GlamourAffair Vision 2020_11.12 by Glamour Affair

n.12

2020/11.12 READ ON

glamouraffair.vision RIVISTA BIMESTRALE DI FOTOGRAFIA, ARTE E DESIGN BIMONTHLY REVIEW OF PHOTOGRAPHY, ART AND DESIGN

Registrazione al Tribunale di Milano n° 27 del 14/02/2019 Registration at the Law Court of Milan n° 27 of 14/02/2019

Cover Credits © NINA PAK

Editorial Staff Direttore responsabile | Editor in Chief ALESSIO GILARDI Direttore artistico | Art Director FLAVIO TORRE - satisfystudio photo Direttore digitale | Digital Director STEFANO GILARDI

Contact WEBSITE | www.glamouraffair.vision E-MAIL | info@glamouraffair.vision FACEBOOK | www.facebook.com/glamouraffairpage INSTAGRAM | www.instagram.com/glamouraffair

Printer G&G srl Via Redipuglia, 20 35131 Padova

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NINA PAK creative director STAIRWAY HOUSE architecture MOSTAFA NODEH minimalism THE HUMAN ODYSSEY exhibition MICHAEL DELACRUZ portfolio RED WOMEN painting series MICHELA CAMURATI model BIODÔME SHOP retail MONICA CORDIVIOLA interview ANIS TABARAEE artist THE ZENTRAL KITCHEN interior ELEONORA VAROTTI biography ITALIAN GRAFFITI atelier MISS DAG singer PHOTOGRAPHY AWARD contest #GADDICTED the Instagram selection

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NINA PAK

Models: Liz White & Jennifer Little, Makeup: Artist Jennifer Little, garments: April Peters

creative director

Nina Pak vanta più di 30 anni di esperienza come fotografa professionista, a partire dalla pellicola e per passare poi al digitale. Ha lavorato come curatrice, designer, art director ed editore per diverse riviste di moda, arte e lifestyle. Negli ultimi dodici anni ha operato nel mondo della moda, creando proposte editoriali per pubblicazioni e Look-Book per designer. È anche la direttrice del Vancouver Fashion Gala. Negli ultimi anni Nina ha avuto il piacere di lavorare con molti designer di talento, prediligendo l’Avanguardia e “l’arte da indossare”, qualsiasi vestiario che tocchi il mondo della fantasia e del surreale. Nel corso del tempo è stato necessario apprendere nuove abilità per riprodurre ciò che immaginava e per soddisfare il suo standard di eccellenza personale. È anche stilista, scenografa e hair stylist, conosciuta come Dreamloka. Il lavoro di Nina esplora la relazione tra sogni e percezioni creative. Rendere tangibili le visioni invisibili della sua immaginazione. L’ambiente sottomarino si presta abbastanza bene alla creazione di mondi da sogno. Lavora con Photoshop sin dalla sua prima comparsa sul mercato, con anni di esperienza nel ritocco digitale e nella manipolazione fotografica. “Le nostre vite sono un lungo viaggio per scoprire chi siamo e di cosa siamo capaci. Speriamo di imparare abbastanza presto a fare qualcosa di buono per il mondo e a manifestare la bellezza attraverso la nostra arte“.

Nina Pak has more than 30 years experience as a professional photographer, starting with film and then digital media. She has worked as a curator, designer, art director and editor for several fashion, art and lifestyle magazines. For the past twelve years she has been working in the fashion world, creating editorial submissions for publication and Look-Books for designers. She also is the director of the Vancouver Fashion Gala. Nina has had the pleasure of working with many gifted designers in recent years, preferring Avant-Garde’ and wearable art, any wardrobe that touches on the world of fantasy and the surreal. Over time it became necessary to learn new skills to embody what she envisioned, and to fulfill her personal standard of excellence. She is also a wardrobe stylist, set designer and hair stylist. These are credited as Dreamloka. Nina’s work explores the relationship between dreams and creative perceptions. Making the unseen visions of her imagination tangible. The underwater environment lends itself quite well to the creation of dream worlds. She has been working with Photoshop since it first came on the market, with years of experience in digital retouching and photo manipulation. “Our lifetimes are one long journey to discover who we are and what we are capable of. Hopefully we learn soon enough to do something good for the world, and to manifest beauty through our art.”

Model: Britt Schafer, Makeup: Artist Jennifer Little, garments: April Peters

Model: Ryan Torrero, Make-up by: Emily Garrido, garments: Julietsdream

Model: Alexia Flux, Makeup: Artist Jennifer Little, garments: Pasarro Nights

Model: Britt Schafer, Makeup: Artist Jennifer Little, garments: April Peters

Model: Chelsea Brennan, Makeup: Artist Jennifer Little, garments: April Peters

Model: Chelsea Brennan, Makeup: Artist Jennifer Little, garments: April Peters Photography and Post Editing by Nina Pak Hair and Wardrobe styling by Dreamloka WEBSITE | ninapak.com INSTAGRAM | @ninapak FACEBOOK | NinaPakArt

NENDO

STAIRWAY HOUSE 14

architecture

Una casa bifamiliare in una tranquilla zona residenziale di Tokyo. A causa delle altre abitazioni che costringono il sito, il volume architettonico è stato spinto a nord per poter godere nell’ambiente interno di luce diurna, ventilazione e della vegetazione del cortile, attraverso una grande facciata sud in vetro. La planimetria ha permesso di preservare il cachi esistente, amato dalle generazioni precedenti. Considerate le potenziali difficoltà di salire e scendere le scale, le stanze per la coppia di anziani sono state disposte al primo piano. Gli otto gatti che vivono con la coppia più anziana vagano liberamente dentro e fuori e incoraggiano la madre a godersi l’hobby del giardinaggio. La coppia più giovane e il figlio risiedono al secondo e terzo piano. Per evitare che le due famiglie fossero completamente separate sui due livelli, nel cortile sud è stata progettata una struttura a “scala” che prosegue verso l’alto nell’edificio penetrando dal primo al terzo piano. All’interno della “scala” sono racchiusi elementi funzionali, come i bagni e una scala per l’uso reale, con la parte superiore che assume l’aspetto di una serra semi-esterna con abbondante vegetazione e un luogo soleggiato per il divertimento dei gatti che amano arrampicarsi. In questo modo la scala e la vegetazione collegano dolcemente i piani superiore e inferiore lungo una linea diagonale, creando uno spazio in cui tutte e tre le generazioni possano trarre conforto l’una dall’altra. Non solo la scala collega l’interno al cortile, o lega una casa a un’altra, ma questa struttura mira ad espandersi ulteriormente per unire i dintorni e la città, collegando la strada a sud al livello del suolo all’esterno del lucernario attraverso la luce zenitale.

A two-family home in a quiet residential area of Tokyo. With other houses and apartment buildings pressing around the site, the architectural volume was pushed to the north to take in daylight, ventilation, and greenery of the yard into the living environment by a large glass front southern facade. The layout plan made it possible to preserve the existing persimmon tree beloved by the previous generations. Considering the potential difficulties of going up and down the stairs, the rooms for the older couple were arranged on the 1st floor. The eight cats living with the older couple roam in and outdoors more freely, and encourages the mother to enjoy her hobby of gardening more freely. The younger couple and their child reside on the 2nd and 3rd floors. To avoid the two house holds being completely separated at the top and bottom, a “stairway-like” structure was designed in the south yard, continuing upward into the building and penetrating the 1st through 3rd floors. Enclosed inside the “stairway” are functional elements, such as bathrooms and a staircase for actual use, with the upper part taking on the look of a semi-outdoor greenhouse with abundant greenery as well as a sun-soaked perch for the cats to enjoy climbing. And so, a stairway and greenery gently connected the upper and lower floors along a diagonal line, creating a space where all three generations could take comfort in each other’s subtle presence. Not only does the stairway connect the interior to the yard, or bond one house hold to another, this structure aims to expand further out to join the environs and the city —connecting the road that extends southward on the ground level, and out into skylight through the top light.

WEBSITE | nendo.jp INSTAGRAM | @nendo_official FACEBOOK | nendo.jp PHOTO CREDITS | Daici Ano, Takumi Ota 23

minimalism

MOSTAFA NODEH 24

Mostafa Nodeh, nato nel 1980, è un fotografo autodidatta con sede a Gilan, IRAN. Nodeh è noto per i suoi occhi attenti sulla fotografia paesaggistica e minimale. È membro della “Iranian Photographer Association” e anche della “International Federation of FIAP”. Le foto di Nodeh sono state pubblicate come copertina di “Russian Festival” (2017), su Insomnia Magazine e anche su Minimalism Magazine a Londra, Regno Unito. Nel 2017, una delle sue foto intitolata “My Daughter Sonia” è stata selezionata dal National Geographic come “Photo of the Day”. Mostafa Nodeh, born in 1980, is a self-taught photographer based in Gilan, IRAN. Nodeh is known for his keen eyes on Landscape & Minimal photography. He is a member of “Iranian Photographer Association” and also a member of “International Federation of FIAP”. Nodeh’s photos have been published as the cover of “Russian Festival”(2017), in Insomnia Magazine and also Minimalism Magazine in London, Uk. In 2017, one of his photos called “My Daughter Sonia” was selected by National Geographic as the Photo of the Day pick.

AWARDS: Gold medal at the SWEDISH Festival (Nordic, 2016) Gold medal at the Danish Festival (Nordic, 2016) Gold medal at the Bosnian Festival, (Salonfotodoboj, 2016) Earn Ribbon Honor at the Indian Festival (perspective, 2016) Admission of two works at the American Festival (pid, 2016) Admission of three works at the Ukranian Festival (Best foto art, 2016) Admission of two works at the American Festival (pid, 2016)

INSTAGRAM | @1nodeh FACEBOOK | Mostafa Nodehphoto

exhibition

THE HUMAN ODYSSEY CAMILLA D’ERRICO

Dorothy Circus Gallery 35 Connaught St, St George’s Fields London, United Kingdom

Rainbow Insides. Oil on panel, 20,3 x 25,4 cm (8 x 10 in)

La Dorothy Circus Gallery di Londra è orgogliosa di presentare, in occasione della fine del programma espositivo 2020 “Mirrored Souls: The Year of Love”, la mostra personale The Human Odyssey della pittrice canadese Camilla d’Errico, che inaugura a Londra il 19 novembre 2020 ed in programma fino al 19 dicembre 2020. La famosa artista canadese Camilla d’Errico torna di nuovo alla Dorothy Circus Gallery, questa volta per presentare per la prima volta nel Regno Unito una nuovissima serie di 8 dipinti ad olio e 8 disegni. Lo show, ispirato all’ultimo viaggio emotivo dell’artista, rappresenta d’Errico Helmet Girls in declinazioni multiformi e spirituali. Un momento con una mostra personale interamente dedicata alle sue Helmets Girls in declinazioni multiformi e spirituali. Con la dolcezza e la vivacità che contraddistinguono la sua tecnica, Camilla d’Errico porta in scena il multiculturalismo, la dualità e l’introspezione di sei donne. Ognuno di loro svela un mondo naturale, incantato e quasi infantile, riportandoci a una concezione arcaica, intellettualistica della donna, proprio come l’opera ‘L’Odissea Umana’ dello scrittore italiano Giorgio di Simone, dove esplora il viaggio alla scoperta di sé superando una serie di sfide. Il tema ricorrente della ricerca d’Errico è l’esplorazione del rapporto tra Uomo e Natura, grazie ad una prospettiva legata all’astrologia e ai cicli lunari e alla complementare reciprocità delle influenze dell’Universo sulla specie umana L’artista, dunque, ci porta in un viaggio galattico, o meglio un’Odissea nello spazio, dove siamo invitati ad aspettare insieme la fine dell’anno, nell’attesa che nel prossimo riusciremo a superare gli ostacoli che incontreremo.

