DJ MAG ES 090 by DJ Mag España

CONTENIDOS

Índice DJ MAG 090

Secciones

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julio 2018

BREVES 60 SEGS CON - IGNACIO MORALES RBMA - XX ANIVERSARIO: VIKTOR FLORES OFF THE RECORD - GORGON CITY FOCUS ON – BRISE RECORDS HOT SHOTS - PAU ROCA 5 TRACKS - GUI BORATTO COCINAMOS CON -KRYDER ELECTRÓNICA & ROLL TENDENCIAS - MISCELÁNEA LUCKY 7 – GIDEON OPINIÓN

Artículos

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“ ANTS es un evento de

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Ibiza

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YANN PISSENEM

EN LA MALETA DE - DAVID MEDINA SINGLES ÁLBUMES RECOPILACIONES

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SÓNAR FESTIVAL PRIMAVERA SOUND PARAÍSO FESTIVAL DYSTOPIA @ USHUAIA PATRICK TOPPING @ CITY HALL WOOMOON @ POBLE ESPANYOL

Críticas

y para

ANTS BLAWAN OLIVER KOLETZKI DJRUM RONE NATHY PELUSO ESPECIAL SELLOS DEL AMOR ESPECIAL DEKMANTEL

EN EL ESTUDIO CON... PINA PREGUNTA A PEDRO PLASTIC

EDITORIAL

DIRECTOR GENERAL Y DE CONTENIDOS Diego Fernández | diego@djmag.es REDACTOR JEFE Eduardo Pérez Waasdorp | eduardo@djmag.es REDACCIÓN Fátima Fatene DIRECTOR DE ARTE Jorge López Conde | jorge@lopezconde.com DISEÑO Y MAQUETACIÓN Sheila Enfedaque | sheila@djmag.es Jorge López Conde | jorge@lopezconde.com DISEÑO DE PORTADA Ushuaia Ibiza FOTOGRAFÍA Jorge López Conde | jorge@lopezconde.com WEB Iván Corrochano | ivan@djmag.es Sergio Bifeis | sergio@dmag.es GENERAL Información: Información General | info@djmag.es Coordinación: Alberto Taboada | alberto@djmag.es Administración: Carlos Peggo | c.peggo@djmag.es MARKETING Director Comercial: Alberto Taboada | alberto@djmag.es Responsable de Márketing: Sara González | sara@djmag.es Marketing Internacional: Jack Howell | jhowell@protonmail.com COLABORADORES Gustavo Navedo, BigTopo, Scan Mode, Mugni, Javimar, Rohan G. Finger, Sergio Bifeis, Eduardo Carbonell, Madrid Hardstyle, Bruno Garca, Ángel Giménez Montano, Sandra Vian, Julia Lozano, Jonatan Prada, Ekai, Katie Hayle Knight, Guillermo Delmas, Gerardo Cartón, Jorge López Conde y Sergio Parrado.

EDICIÓN REVISTA DJ MAG SL Avenida 8 de agosto, 11 – 10 bajo 07800 – Ibiza (España) B 16523805

ras un junio pasado por festis toca centrarse en la Isla Blanca como máximo exponente de la electrónica. Si junio en sinónimo de Sónar, julio lo es de las Pitiusas. Sus playas, sus chiringos, sus mañaneos en las Villas… La capital del mundo de baile se viste con sus mejores galas para albergar una nueva temporada sumergida en el mejor EDM y underground del momento. Y es que si hay alguien que sabe envolverse bajo una manta de estofa y pedegrí en la isla, esa es la gente de ANTS. Tras 6 años como referente y al acecho de la mínima calidad que con cuentagotas va aterrizando en Ibiza, nuestra portada va dedicada a una sesión que se mantiene en sus trece de seguir luchando porque el poco underground que reside por esos lares sobreviva. Hablamos de ANTS y sus máximos abanderados, los protagonistas de mantener el espíritu de Ibiza real y auténtico. Pero no todo es Ibiza en la redacción. Este mes llamamos a filas a otro de los grandes y responsable en poner los modulares en el mapa electrónico como el británico Blawan, y nos sentamos con Oliver Koletzki, otro ilustrísimo que vuelve a la carga con nuevo largo bajo el brazo a través de Stil Vor Talent. Con las zapas bien calzadas para el baile, pillamos por banda a otro de los fijos en Infiné como Rone, o a Djrum (pronunciado Drum, sí, con la H muda, aunque no lo parezca), artista perfeccionista que deambula entre lo antiguo y lo contemporáneo, fusionando jungle, techno y breakbeat sin parangón. En cuanto a lo curado en casa, charlamos con otro de los bangers urbanos de los últimos meses; Nathy Peluso, con fuerte arraigo en nuestro país, nos concede unos minutos entre su atareada agenda festivalera. Pero no todo son entrevistas lo que reluce. Nos detenemos a desgranar los 7 años de un festival como Dekmantel, el evento musical del momento a escala internacional, charlando con sus organizadores y varios de sus Djs más reconocibles y afines a la marca; y homenajeamos a una rama dentro de la electrónica como los sellos independientes, esos labels que se han partido el pecho adaptándose a nuevos modelos y diversificando sus actividades por poder resurgir una escena hecha añicos por las multis y la plataformas de streaming. No queda otra, DJ Mag investiga… Como siempre, os contamos lo vivido y bailado en festivales como el XXV aniversario de Sónar, Primavera Sound, Paraíso, Dystopia en Ushuaia, Patrick Topping en su All Night Long en City Hall, y la fiesta de Woomon en Off Sónar. Nos bailamos, y leemos, en agosto. ¡Buen verano!

Redacción

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AUTOR: Redacción

` ` CIFRAS RECORD EN EL 25 ANIVERSARIO DE SONAR El pasado 25º Aniversario del festival barcelonés arroja unos números que le hacen ser su edición más exitosa con 126.000 asistentes procedentes de 119 países. Sónar+D, el congreso de creatividad y tecnología también ha contado con la participación de 5.900 profesionales de 3.300 entidades y empresas. La organización ha facilitado los datos en el que el festival ha reunido a 64.000 personas en Sónar de Día y

62.000 en Sónar de Noche. Un total de 126.000 personas en el núcleo central del festival. Por último la organización ha anunciado las fechas de su próxima edición en 2019 que de forma extraordinaria se llevará a cabo los días 18, 19 y 20 del mes de julio.

www.sonar.es

JAMEOS MUSIC FESTIVAL CELEBRA SU 6 ANIVERSARIO La edición 2018 de Jameos Music Festival, la sexta de este evento, pisa más fuerte que nunca con cuatro fechas para disfrutar de cuatro citas regadas por la mejor música disco, soulful y house atendiendo a su cartel internacional y local. Todo ello en un entorno idílico al aire libre en la isla de Lanzarote como es Jameos del Agua. Entre los nombres elegidos para esta edición destacan Joey Negro, Nickodemus

y Hugo Ciprés (27 de julio); Dj Spinna, Red Greg y Héctor Mingues(10 de agosto); Anané Vega, Paris Cesvette y Natasha Watts junto a Juan Fierro (24 de agosto); el punto final lo pondrá un clásico de Jameos como John Morales, considerado el padrino de este evento (21 de septiembre), junto a Karizma, Davide Fiorese y Manolo Besteiro. www.cactlanzarote.com

TODOTHE INTO A PUNTO VALLEY PARA RECAE BIME EN LIVE! ESPANA El festival sueco Into The Valley que se celebraba en una cantera de piedra caliza se trasladó a Estonia el año pasado pero en 2018 pone rumbo al Mediterráneo con una nueva edición que llegará al Castillo Sohail en Fuengirola (Málaga) en un evento que se llevará a cabo del 28 al 30 de septiembre en la localidad malacitana. Acogerá 40 actuaciones a lo largo del día con un horario prácticamente diurno

y contará, por ahora, con gente como Amelie Lens, Peggy Gou, Charlotte Bendiks, Elena Colombi, Anastasia Kristensen, Omar S, Acid Pauli, Young Marco o los suecos Anthony Linell (también conocido como Abdulla Rashim) y Varg haciendo tándem como Ulwhednar. ¡Pronto más info! www.facebook.com/intothevalleyfestival/

` MUCHA ELECTRONICA EN VERANOS DE LA VILLA !

Los Veranos de la Villa vuelven a convertir a Madrid en una ciudad que respira música. Un festival que arrancará la próxima semana, el 29 de junio en concreto, y que presenta una variada programación repartida en numerosos espacios que tendrán un protagonismo especial donde no solo habrá cabida a los enclaves de la almendra central sino que habrá que sumar lugares más periféricos de la capital. El programa de 2018 está

compuesto por 75 conciertos repartidos a lo largo de seis escenarios en todos los distritos madrileños. Entre los artistas invitados destacan: Brexit Big Band de Matthew Herbert, Uwe Schmidt, que actuará por partida doble como AtomTM y Señor Coconut respectivamente, Ólafur Arnalds, Jhana, Javier Gallego Crudo & Seward y Ghostpoet. www.esmadrid.com

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JUE 19

TWO DOOR CINEMA CLUB · IZAL · J HUS

JESSIE WARE · EVERYTHING EVERYTHING · CASHMERE CAT TUNE-YARDS · NOTHING BUT THIEVES · PRINCESS NOKIA SOFI TUKKER · THE MAGIC GANG · FRIEND WITHIN · MERIDIAN BROTHERS LEY DJ · CAROLINE ROSE · DJ SUPERMARKT · HER’S · ZULU ZULU · NADIA SHEIKH RAZZMATAZZ: PALE WAVES · CAROLINA DURANTE · FUEGO SQUAD · VULK · TERRY VS TORI

VIE 20

ERIC PRYDZ · THE VACCINES RAG‘N’BONE MAN CATFISH AND THE BOTTLEMEN

THE CHARLATANS · C. TANGANA · SLEAFORD MODS TOMMY CASH · ANNA CALVI · AMABLE

TULSA · BOB MOSES · PALMISTRY · PEDRO VIAN · JUANITA STEIN · DESERT JOANA SERRAT & THE GREAT CANYONERS · JACKWASFASTER RAZZMATAZZ: PERRO · LA PLATA · THE SNUTS · BUENAVISTA · CUCHILLO DE FUEGO · JÚLIA · SIRIA

SÁB 21

CHASE AND STATUS LIVE · THE KOOKS BELLE & SEBASTIAN · GIGGS

METRONOMY · THE HORRORS · ODDISEE & GOOD COMPNY TOUNDRA · TURNO · LOS PUNSETES · MONARCHY · OSCAR & THE WOLF HAYDEN JAMES · MYD · LEYYA · HOLY BOUNCER · ZAZO & GXURMET · JUNIOR MACKENZIE OCHOYMEDIO: PAPAYA · RUSOS BLANCOS · OCHOYMEDIO DJS · BODEGA MELENAS · FARIO · SAY YES DJ · DJ CARO · AGOST

DOM 22

JUSTICE · BASTILLE · MADNESS

DORIAN · WOLF ALICE · PARQUET COURTS · SHAME KING KHAN & THE SHRINES

HUDSON TAYLOR · CEDRIC GERVAIS · DETROIT SWINDLE · NATHY PELUSO · ANNA OF THE NORTH OUR GIRL · ALMA · DJ ROJIBLANCO · JIMOTHY LACOSTE · NORTH STATE · ALDO LINARES OCHOYMEDIO: THE PARROTS · LOS NASTYS · ZOÉ · OCHOYMEDIO DJS · FAVX · MAREM LADSON · YAWNERS

FIBERFIB.COM PATROCINADORES OFICIALES

ENTRADAS CON CAMPING: 4D 155€ | 3D 135€ | 2D (JV/VS) 110€ | (S/D) 100€ +Gastos ENTRADAS DE DIA: J/S/D 55€ V 65€ MEDIO OFICIAL DE PAGO

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S E G U N D O S

Ignacio Morales (LOCAL29) Autor: Redacción

¡Hola, Ignacio! Para todos los que no te conocen ¿cómo te describirías? Básicamente, soy un DJ y productor que ama lo que hace tanto en la cabina como en el estudio. Me identifico con sonidos house y sus variantes y siempre intento que el publico disfrute con lo que escucha. Vienes de Jerez de la Frontera, Cádiz, pero eres residente de Local29 en Málaga, ¿cómo ves la escena de la ciudad y de Andalucía? ¿Y en general a nivel nacional? La verdad que considero a Málaga como la ciudad más en auge de Andalucía. Influyen factores como que no hay lucha entre promotoras, también puedes encontrar todo tipo de eventos y por supuesto una cantera que viene muy fuerte. Esta unión a veces es imprescindible para que la cosa avance. A nivel nacional creo que falta mucho aun, no existe un apoyo real al producto nacional y se sigue apostando una y otra vez por headliners extranjeros. Hay artistas españoles con 100 fechas cerradas al año y solo unas pocas en su propio país. Creo que países como Italia o Inglaterra son ejemplos perfectos a seguir. ¿Quiénes han sido tus principales referentes en esto de la música electrónica? Bueno no siempre fueron los mismos, conforme un artista va evolucionando va valorando la escena y cambiando su estilo al mismo tiempo que su madurez avanza. También influye que esos a quien tenías como referentes cambian y dejas de seguir-

se identifiquen con la marca. Posiblemente si eres residente te tocara hacer warm-up casi siempre, hay que saber que no es el momento para tu minuto de gloria.

les. Supongo que en el momento en el que me encuentro valoro el trabajo que hacen por ejemplo los artistas de Fuse London, tINI and the Gang o toda la escena en auge de artistas rumanos. Antes de asentarte definitivamente en la escena española, pasaste por Londres, Berlín e Ibiza… ¿Con qué te quedas de cada experiencia? Con todo, lo bueno y lo malo. Para saber lo que te gusta creo que primero debes conocer todo lo que hay y así te vas influyendo, casi sin darte cuenta de lo que valoras y de lo que te gusta de verdad. En Londres existe una escena underground muy buena y clubs como Fabric, Village Underground, 93 Feet East, Cable y muchos más hacen que esta escena no se pierda. De Berlín hay que poco que decir, allí fue donde sufrí el mayor cambio en cuanto a mi estilo. La cultura del publico y de los artistas que allí tocan me sorprendió muchísimo. Es una ciudad en la que se preocupan por la música y no por el dinero. Ibiza perdió mucho y a este paso va a perderlo todo. Se están centrando en publico VIP, música mainstream y en line ups de millones de euros y cerrando fiestas en la playa o afterparties y olvidándose por completo de que es Ibiza y no Miami.

Como DJ, te mueves entre el techno cargado de dub y el tech-house más festivo… ¿Cómo confeccionas tu selección musical? ¿Cuánto hay de improvisación en tus sets? No es lo mismo tocar a las 6 de la tarde en una fiesta en la playa que después de TMB a las 5 de la mañana. Siempre intento encajar la música con el momento y aunque prepare un playlist para cada sesión siempre acabo improvisando de alguna forma. Ahora eres residente de Local29 en Málaga, un dinamizador de la música electrónica más popular en la ciudad… ¿Cómo empieza vuestra relación? Fue por 2014, en ese momento yo me encontraba en Ibiza como residente The Pharm que se hacía los sábados en Privilege. Conocí ese verano a José Tamurejo mientras estaba de vacaciones y me ofreció ir a Málaga para tocar en uno de sus eventos y aquí estoy desde ese día. ¿Cuál es el mayor reto al que te enfrentas como residente del club? Más que cualquier otra cosa definir el sonido que ese club representa. Tienes que darle al publico algo nuevo y al mismo tiempo algo que haga que

Has publicado en sellos como Vatos Locos, Sanity, MOAN, Innocent Music… ¿Cuál es tu siguiente objetivo? Se puede decir que estoy en un nuevo momento de transición en el que estoy buscando cosas diferentes, centrándome en sellos de vinilo o sellos con mucha repercusión que encajen con mi música. Lo siguiente saldrá en vinilo por el sello de mi amigo Reelow (REECORDS). ¿Qué más tienes entre manos en este 2018? Vienen gigs muy buenos como Dreambeach Festival, Lightbox London, Pacha Ibiza, etc. Finalmente, Ignacio, solemos pedir al invitado de 60 Segundos que plantee una pregunta al siguiente. El último fue Darlyn Vlys de Sincopat, que preguntaba ¿Qué productor sería tu modelo a seguir? Y, a cambio, tienes que dejarnos una pregunta para el siguiente… Es difícil mojarse por solo un artista pero digamos que quien mas se asemeja al sonido que quiero hacer ahora mismo podría ser Archie Hamilton. Aun así hay artistas nacionales como 2Vilas, Tolab o Rickzor & Rumme que son una referencia total para mi. Mi pregunta: ¿Pondrías música que no te gusta ni te representa por una gran suma de dinero?

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2 0 A N O S

DE RED BULL MUSIC ACADEMY ASI FUE LA EDICION DE SUDAFRICA 2003 E L G A L L E G O N O S R E L ATA S U PA S O P O R L A P R I M E R A E D I C I O N D E L A A C A D E M I A E N CO N T I N E N T E A F R I C A N O Autor: Viktor Flores

Desde participantes, tutores o la propia organización, se suele decir que formar parte de la Red Bull Music Academy es una experiencia “que te cambia la vida”. En mi caso, no puedo estar más de acuerdo, ya que además de influir sensiblemente en mi carrera y visión de la música, condicionó de manera muy especial el futuro de mi trayectoria profesional y personal. La edición en la que fui seleccionado como único participante español fue la de 2003, año en el que la Academy recalaba por primera vez en África, concretamente en la vibrante Ciudad del Cabo, por lo que la noticia de la selección y la aventura que tenía por delante sonaban doblemente emocionantes. En ese momento, yo era DJ residente y programador del club Vademecwm de Vigo, y acabábamos de fundar nuestra tienda de discos, SINSALaudio, germen del hoy conocido Festival Sinsal. La Academy, en aquellos años, era muy diferente de lo que es ahora: las instalaciones eran

más modestas y sencillas, sobre todo en cuanto al número y equipamiento de los estudios y a la intervención arquitectónica de los espacios. Los eventos nocturnos tampoco tenían el carácter tan definido conceptualmente ni el altísimo nivel de producción técnica y artística de estas últimas ediciones. Pero la magia estaba ya ahí, duró cada minuto de esas dos semanas inolvidables, y creo que sigue intacta hoy en día para cada participante que pone el pie por primera vez en la Academy. El núcleo del proyecto, que está ahí desde el primer día, el sofá por el que pasan tantos nombres ilustres, desbordantes de talento y sabiduría musical/ vital, acogió lectures memorables, como la de dos personajes clave para entender la historia de la música reciente, ya fallecidos: Bob Moog (¡teníamos en frente al hombre que revolucionó la producción musical en los últimos 60 años!), o Hugh Masekela, uno de los artistas africanos más destacados, en una charla muy e motiva sobre cómo la música fue un vehículo clave en la lucha contra el Apartheid.

O las charlas de Darshan Jesrani (Metro Area), Anthony ‘Shake’ Shakir o Alex Rosner, el hombre que inventó el primer mixer con preescucha y faders, e instaló increíbles equipos de sonido de muchos clubs de NY en los 70’, como The Loft. En cuanto a los eventos, obviamente hubo muchas noches especiales, algunas oficiales y otras en las que nos perdimos para descubrir los secretos mejor guardados de una ciudad tan irrepetible como Cape Town. Entre ellas, una en la que fui con uno de los miembros del equipo local a un local de kwaito donde yo era el único ‘blanquito’ en medio de una pista llena de sudafricanos bailando de manera desenfrenada algo parecido al ‘twerking’ local. O cuando acabamos en un garito clandestino, el mayor fumadero de hierba que he visto en mi vida, como sacado de The Wire. Y entre los eventos oficiales, no olvidaré mi sesión junto al participante alemán Databoy 78, él en directo y yo poniendo discos por encima, todo improvisado y sin planear, uno de esos momentos mágicos

que solo se dan en la Academy. Pero si hay un día que recuerdo especialmente fue un sábado que pasamos en Mitchell’s Plain, uno de los mayores townships de la ciudad, en una fiesta hiphop de platos abiertos, rodeados de cientos de niños y demás habitantes del suburbio, una bofetada de realidad que nos sacó de repente de la burbuja un tanto irreal en la que vivíamos dentro de los muros de la Academy desde nuestra situación de privilegio. Antes de que me siga invadiendo la nostalgia, creo que soy de los pocos que puedo decir que fui participante, trabajé en una Academy dentro del equipo local (BCN 2008) y fui el director (en el equipo español) de otra (Madrid, 2011). No se puede pedir más. ¡Por cierto! A modo de anécdota, decir que vivíamos en unas villas en la zona alta de la ciudad, en el distrito gay, y mi compañero de apartamento era un tal Nathi Maphumulo. Supongo que no os suena, pero, ¿si digo… Black Coffee?

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08.06 DYSTOPIA IBIZA 09.06 MAGIK GARDEN LAUSANNE 15.06 DYSTOPIA IBIZA 16.06 FOLLOW YOUR SENSES TORREMOLINOS 16.06 VAGABUNDOS BARCELONA 17.06 DREAMBEACH “ON TOUR" VALENCIA 20 NICE CLUB ROME 20.06 23.06 FORUM CLUB 30TH ANNIVERSARY TEL AVIV 28.06 JAVA CLUB GENÈVE 30.06 HI IBIZA 06.07 DYSTOPIA IBIZA 08.07 KAPPA FESTIVAL TORINO 11.07 COCOON AT PACHA IBIZA 14 GREENWORLD FESTIVAL TENERIFE 14.07 14.07 PAPAGAYO BEACH CLUB TENERIFE 15.07 HEART IBIZA 18.07 SKYBAR CASABLANCA 20.07 DYSTOPIA IBIZA 21.07 TOMORROWLAND BOOM 24.07 CAVO PARADISO MYKONOS 27 TBC 27.07 28.07 ONEDAY ELECTRONIC FEST SIÓFOK 01.08 PEOPLE IN THE CITY LAUSANNE 02.08 TBC 03.08 DYSTOPIA IBIZA

05.08 CIRQUE MAGIQUE FESTIVAL LEDEGEM 05.08 FAMILY PIKNIK FESTIVAL MONTPELLIER 09.08 COUNTRY CLUB PORTO ROTONDO 11.08 VAGABUNDOS STREET PARADE ZÜRICH 11.08 ANTS IBIZA 12.08 GOLF CITRUS HAMMAMET TUNIS 13 13.08 PYRAMID IBIZA 14.08 TBC 14.08 OLIVIA VALERE MARBELLA 16.08 LUCIANO & FRIENDS BLU BAY CASTRO 17.08 DYSTOPIA IBIZA 18.08 ELECTRONIC SUNSET GIRONA 24.08 DYSTOPIA IBIZA 25 25.08 CREAMFIELDS CHESHIRE 28.08 TBC 01.09 COCORICO RICCIONE 02.09 TBC 04.09 THE ARK CRUISE BARCELONA 07.09 DYSTOPIA IBIZA 08.09 MAGIK GARDEN LAUSANNE 14 14.09 DYSTOPIA IBIZA 15.09 HAFEN 49 MANNHEIM 22.09 BPM FESTIVAL PORTIMÃO 28.09 CLOSING DYSTOPIA IBIZA AND MORE TO BE CONFIRMED ...

SUMMER TOUR 2018 LUCIA N OCA DEN Z A . COM

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T H E

O F F R E C O R D

Hacemos 5 preguntas a Gorgon City que poco nada tienen que ver con la electrónica…

“Podéis ver a Gorgon City a lo largo del verano, todos los martes, en Together de Amnesia Ibiza. Su último trabajo, ‘Go Deep’, ya está disponible en todas las plataformas”.

Gorgon City (R EA LM)

Eso que siempre habéis querido que os preguntaran y nunca os han preguntado…

¿Qué es lo último que hacéis antes de iros a la cama?

¿Les gustaría a los señores Cepillarnos los dientes. Y que les subiéramos de ver Rick & Morty. categoría en el avión?

¿Qué no haríais ni por ¿Cuál es la mejor manera ¿Cuándo fue vuestra últitodo el dinero del mundo? de colarse en un festival? ma mentira y por qué?

Dejar de ser DJs.

Colaros en la parte de debajo de uno de esos carritos de golf que llevan a los artistas en los grandes festivales.

Probablemente a algún guardia de seguridad cuando nos han preguntado si llevábamos alcohol en la mochila…

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F O C U S O N BRISE RECORDS Autor: Sergio Parrado

“Brise representa un sonido fresco e inspirador que se enfoca en la calidad y en la creatividad”

Corría el año 2009 en la ciudad de Stuttgart y a un joven melenudo de nombre Helmut y apellido Dubnitzky le daba por crear Brise Records. En poco tiempo no tardaría en verse a artistas editando en él que acabrían entrando en el circuito de grandes ligas; gente como: Gorge, Mendo, Markus Fix, Hector Couto, Markus Homm, Mihai Popoviciu o Detlef eran

habituales dentro del sello en sus primeras referencias, predominando un tech-house muy particular que siempre tienen los teutones, con un groove constante y repetitivo pero sin llegar a cansar. En 2015, Brise muta hacia un sonido más orgánico y personal, no buscando tanto el impacto en el clubber, si no

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en los buenos amantes de la música. Hoy, 10 años después, celebran su referencia número 100 con un catálogo especial para la ocasión, con tracks de Martin Eyerer, Luna City Express, Jackspot o el propio Helmut. Este mes me desplazo a Alemania para ver qué nos cuenta uno de los sellos con más historia del continente europeo.

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¿Cómo nace Brise y cuál es su concepto? Brise representa un sonido fresco e inspirador que se enfoca en la calidad y en la creatividad. Somos una plataforma y/o familia que apoya al artista top o al novato. Lo que es totalmente cierto es que juntos somos más fuertes, después de todo “el buen sonido” es lo que tenemos en común.Sin embargo, cómo es una persona es muy importante para mí ya que no estoy interesado en trabajar con artistas que son difíciles. Tenemos que encajar tanto a nivel profesional como personal, es ahí cuando puedo decir “¡Bienvenido a la familia! “.

Paré de hacer vinilo en el catálogo 34. El problema no es el vinilo, yo amo los vinilos pero resulta que la planificación de los sellos es muy complicada. Las plantas de prensado están renaciendo y esto causa esperas muy largas, y el lanzamiento necesita publicarse a tiempo, así que necesitarás un plan de promoción, redes sociales etc, con bastante anticipación. También el artista necesita saber la fecha de su lanzamiento y esto es un trabajo 24/7. Además, para los bolos de hoy en día ya no necesito los vinilos. En casa aún tengo dos platos 1210 y una gran cantidad de vinilos, la verdad es que nunca podré separarme de ellos.

¿Por qué llamarlo Brise? Brise es una palabra que viene del alemán pero el significado y el mensaje de esta palabra representa lo mismo en diferentes idiomas. La “brisa” representa el cambio, algo que siempre está en movimiento, esto es lo que describe perfectamente nuestro sonido. Definitivamente no es un sello con música plana, el sonido es muy llevadero y fresco.

¿Cuáles son los planes para Brise?¿Qué hay de tus planes? Ahora estamos celebrando el lanzamiento #100 de Brise con algunas sorpresas. Desde mayo hasta agosto, lanzaremos/publicaremos un “One track release” cada semana con artistas como Luna City Express, Martin Eyerer, Daniela Kama, Jackspot, Markus Homm, Right On, Daniele Kama, Philipp Lammers, Matthias Kick & Bastian Lehnert,James Cole, Erasmus & Krieger, Sandro Beninati, Hassio, Siwark, Gjaka K y por supuesto yo. Después del verano continuaremos con el catálogo #101. Brise cumplirá diez años el próximo año y estamos planeando algo pero por el momento no puedo dar mucha información. En general me encantaría expandir Brise, por ejemplo, organizar más fiestas del sello, lo que quiero lograr es que la gente conozca mejor la marca. Y mis planes personales no deben pasar por alto. A principios de año me cambié de estudio y después de varias órdenes de masterización por fin tengo tiempo para producir más música. Actualmente estoy haciendo trabajos individuales pero hay algunas colaboraciones con buenos ami-

¿Crees que hoy en día es complicado apostar por la música underground? Si, desafortunadamente se está volviendo más complicado ya que la mayoría va por lo seguro. ¿Alguna vez te has preguntado si en verdad te agrada lo que escuchas? Claro que todos pueden descubrir lo que les gusta, lo que están apoyando y este proceso no necesariamente tiene que suceder, pero el problema de nuestra sociedad es la forma tan acelerada en la que vivimos. Yo te puedo decir que sigo con la firme convicción y amor por la música y en mi opinión la calidad prevalecerá indudablemente. ¿Es difícil apostar por el vinilo aún sabiendo que el formato digital es tan poderoso hoy en día?

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gos como Jackspot y Frank Nova. Si después de todo esto me queda tiempo, trabajaré en un nuevo live-act, pero ya veremos porque es un trabajo de tiempo completo. ¿Te gustaría resaltar algo de la escena actual? ¿Artistas o sellos que creas que la gente debe seguir de cerca? Es maravilloso que el techno inspire y conecte a tanta gente por todo el mundo, no importa si son ricos o pobres, independientemente de su orientación sexual o religión. Hay muchos artistas y sellos increíblemente buenos. Para mí, en lo personal, artistas como Stimming, David Mayer, Martin Butrich, Gorge, Dj Tennis, Mind Against, Nick Curly, Mano Le Tough, Martin Eyerer, Jimpster, Audiojack o Rampa y sellos como Keinemusik, 8 bit, Afterlife, Pokerflat, Knee Deep in Sound y no puede faltar Brise. Podría seguir pero tardaría mucho. ¿Algo en particular que quieras decirle a la gente? Sería magnífico que se respetara más a los artistas y sellos de la escena por el trabajo que hacen. También sería muy grato que el significado de “auténtico” se retomara y que la gente conociera más de este mundo para que así ellos puedan darse cuenta quien realmente es un artista, ya que es muy frustrante ver cuántas actuaciones están hechas por músicos fantasma, y esto conlleva a que el techno sea solamente negocio. Creo que esto contradice el pensamiento original de lo que es la “música underground”. Debería volverse más creíble, honesta y auténtica ya que la música no es un algoritmo aunque los medios de comunicación quieran convencernos. No existe ninguna app para los sentimientos o sensaciones, solamente los artistas pueden disparar esos sentimientos y sensaciones con su arte.

P r e Respuesta

“Puedes ver próximamente a Pau Roca en HOTEL PIKES Ibiza (20/07), DGTL Barcelona (10/08) y NITSA CLUB Barcelona (28/07) ”

(BONS RECORDS)

Pau Roca

H O T S H O T S

VINILO:

DJ MAG ES:

RAJOY:

BONS RECORDS:

HOUSE:

SYNC:

B E AT P O R T:

FUTURO:

BARCELONA:

INSPIRACIÓN:

SENSIBILIDAD

ACTITUD

PRESCRIPTOR NONC

BLANQUIAZUL

PASADO

EFÍMERO

HIJO

PRESENTE, SIEMPRE

ELLAS

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DAVIDE SQUILLACE AND BUTCH SANCHO & PANCHO IN WONDERLAND

DAVIDE SQUILLACE AND BUTCH

SANCHO & PANCHO IN WONDERLAND

AVAILABLE AS DIGITAL DOWNLOAD FROM 13TH OF JULY

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Preguntamos a Gui Boratto por los 5 tracks que más le han influenciado e inspirado para convertirse en el artista que es hoy en día...

T R A C K S

‘Pentagram’, nuevo LP de Gui Boratto ya está a la venta a través de Kompakt.

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Gui Boratto (KOMPAK T)

M.A.R.R.S

Bomb the Bass

Neneh Cherry

New Order

Steve “Silk” Hurley

‘Pump Up The Volume’

‘Beat Dis’

‘Buffalo Stance’

‘Blue Monday’

‘Jack Your Body’

[4AD]

[Camden]

[Virgin]

[Factory]

[Underground]

Recuerdo a comienzos de los 90, cuando empezaba a salir por los clubes de noche, como al legendario Rose Bom Bom; aquí fue la primera vez que escuché este corte. Me voló la mente, literal. Pensé: ¿Qué es este sonido? Creo que todos los Djs por aquel entonces ponían temas de M.A.R.R.S. Es de 1987, pero por entonces, todo lo que salía publicado tardaba meses o años en llegar hasta Brasil. Era muy difícil y caro importar vinilos de forma legal a Brasil, a no ser que viajaras a UK y pararas a comprar en una tienda HMV para comprar tus propios discos y traerlos hasta aquí.

Otro de los cortes de acid house clásicos de a finales de los 80. Casi todos los Djs mayores de 45 años que conozco empezaron a ser Dj gracias a este track. Es mucha coincidencia que después de hacer un remix para Born the Bass, del tema, ‘Black River feat. Mark Lanegan’, el propio Tim Simenon me invitara a producir un nuevo LP de Bomb The Bass, en 2010. Nos pasamos 2 semanas en Sao Paulo produciendo el trabajo que se llamaría, ‘Back To Light’.

Otro tema producido por Tim Simenon. Este corte suena muchísimo en los clubes en Sao Paulo. Y no solo en lo más underground, también en las radios. Actualmente goza de éxito a escala mundial. De hecho, es por este tema por lo que conozco a Neneh Cherry. Una canción muy alegre, ¡todavía me encanta!

Conozco New Order desde su álbum ‘Movement’, después de la muerte de Curtis. Pero este tema, publicado por primera vez como single, en 1983, tiene un remix increíble de 1988. Y de ese es del que todavía tiran los Djs actualmente. Recuerdo ir a Madame Satã, un club único en Brasil y estaba tocando, no recuerdo bien si Magal o Marquinhos (DEP) y estar sonando. ‘Blue Monday 88’ tuvo un gran impacto en mí y en tantos otros Djs alrededor del mundo.

Este tema no ha salido de mi cabeza desde que lo escuchara por primera vez. Fue en un club llamado ‘Nation’. No recuerdo quién lo puso pero me llevó un tiempo saber qué es lo que sonaba. Justo después, mi hermano vino de Londres con 300 discos y los iba probando delante de mi en su MK1200. Había mucho acid house, muchos singles de New Order pero de repente puso a sonar el ‘Jack Your Body’. Dije, “¡wow! Esto es lo que estaba buscando, ¡por fin!”.

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C O C I N A M O S

C O N

KRYDER (KRYTERIA)

E S P E T O S

L A

B R A S A

acaba de * Kryder publicar un remix del tema ‘Work Of Art’ de Wankelmut & Alexander Tidebrink, disponible en todas las plataformas. Además, acaba de empezar su nuevo sello, Kryteria, que abrirá con una colaboración junto a Steve Angello. Podéis verle el próximo 12 de julio en el Mandala Beach Club, de Mojácar (Almería).

ncended la barbacoa con la madera de olivo y esperad a que se hagan brasas.

Poned las sardinas en el cubo con hielos durante aproximadamente 30 minutos para endurecerlas (este truco me lo dio uno de mis expertos amigos malagueños). Sacad las sardinas del hielo e insertadlas con cuidado en los pinchos, por la espina, haciendo que estén una al lado de la otra, tocándose, para que se cocinen de forma igualada (un espeto está hecho con hasta seis sardinas).

INGREDIENTES 12 sardinas medianas frescas Sal marina Limón Cubo con hielos Madera de olivo Pinchos o brochetas

Echadles sal en abundancia por ambos lados y clavad las brochetas a unos centímetros en frente de las brasas, preferiblemente contra el viento para que el fuego no las queme. Debería llevar, aproximadamente, de unos 3 a 5 minutos que estén cocinadas. La clave está en mirar que los ojos se pongan blancos y la cola se ponga amarilla. Cuando ocurra esto, dadles la vuelta una vez para que se cocine el otro lado. Cuando se hayan hecho, exprimid un limón por encima y coméoslas con los dedos.

