Glass Onion - Número 14 by GLASS ONION

EDITORIAL:

INDICE

Hola gente, cómo están? Espero que bien. Yo impaciente por contarles de que va éste nuevo ejemplar de Glass Onion, así que sin más preámbulos me meto de lleno en el contenido. Como muchos de ustedes sabrán, Ringo Starr era todo un profesional en el mundo de la música cuando fue reclutado para sentarse a la batería de The Beatles, por lo que en éste número te contaremos toda la historia de Ritchie, desde su nacimiento hasta ingresar a la banda. En éste relato descubrirás hechos poco conocidos relacionados con el camino que recorrió hasta aquél agosto de 1962, fecha en la que finalmente se convirtió en un beatle. Curiosamente, nuestra sección de allegados de éste mes está dedicada a Andy White, el baterista que grabó en una de las primeras sesiones de la banda en Abbey Road, por lo que ésta nota podría ser considerada como una continuación de la otra. Algo similar pasa entre el disco del mes, que nos cuenta todos los detalles del álbum Let it be… Naked y nuestra nota sobre uno de los momentos más recordados de The Beatles, el concierto de la azotea. Uno de los puntos fuertes de éste mes es, a mi parecer, la nota dedicada a John. Un punto de vista muy personal sobre dos tópicos que dan para mucha discusión en la vida de Lennon: su orientación política y religiosa. Siguiendo con la temática del mes pasado donde te contamos sobre los discos recopilatorios de McCartney, éste mes vamos por los de música electrónica y/o experimental. El resto lo dejo para que lo descubran a medida que avancen en la lectura de nuestra querida publicación. Hasta el mes que viene!

Starr Time

Hola gente, cómo están? Espero que bien. Yo impaciente por ¿El hombre más afortunado de la historia o un talento contarles de que va éste nuevo ejemplar de Glass Onion, así codiciado? La vida de quién estuvo en el lugar justo en que sinelmás preámbulos me meto de lleno en elsucontenido. momento indicado y que aportó toque para Como muchos de ustedes sabrán, Ringo Starr era beatle. todo un conseguir el sonido profesional en el mundo de la música cuando fue reclutado para sentarse a la batería de The Beatles, por lo que en éste Lennon Saves número te contaremos toda la historia de Ritchie, desde su El héroe de la clase trabajadora, quién se autoproclamó nacimiento hastaque ingresar a laa labanda. éste relato más popular Jesús, era vez unEn creyente que descubrirás hechos poco conocidos relacionados con el camino apoyaba la revolución pacifista. Aquí un análisis de su que recorrió hasta aquél agosto de 1962, fecha en la que pensamiento. finalmente se convirtió en un beatle. Curiosamente, nuestra sección deThe allegados de éste mes está Rooftop Concert dedicada a Andy White, el baterista que grabó en una de las The Beatles se despiden de su público en el concierto primeras sesiones devisto la banda Abbeygente Road,de porlalohistoria. que ésta más grande por en menos nota podría ser considerada como una continuación de la otra. Algo similar pasa entre el disco del mes, que nos todos EMIcuenta Studios los detalles del álbum be… Nakedel ytalento nuestrainnato nota sobre El laboratorio dondeLet se itmezclaron de con la sabiduría de un gran fueel uno la debanda los momentos más recordados de productor The Beatles, ademásdeellalugar elegido por muchos grandes artistas. concierto azotea. todo sobredelos estudios Uno deConocé los puntos fuertes éste mes es, de a migrabación parecer, lamás nota famosos. dedicada a John. Un punto de vista muy personal sobre dos tópicos que dan para mucha discusión en la vida de Lennon: su orientación política y religiosa. Siguiendo con la temática del mes pasado donde te contamos sobre los discos recopilatorios de McCartney, éste mes vamos por los de música electrónica y/o experimental. El resto lo dejo para que lo descubran a medida que avancen en la lectura de nuestra querida publicación. Hasta el mes que viene!Disco Del Mes: Let It Be… Naked Rock N’ Roll Music: Brian Wilson It Was Fifty Years Ago This Month: Agosto ‘64 With A Little Help From My Friends: Andy White Paul McCartney: Electronic Sounds Lanzamiento: Japan Box-Set In Their Own Words: Mull de Kintyre I Read The News Today, Oh Boy

Además…

Martín Editor Principal

Editor: Martín Castro; Supervisión y Corrección: Maria Dellavalle; Coordinación y Diagramación: Federico B.; Redactores: Martín Castro, Federico B., Javier Cuenca, Milo Cuenca, Pilar J. Vázquez, Sofía Rodriguez 2

Así como The Cavern es el lugar más identificado con The Beatles en Liverpool, no caben dudas de que en Londres ése honor lo tienen los estudios donde la banda grabó casi la totalidad de sus trabajos discográficos. Estoy hablando de los EMI Studios, rebautizados posteriormente con el nombre con el que se los conoce hasta la actualidad: Abbey Road Studios. Ubicados en el Nro 3 de Abbey Road, en St. John’s Wood, Westminster, sus orígenes datan del año 1931, cuando fueron instalados en una antigua mansión gregoriana por la Gramophone Company, la compañía predecesora de EMI. La construcción del edificio se realizó en 1830, con 9 habitaciones, pero un siglo más tarde sufrió una transformación total. Para la inauguración se programó una sesión de grabación y se filmó a Sir Edward Elgar, conduciendo a la London Symphony Orchestra interpretando la primera marcha de su famosa Pomp and circumstance. A partir de ése momento, los estudios pasaron a formar parte de la elección de todos los grandes músicos de la época, incluyendo a Glenn Miller y su orquesta, quién durante la Segunda Guerra Mundial pasó un tiempo en Londres realizando presentaciones para levantar la moral de las tropas estadounidenses.

A fines de los 50s los artistas pop comenzaron a poblar las 3 salas del edificio, siendo el primer rockero importante en trabajar allí el exitosísimo Cliff Richard and the Drifters (luego rebautizados The Shadows). Su canción insignia, Mov e it, se grabó allí en 1958. Pero 4 años más tarde ingresarían al lugar los artistas más importantes que hayan trabajado en su interior: The Beatles. Junto a ellos, toda la tropa de bandas del norte de Inglaterra pasaron uno que otra vez por estos estudios y buena parte de la constelación de estrellas pop de todos los tiempos usaron sus instalaciones, como Pink Floyd, Queen, Jeff Beck, Iron Maiden, Stevie Wonder, U2, Radiohead, Oasis o los Red Hot Chili Peppers. Pero no solo de bandas de rock vive Abbey Road; fue el lugar elegido por grandes directores de cine para grabar la música incidental de muchas de las películas más taquilleras y prestigiosas de la historia. Títulos como The Empire Strikes Back (de la saga Star Wars), grabado en 1980 por la London Symphony conducida por John Williams o la trilogía de The Lord Of The Rings (The Fellowship of the Ring, The Two Towers y The Return of the King), cuyos scores fueron compuestos por Howard Shore y ejecutados por la London Philharmonic Orchestra fueron mezclados en Abbey Road. Pese a que el 17 de febrero de 2010 EMI anunció que pondría en venta sus estudios, agobiado por deudas y esperando ganar alrededor de 30 millones de libras, el gobierno británico, inducido por las continuas protestas de fans, tomó cartas en el asunto y declaro al edificio como monumento histórico, por lo que está prohibida su demolición. Sin dudas el momento más importante de su historia se produjo en 1969, cuando 4 jóvenes de Liverpool cruzaron la senda peatonal de la esquina en donde se encuentra ubicado y fueron fotografiados para la portada de su último álbum, al que llamaron Abbey Road. Desde ése instante, los EMI Studios pasaron a ser conocidos con ése nombre y se convirtió en punto de peregrinaje obligado para admiradores del mundo entero. Martín Castro Argentina

