Drumsetc v27n3

The magazine for canadian drummers and percussionists Le magazine des batteurs et percussionnistes canadiens

free / gratuit

thomas

brodeur

june

- july / juin - juillet 2015 vol.27 no.3

tama.com

TAMA’s Silverstar series offers two super portable and compact kits, the “Metro-JAM” and the “Cocktail-JAM”.

These unique kits unlock a new world of possibilities for your drumming.

The possibilities are infinite.

Compact and Portable Kits “Metro-JAM” Kit Color: Vintage Burgundy Sparkle (VBG)

“Cocktail-JAM” Kit Color: Indigo Sparkle (ISP)

Canadian distributor / Distributeur canadien: EFKAY MUSIC | 2165, 46th Avenue, Lachine, Quebec H8T 2P1

INFINITE

POSSIBILITIES As drummers ourselves, we’re constantly striving to find ways to create fresh sounds and take our music to new places. The American Classic® Barrel tip 5A and 5B are just the latest in an array of hundreds of sticks, mallets and implements each designed for a specific musical purpose and vetted by the world’s top players.

Try something new.

See where it takes you.

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©2015 Vic Firth Company

The magazine for canadian drummers and percussionists Le magazine des batteurs et percussionnistes canadiens

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thomas brodeur FRANCK CAMUS

10 CHRIS LESSO

18 ÉRIC BOUDREAULT

24 DANIEL BÉDARD

Playing with passion using dynamics

Pop Pop Pop !

Getting creative with the metronome

Jouer en nuances et avec passion

20 MAX SENITT

Soyons créatifs avec le métronome

"Accents to remove accents"

12 STÉPHANE CHAMBERLAND From drummer to writer

Des accents pour éliminer les accents

De la batterie à la transcription musicale

22 JEFF SALEM

26 New products Nouveaux produits

Groove/drum fill ownership

14 AUBREY DALE

S'approprier les grooves et les improvisations

Dancing across the bar line Part 2: odd note groupings Danser sur la mesure 2re partie: mesures à nombre impair de temps binaire

Volume 27, No.3 June – July 2015 / juin – juillet 2015 Editor in Chief / Rédacteur en chef Franck Camus - franck@drumsetc.ca Assistant Editor /Assistante à la rédaction Geneviève Hébert - franck@drumsetc.ca Contributing Writers / Collaborateurs Daniel Bédard, Éric Boudreault, Frank Camus, Stéphane Chamberland, Aubrey Dale, Chris Lesso, Jeff Salem, Max Senitt.

Translation / Traduction Geneviève Hébert

Layout / Mise en page Karine Wolfe - wolfe.karine@gmail.com Cover Photos / Photos de la couverture Karine Robitaille Advertising / Publicité Ralph Angelillo ralph@drumsetc.ca Jeff Knowles (514) 830-3555 / jeff@drumsetc.ca Publisher / Éditeur Serge Gamache Printer / Imprimeur Impart Litho

Drums Etc is published 6 times per year and distributed across Canada, in drum shops, schools, rehearsal spaces, etc. 380 distribution points (circulation certified by Canada Post).

Drums Etc est publié 6 fois l’an, et est distribué partout au Canada dans les écoles et chez les détaillants de batteries et percussions, dans les studios de répétition, etc. 380 points de distribution (circulation certifiée par Postes Canada).

Publication Mail Agreement No 40009235 / Poste-Publication Convention No 40009235

Return Address / Adresse de retour: DRUMS ETC, 753 rue Ste-Hélène, Longueuil (QC) J4K 3R5 Canada Fax: (450) 670-8683 © Copyright 2015

juin

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juillet 2015

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EDITO

agenda NXNE 2015 TORONTO, ON JUNE 17-21 JUIN 2015 (416) 863-6963 WWW.NXNE.COM

AMNESIA ROCKFEST 2015 MONTEBELLO, QC JUNE 18-21 JUIN 2015

savoir se renouveler pour survivre Il n’y a pas si longtemps, je réfléchissais aux changements majeurs que subissent les musiciens et les fabricants d’instruments de l’industrie. Rien ne semble évident et on pourrait chercher le coupable longtemps, mais il me semble plus important de regarder du côté des solutions. Parmi les plus populaires figure le fameux « kick starter » ou campagne de sociofinancement sur indiegogo. Bon nombre de groupes commencent à adopter cette façon de faire, même des groupes d’envergure internationale, surtout lorsqu’ils ne sont pas signé par à une maison de disque. Malheureusement, beaucoup de commentaires négatifs circulent dès qu’un groupe se lance dans cette aventure et j’avoue ne pas comprendre pourquoi.

Est-ce parce que c’est une nouvelle façon de faire et que certaines personnes n’ont pas encore compris comment ça fonctionne? Y a-t-il de la jalousie? Est-ce parce qu’ils ne comprennent pas la démarche du groupe? Comme si le fait de se lancer dans cette aventure allait dénaturer la créativité d’un groupe! Bien au contraire, je pense que cela permet au groupe d’être plus fidèle à ses racines, n’ayant personne pour leur dire quoi faire. Si les ventes de disques chutent inexorablement, pourquoi ne pas minimiser les pertes et prendre en main le budget d’un album?

Les gens qui critiquent sont-ils les mêmes qui piratent les albums?

Les musiciens commencent enfin à prendre en main l’aspect business et c’est une très bonne chose. Si vous avez du talent, mais que vous ne savez pas par où commencer, jetez un œil à ces tout nouveaux outils qui vous permettront de vous en sortir sans vous ruiner et de vous concentrer sur l’essentiel, votre métier : la musique.

in the music business Not that long ago, I was thinking about the major changes happening in the music business affecting both the musicians and the manufacturers. Nothing seems to be obvious and we could spend the day trying to find the culprit but I think it’s more important to find solutions. Among the ones we see quite often is the now famous “kick-starter” or the crowd funding you can find on indiegogo. A lot of bands -even big ones- are now using this way of financing their recordings especially when they are not supported by a record label. I hear a lot of negative comments about bands choosing to work this way and I must say that I don’t really understand why.

Is it because it’s a new way of doing things and some people don’t understand how it works? Is there some jealousy hidden there? Is it because people don’t get the band’s approach? Some people think that by going down this road, the band would lose some of its creativity. I think that it’s quite the opposite since the band will be able to stay closer to his roots without a third party telling them what to do. Record sales are going down relentlessly, so what is the harm in wanting to lessen the losses and be more accountable of your budget? I guess that those who criticize might be the ones that download albums for free too.

Musicians nowadays take care of their business in a more conscious way and I think it is a really good thing. If you are talented but don’t know where to start, check out the new tools available. It will allow you to work on the most important aspect of your craft, music and all, without going bankrupt.

Franck Camus Editor in chief Rédacteur en chef june

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july 2015

THE SLED ISLAND MUSIC FESTIVAL CALGARY, AB JUNE 24-28 JUIN 2015 (403) 229-2901 WWW.SLEDISLAND.COM

DAUPHIN’S COUNTRYFEST 2015 DAUPHIN, MB JUNE 25-28 JUIN 2015 (800) 361-7300 WWW.COUNTRYFEST.CA

OTTAWA BLUES FEST 2015 OTTAWA, ON JULY 8-19 JUILLET 2015 (613) 247-2220 WWW.OTTAWABLUESFEST.CA

how to survive

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WWW.AMNESIAROCKFEST.COM

OSHEAGA 2015 MONTRÉAL, QC JULY 31-AUGUST 2 / 31 JUILLET AU 2 AOÛT 2015 WWW.OSHEAGA.COM

ILESONIQ 2015 MONTRÉAL, QC AUGUST 14-15 AOÛT 2015 WWW.ILESONIQ.COM

Crédit photo: Pierre Ménard - beauportrait.com

CAPITALE DRUM FEST QUEBEC On sunday april 12th 2015 was held the second edition of the Capitale Drum Fest.

Organized by the very dynamic event production team La Boîte à Musiciens, we’ve had quite an explosive festival. This non-profit organization has for a mission to group together all artists of the musical scene in high quality events. Held on the Notre-Dame de Foy campus, this drumming festival is mainly an occasion to see drummers from Québec.

Even if it doesn’t have as much fame as the Montreal Drum Fest, a lot of the qualities needed are present which was also demonstrated by the high level of drummers playing.

I really like the fact that visibility is given to these kinds of events since the drummers playing weren’t that well known to the general public. And what is also good about it is the wealth of different musical genres that we can enjoy. Two major jazz players were playing this year in the name of Jacques Masson (Unix drums) and Rich Irwin (Sonor drums) who’s swing playing doesn’t have anything to envy to our south neighbors. The day began with Mario Simon (Luka Percussion) who shown us what a great teacher he is and how good he is at making stuff clear for the students. Pascal Lepage (Vaudou drums) was my biggest discovery of the day: why wasn’t I aware of him before? He played a very musical solo, which lasted about 20 minutes and kept the audience on its toes and that says a lot about his drumming qualities.

Stéphane Chamberland (Mapex drums) and Simon Langlois (Ayotte drums) don’t need any more presentation as their influence is now on an international level. Those who were in the audience know why. Their very fluid styles and the passion that they demonstrate are now beyond doubt. Their playing is incredible! Issac Dumont is quite a drummer and his playing goes hand in hand with the Roland drums he was showcasing. He knows every little detail about those amazing kits who have a lot to offer to drummers. Élie Bertrand was the only woman playing during the day and she gave us a really rocking performance on her Pearl set accompanied by a guitar player which we’ll likely hear from in the future. After having seen her play, I understood why she is a really good role model for women wanting to discover this instrument.

Maxime Lalanne (Yamaha) is an explosive drummer who rocks the drums in a very convincing manner, which showed us why he is as busy as he is. His backbeat and his powerful strokes are his main assets. There is not a single place for doubt when he hits the drums and every note is played like it was his last one. And it’s good because we love that.

A big thank you to Serge Michaud, Yvan Matteau and everybody in the Capital Drum Fest team for your very warm welcome.

Dimanche 12 avril avait lieu à Québec la 2e édition du capital drum fest.

Toujours organisé par la très dynamique compagnie de production d’évènement la boîte à musicien, nous eûmes droit à tout un festival. Cet organisme est à but non lucratif et sa mission est de regrouper les artistes et artisans de la scène musicale dans des évènements de qualité. Organisé au sein du campus Universitaire Notre-Dame de Foy, ce festival est d’abord et avant tout un festival de batterie qui donne la visibilité aux batteurs Québecois.

Si celui-ci n’a pas encore la prestance du drum fest de Montréal , nul doute qu’il a beaucoup d’éléments pour y parvenir tant la qualité des batteurs présents cette année était impressionnante. J’aime toujours l’idée que l’on donne une place particulière à ce genre d’évènements car les batteurs sont moins connus du grand public. Ce qu’il y a de bien dans ce genre de festival, c’ est la richesse des différents styles musicaux qui s’y côtoient. Nous avions 2 grandes pointures cette année notamment en Jazz en la personne de Jacques Masson (Unix drum) et Richard Irwin(Sonor) dont le swing n’a rien à envier aux légendes américaines du jazz. La journée s’est ouverte avec Mario Simon (de luka percussion) qui est un excellent professeur et qui sait très bien vulgariser la pédagogie de la batterie. Pascal Lepage fut une de mes découvertes de la journée pourquoi n’avais-je pas vraiment entendu parler de ce batteur avant? Un solo intense mais aussi très musical de 20 minutes sans perdre son auditoire ça en dit long sur les qualités de ce batteur. Évidemment Stéphane Chamberland (mapex drum) comme Simon Langlois (ayotte drums)ne sont plus à présenter car leur rayonnement est international. Ceux qui étaient là savent pourquoi. Leur style d’une grande fluidité ainsi que la passion qu’ils savent transmettre ne font plus aucun doute. Leur jeu est incroyable! Isaac Dumont est tout un batteur et il se marie très bien avec les batteries électroniques Roland dont il sait montrer tout le potentiel et ces batteries n’en manquent pas tant leur polyvalence est incroyable.

Elie Bertrand qui joue sur Pearl était la seule représentante au féminin et elle nous a gratifiée d’une solide prestation en duo avec un guitariste qui n’a pas fini de faire parler de lui. En la voyant performer je me dis qu’elle est un excellent modèle pour la gente féminine qui tarde à découvrir ce bel instrument…

Maxime Lalanne(yamaha) est un batteur explosif qui rock de façon très convaincante et ce n’est pas pour rien qu’il est très occupé Son back beat et sa force de frappe son ses principaux atout. La façon dont il frappe son drum ne laisse aucune place à l’incertitude il joue chaque note comme si c’était la dernière! Sa tombe bien on adore ça.

En passant, un grand merci à Serge Michaud, Yvan Matteau et à toute l’organisation de ce festival pour votre accueil. juin

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in-profile

profil THOMA S

BRODEUR COULD YOU TELL US ABOUT YOU?

