Drums Etc [v25-n3] Summer 2013 by Drums Etc

Mélissa Lavergne

Joannie Labelle

The magazine for canadian drummers and percussionists Le magazine des batteurs et percussionnistes canadiens

vol.25 no3 | summer / été 2013

free/gratuit

The magazine for canadian drummers and percussionists Le magazine des batteurs et percussionnistes canadiens

Volume 25, No 3 Summer 2013 / Été 2013 Editor in Chief / Rédacteur en chef Aaron Edgar aaronedgar@drumsetc.ca Assistant Editor in Chief / Rédacteur en chef adjoint Franck Camus franck@drumsetc.ca Managing Editor / Coordonnatrice à la rédaction Sofi Gamache sofi@drumsetc.ca Editorial Assistant / Assistant à la rédaction Tara Wittet Manko Contributing Writers / Journalistes Daniel Bédard, Franck Camus, Ydna Murd, Aaron Edgar, Jef Konwalchuk, Jeff Salem, Nick Schofield, Andrew Shoniker, T.Bruce Wittet Translation / Traduction Jim Angelillo, Geneviève Hébert

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Layout / Mise en page Karine Wolfe, Janam Publications Inc. Cover Photo / Photo du couvert: Joannie: Lili Labelle/Mélissa: Laurence Labat

www.drumsetc.ca

mélissa lavergne joannie labelle By/Par: T Bruce Wittet

Edito + Agenda

Quand pratiquer devient ennuyeux

Publisher / Éditeur Serge Gamache (866) 834-4257 / (450) 651-4257 sergegamache@videotron.ca Printer / Imprimeur Opale Impressions

Aaron Edgar When an obstacle becomes an advantage

Secrets cachés ou la science derrière un son de batterie exceptionnel - Partie 2

Inspiration: Where to find it and how to keep it Trouver et entretenir l'inspiration Daniel Bédard

On your mark. Get set. Go ! À vos marques. Prêts. Partez!

Jef Konwalchuk

Craving the uncomfortable Part 1 L'envie de l'inconfortable Partie 1 Andrew Shoniker

Hidden Secrets: The Science of Great Drum Sound - Part 2

Quand un obstacle devient un avantage

Get off your throne Descendre de son trône Nick Schofield

Practicing Through Plateaus

Franck Camus Advertising / Publicité Ralph Angelillo (888/450) 928-1726 / ralph@drumsetc.ca Jeff Knowles (514) 830-3555 / jeff@drumsetc.ca

Reading Music - Part 3 Lire la musique - Partie 3 Aaron Edgar

New Products Nouveaux produits

Jeff Salem Drums Etc is published 5 times per year and distributed across Canada, in drum shops, schools, rehearsal spaces, etc. This issue: 13 000 copies in 380 distribution points (circulation certified by Canada Post). Publication Mail Agreement No 40009235 / Poste-Publication Convention No 40009235 Return Address / Adresse de retour: DRUMS ETC, 753 rue Ste-Hélène, Longueuil (QC) J4K 3R5 Canada Fax: (450) 670-8683

Drums Etc est publié 5 fois l’an, et est distribué partout au Canada dans les écoles et chez les détaillants de batteries et percussions, dans les studios de répétition, etc. Ce numéro : 13 000 copies dans 380 points de distribution (circulation certifiée par Postes Canada).

Beat Slicing Workshop Beat Slicing: Atelier Ydna Murd

drums etc.

edito

agenda Get Outta the Basement!

A great way to skyrocket your progress as a drummer is to stop woodshedding in the basement and get out there to play with other musicians. After all, the whole purpose is to make music. Playing the drums on your own is only part of the equation. Every experience you can immerse yourself in with other players can be a good learning environment. Everybody plays differently and you’ll find new challenges within each group. A cool side effect – especially with more extreme styles of music, such as metal – is that you may find an extra burst of adrenaline to push harder when your band mates are around. You can push harder and play faster and for longer periods of time based solely on the fact that you don’t want to be the one that gives up during a rehearsal. When I was younger, I noticed a lot of progress simply because I was unwilling to be the one that tired out first at a rehearsal. I’d push super hard through my technique barriers. The more people you play with and the more styles you tackle, the better. You may have your metal rehearsal one night, and then the next day need to play with a quiet R&B group. Being able to present yourself convincingly and sound authentic in each of these very different situations will do wonders for your musicality as well. The bottom line: the more you can do, the better. You certainly have nothing to lose from diversifying yourself, learning new things, improving your technique and stamina and actually getting out there to play some shows. It may be nerve-racking and scary if it’s something you’ve never done, but it will be worth it. You could even end up with some hilarious stories of ridiculous or nightmarish musicians and bands. I know I have my fair share of those! Go make music!

Une des meilleures façons de progresser rapidement en tant que batteur est d’arrêter de travailler d’arrache-pied tout seul dans votre sous-sol pour enfin rejoindre d’autres musiciens. Après tout, le but ultime reste de faire de la musique. Jouer n’est qu’une partie de l’équation. Chaque expérience que vous partagez avec d’autres musiciens peut être une belle occasion d’apprendre puisque tout le monde joue différemment : avec chaque nouveau groupe viennent de nouveaux défis. Il y a une montée d’adrénaline qui vient avec le fait de s’entourer, ce qui nous pousse à aller plus loin. Vous serez plus enclin à pousser la machine (surtout si vous abordez des styles extrêmes comme le métal) : vous jouerez plus vite et plus longtemps parce que vous ne voudrez pas être celui qui baisse les bras le premier pendant la répétition. Plus jeune, j’ai remarqué qu’être avec d’autres me faisait progresser plus rapidement pour cette raison. Du coup, je repoussais toujours les limites de ma technique. Plus vous jouez avec des gens et des styles différents, mieux c’est. Il se peut que vous répétiez avec un groupe métal un soir, puis que vous ne vouliez faire que du R&B tranquille le lendemain. Savoir se présenter de façon convaincante et cultiver un son authentique dans tous les styles fera des merveilles pour votre sens de la musique. Encore une fois, plus vous en faites, meilleur vous serez. Vous n’avez absolument rien à perdre en vous diversifiant, en apprenant de nouvelles choses, en améliorant votre endurance et en sortant de chez vous pour faire des spectacles. Il se peut que ce soit très éprouvant et un peu effrayant la première fois, mais le saut en vaut le coup. Dans le pire des cas, vous aurez de bonnes histoires à raconter au sujet de vos moments ridicules ou cauchemardesques. Pour ma part, je sais que j’en ai quelquesunes en banque! Allez, sortez faire de la musique!

Aaron Edgar Editor-in-chief Rédacteur en chef drums etc.

Toronto, ON June 10 - 16 / 10 au 16 juin 2013 (416) 863-6963 www.nxne.com

THE STICKMAN DRUM EXPERIENCE CAMP Cedar Lodge Black Strap Lake, SK June 27 - July 1, 2013 27 juin au 1er juillet 2013 www.stickmandrumexperience.com

FESTIVAL DE PERCUSSIONS DE LONGUEUIL Longueuil, QC July 9-14 / 9 au 14 juillet 2013 Theme - Australia / Thème - l’Australie www.percussions.ca

KoSA INTERNATIONAL PERCUSSION WORKSHOP/ DRUM CAMP

Sortez de votre sous-sol!

NXNE 2013

Castleton, Vermont July 23-28 / 23 au 28 juillet 2013 kosamusic.com/13_Kosa18.html

ULTIMATE DRUM CAMP 2013 (UDC) Orford, QC August 20-25 / 20 au 25 août 2013 www.ultimatedrumcamp.com

REGINA DRUM FESTIVAL Regina, SK September 28-29, 2013 28-29 septembre 2013 www.jaysonbrinkworth.com/ regina-drum-festival-2013

MONTRÉAL DRUM FEST 2013 Montréal, QC October 26-27/26 - 27 octobre 2013 www.montrealdrumfest.com

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Mélissa

Lavergne The job of the percussionist is to pick your spaces and enhance the music.

To say she is well-known in Quebec is an understatement. At age 19, Melissa Lavergne joined the house band of the popular TV series Belle et Bum. The effect was like throwing a lit match into a gas tank. She was energetic, attractive, and a great percussionist. But, you know it, she suffered all sorts of slings and arrows from frustrated musicians who would have crawled over broken glass to play on such a weekly show. Some murmured she scored the gig on account of her gender, her looks—anything but her talent. Melissa has set the record straight in her typical, go-to-it manner. As she put it at the close of our interview,

“If someone wants to make it as a percussionist they better like working hard”. And so it was that Melissa Lavergne put her money where her mouth was, spending the handsome Belle et Bum remuneration on trips to all points of the globe. These are not vacations. They’re percussion expeditions. Case in point: She was in the midway through studies in Bali when I reached her. All I can say is thank God for Skype; the phone bill would have been a C-note at the very least. Believe it or not, the destinations are planned but the activities are up for grabs. She’ll go to, say, Senegal and follow her gut feeling. Invariably it leads her to the pulse; to master percussionists and purveyors of traditions she will carry home to Montreal and inject, if not in form in spirit, in her TV and live shows. Next time you’re on youtube, search “Duende Con Fusion, Montreal Drum Fest” and get it from both barrels: Melissa and Joannie Labelle. This is percussion that’s respectful of thousand year old traditions—drumming as good as it gets. We start with today. For full biographical details and activities, go to her website.

LOOKING GOOD, SOUNDING GOOD... NOT NECESSARILY GOOD “Back in Montreal when I began playing, I wanted to study bata. My teacher refused to teach me 'his secrets' so I was left on my own. And when I joined Belle et Bum, there was talk about 'the female percussionist' stealing the gig. I would be troubled: Am I playing this show because I'm a good-looking woman or because I was a good percussionist? You know, when you start playing professionally at age 19, you feel fragile. My response was to take classes—for example, in Cuba, Guinea, Senegal, New York, San Francisco and elsewhere. I'd travel alone, two months at a time, and this helped build confidence, personality, and style. I'm now 30 and I'm not the same musician I was back then.

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“I started playing percussion at age 15. At that point it was a passion and a hobby that I combined with serious dance studies (Tbw: Melissa appeared in The Nutcracker). Meeting Luc Boivin, who taught at Pierre Laporte, the arts high school I attended, changed that balance. I took percussion seriously. It was Luc who took me to see Normand Brathwaite, host of Belle et Bum, telling him, This girl needs to be on TV. We've got to put her on the show! “I was nervous but I'd been doing a casino gig on percussion for a while and I had chops and experience. Everybody at the show liked me. I wasn't totally in-the-game but I was 'in the ring'. I think I gave the team energy and soon I joined the house band.

LEADING AND FOLLOWING: PERCUSSION VS DRUMSET “The job of the percussionist is to pick your spaces and enhance the music. Luc Boivin is really good at that. You don't want to conflict with the drummer. Fortunately, Tony Albino is the drummer on Belle et Bum and he's the best in town for solidity, groove, and leaving space for percussion. “I think most of the drummers aren't used to playing with percussionists. They try to cover both roles and end up taking up all the space, leaving me wondering what to do. They should listen to Michael Jackson, or Kanye West and they'll hear distinct drummer and percussionist roles. “I consider my main instrument, these days, to be the djembe. It is the oldest instrument and has a rich history that traces from Africa to Cuba and Brazil. I see it as an instrument that will work in any style.

Le travail du percussionniste est de choisir le bon moment pour jouer afin d'ajouter à la musique.

Photo: Laurence Labat

Dire qu’elle est connue au Québec est un euphémisme. À l’âge de 19 ans, Mélissa Lavergne s’est jointe aux musiciens de la populaire émission de télévision Belle et Bum et a mis le feu aux planches. Parce qu’en plus d’être une excellente percussionniste, elle déborde de charisme et d’énergie. De toute évidence, au début, son succès n’a pas fait l’affaire de tous : certains musiciens frustrés, qui auraient été prêts à faire n’importe quoi pour obtenir un contrat hebdomadaire comme celui-là, disaient que c’était sa beauté et non son talent qui lui avait valu l’emploi. Mais Mélissa a eu vite fait de dissiper tous les doutes. Comme elle le dit si bien:

« pour vivre des percussions, il faut être prêt à y mettre l’effort. » Et ce n’est pas que des paroles en l’air : Mélissa a investi la majeure partie de son salaire de percussionniste pour Belle et Bum dans des voyages à travers le monde. Et ce n’était pas dans le but de se la couler douce, mais plutôt pour participer à toutes sortes d’ateliers de percussions. Lorsque je l’ai jointe, elle était en plein milieu d’un séminaire à Bali (heureusement que Skype existe, sinon, cet appel m’aurait coûté une petite fortune!). Croyez-le ou non; elle choisit toujours ses destinations à l’avance, mais pas toujours ses activités. Elle peut décider, par exemple, d’aller au Sénégal et une fois là-bas, elle laisse son instinct la mener au cœur de l’action, là où elle pourra échanger avec des maîtrespercussionnistes et des passeurs de traditions qui lui apprendront les techniques qu’elle intégrera plus tard, dans la forme ou l’esprit, à son travail sur la scène et à l’écran. Si vous avez un peu de temps, faites une recherche sur YouTube avec les mots « Duende Con Fusion, Montréal Drum Fest » et imprégnez-vous de l’excellent travail de Mélissa Lavergne et de Joannie Labelle, deux percussionnistes qui rendent honneur à des traditions vieilles comme le monde. L’art à son meilleur.

cours à Cuba, en Guinée, au Sénégal, à New York, à San Francisco et ailleurs. Je voyageais seule, deux mois à la fois et ça m’a beaucoup aidée quant à ma confiance, ma personnalité et mon style. Aujourd’hui, j’ai 30 ans et je ne suis plus la même musicienne que j’étais à ce moment-là. « J’ai commencé les percussions quand j’avais 15 ans. À cette époque, c’était une passion et un loisir que je pratiquais en parallèle puisque j’étudiais déjà la danse professionnelle (Mélissa a déjà participé au spectacle Casse-Noisette). Lorsque j’ai rencontré Luc Boivin, qui enseignait à Pierre Laporte, une école secondaire axée sur les arts où j’allais, ça a tout changé. J’ai commencé à jouer des percussions plus sérieusement. C’est Luc qui m’a présentée à Normand Brathwaite, l’animateur de Belle et Bum, en lui disant : il faut absolument que cette fille fasse de la télé. Il faut qu’elle fasse partie de ton show!

Mais revenons à aujourd’hui. Pour les tous les détails sur la biographie et les activités de Mélissa, n’hésitez pas à visiter son site Web.

« J’étais nerveuse, mais je faisais partie d’un spectacle au casino depuis un moment déjà, alors j’avais un peu de jeu et d’expérience. Sur le plateau, les gens m’ont adoptée tout de suite. Je n’étais pas encore complètement à l’aise, mais je m’intégrais. Je crois que j’amenais de l’énergie au moulin et c’est pour ça que j’ai pu me joindre au groupe en si peu de temps.