El proyecto "Get Back/Let It Be" tuvo un aurea de polémicas y controversias desde el momento mismo de su concepción por parte de Paul McCartney. Incluso la película en su estreno no contó con la presencia de ninguno de sus protagonistas. Así y todo, Let It Be salió editado en mayo de 1970, con un montón de detalles que no le agradaron a quien, paradójicamente, fue su principal mentor. Es por eso, que más de 30 años después, Paul encabezó un nuevo viaje en el tiempo para de este modo parir un "nuevo" disco Beatle: "Let It Be... Naked", que fue publicado en noviembre de 2003. Para comenzar, este no es el disco que se conoció como "Get Back", aquel que fue mezclado por Glyn Johns antes de la llegada de Phil Spector y que fue pirateado hasta el hartazgo luego de la salida del disco original. Sin embargo, "Naked..." recobra cierto espíritu de aquel disco perdido. El álbum, que según se dijo fue aprobado por George Harrison antes de su partida, arranca bien arriba con Get Back, precisamente el tema que cerraba el álbum original y aquí nos encontramos con la primer diferencia: además de un sonido orgánico, poderoso, cálido, y la alteración del tracklist, notamos que los diálogos originales de Lennon fueron removidos. Esto se corrobora cuando escuchamos sin preámbulos "Dig A Pony", el estrambótico tema de John en el que Paul no participó para su composición. “For You Blue”, de George, conserva su espíritu bluegrass y en el no encontramos grandes diferencias (si es que inevitablemente caímos en el juego de comparaciones) con respecto al álbum de 1970, aunque en realidad se trate de una toma diferente, cosa que sucede con “The Long And Winding Road”, el gran tema de Paul McCartney que Phil Spector maquilló de un modo grosero valiéndose de secciones pomposas de vientos y cuerdas a las que le agregó, como si esto fuera poco, un coro femenino… ¡¡¡Todo en una sola canción!!!!! En esta oportunidad, “The Long…” sigue mostrando la bellísima canción que siempre fue, pero ahora se puede apreciar de un modo increíblemente diáfano el piano acústico de Paul, los teclados de Billy Preston y el bajo tocado por John. Siempre estuvo ahí en realidad, pero ahora se puede escuchar con más claridad. “Two Of Us” retiene su antigua frescura y la que gana brillo es la guitarra acústica en este tema que pareciera acercar a Lennon y McCartney a los viejos tiempos. El tremendo rock valvular de “I’ve Got A Feeling” cobra nueva vida gracias a esta remezcla y allí disfrutamos de esa delicia nacida de dos temas distintos, ya que en la

mitad, se sabe, entra John con su “Ev’rybody had a hard year…” Como para seguir en el vértigo del rock and roll, llega “One After 909”, aquel viejo tema de principio de los 60, recuperado en esas sesiones de enero de 1969, cuando el pozo de canciones parecía estar secándose… y esta sección termina, si se quiere, con un tema que no estaba en el disco original, pero como fue tocado en el concierto de la terraza de Apple, no está nada fuera de lugar. Estamos hablando, por supuesto, de “Don’t Let Me Down”, la poderosa canción de amor de Lennon para Yoko que aquí cobra nueva forma, ya que Paul y George Martin mezclaron 2 tomas diferentes de aquel concierto y obtuvieron una nueva edición. Otra vez con la participación de Preston en los teclados. La versión de “I Me Mine” no difiere casi de la original, salvo, por supuesto, por la impecable remasterización que se hizo del trabajo completo y la anulación de las cuerdas de Spector. Aun así, ésta respeta a rajatabla ese loop que Spector hizo para que el temazo de Harrison durase más en el disco. Si desean escuchar la versión original, está en Anthology 2 (1996). Si de versiones originales se trata, aquí podemos apreciar por primera vez, casi sin ningún truco de estudio “Across The Universe”, la preciosa balada folk que John grabó en 1968 por única vez, pero que sufrió varios cambios en la mezcla que devinieron en un disco de caridad y, por supuesto, la versión de Let It Be ralentizada por Spector. El único artilugio usado es un eco al final “para recordar a Spector”, según dijo un irónico McCartney. Para el final, “Let It Be” no resigna su status de himno al despojarse de las orquestaciones spectorianas y los rellenos de tom toms que en su momento el productor le había pedido a Ringo Starr. Lo que también muestra una gran diferencia es el solo de guitarra, ya que acá se opto por el del single, en vez del de la versión del LP, del cual se baso casi todo el Brit Pop para irrumpir en los 90. Let It Be Naked tiene como complemento un segundo CD de 22 minutos llamado “Fly On The Wall”, que por un lado compensa la falta de diálogos del disco 1, pero por otro nos deja con ganas de más, ya que se pueden escuchar esbozos de temas como “Imagine” u “All Things Must Pass”, junto a improvisaciones de Paul y Ringo. Intentar resumir aquellas panzadas de bootlegs como “The Twickenham Sessions” o “Thirty Days” en menos de media hora es, cuanto menos, un despropósito. Muchos pusieron el grito en el cielo cuando en 2003 salió este disco por su titulo. Se escuchaba decir que el nombre debería haber sido “Get Back”… eso podría ser si hubiese salido la mezcla de Glyn Johns, cosa que hasta el momento no sucedió. Este es Let It Be Naked, basado en aquellas cintas grabadas en Twickenham y en Saville Road, pero remezcladas en los 2000, llevando a pensar por un instante que n i John ni George se habían ido y habían grabado un disco hacia muy poco tiempo…

Javier Cuenca Argentina

Cuando hablamos de influencias, uno tiende a pensar en sucesos cronológicamente anteriores. En el caso de The Beatles se trataría de los pioneros del rock and roll, los artistas de soul y el Music Hall hollywoodense y del West End británico. Sin embargo se ha dado también que músicos contemporáneos a la banda han sido de mucha inspiración y el caso de Brian Wilson, el líder y fundador de The Beach Boys es uno de ellos. Lo más llamativo es que la influencia fue en ambos sentidos al punto de lograr algunos de los discos más importantes de los sesenta gracias a esta sana competencia. Al momento del desembarco de The Beatles en los Estados Unidos, no cabían dudas de que The Beach Boys eran el número más importante del país, llevando las olas y el sol de California por todo el territorio y haciéndose fuertes en los charts con pegadizas canciones sobre amor adolescente, autos veloces, tablas de surf y todos los condimentos de una película ambientada en una playa durante los tempranos 60’s. Los miembros de la banda no vieron con agrado que su propio sello, Capitol, les diera tanta promoción a estos desconocidos ingleses, pero pronto ellos también cayeron rendidos antes la inventiva y el talento de los Fab. Se dice que Rubber Soul fue lo que motivó al inquieto bajista de los americanos a crear uno de los discos más avanzados y aclamados del rock, el fenomenal Pet Sounds. Cuando ésos “sonidos favoritos” cruzaron el Atlántico y llegaron a manos de Paul McCartney, no dudó en correr a mostrárselo a Lennon. Era la dirección que querían seguir y les asombraba que alguien más tomara ese rumbo. De hecho el propio McCartney considera que God Only Knows, de éste disco, es “la mejor canción jamás creada”. Si bien Sgt Pepper no suena particularmente parecido a Pet Sounds, es similar en otros aspectos, como el uso del estudio de forma extrema, exprimiendo todas sus posibilidades e inventando algunas nuevas cuando la tecnología del momento no era la suficiente como para satisfacer sus deseos.

Además, las letras comenzaron a tomar vuelo, abandonando (parcialmente) la tradicional canción de amor e incursionando en sonidos nunca antes escuchados en canciones pop. Se puede decir que el rol del músico-productor nació en éste momento, de modo más explícito del lado de Wilson, que ya desde sus inicios era el cerebro de su banda, mientras que The Beatles tenían una figura demasiado fuerte en la sala de control como lo era George Martin y les tomaría más tiempo atravesar esa barrera, pero a partir de aquí comenzó a ser común que algún miembro del grupo (por lo general Paul) se sentara frente a la mesa de mezcla. Las semejanzas entre ambas bandas vienen desde antes. Las dos compartían la extraña característica de no tener un único cantante y desde sus primeros discos se esforzaron en imponer sus propias composiciones en lugar de que autores externos escribieran para ellos. También eran reconocidos por sus armonías vocales (la marca de fábrica de los californianos) pero los de Liverpool les sacaban una cabeza de ventaja en cuanto a los arreglos musicales y la variedad estilística de sus canciones, pero todo se emparejó apenas pasada la mitad de la década y luego cada uno siguió por su propio camino.