Dorothy Circus Gallery London is proud to present, on the occasion of the end of the 2020 exhibition program “Mirrored Souls: The Year of Love” , the solo exhibition The Human Odyssey by the Canadian painter Camilla d’Errico, opening in London on 19 November 2020 and running through 19 December 2020. The renowned Canadian artist Camilla d’Errico returns again to Dorothy Circus Gallery, this time showcasing for the first time in the UK a brand-new series of 8 oil paintings and 8 drawings. The show, inspired by the artist’s latest emotional journey, represents d’Errico Helmet Girls in multifaceted and spiritual declensions. A time with a solo exhibition entirely dedicated to her Helmets Girls in multifaceted and spiritual variations. With the sweetness and vivacity that distinguish her technique, Camilla d’Errico brings on stage the multiculturalism, duality, and introspection of six women. Each one of them reveals a world that is natural, enchanted and almost childish, taking us back to an archaic, intellectualistic conception of the woman, just like the work ‘L’Odissea Umana’ by the Italian writer Giorgio di Simone, where he explores the journey of self-discovery by overcoming a series of challenges. The recurring theme of d’Errico research is the exploration of the relationship between Man and Nature, thanks to a perspective linked to astrology and lunar cycles and of the complementary reciprocity of the Universe’s influences on the human species. Therefore, the artist takes us on a galactic journey, or rather a Space Odyssey, where we are invited to wait together for the end of the year, while expecting that in the next one, we will be able to overcome the obstacles that we will encounter.

CAMILLA D’ERRICO

Nata nel 1980 a Ottawa, in Canada, Camilla d’Errico è un’illustratrice, pittrice e prolifica artista visiva famosa per aver introdotto il nuovo stile “Melting Pop”. D’Errico si è laureata in Illustrazione e Design al Capilano College, Vancouver. D’Errico ha iniziato a disegnare fumetti nel 2001 e da allora ha collaborato con aziende rinomate come The Walt Disney Company, Ride Snowboards, Hasbro Toys, OSO Design House, solo per citarne alcune. Nel 2006 ha iniziato a concentrarsi sulla pittura a olio, sviluppando uno stile unico fortemente ispirato ai Manga e alla cultura Pop giapponese. D’Errico fonde arcobaleni, mondi colorati e sognanti con le sue ‘Helmet Girls’ uniche e ipercromatiche, caratterizzate da occhi oversize e pieni di sentimento e dalle acconciature più improbabili. Le ragazze fissano lo spettatore con un’intensità travolgente, comunicando sia la consapevolezza di essere osservate sia i loro innocenti sentimenti di tristezza, meraviglia, contemplazione e introspezione. Oltre ai suoi personaggi color caramello, gli animali sono anche un altro punto focale dei suoi dipinti: creano mondi fantastici in cui le forze emotive esplodono come colori che si fondono, facendo riferimento alla pop art asiatica. D’Errico contribuisce anche al movimento dei giocattoli artistici in vinile e ha ampliato il suo stile con la moda, gli accessori, i giocattoli e altri prodotti. Camilla d’Errico attualmente vive e lavora a Vancouver, Canada, e il suo lavoro è stato ampiamente esposto in Canada, Stati Uniti, Germania, Italia e per la prima volta nel Regno Unito con Dorothy Circus Gallery

Born in 1980 in Ottawa, Canada, Camilla d’Errico is an illustrator, painter and prolific visual artist famous for introducing the new ‘Melting Pop’ style. D’Errico graduated in Illustration and Design from Capilano College, Vancouver. D’Errico started drawing comic books in 2001, and since then she has collaborated with renowned companies such as The Walt Disney Company, Ride Snowboards, Hasbro Toys, OSO Design House, to name a few. In 2006, she began focusing on oil painting, developing a unique style highly inspired by Manga and Japanese Pop culture. D’Errico melts rainbows, colourful and dreamy worlds with her unique and hyper-chromatic ‘Helmet Girls’, characterised by oversized and soulful eyes and the most improbable hairstyles. The girls stare at the viewer with overwhelming intensity, communicating both awareness of being watched and their innocent feelings of sadness, wonder, as well as contemplation and introspection. In addition to her candy-coloured characters, animals are also a not her focal point of her paintings: they create fantastic worlds where emotional forces explode as melting colours, referencing the Asian pop art. D’Errico also contributes to the vinyl art toy movement, and has expanded her style into fashion, accessories, toys and other merchandise. Camilla d’Errico currently lives and works in Vancouver, Canada, and her work has been extensively exhibited in Canada, the US, Germany, Italy, and for the first time in the UK with Dorothy Circus Gallery.

WEBSITE | dorothycircusgallery.com INSTAGRAM | @dorothycircus FACEBOOK | Dorothy Circus Gallery

WEBSITE | camilladerrico.com INSTAGRAM | @camilladerrico FACEBOOK | Camilla d’Errico

Flying Fish. Oil on panel, 25,4 x 20,3 cm (10 x 8 in)

The Moon. Oil on panel, 25,4 x 20,3 cm (10 x 8 in)

The Sun. Oil on panel, 25,4 x 20,3 cm (10 x 8 in)

Proudly Presents

BLIC

PARADE OF EMOTIONS

FOCUS SHOW FROM 30 OF OCTOBER TO 30TH OF NOVEMBER 2020 TH

Via dei Pettinari, 76, 00186, Roma +39 068805928

www.dorothycircusgallery.com

Nato e cresciuto a Cavite nelle Filippine, BLIC, artista autodidatta è un giovane street artist dal codice espressivo estremamente originale ed efﬁcace. Attraverso la creazione di un personaggio distintivo, una mano dalla faccia di Smiling Emoji che corre per le strade, BLIC racconta la sua storia di artista e quella di altri artisti che come lui esprimono il loro pensiero creativo dipingendo sui muri delle strade, unico mezzo nel loro paese per emergere ed essere presenti sul web dell’arte contemporanea. Il desiderio e la determinazione di emergere, di avere una voce nell’arte, è il tema centrale dell’arte di BLIC, che con la sua energia e dinamismo manda un messaggio che ci arriva rimbalzando sotto i nostri occhi, come una pallina da tennis lanciata da un ragazzino di strada al di là dell’oceano. BLIC è uno dei fondatori del Collettivo Cavity, progetto di Street Art per la comunità locale di artisti di strada. Espone per la prima volta al di fuori del suo paese con la DCG.

Based in the Philippines, BLIC is a self-taught young street artist with an extremely original, expressive and effective visual code. Through his distinctive character, a personiﬁed human hand with a Smile Emoji that runs through the streets, BLIC tells his personal story and that of many artists that express their statements on the street walls, the unique way in their country to emerge and leave a print in the contemporary art world. Indeed, the central theme of his art - hands as tool for universal communication reﬂects his desire and determination to emerge and spread his voice across the globe, which reaches to us like a tennis ball thrown by a little boy from across the ocean. BLIC is also a founding member of Cavity Collective, a local community for street artists based in Cavite that colours the streets with creativity and passion.

BLIC, Fear. Acrylic, 18 x 24 cm

portfolio

MICHAEL DELACRUZ

Model: Yamilette Flores

Model: Sage Estrada

Model: Manel Trabelsi

Model: Randi Eckert

Model: Ana Delacruz

Model: Jade Zhane

Model: Melissa

“Sono Michael Delacruz, nato nelle Isole Filippine ed immigrato negli Stati Uniti da bambino con la mia famiglia. Entrambi i miei genitori sono affermati nel campo medico, mentre io invece, sono la “pecora nera” della famiglia. Mi sono innamorato della fotografia per la prima volta dopo aver frequentato un corso al liceo, dove ho imparato a fotografare (su una Pentax K1000), elaborare la pellicola e sviluppare le mie immagini. Dopodiché sono stato nell’esercito per 13 anni, compiendo più missioni di combattimento e perdendo creatività ed interesse per la fotografia, ritrovandoli dopo essermi separato dalla Marina nel 2019. Ho chiesto ad un amico di ospitarmi finché non avessi ripreso piede, acquisendo lo stile di dieci anni prima. Mi sono avviato molto rapidamente e credo di aver finalmente sviluppato uno stile che posso definire mio. Amo concentrarmi anche sui più piccoli dettagli di una foto, preferendo quindi che lo spettatore li goda in un grande formato come una rivista, una stampa grande o su un grande monitor di un computer (invece di un dispositivo mobile), dove le miscele di colori e piccoli dettagli negli occhi possono essere visti come previsto. Da quando ho iniziato a dedicarmi alla fotografia, mi ci sono tuffato a capofitto e mi ritengo fortunato ad aver lavorato con tante belle persone. Ultimamente mi concentro principalmente su articoli editoriali, avendo la fortuna di vedere pubblicato il mio lavoro su venti riviste diverse! Al momento mi concentro sulla fotografia beauty poiché mi attira il lato creativo di ciò che può essere ottenuto con il trucco e il ritocco fotografico. Faccio del mio meglio per presentare al meglio il modello e per attirare lo spettatore sui dettagli nella foto. Mi sforzo continuamente per migliorare e cercare nuove vie per raggiungere la visione che ho nella mia mente. Per catturare il fotogramma con la riproduzione dei colori più accurata, ho scoperto che preferisco il risultato che mi dà una fotocamera di medio formato. Attualmente sto scattando con una Hasselblad X1D II e non è possibile raccontare le cose straordinarie che questo mezzo può fare. Partire da un’umile Pentax K1000 per arrivare a questo è un mondo di differenza.”

WEBSITE | late-risers.com INSTAGRAM | @late.risers / @late.risers.media E-MAIL | itsbeenfunmikemedia@gmail.com

Model: Atabey Garralon - Make up: Ileana Canada “I am Michael Delacruz, originally born in the Philippine Islands and immigrated to the United States as a child with my family. Both my parents are well established in the medical field. I, however, am the “black sheep” of the family. I first fell in love with photography upon taking a class in high school, where I learned how to compose photos (on a Pentax K1000), process film, and develop my own images. After that, I was in the military for 13 years, did multiple combat deployments, and lost my creativity and interest in photography. Having separated from the Navy in 2019, I have found my love for photography once again. I asked my friend if I could join him until I can get my footing and re-establish my style that I once had a decade ago. I picked things up very quickly, and I believe I have finally developed a style I can call my own. I like to focus on even the smallest details in a photo, so I prefer the viewer enjoy them in a large format such as a magazine, a large print or on a large computer monitor (instead of a mobile device) where the blends of colors and small details in the eyes can be seen as intended. Having since starting back up in photography last year, I dove headfirst and have been very grateful to have worked with many beautiful people. Lately, I mainly focus on editorial pieces for magazines, of which I have been lucky enough to have my work published on 20 different ones! I am currently focusing on beauty photography as I genuinely enjoy the creative side of what can be achieved with make-up and the retouching aspect of photography. I try my best to provide the best look for the model and again, draw the viewer to minute details in the photo. I continually strive to improve myself and look for new ways to achieve the vision I have in my head. To capture the frame with the most accurate color representation, I have found that I prefer the “look” that a medium format camera gives me. I am currently shooting with a Hasselblad X1D ii, and I cannot say enough great things about what this thing can do. Starting from a humble Pentax K1000 to this is a world of difference.”

painting series

RED WOMEN BY SERGIU ROMAN Sergiu Roman è un artista rumeno che vive a Shanghai (Cina) dal 2011. È noto per i suoi dipinti misteriosi, oscuri e contorti, inquietanti come le storie dietro di essi. L’idea per le “Red Women” gli è venuta mentre seguiva le notizie di una serie di rapimenti avvenuti lo scorso anno in una piccola città della Romania, in cui le vittime erano ragazze adolescenti. Anche se il caso non è ancora del tutto risolto, secondo gli inquirenti, le ragazze sono state sequestrate, maltrattate e torturate per giorni, fino a quando non sono state brutalmente assassinate ed i loro corpi inceneriti. La storia ha scioccato il paese e la comunità internazionale e, naturalmente, anche gli artisti sono stati profondamente toccati e disgustati da questa mostruosità. Nella serie Red Women, Sergiu ha sollevato silenziosamente queste domande: come è possibile che le persone possano essere tali mostri? Da dove viene questo nostro lato diabolico? Cos’è il male? Il male può essere spiegato in modo del tutto psicologico, o c’è un lato più profondo e metafisico? Le donne raffigurate nei dipinti sono senza dubbio vittime, non hanno il potere di combattere i loro aggressori. Non sono necessariamente deboli, ma sopraffatte dalla forza e dalla brutalità dei loro folli oppressori invisibili. Le “stanze degli orrori” sono buie, profondamente sgradevoli e claustrofobiche. Il torturatore non viene mostrato: i dipinti non riguardano quei mostri in particolare, sebbene le domande di cui sopra siano indirettamente sollevate attraverso la loro presenza invisibile. Ma alla fine non si tratta di loro, si tratta di Noi. I dipinti riguardano la nostra “Ombra”, come Carl Jung ha coniato la frase, il nostro lato oscuro e malvagio e allo stesso tempo il dolore e l’orrore provati dalle vittime, che rappresentano la sofferenza e la vulnerabilità umana. Il simbolo di questa sofferenza umana è il colore rosso, il colore del sangue, passione, rabbia, angoscia fisica e spirituale. Le stanze sono di colore verde oliva, complementare al rosso vermiglio, che insieme creano un’atmosfera soffocante e drammatica. L’ambiente è popolato di esseri strani e minacciosi, cose antropomorfe, dispositivi di tortura biologici e meccanici, fiori velenosi e insetti. La fuga sembra impossibile. E questo perché Sergiu Roman crea significati ambigui e ambivalenti: questi dipinti sono solo immagini di fantasia che riflettono situazioni reali e possibili, o più di questo, metafore sulla psiche umana, immagini interiori delle nostre esperienze, raggi X delle nostre anime?