PAS SEULEMENT QU’UNE BELLE GUEULE ET UN BON SON

BATTERIE OU PERCUSSION : MENER LA TROUPE OU LA SUIVRE

« Lorsque j’ai débuté à Montréal, je voulais apprendre le tambour Bata. Mais mon professeur ne voulait pas révéler ses « secrets ». Je fus donc laissée à moi-même. Lorsque je suis devenue membre de l’équipe de Belle et Bum, il y avait une rumeur qui disait que ‘la percussionniste’ volait le spectacle. Je me suis alors demandé: était-ce mon apparence ou mon talent en tant que musicienne qui m’avait menée là? Lorsqu’on commence à jouer professionnellement à l’âge de 19 ans, on est vulnérable. Alors, je me suis mise à suivre des

« Le travail du percussionniste est de choisir le bon moment pour jouer afin d’ajouter à la musique. Luc Boivin est un excellent professeur pour ça. Il m’a enseigné à ne pas entrer en conflit avec le batteur. Heureusement, Tony Albino, le batteur de Belle et Bum, excelle lorsqu’il s’agit de garder le rythme et le groove tout en laissant de la place pour les percussions. drums etc.

Photo: Slypics

“When I travel to Africa, I always enjoy the community vibe. Returning home I used to find myself missing this aspect, although my generation, compared to the older generations, is much more into jamming, doing drum circles and communal activities. This helps create optimism—and the hope that one day it would be possible to make a living on percussion. “I think that the new generation of players in Cuba and Africa have learned the traditions and how to integrate them with newer forms of music, like hip-hop, successfully. In other words, to go outside the traditions, first you have to learn the traditions! When I was in San Francisco, I studied with Michael Spiro, who inspires me. He suggested I take all these rhythms I'd learned and interpret them on other instruments—a great way to find your personality and express yourself uniquely. “Africa changed me as a percussionist but I have to say that encountering the Bulerías of Seville, Spain, which are in 12/8, was a life changing event. It's a cyclical rhythm that's fascinating in its variations. Maybe I was attracted because of my familiarity with flamenco dancing. Joannie loves this, too, and we've learned 'the rules'.

WISDOM, SPACE, AND GEAR “If I had a criticism of percussionists it's that they tend to be disorganized. I think if you start off playing shakers in the A-section when rehearsing, then you're going to play shakers at the show, which is something Joannie's really good at. Percussion is about choices and the use of space—for the purpose of working with the music and particularly with the drummer. There are spots where I can play loosely with toys but when the full band comes in, I'll solidify my part. The last thing you want is other musicians looking back at you startled and confused.” Melissa endorses Sabian, Vaudou Drums, Moperc and Vic Firth. “I love my pink sticks,” she says. “The pink lacquer adds a little extra weight to a regular Vic Firth 5A. And if it causes young girls to take up drums, great!” 

www.melissalavergne.com By/Par: T. Bruce Wittet Traduction: Geneviève Hébert

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« Je crois que la plupart des batteurs n’ont pas l’habitude de jouer avec des percussionnistes. Ils essaient souvent de remplir les deux rôles et ce faisant, ils ne laissent pas beaucoup d’espace pour le percussionniste. Les batteurs devraient écouter plus de Michael Jackson ou de Kanye West afin de mieux comprendre les rôles de chacun. « En ce moment, je joue principalement du djembé, le plus vieil instrument de la planète! Avec son histoire riche et ses racines qui le rattachent à la fois à l’Afrique, à Cuba et au Brésil, il se prête vraiment à tous les styles. « Lorsque je voyage en Afrique, le sentiment de communauté me réjouit toujours. Avant, lorsque je rentrais au pays, cet aspect me manquait terriblement. Par contre, je trouve que les musiciens de ma génération participent plus facilement à des jam-sessions, à des cercles de percussion et à des collectifs que les générations précédentes. Ça m’encourage à être optimiste et à croire qu’un jour les percussionnistes pourront vivre de leur passion. « J’ai l’impression que les nouvelles générations de Cubains et d’Africains ont appris les musiques traditionnelles et qu’ils ont compris comment intégrer de façon heureuse leurs connaissances à de nouveaux genres comme le hip-hop. Autrement dit, si l’on veut s’éloigner des traditions, il faut d’abord les connaître! Lorsque j’étais à San Francisco, j’ai étudié avec Michael Spiro, qui m’a beaucoup inspirée. Il m’a suggéré de jouer les rythmes que j’avais appris sur d’autres instruments, ce qui m’a aidée à forger ma personnalité et à m’exprimer de façon unique. « L’Afrique m’a beaucoup formée en tant que percussionniste, mais je dois dire que d’être confrontée à la bulería (qui est en 12/8) à Séville, en Espagne, a changé ma vie. C’est un rythme cyclique qui me fascine dans toutes ses variations. Peut-être que ça me touche davantage à cause de mon bagage en flamenco. Joannie adore aussi cette technique et nous en avons toutes les deux appris les rudiments. »

LA SAGESSE DE FAIRE DES CHOIX « Le manque de cohérence et de cohésion est ce que je pourrais reprocher à la plupart des percussionnistes. Si pendant la répétition, tu décides de jouer du shaker pendant le refrain, il faut faire la même chose pendant le spectacle. Si l’on veut travailler en symbiose avec la musique, mais aussi avec le batteur, il faut faire des choix quant à l’utilisation de « l’espace ». Bien sûr, il y a des moments où je peux improviser avec toutes sortes d’instruments, mais lorsque je joue avec des musiciens, il faut que mon jeu se tienne. Il faut éviter à tout prix de surprendre et d’embrouiller les autres membres du groupe. » Mélissa est commanditée par Sabian, Vaudou Drums Moperc et Vic Firth. « J’adore mes baguettes roses, » précise-t-elle. « La couche de laque rose ajoute un peu de poids à la baguette Vic Firth 5A. Et si la couleur peut inciter des jeunes filles à jouer des percussions, tant mieux! » 

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couverture

Joannie

Labelle A drummer’s percussionist

Taste, touch, time — and sometimes tacet, even! I’d seen Joannie Labelle live at the prestigious Montreal Drum Fest on several occasions and I’d caught Joannie on television. When researching this interview, I searched out a slew of snippets on youtube. Indeed, I’d seen her with Melissa Lavergne, with whom she shares this cover story. Trust me, Joannie is a force on her own. She plays impeccably, solidly, melodically, and, as you’ll see, goes the distance to get her sound.

Given my bias against percussionists, this is a big compliment. I’ve played with my share of percussionists live and in the studio and have been startled by the more flamboyant among them. They are prone to racing around the stage, grabbing items as diverse as marble-sized egg shakers and elbow-sized triangles and giving them a whisk or bump, then moving on to new objects, seemingly without rhyme or reason. Joannie Labelle is not one of those showy, “arbitrary” percussionists. Okay, she’s not hard on the eyes and she’s charismatic but her real mission is scratching well below the surface, investigating folkloric and modern sounds and the traditions underscoring them. Which explains why her sounds and rhythms ring with credibility. When she’s cutting a track in the studio, say a salsa tune, she tells me that if she goes with a shaker and a cowbell during a piano montuno, odds are on take-8 she’ll be working the same instruments. Not dabbling with every toy on her trap tray. As a drummer, I appreciate this. She is making subtle adjustments in tone, timbre, and touch; she’s not grasping at straws in order to grab attention. We talked late into the evening. Given print space limitations, I suggest you check out her bio, including schooling, early gigs, recent ones, and her trips abroad seeking percussive truths—and also news about her hybrid acoustic/electronic outfit Bea boX on: http://www.joannielabelle.com/ Let’s get right to her responses to my general, thematic questions/observations.

GOING TO THE ROOTS “My teacher Alain Labrosse told me, after about four months with him, that my interest in Cuban percussion could be furthered in only one way: by going to Cuba. There I lived with a teacher of the old rumba traditions (Tbw: African drum/voice as opposed to Spanish dance hall rhumba). The way to approach this drumming is to understand the religion and the drumming sequences involved in Santeria (Tbw: melding of African Yoruba with Catholic religions). I learned many of the sacred rhythms.

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“Although I’d say my first instrument is the conga, I got attracted to bata (Tbw: the double-headed Afro-Cuban drum integral to rumba). I also play a lot of lot of djembe, timbale, Spanish cajon. And I’ve learned a lot about the Brazilian surdo...not just the open/ closed tones you mentioned to me earlier.

GETTING THE SOUND FIRST-HAND “I’ve learned a lot from books and DVDs but more from watching masters. For my work, I have to learn a variety of percussive traditions, sometimes quickly. We’re lucky here in Montreal because the percussion community is diverse and the drummers share. When I play with other drummers live, the techniques and the sound come easier. “The djembe is a good example. I’ve taken classes with Mamady Keita and discovered that there are “special sounds” and a language you learn to make these drums really come alive. And it’s a real discipline developing hands to get all these intricate, fast rhythms common in Guinea. You have to take it slowly. “It’s the same with other rhythmic traditions. To learn more than a superficial ‘samba’ rhythm, you need to explore the various influences—Portuguese, Spanish, African—and research the culture. The Santeria religious influence is strong, as it is in Cuba, but affects the music in a different way and results in using different drums, tuning, and phrasing. When I play any style, I try to incorporate respectfully the traditions. And I’m continuously learning the music, culture, and history.

MODERN COLLIDES WITH TRADITIONAL & NOBODY DIES “Right now (see website) I’m doing a project with a DJ—incorporating traditional styles with electronic or house music...... You had mentioned your encounters in Cuba with reggaeton (Tbw: calypso meets disco). For me, the songo is a more natural evolution and now, due to the openness to American influences, hip-hop is a natural integration maybe. 

Percussionniste pour batteurs Le goût, le toucher, le temps et parfois, tacet! J’ai vu Joannie Labelle jouer au prestigieux Drum Fest de Montréal à quelques reprises et aussi à la télévision. En faisant mes recherches préparatoires pour l’entrevue, j’ai visionné un grand nombre d’extraits vidéo sur YouTube. En effet, je l’ai vue jouer avec Mélissa Lavergne, avec laquelle elle partage cet article de couverture. Faites-moi confiance, Joannie est une force à elle-même. Son jeu est impeccable, solide, mélodieux et, comme vous le verrez, elle n’a pas peur de faire les efforts qu’il faut pour façonner son art. Étant donné la relation ambivalente que j’entretiens avec les percussionnistes, voilà un grand compliment. J’ai eu l’occasion de jouer avec beaucoup de percussionnistes sur scène et en studio, et les plus flamboyants d’entre eux m’ont souvent fait peur. Ils ont tendance à courir sur scène et à prendre des objets comme des shakers de la grosseur d’une bille et des triangles qu’ils brassent ou cognent une fois ou deux avant de passer à autre chose, et ce, sans raison apparente. Joannie Labelle ne fait pas partie de cette espèce de percussionniste tape-à-l’œil au jeu « arbitraire ». Oui, elle est plutôt jolie et elle a du charisme, mais sa véritable mission est de s’aventurer bien en dessous de la surface, explorant des sonorités folkloriques et modernes et les traditions qui les sous-tendent. Cela explique pourquoi ses sonorités et ses rythmes dégagent de la crédibilité. Lorsqu’elle travaille sur un enregistrement en studio, disons une pièce salsa, si elle commence avec un shaker et une cloche durant une section montuno au piano, il est probable qu’à la huitième prise, elle utilisera toujours les mêmes instruments. Elle ne se mettra pas à essayer tous les autres petits instruments sur sa table. En tant que batteur, c’est quelque chose que j’aime bien. Elle effectue de subtils ajustements de tonalité, de timbre et de toucher; elle ne tente pas désespérément d’attirer l’attention. Nous avons longuement parlé. Mais puisque nous n’avons qu’un espace limité, je vous incite à consulter sa biographie, à www.joannielabelle.com, où vous lirez à propos de ses études, ses premières performances et de plus récentes, et ses voyages à l’étranger en quête de vérités rythmiques. Vous y trouverez également des informations sur son nouvel ensemble hybride acoustique/électronique Bea boX. Passons maintenant aux réponses qu’elle m’a offertes à mes questions et observations générales et thématiques.

RETROUVER LES RACINES « Mon professeur, Alain Labrosse, m’a dit, après quatre mois de cours, que mon intérêt dans la percussion cubaine ne pouvait être qu’assouvi d’une seule façon : en me rendant à Cuba. Là bas, j’ai vécu chez un enseignant des vieilles traditions rumba (Tbw : tambour africain et voix, plutôt que la rhumba espagnole). Il faut approcher ce type de jeu avec une compréhension de la religion Santeria et de ses séquences rythmiques (Tbw : mélange des religions yoruba et catholique). J’ai appris beaucoup de rythmes sacrés. « Bien que je dirais que mon premier instrument est la conga, j’ai été rapidement interpelée par le bata (Tbw : le tambour afro-cubain à deux peaux, central à la rumba). Je joue aussi beaucoup le djembé, la timbale et le cajon espagnol. J’en ai également appris beaucoup sur le surdo brésilien… pas seulement les tonalités ouvertes/fermées dont tu me parlais plus tôt.

CHERCHER LE SON À LA SOURCE « J’ai appris beaucoup de chose en lisant des livres et en regardant des DVD, mais j’en ai appris beaucoup plus en regardant des maîtres jouer. Pour mon travail, je dois apprendre une variété de traditions rythmiques, parfois rapidement. À Montréal, nous sommes chanceux d’avoir une communauté de percussionnistes si diverse et chacun est prêt à partager. Lorsque je joue avec d’autres percussionnistes sur scène, les techniques et le son se placent facilement. 

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« Le djembé est un bon exemple. J’ai pris des leçons avec Mamady Keita et j’ai découvert qu’il y a des « sonorités spéciales » et un langage à apprendre pour vraiment donner vie à ces tambours. Et ça prend de la vrai discipline pour développer ses mains pour arriver à jouer tous ces rythmes complexes et rapides de la Guinée. Il faut s’y prendre lentement. « C’est pareil avec d’autres traditions rythmiques. Pour aller plus loin qu’un rythme samba superficiel, il faut explorer les différentes influences, portugaise, espagnole, africaine, et étudier la culture. L’influence de la religion Santeria est forte, comme à Cuba, mais elle affecte la musique de façon différente, ce qui fait qu’on utilise différents tambours, accordements et phrasés. Peu importe le style que je joue, j’essaie d’incorporer les traditions de façon respectueuse. Je suis en constant apprentissage de la musique, de la culture et de l’histoire.

LE MODERNE SE MÊLE À LA TRADITION… PERSONNE N’EST MORT « Présentement (allez voir son site Web), je travaille sir un projet avec un DJ où nous mélangeons des styles traditionnels avec de la musique électronique ou house… Tu a mentionné avoir croisé les reggaeton (Tbw : mélange calypso-disco) à Cuba. Pour moi, le songo constitue une évolution plus naturelle et aujourd’hui, grâce à l’ouverture envers les influences américaines, le hip-hop s’y prête particulièrement bien.

“Instead of club, I prefer to listen to electronic music... maybe like Bjork and Radiohead. Bjork works on the computer, processing and arranging sounds into unique works. In hiphop they’re still largely working with samples and sequencing them...sort of a free-for-all. Ultimately, the results are what matters...how things sound. For example, I listen to Nina Simone (Tbw: I interrupt, startled Joannie’s as impassioned as me about the late singer, whose version of Randy Newman’s “Baltimore” is a gem). Yes, I love the way she does that, reggae-style. You’ve got to listen to her version of “I Put a Spell on You”. It’s so good! “Currently I’m studying mridangam (Tbw: double-head percussion instrument, ostensibly resembling the bata). To understand it, I listen to a lot of Indian music and I now have a favorite singer, Aruna Sairam; her low-pitched voice works so well with mridangam tones. This is important to me these days: the relationship of human voice to drums”.

