Drums etc v27n2

The magazine for canadian drummers and percussionists Le magazine des batteurs et percussionnistes canadiens

free / gratuit

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- may / avril - mai 2015 vol.27 no2

The magazine for canadian drummers and percussionists Le magazine des batteurs et percussionnistes canadiens

Volume 27, No. 2 April - May 2015 / Avril - mai 2015 Editor in Chief / Rédacteur en chef Franck Camus franck@drumsetc.ca Assistant Editor /Assistante à la rédaction Geneviève Hébert

Contributing Writers / Journalistes Daniel Bédard, Éric Boudreault, Franck Camus, Stéphane Chamberland, Aubrey Dale, Richard Irwin, Chris Lesso, Max Senitt Translation / Traduction Daniel Bédard, Geneviève Hébert

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simon langlois FRANCK CAMUS

Layout / Mise en page Karine Wolfe wolfe.karine@gmail.com Cover Photos / Photos de la couverture

www.drumsetc.ca Advertising / Publicité Ralph Angelillo (888/450) 928-1726 / ralph@drumsetc.ca Jeff Knowles (514) 830-3555 / jeff@drumsetc.ca Publisher / Éditeur Serge Gamache (866) 834-4257 / (450) 651-4257 sergegamache@videotron.ca Printer / Imprimeur Impart Litho © Copyright 2015

Drums Etc is published 6 times per year and distributed across Canada, in drum shops, schools, rehearsal spaces, etc. This issue: 13 000 copies in 380 distribution points (circulation certified by Canada Post).

Publication Mail Agreement No 40009235 / Poste-Publication Convention No 40009235 Return Address / Adresse de retour: DRUMS ETC, 753 rue Ste-Hélène, Longueuil (QC) J4K 3R5 Canada Fax: (450) 670-8683

Drums Etc est publié 6 fois l’an, et est distribué partout au Canada dans les écoles et chez les détaillants de batteries et percussions, dans les studios de répétition, etc. Ce numéro : 13 000 copies dans 380 points de distribution (circulation certifiée par Postes Canada).

10 FRANCK CAMUS

22 MAX SENITT

The new realities of learning

Creating four way linear funk grooves

Les nouvelles réalités de l'apprentissage

12 STÉPHANE CHAMBERLAND

Créer des grooves funk linéaires avec 4 membres indépendants

Evolution in modern drum education

24 RICHARD IRWIN

L'enseignement moderne de la batterie et son évolution

Jazz drumming demystified: Play the melody

14 AUBREY DALE

Jouer la mélodie pour démystifier le jazz à la batterie

Dancing across the bar line Part 1: Hemiola

26 DANIEL BÉDARD

Danser sur la mesure 1re partie: L'hémiole

The musical drummer, part 3

18 CHRIS LESSO

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Space

New products

De vides et de silences

Nouveaux produits

Le batteur musical, 3e partie

20 ÉRIC BOUDREAULT Into the drum solo universe Dans l'univers d'un solo de batterie

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edito

AGENDA MUSIKMESSE 2015 FRANKFURT, GE APRIL 15-18 AVRIL 2015

Resistance is futile

MUSIK.MESSEFRANKFURT.COM

The world is constantly evolving, everything is changing and, like you’ll see in this issue, the way we do things too (teaching among other things). There are a lot of areas in life where change can be seen as an obstacle. Quite often, we’ll see something in a much more negative way than it actually is and this generates stress.

When involved with many people in a creative project, I noticed that new ideas tend to be rejected without the slightest consideration, just because they’re new and we prefer to resist change. To me, this is counterproductive and mostly, not creative. Resisting changes is one of the factors that prevent creativity.

This has something to do with the ego. Lately, I’ve been trying to be very careful not to do this in my band so when somebody suggests that I try an idea on the drums, I give it a go. At first, I’m tempted to tell them to mind their own business and to let me play the drums. If I let my ego aside, I can be receptive and actually give the idea a try. This changes the vibe entirely in the band and everybody becomes more relaxed. With the mirror effect this creates, I can now ask the guitar player to change something in a riff or to adapt a tempo because the relationship has to go both ways.

Open-mindedness is a really important quality that I look for in every musician that I work with. To me, it has more value than having highly developed technical skills or a perfect pitch. It is not always easy to take advice, but when it is given tactfully and with diplomacy, it makes such a difference. Tensions in bands quite often come from bad communication.

Being patient and less reluctant to change could open new doors and foster creation. Go ahead and try it with your band.

I’ll take this opportunity to thank my Hybreed Chaos bandmates: they definitely know a lot on the subject.

Résister ne sert à rien

Lorsque plusieurs personnes travaillent sur un même projet de création, j’ai remarqué que les nouvelles idées sont souvent rejetées en bloc avant même d’avoir été considérées. Dans un groupe il y a souvent de la résistance face à une idée nouvelle.

Selon moi, c’est contre-productif et surtout très peu créatif. La résistance aux changements est un des facteurs qui empêche la création. À la base, c’est une affaire d’égo. Depuis un certain temps, j’essaye de faire très attention à cela dans mon propre band. Quand un musicien propose un changement à la batterie, je l’écoute et j’essaye son idée. Ma première réaction serait de lui dire que la batterie, c’est mon affaire. Je me dis alors que l’égo prend trop de place et j’essaye d’écouter et de donner une chance à son idée. Du coup, ça change les rapports de force entre les musiciens et l’atmosphère devient alors beaucoup plus détendue. À mon tour, il m’arrive de demander au guitariste une modification de riff ou de tempo. Puisque je montre de la bonne volonté, l’autre est d’autant plus enclin à en avoir.

L’ouverture d’esprit est une qualité incroyable que je recherche chez tous les musiciens avec qui je travaille. Pour moi, cette qualité a autant de valeur que le niveau technique ou la compréhension du solfège. Il n’est pas toujours évident de se faire dire quoi faire, mais tout est dans la façon de le communiquer. Les tensions au sein d’un groupe se créent souvent suite à une mauvaise communication.

Avec de la patience, du tact et un minimum de résistance aux changements, vous aurez plus de liberté dans la création de vos compositions. N’hésitez pas à en faire l’essai dans votre propre band!

D’ailleurs, j’en profite ici pour remercier mes partenaires dans Hybreed Chaos : ils ont déjà compris beaucoup de choses la dessus.

Franck Camus april

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WWW.FACEBOOK.COM/DAYOFDRUM

CMW 2015 CANADIAN MUSIC WEEK TORONTO, ON MAY 1-10 MAI 2015 (905) 858-4747 INFO@CMW.NET WWW.CMW.NET

MUSICFEST CANADA 2015 TORONTO, ON MAY 11-16 MAI 2015 (702) 269-9097 WWW.MUSICFEST.CA

Le monde est en constante évolution : tout change et vous serez à même de le constater dans ce numéro. Notamment en ce qui concerne les façons d’enseigner. Cela va sans dire, il y a bien des sphères de la vie où le changement est perçu comme un obstacle. Ce stress vient souvent du fait qu’on se fait, de prime abord, une idée négative de la situation.

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DAY OF DRUM WEEKEND 2015 NANAIMO, BC APRIL 25-26 AVRIL 2015

Editor-in-chief // Rédacteur en chef

CHICAGO DRUM SHOW 2015 CHICAGO IL MAY 15-17 MAI 2015 (989) 463-4757 WWW.CHICAGODRUMSHOW.COM

MIDEM 2015 CANNES, FR JUNE 5-8 JUIN 2015 WWW.MIDEM.COM

NXNE 2015 TORONTO, ON JUNE 17-21 JUIN 2015 (416) 863-6963 WWW.NXNE.COM

Cirque du Soleil® is seeking professional musicians for live performances.

INSTRUMENTALISTS STRING, KEYBOARD, WIND OR PERCUSSION INSTRUMENTS BANDLEADER – MULTI-INSTRUMENTALISTS FEMALE – MALE SINGERS ALL VOICE TYPES AND STYLES

Le Cirque du Soleil® recherche des musiciens professionnels pour des prestations devant public.

INSTRUMENTISTES INSTRUMENTS À CORDES, À CLAVIER, À VENT OU À PERCUSSION CHEFS D’ORCHESTRE – MULTI-INSTRUMENTISTES CHANTEUSES – CHANTEURS TOUS TYPES DE VOIX ET DE STYLES CIRQUEDUSOLEIL.COM/JOBS

FACEBOOK.COM/CIRQUEDUSOLEILCASTING Photo: Eric Jamison / Studio J Costumes: Alan Hranitelj © 2014 Cirque du Soleil Cirque du Soleil is a trademark owned

by Cirque du Soleil and used under license.

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profil

IT’S BEEN ALMOST 10 YEARS SINCE YOU WERE FIRST INTERVIEWED FOR THIS MAGAZINE. WHAT IS THE DIFFERENCE BETWEEN THE SIMON TODAY AND THE ONE TEN YEARS AGO? The major difference is maturity! The most wonderful thing about getting older is that we get to know ourselves better. We make better choices about what we want to accomplish musically and we surround ourselves with musicians with whom we have better affinities. The fact that I love and studied many musical genres helped me establish my musical identity: I like to merge jazz’s improvisational freedom with rhythms from all over the world and the intensity of rock music.

AFTER HAVING PLAYED WITH SOME OF QUÉBEC’S MOST NOTORIOUS MUSICIANS AND TOURED THE WORLD WITH THEM, STARTING AT AGE 20, WHAT IS THE NEXT STEP FOR YOU? My passion has always been my guideline. And if that passion is still as strong as it was when I first started, it is due to the fact that I am teaching more and more the art of playing and expressing oneself on the instrument. Also, teaching at the UDC (the Ultimate Drum Camp) and noticing that the students were really interested and enthusiastic about my type of teaching led me to start my own online drum school called DRUMKICK (www.drumkick.net). DRUMKICK is a website dedicated to inspire, motivate and unite drummers of every genre. This is the culmination of all my studies and researches, the opportunity to teach drummers like I would have liked to be taught. Through this website, I’ll approach every musical genre and expression while bringing attention to the physical and technical aspects of drumming. The ultimate goal is to allow the drummer to gain a maximum of ease and freedom in playing the set. I offer video clips on various specific topics and Skype lessons for drummers of every level. I also offer private lessons with a focus on having a very solid time and on developing various rhythms (not only for drummers, but for every musician). I’m also working on the possibility of offering intensive group lessons.

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PRESQUE 10 ANS SE SONT ÉCOULÉS DEPUIS LA PREMIÈRE ENTREVUE. QUELLE EST LA DIFFÉRENCE ENTRE LE SIMON D’IL Y A 10 ANS ET CELUI D’AUJOURD’HUI? La différence principale est la maturité! La plus belle chose dans le fait de vieillir est qu’on apprend à se connaître. On peut enfin faire des choix éclairés par rapport à ce qu’on veut accomplir musicalement et on s’entoure de musiciens avec qui on a de grandes affinités. Le fait d’étudier et d’apprécier tous les styles de musique m’a permis de définir mon identité musicale en fusionnant la liberté d’improvisation du jazz avec tous les rythmes du monde et l’intensité du rock.

APRÈS AVOIR JOUÉ AVEC LES ARTISTES LES PLUS CONNUS AU QUÉBEC, APRÈS AVOIR FAIT LE TOUR DU MONDE, ET CE, DEPUIS L’ÂGE DE 20 ANS, QUELLE EST LA PROCHAINE ÉTAPE? La passion pour la batterie a toujours été ma ligne directrice! Si cette passion est aussi forte qu’au début, cela est dû au fait que j’enseigne de plus en plus l’art de jouer et de s’exprimer sur l’instrument. D’ailleurs, le fait d’avoir enseigné à l’UDC (Ultimate drum camp) et d’avoir constaté l’intérêt et l’enthousiasme des étudiants envers mon type d’enseignement m’a amené à démarrer mon école de batterie en ligne DRUMKICK (www.drumkick.net).

