Civico 103 n. 15 by Galleria civica di Modena

n. 15 free magazine - Galleria civica di Modena

MONDOKANE Ogni immagine il racconto di una storia. È forse questa la caratteristica che colpisce di più nell’ammirare il lavoro di Art Kane a vent’anni dalla sua scomparsa in una retrospettiva mai presentata prima d’ora in Italia. Questo fotografo americano, che Guido Harari, uno dei curatori della mostra Art Kane. Visionary, definisce “il più punk dei fotografi contemporanei”, ha raccontato, con il suo stile inconfondibile, la moda, la contestazione, il razzismo, le ingiustizie, la guerra, i disequilibri della società del suo tempo e tanta, tanta musica, con i suoi protagonisti: dagli Who ai Rolling Stones, da Bob Dylan alle grandi stelle del jazz. Non è un caso quindi, che sia un party musicale, aperto a tutti, a dare il via il 25 giugno alla rassegna che ci accompagnerà tutta l’estate nella sede espositiva di Palazzo Santa Margherita, in corso Canalgrande 103 a Modena. Oltre a Guido Harari della Wall Of Sound

Every image tells a story. Perhaps this is the most striking characteristic that comes across as we admire the work of Art Kane, 20 years after his death, in a retrospective presented here for the first time in Italy. With his unmistakeable style, this American photographer, whom Guido Harari, one of the curators of the exhibition Art Kane. Visionary, defines as “the most punk of contemporary photographers,” told the stories of fashion, protest, racism, injustice, war, the imbalances of society of his day, not to mention lots and lots of music, with images featuring figures ranging from the Who to the Rolling Stones, and from Bob Dylan to the great stars of the jazz world. Thus it is no coincidence that on 25th June a music party, open to all, will mark the start of the show that will remain with us throughout the summer in the exhibition venue of Palazzo Santa Margherita, in Corso Canalgrande 103, 3

Gallery, la mostra è curata da Holly Anderson e Jonathan Kane dell’Art Kane Archive di New York, realizzata in collaborazione con Solares Fondazione delle Arti di Parma. Strettamente legato alla mostra è anche il racconto di Daniele Paletta, un autentico regalo, ispirato a un mondo e a un tempo che sa di vinile, con note che somigliano a un caleidoscopio vivace dove quella che si riflette è la sola, purissima, luce della narrazione. Il fumetto lo dobbiamo a un autore, Christian Cornia, che si è divertito con un’immagine-icona della storia del rock, scegliendone la versione integrale che dialoga anche dall’obiettivo, con lo sguardo di due bambini. In ottobre, poi, la Galleria civica interpreterà i temi dell’Expo di Milano con Daniel Spoerri, danzatore, attore, coreografo, artista, performer e infine funambolo della Eat Art, tema attorno al quale ruota la mostra organizzata in collaborazione con il m.a.x. museo di Chiasso, che sarà allestita nelle due sedi espositive di Palazzo Santa Margherita e della Palazzina Vigarani ai Giardini ducali. L’anticipazione che pubblichiamo dà anche conto dell’evento visibile a Chiasso fino al prossimo 30 agosto.

Modena. As well as Guido Harari of the Wall Of Sound Gallery, the exhibition is curated by Holly Anderson and Jonathan Kane of the Art Kane Archive in New York, in collaboration with Solares Fondazione delle Arti in Parma. In close connection with the exhibition, this issue also features a short story by Daniele Paletta, a homage inspired by a world and an era that still smells of vinyl, with notes forming a lively kaleidoscope in which the light reflected is nothing but the purest of illuminated narratives. The comic strip is the work of an artist, Christian Cornia, who has played around with an iconic image from the history of rock, choosing the complete version, which converses from the lens itself with the gaze of two children. What’s more, in October, the Galleria Civica will interpret the themes of the Expo in Milan with Daniel Spoerri, dancer, actor, choreographer, artist, performer and lastly funambulist of Eat Art, the theme around which the exhibition organised in collaboration with the m.a.x. museo of Chiasso revolves, to be staged in the two exhibition venues of Palazzo Santa Margherita and the Palazzina Vigarani in the Ducal Gardens. The preview published here reports on the event on display in Chiasso until the next 30th August.

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VIA LA MANO DALLA GOLA Daniele Paletta

Il giorno in cui mi è stato chiesto di scrivere questo racconto era uno di quelli fatti per la gioia. Uno di quelli in cui la primavera si scrolla di dosso ogni dubbio e si annuncia al mondo con un sole color zucca in mezzo al cielo blu. Il mio umore, invece, non avrebbe potuto essere più distante da quell’immagine di felicità oscena. Avevo ringraziato impaurito come ogni volta che mi propongono qualcosa che potrebbe piacermi sul serio, e avevo chiuso la conversazione lasciando una ditata grassa sullo schermo del telefono. A pochi passi da casa mia, Nina stava venendo al mondo. Ma che ne potevo sapere io, perso nel mio pozzo di nuvole? Erano giorni che stavo così, come se qualcuno si fosse preso l’impegno solenne di tenermi costantemente una mano alla gola per impedirmi di respirare. Quella zampa se ne stava premuta dove gli spigoli delle costole diventano all’improvviso un incavo morbido, un semicerchio dolce al centro di ogni simmetria, e non ne voleva sapere di allentare la presa. Ero furioso, questa era la verità. Furioso. Come osava, quel cielo? Voleva costringermi a sorridere. Mi aveva inseguito sulle scale di un palazzo, aveva bloccato ogni via di fuga. “Guardami”, comandava. “Guardami.” Mi ero divincolato con stizza, ma lui era stato più tenace. Messo all’angolo, non avevo potuto far altro che rannicchiarmi, l’erba che mi cresceva tra i piedi sul cemento, un pugno a sorreggere la testa, due lunette rosse sotto agli occhi, la rabbia sfinita di un nobile costretto a 7