WHAT SHE PLAYS & WHAT SHE’D LIKE TO PLAY.... Space permitting it’d be nice to let Joannie explain the drum-voice connection in rumba and other forms. At the end of the day, though, I think you’ll be as impressed as I was. Joannie Labelle is becoming a master percussionist, studied and emphatically melodic. Catch her on youtube playing congas on a street corner: every note is clean and the melodic pitches are stunning. Joannie’s tools of the trade are Vic Firth sticks, Meinl percussion, and Meinl cymbals. Playing devil’s advocate, I coax her for a wish list of future endorsements. She mentions Remo due to the company’s extensive work on synthetic “skin” heads. And she nods to Tama: “They make a new drum kit that could form the basis of a hybrid percussion/drumset I’ve been imagining”.  www.joannielabelle.com By/Par: T. Bruce Wittet Traduction: Jim Angelillo Photo: Lili Labelle 12

drums etc.

« Je préfère écouter de la musique électronique, plutôt que de la musique de club… comme Bjork et Radiohead. Bjork travaille avec l’ordinateur, modifiant et arrangeant des sonorités pour en faire des pièces uniques. Dans le hip-hop, ils travaillent toujours essentiellement avec des échantillonnages et des séquences; c’est un peu fourre-tout. Ultimement, c’est le résultat qui compte… comment sonnent les choses. Par exemple, j’écoute Nina Simone (Tbw : j’interromps, étonné que Joannie soit aussi passionnée que moi par la chanteuse, dont la version de « Baltimore » de Randy Newman, est une perle). Oui, j’aime la façon qu’elle la fait, de style reggae. Il faut que tu écoutes sa version de « I Put a Spell on You ». C’est tellement bon! J’étudie en ce moment le mridangam (Tbw : tambour à deux peaux opposées, ressemblant au bata). Pour le comprendre, j’ai écouté beaucoup de musique indienne et j’ai maintenant ma chanteuse préférée, Aruna Sairam; sa voix plutôt grave fonctionne tellement bien avec les tonalités du mridang. C’est important pour moi aujourd’hui, cette relation entre la voix humaine et les tambours. »

CE QU’ELLE JOUE ET CE QU’ELLE AIMERAIT JOUER… Je dois interrompre. Pardonnez-moi. Si on avait plus d’espace, j’aimerais bien laisser Joannie expliquer le lien tambour-voix qui existe dans la rumba et dans d’autres formes. De toute façon, je crois que vous serez aussi impressionné que je l’ai été. Joannie Labelle est en voie de devenir une maître-percussionniste, érudite et clairement mélodieuse. Allez la voir jouer les congas dans la rue sur YouTube : chaque note est claire et les tonalités mélodiques étonnantes. Joannie utilise les baguettes Vic Firth, les instruments de percussion et les cymbales Meinl. Jouant l’avocat du diable, je lui demande si elle pense à de futurs contrats de commandites. Elle mentionne Remo à cause de son développement des peaux synthétiques. Et elle mentionne aussi Tama qui « fabrique une nouvelle batterie qui pourrait très bien former la base d’un instrument hybride percussion/batterie auquel je pense depuis un bout ». 

PRACTICING

THROUGH PLATEAUS

Ever since I was a kid just starting to get serious about drumming, I knew the importance of practicing technique. I also knew how painfully tedious it could be. For my own sanity, I came up with a way to somewhat remove my conscious self from the act of practicing certain things. At the time, I didn’t have any fancy computers or technology to help with this idea.

The solution was to set up a practice pad and metronome in front of my computer to watch shows and videos. With this set up I could spend literally thousands of hours working on my hands. You guessed it. I had absolutely no social life…still don’t! The thing I take from this idea was that I could separate myself. I could work my way through any roadblock (that didn’t need 100% of my concentration) simply by directing my attention to something else. My attention span lasted, at most, thirty minutes, but this way I could spend hours at one tempo working on a single pattern that would normally drive me crazy. The time just seemed to evaporate. Try it, and by the end of the practice session you just might become really good at the thing you would have previously given up on.

QUAND PRATIQUER

DEVIENT ENNUYEUX

Jeune, quand j’ai commencé à prendre la batterie au sérieux, je savais déjà qu’il était important de pratiquer la technique. Je savais aussi à quel point cela pouvait être assommant. Pour demeurer sain d’esprit, j’ai trouvé une manière de pratiquer certaines choses en n’étant presque pas conscient que je le fasse. À l’époque, je n’avais pas d’ordinateur très puissant ni de technologie pouvant me venir en aide. Ma solution était de m’installer avec un pad de pratique et un métronome devant l’ordinateur pour écouter des programmes et des vidéos. Comme cela, je pouvais passer des milliers d’heures à travailler mes mains. Vous aurez deviné que je n’avais pas de vie sociale… comme aujourd’hui, d’ailleurs! Ce que j’en retire est l’idée que j’arrivais à me séparer de ce que je pratiquais. Je pouvais surmonter n’importe quel problème technique qui ne nécessitait pas toute ma concentration simplement en portant mon attention envers autre chose. Je demeurais attentif pour une période de trente minutes seulement, mais comme ça, je passais des heures à jouer un motif à un tempo qui, en temps normal, me rendait fou. Le temps semblait disparaître. Essayez-le et, à la fin de la session de pratique, il se pourrait que vous soyez devenu super bon à jouer quelque chose que vous aviez abandonné. Aujourd’hui, je suis installé de telle façon que mon équipement vaut plus que ma maison, mais le principe est le même avec un budget beaucoup plus raisonnable. J’ai la chance d’avoir un studio d’enregistrement haut de gamme dans ma maison. J’ai une batterie Sonor SQ2 avec des micros installés en permanence, liés à deux ordinateurs. Le premier ordinateur s’occupe entièrement de l’enregistrement dans le studio et de deux

drums etc.

caméras HD qui filment ce que je fais. Il y a un écran placé directement devant moi sur lequel je vois tout cela, tandis que le clavier et le pavé tactile sont à ma droite. Le second ordinateur est habituellement à ma gauche avec un écran auxiliaire placé directement devant moi. Je peux y faire jouer des émissions de télé, des films ou autre chose directement dans mon champ de vision tout en utilisant l’autre ordinateur pour le son. J’arrive à me distraire efficacement lorsque je pratique des choses ennuyeuses. En fait, pendant que j’écris cet article, mon portable est sur ma caisse claire. Je suis assis derrière ma batterie, pratiquant des motifs de grosse caisse de Fear Factory. Même en n’y portant presque pas d’attention, et durant le temps d’écriture de cet article, j’ai remarqué de l’amélioration. Tout ça, pendant que je travaille! Il s’agit de porter juste assez d’attention pour vous assurer que vous le faites correctement. Avec le temps, vous serez en mesure de vous séparer de vos exercices assez pour écouter quelque chose ou même accomplir des tâches carrément différentes. Tous ceux qui disent ne pas avoir de temps pour pratiquer devraient considérer ceci très sérieusement.

Fast forward to modern day. The rig I’m about to describe is overkill and worth way more than my house, but the principals can be utilized in a much more cost-effective manner. I’m fortunate enough to have a very high-end recording studio in my house. I have a permanently mic’d Sonor SQ2 drum set running on two computers. The main computer deals with the full studio audio session and two full HD video streams from whatever camera angles are relevant to what I’m doing. There’s a monitor directly in front of me where I can see all of that and handle the keyboard/track pad to my right. The second computer is usually to my left with another aux monitor right in front of me. I can stream TV, movies, whatever onto the monitor directly in my line of sight and run the audio into my other computer’s session. I can literally just blend in as much as I want to keep me distracted while I’m practicing tedious material. In fact, the whole time I’ve been writing this article, my laptop has been on my snare drum. I’m sitting at my kit, pounding through Fear Factory bass drum patterns. With the little bit of attention I’ve been paying to that, I’ve noticed development already just within this article. To quote a favorite pair of YouTuber’s, The Hodge Twins, “I’m makin’ all kinds of gains!” All while I’m technically at work. It’s great!

You just have to pay enough attention to make sure you’re doing it correctly. With time, you’ll be able to separate yourself from your practice enough to watch something or to even accomplish completely different tasks. This is something all of you that claim you don’t have enough time to practice should pay attention to. You, of course, don’t need a recording studio to do this. You can set up with a practice pad kit for noise comfort, or even on a full drum set, if you have isolation phones, and then just run a little audio from your computer or TV. Consider this: if you watch, say, four shows a night, that’s eighty eight minutes without commercials if you’re streaming, and a full two hours if you’re watching on TV with commercial breaks. Do that five days a week for four weeks and you’ve just logged nearly thirty hours streaming and forty hours of actual TV. That’s a lot of time you could be spending working out the boring stuff. I’d put money on a massive improvement in your playing. So, start multi-tasking and say goodbye to your playing boundaries. Now I’m gonna hit some more Fear Factory. -- Later! 

Vous, bien sûr, n’avez pas besoin d’un studio d’enregistrement pour faire cela. Installez-vus avec un pad de pratique pour limiter le bruit ou derrière une batterie avec un casque d’écoute isolant et mettez-y un peu de son, de l’ordinateur ou de la télé. Considérez ceci : si vous écoutez, disons, quatre émissions par soirée, ça fait quatre-vingts minutes sans publicité en streaming ou deux heures à la télé en comptant les pauses publicitaires. Si vous faites cela cinq jours par semaine, ça donne de trente à quarante heures d’émissions. Ça fait beaucoup de temps pour pratiquer les choses lassantes. Je vous assure que vous pourriez améliorer votre jeu de façon exponentielle. Donc, soyez multitâches et dites adieu à vos limites de jeu. Je vais aller me taper encore du Fear Factory. -- À plus tard!  By/Par: Aaron Edgar Traduction: Jim Angelillo drums etc.

when an

quand un

obstacle

becomes an

devient un

advantage avantage z Have you ever heard the story about the farmer who wants to get rid of his donkey?

Connaissez-vous l’histoire du fermier qui voulait se débarrasser de son âne?

It was old and the farmer no longer needed it. So he put it in an old well and began burying it. At first, the donkey hee-hawed, slowly understanding what was happening. But after several minutes, nothing. When the farmer glanced into the well, he was surprised to see that the donkey had been shaking the soil off of its back. Instead of letting itself be buried, the donkey fashioned a mound, which helped him get out.

Celui-ci étant trop vieux, le fermier n’en voulait plus. Il le mit dans un puits désaffecté et commença à l’enterrer. Au début, on entendit l’âne braire, car il était en train de comprendre ce qui se passait. Puis, au bout d’un certain temps, plus rien. Quand le fermier regarda dans le puits, il fut stupéfait de voir l’âne se secouer pour faire tomber la terre. C’est ainsi qu’au lieu de se laisser enterrer, il put faire un monticule de terre et sortir du puits.

Not long ago, I felt not unlike the donkey. I seriously injured my right hand while playing soccer. I was already dreading having to cancel all my gigs when I remembered this fable. I told myself: “either you let yourself be buried, or you transform this obstacle into an advantage and get out…”

Il y a peu de temps, je me sentais comme l’âne, car je me suis très sérieusement blessé à la main droite en jouant au soccer. Je me voyais annuler tous mes spectacles. C’est alors que je me suis souvenu de cette fable et que je me suis dit : « soit tu te laisses enterrer, soit tu fais de cet obstacle un avantage pour t’en sortir… »

So I began practicing with my feet and my left hand. Since my right hand was totally immobilised, I had to learn to do things like a left-handed person (brushing my teeth and lacing my shoes were already quite the task!).

Je me suis donc mis à l’œuvre en pratiquant uniquement avec les pieds et la main gauche. Ma main droite étant totalement immobilisée, je devais donc apprendre à faire les choses comme un gaucher (me brosser les dents ou lacer mes souliers n’était déjà pas très simple!).

Fortunately, I had already begun improving my playing by inverting grooves, inspired by the The Weaker Side. I hade already made a lot of progress, but not as much as I would have wanted. After living like a left-handed person for two weeks, I was surprised to see that my left hand had developed at lightning speed! I was able to play with much more finesse, especially with ghost notes, and the sound of my snare drum had changed. But in the process, I had mostly gained speed. I used the Gladstone technique, well taught by Jojo Mayer, to slowly warm up: I played exercises very slowly over long periods of time so I could get used to playing with one hand without getting tired. Using my left hand that much, whether on the drums or in the rest of my life, has radically changed my approach. My left hand is no longer weaker than my right, which gives me confidence and reduces stress during concerts. My tempo is more precise: my brain doesn’t have to make an effort to make my left hand react as fast as my right one (during RL-RL rolls, for instance). Therefore, I can concentrate on something else since my left-hand movements are now natural and fluid. For now, I’ll move away from my charts and concentrate on my fellow musicians, which is important for band cohesion.

drums etc.

Heureusement, j’avais déjà entrepris d’améliorer mon jeu en renversant les grooves, inspiré par la méthode The Weaker Side. J’avais déjà fait beaucoup de progrès, mais pas autant que je l’aurais voulu. Après 2 semaines à faire les choses de la vie courante comme un gaucher, quelle ne fut pas ma surprise de constater que ma main gauche avait évolué à la vitesse de la lumière! J’étais capable de beaucoup plus de finesse, surtout pour les notes fantômes et le son de ma caisse claire avait changé. Mais j’avais surtout acquis beaucoup de vitesse dans le processus. J’utilisais la technique Gladstone, si bien enseignée par Jojo Mayer, afin de me réchauffer tranquillement : je faisais des exercices à basse vitesse, mais sur une période beaucoup plus longue afin de m’habituer à jouer d’une seule main sans me lasser. Le fait d’utiliser davantage ma main gauche à la batterie comme dans la vie a radicalement changé mon approche. Ma main gauche, qui était plus faible, ne l’est plus, ce qui me permet de reprendre confiance et de diminuer de beaucoup le stress lors des concerts. Mon tempo s'est précisé: mon cerveau n’ayant pas à faire un effort pour que ma main gauche réagisse à la même vitesse que la droite (lors de roulements DG-DG par exemple). De ce fait, je peux me concentrer sur autre chose puisque les mouvements du côté gauche sont maintenant naturels et fluides. J’en profite donc pour me détacher des partitions et pour porter écoute aux autres musiciens : un avantage non négligeable dans la cohésion du groupe.

Mentally, I had to do what the donkey did, find a way to come out of the hole I was in. I had to overcome my obstacle and learn to function without my right hand. I had to direct my thoughts towards a solution instead of playing the victim. It was a fine life lesson. Had I known there were so many benefits to having an injury, I would wished this on myself a long time ago!

It is essential not to forget to believe in oneself, behind the drums and elsewhere in life. You need to see things in a positive light: in my present case, I told myself that I still had a healthy hand and two feet! I could have waited for my right hand to heal before resuming drum playing, but it would have taken much more time to recover my drumming shape, and I would have never progressed as much as I did on my left side. The whole experience has made me realise that we always have a tendency to work in the same way, but we always obtain the same results. So, come on, stray off the beaten path; you’ll benefit greatly from it! 

