Drums Etc [v26-n5] Fall 2014 by Drums Etc

The magazine for canadian drummers and percussionists Le magazine des batteurs et percussionnistes canadiens

free / gratuit

october

- november / octobre - novembre 2014 vol.26 no5

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Mike Martino. Zildjian Master Lather for 12 years. As a master lather, Mike knows the intense work and attention to detail that goes into creating the authentic K sound. With Kerope, Zildjian introduces a timeless addition to its K family. A sound that originated with Kerope Zildjian over a century ago. Hand crafted, Kerope cymbals look as they sound. Rich, dark, and complex. Reminiscent of cymbals from the 50s and 60s, yet distinctly modern and relevant for today’s music. Experience the authentic K sound. ZILDJIAN.COM/KEROPE

SOUND LEGACY

The magazine for canadian drummers and percussionists Le magazine des batteurs et percussionnistes canadiens

Volume 26, No. 5 October - November 2014 / Octobre - novembre 2014 Editor in Chief / Rédacteur en chef Franck Camus franck@drumsetc.ca Editorial Assistant / Assistant à la rédaction Tara Wittet Manko Contributing Writers / Journalistes Daniel Bédard, Éric Boudreault, Franck Camus, Stéphane Chamberland, Aubrey Dayle, Chris Lesso, Isabelle Roubertie, Max Senitt

Translation / Traduction Jim Angelillo Geneviève Hébert

oli beaudoin Franck Camus

Layout / Mise en page Karine Wolfe wolfe.karine@gmail.com Cover Photos / Photos de la couverture Cecilia Cardenas Photography www.facebook.com/ceciliacardenasphoto

www.drumsetc.ca

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Edito + Agenda

Publisher / Éditeur Serge Gamache (866) 834-4257 / (450) 651-4257 sergegamache@videotron.ca

Drums Etc is published 5 times per year and distributed across Canada, in drum shops, schools, rehearsal spaces, etc. This issue: 13 000 copies in 380 distribution points (circulation certified by Canada Post). Publication Mail Agreement No 40009235 / Poste-Publication Convention No 40009235 Return Address / Adresse de retour: DRUMS ETC, 753 rue Ste-Hélène, Longueuil (QC) J4K 3R5 Canada Fax: (450) 670-8683

Drums Etc est publié 5 fois l’an, et est distribué partout au Canada dans les écoles et chez les détaillants de batteries et percussions, dans les studios de répétition, etc. Ce numéro : 13 000 copies dans 380 points de distribution (circulation certifiée par Postes Canada).

The 3 R's Les 3 C

The Weaker Side « The Weaker Side »

The Macro vs. The Micro Viewpoint Un peu de perspective Aubrey Dayle

Selling Yourself: 10 Tips 10 conseils pour vous vendre

Stéphane Chamberland

Le batteur musical: Analyse de morceaux Daniel Bédard

Trigger ou micro ?

Chris Lesso

The Musical Drummer pt.2

Trigger or Microphone ?

Franck Camus Advertising / Publicité Ralph Angelillo (888/450) 928-1726 / ralph@drumsetc.ca Jeff Knowles (514) 830-3555 / jeff@drumsetc.ca

Isabelle Roubertie

648 hand/foot combinations ?! 648 combinaisons mains/pieds !?

Building your Vocabulary and Creativity Construire son vocabulaire et sa créativité

Max Senitt

Eric Boudreault

New Products Nouveaux produits

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2014

edito

agenda

PASIC 2014

Thank you, drums 20 years ago, I was hit by a neurological health problem. It was serious. I was a very active person and suddenly, I found myself in a hospital room, paralyzed. I was depressed and my future as a drummer seemed doomed. Then, horrible doubt: Am I going to recover enough to be able to play on stage once again? Though I lingered a long time on this thought, I decided I would come back to form rapidly. To this day, this attitude still informs my eagerness to learn, practice and play with musicians from as many styles as possible. The drums gave me the strength to hold on to life, despite my situation. During my period of physical rehabilitation, I was fortunate to discover the instrument under new light; it enabled me, I think, to recover much faster. Yes, my double strokes were horrible and fluidity on the toms was totally absent, but they nonetheless helped with simple daily activities like walking or going up stairs. The drums gave me hope, even though I had horrible migraines. 6 months later, I felt like I had come back to life. The drums and I became inseparable, because they helped with coordination and with my movements; I wouldn’t be what I am today without them. 20 years ago, the drums, my family and my many friends helped me come back to life, and now, I am your new editor. With our experienced team of collaborators, we will continue to unveil the secrets that will make you better drummers (considering you put them into practice, obviously!). We will continue to lean towards educational material, while we give you a glimpse of new products from your favourite manufacturers. Also, I want to thank Serge and Ralph for their trust and support.

Merci à la batterie Il y a un peu plus de 20 ans, un problème de santé neurologique me tombe dessus. Le bilan est lourd. Je me retrouve paralysé entre les 4 murs d’un hôpital, moi qui étais très sportif. J’avais la mine plutôt basse et mon avenir de batteur semblait obscurci et très noir. Un doute affreux m’a envahi : est-ce que je vais récupérer au point de pouvoir me produire un jour sur scène? Si ce doute subsista pendant très longtemps, je décidai quand même de revenir vite à une forme normale malgré tout. Mon entêtement aujourd’hui à vouloir apprendre encore et encore, à pratiquer, à jouer avec de nombreux musiciens de différents horizons n’est pas étranger à cela. La batterie m’avait donné la force de m’accrocher malgré tout. Lors de ma période de réadaptation physique, j’ai eu l’occasion de découvrir cet instrument sous un angle différent; cela m’a permis, je pense, de me remettre sur pied beaucoup plus rapidement. Certes, mes coups doubles étaient mauvais et la fluidité des passes de tom n’était vraiment pas au rendez-vous, mais en même temps cela rendait plus simple les opérations quotidiennes comme marcher ou monter un escalier. Cela me donnait un espoir et mentalement, même si j’avais encore d’affreuses migraines. 6 mois plus tard, je me sentais renaître. La batterie et moi sommes devenus inséparables, car elle m’aida dans ma coordination, dans mes mouvements; sans elle je ne serais pas ce que je suis aujourd’hui. C’est grâce à elle, à ma famille, et à mes nombreux amis que j’ai pu remonter la pente il y a 20 ans pour devenir votre nouveau rédacteur en chef aujourd’hui. Armé de collaborateurs expérimentés, nous allons continuer de vous dévoiler tous les secrets qui feront de vous de meilleurs batteurs (si vous les mettez en pratique évidemment). Nous continuerons donc de mettre l’accent sur la pédagogie tout en vous dévoilant les dernières nouveautés de vos fabricants favoris. Merci également à Serge et Ralph pour leur confiance. Franck Camus Editor-in-chief Rédacteur en chef

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november

2014

Indianapolis, IN November 19 - 22 2014 19 au 22 novembre 2014 www.pas.org/pasic.aspx

Congrès FAMEQ 2014 Fédération des Associations de Musiciens éducateurs du Québec Trois-Rivières, QC November 27 - 28 - 29 2014 27 - 28 - 29 novembre 2014 www.fameq.org/congres-fameq-2014 dg@fameq.org

WINTER NAMM SHOW 2015 Anaheim, CA January 22 - 25 2015 22 au 25 janvier 2015 www.namm.org/thenammshow/2015

CAPITALE DRUM FEST 2015 Québec, QC (Saint Augustin-de-Demaures) April 12 2015 12 avril 2015 www.boiteamusiciens.com/drumfest/

MUSIKMESSE 2015 Frankfurt, GE April 15 - 18 2015 15 au 18 avril 2015 musik.messefrankfurt.com

CMW 2015 Canadian Music Week Toronto, ON May 1 - 10 2015 1 au 10 mai 2015 cmw.net/music

en cou verture cover story

Oli Beaudoin is the new powertrain behind one of the greatest Canadian death metal bands: Kataklysm. Enjoying success in Canada, in Europe and elsewhere (they just got back from a South African tour), Kataklysm are known for their devastating rhythms on which their reputation was built over 25 years. Oli took over the drumming part of the equation in January 2013, making him one of the youngest drummers to make a living as a professional metal drummer. His seriousness and professionalism are inseparable from his success. Oli deserves it. It is no wonder Austrian and Norwegian bands want him to tour for them! OLI, GIVE US A LITTLE BACKGROUND ABOUT YOURSELF. I began playing when I was 12 years old, but it really became serious at 15, when I began taking private lessons and explored different styles like funk, blues, latin and jazz. I started practicing technique with Maurice Métayer. I would spend most of my time playing to “play-along” CDs and with bands. Then, I wanted to study in the music programme at Cegep St-Laurent, but since my sight reading skills weren’t good enough, I registered in the arts and sciences programme, which led me to have a double career as a Cegep sociology teacher and drummer. During my university studies, I continued taking lessons with Nasyr Abdul Al-Khabyyr, working on independence, and with Bruno Roy, who made me understand “feel” and how to make it come out… you know, all the abstract stuff you need to know. I played with several local bands, like Stareblind, Eternal Burden and Endast, but then, in 2011, Neuraxis was looking for a drummer. Initially, I didn’t think I had the technical (and athletic!) level required, so I practiced a lot. I got the job and we recorded the « Asylon » album, and took the road for two consecutive tours with Deicide and Sepultura as headliners. On these tours, we got to play with Austria’s Belphegor and Norway’s Keep of Kalessin, both of which hired me a few months later to do some session work, while Neuraxis was on pause. We played with Belphegor in South America and Keep of Kalessin in the U.S. and Canada. After that, Kataklysm called on me for a last minute replacement.

CAN YOU TELL US HOW SUCH A HIGH-PROFILE BAND HIRED YOU? I was very lucky to get a call from a band of that stature, but as good friend Sylvain Coutu would say, “luck is when preparation meets opportunity”. The challenge for that last minute replacement was to learn 12 songs in 2 weeks for 70000 Tons of Metal (a weeklong festival that takes place on a cruise ship). The drummer they had at the time had health issues; he left the band a few months later. So, I began working with the band for a first European tour with Ex Deo, Kataklysm’s side project. After that, I dove head first into Kataklysm with a tour of Japan and Australia in December 2013. The conditions were difficult with the time difference and daily flights. It was physically hard to keep up. 

october

november

2014

Oli Beaudoin est la nouvelle force de frappe derrière un des plus grands bands canadiens de Death métal : Kataklysm. Jouissant d’une solide réputation aussi bien au Canada qu’en Europe et partout à travers le monde (ils reviennent d’une tournée en Afrique du sud), Kataklysm est reconnu pour ses rythmes dévastateurs qui ont fait la marque de commerce du groupe depuis son émergence il y a déjà presque 25 ans. Oli a pris les rênes en tant que nouveau batteur du groupe en janvier 2013 et son parcours fait de lui un des plus jeunes batteurs à vivre de façon professionnelle du métal. Le sérieux et le professionnalisme qui le caractérise ne sont pas étrangers à ça. Ce n’est pas pour rien que des bands Autrichiens et Norvégiens se l’arrache pour des tournées, Oli le mérite! 

octobre

novembre

2014

Talking about the physical aspect, how important is that for you? In this musical genre, it’s probably the most important thing to consider if you want your career to last. I almost got tendinitis and the carpal tunnel syndrome. I have often felt inflammation in my elbows, because once I’m on stage, my goal is to give everything I have! This is why I physical health and nutrition are very important for me, particularly on tour. Maintaining healthy eating habits is hard, so I am very careful. In some countries, like the United States, they give you pizza after concerts. I need to be disciplined, because Kataklysm tours a lot (130 concerts last year). The drummer has the same responsibilities as a bandleader, so he needs to be in optimal physical and mental condition. I take supplements like protein powder, chlorella and multivitamins to compensate for the deficiencies in my diet. I always bring weights and elastics with my equipment so I can continue training on tour. I’m also very careful with my playing technique.

