The magazine for canadian drummers and percussionists Le magazine des batteurs et percussionnistes canadiens
free / gratuit
december 2015 - january 2016 décembre 2015 - janvier 2016 vol.27 no.6
SOUND RECORDING AND MUSIC PRODUCTION TRAINING
MIXAGE MIX
MUSIQUE MUSIC
SONORISATION LIVE
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The magazine for canadian drummers and percussionists Le magazine des batteurs et percussionnistes canadiens
6 10 FRANCK CAMUS
22 STÉPHANE CHAMBERLAND
Interview: Ralph Angelillo
The mystery of great musical drum solos
Entrevue : Ralph Angelillo
Filling up the basement, part 2 Meubler le sous-sol, 2e partie
24 ÉRIC BOUDREAULT What's your grip?
16 AUBREY DALE
C'est quoi ta prise ?
Nervous?
26 MAX SENITT
20 CHRIS LESSO Time Le temps
DANIEL BÉDARD
Le mystère derrière les grands solos de batterie
14 JEFF SALEM
Nerveux ?
ydna murd
Drumming in the moment Être dans le moment présent derrière la batterie
28 New products Nouveaux produits
Volume 27, No.6 December 2015 – January 2016 décembre 2015 – janvier 2016 Editor in Chief / Rédacteur en chef Franck Camus franck@drumsetc.ca Assistant Editor /Assistante à la rédaction Geneviève Hébert hebertgenevieve@hotmail.com Contributing Writers / Collaborateurs Daniel Bédard, Éric Boudreault, Stéphane Chamberland, Aubrey Dale, Chris Lesso, Jeff Salem, Max Senitt.
Translation / Traduction Daniel Bédard, Geneviève Hébert Layout / Mise en page Karine Wolfe - wolfe.karine@gmail.com Cover Photos / Photos de la couverture Sabine David suncoastcustom@gmail.com Advertising / Publicité Ralph Angelillo ralph@drumsetc.ca Jeff Knowles (514) 830-3555 / jeff@drumsetc.ca Publisher / Éditeur Serge Gamache
Printer / Imprimeur Impart Litho Drums Etc is published 6 times per year and distributed across Canada, in drum shops, schools, rehearsal spaces, etc. 380 distribution points (circulation certified by Canada Post). Drums Etc est publié 6 fois l’an, et est distribué partout au Canada dans les écoles et chez les détaillants de batteries et percussions, dans les studios de répétition, etc. 380 points de distribution (circulation certifiée par Postes Canada).
Publication Mail Agreement No 40009235 / Poste-Publication Convention No 40009235 Return Address / Adresse de retour: DRUMS ETC, 753 rue Ste-Hélène, Longueuil (QC) J4K 3R5 Canada Fax: (450) 670-8683 © Copyright 2015
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EDITO
An old saying has died If music is supposed to soothe the mind, I think it is fair to say that some people didn’t get the message. On the nice warm afternoon of Friday November 13th, terrible, bloody and gratuitous violence hit again. It has been done by you know who for reasons we can only guess. Countless lives have been taken away in the most despicable and terrible ways. Some radicals with egos inversely proportional to their intelligence, decided to target a youth that loves music. No matter the style, no matter the audience, the blindness of these fanatics is enormous but I am convinced it brings us even more together around music and drumming than before. I can’t even imagine how I would have reacted if I had been on stage when this horrifying vision stroke the venue. I want to keep playing music and for every machine gun shot, I’ll answer with a drum stroke. I’ll systematically be against any totalitarian regime because every time, the beautiful passion that is music is threatened. I will remember every private message I received asking if my family and friends in France were safe. That very weekend, I felt that Quebec and Canada were more unified and magnificent than ever displaying a remarkable openness to others despite the various political tensions that followed. I sincerely hope that we are at the beginning of a new era, for the right reasons, and that we can find beauty in the unity that exists between the people and musicians that toured Paris and knew the Bataclan very well. I, on my behalf and on the behalf of the magazine, would like to give my most sincere condolences to the people and to the musicians who were touched by this tragedy in Paris, in Beyrouth and everywhere else in the world. Now talking about the magazine, we’re pretty lucky to not have one but two interviews in this edition, one with Ydna Murd from Victoria and a tribute to Ralph Angelillo, one of the founders of this magazine.
La fin d’un dicton Si la musique est censée adoucir les mœurs, on peut dire que certains n’ont rien compris. En cette belle fin d’après-midi du vendredi 13 novembre, la violence a encore frappé de façon gratuite, effroyable et sanguinaire. Cette violence fut perpétrée par les auteurs qu’on connaît pour des raisons obscures. Des vies ont été prises de façon totalement abjecte et sans scrupule. Des radicaux aux égos inversement proportionnels à leur intelligence ont décidé de cibler une jeunesse éprise de musique. Peu importe le style et le public, l’aveuglement de ces fanatiques est immense. J’espère que cet évènement contribuera à nous souder et à nous unir encore davantage autour de ces passions que sont la musique et la batterie. Je ne veux même pas imaginer comment j’aurais réagi si j’avais été sur scène dans ces conditions tant l’horreur de l’inacceptable m’envahit. Envers et contre tout, je vais continuer à jouer de la musique et pour chaque coup de mitraillette je répondrai par un coup de baguette. Je m’opposerai systématiquement à tout système totalitaire, car chaque fois la musique tend à disparaître. Je me souviendrai surtout des messages que j’ai reçus de gens qui voulaient s’assurer que ma famille et mes amis en France se portaient bien. Cette fin de semaine-là, j’ai trouvé le Québec et le Canada encore plus grands, plus unis et plus magnifiques que jamais, tournés qu’ils étaient vers les autres au-delà de toutes les dissensions politiques. J’espère sincèrement que nous sommes au début d’une nouvelle ère, et ce, pour les bonnes raisons et que nous trouverons malgré tout de la beauté dans la solidarité des gens et des musiciens qui sont déjà passés par Paris et le Bataclan. Je voudrais en mon nom personnel et au nom du magazine transmettre mes plus sincères condoléances aux gens et aux musiciens que ce drame a touchés à Paris, à Beyrouth et partout sur la terre. A propos du magazine nous sommes chanceux nous n’avons pas une mais deux entrevues, Ydna Murd de Victoria et un hommage à un des fondateurs de ce magazine Ralph Angelillo!
Franck Camus Editor in chief Rédacteur en chef 4
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in memoriam
avis de décès
It’s with great sadness that we’ve learned of the passing of the percussionist, teacher and composer Pierre Béluse, who was known for having taught a vast majority of high caliber musicians from the 60s to the 80s.
C’est avec grande tristesse que nous apprenons le décès de M. Pierre Béluse, un percussionniste, professeur et compositeur qui a formé beaucoup de musiciens de haut calibre entre les années 60 et 80.
He passed away on November 15th, 2015 at the age of 80.
Il est décédé le 15 novembre 2015 à l’âge de 80 ans.
The Drums Etc. team would like to express its most heartfelt condolences to Mr. Béluse’s family and to his friends and colleagues.
L’équipe du magazine Drums Etc présente ses plus sincères condoléances à la famille de M. Béluse, ainsi qu’à ses amis et collègues.
agenda WINTER NAMM 2016 ANAHEIM, CA JANUARY 21-24 / 21 AU 24 JANVIER 2016
CANADIAN MUSIC WEEK 2016 TORONTO, ON MAY 4-14 / 4 AU 14 MAI 2016
WWW.NAMM.ORG/THENAMMSHOW/2016
(905) 858-4747 HTTP://CMW.NET
RIDEAU 2016 LA BOURSE RIDEAU FEBRUARY 14-18 / 14 AU 18 FÉVRIER 2016 (514) 598-8024 ADMIN@RIDEAU-INC.QC.CA WWW.RIDEAU-INC.QC.CA/BOURSE-RIDEAU
RALPH ANGELILLO INTERNATIONAL DRUM FESTIVAL 2016 PALAIS MONTCALM, QUÉBEC, QC SALLE RAOUL-JOBIN OCTOBER 22-23 / 22-23 OCTOBRE 2016
NEW Speed Cobra 910
The Cobra evolves. You create. NEW Iron Cobra 900
Canadian distributor / Distributeur canadien: EFKAY MUSIC 2165, 46th Avenue, Lachine, Québec H8T 2P1
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in-profile
profil
Ydna Murd. Isn’t that an intriguing name? When I first saw it online, I was like “ok, this guy must play some interesting stuff” and I was right! I went on his YouTube channel and found a lot of very interesting videos: (www.youtube. com/jungleritter). But Ydna Murd (Andy Drum backwards, get it?) is also much more than that. Let’s discover this great drummer.
COULD YOU TELL US ABOUT YOU AND WHERE YOU’RE FROM? “My real name is Andreas David, Andy if you prefer. I was born and raised in southern Germany. I started playing the drums at 11 years old and my first drum teacher was absolutely horrible so I quit after three lessons and got myself a drum book instead and taught myself. I would play a lot to records and jam with my older brother who is five years older than me and is a bass player. I had been playing in bands doing some gigs when I was living in southern Germany but it really started getting serious when I went studying at the Music Station in Hamburg. While I was there, I was lucky enough to study with Helge Zumdieck, Udo Dahmen (who was also Benny Greb’s instructor) and Jost Nickel who was very inspirational to me. He is a very dedicated drummer. Jost would practice all the time with bassist Arnd Geise and together, they built a strong reputation as being a very good rhythm section, which inspired me a lot. I also started subbing for my teachers at some point, first as a teacher and then as a player and this helped get the ball rolling.”
WHO ELSE DID YOU GET TO STUDY WITH? “I also got to study with Jim Chapin and Steve Houghton when they would come to Hamburg. A lot of reknown drummers would stop by when touring in Germany so I got to meet them. I watched a lot of concerts, drum clinics and master classes, I just soaked it in. Coming from a punk and new wave background, my playing was a bit raw at first so watching all these guys helped me in moving further with my drumming. After 4 years and a half at the Music Station, I then got a job teaching at the Hamburg School of Music, which is a very fine school that still exists today. Jost Nickel and Benny Greb were teaching there with me. ”
I UNDERSTAND YOU MOVED TO CANADA IN 2005, IS THAT IT? “Yes, we moved to British Columbia in 2005. We have some friends from Germany here and we visited them about 5 times before moving. We enjoyed the nature aspect of this area and also felt like trying something else. We have now been living in Victoria, BC, for 3 years.”
WAS THIS BIG MOVE SCARY? “It’s not easy, you have to start from scratch but I must say that nowadays, social media really helps in getting in touch with people. I also went to bars and tried to connect with other drummers and teachers and then try to make friends and business connections.”
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Ydna Murd. Intriguant comme nom, vous ne trouvez pas? La première fois que je l’ai vu en ligne, je me suis dit que ce gars-là devait jouer des trucs intéressants et je n’avais pas tort. Je suis allé sur sa chaîne YouTube où j’ai trouvé plein de vidéos captivantes : (www.youtube.com/jungleritter). Mais Ydna Murd (Andy Drum à l’envers), c’est beaucoup plus que ça. Je vous invite donc à découvrir ici ce batteur hors pair.
POURRAIS-TU NOUS EN DIRE PLUS SUR TOI ET TES ORIGINES? « Mon vrai nom est Andreas David, mais les gens m’appellent Andy. Je suis né dans le sud de l’Allemagne, où j’ai grandi. J’ai commencé à jouer de la batterie à 11 ans, mais mon premier professeur était tellement mauvais que j’ai lâché à la troisième leçon. Je me suis procuré un livre sur la batterie et j’ai appris tout seul. Je jouais surtout au son d’albums et je répétais avec mon grand frère (de 5 ans mon aîné) qui est bassiste. Dans le sud de l’Allemagne, j’ai décroché quelques contrats avec des groupes, mais c’est devenu plus sérieux quand j’ai commencé à fréquenter le Music Station à Hambourg. Là, j’ai eu la chance d’étudier avec Helge Zumdieck, Udo Dahmen (qui enseignait aussi à Benny Greb) et Jost Nickel qui a été pour moi un batteur très inspirant. Il se consacre beaucoup à son art. Jost répétait toujours avec le bassiste Arnd Geise et ensemble, ils se sont bâti une solide réputation en tant que section rythmique, ce qui était très stimulant. À ce moment-là, j’ai commencé à faire de la suppléance pour mes professeurs, tout d’abord à l’école, puis sur scène, ce qui m’a donné le coup d’envoi. »
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WHO ARE SOME OF YOUR INFLUENCES? WHAT IS IT ABOUT THEM THAT INSPIRE YOU? “In my early years, punk and new wave music really inspired me to play. Animal, the drummer for Motorhead was an influence. Later on, I got into Siouxsie and the Banshees, New Model Army, Killing Joke, mostly new wave bands. Things changed when I started studying drums. I got into Vinnie Colaiuta, Dave Weckl, Elvin Jones and all the great jazz drummers. Though I must say that my favorite drummer ever is Carter Beauford from the Dave Matthews Band; he’s amazing. I feel he’s underrated since he’s not as present as others on social media and clinic tours but I think he’s a very complete drummer. His technique and timing is flawless. He has everything I wish I had. Drummers like Jojo Mayer and KJ Sawka have been really inspirational for the electronic music that I play all the time nowadays.” “I have to say that I’m a music fan first and a few of my favorite bands would also include Rage Against The Machine, The Prodigy, Massive Attack, Portishead and Tool among others. I don’t necessarily listen to the drums first when hearing a group, I’ll sometimes go for the melody, the lyrics and the song. Sometimes, I don’t even notice the drums when listening to some artists. It’s all about the music to me.”
