58 Boletin Mensual de Teatro

boletín mensual de teatro

Libros Música Danza Restaurantes Museos Televisión Antros

año 5 número 58 Agosto 2010

Distribución gratuita de 60 000 ejemplares

boletín mensual de teatro

Libros Música Danza Restaurantes Museos Televisión Antros

año 4 número 58 Agosto 2010

Directorio

Jaime Chabaud y José Sefami Hugo Abraham Wirth* boletin@pasodegato.com Leticia García Urriza y Abe Román Galdi Yunuen González y José Bernechea diseno2@pasodegato.com Mariana Tejeda María de la Paz Zamora y Verónica Cruz Zamora David Alvarado, Sergio Sánchez y Daniel Castanedo Pilar García Lovera publicidad@pasodegato.com ventaspdg@gmail.com

Índice

Dirección Edición Corrección Diseño gráfico

Difusión Asistencia general Distribución Comercialización y MKT

PASODEGATO® es un boletín de artes escénicas editado por PASODEGATO® Ediciones y Producciones Escénicas, con un tiraje inicial de 60,000 ejemplares.

Editor responsable: Jaime Chabaud. Núm. de Certificado de Reserva al Título ante la Secretaría de Educación Pública: 04-2005-0530150-53700-106.

Núm. de Certificado de Licitud de Título: 13212.

Núm. de Certificado de Contenido: 10785.

Núm. de la Dirección General de Medios Impresos 005-151.

Prohibida su reproducción total o parcial.

Eleuterio Méndez 11, Col. Churubusco-Coyoacán, C.P. 04120, México, D.F. Tels.: (0155) 5688 9232, 5688 8756 y 5601 6147.

Impresión: Grupo Infagon, S.A. de C.V. Tels.: (0155) 5640 9266 christian@infagon.com.mx Los artículos publicados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la posición del boletín.

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Work in progress Crítica/Todos somos Roger Crítica/El espectáculo de la tortura Crítica/El Gesticulador De Estreno Cartelera Recomendación Música 6 Textoservidora Niños Entremés Miscelánea Museos Antros

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*Becario del programa Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

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WORK IN PROGRESS Esta es la historia de la guerra sucia en México, del 68 y del 71, pero sobre todo es la historia de Margarita Urias, la mamá de la actriz Luisa Pardo quien fue maestra, idealista y guerrillera.

Todo empieza con un morral y los tres integrantes de Lagartijas Tiradas al Sol: Francisco, Gabino y Luisa hablando al público, son ellos mismos, sin personaje, sin nada más que su morral y el secreto que esconde. Francisco saca un papel, es un permiso para portar armas que obtuvieron él y Gabino tras hacer un curso de escolta. Luisa no pudo tomar el curso por ser mujer, pero es ella quien saca del morral la pistola que portan legalmente. El juego de la guerra apenas empieza y no han decidido cómo va a terminar, porque no han resuelto si la lucha armada es el mejor modo de lograr un cambio en el país y aunque por el momento ensayan con una pistola amarilla de juguete, esta primera escena es absolutamente prometedora.

Entrar al mundo de las Lagartijas Tiradas al Sol, es como entrar en el tronco donde vivían los niños perdidos de Peter Pan. Antes de empezar el ensayo hacen correcciones sobre el texto, hablan entre ellos y casi puedo jurar que los oigo decir algo como: “Sale, que yo te disparaba y que tu te morías”.

Estos actores son generacionalmente posmodernos, saben valerse de todos los recursos a su alcance para lograr que La rebeldía se expanda como napalm.

La rebeldía La Rebeldía Dramaturgia y dirección: Luisa Pardo y Gabino Rodríguez Con: Francisco Barreiro, Luisa Pardo y Gabino Rodríguez.

Se presenta a partir del 2 de septiembre en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz del Centro Cultural Universitario.

Jueves y viernes, 20:00 hrs.

Sábados, 19:00 hrs.

Domingos, 18:00 hrs.

REGALO

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Tenemos TRES pases dobles para el 9 de septiembre.

Escribe a: promociones@pasodegato.com y proporciona tu nombre, y un número telefónico para comunicarnos contigo en caso A AD TR de resultar ganador.

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En el escenario hay una pantalla donde se proyectan fotos de los protagonistas como en un álbum familiar, entrevistas ficcionadas y escenas sobre maquetas, que para una parte del público suceden en vivo y para otros en circuito cerrado. Además, La rebeldía es un tríptico, el pasado está representado por un blog donde han escrito los resultados de su investigación, el presente es la obra sobre el escenario y el futuro, un libro con reflexiones sobre la disidencia de la nueva generación.

Es inevitable pensar que los guerrilleros de quienes hablan, tenían la misma edad que tienen ellos ahora, ellos que no conocen la cárcel y andan en bicicleta, libres, por la calle. Desde su realidad tan distinta, generan un cuestionamiento: ¿eran en verdad los jóvenes guerrilleros tan conscientes de su entorno social o eran inocentes por creer que un montón de armas podía hacer la diferencia? Esta dualidad queda plasmada en escena, mientras el video muestra la entrada de Lucio Cabañas a Acapulco —una cosa muy seria—, los tres en silencio bailan la coreografía de No culpes a la noche de Luis Miguel.

La rebeldía tiene un gancho emotivo muy fuerte: la historia de Luisa y de su madre. Pero también tiene un problema grande, la dificultad para hacer dramáticos los datos históricos. Sólo en el teatro sabremos quién ganó esa guerra.

Lagartijas jugando a la guerra

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TEXTOMARIANA TEJEDA FOTOCortesía de Lagartijas tiraradas al sol

CRÍTICA

¿Quién diablos es Roger?

Lo invito a que cierre los ojos e imagine la arena de un circo. Tenga muy presente que todo lo que ocurra dentro de ese círculo es potencialmente extraordinario y lo anodino puede tornarse mágico. Ahora, y sólo con el afán de proseguir con nuestro ejercicio, le pido que piense en un payaso, ya sea que se incline por la exploración más concurrida en América, donde el clown decantó en una forma chusca y fársica, espejo en el que el espectador puede apreciar el exceso o el vicio y reír de él; o bien, la aproximación europea, donde la figura del payaso se ve matizada por la complejidad de la melancolía, la inteligencia y la astucia.