JAZZ IS QUITE DIFFERENT THAN POP MUSIC. WHAT DID YOU GET OUT OF IT?

I’m from Montreal and I always had a strong passion for music. When I was a kid, I used to spend all my summers in the countryside where I built myself a drumkit with pots and pans. To replicate cymbals, I would take the bottom lid of a can and nail it to a small wooden stick that would then be glued to a can. I would also create drumheads with plastic lid that I would put on top of an opened can.

I’m much more of a pop rock drummer. And it is also easier to make a living with pop music than with jazz. With pop, I learned how to play simpler stuff really well. To master that is quite an accomplishment and I could say that I got that out of playing pop music.

I have a lot of influences and I try to cover it all. I listen to as much pop than funk, jazz, progressive and obviously rock. I don’t limit myself style wise and I think it shows in my music.

I always did a lot of air drumming, I would play on everything, I always wanted to play percussions but since we were living in an apartment, I couldn’t have a real drumset. I would often visit my uncle Louis, who was living above us, and I would play with his percussion instruments. He was very encouraging and would tell my parents: “He is going to be a drummer, he has rhythm”.

Everything really fell into place when I was 13 and we moved to a house. I told my parents that, since we were no longer living in an apartment, I could now have a set of drums. I didn’t give them any other choice and on top of that, I could afford them myself since I was doing commercials as a child actor. They said yes but I had to take lessons, which I did.

I studied with Maurice Métayer for the next 4 years. I then went to cégep Marie-Victorin in 2000 where I graduated with a diploma in jazz interpretation.

At that moment, I had already been playing for 2 years with my friend, keyboard player Mingan Sauriol who was also studying music at the same cégep. We had been playing together in two short-lived projects. We really wanted to have a new band and it’s while studying at the cégep that we met guitar player Simon L’Espérance and bassist Dominique Blouin with whom we formed the band Karcius in 2001. Dominique was then replaced in 2009 by Sylvain Auclair on bass and vocals. I was always more interested in being part of a band than being a sideman and that’s why I wanted to have this project of mine very early.

After having finished my college studies, I went to study at UQAM where I graduated with a diploma in pop music in 2007 while still playing with Karcius. It’s also at that time that I started doing more corporate gigs, sideman stuff and teaching. I was also part of a children show with who I toured all over Canada. To cut it short, I was making a living with music.

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WE CAN HEAR A LOT OF MUSICAL EXPLORATION WHEN LISTENING TO THE RECORDS CLOSELY. DO YOU ONLY PLAY THE DRUMS ON THEM? No, I play a lot of stuff on the Karcius records. Every percussion instrument that brings a different color will draw our attention. On every record, you’ll hear the standard percussion instruments like shakers, tambourines, claves, triangles and others.

The band has four records out and on each one of them, we try to have a distinctive color.

On the first two records, we were really into latin percussion so we used congas, bongos, guiros and more. On the third record (Episode), there are some textures coming out of south east asia like an Indonesian gamelan, gongs, bells and others as well. For our last record, we used a lot of African percussions like dum dums, sabar, djembe, etc. We were lucky enough to have two friends from Senegal playing on the record.

I also do some programming, which helps in getting additional textures that we can’t get out of a drumkit or an acoustic or electric instrument. The band’s philosophy on that topic is: if we decide to use some sequences it is because we want it to sound like a sequence. We won’t use a keyboard to reproduce a violin sound, we’ll hire a whole string quartet. Same concept applies for pianos, B3s and others. Virtual instruments won’t react the same way acoustic instruments do and we are very sensitive to that.

On The First Day, our last record, we also did some sound design incorporating textures that did not come out of traditional instruments but still had a quality we liked. It could be a rolling bicycle wheel, train station sounds, clock noises, all sorts of metallic sounds, etc.

I did a children show for a few years with l’Arsenal à Musique where I would play Baschet sculptures (named after the two brothers) and I wanted to include those sounds on the record, which I did. We have an ethic that is proper to us which is that when we want to add a new sound, we study it and then integrate it. I like that there are some opposing aspects to our music, whether it’s in the rhythms, the instruments or sound textures that stand out.

Karcius’s music isn’t always easy to digest on the first few listens but I think it is totally worth the discovery. 

Crédit photo : Karine Robitaille

PARLE-NOUS DE TON PARCOURS. Je viens de Montréal et j’ai toujours été un passionné de musique. Quand j’étais petit, je passais mes étés à la campagne où je m’étais fait un drum avec des chaudrons et des conserves de café. Pour faire les cymbales, j’ouvrais le fond des conserves que je récupérais et que je clouais sur un petit bout de bois que je collais sur les conserves. Pour les tambours, en plus des chaudrons, je me faisais des peaux avec des couvercles de plastique que je remettais sur le fût de la conserve.

J’ai toujours fait du «air drum», j’ai toujours «tapoché» sur tout, j’ai toujours voulu jouer des percussions, mais nous vivions en appartement et avoir un vrai drum était impossible.

J’allais souvent chez mon oncle Louis qui vivait au dessus de chez moi, où je jouais avec ses instruments de percussion. Il m’encourageait beaucoup et disait à mes parents : «Ça va être un drummer lui, il est fait pour ça!»

Tout a vraiment commencé à 13 ans quand on est déménagé dans une maison. J’ai dit à mes parents que puisqu’on n’était plus en appartement, je pouvais enfin avoir un vrai drum. Je ne leur laissais pas le choix, surtout qu’à ce moment je faisais de la publicité à la télé comme comédien donc je pouvais le payer moi-même. Ils ont accepté à condition que je suive des cours, ce que j’ai fait. Mes parents m’ont toujours encouragé par la suite. J’ai donc suivi mes premiers cours avec Maurice Métayer, pendant 4 ans. Je suis par la suite entré au CÉGEP Marie-Victorin en 2000, pour faire un DEC en Musique-Interprétation Jazz. À ce moment, je jouais depuis deux ans déjà avec mon ami claviériste Mingan Sauriol; lui aussi était au CÉGEP, en musique. Nous avions déjà eu deux groupes ensemble… qui n’ont pas vécu très longtemps. Nous voulions vraiment former un nouveau groupe et c’est en faisant mon DEC que j’ai rencontré le guitariste Simon L’Espérance et le bassiste Dominique

Blouin avec qui nous avons créé Karcius au début de 2001. Dominique sera remplacé par Sylvain Auclair (basse-voix), en 2009. J’ai toujours été un gars de «band» plus qu’un accompagnateur et c’est pourquoi j’ai fait mon projet personnel très tôt.

Après le DEC, j’ai fait un bac en musique pop à l’UQAM, tout en continuant de jouer avec Karcius. C’est à ce moment aussi que j’ai commencé à faire plus de gigs, des contrats corporatifs, de l’accompagnement, de l’enseignement… Je faisais aussi partie d’un spectacle pour enfants qui a beaucoup tourné au Canada. Bref je gagnais ma vie avec la musique. J’ai fini mon bac en 2007.

LA POP C’EST PAS MAL DIFFÉRENT DU JAZZ! QU’EST-CE QUE CELA T’A APPORTÉ ? À la base, mon style est beaucoup plus rock-pop. C’est aussi beaucoup plus facile de vivre de la pop que du jazz. En allant faire de la pop, je suis allé chercher plus de simplicité.

Maîtriser la simplicité c’est tout un art, donc je suis allé chercher cette facette du métier. J’ai beaucoup d’influences et j’essaie de tout couvrir. J’écoute autant de pop que de funk, du jazz, du progressif et évidemment du rock. Je n’ai pas de barrières de style et je pense que cela s’entend dans mon jeu.

JUSTEMENT EN PARLANT D’EXPLORATION MUSICALE, ON L’ENTEND BIEN EN ÉCOUTANT ATTENTIVEMENT LES ALBUMS, IL Y A BEAUCOUP D’INSTRUMENTS, ESTCE QUE TU JOUES JUSTE DU DRUM? Non, je joue pas mal d’affaires sur les albums de Karcius. Toutes les percussions qui donnent une couleur nous intéressent. Il y a toujours des percussions classiques comme des shakers, des tambourines, des claves, des triangles et autres qui reviennent sur chaque album. 

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KARCIUS C’EST TON PRINCIPAL PROJET?

Yes! I played with other projects but Karcius is my band. We call our music art rock or progressive jazz rock. It’s quite eclectic stylistically. The band was created by four music students who wanted to explore their new knowledge, techniques and styles learned in class. Karcius is our musical laboratory. We played a lot in Europe, mostly doing festivals and also in south america, the united states and obviously Canada. We have been doing our own thing for a long time all the while knowing that we were playing a very specific type of music. We have a very broad public even though it is not mass audience. We sold records all the way to Kirghizistan, Japan and Malte, which is kind of funny, but we know we don’t sell enough to live out of it. But we get satisfaction knowing that we sell records abroad.

Oui! J’ai joué avec d’autres groupes, mais Karcius c’est mon band à moi. On le définit comme du « art rock » ou du rock-jazz progressif. C’est vraiment éclectique comme style. Le groupe a été formé par quatre étudiants en musique qui voulaient tester toutes les nouvelles connaissances, techniques et styles qu’ils apprenaient. Karcius, c’est notre laboratoire d’exploration musicale! On a pas mal joué en Europe, notamment dans des festivals; on a joué en Amérique du Sud, aux États-Unis, et au Canada bien sûr… Bref on roule pas mal notre bosse, mais on est conscient que c’est de la musique spécialisée. Notre public est universel, mais en même temps ce n’est pas un public de masse. On a vendu des albums jusqu’au Kirghizistan, au Japon, à Malte, ce qui est plutôt drôle, mais on sait qu’on n’en vend pas pour en vivre… Au moins on la satisfaction de dire qu’on en vend partout.

YOU ALSO WORK IN AUDIO POST-PRODUCTION, DOES IT HELP YOU CREATE YOUR MUSIC?

IS IT BECAUSE YOU’RE A SOUND MANIAC THAT YOU STARTED PLAYING VAUDOU DRUMS?

Yes, indeed! I am also a sound engineer and since a few years, I have been working in audio post-production for cinema, television and commercials. I am being called to do recording, editing and sound design for a lot of projects. Karcius’s guitar player, Simon, also is a sound engineer. We can do the whole production of our records.

I am very proud to endorse a brand of drums from Québec. I love Éric Gazaille’s work, he’s a perfectionist and he creates unique drums. I love the idea of being the only person in the world to own this exact set of drums. One of my last kit was made out of maple with an aromatized cedar wood finish. Éric just put his brand new wooden badges on this set of drums, which are absolutely stunning. I love the fact that I can have a specific idea in mind and that he can then create it from scratch. I wanted to get a custom made set of drums so that I could choose my own specifications as far as wood, sizes, shell thickness and finishes goes. I know that I am picky and I also knew that we would get to the desired goal together.

SINCE YOU ARE USING A LOT OF SEQUENCES WHEN PLAYING LIVE, DO YOU USE A CLICK TRACK? Yes, indeed but I don’t feel that the click holds me back. You have to learn to groove with it. If you want to play with sequences, you don’t have much of a choice and the goal is to forget that they are there with you.

WITH ALL OF THAT, YOU SEEM TO BE A BUSY GUY. Yes, of course. And if you want to make a living in music, even more nowadays, you have to be able to do a lot of things. Being a musician only isn’t enough, most of the time you have to teach, write or find something that suits you well. I found a good balance between my job as a musician and the one I have as a sound engineer. I think that anybody who wants to make a living as a musician should have a least two different jobs. It helps in doing only what I like as a musician and in reducing anxiety when you have some quieter moments. You have to adapt to the music market and have more than one string in your bow. In my case, they complement each other and that’s what I love. \\ www.karcius.com www.vaudoudrums.com

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Crédit photo : Karine Robitaille

IS KARCIUS YOUR MAIN MUSICAL PROJECT?

Le groupe a quatre disques à son actif et à chaque fois on essaie de lui donner une couleur particulière. Sur les deux premiers albums, on aimait beaucoup les couleurs latines donc on y retrouve des congas, des bongos, du guiro, et j’en passe. Le troisième album, Episodes, renferme entre autres des textures de l’Asie du sud-est, avec un gamelan indonésien, des gongs, des cloches et autres. Pour notre dernier album, il y a eu beaucoup de percussions africaines, comme des dun duns, du sabar, du djembé, etc. Nous avons aussi eu la chance de travailler avec deux amis sénégalais qui jouent avec nous sur l’album.

Je fais aussi de la programmation de séquences qui permettent des textures supplémentaires que le drum seul ou un autre instrument acoustique ou électrique ne peut pas faire. La philosophie au sein du groupe est que si on décide de mettre une séquence, c’est qu’on veut que ça sonne comme une séquence. On ne prendra pas un clavier pour imiter un son de violon : on va engager un ensemble à cordes. Même chose pour les pianos, les B3, et autres. Les instruments virtuels ne réagissent pas comme les instruments acoustiques et nous sommes très sensibles à ça.