¿Pero quién es Brian Wilson? Brian Douglas Wilson es el hijo mayor de Murry y Audree Wilson, nacido el 20 de junio de 1942 en el Centinela Hospital, en Inglewood, California. Sus dos hermanos menores fueron Dennis (1944-1983) y Carl (1946-1998). Murry Wilson era un músico frustrado que había tenido un único éxito con la canción “Two step, side step” y todo su resentimiento lo volcaba en el trato con sus hijos, a quienes quería educar en el mundo de la música, pero a la vez era demasiado severo y hacía críticas desalentadoras hacia ellos. Incluso se dice que llegó a maltratarlos físicamente debido a repentinos arranques de furia. Esta sería una cruz que Brian llevaría durante años. Sin embargo los hermanos lograron aprender y desarrollar un talento impresionante para su edad, cantando en perfecta armonía desde muy chicos. La música era todo para Brian y Carl, pero Dennis, que también tenía un buen oído, estaba más interesado en divertirse y en conseguir chicas. Cuando surgió la idea de formar una banda, la madre de los hermanos le hizo prometer a Brian que incluiría a Dennis y éste aceptó, muy a su pesar. Invitaron a su primo Michael “Mike” Love y a un compañero de Brian de la secundaria, Al Jardine. Luego de una serie de grabaciones fallidas con nombres como The Pendletones o Kenny & The Cadets, logran su primer éxito con “Surfin”, ya con el nombre que los haría

conocidos hasta hoy, The Beach Boys. La idea de escribir sobre surf la impulsó Dennis, el único surfista de la banda. Hasta llegar a Pet Sounds la banda cosechó más logros con “409”, “Help me, Rhonda”, “I get around”, “Surfin USA”, “California girls” y muchas más, aunque durante ése período muchos sucesos influyeron en la mente de Brian. Se había casado el 7 de diciembre de 1964 y aún era atormentado por el fantasma de su padre, que continuaba desacreditándolo pese a todo lo obtenido. Así, en pleno vuelo mientras se dirigía a una serie de actuaciones, tuvo su primer crisis de nervios. Solo realizó una presentación y decidió volver a casa. Su lugar para el resto de la gira lo tomó Glenn Campbell, un reconocido músico de sesión. Luego de éste episodio tomó la decisión de no tocar más en vivo con la banda. A partir de ése momento se dedicaría exclusivamente a componer y a trabajar en el estudio. Fue reemplazado por Bruce Johnston en escena, quién continuó con la banda incluso cuando Brian decidió regresar al vivo. Esta reclusión, sumado al abuso de drogas, dio por un lado uno los períodos más creativos de Wilson, aunque por otro, comenzó a alejarlo cada vez más de la realidad y muchos temían por su salud mental, ya que veían un proceso que parecía irreversible. El punto crítico se dio con el sucesor de Pet Sounds, el fallido Smile, que contenía ideas tan poco convencionales que no logró apoyo ni si quiera de sus compañeros de banda, que consideraron que no sería apropiado que ése material viera la luz con su nombre impreso en la tapa. La salud de Brian se estabilizaría pero seguiría teniendo conductas erráticas durante buena parte de los 70, aunque en 1976 se produjo su retorno a los escenarios y a partir de allí comenzó a experimentar una leve mejoría, pese a que durante los 80 siguió padeciendo crisis nerviosas. Con todo, la carrera de Brian resurgió desde entonces y ha vuelto a tocar con sus antiguos compañeros de banda, aunque sufrió la pérdida de sus dos hermanos, Dennis en 1983, quién murió ahogado al lanzarse al mar desde un bote en un importante estado de ebriedad, y Carl en 1998, a causa del cáncer. Al margen de algunos enfrentamientos con su primo Mike con respecto a derechos de autor, Brian participó de la gira por los 50 años de The Beach Boys y continúa regalándonos su maravillosa música con su propia banda. Martín Castro Argentina

Liverpool en 1940 puede que no haya sido el mejor lugar en donde nacer. En plena Segunda Guerra Mundial, no era extraño que las bombas alemanas cayeran en ésta ciudad portuaria, por tratarse de un punto clave en lo que es la navegación de buques aliados. Sin embargo esa fue la suerte que le tocó a Ringo Starr, que asomó su nariz por éste mundo (y nunca mejor aplicada ésa metáfora) el 7 de julio de ése año. Hijo de Richard Starkey y Elsie Gleave, el pequeño recibió el mismo nombre que su padre, y al igual que él, se lo llamaba familiarmente “Ritchie”. Para diferenciarlos les decían Big Ritchie (su padre) y Little Ritchie (Ringo). El niño nació en su propia casa, algo habitual en aquella época, en el Nro 9 de Madryn Street, en el Dingle, uno de los distritos más humildes de Liverpool. Antes de su nacimiento, puede decirse que sus padres tenían una vida con algunas carencias económicas, pero felices al fin y al cabo. Ambos eran grandes entusiastas del swing y gustaban de bailar y asistir a eventos. Quizás el buen humor característico de Ringo sea algo heredado de sus padres, al igual que su amor por las Big Bands. Lamentablemente, luego del nacimiento de su hijo la pareja comenzó a deteriorarse. Se dice que Elsie tomó una postura demasiado sobreprotectora con el pequeño y tal vez ello haya hecho que el padre se sintiera desplazado e

ignorado. Lo cierto es que se dedicó a la bebida y a la vida disipada (una nueva coincidencia con el futuro de su hijo) y no tardó en separarse y más tarde divorciarse de Elsie cuando el pequeño tenía sólo 3 años. Allí comenzaría la etapa más difícil en la vida del futuro baterista. Su madre se vio obligada a salir a trabajar y a dejar al niño al cuidado de una vecina algunos años mayor que Ritchie, Marie Maguire, quién lo cuidaba varias veces a la semana y con quién entablo una profunda amistad. Ringo solía llamarla su hermana. Marie recordó:

“Mamá y Elsie se hicieron buenas amigas y yo pasaba mucho tiempo con Ritchie. Cuando estaba por cumplir 7 años, su apéndice explotó, le dio peritonitis y se puso muy mal. El 7 de julio de 1947, Elsie fue llamada desde el hospital porque ellos tenían dudas de que fuera a sobrevivir. Recuerdo ése día porque fue el día que murió mi padre. Pero aún así, mamá se fue con Elsie y se sentó a su lado toda la noche, incluso habiendo perdido a su marido ése mismo día: ella quería estar a su lado porque la necesitaba.” Todos los detalles sobre las enfermedades que sufrió Ringo durante su infancia pueden encontrarlos en el Nro 9 de Glass Onion, sin embargo creo apropiado mencionar que durante su segunda gran enfermedad ocurrió un hecho que sería determinante en la vida de Ringo. Nuevamente Marie recuerda:

“Ritchie contrajo tuberculosis que por supuesto es algo serio. En aquella época era un estigma terrible tenerla y por eso la familia dijo que era pleuresía. Estuvo en una casa en Heswall, en el Wirral. Allí fue donde le llevé el disco de Eric Delaney, ‘Bedtime for Drums’, el cual él amo”. Durante su convalecencia los niños enfermos de tuberculosis pasaban mucho tiempo en cama y parte de su tratamiento era darles a los chicos algún tiempo donde hacer ruido, con el fin de estimular su desempeño motriz. Para ello, se les entregaban panderetas o tambores de juguete con los cuales pasar un momento agradable. Se podría decir que esto, sumado al regalo de Marie, hizo que naciera el amor de Ritchie por la batería. Hay un detalle poco conocido con respecto al árbol genealógico de Ringo, cuyos ancestros más lejanos a los que se tiene acceso datan de 1766. Su abuelo paterno se llamó John Alfred Parkin, pero cuando su madre se volvió a casar y su nuevo marido se apellidaba Starkey, decidió no sólo cambiar el suyo si no también el de su hijo. John Alfred fue denominado entonces John George Starkey, cambiando también su segundo nombre, y posteriormente sería el padre de Richard Henry Starkey, el papá de Ringo. El 17 de abril de 1953 su madre se había vuelto a casar. El nombre de su padrastro era Harry Graves, un londinense que emigró al norte luego de haber tenido él también un fallido primer matrimonio. Harry fue lo más cercano que

Ringo llegó a conocer como un padre, siendo que a Big Ritchie lo vio solamente 3 veces más en su vida y no tiene recuerdos de él. En cambio se llevaba muy bien con Harry, ya que le hizo conocer a muchos grandes artistas de swing como Dinah Shore, Billy Daniels y Sarah Vaugham. Además se encargó de contactar al entrenador del Arsenal para que saludara a su hijastro durante su período de internación (Ver Glass Onion Nro 12). Para cuando Ringo estuvo recuperado de la tuberculosis había perdido demasiado tiempo de estudios. Fue a la St. Silas Primary School y luego a la Dingle Vale Secondary, pero era obvio que no estaba capacitado para rendir el Eleven Plus, el examen que determina a qué tipo de escuela asistiría para obtener un título profesional, así que simplemente dejó de estudiar y comenzó a trabajar. Sus comienzos en el mundo laboral fueron poco alentadores. Casi sin educación y con una salud frágil era común que fuera rechazado en muchas ocasiones pero eso no hizo que desistiera de seguir intentándolo. Se le ocurrió que quería usar un uniforme y tan sólo por eso se presentó en el British Rail, porque sabía que a los empleados ferroviarios les daban ropa abrigada para cumplir con sus tareas. Se sintió muy decepcionado cuando solo le dieron una gorra y una escoba. De todos modos no pasó el examen médico. Finalmente consiguió trabajo como barman en un crucero que unía Liverpool con Gales del Norte, pero lo dejó tiempo después porque temía ser reclutado por la Royal Navy. Creía que al trabajar allí podría darles la impresión de que estaba dispuesto a estar embarcado mucho tiempo.