Una vez que tenga la imagen clara, voy a pedirle que la despoje de todo artificio, de todo aquello que no es sustancial para que lo fantástico ocurra, porque el circo contemporáneo busca que el ser humano sea la medida de todas las cosas; el hombre y su cuerpo; el hombre, su experiencia vital y lo que puede hacer con ella. Pero no se deje engañar. El riesgo persiste. No importa que no haya leones, elefantes, aros en llamas, no importa que el artista no se encuentre en el centro de la arena, al contrario. Es sólo cuando se resta la espectacularidad que lo eminentemente humano cobra su real dimensión y peso en el espacio. Frente a usted hay un hombre y el hombre es frágil en tanto transita por la línea casi invisible de la razón y la locura.

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TEXTOLucía Leonor Enríquez FOTOSMOZKOGRAFÍA

Este universo “incoherentemente elocuente” es donde cobra vida el espectáculo dirigido por Juan Ramírez y Andrea Peláez, donde las técnicas de clown, mima corporal, malabares, música y video se conjugan, para explorar lo insondable de la mente, el corazón y la genialidad, y si Todos somos Roger, todos somos ése que ha cruzado la línea, ése que habita en otro plano de la realidad y ya se sabe que aquel que ha sido tocado por la locura entiende como nadie la vulnerabilidad y la soledad, pues posee una visión del mundo que nadie más comparte.

Lo invito ahora a imaginar una cama y cuatro lunáticos una hora antes de dormir; o quizá es una cama, uno dividido en cuatro y un estado de duermevela; usted decide. Lo cierto es que si se permite acudir a formar parte de esta experiencia tendrá la grata, y rara, oportunidad de presenciar un trabajo coherente y atractivo en su propuesta, con momentos muy logrados, e incluso conmovedores. En este sentido cabe subrayar el trabajo entrañable de Ramón Solano, quien sin duda condensa en su actuación la aspiración del circo contemporáneo de ser poesía en movimiento y mostrar a través de la fragilidad del actor y su disposición al riesgo, los distintos matices del mundo sentimental del ser humano.

Ahora bien, pienso en la economía de los recursos y lo que se precisa para contar una historia y detonar determinada experiencia, para que el artilugio y la disciplina sean más que ornamento, signos significativos. Esto viene a colación por algunas proyecciones innecesarias, juegos de luz que no suman y algunos despliegues de malabar que no hacen sino llenar minutos y si bien sostengo que la apuesta es tremendamente afortunada en la claridad y aparente sencillez argumental, carece de la contundencia de una línea dramática sólida, que justamente le permitiría sondear la oscuridad y la luz en el periplo del loco.

Con todo, y entre tanta apuesta vacua, vale la pena tomarse el tiempo y descubrir qué tanto somos Roger.

Todos somos Roger.

Dirección: Andrea Peláez y Juan Ramírez.

Con: Leonardo Constantini, Ramón Solano, Nicolás Ormazábal y Sergio Langarica.

Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico.

Revolución # 1500, Col. Guadalupe Inn. Martes, 20:30 hrs.

CRÍTICA

EL ESPECTÁCULO DE LA TORTURA Más allá de los logros y alcances de una puesta en escena, nunca viene mal detenerse a observar los componentes de la misma y valorarlos a partir de su propio universo; a partir de su propia poética, diría Jorge Dubatti. Al reflexionar en torno de El espectáculo de la tortura, que se presenta los miércoles en el Centro Cultural de la Diversidad, queda claro el universo con el cual se hace la traducción tempoespacial; es decir, se decide romper el marco circunstancial de A puerta cerrada y se convierte en una dinámica de programa de televisión, en la puesta en escena dirigida por Alfonso Pinkus.

Sin embargo, los

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TEXTOLuis Santillán FOTORoberto espinoza El espectáculo de la tortura.

Basada en A puerta cerrada, De: Jean–Paul Sartre.

Dirección: Alfonso Pinkus.

Con: Iván Domínguez–Azdar, Joel Manzano, Irazú Díaz y Beatriz Álamo.

Centro Cultural de la Diversidad.

Colima # 267, casi esquina con Insurgentes.

Col. Roma.

Miércoles, 20:30 hrs.

Localidad: $100

elementos que la componen no se equilibran, ni los estilos de actuación. Hay irrupciones en la escena que provienen desde el campo de observación que poco estimulan la situación de encierro. El juego de proyectar momentos de programas reales de televisión no se desarrolla como lenguaje y más allá de estimular el “chiste” se desperdicia la calidad del trabajo de Miguel Villa, quien está a cargo del diseño de visuales. Beatriz Álamo y Joel Manzano construyen sus personajes y ejecutan los matices de los personajes dentro de una tesitura muy distinta a lo que hace Irazú Díaz; no está unificada la carga ni el grado de expresión del cuerpo actoral, da la impresión de que no hay un ojo crítico que los regule y coordine, de tal suerte que la debilidad actoral más que responsabilidad de ellos es un problema de dirección. Da la impresión de que los elementos que componen la puesta en escena sólo están apuntados y algunos no son ni siquiera adornos acertados, no queda del todo claro dónde está la apuesta del proyecto porque hacer A puerta cerrada en el formato en que se presenta no propone gran cosa; una vez que todo ha terminado queda la pregunta: ¿qué es el infierno hoy? Porque no se ve nada de eso en El espectáculo de la tortura y ante esa carencia, Sartre no puede ser traducido, sin embargo, existen las condicionantes para que el Los aplausos en esta ocasión son para proyecto revalore aciertos y desequilibrios y logre el Centro Cultural de la Diversidad que sigue mucho más de lo alcanzado hasta el momento. abriendo sus puertas a proyectos que requieren del contacto con el espectador para poder crecer.

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CRÍTICA En este año de revisiones históricas nacionales se abre un nuevo espacio para las artes escénicas, el Foro Cultural Chapultepec, iniciativa de El Banco de México, con una pieza clave de la dramaturgia mexicana: El Gesticulador, de Rodolfo Usigli.

El Consejo Asesor de este proyecto ha escogido con pertinencia esta obra que hace más de setenta años resultó una explosión crítica en contra de las mentiras nacionales y la simulación que nos han hecho instaurar gobernantes e inventar caudillos farsantes, y que aún en nuestros días de llamadas transiciones políticas resulta de una vigencia vergonzosa.

La obra de Usigli, con un ejemplar manejo de la ironía, nos presenta a un frustrado profesor universitario, César Rubio, al que la fortuna sube a su rueda para convertirlo en gobernador de su estado natal cuando es confundido con un gran caudillo de la Revolución. La ironía de la simulación, de la mentira política y de la manipulación de farsantes, se convierten en verdades de Estado y mitos políticos en un escenario de gobernantes que nada pide al entretenimiento teatral.

El gesticulador

El poder mata el valor del hombre TEXTOSIVÁN OLIVARES FOTOÓscar Ponce

Bien dice Usigli: “el poder mata el valor del hombre”, y es que ante él y la corrupción que sostiene nuestras instituciones y conciencias, cualquier frustración encuentra su momento de gloria.