You’ve recently become a Pearl endorser… Yes. Since June, I’ve toured a lot and I was able to try both the Masters and Reference series. The kits sound really good, especially with the Evans heads. The Pearl hardware has no equal. And Pearl offers excellent support to its international artists. I’ve been playing Paiste cymbals forever. Lately, I’ve been very happy with the Signature Precision series. I use Vic Firth 5BN sticks. I use Roland sound modules and triggers. I’m currently working with the Japanese in developing new RT triggers that should be launched at NAMM 2015. Coupled with my Sennheiser mics, my sound is super consistent on stage. My pedals are Axis Longboards, which are the fastest in the market. Besides that, I use SlapKlatz gels, Radial Engineering electronic boxes, Puresound snare wires, and Humes & Berg cases.

YOU ARE CURRENTLY WORKING ON THE NEW ALBUM. SINCE YOU ARE A RELATIVELY NEW ADDITION TO A 25-YEAR OLD BAND, WHERE DO YOU FIT INTO THE COMPOSITION PROCESS?

CAN YOU TALK ABOUT YOUR PUSH-PULL TECHNIQUE? It’s a natural movement that reduces the effort that’s needed when things speed up. But the challenge lies in playing each note consistently, with equal volume and velocity. The playing in Kataklysm, known as “Northern Hyperblast”, often makes use of the “Free Hand” technique in which the rim is used as a lever for rebound control (see Johnny Rabb’s on-hand roll). So I worked hard to master this technique. As for the feet, I use the heel-toe technique a lot. It enables me to liberate the focus usually aimed at the feet and direct it towards the upper body, especially when playing high-speed sixteenth notes. And it also enables me to add a lot of texture and foot patterns independently from the upper body. These techniques are meant to help you attain greater musicality on the instrument; technique isn’t an end in itself. The idea is first and foremost to channel emotion through music. When I compose my rhythms, I explore dimensions, textures, and polyrhythms that hide behind more conventional metal patterns; my goal is to spice up each section of a song, a little like what Gavin Harrison develops in his method “Rhythmic Illusions”.

I got to know the guys with our previous album, Waiting For The End To Come, so we’ve maintained the band’s signature sound, and updated it. For the new album, I’m working on refining my sound and playing in a more fluid and nuanced way.

YOU SEEM VERY BUSY WITH TOURING AND YOUR PROJECTS. HOW DO YOU BALANCE THIS WITH YOUR FAMILY? There’s no doubt that music overrides everything else! When I come home after touring, I take the time to rest; family life needs to be balanced. Recovering well is important. ON the road, I use Skype to keep in touch with the family. I’m not home very often, but when I am, I want to be present! I can’t complain, I’m lucky to earn a living doing what I love, so I never rest on my laurels, because you can never take anything for granted!

WHILE WE’RE ON THE SUBJECT, CAN YOU GIVE US AN IDEA ABOUT THE NEXT KATAKLYSM ALBUM, SCHEDULED FOR 2015? Let me describe the album in four words: Groovy, Catchy, Brutal and Visceral!

THANKS OLI, THIS IS ALL GOOD NEWS!  8

october

november

2014

OLI, PARLE NOUS UN PEU DE TOI POUR CEUX QUI NE TE CONNAISSENT PAS… J’ai commencé à jouer à l’âge de 12 mais c’est surtout vers l’âge de 15 ans que je m’y suis dédié plus sérieusement, en commençant les cours privés et en explorant différents styles comme le funk, le blues, le latin et le jazz. La technique, je l’ai travaillé au départ avec Maurice Métayer. Je passais la plupart de mon temps à jouer des « play-along », ainsi qu’avec des bands. J’ai voulu ensuite entrer au Cégep St-Laurent en musique, mais étant donné que ma lecture à vue n’était pas au point, j’ai bifurqué vers les sciences humaines, ce qui m’a mené plus tard à avoir une double carrière comme prof de sociologie au Cégep, et comme batteur. Tout au long l’Université, j’ai tout de même continué à prendre des cours avec Nasyr Abdul Al-Khabyyr pour développer l’indépendance, puis après avec Bruno Roy, ce qui m’a surtout permis de comprendre le « feel » de la musique et comment l’interpréter… tu sais, tout ce qui est abstrait mais que l’on doit savoir. J’ai joué avec plusieurs groupes locaux, tels que Stareblind, Eternal Burden, et Endast, puis en 2011 j’ai vu une ouverture pour le poste de batteur dans Neuraxis. Au départ, je ne croyais pas avoir le niveau technique (et athlétique!) requis, alors j’ai beaucoup pratiqué. J’ai fini par obtenir le poste et on a ensuite enregistré l’album « Asylon », puis on est parti sur la route pour 2 tournées consécutives avec Deicide puis Sepultura en tête d’affiche. On a joué sur ces tournées avec Belphegor d’Autriche et Keep of Kalessin de Norvège, qui ont quelques mois plus tard eu besoin de mes services comme batteur de session pour des tournées alors que Neuraxis était en pause. Belphegor, c’était pour l’Amérique du Sud et Keep of Kalessin pour les É-U et le Canada. Après ça, j’ai été contacté par Kataklysm pour faire un remplacement de dernière minute.

JUSTEMENT PEUX-TU NOUS DIRE COMMENT TU AS EU LE BOULOT POUR UN POSTE AUSSI CONVOITÉ? J’ai eu en effet beaucoup de « chance » d’avoir été contacté par un groupe de cette envergure, mais comme le dirait un bon ami à moi Sylvain Coutu, « la chance, c’est quand la préparation rencontre l’opportunité ». Le défi pour ce remplacement était d’apprendre 12 chansons en 2 semaines pour le « 70000 Tons of Métal » (festival d’une semaine sur un bateau de croisière), car le batteur qu’ils avaient à l’époque était indisposé à cause de problèmes de santé, raison pour laquelle il a dû quitter le groupe définitivement quelques mois plus tard. J’ai donc commencé à travailler avec les gars pour une première tournée européenne d’un mois avec Ex Deo, le projet satellite de Kataklysm. Ensuite, ça été mon baptême du feu avec Kataklysm, commençant par le Japon et l’Australie en décembre 2013. Les conditions étaient difficiles avec le décalage horaire et les vols à chaque jour. La cadence me paraissait dure à suivre physiquement.

Pour les pieds, je joue beaucoup en talon-pointe. Cette technique permet de libérer le focus normalement accordé aux pieds au profit du haut du corps, surtout quand on joue des doubles croches à haute vitesse. Ça permet aussi d’ajouter beaucoup de textures et de motifs au niveau des pieds en interdépendance avec le haut du corps. Ces techniques permettent d'atteindre une plus grande musicalité à l’instrument et non une fin en-soi. Il faut que les émotions passent à travers la musique avant tout. Dans la composition de mes rythmes, je cherche à explorer des dimensions, des textures et des polyrythmies derrière les motifs plus conventionnels souvent au cœur du style métal dans le but « d’épicer » chaque sections à l’intérieur des chansons, un peu comme le développe Gavin Harrison dans sa méthode « Rhythmic Illusions ».

TU ES CHEZ PEARL DEPUIS PEU… Oui, depuis juin, j’ai tourné pas mal et j’ai pu essayer les séries Masters et Reference. Le son des kits est fou, surtout en combinaison avec mes peaux Evans. Le hardware Pearl est incomparable. De plus, le support qu’offre Pearl à ses artistes internationaux est excellent. Au niveau des cymbales, j’utilise Paiste depuis toujours. Je suis accro à la nouvelle série Signature Precision ces derniers mois. Pour les baguettes, j’utilise les Vic Firth 5BN. J’utilise les modules et triggers acoustiques de Roland. J’ai la chance de travailler actuellement avec les Japonais au développement des nouveaux triggers RT qui devraient sortir au NAMM 2015. En symbiose avec mes micros Sennheiser, j’ai une consistance de son à tout casser sur scène. J’utilise depuis toujours les Axis Longboards comme pédales, les plus rapides sur le marché. Pour le reste, j’utilise les gels SlapKlatz, les boitiers électroniques de Radial Engineering, les cordes de timbre Puresound et les caisses de transport Humes & Berg.

TU ÉLABORES LE NOUVEL ALBUM. SACHANT QUE TU ES LÀ DEPUIS PEU DANS UN BAND QUI EXISTE DEPUIS PRÈS DE 25 ANS, QUELLE PLACE AS-TU POUR LA COMPOSITION? J’ai appris à connaitre les gars avec notre dernier album Waiting For The End To Come, donc on a conservé la marque de commerce dans le son du groupe, tout en l’actualisant d’un cran. Pour le nouvel album sur lequel nous travaillons activement présentement, je cherche à raffiner le son dans le jeu de batterie en ajoutant plus de fluidité et de nuances. En fait j'ai un rôle d'arrangeur dans les nouvelles compositions.

EN PARLANT D’ASPECT PHYSIQUE QUELLE IMPORTANCE Y ACCORDES TU?

TU SEMBLES BEAUCOUP OCCUPÉ SUR LA ROUTE OU PAR TES PROJETS. COMMENT GARDES-TU UN ÉQUILIBRE AVEC TA FAMILLE?

Dans ce genre de musique là, c’est probablement la chose la plus importante à considérer pour la pérennité de la carrière. Je suis passé près de la tendinite et du syndrome du tunnel carpien. J’ai souvent senti de l’inflammation dans mes coudes, car quand j’embarque sur la scène, mon objectif est de tout arracher! C’est pour ça que j’attache autant d’importance au conditionnement physique et à la nutrition, surtout en tournée. Garder une nutrition saine, ce n’est pas évident, alors je fais très attention à tout ça.

C’est sûr que la musique passe avant tout! Pour garder l’équilibre en rentrant à la maison, je prends du temps pour me reposer. Ça prend un équilibre avec la famille. Il est important de bien récupérer. En tournée pour garder les relations avec la famille j’utilise Skype. Je ne suis pas à la maison souvent, mais quand je rentre, j’y suis vraiment! Je ne peux pas me plaindre, je suis chanceux de vivre de mon art, alors c’est sûr que je ne reste pas assis sur mes lauriers, on ne doit jamais rien prendre pour acquis!

Il y a des pays comme les États-Unis ou on te sert souvent juste de la pizza après les spectacles. Il faut se discipliner, car avec Kataklysm, on tourne beaucoup (130 shows durant la dernière année). Le batteur à la même responsabilité qu’un chef d’orchestre, donc il faut être en condition physique en mentale optimale. Je prends plusieurs suppléments comme de la poudre protéinée, de la chlorelle et des multivitamines pour pallier aux carences dans mon alimentation. J’amène aussi des poids ou des bandes élastiques dans mon matériel, comme ça je peux continuer à m’entraîner en tournée. Je fais également très attention à ma technique.

EN PARLANT DE ÇA AS-TU UNE IDÉE POUR LE PROCHAIN ALBUM DE KATAKLYSM QUI DOIT SORTIR EN 2015?

VEUX-TU NOUS PARLER DE TA TECHNIQUE EN PUSH-PULL? C’est un mouvement naturel pour réduire l’effort quand la vitesse augmente. Le défi, par contre, c’est de garder une consistance dans les coups, un son fort et bien égal. Le jeu de batterie dans Kataklysm, mieux connu sous le nom de « Northern Hyperblast », fait souvent usage de la technique « Free Hand », dans laquelle on utilise le bord du snare comme appui pour le rebond de la baguette (voir le roulement à une main de Johnny Rabb). Il a donc fallu que j’apprenne à bien maîtriser cette technique.

Je peux décrire ce nouvel album en quatre mots : Groovy, Catchy, Brutal et Viscéral!

