Creando Imágenes

CREANDO IMAGENES Kevin Daniel Yépez A.

CREANDO IMAGENES Kevin Daniel Yépez A. Diseñador Fotográfico Instituto Metropolitano de Diseño Docente: Xavier Granja 2021 Quito - Ecuador

ÍNDICE

Introducción

1

Acercándose al Encuadre

32

La Reglas de los Tercios

3

Parte de un Todo

34

El Centrado

5

Inclina el Plano

36

Las Curvas en S

7

El Punto de Vista

38

Los Triángulos

9

Los Espacios Vacíos

40

Dónde colocar el Horizonte

11

Elementos Repetidos

13

Las Diagonales

15

Simetría

17

Múltiples Planos y la importancia de la Escala

19

Líneas Convergentes

22

Gradiente de Texturas

24

Profundidad de Campo

26

El Enmarcado Natural

28

Horizontal o Vertical

30

INTRODUCCIÓN

T

enía la mejor cámara, habíamos comprado y preparado el más flamante equipo de iluminación, trípodes, difusores, reflectores, disparadores remotos, 15 objetivos distintos. Todo hacía presagiar que este trabajo se vería recompensado con una de las mejores fotos de la historia de la fotografía. Las condiciones climatológicas eran inmejorables y la inolvidable escena que estaba a punto de retratar no se repetiría jamás.

Disparé, cuando enseñé la foto, se hizo un largo y profundo silencio... hasta que alguien lo rompió con una lágrima... y entonces todos supimos que habíamos perdido la mejor oportunidad de nuestras vidas.

Entonces desperté sobresaltado. Está breve historia, que bien podría ser una pesadilla, me hizo pensar donde reside el verdadero valor de una buena foto.

La revolución digital de la fotografía juega en nuestro favor. Hace unos pocos años, aprender a golpe de prueba y error era una actividad realmente cara en tiempo y en dinero.

Piensa un momento en todo el proceso que se ponía en marcha en aquel entonces; desde que hacías una foto hasta que la veías por primera vez. Hoy en día puedes verlas al instante y puedes despreocuparte completamente de cuantas fotos vayas a tirar. Eso sí... sí intuyes que coparán tu memoria, guárdate una tarjeta de repuesto en el bolsillo.

A lo largo de este libro iremos descubriendo aquellas reglas, sugerencias, puntos a tener en cuenta que te harán dominar el núcleo más importante de la fotografía. La Composición. Solo conociéndolas podrás usarlas o romperlas a tu antojo en función del resultado que quieras conseguir . Tú mismo sabrás cuando vas necesitando unos u otros y en ese mismo caminar irás descubriendo nuevas técnicas para sacar más partido a tu cámara y llenar de matices tus fotos.

LEY DE TERCIOS

La regla de los tercios es una guía de composición que coloca al sujeto en el tercio izquierdo o derecho de una imagen, lo que deja los otros dos tercios más despejados.

Si bien hay otras formas de composición, por lo general, la regla de los tercios nos lleva a hacer fotos atractivas y bien compuestas.

La regla de los tercios, es posiblemente la pauta de composición más conocida en fotografía. Tiene dos puntos fuertes. El primero su capacidad para “inmovilizar” la mirada en el punto de interés, es una herramienta compositiva muy potente. El segundo, su facilidad de uso. Consiste básicamente en cuadricular la escena en tres columnas y tres filas. El resultado son cuatro intersecciones que marcan las áreas más adecuadas para fijar el punto, (pueden ser uno o varios) de interés de la fotografía.

CENTRADO

Centrar el objeto es poner lo más importante de la fotografía en el medio de la foto. Esto va a generar una imagen estática y tranquila. Para centrar un objeto o sujeto yo creo que hay que pensarlo bien antes de hacerlo. Tiene que ser una decisión consciente y a veces es la mejor opción.

Esto es precisamente lo que podemos conseguir con una foto en la que se centra el punto de interés.

Suelen ser fotos simétricas, que, dada su sencillez, dan poco trabajo interpretativo al ojo del espectador.

En estos casos, el elemento que se sitúa en el centro suele tener una proyección vertical en la fotografía.

Se ve claramente en la foto de la página anterior. Por esto es interesante buscar elementos disruptivos, como la alambrada, que corten horizontalmente la composición. En la foto de la izquierda se rompe la redondez con las sombras diagonales y las líneas del plato. En ambos casos la inclusión de estas líneas ofrece un mayor interés y dinamismo a una composición que de entrada puede ser demasiado estática, llegando a resultar aburrida.

CURVA EN S

La curva es otro elemento compositivo de gran fuerza.

Raramente encontramos elementos rectilíneos de manera natural en los paisajes, es por tanto algo reconocible como natural, implica suavidad generalmente se trata de una estructura que se amolda o se acopla a algo de mayor entidad.

Si la foto de la página anterior fuese la típica carretera recta y centrada que se pierde en el infinito, sin duda podría ser una gran imagen, pero radicalmente distinta a la que se compone en curva. Observa además como es una curva en 3 dimensiones, con giros a izquierda y derecha, pero también hacia arriba y hacia abajo.

Lo que quiero decir con esto es que no suele ser un elemento rompedor sino sugerente. Facilita el recorrido de la vista a lo largo de la fotografía haciendo que al final de la curva el ojo espere ver encontrar algo interesante.

TRIANGULOS

Cuando te encuentras ante una estructura triangular, difícilmente puedes verla como un conjunto estático. Rápidamente tu cerebro localiza centros de interés. Estos puntos, son sin duda los vértices.

Tener la base del triángulo en la parte inferior, con el vértice en la parte superior hace que el triángulo parezca estable, muy similar a una pirámide (esto lo vemos mucho en fotografía de arquitectura).

Cuando cambias la rotación del triángulo y los ángulos en su interior, la foto comienza a parecer menos estable. En la siguiente imagen se ve el triángulo ligeramente menos estable ya que el triángulo esta acostado.

LEY DEL HORIZONTE

Es posible que no te hayas planteado nunca cual es el mejor lugar para colocar el horizonte en tus fotografías y es posible que sea una decisión más importante de lo que parece. Cuando el horizonte supone una línea muy marcada divide fuertemente la toma, y en este momento toca tomar una decisión. ¿A cuál de las dos secciones debo dar más importancia? ¿Cuál de las dos partes va a ocupar más espacio en mi encuadre?

Estas dos preguntas llevan implícita una idea y es que el horizonte, salvo ocasiones concretas y premeditadas no debe seccionar la foto por el medio.

Así es que, si lo que quieres resaltar es un cielo con unas llamativas formaciones de nubes, o una puesta de sol en el mar, posiblemente sea más adecuado situar un horizonte bajo, dando más protagonismo al cielo.

Hay quien dice que un buen lugar para situar el horizonte son las líneas transversales de la famosa Regla de los Tercios. Puede ser una buena aproximación si buscamos una composición más armónica, y si el horizonte tiene un papel preponderante en la fotografía.

El ejemplo de la foto inferior es interesante, observa cómo puede ayudar a que tu foto tenga un mayor interés, el incluir elementos que den continuidad a la foto desde una de las zonas que corta el horizonte a la otra. De este

ELEMENTOS REPETIDOS

La repetición de objetos, lo que en fotografía denominamos “patrones”, es una técnica ampliamente presente en las artes visuales.

Utilizarlos es una buena oportunidad para concentrar nuestra mente en aspectos cruciales como las formas, las líneas y, en definitiva, la composición, y permite no sólo componer de forma efectiva sino también dar cierto ritmo a las fotografías. Por eso, vamos a ver cómo emplearlos de forma más efectiva.

Podemos encontrarlos en multitud de lugares, tanto en la naturaleza (como en las flores, hojas o las pieles de animales) como en entornos artificiales (sobre todo por la arquitectura), y nuestro cerebro tiende a buscarlos (tal y como contábamos en este artículo), por su simetría, como una forma de recordar cosas y de fijar imágenes en nuestra memoria. Por eso, su

LAS DIAGONALES

Las líneas diagonales son líneas con mayor tensión, fuerza visual y generan perspectivas interesantes, por esto se dice que estas líneas son las más atractivas en composición, ya que rompen por completo el esquema del recorrido visual y por consecuencia se vuelve más interesante. Estas líneas no las encuentras normalmente en tu entorno habitual (edificios, personas, piso, árboles, postes, etc.), estamos acostumbrados a ver todo en horizontal o vertical, por esto es bueno usarlas, pero, hay que tener cuidado ya que si las usamos mal (forzando la diagonal), podemos generar inestabilidad y desorientación en la imagen y eso no suele ser atractivo (como un horizonte caído).

Las líneas juegan un papel muy importante ya que son las encargadas de darle dinamismo y energía a las fotografías, en esta ocasión voy a hablarte más a fondo de las líneas diagonales, no siempre son muy bien utilizadas, pero, al agregarlas a la composición de la manera correcta le puede dar a tu fotografía mayor profundidad, dinamismo y sorpresa.

SIMETRIA

La simetría en la fotografía significa que el peso visual de los elementos de la imagen se reparte de la misma forma con respecto a los ejes principales (horizontales o verticales). La simetría es sinónimo de equilibrio, de paz y sosiego. Hay incluso estudios que demuestran que aquellas caras más simétricas son percibidas como más atractivas.

La simetría consiste en la correspondencia exacta en forma, tamaño y posición de las partes de un todo. Una forma sencilla de explicar la simetría consiste en imaginar un folio que doblas exactamente por la mitad. La doblez sería el llamado eje de simetría y, a cada lado, obtendrías una imagen idéntica (o casi) pero en sentido opuesto. De ser idéntico el contenido de cada lado, se conseguiría el llamado (efecto espejo). En la composición fotográfica, la simetría es un recurso muy común y se emplea para conseguir imágenes impactantes, que atraigan la atención del público.Hay que tener en cuenta que, pese a que la descripción habla de dos partes iguales, no es necesario que sean imágenes exactas, ya que esto es casi imposible en la práctica. De hecho, como verás luego, romper la simetría puede ser una buena idea para hacerla más interesante.

PLANOS Y ESCALA

El concepto Escala, lo podemos definir como la disminución del tamaño de un motivo a medida que éste se encuentra más lejos de la cámara. Es otra fórmula clásica para mostrar y potenciar la perspectiva, y de esa forma aportar la ilusión óptica de tridimensionalidad en nuestras instantáneas. Esta herramienta es importante para la disminución del tamaño de los objetos a medida que se alejan de la cámara.

Se refiere a la acción que nos permite dimensionar los objetos y los espacios, ya sea mediante un sistema de medidas (métrico o imperial) o respecto a otro, realizando una comparación entre ellos. No se refiere a las dimensiones reales de los objetos, sino a la forma en la que se presenta un objeto con respecto a otros, mayores o menores. De esta forma podemos dimensionar el tamaño de un cubo situado al lado de una casa, contra un uno situado junto a una silla.

LÍNEAS CONVERGENTES

Las líneas convergentes en fotografía se utilizan en diferentes artes para representar efectivamente la perspectiva fotográfica. Debemos tener en cuenta que la perspectiva es una de las mejores herramientas para representar la realidad. Es por eso que un buen fotógrafo sabe cómo usarlas dentro de sus encuadres.

La convergencia es más evidente cuando estamos situados en el centro de ambas líneas. Por lo que éstas quedan de forma paralela. El efecto de convergencia se produce debido a la distancia a la que trabajemos.

Las líneas convergentes que conforman el entorno visual que nos rodea representan un elemento que puede ayudar a establecer la composición en la fotografía. Estamos hablando de las líneas que convergen en un solo punto dentro del espacio visual que nos rodea y del cual hay que seleccionar aspectos que integrarán los encuadres en fotografía.

Pensemos, por ejemplo, en unas vías del tren… cada riel conduce la mirada hacia el horizonte y brinda una sensación de que a lo lejos se juntarán, lo cual sabemos, no sucederá. Lo mismo podemos observar en una carretera u otro tipo de camino, así como en los elementos de algunos espacios arquitectónicos,

GRADIANTE DE TEXTURAS

La gradiente de textura es clave de profundidad determinada por el cambio gradual que el tamaño de los elementos de una superficie y la densidad de los mismos experimentan en función de su distancia al observador. Un gradiente es un aumento o disminución progresiva de alguna cualidad perceptiva en el espacio y en el tiempo. Los gradientes son utilizados por los creadores visuales para representar gráficamente la profundidad.

Con el gradiente de tamaño se puede disminuir progresivamente el tamaño de los objetos conforme se alejan en el espacio. Con el gradiente de nitidez (perspectiva aérea) los objetos van perdiendo poco a poco la definición. Cuanto más alejados estén, el efecto de que la atmósfera los envuelve será mayor. Los objetos del último plano se percibirán borrosos y descoloridos. En el gradiente de textura, la más fina, apretada y de dibujo más suave debe ser reservada para los planos más lejanos. Gradualmente, se hace que la textura tenga una menor densidad y una apariencia más tosca.

La gradiente de textura es muy útil al momento de componer cuando tenemos un solo plano, ya que esto nos ayuda a diferenciar los elementos basándonos en su textura. Al tratarse de una gradiente el cambio no es brusco, y la textura se va perdiendo de a poco como podemos observar en las fotografías las diferentes texturas en las plantas y árboles, mientras más lejos está menor es el detalle y el tamaño de las texturas, nuestro cerebro interpreta esto de manera rápida y le dá profundidad a la imagen.

GRADIANTE DE TEXTURAS

La profundidad de campo en fotografía es uno de los elementos clave que necesitas conocer para dominar los conceptos básicos de la fotografía. Es un concepto muy importante porque está relacionada con la nitidez de las fotografías, y afectará por completo a la imagen final.

La profundidad de campo es la zona de la imagen que aparece nítida por delante y por detrás de la distancia de enfoque. Cuando obtenemos una gran parte de la imagen nítida, hablamos de una gran profundidad de campo. Por contra, cuando apenas conseguimos enfocar una zona, hablamos de una pequeña profundidad de campo. El hecho de que el fondo (y el frente) aparezca más o menos desenfocado no guarda relación alguna con el enfoque ni el modo de enfoque. El enfoque determina dónde nace la profundidad de campo, pero no determina por sí mismo su amplitud. Jugar hasta controlar la profundidad de campo es una de las etapas más emocionantes de todos los aprendices de fotografía, porque conseguimos imágenes imposibles para nuestros ojos.

ENMARCADO NATURAL

La función principal del enmarcado natural es que están incluidos dentro de la fotografía es la que ya hemos indicado centrar la atención sobre un elemento determinado de nuestra fotografía. Incluso aunque el marco natural no esté rodeando el elemento que estás fotografiando, al usarlo vas a enfatizar a un sujeto u objeto de la fotografía. Además, al realizar este tipo de enmarcación ganaremos profundidad en nuestra fotografía. Un paisaje fotografiado con un gran angular es muy plano. Al crear varios planos en la fotografía esta deja de ser tan plana para ganar en profundidad. El marco puede estar en primer plano o incluso detrás del sujeto u objeto que estemos fotografiando. Es una forma perfecta de dar varias capas a la imagen. Y también te ayuda a añadir un contexto a la fotografía. Al utilizar un marco natural con elementos que están en el lugar en el que estamos fotografiando también estamos contextualizando la toma. Es una forma de dar más información sobre el lugar en el que nos encontramos y sobre lo que nos rodeaba a la hora de realizar la fotografía. Los enmarcados naturales crean un orden y un recorrido dentro de la imagen.

La técnica de composición del enmarcado natural es un truco fotográfico que pretende, mediante el uso de elementos naturales, enmarcar el centro de interés de una fotografía.

Como marco se pueden utilizar múltiples elementos que nos encontremos en una escena. Algunos de los elementos más utilizados son marcos, ventanas, puertas o arcos que envuelven al protagonista de la foto. El uso de estos elementos para enmarcar es el más habitual y puede que el más claro.

HORIZONTAL O VERTICAL

Cuando encuadramos de manera horizontal la foto va a dar la sensación de tranquilidad, serenidad y hasta de quietud. En cambio, si encuadramos de manera vertical, la imagen va a dar la sensación de firmeza y fuerza.

Los paisajes en general se sacan con un formato horizontal por eso se llama formato apaisado. Los retratos, por el contrario, se sacan con un formato vertical ya que, de esta manera, es más fácil llenar el encuadre y no dejar demasiado espacio vacío o con elementos que no aportan nada a la imagen (de hecho distraen de la imagen).

De cualquier manera, la elección de utilizar un encuadre vertical u horizontal es completamente personal. Lo importante es que el formato que elijamos sea el indicado para el tipo de foto que queremos hacer. Cuando no estamos seguros lo mejor es mirar a través de la cámara de manera horizontal y vertical

ACERCANDOSE AL ENCUADRE

“Acercarse al Encuadre” se refiere a cerrar el espacio en el cual se encuentra el sujeto o el objeto, para esto es necesario acercarse al punto de interés, de esta manera encerramos los elementos que se encuentran para que nos den una idea del contexto sin opacar al objeto principal. El encuadre tiene un impacto mayúsculo en la fotografía: Es la delimitación del escenario de la imagen. El encuadre circunscribe el contenido fotográfico. Su importancia radica en que establecerá las relaciones entre líneas y formas, establecerá las geometrías y será el marco de referencia para el diseño de la foto, que conocemos también como composición.

Un motivo puede encuadrarse desde diversos ángulos, acercándose o alejándose de éstos, desde arriba o desde abajo.

Las proporciones y el fondo modificarán drásticamente la composición, por lo que hay que tener mucho cuidado a la hora de elegirlos. Buscar un buen ángulo para la toma fotográfica consiste en acechar a nuestra “presa gráfica” y estar alerta ya que cualquier pequeño desplazamiento de poca distancia puede generar composiciones diferentes que serán más o menos afortunadas.

PARTE DE UN TODO

La realidad está plagada de elementos interesantes que pasan desapercibidos simplemente por formar parte de un “todo” aparentemente de mayor importancia. Se trata de captar aquellos pormenores en los que nunca fijaremos nuestra atención si no los separamos del elemento al que pertenecen. Pero además de arrojar luz sobre lo que habitualmente no se ve, estas fotos tienen otra gran baza. La de contar historias. Uno no ve la foto de la derecha y se queda “tan ancho”. Se intenta entender qué es.

Pero además de arrojar luz sobre lo que habitualmente no se ve, estas fotos tienen otra gran baza. La de contar historias. Uno no ve la foto de la derecha y se queda “tan ancho”. Se intenta entender qué es. ¿Qué edad tienen esas manos? ¿Por qué están manchadas? ¿Qué contienen esas bolsas? Todas las fotos cuentan una historia y ninguna cuenta la historia completa, pero este tipo de encuadres son si cabe mucho más misteriosos, porque te cuentan la historia, pero a base de preguntas

INCLINAR EL PLANO

Da la sensación de que se van a caer y esto crea una cierta tensión. De hecho, es frecuente que el observador gire ligeramente la cabeza para intentar compensar la inclinación. Y por esta capacidad de provocar una reacción en el que mira la foto, no podemos dejar de lado el uso de esta técnica. Puede ser más o menos sutil, pero en cualquier caso es una potente forma de romper con la estabilidad de la escena. Una foto torcida no es ni pacífica, ni tranquila, ni sosegada. Perfecto si no buscamos esos términos. Lo que si lograremos es un mayor dinamismo, sensación de movimiento, de esfuerzo. Sugiere que algo pasa o va a pasar. En definitiva, son encuadres antinaturales que crean tensión, y la tensión puede ser un elemento clave para dar valor a una fotografía.

Siempre hemos sido bastante machacones con la importancia de mantener lo recto en horizontes, planos verticales. Básicamente porque resulta inquietante ver estructuras o personas desequilibradas. Da la sensación de que se van a caer y esto crea una cierta tensión. De hecho, es frecuente que el observador gire ligeramente la cabeza para intentar compensar la inclinación. Y por esta capacidad de provocar una reacción en el que mira la foto, no podemos dejar de lado el uso de esta técnica.

PUNTO DE VISTA

El punto de vista, es decir, dónde nos situamos para obtener una fotografía, marca en muchas ocasiones la diferencia entre una foto normal la que puede hacer cualquiera y otra, espectacular. Así lo entiende, Philip Plisson, fotógrafo francés especializado en paisajes marinos que nos muestra en el vídeo de hoy su particular visión con unas imágenes espectaculares de la ciclogénesis Petra que hace poco azotaba, a principios de febrero, el norte de España y las costas de Francia y Gran Bretaña.

Cambiar el punto de vista en tus fotografías es algo muy sencillo, basta con subir o bajar la cámara y disparar a una altura distinta a la altura de tus ojos cuando estas de pie. O disparar con distintos ángulos de inclinación. Subir o bajar la cámara sirve para cambiar el punto de vista y poder resaltar o no ciertos elementos. Por ejemplo, si fotografías de pie unas flores no las estás resaltando. Si te agachas y disparas a su altura, les estarás dando mucho más protagonismo y la vista no será la cómoda.

ESPACIOS VACIOS

Crear grandes espacios vacíos en la fotografía es un recurso de composición que puede sugerir calma o aislamiento del motivo. No es muy habitual su uso, pero puede ser bello y muy poético. Para conseguirlo necesitamos que el motivo esté aislado en la foto. Se puede conseguir fácilmente con un fondo totalmente negro o blanco, pero también con un fondo de un color, difuminado o con un patrón tan sutil y repetitivo que nos hace olvidar precisamente que hay algo en el fondo. Los fondos negros o blancos son fáciles de lograr si manejarnos con cierta holgura el control de las luces y tenemos un equipo de luz artificial.

En contraposición con la máxima “Rellenar el encuadre” Nos encontramos con esta otra proposición de composición, “El espacio vacío”. Si lo piensas bien, no es tan contradictorio en cuanto que sí que estás llenando el encuadre. Lo estás llenando de “vacío “lo cual puede ser justo lo que hace falta en tu composición.

KEVIN DANIEL YÉPEZ A. Diseñador Fotográfico