Mentalement, il a fallu que je fasse comme l’âne et que je trouve une façon de sortir de mon propre abîme. J’ai dû surmonter l’obstacle et apprendre à me passer de ma main droite. J’ai dû tourner mon esprit vers la solution au lieu de jouer les victimes. Ce fut une grande leçon de vie. Comme j’aime dire à la blague : si j’avais su qu’il y avait tant de bénéfices à se blesser, je l’aurais fait depuis longtemps!

Il ne faut surtout pas oublier de se faire confiance, à la batterie comme dans toutes les sphères de la vie. Il faut aussi regarder du côté positif des choses : dans le cas présent, je me disais qu’il me restait encore une main et 2 pieds! J’aurais pu attendre de guérir pour recommencer à pratiquer, mais il m’aurait fallu beaucoup plus de temps pour revenir à mon niveau et je n’aurais jamais progressé de la sorte sur le maillon le plus faible de mon jeu. Cette expérience m’a ainsi permis de faire un constat intéressant : on a toujours tendance à travailler les choses de la même façon, mais on obtient ainsi toujours les mêmes résultats. N’hésitez donc pas à sortir des sentiers battus : vous en sortirez grandi!  By/Par: Franck Camus Translation: Jim Angelillo

drums etc.

Craving the

Uncomfortable Part 1: Ways to get out of your comfort zone

L’envie de

l’inconfortable La zone de confort… on l’aime et on la déteste. Je l’aime pour mes rythmes et mes passes fétiches, mais je la déteste parce qu’il peut être tellement difficile d’en sortir. Qu’est-ce que la zone de confort? Je la définis comme étant votre boîte à outils. Pensez à vos rythmes comme des marteaux et vos passes comme des tournevis. Plus votre zone de confort est grande, plus votre boîte à outils est grande. Tous les musiciens, à toutes les étapes de leur développement et de leur carrière, vivent dans une zone de confort. Peu importe que vous soyez un musicien d’expérience reconnu partout sur la planète ou un guerrier de fin de semaine qui joue au bar du coin avec ses chums. J’ai une boîte à outils. Vous avez une boîte à outils. Keith Carlock a une boîte à outil. Même Vinnie Colaiuta en a une, mais la sienne est gigantesque. Sur scène, tout le monde compte sur le filet de sécurité qu’offre la zone de confort. Elle nous donne l’assurance qu’il faut pour monter sur scène et de faire face au jugement.

Il y a quelques façons de sortir de sa zone de confort. Premièrement, essayez de vous créer des obstacles. Voici quelques trucs pour vous aider : RÉPÉTEZ À DES TEMPOS INCONFORTABLES. Il y a toujours des tempos qui nous semblent naturels. Je trouve que de jouer à des tempos de, disons, 53 BPM ou 107 BPM, est beaucoup plus difficile que de jouer à 85 BPM ou 140 BPM. UTILISEZ LE MÉTRONOME DE FAÇON À CRÉER DES DÉFIS. Cela peut être aussi simple que d’avoir le clic sur une mesure, l’éteindre sur le suivant, etc. Ou bien, vous pouvez rendre cela plus complexe en activant ou désactivant différents temps composés. MENEZ AVEC LE CÔTÉ NON DOMINANT. À un moment donné dans mon développement en tant que batteur et en tant que musicien, j’ai décidé de m’assurer que je travaille tous mes membres de façon égale. C’est peut-être parce que j’avais 15 ans et que je venais de découvrir Billy Cobham, Will Kennedy et Carter Beauford que j’ai commencé à travailler deux fois plus fort sur les choses que je connaissais déjà. J’ai pratiqué des heures durant pour amener mon côté gauche au même niveau que le droit. À l’époque, je menais presque toujours avec la main gauche; c’était vraiment difficile au début, mais je suis tellement heureux de m’être forcé à le faire. C’est en faisant cela pendant des années que j’ai acquis un niveau d’équilibre entre mes mains que je n’aurais 18

drums etc.

The comfort zone. Both loved and hated. I love it for my go to grooves and fills, but I hate it because it can be so hard to break out of. What is the comfort zone? I define it as your toolbox. Think of your grooves as your hammers and your fills as your screwdrivers. The bigger your comfort zone the larger your toolbox will be. All musicians, at every stage of their development and career, live in a comfort zone. It doesn’t matter if you’re a seasoned player with worldwide acclaim or a weekend warrior playing the local bar with your buddies. I have a toolbox. You have a toolbox. Keith Carlock a toolbox. Even Vinnie Colaiuta has one – his is massive though. When performing live, everyone relies on a comfort zone safety net. It gives us the confidence to play on stage and face judgment.

1e partie : comment sortir de sa zone de confort absolument jamais atteint autrement. Le grand Dave Dicenso me faisait mener avec le pied gauche à la grosse caisse pendant ses leçons. C’était horrible! Mais c’est en faisait cela que j’ai amélioré à la fois l’équilibre entre mes deux pieds et la sonorité de mon jeu à la grosse caisse double. Un excellent obstacle à s’imposer est d’installer sa batterie comme si l’on était gaucher (si on est droitier, bien sûr) et de jouer comme ça, grooves, passes et tout le reste! Vous vous sentirez comme un débutant (j’ai toujours ce sentiment), mais c’est un défi plaisant. INSTALLEZ VOTRE BATTERIE D’UNE FAÇON INCONFORTABLE. Il est parfois bon d’imposer un défi physique à votre jeu. Essayez d’installer vos tambours et vos cymbales plus loin pour forcer vos bras à les atteindre. Ou bien, essayez l’opposé, soit de tout rapprocher pour vous forcer à travailler la précision de vos coups de baguette. Un autre bon exercice consiste à bouger dans des directions inhabituelles. J’essaie de bouger dans toutes les directions en menant avec une main ou l’autre. Évidemment, je ne fais pas ça en créant de la musique, mais c’est un excellent exercice d’entraînement. Pensez au joueur de football qui court dans des pneus; il ne fait pas cela lors des parties, mais ça le rend plus rapide et plus fort. UTILISEZ DES BAGUETTES DIFFÉRENTES. Un bon exercice est de pratiquer avec différentes sortes de baguettes, que ce soit des baguettes de parade, des hot rods ou des balais. J’utilise parfois des baguettes de parade pendant une semaine et, ensuite, je passe une semaine à faire les mêmes exercices aux mêmes tempos avec des balais. Cela force vos muscles à travailler et à s’adapter. Lorsque vous revenez à vos baguettes habituelles, vos mains fonctionnent à merveille! JOUEZ SUPER DOUCEMENT. La batterie est un instrument à volume élevé, donc plutôt que frapper sans retenue, ce qui est naturel, essayez de jouer à bas volume, super doucement, mais en conservant l’intensité. Avec surprise, c’est ce qu’il y a de plus difficile à faire à la batterie, surtout si vous jouez une passe folle à la Dave Weckl en triples croches à 100 BPM. Vous obtenez certainement un meilleur rebond avec des coups plus forts, mais en ne jouant qu’à cinq centimètres de la surface de jeu, vous améliorez votre contrôle et votre finesse. Ian Froman en est un maître; il est super intense à des volumes super bas. Dans le prochain numéro, nous explorerons d’autres façons de sortir de votre zone de confort. D’ici là, n’arrêtez pas de jouer! 

There are a few ways to get out of your comfort zone. First, try to make obstacles for yourself. There are several ways to do this: PRACTICE AT UNCOMFORTABLE TEMPOS. There are always tempos that feel more natural to play in then others. I find practicing at tempos like 53 BPM or 107 BPM to be far more challenging than, say, 85 BPM or 140 BPM. USE THE METRONOME IN CHALLENGING WAYS. This can be as simple as having the click on for one bar and then silent for another, or as complicated as making different time signatures both audible and silent. LEAD WITH THE NON-DOMINANT SIDE. At one point in my development as a drummer and as a musician, I decided to make sure I worked all my limbs equally. Maybe it was being 15 years old and introduced to Billy Cobham, Will Kennedy and Carter Beauford that made me have to work twice as hard on things I already knew how to do. I practiced for hours to get my left side up to par. At the time, I was pretty well just leading with my left – it was tough at first, but I’m so glad I forced myself to do it. By doing that for years, I created a level of balance between my hands that I doubt I would have had before. The great Dave Dicenso used to make me lead with my left foot on the bass drum during lessons. That sucked! Although by doing that I improved my balance and the sound of my double kick chops. One great obstacle is to set up left-handed (if you’re a righty) and play completely left-handed. That means fills and everything. You will feel like a beginner – I still do – but it sure is a fun challenge. SET UP THE KIT IN AN UNCOMFORTABLE WAY. Sometimes it’s a great exercise to make playing your drums more of a physical challenge. Try setting your drums and cymbals higher and farther away to force your arms to reach even more. Or, try the opposite: place things really tight together to force you to be

super accurate in your strokes. Another great exercise is to move in odd directions that you wouldn’t normally. I practice moving in every possible direction leading with either hand. Sure, I rarely do that while creating music, but it’s a good training exercise. Think of a football player running through tires – he doesn’t do that on the field but the practice makes him faster and stronger. USE DIFFERENT STICKS. A great exercise is to practice with different types of sticks, from marching sticks to hot rods and brushes. I sometimes will use marching sticks on one of my kits for a week straight and then I’ll go to brushes and do the exact same exercises and tempos. This forces your muscles to work and adapt. When you go back to your normal sticks, your hands will feel amazing. PRACTICE SUPER QUIET. Drums are loud by nature, so instead of blasting away, which is the natural way of playing, try playing super low and quiet, but still with intensity. Surprisingly, this is one of the hardest things to do on the kit, especially when you are pulling off a wacky linear 32nd note Dave Weckl-style at 100 BPM. You get more rebound with bigger strokes, but by playing no more than two inches off the playing surface you gain control and finesse. Ian Froman is a master of this; he blazes at super low volumes. Next issue we will explore some additional ways to get out of your comfort zone. Until next time. Keep on drumming! 

By/Par: Andrew Shoniker Traduction: Jim Angelillo

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Ralph Angelillo 1-888-928-1726 ralph@drumsetc.ca

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Joannie Labelle

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APRIL / AVRIL 29 - Montréal, QC - Italmélodie 30 - Ottawa, ON - Dave's Drum Shop MAY / MAI 1 - Ottawa, ON - Dave's Drum Shop 2 - Toronto, ON - Just Drums

clinic

review As part of his Canadian tour, Virgil Donati stopped in Montréal. If you don’t already know this guy, he is a master of independence, and uses a wide variety of techniques. His style is quite elaborate, which isn’t for everyone. His groove is monstrous, but he prefers playing with rhythms. A simple 4/4 beat magically modulates into a 5 or a 7. Some like this, while others are left wondering what is happening, because Virgil’s playing is very dense. More than two hours of this can be too much. But one thing is certain, he is dedicated to his instrument like no other and that, everyone can understand.

critique

atelier

Dans le cadre de sa tournée canadienne, Virgil a fait un arrêt à Montréal. De toute évidence, ce batteur possède une indépendance hors norme et utilise une grande variété de techniques. Son style est plutôt élaboré et pas à la portée de tous. Il possède un groove du tonnerre, mais préfère jouer dans les rythmes. Même un simple 4/4 se transforme par magie sous vos yeux en un rythme complexe de 5 ou 7. Certains aiment, d’autres restent perplexes, car le jeu est vraiment très fourni et le suivre plus de 2 heures peut être ardu. Cependant, une chose est sûre : il est dédié à son instrument comme personne et ça, tout le monde peut le comprendre. drums etc.

ON YOUR MARK, GET SET, GO.... 1....2....3....4.... no wait, a little faster

1..2..3..4.. even faster

1,2,3,4

À VOS MARQUES! PRÊTS! PARTEZ! 1....2....3....4.... non, un peu plus vite

1..2..3..4.. plus vite encore

1,2,3,4

For many drummers playing with a band for the first time, the challenge they face is to feel confident in counting off the songs at the right tempo. I have asked some of my beginner students who are in bands what they think about before they count off a tune. Their answers: “click the sticks together really hard”, “look at the prettiest girl in the audience”, “count to 4 loud & fast”. Once in a while I get: “the feel and groove of the song”, “try to get the tempo in my head”, ”sing the most recognizable part of the song to myself, then count off the song”. These are all correct. Currently, I am performing with a Top 40 group from Toronto called RadioPlay. The band members are all talented and experienced musicians and we play everything from Lady Gaga to Guns & Roses. Every few weeks we learn new current hits, although unfortunately we don’t get to rehearse often due to everyone’s busy schedule. One thing I do to be prepared for gigs without rehearsals is to document every tune. This may be as simple as documenting one or two beats from the song. For something more complicated, I will chart the entire tune out. I will note the artist, song title, length of tune, feel and, of course, I will make it mandatory to figure out the tempo of each song with my metronome. Having the beats-per-minute on a chart in front of me gives me an indication of how fast or how slow the tune should be played at.

I always try to internalize the most recognizable part of the song and sing that melody over and over to myself to get into the groove and feel, and then I count it off. Each songs catchy part will be different. It might be the guitar riff in the verse that grabs you, a drum fill, or the vocal harmonies in the chorus. Everyone will find something in a song that will help them eternalize it. Most of the time, I just vamp on the vocal melody of the chorus then count in the song. This way you are making musical connections as opposed to just counting numbers off without thinking of what you are going to play. The more you listen and practice with a metronome to the music that you perform, the more consistent you will become in your groove, feel and meter night after night. Nothing is worse than having a band member give you the evil eye within the first few bars after you counted off the tune too slow or too quick. Usually, this will come from a singer. It is really important that they are comfortable with the tempo as breathing is a big part of singing – if your tempo is not what they are used to, their whole approach will change and make it more challenging for them. I have always found the best compliment on a gig from any band member is to have them say nothing. If I can perform an entire evening with no band members saying anything to me about my tempos and meter, I know I had a great night. So get ready | Think tempo

During our performance, I might get a chance between songs to use my metronome as a reference check for the tempo. I will usually do this for songs that I am not too familiar with or have never heard before. This helps me get the pulse locked into my head and then I count the song off. There are many times, though, that this opportunity is not available as we usually roll from one song to the next keeping the dance floor filled and the momentum of the band moving forward. So what do you do?