MERCI OLI, CE SONT DES BONNES NOUVELLES!  olibeaudoin.com www.facebook.com/obeaudoin www.facebook.com/kataklysm By/Par: Franck Camus Cecilia Cardenas Photography www.facebook.com/ceciliacardenasphoto

octobre

novembre

2014

Trigger or microphone ?

franck

camus

In many musical contexts, it is important that we hear the drums well, even if its volume has to be very low to accompany a singer-songwriter, for instance. The audience wants to hear what he is singing and so it isn’t useful to be louder than him. In some situations, sound texture is very important, because it is at once your signature and the band’s signature. When it comes to sound, there are as many variants as there are insects on Earth. The choice is infinite, even though acoustics often obey the same rules. Since the 80s, there is a debate on whether drummers should use microphones or triggers, particularly for the bass drum. Why one more than the other?

Trigger ou micro ? Dans bon nombre de situations musicales, il importe de bien entendre la batterie, même si celle-ci doit être à faible volume pour accompagner un artiste à texte par exemple. Les gens veulent comprendre les paroles et il n’est pas vraiment utile d’enterrer le chanteur. Lors de certaines situations, la texture du son est très importante car c’est votre signature et aussi celle du groupe. En matière de sonorisation, il existe autant de variantes qu’il existe d’insectes sur terre et le choix est infini même si l’acoustique obéît souvent aux mêmes règles. Depuis les années 80, un certain débat fait rage entre les batteurs qui utilisent des micros et ceux qui utilisent des ‘’triggers’’, notamment au niveau de la grosse caisse. Pourquoi l’un plutôt que l’autre?

Voici quelques grandes règles pour vous y retrouver… Dans un premier temps, le contexte de jeu est important : le volume de jeu, la place que doit prendre la batterie pour passer à travers un mur de guitare, ou la précision à laquelle vous voulez détacher tous vos coups pour une passe ultrarapide par exemple. Estce que vous avez besoin de différentes sonorités que ne peut pas vous donner une batterie acoustique? Bref, voilà quelques questions importantes. Tout d’abord définissons ce qu’est un ‘’trigger’’ car il y a beaucoup de mauvaises interprétations à son endroit. Le ‘’trigger’’ est en fait un capteur placé sur la peau qui capte la vibration de la peau lorsque celle-ci est frappée. Rien de plus… Pour fonctionner il doit être branché à un module de son de type batterie électronique car le ‘’trigger’’ ne génère pas de son en lui-même. Le module de son permet donc d’explorer bon nombre de sonorité qui peuvent remplacer le son acoustique. Pour ma part lorsque je joue avec 2 grosses caisses dans un contexte de musique à haut niveau sonore et surtout très rapide je joue avec des ‘’triggers’’ sur les grosses caisses, car l’une ne sonne jamais comme l’autre (même avec la même tension de peaux sur des modèles rigoureusement identiques). Par contre pour une musique plus lounge ou acoustique comme du jazz ou du folk, je n’utilise que des micros sur mon kit car la sonorité acoustique de ma grosse caisse est inégalable, mais il est vrai que c’est un jeu tout en douceur et tout en nuance. En parlant de nuance, on pense souvent à tort qu’avec des ‘’triggers’’ on ne peut en avoir. Cela vient souvent du fait que les batteurs jouant avec ça, le font car leur jeu est très rapide. (De nos jours il n’est pas rare de voir certains batteurs proches de 300 bpm en double croche.) A cette vitesse un micro ne permet pas de détacher les coups avec suffisamment de précision et cela donne une bouillie infâme qui enterre tout. La nuance de jeu avec ces capteurs dépend de la façon dont vous réglez la sensibilité de votre module de son. Si vous le réglez de façon naturelle, la courbe de vélocité (la force de frappe) suivra celle de votre

october

november

2014

Here are several rules to help you make the difference. Fist, playing context is important: volume, do the drums need to pierce through a wall of guitars, or the precision with which you want all your notes to be heard, for example, with ultrafast fills. Do you need to use sounds that do not naturally come from an acoustic drum set? These are important questions. Let’s define what triggers are, because there are too many falsehoods about them out there. The trigger is in fact a sensor, which is placed on the drumhead. It senses the vibration of the head when it is hit. That’s all. Because the trigger itself doesn’t produce sound, it is usually linked to an electronic drum sound module. This system gives drummers the opportunity to explore a wide variety of sounds to replace acoustic sounds. For example, when I play with two bass drums in a very high volume and fast musical context, I use triggers on them, because they never sound exactly alike (even with equal head tension on identical drums). But for softer contexts, like lounge or acoustic music, jazz or folk, I use only microphones, because the acoustic sound of my bass drum is exceptional. My playing is light and nuanced.

pied ou de vos baguettes. Si vous frappez fort, le volume en sortie du module le sera également et ce sera pareil si vous frappez à faible volume. Par contre, certains batteurs règlent la sensibilité et la vélocité du module toujours au même niveau. Le volume de sortie sera donc toujours identique peu importe la force de vos coups et ceci fait dire aux gens que ces batteurs jouent sans nuance et sans groove. Tout dépend vraiment de votre objectif, mais dans un contexte de musique très lourde, on n’a pas vraiment le choix pour rivaliser et percer dans un mix.

While we’re talking about nuance, most people wrongly think that there isn’t any with triggers. This opinion often comes from the fact many drummers that use them do because they play very fast. (These days, it isn’t unusual to see some drummers play 300 bpm sixteenths.) At these speeds, a microphone doesn’t capture each note with enough precision, which produces a nasty muddled sound. Playing nuances with these sensors depend on the sensitivity settings of the sound module. If they are set in a natural way, the velocity curve (note strength) will follow the one set by your feet or sticks. If you hit hard, the output volume from the module will be loud; if you hit lightly, the module’s output will be softer. But some drummers set the sensitivity and velocity at a fixed level. The output volume is then constant, whether they hit hard or softly. This is what pushes people to say these drummers play without nuance and groove. It all depends on your goal, but in a very heavy musical context, you have no choice if you want to pierce through the mix. Triggers are also timesavers during sound checks, because all you need to do is plug the sound module directly into the mixing console. A lot of sound guys like that. In an ideal world, I’d suggest using a hybrid system, with triggers and microphones. This would make it much easier to get the perfect sound texture needed for a particular style. For jazz, a couple of good microphones will do a great job. These days, it is fairly easy to purchase really good microphones. However, never forget that you should use microphones according to their characteristics and their intended purpose. Each one is made for a specific usage… a bass drum microphone is simply not made to be used with a guitar. 

HEADS ARE DURABLE AND HAVE A KILLER

TUNING RANGE OLI BEAUDOIN - (KATAKLYSM)

Les ‘’triggers’’ font également sauver du temps pour la balance de son, car il suffit de brancher le module directement dans la sono et le tour est joué. Beaucoup de sonorisateur aiment ça. Dans un monde idéal, on peut utiliser un système hybride où on met des microphones et des ‘’triggers’’; cela donne une meilleure idée ambiante du style joué. Pour le jazz, quelques bons vieux microphones feront le travail beaucoup mieux. Surtout que de nos jours on peut facilement obtenir de très bons microphones. N’oubliez pas une chose cependant, utilisez les microphones en fonction de leur caractéristiques et ce pourquoi ils sont faits. Ils ont tous un usage spécifique et ceux qui conviennent pour une grosse caisse ne conviennent pas toujours pour une guitare. 

daddario.com

octobre

novembre

2014

the

chris

lesso

r's

Being a part of something bigger than yourself. Contributing to something you believe in. The collective act of creating MUSIC. This is why we drum! If the drummer is the heartbeat of the band, the other musicians are the body, the life blood. But how to get there, counting that song off onstage, getting that gig you've always dreamed about? I want to share with you the 3 indispensable factors in making this dream a reality, and how you can use these tools in your life for success. Whether playing music in a small club or on the biggest stages, the goal is always to have those magic moments of creating music with great people. Upon looking back, I realize this never would have happened for me if it wasn't for the 3 R's: Relationships, Reading, and Resolve.

RELATIONSHIPS Making music is ALL about relationships. The days of auditions are over! Ask 10 musicians how they got their gigs, and 9 will tell you it came from a chance meeting, a friend of a friend, a handshake. If someone recommends you for a gig you better knock it out of the park, they are putting their neck on the chopping block for you! Practice is great, but show me someone that practices 8 hours a day, and I'll show you someone very hard to get along with. Get out there and meet people! Recently I was playing the Cavalia Odysseo show throughout Mexico and the US. What a fantastic gig, playing great music everyday (composed by Montreal's Michel Cusson) with world class players. And it all started with a handshake backstage at the Montreal Drumfest! This led to knowing the right people, and one meeting always leads to the next. A show like Cavalia does not advertise on craigslist! When someone is needed to inject some new energy in the show and keep astounding audiences night after night they can't take risks, they need someone that comes recommended, someone that has a reputation. Your reputation is everything, protect it! This can take 30 years to build, and 30 seconds to destroy. What do people say about you when you leave the room? One of the best skills I learned from my mentors is to work on myself as a person as much as, if not more than, my drumming.

les

Créer de la musique est un acte collectif où nous avons à la fois l’impression de faire partie de quelque chose de plus grand que nous et de contribuer à ce qui nous tient à cœur. Voilà pourquoi nous jouons de la batterie! Si le batteur est le pouls du groupe, les autres musiciens en sont le corps et le sang. Mais comment réussir à se produire sur scène ou à obtenir le contrat dont vous avez toujours rêvé? J’ai envie de partager avec vous 3 incontournables pour faire de votre rêve une réalité tout en vous montrant comment en faire des outils. Peu importe si vous jouez de la musique dans un petit bar ou sur les grandes scènes : le but ultime est de vivre des moments magiques en créant de la musique avec des gens extraordinaires. En regardant en arrière, je réalise que je n’aurais jamais pu me rendre où je suis aujourd’hui si ce n’était des 3 C : communication, compréhension et courage.

COMMUNICATION Il n’y a pas de musique sans communication. De plus, le temps des auditions est terminé! Demandez à 10 musiciens comment ils ont eu leur contrat et 9 d’entre eux vous diront qu’ils l’ont eu à cause d’une rencontre fortuite, d’un ami, d’une poignée de main. Si quelqu’un vous recommande pour un contrat, vous avez intérêt à vous surpasser parce que cette personne a mis sa crédibilité en jeu pour vous! La répétition, c’est bien mais il se peut que la personne qui répète 8 heures par jour se révèle antisociale! Sortez de chez vous et allez à la rencontre des gens! J’étais récemment en tournée au Mexique et aux États-Unis avec le spectacle Odysséo de Cavalia : un contrat fantastique où je jouais de l’excellente musique tous les jours (composée

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2014

par le montréalais Michel Cusson) avec des musiciens de renommée internationale. Dire que tout ça a commencé par une poignée de main dans les coulisses du Drumfest à Montréal! Cette rencontre m’a permis de connaître les bonnes personnes. Chaque rencontre mène à une autre. Un spectacle comme Cavalia ne met pas d’annonce sur Craigslist! Lorsque ces gens-là ont besoin d’insuffler une énergie nouvelle dans leur spectacle afin d’éblouir le public jour après jour, pas question de prendre des risques! Il leur faut quelqu’un qui a des références, une réputation. Et votre réputation est tout ce que vous avez! Protégez-la! Il faut parfois 30 ans pour acquérir une réputation, mais ça ne prend que 30 secondes pour la détruire. Que disent les gens de vous lorsque vous quittez la salle? La meilleure chose que j’ai apprise de mes mentors est de travailler sur moi, en tant qu’individu, tout autant ou sinon plus que sur mon jeu à la batterie. La question à se poser : Est-ce facile et agréable de travailler avec moi?