Sur notre dernier album, The First Day , nous avons aussi fait du design sonore dans lequel nous incorporons des textures avec des objets qui possèdent des sons qui ne proviennent pas d’instruments, mais qui sont intéressants. Ça peut être une roue de vélo qui tourne, des sonorités de gare de train, des bruits d’horloge, toutes sortes de sons de métal, etc. J’ai fait un show pour enfants durant quelques années avec l’Arsenal à Musique dans lequel je jouais sur des sculptures Baschet (du nom des 2 frères) et je voulais intégrer ces sons à l’album, ce que j’ai fait. On a une éthique propre au band : quand on peut intégrer une nouvelle sonorité on l’étudie et on l’incorpore. J’aime qu’il y ait des choses en opposition pour surprendre l’auditeur soit par des rythmiques particulières, des instruments ou des textures sonores qui sortent de l’ordinaire. Ce n’est pas toujours facile à la première écoute d’appréhender la musique de Karcius, mais cela vaut la peine selon moi.

SI TU UTILISES BEAUCOUP DE SÉQUENCES, EST-CE QUE TU JOUES LIVE AVEC UN CLIC? Oui, effectivement, mais je ne me sens pas prisonnier du tout. Il faut apprendre à groover avec le clic! Si tu veux jouer avec des séquences, tu n’as pas vraiment le choix, mais le but c’est d’apprendre à l’oublier.

TU SEMBLES BIEN OCCUPÉ AVEC TOUT ÇA? Oui c’est sûr! Si tu veux vivre de la musique, surtout de nos jours, il faut que tu puisses faire toutes sortes de choses. Être uniquement musicien ne suffit pas dans la majorité des cas; il faut aussi enseigner, composer, ou trouver un autre métier qui colle bien à celui de musicien. Moi j’ai trouvé un bon équilibre entre mon métier de musicien et celui d’ingénieur de son. Selon moi, toute personne qui veut bien vivre de la musique doit au moins avoir deux métiers. Ça évite de faire les choses qu’on aime moins faire comme musicien, et ça permet de réduire l’angoisse des temps morts. Il faut s’adapter au marché et avoir plusieurs cordes à son arc. De mon côté, elles sont complémentaires et c’est ce que j’aime. \\

TU FAIS AUSSI DE LA POST PRODUCTION SONORE, ÇA DOIT AIDER? Oui, effectivement! Je suis aussi ingénieur de son et depuis quelques années je travaille en post production sonore pour le cinéma, la télé et la publicité. Je suis appelé à faire de l’enregistrement, du montage et du design sonore pour un paquet de projets différents. Le guitariste de Karcius, Simon, est aussi ingénieur de son, donc nous pouvons produire nos albums nous-mêmes de A à Z.

EST-CE QUE C’EST JUSTEMENT TON CÔTÉ MANIAQUE DE SON QUI T’A MENÉ À JOUER SUR DES BATTERIES VAUDOU?

Crédit photo : Éric Gazaille

Je suis très fier d’endosser une marque québécoise. J’aime beaucoup le travail d’Éric Gazaille; c’est un perfectionniste et il crée des batteries uniques. J’aime l’idée d’être le seul au monde à avoir l’instrument que j’ai. Une de mes dernières batteries est en érable avec un fini en bois de cèdre aromatique. Éric vient d’ailleurs de poser sur ce drum ses nouveaux badges en bois, qui sont tout simplement magnifiques. J’aime le fait d’avoir une idée précise en tête et qu’il puisse la réaliser. Je voulais du sur-mesure pour avoir la batterie de mes rêves avec mes propres spécifications pour le bois, la taille, l’épaisseur des fûts, la finition… Je sais je suis assez pointilleux sur ce que je veux, mais je savais qu’on arriverait au résultat espéré.

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CHRIS LESSO

PLAYING WITH PASSION USING DYNAMICS YOU'RE PROBABLY PLAYING TOO LOUD!

Dynamics crafts the MUSIC out of your notes. When this instrument really speaks,when it really moves people, it's going to be by exploring the quieter range contrasting and complimenting the more obvious louder range. The drums are sopowerful when used in this way, so here lies a huge opportunity in expanding yourexpression. Think of taming a wild horse or driving a Ferrari, keeping that power in reserve and not maxing out the entire time. Playing quietly gives your louder ideas more meaning.

When a child yells and is overly excited, this is unbridled enthusiasm. We've all heard this, and we've been that kid! But as we mature it becomes controlled enthusiasm, which draws others in, instead of alienating them. Just like a movie, dynamics is how you change the emotion of a performance. There's a whole world of potential within your grooves that you may not be tapping into. Every song will have ups and downs, they may be subtle or extreme, but find them!

Sometimes you get a bigger sound by playing softer. Sounds like an oxymoron, I know!

A great drummer who embodies this is John Bonham as he matured over his 10 years with Led Zeppelin. He learned to do more with less, to say more by using dynamics and space.

I often tell my students 'play light.' This could be loud or soft, but keep your lightness.

What did Muhammad Ali say? Float like a Butterfly Sting Like A Bee! I have spent a lot of time studying Bruce Lee's approach to his art, and applying this to my instrument. There is power in subtlety.

Dynamics can be used to draw someone in, or push them away. When I hear soft dynamics, it makes me want to hear what the next musical idea is, keeping me on the edge of my seat. Have you ever yelled at somebody? It pushes them away! If I really want you to listen to an idea, I will play it softer and even add space so you can really hear what I'm trying to say. This is about playing with ENTHUSIASM, letting others feel how much we are in love with what we are creating. And everyone knows, enthusiasm is INFECTIOUS! We want to live with passion every day, and play every note on the drums like it is our last, and dynamics helps us get there.

HOW TO PRACTICE WITH DYNAMICS Practicing with lower dynamics gives your louder ideas more meaning and impact, and also inputs the idea faster into our muscle memory. There's also dynamics WITHIN your drumset. Think of yourself as a soundman listening to all the levels you are creating, constantly adjusting. Is your hihat too loud? Is the snare popping enough? Remember this concept: understate it a little. You're probably too loud!

Videotape yourself, and see how much you are truly exploring the world of dynamics.

Cindy Blackman has a great technique for practicing dynamics. In her apartment in crowded New York City she would practice playing quietly, her ideas burning with fire and intensity, but never going over the volume threshold. The challenge was not to let the phone ring for a noise complaint. If the phone rang, it was game over!

My friend and excellent drummer Max Senitt practices his softer dynamics while his baby sleeps soundly upstairs. If he can't hear the baby monitor propped on his music stand while drumming lightly, then he's playing too loud!

Older records sometimes had more dynamics because of the lack of powerful PA's and amplifiers at that time. Discover some of history's masters from the archives, listen and play along, and feel the effect dynamics has on the music. I remember my piano teacher always

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telling me to exaggerate the dynamics of a piece, stretching them a little farther than you initially think they need to be.

Music is a language. Think of how great speakers and storytellers use the entire range of their voice. A saxophone player once said to me 'someone that plays loud all the time is compensating for not having any good ideas, and has nothing to say.' Makes you think! If you can play soft it's easy to play loud, but not the other way around. Watch your tempo when you're going from extreme one to the other. What's the loudest and softest you can musically play? Stretch your limits!

If you play with dynamics, other musicians will call you back to play with them. Ask others that you play with for their honest feedback on your dynamics, and how it can be better. Everyone needs a teacher or a coach to constantly work on perfecting their craft.

Having a wide range of dynamics to draw from is what will make your ideas shine! \\ Scan this code, or follow the link below for a free video lesson from Chris on Playing With Passion Using Dynamics: www.youtube.com/watch?v=uabFF0l2qZE

JOUER TOUT EN NUANCES ET AVEC PASSION VOUS JOUEZ PROBABLEMENT TROP FORT! Les nuances font ressortir la « musique » des notes. À la batterie, si vous voulez communiquer quelque chose et toucher les gens, il faut explorer le registre plus doux de l’instrument, celui qui contraste avec son côté plus retentissant et le complète. La batterie peut être si puissante! Les nuances vous permettront ultimement d’élargir votre registre d’expression.

Un peu comme si vous apprivoisiez un cheval ou conduisiez une Ferrari : il faut les ménager et se garder un peu de réserve! Jouer doucement donnera également plus de signification à votre jeu lorsque vous jouerez plus fort.

Lorsqu’un enfant est surexcité et qu’il crie, on appelle ça de l’enthousiasme débridé.

Nous avons tous été cet enfant un jour ou vu ce degré de surexcitation chez un enfant de notre entourage. À mesure que nous prenons de la maturité, nous arrivons à contrôler cet enthousiasme qui finit par attirer les autres au lieu de les repousser. Comme dans les films, les nuances sont ce qui donne de l’émotion à une performance. Si vous n’avez pas encore exploré les nuances, vos grooves regorgent de potentiel que vous n’exploitez pas encore.

Toutes les chansons ont leurs hauts et leurs bas, qui peuvent être subtils ou extrêmes, mais qu’il faut laisser transparaître!

Parfois, le son a plus d’impact lorsqu’il se fait discret. Oui, je sais, c’est pratiquement un oxymoron! Une des personnes qui incarne bien cette théorie est John Bonham, ce batteur qui a pris beaucoup de maturité en jouant pendant 10 ans avec Led Zeppelin. Il a appris à en faire plus avec moins, à en dire plus en utilisant les nuances et les vides. Je rappelle souvent à mes élèves de « faire dans la légèreté ». Le volume peut être doux ou fort, mais la légèreté doit se faire sentir. Que disait Muhammad Ali? Danse comme un papillon, mais pique comme une abeille! J’ai passé beaucoup de temps à étudier l’approche de Bruce Lee en essayant de la transposer à mon instrument. Il y a beaucoup de puissance dans la subtilité.

Les nuances peuvent être utilisées pour attirer quelqu’un, ou pour le repousser. Lorsque j’entends des nuances subtiles, j’ai envie d’écouter ce qui suit et ça me garde en haleine.

Avez-vous déjà entendu quelqu’un crier à pleins poumons? C’est plutôt rebutant! Si je veux qu’on m’écoute, je parle plus doucement, en prenant le temps de prendre des pauses afin qu’on entende vraiment ce que je veux dire. C’est ça l’enthousiasme de jouer : laisser les autres comprendre combien nous aimons ce que nous créons. Et ce n’est pas un secret : l’enthousiasme est contagieux! Il faut vivre avec passion tous les jours et jouer chaque note comme si c’était la dernière. Les nuances nous aident à en arriver là.

COMMENT PRATIQUER LES NUANCES? Lorsque vous pratiquez de façon plus nuancée, non seulement vos idées ont plus d’impact et de signification, mais ça aide aussi à réveiller plus rapidement la mémoire des muscles.

Il existe également des nuances à l’intérieur même de votre instrument. Imaginez-vous être un technicien de son qui analyse tous les détails, en ajustant constamment le tir. Votre Charleston est-elle trop bruyante? Votre caisse claire assez rebondissante? Et rappelez-vous ceci : mieux vaut en faire moins. Vous jouez probablement trop fort!

Filmez-vous et regardez à quel point vous explorez vraiment les nuances.

Cindy Blackman a une bonne technique pour pratiquer les nuances. Même si les idées lui brûlent les doigts, dans son appartement new-yorkais, elle doit jouer doucement afin de ne jamais dépasser le seuil de tolérance de ses voisins. Le défi est de ne pas faire sonner le téléphone! Si quelqu’un l’appelle pour se plaindre du bruit, le plaisir est fini!

Mon ami et excellent batteur Max Senitt pratique les nuances lorsque son bébé dort à l’étage. S’il ne peut pas entendre le moniteur, c’est qu’il joue trop fort!

Sur les disques plus anciens, il y avait souvent davantage de nuances parce que les bons amplificateurs n’existaient pas encore. Allez fouiller dans les archives pour découvrir le travail des maîtres. Écoutez-les et jouez par-dessus les enregistrements. Prêtez attention à l’effet qu’ont les nuances sur la musique. Je me souviens de mon professeur de piano qui me disait toujours d’exagérer les nuances en les poussant toujours un peu plus loin que ce que je croyais bon.

La musique est un langage. Pensez aux grands orateurs et conteurs qui utilisent le registre complet de leur voix. Un saxophoniste m’a dit un jour « ceux qui jouent fort tout le temps n’ont rien à dire et compensent pour leur manque d’idées. » Ça m’a fait réfléchir!

Si vous arrivez à jouer doucement, il vous sera facile de jouer plus fort, mais le contraire n’est pas vrai. Et faites attention à votre tempo lorsque vous passez d’un extrême à l’autre.

Jusqu’où pouvez-vous aller dans la force et la douceur? Poussez vos limites!