Sergiu Roman is a Romanian artist, living in Shanghai (China) since 2011. He is well-known for his mysterious, dark, and twisted paintings, murky and unsettling as the stories behind them. The idea for the “Red Women” came to him while following the media coverage of a series of kidnappings that took place last year in a small town in Romania, in which the victims were teenage girls. Although the case is not completely solved even today, according to the investigators, the girls were seized, abused and tortured for days, until they were brutally murdered and their bodies incinerated. The story shocked the country and the international community, and of course, the artists were also deeply touched and revolted by this monstrosity. In the Red Women series, Sergiu silently raised these questions: How is it possible that people can be such monsters? Where does this diabolical side of us come from? What is evil? Can evil be explained entirely psychological, or is there a deeper, more metaphysical side of it? The women depicted in the paintings are undoubtedly victims, they do not have the power to fight their aggressors. They are not necessarily weak, but overwhelmed by the strength and brutality of their demented unseen oppressors. Their rooms of horrors are dark, deeply unpleasant and feel claustrophobic. The torturer is not shown: the paintings are not about those particular monsters, although the questions above are indirectly brought up through their invisible presence. But in the end it’s not about them, it’s about Us. The paintings are about our “Shadow”, as Carl Jung coined the phrase, about our dark, evil side, and at the same time about the pain and the horror felt by the victims, which stand for the human suffering and vulnerability. The symbol for this human suffering is the color red, the color of blood, passion, anger, physical and spiritual anguish. The rooms are olive green, which is complementary to the vermilion red, together creating a suffocating and dramatic atmosphere. The environment is populated with strange and threatening beings, anthropomorphic things, biological and mechanical torture devices, poisonous flowers and insects. Escape seems impossible. And that is because Sergiu Roman creates ambiguous and ambivalent meanings: are these paintings only fictional images that reflect real and possible situations, or more than that, metaphors about the human psyche, interior pictures of our experiences, X-rays of our souls?

Diana Roman - Art critic and curator, CEO and co-founder of Artz Gallery Shanghai. INSTAGRAM | @sergiu_roman_artist - @artz_gallery_shanghai

36th Floor, 2019. Oil on canvas panel, 50 x 60 cm

Cross Section Through A Biopneumatic Fake Sky Machine (Requiem Non Innocens), 2019. Oil on canvas, 90 x 120 cm

Wormwood Blues, 2019. Oil on canvas, 80 x 100 cm

Down The Rabbit Hole, 2020. Oil on canvas, 80 x 100 cm

Atro-City, 2020. Oil on canvas, 90 x 120 cm

Alice In Wasteland, 2019. Oil on canvas, 120 x 120 cm (detail)

Photo: MASSIMO TAMIAZZO (@nouveau_vintage_photographie)

model

Michela

Camurati

Photo: MARCO DE SANTIS (@marco_dex83)

Photo: SONIA GEIROLA (@soniajey_photography_) | Make up: KRISTINA BARANOVA (@chrismua.it) | Stylist: ELISA CIPRIANI (@elicipri) | Designer: FILIGRANA GENIUS (@ filigrana_genuis)

Photo: LUCIA MONDINI (@luciamondiniph)

Photo: SONIA GEIROLA (@soniajey_photography) | Make up: KRISTINA BARANOVA (@chrismua.it) | Stylist: ELISA CIPRIANI (@elicipri) | Designer: FILIGRANA GENIUS (@ filigrana_genuis)

Photo: MARCO DE SANTIS (@marco_dex83)

Photo/Make up/Stylist: GIULIA BERTONA (@giuliabertonephotography)

Photo: ENRICA TOSI (@enrica.tosi)

Photo: SONIA GEIROLA (@soniajey_photography) | Make up: KRISTINA BARANOVA (@chrismua.it) | Stylist: ELISA CIPRIANI (@elicipri) | Designer: FILIGRANA GENIUS (@ filigrana_genuis)

Photo: MASSIMO TAMIAZZO (@nouveau_vintage_photographie)

Michela è una fotomodella genovese, inizia a posare nel 2016 partendo dal ritratto per poi toccare in breve tempo tutti i generi fotografici, dal glamour al fashion al beauty con un interesse particolare per la fotografia commerciale e pubblicitaria. Tra il 2017 e il 2020 posa per diversi brand nazionali soprattutto di gioielli ed accessori ma l’ incarico che la rende più orgogliosa è sicuramente la collaborazione con la Lega Tumori Genova nella prevenzione contro il tumore al seno. Ogni anno dal 2017 si impegna con Lilt nella realizzazione di una campagna efficace per sensibilizzare le nuove generazioni sull’importanza della prevenzione. Per Michela la fotografia è stata un‘occasione di crescita, un modo per cercare di superare le proprie insicurezze, di conoscersi conoscendo gli altri, di vedersi sotto altri occhi, altre prospettive. Non sempre è stato facile, ci sono state esperienze importanti, altre difficili, come in ogni altro aspetto della vita. Oggi, rispetto a quattro anni fa, è una donna più forte che sa che le risposte non si trovano nell’obbiettivo di una macchina fotografica ma il viaggio che si fa per arrivare a questa consapevolezza vale la pena di essere vissuto.

Michela is a model from Genova, she began to pose in 2016 starting from the portrait and then quickly touched all photographic genres, from glamour to fashion to beauty with a particular interest in commercial and advertising photography. Between 2017 and 2020 she poses for several national brands, especially jewelry and accessories, but the job that makes her most proud is certainly the collaboration with the Genoa Cancer League in the prevention of breast cancer. Every year since 2017, she has been committed with Lilt to create an effective campaign to raise awareness among the new generations on the importance of prevention. For Michela, photography was an opportunity for growth, a way to try to overcome her own insecurities, to get to know each other by knowing others, to see herself under other eyes, other perspectives. It hasn’t always been easy, there have been important experiences and other difficult ones, like in every other aspect of life. Today, compared to four years ago, she is a stronger woman who knows that the answers are not found in the lens of a camera but the journey one takes to reach this awareness is worth living

INSTAGRAM | @michela__camurati FACEBOOK | Michela Camurati

retail

BIODÔME SHOP

ADHOC architectes & MESSIER designers Il consorzio formato da ADHOC Architectes e MESSIER designers presenta la nuova boutique di souvenir del Montreal Biodôme. Il mandato conferito dall’Espace pour la vie (la città di Montreal) era di rinnovare la boutique di 200 mq per rilanciare l’esperienza utente dello spazio, aumentare il traffico e stimolare le vendite. Il design degli interni proposto comunica la missione di Espace pour la vie e contribuisce all’esperienza dei visitatori verso l’identità unica del Biodôme, proponendo una disposizione dei mobili che può adattarsi alle esigenze in evoluzione del cliente per garantire la sostenibilità dell’installazione. The consortium formed by ADHOC Architectes and MESSIER designers presents the new souvenir boutique of the Montreal Biodôme. The mandate given by Espace pour la vie (the city of Montreal) was to renovate the 2,100 ft2 boutique to revive the user experience of the space, increase traffic, and stimulate sales. The proposed interior design communicates Espace pour la vie’s mission and contributes to visitors’ experience of the unique identity of the Biodôme while proposing a furniture arrangement that can adapt to the evolving needs of the client to ensure the sustainability of the installation.

Aperto al pubblico nel 1992, il Biodôme si trova nell’antico Vélodrome utilizzato per i Giochi Olimpici di Montréal dell’estate 1976. L’edificio è caratterizzato dall’onnipresenza della sua imponente struttura in cemento e dalla generosa finestratura. Nell’ambito del vasto progetto Migration, Espace pour la vie ha voluto ridisegnare ciascuno dei propri spazi. Collocata all’interno dei nuovi imponenti spazi bianchi che si intrecciano nella struttura dell’edificio, la boutique Biodôme si trova alla fine del percorso del museo. Deve quindi comunicare una coerenza con le installazioni museali ma anche discostarsene. Il ruolo della boutique è quindi quello di concludere il percorso dei visitatori attraverso il museo stimolando la loro immaginazione. La soluzione: utilizzare il DNA del Biodôme come ispirazione. Per poter creare lo spazio commerciale più frequentato dell’Espace pour la vie, il consorzio di ADHOC Architectes e MESSIER designers ha proposto una boutique adattabile, attrezzata per prevedere cambiamenti ed esigenze variabili. Come un organismo vivente capace di adattarsi e rispondere al proprio ambiente, questa “boutique vivente” si evolverà con il passare delle stagioni e degli anni. La disposizione modulare consentirà al responsabile della boutique di adattare la propria linea di prodotti per rispondere al numero variabile di visitatori e alle mutevoli preferenze della clientela. Questo approccio rende omaggio agli insegnamenti più importanti dell’Espace pour la vie: l’evoluzione adattativa tra la fauna selvatica e il suo ambiente naturale in perenne cambiamento. Il concept nasce da una raffinata ricerca geometrica e formale. Durante lo studio degli ecosistemi del Biodôme, il consorzio ha identificato le fonti di ispirazione che consentono loro di sviluppare un quadro narrativo unico per la boutique Biodôme. Lo studio del mondo vivente ha spinto il team di progettazione alla ricerca organizzativa a livello cellulare, in particolare sulla ricorrenza di determinate strutture e delle loro forme. Diversi fenomeni naturali di diverse scale, come la creazione di cellule in un alveare, l’erosione di formazioni rocciose e la formazione di colonne di basalto, hanno fornito l’ispirazione formale per il progetto. Quando si pensa all’organizzazione cellulare, si pensa naturalmente alla cellula: l’unità di struttura biologica fondamentale in ogni essere vivente capace di riproduzione autonoma. Essendo il Biôdome la “Casa della vita”, era opportuno che il team disegnasse un parallelo formale tra la cellula naturale e il modulo. L’approccio progettuale si basa quindi sulla creazione di elementi semplici (le celle) che possono essere disposti spazialmente e collegati per costruire moduli complessi. Questi moduli, una volta combinati, rispondono all’esigenza operativa e funzionale di presentare i prodotti e definire lo spazio. Un’esaustiva ricerca sulle forme naturali e sull’organizzazione cellulare ha portato architetti e designer a scoperte formali e successive esplorazioni geometriche per determinare quali forme sarebbero state le più ottimali e versatili. Dall’esagono al dodecaedro allo stucoide, il tronco esagonale è stato finalmente scelto per le particolari esigenze di questo progetto. I moduli di arredo sono costituiti da tre elementi base ai quali è possibile aggiungere accessori. Questo concetto consente un numero quasi infinito di composizioni e riconfigurazioni degli elementi spostandoli, ruotandoli e assemblandoli in modi diversi. La configurazione è così in grado di adattarsi all’evoluzione delle esigenze della boutique a seconda del mutare delle vendite e dei prodotti. I tre elementi di base hanno ciascuno una dimensione diversa e sono verniciati in una specifica tinta di bianco. Scelte con cura, le tre tinte di bianco rompono l’uniformità della produzione industriale ed esprimono la naturale variazione dei colori presenti nelle formazioni geologiche e in natura. Il materiale principale utilizzato per la fabbricazione dei moduli è l’acciaio tagliato al laser, piegato e saldato, ricoperto da una vernice polimerica resistente al forno. Il rovere è stato preferito per gli elementi in legno. Questi materiali sono stati scelti per la loro eccezionale durata e il minimo impatto ambientale. Lo spazio è minimalista per enfatizzare i prodotti sostenibili e garantire una circolazione fluida dei clienti. I mobili possono ospitare giocattoli, peluche, gioielli, dolci, libri e vestiti, tutti accuratamente selezionati dal team di Biodôme. Consapevoli di partecipare ad un progetto pubblico senza sforamenti di costi per il rispetto dei contribuenti, ADHOC Architectes e MESSIER designers hanno proposto un diverso approccio alla gara che, pur rispettando a tutti gli effetti le regole stabilite, ha permesso di risparmiare quasi il 25% sul costo complessivo di realizzazione e installazione del progetto rispetto al budget inizialmente stimato. Piuttosto che procedere con una semplice gara per un appaltatore generale che si sarebbe occupato di tutta la fabbricazione del legno, dei moduli metallici, dell’assemblaggio e dell’installazione, il team di progettazione ha proposto di adattare il processo di gara d’appalto suddividendolo in base all’esperienza di ciascuno dei produttori e dei subappaltatori. Ciò ha permesso di facilitare i follow-up e di massimizzare il risparmio del cliente, garantendo al contempo un lavoro di altissima qualità. In un mondo in cui il cinismo sui superamenti dei costi nei progetti è diventato un luogo comune, il team di progettazione ha dimostrato il contrario, stabilendo anche uno standard elevato per la qualità del design e della produzione.

