Drumsetc v27n4 [aug. - sept. 2015]

The magazine for canadian drummers and percussionists Le magazine des batteurs et percussionnistes canadiens

free / gratuit

august

- september / août - septembre 2015 vol.27 no.4

rich

beddoe

YOUR V-DRUMS. YOUR WAY. Technology meets tradition in the Modern Classic TD-30 V-Drums Kit.

VOS V-DRUMS. VOTRE FAÇON. La technologie à la rencontre de la tradition dans le classique des temps modernes TD-30 V-Drums.

More Info: roland.ca/modernclassic

The magazine for canadian drummers and percussionists Le magazine des batteurs et percussionnistes canadiens

6 10 FRANCK CAMUS

20 STÉPHANE CHAMBERLAND

Manage your stress and concentration

Maracatu 2.0

rich beddoe DANIEL BÉDARD

22 ÉRIC BOUDREAULT

Gestion du stress et concentration

What to do with ghost notes?

Les notes fantômes : que fait-on avec ça?

12 JEFF SALEM Showmanship L'art de la mise en scène

24 MAX SENITT

14 DANIEL BÉDARD

The table, chairs and kitchen sink of time!

La table du temps

Being creative with the metronome, Part 2

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Soyons créatifs avec le métronome, 2e partie

New products Nouveaux produits

18 CHRIS LESSO Getting healthy playing drums Jouer de la batterie pour être en santé

Volume 27, No.4 August – September 2015 août – septembre 2015 Editor in Chief / Rédacteur en chef Franck Camus - franck@drumsetc.ca Assistant Editor /Assistante à la rédaction Geneviève Hébert - franck@drumsetc.ca Contributing Writers / Collaborateurs Daniel Bédard, Éric Boudreault, Frank Camus, Stéphane Chamberland, Chris Lesso, Jeff Salem, Max Senitt.

Translation / Traduction Geneviève Hébert

Layout / Mise en page Karine Wolfe - wolfe.karine@gmail.com Cover Photos / Photos de la couverture Chris Boshis Photography www.chrisboshis.wix.com/chrisboshisphoto Advertising / Publicité Ralph Angelillo ralph@drumsetc.ca Jeff Knowles (514) 830-3555 / jeff@drumsetc.ca Publisher / Éditeur Serge Gamache Printer / Imprimeur Impart Litho

Drums Etc is published 6 times per year and distributed across Canada, in drum shops, schools, rehearsal spaces, etc. 380 distribution points (circulation certified by Canada Post).

Drums Etc est publié 6 fois l’an, et est distribué partout au Canada dans les écoles et chez les détaillants de batteries et percussions, dans les studios de répétition, etc. 380 points de distribution (circulation certifiée par Postes Canada).

Publication Mail Agreement No 40009235 / Poste-Publication Convention No 40009235 Return Address / Adresse de retour: DRUMS ETC, 753 rue Ste-Hélène, Longueuil (QC) J4K 3R5 Canada Fax: (450) 670-8683 © Copyright 2015

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EDITO

agenda ILESONIQ 2015 MONTRÉAL, QC AUGUST 14-15 AOÛT 2015 WWW.ILESONIQ.COM

Here’s another brand new edition of Drums Etc that I hope will fulfill your expectations with its pedagogical content and various drumming tips.

That being said, I hope that I’ll get to meet you near a stage or in a crowd enjoying the summer and its many thriving festivals. What more can you ask for when you see all the music that the festivals have to offer. There is something for everyone and all musical styles (which gives you the chance to discover some great bands and new chops). For this very reason, I really enjoy the summer season and even though I can’t make it to all the shows that are presented to us, I think that it is really good that they get to reach the masses that way. Have you ever noticed that even though there are a lot of people during those events, there are hardly ever any fights or acts of violence.

Is that because music celebrates something that is universal? Conflicts and differences disappear for a moment when people come to see an artist and are moved by them. No matter who the artist is, take a moment to relax and let it all sink into your body and not only your ears. Before we hook up to share our latest musical discoveries, I wish you a happy reading. In this edition, you’ll find articles on how drumming affects your health, how to play with the metronome and how to play ghost notes. And while we’re here, I would like to thank our magazine collaborators and journalists, all very good drummers, for helping me learn new stuff and keeping me on my toes.

Enjoy what’s left of the summer!

Ceci étant dit, j’espère vous trouver sur le bord d’une scène ou dans la foule en train de profiter de l’été et de son cortège florissant de festivals. Franchement, que demander de plus devant la diversité des festivals qui nous sont proposés? Il y en a pour tous et les styles sont généralement bien représentés (autant de nouvelles occasions d’apprendre). J’aime beaucoup l’été, entre autres pour cette raison, et même si je n’ai pas le temps de faire tous les festivals, je me dis que le nombre de gens qu’ils touchent est incroyable. Avez-vous remarqué que même si la foule est nombreuse et compacte, il n’y a presque jamais de bagarre? Comme si la musique permettait à l’être humain de célébrer quelque chose d’universel. Les conflits et les différences sont gommés le temps de partager une passion, d’entendre un artiste et de s’émouvoir. Peu importe de qui il s’agit, permettez-vous de prendre ce temps de repos qui fera du bien à votre être tout entier et pas juste à vos oreilles! En attendant que vous nous racontiez vos belles découvertes, nous vous souhaitons une bonne lecture! Vous trouverez dans ce numéro des articles sur les bénéfices de la batterie sur votre santé, sur le placement du métronome, ou sur quoi faire avec les notes fantômes. En passant, je tiens à remercier l’ensemble des collaborateurs et journalistes de ce magazine qui sont d’ailleurs tous d’excellents batteurs et qui me permettent de rester à l’affût et d’en apprendre toujours plus.

Profitez bien de ce qui reste de l’été!

Franck Camus Editor in chief Rédacteur en chef august

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(514) 842-1919 WWW.POPMONTREAL.COM

WINTER NAMM 2016 ANAHEIM, CA JANUARY 21-24 21 AU 24 JANVIER 2016 WWW.NAMM.ORG/THENAMMSHOW/2016

RIDEAU 2016 LA BOURSE RIDEAU FEBRUARY 14-18 14 AU 18 FÉVRIER 2016 (514) 598-8024 ADMIN@RIDEAU-INC.QC.CA WWW.RIDEAU-INC.QC.CA/BOURSE-RIDEAU

Encore un nouveau numéro qui sort et qui, je l’espère, répondra à vos attentes avec toujours autant de pédagogie et de nouveaux conseils!

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POP MONTREAL 2015 MONTRÉAL, QC SEPTEMBER 16-20 16 AU 20 SEPTEMBRE 2015

CANADIAN MUSIC WEEK 2016 TORONTO, ON MAY 4-14 4 AU 14 MAI 2016 (905) 858-4747 HTTP://CMW.NET

Vic Firth Legendary Boston Symphony Orchestra timpanist, world-renowned educator and founder of Vic Firth Company, passes at 85.

Le légendaire timbalier de l’orchestre symphonique de Boston, l’enseignant de niveau international et le fondateur de l’entreprise Vic Firth est décédé à l’âge de 85 ans.

Everett “Vic” Firth, the legendary musician, educator and entrepreneur who performed with the Boston Symphony Orchestra for fifty years and founded the world’s leading drumstick manufacturer, the Vic Firth Company, died on Sunday, July 26, in Boston. He was 85.

Firth was obsessed with the quality of sound. This is what guided his playing, his teaching and ultimately, led to the birth of the Vic Firth Company in 1963.

Firth hand whittled his first pair of sticks in his garage, and when the word got out about his sticks’ superior quality, the company was born.

Everett « Vic » Firth, le musicien légendaire, l’enseignant et l’entrepreneur qui a joué dans l’orchestre symphonique de Boston pendant cinquante ans et qui a fondé un des plus grands fabricants de baguettes au monde, l’entreprise Vic Firth, s’est éteint le dimanche 26 juillet à Boston. Il avait 85 ans.

Firth était obsédé par la qualité du son. Cette obsession a guidé son jeu, ses enseignements et a ultimement donné naissance à l’entreprise Vic Firth en 1963. Firth a taillé sa première paire de baguettes au couteau dans son garage et quand la rumeur s’est mise à courir que ses baguettes étaient de qualité supérieure, l’entreprise a vu le jour.

Drums Etc Magazine and the Montreal Drum Fest offer the Vic Firth Family their sincere condolences. Vic was a true friend, a music legend, an educator. Rest in peace Vic!

Le magazine Drums Etc et le Drum Fest de Montréal offrent à la famille de Vic Firth ses plus sincères condoléances. Vic était un ami, une légende de la musique et un mentor. Va en paix Vic!

tama.com

TAMA’s Silverstar series offers two super portable and compact kits, the “Metro-JAM” and the “Cocktail-JAM”.

These unique kits unlock a new world of possibilities for your drumming.

The possibilities are infinite.

Compact and Portable Kits “Metro-JAM” Kit Color: Vintage Burgundy Sparkle (VBG)

“Cocktail-JAM” Kit Color: Indigo Sparkle (ISP)

Canadian distributor / Distributeur canadien: EFKAY MUSIC | 2165, 46th Avenue, Lachine, Quebec H8T 2P1 août

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in-profile

profil COULD YOU TELL US ABOUT YOU AND WHERE YOU’RE FROM? “I was born in Cardiff Wales in the UK but my family moved to Canada and I grew up in Kitchener, Ontario. I started playing at the age of 10 years old and it was a bit of an escape from some though times I was having with my family back home so when I had my headphones on, I felt protected. I guess drums were kind of therapeutic for me. The first band that got me playing was Run DMC with their version of Aerosmith’s Walk This Way, which is funny when you think of it because I was emulating programmed drums instead of real ones. I then got into metal through Metallica and immediately became a heavy metal fanatic. I started playing with older guys when I was very young and playing bars and strip clubs at 14 years old. My parents would have to bring me, make me stay in the basement, I’d play the show and immediately go back home. I always knew this was what I wanted to do, to be involved with a band and write original compositions. When I was done with high school, I started playing with a cover band in Hamilton. We were playing 7 nights a week and I learned a lot through that experience. I was planning on moving to Los Angeles after I had gone once already looking for bands and just when I was to move, I heard about a band called Finger Eleven (who were called Rainbow Butt Monkeys back then) who were looking for a drummer.

They had tried about 60 drummers and I was lucky enough to get it. I knew nobody but me was getting this gig!!”

SO YOU WENT FROM BROKE TO PLAYING AND TOURING WITH FINGER ELEVEN. “Yes. I moved to Hamilton on my own where I lived in a mouse infested crappy place with absolutely no money so good thing this audition showed up. I was broke but now I was doing what I always dreamed of doing. I never got into this business because I wanted to be rich and famous, I just wanted to play a different city everyday and never go home. Finger Eleven ended up being signed by Wind Up records in the States and right away we started touring. We traveled and toured quite a lot on that first record. After that, we recorded our second record, The Greyest Of Blue Skies, and toured for about two years non stop. On the third self-titled record, we got our first big hit with “One Thing” and got our first American gold record selling well over 500 000 copies and also our first Canadian platinum record.

The next record was “Them vs. You vs. Me” and got a huge hit with the song “Paralyzer” again going gold in the States and almost double platinum in Canada. This song really took us to some amazing places. We got to do the late night shows like Jay Leno and Jimmie Kimmel, crazy stuff.

When we began recording the next album, I had decided that I wanted to get healthier and happier. I knew I had to do big changes and those things led to me leaving Finger Eleven. Thought you will never find a guy more proud and full of amazing memories of those times than me.”

SO THAT BROUGHT YOU TO YOUR NEW BAND, SAINT ASONIA. “I had heard that Adam Gontier from Three Days Grace left the band and since we were acquaintances, I wrote him this little text saying something like: “Hey, I’ve heard about you 6

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leaving the band. Hope you’re good. If you feel like talking, give me a call”. We turned out to be neighbors in Toronto and we were living some of the same problems in our respective bands, which got me connected to him. I then heard some of his solo stuff, which I really liked, and then started play some Adam Gontier solo shows. That’s when I left Finger Eleven and Adam and I decided to do this thing for real. Adam had been writing some songs with Mike Mushok from Staind (who was looking for some new musical adventures as Staind were currently on hiatus) and we did some demos for RCA records. It wasn’t long before we were back in the studio recording songs for an album with no specific plans on what we would be doing next. We just wanted to make a great record, that was the focus, but as the record came together, we realized that there was something special going on there. There is a lot of fun drummer stuff on this record and I am really looking forward to playing it live.