A mediados de 1956 Harry le consiguió trabajo como ayudante de mecánico en un taller de Liverpool y allí se hizo amigo de otro empleado, Roy Trafford, quién le hizo escuchar por primera vez el nuevo fenómeno de las islas británicas llamado skiffle. Durante la hora del almuerzo, ambos se juntaban a improvisar algunas canciones, Trafford tocando la guitarra y Ritchie golpeando lo que sea que encontraba por allí. Poco tiempo después se les unió un vecino de Ringo que también trabajaba con ellos, llamado Eddie Miles, y como vieron que la cosa podría ir un poco más en serio, decidieron salir del taller para presentarse donde pudieran, sean fiestas familiares o los lugares dedicados a ofrecer música en vivo que empezaban a proliferar en la ciudad. Adoptaron el nombre de Eddie Miles Band, que pronto cambiaron a Eddie Clayton and the Clayton Squares. Fiel a la tradición del skiffle, Ritchie comenzó tocando el famoso washboard, que no es otra cosa que una tabla de lavar en donde se rasgaba con un dedal metálico. El día de Navidad de 1957 Ritchie recibió el mejor regalo que podría haber deseado alguna vez. Su padrastro Harry había viajado al sur a visitar a sus familiares y les compró a sus tíos un viejo set de batería por 30 libras, que consistía en un bombo, un redoblante y un platillo, el cual fue recibido por su hijo con gran entusiasmo. Según Ringo:

“No era el tipo de baterista que se la pasa ensayando. Recibí mi primer set en Navidad y en febrero ya estaba en una banda”. Y fue exactamente lo que pasó, ya que para febrero de 1958 estaba estrenando su nuevo instrumento y la banda comenzó a conseguir actuaciones más prestigiosas y a obtener más dinero de ellas, por lo que para mediados de año Ringo decidió comprar una batería nueva, financiada por su abuelo, quién aportó las 50 libras. Este nuevo set, un Ajax con un solo tom, fue adquirido en la tienda de Frank Hessey. Ringo se decidió por éste set porque se parecía a las baterías Ludwig que tanto le gustaban. La formación del Eddie Clayton Skiffle pasó a ser Eddie Miles en voz y guitarra, Ritchie en batería, Roy Trafford en teachest bass, Frank Walsh en guitarra y John Dougherty en washboard.

Ringo junto a Eddie Clayton Skiffle.

Poco tiempo después, en noviembre de 1959, Ringo dio el primer gran salto en su carrera al unirse a los Texans, la banda de un joven llamado Alan Caldwell, un grupo skiffle que buscaba un baterista para pasarse al rock and roll. Pronto Al cambiaría su nombre por otro con más atractivo artístico. Primero fue Jet Storm and the Ranging Texans para luego pasar a su nombre definitivo, Rory Storm and the Hurricanes. La banda estaba formada por Rory en voz, Johnny “Guitar” Byrne y Ty O’Brien en guitarras, Lu Walters en bajo y Ritchie Starkey en batería. Por éste tiempo, los integrantes decidieron utilizar nombres de escena, siguiendo el ejemplo de Al, y Ritchie adoptó el que lo haría famoso mundialmente: Ringo Starr. La elección del nombre tiene dos motivos; uno es su amor por las películas de vaqueros, y por ello escogió el que había utilizado John Wayne en la película de 1939 “Stagecoach” (La diligencia). El otro hace referencia al gusto de Ritchie por los anillos (Ring en inglés). Del mismo modo su apellido fue contraído del modo que pueda anunciarse su momento estelar (Starr Time) cuando era presentado en escena y tocaba su solo. Es curioso que ése haya sido un momento en el show de los Hurricanes, siendo que más de una vez Ringo ha declarado que no le gustan ni ve necesarios los solos de batería. Siguiendo con la cronología, hay que decir que inmediatamente la banda se convirtió en el número más importante de Liverpool, tal es así que fueron los primeros en encabezar la cartelera de The Cavern, cuando comenzó a darle más lugar a las bandas beat en lugar del jazz tradicional. En 1960 consiguieron un contrato con el campamento de vacaciones de Butlins, en Gales, un trabajo estable muy deseado que los posicionó aún mejor. A partir de éstas actuaciones consiguieron una gira por las bases de la Fuerza Aérea norteamericana en Francia y poco después fueron contratados para tocar en Hamburgo por Bruno Koschmider, el mismo empresario que ya tenía a The Beatles tocando en sus clubes. Allí fue donde Ringo conoció a sus futuros compañeros y rápidamente simpatizó con ellos. Ambas bandas alternaban cada hora en el escenario y según Ringo, él se quedaba en la audiencia para verlos y pedirles canciones. Se dice (y nunca se confirmó con fidelidad) que allí realizaron una grabación donde habrían participado John, Paul, George, Ringo y Lu Walters, quién habría cantado la canción de George Gershwin, “Summetime”. Otra de las personas que Ritchie conoció en Hamburgo fue Tony Sheridan, un cantante y guitarrista londinense que trabajaba en los clubes de la Reeperbahn y que al año siguiente grabaría con The Beatles una serie de canciones

Ringo y Rory Storm en 1960.

Fiesta con The Beatles.

Ringo junto a Tony Sheridan.

que aparecerían años después. Tony le insistió a Ringo para que dejase a los Hurricanes y se uniera a su banda, pero éste no accedió inmediatamente. Antes de abandonar Hamburgo, Ringo adquirió un nuevo kit de batería, esta vez de una calidad superior aunque de un color que siempre detestó. Compró un set Premier Mahogany Duroplastic color marrón que utilizaría por los siguientes 3 años.

Ringo regresa a Rory Storm, durante 1962.

Ringo siguió junto a Rory durante más de un año, hasta que notó que la banda estaba estancada y decidió aceptar la oferta de Sheridan y dejó a los Hurricanes en enero de 1962 para viajar nuevamente a Alemania, aunque poco antes había sido tentado para unirse a The Seniors, pero finalmente optó por ir con Tony debido a que le ofrecían una buena paga, un piso y un auto a su disposición, pero no le gustó demasiado el modo de manejarse de Sheridan en escena, ya que solía cambiar las canciones del set list sin siquiera avisarle a sus músicos. Así que sólo por un par de semanas actuó junto a Sheridan, el bajista Colin Melander y el pianista Roy Young, mientras que su lugar en los Hurricanes fue cubierto por el baterista de The Excutioners, Derek Fell. A su regreso a Inglaterra, volvió a unirse a Rory y continuó tocando hasta que se les presentó una nueva temporada en Butlins en agosto de 1962. Nuevamente la banda no parecía progresar y Ringo recibió la oferta de unirse a The Dominoes, la cual le pareció muy tentadora ya que le ofrecían un pago fijo de 20 libras a la semana.

A su vez, en un par de ocasiones anteriores, Ringo había sido llamado por Brian Epstein, el manager de The Beatles, para suplantar alguna vez a Pete Best, sobre todo en las sesiones del mediodía de The Cavern. Como por lo general todas las bandas tocaban los mismos clásicos no era difícil unirse a ellos sin siquiera ensayar. Además Ringo amaba tocar con ellos porque consideraba que eran la mejor banda del momento, superando a Rory. Poco después de recibir la oferta de The Dominoes, el 14 de agosto de 1962 Ringo fue llamado otra vez por Brian, pero esta vez su oferta era para unirse a ellos en forma permanente. Tenían programada una sesión de grabación con Parlophone y al productor George Martin no le agradaba la forma de tocar de Pete, por lo que tenía pensado utilizar un sesionísta, pero los muchachos habían decidido ir más lejos y directamente cambiarlo por él. Ringo aceptó inmediatamente. Realmente quería tocar con ellos y además… le ofrecían 25 libras a la semana! Pero pidió un tiempo, ya que Brian quería que volviera a Liverpool ésa misma noche y él no quería dejar a su

antigua banda sin baterista, sobre todo porque recién iban 5 semanas de un contrato de 6 meses que le representaba un buen dinero a sus ya ex compañeros, por lo que pidió unirse a The Beatles el siguiente sábado, lo que le daba a Rory el extraordinario tiempo de 3 días para conseguir un reemplazo. El 16 de agosto Pete fue despedido y fue reemplazado en los shows de ésa noche y la siguiente por Johnny “Hutch” Hutchinson, el baterista de The Big Three que había

actuado junto a ellos en la audición para Larry Parnes unos años atrás. Finalmente, el 18 de agosto se produjo el debut oficial de la formación permanente y legendaria de The Beatles en el Horticultural Society, en Port Sunlight. John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr, o simplemente John, Paul, George y Ringo (la única banda que es conocida con sólo los nombres de pila de sus integrantes) estaban listos para hacer historia.