Lorsque vous jouez tout en nuances, les autres musiciens vous rappelleront pour travailler avec eux! Demandez un avis honnête à ceux qui vous entourent et demandezleur comment vous pourriez vous améliorer. Tout le monde a besoin d’un professeur ou d’un entraîneur pour continuer de perfectionner son art. Avoir tout un registre de nuances permettra à vos idées de se démarquer! \\ Numérisez ce code et suivez le lien ci-dessous pour accéder à une vidéo gratuite de Chris sur « Comment jouer tout en nuances et avec passion » : www.youtube.com/watch?v=uabFF0l2qZE

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STÉPHANE CHAMBERLAND

FROM DRUMMER TO WRITER We all know that having ‘more arrows in your quiver’, as they say, is a positive thing. As a freelance musician, I am so happy to be able to play many styles of music and to have an open mind to always be learning new things. Not only in a musical sense, but also in other related fields of the music industry, we may explore different avenues in order to raise our artistic skills and business acumen. For example, some avenues could be: teaching, recording in studios, promoting our bands, doing clinics, and presenting conferences, as well as many others.

In this article I will focus on and encourage you to develop one additional skill and explain how this has served me well. I am talking about developing transcription skills and working with software applications to put your work together in a professional presentation.

TYPES OF CHARTS Learning to transcribe drum parts is so amazing. I divide the type of charts into three categories: A transcription is a note-for-note writing out of a song or solo. This is a great way to study what your favorite drummers think, how they phrase their playing, and what subdivisions and placements they use around the kit. When I studied with John Riley at the Manhattan School of Music, John was always having me transcribe solos from great jazz drummers. I must say that some of them were extremely difficult to transcribe but it made me understand much more about what I was playing.

The second type of chart is the drum chart format. This is most widely used by freelance drummers. When I write out songs for gigs, I like to use this type of chart. Drum charts give us the form, main grooves and the places to fill-in. If you want a great example, look at the ‘Groove Essentials Volume 1’ and ‘Vol. 2’ books by Tommy Igoe. I use these books to practice sight reading as well. What I like about these kinds of charts is that they make you develop your improvisation skills and allow you to infuse your own ideas. Having less information on the paper, you must listen and figure out the best parts possible to play in the moment.

The third type of transcription involves the use of the music charts for bass or piano. Look at the wellknown ‘Real Books’ (Hal Leonard) series of jazz improvisation books.

They are tremendous tools to have in your toolbox. I always recommend that my students get together with other musician friends and work on their real book skills. There are no drums on these charts; only the form, chords, and melody. It will very likely motivate you to learn some piano and musical theory to be able to better follow what other musicians understand and are reading. These are probably the most challenging charts for a drummer because we must read and process something that is not how we write or, perhaps think, for our own instruments.

SOME INSPIRING PERSONAL STORIES So, having charting skills for reading, transcribing, and organizing a clear music sheet is a must. Many years ago, I was asked by my mentor, Dom Famularo, to write some ideas for a book he was working on. I was so excited that I went home, bought a music notation program, and started learning it through tutorials. After about a month I was able to put all my ideas into the program and had started to write our first book. I didn’t know at the time that this skill was about to give me the possibility of writing, ‘The Weaker Side’, ‘Pedal Control’ and ‘Drumset Duets’ with Dom Famularo and Joe Bergamini for Wizdom Media (Distributed by Alfred Publishing). I was given, as well, the opportunity to formalize charts for many other books such as ‘Elements’ by John Favicchia and ‘Drumset for Beginners’ by Paul Hose and Jim Farey in London (Also distributed by Alfred Publishing). I also have the immense privilege of having written the new editions of the George Lawrence Stone, ‘Stick Control’ and ‘Accents and Rebounds’ books. I work on educational posters and write articles for many magazines all over the world, too. I mention this not to show off but to encourage you to learn these skills in order to push your career to the next level.

USING TECHNOLOGY TO CREATE AND READ CHARTS Now the question you may be asking is, “Where do I begin?” Well, I always recommend that you find a great teacher who will be able to help you develop your transcription skills.

With my first drum teacher, Vincent Marchessault, I was always bringing in new try-outs of transcribed songs and grooves. He helped me by making me aware of my mistakes and

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showing me how to write properly. Then, get a good program for your computer, iPad, or other tablet computer. I use Finale by Coda Music. Sibelius (Avid Software) is also a good application. Google all the music notation programs and you will surely find other great ones to suit your tastes. Once you know how to write charts, you can export them in .tiff or .pdf file formats to use in a chart reading app. I recommend Set List Maker (Arlo Reach), OnSong (OnSong, L.L.C.) or forScore (forScore, L.L.C).

CREATE, SHARE AND LEARN Can you imagine being able to write your own professional charts for your band or students or even for clinic reviews or for personal notes? From education to practical application, you will definitely benefit from learning more things connected to your drumming passion. It only takes just a little bit more to get to the next level. Learn a little more every day on a consistent basis. Everything is at the tip of your fingers. It is just a question of believing in yourself, acquiring the skills you need, practicing, improving, and learning from your mistakes. Keep going and use patience and perseverance everyday. I hope my stories and advice will aid you in your journey and remember to stay positive and play with passion! \\

www.stephanechamberland.com — global2steph@icloud.com facebook.com/stephanechamberland

DE LA BATTERIE À LA TRANSCRIPTION MUSICALE Nous savons tous qu’il est toujours pertinent d’avoir « plus d’une flèche à son arc ». En tant que musicien pigiste, je suis heureux de pouvoir jouer plusieurs styles et d’être ouvert à en apprendre toujours plus sur tout. Dans le domaine musical, mais aussi dans les domaines connexes à l’industrie musicale, il est possible d’explorer différentes avenues et d’élargir ainsi notre savoir-faire artistique et notre sens des affaires. Certaines d’entre elles pourraient être : l’enseignement, l’enregistrement en studio, la promotion de groupes musicaux, la création d’ateliers ou de conférences, etc. Dans cet article, je vais aborder la transcription musicale et je vous expliquerai comment ce savoir-faire m’a servi et comment il peut vous aider à présenter votre travail de façon professionnelle (en utilisant les applications et logiciels).

LES DIFFÉRENTES TRANSCRIPTIONS Apprendre à transcrire des partitions de batterie est génial. Pour les batteurs, ces partitions peuvent se présenter de trois façons.

La première est l’écriture de chaque note d’une chanson ou d’un solo. C’est une excellente façon d’étudier comment pensent vos batteurs préférés, comment ils phrasent leur jeu et quels placements et subdivisions ils utilisent sur leur batterie. Lorsque j’ai étudié avec John Riley au Manhattan School of Music, John me faisait toujours transcrire les solos des grands batteurs de jazz.

Je dois avouer que certains d’entre eux étaient extrêmement difficiles à transcrire, mais ça m’a fait mieux comprendre ce que je jouais.

Le deuxième type de transcription se fait sur un format de partition propre à la batterie.

C’est celle que les batteurs pigistes utilisent le plus. Lorsque j’écris des chansons pour des contrats, j’aime utiliser ce type de partition.

Les partitions de batterie donnent la forme, les grooves principaux et les moments consacrés à l’improvisation. Pour un bon exemple, prenez les volumes 1 et 2 de « Groove Essentials » de Tommy Igoe. Ces livres sont également idéals pour pratiquer la lecture à vue. Ce que j’aime de ces partitions c'est qu’elles vous permettent de développer vos talents d’improvisation et d’y ajouter vos propres idées. En ayant moins d’information sur le papier, il vous faudra écouter davantage pour arriver à jouer ce qu’il y a de mieux dans l’instant présent.

Le troisième type de transcription implique l’utilisation des partitions musicales pour la basse ou le piano. Feuilletez la bien connue série « Real Books » (de Hal Leonard) en improvisation jazz. Ces livres sont de merveilleux outils à avoir en main. Je recommande toujours à mes étudiants de se réunir avec des amis musiciens afin de travailler sur leur Real Book. La batterie ne figure pas sur ces partitions; seulement la forme, les cordes et la mélodie. Ça devrait vous motiver à apprendre le piano ou la théorie musicale afin d’arriver à mieux suivre les autres musiciens. Ce sont probablement les partitions les plus difficiles pour un batteur puisque nous devons lire et comprendre quelque chose qui est loin de notre réalité et de la façon dont nous voyons nos instruments.

QUELQUES ANECDOTES INSPIRANTES Savoir comment lire, écrire et organiser une bonne transcription musicale est un incontournable. Il y a plusieurs années, mon mentor, Dom Famularo, m’a demandé de lui écrire quelques idées pour un livre sur lequel il travaillait. J’étais tellement emballé que, de retour à la maison, j’ai acheté un logiciel de notation musicale que j’ai appris à utiliser grâce à des tutoriels. Après un mois, j’étais capable de mettre toutes mes idées dans le logiciel et je commençais à écrire notre premier livre. À ce moment-là, je ne me doutais pas que cet atout allait me donner la chance d’écrire « The Weaker Side », « Pedal Control » et « Drumset Duets » en collaboration avec Dom Famularo et Joe Bergamini pour Wizdom Media. Ça m’a aussi donné l’occasion de formaliser des partitions pour plusieurs livres comme « Elements » de John Favicchia et « Drumset for Beginners » de Paul Hose et Jim Farey. J’ai aussi eu l’immense privilège d’écrire les nouvelles éditions des livres « Stick Control » et « Accents and Rebounds » de George Lawrence Stone. Je travaille également sur des affiches éducatives et j’écris des articles pour des magazines de partout à travers le monde. Loin de vouloir me vanter, je vous raconte tout ça parce que je veux vous encourager à apprendre la transcription afin d’amener votre carrière à un autre niveau.

SE SERVIR DE LA TECHNOLOGIE POUR CRÉER ET LIRE LES PARTITIONS Vous vous posez maintenant la question, « mais par où commencer? » Je recommande toujours de trouver un bon professeur qui vous aidera à développer vos talents de transcription. Avec mon premier prof de batterie, Vincent Marchessault, j’amenais toujours

de nouvelles transcriptions de chansons et de grooves. Il m’aidait à apprendre de mes erreurs et me montrait comment écrire correctement. Procurez-vous ensuite un logiciel pour ordinateur, iPad ou autre tablette. Pour ma part, j’utilise Finale de Coda Music. Sibelius (de Avid Software) est aussi une bonne application. Faites une recherche sur Google pour trouver d’autres logiciels de notation musicale et vous en trouverez certainement un qui fera votre affaire. Une fois que vous savez écrire des partitions, vous pouvez les exporter en formats .tiff ou .pdf que vous pourrez télécharger à l’aide d’une application pour la lecture comme Set List Maker (Arlo Reach), OnSong (OnSong, L.L.C.) ou forScore (forScore, L.L.C).

CRÉER, PARTAGER ET APPRENDRE Pouvez-vous imaginer être capable d’écrire des partitions professionnelles pour votre groupe ou vos étudiants ou encore pour vos ateliers ou vos notes personnelles? Que ce soit pour améliorer votre jeu ou votre pratique, vous ne tirerez que des avantages d’en apprendre toujours plus sur votre passion, la batterie. Ça ne prend souvent pas grand-chose pour passer au prochain niveau. Apprenez quelque chose tous les jours, de façon constante.

Vous avez le monde au bout des doigts. Ce n’est qu’une question de croire en vous, d’acquérir les notions dont vous avez besoin, de pratiquer, de vous améliorer et d’apprendre de vos erreurs. Continuez et faites preuve de patience et de persévérance tous les jours. En espérant que mes anecdotes et mes conseils vous serviront dans votre cheminement. Et rappelez-vous : rester positif et jouer avec passion! \\

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AUBREY DALE DANCING ACROSS THE BAR LINE /Part 2 - Odd Note Groupings

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DANSER SUR LA MESURE /2e partie – Mesures à nombre impair de temps binaires

In the previous article we took a look at the use of hemiola to play rhythmic figures that continue over the bar line. We will now look at another great way to give the listener the illusion that the tempo and pulse has changed. It is related to hemiola in that it is once again based on playing rhythmic patterns in odd note groupings in an even time context.

Dans l’article précédent, nous avons abordé l’utilisation de l’hémiole pour jouer des figures en rythmes ternaires de façon continue sur une mesure binaire. Nous allons maintenant regarder une autre façon de donner au public l’illusion que le tempo et le battement rythmique ont changé. Cette technique s’apparente à l’hémiole puisqu’elle s’appuie également sur les motifs rythmiques joués en nombre impair sur des temps binaires.

In hemiola we accented every 3 note grouping in duple time. The concept is the same with odd note groupings beyond the three notes. We can actually play or accent any amount of odd notes and the result will be the same. Any rhythm that is created with these odd note groupings will obscure the bar line in an even time signature.

Pour l’hémiole, nous avons mis l’accent sur les rythmes ternaires dans une mesure binaire. Le concept est le même avec les autres mesures à nombre impair. Peu importe le nombre de mesures à nombre impair joués ou accentués, le résultat reste le même. Tout rythme créé avec ce type de mesure noircit la barre de mesure pour donner une signature rythmique particulière.