I played brushes on some songs, double bass drums on some, rocking out on others, there are bits of everything on this album and I am super proud of it. We debuted at “Rock On The Range” in Columbus Ohio last may which was awesome. Things are looking good, we just shot a clip for “Better Place” in Los Angeles and I am now really looking forward to touring with this band. It’s been 2 years now since I‘ve been out on the road and I am ready to give myself more than ever for this. If you thought my shows were crazy before… you just wait!!”

DO YOU HAVE ANY FORMAL TRAINING? “I had some lessons in Kitchener, Ontario when I was 11 years old with a guy named Dan Todd, who is now the drummer for Platinum Blonde. I could figure out what to play and get songs by ear quite fast. I wasn’t too much into lessons back then as drumming for me was kind of a release of aggression from what I was living back home. Drumming was like a therapy for me. I didn’t stay for very long as I was playing with original bands right out of the gate”. 

PEUX-TU NOUS PARLER DE TOI ET NOUS DIRE UN PEU D’OÙ TU VIENS? « Je suis né à Cardiff dans le pays de Galles au Royaume-Uni, mais j’ai grandi à Kitchener, en Ontario puisque ma famille a déménagé au Canada. J’ai commencé à jouer de la batterie à l’âge de 10 ans, afin de fuir les problèmes familiaux. Je me sentais protégé quand j’avais mes écouteurs sur les oreilles. J’imagine que la batterie était une sorte de thérapie pour moi. La première chanson que j’ai jouée est Walk This Way, un classique d’Aerosmith repris par Run DMC. C’est quand même drôle de penser que j’essayais d’imiter une batterie électronique.

Puis, je me suis intéressé à Metallica et je suis devenu un fanatique de heavy métal. À 14 ans, je jouais déjà avec des musiciens plus vieux dans des clubs et des bars de danseuses. Mes parents m’amenaient au bar et je devais attendre dans la cave jusqu’au moment du spectacle.

Puis je revenais à la maison illico. J’ai toujours su que je voulais faire ça : jouer dans un groupe et écrire des compositions originales. Quand j’ai terminé le secondaire, j’ai commencé à jouer dans un groupe qui reprenait des chansons populaires à Hamilton. Nous jouions tous les soirs de la semaine et j’ai appris beaucoup de cette expérience. Puis je suis parti à la recherche de groupes de musique à Los Angeles et après une seule visite, je voulais y déménager. Juste comme j’allais le faire, j’ai entendu parler d’un groupe qui cherchait un batteur; Finger Eleven (ils s’appelaient Rainbow Butt Monkeys dans ce temps-là). Ils avaient essayé une soixantaine de batteurs et c’est moi qui ai décroché le contrat! Mais je savais que ce contrat était pour moi! »

DONC, TU ES PASSÉ DE MUSICIEN FAUCHÉ À MUSICIEN EN TOURNÉE AVEC FINGER ELEVEN? « Oui, c’est ça. J’ai emménagé seul à Hamilton dans une maison infestée de souris sans un sou en poche. Heureusement qu’il y a eu cette audition! J’étais complètement fauché, mais je faisais ce que j’aimais! Je ne suis pas devenu musicien parce que je voulais être riche et célèbre : je voulais simplement jouer dans une ville différente tous les soirs et ne jamais rentrer à la maison. Finger Eleven a fini par être signé par Wind Up aux ÉtatsUnis et nous sommes partis en tournée sans attendre. Pour le premier album, nous avons beaucoup voyagé. Après, nous avons enregistré The Greyest Of Blue Skies et nous sommes partis en tournée pendant deux années consécutives. Sur le troisième album éponyme, nous avons eu notre premier gros succès avec “One Thing” et nous avons eu notre premier disque d’or américain puisqu’on a vendu plus de 500 000 copies et notre premier disque

platine canadien. L’album suivant, Them vs You vs Me, a aussi eu son succès avec la chanson “Paralyzer”, faisant disque d’or aux États-Unis et presque double platine au Canada. Cette pièce nous a vraiment amenés à des endroits incroyables. Nous sommes apparus sur les Talk Shows de Jay Leno et de Jimmie Kimmel. Des trucs fous!

Pendant l’enregistrement de l’album suivant, j’ai décidé que je voulais être plus heureux et plus en santé. Je savais que je devais faire de gros changements dans ma vie, comme laisser Finger Eleven. Mais j’ai beaucoup de fierté et de bons souvenirs lorsque je pense à toutes ces années! » 

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WHO ARE YOUR MAIN DRUMMING INFLUENCES? “The first drummers I was emulating were drum machines since I was playing along to the music of Run DMC and Grandmaster Flash, except that I didn’t know they were drum machines. But it wasn’t long that heavy metal came smashing into my life like a bag of hammers when I got into Metallica and Lars Ulrich. Another drummer who I was really into back when I first started is Scott Rockenfield from Queensrÿche. Him and his bass player really fascinated me in how they played together and really made me take notice of the relationship between a drummer and a bass player. Sean Kinney for Alice In Chains was also really influential on me back then. Manu Katche with Peter Gabriel also intrigued me.”

DO YOU STILL HAVE TIME FOR A PRACTICE ROUTINE, IF SO, WHAT DOES IT CONSIST OF? “I practice a lot. I’m always playing. With so much time off the road in the last couple of years I have probably logged in an average of 8 hours a day of playing and working on drumming things as well as playing guitar, writing songs, producing other bands and just trying to be as musical as I can be and always be learning new things. If you check out my Facebook page you’ll see that I’ve been sharing some clips of me playing to Mary J. Blige, Destiny’s Child, Eminem, Slayer, Dream Theater and Michael Jackson, a bit of everything. I like to step out of my comfort zone. I try to play everyday, if I skip a day, anxiety settles in.

Drumming is still therapeutic to me.”

DO YOU HAVE ANY ADVICES FOR YOUNGER DRUMMERS WHO WOULD WANT TO FOLLOW YOUR PATH? “Whatever band you’re playing with, be focused on the song, be a drum songwriter. Be aware of the compositions. Be the guy that people want to have around. Most people don’t give a damn about the coolest drum part, it’s about finding the proper color and groove to bring out the best in a song, to complement the vocal melodies, you want to touch people when you play. Try to be versatile and musical but always bring yourself to the table, be confident that it is your particular sound and personality that brought you where you are.

You have to know that but always respect the song and never get caught up in overplaying or trying to be fancy. And smash your drums until you hands bleed, be passionate, be brutal and have fun!!

Also, I used to be terrified of the click track when I was young because some teachers would put that on kids. They would make the studio sound like a scary place and when the red light goes on, you better be good enough!! I think this is the worst way to learn anything. Playing and practicing to a click should be a fun challenge and not something to fear. It feels so great locking in with a click and young drummers should be pumped about wrapping there heads around that kind of thing like they should be excited about all things drums.”

WHAT WOULD YOU LIKE TO DO IN THE NEXT 5 YEARS? “I’m a road dog drummer. I love to tour so I hope to still be touring. I would love to do a second Saint Asonia record, travel the world and play for as many people as I can. That is where I belong in this world and I am very grateful to all the amazing people out there that have let me live my dream for all these years. It’s for them that I will give everything and I will never stop!” \\

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C’EST CE QUI T’A AMENÉ À DÉCOUVRIR TON NOUVEAU GROUPE, SAINT ASONIA? « J’avais entendu dire qu’Adam Gontier de Three Days Grace avait quitté le groupe et puisque nous nous étions déjà rencontrés, je lui ai envoyé un message qui disait à peu près ceci : “J’ai entendu dire que tu as quitté le groupe. Si tu as envie d’en parler, appelle-moi.”

Nous avons fini par être des voisins à Toronto et comme nous vivions les mêmes problèmes dans nos groupes respectifs, nous nous sommes liés d’amitié. Puis, il m’a fait écouter ses pièces en solo et comme j’ai beaucoup aimé, j’ai commencé à l’accompagner en spectacle.

C’est là que j’ai quitté Finger Eleven et qu’Adam et moi avons décidé de vraiment travailler ensemble. Adam avait écrit quelques chansons avec Mike Mushok de Staind (qui cherchait aussi une nouvelle aventure musicale puisque Staind prenait une pause) et nous avons enregistré quelques démos pour les disques RCA. Ça n’a pas pris beaucoup de temps avant qu’on retourne en studio enregistrer des chansons pour un album sans but précis quant à la suite des choses. Nous voulions seulement faire un bon album (c’était notre but), mais à mesure que celui-ci prenait forme, nous avons réalisé qu’il était en train de se passer quelque chose. Sur cet album, le jeu à la batterie est incroyable et j’ai très hâte de jouer ça sur scène. Je joue avec les balais sur certaines pièces, de la double grosse caisse et parfois je lâche vraiment mon fou. Il y a un peu de tout sur cet album et j’en suis très fier. En mai dernier, nous avons fait notre première apparition au “Rock On The Range” à Columbus, en Ohio et ça a très bien été. Depuis, l’avenir semble nous sourire : nous venons d’enregistrer un vidéoclip pour “Better Place” à Los Angeles et j’ai maintenant très hâte de partir en tournée avec le groupe. Ça fait maintenant 2 ans que je n’ai pas été sur la route et je suis prêt à tout miser sur cette aventure. Si vous trouviez que je me donnais avant en spectacle, attendez de me voir maintenant! »

AS-TU SUIVI UNE FORMATION À LA BATTERIE? « J’ai suivi quelques cours à Kitchener, en Ontario lorsque j’avais 11 ans avec un gars qui s’appelait Dan Todd qui est maintenant le batteur de Platinum Blonde. Je savais déjà quoi jouer et j’apprenais très vite “à l’oreille”. Je n’aimais pas trop suivre des cours dans ce temps-là, d’autant plus que la batterie était pour moi une sorte d’exutoire pour oublier ce qui se passait à la maison. Une sorte de thérapie. Je n’ai pas suivi de cours longtemps parce que j’ai vite commencé à jouer avec des groupes qui faisaient leurs propres compositions originales. »

TROUVES-TU ENCORE LE TEMPS DE RÉPÉTER RÉGULIÈREMENT ET SI OUI, QUELLE EST TA ROUTINE? « Je répète beaucoup et je joue tout le temps. Comme j’étais sédentaire dans les dernières années, j’ai dû jouer de la batterie en moyenne 8 heures par jour, mais aussi de la guitare. J’écrivais également des chansons, je produisais des groupes de musique et j’étais aussi prêt de la musique que je pouvais l’être, apprenant de nouvelles choses tous les jours.

Si vous regardez ma page Facebook, vous verrez que j’y ai partagé des vidéos où je joue du Mary J. Blige, du Destiny’s Child, du Eminem, du Slayer, du Dream Theater, ainsi que du Michael Jackson. Un peu de tout, quoi! J’aime sortir de ma zone de confort. J’essaie de jouer tous les jours. Si je ne joue pas une journée, je sens l’anxiété qui m’envahit. La batterie est encore une forme de thérapie aujourd’hui. »

AS-TU DES CONSEILS POUR LES JEUNES BATTEURS QUI VOUDRAIENT SUIVRE TES TRACES? « Peu importe le groupe avec qui vous jouez, concentrez-vous sur la musique. Soyez un compositeur à la batterie. Soyez à l’affût des compositions. Soyez la personne que les gens veulent avoir autour d’eux. La plupart des gens n’en ont rien à cirer d’entendre une partition géniale à la batterie. Il faut trouver la bonne couleur et le bon groove pour faire ressortir le meilleur d’une chanson, pour compléter les mélodies vocales. Vous voulez toucher les gens avec la musique. Essayez d’être polyvalent et musical, mais n’oubliez pas de prendre votre place. Sachez que ce sont votre personnalité et votre son distinctifs qui vous ont conduit là où vous êtes aujourd’hui. Sachez-le, mais respectez la musique et n’en faites pas trop. Frappez votre batterie jusqu’à ce que vos mains saignent : soyez passionné, brutal et amusez-vous!