Opened to the public in 1992, the Biodôme is located in the old Vélodrome used for the Olympic Games in Montréal of summer 1976. The building is characterized by the omnipresence of its imposing concrete structure and generous fenestration. As part of its vast Migration project, Espace pour la vie wished to redesign each of their spaces. Nestled inside the new towering white screens that weave through the framework of the building, the Biodôme boutique is located at the end of the museum promenade. It must therefore communicate a coherency with the museum installations but also demarcate itself. The role of the boutique is thus to conclude visitors’ journeys through the museum while stimulating their imagination. The solution: using the Biodôme’s own DNA as inspiration. To be able to create the most frequented commercial space of Espace pour la vie, the consortium of ADHOC Architectes and MESSIER designers proposed an adaptable boutique, equipped to anticipate change as well as fluctuating demands. Like a living organism capable of adapting and responding to its environment, this living boutique will evolve with the passing seasons and years. The modular arrangement will allow the boutique manager to adapt their product line to respond to the variable number of visitors and to changing clientele preferences. This approach pays tribute to Espace pour la vie’s most important teachings: the adaptive evolution between wildlife and its natural environment in perpetual change. The concept stems from a refined geometric and formal research. While investigating the Biodôme’s ecosystems, the consortium identified sources of inspiration allowing them to develop a narrative framework unique to the Biodôme boutique. The study of the living world drove the design team to research organization at the cellular level, specifically on the recurrence of certain structures and their forms. Several natural phenomena of different scales, like the creation of cells in a beehive, the erosion of rock formations, and the formation of basalt columns provided formal inspiration for the project. When one thinks of cellular organization, one thinks naturally of the cell: the fundamental, biological unit of structure in every living being capable of autonomous reproduction. The Biôdome being the “House of Life”, it was fitting for the team to draw a formal parallel between the natural cell and the module. The design approach rests thus on the creation of simple elements (the cells) that can be spatially arranged and connected to construct complex modules. These modules, once combined, respond to the operational and functional need of showcasing products and defining space. Exhaustive research on natural forms and cellular organization led the architects and designers to formal discoveries and subsequent geometric explorations to determine which forms would be the most optimal and versatile. From the hexagon to the dodecahedron to the stucoid, the hexagonal frustum was finally chosen for this project’s particular needs. The furniture modules consist of three base elements to which accessories can be added. This concept allows for an almost infinite number of compositions and reconfigurations of the elements by moving, rotating, and assembling them in different ways. The configuration is thus able to adapt to the evolution of the boutique’s needs depending on changing sales and products. The three base elements each have a different size and are painted a specific tint of white. Carefully chosen, the three tints of white break the uniformity of industrial production and express the natural variation of colors found in geological formations and in nature. The main material used for the fabrication of the modules is laser-cut, folded, and welded steel covered with a heavy-duty baked-on polymer paint. Oak was favored for the wooden elements. These materials were chosen for their exceptional durability and minimal environmental footprint. The space is minimalist in order to emphasize sustainable products and ensure smooth customer circulation. The furniture can accommodate toys, plush toys, jewelry, sweets, books, and clothing, which have all been carefully selected by the Biodôme team. Conscious of designing a public project without cost overruns in order to respect taxpayers, ADHOC Architectes and MESSIER designers proposed a different approach to tendering which, while respecting the established rules in all respects, has made it possible to save nearly 25% on the overall cost of manufacturing and installing the project compared to the initially estimated budget. Rather than proceeding with a simple tendering process for a general contractor who would take charge of all the wood fabrication, metal module fabrication, assembly, and installation, the design team proposed to adapt the call for tenders process by splitting it up according to the expertise of each of the manufacturers and the sub-contractors. This made it possible to facilitate follow-ups and to maximize client savings, all while guaranteeing very high-quality work. In a world where cynicism about cost overruns in projects has become commonplace, the design team demonstrated otherwise while also setting a high standard for the quality of design and manufacturing.

TECHNICAL SHEET Client: Ville de Montréal, Espace pour la vie Categorie: renovation and interior design Usage: museum boutique Year built: 2020 Area: 2,100 ft2 Address: 4777 Avenue Pierre de Coubertin, Montréal Budget: 260,000$ Cost: 200,000$ In consortium with MESSIER designers Project manager: Gestion BGC Metal furniture fabricator: Métal CN PHOTO CREDITS: Raphael Thibodeau (@raphael_thibodeau) WEBSITES | adhoc-architectes.com - messierdesigners.com INSTAGRAM | @adhocarchitectes FACEBOOK | ADHOC architectes Courtesy of v2com-newswire.com

ADHOC architecte è uno studio creativo di architettura nato dall’incontro tra due architetti con due personalità uniche ma complementari. Uniti dalla passione per l’architettura, dalla visione condivisa e dalla fibra imprenditoriale, hanno deciso di unire le forze e fondare ADHOC architectes, un’azienda innovativa che offre servizi in architettura, interior design e urban design. Questa azienda pluripremiata è stata premiata dal Grand Prix du design nel 2018 con il Prix de la relève. Il loro obiettivo principale è mettere in luce i valori intrinseci propri di ogni ambiente e valorizzarli con un’architettura innovativa che risponde al contesto con un gesto poetico per proporre concetti creativi inscritti nelle esperienze del brand che assisotono. Evocativo della frase latina, ad hoc significa “per questo”. Il nome dell’azienda è quindi un simbolo dei suoi valori. Quindi formare un team ADHOC significa progettare un sistema di lavoro organizzativo al di fuori delle strutture tradizionali con l’obiettivo di risolvere problemi specifici di ogni singolo progetto e sito. Riflettendo su una pratica innovativa con molte sfaccettature specifiche degli architetti ADHOC, questo approccio trasversale mira a mantenere un livello innegabile di qualità e a creare un laboratorio di ricerca multidisciplinare e collaborativo. Dal 1999, MESSIER designers materializzano il potenziale delle collaborazioni creando valore attraverso l’esperienza del marchio. Il team utilizza il potere della collaborazione multidisciplinare per affrontare i principali punti di contatto di un brand con l’obiettivo di generare i massimi benefici per tutti i principali stakeholder. Sono consapevoli che abbiamo una posizione privilegiata: abbiamo l’opportunità di progettare il mondo in cui vogliamo vivere per noi e con te. L’innovazione esiste prima di tutto per gli esseri umani. Attraverso la ricerca empatica, attribuiscono particolare importanza agli esseri umani per immaginare, creare e offrire esperienze che possano ridefinire le organizzazioni in un’era di continua evoluzione. Questo è il motivo per cui hanno messo insieme un team in grado di adattarsi a ogni obiettivo specifico, recuperando le risorse esperte necessarie da un gruppo di specialisti dedicato, al fine di modellare ogni progetto intorno a te, alla tua clientela e alle tue esigenze. Qualunque sia la sfida, il team di MESSIER designers troverà soluzioni innovative per far partire ogni progetto rispettando i vincoli funzionali, ecologici, estetici, finanziari o altro. È questa diversità di progetti che consente loro di affrontare tutti i tipi di progetti al fine di rendere le organizzazioni più innovative, performanti e redditizie per tutti. ADHOC architecte is a creative architecture firm born of the meeting between two architects with two unique but complementary personalities. United by their passion for architecture, their shared vision, and their entrepreneurial fiber, they decided to combine forces and founded ADHOC architectes, an innovative firm offering services in architecture, interior design, and urban design. This award-winning company has been recognized by the Grand Prix du design in 2018 with the Prix de la relève. Their main objective is to highlight intrinsic values specific to each environment and valorize them with an innovative architecture that responds to context with a poetic gesture in order to propose creative concepts inscribed in the brand experiences they accompany. Evocative of the Latin phrase, ad hoc signifies “for this”. The name of the firm is thus a symbol of its values. Therefore forming an ADHOC team means designing an organizational work system outside of traditional structures with the goal of solving problems specific to each individual project and site. Reflecting on an innovative practice with many facets specific to ADHOC architectes, this transversal approach aims to maintain an undeniable level of quality and to create a multidisciplinary and collaborative research laboratory. Since 1999, MESSIER designers Materializes the potential™ of organizations by creating value throughout the brand experience. The team uses the power of multidisciplinary collaboration to address the main points of contact of a brand with the goal of generating maximum benefits for all key stakeholders. They are conscious that we hold a privileged position: we have the opportunity to design the world in which we want to live for us, and with you. Innovation exists first and foremost for human beings. Through empathetic research, they allot humans’ particular importance for imagining, creating, and offering experiences that can redefine organizations in an era of constant evolution. This is why they have assembled a team that can adapt to every unique mission, then add the necessary expert resources from an already dedicated group of specialists in order to shape each project around you, your clientele, and your needs. Whatever the challenge, the Messier designers team will find innovative solutions to take each project to launch while respecting the constraints whether functional, ecological, aesthetic, financial, or other. It is this diversity of projects that allows them to tackle all types of projects in order to make organizations more innovative, performative, and profitable for all.

interview

MONICA CORDIVIOLA La fotografia di Monica Cordiviola è tutta al femminile. Le donne che ritrae sembrano tutte quante atipiche: dotate di straordinaria personalità e charme. Monica Cordiviola’s photography is all female. The women he portrays all seem atypical: endowed with extraordinary personality and charm.