La primera vez que comí espetos fue hace unos años, cuando me mudé a Málaga o Malifornia – como la llamamos ahora (risas) –. Las como todas las semanas y siempre espero a terminar un tour para poder comerme unos espetos frescos y una cerveza bien fría en mi chiringuito de playa favorito, MariCarmen Casa Playa. ¡Gracias a Victor Castizos y Salva de MariCarmen Casa Playa!

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Autor: Sergio Bifeis

MetaCírculo, el poder de la voluntad

El pasado 24 de junio se puso fin a la primera temporada de MetaCírculo, la apuesta de META para volver a traer sesiones de música electrónica en un lugar tan particular y emblemático como el Círculo de Bellas Artes. Un total de siete ediciones por las que han pasado grandes artistas internacionales como Nathan Fake, Legowelt, Colin Benders, Mr & Ms Jonson, Digital 21 o The/Das en formato LIVE y Clara 3000, Job Sifre, Neville Watson, Blade & Beard y Minor Science comandando la Sala de Columnas de este edificio del centro de la capital. Todo ello sin olvidar talento nacional y local como Eduardo De la Calle, JackWasFaster, Dos Attack, Yannik Park o Five Points. Unas citas que en su mayoría han colgado el cartel de sold out y que para su punto final la apuesta era de lo más ambiciosa. Abrir en domingo dos salas con un cartel que no tendría nada que envidiar a un festival con nombres como Moscoman, Inga Mauer, Aleksi Perälä, ATA, y Benedikt Frey por nombrar a unos pocos es ir a por todas y confiar en la madurez clubbing del público madrileño que escapan del sota, caballo y rey. Pero nada más lejos de la realidad. La fiesta finalmente se realizó en la ya conicida Sala de Columnas con un evento de 12 horas de duración y la apuesta tan arriesgada no cuajó como uno podría esperar, sobre todo por parte de la organización. Sí, en términos de asistencia, hasta bien entrada la tardenoche la sala no presentó mucho ambiente. Solo los más freaks estábamos allí. Por lo tanto en ningún momento se pasó agobios

pero sí que se respiraba la sensación que estábamos ante una fiesta de las que se recuerdan por lo especial de la propuesta y por la música que se iba a repartir. Unas primeras horas en las que el francés Terence:Terry abrió con un house energético y de manual para los más madrugadores. Un set correcto que el siguiente invitado, el madrileño Álvaro Cabana, rebajó en bpm’s y en intenciones ya que el de Rotten City optó por sonidos más sugerentes. El relevo lo tomó el primer invitado internacional, el parisino Damon Jee que retomó el estilo de su compatriota. ATA fue el punto de inflexión. El afable responsable del club Robert Johnson no solo derrochó carisma y diversión en cabina sino una clase tremenda con sonidos cálidos y eléctricos que calaron entre los presentes arrancando los primeros bailes desenfadados y una sala que iba tomando color. El alemán confesó que se quedó con ganas de más y que no le hubiera importado poner música un par de horas más. Al resto tampoco.

fue fiel a su estilo ecléctico donde cualquier cosa puede sonar desde una intro oscura y tétrica hasta una selección de disco y funk llena de personalidad sin olvidar un house lleno de elegancia o un techno de bajas pulsaciones. Frey, al igual que ATA, es de los que se disfruta mucho más en sets largos donde pueda desarrollar un discurso y no comprimirlo al máximo. Si la elegancia vino de la mano del alemán, la locura y el derroche llegó de la mano del finlandés Aleksi Perälä, otro que se estrenaba por primera vez en la capital. El killer de la noche donde incluso se atrevió a meter ritmos rotos. El único pero fue la pobre puesta en escena del directo del artista armado tan solo con un laptop y una especie de beatstep. Con la noche ya cerrada MetaCíruclo se convirtió en una especie de rave a la que una Inga Mauer le dio continuidad ofreciendo el set más oscuro y serio de este cierre. Por último Moscoman abrió su set con un clásico como el Passion de Gat Decor para retomar la sendera housera y su particular sonido étnico.

El primer directo de la noche vino de la mano de Damian Schwartz y el madrileño no decepcionó con una hora en la que navegó entre el house y el techno con algún que otro pasaje ácido. Muy clásico y sólida la actuación del madrileño.

Lo que finalmente queda es que MetaCírculo ha sido un soplo de aire fresco en estos últimos meses en Madrid. El poder de la voluntad por intentar ofrecer algo diferente, o al menos más rebuscado, es intachable y esperemos que después del verano podamos continuar disfrutando Benedikt Frey era uno de los que se estre- de propuestas así dirigidas a un público naba por primera vez en Madrid y el alemán adulto.

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GRAFITI Y ARTE URBANO EN P ART IBIZA De la man o d e T V B o y G u e s t L i s t , q u e f o r m a r á p a r t e de l a ex p o s i c i ó n ‘ Mi s c e l á n e a ’ Autor: Redacción

El pasado 22 de junio se inauguraba en la galaeria P|Art Ibiza la exposición Miscelánea, una muestra que estará hasta el próximo 20 de julio y que supone un salto de calidad para la sala ibicenca. Con la exposición de artistas como Carole Feuerman – que ha expuesto en el MoMA de Nueva York, el Hermitage de San Petersburgo o la Bienal de Valencia –, Rabarama – conocido por su excentricidad a la hora de representar hombres, mujeres y criaturas híbridas –, Maria Svarbova – galardonada con numerosos premios –, la mexicana Paloma Rincón – caracterizada por sus juegos visuales en inserciones de foto, escultura, diseño o ilustración – o la española Sara Sanz – marcada por

el surrealismo pop –, esta Miscelánea está amenizada por Sebastián Gamboa, residente del sofisticado Lío Ibiza, un todoterreno de la isla, reconocido por su selección house y calidad excepcional.

najes de la escena ibicenca y DJs internacionales, como David Guetta, Carl Cox, Steve Aoki o Sven Väth, además de haber realizado obras de homenaje a los fallecidos Ángel Nieto o Avicii. Es la primera vez que TVBoy crea una muestra capsula de En el marco de esta exposición, surge la estas características en España, por lo que capsula de TVBoy, uno de los artistas del si estáis por Ibiza hasta el 20 de julio, os grafiti más reconocidos de Italia. Sus obras recomendamos encarecidamente su visita. urbanas han protagonizado decenas de portadas y son codiciadas a nivel mundial – P|Art Ibiza como su polémico retrato de Pep Guardiola Ctra. Ibiza a Santa Eulalia - Ca Na Negreta, 299 besando a José Mourihno para Sant Jordi 07819 –. Además de realizar una pieza en direcIbiza to durante la pasada inauguración, TVBoy ha creado una serie de cuadros de persowww.partibiza.com/miscelanea/

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L U C K Y

“Los próximos trabajos de Gideon serán ‘In for a Penny EP’ (23 de junio), ‘Return To Cybertron LP’ (6 de julio) y ‘One Eye on The Future One Eye On The Past’ (14 de julio)”.

Gideon (L E S S I S M O R E CO R D I NG S )

Autor: Redacción

¿Qué canción te recuerda a tu infancia? Mi infancia estuvo dominada por el hardcore. En algún momento de los 90 estaba en una rave de más de 10.000 personas donde estaban actuando Don Diablo (no el de ahora) y Steve Shit. Éstos en realidad no

mezclaban mucho, solo ponían vinilos, pero recuerdo el momento en el que pusieron Pilldriver – ‘Apocalypse Never’. Era la primera vez que escuchaba el track y solo podía ser del Rey del hardcore minimalista. Fue toda una inspiración para mí y mi sello, Lessismore.

¿El primer disco que te compraste? La primera vez que compré un disco me llevé 3. Uno de ellos era un doble vinilo de hardcore llamado ‘Earthquake II’. No puedo decir que todavía me guste pero creo que todavía lo tengo por ahí.

¿El disco más cursi de tu colección? Cuando era pequeño mis padres solían traer vinilos donde se contaban fábulas e historias para peques. Sé que puede parecer raro pero todavía recuerdo la historia de ‘El traje nuevo del Emperador’.

¿Qué canción garantiza hacerte llorar? ABBA – ‘Super Trouper’ ¿Algún disco que estés escuchando? Un álbum que me ha influido mucho es Leftfield – ‘Rhythm And Stealth’. Siempre lo tengo cerca, por si acaso.

¿A qué disco de tu colección le guardas más aprecio? Estoy encantado con mi colección de Drexciya. Me jode un poco que Clone los haya reeditado tantas veces.

¿Cuál es tu canción favorita de todos los tiempos? Diría que no siempre es la misma. En este momento creo que Alphaville – ‘Sounds Like A Melody’.

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Autor: Averno (Club Gordo)

Menos mal que en España esto no pasa

Hagamos un ejercicio de imaginación: ¿Os imagináis que cada fin de semana vais a un club ahí to farruco, y os ponéis ahí en vuestro reservado VIP con las cachimbas y la botellita con bengalas, mirando por encima del hombro a los chavales y chavalas que están bailando en la pista los veinte Hits de Spotify que está poniendo el Dj de primera hora? ¿Y os imagináis que después de la actuación del “Dj RRPPRResidente” se ponga a “pinchar” un invitado que cobra más que tú en medio año cuyos conocimientos musicales no le dan para tapar el agujero de una flauta pero que está ahí porque es Influencer, o hijo de no sé quién, o cualquierotramierda? ¿Y os imagináis que las transiciones entre tema y tema, en lugar de ser mezclas curradas, fueran bajones de fader, agarradeta de micro

y speech del “DJ” diciendo cosas cómo: “Make Some Fucking Noise Murcia” o “No se os escucha Puerto Hurraco” o “Hay un Fiat Multipla mal aparcado en la puerta trasera y no puede descargar el camión de Bitter Kas”. ¿Y os imagináis ahí posando para que os hagan una foto luciendo palmito con las camisitas, el cubata en la mano, el dedo pulgar levantadito? “BUA QUE FOTON LOCO! COMO SE NOTA EL GYM” ¿Y os imagináis volviendo a casa con todo el pelo lleno de confetti, el estómago lleno de garrafón, los oídos llenos de moratones ante el constante ataque sonoro, y la cartera llena de vacío existencial? ¿Y os imagináis que el equipo de marketing del club, para atraer gente, utilizase técnicas avanzadas de captación de clientes como “Chicas Gratis”?

¿Y os imagináis que el público en lugar de ofenderse porque traten a las mujeres como mercancía, se alegrase y diera support a esas actitudes con frases como: “Para nosotras mejor, así no pagamos” o “Para nosotros mejor, así está todo lleno de chochitos”? ¿Y os imagináis que además de todo eso, hay peleas por motivos tan lícitos como “ha mirao a mi novia” o “me ha pisao al pasar”? ¿Y os imagináis volviendo a casa con todo el pelo lleno de confetti, el estómago lleno de garrafón, los oídos llenos de moratones ante el constante ataque sonoro, y la cartera llena de vacío existencial? ¡Menos mal que todo esto es un ejercicio de imaginación y no la vida real...porque menudo asco sería vivir en un mundo donde miles y miles de personas apuestan por ese tipo de ocio cada fin de semana y

además cuentan con mejor imagen en los medios de comunicación y mejor trato con los políticos que los clubs de electrónica! Menudo asco sería que los medios masivos de España y las instituciones políticas tratasen a la música electrónica de vanguardia como el rival a batir o la banda sonora perfecta para yonkis y hooligans! Qué duro sería ver cómo se conceden permisos y hasta subvenciones a fiestas populares de pachanga barata y requemada y convirtiendo las ciudades en lugares sin ley durante unos días tras haberse pasado el año castigando los locales de ocio electrónico y pretendiendo convertir los barrios en meros dormitorios. ¡Menos mal que en España valoramos las propuestas diferentes donde se trata la música electrónica como un componente cultural de vanguardia!

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La colonia conquista el mundo

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Autor Diego Fernรกndez

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A lo largo de la historia de la música, ha habido eventos que han marcado época y han sido fundamentales en el establecimiento de nuevas formas de entender el negocio del ocio para adultos. En 2012, en plena revolución de dicho modelo, y un año después del nacimiento de Ushuaïa Ibiza Beach Hotel, uno de los hombres fuertes de la institución, Yann Pissenem, ideaba una marca de clubbing con mucha personalidad que se ha construido desde cero, y cuya idea principal fue definir un evento alrededor de un determinado tipo de música con artistas consolidados, pero también con talentos emergentes. Al mismo tiempo se involucró desde el comienzo a la gran colonia de trabajadores y residentes de la isla para hacerlos sentir parte del movimiento ANTS como si de una comunidad unida por la música se tratase. A lo largo de los años han pasado cientos de artistas por las cabinas de ANTS. Sin embargo, ha habido un selecto grupo que ha permanecido ligado a la marca casi desde el día uno. Hemos querido hablar con varios de ellos – Andrea Oliva, Francisco Allendes, Kölsch, Joris Voorn, Nic Fanciulli y Steve Lawler – para que nos cuenten su historia de amor con la colonia más importante de Ibiza. También hemos hablado con el equipo que originó la idea de ANTS, además de con Yann y Romain Pissenem, ideólogo y responsable de la producción – respectivamente – culpables de que todo esté a punto y perfecto en cada uno de los shows de ANTS. Con ellos exploramos el pasado, presente y futuro de la marca en un año en que su leit-motiv es romper con el sistema. Sin más dilación, ¡música y luces, maestros!

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EL ORIGEN: YANN PISSENEM Aunque la idea original surgió en 2012, de la mano de Yann Pissenem, un actor con nombre propio dentro de la escena ibicenca, no fue hasta el verano de 2013 que tuvo lugar el primer evento de ANTS tal y como lo conocemos. Enmarcado dentro de la iniciativa creada por Pissenem, The Night League, eventualmente daría pie a la creación de otros ambiciosos proyectos. Pero eso es otra historia… Caracterizado por la innovación y la creación, Yann ha sido un agente revolucionario en cada una de las ideas de las que ha tomado parte, y junto a su equipo ha ido cumpliendo sus sueños y recreando ideas de una forma única e inigualable, además de ANTS y el resto de eventos de The Night League. “Empecé el concepto de ANTS con varios miembros de mi equipo en Ibiza, hace seis años ya. Ahora el equipo ha crecido y se ha vuelto mucho más internacional”, reconoce. Yann y su equipo son responsables de llevar a cabo de principio a fin desde el booking de artistas, la producción, además de la dirección artística, diseño de marca y marketing para cada uno de sus eventos, convirtiendo a The Night League en una compañía creativa capaz de brindar una experiencia de clubbing global.

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Así mismo ANTS ha conseguido cosechar una sólida base de seguidores gracias a sus ingeniosas campañas de marketing, gracias a su característica hormiga y line-ups de altos vuelos cada temporada.

La idea de Yann es clara, y justamente hace alusión a un concepto que, por desgracia, ya no se suele ver en la escena electrónica: Sostenibilidad. “ANTS nació y creció de una forma muy orgánica. La idea era reunir bajo una misma marca una comunidad electrónica de artistas compuesta por los nuevos talentos emergentes de la escena underground, fusionando música electrónica under-

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ground con una producción espectacular e inédita”. Ideada como un encuentro en la que el público es el protagonista, ANTS quiso tomar los valores de comunidad, unión y fraternidad propio de las hormigas. “Nuestro objetivo era hacer sentir a la gente parte del movimiento, de una comunidad unida por la música y que, además, disfrutasen de un gran show”, resume Yann. “Hemos trabajado muy duro creando todo el concepto y el feedback que recibimos es lo que nos da el impulso para seguir mejorando año tras año”,

concluye.

Lo que intriga a mucha gente es el porqué justamente hormigas, y no otro ser vivo con más glamour…

“No era una cuestión de glamour, pero si de un movimiento, de una comunidad underground unida para bailar y me pareció que las hormigas eran perfectas para transmitir nuestra idea: viven en colonias, unidas y solidarias, son trabajadoras, viven ‘underground’ y son negras, el color más representativo de la música techno”, decía el propio Yann Pissenem, en una entrevista que esta casa le hizo en 2013, a la vez que detallaba: “ANTS es un evento de la isla y para la isla”, Caracterizada por un sonido fresco y vanguardista, los trabajadores y residentes pueden disfrutar del acceso a todos los eventos de la marca. Una de las características principales de ANTS es su puesta en escena. El evento abre sus puertas a las 15.00, en su cabina pequeña, y cuando se encuentra en su momento cumbre, a las 19.30 se hace un cambio orgánico, dando paso a la espectacularidad del escenario principal. El concepto ha evolucionado tremendamente, integrando la marca de forma sostenible dentro de un entorno mucho más grande. Hoy ANTS se ha convertido en uno de los principales reclamos

de Ibiza, y en el que todo el mundo es bienvenido sin importar la procedencia, nivel adquisitivo o condición de los asistentes. Con casi 30 fechas a lo largo del año por todo el mundo, el crecimiento de ANTS se prevé exponencial en los próximos años, ya que la marca se ha embarcado en una misión de conquista mundial. Y, tal y como reconoce el propio Yann, todo esto no sería posible sin el tremendo trabajo de producción de todo el equipo de ANTS. “Mi hermano – Romain Pissenem – es un genio de la producción y es capaz de crear todo lo necesario para que nuestro show sea el más espectacular”.

LA PRODUCCIÓN En ANTS, por ser un evento pensado para el público, la producción es uno de sus eventos pivotales. Romain Pissenem es el encargado de hacer realidad las ideas más locas, mastodónticas y desafiantes posibles. Hermano del ideólogo y alma mater del proyecto, Yann Pissenem, Romain tiene una forma de ver su trabajo única y necesaria para poder llevar a cabo este tipo de proyectos. “Me acuerdo perfectamente el día que mi hermano, Yann, me contó la idea y el concepto… A mí me gustó mucho, sobre todo porque para el tema de producción quería hacer una especie de Circo del Sol, en versión música electrónica”, nos cuenta. El reto se centra en cómo poder traducir esas ideas con elementos diferenciales cada año. Es Romain y su equipo de producción el encargado de trasladar las ideas de todo el equipo creativo de ANTS, una coordinación que empieza desde muy temprano. “Empezamos a pensar en nuevos conceptos al terminar cada temporada. Cuando sabemos cómo va a ser la campaña de marketing y el tipo de soportes que se van a crear, es cuando finalmente tomamos las decisiones”.

Todos los departamentos trabajan muy estrechamente. Romain tiene su despacho en Londres, con todos sus equipos creativos y de previsión, y lo que hace es primero trabajar en un concepto: qué quieren decir, cuál es la historia de ese año y qué van a contar. Por ejemplo, este año quería involucrar más al público, por lo que idearon toda una serie de decoraciones y añadidos para que cuando las hormigas – performers – que andan en medio del público salgan, estas puedan interactuar de forma más natural con todos. De esa forma, trabajan en el concepto y luego hacen una serie de storyboards, como si fuera una película, y luego viene el proceso 3D, aprovechándose de la última tecnología al servicio de la producción audiovisual más puntera. “Creamos todo en 3D y podemos verlo todo en el volumen real”, nos cuenta Romain. “Tenemos la suerte de trabajar con un estudio de realidad virtual, así que nos ponemos el casco y nos podemos meter dentro de Ushuaïa Ibiza para ver cómo organizar todo, ver cómo se mueve y cuando tenemos la forma exacta, ejecutamos. Sobre todo este año, al tener la hormiga gigante, tuvimos que pensar cómo fabricarla y cómo instalarla de forma práctica”. Luego empieza la segunda fase, que involucra al vestuario, hacer los contenidos de video – que tiene que funcionar en consonancia con todas las ideas – y también la producción de iluminación. “Usamos un sistema que se llama WYSIGYG, que nos permite ver todo en 3D, junto al contenido en video y de iluminación para saber si todo funciona en consonancia”. Para que todo se vea natural y sencillo hay un trabajo muy intenso detrás. A Romain le gusta compararlo con cocinar: “Uno sabe qué receta quiere hacer, entonces tienes que comprar los ingredientes – en nuestro caso son luz, video, efectos, pirotecnia–. Cada detalle está cuidado, en ANTS hasta los confetis tienen nuestro logo, y una vez tienes todo lo necesario, mezclas los ingredientes para que tenga

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un buen sabor y cada ingrediente funcione bien junto al resto”. Y es que si hay algo que destacan todos los participantes de este reportaje – y el público en general – es el tremendo nivel de la producción ideada por el equipo de ANTS, con Yann y Romain a la cabeza. “Creo que el aspecto de la producción consigue sorprenderme en cada ocasión. El equipo sabe realmente como trabajar y complementar la música que estás pinchando”, nos comentaba Nic Fanciulli, mientras que Joris Voorn hace mención al tremendo equipo de performers, acróbatas y otros profesionales de los efectos especiales y la pirotecnia. Lo mismo opina Andrea Oliva: “La producción es impresionante, cada año el equipo detrás de la marca sube el nivel y los diseños cada vez son más increíbles”.

LOS PROTAGONISTAS Uno de los primeros en unirse a la colonia y, sin duda, uno de los baluartes de ANTS, es el suizo Andrea Oliva. Autodidacta y uno de los DJs más demandados de la actualidad, el idilio de Oliva con ANTS se remonta a 2012, incluso antes del debut de la marca. “Llevo en ANTS desde el principio – incluso cuando la idea aun era un concepto y estaba naciendo. Me acuerdo de las conversaciones que tuvimos en ese momento, intentándole explicar a la gente que iba a haber un evento que se llamaba ANTS y nadie parecía entender de qué iba”, nos cuenta. Otro que estuvo ahí para la primer show de ANTS es Francisco Allendes. El chileno pinchó un b2b junto a Paola Poletto y, aunque el primer año tuvo solo cuatro fechas, fue a bastantes más por cuenta propia. “Me gustaba el ambiente que había: era un evento de día al aire libre con un line up de primera, ¡era perfecto! Y bueno he seguido yendo hasta el día de hoy”.

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Nic Fanciulli también lleva desde la primera fiesta de ANTS de su historia “Ha cambiado mucho desde entonces pero el ambiente sigue siendo el mismo. Siempre hay una atmosfera muy familiar”. Destaca el hecho de que empezase siendo un evento para los trabajadores de Ibiza, por lo que: “siempre hay un gran público con una gran mezcla de gente. Yann se me acercó con la idea muy al principio y vi cuanta pasión le puso al proyecto, por lo que supe que tendría mucho éxito”. Llegaron un poco más tarde nuestros otros tres protagonistas. Kölsch en 2014, Joris Voorn en torno al mismo tiempo y aunque Steve Lawler también estuvo allí la primera temporada, hasta el año pasado no se convirtió en un habitual. Los seis forman un equipo realmente impresionante de selectores y son, sin duda, los favoritos de un público que se rinde a su música en cada uno de sus encuentros. Ha llovido mucho desde el verano de 2013, cuando ANTS se convirtió en una realidad. “Yo pinché en el primer show de ANTS, en su opening en Ushuaïa Ibiza, en 2013. Fue genial ver cómo todo lo que habíamos conversado se convertía en realidad”, nos cuenta Andrea Oliva. “Sabía que Yann y su equipo tenían una visión muy grande para la producción y que iba a ser un encuentro diferente a todo lo que se había hecho antes en Ibiza”. Francisco Allendes, por su parte, reconoce que “había una energía muy especial y mientras pinchábamos la gente saltaba y reía feliz. Pinchando en la cabina pequeña estábamos todos cerca. Fue algo muy especial que nunca olvidaré”. Pero como toda gran idea, tiene que pasar por diferentes etapas hasta que convence a todos los actores. Fue lo que le pasó a Joris Voorn que, como buen holandés escéptico, tuvo que ver para creer.

“No estaba muy seguro de la idea, porque es un lugar muy grande, en un club conocido por su programación mainstream”, nos cuenta. Joris no sabía si un evento underground iba a funcionar, pero muy rápidamente se dio cuenta de que iba a ser increíble. “El público era excepcional y el espacio era perfecto para el tipo de música que yo suelo tocar”. Nic Fanciulli recuerda con cariño los inicios. “Al principio era un evento pequeñito en la parte de atrás de Ushuaïa, y ha crecido de una forma genial y orgánica”, dice. Y, al igual que Kölsch, reconoce que el componente de ser al aire libre es un valor añadido que no todos los shows de la isla pueden jactarse de tener. Por otra parte Steve Lawler, destaca y menciona el gran grupo humano detrás de ANTS. “Cuando uno encuentra una familia como esta, con la que uno trabaja a gusto y que hace la diferencia, no solo las fiestas se vuelven geniales, sino que coges un cariño tremendo por toda la gente que trabaja detrás de este espectáculo”. Y es que los grandes nombres no son los únicos protagonistas. Para llevar a cabo cualquier espectáculo o producción de la envergadura de ANTS en la Ibiza de 2018, hace falta un equipo humano enorme. Entre la gente que monta y desmonta, bailarines, promoción, los encargados de vestuario, el equipo de iluminación, entre otros, están involucradas más de 60 personas. Romain resalta la profesionalidad de todos los involucrados, pero por encima de todo su pasión. Y eso se nota. “Es un evento súper bien organizado, muy bueno, siempre me lo paso genial”, comentaba Kölsch, mientras que Nic Fanciulli destaca, de nuevo, a las personas tras bambalinas: “El equipo de ANTS es uno de los más dedicados y de los que más duro trabaja de toda la isla”.

PRESENTE La propuesta actual de ANTS, evidentemente, ha ido evolucionando desde los primeros años. “A diferencia de la mayoría de shows en Ibiza, no está creada en torno a un headliner. Está pensada para la gente que viene a bailar”, dice Francisco Allendes, a la par que puntualiza que muchos de los habituales, como él, se han convertido en DJs de fama internacional a medida que ha pasado el tiempo, creciendo a la vez que la marca. Aún así, el encuentro se centra en divertirse al máximo desde el momento en que uno pone pie en la pista. El éxito, además, ha llegado de forma escalonada. “La gente siempre ha sentido que forma parte de un movimiento y han aceptado y entendido que es un evento para la gente”, añade Andrea Oliva, quien, además subraya el hecho de que las propuestas al aire libre escasean en la isla y ANTS ha tomado el testigo de otros grandes ya desaparecidos. “Sigue siendo una gran experiencia poder bailar bajo el sol de Ibiza, mientras los aviones sobrevuelan, con ese ambiente de festival. Es genial tocar en ese entorno”, apuntilla. Nic Fanciulli coincide, a la par que reconoce que no hay muchos lugares en la isla donde se pueda vivir esa experiencia a día de hoy. Y es que todos nuestros protagonistas están de acuerdo en que si hay algo que caracteriza a ANTS es estar pensada para el disfrute del público. Y su respuesta siempre es suprema. “A mí lo que más me sorprende es que puedas tocar lo que quieras delante de un público tan grande, al que le encanta la música y que está allí por ese motivo”, dice Joris Voorn, con quien concuerda Steve Lawler. “La forma en la que ANTS apoya la variedad y calidad en la música electrónica es única. Desde yo mismo a Kalkbrenner, pasando por Apollonia, Hawtin

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o Kölsch. Todos somos estilísticamente diferentes, pero damos lo que tenemos que dar en cada show y el público responde”. Este año el concepto ha sido HACK THE SYSTEM, creando toda una imaginería dedicada y muy cuidada por parte de todo el equipo. Buscando romper con el sistema establecido, las hormigas de ANTS se han revolucionado este año con el concepto ideado desde el cuartel general de The Night League. “Es una manera de romper con el sistema, de dejar de esconderse dentro del hormiguero”, dice Romain Pissenem, que este año ha decidido fabricar la hormiga gigante que preside el escenario, con la intención de crear un elemento totémico, visible y reconocible por todo el público. Esta temporada ANTS toma Ushuaïa durante 21 fines de semana, convirtiéndose en su temporada más larga hasta la fecha, confirmando su posición como la auténtica joya de la corona del beach-hotel de Platja D’en Bossa. Con una celebración por todo lo alto de su quinto aniversario el año pasado, este 2018 la apuesta ha seguido subiendo y la marca ha afianzado su touring mundial, creando espectáculos en todas las grandes plazas de la música electrónica del mundo, pasando por una de las nuevas mecas del clubbing, como es Dubái, a Nueva York, Londres, México, Argentina o Bélgica. En este último, este año, ANTS repetirá shows en el Extrema Outdoor y en Tomorrowland, festival con el que tienen una conexión especial, debido a la sinergia creada con Garden Of Madness, el evento satélite del festival en Ushuaïa Ibiza y viceversa, ya que este año la colonia de ANTS tomará el macro-festival belga como un huracán. “La mayor parte de la producción que se lleva a cabo es ejecutada por el anfitrión. En el caso de Tomorrowland, ellos nos presentan una idea y nosotros trabajamos conjuntamente”, explica Romain, siendo Tomorrowland quienes llevarán el peso de la producción en Bélgica. “Tienen un equipo creativo brutal y siempre es un honor recibirles en Ushuaïa, para intercambiar ideas, y agradecemos la con-

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fianza que depositan en nosotros para la producción”, apuntilla.

FUTURO El mundo de la electrónica está dominado por las propuestas más innovadoras, pero la simpleza de algunas de ellas es lo que ha conseguido que lleguen a lo más alto. Poner al público como centro de atención es, justamente, lo que ha conseguido que ANTS llegue a su sexto año como uno de los eventos mejor valorados de la isla. La clave ha sido crear momentos únicos, que lleguen al corazón de las personas, DJs incluidos. “La vez en que mis padres vinieron a verme tocar hace unos años fue el momento que más me ha llegado. Nunca me habían visto pinchar en ningún bolo, así que tenerles conmigo en un evento tan grande en Ushuaïa fue un momento especial para mí”, nos cuenta Andrea Oliva. Cada uno de nuestros protagonistas ha tenido su momento predilecto a lo largo de estos seis años, y hablan de ellos con emoción y cariño. Para Francisco Allendes ese momento tuvo lugar en 2016, junto a su compañero y amigo Raúl Rodríguez. “Como hay buen rollo con Raúl pinchamos b2b y unimos nuestros set-times. Ahí nos pegamos un set de 4 horas muy cool. Media hora antes de terminar el set se nos informa de que a Maya Jane Coles le han cancelado el vuelo y que no alcanzaría a llegar a pinchar, así que nos tocaba reemplazarla. Era el día de reencuentro de todo el equipo y amigos después de 7 meses sin vernos. Nos dimos el lujo de pinchar 6 horas… ¡Un precioso recuerdo!”. Kölsch, por su parte, recuerda su set del closing del año pasado. “Empezó a llover nada más empezar mi set, pero la gente se quedó hasta el final y desde ese momento se convirtió en una de

mis actuaciones favoritas de siempre”, nos cuenta. Y Joris Voorn rememora uno de sus b2b2b justamente junto a Kölsch y Andrea Oliva: “Pinchamos Andrea, Kölsch y yo durante más de tres horas… esa fue especial porque dimos lo mejor de cada uno”. Nic Fanciulli no se queda con un solo momento, sino con el hecho especial de “Pinchar bajo las estrellas en Ibiza. Desafortunadamente, no hay muchos lugares donde puedas hacerlo hoy en día y ANTS es uno de los pocos donde se puede”. Y mientras Nic prefiere los eventos en Ushuaïa Ibiza, Steve Lawler recuerda su bolo de este año en Tenerife para la marca. “¡Había una energía tremenda! El público era impresionante, gran sonido, la producción. ¡Todo!”. Creadora de momentos únicos, el futuro de la marca es interpretado de forma muy parecida por todos los entrevistados. Steve Lawler habla de un futuro “brillante”, declarando el amor y respeto mutuo entre ANTS y él. Kölsch y Nic Fanciulli apuestan por la dominación mundial ante un fenómeno que parece no tener límites, mientras que Joris Voorn es un tanto más cauto, apostando por la sostenibilidad: “Creo que han tenido un crecimiento muy escalonado. La marca se ha afianzado en Ibiza y están empezando a conquistar todo el mundo, en festivales y eventos propios de la marca. La altísima calidad y su propuesta tienen un lugar especial en la escena electrónica y si siguen así no van a parar de crecer”.

sus cartas en cuanto al futuro más inmediato: No nos quieren adelantar mucho porque, retomando la analogía culinaria de Romain: “Ya hemos cocinado el plato y ahora está en la mesa, siendo degustado. Lo único que te puedo decir es que si este año la hormiga ya está saliendo del hormiguero, el año que viene va a estar muy dentro del público”. Evidentemente, cada uno de los artistas tiene su particular forma de ver el futuro de la marca. Andrea Oliva reconoce que aunque ya se han ido de tour por el mundo –pinchado en encuentros más que sonados en México, Dubái, Argentina, Londres o Manchester – la marca no hace más que crecer. “Estoy seguro que la producción seguirá dejando a la gente sin habla a medida que la tecnología mejora. Siempre hay proyectos en torno a la marca, como el juego en forma de app que salió hace unos años y cosas así – estoy seguro que veréis muchas otras sorpresas en los próximos años”. Francisco Allendes coincide: “ANTS está creciendo muy rápido, estamos viajando por todo el planeta y estoy muy contento de que en octubre visitaremos Chile por primera vez… ¡Mi país!”. Está seguro de tal y como va la cosa, pronto le darán la vuelta al mundo. “Solo faltaría visitar la luna junto a las hormigas. ¡Es un sueño! Pero, ¿y si lo logramos?”.

Desde luego, si alguien puede conseguirlo, ¡esa es la colonia!

En el aspecto de producción, tanto Yann como Romain Pissenem no muestran

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Autor Eduardo Pérez Waasdorp Fotos Marie Staggat

EL HOMBRE MODULAR

BLAWAN Jamie Roberts es un chico normal. Un chico normal que se mudó de su país, Inglaterra, a Alemania en busca de mejores condiciones de vida. Esta sería la historia de tantos y tantos jóvenes si no fuera porque Roberts tiene un alter ego que revienta las pistas de baile con su música cada fin de semana. Jamie Roberts es Blawan, uno de los artistas más respetados y codiciados de los últimos años en cuanto a esto del techno se refiere. Él fue uno de los primeros en poner los modulares en el mapa, siendo hoy reconocido como uno de los más prolíficos manipuladores de sonidos en estas bestias cableadas. El británico ha conquistado así media Europa, bien sea en

solitario o en proyectos conjuntos como Karenn, junto a su compatriota Pariah, alias con el que a base de cacharrería analógica se encarga de hacer bailar a todo el que se ponga por delante. Tras más de diez años entre nosotros, finalmente el pasado mes de junio la musa creativa le bendijo y pudo lanzar su esperado y ansiado LP, ‘Wet Will Always Dry’, en el sello que ha creado especial y únicamente para sus trabajos, Ternesc. Hablamos con el británico sobre los entresijos de éste, su primer largo, su relación especial con algunos lugares de nuestro país y cómo consigue huir del fútbol en un mes en el que lo tenemos hasta en la sopa. ¡Música, maestro!

¡H

ola, Jamie! ¡Gracias por atendernos! ¿Dónde te pillamos ahora?

En casa, en Berlín. Cambiaste tu casa de Inglaterra a Alemania hace unos años… ¿Es el lugar que mejor encaja con tus necesidades creativas? ¿O hubo otras razones?