Plus jeune, j’étais terrifié du clic à cause de certains professeurs. C’était un vrai cauchemar pour moi quand la lumière virait au rouge en studio et que je devais être à la hauteur! C’est la pire façon d’apprendre quoi que ce soit. Jouer et répéter au son du clic devrait être un défi amusant et pas quelque chose qui nous effraie. C’est tellement une belle sensation que de s’arrimer à un clic. Les jeunes batteurs devraient être excité d’en arriver là, comme il devrait l’être pour tout ce qui entoure la batterie. »

QU’AIMERAIS-TU FAIRE DANS LES PROCHAINS 5 ANS? QUI SONT TES PLUS GRANDES INFLUENCES? « Les premiers batteurs que j’ai voulu imiter étaient des batteries électriques comme avec Run DMC et Grandmaster Flash, mais je ne le savais même pas. Ça n’a pas été long avant que le heavy métal ne me heurte de plein fouet et que je tombe sur Metallica et Lars Ulrich. Quand j’ai commencé, j’aimais aussi beaucoup Scott Rockenfield de Queensrÿche.

J’étais fasciné par la relation qu’il avait avec son bassiste et ça m’a appris beaucoup. Sean Kinney d’Alice In Chains fut une grande influence à ce moment-là et j’étais également intrigué par Manu Katche et Peter Gabriel. » \\

« Je suis un batteur de tournée. J’adore être sur la route, alors j’espère partir en tournée.

J’aimerais vraiment faire un deuxième album avec Saint Asonia, voyager à travers le monde et jouer devant autant de monde que possible. C’est là que je suis à ma place et je suis très reconnaissant envers toutes les personnes qui m’ont permis de vivre mon rêve pendant toutes ces années. En leur honneur, je n’arrêterai jamais de donner tout ce que j’ai! » \\

Daniel Bédard Photos: Chris Boshis Photography www.chrisboshis.wix.com/chrisboshisphoto

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FRANCK CAMUS

MANAGE YOUR STRESS AND CONCENTRATION Stress can be defined in many ways and everybody has had to deal with it for various reasons. At its core is an ensemble of physiological reactions that enables an individual to escape a potentially dangerous situation.

For example, think of the caveman escaping a wild animal in the prehistoric times. Ok, this is kind of cute but it’s been quite a while since the human as had to escape from animals so why is it that stress still creeps his way in when we have to get on stage? How does it affect our perception of a specific situation and how far does it compromise our performances in the studio and on the scene? Are there any simple remedies for that? When thinking about the stress a musician has to deal with we’ll quite often think about stage fright. If it is necessary to have some to give a good performance, we don’t want it to invade us to the point where we can’t play at all.

The first observation to do is to understand that it is not the situation itself who brings stress but the representation that we have of it, besides, stress usually dissipates when we are in the heat of the moment. And this is your first answer: when we are into action mode, stress diminishes to the point where it vanishes completely, so be active. When we ask ourselves too many questions, our brain works quite hard at thinking but doesn’t necessarily have the answer and this gap creates pressure that metamorphose in stress if we don’t slow down the little hamster that runs like crazy. For instance, if you play a show but didn’t get to have a soundcheck, you’ll probably be wondering if the sound will be any good and if you’ll be able to hear yourself in the monitors. Your brain works tremendously to the point where it takes all the space assuming that you won’t be able to hear yourself.

Is that reality? Of course not since our brain is tricking us. It is only a speculation for which the brain doesn’t have any answers since the event is not passed yet. Obviously, past experiences can help, or not. If we play a show in a venue where we remember playing good, this can help in focusing on more positive thoughts. It is quite important to admit that you can’t have control over everything and that you should instead try to adapt to the various opportunities that present themselves to you. You don’t know if your amp won’t break down before a concert and if you’ve learned to deal with this kind of situation before, you won’t be destabilized before a concert.

When we think too much about a situation over which we don’t have any control, the stress gets huge and this is why you should try to stay in the present moment and not think too much about what might be coming in the near future. This is an important rule, be in the “here and now” like you would in meditation. Don’t nurture your brain with anxiety.

ALL OF THAT SOUNDS GOOD BUT HOW DO YOU STAY IN THE PRESENT MOMENT? ONE OF THE BEST TOOLS I HAVE FOUND YET IS

CARDIAC COHERENCE. FAST AND EASY TO SET UP, IT CONSISTS IN SYNCHRONIZING YOUR BREATHING. Cardiac coherence is a tool to fight your stress. It allows you to learn how to control your breathing so that you can regulate your stress and anxiety.

When we are confronted to a stressful situation, our heart tends to get carried away and to start beating wildly. When we are in anger or very annoyed, our heartbeats get very irregular.

Breathing, if it follows a specific rhythm, regularize our heart’s pulsations by calming down our brain controlling it. It consists in strong breathings at a rate of inhaling for 5 seconds and exhaling for 5 seconds. We then have 6 cycles every minute.

This very effective exercise can be done anywhere without any equipment. But those of you who like technological gadgets, there is a smart phone app called “respirelax”.

To fully benefit from this exercise, it is important to also do it when stress hasn’t shown yet. This way, you’ll be able to master it in a quieter context, which will then be helpful when anxiety shows up. This will diminish stress and you’ll be able to put your focus on the task needed and not nurture your negative thoughts (mostly if you happen to do mistakes which could amplify your stress).

Have a good show! \\

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GESTION DU STRESS ET CONCENTRATION Le stress se définit souvent de nombreuses façons, chacun l’ayant déjà vécu pour de maintes raisons. À la base c’est un ensemble de réactions physiologiques qui permettent à un individu de s’échapper ou de fuir une situation potentiellement dangereuse.

Par exemple l’homme des cavernes qui fuit l’attaque d’un animal sauvage. Bon ça c’est bien gentil mais il y a priori longtemps que les humains ne sont plus pourchassés par des animaux alors pourquoi le stress envahi certains d’entre nous lorsqu’il faut monter sur scène? Comment cela affecte-t-il notre perception de la situation et jusqu’où cela compromet notre performance en studio ou sur scène? Existe-t-il des remèdes simples? En ce qui a trait au stress pour les musiciens, on trouve le fameux trac. Si celui-ci est nécessaire pour donner une bonne performance, il ne faut pas non plus qu’il nous envahisse au point de nous empêcher, en tout ou en partie, de performer.

Le premier constat est que bien souvent ce n’est pas tant la situation qui nous stress que la représentation que l’on a de cette situation… le stress disparait d’ailleurs bien souvent quand nous sommes sur scène dans l’action. Ceci constitue une première réponse : quand nous sommes dans l’action le stress diminue jusqu’à s’évanouir complètement soyez donc actif. Lorsqu’on se pose trop de questions le cerveau travaille fort à penser mais n’a pas forcement la solution et ce décalage engendre de la pression qui se transforme en stress si on ne ralentit pas le hamster qui nous trotte dans le cerveau. Par exemple si on joue sans avoir eu de test de son, forcement juste avant le concert on se demande si ça va bien sonner ou si on va bien s’entendre dans les moniteurs. Le cerveau travaille énormément au point de prendre toute la place pour présumer qu’on ne s’entendra pas… Est-ce la réalité?

Non bien évidemment puisqu’il nous joue des tours ce n’est en effet qu’une spéculation à laquelle il n’a pas la réponse puisque la situation ne s’est pas encore passée. Évidemment les expériences passées peuvent aider ou pas. Si on rejoue dans une salle où l’on a connu un bon show cela nous aidera à dompter notre cerveau avec des pensées plus positives. Il est important d’admettre que nous ne pouvons avoir le contrôle sur tout alors à la place de tout vouloir contrôler il est important d’apprendre à s’adapter aux différentes situations qui peuvent arriver. On n’est jamais a l’abri d’un ampli qui tombe en panne ou autre. Si vous avez appris à composer avec ce genre d’éléments cela ne vous déstabilisera pas rendu en concert.

Lorsque l’on anticipe trop une situation potentielle sur laquelle on n’a pas le contrôle le stress est immense c’est la raison pour laquelle il est préconisé de rester dans l’instant présent et non de se projeter dans le futur. Ceci constitue une règle importante soyez dans « l’ici et le maintenant » comme dans toute bonne pratique de méditation c’est ce que l’on cherche afin de ne pas nourrir le cerveau sur ce qui pourrait arriver.

TOUT ÇA EST BIEN BEAU MAIS COMMENT RÉUSSIR À ÊTRE DANS LE TEMPS PRÉSENT? L’UN DES MEILLEURS OUTILS QUE J’AI TROUVÉ À DATE EST

LA COHÉRENCE CARDIAQUE! RAPIDE ET TRÈS SIMPLE À METTRE EN PLACE, IL CONSISTE À SYNCHRONISER SA RESPIRATION.

La cohérence cardiaque est un outil pour lutter contre le stress. Il permet d’apprendre à contrôler sa respiration afin de réguler son stress et son anxiété.

Lorsqu’on est confronté à une situation stressante, le cœur a tendance à s’emballer et à « battre la chamade ». En cas de colère ou de contrariété, les battements du cœur deviennent très irréguliers.

La respiration si elle suit un certain rythme, ramène le Cœur à régulariser ses pulsations de lui-même en calmant le cerveau qui le contrôle. Cela consiste en une respiration prononcée à raison d’une Inspiration de 5 secondes et d’une expiration de 5 s. On compte donc 6 cycles minutes Cet exercice très efficace peut se faire n’ importe où sans aucun matériel. Mais pour les plus technologiques il existe l’application pour téléphone intelligent respirelax.

Il est bien important pour voir ces effets de commencer à faire l’exercice même si le stress ne nous envahit pas. De cette façon on va le maitriser dans un contexte plus facile et pouvoir le répéter lorsqu’on sent une angoisse monter. Cela va diminuer le stress qui ne nous envahira pas et on va pouvoir garder notre concentration sur la tâche à accomplir et non à nourrir et entretenir nos pensées négatives (surtout si on fait des erreurs qui elles même vont amplifier ce stress.)

Bon show! \\

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JEFF SALEM

“SHOWMANSHIP” I will never forget when I was 16 years old and attended my girlfriend's high school dance. An amazing live band was performing that evening, playing all of the popular tunes of that era and there was another younger original band that was going to be the opening act. I wanted to arrive early to see both bands. The opening act blew my mind. I could not keep my eyes off the drummer. Even though I didn’t know any of their material, I was so engaged in his performance. Why? He and the rest of the band delivered their show with so much energy, confidence and smiles. They looked like they were having the time of their lives.

The drummer was rocking out, adding stick tricks and almost dancing behind the kit. I was so jazzed up that I couldn’t wait for the headlining group to come on and see what they would do. We’ll, they hit the stage, the songs were played well but the band looked bored. Every member was not smiling, head faced down. No movement, it looked like a chore to them. The drummer seemed so stiff and bored always looking at his watch, and not making and connections with the audience. I realized from that point onward as I was building my craft that when I was ready and given the opportunity to perform I would deliver my performance at the highest artistic level but with energy, enthusiasm, and a positive attitude.

These added elements I call showmanship. Each band member have their thing that they do to grasp the audience. Singers might dance well, have great fronting chops but for us drummers we are in a seated position so what showmanship can we offer?

In one of the very first drumming instructional videos DCI produced with Yogi Horton titled “A History of R&B/Funk Drumming.” Yogi talked about grooving behind the kit physically with body motion almost like dancing. (You can find this video on You Tube).

I have always done this on gigs, it fills the dance floor and strengthens your groove and timing. By you getting into it so will your audience.

Also sit up straight and smile. Don’t look miserable behind the kit. Enjoy what you do.

I love it when another member of the band comes over to me and rocks out during a tune for a moment. A little smile and connection goes far with the group and the synergy will capture your audience.

Lets now talk about all the cool things young drummers want to incorporate in their playing during a show. Stick Tricks.