There are two odd note groupings that are particularly common, other than the three note groupings used in hemiola; these are 5 and 7 note groupings. The easiest way to understand how these note groupings fit in an even bar is to subdivide the groups into 2 and 3 notes. Take a look at the following examples.

Deux mesures à nombre impair sont particulièrement utilisées en dehors de l’hémiole : les mesures en 5 et en 7. La meilleure façon de comprendre comment ces mesures s’insèrent dans une barre de mesure régulière est de les subdiviser en groupes de 2 et de 3 notes.

Prenez les exemples suivants.

5 NOTE GROUPINGS

MESURES DE 5

7 NOTE GROUPINGS

MESURES DE 7

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The 5 note groupings are usually subdivided in 2 + 3 notes or 3 + 2 notes. The 7 note groupings also usually subdivided in 2 + 2+ 3 notes or 3 + 2 + 2 notes. If we then place an accent at the beginning of each subdivision, a discernable rhythm occurs. This rhythm, which is based on the subdivision groupings, is easier to understand and feel naturally. Take a look at the following link.: http://tinyurl.com/ltwzo3f

Les mesures de 5 se subdivisent habituellement comme ceci : 2 + 3 ou 3 + 2. Les mesures de 7, ainsi : 2 + 2+ 3 ou 3 + 2 + 2. Si nous mettons un accent au début de chaque subdivision, un rythme particulier se dessinera. Lorsque ce rythme s’appuie sur des groupes de subdivision, il est plus facile à comprendre et se joue de façon plus naturelle. Maintenant, consultez ce lien : http://tinyurl.com/ltwzo3f

A challenging use of this concept is to play the first note of each 5 or 7 notes, as we do using hemiola. The space between the notes is hard to keep track of accurately. We can make tracking the number of rests in groupings easier by keeping the aforementioned subdivisions in mind while playing accents at the beginning of the larger odd note groups.

Si vous cherchez un nouveau défi, vous pouvez utiliser ce concept en jouant la première note de chaque mesure de 5 ou de 7 comme nous l’avions fait avec l’hémiole. Il est difficile de rester fidèle à l’espace entre les notes. Il est plus aisé de suivre le nombre de pauses dans les subdivisions lorsque nous gardons celles-ci en tête et lorsque nous jouons les accents à chaque début des mesures.

Counting is critical when using this rhythmic concept. It is the only way to ensure that one is confident of where the original tempo and pulse is in the piece while this concept implies a different tempo.

Pour réussir ce concept rythmique, il est essentiel de compter les mesures. C’est la seule façon de reconnaître où se trouvent le tempo original et le battement rythmique de la pièce puisque le concept implique un tempo différent.

It is possible, and encouraged, to practice counting these odd groups away from the drum set. I often practice this in bed when I wake up in the morning. I lie still, quietly mumble the count out, and move my index finger and big toes to articulate the groups so that I don’t wake up my wife. It sounds a little silly but it really works great. Make sure to count at the same rate as the notes you are playing. If they are sixteenth notes then count in sixteenth notes. If they are eighth notes then count in eighth notes and so on. You will learn how these odd groups relate to the counts and start to understand which accents fall on the beat and which ones are on a weaker part of the beat. Take a look at the following link: http://tinyurl.com/nalk7od

Il est possible, voire souhaitable, de s’exercer à compter les mesures à nombre impair lorsque vous n’êtes pas à la batterie. Personnellement, je le fais lorsque je me réveille le matin et que je suis encore dans mon lit. Tout en restant allongé, je compte à voix basse (pour ne pas réveiller ma femme) en bougeant l’index et les gros orteils afin d’articuler les groupes de mesures. Ce qui peut avoir l’air idiot comme ça fonctionne à merveille. Assurezvous de compter au même rythme que les notes que vous jouez. Si ce sont des doubles croches, comptez en doubles croches. De même pour les croches et ainsi de suite. Vous apprendrez comment ces mesures en nombre impair s’insèrent dans la manière de compter et vous allez comprendre quels accents tombent sur le rythme fort et quels accents tombent sur le rythme faible. Allez maintenant sur ce lien : http://tinyurl.com/nalk7od

It’s the intro to the first piece on my latest CD, Jewel, called “The Right Move”. Pay attention to the first 4 bars. The composition is in 4/4 time throughout the piece. The snare drum accents are playing with the ensemble in 7 note groups of sixteenth notes that are subdivided in the following manner: 2+2+3. I then fill in the notes between the accents with thirty-second notes in single strokes with my feet.

Vous y trouverez l’introduction à la première pièce de mon plus récent album Jewel, intitulée « The Right Move ». Soyez attentifs aux 4 premières mesures. La composition est en 4 temps tout au long de la pièce. Les accents à la caisse claire sont joués avec l’ensemble sur des groupes de 7 doubles croches subdivisées de cette manière : 2+2+3. Entre les accents, j’effectue les notes en 30 secondes avec des coups de pied simples.

The technique of playing over the bar line in this manner is very similar to that of hemiola in that it is vital to concentrate on counting while executing the odd note groupings. Counting is always important. It ensures that you will be able to keep your place in the music, reinforce the tempo, and play your rhythms more accurately whether you are reading music or not. It is even more important to count while venturing over the bar line.

It will give you the confidence to know where beat one is at all times.\\

De cette façon, le jeu effectué par-dessus la barre de mesure ressemble beaucoup à l’hémiole, en ce sens qu’il demeure vital de compter tandis que vous exécutez les mesures en nombre impair. Il importe toujours de compter. Ça permet de garder la bonne place dans la musique, de renforcer le tempo et de jouer les rythmes avec plus de précision, peu importe si vous lisez ou non la musique. Compter est encore plus important lorsque vous vous aventurez au-delà de la barre de mesure. Et ça vous donnera l’assurance de savoir à tout moment où se situe le premier rythme. \\

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ÉRIC BOUDREAULT

Since Ringo Starr first played with The Beatles, a lot has changed with pop drumming. But how can you establish if a specific drumbeat has to be classified as “pop”? And what is pop music? How do you play that style on the drums?

POP

POP POP !

First, pop music, like his name implies, is a style where you’ll try to reach a large audience. It is easy to digest music with a good melody, pleasant tempos and simple and catchy rhythms. Popular music seduces a lot of people because, usually, songs are short and easy to sing along to. It that context, it is really important for the drummer to learn to play with taste and every note he lays down has to be musical. The drummer has to supply a good pulsating rhythm and always play for the music.

Premièrement, la musique populaire, comme le dit si bien son nom, est une musique qui se destine à toucher un grand nombre de personnes. C’est une musique qui se veut accessible, avec une bonne mélodie, des tempos agréables et des rythmes épurés et accrocheurs. La musique populaire séduit beaucoup de monde, car en général, la pièce est courte et facile à chanter. Dans ce contexte, il est important pour le batteur de prendre sa place avec un jeu de bon goût; tout doit être musical. Le batteur doit donner la pulsation et jouer pour la musique.

Pop music can have a tinge of rock, latin, jazz, etc. But it is defined by the interpretation, the arrangement and the way the rhythm is played with a specific regularity. I’ll give you an example. If you have to play a pop rock tune, you’ll play it with as much energy as the usual rock songs but you’ll limit the different drums you might want to use, you’ll play a more solid basic rhythm, less variations and a cymbal hit in between every musical section without having to play a fill on your toms every time. If you have to use your toms, you’ll do so in a simplified manner.

La musique pop peut-être rock, latine, jazz, etc. Ce qui la définit : l’interprétation, les arrangements et la manière de jouer le rythme avec une certaine régularité. Je vais vous donner un exemple. Si vous devez jouer une pièce pop rock, vous allez la jouer avec autant d’énergie qu’une pièce rock habituelle, mais vous allez limiter les surfaces de frappe, jouer un rythme de base plus consistant, moins de variations et des coups de cymbales entre chaque section, sans nécessairement faire une transition avec les tambours. Si vous utilisez les tambours, vous le ferez d’une manière simplifiée.

You’ll find below two variations on a basic drum rhythm. You’ll play them as a loop and focus on not playing any variations for at least 5 minutes or more with a click track. Play the rhythm until you are very comfortable with it. Now, also play the same groove over a song you like.

Vous trouverez ci-dessous deux variations de rythmes de batterie de base. Vous allez les jouer en boucle, en vous forçant de ne pas jouer de rythmes superflus pendant une période de 5 minutes ou plus avec un métronome. Jouez le rythme jusqu’à ce que vous sentiez vraiment que vous êtes à l’aise avec celui-ci. Maintenant, jouez le même rythme par-dessus une pièce de votre choix.

Then, try adding some variations on the hi-hat or ride cymbal but still keeping the simple basic rhythm. You can also add accents on and off the beats.

Par la suite, ajoutez des variations avec la Charleston ou la ride, tout en conservant la simplicité du rythme. Vous pouvez aussi ajouter des accents sur les temps forts ou faibles.

Your hi-hat playing is very important in pop music. It propels the groove.

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Depuis l’époque Ringo Starr, le jeu à la batterie s’est beaucoup développé du côté de la musique populaire. Mais comment peut-on établir qu’un rythme de batterie est de style populaire? Qu’est-ce que la musique populaire en fait?

Comment jouer ce style à la batterie?

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Le jeu à la Charleston est très important dans la pop. Celui-ci donne le groove.

Nowadays, a lot of composers use electronic drums, sequencers and computer software to create drum sounds for pop music. It is really important that you understand how to use those if you want to be able to work in the studio or live on stage. A lot of drummers will play their bass drum over the audio track to thicken the groove. The click track has to become your friend as it will help you stay in synch with the audio track.

Don’t forget about the visual aspect of pop music. Some drummers will prefer to stay in the background while others will want to be part of the visual show. In both cases, you don’t want it to affect the music. Quite often, you’ll see drummers playing pop music who’ll have a big stamp on the music while still being tasteful. To do so, a lot of musical maturity is needed.

A lot of drummers will also have a specific drum configuration to fit the visual aspect of the band. They might have normal sized drums or maybe bigger ones. And this is not only for visual impact but also for sound. Bass drums of 22” or 24” will have a more rounded sound and “one size fits all” quality compared to an 18” jazz bass drum. But it is now possible to have a big fat drum sound with the right combination of drumheads even on a small bass drum. And then for snare drums, the choices are very subjective. And this is why many drummers have a huge snare drum collection, so that they can choose the right sound when needed.

To conclude, don’t forget that the sound engineer’s work is very important to pop music.

We sometimes forget them but they are responsible for our sound and how it ties with everything else. To really understand the acoustic and amplified sound of your drums is a major asset when comes the time to record.

I would strongly suggest that you go listen to a lot of pop music so that you can understand all the work that drummers have to do to produce a good, solid and strong track.

Have a good listening and practicing session! \\

De nos jours, beaucoup de compositeurs utilisent des batteries numériques, des séquenceurs, ou des programmes d’ordinateur afin de créer des sons de batterie de musique pop. Donc il est important de comprendre comment ceux-ci fonctionnent pour pouvoir en jouer en studio ou en spectacle. Beaucoup de batteurs jouent de la grosse caisse par-dessus la piste préenregistrée afin de grossir le son. Le métronome devient alors votre ami : il vous aide à rester synchro avec le préenregistrement.

Il ne faut pas oublier le côté visuel de la pop. Certains batteurs préfèrent rester en toile de fond, mais d’autres aiment prendre part au visuel du spectacle. Dans les deux cas, il ne faut pas que cela affecte la musique. Il n’est pas rare d’avoir des batteurs, qui, malgré le contexte pop, sont capables de faire ressortir leur personnalité tout en restant de bon goût.

Bien que cela demande beaucoup de maturité musicale.

Plusieurs batteurs vont opter pour une configuration particulière de leurs tambours et leurs cymbales afin de jouer avec le visuel. Ils choisiront des tambours de grandeur normale ou plus gros. Non seulement pour le côté visuel, mais pour le son. Des grosses caisses de 22’’ ou 24’’ auront un son plus rond et plus passe-partout en comparaison avec une grosse caisse jazz de 18’’. Il est cependant possible, de nos jours, d’obtenir un son bien franc, gras et rond avec une bonne sélection de peaux sur une grosse caisse de petite dimension. Pour la pop, le choix de la caisse claire reste subjectif selon le style. Voilà pourquoi la plupart des batteurs ont une énorme collection de caisses claires : ils peuvent ainsi choisir celle qui leur donnera le son recherché.

Pour terminer, le travail des techniciens de son est très important dans la musique populaire. Parfois, on les oublie, mais c’est eux qui font en sorte que le son de la batterie se fond avec le reste de la musique. Bien connaître à la fois le son acoustique et le son amplifié de sa batterie est un atout majeur quand vient le temps d’enregistrer.

Sur ce, je vous souhaite d’écouter beaucoup de musique populaire dans le but de discerner tout le travail accompli par les batteurs pour que les pièces soient accessibles, musicales et dynamiques.