Antonio Crestani dirige el regreso de El Gesticulador al escenario. Una puesta en escena que cuida el texto, pero que inicia y termina sin la brillantez de la parte central en la que sobresalen los tres politiquillos que llevan al poder al falso César Rubio, actuados por Jorge Ávalos, Irineo Álvarez y Fernando Banda. Verosímiles en todo momento dan vida a las mejores escenas en la obra.

Juan Ferrara encarna un César Rubio que se vuelve más convincente conforme avanza la obra. Verónica Langer y Damayanti Quintanar representan a las dos mujeres incondicionales de ese hombre del que son esposa e hija. La primera actriz convence y la segunda ofrece una actuación jovial y espontánea. Por su parte, José María Mantilla encarna la rebeldía de Miguel contra la falsedad de su padre.

Julián Pastor, como Bolton, y Joaquín Garrido, como Navarro, son potentes en

sus interpretaciones del gringo que cree haber encontrado al legendario César Rubio y del general opositor de Rubio al poder.

El vestuario de Lissete Barrios transporta a ese norte ricachón y presuntuoso que prospera en los años treinta, mientras la escenofonía de Rodolfo Sánchez Alvarado y la iluminación de Agustín Casillas colorean con música de banda, gritos del pueblo, sesiones de partido y la claridad apabullante del desierto, los matices de una mentira que se vuelve nacional.

Débil la carencia de personalidad en el diseño del espacio. No refleja ni el abandono de la casa después de años ni la prosperidad económica que va ganando el gran simulador, jefe de esta familia tocado por la fortuna.

Un nuevo espacio teatral con una programación de apertura dirigida a la reposición de clásicos dramaturgos mexicanos en un año de celebraciones nacionalistas, en el que la crítica deberá ser un ejercicio constante de valoración del país. Un Gesticulador que corroe por su vergonzante trama que es el pan nuestro de cada día en las altas esferas del poder.

El Gesticulador De: Rodolfo Usigli.

Dirección: Antonio Crestani.

Con: Juan Ferrara, Joaquín Garrido, Verónica Langer, Julián Pastor, Jorge Ávalos, Irineo Álvarez, Damayanti Quintanar, José María Mantilla, Fernando Banda.

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Foro Cultural Chapultepec.

Mariano Escobedo # 665, casi esquina Reforma.

Viernes, 20:30; sábados, 18:00 y 20:30; domingos 13:00 y 17:30 hrs.

Localidades: $350, $300, $250 y $150

Si estรก sobre el escenario, estรก enโ ฆ Cartelera nacional de artes escรฉnicas Si eres creadorโ ฆ Ya no hay pretexto, difundir tu espectรกculo ahora es muy fรกcil ยกY Gratis!

Si eres espectadorโ ฆ En donde quiera que estรฉs, encuentra algo interesante que ver ยกentra ya!

Centro Cultural de la Diversidad Colima #267, Col. Roma www.DIVERSIDAD.m x

โ ข CAFETERร A โ ข TERRAZA โ ข FORO โ ข GALERร A โ ข BIBLIOTECA โ ข

De Gerardo Mancebo del Castillo Direcciรณn Arturo Quiroz

Direcciรณn Alfonso Pinkus

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LA NOCHE QUE EL TOPO GRITร LUNA DE ALEIX AGUILร

www.pasodegato.com De Hugo Hiriart Direcciรณn Ivรกn Domรญnguez-Azdar

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Vacas Gordas De Estela Golovchenko Direcciรณn Leny Gruber #

Direcciรณn Javier Centeno #

e d n a Gr tu mejor opciรณn al menor precio

a la mexicana...

De Carlos Armando

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No soy el querido amigo de nadie

Direcciรณn Amalia Rangel

De estreno

Batracio una obra a toda larva

textoMauricio Eugenio Galaz FOTOcortesía de Mauricio Eugenio Galaz Hace poco más de cinco años comencé a vislumbrar las posibilidades —y los costos— del teatro físico. Con Richard Viqueira ensayamos una obra durante un año y siete meses; después vino otra, que trabajamos once.

Luego decidí que quería hacer mi propia obra de teatro físico, porque me sentía con la confianza de hacerlo y los treinta se aproximaban. Uno de mis entrenadores para Vencer al Sensei, Enrique Alguibay, había seguido buscándome desde entonces, con ganas de crear un proyecto juntos.

Cuando escribí Batracio, inmediatamente lo llamé y le compartí mis inquietudes: le dibujé la estructura tubular que pensaba mandar a hacer y le mostré videos de lo que ciertos acróbatas podían hacer en una estructura similar.

Él disponía de muy poco tiempo por lo que le ofrecí un solo papel, pequeño, pero clave, que aparecía hacia el final del texto original. Luego llamé a los demás: junté ocho jóvenes actores, tres mujeres y cinco hombres. Al final, uno solo de estos nueve permaneció. Sin falsa modestia puedo decir que muy pocos actores en México podrían resistir la carga física que implicaba el montaje y sobre todo lo único que en realidad me preocupaba, era no estrenar.

Lo de los anfibios lo traigo desde quinto de primaria, cuando me tocó hacer una exposición en la clase de oratoria y yo escogí hablar de esa clase de vertebrados. Me llamaba la atención que, dentro de las cinco clases de vertebrados, de los que menos dibujitos y menos información había en los libros, era justamente de los batracios. De hecho, los batracios son pequeños; no alcanzan las dimensiones que pueden alcanzar los peces, las aves, los mamíferos y los reptiles.

Son extraños y muchas veces resultan hasta repugnantes a la vista. Pero encierran, en su naturaleza, la clave de la evolución, del paso del agua a la tierra. Aunque hay una que otra especie que no atraviesa la metamorfosis y permanece toda su vida en fase larvaria. Y una de estas especies, que se niega a mutar, es justamente endémica de la zona lacustre del valle de México: el ajolote.

Qué curioso, ¿no?

La creación de Batracio consistió en unir estos dos intereses —teatro físico y drama biológico— y sobrevivir a las múltiples transformaciones por las que atravesó el texto, motivadas por la deserción de los actores durante el proceso.