HOW DID YOU GET INTO DRUM’N’BASS? “I started listening to drum’n’bass not from a drummer’s perspective but from a music fan and producer perspective. DJs like “Goldie” really got me into that music with his release “Timeless”. When that album came out, I bought it and brought it to my rehearsal space and tried to learn the beats. Back then, hardly any drummers would play that live, it was all loops and programmed stuff so I would try to copy what I heard and that’s how I got started on this style. I’m also a big fan of Noisia and Calyx & Teebee, two other electronic music artists.” “I remember one specific moment when on tour with a hip hop band in Freiburg, Germany. We went to a drum’n’bass club and I basically stood there with my jaw dropped on the floor, amazed by the music. I think I got hooked at that specific moment.”
HOW DID YOU FIRST START USING ELECTRONIC DRUMS IN YOUR MUSIC AND SET-UP? “When I first got started, I added a few electronic devices to my kit like a SPD-11 and Akai samples and I would use those sounds with the hip hop band I was playing with and it built from there. Around 2009, I started my own solo drum’n’bass music project and I did it because I was frustrated that I couldn’t find musicians to play that kind of music here in B.C. I enjoy my solo show but I would love to find 2 or 3 musicians to play this music with though.” 8
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“I now spend about half the time on my acoustic Sonor kit and the other half on my Roland electronic setup. When I’m playing my music with my acoustic kit, I’ll use the Roland SPD-SX and the Ableton live rig just to trigger some stuff but I won’t use a hybrid kit, I’ll only use acoustic drums. I do use my Roland TD-30 a lot because I only have to show up with my kit, everything is already mixed and I give the sound engineer two ¼ inch cables and that’s it. It makes it easier for him. I also want to mention that all the music I perform is original, it is all produced by me.”
need a different skill set to play this kind of music. I noticed a while ago that my left hand couldn’t keep up with the speed of the music and also with the technical challenges involved so I worked on that a lot.”
“That music has to be danceable to me. I want people to come have a good time on the dance floor and not just watch me play drums. I’m really into the harder stuff, heavy bass and heavy beats.”
COULD YOU TELL US ABOUT YOUR YOUTUBE CHANNEL?
COULD YOU TELL US ABOUT YOUR TEACHING APPROACH? “About one year and half ago, my wife and I opened a school in Victoria called the “Westshore Music Academy” and we offer lessons on a great variety of instruments. We have 12 instructors working at the school right now. So it’s not only a drum school but I teach there of course and I see about 35 students a week. I usually teach students from 9 years old and up. I love working with people at an intermediate and advanced level, drummers who might have been playing for 10 or 15 years and that might have issues with their technique for instance. I also like teaching out of my own drum books as I have three that are published right now (all available at drumgate.com). I’m currently working on my fourth one, which will be mainly about left hand stuff. It is going to be a groove and beat heavy book incorporating the left hand. It basically covers all the ideas I’ve been working on over the last 7 or 8 years. When I practice and something pops up, I always write it down so I don’t forget about it and those ideas are in the book. It is also about modern music, especially electronic music, because when DJs and producers program this kind of music, they don’t think about drummers being able to perform this music or not. It’s up to us to figure out a way to emulate it and it’s definitely a challenge. You’ll probably
“I also produced a lot of drum’n’bass play-along music for people wanting to work on their skills. It’s different if you play to a record with drums on it; you can experiment a bit more when there are no drums. People wanting to get those tracks can type “Ydna Murd” on iTunes.”
“I’ve been having some success with my channel as my videos have been seen quite a lot. I think I’m one of the most viewed channel in Canada with about 5 million views and about 15 000 subscribers. I uploaded lesson clips and also some live drum’n’bass ones from my Ydna Murd DJ show. The channel also helped in getting some attention from drum companies some years ago. I’m currently with Sonor Drums, Supernatural Cymbals and Roland Electronic Drums and they’ve been really good to me.” //
AVEC QUI D’AUTRE AS-TU EU LA CHANCE D’ÉTUDIER? « J’ai également étudié avec Jim Chapin et Steve Houghton lors de leur passage à Hambourg. Il arrive souvent que de grands batteurs s’y arrêtent lorsqu’ils sont en tournée en Allemagne, alors j’en ai rencontré plusieurs. J’ai vu plusieurs concerts, participé à de nombreux ateliers de batterie et classes de maîtres. J’ai beaucoup appris de tout ça. Venant d’un milieu punk et new wave, au début, mon jeu était un peu “cru”. Regarder ces gars-là jouer m’a permis d’aller plus loin dans ma pratique. Après 4 ans et demi au Music Station, j’ai obtenu un poste au Hamburg School of Music, une très bonne école qui existe encore aujourd’hui. Jost Nickel et Benny Greb y ont enseigné avec moi. »
TU AS DÉMÉNAGÉ AU CANADA EN 2005? « Oui, nous avons déménagé en Colombie-Britannique en 2005. Nous y avons des amis allemands que nous avions visités environ 5 fois avant de faire le grand saut. Nous aimions la nature de cette région et nous avions envie d’essayer autre chose. Nous habitons Victoria depuis 3 ans maintenant. »
ÇA A ÉTÉ DIFFICILE AU DÉBUT? « Ce n’est pas facile d’immigrer : il faut repartir à zéro. Je dois avouer que les médias sociaux rendent les choses plus faciles : ils nous aident à garder le contact avec nos proches. Puis, je me suis mis à sortir davantage pour rencontrer d’autres batteurs et enseignants afin de refaire mon réseau professionnel ici. »
QUELLES SONT TES INFLUENCES? ET QU’EST-CE QUI T’INSPIRE? « Dans mes premières années, la musique punk et new wave m’inspirait beaucoup. Animal, le batteur de Motorhead, était un de mes favoris. Plus tard, j’ai commencé à écouter Siouxsie and the Banshees, New Model Army, Killing Joke, tous des groupes new wave. Les choses ont changé quand j’ai commencé à étudier la batterie. Je me suis intéressé à Vinnie Colaiuta, Dave Weckl, Elvin Jones et tous les grands batteurs de jazz. Mon batteur préféré est encore Carter Beauford du Dave Matthews Band. Il est génial! Je trouve qu’il est méconnu comme batteur sûrement parce qu’il n’est pas aussi présent que d’autres dans les médias sociaux et dans les ateliers de batterie, mais c’est tellement un batteur complet! Sa technique et sa synchronisation sont sans failles. Il est tout ce à quoi j’aspire! Les batteurs comme Jojo Mayer et KJ Sawka ont aussi été très inspirants côté musique électronique, d’autant plus que c’est ce que je joue le plus aujourd’hui. »
« Je dois préciser que je suis d’abord et avant tout un fanatique de musique et que Rage Against The Machine, The Prodigy, Massive Attack, Portishead et Tool comptent parmi mes groupes préférés, entre autres. Quand j’entends un nouveau groupe ou un nouvel album, je remarque rarement la batterie en premier. J’entends la mélodie, les paroles, les chansons. Parfois, je ne remarque même pas la batterie. Je laisse la musique me parler. »
QUAND AS-TU COMMENCÉ À T’INTÉRESSER AU DRUM’N’BASS? « J’ai approché le drum’n’bass d’un point de vue musical et aussi en tant que producteur. L’album “Timeless” du DJ “Goldie” a été une révélation. Quand il est sorti, je l’ai acheté et je l’ai amené dans ma salle de répétition où j’ai essayé de reproduire les rythmes. Dans ce temps-là, peu de batteurs jouaient ce genre de musique à la batterie, tout se faisait plutôt de façon électronique. J’ai donc commencé à expérimenter avec ce style en reproduisant ce que j’entendais. Je suis un grand admirateur de Noisia et Calyx & Teebee, deux autres musiciens électroniques. » « Je me souviens être resté bouche bée en écoutant du drum’n’bass dans un bar de Fribourg, en Allemagne, lorsque j’étais en tournée avec mon groupe hip-hop. Je pense que je suis devenu accroc à ce moment précis. »
QUAND AS-TU COMMENCÉ À UTILISER LA BATTERIE ÉLECTRONIQUE?
PARLE-NOUS DE TON APPROCHE EN ENSEIGNEMENT. « Il y a environ un an et demi, ma femme et moi avons ouvert le “Westshore Music Academy” à Victoria et nous y donnons des cours de toutes sortes d’instruments. En ce moment, 12 professeurs travaillent avec nous. Ce n’est donc pas uniquement une école de batterie. J’enseigne à environ 35 personnes par semaine, tous des étudiants de 9 ans et plus. J’adore travailler avec des batteurs de niveau intermédiaire ou avancé qui jouent depuis 10 ou 15 ans et qui veulent améliorer leur technique par exemple. Dans mon enseignement, j’utilise mes propres livres. J’en ai déjà publié 3 (tous offerts sur drumgate.com) et à l’heure actuelle, je travaille sur mon quatrième qui aborde surtout le jeu avec la main gauche. Ce sera un livre sur les grooves et les rythmes heavy qui impliquent la main gauche. Il couvrira ce sur quoi j’ai travaillé dans les derniers 7 ou 8 ans. Quand je répète, je note toutes les idées qui me viennent pour ne pas les oublier. Ces idées se retrouvent dans le livre. Le livre abordera aussi la musique contemporaine, surtout la musique électronique, parce que les DJ et les producteurs qui programment ce genre de musique ne se posent pas la question si un batteur pourra la jouer. Il ne tient qu’à nous de trouver le moyen de relever le défi! Il faut des compétences bien spécifiques pour jouer ce genre de musique. J’ai notamment remarqué que ma main gauche ne pouvait pas à la fois suivre le rythme de la musique tout en relevant les défis techniques impliqués, alors il m’a fallu travailler considérablement là-dessus. »
« Au début, j’ai ajouté quelques dispositifs électroniques à ma batterie comme un SPD-11 et des échantillons Akai que j’utilisais avec mon groupe hip-hop. C’est comme ça que tout a commencé. Vers 2009, j’ai lancé mon premier projet solo de drum’n’bass parce que je n’arrivais pas à trouver des musiciens qui jouaient ce style en Colombie-Britannique. J’aime jouer en solo, mais j’aimerais bien trouver 2 ou 3 musiciens pour m’accompagner. »
« J’ai aussi composé beaucoup de musique drum’n’bass pour que les batteurs puissent pratiquer leurs techniques par-dessus : on peut expérimenter davantage quand il n’y a pas de batterie. Ceux qui aimeraient se procurer ces pistes n’ont qu’à chercher mon nom (Ydna Murd) sur iTunes. »
« Je passe maintenant la moitié de mon temps sur ma batterie Sonor acoustique et l’autre moitié sur mon système électronique de Roland. Lorsque je joue acoustique, j’utilise le pad échantillonneur SPD-SX de Roland et le logiciel Ableton Live comme déclencheur, mais je n’utilise pas de batterie hybride. J’utilise beaucoup la batterie électronique TD-30 de Roland parce qu’elle me permet d’arriver quelque part avec mon mix et je n’ai plus qu’à donner les 2 câbles d’un quart de pouce au technicien de son, ce qui lui rend la tâche plus facile. Je voudrais aussi préciser que je ne joue que du matériel original que je produis moi-même. »
« J’ai récolté beaucoup de succès avec cette chaîne et mes vidéos ont été visionnées à profusion. Je crois qu’elle est une des plus populaires chaînes au Canada avec autour de 5 millions de vues et 15 000 abonnés. J’y ai téléchargé des leçons et des vidéos de drum’n’bass de DJ Ydna Murd en concert. Ça m’a permis d’attirer l’attention d’entreprises comme les batteries Sonor, les cymbales Supernatural et les batteries électroniques de Roland avec qui je suis affilié depuis quelques années. » //
« La musique doit faire danser. Je veux que les gens s’amusent sur le plancher de danse et qu’ils ne restent pas plantés là à me regarder jouer de la batterie. J’aime ce qui est hard avec de la grosse basse et des rythmes bien charnus. »
www.drumgate.com www.youtube.com/jungleritter www.soundcloud.com/ydna-murd www.facebook.com/YdnaMurdDrumDJ
PEUX-TU NOUS EN DIRE PLUS SUR TA CHAÎNE YOUTUBE?
