo que ha vuelto a renacer porque es un formato mítico que en realidad nunca murió, sólo que había quedado reducido a coleccionistas o a Djs y finalmente con el advenimiento de los reproductores de CD y USB profesionales, mientras se dejaba de usar en cabinas, ha labrado su propio camino otra vez a nivel del usuario general, del consumidor general de música, que ha vuelto a apostar por él, como diferenciación de lo digital, como objeto palpable, como fetiche, y es por eso que funciona. Se trata de un formato muy humano, imperfecto, y sumamente atractivo. ‘Infamous’ será un long play, sí, 12 temas, es mi álbum con más temas hasta la fecha; normalmente los hacía de 9 temas, era mi medida para un LP pero en este caso tenía más temas y quería probar también de hacerlos más cortos, así que es un trabajo más variado, con más temas. Eso sí, un poco más cortos de lo habitual si los comparamos con mis otros discos.

Pongamos una marca en el tiempo. Digamos que desde mediados de los 90 a nuestros días, este 2020 que ya está en curso ¿qué tal has ido digiriendo los constantes cambios alrededor de la escena e industria musical? En todos los aspectos que se te ocurran, incluido lo tecnológico, por favor.

Creo que la única manera que hay de seguir vinculado a la escena musical a lo largo del tiempo es involucrarte al máximo, aprender

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y adaptarte a los cambios. Aunque siempre he estado vinculado a la escena musical, digamos como mencionas, desde mediados de los ’90, hace 10 años que estoy también vinculado a la industria musical, ya que hasta el 2007-2008 (aproximadamente) tenía otros trabajos que combinaba con mi faceta de productor, luego sí que me he ido vinculando al sector cultural propiamente dicho y en particular a la industria musical, no solo a la escena musical. En cuanto a lo tecnológico, debo decir que la adaptación a los cambios ha sido muy fácil para mí, soy un freak de los sintetizadores, la tecnología musical y todo lo que rodea este mundillo, con lo cual, siempre he sido un ávido consumidor de noticias, foros, manuales, y cosas relacionadas a estos aspectos. ¿Algo que en tu opinión mejor no hubiese sucedido jamás?

Esto del Coronavirus, así, directamente… aunque por mencionar también algún tema no tan actual y oportunista como este, si hacemos de cuenta que esto no ha pasado nunca, pues hubiera escogido que no hubiese sucedido algo como los atentados en Barcelona y Cambrils hace un par de años, u otros atentados similares. Es complicado desear solamente una cosa para cambiar o para evitar, ya que lamentablemente hay mucha cosa actualmente en el plano negativo, y la hubo ya antes desde los inicios de los tiempos, con lo que creo que ya en este plan deberíamos apostar por cambiar a toda la especie humana, que es en definitiva quien provoca todo lo negativo. Aunque claro, también provoca todo lo positivo ¿no? con lo cual no hay mal sin bien, ni bien sin mal, y todo esto… que ya pasa a ser Metafilosofía o algo así.

A vueltas con lo háptico. Eres un apasionado –desde siempre- de los sintetizadores ¿cuáles son aquellos a los que más cariño les has tenido, y por qué? ¿Siguen todos ellos contigo, o algunos pasaron a mejor vida (o peor, según como se mire)?

Ouh yeah! Súper fan de los sintetizadores, los cacharritos que hacen ruido y tienen botones, con teclas, sin teclas, con cables, sin cables. Mi primer sintetizador fue un Casio CZ101, comprado de segunda mano, y lo tuve bastante tiempo, luego se lo vendí a un colega para comprarme un Kawai K1, sonido digital de primera época de los ’90. No hace mucho hice un lista de todos los sintes que tuve y los que tengo, y son unos cuántos, ya que siempre he cambiado de equipos luego de cierto tiempo, básicamente tengo la filo-

sofía de tener cosas que utilizo, no colecciono cosas, entonces si un sinte tiene mucho tiempo conmigo y por lo que sea lo dejo de usar, pues miro de cambiarlo y conseguir nuevos equipos. Reinvertir y dar una mejor vida a este sinte que se va a casa de otro usuario al que le aporte cosas distintas. Es como una rueda. Entran y salen pero no se infla demasiado la colección. En general no me apego mucho a las cosas, pero sí que es verdad que han habido algunos equipos a los que le tenía especial cariño, el que más yo diría que es la Elektron Machinedrum, la he tenido 3 veces, en distintas versiones, o el Novation K-Station; esto hablando de equipos que ya no tengo conmigo, y de los que integran mi set-up actual, Nord Wave, Novation Bass Station II y el Elektron Octatrack son mis preferidos, junto con el Teenage Engineering OP1. ¿Qué otro tipo de ‘cacharricos’ invaden tu actual estudio de grabación? ¿Alguno que sea realmente indispensable, al menos para la elaboración del disco “Infamous”?

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Aparte de estos cuatro que nombraba antes, en este disco he usado bastante Elektron (Analog Four, Analog Rytm y Digitone), algo de Yamaha para los pianos y algún arpegio o para sonidos FM tipo DX7 (el MODX), y luego cosas tipo Dave Smith Mopho y IK Multimedia Uno Synth que los suelo usar en modo unison y stackeados, para los bajos sobretodo, dan una presencia muy interesante. Además del Moog Sub37, pedales de delay y reverb para la guitarra y un Nord Drum 3 para grabar percusión de una manera orgánica, tocada con baquetas.

También por allí hay pads del Virus Snow, que siempre tiene su sitio en mis tracks.

Desde no hace mucho decidiste mudarte del corazón de Barcelona, a las afueras.

Es allí donde precisamente localizamos tu estudio, a unos 45 km tanto de Barna como de Tarragona ¿mucho jaleo ya en la ‘city’? ¿Qué opinas de todo lo relacionado con la gentrificación, el turismo y los abusos que muchas veces arrastra…?

Bueno, Barcelona es una ciudad fantástica, de la que no dan ganas de marchar jamás, pero la cosa se les ha ido de las manos con el abuso del turismo, dejar de lado todo el tema alquileres, no impedir especulación inmobiliaria o incluso aunque lo nieguen fomentarla de una manera desmedida. Han hecho desaparecer barrios enteros de gente local, para vender los pisos a unas cifras astronómicas y la ciudad ha cambiado mucho su fisonomía. Demasiado turismo, demasiada empresa extranjera y poca gente local últimamente. Y entre una cosa y otra pues me he tomado un tiempo para irme a respirar un poco de aire más puro, cerca de la playa, con mucha más tranquilidad y aun estando a un paso de la ciudad con lo cual cada vez que necesito o quiero, estoy a una distancia relativamente cercana y con buen transporte público para moverme. Así que he montado oficina y estudio un poco más lejos del centro, pero igualmente conectado.

recibir nuevos artistas. Barcelona, al tener un tráfico de turistas tan grande, mira mucho hacia lo que funciona ya de antemano y contrata muchos artistas de fuera, con lo que no hay tanto hueco para artistas que quieran desarrollar sus carreras. Si es una ciudad ideal para artistas consolidados de otros países europeos ya que el clima es perfecto, la gente, los precios incluso (Barcelona aun siendo una ciudad cara es en algunas cosas más económica que algunas ciudades alemanas o nórdicas). Pero todo esto es en relación a la música y en particular electrónica o sonidos afines. Seguramente en otras disciplinas sea más fácil, o por ahí más complicado aún. De todas maneras para un artista latinoamericano estar en una ciudad como Barcelona sin duda que le sigue resultando una experiencia cuánto menos inspiradora, entretenida y si viene con una mentalidad de hacer carrera dando tiempo a las cosas, evidentemente tendrá sus posibilidades. La oferta educativa en la ciudad a nivel de producción musical, music business, etc. es bastante completa con lo cual es otro atractivo para artistas de Latinoamérica. El hecho de hablar el mismo idioma facilita mucho las cosas, también esto es un factor importante, que no lo tiene Berlín o Ámsterdam por ejemplo. Cada ciudad o cada lugar tiene sus pros y sus contras, Barcelona creo que sigue teniendo más pros que contras aunque para cimentar una carrera aquí se necesita tiempo, paciencia y mucho trabajo, de día a día.

¿Crees sin embargo que Barcelona sigue siendo un lugar adecuado para que artistas de todo el mundo –incluida por supuesto Latinoamérica- vengan a desarrollar sus carreras?

Es una pregunta complicada, porque si bien Barcelona tiene muchos atractivos, no es una ciudad precisamente fácil para llegar y conectar de primeras, ya que no hay una marcada escena que sea abierta a

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Finalmente, como buen animal de directo que eres: ¿cuándo o dónde podremos verte este año presentando tu nuevo material? ¿Tienes ya conceptuado cómo desarrollarás tu live, o irá condicionado por el tipo de club, evento o festival?

Pues todo dependerá un poco de cómo se pueda sobrellevar este duro periodo del Covid-19, de momento sólo hay cancelaciones en el horizonte, con lo cual es buena época para ir preparando el live del álbum. De momento todas las fechas que tengo previstas hasta mitad de año (las canceladas y las que no) son de mi faceta más techno, es decir, fechas de club con sets de 90-120’ a las 02:00 o 03:00am. En el caso de los tracks de ‘Infamous’ aunque el disco salga ahora en Abril, ya era mi idea comenzar a presentarlo una vez pasado verano, inicialmente el plan era presentación del live del álbum en Otoño. Llegar a fin de año con un par de confirmaciones de festivales importantes para 2021 y arrancar el nuevo año con 3-4 fechas en salas antes de llegar a la temporada. En cuanto al tipo de live, será como siempre uno sin ordenador. Con mucha improvisación, sólo máquinas en directo y muy dinámico. En algunos temas tocaré más percusión, en otros más los sintes, en otros será cuestión de ir hilando muestras, algo como digo que sea muy activo y cambiante, tal como es el disco ¡Así al menos me lo imagino!

Autor: EDUARDO P. WAASDORP

ANIMAL SOUND Precocidad y amor por la música

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Nuestro país está lleno de talento.

De eso no cabe duda. Talento a todos los niveles, tanto el artístico como el organizativo. En este contexto surge Animal Sound, un festival que empezó su andadura hace siete años, en Murcia, y que poco a poco se ha ido haciendo un hueco en la agenda de cada vez más clubbers.

Llama especialmente la atención su director, el jovencísimo Álvaro Vargas, que con tan solo 23 años ya lleva siete dirigiendo el festival murciano.

Siendo un adolescente con un hambre voraz por promover eventos, desde sus 13 años empezó a organizar sesiones light para jóvenes y a partir

de ahí fue creciendo y evolucionando hasta llegar a Animal Sound.

En estos 7 años, tanto el festival como Álvaro han crecido de la mano, consiguiendo, además de llevar a cada vez más público, afianzar el apoyo institucional y de diferentes patrocinios, siempre con el disfrute de los asistentes como principal preocupación.

Por ello, nos sentamos con Álvaro Vargas para que nos cuente su especial y precoz historia, cuál es la hoja de ruta y filosofía del festival este 2020 y cuales son las principales novedades que nos puede contar, también en medio de la actual crisis sanitaria mundial que vivimos…

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¡Hola, Álvaro! ¡Un placer saludarte! ¡Lo primero gracias por atendernos! ¿Cómo se prepara esta edición de Animal Sound? ¡Hola, chicos! Un placer y gracias a vosotros.

