V26N6 [ December 2014 - January 2015 ] by Drums Etc

The magazine for canadian drummers and percussionists Le magazine des batteurs et percussionnistes canadiens

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end of year 2014

- fin d'annĂŠe 2014 vol.26 no6

max senitt

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Mike Martino. Zildjian Master Lather for 12 years. As a master lather, Mike knows the intense work and attention to detail that goes into creating the authentic K sound. With Kerope, Zildjian introduces a timeless addition to its K family. A sound that originated with Kerope Zildjian over a century ago. Hand crafted, Kerope cymbals look as they sound. Rich, dark, and complex. Reminiscent of cymbals from the 50s and 60s, yet distinctly modern and relevant for today’s music. Experience the authentic K sound. ZILDJIAN.COM/KEROPE

SOUND LEGACY

The magazine for canadian drummers and percussionists Le magazine des batteurs et percussionnistes canadiens

Volume 26, No. 6 End of year 2014 / Fin d'année 2014 Editor in Chief / Rédacteur en chef Franck Camus franck@drumsetc.ca Contributing Writers / Journalistes Daniel Bédard, Éric Boudreault, Franck Camus, Stéphane Chamberland, Aubrey Dayle, Richard Irwin, Chris Lesso Translation / Traduction Jim Angelillo Geneviève Hébert Layout / Mise en page Karine Wolfe wolfe.karine@gmail.com Cover Photos / Photos de la couverture Maju Tavera www.majutavera.com

www.drumsetc.ca Advertising / Publicité Ralph Angelillo (888/450) 928-1726 / ralph@drumsetc.ca Jeff Knowles (514) 830-3555 / jeff@drumsetc.ca Publisher / Éditeur Serge Gamache (866) 834-4257 / (450) 651-4257 sergegamache@videotron.ca

6 ms eanxi t t Daniel Bédard

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Drums Etc est publié 5 fois l’an, et est distribué partout au Canada dans les écoles et chez les détaillants de batteries et percussions, dans les studios de répétition, etc. Ce numéro : 13 000 copies dans 380 points de distribution (circulation certifiée par Postes Canada).

A short time, not a long time La vie est courte ! Chris Lesso

Pedal control Maîtriser les pédales Stéphane Chamberland

Drums Etc is published 5 times per year and distributed across Canada, in drum shops, schools, rehearsal spaces, etc. This issue: 13 000 copies in 380 distribution points (circulation certified by Canada Post). Publication Mail Agreement No 40009235 / Poste-Publication Convention No 40009235 Return Address / Adresse de retour: DRUMS ETC, 753 rue Ste-Hélène, Longueuil (QC) J4K 3R5 Canada Fax: (450) 670-8683

The ghost limb Le membre fantôme Franck Camus

Edito + Agenda

Daniel Bédard

Le Polyrythme 3 sur 2

How to approach modern rock and metal Comment approcher le rock et le métal moderne ?

Stretch before you swing Pour garder le swing, étirez-vous ! Richard Irwin

Take something you know and change it, again ! Encore une fois, réutilisez vos connaissances !

The african 3 over 2 feel

Aubrey Dayle

Éric Boudreault

New Products Nouveaux produits

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agenda

edito

So why do you play music? Why do you play the drums? Is it for the love of the instrument or for playing in front of an audience? Whatever the reason, the important thing is to do it passionately and put your soul into it. Maybe it’s just me, but I find that nowadays, the scene is full of people that talk a lot, but don’t seem to do anything. You’ll say that that’s society. Be that as it may, when a musical project involves several people, it’s important to do what you say. Often, I hear people say stuff like “he’s so lucky; he has so many contracts” or “it figures, he knows everyone”. But know that luck has little to do with this. And it’s the same for sponsors. Musicians that work relentlessly on the drums and off are much better positioned to succeed. Do you have that press kit you promised your agent last week? Do you respect deadlines for learning new songs? Did you go to the scheduled practice session? These are only a few examples of things that you can do to help you earn a living as an artist. Be confident in your abilities and don’t be afraid! Be bold and try doing things differently as you might get different results. Yes, have fun, but work hard. If this really is your passion, it shouldn’t be a problem. Give it everything you have! And since we’re among friends, let me thank all those that wrote in about my previous editorial!

WINTER NAMM SHOW 2015

Anaheim, CA January 22-25 / 22 au 25 janvier 2015 http://www.namm.org/thenammshow/2015

KoSA CUBA

Drum & Percussion Workshop Havana, Cuba March 1-8 / 1 au 8 mars 2015 1-800-541-8401 info@kosamusic.com

CAPITALE DRUM FEST 2015

Québec, QC April 12 / 12 avril 2015 http://www.boiteamusicien.com/drumfest/

MUSIKMESSE 2015

Frankfurt, GE April 15-18 / 15 au 18 avril 2015 musik.messefrankfurt.com

Et vous au fait pourquoi faites-vous de la musique? Pour quoi jouez-vous de la batterie?

DAY OF DRUM WEEKEND 2015

Par amour de l’instrument ou pour le fait de monter sur scène? Peu importe en fait, tant que vous le faites avec âme et passion. Je ne sais pas si c’est moi ou… mais je trouve que de nos jours, le milieu est pollué de gens qui disent beaucoup de choses, mais qui n’agissent pas vraiment… bon je sais c’est la société qui est comme ça. Il n’empêche que quand un projet musical s’articule avec d’autres personnes il est important de faire ce que l’on dit. J’entends souvent des gens passer des commentaires du style « il est chanceux lui il a plein de contrats » ou encore « bon on sait il connaît du monde » sachez que la chance n’a pas grand-chose à voir là-dedans c’est comme pour les commandites souvent c’est le travail des plus acharnés qui est payant et malheureusement il n’y a pas de raccourci alors cessez d’être envieux et mettez-vous au travail vraiment, pas juste sur votre batterie en dehors aussi… Avez-vous votre kit de presse que vous aviez promis à votre gérant la semaine dernière? Respectez-vous les échéances que l’on vous a fixées pour apprendre une nouvelle chanson?, êtes-vous allé à l’audition comme convenu? Bref tout ceci ne sont que des exemples qui au final vous regardent vous et ce que vous voulez faire de votre vie en tant qu’artiste, mais de grâce prenez confiance en vous et n’ayez pas peur! Surprenez-vous à essayer de faire les choses différemment, car quand on s’y prend de la même façon, on obtient toujours les mêmes résultats. Amusez-vous, mais il faudra travailler fort. Si c’est votre passion cela ne sera pas un problème, alors allez-y à fond! Merci à tous les lecteurs qui m’ont écrit à propos du dernier édito et puisqu’on est entre nous il fallait bien que je vous le partage!

Franck Camus Editor-in-chief Rédacteur en chef 4

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Nanaimo, BC April 25-26 / 25-26 avril 2015 https://www.facebook.com/dayofdrum

CMW 2015 Canadian Music Week Toronto, ON May 1-10 / 1 au 10 mai, 2015 cmw.net/music/

CHICAGO DRUM SHOW 2015 Chicago IL May 15-17 / 15 au 17 mai, 2015 (989) 463-4757 www.chicagodrumshow.com

Vinnie Colaiuta Model SVC

VI N N I E CO LAI UTA

SI GNATU RE STI CK

Vinnie and the Vic design team worked together to create a stick that lets Vinnie do what he does best. Everything. As one of the most honored and celebrated drummers of all time, Vinnie Colaiuta’s drumming vocabulary is extraordinary. Pick up a pair of his new signature sticks and you’ll discover how perfectly balanced and transparent they feel—like they’re an extension of you—enabling your purest musical expression. So whether you play aggressively, or with a light touch, prepare to transcend. Check out the precise design features of Vinnie’s stick, and all of Vic’s Signature Series collaborations with the world’s top players at VICFIRTH.COM Photo: Michael Corral

TH E N EW

en cou verture cover story

max senitt Toronto drummer Max Senitt is a busy guy. Just a quick look at his website’s show schedule and you will see that he gets to play a lot of gigs with different artists in quite eclectic genres. And by talking with him, you understand why. Max is a very passionate drummer who cares deeply about his craft and I suppose that the various artists who hire him sense and appreciate that. Let’s check out what he has to say about music, drumming and more.

Could you tell us about you and where you’re from? “I’m from Ontario, born in Fergus but I was raised in Carnarvon. My mom got me a snare drum for my seventh birthday but it is only at the next Christmas that I got a full drum set, a four piece kit. I didn’t have formal training back then and I was mostly fooling around my drums at that point, just having fun with playing what I was hearing. I was also playing with a guitarist friend of mine in high school playing talent shows which was fun. A family friend got me in touch with a well-known drummer named Al Cross and he showed me what a paradiddle was which I then practiced and could understand. He also told me that I should check out John Coltrane’s “A Love Supreme”. Since I started playing quite young, I never imagined doing something else: drumming was all that I really loved at that point. Then, at eighteen years old, I got into Humber College in Toronto and started my formal training.”

Who did you get to study with? “While at Humber, I got to study with Don Vickery who showed me the jazz stuff working on variations and exercises with Ted Reed’s Syncopation book. I also studied with Roger Flock working mostly on snare drum stuff. But then, I dropped out and went on to work for cruise ships during six years which was a really good introduction to the world of the working musician. I learned what being a professional was and I got a ton of playing opportunity. Once I was done with the ships, I went back to Toronto and finished my studies at Humber College again, but now studying with the great Mark Kelso. He introduced me to some of Tony Allen’s music and to a lot of Brazilian stuff and showed me how to build a stronger groove. I also did some studying with the great Paul Delong and Rick Lazar while 6

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at Humber and got to meet and play gigs with the great Cuban pianist Hilario Duran, who was teaching combo ensembles. Hilario is an amazing pianist who has played with the likes of Michael Brecker, John Patitucci and Horacio “El Negro” Hernandez, among others. I started playing with two different bands around that time, on a Caribbean jazz project named Canefire and a Klezmer meets Cuban music project called Odessa/Havana, both of which gave me great playing opportunity and experience.”

Who are some of your influences? What is it about them that inspire you? “One of my biggest influences is Antonio Sanchez. I got to see him play live once before knowing who he was and I got hooked on his playing from that point on. You know the feeling when you go into a bar not knowing what you will end up listening to? Well, I ended up having quite a shock hearing Antonio’s masterful drumming. I loved the fact that he would not stick to specific patterns but was going for more of an organic approach being really responsive to the music. He’s a true master musician. I also love studio guys like Kenny Aronoff, Peter Erskine and Steve Gadd who have developed a very refined sound on the kit. They are total pros who know exactly what it takes to get the job done. I also really love the music of Danilo Perez, Bob Marley and much more, I listen to very broad genres and styles, I am big music fan. Listening to all these types of music got me much more familiar with odd time signatures, which I kind of got known for playing, because when you listen to that, you get the feel for the tradition and dances where those rhythms come from and it becomes much more of an organic thing than just some complicated patterns that only musicians can enjoy.” 