Sí, creo que podría decir eso. Tengo más amigos aquí, involucrados en la escena techno, de los que tenía en Reino Unido. Pero, siendo sinceros, me mudé a Berlín para vivir con una mejor calidad de vida. Antes vivía en Londres y todo era demasiado caro (risas). Así que me mudé no por razones musicales, sino para poder permitirme más cosas y vivir mejor fuera del ámbito musical. Me siento muy bien recibido, es un lugar muy diferente a Reino Unido, a muchos niveles diferentes, pero la gente es muy maja. Acabamos de salir de la Off Week de Barcelona y no te hemos visto… Sin embargo, pasaste por la ciudad junto a Pariah – con vuestro proyecto Karenn – en Nitsa. ¿Cómo fue? ¿Cómo es tu conexión con la ciudad y nuestro país?

SÍ, la última vez fue en Nitsa y estuvo muy bien porque llevaba mucho tiempo sin tocar allí. En la Off Week no he estado, de hecho ha sido el primer año que no voy por la semana de Sónar. Siendo sinceros, a no ser que vayas a tocar a Sónar, al festival, el resto de fiestas siempre son muy estresantes. He tenido muchos problemas con ciertas fiestas, ya que se cancelaron sin avisar o no te pagaban… ¡Tío, me encanta Barcelona! ¡Es una de mis ciudades favoritas! Pero durante Sónar y la Off Week simplemen-

te es demasiado para mí, demasiado ajetreo. Así que este año decidí tomarme un descanso de todo ese rollo. ¡Es tan intenso! Igualmente, hace poco pasabas por Mondo, en Madrid, ¿no

¡Sí! Hace unas semanas… ¡Estuvo genial! Debe ser la sexta vez que voy en los últimos tiempos, se podría decir que soy un asiduo (risas). Voy casi seguro una o dos veces al año. Me encanta, porque siempre está lleno de gente que viene a verme… Y, ¿con el resto de España? Has estado en muchos sitios… desde el Sur hasta el Norte. ¡Incluso en Ibiza hace dos años!

Sí, estuve allí una vez, en 2016… Me encanta poder tocar en diferentes sitios de España, porque al principio de mi carrera no tocaba mucho en vuestro país. Está muy bien poder ver y conocer mejor España. Recuerdo que uno de los lugares más impresionantes que he visitado en mi vida fue Gijón, en Asturias. Me dejó anonadado lo hermoso que es todo allí. Además he estado oyendo cosas muy buenas de un club que hay en la ciudad, el Lanna, creo… Siempre he sido gran fan de todo lo que pasa en España. Este año está siendo muy especial para ti, ya que hace tan solo unas semanas presentabas tu álbum debut, ‘Wet Will Always Dry’. Después de 10 años de publicar en formatos cortos, ¿por qué ahora?

Creo que lo he dicho en algún sitio… Creo que ha sido el momento adecuado, ya que me he sentido contento con la música. Creo que finalmente me he

sentido cómodo para lanzar un largo. En los dos últimos años he intentado componer álbumes pero nunca funcionó, porque no estaba contento con la música. Esta ha sido la vez que realmente todo encajaba. Es la razón, básicamente. ¡Soy un poco perfeccionista! (Risas). El álbum es una colección de ocho temas claramente techno, cada uno con carácter propio y especial. Además, en conjunto, nos ha llevado en un viaje inmersivo a las profundidades de tu sonido – una cornucopia de lo que ha sido Blawan en los últimos años. ¿Qué te ha inspirado a la hora de componer este disco?

¡Exactamente eso! Quería hacer una colección de temas que fueran, no un homenaje, sino que reflejaran lo que he estado haciendo durante los últimos ocho años y solidificar todo eso en forma de un disco. Algo que no solo mirase atrás sino que me diese un camino que seguir en el futuro, ya que va a ser una línea que siga en el siguiente par de lanzamientos que lleve a cabo. Esa fue la inspiración. Nuestro favorito es ‘Careless’, sobre todo la forma en la que fusionas los vocales en un track tan físico, haciéndolo hipnótico y hasta lisérgico. Los vocales son un elemento a menudo sobreseído en el techno… ¿Por qué los quisiste usar en este caso?

¡Gracias! Sentí que la canción necesitaba un elemento humano… Sé que suena un poco obvio decir eso, pero creo que uno puede conseguir una respuesta realmente emotiva con los vocales, que no se puede obtener con un instrumento electrónico. Realmente me gusta usarlos, y es algo que puedes oír en mi repertorio, siempre

uso algo de vocales en algunos de mis tracks. ¿Quién es el vocalista?

¡Soy yo! (Risas). ¡Si es que se me puede considerar vocalista! (Risas). Soy yo el que graba la voz, tanto en el disco como en mis otros temas. Llevo haciéndolo durante los últimos tres años… Una mentalidad muy DIY…

(Risas) ¡Se puede decir que sí! Me gusta hacer todo lo que pueda yo mismo… Otro track interesante, por sus efectos, es ‘North’… teniendo en cuenta que una vez dijiste que empezabas todo por la percusión… ¿Ha cambiado tu proceso de producción con los años?

Realmente no. Incluso en ese track, donde el sinte es el sonido predominante, ese track también lo empecé con un kick y con la percusión. Siempre lo hago así, no puedo evitarlo, es mi forma de trabajar… ¿Estás preparando algún tour especial con motivo del disco? ¿Quizá algunas actuaciones en directo en solitario?

En verdad no… La única actuación en directo relacionada con el álbum será en el Unsound Festival, en Polonia, en octubre. Tengo tantos otros proyectos en directo, y tengo tantos proyectos de lado en este momento, que no quería estresarme más haciendo un álbum que presentar en directo en un tour. Tampoco funcionaria muy bien, creo… Hablando de directos… En los aeropuertos, ¿ya entienden lo que es un sinte modular? ¿O te siguen parando? Lo decimos por esa foto tuya en un control de seguridad que se hizo viral…

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(Risas) Sí, la cosa va poco a poco. La primera vez que salí con el sinte modular la verdad es que me paraban en todos los controles (risas). No tenía para nada la intención de que fuese viral, fue una locura… Ahora en serio… Siendo uno de los grandes de la escena en esto de los modulares, ¿qué opinas de que ahora muchos productores hayan caído en sus redes? ¿Se está tratando a estos aparatos como se debe?

No lo sé, no creo que haya ninguna regla con los modulares… Y precisamente quizá esa sea su principal desventaja. El problema es que puedes hacer lo que quieras y no hay restricciones, para lo bueno y para lo malo. La esencia de la síntesis modular es que tienes que construir tus propios sonidos desde cero y es algo muy difícil de hacer. A mí me llevó muchos años aprender a hacerlo de la forma correcta. Creo que cuando hablas

de techno y de gente que toca en un sistema modular, sigue siendo una tendencia bastante joven. Creo que ser bueno en esto es algo que lleva bastantes años. Todavía está empezando y quizá en un par de años veas más gente haciendo cosas mucho mejores con los modulares. Es algo que lleva su tiempo… Y tampoco es una ciencia exacta…

Totalmente. Tiene que ver mucho con la improvisación, tienes que hacerlo de cero a 100 en un periodo de tiempo muy determinado… Es muy difícil. La siguiente vez que nos visites será como Karenn, junto a Pariah, para el aniversario de Stardust, una de las sesiones de techno más longevas de la capital. Sin embargo, no será en el club, sino en el espacio Jardines del Botánico. ¿Qué te gusta más? ¿Tocar en club o al aire libre?

Club 100%. Siempre club

(risas). Creo que mi música se puede entender más en un club. Todo, creo, se reduce a dos elementos: la luz y a lo cerrado del espacio. Cuando estás en un club y está oscuro la música funciona mejor, que en el exterior.

a mi me dieron la oportunidad de publicar dos discos, lo que ayudó tremendamente a mi carrera. Es una locura que este año cumplan 35 y que Renaat siga siendo tan apasionado por la música, tan enérgico... ¡Es un personaje! (Risas).

Cambiando de tema, este año hablábamos con Renaat Vandepapeliere, cabeza detrás de R&S Records, que cumple 35 años este año. ¿Cuán importante ha sido el sello en tu carrera? ¿Te ha influido?

Después de publicar en algunos de los sellos de techno más potentes de la escena, decidiste publicar tu álbum debut en tu propio Ternesc. ¿Fue cuestión de libertad creativa?

Ha sido tremendamente influyente para mí. Me puedo remontar a lo enganchado que estaba a todo lo que publicó Aphex Twin en R&S, que salió mucho antes de que yo estuviera metido en el techno y en los vinilos. Desde chaval el sello ha sido uno de mis referentes, y no solo con Aphex, sino con toda la música que han publicado. Si miras atrás, R&S es un sello muy importante a todos los niveles y, además,

Siempre fue la idea, la de lanzar el álbum en mi sello. De momento Ternesc está allí para publicar únicamente mi música, no tengo planes de publicar en ningún otro sello por el momento. Puede que cambie en el futuro, pero durante los próximos años solo oiréis los trabajos de Blawan en Ternesc. Hablando de eso, ¿cómo va Ternesc? ¿Después del álbum, cuándo volverás a publicar en tu sello?

Del mismo modo, Ternesc solo va a sacar mi música, no voy a publicar cosas de otras personas. En cierto modo, incluso no sé si deberíamos llamarlo sello discográfico… Los planes son muy simples: cuando tenga música nueva que quiera publicar, la publicaré. No me complico, es un planteamiento sencillo y sólido. Entonces, tras publicar disco, ¿habrá parón entre ahora y tu próximo trabajo?

No necesariamente. Si tengo un EP que creo que deba publicarse, lo haré, sin importar el tiempo que haya pasado desde el álbum… Pero lo más seguro es que hasta final del año o principios del que viene no haya nada nuevo. Aunque de momento no hay ningún plan sólido, me voy a tomar un pequeño descanso del estudio…

Eres bastante esquivo con la prensa, ¿por qué?

¡Tío, creo que no es lo mío! (Risas). No soy un tipo al que le gusten las entrevistas. Soy más de la idea de que lo mío es poner música y hacerla sin tener que decir mucho más (risas). En verdad lo que me pasa es que soy un poco tímido… Bueno, en verdad la música habla por ti, ¿no?

Creo que sí (risas). ¡Gracias! Dejemos que sea ella quien hable entonces (risas)… ¿Te gusta el fútbol?

La verdad es que no. Soy uno de los pocos ingleses a los que no les gusta el fútbol (risas)… Entonces, ¿cómo haces para escapar de la fiebre mundialista?

Hago lo que puedo (risas). La verdad es que este mes está por todas partes y no puedes evi-

tarlo. A ver, sí que me gusta saber cómo van los resultados, pero no soy de esos que siguen lo que ocurre día a día… No es algo que me interese, por lo que es muy fácil pasar del tema (risas). Hemos oído que tienes otros proyectos para este año… ¿Qué más tienes programado este 2018?

Bueno, tengo muchos shows este año, está siendo el año con más bolos de mi carrera, muchos DJ sets, muchos directos… Pronto Pariah y yo vamos a sacar un EP de seis tracks como Karenn, en septiembre si todo va bien, lo que son grandes noticias para ambos… Algún que otro remix… ¡Mucha música y muchos shows! ¡Estaremos atentos! ¡Gracias por tu tiempo, Jamie!

¡Gracias a vosotros!

AFRICA

FUE

OLIVER KOLE SCHWIND KOLETZKI & N - OLIVER KOL

C L AV E

Autor Eduardo P. Waasdorp

TZKI & NIKO OLIVER NIKO SCHWIND ETZKI & NIKO

Niko Schwind, por su parte es uno de esos DJs y productores hechos a sí mismos y que ha conseguido hacerse un hueco permanente entre los profesionales a los que acudir cuando uno requiere reventar una pista de baile. Tras dominar su ciudad, Trier, y conquistar las cabinas de clubes como D-Edge en Brasil, Bar 25 o Watergate en Berlín, Niko llamó la atención de Koletzki y desde 2015 han venido sacando una serie de EPs enfocados en la pista de baile. Además de en el estudio, descubrieron que su compatibilidad se extendía Koletkzi es el capo de Stir Vor también al escenario, donde Talent, uno de los sellos más además de b2b han respetados y prolíficos de la desarrollado serios directos última década, en la que Oliver que han sido aclamados por ha sabido juntar con su ojo crítica y público. clínico a algunos de los artistas más interesantes de la escena, Habiendo situado un contexto, que luego se han colocado en el año pasado ambos se la primera línea, como Maetrik, embarcaron en un viaje sin Florian Meindl, H.O.S.H., igual a Sudáfrica, donde Animal Trainer, David August, además de asistir a la versión Jan Blomqvist, Edu Imbernon, africana del Burning Man, Klangkarussell, Reinier ambos parieron su último Zonneveld o el propio Niko largo, ‘Noordhoek’. De esto Schwind a lo largo de estos hablamos con ellos para que años. Sin atarse a ningún nos destripasen los detalles de género y con la música de la creación de un trabajo tan calidad como única y principal completo y exuberante. etiqueta. ¡Música, maestros! as cosas buenas de la vida muchas veces llegan por sorpresa. Tal es el caso del último trabajo de nuestros siguientes protagonistas. Oliver Koletzki y Niko Schwind son dos de los productores alemanes que más han aportado, a lo largo de los años, a la cantera creativa del país germano. Tanto en solitario como – después – en conjunto, ambos han conseguido entregar calidad en los distintos géneros y aventuras sonoras a las que se han enfrentado.

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¡H

ola Oliver! ¡Hola Niko! ¡Gracias por vuestro tiempo. ¿Dónde estáis ahora?

Oliver: ¡Hola! Pues en este momento nos pillas sentados comiendo juntos, en un restaurante libanés de Berlín, en Friedrichshain… Antes de empezar, por contextualizar, ¿como os conocisteis?

Niko: Bueno, calculamos que hace unos 10 años, en el famoso y ya desaparecido Bar 25 de esta ciudad. Poco después de eso le mandé a Oliver las primeras demos que recibió para Stir Vor Talent. Lleváis publicando cortes para la pista de baile desde 2015… ¿Cuándo os disteis cuenta de que podíais trabajar juntos en el estudio?

O: Un día, después de conocernos, me pasé por el estudio de Niko y empezamos a improvisar con todos sus cacharros. Fue evidente, al instante, que nos complementábamos

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muy bien el uno al otro a la hora de producir. El año pasado, en abril, decidisteis viajar a Sudáfrica con todos vuestros bártulos, antes de participar en el festival AfrikaBurn – la versión africana del Burning Man – para pasar un mes trabajando en vuestro último álbum conjunto. ¿Qué os inspiró para componer este exuberante ‘Noordhoek’?

N: Tuvimos la idea de viajar a Sudáfrica juntos y dejar que el lugar nos inspirase para hacer música. Especialmente nos impactaron lo que nos rodeaba, la naturaleza, y nuestros encuentros con la gente local. Fue muy especial. Todo eso ha resonado con fuerza en la producción de nuestro álbum y del sonido que destila. ¿Cómo es la experiencia del AfrikaBurn?

O: AfrikaBurn es un festival realmente extraordinario. Puede que sea más pequeño que Burning Man pero las condiciones

del lugar son igual de extremas y la calidad es al menos igual que la del original. Es un lugar muy inspirador donde la gente se junta para celebrar la vida y donde cada día se queman estructuras de madera realmente innovadoras y con un diseño increíble, igual que en el original. Decidisteis llevaros vuestro estudio y vivir en Ciudad del Cabo durante un mes entero antes del festival. ¿Por qué precisamente en la zona de Noordhoek? ¿Qué tiene de especial el lugar?

N: Cuando estábamos preparando nuestro viaje a Sudáfrica, encontramos un alojamiento realmente espectacular en Air BnB por un precio realmente razonable. Cuando llegamos nos dimos cuenta de que también tenía un jardín realmente fantástico, que era simplemente perfecto para que pudiésemos crear el equilibrio necesario entre el trabajo en el estudio y los momentos de relax. ¿Qué otras experiencias

vivisteis durante vuestra visita a Sudáfrica?

O: Viajamos y exploramos varias zonas, como la famosa Garden Route, que se extiende 300 kilómetros por la costa sudoeste del país y cuyos paisajes son espectaculares. También hicimos muchas rutas a pie, disfrutando de la naturaleza y visitamos otras grandes ciudades con escenas vibrantes, como Johannesburgo, Durban o Pretoria. Pudimos ver mucho de la realidad cultural del país. De toda esta experiencia disteis a luz este ‘Noordhoek’, un álbum de 12 temas que es un auténtico viaje de influencias, lleno de sonidos interesantes y ambientes africanos. ¿Cuál ha sido el mayor reto a la hora de grabar este disco?

N: Desafortunadamente, las autoridades de aduanas de Sudáfrica confiscaron nuestros monitores de estudio a nuestra llegada, aunque pudimos recuperarlos con la ayuda de unos abogados unos cuantos días después. Así que, a nivel práctico eso fue un auténtico reto. Aparte de eso, sentimos que era importante tratar los sonidos del país de forma respetuosa, lo que creo que conseguimos creando algo completamente nuevo con ellos. Hay muchos temas a destacar de este disco, pero para nosotros tienen algo especial ‘Olura’ – oscuro, triposo y fotográfico, con toques metálicos – y ‘Kruda’ – un track cargado de luz y positividad –. ¿De dónde sacasteis estas ideas?

O: Hacíamos música durante 12 o 16 horas al día, todos los días. Simplemente fuimos a por ello y, siéndote sinceros, es difícil diseccionar nuestras creaciones a posteriori, sobre todo hablando tema por tema. Todo fue cuestión del momento. ‘Olura’, por ejemplo, la compusimos durante una noche un tanto etílica, en la que vaciamos varias botellas de un vino tinto realmente bueno. Vuestras anteriores colaboraciones no se han limitado al estudio, ya que habéis desarrollado un interesante directo. ¿Cómo es vuestra configuración?

N: Oliver tiene un gran teclado maestro, con el que hace las melodías. Yo creo los arreglos, con mi MPC. ¿Algún plan de llevar ‘Noordhoek’ al plano del directo?

O: Este álbum lo presentaremos en forma de DJ sets b2b. Pero para el siguiente si que tenemos la idea de volver con un directo en toda regla. ¿Quién es el responsable del artwork? ¿En qué está inspirado?

N: En la portada se puede ver la casa en la que el álbum fue creado. Ese arte es una pintura de la artista Georgia Karidi. En cuanto a su acogida, ¿cómo lo ha recibido el público? ¿Cómo está funcionando?

O: Estamos muy contentos con cómo se ha recibido el álbum, tanto a nivel de la crítica en prensa y, sobre todo y más importante, por los clubbers. El feedback positivo realmente nos ha dejado atónitos. ¡Muchas gracias! Aquí en la redacción nos ha encantado. Un servidor lo puntuó con un 8.3/10… ¡Espero que el vinilo nos llegue pronto!

N: ¡Gracias a vosotros por apoyarlo! Realmente lo apreciamos. Hace poco hablábamos con Black Coffee, sobre el error de concepto que hay en el mundo occidental sobre cómo es África hoy en día. ¿Cómo ha cambiado vuestra percepción tras vuestra visita?

O: Nos dimos cuenta de que el Apartheid sigue estando muy presente en la Sudáfrica de hoy. Por otra parte, fue fantástico ver cómo tantos grandes jóvenes artistas de los townships son ahora capaces de hacer su propio y único sonido y que están obteniendo exposición en escenas más establecidas por todo el mundo, especialmente en Europa. Sabemos que Oliver tiene su estudio en el Holzmarkt… ¿Cómo es eso de estar creando música en el lugar que una vez albergó el legendario Bar 25 de Berlín?

O: Es un lugar muy especial y querido para mí, donde viví muchísimas noches fantásticas con el paso de los años. Es realmente increíble tener mi estudio allí. Es realmente algo que me inspira tremendamente. ¿Cuál es el estado actual de la escena berlinesa? Algunos dicen que Ámsterdam está tomando el relevo como nuevo epicentro creativo de la electrónica… ¿Estáis de acuerdo?

N: La escena en Berlín sigue estando muy viva, es muy diversa y muy abierta de mente. Cada tanto abren nuevos clubes, y a menudo vemos nuevos festivales estableciéndose en torno a Berlín cada año. Pero también hay un lado negativo: la gentrificación se mueve rápidamente y se está tragando los espacios creativos. ¿Cómo va todo en Stir Vor Talent? ¿Qué planes hay para el sello para el resto del año?

O: ¡Va todo genial! Vamos a lanzar un álbum de la talentosa Giorgia Angiuli este otoño, y vamos a sacar potentes EPs de Sam Shure, Jiggler, Township Rebellion, Moonwalk y de Niko Schwind. Además, vamos a hacer una nueva edición de nuestra serie de recopilatorios downtempo, A Tribe Called Kotori. ¿E individualmente? ¿Qué tenéis planeado para el resto del año, chicos?

N: La temporada de festivales está en pleno apogeo y no podemos esperar poder hacer nuestros sets en el Fusion Festival, Feel Festival, Wilde Möhre y Someroya Festival, además de nuestro Stil Vor Talent al aire libre, ¡claro! ¡Muchísimas gracias por vuestro tiempo!

O y N: ¡Gracias a vosotros! *‘Noordhoek’ de Oliver Koletzki & Nico Schwind está a la venta desde el 30 de mayo, publicado en Stir Vor Talent. Disponible en todas las plataformas.

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Autor Diego Fernández Fotos: Oliver Clasper

DJRUM

E N T R E LO C L Á S I C O Y LO CONTEMPORÁNEO

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Djrum (pronunciado Drum, sí, con la H muda, aunque no lo parezca) es de esos oyentes perfeccionistas que deambula entre lo antiguo y lo contemporáneo. Experto mixer y Dj de altos vuelos, sus viajes en forma de set fluctúan del dubstep y footwork más crudo, al techno o breakbeat, pasando por el ambient, hip hop o drum n bass. Si el pasado año decidiera embarcarse con un EP en uno de los sellos más reputados de la escena como R&S, el británico regresa ahora, después de y según él, un 2017 emocionalmente turbulento, con ‘Portrait With Firewood LP’, un nuevo largo bajo el brazo que oscila entre su clásico breakbeat y ambient techno, en su vasta mayoría. Y es que siendo probablemente su trabajo más maduro y bronceado, con menos sampling que nunca pero con un cierto enfoque hacia lo clásico, éste suena de lo más jazzy del británico hasta la fecha. Así nos lo cuenta…

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l grano, Félix: Te le leído varias veces decir que tu background viene del jazz. ¿Qué te parece la nueva ola de jazz británico que está apareciendo últimamente? ¿Cómo y por qué crees que este jazz está traspasando fronteras hasta recaer, incluso, en la escena electrónica actual?

Me resulta muy interesante ver cómo el interés por el jazz parece ponerse y quitarse de moda cíclicamente. A veces no es nada guay pero ahora parece ser lo más, quién sabe por qué. Pero al final es como todo, son corrientes que aparecen y desaparecen. Si te soy sincero, no tengo tan controlada la nueva escena de UK jazz. Mi interés siempre ha hecho que preste más atención a los discos, en vez de los directos. Desde crío, mi obsesión han sido los discos de jazz de los 60 y 70, pero nunca me ha llamado tanto ir a conciertos de jazz. En la escena británica desde hace años, ¿cómo dirías que se diferencia la cultura de club actual en el Reino Unido, respecto a la de los comienzos de los 2000?

Creo que la gente cada vez se abre más a escuchar una mayor diversidad de estilos en los clubes que antaño. Y eso esto es algo apreciable año tras año, donde cada vez más, el público recibe con gratitud otros géneros y estilos. En mi opinión, es como si viera a la gente mucho menos tribal de lo que eran antes…

Siendo Dj mucho antes que productor, ¿dirías que tu eclecticismo en el estudio responde a las raíces de tu djing?

Te diría que sí, desde luego. En mi caso, empecé en esto del djing para conectar los puntos entre los diferentes géneros musicales. Y lo cierto es que eso es algo que creo que también hago (y se nota) en mis producciones. Mezclando jazz, hip hop, funk o soul en tus comienzos, y viendo el hype que dichos géneros están experimentando actualmente, ¿nunca has pensado en crearte un nuevo aka para este tipo de música?

Siendo honesto, no, nunca lo he pensado, por lo menos no con un aka nuevo. Desde hace tiempo, intento hacer que mis influencias del hip hop sean más destacables y llamativas. Me encantaría hacer más hip hop pero no sé por qué, no soy capaz de hacerlo que encaje bien con otras producciones y estilos a los que le doy caña. De hecho, tengo un disco donde todos los cortes son de hip hop y no sé qué hacer con él. Puede que los publique en una especie de beat tape en algún momento, pero está por ver… Destripando tu nuevo ‘Portrait With Firewood LP’, la nota de prensa reza algo así como: “un disco compuesto en un emocionalmente turbulento 2017”. ¡A qué se refiere? Causó esto que “solo” publicaras un

EP durante todo el pasado año o se trataba simplemente de un artista allanando el terreno a lo que sería su próximo LP?

Justo, el álbum ha sido mi principal centro de atención desde hace mucho tiempo. Te diría que es en lo poco que he trabajado en todo ese espacio de tiempo. Debo admitir que con este ‘Portrait With Firewood’ me he llevado un sorpresón. Creo que hay bastante menos sampling, más grabaciones de campo y un enfoque mayor hacia lo clásico. Y tú, ¿qué dirías?

Sí, en ese aspecto es bastante diferente a ‘Seven Lies’. Pero he de decir que en muchas otras características no creo que haya sido un salto tan grande. Siempre he tirado de muchísimo sampling de antiguos discos de jazz, y la mayoría de diseño sonoro que se escucha y aprecia en mis trabajos anteriores tienen como punto de partida samples de instrumentos acústicos, en la mayoría de ocasiones. Así que te diría que todavía hay bastante sonido acústico, como en mis trabajos pasados. Para este disco he limitado la paleta de sonidos acústicos con los que trabajar, solo eso. Por eso, el piano, cello, percusión y vocales son todas originales. Que hablando de instrumentación real, son precisamente estos instrumentos (piano, chello y violín) parte de la pieza fundamental para la narrativa del trabajo. ¿Qué hay de las

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colaboraciones, cómo y por qué has decidido trabajar y contar con ellas? ¿Tenías ya en mente y antes de entrar en el estudio, un disco tan instrumental y emocional?

Sí. Todo el piano que se escucha en el disco soy yo tocando; todo el chello es de Zosia; y todas las vocales corren a cargo de Lola. Ya desde que empecé a madurar la idea del álbum tenía en mente que quería un chelista y una cantante para complementar las melodías de mi piano. Es algo que llevaba queriendo hacer desde hace tiempo, simplemente me llevó algo más de confianza llevarlo a cabo. Se trataba de crear una paleta de sonidos cohesivos y de tener mayor control sobre las estructuras melódicas, y esto es algo que puede resultar bastante complicado si trabajas con sampling. Estás limitado a lo que puedes llegar a hacer melódicamente por lo que sueles perder un poco de sutileza emocional. ¿Cómo ha sido la metodología de producción de este LP? Te lo has tomado como una jam sesión, o al revés, has ido hilando puntos hasta llegar al resultado que tenías en mente?

Te diría que es un poco de ambas. El punto de partida de muchos de los cortes han sido mis propias improvisaciones con el piano. Una vez tenía esta melodía, les daba forma hasta formar composiciones estructuradas en el ordenador. Con las voces y el chello de Zosia y Lola respectivamente, su

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proceso ha sido similar. Les hice improvisar por encima de la estructura que tenía y más tarde traté esos resultados como samples. De ahí a manipularlos a mi gusto, editarlos, cambiar su orden y su pitch, y darles forma hasta crear unas nuevas y frescas composiciones. Hay alguna parte que les mandé repetir debido a mis cambios, pero esa es un poco mi metodología de producción. Al escucharlo, parece que todos los tracks encajan a la perfección, como si se tratara de un mix de-construido. Normalmente, el tracklist es un tema bastante importante y tedioso a la hora de cerrar un LP, ¿cómo ha sido este proceso?

Sí, muchos de los temas fueron concebidos para fluir y encajar unos con otros; otros en cambio, no. Por ejemplo, los cortes 2 y 4 fueron escritos para encajar, y con el corte 1, la intención era la de servir como intro al disco, una especie de overture. Podría muy fácilmente haber convertido esos cortes en una especie de track de muchos minutos, sin interrupciones; o con ‘Creature’ podría haberla convertido en un corte mucho más largo, pero me centré mucho en poder brindar a la gente algo que les gustara también como tracks individuales. Por eso he querido concluir todos los cortes con un silencio al final. Aunque siga sonando a un breakbeat ambient techno, me resulta curioso ver como con el tan poco sampling de jazz

que incluyes, suena probablemente lo más jazzy de Djrum hasta la fecha…

Ya sé por dónde vas (risas). En el caso de querer samplear algún piano de jazz, tenía claro el no usar el pasaje al completo sin haberlo modificado previamente un mínimo. En cambio, el hecho de poder tocar mi propio instrumento me permite incluir pasajes de piano mucho más largos sin cortar, editar ni modificarlo de ninguna manera. Así que al final esta libertad es la que me permite incluir secciones melódicas más largas tanto con el piano como con el chello. Mientras confeccionabas el largo, ¿pensaste en algún momento en futuros bolos, la pista de baile, etc? En otras palabras, ¿has tenido algún tipo de presión a la hora de componerlo? Me refiero al público, sello, sentimientos personales…

Creo que un productor de música electrónica que hace música para bailar siempre tiene algo de presión por publicar música de baile y hacer música con la que realmente la gente baile. Creo que parte de esa confianza que he ganado de alejarme un poco de la música esencialmente creada para la pista de baile es el haberme creado una cierta reputación previa como Dj. Ya que la gente conoce mis habilidades como Dj, no siento la necesidad de tenerlos que convencer de ninguna manera, con ninguna de mis producciones. Aún así, tampoco me tiembla el pulso a

la hora de hacer música estrictamente para la pista, eh. Te he leído varias veces autoetiquetarte como una persona muy perfeccionista. ¿En este caso, cuándo y cómo sabías que ya habías acabado el álbum?

Siempre me gusta escuchar lo que he hecho y pensar qué es lo que he hecho de manera diferente. Pero en este caso, tenía bastante claras las estructuras de cada uno de los tracks, así que llegaba el momento en el que sabía perfectamente lo qué necesitaba cada corte. A partir de ahí solo tenía que llevarlo a cabo. Te pregunto ahora por uno de sus cortes, ‘Showreel pt 3’. ¿Cómo así lo incluyes en este disco, y no en el mismo ‘Broken Glass Arch EP’, junto a ‘Showreel pt 1 y 2’? ¿Por qué publicarlo ahora, en un LP que tampoco tiene mucho que ver con el track?

La verdad es que tienes razón. Cuando publicamos ese EP, tenía empezado -pero no acabadala Parte 3. Sabía que la tercera entrega no estaba finalizada pero tenía muchas ganas de publicar un EP en 2017, y más a través de R&S. Si hubiese esperado a tener terminada la

Parte 3, hubiese pasado demasiado tiempo sin producir ni publicar nada. Y lo cierto es que compuse ‘Showreel Pt 1’ en mayo de 2015. ¡Estaba como loco por que viera la luz de una vez! ¿Qué hay de Illian Tape, cómo empiezas a colaborar con ellos? ¿Debemos esperar algo a través del sello de Zenker Brothers próximamente?

Me encantan esos chicos. Vaya sellazo. Me encanta la música que publican en cada referencia. En mi caso, nos pusimos en contacto a través de Internet porque a ambas partes nos flipaba lo que hacía la otra. Así que decidí enviarles unos temas que no encontraban hogar en casi ninguna disquera y el resto es historia. Me encantaría volver a trabajar con ellos y creo que el sentimiento es mutuo, así que sí, seguro colaboramos más pronto que tarde… Las estrellas se tienen que alinear solo un poco más.

empieza (y acaba) con el jazz?

(Risas) Sí, esas es una forma cojonuda de verlo. En la música está todo tan conectado… Nada existe de forma aislada ¿Qué hay de España? Con tus enérgicos Dj sets, ¿cómo así te vemos tan poco por aquí? Especialmente en el sur del país, donde estos géneros son masivos…

¡Dale! Me flipa España y me encantaría tocar más veces ahí. Así que mejor dímelo tú (risas). Puede que a los promotores de por allí les de un poco de respeto bookearme, al ver mis producciones, que son bastante más experimentales y ambient que mis sets. Cuando actúo como Dj en un club, actúo para el público y lo único que me importa es convertir la pista en algo divertido e interesante. Gracias por los minutos, Felix. Nos vemos pronto.

Gracias a ti. ¡Un placer! Llevas sampleando jazz en casi todas tus referencias, pero siempre con un resultado oscilando entre el technobreakbeat-jungle. ¿Eres el ejemplo perfecto de que, incluso en la música electrónica, todo

* ‘Portrait With Firewood LP’ saldrá a la venta el próximo 17 de agosto a través de R&S

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Autor Leire Zuloaga Fotos: Olivier Donnet

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arte

Tras su paso por Barcelona y Madrid, charlamos unos minutos con Rone, uno de los nombres más aclamados dentro de la industria electrónica francesa de estos últimos años. Tras contar con el apoyo de nombres tan REPUTADOS como Orbital o JEAN—MICHEL Jarre, y

con la presentación de su nuevo álbum ‘Mirapolis’, Rone deja claro que innovar no es una palabra tabú dentro de SU CONCEPCIÓN DE LOS RITMOS ELECTRÓNICOS. Hablamos de su esperado largo formato, de sus máquinas y sobretodo, del arte que supone

música

siempre

rone

fue

llevar a cabo todo este recorrido en menos de

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diez años. ¡Comenzamos!

i Rone eleva la música a un arte, ¿cúal sería el concepto de tu obra?

La música siempre ha sido considerada como una forma de arte. Desde luego hay algunas personas que aún hoy en día siguen sin considerar la música electrónica como una parte compleja de esto que se denomina arte, simplemente porque es llevado a cabo con ordenadores y máquinas. Es precisamente esta gente la que no entiende la complejidad del proceso; si no hay un humano para controlar estas máquinas ni proceso creativo, entonces no hay arte. Si te soy honesto, nunca he buscado intelectualizar mi música, simplemente voy trabajando con mis máquinas hasta que consigo un resultado adecuado. Tampoco me considero un “freak” de las máquinas y nunca fui a clases ni nada parecido, solo jugueteo y me lo paso bien con mis máquinas. Es más, a veces he creado sonidos nuevos por accidente, ese es el momento donde empieza la verdadera magia.

Háblanos de ‘Mirapolis’, tu último álbum. ¿Qué podemos encontrar dentro de él?

Puedes encontrar muchas cosas diferentes. Antes de

que puedas incluso empezar a escucharlo, ya puedes disfrutar del maravilloso cover realizado por el director de cine Michel Gondry. Musicalmente, siempre intento aislarme en mi mismo para crear pequeñas demos y luego terminar algunas pistas en mi estudio, pero para los otros tracks sentía que necesitaban un plus extra. Por ejemplo, sentía que ‘Down For The Cause’ necesitaba una vocal con una voz dulce y femenina, por eso me puse en contacto con Kazu Makino. Por su parte, con “Brest” también sentí la necesidad de incorporar unos buenos drums, y fue algo que pedí a John Stainter… Y así hasta que conseguí el resultado que quería. En realidad ha sido un proceso muy natural. ¿Cómo ha sido el desarrollo de este nuevo álbum, me refiero a su proceso desde cero?