Se prepara con más medios y ganas que nunca, intentamos que sea la mejor hasta la fecha, como todos los años.

Este es el séptimo año del festival contigo al frente. ¿Cómo ha sido la evolución que has podido percibir del mismo durante este tiempo?

Hemos pasado de ser un evento de un escenario para 6.000 personas durante un día en 2014 a celebrar la pasada edición con cerca de 40.000 asistentes, 5 escenarios simultáneos y una gran variedad de estilos dentro de la música electrónica y urbana. Cada año aumenta la diversidad de público y especialmente los asistentes de otras regiones que llegaron a duplicarse entre 2018 y 2019, este año 2020 se han multiplicado ya por 3 frente a 2018, proporcionalmente para ventas actuales. ¿Y de la escena en general? ¿Cómo has visto los cambios que han ocurrido en la música electrónica en España en general y en Murcia en particular? ¿Cómo han afectado estos a la programación de Animal Sound en sus años de vida?

Animal Sound nació observando la oleada de música electrónica de baile (EDM) que arraso entre jóvenes con artistas como David Guetta o Skrillex, probablemente por la novedad, energía y medios por los que se transmitió y convirtió en un fenómeno a nivel global. Sin embargo, muchos jóvenes empezaron a no escuchar tanta electrónica y se decantaron y decantan, por la urbana. Era algo difícil entre lo que escoger así que decidimos apostar por ambas y sumamos rap, trap, r&b, dancehall...

Al mismo tiempo decidimos apostar también por ampliar, al máximo en la medida de nuestras posibilidades, el abanico de música electrónica que ofrecíamos sumando al cartel techno, hardstyle, hardcore, drum&bass, remember, house, minimal...

llevar a cabo uno de los mayores eventos del año de la región o nación donde se encuentren. Para mí, eso es un festival.

En perspectiva, ¿hubieras hecho algo diferente en Animal Sound? ¿Cuál ha sido el principal aprendizaje, como promotor, que has obtenido en estos años?

Mejorar en experiencia para el usuario, actividades paralelas, acciones sociales y culturales y mejores cabezas de cartel. Resultaba muy complicado mejorar en todo esto sin grandes apoyos, es nuestro objetivo constante, edición tras edición.

El principal aprendizaje ha sido saber qué se persigue, que para mi es pensar en medio/ largo plazo y la creación de una marca y una comunidad fidelizada como la que ahora tenemos.

En esta edición, el cartel de Animal Sound presenta artistas como Angerfist, Technasia, Hard GZ, Natos y Waor, Borgore o Mandy además de una larga lista de artistas locales. ¿Cuál es la política musical que seguís en el festival?

Por un lado, tenemos muy en cuenta las opiniones de nuestros clientes en las encuestas y demás estudios realizados. Por otro, las tendencias actuales en España y grandes citas mundiales. Me encanta la exclusividad, aunque sea más difícil de conseguir, incluso con más recursos, en todos los niveles del cartel.

El resultado una combinación de electrónica y urbano, de techno, hardstyle, hardcore, drum&bass, remember, house o minimal y rap, trap, r&b o dancehall. ¿Cuál es la filosofía de Animal Sound como festival?

Acercar la música electrónica a la sociedad.

Hemos llevado este estilo al teatro romano de

Eres muy joven… ¿qué te hizo querer adoptar el rol de promotor de eventos desde tan temprana edad?

A los 13 años organice mis primeras fiestas junto a mi todavía socio, Alejandro. Eran de menos de 100 personas y sin alcohol, pero ya era el comienzo. A los 15 alquilaba las salas donde aun no me dejaban pasar por edad, se llenaron todas con más de 1.200 personas por evento, 4 veces seguidas en un año, y todo ello, acabando la ESO. Imagino que eso marcó mi vocación. Lo cierto es que es una profesión donde tienes la oportunidad de ver y aprender con profesionales de marketing, comunicación, cultura, empresa, producción, técnicos, instituciones, agencias... Todos juntos para

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Cartagena, Ayuntamiento de Murcia, al Mercado de la Fama, a las plazas de Santo Domingo, Teatro Romea y La Circular cada Navidad, Plaza de Toros de Murcia y por supuesto a La Fica, a la que ya desde hace 4 años son dos veces por año, al sumarse la pre-fiesta en el tradicional Bando de la Huerta murciano con más de 25.000 asistentes en 2019 o al Teatro Barceló de Madrid. También hasta el continente asiático, el pasado año, concretamente a las ciudades de Hang Zhou y Shanghai, todo bajo la marca Animal Sound.

También conseguimos juntar un DJ y una orquesta sinfónica en nuestro escenario principal, por primera vez en España, apareciendo en telediarios nacionales también por primera vez. Por esto nos gusta que se nos conozca.

Todo esto siempre con la colaboración de Don Fluor, DJ y productor albaceteño afincado en Murcia, que me ha apoyado e inspirado desde el comienzo.

Vemos que tenéis importantes patrocinadores institucionales ¿Qué tan importante es tener el apoyo de la administración local para llevar a cabo un festival como Animal Sound?

Recibimos apoyo institucional en todos los sentidos; mediático, cesión de espacios, excepcionalidades para ruido y ocupaciones, administrativo… siempre avalado por un impacto económico y cultural, así como exposición y posicionamiento de la marca Murcia.

También de la Universidad de Murcia con quien hemos estamos trabajando en un convenio de colaboración muy extenso o con facultad de turismo de la misma universidad.

Estamos muy contentos de poder formar parte de eventos clave en la ciudad de Murcia como

Huertos Jóvenes o Repanocha o de contar con la permanente ayuda de la comunidad autónoma para hacer posible, por ejemplo, actuaciones en lugares emblemáticos o la presencia de cerca de 50 músicos de la Orquesta de Jóvenes de la Región de Murcia en nuestro escenario en 2018.

Como festival una de las principales aportaciones que podemos hacer es la ayuda a potenciar el turismo, debemos contribuir a la exposición exterior de la Región y más aún ahora con el cambio de modelo productivo hacia el turismo que Murcia y su Gobierno están impulsando. Somos una Región con potencial para atraer muchos mas turistas de los que ya vienen y es tarea de todos el lograrlo.

Cambiando de tema, a cuestiones de actualidad que nos afectan, nos encontramos en medio de una crisis bio-sanitaria nunca vista. Viene provocada por los efectos del COVID-19 en nuestro sistema de salud y económico, especialmente después de las medidas de cuarentena impuestas por los diferentes gobiernos de Europa y el mundo. ¿Cuál es la posición de Animal Sound?

Es un esfuerzo para todos, pero lo que tenemos claro es que Animal Sound 2020 se llevará a cabo, existen dos planes actualmente: junio y octubre; si el problema se prolongara aun mas se retrasaría cuanto tiempo hiciera falta para su celebración siempre pensando en la salud de nuestros asistentes y en el buen desarrollo del evento y se habilitarían ventanas para la devolución de quien no pudiera asistir a la nueva fecha.

Hemos visto un muy buen gesto hacia vuestro público que se dedica al sector sanitario, con la iniciativa de regalarles el abono para el festival… ¿Qué tan importante ves reconocer, en este y otros ámbitos, la labor del personal sanitario en estos momentos?

Ellos están dando la talla y la sociedad entera debe estar a su altura. Todo nuestro público es importante para nosotros y estamos muy orgullosos de ellos, pero ahora le toca, y muy justamente, a este sector el ser reconocido por todos y es nuestra particular forma de demostrárselo.

Cambiando de tema, sabemos que también has empezado a trabajar con el Fan Futura Fest… ¿qué nos puedes contar?

Así es, este año comencé como director también en Fan Futura, que llevaremos a cabo entre el 21 y 26 de julio. La verdad es que teníamos muchas ganas de hacer un gran festival de verano en la costa de la Región. Elegimos San Javier por su gran apoyo como ciudad al proyecto y comunicación en cuanto a transportes

y nos pusimos en marcha junto a Vocento, que son nuestros socios en este nuevo proyecto.

ocuparemos el polideportivo municipal para desarrollar los grandes conciertos del festival.

Buscamos ser disruptivos y romper con muchos de los patrones seguidos hasta ahora por otros grandes festivales, especialmente en el sentido de la programación, actividades y zona de acampada.

¿Cuál es el prospecto de futuro de Animal Sound? ¿Cuáles son vuestros objetivos más inmediatos?

Crecer mucho en calidad, variedad y mejora de la experiencia del asistente y hacer crecer también, por muchos años más la comunidad y el festival, esas son ahora nuestras prioridades. ¿Alguna cosa que quieras añadir?

Si nos lo proponemos saldremos reforzados de toda esta situación actual, es momento de prepararse para arrimar el hombro como nunca pero también de hacernos visibles como sector y apoyarnos entre promotores, agencias, proveedores y asistentes con fidelidad.

Será una experiencia completa de playa y verano, festival y amigos, música y cerveza, hasta ahí como otros, pero con un cartel que mezcla el indie mas transgresor como Carolina Durante, con electrónica mainstream de la mano de Steve Aoki o Nervo y underground con Fatima Hajji o UMEK, sin olvidarnos del mejor urbano nacional con artistas como SFDK, Mala Rodíguez, Dellafuente, Maikel de la Calle o Green Valley; con actividades deportivas y ecológicas en el mar menor todos los días, actividades paralelas, acción social, escenario en la misma arena por las mañanas y carpa gigante durante las noches de la semana; excepto el fin de semana, cuando

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¡Muchas gracias por tu tiempo, Álvaro! ¡A vosotros!

TOP 100 CLUBS Los resultados de la encuesta más famosa del mundo sobre clubes está de vuelta y, desafortunadamente llega en el momento más duro que ha tenido que vivir la industria musical en su historia.

La crisis del COVID-19 está en pleno apogeo y los clubes y festivales son los que se van a llevar el golpe más grande.

Por ello esta edición del Top100 Clubes queremos que sirva como homenaje a los clubes grandes y pequeños de todo el mundo, aparezcan o no en la lista, porque la escena somos todos.

Esperemos volver a bailar lo antes posible en sus pistas de baile...

Autor:REDACCIÓN

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TOP 100 CLUBS ANÁLISIS

J

usto en el momento en el que hemos mandado la revista a la imprenta, podemos decir que el futuro de nuestro gremio es incierto. La expansión de la pandemia provocada por el coronavirus ha detenido los engranajes de toda la industria a nivel mundial. Casi todos los países han cancelado reuniones multitudinarias de gente. Los festivales ya están empezando a hacer control de daños y algunos clubes han decidido tomar la iniciativa – como Berghain – y anunciar su clausura hasta el f in de esta crisis bio-sanitaria. Y no solo eso, sino lo que más está afectando y va a afectar a la escena es la prohibición de los viajes internacionales, que a las puertas del verano ya está teniendo sus efectos en los principales destinos de clubbing del mundo.