DRUMKICK est un site dédié à inspirer, motiver et réunir les batteurs de tous les styles! C’est l’aboutissement de ma démarche et de mes recherches, l’occasion d’enseigner la batterie comme j’aurais voulu qu’on me l’enseigne! À travers ce site, j’aborde tous les styles de musique et les différents langages en portant une attention particulière au côté physique et technique qu’exige la batterie. Le but ultime est de permettre aux batteurs d’acquérir un maximum de facilité et de liberté à jouer de la musique. Je propose des capsules vidéo sur plusieurs thèmes précis, ainsi que des cours particuliers sur Skype pour les batteurs de tous les niveaux. J’offre des cours en privé axés sur la solidité du tempo et le développement du rythme : ceux-ci s’adressent non seulement aux batteurs, mais à tous les instrumentistes. Je travaille aussi sur la possibilité de créer des sessions intensives de groupe. avril

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IS THERE A DIFFERENCE BETWEEN TEACHING IN PERSON OR VIA SKYPE? There are no differences to me. The way I teach is exactly the same. Exercises are sent through emails. My drum sound goes right through my sound card and the HD cameras offer a perfect sonic experience, which helps the student’s comfort greatly. We tend to forget quickly that we are not literally in the same room. The student can stay home and this system makes me reach people from all over Québec but also from Korea, France, Germany, etc.

immediately got in touch with them. This was the start of a wonderful relationship with the president and owner, Jean-Denis Beaudoin. He’s very involved with the production of the drums and always makes sure that the customer is completely satisfied. As soon as I started endorsing Ayotte Drums, a lot of really good opportunities presented themselves to me and my career took on a whole new turn. Feeling close to the brand of drums you endorse is priceless. I think that the future lies in small businesses that offer customized service and listen carefully to your needs. Ayotte Drums is a good example of that and it is really exciting to see that they are getting the attention that they used to have.

TEACHING IS NOT ALWAYS EASY. WAS IT NATURAL FOR YOU?

YOU ALSO ARE NOW ENDORSING REMO, AREN’T YOU?

Indeed, teaching is an art in itself. Way too many people teach because it brings in money and stability, even though they don’t care for it. Everything starts from the teacher’s passion and if he doesn’t have any, the student won’t be enthusiastic about learning and progressing. Over the years, I realized that what I love the most is to expand my knowledge and then share it. Strangely, some people call me the “drum doctor” because I can find weaknesses in students and then help transform them into strengths. I also do workshops in Cegeps and universities. Among other subjects, I talk about musical identity. I talk about the fact that you have to put aside theory, rules and outside influences to develop your own personality and then learn how to use it to create, compose and play music that is unique and authentic.

Yes, I’ve been playing Remo drumheads since the beginning. I am very proud to be associated with a company that has been offering a very good product for so many years.

PEOPLE THAT KNOW YOU WELL SAY THAT YOU ALWAYS LOVED TO PRACTICE AND RECOMMEND THAT PEOPLE DO SO. IS IT STILL THE CASE? I find it funny and amusing that some people think it unusual to want to better your skills in what you do for a living. Some musicians, especially when they get older, try to convince themselves that it is useless to explore any further or to perfect their skills. You have to have a good practice routine. I often get students that don’t know what to practice and where to start. Over the years, I developed a system that puts the focus on constant growth and use it when I teach. The older I get, the more fun I have when practicing and playing the kit because my ease and understanding of the instrument is always growing.

YOU’VE BEEN ENDORSING AYOTTE DRUMS FOR ALMOST THREE YEARS NOW. HOW DID YOUR RELATIONSHIP WITH THE COMPANY COME ABOUT? Of all the drums that I played in my life, Ayotte Drums are the ones that struck me the most. Their rich and warm sound coupled with their typical finishes always attracted me strongly. When I learned that the company was back on track and to top it off, in Québec, I

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THIS SUMMER, YOU’LL BE TEACHING AT THE ULTIMATE DRUM CAMP ALONGSIDE DENNIS CHAMBERS, MIKE MANGINI, HORACIO HERNANDEZ, GIOVANNI HIDALGO AND FLO MOUNIER, LIKE YOU DID IN 2013. DID YOU NOTICE SOMETHING SPECIAL IN THOSE DRUMS AND PERCUSSIONS ICONS? Even though their styles and personalities are all different, they all have the same infectious passion. They all invested their lives and energies in getting to a very high caliber and to a musicality level that changed the way we interpret and play those rhythms. And it’s surprising to see how humble and simple those guys are. I consider myself really lucky to be able to chat and exchange on various topics with those legends.

ARE YOU CURRENTLY WORKING WITH A BAND OR ON ANY CREATIVE PROJECT? Yes! The project is called “The Last Colour”. I’m working on this with my good friend and sound engineer, Yohann Boudreault (Alchimik audio). We’re composing progressive-metal music with catchy guitar riffs. We started producing and posting videos on YouTube and were surprised by the response coming from here, but also from Europe and the States.

So we started putting more time in the creation of a record that we’ll eventually play on stage. \\

Y a-t-il une différence entre enseigner via Skype ou en personne?

Pour moi, il n’y a aucune différence. La façon d’enseigner est la même. Les exercices sont envoyés par courriel. Le son de la batterie sort directement de ma carte de son, puis les caméras HD offrent une sonorité très nette et rendent l’expérience agréable pour l’élève.

On oublie rapidement qu’on se trouve à des endroits différents. L’étudiant n’a pas besoin de se déplacer et ce système me permet d’avoir des élèves de partout au Québec et même de Corée, France, Allemagne, etc.

L’enseignement n’est pas toujours une chose facile. Est-ce que pour toi la pédagogie est quelque chose de naturel?

En effet, l’enseignement est un art en soi. Trop de gens enseignent pour l’argent et la sécurité, mais l’intérêt n’y est pas. Tout part de la passion du professeur et si celle-ci n’est pas au rendez-vous, l’élève n’aura pas d’enthousiasme à apprendre et à progresser. Au fil des ans, je me suis rendu compte que ce qui m’intéresse par-dessus tout, c’est d’élargir mes connaissances et de les partager. Bizarrement, certains m’appellent maintenant le « drum doctor » parce que j’arrive à cerner les faiblesses des élèves et à les transformer en points forts. Je fais aussi des séminaires dans les cégeps et les universités. J’aborde, entre autres, la question de l’identité musicale. J’évoque le fait qu’en mettant de côté la théorie, les règles enseignées et les influences extérieures, chacun doit développer sa personnalité et apprendre à l’utiliser pour créer, composer et jouer une musique à la fois unique et authentique.

Ceux qui te connaissent bien savent que tu as toujours aimé et prôné la pratique de l’instrument. Est-ce encore le cas?

Je trouve à la fois drôle et bizarre qu’on considère exceptionnel de vouloir améliorer ses habiletés dans ce que l’on fait dans la vie. Certains musiciens vont tenter de se convaincre qu’il est inutile d’aller plus loin dans la recherche et la maîtrise de leur instrument, surtout avec l’âge. Une bonne méthode de pratique est primordiale. J’ai souvent des élèves qui viennent me voir en ne sachant pas quoi pratiquer ou par quoi commencer. Avec les années, j’ai développé un système de travail qui mène à une progression constante et j’utilise cette méthode pour enseigner. Plus je vieillis, plus j’ai de plaisir à pratiquer et surtout, à jouer de la batterie, car mon niveau de facilité et ma compréhension de l’instrument augmentent sans cesse.

Photos Page 7: Marylène Cousineau Page 8: Jean Denis Beaudoin

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Tu endosses les batteries Ayotte depuis presque 3 ans maintenant.

Comment a débuté ta relation avec cette compagnie?

Dans ma vie, de toutes les batteries que j’ai essayées, ce sont les batteries Ayotte qui m’ont le plus marqué. Leur son riche et chaud, ainsi que les finis qui les caractérisent m’ont toujours séduit au plus haut point. Quand j’ai appris que la compagnie était de retour en affaires et en plus au Québec, je suis tout de suite entré en contact avec eux. Ce fut le début d’une très bonne relation avec Jean-Denis Beaudoin, président et propriétaire de la compagnie. Celui-ci s’implique avec méticulosité dans la fabrication des batteries en s’assurant de toujours obtenir l’entière satisfaction du client. Depuis mon association avec Ayotte, plusieurs belles occasions se sont présentées et rapidement, ma carrière de batteur a pris un tout nouveau sens. Avoir un sentiment de proximité avec sa compagnie de batterie, ça n’a pas de prix! D’après moi, l’avenir est dans les petites entreprises qui peuvent nous offrir un service personnalisé et qui sont beaucoup plus à l’écoute de nos besoins. La compagnie Ayotte en est un très bon exemple et il est très excitant de voir qu’elle retrouve l’attention internationale qu’elle avait à l’époque.

Tu représentes aussi REMO depuis quelque temps.

Oui, je joue sur les peaux REMO depuis le début. Je suis donc très fier de m’être affilié à cette compagnie qui offre un très bon produit depuis de nombreuses années.

Cet été, tu vas enseigner au « Ultimate Drum Camp » aux côtés de Dennis Chambers, Mike Mangini, Horacio Hernandez, Giovanni Hidalgo et Flo Mounier, comme tu l’as fait en 2013. As-tu constaté quelque chose de particulier chez ces icônes de la batterie et des percussions?

Autant leur personnalité et leur style sont différents, autant l’intensité de leur passion est commune et contagieuse. Ils ont tous investi leur vie et leur énergie à atteindre un calibre et un niveau de musicalité qui ont révolutionné la façon d’interpréter et d’agencer les rythmes. Il est surprenant de constater à quel point ce sont des personnes humbles et simples. Je me considère chanceux de côtoyer de telles légendes et d’avoir la chance d’échanger avec eux sur tous les sujets.

As-tu un groupe ou un projet de création sur lequel tu travailles actuellement?

Oui, le projet s’appelle « The Last Colour ». C’est une collaboration avec mon bon ami guitariste et ingénieur de son Yohann Boudreault (Alchimik audio). Nous composons une musique de style métal-progressif avec des riffs de guitare accrocheurs. On a commencé à produire et à diffuser des vidéos sur YouTube et on a été surpris par la réponse du public d’ici, mais aussi d’Europe et des États-Unis. On a donc décidé de consacrer plus de temps à la création d’un album dans le but éventuel de se produire sur scène. \\

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handcrafted in Canada since 1981 | www.ayottedrums.com avril

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FRANCK CAMUS

The new realities of learning

Les nouvelles réalités de l’apprentissage

The music market is constantly evolving and the music instrument business is no exception. In that field, we find a lot of individuals who build and produce their own instruments, becoming craftsmen in the custom world. At the same time, we see more and more electronic drums being acclaimed by many drummers.

And if there is a field that is always moving forward and constantly adapting, it is the one of electronic drums. Indeed, today’s models have nothing to do with the ones we had 10 years ago as far as shape, size, sampling possibilities and sound quality is concerned. Mainly, they are getting closer and closer to the acoustic set. It’s not surprising to see them gain market shares.

Le marché de la musique est en constante évolution et l’industrie des instruments de musique ne fait pas exception. Dans ce domaine, on trouve évidemment bon nombre de nouveaux joueurs qui fabriquent et construisent eux-mêmes leurs instruments et deviennent de véritables artisans du sur-mesure.

Parallèlement, on voit de plus en plus de batteries électroniques plébiscitées par de nombreux batteurs.

