Drumsetc V27N5

The magazine for canadian drummers and percussionists Le magazine des batteurs et percussionnistes canadiens

free / gratuit

october

- november / octobre - novembre 2015 vol.27 no.5

MAXIME

LALANNE

SOUND RECORDING AND MUSIC PRODUCTION TRAINING

MIXAGE MIX

MUSIQUE MUSIC

SONORISATION LIVE

VIDÉO VIDEO

JEUX

GAMING

UN S N E I V E D O I D U A ’ L E D PRO

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Sortie Place Dupuis Exit

The magazine for canadian drummers and percussionists Le magazine des batteurs et percussionnistes canadiens

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maxime lalanne FRANCK CAMUS

10 DANIEL BÉDARD

20 STÉPHANE CHAMBERLAND

The drum stroke mechanics

Expanding the snare drum sounds

Les méchaniques de la frappe

Les multiples sons de la caisse claire

12 JEFF SALEM Filling up the basement, part 1 Meubler le sous-sol, 1re partie

22 ÉRIC BOUDREAULT Choosing the best for your ears Faire le meilleur choix pour vos oreilles

14 AUBREY DALE Transcribe

24 MAX SENITT

Transposer

The table, chairs and kitchen sink of time! Part 2

18 CHRIS LESSO

La table du temps, 2e partie

Drumming for kids: the 5 standards La batterie pour les enfants: les 5 règles à suivre

26 New products Nouveaux produits

Volume 27, No.5 October – November 2015 octobre – novembre 2015 Editor in Chief / Rédacteur en chef Franck Camus - franck@drumsetc.ca Assistant Editor /Assistante à la rédaction Geneviève Hébert - franck@drumsetc.ca Contributing Writers / Collaborateurs Daniel Bédard, Éric Boudreault, Stéphane Chamberland, Aubrey Dale, Chris Lesso, Jeff Salem, Max Senitt.

Translation / Traduction Daniel Bédard, Geneviève Hébert

Layout / Mise en page Karine Wolfe - wolfe.karine@gmail.com Cover Photos / Photos de la couverture Eric Crombez www.crombezphotographe.com Advertising / Publicité Ralph Angelillo ralph@drumsetc.ca Jeff Knowles (514) 830-3555 / jeff@drumsetc.ca Publisher / Éditeur Serge Gamache Printer / Imprimeur Impart Litho

Drums Etc is published 6 times per year and distributed across Canada, in drum shops, schools, rehearsal spaces, etc. 380 distribution points (circulation certified by Canada Post).

Drums Etc est publié 6 fois l’an, et est distribué partout au Canada dans les écoles et chez les détaillants de batteries et percussions, dans les studios de répétition, etc. 380 points de distribution (circulation certifiée par Postes Canada).

Publication Mail Agreement No 40009235 / Poste-Publication Convention No 40009235

Return Address / Adresse de retour: DRUMS ETC, 753 rue Ste-Hélène, Longueuil (QC) J4K 3R5 Canada Fax: (450) 670-8683 © Copyright 2015 Le texte Gestion du stress et concentration dans le dernier numéro est paru sans être passé sous la loupe de l’équipe de rédaction.

Nous nous excusons pour les fautes que cela aurait pu occasionner. Nous avons également omis de mentionner que le texte a été traduit du français à l’anglais par (Daniel Bédard).

Toutes nos excuses. octobre - novembre 2015 3

EDITO

A fresh point of view Have you ever heard that a band can only be as good as its drummer? Obviously, this is a bit exaggerated: the other band members are just as important. But people say that because drummers are in charge of the tempo and without good tempo, even the best guitarist or keyboard player may have a hard time to play. When drummers can’t make it to the rehearsal, it can be dissuasive for the other musicians. It does put pressure on us, but it also makes us essential like a conductor who makes sure that everything flows nicely between the different members of the orchestra. So here is my question.

Why is it that at a concert we are always in the back of the stage facing our bandmates’ back instead of the crowd?

Couldn’t we be side by side with the other musicians so that we could benefit from the audience’s energy, be part of the scene and have a closer interaction with the crowd? Am I the only one who thinks that we are left out to rot in the back and that it doesn’t make much sense? When rehearsing, musicians usually face the drummer forming a natural circle around him.

Isn’t it much more inclusive that way?

We say that, for the music to groove like it should, musicians should follow the drummer. But we’re always at the back of the stage! There’s an interesting dichotomy here (and on top of that, we are quite often sitting down while the other musicians stand before us). We have to lead but we are left behind. Have you ever tried setting up your drums frontstage? I did it a few times and enjoyed the experience enough to now give myself a fresh point of view. Who says drummers should be left behind anyway? Don’t be afraid to take your stance just like Maxime Lalanne in this issue. That guy is a real blast to watch frontstage! Enjoy!

Bousculer les conventions Avez-vous déjà entendu dire : « la valeur d’un groupe de musique se mesure à la valeur de son batteur »? Évidemment, c’est un peu exagéré. Les autres musiciens sont tout aussi importants. Il n’empêche qu’on dit ça parce que nous sommes, entre autres, les gardiens du tempo et que sans le bon tempo, même le meilleur guitariste risque de perdre le cap. D’ailleurs, lorsque le batteur est absent pour une répétition, il arrive souvent que les autres musiciens annulent carrément la rencontre. Ça nous met de la pression, mais en même temps, ça nous rend indispensables comme un chef d’orchestre qui assure la coordination entre les musiciens. De là ma question…

Pourquoi donc, en concert, devrions-nous toujours être derrière nos musiciens au lieu d’être à leur côté? En avant, nous pourrions profiter davantage de l’énergie de la foule tout en ayant une approche visuelle et une meilleure interaction avec eux. Suis-je le seul à avoir l’impression de croupir derrière? À penser que cette configuration archaïque ne fait pas forcément de sens? En répétition, tous les musiciens se tournent vers le batteur en faisant naturellement un arc de cercle autour de lui.

Ce qui est pas mal plus sympathique, non?

On dit toujours que pour que ça fonctionne musicalement dans un groupe, il faut suivre le batteur. Ce dernier est pourtant presque toujours physiquement placé derrière. Il y a là une dichotomie intéressante à souligner (d’autant plus que le plus souvent, nous sommes assis derrière tandis que les autres sont debout devant). Comment donc prendre la place du leader, tout en restant derrière? Avez-vous déjà placé votre batterie devant? Je l’ai fait à quelques reprises et j’ai tellement aimé l’expérience que je bouscule maintenant les conventions. Si je peux, je joue maintenant en première ligne, avec mes musiciens. D’ailleurs, dans ce numéro, vous remarquerez que Maxime Lalanne est également à l’avant-plan parce qu’il est une bête de scène à lui tout seul!

Franck Camus Editor in chief Rédacteur en chef

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CANADIAN MUSIC WEEK 2016 TORONTO, ON MAY 4-14 / 4 AU 14 MAI 2016

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profil

HI MAXIME! YOU’RE ON EVERYBODY’S LIPS NOWADAYS BUT IT TURNS OUT THAT WE DON’T KNOW MUCH ABOUT YOU. COULD YOU TELL US ABOUT YOUR MUSICAL JOURNEY? I started drumming when I was 12 years old and in my second year of high school. In the music program, there was only one drum kit and everybody wanted to be the drummer in the band. I did a good job at preparing myself for the audition and I was lucky enough to be the chosen one! But really, they were kind of stuck with me since everybody had changed their minds and played other instruments (laughter). I wasn’t very good at first, but I was only beginning. I played drums through my high school years and at the end, I started taking lessons with drummer Claude Lalonde. At the same time, I was also playing live, backing up the various artists that we had in school. I remember playing those shows with my Westbury set (lol). Slowly but surely, I started getting a lot of gigs, mostly for cover bands. The desire to play music and to pursue my studies in that direction was growing but since I had really good grades in school, my parents thought I should be a doctor, a lawyer or something like that. So I went to college in St-Hyacinthe and studied pure and applied sciences. But it was soon clear to me that this was not what I wanted to do so instead, I went to the a college in Drummondville in 1998 to study with Paul Brochu, Pierre Pilon and Camil Bélisle, then taking a short break to play in a gig in Singapour during the summer and fall of ’99. When I came back in 2000, I taught drums a bit and then studied at college St-Laurent with Philippe Keyser. I finished my diploma there to then go study at Université de Montréal with Gilbert Fradette for two semesters and then went to UQAM for 3 semesters to study with Pierre Hébert. When I got the call for the Marie-Mai gig, I decided to put my studies on hold and to dive deep into the professional gigging life.

SINCE YOU’RE TALKING ABOUT THE MARIE-MAI GIG, COULD YOU TELL US WHEN YOU STARTED WORKING WITH HER? I’ve been playing with Marie since 2005. People have known me mostly for this gig since when we tour, it’s pretty huge: 127 shows on the last tour (Miroir) including Bell Center 7 times and Colisée Pepsi 2 times. This has definitely given me a lot of visibility.

WHAT DID YOU LEARN FROM THIS EXPERIENCE DRUMMING WISE? When playing with Marie-Mai, it’s 100% drive, feeling and emotions. With nuances obviously, but we give it all. I’m a fan of the “we are here to win” and “play like there’s no tomorrow” philosophies. Marie-Mai is a solid performer so I try to give her as much as she gives us. Musically speaking, we have a lot of freedom so I try to add my personal touch to the mix. That being said, I stay pretty close to the songs and drum parts. I see that as being respectful to the artist and to the songwriter as to not misinterpret their songs, unless they ask me otherwise obviously.

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BONJOUR MAXIME, TU ES UN BATTEUR TRÈS EN VUE DEPUIS DÉJÀ QUELQUE TEMPS, MAIS FINALEMENT ON SAIT TRÈS PEU DE CHOSES SUR TOI. PEUX-TU NOUS PARLER UN PEU DE TON PARCOURS? J’ai commencé la batterie à 12 ans, en 2e secondaire. À l’école, en option musique, il n’y avait qu’une seule batterie et plusieurs voulaient le « poste » dans l’orchestre. Je me suis donc bien préparé pour l’audition et j’ai finalement été choisi! Par défaut puisque les autres avaient tous changé d’idée finalement (rires). Disons que je n’étais pas terrible, mais bon, c’était le commencement. J’ai joué de la batterie tout au long de mon secondaire et la dernière année, j’ai décidé de suivre des cours particuliers avec Claude Lalonde. En même temps, j’ai commencé à faire des concerts avec des artistes de l’école. Je me souviens, c’était avec mon Westbury. Lentement, mais sûrement, les contrats ont fait boule de neige, surtout avec des groupes de reprises. Le désir de faire de la musique et de poursuivre mes études dans cette veine grandissait, mais comme j’ai fini le secondaire avec une très bonne moyenne académique, mes parents me voyaient plus comme médecin, avocat ou quelque emploi du genre. J’ai donc entrepris des études en sciences pures au cégep de St-Hyacinthe.