INTERVISTA DI / INTERVIEW BY ELEONORA BOVE Eleonora Bove: I soggetti delle sue immagini sono prevalentemente donne. Qual è l’aspetto su cui si sofferma? Monica Cordiviola: Molto probabilmente amo ritrarre donne perché mi rivedo o tento di farlo in ognuna di esse. Mi soffermo soprattutto sui loro punti di forza e sulle loro debolezze per trarne al meglio l’immagine che maggiormente le rappresenta. Adoro soprattutto i dettagli dei loro corpi. Eleonora Bove: The subjects of his images are mainly women. What is the aspect you focus on? Monica Cordiviola: Most likely I love portraying women because I see myself or try to do it in each of them. I dwell above all on their strengths and weaknesses in order to better draw the image that best represents them. I especially love the details of their bodies. EB: Le donne fotografate da lei sembrano tutte quante dotate di forte personalità e contemporaneamente molto emotive. Quanto c’è di autobiografico? MC: Credo che ognuno di noi nasconda in sé forza e debolezza; la mia fotografia ancora oggi è completamente autobiografica. Infatti, rivedo sempre qualcosa di me stessa mentre fotografo. EB: The women photographed by her all seem to have strong personalities and at the same time very emotional. How autobiographical is there? MC: I believe that each of us hides strength and weakness within us; my photography is still completely autobiographical today. In fact, I always see something of myself while photographing. EB: Le donne nelle sue immagini sono piene di sensualità e carica erotica. Come pone in relazione fotografia ed erotismo? MC: L’erotismo in fotografia è molto soggettivo: in un’epoca in cui il nudo è all’ordine del giorno, trovo molto più erotiche le donne che si coprono e nascondono il proprio corpo. Io sono in controtendenza, da sempre. Ho studiato molto sul tema del corpo femminile nel corso degli anni, a livello antropologico e di cultura; oggi ritengo che sia una delle forme più dirette nella comunicazione e la fotografia il suo mezzo. EB: The women in her images are full of sensuality and erotic charge. How do you relate photography and eroticism? MC: Eroticism in photography is very subjective: in an era when the nude is the order of the day, I find women who cover and hide their bodies much more erotic. I have always been against the trend. I have studied a lot on the subject of the female body over the years, on an anthropological and cultural level; today I believe that it is one of the most direct forms in communication and photography its medium. EB: Come si pone quando ritrae i suoi soggetti? MC: Quando ritraggo i miei soggetti cerco di mettere, per quanto possibile, a proprio agio le persone; non sempre ci riesco. Nel lavoro, come nella vita, non sempre abbiamo le famose affinità elettive e quando non vi sono, il risultato finale parla per noi. EB: How does you stand while portraying your subjects? MC: When I portray my subjects I try to put people at ease as much as possible; I don’t always succeed. In work, as in life, we do not always have the famous elective affinities and when they are not there, the final result speaks for us. EB: Come è nata la sua passione per la fotografia? Ci racconta un aneddoto? MC: La fotografia è entrata nella mia vita circa quindici anni fa e in maniera molto particolare. In realtà, da spettatrice, sono sempre stata circondata dal mondo della fotografia. Da bambina mi dilettavo con le Polaroid ovunque mi trovassi, poi per molto tempo ritagliavo immagini dai magazine degli anni 80 come Harper’s Bazaar e Vogue e le raccoglievo meticolosamente in quaderni che ancora conservo. A trent’anni avevo talmente tante riviste che sfruttavo i loro fogli per ricavarci comodini e mobili in casa. Poi, intorno ai trentacinque anni, comprai la mia prima reflex semi-professionale e da lì è iniziato il mio vero e proprio percorso fotografico.

WEBSITE | monicacordiviola.com INSTAGRAM | @monicacordiviola FACEBOOK | Monica Cordiviola Interview by ELONORA BOVE INSTAGRAM | @eleonoraannabove

EB: How was your passion for photography born? Can you tell us an anecdote? MC: Photography entered my life about fifteen years ago and in a very particular way. In fact, as a spectator, I have always been surrounded by the world of photography. As a child I dabbled with Polaroids wherever I was, then for a long time I cut out images from 80’s magazines such as Harper’s Bazaar and Vogue and meticulously collected them in notebooks that I still have. At thirty I had so many magazines that I used their sheets to make bedside tables and furniture in the house. Then, around the age of thirty-five, I bought my first semi-professional SLR and from there my real photographic journey began. EB: Dove si dirige la sua fotografia? MC: La mia fotografia si dirige verso la ricerca dell’essenza del ritratto, sempre contestualizzato ma molto più intimo. Inoltre, sto pensando di iniziare a ritrarre anche gli uomini con la stessa identica intensità. EB: Where is your photography headed? MC: My photography is directed towards the search for the essence of the portrait, always contextualized but much more intimate. Also, I’m thinking of starting portraying men with the exact same intensity as well. EB: Se dovesse utilizzare una parola, quale riterrebbe più appropriata per definire la sua fotografia? MC: Una parola sola? Carnale. EB: If you were to use one word, which one would you consider most appropriate to define your photograph? MC: One word? Carnal. EB: Molte sue immagini sono in bianco e nero. Come giustifica questa scelta? MC: La scelta di produrre prevalentemente in bianco e nero deriva dal fatto che adoro la vecchia pellicola. Nonostante oggigiorno è sempre più difficile utilizzare l’analogico, amo editare le mie immagini con quel sapore. A livello emotivo, mi trasmettono molto di più le immagini in bianco e nero. EB: Many ofyoutimages are in black and white. How do you justify this choice? MC: The choice to produce mainly in black and white comes from the fact that I love the old film. Although nowadays it is increasingly difficult to use analog, I love editing my images with that flavor. On an emotional level, black and white images convey to me much more. EB: Dove si sta dirigendo la fotografia attuale? MC: La fotografia attuale non la guardo troppo. A parte alcune eccezioni ovviamente, per me oggi la fotografia è violentata e dissacrata. Molto probabilmente ciò accade perché sta andando di pari passo con la nostra società. Non vorrei sembrare “catastrofista” o colei che è legata alla vecchia scuola, tutt’altro, ma purtroppo vedo un ambiente inflazionato e deprezzato dal suo vero valore. Abusata. Io dico spesso che la fotografia è una cosa seria. EB: Where is current photography heading? MC: I don’t look at the current photograph too much. Apart from some exceptions, of course, for me today photography is raped and desecrated. Most likely this happens because it is going hand in hand with our society. I don’t want to sound like a “catastrophist” or one who is tied to the old school, far from it, but unfortunately I see an environment inflated and depreciated by its true value. Abused. I often say that photography is a serious matter. EB: Ci sono dei fotografi da cui si è sentita particolarmente ispirata durante il suo percorso fotografico? MC: Certamente. Per anni, mi sono nutrita di immagini di Helmut Newton, Dorothea Langee Steven Meisel. EB: Are there any photographers that you felt particularly inspired by during your photographic journey? MC: Certainly. For years, I have fed on images of Helmut Newton, Dorothea Lange and Steven Meisel. Il corpo è il vero protagonista delle immagini di Monica Cordiviola. Esso è inevitabilmente il punto di partenza per comunicare e la fotografia è il mezzo di cui si serve per farlo. Ne deriva una visione della donna che si distanzia da quella proposta attualmente dalla società; sensualità, carattere e grande personalità risultano i caratteri peculiari delle sue donne. The body is the real protagonist of Monica Cordiviola’s images. It is inevitably the starting point for communicating and photography is the means used to do so. The result is a vision of the woman who distances herself from that currently proposed by society; sensuality, character and great personality are the peculiar characteristics of her women.

artist

WARRIOR

ANIS TABARAEE

CREATURE

LOVE

SICKNESSES

Anis Tabaraee è nata a Teheran nel 1989. Ha studiato disegno classico sin dalla scuola professionale. In seguito Anis ha proseguito i suoi studi in B.A di Graphic Design e MA di Illustrazione presso Art University di Teheran. Le sue opere sono state esposte in varie mostre collettive internazionali in Iran e all’estero. Usa penna e matita per esprimere il mondo che la circonda. “I momenti di metamorfosi nelle mie illustrazioni sono il riflesso degli sconvolgimenti contemporanei dei comportamenti umani. La miscela di figure di animali nelle mie opere rappresenta il contesto di paura, rabbia e anche felicità“. libro di creature immaginarie.

Anis Tabaraee was born in Tehran in 1989. She classically trained drawing since the vocational school. Then Anis went on to pursue her studies in B.A of Graphic Design and M.A of Illustration at Art University of Tehran. Her artworks have been shown in various international group exhibitions in Iran and abroad. She uses pen and pencil to express the world around her. ‘The moments of metamorphosis in my illustrations are the reflection of contemporary upheavals of humans’ behaviours. The mixture of animal figures in my works represent the context of fear, anger, and also happiness’. book of imaginary creatures.

WEBSITE | anistabaraee.wixsite.com/anistabaraee INSTAGRAM | @anistabaraee FACEBOOK | anis.tabaraee

INVOLVED

Education 2019: MFA in Illustration, Art University of Tehran, Iran 2013: BA in Visual Communication, Alzahra University, Tehran, Iran 2014: Certificate, The Romance Poems, Taught by Fatemeh Radpoor, Tehran, Iran 2014 Certificate, The Sixth Fadjr International Festival Of Visual Art, Thought by Roger De Melo, Honors 2017: Bio Art contest, Accepted To Winning Art Work 2015–2016: SCAD Opportunity Scholarship 2015–2016: SCAD Student Incentive Scholarship 2015–2016: SCAD Merit Scholarship 2011: Second Place, Third Visual Communication Certif, Alzahra Art University

CREATURE

interior

THE ZENTRAL KITCHEN LUKSTUDIO

Lukstudio è uno studio di design con sede a Shanghai, in Cina. Fondato da Christina Luk nel 2011, è composto da un team internazionale di architetti e designer con background e prospettive culturali diverse. Il nostro team crede che ogni luogo abbia le sue potenzialità, tutto ciò di cui abbiamo bisogno è osservare, esplorare le possibilità spaziali delle funzioni all’interno, mirare al massimo effetto con il minimo intervento. Ogni progetto racconta la propria storia e Lukstudio è orgoglioso di identificare una narrazione, preservandola dal concetto fino al completamento per offrire esperienze spaziali memorabili. Il team si diverte a sperimentare la materialità e l’illuminazione, articolando i dettagli per rendere unico ogni progetto, estendendo allo stesso tempo i confini dell’architettura. Lukstudio è stato ampiamente pubblicato e premiato a livello internazionale. È stato selezionato da GOOOOD come uno dei 10 migliori giovani designer nel 2015. È stato inserito da Architectural Digest come AD100, gli architetti e designer più influenti in Cina nel 2017. Ed è accreditato come le prime 50 agenzie di retail design da insider Trends, un esperto consulente di vendita al dettaglio che individua gli spazi più recenti e innovativi. Altri riconoscimenti per lo studio includono: A + Awards, A&D Trophy Award, BOY Awards, DFA Awards, Golden Pin Design Awards, HD Awards, Modern Decoration, Modern Design Awards, Prix Versailles, Restaurant & Bar Design Awards, Taiwan Interior Design Award, Premio Tongji Young Designer.

Lukstudio is a design practice based in Shanghai, China. Founded by Christina Luk in 2011, the studio is comprised of an international team of architects and designers with diverse backgrounds and cultural perspectives. Our team believes that every site has its own potentials, all we need is to observe, explore spatial possibilities of the programs within, aim for maximum effect with minimum intervention. Each project tells its own story, and Lukstudio is proud to identify a narrative, preserving it from concept through to completion to deliver memorable spatial experiences. The team enjoys experimenting with materiality and lighting, articulating details to make each project unique, while also extending the boundaries of architecture. Lukstudio has been widely published and awarded internationally. It was selected by GOOOOD as one of the top 10 young designers in 2015. It has been listed by Architectural Digest as AD100, the most influential architects and designers in China in 2017. And it is credited as top 50 retail design agencies by insider Trends, a retail consultant expert who pinpoint the latest, most innovative spaces. Other accolades for the studio include: A+Awards, A&D Trophy Award, BOY Awards, DFA Awards, Golden Pin Design Awards, HD Awards, Modern Decoration, Modern Design Awards, Prix Versailles, Restaurant & Bar Design Awards, Taiwan Interior Design Award, Tongji Young Designer Award.

Per ridurre l’impatto ambientale sul mondo derivante dall’approvvigionamento del cibo, gli abitanti delle città cercano con coscienza opzioni più sostenibili. Shikaku è un concetto nato da questa esigenza. Immagina l’esperienza culinaria al tavolo di uno chef a portata di mano; con l’uso di bento box riciclabili, non c’è colpa di utilizzare contenitori o posate monouso. Il modello combina la ricerca della qualità e la tutela dell’ambiente in un pasto conveniente paragonabile alla cucina casalinga. La location di Shikaku è essenzialmente una cucina centrale attrezzata con circa venti posti a sedere, che consente cene ed eventi. Il sito indicato si trova al terzo piano di un edificio di media altezza lungo la alberata Huashan Road. Una serie di bow windows con brisesoleil frontali caratterizzano la facciata ovest. La vista delle lussureggianti chiome degli alberi, insieme alla straordinaria luce del giorno, conferisce al sito esistente la sua atmosfera rilassante e unica. In risposta alle caratteristiche del luogo e al rigore operativo del marchio nel praticare un modello di ristorazione verde, Lukstudio ha esplorato come esprimere delicatezza con precisione in uno spazio compatto. Il design del foyer è un cenno alla tradizione dell’ospitalità giapponese. Un piccolo giardino zen, un pannello shoji che ammorbidisce la luce e un percorso in pietra di diverse trame accolgono gli ospiti in una versione curata della natura. Invece dell’uso comune di una struttura in legno, il pannello è una continuazione della griglia del soffitto in acciaio inossidabile, una caratteristica presente in tutto la location ad indicare lo scopo industriale del luogo, dando un senso di ordine. Le vetrate originali si trasformano in nicchie per sedersi. Ispirate ad una bow window e suddivise in zone caratterizzate, ogni nicchia bianca è dotata di un set di mobili in legno, che possono ospitare singoli, una coppia o un gruppo di commensali. Una parete curva di pannelli forati, che si apre parzialmente davanti alle finestre esistenti, nasconde le cornici e crea un singolare effetto visivo. Attraverso il brise-soleil e la riflessione dei colori, la luce naturale si presenta in forme diverse, proiettando strisce o scintillii durante il giorno. Ulteriori dettagli attendono in fondo alla stanza. L’onnipresente griglia industriale del soffitto si trasforma in una superficie ornata di gradienti di colore. Un pannello riflettente centrato sopra il tavolo da pranzo principale rispecchia le sfumature tenui del verde esterno o del cibo colorato sottostante, aggiungendo uno spettacolo accattivante. Nell’angolo dello scaffale, gli accessori collocati sono retroilluminati dalla luce diurna morbida attraverso il retro in vetro traslucido. La scaffalatura davanti alla finestra può scorrere su un binario e nascondere alla vista la finestra esistente. Ogni unità è un telaio in acciaio zincato in cui le assi di legno sono tenute da un supporto a cremagliera, inserendosi come attrezzature da cucina. Per compensare la caratteristica fredda e inibitoria dell’acciaio inossidabile, le forme sono articolate in diverse sfumature per dare un’impressione delicata. Gli elementi in legno come i pavimenti, i mobili e la maniglia della porta riciclati sono fondamentali per raggiungere un equilibrio. Per creare un ambiente tranquillo, i materiali fonoassorbenti sono installati dietro i pannelli perforati per ridurre il rumore e il riverbero di una cucina operativa. Esaminando ogni centimetro del design, Lukstudio crea un dialogo tra la natura e lo scopo di un luogo, traducendo la meticolosa cura del marchio per le persone e la terra. La risultante cucina zen eleva l’atto altrimenti banale di cucinare e mangiare in un luogo rispettoso.

As our world has awakened to its environmental impacts of food delivery, conscientious urbanites seek more sustainable options. Shikaku is a concept born out of this demand. Imagine a chef’s table dining experience at your doorstep; with the use of recyclable bento boxes, there is no guilt of using single-use containers or cutleries. The model combines a quest for quality and environmental stewardship into a convenient meal that’s comparable to home-cooking. The first location of Shikaku is a central kitchen equipped with about 20 seats, allowing dine-in and events. The given site is on the 3rd floor of a mid-rise building along the tree-lined Huashan Road. A series of bay windows comprise the west facade with brise-soleil in front. The view of lush tree canopies, together with dramatic daylight gives the existing site its unique calming atmosphere. In response to the site characteristics and the brand’s operational rigor in practicing a green dining model, Lukstudio explored how to express gentleness with precision in a compact space. The foyer design is a nod to the tradition of Japanese hospitality. A small zen garden, a light-softening shoji screen, and a stone path of different textures welcome guests into a curated version of nature. Instead of the common use of a wooden frame, the screen is a continuation of the stainless steel ceiling grille, a feature throughout the site signifying the industrial purpose of the place and giving a sense of order. The original bay windows are transformed into seating niches. Inspired by how a bento box is divided into partitions of various delicacies, each white niche is equipped with a set of wooden furniture, accommodating either individuals, a pair, or a group of diners. A curved wall of perforated panels - partially opens in front of the existing windows – hides the frames and captures one singular focal view. Through the brise-soleil and the gradient perforation, natural light comes in different forms, casting strips or sparkles as the day passes. More details await at the back of the room. The omnipresent industrial ceiling grille transforms into an ornate screen of gradient intervals. A reflective panel centered above the main dining table mirrors subtle hues of the outside green or the colourful food below, adding an ephemeral spectacle. In the display corner, selected accessories are backlit by soft daylight through translucent glass backing. The shelving in front of the window can slide on a track and hide the existing window from view. Each unit is a galvanized steel frame where wooden boards are held by rack support, fitting in like kitchen equipment. To offset the cold and inhibiting quality of stainless steel, forms are articulated in different sheens to give a delicate impression. Wooden accents such as recycled flooring, furniture, and door handle are all crucial in achieving a sensual balance. For a quiet ambiance, acoustic absorbent materials are installed behind the perforated panels to reduce noise and reverberation in a working kitchen. By scrutinizing every inch of the design, Lukstudio creates a dialogue between the nature and the purpose of a place, translating the brand’s meticulous care for the people and the earth. The resulting zen kitchen elevates the otherwise mundane act of cooking and eating into a mindful retreat.

TECNICAL SHEET Client: Shikaku Location: 3F，No. 301, Huashan Road, Jing An District, Shanghai City Net Area: 92㎡ Interior Design: Lukstudio Director: Christina Luk Design Team: Yicheng Zhang, Ng Mun Yee, Wendy Zhang Scope: Interior, furniture & lighting design Acoustic Consultant: Wide Audio Material list: Stainless steel, tiles, wood, stone, acoustic panel, texture paint, Tyvek paper. Design Period: 2019.10 -2020.03 Construction Period: 2020.03- 2020.06 Photography: Peter Dixie for LOTAN Architectural Photography Video Production: OUO Films PHOTO CREDITS: Peter Dixie (@lotanarchphoto) WEBSITE | lukstudiodesign.com INSTAGRAM | @lukstudiodesign FACEBOOK | Lukstudio Courtesy of v2com-newswire.com

biography

ELEONORA VAROTTI

Dalla danza allo styling | From dance to styling 100

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MAKE UP ARTIST: Fatjon Kacorri - @fatjonkacorri In sala di danza ho messo “piede” per la prima volta a tre anni e mezzo. Fui io a chiederlo a mia madre perché in casa c’erano appese a tutte le pareti, foto di lei che si esibiva al Teatro Verdi di Padova, sulle punte con quegli abiti meravigliosi, sembrava un angelo. Da quel momento capii che questa forma di espressione mi avrebbe accompagnata in un modo o nell’altro per tutta la vita. Ed è cosi che nel 2005 , dopo anni di sacrifici, allenamenti, trasferte , audizioni decido di prendere la mia valigia, dopo il Diploma e di trasferirmi a Roma per un progetto in onda su Sky condotto da Lorella Cuccarini intitolato “Vuoi ballare con me” accompagnata dal mio papà che per mesi mi è stato accanto e mi ha fatto da cavaliere in questa avventura. Da li iniziò un susseguirsi di esperienze professionali veramente indimenticabili in Rai, Mediaset, Mtv, Arena di Verona, Teatro Smeraldo e molte altre…. Roma, Milano, New York, Berlino, Parigi in giro… sempre in giro con la mia danza in tasca, coinvolta dal turbinio delle luci del palcoscenico, dalla vita di camerino, la sala prove, le costumiste che ti fissano l’ennesima paillettes, caduta durate un balletto in cui avevi “dato tutto” cosi si dice in gergo, il make-up che cola un po’ , il backstage frenetico, le foto, le interviste, le presentazioni, le proposte ed i contratti… e poi… boom… blackout… Dopo anni tutto questo eccesso mi iniziava a stare stretto…forse non mi bastava più… ed essere al centro dell’attenzione, dimostrare sempre di essere al top della forma mentale e soprattutto della forma fisica mi stava iniziando a pesare. Allora decido di prendere coraggio e partire per un lungo viaggio tra Shanghai e Hong Kong lontano da tutto, lontano dalla famiglia e dalla vita eccentrica di prima. Una cara amica Buddhista mi ripeteva sempre questa frase “il tuo

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I stepped into the dance studio for the first time when I was three and a half years old. I begged my mum to put me in dance classes as a little girl because our walls at home were covered with photos of her performing at the Verdi Theater in Padua, on her ballet shoes with those wonderful dresses, she looked like an angel. From that moment I knew that this form of art would have been part of me in one way or another throughout my entire life. In 2005, after years of sacrifices, training, auditions and travelling, I decided to pack my suitcase and to move to Rome, right after getting my Diploma. I took part in a TV show on Sky called “Vuoi ballare con me?”, hosted by Lorella Cuccarini. On that crazy adventure, my dad was by my side for months as my dance partner. From there, my dance career took off and I was involved in many unforgettable professional experiences in Rai, Mediaset, MTV, Arena di Verona, Teatro Smeraldo and plenty more. Rome, Milan, New York, Berlin, Paris... Always on the go, wearing my passion on my sleeve. The whirl of stage lights, the countless rehearsals, rushing in and out of dressing rooms, costume designers stitching sequins that had probably fallen out during a performance in which you had “given everything”, makeup a little runny, the frenetic backstage, the photos, the interviews, the auditions, the offers and the contracts... And then... Boom. Blackout. After a few years, all that craziness was starting to feel like it didn’t fit me anymore. It wasn’t enough for me at that point. Always being the center of attention and having to constantly be at the top of my mental and physical shape was starting to weigh on me. So I decided to take all my courage and move to the other side of the world, to Shanghai

JACKET: Francesca Cottone, JEANS: JRSlaboratory, SHOES: Zara, UNDERWEAR: Zara

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TOTAL LOOK: Jill Sander

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DUSTER COAT: Francesca Cottone, ACCESSORIES: Zara

TOTAL LOOK: Comme des Garcons compito è scoprire quale è il tuo compito e dedicartici con tutto il tuo cuore” Seduta lungo il Bund, guardando quel panorama cosi avanguardistico con la splendida Oriental Pearl Tower da sfondo, realizzai che dentro di me stava nascendo una nuova esigenza… quella di creare e di trasformare la vita da palco in vita “Behind the Scene”… E fu proprio alla Fashion week di Shanghai del 2013 alla quale ero stata invitata come ospite, che ebbi nuove idee…. Decisi che avrei fatto dello Styling e del Visual Merchandising la mia vera professione e di nuovo ripresi a darmi da fare duramente per specializzarmi in questo settore in cui ancora al tempo non c’era moltissima connessione tra danza e moda… In quanto una delle prime Italiane all’estero ad approcciare questo settore, ebbi l’opportunità di realizzare dei progetti per Replay China, Liu-Jo accessori China tramite Tao Bao, una piattaforma online diventata ormai un colosso della distribuzione, e lì pensai: “Ok ora posso tornare in Italia e trasferirmi a Milano”. Nel 2014 mi trasferisco a Milano, ennesimo trasloco ed ennesimo bagaglio di idee che mi porto dietro. Poche valige stavolta, ma tanta voglia di esprimermi e di dimostrare. Correndo tra uno shooting e un altro, di press day in press day, dall’ufficio stile allo showrroom per nuovi allestimenti, immagazzinai abbastanza velocemente che un editoriale ,una vetrina o un pagina web funzionavano bene se ad essi applicavo gli stessi criteri della scena teatrale... studio del colore, focal point, armonie e contrasti, luci, outfit ad hoc, modelle/modelli manichini adeguati. Oggi collaboro con diverse aziende di moda e parecchie personalità in vista nel settore, ma in realtà la parte migliore di questo lavoro è avviare un processo creativo: ad esempio quando

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and Hong Kong, away from everything I knew: away from my family and away from the eccentric life I had before. A dear friend of mine, who is a Buddhist, always used to tell me: “Your task is to find what your task is and dedicate yourself to it with all your heart”. Sitting on the Bund’s shore, staring at that wonderful modern landscape with the stunning Oriental Pearl Tower as a background, I realized that a new need was growing in me. The need of creating and transforming the “Stage life” into a “Behind the Scenes life”. It was precisely at the Shanghai Fashion Week in 2013, where I was invited as a guest, that I had new ideas. I decided that I would make Styling and Visual Merchandising my true profession and I began working hard on specializing in this field, which, at the time, wasn’t very connected to the dance scene. As one of the first italians abroad to approach this field, I had the opportunity to create projects for Replay China and Liu-Jo accessories China through Tao Bao, an online platform that has now become a giant of distribution. After gaining enough experience, I thought to myself: “Ok, now I can go back to Italy and move to Milan”. In 2014, I moved to Milan, yet another move and another baggage of new ideas that I carried with me. Fewer suitcases this time, but a great desire to express and challenge myself. Running from one shooting to another, from press day to press day, from the style office to the showroom for new set-ups, I quickly realized that an editorial, a showcase or a web page would work well if I applied the same criteria to them as the theater scene: harmony, focal points, color shades, lights, well thought-out outfits, adequate models and mannequins. Today I collaborate with several fashion companies and