S’il y a bien un secteur qui est en mouvance et qui s’adapte sans cesse pour se surpasser, c’est bien celui de la batterie électronique. En effet, les modèles d’aujourd’hui n’ont rien à voir avec ceux d’il y a 10 ans en terme de forme, de taille, de possibilités d’échantillonnage, de qualité de son. Surtout, ils se rapprochent de plus en plus de la batterie acoustique. Il n’est donc pas surprenant de les voir se tailler une grande part de marché.

The modern teacher will definitely have to work with this instrument and with this new reality comes the question: should we teach the same way on electronic drums as we do on an acoustic kit?

This question is worth asking because unlike acoustic drums, electronic ones will produce a good sound no matter how the surface is being struck. So there is now a technical gap which may make technique itself less relevant. Should we talk about this aspect of drumming? If so, how do we make sure that the student understands the difference between the two kits?

I think that this topic needs to be addressed no matter what instrument you are teaching on. Good technique helps you play well at all times and on every instrument. But it might be a bit trickier to teach this on an electronic set since there is not as much connection between good technique and the sound you get out of the drums. Even with the most basic electronic sets, the various possible settings are stunning. I advise my students who practice on electronic drums to arrange their settings so that they sound like an acoustic drum. The idea behind this is to allow your student to play with a sound that is the most real and natural possible. If we go for an easy setting --meaning the one that gives you full impact no matter how you hit your drum-- the playing won’t be as subtle and you won’t be able to play ghost notes. So you have to go for a “natural” setting where the pads react to the velocity of your stroke. And don’t forget to tell your student that this will be of great help to him the day he will have to play on an acoustic kit.

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L’enseignant moderne se retrouve donc confronté à coup sûr à enseigner sur ce type d’instrument et avec cette nouvelle réalité vient la question « devrait-on enseigner sur une batterie électronique de la même façon que sur une batterie acoustique? » La question mérite d’être posée car contrairement à la batterie acoustique, la batterie électronique a toujours un bon son, peu importe la façon dont on frappe sa surface. Il y a donc un décalage au niveau de la technique, car il se peut qu’elle soit moins prépondérante sur une batterie électronique. Est-ce qu’il est important d’aborder cet aspect? Si oui, comment faire comprendre à l’élève qu’il y a une différence entre les deux?

Je dirais que la question doit être abordée, peu importe l’instrument avec lequel on enseigne. Une bonne technique permet de jouer bien, en tout temps et sur tout instrument.

Par contre, il se peut qu’il soit plus difficile de l’enseigner sur une batterie électronique puisqu’il n’y a pas autant de causalité entre la façon dont on frappe le tambour et le son qui en résulte. Même avec les produits électroniques de base, la possibilité de réglage est impressionnante. Je suggère donc à mes élèves qui jouent sur une batterie électronique d’adapter les réglages pour se rapprocher le plus possible de ceux d’une batterie

QUESTION FOR TEACHERS: On what kind of kit do you prefer teaching?

AVIS AUX PROFESSEURS : Sur quel type de batterie préférez-vous enseigner? franck@drumsetc.ca

They are also hybrid systems in which triggers are fixed to an acoustic drum. This type of configuration has its advantages. For example, it is quite common for beginner students to have trouble hearing their footwork on the bass drum. When the strokes are too weak because the student lacks practice with the pedal, you can diminish the sensitivity of the sensors so that the sound module gets triggered with minimal force. These settings can help in educational situations but you have to know your student’s kit pretty well, especially if you teach them in their home setting. These drums are now very competitive and the new generation who still live with their parents love their numerous advantages (small size, low noise, versatility, etc.). And when you think about it, we prefer to have them play on these sets than not play at all and finally, their technique will improve over time no matter what kit they are playing on. \\

acoustique. L’idée est de permettre à l’élève de jouer avec la sonorité la plus réelle et la plus « naturelle » possible. Si on opte pour le réglage facile, c’est-à-dire pour un impact maximum peu importe la vélocité et la force de la frappe, le jeu sera peu subtil et il sera impossible d’y intégrer les notes fantômes (ghost notes). Il faut donc opter pour un réglage plus « naturel » dans lequel le volume sera proportionnel à la force de frappe. N’hésitez pas à rappeler à votre étudiant que ce type de réglage lui sera profitable le jour où il jouera sur une batterie acoustique.

Autrement, on trouve également des systèmes hybrides où des capteurs (les fameux triggers) sont posés sur les tambours acoustiques. Ce type de configuration a ses avantages.

Pour un débutant par exemple, il est fréquent qu’il n’entende pas sa technique de jeu de pied à la grosse caisse. Quand l’attaque est trop faible par manque d’habitude avec la pédale, on peut diminuer la sensibilité du capteur afin de déclencher le module de son avec un minimum de force. Les réglages peuvent ainsi améliorer bien des situations pédagogiques, mais encore faut-il bien connaître la batterie électronique de votre élève, surtout si vous enseignez à domicile. Ces batteries sont devenues très concurrentielles et la nouvelle génération qui reste encore chez leur parent aime leurs nombreuses qualités (taille réduite, faible bruit, polyvalence, etc.). À bien y penser, on préfère les voir jouer sur ce type de batterie que de ne pas jouer du tout et finalement, la technique s’améliorera en fonction du temps passé derrière l’instrument, peu importe le type de batterie. \\

INFINITE

POSSIBILITIES As drummers ourselves, we’re constantly striving to find ways to create fresh sounds and take our music to new places. The American Classic® Barrel tip 5A and 5B are just the latest in an array of hundreds of sticks, mallets and implements each designed for a specific musical purpose and vetted by the world’s top players.

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©2015 Vic Firth Company

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Evolution In Modern Drum Education

L’enseignement moderne de la batterie et son évolution

A NATURAL APPROACH

UNE APPROCHE NATURELLE

In today’s world, it’s so easy to find information online and fill our practice time with everything we see. It is great to have so much information but it is also a challenge to balance everything so we can achieve the best results in attempting to reach our goals and musical desires. I can’t stress enough the importance of having a natural approach to our practice and evolution as a human as well a drummer. For example, in nature when you want a plant to grow, you first plant the seed in a fertile ground, water it everyday and make sure it receives the proper amount of sunlight. You then take care of the plant every week in order to keep it alive. There are no shortcuts and an amazing way to make sure you apply the same concept with your evolution is to find a great teacher that will not only teach you the material but most importantly guide you with your practice routine and assist you in your journey.

Dans le monde d’aujourd’hui, il est facile de trouver de l’information en ligne et d’occuper son temps de répétition avec tout ce qu’on y trouve. Il est génial d’avoir accès à toute cette information, mais le défi reste de trouver l’équilibre et de garder bien en vue ses objectifs et ses ambitions musicales. Si vous voulez évoluer en tant que batteur et être humain, il vous faut trouver une approche de la répétition qui vous est naturelle. Par exemple, lorsqu’on veut faire pousser une plante, il faut commencer par planter une graine dans un sol fertile, puis il faut l’arroser tous les jours et s’assurer qu’elle reçoive la bonne quantité de lumière.

Pour la maintenir en vie, il faut en prendre soin semaine après semaine. Il n’y a pas de raccourci et la meilleure façon d’appliquer ce concept à sa propre évolution est de trouver un grand enseignant qui, au-delà de vous donner du matériel à apprendre, vous aidera à trouver une routine et une façon de répéter qui convient à votre personnalité.

ONLINE PRIVATE LESSONS

DES LEÇONS PARTICULIÈRES EN LIGNE

As a matter of fact, a big change I see is the popularity of online private drum lessons.

Skype is one of the most popular but you can also use any other program like Facetime.

Some companies will also give you the possibility to connect many computers on a server that you can rent. The Internet is now making private lessons available for every student around the world with top drummers from different countries. This has made the search for teachers really different than before. Online private lessons are really amazing and many people have begun to take that very seriously and decided to invest in their studio and equipment to make the quality of image and sound impeccable. The standard is really high. For example, in my own studio I use many web cams, a studio-like quality sound that I send to Skype and a very fast Internet connection. It’s literally a small television set. I teach drummers from all over the world including students from Taiwan, China, Japan, Italy, Europe, Brazil, United States and of course, Canada. It’s also a plus to be able to take a lesson in the comfort of your home on your own drum set, no matter the distance or weather.

Parmi les nombreux changements des dernières années, j’ai remarqué que les leçons particulières en ligne gagnaient particulièrement en popularité. Dans ce domaine, Skype est le logiciel le plus utilisé, bien qu’il en existe d’autres comme Facetime. Certaines compagnies offrent également la possibilité de connecter plusieurs ordinateurs sur un même serveur que vous pouvez louer. Aujourd’hui, l’Internet rend les leçons particulières accessibles pour tous les étudiants de la planète qui peuvent maintenant choisir d’étudier avec les meilleurs batteurs au monde, peu importe leur situation géographique. Ce qui multiplie les possibilités quand vient le temps de chercher un enseignant. Les leçons en ligne sont fantastiques et de plus en plus de personnes le réalisent. Beaucoup prennent la chose au sérieux et investissent dans leur studio et leur équipement afin de maximiser la qualité de l’image et du son, car les critères sont élevés. Par exemple, j’utilise plusieurs webcams dans mon studio dans lequel j’obtiens une bonne qualité de son que je peux partager sur Skype par l’entremise de ma connexion Internet à vitesse maximale. On peut littéralement parler d’une qualité télé. J’enseigne à des batteurs de tous les pays : Taïwan, Chine, Japon, Italie, Europe, Brésil, États-Unis et bien sûr, Canada. Il y a un grand avantage de pouvoir assister à un cours dans le confort de sa maison, sur sa propre batterie, sans souci de la distance ou de la température.

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HERE ARE SOME GREAT SUGGESTIONS FOR TEACHERS AND STUDENTS:

VOICI DONC QUELQUES SUGGESTIONS POUR LES ENSEIGNANTS ET LEURS ÉLÈVES :

• Try a Skype lesson with one of your favorite teacher • Buy a wireless headset and an HD web cam to start with. This is enough to get a great sound and image quality for the students and the teachers • For better sound during your lessons, buy an audio interface that will also send your output to Skype • Go to Drummerworld.com and explore the drummers. Explore the Teacher section • Open a Youtube or Vimeo channel and create some neat video of you teaching or playing

• Essayez une leçon sur Skype avec l’un de vos enseignants préférés; • Pour commencer, achetez un casque sans fil et une webcaméra HD. Vous obtiendrez ainsi la qualité de son et d’image nécessaire, peu importe si vous êtes un enseignant ou un élève; • Pour un meilleur son durant les leçons, achetez une interface audio qui enverra votre son directement à Skype; • Rendez-vous sur le site Drummerworld.com pour y explorer la section des batteurs (Drummers) dans laquelle se trouve aussi la section des enseignants (Teachers-Clinicians-Authors); • Inscrivez-vous sur YouTube ou Vimeo et créez des vidéos accrocheuses de vos leçons ou de vos performances.

NEW ERA FOR DRUM BOOKS AND APPS Online shopping has become the number one way to shop in North America in 2014.

In the music business, iTunes has become the number one music seller in the world. Well, the percussions business is no different. The music stores have seen this change, as well as publishers. They are transitioning from physical sales to Apps and online sales. In a couple of years, buying physical copies of books and DVDs will probably be replaced at a huge percentage by digital books and programs. One of the reasons I love digital books is because of the quantity we can store in one device and the options we now have like zooming in on the chart or playing the music or video right in the page with just one click.

In my case, I build personalized programs using from 1 to sometimes 40 books. It used to be okay to use three books for all students but now the times have changed. Every year there is something new and exciting. Let’s make the most of it by helping our students, the music business and ourselves promoting those books.