Lanzar un nuevo álbum siempre es un reto, hay un montón de música nueva todas las semanas y la manera en la que la gente consume este tipo de música ha cambiado mucho en estos últimos años. Por suerte he tenido un maravilloso equipo que me ha ayudado con todo esto. Estoy muy feliz y orgulloso de este álbum, ha tenido una gran acogida. Hemos hecho un montón de videos alucinantes que están por lanzarse y que esperamos que los

disfrutéis tanto como yo. Luego está la parte del live, que para mí representa una parte muy importante porque es el momento donde comparto ese feeling único con mis fans, ver sus reacciones y sentir toda su energía. Además de la oportunidad de viajar y conocer un montón de gente interesante en el camino, es una de las mejores cosas. ¿Y la experiencia de trasladarlo a formato directo, junto a otros músicos?

Tocar con músicos es algo que guardo para ocasiones especiales porque es técnicamente más complicado, y todos estos músicos también tienen agendas muy apretadas. Además, no me quiero sentir como que necesito músicos para poder hacer un buen espectáculo. Pero cuando toco acompañado, siempre es un gran placer, un momento único. Líneas de bajo muy contundentes, acompañadas de ritmos muy gordos al más puro estilo hip hop, melodías llenas de emociones y ese toque de pureza musical. ¿Cuál ha sido la fuente de inspiración para este largo?

¡Pregunta difícil! Nunca me suelo basar en nada, simple-

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mente viene de manera natural con mi estado de ánimo del día. No puedo negar que mi música ha evolucionado, pero cuando escucho mi primer álbum ‘Spanish Breakfast’, todavía me escucho a mí mismo en él, aunque el álbum tenga ya casi 10 años… Durante tus directos en Barcelona y Madrid pudimos sentir esta asombrosa brutalidad musical acompañada de grandes kicks y subs. ¿Cuál es tu secreto para esto?

Un buen ingeniero de sonido (risas) ¡Esto lo digo muy en serio, mi ingeniero de sonido es excelente! Ha trabajado con Björk, Arca, Squarepusher o Autechre, pero bueno, que yo tampoco le mando basurilla (risas). Háblanos de las máquinas que usas para el live en este momento. Vimos cosas muy interesantes como Nord Lead y una interfaz portátil donde manejabas también varios efectos...

Utilizo un NordLead III, que genera increíbles arpegios melódicos y tiene una co-

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lección de grandes efectos que me gusta usar en vivo. También uso TC11 en un iPad, que es una aplicación genial que genera sonidos interesantes solo con gestos, la señal pasa por diferentes pedales de efectos para retorcer los sonidos aún más. También uso un Theremin, el instrumento electrónico más antiguo que existe. Luego un SPD para lanzar muestras espontáneamente. Y, por supuesto, Ableton Live con diferentes controladores MIDI para jugar con el directo. ¿Has cambiado mucho el set-up de máquinas desde que empezaste con el live?

Las propias máquinas han evolucionado, pero el principio sigue siendo el mismo: controlar Ableton Live con controladores MIDI y luego agregar todo tipo de elementos a su alrededor. ¿Por qué formato live? ¿Cuál es el proceso que has seguido hasta tenerlo listo?

Necesito compartir mi música directamente con mis seguidores, necesito ese momento de “intimidad”, ya sean 300 personas en un pequeño club o en un festival con 20,000 club-

bers; siempre existe ese vínculo especial, la energía y el amor que compartimos. No soy un Dj porque no tengo tiempo para ir a buscar nuevos temas, así que mi mejor forma de compartir la música con mis seguidores es tocar la mía propia, en directo. ¿Cuál es tu opinión acerca de estas personas que dicen que hoy en día es imposible innovar en la música electrónica?

No estoy de acuerdo en absoluto. Se podría decir exactamente lo mismo sobre la música rock, por ejemplo, aunque ha existido durante décadas. Todavía hay bandas innovadoras dentro de este estilo. Las posibilidades de las máquinas no tienen límites, hay tantas combinaciones posibles de hardware y software, mezcla de voces acústicas y electrónicas, voces contra instrumentales, uptempo o downtempo... ¡realmente las posibilidades son infinitas! ¡Gracias por tu tiempo!

¡Gracias a vosotros! * ‘Mirapolis’, nuevo LP de Rone, ya está a la venta a través de Infiné

Ăş

N a t

P e l Autor Fati Fatene

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t h y

f i e b r e d e l d i r e c t o

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u s o

Nathy Peluso es reina de las vigilias, y de los escenarios. Su enérgica voz ha logrado seducirnos y el fuego que emana de su cuerpo en sus directos, enamorarnos. La argentina con base en Madrid lleva el ritmo en las venas, y su concepción musical no entiende de géneros o etiquetas. Precisamente esa valentía en su voz y su amplio bagaje musical, fueron los responsables de que sus covers conquistaran las redes. Un pequeño gran comienzo. Y es que, a pesar de su corta carrera, Natalia ha logrado demostrar que no existen barreras para ella. Hip hop, jazz, blues, soul son solo alguno de los registros en los que se mueve como pez en el agua. Pero lo que verdaderamente nos enamora es su presencia, su fuerza en el escenario. Por algo será que tanto Sónar como FIB Benicassim (el próximo 22 de julio) hayan contado con su enérgico directo. El EP ‘La Sandunguera’ es el nuevo proyecto de Nathy Peluso; un proyecto que ella misma describe como un intento de hacer “música sincera”. Un proyecto con el que pretende expandirse y hacernos sentir… desde pena, hasta alegría.

propongo es alcanzada, pero no me conformo, quiero más.

ola

Nathy, vamos al grano: ‘La Sandunguera’ es toda una declaración de intenciones. Consigues dar vida a un EP que marca un punto de inflexión en tu creación. Es conceptual, el diálogo es potente, y avanza con fluidez y cohesión por un hilo conductor sólido. Al final, facetas de tu propia personalidad. ¿Cuál era tu meta con este proyecto? ¿Crees que está siendo alcanzada? Mi meta con este proyecto fue puramente la de hacer música y que fuera música sincera. También quise mostrar mi versatilidad, reafirmarme en que no pertenezco a ningún genero en concreto. Una pequeña carta de presentación. Siempre la meta que me

Realmente es como si todo lo anterior hubiese sido una simple llamada de atención para tenernos al tanto: “Ahora que sabéis que estoy aquí, quiero dejaros claro quién soy en realidad”. ¿Es así? Nathy Peluso es mucho más que swing, jazz, soul o hip hop. Pero a ojos de Nathy Peluso, ¿quién es Nathy Peluso? Nathy Peluso es Nathy Peluso, soy yo, me amo, me admiro, me respeto y me exijo, como persona y como artista. No hay nada que me conforme que no dé al mundo; al bañarte de mi propuesta te estoy mostrando mi interior, mi pureza y mi pasión por la música. Me redescubro en mi interior continuamente cuando canto.

Aunque la cultura musical española siempre se ha dejado impregnar por los ritmos latinos, actualmente estamos presenciando una cálida acogida de estos estilos, hasta el punto en que la sociedad española los integra entre sus propios elementos culturales. Ahora, la cultura musical española adopta estos rasgos culturales latinos e incluso se mimetiza con ellos. ¿Qué opinas sobre esta afirmación, y a qué fenómeno o fenómenos atribuirías este hecho? La música latina tiene el sabor, el amor, la actitud, la confianza, la alegría, el sexo, la pasión, la garra. Me llena de orgullo que la música de mi continente viaje hasta acá y ejerza influencia. Pero la verdad es que en lo que viene siendo lo mainstream, me parece que está puramente utilizado para aprovecharse del tirón que

tiene lo latino ahora, como si fuera un disfraz. Considero que a la música en general, venga de donde venga, hay que respetarla, de la mano de su procedencia y de su historia. La música es de todos, venga de donde venga, y si nos llega, deberíamos cuidarla, es como un tesoro. La escena musical española siempre ha sido subestimada por los medios de comunicación. Hace no muchos años, recuerdo que uno de los problemas del periodismo musical era esa tendencia anglófila, que percibía mayor valor en lo anglosajón que en lo propio. Sin embargo, actualmente vemos como lo español toma voz propia. ¿Cómo observas tu la escena musical en España? La observo bastante pobre y realmente carente de mucha profundidad. En España siempre

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ha habido un cierto rechazo por la música negra, a pesar de que siempre se ha mantenido en el top de la industria musical. Hoy esto está cambiando, y en parte gracias a artistas como tú, y también a un potente esqueleto de jóvenes profesionales de la información que están intentando revolucionar los medios. ¿Esperabas el apoyo y la acogida nacional que está tendiendo tu música? ¿No te daba un poco de “mal rollo” atreverte a sacar esto último, sobre todo cuando ya mediáticamente muchos te etiquetaban como “rapera”? No tengo miedo y menos a hacer la música que mi corazón siente. En ningún momento compongo para satisfacer a alguien y menos a los medios. Yo hago MÚSICA, no entiendo ni de etiquetas ni de ningún tipo de barreras. Ahora me gustaría comparar a la tierra madre con, digamos, la que para ti es adoptiva (España), en términos de oportunidades. Se sabe que a España te atrajeron motivos personales, pero:

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¿Qué es lo que te hace quedarte? ¿Qué es aquello que te aporta España que no encuentras en tu tierra natal? España es mi lugar de residencia porque aquí reside mi equipo ahora mismo, pero yo pertenezco al mundo, siento nostalgia por mis raíces, sobre todo a la hora de la comunicación, pero, aprendo de todo lo que me rodea y realmente, sé que el futuro me depara seguir siendo nómada, viajando y nutriéndome de diferentes culturas. Tenía muchísimas ganas de presenciar un directo tuyo y tuve la oportunidad de verte en la Pradera de San Isidro, junto a los chicos de Big Menú. Aquello fue realmente espectacular, la fuerza que irradiabais se transmitía al público, y se notaba que entre vosotros había una relación más que profesional. Pero salí preguntándome si alguna de esas impetuosas actuaciones había sido improvisada. A veces, me da esa sensación en tus directos. De repente, explo-

tas de ganas e improvisas parte de una canción. ¿Es así? Ensayo las canciones del show con los músicos, tiempos etc. El resto lo maquino en acción. La fiebre del directo. Todos los elementos que componen al show, por más mínimos que sean, tienen importancia por igual.

En definitiva, se ve que tus directos son uno de tus puntos fuertes. ¿Cómo sueles prepararlos? ¿Cuáles dirías que son los elementos a los que más importancia das? (interpretación, calidad, sonido...). Todos mis shows, excepto el esqueleto musical, es improvisado. Desde mi voz hasta cada mínimo movimiento. Es lo que me hace ser yo realmente, sorprenderme a mí misma y a mi público con lo que la energía y la música dicte, así surgen, para mi gusto, los mejores shows y

la magia sincera.

más

No obstante, hay un fuerte componente de improvisación. O al menos, das la impresión de dejarte llevar muchas veces por el ritmo y la energía del momento. ¿Me equivoco? Efectivamente. Tu bagaje musical es tan amplio, que más que saber quiénes son tus referentes, tengo curiosidad por saber ¿cuál sería tu colaboración soñada (eso sí, me refiero a artistas contemporáneos)…? Todavía no me lo he planteado. Y por último Nathy, ¿qué perspectivas tienes para lo que queda de 2018? ¿Algún otro proyecto próximamente? Seguir girando con mi música y componer mi disco. * Puedes ver a Nathy Peluso el 22 de julio en el festival FIB Benicàssim.

Autor Dave Jenkins Traducciรณn Eduardo P. Waasdorp

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i hay un sector en la música electrónica que ha tenido que sobrevivir auténticamente por “amor al arte” y adaptarse con fuerza para sobrevivir en el turbulento clima que rodea a la industria musical, esos son los sellos independientes. Desde que el cambio digital tuviera lugar a mediados de los 2000, las plataformas indepes han enfrentado más retos de los que os podéis imaginar. Pocos consiguen beneficios durante los primeros años de negocio y menos aún llegan a alcanzar su 10ma referencia. Pero, ¿podría estar cambiando la cosa para este vital pero endeble sector de la industria? Los números parecen prometedores y han estado subiendo durante los últimos tres años. En Reino Unido, la BPI (British Phonographic Industry) acaba de revelar un incremento del 10% en las ventas de los sellos gracias al aumento del streaming y reconoce que es el momento más rentable para los sellos desde el auge del Britpop hace 22 años. A nivel internacional, las cosas parecen estar en auge también, ya que tanto

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el IFPI (International Federation of the Phonographic Industry) y la Worldwide Independet Network han informado de un incremento de un 6% en las ventas globales durante 2017. Parece que después de este periodo de 15 años, cargado de innovaciones tecnológicas, la situación parece sonreírle a las ventas de la música grabada. Pero detrás de estas estadísticas positivas se encuentra una historia mucho más intrigante. Sí, el streaming está empezando a reequilibrar las cosas para los sellos y, en muchos casos, han supuesto un incremento de hasta el 80% en sus ingresos. Pero para muchos se trata de unos dulces ingresos que suponen solo la guinda de una tarta de muchas capas. Las marcas ya no siguen el modelo tradicional de sello y se han ramificado en multitud de formas para seguir en la primera línea – actividades como la edición, sincronización, la ropa, eventos, management de sellos, artistas, DJs, escuelas, tiendas de discos, servicios de mastering, de prensado y distribución. “Un sello discográfico es muchas cosas: una agencia de talentos, creador de

tendencias, marca, distribuidor, líder de opinión, un influencer – elegid vosotros”, dice Maykel Piron, co-fundador de la mega plataforma independiente holandesa, Armada Music, junto al capo del trance Armin van Buuren y David Lewis. Si hay un marca que representa cómo los sellos se han adaptado y prosperado en los últimos 15 años, ese es Armada. Fundado en 2003, Armada es responsable de 11 subsellos y maneja las carreras de varios artistas, incluyendo la del cofundador Armin van Buuren, Andrew Rayel, Thomas Gold u Orjan Nilsen, entre otros. “Especialmente en la música electrónica en general, publicar discos no tendría resultado sin el resto de las partes de la ecuación”, dice Piron. “Pero, al final, toda la premisa es publicar música”, añade Jimmy Asquith, el hombre detrás de Lobster Theremin, un sello que también se ha adaptado y prosperado en los últimos tiempos, aunque de una forma completamente diferente. Cumpliendo cinco años este 2018, Lobster Theremin se ha convertido en uno de los indepes más prominentes del underground. Con varios sub-sellos, eventos, una tienda de discos y servicio de distribución, la sopa de Asquith también hierve con sabores creativos. Pero incluso en las bases de la publicación de música, Jimmy entiende que el sello es un vehículo mucho más grande. “Aparte de los puristas que repiten constantemente eso de ‘la música es lo único que importa’, en verdad tiene que ver con muchas más cosas”, continúa. “La gente, las políticas, el arte, la comunidad, la espiritualidad, la vida. Es importante no olvidar esto y estar conectado con la vida como un todo, dentro de un contexto de cómo la música puede cambiar e influir en esa experiencia”.

Bien sea un sello que se especializa en trance mainstream o en techno underground, o uno que opera con una filosofía más comercial o más cultureta, dos cosas han sido el denominador común para todos los sellos independientes. Como lo describe Jimmy, una es que los sellos realmente tienen el poder de capturar una ética creativa y cultural. Y la segunda: por su peso e influencia en la industria, realmente no han tenido tiempos fáciles después de la salida del mp3 a principios de los 2000, básicamente por la proliferación de la piratería. Después de la recesión llegó el streaming, que hizo mella en las descargas justo cuando empezaban a despegar. Cada uno de estos eventos vaticinó la muerte de la industria, aunque muchos de los más reconocidos sellos que siguen existiendo hoy aguantaron el temporal o, al menos algunos de ellos, y han salido reforzados y siendo organizaciones más experimentadas. “Recuerdo en 2003, cuando iTunes estaba recién estrenado. Todos lloraban, diciendo que era el fin de la industria”, explica el artista, compositor y dueño de sello Richard Earnshaw, co-fundador de Duffnote Records, un sello que se ha ramificado a su manera, con un house que sirve al sector del cine y la TV con bandas sonoras, al tiempo que llena las pistas de baile con su selección soulful. “Pero fue otra fase. Incluso en esa época sentimos que las descargas no iban a durar para siempre. Es el consumo. La tecnología controla la forma en la que la industria musical se mueve en lugar de ser al revés. Pero sigue girando en torno a la música. A la gente le encanta, siempre le ha gustado y siempre lo hará. Así que, ¿cómo podemos hacérsela llegar?”. Los cambios tecnológicos, las condiciones económicas y los hábitos de consumo no son los únicos retos a los que los sellos han tenido que enfrentarse. Mientras que los números de ventas están subiendo lentamente, llevar un sello en el mercado actual sigue siendo un asunto un tanto difícil, en medio de un juego caótico donde nuevos competidores emergen casi cada día. Podrías tener el mejor disco del planeta en tus manos, pero ¿hacer que la gente lo coja y lo escuche? ¡Buena suerte con eso!

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“Compadezco a los chicos que intentan montar sellos hoy en día”, dice el productor de bass y dueño de varios sellos ZHA. “Casi tres trillones de sellos se montan cada semana en un mercado ya saturado, que tiene un lapso de atención cortísimo”. ZHA y sus plataformas son un gran ejemplo de diversificación, ya que su sello White Peach le llevó a fundar una tienda de discos, que le llevó a montar una distribuidora, lo que le llevó a intermediar en una planta de prensado y muchos otros servicios. “Tienes que tener algo más allá del sello que asegure unos ingresos. No se si en los primeros 10 años algún sello puede conseguir una fuente estable de ingresos a no ser que hayan descubierto al próximo Burial en su primer lanzamiento”. Sin importar cuál sea el lanzamiento, ningún sello tiene ganancias en sus primeros años de existencia. Pero a medida que el trabajo se desarrolla, también lo hacen los ingresos por streaming – si están registrados, firmados y cuidados de forma eficiente.

Por mucho que llevar un sello parezca emocionante y diverso, en su base hay varios fundamentos principales: la propiedad, la protección de los derechos y saber cómo hacer que la música pague en todos los medios y situaciones en las que se reproduzca. Algo directo pero necesario, y más vital para los sellos que eventos en lugares idílicos o vender tazas de té exclusivas, limitadas y numeradas con nuestra serigrafía. “Siempre habrá cosas que intimiden en esta industria creativa, como el copyright, el papeleo de los contratos o el lenguaje legal. Pero son partes necesarias del funcionamiento de cualquier negocio. Muchos productores aspirantes podrían escoger subcontratar algunos de estos aspectos, pero vale la pena tomarse un tiempo y hacer el esfuerzo para aprender las cosas básicas”, dice Chris Goss, co-fundador de Hospital Records.

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La sincronización es otra forma de general ingresos. Mediante la sincronización de la música en el cine y la TV, que en si misma supuso una gran ayuda a los sellos mientras se desarrollaban en los 2000, los managers se dieron cuenta de que se generaban buen dinero gracias a los editores externos que eran dueños de los derechos de publicación de la música. “Si uno no es dueño de esos derechos, uno pierde ese dinero y lo ganan compañías que hacen muy poco por la carrera de los artistas”, concluye Trevor McNamee, dueño de influyente sello independiente de funk Jalapeno Records. La edición fue uno de los primeros ejemplos del modelo siempre cambiante de los sellos discográficos. Tener todos los derechos y royalties de cada licencia, sincronización o colocación y ser dueños de los derechos de publicación abre toda una serie de ingresos más allá de la pista de baile. Hospital Records y Jalapeno fundaron sendos servicios de publicación en torno a la misma época, en los 2000, y tanto Chris como Trevor explican cómo cambiarse a la edición fue una inversión larga, pero que acabó convirtiéndose en una cuestión vital para sus operaciones. “Copyright es mi segundo nombre, protejo todo lo que hago”, dice Earnshaw, cuyo sello Duffnote también tiene un fuerte lazo con la edición y la publicación y que ha puesto música a entidades como Sky Sports o incluso CSI Nueva York. Explica que aunque se haga algo para un documental sobre naturaleza o la pista de baile, dos cosas tienen que ser fijas: la calidad de la música y cómo sea usada. “La gente siente que tiene que publicar un disco cada semana. Pero no es así. Haced un buen disco al año, trabajad con él como se debe, aseguraos de que se usa de todas las formas y en todos los lugares posibles y que habéis firmado una licencia PPL (Phonographic Performance Limited) para los derechos relacionados y que tenéis los derechos de publicación y de copyright en orden. Con eso haréis mucho más que vendiendo 50 tracks a la semana en Traxsource”.

del radar de otros sellos: un ejemplo perfecto de cómo administrar creativamente un sello de una forma diferente. Cuando un sello tiene un entendimiento tan intrincado de lo que son las leyes de propiedad y como capitalizar todos los usos posibles de sus productos y la gestión de los royalties por streaming de una grabación y como trabajarlos, llevarlos al mercado y distribuirlos, surge otro interesante método de diversificación: aplicar este conocimiento e infraestructura en otros sellos y hacer que tu equipo los administre también. “Tenemos la infraestructura y activos, así que ¿por qué no dejar que otras personas se beneficien de esos conocimientos?”, se pregunta Mark Knight, dueño y gestor de Toolroom Records, que también administra otras siete plataformas, como Sölä de Solardo y Saved, de Nic Fanciulli. “No es que busquemos llevar miles de sellos ni nada por el estilo. Pero queremos trabajar con gente que nos guste y con la que tenemos consonancia. Todos estos sellos están creciendo de forma sostenible y es genial ver ese matrimonio de pasión y visión creativa trabajando con nuestra infraestructura”. Coincide con Knight el alemán Roland Leesker, mente pensante detrás de Get Physical, que también gestiona Kindisch, Poesie Musik, City Fox, Avotre, Afro Acid Digital y Metroplex. “No interferimos con los A&R, artworks o procesos creativos. Pero cuando el producto está ahí, lo convertimos en un lanzamiento vendible, hacemos todo el marketing y nos aseguramos de que llega a los distribuidores y a las listas de reproducción correctas”. Roland se hizo cargo de Get Physical en un momento difícil para el sello. Booka Shade y DJ T acababan de dejar la empresa y el sello, que dominó el techno durante gran parte de los 2000 era un despropósito. Durante los últimos ocho años ha trabajado muy cerca de M.A.N.D.Y. para cambiar todo el modelo de negocio. Uno método particular que ha usado es prestar el branding de Get Physical a A&Rs que se encuentran en territorios internacionales como Sudáfrica, Norteamérica y Brasil. No tanto una técnica de diversificación sino más bien una táctica astuta para encontrar nuevos talentos lejos

Mientras que Get Physical ha optado por no hacer eventos, muchos otros sellos se han concentrado en este método. Los eventos de marca son quizá la forma más directa y natural de mantener un sello en el negocio y los paralelismos entre el rol del promotor y del jefe de un sello son claros. Ambos buscan encontrar talentos, ambos celebran un sonido particular, ambos dan a los artistas una ventana al mundo, y ambos invierten y toman parte en grandes riesgos. Y sin ellos, la música de baile no existirá tal y como la conocemos. “Ahora es la espina dorsal de la actividad de muchos sellos”, confirma Knight. “De hecho, ha sido tan exitosos que ahora se ha dado la vuelta a la situación, y los promotores se han decidido a montar sellos discográficos también. Las líneas se han desdibujado, no hay más que ver a Defected, elrow, Hot Creations… Los eventos se han convertido en parte integral de cómo operamos”. El branding en los festivales y fiestas en clubes, especialmente en Ibiza, siempre ha estado presente, pero empezó a ser algo más y más común a principios de los 2000. Y desde entonces se ha ido afianzando, permitiendo que los sellos crezcan hasta poder hacer tours mundiales y, más importante, puedan brindarle a sus artistas la opción de tener bookings de alto nivel. Así es como surgió Hospitality, la rama de eventos de Hospital Records. “A

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finales de los 90 empezamos a firmar a artistas como Danny Byrd y High Contrast, y las cosas se estaban desarrollando muy bien, pero en términos de bookings solo nos daban bolos secundarios o en horarios de warm-up”, explica Goss que, junto a sus artistas de la época intentaba prodigar un lado más profundo y musical del drum & bass que el sonido más pesado que dominaba en esa época. “Lo único que podíamos ahcer en ese momento era hacer las cosas nosotros mismos y abrir nuestro propio espacio”. 17 años después, los eventos Hospitality tienen su lugar en los festivales más grandes, así como eventos propios como Hospitality In The Park. Este verano, además, harán su primer evento de cinco días en Croacia – Hospitality In The Beach –. También tienen su propia agencia de booking, Clinic Talent, que es otro gran ejemplo de una diversificación más radical para los sellos; de igual forma que algunas empresas han prestado sus servicios a otros sellos, sellos que han conseguido éxito en eventos ahora pueden brindar una infraestructura con sus propios artistas. En el caso de Hospital, se hace con una agencia de bookings (a la que sus artistas pueden adherirse a voluntad), pero otros sellos es un acuerdo mucho más complejo que involucra management artístico y también puede formar parte de lo que se conoce como contrato 360, donde los sellos firman exclusivamente a un artista y le ofrecen management, booking y lanzamientos.

Para Mark Knight, los servicios de management de Toolroom también son una forma de invertir en el futuro. Tanto para el sello, como para el suyo. Cuando Mark decida colgar los cascos (lo que, asegura, no ocurrirá en muchos años), el de manager es un rol en la industria en el que le gustaría posicionarse. Por el momento,

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Toolroom lleva el management de 10 artistas, incluyendo Prok & Fitch, Weiss y el emergente Wheats, un joven productor que se ha graduado a través de la escuela de producción del propio sello: la Toolroom Academy. Esta última empresa diversificada de Toolroom es una de las últimas formas que han encontrado los sellos para expandir su negocio y, como lo presenta Knight, “monetizar el crédito de lo aprendido durante estos últimos 15 años”. Hasta ahora, solo Toolroom y Armada llevan escuelas de producción a este nivel – aunque hay muchos ejemplos de artistas en solitario que han creado proyectos similares – y el modelo no es demasiado diferente al de los campus de fútbol juveniles. “El mundo de los deportes lleva haciendo esto durante años, así que ¿por qué no hacerlo en la música electrónica?”, sugiere Knight. “Wheats ha salido de la academia, ahora llevamos su management, desarrollamos su carrear y sacamos su música. Es tremendamente talentosos y será una superestrella. Es genial poder haber jugado este papel en su carrera y darle a él y a todo el que venga a la academia ese tipo de oportunidad. Hay muchos cursos genéricos que no tienen una voz real en la industria, pero nosotros enseñamos a la gente lo que tiene que saber y si son buenos, hay un enlace muy claro al papel que jugarán en la industria. Es realmente emocionante”.

En contraste al contrato 360, un acuerdo que no encaja con todos los artistas, también hay sellos que brindan diferentes tipos de servicios de respaldo como White Peach y Lobster Theremin. Ambos empezaron como sellos pero, en los últimos cinco años, se han diversificado creando sus propias tiendas de discos y servicios de distribución. A pesar de que ambas marcas ha llegado a donde están por circunstancias diferentes, ambas han tomado este papel porque

vieron el hueco en el mercado y fueron a por ello. “Mientras más me fijaba, más me daba cuenta de que las distribuidoras no daban el mismo grado de acceso a nuevos sellos que a los ya ‘consagrados’”, explica Asquith, que lleva autodistribuyendo su material en Lobster Theremin desde su single debut: el importante ‘Equation’ de Palms Trax. A medida que más y más compañeros le pedían que distribuyese sus discos, se dio cuenta de que este era un nicho potencial para montar un servicio de distribución en el que primase la frescura y la novedad de los talentos emergentes. White Peach también ha sido estandarte de la importancia de la especialización y de abogar por el nuevo talento. Como todos los sellos mencionados en este articulo, su fundador, ZHA, ha ramificado su plataforma de forma más o menos accidental, para poder mantener la prosperidad de su negocio. White Peach es el ejemplo perfecto de cómo los sellos fusionan y crean servicios híbridos en el mercado actual. Su tienda de discos online salió a flote después de que invirtiera sus últimas 500£ en la liquidación del stock de una tienda de discos que quebró. Su servicio de distribución vino después. Invirtió en una fábrica de prensado porque estaba recibiendo muchas peticiones de compañeros que querían publicar en vinilo. También ofrece un servicio de mastering y hasta facilita el envío.

cómo operan los sellos creativamente en el panorama actual: el sello de música y moda, Inspected. “El hecho de que no todo el mundo lo esté haciendo es justo la razón para intentarlo. La gente está dándole la vuelta a lo establecido y haciendo lo que quieren hacer. Principalmente porque no tienen otra opción para hacerlo de otro modo, pero eso sigue siendo muy emocionante. Es un momento interesante para ser un sello de cualquier naturaleza”. Como ZHA, el exitoso negocio de Ryan llegó por casualidad y oportunismo. Siendo artista gráfico antes de montar su canal de YouTube, Inspector Dubplate, en 2009, no tenía ninguna intención de montar un sello, y mucho menos una popular marca de ropa cuyas líneas limitadas y por temporadas cuelgan el cartel de agotado con regularidad. Finalmente montó el sello, cansado de que los A&Rs se llevasen rédito de las promos que hacía su canal, robándole artistas como KOAN Sound o Gemini. El famoso logo en forma de bigote de la marca surgió como sugerencia de un fan. Una decisión fortuita de invertir una paga extra en unas camisetas dio el pistoletazo de salida a la línea de moda, sobre todo al darse cuenta de lo rápido que se vendía. “Algunas cosas no se pueden planear. Pero otras sí”, explica. Para Ryan, una de las cosas más importantes y que han sido activamente planificadas fue la de eliminar la palabra “merchandising” del vocabulario de Inspected y presentar sus productos como ropa de alta gama en lugar de productos accesorios. Aunque todos los ejemplos que os hemos presentado siguen funcionando por amor al arte y se adaptan poco a poco a los nuevos retos que presenta esta industria siempre cambiante, se trata de un sector en la música electrónica que se merece nuestro respeto total. Habiendo establecido una plantilla para la existencia de negocios creativos en medio de auténticas turbulencias, los sellos independientes aún tienen mucho que decir.

“Si fuera fácil, entonces todo el mundo lo haría, ¿no?”, dice Ryan Leech, el hombre detrás de nuestro último ejemplo de

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HILANDO FINO

DEKMANTEL

Dekmantel se ha convertido en un ritual sonoro que nunca falla. Y os lo decimos de buena tinta, tras ya 4 escarceos a nuestras espaldas por el verde parque de Amsterdamse Bos. Como ya os contábamos a la vuelta de su pasada edición, su line up no deja lugar a dudas, su sonido cerciora su éxito y tu sensación de salir con los deberes bien hechos hace que según finalice, corras a hacer el preorder de las entradas para el año que viene… Para los que todavía no se han desvirgado en tierras holandesas, el festival en cuestión no consiste – y ojo que aquí muchos se sorprenderán – en comerse hasta el césped del Bos, de hecho, sólo se vende cerveza y algún que otro vino, y la política de tolerancia a las drogas es de las más duras que hemos vivido por estos lares – con abogados de oficio y juicios rápidos incluidos si la situación lo requiere –. Dekmantel es un festival al que ir a escuchar, aprender y por qué no decirlo, tirar de Shazam hasta quedarse sin batería. Y cuidado: Los Djs tampoco se libran, salvo algún que otro caso aparte más que reconocido… Aquí los pocos artistas que consiguen subirse a un escenario en el slot de algún compañero, se suben a atender y entender el set en cuestión; nada de champán, ni princesas de saldo y esquina… y olvidaos de las vainas propias de la Ibiza actual. Huelga mencionar, o tal vez no, que en Dekmantel prima la calidad sonora, artística y ambiental por encima de todo. Pero éste no ha seguido los mismos patrones estructurales que la mayoría de festivales, al revés. Lo que empezara siendo una serie de fiestas a cargo de dos mentes inquietas como

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las de Thomas Martojo y Casper Tielrooij, de no más de 200 personas en diferentes clubes de la capital holandesa allá por el 2007, ha acabado germinando, de manera totalmente gradual y orgánica, en una de las marcas (festival, promotora, sello, agencia, colectivo) más potentes y fiables de la escena mundial. Sí, estos chicos dieron con la tecla desde el comienzo, o casi. Sin prisa pero sin pausa, cultivando amistades y contactos con gente como Robert Hood, Theo Parrish, Kyle Hall, la crew de Ostgut Ton, Floating Points o Ben UFO, y ampliando cada año sus aforos en las fiestas, ambos darían rienda suelta a su segundo sueño que poco tardaría en hacerse realidad: la creación de un sello propio que respondiera a las necesidades de desmarcase de lo tradicional y brindar nuevas oportunidades a caras no tan conocidas de la escena. Por ahí dejarían su huella Juju & Jordash, San Proper, Vakula o Joey Anderson en sus inicios, hasta lo que conocemos en la actualidad con premieres y lanzamientos exclusivos y extraordinarios, de forma mensual. Es en 2013 cuando ambos se alían con Matthijs Theben Terville para crear lo que acabaría siendo, ese mismo año, el festival boutique con la programación más curada del verano. Así, hasta conseguir año tras año, desde hace 4 ediciones, colgar el cartel de todo el papel vendido en menos de una semana. Mantener esa chispa musical y buenrollera viva es una alquimia delicada: la expansión de cualquier evento tiende a crecer de forma equidistante al de

diversas necesidades financieras, y por ende, a la corrupción en el leitmotiv del evento en cuestión. Pero Dekmantel ha conseguido mantenerse firme y totalmente fiel a su filosofía. Y es que sacarte de la manga un festi de este tipo, en tierras y épocas donde los mega eventos no brillan precisamente por su ausencia, tiene doble mérito. Entre sus buenhaceres que le han valido posicionarse en el trono que actualmente ostenta destacan la apuesta por liderar la vanguardia electrónica, su rollo íntimo y familiar, una programación totalmente rompedora en horario diurno y su especial interés en el nuevo talento emergente tanto con los tastemakers de la vieja escuela así como contemporáneos. Como todo buen evento, su desarrollo ha sido paralelo al éxito cosechado paso a paso. Cada nueva jugada ha sido planeada y procesada al milímetro: la inclusión de zona de acampada, la incorporación de actividades paralelas en forma de cine o conciertos, la bienvenida a bookings de géneros como el IDM, ambient, industrial o afrobeat o la ampliación en duración o extensión del propio recinto (este año habrá un nuevo escenario bajo el nombre Mini UFO) han sido claves para la buena evolución de Dekmantel, sin perder el más mínimo ápice de sus raíces y filosofía. Prueba de su buen hacer son precisamente su crecimiento y partos de sus hermanos pequeños, en Sao Paolo y Croacia (Selectors) o Lente Kabinet – también en Holanda y más conocido anteriormente por Het Kabinet –, consolidados también a escala mundial.