Voyant rapidement que ce n’était pas ça que je voulais faire, je suis finalement allé étudier au cégep de Drummondville en 98 avec Paul Brochu, Pierre Pilon et Camil Belisle, prenant une pause scolaire pour un contrat à Singapour à l’automne 99. En revenant, j’ai enseigné, puis en 2000, je suis allé étudier à Montréal, au cégep St-Laurent, avec Philippe Keyser. J’ai fini mon cursus, puis j’ai été admis à l’Université de Montréal avec Gilbert Fradette pour 2 semestres, puis je suis allé à l’UQAM avec Pierre Hébert pour 3 semestres. Quand j’ai reçu l’appel pour la tournée de Marie-Mai, j’ai décidé de prendre une petite pause de l’école et de plonger à 100 % dans le monde « professionnel ».

EN PARLANT DE MARIE-MAI, DEPUIS COMBIEN DE TEMPS JOUES-TU AVEC ELLE? Je joue avec Marie-Mai depuis 2005. Les gens me connaissent surtout pour ça, car les tournées sont magistrales : 127 spectacles un peu partout pour la dernière tournée (Miroir), incluant le Centre Bell 7 fois et le Colisée Pepsi de Québec 2 fois. Ça me donne de la visibilité, c’est certain!

DU POINT DE VUE DE LA BATTERIE, QU’EST-CE QUE ÇA T’APPORTE DE JOUER AVEC UNE ARTISTE COMME MARIE-MAI? Avec Marie-Mai, c’est du 100 % énergie, instinct et émotions. Il y a des nuances bien sûr, mais pas de demi-mesure. Je suis un adepte des philosophies « on y va pour gagner », ou « il faut jouer comme si demain n’existait pas ». Marie-Mai se donne beaucoup sur scène, alors j’y vais dans ce sens aussi. Côté musical, nous avons beaucoup de liberté, alors j’apporte ma petite touche personnelle. Par contre, je reste fidèle aux chansons et aux grooves de batterie. Ne pas dénaturer les chansons, je vois ça comme une marque de respect pour l’artiste et pour le créateur des œuvres, sauf si la commande artistique est autre, bien entendu. octobre

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YOU ARE PLAYING QUITE A LOT, COULD YOU TELL US WHO YOU HAD THE CHANCE TO PLAY WITH? Life has been good to me, I’ve been lucky to play with a lot of different artists like Marc Dupré, Dany Bédar, Les BB, Mixmania 2,3 and 4, Diane Tell, Garou, Dan Bigras, Andrée Watters, Paule Magnan, Mélissa Ouimet, Anik St-Pierre, Ileana, Clifton David Broadbridge, Goodbye Florida, A Taste Of Honey, Mange L’Ours Mange, etc.

And I also subbed for some drummer friends of mine with Annie Villeneuve, Kaïn, Kevin Parent, Jonathan Painchaud, Lynda Thalie, Florence K, Boom Desjardins, Bodh’Aktan, the Mountain Daisies, the television show “Belle & Bum”, Grégory Charles, Nanette Workman, Wilfrid Le Bouthillier, William Deslauriers, Sophie Pelletier, etc.

HOW CAN YOU PLAY WITH THAT MANY PEOPLE WITHOUT GETTING COMPLETELY BURNED OUT? Do you really want an honest answer? I must admit that right now, I am a bit tired. I’ve had a very busy summer (which I am grateful for) playing live gigs and doing some session work. I’ve been on the road a lot going to every festival. All that traveling wears you out after a while. But since I am not into drugs or alcohol, it must help me maintain good health somehow.

I had to learn a lot of new shows this summer, almost every week. And since I like the work to be done well and as it should be, I do a lot of preparation. It eliminates a lot of stress, so I’m a bit maniac about it.

HOW DO YOU PREPARE YOURSELF? It’s very simple, I just learn the songs the best I can. I go through the whole repertoire with the charts that are sent to me or with the ones I write while listening to the music.

Preparation is crucial to me, because you can’t rely on your talent alone. It’s not only about talent. I’ve seen a lot of very talented musicians play badly due to a lack of preparation.

Reading music is very important to me. It saves a lot of time and helps me to keep a huge repertoire of songs ready to play over a long period of time. I don’t have to listen to the same song 36 times to learn it by heart, and I don’t have to relearn a whole repertoire after not playing it for months or years. Reading music is a very important skill to have in your toolbox. I don’t know how I could work full time like I do without this important skill.

YOU ARE PLAYING WITH A LOT OF WELL-KNOWN ACTS BUT ALSO WITH MORE “UNDERGROUND” ARTISTS. SOME PEOPLE WOULD BE SATISFIED JUST PLAYING THE BIG GIGS. WHAT DO YOU GET OUT OF PLAYING WITH BANDS LIKE MANGE L’OURS MANGE, A TASTE OF HONEY, ILEANA OR GOODBYE FLORIDA? Those are all original bands with whom I like to invest time and have a lot of fun doing so. Sometimes I’ll be involved in the creative process right from the beginning. I enjoy exploring and having musical freedom. Music is my main boss and I like to serve the song.

I love playing and I love music so I have as much pleasure with these lesser known acts.

Playing with good friends and musicians is always fun.

YOU PUT A LOT OF ENERGY IN YOUR PLAYING WHICH MAKES YOUR INTERPRETATION OF POP SONGS MUCH MORE INTERESTING AND DIFFERENT THAN WHAT WE EXPECT. HOW DO YOU DIFFERENTIATE POP FROM ROCK DRUMMING?

SINCE YOU ARE VERY INVOLVED ON THE MUSIC SCENE WITH YOUR VARIOUS PROJECTS, HOW DO SEE THE MUSICAL INDUSTRY? With the state of the present musical industry, you have to be a very polyvalent musician to make it. The broad knowledge, the different musical styles, the know-how to make your drums sound just as good in different environments, the knowledge of other instruments, every little plus is important. You have to adapt yourself to every artist depending on what they’re looking for. I try to offer a large musical palette to every artist I work with. I am also convinced that they need to feel understood. You have to make the songs come alive, to play them in a heartfelt way and respectful way. I much prefer putting my emotions to a song than putting only my head to it or my technique.

I KNOW YOU ARE A GEAR FREAK. CAN YOU TELL US WHY YOU CHOSE YAMAHA DRUMS?

DO YOU CONSIDER YOURSELF TO BE MORE OF A STUDIO OR A LIVE DRUMMER?

Yamaha drums offer products that are exceptional in a lot of ways. First, the sound. You just have to play a Yamaha kit to understand. They have very versatile kits that sound good in several range of tuning with every possible combination of heads (I use Remo heads exclusively). I always get good comments on my drum sound from soundmen. Next, the quality of the instruments and hardware. Yamaha drums were created for performing on the road night after night without fail. It’s top quality at every level. On top of that, Yamaha offers a wide range of series, which can provide you with various sounds and tones. And I must admit that I love them all! I also want to add that the service they offer is flawless.

It’s really great to have people listen to you and your various needs. Sean, Gene, Mark and Steve, thanks a lot!

Both! Even though I get a lot of exposure through my live gigs, I also do a lot of session work. This past summer, I recorded 4 albums with 4 very different artists: Dany Bédar, Steve Veilleux (Kaïn singer), Mélissa Ouimet and Anik St-Pierre. I love to invest myself musically

I also want to add that, as a gear freak, I only play what’s best and I choose Paiste cymbals, Remo heads and Innovative Percussion sticks. If you are using those products too, you know what I’m talking about! \\

Pop or rock, it’s pretty much all the same to me. I like when music has a cutting edge and when my drums sound the best they can. But I always stick to what the artist wants.

I always ask what they are looking for in terms of drive and volume. I definitely am more emotional than cerebral, so I try to keep my emotions under control even though I like to be intense. I give all to every song I play.

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and emotionally in a song and create custom made drum parts. From the parts I play to the sounds and tones I put on the musical pieces. I like to keep in mind that I am here to serve the song and not my performing musician ego.

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PUISQUE TU FAIS BEAUCOUP DE TOURNÉES, PEUX-TU NOUS PARLER DES ARTISTES QUE TU ACCOMPAGNES? Disons que la vie est bonne avec moi! J’ai eu la chance d’accompagner (ou d’avoir accompagné) plusieurs artistes tels que Marc Dupré, Dany Bédar, Les BB, Mixmania 2, 3 et 4, Diane Tell, Garou, Dan Bigras, Andrée Watters, Paule Magnan, Mélissa Ouimet, Anik St-Pierre, Ileana, Clifton David Broadbridge, Goodbye Florida, A Taste Of Honey, Mange l’ours mange…

J’ai aussi remplacé des confrères-batteurs pour Annie Villeneuve, Kaïn, Kevin Parent, Jonathan Painchaud, Lynda Thalie, Florence K, Boom Desjardins, Bodh’aktan, les Mountain Daisies, l’émission télévisée Belle et Bum, Grégory Charles, Nanette Workman, Wilfred Le Bouthillier, William Deslauriers, Sophie Pelletier, etc.

COMMENT FAIS-TU POUR NE PAS TE BRÛLER EN ACCOMPAGNANT AUTANT DE MONDE? Tu veux vraiment que je te réponde? Je dois avouer qu’en ce moment, je suis un peu brûlé! J’ai eu un été extrêmement chargé (chanceux, je suis!), mélangeant le live et les séances en studio. Évidemment, en allant d’un festival à l’autre, j’ai parcouru beaucoup de kilomètres. Ça finit par vous rentrer dans le corps! Par contre, comme je ne prends pas de drogue ni d’alcool, ça doit aider un peu à maintenir une santé quelconque!

J’ai appris la musique pour plusieurs spectacles cet été, un peu à chaque semaine.

Comme j’aime le travail bien fait et sans bavure, je me prépare adéquatement pour chaque spectacle. En plus, ça élimine une bonne partie du stress. Je suis un maniaque de la préparation!

TU FAIS QUOI POUR TE PRÉPARER? J’apprends les chansons le mieux possible, tout simplement. Que ce soit à l’aide de partitions que je reçois ou avec celles que j’écris en écoutant les pièces, j’aime parcourir le répertoire en l’écoutant et en le jouant. Cette étape de préparation est primordiale, car on ne peut pas uniquement se fier à son talent. Le talent, ce n’est pas tout. J’ai vu plusieurs musiciens avec un talent incroyable donner un rendement plus qu’ordinaire, faute de préparation…

Lire la musique est pour moi fondamental. Ça me permet de gagner bien du temps et de maintenir un vaste répertoire pendant longtemps. Je n’ai pas à écouter chaque chanson 36 fois pour l’apprendre par cœur et je n’ai pas à tout retravailler le répertoire quand je rejoue un spectacle des mois (ou même des années) plus tard. En tant que musicien, la lecture musicale est un excellent outil à avoir dans son arsenal. Je ne sais pas comment je pourrais fonctionner à plein régime sans cet outil!

TU JOUES AVEC DE GRANDES POINTURES, MAIS AUSSI DANS DES PROJETS PLUS MARGINAUX, ALORS QUE D’AUTRES SE SATISFERAIENT DE PRENDRE QUE LES GROS CONTRATS. QU’EST-CE QUE ÇA T’APPORTE DE JOUER AVEC DES FORMATIONS TELLES QUE MANGE L’OURS MANGE, A TASTE OF HONEY, ILEANA OU GOODBYE FLORIDA? Ce sont tous des projets originaux dans lesquels je m’investis et je m’amuse. Participant parfois à la création dès le départ, je peux explorer davantage, ou encore jouir d’une plus grande liberté d’expression musicale. Mon boss reste ultimement la musique, alors je joue toujours pour la chanson. J’aime jouer, j’aime la musique, alors j’ai autant de plaisir à jouer avec des formations moins « grand public ». Et jouer avec des amis, des bons chums, c’est toujours très agréable!