Pour beaucoup de batteurs qui jouent en groupe pour la première fois, le défi auquel ils font face est de faire le décompte des chansons au bon tempo. J’ai demandé à plusieurs de mes élèves à quoi ils pensent juste avant de faire le décompte avant une chanson. Voici ce qu’ils m’ont répondu : « frappez les baguettes ensemble très fort », « regarder la plus belle fille de l’auditoire », « compte jusqu’à 4 fort et rapidement ». Parfois on me dit : « la pulsation et le groove de la chanson », « j’essaie de déterminer le tempo dans ma tête », « je me chante la portion la plus reconnaissable de la chanson et puis je fais le décompte ». Ce sont toutes de bonnes réponses. Je joue actuellement au sein d’une formation « top 40 » de Toronto nommée RadioPlay. Les membres du groupe sont très talentueux et expérimentés et nous jouons de tout, de Lady Gaga à Guns & Roses. À quelques semaines d’intervalle, nous apprenons les nouveaux succès du moment, mais, malheureusement, nous n’avons pas la chance de répéter souvent, car tout le monde a un horaire très occupé. L’une des choses que je fais en guise de préparation pour les spectacles, sans répétition, est de documenter chaque chanson. Ça peut vouloir dire de noter un ou deux rythmes de la chanson. Mais pour une pièce plus complexe, je la transcris en entier. J’inscris le nom de l’artiste, le nom de la chanson, sa durée, son style et, bien sûr, je m’assure de déterminer et de noter le tempo de chaque chanson avec mon métronome. Le fait d’avoir les battements par minute devant moi me donne une indication de la vitesse à laquelle une chanson doit être jouée. Lors d’un spectacle, il arrive que je puisse utiliser mon métronome entre les chansons pour vérifier le tempo. Je le fais habituellement pour les chansons qui me sont moins familières ou que je n’ai jamais entendues avant. Ça m’aide à installer la pulsation dans ma tête et puis je fais le décompte au début de la chanson. Mais souvent, je n’ai pas la chance de le faire, car les chansons se succèdent rapidement afin d’entretenir la piste de danse et l’élan du groupe. Quoi faire? J’essaie toujours d’intérioriser la portion la plus reconnaissable d’une chanson et je répète cette mélodie sans cesse afin de m’imbiber du groove. Après cela, je lance le décompte. La portion accrocheuse de chaque chanson est différente. Parfois, c’est un riff

On you mark | Internalize melody, feel & groove Get set | Make sure the band is all ready Go | Count it in

de guitare dans le couplet qui vous accroche, parfois c’est une passe de batterie ou les harmonies vocales dans le refrain. Chacun peut trouver quelque chose dans une chanson qui les aidera à s’en souvenir. En général, je chante la mélodie vocale tout bas et je fais le décompte. C’est une manière de faire un lien musical plutôt que de simplement compter des chiffres sans penser à ce que vous vous apprêtez à jouer. Plus vous écoutez et pratiquez la musique que vous jouez avec un métronome, plus votre groove et votre sens du rythme et de la pulsation seront réguliers et ce, soir après soir. Il n’y a rien de pire que de voir un membre de votre groupe vous lancer un regard accusateur après avoir fait un décompte trop lent ou trop rapide. C’est souvent le chanteur qui se sent lésé. Il est important que le chanteur soit à l’aise avec le tempo, car la respiration est une part essentielle du chant; si le tempo que vous imposez n’est pas celui auquel il est habitué, il devra changer son approche, rendant la tâche plus difficile pour lui. Le meilleur compliment qu’on puisse me faire pendant un spectacle est de ne recevoir aucun commentaire de la part des membres du groupe. Si je joue un spectacle complet sans qu’un membre du groupe ait à me dire quoi que ce soit à propos du tempo ou de la pulsation, je sais que j’ai eu un bon spectacle. Préparez vous | pensez au tempo À vos marques | intériorisez la mélodie et le groove Prêts | assurez vous que tout le groupe soit prêt Partez | le décompte

www.salemdrum.com By/Par: Jeff Salem Traduction: Jim Angelillo drums etc.

Beat Slicing MAY / MAI 6 - Québec, QC - Le Petit Impérial 7 - Montréal, QC - Théâtre Plaza 8 - Pickering, ON - Long & McQuade 9 - Edmonton, AB - Long & McQuade 10 - Calgary, AB - The Orpheus Theatre 11 - Vancouver, BC - Science World

I’ve mostly played electronic music styles over the last decade and have learned that one of the best ways to emulate programmed beats and loops is the concept of beat slicing. Chopping up drumbeats can be a lot of fun and can enhance your creativity, even if you mainly play other styles. Drum & bass, hip-hop, funk and R&B drummers can benefit from experimenting with these chopped beats.

clinic

review Sponsored by Drum Guitar Plus, Tony Royster presented Roland’s all new TD-30 drum module at the wonderful Theatre Plaza venue. Despite his youth, Tony has fascinated us for years with the richness of his playing and his unique grooves. Tony is an excellent ambassador for the brand, paying homage to the equipment with dynamic stick and finesse. He was able to demonstrate the numerous possibilities these kinds of drums offer; those who made it to the event certainly got what they came for. Although a little short, it was a nice evening.

critique

atelier

Commandité par Drum Guitar Plus, Tony Royster présentait le tout nouveau module de batterie TD 30 de Roland dans la superbe salle du théâtre Plaza. Malgré son jeune âge, Tony nous fascine depuis des années par la richesse de son jeu et son groove particulier. Excellent ambassadeur de la marque, Tony a su rendre hommage à l’équipement avec la dynamique de sa frappe et sa finesse. Il nous a montré toute l’étendue des possibilités qu’offre ce genre de batterie : ceux qui se sont déplacés ne l’ont pas fait pour rien. Ce fut une agréable soirée, quoiqu’un peu courte.

drums etc.

Depuis une décennie, je joue principalement de la musique électronique et j’ai appris que l’une de meilleures façons d’imiter les rythmes programmés est d’utiliser le concept de beat slicing (tranchage de rythme). Trancher des rythmes de batterie peut être vraiment plaisant et peut donner un essor à votre créativité, même si vous jouez surtout d’autres styles de musique. Les batteurs de drum & bass, de hiphop, de funk et de R&B peuvent profiter de ce genre d’expérimentation.

By/Par: Ydna Murd Traduction: Jim Angelillo

Let’s have a closer look. The concept of beat slicing is quite simple. Our example groove (above) is based on a 4/4 drumbeat divided into four elements. First, learn to play the entire groove until you feel confident. Pay attention to the ghost notes, which are soft notes/tap notes. Play them as softly as you technically can. Play this groove at a good variety of tempos: try 70, 90, 110 and 130 bpm, and also some numbers in between. Then practice all four elements individually, again at different tempos. The second element will be the hardest one to execute perfectly based on the ghost note, which will be played right before the accent. Spend extra practice time getting this to sound right.

Workshop

Let’s look back in time. When producers first started to sample drum grooves off records, they cut them into small pieces. They then spread them out on their keyboards and played them back in ways drummers would have never thought of trying. New and exciting drumbeats were created.

Before we start working with all four elements, practice putting together sequences containing only two different elements. Try these combinations: 1 1 2 2, 1 2 2 1, 2 2 1 1 and also the following long phrasing: 1 2 1 2 1 2 2 2 Then work on element 3 and 4 trying these combinations: 3 3 4 4, 3 4 4 3, 4 4 3 3, 3 4 3 4, 3 4 4 4, etc. Ok, now it’s time to chop up the entire groove and put it together in as many variations as possible. Here are some examples you can start with, but also try to come up with your own ideas: 1 2 3 4, 1 2 3 4, 1 2 3 4, 1 1 1 1 1 2 3 4, 1 1 2 2, 1 2 3 4, 1 1 3 2 1 4 3 2, 1 4 3 2, 1 4 3 2, 2 2 2 1 1 1 1 2, 1 1 1 2, 1 1 1 4, 2 2 2 4 This groove works well for beat slicing, but there are countless others you can apply as well. Experiment with drumbeats you play everyday or pick up a few new ones from drum books or recordings. Listen to the drums in hip-hop, drum & bass, modern R&B and electronic music styles for further inspiration. Music is always growing so make sure you are growing as a musician as well. Chop it up and have fun! 

Mais avant de commencer à travailler avec les quatre éléments ensemble, pratiquez-les en séquences contenant deux éléments différents à la fois. Essayez les combinaisons suivantes : 1 1 2 2, 1 2 2 1, 2 2 1 1 et ensuite une séquence plus longue comme suit, 1 2 1 2 1 2 2 2

Regardons cela de plus près. Le concept de beat slicing est assez simple. Notre exemple est basé sur un rythme de batterie 4/4 divisé en quatre éléments. Premièrement, apprenez à le jouer en entier de façon convaincante. Portez une attention particulière aux notes fantômes, qui doivent être jouées le plus légèrement possible. Jouez-le à différents tempos, par exemple à 70, 90, 110 et 130 bpm. Ensuite, pratiquez chaque élément séparément, à différents tempos également. Le deuxième élément devrait être le plus difficile à exécuter parfaitement à cause du placement de la note fantôme, qui doit être jouée juste avant l’accent. Il s’agira de passer plus de temps sur cet élément pour qu’il sonne correctement.

Atelier

Et puis, travaillez les éléments 3 et 4 avec ces combinaisons : Reculons dans le temps. Lorsque des réalisateurs ont commencé à échantillonner des rythmes de batterie sur des disques, ils pouvaient les couper en petits morceaux. Ils les distribuaient parmi les touches d’un clavier et pouvaient les faire jouer d’une façon dont les batteurs n’avaient jamais songé. De cette façon, de nouveaux rythmes de batterie excitants ont été créés.

3 3 4 4, 3 4 4 3, 4 4 3 3, 3 4 3 4, 3 4 4 4, et ainsi de suite. Bon, il est maintenant temps de mélanger nos quatre éléments et de créer le plus de variations possible. Voici quelques exemples avec lesquels vous pouvez commencer, mais essayer tout de même de créer vos propres combinaisons : 1 2 3 4, 1 2 3 4, 1 2 3 4, 1 1 1 1 1 2 3 4, 1 1 2 2, 1 2 3 4, 1 1 3 2 1 4 3 2, 1 4 3 2, 1 4 3 2, 2 2 2 1 1 1 1 2, 1 1 1 2, 1 1 1 4, 2 2 2 4 Ce groove fonctionne bien avec le beat slicing, mais il y en a une multitude d’autres qui s’y prêterait bien également. Expérimentez le concept avec des rythmes que vous jouez souvent ou fouillez les livres et les enregistrements pour en trouver de nouveaux. Pour vous inspirer davantage, portez une attention particulière à la batterie dans le hip-hop, le drum & bass, le R&B moderne et la musique électronique. La musique évolue constamment, donc assurez-vous d’évoluer aussi en tant que musicien. Tranchez vos rythmes et amusezvous!  drums etc.

Get Off Your You identify as a drummer, perform on a kit and play with sticks but rhythm is at the core of your musicality. This is about being a musician, not just a drummer.

George Kollias INTENSE METAL DRUMMING II

dvd

review Four years after his first DVD, George is back with a second volume. I’ll begin by saying that George is a reference in metal drumming, just like Flo Mounier, for instance. This second DVD picks up where the first ended and can come in handy for those who want to add a little intensity to their playing. Among other things, he tackles concepts related to the blast beat and double bass drum technique. George can reach 300 BPM! And he even surpasses himself when he aces Latin and jazz grooves, much to his credit.

critique dvd

Quatre ans après la sortie de son 1er DVD, George nous revient avec son 2e volet. Autant vous le dire tout de suite : George est une référence en matière de musique « métal », au même titre que Flo Mounier par exemple. Ce 2e DVD est la suite logique du 1er et peut intéresser toute personne soucieuse de rajouter un peu (voir beaucoup) d’intensité dans son jeu. On y trouve, entre autres, des concepts liés au blast beat et au jeu de double grosse caisse. George arrive sans peine à atteindre près de 300 coups par minute! Mais il se surpasse lorsqu’il groove en jouant du latin et du jazz, ce qui est tout à son honneur. 26

drums etc.

The modern day kit is a well-refined medium to manifest your creativity, but not every situation calls for the big guns to come out. Try adapting your set to match the music you make, the place it’s played and even the audience listening. Be inspired to take risks and learn from some current Canadians standing (or sitting) apart, in a good way.

Half Moon Run [Dylan Phillips] A few years ago this classically trained pianist from Ottawa answered a Craigslist ad seeking a drummer and bassist – and now that band is under the same management as Radiohead and touring Europe with Mumford & Sons. What Dylan does differently is play bass parts with his left hand on a keyboard above his bass drum, leaving the right hand free to, you know, play the drums. His parts are still intricate and arguably more distinguishable since they are less busy. Band mates also have their own tom and bass drum to chime in, like in “Call Me In The Afternoon”.

Descendre de son Vous êtes un batteur puisque vous possédez une batterie sur laquelle vous jouez avec des baguettes. Mais il ne faut pas oublier que c’est le rythme qui donne le sens à la musique. Vous êtes musicien avant tout. Les batteries d’aujourd’hui sont des outils raffinés sur lesquels vous pouvez exprimer votre créativité, mais il n’est pas nécessaire de toujours sortir l’artillerie lourde. Essayez d’adapter votre instrument à la musique que vous faites, à l’endroit où vous jouez et au public qui vous écoute. Risquez-vous à la nouveauté et n’hésitez pas à marcher dans les pas de batteurs canadiens qui se démarquent de façon positive. En voici quelques-uns :

Half Moon Run [Dylan Phillips] Il n’y a pas si longtemps, ce pianiste de formation classique originaire d’Ottawa a répondu à une annonce d’un groupe sur Craiglist qui cherchait un batteur et un bassiste. Aujourd’hui, ce groupe, qui a le même gérant que Radiohead, est en tournée européenne avec Mumford & Sons. Que fait Dylan de si particulier? Il joue de la basse de la main gauche sur un clavier suspendu au-dessus de sa grosse caisse, tout en jouant de la batterie de la main droite. Son jeu n’en est pas moins complexe et sans doute d’autant plus distinct puisqu’il est moins « chargé ». Certains membres du groupe possèdent leur propre tom et leur propre grosse caisse pour ajouter à la sauce, comme dans la pièce « Call Me In The Afternoon ».

Patrick Watson [Robbie Kuster]

Stars [Pat McGee]

Can you imagine playing an array of pots and pans on national radio? Robbie actually busts a solo during a performance of “Beijing” on Q. The key word is flexibility. His parts are melodic and translate well on a full kit at a large venue or played minimally on a subwayrailing bar.

At the risk of putting some drummers out of work, a drum machine is a great option for portability. There’s the DM1 and iKaossilator for iPhone apps and Roland makes pads you can play with sticks. When Stars drummer, Pat McGee, performs only one or two songs for radio or TV shows, he saves space and time by playing on a drum pad with pre-programmed sounds. I’m by no means advocating playing electronic drums live. That typically fails. In my setup, I use an Alesis pad connected to the Roland SP-404 sampler by a MIDI cable; this all fits in a backpack and I upload the sounds from my Mac.

Little Scream [Adam Luksetich/Jamie Thompson] Floor tom plus cymbal is a magical combo. Work it well and you can cover a variety of low tones from the skin and endless mid-range click-clacks on the rims and shell. The cymbal is predictably high. In a striking performance of “Your Radio” shot by Pitchfork.tv, Little Scream plays in a field and the floor tom/cymbal combo are both thunderous and sensitive. Remember, fewer items means your parts are more perceptible. This is a good lesson in getting more from less – it sounds like less is more, but trust me, they’re different. Another lesson: don’t play your cymbal too loud in a small room. It hurts, dude.