Autor Diego Fernández Fotos Bart Heemskerk & Yannick van de Wijngaert

LAS MENTES DETRÁS DE DEKMANTEL

filosofía. SimpleHola chicos, al lío. Ámstermente hacemos lo dam es una ciudad con docenas de festivales anuTras años de luchas y que nos gusta hacer, y eso es lo que ales. ¿Qué es lo que os merecidos triunfos losu mantiene auténllevó a fundar Dekmantel increscendo, ¿cuál será tico; puede que Festival, es ¿Dónde la próximacuál meta? está el historia? límite de Dekmantel? esta sea la clave cuanDescubrimos esto estofundamental y do se trata de Dekmantel lo mucho más, en nuestras evolución. empezamos entre próximas líneas con dos de Thomas Martojo Thomas y sus fundadores, Casper Tielrooij,Tielrooij, y Martojo y Casper Estaque próxima edición será que somos muy con Tom Trago, el artista mi cuarto Dekmantel, y lo amigos. Teníamos probablemente mejor conozca cierto es que cuando la la que lossensación entresijos deel un festival gente me pregunta qué es sonido que más habiendo como Dekmantel, nos gustaba (un sus lo que tiene que no tienen actuado en todas otros festivales, les hablo rollo más ¡Al detroitediciones. lío! de su rollo familiar, su amiano) faltaba en la biente, su programación escena de por endiurna, la falta de bebidas tonces. Empezafuertes (con lo que eso mos a albergar ficonlleva) o la atención que estas en Club NL y presta a los nuevos talenacabamos organitos así como los “taszando –sobre el temakers” contemporáne2010 – el Het Kabios. Pero, ¿y vosotros, cómo net, más conocido lo describiríais? Me refieahora como Lente ro a esas principales carKabinet. El festival acterísticas que hacen de Dekmantel como Dekmantel algo único… tal surgió hace ahora 5 años, cuSiendo honestos, ando nuestro tercreo que esta es cer compañero de una pregunta que aventuras, Matthideben de contestar js Theben-Terville, nuestro público y se unió al proyecfans. Creemos que to. Y el resto como son ellos los que se suele decir, ¿es tienen la potestad historia…? de decir qué es lo que hace a Dekmantel tan especial, ¿Cómo veis la evolución nosotros solo sodel festival desde su primmos un puñado de era edición? ¿Qué diferencabezas musicales cias destacaríais? que creen ciegamente en lo que Nuestro amor y hacen (risas). pasión por la música y artistas que adoramos nunca Mientras madurabais la ha cambiado. Creo idea, ¿os basasteis en alque hemos crecido gún otro evento de simily evolucionado ares características? gracias a ser fieles ¿Teníais un referente al a nuestras ideas y

que pareceros? La verdad es que no. Con todo lo que hacemos, solemos tener bastante claro el cómo lo queremos y qué es lo que queremos. Por supuesto que tenemos influencias e inspiraciones, pero éstas no solo proceden del ámbito musical per se. Es un amplio espectro de intereses lo que, al final, te permite crear una buena visión sobre lo que quieres y lo que no. Supongo que eso se ha acabado reflejando en nuestros eventos, sello, merchandising y todo lo demás que llevamos a cabo. Con el paso del tiempo, los bookings dentro del propio festival han ido dando la bienvenida a otros nuevos géneros como el IDM, noise, afrobeat o industrial. ¿Existe algún tipo de barrera o límite estilístico en Dekmantel? No existe ningún tipo de límite musical per se, pero tiene que encajar en el marco general y musical del festival, por supuesto. Esto depende del programa y el line up, pero con el paso del tiempo, creemos haber mostrado nuestra diversidad estilística, bookeando artistas

que varían desde Azymuth a Steve Reich, pasando por Tangerine Dream o Roy Ayers. En general nuestra misión es contratar a artistas que nos gustaría ver a nosotros dentro del festival. Tenemos un gusto muy amplio, desde el techno de Detroit o las rarezas brasileñas, hasta el italo o algo de ambient. Para nosotros, el seguir descubriendo música ha sido – y continua siendo – una de las mejores cosas a la hora de montar un festival. Mostramos eso en nuestro sello, pero también en el festival. Después de conquistar Brasil y Croacia, o allanar por completo el terreno para lo que fue Het Kabinet (antes) – ahora Lente Kabinet – ¿cuál es el próximo paso? En 2016 fuimos a tocar a Brasil a una fiesta donde hacíamos un showcase de Dekmantel y que estaba organizada por unos promotores locales llamados Gop Tun, que también organizaban fiestas a lo largo de toda la ciudad. Nos hicimos amigos rápidamente y nos enamoramos de la ciudad, de su gente y de su música. Además, com-

(DEKMANTEL SOUNDSYSTEM)

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partíamos la misma visión y pasión por la música. Una cosa llevó a la otra y la idea de realizar un festival diurno en Sao Paolo no tardó mucho en salir. Valoramos qué localización sería la mejor y ya conocéis el resto… ¡Ya llevamos dos ediciones en esta maravillosa ciudad! Con Dekmantel Selectors, la historia fue similar. Teníamos muy buena relación con la gente que lleva The Garden (Nick & Charlotte) y nos enamoramos del área de Tisno. Tener un festival íntimo como Dekmantel Selectors en Croacia era – y es – un sueño para nosotros. ¡Cada año es más especial! Una de las novedades en esta edición es la inclusión de un nuevo escenario, el nuevo escenario UFO II. ¿Afectara esto al número de asistentes, viéndose éste aumentado? ¿Qué más novedades tenéis preparadas? El nuevo escenario UFO II es un soplo de aire fresco al lugar donde se lleva a cabo y a la programación. Este dará cabida a artistas más experimentales que bajo nuestro punto de vista, encajan mejor que en cualquier otro escenario del festival. Su ambiente familiar encaja mejor con lo que tenemos preparado. Esta nueva “incorporación” al festival no afectará al

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número de visitantes, éste no aumentará. Valoramos nuestro ambiente en el festival y siempre hemos intentado mantenerlo íntimo, sin ampliar su tamaño; y así continuará este año. Creemos que cuando un festival respeta los aforos y no está pensado a lo grande, el clubber disfruta de la experiencia de manera diferente. Desde su primera edición (y corregidme si estoy equivocado) solo habéis contado con un artista español (Óscar Mulero). Este año contáis con otra de las nuestras, JASSS. ¿Por qué tan mínimo número de representantes nacionales a lo largo de vuestra historia? Lo cierto es que no hay una razón específica, simplemente las cosas han surgido así. Pero por supuesto estamos encantados de recibir nuevo talento del género y nacionalidad que sea. Y por cierto, te has dejado uno, también actuó John Talabot, que repite este año (risas). Totalmente relacionado con Ámsterdam, Rush Hour y el inmenso talento local, ¿cuánto diríais debe la escena holandesa a Dekamntel, y viceversa? Empezamos con nuestras fiestas aquí y la escena nos ha apoyado muchísimo durante todos estos años. En Ámsterdam

existe un aura especial entre la ciudad y la comunidad de clubbers; desde pequeños, los críos ya se inmiscuyen entre géneros nada mainstream. Cada chaval conoce perfectamente lo que le gusta. Y nos encanta ver a toda esta nueva generación disfrutar de la música tanto o más que nosotros. Por supuesto, plataformas como Rush Hour, Red Light Radio y Redlight Records estimulan mucho la escena y han supuesto otra de las piezas fundamentales desde sus orígenes. Creo que todos nos debemos mucho unos a otros, tenemos una conexión bestial con todas estas instituciones y creo que si seguimos así, apoyándonos y haciendo las cosas desde el corazón, podremos continuar haciendo lo que más nos gusta. Desde vuestra primera edición, ¿con qué set o directo os quedáis y por qué? Sabemos que va a sonar a cliché, pero todos han sido, en nuestra opinión, únicos en su especie. Cada edición nos parece totalmente diferente aunque llevemos organizando el festival durante siete años – contando con este –. Simplemente no nos acostumbramos, ni cansamos, ni aburrimos de él.

¿Alguna espinita clavada? Ese artista que os hubieseis encantado traer y que todavía no hayáis podido… ¡Buena pregunta! Evidentemente, siempre hay artistas que tienes en el punto de mira y con los que te encantaría, pero su disponibilidad, muchas de las veces, depende de las fechas de su propio tour. Hay veces que directamente no se puede pero eso no significa que no podamos contar con él en un futuro. Todavía tenemos muchos artistas en el punto de mira, así que esto nos lo guardamos para nosotros; quién sabe, igual les veis en las próximas ediciones del festival… (risas). La marca Dekmantel ha crecido y evolucionado hasta convertirse en sello, promotora, agencia, festival… ¿qué es lo próximo? Como Dekmantel, acabamos de cumplir diez años, y pronto celebraremos nuestras próximas ediciones en Ámsterdam y Croacia, a estos se les sumarán diversos showcases por todo el mundo. Por lo demás, esperamos seguir haciendo lo que nos gusta y lo que mejor se nos da hacer..

Omar-S

Joe Steve Reich

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Claussell

MCDE

Hunee - Antal

TOM TRAGO

Es el Dj que más veces ha desfilado por los escenarios de Dekmantel. Sin faltar nunca a una cita a lo largo de sus 7 años de vida, siempre listo y a pié de cañón con Dj set o live por bandera, charlamos con el holandés que mejor conoce el festival, por dentro… y por fuera. Hola Tom, al grano; ¿qué supone, para un artista de la actualidad, estar tan intrínsecamente relacionado con una familia como Dekmantel? Me refiero a musical, y personalmente hablando… Dekmantel y yo llevamos disfrutando de este viaje durante mucho tiempo. Han sido más de 10 años de crecimiento conjunto. La evolución desde aquella primera vez que toqué para ellos en su primera fiesta,

hace más de 10 años, hasta acabar actuando en el escenario principal del festival, creo que resume mucho nuestra relación. Somos un gran grupo de amigos que siempre hemos ido de la mano en nuestra evolución como artistas y promotores. Creo que lo han hecho muy bien como plataforma, sacando lanzamientos de artistas brutales. En mi caso fueron ellos los que publicaron mi álbum en su sello o los que me han brindando la oportunidad de presentarlo en directo en un festival como Dekmantel. Estos chicos hacen todo por apoyar la escena y el talento local. ¿Qué tres palabras describen mejor al festival? Amigos, calidad y mentali-

dad positiva. Dekmantel comienza prestando especial importancia a la música electrónica pero con el paso del tiempo, se ha abierto a un abanico mucho más amplio, incluyendo nuevos y diversos géneros, ¿cómo explicaríais la evolución y el perfilamiento del festival en sus 7 años de vida? ¿Qué diferencias destacaríais entre la primera edición y esta inminente?… Con el paso del tiempo se ha ido haciendo un poco más grande, ahora hay más escenarios, por lo que pueden programar más cosas. Pero creo que de las cosas más importantes e interesantes ha sido su expansión con las actividades paralelas, como las proyecciones o los directos y conciertos previos y posteriores, esparcidos por todo Ámsterdam. Este año por ejemplo, tienes a Tange-

rine Dream o Four Tet live, o puedes ir al cine a ver las proyecciones de películas y documentales musicales que exponen. Este crecimiento le ha pegado un push muy fuerte a la programación general del festival. Siendo honesto, ¿por qué crees que han vuelto a contar contigo en el festival? Creo que han contado conmigo cada año. Simplemente creo que les gusta lo que hago y a mi me encanta lo que hacen. Te diría que ambos nos hacemos mutuamente más fuertes. Yo llevo bastante tiempo siendo un Dj con cierto tirón en Holanda así que creo que yo soy un buen ejemplo de la conexión que buscan con la audiencia local. Mis actuaciones nos vienen bien a ambas partes.

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Techno, house, afrobeat, IDM, jazz, funk, disco… ¿dirías que falta algún género por tocar? La verdad es que a mi me encanta el ambient. Y no estaría nada mal que hubiera un espacio dedicado a este género, donde poder descansar o estar tomando algo tranquilamente. Quizá en el futuro… Si tuvieras que cambiar algo en el festival, ¿qué sería? Es una pregunta muy difícil. En realidad estoy encantado con cómo funciona en la actualidad, y soy muy consciente del esfuerzo y curro que la organización empeña, año tras año, dejándose la piel para que todo vaya como la seda. Esta gente le da importancia desde a la comida de un vegetariano, hasta la sostenibilidad del proyecto. Creo que cada año dan pequeños pasos para su mejoría, no creo que pudi-

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era quedarme con algo que cambiar, sería injusto. Todo se basa en la mentalidad de intentar brindar algo mejor cada año.

que puedes hacer un festival increíble para más de 10 mil personas, ¡sin tanto headliner pero con mucho talento!

¿Cómo valorarías el valor y la contribución de una marca como Dekmantel (desde sus inicios) a la escena electrónica global?

Así en familia, ¿cuál ha sido el mejor momento o anécdota personal actuando en el festival?

Creo que su valor y contribución es inmensa. Empezamos el proyecto como unos jóvenes pasionales por la música de calidad y ahora creo que se ha convertido en una marca prescriptora y sinónimo de calidad musical. Muchos otros festivales se fijan en su line up, intentan copiar sus escenarios o programación… Ahora a los festivales no les preocupa tanto apostar por el underground real en un escenario principal, y en parte eso se lo deben a Dekmantel. Dekmantel no tiene barreras estilísticas a la hora de programar sus artistas. Han enseñado al mundo

(Risas) En mi caso, fue en el directo del año pasado en el main stage. Normalmente, en los directos siempre acaba fallando algo; un cable MIDI, o cualquier cosa, y en este caso, brillaba el sol, conecté todo, y todo funcionaba. ¡Milagro! Si no recuerdo mal, en Dekmantel siempre hace bueno, es como si tuvieran un trato con Dios. ¿Y la mejor sesión o directo que recuerdes? Me encantó el directo de E.S.G o con el set de Interstellar Funk aluciné. Pero vamos, cada año veo cosas increíbles que no suelo conocer. Por eso me encanta ir.

El primer track que te venga a la cabeza, y que mejor encaje con el festival… Buf… Otra pregunta muy difícil. Te diría que el corte de ‘Track 2 Track’ de Moodymann. Es la que más relaciono con Dekmantel, porque la llevamos tocando años y años. Y por último Tom, ¿cuál es su próximo paso, cómo te gustaría verlo? Creo que más showcases esparcidos por todo el mundo para compartir la música que amamos. Y todo lo que va a ir saliendo en el propio sello. Quizá colaboraciones con otros festivales para comisionar sus escenarios… Pero bueno, que yo no soy parte de la organización. Eso mejor se lo preguntáis a Thomas, Casper Tielrooij & Matthijs.

A.R.E. Project - Shabaka Hutchings, Hieroglyphic Being & Sarathy Korwar / Alessandro Cortini / An-i (live) / Broken English Club (live) / Bruxas / Call Super / Carista / Carl Craig Synthesizer Ensemble / Cashu / Charlotte Bendiks / Clara 3000 / Clark presents Death Peak / DâM FunK / Daniele Baldelli / Daphni / Dazion (live) / Dekmantel Soundsystem / Detroit In Effect / DJ Bone / DJ Nobu / DJ Stingray / Donato Dozzy / DVS1 / Ece Özel & Zozo / Elena Colombi / Errorsmith (live) / Fixmer & McCarthy (live) / Floating Points (dj) / Four Tet (live) / Gesloten Cirkel (live) / Gilb’R & Max Abysmal / Goldie & DJ Randall - Metalheadz Classics / Halal & Relaxer (live) / Helena Hauff / Identified Patient / Insanlar / Jah Shaka / James Holden & The Animal Spirits / Jamie xx / Jasper Wolff & Maarten Mittendorff / JASSS / Job Sifre / John Maus / John Talabot / Joy Orbison / Juju & Jordash & Shawn Rudiman (live) / Karen Gwyer (live) / Khidja (live) / Laraaji / Lena Willikens / LSD - Function, Luke Slater & Steve Bicknell (live) / Mafalda / Mama Snake & Solid Blake / Mariel Ito / Mark Ernestus’ Ndagga Rhythm Force (live) / Matrixxman / Modeselektor (dj) / Mount Kimbie (live) / Mr. Scruff / Objekt / OKO DJ / Optimo / Or:la / Orbital (live) / Oscar Mulero / Palmbomen II (live) / Palms Trax / Pan Daijing / Parrish Smith / Patrick Russell / Phase Fatale (live) / Phuong-Dan / Powder / Raime (live) / Randomer / Regis & Veronica Vasicka / Ricardo Villalobos / Rødhåd / Samuel Kerridge (live) / Sassy J / Selvagem / Shackleton (live) / Shanti Celeste / Silent Servant / Skatebård / Source Direct & Special Request / Space Dimension Controller (live) / Stanislav Tolkachev (live) / Steffi / Tangerine Dream / Terry & Gyan Riley / The Advent (90s electro live set) / The Bug (ft. Miss Red) (live) / Thundercat / Tim Hecker / Tolouse Low Trax (live) / Tom Trago / Unit Moebius (live) / Varg (live) / Voiski (live) / Volition Immanent (live) / Woody’92 / Xosar (live) / Yasuaki Shimizu / Young Marco (live) / Yves Tumor

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SÓNAR FESTIVAL MÁS SÓNAR QUE NUNCA

Autor: Julia Lozano, Jonathan Prada, Jorge Lopez Conde y Diego Fernández Fotos:

Ariel Martini, Fernando, Schlaepfer, Alba Ruperez, Nerea Coll Solíamos decir que no hay junio sin Sónar, que el festival es sinónimo del sexto mes del año…hasta el cierre de esta edición. El Sónar volverá el año que viene en el mes de julio, así lo indicaban las pantallas de los escenarios de Sónar de Noche del sábado, ante la incredulidad y la confusión del respetable. En una edición que ha vuelto a batir récords y por donde han desfilado más de 126.000 personas -64.000 diurnas y 62.000 nocturnas— a lo largo de sus 3 días y 2 noches, el festival catalán lo ha vuelto hacer. Sónar se corona como el festival electrónico europeo por antonomasia y vigila atentamente los pasos de su edición diurna, que supera por primea vez en su historia a la de su hermano mayor en la Fira de L’Hospitalet de Llobregat. ¿Se ha dejado abandonado a su suerte el cuidado y manutención de Sónar de Noche, o simplemente funcionan mejor los eventos de día? En las próximas líneas resumimos lo mejor –y peor- de una edición que vuelve a hacer historia, en un aniversario memorable y difícilmente repetible.

que en esta ocasión apartaban su apariencia virtual en un segundo plano dejándose ver el rostro al completo, suenan a Big Band, de las tochas. Un Damon Albarn que es blanco pero tiene flow de negro, maduro y seguro de cada uno de sus movimientos y calzándose una sudadera amarilla orquestaba a la perfección una numerosísima formación y una serie de apariciones en escena de primerísimo nivel. Aunque presentaron muchos de sus nuevos temas (‘Lake Zurich’, o ‘Humility’) el público coreaba sus grandes éxitos: ‘Hollywood’, ‘Garage Palace’, ‘Feel Good Inc ‘o el cierre apoteósico, ‘Clint Eastwood’. A la misma hora pero del sábado sería otro de los clásicos quien llevara la batuta. James Murphy parece haberle cogido el gustillo a eso de vivir junio en la Ciudad Condal. Regresaba este año por partida doble (en Despacio durante Sónar de Día, y como banda a primera hora de la noche), y al contrario de lo que muchos podían creer, está más en forma que nunca. Así como su producción en el estudio varía según cómo le de el aire, sus directos siguen estando más que justiTANTO MONTA, MONTA ficados brindándonos razones TANTO: GORILLAZ & LCD para seguir creyendo en la maSOUNDSYTEM gia. A los que siempre hemos seguido a Gorillaz, nos resulta un privile- Aunque el sonido en ocasiones gio verlos en directo. Es una oc- fue demasiado grave, Murphy y asión más bien poco frecuente, los suyos se complementaban y este año, coincidiendo con el en perfecta sintonía haciendo lanzamiento de su LP ‘The Now sonar algunos de los éxitos Now’, el primero en seis años, la más representativos de su disbanda se dejaba caer por Sónar cografía, arrancando con ‘Get ofreciéndose como una de las es- Innocuous’ y siguiendo con taciones de arranque. Gorillaz, ‘Tribulations’, ‘Someone Great’

(especialmente emocionante) o ‘I can change’. Casi como colofón final, se atrevieron con ‘Dance Yourself Clean’, que según muchos de los asistentes a este Sónar, serían los 10 mejores minutos de la jornada nocturna del viernes. La hipnótica presencia de Nancy Whang y sus sintes modulares, y la inconfundible voz de Murphy junto con las baterías y percusiones de Pat Mahoney (y las suyas propias) dejaban el listón ardiendo para el resto de la jornada. Sónar de noche no podía empezar mejor…

BIENVENIDO MR. SÓNAR: LAURENT GARNIER

Garnier y Sónar van siempre de la mano, y en esta celebración de semejante aniversario, nadie mejor que el francés para cerrar el festival. Y decimos cerrar porque el francés echó el telón de cierre hasta en dos ocasiones; una, durante Sónar de Día, haciendo un repaso a sus propias referencias ante un abarrotado Village; y otra, poniendo la guinda al pastel, como marcan los cánones Sónarísticos, a la noche del sábado en el escenario SonarPub. Un set, para no desafinar, épico y cargado de super hits de ayer, hoy y siempre. Sonaron su mítico ‘Crispy Bacon’, ‘Knights of the Jaguar’ de Rolando, ‘Spastik’ de Plastikman, ‘Domino’ de Oxia o el momento estelar con ‘Poney Part 1’ de Vitalic (que siempre anima el cotarro). Sí, tal y como muchos pensaréis, nada nuevo bajo el sol, prácticamente una sesión calcada a su último cierre en el festival catalán. Quizá

All Access Area · All Access Area · All Access Area · All Access Area ·

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AAA

· All Access Area · All Access Area · All Access Area · All Access Area

All Access Area · All Access Area · All Access Area · All Access Area · vaya siendo buen momento en decirle al maestro electrónico francés eso de “renovar o morir, maestro”. Pero qué demonios. Garnier el Garnier y punto.

aquelarre visual y sonoro donde repasaron sus antiguos trabajos al frente de diferentes estilos musicales de videojuegos, deleitando al personal con su influencia del house y techno de SONARDÔME, EL SALVAVIDAS Tokio en los 90.

DIURNO: TONY HUMPHRIES, EMMA JEAN THACKRAY Y Tony Humphries, algo tocado CORA & CLIP de salud y amarrado a una banQuizá por su menor aforo o porque el rollo diurno tiende a congregar un mayor –y mejoratractivo en su programación, Sónar de Día volvió a batir a su hermano mayor. Aunque el Village no es lo que era, dedicándose ahora a aportar poco o nada motivacional y auténtico, y con el personal cada vez más a gusto entre el bailoteo fácil y descarado entre ritmos urbanos, en su mayoría, procedentes del Reino Unido, lo cierto es que sus jornadas diurnas se comen con creces a las programaciones de la Fira de L’Hospitalet. Es posible que su espíritu CCCB tan añorado por muchos haga sentir como en casa a otros tantos, lo que es obvio, visto las cifras oficiales, es que los clubbers se sienten cada vez más cómodos ante el evento en el centro de Barcelona. Es aquí donde poder ver los directos de nombres como Undo, que aprovechaba a presentar su último largo en formato Live a temprana hora y que resultó ser de lo mejorcito de su jornada, el deseado directo de Maribou State, con banda incluida (lástima que sonara demasiado bajo para el albedrío esparcido por el Village) o el ambient y downtempo de una agrupación como ATZAR. Pero si hay un salvavidas desde hace 14 años durante el día, ese es el escenario comisariado por Red Bull y su Academy. Éstos volvieron a brindar una masterclass de contrataciones para todos los gustos. De aquí y de allá, ex-alumnos o ilustres personajes consolidados y o pioneros de sus respectivos países y géneros. Por aquí desfilaron Yuzo Koshiro y junto a Motohiro Kawashima, arreglistas, programadores y compositores de música para videojuegos japoneses como ‘Streets of Rage’, en un

queta alta nos regaló lo que fue sin duda el set más especial del jueves. Pasando por clásicos del house cantado como ‘Alright’ de Urban Soul, ‘The Chase’ de Vanessa L. Smith o pepitas del sello EasyWest, el de Nueva Jersy se mantuvo impasible durante todo un set en un escenario tapado, más oscuro que de costumbre. Incluyendo bastantes remixes firmados por él mismo, se marcó el ‘I Need You’ de Sinnamon pasando por la contundencia de Reese y su ‘Rock To The Beat’, ‘Casa Fiesta’ de Joshua Healt o ‘Piano Lover’ de Re Tide. Otra que no quiso faltar a la suruba sonora organizada por Red Bull fue el nuevo talento del que todo el mundo habla. Una joven británica perteneciente a la nueva ola de jazz procedente del Reino Unido. La de Emma Jean Thackray fue de esas actuaciones memorables. A primerísima hora de la tarde del viernes saltaba a la palestra uno de los talentos más interesantes que ha aportado la escena británica de jazz contemporáneo de estos últimos años. Su directo: arrollador, junto a otros 4 músicos que presentaron temas de sus últimos dos trabajos en largo formato, ‘Walrus’ y ‘Ley Lines’. Era de las actuaciones más esperadas y resultó ser de las mejores- si no la mejor-. Algún días se recordará, y nosotros podremos decir que estuvimos ahí, papando jazz del bueno. Lo de Cora & Clip merece también líneas aparte. Aunque muchos puedan o quieran pensar que se trataba de un más de lo mismo, de algo visto ya varias veces en Sónar, lo de la gallega y el catalán juntos es un desparrame sonoro de órdago. Sin ordenadores, solo maquinas, complicidad desmesurada y con

los nervios a flor de piel, saltaron al escenario de las cortinas azules con su enérgico y casi improvisado directo. Como si de una jam sesión se tratara, y con ansias de mostrar lo que iban haciendo con sus respectivos modulares y sintetizadores, las dos pantallas del Dôme reflejaban la coordinación a 4 manos, la compenetración a base de guiños y toqueteos en el hombro y las sonrisas de orgullo y disfrute de los responsables de tal agitación en la pista. Soltando bombo y efectos –Cora- y trasteando entre frecuencias y atmósferas a base de módulos – Clip-, el dúo se sacó de la manga un live de los que, desgraciadamente, cada vez menos se ven por el festival catalán. 10 de 10 para un directo puramente analógico que de menos a más, fue reventando la pista de un oscuro Dôme prácticamente a la misma hora que Rosalía.

SINÓNIMO DE ÉXITO: THOM YORKE Y MCDE & JEREMY UNDERGROUND

El paso de Thom Yorke por cualquiera que sea su escenario es sinónimo de éxito. Bien con sold outs o con salas a reventar -como el caso que atañe- el amor y regocijo del británico con Barcelona viene de tiempo atrás. Sus seguidores estuvieron en una nube durante todo el concierto. Acompañado por Nigel Godrich, arrancaba con ‘A Brain In A Bottle’ y siguió regalando un sin fin de temas no editados como ‘Not The News’, ‘Imposible Knots’, ‘I Am A Very Rude Person’ o un arrollador ‘Two Feet Off The Ground’. Repasó algunos tracks tanto de The Eraser como de Tomorrow’s Modern Boxes, marcando la tendencia de lo que fue un recital emotivo y ultrasensorial ayudado por Tarik Barri en las visuales. El cierre, después de un set list de 13 tracks, vino de la mano de los inevitables Atoms For Peace y su orgásmico ‘Default’, que dejaron un sabor de boca bien dulce a un abarrotadísimo Sónar Club. Esperamos con ansia la edición de los temas ‘Traffic’, ‘Twist’ y ‘The Axe’ que también tuvimos la oportunidad de escuchar.

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All Access Area · All Access Area · All Access Area · All Access Area · Otros de quitar el hipo fueron la unión entre el germano y el francés, que se ve se manejan a la perfección cuando comparten cabina… y discos. Lo cierto es que a Danilo es mejor darle de comer a parte, se sobra a sí mismo. Se escucharon joyas en su vasta mayoría, pero la continuidad de la sesión no fue a lo que acostumbran cuando uno y otro están solos a los mandos. Evidentemente, sabemos donde nos jugamos los cuartos; estamos en Sónar y cerrando no uno de sus escenarios, si no el festival al competo. Por ende, bien de cera a altas revoluciones para el personal, algo que, como venimos avisando desde tiempo atrás, se está empezando a dar demasiado en las cabinas del festival. ¿Hubiese disfrutado más el clubber medio con actuaciones separadas? La forma de encadenar de Jeremy, como siempre, más housera, tirando más bien poco de disco y su house, no tan fino como el que selecciona para su sello. De Danilo no tenemos la más mínima duda: no MCDE, no party. Ahí queda.

LA FUERZA DEL DISCO: DJ HARVEY Y DESPACIO

tras otro, nos acordamos de Fela Kuti, del ‘Could It Be Magic’ de Donna Summer -bajando el ritmo en cada uno- para terminar de trastornarnos con un sublime ‘Lost in Music’ a 113bmp. Cuanto más bajaba el pulso, más loco se volvía el respetable. Ante esto solo nos queda quitarnos el sombrero para no volver a ponérnoslo jamás.

La vigésimo quinta edición del Sónar ha auspiciado dos de los conciertos más espectaculares e históricos de su vasta y prolífica historia: Rosalía y El Niño de Elche. El Niño de Elche y Rosalía. Espectaculares en el amplio sentido del término, pues la puesta en escena de ambos casi “ensombrece” su contenido musical. Históricos, y lo digo sin retórica, pues es la primera vez DESPACIO que dos artistas españoles iguaDespacio empieza y se escribe así: lan, e incluso superan, a las espasito a pasito, suave suavecito. trellas internacionales de rigor. Nos vamos pegando, poquito a poquito. Que le enseñes a mi boca El Niño de Elche lo tenía más tus lugares favoritos. difícil que la joven artista cataPorque Despacio es un monu- lana, pues su concierto de 2015 mento a la felicidad, y dentro de en el mismo escenario, supuso esos monumentos, espacios tem- un antes y un después en su poralmente autónomos, el humor corta pero intensa carrera. Pero es uno de ellos. Y también hay Francisco Contreras Molina, que sitio para ello, ¿por qué no? Pero nunca hace un concierto igual si algo es Despacio, es un monu- que el anterior, esta vez lo tenía mento a la inclusión. Allí cabe claro. Si por algo se ha carachasta la exnovia más dolorosa de terizado Sónar todos estos años todas. Y ni siquiera eso te quita es por dar cobijo a las propuesesa felicidad que solo Despacio tas más rupturistas del plante da: una oda al futuro y a la luz eta, y la performance percutiva (de discoteca, por supuesto) que y dramática con la que el genio te proyecta a lo que debería ser el ilicitano y el bailarín Israel Galparaíso o la sociedad. Probable- ván nos obsequiaron la tarde del mente Despacio sea la fórmula jueves, rompió todos los moldes perfecta de lo que imaginábamos escénicos jamás vistos por los que era el clubbing hace 20 años. pagos del festival. Es la tipología sobre la que reflejarse, el standard y la clave, Pero Rosalía no se quedó atrás poder estar 45 minutos con los en el envite, y rodeada de una ojos cerrados bailando, sin que decena de bailarinas y un atrezel Shazam encuentre nada y con zo digno de Kanye West y/o una sonrisa cómplice de amor Beyoncé, dejó completamente entre todos los compañeros, ami- estupefactos a los casi tres mil gos para siempre. espectadores que abarrotaron El problema o la crítica es esta: Sonar Hall justo un día después. ¿qué ha pasado en estos 20 años Un estreno de lujo para una arpara que esa fórmula, mitad Par- tista que no conoce fronteras, ni adise Garage, mitad Loft, mitad estilísticas, ni geográficas. fiesta en tu casa, siga siendo lo Atrás quedan imágenes memomejor y una de las experiencias rables como la de Jimi Tenor más completas posibles? ¿Es a caballo, Matmos vestidos de esta la cumbre? Y después de monjes del medievo, o Kraftwerk mas de 10 horas en Despacio, haciendo un recorrido por su termina el Sonar XXV y uno mira música en 3-D. A partir de esta la agenda para repetir o espera edición, el vibrador de El Niño de poder casarse para que tus pa- Elche y la moto de Rosalía se sudres puedan vivirlo. man a esos momentos mágicos Una lágrima cae en la arena: lo e irrepetibles que quedarán inque el pulpo se llevó. crustados eternamente en nuestra memoria. EL PREMIO SE QUEDA EN La leyenda del Sónar sigue viva, CASA: veinticinco años después.

El caballeroso Harvey Bassett fue de lo más espectacular, fino y memorable que recordamos en esta, y cualquier edición de Sónar. Con un nivel a años luz de lo que se ofrecía en los demás escenarios, propuso un set que jamás rebasó los 120 bpm, algo poco visto en este festival de la mano de un Dj… y mucho menos de noche. Sacándose de la manga joyas como el remix de Dj Kaos de ‘Breakthrough’ de The Backwoods o la versión promocional del 75 de ‘Spanish Hustle’ de The Fatback Band, Harvey iba rompiendo todos los clichés y moldes estilísticos. En seis horas, podéis imaginar la electricidad que recorrió una pista a medio llenar, para gozo y deleite de los más sudorosos; ya sabéis… La pregunta del millón no es cómo llega a marcarse estos sets un tipo como Harvey, si no de dónde diablos se saca esos edits…bendita maleta. Acabando con una baraja entera de temas de cierre que soltó uno ROSALÍA Y NIÑO DE ELCHE

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PRIMAVERA SOUND THE ONLY WAY IS UP Autor: Gerardo Cartón

Hace dos años escribí esta crónica para esta misma revista. Releyéndola, he vuelto a sentir las mismas emociones que cuando la redacté, pero al pensar en la de este año, todos aquellos sentimientos se han visto potenciados por la que, probablemente, haya sido la mejor edición de la historia del Primavera Sound. Y es que los grandes festivales del mundo se caracterizan por implantar mejoras en cada edición, y no solo en el cartel, pues esto es algo absolutamente subjetivo, sino en las prestaciones del propio festival, así que permitidme enumeraros las susodichas, a la vez que navegamos por el mar de artistas que han surcado este año el Parc del Fórum. La primera y principal, ha sido la zona de electrónica situada en la playa, de nombre Primavera Bits, enclave perfecto para un fan acérrimo del género como el que suscribe. Imaginadme plantándome en la playa los tres días del festival, a las doce de la mañana, pillando tumbona, aftersun y toalla GRATIS, por cortesía del Primavera, y leyéndome un libro por jornada mientras disfrutaba de las sesionakas de Four Tet & friends, Floating Points y Dekmantel Dj´s. ¿A alguien se le ocurre un mejor comienzo? A mí no, desde luego, y menos con el pedazo de menú a 25 euros del Xiringuito Aperol, situado justo a un lado del escenario, que ofrecía ensalada, paella, bebida y postre, para comer como Dios manda antes de encarar la tarde/ noche en el Fórum. Hacedme

caso y probadlo el año que viene. eron el mejor homenaje posible No os arrepentiréis. al gran Mikel Laboa, renovador de la música euskaldun, tal y La segunda mejora, el sonido. No como hacen ellos actualmente. es que el Primavera sonara mal, Remátenlo con El Canijo de Jerez ni mucho menos, pero este año y el Art Ensemble of Chicago, y ya han cambiado el equipo y aumen- tienen la mejor sobremesa positado la potencia, y esto ha hecho ble después de la paella playera que, sobre todo los escenarios que antes comentaba. principales del fondo, por fin, lo hayan petado. Björk, Nick Cave La cuarta y última mejora ha sido o Jane Birkin con la Orquesta el transporte público a la salida Sinfónica del Vallés sonaron que del festival. Fuera la que fuera la atronaron, siendo, sin duda al- hora a la que salieras, había busguna, de los mejores conciertos es y taxis como para una boda, y de todo el festival. el comportamiento de la gente ha sido ejemplar. Todo el mundo Sin embargo, ha sido el escenario respetando las colas y comporPrimavera by Apple Music, el de tándose cívica y pacíficamente. la entrada, el que se ha erigido como el de mejor sonido de todo Si, amigos, el Primavera Sound, el recinto, pues al estar más rec- mal que les pese a algunos, es la ogido y protegido del viento, esto joya de la corona de nuestros feshace que se produzca un efecto tivales. Cada año, más (escenarcompresor digno de cualquier ios) y mejor (experiencia), y en producción de Steve Albini. esto solo compiten Sonar, Vida, FIB y pocos más. Sé lo que estáis Mogwai, Slowdive, Sparks, Nils pensando ahora mismo; me dejo Frahm, Charlotte Gainsbourg, muchos conciertos en el tintero. Beach House… Delicatessen stage Panda Bear y John Hopkins en el por goleada. Bacardí Live, el showcase del sello Warp en el magnífico escenario La tercera mejora la situaría en a modo de garaje cubierto, The el que es mi escenario favorito Warehouse (en claro homenaje desde tiempos inmemoriales, el al templo del house de Chicago), Auditori. El concierto inaugural la sesión final de música disco a de María Arnal i Marcel Bagés fue cargo del maestro John Talabot… de pelos de punta, pero el que le siguió, el de Spiritualised con or- Pero si escribiera de todo, esta questa y coro, fue de los mejores crónica sería un coñazo, y la músisets que uno ha tenido la suerte ca nunca puede resultar tediosa, de ver en las dieciocho ediciones ni siquiera cuando es escrita. Y de que lleva el festival. eso el Primavera Sound sabe un montón, pues este año ha cumpliPero es que, al día siguiente, do la mayoría de edad escribiendo Delorean, cual kraftwerk gui- las mejores líneas de su ascendputxis, salieron a tocar de pie ente trayectoria. en frente de tres sintetizadores y una batería electrónica, e hici- Larga vida al FESTIVAL.