Y aunque quede en un segundo plano, los resultados del Top100 Clubes nos muestran que, por fortuna, tenemos una red de clubes a nivel mundial muy sólida y que sin duda hará todo lo posible por aguantar la que se viene encima a nivel económico, después de que podamos controlar la difusión de este mortal virus.

Entrando de lleno en la lista de este año, hemos recibido más de 600 mil votos, siendo EEUU el país con más representantes en la lista, seguido de cerca por Reino Unido (13 y 12, respectivamente). Es de notar el auge

de los clubes chinos en la lista, así como los de nuestro país, España, ambos con 11 entradas en total.

Por continentes, Europa sigue dominando con 48 clubes en la lista, el mismo número que el pasado; Asia sigue creciendo como mercado, aportando 28 clubes en total – 12 nuevas entradas –. El Norte de América baja a 15 clubes y Sudamérica sigue af ianzándose y mantiene sus 9 aportaciones a la lista. La gran ausente de este Top es Oceanía, ya que ningún club de la región austral del planeta ha conseguido colarse en la lista de este año.

Los próximos meses son muy inciertos para la música de baile a nivel mundial, pero nosotros mantenemos nuestra esperanza. En especial vistas todas las muestras de cariño que están surgiendo en la comunidad electrónica, especialmente para proteger la economía de los miembros de la industria. Además de iniciativas como #SaveOurScene o #SaveOurSummer, muchos DJs ya han empezado a buscar nuevas alternativas, como los streamings desde sus casas.

El espíritu de la comunidad y las capacidades tecnológicas de nuestra era siempre han sido las bases principales de la f ilosofía de la escena electrónica y su evolución. Esperemos que sean esos pilares los que nos ayuden a pasar esta crisis y volver más fuertes que nunca.

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01 GREEN VALLEY SE MANTIENE

UBICACIÓN: CAMBORIÚ, BRAZIL AFORO: 12,000 www.greenvalley.com

Fuera de las grandes metrópolis brasileñas de Río de Janeiro y Sao Paulo, un par de clubes remotos, enclavados en la selva – como Warung y Sirena – han sido importantes para poner en escena grandes fiestas de música electrónica, que han ayudado a crecer a la efervescente escena carioca. Pero ninguno ha tenido el impacto global de Green Valley, en la región de Santa Catarina, en el sur de Brasil.

Habiendo empezado como una fiesta en la selva para unos pocos, en 2007 unos cuantos de esos fans de la electrónica quisieron organizar una gran rave y contrataron a nada menos que Carl Cox para apadrinar la fiesta. Y con el tremendo éxito de este primer evento, empezaron a llamar a DJs internacionales, haciendo crecer su infraestructura hasta convertirlo en un club permanente. Tres años después de eso llegó al nº27 de esta lista y en 2013 ya era el nº1. Titulo reeditado en 2015 y luego en 2018 y 19. Asi que la gran noticia es la tercera corona consecutiva – el único club en conseguirlo hasta ahora. ¡Enhorabuena!

A lo largo de los años el club ha ido cambiando, pero sin perder su esencia, consiguiendo ser un sitio que atiende hasta al más mínimo detalle para asegurar una noche inolvidable. El equipo de Green Valley ha conseguido crear un espacio increíble y único, rico en espectáculos y momentos memorables, lo que hace aún más merecido este hat-trick de títulos.

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DEL 2 AL 100 2. HÏ IBIZA | SUBE 2 3. ECHOSTAGE | BAJA 1 4. USHUAÏA | BAJA 1 5. PRINTWORKS | SUBE 4 6. BOOTSHAUS | SUBE 2 7. PAPAYA | BAJA 1 8. BERGHAIN | SUBE 2 9. ZOUK SINGAPORE | BAJA 4 10. OCTAGON | BAJA 3 11. THE WAREHOUSE PROJECT | SUBE 15 12. AMNESIA | SUBE 2 13. EXCHANGE LA | SUBE 4 14. MOTION & MARBLE FACTORY | BAJA 3 15. WHITE DUBAI | SUBE 1 16. PACHA IBIZA | BAJA 4 17. AQUARIUS | SUBE 2 18. LAROC CLUB | SUBE 7 19. DC-10 | SUBE 2 20. WARUNG BEACH CLUB | SUBE 8 21. ILLUZION | SUBE 12 22. GUABA BEACH BAR | BAJA 4 23. ELROW (ROW 14) | BAJA 3 24. FABRIC | BAJA 9 25. CULTURE CLUB REVELIN | SUBE 7 26. MINISTRY OF SOUND | SUBE 1 27. ZOUK KL | BAJA 14 28. BARBARELLAS DISCOTHEQUE | SUBE 1 29. BEACHCLUB | SUBE 9 30. OMNIA | SUBE 7 31. LOST BEACH CLUB | SUBE 4 32. EL FORTIN | BAJA 9 33. FABRIK | SUBE 1 34. VERSUZ | SUBE 6 35. AVANT GARDNER & THE BROOKLYN MIRAGE | NUEVA ENTRADA 36. PRIVILEGE | SE MANTIENE 37. SPACE PLUS SHANGHAI | NUEVA ENTRADA 38. TOBACCO DOCK | BAJA 7 39. DE SCHOOL | SUBE 18 40. REX CLUB | SUBE 1 41. NOA BEACH CLUB | BAJA 19 42. YALTA CLUB | SUBE 6 43. HAKASSAN | BAJA 4 44. ACADEMY LA | SUBE 8 45. MARQUEE NIGHTCLUB & DAYCLUB | SUBE 1 46. WATERGATE | BAJA 4 47. OQTAGON | SUBE 15 48. AVALON HOLLYWOOD | BAJA 18 49. PLAYHOUSE | NUEVA ENTRADA 50. RAZZMATAZZ | SE MANTIENE

51. CROBAR | SUBE 12 52. E1 | NUEVA ENTRADA 53. TRESOR | SUBE 8 54. CAVO PARADISO | BAJA 10 55. SSUBEERFACE | NUEVA ENTRADA 56. EDEN | SUBE 8 57. AI NIGHTCLUB | NUEVA ENTRADA 58. WOMB | BAJA 11 59. CHROMA | SUBE 14 60. KALYPSO | BAJA 4 61. MAD CLUB | SUBE 8 62. WARP SHINJUKU | NUEVA ENTRADA 63. 1/3 ONE THIRD | BAJA 3 64. ONYX | SUBE 7 65. D-EDGE | SUBE 2 66. DIGITAL NEWCASTLE | SE MANTIENE 67. XOYO | BAJA 18 68. HALCYON | SUBE 8 69. CLUB ILLUSION | NUEVA ENTRADA 70. INSANITY | NUEVA ENTRADA 71. STELLAR NIGHT CLUB | NUEVA ENTRADA 72. ENVY | SUBE 8 73. SOS CLUB | BAJA 8 74. CODA | SUBE 7 75. STUDIO 338 | SUBE 10 76. ENCORE BEACH CLUB | BAJA 2 77. GUENDALINA | BAJA 7 78. LUX FRAGIL | SUBE 4 79. CÉ LA VI | SUBE 9 80. FIRST | NUEVA ENTRADA 81. CLUB SPACE | SUBE 6 82. PANAMA | BAJA 27 83. GOA CLUB | SUBE 3 84. ELSEWHERE | BAJA 5 85. LA FERIA | SUBE 4 86. THE GRAND FACTORY | SUBE 13 87. EGG LDN | BAJA 33 88. CATWALK | BAJA 11 89. DUEL CLUB | BAJA 44 90. LXXY | NUEVA ENTRADA 91. THE GARTEN | NUEVA ENTRADA 92. SPACE PLUS NANJING | NUEVA ENTRADA 93. CLUB GALAME | BAJA 18 94. NITSA | VUELVE A ENTRAR 95. DEHORS BRUT | NUEVA ENTRADA 96. WAREHOUSE | NUEVA ENTRADA 97. DISTRICT 8 | BAJA 4 98. SUB CLUB | SUBE 2 99. OCTAVA | BAJA 3 100. THE GRAND | NUEVA ENTRADA

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Estrellas en sus ojos

La ciencia ficción ha sido durante mucho tiempo una musa para los productores de techno, pero tres hechos están llevando su obsesión con el futuro a nuevas alturas cósmicas…

Autor: KRISTAN J CARYL

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Seth Troxler & Phil Moffa

“N

o fue diseñada para ser música de baile, fue diseñada para ser una declaración futurista”, dijo Jeff Mills hablando acerca de techno allá en 2013.

Mientras que el Mago ha permanecido en el cosmos con sus exploraciones sónicas, la mayor parte de la última década ha visto a otros en la escena llevar el sonido en una dirección muy diferente: la tendencia predominante en el techno ha evolucionado hacia un funk industrial. Berghain se convirtió en el centro del universo. Sus enormes paredes grises y sus entrañas cavernosas se convirtieron en el lugar donde la gente empezó a ir a perderse entre el sonido de enormes tambores y percusiones militantes. Incluso en maratones de 18 horas, la melodía apenas destacaba, y el estado de ánimo era sombrío y cambiante. No era un sonido para soñadores, sino un sonido arraigado en la realidad cada vez más sombría del aquí y ahora.

Podríamos idear todo tipo de teorías sobre el porqué: las tendencias musicales suelen ser una reacción a lo que sucedió antes, que en este caso era un minimal extraño y abstracto, con un diseño de sonido frío y ritmos cada vez más reductivos que desaparecían en un susurro. Por un momento, se podría decir que en la última década ha habido poco tiempo para soñar; una crisis financiera global trajo a todos de vuelta a la tierra. La melodía elaborada y los elegantes instrumentos de cuerda estaban en desacuerdo con la austeridad y el ascenso de la extrema derecha.

El pasado verano, sin embargo, se lanzaron tres álbumes de techno muy terrestres, con dirección hacia las estrellas... y los resultados fueron fantásticos.

Aunque cada uno partió de motivaciones diferentes.

“Creo que justo estamos entrando en una nueva época en la que el público es más inteligente y muchos postravers se interesan por qué es lo que viene ahora”, cuenta Seth Troxler. Su último proyecto es Lost Souls Of Saturn con Phil Moffa, una reunión multidisciplinaria de arte contemporáneo, música y efectos visuales que ha dado lugar a un álbum debut lanzado en R&S. Marca una especie de transformación para Troxler, que ha pasado los últimos años encabezando los festivales más importantes del mundo, pinchando sets cada vez más accesibles y haciendo un poco lo que le apetecía.

Mucho se habló de su restaurante, Smokey Tails BBQ; de sus opiniones abiertas; y poco de su música. Pero todo eso cambia con Lost Souls Of Saturn.

“Se trata de alimentar mi cerebro y de encontrar cosas que me emocionen a ese nivel”, explica sobre su nueva dirección, antes de admitir que este nuevo proyecto con Moffa “han sido los mejores cuatro años de mi vida” y “me ha hecho volver dirección a mí mismo y a mi mente, que había estado ausente”. También lo ha visto convertirse en un improbable vegetariano y “componer la mejor música de mi vida”.