HERE ARE SOME GREAT SUGGESTIONS FOR TEACHERS AND STUDENTS: • Look at some of the medias available from Alfred Publishing and Wizdom Media on iBooks. (www. alfredpublishing.com) (www.wizdom-media.com) • Check out the Hudson App to buy more books for your tablet • Download the Drum Guru app as well for short lessons with master drummers • Try Hudson Digital on your computer and download the best DVDs in digital format • Use Apple TV to stream your iPad on a big screen

OPEN MIND, OPEN HEART It could be scary to notice all the changes happening in the music business in our century. Those who will adapt and change their beliefs and habits will survive and make the grade. Try some suggestions in the lists and I hope we will all accept the changes as a big family of drummers, with open heart and switch the new challenge in positive ways to become better businessmen, drummers, educators and people. Life is an amazing trio when we learn to love challenges and turn them into opportunities and experience! \\

UNE NOUVELLE ÈRE POUR LES LIVRES ET LES APPLICATIONS En 2014, le magasinage virtuel est devenu la façon de faire ses courses en Amérique du Nord. Et dans l’industrie de la musique, iTunes est le vendeur numéro un au monde.

L’univers des percussions n’y fait pas exception. Les magasins de musique ont été témoin de ce changement, tout comme les éditeurs. La plupart travaillent actuellement sur la transition de la vente en boutique aux applications et à la vente en ligne. Dans quelques années, la vente « physique » de livres et de DVD aura sans doute fait une très grande place à la vente de programmes et de livres numériques. J’adore ces derniers parce qu’ils ont l’avantage de tenir dans un seul appareil qui nous donne souvent plusieurs options quant à la taille de la police et des partitions, sans parler des liens virtuels directs que nous pouvons consulter en un seul clic. Aujourd’hui, je crée également des programmes d’enseignement personnalisés en utilisant parfois jusqu’à 40 livres. Avant, on ne pouvait demander à nos élèves d’acheter et de transporter plus de trois livres, mais les temps ont bien changé.

Chaque année, il sort quelque chose de nouveau et d’emballant. Il faut savoir en profiter et en faire bénéficier nos élèves, ainsi que l’industrie musicale en en faisant la promotion.

SUR CE, VOICI D’AUTRES SUGGESTIONS : • Penchez-vous sur les différents médias et iBooks offerts sur les sites Alfred Publishing et Wizdom Media. (www.alfredpublishing.com) (www.wizdommedia.com); • Considérez le site de Hudson Music ? pour accumuler plus de livres sur votre tablette; • Téléchargez l’application Drum Guru pour accéder à des leçons concises données par des batteurs de renom; • Essayez Hudson Digital pour télécharger sur votre ordinateur les meilleurs DVD en format numérique; • Utilisez votre Apple TV pour télécharger en continu le contenu de votre iPad sur grand écran.

GARDEZ L’ESPRIT ET LE CŒUR OUVERT

More info / Pour plus d'information: www.stephanechamberland.com

Il peut être affolant d’observer tous les changements du siècle dans l’industrie de la musique. Ceux qui sauront s’adapter en changeant leurs croyances et leurs habitudes survivront et arriveront à s’y retrouver. N’hésitez pas à essayer certaines de mes suggestions. J’espère sincèrement que la grande famille de batteurs que nous sommes arrivera à accueillir ces changements avec le cœur ouvert en acceptant les nouveaux défis avec positivisme afin de devenir de meilleures gens, hommes d’affaires, batteurs et enseignants. La vie est un joyeux trio quand on apprend à aimer les défis et à les transformer en circonstance opportune et en expérience! \\ avril

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AUBREY DALE

DANCING ACROSS THE BAR LINE /PART 1 - HEMIOLA

DANSER SUR LA MESURE /1 PARTIE- L’HÉMIOLE

When I was about 17 years old, I used to listen to a record by Chick Corea called ‘Friends’ and I was a big Steve Gadd fan at the time. There are sections of a piece called ‘Cappuccino’ on that recording that I found especially difficult to understand. My sense of time was hinged on my feel, and I wasn’t making a conscious effort to lock rhythms in time while counting beat subdivisions. The group seemed to be playing free of time to my ears at that time in my development. I learned much later on that they were in fact very much in time and was simply playing rhythms in groups of 3 repeatedly so that the rhythm continued over the bar line 4/4 time.

Lorsque j’avais environ 17 ans, j’étais un grand admirateur de Steve Gadd et j’aimais écouter le disque « Friends » de Chick Corea. Sur cet album, je trouvais difficile à comprendre certaines sections de la pièce « Cappuccino ». Ma notion de mesure était instinctive et je ne faisais pas encore l’effort conscient de situer les rythmes dans le temps, tout en comptant les subdivisions rythmiques. Je croyais encore que le groupe était en rythme libre. J’ai appris beaucoup plus tard qu’ils avaient, au contraire, toute une rythmique, jouant des rythmes ternaires de façon continue dans une mesure binaire en 4 temps.

The musical technique that they used is called ‘hemiola’. A dictionary definition of this term is: “a rhythmic pattern of syncopated beats with two beats in the time of three or three beats in the time of two”. Listen to the piece here: http://tinyurl.com/pe9bojx . When we look closely at time code position 6:36 we hear Chick Corea starting the following piano line on the upbeat of beat four of bar 6 in the phrase and plays it for three and a half bars in 4/4 time.

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RE

La technique musicale qu’ils utilisent sur cette pièce s’appelle l’hémiole. On la définit ainsi dans le dictionnaire : insertion d’un motif rythmique ternaire dans une mesure binaire, et inversement. Écoutez cette pièce : http://tinyurl.com/pe9bojx. Lorsqu’on se rend à 6:36 du morceau, on entend Chick Corea qui amorce sa phrase au piano sur le « et » du 4e temps dans une mesure qui en compte 6 tout en la jouant pendant 3 mesures et demie à l’intérieur d’une signature de 4/4.

Steve Gadd starts a similar pattern on the upbeat of beat one of the next phrase and continues this rhythmic pattern for 8 bars.

Steve Gadd commence un motif similaire sur le « et » du 1re temps de la prochaine phrase en le maintenant pendant 8 mesures.

They are both using the hemiola musical device. Both rhythmic patterns use the following three beat rhythm in 4/4 time and that rhythm will continue over the bar line.

Tous deux utilisent la technique de l’hémiole. Les motifs binaires s’insèrent dans les motifs ternaires qui se poursuivent sur une mesure en 4 temps.

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This Rhythm is based on the following four bar rhythmic hemiola based pattern.

Ce rythme s’appuie sur l’hémiole qu’on retrouve sur les quatre mesures suivantes.

Take note that the first bar and the last bar are exactly the same.

Remarquez que la première et la dernière mesure sont exactement les mêmes.

If we continue to play the phrase without repeating bar one of the first phrase in the next four bar phrase, then we see that bar one of the new phrase is the same as bar two of the previous phrase. The fourth bar of phrase two is also the same as bar one of that phrase.

Si vous continuez de jouer ces 4 mesures sans répéter la première, vous remarquerez que la mesure initiale de la phrase suivante est la même que la deuxième de la phrase précédente. La quatrième mesure de la deuxième phrase est analogue à la première.

The next four bar phrase will begin with bar three of the initial phrase, and the last four bar phrase, in the overall sixteen bar phrase, is identical to the initial four bar phrase. The last bar in each of these phrases also is the same as the first bar in each phrase.

La prochaine phrase de quatre mesures commencera donc par la troisième de la phrase initiale et la dernière phrase de 4 mesures (sur les 16) sera identique à la toute première. La dernière mesure de chacune de ces phrases sera aussi la même que la première de chaque phrase.

The key to understanding this concept and being able to execute it while starting on any beat is to be able to count in 4/4 time while playing the hemiola pattern. Start by setting your metronome to 60 BPM and counting out loud in 4/4. Subdivide your counting into sixteenths. Play the rhythm over four bars on the snare drum and continue to count through those bars. Make sure to state the bar number of each bar as you count through the phrase.

La clé pour comprendre ce concept et pour arriver à l’exécuter, peu importe sur quel rythme vous commencez, est de compter les mesures de 4 temps tout en jouant le motif de l’hémiole. Passez à l’attaque en réglant votre métronome à 60 BPM et en comptant tout haut les mesures en 4 temps, puis subdivisez le temps en croches. Jouez le rythme sur la caisse claire pendant quatre mesures sans arrêter de compter. Assurez-vous de noter à voix haute sur quelle mesure vous êtes rendu lorsque vous comptez.

Once you feel comfortable with this, try starting the phrase from any sixteenth note of any bar within the four bar phrase.

Une fois que vous êtes à l’aise avec le concept, essayez de commencer la phrase à partir de n’importe quelle croche.

The next step is to play the quarter notes on one of your limbs while playing the hemiola pattern elsewhere. Start by playing quarter notes on the bass drum, count out loud, and play the hemiola pattern on the snare drum. Then play the pattern on the hi-hat with the foot while playing the quarter notes with the right hand and the bass drum. Interchange the quarter note limbs and the hemiola limbs.

L’étape suivante consiste à jouer les noires avec un de vos membres tout en jouant avec l’autre le motif de l’hémiole. Commencez par jouer les noires sur la grosse caisse en comptant tout haut, puis jouez l’hémiole sur la caisse claire. Reprenez ensuite le motif sur la Charleston avec votre pied tout en jouant les noires avec la main droite et la grosse caisse.

Intervertissez les membres qui jouent les noires avec ceux qui jouent l’hémiole.

When all of the previous exercises feel comfortable, try playing a paradiddle-diddle in thirty-second notes over the quarter notes. Keep counting out loud in sixteenths. Check out the following link: http://tinyurl.com/otmtgm8

Une fois que vous êtes à l’aise avec les exercices précédents, tentez d’exécuter un « paradiddle-diddle » pendant trente secondes sur les noires. Continuez à compter les croches. Visitez maintenant ce lien : http://tinyurl.com/otmtgm8

Take note how the lead hand outlines the hemiola pattern. You can support that lead hand with the bass drum to further emphasize the hemiola. Then try the pattern that Steve Gadd used in the song ‘Cappuccino’.

Remarquez comment la main forte souligne l’hémiole. Vous pouvez l’appuyer avec la grosse caisse afin de mettre l’hémiole en valeur. Vous êtes maintenant prêt à reproduire le motif qu’exécute Steve Gadd dans la chanson « Cappuccino ».

Using hemiola to play rhythmically over the bar line is a great way to create tension and excitement in the music without getting lost while keeping the time solid. \\

L’hémiole est une façon géniale de jouer le rythme afin de créer une tension ou une certaine excitation dans la musique sans toutefois y perdre le tempo. \\

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CHRIS LESSO

SPACE

SILENCES

“Music is the space between the notes.”

Claude Debussy

« La musique, c’est ce qu’il y a entre les notes. » Claude Debussy

Great masters as they get older and better, accomplish more with less. Drummers like John Bonham, bandleaders like Miles Davis, or painters like Picasso, all used space more and more as they progressed.

En vieillissant, les grands maîtres en font plus avec moins. Avec le temps et l’expérience, des gens comme le batteur John Bonham, le compositeur Miles Davis et le peintre Picasso ont appris à faire un meilleur usage des silences et des vides.

Within seconds of me playing for my esteemed teacher Jim Blackey at our first lesson, he could already see that he needed to take away instead of adding more. This is his genius as a teacher. He challenged me to play all his exercises at 40bpm (yes, that's not a typo)!