prendere ordini. L’avevo guardato, quel cielo. E avevo dovuto concederglielo: era straordinario. Ma non mi sarebbe comunque servito a stare meglio. Una volta tanto, ero stato capace di una decisione coraggiosa, ma avevo imboccato la strada sbagliata. Non riuscivo a pensare ad altro. “Il primo che prova a consolarmi con una frasetta di circostanza, giuro che lo fulmino” ringhiavo ad alta voce, con la casa vuota che mi compativa. Poi, all’improvviso, era arrivato un messaggio. Una vibrazione appuntita che richiedeva attenzione immediata. “Nata Caterina alle 17.13”. E anche la mano aveva mollato la presa. Avevo finito per sceglierlo io, quel nome. “Caterina, detta Nina”, si era detto solo qualche giorno prima al tavolo di una pizzeria talmente piena di pianti di figli, urla di padri, rampogne di madri e ricatti emotivi di nonni da chiedersi se davvero fosse il caso di metterne al mondo altri, di bambini. “Caterina, detta Nina”, avevo detto di nuovo la sera prima al telefono, quando restavano solo due nomi in ballo e il parto era ormai questione di ore. E Caterina, detta Nina, alla fine era stato. “Questo significa che se da adolescente odierà il suo nome, almeno saprà con chi prendersela, giusto?”, avrei detto a Gigi quella sera, e lui, passando la spugna su un piatto in bilico sul lavello, avrebbe sorriso sollevando gli angoli della bocca, senza dire una parola. C’era il mio zampino anche la sera in cui i genitori di Nina si erano baciati per la prima volta. Si erano conosciuti tra i banchi di scuola e si erano ignorati con cordialità per i vent’anni successivi, ammirando a distanza una serie di fidanzate e fidanzati che arrivavano e scomparivano, case nuove che venivano arredate e svuotate, cene di classe a base di birra e sarcasmo. E poi, all’improvviso, un sabato sera di luglio si erano trovati davanti al palco di un concerto che avevo organizzato nel giardino botanico di Bologna. Io arrivavo da due giorni di fuoco: me ne stavo lì, instupidito di stanchezza, ad ammirare le luci che giocavano sulla villa del parco e le centinaia di idee che turbinavano tra i capelli rossi della pianista. Di pubblico ne era arrivato, e dal palco lei lo dominava: lo faceva ridere con piccole storie buffe e poi lo faceva cadere nella vertigine dei tasti, costringendolo ad annuire compiaciuto davanti all’ennesima piroetta della voce. Era andato tutto per il meglio: un saluto agli amici, e finalmente mi sarei potuto rannicchiare in un letto e dormire. I genitori di Nina, invece, erano rimasti. E, molte ore dopo, si erano baciati, circondati dai motorini all’ingresso del parco. Un risarcimento per un amore liceale in ritardo di vent’anni. Tempo pochi mesi, e sarebbe nato Giulio. 8

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Ricordo ancora la sera in cui andammo a conoscerlo, il nuovo arrivato. E lo ricordo perché feci una delle peggiori figure di merda della mia vita. I genitori aprirono la porta, sorrisero tra le occhiaie e ci portarono da lui. Era bellissimo: dormiva pacifico nonostante il ritmo forsennato dei respiri, aggrappandosi con una manina all’orlo della coperta. Il tempo di sussurrare il primo “Che meraviglia!”, e il mio sguardo aveva cominciato a vagare per la casa. Una casa che non avevo mai visto. Una casa piena di musica. Un contrabbasso faceva da guardia al salotto, circondato da una coorte di chitarre acustiche e da un avamposto di pedaliere; un Revox spuntava tra le cataste di bobine, in un caos analogico che dalla parete opposta un pianoforte verticale osservava con un certo distacco. E, tutt’intorno, vinili. Centinaia di vinili custoditi in mobili cavi, come se fossero ancora esposti in un negozio. Art Blakey. Miles Davis. Sonny Rollins. Dizzy Gillespie. Charles Mingus. E poi il beat, i cantautori, i mod, la psichedelia. Una collezione meravigliosa, che Suzanne Vega – la frangetta e i guanti neri nel violetto della copertina di “Solitude standing” – fissava dall’alto come un’icona benedicente. Mi ero perso a guardare tutto questo ben di Dio. Ignorando un bambino appena nato. Quando avevo alzato gli occhi, mi ero trovato addosso gli sguardi di tutti. Sorridevano come si sorride di un matto, di uno che ha dimenticato le buone maniere ma non per colpa sua. Non si sa comportare, ma non è cattivo. Non mi so comportare, è vero. Ma sapere che il piccolino sarebbe cresciuto in una casa piena di dischi mi aveva tranquillizzato. La madre non avrebbe imposto al compagno di liberarsi delle sue Martin del ’56 per fare spazio a una scarpiera. E il padre sarebbe stato capace di raccontargli le storie di almeno la metà di quei jazzisti che un giorno avevano invaso come una fiumana un marciapiede della 126esima Strada ad Harlem, o di fargli ascoltare quei quattro signori che dormivano avvolti dalla bandiera inglese ai piedi di un monumento, o di spiegargli perché un giorno un fotografo aveva fatto soffocare una colomba per poi immortalarla, esanime e sporca, su un letto nero di ghiaia. Sì, Giulio avrebbe avuto due ottimi genitori. E ora a Nina sarebbe toccata la stessa sorte. Ce n’era abbastanza per sorridere, anche in una giornata dal sole osceno come quella.

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GET THAT HAND OFF MY THROAT Daniele Paletta

The day I was asked to write this story was one of those made for joy. One of those in which spring shakes off all doubt, with a pumpkin-coloured sun beaming down from the middle of a blue sky. Instead, my mood couldn’t have been further from that obscene image of happiness. I had thanked my interlocutor timidly just like I do every time I’m offered something that might really interest me, and I had ended the call leaving a greasy fingerprint on the telephone screen. A stone’s throw from my house, Nina was coming into the world. But what could I know, lost as I was in my own well of clouds? I had been feeling like that for days, as if someone had been given the solemn duty of constantly holding a hand to my throat to prevent me from breathing. I could feel it right there, pressing into that point where the ridges of the collar bone suddenly give way to a soft cavity, a gentle semicircle sinking into the centre of the symmetry, and there was no talk of easing the grip. I was furious, that was the truth. Furious. How dared it, that sky? It wanted to force me to smile. It had followed me along the stairway of an apartment block, closing 13