La pareja se conoció por primera vez cuando Troxler fue a los estudios Butcha Sound de Moffa en la ciudad de Nueva York para algunas sesiones de grabación con The Martinez Brothers. Moffa, un aclamado ingeniero de audio, dice: “Comenzamos a hacer música a los 30 minutos de conocernos y ya nunca paramos”.

“Desde el principio siempre tuvimos una visión más amplia con nuestra música”, continúa Seth. “Notamos una sensación neoclásica, como una ópera techno.

Creemos que la música ha perdido de alguna manera su valor cultural y se ha convertido en un producto de

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entretenimiento comercial. Concebimos esta música como si fuera arte desde el principio, y desarrollamos conceptos para presentarla de manera diferente a todo lo que habíamos visto hasta entonces”.

Películas internas

El proyecto incluye arte fascinante de la casa de diseño londinense Hingston Studios, a quienes Lost Souls les dijo que se “pusieran raros” y les dieron trabajo porque la clave era que “esto es más que un álbum de techno”.

También hay un video hipnótico y fascinante del single “The Awakening” .

“Después de enfrentarse a la oscuridad de su pasado, encuentra serenidad”. Todo esto ayuda a desarrollar el concepto más allá de la música. Añade capas de profundidad y pensamiento que continúa en la tradición de futuristas como Sun Ra o Philip K Dick, quien Moffa dice que es el escritor de ciencia ficción más “importante”.

También habrá un lanzamiento en vinilo para el álbum, una oportunidad para captar la banda sonora en 4-D, y más fechas del tour para la instalación. Su debut el año pasado los vio pinchar dentro de GaiaMotherTree, una escultura de 20 metros de altura creada por el artista

Mat Playford

brasileño Ernesto Neto en la estación principal de trenes de Zúrich. Moffa lo describe como “el ambiente más especial en el que he actuado”, y se veía a la gente tumbada o sentada, meditando o desconectando mientras la música ambiental flotaba a su alrededor de manera trascendental.

Un primer EP de Lost Souls Of Saturn salió en R&S el pasado mes de septiembre, y posteriormente el álbum completo llegó con un oscuro y profundo sentido de la narrativa. Teje sonidos psicodélicos parecidos al fagot con giratorios, tundras astrales desoladas con visiones sonoras alucinantes y motivos hablados de ciencia ficción con melodía celestial.

El jazz libre, la música del mundo, la musiquè concrete y las apariciones de otro mundo son características.

Troxler explica que preguntas como: “¿Por qué ha perdido valor la música? ¿Por qué nuestros compañeros no desafían lo que un álbum y la música pueden llegar a ser? ¿Qué queda por hacer? ” formaron parte de las discusiones que tuvieron en el estudio en los últimos tres años, al igual que se habló de Saturno y las teorías de la conspiración”,además de muchas horas viendo The Twilight Zone” y películas como “Hypernormalization, de Adam Curtis”. Todo esto alimentó una película interna en la mente de los productores, quienes luego se dedicaron a ponerle sonido.

“El álbum es una historia de creación desde el Plano Divino, transmitida a través de nuestros sueños para ayudar a la humanidad a romper la ilusión de las seis formas de sufrimiento”, explica la pareja. Esas formas son intolerancia, engaño, avaricia, narcisismo, objetización y contaminación, y es justo decir que este tipo de pensamiento profundo a menudo no forma parte de a la música electrónica. Pero Seth cree que en realidad es la raíz del techno, al igual que Mills.

“Creo que siendo de Detroit, la ciudad tiene una profunda soledad y severidad, como una reliquia”, dice. “La música techno era sobre futurismo; se trataba de ideas. Cuando salieron estos sintetizadores y cajas de ritmos, representaron un nuevo futuro “.

Ideas utópicas

Después del sonido de Berghain, el techno ha tendido hacia ideas de distopía. Lo industrial está en aumento.

Tempos más rápidos, texturas más duras y ritmos más desiguales se han vuelto más vanguardistas, con estrellas destacadas como Helena Hauff al timón.

Sin embargo, a Troxler le “gustaría volver a ver historias utópicas. Quiero leer historias más allá de mi imaginación y crear arte que despierte la imaginación de los demás “.

Moffa es más práctico en por qué piensa que el techno a menudo tiende hacia el futuro. “Si echas la vista atrás a las canciones de la naturaleza, el hombre primitivo de entonces, y a los instrumentos acústicos de la época, la electrónica sonará futurista seguro. Por eso no es de extrañar que la ciencia ficcióm y el techno tengan la posibilidad de coincidir”. ¿Cómo podría el espacio no fascinar a la mente curiosa y progresista?

Está en nuestra naturaleza ser exploradores. Como dijo Carl Sagan: “La superficie de la tierra es la orilla del océano cósmico ... el agua parece atractiva”.

El artista británico Mat Playford, quien ya lleva mucho tiempo en esto, está de acuerdo. Él es una persona cuya discografía entera se define por un gran amor

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por la electrónica de ciencia ficción y el sintetizador celestial. A pesar de que “fingió desmayarse” para escabullirse de un concierto escolar cuando iba a clases de piano, creció fascinado por los pioneros del sintetizador de principios de los 80, como Jean-Michel Jarre. Cuando su hermano mayor comenzó a ir a las raves originales de finales de los 80 y principios de los 90, Playford hizo lo mismo. Además de la música en sí, las imágenes en torno a esos eventos eran a menudo de experiencias de expansión mental, viajes espaciales y exploración astral, por lo que resonó con él.

Cuando un amigo le dio un teclado de unos 13 años, lo tocaba todos los días mientras aprendía canciones de Marshall Jefferson de memoria. Luego hizo la primera carrera de música de Reino Unido, en el Leeds College y ha estado produciendo desde entonces.

“La ciencia ficción está arraigada en mí, en todos los productores y en la cultura misma”, dice por teléfono mientras riega su enorme colección de plantas de chile en casa en la costa sur. “Desde la carrera espacial hasta los programas alienígenas, Doctor Who, Delia Derbyshire, Star Trek y Star Wars, el futurismo siempre ha estado vinculado a la tecnología musical. Mira a Ray Kurzweil, quien inventó un sintetizador de primer nivel y es el futurista gracias al quien surgió la singularidad.

Incluso las máquinas que utilizamos parecen futuristas, todos los dispositivos electrónicos parpadean como naves espaciales “. El último álbum de Playford,’Solar’, es un álbum “100% conceptual” que le llegó después de encontrar un libro viejo en una tienda náutica.

Almagest, por el polímato griego del siglo II Claudio Ptolomeo, es un “tratado matemático y astronómico sobre los movimientos aparentes de las estrellas y los caminos planetarios”. Fue un punto de partida para un álbum que viaja a los bordes de nuestra galaxia y vuela por planetas flotantes, cuerpos cósmicos y agujeros negros, dándote una sensación de viaje intergaláctico.

Pinta una imagen cósmica clasicista llena de esperanza y gloria, teclados parpadeantes y horizontes infinitos, en lugar de la estética más insegura y disparatada de Lost Souls Of Saturn.

Terapia

Para profundizar en las conexiones cósmicas, todo el álbum de Playford fue escrito en un estudio con 36 paneles solares, algo en lo que Mat invirtió hace años. No tiene un sistema de carga, por lo que usa la electricidad que le llega del sol, lo que significa que el álbum fue escrito principalmente durante el día (y de pie, ya que tiene la intención de hacer un live).

Cualquier exceso de energía se vuelve a vender a la red nacional.

Los factores económicos y ambientales fueron motivaciones para su instalación solar, pero también que “es algo rebelde”, dice Playford. “El acid house tenía que ver con la contracultura y la rebeldía, y creo que esta configuración fuera de la red alimenta precisamente eso”. Mientras tanto, la razón para componer música “es el placer que me da. No he sido popular en Beatport o en revistas eliminar, pero es meditación y terapia. Ese momento en el que estás jugando con un sintetizador y un ordenador y de repente se convierte en una pieza musical: ese preciso momento es pura alegría, no estás pensando en otra cosa ni estás molesto por nada. Eso es vivir, y esa es la razón por la que estoy tan obsesionado con esto, y siempre seguiré haciéndolo pase lo que pase”.

El álbum en sí también nació del deseo de “hacer algo más grandioso que las pistas de baile, con algo más de composición. Ahora hay lugar para la música electrónica en tantos lugares y escenarios diferentes, ya no solo en la pista de baile, que puedas experimentar mucho más que antes ”.

Con ese fin, contrató a un maestro de la ingeniería de estudio, Steve ‘Burty’ Burton. Ambos llevan siendo amigos desde 2003, cuando se conocieron en el legendario Roundhouse Studios. Años más tarde y por pura casualidad, Playford se mudó al mismo pueblo que Burton, por lo que finalmente se unieron para este proyecto. “Él es increíble arreglando instrumentos de cuerda, así que tan pronto como hicimos la primera canción del álbum, ‘Last Perihelion’, todo fluyó”.

Playford consiguió el aire que quería para el disco y luego Burton metió las cuerdas, dirigió los arreglos y se encargó del piano.

“No tuve que recordarme el concepto del álbum, simplemente ocurre en el momento”, dice Playford, “y aunque quieres crear una energía en concreto cuando creas música, creo que nunca he sido capaz de centrarme completamente al 100% en lo que estoy haciendo, siempre hay un momento en el que simplemente te dejas llevar “.

Playford es un soñador confeso que cree que lo hemos “asaltado” aquí en el planeta tierra. Las pistas del álbum son todas palabras relacionadas con el concepto del álbum, y añaden otra capa al mensaje de la música, que es una de positividad y belleza.

“Siempre he tenido un toque soul”, dice. “Los acordes de ensueño son aquellos donde mis manos caen al tocar las teclas. Me gusta la melodía y no se ve demasiada melodía en Berghain, que va más de percusión”.

Para los soñadores

El tejedor de sueños de Bristol, A Sagittariun ama los sonidos de Berghain tanto como “un ruido cósmico y

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techno tan duro como garras”, pero su propio trabajo es decididamente intergaláctico, sobre todo en el último álbum ‘Return To Telepathic Heights’ en el sello Running Back Incantations . Él dice que es la primera vez que ha compuesto música con un concepto tan fuerte desde el principio del proceso, “lo que en parte lo hizo más desafiante”, pero por otro lado, le ayudó a centrarse en “lo que no quería producir”.

Entonces, ¿por qué soñador y no sucio? ¿Fuera de zona y no centrado?

“La música tiene que venir de mi propia personalidad y mi propia manera de pensar”, explica. “La razón por la que no verás la música de A Sagittariun en todos los charts o en los grandes programas de radio es porque no estoy dispuesto a hacer copias de todo lo que está de moda en ese momento” No estoy haciendo esto para seguir tendencias o posicionarme en algún lugar entre el sonido mayoritario. De hecho, hago un movimiento subconsciente para ir hacia otro lado ”. Él dice que en estos días, está más interesado en crear una banda sonora espacial occidental, poniendo su estilo de techno en el reino de las 100bpm y con una tendencia hacia “las influencias cinematográficas de Sergio Leone, Stanley Kubrick y Steven Spielberg, y las influencias musicales de Ennio Morricone , Adrian Sherwood y Derrick May. Creo que eso es bastante bueno, y es exactamente el tipo de proyecto en el que quería participar “.

a Castlemorton en los 90.