Martín Castro Argentina

Agosto 1964 Hace 50 años, un primero de agosto "A Hard Day's Night" llegaba al #1 en EE. UU donde permaneció por 14 semanas, vendiendo dos millones de copias en cuatro meses; mientras tanto en Baltimore, nace el cantante y cantautor de los Counting Crows, Adam Duritz. El día 4, The Kinks publican su tercer single, “You Really Got Me” escrita por su líder Ray Davies. Al mes siguiente llegó al #1 en UK, permaneciendo en ese puesto durante dos semanas. Este gran éxito los llevó a la fama y a ser una de las bandas más representativas de la invasión británica. El miércoles 5 de agosto se estrena la película francesa “Banda Aparte” (Bande à part) dirigida por Jean-Luc Godard. La historia, que adapta la novela pulp estadounidense Fool's Gold, de Dolores Hitchens, es una mezcla de cine negro, comedia y drama. Este mismo día nace Adam Yauch músico y fundador del grupo de hip hop Beastie Boys. Era conocido por su nombre en el escenario como MCA. El 8 de agosto Bob Dylan publica su cuarto álbum, “Another Side of Bob Dylan” y se presenta en el “Forest Hills Tennis Stadium - The Forest Hills Music Festival” en New York donde interpreta “Mama, You Been On My Mind”, “It Ain't Me, Babe” y “With God On Our Side”. El domingo 9, en el Vaticano, Pablo VI firma su primera encíclica, Ecclesiam suam, llamando al diálogo a todas las iglesias cristianas y religiones no cristianas. El día 10, los singles “Do You Want To Know A Secret/Thank You Girl”, “Please, Please Me/From Me To You”, “Love Me Do/P.S. I Love You” y “Twist And Shout/There’s A Place” fueron lanzados en EE.UU. El once de agosto la policía detiene, en Madrid (España), a Stuart Christie y Fernando Carballo, acusados de preparar un atentado contra Franco. En Canterbury (Reino Unido) el 12 de agosto, muere a los 56 años el escritor británico de novelas de suspenso Ian Fleming, creador de una de la más exitosa y ampliamente imitada serie de ficción popular: James Bond, agente 007 del servicio secreto británico, personaje también llevado a la gran pantalla con enorme éxito de público. El día 13, Manfred Mann llegan al nº 1 con su single “Do Wah Diddy Diddy”, canción grabada por primera vez por la banda The

Exciters, que fue un fracaso. El tema fue grabado por Manfred Mann el 11 de junio y publicado el 10 de julio. 2 meses después de ser nº 1 en UK, el 17 de octubre llegaría a lo más alto también en EEUU. Ese 14 de agosto, The Rolling Stones lanzan “Five By Five”, un EP con temas como “Confessin the blues”, “Around and around”, “Empty heart” y “If you need me”. Este día, también, fallece ahogado Johnny Burnette, quien fue un pionero del rockabilly. Junto con su hermano mayor, Dorsey Burnette y su amigo Paul Burlison, fundaron el grupo The Rock and Roll Trio. El simple "Everybody Loves Somebody" de Dean Martin, llega al #1 en los EE.UU. ese 15 de agosto. El miércoles 19, EE.UU. lanza un cohete Delta desde Cabo Kennedy, transportando al satélite de comunicaciones Syncom 3. Éste es el primer satélite que gira sincronizado con la Tierra. The Supremes, el 22 de agosto, llegan al nº 1 en EE.UU. por primera vez con “Where Did Our Love Go”. The Beatles tocan en el Hollywood Bowl el 23 de agosto. La grabación se editaría posteriormente en vinilo. Este 24 de agosto el single “Slow Down”/”Matchbox” de The Beatles fue lanzado un EE.UU. como Capitol 5255. Esa misma fecha, Bo Diddley y Chuck Berry unen sus fuerzas y sus guitarras en el disco publicado bajo el nombre de “Two Great Guitars”. El 25 de agosto, en Vie tnam del Sur, como consecuencia de las masivas manifestaciones de estudiantes y monjes budistas que vienen sucediéndose desde hace cinco días, el consejo militar deroga la Constitución del 16 de agosto. La película “Mar y Poppins” es estrenada el 26 de agosto en EE. UU. Dirigida por Robert Stevenson basada en el libro del mismo nombre y que era firmada por P.L. Travers. El film es un musical de Walt Disney que mezcla actores reales con secuencias animadas. portada de la revista Life; ese día también conocen a Bob Dylan con quien fuman marihuana por primera vez. En España el domingo 30, el ex torero Juan García Mondeño toma los hábitos religiosos, en el monasterio de Calarnega (Burgos), de la Orden de Predicadores.

Milo Cuenca Ecuador

Este 28 de agosto The Beatles hicieron su primera aparici贸n en la

Andy White tuvo un paso muy fugaz por la banda, de forma solo contractual, pero aún lo seguimos escuchando bastante seguido, cada vez que escuchamos el álbum Please, Please Me. Repasemos un poco su biografía y legado. Andy nació el 27 de julio de 1930, en Glasgow, Escocia. Compró su primera batería a los 12 años, con 65 libras regaladas por su padre. En palabras de Andy "Estaba desesperado por tocar la batería". Con el tiempo fue perfeccionándose y realizó algunos trabajos menores para bandas locales y para los boy scouts de Glasgow. A los 17 ya era músico de sesión y se profesionalizó a los 22 tras lo cual se trasladó a Londres. Durante los últimos años de los 50's Andy tocó en varias bandas de jazz y swing, lo que le abrió las puertas para tocar con músicos de la talla de Chuck Berry, The Platters y Bill Haley & His Comets. Ya a comienzos de los 60's Andy tuvo el honor de tocar la batería para el primer álbum de Billy Fury, titulado The Sound of Fury, y el cual es considerado el primer álbum británico de rock n' roll. Poco después se casó con una artista de Decca, llamada Lyn Cornell. Curiosamente Lyn pocos años después formó parte de una banda llamada The Carefrees, con la cual logró un éxito llamado "We Love You Beatles", que alcanzó el puesto 39 en Billboard. Ya en septiembre de 1962 Andy, casi sin quererlo, llegó a The Beatles tras un llamado de Ron Richards (asistente de

George Martin) con quien ya había trabajado. Si bien The Beatles ya tenían baterista, ni EMI ni George Martin estaban totalmente de acuerdo con que sea Ringo quien toque en el primer single, ya que no gustaban mucho del estilo. De hecho ya habían grabado dos veces Love Me Do, primero con Pete Best (expulsado) y en segundo término con Ringo (que no alcanzaba el nivel pretendido). Por lo cual se forzó a que sea alguien ya experimentado como Andy quien grabara el primer single, y por esta ocasión se movió a Ringo a las panderetas, "las cuales Ringo no tocó muy bien", según Andy. Si bien Andy ya conocía la existencia de la banda previamente a través de su esposa que era de Liverpool, no conocía las canciones. Tras aceptar la propuesta tuvo que aprenderlas de inmediato (cosa muy común para los músicos de sesión). Diría Andy:

"Recibí una llamada de EMI, nunca se sabía lo que iban a pedir que haga".

"Por el sonido de la batería puedo asegurarte que yo estaba ahí, porque es muy diferente al sonido del set que tenía Ringo por ese entonces. Esto fue antes que él tenga su kit Ludwig. Cada baterista consigue un sonido personal, primero que todo por la forma en la que ajusta los bombos y entonces, por supuesto, por la forma en que los toca". Desde entonces participa esporádicamente como baterista en una banda de Gaitas y da clases de batería para principiantes. También lleva en su auto una calcomanía que dice "5THBEATLE", regalada por un alumno. Cuenta Andy que a veces cuando va a comprar a tiendas del barrio encienden "Love Me Do" por los altoparlantes, y el suele mirar a su esposa con una sonrisa pícara y decir

"Aquí vamos, de nuevo..." Luego de realizada la sesión de grabación, que incluyó tomas de Love Me Do, P.S. I Love You y Please, Please Me, se le pagó a Andy lo acordado (se dice que fue cerca de 57 libras, aunque Andy afirma que fue menos), y como era costumbre, no se le otorgó ningún derecho de autor. Según Andy, "Todos quedaron muy contentos, menos Ringo. Creo que casi se muere cuando vio otra batería" . La versión de Andy White salió finalmente en el single americano y alcanzó el puesto 1 en los charts, con P.S. I Love You de lado B, además de integrar posteriormente el álbum debut. El single británico fue la versión con Ringo en la batería. La versión grabada del tema Please Please Me, no vio la luz hasta los Anthology de los 90's. Más allá de esa sesión, Andy no volvió a tener más contacto con los Fab. Diría:

Federico B. Argentina

"Me encontré con Paul varias veces en Abbey Road, en los 60’s, pero eso fue todo". Tiempo después, de 1964 a 1975 trabajó con la actriz y cantante Marlene Dietrich en sus espectáculos de cabaret, con quien realizó algunas giras. También trabajo con Burt Bacharach y Lulu, con quien grabó la canción "Shout". Otro single en el que participó y alcanzó el éxito fue "It's Not Unusual", de Tom Jones. También grabó con Rod Stewart, Anthony Newley, Bert Weedon y la BBC Scottish Radio Orchestra. En 1973 Andy se mudó a Caldwell, New Jersey, y en 1983 se volvió a casar allí con la actriz Thea Ruth. En 2008 fue invitado a tocar la batería para The Smithereens, grupo que el año anterior había grabado el álbum "Meet The Smithereens!", tributo a The Beatles y tenía planes de sacar un segundo álbum de covers, incluyendo todos los B-sides de The Beatles entre 1962 y 1965. Acá entra en juego Andy, quien tocó con ellos nuevamente P.S. I Love You. En una entrevista a la BBC en 2012, Andy instauró la polémica al asegurar que una de las tomas en las que él tocó la batería de Please, Please Me fue la que llegó al single:

Paul McCartney es, sin dudas, el más "pop" de los Beatles y quien más inquietudes experimentales ha llevado a cabo. Esto se extiende desde los discos de música de cámara hasta los de música electrónica, que son los discos que reseñaremos brevemente aquí. Todo comienza en 1993, luego de unos remixes del tema "Hope Of Deliverance", lo que animó a Paul, junto a Youth (alias de Martin Glover, bajista de Killing Joke) a realizar un disco bajo el seudónimo conjunto de "The Fireman", donde ritmos digitales se fusionan con cánticos étnicos. El disco se llamó "Strawberry Ships Ocean Forest" y salió el 15 de noviembre de 1993, es decir, una semana más tarde que "Paul Is Live" bajo el sello alternativo Hydra. El disco, de tapa absolutamente roja, no hace mención en ninguna parte al ex beatle. Cinco años más tarde, The Fireman editó un segundo trabajo. Este se llamó "Rushes" y estuvo más orientado a sonidos New Age. En 2000, la galería de arte Tate se propuso hacer una muestra retrospectiva del artista Peter Blake, cuya obra más famosa fue la portada de Sgt Pepper’s. Para decorar musicalmente la muestra (con sonidos de Liverpool, de donde también es Blake), se le encomendó el trabajo al grupo galés Super Furry Animals. Ciân Ciaran, líder de la banda, le propuso a Paul colaborar en la obra, quien aceptó y contribuyó con la presencia de Youth y la apertura de los archivos de Abbey Road para que trozos de música inédita de The

Beatles fuese utilizada. El resultado fue "Liverpool Sound Collage" y a través de sus 5 tracks de ambient, dance y música concreta, los créditos corrieron por cuenta de los Super Furry Animals, Youth, Paul McCartney y The Beatles... En 2004, un afamado DJ llamado Roy Kerr - más conocido en el ambiente de la música electrónica como Freelance Hellraiserfue comisionado por el propio Paul para remixar algunos temas de su discografía y de esa manera poder pasarlos en la previa de los shows de su gira de aquel entonces. El trabajo Strawberry Ships Ocean Forest se hizo y al año siguiente se remixaron más temas para así lanzar un disco de vinilo doble (y de edición limitadísima de un solo cd) llamado "Twin Freaks", que fue el nombre que aunó al DJ y al bajista. En ese disco se pueden encontrar muy buenas versiones de temas de Wings así como también de sus Rushes discos solistas. El último disco, hasta el momento, de esta veta digital de Sir Paul es "Electric Arguments", el tercero de The Fireman e ditado en noviembre de 2008, aunque cabe señalar que aquí McCartney y Youth abandonan un poco el tecno radical para meter guitarras y otros instrumentos tradici Liverpool Sound Collage onal es, acercando el resultado artístico a los primeros ejercicios solistas de Macca como "McCartney" o "Ram", por lo cual, atendiendo que por vez primera el nombre del artista se deja ver al lado de su seudónimo, tal vez haya sido el último de este alias, pero afortunadamente con Paul McCartney jamás puede darse eso por sentado. Twin Freaks

Javier Cuenca Argentina

Electric Arguments

De manera sorpresiva, dentro de esta nueva ola beatlemaníaca que nos viene trayendo lanzamientos constantes (Álbumes estadounidenses, vinilos y un largo etcétera), salió a la venta un pequeño Box-Set en CD que incluye los 5 primeros discos tal y como fueron editados en Japón, respetando tracklist y arte desde las portadas hasta los sleeves. Entre los detalles más destacables es que las mezclas que reproduce Help! son "original stereo mix", tal y como salieron en Japón en 1965. Aunque, de todos modos, los masters utilizados en este y todos los 5 discos corresponden a los remasters de 2009. El set solo se vende como tal y no venderán los discos por separado. Además incluye un libro de 100 páginas. También salió a la venta un single de una sola canción promocionando el Set, "I Want To Hold Your Hand", misma mezcla de audio y replicando el arte de tapa original. Un objeto más para que los coleccionistas incluyan en sus discotecas. El BoxSet incluye: 1) Beatles! / Meet The Beatles [Mono] (Fecha de lanzamiento original: 5 de Abril de 1964) 2) Beatles No.2 / Second Album [Mono]

3) A Hard Day's Night [Mono] 4) Beatles No.5 [Stereo] 5) Help! [Stereo]

(Fecha de lanzamiento original: 5 de Junio de 1964)

(Fecha de lanzamiento original: 5 de Septiembre de 1964)

(Fecha de lanzamiento original: 5 de Mayo de 1965)

(Fecha de lanzamiento original: 15 de Septiembre de 1965)

Federico B. Argentina

Cuando The Beatles se reunieron para lo que sería su ‘live set’ definitivo el 30 de enero de 1969 ya había pasado algún tiempo desde su última presentación pública en Candlestick Park en aquel 29 de agosto 1966. Fue un período de tres años en los que el grupo alcanzaría nuevas alturas artísticas, aún cuando comenzara a desmoronarse. Las razones de su separación inminente eran abundantes: la muerte de Brian Epstein en 1967; el sorprendente desarrollo musical de George Harrison, que había sido sólo un socio menor en los primeros años de The Beatles; la maduración inevitable del cuarteto, cuyos intereses fuera de la banda van desde lo personal hasta lo profesional; y, por supuesto, el uso de drogas y los egos, todo a la vez se convirtió en una espiral fuera de control. A lo largo de enero de 1969, se pretendió dejar plasmado en audio y video cómo era el proceso de creación del álbum ‘Let It Be’ (en ese entonces llamado provisionalmente ‘Get Back’) desde las reuniones de planeación hasta el fin del mismo. Michael Lindsay-Hogg (quien también grabó los clips promocionales de

‘Paperback Writer’, ‘Rain’, ‘Hey Jude’ y ‘Revolution’) fue el encargado de filmar el documental donde se ensayaron y grabaron las canciones que eventualmente aparecerían en el disco antes mencionado. Al poco tiempo, lo que en un principio parecía ser una gran idea, solo fue una muestra más de lo que estaba pasando dentro de ese núcleo tan sólido que alguna vez fueron The Beatles… Durante el rodaje de este documental, se pudo ver a unos Beatles agotados de la dinámica que habían generado tiempo atrás, provocando la renuncia de George el 10 de Enero (acción que obviamente no fue documentada) deteniendo la filmación y obteniendo una reacción de John Lennon, el cual comentó que, “si Harrison no quiere seguir en el proyecto eso no importaba”, mencionando nombres para su remplazo en donde figuraban guitarristas como Eric Clapton o Jimi Hendrix. En vista de este tipo de contratiempos se tomó la medida de trasladar la producción desde los confines cavernosos del Twickenham Studios a las íntimas habitaciones de las

nuevas oficinas de Apple en el #3 de Savile Row, ubicado al centro de Londres, y que de alguna manera fue una sabia decisión. Inmediatamente se descongeló esa atmósfera helada que había deteriorado, hasta el momento, a sus cuatro protagonistas. El 22 de enero, Billy Preston fue incluido en los teclados como petición (o mejor dicho como condición) para que George volviera y se reintegrara a la banda con el fin de disuadir las disputas entre los integrantes de The Beatles. La idea de Harrison funcionó: cuando Preston estaba presente, los muchachos evitaron pelear como lo habían hecho durante las sesiones anteriores. En vísperas de culminar las grabaciones a Paul McCartney se le ocurrió que debía darse un final apoteósico a este documental/disco por lo que mencionó la idea de regresar a sus orígenes interpretando las canciones en un pequeño club al estilo de The Cavern; pero también se barajaron otras alternativas como el Coliseo Romano, un barco en el Támesis, las pirámides de Egipto o en los Himalayas. John incluso trató de persuadir a sus compañeros de viajar a África, o hasta, de forma fantástica e irónica, presentarse en un asilo. El 30 de Enero de 1969, empezó como un día frío en Londres y un viento fortísimo azotaba a la ciudad. Así que todo vino junto con gran rapidez, con los miembros del personal arrastrando equipo desde el estudio a la azotea para el show. Como curiosidad se conto con la presencia de Alan Parsons, un joven operador de cinta (que más tarde se habría de convertirse en un famoso productor y líder de su propia banda), tuvo que improvisar cuando se