COMPRÉHENSION La musique est un langage, alors regardons la musique comme telle. Imaginez un acteur qui s’exprimerait parfaitement en anglais, mais qui ne saurait ni lire ni écrire. Lui donneraiton des rôles? Pour comprendre la musique, il faut de l’assurance et de la préparation. J’ai sursauté (je dirais même paniqué) lorsque j’ai vu le spectacle de Cavalia pour la première fois : celui-ci avait tellement évolué en une année que les partitions originales étaient complètement désuètes! À ce moment, j’ai réalisé que je devais me procurer un enregistrement récent du spectacle afin de transcrire moi-même la musique. Toutes les

event Success Question: Am I easy and fun to work with?

review

Music is a language, so let's look at music with the same eyes. Imagine an actor is hired for a movie part. He can express great english, but can't read or write. Will he keep the part? Reading is about confidence and preparation. A little surprise (read: panic!) when I was preparing for the Cavalia show, was that the show had evolved so much over a year of performance that the original charts were far out of date. I realized I had to get a recent audio of the show and transcribe it all myself! All those sessions of transcribing Tony Williams, Philly Jo Jones and others paid off. I don't think I would have survived opening night without having taken on this feat. Ability to recall from memory goes down 40% in a pressure situation (just think of being confronted by an intimidating border patrol guard, and briefly forgetting that simple fact of where you just visited) and theater shows are some of the most high pressure gigs out there. Whether you are reading a chart or making your own, knowing the nuts and bolts of the gig inside out builds confidence, and is a trusted backup. Music is a language, so know your ABC's! Success Question: Do I work on my reading a little every day?

RESOLVE This means 'deciding firmly on a course of action', perseverance, determination, commitment. This is also called GRIT. Watch movies like Rocky for a lesson on this skill, on never taking no for an answer and always believing in yourself. (And for more inspiration, research Sylvester Stallone's incredible story on how the Rocky movie was made and very nearly wasn't.) I have had to be creative and take the back door into many situations where I knew I would have the opportunity to be around the right people. Success Question: Am I filling my mind with stories of passion and perseverance? Notice how each 'R' feeds the flame of the other. Relationships leads to making music with others. Reading leads to growing your reputation. Resolve is your passion fuel, getting you up after being knocked down. 

heures passées à transcrire Tony Williams, Philly Jo Jones et les autres devenaient tout d’un coup utiles. Je ne crois pas que j’aurais survécu à la soirée d’ouverture si je n’avais pas entrepris cette aventure. La capacité à faire appel à notre mémoire diminue de 40 % en situation de stress (vous vous souvenez d’avoir hésité pendant une seconde lorsqu’un douanier intimidant vous a demandé d’où vous arriviez?) et jouer de la musique pour un spectacle en direct figure parmi les contrats les plus stressants. Peu importe si vous vous référez à une partition standard ou si vous l’avez vous-même transcrite! Mieux vaut connaître la musique de fond en comble pour être bien préparé en cas de pépin. La musique est un langage, pour le comprendre, il faut en connaître l’alphabet! Question à se poser : Est-ce que je lis un peu de musique tous les jours?

COURAGE Les courageux ont pour particularités d’adopter une ligne de conduite, de persévérer, de ne pas lâcher et de s’engager. Ce qui prend beaucoup de cran. Il suffit de visionner des films comme Rocky pour se rappeler qu’il ne faut jamais reculer devant un refus et qu’il faut toujours croire en soi (vous serez encore plus inspirés si vous lisez l’incroyable histoire de Sylvester Stallone et de son film qui a failli ne pas voir le jour). Pour ma part, il m’a fallu faire preuve de créativité et utiliser la porte arrière à plusieurs reprises afin de rencontrer les bonnes personnes. Question à se poser : Est-ce que je cultive assez mon imaginaire avec des histoires de passion et de persévérance? Remarquez que chacun des 3 C se complète. La communication vous permet de faire de la musique avec les autres, votre compréhension de la musique contribue à votre réputation, tandis que le courage exalte votre passion et vous donne la force de persévérer dans les temps difficiles. 

Larnell Lewis Italmélodie 2014/09/18 It’s in a packed Italmélodie drum shop that we’ve had the pleasure of seeing the drumming prowess of Snarky Puppy’s rhythm master, Larnell Lewis. Bringing with him a cool mix of Yamaha Live Custom Drums and various Yamaha electronics, like the dtx-m12 for instance, he showed us how cool and easy it can be to mix both of those together. He also played along to cool tracks and showed us his tremendous ability on the kit. Of particular notice is his single foot bass drum technique which he could do with amazing control and virtuoso speed. He closed the set with a very cool version of Snarky Puppy’s « What About Me (We Like It Here) ». Be sure to Watch out for Larnell in the future, he’s a drummer we’ll get to hear more and more for sure.

critique

d'événement C’est dans le département de batteries et percussions d’Italmélodie à Montréal plein à craquer que nous avons eu la chance de voir le prodigieux batteur de Snarky Puppy, Larnell Lewis. Sur son ensemble mélangeant Yamaha Live Custom et dtx-m12, il nous a fait une belle démonstration en mélangeant batterie acoustique et électronique. Il a tout d’abord joué quelques pièces provenant de son disque solo pour nous démontrer ses capacités rythmiques fascinantes. Il fallait voir le contrôle et la rapidité avec laquelle il utilisait sa pédale simple sur la grosse caisse, absolument incroyable. Il a terminé la soirée en nous jouant « What About Me (We Like It Here) » de Snarky Puppy. Soyez assuré que vous entendrez encore parler de Larnell Lewis, un batteur dans une classe à part.

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the weaker side

stéphane

Achieving Technical Balance with great books

cham berland

Drummers are so dedicated to learning more about drumming every day that it’s extremely rewarding to teach and share our skills. We have the opportunity to observe the common challenges that drummers encounter. With the evolution of drumming and open handed playing becoming more popular, we need more tools to play the new challenging grooves and concepts in all styles of music.

The most common challenge that students have asked about is developing equal balance between both their hands as well as their feet. The Weaker Side is the first step to achieving equal balance between all limbs. Imagine how much more control you would have in your playing if your hands and feet were equal in execution! In my journey, I’ve had the chance to study many years with a great mentor, Dom Famularo, who was working on how to develop our weak hand and foot to liberate ourselves from the barrier of older concepts brought to us. We explored the horizon and decided to co-write a book called The Weaker Side. This is all about programming muscular strength into your weaker side for your hands and you feet. The ultimate objective is to be able to perform any idea you hear in your head. The more developed your skill, the easier it is for you to consistently express your musical ideas.

Imagine having two right hands or two right feet. This is what we call freedom! It affects the way you play, the way you sound and also the way you set up your drums. Performing music creates new challenges. We cannot resolve a challenge without changing the thought process that created the challenge. Let me give you a couple of exercises that will help you think differently and focus on the weak part of your technique. It is very helpful for us as musicians to know our strengths and weaknesses. When we acknowledge our weakness, it leads to action. But remember, there is no shortcut. It's all about doing a little bit every day. We must plant the seed, water it every day, and be patient as it grows. But this process will lead to constant and neverending improvement. Consistency will guarantee your success in technique, drumming, and in life.

In any art form or sport, it's important to think about technique. Techniques are tools that will help you express what you feel, and good technique will prevent pain and damage to your muscles. We know a successful technique by the results we get from using it. All great drummers have one thing in common in their technique: they can play well with both hands and feet. A recurring challenge I see with my students is that one hand or one foot is weaker than the other and I believe this can be improved upon.

Here are some exercises for your weaker side. The top notes are played with your weaker side and the bottom notes are played with your strong side.

straight triplets - triolets

broken triplets - triolets brisés

flam triplets - triolets avec accents en « fla »

straight sixteenths - doubles croches

broken sixteenths - doubles croches brisées

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If you want to know more about this concept, you may want to check out the book The Weaker Side. It has fifty-two pages and you can play one page a week. That makes one full flam sixteenths - le « fla » doubles croches year ofenworking on the book. This is also thirty exercises for fifteen seconds to one-minute each. The primary goal is to work on technique, but you could also use the book many different ways to develop other skills as well. For example, use the bass drum and hi-hat pedals to play the written sticking while playing the jazz ride pattern in the triplets section. We can easily say that The Weaker Side is a follow up to the George Lawrence Stone’s book, Stick Control. It’s better to practice slowly at first and increase the tempo a little bit everyday. While playing the exercises, keep in mind to always watch your technique in the mirror, use a metronome and a clock, and keep track of your progress and your improvement. You may want to record yourself to analyze your work. 

« The Weaker Side » un livre pour trouver l’équilibre du point de vue technique

event

review Drumbassadors Drum Guitare Plus

En tant que batteurs, nous consacrons tellement de temps chaque jour à apprendre à jouer qu’il peut être gratifiant de partager nos trouvailles avec nos élèves. L’enseignement nous permet aussi d’identifier les défis communs à tous les batteurs. Avec l’évolution de la batterie et la toujours grandissante popularité du jeu à mains ouvertes ou décroisées (open-handed playing), il est aujourd’hui indispensable de trouver des outils pour apprendre à jouer les nouveaux grooves et concepts, et ce, dans tous les styles de musique. Trouver une façon de créer un équilibre entre les deux mains et entre les deux pieds est d’ailleurs le défi que je rencontre le plus souvent chez mes étudiants. Voilà pourquoi le livre « The Weaker Side » aborde la première étape pour arriver à cet équilibre de tous les membres du corps. Imaginez tout le contrôle que vous gagneriez si vous étiez aussi agiles de vos deux mains et de vos deux pieds! Dans ma vie, j’ai eu la chance d’étudier avec un grand mentor, Dom Famularo. Lorsque je l’ai rencontré, il travaillait sur une façon de renforcer notre côté le plus faible afin d’aller au-delà d’anciens concepts contraignants. Nous avons donc décidé de coécrire un livre, « The Weaker Side », qui aborderait la façon de programmer la force musculaire de notre plus faible côté. Le but ultime étant d’arriver à jouer n’importe quelle idée musicale qui nous vient à l’esprit. Car plus nous augmentons nos capacités, plus il devient facile d’exprimer nos idées musicales. Dans toutes les formes d’art ou de sport, il est important de penser à la technique. Avoir la bonne technique peut nous aider à nous exprimer et à éviter des blessures inutiles. On dit d’ailleurs qu’une technique est éprouvée une fois que nous en avons ressenti des bénéfices. En ce qui concerne la technique, tous les grands batteurs ont quelque chose en commun : ils peuvent jouer aussi bien de la main et du pied droit que de la main et du pied gauche. Il n’est pas rare de voir des straightaux triplets - triolets étudiants prises avec le défi de jouer avec une main ou un pied plus faible que l’autre. Mais ce problème n’est pas irrémédiable. Imaginez posséder deux mains droites ou deux pieds droits. Quelle liberté! Ça changerait votre son, la façon dont vous jouez et dont vous configurez votre batterie. Jouer de la musique crée inévitablement de nouveaux défis. Et nous ne pouvons relever le défi qu’une fois que nous changeons le processus mental qui l’a créé. broken triplets - triolets brisés Laissez-moi donc vous présenter quelques exercices qui vous aideront à penser différemment et à vous concentrer sur la faiblesse de votre technique. Il peut être très utile pour nous, musiciens, de connaître nos forces et nos faiblesses. Ce n’est qu’une fois que nous reconnaissons nos faiblesses que nous pouvons passer aux actes. Rappelez-vous qu’il n’existe flam triplets - triolets avec accents en « fla » pas de raccourci. Il faut en faire un petit peu, tous les jours. Il faut planter la graine, l’arroser quotidiennement et être patient. Ce processus vous permettra de vous améliorer progressivement et de façon continuelle. La constance vous garantira le succès dans la technique, à la batterie et dans la vie en général.

straight Quelquessixteenths exercices pour- doubles votre côtécroches faible : (la note du bas représente le coté fort, et les notes du haut votre coté faible)

broken sixteenths - doubles croches brisées

flam sixteenths - le « fla » en doubles croches

Si vous voulez en savoir plus sur ce concept, n’hésitez pas à consulter « The Weaker Side ». Le livre a cinquante-deux pages, soit une page pour chaque semaine de l’année. Il contient aussi trente exercices qui durent de quinze secondes à une minute. Le but premier est de travailler la technique, mais le livre peut aussi être utilisé pour perfectionner d’autres habiletés. Par exemple, vous pouvez utiliser la grosse caisse et les pédales de Charleston pour jouer la partition des mains tout en jouant un motif jazz sur la ride, issu de la section sur les triolets. Nous pouvons aisément dire que « The Weaker Side » est une bonne suite au livre « Stick Control » de George Lawrence Stone. Comme il en est question dans ce livre, mieux vaut y aller lentement au début et augmenter le tempo un peu tous les jours. Lorsque vous faites les exercices, observez toujours votre technique dans un miroir, utilisez un métronome et une horloge et prenez des notes de votre progrès et de vos améliorations. Il peut aussi être pratique de vous enregistrer afin d’analyser votre travail. 