Daniel Bédard
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ralph angelillo
LIVING OFF HIS PASSION
PEOPLE KNOW YOU AS THE ARTISTIC DIRECTOR FOR THE MONTREAL DRUM FEST MORE THAN AS A MUSICIAN. TELL US ABOUT YOUR BEGINNINGS, HOW IT ALL HAPPENED. I was raised in Québec city in a family of musicians. My dad, Victor, was a double bass player and my 4 brothers are all musicians: 3 are bassists (John, Robert and Vic (who passed away in 2002)) and the youngest, Perry, is a drummer like myself. I’m a self-taught player and I started drumming at the age of 16. When I saw the American group “Johnny And The Hurricanes” (Red River Rock) at the Colisée de Québec, I was so impressed by their drummer that as soon as I got home, I built a drumset out of cardboard boxes and tried to imitate him. From that moment on, I knew I had a strong passion for that instrument. Then in 1962, at the age of 18, I met guitarists Denis Champoux and Claude Patry and we started the instrumental surf rock group, Les Mégatones. The band took off quite fast and after only six months together, we released our very first record “Voici Les Mégatones”. We had a different vibe, a “Fender” guitar and amp sound. There weren’t that many bands back then before the whole Beatles madness. In 1962-63, we sold over 25 000 albums! We were living the dream, recording three records in two years. We were playing instrumental rock on our albums, but we also had a couple of songs with vocals we would perform live. In 1964-65, we left on an American tour with six musicians including a second drummer, Réjean Careau. In 1966, sadly, we decided to call it quits but I always kept playing music. Between 1966 and 1990, I became a graphic designer for printing companies.
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Les Mégatones à la Citadelle, Québec en 1963
IS IT DURING THAT PERIOD THAT YOU DECIDED TO START YOUR OWN MAGAZINE?
HOW DID THE MONTREAL DRUM FEST COME TOGETHER?
Yes, during all those years in the printing business, I learned the art of putting together a magazine. At that time, I used to work mainly for tourist magazines. It’s in 1989 that I started my own, “Musicien Québécois”, from the drawing table in my basement. After having published three or four editions, I realized that I had the artistic side together but that I was missing the business and financial knack. It’s at that moment I met Serge Gamache, an accountant, and we decided to become partners. Using cinema analogy, Serge was the producer / financial adviser and I was the artistic director. Partnership in business is very important. We also had very good journalists and contributors. The financial aspect of the music business is not easy so you have to be passionate about it. Today, I still work partime for Drums Etc selling ads and writing about new products on the market.
In 1993, percussionist/teacher Luc Boivin invited me to his students’ graduation concert at UQAM (Université du Québec à Montréal). I was completely blown away by the quality of the show and by the sound of the Pierre-Mercure concert hall: it was perfect. The next day, I was renting the venue for the first Drum Fest . Serge Gamache liked the idea and we went ahead with the project. We were lucky enough to have two of our best clients backing the event: Yamaha Canada and Sabian cymbals. For the first edition of the festival, Yamaha Canada presented Dave Weckl, Paul Brochu, Pete Magadini and Paul DeLong. From Sabian, we had Dom Famularo among other artists. It was quite the lineup for a first edition. At that time, the technical director was the skillful Marc-André Tremblay and he had a major impact on the success of the festival. The Montreal Drum Fest has always been a major source of inspiration for music lovers and young drummers who can meet their idols at the venue.
ralph angelillo
VIVRE DE SA PASSION
LES GENS CONNAISSENT DAVANTAGE LE DIRECTEUR ARTISTIQUE DU DRUM FEST DE MONTRÉAL QUE LE MUSICIEN. PARLE-NOUS UN PEU DE TON PARCOURS. J’ai grandi dans la ville de Québec dans une famille de musiciens. Mon père Victor était contrebassiste, trois de mes quatre frères, bassistes (John, Robert, Vic [décédé en 2002]), et le dernier, Perry, est batteur. Je suis autodidacte et j’ai commencé à jouer de la batterie à l’âge de 16 ans. En voyant le groupe américain « Johnny and the Hurricanes » (Red River Rock) au Colisée de Québec en 1959, j’ai été tellement impressionné par le batteur qu’en rentrant chez moi, j’ai monté une batterie en carton pour essayer de jouer comme lui. À partir de ce moment, j’ai vite compris ma passion pour cet instrument. En 1962, à l’âge de 18 ans, j’ai rencontré les guitaristes Denis Champoux et Claude Patry et nous avons formé le groupe de rock instrumental surf « Les Mégatones ». Ce projet est allé à une vitesse incroyable : nous avons enregistré le premier 33 tours « Voici les Mégatones » six mois après la formation du groupe! Nous avions un son « Fender » différent. Il n’y avait pas beaucoup de groupes à cette époque « avant Beatles ». En 1962-63, nous avons vendu 25 000 albums! Nous vivions un rêve. Nous avons enregistré trois albums en deux ans. Sur nos albums, on jouait du rock instrumental, mais en tournée, nous avions quelques pièces chantées. En 1964-65, nous sommes partis en tournée américaine avec 6 musiciens, dont un deuxième batteur, Réjean Careau. En 1966, nous mettions malheureusement fin au groupe. Cependant, j’ai toujours continué à faire de la musique. Entre 1966 et 1990, je suis devenu graphiste dans le milieu de l’imprimerie.
C’EST À CE MOMENT-LÀ QUE TU AS DÉCIDÉ DE LANCER LE MAGAZINE? Oui, pendant toutes ces années dans l’imprimerie, j’ai appris comment « monter » un magazine. À cette époque, je travaillais surtout pour des magazines touristiques. C’est en 1989 que j’ai « monté » le magazine « Musicien
Les Mégatones 1963 Jean Poiré, Michel Roy, Ralph Angelillo, Denis Champoux, Claude Patry
Québécois » dans mon sous-sol sur une table à dessin. Après la publication de trois ou quatre numéros, étant graphiste, j’avais le côté artistique et visionnaire, mais il me manquait le côté business et finances. C’est à ce moment-là que j’ai rencontré Serge Gamache, comptable, et nous sommes devenus associés. Si l’on fait l’analogie avec le cinéma, Serge est un peu le producteur, et moi, le réalisateur. Le partenariat en affaires est très important. Nous avions de bons journalistes et collaborateurs. La musique est une industrie qui n’est pas évidente du point de vue financier, mais il faut y croire et avoir beaucoup de passion. Aujourd’hui, je fais toujours la vente de publicité et la chronique de nouveaux produits dans le magazine « Drums Etc ».
COMMENT EST NÉE L’IDÉE DU DRUM FEST DE MONTRÉAL? En 1993, le percussionniste Luc Boivin m’a invité à un spectacle de finissants lorsqu’il était enseignant à l’Université du Québec à Montréal (UQAM). J’ai été ébloui par la qualité du spectacle et du son de la salle PierreMercure : tout y était. Dès le lendemain, je louais la salle pour le premier festival et je le proposais à Serge Gamache. C’était vraiment encourageant d’être soutenu par deux de nos meilleurs clients, soit Yamaha Canada et Sabian. Pour ce premier festival, Yamaha Canada a présenté Dave Weckl, Paul Brochu, Pete Magadini et Paul DeLong. octobre
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Photo: Louis Arthur DID YOU THINK IT WOULD BECOME THAT PRESTIGIOUS? Quite honestly, we were getting a lot of positive feedback and it was already a big success, the second edition in 1994. Our technical team is at the core of this success. The Montreal Drum Fest has been 21 years of pure joy. The event had become much bigger than us.
HAVE YOU BEEN THINKING ABOUT A FOLLOW UP? Yes, absolutely. I am presenting a new drum festival in Québec city in October 2016. I just moved back to my hometown and realized that musicians are very passionate here, and they love live shows. It will be a major event and it will attract people from everywhere. The new drum festival will be held on October 22nd and 23rd at the Raoul-Jobin concert hall of the Palais Montcalm in historic Old Québec. This venue can hold over 800 people and has amazing acoustics. Our technical director for the last few years in Montreal, Marc St-Laurent, will be helping me with his team which includes the best drum techs in the world. The event will be called The Ralph Angelillo International Drum Fest. Don’t miss it!
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FOR SOMEBODY LIKE YOU WHO’S BEEN IN THE MUSIC BUSINESS FOR A LONG TIME, HOW DO YOU SEE ITS FUTURE? It’s difficult to tell as I’ve seen the instrument sales go down due to the recession, but I’m optimistic about the future. In my opinion, the solution is to adapt to the changing environment by rethinking new marketing strategies. Drumming students will also have to adapt to these changes but we must never give up our craft.
WHAT WOULD YOU WANT PEOPLE TO REMEMBER YOU FOR? First of all, I am an avid music lover and a simple and accessible guy. I would like people to remember me as a devoted person who works and lives with passion and love. When people thank me for my work, it warms my heart. //
I would like to take this opportunity to thank Serge and Sofi Gamache who both helped me a lot during those numerous years. Without them, I never could have done it all. I would also like to thank everyone in the music business who encouraged me during all those years. My involvement in the business allowed me to meet many extraordinary artists and musicians. A short message to young musicians and students: you are to me an important source of inspiration! Keep making music, it’s what life is all about!
Photo: Jim Angelillo Montréal Drum Fest, 2013
Du côté de Sabian, nous avons reçu, entre autres, Dom Famularo. Pour une première année, c’était plutôt pas mal. À cette époque, le directeur technique était Marc-André Tremblay; il a contribué énormément au succès du festival. Le Drum Fest de Montréal est une grande source d’inspiration pour les mélomanes et les jeunes batteurs qui ont la chance de rencontrer leurs idoles sur place.
EST-CE QUE TU PENSAIS QUE ÇA DEVIENDRAIT UN DES PLUS PRESTIGIEUX FESTIVALS DE BATTERIE? Honnêtement, dès la deuxième année en 1994, les commentaires étaient des plus élogieux et le succès, déjà au rendez-vous. Notre succès reposait sur notre équipe de professionnels. Le Drum Fest de Montréal représente 21 années de joie! L’évènement était devenu bien plus gros que nous!
Marc St-Laurent, directeur technique au Drum Fest de Montréal depuis quelques années, viendra m’épauler avec une équipe formidable incluant les meilleurs drum techs de la planète! Le nom du festival : Drum Fest International Ralph Angelillo. C’est un rendez-vous!
TOI QUI ES DANS L’INDUSTRIE DEPUIS LONGTEMPS, COMMENT VOIS-TU L’AVENIR? C’est difficile à prédire, car pendant les trois ou quatre dernières années, j’ai vu un ralentissement des ventes d’instruments dû à la récession, mais je suis optimiste pour le futur. À mon avis, il faut s’adapter au changement en utilisant de nouvelles sources de marketing. Les étudiants aussi devront s’adapter et évoluer, mais il ne faut surtout pas abandonner.
QUE VOUDRAIS-TU QUE LES GENS RETIENNENT DE TOI? PRÉVOIS-TU UNE SUITE? Oui, absolument. Je vais produire un nouveau festival pour batteurs, à Québec, en octobre 2016. Je suis revenu dans ma ville natale et j’ai découvert ici des musiciens passionnés et amateurs de spectacles. Ce sera un festival majeur qui va attirer des gens de partout. L’évènement aura lieu les 22 et 23 octobre 2016 à la salle Raoul-Jobin du Palais Montcalm situé dans le Vieux-Québec. Cette salle de spectacle compte environ 800 places et sa sonorité est à couper le souffle.