enfrentaron a la cuestión del ruido que producía el fuerte viento.. Se dirigió a una tienda cercana para comprar medias de mujer para cubrir los micrófonos. Parsons más tarde comentó: "La persona encargada de la tienda pensó

que yo iba a robarla o bien, que iba a travestirme". A las 12 del mediodía, los Fab Four aparecieron en la azotea del edificio de Apple Corp., el inmisericorde clima obligó a John pedir prestado a su esposa Yoko el abrigo de mink que traía puesto, Ringo utilizó el rompe vientos color rojo de su esposa Maureen Starkey, Paul enfundado solamente en un traje común y George, muy preparado para la ocasión, con un abrigo negro, jeans verdes y tenis. Sin embargo, algo mágico sucedió cuando The Beatles se enchufaron en la parte superior de sus oficinas en Savile Row, durante la hora del almuerzo; algo puso de manifiesto la esperanza de que pudieran haber seguido hacia una nueva década. Jugar al aire libre, lejos de fans gritando, Lennon y McCartney improvisando con destellos en los ojos, compartiendo sonrisas cómplices. Incluso mostraron su inconformidad al apagar sus amplificadores cuando los visitó la policía y amenazaron con detener el concierto debido a las quejas por ruido de los negocios vecinos. En resumen, parecían estar envalentonados por oírse y tocar juntos de nuevo. La promesa del concepto de "Get Back", finalmente llegó a buen término.

"Fue muy divertido porque era al aire libre, lo cual era inusual para nosotros", McCartney recuerda en 'The Beatles Anthology.' "Era un lugar muy extraño, porque no había público... así que estábamos jugando prácticamente a la nada, al cielo, que estaba bastante bien." El espectáculo, que duró sólo 42 minutos, contó con cinco tomas de 'Get Back'; dos versiones de "Don’t Let Me Down", desechada debido a un Lennon flojo y feliz al que se le olvidaron las palabras; fragmentos de varias canciones, incluyendo "I Want You (She’s So Heavy)", que más tarde se amplió para su lanzamiento en 'Abbey Road'; y "I’ve Got A Feeling", "One After 909" y "Dig A Pony", estas tres últimas canciones fueron utilizadas en la versión final del álbum ‘Let It Be’ de Phil Spector. George Martin grabó el show en dos máquinas de ocho pistas en el sótano del edificio de Apple, con Glyn Johns y Alan Parsons ayudando.Lennon, después del primer intento de "Get Back", bromeó, "We've had a request from Martin

Luther King..." (Hemos tenido una petición de Martin Luther King). Eso fue sólo el comienzo. Después en otra toma, él dijo: " We’ve had a request from Daisy, Morris and Tommy," (Hemos tenido una petición de Daisy, Morris y Tommy), antes de arrancar con una breve interpretación de 'Danny Boy.' McCartney se unió a la diversión, haciendo referencia a la situación de la policía acercándose durante 'Get Back'. "You’ve been playing on the roofs again, and

that’s no good, and you know your mom doesn't like that /

She gets angry / She’s gonna have you arrested! Get back!" (Has estado jugando en los tejados de nuevo, y eso no es bueno, y sabes que a tu mamá no le gusta eso/Ella se enoja/ ¡Ella va a hacer que te arresten! Regresa). Por

decir que no fue el primer concierto realizado en una azotea, ése logro pertenece a Jefferson Airplane (ver Glass Onion Nro 7). El ‘Rooftop Concert’ ciertamente sugiere que The Beatles podrían haber continuado si hubieran sido capaces de tocar en vivo juntos, pero en ese preciso momento de la historia Beatle (tomando en cuenta que se trataba de un último concierto), aparentemente, los muchachos solamente querían terminar con ese vínculo de la mejor manera posible sin saber que aún el destino les tenía preparada una sorpresa más… Abbey Road.

último, está la despedida intemporal de Lennon al final del concierto, preservada para la eternidad en 'Let It Be': "I’d

like to say thank you on behalf of the group and ourselves, and I hope we passed the audition." (Me gustaría dar las gracias en nombre del grupo y de nosotros mismos, y espero que hayamos pasado la audición). George Harrison diría tiempo después sobre este evento:

“Fuimos a la azotea con el fin de resolver la idea de un concierto en vivo porque era mucho más sencillo que ir a otro lugar. Además nadie había hecho eso, y era interesante ver lo que pasaría cuando empezáramos a tocar allí. Instalamos una cámara en la zona de recepción de Apple, detrás de una ventana para que nadie pudiera verla, y filmamos a la gente que venía. La policía y todo el mundo entraba diciendo: ‘¡No pueden hacer eso! Ustedes tienen que parar’ ”.

Milo Cuenca Ecuador

Hay que destacar que este concierto marcó un hito en la historia de la música, colocándose para siempre en el imaginario popular y convirtiéndose en objeto de diversas parodias como el que hacen los Simpson en un episodio donde Homero, Barney, Skinner y Apu forman un grupo de música y tocan en la azotea del bar de Moe (aquí aparece George Harrison interpretándose a sí mismo); homenajes por parte de otras bandas, inspiradas por el impulsivo evento como U2 que intentaron hacer lo mismo, veinte años después para el videoclip del tema ‘Where The Streets Have No Name’ de su álbum The Joshua Tree. El grupo Red Hot Chili Peppers hicieron lo propio con su tema ‘The Adventures of Rain Dance Maggie’ en el 2011. En la película Across the Universe', musical que usa temas de los Beatles para contar una historia de amor, también se puede apreciar una escena muy similar al final del film. En honor a la verdad, hay que

John Lennon, el soñador. ¿Quién no oyó hablar de él? Más que un músico, fue y es emblema de la paz y la igualdad, autor del himno pacifista por excelencia, Imagine. La frivolidad de la Beatlemanía caló profundamente en Lennon, que luego de verse abrumado por el éxito, sintió la necesidad de buscar más allá de lo que conocía. Drogas, terapia, la visita a India y más, no eran otra cosa que la búsqueda de espiritualidad y de encontrar el verdadero significado de la vida. En 1959, cuando John tenía 18 años, daba comienzo la guerra más larga disputada por Estados Unidos: La Guerra de Vietnam. En plena guerra, y sobre todo de manifestaciones pacifistas, se empiezan a ver las primeras muestras del pensamiento político de Lennon. Revolution, del White Album, grabada en el año 1968 es la primera canción de contenido político de The Beatles, y de John. Brian Epstein estaba en contra de que la banda mostrara ideología, por eso luego de su muerte en 1967, las cosas cambiaron. Revolution fue escrita por John en India y en ella se promueve una revolución pacífica, criticando los levantamientos de masas que hipócritamente se manifestaban a favor de la paz en enfrentamientos violentos; habla de revolucionar la forma en que vivimos. Es famosa la “encamada por la paz” que hizo con Yoko Ono en su luna de miel en el hotel Hilton de Ámsterdam. Tres meses más tarde, una segunda encamada en Montreal. Mientras millones de manifestantes contra la

Guerra de Vietnam en Washington D.C. apoyaban entonando otro gran símbolo de la paz, escrito por John: Give peace a chance. Una vez que la pareja se estableció en Nueva York, entabló amistad con varios activistas contra la guerra, con integrantes de los Panteras Negras, y más. Se dice que la pareja financiaba a la IRA de Irlanda, cosas que no simpatizaban al FBI y al gobierno de Nixon. Estas acciones desencadenaron en un intento prolongado de deportar a John y Yoko, que finalmente quedó en la nada cuando Nixon ya no ocupaba el cargo de la presidencia de Estados Unidos como consecuencia del asunto Watergate. Tan influente fue John, que existe la teoría de que su asesinato no fue un acto individual de un fanático enfermo, sino que fue un plan del gobierno de Estados Unidos, que no veía con buenos ojos su activismo político. Luego de la separación de The Beatles, la ideología de John se hizo cada vez más notoria, compuso Imagine, en 1971. La canción que nos dice que John era un ateo pacifista, un hombre que creía que las ideas de la gente podían cambiar la realidad social. Podría decirse, de lo que escuchamos en Imagine, que Lennon tenía un pensamiento que combinaba características del pensamiento Realista, el Liberal, el Marxista y el Constructivista. Las guerras que había en ese entonces demostraban que el Realismo y el Marxismo (que propone la paz a través de la lucha) eran la realidad del momento, que trataba de crear paz a través de