2014/09/23 The drumset duo from the Netherlands, The Drumbassadors, were in town for a drum show on september 23rd at Drum Guitare Plus store in Montreal. They presented their various musical pieces on their Sonor kits to a wowed audience. René Creemers and Wim De Vries stand out with their performances as they don’t only go for the usual chopsy drum feature but they play complete musical compositions that showcase their great talent (and yes, amazing chops). They mainly played duets but they also each had their solo piece, René going for a beautiful african influenced song and Wim playing a jazzier drum composition. With these guys, the drums sings and those beautiful Sonor kits and Paiste cymbals really responded well. Try to catch them live if they come around your place, they will leave you wanting for more.

critique

d'événement Les Drumbassadors, duo de batteurs venant des Pays-Bas, étaient en ville pour nous présenter une performance époustouflante au magasin Drum Guitare Plus de Montréal. Ils ont joué leurs compositions sur des batteries Sonor devant un auditoire qui fut rapidement conquis. René Creemers et Wim De Vries se démarquent avec leur performance car ils ne font pas que démontrer leurs habilités incroyables sur l’instrument mais jouent aussi des compositions d’un haut niveau de musicalité pour deux batteries. Ils ont principalement joué des duos mais ont aussi chacun eu un moment en solo, René jouant une pièce basée sur des rythmes africains et Wim prenant une direction plus jazzy avec son morceau. Ils réussissent à faire chanter leurs batteries Sonor et cymbales Paiste alors ne les manquez pas s’ils passent dans votre coin à nouveau.  octobre

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La session d’hiver débute le 4 février 2013 La session de printemps débute le 27 mai 2013

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1 X TM-2, 2X BT-1

1 X TM-2, 1 X RT-10K, 1 X BT-1

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max

senitt

648 Hand/Foot Combinations?! combinaisons mains/pieds!? 648?! Yes, and that is only dealing with every possible combination of the first eight patterns within two and three beats. Did I scare you away yet? Are you wondering what is the point? Music is a language. Just like when we are learning to talk, as we learn more words, we are able to say more interesting things and express ourselves in a variety of ways. You could view the first eight hand/foot patterns as new letters to add to your alphabet, and the remaining 640 as new “words” that you can create from those letters. Now, what can you do with these new words? Well, you can create sentences that make up paragraphs and become stories. Just remember, when you speak to someone, it’s not usually necessary to use every word that you know all of the time! So, let’s take a look at the new “letters”. The first four are combinations of three strokes with the hands and one with the foot. The second four are combinations of two strokes with each.

648!? Oui. Et ça, c’est seulement en prenant les huit premiers motifs à coups de deux à trois pulsations. Ça vous fait peur? Vous vous demandez où je veux en venir? La musique est un langage. Lorsque nous apprenons à parler, plus nous connaissons de mots, plus nous sommes en mesure de dire des choses intéressantes et de nous exprimer de diverses manières. Imaginez donc les huit premiers motifs mains/pieds comme étant de nouvelles lettres à ajouter à votre alphabet et les 640 motifs suivants comme de nouveaux mots que vous pourrez créer avec ces huit lettres. Maintenant, que faire avec tous ces nouveaux mots? Vous pouvez créer des phrases qui formeront éventuellement des paragraphes et des histoires. Rappelez-vous seulement qu’il n’est pas nécessaire d’utiliser tous les mots que vous connaissez chaque fois que vous parlez à quelqu’un. Alors, regardons un peu nos nouvelles « lettres ». Les quatre premières sont des combinaisons de trois subdivisions joués avec les mains et d’un battement de pied. Les quatre autres sont des combinaisons de deux subdivisions chacunes.

To begin, play through each example separately, repeating it many times. I highly recommend playing quarter notes on the hi hat with your foot to help keep track of where each pattern begins. I also recommend exploring a variety of sticking combinations in the hands. Once you are comfortable with each pattern, you can begin to orchestrate them around the drums. Remember the exercise is called 648 hand/foot combinations. The hands can play anywhere on the kit.

Pour commencer, jouer chaque exemple séparément, en le répétant plusieurs fois. Je vous recommande fortement de jouer une noire avec votre pied à la Charleston afin de mieux repérer le commencement de chaque motif. Je vous recommande aussi d’explorer toute une variété de combinaisons de jeu de mains. Une fois que vous serez à l’aise avec chacun des motifs, vous pourrez commencer à les orchestrer à la batterie. N’oubliez pas que l’exercice s’appelle « 648 combinaisons mains/pieds ». Les mains peuvent aller n’importe où sur la batterie.

Next, you can start to create short fills with the patterns. Begin by playing a basic 4/4 8th or 16th note groove for three beats, and then add one of the eight patterns on beat four. Next, we can start to combine the patterns. As you may have noticed, each of the eight patterns has a corresponding letter to aid in creating a method to find all of the combinations available to us. Officially called permutation, the first sixteen possible combinations within two beats would look this this: AA-AB-AC-AD-AE-AF-AG-AH / BA-BB-BC-BD-BE-BF-BG-BH, etc. The first two groups of three beat combinations would be: AAA-AAB-AAC-AAD-AAEAAF-AAG-AAH / ABA-ABC-ABB-ABD-ABE-ABF-ABG-ABH, etc. In order to get all of the possible variations, you could either memorize the first eight patterns and continue working through the exercise by writing out all of the combinations of the corresponding letters, or find the complete exercise written out in PDF in the online version of this magazine.

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Ensuite, vous pouvez commencer à créer de petites improvisations avec les motifs. Commencez par jouer un groove en 4/4 de base en croches ou en doubles croches sur trois pulsations, puis ajoutez un des huit motifs au quatrième battement. Vous pouvez ensuite commencer à combiner les motifs. Comme vous avez déjà remarqué, chaque motif commence par une lettre différente, ce qui aide à trouver toutes les combinaisons possibles. Officiellement appelé permutation, les seize premières combinaisons en deux battements ressemblent à ceci : AA-AB-AC-AD-AE-AF-AG-AH/BA-BB-BC-BD-BE-BF-BG-BH, etc. Les deux premiers groupes de combinaisons à trois battements ressembleraient à ceci : AAA-AAB-AAC-AAD-AAE-AAF-AAG-AAH/ABA-ABC-ABB-ABD-ABE-ABF-ABG-ABH, etc. Afin d’obtenir toutes les variations possibles, vous pouvez mémoriser les huit premiers motifs et continuez l’exercice en transcrivant toutes les combinaisons en lettres, ou vous procurer la version PDF de l’exercice complet dans le Drums Etc en ligne.

I urge you to take your time working through these combinations. Keep in mind that the better that you know the first eight, the easier it will be to learn the rest. A strategy that I learned from master percussionist Giovanni Hidalgo, and have incorporated into many areas of my practice, is to play something for one minute straight. You could therefore create a nice eight minute daily warm-up/refresher out of the first eight one beat patterns by playing each one for one minute each. Another thing to keep in mind is that all of these examples, though written as 16th notes, are really just combinations of patterns and can be played as any kind of note value that you wish. For example, when we combine two of the first eight patterns, we could play them as 8th notes to create a one bar fill in 4/4. Once we get to the three beat combinations, besides using them as three beat 16th note fills (which would start on beat two if we are playing in 4/4), we could also play them as a bar of triplet 8th notes in 4/4 or a bar of 12/8. You can also create interesting grooves and independent exercises by creating an ostinato with one hand and one foot, and playing through the 648 patterns with the remaining two limbs. At the end of the day, some of these combinations will flow much better than others. When you talk, you naturally gravitate towards certain words even though you may have been taught many other similar words that simply didn’t seep into your regular vocabulary. It is not my intention for you to memorize, master or even use every single combination presented here; however, I do hope that you will be inspired to deepen your vocabulary, put a few more tools into your tool box and have more options available for you to express yourself. Until next time, practice slow, play with other musicians and LISTEN DEEP! 

Prenez votre temps pour faire ces exercices. Gardez en tête que plus vous connaissez les huit premiers motifs, plus il vous sera facile d’apprendre le reste. Le maître-percussionniste Giovanni Hidalgo m’a appris cette stratégie que j’ai intégrée dans plusieurs facettes de ma pratique : toujours jouer quelque chose pour une minute complète. Vous pourriez ainsi créer un échauffement quotidien de huit minutes avec les huit premiers motifs à un battement. Il faut aussi garder en tête que tous ces exemples, bien qu’écrits en doubles croches, sont seulement des combinaisons de motifs et qu’ils peuvent être joués avec toutes les notes que vous désirez. Par exemple, vous pourriez combiner deux des huit premiers motifs et les jouer en croches afin de créer une barre en 4/4. Pour les combinaisons à trois battements, vous pourriez jouer des doubles croches (commençant sur le deuxième battement si vous jouez en 4/4), ou les jouer en barre de triolets de croches en 4/4 ou en barre de 12/8. Vous pouvez aussi créer des grooves intéressants et d’autres exercices en créant un ostinato avec une main et un pied tout en jouant le reste des 648 motifs avec les deux membres restants. Au bout du compte, certaines de ces combinaisons vous seront plus naturelles que d’autres. Lorsque vous parlez, vous optez tout naturellement pour certains mots même si vous en connaissez d’autres qui ont la même signification, car certains mots s’intègrent plus facilement à votre vocabulaire de tous les jours. L’idée ici n’est pas de mémoriser, de maîtriser, ni d’utiliser chacune des combinaisons présentées ici. J’espère seulement que vous serez tenté d’élargir votre vocabulaire, d’ajouter à votre boîte à outils et d’avoir plus de choix pour vous exprimer. D’ici au prochain article, répétez lentement, jouez avec d’autres musiciens et surtout, restez à l’écoute! 

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daniel

bédard

The

M usi cal Drum m er

Part 2

In our last issue, I explained to you the importance of musical form. To be a musical drummer, you absolutely have to be aware of song structure. Now, we’ll take a closer look at two songs and see how the drummers play them according to the song structure. Let’s use The Beatles’ “Octopus Garden”, with Ringo Starr on drums, and Miles Davis’ “Freddie Freeloader”, with Jimmy Cobb on drums.

“OCTOPUS GARDEN” This great song, composed by Ringo Starr, can found on the Abbey Road record. Here’s how it goes: 4 bars intro. 8 bars verse 4 bars pre-chorus 4 bars chorus 8 bars verse 4 bars pre-chorus 4 bars chorus 8 bars bridge with guitar solo 8 bars verse 4 bars pre-chorus 8 bars chorus

So what does Ringo play? He starts off by punching the ride cymbal during the guitar riff in the first two bars of the intro. and then he plays a basic pop beat that moves forward. During the verses, notice how he plays fewer notes in his groove, leaving more space for the vocals. This is quite common. You’ll want to use the same concept when playing with vocals, as they are what need to be brought to the forefront of a pop composition. Next comes the pre-chorus (the riff that comes before the chorus and that is not the verse) and Ringo plays a suspended pattern on the ride, which creates some tension that will be released in the coming chorus. In that first chorus, he plays kind of the same groove as in the verse but with a little more notes to keep the energy quite high. Then, the cycle of verse/pre-chorus/chorus is repeated using the same concept as mentioned above. After the second chorus, we go on to the bridge where there is a guitar solo accompanied by Ringo’s really cool tom-tom beat. A bridge is usually different from the other parts and is not repeated again in the song.