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PARAÍSO FESTIVAL SOPLO DE AIRE FRESCO EN LA CAPITAL Autor: Diego Fernández Fotos:

Nabscab Madrid Photography

Es de bien nacidos ser agradecidos. Por eso gusta poco hacer sangre de una primera edición de un festival que con la ilusión de un quinceañero –y experiencia de varios FIBs a sus espaldas, todo quede dicho- se desvirgaba en la capital en un mes de junio pasado por agua, literal. Si el line up de esta primera edición agradara a unos y otros, saliéndose de los clásicos parámetros de “lo mismo de siempre” o “todo por la pasta” que tanto se destilan en nuestra escena, su mayor enemigo no sería -sorprendentemente y en pleno junio en la capital- el calor. Al revés, si todo apuntaba a éxito rotundo desde semanas atrás, el tiempo, con diluvio/ granizo hasta media hora del pistoletazo de salida incluido, provocaría la baja de más de uno y la reventa última hora de abonos a precios ridículos vía Internet. De hecho, sería un chaparrón a la bilbaína el culpable de un retraso de casi dos horas en la apertura de puertas de su jornada inaugural. Pero he aquí la importancia de un promotor con experiencia y un equipo de trabajo productivo y profesional. Así como parte del terreno sufriría pequeñas inundaciones en varias de sus zonas, la organización tardaría en abrir algo más las puertas para preparar el terreno de la mejor manera posible, echando paja. Menos es nada. Y es que Paraíso apuntaba maneras desde meses atrás. Un festival casi urbano, con música para todos

los públicos, alternando entre Dj sets y directos y con un amor por la sostenibilidad y pasión por la buena música desmesuradas. Su producción, curada con mimo y esmero a la altura de los grandes festivales del extranjero, baños limpios y comida más que decente… Visto así, poco que envidiar al resto de competidores…. Pero aquí es donde viene el pero, en mayúsculas, y hasta por triplicado; igual que su número de escenarios (tres), ninguno de ellos consiguió sonar a la altura. VIERNES El escenario Paraíso, main stage que dirían algunos, albergaba principalmente los directos de formato banda o artistas Top al final de la noche pero se convertiría en un escenario acústicamente caótico donde su sonido, además de mezclarse con el del Club, no conseguía enganchar al personal; sin push, sin volumen y con torres de repetición apagadas. Y tampoco a los artistas que desfilaron por ahí… Que se lo pregunten a Rodriguez Jr y Liset Alea, que entre caras de no saber qué cojones hacer e incredulidad, consiguieron salvar un directo más propio de primera hora en la terraza de Space que de un festival como el que atañe. O a Roisin Murphy, uno de los plastos fuertes y que nada más comenzar, ya espetaría un: “este concierto creo que va a ser de los difíciles”. Entendemos que por su sonido… o por un público

frío, demasiado relajado y con la excusa de “esto no suena”, parlanchín a más no poder. Que hablando de público, quizá algo menos del esperado –pero el habitual para una primera edición de un festival debutante-, pero de los “sanos”, esos que toman sus cositas pero se olvidan el traje del mal rollo en casa. Ambiente canalla, del que nos gusta, y el que, por cierto, levanta un evento año tras año si éste lo merece… que es el caso. Volviendo al escenario Paraíso, también tocarían Ibeyi, con su dub soul por bandera en un concertó enérgico; o Kelly Lee Owens, que presentaba su largo formato del pasado año al público madrileño y que posiblemente resultara uno de las actuaciones claves del festival. Lástima que con el imprevisto del tiempo, mucha gente se quedara a las puertas de disfrutar del bolo completo. También HVOB, que sonarían algo mejor que el resto, posiblemente por la cantidad de sintes y la fuerza de la batería que acompañaba a Anna Müller y Paul R. Wallner. Un directo más contundente que lo visto hasta ahora de la banda pero que tampoco pareció encajar como lo esperado. O Kiasmos, para el que escribe, la decepción de Paraiso 2018. Bien por -otra vez- su mal sonido, su horario de actuación (no tiene mucho sentido meter en el escenario principal cosas más lentas de las que han sonado en ese mismo escenario), o por el propio setlist que se marcaron Olafur

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All Access Area · All Access Area · All Access Area · All Access Area · Arnalds y Janus Rasmussen, Kiasmos ni gustó ni convenció… a casi nadie. A esas horas, parte del personal ya volaba entre escenario y escenario, con cierto temor a nuevas precipitaciones que afortunadamente, no volverían a dar la cara. Mejor sonaba, a ratos, el escenario Club. A veces con demasiada presión, otras apenas sin consistencia o con desajustes armónicos. El caso es que Apparat ni siquiera pasó el corte con un Dj set de los de “si te he visto no me acuerdo”. No así el directo más esperado para muchos como el de Larry Heard aka Mr Fingers junto a su inseparable Mr White. Al ritmo de ‘Can You Feel It’, ‘The Sun Can’t Compare to You’ o intercalando varios cortes de su último trabajo ‘Cerebral Hemispheres’, el de Chicago desencadenaba las primeras y auténticas sonrisas en la el escenario Club. Aún sin sonar extremadamente bien, el directo sació la sed de los presentes, sin llegar a reventar la carpa como muchos esperaban (muy al estilo Dekmantel ésta, por cierto). Bien también, pero algo más cañero que de costumbre, Tornado Wallace, que se estrenaba en el entramado festivalero de la capital con acid, electro y techno a partes iguales. Menos disco y funky que de costumbre, pero viendo su slot y sabiendo la zapatilla que inconscientemente o no se pide en las pistas de baile nacionales, éste resultó más que apto para

un telón de cierre a una jornada que visos tenía de fracaso estrepitoso, pero que resurgiría de sus propias cenizas en una segunda jornada.

británico que mostraba a base de bombo y porrazo, por qué forma parte de los directos imperdibles de los últimos años.

SÁBADO El sábado amanecía soleado y con visos de haber más picante en el guiso. Con el recinto en mejores condiciones, la velada se presuponía más discoide que la anterior, con un pequeño push en forma de guiño a la música más puntera de la Isla Blanca, como las contrataciones de Damian Lazarus y Guy Gerber. Sin embargo, y quizá precisamente por ahorrarnos el ver lo que acostumbramos a ver en las pistas de baile de la capital, poco o nada nos dejamos caer por allí. Mejor con nuestro querido Henry Saiz, que regresaba a su casa en formato banda y con el que el día empezaba a pillar color a golpe de techy progresivo muy melódico y perfecto para una semi primera hora. Y Cumhur Jay, alternando bombas de contundencia de su reciente y nuevo directo ‘Dialekt’ en el escenario Club.

La traca final, con Hunee y Gerd Janson a la cabeza, prometía chicha por doquier. Y así fue. Con un set fiel a su estilo, combinando acid, funky, house y disco, Hunee se metía bombo a bombo al personal en el bolsillo ante el disfrute del que veía al de Rush Hour por primera vez en un festival open air en Madrid. Parecido, el capo de Runnig Back, que echaba el telón de cierre, a base de clásicos del verano como el ‘Neutron Dance’ de Kristal Klear, brindando otra de las sesiones más interesantes y dinámicas del festival. Con temas de aquí y de allá, siempre con la pista en mente, el germano hacía gala de sus limpias mezclas ante el deleite de una pista, sorprendentemente, a medio gas.

Pero si hay alguien que se llevara el gato al agua, ese sería nuestro neurocientífico favorito, que se estrenaba en formato live en la capital. Con poco riesgo, yendo a lo seguro -y a lo pistero- a base de patches, modular y beats y visuales hipnóticos, se calcó un directo casi idéntico a de Primavera Sound, pero con peor sonido. Eso sí, ‘Elaenia’, ‘Thin Air’ y como colofón, ‘Nuits Sonores’. Rollazo del

Habrá que esperar a 2019 y ver qué es lo que ocurre con un festival candente y debutante, ciertamente risky en su programación, y que incluso luchando con los desafortunados envites, ha conseguido sacar pecho y ganarse a un público madrileño (18.000 asistentes según la organización), ciertamente aburrido y deseoso de nuevas e interesantes propuestas musicales. Así que al lío, Paraíso. Esperamos bailarte el año que viene.

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DYSTOPIA @ USHUAÏA IBIZA. LA ANTÍTESIS DE LA UTOPÍA Autor: Cristina León C.

Ibiza, mes de mayo ¡Se viene la temporada! Los residentes de la isla lo sabemos cuando hay más de todo: sol, turistas en pantalón corto, temporeros con currículums en mano, beats electrónicos, publicidad que anuncia las aperturas de las fiestas y clubs, etc. Unos días previos a mayo vi anuncios con la palabra Dystopia con la extraña frase ”Enjoy your problems” (o “Disfruta de tus problemas”). Intuí que algo interesante llegaría este verano en forma de fiesta… ¡Claro! ¡Estoy en Ibiza! Al pasar los días encontré más anuncios de Dystopia con frases como “Karma has not deadline” (o “El karma no tiene fecha límite”), o “Wrong place, wrong time, be there” (o “Lugar equivocado, tiempo equivocado, estad allí, no os lo perdáis”); sin más información. Hasta que un día el misterio se develó en forma de valla publicitaria: la nueva fiesta Dystopia en Ushuaïa Ibiza, cada viernes de junio a septiembre. Mi intuición no me falló, el concepto me interesó enseguida no sólo por recordarme que mi karma no tiene fecha límite, también por el line up de toda la temporada con productores, DJs y live acts que sigo bastante, que experimentan con melodic slow techno, middle tempo, progressive, deep, afro house, minimal… nombres a la altura de Satori, Black Coffee, Ali Kuru, DJ Koze, Mira, Lum, Moscoman, Rebolledo, Nico Stojan, Spaniol,

Damian Lazarus, Bedouin, LUM, viví en Tulum. Disfruté el buen Trikk, Adam Port y más. beat contemporáneo alemán de Nico Stojan, subí la energía cuNo pude ir a la apertura ni a la ando los beats y los sub-graves segunda fiesta pero me aventuré aumentaron con el slow techno, a la tercera con el line up: Lu- melódico, europeo de los producciano, Nico Stojan, Britta Unders, tores Britta Arnold y Unders, que Giovanny Aparicio y Nour. He ido juntos se presentan como Britta varias veces a este famoso beach Unders. Y seguí gustosamente el club porque me gustan las fiestas viaje sonoro con Giovanny Apade día y porque admiro su calidad ricio, DJ colombiano que suele de diseño sonoro y decoración. hacer tour europeo en verano por Esta vez fue diferente, extraña, los mejores festivales y venues divertida, kitch y muy Ibiza. Pues- alternativos, que regresó a la isla tos de mercadillo con artistas lo- para hacer un excelente warm up cales, ropa extravagante, joyería y a Luciano, entre la étnica elecaccesorios al estilo Burning Man. trónica, el afro house, el deep furgonetas de buena comida ráp- melódico y el storytelling. Luida, a buen precio; juegos infan- ciano cerró la noche y comprobé tiles para adultos como la típica qué es lo que la experiencia hace casita rosa de juguete, una cebra a un buen DJ: absorber los oídos de madera para montar, un gran de todos los presentes, subirles hinchable rosa… Body painting, la energía, ponerlos a saltar, saclive painting, espacios espiritu- arles la sonrisa con su carisma y ales para ‘hablar con Dios’, chill regalarles las ganas de querer reouts… Apocalípticos personajes gresar la siguiente semana. salidos de la película Mad Max y Sí. Bailé y bailé como lo haría locos performers en patinetes con en un beach club de Tulum o en objetos de cocina en la cabeza, an- un festival alternativo berlinés, tagonistas de las sexis gogo danc- pero esta vez en la anti-Ibiza, ers de los clubs… Curiosidades no por la tarde y al aire libre, en la faltaron por cada rincón, así como fiesta más kitch del elegante Hoamigos residentes con quienes tel Ushuaïa, rodeada de turistas cruce un par de bailes y unas risas. y residentes que no necesitaron más de 125 bpm para darlo todo. Me bastó con dar unas vueltas para comenzar a vivir Dystopia, la Dystopia: la fiesta anti-tópica contradicción de lo que han sido que me hizo cuestionar con sus las fiestas de club en Ibiza, tanto ‘sutiles’ lemas “Let’s Pretend we en esta locura que ambientaron, like each other” (o “Pretendacomo musicalmente. Para mí, mos que nos gustamos”) y “Let’s bailar en Ushuaïa down, middle make out like we’re in love” (o tempo de calidad a las cuatro de “Hagámoslo como si estuviérala tarde con la DJ palestina Nour mos enamorados”) lo que realfue auténtico privilegio, como lo mente es Ibiza.

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PATRICK TOPPING ALL NIGHT LONG @ CITY HALL DOCTORADO EN EL CITY HALL Autor: Kata Kulcsar y Jaime Rodríguez Foto: Josu González

Le semana de la Off Week trae a Barcelona momentos únicos. Uno de ellos fue el All Night Long de Patrick Topping en la sala City Hall, a un paso de Plaza Cataluña, en el corazón de Barcelona. El británico Patrick Topping – reciente portada de este medio – es uno de los artistas más demandados de la electrónica en este momento. Prolífico productor con temas como ‘Be Sharp Say Nowt’, forma parte de esa nueva ola de creadores de música electrónica del norte de Inglaterra que se han hecho un hueco en la primera línea de la escena. No en vano ha conseguido – con su selección llena de groove – atraer la atención de públicos de todo el mundo, mientras que sus composiciones, dentro del espectro tech-house, llegan con facilidad a los número uno de todas las plataformas. La noche del sábado 16 de junio era una fecha enmarcada para todos sus fans, nosotros incluidos, por las pocas veces que Topping se aventura a ser el maestro de ceremonias desde que empieza hasta que acaba la noche. Una cita imperdible para la que nos preparamos a conciencia. Entramos a la amplia sala principal de City Hall cuando Topping apenas llevaba poco más de una hora a los platos. La elección del lugar fue perfecta, ya que además de tener un tamaño perfecto para estar sin agobios aún con un lleno total como el que se esperaba, tampoco se trata de

una de esas macro salas donde se Impone mucho respeto que un arpierde la intimidad. tista se suba al escenario en solitario y durante cinco horas consiEl carisma de Patrick Topping ga mantener la atención de todo inundaba el escenario y se hizo el público, en todo momento. Se dueño del lugar en un abrir y cer- nota la gran cantidad de carisma rar de ojos. El City Hall abarrotado y personalidad que puso Patrick de público mitad local, mitad bri- en esta actuación. tánico. El sonido, cuidado para la ocasión, era abrumador, claro, Imprescindible hacer una pausa definido y con pegada, perfecto para recuperar el aliento y fumar para la escucha inmersiva y el un cigarro, antes de volver a sumviaje en el que nos metió el bri- ergirnos en el universo musical tánico. que nos proponía Topping. Topping exploró toda una variedad de sonidos tech-house para ir calentando poco a poco a un público que había reservado toda su energía y ganas de fiesta, a sabiendas de que esta iba a ser una ocasión especial, un momento único.

Da gusto verle pinchar. Es un gran artista, claro, pero también un gran profesional. Un trabajador duro que no paró de luchar para hacer una fiesta inolvidable para todos los que estábamos allí. A pesar de llevar toda la noche, la sensación al acabar fue que el público quería más y podría seguir hasta el día siguiente. La cercanía entre el artista y el público es total, y la atmósfera intima, incluso amistosa. Es como estar en una fiesta en la que todos somos amigos y el DJ es uno más.

Sin embargo, el set de Topping fue diferente de lo que nos esperábamos, más potente y con pegada. Presenciamos unas cuantas incursiones en el electro, en el hip-hop, en el house… con diferentes temas, bien mezclados y todo muy bien presentado. Una línea muy diferente a la que nos Al acabar la sesión, nos dirigitiene acostumbrados. mos andando hacia la playa. Ver amanecer, tras una sesión como Los mejores adjetivos que se nos la de Patrick Topping, en la que ocurren para describir este set pasas por diferentes estados de son contundencia, fuerza, pode- ánimo y sensaciones, fue la mejor río y complicidad con el público. manera de renacer y volver poco a Topping te atrapa desde el primer poco a la vida real. Una sesión que minuto, con una técnica milimé- quedará enmarcada en las memotrica y mucha música que ofrecer. rias de todos los que tuvimos la suerte de estar presentes…

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WOOMOON @ POBLE ESPANYOL CUANDO SE JUNTAN LA LUNA Y LAS ESTRELLAS Autor: Ekai

El último sábado de la Off Week de 2018 tenía el Poble Espanyol una concentración fuera de lo común de eventos de gran calibre, a escasos 800 metros de la Fira, donde se estaba celebrando el Sónar de Día. Woomoon era uno de ellos, al que acudí para vivir ese lineup de quilates y con una estética ibicenca muy marcada, que venía a ser una mezcla hippie años 70 con cierto aire medieval… Algo presente en sus fiestas de Cova Santa, donde puedes verles todos los domingo desde el 27 de Mayo hasta el 7 de Octubre.

esa semana… Supongo que por su line-up, más enfocado a la melodía y pasando de los subidones y los vocales facilones. Volviendo a lo que era el montaje del evento en sí, me di una vuelta para ver que habían preparado los chicos de Woomoon y en cada esquina había algo que te llamaba la atención. Un hombre vendiendo sombreros hechos a mano, una pintora pintando y exponiendo sus cuadros, una modista… todo ello amenizado con performances y gente disfrazada acorde a la imagen de la marca.

El pistoletazo de Woomoon lo marcaba Rico Loop a las 15:00, en el stage del Monasterio, al que muy acertadamente decidieron llamarlo “Dance Temple”, aprovechándose de la estructura. Cualquiera que haya visitado el Poble Espanyol lo entenderá rápidamente. Llegamos algo más tarde, con el set empezado, ya que nos costó un poco encontrar la entrada, que estaba algo “escondida”. Me di cuenta que éramos bastantes los que nos encontrábamos un poco perdidos, caminando arriba y abajo por las diferentes entradas que tiene el Poble y las diferentes fiestas que aquel día se estaban llevando a cabo.

La verdad es que dejando a un lado el antes nombrado “Dance Temple”, que habían decorado más o menos para salir del paso, la verdadera atracción era la gran “Carpa Picnic”. Aquel stage era, sin duda alguna, el plato fuerte del festival, no por los artistas, ya que en ambas zonas se solapaban buenos nombres, si no por su decoración y ambientación – con Cuando mis pies ya no podían catapulta lanza-peluches incluida bailar un beat más puse rumbo a –. casa ya que todavía me quedaba el último round al día siguiente, En cuanto llegué todavía se podía para poner punto y final a mi bailar a gusto el ritmo que mar- primera Off Week en Barcelona. caba Audiofly, quienes estaban Para los que no llevaban tanta construyendo un muy buen set fiesta encima como yo y tenían en torno al deep house melódico ganas de más todavía les quedaba al que nos tienen acostumbrados. la última bala de Woomoon ya que Era de agradecer que no estuviera en La Terrrazza celebraron el afllena la pista, ya que el calor nos ter-party oficial, con invitados de hacía tener que refrescarnos y los lujo como Damian Lazarus o Serge precios de las bebidas invitaban Devant, eso sí, paso previo por a pedir una hipoteca para poder caja y ticket a parte… seguir hidratado. Iluso de mí, de-

Nada más entrar a Woomoon por la zona del Monasterio, me di cuenta que la media de edad era más alta con respecto al resto de eventos a los que había acudido

cidí abandonar la pista de baile para terminar de ver lo que aquel festival ofrecía. Digo iluso de mí porque cuando intenté volver a la “Carpa Picnic” no pude entrar debido a que se había sobrepasado el aforo. Esperamos más de media hora pero aquello no iba a ningún lado. Ante tal imprevisto desistí y fui a cenar a la última zona del evento que me quedada por visitar. Era una zona chill, donde había alfombras para poder descansar y sentarte o poder cenar unas ricas hamburguesas gourmet o patatas belgas. Una vez cené me volví a la zona del monasterio donde Blond:ish estaban partiendo la pista literalmente con un gran set en el que estaban muy presentes los vocales y percusiones latinas. A todo esto tengo que decir que el set de las chicas fue el que más me gustó de todo el festival.

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CRÍTICAS DE NUESTRO INVITADO

En la maleta de...

DAVID MEDINA (SALA SONORA/THE PLOT MUSIC) Autor: David Medina

DAVID MEDINA & VICO DEEP ‘Pimentón de la Vera’

UNDERCATT ‘Britannia’

YOUANDME, INGRID ARTHUR ‘Patter of greed -Jonathan kaspar remix’

[Unreleased]

[Diynamic]

[POKER FLAT RECORDINGS]

Este es el primer track que he hecho con mi amigo Vico Deep, de Studio 76 Madrid. Base cañera con una melodía progresiva que entra en el parón y que me encanta para momentos finales de sesión.

Me encanta este tema de mis amigos Luca y Elia (Undercatt). Llevo años siguiendo su música y fue un gustazo poder traerles por primera vez a Sonora y pinchar con ellos en mi fiesta Medina Presents. Uno de esos temas de cerrar los ojos y volar. Lo usé para el video promocional de la fiesta y prácticamente cada día hay gente que me pregunta por él.

Este es uno de los temas que mejor funciona en mis sesiones. Bajazo con melodía que va mutando durante todo el tema y que se empasta perfecto con percusiones y pads. Jonathan Kaspar es otro de los fijos que siempre sigo y nunca falla. Otro tema que como digo siempre, te hace cerrar los ojos y volar en la pista de baile.

PIONAL 'Tempest’

DANIEL BORTZ ‘Glide’

DERRICK L CARTER ‘Legacy’

[Permanent Vacation]

[Simon Garcia's Automatisiert remix]

Soy muy fan de la música de Pional y del sello Permanent Vacation, pero este tema lo descubrí viendo un video de Dixon reventando Fabric London con él, y desde entonces no falla nunca en mis sesiones. Tiene una melodía alegre e hipnótica que engancha desde el primer momento que la escuchas. De mis temas favoritos ahora mismo.

Repito tema de Permanent Vacation, pero es que este sello me chifla, y Daniel Bortz es otro de mis productores favoritos. Este track lo utilizo siempre cuando quiero ir subiendo intensidad en la sesión y pasar a partes mas cañeras.

Mi hermanito madrileño Simón es un crack. Además de un gran amigo, es desde hace muchos años uno de mis productores preferidos, y este edit del gran Derrick Carter es buena prueba de ello. Me lo enseñó un día en su estudio y casi le obligué a que me lo pasara. Lo utilizo siempre cuando quiero ponerme mas housie.

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JOY LAVOE

CRÍTICAS HOUSE

Jonathan@djmag.es

BREVES

Klubbhuset Rehearsal

Anthony Fade Mind Games

Black Loops & Innocent Soul

Slothboogie Traxx

High Cutz Vol.2

7.5

Rough Recordings

Potencia, 808 y MPC. Con esto queda aclarado el estilo. Sonido de Chicago a raudales, toques ácidos en 4 cortes diferentes pero igual de efectivos. Si lo escuchas te cunde. Un guiño especial al ultimo track, 'Dr. Ice'.

7.0

Lo recordamos por sus release en Catz N 'Dogz, Pets Recordings, Toy Tonics y Neovinyl. Con un amalgama de líneas filtradas y frases vocales repetidas y dobladas. Percusiones polvorientas, secuencias de stabs y Rhodes intermitentes mientras una línea de bajo andante lleva el ritmo por todas partes.

Let's Play House

9.3 Una joyita más de este sello y de los geniales Klubbhuset. Después del largo maratón de 2016, era difícil mantener el nivelazo. Pues nada más lejos de la realidad. Los suecos en otro desparrame musical housero vuelven a poner el listón a muy alto nivel. Un viaje lleno de alegría y en paz consigo mismo. El tipo de música que se necesita con este calor. El primer track, que titula el EP, es elocuente, cálido, suave y de inmensa calidad. Breaks en las bajadas y subidas finísimamente hiladas. Sigue 'Bare Feet', que crea un intermedio relajante, un pseudo electro de mucha clase. 'Our Friend Elliot' vuelve al la seriedad del cuatro por cuatro y a la amabilidad del primer corte. Aunque con una línea de bajo más sintética el resultado es incriticable. Siguen con 'Fuji Love', homenajenado ese house nipón que tanto apreciamos. Fino, con brillo y pausado. Para cerrar, 'Loosing My Taste', que no se desencamina de lo previamente escuchado. Atmosferas cálidas, ritmos tribales pausados y una progresión para caer de culo. Ya echábamos de menos al dúo, pero la espera ha merecido mucho la pena.

VVAA

Discos Dorados Lovedancing

9.0

MACHINE WOMAN 01. OBJECT BLUE 'Chipping At The Kingdom' Let's Go Swimming 02. TRISTAN ARP 'Pipeline' Human Pitch 03. VOYD

'Y'alll' lowlife Cartel

04. GABER ELEGANZA

'Never Sleep' Prestol?

05. LOFT 'Oh Well, We're all Fucked Now' Wisdom Teeth 06. MARTYN 'Mind Rain' Ostgut Ton 07.

AQXDM 'Ballad 002' Bedouin

08. FEMANYST 09. TAPIR

'Hy Breed' Noise Manifesto

'Forester' Self Release

Con decir que se trata del sublabel de Whiskey Disco, todo debería tomar forma en vuestras mentes. Calidad gigante en los 4 tracks, empezando por el de Felipe Gordon & Vagabundo Club Social, que colaboran en este EP. El primero, 'Basilio', demuestra como unos colombianos se brasilean. Elegante y finamente camuflados, podrían recordarnos los cortes más finos de Fouk, con eso ya imagináis. Le sigue un remix que no es de menor nivel; Eddie C, le da la vuelta y lo pone a sonar en su cara más disco, aportando así un track bien distinto pero igual de fino y fresco. El tercer track, 'Chips y Salsoul', de Sleazy McQueen & Vagabundo Club Social se queda en el limbo, si queréis catarlo estad atentos a nuestra web los próximos días...Desparrame housero. Cierra el EP Eddie C con 'Be There', y como no podía ser de otra manera, el nivel sigue intacto. Despacio, deep e igual de fresquísimo. Este EP es oro puro.

S3A Magic Bird Rexperience Times Are Ruff

8.8

La última sacada de S3A se creó específicamente para la pista de baile; una en particular, la del Rex Club de París. Cuatro pistas para honrar este lugar legendario en el corazón de la historia de la música parisina. La etiqueta Times Are Ruff, lanza un flujo constante de herramientas houseras de calidad

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y en este caso es brutalmente bueno. El primer corte '4000e' ya marca la tendencia. Un riff de guitarra rasgada apoyado por una contundente línea de bajo y pads discretos dan entrada a un breakdown de ritmos rotos para retomar con más flow y fuerza. 'Spaceshipe' es de carácter más fino y oscuro, hasta que el final cobra un toque de luminosidad ayudado por colchones que se convierten en riff según avanza. 'QuickSheitan' tiene una entrada disco de quitar el hipo, con unos samples de voz rítmicos que entrelazan con más cuerdas en el transcurso del tema, manteniendo el color del principio. El ultimo corte, 'Jun', es de bajada en cuanto a fuerza pero en ningún caso en cuanto a groove. Un excelente EP.

Sanasol

Long Lost Thoughts R-Time

8.7

R-Time Records lanza dos canciones de Sanasol, hoy más conocido como Thor, originalmente publicadas en el LP, ‘Deep Thoughts’, a través de Hey Babe en el 97. De todos los alias de Thor, que incluyen OZ Artists, Flow Machine y Thor54, Sanasol, su proyecto de dúo junto a Yagya, es posiblemente el más prolífico. Además de las apariciones en la famosa imprenta de Thor (Thule Records), como Sanasol la pareja ha lanzado en Fear Of Flying, Connaisseur Supérieur y Hey Babe. R-Time de Matt Edwards ahora lanza dos de las canciones más finas del largo. 'Long Lost Thoughts' comienza utilizando puntas de acordes filtradas junto

con un bajo contundente antes de que el track progrese con pads etéreos tocando una melodía en primera línea. Con 'In The Sky Of Normality' presentan toms mezclados con hi-hats crujientes y un bajo fuerte mientras que los sintetizadores juegan con el paneo manteniendo un rollo más hipnótico.

Austin Ato

The Sound Of ME ME ME

7.5

Ato es el escocés Colin Bailey, un artista con muchos proyectos y sonidos diferentes en su haber, desde Drums of Death hasta The Slumberjack. Se lanzó como Ato en sellos como Futureboogie y Phonica White, mezclando elementos afro, dub y jazz con su propio sonido. El gran comienzo 'He Can Ride' es una pista con melodías brillantes y una secuencia de sintetizador cósmico. Los tambores de abajo crean un groove acogedor y todo se remata con una muestra vocal bien tratada y retorcida que el oído entenado sabrá reconocer. 'Dah Dah Dah' son seis minutos chisporroteantes de teclas de funk de jazz, trompetas soleadas y percusiones orgánicas. Es cálido, ventoso y más fino que el primero. En la tapa, 'Maelstrom', que tiene a Chicago en sus huesos y sus cuerdas, con una energía cruda pero encantadora diseñada para causar impacto. Por último, la bomba, 'Ben's Groove' canaliza el rollo Moodymann con riffs funky de guitarra y sus acordes. Un verdadero estallido de electricidad housera.

BREAKS CRÍTICAS

EDUARDO CARBONELL evilsound@djmag.es

Global Surveyor: Phase 4 Dominance Electricity

9.5 La globalización del sonido electro ha llegado. El sello alemán, como no podría ser de otra manera, Dominance Electricity, reúne en una mega-compilación compuesta de 24 tracks a los mejores artistas del género. Una cuidada selección que incluye a pesos pesados como Anthony Rother, Hardfloor, Silicon Scally o Heliopause (un proyecto del alemán Dynamik Bass System y el detroitino Keith Tucker de AUX 88), entre otros. Con producciones de los cinco continentes, y 13 ciudades representadas en el proyecto, los artistas españoles que aparecen en esta gran obra son el jienense Amper Clap y el onubense Pi-xl. Un excelente trabajo que ya puedes encontrar en formato digital, en doble CD o en un cuádruple vinilo a color, todo esto recopilado por Matthias M. Weise, dueño del sello, y masterizado por Andreas Kauffelt en Schnittstelle.

BreaksMafia feat. Steppa Style One By One + Remixes Selecta Breaks Records

9.5

La formación BreaksMafia, compuesta por los DJs y productores onubenses DJ Rasco y Perfect Kombo, vuelve este mes a nuestras páginas junto al junglist tinerfeño Santy G y una colaboración vocal del MC raggamuffin moscovita Stepan Volkov, más conocido como Steppa Style. Su nuevo trabajo, titulado ‘One By One’, se presenta dividido en dos referencias. Mientras que en la primera referencia, SBRDIGI064, nos encontramos con la pista original y su versión instrumental, en la segunda, SBRDIGI065, los chicos de Selecta nos ofrecen tres suculentos remixes a cargo de otros tres grandes productores, los gaditanos Baymont Bross, el también gaditano MURIX y el ruso Detach. Sin duda una referencia para tener en cuenta con breaks para todos los gustos.

dole un toque más deep con sonidos house idóneos para mover cualquier club.

obra de tech-funk progresivo desde la cuenta Bandcamp de Glen y pincharla en tus sets.

Alex Session feat. Ciara Haidar

Plump DJs

Follow Me Punks Music

9.0

Alex Session se ha posicionado firmemente en el centro de atención este año. Una composición impecable, producciones originales y una ética de trabajo acérrima hacen que Alex esté encabezando un nuevo movimiento de productores ingleses frescos. La segunda referencia del londinense a través del sello Punks es una colaboración bastante elegante con la cantante Ciara Haidar de Ninja Tunes. La línea de bajo en este es profunda e inquebrantable, complementada por las voces maravillosamente inquietantes de Ciara y los cuidados arreglos de amen breaks. El trabajo incluye la versión original, una versión instrumental y una mezcla house.

The Brainkiller

Future Funk Squad

Heisenberg (Suga7 Remix) Wasted Recordings

Battle (The Crystal Method Remix) Bandcamp

9.0

En el año 2014 el productor malagueño Juan Luis Cruz, más conocido como The Brainkiller, publicaba a través del sello Funn Dark Records el track ‘Heisenberg’ como parte de su EP ‘S.E.N.I., Vol. 3’. En esta ocasión el tinerfeño Agustín López, más conocido como Suga7, nos ofrece una nueva versión de este ya clásico del nu skool break melódico, dán-

BREVES

VVAA

9.0

El gran Scott Kirkland, del célebre grupo The Crystal Method, puso sus manos en la pista ‘Battle’ del último álbum ‘4’ de Glen Nicholls, más conocido como Future Funk Squad. Después de obtener más de 50.000 reproducciones en Spotify como una pista exclusiva para el streaming, ahora por fin puedes descargar esta gran

BasStyler Bad Boy Barbershop Music

Shade K Bad Boyz Elektroshok Records

Para los amantes de los sonidos más oscuros del breakbeat y el tearout tenemos este mes el nuevo single del productor sevillano Daniel Galván, más conocido como BasStyler. El trabajo incluye el track que da título al trabajo, ‘Bad Boy’ junto a otra producción del mismo estilo titulada ‘Stand Up’, ambas cargadas de sintetizadores retorcidos, bajos atronadores y ritmos contundentes.

El imparable DJ, productor y youtuber Daniel Barrero, más conocido como Shade K, vuelve a nuestras páginas con un single titulado ‘Bad Boyz’, donde como de costumbre realiza una mezcla explosiva de ritmos potentes, graves gruesos y sonidos chiptune.

8.5

Lets Bounce EP Punks Music

9.0

¿Qué podemos decir que no sepamos ya de los grandes Plump DJs? El dúo londinense compuesto por Andy Gardner y Lee Rous nos trae un nuevo EP a través del sello Punks Music. 2 tracks cargados de groove, y desbordantes de carácter, que nos recuerdan exactamente por qué cuentan con un catálogo y un legado tan prolífico.

Bad Legs Pizza Party Funktasty Crew Records

ADAM VYT

8.5

VytMan Vinyl Shop

El joven DJ y ahora también productor sevillano Daniel Parrilla, más conocido como Bad Legs, sigue escalando posiciones en las listas de Beatport con su reciente single ‘Pizza Party’, donde demuestra que lo único que le fallan son las piernas, los oídos los tiene bien finos. El trabajo, con claras influencias del breakbeat de Shade K, pone toda la carne en el asador para poner la pista de baile patas arriba desde el comienzo del track, e incluye junto a la versión original una remezcla a cargo del onubense afincado en Sevilla Pepe Mineiro, más conocido como Kimboy.