TU METS BEAUCOUP D’ÉNERGIE DANS TON JEU, CE QUI REND TON INTERPRÉTATION DE LA POP INTÉRESSANTE ET ASSEZ DIFFÉRENTE DE L’IDÉE QUE L’ON S’EN FAIT. QUELLE DIFFÉRENCE FAIS-TU AVEC LE ROCK? Pop et rock, c’est un peu la même famille pour moi. J’aime quand il y a du mordant et que ma batterie est utilisée de façon optimale. Par contre, je me cale à l’artiste. Je lui demande ce qu’il veut comme interprétation, comme énergie, comme volume général.

Je suis assurément un batteur plus émotif que cérébral, alors j’essaie de garder un bon contrôle de mes émotions, mais j’aime mettre une touche plutôt « intense ». Je m’engage à fond dans chacune des chansons.

EST-CE QUE TU TE CONSIDÈRES PLUS COMME UN BATTEUR LIVE OU DE STUDIO? Les deux! Même si on me voit souvent en concert, je fais aussi beaucoup de studio. Juste cet été, j’ai enregistré 5 albums pour 5 artistes bien différents : Dany Bédar, Steve Veilleux (chanteur de Kaïn, projet solo), Mélissa Ouimet, Anik St-Pierre et The Matchless. J’adore m’investir musicalement et émotionnellement dans une chanson et créer du sur-mesure pour chaque pièce musicale. Tant au niveau de ce que je joue qu’au niveau du son et du ton utilisés. En ayant toujours en tête que je suis ultimement au service de la chanson (et non au service de mon égo de musicien).

AVEC TOUT CE QUE TU FAIS ET AVEC TON IMPLICATION DANS TOUTES SORTES DE PROJETS, COMMENT VOIS-TU L’INDUSTRIE MUSICALE? Dans l’industrie musicale actuelle, il faut être polyvalent dans tout. Les connaissances, les styles musicaux, le son et l’adaptation de son instrument dans des environnements différents, les instruments multiples, etc. Il faut personnaliser son approche selon chaque artiste, selon ce qu’il désire. J’essaie d’offrir la plus grande palette d’émotions possible et j’ai la conviction que les artistes aiment que l’on soit à l’écoute. Faire vivre les chansons, les jouer de façon sentie, les jouer de façon juste. Je préfère de loin la performance dans l’émotion plutôt que la performance technique et cérébrale.

JE SAIS QUE TU ES UN MANIAQUE D’ÉQUIPEMENT. PEUX-TU NOUS DIRE POURQUOI TU AS CHOISI YAMAHA? Les produits Yamaha sont vraiment exceptionnels, et ce, sur plusieurs points. Primo, le son. Il suffit de jouer sur une batterie Yamaha pour comprendre. Les kits sont très polyvalents, offrant une excellente résonance peu importe l’accordage, avec toutes les combinaisons possibles de peaux (j’utilise exclusivement du Remo). J’ai toujours de bons commentaires de la part des techniciens sur le son de mes batteries.

Secondo, la qualité des instruments et de la quincaillerie. C’est pensé et construit pour donner une bonne performance soir après soir en tournée. C’est de la qualité supérieure à tous les niveaux. De plus, Yamaha offre plusieurs séries différentes de batteries, ce qui donne un vaste choix de sons et de tons. Et je dois avouer que je les aime toutes! Je tiens aussi à souligner que le service chez Yamaha est vraiment impeccable. C’est très agréable d’avoir des gens à l’écoute de nos besoins. Sean, Gene, Mark, Steve, merci beaucoup!

J’aimerais aussi souligner qu’en tant que maniaque de gear, je choisis ce qu’il y a de mieux et je joue avec les cymbales Paiste, les peaux Remo et les baguettes Innovative Percussion. Si vous utilisez ces produits, vous me comprenez assurément! \\ — Franck Camus

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DANIEL BÉDARD

THE DRUM STROKE MECHANICS For as long as I can remember, I’ve always been amazed by drummers with great technique and fluidity. Some guys show such ease on their instruments, they seem to be floating and dancing on the kit. Seeing drummers like Buddy Rich, Vinnie Colaiuta, Dave Weckl, Keith Carlock and others perform made me think of ways to get rid of tension and add gracefulness to my strokes. This quest brought me mainly to two different techniques that I will discuss with you here.

THE FREE STROKE

THE MOELLER STROKE

I first became aware of the Free Stroke through Dom Famularo’s book, “It’s Your Move”. I strongly suggest this book to every drummer that is interested in getting better hand play.

Dom explains that he learned this technique from Joe Morello who himself learned it from George Lawrence Stone (the author of “Stick Control” and “Accents and Rebounds”). This technique revolves around wrist action and asks that you use the rebound of the stick to bring your hand back to its original position. Instead of consciously bringing the stick up after a stroke, you let the rebound do the work for you, with no effort. Think of a bouncing ball. You don’t have to bring the ball up from the ground every time you throw it; the rebound does the work for you. That’s exactly what this is about. The stick should come back exactly where it started, at the exact same height and position. And it should be effortless, without any tension: you just have to hit the pad with the stick before it comes back in place. It will sure take some effort at first to get rid of tension and unnecessary motions.

A lot of drummers think that in order to be tight, you need a tight grip. It’s exactly the opposite. In my case, the more I practice these motions, the less I tend to grip the stick.

Instead of gripping, I just follow where it wants to go. Try using a mirror when practicing these strokes as it will be easier to see if your stick comes back exactly where it started and if you do any unnecessary motions.

The Moeller Stroke is a technique that came to everybody’s attention through the teaching of the legendary Jim Chapin. Jim learned this technique from Sanford Moeller who himself documented it after watching the civil war drummers who had developed a very powerful stroke out of a whipping motion. The basic stroke involves a whipping like motion of the arm in which you have to lift your elbow and bend your wrist down all the while staying very loose. Imagining the tip of your stick is really heavy will help you keep your wrist down. Then, by bringing back the elbow to your ribs in a fast motion, your wrist will flip back up to hit the pad with a lot of power. It’s really the same motion as if you were whipping something and can also feel like throwing a baseball. This is the basic Moeller stroke and it has to be practiced slowly at first in order for it to become natural. It should help you gain a lot of power out of your strokes using only the natural momentum of the whipping action instead of your muscles. This is what Dom Famularo calls a “Full Moeller” and I think it’s a good way to start as the motion is big and easier to understand than smaller motions of the Moeller variations, which won’t be discussed here for lack of space.

You can watch this clip in which I explain the free stroke: www.youtube.com/watch?v=Y9cegLXOCX8

I understand that these strokes are difficult to get through to people in words. I think you should really go on YouTube (I wish it existed back when I started!) and check out video demonstrations of the Free Stroke by Dom and myself. For the Moeller Stroke, you can check out videos by Jim Chapin, Jojo Mayer and Claus Hessler, among others. Also check out Jim Chapin’s DVD entitled “Speed, Power, Control, Endurance”. It presents a lot of amazing demonstrations performed by a true master of drumming techniques. \\ For more information on these strokes, please get in touch with me through my website at: www.danielbedarddrums.com/en

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LES MÉCANIQUES DE LA FRAPPE J’ai toujours été intéressé par les batteurs démontrant une belle technique et une grande fluidité. Certains de ces batteurs sont tellement habiles sur leur instrument qu’on pourrait croire qu’il danse et flotte derrière leur batterie. En voyant des batteurs comme Buddy Rich, Vinnie Colaiuta, Dave Weckl, Keith Carlock et beaucoup d’autres, ça m’a fait réfléchir aux façons de développer une technique élégante sans aucune tension. Cette recherche m’a amené vers deux techniques que je vais partager avec vous ici.

LE « FREE STROKE »

LA TECHNIQUE MOELLER

J’ai découvert le free stroke grâce au livre de Dom Famularo, It’s Your Move. Je recommande à tout batteur qui souhaite avoir un meilleur jeu de mains d’aller s’en procurer un exemplaire. Dom explique qu’il a appris cette technique de Joe Morello qui l’a lui-même apprise de George Lawrence Stone (l’auteur de Stick Control et Accents and Rebounds).

Cette technique utilise le poignet et demande qu’on laisse le rebond faire le travail pour que la main retourne dans sa position originale de frappe. Au lieu de ramener manuellement votre baguette dans sa position originale, vous laissez le rebond le faire pour vous, coupant ainsi de moitié l’effort déployé. Pensez à une balle que l’on fait rebondir. Elle revient d’ellemême vers vous pour que vous l’attrapiez. Le rebond fait le travail. Et c’est exactement ce qu’il faut faire. La baguette devrait revenir exactement à l’endroit d’où elle est partie, à la même position et à la même hauteur. Le tout sans effort ni tension. Vous n’avez qu’à frapper la baguette sur la peau de votre tambour pour qu’elle revienne dans sa position initiale naturellement. Bien sûr, il faudra travailler un peu au départ afin de placer votre main correctement et vous débarrassez de la tension et des mouvements inutiles. Certaines personnes pensent que pour avoir un jeu précis, il faut être rigide dans sa prise de baguette.

C’est exactement le contraire. Dans mon cas, plus je pratique ces mouvements, moins j’ai à tenir ma baguette, je ne fais que suivre le mouvement naturel de la baguette. Si vous le pouvez, utilisez un miroir lorsque vous pratiquez cette technique afin de voir si votre baguette revient à son point de départ et si vous faites des mouvements inutiles.

La technique Moeller est devenue très populaire grâce à l’enseignement du légendaire Jim Chapin. Jim a appris cette technique avec Sanford Moeller qui avait lui-même documenté cette approche après avoir remarqué que les batteurs de la guerre civile américaine avaient développé une frappe très puissante qui utilisait un mouvement de fouet du bras. La frappe de base incorpore un mouvement de fouet où nous devons lever le coude et par le fait même, plier le poignet vers le bas, tout en restant très détendus. Essayez d’imaginer que le bout de votre baguette est très lourd, ce qui vous aidera à laisser le poignet plié vers le bas.

Ensuite, ramener votre coude vers vos côtes rapidement ce qui ramènera votre poignet vers le haut et fera en sorte que votre baguette ira frapper la peau avec beaucoup de puissance.

C’est le même mouvement que lorsqu’on donne un coup de fouet, mais ça peut aussi ressembler un peu au lancer d’une balle de baseball.

Vous pouvez regarder cette vidéo où j’explique cette technique : www.youtube.com/watch?v=Y9cegLXOCX8

Je suis conscient que ces frappes peuvent être difficiles à cerner lorsqu’elles sont uniquement décrites par des mots. Mais n’hésitez pas à aller sur YouTube (j’aurais aimé avoir y accès quand j’ai commencé) et à chercher des exemples audiovisuels du Free Stroke par Dom Famularo et moi-même. Pour la technique Moeller, allez voir des vidéos de Jim Chapin, Jojo Mayer, Claus Hessler, entre autres. Visionnez aussi la vidéo de Jim Chapin intitulée Speed, Power, Control, Endurance qui regorge d’excellentes démonstrations faites par ce grand maître de la technique à la batterie. \\

La technique Moeller de base doit être pratiquée lentement et tranquillement pour que le mouvement devienne naturel. Cette frappe vous aidera à gagner en puissance en utilisant l’élan généré par le mouvement de fouet plutôt que la force musculaire. C’est ce que Dom Famularo appelle le Full Moeller et je crois que c’est une bonne façon de découvrir cette frappe. Le mouvement est large et plus facile à comprendre et à visualiser contrairement aux plus petits mouvements des techniques Moeller plus avancées dont nous ne parlerons pas ici, faute d’espace.