Avant tout, je suis un fervent mélomane; un gars simple et accessible. J’aimerais qu’on reconnaisse mon engagement, mon amour et ma passion pour le travail. Quand les gens me remercient pour mon travail, ça me fait chaud au cœur! //
Je profite de cette entrevue pour remercier Serge et Sofi Gamache qui m’ont aidé et épaulé au cours de ces nombreuses années. Sans eux, je n’aurais jamais réussi à faire tout ça. Je remercie aussi les gens de l’industrie de la musique de m’avoir encouragé pendant toutes ces années. Mon implication m’a permis de faire la rencontre d’artistes et de musiciens extraordinaires. Un petit message pour les jeunes musiciens et étudiants : vous êtes pour moi une source d’inspiration! Continuer de faire de la musique, c’est la vie!
Daniel Bédard
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JEFF SALEM
FILLING UP THE BASEMENT
MEUBLER LE SOUS-SOL
Part 2
2e partie
Greetings fellow drummers, I hope most of you had a chance to explore the exercises in the last issue. To recap, the idea was basically to apply double bass rhythms to many other styles and grooves that normally wouldn’t have double bass written in them. The idea of this was to create some interesting melodic and unique double bass grooves influenced by many world styles. Part one explored ideas using 8th and 16th note patterns.
J’espère que vous avez eu la chance d’explorer les exercices que je vous proposais dans la dernière édition! En bref, l’intention était d’appliquer des rythmes de double grosses caisses à des styles et des grooves qui n’en possèderaient pas normalement afin de leur donner des airs de musique du monde. Cette première partie présentait des motifs avec des croches et des doubles croches.
In this issue, we will take a look at grooves and styles based on a triplet feel. Most drummers who start learning to play double bass will find triplet based grooves a little more challenging. The reason for this is when playing alternating strokes on the bass drum leading with your right foot, beats 1 and 3 will be played with the right foot while 2 and 4 with the left. When playing alternating strokes in a 16th feel leading with the right foot, beats 1,2,3,4 (all the downbeats) are played with the right foot. Much easier.
Dans la deuxième partie de l’article, nous allons aborder des grooves et des styles en triolets. Pour la plupart des batteurs qui commencent à jouer de la double grosse caisse, les grooves en triolets sont un défi lorsque vous frappez en alternance avec un pied droit dominant sur les rythmes 1 et 3, tandis que le gauche frappe le 2 et le 4. Pour vous faciliter la tâche, jouer les doubles croches avec le pied droit dominant sur les rythmes 1,2,3,4 (tous les temps frappés).
I recommend before exploring these grooves below to start by just playing alternate 8th note triplets with your feet slowly starting at 80 Beats Per Minute (B.P.M.) just to get the feel of this rhythm and flow of the notes in the bar.
Avant d’explorer les grooves proposés à côté, je vous conseille de commencer doucement à jouer des triolets de croches en alternance avec vos pieds à 80 battements par minute (B.P.M.) afin de prendre le rythme et de sentir la fluidité des notes dans la mesure.
Example 1A shows a typical jazz ride cymbal pattern with a two feel. Hihat foot plays on beats 2 and 4. Bass is on beats 1 and 3. At first leave the snare out and start slow say 80 B.P.M. Play 4 bars of this and then try to go into example 1B keeping the ride pattern the same but adding double bass below (Filling up the basement). Alternate 4 bars at a time focusing on a smooth transition from one pattern to the next. Once you are comfortable bring in the snare pattern. Notice on the double bass example I have changed the voicing of the ride cymbal to be played either on the bell of the ride or a Chinese cymbal and I have orchestrated the snare part around the kit. This is a really neat melodic double groove. Another great exercise is to play 1A 4 bars at 120-180 B.P.M. at a quiet volume say mezzo piano or piano then once you switch to 1B kick it into forte or fortissimo. This is a great way to work on your dynamic control.
L’exemple 1A présente un motif de jazz typique en rythme binaire sur la ride. Le pied sur la Charleston joue sur les rythmes 2 et 4. On retrouve la grosse caisse sur les rythmes 1 et 3. Au début, oubliez la caisse claire et jouez à environ 80 B.P.M.. Jouez les 4 mesures avant d’attaquer l’exemple 1B en gardant le même motif sur la ride tout en « meublant le soussol » avec la double grosse caisse. Alternez les 4 mesures en effectuant les transitions tout en douceur entre les motifs. Une fois que vous êtes à l’aise, faites entrer la caisse claire. Remarquez que sur l’exemple de la double grosse caisse, j’ai changé la ride pour la cloche ou une china et j’ai transféré la partition pour la caisse claire sur l’ensemble de la batterie, ce qui donne un groove très mélodique. Un autre bon exercice est de jouer l’exemple 1A en 4 mesures à 120-180 B.P.M. En mezzo piano ou piano pour ensuite revenir à l’exemple 1B en forte ou fortissimo. Voilà une excellente façon de travailler votre maîtrise des nuances.
Example 2A takes a look at a traditional Afro Cuban Nanigo groove with the bell emphasizing the 6/8 clave. Note that I wrote this groove in 4/4 as traditionally we would see it written in 6/8. Check out the tune “Alafia” by Poncho Sanchez to hear this type of groove if you are not so familiar with this style of music. As we kick into the double bass idea, I replaced the cross stick with a snare note as well as using the cowbell. This groove sounds great between tempos 130-160 B.P.M.
L’exemple 2A explore un groove Nanigo afro-cubain traditionnel avec la cloche qui met l’accent sur la clave en 6/8. Notez que je l’ai écrit en 4/4, mais qu’on le voit habituellement écrit en 6/8. Si ce genre de musique ne vous est pas familier, écoutez la chanson « Alafia » de Poncho Sanchez.
3A is another unique Afro Cuban idea. Again these are great exercises to practice playing 4 bars of the traditional groove quietly then kick it up a notch when you go into double bass. 4A is a cool Reggae One Drop idea. Listen to some Bob Marley if you are not too familiar with this type of feel and groove. Songs like “One Drop” or “Lively Up Yourself” are great to hear this feel as well as “A Who Responsible” or “Ravers” by Steel Pulse. 14
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En même temps que la double grosse caisse, le cross-stick est remplacé par la caisse claire et la cloche à vache. Ce groove est au mieux à 130-160 B.P.M.. L’exemple 3A est un autre rythme afro-cubain. Encore une fois, ce sont de très bons exercices à jouer en douceur avec les 4 mesures de groove traditionnel avant d’augmenter le volume un brin avec le transfert à la double grosse caisse. Le 4A est une idée originale pour jouer du reggae de style « One Drop ». Écoutez du Bob Marley si vous n’êtes pas familier avec ce genre de musique. Des chansons comme « One Drop » ou « Lively Up Yourself » en sont de bons exemples, ou encore « A Who
rum Set
Responsible » et « Ravers » de Steel Pulse.
In 4B I have replaced the cross stick with the snare and toms. The syncopated triplets on the beginning of bar two sound great on a Chinese cymbal or splash. Practice all these
En 4B, j’ai remplacé le cross-stick par la caisse claire et les toms. Les triolets syncopés au début de la deuxième mesure sont merveilleux lorsque joués sur une china ou une splash. Pratiquez tous ces exercices lentement avec un métronome et faites vos propres orchestrations.
exercises slowly with a metronome and experiment with your own orchestrational ideas. Another cool bass drum variation is applying pattern (a) which was a pattern I first heard and saw the amazing Dennis Chambers lay down under a groove and solo. The left foot plays on both pedals the hihat and left double pedal. The pattern goes LRR. If you are left-handed just play the opposite RLL.
Pour une autre variante sur la grosse caisse, appliquez le motif (a) (que j’ai entendu pour la première fois lors d’un solo de Dennis Chambers). Le pied gauche joue à la fois sur la pédale de la Charleston et sur la pédale de gauche de la double grosse caisse. Le motif va ainsi : GDD. Si vous êtes gaucher, vous n’avez qu’à jouer à l’envers : DGG.
This idea works well as a replacement for all the above exercises. We are still playing triplets throughout the bar but there is a different feel to this and a nice touch having the hihat playing the down beats. Practice this foot pattern alone very slowly until you get your balance. Once you feel good with that, just add quarter notes on the ride and the snare on beat 2 and 4. Once you can keep a nice steady groove with this, start exploring the above exercises. Take your time with all the above and strive for consistency, tightness (no flaming) and most important relaxation and have fun. //
Cette dernière idée fonctionne bien en remplacement de tous les exercices mentionnés plus haut. Vous devez encore jouer des triolets pendant toute la mesure, mais le senti est différent et la Charleston sur les coups frappés ajoute un petit quelque chose. Répétez ce motif très lentement avec les pieds jusqu’à ce que vous trouviez l’équilibre. Une fois que ça devient naturel, ajoutez des noires sur les rythmes 2 et 4 sur la ride et la caisse claire. Une fois que vous arrivez à garder un groove constant, commencez à explorer les rythmes plus haut. Prenez votre temps avec chacun d’entre eux et recherchez la constance, la rigueur et surtout, détendez-vous et ayez du plaisir. //
Jeff Salem is a freelance musician, educator and clinician. www.drumsinu.com www.salemdrum.com www.jsmusicstudio.com www.drumkitmethod.com
Jeff Salem est un musicien indépendant qui donne des cours et des ateliers.
Filling up the basement 2 Tom 1
Drum Key
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Tom 2 Cross Stick Snare
œ
Bass Drum 1
œ
œ
f
Tom 3
œ
x
x
Cowbell Chinese or Ride Bell
x
1
x
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Fill up the basement (Add Double Bass)
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1A
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3
3
3
3
3
1B
3
3
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3
3
3
Adding Double Bass
Afro Cuban Ideas 3
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2A D. S.
Splash
Hihat (foot)
Jazz Idea
D. S.
Ride
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x
Bass Drum 2
Hi-Hat
Jeff Salem
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2B
3
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Adding Double Bass 3A D. S.
3B
3
3
3
3
o > 3 + 3 > 3 3 x ‰ x x ‰ x x ‰ x x ‰ x f f ã .. x œ Œ Œ
Reggae Idea 4A D. S.
3
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3
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Adding Double Bass 4B D. S.
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Bass Drum Variation D. S.