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Producir, escribir, dirigir y actuar tu propio proyecto es como empujar un tráiler sin gasolina por la Rumorosa de Mexicali hacia Tijuana, o sea, de subidita y con bastante riesgo de despeñarte. Llegar es satisfactorio, sí, una vez que logras darte cuenta de que ya has llegado. Estuve cansado en los procesos con Viqueira, pero ahora comienzo a comprenderlo. Ser actor en este tipo de obras es mucho menos chamba que hacer todo lo demás. No obstante, sé lo que es hacer este teatro, que función con función te va consumiendo, te duele, te entume, te lastima las articulaciones, te da miedo… Hoy valoro más que nadie a los actores que compartieron mi sueño y le apostaron a algo que yo mismo dudé que podía llegar a ser.

La metamorfosis es un proceso que desgasta, que consume a los anfibios a tal grado, que una vez consumada, un acto tan natural como llevarse algo a la boca, les puede costar la vida. Ahora, cada función, consistirá en lo mismo: en creer que podemos hacerlo y, en otras palabras, alcanzar la metamorfosis.

Sé parte de la familia

Intégrate a nuestro equipo de voceadores

Batracio Autor y director: Mauricio E. Galaz Con: Ricardo de los Cobos, Enrique Alguibay y Mauricio E. Galaz.

Foro Shakespeare.

Zamora # 7, Col. Condesa.

Martes, 20:30 hrs.

REGALO

Tenemos cinco pases dobles para cualquier función del mes de agosto.

Escribe a: promociones@pasodegato.com y proporciona tu nombre, y un número telefónico para comunicarnos contigo en caso de resultar ganador.

Eleuterio Méndez 11, Col. Churubusco-Coyoacán, C.P. 04120, México, D.F. Tels.: (0155) 5688 9232, 5688 8756 y 5601 6147 de lunes a viernes de 10 a 16 hrs.

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CRÍTICA Recomendación

La Compañía Tapioca Inn ha trabajado con los textos de Wajdi Mouawad (Líbano, 1968) desde hace 7 años, al haber montado textos como: Pacamambo, Cuchillo, Willy Protágoras encerrado en el baño, LiTORAL e Incendios (primera y segunda parte, respectivamente de la tetralogía La Sangre de las Promesas). Además de haber realizado la traducción de otras obras como: Sedientos, Bosques, Las manos de Eduviges al momento de nacer y Cielos.

Como compañía, han considerado importante trabajar y difundir la obra de Mouawad por la precisión que tiene para indagar en las heridas y dudas de las mujeres y hombres contemporáneos, además de lo fundamental que resulta su permanente invitación a revisar nuestra memoria y hacerla resonar en el presente. Esto, aunado a la belleza de sus historias que confían de manera contundente en todas las posibilidades y capacidades del teatro para penetrar en la conciencia del espectador y los artistas. La obra

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Incendios

de Mouawad, llena de poder, de cuestionamientos, de sed de búsqueda y de rabia por la verdad, aparece en el mundo en el momento preciso, cuando las esperanzas estaban empezando a derrotarse, cuando la memoria estaba siendo sepultada bajo los pesados cimientos de la inmediatez… y aparece bajo la maravillosa forma del teatro, ese festín efímero que nos permite encontrarnos de frente, vivos, rabiosos y vulnerables.

En este sentido, Incendios es una obra que plantea al hombre contemporáneo como un ser a la deriva del destino, que necesita volver la mirada para indagar en su sangre, para emprender una búsqueda que sólo saciará su sed con la verdad, como si penetrar las tinieblas de su existencia fuera necesario para seguir vivo, aún con el riesgo de perder la piel y la razón.

Esta historia nos obliga a prenderle fuego a esa casa que somos, a esa casa habitada por un inquilino del que no sabemos

TEXTO Redacción PdeG FOTOS Roberto Blenda

nada, con el único fin de reconstruirnos desde la devastación y desde los restos del incendio.

Incendios es la segunda parte de una odisea emprendida alrededor de la cuestión de las promesas: promesa cumplida, promesa sin cumplir, la promesa anunciada, promesa renunciada, traicionada, o cumplida y después olvidada y vuelta a cumplir, abandonada, rechazada, renegada, burlada, después llorada. La promesa y su necesidad. Como un error o como una alegría, como una condena o como una victoria.

Promesa como una guerra librada contra el sentido que nos descuartiza, contra el vacío que nos ahoga.

En Incendios, Julia y Simón, hermanos gemelos, asisten a la lectura del testamento de su madre, quien había permanecido en silencio durante los últimos cinco años de su vida. Ahí se enteran de su última voluntad: deben de entregar dos cartas. Una a su padre, que ellos pensaban que estaba muerto, y otra a su hermano, que ni siquie-

CRÍTICA

ra sabían que existía. Es así cómo los gemelos emprenden una odisea que los llevará a cruzar el mundo entero, llevándolos del presente al pasado y de la violencia del mundo al incendio del alma.

Partiendo del mito de Edipo y llevándolo a los campos de batalla en Medio Oriente, Wajdi Mouawad elabora una tragedia contemporánea, generando un texto incendiario, que nos deja completamente vulnerables a nosotros mismos, a nuestra memoria, a nuestros miedos, a nuestras dudas y certezas, pero con la posibilidad de esperanza como último acto de justicia y redención.

Incendios, de Wajdi Mouawad. Dir. Hugo Arrevillaga. Con Karina Gidi, Concepción Márquez, Pedro Mira, Rebeca Trejo, Alejandra Chacón, Jorge León, Guillermo Villegas y Javier Oliván.

Temporada 2010:

Teatro Benito Juárez Villalongín # 15. Col. Cuauhtémoc.

A un costado del monumento a la Madre.

Tel. 55 92 73 89 Funciones: agosto 25 septiembre 1, 8, 15, 22 y 29 octubre 6 y 27 noviembre 3 Miércoles, 20 hrs.

Duración 2 horas 30 minutos

INCENDIOS es una producción de la Secretaría de Cultura del Gobierno del Distrito Federal a través del Sistema de Teatros y Tapioca Inn

Teatro El Granero Reforma y Campo Marte s/n (Metro Auditorio).

Funciones: julio 30 y 31 agosto 5, 6, 7, 8, 13, 14, 15, 19, 20, 21 y 22 Jueves y viernes, 20 hrs. sábados 19 hrs. / domingos 18 hrs.

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MÚSICA

El mestizaje novohispano de Horacio Franco TEXTOReyna Domínguez FOTOCortesía de Horacio Franco

En el marco de los festejos del Bicentenario de la Independencia de nuestro país, el destacado y reconocido flautista a nivel mundial, Horacio Franco, presenta su nuevo disco: Mestizajes Novohispanos, con el que nos acerca a una reflexión sobre lo que significa el Bicentenario, la importancia de la aportación de México a la cultura universal y de cómo hubiera sido la música virreinal si la Inquisición no hubiera existido.