The impatient part of me that Buddhists call 'The Monkey Mind' was not happy about this at all. Most drummers are very energized and passionate people (go go go!) and they don't spend much time grooving slowly at 40bpm. I resisted this at first, but after I stuck with it I started to see things I hadn't noticed before, like the deep tone of the ride cymbal, or the warm resonance of the drums. The space between the notes now carried more weight and had more meaning. Jim meticulously does this to all his students, which is akin to tearing you down and building you up again. Eventually I found I was playing less, but was more fully committed to what I was playing. Bring INTENSITY (intent) to every note you play! How can we also apply this to our lives? Delete unnecessary habits, people, and clutter, and this will carry over in your music. Become a raving fan of minimalism and simplicity.

“I didn't have time to write a short letter, so I wrote a long one instead.” Blaise Pascal Anyone making music using their voice or playing wind instruments will have to leave space to breathe, where drummers could bang all day without a break! Moving any of these musical lines to the drums is a great lesson in space, and really fun. Try transcribing a saxophone, trumpet, or the spoken words of hip hop to your drums. You will find you are actually more creative when adding LESS to what you are playing. Toronto bassist Rich Brown revealed that he models many of his lines not on Jaco but on the vocal phrasings of Stevie Wonder, endowing Rich with a sound all his own. Adding space will leave room for your own personal voice to shine through. A fantastic exercise I discovered is to take any one of Thelonious Monk's piano solos, and transcribe them to the drums. His use of space was genius! My study of spoken Indian rhythms has also greatly helped my use of space in phrasing.

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De vides et de

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Dès les premières secondes de ma leçon, mon estimé professeur Jim Blackey voyait déjà qu’il devait « élaguer » mon jeu au lieu de l’étoffer. Il a d’ailleurs un don pour ça comme enseignant. Il m’a donc mis au défi de jouer tous ses exercices à 40bpm (sans blague), ce qui ne plaisait guère à mon côté impatient (ou à ce que les bouddhistes appellent « le singe » de mon esprit). La plupart des batteurs sont des gens énergiques et passionnés qui ne passent pas beaucoup de temps à jouer de leur instrument à 40bpm. Au début, j’étais récalcitrant, mais après quelque temps, j’ai commencé à remarquer des choses telles que la richesse du son de ma cymbale ride et la résonnance chaleureuse de mes tambours.

L’espace entre les notes était désormais porteur de sens et de force. Jim soumet tous ses étudiants au même traitement, ce qui a tendance à les décontenancer complètement avant de leur redonner une toute nouvelle confiance. J’ai donc fini par en faire moins, mais avec plus d’assurance. Ça m’a permis de mettre plus d’intensité et d’intention dans chacune de mes notes. Ce concept peut aussi s’appliquer à la vie de tous les jours. Cela ne va sans dire que supprimer le superflu de nos habitudes, nos possessions et nos relations ne peut que transparaître dans notre musique. Tout le monde gagne à devenir un amoureux du minimalisme et de la simplicité! « Je n’ai fait cette lettre plus longue que parce que je n’ai pas eu le loisir de la faire plus courte. » Blaise Pascal

Tous les musiciens qui utilisent leur voix ou leur souffle doivent se laisser de l’espace pour respirer, tandis que les batteurs, eux, peuvent s’acharner sur leur instrument sans relâche. Il peut être très amusant de jouer sur la batterie les partitions d’un saxophone, d’une trompette ou encore les paroles d’un chanteur hip-hop. Vous découvrirez sans aucun doute que vous êtes plus créatif lorsque vous en mettez moins. Le bassiste torontois Rich

We think the sound on our instruments is created by our sticks striking metal or wood, but it is actually how we move in the space between the notes that determines our sound.

(Read that last sentence again, it's a game changer!) This is how Elvin Jones sounds like Elvin Jones, and not anyone else. How you move is how you sound!

One valuable lesson I learned in leaving space happened unexpectedly at a recording session collaborating with a country artist. In the middle of the track I played a big fat crash cymbal, more out of reflex than anything, as we drummers tend to do. As we all listened to the playback, the producer asked me 'why did you play that crash there?' I had no good answer to give him! I learned the hard way that to serve the song better, I should have played nothing at all. We must PLAY the space! Make your audience FEEL the rest. Silence is still a note!

Record yourself next time you play with others, and think of it as a conversation. Are you just waiting for your chance to speak, talking over others, or really listening and leaving space for the bigger picture? This allows others to contribute their ideas, and we all want to be heard. Your band will love you for it! As a drummer, leaving space is all about being a servant to the music. Someone who is not confident in who they are will try to fill up all the space they can trying to impress everyone around them, both in music and in life.

Leaving space is where your best creativity comes from. We get our best ideas while sitting on a park bench, in the bath, or walking on a nature trail. Space is where your best ideas live! Have a no technology zone once a day, especially when you're practicing. Never in history has there been a time of more distraction than now! Texts, emails and social media are robbing us of our silence and space. I tend to over-schedule because I'm so passionate about what I do. One of the most challenging things has been for me to leave time for SSS: space, solitude, and silence.

Brown a d’ailleurs déjà révélé qu’il aime reproduire, non pas le jeu de Jaco, mais bien le chant de Stevie Wonder à la batterie, ce qui le dote d’un son unique. Les silences dans votre jeu laissent transparaître vos couleurs. Transposer les solos de piano de Thelonious Monk à la batterie peut être extrêmement ludique! Voilà quelqu’un qui sait mettre les silences à profit! L’étude des rythmes indiens m’a aussi beaucoup aidé à bien utiliser les silences.

Nous pensons souvent que ce sont les baguettes frappant le métal ou le bois qui créent le son à la batterie, mais c’est plutôt la façon dont nous nous déplaçons dans l’espace entre les notes (relire cette dernière phrase peut changer votre façon de voir les choses). Voilà pourquoi Elvin Jones a ce son si original qui ne ressemble à aucun autre. C’est plutôt votre façon de bouger qui détermine votre son!

J’ai appris à l’improviste une leçon précieuse lors d’une collaboration en studio avec un artiste country. En plein milieu d’une piste, j’ai donné un coup retentissant de cymbale crash, par pur réflexe, comme le font beaucoup de batteurs. Lorsque nous avons écouté l’enregistrement, le producteur m’a demandé pourquoi j’avais frappé ma crash à ce moment-là. Je n’avais rien de bon à répondre! J’ai appris à la dure que pour mieux servir la chanson, je n’aurais dû rien jouer du tout. Il faut apprendre à marquer les silences! Laissez votre auditoire s’y réfugier! Le silence fait partie intégrante de la musique!

La prochaine fois que vous jouerez avec d’autres musiciens, enregistrez-vous puis écoutez le résultat comme si vous prêtiez attention à une conversation. Est-ce que vous attendez votre tour pour parler ou est-ce que vous parlez en même temps que les autres?

Avez-vous vraiment de l’écoute et savez-vous faire respirer la conversation? Le silence invite les autres à partager leurs idées et tout le monde aime être entendu. Votre groupe vous en sera reconnaissant. À la batterie, les silences servent la musique. En art ou dans la vie, quelqu’un qui manque de confiance tentera toujours d’en faire plus pour impressionner les autres.

Become a master of space, both in your music and your life!

"Music is a lot like life. You have to put some rest in there." Victor Wooten \\

La plus belle créativité est souvent issue de moments où il y a de la place pour respirer.

Les meilleures idées nous viennent de moments de vacuité : assis sur un banc de parc, dans le bain ou en marchant en pleine nature. Les meilleures idées se trouvent en faisant le vide!

Essayez de créer un moment dans la journée où vous n’avez pas accès à la technologie, surtout lorsque vous répétez. Nous n’avons jamais été aussi sollicités par l’extérieur que maintenant! Les messages textes, courriels et médias sociaux nous volent tous nos moments de vide et de silence! J’ai moi-même tendance à trop remplir mon horaire parce que j’aime ce que je fais. Un de mes plus grands défis reste de me laisser du temps pour les trois s : silence, solitude et simplicité.

Dans la musique, comme dans la vie, vous gagnerez à maîtriser les silences. « En musique comme dans la vie, il faut des moments de repos. » traduction libre d’une citation de Victor Wooten \\

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ÉRIC BOUDREAULT

Into the drum solo universe To the question « What is a drum solo? », most of the people who don’t play a music instrument would say that it is the moment during a show when the drummer hits his drums with force while spinning his sticks accompanied by a light and smoke show.

But a solo is much more complicated than that. There are many components to playing and enjoying a solo.

First, it is important to understand that a solo is an extension of the drummer. His emotions are conveyed through the drums. For example, if he’s nervous one day, his rhythms might be faster and more staccato. If he’s on vacations, they might be more relaxed and vaporous.

À la question “qu’est-ce qu’un solo de batterie?”, la plupart des gens qui ne jouent pas d’un instrument répondraient que c’est le moment pendant un spectacle où le batteur frappe ses tambours avec force en faisant tourner ses baguettes dans un jeu de lumière et de fumée. Mais un solo est beaucoup plus compliqué que ça. Il y a plusieurs composantes qui aident à jouer et à apprécier un solo de batterie.

Premièrement, il importe de comprendre qu’un solo est une extension du batteur. Ses émotions sont véhiculées dans le solo par l’intermédiaire de la batterie. Par exemple, s’il est nerveux une journée, ses rythmes risquent d’être plus rapides et secs.

S’il est en vacances, ils seront plus décontractés et vaporeux.

In this article, I will offer many approaches and techniques to help you build your solo.

It is very important to treat your solo as a story or a dialogue. Questions and answers are determining points in helping it grow. The solo must be, in some way, a portrayal of who you are.

Dans cet article, je vous propose plusieurs approches et techniques à utiliser pour construire un solo. Il est très important de voir le solo comme une histoire ou un dialogue.

Le jeu des questions et des réponses est un des points déterminants pour faire grandir celui-ci. Le solo doit être, en quelque sorte, une représentation de vous.

The first exercise I offer you is based on a very simple rhythm of 2 or 4 measures in 4/4 on the snare drum. You have to answer that 2 measures phrase on another part of your kit, like a different cymbal or drum. This might sound childish to you, but it will open doors to your storytelling on the kit.

Le premier exercice que je vous propose est un rythme simple de 2 ou 4 mesures en 4/4 sur la caisse claire. Il s’agit de répondre à ce même rythme de 2 mesures sur une autre surface, comme une cymbale ou une autre pièce de la batterie. Cela peut vous sembler enfantin, mais ça vous permettra d’ouvrir des portes pour construire une histoire avec votre batterie.

Of course, the more rhythmic and melodic vocabulary you have, the richer your drum solo will be. To gain some vocabulary, start by learning the basic rudiments like single strokes, double strokes, paradiddles, flams, drags and buzz rolls. Play them at a metronome marking of 60 bpm. To include them in your solo, start by playing single strokes on one drum, then, play double strokes on a different drum all the while keeping beats 1-2-3-4 on the bass drum.

As a second exercise, I would suggest that you choose a song you like and try to solo over a specific part of it. Try to keep the rhythm while playing fills in a musical way. You can also sing a solo and then try to play parts of that on the set.

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Dans l’univers d’un solo de batterie

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Bien entendu, plus vous avez de vocabulaire rythmique et mélodique, plus vous allez pouvoir enrichir votre solo. Pour acquérir du vocabulaire, commencez par apprendre les rudiments de base tels que les coups simples, les coups doubles, les moulins, les flas, les drags et les roulements pressés. Vous devrez les jouer avec un métronome à la noire=60.

Afin de les incorporer au solo, commencer par jouer des coups simples sur une surface de votre choix, puis des coups doubles sur une autre surface tout en jouant de la grosse caisse sur les temps 1-2-3-4.

Comme deuxième exercice, je vous propose de jouer avec une musique que vous aimez et de choisir une section pour jouer un solo. Essayez de conserver le rythme en ajoutant des passes de façon musicale. Vous pouvez aussi chanter un solo et recréer ce chant en partie sur la batterie.