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AUBREY DALE
NERVEUX ? Quand David Letterman a dit « Please welcome John Popper… John! », c’était le signal pour que je mette la musique en branle! J’étais sur scène, au Ed Sullivan Theater à New York, en compagnie du John Popper Band et du groupe de Paul Shaffer (en l’absence du batteur Anton Fig, mais avec Will Lee aux voix et au tambour) et nous entamions une version de la pièce Miserable Bastard parue sur le premier CD solo de John. Imaginez! Je jouais au Late Night with David Letterman Show et je n’étais pas si nerveux! Mais vous auriez dû me voir le jour précédent! Voici la vidéo : http://tinyurl.com/pmc2kz6
NERVOUS? “Please welcome John Popper… John!” That was what David Letterman said as a cue for me to count the band off. I was on stage, at The Ed Sullivan Theater in New York City, with the John Popper Band and Paul Shaffer’s group (minus drummer Anton Fig and with Will Lee on Tambourine and background vocals), and we were about to launch into a version of ‘Miserable Bastard’ from John’s first solo CD. I was actually playing a taping of the famous “Late Night with David Letterman show” and for some reason I wasn’t exactly nervous! However, I was extremely nervous the entire day before that moment. Check out Letterman here: http://tinyurl.com/pmc2kz6
Everyone gets nervous before they do something out of the ordinary, and that nervousness can come with negative outcomes. This is especially true in the case of performers, and in our case, musicians and drummers. You have probably felt this way yourself. I have had sweaty palms, shaky hands, a constant feeling of distress and, in some cases, a total memory lapse as I performed. I’m sure all of you can relate to these symptoms at some level. Succumbing to nervousness can truly be demoralizing. Here are a few things I do, and did, to overcome the kind of nervousness that I felt on the day of the Letterman Show taping. I found that we are much less nervous, or afraid, if we generally feel strong and healthy. Therefore, I try my best to eat as well I can, as a given situation permits, and I make sure to drink plenty of water. I know that often it isn’t easy to do this for a myriad of reasons, but I try to make a healthy diet and staying hydrated a part of my life. The other thing I try to do is light exercise such as push-ups, squats, crunches, and a stretching routine a couple of hours before a performance; again when the situation permits. The second thing we need to reduce stress and nervousness is confidence. I find a great deal of confidence in myself when I acknowledge the fact that I have prepared extensively for the performance. I remind myself that I have practiced my instrument for many hours over a span of weeks, months, and years. I find comfort in the knowledge that I am as good as I can be at that moment and I don’t focus on my shortcomings as a musician. I also acknowledge the fact that I have rehearsed with the group with whom I will be performing. 16
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I know this isn’t always the case, but it absolutely makes a difference when you have played the music with a group at length. The John Popper Band had played several shows on that tour for three weeks prior the Letterman show performance. When I was studying percussion at McGill University with Pierre Béluse, he helped me understand the value of mental practice away from the instrument as a great way to reinforce percussive performance concepts. I also found this to be a great tool for reducing nervousness. The process of going through the material and visualizing the physical mechanics of executing the music in my mind is quite challenging. As I start going through each section, I become more confident in how well I know the music and my stress converts from nervous fear to excitement. It also helps me get into a state of focus and concentration. Another psychological approach I use to counter nervousness is reminding myself of some performance triumphs in my past. I think about how I was able to overcome a technical challenge or how I won an audition for a group or a school that I wanted to attend. I especially think of a show that went exceptionally well. Lastly, I try to remind myself that performing is fun! It is not a competition and I am not about to face a grave situation. I try to think of why I started playing the drums in the first place and how much I love it. Stay cool! //
Tout le monde est nerveux avant de faire quelque chose qui sort de l’ordinaire et cette nervosité peut avoir des effets négatifs. C’est particulièrement vrai dans le cas des artistes de scène comme nous, les musiciens et les batteurs. Vous avez sûrement déjà ressenti ça. Pour ma part, ça se traduit en paumes humides, mains tremblotantes, sentiment de détresse constant et dans certains cas, en une perte de mémoire totale en plein milieu d’une performance. Je suis certain que vous reconnaissez tous ces symptômes à des degrés différents. Succomber à la nervosité peut être très débilitant. Voici donc quelques trucs que j’ai appris et que je tente d’appliquer lorsque j’ai un contrat comme celui du David Letterman Show. Tout d’abord, nous avons tous tendance à être moins nerveux ou intimidés lorsque nous sommes forts et en santé. Pour cette raison, j’essaie de manger du mieux que je peux et je m’assure de boire beaucoup d’eau. Pour plusieurs raisons, ce n’est pas toujours facile, mais une bonne alimentation et une bonne hydratation doivent figurer sur notre liste de priorités. J’essaie aussi de faire des exercices tels que des pompes, des redressements assis, des squats et des étirements quelques heures avant un spectacle, lorsque la situation le permet, bien sûr. Nous avons également besoin de confiance pour réduire le stress et la nervosité. Je reprends confiance quand je me rappelle que je me suis préparé intensément pour un concert. Je dois parfois me rappeler que j’ai répété plusieurs heures par jour, durant des semaines, voire des mois et des années. Je me réconforte en sachant que je suis aussi compétent que je peux l’être dans l’instant présent et j’évite de mettre l’accent sur mes
lacunes en tant que musicien. Je prends aussi note que j’ai répété avec le groupe avec qui je serai sur scène. Ce n’est pas toujours le cas, mais lorsque vous jouez avec un groupe avec qui vous avez eu la chance de répéter, ça fait une différence. J’avais déjà fait trois semaines de tournée avec le John Popper Band lorsque nous avons fait le Letterman Show. Quand j’étudiais les percussions à l’université McGill avec Pierre Béluse, il m’avait fait découvrir l’importance de la répétition mentale en tant qu’outil de renforcement de la performance. C’est aussi une bonne technique pour réduire la nervosité. Il n’est pas toujours évident de faire les exercices de révision mentale du matériel et de visualisation de la mécanique physique de la musique, mais à mesure que vous passez à travers les différentes sections, vous prenez confiance. Vous pouvez constater à quel point vous connaissez la musique et la fébrilité qui vient avec le stress se transforme en excitation. Ça aide aussi à trouver une grande concentration. J’utilise une autre approche psychologique pour contrer la nervosité : je me rappelle les concerts triomphaux auxquels j’ai participé dans le passé. Je pense également à un défi technique que j’ai surmonté ou au fait que j’ai été sélectionné pour jouer avec un groupe ou pour aller à une école qui me plaisait. Enfin, j’essaie de me rappeler que de jouer de la musique est d’abord amusant! Que ce n’est ni une compétition ni une situation de vie ou de mort! Je pense à ce qui m’a amené à jouer de la batterie au départ et à combien j’aime ce que je fais! Ça aide à rester zen! //
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CHRIS LESSO
TIME TIME = GROOVE! Time is the fabric between our rhythm and pulse. Let’s go into two essential tools for creating good time: subdivisions and space. (To get deeper into this concept, check out Benny Greb’s new DVD ’The Art And Science Of Groove’, or Victor Wooten’s book ‘The Music Lesson’!)
Subdivisions is the ‘stuff’ between the pulse, the ingredients of rhythm! The GRID. A week is a grid of 7 days, and day a grid of 24 hours, we use grids all the time. Let’s look at Joe Morello’s Table of Time in the classic ‘Master Studies’ book. We need a way to speak the rhythms, because if we can say it, we can play it! Your voice is your secret weapon as a drummer. Counting ‘1234567..’ etc will just not work, it doesn’t flow. Two tools I use are the ‘Not Quite Doubled’ counting system, and Konnokol, rhythmic spoken syllables used in Indian music. With both methods we will be able to play legato musically, with very little effort. I was able to use both of these techniques to figure out the infamous drum solo ‘The Black Page’ by Frank Zappa. These tools were invaluable, I don’t know if I would have had it otherwise! I needed to speak, then feel the rhythms and subdivisions before they were in my hands. Remember: Brain to Voice to Muscles. ‘Not Quite Doubled’ is a way to count any odd number, adding the ands and ‘almost’ cutting it in half. We will now count 5 as ‘1 & 2 & 3’, 7 as ‘1 & 2 & 3 & 4’, and 9 as ‘1 & 2 & 3 & 4 & 5’, and so on. All of a sudden we can hear, feel, and most importantly speak all the subdivisions on the Table of Time. With Konnokol, instead of numbers we will use rhythmic syllables. There are many different ways to do this, India is a huge country with a vast and fascinating musical history! So we will use simplicity to get to our goals quickly. In Konnokol ‘Ta-Ka-Di-Mi’ is 4, ‘Ta-Ki-Ta’ is 3, and ‘Ta-Ka’ is 2. 8 would be 4 + 4, 7 would be 4 + 3 (or 3 + 4), 6 is 3 + 3, 5 is 2 + 3 (or 3 + 2) and so on. Move these phrases to the drumset and see what you come up with! The best players always have teachers and coaches, so if you would like to go further into this fascinating study of rhythm, be sure to find a mentor that inspires you. My own personal journey took me to spending some time traveling to India and having incredible experiences learning at the source. The training never stops!
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LE TEMPS Le temps, c’est le groove! Le temps est le tissu qui lie le rythme avec la mesure. Il existe deux outils essentiels pour créer le temps : les subdivisions et l’espace (pour explorer le concept en profondeur, regarder le nouveau DVD de Benny Greb » The Art And Science Of Groove’, ou lisez ‘The Music Lesson’ de Victor Wooten!)
La mesure se compose des subdivisions qui sont les ingrédients du rythme! Les subdivisions forment une « grille », un peu comme la grille horaire de la semaine qui compte 7 jours et celle d’une journée qui compte 24 heures. On utilise les grilles dans la vie de tous les jours. À ce sujet, allez voir la table du temps de Joe Morello issue du livre « Master Studies ».
SPACE Music is created from the space between the notes! My game changing moment was studying with Jim Blackey. The first thing he asks many of his students to play is quarter notes on the ride cymbal, while singing it out loud (‘ding’… ‘ding’) for 10 minutes straight at 40bpm! At first your ‘monkey mind’ is going crazy; ‘why do I have to do this, this is boring’, etc. But if you can make it through, your awareness of space will grow. Authority and confidence flows through the pulse in your groove. Remember, ‘slow is smooth, and smooth is fast.’ The feel of time is also going to come from how you are moving in that space. What is your body doing? Drummers rock their knees, move their shoulders, bob their heads. Drumming is a dance! How you move in the space between the notes, will create or kill your groove. Stay loose and relaxed! This is one of the great benefits of learning the Moeller Stroke. The space between the notes becomes a dance, a curved line you can control, allowing your personal voice to shine. There are no straight lines in nature, so you don’t want to be a ‘cave man’ striking the drum stiffly. You must find your ‘drummer’s dance’, and your groove will come out like your own unique fingerprint. Breathing is the rhythm of life! This can be a great way to physically feel the space between the notes, while staying centered, strong, and relaxed. So many drummers hold their breath or shallow breathe, which will make you anxious and rush. Lack of breathing is a lack of groove. Breathe deeply and enjoy the moment! LTR: The ‘Life Through Rhythm’ Concept “Give me six hours to chop down a tree and I will spend the first four sharpening the axe.” Abraham Lincoln. Timing is everything! I look at this as everything from time management, punctuality, and having great timing in life! This is also about taking the time to forge your skills, and go for excellence in all you do. You have your best timing when you listen to your intuition, and when you are over prepared. Practice hard, don’t waste time, and enjoy every moment having fun playing drums. //
Pour aborder les subdivisions, il vous faut tout d’abord trouver une manière de verbaliser les rythmes parce que si vous pouvez dire les rythmes à voix haute, vous pouvez les jouer. En tant que batteur, votre voix est votre arme secrète. Il ne s’agit pas là de compter « 1 234 567... ». Il faut apprendre à compter autrement. Pour ma part, j’utilise le système « Not Quite Doubled » de Mike Mangini et le Konnakol, des syllabes rythmiques vocales utilisées en musique indienne. Avec ces deux méthodes, nous pouvons jouer un legato de façon musicale avec un minimum d’efforts.
L’espace entre les notes est ce qui crée la musique! Dans ce domaine, étudier avec Jim Blackey a changé ma vie! La première chose qu’il demande habituellement à ses étudiants est de jouer des noires sur la ride en chantant à voix haute (ding, ding...) pendant 10 minutes à 40 bpm! Au début, vous restez perplexe (pourquoi nous fait-il faire ça? Qu’est-ce que ça va donner? Etc.). En persistant, vous gagnez une meilleure conception de l’espace. Votre autorité et votre confiance se traduisent dans la mesure de votre groove. Et rappelezvous : ‘la lenteur permet une régularité qui permet à son tour la rapidité’.
J’ai utilisé ces deux techniques pour décortiquer le célèbre solo de batterie « The Black Page » de Frank Zappa. Ces outils m’ont été très précieux et je n’y serais pas arrivé sans eux! J’avais besoin de verbaliser les rythmes et de ressentir les rythmes et les subdivisions avant même d’attraper mes baguettes. Le principe repose sur cette séquence : cerveau, voix, muscles. La technique « Not Quite Doubled » aide à compter les chiffres impairs en ajoutant le « et », ce qui réduit le décompte pratiquement de moitié. Vous comptez 5 en disant « 1 & 2 & 3’ et 7, “1 & 2 & 3 & 4’ et 9, ‘1 & 2 & 3 & 4 & 5’ et ainsi de suite. De cette façon, vous pourrez entendre, ressentir et surtout verbaliser toutes les subdivisions sur la table du temps.
La notion du temps vient aussi de la façon dont vous bougez dans cet espace. Que fait votre corps? Les batteurs bougent souvent les genoux, les épaules, ainsi que leur tête. Jouer de la batterie est une danse en soi! La façon dont vous bougez dans l’espace entre les notes peut créer ou tuer votre groove! Restez souple et décontracté! Voilà un des grands avantages de la technique Moeller. L’espace entre les notes devient une danse, une ligne courbe que vous pouvez contrôler, permettant à votre voix de rayonner. Dans la nature, il n’existe pas de ligne droite, alors vous ne voulez pas frapper vos peaux de façon rigide comme un homme des cavernes. Lorsque vous trouverez votre manière de bouger, votre groove aura une signature encore plus personnelle.