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l'art de la

MISE EN SCÈNE Je n’oublierai jamais le jour où j’ai accompagné ma copine à son bal des finissants du secondaire. J’avais 16 ans. Toute la soirée, un excellent groupe de musiciens allait jouer les chansons les plus populaires de l’époque, tandis qu’un groupe de musiciens plus jeunes allait faire l’ouverture. Je voulais arriver tôt pour ne rien manquer. Le spectacle d’ouverture m’a jeté à terre. Je ne pouvais décrocher les yeux du batteur. Même si je ne connaissais aucune de leurs chansons, ils ont réussi à captiver mon attention pendant toute leur performance. Comment?

Le batteur et les autres musiciens ont donné leur spectacle avec un maximum d’énergie, de confiance et de sourires. Ils avaient vraiment l’air de s’éclater!

Le batteur s’en donnait à cœur joie, faisant plein de trucs avec ses baguettes. Il dansait presque derrière son instrument! J’étais tellement allumé que je ne pouvais plus attendre de voir la performance du groupe suivant! Lorsqu’ils sont montés sur scène, leurs pièces étaient impeccables, mais le groupe avait l’air de s’ennuyer.

Personne ne souriait et tout le monde regardait à terre. Ils ne bougeaient pas non plus et donner le concert semblait être une corvée pour eux. Le batteur n’avait pas l’air de se dégourdir ni de s’amuser. Il regardait constamment sa montre et ne connectait aucunement avec son public. C’est là que je me suis dit : quand je serai prêt et que j’aurai la chance de donner un concert, je le ferai au maximum de mon talent, avec énergie, enthousiasme et entrain.

Ces éléments bonifient énormément la mise en scène. Tous les membres du groupe peuvent aller chercher le public à leur façon. Les chanteurs peuvent danser, établir un contact avec le public ou avoir une belle présence sur scène. Mais nous les batteurs, qui restons assis tout au long de la performance, que peuton ajouter à la mise en scène?

Une des premières vidéos éducatives avec Yogi Horton produites par DCI s’intitulait « A History of R&B/Funk Drumming. » Yogi parlait du groove qu’il crée physiquement derrière son instrument en bougeant son corps comme dans une danse (vous pouvez trouver cette vidéo sur YouTube).

J’ai toujours fait ça sur scène. Ça aide à remplir la piste de danse et ça donne de la force au groove et à la synchronisation. Si vous êtes « dedans », il y a de grandes chances que le public vous suive.

Il est également recommandé de s’asseoir le dos droit, sourire aux lèvres. N’ayez pas l’air malheureux. Aimez ce que vous faites. J’adore quand un autre membre du groupe

Remember ! There is a time and place for these.

vient groover avec moi pendant une chanson. Un sourire et une connexion peuvent faire une grande différence dans un groupe et la synergie ainsi produite capturera le public.

If I am playing a jazz trio gig, wedding gig or in a concert band I don’t thinking tossing my sticks in the air is appropriate. I would suggest you keep your sticks in your hands, but a smile is always nice.

Now if you are playing in a rock band whether its in a club or in front of 10000 people and you know a few sticks tricks by all means use them as long as it doesn’t effect your drum part and timing. This is so important. Never sacrifice artistic creativity over some visual idea.

If you can add them, people will remember those things and will talk about it.

Just last week I was playing a wedding gig mainly playing jazz standards quietly with brushes. This one young boy at a table couldn’t stop looking at me as we made a connection with smiles. He made my night more enjoyable and at the end I gave him a pair of sticks. This kid and parents were so excited. So the bottom line is if you can add anything above the playing aspect to your gig people will remember this for a long time.

Check out everyone from Keith Moon to Tommy Lee to even Buddy Rich to Dom Famularo. All completely different drummers but their ability to entertain an audience displays great showman ship skills So remember, smile, think positive, groove behind your instrument and if you can add a few little tricks you do it. \\

Les jeunes batteurs veulent souvent inclure quelques jongleries avec les baguettes pendant leur spectacle. Mais attention! Il faut faire preuve de jugement! Il y a une place et un temps pour chaque chose. Lorsque je joue avec un trio jazz, avec un orchestre, ou lors d’un mariage, jeter mes baguettes en l’air est inapproprié. Dans ces cas-là, mieux vaut garder les baguettes dans ses mains, mais un sourire est toujours de mise.

Si vous savez faire tourner vos baguettes et que vous jouez avec un groupe rock dans un bar ou devant 10 000 personnes, allez-y gaiement! Tant que ça n’affecte pas votre jeu à la batterie ni votre sens du temps. Et rappelez-vous ceci : ne sacrifiez jamais la créativité artistique pour des idées visuelles!

Mais si vous pouvez ajouter quelques artifices, les gens en parleront avec admiration.

La semaine dernière, j’ai joué des standards de jazz avec des balais à un mariage. Un jeune garçon était assis à une table à mes côtés et nous avons échangé quelques sourires.

Ma soirée n’en a été que plus agréable et avant de partir, je lui ai donné une paire de baguettes. Ses parents et lui étaient tellement ravis! Dans le fond, ce que vous apportez de plus à votre jeu, les gens en parleront longtemps.

Prenez des batteurs comme Keith Moon, Tommy Lee, Buddy Rich et Dom Famularo. Ils sont complètement différents, mais ils maîtrisent tous l’art de la mise en scène à leur façon.

Alors, souvenez-vous : souriez, soyez positif, ayez du groove et ajoutez quelques artifices si la situation s’y prête! \\

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DANIEL BÉDARD GET T IN G CR E AT IVE W IT H

S OYO NS C R É ATI F S AV E C

The Metronome

le métronome

part 2

2ème partie

In part one of this series of articles, I suggested ways for you to practice with various click placement.

Instead of always playing with the click on the quarter notes, I shared some different ways of hearing the beep. I will now share some more advanced ways of working with the metronome. It is important that you spend some time working on the ideas of the first article before trying these new ones as they are harder to pull off.

Dans la première partie de cette série d’article, je vous ai suggéré des façons de déplacer les battements du métronome. Au lieu de toujours placer le « beep » sur les noires, je vous ai donné des façons de faire différemment. Je vais maintenant partager avec vous d’autres façons de faire un peu plus avancées. Il est important que vous passiez un peu de temps avec les idées de la première partie car ces nouvelles façons de travailler sont plus difficiles à maîtriser.

Let’s continue by venturing into the triplet world and see how we can work on our hearing again. The first thing I would try when trying to play with a different click placement in triplet subdivisions would be to hear the click as an eight note upbeat or the last partial of the triplet. Like this:

Continuons en allant s’aventurer dans le monde des triolets et voyons comment on peut encore travailler sur la façon d’entendre le métronome. La première chose que je ferais lorsque nous travaillons avec les triolets serait de déplacer le « beep » sur la troisième croche du triolet ou le « let » de tri-o-let. Comme ceci :

This can create a cool swinging feeling when played against some quarter note rhythms.

Once this is comfortable, try a trickier version of the same idea and try playing your groove against the second partial of the triplet. The “tri” of the 1-tri-plet-2-tri-plet-3-triplet-4-tri-plet count.

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Ceci peut créer un bon groove swing lorsque joué contre des rythmes en noires.

Lorsque ce premier déplacement fonctionne bien, essayez maintenant une idée un peu plus complexe et jouez avec le « click » sur la deuxième croche du triolet. Le « o » de tri-o-let.

Needless to say, you have to work on triplet based rhythms for this to work. Try practicing your jazz drumming with this concept or maybe explore some bluesy 6/8 feels and even 6/8 afro-cuban rhythms. And remember that you have to switch gears with your ears when working on those ideas. It might take some time for you to be able to hear the click in a different position. If you’re having a hard time, try only tapping quarter notes against the click at first so that you clearly hear its new placement.

Évidemment, vous devrez jouer des rythmes basés sur les triolets pour que cette méthode fonctionne. Essayez de pratiquer vos coordinations jazz ou peut-être des rythmes de blues en 12/8 ainsi que des groove afro-cubain en 6/8. Rappelez vous que vous devez changer la façon d’entendre les rythmes lorsque vous travaillez avec les déplacements de métronome. Il se peut que ça vous prenne du temps pour réussir à entendre les rythmes comme il le faut. Si vous avez de la difficulté, essayez tout d’abord de taper des noires contre le « beep » du métronome jusqu’à ce que vous ailliez plus d’aise avec le rythme.

Now let’s work with 16th notes subdivisions. The first displacement I would work with would be hearing the click as the last 16th of the beat. The “a” of the 1e+a count. It would look like this:

Maintenant, allons travailler sur les subdivisions en doubles-croches. Le premier déplacement avec lequel nous allons travailler sera celui où le « beep » est sur la dernière double-croche de chaque temps. Le « a » de 1e+a. Ça ressemblerait à ceci :

Be very careful though, you have to start working on these ideas very slowly at first, I would suggest 60bpm and maybe slower if needed. Slow it down to the point where you can hear the beat with precision and ease. And be very patient.

Faites attention par contre, vous devez jouer très lentement au départ avec ces nouvelles idées. Je vous suggérerais 60 bpm ou moins. Ralentissez le rythme au point où vous pouvez l’entendre précisément et avec aisance. Soyez très patient.

The next click displacement, which could be the hardest of them all, is to hear the click on the “e” of the 1e+a count. This one will definitely get you out of your comfort zone. It definitely did for me and still does. Again, go very slowly and count out loud while trying to nail the click on the “e” of every beat. This is what it looks like:

Le prochain déplacement de métronome, qui pourrait bien être le plus difficile de tous, est celui où on entend le « click » sur le « e » de 1e+a. Celui ci vous sortira définitivement de votre zone de confort. Ce fut le cas pour moi et ça reste encore difficile à ce jour. Et encore une fois, allez-y très lentement et essayez de compter tout en entendant le « beep » sur chacun des « e ». Ça ressemblera à ceci :

It will definitely help to sharpen your hearing, precision and accuracy in your whole drumming.

Now, let’s try playing with the click on the “e’s” and “a’s” of every beat. This will take some calculation because if you’re practicing at 60 bpm for instance, you’ll now have to put the metronome at 120 and still play at 60 but hearing those beeps as the “e’s” and “a’s” of every beat you are playing. I would just start by playing a very simple slow rock beat against that at first to get the feel going. The click placement will look like this:

Ça vous aidera définitivement à entendre les subdivisions plus précisément.

Maintenant, essayons de jouer avec le métronome sur tous les « e » et les « a » de chacun des temps. Vous devrez faire quelques calculs maintenant parce que si vous jouez à 60 bpm, vous devrez mettre le métronome à 120 bpm et entendre ces « beeps » comme les « e » et les « a » de chacun des temps à 60 bpm. Je vous suggèrerais de commencer par jouer un rythme rock très simple pour bien asseoir le groove sur les « clicks » déplacés.

Comme ceci :

Something tells me that the great Vinnie Colaiuta must have check out those ideas when he was coming up as I hear a lot of very cool displacements in his drumming. Check out his recordings with Allan Holdsworth, Randy Waldman or Oz Noy to see what I’m talking about.

Also listen to the song “I’m Tweeked” from his solo record to hear Vinnie play some pretty tasty displacement ideas. Montreal based drummer Max Sansalone also shares similar concepts on his dvds “Improve Your Groove” which are available on his website. Go check them out and you’ll see why Max is a monster drummer. Also be sure to check out Benny Greb’s latest dvd, The Art And Science Of Groove, to hear Benny’s take on these ideas and to get to hear him play some very nice feels throughout the dvd.

Quelque chose me dit que le grand Vinnie Colaiuta a dû passer du temps avec ce genre d’idées lorsqu’il se développait car j’entends beaucoup de déplacements rythmiques très intéressants dans son jeu. Allez écouter ses enregistrements avec Allan Holdsworth, Randy Waldman ou Oz Noy pour entendre les idées dont je parle. Allez aussi écouter la chanson « I’m Tweeked » provenant de son album solo pour l’entendre jouer des déplacements très intéressants. Le batteur montréalais Max Sansalone partage des concepts similaires sur ces deux dvds appelés « Improve Your Groove ». Allez-vous les procurer sur son site web et vous verrez à quel point il est un incroyable batteur. Allez aussi acheter le dernier dvd de Benny Greb intitulé « The Art And Science Of Groove » pour entendre sa version de ce genre de concept ainsi qu’apprécier son jeu magnifique tout au long du dvd.