Naturally, a rock solo will be very different than a jazz one. The rock solo will probably be more expressive and interactive with the crowd, the jazz solo will be more classic and organic. Every musical style has a basic vocabulary but the core of the solo stays the same.

I would also suggest that you draw inspiration from the drummers you love and steal some ideas from them that you will adapt to your playing. Never forget to keep your identity. If you’re looking for ideas, many drummers like Buddy Rich, Terry Bozzio, Neil Peart, John Bonham, Elvin Jones, Horacio Hernandez, Dave Weckl, Billy Cobham, Simon Philipps, Steve Gadd, Vinnie Colaiuta, Dennis Chambers (just to name a few) have given us legendary solos. If you know how to read music, try to find some transcriptions of solos. You will learn new soloing vocabulary when playing them.

When playing your solo, you might have a few minutes or even only a few bars. If the later is the case, you will have to be efficient in saying what you have to say without losing your flair. You don’t have to play every note you know, you only have to play a few ones well placed and felt to make your audience vibrate. And if you don’t have any time restraints, don’t play everything in the first bar. Take the time that is given to you.

A drum solo is very subjective, some people will like it and some won’t, but always play it with passion and conviction. It is still your creation. Some drummers prefer to have a global idea of what they’ll play before they do, some prefer to have it all written down and others only play in a really spontaneous way. The important thing is to be in the present moment and in symbiosis with your kit and your musicians. If you are thinking too much about the rhythms coming your way, you’ll have a hard time feeling it and the solo might suffer.

The drums are a really interesting instrument to solo on as there are no limits. You can try different sticks to discover new sounds or add new parts to your kit (drums, cymbals, bells, etc.) or you can play various musical styles, etc.

I love playing all kinds of solos. My approach can be flashy, technical, emotional, suited to a particular style or a combination of all that. When I’m in a situation where I have to solo with a band, I try to connect with the musicians to keep the flow going. I love visualization and it sometimes helps in executing my ideas on the drums.

The drum solo universe isn’t that mysterious. You have to take the time to learn how it should be used. It will help you grow as a drummer and tell you a bit more about who you are. And don’t forget: always serve the music! \\

Bien entendu, un solo rock sera très différent d’un solo jazz. Le solo rock sera possiblement plus expressif et interactif aux yeux du public; le solo jazz, lui, sera plus classique et organique. Tous les styles musicaux ont un langage de base, mais la fondation du solo reste la même.

Je vous suggère également de vous inspirer de batteurs que vous aimez et de reprendre quelques idées que vous adapterez à votre jeu. N’oubliez pas de conserver votre identité.

Si vous cherchez des idées de solos, plusieurs batteurs tels que Buddy Rich, Terry Bozzio, Neil Peart, John Bonham, Elvin Jones, Horacio Hernandez, Dave Weckl, Billy Cobham, Simon Philipps, Steve Gadd, Vinnie Colaiuta, Dennis Chambers (pour n’en nommer que quelquesuns), nous ont donné des solos légendaires. Si vous savez lire la musique, je vous conseille de trouver quelques partitions de solos de batterie. Vous acquerrez du vocabulaire pour vos solos en les interprétant.

Pour jouer votre solo, il se peut que vous ayez quelques minutes ou seulement quelques mesures. Le cas échéant, vous devrez optimiser vos efforts pour tout dire en peu de temps, tout en restant de bon goût. Vous n’êtes pas obligé de jouer toutes les notes de musique : il ne suffit que de quelques-unes bien placées et bien senties pour faire vibrer votre auditoire.

Si vous n’avez pas de limite de temps, ne dites pas tout dans la première minute. Profitez bien de cet espace qui vous est légué.

Un solo de batterie est très subjectif : certains aimeront, d’autres pas, mais vous devez toujours le jouer avec passion et conviction. Ça reste votre création. Certains batteurs aiment avoir une idée globale de leur solo avant de le jouer, d’autres préfèrent le monter de toutes pièces et certains ne le jouent que de façon spontanée. L’important est de jouer en symbiose avec sa batterie et ses musiciens, dans le moment présent. Si vous pensez trop au rythme à venir, vous n’arriverez pas à le « ressentir » et le solo en souffrira assurément.

La batterie est un instrument vraiment intéressant pour exécuter des solos, car il n’y a aucune limite. Vous pouvez utiliser plusieurs sortes de baguettes afin de découvrir de nouveaux sons, ajouter de nouvelles surfaces à votre batterie (tambours, cymbales, cloches, etc.), jouer des solos influencés par différents styles, etc.

J’adore jouer toutes sortes de solos. Mon approche peut être soit flamboyante, technique, émotionnelle, adaptée à un style déterminé ou encore un mélange de tout ça. Quand je suis dans une situation où je dois effectuer un solo avec un groupe de musique, j’essaie de me connecter avec les musiciens pendant celui-ci afin de conserver le fil conducteur. J’adore la visualisation et ça m’aide parfois dans l’exécution de mon jeu à la batterie.

L’univers du solo de batterie n’est pas si mystérieux. Il s’agit de prendre le temps de bien en comprendre l’utilité. Il saura vous faire grandir comme batteur et déterminera un peu qui vous êtes. Mais n’oubliez pas : le plus important reste de servir la musique!!! \\

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MAX SENITT

Creating Four Way Linear Funk Grooves

Créer des grooves funk linéaires avec 4 membres indépendants

Hello and welcome to another article that I am very excited to share with you! In this lesson we will look at creating linear funk grooves using my favorite drum book, George Lawrence Stone’s “Stick Control”. If you haven’t got the book, GO AND BUY IT. There is a reason why, though written a mere 80 years ago, it is still one of the most popular drum books ever.

Dans cet article, nous aborderons les grooves funk linéaires en utilisant mon livre préféré, Stick Control de George Lawrence Stone. Si vous ne possédez pas encore cet ouvrage, courez tout de suite l’acheter.

Ce n’est pas pour rien qu’il soit encore un des livres les plus populaires sur la batterie, 80 ans après sa publication.

Now let’s talk a little bit about linear playing. This style of drumming has rightfully so earned the reputation of being extremely syncopated and complex. For this very reason, many pop oriented players have shied away studying it in fear that it won’t be applicable to music beyond the practice room. However, it doesn’t have to be this way.

Maintenant, parlons un peu du jeu linéaire. Ce style a la réputation légitime d’être extrêmement syncopé et complexe. Pour cette même raison, plusieurs musiciens populaires refusent de s’y frotter de peur de ne pas pouvoir l’utiliser ailleurs que dans le local de répétition. Mais ça ne devrait pas être ainsi.

In case you don’t know, linear drumming simply means that only one drum or cymbal is played at a time. If you take the basic drum groove of bass drum on “one and three”, snare on “two and four” and play 8th notes on the high-hat, then leave out the high-hat whenever the bass drum or snare hits and you have a linear groove!

Au cas où vous ne le sauriez pas, sur la batterie le jeu linéaire consiste tout simplement à jouer d’un instrument à la fois. Vous avez ce qu’on appelle un groove linéaire lorsque, par exemple, vous jouez de la grosse caisse sur les temps un et trois, de la caisse claire sur les temps deux et quatre, tout en ajoutant des croches sur la Charleston lorsque vous n’êtes pas en train de frapper la grosse caisse ou la caisse claire.

Without trying to sound too philosophical, I like to say that one outcome of linear playing is that it lessens the sonic density of the music. With less sounds happening at the same time, your ears and brain have less information to register. In the classic drum book “Four Way Coordination” by Marvin Dehlgren and Elliot Fine, anytime two or more limbs strike at the same time, they call it “harmonic”, whereas linear playing is labeled as “melodic”. I really like this way of thinking because it brings to mind melody, which is something singable. And they say, if you can sing it: you can play it! While it’s true that some advanced beat-boxers can vocally recreate the most amazing drum grooves, for most of us, accurately singing the sound of a drum and cymbal at the same time could prove to be rather difficult. However, attempting to “sing” any of the grooves in this lesson, or any other linear drum pattern for that matter, could be easier than you might think. Now enough talk, let’s get to work.

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En d’autres mots, je dirais que le jeu linéaire permet, entre autres, de diminuer la densité sonore musicale. En ayant moins de sons qui se produisent en même temps, vos oreilles et votre cerveau ont moins d’informations à analyser. Dans le livre classique « Four Way Coordination » de Marvin Dehlgren et Elliot Fine, chaque fois que deux membres ou plus frappent en même temps, ils qualifient le son d’« harmonique ». Lorsque le jeu est linéaire, ils parlent plutôt de son « mélodique ». J’aime beaucoup cette façon de voir les choses parce qu’il y a là une référence à la mélodie, à quelque chose qui peut être chanté.

Et si on peut le chanter, on peut le jouer! Il est vrai que certains percussionnistes vocaux chevronnés peuvent recréer les grooves les plus fous à la batterie, mais pour la plupart d’entre nous, reproduire fidèlement à la fois le son d’un tambour et d’une cymbale peut s’avérer impossible. Par contre, « chanter » n’importe quel groove de la présente leçon, ou tout autre motif linéaire à la batterie, pourrait vous paraître plus facile que vous ne l’imaginez. Maintenant, assez discuté, passons à l’action.

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THE METHOD

LA MÉTHODE

For this exercise, we will use the first 3 pages of “Stick Control”. The basic concept is to play all “R” notes with either the right hand or right foot, and all “L” notes with the left hand or left foot. Left-handed players can simply reverse the sticking. Now, since some of the most creative ideas have come from limited situations, let’s add a few more restrictions to the picture. Assuming the right foot will play the bass drum and the left foot will play the high-hat, we complete the “groove masters home base” by having the right hand play either high-hat or snare accents, and the left hand play ghost notes or accents on the snare.

To add some “grounding” let’s make sure there is a bass drum on the “ONE” of at least every other bar (thus eliminating every sticking pattern that begins with an “L”) and a backbeat or accented snare note on beat “Three” with whichever hand lands on that note.

To complete the groove, orchestrate the rest of the notes between the limbs. There is room for creativity in this. The following are ways that I have applied this concept to a few of the sticking patterns. For the sake of clarity, the number of each example pertains to the number of the exercise in the Stick Control book. Begin by cross referencing the sticking pattern in the book with how I have applied it to my system. Keeping in mind that there is more than one way to build the grooves, start to work your way through the exercise.

Pour cet exercice, nous utiliserons les 3 premières pages du livre Stick Control. Le concept de base est de jouer tous les « R » (right=droit) avec la main droite ou le pied droit et tous les « L » (left=gauche) avec la main ou le pied gauche (les gauchers peuvent inverser les membres). Maintenant, puisque les restrictions nous motivent souvent à faire preuve de créativité, ajoutons-en quelques-unes. En présumant que le pied droit joue de la grosse caisse et le gauche de la Charleston, nous allons compléter ce « groove masters home base » avec la main droite qui joue les accents sur la Charleston ou la caisse claire et la main gauche qui joue les notes fantômes ou les accents sur la caisse claire. Pour « asseoir » le tout, assurons-nous de frapper la grosse caisse sur la première note de toutes les deux mesures (en éliminant ainsi chaque motif qui commence en « L ») et un temps faible (backbeat) ou un 3e temps accentué sur la caisse claire, peu importe la main qui le décroche. Pour compléter le groove, orchestrez le reste des notes entre le reste des membres. Notez qu’il y a de la place pour la créativité. Voici donc quelques exercices inspirés du livre Stick Control.