every escape route. “Look at me,” it commanded. “Look at me.” I had peevishly wormed my way out of casting a glance, but it was more tenacious. Cornered, I had no other choice but to huddle over myself, the grass poking up between my feet on the concrete, head resting on fist, two red crescents below my eyes, the exhausted anger of a nobleman forced to take orders. And so I looked up at that sky. And I had to admit: it was truly magnificent. Nonetheless, it would have done nothing to make me feel any better. For once, I had been capable of making a brave decision, but I had taken a wrong turning. I could think of nothing else. “The first person who tries to console me with a vacuous cliché, I swear I will strike them down!” I growled out loud, the empty house pitying me. Then all of a sudden, a text message arrived. A concerted vibration demanding immediate attention. “Caterina, born at 5.13 pm”. And the hand loosened its grip. In the end, I had chosen that name myself. “Caterina, known as Nina,” we had said just a few days before at the table of a pizzeria so full of cries of children, shouts of fathers, moans of mothers and emotional blackmail of grandparents to make wonder whether it really was right to bring more children into the world. “Caterina, known as Nina,” I had said the evening before on the phone, when there were only two names left in the offing and the delivery was a matter of hours away. And so in the end, Caterina, known as Nina, it was. “This means that if she hates her name as a teenager, at least she’ll know who to take it out on, won’t she?”, I would have said to Gigi that evening, and he, wiping the sponge on a plate poised on the edge of the kitchen sink, would have smiled, lifting the corners of his mouth without saying a word. I also had a hand in the evening Nina’s parents kissed for the first time. They had met at school, and had politely ignored each other for the following twenty years, admiring from afar a series of girlfriends and boyfriends who came and went, new houses that were furnished and then emptied, class reunion dinners of beer and sarcasm. And then, suddenly, one Saturday evening in July they bumped into one another in front of the stage of a concert that I had organised in the botanical gardens of Bologna. I was there, numb with tiredness after two days of running around, gazing at the lights twinkling on the villa in the park and the hundreds of ideas swirling among the ginger hair of the pianist. There was a fairly sizeable audience, which she dominated from her seat on the stage: she would make them laugh 16

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with silly little stories and then drop them into the dizzy depths of the keyboard, forcing them to nod with pleasure before her umpteenth vocal pirouette. Everything had gone according to plan: a quick hi to some friends, and then I would at last be allowed to curl up in my bed and fall asleep. But Nina’s parents stayed there. And many hours later, they kissed in the midst of the scooters propped up around the park entrance. A payback for a high school romance twenty years in the coming. A few months later and Giulio was born. I still remember the evening when we went to see him, the new baby. And I remember it because I made about as big an idiot of myself as I ever have done. His parents opened the door, smiled from beneath the bags under their eyes and led us to him. He was beautiful: sleeping soundly despite the rapid rhythm of his breathing, one little hand grasping the edge of his cover. Just enough time for the first “Isn’t he gorgeous!” and my gaze had already started to wander around the house. A house that I had never seen before. A house full of music. A double bass stood guard outside the living room, surrounded by a plethora of acoustic guitars and an outpost of pedalboards; a Revox poked out from among the piles of spools in an analogical 17

maelstrom, observed by an upright piano from the opposite wall with a certain sense of detachment. And all around, vinyl. Hundreds of records housed in crates, as if they were still on display in a shop. Art Blakey. Miles Davis. Sonny Rollins. Dizzy Gillespie. Charles Mingus. And then the beat artists, the singer-songwriters, the mods, psychedelia. A wonderful collection, which Suzanne Vega – her little fringe and black gloves in the violet of the cover of ‘Solitude Standing’ – cast her gaze over from up high, like an icon of goodwill. I had got lost, just staring at that musical feast. Completely ignoring a newborn baby. When I turned my gaze, I found that everybody was looking at me. They were smiling like you smile at the mentally infirm, at someone who has done away with good manners although it’s not really his fault. He doesn’t know how to behave, but he means no harm. I don’t know how to behave, it’s true. But knowing that the little lad would grow up in a house full of records had put me at ease. His mother was not going to force her companion to get rid of his 1956 Martin guitars to make room for a shoe rack. And his father would be able to tell him the stories of at least half of those jazz musicians who one day had flooded a sidewalk on 126th Street in Harlem, or to play him the music of those four young men asleep, wrapped in a Union Jack at the foot of a monument, or to explain to him why one day a photographer had had a dove suffocated only to then immortalise it for posterity, dirty and lifeless on a bed of black gravel. Yes, Giulio would have two wonderful parents. And now Nina would have them too. That was enough for a smile, even on such an obscenely sunny day as that.

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foto: Nicola Caleffi

Daniele Paletta ha sempre pensato di aver bisogno solo di musica e di storie interessanti da raccontare. A volte crede ancora che sia così. Dopo una laurea con una tesi sul femminismo nel rock nordamericano degli anni Novanta, collabora con Alias de Il Manifesto e molte altre testate, prima di iniziare a lavorare come booking agent per diversi musicisti. Dopo pochi anni, torna a fare il giornalista e ne guadagna in salute. Vive a Bologna e scrive, scrive, scrive: tra gli scaffali delle librerie si trovano il suo Stelle deboli e altri due volumi da lui curati, Madonna liberaci da Putin! e I MEI vent’anni, tutti pubblicati da Vololibero. Sfoga la sua passione per la musica curando e conducendo Bequadro per Radio Città del Capo, raccontando l’arte figurativa attraverso i suoni.

Daniele Paletta always thought that he only needed music and interesting stories to tell. Sometimes he still thinks so. After graduating with a dissertation on feminism in North American rock in the 1990s, he collaborated with Alias in Il Manifesto and many other newspapers before starting work as a booking agent for various musicians. After a few years, he went back to being a journalist and his health consequentially improved. He lives in Bologna and writes, writes, writes: on the shelves of bookshops we may find his Stelle deboli and two other volumes edited by him, Madonna liberaci da Putin! and I MEI vent’anni, all published by Vololibero. He now channels his passion for music into curating and presenting Bequadro for Radio Città del Capo, recounting figurative art through sound.

p. 2 Tom Wolfe, 1981 p. 5 Songs of Freedom, 1965. «Look» p. 6 Bob Dylan, 1966. «McCalls» p. 9 The Doors, 1968. Editorial “The New Rock”, «Life» p. 10-11 Harlem 1958. «Esquire» p. 14-15 The Who, 1968 p. 17 Attori sul set del film Tempo di furore (Pete Kelly’s Blues) di Jack Webb, 1955 p. 20 Fashion editorial, 1970. «Harper’s Bazaar» p. 23 The Waters of Venice, 1969. «Look» p. 24-25 We the People, 1961. «Look» p. 27 Tamara, 1962. «Vogue America - The International Issue»