I hope you’ll have enjoyed these ideas and that they will have given you some new paths to venture on. If you ever feel in a rut when practicing, try just changing the click placement to get to hear the stuff you are working on differently. I’m absolutely convinced it will do wonders to your playing. Have fun! \\

J’espère que vous aurez apprécié ces nouveaux concepts et qu’ils vous auront donné des idées de trucs à pratiquer. Si vous voulez changer votre routine de pratique, essayez de déplacer l’endroit où vous entendez le « click » et je vous garanti que vous devrez travailler fort et je suis absolument convaincu que votre jeu en tirera profit. Bonne pratique! \\

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CHRIS LESSO

GETTING HEALTHY PLAYING DRUMS Drumming and health go hand in hand. One impacts the other creating a cycle that feeds itself and grows over a lifetime, creating ‘You 2.0’! Drumming has a profound impact on our brains, our energy, and our state. Much of this is still a mystery, but with we can understand more of what is actually happening when we drum since scientists are doing studies like putting an electrode cap on Grateful Dead drummer Mickey Hart to study his brain in real time as he performs a concert.

Even though the science is new, humans have been exploiting this for centuries. Through history, drumming has always had a strong connection with higher states: helping us connect with our universe, communicate with the gods or go into altered consciousness. For my part, I’ve noticed that drumming has a profound effect of my state of mind which never fails to amaze me! I can be drained after a long day, and still get that same boyish rush of energy when I get behind the drums.

Music and drumming help eradicate stress and worry. It helps getting a strong feeling of determination, attitude, and grit to overcome challenges you didn’t think you could face. It is empowering and invigorating and has a major impact on our minds, bodies, emotions, intuition, and spirituality.

I love teaching! It’s incredible to have the opportunity to empower others with the love of drumming and music. My students with ADHD, Asperger or Tourette Syndrom have overcome many challenges to get to play the music they cherish. Drums can be an effective beacon to a goal, leading along the path the student fueled by passion and determination.

We all can use more FOCUS in our lives, one of the highest tools of success. Drumming works our focus muscle by watching and listening, coordinating the body and brain to dance together as one. Many have shared the story of a loved one with Alzheimer’s having moments of clarity after experiencing with drumming and music.

I have been lucky to spend time with some of the elders of the craft, like Jim Chapin, Ed Shaughnessy, Jim Blackey, and others. You always see in them a childlike enthusiasm, lots of joyful community participation (also known as ‘the hang’), and laughter! As much as they love their jobs, the best drummers know not to take this TOO seriously! After all, we drummers are only hitting things! I couldn’t believe it after recently seeing Alex Acuna perform when I found out he had just turned 70! Drumming is the elixir, the fountain of youth!

The body and brain ARE rhythm. Our inner world is a dance, and our body wants to work in harmony. Any disease is usually a breakdown in our body’s natural inner rhythms, and drums have the power to unite the body and mind. Every time you hit a drum, you

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have access to a virtual pharmacy of multivitamins, antidepressants, mood enhancers, and energy boosters. All for free! Dopamine and endorphins are released into the blood making you feel awesome, and drumming also lowers cortisol in the body, the stress hormone that corrodes your health.

Drumming also aligns brain waves giving a feeling of serenity, creativity and calmness, promoting peace and well-being in any group. This is known as FLOW or ‘The Zone’, which drummers live for. The science is still new on exactly how and why this is happening, but check out the work Mickey Hart and others have done on this emerging field. The book “Spark” by John Ratey also goes into what is happening in the body and brain during coordinated movement and exercise.

As a teen, I was uninterested in sports, not relating with the athletic crowd during this inevitably awkward time. Drums gave me something physical to focus on, giving me a daily sweaty workout. I had no idea I was regulating my mood and dealing positively with stress.

I just knew I was learning and having fun playing drums! I had something to build on and express myself with, something that made me feel special. The elated yet calm feeling afterwards became a familiar side effect to look forward to. I couldn’t wait to do it again!

Why not have fun while improving your health?

What does drumming improve? Focus, energy, team building, confidence, and discipline.

It also improves breathing, muscle conditioning, stress management, and helps develop a stronger immune system. Drumming is for everyone and is all inclusive: a universal language enjoyed throughout history. It is accessible to everyone, no matter what their age is, skill level, income, race, or geographic location. Drumming truly creates an ever growing global village, united in rhythm, living life to the fullest. \\

QR Code to accompanying Youtube video: www.youtube.com/watch?v=S6C2FlqGz6w

JOUER DE LA BATTERIE POUR ÊTRE EN SANTÉ Cela va de soi; plus vous jouez de la batterie, plus vous êtes en santé et viceversa, ce qui crée une synergie qui évolue avec les années et qui bonifie votre personne! Eh oui! Jouer de la batterie a un profond impact sur votre cerveau, votre énergie et votre état général. Bien que nous en sachions encore très peu sur le phénomène, de plus en plus de scientifiques étudient le sujet. Ils ont mis, par exemple, des électrodes sur la tête de Mickey Hart de Grateful Dead afin d’étudier son cerveau en temps réel lorsqu’il donne un concert.

Cet intérêt scientifique est nouveau, mais les humains exploitent le phénomène depuis des siècles déjà. À travers l’histoire, les percussions ont toujours été associées aux états seconds : autrefois, elles nous aidaient à nous connecter avec l’univers, à communiquer avec les dieux ou à atteindre un autre niveau de conscience. Pour ma part, ça me fascine encore de voir à quel point jouer de la batterie a toujours un effet positif sur mon état d’esprit!

Je peux revenir crevé d’une longue journée et retrouver un élan de jeunesse lorsque je m’assois derrière la batterie.

La musique et la batterie aident à éliminer le stress et les soucis. Elles peuvent aider à retrouver la détermination, l’attitude et le cran nécessaires pour faire face à des défis qui pourraient autrement paraître insurmontables. Elles nous redonnent nos pleins pouvoirs et notre vigueur tout en ayant un impact positif majeur sur nos esprits, nos corps, nos émotions, notre intuition et notre spiritualité.

J’adore aussi enseigner! C’est une occasion incroyable de contribuer au bien-être des autres en leur transmettant l’amour de la batterie et de la musique. Certains de mes étudiants, aux prises avec un TDAH (trouble déficitaire de l’attention avec hyperactivité) ou un syndrome d’Asperger ou de la Tourette, ont dû surmonter de nombreux défis pour apprendre à jouer la musique qu’ils aiment. La batterie peut devenir le phare qui éclaire le sentier d’un élève animé par la passion et la détermination. Tout le monde pourrait bénéficier d’une meilleure concentration, car elle est une des clés du succès. Le jeu à la batterie travaille beaucoup sur cet aspect puisqu’il nécessite énormément d’écoute et d’observation et qu’il demande au corps et au cerveau de se coordonner. Il existe également de nombreuses anecdotes au sujet de gens atteints d’Alzheimer qui ont des moments de lucidité après avoir eu une expérience musicale ou percussive.

J’ai eu la chance de passer du temps avec de grands batteurs comme Jim Chapin, Ed Shaughnessy, Jim Blackey et bien d’autres. Tous avaient un esprit d’entraide hors du commun, un enthousiasme et un rire contagieux! Même s’ils adorent leur travail, les meilleurs batteurs au monde savent ne pas se prendre au sérieux! Après tout, ils ne font que taper sur des objets! J’ai récemment vu Alex Acuna en spectacle et je n’arrivais pas à croire qu’il venait tout juste d’avoir 70 ans! La batterie est un élixir, une fontaine de jouvence!

Le rythme fait partie intégrale du corps et du cerveau. Notre univers interne est régi par le rythme! Toutes les maladies sont dues à une rupture de ce rythme interne naturel et la batterie a l’avantage d’unir la tête et le corps. Chaque fois que vous frappez un tambour,

vous avez accès à toute une pharmacie : multivitamines, antidépresseurs, psychotropes et stimulants. Et c’est gratuit! De la dopamine et des endorphines sont libérées pour vous faire sentir bien et votre niveau de cortisol (cette hormone de stress qui gruge votre corps) en est diminué.

Le jeu à la batterie aligne également les ondes cérébrales pour donner un sentiment de sérénité, de créativité et de calme, ce qui encourage la paix et le bien-être dans le groupe.

On appelle ce phénomène « l’état de flux » ou « l’état psychologique optimal ». C’est cet état que les batteurs recherchent constamment. Le pourquoi et le comment de cet état ne sont pas encore connus, mais vous pouvez faire une recherche sur le travail scientifique qui a été fait en collaboration avec Mickey Hart et bien d’autres. Le livre « Spark » de John Ratey explique aussi ce qui se passe dans le corps et le cerveau lorsque vous faites des mouvements coordonnés ou de l’exercice.

Adolescent, je ne m’intéressais aucunement aux sports et je ne m’identifiais pas aux athlètes pendant cette période ingrate. Avec la batterie, j’ai pu mettre ma concentration sur quelque chose tout en ayant ma dose quotidienne d’exercice physique. Je ne savais pas que je régularisais mes humeurs et que je gérais ainsi mon stress de façon positive. Par contre, je savais que j’apprenais quelque chose et que j’avais du plaisir à le faire! J’avais le sentiment d’accomplir quelque chose, de m’exprimer et finalement, de me démarquer. De jour en jour, j’avais hâte de retrouver le sentiment de joie et de calme que j’éprouvais après avoir joué. Eh oui, il est possible d’avoir du plaisir en améliorant sa santé!

Qu’est-ce que le jeu à la batterie améliore? La concentration, l’énergie, la consolidation d’équipe, la confiance et la discipline. La batterie améliore aussi la respiration, le conditionnement musculaire, la gestion du stress et renforce le système immunitaire. En plus, tout le monde peut jouer des percussions puisque c’est un langage universel qui a traversé le temps. Cette discipline est accessible à tous, peu importe leur âge, leur niveau d’habileté, leur salaire, leur race et leur position géographique. Elle nous unit par le rythme dans un même village global, toujours en expansion et nous aide à donner le meilleur de nous-mêmes. \\ Voici le code-barres 2D qui vous amène à la vidéo d’accompagnement YouTube : www.youtube.com/watch?v=S6C2FlqGz6w

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STÉPHANE CHAMBERLAND

MARACATU 2.0 Applying “Pullouts”, “Control Strokes” and the Moeller Technique in the context of Brazilian Rhythms INSPIRED BY EDUARDO GUEDES

des control strokes et de la technique

Moeller

dans les rythmes brésiliens

INSPIRÉ PAR EDUARDO GUEDES

I have been fortunate enough to meet Eduardo Guedes in my travels in the US when I was studying with Dom Famularo and Jim Chapin in Long Island (New York). Eduardo became a friend, a partner and a teacher. In all the Brazilian styles he has been teaching me, the Maracatu is one of my favorite. This could be a complex style to play but some technique could save you some time and effort.

Je me sens privilégié d’avoir pu rencontrer Eduardo Guedes lors de mes nombreux voyages aux États-Unis lorsque j’étudiais avec Dom Famularo et Jim Chapin à Long Island, New York. Eduardo est devenu pour moi un ami, un collègue et un professeur. Parmi tous les styles brésiliens qu’il m’a appris, le Maracatu est un de mes préférés. C’est un style qui peut être difficile à jouer, mais il existe des techniques pour vous faire économiser du temps et de la sueur.

In one of his lessons, Dom showed Eduardo an article written by the great drummer/ educator, David Garibaldi in which he explores the use of pullouts and control strokes with excerpts from his book, “Future Sounds”. The concept of applying technique to a musical idea in a specific music style (in this case, Funk) fascinated Eduardo.

Dans une de ses classes, Dom avait montré à Eduardo un article de l’excellent batteur et enseignant David Garibaldi, dans lequel ce dernier explorait l’utilisation des pullouts et des control strokes dans les extraits de son livre « Future Sounds ». Eduardo fut fasciné par l’idée d’appliquer la technique à une idée musicale dans un style spécifique (ici, le funk).