Bonne écoute et bonne répétition! \\

Cirque du Soleil® is seeking professional musicians for live performances.

INSTRUMENTALISTS STRING, KEYBOARD, WIND OR PERCUSSION INSTRUMENTS BANDLEADER – MULTI-INSTRUMENTALISTS FEMALE – MALE SINGERS ALL VOICE TYPES AND STYLES

Le Cirque du Soleil® recherche des musiciens professionnels pour des prestations devant public.

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FACEBOOK.COM/CIRQUEDUSOLEILCASTING Photo: Eric Jamison / Studio J Costumes: Alan Hranitelj © 2014 Cirque du Soleil Cirque du Soleil is a trademark owned

by Cirque du Soleil and used under license.

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MAX SENITT

“ACCENTS TO REMOVE ACCENTS”

DES ACCENTS POUR ÉLIMINER LES ACCENTS

FINE TUNING RHYTHMS TO SOUND MORE AUTHENTIC

PEAUFINER SES RYTHMES POUR PLUS D’AUTHENTICITÉ

When you speak, do you have an accent? Can you notice this accent in yourself or do others point it out?

I suppose I am referring to one’s experience in the learning of another language, however, accents within a single language can also vary dramatically. I have the great pleasure of knowing people from all over this wonderful earth and have heard many variations of my native tongue, English. Many of these people, despite having a noticeable accent, can still communicate effectively. On the other hand, due to a strong accent or lack of grammar/vocabulary, others are not always understood when they speak. As this can be quite frustrating for them, they may aspire to lessen their accent and sound more authentic.

Avez-vous un accent quand vous parlez? En êtesvous conscient? Est-ce que les gens vous en font la remarque? Je fais ici référence à l’accent qu’on peut avoir lorsqu’on apprend une langue seconde, mais aussi aux accents multiples qu’on retrouve à l’intérieur d’une seule et même langue. J’ai la chance inouïe de connaître des gens de partout sur la planète et j’ai entendu de nombreuses « versions » de l’anglais, ma langue maternelle. Malgré leur accent prononcé, plusieurs personnes communiquent de façon efficace.

D’autres, à cause de leur accent, de leur manque de grammaire ou de vocabulaire, ne réussissent pas toujours à se faire comprendre, ce qui peut être très frustrant. Ils aimeraient certainement avoir moins d’accent et un son plus authentique.

Now let’s talk about my favorite language, MUSIC! When you play ‘foreign” rhythms, do you have an accent? Through my experience studying and playing the music of Brazil and Cuba, I have found that a few musical accents added in the right spot can make a huge difference in helping to sound more authentic. Before we go any further, let’s clarify something. The purpose of an accent is to bring attention to a particular note. Besides raising the volume, one of the most effective ways that I know to accomplish this is to leave out the other notes surrounding it. Less is more! Now let’s apply this concept to two essential “Latin” rhythms: the Bossa/Samba bass drum pattern from Brazil, and the Cáscara pattern from Cuba.

Maintenant, parlons musique, ma langue préférée! Lorsque vous jouez des rythmes d’ailleurs, avez-vous un accent? Selon mon expérience avec la musique brésilienne et cubaine, j’ai découvert qu’un accent musical joué juste au bon moment peut aider à obtenir un son plus authentique. Avant d’aller plus loin, mettons les choses au clair. La beauté de l’accent est qu’il attire l’attention sur une note particulière. Pour ce faire, vous pouvez augmenter le volume, mais vous pouvez aussi omettre de jouer les notes avant et après l’accent. Parfois, en faire moins est préférable. Voici comment vous pouvez appliquer cette technique en utilisant deux rythmes essentiellement latins : un motif brésilien Bossa/ Samba à la grosse caisse et un motif Cáscara cubain.

The Bossa/Samba bass drum pattern (ex. 1) that we all know and love so well is originally derived from the Surdo (Brazilian bass drum) patterns in a Brazilian percussion ensemble.

The Surdo is played with a mallet in one hand, while the other hand is available to dampen the sound, creating muted vs. open or short vs. long notes. It is most common to hear an open/long accented note on beat three. We can tap into this essential accent by just playing the bass drum on beat three as in ex. 2. This pattern, as simple as it seems, is extremely effective. I have successfully used it while playing both a slow Bossa Nova where I really wanted to let the music breathe, and a crazy fast Samba, where I wanted to help “anchor” the rhythmic madness that was occurring. We can also create a nice combination of the two patterns by simply leaving out the pickup into beat three. This will also make it easier to add a slight accent (ex.3). Now let’s head North to Cuba.

Le motif brésilien Bossa/Samba à la grosse caisse (ex. 1) que nous connaissons et que nous aimons tous est à l’origine un dérivé de motifs traditionnellement joués au Surdo (une grosse caisse brésilienne) dans les ensembles de percussion du Brésil. On joue le Surdo avec un maillet dans une main, tandis que l’autre s’occupe d’amortir le son, créant ainsi des sons retentissants ou sourds, des notes longues ou courtes. Pour ce style, l’accent le plus commun est une longue note retentissante accentuée sur la troisième mesure. Cet accent peut être exploité davantage en jouant de la caisse claire que sur la troisième mesure (ex. 2). Aussi simple qu’il soit, ce motif s’avère extrêmement efficace. Je l’ai déjà utilisé avec succès en jouant une lente bossa-nova (afin de laisser la musique respirer) et une Samba follement endiablée (afin « d’ancrer » son rythme fou). Vous pouvez aussi utiliser une combinaison de ces deux motifs en omettant tout simplement l’accent sur la troisième mesure. Il sera alors plus facile d’introduire un accent plus léger, comme dans le 3e exemple. Dirigeons-nous maintenant plus au nord, vers Cuba.

One of the most important Cuban rhythms to know besides the clave, is the Cáscara rhythm (ex.4), which is usually played with a stick on the side of a timbale or on a closed high-hat (or any sharp/short sound source). I have frequently heard this rhythm being taught and played without the accents that in my opinion really make this pattern “sing”. To help bring awareness of the accents themselves, let’s momentarily leave out all unaccented 20 june - july 2015

En dehors de la clave, un des plus importants rythmes cubains est la Cáscara (ex.4), généralement jouée avec une baguette sur le côté de la timbale ou sur la Charleston fermée (ou sur toute autre percussion au son haut et court). Malheureusement, ce rythme est trop



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

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   

   

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  

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notes (ex.5). This pattern, which can possibly sound a bit abstract to those unfamiliar with Cuban music, can in fact be used itself as a valid time keeping pattern. I once saw renowned Toronto percussionist Luisito Orbegoso effectively driving an entire band by playing exactly this pattern on a foot cowbell, while playing congas with his hands. Let’s just say, when it comes to music, you don’t argue with Luisito!

Now obviously in order to play the styles mentioned in this article you require more than just the bass drum or high-hat pattern. I highly recommend keeping these accents in mind when adding the rest of the elements of these grooves.

At the end of the day, even if you end up playing the full Bossa/Samba bass drum pattern or Cáscara pattern, time spent with the condensed versions of these rhythms will surely help your overall feel and fluency with these styles. They say that less is more, but why is this so? I believe that if you play less, when you do play more it will have more meaning! \\

 



 

 



 



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 

  

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  

  



souvent joué ou enseigné sans les accents qui, selon moi, rendent ce motif mélodique. Afin de vous les rentrer dans la peau, omettez les notes non accentuées pour commencer (ex.5).

Pour ceux qui ne connaissent pas bien la musique cubaine, ce motif, qui peut paraître un peu abstrait, peut en fait être tout à fait approprié pour garder le tempo. J’ai déjà vu le célèbre percussionniste torontois Luisito Orbegoso conduire de manière efficace tout un orchestre en jouant exactement ce motif avec ses pieds sur une cloche à vache, tout en jouant des congas avec ses mains. Et en matière de musique, on ne discute pas avec Luisito!

Visiblement, pour jouer les styles proposés dans cet article, vous aurez besoin de bien plus qu’un motif à la grosse caisse et à la Charleston. Je vous recommande fortement de garder ces accents en tête lorsque vous ajouterez le reste des éléments à ces grooves.

En fin de compte, même si vous finissez par jouer les motifs Bossa/Samba et Cáscara en entier, le temps passé à jouer les versions condensées de ces rythmes vous aideront à coup sûr à maîtriser ces styles. Et pourquoi dit-on qu’il est souvent préférable d’en faire moins?

Parce que lorsque vous en ferez plus, ça aura beaucoup plus d’impact et de signification! \\

©2015 Avedis Zildjian Company

PLAY HARD NOT LOUD GEN16 REDUCED VOLUME CYMBALS

With the Gen16 reduced volume Buffed Bronze cymbals you can play as hard as you want to but without having to worry about waking up the neighbors. The cymbals have a real acoustic feel while being 60-70% quieter than a traditional acoustic cymbal. They can be used for low volume rehearsal and reduced volume gigs. Play longer, not louder; only from Zildjian.

For more information on the Gen16 series go to Zildjian.com/gen16 Zildjian products are distributed in Canada by Coast Music, a division of JAM Industries, 21000 Trans-Canada Hwy, Baie D’Urfé, QC H9X 4B7 info@coastmusic.com www.coastmusic.com

#ZGEN16

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JEFF SALEM 22

GROOVE / DRUM FILL OWNERSHIP

S’APPROPRIER LES GROOVES ET LES IMPROVISATIONS

How many times have you been asked for your phone number, mailing address, etc., the answer just rolling off the tip of your tongue effortlessly?

Il y a des questions auxquelles nous répondons sans effort ni hésitation : lorsqu’on nous demande notre numéro de téléphone ou notre adresse postale, par exemple.

You own these answers. This would be nice if this could happen to some of the grooves or drum fills you are tackling to learn. The reason we can answer many of these common questions, as “what’s your number” is that you have answered that question a thousand times and it’s ingrained in your head. Think of the easiest drumbeat and fill that you could play without thinking about it. It’s as effortless as tying your shoes.

How do we get to this point of ownership with more advance and unfamiliar drum patterns?

Il en va de soi puisque nous maîtrisons ces réponses.

Ce serait bien qu'il en soi de même pour les grooves et les improvisations que nous essayons d’apprendre.

Mais nous répondons aussi facilement à ces questions parce que nous l’avons déjà fait des centaines de fois : l’information est bien gravée dans notre tête. Ainsi, il y a des rythmes ou des improvisations que nous jouons sans effort. C’est aussi facile que d’attacher nos lacets!

Comment atteindre ce niveau de maîtrise avec de nouveaux motifs de batterie plus complexes?

Drumming professionally for 30 years, I still want results to happen quickly and the fastest way is to start off slow.

Même si ça fait 30 ans que je joue de la batterie, je cherche encore à obtenir des résultats rapidement et la façon la plus simple pour y arriver est de commencer tranquillement.

HERE ARE SOME BASIC STEPS TO FOLLOW TO ACHIEVE GROOVE/FILL OWNERSHIP

POUR Y ARRIVER, VOICI QUELQUES ÉTAPES DE BASE :

START SLOW.

COMMENCER DOUCEMENT.

Look at the pattern; analyze it. Once you can execute it slowly, invite your metronome to the situation. I usually try playing a new idea at about 40,50,60 beats per minute for a length of 5-10 minutes. Once I feel comfortable I will gradually work up the tempo in increments of 5-10 BPM to the desired tempo in which the pattern sounds cool (the idea might work well in a wide tempo range). This process could take days or weeks depending on how much you practice daily and consistently. One must (D.T.I.) as I call it: Discipline Time Invested in the idea to reach ownership. Things will not come quick, we must be patient and put our time in daily for our brain to communicate with our nervous system to control and develop the muscle memory.

Observez le motif et analysez-le. Une fois que vous pourrez l’exécuter avec lenteur, pensez à sortir votre métronome. Habituellement, j’essaie d’exécuter une nouvelle idée à 40, 50, ou 60 battements par minute pendant 5 à 10 minutes. Une fois que je suis à l’aise, j’augmente le tempo de 5 à 10 battements à la fois, et ce, de façon progressive, jusqu’à ce que j’atteigne le tempo désiré (l’idée peut fonctionner sur plusieurs variations de tempo).

Ce processus peut prendre des jours, voire des semaines, selon la constance et le nombre d’heures de répétition que vous y investissez au quotidien. Comme je le dis toujours, tout dépend de votre D.T.I. : de la discipline et du temps investis. Rien n’arrive tout seul : il faut être patient et y mettre du temps chaque jour afin d’établir la communication entre le cerveau et le système nerveux et de développer la mémoire des muscles.

ONCE YOU ARE AT THE DESIRED TEMPO, NOW IS THE TIME TO WORK OUT THE DYNAMICS, ARTICULATION, FEEL AND APPLY IT TO A MUSICAL SITUATION.

LORSQUE LE TEMPO DÉSIRÉ EST ATTEINT, VOUS POUVEZ TRAVAILLER LES NUANCES, L’ARTICULATION, LE SENTI ET TRANSPOSER L’IDÉE DANS UNE SITUATION MUSICALE.