En personaje

Si bien el álbum fue escrito como una forma de abarcar mundos imaginarios y fantasía pura, el objetivo también era transmitir sentimientos de esperanza.

“El techno siempre me ha hablado sin tener que decirme nada”, explica A Sagittariun. “Esas primeras canciones de Rhythm Is Rhythm están llenas de significado y esperanza, curiosidad y optimismo: una gran cantidad de techno me ha inspirado de esta manera”.

Para entrar en una mentalidad adecuada para crear esta música aventurera y conjurar mundos previamente inimaginables, A Sagittariun tuvo una visión de Clint Eastwood en la película de vaqueros A Fistful Of Dollars. “Comencé entrando en el personaje, como lo haría un actor de método”, dice. “Literalmente usé un sombrero vaquero durante el proceso de producción”.

Se sumergió por completo en el aspecto cinematográfico del concepto, viendo películas occidentales y películas de ciencia ficción como Close Encounters Of The Third Kind mientras leía obras de autores como Ray Bradbury. Por supuesto, esto ocurrió años después de que experimentara la primera ola de rave y techno en el Reino Unido, que a menudo se trataba de escapismo y viajes al espacio profundo, desde Luke Slater a Orbital, desde Global Communication a Aphex Twin y su ‘Selected Ambient Works’.

La música dance continúa impregnando la vida cotidiana, desde los anuncios hasta los charts, los supermercados y las instalaciones de arte, y esa libertad recién descubierta es lo que A Sagittariun, y todos estos artistas del techno espacial, están aprovechando.

“Los álbumes que he producido son siempre para una experiencia de escucha personal”, dice A Sagittariun.

“En realidad no es música de club, la pista de baile hoy en día es casi siempre un área depredadora llena de personas a las que no les importa una mierda la música y solo están ahí para hacerse ver o hacerse fotos para impresionar a sus compañeros”. Este álbum es para los solitarios, los soñadores, los excursionistas nocturnos, los desviados, los demás, los fantasiosos, aquellos con mentes abiertas y corazones abiertos.

Para alguien tumbado horizontalmente con un par de auriculares, luces bajas, incienso, quizás un humo con olor relajante. Aquellos en movimiento también, viajes nocturnos en coche, trenes, metro, en avión.

Siempre me gusta escuchar discos mientras estoy en movimiento”.

Y este de verdad te transporta a algún lugar a través de sus 10 tracks. Como toda la música anterior de A Sagittariun, es de amplio alcance. Hay viajes cósmicos de alta velocidad, como el resbaladizo y Millsian “Watch The Skies”, junto a cortes menos lineales como el triste “Zeus I, Prepare For Launch” con sus acordes melancólicos y sus fuertes tambores. Muchas formas de vida alienígenas caracterizan la profunda y cavernosa ‘Versión Excursion’, mientras que los recortes chill-out como ‘Dream Stealers’ me recuerdan

“Diría que estaba actuando con cierta actitud y estado de ánimo al producir el álbum. Por la naturaleza misma de toda la música de A Sagittariun, ese elemento de ciencia ficción siempre está ahí desde el principio, así que si no estoy haciendo movimientos de natación con los brazos, como si estuviera nadando en el agua, el espacio o el sonido, entonces yo no estoy en camino.

Por extraño que pueda parecer, este es el proceso que me mantiene produciendo como A Sagittariun “.

Un tema recurrente en el techno de ciencia ficción es que está compuesto como la banda sonora de una película; ya sea uno imaginario o uno que sale del artista después de haberse sumergido en el trabajo de otros futuristas.

“De una manera extraña, era como si no tuviéramos el control”, dice Troxler sobre el proceso. “Nos convertimos en vasos en un sentido muy literal. La música fluyó fuera de nosotros y nos dio la posibilidad de soñar con nuestro futuro, porque la realidad es una construcción. Lo estamos inventando constantemente, y es diferente para todos “.

Mientras tengamos techno dreamers, nuestra realidad puede ser lo que queramos que sea.

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A Sagittariun

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C R Í T I C A S

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Á L B U M E S

Autor: BRUNO GARCA / bruno@djmag.es

NATHAN FAKE

9.0

Blizzards Cambria Instruments

Nathan Fake es uno de esos artistas con una manera de pensar y generar música que traspasa lo fascinante. ‘Blizzards’ no defrauda y es de principio a fin un disco plagado de electrónica turbulenta.

En el mejor de los sentidos siempre. Cortes de broken beats frenéticos que se ven apaciguados con capas sintéticas realmente deslumbrantes. Es el caso por ejemplo de ‘Pentiamonds’. Menudo viaje le damos a la mente ahí. Pero es que volverá a suceder lo mismo en títulos como ‘Ezekiel’, ‘Brink’ o ‘Vitesse’. Vapor del que penetra en cada neurona. El LP tampoco estará exento de algún zarpazo techno (‘Dysnomia’) o caprichos donde jugará más vilmente con nuestro equilibrio físico y mental (‘Tbilisi’).

8.8

8.6

ZOPELAR Joy of Missing Out

DAVID CORDERO & PEPO GALÁN As A Silent Tongue Shadowt

Apron Records

Muzan Editions

¡Me cachis en la mar salada! Por poco no logré hacerme con una copia en casete de este más que buen álbum de funk lentorro, electro-disco al mismo paso y jazz abstracto. El caso es que la ‘tape’ de diecisiete piezas que componen este nuevo trabajo en solitario de Pedro Zopelar voló en este formato. Nos tendremos que conformar con la versión en digital y el artwork que sigue manteniendo la estructura de la cinta. El de São Paulo se ha currado un trabajo muy original e íntegro fruto de cero ideas preconcebidas, y cero prisas. Se expresa en este caso en lo que yo denominaría easy listening puro.

Raíces negras y electro que brillan con su presencia en canciones.

Lo nuevo de David Cordero con Pepo Galán, es toda una oda al paisajismo y la exploración sonora. Un viaje que ha sido concebido en el sur de nuestro país, pero que curiosamente nos llega vía Japón: la discográfica con sede en Nara, Muzan Editions. ‘As A Silent Tongue Shadow’ es un paseo permanente por atmósferas apacibles donde es extraño que nos clavemos un pincho. Canciones contemplativas –muy flotantes todas- que retrotraen y nos inyectan nostalgia y esperanza. Música ideal para los tiempos que corren, donde vivir mirando caer el sol a medias, encerrado y desde los barrotes de la ventana no es una opción para siempre. Nos liberan del mal rato cortes como ‘Deva’, ‘When the Light Disappear’, y por supuesto ‘After the Pains’.

8.5

8.5

MIÜS Etudes Battements

MARCO FARAONE No Filter

Théque Records

Rekids

Va a ser que atrapa y suena bastante bien este proyecto búlgaro de nombre Miüs. Gergely Álmos, en solitario y desde Budapest, propone un puñado de canciones donde abunda la electrónica de tintes actuales, no exenta de profundas capas de sintetizador y buenos remates vocales. Dos colaboraciones a tener presente: Ohnody y Raf Skowronski. La primera en hasta tres cortes, siendo el más destacado ‘Étude All Your Lives’. En conjunto estamos ante un intenso pero hermoso reto entre pop sintético, arpegios y beats pausados pero poderosos. Por su parte, ‘Étude Golden Silence’ viene a ser un tonificante similar, pero mucho más sentido. Emocional y con momentos donde roza lo épico.

La flamante portada de este mes, Marco Faraone, publica su segundo álbum de estudio este fin de abril, en una etiqueta altamente respetada: Rekids. En este ‘No Filter’, Faraone se desmarca de la pista de baile con una colección muy interesante de 10 tracks, en los que juega con paisajes ambient, ritmos de techno y breakbeat ralentizados, pistas secas y crudas, y alguna que otra sorpresa extra. Especialmente el tema que da titulo al disco, ‘No Filter’, es la que más destaca y seguro no dejará indiferente a nadie. Gran ejercicio de Faraone aquí, que demuestra que su sonido puede ir más allá de los 4x4 al uso.

EDUARDO PÉREZ WAASDORP

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C R Í T I C A S

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Á L B U M E S

Autor: BRUNO GARCA /bruno@djmag.es

8.2

8.2

FERNANDO LAGRECA Infamous

DOUGLAS GREED Angst

Beautiful Accident

3000 Grad A

DDesde que conozco a Fernando Lagreca, jamás le encontré tan decidido e intrépido como ahora. Su esperadísimo nuevo largo – el anterior fue de 2014, ‘Control’ – es un auténtico crisol de ideas y posibilidades. Exprime al máximo los distintos rostros de la música electrónica de nuestros días, sin dejar de mirar al pasado (principio de siglo y década de los 90 sobre todo). Así encontraremos en su flamante LP desde techno pistolero (‘Galactic’), a broken beats atmosféricos (‘Infamous’), dark-disco volador algo trancero (‘Dark Net’, ‘Lone Condition’), a incluso desafíos más callejeros como sucede con ‘Dissociation’ o ‘Jail of Dreams’.

Recuerdo como si fuese la semana pasada cuando llegó a mis oídos por primera vez la música de Douglas Greed. Pues resulta que le tenemos de vuelta, y desde luego sin perder mucha migaja de su esencia original. Tras pasar por otras discográficas como BPitch Control es ahora 3000 Grad la que recoge su elegante y temperada manera de entender la electrónica de baile confinada con pop. En todo caso, y como revela el título ‘Angst’, un tanto más oscuro y confuso que en anteriores ocasiones. Ha sido el miedo esa fuerza catalizadora que esta vez le ha ayudado a componer piezas como ‘Numbers’ (junto a Odd Beholder), ‘The Future Will Repeat Itself’ o la apasionante ‘The Taste of Dust’.

8.0

7.5

WEHBBA Straight Lines and Sharp Corners

RODRIGUEZ JR. BLISSS

Drumcode

Mobilee

El productor brasileño enciende la mecha con calma. Este, su debut con largo en el sello Drumcode, es chicha de la que hace retumbar tímpanos y paredes. Naturaleza techno a la que Wehbba ya nos tiene acostumbrados en estos últimos años. Poco o nada que ver con aquel primer LP ‘Full Circle’ donde tiraba de house incluso funkilón y deep bass. Este álbum es un reflejo de su presente. En concordancia con el bombo de quilates y las estructuras de BPMs cañeros. También se inspira –siempre sin prejuicios- en el sonido clubbing de finales de los 90. Verbena oscura asegurada con ‘Basic Pleasure’, ‘Second Nature’ o ‘Dove Rush’.