So, one day in the middle of a practicing session, Eduardo thought to himself, “What if I do exactly what Garibaldi did and look for examples of those accent stroke combinations?”

And out came the book “Brazil for Drum Set”.

Un jour, en plein milieu d’une répétition, Eduardo s’est dit « pourquoi ne pas faire comme Garibaldi et trouver des exemples de combinaisons d’accents? » C’est ainsi qu’est né le livre « Brazil for Drum Set ».

Let’s talk about Maracatu. Its origins are from The Coronation of the Black King ceremony that used to take place in the city of Recife and Olinda which are in the state of Pernambuco located in Northeastern Brazil. In the early 1700s, when Brazil was still a Portuguese colony, the enslaved Africans would consecrate a leader, The King of Congo, who would speak for the slaves in the presence of their masters. This ceremony was done with a procession that involved music, dance and theater. From that procession evolved what is known today as Maracatu.

Parlons maintenant de Maracatu. Ce style musical est issu d’un rituel qui avait lieu autrefois dans les villes de Recife et Olinda dans l’état de Pernambouc situé au nord-est du Brésil. Au début du 18e siècle, lorsque le Brésil était encore une colonie portugaise, les esclaves d’origine africaine devaient choisir un représentant, qu’ils appelaient le roi du Kongo. Celui-ci parlait en leur nom en présence de leur maître. Cette cérémonie s’accompagnait d’un défilé rempli de danse, de théâtre et de musique. Cette dernière a évolué pour devenir ce qu’on appelle aujourd’hui le Maracatu.

Before we go on to the examples, let’s review what pullouts and control strokes are.

Remember that those techniques concern the execution of sequential strokes played with different dynamics – from soft to loud or from loud to soft.

Avant de vous donner quelques exercices, précisons ce que sont les pullouts et les control strokes. Ces techniques se rapportent à l’exécution d’une séquence de coups joués avec nuances, doucement, puis très fort et vice-versa.

Pullouts or Upstrokes: Two notes played with the same hand – an unaccented note (tap) followed by an accented note (loud).

Control strokes or Downstrokes: Two notes played with the same hand - an accented note (loud) followed by an unaccented note (tap).

Les pullouts ou upstrokes : deux notes jouées avec la même main, soit une note non accentuée (jouée doucement [tap]), suivie d’une note accentuée (jouée plus forte).

Les control strokes ou downstrokes : deux notes jouées avec la même main, une accentuée (avec force de frappe), suivie d’une note non accentuée (jouée doucement [tap]).

The following examples were taken from the Maracatu section of “Brazil for Drum Set Vol.1 – Northeast” (page 40).

My suggestion is to practice examples A and B alternating hands.

Play 4 measures with the left and then 4 measures with the right hand.

Start slow and gradually speed up the tempo, from 40 to 80 bpm approximately.

Les exercices suivants sont tirés de la section vouée au Maracatu dans le livre « Brazil for Drum Set Vol.1 – Northeast » (page 40).

Je suggère de jouer les exercices A et B en alternant les mains.

Jouez 4 mesures de la main gauche, puis 4 de la main droite.

Commencez doucement, mais accélérez progressivement le tempo d’environ 40 à 80 bpm.

Let’s start by identifying the pullouts on 2 and 4.

TAP

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L’utilisation des pullouts,

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TAP

Commençons par identifier les pullouts sur les mesures 2 et 4.

TAP

UP

DOWN

TAP

TAP

TAP

UP

DOWN

Now let’s find the control strokes played on 1 and 3. (Notice that there is a soft upstroke

DOWN

TAP

TAP

TAP

UP

Identifiez ensuite les control strokes joués sur les tempss 1 et 3. (Remarquez que le upstroke est joué doucement)

DOWN

played)

TAP

TAP

TAP

TAP

Finalement, utilisez les deux mains pour ajouter des roulements écrasés en rebond de baguette (press rolls) sur les temps 1 et 3 afin de mettre les accents en valeur.

Finally, let’s use both hands adding press rolls on 1 and 3 to emphasize the accents.

DOWN

R

TAP

TAP

UP

TAP

DOWN

TAP

TAP

L

L

L

R

R

L

R

This time we will interpret the accents on 2, 3 and 4 as a pullouts and the accent on 1 as a control stroke alternating hands.

UP

TAP

L

L

Cette fois, nous allons interpréter les accents sur les temps 2, 3 et 4 comme étant des pullouts et l’accent sur la mesure 1 comme étant un control stroke en alternant les mains.

DOWN

TAP

TAP

UP

TAP

TAP

UP

TAP

TAP

UP

TAP

R

R

L

L

R

L

L

R

L

L

L

Once you are comfortable with the syncopations and the accents of those examples, we can move on and explore the Moeller technique. Created by Sanford “Gus” Moeller, this technique combines upstrokes and downstrokes performed in a “whipping motion”.

Now, playing the full Maracatu pattern.

AGOGÔ PART ADAPTED BETWEEN HI-HAT AND SNARE

Hi-Hat/ Ride Snare

UNE PARTITION POUR AGOGÔ ADAPTÉE POUR CHARLESTON ET CAISSE CLAIRE

Floor Tom Bass drum Hi-Hat w/foot

Bell part played on the rim with the left hand

Une fois que vous êtes à l’aise avec les syncopes et les accents proposés dans ces exercices, vous pouvez passer à la technique Moeller. Créée par Sanford « Gus » Moeller, cette technique combine les upstrokes et les downstrokes dans un mouvement de fouet.

Maintenant, voici un exercice pour jouer le fameux motif Maracatu.

La partition pour la cloche est jouée de la main gauche sur le bord de la caisse claire.

Snare

Floor Tom Bass drum Hi-Hat w/foot

For further information on these subjects and the style discussed in this article, I suggest the following books: “Accents and Rebounds” by George Lawrence Stone, “Master Studies I and II” by Joe Morello, “It’s Your Move” by Dom Famularo, “Brazil for Drum Set – Vol. 1 (North East)” by Eduardo Guedes, “Brazilian Rhythms for Drum Set” by Duduka da Fonseca and “Future Sounds 2.0” by David Garibaldi (Modern Drummer, April 2007). \\

Pour plus d’informations sur les sujets et le style abordés dans cet article, je vous suggère de consulter les livres suivants : “Accents and Rebounds” de George Lawrence Stone, “Master Studies I and II” de Joe Morello, “It’s Your Move” de Dom Famularo, “Brazil for Drum Set – Vol. 1 (North East)” d’Eduardo Guedes, “Brazilian Rhythms for Drum Set” de Duduka da Fonseca et “Future Sounds 2.0” de David Garibaldi (Modern Drummer, Avril 2007). \\ août

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ÉRIC BOUDREAULT

LES NOTES FANTÔMES

WHAT TO DO WITH

GHOST NOTES Rhythms on the drumset can be complex depending on how you interpret them. We’ll usually start by playing some simple rhythms and then add subdivisions to it. And that’s where ghost notes start to get interesting. They allow you to add your personal touch, to build simple rhythms, to really understand the space between the notes and to explore the way you feel the groove.

Les rythmes à la batterie peuvent être complexes selon la façon dont on les interprète. Habituellement, on commence à l’aide de rythmes simples, puis on y ajoute des subdivisions. C’est là que les notes fantômes (ghost notes) deviennent intéressantes.

Celles-ci vous permettent d’ajouter votre touche personnelle, de développer des rythmes simples, de bien comprendre l’espace-temps entre les notes et d’explorer l’univers du ressenti.

Ghost notes are strokes played on one or many surfaces. They are sometimes played softer than the main accents or at the same volume so that you can really understand the subdivisions of a beat. I strongly suggest that you work with a metronome so that you really feel the tempo.

Les notes fantômes sont des coups donnés sur une ou plusieurs surfaces de la batterie.

Elles sont parfois jouées plus doucement que les notes des temps forts, parfois à volume égal afin de bien marquer les subdivisions d’un rythme. Je vous suggère fortement de jouer avec un métronome pour bien sentir le tempo.

Playing single strokes with accents on the first and third beat is a good way to work on your ghost notes. By default, beats two and four will be played softer which will make beats one and three stand out. You can also try the opposite and play accents on other parts of your set.

Jouer des coups simples avec des accents sur les temps 1 et 3 est une bonne manière de jouer les notes fantômes. Par défaut, les notes 2 et 4 seront jouées à un volume plus doux, ce qui fera ressortir les notes 1 et 3. Vous pouvez aussi faire l’exercice contraire et jouer les accents sur d’autres surfaces de la batterie.

Here’s a simple rock rhythm exercise in 4/4 (1 and 2 and 3 and 4 and). In example 1, you can play the stronger beats (the 2 and 4) on the snare drum. That bar has other hidden notes though. To find them in example #2, you must subdivide the rhythm like so. (and of 1, e+ of 2, e+ of 3, e+ of 4, +e…).

Voici un exercice avec un rythme rock de base en 4/4 (1 et 2 et 3 et 4 et…). Dans l’exemple no 1, vous pouvez jouer les temps forts, 2 et 4, sur la caisse claire. Cette mesure a cependant d’autres notes cachées. Comme dans l’exemple no 2, pour les trouver, vous devez encore couper dans le rythme (et de 1 i et de 2 i et de 3 i et de 4 i et de…)

#1

No 1

#2 (and of 1, e+ of 2, e+ of 3, e+ of 4, +e…)

No 2 et de 1 i et de 2 i et de 3 i et de 4 i et de…

To begin with, you can play the snare drum on the “e” after beat 1 and 3. Those must be played way softer (piano) than the notes played on beat 2 and 4 (forte). Always remember that the ghost notes should add something to the rhythm and not distort it.

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QUE FAIT-ON AVEC ÇA?

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En premier lier, vous pouvez ajouter un coup de caisse claire sur les temps i précédant les temps 1 et 3. Ceux-ci doivent être joués à un volume plus doux (piano) que ceux des temps 2 et 4 (forte). Gardez toujours en tête que les notes fantômes ne doivent pas altérer le rythme, mais bien y ajouter une certaine touche.

EXAMPLES 3 AND 4 ARE FOR THE MORE ADVANCED PLAYERS OUT THERE.

LES EXEMPLES NO 3 ET 4 SONT POUR LES PLUS AVANCÉS : #4

#3

Since the rhythms played by your feet are much more complex here, I would suggest that you start by only playing the hand rhythms. Once you are comfortable with that, add the kick drum on beats 1-2-3-4 or try playing exactly what is written. We won’t change the accent patterns for the moment.

Comme les rythmes aux pieds sont complexes, pour débuter, je vous propose de les jouer avec les mains seulement. Une fois que vous serez à l’aise, ajoutez la grosse caisse sur les temps 1-2-3-4 ou jouer le rythme écrit sur la partition. Nous n’allons pas changer les accents avec les pieds pour débuter.

Don’t play on the cowbells and hihat at first. Only use your feet, snare drum and other drums. Once you’ll be comfortable with the notes, add the hihat and cowbells but at a very soft volume (piano) and play the remaining notes at a loud volume (forte), which will create the accent pattern.

Au début, ne jouez pas sur la Charleston et les cloches. Utilisez seulement les pieds, la caisse claire et les autres tambours. Une fois que vous maîtriserez le tout, ajoutez la Charleston et les cloches, mais à doux volume (piano) et jouer sur le reste de la batterie à plus haut volume (forte), ce qui donnera les accents.

Once you’ll have mastered this exercise, you should add the ghost notes with the feet.

In example #3, the bass drum notes are on two separate lines because if you have two bass drums, you can play one loud note and one soft note while alternating your feet. If you only have one bass drum, chose the one you want loud and the one you want soft.

Une fois que vous serez en maîtrise de ces exercices, vous pourrez commencer à jouer les notes fantômes avec les pieds. Dans l’exemple no 3, les notes de la grosse caisse sont sur deux lignes différentes puisque si vous avez 2 grosses caisses, vous pouvez jouer un coup fort et un coup doux en alternant les pieds. Si vous n’avez qu’une grosse caisse, choisissez lequel des deux coups sera fort, lequel sera doux.