La méthode Konnakol remplace les chiffres par des syllabes rythmiques. Il existe plusieurs variantes, puisque l’Inde est un vaste pays avec une histoire musicale fascinante, mais nous nous en tiendrons à la plus simple pour arriver à nos fins plus rapidement. Dans la méthode Konnakol, ‘Ta-Ka-Di-Mi’ représente le 4, ‘Ta-Ki-Ta’, le 3 et ‘Ta-Ka », le 2. Le chiffre 8 devient donc 4 + 4, le 7, 4 + 3 (ou 3 + 4), le 6, 3 + 3 et le 5, 2 + 3 (ou 3 + 2) et ainsi de suite. Transposez ces syllabes à la batterie et voyez ce que ça donne! Il y a toujours des enseignants et des guides derrière les meilleurs batteurs, alors si vous voulez pousser cette fascinante étude du rythme plus loin, assurez-vous de trouver un mentor qui vous inspire. Pour ma part, j’ai eu la chance de passer du temps en Inde et de vivre des expériences incroyables en allant à la source. N’hésitez pas à plonger pour apprendre! remo_p77_laboriel-drumsetc_0115-hp.pdf
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La respiration est le rythme de la vie! C’est une excellente façon de ressentir physiquement l’espace entre les notes et de rester concentrés, solides et détendus. Beaucoup de batteurs retiennent leur souffle ou respirent de façon superficielle, ce qui peut rendre anxieux ou impatient. Une mauvaise respiration est un manque de groove. Respirez profondément et appréciez le moment présent! ‘Si j’avais six heures pour abattre un arbre, je passerais les quatre premières à effiler ma hache’, disait Abraham Lincoln. Le concept de vie à travers le rythme (LTR: Life Through Rhythm) suggère d’avoir une bonne gestion du temps, une bonne synchronisation et d’être ponctuel dans la vie de tous les jours! Ce qui veut aussi dire qu’il faut prendre le temps de forger ses compétences et de viser l’excellence dans tout. Timing is everything ! Votre timing est au zénith quand vous écoutez votre intuition et lorsque vous vous êtes préparés plus qu’il n’en faut. Répétez intensément, ne perdez pas votre temps et AMappréciez chaque moment que vous passez à jouer de la batterie! //
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STÉPHANE CHAMBERLAND the mystery of
le mystère derrière les
drum solos grands solos great musical de batterie It’s always a challenge to answer the question; “how can I build a great drum solo?” I remember the first time my students asked, I was questioning myself, trying to explain something that isn’t concrete. I came up with some ideas to share with you that are common things we find in the most effective and musical drum solos. With the popularity of drum clinics, students are often exposed to amazing soloists. This is not a surprise knowing that the drum set is not only a tremendous instrument to accompany others but also to express ourselves through a solo. With four limbs and so many drums, cymbals, pedals and bells around us, it is really exciting but it can also be overwhelming to think about playing a solo.
« Comment créer un bon solo de batterie? » La première fois que mes étudiants m'ont posé la question, je me suis interrogé et j'ai essayé d'expliquer quelque chose qui n'a rien de concret. Ce fut un réel défi. Par contre, il est vrai que les solos de batterie les plus efficaces et musicaux ont tous quelques notions en commun que je vais tenter de partager avec vous. Avec la popularité des ateliers de batterie, les étudiants sont souvent exposés à des solistes remarquables, ce qui n’est pas une surprise sachant que la batterie est non seulement un instrument formidable pour accompagner les autres, mais aussi pour s’exprimer à travers un solo. Comme nous jouons avec nos quatre membres sur un vaste choix de tambours, de cymbales, de pédales et de cloches, jouer un solo peut être à la fois palpitant et intimidant.
RANGE OF EXPRESSION AND TECHNIQUE
TOUTE UNE GAMME D’EXPRESSIONS ET DE TECHNIQUES
Being musical is a very broad topic. The way I see it is that if you create a bridge between the common characteristics of music and your solo, you will be on the right track. Start by thinking about the range of expression from the great book It’s Your Move by Dom Famularo. Explore the differences between fast and slow, as well as loud and soft. Dynamics are so important in how you express yourself on the drum set. Remember that playing louder doesn’t mean playing faster. Your technique will be directly related to your ability to express yourself without any limitation. I would recommend finding a great teacher that will first assist you with your technique. Open up the possibilities by allowing your hands and feet to work without any tension or stress.
Trouver le bon filon musical peut être complexe. Mais si vous réussissez à créer un pont entre les caractéristiques musicales d'une pièce et votre solo, vous êtes sur la bonne voie. Pensez à toute la gamme d'expressions qu'on retrouve dans le livre It’s Your Move de Dom Famularo. Explorez les différences entre rapidité et lenteur, haut volume et bas volume. Les nuances s'avèrent déterminantes lorsque vous vous exprimez sur la batterie. Et rappelezvous : ce n’est pas parce que vous jouez fort que vous devez jouer vite. Votre capacité de vous exprimer est directement liée à votre technique. Je vous conseille donc de trouver un enseignant qui vous guidera afin de multiplier les possibilités et permettre à vos mains et à vos jambes de bouger plus librement.
FORMS In all styles of music, we use mathematics to organize and structure the form that will serve a road map for the musicians in the band. For example, in jazz we commonly use two popular forms: the blues and the standard. The blues has 12 bars and the standard has 32 bars (A-A-B-A). In pop music we call the forms by different names like verse, pre-chorus, chorus and bridge. Try to practice playing in form. You may want to sing a song that you already know and play something that goes with the melody you are singing. Create different themes that will support your ideas. Think more about the spaces between the notes during the phrasing. It’s better to play simply with a melody and a form in your head than to play very complex patterns without order and structure.
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LA FORME Dans tous les styles de musique, on a recours aux mathématiques pour organiser et structurer la forme qui sert de direction pour les autres musiciens du groupe. En jazz par exemple, deux formes populaires sont utilisées : le blues et le standard. Le blues comprend 12 mesures et le standard, 32 (A-A-B-A). Dans la musique populaire, les formes se nomment couplet, prérefrain, refrain et pont. Exercez-vous à jouer avec la forme. Fredonnez une chanson que vous connaissez bien et jouez quelque chose sur la mélodie. Créez des thèmes différents pour appuyer vos idées. Pensez aux espaces entre les notes dans le phrasé et rappelez-vous qu'il vaut mieux jouer simplement avec une mélodie et une forme que de jouer des motifs très complexes sans ordre ni structure.
CLIMAX
LE CLIMAX
The intensity of your solo is crucial in transmitting your emotions to the audience. It’s really important to create a progression in your playing. Start by using only two drums and play as many ideas on those drums as you can. Your cymbals could also be treated like a snare drum; try playing rudiments on them. I love to start by playing a repetitive pattern on the snare and then on the hi-hats. Be aware of the short and long notes. A snare or hi-hat will give you short notes compared to a crash or a floor tom which will give you long notes; this is the difference between staccato and legato.
L intensité de votre solo est cruciale pour transmettre vos émotions. Il importe de créer une progression dans votre jeu. Commencez par ne jouer que sur deux tambours en jonglant avec autant d'idées que vous le pouvez. Jouez des rudiments sur vos cymbales comme vous le faites sur la caisse claire. Pour ma part, j'adore jouer un motif répétitif sur la caisse claire, puis le transférer sur la Charleston. Portez une attention particulière à la longueur des notes. Une caisse claire ou une Charleston produisent des notes courtes comparativement à une crash ou à un tom de plancher qui en produisent de longues. C'est ce qui fait la différence entre un staccato et un legato.
There is also a difference in the projection of each instrument. For example, hitting a bass drum will produce more power and projection than hitting a splash cymbal; being aware of that will make you sound very clean and balanced. Start small and build up your ideas with more notes. Connect your playing to your emotions and imagine stories in your head while playing. Sometimes during my clinics, I will bring up a student to play a solo. I will tell a story as they play to illustrate this point and it is a real eye opener when the student and the audience begin to realize the potential of this incredible tool for soloing.
Chaque instrument projette aussi les sons différemment. Par exemple, une grosse caisse aura plus de puissance et de projection qu’une cymbale splash. Sachant cela, votre son devrait être plus pur et équilibré. Commencez modestement, avec seulement quelques notes, pour ensuite en ajouter au fur et à mesure que les idées viennent. Connectez-vous avec vos émotions et imaginez des histoires dans votre tête pendant que vous jouez. Dans mes ateliers, il m’arrive parfois de demander à un de mes étudiants de jouer un solo pendant que je raconte une histoire afin d'illustrer ce que ça peut donner. C'est toujours une véritable révélation quand l'étudiant et le public réalisent le potentiel de cet outil.
REPETITION AND TRANSITIONS
LA RÉPÉTITION ET LES TRANSITIONS
Repetition reinforces your ideas. Imagine if I play an idea once and then immediately jump to another. This could be really disturbing for your mind as well as for the audience. Just with one single idea, we can play for a long time to develop it. To achieve that, you need to be comfortable with repeating your idea as often as needed to set your mind on it. While you are playing it over and over again, listen to yourself and converse with what you hear. It goes like this; you play something, you listen to what you are playing and become inspired to play something else, then listen to the next idea and do the same thing. You are having a conversation with yourself using your mind and your spirit.
La répétition renforce les idées. Si je joue une idée une seule fois et que je saute tout de suite à une autre, ça peut être très dérangeant pour l'esprit et pour le public. Vous pouvez développer une même idée pendant longtemps. Pour y arriver, il s’agit d’être à l'aise avec la répétition. Pendant que vous rejouez sans cesse une idée, écoutez bien et conversez avec ce que vous entendez. Jouez et écoutez jusqu'à ce que vous soyez transporté ailleurs. Ensuite, écoutez encore et recommencez le processus. Ayez une conversation avec vous-mêmes dans votre tête et votre esprit.
Transitioning between ideas is also important because sometimes you want to play a longer solo and make it interesting. A solo is like a trip that you are taking and you bring the audience with you. Try to use different polyrhythms to change the pulse. Transition between different styles such as jazz, latin, rock, fusion or funk. Some styles go better together but you can also surprise people by going places they weren’t expecting.
La transition entre les idées est tout aussi importante puisque vous voudrez parfois surfer sur votre solo plus longuement. Un solo, c’est un voyage que vous faites en amenant le public avec vous. Utilisez différents polyrythmes pour changer la mesure. Allez d’un style à un autre en passant par le jazz, le latin, le rock, la fusion ou le funk. Certains styles s’harmonisent plus facilement, mais vous pouvez aussi surprendre les gens en les amenant là où ils ne vous attendent pas.
Ostinatos Think about a pianist. Often we see the left hand playing a constant pattern while the right hand is improvising. In drumming we can do the exact same thing. We call that constant pattern an ostinato. Playing a constant pattern that does not change with some limbs while the other limbs are improvising. We can call that the pattern and the comping. In every single style, drummers have developed original ostinatos. Start with some cool ones played with your feet. They could be stylistic like the samba bass drum pattern, the baion, the jazz ride pattern or the clave and tumbao. They could also be rudimental like paradiddles, doubles or flams and drag patterns. Ostinatos are very useful in drum solos and they sound impressive as if many percussionists are playing with you. You will develop great independence and this more complex development will impact the quality of your groove and time and push your comfort zone to a higher level. //
LES OSTINATOS Pensez aux pianistes. Il n’est pas rare de voir leur main gauche jouer un motif constant tandis que la main droite improvise. Vous pouvez faire exactement la même chose à la batterie. Jouez le même motif avec certains membres pendant que les autres improvisent. Le motif constant s’appelle un ostinato et l’improvisation, l’accompagnement. Dans tous les styles, les batteurs ont créé des ostinatos originaux. Commencez par les pieds. Vous pouvez jouer un motif stylisé comme une samba à la grosse caisse, un baïon, un motif de jazz sur la ride, une clave ou un tumbao. Ça pourrait aussi être un rudiment comme un moulin, des motifs doubles, en fla, ou en tra. Les ostinatos sont très utiles dans les solos de batterie et ils impressionnent puisqu’on dirait que plusieurs percussionnistes jouent avec vous. Cette façon de jouer vous permettra d'acquérir beaucoup d'indépendance, ce qui aura un impact direct sur la qualité de votre groove et sur votre maîtrise du temps. Vous amènerez ainsi votre zone de confort à un autre niveau. // www.stephanechamberland.com global2steph@icloud.com Facebook.com/stephanechamberland
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ÉRIC BOUDREAULT
WHAT’S YOUR
GRIP?
Are there good and bad ways to hold the sticks? Will your grip affect your playing? Do you need to master and know them all? How do you choose? There can be a lot of questions surrounding this topic when all we want is to have fun playing some rhythms. I’ll try to make things clearer in the next few lines.