01. JAMMIN ‘Kinda Funky (Wookie Remix)’ Bingo Beats

“Melodías que hacen sentir y una línea de bajos para no parar de moverse. Una buena opción para iniciar un set”.

02. DUBAHOLICS ‘Gangster Beatz’ Public Demand

“Una pista muy fresca y divertida para hacer bailar a todo tipo de público”.

03. THE THREE WISE MONKEYS ‘Work 4 Love (Back To The Old School Mix)’ Cosmic Records

“Todo un clásico de la vieja escuela. Melodías a piano acompañadas de unas magníficas vocales y una batería al más puro estilo”.

04. 9 NICKEL ‘Capricorn’ Marine Parade

“Más conocido por todos como el tema del frenazo, una gran obra de arte editada bajo el sello Marine Parade”.

05. AZZIDO DA BASS ‘Dooms Night (Stanton Warriors Remix)’ White Label “No se podía esperar menos de este dúo de artistas, esta pista nunca dejará de romper la pista de baile”.

06. SONS OF DA LOOP ERA ‘Further Out (Danny Breaks & Austin da Far Out Remix)’ MOONSHINE MUSIC

“Más que una pista ya es todo un himno. Preciosas melodías a piano para regresar al pasado”.

07. DOUGLAS ADAMS ‘Shadow Of The Valleys (THE VIP Remix)’ Ram Raider “Su nombre lo dice todo, esta pista te hará viajar al valle de los sueños. Cierra los ojos y déjate llevar”.

08. MARK RUFF RYDER ‘Joy (Waveform Breakbeat Remix) Relentless Records

“Un bonito remix con baterías y subgraves que hacen latir al corazón“.

09. UNCOUTH YOUTH ‘B-Boys On Da Rocks (VR Mix)’ Botchit & Scarper

“Una bomba en forma de música, fantástico para el momento de reventar la pista”.

10. DJ TRAJIC ‘Can U Feel It’ Underground Construction

“Este disco no puede faltar en la maleta de ningún DJ de breakbeat”.

104

JOY LAVOE

CRÍTICAS HOUSE

Jonathan@djmag.es

BREVES

105

DRUM N BASS CRÍTICAS

ROHAN G. FINGER

BREVES

VVAA

Depths of the Island 2 Talayotik Sound Recordings

8.9 Ha pasado ya más de un año desde que la joven familia menorquina de Talayotik estrenara su netlabel. Un año en el que, sin duda, Misko & Khramer han dejado bien claro que la calidad de la música no tiene nada que ver con que esté o no a la venta en las principales plataformas. Con motivo de su primer aniversario, a finales del mes pasado vio la luz la segunda entrega de su opera prima 'Depths of the Island'. Un trabajo de larga duración de puro y duro deep drum & bass, que compila 10 excelentes temas producidos por artistas de UK, Colombia, Rumania, y por supuesto España, como son Didak, Imsomnet, Khramer, KLS Keys, Lups Digga, Muten, Narks, Shinbu, Willers, y Xhale. ¡Por muchos años más generando cultura de las bajas frecuencias, camaradas!

Hyperbots Control Close 2 Death

8.5

Electrosoul System & Liquitek Stupid Bolids KOS.MOS Music

9.0

Othercide Recordings

9.5

8.8

Mystical Sound

Dub Elements

Uncoded 0101 Music

Reflection

360º

Influenza

DEM

El tinerfeño Mystical Sound vuelve con su sonido más liquido al sello holandés Influenza Media. Un magnífico EP de 4 temas al que da nombre este cremón de aires jazzeros y orgánicos titulado 'Reflection'. Sonido superclase desde las islas.

9.2

9.1

VVAA

Tiknology

S.P.Y

Particles Lost Recordings

Origen Shidzen Music

Grey Days Hospital Records

Por fin sale a la venta el esperado LP de nuestro hermano chileno Frantik AKA Tiknology, como no, a través del sello que codirige junto a Junglesoul, Shidzen Music. Un álbum variado y redondo como tiene que ser, en el que este viejo conocido de la escena barcelonesa nos adentra en un viaje introspectivo a través de distintos tempos y sonidos entre los que encontramos estilos dispares que van del trip hop al jungle, pasando por el juke, el hardcore, e incluso el nu disco de aires tribales. Toda una joya sonora de esas que enriquecen cuerpo y mente, y que ya rara vez se producen hoy en día.

Fine

Abyss Recordsr

Maztek

El pasado 19 de junio vio la luz uno de los releases más frescos que dan pistoletazo de salida a la temporada estival, y no precisamente porque nos llegue desde las gélidas tierras rusas, si no porque es todo un soplo de aire entre tanta densidad ambiental. Los encargados de refrescarnos han sido los moscovitas Electrosoul System y Liquitek que nos traen un maxisingle en el que este 'Stupid Bolids es el tema principal'. Liquid funk vacilón con vientos y voces jazzy, y con caprichosos redobles de congas que le confieren un groove muy especial. ¡Asuuuuuuucaaar!

A mediados del pasado mes vio la luz en exclusiva, a través de Beatport, el sampler del primer trabajo de larga duración del sello Lost Recordings con base en Bedford (UK). El release compila 8 de los temas que conformarán 'Particles', un LP que se mueve por tesituras profundas e inteligentes incluyendo cortes de deep drum & bass, techy y halftime. Entre los artistas que han participado encontramos a gente como Modu, Arkitech, Ingot, o Kitt entre otros, de los que destacamos a los valencianos No Human Sound, que se han clavado un delicioso temazo titulado 'Gilgamesh', en colaboración junto a Azam & Hust.

Chaos Collision

Touch

Aquí nos llega la nueva referencia del sello francés Othercide, de manos de un desconocido hasta la fecha, el joven danés Chaos Collision. Auténtico paleo crossbreedizado con sintes psy-fi, atmósferas siniestras, y muchísima mala hostia.

Si alguien puede ser considerado un revolucionario del neurofunk ese es el italiano Maztek, todo un precursor de los sonidos crujientes que tan presentes, y prostituidos están en la actualidad, pero también un productor que ha mantenido siempre fiel a su sonido y sigue pariendo cremón como el primer día. En su último trabajo, que vio la luz el pasado 25 de junio, vuelve a demostrarnos el porqué sigue siendo el capo de este sonido. Un EP titulado 'Uncoded' que contiene 4 temarracos, dos a fulltime y otro dos a medio tiempo, que harán las delicias de los amantes del d&b más sintético.

9.3

Radicall

El 13 de julio ve la luz el nuevo trabajo del polaco Radicall, dentro del cual encontramos este temazo de halftime cósmico y soulful juke con reminiscencias junglist, donde aparece un sampleo del mítico 'Valley of the Shadows'.

Nace un nuevo proyecto en formato tripartito formado por los tinerfeños Anthrax y el belga Kroks, los cuales ya han trabajado alguna vez juntos a través de Histeria, sello que codirige nuestro compadre Alejandro Anthrax. Durante este mes ve la luz a través de Close 2 Death su primer release, compuesto por dos rompepistas en toda regla, el principal ('Control') de corte más dancefloor con subidones apoteósicos, y el que lo acompaña ('Do your Dance') en una línea más soul pero con un estupendo rollete parte caderas. En cuando al sonido predominan, en ambos, las melodías cósmicas y los ritmos pisteros.

8.8

finger@djmag.es

8.6 Nuestros sevillanos más internacionales atacan de nuevo con la tercera referencia de su sello, donde el dúo nos trae una degustación variada a través de 4 tracks de estilos dispares, que van desde el deep al neuro, pasando por el jump up.

REIO

8.9

01. DOM & ROLAND 'Imagination' (Kemal & Rob Data Remix) Moving Shadow

"Un reese oscuro combinado con baerÌas fluidas hacen de este un tema hipnóticol".

Hace ya tiempo que la escudería del maestrto Tony Colman volvió a captar nuestra atención, y uno de los responsables indiscutibles es el brasileiro Carlos Lima AKA S.P.Y. A partir del día 13 de este mes estará disponible su nuevo maxisingle a través de Hospital Records, en el que esta vez se adentra en las profundidades de la jungla para captar toda la esencia oldschool y plasmarla en dos temones. En este tema principal, titulado 'Grey Days', unas voces hardcorizadas al mas puro estilo noventero navegan entre amen breaks profundos. Toda una regresión a la época dorada del jungle.

106

02. HIVE & ECHO 'Ambush' Commercial Suicide "Techstep con breaks de baterÌa orgánicos, un track poco conocido del DnB americano".

03. CORRUPT SOULS 'Wicked Life' Moving Shadow "Oscuro, eléctrico y macarra, de la época en la que neuro y techstep iban de la mano".

04. BAD COMPANY 'Oxygen' BC Records "Temazo de la época de oro del Tech DnB, poco que decir, 18 años y todavía funciona".

05. THE QUEMIST 'Stompbox' (Spor Remix) Ninja Tune "Track atemporal con uno de los mejores bajones de su época, todo un clásico".

06. KRONE 'Maya Matrix' Melting Pot "Baterías contundentes y sonido tech, temazo marca de la casa Melting Pot"

07. MEAN TEETH 'Breaking Point' Red Ligth "Despliegue de cajas y un bassdrum bien marcado, con un breakdown roto y divertido".

08. BYNARY 'Stable' Red Ligth "Vuelta al sonido neurofunk sin adornos con cajas afiladas y muy rolling".

09. TAREK 'Mnemosine' Bandcamp, Free "Un sonido que recuerda al neuro de antaño de parte de este joven productor madrileño".

10. RAWTEKK 'They Come For Us' (suspense) Methlab "Intro bonita, sonido rolling y atmósfera vocal fina, calidad de la pareja alemana".

106

TECH/DEEP HOUSE CRÍTICAS

EKAI Ekai@djmag.es

BREVES

John Vermont Sand

Angie O & Sylvia Operé

muy efectivos en pista, con unas baterías contundentes y bajos gruesos. A destacar ‘My 90’s’ y sus juegos vocales.

Electric Jungle LNDKHN

7.5

Angie O y Sylvia Operé hacen equipo para editar por el madrileño label de Landikhan un single progresivo, melódico y tribal, con un punto orgánico y electrónico al que han llamado Electric Jungle. Añaden un par de remezclas a cargo de Fulltone y Fatoumata.

Taty Munoz My 90’s Defined Music

7.0

La malagueña afincada en Ibiza, edita por Defined un par de tracks de tech-house

Click Click You Look… Jammin’ Palms & Flamingos

7.5

El alemán vuelve a editar por su propio sello la que será la vigésimo referencia de Palms & Flamencos con un par de tracks que siguen la línea de sus ultimas raleases en sellos como Baumhaus, Nervous o Exploited Ghetto, es decir: gruesas líneas de bajos, un toque de acido, vocales marcianas y unas baterías bien fuertes!

EKAI 01. BRAME & HAMO 'Limewire' Brame & Hamo “Limewire me tiene loco desde la primera vez que lo escuché, desde su break, la melodía del piano y el desarrollo del track hacen que este track sea siempre una apuesta ganadora”.

02. HECTOR COUTO 'Lil Man EP' Sola “Increíble track de Hector que funciona a las mil maravillas donde podemos encontrar toda la esencia del tinerfeño”.

03. ADRYIANO 'Got U Lovin' Shall Not Fade “Cualquiera de los cuatro cortes de este EP es bomba, pero me quedo con el ‘Got U Lovin' debido a su energía y buenrollismo”.

04. DANIEL ORPI 'Da' Nice Dealer' Mr Nice Guy “Este tipo de track nunca suele faltar en mis sets, el beat canalla y su breakdown funky es puro verano”.

05. DIEGO MORENO 'House Affair (Ekai CDV remix)' DIGITAL DELIGHT “Enfoqué mi remix a Diego basándome en la música que suena en uno de mis clubes favoritos, el berlinés Club der Visionaire. 100% hardware”.

06. RICHY AHMED 'Star Wars (Jesse Perez's Infinity Remix)' Knee Deep In Sound

“Jesse añade a su ya característico groove un sinte noventero para poner la pista patas arriba. Me encanta!”.

07. TONI VARGA & MARC MAYA 'The Freak (Ekai remix)' VIVa LIMiTED “Uno de los remixes de los que más orgulloso estoy, el hook del órgano creado con mi viejo M1 hace trizas la pista de baile”.

08. KORNEL KOVACS 'Metropolis' Unknown to the Unknown “Dj Haus debe estar más que contento con la posibilidad de haber podido editar este track de Kornel Kovacs. La vocal engancha la pista desde la primera vez que suena. Además esa esencia lo-fi le da a Metropolis un carácter diferente”.

09. CLIMBERS & TEDDY WONG 'It’s All About House (Ekai & Baum remix)' Sagmen

“Un placer remezclar a Climbers junto a mi colega Baum, en este remix hemos centrado casi toda la energía del track en el bajo y acid que junto a la percusión consiguen un groove hipnótico”.

10. KELIS 'Milkshake (Buc21 edit)' NO LABEL “Una revisión muy difícil de encontrar de este clásico del Hip-Hop moderno de Kelis, a cargo de un/unos desconocidos Buc21. Por su influencia creo que puede que sean rumanos”.

107

Seven Villas

7.5

El escritor y cantante John Vermont es el encargado de firmar la 53ª referencia de uno de los sellos más vanguardistas que nos podemos encontrar en territorio nacional. Seven Villas, el sello cántabro, afincado en Barcelona y propiedad de Pablo Bolivar, es un ejemplo de sello que apuesta por la calidad frente a la cantidad o el interés que va más allá de lo puramente artístico. Prueba de ello es editar este single de John Vermont, un cantante al que hemos visto poner su voz en escenas diferentes como es el caso de ‘Sunday Afternoon’ junto a BSN Posse. Cuando escuchamos ‘Sand’ nos encontramos una composición muy profunda de carácter electrónico un tanto alejado de la pista de baile, donde la voz de John Vermont nos va guiando por un viaje de casi 5 minutos. Siguiendo esta línea y con un beat de ritmo roto, el navarro Piek, nos ofrece su particular visión del track, y por último Pablo Bolivar cierra este EP acercando un poco el track a la pista de baile con su elegante visión club.

Daniel Orpi Burning Man Mr. Nice Guy

7.5

Daniel Orpi, mitad del duo Kokks & Lein, edita por el sello de Mr Nice Guy su primer trabajo bajo su nombre. No ha podido elegir mejor label para ‘Burning Man EP’ puesto que el sello de Jesse Perez se ajusta como anillo al dedo a los tres tracks que componen el EP. Sampleos funkys, breaks y vocales de hip-hop es lo que nos vamos a encontrar en este debut del español en el sello de Miami. Tres composiciones muy sólidas donde he de destacar ‘Da Nice Dealer’, donde su break y las pinceladas de saxo que añade hacen de este track un trabajo muy divertido. Con esto no quiero decir que el nivel baje en los otros dos temas ya que si atendemos a ‘Headz Rollin’ o a ‘Burning Man’ nos encontramos con un desarrollo y unos detalles de producción de agradecer. Aún no he tenido ocasión de probar este EP en la pista de baile pero estoy seguro de que funcionará a las mil maravillas.

Javi Bora, IAAM Poseidonia EP Decay Records

7.5

Desde Londres y en formato vinilo (también en digital) nos llega el último trabajo de un dúo nacional que cuando se juntan hacen buenas bombas. Javi Bora y IAAM son los responsables de ‘Poseidoinia EP’ editado en Decay Records, el sello de Davide Zeta. Un track compuesto por dos cortes originales más tres remezclas forman un trabajo a tener en cuenta de cara a este verano que viene groovero. Prueba de ello es Poseidonia, el track que da nombre al EP y es que cuenta con

107

una percusión e instrumentos de viento con una cadencia latina muy pero que muy fresca. Jay Tripwire se sirve de ese feeling al que añade una break como base dándole un carácter más callejero al original. ‘Sunshine’ es la cara B de este trabajo donde un carácter más funk predomina debido a su bajo y cuerdas que añaden. Completa el EP dos remezclas más a cargo de Doc Martin y Madnax.

Hector Couto Lil Man EP Sola

7.5

Viendo las reseñas parece que este está siendo un mes fructífero para nuestros artistas nacionales. Hector Couto se suma a las reseñas de este mes con su debut en Sola. Tres tracks donde podemos encontrar la esencia del tinerfeño con sus voces callejeras, bajos con mucha presencia y puro groove en las percusiones que confirman que firmar temas suyos es una apuesta tan segura como meter dinero en una banco suizo. Puede que Lil Man sea el tema que más pueda funcionar debido a su sinte en cadencia ascendente que crea un gran momento de tensión en el breakdown pero es que tanto ‘Sons of the Underground’ como ‘No Fear’ son dos composiciones que no se quedan cortas a la hora de calentar la pista de baile. Temas que seguro sonarán en sus visitas a la isla este verano, donde podemos disfrutar de su música en Amnesia.

Alex Kennon Misdeed EP Oblack Label

7.5

El invitado del chart de la edición anterior, Alex Kennon me puso sobre la pista de su nuevo trabajo

en Oblack Label, sello de Los Pastores. Un EP de dos originales ‘Misdeed’ y ‘Like This’, este segundo junto al rumano Just2, que redondean un trabajo muy completo. Pero Los Pastores no se han quedado ahí y es que han decidido remezclar el percusivo ‘Misdeed’ ofreciéndole este trabajo a Ninetoes, artista que hemos podido ver en sellos como Moon Harbour. Ninetoes siguiendo en la linea ‘groovy’ construye un remix en el que se sirve de la vocal en el breakdown dándole un enfoque muy interesante donde las percusiones metálicas como agogos y cowbells marcan el ritmo del track.

Alex Dimou feat. Aquarius Heaven Swimming Pool Hottrax

7.5

A finales de este mes verá la luz la colaboración del griego Alex Dimou, artista que ha editado por sellos como Rebellion o Get Physical, junto al vocalista Aquarius Heaven. Entre los dos han conformado un EP diferente siguiendo la línea a la que nos tiene acostumbrado Hottrax ya que se sale un poco de los pelotazos más mainstream que puede proporcionar su hermano mayor Hot Creations. Es por ello que en este sub-label cuidan de mantener una esencia más underground que puede que a veces se les escape, como en el caso del ‘Sirens’ que ahí sigue sumando euros en beatport, con EP’s como este ‘Swimming Pool’ al que añaden un remix del fundador de Moscow Records: Archie Hamilton. Siendo este track lo más destacado del EP.

TRANCE CRÍTICAS

BIGTOPO Y GUILLERMO DELMAS

Dracarys

Reaching Altitude

9.0 Este mes tenemos el gran placer de tener como destacado a uno de los artistas emergentes más destacados dentro del panorama trance. Hay talento en Italia, de allí es nuestro invitado Nicolò Provenzano, concretamente de Asti. Su nombre se está colando poco a poco en los sets de los mejores artistas internacionales con sus pelotazos cada vez con mas asiduidad y no dudamos que con este último trabajo, de nombre ‘Dracarys’ y editado por el sello Reaching Altitude, va a continuar, no solo permaneciendo en las mejores maletas, si no también, alcanzando los puestos de privilegio dentro de éstas. Es un hecho que me alegra muchísimo ya que aquí hemos ido siguiendo su progresión y lo de este chico tiene un gran merito. En este tema original, nos encontramos un trabajo fantástico, esencia Bigroom trance en estado puro, magistral selección sonora de sonidos y percusión, que conforman un groove para quitarse el sombrero .

Michael Kaelios Galaktika Monster Force

Dave Asprey Moments ASOT

Uf, casi me olvido de este súper lanzamiento. La verdad es que me llegó poco antes de escribir estas líneas. Yo lo compraría sin ni siquiera escucharlo, Kaelios amigos, compra obligada...

Dave Asprey… sobran las palabras, ¿verdad? En su línea, soberbia melodía de trance puro y duro como solo él sabe hacer, ¡buenísimo!

Darren Porter Whiplash FSOE Clandestines

Above & Beyond Red Rocks Anjunabeats

Un track para sentarse en un sofá de ala ancha y disfrutar de lo que nos regala el mundo de la música electrónica. No sé las veces que los he reproducido ya pero son unas cuantas. Excelente trabajo.

Uf, ¡qué sonidazo amigos!, Me fascina esta producción, progresive trance vocal del bueno, superproducción más que recomendable, ya tardáis en escucharlo.

8.0

7.5

7.0

Anden September Zerothree Music

8.5

Vaya pelotazo de EP que se han currado Anden, ¡además en un big label! Un elaborado progressive house pero es que hoy en día es muy delgada la línea que divide el progressive trance del progressive house. Bueno al grano, súper sintes, bajos que menean y que hacen respirar la pista y unas excelentes percus rematando el asunto, así son la mayoría de la producciones de este genio de la música electrónica. Al principio de la pista nos encontramos ritmos casi tirando al tech también, o sea que a este hombre lo que le mola es hacer una buena mezcla de estilos sin salirse de la escena que es una idea calcada a la que yo tengo de producir música, por eso aprecio tanto sus trabajos. Este track menea a las piedras os lo aseguro, de hecho estoy haciendo la citica y no puedo sujetar mi piernas. Una canción que os hará subir a la tropa por las nubes en bajos momentos de alguna de vuestras sessions .

Dion Zijlmans Deference SongSide Recordings

7.5

Me encanta este tema, un Uplifting trance con un background mas que correcto. Tiene una base rítmica muy del estilo, desde el comienzo es un imparable disparo de percusiones y excelentes leads combinados con un bajo grueso que encaja con el kick a la perfección. El drop es muy original, Dion nos

BREVES

Millennial

sumerge en una atmósfera en la que sus pads nos envuelven acabando con ese magnífico lead arrastrado a la preciosa melodía del drop. Este lanzamiento está cargado de sonidos actuales con unos cortes con sidechain tremendos. Comprad este tema, no os arrepentiréis. Felicidades Rafa Montejo, ¡mucha suerte con tu label!

Armin Van Buuren Blah Blah Blah Armada Music

8.0

Tremendo track que se ha marcado Armin en honor a sus haters. Se encuentra en estado de gracia porque todo lo que crea, acaba entre los mejores tracks del momento. Nos encontraremos con un track al más puro estilo hard pero con menor número de bpms. El parón me fascina por ese derroche de musicalidad y a su vez, contundencia, parando el mundo con una línea melódica fenomenal y lanzándolos a lo más alto con esa energía brutal que desprende su drop. Antes de llegar a él ya estaréis colgando del techo, os lo aseguro. A todos aquellos fanáticos de las melodías trance de Armin, os lo recomiendo, este es vuestro tema.

Orjan Nilsen Simulator In My Opinion

5.5

Pues algún día tenía que caer un aprobado raspado... es lo que hay. A ver, me explico, hay maneras y maneras de entrar en el nuevo trance pero creo que con este track, a Orjan se la ha ido

la cosa de las manos. He puesto un cinco y medio pero lo habría suspendido bien a gustico ya que me parece un track de lo más sencillo y sin alma musical alguna, siendo un gran productor como es él…. Me decepciona hablar así de este crack pero es que esto no hay por donde cogerlo, en fin, no compréis este track porque yo por ejemplo, que mezclo géneros, no sabría ni en qué momento plantarlo en mi sesión. Ánimo Orjan tu puedes.

8.0

Fatum Comet Armind

PAUL ARCANE

6.0

De nuevo por estos lares este magnifico label el cual siempre es referencia en los nuevos sonidos trance. Esta vez nos sorprenden con este dúo del cual hay tracks que me gustan y otros que detesto. Roza el progressive a mi entender de géneros pero en Beatport que son los que mandan lo han clavaran como trance. Trance es, claro que sí, porque tiene sus puntos de esta escena pero también muchos del otro género y creo que cualquiera que lo escuche no me lo podrá negar. A veces me canso de leer por las redes los detractores de este género nombrándolo con la palabra que no voy a pronunciar porque simplemente no existe en mi vocabulario. Excelente trabajo al más puro Armada, seguird así lo bordáis.

01. PAUL ARCANE & SODALITY 'Gamma'

"Sodality y yo estamos más que contentos por el gran recibimiento del follow-up de 'Alpha' y 'Beta'. Sentimos que logramos crear algo bastante original con 'Gamma', sobre todo en cuanto a la estructura y composición".

02. ARMIN VAN BUUREN VS SHAPOV 'The Last Dancer'

“La melodía me cautivó desde un principio, también destaco las vocales que aparecen en el breakdown, junto con la subida de tempo culminando en su inmenso drop”.

03. ABOVE & BEYOND FT. ZOE JOHNSTON 'Always'

“Alejándonos un poco de la música electrónica con este tema. Excelente composición y piano además de la voz excepcional de Zoe hacen de este tema algo maravilloso y encantador”.

04. ABAZE 'Unity'

“Muy contento de ver a mis colegas artistas de Chile tener gran éxito con sus producciones. Se trata de Abaze y su tema 'Unity' el cual también tuvo el honor de ganar el Push the Button en ABGT”.

05. CHRIS GIULIANO 'Anaerobic'

“Un gran track de mi amigo Chris, buen groove, excelente energía en el bassline y en el drop, todo esto manteniendo un breakdown bien melódico, imposible no bailar con este tema”.

06. PAUL ARCANE 'Everest'

“Quizás una de mis producciones más grandes de toda mi carrera. También siento que este tema tiene una atmósfera especial que nos puede transportar a ese lugar”.

07. SEVEN LIONS & JASON ROSS 'Oceans'

“Bajando el tempo a los 100 BPM pero un tema realmente digno de mención. El dúo une fuerzas nuevamente para crear este vocal track lleno de energía y emoción”.

08. ADRIAN ALEXANDER & SKYLANE 'Whispers'

“El bassline me recuerda un poco a Fatum, la melodía principal también logra crear un sonido muy eufórico. Progressive trance en su máxima expresión”.

09. QUIZZOW 'Volem'

“Nuevo EP Cervus/Volem dentro del cual destaco este último. Un chord progression junto con una melodía realmente espectacular”.

10. PAUL ARCANE & LIFTWALKERS - Imagine

“Nuestro más reciente trabajo junto a mis amigos Liftwalkers. Uno de los temas más creativos y melódicos que jamás hemos creado. Salió a la luz en mayo de 2018”.

108

MUGNI

TECHNO CRÍTICAS

mugni@djmag.es

BREVES BREVES

109

HARDSTYLE CRÍTICAS

MADRID HARDSTYLE sandra@djmag.es

BREVES

Project One

Maximum Force (Defqon 1 Anthem 2018) Q-Dance Records

8.5 Un año más el himno oficial de una de las citas más esperadas y aclamadas del verano, Defqon 1 Festival, que llega de la mano de dos importantes referentes de la escena: el rey del hardstyle, Headhunterz, y su compañero de batallas melódicas, Wildstylez. Ambos vuelven a meterse en la piel de Project One (formación hardstyle con la que triunfaron hace años) para producir la carta de presentación de este gran evento celebrado los pasados 22, 23 y 24 de junio en Biddinghuizen en los Países Bajos. El regreso de estos dos artistas a Defqon 1 Festival no ha podido ser más apoteósico. A pesar de que ambos siempre han preferido los himnos sencillos, aquí encontramos mucho sentimiento y combinaciones arrolladoras entre los bombos característicos de Headhunterz y las melodías de Wildstylez. Nada mejor para culminar la decimosexta edición de esta concentración anual de amantes del hard.

Devin Wild & Lxcpr Our Tribe (WiSH Outdoor Anthem 2018) Scantraxx Recordz

8.0

Tanto en cabina como en el estudio, el joven Devin Wild no deja de prosperar y en temporada de festivales de verano, no va a ser para menos. Hace poco nos sorprendía con ‘Anarchism’ y ahora ya estamos disfrutando de su último trabajo: ‘Our Tribe’, el himno del Wish Outdoor Festival 2018 celebrado los pasados 29 y 30 de junio y 1 de julio. Se trata de una colaboración junto con el vocalista LXCPR. ‘Our tribe’ es un track con sonidos tribales, melodía fresca y mucha fuerza. El videoclip oficial fue grabado en México tras la última edición sudamericana el pasado 26 de mayo durante el set del artista y como podréis comprobar, transmite a la perfección la esencia de cada acorde.

esta producción que ha sorprendido a muchos y ha gustado a muchos más. El hardstyle siempre ha sido su fuerte, pero tal vez nos encontremos ante una nueva vertiente musical de Vicente One More Time.

Keltek Dark Sun Scantraxx Recordz

?¿

El tema más abstracto del mes nos lo trae Keltek con ‘Dark Sun’. Vocales psicodélicos, bombos contundentes y mucha potencia para demostrar de lo que está hecho este Dj y productor que se dio a conocer en 2017 con el objetivo de revolucionar el hardstyle actual. Después de producciones como ‘Dance The Way I Am’, ‘Bassmode’, ‘Down to Earth’ y ‘Kick Off’, ahora es el momento de ‘Dark sun’, un track que no dejará indiferente a nadie.

Vicente One More Time

Dillytek & Dave Raven Ft. Natski

150 MHM

It Never Ends Dirty Workz

Sin duda alguna, nos encontramos ante una producción que poco tiene que ver con aquellas a las que Vicente One More Time nos tiene acostumbrados. Nuestro referente nacional siempre se ha posicionado firme en su línea musical a seguir, pero parece que esta vez se ha desviado un poquito para ofrecernos un track de rawstyle que lleva por título ‘150’, en referencia a los 150 bpms a los que va el hardstyle y también a la sesión que le hace vibrar cada fin de semana en FABRIK. Toda la dureza acumulada en los últimos años, la ha plasmado en

El dúo australiano Dillytek se encuentra inmerso en los retoques de su próximo álbum ‘Sound in Motion’ que verá la luz dentro de muy poco tiempo. Su track ‘It Never Ends’ es una colaboración de hardstyle euphoric entre el italiano Dave Revan y apoyada por la voz de Natski. Como no podía ser de otra manera, el track que ha sido publicado por Dirty Workz es muy muy comercial y hará las delicias de los amantes del euphoric hardstyle.

9.0

?¿

Jay Reeve & Xense Don´t Give Up Lose Control Music

8.0

Poco sabemos hasta el momento del joven Jay Reeve salvo que ha fichado por el sello Lose Control Music, mediante el que ha publicado este track junto a Xense. Ambos productores cuentan con referencias publicadas bajo los sellos X-BONE y SCANTRAXX RECORDZ y escuchando el resultado no cabe la menor duda de que han encajado muy bien. La melodía se complementa perfectamente con el bombo y la armonía de ‘Don’t give up’.

Coone & Jelle Van Dael Superman Dirty Workz

8.5

Casi podría decirse que este es el himno del último proyecto de Coone, ‘Trip to Tomorrow’, una aventura a través de su vida personal y artística en el camino al escenario principal de Tomorrowland 2018. ‘Superman’ ha contado con la participación de la vocalista belga Jelle van Dael, que ha conseguido llevar a lo más alto este pelotazo veraniego que nos hará vibrar en los festivales más punteros del verano. Su melodía es muy comercial, siendo un referente en las producciones de Coone. Los vocales encajan a la perfección y nos refrescan en cada acorde, derrochando una gran energía y euforia musical.

110

TOP 10

MADRID HARDSTYLE MOVEMENT

01. TONESHIFTERZ & ATMOZFEARS 'YOU & ME' WE R Music 02. ADRENALIZE FT. AND ‘GET UP’ Scantraxx Recordz 03. BRENNAN HEART & JONATHAN MENDELSOHN ‘COMING BACK TO YOU’ WE R Music

04. DA TWEEKAZ FT. HALIENE ‘BRING ME TO LIFE’ Q-Dance Records 05. ATMOZFEARS & ADRENALIZE ‘FEEL GOOD’

Q-Dance

06. PSYKO PUNKZ & ISAAC & SOUND RUSH ‘UNBREAKABLE’ Dirty Workz 07. DR. RUDE ‘SNPR’ (REFIXX 2018) Dirty Workz 08. RADICAL REDEPTION & NOLZ ‘KINGPIN’ Album Nocturnolz 09. GUNZ FOR HIRE FT. NIKKI MILOU ‘WE WILL BE IMMORTAL’ Rough 10. SUB ZERO PROJECT FT. LXCPR ‘UNITY’ Dirty Workz

110

MUGNI

TECHNO CRÍTICAS

mugni@djmag.es

BREVES BREVES

N U E VA WEB 2017

111

ÁLBUMES CRÍTICAS Filo Loves the Acid Donato Dozzy Tresor

8.9 El prestigioso sello Tresor llega a su referencia número 303, y para conmemorar este número tan significativo para el techno, han decidido concederle el honor al carismático y polifacético Donato Dozzy. El trabajo está compuesto por 8 cortes, donde Dozzy rediseña el clásico sonido acid desde múltiples perspectivas. ‘Filo’ da nombre al primer corte, donde destaca una línea melódica que evoluciona en el tiempo, con un ritmo a bajos bpm's que te sumerge de lleno en la escucha; perfecto para abrir el disco. A continuación nos presenta varios cortes con diferente carácter, siendo ‘Vetta’, ‘Duetto’ y ‘Vetta Reprise’ los más enérgicos, basados en una línea de arpegio acid con un sonido visceral; perfectos para la pista. ‘Nine O'Three’ lo lleva a un plano más industrial, con percusiones más centradas en ese estilo, pero con su toque personal. También tienen cabida en el disco temas más mentales, como ‘Back’ y ‘REP’ donde explora terrenos más cavernosos. Finalmente en ‘Tb Square’ baja el tempo y nos deleita con un tema de corte más electro, con una caja muy marcada, muy propia de ese estilo. Destacar que el disco está dedicado a su amigo de toda la vida Filo, perfectamente reflejado en el título. Fdo Blanco

7.0

7.8

7.0

8.4 Blawan

Miyagi

Wen

Gui Boratto

Wet Will Always Dry

Scene from a Dream (Remixes LP)

Ephem:Era

Pentagram

Ternesc

Lost Diaries

Big Dada

Kompakt

Después de más de 10 años en esta industria publicando relatos cortos y singles rompepistas, en solitario o junto a su compañero Pariah en otros proyectos, los astros finalmente se alinearon para Jamie Roberts – alias Blawan – para que la inspiración le invadiese y finalmente pudiera publicar su esperadísimo álbum debut. Y no ha defraudado. Compuesto por ocho temas de techno reflexivo, introspectivo, hipnótico y que – en cierto modo – revisa la trayectoria sonora de Blawan, este ‘Wet Will Always Dry’ no solo sirve para auto-homenajear las diferentes etapas por las que ha pasado el británico, ahora residente en Berlín, sino que marca claramente el futuro sonoro del bueno de Roberts. Nos lo cuenta en este mismo número. No os lo perdáis.

El productor con base en Hamburgo ha tirado de artistas que le sacasen brillo y buenas vibras a su último largo ‘Scene from a Dream’, publicado a finales del año pasado. Productores como Jonas Saalbach, Solee, Niconé, David Hasert o Sid Le Rock han hecho suyos cortes como ‘Clouds’, ‘Thousand People’, ‘Secrets’ o el mismísimo single ‘Scene From A Dream’ que recae en Sid Le Rock. Para mi gusto, el más interesante de toda la partida. Él (junto a Niconé) eleva un escalón más ese halo buen rollista de electrónica bailable que envuelve al original. Desde luego se trataría de un pack nada despreciable para sesiones bonachonas de techno hipnótico y deep house de la nueva temporada estival que recién nos saluda con un sonrisón de oreja a oreja desde la playa.