ALWAYS REMEMBER THAT THIS IS NOT A RACE.

GARDEZ BIEN EN TÊTE QUE CE N’EST PAS UNE COURSE CONTRE LA MONTRE.

IT IS NOT ABOUT PLAYING FAST BUT MORE IMPORTANTLY,

IL N’EST PAS QUESTION ICI DE JOUER VITE,

ABOUT FEELING THE RHYTHMS CORRECTLY.

MAIS PLUTÔT DE BIEN RESSENTIR LES RYTHMES.

To really understand ghost notes try imagining that the rhythm is like a rubber band and that you are playing with it. You can choose the length of the rubber band. The subdivisions can be more or less closer to the strong beats depending on what you are looking for. For example, the “a” beats can be close to the 2 and 4 pulse, which will make the beat less square and more flexible. Remember that the beats have a specific rhythm that they have to follow but that rhythm can be altered. And to do that, you have to really understand the space between the notes. And that’s why ghost notes will help you in understanding that space and playing with it.

Pour bien comprendre les notes fantômes, imaginez que le rythme est un élastique et que vous jouez avec cet élastique. Vous pouvez donc choisir la longueur de l’élastique.

Les subdivisions peuvent être plus ou moins proches des temps forts, selon ce que vous recherchez. Par exemple, les temps « de » peuvent être plus rapprochés des temps 2 et 4, ce qui cassera l’effet carré du rythme et rendra le rythme malléable. N’oubliez pas que les rythmes ont un espace-temps donné, mais que cet espace peut varier. Dans ce cas, vous devez bien en connaître l’espace. C’est pour ça que les notes fantômes aident à définir cet espace et vous incitent à jouer avec celui-ci.

Have fun practicing! \\

Sur ce, bonne pratique ! \\

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MAX SENITT

THE TABLE, CHAIRS, AND KITCHEN SINK

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OF TIME!

LA TABLE DU TEMPS

Part One

1re partie

Have you heard of the “Table of Time”? If not, don’t worry! We will get into that. I was introduced to the concept 20 years ago, and since I have put much effort into working with it as I was shown, and more importantly allowing myself to embark on my own explorations.

Avez-vous déjà entendu parler de la « Table du temps »? Sinon, il n’y a pas de quoi s’inquiéter! Nous nous y pencherons. Le concept m’a été présenté il y a environ 20 ans et depuis, j’ai mis beaucoup d’efforts à l’utiliser tel qu’on me l’a enseigné, mais j’en ai mis encore davantage à me l’approprier.

Before we go any further, I would like to mention that the number ONE goal of all practice is to better our ability to play music. In this two-part article we are going to get into some very technical exercises. I encourage you to keep in mind the end goal. In this article we will be building awareness and comprehension of subdivisions. Why is this important to us? The underlying subdivisions, whether they are played or not, set the framework for the FEEL of pretty much every piece of music.

Avant d’aller plus loin, j’aimerais mentionner que le but premier des répétitions est d’améliorer son jeu. Dans cet article en 2 parties, nous allons aborder des exercices très techniques. Je vous encourage à garder l’objectif principal en tête. Dans la première partie, je vais tenter de démystifier les subdivisions. Pourquoi sont-elles importantes? Les subdivisions, qu’on les joue ou non, donnent le ton pour pratiquement toutes les pièces musicales.

Beyond music, we can also think about of the passage of time in general. Just as time happens in music and many other areas throughout the universe, so do subdivisions. For example, in clock time, we have an hour but we can subdivide it into half an hour, a quarter of an hour, minutes, seconds etc. We can also go the other direction, mentioning days, weeks, years, decades, and centuries. The cool thing about music vs. clock time is that we can divide up music time in more interesting ways, and unlike clock time, we can change the tempo!

Pour comprendre le concept, oubliez le temps musical et pensez au passage du temps en soi. On retrouve le temps en musique comme on le retrouve ailleurs dans l’univers.

Même chose pour les subdivisions. Par exemple, dans le temps d’horloge, on peut diviser une heure en demi-heures, en quarts d’heure, en minutes, en secondes, etc. on peut aussi faire le chemin inverse et parler de jours, de semaines, d’années, de décennies et de siècles.

Ce qui est génial avec le temps musical, contrairement au temps d’horloge, c’est qu’il peut être divisé de façon beaucoup plus ludique et qu’il peut également changer de tempo, chose impossible pour le temps d’horloge.

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Awareness of time and its subdivisions small to large can also allow us to gain different perspectives and see/hear a more complete “picture” of music. Imagine going to an art gallery, you walk into a room, see a painting, then move closer, really checking out the finer detail of the work. You can also step back really far, and get another perspective. Looking at art or listening to music in this way can allow you to notice drastically different things.

Now let’s get into this!

The table of time concept basically starts with quarter notes, and sequentially ads more notes or subdivisions within the same amount of space. This can make a great warm-up and speed building exercise as your muscles will gradually be moving faster. My own explorations in this topic began by including to work out the brain at the same time as the hands. Inspired by the method of constructing quarter note triplets, where you subdivide the pulse by three, and play every other subdivision, I began by subdividing the pulse by five, and playing every other subdivision. In the sequence of gradually adding more notes to the same amount of space, this would be the step between eighth notes and eighth note triplets. For example, two beats of eighths notes produces four notes, two beats of triplet eighths produces six notes, and two beats of what I will call 5:2 polyrhythm (Ex. #1), produces five notes in the same amount of space.

Ex. #1

5

œ

œ

Ex. #1 The next logical step after triplet eighth notes 5 is what I will call 7:2 polyrhythm (Ex. #2), Ex. #2 or seven notes equally placed within two beats.7Moving on, to get eight notes within two beats, we simply play sixteenth notes. Are you beginning to see my logic?

œ

Ex. #2

/ œ

Essentiellement, la table du temps commence par les noires, puis on ajoute toujours plus de notes ou de subdivisions à l’intérieur d’un même temps. Cet exercice peut être un excellent réchauffement ou une bonne façon de développer de la vitesse puisque les muscles devront bouger de plus en plus vite. Pour explorer le sujet, il faut éduquer à la fois le cerveau et les mains. Inspiré par la façon de construire des triolets de noires en subdivisant le battement rythmique en trois et en jouant toutes les subdivisions, je vous propose de diviser ensuite le battement par 5 et de jouer toutes les subdivisions. En additionnant graduellement plus de notes dans le même espace-temps, vous passez des croches aux triolets de croches. Par exemple, deux battements de croches produisent quatre notes, deux battements de triolet de croches produisent six notes et deux battements de ce que j’appellerai le polyrythme 5:2 (Ex. no 1) produisent cinq notes dans un même espacetemps.

5

2 /4œ 2 // 4œœ

La conscience du temps et de ses subdivisions, qu’elles soient petites ou grandes, peut vous permettre de découvrir une perspective différente, d’avoir une nouvelle image de la musique, ainsi qu’une oreille différente. Imaginez-vous dans une galerie d’art. Vous entrez dans la salle, vous voyez un tableau, vous vous approchez pour voir les détails. Vous pouvez également reculer pour avoir une tout autre perspective. Regardez l’art ou écoutez la musique de cette façon vous permettra de voir des choses complètement différentes!

Maintenant, plongeons au cœur du sujet!

œ

œ

œœ

œ

L’étape logique après les triolets 5 de croches est ce que j’appelle le polyrythme 7:2 (Ex. no 2), ou les sept notes placées équitablement entre ces deux battements. Si on continue, 7 pour obtenir huit notes en deux battements, il faut simplement jouer des doubles croches.

Commencez-vous à voir la logique dans cette affaire?

œœ

7

œ

œ

œ

œ œ

7

œ

œ

Now as we know, feeling this stuff is just as, if not more important than thinking about it. My suggestion and the way I personally began to work through these rhythms was by walking. That’s right! Walk and count. Think and feel. If you are not already fluent with quarter note triplets (aka 3:2 polyrhythm), begin by counting each step: 1-2-3-1-2-3, then focus on the foot you began with while maintaining the count.

To increase focus you can also tap your body with your hands as you step, or in this case every other step. Next repeat the same process while counting in five and then seven. Once you get a handle on these rhythms you can start applying them to your drumming practice.

There are a few metronome apps that you can also use to create these rhythms, however I believe it is important to understand how to construct them yourself as well.

In part two we will be looking at some more complex rhythms including a few steps that would logically come before the quarter note, and in between and beyond what we have talked about in part one. In the meantime, go for a walk! And please, by all means, feel free to contact me through social media or my website www.maxsenitt.com, if you have any questions concerning this topic. \\

œ

œ

œ

Maintenant, comme de raison, ressentir le concept est encore plus important que de le comprendre. Je vous suggère personnellement de commencer à travailler ces rythmes en marchant. Oui, vous avez bien lu : en marchant et en comptant. Pour penser en même temps que vous ressentez les choses. Si vous ne maîtrisez pas encore les triolets de noires (aussi appelés polyrythme 3:2), commencez par compter chaque pas : 1-2-3-1-2-3, avant de vous concentrer sur le pied avec lequel vous entamez le pas en comptant.

Pour une meilleure concentration, vous pouvez aussi taper le rythme sur votre corps à chaque pas ou dans ce cas-ci, à chaque deux pas. Puis, répétez le même procédé en comptant en cinq, puis en sept. Une fois que vous maîtrisez ces rythmes en marchant, vous pouvez les transférer à la batterie. Il existe également des applications de métronome que vous pouvez utiliser pour créer ces rythmes, mais il est important de comprendre comment on y arrive sans accessoire.

Dans la 2e partie de cet article, j’aborderai des rythmes plus complexes en incluant des étapes qui logiquement devraient être préalables à la première partie de cet article, mais qui viendra étoffer et approfondir ce que nous venons de voir. D’ici là, allez faire un tour! Si vous avez des questions sur le sujet, n’hésitez surtout pas à me contacter par l’entremise des médias sociaux ou par mon site Internet www.maxsenitt.com. \\

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NEW PRODUCTS NOUVEAUX PRODUITS PEARL PERCUSSIONS: WHAT’S NEW?

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QUOI DE NEUF CHEZ PEARL?

PRIMERO ROCK TAMBOURINE

LE TAMBOURIN PRIMERO ROCK

Pearl Percussion introduces the handheld new Primero Rock Tambourine starring six double-sets of Millennium Chrome Jingles in a 9” matte black oval frame. With their bright and cutting tone, the jingles get their beat across. It also features a built-in ergonomic handle that makes playing easy.

Pearl a conçu le tambourin Primero Rock avec six jeux doubles de petites cymbales en chrome Millennium serties dans un cadre ovale noir mat de 9”. N’ayez crainte, son son vif et tranchant ne disparaîtra pas sous l’orchestre. La poignée ergonomique intégrée rend également l’instrument extrêmement facile et agréable à jouer.

MACH 3 CAJON

LE CAJON MACH 3

The Mach 3 Cajon is the newest of the Made-in-America Sonic Boom cajon family and like its other family members, it comes with a backwards tilted front plate to make the player comfortable: no more bending over or rocking the cajon around to get to the face.

It features a 100% Birch body with three different multi-tonal playing zones that simulate snare, bass and tom sounds. These playing zones have their own isolated internal chambers and designated port on the rear of the cajon with additional ones for increased bass. Ideal for all venues, small or large, acoustic or amplified.

Le cajon Mach 3 est le petit dernier de la famille de cajons Sonic Boom fabriqués aux États-Unis. Comme les autres membres de sa famille, il présente une surface frontale inclinée afin de permettre au musicien de jouer plus confortablement. Plus besoin de se pencher outrageusement ou de tourner le cajon pour accéder à son devant. Sa caisse, entièrement faite de bouleau, présente trois différentes zones de jeu qui imitent les sons de la caisse claire, de la grosse caisse et du tom. Ces zones possèdent chacune leur propre chambre sonore interne et un port désigné à l’arrière afin d’accentuer les basses. Idéal pour toutes les occasions : concerts intimes ou à ciel ouvert, acoustiques ou amplifiés.