FIRST OF ALL, WHAT ARE THE VARIOUS GRIPS? Let’s start with the matched grip, the one where you have both hands in the same position. There are a lot of possibilities here starting with the french, german and american grip and also the Moeller method and the Gerald Heyward technique (GH). Another wellknown way to hold the sticks is the traditional grip. With this grip, you’ll have one hand holding the stick kind of like you would hold a tennis racket and in the other hand, you hold it in between the thumb and the index with your palm facing up. Every variation of the matched grip has its purpose but in a general way, they all allow you to have a powerful stroke and a lot of precision. The problem is that a lot of drummers don’t know how to position their drums so that their grip is the most effective. For example, if you use the french grip and your snare drum is too low and far away from you, you might have a hard time using your wrists since the stick is mostly moved with the fingers in that position. Aside from your grip, try being aware of the various playing surfaces you have to deal with. Most drummers in between years 1920 to 1970 would use the traditional grip because they were keeping with the tradition of the angled army snare drum. Back then, the army would ask their drummers to walk with their snare drums on the side not in front of them like they do today in marching band drumming. Out of necessity, they would use traditional grip. Ralph Angelillo uses that technique. He can keep a strong rhythm while hitting the snare drum with power with this technique. I would even venture to say that his main influences must be Ringo Starr and Charlie Watts. Some people seem to think that the traditional grip works only for jazz drumming or for playing in percussion ensembles. In fact, the grip will adjust itself to the style you’re playing. Drummers like Virgil Donati, Vinnie Colaiuta and Magella Cormier can play with a lot of power and that grip doesn’t limit them at all. Over time, some drummers realized they needed more power so they turned both palms down to get a firmer grip on the stick. The thumb is at the core of the various variations that come with the matched grip. The more you change its position, the more it will affect the balance and rebound of the stick. Some drummers prefer to only use their wrists keeping their fingers wrapped around the stick. Some will prefer to have a softer grip so that they have a lighter feel in their hands. Gerald Heyward is known as the guy who brought the grip between the middle and ring finger to people’s attention. Other drummers would use that before but since he’s behind that whole “gospel chops” drumming, he’s been quite influential. His strokes are pretty strong and fast but this grip might not be the best choices for playing with nuances.
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Before you chose a grip, there are a few things you might want to look at. Take a look at how your hands, arms and wrists naturally place themselves over the snare drum when you’re holding the sticks. It will be easier if you feel at home when moving around the kit, you don’t want to force anything. But if you feel comfortable and that your grip isn’t really efficient, you will have to practice to get it together. Make sure you choose a stick that feels well balanced when holding it. For example, if you use the Moeller method (your first finger along the stick, the fulcrum will be on the middle finger), a stick that is too short won’t allow you to benefit from this technique. If, like a lot of drummer do, you use traditional grip and place your hand at the end of the stick, you might have a lot of power but will lose in finesse. Now, it doesn’t matter if your right or left is stronger than the other, you will have to work on your weak hand. There is a school of thought that says that if your weak hand is the left, the traditional grip will help in developing your hands since it won’t try to copy the right hand. Some other studies prove the contrary though. Personally, I think that if you focus on one grip and you really master it, it can only be a good thing. Don’t be afraid to try different ones and even master a few ones. You should also keep in mind the various pros and cons of the different grips and also think about the kind of drummer you are. Also, be sure to set up your kit so that it suits your grip. If you use traditional grip and your drums have a steep angle, you might have a harder time moving around your kit. Do you like a specific drummer’s sound? The sound he produces as to do with the kit and the drumheads he uses but also with that person’s musical ability. However, it is possible that your idol’s grip isn’t suited for you. Be inspired by your idols but don’t try to be a copycat. I hope I have make things clearer for you. In this edition, I mostly talked about hands but you have to remember that there also are specific techniques for the feet. And until the next time, don’t forget: the important thing is to have fun playing your drums! //
C’EST QUOI
TA PRISE?
Existe-t-il de bonnes et de mauvaises techniques pour la tenue de baguettes? Est-ce que la prise influence le jeu à la batterie? Est-ce important de les connaître et de les maîtriser toutes? Comment les choisir? Beaucoup d’interrogations pour pouvoir, en fait, s’amuser et effectuer des rythmes à la batterie. Je vais essayer en quelques lignes de débroussailler le tout.
PREMIÈREMENT, QUELLES SONT LES PRISES POSSIBLES? Commençons par la prise timbale (matched grip), une technique qui consiste en un effet miroir des 2 mains. Celle-ci compte plusieurs variantes telles que la prise française, la prise allemande et la prise américaine, mais aussi la méthode Moeller et la technique Gerald Heyward GH. Un autre univers bien connu est celui de la prise tambour (traditional grip). Cette prise qu’on dit aussi « traditionnelle » consiste à tenir une baguette un peu comme une raquette de tennis dans une main et l’autre entre le pouce et l’index, paume vers le haut. Toutes les variantes de la prise timbale ont leur spécificité d’utilisation, mais d’une manière générale, elles vous permettent toutes d’avoir une bonne frappe et de la précision. Le problème est que plusieurs batteurs ne savent pas comment placer leurs tambours pour optimiser leur prise. Par exemple, si vous placez votre caisse claire trop basse et loin de vous et que vous utilisez la prise française, vous risquez de vous barrer les poignets, car vos doigts sont les seuls pivots pour les baguettes. Au-delà de la tenue de baguette, il est donc important de prendre conscience de votre environnement. La plupart des batteurs de 1920 à 1970 utilisaient la prise tambour, car ceux-ci continuaient d’utiliser la prise de baguettes privilégiée par l’Armée dans les ensembles de percussions. À l’époque, l’Armée demandait aux percussionnistes de marcher avec les tambours sur le côté et non devant comme dans les ensembles modernes. Par défaut, les batteurs utilisaient donc la prise traditionnelle. Ralph Angelillo est de ceux qui utilisent cette technique. Il est capable de garder un rythme musclé avec une solide frappe sur la caisse claire. J’irais même jusqu’à avancer que ses influences principales devaient être Ringo Star et Charlie Watts. Plusieurs batteurs croient que la tenue de baguettes traditionnelle ou tambour ne fonctionne que pour le jazz ou les ensembles de percussions. En fait, la prise s’adapte au style choisi. Des batteurs comme Virgil Donati, Vinnie Colaiuta et Magella Cormier peuvent vraiment jouer très fort sans aucune limite avec cette prise. Avec le temps, les batteurs ont voulu davantage de puissance, alors certains ont commencé à tourner leurs deux paumes vers le bas, afin d’obtenir une prise plus ferme. Le pouce est l’élément qui fait la différence dans toutes les variations de la prise timbale. Plus vous le bougez, plus vous influencez le ballant et le rebond des baguettes. Certains batteurs aiment jouer avec les poignets seulement, les doigts fermés solidement sur la baguette. D’autres préfèrent les tenir de façon plus souple pour un sentiment de légèreté. Gerald Heyward est celui qui a commercialisé la prise avec la baguette tenue entre le majeur et l’annulaire. D’autres batteurs l’utilisaient aussi, mais comme il est le précurseur du jeu R & B gospel à la batterie, il a eu beaucoup d’influence. Il a une frappe particulièrement forte et rapide, mais la prise est moins adaptée pour les nuances.
Avant de choisir sa prise, il importe de faire quelques observations. Regardez d’abord comment vos mains, vos bras et vos poignets se placent naturellement lorsque vous tenez les baguettes au-dessus de la caisse claire. Il est toujours plus facile de partir d’un sentiment de confort que de forcer un mouvement. Par contre, si vous êtes à l’aise et que la prise n’est aucunement efficace, vous allez devoir travailler un peu. Choisissez également une baguette qui vous donne un bon balancier avec votre prise. Par exemple, si vous employez la méthode Moeller (avec l’index le long de la baguette, le point de pivot de celle-ci se fait avec le majeur), une baguette trop courte vous empêchera d’en profiter pleinement. Si, comme plusieurs batteurs, vous utilisez la prise traditionnelle en plaçant votre main à l’extrémité de la baguette au lieu d’au trois quarts de celle-ci, vous aurez une frappe puissante, mais pauvre en finesse. Maintenant, peu importe que votre main forte soit la gauche ou la droite, vous devrez renforcer la plus faible. Une certaine école de pensée suggère que si votre main faible est la gauche, la prise traditionnelle lui permet de mieux se développer puisqu’elle n’a pas à copier la main droite. Cependant, d’autres études prouvent le contraire. Pour ma part, je crois que si vous vous concentrez sur une prise et que vous l’utilisez au maximum de ses capacités, cela ne peut être que profitable. Ce qui ne vous empêche pas d’en essayer ou d’en maîtriser plus d’une. Vous devez aussi considérer les points forts et les points faibles de chacune des prises, ainsi que le type de batteur que vous êtes. Prenez le temps d’arranger votre batterie pour qu’elle s’arrime à la prise choisie. Si vous utilisez la prise traditionnelle et que vos tambours sont très en angle, il se peut que vous ayez plus de difficultés à vous déplacer sur votre batterie. Vous aimez le son d’un batteur en particulier? Le son dépend de la qualité de la batterie et des peaux, mais avant tout du musicien. En revanche, il se peut que la prise qui lui convient ne soit pas faite pour vous. Inspirez-vous de vos idoles, mais n’essayez pas d’être une copie conforme. En espérant vous avoir aiguillé un peu! Je vous ai parlé des mains dans cette édition, mais sachez qu’il existe aussi des techniques pour les pieds. D’ici au prochain article, n’oubliez pas : l’important est de jouer de la batterie et de s’amuser! //
The magazine for canadian drummers and percussionists Le magazine des batteurs et percussionnistes canadiens
free / gratuit
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/ octobre
- novembre 2015 vol.27 no.5
maxime lalanne
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october
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MAX SENITT
DRUMMING IN THE MOMENT
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ÊTRE DANS LE MOMENT PRÉSENT, DERRIÈRE LA BATTERIE
Concentration/mindfulness tips for peak performance
Concentration et pleine conscience pour des performances de pointe
part one
première partie
I don’t think that anybody truly aspires to “suck” at playing the drums. In fact the pursuit of excellence is deeply engrained in the DNA of most musicians. Keeping this in mind, I believe that it is in our best interest to explore and improve every possible area that relates to what we do. While physical training is definitely crucial, mental training is equally if not more important to the success of our performance. In this two part article, I will introduce several tips that I have found to be extremely helpful in keeping on top of my game.
Personne ne veut jouer de la batterie comme un pied. En fait, la recherche de l’excellence est profondément ancrée dans l’ADN de la plupart des musiciens. Nous avons donc tous avantage à explorer divers domaines qui peuvent nous aider à améliorer notre pratique. L’entraînement physique est certainement crucial pour une bonne performance, mais l’entraînement mental l’est tout autant, sinon plus. Dans cet article, je partagerai avec vous quelques techniques qui m’aident à donner le meilleur de moi-même.
TAKE OUT THE TRASH
SORTIR LE MÉCHANT
I think that we can all agree that our ability to concentrate is essential to our success as musicians. The biggest enemy of concentration is our distractions. Distractions are everywhere and practically impossible to avoid, we therefore need to learn how to deal with them. Before we talk about what to actually do with them, there is a method for lessening the appearance of these nasty villains in our “workspace”. I am referring to an exercise called the “Morning Pages”. The Morning pages, invented by Julia Cameron, are three handwritten pages of whatever comes to your mind immediately after waking up each day. The idea is to clear out your mind of all the “garbage” and let you begin your day with a fresh start. Put down all of the “should do’s”, the complaining or anything else that comes to mind. It’s best to try to keep it as a constant stream of consciousness, so that you are not thinking about something else as you write, just put whatever comes to mind. I have recently welcomed this revolutionary exercise back into my daily routine, and have found it to have profound effect in many areas in my life.
Pour être un bon musicien, il est essentiel de savoir bien se concentrer. Les distractions, présentes partout et impossibles à éviter, sont notre plus grand ennemi. Nous avons donc besoin d’apprendre à les gérer. Il existe une méthode pour les atténuer dans notre espace de travail. Il s’agit d’un exercice qui s’appelle « les pages matinales ». Cet exercice, inventé par Julia Cameron, consiste à mettre sur papier tout ce qui vous vient en tête dès le réveil. L’idée est de libérer vos pensées de tout le « méchant » et de commencer ainsi votre journée du bon pied. Déposez sur papier sans réflexion ni autocensure toutes les « choses à faire », les pensées négatives, ou toute autre chose qui vous vient à l’esprit. Ne réfléchissez pas à ce que vous écrivez, couchez sur papier TOUT ce qui vous vient à l’esprit. Récemment, je me suis remis à ce rituel du matin et l’effet positif se fait sentir dans plusieurs sphères de ma vie.