Folly & the Hunter [Laurie Torres] Consider this a public service announcement: floor tom fever is now pandemic. If you plan to use one, be safe and take notes from Laurie Torres. In a move on par with Dylan from Half Moon Run, you can see her in an on-the-go video pulling off double-drum-duty. Her right hand is occupied with a floor-tom and her left is tinkering away on a glockenspiel. What sets Laurie apart is an abandonment of the conventional low tone on beats 1 & 3, high tones on 2 & 4. Punchy polyrhythms, and well-composed, weaving parts make her style recognizable.

Instrument Feature: Pandero You’ve seen bands shooting live, on-the-go videos, where filmmakers like Southern Souls, Here On Out and, most famously, La Blogotheque capture bands performing in odd spots. Could you shoot a live music video with your group in a taxi ride through Paris? That actually sounds fun. The point is mobility. Shakers are the obvious option for a little cha-cha-cha, but let’s get past the triangle and djembe people. A pandero is a tambourine with a skin; play it with brushes or the tips of your fingers and it has a drum and cymbal tone in one. Sold! Approaching your craft with innovation could lead to revolutionizing the scene, like the vaudeville drummers of New Orleans re-mixed orchestral and marching percussion items into a trap-set at the end of the 19th century. Now, go take some risks with your kit. When you travel buy percussion items, experiment with technology and discover what you like from other musical drummers.

Patrick Watson [Robbie Kuster]

Stars [Pat McGee]

Pouvez-vous vous imaginer en train de jouer avec une batterie de cuisine sur les ondes radio de CBC? Robbie, lui, s’est donné en solo pendant une interprétation de “Beijing” à l’émission Q. À l’ordre du jour: beaucoup de souplesse. Ses phrasés mélodiques se traduisent aussi bien sur une large batterie lors d’un concert d’envergure que sur des casseroles dans le métro.

Au risque de mettre quelques batteurs au chômage, il faut avouer que la portabilité de la boîte à rythmes en fait une belle option. Il existe le DM1 et le iKaossilator pour les applications de iPhone et Roland fabrique des caisses de batterie électroniques sur lesquelles vous pouvez jouer avec des baguettes. Lorsque le batteur des Stars, Pat McGee, ne joue qu’une ou deux pièces à la radio ou à la télévision, il économise temps et espace en jouant sur une batterie électronique avec sons préprogrammés. Je suis loin de recommander la batterie électronique pour les concerts. Les résultats sont toujours décevants. Mais dans ma configuration, j’utilise une batterie Alesis que je branche à l’échantillonneur SP-404 de Roland avec un fil MIDI; le tout tient dans mon sac à dos et je peux téléverser directement les sons de mon Mac.

Little Scream [Adam Luksetich/Jamie Thompson] Le duo tom basse et cymbale est une combinaison gagnante. Si vous l’utilisez bien, vous pouvez obtenir du tom toute une variété de basses en frappant la peau et un nombre infini de clics et de clacs sur le rim et sur le fût. La cymbale a évidemment plus d’aigus. Dans une interprétation étonnante de « Your Radio » sur pitchfork.tv, Little Scream joue dans un champ et son duo tom basse et cymbale est à la fois sonore et délicat. Une batterie plus restreinte accentuera votre phrasé. C’est un bon exemple de « more from less » (obtenez-en plus avec un minimum) qui ne veut pas tout à fait dire la même chose que « less is more » (moins, c’est plus). Autre chose : essayez de ne pas jouer trop fort sur la cymbale si vous êtes dans une petite pièce. Ça fait mal aux oreilles.

Folly & the Hunter [Laurie Torres] Lisez ceci comme un message d’intérêt public: la fièvre du tom basse est maintenant pandémique. Si vous le convoitez aussi, faites preuve de prudence et écoutez les conseils de Laurie Torres. Dans une vidéo prise sur le vif avec Dylan de Half Moon Run, vous pouvez voir une double performance de Laurie où elle joue du tom basse de la main droite et du glockenspiel de la main gauche. Laurie se démarque par l’abandon des classiques basses sur les temps 1 & 3 et des aigus sur les temps 2 & 4. Son style se reconnaît à ses polyrythmes incisifs et à l’entrelacement de partitions soignées.

By/Par: Nick Schofield Traduction: Geneviève Hébert

Notre instrument

vedette : le pandero

Vous avez sûrement déjà vu des vidéos prises sur le vif, où des réalisateurs comme Southern Souls, Here On Out, ou plus connu encore, La Blogothèque, capturent les performances de groupes de musique dans des endroits hétéroclites. Imaginez tourner un clip avec votre groupe dans un taxi à Paris. Amusant, non? L’astuce? La mobilité. Les shakers sont l’option la plus évidente pour un petit cha-chacha, mais laissons le triangle et le djembé de côté. Le pandero, semblable à un tambourin, peut être joué avec les balais ou le bout des doigts, en plus d’avoir une sonorité qui ressemble à la fois à un tambour et une cymbale. Le truc parfait! Aborder votre art avec innovation pourrait révolutionner la scène, comme lorsque des musiciens de vaudeville de La Nouvelle-Orléans ont rassemblé dans une seule et même batterie des percussions de fanfare et d’orchestre à la fin du 19e siècle. C’est désormais à vous de prendre des risques avec votre instrument. Achetez des percussions lorsque vous voyagez, expérimentez avec la technologie et découvrez ce que vous aimez chez les autres batteurs. drums etc.

Hidden Secrets THE SCIENCE OF GREAT DRUM SOUND Part 2

David Garibaldi LESSONS: BREAKING THE CODE

dvd

review Here is a colourful DVD that will attract fans of funk and groovy bass lines. David (the motor behind Tower of Power) presents us everything he knows. It isn’t surprising then that he talks about sound level and the importance of adding relief to your playing with ghost notes, rudiments and permutations. He also talks about the advantage of playing to pre-recorded tracks. This is a nice, good sounding and motivating DVD, with a lot of explaining and close ups.

critique dvd

Voici un DVD haut en couleur qui plaira à tous les amateurs de funk et de musique avec des lignes de basse qui groovent. David (la machine derrière Tower of Power) présente ici tout son savoirfaire : pas étonnant donc qu’il aborde le niveau sonore et l’importance de donner du relief à votre jeu avec des notes fantômes, des rudiments et des permutations. Il explique aussi l’intérêt de jouer sur des pistes préenregistrées. C’est un beau produit qui sonne bien et qui est très motivant, mais il faut aimer les explications et les gros plans sur ce grand maître du funk.

Somebody made this thing? It’s pretty obvious when one looks at a drum. It doesn’t exist in nature. It didn’t hatch out of an egg. It didn’t sprout from the ground. And, hopefully, it didn’t fall from the sky. A drum is a human creation, and a pretty complex one at that.

Early experiments involving drum shells made of butter and\or margarine were understandably disappointing, but not for the reasons that one might expect. I digress. But seriously, it’s a lot of work to turn any of those materials into a drum shell. So why would anybody bother?

Now if there’s one thing humans dislike, it’s work; so if a human is going to take the time to build anything, then that thing had better do something interesting! We don’t build things without purpose, and the purpose of a drum is to make a sound that cannot be found in nature. So how does it do that?

Well, it seems that any material used will have 2 properties that absolutely influence their acoustic behavior: hardness and density. Hardness is rather self-explanatory: that is, it refers to the stiffness of the material. Density refers to the mass or weight of the material; basically how much stuff there is in it. Because a drum must vibrate to do its job, we will explore how hardness and density affect vibration, and therefore sound.

In part 1 we discussed why a drum works. Part 2 will explore the properties of the materials used in shell construction, and how they influence the sound and behavior of the instrument. As it turns out, it’s all about vibration. At this point in history, drum shells are most commonly constructed out of wood, metal and, in some cases, acrylic.

Hardness tends to govern the attack characteristic of the drum – the first sound you hear when the drum is struck. Imagine standing on a cement floor and dropping a billiard ball and a nerf ball from a few feet up. The billiard ball will make a sharp crack when it hits the ground, and the nerf ball will make a soft kind of fup sound when it hits. That’s what

SECRETS CACHÉS OU LA SCIENCE DERRIÈRE UN SON DE BATTERIE EXCEPTIONNEL Partie 2 Quelqu’un a fabriqué cette chose? Il s’agit de regarder un tambour et on s’en convainc. Ça n’existe pas dans la nature. Ce n’est pas sorti d’un œuf. Ça n’a pas poussé dans la terre. Et, je l’espère, ce n’est pas tombé du ciel. Un tambour est une création humaine, une création assez complexe s’il en est une. S’il y a une chose que les humains détestent, c’est le travail. Donc, si un humain prend le temps de fabriquer quelque chose, ça doit être intéressant! Nous ne fabriquons pas de choses sans but; le but d’un tambour est de produire un son qui ne se trouve pas dans la nature. Comment fait-il cela? Dans la première partie, nous avons regardé ce qui fait qu’un tambour fonctionne. Cette deuxième partie traitera des propriétés des matériaux utilisés dans la fabrication des fûts et comment ils influencent la sonorité et le comportement de l’instrument. Il s’avère que c’est une affaire de vibration. Aujourd’hui, les fûts de tambours sont habituellement fabriqués à partir de bois, de métal et, dans certains cas, d’acrylique. Les premiers essais, impliquant l’utilisation de beurre ou de margarine, ont été très décevants, mais pas pour les raisons auxquelles on pourrait s’attendre. Pardonnez-moi, je m’éloigne. Sérieusement, ça prend beaucoup de travail pour transformer n’importe lequel de ces matériaux en fût. Donc, pourquoi le faire?

Il semble que n’importe quel matériau possède deux propriétés qui influenceront absolument leur comportement acoustique : la dureté et la densité. La dureté est en fait la rigidité du matériau. La densité implique la masse ou le poids du matériau; c’est en quelque sorte la quantité de matière qu’il contient. Parce qu’un tambour doit vibrer pour faire ce qu’il doit faire, nous allons explorer comment la dureté et la densité affectent la vibration et, par extension, la sonorité. La dureté tend à gérer les caractéristiques d’attaque d’un tambour, soit la première sonorité qu’on entend lorsqu’un tambour est frappé. Imaginez que vous laissez tomber une boule de billard et une balle de mousse sur un plancher de ciment. La boule de billard produira un claquement très net lorsqu’elle frappera le sol, tandis que la balle de mousse produira un son feutré à peine audible. C’est en général comme cela que la dureté du fût affecte la sonorité d’un tambour. Les bois durs tendent à produire une sonorité puissante et craquante. Les bois plus mous produisent une sonorité plus ronde et feutrée. Ces qualités peuvent être intensifiées ou atténuées en fonction du choix de peaux. Nous parlerons de cela dans le prochain article, mais en général, il faut se rappeler que plus le matériau est dur, plus l’attaque est agressive. La densité, par contre, est un peu comme la paresse. Plus une matière est dense, plus il faut travailler pour la faire bouger. Un fût qui bouge est un fût qui résonne.

hardness does with a drum shell as well. Hard woods tend to produce a powerful, cracking type of attack, and softer woods produce more of a rounded, popping attack. These qualities can be enhanced or subdued to various degrees by skin selection. More on that next time, but in general: the harder the material, the more aggressive the attack. Density, on the other hand, is kind of like laziness. The more of it you have, the more you have to work to get moving, and a moving shell is a resonating shell. So why does this matter? Well, in order to get something to move, it must be pushed, and the heavier something is, the bigger the push required to get it moving. Think of an elephant and a mouse (but think of them separately, to avoid scaring the elephant). If you wanted to move the mouse, it wouldn’t take much effort. Just a gentle flick of the finger, and voila: one accelerated mouse. Flick the elephant with your finger and you’ll wind up with one irritated elephant in the same place it was before you flicked it. Fortunately, this corresponds with Newton’s laws of motion and is pretty

reliable, so we can apply it to drums. The denser the drum is, the longer (deeper) its resonating frequency will be and it will therefore favor lower pitches. As the density decreases, the drum will vibrate faster and with more vigor so it will favor higher pitches. An additional factor is sustain. We will discuss ways of manipulating sustain in later articles, but there is a relationship between resonant frequencies and sustain. Simply put, lower frequencies tend to have a lengthy, even sustain, while higher frequencies are often short-lived and very energetic. This means that although a dense drum might resonate impressively, it does so at the cost of projection and volume. Of course the opposite is true as you decrease density. The real magic happens when we start combining the properties of hardness and density. This is where we decide what color of cat we’re going to have. Want a sound that hits hard and bright, but gets out of the way fast? Use a wood

that is very hard and not too dense (like maple). Want a sound that is warm, soft, fuzzy and maybe sort of quiet? Use a wood that is dense and soft (like mahogany). Fortunately, we live in a time when there is an abundance of shell materials to choose from. I will list some of the most popular here, as well as their overall density and hardness characteristics. Remember: skins and tuning will also influence your final sound, so knowledge of the materials and their behaviors is just (insert dramatic music here) the beginning! Of course there are many other materials we can use to make drums, and luckily they all obey the same fundamental physical principles we just discussed, so I encourage you to experiment and find the material that sounds right for you. Next time we will delve into the biggest mystery of them all: skins (more dramatic music here). 

WOOD | BOIS

STEEL | MÉTAUX

MAPLE | ÉRABLE





STEEL | ACIER

[various | varié]

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BIRCH | BOULEAU

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COPPER | CUIVRE

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MAHOGANY | ACAJOU

[various | varié]

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BRASS | LAITON

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BUBINGA

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ALUMINUM | ALUMINIUM

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OAK | CHÊNE

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Beech | HÊTRE





 HARDNESS | DURETÉ  DENSITY | DENSITÉ

Donc, pourquoi est-ce important? Eh bien, pour faire bouger quelque chose, cette chose doit être poussée et plus c’est lourd, plus il faut pousser fort pour que ça bouge. Imaginez un éléphant et une souris. Il ne faut pas grandchose pour faire bouger la souris. Une légère pichenotte est tout ce qu’il faut pour la déplacer. Mais faites la même chose sur l’éléphant et il ne bougera pas d’un millimètre. Heureusement, cela correspond aux lois du mouvement de Newton et c’est très fiable, donc nous pouvons les appliquer aux tambours. Plus la matière du fût est dense, plus sa fréquence de résonnance durera et plus sa sonorité sera grave. À mesure que la densité diminue, le tambour vibrera plus rapidement et, par extension, favorisera une sonorité plus aiguë. Un autre facteur à considérer est la longueur de note. Nous discuterons plus amplement des façons de manipuler la longueur de note dans de futurs articles, mais il y a un lien entre les fréquences résonantes et la longueur de note. Brièvement, les fréquences basses tendent à avoir

une longueur de note étirée et régulière, tandis que les fréquences plus aiguës sont souvent de courte durée et très énergiques. Cela veut dire que même si un tambour fait d’une matière dense résonne de façon impressionnante, il le fait au détriment de la projection et du volume. Le contraire est également vrai. La vraie magie se produit lorsqu’on commence à combiner les propriétés de dureté et de densité. C’est ici qu’on décide quelle sera la couleur de la sonorité. Vous voulez une sonorité qui est puissante et claire, mais qui s’estompe rapidement? Utilisez du bois qui est très dur, mais pas très dense (comme l’érable). Vous cherchez à créer une sonorité qui est chaleureuse, douce, duveteuse et calme? Utilisez du bois dense et mou, comme l’acajou. Heureusement, nous vivons à une époque où nous avons accès à une abondance de matériaux. La liste qui suit contient les matériaux les plus populaires, avec leur densité générale et leur niveau de dureté. Toutefois, il ne

faut pas oublier que le choix de peaux et l’accordement influenceront également la sonorité finale des tambours, donc la connaissance des propriétés des matériaux ne constitue qu’une partie de l’équation! Il existe bien sûr plusieurs autres matériaux avec lesquels on peut fabriquer des tambours et, avec un peu de chance, ils obéiront aux mêmes principes physiques fondamentaux que nous venons de discuter. Je vous encourage donc à expérimenter et à trouver le matériau qui sonne le mieux pour vous. Dans le prochain article, nous nous attarderons au plus grand mystère qui soit, les peaux (insérer musique dramatique ici). 