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un cliente o un collega ti chiedono di avere una visione per la realizzazione di un progetto è un po’ come tornare indietro e rimettermi a guardare il palcoscenico vuoto. Cosa vuoi vedere da spettatore/cliente? Questa è la prima cosa che mi chiedo… come vuoi che sia rappresentata la tua visione? I miei manichini/ modelli e le modelle che scelgo per i miei lavori, sono fondamentalmente i miei ballerini… devono essere perfettamente in grado di incarnare la visione creativa, farla loro e ballarci dentro… De Chirico nel 1917 scelse la figura del manichino come protagonista dei suoi quadri, dimostrando come proprio la prospettiva che l’artista dona a questi oggetti sia in grado di rivelarne l’anima. Mi ha sempre affascinato molto la figura del manichino perché ha la capacità di trasmetterti un’enorme flusso di emozioni, vestito e non. (I primi modelli risalgono in realtà al 1700 ed erano semplici miniature di 50 cm utilizzati dalle grandi sartorie Parigine per il confezionamento di abiti commissionati). Il grande mondo del Retail, ovvero la forma di vendita rivolta direttamente al pubblico,

several prominent figures in the industry. The best part of this job is starting a creative process: when a client or a colleague asks me to come up with a vision for a project, it feels like going back to when I used to dance and I try to mentally envision an empty stage. What would I want to see as a viewer/customer? This is the first thing I ask myself. How do I want my vision to be represented? The mannequins/models I choose for my works are basically my dancers. They have to be perfectly capable of embodying the creative vision, make it their own and dance in it... De Chirico, in 1917, chose the figure of the mannequin as the star of his paintings, demonstrating how the perspective given by the artist is able to reveal their soul. Mannequins have always fascinated me a lot because, dressed or undressed, they have the ability to convey an enormous flow of emotions. (The first models actually go back to the 1700s; they were simple 50cm miniatures and were used by the great parisian tailors to make customized clothes.) The great world of Retail, namely the form of sales

INSTAGRAM | @eleonoramelaniavarotti FACEBOOK | Eleonora Varotti PHOTO: Flavio Torre - @torreflavio MAKE UP: Fatjon Kacorri - @fatjonkacorri

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DRESS: JRSlaboratory

mi ha aperto ancora di più la mente, perché l’impatto sul tuo lavoro è davvero immediato, trattandosi di Visual Merchandising hai un riscontro da parte del cliente che è rapidissimo e come professionista devi essere pronto a cambiare il tuo punto di vista, innumerevoli volte anche nella stessa giornata. Ciò che piace e non piace viene messo continuamente in discussione e bisogna essere in grado di mantenere i nervi saldi perché è un settore molto dinamico. La creatività volente o nolente è una parola alla quale si può attribuire una connotazione puramente soggettiva quindi ciò che per me è creativo per qualcuno altro non lo sarà ed è per questo che la danza rimane la cosa più cara che ho (ovviamente dopo mio figlio Tommaso) e tramite la quale ho capito come fare questo mestiere. Ad essa sarò riconoscente in eterno, perché mi ha dato tanto, disciplina, forza, costanza, saper andare oltre le regole della propria mente, ma la cosa più bella… la possibilità di vedere il mondo a modo mio, con i miei occhi e questo dovreste farlo tutti…

aimed directly at the public, has opened my mind even more, because the impact on your work is really immediate. Being a Visual Merchandiser, your work gets an instant response from the customer and, as a professional, you have to be ready to change your point of view countless times, even in the same day. It is a very challenging and dynamic industry, what you like and don’t like is constantly being questioned, so you have to be responsive and cool-headed. Creativity, like it or not, is a word to which we can attribute a purely subjective connotation, so what might be creative for me, might not be creative for someone else. This is why dance remains the dearest thing I have (obviously after my son, Tommaso) and through which I understood how to do this job. I will be forever grateful to dance, because it has given me so much: discipline, strength, perseverance, knowing how to think outside of the box, but the most beautiful thing for me will always be the possibility to see the world my way, through my own my eyes and this is something everyone should try to do…

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atelier

ITALIAN GRAFFITI

GABRIELE ARDEMAGNI

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singer

MISS DAG Bellissima voce, molto calda e sensuale, è già nota e molto seguita in Italia e in Europa nell’ambiente soul-pop-jazz per via degli innumerevoli concerti live e festival a cui ha partecipato. E’ molto richiesta da produttori e arrangiatori di caratura internazionale per il suo timbro vocale, la qualità e la sua dolcezza artistica. Lei è Dagmar Segbers, nome d’arte MISS DAG. In questi giorni la possiamo sentire in radio con una cover di caratura mondiale, che ha fatto la storia della musica. Parliamo di MY WAY, il leggendario brano conosciuto in tutto il mondo nella sublime interpretazione di “The Voice” Frank Sinatra. Beautiful voice, very warm and sensual, she is already well known and much followed in Italy and Europe in the soul-pop-jazz environment because of the countless live concerts and festivals in which she has participated. She is in great demand by international producers and arrangers for her vocal timbre, quality and artistic sweetness. She is Dagmar Segbers, aka MISS DAG. These days we can hear you on the radio with a world-class cover that has made the history of music. We are talking about MY WAY, the legendary song known all over the world in the sublime interpretation of “The Voice” Frank Sinatra.

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Monica Landro: Miss Dag: nome decisamente internazionale! Di dove sei e soprattutto cosa ti ha portato in Italia? Miss Dag: Sono di madre tedesca e padre olandese anche se sono cresciuta insieme a mia madre in Germania. Sin da piccola ho sempre provato una grande curiosità per l’Italia. Sicuramente è dovuto al fatto che nella mia famiglia c’è uno zio napoletano e dei cugini italo-tedeschi che mi hanno permesso di avere uno sguardo più intimo sul mondo italico e anche napoletano. Diciamo che grazie a questo imprinting io oggi mi reputo fortunata di poter vivere in Italia. Monica Landro: Miss Dag, aka Dagmar Segbers. Definitely an international name! Where are you from and above all what brought you to Italy? Miss Dag: I have a German mother and a Dutch father, although I grew up with my mother in Germany. Since I was a child, I have always felt a great curiosity for Italy. Surely it is since my family has a Neapolitan uncle and Italian-German cousins who have allowed me to have a more intimate look at the Italian and Neapolitan world. Let’s say that thanks to this imprinting, today I consider myself lucky to be living in Italy. ML: Che cosa è tipicamente tedesco in te e che cosa riconosci in te che appartiene all’Italia? MD: Dopo ormai oltre 16 anni di permanenza in Italia onestamente non riconosco più molte cose in me che potrebbero caratterizzare una parte della mia mentalità tedesca anche se so benissimo che a volte emergono. Una cosa che mi è rimasta è l’estrema precisione con cui indico una distanza o un lasso di tempo. Se a un tedesco chiedi dove si trova per esempio la stazione centrale, ti dirà con esattezza entro quanti minuti la potrai raggiungere. L’italiano è un po’ più approssimativo in queste cose. Detto ciò mi rendo conto che da quando vivo in Italia uso molto più la gestualità come linguaggio il che quando mi trovo nel mio paese di origine spesso e volentieri rischia di essere mal interpretato e quindi mi devo frenare un po’. Tutto sommato mi reputo fortunata a poter conoscere per bene entrambe le mentalità. Secondo me aiuta molto a conoscersi meglio e ad imparare ad accettare che le persone possono avere delle diversità tra loro. ML: What is typically German in you and what do you recognize in you that belongs to Italy? MD: After more than 16 years in Italy I honestly no longer recognise many things in me that could characterise a part of my German mentality even though I know that sometimes they emerge. One thing that remains with me is the extreme precision with which I indicate a distance or a lapse of time. If you ask a German where the central station is, for example, he will tell you exactly how many minutes you can reach it. Italiansare usually a bit more approximate in these matters. Having said that, I realise that since I live in Italy I use much more gestures to comunicate, which when I am in my home country often and willingly risks being misinterpreted, so I have to slow down a bit. All in all, I consider myself lucky to be able to know both mentalities very well. In my opinion it helps a lot to get to know each other better and to learn to accept that people can have differences between them. ML: Che significato dai alla musica in generale? MD: È davvero difficile per me rispondere a questa domanda con poche parole perché entriamo in un mondo talmente vasto fatto di note, emozioni e sentimenti…La musica per me è un motore che anche nei momenti difficili riesce a darmi la forza di rialzarmi e di andare avanti. Nonostante le difficoltà, la musica ci riserva sempre qualcosa di bello e magico per cui vale la pena sorridere o emozionarsi. ML: What meaning do you give to music in general? MD: It’s really difficult for me to answer this question in a few words because we enter such a vast world of notes, emotions and feelings... Music is a driving force for me that even in difficult moments can give me the strength to get up and move on. Despite the difficulties, music always reserves for us something beautiful and magical for which it is worth smiling or getting excited.

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ML: Perché hai scelto di fare una cover del celebre brano “My Way”? MD: Premesso che questa canzone mi è da sempre piaciuta durante la fase del lockdown a marzo, aprile di quest’anno ho deciso di inserirla nel mio repertorio in versione piano e voce. Una volta registrata la versione l’ho mandata ad alcune persone tra cui anche il discografico Pippo Landro della New Music International. A Pippo è piaciuta sin dal primo momento e mi ha detto “Dag, ho un’idea pazzesca” e da lì abbiamo cominciato a creare la versione attuale. ML: Why did you choose to do a cover of the famous song “My Way”? MD: Considering that I have always loved this song, during the lockdown phase in March/April this year I decided to include it in my repertoire in a piano and voice version. Once I recorded the version, I sent it to some people, including the record company Pippo Landro of New Music International. Pippo liked it from the very first moment and said “Dag, I have a crazy idea” and from there we started to create the current version. ML: Raccontaci un po’ del video che avete girato per “My way”. MD: Questo video per me è frutto di una bellissima collaborazione con il videomaker Andrea Basile e il suo team insieme a Lorenza Bacchieri alias “ladydiabolika” come make-up artist e stylist, ma anche come scenografa e fashion consultant e con i membri della mia fantastica band alias Michele Fazio al piano che ha fatto anche gli arrangiamenti, Luca Meneghello alla chitarra, Sandro De Bellis alle percussioni e Marilena Montarone al contrabbasso. Nonostante la fatica, è stata una giornata di grande condivisione e lavoro di squadra divertente. Poi per me è stata una assoluta novità entrare in un personaggio elegante come Rita Hayworth e ringrazio ancora di cuore Lorenza per essermi stata così vicina e di aiuto per poter raggiungere questo obiettivo. ML: Tell us a bit about the video you recorded for “My way”. MD: This video for me is the result of a beautiful collaboration with the videomaker Andrea Basile and his team together with Lorenza Bacchieri aka “ladydiabolika” as make-up artist and stylist but also as set designer and fashion consultant and with the members of my fantastic band aka Michele Fazio on piano who also did the arrangements, Luca Meneghello on guitar, Sandro De Bellis on percussion and Marilena Montarone on double bass. Despite the effort, it was a day of great sharing and amusing teamwork. Then it was an absolute novelty for me to enter an elegant character like Rita Hayworth and I would like to thank Lorenza again from the bottom of my heart for having been so close and helpful in achieving this goal. ML: Ci racconti brevemente la tua carriera artistica? MD: Da molti anni gravito nel mondo Soul, Blues e Jazz. Ho cantato come solista, in duo, in quartetto, cercando sempre di perfezionare la mia tecnica vocale. Ho girato molti paesi europei ed entrata in contatto con parecchie culture. Amo molto fare concerti in ambienti accoglienti e non molto grandi perché creo sinergia ed empatia con il mio pubblico. Ho partecipato a diversi Festival in tutta Europa. Sono anche autrice di canzoni. Mia è per esempio “Love come with me” scelta dal Principe di Monaco come colonna sonora del suo matrimonio con Miss Carlene Wittstock. ML: an you briefly tell us about your artistic career? MD: For many years I have ventured into the world of Soul, Blues and Jazz. I sang as a soloist, in duo, in quartet, always trying to perfect my vocal technique. I have toured many European countries and come into contact with many cultures. I really love to do concerts in cosy and not very big environments because I create synergy and empathy with my audience. I have participated in several festivals all over Europe. I am also a songwriter. One of my songs is for example “Love come with me” chosen by the Prince of Monaco as the soundtrack for his marriage to Miss Carlene Wittstock.