Una aclaración importante, que nos hizo el virtuoso Horacio Franco, es que: “el repertorio de 1810 y 1910 con el que puedo contribuir no tiene nada que ver con México, ya que existen cosas interesantes únicamente para piano y voz. Por ello, Mestizajes Novohispanos abarcará obras del siglo xvi, como las folías y las danzas cantadas en el Nuevo Mundo conocidas como chaconas y sarabandas, que en su momento fueron prohibidas por la Inquisición por lo subido de tono de los textos en los que se basaban.”

“Las chaconas y las sarabandas —agrega Franco—, son heredadas de la Nueva España; aunque no es música que se escriba aquí, se lleva a través de España y es asimilada por la cultura europea; de manera que compositores italianos, franceses y alemanes dan vida a las sarabandas, chaconas y folías. Es sumamente interesante saber que esas obras tienen su origen en la Nueva España y que a pesar de que no hubo música escrita, su aportación en el mundo musical es mucha; por ejemplo, los fandangos, simbiosis de la música de España y de la Nueva España, sobrevivieron de manera clandestina y dieron origen a lo que hoy conocemos como son huasteco y son jarocho.”

Hace doce años, para dar lugar a espectáculos poco conocidos en México que no tenían cabida en ningún foro tradicional, fue creado el Festival Música y Escena.

Música y Escena logró conformar programas multimedia sumamente interesantes, donde la frontera entre las disciplinas desaparece al hacer de la música, la iluminación, el teatro, la danza y las nuevas tecnologías una sola representación artística; desde las tendencias clásicas hasta las vanguardistas, logrando con ello un gran impacto y aceptación en el público.

En 2002, cuatro años después del nacimiento de Música y Escena, la Dirección de

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Música de la unam se sumó al esfuerzo coproduciendo el festival y ofreciendo alguna de las salas del Centro Cultural Universitario para las presentaciones; de igual manera, el Centro Nacional de las Artes se sumó a este esfuerzo un par de años después.

Si bien el Festival Música y Escena se planteó para acercar al público los grandes espectáculos musicales, también lo hizo para estimular la música escénica, estrenar anualmente una obra mexicana y proporcionar apoyo a los talentos nacionales; su relevancia también se remonta a que abrió las puertas a un gran número de jóvenes directores de escena para que pudieran tener contacto con la músi-

ca, estimulando así la creación y producción multidisciplinaria.

Ofrecer un amplio programa, para hacerlo un verdadero festival, ha sido una de las características de Música y Escena; sin embargo, este año y debido a las celebraciones del Bicentenario de nuestra Independencia y del Centenario de nuestra Revolución su programa ha sido reducido, por lo que de los cinco espectáculos que pretendían realizar, sólo habrá uno: El Viento entre las cañas.

Espectáculo de teatro musical concebido por el gran acordeonista francés Pascal Contet, en colaboración con el maestro del sheng Wu Wei; acompañados por Carol Robinson en los

Música

REGALO PasodeGato: Boletín Mensual de Teatro y Horacio Franco regalarán un pase doble a las tres primeras personas que manden un correo a la dirección electrónica: promociones@pasodegato.com “Por lo que respecta a 1910 ­—afirma Horacio Franco—, había un movimiento musical muy fuerte y académico; ya existía el Conservatorio Nacional de Música, pero no hay nada de ese tiempo que pueda interpretar, porque no soy pianista ni cantante de ópera y no me dedico a los movimientos musicales que se cultivaban en México en esa época. El hecho de que en la época virreinal o en el México barroco no hubiera nada de repertorio instrumental es una gran contradicción, porque si ves los cuadros de esa época, puedes darte cuenta que siempre hay muchos instrumentos en las pinturas, por ejemplo, en la obra de Villalpando se ven órganos, flautas, guitarras, pero resulta que ninguno de los grandes maestros de capilla, todos aquellos que hasta hoy se han investigado, ninguno compuso producción importante para instrumentos solistas.”

En las presentaciones del 12 y 13 de agosto, Horacio Franco estará acompañado por Santiago Álvarez en el clavecín, quien interpretará chaconas francesas; así como por Asaf Kolerstein en el violoncello, quien tocará dos sarabandas de Bach.

Horacio Franco Presentación de su nuevo disco Mestizajes Novohispanos Jueves 12 y viernes 13 de agosto, 20:30 hrs.

Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, Donceles # 36, Centro.

Boletos en la taquilla del Teatro: 55 21 50 83 y en el sistema Ticketmaster. $350, $270, $200 y $100 Descuentos a estudiantes, maestros e inapam.

Festival y Escena 2010

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clarinetes, Tom Mays en el procesamiento electrónico y visual, Christina Clar en el sonido y Xavier Lazarini en el concepto de iluminación. En El Viento entre las cañas interactúan sonido, luz y movimiento. Convergencia de música, instrumentos, músicos y vanguardias.

Festival Música y Escena 2010 Sala Miguel Covarrubias, Centro Cultural Universitario Insurgentes sur # 3000, Ciudad Universitaria.

Sábado 21, 19:00; domingo 22 de agosto, 18:00 hrs.

Teléfono de taquilla: 56 65 68 25. Boletos a la venta dos semanas antes del concierto.

REGALO

PasodeGato: Boletín Mensual de Teatro y Festival Música y Escena 2010 regalarán pases dobles para la presentación de El viento entre las cañas. Entra a www.pasodegato.com y entérate cómo puedes ganar.

INBA

TEXTOSERVIDORA

Expedición al fondo de una oreja Primer acto: un hombre ha perdido a su hijo de cuatro años y está a punto de ser abandonado por su esposa. Segundo acto: este mismo hombre, obsesionado con otro al que le dio amnesia tras haber matado en un accidente a su mujer e hijo, es enviado como periodista a Oreja de Perro, zona de la sierra peruana, arrasada por la violencia veinte años atrás. Ahí, una comisión a favor de los derechos humanos, encabezada por el presidente en turno, lanzará un programa de asistencia social. Tercer acto: el país entero exige que se recuerden los crímenes ocurridos a raíz del gobierno de Alberto Fujimori. ¿Cómo se llamó la obra? Un lugar llamado Oreja de Perro. El autor es Iván Thays (Lima, 1968).

El poblado de nombre singular, efectivamente, existe. Incluso el mapa de Ayacucho tiene forma de perro y ahí, en la oreja derecha, está el distrito de Chungui.

Cuenta Thays en uno de sus blogs (el más famoso es Moleskine Literario), que quiso convertir dicha zona en un territorio novelístico cuando supo la traducción de su nombre al español. Antes de leer la novela, yo no conocía nada sobre la geografía de Perú y el mote me pareció una invención genial.