la violencia. Sin embargo este pensamiento iba en contra de lo que John consideraba necesario para conseguir la paz. Imagine sugiere que solo se puede pensar en la paz si se imagina y cree en un mundo sin violencia. El mundo estaba movido por el marxismo, personas que creían que la revolución ocurría con violencia. Por otro lado, la esperanza optimista de un futuro ideal sin violencia es una de las características del idealismo de los liberalistas. Traducido a términos técnicos, podríamos decir que Lennon creía que si la gente pensaba como liberalista, la sociedad podría mejorar. Creía que la sociedad podía ser construida con las ideas de la gente, y eso lo ubicaría dentro del constructivismo. Imaginen un mundo sin países, sin religión, y sin posesiones. Sin eso no hay conflicto, y sin eso hay paz. Una inclinación claramente marxista que plantea la igualdad social lograda a través de la supresión de la propiedad privada y de la religión. Claro que todo este análisis técnico no estaba presente en el pensamiento de John. Era un hombre que se consideraba un filósofo, pero basado en la experiencia y no en la teoría. Por eso se expresaba con la música, una de las formas de John de hacer revolución sin violencia. Las bases de su filosofía eran estas: Era fundamentalmente humanista y secular, tenía fe en que los individuos podían encontrar su mejor lado combinando su amor, con el poder que tienen de cambiar el mundo y con el sentimiento de darle a la vida un sentido altruista. Llegó un punto en el que John fue consciente de la influencia que ejercía sobre las personas y trató de deslindarse de esa responsabilidad. Sin embargo él buscaba que su mensaje llegara a toda la gente, y nunca se sintió por encima de las clases trabajadoras. John sabía que el cambio empieza en la autotransformación, es imposible cambiar el mundo sin antes cambiar uno mismo, y dirigía sus esfuerzos a eso. No se puede separar la filosofía de una persona de su conducta. Muchos lo critican por decir que era un predicador de la paz, pero una persona violenta, competitiva y egocéntrica en la intimidad. Uno de sus grandes defectos es que no podía poner en práctica todo lo que embanderaba. ¿Cuál era el pensamiento religioso del hombre que una vez dijo que era más popular que Jesús? Se crío en el cristianismo y lo veía como algo normal, pero ya para la época de The Beatles no lo practicaba.

“Si hablas, lo que dices no termina allí… las vibraciones siguen su curso infinitamente, y por lo tanto cada acción sigue su curso infinitamente y tiene su efecto. Si piensas detenidamente el efecto de lo que vas a crear, hay más oportunidad para todos nosotros. Es difícil pensar cada movimiento. Pero tus actitudes en la vida van a tener un efecto en todos, y por lo tanto, en el universo”.

A lo largo de la segunda mitad de los sesenta, la espiritualidad se convierte en una industria millonaria, con un mercado que abarcaba desde la magia esotérica hasta el budismo zen. Los jóvenes lamentan entonces el materialismo de sus padres, y canciones como el “Nowhere Man” de Lennon, hablan en 1965 de un hombre que “no tiene visión, ni sabe a dónde va”. El LSD se convierte así en la pastilla del Camino de Damasco, por el que muchos aseguran ver a Dios, o incluso ser el mismo Dios. “Yo soy él, como tú eres yo, y todos estamos juntos”, canta Lennon en “I Am The Walrus” (1967), uno de los temas que compuso bajo su influencia. En esta época es donde Lennon incurre en la meditación, no abordándolo desde el punto de vista religioso sino como una forma de conocerse a sí mismo y separarse de la banalidad que venía viviendo hasta entonces.

Cuando John Lennon dice que The Beatles son más populares que Jesús, despierta tal controversia en Estados Unidos que hace que muchos cristianos quemen sus discos. Da igual lo que Lennon dijera para aclararlo –“no estoy diciendo que somos

mejores, o más grandes, ni comparándonos con Jesucristo como persona, Dios, o algo así”–, a partir de entonces la Iglesia ve a The Beatles como una influencia corruptora. John siempre fue considerado por los medios como ateo, pero él aclaró que no lo era. “La gente tiene la

imagen de que yo soy anticristiano o antirreligioso, pero no es así en absoluto” –dice John en 1980–. “Soy una persona muy religiosa, desde luego que no soy ateo”. Incluso Yoko confesó, luego de la muerte de John, que en los últimos tiempos la religiosidad había cobrado mayor importancia en su vida. Así de contradictorio podía llegar a ser John: 10 años antes había escrito que “Dios es el concepto mediante el cual medimos nuestro dolor”, y pasó sus últimos años de vida muy cercano a la religión.

Sofía Rodríguez Uruguay

Mull de Kintyre Mull de Kintyre Oh, la niebla rodando desde el mar Mi deseo es estar siempre aquí Oh, Mull de Kintyre Mucho he viajado y mucho he visto Montañas oscuras distantes con valles verdes Palmarés del desierto pintado, la puesta de sol sobre el fuego Que me lleva a casa en Mull of Kintyre Atravezando los brezos como los ciervos en la cañada Me llevan de vuelta a los días que yo conocí Noches en las que cantabamos como un coro celestial Sobre la vida y los tiempos de la Mull of Kintyre Sonrisas en el sol y lágrimas en la lluvia Todavía me lleve de vuelta a donde mis recuerdos permanecen Parpadeo inquieto creciendo más y más Que me llevan de nuevo a la Mull of Kintyre

El documental de The Beatles "Estoy entusiasmado, para mí es un honor trabajar en esta impresionante historia de estos cuatro jóvenes que asombraron al mundo en 1964. Su impacto en la cultura popular y en la experiencia humana no puede ser exagerado" dijo Ron Howard quien dirigirá y producirá este documental autorizado sobre las giras de The Beatles entre los años 1960 y 1966." Imagine Entertainment, Apple Corps Ltd. y White Horse Pictures financiarán esta obra que contará con la cooperación de Paul McCartney, Ringo Starr, Yoko Ono y Olivia Harrison. Se espera que el documental esté listo para exhibirse en los cines a finales del próximo año.

Paul reedita 5 álbumes en forma de aplicación Los discos Band on the Run, Ram, McCartney, McCartney II y Wings Over America del ex-Beatle, fueron reeditados y ya están disponibles en el App Store de Apple. Este proceso lo realizó con Concord Music Group, y ya se encuentran a la venta en Europa a través del App Store de Apple por un precio de 7 dólares cada uno, contando con sonido remasterizado, entrevistas y vídeos que incluyen documentales e imágenes de ensayos.

Tom White y su selfie con Paul McCartney Un muchacho de Omaha se sacó una selfie en la cual se puede ver también a Paul McCartney y el reconocido empresario Warren Buffet sentados en un banco mientras paseaban por la ciudad. Rápidamente, la foto de Tom White se apoderó de las redes y hasta Paul McCartney respondió con un particular mensaje: "Simplemente pasando el rato con los amigos" .

Escarabajos devoran árbol tributo a George Harrison Un árbol plantado en un parque de Los Ángeles en memoria a George Harrison murió devorado por escarabajos, dijo un concejal de la ciudad. Según difundió Los Angeles Times era un pino de 10 metros de altura plantado en 2004 en Griffith Park. El árbol contaba con una placa dedicatoria: "En memoria

de un gran ser humano que tocó el mundo como un artista, un músico y como jardinero", además de incluir una cita de Harrison donde parafraseaba al guía espiritual Maharishi Mahesh Yogui: "Para que el bosque

sean verde, cada árbol debe ser verde". Luego del ataque de los escarabajos lo único que queda es la placa conmemorativa. Ante la destrucción del árbol, el concejal Tom LaBonge prometió que plantarán otro pino en tributo a Harrison.

Se subastará casa de George en Liverpool David Coughlin, director de Homes Bought Fast, la compañía encargada de vender la casa, anunció que la propiedad ubicada en el Nro 25 de Upton Green será vendida al mejor postor y que ha recibido ofertas nacionales e internacionales. Él dijo: “Estamos

abrumados por el interés que despierta ésta propiedad. Cuando nos enteramos de que era la antigua casa de un Beatle implementamos un gran trabajo de investigación que confirmó que era la casa de George - y aún así no lo podíamos creer. Es parte no sólo de la historia de Liverpool, sino también del mundo de la música, y es algo muy especial estar en el mismo lugar que una vez estuvieron The Beatles”. George nació en la casa familiar ubicada en Arnold Grove, pero en 1949 los Harrison se mudaron a este nuevo hogar en Speke y siguieron viviendo allí hasta 1965, cuando George les compró un Bungalow en Appleton, en las afueras de Warrington.

Pilar J Vázquez Argentina

Y EN EL PROXIMO NUMERO . . . ESPECIAL