Pour plus d’informations sur ces techniques, écrivez-moi via mon site web : www. danielbedarddrums.com

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JEFF SALEM

FILLING UP THE BASEMENT

MEUBLER LE SOUS-SOL

Part 1

1re partie

I am sure many of you drummers have your drum kit set up in the basement. For me, that is where my teaching studio is located with many drum kits and other percussion goodies, but this article is not about us playing our drums in the basement or loading all our gear down there. I am referring to adding double bass rhythms to many cool and unique World grooves. When many of my students asked about learning to play double bass grooves I started with some common and basic beats, which included 16thnote grooves and 8th note triplet patterns. Once they felt comfortable and wanted something more challenging to learn I would request we learn some World drumming styles, which would be anything from Afro Cuban, Calypso to Brazilian grooves. Most of my metal head students were not interested and would shrug their shoulders saying “Why do I want to learn those styles when I don’t have an interest in even listening to that music.”

Je suis persuadé que nombre d’entre vous jouent de la batterie au sous-sol. Pour ma part, c’est l’endroit où j’enseigne la batterie et où j’entrepose la plupart de mes instruments de percussion, mais là n’est pas le sujet de cet article. Par « meubler le sous-sol », je fais référence à l’ajout de rythmes à la double grosse caisse comme le font les batteurs de musique du monde. Lorsqu’on m’a demandé d’enseigner des grooves à la double grosse caisse, j’ai commencé à enseigner des rythmes de base, plutôt communs, qui incluaient des grooves en doubles croches et des motifs en triolets de croches. Une fois que mes étudiants étaient à l’aise, ils voulaient relever de nouveaux défis et je leur demandais alors d’apprendre des jeux issus de la musique du monde, allant de l’afro-cubain, au calypso et aux grooves brésiliens. Bien sûr, la plupart des amateurs de métal n’y trouvaient pas leur compte et haussaient les épaules en disant « pourquoi j’apprendrais ces styles quand je n’ai aucun intérêt pour cette musique! »

Wow was my reaction, talk about being closed-minded. Well, I would be on a mission to change that. The first thing I would do to turn them on to learning and listening to these styles was to play them a cool melodic double bass groove that included the entire kit. This would get their attention. What was I playing for them you may ask? Well, basically an idea I adopted years ago. I would take any hand pattern of an authentic World groove and add the bottom end which would be the bass drums (located on the floor below the rest of your kit).

The snares, toms and cymbals are upstairs while the bass drum is in the basement. Basically we have “Filling Up The Basement”. I have always enjoyed the challenge of learning an advance syncopated World rhythm groove that required 4-way independence and changing the foot pattern to include double bass gave a totally different and powerful groove.

Lorsque je suis devant des gens étroits d’esprit, j’aime me donner comme mission de leur ouvrir les œillères. Pour leur donner envie d’apprendre et d’écouter ces styles, je commence par leur jouer un groove mélodique sur la double grosse caisse, tout en utilisant le reste de la batterie. Ça fonctionne assez bien. Qu’est-ce que je leur joue? Avec les mains, je joue à peu près n’importe quel groove authentique de musique du monde, puis j’ajoute du rythme « en bas », là où se trouve la grosse caisse (généralement située à vos pieds sous le reste de la batterie). La caisse claire, les toms et les cymbales sont « en haut », tandis que la grosse caisse se trouve « au sous-sol », ce qui veut dire que nous « meublons le sous-sol ». J’ai toujours aimé le défi d’apprendre les grooves très syncopés des rythmes du monde qui nécessitent l’indépendance des 4 membres. La double grosse caisse donne un groove puissant et totalement différent.

Some great results will come out of practising these ideas. Your level of independence and concentration will increase dramatically. Your balance, control, posture and coordination on the drum kit will improve greatly. Also, with so much activity happening between your hands and feet you will also get a nice workout. Your vocabulary, library and creativity of grooves will expand. In my 24 years of teaching I have never had one student not appreciate learning these ideas.

These concepts have worked well for many Jazz/World drummers that I have taught that were not so interested in heavy metal music but have always wanted to explore double bass in a different way. This was my answer for them. It is also a great way to work on dynamic control on the bass drum. I find to make the grooves balance and flow well, one must pay attention to the volume mix between the bass drums and the hands. If you just try blasting 16th notes on the feet at triple forte underneath a nice syncopated Samba pattern with a unique ride pattern, it may get buried under your bass drums. So really listen carefully to all the parts and strive to have a nice mix amongst all limbs.

Enough talking lets get you started on these grooves! Below are a list of popular World grooves that I wrote in the traditional way (Letter A) and beside them I wrote the same hand pattern but added double bass below the hand pattern (Letter B). Note that for some of the double bass grooves I have changed the orchestration and instrument choice to suit 12

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Vous obtiendrez nécessairement des résultats en pratiquant ces idées. L’indépendance entre vos membres et votre concentration augmenteront de façon spectaculaire. Votre équilibre, votre contrôle, votre posture, ainsi que votre coordination à la batterie s’amélioreront aussi grandement. Et avec toute cette activité entre vos mains et vos pieds, vous aurez également une bonne séance d’entraînement. Vous enrichirez ainsi votre vocabulaire et votre répertoire et vous pourrez être plus créatif avec vos grooves. En 24 ans d’enseignement, je n’ai jamais eu d’élève qui n’a pas apprécié l’apprentissage de la double grosse caisse.

Ces concepts ont bien fonctionné pour plusieurs batteurs de jazz et de musique du monde à qui j’ai enseigné. Ils n’étaient pas nécessairement intéressés au métal, mais ils voulaient explorer la double grosse caisse d’une autre façon et c’est ce que je leur ai enseigné. C’est une excellente manière de travailler sur le contrôle des nuances à la grosse caisse. Pour que les grooves soient équilibrés et fluides, il faut porter attention à la différence du volume entre les mains et les pieds. Si vous jouez des doubles croches en triple forte avec les pieds en même temps que vous jouez un motif plus doux et syncopé de samba qui comprend un motif unique sur la ride, il se peut que celui-ci se perde sous le son de la grosse caisse. Il faut vraiment écouter attentivement toutes les parties pour obtenir un bon équilibre entre chacun des membres.

the style. For example, one pattern in its traditional style may be played on the ride cymbal but when I added the double bass I moved that ride pattern to either a cowbell or Chinese cymbal. Experiment with your own sounds and if you are left-handed reverse the sticking.

Start off slow. Being relaxed is the key before increasing the tempo. Experiment with your own ideas and have fun. In the next article we will focus on triplet-based styles including Jazz and 12/8 Afro Cuban grooves. \\

Assez de discussion, maintenant, attaquons les grooves! Vous trouverez ci-dessous, une liste de grooves populaires de musique du monde écrits de la manière traditionnelle (Lettre A). À côté, vous trouverez le même motif pour les mains, mais avec le jeu à la grosse caisse dessous (Lettre B). Veuillez noter que pour certains des grooves de double grosse caisse, j’ai changé l’orchestration et le choix de l’instrument pour aller avec le style. Par exemple, un motif en style traditionnel pourrait être joué sur la ride, mais une fois que la double grosse caisse embarque, le motif est déplacé sur une cymbale chinoise ou sur une cloche à vache. Faites-en l’essai avec le son qui vous est propre et adaptez les baguettes si vous êtes gaucher. Allez-y tranquillement. Il faut être décontracté avant d’augmenter le tempo.

N’hésitez pas à expérimenter avec vos propres idées et ayez du plaisir! Dans un prochain article, j’aborderai les styles en triolet comme les grooves jazz et afro-cubains en 12/8. \\

Jeff Salem is a freelance musician, educator and clinician. www.drumsinu.com www.salemdrum.com www.jsmusicstudio.com www.drumkitmethod.com

Filling up the basement

Jeff Salem est un musicien indépendant qui donne des cours et des ateliers.

Tom 1

Drum Key

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Tom 2

Cross Stick

Snare

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Bass Drum 1

Tom 3

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Splash

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1

44

Hihat (foot)

Calypso Style R

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Hi-Hat

Jeff Salem

Fill up the basement (Add Double Bass) L

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Mambo Style

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Adding Double Bass

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2B

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x x x x œx œ ‰ x x x x 4 œ œ œœ œ œ œ œ œ œ œ œœ œ œ œ œœ œœ .. 4 Adding Double Bass

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Guaguanco Style

Adding Double Bass

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4A

Various Bass Patterns that can be added to the examples above.

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AUBREY DALE

TRANSCRIBE! Near the end of the 1930’s film “The Wizard of Oz”, we see the lead character Dorothy pull back a curtain in the hall where the great Oz works his magic only to find an old plump and balding man who is franticly pulling levers to create the magnificence of Oz. The wizard is not a fraud since he knows what he is doing! Doing transcriptions of drum excerpts and music in general is akin to pulling the curtain back to reveal the truth behind playing and compositions that seem magical and sometimes impossible.

There are two approaches to transcribing music, and both will strengthen your musicianship and increase your musical vocabulary. The first and most natural approach is to transcribe what is heard by playing the segment back on the instrument. Ultimately this is how most people learn how to play. The teachers, method books, and etudes only help us understand the way the instrument functions. The ability to play specific segments of music comes from our ability to play what we hear. This is a great way to expand our ability on the instrument.

The second approach is to actually take the first approach a step further by writing the musical segment on paper. Both approaches are a great way for us to learn. We can also find pros and cons in both approaches to transcribing music. As drummers, we need to understand and emulate the style or genre of the music that we are playing as well as the inflections and articulation of the technique used in that particular style. Our ear picks out all of that immediately and becomes more acute as we play. The drawback of using this approach is that we never relate to the music in a visual way. We don’t develop what we hear as it is interpreted in written music. This means that we must rely more on memory and although one’s memory will improve with this method, it can make it much more difficult to learn and remember both simple and complex musical segments accurately.

When we write the segment down on paper we create a palpable recreation of the music first. We physically press a pen or pencil (the latter is preferable) down on a piece of paper to create lines and dots that are musical notes. Something about this process helps

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to solidify the segment in our minds with a much greater degree of accuracy. Although you can find most western music online, it is the person who transcribed the music who benefits the most. The small drawback of this method is that we can’t easily describe the inflection and articulation of the music on paper. We also aren’t working on the technique required to play the segment as we transcribe. We can, however, store the information for a later date in case we forget it.

One of the most significant benefits we get from transcribing is the great insight into how to read music. I learned to read more efficiently by working through snare drum, piano, mallet percussion and tympani books. I also worked with a great book by Louie Bellson called “Reading text in 4/4”. All of this material was extremely helpful. However, when I studied with the great jazz drummer and educator John Riley, he taught me that if I transcribe the material I have to play in my ensembles and the material that interest me, the mental process of doing so solidifies the music in my mind in a palpable manner.