Le batteur torontois Max Senitt est un homme fort occupé. Un seul coup d’oeil à son site Internet révèle à quel point il arrive à diversifier ses activités. On comprend vite pourquoi lorsqu’on lui parle un peu. Max est un batteur passionné qui a son métier à coeur et les artistes qui l’engagent doivent ressentir et apprécier cet engagement. Voici donc ce qu’il a à dire sur la musique, sur la batterie et plus encore. Parlez- nous un peu de vous et de vos origines… « Je suis né à Fergus en Ontario, mais j’ai grandi à Carnarvon. Pour mes sept ans, ma mère m’a acheté une caisse claire, mais ce n’est qu’au Noël suivant que j’ai eu droit à une batterie quatre morceaux. Dans ce temps-là, je n’avais aucune formation et je jouais à temps perdu, en essayant de reproduire ce que j’entendais. Puis, au secondaire, je me suis amusé en participant à des concours d’amateurs avec un ami guitariste. Par la suite, un ami de la famille m’a présenté Al Cross, un batteur renommé qui m’a montré comment effectuer un moulin. C’est en pratiquant que je suis arrivé à bien comprendre ce rudiment. C’est aussi lui qui m’a suggéré la pièce “A Love Supreme” de John Coltrane. Ayant commencé à jouer de la batterie à un très jeune âge, je n’ai jamais imaginé faire autre chose puisque c’était tout ce que j’aimais faire. À dix-huit ans, je suis rentré au Humber College à Toronto, où j’ai commencé ma formation officielle. »

Avec qui avez-vous étudié? « À Humber, j’ai eu la chance d’étudier avec Don Vickery qui m’a initié au jazz, à l’aide des variations et des exercices du livre Syncopation de Ted Reed. J’ai également travaillé mon jeu à la caisse claire avec Roger Flock. Puis, j’ai décroché et je suis allé travailler sur des bateaux de croisière pendant six ans, ce qui a été une belle introduction au monde professionnel de la musique. J’ai appris le métier et j’ai eu plein de belles occasions de jouer. À la fin de cette période, je suis retourné vivre à Toronto et j’ai repris mes cours au Humber College où j’ai étudié avec le grand Mark Kelso. Par lui, j’ai connu la musique de Tony Allen, ainsi que la musique brésilienne. Il m’a aussi montré comment avoir un groove

plus solide. De même, au Humber College, j’ai été l’élève du grand Paul Delong et de Rick Lazar et j’y ai rencontré Hilario Duran, un grand pianiste cubain qui y enseignait le jazz et avec qui j’ai donné des concerts. Hilario est un excellent pianiste qui a joué avec des grands comme Michael Brecker, John Patitucci et Horacio “El Negro” Hernandez, pour n’en nommer que quelques-uns. À ce moment-là, j’ai commencé à jouer avec deux groupes différents sur le projet de jazz caribéen Canefire et sur un projet klezmer et cubain qui s’appelait Odessa/ Havana, ce qui m’a permis de prendre de l’expérience. »

Qui sont vos influences et qu’est-ce qui vous inspire chez eux? « Antonio Sanchez est une de mes plus grandes influences. Je l’ai vu une fois en concert et avant même de savoir qui il était, j’étais totalement envoûté. Êtes-vous déjà rentré dans un bar sans savoir à quoi vous attendre? Cette journée-là, j’ai eu tout un choc lorsque j’ai entendu le jeu magistral d’Antonio. J’ai été conquis par le fait qu’il ne s’en tenait pas à des motifs précis et qu’il privilégiait une approche plus “organique” qui semblait le rendre plus sensible à la musique. C’est un vrai maître de la batterie. J’aime aussi des gars de studio comme Kenny Aronoff, Peter Erskine et Steve Gadd qui ont un son très raffiné. Ce sont de vrais professionnels qui savent livrer la marchandise. J’aime la musique de Danilo Perez, Bob Marley et plus encore. En fait, je suis un amoureux de la musique et j’aime plusieurs genres. Écouter toutes sortes de style m’a aidé à me familiariser avec des signatures rythmiques inhabituelles pour lesquelles je suis maintenant reconnu. Ce type de signature nous ramène aux traditions et aux danses dont il s’inspire : la musique devient ainsi quelque chose d’organique qui s’éloigne des motifs compliqués que seuls les musiciens peuvent apprécier. »  décembre 2014 | janvier 2015

What bands did you play with? “I played with Alex Cuba for five years and we got to tour quite a lot going to Columbia, Germany, Turkey, Brazil, the United States, England, and all over Canada. Playing with him showed me how to play less, not having to show all you got on every song. I mostly played simple stuff and focused only on the groove playing his show. He also had me play only hi-hats, no rides, as it is a sound he didn’t want in his music. By doing that, I learned that the hi-hat can be played with a lot of subtleties and can create really nice textures. From having it closely tight to a bit open makes a world of a difference. I just cut out a new record with singer Valeria Matzner from Uruguay. I’m backing her with the Max Senitt Trio. And lately, I’ve been playing with Zebrina, a really cool band that blends modern jazz and Jewish culture. Our record is out on John Zorn’s Tzadik label and features the great clarinetist Ben Goldberg.”

Could you tell us about your teaching approach? “Teaching inspires me to be on top of my game because I want to be able to demonstrate and explain what I’m teaching to my students. I practice what I teach and teach what I practice. I haven’t learned everything there is to know and have not done everything there is to do, but I feel that my hard work has awarded me the opportunity to gain some extremely valuable experiences that I love to share with my students. I once heard that if you want to master something, you had to teach it. I feel this to be very true. I’ve been teaching all ages and my favorite book to use is still Stick Control by George Lawrence Stone. There are so many things you can get out of that book, it is endless. And by teaching younger students, you get to refine your fundamentals, which is very good. I do Skype lessons and I also teach at the Centennial College in Toronto where I’m part of the Music Industry Arts Performance program. You can also study with me at the “Drum Hang” online drum school. I teach private lessons at Scarboro Music in Toronto as well.” 8

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What is your approach to practicing, how do you work on stuff? “I think it is really important to work on the same things for some time so that the new stuff you are learning gets to sink in. You shouldn’t spread out too much but rather be real focused to get the most out of your time. You want to make the technical aspects of drumming effortless so that when you come on stage you don’t have to think about your grip or the sticking you will use but rather on the magic that is happening with your band mates. And you should try practicing very slowly too. The great violinist Itzhak Perlman once said: “If you practice something slowly, you forget about it slowly”. I think this is very true. Teachers at Humber used to ask me to do that which was a challenge at first but then I realized that it gives you a deeper understanding of what you are playing. Besides, you are showing your body how to play that exercise completely relaxed. You should also explore the roots and traditions of the various musical genres you are playing in order to have a more solid and meaningful musical foundation. Yet, at the same time, check out what is done right now so that you stay current. Have one foot in the past and the other one in the future without forgetting to acknowledge and enjoy the present.”

You are a dad and a full time drummer. How do you manage to do both? “I think the key here is balance. You have to make sure you spend enough time with both the family and your professional life and make every moment count. When your time is very limited, you learn to be more effective. And when the baby is napping and you still want to practice a bit, you have to make sure you are playing very softly as you don’t want to wake him up. So I would watch the baby monitor and make sure that the light on it wouldn’t move. It’s kind of cool since it serves as some sort of limiter.” 

“I think it is really important to work on the same things for some time so that the new stuff you are learning gets to sink in. You shouldn’t spread out too much but rather be real focused to get the most out of your time." « Je crois qu’il est très important de passer beaucoup de temps à travailler sur une chose afin de bien l’intégrer. Il ne faut pas trop s’éparpiller : il vaut mieux se concentrer sur la tâche afin de maximiser le temps de répétition. »

Avec quels groupes avez-vous déjà joué? « Pendant cinq ans, j’ai joué avec Alex Cuba en Colombie, en Allemagne, en Turquie, au Brésil, aux États-Unis, en Angleterre et partout au Canada. Travailler avec Alex m’a appris à ne pas en faire trop. Avec lui, je jouais des trucs simples et je n’avais qu’à me concentrer sur le groove. De plus, je devais me limiter à la Charleston car il ne voulait pas de cymbale ride dans sa musique. Ce faisant, j’ai découvert qu’on pouvait la jouer de toutes sortes de façons et créer de très belles textures. Tenir les cymbales de la Charleston bien closes ou légèrement entrouvertes peut créer un monde de différence. Sinon, je viens tout juste d’enregistrer un disque avec la chanteuse uruguayenne Valeria Matzner et le Max Senitt Trio. Dernièrement, je joue avec Zebrina, un groupe génial qui mélange le jazz moderne et la culture juive. Nous avons d’ailleurs lancé un disque sous l’étiquette Tzadik de John Zorn sur lequel figure le célèbre clarinettiste Ben Goldberg. »

Pouvez-vous nous parler de votre approche en tant qu’enseignant? « Enseigner m’encourage à être au-dessus de mes affaires parce que je dois pouvoir montrer et expliquer ce que j’enseigne à mes élèves. Je pratique ce que j’enseigne et j’enseigne ce que je pratique. Je n’ai pas appris tout ce qu’il y a à apprendre et je n’ai pas tout fait, mais je crois que mon travail m’a permis de vivre des expériences précieuses que j’aime partager avec mes étudiants. Certains disent qu’on maîtrise quelque chose seulement une fois qu’on l’a enseigné. Je le crois fermement. J’enseigne la batterie à des étudiants de tous les âges et mon livre préféré est toujours Stick Control de George Lawrence Stone. Avec ce livre, les possibilités sont infinies. Enseigner à des plus jeunes me permet de perfectionner mes bases, ce qui est très bien. Actuellement, je donne des cours particuliers au Scarboro Music à Toronto, ainsi que des cours en ligne sur Skype et sous l’égide de l’école “Drum Hang”. J’enseigne également au Centennial College à Toronto dans le cadre du Music Industry Arts Performance program. »

Quelle est votre approche de la pratique et comment travaillez-vous? « Je crois qu’il est très important de passer beaucoup de temps à travailler sur une chose afin de bien l’intégrer. Il ne faut pas trop s’éparpiller : il vaut mieux se concentrer sur la tâche afin de maximiser le temps de répétition. Il faut que l’aspect technique du jeu à la batterie soit intégré au point d’être naturel afin que sur scène, vous puissiez vous concentrer sur la création de la magie entre musiciens et non sur votre prise de baguette ou sur votre frappe. Apprenez à répéter lentement. Le célèbre violoniste Itzhak Perlman a déjà dit : “Si tu répètes un truc lentement, tu l’oublieras aussi plus lentement.” Et je crois qu’il a raison. C’était tout un défi pour moi de jouer de cette façon lorsque les profs au Humber College me le demandaient. Mais j’ai réalisé que ça aide à mieux comprendre ce que tu joues. Ça permet aussi à ton corps d’apprendre à jouer un exercice de façon détendue. Il est bien de connaître à la fois les racines et les traditions des divers genres musicaux afin d’asseoir ses bases et de donner du sens à la musique tout en demeurant au courant des tendances de l’heure. Il faut avoir un pied dans le passé, un dans le futur, sans toutefois oublier de s’ancrer et de s’amuser dans le présent. »

Vous êtes à la fois un papa et un batteur à temps plein. Comment y arrivez-vous? « C’est une question d’équilibre. J’essaie de faire en sorte que chaque moment compte, autant en famille que dans ma vie professionnelle. Quand le temps est limité, on apprend à être efficace. Je m’adapte : lorsque bébé fait sa sieste, je répète tout doucement en gardant l’oeil sur la lumière de l’interphone de surveillance. Je ne déteste pas l’idée d’avoir à m’imposer une certaine limite. »  By/Par: Daniel Bédard décembre 2014

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franck

The

camus

Limb Have you ever noticed that rhythms that you have learned and can play very well can falter at the slightest distraction? What I mean by distraction is something like losing a stick, an amp that stops working, a faulty monitor, or the lighting that goes out for a second or two just as you enter a more complex segment. Experience obviously helps with remaining calm. So I asked myself how I would go about teaching this. How do you remain constant despite an unpredictable environment? This question initially came to me while trying t deal with a stick falling or breaking during a concert.

membre Avez-vous déjà remarqué que les rythmes que vous avez appris et que vous jouez de façon très correcte peuvent vous échapper dès qu’une petite distraction survient? Par distraction je veux dire une perte de baguette un ampli qui tombe en panne, un moniteur de son défectueux ou encore le jeu de lumière qui devient noir juste quelques secondes alors que vous rentrez dans un passage plus ardu. Évidemment l’expérience aide grandement à ne pas paniquer et je me suis demandé comment réussir à enseigner cela. Comment rester constant malgré un environnement changeant et imprévu? À la base derrière cette idée il y avait surtout la question de comment appréhender une perte ou un bris de baguette en spectacle. On ne sait jamais quand cela va arriver, mais forcément dans la vie d’un batteur un bris peut toujours arriver. Je me suis donc posé la question de savoir quoi faire lorsque je casse une baguette surtout de mon côté dominant. Par exemple comment réussir à articuler le rythme alors que l’ancrage du rythme se fait avec la main droite et que je ne peux plus l’utiliser. L’ancrage du rythme et pour certain le pied droit au bass drum ou le pied gauche sur le hi-hat ou encore sur la cymbale avec la main droite. Il représente l’élément central 10

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autour duquel s’articulent le rythme et la coordination. C’est le point de repère autour duquel les autres membres vont fonctionner. C’est en quelque sorte ce que le cerveau a automatisé en 1er dans le mouvement. De mon point de vue l’ancrage au pied est une solution très intéressante, car le matériel a beaucoup moins de chance de briser au niveau des pieds qu’au niveau des baguettes. Si on prend un rythme de base en double croches avec le bass drum sur les temps 1et 3 et que l’on place la caisse claire sur les temps 2 et 4 comme dans le rock, la main droite (pour un droitier) sera celle qui joue le plus de notes. Il est donc important d’apprendre le rythme avec elle au début pour effectuer la coordination des autres membres qui permettront de jouer le rythme correctement. Dans un second temps, il est très important de jouer sans la main droite qui devient fantôme pour comprendre le groove sans l’ancrage principal. Le rythme ici est très simple donc cela s’apprend très vite, mais avec un swing de jazz ou des polyrythmies cela peut vite devenir très complexe. Imaginez que votre baguette se casse en plein milieu d’une mesure de jazz et que vous ne pouvez plus faire votre

« chabada » il n’est pas évident que les autres membres puissent agir avec autant de dextérité et de précisions notamment les « ghosts notes » sur la caisse claire qui font tant de différences. Au début, vous pouvez jouer le rythme de façon simplifiée et très lentement en retirant votre ancrage et vous essayez de garder la coordination des autres membres intacte autant dans les motifs que dans la vitesse du rythme. Cela peut vite devenir un cassetête, mais avec du temps et de la patience vous aller y arriver. Les avantages à réussir cela sont très nombreux. En autre de vous sécuriser s’il vous arrive quelque chose avec votre baguette en live. Vous ne paniquerez plus, car vous pouvez continuer de jouer le rythme sans l’élément principal qui vous permet de tenir le tempo et ceci est très important, car cela montre que vous avez des bases de jeu très solide. Quelle est la différence entre un batteur qui a une frappe franche, précise qui vous donne envie de danser et un batteur plus amateur? Bien souvent c’est cela la solidité du jeu qui passe par une grande confiance en soi (ce

You never know when it’s going to happen, but one thing is certain, a drummer’s craft isn’t immune to accidents or things breaking. So I asked myself what to do when I break a stick, particularly on my dominant side. For instance, how do I maintain a rhythm when I can suddenly no longer anchor the pulse with my right hand? Anchoring the pulse can be done with the right foot on the bass drum, with the left foot at the hi-hat or with the right hand on a cymbal. It is the central element around which is developed a rhythm and coordination. It is the reference point around which the other limbs can function. In a way, this is what the brain memorized first in the movement. From my standpoint, anchoring the rhythm with the foot is a very interesting solution, as breakage occurs much less frequently at the feet than at the hands. If you play a basic sixteenth note rock groove, bass drum on 1 and 3, snare drum on 2 and 4, the right hand (for a right-handed person) is the one playing the most notes. It is therefore important to learn the rhythm as such

so the other limbs play it correctly. But then, it is essential to play this same rhythm without the right hand, which becomes somewhat of a ghost, in order to understand the groove without anchoring it. This is a simple rhythm that is easy to learn, but with a jazz swing or polyrhythms, it can rapidly become extremely complex. Imagine your stick breaks in the middle of jazz tune and can no longer play the ride pattern, how do you get the other limbs to play as nimbly and as precisely, in particular the ghost notes that make such a difference on the snare drum. At first, play a simplified rhythm very slowly and remove the right hand, trying to keep the other limbs coordinated in their respective patterns, without changing speed. It can rapidly become a puzzle, but with time and patience, you’ll get it. Besides, the advantages of succeeding are numerous. One thing is certain: it means you’ll feel secure if something happens to your stick live. You won’t panic, because you will be able to continue playing the rhythm without the anchoring pattern, which is very important as it shows you have a very solid foundation.

What is the difference between a drummer with a firm and precise stick work that makes you want to dance and a more amateur drummer? It is often a question of being confident in one’s abilities (which is what this article is saying) and having excellent coordination, which means a more experienced drummer can play a rhythm without playing the pulse with a hand or foot. The other big advantage in learning to play a rhythm with three limbs is that it liberates the fourth, which is now free to play anything to enrich your grooves (think more subdivisions or time displacements). Learning to play a rhythm using different reference points greatly helps to solidify your grooves and, in particular, to improve your coordination. In fact, this is what prompted me to lean to play everything as a lefthanded drummer would, becoming ambidextrous. Try it and tell me about it! 

3 IMPORTANT WORDS COME TO MIND ABOUT

que permet cet exercice) et une excellente coordination qui permet au batteur plus aguerri de savoir jouer sans avoir un ancrage particulier d’une main ou d’un pied qui, s’il ne joue plus est perdu dans le rythme. L’autre grand avantage et que si vous êtes capable de garder le rythme avec 3 membres cela permet de libérer le 4e qui pourra apprendre à jouer n’importe quoi d’autre pour enrichir vos motifs rythmiques avec d’autres subdivisions ou des déplacements de temps.

HEADS: TONE, DURABILITY, & VERSATILITY MAX SENITT

Apprendre à jouer un rythme en ayant d’autres repères est intéressant pour solidifier un « groove » surtout pour améliorer votre coordination c’est d’ailleurs à partir de cette découverte que j’ai décidé d’apprendre à jouer mes partitions en gaucher et devenir ainsi ambidextre essayer ça et donner moi votre avis vous ne serez pas déçu! 

daddario.com

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janvier 2015

stéphane cham berland

Pedal Maîtriser Control les pédales What is technique? We, drummers, have had so many debates about the right technique. Hand technique remains a very important topic for serious drummers. We must clarify the word ‘technique’. A technique is a way of doing something. During a recent lesson, I was asked by a student wanting to work on technique to show him the paradiddle. This is interesting. A paradiddle is not a technique but a rudiment. The way you play a rudiment is the technique. The more techniques you know, the greater the number of tools you have in your toolbox to complete a desired task. I have been fortunate to have had the opportunity to study with great technicians such as Dom Famularo and Jim Chapin for many years. Along the way, I have studied techniques such as those commonly known as, ‘The Free Stroke’, ‘The Moeller Technique’, the ‘pumping’ motion, ‘upstrokes’ and ‘downstrokes’ in both ‘formal and informal’ applications. I was searching for a long time for teachers who understood in detail all the tools necessary for me to achieve amazing results within my own playing. Watching drummers like Jojo Mayer, Dave Weckl, and Steve Gadd, one can’t help but be impressed with the sets of techniques they have. As both a student and a teacher, I believe that when one is given precise direction, one will more quickly attain the goals one wishes to reach in one’s own playing.

Qu’est-ce que la technique? Les batteurs ne s’entendent pas tous sur ce qu’est une bonne technique. Celle qui concerne plus particulierement le jeu des mains est un sujet de premier plan pour tous les batteurs qui se respectent. D’abord, clarifions le terme « technique ». Une technique est une manière de faire les choses. Récemment, un étudiant qui désirait travailler sa technique m’a demandé de lui apprendre le moulin (paradiddle). Un moulin n’est pas une technique, mais un rudiment. La technique, c’est la façon de le jouer. Plus vous en connaissez, plus vous avez d’outils dans votre coffre pour accomplir ce que vous voulez. J’ai eu la chance d’étudier pendant plusieurs années avec de grands techniciens comme Dom Famularo et Jim Chapin. Durant ces années, j’ai étudié de façon formelle et informelle, des techniques comme celle de Moeller, du coup libre (Free Stroke), du mouvement de pompe (« pumping » motion) et du contrôle du rebond (‘upstrokes’ et ‘downstrokes’). J’ai cherché longtemps des professeurs qui sauraient m’expliquer en détail comment me procurer les outils dont j’avais besoin pour améliorer mon jeu comme je le voulais. Lorsqu’on regarde des batteurs comme Jojo Mayer, Dave Weckl et Steve Gadd, on ne peut qu’être impressionné par toutes les techniques qu’ils possèdent. En tant qu’élève et professeur, je crois fermement que la précision des directives que nous donnons ou recevons influence la vitesse avec laquelle nous atteignons nos objectifs.

What about your feet? Et les pieds? I was blown away when I started to realize that all the techniques I was learning for my hands were also applicable to the feet. At that time Dom Famularo and Joe Bergamini were working on this new book, Pedal Control, that would explain in detail all the techniques for the feet in much the same way as their prior text, It’s Your Move, did for the hands. It’s Your Move is arguably the best book available for learning technique. I was fortunate to have been asked by Dom and Joe to join them in working on this amazing book. The first section teaches the techniques and the second section gives lots of practical exercises to get comfortable with and develop what you studied in the first section. It covers basic foot techniques like the heel down, heel up (ankle), heel up (legs), and entire legs techniques. In music we use dynamics to play from soft to loud and different techniques to play from slow to fast. Figure 1 illustrates well the range of expression of how each style fits into each technique needed. We can use different positions and velocities for what we want to achieve. Look at figure 2 to understand better how to adapt your technique for your musical situations. Building a great technique is like making a great salad. We select different elements to make up the salad. Separately, if we take the time to choose quality ingredients, it will affect the final result. If we choose the best vegetables, the finished salad will be amazing when we put everything together. Technique is the same. We learn and master every single technique first; then we start mixing them together. The final result would be to know all the positions, all the techniques and all the possibilities to put them together. So, while grooving, in the same way we play dynamics on snare and hi hat, we can do the same for the bass drum. We can play accents, flams and drags on the pedals. We will use heels down, heels up, legs and ankles, and entire legs to better serve the music.

december 2014

january 2015

J’ai été ébahi quand j’ai réalisé que toutes les techniques que j’avais apprises pour les mains s’appliquaient aussi au jeu des pieds. Dans ce temps-là, Dom Famularo et Joe Bergamini travaillaient sur leur nouveau livre, Pedal Control, qui explique en détail toutes les techniques pour les pieds comme le fait pour les mains leur livre It’s Your Move. Ce livre est sans doute le meilleur pour apprendre la technique. Dom et Joe m’avaient d’ailleurs invité à me joindre à eux pour l’aventure. La première partie de Pedal Control enseigne les techniques et la deuxième fournit de nombreux exercices pratiques pour se familiariser avec et approfondir ce qui a été appris dans la partie précédente. Le livre aborde des techniques pour les pieds telles que les techniques de talons à plat, de talons levés (chevilles, puis jambes) et de jambes entières. En musique, nous utilisons les nuances pour jouer à faible et à haut volume, ainsi que différentes techniques pour jouer lentement puis rapidement. La figure 1 illustre bien qu’il existe différents registres d’expression et que chaque style de musique va de pair avec certaines techniques. Différentes vitesses et positions sont utilisées selon ce que vous voulez accomplir. Consultez la figure 2 pour mieux comprendre comment adapter votre technique aux différentes situations musicales. Une bonne technique s’apparente à une bonne salade. Plusieurs éléments composent une salade. Si nous prenons le temps de choisir soigneusement chaque ingrédient, le produit final en sera amélioré. Si nous choisissons les meilleurs légumes, la salade n’en sera que plus magnifique. C’est la même chose pour la technique. Il faut apprendre à maîtriser chaque technique avant de les combiner. Ultimement, il faut connaître toutes les positions, les techniques et les possibilités avant de les utiliser ensemble. Pour un groove, il s’agit de faire la même chose avec la grosse caisse qu’avec la caisse claire et la Charleston. Il est possible de jouer les accents, les flas et les drags avec les pédales. Afin de mieux servir la musique, nous utiliserons les talons à plat, les talons levés, les jambes et les chevilles, ainsi que les jambes entières.

figure 1

Hand and feet at the same level

figure 2

Mains et pieds au même niveau

The final goal is to work hard enough to be able to have total freedom to bring our foot technique to the same level as our hand technique. This is actually very much the same concept. All the techniques that you use for your hands will also apply to the feet. I highly recommend books like Stick Control by George Lawrence Stone, Master Studies by Joe Morello, Bass Drum Control by Colin Bailey, and Pedal Control by Dom Famularo and Joe Bergamini. The next step would be to read actual notation for the snare drum but played on your pedals with your feet. Here is an excerpt from Pedal Control (Wizdom Media – Alfred Publishing) that will show you how cool it could be to play a real piece with your pedals.

L’objectif est d’acquérir, grâce à la technique et à un travail acharné, la même liberté de jeu avec les pieds qu’avec les mains. Toutes les techniques utilisées pour les mains fonctionnent avec les pieds. Je vous recommande chaudement les livres Stick Control de George Lawrence Stone, Master Studies de Joe Morello, Bass Drum Control de Colin Bailey et Pedal Control de Dom Famularo et Joe Bergamini. Par la suite, vous devriez pouvoir exécuter avec vos pédales des partitions écrites pour la caisse claire. Voici un extrait de Pedal Control (Wizdom Media – Alfred Publishing) qui devrait vous montrer comment il peut être amusant de jouer un vrai morceau seulement avec les pieds.

Image now how you could incorporate such amazing ideas into your grooves. Double bass or single pedal (one foot on the hi-hat) you will be blown away by the myriad possibilities. Watch drummers like Bill Stewart, Tomas Lang, Claus Hessler, and Virgil Donati, who really push the art of pedal technique to the next level. Have fun and be patient with your progress. Practice little by little on a constant basis and you will see the evolution. Ask a great teacher to help you in the process and make sure your equipment is in good shape. There’s an old saying, ‘The devil is in the details’. It’s in the details that you will see the difference. 

Imaginez maintenant comment vous pouvez incorporer toutes ces magnifiques idées dans vos grooves. Avec une grosse caisse (et un pied sur la Charleston) ou une double, vous serez ébloui par toutes les possibilités qui s’ouvrent à vous. Regardez des batteurs comme Bill Stewart, Tomas Lang, Claus Hessler et Virgil Donati, qui ont amené l’art de la technique de la pédale à un autre niveau. Amusez-vous et soyez patient avec vous-même. Répétez petit à petit, mais sur une base régulière et vous verrez l’évolution. Demandez à un bon professeur de vous donner un coup de main dans le processus et assurez-vous que votre équipement est en bon état. Il y a un proverbe qui dit que « tout est dans le détail » et c’est là que vous verrez toute la différence.  décembre 2014 | janvier 2015

aubrey

dayle

the African

3 2 over

feel

During the early 1990’s I was living in New York City and I met the great North African artist, Hassan Hakmoun. He is a Moroccan master of an instrument called the Sintir, otherwise know as the Gimbri, and plays in the Gnawan tradition. Together he and I redeveloped a group he had originally started in New York called Zahar. Zahar’s music was known as “Moroccan Roll” at the time. Hassan’s affiliation with Peter Gabriel gave Zahar international exposure and allowed us to tour the world at a high level. Hassan opened me up to modern African music and musicians. Playing and living in New York is an education in itself, but my experience with Zahar and African music expanded my percussive horizons exponentially. In 1994 Zahar was playing a WOMAD show right before Peter Gabriel at the Jones Beach Amphitheater on Long Island, New York. At the end of the show this agile black man with long dreadlocks ran onto the stage while the technicians were changing things up. He grabbed my hand and practically screamed, “That was dope”! It was Living Colour’s drummer Will Calhoun and we have been good friends ever since. Will released his latest solo Cd entitled “Life in This World” last year. Some of the material has wonderful African themes and rhythms and they reminded me of my time with Zahar. The 3 over 2 polyrhythmic feel is a common occurrence in African music. A fascinating example of this is on Will’s version of Thelonious Monk’s piece called “Evidence”. On one of his adventures to Africa, he was taught a unique rhythm that was developed by the Manding or Mandinka ethnic group of West Africa. These people are Africa's most prominent ethnic group, and occupy large parts of Mali, Senegal, Guinea, Guinea-Bissau, Gambia, Liberia, chad, Niger, Ivory Coast, Burkina Faso, and Sierra Leone. Most of the slaves in the US and the Caribbean were from this ethnic group. Once Will became comfortable with the superimposition of 3 beats over 2 in this context, he constructed a drum set adaptation of the groove. If we look at the ‘A’ section of the head, we can clearly see how displaced the rhythms feel, even though the group is playing in 4/4.

Le polyrythme

3 2 sur

Lorsque j’habitais New York au début des années 90, j’ai rencontré le grand artiste nordafricain, Hassan Hakmoun. Hassan est un Marocain qui joue d’une main de maître le Sintir, instrument aussi appelé guembri, dans la tradition gnawa. Ensemble, nous avons relancé le groupe Zahar qu’il avait fondé à New York. À cette époque, on qualifiait la musique de Zahar de « Moroccan Roll ». L’affiliation d’Hassan avec Peter Gabriel a donné à Zahar une exposition internationale et nous a permis d’effectuer une tournée magistrale autour du monde. Hassan m’a ouvert à la musique Africaine moderne et à ses musiciens. Jouer et vivre à New York est une éducation en soi, mais mon expérience avec Zahar et la musique Africaine a élargi mes horizons de façon exponentielle. En 1994, Zahar jouait au festival des musiques du monde WOMAD en première de Peter Gabriel au Jones Beach Amphitheater à Long Island, New York. À la fin du spectacle, un homme noir avec de longues dreadlocks a couru sur la scène pendant que les techniciens réorganisaient les instruments. Il a pris ma main et m’a dit que ma performance était « totalement enivrante » ! C’était le batteur Will Calhoun de Living Colour et depuis, nous sommes devenus de bons amis. L’an dernier, Will a lancé un disque solo intitulé « Life in This World ». Les pièces qu’on y trouve renferment de magnifiques rythmes et thèmes Africains qui me rappellent mon expérience avec Zahar. Le polyrythme 3 sur 2 est assez commun dans la musique Africaine. Vous en trouverez un exemple fascinant en écoutant sur le disque de Will la reprise de « Evidence » de Thelonious Monk. Lors d’une de ses aventures en Afrique, il a appris un rythme unique créé par les Mandingues, un groupe ethnique de l’Afrique de l’Ouest. Ce peuple est un des plus importants en Afrique et on le retrouve dans de nombreux pays : Mali, Sénégal, Guinée, Guinée-Bissau, Gambie, Liberia, Tchad, Niger, Côte d’Ivoire, Burkina Faso et Sierra Leone. La plupart des esclaves qui se sont retrouvés aux États-Unis et aux Caraïbes faisaient partie de ce groupe. Une fois que Will est devenu à l’aise avec cette réalité et la superposition de ces 3 rythmes sur 2, il a adapté le groove à la batterie. Si nous regardons ici la section « A », nous pouvons clairement voir comment les rythmes semblent mal placés, même si le groupe joue en 4/4.

Continued / Suite  14

december 2014

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When Will plays the Manding rhythm underneath those displaced rhythms, the effect is even more dramatic. Check out the head here at http://tinyurl.com/lgbkw5h 

 Lorsque Will joue un rythme mandingue en toile de fond, l’effet devient encore plus spectaculaire, comme vous pouvez le voir sur la vidéo au lien suivant http://tinyurl.com/lgbkw5h

here is the drum part / Voici la partition de la batterie: SNARE RIM CERCLE DE CAISSE CLAIRE SIDE STICK BASS DRUM 1 GROSSE CAISSE 1 BASS DRUM 2 GROSSE CAISSE 2 HI HAT CHARLESTON

The feet clearly outline a quarter note pulse in 4/4. The hi-hat and second bass drum, both played with the left foot, are on beats 1 and 3 and the main bass drum plays the last triplet of 1 and 3 followed by 2 and 4. The lead hand and the feet combined create that 3 over 2 feel.

Note that an LP Jam Block replaces the second bass drum in the following clip. http://youtu.be/x_WCGbByWxE 

I also recorded a groove with a similar concept with Hassan Hakmoun on a CD entitled “The Gift”. Most of Zahar’s music had a much more western approach as is seen in this clip from Woodstock ’94. http://tinyurl.com/qe74o5a 

december 2014

january 2015

Les pieds mettent clairement l’accent sur les noires en 4/4. Les rythmes 1 et 3 sont joués du pied gauche sur la Charleston et la grosse caisse no 2, tandis que le dernier triolet est joué en 1 et en 3, puis en 2 et en 4 sur la grosse caisse no 1. Ensemble, les pieds et la main dominante créent le polyrythme 3 sur 2.

Veuillez noter que dans la vidéo suivante, un LP Jam Block remplace la grosse caisse no2: http://youtu.be/x_WCGbByWxE

On retrouve à peu près le même concept dans un groove que j’ai enregistré avec Hassan Hakmoun sur un CD intitulé « The Gift ». La musique de Zahar avait une approche beaucoup plus occidentale, comme on le voit dans cette vidéo qui date de Woodstock » 94. http://tinyurl.com/qe74o5a

However, while we were making “The Gift” we realized that the US based recording sessions of the CD didn’t have songs in 6/4 and Hassan felt that was simply unacceptable. He came over to me and whispered something like the following into my ear and we used it on a song called “Mimouna”:

Par contre, pendant l’enregistrement de « The Gift », nous avons réalisé que les séances de studio tenues aux États-Unis ne comprenaient aucune chanson en 6/4, ce qu’Hassan trouvait inacceptable. Il est donc venu me murmurer à l’oreille quelque chose qui ressemblait à cette musique que nous avons utilisée sur une pièce appelée « Mimouna »:

QUARKABEB (Moroccan castanets) overdub rythm KRAKEB OU KARKABOU (castagnettes marocaines) en overdub

HI HAT CHARLESTON SNARE CAISSE CLAIRE BASS DRUM GROSSE CAISSE SINTIR BASS LINE LIGNE DE BASSE DU SINTIR

Veuillez noter que les échantillons Kiri et Kora remplacent les instruments dans la vidéo suivante : http://youtu.be/adlM4G2jehc

Please note that Kiri and Kora samples replace the authentic instruments in the following clip : http://youtu.be/adlM4G2jehc 

In this case the snare drum is playing four dotted quarter notes against the Sintir bass line that is played in 6/4. The quarkabeb rhythm reinforces the 3 over 2 feel by embellishing the quarter notes in this time signature.

Dans ce cas, on joue quatre noires pointées à la caisse claire sur la ligne de basse du Sintir qui est jouée en 6/4. Le rythme des krakeb renforce le polyrythme en 3 sur 2, tout en enjolivant les noires dans cette signature rythmique.

The African 3 over 2 concept is at the heart of both examples. In Will’s groove he outlines the quarter note triplet feel with his lead hand. In the groove I developed with Hassan Hakmoun, the Sintir and the quarkabeb outline the quarters in 6/4 against the dotted quarter notes in the snare drum. Try out these grooves and practice counting the implied ‘2’ or ‘3’ in each approach. Have fun! 

On trouve le concept polyrythmique africain en 3 sur 2 au coeur de ces deux exemples. Dans le groove de Will, la main dominante met en relief les triolets de noires. Dans le groove créé avec Hassan Hakmoun, le Sintir et le krakeb mettent en relief les noires en 6/4 sur un fond de noires pointées à la caisse claire. Essayez ces grooves en comptant les rythmes implicites 2 et 3 dans les deux cas. Et amusez-vous! 

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janvier 2015

richard

irwin

STRETCH BEFORE YOU SWING

POUR GARDER LE SWING : ÉTIREZ-VOUS !

Stretching is an important first step before starting any physical activity, and drumming definitely falls into this category. The level of physical exertion when drumming will of course depend on the style of music you’re playing. While an evening of speed metal will require more of a warm-up than playing a 1 hour cocktail gig, limbering up the muscles is still important, especially the older you get. Even if I don’t have time to warm-up with sticks and a pad, I always go through a 5-minute stretching routine to soften up the muscles and get the blood moving.

Les étirements devraient précéder n’importe quelle activité physique et la batterie ne fait pas exception. Évidemment, le degré d’effort physique requis pour en jouer dépend de votre style de musique. Une soirée de speed métal nécessitera davantage d’étirements qu’un cocktail rythmé d’une heure. Mais les exercices d’assouplissement n’en sont pas moins importants, surtout avec l’âge. Lorsque je n’ai pas le temps de m’échauffer avec des baguettes et un pad, je suis toujours un programme d’étirements de 5 minutes afin d’assouplir mes muscles et de faire circuler mon sang.

Before we go through the routine, it is important to know this – you should NOT feel pain when stretching or warming up! Pain is your body’s way of telling you that something is wrong, and when something is wrong with the muscles, they will try to CONTRACT to their original position to protect themselves. This is the exact opposite of what you’re trying to achieve while stretching and warming up. You want to loosen those muscles, not contract them. Stretching is not a workout.

Avant de regarder ensemble ce programme, il est important de noter que vous ne devriez en aucun cas ressentir de douleur lors de cet échauffement! La douleur est la façon qu’a votre corps de vous dire qu’il y a quelque chose qui cloche. Lorsque vous abusez de vos muscles, pour se protéger, ceux-ci essaieront naturellement de revenir à leur position initiale. Ce qui est tout à fait contraire à ce que vous voulez accomplir ici. Vous voulez que vos muscles se relâchent au lieu de se contracter. Rappelez-vous que les étirements ne sont pas une séance d’entraînement!

You can do the below stretches from a sitting or standing position:

1. Focus first on relaxing the shoulders before every stretch. With the shoulders relaxed, bring your left arm up in front of you, parallel to the floor with the back of your hand facing up. Grab the front of all fingers AND thumb with your right hand and gently pull them down so they’re facing the floor. I like to stretch a bit farther until I feel a bit of tension, then back off slightly. You should feel the stretch along the top forearm muscles. Hold for 15 seconds, let go gently, and put your arm by your side. Give it a shake. Repeat the process with the right arm. I try to do this one at least twice per arm.

december 2014

january 2015

Vous pouvez effectuer les étirements proposés, debout ou assis :

1. Essayez toujours de penser à détendre vos épaules avant chaque étirement. Les épaules détendues, lever le bras gauche devant vous, parallèle au sol, le dos de la main vers le plafond. Avec la main droite, attrapez les cinq doigts et tirez-les jusqu’à ce qu’ils soient perpendiculaires au plancher. J’aime les tirer un peu plus loin jusqu’à ce que je ressente une petite tension avant de les relâcher un brin. Vous devriez ressentir l’étirement dans le muscle au-dessus de l’avant-bras. Gardez la position pendant 15 secondes, relâchez doucement les doigts et replacez le bras le long du corps. Secouez-le. Répétez le processus avec le bras droit. Je répète cet exercice au moins deux fois pour chaque bras.

2. The next stretch is almost the same process, except with the palm facing up instead of the back of the hand.

2. Le prochain étirement ressemble au premier, sauf que la paume fait maintenant face au plafond.

With your shoulders relaxed and left arm in front and parallel to the floor, grab all fingers and the thumb with your right hand and bend everything backwards. This is a deeper stretch, so be careful not to go too far back. Feel the tension in the inside forearm muscles, back off a bit, then hold for 15 seconds. Gently let go of the fingers, put your arm back to your side, and shake it off. Repeat with your right arm. Again, twice each arm.

Les épaules toujours détendues, le bras gauche devant vous et parallèle au sol, attrapez tous les doigts de la main droite et pliez-les vers l’arrière. Cet étirement est plus profond, alors faites attention de ne pas aller trop loin. Une fois que vous ressentez une tension dans le muscle au-dessous de l’avant-bras, relâchez légèrement, puis maintenez la position pendant 15 secondes. Relâchez doucement les doigts, replacez votre bras le long du corps et secouez-le. Répétez l’exercice avec le bras droit. Deux fois pour chaque bras.

3. The last is my favourite, because it stretches both arms and wrists at the same time. Putting your hands together in a prayer position, line up your fingers and place your thumbs towards or even against the center of your chest. This will naturally put your elbows out to the sides. Once again, with your shoulders relaxed, slide your hands down towards your stomach asfar as you can, feel the tension, and back off slightly to feel only the stretch. The trick is that once your elbows are in line with your hands, they should not move when you slide the hands down. Hold for 15 seconds. After years of doing this, I am able to go down as far as my belt line, but go as far as you can comfortably. This will stretch all parts of the forearms, as well as the wrists. That’s it! My 5-minute stretching routine. You can repeat each stretch as many times as necessary to start feeling good, but 10 minutes should be the maximum. Remember that your arms should feel fantastic afterwards, not sore or stressed! Plus, taking 5 minutes to do this routine also forces you to slow down, breathe, and focus on the important stuff: playing the gig! 

3. Ce dernier exercice est mon préféré parce que l’étirement se fait dans les deux bras et les deux poignets à la fois. Mettez vos mains en prière enalignant vos doigts ensemble, le pouce vers la poitrine ou en appui sur votre sternum, ce qui fera naturellement ressortir vos coudes sur les côtés. Encore une fois, les épaules détendues, glissez vos mains vers le ventre aussi loin que vous le pouvez. Lorsque vous sentez une tension, revenez légèrement vers le haut pour ne ressentir qu’un étirement. Vos coudes devraient rester alignés avec vos mains et ne pas remonter lorsque les mains descendent. Maintenant, gardez la position pendant 15 secondes. Après des années de pratique, j’arrive à abaisser les mains jusqu’à ma taille, mais vous ne devriez pas sortir de votre zone de confort. Cet exercice étirera tous les muscles de l’avant-bras, ainsi que les poignets. Voilà! C’était mon programme d’étirements de 5 minutes! Répétez chaque exercice aussi souvent que vous le voulez, mais l’échauffement ne devrait pas durer plus de 10 minutes. Rappelez-vous que vos bras devraient être plus souples après l’exercice et non plus endoloris ou tendus! De plus, prendre 5 minutes pour vous échauffer vous aidera à ralentir, à respirer et à vous concentrer sur l’essentiel : jouer de la musique! 

décembre 2014

janvier 2015

chris

lesso

A SHORT TIME, NOT A LONG TIME…

LA VIE EST COURTE!

Our time here is short! We all intellectually know this, but this really hit home for me when I recently expanded my paradigm and did a 'Drum Therapy' event for seniors. They were challenged, had fun, while being part of a community, which brought joy to their day. Mickey Hart from the Grateful Dead has done some leading research on the benefits that drumming can have on the elderly’s health and brain. He watched his grandmother decline from Alzheimer’s disease, and noticed when he played the drums for her she became more responsive.

Notre séjour sur la terre ne dure pas une éternité! Nous sommes tous au courant de cette réalité, mais elle m’a frappé récemment lorsque j’ai animé pour des aînés une séance de « thérapie par la batterie ». Pendant cette journée, mes élèves ont relevé de grands défis tout en ayant du plaisir et en faisant partie d’une communauté. Ce court moment a égayé leur journée. Mickey Hart des Grateful Dead avait déjà fait une recherche de pointe concernant les bénéfices de la batterie sur la santé et le cerveau des personnes âgées. Il avait été témoin du déclin de sa grand-mère atteinte d’Alzheimer et avait remarqué qu’elle devenait plus réceptive lorsqu’il lui jouait de la batterie.

It always humbles and amazes me, the power that music has!

La musique a le don de toujours nous étonner et de nous ramener à l’essentiel.

From spending time with these heartfelt music enthusiasts that were close to a century in age, I took some lessons that we can use in both our drumming and our lives.

En côtoyant ces mélomanes presque centenaires, j’ai appris quelques leçons qui peuvent être utiles à la fois dans notre jeu et dans nos vies.

TAKE RISKS, BE BOLD

OSEZ PRENDRE DES RISQUES!

It all goes by fast and we have less time than we think, so make your mark and be bold! Express your own ideas fearlessly. There is no time to walk on anyone else's path but your own, and this is scary sometimes. It’s always easier to live in someone else’s shadow, but this is not really you. It is endearing to watch musicians be vulnerable and show their heart and soul for all to see, and let the world know what they really think and feel. Don’t play it safe: there is simply no time for you to play small with your talent.

Le temps passe vite et nous échappe, alors il faut être audacieux et laisser notre trace! Il faut avoir le courage d’exprimer nos idées : nous n’avons pas le temps de marcher dans les pas de quelqu’un d’autre. Ce n’est pas évident puisqu’il est plus facile de vivre dans l’ombre de quelqu’un, même si ça ne nous élève pas. Il est toujours touchant de voir un musicien montrer sa vulnérabilité, son coeur et son âme, de le voir mettre ses sentiments et sa pensée à nu. Prenez donc des risques et ne gaspillez pas votre talent.

PLAY WITH PASSION

JOUEZ AVEC PASSION

I want to feel every note you play! You cannot afford to waste even one note, so make your audience feel what you are saying: let it come from the power of your enthusiasm and inspiration. Love what you do, and everyone around you will feel it. Play with all your emotion. It may come out soft or loud, slow or fast, but with that instrument, speak your truth clearly as if you may not get another chance tomorrow.

Je veux ressentir chaque note que vous jouez! Votre auditoire devrait pouvoir palper votre enthousiasme et votre inspiration. Si vous aimez ce que vous faites, ça ne peut que transparaître. Si vous jouez avec émotion, peu importe si votre volume est faible ou fort, votre rythme lent ou rapide : votre vérité retentira comme s’il n’y avait pas de lendemain.

EXPRESS YOURSELF AND NO ONE ELSE

Je me répète souvent cette citation d’Oscar Wilde : « Sois toi-même, car tous les autres rôles sont déjà pris. » Vous avez votre propre son : cultivez-le tous les jours. Il vous est propre et personne n’a le même.

EXPRIMEZ-VOUS! I always remember Oscar Wilde’s words 'Be yourself, everyone else is taken.' You cannot help but sound like YOU with every note you play, so cultivate this every day. This is your own special sound: no one else has it.

APPRENEZ QUELQUE CHOSE DE NOUVEAU TOUS LES JOURS LEARN EVERY DAY Even though these elderly drummers have more life experience than most, they never stop learning and stretching their minds. Steve Smith, Neil Peart, and many others are still studying into their 60’s and beyond! I spend so much of my day learning and improving, and this joy should know no age limit. Stay in the habit of trying new ideas, and your brain will always stay strong. 20

december 2014

january 2015

Même si les gens à qui j’ai enseigné ce jour-là ont plus d’expérience de vie que la plupart d’entre nous, ils n’ont jamais arrêté d’apprendre et d’aiguiser leurs esprits. Steve Smith, Neil Peart et bien d’autres étudient encore dans la soixantaine passée! Je passe beaucoup de temps chaque jour à apprendre de nouvelles choses et à m’améliorer et je me dis que cette joie ne devrait pas connaître de limite d’âge. Il faut toujours essayer de nouvelles idées et restez à l’affût!

CULTIVATE HEALTH, VITALITY, AND ENERGY

ENTRETENEZ VOTRE SANTÉ, VOTRE VITALITÉ ET VOTRE ÉNERGIE

Why not play even better when you are 100? Imagine how much you can learn with 40, 50, or 60 more years at your craft! With good technique at your side, you should be getting BETTER as you age. Take care of yourself now, and you'll be well on your way. Drums require TONS of energy and you need to be able to rock a 3 hour show, so exercise and diet are keys. Taking any tension out of your playing and your life will give you many more years of fully engaged expression! (See my lessons on 'The Freestroke' and 'The Moeller Stroke' for more on this.)

Pourquoi ne pas jouer encore mieux à 100 ans? Imaginez tout ce que vous pourriez apprendre de plus en ajoutant 40, 50, ou 60 ans de pratique à votre carrière! Avec la bonne technique, vous devriez vous améliorer avec l’âge. Commencez tout de suite à prendre soin de vous et vous y arriverez. La batterie nécessite énormément d’énergie. Si vous voulez continuer à donner des concerts de 3 heures, faites de l’exercice et mangez bien. Évitez toute tension dans votre jeu et dans votre vie et vous gagnerez plusieurs années de mouvements et d’expression! (Pour plus d’informations, voir mes leçons sur le coup libre et la technique Moeller.)

BE CHILDLIKE, NOT CHILDISH Spending some time with the greats of the craft like Jim Chapin, Ed Shaughnessy, and Jim Blackley really taught me this. If you're going to adopt drumming as a lifestyle, you can't help but have a lot of fun! After all, you’re not ‘working’ the drums; you’re ‘playing’ the drums. Have your business together and know when to be seriously focused, but then go for it when you get on your personal 'playground'!

GARDEZ VOTRE COEUR D’ENFANT, MAIS N’EN SOYEZ PAS UN Fréquenter de grands batteurs comme Jim Chapin, Ed Shaughnessy et Jim Blackley m’a enseigné ceci : si vous laissez la batterie modeler votre style de vie, il est certain que vous aurez du plaisir! Après tout, votre travail est de « jouer » de la batterie! Mais les affaires sont les affaires : il faut savoir quand garder votre sérieux et quand vous laisser aller.

TONY WILLIAMS

One of my biggest inspirations is Tony Williams, who embodies all these qualities and more. Find your own favorite drummer who is living these ideals, and integrate them into your own playing! You can also help your community by organizing a seniors’ drum circle of your own. You will be giving back to others in a big way and making a difference in others’ lives, which is what drumming and music is all about. 

Il est parmi mes plus grandes inspirations. Il incarne toutes ces qualités et plus encore. Inspirez-vous d’un batteur qui vit selon ces idéaux et notez comment ils les intègrent dans son jeu. N’hésitez pas non plus à soutenir votre communauté en organisant un atelier de percussion ou de batterie pour les aînés. Vous redonnerez ainsi au prochain et ferez une différence dans la vie des gens qui vous entourent. Après tout, c’est à ça que servent la musique et la batterie! 

The best choice for start

TAMA proudly introduces the most affordable kit ever to incorporate so many high-end features -IMPERIALSTAR. Every aspect of the modern drum kit was carefully examined, reexamined, and improved before being incorporated into the IMPERIALSTAR design - which is why you'll never outgrow this kit. Start playing IMPERIALSTAR drums as a beginner, and you'll still enjoy playing them when you've achieved pro-status. Let your dreams begin!

HP200P Iron Cobra Drum Pedal Imperialstar now offers the Iron Cobra advantage with TAMA's Power Glide Cam equipped HP200P pedal. The HP200P adheres to the same design principles as TAMA's popular 900 series, delivering incredibly smooth, sensitive action without sacrificing power or speed.

Color: Candy Apple Mist -CPM

tama.com

Canadian distributor / Distributeur canadien : EFKAY MUSIC 2165, 46th Avenue, Lachine, Quebec H8T 2P1

décembre 2014

janvier 2015

daniel

bédard

Take something you know, and change it, again! In a recent text, I talked about how you can take some aspects of the exercises you’re working on and change them so that you now work on something different and maybe a bit more difficult. Here are some more things to try differently.

Play soft

Récemment, je vous proposais de modifier certains exercices de routine afin de découvrir de nouveaux aspects de votre jeu et de le rendre plus complexe. Voici d’autres idées à essayer.

Jouer à faible volume

I remember reading an interview with Peter Erskine where he was saying that if you could not play your drums at their full volume because you’re living in an apartment or because your sister is sleeping right above your drum room, you could still work on your drumming by playing very soft.

Je me souviens avoir lu une entrevue avec Peter Erskine où il disait que si vous ne pouvez pas jouer à haut volume parce que vous vivez en appartement ou parce que votre soeur dort juste en haut de votre salle de répétition, vous pouvez toujours jouer à moindre volume.

I recommend that you try that, practice your usual stuff but very soft now. You’ll see that it is much harder than you might think and it is also very useful.

Cela dit, je vous recommande chaudement de répéter à un volume drastiquement plus bas que d’habitude. Vous verrez que c’est beaucoup plus difficile qu’on ne le croit et que l’exercice en vaut la peine.

I’ve played a lot of gigs where I needed to play the usual set of the band but at a volume much lower than I was used to because the room asked for it. The first few times, it was definitely a challenge but as I got comfortable with it, I could now play with much more musicality with the band and not bang their ears in that small room. They really appreciated it. If you’re used to playing quite loud, start by playing some common rudiments on the pad very very soft, starting your stroke maybe about an inch or two above the surface. Go through your stickings like that and you’ll once again, develop a whole new level of control. I used to work the first three pages of Stick Control like that, at a pp dynamic level. Then bring it on the kit and try to go around the drums playing that soft, maybe playing fills that you know well but at this new dynamic level. You could also try playing your jazz ride patterns very soft, if you play jazz drumming quite a lot, you’ll definitely need to be able to do so.

Encore une fois, réutilisez vos connaissances!

december 2014

january 2015

J’ai eu plusieurs contrats où je devais jouer un répertoire à un volume beaucoup plus faible que d’ordinaire, dû à l’acoustique d’un lieu. Les premières fois, c’était tout un défi, mais après quelques morceaux, j’ai commencé à y prendre goût et mes collègues aussi (au grand bonheur de nos oreilles!). Si vous êtes du type à jouer plutôt fort, commencez par pratiquer à un volume très doux des rudiments que vous connaissez bien en tenant vos baguettes à un ou deux pouces de la surface de votre pad. Travaillez ainsi votre frappe et vous développerez un tout nouveau contrôle. Pendant un certain temps, je me suis amusé à jouer les trois premières pages du livre Stick Control en nuance pianissimo (pp); un très bon défi technique. Essayez de jouer ainsi sur votre batterie, en commençant par des rythmes et des passes que vous connaissez bien. Essayez ensuite avec des variations jazzées sur la cymbale. Si vous accompagnez parfois des musiciens jazz, cette habileté vous sera essentielle.

Play hard

Jouer à fort volume

What? Didn’t you just tell us to play soft? Yes, I did but I think it is also a good idea to try to play very loud too so that you develop the whole dynamic spectrum.

Quoi? Est-ce que je ne viens pas de vous dire de jouer doux? Oui, mais je crois aussi que vous devriez maîtriser le spectre complet des nuances.

If you’re playing outdoor gigs with some rock acts, you’ll definitely need to be able to play loud, but not only dumb loud but controlled and consistent loud. This is much more difficult than it might sound.

Si vous jouez sur des scènes à l’extérieur avec des groupes rock, vous devez apprendre à jouer fort. Le but n’est pas de défoncer vos peaux, mais de jouer de façon régulière et contrôlée. C’est, encore une fois, beaucoup plus difficile qu’on ne le croit.

Go check out some Kenny Aronoff videos or even better, try to catch him live with a band. You’ll see that Kenny not only hits his drums very loud but he does it very consistently. Maybe that is one reason why he works as much as he does. I often have students who will come to me for lessons and will usually be able to hit the hihat and bass drum loud enough for a rock groove but won’t ever be able to hit the snare with power. With those students, I try to make them aware that you have to have a balanced drum sound meaning that your snare drum should be hit as hard as your bass drum. A balanced groove will sound much better and will also groove much better. I also see the type of studentswho will never play rudiments loud, always staying very medium or soft in their volume. I think that you have to be able to play some strokes quite loud if you want to be able to develop the muscles needed for articulation. I used to practice some rudiments on the pillow to better my strokes and I would play them quite loud. I also did the same thing where I would play loud double strokes on a detuned floor tom just to work on my forearm muscles. Be careful to not hurt yourself though. You have to understand the difference between effort and tension. I want you to work on your muscles but not with tension so try to be as relaxed as possible even when playing hard.

Visionnez des vidéos de Kenny Aronoff, ou mieux, allez le voir en spectacle. Vous verrez que Kenny frappe fort et de façon très régulière. Ce qui explique peut-être pourquoi il a autant de travail. Dans mes cours, je vois souvent des élèves qui frappent la Charleston et la grosse caisse avec assez de vigueur pour un son rock, tout en n’ayant pas le même aplomb à la caisse claire. J’essaie de leur faire comprendre qu’il est primordial d’équilibrer leur jeu et que le son de la caisse claire doit s’harmoniser avec le reste. Un groove bien balancé sera beaucoup plus efficace et donnera davantage envie de danser. Il m’arrive aussi d’avoir des étudiants qui ne jouent jamais fort; ils restent toujours dans leur zone de confort en jouant à volume doux ou tempéré. Pratiquer des rudiments à fort volume aide aussi à développer les muscles nécessaires à une bonne articulation. D’ailleurs, il m’est arrivé de jouer en tapant très fort sur des oreillers pour améliorer mon coup de baguette. Ou de pratiquer des coups doubles sur des toms basses désaccordés afin de travailler sur les muscles de mes avant-bras. Mais attention aux blessures : il faut faire la différence entre effort et tension. Il est bien de tonifier ses muscles, mais il convient de le faire en restant le plus détendu possible, même lorsque vous jouez fort.

In retrospect, I think every drummer should try to play their usual vocabulary but at a dynamic marking completely different than what they are used to because you never know what you might need on the gig. Great drummers like Tony Williams, Vinnie Colaiuta ou Bill Stewart can play the whole spectrum and that is probably one of 1the reasons why their remo-silentstroke_drumsetc-1214_hp.pdf 11/17/14 11:49 drumming is as exciting as it is. 

Pour terminer, il peut être très formateur de jouer nos exercices de routine à un volume différent de ce à quoi nous sommes habitués : on ne sait jamais ce que le prochain contrat peut exiger. De grands batteurs tels que Tony Williams, Vinnie Colaiuta et Bill Stewart maîtrisent le spectre complet des nuances, ce qui explique, du moins en partie, pourquoi leur jeu est si exaltant.  AM

CMY

décembre 2014

janvier 2015

éric bou dreault

How to approach

modern rock and metal

le Rock et le Métal moderne ?

For me, music is a very beautiful language that’s constantly evolving. For instance, it enables us to meet musicians from other countries, play with them, and evolve, as all musical styles do. I thought it would be nice to see where rock/metal is at these days. I have always been a fan of very energetic and authentic rock and metal.

La musique est pour moi un très beau language qui évolue toujours. Celle-ci nous permet de rencontrer des musiciens venant d’un autre pays par exemple, de pouvoir faire leur connaissance et d’évoluer avec eux. Tous les styles de musique ont eu, ou auront des évolutions. Cette fois-ci je me suis dis qu’il serait bien de regarder un peu plus en profondeur où en est rendu le rock/métal. J’ai toujours été un grand fan des groupes rock et métal très énergiques et vrais.

Nowadays, the musical scene and, in particular, the rock scene, has become very compartmentalised, with many subgenres, like Hardcore, Classic Rock, Hard Rock, Emo, Death Metal, Goth, Speedmetal, etc. However, for this article, I have chosen to concentrate on Math-metal, which is in itself very varied, but with a clear lean towards very complex rhythms and subdivisions, with a powerful and clearly defined drum sound.

For many people, it’s incomprehensible grooveless and overly complex music, but for others, it’s very cool, original and energetic music involving a lot of arrangement work. Whether you like the genre or not, its rhythms are researched in such a way they require an effort to be understood. Like with all musical styles, there are always 2-3 fundamental rhythms you need to master in order to advance and play the style well. In Math-metal, rhythms are often irregular and in which the snare drum is played at various points around the backbeat. The groove must be solid and is usually played on a cymbal, making sure the pulse is well anchored despite the complexity of everything that’s played around it. You must see our examples as Math-metal 101…

Comment approcher

De nos jours, la scène musicale et le style rock sont vraiment devenus très compartimentés avec plusieurs sous groupes du genre : Hardcore, Classic rock, Hard rock, Emo, Death metal, Goth, Speedmetal, etc. Je me suis cependant arrêté au Math-métal qui se veut lui aussi très varié mais avec une ligne directrice claire qui est d’avoir des rythmes très complexes, de jouer avec les subdivisions et d’avoir un son de batterie très puissant et découpé.

Pour plusieurs personnes, cette musique est soit incompréhensible, sans groove, trop compliquée, etc., ou soit très cool, originale, énergique avec beaucoup de travail d’arrangements. Mais que l’on aime ou pas, cela reste que la recherche des rythmes est très présente et que cela demande un effort pour pouvoir les comprendre. Comme dans tous styles musicaux il y a toujours 2-3 rythmes fondamentaux de base à posséder pour avancer et bien jouer ce style. Dans le Math-métal, il s’agit bien souvent de mesures composées, dans lesquelles le jeu de la caisse Claire se déplace autour du temps fort. L’ancrage du groove qui doit être solide est habituellement joué sur une cymbale pour être certain que malgré la complexité de ce style, la pulsation sera respectée. Il faut alors voir cet exemple comme le cours 101 du genre…

THE FOLLOWING ARE 4 EXAMPLES OF THE KINDS OF RHYTHMS YOU FIND IN MATH-METAL. TRY THEM; YOU’LL GET A FEEL FOR THE GENRE.

VOUS ALLEZ DONC TROUVER CI-BAS 4 EXEMPLES POUR QUE VOUS PUISSIEZ VISUALISER UN PEU LE GENRE ET LE JOUER SUR VOTRE BATTERIE.

Example #1: This one is 4/4. The cymbal pattern is very basic, played on the pulse, while the snare drum is played on the sixteenth note just before or after the cymbal, contrary to the usual rock snare drum placement on 2 and 4. The bass drum fills in all the notes not played on the snare drum.

Exemple #1, celui-ci est en 4/4. La cymbale est très simple sur les temps forts et la caisse claire contrairement à un rythme rock traditionnel sur le 2 et 4 est joué sur la double croche soit juste avant ou juste après. En ce qui concerne la grosse caisse celle-ci joue tous les coups non joué par la caisse claire.

december 2014

january 2015

dvd

review Florian AlexandruZorn/ The Brush Revolution

Example #2: I like this one, even though it’s also a 4/4 rhythm. The pattern is spread out over two bars. Like the first example, the cymbal is played on the pulse. Again, the snare drum is played at various points around the pulse.

Exemple #2, J’aime bien celui-ci car même si c’est un rythme en 4/4 il doit être joué sur 2 mesures pour terminer le motif rythmique. Comme pour le premier exemple la cymbale reste sur les temps forts. La caisse claire se déplace encore sur le temps ou autour de celui-ci.

Example #3: This one is a rhythm with an irregular meter. I have chosen a 3/4 rhythm that seems pretty easy to play, but it’s a different thing at high speeds. Again, the cymbal is played on the pulse, but it’s the snare drum that gives this rhythm its colour. The bass drum is the snare’s counterpoint.

Exemple #3, Voici un exemple de rythme avec une mesure composé. J’ai choisi un rythme en 3/4 qui peut sembler facile mais joué à un tempo rapide cela se corse. Encore là, la cymbale reste sur les temps forts mais c’est la caisse claire qui donne surtout la couleur du rythme et la grosse caisse quant à elle donne la réponse à celle-ci.

Example #4: Like the preceding example, this one is an irregular rhythm, this time in 5/4. In fact, it’s a modified version of example #3. And if you play it right after example #3, you will get a rhythm that gives the feeling of a regular 4/4. Here, we are attempting to simplify how to approach irregular meters. Sometimes, a rhythm that seems very difficult will seem easier if it is adapted to simpler references. So if you play this 5/4 bar after the 3/4 bar, you get an 8/4 rhythm, which transforms the whole thing into a simpler binary rhythm.

Happy practicing! 

Exemple #4, Comme dernier exemple j’ai choisi une mesure composé en 5/4. Celle-ci est une version modifiée de celle en 3/4. La difference vient du fait que si vous la jouez à la suite du 3/4 vous allez obtenir un rythme qui vous donnera un sentiment de 4/4. Ici on veut simplifier l’approche de mesures composées. Parfois un rythme qui nous semble très difficile, si celui-ci est adapté à des références plus simples va nous sembler plus facile. Dans cet exemple si on joue le 5/4 après le 3/4 cela nous donne du 8/4 avec donc une compréhension plus simple du rythme qui devient binaire.