IL RITORNO DI ART KANE UN PROGETTO TUTTO ITALIANO THE RETURN OF ART KANE. AN ALL-ITALIAN PROJECT

Guido Harari

Avevo quindici anni. Giocavo fin da piccolo con la Zeiss Ikon di mio padre e chissà, forse sognavo già di posare il mio sguardo sulle icone della musica rock che ammiravo sulle copertine dei dischi e in rari libri e giornali che arrivavano dall’Inghilterra e dall’America. D’un tratto dalle pagine di riviste come «Photo» e «Popular Photography» mi colpì l’urlo di Art Kane. Un urlo di entusiastica, contagiosa vitalità. Le sue immagini strappavano la fotografia dalle gallerie per catapultarla nell’immaginario collettivo, tatuandovi la sua

I was fifteen years old. Since I was a child I had toyed around with my father’s Zeiss Ikon and, who knows, perhaps I was already dreaming of laying my eyes on the icons of rock music that I admired on record sleeves and in those rare books and magazines from England and America. All of a sudden, from the pages of magazines like «Photo» and «Popular Photography», I was struck by the cry of Art Kane. A cry of enthusiastic, intoxicating vitality. His images tore down photography from the galleries only to catapult it into the collective 21

personalissima visione della modernità. Visioni, le sue, che salivano dalla strada, a cominciare da quel marciapiede di Harlem calpestato dalle stelle del jazz. Sicuramente Kane, il più punk dei fotografi contemporanei, mise subito in chiaro la sua filosofia: “Mettete tutta la vostra vita nelle vostre fotografie, indipendentemente dai motivi per cui le scattate”. Pura manna per chi, come me, in quei primi anni Settanta, cercava di indovinare una passione, un destino, una vocazione. Lo sguardo di Kane e il suo pensiero sono entrati nel mio DNA negli anni di costruzione del mio percorso di fotografo e lì sono rimasti, sempre. Poi intorno al 2000 mi prese un’irresistibile frenesia. Cercai i famigliari di Kane su internet e chiesi ragione dell’inspiegabile lacuna di una vera, esaustiva monografia su di lui. Mi rispose cortese la scrittrice Holly Anderson, moglie del figlio di Art, il musicista Jonathan Kane. Mi spiegò che avevano declinato le offerte di diversi editori per pubblicazioni tematiche sul lavoro di Art: una sulla musica, una sulla moda, sui nudi e così via. Tuttavia l’eredità di Art Kane, a loro avviso, andava oltre ciascuna di quelle categorie e così stavano prendendo tempo in attesa di un volume che compiesse una ricognizione completa. Poi qualcosa ha cominciato a girare e la fortuna ha messo il turbo. Quando nel 2011 decisi di lanciare Wall Of Sound Gallery, una galleria dedicata alla fotografia e 22

imagination, branding his own highly personal view of modernity onto it in the process. His were visions that rose up from the street, starting from that Harlem sidewalk packed with all those jazz stars. Certainly Kane, the most punk of contemporary photographers, was quick to clarify his philosophy: “You put your life into your pictures, no matter what you’re doing it for”. But he was a godsend for those, like me, who in the early ‘70s, were trying to hit on a passion, a destiny, a vocation. Kane’s gaze and thought worked their way into my Dna at the time when I was starting out as a photographer, and there it stayed, forever. Then, around 2000, I was taken over by an unstoppable frenzy. I looked up Kane’s family members via their website and asked why there was such an inexplicable gap: there was no complete monograph of his work. I got a polite answer from writer Holly Anderson, the wife of Art’s son, musician Jonathan Kane, who explained how they had rejected offers from several publishers to do single subject collections of Art’s work: a music book, fashion book, nudes etc. but Art Kane’s legacy meant more than any of those categories to them so they were holding out for a comprehensive overview. Then something started turning, and serendipity added a little spin. When in 2011 I decided to launch my Wall Of Sound Gallery, a gallery dedicated to photography and musical / giugno 2015

all’immaginario della musica, volli subito rendere omaggio al mio maestro e ricontattai i Kane proponendo loro una mostra. A me premeva presentare non solo le icone della musica catturate da Kane – gli Who, i Rolling Stones, Bob Dylan, Janis Joplin, i Cream, Frank Zappa, i Jefferson Airplane – ma anche le immagini che avevano cambiato il corso della fotografia e della cultura popolare: We The People, With God on our Side, Songs of Freedom. Poiché Wall Of Sound si era nel frattempo strutturata anche per la stampa

imagery, I immediately decided to pay tribute to my maestro, and recontacted the Kanes, proposing an exhibition. I was keen to present not only the music icons captured by Kane – the Who, the Rolling Stones, Bob Dylan, Janis Joplin, Cream, Frank Zappa, Jefferson Airplane – but also the images that had changed the course of photography and popular culture, like We the People, With God on our Side and Songs of Freedom. Since in the meantime Wall Of Sound had been geared up for fine art printing, aiming among other things to recoup 23

fine art, ponendo tra le proprie finalità il recupero e il restauro di archivi dimenticati o sconosciuti, proposi a Holly di venire a trovarci in Italia, ad Alba, con alcune diapositive originali. Le avremmo scansionate, restaurate e stampate, alcune per la prima volta. Poter studiare da vicino gli originali di Kane, soprattutto i celebri “sandwiches” così com’erano stati messi a registro da lui stesso, e riportarli con un accurato restauro al meritato fulgore fu un’esperienza indescrivibile di scoperta e di apprendimento. Nel 2012 la mostra Art Kane. Pictures from a Visionary Photographer riscosse un grande successo e fu presentata in anteprima al MIA (Milan Image Art Fair) di Milano. Con una miracolosa reazione a catena, il ritorno di Kane era cominciato. Contattai subito Andrea Gambetta di Solares Fondazione delle Arti di Parma, proponendogli di produrre un upgrade della nostra mostra da portare nei musei di tutto il mondo. Tony Nourmand, della casa editrice londinese Reel Art Press, si vide offrire il progetto del libro di Kane alla Book Expo America di New York e coraggiosamente colse al volo l’occasione di essere il primo editore ad abbracciare la visione degli eredi su come avrebbe dovuto essere una monografia di Art Kane e l’impegno necessario a realizzarla. Nel frattempo Andrea ricevette l’entusiastica approvazione del progetto della mostra da Marco Pierini, all’epoca direttore della Galleria civica di Modena. 26