Therefore, when I came across similar material in a reading environment I would recall and execute the music with more ease. This approach improved my reading exponentially.

Take the time to transcribe some music (both rhythmic and pitched) on a regular basis.

Transcribe half a bar or a whole piece if desired. Get an application that will slow the music down as much as 75% without changing the pitch. This will make it much easier to hear what a musician is actually playing. You will be pleased with your musical growth. \\

TRANSPOSER À la fin du film des années 30, « Le Magicien d’Oz », on voit Dorothée ouvrir un rideau pour découvrir le magicien qui n’est, en fait, qu’un homme chauve et trapu qui appuie frénétiquement sur des leviers pour créer sa magie. Le magicien n’est pas un imposteur puisqu’il sait ce qu’il fait! Transposer des extraits de musique et de batterie est un peu l’équivalent de lever le rideau sur la magie qui opère derrière les jeux et compositions qui nous épatent et nous intimident parfois.

Il existe deux approches pour transposer la musique. Toutes deux aident le musicien à s’améliorer et à élargir son vocabulaire musical. La première et la plus naturelle est la transposition directe sur l’instrument du segment de musique entendu. Ultimement, c’est comme ça que la plupart des musiciens apprennent à jouer. Les enseignants, les livres de méthodes d’apprentissage et les études nous aident seulement à comprendre comment l’instrument fonctionne. Notre capacité à jouer des segments musicaux précis vient de notre capacité à jouer ce que nous entendons. C’est une excellente façon d’améliorer nos compétences à la batterie.

La deuxième approche est d’amener la première un peu plus loin en écrivant le segment musical sur papier. Les deux approches favorisent énormément l’apprentissage et présentent des avantages et des désavantages. En tant que batteurs, nous devons comprendre et imiter non seulement le style de musique, mais ses inflexions et l’articulation de la technique utilisée pour ce style en particulier. Notre oreille arrive à distinguer tout ça à la fois et devient plus perspicace avec le temps et la pratique. Le désavantage à utiliser cette approche est que nous n’établissons jamais de rapport visuel avec la musique. Nous n’apprenons pas à reproduire l’interprétation de la musique à l’écrit. Ce qui veut dire que nous devons nous en remettre à notre mémoire. Bien que celle-ci s’améliore avec cette méthode, il est ainsi bien plus difficile d’apprendre et de se souvenir avec précision de segments musicaux à la fois simples et complexes.

Un des plus grands avantages de la transposition sur papier est la perspicacité qu’on gagne ensuite pour lire la musique. J’ai appris à lire la musique plus efficacement en explorant des livres sur la caisse claire, le piano, les percussions sur lesquelles on joue avec des mailloches et les timbales. J’ai aussi travaillé avec un excellent livre en anglais écrit par Louie Bellson intitulé Reading text in 4/4. Toute cette littérature fut d’une grande aide.

Par contre, lorsque j’ai étudié avec le grand batteur de jazz et enseignant John Riley, il m’a appris que lorsque je transpose la musique que j’aime ou que je joue avec un groupe, le procédé mental en soi consolide cette musique dans ma tête de manière palpable. Ainsi, lorsque je suis exposé à du matériel écrit qui ressemble à ce que j’ai déjà fait, j’ai plus de facilité à me rappeler la musique et à l’exécuter. Cette approche a amélioré ma lecture de façon exponentielle.

Prenez le temps de régulièrement transposer de la musique (avec le rythme et le ton). Transposer la moitié d’une mesure ou une pièce entière au besoin. Procurez-vous une application qui ralentit la musique jusqu’à 75 % sans changer le ton. Ça vous aidera grandement à entendre ce que joue le musicien. Vous aurez une grande satisfaction à voir tout le progrès réalisé! \\

Lorsque nous écrivons le segment sur papier, nous recréons une version palpable de la musique que nous avons d’abord entendue. Nous appuyons physiquement avec un crayon à l’encre ou à la mine de plomb (ce dernier est préférable) sur une feuille de papier pour créer des lignes et des points qui deviennent des notes musicales. Il y a quelque chose dans ce procédé qui nous aide à consolider le segment dans nos têtes, et ce, avec beaucoup plus de fidélité.

Bien qu’il soit aujourd’hui possible de trouver à peu près n’importe quelle musique occidentale en ligne, la personne qui tire le plus profit de cet exercice est celle qui a fait le travail de transposition. Le seul désavantage de cette méthode est qu’il n’est pas facile de décrire les inflexions et l’articulation de la musique sur papier. Et pendant que nous en faisons la transposition, nous ne sommes pas non plus en train de travailler sur la technique nécessaire pour jouer le segment. Nous pouvons, par contre, garder l’information pour une date ultérieure en cas d’oubli.

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CHRIS LESSO

DRUMMING FOR KIDS the

5 standards

les

5 règles à suivre

The concept of LTR (Life Through Rhythm) is to work on who we are as people both behind the kit and in everyday life. The rhythm of good habits done repeatedly over time creates huge results! With this approach, let’s think of the drum room as a Dojo. In there, it’s not just about the martial arts, but about who you are once you step outside the door and into the world.

Pour être dans le rythme, il faut travailler sur qui on est derrière la batterie et dans la vie. Répéter sans arrêt les mêmes bonnes habitudes crée d’excellents résultats! Dans cette approche, il faut voir la salle de répétition comme un dojo. Dans cette salle, il n’est pas seulement question d’arts martiaux, mais de qui on est une fois qu’on passe la porte pour entrer dans le monde.

The 5 Standards was born from having so many young drummers come through my studio, and realizing they needed these qualities to get the most learning and fun out of the lessons. Whether they become drummers, lawyers, or athletes, the 5 Standards will arm you with some great tools for getting the most from anything you put your mind to. Many kids that want to check out drumming only do it for a short time before exploring the next adventure and that’s ok. Not everyone is a lifelong drummer! However, I feel confident in a young student’s future knowing that they will take the 5 Standards into everything they do, and live it both behind the kit and going forward towards all their future endeavors.

Les 5 règles à suivre sont nées à force d’enseigner à de jeunes batteurs. J’ai réalisé qu’ils avaient besoin de ces règles pour tirer le meilleur de mon enseignement et pour avoir du plaisir à apprendre. Qu’ils deviennent des batteurs, des avocats, ou des athlètes, ces 5 règles les aident à tirer le meilleur de tout ce qu’ils entreprennent. Beaucoup d’enfants qui essayent la batterie ne le font que pour un temps avant de passer à une autre activité. Peu de gens deviennent des batteurs à temps plein! Par contre, j’ai confiance que ces 5 règles à suivre devraient rester gravées dans leurs têtes, peu importe ce qu’ils décident de faire derrière la batterie ou dans la vie.

Learning these at a young age creates habits that affect an entire lifetime of success! I have my young students memorize them, say them back to me unexpectedly (‘quick, name the 5 Standards, GO!’), and teach them to 3 people they know, because ‘when you teach, you learn twice’!

Apprendre ces règles à un jeune âge crée des habitudes qui les aident à réussir plein de choses! J’aime que mes étudiants les mémorisent et qu’ils me les récitent à l’improviste (nomme-moi les 5 critères rapidement!). Je leur demande également de les enseigner à 3 personnes de leur entourage puisqu’« enseigner, c’est apprendre deux fois »!

See the free video lesson HERE: www.youtube.com/watch?v=ZpGsuLnu1-Q&feature=youtube

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LA BATTERIE POUR LES ENFANTS

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Visionnez gratuitement cette leçon en vidéo : www.youtube.com/watch?v=ZpGsuLnu1-Q&feature=youtube

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FOCUS

We live in the age of dramatic distraction, so this is a challenging one! Turning OFF your irrelevant technology while you practice is so important. When our brain is distraction free we can slip into alpha state, also known as The Zone. This is where your inner genius lives.

Don’t let an addiction to distraction kill your best ideas and insights!

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LISTEN

When I was a young drummer, I couldn’t wait to play. Sitting behind a Drumset with a pair of sticks in my hand it was irresistible... tap tap tap... tap tap tap... next thing I knew I was being severely yelled at by the very annoyed guitarist. ‘I’m trying to TUNE!’ he yelled.

This is where I learned about the importance of when NOT to play! Behind the kit, listen to the band more than yourself. Beyond the kit, be someone that listens more than they speak.

3

TRY YOUR BEST / GIVE 100%

GARDER SA CONCENTRATION Nous vivons à une époque où il y a beaucoup de distractions, alors suivre cette règle n’est pas simple. Il s’agit d’éteindre TOUTE technologie qui n’a rien à voir avec ce qu’on fait, que ce soit jouer de la batterie ou autre. Lorsque le cerveau a toute sa concentration, il peut tomber en rythme alpha, aussi appelé « la zone ». C’est là que l’on est au sommet de sa forme! Ne laissez pas la dépendance à un téléphone ou à toute autre distraction tuer vos meilleures idées!

ÉCOUTER Lorsque j’étais jeune, j’étais toujours impatient de jouer. Une paire de baguettes dans les mains, il m’était impossible de me retenir derrière la batterie. Je tapais sur les peaux sans répit, jusqu’à ce qu’un jour, un guitariste, agacé, me hurle d’arrêter de jouer. « J’essaie d’accorder ma guitare, » m’avait-il lancé. Cette journée-là, j’ai appris l’importance de savoir ARRÊTER de jouer! Derrière la batterie, il faut écouter les autres plus que soi-même et c’est la même chose dans la vie; il vaut mieux être celui qui écoute plus qu’il ne parle.

DONNER LE MEILLEUR DE SOI-MÊME

I always say to my students, mistakes are good! You will learn something by failing, and if you’re giving 100% sometimes that mistake can sound better than what you intended!

This is called ‘wrong and strong’, but also about having a standard of giving all you have in everything you do, even when you don’t feel like it. (Especially then) This becomes a valuable habit, and grows a reputation of someone that brings their best game to anything they do.

Je dis toujours à mes élèves que les erreurs sont bonnes! On apprend toujours de ses échecs et si on donne toujours son 100 %, les erreurs que l’on fait peuvent agréablement nous surprendre! C’est ce que j’appelle « avoir tort tout en restant fort ». Il faut donner tout ce que l’on a dans tout ce que l’on fait, même lorsqu’on n’en a pas envie. Voilà qui donne de bonnes habitudes (surtout dans ces moments-là) et qui aide à se forger une réputation.

Vous voulez être connu pour donner le meilleur de vous-même dans tout ce que vous faites!

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BIEN GÉRER SON TEMPS

DON’T WASTE TIME

Bruce Lee said ‘If you love life then don’t waste time, for that is what life is made of.’ We need to be in the habit of not wasting a second of the time we have to practice, and in all we do. Focus is a big part of not wasting time, the 5 standards are all connected and all help one another! Not wasting time also means staying in the present moment, not regretting the past or feeling worry about the future.

Bruce Lee a dit « Si tu aimes la vie, ne perd pas ton temps, car le temps est ce de dont la vie est faite ». Il faut prendre l’habitude de ne pas perdre une seconde dans tout ce qu’on fait. La concentration est importante : les 5 règles sont toutes interreliées et s’influencent les unes les autres! Bien gérer son temps signifie également de rester dans le présent, sans regret pour le passé ni inquiétude pour l’avenir.