By/Par: Jeff Konwalchuk Traduction: Jim Angelillo drums etc.

INSPIRATION Benny Greb THE LANGUAGE OF DRUMMING, A SYSTEM FOR MUSICAL EXPRESSION

book

review If you have seen Benny live, you know how original he is, particularly in the way he places his grooves… This book, a complement to his first DVD, explains his original method. Inside, Benny establishes a system based on letters and words that enable drummers to improve free expression. This is a practical method, inspired by how we learn language, and is meant for everyone, from beginner to pro in need of inspiration. I liked it so much, I will use it with my students to get them to see rhythm in a different light.

critique livre

Quiconque a déjà vu Benny en spectacle sait à quel point ce batteur est original, notamment dans la façon de placer ses grooves… Voici donc un livre sur sa méthode originale, venant en complément de son 1er DVD. Dans cet ouvrage, Benny établit un système basé sur des lettres et des mots qui permet d’améliorer la libre expression du batteur. Cette méthode pratique, qui s’inspire de l’apprentissage du langage, s’adresse à tous : des débutants aux batteurs confirmés en mal d’inspiration. Je l’ai tellement aimé que je compte bien l’essayer avec mes étudiants afin de leur apprendre à concevoir le rythme 30 différemment. drums etc.

where to find it how to keep it

The visceral feeling I get when inspiration knocks hits deep inside with almost no notice. And it feels good.

Trouver entretenir L’INSPIRATION Il y a quelque chose d’à la fois viscéral et subtil qui se passe en moi lorsque l’inspiration me prend. Un heureux sentiment.

By/Par: Daniel Bédard Traduction: Geneviève Hébert

I received my first shades of inspiration when I heard the drumming of John Bonham and Neil Peart. Those guys were the first to give me goose bumps. Bonham’s bass drum groove and Peart’s flawless fills impressed me so much that I was driven to understand what they were doing. This was an important moment – I had discovered how to get the fuel to practice and improve my playing. Another moment occurred when I got into jazz and stumbled upon a transcription of Tony William’s playing on the song Nefertiti in Modern Drummer magazine. Reading the transcription while listening to the recording was a complete eye-opener. It helped me to understand how such complex drumming could fit into a piece of music. This had a huge impact on me and I started listening to a lot of jazz recordings featuring Tony, Jack DeJohnette, Elvin Jones, Roy Haynes, Bill Stewart and countless others. That recording is still one of my favorites to find inspiration, and every time I go back to it, I get that special feeling. Lately, I’ve been inspired by the Vinnie Colaiuta sound check video (the Chaka Khan one) – you should be able to find it easily on YouTube. In that particular clip, Vinnie plays so many incredible ideas and displays such control of the instrument it is completely mind blowing. It is almost impossible not to be amazed by such musicianship. I now use some of those ideas in my practice and try to integrate them into my playing. Listening to inspired players is always a good way to get inspired. Inspiration and passion are infectious.

Here are a few ideas to help find, and keep, inspiration. TAKE NOTES Try to take note of inspirational moments so when you are feeling uninspired you can go back to them easily and get that feeling back. Although sometimes this might not work, it is definitely worth trying. Have a notebook dedicated to your drumming stuff and list all your favorite musical moments, the ones that hit that special spot in your musical mind. Another tool is your YouTube favorite list. Add videos to your favorites so that you are only a click away from inspiration. I have a pretty good list of videos in my favorites and from time to time I go back there and check out some awesome drumming to fuel my inspiration. PLAY ANOTHER INSTRUMENT I play some guitar. I cannot really play a gig but I have fun in my basement playing some Beatles and Neil Young songs. I find that the perspective I get from playing another instrument is really refreshing and it allows me to hear music differently and get inspiration from another source. When I don’t feel like playing drums but still feel like messing around with some music-related stuff, I usually take out my guitar and start strumming some chords or I try learning a new song. This has helped my musicianship a lot since I can now understand the harmonic structures of songs much better. Also, when I come back to the kit and play with others, I have a clearer understanding of what they are doing on their instrument and I play much better because of that. I feel like I know what’s going on around me and can contribute to the musical situations better. If you don’t want to play some guitar, just try a different instrument. The piano would be a good choice since it is kind of easy to play chords and start messing around with your favorite songs. I hope these ideas will help and encourage you to feel as inspired as I am. I’ve realized over the years that inspiration is probably the main reason why I’m still doing what I love the most: playing the drums. 

Mes premières sources d’inspiration furent John Bonham et Neil Peart. Ces gars-là ont été les premiers à me donner la chair de poule. Les irréprochables improvisations de Peart et le groove de Bonham à la grosse caisse et m’ont tellement impressionnés que j’ai cherché à comprendre comment ils s’y prenaient. Ce fut un déclic important : je venais de trouver l’envie de répéter et d’améliorer mon jeu. À une autre occasion, je me suis initié au jazz et je suis tombé sur une transcription du jeu de Tony William sur la pièce Nefertiti dans le magazine Modern Drummer. Lire cette transcription en écoutant l’enregistrement fut une révélation. Ça m’a aidé à comprendre comment un jeu complexe à la batterie pouvait s’insérer dans un tout, ce qui a eu un grand impact sur moi puisque je me suis mis à écouter beaucoup d’enregistrements jazz avec Tony à la batterie, Jack DeJohnette, Elvin Jones, Roy Haynes, Bill Stewart et bien d’autres encore. Cet enregistrement est encore aujourd’hui un de mes préférés pour puiser mon inspiration et j’éprouve le même sentiment particulier chaque fois que j’y reviens. Dernièrement, j’ai un faible pour le test de son de Vinnie Colaiuta (Chaka Khan) que vous devriez facilement trouver sur YouTube. Dans cette vidéo, Vinnie affiche une telle maîtrise de son instrument qu’il est absolument renversant. Je doute qu’il soit possible de ne pas s’extasier devant un tel sens de la musique. Aujourd’hui, je tente de reproduire quelquesunes de ses idées et de les intégrer à mon jeu. Il est toujours bénéfique d’écouter d’autres batteurs. La passion et l’inspiration sont contagieuses.

Voici donc quelques idées pour vous aider à en trouver les sources et à y revenir facilement. PRENDRE DES NOTES Essayez de prendre note de ce qui vous inspire afin de recréer ce sentiment les jours de vide créatif. Cette méthode ne fonctionne pas à tout coup, mais ça vaut quand même la peine d’essayer. Gardez un cahier de notes dédié à la batterie et inscrivez-y vos meilleurs moments musicaux, ceux qui vous allument musicalement. Mettez également vos clips YouTube préférés dans vos favoris. Vous ne serez alors qu’à un clic de l’inspiration. J’ai moimême une bonne liste de vidéos dans mes favoris que je visionne de temps à autre pour me donner de l’élan. ESSAYER UN AUTRE INSTRUMENT Je gratte un peu la guitare. Je ne jouerais pas sur une scène, mais j’aime interpréter des airs des Beatles et de Neil Young dans mon sous-sol. Jouer d’un autre instrument rafraîchit ma perspective : ça me permet d’entendre la musique différemment et c’est une autre source d’inspiration où je peux puiser. Lorsque je n’ai pas envie de jouer de la batterie, mais que j’ai quand même envie de m’amuser, je gratte un peu les cordes ou je tente d’apprendre une nouvelle pièce, ce qui développe beaucoup mon sens de la musique. Je comprends maintenant davantage les structures harmoniques des chansons. Quand je reviens à la batterie et que je m’entoure d’autres musiciens, j’ai une meilleure conception de ce qu’ils font et mon jeu s’en voit amélioré. Je saisis mieux ce qui se passe autour de moi et je peux mieux y contribuer musicalement. Si la guitare ne vous intéresse pas, essayez un autre instrument. Le piano s’avère un bon choix puisqu’il est facile d’en jouer et d’y transposer vos chansons préférées. En espérant que ces idées vous aideront et vous encourageront à trouver l’inspiration comme elles le font pour moi. Avec le temps, je réalise que c’est elle qui me pousse à faire ce que j’aime le plus: jouer de la batterie.  drums etc. 31

newsactualité

READING

MUSIC Part 3: Time Signatures

ULTIMATE DRUM CAMP 2013 If you missed your chance to participate in one of the world’s best drum camps, don’t miss this year’s Ultimate Drum Camp (UDC) at the Orford Arts Centre in Mount Orford, Quebec, from August 20-25. Imagine learning drums and percussion from the likes of Dennis Chambers, Horacio Hernandez, Mike Mangini, Giovanni Hidalgo, Raul Rekow, Flo Mounier, Simon Langlois, Emmanuelle Caplette and more! You will get the chance to choose from several master classes, concert evenings and open jams with student participation. Enjoy practice rooms with drum kits and percussion instruments every day until midnight. What’s more, camp lodging and meals are included in special packages. Sponsors for the event are Remo, Evans, Sabian, Pearl, Zildjian, Vic Firth and Ayotte Drums.

Si vous avez raté la chance de participer à un des meilleurs séminaires de batterie et de percussions au monde, ne manquez pas l’Ultimate Drum Camp (UDC) de cette année qui aura lieu au Centre d’arts Orford (Québec) du 20 au 25 août prochains. Imaginez apprendre la batterie et les percussions avec des maîtres comme Dennis Chambers, Horacio Hernandez, Mike Mangini, Giovanni Hidalgo, Raul Rekow, Flo Mounier, Simon Langlois, Emmanuelle Caplette et plus encore! Vous aurez la chance de faire votre choix parmi plusieurs cours de maîtres, concerts en soirée et jams sessions (avec participation des étudiants). Profitez tous les jours jusqu’à minuit de salles de répétition avec batteries et instruments de percussion fournis. Vous pouvez aussi demander un forfait spécial incluant l’hébergement en camp et les repas. Les commanditaires de l’événement sont Remo, Evans, Sabian, Pearl, Zildjian, Vic Firth et Ayotte Drums.

Information: (819) 437-1111 (Monday to Friday/ lundi au vendredi)

www.ultimatedrumcamp.com

drums etc.

In music, we group notes and phrases into bars (or measures). The time signature dictates the musical duration of a bar. You may have seen time signatures already and not even realized it. At the beginning of any piece of music you’ll see a number on top of another number – most commonly 4/4. Occasionally, 4/4 is represented by a capitol “C”, which refers to common time. So if you see a C in place of a time signature marking, it’s 4/4 they’re talking about.

LIRE LA MUSIQUE Partie 3 : les mesures rythmiques

En musique, on regroupe les notes et les phrases en mesures. La mesure rythmique dicte la durée musicale d’une mesure. Vous avez peut-être vu une mesure rythmique sans savoir que c’était cela. Au début de toute pièce musicale écrite sont superposés deux nombres, le plus souvent 4/4. L’on remplace parfois 4/4 par « C », venant de temps commun. Donc, si vous voyez un « C » à l’endroit où l’on voit habituellement la mesure rythmique, c’est un 4/4.

By/Par: Aaron Edgar Traduction: Jim Angelillo

Each number means something different. The top number tells us how many notes per measure. The bottom number tells us what type of note the top number is referring to. For the most part, the bottom number will be a four, which means quarter notes; however, it can also be an eight (eighth notes), a sixteen (sixteenth notes), or a two (half notes). The two is far less common – you’ll see it most often in orchestral music. It’s important to understand that you are not restricted to the notes referenced in the bottom number. For example, a bar of 4/4 doesn’t need to only include quarter notes. Any subdivision is acceptable within the measure. Each bar will hold a total of four quarter notes worth of material. Beyond that, you need to go into a second bar.

Let’s take a look at a few types of time signatures, starting with 4/4, the most common. Figure 1 is two bars of 4/4 played very differently. It’s good practice to count with your lowest common subdivision wherever possible. For figure 1 you could count the entire example in sixteenth notes. This will help ensure everything is exactly where it needs to be. Figure 2 is an eighth note-based meter, 7/8. As in figure 1, we’ve demonstrated two very different bars of 7/8. For this example, counting a single subdivision won’t line up every note. Well, without going astronomically (and pointlessly) small anyway.

Figure 3 is a sixteenth note-based meter, 13/16 – Tony Royster Jr’s favorite odd time signature. Sixteenth meters are uncommon in pop and radio music. If you start getting into prog., experimental or metal, they’re far more common and can introduce some interesting rhythmic textures into your music. Even if you don’t play them a lot, the sixteenth meters are good to work on, as being able to play them accurately will greatly improve your overall time. Finally, figure 4 demonstrates a combination of quarter, eighth and sixteenth-based meters. When you have a phrase encompassing multiple time signatures it’s called a composite meter. If you’re going to attempt this one, take it slow at first to ensure you’re playing it all correctly. 

Reading Head Music Ptwww.drumsetc.ca/time-signatures 3 over to to watch

By: Aaron Edgar these examples explained and played on video.

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Chaque nombre désigne quelque chose de différent. Le nombre du haut désigne le nombre de notes par mesure, tandis que le nombre du bas nous indique le type de note auquel le nombre du haut fait référence. En général, le nombre du bas est un 4, ce qui indique qu’on compte les mesures en noires. Toutefois, on peut également y voir un huit (croche), un seize (double croche) ou un deux (blanche). Le deux est beaucoup moins commun; on l’aperçoit le plus souvent dans des partitions de musique orchestrale. Il est important de comprendre que vous n’êtes pas limités aux notes auxquelles le nombre du bas fait référence. Par exemple, une mesure en 4/4 ne contient pas forcément que des noires. Toutes les subdivisions sont acceptées à l’intérieure d’une mesure. Chaque mesure contient l’équivalent de quatre noires. S’il y en a plus, il faut une deuxième mesure.

Regardons de plus près quelques mesures rythmiques. Commençons par la plus commune, 4/4. L’exemple 1 nous montre deux mesures en 4/4 jouées de façon très différente. Pour bien saisir le tout, il est bon de compter, si possible, en suivant la plus petite subdivision commune. Dans ce cas-ci, vous pourriez compter l’exercice entier en doubles croches. Ceci assurera que tout tombe à la bonne place.

courantes dans la musique pop. Mais si vous vous intéressez à la musique progressive ou métal, elles sont beaucoup plus courantes et peuvent vous ajouter des textures rythmiques intéressantes dans votre musique. Et même si vous ne les jouez pas souvent, les temps en doubles croches font de bons exercices de précision, tout en améliorant votre sens de la division du temps.