Owen Darby (como ya te imaginarás Wen) publica ahora en el mes de julio su nuevo álbum de estudio. ‘Ephem:Era’ se incorpora desde ya a la hilera de lanzamientos que tiene en su haber, incluidos los EPs del año pasado en el mismo sello Big Dada (‘Carve’ y ‘Gaze’), así como su anterior largo. Su sonido continúa de hecho plagado de señales acústicas, un mero divertimento y experimento cuyas bases son la electrónica más sintética, a la vez que paisajes y curvaturas de ciencia ficción. Durante estos experimentos de precisión (en el caso del LP suman doce) mapea secuencias y se pasea por muchos recovecos ya conocidos, diversas aristas que él mismo secuestra y reinventa: techno, grime, etc. Del nuevo lanzamiento destacaré tres cortes: ‘Curve_Relay’, ‘Off_Killer’ y ‘Silhouette’.

Otro de los que nunca falla(ba) vuelve con un largo, más progresivo y melódico que nunca. Este álbum, calidoscópico en todos sus sentidos, ni cautiva ni convence. No digo que suene mal, porque no sería cierto, pero es de los típicos “si te he visto no me acuerdo”. Aquí reina el techy facilón repleto de tratamientos, que a veces adopta aromas tranceros, otros pinceladas de pop demasiado sintetizado y otras, elementos pseudoelectroclash al más puro principios de los 2000. Nada que no puedas encontrar en un disco electrónico actual. Aún saliendo en varios cortes de su zona de confort, en la que tampoco parece moverse como pez en el agua, a este LP le faltan himnos, esos que tan bien sabe cocinar el brasileño. Nos quedamos con la purista y oldschool, ‘Spur’, la funcional ‘Scene 2’ o la modular ‘Pentagram’, que ya es decir.

EPW

BRUNO GARCA

DIEGO FERNÁNDEZ BRUNO GARCA

112

ÁLBUMES CRÍTICAS

9.8

8.8

Kamaal Williams

Martyn

The Return

Voids

Black Focus

Ostgut Ton

No es secreto que en esta redacción estamos rendidos al 22a. En este caso la nota más alta se la lleva el artista, quizá, con más nombre del colectivo. Kamaal Williams aka Henry Wu está de vuelta con este ‘The Return’, álbum que es la evolución natural de su anterior proyecto y continúa donde lo dejó con el anterior ‘Black Focus’, publicado bajo su otro alias conjunto Youssef Kamaal – en el que le acompañaba Youssef Dayes –. En esta ocasión, con la misma estética visual y sonora (quizá eso es justamente lo que no le da un 10 redondo a este trabajo) Kamaal Williams no toma rehenes en este ataque frontal a la frivolidad musical, con un trabajo profundo, cargado de influencias, toques de jazz visionarios, mezclados con texturas de todo tipo. En resumen, un auténtico discazo que todo amante de la música como arte debería tener.

Bien por su reciente infarto o por el gusto hacia la nostalgia sonora que le vio nacer, este disco es sinónimo de transformación a lo bestia. En él se denotan mucho más sampling, elementos cinemáticos y ritmos y texturas totalmente fuera del marco del Martyn más conocido hasta la fecha. Posiblemente menos contundente que sus pasados LPs, tanteando paletas de sonidos y elementos orgánicos en su mayoría, el disco prescinde de colaboraciones porque él solito se lo guisa y se lo come, aportando un aura híbrida entre la producción de la vieja y nueva escuela. Dejando de lado los restos más visibles del Martyn de antaño–véase su UK garage y bass- éste innova por nuevos recorridos sonoros: DnB, house, algo de breakbeat, gqom sudafricano o techno futurista se dan cita en el resultado de un tipo que recurre a sus orígenes como terapia personal y sonora. Un LP que marca el regreso a la escena de Martyn por la puerta grande, en su mejor momento de forma.

EPW DIEGO FERNÁNDEZ

9.0

9.1

Mo Kolours

Beath

Inner Symbols

Dreams From Last Night

Five Easy Pieces

Neon Finger

Mo Kolours está de vuelta. Este mes tenemos a dos representantes del colectivo 22a entre las críticas, lo que demuestra el gran estado de forma de la asociación jazzística contemporánea más fulgurante de Londres. En este nuevo largo del mayor de la familia Deen Mamode, tenemos temas de todos los tamaños y colores. De todos los tamaños porque rompiendo con los cánones hay temas de menos de dos minutos – el más largo es un corte de 3:28 – en el que Mo Kolours explora la filosofía de Platón y sus conceptos con sus letras y sus ritmos. A medio camino entre la experimentación jazzy, la música folclórica mauriciana, el hip-hop y con un uso amplio de samples,es un disco que hay que oír de principio a fin, porque sino pierde virtudes. Un viaje a la mente de uno de los artistas más interesantes del colectivo 22a.

Escuchar algo que parezca ‘Made in Los Angeles’ pero que es madrileño, es algo a lo que no estamos acostumbrados. Neon Finger aterriza de nuevo en los estantes con este LP firmado por el productor valenciano, Beath. Poco mejor puede producirse el funk de corte sintético. Una portada que es la traducción gráfica perfecta del continente del disco, un sonido que se compone de la mezcla en la que predomina el synth funk, aderezado con elementos boogie, hip hop y electro funk. Ganando por goleada, ‘Dreams from Last Night’, con un bajo que no puede ser más groovie y unas melodías de Yamaha que abren este viaje, seguido de ‘Tropical funk’, que es una fiesta de guitarras rítmicas salpicadas de cajas bien intensas y, sobre todo ‘Paradis’e, maravilla slow tempo o la oda definitiva a la melancolía de piscina. JULIA LOZANO

EPW

113

DJRUM

Portrait With Firewood R&S

8.9 Sorpresón en mayúsculas al catar por primera vez este largo. Partiendo de improvisaciones de piano propias como eje principal y con una abundancia de instrumentación orgánica y acústica -con violoines, chellos y piano como parte de la pieza fundamental para la narrativa del LP- ‘Portrait With Firewood’ conjuga techno, jungle, jazz y drum n bass, sin salirse sus clásicos breakbeat, ambient y techno. Aunque con 9 cortes, el trabajo parece un mix de-construido más que un largo formato, donde todos los tracks cobran importancia en su conjunto, pero también a modo individual. El LP lo abre ‘Unblocked’, una overture ambiental, y va adquiriendo matices más junglist y technoides con el paso de los cortes, oscilando éstos entre pasajes repletos de atmósferas y orgánicos pads. A destacar, el desparrame sonoro de ‘Sex’, la división –no sabemos por qué- en 2 cortes de ‘Creature’ o la estructura rítmica de ‘V’. Y es que siendo probablemente su trabajo más maduro y bronceado, con menos sampling que nunca pero con un cierto enfoque hacia lo clásico, éste suena de lo más jazzy del británico hasta la fecha. El ejemplo perfecto de que, incluso en la música electrónica, todo empieza (y acaba) con el jazz. DIEGO FERNÁNDEZ

RECOPILACIONES CRÍTICAS VVAA

Salsoul Sounds Familiar Salsoul Records

9.3 Salsoul es uno de esos sellos que no necesitan presentación. Habiendo publicado a los más grandes dentro del disco, soulful y música negra en general – su catálogo incluye leyendas como Instant Funk, Loleatta Holloway, Inner Life y un largo etcétera. No es de extrañar que siga hoy en día en boca de los más grandes siendo citado como su influencia. En esta ocasión nos trae una serie de reinterpretaciones a cargo de grandes como DJ Spinna, Ge-Ology, Specter o Mark Grusane, de algunos clásicos atemporales del sello, haciendo de este lanzamiento una adquisición obligada para todo amante del disco/boogie/house de más hermosa y elegante factura. Curado por la crew de Sounds Familiar, las raíces están ahí, la tradición también y suena clásico siendo actual… no esperéis a que os lo cuenten. EPW

7.8

7.2

7.5

8.3

VVAA

Various Artists 02

‘Balearic 4’ - Compiled by Jim Breese

Cocoon Compilation R

Perfect Strangers

Alfa Romero Recordings

Balearic

Cocoon

Disco Halal

Alfa Romero Recordings es el sello homónimo del dúo de producción italiano que en esta entrega nos trae la segunda instalación de su serie de varios artistas. Para la ocasión, se han vestido de largo para el sello Beck & Rius (‘Rocca’), Unstable Son junto a Marvid (‘Radioactive’), Half Of Me (‘Climbing The Mirrors’) y Naufer (‘Aldegarr Re-Birth’), una serie de interesantes pero desconocidos productores que saltan a la primera línea para presentar este trabajo de techno oscuro, cortes atmosféricos, cargados de efectos y con la épica narrativa y la solemnidad como denominador común. Un trabajo que puede servir para cualquier momento en la pista y que sin duda puede demuestra el ojo clínico de Alfa Romero a la hora de hacer scouting sonoro.

Aquí está, como siempre por estas fechas, el mix que mejor le va a la temporada estival. Como ya ocurriera con anterior entrega, es Breese, referente de la escena Ibicenca y residente de Café Mambo quien selecciona un compendio algo menos balearic que de costumbre. Más deep, downtempo y dub que lo que vienen soltando desde hace ahora 4 años pero que encaja más que bien ante un verano que asoma a la vuelta de la esquina. El compendio lo conforman hasta 12 cortes poco o nada mezclados, pero idóneos para puestas de sol, atardeceres en playas paradisíacas o paseos en barco y resumen las tardes más relajadas de la Isla Blanca. A destacar, la revisión de ‘Entre Dos Aguas’ de Paco de Lucía, a cargo de Los Twangueros. Summer mode on!

Las compilaciones de Cocoon son algo aparte cada verano. De llega la letra ‘R’ de su serie recopilatoria alfabética. En esta ocasión también llegará en vinilo (6x12’’), con discos fluorescentes que brillan en la oscuridad, así que ojo avizor los coleccionistas. El techno en esta ocasión nos llega a bajas revoluciones, con melodías, atmosferas y extremadamente crujiente – ideal para momentos menos ajetreados y locos en la pista de baile –. Temas muy hipnóticos y mentales a cargo de artistas como Pig&Dan, Inigo Kennedy, Ambivalent, Isolee, Mano Le Tough o nuestro Eduardo de la Calle. En resumen, aunque le falta algo de empaque y un hilo conductor, se trata de una de las compilaciones más diversas y bien seleccionadas de los últimos tiempos del sello de Frankfurt.

Disco Halal, la plataforma de Moscoman, publica esta nueva serie de recopilatorios en su catálogo. Bajo el nombre de ‘Perfect Strangers’ (perfectos desconocidos), esta nueva serie ya ha obtenido el support de pesos pesados como Solomun, Marcus Worgull, DJ Tennis o Red Axes, entre otros. Compuesto de cuatro cortes por parte de artistas casi desconocidos – The Organism, Kincaid, Soft Metal y Mount Kismet – en líneas generales es un trabajo con influencias de sonidos arabescos, a bajas revoluciones, mucha percusión tribal, misticismo y exotismo a partes iguales, incrementados gracias a los exuberantes vocales de algunos de ellos. En resumen, un trabajo que vale la pena tener en la colección, en cualquier formato.

ALBERTO ALONSO

EPW EPW

114

RECOPILACIONES CRÍTICAS

8.4

8.0

VVAA

The CLU

Spirals vol.5

The Collective Universe Vol. 1

Constant Circles

Blue Dye

El espiral es un símbolo de crecimiento, desarrollo y evolución. En este caso la serie Spirals del sello Constant Circles – que ya va por su quinta entrega – nos trae una selección curada de artistas emergentes, mostrando un rango diverso de sonidos vanguardistas que viajan por todo el espectro de la música electrónica sin hacer distinciones. La variada e interesante política musical del sello nos trae cortes de disco impregnados de house del berlinés Kaldera; grooves profundos del nuevo miembro del equipo, Tom Frankel; además de dos temas de techno crudo, desnudo y melódico por parte de Onur Ozman y Jonas Woehl, respectivamente; y para cerrar este trabajo redondo una de la casa, Agatha Pher, que pone el broche con un tema cargado de emoción y carisma. Recomendadísimo.

El sello Blue Dye, fundado en 2011, ha publicado material muy variado y de diferentes artistas, desde Pezzner a Jay Tripwire, pasando por Christoph y para cerrar con Joeski. En esta ocasión, aunque no es un VA al uso, nos presenta una enigmática agrupación de músicos anónimos bajo el nombre de The Collective Universe, que en este vol. 1 nos traen siete cortes con claras influencias de distintas partes del mundo, como el folk balcánico, toques de diyeridú, musica étnica y exótica. Un auténtico viaje por el mundo de los sonidos tradicionales, mezclados con un cariz electrónico que les da un carácter y vitalidad únicos. Oiréis algún corte, seguro, este verano en más de un after de Ibiza y alrededores…

VVAA

Total 18 Kompakt

8.2

VVAA

Ya es tradición abrir el buzón y encontrarte con la mítica recopilata de Kompakt, con lo mejor de su año, siempre minuciosamente escogido por el capo de la disquera. De hecho, más que Total, se deberían de titular “los cortes del año a ojos de Mayer”. Y es que aún incluyendo continuamente sus bangers, este mix anual contiene siempre joyas a descubrir que difícilmente podrías catar de otra manera. Así lo venimos atestiguando desde hace 18 años. Su contenido, como siempre, recogiendo los tracks que mejor funcionan en la pista, cortes que trascienden la mera narrativa de una recopilata al uso, y varios tracks exclusivos, en esta ocasión a cargo de Jürgen Paape, Tobias Thomas o Thomas/Mayer. Una bonita manera de descubrir y redescubrir el pasado reciente, presente inmediato y futuro cercano de la disquera alemana.

Trafico Music VA Vol. 1

Various Artists 02

Trafico Music

Zingiber Audio

DIEGO FERNÁNDEZ

El siguiente release del sello mexicano Trafico Music nos ha dejado realmente sorprendidos. Completamente incapaces de clasificarlo dentro de ningún estilo, este primer volumen de varios artistas es una cornucopia de doce temas con tintes muy exóticos, variados y alejados de una métrica al uso en muchos de sus temas. A ratos technoide, a ratos minimalista, otras veces suena a breaks y como hilo conductor podemos interpretar la rareza de muchos de los cortes, pero poco más. Eso es, quizá, lo que impide que este recopilatorio obtenga una nota más alta, porque a nivel individual cada tema es verdaderamente interesante tanto para escuchar como para usar en una pista de baile. Lo mejor será que juzguéis vosotros mismos.

El sello francés Zingiber Audio nos presenta su segunda entrega de varios artistas, con tracks de manos del jefe del sello COR100 (‘House Test’); su amigo y compañero de andanzas, Jedsa Soundroom junto a Thomas Roland, jefe del sello Highpath Records, (‘Bananier’); More Than Material (‘Laboratory’); y un remix de ‘Bananier’ a cargo de Carlos Sanchez. Se trata de un recopilatorio de un tech house bastante bien facturado, con tintes cercanos al techno, mucha atmosfera, oscuridad y efectos en cada uno de sus cortes. En resumen un trabajo bailable, fácil de escuchar, pero alejado del tech house más comercial que inunda y hasta cierto punto satura la escena actual.

VENE

7.9

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ALBERTO ALONSO

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TECH En El Estudio Con... PINA

Autor: EDUARDO PÉREZ WAASDORP Foto: ALBERT MIRALLES

EN EL ESTUDIO CON PINA Con el calor apretando en este mes de julio hemos decidido quedarnos un mes más en tierras barcelonesas – aprovechando el tirón de Sónar y todo lo que ha girado en torno al 25 aniversario del festival – para invadir el estudio de Pina, que acaba de presentar su nuevo largo, ‘Lärm’. ¡Música, maestro!

¡H

ola, Pedro! ¡Gracias por tu tiempo! Empecemos por el principio, ¿qué te hizo meterte en esto de la producción de música electrónica? ¡Gracias a vosotros! Pues como las mejores cosas de esta vida vino un poco por accidente. Por un lado, estando en segundo o tercero de BUP, mi mejor amiga me comentó que su novio de aquella época buscaba un teclista para su banda de death doom metal, así que decidí presentarme a la prueba con un Casio medio decente que me dejaron. Ahí es donde ya me picó el gusanillo. Paralelamente, otro colega me enseñó que con un ordenador Amiga 500 de segunda mano y un programa tracker podías programar tus temas. El resto es historia.

alias Lassigue Bendthaus, pero el germen de todo está en los de Basildon. ¿Te acuerdas de cuál la primera máquina que te compraste? ¿Y la última? Pues al margen de Casiotones y Amigas 500, mi primer sinte fue un Yamaha DX7. También pagué unas 20.000 pesetas por un MS20, sinte que quise tener sí o sí tras ver a Esplendor Geométrico en la primera edición de Sónar. Las últimas dos cacharras han sido un Console 1 de Softube y un Portastudio de Tascam del 87. Hablemos de tu estudio… ¿Puedes hacernos una pequeña guía? Como en el 99% de home studios, está basado en un ordenador, corriendo Ableton Live como DAW principal. Como interfaz de audio uso una Symphony de Apogee con 16 canales de entrada y salida que ejerce como verdadero hub de todo el

tinglado. No uso ningún mixer, ya que la mezcla la hago in the box. Algunas máquinas están conectadas permanentemente como el Channel Strip y el compresor multibanda de Tube-Tech. También tengo conectado un compresor DBX del que prácticamente sólo uso el limitador y recientemente le he pillado el gusto a un excitador HOFX que puede añadir ese puntito de profundidad a los temas. En cuanto a sintes, pues un poco de todo: Roland JD800, Moog Little Phatty, KORG MS20 y Monopoly. Casi siempre tengo conectadas son una RYTM y una Four de Elektron, un sinte modular y algunos pedales, sobretodo si son estéreo: reverbs de Strymon, un T-Resonator de Jomox, algunos filtros de Sherman, Heat y Deco para distorsión, un par de pedales de Frostwave, una One-Man-Companu australiana que despareció del mercado hará ya unos años y una buena ristra de Moogerfogers. Los BM6A de Dynaudio siguen siendo mis monitores de referencia. ¡Y que duren!

¿Quiénes fueron los artistas que inspiraron tu creatividad en un primer momento? Sin duda Depeche Mode. Sí, hacían pop con máquinas, con sus estructuras de canción y sus estribillos, pero la parte de producción, su manera de experimentar en el estudio, es lo que les hacía únicos. Luego hay otros nombres grandes que han marcado mi manera de entender la producción como LFO o Uwe Schmidt, especialmente con su

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TECH uno de los tracks se eligió uno u otro nombre. Los únicos que han escapado de esa germanización han sido aquellos en los que colabora Oriol Rosell, básicamente porque sus textos están en inglés. Colaboran en un tema Cora Novoa (‘Krach’), y en dos Oriol Rosell (‘This Is It’ y ‘You Were Warned’)… ¿Cómo surge esta colaboración? ¿Por qué ellos? Muy fácil. Primero, porque son muy buenos amigos, de esos que llamarías para usar el comodín de la llamada y llevarte los 300.000 euros. En el caso de Oriol, como gran conocedor del noise y demás subgéneros ruidistas, tenía que estar sí o sí. En el caso de Cora, justamente por todo lo contrario, por ver qué podría ocurrir al implicarla en algo a primera vista totalmente alejado a lo que acostumbra a hacer.

¿Amante de la cacharrería analógica, los plugins o los dos? ¿Pero es que hay que elegir? (Risas)... Todo depende de lo que necesites en cada momento. Para algunos procesos es más conveniente usar tecnología analógica mientras que otros sólo son posibles en el dominio digital. Sí que es verdad que en los últimos tiempos ha habido una fetichización de ciertas máquinas que creo que han empobrecido la electrónica. Se ha pasado del “mira que Fender más guapa que me he pillado” al “mira que TR909 que tengo”. Aborrezco toda esta maquinitis que no busca otra cosa que regodearse en sonidos de hace 30 o 40 años. Incluso sin llegar a la obsesión por los sintes vintage, últimamente, por culpa de esta maquinitis que comentaba, parece que importa más los equipos que el cómo se utilizan, lo cual creo que es un error total. Además, el estudio lo sacas a pasear de vez en cuando en tus lives. ¿Cómo es tu configuración de directos? Desde hará cosa de un año y medio consiste en las dos Elektron, un sinte modular que se comporta como si fueran 3 sintes independientes y 3 o 4 pedales de efectos. Pido un mixer de DJ de 4 canales por rider para conectarlo todo. Mientras van sonando cosas por el master puedo ir programando las siguientes secuencias por CUE. No tengo nada en contra de usar ordenadores en directo. Es más, es lo que he usado durante muchos años. De todos modos, aunque para improvisar en directo usar hardware te permite ser un poco más flexible, estoy planteándome un plan B usando exclusivamente herramientas software u controladores dedicados. Acabas de hacer la presentación de tu quinto álbum de estudio, ‘Lärm’, en Lapsus Records… ¿Cómo ha sido tu proceso creativo en este caso? Lo primero fue decidir marcar las líneas maestras por donde iba a desarrollarse. En ese sentido, marqué dos líneas maestras: una, que trabajaría con ruido y otra, que iba a ir subidito de BPMs. Con ‘Onda Corta’ la media estaba en unas 115 BPMs. Con ‘Hum’ subí hasta las 130 y, posteriormente, el paso lógico habría sido subir todavía más. Por lo que sea no me atreví a dar ese paso y rebajé el tempo a unos 95 BPMs. Con ‘Lärm’ me he forzado a apretar el acelerador, plantándome en 170

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BPMs. De todos modos, como he comenzado a utilizar métricas un tanto esotéricas en los ritmos, tampoco da la sensación de ser todo lo rápido que realmente es. Por la parte del ruido, hay un gran trabajo de edición y procesado. La distorsión en ritmos y drones ha sido vital. Trabajar de esta manera ha supuesto que, por ejemplo, no existan bajos en este disco porque, literalmente, no quedaba hueco. ¿En qué ha consistido la presentación? Entiendo que ha sido en conjunto con los visuales de Juanjo Fernández, de TSOWC… Efectivamente, la actuación de Sónar ha consistido en los temas de ‘Lärm.’ ¿Que hubiera preferido, como en anteriores trabajos, hacer algo más en petit comité, donde poder tomar nota de las cosas que no funcionaban de cara a poder mejorarlo en un directo más grande? Por supuesto. SonarHall impone, pero al final ha salido todo bastante bien. Con Juanjo ya trabajamos las visuales de ‘Transit’ y nos entendemos muy bien. No soy de los que quiere tener un control sobre todo el proceso. Me parece más interesante hablarle del proyecto y que él desarrolle su interpretación visual del ruido. A ver, si en el disco he metido el speech que soltó Elena Ceaucescu tras ser sentenciada a muerte junto a su marido, pues tiene todo el sentido que aparezcan en la parte visual. Si por parte de lo medios de comunicación, como vehículos de transmisión del poder que ya con todo el descaro son, no deja de llegarnos ruido, usemos ese ruido y devolvámoselo. Ya lo dijo MAFO, anterior gobernador del Banco de España: “Al dinero no le gusta el ruido.” Nos llama la atención que todos o casi todos los títulos sean en alemán. De hecho, Lärm significa ruido y hay varios temas con nombres parecidos (ruido, sonar, rumor o reverberación), mientras que el resto aluden a la confrontación… ¿hay un porqué? ¡Por supuesto! El germen del asunto está en un artículo que escribió hace 8 años mi admirada Blanca Rego en mediateletipos.net, un sitio muy recomendable sobre arte sonoro y que justamente hablaba sobre eso, sobre las distintas maneras que tienen en alemán para referirse al ruido en función del contexto en el que se produce. En función de cómo se manifiesta el ruido en cada

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¿El contacto fue físicamente en el estudio, o a través de las tecnologías y cada uno en su estudio? ¿Cómo ha cambiado internet la forma en la que colaboras con otros artistas? En el caso de Oriol fue un proceso completamente a distancia. Le comenté un par de ideas en plan “esto va de ruido, escribe algo que sirva como una declaración de principios” y “escribe algo que sirva como epílogo”. Procese su voz para que quedara lo más deshumanizada posible, que fuera casi como la voz de Skynet. En el caso de Cora, hablando del disco con ella le comenté que me estaba quedando caótico, intenso y que escuchado del tirón creaba fatiga auditiva y fue justamente sobre esa idea que desarrollo su parte. En su caso sí que pasó por el estudio, con un par de ideas vocales grabadas. ¿Cuáles son tus planes para el resto de 2018? Pues francamente... ¡no hay plan! Más allá de esperar a ver qué aceptación pueda tener el disco y, si las condiciones de la sala lo permiten, volver a interpretarlo en directo junto a Juanjo, poco más. Finalmente, Pedro, ¿qué consejo le darías a los productores, tanto experimentados como principiantes que lean estas palabras? Consigue la tarjeta de sonido y los mejores monitores que te puedas permitir. Asegurarse estas dos cosas son mucho más importantes que cualquier otro equipo. ¿De qué sirve tener un mega sinte modular obscenamente caro si luego lo grabas con una tarjeta de 150 euros y escuchas el resultado a través de unos monitores del mismo palo? Eso y también intentar imitar tu música favorita. Sobretodo si se imita mal, intencionadamente o no.

TECH Pedro Viñuela, ingeniero de sonido con más de 20 años de experiencia, especializado en mastering y propietario del estudio de mastering Nexo 101, responde a las dudas de nuestros lectores…

PREGÚNTALE A PEDRO... Autor: PEDRO VIÑUELA

PREGÚNTALE A PEDRO...

FRECUENCIAS, DONDE CONVIVEN TUS INSTRUMENTOS Uno de los errores que más suelen ocurrir al mezclar, es un mal uso del rango de frecuencia de los instrumentos. De cada 10 mezclas que recibo, 7 tienen este problema. Los instrumentos que componen una canción, deben situarse en su propio espectro, aunque habrá casos especiales donde podría resultar interesante expandir su espacio en frecuencia. Piensa por ejemplo en un Kick. Su zona, aunque varíe según el tipo de sonido, se suele dar entre los 40 o 60 Hz y hasta los 4 Khz o más, ¿Realmente necesitamos un bombo tan “grande”? En todo ese espectro, hay mucha información que, o no es relevante para el sonido en si mismo (no lo define) o simplemente no la vamos a percibir. ¿No te parece obvio “modelarlo” para que encaje perfecto en tu mezcla, sin tener excesos de energía?

Prueba a analizarlo con un espectrómetro (RTA). Ahora a bajar con un ecualizador 50 Hz, 100 Hz, 200 Hz, 300 Hz…. Notarás que el sonido pierde fuerza y se diluye en la mezcla sonando pobre y pequeño. Bien, ahora pon el EQ a cero y baja frecuencias que no sean múltiplos de la fundamental. En el caso anterior, por ejemplo, baja 80 Hz, 220 Hz, 380 Hz… Ahora deberías notar que aunque se pierde parte del sonido, en realidad, no se pierde tanto en el contexto del mix. Estas frecuencias son las que no definen su sonido y por lo tanto, podemos usarlas para modelar la

energía de nuestro Kick, y que ocupe el espacio que realmente necesita. Volvamos a la caja que contiene nuestro mix. Si no cuidas cada instrumento y la energía que no es importante dentro de cada uno de ellos, la caja la llenarás. Así, enseguida dejarás de tener espacio y con ello, perderás pegada y definición,. Cada instrumento intentará “empujar” al de al lado para ocupar su lugar. Si creas el espacio apropiado, rebajando energía en aquellas zonas que no son importantes, ya te habrás quitado un gran problema de encima.

Igual estoy yendo un poco rápido. Veamos ese concepto de energía. Piensa en tu mezclador (del DAW o físico) como si fuera una caja o un recipiente. Como es lógico, las cajas pueden contener un volumen determinado por sus dimensiones. Esto es el ancho de banda y el headroom máximo de tu mix. Los sonidos serán energía, de manera que uno u otro tendrá más o menos energía en diferentes zonas de su espectro. Dentro de ese espectro, habrá frecuencias que no sean las que definen el sonido del instrumento y habrá otras que si. En el caso del Kick, si la nota fundamental que generamos está en 50 Hz, quiere decir que esa frecuencia y sus múltiplos (pares, impares o ambos) son partes muy importantes del sonido. Esa nota fundamental, es el pitch o tono, mientras que el contenido armónico, es el timbre. 118

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TECH que compiten con el bajo, resta un poco en los 200/300 Hz. Low Freq Percussion, como con los sintetizadores de baja frecuencia, es importante dar prioridades. Si has de restar, busca los 150 Hz aprox y los 400 Hz para dejar ese espacio al bajo y los sintetizadores Vocals, Son realmente importante si están en tu mezcla. En serio, una vez tengas el sonido que quieres en las voces (empieza por aquí para no fatigarte y dejar de ser objetivo), no las toques mucho… Deben sonar naturales, en primer plano y abiertas. Siempre son lo más importante del mix. High Freq Percussion, Cuidado con los claps y snares, aquí tienes los rides, hats, crashes y shakers… Para que no sean estridentes, prueba a bajarles un poco en los 4 Khz y en los 8 Khz. Si quieres que suenen con aire, sube un poco con un shelving en los 15 Khz. High Freq Synths, Aquí entran arpegios, stabs, strings… cuidado con las voces y las percusiones de alta frecuencia. Reducir un poco de energía en los 1.4 Khz y entre los 3 a 5 Khz harán que asienten mejor sin causar sonido metálico. Un deesser suele ser muy útil para que los VST que suenen digitales dejen de hacerlo… Prueba a comprimir con el Deesser los 7 Khz. Noises, sweeps, crashses, no son muy importantes, así que fíjate en el efecto que quieres causar y en que zona del espectro se asienta ese efecto, lo demás, sobra.

Hablemos ahora del masking. Se trata de un efecto psicoacústico donde un sonido con más energía que otro en la misma frecuencia o muy cerca, no permite que percibamos el de menor intensidad. Para trabajar este problema, debes ecualizar compensando la energía de esas bandas coincidentes según cual sea más o menos importante y establecer una jerarquía. De esta forma, los más importantes no los tocaremos (o lo haremos muy poco) y reduciremos energía solo en los menos importantes o aquellos que ocasionen más masking. Típico ejemplo: Kick y Bass. Si decides que el bajo es más importante que el bombo, modela este ultimo. Imagina que hay mucha energía en los 200 Hz en cada canal. Baja un poco con el ecualizador en los 200 Hz en el bombo y ahora notarás que hay más pegada en el kick y más grosor en el bass, ¡Y sin haber tocado el bajo! Es cuestión de decidir y reducir energía para que todo entre en nuestra caja.

del kick. Si quieres que realmente suene grande y potente sin ocupar mucho espacio, resta energía en los 350/500 Hz y sube en los 1500/3000 Hz, notarás más clip y pegada. Bass, el bajo debe convivir con el kick y los toms. Pero debes decidir como es de importante. Según sea su nota fundamental, considera las frecuencias menos importantes y bájalas un poco para integrarlo bien el mix sin que se note que lo has tocado. Un pequeño refuerzo en los segundo y/o tercer armónico, suele funcionar bien para hacerlo destacar en el mix. Low Freq Synths, de nuevo, busca preferencias para que suenen por toda la mezcla en sus planos, pero no interfieran en los instrumentos más importantes. Restar energía en los 600 Hz suele funcionar bien para que las percusiones ganen definición. Si notas

Como ves, son criterios de ecualización sustractiva sobre todo. Siempre mejor quitar energía donde sobra que añadir por añadir. Fíjate también que no he hablado de filtrar nada, aunque como supongo que ya habrás intuido, es buena idea filtrar aquello que no se va a oír. Sobre esto ultimo, ten mucho cuidado, es muy habitual pasarse con los filtros pasa altos y crear un sonido fino y estridente. El truco para esto es simple: Cuando empieces a oir que estás quitando, te has pasado. Si tus monitores no llegan muy abajo en frecuencia, te recomiendo unos buenos auriculares o el uso de un subwoofer. Pues eso es todo de momento. Recuerda siempre que no son las herramientas, sino quien las maneja. ¡Nos vemos en el siguiente número! www.nexo101.com www.facebook.com/pedroatthecontrols/ www.facebook.com/nexo101studio/ www.instagram.com/pedroatthecontrols/

¿DÓNDE Y CÓMO?

Aunque los sonidos varían mucho su espectro de unos a otros (especialmente en electrónica), hay ciertas frecuencias que suelen funcionar bien casi siempre. Vamos a ver algunos tips. Subs, no creas que porque sean subs no deben tener armónicos. Al contrario. Un sub que sea un tono senoidal en 50 Hz, simplemente en equipos sin subwoofer, casi no se escucharan. Así que prueba a enfatizar o crear armónicos para que ocupen espectro. Eso si, contrólalo o será lo que ocupe más espacio! Recuerda siempre que más grave es igual a más longitud de onda e igual a más energía! Kick, mira su fundamental y sus segundo y tercer armónico. Estos son muy importantes. Verás que en los 100/150 Hz tienes esos armónicos y la potencia

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Texto: KANEDO

DDJ-SX3

VEREDICTO

PUESTA A PUNTO PARA SERATO DJ PRO

l inicio junio recibimos en Plastic las pr imeras unidades de la DDJ-SX3, una actualización de la popular controladora para Serato DJ Pro. Siendo un lanzamiento totalmente inesperado en el mercado, realizando un pequeño estudio del producto entendemos por qué era necesar io y qué novedades incluye est a tercera versión de la gama profesional de controladoras para Serato de Pioneer DJ. NOVEDADES PRINCIPALES

• 3 entradas de micrófono,

pensadas para actuaciones con vocalistas, MC’s o instrumentos en directo.. No

olvidemos que la mayor cuota de mercado de Serato DJ está en Estados Unidos y de lleno en el sector Hip-Hop, donde es el pan de cada día encontrarte con cantantes, MC’s o músicos para acompañar tus instrumentales. Puedes controlar volumen, EQ, compresión y reverb de cada una de las entradas independientemente y a dos de ellas también puedes aplicarles Sound Color FX o efectos internos de Serato DJ Pro.

8.5/ 10 VENTAJA doras para Serato DJ o en la sección Rekordbox DJ, permitiendo aplicar Filtro, Echo, Jet o Noise en todos los canales.

• Expansiones de Serato DJ

incluídas como el Pitch N’ Time, considerado el mejor “master-tempo” del mercado. Con esta licencia, podrás realizar funciones como el Key-Shit, Key-Sync o Pitch-Play sin ninguna preocupación acerca de las variaciones de tonalidad. También está incluido el Serato Flip, utilizado para grabar secuencias de Hot Cues y reproducirlas con un solo botón.

• Doble tarjeta de sonido

USB, que por suerte empieza a ser un estándar, facilitando así los B2B entre DJ’s y las transiciones entre los mismos.

Una actualización siempre es bienvenida añadiendo una entrada extra de micrófono, la doble tarjeta USB o controles dedicados para nuevas funciones como Key Sync o Key Shift.

DESVENTAJA

Es comprensible un cierto escepticismo dentro del mercado, ya que viendo los grandes pasos dentro de la gama Rekordbox como el tamaño de los jogs o la distribución de los FX, la SX3 no presenta ningún cambio a nivel estético y además amplía su precio a 1099€.

ACABADO: USABILIDAD:

8.5 9

CALIDAD/PRECIO: 7.5 CALIDAD DE SONIDO: 9

• Mejoras varias, como la

• Sound Color FX, presentes

anteriormente sólo en la gama más alta de controla-

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reducción de latencia de los jog wheels o el audio claro y sin distorsión dentro de la circuitería del micrófono.

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