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ML: Che cosa significa per te l’eleganza? MD: La definizione che do all’eleganza è che non può essere forzata bensì nasce in modo naturale e spontaneo. ML: What does elegance mean to you? MD: The definition I give to elegance is that it cannot be forced but is born in a natural and spontaneous way. ML: Chi sono i tuoi idoli a livello musicale? MD: Per citare alcuni dei miei idoli musicali vorrei cominciare con Whitney Houston che ho avuto la fortuna di vedere 4 volte dal vivo! Oltre a lei amo tantissimo Norah Jones, Joni Mitchell e Esperanza Spalding. Altri idoli che magari non fanno parte del mondo musicale per me sono Jane Birkin e Audrey Hepburn. Per me hanno qualcosa di “timeless”. ML: Who are your musical idols? MD: To name a few of my musical idols I would like to start with Whitney Houston who I was lucky enough to see live 4 times! Besides her I love Norah Jones, Joni Mitchell and Esperanza Spalding very much. Other idols who may not be part of the musical world for me are Jane Birkin and Audrey Hepburn. For me they have something timeless. ML: Che cosa pensi dei talent show? MD: Se servono per mantenere alto lo spirito della musica e della musica fatta con il cuore per me va anche bene. È che temo che al centro non ci sia la musica in sé ma un format televisivo che alla fine non permette di sfornare dei veri artisti. Purtroppo, dopo così tantissimi talent ci ricordiamo solamente di pochi artisti che ne sono usciti per non parlare di canzoni. Per me un vero artista ha bisogno di costruzione e costanza e per poterlo fare ci vogliono a mio avviso anche più tempo ed esperienza. Per me la musica non la si costruisce a tavolino. ML: What do you think about talent shows? MD: If they serve to keep up the spirit of music and music made with the heart, that’s fine by me too. It’s just that I’m afraid that it’s not the music itself that’s at the center, but a television format that doesn’t allow real artists to come out in the end. Unfortunately, after so many talents we only remember a few artists who came out of it, not to mention songs. For me a real artist needs construction and perseverance and in my opinion, it takes more time and experience to do it. For me, music is not something that can be planned like a television format ML: Che progetti ci sono nel prossimo futuro? MD: Insieme alla mia casa discografica, la New Music International, stiamo preparando un album che conterrà sia evergreen degli anni passati rifatti in chiave soul, jazz ma anche pop, sia brani inediti che mi vedono tra gli autori. La squadra che sta lavorando al progetto è sempre la stessa che ha prodotto My Way. Il mood del disco sarà quello: soft, ambient, elegante. ML: What projects do you have in the near future? MD: Together with my record company, New Music International, we are preparing an album that will contain both evergreens of the past years reworked in a soul, jazz and pop key, as well as unpublished tracks that see me among the authors. The team working on the project is still the same team that produced “My Way”. The mood of the album will be: soft, ambient, elegant. Il brano My Way è disponibile su tutti gli store digitali sia in streaming che in download. Il videoclip ufficiale è disponibile sulla piattaforma di YouTube. Miss Dag è anche un’artista molto social ed ha sia il profilo Instagram, sia la pagina di Facebook, in cui è possibile trovare le date dei live che la vedono in giro per l’Italia. The song My Way is available on all digital stores both in streaming and download. The official video clip is available on the YouTube platform. Miss Dag is also a very social artist and has both the Instagram profile and the Facebook page, where you can find the dates of the live shows that see her around Italy.

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INSTAGRAM | @miss_dag_official FACEBOOK | MissDagOfficial Interview by MONICA LANDRO Backstage Photos: MATHIAS CAROLLO Video: ANDREA BASILE WORKS Make-up, Hair & Styling: LORENZA BACCHIERI, Ladydiabolika

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contest

1Â° CLASSIFICATO GIURIA TECNICA MICHELE SORRENTINO | @mikele_sorrentino 126

GlamourAffair Gallery (www.glamouraffair.gallery) è uno spazio di condivisione per fotografi professionisti e amatoriali, modelle/i e per tutti coloro che lavorano o si dilettano nel campo della fotografia. E’ possibile sottoporre al team di GlamourAffair le proprie fotografie per la pubblicazione attraverso l’apposito form di upload ed invio. La selezione di queste foto è condivisa sul portale con categoria e geolocalizzazione e, tra quelle caricate fino al 30 giugno 2020, il nostro team ha selezionato gli scatti che hanno parteciperanno al GlamourAffair Photography Award 2020, il primo contest fotografico ufficiale di GlamourAffair Gallery. Le 519 fotografie selezionate dal team di GlamourAffair sono state giudicate secondo le due modalità indicate nel regolamento pubblicato: attraverso le votazioni della Giuria Social sul GlamourAffair Gallery ed il giudizio insindacabile della Giuria Tecnica. Gli utenti del portale GlamourAffair Gallery hanno potuto quindi votare gli scatti in concorso esprimendo al massimo una sola preferenza per ciascuna foto, mettendo liberamente “like” ad ogni immagine che reputassero interessante. Durante il contest, i partecipanti hanno potuto condividere sui social i loro scatti al fine di “raccogliere voti”, considerando validi solo i like sulla pagina ufficiale del contest e non quelli sulle condivisioni. Le votazioni social hanno avuto inizio il 6 luglio 2020 e sono terminate il 30 settembre 2020. Le foto raccolte sono state infine giudicate da una giuria composta dal team di GlamourAffair, con pubblicazione ufficiale dell’esito lunedì 5 ottobre 2020 sul protale www.glamouraffair.com. I GlamourAffair Photography Award si concludono con 3 classificati decretati dalla Giuria Social ed altrettanti selezionati dalla Giuria Tecnica, insieme alle 10 menzioni ritenute comunque di qualità secondo parametri di contenuto e realizzazione tecnica. GlamourAffair Gallery (www.glamouraffair.gallery) is a sharing space for professional and amateur photographers, models and for all those who work or dabble in the field of photography. It is possible to submit your photographs to the GlamorAffair team for publication using the appropriate upload and send form. The selection of these photos is shared on the portal with category and geolocation and, among those uploaded until June 30, 2020, our team has selected the shots that will participate in the GlamourAffair Photography Award 2020, the first official GlamourAffair Gallery photo contest. The 519 photographs selected by the GlamorAffair team were judged according to the two methods indicated in the published regulation: through the votes of the Social Jury on the GlamorAffair Gallery and the unquestionable judgment of the Technical Jury. The users of the GlamourAffair Gallery portal were therefore able to vote for the shots in the competition by expressing a maximum of one preference for each photo, freely putting a “like” on each image they considered interesting. During the contest, participants were able to share their shots on social networks in order to “collect votes”, considering only the likes on the official page of the contest valid and not those on the shares. Social voting began on 6 July 2020 and ended on 30 September 2020. The photos collected were finally judged by a jury made up of the GlamourAffair team, with the official publication of the outcome on Monday 5 October 2020 on the website www.glamouraffair.com. The GlamourAffair Photography Awards end with 3 classifieds decreed by the Social Jury and as many selected by the Technical Jury, together with the 10 mentions considered to be of quality according to parameters of content and technical realization.

2° CLASSIFICATO GIURIA TECNICA GIUSEPPE MAZZAROLO | @mazzarolo 3° CLASSIFICATO GIURIA TECNICA FRANCESCO SCALZO | @imfrasca

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MENZIONI

(in ordine sparso) 1. ROSY CARLETTI @rosycarletti_photography 2. ANNA Dâ&#x20AC;&#x2122;AGOSTINO @adagostino_ph2 3. ADELAIDE BRUNELLO @adebrune_photo 4. FRANCESCA TERENZIANI @francesca_terenziani

5. LEONE RECH DALDOSSO @leone_rech_daldosso

4 128

MENZIONI

(in ordine sparso) 6. VINCENZO ANTONINI @vincenzo_antonini 7. SKAMIL @skamil.ph 8. GIANLUCA MORETTO @moretto_gianluca 9. NICO RUFFATO @nicoruffato_photo 10. EMANUELE TETTO @emanuele_tetto

10 129

1° CLASSIFICATO GIURIA SOCIAL FABIO FRITTOLI | @fabio__frittoli

2° CLASSIFICATO GIURIA SOCIAL FEDERICA MARTUCCI | @specialk.jpg 3° CLASSIFICATO GIURIA SOCIAL LUCA BARTOLI | @ellebierreph

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#GAddicted THE GLAMOURAFFAIR INSTAGRAM SELECTION

PHOTO @colaninno_tina

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2 1

Photo: @andrea.calissi Model: @ littlelittlewhite91

2. Photo: @alegnom.psd Model: @federica.folie 3. Photo: @adagostino_ph2 Model: @karoltamburo Make up: @_giuliacanal_ 4. Photo: @emanuele_tetto Model: @daria__makarenko 5. Photo: @frppas Model: @eli_amendola 3

4 5 132

6. Photo: @schallschmidt_photographer_ â &#x20AC; Model: @poisonhipnotick_model_ 7. Photo: @rosycarletti_photography â &#x20AC; Model: @lady_amaltea 8. Photo: @solorossphoto Model: @cosmyz Make up: @melissavecchionemua 9. Photo: @richard_minus Model: @stelladiplastica_n._nervitesi 10. Photo: @marco_dex83 Model: @difranci

9 133

11. Photo: @robertozaninelli Model: @iamnathalyfreitas Master: @raffaeleingegno 12. Photo: @simo.portraits Model: @carmen_diop 13. Photo: @matteobevilacquaph Model: @steisi_nuredini 14. Photo: @freedom_gallery_ph Model: @gialluca_giuliano 13

15. Photo: @giacomolazzari__ Model: @chiarapacioni___

14 134

17 16

16. 17.

Photo: @alfredospagna_fotografia Model: @goldilocks_and_the_3_bears Collab: @zanardi.lara Photo: @federico_pasqualini75 Model: @la__giusi

18. Photo: @nenerock_photo Model: @garofoloillustrations 19. Photo: @elidoturco Model: @alexturco.private 20. Photo: @roberto_capobianco_ Model: @rose_blackness 18

19 20 135

Me with... www.elisapagano.com

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PHOTO: Christian De Tommasi (@christianphoto975) MODEL: Marika Esposito (@iammissmarika)

PHOTO: Andrea Calissi (@andrea.calissi) MODEL: Carlotta Adacher (@carlotta.adacher)

PHOTO: Fabrizio Papi (@fabrizio_papi_photography) MODEL: Giulia Bonci (@bobonco)

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PHOTO: Mila Michelassi (@milamichelassi) MODEL: Marika Esposito (@iammissmarika)

PHOTO: Daniele Anichini (@daniele_anichini) MODEL: Carlotta Adacher (@carlotta.adacher)

PHOTO: Francesco Lepri (@francesco.lepriph) MODEL: Carlotta Adacher (@carlotta.adacher)

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PHOTO: Christian De Tommasi (@christianphoto975) MODEL: Carlotta Adacher (@carlotta.adacher), Elisa Pagano (@carmilla.red)

PHOTO: Christian De Tommasi (@christianphoto975) MODEL: Giulia Bonci (@bobonco)

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PHOTO: Roberto Bardare (@bardare_roberto) MODEL: Marika Esposito (@iammissmarika)

PHOTO: Dimitri Righi (@righidimitri) MODEL: Carlotta Adacher (@carlotta.adacher)

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PHOTO: Adamo de Rosa (@adamoderosa) MODEL: Marika Esposito (@iammissmarika)

PHOTO: Marco Vasca MODEL: Carlotta Adacher (@carlotta.adacher)

PHOTO: Andrea Frediani (@andreaf72) MODEL: Carlotta Adacher (@carlotta.adacher)

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GlamourAffair Vision 2020_11.12

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