Example: For a drum fill, play 3 bars of time then apply the new fill on the 4th bar. Try many tempos and find the tempo range you feel most comfortable with. If the fill sounds

Pour une improvisation, vous pouvez jouer trois mesure avant d’introduire votre improvisation à la quatrième. Essayez plusieurs variations de tempo afin de trouver celui

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great at tempos say between 80-140 B.P.M., practice all these ranges daily so you are relaxed and own it at each tempo. Just being comfortable with it at one tempo is not good enough.

If you only practiced at 120 B.P.M. and you were playing a song at 114 and applied the fill, there is a great chance when you execute the part you will speed the fill up to 120 B.P.M. (your comfort zone). If it’s a groove, try mixing other grooves together with the new one making a seamless connection from one to the other.

avec lequel vous êtes le plus à l’aise. Si vous aimez jouer votre exercice sur un tempo de 80 à 140 bpm, répétez quotidiennement et appropriez-vous le rythme à toutes les vitesses à l’intérieur de ce registre. Il faut jouer naturellement à tous les tempos. Si vous répétez toujours à 120 bpm et que la pièce doit être jouée à 114 bpm, il y a de fortes chances que vous accélériez le rythme à 120 bpm (votre zone de confort). S’il s’agit d’un groove, essayez de le fusionner dans un fondu parfait.

MEMORIZE: THIS IS THE FINAL STEP OF OWNERSHIP.

MÉMORISER EST LA DERNIÈRE ÉTAPE POUR ÊTRE COMPLÈTEMENT EN POSSESSION DE VOS MOYENS!

How many times have you practiced something, then on a gig when you try to play the part it doesn’t happen? In the practice hall, it works but not on the gig. You just can’t deliver it accurately. Happens all the time. There are many ways one might memorize an idea.

Some people are visual learners: they will take a photographic image of the pattern and store it in their head. Some may sing the pattern and memorize it by auditory means. Some may try to find some sequence say if it’s a fill in 16th notes as RLB RLB RLB RLB RLRL. One may see a number sequence and in this case I would retain it as 3/3/3/3/4. Basically a 3-note figure written RLB and a 4-note pattern as RLRL. Some may see some rudimental sticking in memorizing it whether it’s a paradiddle or some variation. We all have our own methods but it comes down to D.T.I. to achieve muscle memory and confidence to execute this on a gig. They usually say if you play something new everyday for a good length of time over 7 days you will have it memorized. This has worked out pretty good for myself. Try these ideas, be patient, relax and most important, be musical and have fun. \\

Combien de fois vous est-il arrivé de répéter maintes fois quelque chose sans pouvoir le reproduire une fois sur scène ou en studio? Dans la salle de répétition, tout fonctionne, mais pas ailleurs. Vous n’arrivez pas à livrer la marchandise correctement. Ce problème est plus commun qu’on ne le croit. Il y a plusieurs façons de mémoriser une idée. Certaines personnes sont plus « visuelles » : elles prennent une image photographique d’un motif afin de l’enregistrer dans leur tête. Certains, plus auditifs, le chantent mentalement. D’autres tentent de l’associer à une séquence comme RLB RLB RLB RLB RLRL pour une improvisation en doubles croches. Plusieurs en déduisent une séquence de chiffres comme dans 3/3/3/3/4 (toujours pour les doubles croches). Essentiellement, on obtient une figure mélodique de 3 notes en RLB et un motif de 4 notes en RLRL. Pour un moulin ou une variation de celui-ci, d’autres encore mémoriseront les rudiments des baguettes. Nous avons tous nos propres méthodes, mais pour la mémoire des muscles et la confiance, personne n’échappe au principe du D.T.I.. On dit que si vous jouez quelque chose de nouveau tous les jours sur une période de 7 jours, vous l’aurez mémorisé. Cette méthode fonctionne bien pour moi.

N’hésitez pas à essayer des trucs, soyez patients, détendez-vous et surtout, n’oubliez pas de vous laisser surprendre par la musique et d’avoir du plaisir! \\

Jeff Salem is a freelance musician, author, educator and clinician. Visit www. jsmusicstudio.com , www.salemdrum.com & www.drumsinu.com for more information.

Jeff Salem est à la fois musicien, auteur, enseignant et pigiste. Pour plus de détails, visitez www.jsmusicstudio.com, www.salemdrum.com & www.drumsinu.com

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DANIEL BÉDARD 24

GET T IN G CR E AT IVE W IT H

S OYO NS C R É ATI F S AV E C

The Metronome

le métronome

Some time ago, I wrote an article in which I was telling you to try to practice things you couldn’t do in order to always move forward. One thing I suggested was to take something you already knew and change a parameter to make it more difficult, like the click placement for instance. This is what I’ll discuss here.

Il y a quelque temps, j’écrivais un article dans lequel je suggérais de toujours pratiquer ce que vous ne maîtrisez pas afin de continuer d’évoluer. Je suggérais notamment de prendre un exercice que vous connaissez bien et d’en changer un paramètre pour le rendre plus difficile. Par exemple, vous pourriez modifier l’emplacement du « bip » du métronome.

C’est ce que j’aborderai ici.

We, drummers, work on various exercises using the metronome on every quarter note.

This is what we are first told on how to use the click. The usual first few drumming lessons will usually have basic rudiments explained and then played to a quarter note click. But even when we are long past those first lessons, we tend to keep the click on the same rhythmic spot. While this is still good for your development, I think it would do yourself a lot of good to try moving that click in different spots of the bar. Here are my first few suggestions on how to do so.

En tant que batteurs, nous travaillons sur toutes sortes d’exercices avec, habituellement, le déclic du métronome sur les noires parce que c’est ce qu’on nous montre au début. Lors des premiers cours de batterie, on apprend habituellement quelques rudiments qui sont joués sur les noires. Même lorsque ces premiers cours sont loin derrière nous, nous utilisons encore le métronome de cette manière. Bien que cette façon de jouer soit efficace, il peut être très bénéfique de placer le déclic sur d’autres parties de la mesure. Voici quelques suggestions sur les façons de s’y prendre.

In the exercises that I will share with you, I’ll write the click in the snare drum spot on the music staff. Here is our traditional click placement, the quarter note:

Dans les exercices que je partage avec vous ici, je place le métronome à l’emplacement habituel de la caisse claire. Voici donc l’emplacement rythmique traditionnel du métronome, sur les noires :

The first thing I would try with students would be to put the click on the beats one and three or beats two and four of the bar :

La première chose que je fais avec les élèves est de déplacer le métronome sur les temps 1 et 3, ainsi que sur les temps 2 et 4 comme ceci :

Now, if you are like me and are still using the good old digital metronome, you’ll have some calculation to do to be able to play your exercises with this placement. Let’s say we are working on an exercise at 100 bpm. If you want to have your click on beats one and three only, you’ll now have to put the metronome at 50 bpm but you will still have to play your exercise at the same speed you did before which was 100 bpm. You’re just shifting the way you hear. Makes sense?

Maintenant, si vous êtes comme moi et que vous utilisez toujours le bon vieux métronome numérique, vous aurez un peu de calcul à faire afin de jouer vos exercices avec ce nouvel emplacement rythmique. Disons que nous travaillons sur un exercice qui est joué à 100 battements par minute. Si vous voulez maintenant entendre le métronome sur les temps 1 et 3, vous devrez régler celui-ci à 50, tout en jouant votre exercice comme sur les 100 bpm. Vous ne faites que changer la façon d’entendre le métronome. Vous comprenez?

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Once you are comfortable playing with the click on beats one and three and two and four, I would work with a click on only one beat per bar:

Lorsque vous êtes à l’aise avec le métronome sur les temps 1 et 3, ainsi que 2 et 4, essayez de jouer avec le signal sonore sur un seul temps par mesure :

In the first bar, the click is on the first beat only, in the second bar, the click is on the second beat only, in the third one, the click is on the third beat and in the fourth one, the click is to be heard on the fourth beat only. Now, if we are still working at an exercise that was originally at 100 bpm, you’ll have to set your click at 25 bpm and play the same exact thing only hearing the beep once per bar.

Dans la première mesure, le son est entendu sur le premier temps seulement, dans la 2e, on l’entend sur le 2e temps, dans la 3e, sur le 3e temps et dans la dernière mesure, on entend le bip sur le 4e temps. Maintenant, si vous travaillez toujours sur un exercice à 100 bpm, vous devrez régler le métronome à 25 battements minute pour n’entendre qu’un seul déclic par mesure.

The idea here is to have your hearing and your time challenged.

L’idée est de défier votre oreille, ainsi que votre sens du rythme.

By hearing the click in different spots on the bar, you will probably noticed some loose spots in your time playing and by being aware of those loose spots, it’ll be much easier to correct them. I realized some time ago that there is no perfect time (at least, that I’m aware of), there are only drummers with really quick ears who will adjust their playing as soon as they hear something moving. The audience and musicians playing with them will always have the feeling that everything is flowing nicely even if there are some tiny bumps along the road. Working on these time exercises will help you avoid those bumps.

En entendant le métronome sur certaines parties de la mesure seulement, vous deviendrez conscient des parties moins solides de votre jeu et pourrez alors les corriger plus aisément. Il n’y a pas si longtemps, j’ai réalisé qu’il n’existe pas de rythmique parfaite (du moins, pas à ce que je sache), mais plutôt des batteurs avec des oreilles très efficaces qui leur permettent de corriger les faiblesses rythmiques aussitôt qu’ils les entendent.

Leurs collègues musiciens et leur public ont ainsi toujours l’impression que tout roule parfaitement malgré les petites imprécisions rythmiques qui se présentent de temps à autre. Ces exercices devraient donc aider vos oreilles à devenir plus efficaces.

Here are two more exercises to try with your click. The first one has you playing with a click that is on every eight note. You’ll have to be very precise doing so as you don’t want to hear any flam with the metronome. If your metronome doesn’t give you eight note subdivisions, just double the speed on the click and play at 200 bpm, hearing the beeps as eight notes. And the last one has you playing with the click on every “ands” of the bar. To do so, you’ll still set your metronome at 100 bpm but you’ll have to shift your hearing to hear those beeps as the “and’s” on every beat. Try counting along if you’re having a hard time hearing it correctly.

Voici deux autres exercices à essayer avec votre métronome. Dans le premier, vous devrez jouer avec le déclic du métronome sur toutes les croches de la mesure. Vous devrez être très précis dans votre jeu, car on ne veut pas entendre de fla avec le métronome.

Si vous ne pouvez pas régler votre métronome pour jouer des croches, vous n’avez qu’à augmenter le tempo à 200 bpm, tout en jouant à 100 bpm, mais en entendant les bips sur les croches. Pour le dernier exercice, vous devrez jouer en entendant le métronome sur les « et » de la mesure. Pour ce faire, vous laisserez votre métronome à 100 bpm, mais vous entendrez les sons sur les « et » de tous les temps. Essayez de compter avec le métronome si vous avez de la difficulté à entendre le rythme au début.

Next time, I’ll share some more advanced click placement ideas. For now, have fun practicing with this new way of hearing the beeps. \\

La prochaine fois, j’aborderai des déplacements de déclics de métronome plus avancés.

Pour le moment, amusez-vous bien avec cette nouvelle façon d’entendre les battements. \\

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NEW PRODUCTS NOUVEAUX PRODUITS THE BIG AND UGLY COLLECTION BY SABIAN

LA COLLECTION BIG AND UGLY DE SABIAN

Here are some addictive, big, dark and versatile ride cymbals that are fun to play! All cymbals are in 22” and 24” except for the Phoenix and the Monarch which are in 22” only.

Attention! Cette collection peut créer une dépendance, car il se peut que vous ayez trop de plaisir à jouer de ses cymbales ride sombres et versatiles. Elles sont toutes offertes dans les tailles généreuses de 22” et 24”, sauf pour la Phoenix et la Monarch qui ne se font qu’en 22”.

AA APOLLO

HHX PHOENIX

Apollo is the God of both music and poetry which is what this cymbal delivers. Get a modern sound when you play it hard, controlled stick and splendid shimmer when you play it soft.

Versatility is the name of the game.

Explorers will like to experiment with its sonic range and make its dark, mature tones rise from the ashes of silence. It’s also the most unswerving and precise of the collection.

HH PANDORA HH NOVA A unique cymbal that is extremely low and dry. This one is for you if you like living on the edge musically.

Blues players will be partial to this medium-dark in tone, medium-light in weight ride. It’s the middle ground between the HH King and the HH Nova in pitch and tone.

HH KING Authoritative and refined, this is a complex cymbal that reacts differently depending on how you hit it. Some say it has just the right amount of dry, dark and wash.

XS20 MONARCH With its in-your-face, determined sound, the medium-thin Monarch has a vintage look and feel with fantastic crashability and price. If you like special, this might just be your find.