Je leur ai d’ailleurs donné le même numéro que dans le livre pour que vous puissiez vous y retrouver. Commencez par reconnaître les exercices de base dont il s’agit, puis voyez comment je les ai adaptés. Lorsque vous les effectuerez, gardez en tête qu’il y a plus d’une façon de construire ces grooves.

At the end of the day, the goal is to play MUSIC. The idea of this lesson is to build coordination, groove, and spark some creativity at the same time. Try out my system, give it a chance but don’t limit yourself to it. If you are feeling it differently, GO FOR IT! I would love to see what you come up with.

Write out or post a video of your grooves. Until next time, let’s keep in touch! \\

Encore une fois, le but ultime est de jouer de la musique. Cette leçon sert à améliorer la coordination et le groove, tout en éveillant la créativité. Donnez-vous une chance et essayez les exercices que je vous propose, sans toutefois vous y limiter. Laissez l’inspiration vous guider. Je serais moi-même curieux de voir où ça vous mène.

Alors, n’hésitez pas à publier une vidéo de vos grooves et à garder contact! \\

Faculty of

FINE ARTS AND COMMUNICATIONS BACHELOR OF MUSIC IN JAZZ AND CONTEMPORARY POPULAR MUSIC NEXT AUDITION DATES: MAY 2 AND JUNE 13 MacEwan.ca/MusicDegree

MUSIC DIPLOMA NEXT AUDITION DATES: APRIL 25 AND JUNE 13 MacEwan.ca/MusicDiploma

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RICHARD IRWIN

Jouer la mélodie pour Jazz Drumming démystifier Demystified : le jazz à la Play the Melody batterie

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PART 3

TROISIÈME PARTIE

It’s Friday night, and you’re on stage at one of the few remaining jazz clubs in town. “1, 2…1, 2, 3, 4!” The first tune is counted off, and the evening begins. You glide through the head, catching shots, punches, and phrases effortlessly. You support the soloists with dynamics, taste and fire. Now it’s your turn – drum solo! As the band drops out, your mind flashes through every lick, fill, and pattern you’ve ever practiced, hoping that inspiration will rescue you at any moment.

Instead, the same old stuff comes out. Solo is over, head out, and on to the next tune. You ask, “What can I do to get out of this autopilot way of soloing”? The answer: play the melody!

C’est vendredi et vous êtes sur scène dans un des derniers bars jazz en ville. « 1, 2… 1, 2, 3, 4! » Le décompte annonce la première chanson et le début de la soirée. Vous vous plongez dans la musique tout en douceur en effectuant vos frappes, vos passes, et vos phrases musicales sans effort. Vous soutenez les solistes avec nuance, goût et passion. Puis vient votre tour pour effectuer un solo à la batterie! Tandis que les autres musiciens vous cèdent la place, vous restez dans votre tête au lieu de vous immerger dans le jeu en espérant qu’à tout moment l’inspiration viendra vous délivrer. Mais à la place, vous répétez les trucs que vous avez déjà faits mille fois. Le solo se termine et vous entamez la prochaine pièce. Vous vous demandez : « comment sortir du pilote automatique lorsque je fais un solo? » La réponse est simple : vous n’avez qu’à jouer la mélodie!

We’ve all heard it before: drummers should know the melody of the tune and build a solo around it. Easy enough, right? But without a complete collection of definite pitches, a la Terry Bozzio, how can you possibly play the melody on a 4-piece kit? Oddly enough, rhythm is the answer.

Nous avons tous déjà entendu dire que les batteurs devraient connaître la mélodie d’une chanson pour construire leur solo autour d’elle. Élémentaire, non? Mais sans toute une gamme de tonalités à la Terry Bozzio, comment jouer la mélodie sur une batterie de 4 morceaux? Curieusement, le rythme est votre solution.

Rhythm, combined with accents and dynamics, can create or emulate melody in an abstract but very musical way. For example - grab a set of brushes and a snare, take a wellknown standard, such as “Straight No Chaser,” and simply play the phrases with the right accents and dynamics. If you play it through 2 or 3 times to a listener who doesn’t know the tune, they’ll probably be able to sing something back that sounds similar just by the rhythmic information you’ve given them. A listener who actually does know the tune will most likely catch it after 2 or 3 bars.

Le rythme, combiné aux accents et aux nuances, peut créer ou émuler une mélodie de façon abstraite, mais très musicale. Par exemple, avec des balais et une caisse claire, vous pouvez jouer un classique comme « Straight No Chaser » en reproduisant les phrases avec les accents et les nuances aux bons endroits. Si vous la jouez deux ou trois fois à un public qui ne connaît pas la chanson, ils arriveront probablement à fredonner quelque chose qui ressemble à l’original juste avec cette information rythmique. Quelqu’un qui connaît la pièce vous la chantera après 2 ou 3 mesures.

Now, try the same thing on the rest of the drums. Since the majority of the lines start from low to high, do the same thing on the kit. Bass, floor, tom, snare, hat could be the first phrase. The important part of this phrase is that the first 4 notes are regular eighth notes, and the last one is shorter with a bit of an accent. Toms are good for quarter notes or regular

Maintenant, essayez la même chose sur le reste de la batterie. Vu que la plupart des lignes musicales passent des basses aux aigus, reproduisez ça sur la batterie. La première phrase pourrait être jouée ainsi : grosse caisse, tom basse, tom, caisse claire, Charleston.

Il importe que les 4 premières notes soient des croches régulières et que la dernière soit

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eighth notes; snare and hats are good for short notes; and a cymbal could be for longer notes. This guideline is a basic one, but it’s important to understand so you can shape the phrases properly and make them recognizable.

Now, you’re not going to play the basic melodic phrases every time you take a solo.

You could, but it may get boring after a while. What I like to do is play off of the important phrases in any given melody. Bars 3 and 4 of “Straight No Chaser” are pretty strong and will let the listener and the rest of the band know that you’re playing melodically. So, do your thing for the first 2 bars, hint at the melody for the next 2, and continue on. Drummers tend to fill up every bar of music with chops and sound. Instead, try hitting the “and” of 4 in the 5th bar, and let the cymbal ring throughout the 6th, just like the melody. Often times, pauses in drum solos grab more attention than gospel chops. (Brian Blade can make people jump out of their seats with one gigantic cymbal crash). After that, you may want to play bar 11 to wrap it all up for that chorus. This could also be a great way to let the band know when you’re finished your solo so they can come back in and play the head out.

Remember – rhythm and melody are the strongest components in music. When you put them together, you’ll have more sources of inspiration to develop phrases, your playing will have much more depth and meaning, and you’ll take the listener on a beautiful musical ride. \\

"Rich Irwin has worked with Nikki Yanofsky, Vic Vogel, Dave Liebman, Remi Bolduc, and many others.

Check out his new teaching site "DRUM CLASS" at www.virtualdrumschool.com" remo_p77-drumsetc_0615_fp-v1.pdf

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plus courte et légèrement accentuée. Les toms sont efficaces pour rendre les noires et les croches régulières; la caisse claire et la Charleston, les notes courtes; et la cymbale, les notes plus longues. Ce sont des conseils de base, mais l’idée est de moduler les phrases pour les rendre reconnaissables.

Maintenant, vous ne pourrez pas jouer les grandes phrases mélodiques à tous les coups, au risque de devenir ennuyeux. Pour ma part, j’aime jouer celles qui se démarquent le plus, comme les mesures 3 et 4 de « Straight No Chaser » : elles sauront captiver l’auditoire et faire comprendre au reste du groupe que vous restez dans la mélodie. Vous pouvez faire votre propre petite affaire pendant les deux premières mesures avant de faire un clin d’œil à la mélodie pendant les deux autres. Les batteurs ont tendance à remplir chaque espace de musique avec de la technique et du son. Essayez plutôt de frapper sur le demi-ton entre la 4e et la 5e note, puis laissez la cymbale retentir jusqu’à la 6e note comme dans la mélodie.

Souvent, les pauses dans les solos de batterie attirent plus d’attention que les gospel chops.

(Brian Blade peut faire sursauter des gens confortablement assis avec un seul coup de cymbale crash). Ensuite, vous voudrez peut-être boucler le refrain avec la mesure no 11. Ce serait une bonne façon de laisser savoir au reste du groupe que vous avez terminé votre solo et qu’ils peuvent entamer la suite.

En musique, le rythme et la mélodie sont les éléments les plus puissants. Combinez-les et vous risquez d’être davantage inspiré pour construire des phrases, de trouver davantage de sens et de profondeur à votre jeu et de transporter votre auditoire musicalement. \\ "Rich Irwin a travaillé avec Nikki Yanofsky, Vic Vogel, Dave Liebman, Remi Bolduc et plusieurs autres artistes. Visitez Drum Class, son nouveau site sur lequel il donne des leçons: www.virtualdrumschool.com

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SNARE DRUMHEAD

MATT GARSTKA ANIMALS AS LEADERS

• TWO PLIES OF 7-MIL FILM. • 7-MIL INLAY RING TO REDUCE OVERTONES. • 5-MIL CLEAR TOP CENTER DOT FOR ADDED DURABILITY. • EXCELLENT RESPONSE AND PROJECTION. • CLEAR OR COATED • SIZES: 12”, 13”, 14”

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DANIEL BÉDARD 26

THE MUSICAL DRUMMER

LE BATTEUR MUSICAL

PART 3

TROISIÈME PARTIE

In this last installment of the musical drummer series, I wanted to take a moment with you to talk about listening or more precisely, musical listening. We first talked about musical form or song structure so that you would know where you were in a particular piece. I then told you how you could play your drums and cymbals in a more musical way and the different choices you had in doing so. Now, let’s talk about your ears and how to use them.

Dans ce dernier texte de la série sur le batteur musical, je voulais prendre un moment pour vous parler d’écoute, plus précisément, d’écoute musicale.

Nous avons tout d’abord parlé de structure ainsi que de forme musicale afin que vous puissiez vous situer lorsque vous jouez une pièce. Je vous ai ensuite parlé des différents choix que vous avez lorsque vous jouez vos tambours et vos cymbales. Maintenant, parlons de vos oreilles, ainsi que de la façon de les utiliser.

LISTENING

L’ÉCOUTE

This is a very vast topic and I’m going to share with you what I know and what I think is important. Every drummer probably has his own way of listening and it doesn’t mean the same thing to everybody. For my part, I would say that to be really listening carefully to what your band mates are doing, you first have to be very comfortable playing your set.

You should be able to hit every drum without having to think about it because the second you have to think, you’re not listening anymore. You should also be able to very easily play the various rhythms you are asked to play so you can focus on, for instance, what the bass player is playing and how he phrases his notes. I find too many people get stuck in their own bubble and don’t interact with the musicians around them. Some are too much into their pedal board, some put too much attention in the way they look on stage and while all that happens, the music suffers. Since you can’t really control how other people act, I would say that you should try to have the most freedom in your playing so that you can put your focus on the music and the others on stage. Be well prepared and well-rehearsed, know the music you’re about to play inside and out and be the most comfortable you can on your set. Once these conditions are met, true music making can happen.

Ce sujet est très vaste et je vais partager avec vous mon expérience et ce qui me semble important. Chaque batteur a sa propre façon d’écouter et l’écoute musicale ne veut pas dire la même chose pour tout le monde. Pour ma part, je dirais que pour vraiment écouter ce que vos collègues jouent, il faut tout d’abord être confortable derrière votre instrument.

Vous devriez être capable de jouer vos morceaux sans avoir à y penser sinon, vous n’êtes plus à l’écoute de la musique. Vous devriez aussi savoir jouer les différents rythmes qui vous sont demandés sans effort. De cette façon, vous pourrez alors vous concentrer par exemple, sur ce que le bassiste joue, ainsi que sur le phrasé ou sur ses notes. Je trouve que beaucoup trop de gens sont pris dans leur petite réalité et oublient d’interagir avec les musiciens qui les entourent. Certains seront trop concentrés sur leurs pédales à effets, d’autres sur ce qu’ils ont l’air sur scène et pendant ce temps, la musique souffre. Comme vous ne pouvez pas n’avez aucun contrôle sur les autres, il faut d’abord trouver le plus de liberté dans votre propre jeu afin de pouvoir vous concentrer sur la musique et sur le jeu de vos collègues. Soyez bien préparés : ayez pratiqué la musique suffisamment, connaissez les morceaux que vous allez jouer de fond en comble et soyez le plus confortable possible sur votre instrument. Lorsque ces critères sont atteints, vous pouvez écouter de toutes vos oreilles.

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LISTENING TO WHAT?

ÉCOUTER QUOI?

There are a bunch of things you can listen to obviously. We, as drummers, are often told that we should listen to the bass. While this is very true, I would also encourage you to try listening to the band as a whole to figure what the audience is hearing and to have a better picture as a whole. Are you playing too loud compared to the singer? Are you not playing loud enough compared to the guitar player? You have to match your band mates and create a sonic picture that is complete, full and beautiful. But this comes with time and experience, so don’t get frustrated if you have a hard time not getting it at first. It takes a load of practice only on the drums to be able to stop thinking about every individual part you’re playing and to put your focus somewhere else while keeping the rhythm. I would strongly suggest that you record what you do and listen back to identify the flaws in your playing and in your colleagues playing as well. You might be giving a show and feeling like it’s not working for various reasons but then when you listen back to the show the day after, you might realize that it was not as bad as you expected. Listening back will help you grow. I know that I got more considerate about tempos once I started doing that. If I had counted a tempo too fast at a show before, I would be more careful at the next one. You become much more aware when you hear yourself and doing so you won’t do the same mistakes over and over.

Évidemment, il y a plusieurs choses que vous pouvez écouter. Nous, les batteurs, nous nous faisons souvent dire qu’il faut écouter la basse. Même si cela est très vrai, je vous suggère aussi d’essayer d’écouter le groupe dans son ensemble, d’essayer d’imaginer ce que le public entend afin d’avoir une image complète. Est-ce que vous jouez trop fort par rapport à la voix? Est-ce que vous manquez de volume comparativement à la guitare? Vous devez jouer de manière à compléter le groupe et à créer une image sonore complète et riche.

Pour y parvenir, soyez patient, car cet exercice requiert beaucoup de temps et d’expérience. Ça prend déjà énormément de pratique à la batterie pour ne plus penser à chacun de vos membres et à leur coordination afin de pouvoir poser votre attention sur ce qui se passe sur scène. Je recommande fortement de vous enregistrer le plus souvent possible pour pouvoir entendre vos erreurs et celles de vos collègues. En spectacle, vous pouvez avoir l’impression que, pour diverses raisons, rien ne se passe comme vous le voulez. Puis, lorsque vous vous écoutez le lendemain, vous trouvez que finalement, ce n’était pas si mal. L’écoute de vos performances vous aidera beaucoup à grandir. Dans mon cas, je suis devenu beaucoup plus sensible au tempo depuis que j’écoute mes enregistrements. Lorsque je m’aperçois que mon tempo est trop rapide lors d’une performance, je suis plus prudent au spectacle suivant. Ça permet de prendre conscience de nos erreurs et, souhaitons-le, de ne plus les répéter.

I hope that this series of articles on musical drumming will have been helpful to you and your drumming. Musicality is a very vast subject and a lot could be said about its various components. But up to now, I think the subjects discussed cover a lot of the essential and should help you explore musicianship on your set of drums. Have fun practicing and playing with your bands!\\

tama.com

J’espère que cette série d’articles vous aura été utile. La musicalité est un sujet très vaste qui aurait pu être abordé de mille et une façons. Cependant, les sujets discutés devraient vous aider à renforcer votre base et à explorer la musicalité sur votre batterie. Je vous souhaite de vous amuser autant lorsque vous répétez que lorsque vous jouez en groupe! \\

TAMA’s Silverstar series offers two super portable and compact kits, the “Metro-JAM” and the “Cocktail-JAM”.

These unique kits unlock a new world of possibilities for your drumming.

The possibilities are infinite.

Compact and Portable Kits “Metro-JAM” Kit Color: Vintage Burgundy Sparkle (VBG)

“Cocktail-JAM” Kit Color: Indigo Sparkle (ISP)

Canadian distributor / Distributeur canadien: EFKAY MUSIC | 2165, 46th Avenue, Lachine, Quebec H8T 2P1 avril

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NEW PRODUCTS NOUVEAUX PRODUITS THE POWERSTROKE® 77 SNARE DRUMHEAD FROM REMO Billy Rymer says the Powerstroke® 77 is the “tipping point for drummers seeking the ultimate balance of attack and response, with a complete range of dynamics”. Remo has built it to be a long-lasting coated snare drumhead with amazing projection, exceptionally warm tones and discrete undertones. It is available in sizes 10”, 12”, 13”, and 14”.

LA PEAU DE CAISSE CLAIRE POWERSTROKE® 77 DE REMO Billy Rymer dit de la Powerstroke® 77 qu’elle représente « le summum pour les batteurs qui recherchent l’équilibre ultime entre attaque et réaction, tout en offrant toutes les nuances possibles ». Cette peau sablée a l’avantage d’être durable et d’avoir une projection inégalée, des tonalités exceptionnellement chaleureuses et des harmoniques discrètes. Elle est offerte dans les tailles 10”, 12”, 13” et 14”.

THE POWERSTROKE® 3 BLACK DOT BASS DRUMHEAD FROM REMO Inspired by legendary drummer Steve Smith, the 5-mil bottom Black Dot of the POWERSTROKE 3 delivers rich low tones and a sharp attack. Its single 10-mil ply Mylar® with its thin underlay ring at the outer edge of the head slyly reduces undesirable overtones.

You will use it everywhere: live or in the studio. It is available in sizes 18”to 26” in both clear and coated.

LA PEAU DE GROSSE CAISSE BLACK DOT POWERSTROKE® 3 DE REMO Inspirée par le légendaire batteur Steve Smith, la peau POWERSTROKE 3, au rond central noir collé de 5 millièmes d’épaisseur, livre de riches tonalités de basse et une attaque marquée. Son simple pli Mylar® de 10 millièmes d’épaisseur avec son anneau fixé sur le cercle atténue les harmoniques indésirables. Cette peau vous suivra partout : en concert et en studio. Elle est offerte dans les tailles de 18” à 26”, avec fini transparent ou sablé. www.remo.com

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MORE RESO AND BASS DRUMHEAD CHOICES WITH EVANS Evans introduces Reso 7, a 7mil film drumhead that gives a warmer and fuller tone response all the while reducing unnecessary sustain without using extra muffling.

In order to meet the growing demand for 16” bass drumheads, Evans put out 16” Bass Drumheads for its EMAD, EQ4, EQ3-NP, and G1 Coated products. To provide drummers with converted floor toms and stock mini-bass drums, Evans also came up with a collection of their most popular heads in both bass and tom hoop versions.

PLUS DE CHOIX CHEZ EVANS POUR LES PEAUX DE RÉSONANCE ET DE GROSSE CAISSE Evans présente les Reso 7, des peaux de 7 millièmes d’épaisseur qui donne un son plus riche et plus ample tout en réduisant la longueur de note (sustain) superflue sans qu’il soit nécessaire d’ajouter des éléments assourdissants.

Afin de répondre à la demande grandissante, Evans a lancé des peaux sablées de grosse caisse de 16” pour ses séries EMAD, EQ4, EQ3-NP, et G1. Afin d’offrir aux batteurs qui jouent avec des toms de plancher converti en grosse caisse ou des grosses caisses de petite taille, Evans a aussi sorti toute une collection de peaux pour convenir à ces formats. www.daddariocanada.com

THE ROBOCUP

LA ROBOCUP

Wouldn’t you like to have your thirst quenching drink at hand at any time during the show? Or your sticks for that matter? You can now mount them securely on round or flat surfaces without any tools with this light and durable cup/bottle/microphone/drumsticks/ electrical cable holder called the Robocup. If you to have everything at hand in a tidy functional space, this is the accessory for you.

Vous aimeriez pouvoir vous hydrater à tout moment lorsque vous êtes en sueurs derrière votre batterie? Ou avoir vos baguettes de rechange à proximité et bien en vue?

Vous pouvez maintenant les mettre dans le Robocup, un récipient de plastique léger et solide qui s’attache à toutes surfaces, rondes ou plates, sans outil nécessaire. Vous pourrez y ranger vos tasses, bouteilles, microphones, baguettes, câbles électriques et autres. Si vous aimez compartimenter vos choses et travailler dans un espace bien rangé, cet accessoire pourrait devenir indispensable. www.TheRoboCup.com

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NEW PRODUCTS NOUVEAUX PRODUITS ROLAND CANADA: PRO PERFORMANCE ACOUSTIC DRUM TRIGGER FOR HYBRID DRUMMING RT-30H If you want to give hybrid drumming a try, the updated RT-30 series is a no-brainer to install. Its single-trigger RT-30H can be fastened to almost any standard drum with a metal rim with no elaborate fine-tuning needed. It automatically sets itself in the optimum position against the drumhead to give you outstanding trigger sensitivity.

RT-30H

RT-30HR The RT-30HR is used on snare drums, multiplying the possibilities with separate head and rim triggering. It also features the new self-guided mount that automatically sets the sensor in the optimum position against the drumhead with no mechanical tweaking needed in the end. Another no-brainer.

RT-30K Created specifically for use on bass drum, the RT-30K provides swift and precise triggering in a hardy easy-to-install device. Like the rest of the series, the self-guided mount makes it all easy to set up and it is, of course, compatible with the latest drum hardware.\\

DÉCLENCHEURS DE BATTERIE ACOUSTIQUE PRO PERFORMANCE DE ROLAND CANADA RT-30H Si vous voulez essayer une batterie hybride, l’installation de la nouvelle série RT-30 est un jeu d’enfant. Le déclencheur RT-30H peut être installé sur le rebord en métal sur à peu près n’importe quelle batterie standard sans aucun autre réglage de précision. Il prend automatiquement la position optimale sur la peau afin de vous donner une sensibilité exceptionnelle.

RT-30HR

RT-30HR Le déclencheur RT-30HR a été conçu pour les caisses claires et il multiplie les possibilités en captant de façon distincte les frappes sur la peau et celles sur le rebord (rim). Il possède lui aussi la nouvelle bague de raccordement qui fait en sorte que le déclencheur se positionne de façon optimale sur la peau sans aucun autre réglage de précision.

RT-30K Conçu spécialement pour les grosses caisses, le RT-30K est un déclencheur efficace, durable et précis. Comme le reste de la série, il a l’avantage d’être facile à installer et d’être compatible avec la toute dernière quincaillerie. \\ www.roland.ca RT-30K 30

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2015

AUTHENTIC © 2014 Avedis Zildjian Company

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Zildjian introduces a timeless addition to its K family.

A sound that originated with Kerope Zildjian over a century ago. Hand crafted by Zildjian artisans in small batches, Kerope cymbals look as they sound. Rich, dark, and complex. Reminiscent of cymbals from the 50s and 60s, yet distinctly modern and relevant for today’s music.

Experience the authentic K sound.

Eric Harland plays Kerope cymbals.

See Eric play the new Kerope models at: ZILDJIAN.COM/KEROPE

SOUND LEGACY

TD-25KV V-DRUMS Dynamic, Expressive Playability and Quick Customization JouabilitĂŠ dynamique et expressive, personnalisation rapide

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