Comienzo prometedor el de este nuevo álbum de Rodriguez Jr. Luego la cosa se irá diluyendo un poco, pero sin inmolarse, quede claro. En ‘Haussmann’, el primer corte del disco, Olivier Mateu despliega su originalidad a base de beats rotos y bajos graves. Algo que no volverá a suceder hasta el final, en ‘Nairobi’. Entre estas dos orillas, un mar de sensaciones cercanas al house bonachón, voces cálidas a cargo de Liset Alea y mucho arpegio, incluso pinceladas ácidas, todo siempre sin romper las costuras. Calma, eso sí, que también llama al baile. Entre los temas ‘estrella’ del álbum citaría –además de los dos que ya dije- ‘Polaroïd’, ‘Bliss’ y ‘Monolith Garden’, donde sí que pisa el acelerador una pizca más. Volador y algo trance.

NICOLÁS JAAR

8.8

Cenizas Other People

El chileno Nicolás Jaar, uno de los artistas que mejor capitanean la escena neoyorquina, acaba de sacudirse un disco de lo más valiente. El caso es que pocos sabíamos de su existencia hasta un mes antes.

Además del periodo de producción, poco más conocemos de la intrahistoria de este álbum. Bueno sí, una vital como que ha contado con la maestría del tótem alemán Rashad Becker, lo cual se traduce en delicatesen para nuestros oídos. Trece cortes donde lo extrañamente espiritual se compagina muy cuidadosamente con experimentación, jazz minimalista y algún que otro mimo a Oriente Medio. En este ejercicio de reflexión y sapiencia sonora hallaremos misteriosas joyas como ‘Garden’, ‘Menysid’, ‘Vanish’ o ‘Mud’.

083

C R Í T I C A S

/

B R E A K S

Autor: EDUARDO CARBONELL / evilsound@djmag.es

SPECIMEN A & RASCO

9.5

Never Forget

Punks Music Detrás del alias Specimen A están los hermanos ingleses Phil y Morris Jones, creadores de potentes pistas de breaks, dubstep y drum & bass. Los hermanos Jones tienen la música en la sangre, sobrinos de la estrella del pop de los 80 Howard Jones, se criaron con una estricta formación clásica al mismo tiempo que desarrollaban su pasión por la música electrónica. Después de varios años produciendo y pinchando drum & bass para sellos como Emcee e Inspirit, comenzaron a producir breaks en 2006, colaborando con los productores emergentes Far Too Loud. Para este futuro clásico llamado ‘Never Forget’, los hermanos han unido fuerzas con uno de nuestros artistas más internacionales, el señor Rasco, creando una preciosa producción de breakbeat atemporal.

9.5

9.5 MOBY Power Is Taken (Moby’s Old School Remix)

BICEP Atlas Ninja Tune

Polydor Records

El dúo londinense Bicep, compuesto por Andy Ferguson y Matt McBriar, vuelve a publicar material nuevo desde 2018. En 2017 lanzaron su álbum debut homónimo, donde se incluía la genial producción breaks ‘Glue’, al que le siguieron dos EPs, ‘Glue EP’ y ‘Rain EP’, a través de Ninja Tune. Para esta ocasión repiten bajo el mismo sello y nos presentan el maravilloso single titulado ‘Atlas’, una producción de breakbeat progresivo con una atmósfera y unas melodías deliciosas. Ya disponible en formato digital en todas las plataformas y en formato vinilo 12” a partir del 3 de abril. Los dueños y señores del prestigioso blog Feel My Bicep han estado un par de años inactivos discográficamente, pero vuelven con mucha fuerza.

Moby publica su decimosexto álbum, ‘All Visible Objects’, donando todos los beneficios obtenidos. Durante la última década ha donado el 100% de los beneficios de sus grabaciones, de su restaurante y de su festival vegano Circle V a organizaciones que velan por los derechos humanos y de los animales. A estas alturas Moby necesita poca presentación, álbumes como ‘Play’, ‘18’ y ‘Hotel’ resonaron en infinidad de bandas sonoras y spots publicitarios con piezas ambient y downtempo.

Antes de todo esto, en los 90, nos dejaba joyas rave como ‘Go’, época en la que se inspira para este remix. “Puede que sea 2020, pero todavía hay una gran parte de mí que ocasionalmente le gusta fingir que está en algún campo de 1991 con otros 10.000 ravers”.

9.5

9.5

DEIBEAT Rise Up

ANDY VIBES AKA DIGITAL BASE Rave In The House

Toast & Jam Recordings

Distorsion Records

(GMF EVENTS)

JASON BROWN

El gran productor gaditano David Casal, más conocido como DeiBeat, vuelve a la carga con un nuevo single titulado ‘Rise Up’. Desde que en septiembre del pasado año nos adelantara desde Facebook una preview en video con esta producción estábamos atentos a su lanzamiento, y finalmente sale bajo el sello estadounidense Toast & Jam Recordings. ‘Rise Up’ es una producción breakbeat con mucha energía, con unos ritmos y bajos muy elaborados, alegres melodías y unas voces ragga que le vienen perfectas al track. Por otro lado, este mismo sello también lanza su single ‘You Make Me Feel’, otra excelente producción breaks cargada de energía y buenas melodías, pero esta vez con vocales femeninas, sintetizadores filtrados y sonidos ácidos. Welcome back sir!

El DJ y productor sevillano Andy Vibes, aka Digital Base, no para y vuelve este mes con bastantes novedades. Por un lado, tenemos los lanzamientos por el sello nacional Distorsion Records, como este gran single titulado ‘Rave In The House’, una producción breakbeat con melodías de piano y un buen sabor retro, el single ‘Radio People’, una producción con ritmos clásicos y algo más relajada, la atmosférica ‘Heaven’ o la profunda ‘Roller Coaster’. Por otro lado, el artista presenta también dos publicaciones a través del sello Elektroshok Records. En este sello encontramos el single ‘Senxation’, otra hermosa producción breaks con melodías de piano y voces femeninas y ‘Breaker´s Song’, una producción con un carácter más oscuro, pero igual de baile.

01. Suga7 & Yo Speed ‘Funk Off (Original Mix)’ [Wasted Recordings] 02. Alex Session feat. Graziella ‘Move (Isenberg Remix)’ [Punks Music] 03. The Bass Droppers ‘Fxcking Beat (Original Mix)’ [Ravesta Records] 04. Gella ‘Chi Kaa Chi Koo (Gunfire Dub Mix)’ [Fat! Records] 05. Marten Hørger & SkiiTour ‘Redlight (Left/Right Remix)’ [Punks Music] 06. DJ30A ‘Sativa (Original Mix)’ [Kaleidoscope Music] 07. Huda Hudia, DJ30A ‘Zombie Killer (Original Mix)’ [Kaleidoscope Music] 08. Mutantbreakz, Yo Speed ‘Sun Comes Down (Run The Breaks Remix)’ [Need Money] 09. Yankee ‘You Tasty (Original Mix)’ [Elektroshok Records] 10. Huda Hudia, Sweet Charlie, Monikkr, Si-Dog ‘Dime Dropper’ [Kaleidoscope Music]

084

C R Í T I C A S

/

D R U M

&

B A S S

Autor: ROHAN G. FINGER / finger@djmag.es

NO HUMAN SOUND FT MIZE AND AZAM

9.7

Late Night Show

Peer Presure El dúo valenciano No Human Sound lleva varios años dando suculentos frutos, como es el caso de su debut en la prestigiosa escudería Peer Pressure, que vió la luz a finales de marzo en Bandcamp y que este mes estará disponible en todas las plataformas. Un EP de 3 cortes de una gran madurez y exquisita clase a la hora de tratar el d&b, donde la calidez de sonidos orgánicos se empasta a la perfección con ritmos sólidos y helados como el hielo. En el delicioso track, de toque jazzy, que da título al trabajo, ‘Late Night Show’, han contado con Mize y Azam, dos excelentes músicos. Todo un orgullo para un servidor poder vivir la evolución de estos productores y amigos tan de cerca.

9.4

9.0

3VS Red Sun Drive

IN:MOST Voyager

None60

Soulvent

En los tiempos que corren de crisis global, recogimiento e incertidumbre, no hay duda de que la música es uno de los principales refugios de nuestras mentes. Y más si esta nos hace viajar a otras dimensiones. Pues bien, si hay un release este mes de abril que cumpla totalmente con este objetivo de introspección en estado puro, es la nueva referencia del sello propiedad de Silent Dust, None60.

Un auténtico viaje hacia nosotros mismos el que nos propone en su puesta de largo el trío estadounidense 3VS, compuesto por Akuratyde, Monika y Tellus. ‘Red Sun Drive’ contiene 4 temas de envolvente halftime donde melodías de aire cósmico y etéreo nos hacen volar sobre cálidas líneas de bajo.

Tras varios lanzamientos en sellos como Silent Audio, Goldfat y colaboraciones con artistas como Logistics y Saikon en Hospital Records, el dúo In:Most presenta su álbum a través de la escudería Soulvent.

Doce meses han tardado para gestar esta odisea sonora de 16 pistas con la presencia de incondicionales de la escena como Carasel y Lucy Kitchen, mientras que enarbola la bandera de la próxima generación con nombres emergentes como Walk:r y Mistrust. Saliendo se su zona de confort y desafiando al oyente, en el LP podemos encontrar liquid y soulful en mayor medida, junto a temas de tesituras más oscuras y profundas, que equilibran la balanza cromática, además de salirse del d&b, con un tema de 2step.

8.9

8.7

DOCTOR JEEP Unreal

JUNO Phaser

Unchained

C4C Limited

SHC

Tras el lanzamiento el pasado mes del magnifico LP colectivo ‘The Year of the Rat’, la crew de Unchained continua imparable desde China. En esta ocasión se trasladan justo al lado opuesto del planeta contando con el versátil productor neoyorquino Doctor Jeep, conocido por sus producciones de global bass, UK funky, halftime o dubstep, en sellos como Bun The Grid, Tumble Audio, Aufect, o su propio sello DRX. El trabajo está compuesto por tres enérgicas y crudas pistas que contienen tanto elementos del jungle como del grime, impulsando a este productor hacia nuevos horizontes sonoros. El tema principal, ‘Unreal’, ya ha causado estragos en emisiones digitales como Boiler Room y Rinse FM, teniendo el apoyo de gente como J:Kenzo o Fixate, entre otros.

El sello Cause 4 Concern siempre ha intentado ir – con su rama Limited – un paso por delante. Y aunque el gaditano Juno ha publicado con varios pseudónimos, bajo este ha consolidado su carrera desde 2016, trabajando para sellos como Viper o Audiogore. En esta ocasión nos trae un EP de 3 cortes, en los que con un sonido depurado a la par que contundente, conjuga a la perfección el caos y la oscuridad de los inicios del sello, logrando mantener velocidades e intensidades límite de principio a fin de cada tema. ‘Phaser’ vió la luz en exclusiva a partir de Beatport el pasado 23 de marzo, y estará disponible en el resto de paktaformas a partir del 6 de abril.