AA APOLLO

HHX PHOENIX

Cette cymbale porte bien son nom puisqu’Apollo est à la fois le dieu de la musique et de la poésie. Elle se démarque par sa polyvalence : frappez fort pour obtenir un son moderne et doucement pour découvrir toutes ses nuances.

Les explorateurs apprécieront son grand registre sonore. Ils aimeront aussi faire monter au ciel ses tonalités sombres et raffinées tel le Phœnix qui se relève de ses cendres. C’est la plus fidèle et la plus précise de la collection.

HH NOVA

HH PANDORA

Une cymbale unique qui fait dans les extrêmes. À la fois extrêmement « sèche » et basse. Elle vous conviendra si vous aimez vivre en marge musicalement.

Les amateurs de blues aimeront cette ride aux tonalités pas trop sombres. C’est la solution intermédiaire entre la HH King et la HH Nova en ce qui concerne la hauteur de ton et les sonorités.

HH KING

XS20 MONARCH

Autoritaire et raffinée, cette cymbale est la plus complexe de la collection.

Elle exhibe différentes facettes de sa personnalité selon la force de frappe.

Certains disent qu’elle a juste ce qu’il faut de sec, de sombre et de vibrant.

Avec son son cru et déterminé, cette cymbale arbore un look et un son vintage très crash, le tout à prix très raisonnable. Si vous êtes du style à dénicher des trésors dans des friperies, cette cymbale est pour vous. www.sabian.com

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DREAM CYMBALS: NEW HI-HATS AND FINGER CYMBALS

ZILDJIAN’S NEW CANADIAN DISTRIBUTOR AND ADDITIONS FOR 2015 Coast Music is now Zildjian’s exclusive Canadian distributor for their popular and legendary cymbals, Gen16 acoustic-electric cymbals, and branded drumsticks!

Known for its original effect and accent tones, Zildjian’s fx line of cymbals now offers five new models: the 7.5′′ Volcano Cup Zil-Bel, the fx Oriental China “Trash” in 8′′ and 10′′ models and the 10” and 12” fx Spiral Stackers. The latter have an appealing visual spiral effect when played and they are a lightweight and affordable cymbal stacking option.

Zildjian also put out two new ride cymbals to meet customer demands: the 21′′ Organic ride, an addition to the highly praised K Custom series and the 20′′ Renaissance Ride which expands the iconic K Constantinople series. Both render dark ride and crash sounds, and can be used for a multitude of genres and performances.

Dream Cymbals’ new 16” Contact Hi-Hats will blow you away. Their larger diameter delivers warmth and volume no matter who you are playing with and what style! They feature the company’s signature hand lathing with a medium taper and larger bell. The long decay in these Hats makes them crashable too.

Energy Hi Hats now have a 16” version. Like the others, it can growl but is easily tamed.

Their warm sound is what they boiled down to. Unlike the other Energy Hi hats, this one has a micro-lathed top Hat and bottom that makes it stand out. Expect exceptional stick definition, a loud wash and a crisp click when played with a foot. With their large spectre of sounds, the 16” Energy Hi-Hats are ideal for every music situation.

This year, Dream Cymbals also put out the Timsha Finger Cymbals available in sizes small, medium, large and extra large. Cast in the mountains of India, these finger cymbals create the perfect shimmer. Heavier than most, the Timsha Finger Cymbals make themselves heard every time they are struck no matter how big the ensemble.

NOUVEAUTÉS DE DREAM CYMBALS : CHARLESTONS ET CYMBALES À DOIGTS ZILDJIAN : QUELQUES ADDITIONS ET UN NOUVEAU DISTRIBUTEUR CANADIEN Coast Music est maintenant le distributeur exclusif des cymbales électroacoustiques Gen16, des baguettes, ainsi que des légendaires cymbales Zildjian dans tout le Canada!

Célèbre pour ses tonalités d’accent et ses effets originaux, la série fx de Zildjian offre maintenant cinq nouveaux modèles de cymbales : la Volcano Cup Zil-Bel en 7.5′′, la China “Trash” fx Oriental en 8′′ et 10′′ et les Spiral Stackers fx en 10” et 12”. Quand on frappe ces dernières, on obtient un effet visuel en spirale très séduisant. À poser par-dessus une cymbale de même grandeur ou plus grosse. Une option abordable pour ce type de produit. À la demande de ses clients, Zildjian a aussi lancé deux nouvelles cymbales ride : la Organic ride de 21′′, un ajout à la très populaire série K Custom, ainsi que la Renaissance ride de 20′′ qui elle vient agrandir la série emblématique K Constantinople. Toutes deux offrent des sonorités sombres de ride et de crash et peuvent être utilisées pour une multitude de styles et de situations musicales. www.coastmusic.com

La nouvelle Charleston de 16” de la série Contact vous jettera à terre. Son plus grand diamètre garantit chaleur et volume, peu importe le style que vous jouez! Ses cymbales, qui présentent un cône moyen et une cloche plus large, ont été fabriquées à la main, telle que le veut la signature de Dream Cymbals. Leur déclin plus long leur permette également d’avoir un son plus "crash".

La Charleston de la série Energy a aussi sa version en 16”. Comme les autres membres de la famille, elle peut rugir, mais son rugissement est facilement contrôlable. Un son chaleureux est ce qui caractérise le mieux cette série. Contrairement à ses semblables, celle-ci possède un sillage plus serré qui la démarque. Attendez-vous à un son de frappe exceptionnellement précis, du volume retentissant et du croquant, lorsque jouée avec le pied. Avec son large spectre de sonorités, la Charleston 16” de la série Energy convient à toutes situations musicales.

Cette année, Dream Cymbals a aussi lancé ses cymbales à doigts Timsha en formats petit, moyen, large et extralarge. Coulées dans les montagnes de l’Inde, ces cymbales à doigts produisent le son parfait. Plus lourdes que la moyenne, vous les entendrez retentir, peu importe la grosseur de l’orchestre. www.dreamcymbals.com juin

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juillet 2015

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NEW PRODUCTS NOUVEAUX PRODUITS HAMMERAX Hammerax just put out three new crashes: Crash Course, Slap, and Hazard.

HAMMERAX Hammerax vient de sortir trois cymbales crash : Crash Course, Slap et Hazard.

Drummers Danny Carey and Tomas Haake have adopted these slick black cymbals with signature shiny silver edges and flamboyant, clear-cut sounds.

Les batteurs Danny Carey et Tomas Haake ont vite adopté ces chics cymbales noires aux rebords argentés et au son flamboyant et précis.

Try Snapshot for a smooth marching snare sound and Crash Course for aggressiveness. If you are looking for power, look for Screech and Hazard. Slap will give you something closer to very dense, loud hats.

Pour un son qui se rapproche d’une caisse claire de fanfare, essayez Snapshot et Crash Course pour sa férocité. Si vous cherchez la puissance, tournez-vous plutôt vers Screech et Hazard. La Slap vous donnera un son qui se rapproche d’une Charleston aux cymbales épaisses et raisonnantes.

Cymbal enhancers such as Supercollider and Chick Magnet add punch to hi-hats and cymbals, no hardware necessary.

Les amplificateurs (cymbal enhancer) Supercollider et Chick Magnet dynamisent les cymbales et les Charlestons, sans quincaillerie additionnelle. www.hammerax.com www.goldenhawkimports.com

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june

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july 2015

NEW BOSPHORUS BOX SET – EXCELLENCE IN A BOX This hand-made and sonically matched Traditional Series medium setup comes with 14” hi¬-hats, 16” crash and 20” ride at a sub¬stantial savings. Traditional Series is Bosphorus’ most diverse family of cymbals, with sounds that range from dark and delicate to bright and penetrating. This is Bosphorus Cymbals’ best-selling series world-wide.

LA PERFECTION EN BOÎTE : LE COFFRET DE CYMBALES DE BOSPHORUS Cet ensemble de la Traditional Series medium se compose de cymbales fabriquées à la main qui ont été assorties de façon sonore. Il comprend des cymbales Charleston de 14”, une crash de 16” et une ride de 20”. Opter pour l’ensemble vous fera faire des économies considérables. La Traditional Series est la série de cymbales la plus diversifiée de Bosphorus, leurs sons allant de sombre à délicat, de clair à ténébreux. C’est aussi leur meilleur vendeur à l’international. www.directmusicsupply.com

juin

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juillet 2015

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PAISTE: MORE NOISE FOR YOUR BUDGET

PAISTE : PLUS DE BRUIT POUR VOTRE BUDGET

The renowned Swiss cymbal maker Paiste introduces the PSTX, a complete collection of extremely affordable effect cymbals made from bronze, brass and aluminum using recent and advanced methods.

Le célèbre fabricant de cymbales suisses présente la série PSTX, une collection abordable de cymbales à effets tendance, faites de bronze, de cuivre et d’aluminium à la facture des plus contemporaines. Le son trash et éclatant de ces cymbales change selon la grosseur de leurs trous et la façon dont on les superpose. Leurs surfaces soyeuses les différencient également des cymbales classiques.

The specific layouts and the sizes of the holes of the PSTX cymbals give them their noisy, dirty, trashy sound quality. Their smooth surface also tells them apart.

Quick-witted, exotic, warm, and deep crash sounds define the 14”, 16” and 18” Swiss Thin Crashes. The 18” Swiss Medium Crash should satisfy drummers looking for more fierceness and volume.

The 10” Swiss Splash is light and airy. The 14” Swiss Flanger Crash is sharp and its low tension construction makes it stand out uniquely. Both cymbals are well-suited for hand playing.

Combining two PSTX cymbals from different alloys expands the possibilities. The 10”, 14” and 16” Swiss Hats are outstanding rhythm instruments with a dry, noisy sound that evoke drum machine hi-hats. Mount the 14” Swiss Flanger Stack with the bells facing up and tighten them on the stand to get a hi-hat like dry sustain to shattering crash effects.

Last but not least, Paiste uses aluminum in the making of its 9” and 10” Pure Bells which gives them a wholesome and peaceful sound.

Les Swiss Thin Crashes de 14”, 16” et 18” se distinguent par leur son vif, exotique, chaleureux et profond. La Swiss Medium Crash de 18” satisfera les batteurs en manque d’intensité et de volume.

On peut jouer de la Swiss Splash et de la Swiss Flanger Crash avec les mains. La première, d’un diamètre de 10” propose légèreté et désinvolture. La deuxième, de 14”, offre une netteté qui se démarque davantage grâce à la basse tension de sa construction.

N’hésitez pas à multiplier les possibilités en superposant des cymbales PSTX de différents alliages. Les Swiss Hats de 10”, 14” et 16” sont de remarquables instruments rythmiques dont la « sécheresse » et la résonnance de son évoquent les Charleston des batteries électroniques. Installez les Swiss Flanger Stack de 14”, cloches vers le haut et resserrez-les sur leur support jusqu’à ce que vous obteniez une « sécheresse » et une amplitude de son propre à la Charleston ou des effets retentissants de crash.

Pour terminer, Paiste utilise de l’aluminium dans la fabrication de ses Pure Bells de 9” et 10”, leur conférant ainsi un son pur, entier et serein.

DAVE LOMBARDO’S “REIGN”

LE “REIGN” DE DAVE LOMBARDO

In the beginning of the 80s, Slayer’s album “Reign In Blood” attained cult status, mainly because of Dave Lombardo’s legendary speed metal drumming. Since then, he has stuck with RUDE cymbals.

Au début des années 80, on vouait un culte à l’album "Reign In Blood" de Slayer, en grande partie à cause du jeu légendaire de speed metal de Dave Lombardo à la batterie.

Depuis, le batteur n’utilise que les cymbales RUDE.

This year, Paiste celebrates the 35th anniversary of the series that defined the sound of punk and metal by collaborating with Dave to create a 22” RUDE Power Ride called “The Reign“ based on the original cymbal.

Cette année, Paiste célèbre le 35e anniversaire de cette série qui a défini les sons punk et métal : la compagnie s’est ainsi associée à Dave Lombardo pour créer une Power Ride RUDE de 22” appelée “The Reign “en hommage à la cymbale originale.

This heavy ride cymbal features a cutting, metallic ping that stays clear in extreme volume situations and a large bell that renders fullness and determination.

Cette cymbale heavy ride a un tintement métallique mordant qui reste clair dans les situations musicales extrêmes. Sa large cloche lui confère une ampleur et une ardeur sans pareil. Son apparence brute fait écho à sa puissance et le sillon dans sa cloche accentue sa profondeur de son.

The raw look of “The Reign“ highlights the brute power of the cymbal. The groove on the bell provides extra depth.

RUDEs are entirely handmade in Switzerland from the original bronze using traditional methods that have remained unchanged in over half a century.

Les cymbales RUDE sont entièrement faites à la main en Suisse dans le même bronze que les originales utilisant les mêmes méthodes traditionnelles qu’il y a un demi-siècle. ca.yamaha.com

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june

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july 2015

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