ELITE SERIES OF CONGAS

LES SÉRIES DE CONGAS ELITE

Pearl’s Elite Series of congas and bongos feature Pearl’s exclusive “Spline-Joint” technology that uses splines to mechanically secure the staves both horizontally and vertically in order to increase the surface area of the joints for unmatched strength. Their Contour Crown Rims offer a lower profile for greater comfort on your hands, and their exclusive Self-Aligning Washer System (S.A.W.S.) isolates the tension hooks from the inner walls of the lugs for greater tuning ease.

Les séries de congas et bongos Elite de Pearl s’agrémentent de la technologie « SplineJoint » exclusive à Pearl. Celle-ci utilise des languettes pour mécaniquement sécuriser les douves à l’horizontale et à la verticale afin d’augmenter la surface des joints pour une solidité inégalée. Les cerceaux Contour Crown offrent également un profil plus bas pour plus de confort. Le système exclusif S.A.W.S. (Self-Aligning Washer System) éloigne les crochets de tension des parois de fût intérieures pour plus d’aisance lors de l’accordage.

The Oak congas feature Contour Crowns while the Fiberglass features Pearl's Low-Rider Crowns with a radically slanted edge that literally disappears under your hands to give you great comfort.

Les congas de chêne viennent avec les cerceaux Contour Crowns, tandis que ceux en fibre de verre viennent avec les Low-Rider Crowns qui possèdent un bord radicalement incliné qui disparaît pratiquement sous vos mains. Du jamais vu côté confort! www.eriksonmusic.com

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NEW ITALIAN TAMBURELLOS FROM REMO

DORADO CAJON FROM REMO Remo’s quality Dorado Cajons are designed and hand crafted in California using Birch wood and two sets of three high quality Compression Springs with over 400 coils each.

Remo has built the Dorado Cajon in the traditional style with a Fixed Faceplate. This process seals the drum and enables the bass tones to resonate naturally.

People look for superior bass tone and snare separation in a quality Flamenco style Cajon which is what the Dorado’s fixed faceplate delivers with Remo’s new, patent pending, Coil Spring design that offers optimum spring tension. No need to adjust wires!

You can replace a set of Coil Springs in a snap with the “Quick Wedge” design and transform the Flamenco style Dorado Cajon into a traditional Peruvian Cajon.

Available in all Natural or Amber body with a Natural face. For more information, go to remo.com.

LE CAJON DORADO DE REMO Ces cajons de qualité de Remo ont été conçus et fabriqués à la main en Californie avec du bois de bouleau et deux jeux de trois ressorts de compression haut de gamme de plus de 400 spires chacun.

Remo a construit le cajon Dorado selon la tradition en fixant la table de frappe avant.

Ce procédé scelle la caisse de résonance de façon hermétique, permettant ainsi aux basses de résonner naturellement.

Des tonalités graves supérieures et un son de caisse claire distinct sont ce qui fait la différence pour les cajons de style flamenco. C’est exactement ce qu’offre la table de frappe fixe du Dorado avec son nouveau design de ressort breveté qui permet une tension optimale. Pas besoin d’ajuster les cordes!

Changer un jeu de ressorts est un jeu d’enfant avec le design « Quick Wedge ». Vous pouvez ainsi transformer en un tour de main votre cajon de style flamenco en cajon péruvien traditionnel!

Offert avec un fini naturel, ou ambré avec surface de frappe naturelle. Pour plus d’informations, visitez remo.com.

The Tamburello’s origins go as far back as the sixth century BC. But Remo’s innovative drum heads and drum shell brought the instrument up to date with a Southern Italian twist.

The Tamburello Calabria is constructed with a Skyndeep® graphic drumhead, and Acousticon® drum shell material that is 100% recycled wood fiber and finished with a dark brown antique stain. This instrument has a unique playing style and extra playing comfort because of its cutout handle. A double row combination of standard and conical chrome jingles produces a timbre just right for the quick articulated beats found in Southern Italia.

Remo offers two models: a Pretuned version with a fixed Skyndeep® drumhead, and a tunable version with a replaceable Skyndeep® drumhead with a Mylar underlay ring that adds deep bass tones. Both models are 12” x 2.5”, with a pretty Goat Brown graphic drumhead.

For more information and to hear Massimo Cusato, a traditional Southern Italian musician, play the Tamburello Calabria, visit remo.com.

DEUX TAMBURELLOS UNIQUES DE REMO Le tamburello date du 6e siècle avant Jésus Christ. Les peaux et les fûts innovateurs de Remo remettent cet instrument au goût du jour avec un petit quelque chose de l’Italie du Sud. Le tamburello Calabria est fabriqué avec une peau graphique Skyndeep® et un fût Acousticon® au fini antique brun foncé fait à 100 % de fibre de bois recyclée. Cet instrument possède un style unique accentué par une poignée bien définie qui offre un confort exceptionnel. La rangée double de cymbales combine des pièces en chrome à la fois standard et coniques produisant le timbre parfait pour les rythmes rapides et articulés qu’on retrouve en Italie du Sud. Remo offre deux modèles : une version préaccordée munie d’une peau fixe Skyndeep®, ainsi qu’une version accordable avec une peau Skyndeep® de remplacement et un cerceau Mylar qui lui donne davantage de tonalités graves. Ces deux modèles viennent en format 12” x 2.5” avec une peau brune imitation chèvre.

Pour plus d’informations ou pour entendre Massimo Cusato (un musicien traditionnel de l’Italie du Sud) jouer du tamburello Calabria, visitez remo.com. www.remo.com

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NEW PRODUCTS NOUVEAUX PRODUITS THE ULTRA-PORTABLE “EL FLACO” CAJON FROM GON BOPS Ultra-thin and ultra-portable, the El Flaco Cajon delivers flamenco snare sounds and muted bass tones: perfect for travel, rehearsals or working on your favorite patterns anywhere you could think of.

Ultramince et ultraportable, le cajon El Flaco livre des sons de caisse claire de style flamenco et des tonalités graves étouffées : parfait pour les voyages, les répétitions ou pour pratiquer vos motifs préférés dans n’importe quel endroit!

Unlike any other practice Cajon, the full size playing panel provides a realistic look and feel, while a handy seat pad keeps the instrument secured at the perfect distance from your hands.

You can even play it in the back seat of the tour van!

Contrairement aux autres cajons de répétition, la surface de frappe pleine dimension donne un sentiment et une apparence réaliste tandis que le coussin pratique retient la surface de frappe juste à la bonne distance des mains. Vous pouvez même en jouer sur le siège arrière du camion de tournée!

“The ultra-portability factor combined with a full-size realistic playing panel – at a street price that comes in below US$100 – makes this product a winner. It’s just the kind of instrument people have come to expect from Gon Bops,” comments US Sales Manager Randy Chaisson.

The El Flaco comes with a handy backpack gig bag, ideal for riding on bikes, bus, trains or small vehicles.

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LE CAJON ULTRA-PORTABLE “EL FLACO” DE GON BOPS

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« À ce prix (en bas de 100 $ US), son ultra-portabilité combinée à sa surface de frappe grandeur nature fait de cet instrument un produit gagnant. Les gens s’attendent à trouver exactement ce genre d’instrument chez Gon Bops, » commente Randy Chaisson, directeur commercial aux États-Unis.

Le cajon El Flaco vient avec un sac de voyage pratique, parfait pour le vélo, l’autobus, le train ou les petits véhicules.

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The magazine for canadian drummers and percussionists Le magazine des batteurs et percussionnistes canadiens

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august

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/ août

- septembre 2015 vol.27 no.4

rich

GON BOPS PRÉSENTE SON CAJON COMMUTER

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La marque légendaire de percussions Gon Bops présente le Commuter, un cajon de qualité exceptionnelle, entièrement démontable qui tient judicieusement dans un sac à dos qui facilite grandement le transport!

Idéal pour les musiciens urbains qui voyagent en vélo, ou qui utilisent le transport public ou une petite voiture. Le Commuter peut aisément entrer dans les compartiments à bagages des cabines d’avion. Ses cordes de guitare internes installées en diagonale offrent des tonalités flamencos, tandis que la profonde caisse de résonance produit des notes graves bien senties. « Nous croyons que le Commuter comblera le besoin de certains musiciens occupés, » commente Luis Cardoso, directeur du marketing chez Gon Bops. « Un cajon démontable de cette qualité et à ce prix n’existait tout simplement pas. » www.gonbops.com

Phone - Téléphone

EXCLUSIVE CANADIAN DISTRIBUTOR OF

1 yr / 1 an 20 $

“We believe the Commuter fills a need among busy musicians,” comments Gon Bops Marketing Manager Luis Cardoso. “A great-sounding collapsible cajon at this quality level and price point simply did not exist before the Commuter.”

Address - Adresse

The Commuter is THE cajon for urban musicians who commute by bike, public transportation or small vehicle. It will also fit easily into overhead luggage compartments. Diagonally placed internal guitar strings provide genuine Flamenco tones while its deep resonant chamber offers loud and tight bass.

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Legendary percussion brand Gon Bops presents the Commuter, an amazing-sounding, fully-collapsible Cajon that fits tidily into a backpack for easy transportation.

2 yrs / 2 ans 32$

GON BOPS INTRODUCES COMMUTER CAJON

Send your check or money order to: Faites parvenir votre chèque ou mandat-poste au nom de: Musicien Québécois 753 rue St-Hélène, Longueuil, (QC) J4K 3R5

beddoe

FOR MORE INFORMATION CONTACT 1-866-320-9451 INFO@TECHNICONTACT.COM WWW.TECHNICONTACT.COM août

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NEW PRODUCTS NOUVEAUX PRODUITS NEW ZILDJIAN PREMIUM CYMBAL BAGS AND CASES The Avedis Zildjian Company put out a new premium line of Cymbal Bags and Cases at this year’s Summer NAMM show. The Zildjian Rolling Cymbal Vault give you ultimate protection and durability in a 24” format that holds 5-10 cymbals. The case features a molded polyethylene shell with the typical “Z” logo. On the lightweight, yet durable side, the 22” and 24” Premium Cymbal Bags present durable nylon on the outside and a soft tricot fabric lining on the inside.

LES NOUVEAUX SACS ET ÉTUIS DE CYMBALES ZILDJIAN L’entreprise Avedis Zildjian a lancé sa nouvelle ligne de sacs et d’étuis de cymbales au NAMM cette année. Les Rolling Cymbal Vault offrent protection et durabilité en format 24”. Ces étuis consistent en une coquille moulée en polyéthylène portant le logo « Z » et pouvant contenir de 5 à 10 cymbales. Plus légers, mais tout aussi durables, les sacs Premium Cymbal de formats 22” et 24” sont faits de nylon solide à l’extérieur et d’un tricot simple et soyeux à l’intérieur. \\ www.coastmusic.com

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Cirque du Soleil® is seeking professional musicians for live performances.

INSTRUMENTALISTS STRING, KEYBOARD, WIND OR PERCUSSION INSTRUMENTS BANDLEADER – MULTI-INSTRUMENTALISTS FEMALE – MALE SINGERS ALL VOICE TYPES AND STYLES

Le Cirque du Soleil® recherche des musiciens professionnels pour des prestations devant public.

INSTRUMENTISTES INSTRUMENTS À CORDES, À CLAVIER, À VENT OU À PERCUSSION CHEFS D’ORCHESTRE – MULTI-INSTRUMENTISTES CHANTEUSES – CHANTEURS TOUS TYPES DE VOIX ET DE STYLES CIRQUEDUSOLEIL.COM/JOBS

FACEBOOK.COM/CIRQUEDUSOLEILCASTING Photo: Eric Jamison / Studio J Costumes: Alan Hranitelj © 2014 Cirque du Soleil

SOUND RECORDING AND MUSIC PRODUCTION TRAINING

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UN S N E I V E D O I D U A ’ L E D PRO

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VISITES DU LUNDI AU VENDREDI GUIDED TOURS FROM MONDAY TO FRIDAY

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1-800-824-2060 MUSITECHNIC.COM PRÊTS ET BOURSES

LOANS AND BURSARIES

A.É.C. / A.C.S.

Attestation d’Études Collégiales reconnue par le Ministère de l’Éducation du Québec Établissement subventionné par le Ministère de la Culture et des Communications du Québec

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