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ADOPTER UNE ATTITUDE POSITIVE

POSITIVE ATTITUDE

Always keep your PMA, Positive Mental Attitude! There are so many challenges we face with this instrument and in life, the habit of positivity will help in all areas. Think of your favorite drummer, the ATTITUDE and intensity they play with makes them who they are!

There will be tough times ahead, keep your PMA at all times. Many top athletes are my inspiration to find the positive in any challenge.

Having high standards in everything you do is a great habit to start early. The way you do the little things, is the way you will do the big things! Drummers both old and young are working on and living the 5 Standards every day, it’s a never ending journey of getting better! \\

Garder toujours une attitude mentale positive (AMP)! Il existe tellement de défis à relever à la batterie comme dans la vie! Une attitude positive ne peut qu’aider! Pensez à votre batteur préféré, à son attitude et à l’intensité avec laquelle il joue. C’est ce qui le définit! Il y a des moments difficiles, mais il faut garder son AMP à tout instant. Certains athlètes de haut niveau sont très inspirants lorsqu’il est question de rester positif devant l’adversité.

Peu importe ce que vous faites, mettre la barre haute est aussi une bonne habitude à prendre tôt. On doit aborder les petits détails comme on aborde les gros! Peu importe leur niveau, tous les batteurs vivent avec ces 5 règles au quotidien. Car on ne finit jamais de s’améliorer! \\

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STÉPHANE CHAMBERLAND

EXPANDING THE SNARE DRUM SOUNDS

LES MULTIPLES SONS DE LA CAISSE CLAIRE

We are drummers! We love snare drums! It’s normal because it’s the place where you probably spend most of your time playing. For me, the snare drum is like my home. It’s common to find drummers owning and using many snare drums. It’s very impressive to see the snare collections some people have, but it’s not practical to carry all those snares on the road with us. So I have found many great solutions to get as many sounds possible out of one snare drum and I would love to share them with you.

En tant que batteur, la caisse claire est le tambour sur lequel on joue le plus. Il n’est donc pas étonnant que nous aimions cet instrument et que nous en possédions, pour la plupart, plusieurs. Certaines collections peuvent être impressionnantes! Par contre, il n’est pas très pratique d’en amener plus d’une sur la route. Voici donc quelques pistes de solution pour multiplier les sons d’une seule et même caisse claire.

HOW IT’S MADE

COMPRENDRE LEUR FABRICATION

The main types of snare drums are wood, brass, and steel. The size of the drums will change the sound along with the tuning and drumheads as well. I am a Mapex endorser and I love the Black Panther line of snares. The ones that I use all the time are the Velvetone, Blaster, and Retrosonic. I also have a small 10”Popcorn snare on my left side. This is great for Funk and Latin music. Construction wise, the bearing edges and the rims will really affect the sound. Rims vary in thickness, dimensions, and material.

La plupart des caisses claires sont fabriquées en bois, en laiton ou en acier. La grandeur de fût affecte le son, tout comme le type d’accordage et de peau. Comme je joue sur les instruments Mapex, j’adore la série Black Panther. J’utilise régulièrement la Velvetone, la Blaster et la Retrosonic. J’ai aussi une petite caisse claire Popcorn de 10” que je garde sur ma gauche pour la musique funk ou latine. En ce qui concerne la construction des caisses claires, le chanfrein et le cerceau (rim) affectent également le son. Ces derniers varient en épaisseur, en dimension et en matériel.

HEAD ON A HEAD The first option is an amazing trick given to me by Mark Guiliana. Take a drumhead the same size as your snare and cut out the center around the edge of the head’s rim. I use an Evans G1 Coated for a thinner sound and an Evans G2 Coated for a lower pitch sound. I just place the cut head on top of the snare drum head and bang! This is really practical when playing different genres of music during one gig. Going from Rock to Funk is really easy now. It was a big challenge before because I was carrying too many snares. Sometimes, I turn down one lug to lower the snare pitch, but it’s never as good as the head on a head trick.

TURNING THE SNARE UPSIDE DOWN On the bottom head of the snare, you will find many sound options. You can hit the snare wires or find other places to play the drum that could help you achieve a more electronic sound. Try to press the tip of your stick on the snare wires going from right to left and you will produce a cool guiro sound, something that can fit in drum ‘n bass music.

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METTRE PEAU SUR PEAU Mon premier truc vient de Mark Guiliana. Il faut prendre une peau du diamètre de la caisse claire de votre choix et la couper afin de pouvoir la déposer sur la peau de votre caisse claire. Pour ma part, j’utilise une peau Evans G1 blanche sablée pour un son plus délicat et une Evans G2 blanche sablée pour un ton plus bas. Vous n’avez qu’à placer la peau découpée sur la peau de votre caisse claire et voilà! Ce truc est franchement pratique lorsque vous devez jouer plusieurs styles musicaux dans une même soirée. Il vous sera maintenant aisé de passer du rock au funk. Autrefois, trimbaler toutes mes caisses claires tenait du défi. Il m’arrivait d’abaisser une attache pour obtenir un son plus grave, mais ça ne fonctionnait pas aussi bien que le truc de la peau sur peau.

RETOURNER LA CAISSE CLAIRE En retournant la caisse claire, plusieurs options s’offrent à vous. Vous pouvez frapper sur les cordes de timbre ou ailleurs afin d’obtenir un son plus électronique. Si vous jouez du drum’n’bass, appuyez le bout de votre baguette sur les cordes de timbre en allant de droite à gauche pour produire un son de güiro.

MORE STUFF ON THE SNARE

EXPLORER D’AUTRES IDÉES

You may also try putting a small cymbal on top of the snare. Explore different places to hit on the cymbal or on the head while the cymbal is sitting there. You can also use your hand to hit the drum with the cymbal. So many options can be explored. If you need intense dampening you can also use a towel on top of the drum. I use this classic trick on the floor tom as well for some gigs. Another thing is to press the tip of the stick on the drum head and hit the shoulder of the stick. This technique is commonly used in Jazz.

Vous pouvez aussi jouer avec une petite cymbale posée sur la peau de votre caisse claire.

Explorez les différents endroits de frappe : sur la cymbale et sur la peau de votre caisse claire sur laquelle est posée la cymbale. Allez-y avec les mains! Il y a tant de possibilités! Si vous avez besoin d’étouffer le son, essayez de mettre une serviette sur votre caisse claire.

Ce truc fonctionne de même pour le tom de plancher. Vous pouvez encore appuyer l’olive (le bout de la baguette) sur la peau et frapper avec le col de la baguette. Cette technique est communément utilisée en jazz.

PLAYING WITH YOUR HANDS UTILISER LES MAINS

I am a huge fan of playing with my hands on the snare. I use it like any other hand percussion instrument. In Latin music it could become a conga drum. In African music it inspires Djembe rhythms. You can also play any Cajon patterns on it and it will sound amazing. Explore the open and closed sounds. Practice the slap sound with one hand or with one hand pressing on the head. Youtube: Benny Greb Drum Solo - Montreal Drum Fest 2005, for a great example of that.

Je suis un grand amateur de cette façon de jouer sur la caisse claire. J’utilise cette dernière comme tout autre instrument de percussion. En musique latine, elle peut servir de conga. En musique africaine, elle peut imiter les rythmes de djembé. Pour d’excellents résultats, essayez les motifs cajuns avec les mains! Expérimentez avec les sons ouverts et fermés. Pratiquez le slap avec une main appuyée sur la peau. Pour un bon exemple de cette technique, allez voir sur YouTube : Benny Greb Drum Solo - Montreal Drum Fest 2005.

IT’S ALL ABOUT IMAGINATION FAIRE PREUVE D’IMAGINATION!

I have seen so many great ways to play one single drum. I invite you to create your own sound and explore the possibilities. We talked about the snare but this approach can be also applicable to all other components of your set. Have fun! \\

J’ai vu tellement d’excellentes façons de jouer d’un seul tambour! Je vous invite à créer votre propre son et à explorer les possibilités. Nous avons abordé ici la caisse claire, mais cette approche peut s’appliquer à toutes les autres composantes de la batterie. Maintenant, amusez-vous! \\

WWW.PAISTE.COM

Hybrid Artist / Trap

Blue R

o

Merlin ETTORE

ILCHEM Glenn M deo

CHU

udio

Paul BRO

UZEB / St

Mark KELSO

Hilario Duran / Educator

William Deslauriers / Les Vikings

Luc CATELLIER

Marie-Mai / Marc Dupré

Maxime LALANNE

www.stephanechamberland.com www.facebook.com/stephanechamberland www.twitter.com/schamberland global2steph@icloud.com

QUALITY HAND CRAFTED

CYMBALS MADE IN SWITZERLAND

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ÉRIC BOUDREAULT

CHOOSING THE BEST FOR YOUR EARS Have you ever asked yourself if the sound was getting to your ears like it should? Is it too loud? Is the sound affecting your playing in a positive or negative way? Here are some questions that could prove to be a bit tricky. In the next few lines, I’m going to try to help you make the best purchase for yourself.

Nowadays, musicians have to choose between in-ears monitoring or a regular headphone system. You have to know that you can buy standard or custom in-ears models that are molded to fit your ears. As with headphones, there are a lot of different possibilities on the market regarding their noise cancellation quality.

Headphones have the advantage of being less costly. And they don’t invade your ears as much. With headphones on, you are never completely isolated from the outside world.

If you have access to a monitoring system, you will then have the complete spectrum of frequencies necessary for a good mix. Headphones can also be practical when in the studio since you’ll hear the dynamics better as well as the live sound of your instrument.

In-ears are more difficult to choose. Some manufacturers will offer you big drivers so that you can work with all the frequencies. Others will offer 6 to 7 models with a lot of various specifications. Do you really need all these options? Remember that there are low, mid and high frequencies, so if your budget permits, go for headphones with 3 or 4 drivers.

This way, you should be able to isolate the needed frequencies and work with quality sound.

There are also a lot of manufacturers who will offer entry-level in-ears for people who don’t have a lot of money to spend. Be aware that when you wear entry-level in-ears for a long period of time, your ear canal may become sensitive. Also, in-ears do not always stay in place, which can be annoying. I strongly suggest you should try various ones and see which fits best. Generally speaking, standard in-ears can cut off sound better than headphones and molded in-ears.

Should you go for custom molded in-ears? They can be really expensive so make sure they are profitable. You first have to take an appointment with an audio prosthesis specialist who will make a mold of your audio canal. Verify with the specialist if you are the one who has to send your mold to the in-ears manufacturers or if the audiologist has a special deal with one or more companies. If you play really loud or if you need a certain type of isolation, check with them to see what kind of material they will be using. Silicon in-ears will better suit your audio canal than acrylic ones, even more so when you open your mouth or breathe heavily. When you receive the molds, try them out to make sure they fit. If you are even slightly uncomfortable, don’t hesitate to have them adjusted. On top of sending

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you new molded in-ears, some audio manufacturers will offer, for a little extra money, some isolation tips to muffle the sound when rehearsing. I strongly suggest that you take them. They usually come with some isolation filters that can go from 5 to 35 dB. When you are playing and wearing your in-ears, you might feel isolated from the stage sound and from other musicians. That’s why you’ll need a very good mix to be able to hear everybody else on stage. When compared to regular headphones producing more bass sounds, the drivers found in the in-ears are much smaller so you might want to have more low ends. I strongly suggest that you use an external monitor for bass frequencies or even a low frequency audio transducer that is called a “butt kicker”. With certain mass produced in-ears, you also have the option of having the tips molded to your ears. Before buying them, check out if the extra amount of money asked is worth it.