01. UK apache & Shy-fx ‘Original Nuttah’ [cult.ure] 02. Kursiva & Isaac Maya ‘Mexican Gang’ [Technique Recordings] 03. Pendulum, DJ Fresh, Tenor Fly, Spyda ‘Tarantula’ [Earstorm] 04. Dub Elements ‘Pow’ [Eatbrain] 05. Imanu ‘Nonplus’ [Vision Recordings] 06. Save The Rave ft White Sugar ‘Empty Inside (Neoh Remix)’ [Melting Pot Records] 07. Enei ‘Sinking’ [Critical Music] 08. Boombassbrothers ‘Gone Gone’ [LowfreqMX] 09. Sub Zero, DJ Limited ‘Vibrations’ [Playaz] 10. Neoh ‘Hipnotizing’ [Boey Audio]

085

C R Í T I C A S

/

T E C H N O

Autor: MUGNI / mugni@djmag.es

MAKATON

9.0

Crime Wave

Voitax El señor Steve Bailey vuelve a la carga con el mejor disco que hemos podido escuchar, comprar e incluso pinchar este mes. No es un disco exclusivamente dedicado a la pista de baile, tampoco es un disco dedicado a la escucha… De hecho, es un disco que coge lo mejor de ambos mundos y nos lo presenta con una facilidad y equilibrio que da miedo. Cuatro temas donde la elegancia, el saber hacer y las ideas claras pesan como en ningún otro y como hacía tiempo que no escuchaba. Tiene para todos: si te gustan los ritmos industriales, o las melodías cerradas, o los sonidos ácidos, o algo para la pista o para escuchar detenidamente. ¡Qué quieres que te diga, amigo! ¡Ve ya y cómpralo!

9.0

7.7

ETAPP KYLE Nolove

ANTIGONE & RØDHÅD WSNWG003

Ostgut Ton

WSNWG

Etapp Kyle vuelve a las trincheras de Ostgut Ton con ‘Nolove’, un trabajo realmente bueno. Se trata de un trabajo bastante minimalista, en el que se aprovecha mucho el silencio, se deja respirar de manera sabia al sonido y no se necesita de mucha agresividad para mandar un mensaje sólido. No es techno en la escucha, pero si en la esencia: muchos ritmos rotos, muchos sonidos clásicos usados de manera inteligente, las pausas. Mucha elegancia y básicamente un disco que no puedes dejar escapar. No sé qué haces que no tienes ya una copia de esto, ¡por el amor de Dios!

Hablar de Antigone y Rødhåd no es nada nuevo. Quiero decir, son nombres de sobra son conocidos por todos. Tampoco es nueva la postura, siempre favorable, de Antigone a juntarse con otros artistas para llevar proyectos a cabo. La idea no está mal, el concepto tampoco… pero la forma – en esta ocasión – se queda un poquito a medias. De los cuatro cortes que forman el disco, nos sobran dos.

Quizás porque comparándolos entre sí parece que no terminan de cuadrar bien, y también porque se acercan de manera peligrosa a la parte más comercial del estilo. Si nos centramos en los que dan la talla, podemos escuchar una agradable variedad de texturas, ritmos y melodías que pueden hacer las delicias del personal.

7.2

6.0

DJ HYPERACTIVE & JASON PATRICK Inflexion

ORLANDO VOORN Marching Through the Underground

4 Track Recordings

Btrax Records

EDDIE FOWLKES

(CITY BOY MUSIC, DETROIT)

DJ Hyeractive y Jason Patrick nos presentan cuatro cortes, de estilo actual y bastante contenido. El disco está bien, con muchos sonidos largos y algo pausados, con un enfoque bastante actual si te gusta el techno oscurete y algo expansivo. Y ciertamente podemos ver ramalazos del Hyperactive clásico y eso es de agradecer, porque sin ser temas de altos octanos, nos viene a mostrar su evolución, permitiéndonos ver cómo se ha sabido adaptar a los tiempos mas modernos sin perder su personalidad. Hay un poco para todos en este disco, cositas más del rollo inteligente, otras más acidillas, otras más modulares… En fin, un disco para al menos darle una oportunidad. Si eres hábil, sabrás darle un hueco en tu lista de reproducción o maleta.

¡Orlando Voorn! Ese neerlandés que en ocasiones nos fascina con mitos como ‘Flash’, bajo el alias de Fix… y que en otras ocasiones no entiendes ver su nombre asociado a según que tema... Ocupándonos de este disco, donde mezcla algo de techno y algo de electro (en temas diferentes, claro está), en líneas generales y aunque provoca buenas sensaciones, por algún motivo no llega a convencernos del todo. Se perciben buenas ideas, pero el desarrollo de las mismas te deja a medias. Quizás demasiado flojas o demasiado repetitivas. Si a eso le sumamos que incluye dos remezclas que no superan al original, pues tenemos un disco que comienza prometiendo y luego pierde fuelle. Una pena.

01. Omar S ‘You Want The Best’ [FXHE] 02. Norm Talley ‘Detroit 2 Step’ [FXHE] 03. Gari Moralis ‘Contact’ [Raw Music] 04. Santoinio Echoes ‘Trembles’ [Shiftimprint] 05. Scan 7 ‘Burdens Down [Olando Voorn Remix]’ [Elypsia] 06. Jeff Mills ‘Helixnebuls’ [Axis] 07. Blak Tony ‘Holla Holla’ [Direct Beat] 08. Peter Croce ‘Bufe Bufe’ [Rocksteady Disco] 09. Gari Moralis ‘Contact’ [Raw Music] 10. Delano Smith ‘Time & Place’ [Mixmode]

086

C R Í T I C A S

/

E L E C T R Ó N I C A

Autor: CARLOS FLAVIO BUSTOS / carlos@djmag.es

VVAA

9.8

Velvet Desert Music Vol. 2

Kompakt ¡Esto es una maravilla! La segunda compilación de ‘Velvet Desert Music’, del músico y productor alemán Jörg Burger para el mítico sello Kompakt, ofrece una música cálida y llena de atmósferas de sorprendente frescura. El ritmo medio, techno shuffle y tintes pop de Kompakt está presente, pero esta vez todo el equipo de súperestrellas del sello de Colonia se luce en una reinvención, mas allá de su sonido, llevándolo al dark, con tintes kraut, pop y toda la paleta de colores de la casa Kompakt.

Superpitcher con ‘Monterey Paris Texas’; o Michael Mayer con su ‘So Far Away’, claman su trono como emperadores del techno contemporáneo. ¡Realmente increíble!

9.0

8.5

GABRIEL FERREIRA Azimut

DANIEL MÓNACO La Guerreira Araba

United Color Of Rhythm

Italo Moderni

El DJ y productor argentino Gabriel Ferreira presenta ‘Azimut’, para United Color Of Rhythm, sello de la capitana Fernanda Arrau, con sede en Madrid. Gabriel hace un uso de los elementos percusivos muy fiel a su firma, pads infinitos, motivos clásicos y un estilo melódico lleno de color, creando así una introducción instantánea al ritmo. ‘Azimut’ es una pista que ofrece el color ideal para el punto álgido de la noche. Se completa este trabajo con los remixes de Persona, por un lado, que canaliza y llena el track original ‘Azimut’ con tensión y una potente línea de bajo; y de Russell, por el otro, que nos devuelve una magnífica visión orgánica y clásica de ‘Dance’.

Daniel Mónaco, con sede en Ámsterdam, presenta su nuevo EP ‘La Guerreira Araba’ para el sello Italo Moderni. En este lanzamiento encontramos 5 pistas que echan autentico fuego. Italo infundido con sintetizadores árabes y texturas synth-pop, rarezas hipno-industriales, dinámica electroide y 100% retro-futurista. Incluye dos remixes del gran Adrian Marth y Tulioxi. Sin duda estamos ante un sello que, en su corta vida de tres lanzamientos, nos esta regalando gemas de música electrónica que alcanzan cotas de altísima calidad. Ilustraciones de Adriana Valenzuela.

7.8

7.5

ALI X & XIMENA Patitos Remixes

DOMBRANCE AMLO

Controlla

Fauna Rêve

Presentamos el primer volumen de remixes para ‘Patitos’, donde 14 miembros plantean 15 remixes del ‘Patitos’ original. Artistas como Alejandro Paz, Diaztech, Double Meaning, Fausto, Gerver, Hino, Lil Zoid, Mijo, Mverto Futura, Nico Raibak, Monefield, Shubostar o Spettro, que han contribuido con una fuerte influencia a la etiqueta y viceversa. Ahora, despliegan su artillería de la mejor manera que saben.

Una demostración de elegancia y trabajo común en torno a una pista, que deja una marca profunda en todo el álbum, pero también, de la trayectoria de Ali X & Ximena.

El artista francés Dombrance continúa su serie de tracks inspirados en políticos. “Estas no son canciones políticas, simplemente me inspiran sus nombres y personalidad”, dice el productor en una entrevista con la televisión francesa. En colaboración con Bufi, esta es la primera vez que Dombrance utiliza un político no francés, en concreto al recientemente elegido presidente mexicano Andrés Manuel López Obrador (AMLO) como AKA. El single se complementa con un soñado ‘Tulum’ y magníficas reinterpretaciones de los artistas internos Mijo & Perfect Lovers y Ambiance.

DANIEL MONACO

1. Jimi Hendrix ‘Have You Ever Been To (Electic Ladyland)’ [Reprise] 2. Graham Central Station ‘Earthquake’ [Warner] 3. Funkadelic ‘Cholly (Funk Getting Ready To Roll!)’ [Warner] 4. Weather Report ‘River People’ [Columbia] 5. Alan Braxe & Fred Falke ‘Intro’ [Sony] 6. Beck ‘Milk & Honey’ [label DGC] 7. The Creatures ‘Believe In Yourself’ [BMG] 8. 김정미 kim jung mi ‘봄 (1973 초판) 신중현 작사 작곡’ [Fontana Label] 9. Donna Laser Orchestra ‘Grace Kelly’s Song.1984’ [FDT] 10. Monkey Island 1 ‘Intro’ [LucasArts]

087

C R Í T I C A S

/

T E C H - D E E P

H O U S E

Autor: EKAI / ekai@djmag.es

TIBI DABO

8.5

Disbelieve

Crosstown Rebels Max Guardans es un joven artista barcelonés que tras el seudónimo de Tibi Dabo ha logrado convertirse en uno de los artistas predilectos de Damian Lazarus. Este ‘Disbelieve EP’ es el primero de los tres que lanzará en el sello de Damian este año, y precederán al álbum debut que saldrá en octubre. El barcelonés lanza este EP después de su remix a Dubfire y Carl Craig, con lo que vemos que está poniendo el techo muy alto gracias a su gran trabajo como productor y a la bendición que supone estar bajo el amparo de Damian Lazarus. Atendiendo a este ‘Disbelieve’ nos encontramos con dos originales de Tibi Dabo, donde apuesta por un deep melódico de una madurez innata para los 23 años del productor.

8.0

7.5

ALEXIC ROD Everything Happens

RAY MONO Biometric EP

Manitox

hedZup records

Alexic Rod se une a Manitox con un lanzamiento ambiental de deep-house titulado ‘Everything Happens’. Con este trabajo, el productor muestra su versatilidad y sus notables habilidades de producción ofreciendo un EP de dos pistas, su debut en el sello. El primer track, ‘Everything Happens’ inicia con un ritmo roto proporcionado por la batería que junto al pad cinemático mantiene un carácter deep. Se le une un canto africano que ofrece un sentimiento étnico. Como segunda composición, ‘The Gangster’, fluye con un fondo grabado directamente de la naturaleza, que juega con el bajo, las guitarras y las flautas. Estos elementos, perfectamente elegidos por el productor, son los que marcaron el sonido funky de los años 70 y que hoy Alexic Rod usa a la perfección.