and restore forgotten and unknown archives, I suggested that Holly might like to come and visit us in Italy, in Alba, with some of Art’s original transparencies. We would then scan them, restore them and print them, some for the very first time. Being able to study Kane’s originals close up, especially his famous ‘sandwiches’ just as he himself had laid them out, and bring them back with careful restoration to their former glory was an indescribable experience of learning and discovery. In 2012 the exhibition Art Kane. Pictures from a Visionary Photographer was a great success and was previewed at the MIA (Milan Image Art Fair) in Milan. Thanks to a miraculous chain reaction, Kane’s return had begun. I immediately touched base with Andrea Gambetta of Solares Fondazione delle Arti in Parma, proposing an upgrade of our gallery show to present in museums throughout the world. Tony Nourmand, of London’s Reel Art Press publishing house, was offered the Kane book project at Book Expo America in New York City and bravely snapped up the chance as the first publisher to truly connect with the family’s vision of what an Art Kane monograph needed to be and with the commitment to get it done. Around the same time Andrea received the enthusiastic approval of the exhibition project from Marco Pierini, the then director of Galleria Civica di Modena. / giugno 2015

Il caso vuole (ma il caso non esiste e qui lo si vede bene) che proprio a Modena risieda Franco Fontana, fotografo di fama internazionale certo, ma anche amico fraterno di Art Kane, a cui non è parso vero che questa prima mostra mondiale sul grande visionario americano decollasse proprio nella sua città. Un’ultima magica coincidenza: Art Kane. Visionary si inaugura esattamente nel novantesimo anniversario della nascita di Kane e nel ventesimo della sua scomparsa. Mai tempismo fu migliore.

As chance would have it (but chance does not exist, as is clearly shown here) Modena is also home to Franco Fontana – the internationally renowned photographer who also happened to be a very close friend of Art Kane – who could hardly believe it when he was told that the first world show on the great American visionary would take off in his hometown. One last magical coincidence: Art Kane. Visionary will open exactly on the 90th anniversary of Kane’s birth and the 20th anniversary of his passing. Never has there been a better timing than this.

Art Kane. Visionary a cura di Holly Anderson Guido Harari e Jonathan Kane Galleria civica di Modena Palazzo Santa Margherita 25 giugno-20 settembre 2015 ingresso gratuito gio e ven 17.00-19.30 sab, dom e festivi 10.30-19.30 lun, mar e mer chiuso orari festivalfilosofia ven 18 settembre ore 9.00-23.0 sab 19 settembre ore 9.00-1.00 dom 20 settembre ore 9.00-21.00

ART KANE UN IMMAGINARIO SENZA CONFINI ART KANE. LIMITLESS IMAGERY

Daniele De Luigi

Il destino di Art Kane e della sua fama è piuttosto singolare nel panorama della fotografia americana e internazionale della seconda metà del Novecento. Nell’evocare oggi il suo nome, accade – e con immeritata frequenza – di imbattersi nello sguardo interlocutorio di chi dubita di averlo mai udito prima. Eppure, se proverete a mostrare alle stesse persone certe sue immagini, quegli sguardi si accenderanno, riconoscendo subito alcune celebri icone già viste pubblicate su giornali, riviste, o forse stampate in formato poster e appese alle pareti di qualche locale. Non occorrono ulteriori prove per dimostrare quanto le fotografie di Art Kane abbiano superato

The fate of Art Kane and his fame is a rather particular one when viewed against the panorama of American and international photography of the second half of the 20th century. When uttering his name today, we happen – undeservedly often – to be met by the puzzled gaze of those who doubt they have ever heard of him before. And yet, if you try showing those same people certain images of his, their faces will light up, immediately recognising a number of well-known icons seen before in newspapers, magazines, or perhaps blown up to poster size on the wall of some venue. Suffice to demonstrate just how much Art Kane’s photographs have overtaken 31

la popolarità del loro autore, diventando parte di un immaginario popolare legato soprattutto al mondo della musica pop, rock e jazz (etichetta questa che gli va senz’altro stretta), ma anche alla moda e ai temi sociali e politici che hanno infiammato la coscienza civile degli Stati Uniti intorno agli anni Sessanta. Kane è stato un mito nei decenni Settanta e Ottanta per moltissimi fotografi, anche di qua dall’Oceano, che ne ammiravano l’approccio libero e visionario all’image making e all’uso della fotocamera: valga per tutte la testimonianza di Franco Fontana, che ne sarebbe divenuto con gli anni grande amico, raccolta per l’occasione in una videointervista da Guido Harari, fotografo anch’egli, formatosi proprio sulle immagini di Kane e oggi tra gli artefici dell’appassionata operazione di recupero del suo archivio che ha reso possibile questa mostra. Un approccio perseguito senza compromessi, proprio come la sua vita, e che probabilmente è all’origine della sua alterna fortuna, a dispetto del carattere per certi versi pionieristico del suo lavoro e del fatto che le sue fotografie sono apparse su un’infinità di riviste senza essere mai state raccolte in un libro, almeno fino a sei mesi fa. [...] Ad Art Kane non interessava seguire altro che non fossero le sue idee e il suo lavoro, infondendovi la propria passione e i propri principi. “Non sono capace di scattare in modo realistico. Ho bisogno di mezzi che permettano di allontanar32

the popularity of their creator, having become part of a sphere of popular imagery linked most of all to the world of pop, rock and jazz music (a label which he perhaps does not identify with entirely), but also to fashion and the social and political themes that enflamed the civil conscience of the USA throughout the 1960s. Kane was also a legend of the 1970s and ‘80s thanks to a great number of photographs, on this side of the Ocean as well, where his free and visionary approach to image-making and his use of the camera itself were looked upon with admiration. Over the years, Kane was to become great friends with Franco Fontana, whose testimony sums it up, as may be seen in the interview – filmed especially for the occasion – with Guido Harari. A photographer himself, Harari trained in the shadow of Kane’s images, and today is one of the driving forces behind that painstaking reconstruction of his archive which has made this exhibition possible. An approach pursued uncompromisingly, just like Kane’s own life, and which is probably at the basis of his alternating fortunes, despite the many pioneering aspects of his work, and the fact that his photographs have appeared in countless magazines without ever having been brought together in a book, at least until six months ago. [...] Art Kane was not interested in following anything but his own ideas and work, instilling them with his own passion and / giugno 2015