L’exemple 2 est à base de croches, soit 7/8. Comme dans l’exemple précédent, les deux mesures en 7/8 sont très différentes. Ici, chaque subdivision ne correspond pas nécessairement à une note, à moins de compter en subdivisions astronomiquement petites…

Enfin, l’exemple 4 montre une combinaison de mesures en noires, en croches et en doubles croches. Lorsqu’on a une phrase musicale qui couvre plusieurs mesures rythmiques, c’est un temps composé. Si vous voulez essayer de le jouer, commencez lentement pour assurer que vous jouez chaque note correctement. 

L’exemple 3 a une mesure rythmique en doubles croches, soit 13/16. C’est la mesure asymétrique préférée de Tony Royster Jr. Les mesures en doubles croches ne sont pas Rendez-vous à www.drumsetc.ca/time-signatures pour visionner ces exemples, expliqués et joués pour votre plaisir. drums etc.

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produits VANCOUVER DRUMMER ISSAH CONTRACTOR CONQUERS THE WORLD Vancouver drummer Issah Contractor is celebrating after beating thousands of hopefuls to win the Roland V-Drums World Championship held in Frankfurt, Germany last April. “I realized how expressive electronic drums really are, due to the fact each performer had chosen a variety of instruments and sounds embedded in their solos that was unique to them as artists,” said Issah. Now in its second year, the Roland V-Drums World Championship sees more than 3,000 drummers worldwide, 400 of those from Canada. Auditions were held in music stores across the country before the Eastern and Western regional finalists met on stage at the prestigious Montreal Drum Festival last year. Issah received a top-of-the-line Roland TD-30KV V-Drums V-Pro Series Kit and an all-expense paid trip to the international finals in Frankfurt. There, he squared off against 15 other winners from around the world to bid for the ultimate prize – the title of Roland V-Drums World Champion. Issah was declared the winner after a tough battle involving energy, passion and a lot of sweat and drumsticks. -- Congratulations Issah!

LE BATTEUR VANCOUVÉROIS ISSAH CONTRACTOR À LA CONQUÊTE DU MONDE Le batteur vancouvérois Issah Contractor célèbre enfin après avoir battu plusieurs milliers d’autres concurrents prometteurs au Roland V-Drums World Championship tenu en avril dernier à Francfort, en Allemagne. « J’ai réalisé à quel point on pouvait être créatif avec la batterie électronique en écoutant toutes les variétés d’instruments et de sons que les participants intégraient à leurs solos, tout aussi uniques les uns que les autres », précise Issah. Pour sa deuxième année, le Roland V-Drums World Championship a vu passer près de 3000 batteurs de partout à travers le monde, dont 400 de chez nous. Les auditions se sont tenues dans des magasins de musique partout au Canada avant que les finalistes de l’Est comme de l’Ouest se rencontrent sur scène au prestigieux Drum Fest de Montréal l’an dernier. Issah s’y était mérité une batterie haut de gamme Roland TD-30KV V-Drums V-Pro, ainsi qu’un voyage toutes dépenses payées aux finales internationales à Francfort. Puis il s’est mesuré à 15 autres gagnants de partout à travers la planète pour le titre ultime de champion du monde du Roland V-Drums. Issah a remporté la partie après avoir livré une dure bataille de laquelle exultaient l’énergie, la passion, la sueur et les baguettes. 34Félicitations drums etcIssah! .

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Toca 20th Anniversary Congas and Bongos Toca is celebrating its 20th anniversary with a series of special edition drums, each handpainted and equipped with a unique commemorative badge and Black Mirror hardware. They include an 11” quinto, an 11 3/4” conga, a 12 1/2” Tumbadora, 7” and 8 1/2” bongos, and a 12” rope-tuned Freestyle II Djembe with goatskin head. “Each 20th Anniversary drum has a solid, warm tone built on twenty years of Toca craftsmanship,” says Victor Filonovich, Director of Product for Toca.

Congas et bongos Toca 20th Anniversary Toca célèbre son 20e anniversaire avec une série de tambours offerts en éditions limitées, chacun peint à la main et décoré d’un écusson commémoratif et d’une quincaillerie noire très brillante. On y trouve un quinto de 11 pouces, un conga de 11 3/4 pouces, un tumbadora de 12 1/2 pouces, des bongos de 7 et de 8 1/2 pouces, et un djembé Freestyle II de 12 pouces avec peau de chèvre. « Chaque tambour du 20e anniversaire produit une sonorité solide et chaleureuse issue de 20 ans d’expérience, » dit Victor Filonovich, directeur de produit chez Toca.

Remo Versa Drum Versa Drum is Remo’s new line of world percussion instruments specially designed for recreational, educational, therapeutic and social settings. Besides being highly playable quality drums, Versa drums feature Remo’s Taper-Fit Drum Coupling, which means they use the special pre-tuned and removable Versa drumheads that can also be used as frame drums. Storing is easy and compact since the drums are nestable!

Remo Versa Drum Versa Drum est la nouvelle gamme d’instruments de percussion de Remo, spécialement conçus pour un usage récréatif, éducatif, thérapeutique ou social. Mis à part le fait que ce sont des tambours de qualité qui se jouent très bien, les tambours Versa exhibent une polyvalence incomparable grâce à ses peaux amovibles préaccordées pouvant s’utiliser comme des tambours sur cadre. De plus, les tambours Versa se rangent de façon compacte en s’insérant les uns dans les autres!

www.remo.com

Remo Apex Djembe Remo has upgraded its Designer Series Apex Djembe. It now has a new Green Kinte Kloth finish, improved Contour Tuning brackets and a highdensity rubber moulded base for damage protection and no sliding. The Apex Djembe is also fitted with a weather resistant Skyndeep graphic drumhead, perfect for any environment. Apex Djembes are made of ABS plastic from a traditional carved djembe design.

Djembé Remo Apex Remo a amélioré son djembé Apex, de la série Designer. Il est maintenant disponible avec le fini Green Kinte Kloth, des fixations d’accordement Contour Tuning améliorés et une base de caoutchouc à haute densité, protecteur et antidérapant. Le djembé Apex est également muni d’une peau Skyndeep, résistante aux intempéries, parfaite pour tous les environnements. Les djembés Apex sont faits de plastique ABS à partir de plans venant d’un djembé traditionnel sculpté.

Toca Triple Conga Cajon Toca has created the Triple Conga Cajon for situations that require multiple drums and a small footprint. The Triple Conga Cajon is a wood-top drum with fiberglass bowl that is compartmentalized to produce three distinct conga tones. It comes with a height-adjustable stand and is less than 36” in diameter. The sound is amazing, and it packs up fast and easy.

Toca Triple Conga Cajon Toca a créé le Triple Conga Cajon pour les situations où l’espace est limité, mais qui nécessitent plus d’un tambour. Le Triple Conga Cajon est un tambour à surface de frappe de bois posé sur un bol de fibre de verre compartimenté de sorte à produire trois tonalités de conga distinctes. Il est vendu avec son pied à hauteur ajustable et mesure moins de 36 pouces de diamètre. L’instrument sonne très bien et se transporte super facilement. www.bjmusic.com drums etc.

Remo Crown Percussion Line Remo’s Crown Percussion line now includes newly designed congas and bongos, both available in several sizes, equipped with Remo’s Tucked FIBERSKYN*3 drumheads, and chrome counterhoops and hardware. The professional quality instrument line also includes Agogo Bells, cylinder Shaker, a 6” Triangle, Maracas, Two Tone Wood Block Scraper, a wood Guiro, Cabasa, Rattle Box, Tambourines, and Bar Chimes.

Remo Crown Percussion La gamme Crown Percussion de Remo comprend maintenant des congas et des bongos redessinés, tous deux disponible dans une variété de dimensions, munies de peaux Tucked FIBERSKYN*3 de Remo et d’une quincaillerie chromée. La gamme d’instruments de qualité professionnelle comprend également des cloches agogo, des shakers cylindriques, un triangle de 6 pouces, des maracas, des blocs « deux tons », un guiro de bois, un cabasa, etc.

www.remo.com

LP Durian Wood Congas and Bongos Latin Percussion’s newest series of congas and bongos is made from exotic durian fruitwood, which makes for a 25% lighter conga that LP Classic Series congas made from Siam Oak. Besides LP’s Comfort Curve for ease of playing, the warm and open sounding Durian drums feature a dark high-gloss finish and mirrorchrome hardware. The Durian Classic Series congas come in three sizes, while the bongos come in two.

Congas et bongos LP Durian Wood www.bjmusic.com www. .com

LP Foot Tambourine There is always space for more percussion sounds. LP knows it will strike a chord (a jingle?) with its new Foot Tambourine, made from four pairs of nickel-plated jingles encased in a high-impact ABS plastic frame and attached to an elastic band. It simply slides over the player’s foot for instant accompaniment.

Tambourin au pied LP Il y a toujours de la place pour plus de percussions! LP sait qu’elle trouvera preneur avec son nouveau tambourin au pied, fait de quatre paires de grelots nickelés et enfermés dans une structure de plastique ABS ultra résistant fixé à un élastique. Glissez-le sur votre pied pour un accompagnement instantané. 36

drums etc.

Les congas et bongos de la nouvelle série de Latin Percussion sont faits de bois de durian. Cela veut dire qu’un conga est 25 % moins lourd qu’un conga de la série LP Classic, fait de chêne du Siam. À part le design Comfort Curve de LP qui promeut le confort, les tambours Durian, produisant une sonorité chaleureuse et ouverte, offre un fini foncé ultra brillant et une quincaillerie chromée. La série Durian Classic comporte trois modèles de congas et deux modèles de bongos.

Pearl Red Sparkle Boom Box Cajon Pearl Percussion’s Boom Box Cajon is now offered in a spectacular Red Sparkle Lacquer finish. The fiberglass cajon is equipped with a fixed snare system producing a crisp and articulate sound, and features built-in bass port, which magnifies the instrument’s subsonic frequencies “you can hear and feel”.

Cajon Pearl Red Sparkle Boom Box Le cajon Boom Box de Pearl Percussion est maintenant offert avec la finition spectaculaire Red Sparkle Lacquer. Ce cajon de fibre de verre est muni d’un système de cordes de timbre fixe qui produit une sonorité craquante et articulée. Il possède également un port de basses qui amplifie les fréquences subsoniques de l’instrument qu’on « entend et ressent ».

Pearl Wedge Cajon

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Featuring a wood grain Artisan II finish, Pearl’s new innovative Wedge Cajon is a three-sided instrument designed “to provide the most comfortable playing position by having two matching striking plates that are easily played by each hand while sitting in an upright position”. Made of fiberglass, the cajon is equipped with a set of fixed snares, while its large rounded backside functions as a deep resonance chamber with bass port.

Pearl Horacio Hernandez Signature Cowbells

Cajon Pearl Wedge

Pearl Percussion’s new Signature cowbells have been redesigned with the help of latin drumming legend Horacio Hernandez. The black powder coated carbon steel cowbells come in 5 models of varying size and tonal characteristics. They retain many features found on the original Horacio Hernandez cowbells, such as a swivelling mount and 2 different playing surfaces. But they now have a Quick Release bracket for ease of mounting and dismounting.

Arborant le fini de bois Artisan II finish, le nouveau cajon innovateur Wedge de Pearl est un instrument de trois côtés conçu « pour procurer la position de jeu la plus confortable avec deux surfaces de jeu facilement atteignables par les deux mains tout en étant assis bien droit ». Fait de fibre de verre, le cajon est muni d’un ensemble de cordes de timbre fixe. Son dos large et bombé sert de caisse de résonance avec port de basses.

Cloches Pearl Horacio Hernandez Signature Les nouvelles cloches signature de Pearl Percussion ont été conçues avec l’aide de la légende de la batterie latine, Horacio Hernandez. Les cloches d’acier peint noir sont disponibles en cinq modèles, de dimension et de tonalité différente. Elles conservent plusieurs caractéristiques qui se trouvaient sur les cloches Horacio Hernandez originales, comme le support pivotant et les deux surfaces de jeu. Mais elles sont maintenant équipées d’un système de fixation à relâche rapide pour une installation et une désinstallation rapide.

drums etc.

Gon Bops Fiesta Cajons and Djembe Incorporating many design features found in Gon Bops’ high-end instruments, the affordable Fiesta line of instruments is perfect for percussionists of any level. The new Fiesta cajons add mahogany and walnut finishes to the existing line, with heavy duty rubber feet. The mahogany model includes an external snare wire adjustment knob. The Fiesta djembe features a natural skin head, black hardware, and strong 7mm tuning lugs.

Cajons et djembé Gon Bops Fiesta Incorporant plusieurs caractéristiques qu’on trouve dans les instruments Gon Bops haut de gamme, la gamme d’instruments abordables Fiesta convient aux percussionnistes de tous les niveaux. Les nouveaux cajons Fiesta ajoutent les finis d’ébène et de noyer à la gamme existante, en plus de pattes de caoutchouc robustes. Le modèle d’acajou est muni d’un bouton d’ajustement des cordes de timbre. Le nouveau djembé Fiesta, quant à lui, offre une peau naturelle, nue quincaillerie noire et des vis d’accordement de 7 mm.

www.gonbops.com

Gon Bops Orestes Vilato Signature Timbales Legendary timbalero/bongosero Orestes Vilato has collaborated in the design of this new Gon Bops signature timbale set. Vilato wanted to achieve a classical timbale sound, one that would complement the simple and clean classical timbale technique. The very portable 14” and 15” timbales are made from lightweight and shallow aluminum shells, which sound very traditional, and produce warm cascara and plenty of volume. The Orestes Vilato Signature Timbale set comes with its own stand.

Timbales Gon Bops Orestes Vilato Signature Le timbalero/bongosero légendaire Orestes Vilato a collaboré à la conception de ce nouvel ensemble de timbales signature Gon Bops. Vilato voulait qu’elles produisent une sonorité de timbale classique, qui s’agencerait bien avec la technique de jeu classique simple et épurée. Les timbales de 14 et de 15 pouces, très portatives, sont faites de fûts d’aluminium léger et peu profonds qui produisent un son très traditionnel, une cascara chaleureuse et beaucoup de volume. L’ensemble de timbales Orestes Vilato Signature est vendu avec un pied.

DW Moon Mic Recording low frequency resonant instruments is always a touchy affair. DW understands this and has created the Moon Mic, specially designed to capture “hard to retrieve resonant frequencies of any bass drum to create a complete tonal spectrum”. It’s an acoustic drum resonating head cardioid pattern microphone with an 8” dynamic diaphragm, a 20 to 15,000Hz frequency response and an inverter switch. And it comes with a sturdy and versatile DW mounting stand.

Microphone DW Moon Mic Enregistrer des fréquences graves est souvent une tâche difficile. DW comprend cela et a créé Moon Mic, un microphone conçu pour capter les « fréquences résonantes difficiles à saisir venant des grosses caisses, afin de créer un spectre tonal complet ». C’est en fait un microphone cardioïde pour surface résonante muni d’une membrane dynamique de 8 pouces et offrant une réponse de fréquence de 20 à 15 000 Hz et un interrupteur d’inversion de phase. Un pied DW est fourni avec le micro. 38

drums etc.

www.dwdrums.com

drums etc.