REDIRECT
REDIRIGER LES PENSÉES
No matter how hard you try, distracting thoughts and events are unavoidable. The key is to not “try” to get rid of them, but learn to accept and deal with them. When distracted, I have found that by simply bringing my attention back to the task at hand, the distracting thoughts will automatically settle down. Anytime I catch my mind wandering during a gig, I have found it quite useful to remind myself, “YOU ARE PLAYING MUSIC!” The actual act of performing music on any instrument is quite complex if you really think about it, which I don’t recommend doing while you are in the middle of playing! However, in these instances where my mind was not on what I was actually doing, I found this simple reminder useful for quickly returning to the present moment. Speaking of the present moment, this is really
Peu importe les efforts que vous y mettez, les pensées et les évènements ne peuvent disparaître de votre vie. La clé est de ne pas essayer de s’en débarrasser, mais plutôt d’apprendre à les accepter et à les gérer. Lorsque je suis distrait, le meilleur moyen de ramener mon attention à ce que je fais dans le présent est de me parler, tout simplement. Quand je me surprends à divaguer en plein milieu d’un concert, je me rappelle à l’ordre en me disant : « là, tu joues de la musique! » Quand on y pense, jouer de n’importe quel instrument est très complexe, alors je recommande fortement à tout musicien de s’en tenir à ça, surtout sur scène! Quand mon esprit n’est pas là où il devrait être, ce simple rappel est efficace pour me ramener dans le moment présent. Cela dit, le présent est l’endroit où nous
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devrions tous essayer d’être, et ce, aussi souvent que possible. Que vous le vouliez ou non, le passé a déjà eu lieu. Bien sûr, il est possible de tirer des leçons de notre passé, mais il est essentiel de reconnaître que nous ne pouvons le changer. Essayer de le faire, c’est gaspiller une énergie mentale précieuse. Le futur, quant à lui, n’est pas encore là, mais nous sommes en train de le créer. Je me souviens d’une phrase de Frederick Kwasi Dunyo, un maître batteur ghanéen : « la seconde que tu réalises que tu as fait une erreur, celle-ci est déjà faite. » Et c’est douloureusement vrai.
REWIRE
REVOIR SES HABITUDES
I frequently tell my students the more you do something the better you get at it, so be careful what you do. These days most people, myself sadly included, are getting better and better at not concentrating on anything for more than a few seconds, the main culprit? The oxymoron; “SMART” phones! But seriously, take some time to think about your habits. How many times did you get distracted while reading this article? How many times do you think I checked my phone while writing it?! Another thing I like to say is, “if it doesn’t kill you, it will make you stronger.” It definitely won’t kill us to put our phones down from time to time.
Je dis souvent à mes élèves que nous devenons meilleurs à force de refaire une même chose. Il faut donc faire attention à ce que nous faisons. De nos jours, la plupart des gens (et je m’inclus là-dedans) n’arrivent plus à se concentrer sur une seule tâche plus de quelques secondes. Le principal coupable? Les téléphones intelligents (un oxymoron en soi)! Prenez le temps d’observer vos habitudes. Combien de fois avez-vous été distrait en lisant cet article? Et combien de fois pensez-vous que j’ai regardé mon téléphone en l’écrivant? J’aime répéter à qui veut l’entendre que « ce qui ne tue pas rend plus fort. » Je vous assure que de lâcher votre téléphone de temps à autre ne vous tuera pas.
Concentration is like a muscle and needs to be worked out regularly. I am sure we can all identify with how great it feels to have a good workout in the gym, or really get a particular drumming exercise down. I propose we all put some effort into working on our mental skills as well. I believe the rewards will be extremely valuable.
La concentration est un muscle qui a besoin d’exercice quotidiennement. Je suis certain que vous connaissez tous l’effet positif que procure une séance d’entraînement au gym ou le fait de réussir à maîtriser un exercice à la batterie. Maintenant, je vous propose de faire un effort pour travailler vos habiletés mentales. Les bénéfices sont considérables.
In Part two we will look more deeply at dealing with different kinds of distractions, and learn techniques for increasing focus. //
Dans la deuxième partie de cet article, je vous proposerai d’autres techniques pour gérer les différents types de distractions et pour améliorer votre concentration. //
VICFIRTH.COM ©2015 Vic Firth Company
where we should all try to be as often as possible. Like it or not, the past has already happened. Yes, we can and should learn from our past but we must accept that we cannot change it, so don’t waste precious mental energy trying to do so. At the same time, the future has not happened yet, but we are creating it now. I once heard Ghanaian Master Drummer Frederick Kwasi Dunyo say, ‘the moment you think “mistake”, you have already made the mistake.’ I have found this to be painfully true.
outside the box designs. outside the box sounds. Introducing the new Vic Firth Split Brush
Let’s face it. Your sticks can’t do everything. Next-level music requires next-level thinking. That’s why we’re constantly collaborating with the world’s top players to create fresh sounds and take your music to new places. Like the new Split Brush with its 2 rows of wires for unique weighting of sound and articulation. Try something new. See where it takes you.
Florian Alexandru-Zorn with the New Split Brush SB Photo by Mario Schmitt
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NEW PRODUCTS NOUVEAUX PRODUITS
VIC FIRTH
INTRODUCES NEW STEVE GADD LIMITED EDITION PRODUCTS! Vic Firth is happy to join in the celebration of Steve Gadd’s 70th birthday! Steve Gadd is among the most respected musicians in the world and arguably the greatest drummer of our time! Vic Firth will celebrate this occasion by launching limited edition products.
STEVE GADD PADD The Gadd Padd features a 3/16" thick black silicone rubber pad, mounted to a round 8" sturdy wooden base. This single sided pad features a non-skid rubber base and is decorated with the special commemorative 70th birthday logo.
STEVE GADD SIGNATURE STICKS Featuring a new and improved black finish and labeled with the special commemorative 70th birthday logo in eye-popping chrome! This classic barrel tip stick was the first Vic Firth signature stick and remains one of the world’s most popular models! Available in wood or nylon tip.
STEVE GADD WIRE BRUSH Years ago, Steve and Vic solved the age-old problem of wire brushes snagging on new coated heads by slightly angling the wires in the playing end. Steve has refined the design once more with a new angle that allows the wires to better glide across the head, providing a smoother sweep and a velvet swish! www.vicfirth.com
PRÉSENTE SES NOUVEAUX PRODUITS STEVE GADD EN ÉDITION LIMITÉE! La compagnie Vic Firth est heureuse de prendre part à la célébration du 70e anniversaire de Steve Gadd, un des musiciens les plus respectés au monde et possiblement le meilleur batteur de son temps! Vic Firth marque cet anniversaire en lançant une édition limitée de produits à son effigie.
STEVE GADD PADD Le Gadd Padd en silicone noir de 3/16" d’épaisseur est monté sur une solide base ronde en bois de 8". Ce pad à surface unique possède une base en caoutchouc antidérapante munie du logo commémoratif du 70e anniversaire de Steve Gadd.
DES BAGUETTES SIGNATURE STEVE GADD Ces baguettes arborent un nouveau fini noir amélioré, ainsi que le logo du 70e anniversaire en chrome étincelant. Cette version classique, avec son olive en forme de baril, était la première baguette signature de Vic Firth et demeure un des modèles les plus vendus au monde! Offertes avec l’olive en bois ou en nylon.
LES BALAIS STEVE GADD 28
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Il y a de ça des années, Steve et Vic ont donné un angle aux extrémités des balais pour résoudre l’éternel problème des brins de métal qui abîment les peaux. Steve a encore une fois peaufiné le design de ses balais en leur donnant un angle nouveau qui permet aux brins de glisser plus doucement sur la peau pour un son plus velouté!
VIC FIRTH INTRODUCES NEW UNIVERSAL PRACTICE TIPS! Vic Firth is proud to introduce new Vic Firth Universal Practice Tips. “With the new Practice Tips, a player can now convert virtually any drum set or concert stick model into a quiet practice stick within a matter of seconds.” Vic Firth Universal Practice Tips feature a special molded rubber design that both creates a secure grip on the existing tip and allows for easy and repeated application and removal. The hardness of the rubber tip produces an authentic feel and also creates interesting timbres when played on drums and cymbals.
ROLAND
THE WORLD’S MOST POPULAR DUAL-PLY MESH HEAD
VIC FIRTH PRÉSENTE LES NOUVEAUX EMBOUTS DE BAGUETTES EN SOURDINE! Vic Firth est fier de lancer ces nouveaux embouts qui permettent aux batteurs de convertir en un tour de main n’importe quel modèle de baguettes en une version plus silencieuse. Ces embouts de caoutchouc s’installent solidement sur tout type de baguette et s’enlèvent facilement. La dureté du caoutchouc produit un son authentique et des timbres intéressants sur tambours et cymbales. www.sfm.ca
LES PEAUX MAILLÉES À DOUBLES PLIS LES PLUS POPULAIRES AU MONDE
NOW ALSO AVAILABLE FOR ACOUSTIC DRUMS
MAINTENANT OFFERTES POUR LES BATTERIES ACOUSTIQUES
Roland’s dual-ply mesh heads for V-Drums revolutionized the playability of electronic drums thanks to their adjustable tension, durability and natural playing feel. And now we’re taking the concept a step further with the PowerPly series; nine mesh heads produced by REMO Inc. ranging from 8” to 22” that let you retrofit your acoustic drums for quiet practice. When used with Roland’s RT-30 Acoustic Drum Triggers, PowerPly mesh heads can trigger a V-Drums module, enabling you to practice and experiment with various sounds while maintaining the looks and feel of your acoustic drum kit.
Les peaux à doubles plis pour V-Drums de Roland ont révolutionné les batteries électroniques grâce à leur tension ajustable, leur durabilité et leur confort naturel. Roland amène maintenant le concept un peu plus loin avec la série PowerPly : neuf peaux maillées fabriquées par REMO Inc. offertes en grandeurs de 8” à 22” qui vous laissent modifier votre batterie acoustique pour des répétitions plus silencieuses. Utilisées avec les déclencheurs pour batterie acoustique RT-30 de Roland, les peaux maillées PowerPly peuvent déclencher un module V-Drums, vous permettant ainsi de pratiquer et d’expérimenter avec différents sons tout en gardant l’apparence et la sensation de votre batterie acoustique. www.roland.ca
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NEW PRODUCTS NOUVEAUX PRODUITS
VATER BUZZ KILL VBUZZ
TIM ALEXANDER MODEL VMTAW Length 16" | 40.64cm Grip 0.635" | 1.61cm 2B sized grip and made from Sugar Maple for a lighter weight to move around the drums quickly. Small round tip for articulate cymbal definition. “Power, Performance and Perfection...these sticks have it all and more!” -Tim Alexander
Easy to use drum/cymbal gel dampening system to control unwanted over ring and tone. Can be easily cut to achieve the desired amount of dampening whether using it live or in the studio. Buzz Kill is super-tacky, so it can be used on both batter and resonant heads. Reusable and can be easily cleaned with water when dirty. Each Buzz Kill pack comes with 6 Buzz Kill gels. Also available: Buzz Kill Extra Dry features more weight and mass, which makes it an ideal choice for larger drums. Great for getting that funky, super-flat snare drum sound. Drastically reduces cymbal wash and overtones to produce dry, articulate sticking (especially on a ride cymbal). Buzz Kill VBUZZ est un gel qui, posé sur les tambours et les cymbales, permet de contrôler leur résonance et leur vibration. Le gel peut être découpé afin d’atteindre le degré d’étouffement désiré en concert ou en studio. Le gel Buzz Kill est super-adhérent et peut être utilisé sur les peaux de frappe ou de résonance. Il est réutilisable et nettoyable à l’eau. Un paquet de Buzz Kill contient 6 gels. Aussi offert en Buzz Kill Extra Dry pour plus de poids et de masse, ce dernier est idéal pour les tambours plus grands. Parfait pour obtenir un son funky, ultra plat à la caisse claire. Il réduit considérablement la vibration des cymbales et la résonance non désirée pour donner un son plus sec et articulé (surtout sur les ride)..
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LE MODÈLE DE BAGUETTES TIM ALEXANDER VMTAW Longueur 16" | 40.64 cm Diamètre 0.635" | 1.61 cm Cette baguette 2B en bois d’érable offre plus de légèreté, donc plus de rapidité sur la batterie. Sa petite olive bien ronde donne un son plus défini sur les cymbales. “Puissance, performance et perfection... ces baguettes ont toutes pour elles!” -Tim Alexander www.eriksonmusic.com
Four transparent finishes. More configurations with added toms available from 8” to 18”. Three kick options including the new 24” x 14”. Clearly, Pearl’s seamless Crystal Beat acrylic shell gives you more.
ARCTIC FROST
ULTRA CLEAR
RUBY RED
TANGERINE GLASS
INCREASE THE POWER OF YOUR KIT AUGMENTEZ LA PUISSANCE DE VOTRE KIT
roland.ca/powerply