Rio de Janeiro, 1976 p. 28 The Rolling Stones, 1966. «McCalls» p. 30 Aretha Franklin, 1967. «Esquire»

si da quella che consideriamo la visione normale”. Le sue fotografie non ricalcano mai il posarsi dello sguardo sul mondo, ma mirano a coniugare stupore e immediatezza. Le innovazioni tecniche, dagli obiettivi grandangolari alle pellicole a colori, si rivelavano ottimi alleati che non esitava a sfruttare sperimentandone ogni effetto. Nel campo della moda, inventò inquadrature che avevano l’arditezza delle avanguardie; per alcuni potevano apparire sgradevoli e poco eleganti, ma si sarebbero rivelate anticipatrici. […] Riuscì ad eccellere nel genere del ritratto, mettendo in campo 36

principles. “I can’t shoot realistically. I need devices to break away from what we think is normal vision.” His photographs never mimic the way the gaze settles on the world, but aim to marry amazement and immediacy. Technical innovations, from wide-angle lenses to colour film, turned out to be his faithful allies, and ones which he never hesitated to exploit, experimenting with every effect they had to offer. In the field of fashion, he invented framings which had all the daringness of the avant-garde; indeed, some considered them unpleasant and lacking in elegance, yet these shots / giugno 2015

quelle doti segrete che vanno oltre il bagaglio tecnico del fotografo: la capacità di entrare in sintonia con il soggetto, creatore dell’immagine al pari del ritrattista, e di interpretarne la duplice anima di individuo e di personaggio. [...] C’è chi sostiene che Art Kane non avesse un suo stile, ma non è esatto: la verità è che non inseguì mai la riconoscibilità, la definizione di uno stile come “marchio di fabbrica”, che è tutt’altra cosa. Uno sguardo retrospettivo permette di cogliere con chiarezza la coerenza della sua visione e della sua idea di fotografia come forma espressiva capace di essere liberata da qualunque recinto. Estratto dal testo pubblicato sul catalogo “Art Kane. Visionary”, Wall Of Sound Gallery, Alba (CN) 2015

were to prove themselves forerunners of what was to come. [...] Managing to excel in the portraiture genre, deploying those secret skills that go well beyond the technical knowledge of the photographer, his skill lay in getting onto his subject’s wavelength (and as such, a creator of images as much as a portraitist) and interpreting the two-faced soul of the individual and the figure. [...] There are those who claim that Art Kane had no style of his own, but this is not accurate: the truth is rather that he never sought recognisability, the definition of a style as a ‘factory brand’, which is something else entirely. A retrospective gaze allows us to clearly grasp the coherence of his vision and of his idea of photography as an expressive form that did not need to be pigeonholed as such. Extracts from the text featured in the catalogue “Art Kane. Visionary”, Wall Of Sound Gallery, Alba (CN) 2015

p. 34-35 Sonny & Cher, 1966. «McCalls» p. 36 Fashion editorial, New York City, 1962. «Vogue America»

FILM E VIDEO IN MOSTRA FILM AND VIDEO ON SHOW

Al lavoro di Art Kane si accompagnano voci e immagini che fanno il punto, ciascuna a modo suo, su una filosofia di vita e professionale restituita al pubblico anche attraverso un percorso audiovideo. Una videotestimonianza di Franco Fontana registrata per l’occasione: dalle serate in Velosolex a New York verso lo Studio 54 ai numerosi incontri, in America e in Italia, per mostre, workshop ed eventi, un ricordo di un’amicizia che Fontana ha definito una “fratellanza di colore”. Un’intervista televisiva di Pete Turner ad Art Kane, tradotta e sottotitolata, offre la possibilità di approfondire la poetica del fotografo, che descrive, in prima persona, il suo lavoro. 38

The work of Art Kane is accompanied by voices and images that each shed light on a philosophy of life and of his profession, rendered partly through the audio-video itinerary. A video testimony by Franco Fontana recorded especially for the occasion: from his evenings on his Velosolex around New York making his way towards Studio 54 to the numerous other chances to meet, both in America and Italy for exhibitions, workshops and events, the memory of a friendship that Fontana defined as a ‘brotherhood of colour’. A rare television interview by Pete Turner to Art Kane, here translated and subtitled, offers the chance to investigate the poetics of the photographer, describing his work here first hand. / giugno 2015

Infine A Great Day in Harlem, film documentario del 1994 in cui decine di leggende del jazz ricordano la fotografia di Kane che li radunò una domenica del 1958 creando l’icona più celebre del periodo d’oro di questo genere musicale. Prodotto da Jean Bach, co-produzione Matthew Seig, editor Susan Peehl, voce narrante Quincy Jones, il film ha ricevuto una nomination all’Oscar nel 1995.

Finally A Great Day in Harlem, a documentary film shot in 1994 in which tens of jazz legends remember the photograph by Kane that brought them together one Sunday in 1958 creating the most well-known icon of the golden age of this genre. Produced by Jean Bach, co-produced by Matthew Seig, editor Susan Peehl, narrative voice Quincy Jones,the documentary film received an Oscar nomination in 1995.

Fashion editorial, 1977. «New York Times Sunday Magazine»

APERIKANE COCKTAIL PARTY E JAM SESSION PER ART KANE Giovedì 25 giugno 2015 a partire dalle 19.00, grande evento inaugurale grazie alla collaborazione con Off Modena e Associazione culturale Stòff. A Palazzo Santa Margherita, in corso Canalgrande 103, si esibirà la band Cocco & Pip Carter Lighter Maker per un live tutto dedicato ai gruppi e ai temi musicali che ritornano in molte delle opere esposte, dai Rolling Stones a Bob Dylan, ai Doors, a Janis Joplin, ai Jefferson Airplane, e ancora Frank Zappa, i Cream, Sonny & Cher, Aretha Franklin, Louis Armstrong, Lester Young, fino agli Who. La musica accompagnerà i visitatori che potranno godere anche di uno spazio cocktail sempre a cura dell’Associazione Culturale Stòff. I Pip Carter Lighter Maker, affiancati da Davide “Cocco” 40

On Thursday 25th June 2015 from 7pm onwards, a great exhibition opening event will be staged, thanks to the collaboration with ‘Off Modena’ and the ‘Stòff’ cultural association. At Palazzo Santa Margherita, in Corso Canalgrande 103, the band Cocco & Pip Carter Lighter Maker will perform a live show entirely dedicated to the groups and musical themes that emerge from many of the works on show, from the Rolling Stones to Bob Dylan, the Doors, Janis Joplin, Jefferson Airplane, as well as Frank Zappa, the Cream, Sonny & Cher, Aretha Franklin, Louis Armstrong, Lester Young, right up to the Who. Music will thus accompany the visitors, who will also be able to make use of the cocktail space, again offered by the Stòff Association. The Pip Carter Lighter Maker, fea/ giugno 2015