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“FREDDIE FREELOADER” Here’s a great composition by Miles Davis found on his Kind Of Blue record. “Freddie Freeloader” is a 12-bar blues. Here’s how it goes: 12 bars x 2: melody 12 bars x 4: piano solo 12 bars x 6: trumpet solo 12 bars x 5: tenor sax solo 12 bars x 5: alto sax solo 12 bars x 2: bass solo 12 bars x 2: melody

As you can see, the song is fairly square, meaning that there is always an even number of bars. This is quite common in pop/rock music.

Once the bridge is done, we go onto another cycle of verse/pre-chorus/chorus, but on that last chorus we’ll repeat the last two bars twice, often called a “tag”. Ringo then cuts it off with what I call the country punch – a classic guitar lick with the band punching on &4. If you don’t sit down to take note of all the little details in Ringo’s drumming, you might not notice how well he plays the song and how perfect his part is.

2014

Song structure is quite different here as we’re dealing with a very short cycle that is repeated a lot, 27 times actually. Melody is played twice at the beginning and at the end, and in between a lot of solos are heard. Notice how Jimmy Cobb plays the rim click during the first two choruses of melody, and how by playing an open hi hat on the & of the third beat of that second chorus he announces that the solos are about to begin. Jimmy then plays the snare through the first two choruses of piano solo and then goes back to the rim click on the third piano chorus. He’ll then mostly play the snare for the remaining part of the solos, going back to the rim click for the last melody. All the while keeping the ride cymbal pattern, the hi hat foot on 2 & 4 and feathering the bass drum on all four beats. I hope these examples give you an idea of how drummers play their beats according to the song structure. Next time you play with a band, try to suit the song better and be musical. Have fun. 

bat te u r mu s ic a l

analyse de morceaux

Dans mon dernier texte, je parlais de l’importance de connaître les structures musicales des morceaux que l’on joue. Maintenant, nous allons jeter un oeil sur deux morceaux et allons voir comment les batteurs qui les ont joué ont construit leurs rythmes. Nous allons utiliser Octopus Garden des Beatles avec Ringo Starr sur la batterie et Freddie Freeloader de Miles Davis avec Jimmy Cobb aux tambours.

OCTOPUS GARDEN Cette charmante chanson composée par Ringo se retrouve sur l’album Abbey Road des Beatles. Voici comment elle est construite: 4 mesures: introduction 8 mesures: couplet 4 mesures: pré-refrain 4 mesures: refrain 8 mesures: couplet 4 mesures: pré-refrain 4 mesures: refrain 8 mesures: pont avec solo de guitare 8 mesures: couplet 4 mesures: pré-refrain 8 mesures: refrain Comme vous pouvez le voir, la chanson est composée de façon plutôt symétrique avec l’alternance de structure de 4 et 8 mesures. Cette façon de faire est très commune en musique pop/rock. Alors, que joue Ringo? Dans les deux premières mesures, il commence par accompagner la mélodie de guitare en frappant la cymbale ride pour ensuite jouer un rythme pop avec entrain. Remarquez comment il joue le même rythme dans les couplets mais avec un peu moins de notes pour laisser de la place à la voix. Cette technique est très fréquemment utilisée dans les chansons pop et vous voudrez faire de même car la mélodie vocale est ce qui doit être mis de l’avant dans la composition habituellement. Viens ensuite le pré-refrain (la partie qui vient tout juste avant le refrain et qui n’est pas un couplet) et Ringo joue un rythme sur la cymbale ride qui vient créer la tension qui sera relâchée dans le refrain suivant.

juste de voir. Dans le pont suivant, le 2ème refrain, Ringo joue un rythme de tom tom plutôt intéressant pour accompagner le solo de guitare. Le pont d’une chanson est habituellement la partie qui n’est pas répétée et qui est différente des autres parties de la chanson. Après ce dit pont, le cycle couplet/pré-refrain/refrain est encore une fois répété mais dans le dernier refrain, le groupe répète les deux dernières mesures deux fois, séquence que l’on appelle régulièrement un « tag ». Ringo termine ensuite la chanson avec ce que j’appelle la finale country, c’est-à-dire une mélodie de guitare typique où le groupe jouera sur le « &4 » de la mesure. Si vous ne prenez pas le temps d’écouter attentivement tous les petits détails que Ringo créé, vous ne réaliserez pas à quel point ce qu’il joue est parfait et musical.

FREDDIE FREELOADER Voici une splendide composition de Miles Davis que l’on peut retrouver sur son album “Kind Of Blue”. Freedie Freeloader est un blues de 12 mesures. Il va comme suit: 12 mesures x 2: mélodie 12 mesures x 4: solo de piano 12 mesures x 6: solo de trompette 12 mesures x 5: solo de saxophone ténor 12 mesures x 5: solo de saxophone alto 12 mesures x 2: solo de contrebasse 12 mesures x 2: mélodie La structure de la pièce est très différente ici, car on a à faire à un cycle très court, de 12 mesures, qui est répété 27 fois. La mélodie est jouée 2 fois au début et à la fin et entre les deux, les différents instrumentistes improvisent des solos. Remarquez comment Jimmy Cobb joue en “cross sticks” durant les 24 premières mesures et comment il annonce le début des solos en jouant un hi-hat ouvert sur le & du troisième temps de la dernière mesure. Jimmy joue ensuite la caisse claire pendant les 2 premiers cycles de solo de piano et retourne aux “cross sticks” pour les deux cycles suivant. Il jouera la caisse claire pour tous les solos ensuite et sera de retour en “cross sticks” pour les deux derniers cycles de mélodie. Il joue tout ça en gardant le rythme traditionnel sur la cymbale ride, un hi-hat avec le pied sur 2 et 4 ainsi que la grosse caisse sur les 4 temps. J’espère que ces deux exemples très différents l’un de l’autre vous aurons donné une idée plus précise sur la façon dont les batteurs font usage de musicalité. La prochaine fois que vous jouez en groupe, essayez de penser à ces idées et soyez encore plus musical. 

Dans ce premier refrain, il joue pratiquement le même rythme que dans les couplets mais avec quelques notes de plus pour créer de l’énergie. Ensuite, le cycle couplet/prérefrain/refrain est répété en utilisant les mêmes concepts que ce que nous venons tout

octobre

novembre

2014

aubrey

dayle

The Macro VS. The Micro

un peu de

Viewpoint

perspective

We all strive to express ourselves articulately as drummers and musicians. This can be extremely daunting when faced with having to understand, learn and ultimately perform a new piece of music that presents itself as a challenge. If you are a drummer like me, you probably get a sharp electric-like feeling of anxiety and panic due to the fact that this crazy piece of music threatens your ego, self-worth and maybe even your sanity! It is possible to calm oneself down if we move toward taking a macro viewpoint, as opposed to remaining in the quagmire of a micro viewpoint, with regards to formulating a valid strategy that will get performance clarity and results quickly.

Nous faisons tout notre possible pour nous exprimer clairement en tant que batteurs et musiciens. Mais parfois, comprendre, apprendre et ultimement jouer un nouveau morceau qui représente un défi peut devenir très intimidant. Dans ces moments-là, si vous êtes comme moi, une décharge électrique vous traverse, puis l’anxiété et la panique vous prennent : ce morceau de musique vient de menacer votre égo, votre confiance et peut-être même votre santé mentale! Au lieu de rester dans ce bourbier, il est possible de se calmer en prenant un peu de perspective dans le but de formuler une stratégie valide qui mènera à une performance limpide et à de prompts résultats.

The two viewpoints associated with learning drum set grooves, fills and solo material can be understood in the following manner. The micro viewpoint breaks the item down from one note to the next. We piece together the material incrementally. It’s very akin to the way we all learn to read language. People in the early years of primary school may read an English sentence like this: “The…dog…bit…her…leg”

Il existe donc deux façons d’approcher les grooves, les improvisations et les solos à la batterie. Nous pouvons, entre autres, les voir comme une succession de notes. Dans ce cas, nous reconstituons le matériel de façon progressive, comme lorsque nous apprenons à lire. Dans les premières années du primaire, nous lisons une phrase un peu comme ceci : « Le… chien… a… mordu… sa… jambe. »

If we look at an example of a double stroke roll, most people who first learn the roll usually see the sticking in the same way.

La plupart des gens qui approchent le roulé suivant pour la première fois le liront de cette façon :

This incremental approach to the roll is essentially looking at it from the micro viewpoint. The macro viewpoint of musical material is to look at the larger picture of what one is trying to play. In the case of the above English sentence, it would be read by someone in the latter years of primary school like this: “The dog bit her leg.” This reader sees the whole sentence as one entity. The double stroke sticking would also be understood in this manner.

Cette lecture progressive est une façon un peu étroite de voir les choses. Prendre un peu de perspective permet d’avoir une vision plus large de ce que vous devez jouer. Si nous reprenons la phrase citée plus haut, elle serait maintenant lue comme ceci : « Le chien a mordu sa jambe. » Le lecteur un peu plus avancé, voit la phrase comme un tout. Avec un peu de perspective, le roulé, quant à lui, peut être lu de cette façon :

It is understood as one event, as opposed to small subsections of the sticking. The roll will feel easier to play once it is approached as a whole unit and perceived from the macro viewpoint.

Nous approchons maintenant le rudiment comme un tout, au lieu d’une simple succession de coups de baguette. Le roulé sera plus facile à jouer ainsi.

october

november

2014

Let’s take a look at the macro viewpoint approach to the double stroke roll at a slightly deeper level. When I played in school bands, I always found it difficult to find the correct speed to play my double stroke rolls in a musical context, unless it was written in the music. I had a pretty smooth roll, but I couldn’t get it to easily fit in the music. I was thinking of the roll as a rudiment that I could play at a certain speed (fast) and that was final. My teacher, Pierre Béluse, showed me a concept that he referred to as the motion of your hands. He was essentially suggesting that I stop thinking about the sticking of the roll, and instead think of the rhythmic sub-movement of my hands.

Amenons cette approche un peu plus loin. Lorsque je jouais dans des orchestres à l’école, il m’était toujours difficile de jouer mes roulés à la bonne vitesse dans un contexte musical, à moins de les avoir sous les yeux. Je maîtrisais pourtant bien mes roulés, mais je peinais à les placer correctement dans la musique. Dans ma tête, le roulé était un rudiment que je ne pouvais jouer qu’à une certaine vitesse (rapide dans mon cas). Puis, mon professeur de l’époque, Pierre Béluse, m’a parlé d’un concept qui abordait le mouvement des mains. Essentiellement, il voulait que j’arrête de penser au nombre de coups de baguette à donner afin de me concentrer sur le mouvement rythmique de mes mains.

FOCUS ON MOTION

CONCENTRATION SUR LES MOUVEMENTS

Actual sticking I was able to quickly assess how fast I needed to play the doubles by focusing on the bigger picture, or the macro viewpoint, of the underlying rhythm. This concept is particularly useful when deciphering drum grooves. I wrote a piece of music a few years ago called “Blood”. Please refer to this link to check it out, http:// tinyurl.com/q36pk82. In the chorus I play a groove that has four distinct patterns occurring simultaneously. One can hear an auxiliary hi-hat pattern, a left foot hi-hat pattern, a backbeat with a syncopated snare drum pattern and sixteenth notes in the bass drums with flams that occur every three sixteenth notes. This is what it looks like:

Yikes!

Coups de baguette En me concentrant sur une vision plus large de ce que j’avais à jouer, ici le rythme sousjacent au lieu du rudiment, j’ai pu déterminer plus rapidement la vitesse à laquelle je devais jouer. Ce concept est particulièrement pratique lorsqu’il est question de déchiffrer des grooves à la batterie. Il y a quelques années déjà, j’ai écrit un morceau de musique qui s’appelait « Blood ». Pour un aperçu, consultez le lien http://tinyurl.com/q36pk82. Dans le refrain, je joue un groove qui implique quatre motifs distincts joués simultanément. On peut donc entendre un motif auxiliaire à la Charleston, un autre motif à la Charleston joué du pied gauche en même temps qu’un rythme de fond syncopé à la caisse claire, des doubles croches à la grosse caisse et des flas à toutes les trois doubles croches. Ce qui donne ceci à la lecture :

Ouf!

This is actually a groove based on two rudiments. It’s a single paradiddle played with my hands with accents on beats two and four, and flam accents with my feet. My left foot plays the bass drum and the hi-hat simultaneously. Once I felt comfortable playing the flam accents with my feet, I simply had to work on playing them together. The macro viewpoint made the groove much easier to understand.

Ce groove se base pourtant essentiellement sur deux rudiments. C’est un moulin simple joué avec les mains, rehaussé d’accents sur les deuxième et quatrième temps et de flas joués avec les pieds. Mon pied gauche joue de la grosse caisse et de la Charleston simultanément. Une fois à l’aise avec les flas, ne reste plus qu’à les intégrer au reste. Ce genre de perspective rend le groove beaucoup plus facile à comprendre.

Initially you will still need to pick the music apart to understand how the notes work musically. Once you have survived that process, aim to perceive the macro viewpoint as soon as possible. The music will come to you faster. 

Initialement, il faut quand même déchiffrer la musique afin de voir comment les notes fonctionnent ensemble du point de vue musical. Mais une fois que vous avez franchi cette étape, il faut vite prendre un peu de perspective. La musique vous viendra ainsi plus vite.

octobre

novembre

2014

isabelle

rou bertie

Selling yourself 10 tips So many talented musicians and artists miss playing opportunities because they don’t know how to sell themselves. Here are a few tips that could help you feel more confident when looking for contracts.

Make a list of contacts with a preference for the venues that are more inclined to present your type of music. To do this, make sure you meet these two essential requirements: Venues in which you would like to play must also have an interest in having you play. And if you don’t know it already, get the name and number of the person in charge of programming. This way, you will save precious time when you make your calls.

Keep your social network accounts updated with all the pertinent information about yourself, like articles, photos and/or videos of past projects.

Write a short presentation of your band and its musical identity. Prioritize your qualities, characteristics, and what separates you from other bands, especially those that play the same style. Prepare answers to questions you might be asked; make sure you use positive arguments. You should master your subject matter and know how to respond to unexpected questions. Keep a page filled with your arguments close at hand when you make phone calls.

Learn about what goes into a contract. You will find examples on the Internet. You can also personalize it and propose it to some venues, while others will prefer using their own. Useful link: http://conseildesarts.ca/~/media/files/resources/ontheroad/ contract_sample_chap5link17.pdf

Before making a call, always keep in mind you need to respond to the needs of the person you are speaking to. You will need to convince the person that you are a good choice. But remember also that the programmer thinks about the venue’s clientele. To know their needs and what they are looking for, ask questions and adapt your offer accordingly. Be patient and diplomatic. Display a professional attitude. Be prepared for when a contact person isn’t available. If you feel the person is busy, propose to call back when it is more convenient before jumping into a sterile conversation. If you can’t reach the person, leave a message with the reason of your call. Don’t be discouraged. This is a long-term process that can take months to bear fruit. Keep notes on each call you have made or received.

october

november

2014

Do not call the venue for which the stakes are highest first. Practice with easier contacts, those that make you feel more confident.

Be solutions-oriented. For instance, if someone asks for a document or for information you don’t have, say that you will get it for them as soon as possible.

10.

Mentally prepare yourself and act without fear! In the 2014 winter issue (v26-n1), I wrote about an exercise you can do to help you outsmart the mechanisms of stress. Use the technique before each call!

Your final sales pitch: A.

Present yourself and break the ice. Avoid endless monologues. Your introduction must be short and to the point. For example: “Hi, I’m Isabelle Roubertie, and I represent band name, how do you do?” This is when you determine whether the contact person is available now. Ask them directly: “Is this a good time for you or do you prefer another moment?”

If you have their attention, expose the context of your call. For example: “Your venue presents Cuban music and our band…” use your presentation (see item 3). Be mindful of their needs and don’t try to convince them you are the best! Be ready respond to some objections with conviction.

If the person is interested by your proposal, ask them questions that will validate your hypotheses and clarify the project. Be curious, you could learn a few things that could help with other calls. If you make it to negotiations, propose realist solutions, adapted to the needs of the venue (playing time, flexibility, amount of the contract…) and know when to politely refuse an offer if it sounds like abuse.

Note the essential elements that could be useful for further contract talks and/or other calls. Don’t forget to write down the date.

End the sale by talking about the next step (sending information, scheduled meeting…) and remember to thank the contact person for their time.

You won’t always be well received. Don’t take it personally. Wait a few months and try again. When you are looking for contracts, perseverance is an indispensible resource! Good luck! 

10 conseils pour vous vendre Combien de musiciens et d'artistes talentueux ratent des occasions de jouer, faute de savoir se vendre ? Voici quelques conseils qui pourraient vous aider à vous sentir plus en confiance lors de la recherche de contrats.

Établissez une liste de contacts en ciblant les lieux qui seraient susceptibles de programmer votre musique. Pour cela, vous devez réunir 2 conditions essentielles:

Ne passez pas votre premier appel au diffuseur pour lequel l'enjeu est le plus élevé. Pratiquez-vous d'abord avec un plus facile, qui vous inspire confiance.

les diffuseurs que vous ciblez parce que vous aimeriez jouer chez eux, doivent eux aussi, avoir un intérêt à vous embaucher. Si vous ne le connaissez pas déjà, obtenez le nom et le numéro direct de la personne en charge de la programmation, vous éviterez une perte de temps au moment de passer vos appels.

Soyez orientés solutions. Si on vous demande un document ou des renseignements que vous ne connaissez pas, répondez que vous allez vous les procurer et les lui faire suivre dès que possible.

10.

Préparez-vous mentalement pour agir sans peur! Dans le numéro v26-n1 hiver 2014, je vous ai communiqué un exercice pour déjouer les mécanismes du stress. Servez-vous de cette technique avant chaque appel!

Mettez à jour vos réseaux sociaux et publiez sur internet toutes les informations pertinentes comme des articles, des photos ou vidéos à propos de vos réalisations passées.

Ecrivez une courte présentation de votre band et de son identité musicale. Mettez en avant vos atouts, vos caractéristiques, ce qui vous différencie des autres formations, surtout de celles qui évoluent dans le même style musical que le vôtre. Préparez des réponses aux questions qui pourraient vous être posées, établissez un argumentaire positif. Vous devrez maitriser votre sujet et savoir comment réagir aux questions imprévues. Ayez votre argumentaire en main pour passer vos appels, il vous servira d'aide mémoire.

Déroulement du pitch de vente idéal :

Présentez-vous et brisez la glace. Évitez les monologues interminables. Cette introduction doit être brève et précise. Exemple : " bonjour, Isabelle Roubertie, je représente le groupe G, vous allez bien?" C'est le moment de vérifier la disponibilité de votre interlocuteur. Posez-lui directement la question : “est-ce le bon moment pour vous joindre ou préférez-vous convenir d'un autre jour? "

Si votre interlocuteur vous écoute, exposez le contexte de votre appel. Exemple : "votre établissement diffuse de la musique cubaine et notre formation… " utilisez votre présentation du point 3. Soyez à l'écoute des besoins du diffuseur et surtout ne cherchez pas à le convaincre que vous êtes les meilleurs! Soyez prêts à argumenter et à répondre à certaines objections avec conviction.

Si la personne a de l'intérêt pour votre projet, posez lui à votre tour des questions pour valider vos hypothèses et clarifier le projet. Soyez curieux, vous pourriez apprendre des choses intéressantes pour la suite! Si le temps est venu de négocier, proposez des solutions réalistes, adaptées aux besoins du diffuseur (temps de jeu, flexibilité, montant du contrat…) et sachez refuser poliment, en cas d'abus.

Prenez en note les éléments essentiels qui vous serviront pour le suivi du contrat et/ou vos futurs appels. N'oubliez pas d'inscrire la date de l'appel.

Clôturez la vente en annonçant l'étape suivante (envoi d'informations, prise de rendez-vous… ) et pensez à remercier votre interlocuteur du temps qu'il vous a consacré.

Sachez ce que contient un contrat. Vous trouverez des exemples sur internet. Vous pouvez le personnaliser et le proposer à certains diffuseurs, d'autres préfèreront utiliser le leur. Lien utile http://conseildesarts.ca/~/media/files/resources/ontheroad/contract_ sample_chap5link17.pdf

Avant d'appeler, ayez toujours en tête de répondre aux besoins de votre interlocuteur. Vous allez devoir convaincre la personne qu'en vous sélectionnant elle fait le bon choix, mais elle répond aussi aux attentes de sa clientèle. Pour connaître ses besoins et ce qu'elle recherche, le mieux est de poser des questions pour adapter votre offre à la demande.

Armez-vous de patience et de diplomatie. Ayez une attitude professionnelle . Préparez-vous éventuellement à ce que la personne ciblée ne soit pas disponible. Si vous la sentez occupée, proposez lui de la rappeler au moment qui lui conviendra le mieux, avant de vous engager dans une conversation stérile. Si vous ne pouvez la rejoindre laissez l'objet de votre appel. Ne vous découragez pas. Vous entreprenez un travail sur le long terme qui peut prendre des mois avant de porter ses fruits.

Tenez un cahier de bord de tous vos appels passés et reçus.

Vous ne serez pas toujours idéalement accueillis. Ne le prenez pas personnellement, laissez passer quelques mois et retentez votre chance. La persévérance est une ressource indispensable pour décrocher des contrats! Bonne chance! 

octobre

novembre

2014

éric bou dreault

BUILDING YOUR

CONSTRUIRE SON

vocabulary and creativity vocabulaire et sa créativité Exercise #1: Triplet variation on the drums

Exercice #1 Variation de triolets appliqués à la batterie.

All through my years as a drummer and teacher, I’ve been asked how to improve one’s creativity on the drums and how to adapt this musical vocabulary to a musician’s everyday situations. I have always thought of this as learning a language. In the beginning, basic phrases make up our everyday lives and, as time moves on, we are increasingly able to have real discussions. It is very important that we separate creativity and vocabulary, even though they are somewhat related. For instance, a very artistic person with a very simple drumming vocabulary can have their own musical and unique colour. I have often asked myself which method would work best to explain this. It should build up both the musical vocabulary and creativity. I realised that going back to the basics was the best bet, with simple, but efficient, exercises. These would be played in a variety of ways, at different tempos and on different surfaces. Our goal is to acquire good technique and be musical.

Tout au long de mes années comme batteur et professeur, on m’a souvent demandé comment faire pour améliorer sa créativité à la batterie et comment adapter ce vocabulaire musical aux situations de la vie courante d’un musicien. J’ai toujours vu cela comme apprendre une langue, au début les phrases de bases font partie de notre quotidien et plus le temps avance plus nous sommes capables d’avoir une vraie discussion. Il est très important de séparer créativité et vocabulaire, mais les 2 sont liés d’une certaine manière. Par exemple, une personne très artistique avec peu de vocabulaire à la batterie peut très bien avoir sa couleur et se distinguer de tous. Alors, je me suis souvent posé la question de savoir quelle méthode serait la meilleure pour expliquer cela. Cette démarche devrait faire avancer à la fois le vocabulaire musical et la créativité. Je me suis aperçu que le mieux est de retourner à la source et prendre des exercices simples, mais efficaces. Ceux-ci devront être joués de différentes manières, à différents tempos, sur des surfaces différentes. Le but est d'avoir une bonne technique tout en étant musical.

Here are two triplet exercises. The notes, from bottom to top, represent the bass drum, snare drum and hi-hat.

Vous allez trouver ci-dessous 2 exercices en triolet avec les notes de bas en haut : grosse caisse, caisse claire et hi-hat.

First, you will play the exercises with a metronome as they are written at 40 BPM (quarter notes), gradually increasing the speed.

Vous allez premièrement jouer les exercices au métronome tel qu’ils sont écrits à une vitesse de quarante à la noire et graduellement augmenter la vitesse.

Play a rhythm of your choice for three bars, then play exercise 1 or 2 as the the fourth bar.

Vous allez jouer un rythme de votre choix pour 3 mesures et la quatrième sera le moment pour jouer soit l’exercice 1 ou 2.

Change the top surfaces with surfaces of your choice, trying not to repeat them more than 4 times during the exercise.

Vous allez changer les surfaces du haut avec les surfaces de votre choix en essayant de ne pas les répéter plus de 4 fois dans l’exercice.

Let’s go even farther by playing 12 left-right variations that you will apply to the different surfaces with the hands only: snare drum, hi-hat.

Pour pousser toujours plus loin, vous allez trouver 12 variations que vous allez appliquer aux différentes surfaces qui demandent les mains seulement; et hi‐hat.

#1 RRRR #2 LLLL #3 RLRL #4 LRLR #5 RRLL #6 LLRR #7 LRRL #8 RLLR #9 RLLL #10 LRRR #11 RRRL #12 LLLR 5.

You can also use the variations with hands and feet. You will need more concentration. The following is an example with variations 3 and 5.

october

november

2014

#1 DDDD #2 GGGG #3 DGDG #4 GDGD #5 DDGG #6 GGDD #7 GDDG #8 DGGD #9 DGGG #10 GDDD #11 DDDG #12 GGGD 5.

Vous pouvez aussi utiliser les variations avec les mains et pieds. Cela demande effectivement plus d’efforts. Vous allez trouver ci-dessous un exemple avec les variations #3 et #5.

#1 RRRR #2 LLLL #3 RLRL #4 LRLR #5 RRLL #6 LLRR #7 LRRL #8 RLLR #9 RLLL #10 LRRR #11 RRRL #12 LLLR -5 You can a ls o us e th e v a r ia tio n s w ith h a n d s a n d f e e t. Y o u w ill n e e d m o r e c o n c e n tr a tio n . The following is an example with variations 3 and 5. Example 1 (hands and feet variations)

Example 1 (hands and feet variations) / exemple 1 (doigté)

#3 R

L R L R L R L #5 R R L L R R D G D G D G D G #5 D D G G D D G G D #3 RL R L R L R L R L R L RL L R L RR L LL #5 R#3 D R G LD G L R R L L R R L LDGG

Accents are always an important part of playing music. So, have fun with these

6. Les accents toujoursfun une partie importante de la accented musique. Donc, vous pouvez -6 accented Accents are always an important part of playing music. So,sont have with these notes, and create your own variations. vous amuser en ajoutant des accents aux surfaces utilisées et bouger les accents. notes, and create your own variations.

Example 2 (accents) Example 2 (accents) / exemple 2 (accents) #1 > #2 > #3 >

> >

-7 Let’s Letʼs add level another level add a new playing thevousunused 7. add another of difficulty. You willofadddifficulty. a new playingYou surface will with the 7. Pour augmentersurface le niveau dewith difficulté, allez ajouterfoot. une surface avec unused le membredrum, non utilisé.hi-hat Cela veut and dire que s si nare vous jouer drum l’exercice de T h is mfoot. e aThis n smeans th athatt ififyouyrepeat o u ther efirstp exercise e a t (bass th edrum, f irhi-hat s t eandx e r c is e (bass ),base de snare drum), your hi-hat foot isn’t doing anything. So you will play the hi-hat with l’exemple numéro 1 (grosse caisse, hi-hat et caisse claire) de manière consécutive, your hi-hat foot isnʼt doing anything. So you will play the hi-hat with your foot on every first beat, and your foot on every first beat, and replace the written hi-hat by the ride cymbal. This votre pied droit n’est pas sollicité, alors vous allez ajouter le hi-hat sur tous les replace the hi-hat by the ride cymbal. This way, there anyle confusion. way, there won’twritten be any confusion. tempswonʼt forts et be remplacer hi-hat écrit dans l’exercice pas la cymbale ride. Comme cela vous n’aurez pas de confusion par la surface utilisée. 8. the notionthe of creativity in mind reference to step in #7, you will addina fifth -8 Keeping Keeping notion ofincreativity mind reference to step #7, you will add a fifth element, element, which consistsinin either singing an ostinato oran vocally stating the pulse or 8. stating Toujours the en conservent créativité, entalking vous référantwhile à l’étapeyou No#7, vous which consists either singing ostinato or vocally pulsel’idée ordesimply simply talking while you play the exercise. allez ajouter un cinquième élément qui consiste soit à chanter un ostinato, soit play the exercise. à marquer le temps vocalement ou tout simplement parler pendant l’exercice. 9. I suggest that you play as many variations as possible with the songs you already -9 know. I suggest that play as many you already This This will enable you toyou play them at different tempos andvariations in different styles. as possible 9. Commewith avant the dernièresongs étape je vous suggère de jouer leknow. plus de variations possibles avec des chansons que vous connaissez. Cela va vous permettre de les will enable you to play them at different tempos and in different styles. 10. Finally, compose your own rhythms using all the ideas you have been practicing. jouer à différents tempos et dans différents styles. Don’t limit yourself and don’t worry about mistakes; this is the best way to learn. -10 Finally, compose your own rhythms using all the ideas haveilbeen practicing. Donʼt limitvos propres rythmes 10. you Dernièrement, est maintenant venu le temps de composer yourself and donʼt worry about mistakes; thisthing is the best way to avec learn. Whatever the technical or creative level you have reached, the important is to play toutes les idées que vous allez avoir travaillé. Ne vous mettez pas de limites, with conviction and integrity. Sometimes, all it takes is hitting the snare drum at a particular faites vos erreurs, c’est comme cela que l’on apprend le plus. moment or changing accents in a rhythm to change everything and lead you towards new avenues. Happy playing!  En conclusion, peu importe la technique ou le niveau de créativité que vous avez, l’important est de jouer avec conviction et intégrité. Parfois un coup de caisse claire à un endroit spécifique ou bien une accentuation dans un rythme va changer le tout et vous amener vers de nouvelles avenues. Bonne pratique!  octobre

novembre

2014

products

pro duits

Roland TD-1K and TD-1KV V-Drums

Roland V-Drums TD-1K et TD-1KV

We all know how practical electronic drum kits can be, and the creative possibilities they offer are unlimited. Roland’s class-leading V-Drums series now has two new compact kits. The TD-1K and TD-1KV both feature a snare, three toms, crash and ride cymbals, and a hi-hat with pedal. The bass drum and pedal combo is an all-in-one beater-free design providing super quiet performance, which is ideal for home use. Both units feature 15 ready-to-go drum kits for playing almost any style. The only difference between the two is that the TD-1KV features a PDX-8 mesh-head snare pad with independent head and rim triggering, while the TD-1K comes with a single-trigger rubber pad.

Nous savons tous à quel point les batteries électroniques peuvent être pratiques, sans parler des possibilités créatrices infinies qu’elles offrent. La série V-Drums de Roland offre maintenant deux nouveaux ensembles compactes. Les ensembles TD-1K et TD-1KV comprennent une caisse claire, trois toms, des cymbales crash et ride et un hi-hat avec pédale. En guise de grosse caisse et de sa pédale, les ensembles comprennent un dispositif tout-en-un sans pédale qui procure un jeu hyper silencieux parfait pour la maison. Les deux ensembles viennent avec 15 sonorités de batterie permettant de jouer presque tous les styles musicaux. La seule différence entre les deux ensembles est que le TD-1KV comprend une caisse claire PDX-8 avec surface en maille et deux capteurs (surface de jeu et rebord); la caisse claire du TD-1K est faite de caoutchouc et n’a qu’un capteur.

www.roland.ca

october

november

2014

Yamaha DTX400 Series

Yamaha DTX400

Built around the DTX400 drum trigger module, featuring professional sounds from Yamaha’s high-end DTX series, DTX400 Series sets come with 10 programmable drum kits, 10 drum practice exercises and a suite of interactive support APPS, which add infinite customization possibilities in conjunction with various iOS Apple products. And for those of you living in apartments, the DTX400K kit comes with the KU-100 Kick Unit, designed to reduce the physical sound of playing the bass drum.

Conçu autour du module de batterie DTX400, rempli de sonorités de la série haut de gamme DTX de Yamaha, les ensembles de la série DTX permettent la programmation de 10 batteries, comprennent 10 exercices pratiques et la suite de programmes interactifs APPS, qui ajoute une infinité de possibilités lorsque associée à un appareil iOS d’Apple. Quant à ceux qui vivent en appartement, l’ensemble DTX400K comprend le dispositif de grosse caisse KU-100, spécialement conçu pour être le plus silencieux possible.

ca.yamaha.com

octobre

novembre

2014

products

pro duits

Istanbul Mehmet Cymbals & Turkish Cymbals Istanbul Mehmet Cymbals and Turkish Cymbals are now available in Canada, available exclusively through FMZ Vintage Sounds. Both lines are still made the traditional way, crafted and hand-hammered in Turkey. They offer a variety of unique sounds and tonal change, which should please the pickiest of drummers.

Istanbul Mehmet Cymbals et Turkish Cymbals Les cymbales produites par Istanbul Mehmet Cymbals et Turkish Cymbals sont maintenant disponibles au Canada exclusivement par le biais de FMZ Vintage Sounds. Les deux gammes de cymbales sont toujours fabriquées de façon traditionnelle en Turquie, forgées et martelées à la main. Si vous êtes soucieux de la sonorité de vos cymbales, vous ne serez pas déçu par celles-ci qui offrent des sonorités et tonalités uniques.

fmzvintagesounds.com

Beyerdynamic – TG Drum Set Pro Have you been thinking about getting your own set of microphones? Well, may we suggest TG Drum Sets by Beyerdynamic. The two sets feature high-performance drum microphones from the Touring Gear series, which include four TG D57c floor drum mics, four TG D58c snare and tom mics, one TG D70d bass drum mic, four TG I53c or MC 930/950 hi-hat/ overhead mics. The sets come with stands and a durable soft bag.

Vous songez à vous procurer un ensemble de microphones pour votre batterie? Laisseznous vous suggérer les ensembles TG Drum Set Pro de Beyerdynamic. Les deux ensemble proposés comprennent des micros de qualité issus de la série Touring, dont quatre micros pour tambours de plancher TG D57c, quatre micros pour caisse claire et toms TG D58c, un micro pour grosse caisse TG D70d, quatre micros pour hi-hat/d’ensemble TG I53c ou MC 930/950. Les ensembles comprennent des trépieds et un sac de transport durable.

www.technicontact.com

october

november

2014

THE CHOICE

IS YOURS

This offer is valid on any Pearl EXX or EXL drum kit purchased at a Canadian authorized dealer between October 15th and December 31st, 2014 or while quantities last. This offer cannot be combined with any other promotions or offers. More info at: