56 Boletin Mensual de Teatro

año 4 número 56 Junio 2010

boletín mensual de teatro

Libros • Música • Danza • Restaurantes • Museos • Televisión • Antros

Distribución gratuita de 60 000 ejemplares

Cinco mujeres usando el ismo

vestido

De: Alan Ball Dirección: Raúl Quintanilla Escenografía: Philippe Amand Vestuario: Cristina Sauza

Paola Núñez, Marimar Vega, Cecilia Ponce, Erika de la Rosa, Griselda Contreras.

Estreno: Julio 2010 Teatro Telón de Asfalto Perpetua # 4, Col. San José Insurgentes Tel. 5615-0598

Directorio Dirección Edición Corrección Diseño gráfico

Difusión Asistencia general Distribución Comercialización y MKT

Jaime Chabaud y José Sefami Hugo Abraham Wirth* boletin@pasodegato.com Leticia García Urriza y Abe Román Galdi Yunuen González y José Bernechea diseno2@pasodegato.com Mariana Tejeda María de la Paz Zamora y Verónica Cruz Zamora Oyuqui Maldonado, Sergio Sánchez y Daniel Castanedo Pilar García Lovera publicidad@pasodegato.com ventaspdg@gmail.com

*Becario del programa Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

PASODEGATO® es un boletín de artes escénicas editado por PASODEGATO® Ediciones y Producciones Escénicas, con un tiraje inicial de 60,000 ejemplares.

Editor responsable: Jaime Chabaud. Núm. de Certificado de Reserva al Título ante la Secretaría de Educación Pública: 04-2005-0530150-53700-106.

Núm. de Certificado de Licitud de Título: 13212.

Núm. de Certificado de Contenido: 10785.

Núm. de la Dirección General de Medios Impresos 005-151.

Prohibida su reproducción total o parcial.

Eleuterio Méndez 11, Col. Churubusco-Coyoacán, C.P. 04120, México, D.F. Tels.: (0155) 5688 9232, 5688 8756 y 5601 6147.

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Índice

Work in progress Crítica Carta a la redacción El espectador opina Cartelera De Estreno Música Miscelánea Libros Niños Museo Entremés Antros 10

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WORK IN PROGRESS

Ante la mirada ajena, un ensayo pierde su carácter de ritual secreto. A partir de este número me convertiré en una espía de esos momentos íntimos entre creativos y actores para descubrir lo más fresco de la escena mexicana, lo que está por venir.

Ahora sólo falta conocer a los valientes que mostrarán sus works in progress con el orgullo de quien enseña el ultrasonido de su hijo por venir. Aquí el primero.

“Gastan más energía en sorprenderse que en generar la ficción”, les dice Martín Acosta durante el ensayo a sus diecisiete actores sin rastro de desesperación en la voz. Y es verdad que para ellos todo es sorpresa, todo resulta novedoso: el escenario, el trazo, la relación con el espacio, con sus compañeros, incluso su propio cuerpo les sorprende logrando hazañas que creían imposibles y luego estrellándolos contra una silla frente a sus ojos.

Resulta interesante ver a Martín dando vida a las hermanas Baladro, ya que son mujeres con las que él seguramente convivió en el mercado, en la fila de las tortillas y hasta en la iglesia de su pueblo en Guanajuato; él conoce sus mecanismos, sus gestos, sus maneras, y de forma sutil las va acomodando en los personajes para volverlos reales.

El montaje de Las muertas se antoja prometedor. Será interesante ver en el transcurso de las funciones cómo Adriana Montes de Oca y Saúl Mercado, quienes interpretan a Serafina y Nicolás, apuestan por arriesgarlo todo en el escenario, enfrentando el vértigo y dejando su esencia en los personajes que interpretan y en el escenario de El Milagro, donde realizarán su primera temporada.

Las muertas Adaptación y dirección de Martín Acosta con base en el texto de Jorge Ibargüengoitia. Teatro El Milagro. Milán # 18, Col. Juárez. A partir del 30 de junio.

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Este elenco lo tiene todo, son jóvenes, hermosos, flexibles, rebosantes de energía, sus voces suenan nuevas sobre el escenario, es un lujo exquisito el que se da Martín al trabajar con estos actores libres

de toda influencia y maña. Pero al mismo tiempo es una responsabilidad inmensa, porque hay que enseñarles a domar la energía, a encausarla, a trabajar con las emociones sin herirse en el camino y finalmente a hacer que la obra llegue al público, lo conmueva y los haga creer durante dos horas que están asomados a la vida de un burdel provinciano de los sesentas y no al salón de clases que hace muy poco dejaron atrás.

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TEXTOMARIANA TEJEDA FOTOMARIO MARÍN

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…o el debut del artista adolescente

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Para este elenco conformado en su totalidad por estudiantes de CasAzul, Las muertas, que originalmente fuera una novela de Jorge Ibargüengoitia, ahora adaptada para teatro por el mismo Martín, representa la puerta de entrada a los escenarios extraescolares, con toda la emoción y el miedo que esto debe implicar.

Las muertas

¡Sé de los primeros en verla!

Tenemos pases dobles para las primeras dos personas en escribir a: boletin@pasodegato.com

CRÍTICA

Dos propuestas TEXTOLuis Santillán

Foto prop. por Teatro El Milagro

Fantasía subterránea para mujer y violín, escrita por Iona Weissberg, ofrece un universo donde la realidad da paso a la posibilidad del encuentro a partir de que una maestra que viaja en el metro y se relaciona con un violinista ambulante. Se trata, pues, de un texto propositivo en cuanto a posibilidades de ficción, pero que conlleva un alto grado de complejidad para ser llevado a escena, por la construcción de la fantasía y el marco de relación de los personajes. La puesta en escena, dirigida por Américo del Río, ofrece una propuesta que, aun con los aspectos no logrados, es grata para el espectador. Son dos, sin embargo, los puntos que podrían ser trabajados para elevar la calidad de la obra.

El primer punto, y esto tiene que ver con el campo inmediato del director, es que existe una aparente indeterminación en la manera como se aborda y construye el campo de la fantasía, pues si bien la alteración del universo debe ser gradual, también debe ser contundente, aspecto no del todo logrado en la escena.

El segundo punto a trabajar es un cierto desequilibrio actoral, pues si bien Gabriel Hernández destaca por su versatilidad y capacidad en la interpretación de personajes, construyendo en función de la necesidad emotiva de la situación y manteniendo la sensación orgánica de su creación, y Leny Gruber trabaja el personaje de la maestra sin grandes contratiempos, con un equilibrio en función de la textura de la escena y ofreciendo la complejidad emotiva de su personaje de manera eficaz, quien provoca un desequilibrio actoral es Miguel Ángel Vázquez dado que su personaje se lee como la suma de lo inmediato, con poco trabajo de construcción y quedando resuelta su participación en la escena sin gran esfuerzo, sin matices, lo cual convierte al personaje más atractivo del texto en un mero boceto. Son sus compañeros

Parajes desoladores Dramaturgia y dirección de Mariana García Franco. Con Sophie Alexander-Katz, Soraya Barraza, Edson Martínez, entre otros.

Teatro El Milagro. Milán # 24 (entre Lucerna y General Primm), Colonia Juárez. Domingos 21:00 hrs.

Entrada general: $140.00. Estudiantes, maestros e Inapam: $70.00.

Vecinos de la colonia: $50.00

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de escena, incluida Itzel Souto —que tiene una breve aparición en escena—, quienes sostienen la puesta.

En suma, vale la pena ir a ver Fantasía subterránea para mujer y violín. Los aspectos no logrados podrán ser enmendados siempre y cuando haya un público que lo permita, por otra parte, el Foro del Centro Cultural de la Diversidad promete ser, si continúa con su constancia, un espacio de suma importancia para el teatro independiente.

Fantasía subterránea para mujer y violín De Iona Weissberg, dir. Américo del Río. Con Gabriel Hernández, Leny Gruber, Miguel Ángel Vázquez e Itzel Souto.

Centro Cultural de la Diversidad. Colima # 267 (casi esquina con Insurgentes), Colonia Roma. Domingos 13:00 hrs.

Entrada general: $100.00. Estudiantes, maestros e Inapam: $70.00

Parajes desoladores constituye, en términos de estructura y dicho grosso modo, una sucesión de momentos con una situación central que se repite constantemente. La propuesta renuncia a los elementos clásicos del drama, incluso renuncia al drama mismo para dejar su contenido en una exposición escénica de inquietudes a partir de un tema. Y al no existir elementos que permitan entender las claves de lectura, parecería que se convoca al público para, una vez presente, excluirlo; sin embargo, hemos de asumir que lo que sucede es que hay elementos no del todo logrados que generan esta desvinculación.

Si bien el teatro puede distanciarse sin una obligación de hacer entender la escena, sino sólo de establecer puentes emotivos, de poco sirve la creación si es sólo una suma de ocurrencias. Y Parajes desoladores es sin duda una respuesta a los cuestionamientos creativos de los involucrados en el proyecto y es evidente que, para pensar este fenómeno escénico en particular, no se puede dimensionar en proporción del drama. La estructura contempla la intervención de lo performático, del video y de una suma de manifestaciones escénicas que obligan al espectador a involucrarse con la escena de una manera peculiar y distinta de lo habitual; es ahí cuando surge el mayor de los problemas de esta apuesta: no se le ofrece al espectador el código de representación, las claves de lectura, las pistas para seguir el camino, por lo tanto, todo es válido, todo está permitido, podría durar media hora menos o media hora más y no sucedería nada distinto a lo presenciado, porque todo queda en lo abstracto y entonces se vuelve un problema de gustos.

No obstante, cabe señalar que la lectura de este fenómeno escénico quizá se concrete al presenciar las otras dos partes que lo conforman. Lo innegable es que El Milagro ofrece la posibilidad de ver una manifestación escénica que —independientemente que le guste a uno o no— propicia la reflexión sobre las fronteras entre el drama y el teatro y eso se agradece. Vale la pena ver Parajes desoladores como una invitación al intercambio de ideas sobre la actualidad y aportación de las estructuras y posibilidades de la escena actual.

Foto prop. por el Centro Cultural de la Diversidad

de teatro contemporáneo

Carta a la redacción Por razones de espacio, en el número anterior no publicamos la siguiente carta que nos llegó a la redacción de PasodeGato: Boletín Mensual de Teatro en respuesta a la nota de Luis Santillán acerca de la obra Príncipe y príncipe publicada en el Boletín 53, correspondiente al mes de marzo. Una disculpa y reiteramos nuestro compromiso por dar cabida al diálogo entre lectores y colaboradores.

Jaime Chabaud Magnus y José Sefami Dirección Estimados Jaime y José: Sabemos que el trabajo de los críticos teatrales puede provocar opiniones encontradas, pero en el caso particular de la crítica que realizó Luis Santillán a la obra de teatro Príncipe y príncipe, publicada en el número 53 del Boletín, correspondiente al mes de marzo, no es el juicio a nuestro trabajo artístico lo que nos molesta. La obra de teatro escrita por Perla Szuchmacher está basada en el cuento Rey y rey, de las holandesas Stern Nijland y Linda de Haan.

La historia propone una ingeniosa, desenfadada e inteligente vuelta de tuerca a los clásicos y arquetípicos cuentos de princesas con los que todos hemos crecido: en este cuento, en vez de elegir a una princesa, el príncipe elige a otro príncipe para casarse y ser felices para siempre. Con la firme convicción de que es necesario inculcar en niños y niñas la noción del respeto a la diversidad sexual, decidimos llevar a escena un proyecto arriesgado, polémico y complejo que nos ha confrontado con nuestros propios tabúes y nos ha abierto los ojos acerca del serio daño que éstos causan en las personas. Mostrar de manera respetuosa y natural en una obra de teatro para público a partir de los seis años una relación amorosa entre dos hombres y lograr comunicar el mensaje de que cada quien es libre de elegir a quién amar y todos debemos respetarlo es, sin duda, una luz entre tanta tiniebla.

Aunque la casualidad hizo que la obra llegara justo en este momento, Príncipe y príncipe no puede analizarse sin tomar en cuenta el contexto político y social actual. Como artistas asumimos un compromiso y una postura clara ante temas como la diversidad sexual y las uniones entre personas del mismo sexo, siempre nos ha interesado hacer un teatro que hable a los más jóvenes de lo que realmente importa y lo humano siempre es prioritario y está por encima de intereses políticos.

Santillán utiliza una importante revista dedicada a la difusión del arte teatral con una excelente distribución, para descalificar por completo a Príncipe y príncipe. El objetivo del colaborador de Paso de Gato es invitar al público a no acudir a nuestra obra. Dice, entre otras cosas, que no le perdona su calidad de teatro “inofensivo”; para él la obra es “aburrida” y cierra diciendo que es “políticamente correcta” y “prescindible”. Pero lo que más llama la atención es que en toda la crítica jamás hable del contenido de la obra, nunca dice con precisión de qué trata la obra. No se atreve a escribirlo y bien sabemos que una manera de evadir las cosas ­—o pretender que no existen— es no nombrarlas. Santillán no recibirá una tarjeta de agradecimiento de la Arquidiócesis Primada de México por apoyarlos en su causa; estamos seguras de que ni cuenta se dio de lo que su escrito muestra porque su pretensión lo rebasó. El golpe sin duda causó daños y cada quien dice lo que piensa desde donde puede. Nosotros, por fortuna seguimos teniendo al escenario.

Perla Szuchmacher, Dramaturga Aracelia Guerrero, Directora de escena Ciudad de México, 15 de marzo de 2010

CRÍTICA

Balas de bytes TEXTOLUCÍA LEONOR ENRÍQUEZ FOTOJOSÉ JORGE CARREÓN

Hablemos de Facebook. Hay quienes han sucumbido fascinados por las posibilidades que ofrece esta herramienta, e incluso llegan a postear cada momento de su día a día como si se tratase de aquella peripecia que cambia y define el rumbo de una vida; también, desde luego, están los que permanecen reticentes y no se dejan seducir por las invitaciones a unirse a la gran comunidad virtual que congrega este tipo de red. Sea cual sea el caso, o grado de adicción, lo cierto es que más allá del giro que ha provocado en la manera de socializar, nadie puede ignorar el potencial y alcances que este tipo de comunicación tiene y, en ese sentido, no sorprende que en el teatro se genere material dramático que trate sobre esta manera de relacionarse.

Luis Mario Moncada, director, actor y dramaturgo que no necesita presentación, escribió un texto basado en un hecho real: la polémica que se desató a partir de que un usuario subió un poema de León Felipe el día que la Franja de Gaza fue bombardeada por Israel. Esto desata la controversia entre una serie de internautas que, acorde con el conflicto en Medio Oriente, son incapaces de dialogar, sin

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que sus pasiones y creencias dinamiten su debate.

En 9 días de guerra en Facebook, Martin Acosta apuesta por el vértigo y la velocidad que supone este tipo de comunicación. El escenario se transforma en la pantalla, en el muro de los usuarios donde aparecen sus estados de ánimo, sus imágenes y rolas favoritas, pero sobre todo las ideas que se van entreverando con los incidentes de todos los días, y alguno que otro melodramático exabrupto. Hasta aquí suena atractivo, pero el material peca de ligereza, que no de levedad, porque ahí donde alguno no pudiera conectar con el conflicto en Medio Oriente o la postura de los personajes a este respecto, bien podría relacionarse con la imposibilidad de comunicarse verdaderamente con el otro, aunque jamás lleguen a una misma conclusión; establecer este parangón con la disputa entre Israel y Palestina y despertar alguna sensación o reflexión en el espectador sería interesante, pero a cambio uno obtiene la misma impresión que cuando lo deslumbran las luces de las sirenas.

Sin duda es llamativo el despliegue coreográfico, el carisma de los actores, ciertos golpes de efecto que pretenden generar la sensación de que ahí se pretende algo genuino, de que en ese espacio convival podría generarse algo con respecto a la manera en que nos relacionamos con los demás y el mundo. En fin, que cada espectador, según su horizonte de expectativas, tendrá que dar respuesta a la pregunta que se planteó Moncada sobre cuán mortales son las balas de bytes, comparadas con las de plomo.

9 días de guerra en Facebook De Luis Mario Moncada. Dir. Martín Acosta. Con Viviana Amaya, Ichi Balmori, Karen Daneida, Abril Mayett, Bruno René Mestries, entre otros.

Foro Sor Juana Inés de la Cruz Centro Cultural Universitario Jueves y viernes, 20:00; sábados, 19:00; domingos, 18:00 hrs.

Entrada general: $140.00; y 50% de descuento para estudiantes y trabajadores de la unam, así como afiliados al Inapam, con credencial vigente.

Los jueves: $30.00

TEXTOSIVÁN OLIVARES

CRÍTICA

Celebremos el crecimiento del formato de este boletín, que ha ganado una importante posición en el imaginario de los asiduos al teatro en esta ciudad.

Para esta celebración, elegí dos reseñas relacionadas con el crecimiento y preservación de algunos de nuestros espacios teatrales: Casa de la Paz de la uam, que se encuentra en proceso de ampliación y que ahora presenta una propuesta de la cnt, y el Centro Cultural de la Diversidad, que también viene instaurándose como un nuevo espacio en crecimiento de sus instalaciones y renovación de su programación.

El malentendido

La indiferencia benevolente FOTOSergio Carreón Ireta

La Compañía Nacional de Teatro arriba a otro espacio teatral de la Ciudad de México: el Teatro Casa de la Paz, en el que se desarrolla un plan semejante de crecimiento, gracias a la pretensión acertada de la uam de engrandecer ese Centro Cultural en beneficio de las artes. La propuesta en esta ocasión es El malentendido, escrita por Albert Camus, ganador del Nobel de Literatura en 1957 y estrenada un año antes del fin de la Segunda Guerra Mundial en una Europa devastada.

La trama de esta pieza acomete la desilusión existencial del ser humano en una posada ubicada en una pequeña población europea hacia finales de la guerra, cuando la opresión y la angustia se respiran en cada rincón y donde sus habitantes, una anciana y su hija, han elaborado un método de supervivencia con base en el asesinato de sus huéspedes para robar sus pertenencias.

Esta intriga la había esbozado Camus con anterioridad en su novela El extranjero en 1942, cuando el protagonista, después de pagar una condena, encuentra un recorte de periódico entre las tablas de su cama, en el que se narra la historia de un hombre que regresa a su tierra después de 25 años, para compartir su fortuna acumulada con su madre y hermana. Sin embargo, sus esperanzas de ser recibido como el hijo pródigo se esfuman, al no ser reconocido por ellas, quienes lo asesinan para robarle.

En su versión teatral, Camus condensa la trama en un único espacio con una tensión creciente nacida de la incapacidad de sus personajes de reconocerse y expresar sus emociones.

La cnt comisiona a Martha Verduzco para dirigir esta propuesta, quien orgullosa de esa distinción, arriesga por la palabra la búsqueda del sentido del texto,

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la delineación de personajes y el trabajo profundo con los actores a quienes valora expertos por su gran habilidad creativa.

Emma Dib dibuja fríamente la crudeza sentimental, el vacío y el sinsentido de Martha, la hija que dedica toda su vida al cuidado de su madre, sacrificando su deseo de viajar al país del sol. Ésta es una nueva interpretación deliciosa de Dib, y que será memorable por el momento en que su rabia contenida explota ante el reconocimiento tardío de su hermano.

Rodrigo Vázquez construye con creatividad emocional la ilusión silenciada de Jan, el hijo exiliado que se asume pródigo y anhela sorprender a su madre y hermana en su regreso después de 20 años de ausencia sin lograrlo, y matiza la angustia característica de la estética de Camus.

Ana Ofelia Murguía refrenda su experiencia actoral como la madre cansada de vivir y que, ante la tristeza de no ser capaz de reconocer a su hijo en vida, decide terminar con la suya.

Por último, Farnesio de Bernal como el sirviente silencioso y enigmático, testigo de las fechorías de sus patrones, se mues-

tra riguroso en su actuación; y Erika de la Llave como María, enamorada e inocente, incapaz de convencer a su marido, Jan, es precisa, aunque fría en su interpretación.

El diseñador del espacio y la luz, Gabriel Pascal, recurre a un gran contenedor blanco no realista, como símil de la frialdad de los afectos de estos seres, que no son capaces de comunicarse.

La música original de Joaquín Gutiérrez Heras y el vestuario de Estela Fagoaga enfatizan la tristeza y el silencio de esta familia.

En suma, una puesta en escena mesurada, acorde al texto y que cuenta con grandes actores.

El malentendido De Albert Camus. Dir. Martha Verduzco.

Con Emma Dib, Ana Ofelia Murguía, Érika de la Llave, Farnesio de Bernal y Rodrigo Vázquez.

Teatro Casa de la Paz Cozumel # 33, Colonia Roma Jueves y viernes 20:00; sábados y domingos, 18:00 hrs.

Localidad: $150 Descuento de 50% a estudiantes, maestros e Inapam, así como vecinos de las colonias Juárez, Roma y Condesa presentando su credencial de elector.

Soy Jasón, tengo 28 años Obra posmoderna apocalíptica mexicana FOTOSCOMPAÑÍA el caballero inexistente

Fernando Muñoz se definió esa noche en su casa como un ser recatado frente a Juan Ramón Góngora —director de su obra Soy Jasón, tengo 28 años— y a un servidor, cuyo estreno fue el motivo de la reunión. Sin embargo, para haberse desarrollado como dramaturgo, novelista, cuentista, poeta, ensayista, performancero, artista del objeto e investigador de cine y teatro durante cuarenta años en México —reconocido aquí y en el extranjero—, es necesario ser lo contrario.

Yucateco de nacimiento, creó su primera compañía de teatro en 1970 para estrenar su obra Eugenio. Posteriormente escribiría aquellas que en conjunto forman la Trilogía fantástica: Estamos atrapados (1978), Vampiros jóvenes (1988) y Soy Jasón, tengo 28 años (1988), con la que ganó el Premio Estatal de Teatro Wilberto Cantón en 1991.

Soy Jasón, tengo 28 años fue considerada como la primera obra posmoderna mexicana por la revista Conjunto de Casa de las Américas de Cuba y en Buenos Aires, cuando tras su representación, en la que se cambiaron los referentes de destrucción en México por sitios de esa ciudad, los espectadores la consideraron una visión del Apocalipsis. Otras representaciones fueron la hecha por Maris Bustamante en el 93 en Ésta no es una vaca, y que la llevó a crear su colección de vacas con la que se internacionalizó, así como otra posterior en Berlín cuando se realizó un recorrido de Jasón muerto y muestras de danzón por las calles de esa ciudad.

Fernando relata que escribió Soy Jasón… para entablar un diálogo con los jóvenes, a través de una farsa futurista creada con base en íconos de la ciencia ficción que se veían en el cine de los años ochenta: Blade Runner, Mad Max, entre otros.

El Caballero Inexistente, compañía de Juan Ramón Góngora y Gerardo Castillo, retoma el vuelo con renovada energía y emprende el estreno de esta obra como su regreso a la escena y homenaje a Fernando por su trayectoria. Danzón, ópera, mambo, bolero y hasta la Danza del Venado se conjuntan en esta fantasía escénica con inspiración en el cine clásico mexicano que se vuelve un auténtico divertimento estrambótico y fresco en la escena de México, en el que el trabajo del coreógrafo Rosendo Gázpel y el vestuarista Sergio Alcalá son dignos de destacarse por su desenfado creativo.

Soy Jasón, tengo 28 años De Fernando Muñoz. Dir. Juan Ramón Góngora. Con Juan Romanca, Nacho Rodríguez, Heberto Silva, entre otros.

Centro Cultural de la Diversidad. Colima # 267, Colonia Roma.

Domingos, 18:00 hrs.

Localidad: $150 $100 a estudiantes, maestros e Inapam.

el espectador opina Asistí con mi hija Grecia, de cuatro años, a ver la adaptación teatral de la clásica historia infantil Bella y Bestia, la magia del amor. A pesar de su corta edad, Grecia conoce la trama de esta historia y se sabe hasta los diálogos de la película, por lo que iba muy emocionada.

Al empezar la obra, se narra la razón por la que el príncipe se convirtió en la Bestia, lo que me parece fundamental para poder entenderla; sin embargo, la grabación es de baja calidad, lo dicen tan

rápido y sin ningún tipo de apoyo visual (como proyección, iluminación o algo que atraiga la atención de los niños) que no se alcanza a comprender y se vuelve tedioso para ser el arranque de la obra.

El elenco, conformado en los roles estelares por actores de la exitosa telenovela Atrévete a soñar, es un buen gancho para atraer al público infantil. Siento que Violeta Isfel cumple bien con su papel de Bella por su voz melosa. A Alberto Dogre en su papel de Gastón le falta un poco de fuerza, pensando en que el personaje

Bella y Bestia, la magia del amor

FOTOÓscar Ponce

es un hombre rudo, mientras que Rubén Branco está muy sobreactuado como la Bestia, casi no se le entienden sus diálogos y su voz no llegaba hasta la penúltima fila, que fue en donde nos encontrábamos sentadas. Los actores que interpretaron a Tic Tac, Plumy, Chandeliere y Chic son buenos, pero el vestuario y su caracterización podrían estar mejor. Analiz Sánchez, que interpreta a la señora Té, canta y actúa bien, pero por las características del personaje, hubiera preferido ver a una actriz de más edad. Las actrices que interpretan el papel de bobas me parecieron falsas y exageradas, además no les ayudan mucho esas pelucas que me recuerdan a unas muñecas que había hace muchos años.

Siento que omitieron personajes y muchas partes importantes de la historia, como el padre de Bella —del cual sólo hacen referencia— o el haberle restado peso a la rosa, que tiene mucha importancia. En general la obra tiene un vestuario y una escenografía muy sencilla, en su mayoría a base de telones lo que la vuelve plana y con pocas variaciones. Creo que debería ser mas vistosa por el tipo de obra que es.

Pese a todo, la historia es muy bonita y mi hija estuvo entretenida durante toda la función, le gustó mucho y no perdió ningún detalle. Al final creo que lo importante es que los niños se entretengan y pasen un buen momento, tratando de inculcarles la cultura de ir al teatro, por lo que espero que durante la temporada se vayan afinando detalles para que la obra sea un éxito.

Gloria Guadalupe Segura Rosas 29 años, telemarketing y ama de casa Bella y Bestia, la magia del amor.

Con Violeta Isfel, Alberto Dogre, Juan Diego Covarrubias, Rubén Branco, entre otros. Teatro Independencia. Periférico Sur # 3400, Unidad Independencia, Col. San Jerónimo Lídice. Domingos, 11:30 y 13:30 hrs. Costo: $200 y $250. ¿Quieres dar tu opinión sobre alguna obra que hayas visto recientemente? Éste es tu espacio: envíanos un texto que no rebase los 2 mil caracteres junto con tus datos de contacto (nombre, ocupación y edad), a: boletin@pasodegato.com Si tu texto es elegido para publicación en esta sección, puedes ganar pases para el teatro.

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CARTELERA ¡Consulta la cartelera completa en nuestra página de internet! © Andrea López

Carreras De Germán Castillo. Con: Nallely Aguilar, Víctor Armando Calderón, Miguel del Castillo, Gabriela del Río, entre otros.

Jueves y viernes, 20:00; sábados, 19:00; domingos, 18:00 hrs. Teatro Santa Catarina, Jardín Santa Catarina # 10, Coyoacán.

En Pausa Dir. Alejandra Ramírez. Con: Rodolfo Millán, Sandra Gómez, Ania Páez, Ulises Martínez, Diana Sánchez.

Miércoles, 20:00 hrs. Foro Sor Juana Inés de la Cruz del Centro Cultural Universitario, Insurgentes Sur # 3000.

Tenemos cinco pases dobles para cualquier función del mes de junio de las obras de esta columna. Escribe a: promociones@pasodegato.com y proporciona tu nombre, la obra a la que quieres asistir y un número telefónico para comunicarnos contigo en caso de resultar ganador.

Cortesía Teatro La Capilla

Canción de Cuna del Arroyo De Julio Cortazar, Tomás Segovia, entre otros. Dir. Patricia del Razzo. Con: Rafael Sandoval Roquet y Andrea Cosette Borges. Domingos, 13:00 hrs. Teatro La Capilla, Madrid # 13 Coyoacán.

© Eduardo Lizalde Farías

Estado de Secreto De Rodolfo Usigli Dir. Mauricio Jiménez. Con José Sefami, Roberto Soto, Carlos Corona, J. Concepción Macías, Aída López, entre otros. Jueves y viernes, 20:00; sábados, 19:00; domingos, 18:00 hrs. Teatro Julio Castillo, Reforma y Campo Marte S/N, Centro Cultural del Bosque.

Cortesía de prensa unam

Improvisa2 y 1/2 Un espectáculo de José Luis Saldaña, Omar Medina y Juanjo Rodríguez. Sábados, 21:30 hrs. Restaurante Bar Zazá, Pachuca # 1, Col. Condesa.

improbroadway Dir. Fabian Garza. Con: Daniela Arroio, Micaela Gramajo, Yuriria del Valle, Ricardo Zárraga, entre otros. Sábados, 21:30 hrs. Teatro Casa de la Paz, Cozumel 33, entre Durango y Sinaloa.

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Soy Bárbara Un espectáculo de Nora Huerta. Música en vivo: Yurief Nieves. Jueves, 20:30 hrs. Foro A Poco No, República de Cuba #49, Centro Histórico.

Cortesía Casa de la Paz Cortesía Figurat Títeres

Nadie Pertenece Aquí más que Tú Dir. Mariana Gandara. Con: Elena de Haro, Edzná García, Andrea Portal y Joaquín Chablé. Miércoles, 20:00 hrs. La Madriguera, Álvaro Obregón # 291, Col. Roma. Entre Valladolid y Salamanca.

Cortesía Angélica Rogel

Cortesía Sist. de Teat. del D. F.

Cortesía de Mariana Gándara

Cortesía de Sandra Narváez

¡Paz! Paz De Iván Olivares y Emmanuel Márquez Dir. Emmanuel Márquez. Domingos, 13:00 hrs. y 17:00 hrs. Teatro Isabela Corona, Eje Central # 445, Tlatelolco.

Riñón de Cerdo para el Desconsuelo De Alejandro Ricaño Dir. Angélica Rogel. Con: Pilar Cerecedo y Omar Medina.

Jueves y viernes, 20:00; sábados, 19:00; domingos, 18:00 hrs. Sala Xavier Villaurrutia Reforma y Campo Marte S/N, Centro Cultural del Bosque.

DE ESTRENO

Cinco mujeres

usando el mismo vestido A principios de julio se estrenará en la Ciudad de México la puesta en escena de Cinco mujeres usando el mismo vestido, texto del norteamericano Alan Ball, guionista de American Beauty y exitosas series como True Blood. Un proyecto más de Azteca Teatro, esta vez con un elenco conformado por Paola Núñez, Marimar Vega, Griselda Contreras, Cecilia Ponce, Érika de la Rosa y Lucía Leyba (alternando), todas ellas dirigidas por el maestro Raúl Quintanilla.

Divertida, sarcástica y entrañable, se trata de un texto construido de manera perfecta y que muestra a cinco damas de honor metidas en la habitación de una de ellas momentos después de la ceremonia.

A pocas semanas del estreno, tuvimos la oportunidad de platicar en exclusiva con las actrices acerca del proyecto para los lectores de PasodeGato: Boletín Mensual de Teatro.

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¿Quiénes son estas cinco mujeres y qué tanto se identifican con su personaje?

Paola Núñez: Trisha, mi personaje, es una mujer con una mentalidad liberal que ya no cree en el matrimonio ni en los hombres, es de esas personas que parecen autosuficientes, que te intimidan cuando las conoces, pero que en el fondo son vulnerables; dan una imagen de ser fuertes para no ser lastimadas. Eso me pasa a mí, me identifico, pero a la vez me doy cuenta de que te haces la versión de lo que eres o quieres ser como persona y llega un momento en el que te percatas de que en el fondo no quieres ser eso. Érika de la Rosa: Mindy es una psicóloga exitosa que se dedica a los bienes raíces; lesbiana y educada como niña nice, es congruente con lo que piensa y lo que hace. A través de la obra nos damos cuen-

TEXTOHUGO WIRTH* FOTOSANA PAULA CASTAÑARES

ta de que es una mujer muy sola y que no necesariamente por ser congruente, se es feliz. Como Mindy, trato de ser una mujer muy congruente en mi vida cotidiana, me divierte crear un personaje totalmente opuesto a mí en otros aspectos. Mi personaje tiene mucho del sentir y manera de ser del autor. Mindy se expone ante el público de una manera natural y me gusta que no sea obvia, tosca, ni que sea evidente su preferencia sexual.

Griselda Contreras: Gina es amiga de la novia, con quien comparte una historia bastante turbia. Es casada, tiene un hijo, detesta a su marido y va a la boda con la intención de que algo suceda. Es una neurótica simpática, con un toque de amargura, pero aún tiene capacidad de burlarse

de ella misma. De las cinco mujeres, me identifico de alguna manera con todas y específicamente con Gina, pues la siento cercana por la edad y ciertos aspectos que tienen que ver con mi historia personal.

Cecilia Ponce: Fran es prima de Meredith, es cristiana y auténtica, la menos perturbada y distinta a las demás. Le gusta divertirse, disfruta todo y encuentra la belleza en lo simple. Puede que maneje una doble moral pero tiene claro lo que quiere. Se me dificulta mucho trabajar al personaje porque no tiene nada que ver conmigo.

Marimar Vega: Mi personaje, Meredith, es la hermana de la novia, tiene 22 años y detesta vivir con sus padres; aunque es bonita, hace todo lo posible por verse mal. No tolera a su prima Fran y, en cambio, Trisha es su ejemplo a seguir, con ella fuma marihuana y comparte su ideología de vida. Está amargada, siente que todo lo que ha hecho no sirve para nada.

En lo personal, me gusta decir lo que pienso y Meredith no tiene ningún pudor para expresarse. Seguramente en algún momento de mi vida también mis padres me caían fatal y lo que menos quería es estar en mi casa. Me alejo del personaje en el aspecto de las drogas, en los problemas sexuales, resentimientos contra los hombres y la amargura que maneja siendo tan chava. ¿Qué reto profesional implica para cada una de ustedes este proyecto?

Cecilia: En mi caso, cada vez que tengo que interpretar un personaje de buena, noble o virtuosa —aunque son cosas que yo tengo en mi vida—, es inevitable juzgarlo: y para mí, en vez de ser noble, parece tonta. Es algo en lo que estoy trabajando para que en escena se vea auténtica.

La obra es una joya y una vez que tienes confianza en el texto, lo dices con verdad y funciona. Érika: Hay un interés muy particular de trabajar con el maestro Quintanilla, ya que es una persona que admiro profundamente y creo que es momento de demostrar como actrices por qué estamos aquí.

Marimar: No estoy muy acostumbrada a hacer comedia, así que debo aprender a manejar el timing de la obra, lo cual no es nada fácil, y sobre todo que mi personaje no parezca enojado todo el tiempo, darle matices.

Paola: Mi reto más grande es encontrar la manera de alejarme lo suficiente y moldear al personaje, no ser yo en circunstancias distintas. Como actriz es di-

fícil cuando te identificas mucho con el personaje que interpretas. Quiero sentir un crecimiento, sentirme una actriz más completa y llegar a una plenitud.

Griselda: Llevar a escena a un personaje como Gina es difícil ya que está plagado de matices y supone un gran reto para mí como actriz. Creo que todas vamos por buen camino, de la mano del maestro Quintanilla. ¿Qué va a encontrar el público mexicano en esta puesta en escena?

Paola: La obra es cínica, sarcástica, es muy fuerte, llena de emoción, dolor

y se abre a muchas lecturas, es clara, sin pretensiones y muy divertida. Habla de conflictos contemporáneos partiendo de una búsqueda de liberación o igualdad femenina y a partir de esto se ven trastocados los roles. Como mujer va a ser muy difícil no identificarse, porque en escena hay un grupo de personas de tu mismo género hablando de las cosas que te preocupan, que te dan miedo y que necesitas.

A los hombres seguramente les atraerá el morbo de saber qué hacen cinco mujeres encerradas en una habitación, de qué hablan, qué nos preocupa y qué nos gusta o detestamos en un hombre.

Marimar: Los hombres creen que las mujeres no hablamos de ciertas cosas y resulta que a veces somos igual de vulgares que ellos. Con esta obra tienen la oportunidad de adentrarse a este universo femenino.

Griselda: La situación que vivimos actualmente respecto a las relaciones humanas es terrible; esta obra lo muestra y es

un ejemplo para que la gente vea lo que está pasando y lo reflexione.

Cecilia: Encontrar la risa en lo patético, que el público se sienta reflejado y pueda reírse, burlarse de sí mismo, es maravilloso y es, sin duda, algo que se puede experimentar con esta puesta en escena. El teatro es un momento único y repleto de verdad, cada función es única. Érika: A través de lo que estamos viviendo en escena, el público puede identificarse con las situaciones, disfrutar, divertirse y conmoverse sin más pretensiones. * Becario del Programa Jóvenes Creadores del Fonca.

Cinco mujeres usando el mismo vestido De Alan Ball. Dir. Raúl Quintanilla.

Con Paola Núñez, Marimar Vega, Cecilia Ponce, Érika de la Rosa, Griselda Contreras y Lucía Leyba.

Teatro Telón de Asfalto Perpetua # 4, Col. San José Insurgentes Tel.: 5615-0598 Jueves y viernes, 20:30; sábados, 19:00, y domingos, 18:00 hrs.

Costo: $250 A partir del 9 de julio.

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CRÍTICA MÚSICA

Los Reyes de K.O.

José Luis Pardo

Radio Blues

Iberoamérica Blues Fest TEXTOReyna Domínguez

Mucho se ha hablado del panorama del blues en México, que si no hay buenos grupos, que no hay espacios exclusivos para este género; siempre ha sido polémico su desarrollo en nuestro país. En este 2010 la promotora cultural Express Blues organizó un festival en el que los amantes de este gran estilo musical podrán disfrutar de la presentación de destacados músicos de Iberoamérica.

Brenda and the Basics

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Con la presencia de España, Brasil, Argentina, Puerto Rico y México, el Iberoamérica Blues Fest busca promover y difundir el trabajo realizado por músicos de países iberoamericanos, fortalecer los vínculos entre éstos y, por supuesto, acercarnos a las distintas propuestas en este género musical.

Podremos escuchar a músicos como los Reyes del K. O., dueto integrado por Marcos Coll y por Adrián Costa, originarios de España, con un repertorio cargado de funk y soul.

También estará presente Robson Fernandes, quien, llegado de Brasil y siendo alumno de Santiago Lupa y Bocato, cuenta con una extraordinaria destreza técnica para explorar diferentes estilos y ritmos, manteniendo en su música el espíritu de Chicago y Nueva Orleans. Representando a las tierras gauchas, es-

tará José Luis Pardo, poseedor de un control único de la guitarra —lo que lo hace parecer originario del delta del Misisipi, según la Living Blues Magazine—, nos trae sus melodiosos ritmos. Brenda and the Basic, originaria de Puerto Rico, interpretará temas clásicos del blues y covers magníficamente bien logrados de Janis Joplin, así como temas propios.

Representando a México podremos escuchar a Radio Blues, banda originaria del Distrito Federal que se caracteriza por tomar como base el blues añadiéndole otros géneros musicales y rompiendo con los estándares clásicos del género, con lo cual logra un sello distintivo, potente y pesado, que hace de sus presentaciones verdaderos shows cargados de energía.

Domingo 6 de junio de 2010, 17:00 hrs.

Teatro de la Ciudad, Donceles # 36, Centro Histórico.

Descuento a: Maestros, estudiantes e Inapam.

Boletos en taquilla y en Ticketmaster.

Localidades: $180.00, $140.00, $100.00 y $80.00.

PasodeGato: Boletín Mensual de Teatro y el Iberoamérica Blues Fest obsequian un pase doble a las cinco primeras personas que escriban a: promociones@pasodegato.com

CRÍTICA

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Cortesía INJUVE

CRÍTICA miscelánea TEXTOyovan G. Uribe

Si usted es amante del rock no debe dejar de escuchar a Estereox, banda de rock alternativo formada por Beto, Jorge, Rodolfo y Emmanuel, cuyos caminos se unieron por el gusto de compartir la composición musical y para formar un proyecto con el firme propósito de hacerse escuchar dentro de la escena del rock nacional, así como de formar una historia e identidad propias en ese camino.

Así pues, Estereox, la primera producción del grupo y la cual lleva su mismo nombre, encapsula el potencial de una joven promesa valiente, que ha dado con una nueva fórmula de hacer rock en México. Un material discográfico que resulta sumamente cercano y verdadero.

Cortesía Iguana Records

Carlos Salas nos presenta una nueva propuesta de son latino, un disco que merece la pena y está repleto de ritmo, pues las diez canciones que lo componen tienen una magnífica resonancia musical.

En definitiva, un disco con ritmo, capaz de compartirse con todos. De necesaria adquisición.

Mención aparte merece el Instituto de la Juventud del Distrito Federal por el disco El vigilante. Dicho material discográfico tiene la intención de promover cuatro derechos de la juventud mexicana: la educación, la justicia, la salud y el trabajo. El disco contiene información impresa relativa a los derechos de la juventud, así como citas de personajes históricos e importantes, intercaladas entre canciones interpretadas por 21 grupos de rock.

El disco cuenta con un repertorio de más de 39 canciones y la colaboración de: Salón Victoria, Los Estrambóticos, Elli Noise y Jessy Bulbo, entre otros. Lo mejor de todo es que el disco es totalmente gratuito con el fin de fomentar una mejor juventud.

Cortesía Iguana Records

Marcalma

Los españoles de Marcalma nos presentan un trabajo musical repleto de buen rock, con una rítmica impresionante y una ejecución musical notable. El disco está marcado por melodías poderosas, orquestaciones repletas de matices, coros armónicos y rotundos guitarrazos. Música compleja aunque en apariencia asequible, cargada de energía y melancolía envueltas en letras llenas de sentimiento y arreglos sutiles. Un mar sonoro que oscila entre la calma de un día soleado y la agitación de la marea alta.

Este trabajo incluye once temas como “Quema por dentro” o “Con la miel en tus labios”, y otros que derrochan energía positiva, como “En tus manos”. Este debut discográfico de Marcalma incluye, además, su primer videoclip: Quema por dentro.

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Abiertamente salido del closet, Danniel Dissolu nos presenta su primer trabajo musical titulado Lo siento papá…, un disco abiertamente gay, con el firme propósito de acabar con los prejuicios que aún se tienen en nuestra sociedad. El disco cuenta con diez canciones bailables muy al estilo de la música dj en Alemania.

Cortesía Iguana Records

PasodeGato: Boletín Mensual de Teatro tiene ejemplares de regalo de cada uno de estos discos. Entra a: www.pasodegato.com a partir del 2 de junio y entérate cómo puedes ganar.

Cortesía Iguana Records

Surgido a la sombra del jazz de los años ochenta, Jamie Cullum ha llegado a una formación tan mítica como sus propias letras. Tras una meteórica carrera artística, desgranada en grandes logros, premios y satisfacciones personales. Con una trayectoria implacable y un talento desbordarte, este joven músico charló en exclusiva para Paso de Gato.

CRÍTICA

jamie cullum

El color fluorescente del jazz Cortesía Jamie Cullum

Sabemos que eres un artista completo, con esto me refiero a que sabes ejecutar cualquier género musical, ¿por qué te inclinaste por el jazz?

Estoy enamorado de muchos estilos diferentes, me gusta el rock, el pop, la balada, la música indie, lo electrónico, pero cuando toco jazz puedo incluir todo esto en una sola música, es como si de pronto todo mi alrededor fuera luminoso. Realmente es algo que me apasiona. ¿Quién o quiénes han sido tu influencia en el mundo de la música?

Definitivamente mi hermano Ben, es un gran artista al que admiro mucho, no sólo por su calidad humana, sino por esa destreza que tiene en el escenario, es único. También admiro artistas como: Beck, Bjork y Johnny Michael.

Tus letras siempre tienen una cierta fantasía utópica e historias míticas, ¿por qué echar mano siempre de este recurso?

El mundo está pasando por un momento difícil en todos los aspectos, es aterrador prender la televisión y encontrarse con noticias bélicas o terroristas. Creo que mi música es una manera de escapar a todo eso. Cada una de mis canciones cuenta una historia diferente dentro de un mundo que cada quien ve desde su perspectiva. “Photograph”, por ejemplo, es una de mis canciones que tiene dos historias, que podrás entender dependiendo de tu forma de ver el mundo.

Hace tres años tuve la oportunidad de charlar contigo en un evento de Jazz en Londres, en ese entonces manifestaste tu interés por incursionar en el mercado hispanohablante, ¿qué hay de eso?

Creo que la música ha rebasado mis expectativas, es asombroso recibir mails de seguidores de todo el mundo. Me alegra poder conectar con ellos en mi propio idioma [inglés], pero no he descartado la idea de hacer un disco completamente en español.

Algún mensaje que quieras dar a tus seguidores en México…

Sólo quiero agradecerles la oportunidad que me dan al escuchar mi música, decirles que estoy muy agradecido por su apoyo.

Infinitas gracias.

Si quieres recibir más información de eventos, tocadas y la biografía de Jamie Cullum, visita: http://www.jamiecullum.com

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CRÍTICA Libros Textoservidora

TEXTODiana Gutiérrez* FOTOalberto ibáñez “El negro”

porque no todo es balazos

Bogotá huele a chanel # 5 Mi horóscopo dice: “cuentas claras, amistades largas”, y yo le creo. Así pues, tres advertencias: 1) Ésta será una columna mensual sobre mis experiencias con los libros y, como tal, soy libre de hacer y decir las barbaridades propias de mi especie. Soy una simple lectora.

2) Lo aquí reseñado no seguirá modas, mesas de novedades u ofertas editoriales. Tenga la seguridad, amable lector, de que los libros que aquí se comenten han sido elegidos con cautela, siguiendo el buen gusto y escaso olfato literario de la que esto escribe.

3) Por tanto, todas o casi todas las reseñas (habrá excepciones) serán una bonita carta de motivos para tirarse al placer de la lectura de fulanito o zutanito. Ahora sí, lea lo que sigue o cambie de página para siempre.

En Bogotá: los barrios tienen nombres de países y ciudades. El Londres se llama así por neblinoso. New Jersey tiene problemas de inseguridad y los vecinos ya no pueden andar tranquilos. Bajar las escaleras que conducen de Madrid a Barcelona es un riesgo; hay muchos atracos. Egipto, Holanda, Grecia, Nueva York, Canadá, Berlín y Venecia optaron por bautizarse así para atraer la atención de la ayuda internacional. En Bogotá: Jaguares y Maná llenan estadios, y los mariachis no cantan mal las rancheras en las bodas, en los quince años y hasta en los entierros. Rocío Durcal y Juan Gabriel son ídolos. En Bogotá: nació

Danilo Moreno

*Diana Gutiérrez es becaria del Programa Jóvenes Creadores del FONCA

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Danilo Moreno hace 41 años y escribió durante nueve su primera novela, Bajo la piel de Channel, editada bellamente por Almadía en México. (A los colombianos que lleguen a leer esto que escribo: el libro no existe en Colombia, para conseguirlo hay que venir a estas tierras.) ****** Esta es una historia de amor. La de una bailarina exótica de 20 años, apodada Channel en honor a la fragancia homónima con la que se perfuma el cuerpo, y Santiago, un psicoanalista que, al parecer, no se conforma con los privados en el club nocturno, pero le da miedito aceptarse enamorado de una puta. Creo que el autor

de esta novela está aburrido de la literatura colombiana de exportación con su dosis de violencia y sicaresca (narcotráfico, paramilitarismo y política). Y hace bien.

Con Fernando Vallejo, Jorge Franco y Mario Mendoza ya tenemos bastante. Lo que nos cuenta, a través de la voz de Channel, transcurre en unas horas, mientras la mujer se prueba ropa frente al espejo de su recámara y se debate entre una decisión y otra: viajar con Santiago a Cuba o quedarse en Bogotá a disfrutar su libertad y las noches de aventura. Danilo defiende la literatura de lo discreto.

A manera de glosario.

Channel usa groserías todo el tiempo. Usted aprópiese de ellas para platicar con sus amigos colombianos o, en su defecto, con sus amigos de la Portales que, aunque no entiendan nada, se quedarán muy sorprendidos (siempre hay uno que quiere aprender cómo se dicen groserías en otros países).

Bacano: Muy bueno, entretenido.

Cansón: Fastidioso, molesto.

Parcerito: Mejor amigo.

Pilo: Inteligente.

H. P.: Hijo de puta.

Chichipato: Incumplido.

****** Qué bonita es la experiencia literaria cuando, además de una historia bien contada, el autor ofrece algo más, como en este caso: un sentir bogotano, a través de la arquitectura y el habla, por ejemplo. Es bueno saber que en el barrio de Santa Fe se ubica el famoso burdel La Piscina, donde, según me contó Danilo, las mujeres son muy lindas. Instalado sobre los escombros de un viejo hotel, tiene servicio de peluquería, un restaurante, decenas de habitaciones para los clientes y un piso entero con cuartos amueblados para que las chicas se instalen y vivan cómodamente.

Danilo hace que sus personajes se conozcan en este antro de abundante luz neón y un pasillo de espejos que desemboca en un salón centrado por una alberca con un puente en el que una rubia de implantes se desviste para la concurrencia. Danilo hace que sus personajes hablen bogotano: “cogí impulso, porque pensé en eso que dice la gente…los polvos perdidos los lloran los santos”, la última frase es una expresión muy colombiana que significa que alguien no aprovechó una oportunidad que tenía en sus manos. Otro ejemplo: “Ahorita le llamo a Juan” se diría en Bogotá: “De una le llamo a Juan”. Tal empeño en el lenguaje no es casual: su autor favorito es Juan Rulfo. Es importante leer Bajo la piel de Channel en voz alta; hay ritmo, cadencia, color.

****** “Muchas mujeres sentirían envidia de lo que nosotros vivimos acá”, le dijo a Danilo esa mujer que inspiró el personaje de Channel. Este escritor forma parte de la camada que privilegia la experiencia sobre las lecturas. Channel sabe que es tan bonita que casi todos los hombres con los que tiene sexo, eyaculan antes de la penetración. Y su lema es: “Quien se enamora pierde…y quien piensa demasiado también”. Disfruta que la miren cuando se agacha y la faldita que usa no es suficiente para cubrir su piel sin bragas.

Nació en Corozal y luego se fue a Bogotá para ganarse una lanita. Primero le hizo a las ventas, luego de “impulsadora en los supermercados”, algo así como edecán o demostradora, pero como a ella le gusta la buena vida, se metió de bailarina.

Su mayor preocupación es Santiago, quien es el típico “no quiero compromiso, pero me gustas”; pero también Raquel, la novia formal de éste, eso sí, casada con otro hombre. ¿Quiénes son más putas (o putos)? ¿Las (os) de los burdeles o aquellas (os) con compromiso que se divierten con sus amantes por el messenger? Channel lo dice: “…afuera hay más arañas que en el mismo negocio”.

CRÍTICA

PasodeGato: Boletín Mensual de Teatro y editorial Almadía regalan un ejemplar de Bajo la piel de Channel.

Entra a www.pasodegato.com a partir del 2 de junio y contesta la trivia que publicaremos.

Soundtrack .

A lo largo de la novela, Channel canta canciones distintas, según su estado de ánimo. Tenga a la mano algunas para disfrutar su lectura con una pista sonora ad hoc: Sombras, Javier Solís; Los caminos de la vida, La Tropa Vallenata; I wanna love you, Bob Marley; Hey sexy lady, Shaggy; Hechizo de luna, Grupo Niche; Como tú, Jaguares; Quiero verte sonreír, Carlos Vives.

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CRÍTICA Niños Un trapecio colgado en mitad del escenario es la puerta de entrada al mundo mágico de Clarión, la trapecista del Ringus Circus y su amiga Floripondia, quienes están dispuestas a todo con tal de cumplir sus sueños. En el camino, escucharán las historias de sus compañeros de circo, quienes ya han logrado cosas que parecían imposibles y se sentirán motivadas a lograrlo sin desanimarse en el intento. A lo largo de la historia, Floripondia y Clarión, descubrirán que el único modo de conquistar sus sueños y ser felices es perdiendo el miedo.

Este espectáculo, original de Oliver Avendaño, conjunta teatro, circo y música en vivo, además de un excelente equipo de creativos que decidieron creer en Oliver y ayudarlo a cumplir su sueño de llevar a escena La trapecista.

No sólo los niños saldrán divertidos y asombrados de esta obra, también sus papás tendrán oportunidad de echar una mirada de regreso al mundo infantil para volver a creer en la magia y el poder de los sueños.

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La trapecista

Aprendiendo a saltar… ¡sin Miedo!

TEXTORedacción PdeG FOTOScamaleones escénicos La trapecista. Dramaturgia de Alfonso Cárcamo y dir. de Sisu González. Con Naomi Romo, Oliver Avendaño, Llever Aiza, entre otros.

Teatro Casa de la Paz Cozumel # 33, Colonia Roma Sábados y domingos: 13:00 hrs.

Entrada general: $150.00 Niños, estudiantes, maestros y adultos mayores: $75.00 50% de descuento para los vecinos de las colonias Juárez, Roma y Condesa, presentando credencial de elector.

Teatro Casa de la Paz y PasodeGato: Boletín Mensual de Teatro regalan, a las primeras 10 personas que escriban a boletin@pasodegato.com, un pase doble para asistir gratis a cualquiera de las funciones de junio de La trapecista.

CRÍTICA

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CRÍTICA Libros museos

TEXTOEurídice Ramírez

Dos visiones de nuestra historia y arte contemporáneo in situ

revolución, mapas y galerías A partir de esta entrega, la sección Museos tendrá un pequeño cambio: ofrecerá a los lectores varias opciones de exposiciones y proporcionará una guía de algunas de las galerías que se encuentran en la Ciudad de México y donde se pueden adquirir obras de artistas contemporáneos a costos relativamente bajos. Espero que sea de su agrado y me acompañen en esta nueva aventura.

En uno de los recintos más dinámicos de nuestra ciudad, el Museo del Antiguo Colegio de San Ildefonso, durante este mes se presentarán dos interesantes exposiciones que brindan distintas miradas a nuestra historia: por un lado a través de mapas y, por otro, a través del cine.

Por último, una invitación a la galería Proyecto Ángela Ramos.

Dos visiones de nuestra historia Un paseo en mapa: Explorando las claves de América Latina se presenta dentro del programa cultural del Bicentenario de la Independencia y el Centenario de la Revolución Mexicana. Es una exposición basada en la cartografía, en un recorrido de 200 años de historia a través de acontecimientos fundamentales como la descolonización, el expansionismo territorial, la disgregación de los virreinatos, la supervivencia de los enclaves coloniales, las disputas territoriales que provocaron reacomodos de poblaciones enteras y cambios geopolíticos que transformaron las relaciones de poder internacional y que explican la complejidad de la historia latinoamericana.

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fuerzo para reunir materiales de gran valor histórico —y en algunos casos de valor estético— nunca antes expuestos de manera conjunta. *** La Revolución Mexicana fue un movimiento armado que dio pie a que cambiara de algún modo el arte en nuestro país; para muestra tenemos la pintura mural que decora el Antiguo Colegio de San Ildefonso, que es nuestro anfitrión para ver esta Revolución a través de los ojos del cine.

La exposición Cine y Revolución gira alrededor de un tema recurrente en el cine, no sólo mexicano sino también en la mirada que en el extranjero tuvo esta etapa histórica. Se menciona que a través de casi 100 años se han realizado aproximadamente 250 películas sobre este tema, creando personajes que han quedado grabados en el imaginario social. Para nadie es ajeno el personaje de las soldaderas, los caudillos, o personajes como Francisco Villa, Emiliano Zapata, y Porfirio Díaz, entre otros.

Desde las tomas realizadas por los pioneros hasta las secuencias clásicas producidas por el cine industrial, Cine y Revolución presenta objetos, carteles, documentos, fotografías originales de la época, materiales de cine que contextualizan las condiciones en que vivían los habitantes de la época.

Resultado de las investigaciones de un grupo de especialistas, esta exposición ilustra cómo el cine contribuyó a la construcción de una idea de “pueblo mexicano revolucionario”, mostrando diversas representa-

Museo del Antiguo Colegio de San Ildefonso Justo Sierra # 16, Centro Histórico Martes de 10:00 a 20:00 horas; y miércoles a domingos de 10:00 a 18:00 hrs.

Exposiciones temporales: $45.00 Estudiantes y maestros con credencial vigente: $22.50 Cuando no hay exposiciones, la admisión general al edificio es de $15.00; estudiantes y maestros: $7.50. [La entrada es gratis para: participantes del Programa de Membresías del museo, niños menores de 12 años y personas de la tercera edad.

Los martes la entrada es gratis para todo público.]

Informes: 5702-6378 y 5795-5922 servicios@sanildefonso.org.mx Fotos cortesía Museo del Antiguo Colegio de San Ildefonso

Se exhiben alrededor de 90 mapas, tratados y objetos que son utilizados en la labor cartográfica, podemos encontrar ejemplares de mapas de los siglos xvi y xvii, hasta llegar a las nuevas técnicas de cartografía, como la geomática (geografía contemporánea).

Aunque la exposición se antoje un poco aburrida por tratarse solamente de mapas, resulta todo lo contrario ya que la museografía está invadida de actividades lúdicas que hacen más ameno el recorrido, y estoy segura de que encontrarán alguna carta geográfica que les robe su atención. Es de resaltar el es-

ciones de temas y figuras estereotipadas surgidas en la Revolución, desde los atuendos, las armas, los ferrocarriles, los caballos, hasta lo más conceptual, como el lenguaje y los mitos.

En general la muestra es una revisión de la imagen de la Revolución mexicana vista a través del cine a lo largo de un siglo.

Televisión CRÍTICA

Arte Shock

Arte contemporáneo in situ En esta sección siempre se ha tratado de acercar al público al arte, así es que a partir de este número les daremos algunos tips de dónde poder adquirir piezas artísticas de buena calidad estética y poder llevarnos un trocito de este maravilloso mundo. Para inaugurar este espacio, me permito presentarles el Proyecto Ángela Ramos, que es una galería ubicada en la colonia Juárez. La gran peculiaridad que tiene es que no hay sala de exposición como tal, sino que utilizan los pasillos de un edificio y los espacios comunes de los departamentos.

El principal artista de esta galería es Bernardo González, pintor que ha expuesto en varios países del mundo, entre los que destacan Alemania y EUA, entre otros. Su propuesta artística resulta irreverente hacia los íconos mexicanos por excelencia, siempre jugando con la cultura mexicana. Su pintura está llena de colores y en ocasiones puede parecer peleada con la academia, pero es sin duda una invitación a ver de otro modo los conceptos y tradiciones de nuestro país.

El Proyecto Ángela Ramos está en constante movimiento, de modo que encontrarás distintas exposiciones de artistas contemporáneos con propuestas muy interesantes. Los precios son muy accesibles ya que puedes comprar una pieza de joyería desde $300 hasta un cuadro de gran formato sin tener que gastar la herencia de los abuelos.

Afirma el cineasta Robert Bresson que no hay arte sin transformación. La inestabilidad, el principio de incertidumbre, la mutabilidad inherente a nuestra naturaleza, hoy más que nunca es aplicable a la creación artística. En un mundo en el que los conceptos de belleza, armonía o bondad son ampliamente cuestionados, cuando la ciencia y la tecnología rebasan día a día nuestra capacidad de asombro, la creación contemporánea se inserta como una metáfora de esta realidad.

El artista hoy en día es el gran transformista, mago y flâneur, el político, activista, negociador y comerciante, mientras que el público no es más el espectador pasmado frente a la obra maestra, es parte de la creación y la experimentación, es el usuario participante. Ha sido educado o reeducado por las pantallas de televisión, la computadora, el móvil.

A partir de estas observaciones tv-unam asumió el reto de mostrar aquello que con frecuencia permanece ajeno a los ojos del público: los procesos de creación del arte contemporáneo mediante un programa con un formato interactivo que propiciara el diálogo y permitiera crear comunidades y plataformas de divulgación para los creadores emergentes.

Una convocatoria abierta apoyada por la Comisión Bi100: Bicentenario en la Ciudad de México, atrajo a cientos de jóvenes artistas residentes en la capital del país, quienes participaron en 12 categorías: de la pintura al arte en red, de la gráfica a los nuevos medios, del performance a la intervención urbana, con plena conciencia del maridaje de géneros y las desdibujadas fronteras de la praxis artística actual. En cada categoría tres jóvenes crearon una pieza artística, de los cuales uno fue elegido mediante la suma del voto de un jurado especializado y el que el público emitió en la página de internet del proyecto.

Por medio del sitio web, foros, chats y redes sociales se incentivó la crítica, la reflexión y la discusión en torno a la creación. Al final de la serie, un nuevo jurado eligió a la obra ganadora del primer lugar entre los 12 finalistas y se otorgó el Premio del Público al artista que obtuvo más apoyo en el sitio web de Arte Shock.

La propuesta televisiva fue arriesgada y al mismo tiempo congruente con el consumo actual de medios de comunicación. Como ocurre con el arte, hoy no somos más espectadores pasivos sino actores frente a los medios.

Arte Shock ha sido un proyecto de construcción colectiva, no sólo de divulgación sino de apoyo a la producción de arte, posible quizá sólo desde una institución como la unam y con el sentido de compromiso y experimentación que corresponde a la televisión pública. Este es un primer atrevimiento, las resonancias aún flotan en el ambiente, se trata del primer paso de una aventura, espero, inacabada.

Críticas o comentarios a esta sección: cuitzi_25@hotmail.com

Fotos de Eurídice Ramírez

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Cortesía Arte Shock

Proyecto Ángela Ramos Londres # 253, Col. Juárez Del. Cuauhtémoc Lunes a sábados de 11:00 a 18:00 hrs.

Teléfono 5207-7832

Primer programa interactivo sobre los procesos de creación de las Artes visuales TEXTOLaura Barrera

CRÍTICA entremés

La hostería de Santo DOMINGO TEXTOyFotosRaquel del Castillo rakel_pazthel@hotmail.com También la comida casera tiene un lugar especial en la mesa y por supuesto en nuestro paladar. ¿Quién se puede resistir a un arroz rojo bien hecho, unos nopalitos en escabeche y unos frijoles negros bien chinitos? Para muchos afortunados esto puede ser cosa de todos los días. Ser un buen gourmand incluye disfrutar de comidas cotidianas. La Hostería Santo Domingo incluye una carta indispensable del buen arte culinario mexicano de casa con sazón de abuela.

Destaca por varios motivos, uno de ellos es su antigüedad: fue en 1860 cuando abrió sus puertas, así que imagina todo lo que se ha vivido dentro de este espacio gastronómico por siglo y medio; es un lugar propio de fiesta mexicana; es el restaurante más antiguo de la Ciudad de México, cuyo mito dice que, bien pasada la noche, uno de sus antiguos habitantes, un monje encapuchado, aparece deambulando en la entrada resguardando un tesoro colonial, ya que antes era el Convento de Santo Domingo de Guzmán.

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SAZÓN DESDE 1860

Se conoce como “La Catedral de los Chiles en Nogada”, pues a pesar de que éste es un platillo típicamente poblano con ingredientes de temporada (la granada y la nuez de Castilla), los capitalinos tenemos la ventaja de encontrarlo aquí todo el año, llueva o truene. La Hostería Santo Domingo se encarga de tener a la mano elementos y sazón para dicho platillo virreinal, hecho aquí toda una tradición.

Visita y degusta en este sitio lleno de historia y tradición gracias al trabajo de la familia Orozco, quienes lo mantienen vivo.

Disfruta de un delicioso guacamole acompañado de unas quesadillas, un rico empapelado relleno con queso y espinacas, los romeritos —que era el platillo preferido de Agustín Lara—, o bien, una rica sopa enfrijolada acompañada de una pechuga rellena con la cremosidad de la nata favorita del Dr. Atl.

Hostería Santo Domingo Belisario Domínguez # 72, junto a la Plaza de Santo Domingo.

Lunes a domingo, de 9:00 a 22:30 hrs.

Tel: 5510-1434 y 5526-5276

Muchas de las recetas que se profesan en la hostería han permanecido por años en el recetario familiar del mexicano.

El menú tiene al día alrededor de 70 platillos. De los postres tradicionales, están la calabaza en tacha, así como la crema atzimba, arroz con leche, chongos zamoranos o una crocante capirotada.

Envía un mail a promociones@pasodegato.com con tus datos y menciona cinco restaurantes de la Ciudad de México con más de cien años de antigüedad para obtener un regalo sorpresa.

CRÍTICA

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CRÍTICA Antros

En el Distrito Federal existen lugares muy bellos pero que pocos conocemos, sea porque están lejos de nuestros rumbos o porque se encuentran un poco escondidos en esta gran jungla de asfalto. Uno de ellos es el Centro de Tlalpan, un lugar impregnado de magia, historia y cultura.

Hace algunos ayeres era un pueblo aislado de la ciudad, utilizado por los hacendados como lugar de descanso y recreación. Poco a poco, con el paso del tiempo, fue integrándose a la Ciudad de México, pero lo más representativo de esta demarcación de la Ciudad de México es que conserva un ambiente totalmente pueblerino.

Si ustedes se paran frente a la delegación en el costado derecho, encontrarán una pequeña calle cerrada en la que descubrirán unas pequeñas escaleras, al subirlas encontrarán dos puertas que encierran mundos completamente distintos, en la del lado derecho se acoge el Jardín de San Agustín, cuyo eslogan es “Lo mejor de la trova contemporánea y canto nuevo”, y del lado izquierdo entrarán a un universo en el que el rock entra por tu gusto.

La TPK, la Típica, con diez años de historia y a pesar de estar a un costado de las oficinas de gobierno, jamás ha cerrado sus puertas al público. Es un lugar muy acorde arquitectónicamente hablando con todos los inmuebles de su alrededor, y un espacio no muy grande en el que caben aproximadamente 80 personas sentadas, por está razón, encontraremos al inconfundible cadenero con el que cuentan casi todos los antros y bares de nuestra metrópoli, pero si se toman cinco minutos y realizan su reservación no tendrán ningún problema para acceder al lugar. Este edificio es el único en sus alrededores que cuenta con tres arcos sin vidrios que le dan una peculiaridad entrañable que recuerda

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La TPK

TEXTOyFOTOSItzel Velázquez aquellas épocas en las que los grandes hacendados disfrutaban ahí de sus fines de semana, con una vista de toda la plaza principal de la delegación más extensa del Distrito Federal; sin embargo, al mismo tiempo sucede algo muy curioso, ya que es la explanada principal más pequeña de las 16 delegaciones. El espacio abierto es algo que todos agradecemos en esta temporada de calor, pero en el invierno te recomendamos que asistas a este lugar bastante abrigado si eres friolento.

La TPK es un restaurante bar que abre todos los días, pero sólo los viernes y sábados encontrarás, a partir de la 22:00 horas, a dos grupos de rock que tocan covers en inglés y en español. Bakteria es un grupo compuesto por tres chavos cuyo toquín rola hasta la media noche y después de ellos encontrarás a un grupo bastante alternativo que se autonombra Encrucijada. Julio, quien es el líder de este grupo, recurre a ciertas canciones del folclor ochentero, cuyos arreglos hacen pasar un rato agradable y divertido que a los treintañeros nos hace recordar nuestras raíces con un breve recorrido que va desde El sirenito (en un homenaje a Rigo Tovar), hasta Flans y la danza de los viejitos de Michoacán. Estas dos bandas son fundamentales para el éxito de este lugar. Las dos son bastante buenas, pero si quieren terminar de sorprenderse, de vez en cuando el dueño del lugar se echa un palomazo con ellas dándole al lugar un ambiente de confianza y camaradería.

Si al filo de la media noche sienten hambre podrán degustar una variedad de platillos basados en la típica comida mexicana, como gusanos de maguey, pancita, tostadas, etcétera. Sin embargo, la especialidad de la casa es el pozole, en el que los granos de maíz más grandes y blancos (cacahuazintle) al hervir se abren como flor y forman una espuma. Ésta es una forma prehispánica con la que acostumbran prepararlo los cocineros de lugar. Si van a ir a este lugar, preparen $120 pesos, que es el consumo mínimo.

TPK, la Típica Plaza de la Constitución # 9, Col. Tlalpan Centro Lunes a domingos de 12:00 a 02:00 hrs.

Consumo mínimo: $120 Reservaciones: 5513-4445

PasodeGato: Boletín Mensual de Teatro y la TPK regalarán una jarra de cerveza a cada grupo de diez personas que se presente con esta nota.

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