Cocconcelli, già leader degli Smokers e La Lama, traggono ispirazione fra gli altri dai Kinks, dai Pink Floyd e da tutta la Swinging London della metà degli anni Sessanta. Spalla di gruppi come Marlene Kuntz, Rooney, Giovanardi dei La Crus in Italia, e band affermata nel panorama underground italiano, il gruppo vanta numerosi album, tour e di recente ha firmato un contratto con l’etichetta Hey Man Records e con La Barberia Records. Beat rock psichedelico a cavallo tra L.A. e la Swinging London.

turing Davide “Cocco” Cocconcelli, lead singer of the Smokers and La Lama, draw inspiration from the Kinks, Pink Floyd among others, and all of Swinging London from the mid-60s onwards. Having supported groups such as Marlene Kuntz, Rooney, Giovanardi of La Crus in Italy, and a well-established band in the Italian underground panorama, the group has numerous albums to its name, tours, and recently signed a contract with the Hey Man Records label and with La Barberia Records. Psychedelic beat rock, midway between L.A. and Swinging London.

Art Kane alla batteria di Keith Moon, 1968 p. 42-43 Janis Joplin, 1968. Editorial “The New Rock”, «Life»

DANIEL SPOERRI EAT ART IN TRANSFORMATION “Vedete, i nostri due istinti più importanti sono nutrirsi e riprodursi – disse nel 1970 Daniel Spoerri durante un banchetto – ma sull’argomento del sesso sono già tanti quelli che vogliono dire la loro. A me interessa piuttosto – e si tratta in effetti del mio problema più intimo – la questione di come si sopravviva; e cioè anzitutto se si debba sopravvivere, e da quali punti di vista. [...] Il tema che chiamiamo un po’ pacchianamente Eat Art è così ampio da comprendere la decadenza, ma anche l’atto creativo del rinascere. E fare della vita un’opera d’arte mi sembra un modo delizioso per impiegare il proprio tempo”.

“You see, our two foremost instincts are feeding and reproducing – Daniel Spoerri said in 1970 during a banquet – but on the topic of sex there are already so many people who wish to make their voices heard. Instead – and this is actually my most intimate problem – I am interested in the issue of how we survive; i.e. first of all whether we have to survive, and from what points of view. [...] The theme that we somewhat tackily call Eat Art is broad enough to encompass both decadence and also the creative act of rebirth. And making an artwork out of life itself appears to me to be the most delicious way to employ one’s time.”

Queste parole dell’artista svizzero Daniel Spoerri (1930) sono un’introduzione perfetta alla mostra Daniel Spoerri. Eat Art in transformation che aprirà a Palazzo Santa Margherita e alla Palazzina dei Giardini di Modena il prossimo 10 ottobre (inau-

These words spoken by the Swiss artist Daniel Spoerri (1930) constitute the perfect introduction to the exhibition Daniel Spoerri. Eat Art in transformation which will open in Palazzo Santa Margherita and in the Palazzina dei Giardini,

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gurazione alle ore 18.00), dopo la prima tappa al m.a.x. museo di Chiasso in Svizzera, dove resterà aperta fino al 30 agosto 2015. A cura di Susanne Bieri, Antonio d’Avossa, Nicoletta Ossanna Cavadini, la mostra, realizzata e coprodotta dalla Galleria civica di Modena e dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Modena con il m.a.x. museo di Chiasso, resterà aperta fino al prossimo 31 gennaio. Daniel Spoerri, nato come danzatore e coreografo nella Berna degli anni Cinquanta, divenuto inventore di un nuovo linguaggio artistico, autore di ricette e menù, anima di ristoranti, e perfino, attore, attraverso la sua poetica ha messo in discussione conformismo, luoghi comuni, certezze. Un maestro che ha trasformato il nutrimento in un interlocutore privilegiato, in un vero e proprio trait d’union tra arte e vita. Nel percorso espositivo opere che vanno da un primo periodo di sperimentazione legato alla rivista “Material” (1955-1961), ai multipli cinetici, ai celebri tableaux-pièges, “quadri trappola”, composizioni casuali di residui di cibo e stoviglie usate, intrappolati nella resina e disposti in verticale, come quadri, oggi in collezione nei più prestigiosi musei di tutto il mondo – fino alla scultura e a importanti documenti d’archivio. Focus, naturalmente, sull’epocale attrazione dell’uomo nei confronti del cibo. In mostra anche le ricette d’artista, appunti e i menù del Restaurant Spoerri di Düsseldorf (1968) fino al Bistrot di Santa Marta realizzato per la Fondazio-

Modena, on 10th October (inauguration at 6pm), after completing its first stage at the m.a.x. museo in Chiasso, Switzerland, open until 30th August 2015. Curated by Susanne Bieri, Antonio d’Avossa and Nicoletta Ossanna Cavadini, staged and co-produced by the Galleria Civica di Modena and the Fondazione Cassa di Risparmio di Modena together with the m.a.x. museo of Chiasso, the exhibition will remain open until the next 31st January. Daniel Spoerri, who started out as a dancer and choreographer in 1950s Berne, went on to become the inventor of a new artistic language, a concocter of recipes and menus, the life and soul of restaurants and even an actor. Through his poetics, he questioned all forms of conformism, clichés and certainties. A maestro who turned nourishment into his key interlocutor, thus creating an outright trait d’union between art and life. The exhibition itinerary features works ranging from his early experimental period linked to the magazine ‘Material’ (1955-1961), to his kinetic multiples, and his famous tableaux-pièges, ‘snare pictures’, casual compositions of food leftovers and used dishes, trapped in resin and displayed vertically, like paintings – today to be found in some of the most prestigious collections in the world – right up to sculpture and precious archive documents. Naturally, the focus remains on man’s age-old attraction towards food. The exhibition also features the artist’s 47

Tableau-piège. Sevilla Series n. 11, 1991 © Land Niederösterreich, Landessammlungen Niederösterreich p. 45 Daniel Spoerri presenta Eat Art: Richard Lindner, Der blaue Busenengel, Eat Art Gallery, Düsseldorf, 1970 Biblioteca nazionale svizzera, Gabinetto delle stampe: Archivio Daniel Spoerri, Berna p. 46 Guerriero della notte, 1983 collezione privata, Modena p. 47-48 Table Ben, 1990 collezione privata, Modena

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ne Mudima di Milano (2014). Un’intera sezione sarà dedicata alla grafica: presenti fogli, elaborati, manifesti, annunci. Lettere e documenti saranno invece testimoni dei rapporti di Spoerri con gli artisti contemporanei, tra i quali, Jean Tinguely, Marcel Duchamp, Man Ray, Meret Oppenheim, Ben Vautier. Le opere provengono dalla collezione dell’artista, dalla Biblioteca nazionale svizzera di Berna che custodisce l’archivio di Spoerri e da importanti gallerie e collezionisti europei. A Modena la mostra si arricchisce di una sezione che attinge alle collezioni del tessuto regionale con pezzi per lo più inediti messi a disposizione da generosi collezionisti. Non manca nulla in questo originale, quanto unico, allestimento che si presenta al visitatore quasi come una tavola apparecchiata, alla quale chiunque può, metaforicamente, accedere. Daniel Spoerri Eat Art in transformation a cura di Susanne Bieri, Antonio d'Avossa, Nicoletta Ossanna Cavadini Galleria civica di Modena Palazzo Santa Margherita e Palazzina dei Giardini 10 ottobre 2015-31 gennaio 2016 ingresso gratuito mer-ven 10.30-13.00; 15.00-18.00 sab, dom e festivi 10.30-19.00 lun e mar chiuso

recipes, notes and the menus of the Restaurant Spoerri in Düsseldorf (1968) right up to those for the Bistrot di Santa Marta, created for the Fondazione Mudima in Milan (2014). A whole section will also be given over to his graphic works: various projects, designs, posters and adverts will be presented. Furthermore, letters and documents will testify to Spoerri’s relationship with other contemporary artists, including Jean Tinguely, Marcel Duchamp, Man Ray, Meret Oppenheim and Ben Vautier. The works come from the artist’s own collection, from the National Swiss Library of Berne, which houses Spoerri’s archives, and from major European galleries and collectors. In Modena, the exhibition will be enhanced by a section featuring items from collections in the Emilia-Romagna region, with largely unseen works, made available by various generous collectors. There is nothing missing in this original – indeed unique – display, presented to visitors almost like a table set for a feast, one which anyone may, metaphorically, savour.

la mostra al m.a.x. museo di Chiasso resterà aperta fino al 30 agosto 2015 con i seguenti orari mar-dom 10.00-13.00; 14.00-18.00 lun chiuso www.maxmuseo.ch

GASP! LE STRIP DI CIVICO 103 A CURA DI / CURATED BY STEFANO ASCARI E / AND COMICOM.IT La cosa che sente più stupidaggini al mondo è molto probabilmente un quadro in un museo (Edmond de Goncourt)

The thing that has to listen to the most nonsense in the world in very probably a picture in a museum (Edmond de Goncourt)

IN QUESTO NUMERO

IN THIS ISSUE

Christian Cornia nasce a Modena l’8 settembre 1975. Frequenta la Scuola di Fumetto “La Nuova Eloisa” di Bologna e nel 2011 insieme ad altri disegnatori fonda l’associazione culturale Dr.INK. Collabora con l’agenzia internazionale Advocate Art e insegna alla Scuola Internazionale di Comics di Reggio Emilia. Fa parte della comunità italiana di Urban Sketchers e ha lavorato come colorista per il mercato francese con editori come Soleil, Delcourt e Dargaud; e come inchiostratore per la Marvel USA sulle testate MARVEL ADVENTURE IRONMAN, MARVEL ADVENTURE THE AVENGERS e DAKEN. Attualmente è uno dei disegnatori ufficiali di Scooby Doo per Warner Bros.

Christian Cornia was born in Modena(Italy) on 8 September 1975. He attended the School of Comics "Nuova Eloise" in Bologna and in 2011, along with other italian artists founded the cultural association Dr.INK. He works with the international agency of illustrators Advocate Art and he is Teacher at the Scuola Internazionale di Comics of Reggio Emilia. He's Urban Sketcher and he work as a colorist for the French market with publishers like Soleil, Delcourt and Dargaud. He worked as an inker for Marvel USA on the comics IRONMAN MARVEL ADVENTURE, ADVENTURE MARVEL THE AVENGERS and DAKEN. He is currently one of the artists of Scooby Doo for Warner Bros.

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numero / number 15 anno / Year V giugno / June 2015 free magazine della Galleria civica di Modena registrazione del Tribunale di Modena n. 2017 del 24.11.2010 direttore responsabile / editor in chief Roberto Righetti progetto grafico / graphic design Greco Fieni traduzioni / translations Bennett Bazalgette-Staples ufficio stampa esterno / off-site press office CLP Relazioni Pubbliche, Milano hanno collaborato a questo numero / in collaboration with Christian Cornia, Daniele De Luigi, Serena Goldoni, Guido Harari, Cristiana Minelli, Francesca Mora, Daniele Paletta, Roberto Righetti, Gabriella Roganti crediti fotografici / photo credits pp. 2-43 Art Kane © ART KANE ARCHIVE, pp. 46, 48-49 Paolo Terzi, p. 50 Rita Newman Strip a cura di pre-press e stampa / printed by Eurotipo, Verona si ringraziano / thanks to Holly Anderson, Stefano Ascari, Linda Carluccio, Franco Fontana, Valerio Gilioli, Andrea Gambetta, Jonathan Kane, Marco Pierini, Daniele Paletta, Amanda Prada, Filippo Stanzani la mostra Art Kane. Visionary è realizzata in collaborazione con

con il patrocinio di la mostra Daniel Spoerri. Eat Art in transformation è realizzata in collaborazione con

Galleria civica di Modena coordinamento generale / executive manager Gabriella Roganti curatori / curators Daniele De Luigi, Serena Goldoni responsabile allestimenti / exhibition design manager Fausto Ferri amministrazione / administration Raffaella Bulgarelli ufficio stampa / press office Cristiana Minelli archivio fotografico e documentazione / photo archive and records Francesca Mora segreteria generale / general secretary Daniela Rinaldi segreteria / secretary Oletta Tarabusi allestimenti / exhibition design Sandro Cirilli, Giuseppe De Bartolo, Daniele Diracca, Matteo Orlandi

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