El sello francés hedZup Records ha optado por caracterizarse en editar un sonido fino, que se sustenta entre el house y el deep. Para su 15º entrega nos ofrecen este ‘Biometric EP’ a cargo de Ray Mono, incluyendo remix de Stephan Bazbaz. Recordemos que Ray Mono es un artista que recientemente ha editado por Moxy Muzik y NOFITSTATE donde ha dejado patente su predilección en conformar tracks con una línea de bajo bien definida y percusión sutil. Esto encaja perfectamente con hedZup records y que también apreciamos en el corte que da nombre al EP: ‘Biometric’. Sin duda alguna, este es el track más efectivo del EP, aunque el remix que entrega Stephan Bazbaz es para tener en cuenta.

7.5

7.5

BUTANE & BAREM Little Helpers 364

DARIUS SYROSSIAN, RICH NXT Space Pirate EP

Little Helpers

Moxy Muzik

JUANY BRAVO

El jefe de Little Helpers, Butane, se junta de nuevo con el argentino Barem para dar forma a la 364ª referencia de tan versátil sello. Con más de 10 años de vida, Little Helpers, es una plataforma donde ningún track lleva nombre y donde DJs de todo tipo pueden encontrar composiciones muy útiles para cualquier pista de baile. Desde tracks de tintes más techno a piezas más minimalistas, cabe recordar que por Little Helpers han pasado artistas reconocidos como Flahsmob o Jamie Jones, además de artistas emergentes que después se han consolidado. Para esta 364ª entrega nos encontramos con cuatro tracks que caminan entre el minimal y el house y añaden un quinto track, donde eliminan la vocal del anterior corte para hacerlo un tanto más dub.

Desde su primera referencia lanzada hace dos años, el sello MOXY MUZIK de Darius Syrossian se ha consolidado como un label a tener en cuenta cuando se quiere añadir house divertido y con personalidad a la maleta. Estas dos cualidades se perciben desde los primeros compases de ‘Space Pirate’ que marca el inicio de un EP de dos cortes junto al maestro del dub-tech, Rich NxT. Entre los dos presentan en este Space Pirate un track donde una línea de bajo que hace de lead durante todo el track. Aunque esto pueda parecer monótono, gracias a la modulación, filtros etc. al que los productores someten al lead, logran una efectiva composición. Acompaña como cara B ‘Derby Tackle’, también ideado en la línea anterior de dub-tech.

01. Street Slang & Juany Bravo ‘Gold’ [Cr2] 02. Juany Bravo & Dmitri Saidi ‘La Virgen’ [Stealth Records] 03. Juany Bravo ‘Make It Right’ [DND Recs] 04. Allan Nunez ‘Yaya’ [Subliminal] 05. Cocodrills ‘Retrofuture’ [UNDR THE RADR] 06. Mike Spirit ‘Gaetano’ [Music Is 4 Lovers] 07. Harvy Valencia ‘Chaca Ron’ [elrow Music] 08. Nina Kraviz, Parris Mitchell ‘Feel My Butterfly (DJ Slugo Remix)’ [Snatch!]

09. Saeed Younan, Ivan Pica ‘Drum Slayer’ [Transmit Recordings] 10. Monoky, itsbilly ‘The Realness’ [Relief Records]

088

C R Í T I C A S

/

D A N C E - E D M

Autor: WILLY ALCOCER / willy@djmag.es

LUIS GZ & AK SYSTEM

9.1

Harder Vol.5

Harder Records Luis Pérez nació en 1987 en Vigo (Pontevedra). Tuvo un sueño: conquistar Madrid con el hardance.

Hoy, Harder es una de las sesiones más importantes de la historia del género en España. Y luego vino Harder Records, fundado en 2009. El exitoso retorno de la sesión en esta temporada 2019/2020 – enmarcado en la actual vorágine de la música dance & progressive remember – trae consigo el relanzamiento del sello. El talento del productor Álvaro González queda patente en la sobresaliente calidad de este disco. Hardance, sí, pero de melodía realmente trance, pegadiza y perfectamente combinable con cualquier base. Destaca la potencia del sintetizador. “Seguro que tú sabes definirla mejor que nosotros, que tienes más mundo musical”. Ya será menos, pero gracias, querido Luis.

9.0

8.9 TCHAMI Proud/Ghosts

DJ SON1C FEAT. FÁTIMA PEGO Festa Rachada

CONFESSION

Son De Festa Records

Felipe Tarrio: como mínimo, uno de los cinco principales DJs de la historia de Galicia. Creador de un auténtico himno, ‘A Festa Non Vai Parar’, sus apariciones en la TV pública autonómica (TVG) son tan frecuentes como sus logros: cada una de sus producciones – cantadas generalmente en gallego – se convierte ahí en éxito. Hablamos, además, de un maravilloso ser humano. La idea de tomar como vocalista a la cantante de la popularísima Orquesta Panorama ha terminado de propulsar el éxito de este nuevo single, que nos trae la discográfica gallega Son De Festa. Pero no sólo es el nivel de popularidad de ambos, productor y cantante, lo que ha provocado el éxito del single: lo principal, es que la producción es magistral y la voz apabullante.

El parisino Tchami – portada del número de febrero de esta casa, DJ Mag ES – publicaba a finales de febrero dos singles de golpe, que forman parte de los esperados adelantos de su próximo álbum debut.

Por un lado, ‘Proud’ es un ensayo bastante cercano a las cadencias house e incluso tech-house más clásicas (aunque su estructura se desarrolla como un banger EDM), con una atmosfera profunda y los vocales masculinos de Daelcom, que le dan ese toque fresco y mainstream al que Tchami nos tiene acostumbrados. ‘Ghost’, por otra parte – con atmosferas housy, pop y big room –, nos endulza con la voz de Hana, sin perder ni un ápice de energía de baile.

EDUARDO PÉREZ WAASDORP

8.5

8.0 CHYNAMAN, KUSUSA & ARGENTO DUST FEAT. AZOLA Just Love

NERVO & KANDY Supermodel Thrive Music / Universal

Jet Black

MOLOW

No sabemos si la madre de Olivia y Miriam Nervo (1987, Melbourne) se esperaba que sus hijas fueran gemelas, pero seguro que no esperaba lo que iban a hacer: convertirse en las DJs más famosas del mundo.

Cabezas de cartel en todo festival que consigue contratarlas, recién nominadas a los Grammy con su anterior single... Las hermanas se han fijado en el DJ y productor neoyorkino Kevin Schuppel, que acababa de irrumpir en el top 10 del chart Billboard Dance Radio Singles de EEUU con ‘Let Me Down’. Así, el sello californiano Thrive Music y la todopoderosa Universal publican este éxito seguro: sonido electro house, contundente pero muy comercial, con bajos dubstep, y con rapeos muy enfocados al colectivo LGTBIQ+.

Vamos, por primera vez en esta sección, a África. El trío de DJs sudafricanos – afincados en la ciudad de Durban: Chynaman, Kususa & Argento Dust – se unen por primera vez en un lanzamiento musical para el que, además, cuentan con el famoso vocalista de Black Coffe, Azola. Los cuatro vienen de colgar sold out en Hï Ibiza, pero ya antes el trío de DJs venía cosechando aforos completos en sus innumerables actuaciones por toda África. Estamos ante una de las formaciones electrónicas más importantes del continente. Jet Black Music publica esta fusión de ritmo tribal hipnótico, con la espectacular voz soul de Azola, con coros y percusión llenos de sentimiento. Una producción muy original, distinta, en la que se ha cuidado cada detalle.

01. Martin Jensen & Molow ‘Carry On’ [Discowax/Sony/Universal] 02. Don Diablo ‘Never Change’ [Hexagon] 03. Mike Williams & Moa Lisa ‘Make You Mine’ [Spinning Records] 04. Joel Corry ‘Lonely’ [Perfect Havoc/Asylum Records] 05. Tiësto & 7 Skies feat. RebMoe ‘My Frequency’ [Musical Freedom] 06. Sigala, Ella Henderson ‘We Got Love’ [Ministry Of Sound] 07. Hugel ‘Better’ [Warner Music] 08. Retrovision & Dirty Palm ‘Switch That’ [Musical Freedom] 09. Riton & Oliver Heldens ‘Turn Me On feat. Vula’ [Ministry Of Sound] 10. R3hab & A Touch Of Class ‘All Around The World’ [CYB3RPVNK/ 3Beat Productions Ltd]

089

T E C H

/

P L A S T I C

Autor: KANEDO

Arturia Keystep Pro ¡ G R A C I A S !

En el NAMM 2020, por suerte a principios de año dada la situación actual, Arturia presentaba Keystep PRO, una versión mejorada de su alabado Keystep, enfocado a combinar las amplias cualidades como controlador del ya mencionado Keystep y el inmenso potencial como controlador del Beatstep Pro... No obstante, este es un claro ejemplo de combinaciones donde a veces uno más uno suman mucho más que dos, ya que multiplica las funciones de uno y otro dando lugar a un producto candidato a superventas.

Sin duda, Keystep Pro se presenta como un secuenciador polifacético y versátil en un tamaño más que manejable, apto para trabajar con CV, MIDI y software incluso simultáneamente, con un teclado de 37 teclas del que Arturia garantiza una excelente calidad... Veamos las características.

Características principales • Keystep Pro cuenta con cuatro secuenciadores independientes y polifónicos para controlar tanto sintetizadores como módulos o software, estando el primero de ellos optimizado para trabajar también con baterías (aumentando el número de notas independientes).

Estos secuenciadores son totalmente autónomos pudiendo tener diferentes duraciones o longitudes de patrón.

• En cada pista podemos crear 16 patrones de hasta 64 pasos (con 16 notas por paso) y gracias al encadenamiento de patrones podemos realizar secuencias más largas si es necesario.

• Memoria interna para almacenar hasta 16 proyectos, que registran hasta 16 patrones por pista, destacando en este punto la facilidad para hacer backups que ofrece el MIDI Control Center de Arturia.

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• Respecto a la conectividad, Keystep Pro continúa siendo una unidad versátil, contando con conexión MIDI via USB o DIN 5 puntas tanto de entrada con doble salida para trabajar con sintetizadores o software, y cuatro salidas polifónicas CV para modulares. Por último, disponemos de 8 salidas ‘Gate’ individuales para trabajar con baterías.

• Otras funciones interesantes son el arpegiador, la creación de escenas para acceder directamente a diferentes combinaciones de patrones o el ‘nudge’ para rotar un patrón generando “errores” intencionados.

Pese a no haber tocado todavía este controlador, la experiencia de usabilidad previa de Beatstep Pro o Keystep garantiza un flujo de trabajo ágil e intuitivo, lo que sumado a las característiva sobre el papel convierte a este Keystep Pro en un claro candidato a ser uno de los productos más vendidos en nuestro sector musical, por un precio de 399€.

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