Every brand has a large line of products at all sorts of prices. Check out your budget beforehand and the use you’ll make of them. You don’t have to bust your budget to find the right solution. Take a good look at warranties and exchange policies. Customer service is important when buying this type of equipment. And as far as service is concerned, music stores are usually reliable. If you’re unsure about what model you’re looking for, I would suggest that you don’t buy them online.

We’re talking about your ears here. Protect them. Ask your musician friends what works best for them and why. Don’t forget that a specific pair of headphones might work for someone else but not necessarily for you. Every situation is different so get good advice. If you have any questions, feel free to write to me. I’ll be happy to help.

Happy shopping to you! \\

FAIRE LE MEILLEUR CHOIX POUR VOS OREILLES Vous êtes-vous déjà demandé si le son se rend bien à vos oreilles quand vous jouez de la musique? Le volume est-il trop élevé? Est-ce que vos écouteurs affectent positivement ou négativement votre jeu? Voilà plusieurs questions qui pourraient s’avérer complexes.

Je vais essayer en quelques lignes de vous aider à faire un choix judicieux lors de votre prochain investissement.

De nos jours, les musiciens doivent opter pour des écouteurs intra-auriculaires (in-ears) ou des coquilles. Il faut savoir que les écouteurs intra-auriculaires peuvent venir en « prêt-à-porter » ou être moulés sur mesure. Pour les écouteurs-coquilles, il existe également différentes qualités d’isolation.

Les écouteurs-coquilles ont l’avantage d’être moins dispendieux. De plus, vous n’avez pas à les insérer dans vos conduits d’oreilles. Autre avantage majeur : avec le casque sur la tête, vous n’avez pas le sentiment d’être seul dans votre univers, car malgré l’isolation, le son ambiant entre dans la coquille. Si vous avez un moniteur proche de vous, vous obtiendrez alors tout le spectre de fréquences nécessaires pour un excellent mix. Les coquilles sont aussi très pratiques en studio, car vous entendez davantage les dynamiques et le son live de votre instrument.

Les écouteurs intra-auriculaires sont plus difficiles à choisir. Certaines compagnies vous proposent un gros amplificateur pour faire la gestion de toutes les fréquences, tandis que d’autres vous en proposent de 6 à 7 avec une panoplie de spécifications. Avez-vous vraiment besoin de toutes ces options? Gardez en tête qu’il existe des fréquences basses, moyennes et hautes, alors si votre budget vous le permet, optez pour des écouteurs qui ont 3 ou 4 amplificateurs. Ils devraient ainsi isoler les fréquences recherchées et vous donner un son de qualité. Plusieurs compagnies font d’excellents écouteurs d’entrée de gamme à petit budget. Sachez par contre que lorsque vous les gardez longtemps dans vos oreilles, les écouteurs intra-auriculaires « prêt-à-porter » peut provoquer une douleur dans le canal auditif. Aussi, ils ont la mauvaise habitude de ne pas toujours rester en place dans l’oreille.

Je vous conseille donc de vous procurer plusieurs embouts et de faire vos essais. En général, ces derniers coupent davantage le son extérieur que les coquilles et les écouteurs moulés sur mesure.

Devrait-on acheter des écouteurs moulés sur mesure? Ces derniers peuvent être très coûteux, alors l’utilisation que vous en faites doit en valoir l’investissement. Vous devez prendre rendez-vous dans un centre de prothèses auditives reconnu afin de faire fabriquer un moule de votre conduit auditif. Renseignez-vous si vous devez par la suite l’envoyer au fabricant directement ou si l’audiologiste possède une entente avec certaines compagnies.

Si vous jouez très fort ou que vous désirez une bonne isolation, informez-vous sur les différents matériaux utilisés. Un modèle en silicone s’adaptera mieux à votre canal auditif qu’un modèle en acrylique, surtout lorsque vous ouvrez la bouche ou que vous respirez fort. Au moment de la réception des moules, faites des tests pour voir s’ils sont bien adaptés à vos oreilles. S’ils vous procurent un inconfort, n’hésitez pas à les faire ajuster.

Certaines compagnies d’audiologistes offrent en plus de vos écouteurs intra-auriculaires, à peu de frais, des embouts d’isolement seulement qui protégeront vos oreilles lors de vos répétitions (en réduisant le son). Je vous suggère fortement de les prendre. Ceux-ci viennent avec un choix de filtres d’isolation pouvant couper de 5 à 35 décibels.

Quand vous jouez et que vous portez vos écouteurs intra-auriculaires, il se peut que vous vous sentiez isolé à la fois du son et des autres musiciens. C’est pourquoi vous aurez besoin d’un bon mix pour bien entendre tous les gens avec qui vous jouez. Comparativement à des coquilles qui produisent beaucoup de basses fréquences, les amplificateurs des embouts intra-auriculaires sont petits, alors il se pourrait que vous en vouliez un peu plus. Je vous suggère de garder un moniteur extérieur pour les basses fréquences ou un amplificateur de basse fréquence corporel « Butt kicker ». Vous avez aussi l’option avec certains modèles fabriqués en série de faire mouler les embouts pour qu’ils soient mieux adaptés à vos oreilles. Avant de les acheter, vérifier si vous avez cette option et si l’investissement en vaut la peine.

Toutes les marques ont de supers produits à tous les prix. Vous devez évaluer votre budget et votre utilisation. Vous n’êtes pas obligés de vider votre compte de banque pour trouver la bonne solution. Vérifiez bien les garanties et les politiques de retour ou d’échange. Le service à la clientèle revêt aussi une importance dans ce type d’achat. En ce qui concerne le service, les magasins de musique seront de bons intermédiaires. Si vous n’êtes pas certain du modèle que vous voulez, je vous déconseille fortement de faire votre achat en ligne.

Il est ici question de vos oreilles. Protégez-les pour ne pas avoir de mauvaises surprises.

Demandez à vos amis musiciens ce qui fonctionne pour eux et pourquoi. N’oubliez pas que des écouteurs peuvent fonctionner pour une personne, mais pas pour vous. C’est du cas par cas, alors vaut mieux être bien conseillé. Si vous avez des questions, écrivez-moi! Je serai heureux de vous aider!

Bon magasinage! \\

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MAX SENITT

THE TABLE, CHAIRS AND KITCHEN SINK OF TIME part 2

LA TABLE DU TEMPS 2e partie

Greetings fellow musicians! Welcome to the second installment of this two-part exploration of rhythmic madness! As mentioned in Part one (found in the August/September 2015 issue), the goal of all music practice should be to better our ability to perform it.

My reason for indulging in challenging material like the rhythms covered in this article is that when I go back to play simpler music, I will be “that much freer” to allow the magic to happen. At the same time, when I am required to play complex music, it will be less daunting of a task. Now let’s get back to the task at hand!

Voici la deuxième partie de l’article paru dans la dernière édition du Drums Etc (août/septembre 2015) qui explorait des rythmes particulièrement difficiles!

Comme je le mentionnais dans la première partie, le but de toute répétition en musique est d’améliorer son jeu. Le matériel que j’aborde ici peut représenter un challenge, mais il aura l’avantage de vous rendre beaucoup plus libre dans votre jeu par la suite et d’amener de la magie dans les rythmes plus simples.

Une fois que vous maîtriserez le tout, vous attaquerez les musiques plus complexes avec davantage de confiance. Maintenant, revenons à nos brebis!

Just as the table of time does not have a rule as to how far you can take it in terms of adding notes, there is not an official starting point either. Through my explorations, I have found a few steps that could potentially and sequentially come before quarter notes.

Dans la Table du temps, il n’y a pas de plafond, c’est-à-dire de nombre maximal de notes que nous pouvons ajouter, ni de plancher, c’est-à-dire de nombre minimal de notes desquelles il faut partir. Par contre, à travers mes explorations, j’ai réalisé qu’il y avait un potentiel au-delà de la noire.

To begin, we will subdivide the pulse by three, aka 8th note triplets. Next we regroup those subdivisions into subgroups of seven and play a note at the beginning of each group, or every 7th subdivision, as shown in Ex. 1. This has us playing 3 notes evenly spaced over seven beats, which is essentially a 3:7 polyrhythm.

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Pour commencer, nous allons diviser le battement rythmique en trois, ce qui nous donnera des triolets de croches. Puis, nous allons regrouper ces subdivisions en sousgroupes de sept en jouant une note au début de chaque sous-groupe ou de chaque septième subdivision (voir Ex. no 1). Nous nous retrouvons donc à jouer 3 notes espacées sur sept temps, soit un polyrythme en 3:7.

Ex.1

Ex.2 3

3

3

7 /4œ

3

3

œ

3

3

3

3

5 4œ

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3

3

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3

3 4

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Ex. 4 Maintenant! Afin d’exécuter correctement ce rythme, nous aurons besoin d’une méthode Now! In Ex.3 order to correctly 5 execute this rhythm,5we will need a method5for keeping track 7 7 7 of the subdivisions. The best way I can think of keeping track of anything is by counting. pour ne pas perdre de vue les subdivisions. La meilleure façon est toujours de compter. Si je While looking at how I have written the rhythm in Ex. 1, it would definitely make sense regarde le rythme dans l’Ex. no 1, il serait sensé de compter de façon traditionnelle la barre to use the traditional counting of a bar of triplets in 7/4 and see where the three notes des triolets en 7/4 pour voir où tombent les trois notes dans cette « grille ». Mais il existe fall within that “grid”. However, there are other options for counting and constructing this aussi d’autres façons de compter et de construire le rythme. Pour ma part, la méthode rhythm. A method that has personally proved to be helpful for bridging the gap between indienne des syllabes Solkattu m’aide à la fois à compter, à ressentir et à entendre le counting, feeling, and hearing rhythm is the use of South Indian Solkattu syllables. These rythme. Les syllabes créent un phrasé et une manière de compter qui laissent sur le cerveau syllables form a phrasing and counting system that I feel leave a more meaningful and une empreinte significative et durable qui nous aide ultimement à mémoriser, à concevoir lasting impression on the brain, therefore making it easier to memorize, conceptualize, and et à apprendre les rythmes plus facilement. deeply learn rhythms.

Retournons donc à nos subdivisions de triolets. Essayez de chanter les trois notes TASo let’s go back to those triplet subdivisions, and try singing the three-note phrase KI-TA. Nous pouvons faire comme je suggérais au premier article, c’est-à-dire réciter en TA-KI-TA. We can even take a step further back and try walking in three while reciting this marchant cette même phrase, une syllabe à chaque pas. Ensuite, chaque pas peut devenir phrase with each step being a syllable. Next, you can have each step be the pulse, and un battement rythmique et l’espace peut être subdivisé en chantant la phrase et en faisant subdivide the space by singing the entire phrase step. Once you have a solid handle on un pas. Une fois que vous maîtrisez le tout, refaites les subdivisions en groupes de sept this, reform the subdivisions into groups of seven (phrased as 4 + 3 beats) and try singing: (phrases en 4 + 3 temps) et essayez de chanter : TA KA DI MI – TA KI TA au même rythme que TA KA DI MI – TA KI TA at the same rate that you were previously singing the three-note lorsque vous chantiez les subdivisions des trois notes précédentes. Vous aurez besoin de subdivisions. It will take seven steps, or three groups (of seven subdivisions) for the phrase sept pas, ou de trois groupes (de sept subdivisions) pour faire le phrasé. to resolve.

Le même concept peut être utilisé pour l’Ex. no 2. Dans ce cas-ci, nous subdivisons Continuing on, we can apply the same concept to the rhythm found in Ex. 2. In this case le battement rythmique en trois et nous jouons à toutes les cinquièmes subdivisions. La we subdivide the pulse by three, and play every 5th subdivision. The five syllable phrase: phrase de cinq syllabes : TA TI KI NA TUM fonctionne bien pour cet exercice, mais vous TA TI KI NA TUM works great for this purpose, however we can also phrase the 5 notes as: TA pouvez aussi réciter ainsi les cinq notes : TA KA – TA KI TA (2+3) ou TA KI TA - TA KA (3+2).

KA – TA KI TA (2+3) or TA KI TA - TA KA (3+2).

Comme dans la vie, il existe plus d’une perspective. Nous pouvons donc voir ces rythmes Just as everything in life has more than one perspective, we can also look at these d’une autre façon, en subdivisant le battement rythmique par cinq ou sept en jouant à rhythms in a different way, by subdividing the pulse by five or seven, and playing every chaque troisième subdivision comme le montrent les exemples 3 et 4. third subdivision as demonstrated in Examples 3 and 4.

En gardant toujours l’idée d’avoir plus ou moins de notes dans le même espace de la In keeping true with the order of less to more notes within the same amount of space « Table du temps », l’Ex. no 3 arrive juste avant les croches. Si on pousse encore, on peut in theEx.1 “Table of Time”, Ex. 3 would come just before 8ths notes. To explain further, we can considérer Ex.2 que trois temps de croches « régulières » donnent six notes, tandis que dans le acknowledge that3three beats of3“regular” 8th rythme sur3trois temps.

3 notes creates3 6 notes, whereas 3 in the rhythm 3 3 dans l’Ex. no 3,3vous trouverez 3 cinq notes3également distribuées 3 written in Ex. 3, you find 5 notes evenly distributed over three beats. Similarly, in Ex. 4 there De la même façon, dans l’Ex. no 4, il y a sept notes placées sur 3 temps, qui viendraient de are 7 notes placed over 3 beats, which would obviously come after the 6 notes created by toute évidence après les six notes créées par les croches.

8th notes.

3 /4œ

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7 /4œ

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œ

5 4œ

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Ex.3

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3 4

œ

Ex. 4 5

3 /4œ

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5

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5

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7

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As you can see, the “Table of Time” can prove to be quite an in-depth area of study.

These articles are merely an introduction to the limitless possibilities available to those who are willing to explore. I hope that you will be inspired, and that you will easily find ways to incorporate these rhythms into your own practice, and continue on the path to becoming the best musician you can possibly be!

To request a free downloadable PDF of my extensive version of this concept or any other questions you may have, I can be contacted through social media or my website www. maxsenitt.com \\

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Comme vous pouvez voir, la « Table du temps » peut devenir un sujet d’étude très complexe. Ces articles ne sont qu’une introduction aux multiples possibilités à explorer.

J’espère que vous serez inspirés et que vous trouverez des façons d’inclure ces rythmes dans votre propre pratique. Il faut toujours chercher à se dépasser!

Si vous voulez télécharger un PDF gratuit de la version longue de ce concept ou si vous avez d’autres questions, vous pouvez me joindre par les médias sociaux ou sur mon site : www.maxsenitt.com \\

www.maxsenitt.com octobre

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NEW PRODUCTS NOUVEAUX PRODUITS

SHURE PG ALTA MICROPHONES Shure’s PG ALTA microphones offer a professional sound at a decent price. They are the perfect example of Shure’s engineering excellence. Shure’s PG ALTA models are most accessible and will take your sound quality to the next level. The whole series offer 14 new products including microphones for voices and instruments, kits for drums and for studios.

They are ideal for small rooms, beginner musicians and home recording sessions.

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LES MICROPHONES PG ALTA Les microphones PG ALTA de Shure offrent un son professionnel à des prix étudiés.

Introduction idéale à l’excellence en ingénierie de Shure, les modèles PG ALTA sont les micros Shure les plus accessibles pour amener la qualité sonore au prochain niveau. La famille complète comprend 14 nouveaux produits, y compris des microphones pour voix et instruments, des ensembles pour batterie, et un ensemble pour studio. Ils sont parfaits pour les petites salles, les musiciens en début de carrière, et les séances d’enregistrement à domicile.

MOTIV DIGITAL MICROPHONES

LES MICROPHONES NUMÉRIQUES MOTIV

Shure MOTIV digital microphones, as well as their digital interface, feature userselectable DSP preset modes to ensure great sound for all applications. Designed to support digital-recording users seeking better audio quality, MOTIV’s preset modes—speech, singing, flat, acoustic instrument, and loud— set audio parameters behind the scenes. By using these modes to specify what is being recorded, select models automatically adjust the audio processing by setting gain, EQ, and compression for the best recordings, every time.

Les microphones numériques MOTIV de Shure, tout comme leur interface, offrent un mode de préréglage DSP paramétrable par l’utilisateur qui lui assure un son sans faille, peu importe l’application. Conçus pour les gens qui aimeraient obtenir une meilleure qualité audio de leurs enregistrements numériques, les modes de préréglages de MOTIV (voix, chant, plat, instrument acoustique et fort) établissent les paramètres audio en coulisse.

En utilisant ce mode de préréglage selon ce qui est enregistré, certains modèles ajustent automatiquement les paramètres audio tels que le gain, l’EQ et la compression pour de meilleurs résultats. www.sfm.ca

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NEW PRODUCTS NOUVEAUX PRODUITS

SABIAN

ANNOUNCES NEWLY REMASTERED HH LINE SABIAN is thrilled to announce a completely remastered HH line! Much like a remastered classic album is taken from the great to the sublime, HH Remastered adds complexity and tone to each cymbal, delivering unmatched sonic texture across the entire line.

By applying more Hand Hammering with a renewed focus on HH cymbal profiles, SABIAN taps deeply into its past. In fact, depending on size, each remastered HH cymbal can be hammered up to 3,000 times – in some cases more – before a drummer hits it once.

Hard to believe? Just ask Mark Love, the master sound architect in the SABIAN Vault.

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Phone - Téléphone 28

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2 yrs / 2 ans 32$

Send your check or money order to: Faites parvenir votre chèque ou mandat-poste au nom de: Musicien Québécois 753 rue St-Hélène, Longueuil, (QC) J4K 3R5

LANCE SA NOUVELLE SÉRIE HH REMASTÉRISÉE SABIAN est ravi de présenter sa toute nouvelle série HH complètement remastérisée!

Comme la version remastérisée et améliorée d’un grand album classique, la nouvelle série HH ajoute de la complexité et de la hauteur de ton à chaque cymbale, apportant une texture sonore inégalée peu importe le modèle.

En martelant davantage ses cymbales de la série HH, SABIAN renoue avec son passé.

En fait, selon leur grandeur, les cymbales HH remastérisées peuvent avoir été martelées aussi souvent que 3 000 fois (parfois davantage) avant qu’un batteur ne les frappe pour la première fois. Difficile à croire? N’hésitez pas à en parler avec Mark Love, le maîtrearchitecte du son derrière les produits SABIAN. www.sabian.com

The magazine for canadian drummers and percussionists Le magazine des batteurs et percussionnistes canadiens

The magazine for canadian drummers and percussionists Le magazine des batteurs et percussionnistes canadiens The magazine for canadian drummers and percussionists / gratuit Le magazine des batteurs etfree percussionnistes canadiens

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- september

october

/ août

- septembre 2015 vol.27 no.4

- november

/ octobre

- novembre 2015 vol.27 no.5

free / gratuit

The magazine for canadian drummers and percussionists Le magazine des batteurs et percussionnistes canadiens

february

/ march 2015 - février/mars 2015 vol.27 no1

maxime lalanne

rich

beddoe

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april

- may

/ avril

- mai 2015 vol.27 no2

The magazine for canadian drummers and percussionists Le magazine des batteurs et percussionnistes canadiens

free / gratuit

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- july

/ juin

- juillet 2015 vol.27 no.3

thomas

brodeur

denis

cantin octobre

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NEW PRODUCTS NOUVEAUX PRODUITS

YAMAHA NEWEST ELECTRONIC KIT AND NEW KP100 KICK CONTROLLER

LA DERNIÈRE BATTERIE ÉLECTRONIQUE AVEC SON PAD DE GROSSE CAISSE KP-100

The new DTX582K features the all new compact kick pad KP-100. Together with the well-known RS502 Rack System and the DTX502 module it offers superb sound quality, highly expressive playability and user-friendly functionality in a range of familiar kit configurations affordable for drummers of all levels.

La nouvelle DTX582K vient avec un pad de grosse caisse compact, le KP-100. Le tout inclut le célèbre châssis RS502, ainsi que le module DTX502 et offre une superbe qualité de son, une souplesse de jeu très expressive et une fonctionnalité conviviale dans la même gamme que ce type de configuration de batterie et à un prix accessible pour tous les niveaux.

The flagship of the 502 series, the DTX 582 features DTX-PADs for snare and toms, a real hi-hat trigger, large 3-zone cymbals, and the big KP100 kick pad, which can easily accommodate a double foot pedal. The superb feel of the DTX-PADs and the rock-solid stability of the KP100 make this an unbeatable kit in its class, perfect for performing on stage or extended practice sessions at home. \\

Le produit phare de la série 502, le DTX 582, comprend des DTX-PADs pour la caisse claire et les toms, un véritable déclencheur de Charleston, de grosses cymbales à 3 zones et un pad de grosse caisse KP100 pouvant facilement être utilisé avec une pédale double. La sensation des DTX-PADs et la stabilité sans faille du KP100 font de cette batterie une perle dans sa catégorie, parfaite pour la scène ou pour les répétitions qui s’étirent à la maison. \\

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november 2015

Cirque du Soleil® is seeking professional musicians for live performances.

INSTRUMENTALISTS STRING, KEYBOARD, WIND OR PERCUSSION INSTRUMENTS BANDLEADER – MULTI-INSTRUMENTALISTS FEMALE – MALE SINGERS ALL VOICE TYPES AND STYLES

Le Cirque du Soleil® recherche des musiciens professionnels pour des prestations devant public.

INSTRUMENTISTES INSTRUMENTS À CORDES, À CLAVIER, À VENT OU À PERCUSSION CHEFS D’ORCHESTRE – MULTI-INSTRUMENTISTES CHANTEUSES – CHANTEURS TOUS TYPES DE VOIX ET DE STYLES CIRQUEDUSOLEIL.COM/JOBS

FACEBOOK.COM/CIRQUEDUSOLEILCASTING Photo: Eric Jamison / Studio J Costumes: Alan Hranitelj © 2014 Cirque du Soleil Cirque du Soleil is a trademark owned

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