Sin embargo, el Oreja de Perro de Thays no es sólo aquel erigido en lo más alto de las montañas y cuyos visitantes padecen el temido soroche o mal de altura. Tampoco es únicamente ése que han registrado los diarios locales a través de testimonios como este: “Mi nombre es Jorge Luis Aramburú Correa, soy biólogo de profesión y tengo treinta y tres años. A mi padre lo mataron con silenciadores, pero yo no voy a guardar silencio”. También es donde se entrecruzan una cholita embarazada de un militar, una antropóloga que fantasea con corresponsales de guerra, un periodista con el corazón roto

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TEXTODiana Gutiérrez*

venido a menos y un viejo fotógrafo mitómano. Es el Oreja de Perro de las pasiones humanas.

El autor nunca ha visitado el pueblo en el que se desarrolla la trama de la novela, pero no importa. Thays no es un narrador topográfico: “Los espacios físicos son estados mentales, objetos de los que nos apropiamos queriéndolo o sin querer”, ha dicho. No hay que sorprenderse entonces con la nota aclaratoria que aparece en las primeras páginas del libro, algo así como el consabido dicho: “Cualquier parecido con la realidad es mera coincidencia”.

La historia se desarrolla en cuarenta y ocho horas, mientras que los pobladores del caserío, militares y periodistas aguardan la llegada del presidente Alejandro Toledo. La atmósfera es verdosa, con perros amarillos de dientes quebrados que corren de allá para acá, idénticos al de la portada, un óleo de la pintora peruana Luz Letts.

Los personajes se debaten entre el recuerdo que permite la redención y el olvido que inmoviliza. En México y Guatemala, pero también en Pakistán y la India, se cree que cuando alguien estornuda es porque un ser querido se está acordando de él. No sé si esto viene a cuento, pero me gustó para introducir la idea de que para nuestro autor la memoria es una forma de ficción.

El protagonista, como cierto personaje de Raymond Carver, debe escribir una carta a su esposa. Thays, a su vez, se vale de este pretexto para introducir reflexiones sobre el ejercicio literario: el súbito horror ante la hoja en blanco, la contundencia de la primera frase, el acomodo lógico de las ideas, los lugares comunes, la corrección.

La novela, fuera del drama que retrata, ha tenido un final feliz: fue finalista del Premio Herralde de Novela en 2008. Lo cual significa, de algún modo, que se produjo un empate con la ganadora en las votaciones. Nada más y nada menos que Casi nunca de Daniel Sada.

Una victoria, pues. * Becaria del programa Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes

¿Y LOS NIÑOS, QUÉ?

Palomitas en acción Mamá: ¿Por qué hacen pop las palomitas de maíz cuando las cocinas?, ¿por qué también hacen crunch en mi boca?, ¿te he dicho alguna vez lo mucho que me gusta comer palomitas contigo? Es divertido cuando hacemos concursos para ver quién hace más ruido. En el cine no me encanta, el crunch me distrae y, al final, la película no me interesa tanto como escuchar una y otra vez cómo crujen.

Hoy me contaron de unas nuevas palomitas, mamá. Se llaman Pop Korn, me gustan porque viven dentro de un cine, no se comen, pero son igual de disfrutables.

Ellas quieren saltar a la fama y divulgar por el mundo mensajes optimistas para nosotros, los niños mexicanos. ¿Te explico cómo? Pop Korn es una campaña en pro de la infancia, donde hay muchas palomitas de diferentes sabores y cada una tiene su personalidad.

A través de ellas se quieren promover los valores de la amistad, el respeto y la tolerancia.

Es como en mi salón de clases: todos somos diferentes y si nos ves de lejos parecería que cada quién tiene un sabor distinto. Lo estuve pensando un buen rato y las palomitas de Pop Korn tienen mucho que ver con mis compañeros; seguro tú también los identificarás.

Como siempre, hay alguien cursi en el grupo. En este caso es una palomita que se llama “Acaramelada” y es la más dulce por excelencia. Es muy bue-

TEXTORosario Buendía FOTOSCortesía Papalote, Museo del Niño

na dando consejos a sus amigos y cree rotundamente en el amor. También, encontrarás a “Enchilada”, la más irreverente, ruda y rockera del grupo. “Incompleta” tiene un pedazo de maíz en lugar de un pie, es luchadora y le encanta enfrentar sus propios retos y constantemente repite que no hay discapacidades para el alma.

La palomita más divertida me recuerda a mí, pues es toda una diva, “vip”, amante del séptimo arte. Algún día ésta será famosa y conquistará Hollywood.

Incluso, hay una palomita que me recuerda a mis tías —no te vayas a enojar—, se llama “Salada”; dicen que es la más supersticiosa y que, un día, a la hora de ser cocinada la bañaron de sal, por eso ella cree que tiene mala suerte y todo el tiempo se cuida de pasar la sal. Además, ahora

hasta se esconde de los gatos negros y de pasar por debajo de las escaleras. ¿Ya viste? Entre ellas son distintas, pero en esencia son lo mismo: palomitas. Así como nosotros en la casa, en la escuela y en la calle. Lo que aprendo con éstas es que, en el fondo, somos distintos, pero integramos una sola composición que se conforma con la mezcla de tantos gustos y sabores, pero seguimos siendo una misma sociedad y convivimos en la misma nación. Tienes que ver esta campaña mamá, podemos aprender muchas cosas juntas. ¿Dónde está Pop Korn?

Esta campaña está próxima a lanzar su portal en Internet, en el cual podrán interactuar de manera directa, los niños y los papás. Además, se planea el lanzamiento de un cómic donde se promoverán los valores como la igualdad, el respeto, el amor, la amistad, la fraternidad y la comprensión; mientras puedes seguirlos en twitter: http//twitter.com/popkorny2010

REGALO

PasodeGato, Boletín mensual de teatro y Pop Korn regalan cinco portarretratos a las primeras cinco personas que escriban a: promociones@pasodegato.com

ENTREMÉS

Tonbo

Novedades de verano TEXTORaquel del Castillo FOTOSCortesía de Tonbo rakel_pazthel@hotmail.com

Si ponemos en la mesa sabores mexicanos como el cilantro o el frijol con maíz, de la mano con toques orientales picositos y agridulces, resulta una fusión interesante que como propuesta Tonbo tiene para ti en el corazón de la “Condechi”, ideal para cerrar la noche con los cuates después de ir al teatro.

Lo que antes era Hip Kitchen en el Hippodrome Hotel se renueva en este concepto, dentro de un ambiente y diseño oriental (aunque también el menú incluye platillos estadounidenses). Las ideas de la carta fueron creadas por el chef ejecutivo Rodrigo Carrasco, en conjunto con el chef de cocina Iraq Roaro.

Los edamames como snack resultan muy buenos en compañía de un mezcalito; sazonados con proscuitto, kanikama y camarón, te tendrán entretenido mientras llega tu plato fuerte. Si van varias personas y tienen ganas de picar, pidan los nachos con pato Pekín, compuestos por el famoso pato a las cinco especies, frijoles refritos con un sabor muy agradable de jengibre y ajonjolí; son una delicia.

El tataki de atún también es otra excelente opción. El lomito de atún está previamente envuelto en una costra de atún con una cama de fideos de arroz.

La ensalada Marco Polo es memorable: una explosión de sabores que van de la naranja al curry, con cacahuates tostados, coco y pollo empanizado en panko.

Otros platillos que hacen singular a Tonbo son el open face de costillitas jugositas y súper suaves con sabor a teriyaki, café y

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miel. O bien, el robalito glaseado de soya si cenas de forma ligera.

Los postres de Tonbo no se quedan atrás. El Volcano Tonbo es una monstruosidad en tamaño, además imagina un rico y chocolatoso brownie con helado de vainilla; es tan grande que sin problemas lo puedes compartir hasta con cuatro personas. Si prefieres algo menos pesado, la pannacotta de té chai es una delicia para terminar bien la noche.

Y no todo termina aquí, hay variedad de sushi y de bebidas. Hay una carta exclusiva de martinis y tragos coquetos en donde se combinan tequila, sake, mezcal o vodka con frutas. Te recomendamos un clásico de la casa: el mojitonbo y como parte de su barra el lychee martini.

Tonbo Abierto de lunes a domingo, ubicado a unos pasos del Parque México. Avenida México # 188, Col. Hipódromo Condesa.

Teléfono para reservaciones: 5212-2110.

Especial Sugerencia de cava del mes: Una novedad que llega en agosto es la venta del Vino “S” de la zona del Priorato (al norte de España). Es totalmente artesanal y fuera de todo químico en su proceso, siendo así toda una artesanía. Bien vale la pena para una ocasión especial o alguna fiesta. Lo puedes encontrar en departamentos de prestigio. Contiene una variedad de Carinyena, Garnatxa, Merlot y un poco de Syrah.

REGALO Quiero Sushi a Domicilio te ofrece un 10% de descuento en sus trays de sushi para tus fiestas. Manda un mail a: quiero_sushi@hotmail.com para ordenar y no olvides mencionar que viste esta promoción en PasodeGato: Boletín Mensual de Teatro.

MISCELÁNEA

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Valiente KOKO Valiente lleva por título el primer álbum como solista de Koko, un joven músico, cantautor, productor, actor y director chileno que ha trabajado con diversos artistas del género pop, y que desde hace dos años radica en la Ciudad de México.

El músico agrega que a la hora de componer las letras vivió una especie de “desperjuicio”, y que en ellas toca de forma directa temas que no son comunes en la música pop. Comenta que hay una combinación de distintos estilos musicales con los cuales logró diversas atmósferas.

Cortesía Warner.

Destruktor SPACIA SPACIA es una banda de rock mexicana, con letras profundas, emotivas y llenas de actitud.

Cada canción nos transporta a un campo de fantasía. La ejecución musical es magnífica, compuestas de requintos delirantes y guitarrazos incandescentes. Si usted es amante del rock mexicano no debe dejar de escucharlos, SPACIA transmite todo tipo de emociones con su clásico rock pop psicodélico. Entre las mejores rolas del disco se encuentran: Por ti, Me Dejas caer y Viaje cósmico. Un muy buen disco que no debe pasar desapercibido.

Detalle del miedo Mikel Erentxun Un álbum que lleva acento inglés y un carácter íntimo. Grabación y mezclas en directo de Londres con la colaboración de Cameron Jenkins, durante la primera quincena de diciembre de 2009. Con su grupo Las malas influencias y Joserra Senperena.

Conformado por doce temas, con Ángela como primer single, las canciones desde su creación tienen la voluntad de ir un poco más allá. Desarrollos largos y tiempos sosegados, en los que la voz encuentra territorios distintos, más profundos; lugares donde reposa e intenta sugerir historias en vez de solamente contarlas. Su instrumentación clásica, sus arreglos de cuerda, metal y madera, hacen que el sonido sea cálido, directo y natural.

Detalle del miedo es definitivamente un álbum para ser descubierto poco a poco, sorbo a sorbo, de digestión lenta. Su nombre, más allá de ser el título de una de sus canciones, representa perfectamente la propia naturaleza del disco.

Cien por ciento recomendable.

Cortesía Warner.

Cortesía Iguana Records.

TEXTOYovan G. Uribe

Cortesía Monte Negro.

Cicatrix Monte Negro Este cuarteto de California está conquistando la escena del rock. Su música es una fusión de rock, reggae y new wave, y cantan en inglés y en español, complaciendo a todos los gustos. Cicatrix tiene en sus trece canciones esa creatividad ecléctica y bilingüe que los define al ser nacidos en Estados Unidos e interactuar con diferentes culturas.

“Me interesa lo alternativo, que no significa lo anglo, sino lo que uno trae de dos mundos”, compartió el cantante, quien es el autor de las letras que también cuentan con el fuego que cada uno aporta musicalmente. “Monte Negro juega con diferentes ritmos sin ser muy serio y cerebral y teniendo un sentido del humor en nuestras canciones y el cachondeo”, agregó.

Explora temas como la soledad, la guerra, el capitalismo y cómo se vive tan rápido. Otros de los temas en español de Cicatrix son: Amor finito, Arde el corazón, Lejos y Alma de mujer.

Un disco fresco que sin lugar a dudas lo transportará por los distintos sabores de la música.

REGALO PasodeGato: Boletín Mensual de Teatro tiene ejemplares de regalo de cada uno de estos discos. Envía un correo electrónico a promociones@pasodegato.com e indica qué disco te interesa.

MUSEO

Museo Tamayo Reinterpretando el pasado con miras al futuro

TEXTOEURÍDICE RAMÍREZ FOTOSCortesía del Museo Tamayo

Hace algunos meses el Museo Tamayo cerró sus puertas para dar pie a una restauración y regresar con nuevos bríos. En el mes de agosto presenta cinco exposiciones en su recinto, donde el tema principal en cada una de ellas es reinterpretar el pasado, para poder observar el futuro.

El primer proyecto curatorial que nos ofrecen es el ciclo Microhistorias y macromundos, que estará compuesto por muestras colectivas, las cuales explorarán de forma creativa las relaciones entre lo histórico y lo contemporáneo, así que se montarán exposiciones que muestren lo más representativo del arte contemporáneo mundial. El proyecto estará vigente del 2010 al 2012, y el tema para inaugurar el ciclo perteneciente a lo que resta de este año, será: El Siglo XIX y el progreso. A través de las obras expuestas observaremos cómo algunas utopías se ven derrumbadas y se reemplazan para crear respuestas más satisfactorias.

rales autosuficientes que basaban su organización en las ideas del filósofo socialista francés Charles Fourier) para tener como resultado no sólo imágenes históricas que nos aporten información de esa utopía, sino el replantearnos las repercusiones en los entornos que fueron habitados y las huellas que dejaron en los nuevos habitantes.

Del jardín secreto del sueño / From the Secret Garden of Sleep, es una exposición que forma parte del ciclo Microhistorias y macromundos donde el artista invitado es Joachim Koester (Dinamarca, 1962, radicado actualmente en Nueva York). La principal herramienta que utiliza para expresar sus ideas es la fotografía, pero también se auxilia de videos e instalaciones a partir de las cuales busca mostrar al espectador esos lugares que no son visibles para la historia oficial, aunque formaron parte importante de ella. Así recurre a lugares poco habituales que terminan por ser importantes. Koester completa su trabajo estético con las investigaciones que realiza sobre cada uno de estos lugares.

El Museo Tamayo cuenta con un acervo realmente rico y para esta reapertura el grupo curatorial del museo tiene claro lo que quieren hacer con este tesoro: “No se trata ya tan sólo de interpretar o estudiar la colección, sino de ponerla en movimiento y en relación con el espacio“. El movimiento comienza con la muestra Hacia la barriga de un pichón / Into the Belly of a Dove, donde los cuadros expuestos están dentro de algo parecido a un escenario.

Los curadores crearon una reproducción del museo dentro del museo: “Esta réplica instalada dentro del edificio original presentará una ficción dentro de otra“. Así que no sólo será interesante ver los cuadros expuestos, que son pinturas de distintos artistas internacionales, sino la propuesta museográfica en su conjunto.

Dentro del mismo ciclo de exposiciones, Adrià Julia (Barcelona, 1974, radicado en Los Ángeles) retoma como tema la utopía de los falansterios y crea Indicaciones para otro lugar, que es una serie de videos inspirados en comunidades que existieron en Brasil y Estados Unidos. Julia muestra las repercusiones que tuvieron estos lugares donde existieron los falansterios (comunidades ru-

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Por último, presentamos al colectivo Claire Fontaine (Fulvia Carnevale, Italia; James Thornill, Inglaterra; establecido en Francia y fundado en 2004) el cual parece tener como misión crear interrogantes más que respuestas, planteando el estado de crisis en que se encuentra la subjetividad del individuo y de la misma forma la del artista. Por esta razón veremos piezas que parecen carecer de toda lógica, pero que cumplen con el cometido en el espectador al crear dudas sobre su propio entorno.

La visita al Museo Tamayo se muestra en conjunto como una invitación a conocer propuestas actuales en el tema del arte. Es importante destacar la colaboración de curadores internacionales

que el museo invita a participar en sus exposiciones dando un sello de particularidad y originalidad a cada una de las muestras.

El mes de agosto está lleno de actividades paralelas a las exposiciones; se presentarán en el vestibulo del museo conciertos, conferencias y visitas guiadas que te harán disfrutar de una manera distinta tu visita.

Museo Rufino Tamayo Paseo de la Reforma y Gandhi s/n, Bosque de Chapultepec.

Martes a domingo, 10:00 a 18:00 hrs.

Entrada general: $15 Entrada gratuita a estudiantes, maestros con credencial vigente e inapam Domingos, entrada libre general.

REGALO PasodeGato: Boletín Mensual de Teatro y el Museo Tamayo regalan un pase doble para su Noche de jazz, el miércoles 18 de agosto de 2010, a los dos primeros lectores que escriban a: promociones@pasodegato.com

Antros

SOMA Bar Nuevo foro abierto a la cultura Texto y fotosItzel Velázquez

La cultura en estos tiempos de decadencia espiritual debe de convertirse en algo adictivo. De ahí que el SOMA haya adquirido su nombre, haciendo referencia a Un mundo feliz de Aldous Houxley, ya que todo el concepto del lugar se encuentra diseñado con base a esta novela. Los creadores del diseño realizaron una investigación para que todo el espacio concordara con el art déco, movimiento de corte popular cuyo auge se da en la década de los treinta, cuya influencia decorativa tuvo un alcance inimaginable entre la arquitectura, el diseño de interiores, gráfico e industrial, la moda, la pintura, el grabado, la escultura y la cinematografía.

Durante el proceso creativo de este nuevo foro cultural, sus precursores se encontraron con que SOMA, además de ser una droga, significa el cuerpo de una neurona; también es un juego manual y una planta medicinal en la India.

Lo divertido de este lugar es la diversidad cultural, ya que el cliente puede contar con una gran cantidad de propuestas

de obras pictóricas, exposiciones fotográficas y un sinfín de bandas con géneros muy variados. Entre los exponentes encontramos a Elan, Chiquita Violenta, Lucybell, El hijo de la cumbia, Karla Morrison, Colectivo Central del Pueblo, Los Neo, entre otros.

Como en un mismo lugar nada es igual, los jueves y viernes SOMA está abierto al publico desde las 16:00 hasta las 2:00 y los sábados desde las 20:00 hasta las 2:00 horas. Lo impresionante del lugar es que desde el acceso puedes encontrar sorpresas. No te voy a decir por qué, pero hay un elemento que permite crear el efecto de que se te cae el techo si observas hacia arriba en la entrada. En el ala izquierda del lugar puedes colocarte en medio de mesitas y taburetes muy originales y, si lo tuyo es estar al lado del escenario y muy cerca de la barra, podrás degustar tu bebida favorita muy cómodamente gracias a unas periqueras completamente ad hoc con la decoración del lugar.

Te aseguro que el SOMA literalmente se puede convertir en tu droga cultural con todos los eventos que tiene. Para que te enteres de los próximos eventos, puedes checar las tres principales redes sociales (facebook, myspace y twitter) a tavés de soma.foro.bar.

Luego puedes hacer tu reservación al teléfono 52645200, o directamente en el SOMA. SOMA Bar Álvaro Obregón # 228, Col. Roma Norte, casi esquina con Insurgentes.

REGALO A quien presente la revista y mencione dos de las bandas que se han presentado en el lugar se les regalará una cerveza o un mojito.

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