German drummer, Florian Alexandru-Zorn, is back with a new dvd called « The Brush Revolution » where he explores advanced concepts for brush playing. Florian explores new ideas here, which he states as being the basis of a revolution for your brush playing. The video was shot in a beautiful castle looking setting and it is a pleasure to look at and listen to. I really enjoyed his pyramid stickings and tap-sweeps concept among others and talk about being creative when he starts playing and explaining grooves in quintuplets. I would encourage you to check out his two other brush products before though (The Complete Guide To Playing Brushes book and The Brush Secret dvd) as I find the ideas shared here are a bit adventurous for somebody who has little experience with brushes.

critique

dvd

Le batteur allemand, Florian Alexandru-Zorn, est de retour avec un nouveau dvd intitulé “The Brush Revolution”. Il explore ici des concepts plutôt avancés pour le jeu aux balais. Florian démontre de nouvelles idées qu’il dit être le point de départ pour faire une révolution dans son jeu. La vidéo a été tournée dans un beau décor rappelant un château et c’est un plaisir pour les yeux et les oreilles. J’ai particulièrement aimé ses doigtés pyramidaux ainsi que son concept de “tap-sweeps” et que dire de son exploration très créative de grooves joués en quintolets. Je vous suggérerais toutefois de consulter ses deux publications précédentes sur les balais (le livre The Complete Guide To Playing The Brushes et le dvd The Brush Secret) car je trouve que les idées partagées ici sont un peu aventureuses pour quelqu’un qui a peu d’expérience avec les balais.

Je vous souhaite une bonne pratique !  décembre 2014

janvier 2015

products

pro duits

december 2014

january 2015

dvd

review The Drumbassadors/ One For The Money but two For The Show

Vic Firth Vic Firth is now offering its über popular American Classic® 5A and 5B sticks with barrel tips, a shape that produces a highly defined sound in part because of its reduced surface area. Still made from select hickory, they are durable and still sold as toned-pairs. The company has also unveiled the new Steve Smith Tala Wand – Slats, or TW4. Steve Smith explains: “What we have come up with is totally new as far as look, sound and feel. With the TW4, drummers can create a dense and deep tone that occurs at a dynamic level below that of drumsticks but above the level of the pre-existing Tala Wands.” Finally, Vic Firth has introduced its new VicGloves, specially designed to protect the drummer’s hands while improving their grip. Made from cabretta leather with ventilated synthetic mesh palm and back to stay cool, the gloves have stretch lycra between the fingers to provide great fit and ultimate comfort, and a unique synthetic rubber grip on the thumb and forefinger.

Vic Firth offre maintenant ses baguettes très populaires American Classic® 5A et 5B avec bouts en forme de baril, une forme qui produit un son bien défini grâce, entre autre, à sa petite surface de contact. Fabriquées à partir de noyer, ce sont des baguettes durables, toujours vendues en paires assorties selon la tonalité. Le fabricant vient également de dévoiler les nouvelles baguettes de douves Steve Smith Tala Wand – Slats, ou TW4. Steve Smith nous explique le tout : « nous avons conçu quelque chose d’entièrement nouveau quant à l’allure, à la sonorité et à la sensation. Avec les baguettes TW4, les batteurs peuvent créer des sonorités denses et profondes à un volume moindre que des baguettes normales, mais plus élevé qu’avec les Tala Wands existantes. » Enfin, Vic Firth offre sa propre paire de gants, nommés VicGloves, conçus spécialement pour protéger les mains tout en améliorant la prise des baguettes. Faits de cuir cabretta avec la paume et le dessus de filet, les gants procurent un confort ultime. Du caoutchouc synthétique couvre le pouce et l’index.

www.vicfirth.com

Here’s the Drumbassadors latest offering, a double dvd called « One for the money but two for the show » showcasing their amazing musical drumming compositions on the first dvd and some of their techniques and band playing on the second one. The first dvd is a live show shot in their native Netherlands where they play their various compositions which they are known for. It also includes performances with musical guests on saxophone and vocals. The second dvd offers quite a lot of drumming instruction on the practice pad, the brushes and the drumset. They also play with bands, René going for more of a pop/folk vibe with his group of voice, guitar, bass and keyboard whereas Wim goes for a jazzier vibe duetting with an organ player. If you never had the chance to see them live, this is a good way to catch up. Strongly recommended.

critique

dvd

Voici la dernière offrande des Drumbassadors, un dvd double appelé “One for the money but two for the show” dans lequel on peut les voir jouer leurs compositions musicales pour batterie sur le premier disque ainsi que des exercices techniques et morceaux joués avec musiciens sur le second. Le premier dvd est une performance en direct devant un public conquis de leur Hollande natale où l’on peut entendre les morceaux qui les ont aidé à se faire connaître du public. Le deuxième dvd propose plusieurs exercices très intéressants de pad de pratique, de balais et de batterie. Ils performent aussi en groupe, René jouant avec un quatuor formé d’un chanteur-guitariste, d’un bassiste et d’un claviériste et Wim de son côté propose une ambiance plus jazzé en jouant en duo avec un organiste. Si vous n’avez jamais eu la chance de les voir jouer devant vous, ceci est une bonne façon de se reprendre. Je le recommande fortement. décembre 2014

janvier 2015

products

pro duits

december 2014

january 2015

dvd

review

Pro-Mark Hickory Anton Fig Wood Tip If you’re a powerful player, you might want to look into these new sticks from Pro-Mark. The Anton Fig signature stick has a short taper and a large round tip. Made of hickory, the 16 3/4” long stick features Pro-Mark’s exclusive ProGrip solution for a secure feeling in hand..

Si vous êtes un batteur puissant, vous voudrez peut-être essayer les nouvelles baguettes signature Anton Fig de Pro Mark. Elles ont un biseau court et un gros bout rond. Faites de noyer, elles font 16,75 pouces de long et sont enduites de la solution exclusive Pro-Grip de Pro-Mark pour une sensation plus fiable en main.

www.daddariocanada.com

Vater Drumsticks Vater Drumsticks has 4 new sticks on offer. The first is the Heartbeater, which has a grip between a 5A and 5B, and an acorn-style tip, great for mid-volume rock. The second and third are wood and nylon-tipped Power 3A sticks, which are slightly longer versions of Vater’s standard 3A stick. The fourth is the durable Chad Sexton Custom Model, with a rounded barrel tip for a lot of punch and volume.

Vater Drumsticks offre quatre nouveaux modèles de baguettes. Il y a la baguette Heartbeater, avec un manche à mi-chemin entre une 5A et une 5B, et un bout en forme de gland, idéal pour du rock à volume moyen. Ensuite, il y a les nouvelles baguettes Power 3A, avec bout de nylon ou de bois, qui sont en fait des versions allongées de la 3A standard de Vater. Enfin, il y a la baguette signature Chad Sexton Custom Model, avec son bout en forme de baril, offrant beaucoup de punch et de volume.

www.eriksonmusic.com

Regal Tip Regal Tip is now offering the Wave and Swish Cajon Brushes, which are long awaited additions to its Cajon and World Percussion product line. The Wave brush features serrated bristles for a legato attack, while the Swish brush has smooth bristles for a staccato attack. The manufacturer has also unveiled the new Jason Sutter model stick. "The shaft is a combo of RT’s 5BX and 7B, creating a longer stick that has weight, but is so well-balanced, it never feels heavy.”

Regal Tip propose de nouveaux balais pour cajon, nommés Wave et Swish. Le balai Wave est muni de tiges dentelées produisant une attaque légato, tandis que les tiges lisses du balai Swish produisent une attaque staccato. Le fabricant propose également la nouvelle baguette signature Jason Sutter. Selon Regal Tip, « elle se situe à mi-chemin entre une 5BX et une 7B, créant une baguette longue et lestée, tout en étant bien équilibrée, sans donner l’impression d’être lourde. »

www.directmusicsupply.com

Max Senitt/ A Natural Progession To Development Drummer Max Senitt shows us a cool exercise here where he takes a familiar groove then adds something unfamiliar to it (in this case, a 5/8 rhythm on the hi-hat) so that you can make sure you are actually moving forward with your drumming. What I like about this idea is that you don’t jump into something completely foreign but add something new to a beat you are already familiar with. This makes the leap a little less daunting in my opinion and is good for people wanting to move forward but one step at a time. Once you’re comfortable with the first two steps, he suggests to add a little something new, in this case, one more hi-hat note and then take it to the next level which is adding a 7/8 rhythm to your familiar beat. Try this routine at your next practice session and I’m pretty sure you’ll love the resulting rhythmic sound.

critique dvd

Le batteur Max Senitt nous montre ici un exercice intéressant où l’on prend un rythme qui nous est familier et nous fait ensuite ajouter quelque chose d’inconnu (dans ce cas ci, un rythme en 5/8 au hi-hat) à cette idée de base. Ce que j’aime bien de cette approche est que nous n’avons pas à commencer quelque chose de complètement nouveau mais plutôt de modifier une idée qui nous est déjà familière. De cette façon, le défi est moins intimidant ce qui rend l’exercice plus facile d’approche. Lorsque vous devenez plus confortable avec les deux premières étapes, Max suggère d’y ajouter un petit quelque chose (dans ce cas ci, une note supplémentaire au hi-hat) et d’ensuite amener le tout au prochain niveau en jouant une idée en 7/8 par dessus notre rythme familier. Essayer cette routine lors de votre prochaine session de pratique et je suis pas mal certain que vous apprécierez le résultat rythmique. décembre 2014

janvier 2015

Phone - Téléphone max senitt

Musicien Québécois 753 rue St-Hélène, Longueuil, (QC) J4K 3R5

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The magazine for canadian drummers and percussionists Le magazine des batteurs et percussionnistes canadiens

- fin d'année 2014 vol.26 no6

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december 2014

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los cabos New Brunswick stick manufacturer Los Cabos will soon unveil a new addition to their line of maple drumsticks called Power Maple. The 16.25” stick features a diameter that sits between a 5A and 5B, and has an elongated oval tip. Powerful and durable, company literature suggests it produces a heavier bass, but the thinner shoulder and tear drop allows it to be used for styles like jazz or reggae.

Basé au Nouveau-Brunswick, le fabricant de baguettes Los Cabos dévoilera sous peu une nouvelle baguette d’érable nommée Power Maple. La baguette de 16,25 pouces possède une poignée à mi-chemin entre une 5A et une 5B, et possède un bout ovale long. Puissante et durable, le fabricant affirme qu’elle produit des basses plus puissantes, mais que le biseau mince et son petit bout lui permettent d’être utilisée pour le jazz ou le reggae.

www.loscabosdrumsticks.com

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This offer is valid on any Pearl EXX or EXL drum kit purchased at a Canadian authorized dealer between October 15th and December 31st, 2014 or while quantities last. This offer cannot be combined with any other promotions or offers. More info at: