DJ Mag ES #119

C O N T E N I D O S D J M AG 119 / E N E RO 2 0 21

Secciones 006 008 009 010 0 12 0 14 0 15 016 0 17 018 020 022 024

BREVES 60 SEGS CON - MAAE OFF THE RECORD - HECTOR LLAMAZARES MIS FAVORITOS – LALA FOCUS ON - TRAGEDIE

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5 TRACKS - PABLO FIERRO ELECTRONICA & ROLL - THE BEST OF COCINAMOS CON - MATOMA LUCKY 7 – OPOLOPO MI CIUDAD – SAYCET TENDENCIAS – GTA ONLINE: GOLPE A CAYO PERICO CÓMO PRODUZCO – SIS EL RINCÓN DE KALI

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Artículos 0 2 8 JUNIOR JACK 0 3 6 TYGAPAW 0 4 2 MADE FOR HUMANS 0 4 6 EL IMPACTO DE LA COVID EN LA MÚSICA: FUTURO 0 5 2 ¿CÓMO SE HA ADAPTADO IBIZA A LA PANDEMIA? 0 5 6 LA HISTORIA ALTERNATIVA DEL PSY-TRANCE

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Críticas 0 6 3 LA SELECCIÓN DEL DIRECTOR 0 6 4 ÁLBUMES 0 6 6 SINGLES

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Te ch 0 7 4 PLASTIC

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E D I T O R I A L

Dejamos atrás 2020 y nos metemos de lleno en un 2021 que esperamos tenga cosas mejores que contar. Tras el año más aciago que se recuerda en la historia reciente del mundo, este nuevo curso viene cargado de esperanza. Y como no podía ser de otra forma, en DJ Mag España, lleno de nueva música y nuevos horizontes.

Para abrir este 2021 hemos convocado a uno de los artistas más queridos y conocidos de la música electrónica. Un titán de la década pasada que resurgió de su letargo discográfico hace unos años, sacando sello nuevo y que este nuevo año llega con muchas cosas que contar. Hablamos del enorme Junior Jack, alias de Vito Lucente, uno de los artistas más versionados y escuchados de la electrónica en clave house. Hablamos con Junior de sus nuevos proyectos, tanto a nivel discográfico como tecnológico.

DIRECTOR GENERAL Y DE CONTENIDOS Eduardo Pérez Waasdorp | eduardo@djmag.es REDACCIÓN Patricia Pareja Casalí | patricia@djmag.es Helena Bricio | redaccion@djmag.es DIRECTORA DE ARTE Sheila Enfedaque | sheila@djmag.es

Continuando con las novedades, hablamos con una de las artistas que más promete dar que hablar en los próximos meses y años. El techno de TYGAPAW inunda las páginas de DJ Mag ES con su frescura. Y cerramos las entrevistas con una entrevista de lo más especial al dúo Made For Humans, compuesto por Digital 21 y Stefan Olsdal (sí, el de Placebo), que presentan proyecto en clave trance.

DISEÑO Y MAQUETACIÓN Sheila Enfedaque | sheila@djmag.es Miguel Ángel Alvira | miguel@djmag.es DISEÑO DE PORTADA Sheila Enfedaque | sheila@djmag.es

En cuanto a reportajes, hacemos una extensa revisión del reportaje presentado en abril, sobre el efecto de la COVID-19 en la industria musical electrónica. Miramos al Futuro que nos depara este 2021 con un extenso análisis, de la mano de varios expertos.

También echamos un ojo a la transformación de Ibiza durante la pandemia y como transcurrió un verano de adaptación, para saber qué nos puede deparar el 2021. Y cerramos los reportajes de este número con un monográfico especial sobre la historia alternativa de uno de los géneros más enigmáticos, exóticos e interesantes de la electrónica: el psy-trance.

GENERAL INFORMACIÓN: Información General | info@djmag.es Notas de prensa | redaccion@djmag.es Eventos | tour@djmag.es ADMINISTRACIÓN: Carlos Peggo | c.peggo@djmag.es MARKETING MARKETING Y BUSINESS MANAGER: Sara González | sara@djmag.es

Este 2021 esperamos que llegue con renovadas energías y nos permita finalmente salir de esta crisis provocada por el coronavirus. Una crisis que se extendió de lo sanitario a lo económico y que también nos ha afectado en lo emocional. Esperamos haber aprendido las lecciones necesarias para, pase lo que pase, seguir adelante mirando al futuro y, si es necesario, abrazar nuevas alternativas para mantener la escena con vida. Alternativas como las que hemos presentado en DJ Mag ES con extensos artículos en los últimos meses, que esperamos hayan sido de utilidad a todos nuestros lectores. Todo el entramado que sostiene la industria cultural ha sufrido y sigue sufriendo tremendamente por la falta de actividad. Por ellos hemos de buscar una solución que diversifique los ingresos de la industria. Y esa solución está en las nuevas tecnologías y en el futuro. Tendremos que adaptarnos, para seguir aquí. Todos nosotros.

MARKETING INTERNACIONAL: Jack Howell | jhowell@protonmail.com / jh@djmag.es DIRECCION COMERCIAL: Jassi González | jassi@djmag.es COLABORADORES Ángel Manrique, Borja Manzano, Bruno Garca, Cristina León, Charlie Braun, Eduardo Carbonell, Ekai, Esteban Martínez, Fernando Blanco, Gerardo Cartón, Guillermo Delmas, Gustavo Navedo, Helena Bricio, Julia Lozano, Jonathan Prada, Carlos Flavio Bustos, Mugni, Oliver Florez, Rohan G. Finger, Sandra Vian, Sergio Bifeis, Sergio Parrado, Willy Alcocer, Manuel Sánchez-Cid, Miguel Ángel Alvira, Víctor Fernández, Luis Vallespín y Marc Montes.

EDICIÓN REVISTA DJ MAG SL Avenida 8 de agosto, 11 – 10 bajo 07800 – Ibiza (España) B 16523805

Gracias por estar aquí, abriendo un nuevo año, una vez más, con nosotros, queridos lectores. Esperemos que, entre todos, podamos construir una escena todavía más fuerte. ¡Hasta dentro de un mes, amigos!

EDUARDO PÉREZ WAASDORP

DJ Mag España no se hace responsable de las opiniones expresadas por sus colaboradores, entrevistados o autores. Prohibida la reproduccion total o parcial de los contenidos publicados sin autorizacion expresa de Dj Mag España.

Director

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B R E V E S Autor: REDACCIÓN

UN NUEVO SISTEMA DE VENTILACIÓN PODRÍA HACER QUE LOS CLUBES Y LOCALES FUESEN SEGUROS En enero, el 100 Club de Londres será el piloto de un nuevo sistema de ventilación que podría abrir el camino para que los clubes y locales de música sean más seguros en relación al COVID. Según un anuncio en su Instagram, el club de Oxford Street será el primero en probar el sistema diseñado para eliminar hasta el 99,9% de los patógenos de transmis-

ión aérea, incluyendo el coronavirus. El ensayo tiene por objetivo demostrar la posibilidad de crear en el futuro entornos interiores libres de virus con un público en cifras similares a las anteriores al COVID-19, más sostenibles para los clubs desde el punto de vista financiero.

BICEP ACTUARÁN DESDE LA GALERÍA SAATCHI EN FEBRERO Con la escena musical en directo que sigue estando paralizada debido al monotema, BICEP se sube a un escenario de lujo en la Galería Saatchi de Londres el 26 de febrero de 2021. Esta actuación contínua el anterior debut via streaming en directo, el cual fue uno de los primeros de este tipo para un artista electrónico, emitido en 5 zonas horarias diferentes y visto por personas de más

de 70 países bailando desde sus casas.

El espectáculo, que consiste en una prolongada actuación en directo, junto al telonero adicional que se anunciará, se filmará en la Galería Saatchi de Londres y contará, una vez más, con los visuales del estrecho colaborador de BICEP, Black Box Echo. www.bit.ly/2KCEnqN

UNTOLD ODYSSEY: 5 DÍAS DE FESTIVAL EN UN CRUCERO POR EL MEDITERRÁNEO UNTOLD, uno de los mayores festivales de música de Europa, lanza un nuevo concepto de entretenimiento para ofrecer una experiencia exclusiva, esta vez en el agua.

UNTOLD Odyssey se convierte en un festival-crucero en el Mar Mediterráneo. El crucero viajará a los principales destinos en el mapa mundial del entretenimiento: Roma, Ibiza y Barcelona. El festival tendrá lugar del 9 al 13 de junio de 2021 sien-

do el primer proyecto de este tipo para UNTOLD. Además de la experiencia en el mar, el festival acogerá, terrestremente, diez restaurantes incluidos en la tarifa y siete restaurantes gourmet, bares y zonas de descanso, piscinas, salones de spa, parques acuáticos, gimnasios, pistas de atletismo y bolos y mucho más. www.untold.com/odyssey

EPIZODE FESTIVAL BUSCA TUS DEMOS PARA SU NUEVO SELLO EPIZODE acaba de lanzar un sello discográfico, EPIZODE RECORDS. El sello publicará música de artistas emergentes de todo el mundo. EPIZODE RECORDS se ajustará al concepto ecléctico del festival, que ofrece una amplia gama de géneros de música electrónica, desde el techno más groovy al micro house, hasta al sonido atmosférico y experimental. El primer lanzamiento está previsto para principios de 2021, con otras

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tres publicaciones y colaboraciones en el mismo año. Todos los lanzamientos serán un escaparate de sonido que coincide con los cuatro escenarios del festival: Main Stage, Frisbee, Eggs, y Shell. EPIZODE Records hace ahora un llamamiento a todos los artistas para que envíen sus demos al correo electrónico demo@epizode.asia www.epizode.asia

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En el año de nuestro #Aniversar10, ¡DJ Mag ES llega a tu casa!

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S E G U N D O S

MAAE ( M E T O D I Q )

¡Hola, Jordi! ¡Un placer saludarte! Para quien no te conozca, ¿cómo te describirías? ¡Hola! El placer es mío, ¡Muchas gracias por contar conmigo!

Me describiría como un amante de la música electrónica, el diseño sonoro y los sintetizadores, en todos sus formatos. También me gusta estar al día de cualquier novedad tecnológica, sobre todo si está relacionada con mis intereses. Soy autodidacta y siempre tengo una necesidad irrefrenable de aprender cosas nuevas. En lo personal, podríamos decir que soy una persona positiva e intento ver siempre el vaso medio lleno, aunque la vida no siempre lo ponga fácil (risas).

Vives en Barcelona. ¿Cómo ves la escena electrónica de Barcelona en particular? ¿Y de España en general? ¡Ufff a ver por dónde empiezo (risas)! ¡De Barcelona, qué decir! Es una ciudad con una amplia oferta de eventos y una indiscutible cartelera de primer nivel, pero en cuanto a la escena, en algunos casos veo poca pasión. Se crean demasiados productos, muchos de ellos efímeros, artistas con un compromiso por la música discutible, y todo esto no está ayudando a la escena en general.

Llevas más de 15 años de carrera en el mundo de la producción. ¿Cómo definirías tu proceso creativo?

Mi proceso creativo es no tener uno en concreto, muchas veces empiezo probando técnicas o aparatos nuevos y dejo que fluya. Un día puedo tener una melodía en la cabeza y empiezo por allí, otro día un ritmo, y cuándo

no lo tengo claro, enciendo el sintetizador modular y empiezo a crear. Me encanta esa interacción y aleatoriedad, me permite explorar nuevos caminos.

Desde hace unos años ejerces como profesor de diseño sonoro y síntesis en EUMES y ahora también en Bridge_48. ¿Cuál es el mayor reto de ser profesor? ¿Cuál es tu filosofía?

Mi mayor reto, es que mis alumnos aprendan, entiendan y disfruten de todo lo que les explico. Mi filosofía es hacer que algo que a simple vista parece complicado, se vuelva un agradable reto de superación con una meta y resultados prácticos y significativos.

También colaboras directamente con Korg. ¿Cómo es tu labor con la marca?

Recibo algunos productos antes de que salgan al mercado, para analizarlos y ver sus posibilidades, después elaboro algunas ideas y juntamente con ellos, creamos videos mostrando el potencial de la máquina.

Fundaste el sello Metodiq, que aunque lleva parado un tiempo, ha sacado a pesos pesados como Ken Ishii o Joey Beltram. ¿Tienes algún plan de reactivación?

Si, con Metodiq llegó un momento en que me di cuenta que necesitaba un “break” para madurar un poco la idea, recalibrar y volver con más fuerza. Este 2021 lo vuelvo a activar, y la verdad que estoy muy contento porque van a salir proyectos y sinergias muy interesantes!

¿Qué proyectos tienes entre manos este 2021?

Con MAAE, llevo un tiempo trabajando en un nuevo sonido y por fin estoy contento con el resultado, la idea es publicar algunos tracks y que culmine en un directo. Y en relación a Metodiq, cómo he comentado, este 2021 vuelve a activarse. También seguiré como profesor de diseño sonoro en Eumes con el añadido de la nueva plataforma eumesonline.com, un proyecto muy ambicioso que os recomiendo que visiteis.

Finalmente, Jordi, pedimos al invitado de 60 Segundos que plantee una pregunta al siguiente. El último fue el dúo Lithium Polly, que preguntaba: “En un mundo sin límites, ¿cuál sería tu espacio ideal para hacer música?”. Y a cambio, nos tienes que dejar una pregunta para el siguiente…

Hombre, en un mundo sin límites, sin dudarlo, el espacio ideal para mi sería el que tuviera un número ilimitado de aparatos (risas). El lugar me daría igual, porque cuando produzco, desconecto del mundo.

Has sido residente y director artístico de varios clubes. ¿Cómo definirías la labor de un residente en 2021?

En un club el DJ es el encargado de culturizar al público, y en este caso, el residente es el que tiene el mayor peso. Para mi la labor de un residente, sería conocer a su público y crear un vínculo con ellos, saber qué les gusta, pero también qué les podría gustar y no conocen, hacer que descubran música y artistas nuevos y antetodo darle coherencia a la noche intentando crear el ambiente adecua- La pregunta para el siguiente: ¿Cómo defido en el momento preciso. nirías tu sonido en dos palabras?

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O F F

T H E

R E C O R D

Hacemos 5 preguntas a Héctor Llamazares que poco nada tienen que ver con la electrónica…

*Héctor Llamazares acaba de publicar ‘Atrium EP’ en SudBeat. Disponible en las diferentes plataformas.

Héctor Llamazares ¿Cuál fue tu última mentira y por qué?

A mi novia, estaba abrazado a ella en el sofá y no me apetecía salir. Me inventé un pequeño dolor de cabeza para seguir agarrado a ella. Evidentemente después de esta entrevista tendré que buscar otra excusa.

Eso que siempre has querido que te preguntaran y jamás te han preguntado...

Héctor, ¿qué tal ayer en el estudio con Frank Wiedemann, Adam Port, Mathew Jonson y &me? Algún día me lo preguntarán.

El momento más embarazoso de tu vida fue…

Recuerdo un día cuando era pequeño (5 años) que me enfadé con mi hermana y le prendí fuego al pelo de una de sus muñecas, sin saber claro, que después del pelo de esa muñeca se quemarían el resto de las muñecas que estaban al lado, la caja donde esta-

Si pudieras resucitar a alguien, ¿a quién sería?

Por supuesto a cualquiera de mis familiares, no conocí a mi abuela y me hubiera gustado mucho.

Si tuviera que elegir un artista, quizás a ¿Qué no has robado pero hubieras queMichael Jackson, siempre me ha gustado rido?

Es una pregunta difícil porque prácticamente mucho su música y sus bailes. Me encantaba. he robado todo lo que he podido, entonces no También resucitaría a alguna persona que no esté por alguna causa muy injusta de la sabría contestar… (risas) vida. Tengo muchas horas de carretera y me Ahora en serio, la verdad es que no hay nada que quiera robar. Me produce más satisfacción dan pánico las carreteras nacionales. A veces conseguir cosas con mi esfuerzo y mi trabajo. en algún viaje de vuelta ves cosas extrañas en la carretera y ves claramente que sigue haPor poner un ejemplo, mi estudio: Empecé hace 10 años comprando una caja de biendo gente que no juega con su vida sino que juega con la de los demás. Sin lugar a ritmos y poco a poco, actuación a actuación, dudas, si pudiera resucitar, devolvería a casa me he ido haciendo con un equipo que ahora mismo sería muy difícil de comprar todo junto. a alguna persona que murió simplemente por pasar por allí.

Conseguir cosas con esfuerzo me encanta, luego no les doy el valor que tienen, sino el valor de lo que me ha costado conseguirlas. ban guardadas y finalmente el suelo... Mejor no sigo (risas). Ese día lié una buena. Menos mal que tengo unos padres y una hermana que no me los merezco.

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M I S

F AV O R I T O S

*El pasado noviembre salió la primera referencia de Brand New Records, sello de LaLa. Escucha su repertorio escaneando el código QR.

LaLa ( S U B

C L U B / B R A N D

N E W

R E C O R D S )

1. Album / Canción 3. Serie Lil’ Kim - Hardcore Ratched Nunca lo ha hecho mejor. ¡El mejor álbum Ratched fue increíble, producido por el de Lil ‘Kim! equipo de American Horror Story, Sarah www.open.spotify.com/album/39xHAZmTUS- Pollen es una de mis actrices favoritas, la QJyXt6ebpjKT?si=BoW6aiM3Sla6i1W9qJgWYQ historia es increíble, la forma en que se rodó está a otro nivel.

¡y es la mejor actuación de Johnny Depp IMO! Y Penélope Cruz también es sensacional. www.netflix.com/title/60020891

5. Libro “Cómo pinchar correctamente”, de Bill Brewster y Frank Broughton www.netflix.com/title/80213445 Hace poco volví a leer este libro; debí com2. Documental prarlo hace unos 9 años pensando que Zeitgeist esta sería la clave para desbloquear todos La parte 2 en particular, es una teoría de la 4. Película mis sueños, no fue así, pero me encantó conspiración que creo que todos deberían BLOW ver. No diré nada más, solo miradla.

Diría que es mi película favorita de todos volver a él. Está excelentemente escrito y los tiempos. Ahora está en Netflix, ¡así que es muy recomendable. www.bit.ly/3rhRFtn no hay excusa! Trata una historia increíble www.bit.ly/34zVAIo

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N U E VA WEB 2017

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F O C U S

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Autor: SERGIO PARRADO

Tragedie El dúo Alemán Teenage Mutants (Christian & Pascal) junto a Ersin Akgül (director de la Agencia VERBOTEN) estrena nuevo sello discográfico.

Su nombre : “Tragedie” muy acorde a los tiempos que vivimos, pero lejos de ello, este nombre es una forma de tributo a todos los años de duro trabajo con sus altos y con sus bajos. En propias palabras de los artistas: “lo único que nos importa con este proyecto es sacar música sin lim-

itaciones”, tanto la de ellos, como la de colegas allegados como pueden ser: Oscar L, Giorgia Angiuli, Lunar Plane y un largo etc., amen de que dejaran una puerta abierta siempre para nuevos talentos emergentes.

Este mes en FOCUS ON hablamos con los “mutantes adolescentes” para que nos cuenten más detalladamente su nuevo proyecto.

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F O C U S

¿Cuál es el concepto y por que nace Tragedie?

Para ser honesto, no trabajamos con un concepto 100% establecido para el sello, porque estamos semanalmente en un proceso de desarrollo. La base del sello es lanzar buena música de amigos y formar nuevos y sólidos integrantes. Al principio pensamos: Hey! vamos a publicar música de amigos.

Pero este planeta tiene mucho talento que necesita ser escuchado y estamos aquí para empujarlos! ¿Por qué llamarlo Tragedie?

El nombre “Tragedie” refleja los altibajos, las caídas y por supuesto el éxito en nuestro negocio musical. Un día estás en la cima y al día siguiente nadie se preocupa por ti. ¿No es cierto?

La industria musical ha sido fuertemente impactada por la pandemia - ¿La situación actual ha hecho que cambiéis la estrategia de lanzamientos en el sello?

Tenemos la suerte de ser totalmente independientes. Todas las inversiones son hechas por nosotros mismos. El plan de negocios se hizo un tiempo antes de la pandemia y se mantendrá hasta el 2022. Así que por ahora no estamos realmente afectados por ese

O N

lado. Pero seguro que las ventas no son tantas como podrían ser sin la pandemia. El streaming esta mejor que nunca con un potencial mucho mayor. ¿Es importante para los artistas desarrollar su propia marca o sello en este momento?

No creemos que sea importante, más bien es una necesidad vital. Depende del tipo de artista que seas. ¿Más empresarios o más artistas? Somos una mezcla de ambos conceptos. Nos gusta dirigir o iniciar nuestro propio negocio. Dejarlo crecer, controlarlo, cometer errores y mejorar. Además del sello, dirigimos nuestra Agencia de Eventos y Reservas “VERBOTEN” desde 2016. El sello nos abre la libertad total de editar música y apoyar a nuevos talentos. ¿Cuáles son los planes para el futuro cercano de Tragedie? ¿Y qué hay de vuestros planes personales?

Tragedie lanzará unos 15 lanzamientos en 2021. Ese es el objetivo. Tendremos dos samplers y nuevos EPs de grandes artistas. El sello no se centrará sólo en “Teenage Mutants”, por supuesto. El dúo será el artista principal pero sólo en la parte de desarrollo. Veremos lo que trae el 2021. Estamos totalmente

abiertos y nuestro plan de lanzamientos cambiará permanentemente de una forma natural. Dicho esto con TM esperamos poder empezar a hacer giras pronto. Es realmente frustrante estar atrapado en casa. Por otro lado esto es un reflejo de nosotros mismos en los últimos años, lo que creemos que llevará nuestra carrera a un nuevo nivel después de esta horrible pandemia.

Si pudieras viajar a otra época (musicalmente hablando), ¿a dónde irías y por qué? ¡Definitivamente en los 80! Ver cómo se inventó la música electrónica y cómo tiene ese impacto masivo en la cultura pop. Imagina estar en un club y escuchar Blue Monday’ de New Order ‘por primera vez. Los 90s podrían ser también interesantes, en cuanto al techno, al ser tan pequeños en los 90s solo tenemos unas pocas impresiones vivas. ¿Qué te gustaría destacar de la escena actual? Artistas o sellos discográficos que crees que debemos seguir de cerca... ¡Sigamos toda la escena, y no olvidemos todos los buenos momentos que tuvimos en los últimos años!

MINI TEST ¿Un club?

¿Un libro?

Tragedie:

Ritter Butzke

‘Harry Potter y la Cámara de los Secretos’

Tu “camello” de música favorito

¿Una ciudad?

¿Una comida?

Berlín

Pasta Alfredo

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T R A C K S

Preguntamos a Pablo Fierro por los 5 Tracks que más le han influenciado

*Pablo Fierro acaba de publicar ‘Bangalora’, su último single, en su recién estrenado sello, WE’RE HERE Music.

1.

2.

Manu Dibango

Wu -Ta n g C l a n

Makossa [Atlantic Records]

Method Man [Loud Records]

Para cuando te pregunten qué significa el “groove”: ¡¡Makossa!! Un músico de verdad, una leyenda única representando a África en todo el mundo. Manu Dibango nos aporto algo muy grande con su legado. Sin duda alguna este -además de ser un himno en la historia de la música -, es una de esas canciones que han formado parte de mi vida.

Todos tuvimos una época bboy, la mía fue cuando me mudé a USA en el 97 y comencé a escuchar Rap. sobretodo este sonido de Nueva York que trajeron por los Wu Tang Clan.

Es difícil decir cuál es mi favorito de esa época. Por decir algunos más: Busta Rhymes, Jurassic 5, Snoop, Big Pun, Fat Joe, The Beatnuts, Tony Touch,…

Pablo Fierro (WE’RE HERE MUSIC)

3.

4.

5.

Pepe Habichuela & The Bollywood Str ings

The Future Sound Of London

Yerbagüena [Universal]

Papua New Guinea [Jumpin’ & Pumpin’]

Para mí, como para muchos otros flamencos, la trayectoria del genio Pepe Habichuela ha sido y es un legado histórico. Esta canción, “Yerbagüena“, es sin duda una de mis favoritas. Me encanta cómo mezcla la música, la cultura flamenca con las raíces de Oriente, concretamente de la India. Esas raíces ancestrales forjadas y entrelazadas desde hace cientos de años atrás… ¡para mí una obra maestra!.

Todo un viaje extrasensorial, esta canción de principios de los 90 formó parte de mi infancia, tendría 9 años aproximadamente y sonó en bucle muchísimo tiempo. Todo un clásico que, para mi gusto, es el estandarte de la escena de baile underground de principios de los 80.

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Tito Puente Oye Cómo Va [Oye Cómo Va] Esta canción compuesta por Tito Puente la popularizó Santana con su versión rock psicodélico latino en los 70, y para mí personalmente es el tema de la música latina por excelencia. Sé que muchos me dirán que hay otros clásicos, no me puedo olvidar de la Reina Celia Cruz, de Fania All Star, Oscar de Leon, Frankie Ruiz, etc. Pero ”Oye Cómo Va” es el himno de la música latina.

Tito Puente es y seguirá siendo por siempre el Rey Del Timbal.

E L E C T R O N I C A

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R O L L

Autor: SERGIO BIFEIS

The Best of…

Hemos tenido un 2020 negro y desde estas líneas no hemos sido la alegría de la huerta precisamente. Pero en este año al que acabamos de dar carpetazo también nos ha proporcionado alguna que otra alegría dentro de este contexto tan agrio y amargo en el que las pistas de baile siguen clausuradas hasta a saber cuándo.

Lo que no ha parado ha sido la música y queremos hacer un pequeño resumen de highlights que podremos recordar con sin tanta tristeza.

Empezamos con quien puede haber sido uno de los personajes más destacados de 2020. Para un servidor ese ha sido el gran Omar S que, parafraseando al gran Andrés Montes, podría ser el artículo 34 de la ley marcial del estado de en este caso Michigan: “Hago lo que quiero, cuando quiero, como quiero y donde me da la gana”. El de Detroit es de los que te hacen seguir creyendo en la música despojada de artificios y desde la independencia absoluta que forma parte de su personalidad. Características que unidas a su talento no le hace perder ni un mínimo de autenticidad y de credibilidad. Respeto total que viene acompañado de dos discos facturados este mismo año con un destacadísimo You Want, un cuádruple vinilo que cuenta

con uno de los bangers del año (imposible no ponerse berraco escuchando ‘Hear Me Out’), y el controvertido Simply (Fuck Resident Advisor) al que continuó su reciente EP Still Fucking Resident Advisor. Una postura crítica con un ataque frontal contra una de las webs de música electrónica más conocidas a nivel mundial o un ardid comercial para llamar la atención. Que cada uno saque sus conclusiones. Y por si fuera poco también ha creado un videojuego en 8 bits sobre vender y empaquetar vinilos.

Omar S sigue en su ciudad con sus colegas de siempre y montando sus pequeños eventos pop-ups de su sello o diferentes sets ya sea en la tienda de su familia, en los cuarteles generales de FXHE o en el barrio de Conant Gardens.

Si tuviéramos que destacar una sola producción con la que quedarnos del año pasado esa sería ‘Both Of Us’ de la canadiense Jayda G. El motivo es que tiene una serie de lecturas que vienen como anillo al dedo como contexto de todo lo que nos ha privado 2020. Es un alegre hit housero sin poca discusión con el gancho de sus teclados para haber sido pinchado hasta la saciedad y disfrutar de un verano que nunca tuvimos. Su letra, tan sencilla y directa, nos habla del anhelo de querer y estar con

otra persona, todo en una época en el que la distancia social ha sido la pauta.

Y esto nos lleva a lo que consideraríamos como mejor álbum de una lista previa con más de 50 obras donde la experimentación y la vanguardia han tenido mucho más peso en un año más reflexivo alejado del baile y que en cierto modo nos abre una nueva forma de concebir la música. En ese aspecto uno de los discos más redondos es Ritorno de Andrea publicado en Ilian Tape.

Este primer LP del turinés es un acertado mapa de coordenadas que presagia el devenir de la electrónica que no se cierra a nada y que se atreve a probar diferentes nomenclaturas estilísticas ofreciendo un resultado prometedor y sólido a la vez.

Un álbum en el que podemos encontrar atmósferas envolventes, psicodelias dub, ritmos rotos frenéticos, sutilidad jazz, downtempo relajante o IDM noventera.

Desparpajo y frescura en una mezcolanza de estilos que marcan la pauta.

Y ahora sí que cerramos 2020 y abrimos los brazos a un 2021 que esperamos que nos siga sorprendiendo a nivel musical mientras se vislumbra algo de esperanza con la llegada de vacunas que nos permitan ir recuperando poco a poco nuestra normalidad.

C O C I N A M O S

C O N

Matoma

*Matoma acaba de publicar ‘Christmas Time’. ¡Escanea el QR y descúbrelo!

CENA DE NAVIDAD A LA NORUEGA ¡Hola DJ Mag España!

Es un placer escribir sobre una receta navideña que, sin duda, es una receta ganadora en Nochebuena. En Noruega, tenemos la tradición navideña de comer costillas junto con salchichas y pasteles “medister”. Las guarniciones de este plato son patatas, chucrut y col lombarda con coles de Bruselas. De postre siempre tenemos helado con salsa de frambuesa y crema batida.

Esta cena navideña es una tradición que se ha mantenido durante generaciones en Noruega.

Las costillas provienen del mejor trozo de carne del cerdo y es importante asarlas y freírlas de la forma correcta para que queden crujientes, y también una carne jugosa y tierna que recuerda a las costillas de cerdo. En Nochebuena, solemos comer palitos de carne noruega junto con puré de nabo, col lombarda y patatas. Está increíblemente bueno. Las chuletas y las costillas son una de las tradiciones más antiguas que tiene Noruega en la época navideña.

El distrito vecino donde crecí tiene uno de los mejores aquavits: el Loiten Linie Aquavit. Su calidad radica en el viaje secreto a través del ecuador y vuelta: en cualquier momento, miles de viejos barriles de jerez, llenos de Aquavit premium, navegan alrededor del mundo. Todavía como carga en cubierta, pero ahora en modernos transatlánticos noruegos. Desde el puerto de Oslo a Bremerhaven, a Washington, Sydney, Singapur. A través del Canal de Panamá hasta el Caribe, a ciudades europeas y de vuelta a Oslo.

También es importante añadir que esta comida 32 puertos en 120 días, y dos veces por encima sabe mejor con el Aquavit navideño noruego. del ecuador, la “línea” en sí. ¡Es pura magia!

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L U C K Y

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Autor: REDACCIÓN

*Este enero sale la primera referencia de Lockdown Records: ‘Love Is Growing Deeper EP’, de Matt Early & Lee Jeffries ft. Will Bee. Viene con Remixes de Opolopo y DJ Spen. Escanea el QR para más.

Opolopo ¿Cuál es el track que te recuerda a tu infancia?

Hot Butter - Popcorn es mi primer recuerdo musical. Tenía 3 o 4 años cuando esta canción pop, medio cursi, hecha con un Moog, sonaba en la radio. People Gotta Move de 1974 de Gino Vannelli es otra. Me trae recuerdos del apartamento donde crecí.

Mi padre tenía una gran colección y constantemente traía discos nuevos a casa. Por alguna razón, este destacó, probablemente porque estaba en constante reproducción y mis padres estaban muy enganchados.

Aproximadamente 10 años después lo redescubrí yo mismo y el álbum continúa siendo uno de mis favoritos. Tanto por razones nostálgicas como musicales. ¿Cuál fue el primer disco que compraste?

Siempre andaba grabando la colección de discos de mi padre, así que rara vez compraba discos, pero el primero que compré con mi propio dinero probablemente fue el Concierto de Jean Michel Jarre en China en 1981. Era un disco que no era muy probable que apareciera en la colección de Jazz y Fusion de papá, así que no tuve más remedio que ir a buscarlo yo mismo.

¿Cuál es el disco más cursi de tu colección?

Lo más probable es que sea un álbum de grandes éxitos de Barry Manilow de los 70. Tiene canciones geniales y una voz increíble... ;-) ¿Cuál es el track que garantiza que te hará llorar?

No aguanto muchos compases con Vocalise de Rachmaninov, especialmente la versión de Anna Moffo. Es masivamente lacrimógeno para mí. ¿Qué álbum te gusta actualmente?

El legendario presentador de radio sueco Mats Nileskär acaba de hacer una entrevista increíble de 4 horas con Bohannon. Me hizo volver a escuchar sus primeros álbumes, que no había escuchado en años. Acabo de terminar un proyecto de remixes que involucra a otro héroe de esa época. No puedo revelar ningún detalle todavía, pero Keep On Dancing de Bohannon de 1974 sirvió de inspiración. Un álbum lleno de ritmos funk icónicos e hipnóticos. Sampleado en pedazos pero fresco y relevante. ¿Cuál es el disco de tu colección que más atesoras?

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No soy un “coleccionista” de vinilos, así que no tengo ningún tesoro real como tal. Uno que ocupa un lugar especial es Computer Games de George Clinton, ya que me hizo sangrar por la nariz, literalmente.

Solo tenía 14 años y cuando puse el disco, el funk me golpeó tan fuerte que comencé a golpearme la cabeza hasta el punto de sangrar por la nariz. Nunca sucedió con ningún otro disco. ¿Cuál es tu track favorito de todos los tiempos?

Imposible escoger uno. Hay tantos tracks que destacan en función de los criterios que utilice para definir “favorito”... Desde la perspectiva de alguien que ama el jazz, el funk y los ritmos sincopados, Actual Proof del álbum Thrust de Herbie Hancock sería uno que cumple un montón de casillas: una interacción ridículamente estrecha entre el bajista Paul Jackson y el baterista Mike Clark mientras desafían la gravedad con una línea de bajo y un patrón de batería escurridizos.

Una combinación exuberante pero extremadamente funky con máquinas de cuerdas, clavinetes wah-wah y flautas. Todo rematado con el exquisito solo de Herbie en las Rodas. ¡Sin duda, un favorito!

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C I U D A D

Le preguntamos a Saycet por lo que hace a su ciudad especial…

Saycet

PA R Í S la tranquilidad, la quietud sin estar vacío y Este es mi barrio, vivo en una pequeña muerto. Está vivo y al mismo tiempo no es tienda que da a la plaza y, en el sótano, he ruidoso... en resumen, en mi opinión es un hecho mi estudio de música. Me encanta lugar ideal para vivir en París. este vecindario; se ha vuelto casi peatonal a lo largo de los años. Todo gira en torno EL CENTRO POMPIDOU a la plaza, restaurantes (como Colette Es una apuesta segura para las “visitas Cantine), bares (Bonjour Drunkenness), obligadas” parisinas, pero es un lugar museos y galerías. Esta es mi base parisina que descubrí en el momento en que y donde paso la mayor parte de mi tiempo. estaba componiendo los trailers de las Es un distrito idealmente ubicado entre exposiciones del Centro. La programala República y la Bastilla en el centro-es- ción y las exhibiciones son algo locas y te de París, poblado principalmente por muy rigurosas, en cambio... el edificio pre-sexagenarios. Lo que más me gusta es Renzo Piano es increíble para caminar y PLAZA GARDETTE (DISTRITO)

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visitar docenas de veces. Su versatilidad implica que puedes descubrir este lugar incluso 10 años después de haberlo visitado con regularidad. También hay una sala de conciertos con un programa increíble. Mención especial para la terraza y el restaurante en el último piso con una maravillosa vista 360º de París.

Justo al lado del Centro se encuentra el IRCAM (Instituto de Investigación y Coordinación Acústica / Musical) fundado por Pierre Boulez, uno de los pilares históricos de la cultura de experimentación e investigación musical en Francia.

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EL BADABOUM

El Badaboum es un lugar que combina restaurante, bar, sala de conciertos y club. Está en el corazón de la Bastilla, un distrito festivo de la ciudad; Me gusta la programación y la pluralidad de este lugar, que es bastante ecléctico, sobretodo en discotecas y conciertos. Me encanta el sonido de este local para el electro, el sistema de sonido está muy bien calibrado, el manómetro se queda a escala humana, diría que con una capacidad alrededor de 400 personas, lo que le da un ambiente muy bueno.

C I U D A D

lerías o bares nocturnos, tiendas de discos y Le Dit Vin es una de las mejores bodegas restaurantes de todo tipo. (pero no la única que conozco en París), tanto por su selección como por su jefe Fabrice, THE SOUND BALLADES FACTORY Florent y todo su equipo. Es un lugar donde Para mí es la mejor tienda de discos de Pame siento bien, Fabrice cocina como en casa rís. Su selección es muy variada pero níticon platos de temporada y productos frescos da y su equipo es apasionado y con los pies y finos expuestos detrás del mostrador. Todo en la tierra. No voy a menudo porque ya no esto junto con los vinos que ofrece hace que vivo cerca, pero en cuanto paso por el bael ambiente sea cálido y agradable. El lugar rrio, me paro allí para hacer algunas comestá ubicado en el sur de Pigalle (SOPI) muy pras. Es un lugar que siempre está bastancerca de la Machine (club) o la Cigale (sala de te lleno y animado, donde se pueden ver conciertos), una parte esencial de la fiesta mini conciertos en showcase y expos, y parisina que está repleta de bares / cocte- una línea de ropa hecha por Chicamancha.

LE DIT VIN

T E N D E N C I A S Autor: REDACCIÓN

G TA O N L I N E GOLPE A CAYO PERICO

Golpe a Cayo Perico es la mayor y más ambiciosa aventura de Grand Theft Auto Online hasta la fecha. Vuestro objetivo será descubrir docenas de formas de infiltraros y atracar una nueva ubicación para dar un golpe apoteósico. Y la principal razón de que veáis esto en nuestra sección de Tendencias: vuestro viaje comenzará cuando hagáis un nuevo contacto en el nuevo sitio de moda de la vida nocturna de Los Santos...

Por segunda vez en su historia, GTA Online pone el mundo de la electrónica y la vida nocturna en el centro de su trama para una actualización. Hace dos años fue de la mano de Solomun,

Tale Of Us, Dixon y la anteriormente conocida como The Black Madonna (ahora Blessed Madonna). Ahora, el genial music supervisor de Rockstar Games ha subido la apuesta y ha contado con un sexteto de artistas de lo más especial, vinculándose todavía más a la escena underground. Tres de estos artistas, miembros de la misma agrupación, ya fueron portada de esta casa, DJ Mag ES, hace un año y un mes: hablamos de Rampa, &Me y Adam Port.

Además de ellos, los icónicos Moodymann y Palms Trax cierran los nuevos artistas que se integran en este Golpe A Cayo Perico,

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T E N D E N C I A S

con residencias en el nuevo club de la ciudad: The Music Locker.

Pero no es lo único que tiene que ver con la electrónica.

está repleta de estrellas, con apariciones de Mac DeMarco, David Cross y Tony Mac.

Además de la gran inauguración de The Music Locker y su nueva selección de DJ residentes como parte de Golpe a Cayo Perico, el universo musical de GTA Online se amplía aún más con la incorporación de tres nuevas emisoras de radio. También se actualizarán las listas de reproducción de las emisoras FlyLo FM y Worldwide FM para alcanzar un descomunal total de 250 nuevos temas, haciendo de esta la mayor actualización musical de GTA Online desde el lanzamiento.

El productor nominado a los Grammy y estrella de Los Santos, Flying Lotus, vuelve con una nueva mezcla que se añadirá a la rotación de FlyLo FM, con invitados especiales como Tierra Whack, material inédito del mismísimo FlyLo, y nuevos temas de Madlib, MF DOOM y un montón de exclusivas y alucinantes sorpresas.

Mientras tanto, el DJ británico Joy Orbison se ha establecido en Los Santos con la idea de lanzar su propia emisora de radio pirata, Still Slipping Los Santos, desde Mirror Park. Joy está preparado para presentar una mezcla perfecta de house, tecno, drill y drum-and-bass a las masas. Sintoniza, actívate y desconecta con los sonidos de Kult FM, presentado por Julian Casablancas de The Strokes y The Voidz. La lista de invitados

Y por último, El mundialmente conocido DJ Gilles Petersen regresa con una nueva mezcla de New London Jazz, disco y música del mundo para Worldwide FM que incluye pistas de virtuosos como Kamasi Washington, Khruangbin, BADBADNOTGOOD, MF DOOM y muchos, muchos más. +info:

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Le preguntamos a SIS sobre su proceso creativo a la hora de producir…

SIS (CROSS TOWN REBEL S)

Desde los 9 años toco varios instrumentos como el piano, la guitarra turca, la batería o la percusión, junto a la vieja banda de mi padre. Y, mientras tanto, también el clarinete, la flauta armenia y el tambor.

Intento añadir todos los instrumentos que puedo en cualquiera de mis tracks. Desafortunadamente no puedo llevármelos de gira conmigo, pero siempre que tengo la oportunidad de grabar un instrumento real, trato de hacerlo. Además, mi próximo proyecto llamado “Chupacabra” tendrá instrumentos en vivo como parte principal de los shows.

¡Generalmente no tengo un plan de cómo comienzo mis producciones! Cada vez empiezo de manera diferente, cosa que hace que no sea tan monótono y, por lo tanto, aburrido para mí. Unas veces es el bajo, otras las melodías que aparecen primero. En los últimos años he vivido en una ciudad apenas seis meses y, por ello, tenía que estar preparado para producir en gira, lo cual también tiene su encanto porque estoy rodeado de personas e instrumentos diferentes todo el tiempo. Las fotos fueron hechas en los increíbles Perphetual Studios en Pla-

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P R O D U Z C O

* SIS acaba de sacar uno de los remixes de ‘Smek’, del grupo tunecino Ÿuma. Los otros remixes son de Ricardo Villalobos y de el artista español, MoM. ¡Escanéa el código QR para más!

ya del Carmen, que tienen una excelente acústica y un personal muy humilde dirigiendo el estudio.

Spectatronic Omnisphere y Stylus son mis juguetes favoritos en este momento, al igual que toda la colección de Native Instruments. Al producir, para mí es importante tener ritmos redondos que no sean estáticos y una estructura que esté hecha para la pista de baile, porque lo fundamental es que hacemos música de baile. Melodías que se hacen preguntas y dan respuestas.

Mientras estaba en Túnez de gira, un amigo me enseñó Yuma - Sek original. Lo encontré tan bonito que lo edité. Estaba claro que tenía que ser una pieza musical con congas y tenía un mood de amanecer o atardecer. Afortunadamente pude traducirlo de la forma en que lo tenía en mi cabeza. Al igual que con muchos otros trabajos de remix, en Yuma Sek comencé con la línea de base, que me ayuda a encontrar mi ritmo más rápido, y todo lo demás vino por sí solo.

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KALI (COMO L AS GREC AS, GAMEBOYZ, LUIS V PR)

SE ACABÓ EL 2020. ¡A TOMAR POR EL C***!

A veces sienta genial usar palabrotas.

Sobre todo para desahogar todo lo malo del año pasado y empezar a afrontar este 2021, que esperemos traiga una vacuna y una correcta distribución para todos en

nuestro país, de una vez por todas.

Y con esta, la recuperación bien merecida de todo nuestro sector. Un sector que se ha visto, en muchos casos, mermado por las normas impuestas (a veces mas

acertadas, otras veces menos) por los políticos de nuestro territorio. Demostrando que no están a la altura de los cargos que representan y que son otorgados por quienes les votamos….

MIS FAVORITOS DEL 2020 Hay que decir que a pesar del año que hemos tenido, los artistas mas apasionados no han dejado de sacar grandes referencias al mercado, se puede decir que ha habido, digamos, una renovación de muchos de los sellos con los que trabajan las/los PRs, esto sumado a que muchos labels no han parado de seguir los planes de lanzamiento, da como resultado cientos y cientos de propuestas interesantísimas durante todo el año, haciendo de un top, algo bastante complicado. Así que yo os dejo mis EPs, Albums remixes favoritos del 2020.

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Señora ‘Fosil LP’ [Lurid Records] Fabio Me Llaman Soltero ‘1960 Chris Craft’ [Melómana Records] Sam Paganini ‘Reflections’ [JAM Records] Sebastian Voigt ‘Sequential EP’ [E-Missions Records] The Emperor Machine ‘Music Not Safari’ [Skint Records] Theo Muller ‘Diaoul EP’ [Lumiére Noir Records] L.B. Dub Corp ‘Body Groove’ [Mote-Evolver] DEEWEE Sessions Vol.01 [DEEWEE]

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UN NUEVO COMIENZO L I F E

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ALEXANDER CHURCH & JAMES WELSH (COMMON FACTORS)

El innovador DJ y productor Alexander Church se lanza con este nuevo sublabel de Configuration Of Self. Dejando atrás las malas vibraciones del 2020, Alexander junto a su queridísimo acompañante de producción James Welsh, lanzan la primera referencia de este ‘Life Scripts Records’ bajo el seudónimo Common Factors. Nos acercamos para preguntarles más información al respecto y descubrir que nos tienen preparado para el 2021. ¿Podríais contarnos cuándo surgió vuestro interés por la música electrónica?

Alex: Mi primer contacto con la música electrónica fue en las raves de Reino Unido en 1996. Fue ahí cuando comencé a ser un gran fan del techno industrial francés y a coleccionar vinilos. Fue una adicción.

James: Cuando tenía 14 años. En el colegio me gustaba experimentar con teclados baratos y con aparatos de grabación.

Desde los lanzamientos de Alexander bajo el sello Midnight Recordings en los 90 hasta el lanzamiento el mes pasado de Jame’s Phantasy, vuestras colaboraciones han perdurado en el tiempo. Ahora estas trabajando en un nuevo proyecto musical bajo Common Factors. ¿Qué podéis contarnos sobre ello?

A: Escuché una vieja pista de Alex a través de un amigo y descubrí que vivíamos muy cerca así que un día contacté con el y tras una charla descubrimos que teníamos muchos intereses en común, por ejemplo los sintetiza-

dores. El nombre de Common Factors surgió de ahí. Mi trabajo demanda mucho tiempo y el experimentar con sintetizadores diferentes melodías es una válvula de escape. Compartir estas melodías con James es apasionante porque solo él puede añadir elementos que a mi forma de ver son únicos.

J: Alex y yo quedamos para tomar un café y el resto es historia. Somos grandes adeptos de los sintetizadores y eso fue razón mas que suficiente para entablar una amistad.

lanzamientos serán a través de Common Factors, si bien es cierto que colaboraremos con otros productores. Yo creo melodías que después mando a James para que añada bajos y sonidos de batería. Este modo de trabajo sigue funcionando muy bien a día de hoy y por el momento no tenemos intención de añadir ningún cambio J: Gracias a este sello podemos lanzar nuevos productos musicales que de otro modo no sabríamos donde encajarlos.

¿Que elementos destacarías de vuestras carreras profesionales?

A: Para ser sincero jamás me he planteado la música como un trabajo, aunque es cierto que he participado en diversos eventos en Londres y Nottingham de los que me llevo un gran recuerdo. También tengo que decir que ha sido un placer escuchar una de mis pistas en el Café Mambo de Ibiza mientras disfrutaba de la puesta de sol.

J: Ha sido un placer actuar en ciertos lugares y conocer gente maravillosa. Si tengo que destacar algo en particular probablemente sea las veces que toqué para Grace Jones, Dennis Rodman y Paul McCartney.

¿Podrías mencionar alguna sesión de la que os sintáis particularmente orgullosos?

A: Una sesión del Dronelock show.

J: Al comienzo del confinamiento publiqué un par de sets en mi perfil de Facebook.

Antes de que la pandemia estallara estabais planeando lanzar un nuevo sello, Life Scripts. Contadnos mas acerca de vuestras expectativas con el sello. Lanzamientos, colaboraciones…

A: El nuevo sello no es mas que una escisión de Configuration of Self y la mayoría de los

1. Five clusters 2. Modelling 3. Disparaging Patterns 4. Junctions

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Para terminar. ¿Que planes tenéis una vez finaliza la pandemia?

A: Me encantaría poder ir a la Isla de Mull y producir algo allí. También me he dado cuenta de que tengo demasiadas cosas y tengo que aprender a vivir con menos.

J: Viajar. Hecho muchísimo de menos viajar y tocar en otros lugares.

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U-TRAX REGRESA DE NUEVO… L I F E

Nos movemos hasta Utrech, Holanda, para hablar con DJ White Delight, la persona responsable de sellos como Drome Tapes, Phoq U Phonogrammer o U-Trax, sellos influyentes en la mayoría de DJs que se precien.

Buenos días, U-TRAX. ¿Qué podéis contarnos sobre los primeros días de vuestro sello? Nos gustaría saber más sobre el espacio transcurrido entre 1997 y 2017.

En sus inicios U-TRAX se creó para que los artistas de la zona de Utrecht tuvieran un sello en el que poder publicar sus trabajos. El nombre del sello es en parte un homenaje a Trax Records, uno de los primeros sellos de la mítica house, pero también representa la simplicidad dado que tenemos la intención de producir bastantes lanzamientos desde Utrecht. Esto hizo que para nosotros el nombre de U-TRAX tuviera sentido. También homenajea a U-Tracks, un álbum de música punk de 1979.

Yo, DJ White Delight, anteriormente había dirigido el sello Drome Tapes junto a The Connection Machine. Me sentía de algún modo un tanto infame, dado que la música que tocaba en aquellos días no era del gusto de todos. “No a lo Obvio” era nuestro lema.

Aun así, alguna de mis pistas en U-TRAX funcionaron y funcionan muy bien en la pista de baile.

Los cuatro primeros lanzamientos U-TRAX fueron el debut de artistas como P.A Presents, The Connection Machine y Pieces of a Pensive State of Mind (aka Sonar Base, Fastgraph, etc). Como periodista musical he entablado amistad con Akin Fernández, pro-

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pietario del sello London’s Irdial Discs. Su patrón errático de lanzamientos y su catálogo han inspirado de forma considerable el sello U-TRAX. En 1996 deje mi trabajó para ser DJ, periodista y director de un sello discográfico a tiempo completo. También trabajé como vendedor en el departamento de techno y acid de Props Records. A comienzos del verano vendían 4 ó 5 cajas de cada lanzamiento a distribuidores de todo el mundo. Al finalizar el verano tan solo vendíamos 4 ó 5 copias. Esto significó el fin de Props Records. Fueron tiempos difíciles para U-TRAX. Éramos unos recién llegados y habíamos preparado 8 lanzamientos desde 1996. Prácticamente no veíamos un duro de los discos vendidos. Con la cuenta bancaria a cero y sin un trabajo al que volver me centré en mi carrera como periodista especializándome en videojuegos. Esto funcionó muy bien y poco después U-TRAX se convirtió en una empresa de testeo y traducción de videojuegos, con 50 empleados en 6 oficinas en 5 países. En 2014 U-TRAX pudo centrarse de nuevo para lo que originalmente se había creado. ¿Que ocurrió con DJ White, The Connection Machine y DJ Paradize? ¿Siguen trabajando en el sello?

Después de que en 1993 la Drome Foundation terminara, yo comencé a centrarme en U-TRAX. Durante varios años estuve en contacto con The Connection Machine realizando varios lanzamientos con él, pero debido a circunstancias personales nos separamos en 2010. DJ Paradize dejó las pistas de baile en 2007 y ahora es personal coach. También dirige el Institute for Failure Science.

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¿Qué nos puedes contar sobre la recopilación 20/20 Vision que organizó QMoog y fue lanzada el pasado diciembre? ¿Alguna preferencia en la lista?

Uno de los héroes de Detroit que conocí fue Roy Parker, cuyos lanzamientos como QMoog siempre fueron elementos fijos en mis listas de reproducción. Cuando retomamos el contacto y escuchó algunos temas se mostró muy entusiasmado con el camino que U-TRAX estaba tomando y me propuso alguna colaboración. Fue el mismo quién me pidió una lista de temas y quien se encargó de organizar todo. ¿Cómo ha influido la pandemia en vuestro trabajo?

Nos ha arruinado los planes. Uno de los programas que mas me dolió parar fue el Quite Deep Radio que hacemos en StrandedFM. Espero poder retomarlo mas pronto que tarde. No todo ha sido malo. Durante la pandemia he podido contratar a dos grandes de la música electrónica, Sonja Koeman y Samir Jebbar. Me ayudarán a dirigir U-TRAX. Antes de despedirnos, ¿qué depara el futuro para U-TRAX? Estamos trabajando en una nueva recopilación que vera la luz en Febrero. Después lanzaremos un álbum con bases de hip-hop producido por Thavius Beck. En formato digital y físico.

Muchas gracias por vuestro apoyo.

DJ White Delight.

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EL SONIDO BELGA ACTUAL

FENIX FIRE RECORDINGS LOGO Y ART

Willem Voet es la figura que a día de hoy le pone cara a gran parte de la escena discográfica belga. Se encarga de lanzar a productores nativos con mucha experiencia y mucho recorrido, pero siempre dentro de la verdadera línea underground que los separa del resto de artistas de la escena belga mainstream. Su sonido es el EBM y su meta el rescate de esta para mostrarla al mundo.

Desde sus comienzos en el 2016 con compilados como Fashion Victims, hasta su último VA New Beat Tracks & Old School Beats, el sello ha pasado por más de una treintena de referencias en vinilo, dando cabida a artistas principalmente belgas, desconocidos por la mayoría del mundo y con una calidad y una experiencia verificable que desde El Rincón quiero resaltar. Artistas como Xerosorex, Thomas Trance, Koner, Shimanski Beats, VV303 o Jack Mathew, son una clara manifestación de que hay muchísimos perfiles musicales por descubrir y que tienen muchos sonidos que ofrecer. Resaltar algu-

nas de las referencias de Fenix Fire de artistas nacionales, en concreto la del productor de Mérida, Joaqui (Estrella Errante) que lanzó a principios del 2019 bajo el titulo de LostIin Space EP Para esta ocasión quiero mencionar el último lanzamiento en vinilo del sello este mes titulado VA New Beat Tracks & Old School Beats, que ha sido apoyado por productores y DJs de la talla de The Hacker, Moscoman, Sean Johnston, Angel Molina, Maceo Plex, Nick Warren, Fabrizio Mammarella, Alejandro Paz, Willie Graff, Tronik Youth, Richie Hawtin, Paco Osuna, Slam, Jamie Paton, Fernanda Arrau, Local Suicide y muchos otros más…

Tracklist 1. Number Nine – Dead Bodies Ectasy (edit) 2. Number Nine – Zim Boom 3. Orbit 48 – Rave On! 4. Number Nine – Dodecadarian (Version Originale)

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5. Jean Bruce – Build the Future (FT Reshape) 6. Men at Werk – A Spanner in the Werk 7. French Theory – 2006-1988 8. French Theory – 2006 1989 9. French Theory – Kids in Belgium 10. French Theory – (lost on the way to) Destelbergen 11. French Theory – Acid Reprise (Digital Bonus Track) 12. Number Nine – Zim Boom (Gentlemen mix) 13. Third Twin – No Locco (Instrumental) 14. DJ Igor Altman – The Future (N9 Megamix) 15. French Theory – Cocaïne (Sniff Like Its 88)

Autor: EDUARDO P. WAASDORP

JUNIOR JACK EMPIEZA 2021 Y, EN DJ MAG ESPAÑA, HEMOS QUERIDO TRAER A UN ARTISTA QUE REPRESENTA LO MEJOR DEL PASADO Y EL PRESENTE. NO SE TRATA DE OTRO QUE EL GENIAL VITO LUCENTE, NOMBRE REAL DE UNO DE LOS ARTISTAS MÁS REVERENCIADOS DE LA MÚSICA HOUSE: JUNIOR JACK. Autor: EDUARDO P. WAASDORP

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Mirando Siempre Al Futuro JUNIOR JACK ES EL RESPONSABLE DE ÉXITOS TAN GRANDES COMO EL ICÓNICO ‘STUPIDISCO’ O ‘E-SAMBA’, ‘MY FEELING’ O MÁS RECIENTEMENTE ‘KLIMAX’ O ‘TECKY DREAM’ EN SU PROPIO SELLO, ADESSO MUSIC, LANZADO EN 2019 Y QUE CO-DIRIGE CON SU AMIGO Y SOCIO, PAT BDS. PERO LO VERDADERAMENTE FASCINANTE ES SU PERSPECTIVA HACIA EL FUTURO. APASIONADO DE LA TECNOLOGÍA, LA REALIDAD VIRTUAL Y LOS AVATARES, JUNIOR DECIDIÓ ENFOCAR PARTE DE SU CARRERA AL DESARROLLO TECNOLÓGICO DE ESTAS NUEVAS REALIDADES HACE UNOS AÑOS, DADA SU FASCINACIÓN POR ESTOS TEMAS. ESTO LE HA LLEVADO A DESARROLLAR UN ENTORNO DE REALIDAD VIRTUAL QUE PROMETE REVOLUCIONAR TOTALMENTE LA ESCENA MUSICAL Y COMO ESTA SE INTEGRA CON ENTORNOS VIRTUALES, CONSIGUIENDO INTERACCION REAL ENTRE CIENTOS DE PERSONAS A LA VEZ. ALGO QUE, HASTA AHORA, SOLO HEMOS VISTO EN VIDEOJUEGOS Y NUNCA A UNA ESCALA COMO LA QUE PROPONE JUNIOR JACK. ASÍ QUE NOS SENTAMOS CON VITO PARA ESTA PORTADA DEL MES DE ENERO PARA QUE NOS HABLE MÁS DE SU PASADO, SU PRESENTE Y NUESTRO FUTURO. ASÍ, EXPLORAREMOS CON UNA PERSPECTIVA PRIVILEGIADA, LA PROLÍFICA CARRERA DE UNO DE LOS ARTISTAS MÁS QUERIDOS, ESCUCHADOS Y VERSIONADOS DEL HOUSE. MIRANDO SIEMPRE HACIA EL FUTURO, DEJAMOS QUE EL MAESTRO, JUNIOR JACK, PONGA LA MÚSICA…

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francés al principio y era un poco solitario. En ese momento empecé a jugar con los ordenadores y sintetizadores, y me inicié en hacer música. No creo que me hubiera puesto a hacer música de seguir viviendo en Italia, porque cuando emigras el futuro que podías tener cambia totalmente. De allí no tengo ningún historial con la música, era demasiado joven. ¿Quiénes fueron tus primeras influencias? ¿Cómo fue ese primer contacto con la electrónica?

Probablemente te vas a reír, pero fue esta banda de synth-pop de los 80-90 llamada A-Ha. Fue el primer concierto en vivo al que fui cuando ya estaba en Bélgica, quizá tenía 15 o 16 años. Fue la primera vez que me vi en una sala, rodeado de gente… y ellos eran muy grandes en ese momento. Creo que fue esa noche cuando mi cabeza hizo ‘click’, porque para mí fue tuvo gran impacto, y me dije esto es lo que quiero hacer, quiero ser uno de esos tíos en el escenario. Luego desarrollé más mi conexión con el house.

¡Hola, Vito! Es un auténtico honor tenerte en nuestra primera portada de 2021. ¿Cómo terminó el 2020 para ti? ¡Gracias a vosotros por recibirme en vuestra portada!

Bueno, 2020 fue un desastre, como para todo el mundo. He estado trabajando mucho en casa, al no poder salir, así que espero que a lo largo de 2021 podamos ir, poco a poco, volviendo a una cierta normalidad. Creo que va a ser un año lleno de novedades y muy ocupado para mí, y de momento vamos resistiendo y aguantando. Sé que en España las cosas no están demasiado bien con el sector cultural, como pasa en gran parte de Europa…

Entrando en materia, eres uno de los artistas de música house más reverenciados de la escena. Naciste en Italia (Rutigliano, en Bari, en 1971), te criaste en Bélgica… Cuéntanos, ¿cómo fue para ti criarse, musicalmente, entre ambos lugares?

Exacto. Diría que me afecto mucho, porque yo vivía en un pueblo muy pequeño en Italia, donde no había clubes o festivales. Cuando me fui de Italia tenía 15 años, no tenía ni carnet de coche, por lo que tampoco pude experimentar nada de la escena. Toda mi educación sobre lo que es ir a un concierto, música en vivo, festivales o clubes vino de cuando ya estaba viviendo en Bélgica. Cuando llegué, como muchos inmigrantes, no tenía muchos amigos, no hablaba

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Después de eso, ¿cómo te metiste a producir?

Las cosas, poco a poco, llegaron de forma natural. Especialmente gracias a mi hermano mayor, que por desgracia falleció. En ese momento él era mi único amigo, porque yo todavía no hablaba francés. Después de ir al concierto, le comenté de mis ganas por empezar a hacer música, de meterme en ese mundillo. Nosotros no venimos de una familia con dinero, por lo que mis padres no se podían permitir comprarme aparatos, pero mi hermano trabajaba ya (era 7 años mayor que yo) y le fastidiaba tanto con el tema que me acabó comprando mi primer sintetizador y una drum machine (risas). A partir de entonces, todas las noches me ponía con mis auriculares a producir. Mi hermano me decía: “Vete a dormir, que tienes colegio mañana” (Risas).

Y recuerdo decirle: “Algún día voy a ser productor y voy a hacer grandes discos”. Y me decía: “Vale, vete a dormir” (Risas). Él murió antes de yo hacer mi primer disco. Eso me afectó mucho, me encerré en mi mismo y por la promesa que le hice me lo tomé todo muy en serio. Esa fue la fuerza que me empujó a hacer lo que hago.

A finales de los 90-principios de los 2000, dominaste la escena house con varios releases que ahora son temas legendarios. ¿Cómo fue esa época para ti, de los primeros éxitos?

Fue una época muy diferente a la actual, pero en verdad el único gran cambio que trajo el éxito para mi, vino a nivel financiero. Esto ocurrió mucho antes de que yo empezase a usar mis alias y empezase a mostrarme ante el mundo.

Fue la época en la que tuve gran éxito con una banda de rap belga, que cantaba en francés, que se llamaba Benny B. Esto fue con 16 años, incluso tuve que dejar de estudiar (lo que no era legal [risas]). Eso me puso en una situación económica muy buena, en la que me pude comprar hasta una casa, mudarme, comprar más aparatos, hacer mi estudio… Luego me enamoré del house y eso me hizo irme yo solo, con 17 años, a visitar Nueva York, solo a comprarme discos. Me encantaba la música, pero en esa época no había internet e investigando, leyendo revistas, todas

hablaban de Nueva York, y los discos eran difíciles de encontrar en Europa. ¡No hablaba ni inglés! (Risas). A partir de ahí empecé a trabajar sin parar para poder emular ese sonido que tanto me gustaba y creo que estaba tan concentrado que ni siquiera vi venir el éxito. A nivel económico sí, porque hasta cierto punto me cambió la vida, incluso pudiéndole comprar una casa a mis padres. El tiempo ha pasado, ahora tengo 49 y te aseguro que tampoco lo he visto venir (risas). ¿Y como DJ? ¿Cuándo empezó la vorágine?

Esto vino mucho después. Fue lo que me trajo los viajes.

Yo me negué mucho tiempo a pinchar y rechazaba grandes ofertas, porque no me consideraba DJ. ¡Yo era productor!

Tuve tantas peticiones que finalmente dije: “Bueno, igual tengo que aprender a pinchar” (Risas). Al principio hice una especie de dúo con un DJ belga, de familia italiana, llamado Kid Crème. Él es un gran amigo y coleccionista de 12”. Yo tenía una colección brutal y siempre que venía a mi casa flipaba con mis discos, me preguntaba cómo no los pinchaba ni nada. Al final hablamos y quedamos en que él iba a hacer la parte técnica y yo iba a hacerle la selección, a pasarle los discos que tenía que poner. E hicimos equipo de esa forma. Luego, rápidamente, él me enseñó la parte técnica de pinchar, y poco a poco fui aprendiendo a hacerlo.

Luego hubo un pequeño paréntesis en tu carrera sacando música, entre 2008 y 2017. ¡Casi 10 años sin sacar música (a pesar de que seguías tu carrera como DJ)! ¿Por qué fue esto? ¿Qué estuviste haciendo?

Sí, seguí pinchando y viajando mucho. Sin embargo, si te fijas esa fue la época en la que este sonido electro/EDM explotó con tanta fuerza. Sinceramente, es una movida que nunca me atrajo, nunca tuve feeling con ese rollo y sentí que no era mi música. Sentí como que me perdía y que no tenía nada que contar. Por eso me dije: “Vito, si no tienes nada que decir con tu música, es mejor quedarse callado.

Diré algo cuando tenga que decirlo, pero con la música que hay ahora, es mejor no decir nada”. No me malinterpretes, nunca dejé de producir, solo dejé de lanzar música. Nunca dejé de ir al estudio. Además, la música que yo estaba haciendo no era la música que estaban buscando los sellos.

Durante ese tiempo hice muchos bancos de sonidos, diferentes proyectos, pero no publiqué nada.

En 2017 volviste, con ‘Wonder ft. Milla Brune’ en PIAS y en 2019 lanzaste tu propio sello, Adesso Music. ¿Cómo surgió esto?

En torno a ese momento, cuando volví a publicar discos, cree una nueva empresa, para otros proyectos y conocí a mi socio actual. Son proyectos de realidad virtual muy interesantes…

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pero volviendo al tema, este socio de hecho es mi compañero de producción en mis últimos releases en Adesso, se llama Pat BDS. Él es un apasionado de la música, incluso tiene varios estudios, pero nunca había publicado. Para él era todo un hobby y a mí me conocía por mis publicaciones.

Nos hicimos amigos y empezamos a hacer tracks y cuando tuvimos varias, decidí no ir a buscar sellos que nos publicasen, sino sacar nuestro propio sello para sacar nuestra música.

Justamente, hasta ahora te hemos visto publicar en él junto a Pat BDS, además de remixes de Audiojack, Alex 47, Patrice Bäumel y Darius Syrossian; además de los remixes de 'E-Samba' de The Cube Guys y Kevin McKay que salieron en Glasgow Underground. Hay mucho talento emergente. ¿Cuál es la línea y filosofía del sello?

Como siempre, a mi no me gusta poner etiquetas a la música. Me gusta la música electrónica, como a todos hay cosas dentro de la electrónica que no me gustan, pero intento ser lo más ecléctico posible. También en mis sets, donde no me gusta hacer distinción de géneros: puedo pinchar techno, electro, house con más o menos vocales… Para el sello quiero lo mismo. Muchos, por los primeros lanzamientos pensaron que podía ser más oscuro, techy o progresivo, y no tiene que ver con eso. Uno no puede juzgar un sello por sus dos primeros releases. Cuando uno lleve 20 o 50,

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entonces se puede hablar del sonido del sello. En este momento solo estamos sacando a artistas que nos gustan, el sonido que nos gusta y no tenemos una sola dirección en la que queramos ir. ¿Cómo haces para encontrar nuevos talentos?

Tenemos una oficina en Londres, en la que está Geoff Muncey, que trabaja para el sello. Después de sacar un par de releases, donde artistas jóvenes ven que se les da la oportunidad a gente desconocida, las demos empiezan a llegar. De hecho, ya hemos firmado a un chico de Tailandia muy interesante, Virak, y también de un dúo de Chicago llamado DOWNLow (US). Cosas que recibimos, nos gustan y las echamos adelante. A veces recibes cosas que tienen potencial y el sonido no es el correcto, básicamente por falta de experiencia. Entonces intentamos dar feedback o ayudarles para que puedan seguir creciendo y ayudar el proyecto. Cuando me involucro eso hace que estos chavales jóvenes estén muy contentos, porque sienten ese apoyo.

Intento compartir mi conocimiento. Es algo que me hubiera encantado tener a mí cuando empecé, tener a un productor con más experiencia ayudándome a pulir mis tracks (risas).

Ellos sueñan con publicar un gran éxito, viajar por el mundo… me ven con admiración y yo intento dejarles claro que soy un tío normal, que está ahí para ayudarles.

Justo. Una cosa curiosa es que todos los tracks de mi disco de 2004 han sido relanzados con remixes. El único que faltaba era ‘Stupidisco’, porque tengo que serte sincero: es mi track menos favorito (risas). Ha sonado tanto y tuvo un éxito comercial tan grande que me harté de oírlo (risas).

Fue mi track más popular. Es interesante, porque las nuevas generaciones que no conocieron ‘Stupidisco’ en la pista de baile, van a poder conocerlo ahora con el re-lanzamiento y los remixes que vienen. Eso seguro le va a dar una segunda vida. Y justamente pensé en David Penn, uno de vuestros héroes del house en España, para que hiciera una de las versiones. Hizo un gran trabajo, con su sonido clásico, y creo que tiene mucho potencial. Además de David Penn, también hay remixes de Jolyon Petch y Storken.

También has dado el salto a Armada Music con el track ‘Another Thrill (Like This)’. ¿Cómo es tu proceso creativo y cómo ha cambiado con los años?

Ha cambiado con la tecnología. El proceso de producción y creación en el pasado era un infierno (risas), no se podía tocar nada, tenías que hacerlo todo del tirón y no parar hasta que el track estaba terminado. Ahora puedes trabajar con 100 elementos a la vez y no pasa nada, darle a guardar, abrir otro proyecto y todo sin problema. Hoy en día es más fácil, pero a la vez nos perdemos más en el proceso, ¡porque se puede hacer tanto! Y eso acaba dándote demasiadas opciones y eso mata un poco la creatividad. Desde que hacemos todo con ordenadores, quizá tengo 800 proyectos en mi ordenador. ¡Ya no sé cuál elegir! En su día empezabas con un track y no parabas hasta terminarlo. El proceso, técnicamente ha cambiado pero mi perspectiva musical no. Yo dejo que todo fluya.

Acabas de sacar el re-lanzamiento de ‘Hold Me Up ft.

Jocelyn Brown’ en Defected, con nuevos remixes de manos de Riva Starr, Ferreck Dawn y Michael Gray. Tienes una historia muy larga y bonita con el sello, ¿cómo empezó todo?

Todo empezó en un viaje a Londres, hace mucho tiempo.

Yo quería darles unas demos y nadie me contestaba. Era la época en la que había que enviarlas por correo postal (risas). Luego me contactaron porque querían lanzar ‘My Feeling’, el primer disco que saqué como Junior Jack, que salió en PIAS UK. Tuvimos un gran éxito con él y salimos en todos los charts dance, pero eso no se tradujo en ventas.

Un año después Defected quiso re-lanzar el disco, a partir del lanzamiento de PIAS, y lo hicimos y fue un éxito.

Después hicimos ‘E-Samba’ y luego yo estuve al principio cuando ellos empezaron su residencia en Ibiza. Yo vi crecer a Defected hasta convertirse en el monstruo que es hoy en día. Es algo que aprecio mucho, ellos son como una familia para mí, como por ejemplo con Simon (Dunmore), a quien conozco desde hace más de 20 años, he visto nacer a todos sus hijos (risas). Es una familia.

Uno de tus hits más grandes e icónicos es, sin duda, ‘Stupidisco’, que todos hemos bailado, oído y visto versionado hasta la saciedad. Ahora ha sido re-lanzado con nuevos remixes en Tinted/Central Station…

Recientemente veíamos el video de tu track ‘Klimax’ junto a Pat BDS. Es difícil de describir, ya que mezcla futurismo y naves espaciales con conceptos orgánicos como el torrente sanguíneo, cadenas de ADN que se rompen, glóbulos blancos y rojos. Sabemos que el video que preparas para ‘Tecky Dream’, que sale el 22 de enero va a en esa dirección… ¿De dónde salió esta idea?

La idea vino del director. Le mandamos la música a varios directores y cada uno vino con su propio storyboard. Esto lo hicimos en mitad del confinamiento, muchas de las ideas giraban en torno al COVID-19 y me parecían un poco deprimentes. Al final surgió esta idea, conmigo y Pat BDS como pilotos de esa nave. La idea que también encajaba muy bien fue hacerlo en 3D, porque al no poder viajar fue todo más fácil.

Hilando con ese concepto futurista y tecnológico… llevas unos cuantos años desarrollando un concepto de realidad virtual con tu sello, Adesso VR. Entiendo que buscáis integrar música/noche/fiesta en un entorno virtual. ¿Qué nos puedes contar?

Yo llevo metiéndome en el mundo de la realidad virtual desde hace unos 15 años. es algo que me fascina y de lo que me he vuelto bastante friky. No es que sea gamer ni nada, pero me fascina la forma en la que se hacen estas

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cosas. Me gusta el aspecto técnico de esa evolución en la imagen y su procesado. Así que empecé este proyecto de VR hace unos cinco años, cuando me di cuenta de que las nuevas generaciones iban a estar conectadas a través de estas tecnologías. Y en mi cabeza de inmediato quedó claro que tenía que haber un club en estos nuevos entornos. Un club real, virtual, donde todos esos gamers que no pudiesen viajar físicamente, pudieran conocer a otras personas en esos lugares. Así fue como empezó todo, incluso llegué a hacer el modelado en 3D yo mismo… ¿O sea que aprendiste a hacerlo todo? ¡Así es! Tuve que aprender a programar e hice los avatares yo mismo. Al final pude hacer algo que funcionaba, sentías como entrabas en el club con tu avatar… es un concepto innovador. Después de eso, empecé a hablar con mi socio en Adesso, Pat BDS, para incorporar ese concepto en el sello y desarrollarlo. Y casi al final del desarrollo ¡llegó la COVID! Y justamente todo el mundo empezó a hablar de virtual esto, virtual aquello… Eso nos hizo querer trabajar mucho más en el proyecto, porque todos los que llaman a sus productos “realidad virtual” están vendiendo humo. No es realidad virtual. Solo es alguien pinchando o haciendo un directo, delante de una cámara, con un fondo de pantalla verde. Para mí, eso no es realidad virtual, no hay ningún tipo de conexión, porque el artista está solo, actuando delante de una pantalla para gente que está sola en su casa. Para mí la realidad virtual integra a todo el mundo, es algo completamente diferente.

Y, ¿cómo va vuestro proyecto? ¿En qué estado se encuentra?

Hace unos días hicimos una de las pruebas piloto y ¡rompimos el record mundial! Estamos muy contentos.

Conseguimos reunir a 500 personas a la vez, en el mismo entorno virtual real, en 3D, simultáneamente interactuando. Podían hablar entre ellos, caminar por el lugar, en un entorno real. Y fue la primera vez en la que se pudo junta a tanta gente a la vez. Muchos lo ha intentado, especialmente desde que la COVID nos ha golpeado, pero nadie ha conseguido igualar el aspecto técnico ni la cantidad de gente: máximo se ha visto a 60 o 70 personas. Los servidores no están preparados para aguantar a más de 100 personas conectadas. ¿Pero y los grandes juegos que han ofrecido conciertos in-game?

En el caso de juegos como Fortnite o Call Of Duty: Warzone, cada batalla solo reúne a 100 o 150 personas, máximo. Y aunque tengan 300 mil personas jugando a la vez, es en cientos de miles de servidores, a modo de espejos, repartidos por el mundo. Esto ocurre porque, a nivel técnico es muy complicado. Nosotros hemos trabajado muy duro y conseguimos reunir a 500 personas, de forma estable.

Pronto haremos un nuevo test, para solventar algunos glitches y problemas que tuvimos, para ajustarlos. Espero que

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para mediados de 2021 podamos ofrecer esta plataforma para eventos propios y para otros. ¿Será solo para ordenadores? ¿O también para consolas?

En principio lo estamos haciendo solo para ordenador, con las miras puestas en poder ofrecerlo también iPads, tablets y smartphones. La parte de otras plataformas diferentes al ordenador tendrá que ser, inicialmente, como un streaming o mediante un servidor en la nube, que haga el renderizado en el dispositivo que tú tengas, porque las tarjetas gráficas de dispositivos móviles son de menor calidad que las que tiene un ordenador. Al menos con los teléfonos y tablets que existen actualmente en el mercado.

Imagino que en unos años la cosa cambiará…

Nosotros también. Para las experiencia virtual es muy importante que la calidad gráfica de los dispositivos mejore para alcanzar a las nuevas generaciones. Estamos obligados a que funcione en tablets y smartphones porque es lo que los jóvenes usan para consumir sus contenidos. Quizá en 20 años la tecnología actual será una broma y se pueda jugar al Call Of Duty desde el teléfono móvil con la misma calidad gráfica que una televisión 8K de 2021 (risas). Pero por el momento, es lo que hay…

Los avatares son el futuro…

Totalmente. Las nuevas generaciones tienen una conexión muy estrecha con sus avatares online. Su avatar es casi una parte de ellos mismos, hasta el punto de cabrearse si te metes con ellos. Yo realmente creo que la siguiente generación podrá interactuar en un mundo casi totalmente virtual. Porque ahora un dispositivo como el Oculus Rift es grande, pesado, tiene demasiados cables, cuestan mucho, tienes que tener una tarjeta gráfica súper potente y después de un rato te marea. Pero todas las empresas como Sony o Samsung están invirtiendo miles de millones y trabajando en desarrollar formatos más portables y usables. Eso es porque saben que este es el futuro. Realmente creo que en el futuro cercano la Realidad Virtual estará en todas partes.

Tu conexión con el mundo de la tecnología no se queda aquí. También estás desarrollando un nuevo plugin para producción, ¿no? ¡Es una herramienta mágica (risas)! En 25 o 30 años produciendo, he tenido muchas cosas que me han frustrado en el estudio. Muchas veces, cuando necesitas hacer algo, tienes que utilizar tres software diferentes para conseguir algo, yendo de uno a otro todo el rato, perdiendo tiempo valioso. Mi pregunta es siempre: ¿por qué no puedo hacer esto directamente? Así que puse por escrito todas mis frustraciones y durante el periodo que dejé de lanzar música, del que hablamos antes, me puse a estudiar y a prepararme para crear mi propio plugin musical, para crear el software que solucionase todos mis problemas en el estudio. ¡Y funciona! Después de tres años de trabajo duro, mucho dinero

y recursos humanos, he conseguido trabajar con él. Funciona, pero su aspecto es horrible. Ahora estamos trabajando en hacer la interfaz de usuario más intuitiva y bonita, pero el código es perfecto. Es un plugin totalmente nuevo para el proceso de producción, que ayudará a gente que no tiene experiencia de años en el mundo de la creación musical, a tener un sonido profesional. Es una especie de sampler, pero súper sónico (risas). Tiene funcionalidades que no se han visto hasta ahora y dedicadas a la electrónica. Se podrá integrar también con todos los entornos existentes.

Seguid a Junior Jack y Adesso Music en redes: @realjuniorjack / @adessomusic Si queréis contactar con Adesso Music : geoff@adessomusicltd.com Si queréis información de bookings de Junior Jack: mona@mona-rennalls.com

Llegando al final de esta genial conversación, hemos escuchado que estás trabajando en remixes para Low Steppa y un par de otros grandes artistas. ¿Qué otros proyectos tienes para 2021?

Seguiremos firmando nuevos artistas en el sello, saldrá el re-lanzamiento en Defected, haremos playlists, charts, más entrevistas… ¡Hay que apoyar el disco! También el release en Armada; además del contrato que acabo de firmar con Spinnin’; el plugin también saldrá finalmente; la plataforma de VR… ¡No voy a parar! (Risas). ¡Muchísimas gracias por tu tiempo, Vito! ¡Te deseamos lo mejor este 2021! ¡Muchas gracias a vosotros! ¡Ha sido un placer!

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Autor: EDUARDO P. WAASDORP

Foto: AVION PIERCE

TYGAPAW LA NUEVA ESPERANZA DEL TECHNO

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A finales de 2020, la bomba de TYGAPAW bajo el nombre ‘Get Free’ llegaba a la redacción. Sin previo aviso, el increíble álbum de esta jamaicana afincada en Nueva York se hizo un hueco en mis predilectos del año. El sonido tan característico y único de Dion McKenzie me golpeó en todo su maravilloso esplendor techno. Un techno innovador e inspirador, con toques del pasado, del presente y del futuro que consiguieron cautivarme a la primera escucha.

Investigando más a TYGAPAW uno se da cuenta de donde viene esa profundidad, esa amalgama sonora tan característica y única que la ha puesto en el punto de mira de la mitad de las publicaciones de electrónica del mundo. Con su releases en el sello mexicano NAAFI (que ahora publica su álbum debut) y con sus fiesta/sello de carácter queer e inclusivo, Fake Accent, Dion ha ido haciéndose un sólido nombre en la escena underground en los últimos años, demostrando a golpe de bombo que su sonido tiene muchos kilates.

Ahora, en enero de 2021, sale en vinilo su ‘Get Free’ y por ello hemos querido presentárosla. Para que cuando se pueda volver a bailar la pidáis a gritos y podáis descubrir, al igual que nosotros, el poder, la pegada y la garra del sonido TYGAPAW. Hablamos con Dion alias TYGAPAW para conocerla mejor a ella (y a su alter ego), y que nos cuente cómo cocinó ese ‘Get Free’, catapultado directo a ser candidato a disco techno del año. ¡Música, maestra!

¡Hola, Dion! Es un placer tenerte en nuestra primera revista de 2021. ¿Cómo terminó para ti el año pasado?

Terminó tan bien como se podría esperar, dadas las circunstancias. Las cosas están más o menos, no he salido mucho de casa tampoco. Para todos ha sido un proceso de desaceleración, de paciencia, intentando estar lo más sanos posible. Aquí las cosas están variando mucho, se han impuestos toques de queda y entramos y salimos de confinamientos. Aunque yo vivo un poco en mi mundo y no salgo demasiado de casa (risas) A pesar de que llevas viviendo en Nueva York desde hace más de dos décadas, naciste en Jamaica. ¿Cómo fue criarte allí musicalmente hablando?

Musicalmente es una isla con una mentalidad y un ambiente únicos. Es muy divertido. Puedes tomar inspiración solo

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por el buen rollo y el ambiente festivo que existe en todas partes, de la propia cultura. El reggae y el dancehall jugaron un papel muy importante en mis primeros años. Luego me expuse a otros géneros musicales, cuando me mudé a EEUU… ¿Y a nivel personal? Entiendo que Jamaica es una sociedad muy conservadora, lo que choca directamente con tu identidad queer…

Sí, fue difícil. No pude explorar mi sexualidad cuando vivía en Jamaica.

Puede ser un verdadero reto en ese sentido, especialmente cuando te toca crecer allí y te sientes un poco fuera de lugar. Pero al mismo tiempo también puedo estar feliz de haber crecido allí, por todo lo demás.

¿Cómo fue tu primer contacto con la música electrónica? ¿Fue cuando ya estabas en Nueva York?

Si, en cierto modo. Aunque antes de Nueva York ya tuve algún contacto. Eran los 90, así que es difícil de definir lo que era electrónico o no, porque en el mainstream ya había algunas cosas electrónicas. Sin embargo, mi exposición a lo que era la escena como tal sí que fue en Nueva York, al venirme a vivir aquí. Diría que mi primer contacto fue con ‘Closer’ de Nine Inch Nails, donde claramente se pueden escuchar los drum machines y los sintes…

Te mudaste a Nueva York en 2002 para estudiar diseño gráfico. ¿Cómo te afectó a nivel musical?

Ahí se me abrió toda la escena musical. Cuando llegué allí empezó el proceso de meterme en el mundo de la música.

Yo no estudiaba música, por eso digo que fue algo progresivo. Empecé a encontrar mi camino, lo que me llevó años hasta llegar a producir y todo lo que hago ahora. Empecé a ir a clubes de jazz, donde tocaban mis amigos, había muchos de ellos que incluso estudiaban música. También iba mucho a clubes donde se ponía dancehall, porque echaba mucho de menos esa energía. Al final empecé a sentirme no demasiado bienvenida en esos espacios y es cuando uno empieza a buscar el lugar donde uno se siente más cómoda y bien recibida. ¿Empezaste a pinchar o a producir antes?

En ese momento bailaba mucho y me metí en entornos de rock alternativo. Pero diría que primero fue el baile y después aprendí a producir con Logic, luego me pasé a Ableton. Y luego ya llegó el pinchar. Fue una progresión natural, pasar de unas cosas a otras. Incluso diría que ser DJ me ha influido mucho a la hora de producir, ayudándome a ver y escuchar otras cosas.

Creaste y llevas las fiestas Fake Accent durante varios años. Entiendo que musicalmente es una mezcla de música experimental, dancehall, ballroom y otros géneros. ¿Por qué empezaste esa aventura?

Principalmente sentí la necesidad de crear un espacio en el que gente con mi misma mentalidad e inquietudes – queer, trans, gente de color – pudiera disfrutar de la misma música en un lugar seguro.

Justamente, su carácter queer y diverso la hace resaltar como una de las fiestas más inclusivas en la escena. ¿Qué tan importante es volver a traer ese ambiente inclusivo de la escena original a los tiempos actuales?

Siento que muchas cosas se interponen en que la gente pueda disfrutar del ambiente y de la experiencia de irse de fiesta. La gente se junta para bailar, pasarlo bien, con una banda sonora de buena música underground. Y nada más.

Es necesario e importante poder crear un espacio donde sea seguro que la gente se junte, viva, respire, pueda sentirse cómoda y conecte en el mismo sitio. Esa conexión es lo que realmente ayuda a la comunidad a crecer. ¿Cómo ha evolucionado desde que empezasteis?

Ha crecido en diferentes momentos y en muchas direcciones.

Tanto a nivel colectivo, como individual, como sello discográfico. Ahí publiqué mi segundo EP, ‘Handle With Care’. En estos momentos estoy buscando hacerlo crecer, para poder contactar a otros artistas con los que poder trabajar en él, para sacar su música. Lo que espero es que las cosas mejoren, en todos los sentidos, para poder volver a concentrar más energía en las fiestas y en hacer crecer al sello.

Recientemente has publicado ‘Get Free’, tu álbum debut en el sello mexicano NAAFI. Aunque ya eres una artista con una carrera dilatada, sale ahora. ¿Por qué? ¿Lo produjiste durante el confinamiento?

En efecto, lo hice durante el confinamiento. Básicamente ha sido porque finalmente tuve tiempo de dedicarle tiem-

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po a hacer un disco, especialmente comparado con 2019.

Este año ha sido la primera vez que he estado suficiente tiempo en un solo lugar como para poder dedicarme creativamente a terminar algo. En definitiva, para mí el hecho de publicar música es algo que tiene que ocurrir en el momento adecuado y en este caso ha sido ahora. Siempre pienso que todo tiene que seguir una progresión y todo tiene un momento de ser.

Con NAAFI ya tienes una relación que viene de antes, ¿no?

Sí, ellos me han apoyado desde los primeros pasos de mi carrera, me han contratado para ir a México, a sus eventos, y hemos hecho muchas cosas juntos. Nuestra relación ha sido muy consistente y para mí ha sido un placer poder sacar mi álbum debut en un sello de gente que piensa como yo.

Desde mi punto de vista personal, es uno de los mejores álbumes de techno que he escuchado en mucho tiempo.

Es un género en el que es difícil de innovar. ¿Cómo fue el proceso creativo?

Antes hablaba de la progresión de las cosas… en este caso es justo eso. Ha sido la evolución natural de mi sonido, que viene de escuchar diferentes influencias y estilos, incluso a la hora de pinchar. También de estudiar sobre diferentes géneros musicales y canalizar esos matices, como el del sonido y la cultura rave – yo en esa época no era lo bastante mayor como para haberla experimentado de primera mano, porque todavía estaba en Jamaica –.

En este caso, pensé que sería interesante tomar prestada esa influencia y llevar un poco más allá cosas propias de la cultura y el sonido jamaicano, para mezclarlo en el proceso. Especialmente con el procesado de la percusión llegué a un sitio donde el sonido quedó realmente como yo quería. Es algo que salió solo e intenté no darle demasiadas vueltas.

A pesar de estar inspirado en la movida de Detroit en los 90, suena actual y fresco… Por otra parte, se por tus publicaciones que D’Angelo y Grace Jones son grandes inspiraciones. ¿Cuáles son tus actuales influencias? Últimamente he estado explorando mucho el trabajo de Aphex Twin. No sé, siento que todavía me queda muchas cosas por descubrir, especialmente del techno producido en Europa. Me he estado metiendo mucho en la movida junglist, descubriendo e investigando también otros subgéneros de la electrónica, de otras partes del mundo y aprendiendo sobre la historia que tienen detrás, como el hardcore.

También el título es especial, ‘Get Free’ (Libérate)… ¿De qué te has liberado con este disco?

Ha sido principalmente la crítica interna que llevo dentro.

Esa que sale de las dudas internas y que salen de las inseguridades que tenemos todos. No nacemos sabiendo cosas, a veces es duro y el ambiente te condiciona. Se trata de sobrellevar y superar las dudas y retetos, liberándome y

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emancipándome de la esclavitud mental – como decía Bob Marley en ‘Redemption Song’ – (Risas).

Supongo que eres tú en la portada, ¿por qué decidiste salir desnuda? ¿Hiciste tu el artwork?

La imagen y la fotografía es todo obra de la fotógrafa Avion Pierce, es su arte y yo soy el sujeto, aunque trabajásemos juntas en la dirección artística. Sobre el tema de salir desnuda, no soy de pensarme dos veces este tipo de cosas (risas). Tampoco hay nada épico, como que lo hice como un acto de libertad… Básicamente lo siento como parte de mi narrativa y creo que salir desnuda simplemente muestra mi punto de vista hacia este trabajo.

Y no hay mejor forma de decir “soy libre” y “libérate” que salir así en la portada…

Exactamente. ¡Muchas gracias!

Otro proyecto en el que has estado involucrada recientemente es en ponerle música al corto Import Settings, para Bed On Water. ¿Cómo afrontas este tipo de encargos?

Es interesante, porque atas un poco tu visión a la del productor o director. En este caso, ayudó mucho que todos vivimos en la misma casa (risas). Fue muy divertido y un proceso fácil para mí, porque tampoco era un clip largo (tres minutos). Ya he hecho varios proyectos colaborativos con otros artistas o diseñadores y es algo que sale muy natural. Puedo hacer bandas sonoras bastante bien y quiero hacer muchas más. Realmente estoy contenta de haber podido involucrarme en este proyecto.

Fue publicado en el Gucci Fest 2020. ¿Qué tan importante es que marcas de este calibre se involucren en patrocinar artistas de otras escenas, especialmente en la electrónica? ¿Por qué crees que pasa más ahora?

No sé. Siento que la electrónica se está convirtiendo en un género más visible y accesible, se habla más de él… y los artistas están siendo más respetados. Con internet también se ha globalizado mucho más el impacto que todos tenemos, ya que consigues crear experiencias únicas y que se hable de ellas. Ahora se puede ser visible de forma mucho más rápida que nunca antes y la gente disfruta mucho de poder hacer las experiencias parte de su vida.

Siento que todo eso juega un papel fundamental para que las marcas y otras disciplinas se fijen en lo que haces, especialmente si la parte visual y la musical van de la mano.

¿Cómo ves el futuro?

No sé, espero que sí. Con todo lo que hemos vivido en un solo año, intento ser lo más optimista que puedo.

Tampoco entiendo a algunos artistas que dicen no estar seguros de la vacuna. Igual es porque vengo de un país en vías de desarrollo, donde vacunarse es necesario para poder vivir una vida sana. Viniendo de allí, ni te lo piensas.

Creo que deberíamos confiar más en la ciencia, porque ha demostrado con creces su efectividad. Y tengo ansiedad por todas partes, tanto por no poder jutarme con más personas, como por hacerlo. Pero con la vacuna creo que iremos poco a poco volviendo a la normalidad, juntándonos en eventos al aire libre primero. Tengo esperanza de volver a la normalidad pronto. ¿En qué vas a estar ocupada en 2021?

Hay un par de proyectos grandes que tengo entre manos, a principios de año el álbum va a salir en vinilo; haré un par de releases grandes; también un corto colaborativo. Ya hay varias cosas… y espero poder ir de tour para promocionar el álbum de cara a otoño. ¡Muchas gracias por tu tiempo, Dion! ¡A vosotros!

Como buena diseñadora gráfica, tienes una imagen muy potente y marcada. Incluso has salido en cabeceras como Vogue. ¿De dónde sacas la inspiración?

Buena pregunta… no sé, creo que es algo natural para mí. Mi madre siempre tuvo mucho estilo, yo de pequeña le cogía la ropa prestada. Tampoco me he sentido cohibida por el color, que forma parte de nuestra cultura caribeña, nos encantan los colores brillantes. No nos importa jugar con los colores vivos y creo que es todo muy espontáneo.

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MADE FOR HUMANS Autor: LEIRE ZULOAGA

Foto: ELI MARTÍN

CANCIONES LENTAS PARA DETENER EL TIEMPO

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Habitamos una tierra herida, un país y un planeta que peligra; donde somos miembros de una misma especie y, como especie; somos un eslabón más en la cadena de la vida.

Creamos el planeta de mañana con las decisiones del hoy… Este es el potente mensaje que descubrimos tras las notas del nuevo proyecto de Digital 21 y Stefan Olsdal llamado Made For Humans que, con su álbum de debut, nos muestran 10 canciones instrumentales/cinematográficas que nos ayudan a crear una salida mental a las restricciones que vivimos en estos días tan inciertos donde quizás; lo más importante sea tomar conciencia de esta, es la historia de nuestro planeta y de lo que nosotros podemos hacer para que prospere.

¿Qué sentimientos fueron los que dieron pie a la creación de este nuevo concepto musical tan abstracto y porqué durante el confinamiento?

Digital 21: Desde que empezamos nuestra banda principal, siempre hemos hecho instrumentales para sacarnos otras músicas que teníamos dentro. Es algo que nos ha acompañado durante estos 8 años de nuestra banda principal Digital 21 + Stefan Olsdal. Pero fue el confinamiento quien nos dio ese último empujón para crear una segunda banda en la que podíamos sumergirnos en profundidad en esa parte instrumental de nuestra música y pensamientos.

Así también hemos separado nuestra música vocal – que queda para nuestra banda de siempre Digital 21 + Stefan Olsdal – y; nuestra música instrumental que ya se ha quedado sólo para nuestro nuevo proyecto Made For Humans. Ambas bandas tienen mucho en común la cuerda, los instrumentos de corte clásico. Y aunque está claro que una sonaría mejor en festivales y la otra lo haría mejor en un auditorio en silencio, pensamos que ambas se pueden disfrutar en casa con unos buenos cascos, un buen equipo musical y los ojos cerrados para viajar. Pero a la vez, son dos bandas con lenguajes y tempos muy diferentes lo que conlleva formas distintas de viajar – y de entender – la música.

Hacia dónde va dirigido este “reencuentro” tan intimo y personal que habéis plasmado en este álbum?

Stefan Olsdal: Ha sido un comienzo especial, porque contábamos con el ambiente fuera de lo normal que esta pandemia nos otorgó para dar nacimiento a este proyecto y también ha sido la oportunidad para crear algo que para nada esperábamos, un viaje que, al menos; surgió con algo de espontaneidad… lo que es importante. Ahora intentamos no controlar demasiado el viaje, es necesario dejar el sonido libre para crecer en su forma propia, hasta ahora la banda ha cogido velocidad, y nos está abriendo

más mundos musicales para descubrir.

‘Open Forest’ fue el tema que marcó el nacimiento de este nuevo concepto. Por qué este single?

Digital 21: ‘Open Forest’ fue de las últimas canciones que escribimos para este disco y, junto con ‘Algebra Of Being’; una de las canciones que más conectan el mundo clásico con nuestra música. Pensamos que un primer single siempre es bueno que represente el concepto como banda…

‘Open Forest’ y ‘Algebra of being’ son las canciones que definen de una manera muy completa nuestra banda y lo que llevaremos al directo… (cuando pase la pandemia, ojalá que sea pronto…)

Todos los tracks muestran una clara unión del ser humano con el entorno, entonces; qué representan pistas como ‘Algebra Of Being’ o ‘Sister Blue’, por ejemplo?

Stefan Olsdal: Este ha sido un tiempo donde hemos sido más conscientes de lo que significa nuestra relación con el mundo donde vivimos, y con el cual tenemos que compartirlo todo. Lo que hay que hacer para tener equilibrio es muy simple: respetar a los demás y al mundo que nos rodea, un concepto sencillo, pero que en demasiadas ocasiones se nos pasa o se nos olvida. Gracias a las malas decisiones del ser humano, estamos viendo una época bastante oscura y que afecta a todos los seres vivos del planeta… Guerras, incendios, desertizaciones, pandemias…. Ambos somos bastante sensibles, todas estas cosas nos afectan y decidimos hacer algo que nos ayudara a procesar lo que está pasando… El proceso creativo de esta banda es lo que nos ayuda con este tipo de sentimientos.

‘Algebra Of Being’ o ‘Sister Blue’ son dos claros ejemplos de este proceso.

Y en ‘Hope’ o ‘Macrocosm’, ¿cuáles fueron los detonantes que dieron pie a estas creaciones orquestales?

Digital 21: Cada canción surgió de un momento de esos

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el planeta y su vida en general… Todo lo que hacemos en ella y por ella. Esto hizo que el disco tenga momentos nada oscuros, en contraste con lo que estábamos viviendo en nuestros respectivos encierros. Lo bueno de esto es lo que hablábamos antes… Son las canciones las que nos ayudan a construir una nueva realidad mejor que la que estábamos – y estamos – viviendo. Pero lo mejor de todo, fue cuando el disco llegó al público y recibimos en respuesta ese mismo mensaje: Es una total evasión. Es bonito que nos ayudara a nosotros pero resulta precioso que pueda evadir a alguien más, y más ahora que estamos en otro de los picos de la pandemia. Por eso pensamos que este, será un disco que nos acompañará (a nivel afectivo) en nuestras vidas cuando pasen unos años y recordemos el confinamiento y toda esta horrible situación. meses iniciales de confinamiento. Cuando terminamos el disco teníamos claro que ‘Hope’ nos pedía cerrar el álbum tanto por su sensibilidad como por su título, porque este; ha sido un disco de esperanza personal en el peor momento que hemos vivido a nivel mundial… ¡Esa es la realidad!

‘Macrocosm’ define lo que sentimos respecto al todo, quiero decir; queremos huir de la realidad con millones de datos diarios, pero cuando conectamos con el universo y sopesamos nuestra existencia en el espacio/tiempo y su relatividad con nosotros y nuestro entorno, es cuando tomamos consciencia de lo prescindibles que somos y esa idea lo cambia todo! Pero al mismo tiempo, es el tipo de consciencia que hace valorar más ciertas cosas, esos pequeños detalles a los que rara vez prestamos atención.

Nos llama mucho la atención la búsqueda de esa conexión “más natural“ pero, bajo la influencia de los logros tecnológicos… ¿Cómo se lleva esta controversia?

Stefan Olsdal: (Risas) ¡Buena pregunta! Está claro que la tecnología es un vehículo muy potente y, en si mismo; no es algo malo. Más que la naturaleza de un ser o de una idea, creo que se trata del uso que le damos o qué decidimos hacer con cada cosa, con cada momento. Hay que utilizarlo con cuidado, teniendo en cuenta las consecuencias porque las decisiones de hoy, serán las consecuencias del mañana. En la música, por ejemplo; nos ha ayudado muchísimo y Made For Humans no habría podido existir sin el uso de esta y, aunque esto suene algo contradictorio; ha sido esta tecnología la que nos ha ayudado a conseguir

¿Y del resto de las pistas, qué nos podéis contar?

Stefan Olsdal: ‘Liquid Moon’ por ejemplo, tiene una melodía de caja de música que suena muy antigua. ¡Siempre nos ha gustado mezclar sonidos de diferentes tipos, instrumentos y épocas! Intentamos elegir elementos que nos ayuden a hacernos sentir, sea en modo electrónica, o con un piano, guitarras, o simplemente usando instrumentos de cuerda; que no hay reglas ni restricciones, solo herramientas para conseguir (¡o intentar!) algo bonito. ‘Liquid Moon’ nos gustaba como imagen a la hora de diseñar un tema… algo muy fluido y tranquilo. Vemos los títulos como un tipo de “captura de pantalla”, algo que produce en la mente un visual conjunto al sonido de la música, porque en realidad; todo ayuda a aumentar la experiencia. ¿Cómo fue la búsqueda de esos espacios sonoros en forma de escape musical?

Digital 21: Fue muy natural porque en Enero hace ya 8 años trabajando juntos y creando música con instrumentos de cuerda junto a otros de corte más clásico. Lo que sí marco una diferencia fue estar encerrados cada uno en su ciudad/país (por fortuna cada uno en su estudio de grabación propio) y poder utilizar la música para viajar por necesidad y no solo como vehículo de expresión. La música siempre ha sido nuestra forma de viajar al interior, pero estar físicamente encerrados, nos hizo tomar total consciencia de que cada canción es una oportunidad de escapar mentalmente, también para visitar el exterior y; para valorar

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momentos y sonidos más naturales. Creemos que naturaleza y tecnología pueden existir juntos, aunque a veces parezca algo poco probable o sensato.

Mucha gente podría pensar que este nuevo trabajo es una continuación de lo ya realizado con Digital 21 y Stefan Olsdal durante estos más de 7 años. ¿Qué diferencia este proyecto de todo lo anterior?

Digital 21: Hay diferencias claras y puntos en común… En ambas bandas utilizamos instrumentos de corte clásico como violines, violas, cellos, viento, piano… incluso usamos órganos de iglesias para crear nuestra música! En ese sentido, la influencia más grande de Made For Humans ha sido y será Digital 21 + Stefan Olsdal, pero la diferencia entre ambas bandas es grande; porque esta segunda es totalmente instrumental y está más enfocada a un auditorio que a un festival. Un concierto para escuchar sentados, música con muchos silencios… ¡El silencio debería ser la nota musical más preciada! Y en este disco, lo es.

En los conciertos de Digital 21 + Stefan Olsdal, ya disfrutábamos de esa visión intima y completamente orgánica gracias a los instrumentos de cuerda. ¿Cómo será la puesta en escena de este nuevo proyecto y dónde podremos disfrutarlo?

Stefan Olsdal: En directo siempre intentamos ofrecer una experiencia lo más completa posible. Depende de la sala, el escenario… posibilidad de tener visuales, de la cantidad de músicos que puedan participar etc. ¡Todo afecta al directo! Sería muy bonito tener una actuación en un teatro, una luz tenue y el público sentado frente al escenario, con proyecciones y una orquesta… ¡A ver si lo podemos conseguir!

¿Veremos una evolución con maquinas o de manera más orgánica en este proyecto? ¿Tenéis pensado añadir alguna cosa más en los directos?

Digital 21: ¡Siempre! (Risas) Hace unos días nos preguntaron qué llevaríamos en directo y Stefan contestaba una cosa y después añadía una más y así todo el rato hasta que nos echamos a reír con la cantidad de posibles que había creado. Los dos llevamos 30 años haciendo música y somos “un pelín” perfeccionistas… ¡Ya nos pasó con los directos de Digital 21 + Stefan Olsdal! Empezamos por empezar, dos sobre el escenario… Todo fue a más y, finalmente somos 8 en el escenario; con muchos instrumentos rotando durante toda la actuación… ¡Lo de Made For Humans, tú que nos conoces un poco, sabes que no tiene techo! Dependerá de los espacios y sobre todo de la infraestructura. Obviamente, Podemos hacer un concierto los dos solos, aunque podríamos incorporar fácilmente a nuestro cuarteto de cuerda y así… hasta una orquesta si hubiera posibilidad! Lo importante es que las canciones, en el caso más minimalista y en su contrario, no pierdan personalidad ni sentimiento. De todas formas este verano tenemos festivales a lo largo de Rusia, Ucrania, también en Sonorama aquí en España… Nunca se sabe si haremos algún tema de Made For Humans en alguno de los conciertos si se da el momento… Esto es lo que más me gusta de tener dos bandas y dos repertorios! (Risas) Así mismo, seguís trabajando en vuestros proyectos paralelos de Placebo, también con vuestro anterior proyecto conjunto Digital 21 y Stefan Olsdal. ¿Cómo va toda esta vorágine musical que tenéis entre manos? ¿Habrá nuevo disco de Digital 21 y Stefan Olsdal? ¿Y con Placebo?, se comenta que ya tenéis nuevo batería…

Stefan Olsdal: A veces parece que no pero hay tiempo para todo! Desafortunadamente, tuvimos que suspender o aplazar los conciertos y festivales de Digital 21 + Stefan Olsdal de este pasado año a causa de la pandemia, así que decidimos volcar todo nuestro esfuerzo en los festivales para 2021. Además, estamos grabando nuevo material que, esperemos; podamos disfrutar en directo con nuestro público a lo largo de este año. Sobre Placebo… ¡se dicen muchas cosas! La mayoría de ellas no son verdad, pero; cruzad dedos de pies y manos… ¡quizás tengamos algo nuevo en este 2021! ¡Gracias por vuestro tiempo, chicos! ¡Mil gracias a todos los lectores y equipo de DJ Mag ES!

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EL IMPACTO DE LA COVID-19 EN LA INDUSTRIA MUSICAL EL FUTURO Autor: EDUARDO PÉREZ WAASDORP

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En el mes de marzo el mundo se paró.

La COVID-19 golpeó al mundo con una fuerza desconocida hasta el momento y nos trajo una crisis sanitaria nunca vista desde hace más de un siglo. Una crisis que ha tenido ramificaciones y que ha afectado tremendamente a la economía del mundo, provocando el cierre de muchas industrias y la paralización de negocios en todos los ámbitos.

La situación se ha ido relajando ante la mejora breve de la situación sanitaria. Primero en mayo, en el que tenemos que recordar con pesar como se abrían la frontera para esos primeros vuelos cargados de turistas alemanes a Mallorca. Luego en Navidades.

Sin embargo, el sector turístico no volvió al 100%. Como tampoco la hostelería.

Mientras a la industria musical y cultural, recordamos, no se le permitió abrir con normalidad – o abrir tan siquiera. Solo en algunos casos, a cuentagotas, que también desencadenaron aciagos incidentes, como la infame actuación de Les Castizos en Málaga. O las aglomeraciones, sin mascarilla, vistas en algunos clubes menores del resto de la península. O las raves/botellones ilegales que han proliferado durante estos tiempos. Fenómenos, a nivel nacional e internacional, que exploramos a fondo en nuestros artículos ‘Bailar En Tiempos de COVID’ en noviembre; o ‘Berlín ¿después? de la COVID’ de diciembre.

En cuanto al turismo del que hablábamos, uno de sus mayores problemas fue sin duda los requisitos a la hora de viajar. Aunque ahora mismo se pida una prueba negativa

para entrar y salir del país, más allá de lo que se pida en el país de origen, esto no ha sido así en todo momento. En algunos casos, bastaba simplemente con una declaración firmada de no haber estado en contacto con ningún positivo. Cosa que deja el control de la situación en manos de la honestidad y buena voluntad del viajero (o su posible desconocimiento de haber estado en contacto con alguien o incluso estar contagiado). De hecho, muchas veces las medidas más restrictivas vienen de países diferentes a España.

En muchos casos estas son una PCR negativa con 72h de antelación, además de guardar una cuarentena con seguimiento diario de 14 días en destino. Sin embargo, para entrar en nuestro país, basta con rellenar un mero formulario en el que ni siquiera se pide una dirección de destino o un número telefónico. Tan solo el número del vuelo, DNI/pasaporte y un correo electrónico.

Información escasa comparada con la que requieren destinos como Chile, Alemania o Bélgica para la mayoría de viajeros que entran en su país.

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reputado médico Dr. César Carvallo, habitual colaborador del programa Horizonte COVID, conducido por Iker Jiménez en T5, España ha fallado en los pilares establecidos por la publicación médico-científica The Lancet para una buena gestión de la crisis. Uno de esos pilares ha sido la falta de un liderazgo unificado, ya que muchas medidas se dejan en manos de las comunidades y no se ha contado con ningún tipo de experto. Los otros: vigilancia y seguimiento de los contactos, testeo, gestión de los casos, control y prevención de infecciones, análisis epidemiológico de brotes, logística, comunicación del riesgo y compromiso con la comunidad. The Lancet también apunta a que, a largo plazo, cerrar fronteras y confinamientos generales ya no tendrán el mismo efecto y que estas medidas “deben usarse para ganar tiempo y apuntalar las capacidades de respuesta del sistema sanitario”.

EL LADO CIENTÍFICO

En el aspecto científico, hay varias preguntas principales que nos hacemos. Con los diferentes test existentes, ¿cuáles son los más rápidos? ¿Y los más fiables? Y ante las noticias de las vacunas y el comienzo de la campaña de vacunación, ¿qué podemos esperar? Para ayudarnos en estas dudas, volvemos a contar con Julio Rodríguez Lavado, doctor en Química Orgánica por la Universidad de Sevilla, investigador y finalizado posdoctorado en Química Medicinal por la Universidad de Chile; y por la con Fernando Baisón Olmo, licenciado y doctor en Biología por la Universidad de Sevilla, postdoctorado en un laboratorio de microbiología del Departamento De Bioquímica y Biología Molecular por la Universidad de Chile.

Ambos han visto con ansiedad y preocupación cómo se han ido desarrollando los acontecimientos, en muchos casos que ellos mismos predijeron, en consonancia con lo dicho por gran parte de la comunidad científica. En palabras de Julio Rodríguez Lavado: “Cuando veías que bajaban los casos, luego llegaba un tiempo de tranquilidad y de pronto, una segunda ola. En EEUU los casos ni siquiera llegaron a bajar. Y cuando en un hemisferio bajaban, en el otro subían y viceversa.

En todo momento ha habido un estresor en el ambiente que no debería haber dejado que se relajasen las medidas”.

Por otro lado, y según lo expresado reiteradamente por varios expertos, incluido el

En esto coincide Julio Rodríguez, especialmente en que el cierre de fronteras no tiene ningún sentido a estas alturas, como sí lo tuvo en marzo, a la vez que critica la falta de medidas de seguimiento y control en España.

“En marzo había una situación diferente, el virus estaba más localizado, se estaba extendiendo y podía propagarse a sitios donde no lo hubiera. No funcionó. En estos momentos el virus está en todas partes, por lo que el cierre de fronteras no tiene mucho sentido, porque la transmisión es comunitaria, con muy pocos casos importados”.

Otro tema importante es que ahora tenemos muchos tipos de test diferentes y de cara al futuro, especialmente con algunas de las iniciativas que se han visto de cara a la industria musical. Fernando Baisón responde: “La PCR es mucho más fiable que el test serológico o el de antígenos. Hay personas que incluso con síntomas, han dado negativo tanto en serológico como en antígenos”.

Y el tema estrella de estas Navidades: La vacuna. Ya se ha empezado con la campaña de vacunación, en población de riesgo y personal sanitario en toda Europa. ¿Cómo ven los expertos este tema? Ambos coinciden en que son excelentes noticias. Fernando Baisón nos explica: “Esta sería la primera vacuna de ARN mensajero en humanos. Es una noticia excelente, porque si llegasen a validarse abriría la puerta a otro tipo de vacunas que facilitarían mucho combatir ciertas enfermedades. En este caso, en

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lugar de inocular la proteína del virus, que puede causar efectos diferentes en cada persona, estaríamos usando el ARN para que este sea quien desde nuestro propio cuerpo, adaptándose a nuestro sistema, el que envié la respuesta que haga frente al virus”. Explicado brevemente por Julio Rodríguez: “Se trata de darle a tu cuerpo las instrucciones para que fabrique la proteína necesaria para combatir la enfermedad, haciendo que cada cuerpo lo haga a su forma y se adapten, sin usar la misma/ idéntica proteína. Cada sistema inmunitario va a tener margen de adaptación”, concluye.

“Nuestra piel, nuestra saliva, mucosas, etc. está recubierto de enzimas grasas que degradan el ARN. Es algo muy delicado y por ello las medidas tan estrictas para su utilización y transporte”, comenta Fernando. “Y sigo pensando que la estrategia debe ser como fue en su día la viruela, la polio, y otras enfermedades infecciosas: vacunación masiva, con todo lo que haya disponible”.

En cuanto a las efectividades del 90% o superior reclamadas por las vacunas de Pfizer o Moderna, ambos comentan que es una gran noticia. “Con efectividades de ese calibre la inmunidad de grupo va a ser más fácil de alcanzar, e incluso con efectividades más bajas se podría alcanzar, como ya ha ocurrido con virus como la varicela”, comenta Julio Rodríguez. “La clave también está en que las células T, de memoria, tengan la capacidad – una vez la amenaza se haya ido – de volver a producir anticuerpos si la amenaza vuelve. En el caso del coronavirus, aparentemente la inmunidad es más duradera de lo que se pensaba”, concluye.

Ambos concluyen en que tienen fe en que la COVID-19 se va a ver atenuada en el primer semestre de 2021 gracias a la vacuna, que va a ser un proceso que habrá que vigilar y que irá de menos a más. Sin embargo, también dejan claro que habrá que tener cuidado y seguir con las medidas de protección durante un tiempo, para estar seguros de todo. Terminan haciendo un llamado a la responsabilidad individual, y también a la colectiva, además de continuar con el uso de las mascarillas, dado que han probado ser una herramienta muy eficaz no solo contra la COVID-19, sino también contra virus estacionales.

¿QUÉ SE HA HECHO EN LA INDUSTRIA MUSICAL? Esta pregunta tiene múltiples vertientes. La principal respuesta es nada: el sector de la música ha estado parado en mayor medida, con pequeños brotes verdes en forma de conciertos/sesiones con distancia social, surgiendo especialmente en el sur de España y en la Comunidad de Madrid. En el resto de comunidades se ha visto alguna que otra actividad cultural en torno a la música, como en Valencia o Cataluña, pero todas han acabado sucumbiendo ante las restricciones impuestas por el empeoramiento de la situación sanitaria.

Como era de esperar – según las propias predicciones de los expertos consultados por DJ Mag ES en el extenso artículo que preparamos en marzo –, una reapertura demasiado pronta en verano acabó causando el adveni-

miento de una segunda ola de coronavirus en otoño. Esta terminó por sepultar las pocas esperanzas de tener un invierno medianamente activo para la industria musical, y se llevó por delante a grandes porciones del sector hostelero en algunas Comunidades.

En nuestro articulo de marzo, pudimos contar con el testimonio experto de la Asociación de Festivales – FMA, que a través de su portavoz, Patricia Gabeiras, de Gabeiras y Asociados, auguraba un panorama prudente pero realista sobre lo que ha terminado ocurriendo. A ella le volvimos a preguntar esta vez, al respecto de cómo está evolucionando la situación, en especial en el aspecto laboral y la negociación que han llevado a cabo con el Gobierno, centrado en torno al más que necesario Estatuto del Artista. “La crisis sanitaria provocada por el Covid-19 ha reafirmado la urgente necesidad de llevar a cabo reformas en la normativa fiscal, laboral y de la seguridad social, para su adaptación a la realidad del sector cultural, caracterizado por la irregularidad e intermitencia en el desarrollo del trabajo. Muchas de las medidas

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que es necesario implementar aparecen recogidas en el Informe para la elaboración de un Estatuto del Artista, publicado el 20 de junio de 2018, el cual fue fruto del trabajo desarrollado durante varios meses por la Subcomisión que forma parte de la Comisión de Cultura del Congreso de los Diputados. Por ello, desde el sector cultural se reivindica que por parte de los Ministerios afectados se materialice todo el trabajo avanzado a través de este Informe y se revise la normativa vigente, con el fin de que contemple y se adapte a las particularidades del sector”. ¿Qué disposición se ha encontrado desde el Gobierno a hablar de estos temas? “Nos encontramos en un momento difícil en el que hay muchos sectores que han quedado afectados por la crisis provocada por la Covid-19. Si bien, es importante que el Gobierno tenga presente en todo momento que el sector cultural ha sido una de los principales afectados, toda vez que su actividad quedó totalmente paralizada durante el estado de alarma y desde la entrada en la nueva normalidad

que dependen de ellos. La transición digital y la adaptación a los objetivos medioambientales son unos de los pilares del Plan de Recuperación.

se está encontrando con muchas dificultades como consecuencia de las medidas adoptadas para evitar la propagación del virus. En especial, el sector de los festivales de música en vivo, que al tratarse de eventos en los que se concentran multiplicidad de personas, no han podido celebrarse durante 2020, lo cual está haciendo peligrar su supervivencia.

Patricia Gabeiras apunta a la promesa del Gobierno de destinar más dinero al sector cultural, en los PGE que acaban de aprobarse.

“El proyecto de Presupuestos Generales del Estado para 2021 prevé un incremento en la partida destinada a cultura, lo cual es positivo, si bien es urgente establecer más medidas”, sentencia Patricia, apostillando que: “El Plan de Recuperación es una muy buena oportunidad para reconocer el papel esencial que tiene la cultura en todos los ámbitos”.

Queda claro también que dentro de este Plan es necesario reconocer un espacio propio a los festivales y al sector cultural en general, ya que ha sido uno de los sectores más afectados por sus propias características y que cumplen una función esencial en nuestra sociedad y economía, como ha quedado evidenciado en las diferentes movilizaciones que se han visto por toda España durante 2020. El sector cultural ha dado ejemplo a la hora de organizar marchas sin incidentes y siendo uno de los pocos sectores que ha cumplido con las medidas de distancia social.

Por ello hay que tener en cuenta que se trata de un sector que ofrece no sólo música, sino además un conjunto variado de actividades artísticas y culturales, mediante las que se fomentan las relaciones sociales, así como la creatividad, la innovación y el emprendimiento. Patricia Gabeiras continúa: “Estos eventos constituyen una importante fuente de atracción turística, tanto nacional como internacional, y cumplen una función esencial en la economía, no sólo por los ingresos que generan, sino por los puestos de trabajo, directos e indirectos,

“Algunos de los festivales más representativos del entorno nacional ya han comenzado a trabajar en este sentido, a través de la Asociación de Festivales de Música, FMA, que el pasado mes de septiembre ha presentado un Plan de Acción en Sostenibilidad para la adaptación de los festivales de música, en el marco de la Agenda 2030, a los objetivos de desarrollo sostenible (ODS) marcados por las Naciones Unidas (https://www.festivalesfma.com/sostenibilidad). Por ello, es fundamental que se propicie la inclusión de los festivales en el mencionado Plan”, concluye a este respecto.

Sin embargo, algo que se ha notado es que las medidas adoptadas en la gran mayoría de países de Europa – con excepción de Alemania – han sido escasas, por no decir inexistentes. Así que, ¿qué escenarios se barajan desde los festivales nacionales? “El escenario esperado para la temporada estival 2021, sigue siendo incierto para los propios organizadores de festivales.

Por ello, es importante que las Administraciones competentes en materia de espectáculos trabajen de manera coordinada y en interlocución con el sector de los festivales, para implementar medidas que permitan su celebración”, concluye.

Administraciones que siguen sin tener una directriz clara por parte del Gobierno central, que continúa sin querer establecer un liderazgo común y unificado, lanzando balones fuera para que cada Comunidad Autónoma legisle y actúe por su cuenta. Esa falta de liderazgo, sin duda, ha supuesto un gran problema en comparación con otros países, que si bien han caído también en segundas olas, su sector cultural no han sido tan castigado como el de España, Reino Unido o Países Bajos.

Por otro lado, las noticias sobre las diferentes vacunas y la aceleración de la campaña de vacunación en toda Europa se han tomado con tremendo optimismo en muchos sectores. ¿Cuál es el prospecto para los festivales?

Para Patricia Gabeiras, “Es incuestionable que las últimas noticias que nos llegan con respecto a las vacunas de Pfizer o Moderna, son esperanzadoras, y han tenido una acogida muy favorable en el mundo de la música. No hay más que ver

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cómo se incrementaron las acciones en bolsa del grupo Live Nation, subiendo a un 22%, llegando a su máxima cotización desde que empezó la pandemia. Que haya una vacuna, incrementa las esperanzas de que se puedan celebrar los festivales de música en unas condiciones similares a las existentes hasta la llegada del coronavirus”.

Otras experiencias, como la del concierto realizado en Barcelona, en la Sala Apolo, dieron cierta esperanza. O la noticia de un servicio de test rápidos específicamente pensada para eventos, desarrollada en Reino Unido por Swallow Events. En ambos casos, los resultados han sido prudentes.

Del primero, acaba de salir un informe final y uno de los médicos participantes en la iniciativa apuntaba a que sería “prematuro plantear esta estrategia para otros eventos multitudinarios”, en declaraciones de Boris Revollo (médico de la prueba) a RAC1, recogidas ElPeriódico de Cataluña.

De esta iniciativa – promovida por Primavera Sound, la Fundación Lucha contra el SIDA y las enfermedades infecciosas y el Hospital Universitario Germans Trias i Pujol de Badalona, a la que también se sumó la Asociación de Festivales – FMA – se hicieron públicos los resultados el 30 de diciembre y traen un halo de esperanza para el sector: ni un solo contagio en el concierto. “Por lo tanto, la asistencia a un concierto de música en vivo realizado bajo una serie de medidas de seguridad que incluían un test de antígeno negativo para SARS-CoV-2 realizado el mismo día, no se asoció a un incremento de las infecciones por COVID-19. En un cuestionario auto-administrado, quienes asistieron al concierto manifestaron haber disfrutado de las actuaciones, que se habían comportado con normalidad y que no se sintieron controlados o limitados por las medidas de control”, concluye el estudio llevado a cabo.

En el caso de los test rápidos desarrollados en Inglaterra, la idea es instalaciones para pruebas rápidas de 15 minutos aprobadas por la Agencia Reguladora de Medicamentos y Productos Sanitarios, las cuales pueden ser realizadas por cualquiera de los profesionales sanitarios homologados por el gobierno británico. Esto se traduce en que este nuevo servicio podrá permitir la celebración de eventos y encuentros a gran escala en un entorno seguro de COVID. Sin embargo, muchos organizadores de espectáculos a escala más

pequeña quizá se vean en la situación de no poder utilizar el servicio debido al considerable gasto que supone la creación de tales instalaciones.

Recientemente se ha especulado con la posibilidad de pedir a los asistentes a eventos que demuestren que han sido vacunados contra la COVID-19 para poder asistir a eventos en vivo en el futuro. Sin embargo, los responsables de Ticketmaster, cuando se le preguntó sobre el asunto, dijeron que solo aplicaría medidas en línea con los respectivos gobiernos.

Por otra parte, en verano de 2020, diferentes empresarios y el Gobierno de Ibiza – uno de los destinos más duramente golpeados por la falta de turismo - tenía planeado probar el sistema de tests rápidos COVID-19 para abrir un corredor turístico el próximo verano.

Si un visitante da positivo en la prueba del virus, éste no podrá volar y tendrá que pasar por una cuarentena en el mismo destino. Los dos órganos rectores también anunciaron que habilitarían una serie de alojamientos previstos para la cuarentena.

A este respecto preguntamos a los doctores Fernando Baisón y Julio Rodríguez, que coinciden en que son medidas posibles, pero caras. “Además no serían 100% seguros, porque los test y las PCRs no son 100% fiables. Basta que se cuele un falso negativo para romper esa burbuja de seguridad”, comenta Julio. “Esto es un tema que debería solucionar la vacuna o cuando se alcance la inmunidad de rebaño definitiva”, apunta Fernando.

EL FUTURO

Sin duda alguna, el futuro de la industria musical depende de que se alcance una inmunidad de grupo, acelerada por las nuevas vacunas. No solo en nuestro país, sino en el resto de países de la UE y los países que alimentan nuestra industria turística. En el caso de que ocurra un retroceso por cualquier motivo, el impacto en la industria podría ser verdaderamente devastador si los gobiernos no toman en serio nuestro sector como uno de los motores de la economía.

El turismo es una de las industrias fundamentales en España. Recibimos aproximadamente 80 millones de turistas al año, y la industria proporciona más del 12% del PIB

del país. La gran lección es que nuestro país no puede depender tanto de un sector. Necesita diversificar su modelo productivo. Esto, evidentemente, provocaría un efecto en el ámbito musical y cultural… algunos podrán llamarlo negativo y otros positivo. Como por ejemplo, que nos enfoquemos realmente en un mercado interno de artistas y festivales.

Que nos centremos en promocionar y dar espacios al producto nacional, sin detrimento de poder seguir ofreciendo experiencias con artistas y público internacional.

Mientras tanto, los artistas tendrán que buscar nuevas formas de conectar con el público. Ha quedado claro que plataformas de streaming de música como Spotify, TIDAL o YouTube no van a darles de comer – especialmente si ni con un millón de reproducciones se consigue llegar al salario mínimo –, así que o se les presiona, o habrá que buscar alternativas, además de seguir presionando al Gobierno para que reconozca a la música en directo en general y a la electrónica en particular como una parte fundamental del sector cultural, con acciones tan importantes como la promovida por Gabeiras y Asociados y la Asociación de Festivales – FMA, por la creación de un estatuto del artista y una bolsa de contratación de artistas nacional.

Alternativas como las que hemos presentado en DJ Mag ES con extensos artículos en los últimos meses: Patreon y su micromecenazgo directo con artistas que permite una mayor interacción y la creación de una comunidad real en torno al creador de contenido; como SoundCloud y su sistema Go+, una alternativa más justa y sostenible que grandes plataformas de streaming; Bandcamp y su iniciativa asidua de renunciar a sus comisiones de venta; o el streaming a través de MixCloud o Twitch (ante la inoperancia de Facebook y la relativa falta de interés de Instagram para explorar estas avenidas), en el que el artista puede construir una comunidad que le apoye de forma directa o en la que puede encontrar sus propias formas de monetización. Y especialmente nosotros, los usuarios, tenemos que cambiar el chip con respecto a los video-streamings. Debemos asumir que este formato, especialmente si va atado a clubes o festivales, ha de ser remunerado para los artistas y el público debe acostumbrarse a pagar una cierta cuota por ver a sus artistas favoritos. Como nos hemos acostumbrado a pagar por los servicios de streaming de audio o video. Ya nadie se cuestiona pagar Netflix, Amazon Prime o HBO… o sus homólogos en audio como Spotify o

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TIDAL, por poder disfrutar de música sin anuncios o en alta calidad, respectivamente.

O nos acostumbramos a apoyar monetariamente a las entidades y artistas que amamos nosotros mismos, o nos tendremos que hacer a la idea de ver diferentes marcas auspiciando a artistas o eventos, en detrimento de esa “pureza” underground que tanto se promulga desde sectores más puristas.

La música electrónica dejó de ser underground hace tiempo. Es una realidad que la pandemia de la COVID-19 ha acelerado en poner en evidencia. Dejó de ser underground porque ha crecido, se ha diversificado y ahora llega a todas partes, a todos los ámbitos.

Desde la sudorosa rave ilegal al macro-festival o al club de nuestros amores. Desde la habitación de ese productor desconocido, al millonario estudio de Deadmau5. Y eso hace que cada vez más gente dependa económicamente del entramado que tiene a artistas, sellos y promotoras en su cúpula, pero cuyas pilares son otros artistas de menor perfil, además de todo el staff técnico, camareros, alquileres de equipos, etc… y cuyos cimientos, querámoslo o no, somos nosotros, los consumidores de música. Y remarco la palabra: consumidores. Todo el entramado que sostiene la industria cultural ha sufrido y sigue sufriendo tremendamente por la falta de actividad. Por ellos hemos de buscar una solución que diversifique los ingresos de la industria. Y esa solución está en las nuevas tecnologías y en el futuro. Tendremos que adaptarnos, para seguir aquí. Todos nosotros.

PS: Hay que hacerle caso a la ciencia. Es la que nos ha llevado hasta donde estamos y es ella la que nos va a sacar de esto. Aunque tengamos que esperar un poquito más para volver a la normalidad. Tengamos paciencia.

Autor: ANU SHUKLA Traducción: PATRICIA PAREJA CASALÍ

Las discotecas de Ibiza y la COVID-19 Cómo se ha adaptado la Isla Blanca durante la pandemia

Ibiza, la isla de fiestas más conocida del mundo, se ha visto muy afectada por la pandemia del coronavirus. Los frecuentes cambios en las restricciones, las excesivas multas y la prohibición de bailar, de las fiestas y de fumar, han afectado enormemente a la industria de la música y la hostelería. Pero a pesar de cuánto ha afectado a los lugareños, esta pausa en la temporada de verano también ha servido para que la Isla Blanca dé un respiro y se regenere. Anu Shukla viaja a Ibiza para investigarlo.

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El sol brilla mientras atravesamos el campo ibicenco. Las colinas boscosas, compuestas de villas blancas, vibran con el sonido del deep house. Lamentablemente, la única fiesta en este momento es la de nuestro coche con un radio show como banda sonora. La línea de bajo tararea mientras la DJ local, Elia Alquimia, nos conduce por encima de Las Salinas justo en el momento en el que profundizan las acuarelas del atardecer.

Cuando alcanzamos los 200 metros sobre el nivel del mar, nos detenemos para contemplar las vistas. A pesar de que estamos en un lugar apartado, la música de nuestra radio atrae a una transeúnte, que se une brevemente a nosotros. Irene es enfermera de Valencia. Se mudó a Ibiza por primera vez hace un mes desde Madagascar. "En cualquier lugar del mundo al que vayas, la gente siempre dirá ‘todo era mejor antes', pero creo que encontré mi propia Ibiza", dice.

"En España, decimos 'la Isla o te acoge o te rechaza', lo que significa que 'la isla te aceptará o te escupirá'". Se siente "afortunada" de que haya trabajos para profesionales médicos aquí en este momento. “Ibiza me ha estado dando regalos desde que llegué. No esperaba conoceros, pero aquí estamos, disfrutando de estas maravillosas vistas con música increíble".

En otras partes de la Isla Blanca, esa sensación de suerte se desvanece. Al igual que el resto de capitales conocidas por sus fiestas, Ibiza se enfrenta a una crisis debido a la pandemia de la COVID-19. Los frecuentes cambios en las restricciones, las exorbitantes multas y la prohibición de bailar, de las fiestas y de fumar, han afectado a la industria de la música y la hostelería. Según el INE, actualmente hay 11.492 desempleados registrados en Ibiza. En 2018, esa cifra fue de 6,927.

“[José Padilla] dijo que Ibiza siempre ha sido el patio de recreo de los ricos, pero [en los años 70] la gente conducía Fiats y veían el consumo exagerado como algo desagradable. Querían ser parte de algo más espiritual. José vino aquí para eso ”- ANDY WILSON, ex manager de José Padilla.

Los superclubes de la isla pueden sobrevivir a la pandemia, pero la enorme red de la cadena de suministro de personas que dependen del comercio del verano se ha visto muy afectada. Los más afectados son los 12.402 trabajadores autónomos de Ibiza. No todo el mundo puede recibir las medidas de apoyo por la pandemia del gobierno español, como préstamos de bajo interés y prohibiciones de desalojo, porque no comercian durante todo el año y, por lo tanto, no alcanzan los umbrales de impuestos requeridos. Cuando un plan gubernamental asignó 11,6 millones de euros a 153 entidades en Ibiza, solo el 1,2% de los que calificaron eran propietarios de empresas locales y autónomos.

La directora de arte independiente Joanne Heywood, que se mudó a Ibiza hace 20 años, entra en esta categoría. Joanne,

de 38 años, ha diseñado disfraces, espectáculos y conceptos para eventos como Zoo Project, Clockwork Orange, Storytellers, Cosmic Pineapple y Oceanic. Ella y muchos otros autónomos “dependen del trabajo que tengamos en verano para sobrevivir el resto del año”, dice sin rodeos. “Se me acabó el dinero en marzo y he estado recibiendo ayuda de familiares y amigos.

También tengo la suerte de tener una casera que comprende la situación en la que me encuentro, de lo contrario, no sé cómo lo habría hecho “.

No todo el mundo es tan afortunado. Ibiza Food Bank es una de las varias organizaciones benéficas que han experimentado una gran demanda este año, ya que el PIB de la isla se ha desplomado del 90% al 46%. Tina Browning es la coordinadora de la organización benéfica. "Mucha gente no ha ganado nada desde octubre de 2019. El grupo de bancos de alimentos con los que trabajamos alimenta a entre seis y siete mil personas a la semana, y no para de aumentar", dice. “Esperamos alcanzar pronto los 10.000. La gente tiene que elegir entre pagar el alquiler o comprar comida". La organización benéfica unió fuerzas con Carl Cox, Bushwacka, Syreeta y Mark Greene para una recaudación de fondos LIVE el pasado 12 de diciembre.

Hay un sentimiento en aumento de que las restricciones son demasiado severas. En las Islas Baleares se han registrado 26.574 casos confirmados de la COVID-19 y 426 defunciones.

Malin Friskman se mudó a Ibiza desde Marbella hace 15 años.

Dice que la cantidad de casos no justifica las restricciones.

"Estas locas medidas están acabando con toda la economía y dejando a la gente en la calle y hambrienta", dice. "La isla está vacía y nos dicen que no podemos salir de nuestras casas por la noche, como si el virus solo saliera entonces”.

Danny Gould es un promotor de las fiestas Clockwork Orange. Él dice que los reembolsos de los tickets para la temporada cancelada de este año han ocasionado pérdidas de hasta el 70% en algunos eventos, con el resto de los fondos de los tickets sin tocar hasta que los eventos puedan continuar. “‘Frustración’ no es la palabra cuando llevas 27 años organizando eventos”, admite.

“Las únicas personas que van a sobrevivir a esto son los súper ricos. Ya no existirán limpiadores, proveedores y propietarios de pequeñas empresas que trabajen 15 horas al día para conseguir beneficios prácticamente nulos". Tampoco tiene esperanzas de que los eventos que cumplan con las restricciones vayan a marcar una diferencia. “¿Quién quiere hacer eventos con la gente sentada y con distanciamiento social? Prefiero cortarme la pierna con una cuchara, para ser honesto".

El efecto dominó se nota. Marian Escandell, gerente de Benimussa Park, dice que debido a que las fiestas de Clockwork Orange se cancelaron, “en comparación con 2019, hemos perdido el 100% de nuestro año normal. Incluso hemos gastado un 30% adicional probando algo nuevo para este año, con una cena y showcase de Zoo Project de tres días, pero finalmente no pudimos llevarlo a cabo". Game Over, el equipo detrás de algunos de los shows ibicencos históricos de Carl Cox, perdió el 80% de sus ingresos operativos este año. Sin embargo, el co-

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Según Tomás, a pesar de las condiciones de conformidad con la COVID-19, la policía "todavía crea un estrés innecesario".

“Una vez, [la policía] estuvo hasta tres o cuatro horas. Incluso tuvimos que dejar de servir bebidas. Dijeron que no estaba permitido que hubiera gente en la terraza pero no entendíamos por qué: el lugar es grande, había distanciamiento social, nadie bailaba y todo el mundo llevaba mascarillas. Era como si estuvieran complicándonos la vida sin motivo alguno". Tomás ve esta hostilidad, junto con la falta de apoyo del gobierno para los organizadores, como "hacer que la gente que se dedica a la fiesta de la isla vuelva a lo underground, donde también ponen en riesgo su salud”. fundador Eoin Smyth mantiene la esperanza: "La resiliencia es clave para seguir adelante, y creo que aquellos que continúen creando y adaptándose saldrán ganando”.

Phil Mandelbaum, director general de la discoteca más nueva de Ibiza, Octan, también tiene esperanzas: “Lo que nos salva es que somos dueños del edificio y no tenemos que pagar alquiler... Este es el caso de la mayoría de discotecas de Ibiza, por lo que la escena aquí debería poder sobrevivir”.

En San Antonio, Tomas Siver, fundador de Señor Events, nos cuenta cómo se ha unido a Zoo Project. Quiere trabajar con las empresas de la isla para alquilar grupos de barcos con hasta diez personas por barco: cada persona usará auriculares inalámbricos conectados a una "nave nodriza", desde la que un DJ transmitirá las canciones. "Es una experiencia más que una fiesta", nos dice. "Hicimos el piloto en septiembre, por lo que deberíamos tenerlo preparado para el año que viene”.

Tuvieron la idea después de que el gobierno prohibiera las fiestas en la piscina y en barco en las Baleares. "Estaba pensando, 'joder, ¿qué vamos a hacer ahora?'. Así que se nos ocurrió esto para la gente que quiere disfrutar de Ibiza de forma segura en este ambiente tan loco". Él dice que dado que "los lugares tienen prohibido reproducir música sin servir comida", él y otros organizadores se están uniendo para llevarlo a cabo -y en regla- juntos.

Uno de esos organizadores es Jean Francois Laujier, propietario del local Enigma. Para Laujier, la pandemia ha sido "buena" para los negocios. “Es terrible decirlo, pero el cierre de otros lugares provocó que muchos promotores vinieran a preguntar si podíamos hacer algo con ellos. Ha sido difícil para algunas personas seguir las reglas, especialmente los británicos”, continúa,“ y es difícil para los españoles porque comen y se van de fiesta hasta tarde. Pero encontramos un equilibrio y mucha gente está agradecida de que estemos abiertos “.

"No estamos exigiendo que abran todo, pero deberían revisar sus ridículas restricciones contradictorias y reconocer que aquí mucha gente solo come porque trabaja en la industria de la noche" - XAVIER ALDANA, quien interpreta a Kolombus.

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Vicente (no es su nombre real) es un organizador de la escena underground de Ibiza. Nos dice que hay tres o cuatro fiestas que tienen lugar en la isla cada semana, pero a menos que estés conectado con los círculos internos de la isla, la información sobre estos eventos no está disponible. Pasando el rato en la terraza junto a la piscina de Enigma, hablamos de la escena. "He pinchado en muchas fiestas ilegales por mis propias razones de salud mental y porque la gente necesita bailar", insiste. “Si el gobierno quiere mantenernos a salvo, debería poner los tests rápidos a disposición en las entradas a los clubes y otros lugares. Sería bueno para la salud de todos y para los negocios”.

Las raves ilegales en Ibiza fracasan. Según los medios locales, la policía cerró una en Halloween en la que había más de 120 asistentes. Programar estos eventos conlleva multas desorbitadas: hasta 600.000 € para los organizadores y hasta 60.000 € para cada asistente. Esa misma noche, unas 100 personas salieron a las calles para protestar por el toque de queda nacional al unísono con otras ciudades de España.

Xavier Aldana, un artista que actúa como Kolombus en el club Sankeys, estuvo en la protesta. Dijo que se llevó a cabo con el fin de exigir el apoyo del gobierno a los autónomos. "No les exigimos que abran todo, pero deberían revisar sus ridículas restricciones contradictorias y reconocer que mucha gente solo come porque trabaja en la industria de la noche aquí”.

Romper las reglas para evitar que las empresas se derrumben está fuera de discusión para cualquiera que trabaje en un local comercial. Un lugar que se esfuerza por adaptarse es el querido Hostal La Torre: un favorito desde hace mucho tiempo del "maestro del chill" de Ibiza, José Padilla, cuya prematura muerte por cáncer en octubre sacudió la isla.

Fuimos invitados a un evento discreto en el Hostal la Torre para conmemorar la vida de Padilla. Llegamos a un restaurante frente a la playa totalmente reservado, con medidas que cumplían con la COVID, lleno de mesas para seis. La pandemia ha hecho que la muerte de Padilla sea aún más conmovedora para muchos, especialmente para su ex manager, Andy Wilson. “José estuvo aquí 45 años, mucha gente quería juntarse para esto porque en estos tiempos apenas nos vemos, y fue una oportunidad para una comunidad que se remonta mucho tiempo atrás para reunirse para la ocasión y compartir recuerdos”, dice.

Las discotecas de Ibiza y la COVID-19

"Todos sabemos que este año ha sido un desastre para la comunidad DJ, así que es muy difícil para todos", continúa.

“Pero para alguien como José, que estaba enfermo y tenía sesenta y tantos años, fue aún más difícil”. Dijo que había planeado una transmisión live de radio por la noche pero luego se canceló para evitar el exceso de aforo "porque nadie quiere enfadar a las autoridades".

Wilson dijo que la viabilidad de un "evento más sustancial para José en mayo" se está discutiendo actualmente con la International Music Summit (IMS) y varios artistas, pero por el momento "todos estamos en la fase de duelo". José solía contarle historias sobre la Ibiza de los años 70. “Dijo que siempre ha sido el patio de recreo de los ricos, pero en ese entonces, la gente conducía en Fiats y veía el consumo excesivo como desagradable. Querían ser parte de algo más espiritual.

José vino aquí para eso”.

Para Wilson, el aumento de la gentrificación ha atraído a una clientela cada vez más decadente, atendida por "emprendedores muy inteligentes que ven en qué dirección soplan los vientos". Su actual ausencia es un alivio para los huéspedes del Hostal La Torre, Luke y Alison, una pareja irlandesa que se queda en la isla todos los veranos. Están de acuerdo en que fue "refrescante" ver Ibiza libre de los súper ricos que "hacen que todo sea tan caro". Frente a una vista panorámica que enmarca siluetas de figuras mirando la puesta de sol, Wilson interpreta un set especial para honrar a su amigo.

Tras el homenaje, paseando por el Puerto de Ibiza hacia un bar llamado Bianca and Friends, donde Elia está en la programación como DJ, notamos un silencio inquietante. Dos ferries solitarios, con destino a la pequeña isla de Formentera, reposan en el muelle. A sus lados, los superyates que encarnan la comercialización de la isla para Luke y Alison, están ausentes. Ese mismo día, las autoridades españolas habían anunciado un toque de queda a las 10 de la noche. Bianca, la dueña del bar, está lejos de sentirse feliz. “Esperábamos más gente que esto [esta noche], pero mucha gente canceló debido a este toque de queda”, dice.

Para la DJ y productora Cici, esa intimidad es exactamente lo que el legendario local Pikes aprovechó cuando organizó el evento holístico de caridad, Cosmic Pineapple. “Este ambiente relajado se presta a un tipo de evento más experiencial, con su mercado, curación, yoga, meditación y charlas”, dice ella. “Tenías que comer y beber en tu mesa, pero el formato funcionó bien para respetar el distanciamiento social.

Había esa sensación de festival, pero era menos estridente de lo habitual. No eché en falta el caos que solemos tener”.

Ella dice que este año le ha dado a Ibiza la oportunidad de recargar energías sin los super ricos. "Los ricos probablemente se mudarán a lugares como Mykonos y creo que mucha gente aquí está lo suficientemente feliz con eso.

Será un nuevo comienzo, mejor para el medio ambiente y el bienestar de la gente".

Heywood también está de acuerdo. “Cuando hicimos el Oceanic Festival, analizamos la terrible cantidad de contaminación por plástico generada en una sola temporada. Pero este año hemos visto tortugas y el mar está lleno de peces.

Es muy bonito... la isla tiene la oportunidad de regenerarse.

Sí, hemos perdido algo, pero estamos viendo los aspectos positivos que genera tener un descanso”.

De repente, ya son las diez de la noche, hora de volver a Sant Josep. Nos deslizamos por las calles secundarias y subimos las escaleras, serpenteando por el casco antiguo empedrado como fugitivos en la noche. (Más tarde nos enteramos de que no te pueden multar después de las 10 p.m., siempre y cuando estés de camino a casa).

Por ahora, la pandemia ha dejado a Ibiza y su industria de la música y la hostelería en una encrucijada. Si Ibiza quiere volver a sus costumbres anteriores o si se convierte en un lugar más localizado y discreto para la fiesta, eso dependerá ahora de los propios isleños.

Unos pocos clientes están sentados en sofás, bajo árboles que brillan con linternas de hadas. Elia conecta el amplificador y prepara su equipo. “Se siente mucha nostalgia”, nos dice mientras miramos a nuestro alrededor. “El año pasado por estas fechas, los closings estaban llegando al clímax. El puerto estaba repleto de juerguistas trotamundos que se preparaban para "besarse y volar" después de un largo verano de hedonismo. Pero, este año, somos los únicos que estamos abiertos. Todos los demás en el puerto cerraron a finales de septiembre".

Sin embargo, Elia confía en que la pandemia pueda tener un impacto positivo en la isla a largo plazo. “La COVID-19 es una oportunidad de oro para que Ibiza se reinvente”, dice. “Este año ha sido sobre el ambiente y el amor por la música. Nos han recordado la intimidad y la calidad que nos han faltado estos últimos años". Cuando Elia comienza con algunos ritmos, unas cuantas personas comienzan a bailar en sus asientos.

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Una historia alternativa del psytrance Desde sus inicios hippies utópicos en la región costera de Goa, en el suroeste de la India, el psytrance se ha convertido en una escena de fiesta global, donde los ravers psicodélicos han combinado el espiritualismo y sus formas de ser alternativas tanto en la música como en la cultura. Pero la historia del psytrance es también una historia de orientalismo y exotismo, donde los ravers blancos, en búsqueda de nuevos horizontes, explotan las tierras asiáticas y a su gente. Con una nueva generación de entusiastas asiáticos que quieren devolver el control cultural a las manos originales, DJ Mag da una nueva mirada a este género tan difamado e incomprendido.

Texto: MICHELLE LHOOQ Fotos: GOA GIL, AZWAD SABBIR OZZY Traducción: PATRÍCIA PAREJA CASALÍ

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Goa Gil, 1971

L

Big Dipper Band, Goa, 1978

a forma de imaginar los sonidos de nuestro futuro distópico es a través del capítulo más alucinante de nuestra historia rave. El trance psicodélico, o psytrance, está resurgiendo como la banda sonora de nuestra era psicodélica transnacional. El sonido hipercinético se ha ido infiltrando en la música de baile occidental convencional: festivales emblemáticos como Glastonbury han albergado escenarios de psytrance, mientras que los DJ de Brooklyn a Berlín han ido tejiendo la música en sus sets.

Con sus bombos y retorcidas líneas de sintetizador, tocadas a velocidades locas de 135 a 200 bpm, el psytrance es la encarnación sonora de un viaje con LSD. A menudo se ve reforzada por el uso de paisajes sonoros de ciencia ficción y escalas menores, así como técnicas de inflexión de tono y capas complejas de instrumentación.

Esta sensación de desorientación es clave para la evolución sónica del psytrance, junto con una contracultura de drogas psicodélicas utilizadas por hippies nómadas, que comenzaron a acudir en masa a Goa (India) a finales de la década de 1960, en busca de formas de ser alternativas. A medida que las raves en la playa de Goa se replicaron y comercializaron en el extranjero, el género se convirtió en una cultura de fiesta global: festivales contemporáneos masivos como Rainbow Serpent en Australia y Boom en Portugal consiguen atraer hasta 40.000 ravers.

Fusionando drogas psicodélicas con espiritualidad, ambientalismo, tecnología, autodescubrimiento y escapismo New Age, podría decirse que el psytrance es una subcultura en sintonía con las resonancias del mundo actual. Sin embargo,

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en comparación con las historias del origen de otros géneros de música electrónica icónicos, como el acid house en Chicago e Ibiza y el techno en Detroit, el psytrance -y su apropiación de las prácticas culturales y espirituales indias- permanece algo subhistorizado, y la supremacía blanca, el orientalismo y el exotismo que es parte de su historia rara vez se discuten en profundidad, si es que se hace.

En el espíritu de conversaciones más amplias sobre la raza y la música, tal vez sea el momento de descolonizar la historia del trance psicodélico: comprender el verdadero impacto de este género incomprendido pero influyente.

LOS ORÍGENES TRIPPY DEL TRANCE PSICODÉLICO El trance psicodélico nació en Goa, una isla y ex colonia portuguesa a 600 km al sur de Mumbai, el estado más pequeño de India. A partir de finales de la década de 1960, se convirtió en una parada popular del “hippie trail”, una ruta de viaje que conectaba países europeos con lugares de Oriente Medio y Asia donde se podía conseguir un psicodélico inmensamente popular: el cannabis.

En ese momento, había un gran interés occidental en las prácticas espirituales de la India, donde el cannabis fue legal hasta la década de 1970. La abundancia de hachís en Goa, una forma concentrada de cannabis, la hizo popular entre estos hippies; Según “Psychedelic White” de Arun Saldanha: “Goa Trance and the Viscosity of Race”, muchos viajeros vieron la isla como “menos india” debido a su historia colonial portuguesa, y percibieron que los lugareños eran más “tolerantes socialmente”.

La playa de Anjuna en Goa se convirtió -en parte- en un punto de

Psytrance

“LA MÚSICA ELECTRÓNICA ERA MUY NUEVA EN ESE MOMENTO, ALGUNAS PERSONAS [LA] RECONOCIERON Y LA SIGUIERON. PERO AL PRINCIPIO LA RESISTENCIA FUE MUY FUERTE”. - GOA GIL

At the Dhooni, Goa, 1998 acceso porque no había ninguna comisaría, por lo que los extranjeros podían consumir drogas abiertamente sin tener que pagar “baksheesh” o sobornos.

Goa Gil, californiano, es considerado el padrino del psytrance. Llegó a Goa a los 18 años, recién llegado de la escena hippie de San Francisco.

Cuando la escena comenzó a deteriorarse hacia la violencia y las drogas duras después del verano del 69, Gil decidió emprender su propia “gira mundial de la droga”, con Goa como su última parada. “Las primeras fiestas eran en su mayoría fogatas en la playa, con guitarras acústicas y algunos tambores”, recuerda Gil, quien responde a nuestra videollamada envuelto en una túnica color azafrán, con un punto rojo de ceniza manchado en su frente ancha y arrugada.

Quizás más que cualquier otra figura, Gil encarna la intersección del espiritualismo indio y la cultura psicodélica occidental del psytrance más prematuro. Durante una gira por los sitios sagrados de la India en el 69, se convirtió en discípulo de un gurú y, finalmente, se ganó el título de “sadhu” hindú u hombre santo. Antes de pinchar, Gil prepara su “puja”, o ceremonia del templo, y dice sus mantras. Para él, “no es una discoteca bajo los cocoteros: [las fiestas de psytrance] son una iniciación espiritual”, dijo una vez.

Si bien este tipo de práctica puede parecer performativa para, digamos, un DJ blanco en Burning Man, las décadas de entrenamiento devocional de Gil hacen que su enfoque del espiritualismo rave sea menos fácil de descartar. “La música es una forma de entrar en trance, y una fiesta es un vehículo para transmitir ideas y conocimientos”, nos dice. “Siempre he visto las fiestas como una plataforma para dar bendiciones a las personas. Esta es una de las formas en que hago culto a la tierra y al espíritu cósmico”.

A mediados de los 70, Gil y sus amigos comenzaron a construir escenarios en la arena y a hacer conciertos de rock psicodélico inspirados en Grateful Dead. También cita a Rough Trade, el grupo de hip-hop industrial Fats Comet, “breaks pesados”, la banda industrial británica Portion Control, el grupo belga de EBM Front 242 y Psychic TV como sus primeras influencias.

“La música electrónica era muy nueva en ese momento”, dice. “Algunas personas [la] reconocieron y la siguieron. Pero al principio la resistencia fue muy fuerte”. Sin embargo, a principios de los 80, los sintetizadores habían reemplazado en gran medida a las guitarras eléctricas, y con la cobertura sensacionalista de los medios británicos de la escena de la fiesta hippie de Goa, los DJ europeos comenzaron a acudir en masa a la isla, preparados con magnetófonos y cintas de techno de sellos como el alemán ZYX Records.

Los tracks a menudo se mezclaban con las voces recortadas, lo que permitía a los DJ extenderlas en ritmos cambiantes y reproducirlas en cintas DAT en lugar de vinilo. El calor tropical de Goa hizo que mezclar fuera más difícil, por lo que los tracks de psytrance se produjeron con capas de sonido al principio y al final, en lugar de un simple ritmo.

“Nadie pinchaba con vinilo, ¿cómo pudiste?” Gil se ríe. “Fuera, en la playa, si sopla el viento, la aguja simplemente vuela”.

En los años 90, el trance de Goa había surgido de esta mezcla de estilos, caracterizado por patrones frenéticos de arpegio y líneas de bajo en “patrones orientales” utilizando la escala Frigia Mayor, junto con samples de mantras hindúes cantados. Todo esto estaba orientado a la expansión de la mente o, como dice Gil: “a medida que [la música] se acelera, evolucionamos con ella y nuestra capacidad para comprender las cosas aumenta”. Con la excepción de una pausa atmosférica

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Psytrance

ocasional, la estructura musical se mueve en un tejido repetitivo de bombos motorik 4/4, un patrón de bajo similar a un drone y ritmos de dieciseisavos en texturas resbaladizas que producen el “acid”, o sabor psicodélico, pinchado alrededor de 140-155 bpm.

“Estos trucos psicoacústicos mantienen a tu cerebro interesado y haciendo ejercicio mental, cosa que otros tipos de música no hacen, porque hay estructuras de verso / coro más tradicionales”, señala Ajja, un artista suizo que creció en Goa y uno de los nombres más grandes en la escena psytrance hoy en día. “La música clásica también lo hace maravillosamente. Después de un tiempo, dejas de pensar en ella y simplemente la experimentas. Habla más con tu cuerpo que con tu cerebro”.

UNA UTOPÍA HIPPIE, PERO ¿PARA QUIÉN? Desde el principio, el psytrance se enmarcó como resistente a la modernidad capitalista. “La religión, el renacimiento, la Guerra Fría, las drogas, los viajes en el tiempo, el misticismo, el desastre nuclear y la ciencia ficción eran temas populares, y en ocasiones parecía que estos mensajes se transmitían directamente desde el espacio”, escribe Dave Mothersole en “Unveiling The Secret: The Roots of Trance”, que fue a su primera fiesta en Goa en el ‘86. “Éramos los elegidos de Dios, su baile disco, los niños de las flores cósmicas girando extasiados en nuestro camino, como Shiva, hacia nuevos reinos y comprensión”. Después de dar una calada en su pipa, Gil dice: “comenzó siendo muy pequeño y underground. Los europeos, en su mayoría italianos y franceses, no querían que los miraras. Era oscuro y extraño. No había fotos en la pista de baile. Si alguien hubiera visto tu cámara, la hubiera cogido y la hubiera tirado al océano. Más tarde, en los años 90, de repente, aparecieron todas estas personas vestidas de colores brillantes. En plan, ‘¡mírame!’ Se convirtió en un ambiente completamente diferente“.

Al mismo tiempo, es imposible mirar fotos de esta época y no ver un montón de niños abrumadoramente blancos, vestidos con atuendos alternativos dignos de una sesión de fotos. Y aunque estos hippies percibían a los habitantes locales de Goa como “socialmente tolerantes”, muchos vivían en pueblos católicos conservadores, mientras que muchos otros eran devotos hindúes. Tristemente, sus perspectivas sobre la escena no están en los registros históricos de esta época. En un perfil de Goa Gil de la revista GQ, el periodista Kerry

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Harwin fue a Goa y preguntó a algunos ravers veteranos cómo los lugareños percibían sus travesuras.

“Había muy pocos [indios] en ese momento [y] ... nunca habían visto algo como esto”, dijo Walter, un canadiense de 69 años que ha estado viviendo en Goa durante décadas. “Bajarían al mar y ¿qué encontrarían allí? De repente, esos nuevos extraterrestres del espacio exterior, andaban desnudos por toda la playa”.

Cuando preguntamos si algún raver local formaba parte de la primera comunidad, Gil nos cuenta que su participación se limitó principalmente a proporcionar la infraestructura comercial para estos ravers internacionales. “Había toda una escena de tiendas de chai, donde te sentabas con las chai mamas locales que vendían galletas y comida y algunos jóvenes”, dice. A pesar de que estos hippies blancos llegaron a Goa en busca de una forma de ser alternativa y más liberada, a menudo replicaban los mismos sistemas de exclusión y opresión de los que aparentemente escapaban. “¿Por qué se volvería a crear un microcosmos blanco si el objetivo de ir a la India y a Goa es la aventura, escapar, volverse diferente?” pregunta Saldanha, en un ensayo de 2008 titulado “Goan village: race as mechanic assemblage”. Para él, los niños blancos de Goa probaron un estilo de vida “extraño” bastante diferente al que estaban acostumbrados en sus hogares en los suburbios, pero su fuga y rebelión tenía límites, perpetuando en última instancia la inercia de las viejas divisiones raciales. “Los blancos han estado fascinados y transformados durante mucho tiempo al dibujar en las culturas y paisajes de otras personas”, escribe.

En Goa, esta tendencia orientalista se manifestó en las apropiaciones de la cultura india por parte de los fans hippies blancos y sus enfoques sincréticos del espiritualismo, mientras permanecían relativamente desorientados sobre los problemas sociopolíticos del país. Cuando Harwin de GQ entrevistó a antiguos ravers en Goa, ninguno hablaba el idioma local de Goa, el Konkani, o no tenía más que un conocimiento pasajero de la emergencia de 1975-1977 de India -cuando la primera ministra Indira Gandhi lanzó una represión masiva de las libertades civiles, incluidos los programas de esterilización forzada y la tortura de sus oponentes políticos -a pesar de vivir allí en ese momento.

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“EL PSYTRANCE ESTÁ MUY RELACIONADO CON EL BAILE Y LA LIBERACIÓN DE ENERGÍA ESPIRITUAL. EN INDIA, TENEMOS FESTIVALES SAGRADOS COMO EL GANESH CHATURTHI O EL DIWALI, DONDE EL BAILE Y LA MÚSICA SIEMPRE HAN TENIDO LUGAR. EL PSYTRANCE ES OTRA EXTENSIÓN DE ESO”.- KARAN CHAVAN

En otras palabras, los experimentos contraculturales europeos y estadounidenses con drogas, música y viajes, si bien se llevan a cabo bajo el disfraz de transformación personal y subversión sistémica, aún pueden terminar reforzando la lógica del capitalismo y la supremacía blanca, los mismos sistemas de los que afirmaban escapar.

EL AUMENTO DEL TURISMO DE RAVE Uno de los legados más perdurables del psytrance es el establecimiento de una industria próspera de turismo de fiestas en Asia, que ha proliferado desde raves de luna llena en la isla de Koh Phangan en Tailandia, hasta clubes de servicio de botellas en la playa de Bali. La clave del concepto de una “utopía rave” -de la que Goa fue pionera-, es un elemento de escape, especialmente a través de viajes románticos. A principios de los 90, la represión legal contra las drogas y las raves en el Reino Unido hizo que los británicos buscaran nuevos espacios seguros para la experimentación, como Ibiza, mientras que los promotores

europeos impulsaban las fiestas de psytrance en Goa con nociones románticas de Oriente.

En su libro “Global Nomads”, Anthony D’Andrea señala cómo los viajeros en busca de placer en Ibiza y Goa -a los que llama “neonómadas”-, se distinguieron por ser más auténticos que los turistas “normales”. “La gente en estas fiestas eran fans autoproclamados... en oposición a los ‘turistas’, que eran vistos como espectros odiados alejados del riesgo y el contacto con los lugareños”, escribió D’Andrea. Sin embargo, como señala Harwin de GQ, las interacciones entre los “fans” hippies y los habitantes de Goa eran a menudo superficiales.

La escena de Goa también ayudó a dar forma al concepto de hacer un “viaje” como una forma de identidad cultural. “Los viajeros de Goa están comprometidos con un mundo de tránsito... viajando tanto desde sus hogares como desde sus estados mentales normativos”, escribe Graham St. John en “The Globalization of Musics in Transit”. De la

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irrevocablemente. “No todo el mundo está aquí para trascender”, dice.

“Algunos solo están aquí para hacerse rayas y beber, es solo otra forma de ir de discotecas”.

“Hace una década, el psytrance era una escena clandestina, pero ahora los clubes nocturnos de la India programarán noches de psytrance y tendrán tickets nominativos”, coincide Azwad Sabbir Ozzy, fundador de Psymongol, el primer festival de psytrance en el vecino Bangladesh.

La escena del psytrance de Bangladesh es pequeña, el primer evento de Ozzy atrajo solo a 60 personas, pero es parte de una diáspora psicodélica asiática en crecimiento, que está presionando contra el estereotipo del psytrance como un escenario para hippies blancos con rastas que traen la música y las fiestas de vuelta al control cultural asiático.

Hay razones estructurales detrás de la creciente comunidad del psytrance de Asia, incluida una clase próspera de miembros de la jet-set y la accesibilidad de vuelos baratos. El multiculturalismo sigue siendo una característica esencial de la escena: “los asiáticos están colaborando en la música con sudamericanos, europeos y otros asiáticos”, dice Ozzy. “Es un orgullo tener un cartel de festival psytrance compuesto por muchos países diferentes.

“Los países asiáticos están haciendo nuestro psytrance ahora”, dice, y detalla cómo los paisajes naturales de cada país tienen una gran influencia en sus raves de psytrance -desde las gélidas montañas de Nepal hasta las selvas tropicales de Malasia y las playas de la India, todas las regiones tienen sus propios e impresionantes escenarios para la fiesta. El circuito de festivales internacionales ahora incluye destinos como Experience en Tailandia, Sunburn en Goa, Atman en Sri Lanka y Earthfest en Taiwán, que se basan -en gran medida- en talentos de Asia. misma manera que “las raves techno de Berlín”, han llegado a significar un cierto estilo de vida hoy en día, “las raves psytrance de Goa” fue un prototipo temprano de cómo la alteridad de la contracultura podría darse a conocer a través de una estética, la ropa y las drogas que consumes. Los ravers comenzaron a importar y replicar el concepto de “raves psytrance de la playa de Goa” en países como Israel y Australia, formando una red global que St. John llama la “diáspora psicodélica”. Los artículos en revistas de contracultura difunden el concepto romantizado de Goa como una utopía hippie. “Hubo un gran artículo en la revista i-D llamado ‘The Overland Trail to Goa’, y el año siguiente hubo tantos [turistas] ingleses… fue increíble”, recuerda Goa Gil. “No había lugar para motos ni sitio para quedarse. No había infraestructura y la policía detuvo las fiestas, fue entonces cuando comenzaron los problemas”. Con las fiestas psytrance convirtiéndose en atracciones turísticas ruidosas a mediados de la década de 1990, la opinión de la población de Goa -especialmente la católica-, se volvió vehementemente contra estos turistas ravers y, a finales de la década de 1990, como señala Saldanha, el gobierno calculó que era mejor estar a favor de los lugareños que aceptar sobornos estacionales de extranjeros. Las redadas generalizadas de las drogas, los cierres de las fiestas y la corrupción policial podrían haber terminado con la edad de oro de la escena de las fiestas en Goa, pero la industria del turismo rave de Asia migró a las islas de Bali y Tailandia, mientras que su legado continúa creciendo en Asia -y más allá.

RESURGENCIA CONTEMPORÁNEA Hoy en día, las fiestas psytrance todavía existen en Goa, a través de la música que se reproduce en los bares de la playa o los CD que se venden con ropa hippie a los turistas. Una ley establecida en 2007 prohibió las fiestas nocturnas al aire libre después de las 10 p.m. pero, por supuesto, hay maneras de evitar esto. “Tienes que estar muy conectado y debes tener dinero; podrías pagar a 10 policías, y otros 10 policías vendrán a las puertas de la fiesta para cerrarla”, explica Karan Chavan, un productor de eventos con sede en Bombay que organiza un festival en Goa llamado Karacus Maracus.

Cuando hablamos son casi las 2:00 am en Goa y Chavan se está preparando para la próxima temporada de fiestas en la isla, que comienza en noviembre con una rápida afluencia de turistas indios, seguida de “psyheads” internacionales que escapan del invierno en sus países de origen hasta abril. Chavan admite que, con la popularidad contemporánea del psytrance, la cultura ha cambiado

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A medida que el psytrance pasó de estar hecho por máquinas como el 808 y el 909 a samplers, sintetizadores virtuales y software de ordenador, las herramientas para hacer esta música se volvieron más accesibles. Esto llevó a dividir el sonido en microgéneros como “full-on” (melódico, energético), “darkpsy” (pesado, con muchos samples de terror) y “forest” (orgánico, terrenal), pero para algunos DJs, también condujo a la monotonía. “A medida que Internet se generalizó, la música se volvió más convencional”, dice Ajja. “Cuando empecé, no había tutoriales ni bancos de samples online. Después del 2000, comenzó a ser más genérico. Había mucha menos individualidad”.

La cultura también tiene una fuerte influencia en las interpretaciones regionales del psytrance. Ozzy y Chavan notan de forma independiente cómo las raíces del psytrance en la India le dan una resonancia especial para los oyentes locales, que pueden escuchar los mismos mantras hindúes que crecieron escuchando en templos sagrados recontextualizados en la pista de baile. El vínculo entre los rituales de danza y la trascendencia espiritual también puede ser más intuitivo para aquellos con antecedentes en esta tradición.

“El psytrance está muy relacionado con el baile y la liberación de energía espiritual”, dice Chavan. “En India, tenemos festivales sagrados como el Ganesh Chaturthi o el Diwali, donde el baile y la música siempre han formado parte de ellos. El psytrance es otra extensión de eso”.

Si bien la capacidad del psytrance -y de la cultura rave- para elevar a los marginados e inadaptados permanece, tal vez su legado esté cerrando el círculo: su ética cosmopolita se está volviendo la más inclusiva de los países asiáticos, mientras que los elementos del sonido y la estética que alguna vez fueron tropos orientalistas -como los samples de los mantras espirituales hindúes-, ahora están conectando a la próspera comunidad de fans del psytrance indios (en particular) con la música a un nivel más profundo. Sin embargo, no todo es perfecto. La escena sigue dependiendo del turismo en gran medida, y los trajes “tribales” -culturalmente insensibles- todavía son demasiado comunes en la pista de baile: el proceso de descolonización está lejos de haber terminado.

Pero con una creciente diáspora psicodélica asiática, y en una era en la que muchas fronteras están fuertemente cerradas, el mensaje original del psytrance es ahora más relevante que nunca; ante todo, es un testimonio del poder trascendente de un “viaje”.

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C R Í T I C A S

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L A

S E L E C C I Ó N

D E L

D I R E C T O R

Autor: EDUARDO P. WAASDORP

VVAA 8 Years Of Cakeshop Seoul

Carousel Cakeshop es una de las instituciones de baile más reputadas de Corea del Sur. El local de Seúl celebra el próximo mes de febrero su 8vo aniversario con el lanzamiento de su propia etiqueta, Carousel Records, y un interesantísimo VVAA, con trabajos de algunos de sus más interesantes invitados. DJ Python, DJ Lag, Jubilee, Scratcha DVA o 106Mido son solo algunos de los presentes en este doble recopilatorio, que muestra solo un atisbo de la variedad sonora que se puede escuchar en las noches de Cakeshop. Una mezcla de ritmos rotos, techno, house, r&b, hardcore, electrónica con influencias, baladas, música experimental… Hay de todo para todos los gustos y de gran factura.

ROSS FROM FRIENDS Burner

VVAA NKR V.02

Scarlet Tiger

NewKids Records

Después de su altamente recomendado ‘Family Portrait’ en el sello de Flying Lotus, el británico Ross From Friends empieza el 2021 lanzando su propio sello: Scarlet Tiger. Lo hace con un single del propio Ross – alias de Felix Clary Weatherall – que saldrá el 14 de enero. ‘Burner’ se trata de un track polifacético, con tintes house, toques profundos, minimalistas y crudos, o melodías sintetizadas; destacando en gran medida el trabajo en los teclados. Como dato anecdótico, para los amantes del skate, el artwork es creación de la leyenda del skateboard Chad Muska. Un gran estreno para el sello de Ross From Friends, al que andaremos muy atentos desde esta sección.

Para quien no los conozca, NewKids Records es un sello alemán fundando en 2019, que se centra en lo más crudo y bestial del techno, rave y acid. En esta ocasión, con su ‘We Are NKR V.02’, no defraudan trayendo seis tracks que suben las revoluciones hasta el infinito y más allá con tracks de Mad Maex, STRACID, Witzemann, Steffen Grubber, Artist01 y Disruption (nombres desconocidos para muchos, pero a los que hay que tener muy en cuenta). Y aunque cada artista traiga su sonido particular, la compilación es una homogénea colección de tracks diseñadas para reventar zapatillas y bombos a partes iguales. Techno directo al pecho, de gran factura. Poco más que añadir.

AAHAN Unholy Empire

DINKIS Good Morning World

Monnom Black

Wout Records

PERSONA

Aahan debuta en el sello Monnom Black con este trabajo de cuatro cortes en clave techno. Y vaya techno… Habiendo sacado previamente en etiquetas de la talla de Clergy, Syntax Error o Grounded, el artista de Toronto nos trae ahora su particular martillo al sello de Dax J para demostrar de qué pasta está hecho. Presión sonora y ritmos percusivos para brindar un viaje de techno físico y directo, sin apelativos y con una construcción sin florituras. Y aunque son cuatro bangers, mención especial a ‘Understand and Heal’, un poco más intrincado, cargado de atmosferas épicas, surreales y un tanto distópicas, que le hacen a uno viajar más a la mente de Aahan. Muy a tener en cuenta este nuevo año.

El artista siciliano Dinkis presentaba a finales del año pasado este trabajo en largo formato, en su sello, Wout Records. Crear un álbum es siempre un trabajo de introspección, de lucha interna, que acaban conectando partes de la creatividad que antes estaban separadas. Esto se refleja realmente en el álbum de Dinkis ‘Good Morning World’, una oda de piano en clave contemporánea. Las pistas consistentemente lentas son pequeñas historias sutiles y dinámicamente complejas. Universal, frágil, cinematográfico, el lenguaje musical que Dinkis aquí articula abre visiones más auténticas y accesibles sobre su paisaje musical único, cargado de atmosferas suaves, sonidos evocadores y melodías que interactúan entre sí.

01. LPZ ‘Metamorphosis’ [LPZ Records] 02. Moevius ‘Time Machine’ [Fat Trax] 03. Rodion ‘Fetanfetamine (Zombies In Miami Remix)’ [Science Cult] 04. Sheefit ‘Desce’ [LPZ Records] 05. X.L.V. ‘Nivel Mental 3’ [Caustics] 06. Russell ‘Sentir’ [Halcxn] 07. Rover Ranger ‘You wanted both so I give you both’ [1Ø PILLS] 08. Random Atlas ‘Sample & Hold’ [HeaRec] 09. Qasio ‘El Tirano’ [Null Werk] 10. Tom Tom Clubber ‘Neo’ [Discos Patocarlos]

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C R Í T I C A S

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Á L B U M E S

Autor: BRUNO GARCA / bruno@djmag.es

THE PARADOX: JEAN-PHI DARY & JEFF MILLS Counter Active Axis Records

Este nuevo proyecto del veterano Jeff Mills con el no menos entrenado multi-instrumentista de jazz Jean-Phi Dary es, además de un ejercicio único de talento e improvisación, un pacto con el diablo.

En el buen sentido. Ambos aportan sus virtudes obteniendo un resultado final asombroso, natural y muy fácil de degustar. La chispa mágica que se ha originado entre estos dos impone. En temas como ‘The X Factor’ uno no deja de flotar sin peligro a caerse. La simbiosis entre techno, electrónica sin prisas y, por supuesto, una exquisita instrumentación jazzera, es tremenda. Parecida sensación se sucede una y otra vez en cortes como ‘Ultraviolet’ o ‘Twilight’. En este disco se percibe además un nivel alto de conciencia espiritual y mucha verdad.

DANIEL VAN LION UVVA

ETCH Strange Days

Menta

Seagrave

Hay artistas a los que admiro que de repente entran en casa sin avisar antes. Me ha ocurrido con Daniel Van Lion. ‘UVVA’, su nuevo álbum, que tan oportunamente recoge el testigo de ‘Tropismes’. El productor afincado en Madrid vuelve a lucirse como hechicero patrio de las atmósferas y ambientes futuristas no exentos de ocultismo y dentelladas rítmicas afiladas. Detengámonos en ‘SALMO BINNARIO’ y veremos qué pasa. Impresionante tunda de arpegios, metales rotos e incluso bombeo herencia del hardcore-techno. Nuestras neuronas se llenarán también de moratones con ‘EVVANGELIA’. En definitiva, 11 piezas donde se explora además conceptos como lo sagrado y lo litúrgico. Dentro de un contexto marcado por el progreso tecnológico. Con el látigo en una mano, y el crucifijo en la otra.

Un par de años después de aquel asombroso ‘Ups & Downs’ nos aterriza ‘Strange Days’. El de Brighton ha decidido pedir prestado el nombre a una de mis películas favoritas de siempre. En cuanto a la música, no es más de lo mismo. Lo cierto es que en esta ocasión trastea con ritmos más esqueléticos (en tramos hasta aburridos) y ambientaciones secas o fantasmales. Buenos ejemplos serían ‘The Man with the Other Face’ o ‘In a Monochromatic Wilderness of Pain’. Bien que acuden en nuestro auxilio pistas como ‘Distrust’, ‘Red Moon’ o ‘No Sided Shape’ donde Zak Brashill sí nos demuestra sus virtudes a la hora de deconstruir beats y géneros afines al underground británico.

GACHA BAKRADZE Obscure Languages

MAX LE DARON Unless Tomorrow

Lapsus

Akwaaba Music

El georgiano Gacha Bakradze regresa a la escudería Lapsus para seguir deleitándonos con un nuevo álbum. Titulado ‘Obscure Languages’, se trata de hecho de su segundo trabajo para esta santa casa con sede en Barcelona. El nuevo disco persigue la estela dejada por el anterior, aunque sumergiendo su sonido en texturas más sombrías. Quizás menos melódico, sí un tanto más detallista. Incluso microscópico como sucede en los cortes ‘Frame’, ‘Lead’ o ‘Lift’. En este último sí que nos demuestra destellos lúcidos y naturales, al contrario de las muchas pistas del LP que se rinden al electro y a una IDM con tintes contemporáneos. Es realmente un colchón precioso. Y muy cinemático. Algo que si estará presente a lo largo y ancho de un muy notable lanzamiento.

Que no te engañe la portada. Vale, ese chaval tan pálido es Max le Daron, sin embargo con su sonido vamos a embadurnamos hasta los topes de africanidad. Es un encuentro provocado entre el productor belga y diversos músicos de Acra (capital de Ghana) como EliAFree, Stevo Atambire, Gan Gah, Joey le Soldat… hasta un total de once. Con esto nos queda un álbum bien disperso, colorista, y sin prejuicios ni complicaciones. En la producción de este disco hay mucho de improvisación. De auténticas jams donde los vúmetros han debido echar humo con temas como ‘Mama Kollo’ o ‘Naagtaba’. Sobre todo cuando los sonidos (y lenguas) locales, un buen batallón de bajos y rítmica electrónica entrecortada toman la batuta ¡Ahí tenemos ‘Ware’!

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C R Í T I C A S

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Á L B U M E S

Autor: BRUNO GARCA /bruno@djmag.es

NOCTURNAL SUNSHINE Full Circle (Deluxe)

RONE Views of a Room

I/AM/ME

InFiné

Maya Jane Coles – artista todoterreno a la cual admiro – acaba de publicar su segundo álbum bajo el abrigo de Nocturnal Sunshine. Volvemos a toparnos con un disco plagado de atmósferas, beats y estados de ánimo cambiantes. Un ‘circulo completo’ donde participan un buen puñado de buenos artistas. Cogiendo aire… Peaches, Young M.A, Three 6 Mafia’s Gangsta Boo, CHA$EY JONES, Chelou, Thomas Knights o Ry Cuming aka Ry X, quien precisamente firma uno de los momentazos, ‘Gravity’. Con permiso, claro está, de ‘Possesed’, ‘Lessons of Life’, ‘To the Ground’ o ‘Tied Up’. Bendecida a la hora de revolver con el step, grime y los ambientes renegridos, un tanto más corriente, poquísimo sorpresiva, encarando hip hop y trap. Sea como sea, en términos generales, Maya sigue encapsulando audacia.

Afirmar lo evidente. Rone es actualmente uno de los productores más versátiles y en forma de la escena, ya no solo gala, sino también europea. Este mismo 2020 nos sorprendió con el magnífico ‘Room with a View’ del que solo hablé lindeces en su día. Pues bien, para rematar la faena no se le ha ocurrido otra cosa que reunirse de una panda de verdaderos artistazos para que recreen ese mismo disco. Es cuando nos vamos a encontrar con nombres como Plaid, Ulrich Schnauss, Maceo Plex, Si Begg o Mathew Jonson. El resultado final es una sobresaliente propuesta donde cada uno desviste y viste el sonido de Rone a su manera. Invitando al baile en su mayoría, pero también se riega muchísimo con electrónica.

SHANGHAI RESTORATION PROJECT Brave New World Symphony

SILVERLINING Simulacra

Undercover Culture Music

Silverlining Dubs

Sun Yunfan y Dave Liang forman este dúo neoyorquino que hace apenas un año se dio a conocer en nuestro país. Es curioso, justo un año después, y con el mismo número de canciones, nueve, regresan con un nuevo lanzamiento discográfico compuesto y grabado íntegramente durante los meses de confinamiento en la Gran Manzana. La dichosa pandemia despertó el nervio, la creatividad y la sensibilidad de esta pareja para acabar componiendo un largo muy ecléctico, en boca de ellos, la representación musical de un virus que está resultando muy difícil de batir. Shanghai Restoration Project se proyecta musicalmente a través de electrónica retro futurista, sonido disco para astronautas e incluso e-funk y retazos tradicionales de sus ancestros (asiáticos). Para bailar y divagar.

Fue a mitad de la década de los 90 cuando este artista comenzó a despuntar. Ahora se cumplen 25 años de la publicación de su primer disco y qué mejor celebración que estirarse con nuevo álbum. ‘Simulacra’ es un todo para este DJ y productor, donde consigue aunar en menos de diez canciones su pasión por el house underground londinense, así como el electro-funk tintado con dub (‘Contracultura’, ‘Observa’) e incluso gracias al cierre, por el funk cósmico y bizarro (‘Recognitia’).

Donde sin duda se siente mejor aclimatado es trasteando con el house de la vieja escuela. En este sentido disfrutamos de buenas propuestas como ‘Fulcra’, ‘Tundra’ o ‘Aura’. En todas sus producciones se refleja el respeto por un sonido y una escena concreta. Íntegro.

KAS:ST A Magic World Afterlife Recordings

La dupla parisina formada por Carol Herse y Manuel Sene se ha sacado de la chistera un señor disco. Emocional y de altos vuelos. KAS:ST edifican su segundo álbum entre un cielo encogido de beats y ambientes electrónicos realmente fascinantes. Ah, y una envidiable colección de colaboraciones vocales. Artistas como Brume, Hi Levelz, Hansom Eli o Be No Rain encumbran un trabajo cuidado al milímetro. Otros que sabemos han aprovechado el encierro global para explorar y redescubrir su sonido. Hasta la profundidad de este disco, su masterización me resulta ideal. Todo suena brutal y actual. Nos atrapan en una narrativa donde caben desde la fiereza del techno-trance (‘75ZOO’, ‘Outomorrow’) a pellizcos de electrónica cerebral (‘Siren’, ‘Letters’) y por supuesto sonidos impulsivos y mecánicos (‘VTOPIA’).

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C R Í T I C A S

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B R E A K S

Autor: EDUARDO CARBONELL / evilsound@djmag.es

BICEP Isles

Ninja Tune El dúo Bicep (Matt McBriar y Andy Ferguson), es una de las formaciones que más está dando que hablar en la escena electrónica en todas sus vertientes. En el breaks no iba a ser menos, ya que el dúo, de Belfast y con sede en Londres, ha presentado siempre algo de ritmos rotos en sus últimos trabajos. Desde su gran producción ‘Glue’, a los dos primeros singles del esperado álbum ‘Isles’, titulados ‘Atlas’ y ‘Apricots’. En su tercer single, titulado ‘Saku’, unieron fuerzas con la vocalista Clara La San, creando una pista footwork de lo más interesante. Por fin este día 22 de enero sale el álbum completo por Ninja Tune, compuesto por 10 tracks en formato digital, CD, vinilo y cassette.

SUB FOCUS & WILKINSON Portals

LADY WAKS, MUTANTBREAKZ We Keep The Fire Burning

Virgin EMI Records

In Beat We Trust Music

En el número de junio del año pasado, ya hablamos del tremendo trabajo ‘Just Hold On’ de Nick Douwma, más conocido como Sub Focus, y Mark Wilkinson, conocido simplemente como Wilkinson. Se trataba de un single de adelanto de este álbum en conjunto titulado ‘Portals’, que lleva dos meses cosechando éxitos, donde estos dos grandes DJs y productores ingleses se alejan de su zona de confort para adentrarse en una dirección más expansiva y experimental. Buscando incorporar instrumentos reales y más profundidad a su música, la pareja se retiró durante un mes completo en 2019 a Real World Studios, el legendario estudio propiedad de Peter Gabriel. El resultado, 11 excelentes producciones de liquid funk, breaks y hasta melodic techno.

La DJ y productora rusa Alexandra Seregina, más conocida como Lady Waks, se une como es ya habitual a nuestros paisanos Mutantbreakz, el dúo gaditano compuesto por Rubén Bernal y Ángel Tocino. El single en cuestión se titula ‘We Keep The Fire Burning’ y han escogido para la colaboración vocal nada más y nada menos que al mítico artista inglés MC Navigator, creando una pista breakbeat, con toques ragga, muy potente para la pista de baile. El single incluye la versión original y una remezcla a cargo de otro peso pesado inglés, como es el productor Deekline, que le da una vuelta de tuerca de estilo 2step. La artista también ha añadido recientemente a Spotify su hit ‘Minimal’ de 2007.

PETER PAUL Festivalia

SPECIMEN A & RASCO Yesterday

N-Mity Sound Recordings

El onubense Rasco, otro peso pesado de nuestro país, vuelve a nuestras páginas con varias novedades. Por un lado, tenemos este gran single titulado ‘Yesterday’, repitiendo colaboración con Specimen A, los hermanos ingleses Phil y Morris Jones. En esta ocasión bajo el sello Hot Cakes propiedad del también inglés DJ Deekline. Una producción con mucho sabor retro y rave. Por otro lado, un edit del track ‘Machine Heart’ de Teddy Killerz, que ofrece gratis en su cuenta de Soundcloud.

Para terminar, si te perdiste la gran actuación en streaming que emitió durante de 12 horas sin cortes, el pasado día 19, puedes encontrarla en diferido en la página de Facebook de ‘Templo Transition’. Todo un homenaje a la mítica promotora Satisfaxion.

01. Adam Vyt ‘Dreams (Vocal Mix)’ [13monkeys Records] 02. DJ Narrows ‘Revolution’ [Revolution Records] 03. Destroyers, Yo Speed ‘The Monster’ [Elektroshok Records] 04. Sekret Chadow ‘Far Away’ [13monkeys Records] 05. ilLegal Content ‘I Wanna Rock (Kuplay Remix)’ [Distorsion Records] 06. Khoiser ‘Fantasy (Perfect Kombo Remix)’ [Breaks Club Records] 07. Kid Panel ‘R U Ready’ [The Pooty Club Records] 08. Amb ‘Mechanical’ [Money Shot Recordings] 09. D’Arcangelo ‘TimeLss (Kettel Remix)’ [Analogical Force] 10. Mr. Frog ‘Almax’ [13monkeys Records]

(13MONKEYS RECORDS)

Uno de nuestros referentes patrios vuelve a meterse en el estudio para lanzar nuevo material. Hablamos del veterano DJ y productor sevillano Peter Paul, que nos ofrece un nuevo lanzamiento a través de su longevo sello N-Mity Sound Recordings, el cual cumplía recientemente 20 años desde su apertura. En esta ocasión Peter se aleja un poco de su característico estilo techno breaks, para ofrecernos un original de indietrónica titulado ‘Festivalia’, haciendo honor a unos eventos organizados por él mismo a comienzos de los 2000 bajo el mismo nombre. El single en cuestión viene acompañado por un remix de techno oscuro a cargo de Madstem y un autoremix del propio Peter Paul de estilo breaks, para no perder las buenas costumbres.

SEKRET CHADOW

Hot Cakes

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C R Í T I C A S

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D R U M

&

B A S S

Autor: ROHAN G. FINGER / finger@djmag.es

KHRAMER FT. TEE AMARA Bodied

Parallel Depth Ya tenemos aquí la primera referencia de 2021 de uno de los sellos más interesantes de la escena nacional en los últimos años. Los sevillanos Parallel Depth empiezan muy fuerte el año y es que han contado con el talentazo del menorquín Khramer, co-director del netlabel de freebies Talayotik Sound. ‘Bodied’ es un EP de tres temas donde da una vuelta de tuerca a su sonido sonido deep y minimal, mostrándonos su evolución y madurez tanto técnica como creativamente. En el tema que da nombre al trabajo, ha contado con las voces de Tee Amara, dando como resultado un absoluto temazo que combina la densa oscuridad de sus basslines con un aura luminiscente aportada por las vocales souleras de la también menorquina.

NEVE United

DSP Fake Worlds

Guidance

Symmetry Recordings

El capo de nuestros queridos The Dreamers no solo edita música a través de su sello. Sin ir más lejos, el pasado mes de noviembre veía la luz su fabuloso ‘Flowrida EP’ a través de Unchained. Pues bien, este mes el italiano lanza EP a través de Guidance, un buenísimo trabajo titulado ‘United’, que recoge cuatro tracks con un sonido que se aleja del drum & bass de influencias hybrid footwork presente en otros releases, mostrando quizá un sonido más contundente, cercano en algunos pasajes al neuro más exquisito. En uno de los temas ha contado con la collab a las voces de Ben Verse (Ex Pendulum), y en otros dos ha trabajado mano a mano de forma independiente con los también italinos, Crimson y Synth Ethics.

El británico DSP vuelve a través de Symmetry tras más de un año desde que lanzó ‘Destination EP’. En esta ocasión presenta ‘Fake Worlds EP’, el cual recoge cuatro cortes (‘Moving On’, ‘Moonlight’, ‘Don’t Know’ y ‘FakeWorlds’), donde fusiona su característico sonido de influencias junglist con un drum & bass de claras reminiscencias tech funk, encontrando una gran variedad de elementos que contrastan entre ellos como son voces nostálgicas y conmovedoras, con cálidos reeses jungly. Este es su tercer lanzamiento en la escudería del todopoderoso Break y el cuarto de su carera, y estará disponible a partir del día 8 de este mes en todas las plataformas digitales.

SHIVA SKANK & SEÑOR R Pa tol Mundo (Boombassbrothers Remix)

DEBICE Nemesis Grand Theft Audio Recordings

South Yard

JAUKEM

Y justo el 6 de enero, día de reyes, tras cerrar el año pasado por todo lo alto, ve la luz la nueva referencia de 2021 de la escudería South Yard. En esta ocasión presentan el debut de Shiva Skank, nuevo nombre artístico de P.I.T.B, 50% de los cordobeses Boombassbrothers, con el que le veremos moverse tanto dentro del drum & bass como del reggae digital. Para su puesta de largo presenta un maxi single de dos cortes donde ha contado con el reconocido vocalista malagueño Señor R, encontrando por un lado el tema original en clave reggae, y por otro, el remix dubwize de matices jungle que ha hecho junto su hermano de sangre Bassclap, como Boombassbrothers.

Grand Theft Audio es un sello de drum & bass con base en Manchester al que hemos tenido el gusto de descubrir gracias al debut en sus filas del productor de Girona, Sanse, que en esta ocasión aparece con su nuevo aka Debice, dentro de las séptima entrega del EP colectivo en clave upfront d&b titulado ‘Vibrations’. Siempre apoyando el producto nacional, destacamos ‘Nemesis’, donde Debice nos teletransporta a la dorada época de mediados de la década de los 2000, a través de un tema muy pistero con una intro épicamente progresiva que desemboca en un jovial drop con protagnismo de trompetas, muy al estilo de Pendulum o Drumsound de hace tres lustros.

01. Etkats ‘We could be doing the right thing’ [Etkats] 02. Vema Diodes ‘Dark Ambition’ [Util Recordings] 03. Joe Frusciante ‘Brand E’ [Planet MU] 04. Martyn & Om Unit ‘Passenger’ [3024] 05. Tamen & Pugilist ‘Guidance’ [3024] 06. Dj Earl ‘Wrk Dat Body’ [Moveltraxx] 07. Caterva ‘Jump’ [Le French Work] 08. Fracture & Sam Binga ‘Chessington’ [Astrophonica] 09. Machinedrum feat. Rochelle Jordan ‘The Relic’ [Machinedrum] 10. Klute ‘Soul Boy’ [Commercial Suicide]

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C R Í T I C A S

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T E C H N O

Autor: MUGNI / mugni@djmag.es

JON HESTER Converge - Part II

Rekids Jon Hester es un artista originario de Minneapolis, que en los últimos meses ha venido metiendo mucha caña a la escena techno. Lo suyo no es explorar ámbitos nuevos o desconocidos, pero si que lo es el imprimir un montón de rollo y groove a los temas. Tanto que muchos relumbrones de la escena ponen sus temas sin parar. En esta segunda parte de ‘Converge’, nos encontramos con un Hester más maduro que en sus anteriores producciones, manteniendo su groove, pero añadiendo mas calma y madurez. Dentro nos encontramos un total de ocho temas que funcionan tan bien en la pista de baile como en la escucha en casa. Definitivamente es un disco para tener, escuchar y, como no, disfrutar.

DROUGHTWERK Glare EP

G FLAME I Want You

Droughtwerk

No. 19 Music

Siempre existe un peligro con los artistas que reducen y simplifican los nombres de las cosas. Está más que comprobado que cuando el nombre del sello y el nombre del artista es compartido, existe un riesgo evidente de encontrarte con un producto altamente personal.

Y aquí se cumple esta predicción, ya que el trabajo es muy personal y queda evidencia de que no todos los temas van a ser fácilmente asumibles. Cuatro temas que bailan y se desarrollan entre diferentes aproximaciones, pero manteniendo como hilo conductor el sonido agresivo, ofrecido por la distorsión generalizada. Se perciben retazos de la parte mas futurista del techno, pero no demasiado. Este trabajo viene a ser una especie de presentación personal y poco más.

Si no lo sabes, ya te lo digo yo. Y si lo sabes te lo repito. G Flame es Cisco Ferreira, que a su vez es The Advent. Solo eso es suficiente razón como para que al menos tengas la obligación de darle una escucha a este trabajo. Aquí como G Flame, Cisco recupera a su aka más enfocado en el Hi-Tech Soul y el house, para hacernos de alguna forma retrotraernos al sonido más noventero y cálido que te puedas imaginar. Sonidos de siempre que funcionan igual de bien que en el pasado, con una línea indefinida entre el techno y el house de alta calidad. Mensajes directos y sólidos, mucho grooove y esencia musical. ¿Necesitas saber algo mas? Creo que no. Ve ya y hazte con este trabajo.

NISSIM Uneven Ground

SUBRADEON We are Resilient

NISSIM

Subradeon Records

DEVELOPER

Aquí tenemos un trabajo en largo que de alguna manera nos ofrece una vista al abanico de las posibilidades que existen en el bolsillo de NISSIM, procendente de Oriente Próximo. Entrando en materia, vemos – o mejor dicho escuchamos – mucha agresividad en los temas. Abunda el uso de distorsiones y de enfoques directos, lo que puede llegar a resultar un poco demasiado para un álbum. Por no decir que en ninguno, diré que en pocos momentos existe una brizna de descanso, pero ¡qué demonios! Si nos ponemos rudos, nos ponemos rudos. Este es un trabajo que demanda varias escuchas, porque algo esconde, y no es malo.

Introducirse en las tierras y el mundo del High-Tech Soul es complicado y difícil. Por varios razones. Una de ellas es que es un estilo demasiado acotado y de forma rápida se vuelve manido. Si el artista se decanta por un estilo minimalista, puede entrar fácilmente en las tierras del señor Robert Hood y eso es tentador a la ves que muy usado. Esto es lo que básicamente ocurre con este trabajo. Las intenciones son buenas, pero el resultado no llega donde debería.

Viene al rescate DJ Rolando con un remix que, desafortunadamente, no impulsa al trio de temas originales… quedándose en la misma línea. Únicamente imprime algún sonido que, de alguna forma, nos esboza el recuerdo del ‘Jaguar’, pero solo el recuerdo.

01. Developer ‘Rage Against The Dying Of The Light’ [Developer Archive] 02. Specific Objects ‘The Spaces Between’ [Olympian] 03. Vinicius Honorio ‘Ulterior Motive’ [Olympian] 04. Dustin Zahn ‘The Oregon Trail’ [Token] 05. Bily ‘Quantum’ [R3] 06. Szmer ‘Essence’ [Dynamic Reflection] 07. Ritzi Lee ‘Perception of The Know’ [Mord] 08. Dolby D & Juan Trujillo ‘C’ [Alleanza] 09. NEREID ‘Vapid’ [Warped Core] 10. Tadeo ‘And Action’ [Axis Records]

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C R Í T I C A S

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E L E C T R Ó N I C A

Autor: CARLOS FLAVIO BUSTOS / carlos@djmag.es

DARLYN VLYS Modelo 303

Dust & Bood Dust & Blood es el nuevo sello de Damon Jee. Para el primer lanzamiento, da la bienvenida a su buen amigo Darlyn Vlys, quien ofrece tres producciones devastadoras con un remix del creciente productor de Kompakt, Paulor. La voz de Northen Lite hace justicia en un fascinante EP, que entra directo a lo mas top para llevar al clubber a un nuevo estado de nirvana. Melodías progresivas y bajos rudos y abrasadores se dan cita en ‘Modelo 303’.

PERSONA RS Diatom

VVAA Five Years of Love

LPZ Records

System 108

Desde Latinoamérica, el artista chileno Roman RS presenta para el sello LPZ Records un trabajo muy completo. En él vemos algunos de los temas ambientales más profundos de este lado del continente, como el colorido track que da nombre al disco, ‘Diatom’; el más cercano ‘Revive’; o experimentaciones techno como las de ‘AI Overlord’, ‘Vampisol’ o el track ultra pesado ‘SFAX’. DJ Mag ES os presenta ‘Diatom’, profundidad tanto para la pista de baile como para los auriculares, ¡compruébalo!

El disco de aniversario ‘Five Years of Love’ resume el trabajo de cinco años del sello System 108 con esta fantástica VA. System 108 ha madurado mucho estilísticamente y ha delineado las principales direcciones musicales dentro de su formación: post-industrial, techno y breakbeat, disco y house. Destacamos tracks como ‘Prison Of Your Spell’, de la nueva figura emergente Errortica, quien manifiesta toda una declaración de intenciones en cada track que produce. Esta VA compuesta por 14 pistas, es el resultado de un fuerte sonido “ruso”, que construye una comunidad musical única y creativa.

AÚN NO Boxes

TIM JACKIW Algorhythms EP

Fulmen Records

Physical Education

AÚN NO

El dúo berlinés Aún No lanza su EP debut en Fulmen Records. El trabajo contiene ‘Boxes’, un tema sólido con ritmos rotos, invitando a bailar, pasando por sentimientos de nostalgia, a esperanza. A cargo del primer remix está Bawrut, que presenta su remix impecable moviéndose entre la luz y la oscuridad, con un groove adictivo, como reflejo de los tiempos que vivimos. El EP continúa con un auténtico banger de Zombies In Miami, recordándonos los años dorados del rave sin perder un ápice de personalidad.

Tim Jackiw, con orígenes de Ucrania/Australia, presenta un EP absolutamente meteórico compuesto principalmente por techno con claras influencias Detroit. Líneas ácidas abrasadoras y unas melodías coloristas que recuerda a lo mejor del techno viajero y sonido 909. Este nuevo trabajo está compuesto por cuatro originales cargados de autentica esencia electrónica. Destacamos pistas como ‘Bass Equations’ o ‘Dynamic Control’, techno paisajista y directo al alma, entrando por la puerta grande a 2021.

01. System Olympia ‘My Lincoln with DXJX’ [Slow Motion Records] 02. AWITW ‘Acid Paradise’ [Synthwave Cafe] 03. DMX Krew ‘Sweatisfaction’ [Breakin’ Records] 04. Bliss Inc. ‘Transitions’ [Radiant Love] 05. Brassica ‘Lydden Circuit’ [Civil Music] 06. Objekt ‘Secret Snake’ [PAN] 07. Privacy ‘NCSC’ [Klakson] 08. Legowelt ‘System Shapeshift’ [Club Excursionista de l’Electrònica (C.E.E.)] 09. Urban Soul ‘Alright’ [Cooltempo] 10. Kid Machine ‘Lost Discotèque Lovers’ [Viewlexx]

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C R Í T I C A S

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D E E P

Autor: CARLOS PEGGO / c.peggo@djmag.es

YOKOO Jivanmuktih

Rebellion El sello secundario de Crosstown Rebels, Rebellion, estrena año con un EP de cuatro pistas de YokoO, titulado ‘Jivanmuktih’ que incluye una colaboración con el artista de Atlanta, Bobi Stevkovski. YokoO describió las circunstancias actuales como una ayuda para su creatividad, declarando: “Después de meses de quietud lejos del ruido de la vida, desconectado de las tecnologías y sintonizado con un profundo estado de contacto con la naturaleza, regresé a mi estudio inspirado y decidido a crear música diferente por la que me hice conocido. Este EP muestra la continuación de mi exploración a través de los sonidos a medida que avanzo en la transición hacia mi yo creativo”.

PABLO FIERRO Bangalora

DATELESS Bee

We’Re Here Music

Hot Creations

Hot Creations inaugura el calendario de lanzamientos para 2021 con estos dos magníficos tracks del deejay y productor Dateless.

El EP titulado Bee, supone el debut del artista con sede en Los Ángeles habiendo lanzado anteriormente en la filial Hottrax. El track principal ‘Bee’ es el tema con más ritmo y fuerza, con compases de percusión de 4 tiempos y un sintetizador principal acaparador. Sin embargo, ‘Line In The Dirt’ es una pieza básica pero perfectamente ejecutada, con un bombo minimalista y una excelente pista vocal.

Nuestro artista de portada del pasado mes de septiembre, Pablo Fierro, nos deleita una vez más con un track que emana sonidos espirituales de Oriente Lejano, perfectamente producidos en una pista house, ‘Bangalora’. Es la segunda pieza que presenta en su propio sell, que recientemente presentó, llamado We’re Here, que inauguró con ‘Boulevard’. Un claro ejemplo de la gran calidad que tenemos en la escena española y a la que, por supuesto, nos complace apoyar.

LEE WALKER Tricks

PALASTIC Caught In a Dream

Madhouse Records

Selected

ALBERTO HERRERA

El reconocido británico Lee Walker abre el año 2021 del sello Madhouse Records de Kerri Chandler con el álbum ‘Tricks’, con mezclas de UK y US Garage, además de ofrecer las respectivas versiones en clave dub. El US Garage Mix de Lee establece el mood del lanzamiento, con sus característicos bombos contundentes, mezclados con notas vocales relajantes. Los sintetizadores que se hacen eco y crean una sensación maravillosa de madrugada, antes de que el UK Garage Mix simplifique las cosas y ofrezca una frescura con sutiles redobles de piano, que hacen del track una pieza extraordinaria en cualquiera de sus partes.

Palastic está formado por un curioso dúo de Viena compuesto por el arquitecto Philipp Pichler y el científico e ingeniero de cohetes Sebastian Keerl, anteriormente conocidos por su aka de Dubstep Naked Fish. Tras el exitoso ‘I Care’, Palastic nos presentan ‘Caught In A Dream’, su último release en el que participa la vocalista LissA, una pieza que toda lista de deep house actual debería contemplar incluir. Un track fresco y con los característicos synths que tanto nos recuerdan a grandes talentos como Ben Böhmer.

01. Joris Voorn & Yotto ‘Antigone’ [Spectrum Music] 02. Yeah But No & Adam Port ‘Run Run Run’ [Keinemusik] 03. Tom Demac ‘Serenade’ [Kompakt] 04. Peer Kusiv & AVEC ‘On My Mind’ [Embassy One] 05. Yannek Maunz & Seasoul ‘Goldfish’ [Peace Peter Records] 06. Peer Kusiv ‘Tundra’ [Einmusika Recordings] 07. Milkwish ‘Acrobat’ [Deep Woods] 08. Hidden Empire ‘Hiding’ [Stil Vor Talent] 09. Booka Shade & Kaktus Einarsson ‘I Go I Go’ [Blaufield Music] 10. Rafael Cerato ‘Till We Fall’ [Bar 25 Music]

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C R Í T I C A S

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T E C H

Autor: EKAI / ekai@djmag.es

DEMARKUS LEWIS Learn To Know

Houph Segundo mes consecutivo que el veterano Demarkus Lewis se nos cuela en esta sección. En esta ocasión lo hace a través del sello Houph donde firma un exquisito sencillo que también me ha recordado al estilo de música que hacía cierto dúo holandés el cual recientemente acaba de cambiar su nombre. En ‘Learn To Know’ el productor confecciona una pieza elegante donde una batería 909 con el justo y apreciado swing asienta las bases sobre las que una cadencia de acordes en modo menor dibuja un divertido patrón. De ello se sirve Ricky kk para elaborar un remix donde sigue la estela de Demarkus ofreciendo un corte housey.

LEE FOSS & FERRECK DAWN FT. ALEX MILLS The Void

MIHAI POL & MIROLOJA Up / Cut Me More Than Music

Repopulate Mars

Los que aman la tranquilidad y huyen del bullicio han de saber que este año es buen momento para visitar Ibiza. En la capital de la isla (Carrer del Bisbe Abad y Lasierra, 13) se encuentra la coqueta tienda More Than Music regentada por 2Vilas. Con una selección musical muy cuidada y haciendo apología del ‘vinilismo’, además de la tienda, comandan un sello el cual tiene unas interesantes referencias para los amantes del minimal-house más vanguardista. Dentro de este concepto nos encontramos su octava referencia, un Split de Mihai Pol y el dúo francés Miroloja.

Lee Foss y Alex Mills vuelven a hacer equipo para ofrecernos un track de Tech-House vocal donde un increíble hook (como viene siendo habitual en las producciones de Mr. Foss) sobresale sobre todos los demás elementos. Además, añaden la figura de un míticol en las producciones House más movidas como es el caso del holandés Ferreck Dawn, quien se encarga de armonizar con el piano creando una terna que ofrece un producto final muy sólido. Quizás a modo de opinión, a esta producción le sobren los redobles de caja antes de las subidas. De hecho, ya que tengo este espacio, me gustaría lanzar un mensaje sobre los elementos usados para crear tensión: innovar, ¡por favor!

PRIKU FEAT. DINU Cleo / Deep Grey Under The Moon

PRODOT Dubs XVI

Eastenderz

Blind Vision Dubs

D’JULZ

Otro vinyl only que se cuela en esta sección es la vuelta del rumano Priku al sello de East End Dubs, Eastenderz. Esta vez nos ofrece un par de tracks junto a otro rumano, Dinu, con el que a la sazón de lo escuchado vemos algo atípico y agradable de disfrutar. El disco que estará disponible en vuestras tiendas favoritas a partir de la última semana de enero y en él nos encontramos con ‘Cleo’ un track de marcado acento rumano donde unos acordes van confeccionando una pieza muy coherente y contenida. En cambio, con ‘Deep Grey Under The Moon’ se va un poco de desmadre la cosa siendo esta una pieza que no deja indiferente.

En mayo de 2017 cuando cogí el testigo de Souldate y me puse manos a la obra con estas reseñas, me acuerdo perfectamente de que reseñé una de las primeras referencias de Blind Vision, un excelente trabajo del mexa Miguel Puente. Tres años y pico después aquí seguimos, esta vez reseñando el gran trabajo del argentino Prodot para la sección Dubs. Cuatro cortes de un micro-house fino y exquisito.

Como a mi juicio debe ser el micro-house, algo sencillo pero a la par que lleno. Entre los cuatro tracks sin duda alguna ‘Special Things’ sobresale gracias a un lead FM que envuelve el tema.

1. D’Julz ‘Weeken Warrior’ [JV Recordings] 2. Franco Cinelli’ Tribute to Mike Huckaby’ [Bass Culture] 3. Huerta ‘Ruff Groove’ [Leizure] 4. DJ Honesty ‘Unforgetable’ [Bass Culture] 5. D’Julz ‘Le bal du ciment’ [Logistic Records] 6. Purple Jam ‘A’ [PJ01] 7. Stanley Cul de Brique ‘Jus d’orange Mécanique’ 8. La Peña ‘B1’ [Rhythm Factory] 9. Le Fit Club ‘Machine Pincher’ 10. All Nighter ‘The Empress’ [All Nighter Records]

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C R Í T I C A S

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T R A N C E

Autor: LEIRE ZULOAGA / leire@djmag.es

MAARTEN DE JONG Energy Crash

Who’s Afraid Of 138?! ¡Definitivamente no es para débiles! Feroces líneas de bajo causan estragos con paneos de alta precisión y su melodía, que proporciona el nivel optimo de contraste, antes de regresar al modo destrucción. ¡¿Decidme si no cumple todos los requisitos de un destructor de pistas!?

KEY LEAN KeyGen

RAMIN ARAB Marya

Suanda Music

Digital Society Recordings

Este ‘Marya’ se trata de una producción contundente del productor iraní Ramin Arab, donde presenta un puente de piano de alta calidad, que conduce a un break espectacular, acompañado de la mano de voces perfectamente posicionadas… ¡Lo bailaréis seguro!

Key Lean regresa a Suanda con una pista de corte uplift. acompañada de una progresión rica en matices y paneos, donde el piano es protagonista. Y es justamente el piano el que da ese halo de intimidad, hasta llegar al clímax, alcanzando así toda la fuerza que el productor acostumbra. ¡Precioso!

MADWAVE Iceberg

ALEXANDER POPOV Poem

Monster Force

A State Of Trance

DANIEL FLEKOR

(HARMONY TRANCE/UNIKAFM)

¡Contundente desde el inicio! Así se presenta este nuevo sencillo del británico Madwave, que promete no dejaros parar ni un solo momento. Si bien el label es conocido por ese sentimiento old school en sus producciones, esta contundente pieza está llamada a ser una de las favoritas para este final de año.

El titán ruso aterriza en el mega-label de Armin van Buuren, esta vez con una pista épica llamada a ser uno de los himnos de este final de año/principios 2021, donde entrelaza voces celestiales y melodías de manera muy nivelada. ‘Poem’ es una obra de arte que cualquier fan del trance disfrutará.

01. Will Atkinson ‘Rush (Extended Mix)’ [Black Hole Recordings] 02. Asteroid ‘Catharsis’ [Regenerate Records] 03. Craig Connelly Ft. Tara Louise ‘Time Machine (Paul Denton Extended Remix)’ [Black Hole Recordings] 04. Giuseppe Ottaviani ‘Spellbound (Extended Mix)’ [Black Hole Recordings] 05. Andrea Ribeca ‘Sonance (Extended Mix)’ [FSOE Recordings] 06. Alessandra Roncone, Yoshi, Razner ‘Fight For Life (Extended Mix)’ [Uplift Recordings] 07. Tenth Planet ‘Ghosts (Darren Porter Extended Remix)’ [Nocturnal Knights Reworked] 08. Susana ‘Dark Side of The Moon (Ferry Tayle Extended Mix)’ [Amsterdam Trance Records] 09. Soul Lifters vs. Kiran M Sajeev ‘Instigator (Extended Mix)’ [Regenerate Records] 10. Michael Kaelios ‘Ascend’ [Kinected Recordings]

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C R Í T I C A S

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H O U S E

Autor: JOY LAVOE / jonathan@djmag.es

JD73’S ELECTRIO Pyramid

Atjazz Record Company Edición limitada doble 12 pulgadas, con Dan “JD73” Goldman en los teclados, Hamlet Luton en el bajo y Gordon Kilroy en la batería. Este poderoso trío de fusión, funk con Rhodes, dirigido por un piano, se estableció en Leeds en 2012. Dan, Hamlet y Gordon han trabajado, entre otros, con Nightmares On Wax, Morcheeba, Peven Everett, Tito Jackson, Leon Ware, Nate James, Pee Wee Ellis, Natasha Watts o Eddie. La banda también ha apoyado a artistas como Alice Russell, Cymande y José James y ha cautivado unos cuantos con composiciones originales, aventureras y contundentes, fuertemente influenciadas por legendarios artistas del funk-fusión de los años 70.

OUVRIJSTER Staying Sane EP

CRACKAZAT Alfa EP

Sampling As An Art Records

Heist Records

Ouvrijster se puede definir como un poco de Moodymann con una buena dosis de Alfabet, condimentos a lo Max Graef. Los mezclas y tienes ‘Staying Sane’, un EP de seis pistas, desde house basado en samples, hasta hip hop. ‘All My Love’, por ejemplo, presenta una batería orgánica, licks de bajo, guitarra con infusión de funk, vocales y sintes para marcar el tono. Abriendo la otra cara está ‘Astro Cowboys’, con una sucia batería, un trabajo modulares y graves serpenteantes.

Estamos ante la fusión de jazz y house de Crackazat. ‘Alfa EP’ comienza lleno de riffs de piano y saltos de hi-hats. Calor en la pista.

Continua en una dirección más suave, con acordes cálidos y difusos de sensación reconfortante. En la otra cara, ‘Tiger’s Eyes’, se sumerge en armonías jazz. Los arpegios y los matices crujientes crean un interesante viaje. En el remix, Rick Wade, opta por un bajo amplificado y un ritmo de batería junto con su propio conjunto de acordes y licks de guitarra.

GREG PAULUS City Movements

CODY CURRIE Moves Ep

Freerange

Toy Tonics

Quizás más conocido como la mitad de No Regular Play, Greg ha aparecido en sellos tan diversos como Soul Clap, Let’s Play House, Ghostly International y Kompakt. Para el ‘City Movements EP’, Greg ha entregado tres originales brillantes que muestran su talento como trompetista, vocalista y productor. ‘Breezy Point’, por otro lado, viene con su voz saliendo en primer plano, respaldada por un ritmo house crujiente, una línea de bajo sólida, analógica, y sintetizadores Moog. ‘Do You Love Me?’, co-producido con Taylor Bense, adopta un enfoque más jazzístico con los arreglos de trompeta que agregan una profundidad a la pista, mientras que el ritmo house inspirado en Prince mantiene el tono. Actitud, un toque de sordidez y soul.

Cody Currie llega con su primer EP en solitario en Toy Tonics. Es el primero de un par de EPs que Cody producirá en su viaje musical con el equipo del sello alemán. Cuatro pistas de ritmos rotos y cambiantes, más una versión casera de Moves. La primera cuenta con la voz de la presentadora de la emisora de radio Rinse FM, Eliza Rose, así como otras apariciones de los talentos del jazz nacidos en Londres, Andreas Kon y Ally McMahon. En este EP, Cody se adentra en un territorio de ritmos rotos y Garage atmosférico como una oda a sus raíces londinenses. Acordes ricos, ganchos pegadizos y ritmos contundentes.

(VOLCOV)

ISOUL8

01. Lee Pearson Jr Collective ‘Start Today’ [Neroli Records] 02. Los Hermanos ‘Another Day’ [Mother Tong] 03. Josh Milan ‘Shapes & Colors 1’ [Honeycomb Music] 04. Linkwood ‘Face The Facts’ [Athens Of the Norths] 05. Mr Fingers ‘Vault Sessions 1’ [Alleviated] 06. Garret ‘Private Life III’ [Music From Memory] 07. Indio ‘Indio’ [Subwax Excursions] 08. Marcos Resende & Index ‘Marcos Resende & Index’ [Far Out] 09. Ambiance ‘Drift Up To Space’ [High Jazz] 10. Jitwam ‘Sune After Rain’ [The Jazz Diaries]

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T E C H

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P L A S T I C

Autor: KANEDO

EVE Audio SC 203 M E N O S

Pese a ser una empresa joven en su sector, EVE Audio ha demostrado desde 2011 su calidad de construcción y sonido, contrastada con un amplio catálogo de modelos apreciados entre los usuarios recorriendo desde gamas más pequeñas como el SC203 a altavoces de gran tamaño como los SC3070.

En un estudio enfocado a la producción de música electrónica podemos encontrarnos monitores de campo cercano de 6 u 8 pulgadas, incluso monitores más alejados de 12 o 15 pulgadas. No obstante, son muchos los artistas emergentes que necesitan adaptarse a un espacio limitado sin renunciar a un alto nivel de calidad de sonido.

Además de la figura del productor musical, otro tipo de trabajos sonoros como por ejemplo el desarrollo de música para videojuegos necesitan obtener el máximo

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M Á S

rendimiento de este tipo de equipamiento de escritorio.

Esta idea de monitor de escritorio de alta calidad está todavía sin explotar por muchos fabricantes, ya que la mayoría asocian el monitor pequeño a la gama económica de su catálogo. La pareja de monitores EVE Audio SC203 es un tándem sorprendente, diseñado para ofrecer el máximo de calidad en un entorno reducido gracias a su tweeter AMT (reducido a este pequeño tamaño) su respuesta en agudos es clara y nítida, evitando la fatiga auditiva y pese a sus 3” su respuesta en frecuencias graves alcanza los 62Hz. A nivel de potencia, los SC203 alcanzan los 94dB, más que suficiente estando justo delante de ti.

La pareja consta de una unidad activa y otra pasiva (116 x 119 x 134mm ), pu-

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diendo conectarse via RCA una entrada analógica, o directamente a tu ordenador via USB. Pensado también para utilizarse en un sistema más complejo añadiendo un subwoofer, tenemos una salida Sub-Out y controles de filtro.

Evaluando su comodidad y usabilidad, esta pareja de EVE Audio incluye el característico control frontal a través del cual podemos controlar el volumen y ajustes de EQ para sacar el máximo rendimiento en nuestro espacio. Pensado también para obtener el máximo rendimiento, en su caja encontraremos dos espumas de color naranja pensadas para modificar la inclinación del monitor y aislarlo de la mesa.

Durante todo el mes de enero, en nuestras instalaciones tenemos disponibilidad de EVE Audio SC203 en exposición para que puedas escucharlos, ¡te sorprenderán!