Glass Onion - Número 22 by GLASS ONION

EDITORIAL:

Hola beatlefans! ¿Cómo están? Nosotros nuevamente felices de llegar a ustedes por este medio, nuestra queridísima Glass Onion. Una costumbre mensual para compartir todo sobre The Beatles. No es ninguna novedad para quienes hayan visto la tapa de la revista que en este mes nos dedicaremos a hablar de uno de los álbumes fundamentales de los Fab, el Álbum Blanco. Pero no nos limitamos a dedicarle la nota central, si no que varias de las notas que acompañan éste ejemplar se desprenden de dicho LP. Así les hablaremos de Revolution 9, la más bizarra obra jamás editada por la banda; del Maharishi Mahesh Yogi, guía espiritual en la India, lugar de germinación de muchas de las canciones; los Esher Demos, aquellas maquetas realizadas en casa de George poco antes de ingresar al estudio para grabar formalmente; incluso nuestra sección Off-beatle tiene una ingeniosa y atrayente relación con el disco doble que nos ocupa. Pero no crean que eso es todo. No podíamos darnos el lujo de no contarles lo sucedido en la visita de Ringo Starr a la Argentina, con una crónica en primera persona de un show memorable. También les contaremos vida y obra del menor de los McCartney, Mike McGear. Y un gran y revelador relato de lo sucedido en Los Angeles en 1965, la reunión cumbre de los actos de rock and roll más celebrados e influyentes de la historia: The Beatles y Elvis Presley. Como siempre, habrá más cosas para descubrir y deleitarse. Hasta el mes que viene!

The White Album Obra discutida si las hay, no deja de reflejar el momento histórico de la banda. Entre la espiritualidad y los negocios; entre amores que nacen y amistades que se quiebran.

Ringo Starr en Argentina Cada vez que un beatle pisa nuestro suelo se convierte en un acontecimiento. Todo sobre el show más grande ofrecido por el baterista en su vida.

Elvis Presley Meet The Beatles Historias que se cruzan. Imágenes difusas. Recuerdos y vivencias del momento más esperado por los chicos de Liverpool. Los Fabulosos conocen al Rey.

The Beatles y la moda Cada look, cada estilo, cada cambio. Los muchachos no sólo cambiaron el mundo de la música, también marcaron tendencia en el guardarropas de varias generaciones.

Además…

Nota John: Revolution 9 Disco del Mes: The Esher Demos Martín Photograph Editor Principal It Was 50 Years Ago Today: Abril ‘65 With A Little Help From My Friends: Maharishi Mahesh Yogi Only A Northern Song: Discos y Colores Nota Paul: Mike McGear I Read The News Today, Oh Boy In Their Own Words: Post data: Oh Mi Amor

Editor: Martín Castro; Coordinación y Diagramación: Federico B.; Redactores: Federico B., Martín Castro, Octavio Cavalli, Migo Coiro, Javier Cuenca, Maria Dellavalle, Maximiliano Seijas, Pilar J Vázquez

Ver a un beatle en vivo no es cosa de todos los días, por lo que la tercera visita de Ringo Starr a la Argentina fue recibida con gran entusiasmo tanto por fans de la banda como por simples aficionados a la música. No era para menos, una leyenda del rock, uno de los Cuatro Fabulosos, pisaba el escenario… y gratis!

No es para menos tanta emoción. Su actuación en la capital argentina se cuenta como la de mayor asistencia a un show en el que haya participado de modo protagónico (había tocado como invitado de los Beach Boys en el Bicentenario de USA ante millones de personas), incluso más multitudinaria que cualquier presentación de The Beatles.

La gente de Movistar organizó el evento en un predio junto al Planetario Galileo Galilei de la Ciudad de Buenos Aires el domingo 1 de marzo, con la modalidad de tener 2 escenarios para que la espera entre banda y banda (se trataba de un festival) sea lo menos extensa posible.

En lo estrictamente musical debo decir que la banda suena ajustada, algo previsible ante tamaños músicos. Muchos desprevenidos asistentes al festival que tal vez nunca habían presenciado un show de Starr se sorprendieron (gratamente) ante la avalancha de hits por parte de la All Starr Band. Canciones como Hold The Line, I Saw The Light, Black Magic Woman o Kyrie hicieron delirar al público mayor de 30.

La organización fue más que aceptable. El ingreso comenzó poco después del horario pautado, pero se hizo rápido y sin inconvenientes, y la tenue lluvia no hizo más que agregar otro condimento a la memorable jornada. Las bandas soporte se fueron sucediendo unas tras otras, teniendo su punto más alto en la participación de dos iconos locales del rock, David Lebón y Charly García, como invitados de la banda tributo Durabeat. Lamentablemente, quienes no quisimos dejar nuestra “buena ubicación” frente al escenario principal nos tuvimos que conformar con verlos por las pantallas (ligeramente fuera de sincro) y escuchar los tenues sonidos que llegaban desde el escenario 2.

Pero todos estábamos ahí por algo y pese a que no hubo sorpresas, las canciones cantadas por Ringo fueron aclamadas fervorosamente. Arrancó el show con Matchbox, aquel cover de Carl Perkins que The Beatles publicaron en 1964 seguido por el primer gran éxito de su carrera en solitario, It Don’t Come Easy. La canción Wings, de su disco Ringo the 4th que fuera reversionada e incluida también en Ringo 2012, fue la última de la primera sección, con Ritchie cantando al frente del escenario. Luego de esto, se fue a sentar a su batería para acompañar el número solista de cada uno de sus compañeros.

A las 20:30 las luces se apagaron y llegó el momento esperado por las 80 mil personas que colmaron el lugar: Ringo Starr, el baterista de The Beatles, salía a escena junto a su All Starr Band para hacer delirar a un público argentino siempre entusiasta. Acompañado por Steve Lukather y Todd Rundgren en guitarras, Richard Page en bajo, Gregg Rolie en teclados, Gregg Bissonette en batería y Warren Ham en saxo, percusión y teclados, Ringo se mostró enérgico y feliz, jugando con el público y hasta emocionado por las muestras de cariño recibidas.

Desde allí se encargó de presentar la canción que iba a cantar a continuación: “ésta la cantaba con la banda en la que toqué antes… [ovación del público]… Rory and the Hurricanes!”, bromeo, para luego completar “si, la canté con The Beatles también” y arrancó con una furiosa versión de Boys que hizo bailar a todos los presentes.

“tonta” pero con un trasfondo nada inocente. De cualquier manera, se trataba de una fiesta y todos los miembros de la banda quedaron boquiabiertos al observar a 80 mil personas saltando al ritmo del “we all live in a yellow submarine” del estribillo. Tan así fue que posterior al show, Richard Page escribió en las redes sociales “esta es la reacción del público más loca que vi con Yellow Submarine”, acompañado por el video del momento. Y el ambiente general que se vivió, además del pogo mas grande, hizo que Ringo comentara “la siempre asombrosa Buenos Aires. Ustedes sí que saben rockear. Nos veremos otra vez”, palabras que muchas veces son de compromiso, aquí suenan realmente sinceras.

Tal vez para demostrar que no solo Paul puede pasearse por el escenario tocando todo instrumento que se le cruce en el camino, Ringo se ubico frente a un teclado para tocar él solo la primer estrofa de Don’t Pass Me By, su aporte al álbum blanco y que presentó diciendo que “fue la primer canción que escribí para la banda. Escribí muchas otras, pero… bueno”, haciendo un gesto de resignación. Un párrafo aparte para la siguiente canción. Bastardeada por muchos y amada por los fans, Yellow Submarine tiene la particularidad incomprendida de ser en apariencia una canción

Tras la versión de Black Magic Woman de Santana, Ringo vuelve a homenajear a Perkins con su otro cover, Honey Don’t, y nuevamente todos bailando, seguido por Anthem, otra vez de Ringo 2012, su último disco a la fecha. Nuevamente le dio paso a cada uno de sus músicos para lucirse frente a la audiencia y, de nuevo empuñando sus palillos, dedicó a todas las mujeres su versión de I Wanna Be Your Man. El tramo final del show estuvo marcado por la emoción. Es imposible escuchar Photograph y no pensar en George.

Ringo, Charly García y David Lebón

Luego vino otro alegre momento con Act Naturally, para cerrar con el clásico de clásicos de nuestro baterista: With A Little Help From My Friends. Al final, Ringo amaga con irse y la banda engancha el final del tema beatle con Give Peace A Chance, y otra vez el recuerdo de John invade a los presentes que despiden a Ringo con sus dedos en forma de V. Un mensaje positivo entre tantos males del mundo.

Ver a un beatle, como dije al principio, es toda una experiencia que permanecerá con nosotros, los afortunados que estuvimos allí, hasta el último de nuestros días. Good Bless Ringo!

Martín Castro Argentina

Setlist: Matchbox (Carl Perkins cover) It Don't Come Easy (Ringo Starr cover) Wings (Ringo Starr cover) I Saw the Light (Todd Rundgren cover) Evil Ways (Willie Bobo cover) Rosanna (Toto cover) Kyrie (Mr. Mister cover) Bang the Drum All Day (Todd Rundgren cover) Boys (The Shirelles cover) Don't Pass Me By (The Beatles cover) Yellow Submarine (The Beatles cover) Black Magic Woman / Gypsy Queen (Santana cover) Honey Don't (Carl Perkins cover) Anthem (Ringo Starr cover) You Are Mine (Richard Page cover) Africa (Toto cover) Oye como va (Tito Puente cover) Love Is the Answer (Utopia cover) I Wanna Be Your Man (The Beatles cover) Broken Wings (Mr. Mister cover) Hold the Line (Toto cover) Photograph (Ringo Starr cover) Act Naturally (Buck Owens cover) With a Little Help from My Friends (The Beatles cover) Give Peace a Chance (Plastic Ono Band cover)

Es que, en un sentido estricto, los motivos de John eran valederos: habían fundado su propio sello para hacer lo que quisieran, si Paul podía aportar las canciones para agradar a la “abuelita” como Ob-La-Di Ob-La-Da, ¿por qué el no podría aportar su arte sonoro?

Una Revolución no tan “revolucionaria” El Álbum Blanco sorprendió a más de uno que lo escuchaba por primera vez en su vida, cuando en los oídos ya existía la melodía de Revolution. Curiosamente, ninguno de sus títulos era así, sino que tenían un número como aditamento (1 y 9). “¿Serán secuelas?”, recuerdo haber pensado. Y mucho tiempo después, ya aceptando la historia oficial de las grabaciones de The Beatles y sus aportes individuales en aquel 1968, caí en la cuenta de que estaba intentando entender acabadamente a Lennon: craso error.

El documental “Compleat Beatles” (sí, aquél que narraba el actor británico Malcolm McDowell), dice algo que en parte no es del todo cierto: “(Revolution 9) estaba más cerca del concepto de lo que Yoko hacía… Todos intentaron a como dio lugar mantenerla fuera del disco”. John ya venía experimentando con pastiches y collages sonoros en el ático de su casa, desde que la acondicionó en 1966 con dos grabadores Brenell más (sumadas a la que ya tenía), un mellotrón, una batería (que no sabía tocar), un piano, y distintos equipos de radio a transistor. Aunque le seguía de cerca el paso a Paul en el arte de crear “loops” con las cintas, John grababa cualquier cosa (solo o acompañado): desde notas sueltas de su piano, hasta golpes de batería, desde conversaciones sin sentido con Ringo (cuando iba de visita y “jugaban” en el estudio), hasta programas sueltos de radio… Cuando descubrió que podía alterar la velocidad de las grabaciones y ponerlas en reverso, los experimentos fueron más recurrentes.

“Revolution 9” se desprende de la idea musical de las clásicas “Revolution” (sea la identificada como “1”, la original que John llevó como idea de single y le dijeron “es muy lenta”, y la que en definitiva se editó como cara B de “Hey Jude”). “Revolution 9” se trata de otro experimento sonoro más, otro más de tantos. Proviene de una época en que The Beatles no tenían que pedir permiso para “jugar” en sus discos, ya tenían el “sí” por adelantado. Aunque en rigor de verdad, al principio, el proyecto de John no cayó muy bien del todo, y no tuvieron otro remedio más que aceptar lo inevitable: terminaría incluida en el álbum.

No es necesario escuchar una pulida versión de esos juegos, ya en estudio y con recursos que John no tenía en casa, en “Revolution 9”. Basta con acudir a los discos experimentales que publicó con Yoko: “Two Virgins”, “Life With The Lions” o “Wedding Album”.

Era una época donde John transmitía una imagen con cualquier cosa susceptible de ser oída por el ser humano. Y esto se equiparaba a crear imágenes con música tradicional como “Across the Universe” . Y hasta el más mínimo collage de sonidos pegados sin aparente sentido, terminan haciendo historia por esa sorpresa de escuchar lo que no podemos entender: ambientes con latidos de corazón, bebés llorando, notas en piano tocadas en distintos matices del derecho y del revés, segmentos de grabaciones clásicas, loops con informativos de radio, sollozos y ruidos vocales y guturales improvisados, una cinta de prueba del estudio que estaba rotulada con un anuncio que decía: “Carrete de prueba Número Nueve… Número Nueve… Número Nueve… Número Nueve… Número Nueve… Número Nueve… Número Nueve… “

Octavio Cavalli Argentina

Quienes disfrutamos de la música, tenemos, además de la discografía oficial, aquella pensada, diseñada y producida por los propios artistas y/o productores, una fascinante vertiente llamada "bootlegs" o "discos piratas", a secas. Con respecto a The Beatles, hay infinidad de estos discos, pero hay un grupo selecto entre los que se encuentra éste, que recopila las maquetas acústicas registradas por John Lennon, Paul McCartney y George Harrison en la casa de este último (Kinfauns, ver G.O. Nº 10. abril 2014) en mayo de 1968. Los demos fueron grabados en una grabadora Ampex de 4 canales y sumaron 27. 7 de ellos vieron la luz de manera oficial en el tercer volumen de la serie “Anthology” (1996), y todos aparecieron en diversos bootlegs, de los cuales la denominación “The Esher Demos” es la más común que se puede apreciar en los LP’s, cassettes y CD’s que fueron propagándose desde la década del 70. La característica que hace a este material tan especial es que se trata nada menos que de la génesis del legendario “The Beatles”, más conocido como el Álbum Blanco. Pasen y no hagan ruido, que Ringo no está… “Cry Baby Cry” abre la experiencia con uno de los mejores temas de John y no es tanta la diferencia con el resultado final, salvo por los versos apurados y casi en contratiempo, lo cual lo hace muy interesante. Aquí viene una verdadera joya: “Child Of Nature”, compuesta en la estadía del grupo en la India (de hecho, nombra a Rishikesh). Esta canción finalmente no entró ni el White Album ni en ningún otro disco beatle, pero vio la luz finalmente en 1971, con letra cambiada y bajo el título de “Jealous Guy”. En cambio, si editaron “The Continuing Story Of

Bungalow Bill”, donde vuelve a utilizar la síncopa al cantar y también es otro tema que no tuvo muchos cambios en comparación con la versión final. “I’m So Tired”, también de Lennon, está aquí como desprovista de ese tono casi amenazante y oscuro que se da en el disco por los coros de Paul. También se puede poner en ese lugar a la embrionaria lectura de “Yer Blues”, que debido a la percusión parece más un tipo de canción folklórica irlandesa. Al parecer, la edición privilegió al trabajo de Lennon porque el tema que sigue es la estrambótica “Everybody’s Got Something To Hide Except Me And My Monkey”, donde tratan de encontrarle la vuelta rítmica a puro guitarrazo. Delicioso. Continuando con lo experimental, “What’s the New Mary Jane” conserva su locura, aún prescindiendo del gran uso del estudio de grabación como un instrumento más. La primer seguidilla lennonesca concluye con “Revolution”, no muy diferente a “Revolution 1” y hasta con las palmas presentes. George Harrison desgrana el demo de “While My Guitar Gently Weeps” de una forma distinta a la que pudimos escuchar en Anthology 3 (y en la emotiva re-producción del disco “Love” con la mano maestra de George Martin) antes de ser la voz de tres verdaderas joyas: “Circles”, que estaría en el olvido para convertirse, 14 años más tarde, en el highlight del frío y malogrado “Gone Troppo”. “Sour Milk Sea” finalmente no sería lanzada jamás por George y en cambio fue cedida a su amigo – y artista de Apple Records- Jackie Lomax, que la convirtió en su primer éxito. La versión completa de Harrison sería desempolvada en la excelente colección de Apple, presentada en un extenso box set en 2011. Para cerrar las joyitas del Dark Horse, ahí está la rezongona “Not Guilty”, que daba cuenta de cierto fastidio en el guitarrista. Esta canción pasó la etapa de demos y fue grabada en las sesiones del White Album, pero sería descartada para ser rescatada en una forma más cercana a este demo en el hermoso disco “George Harrison”, de 1979. “Piggies” es tan divertida como la “Studio Version”, aun así sin los simpáticos chanchitos. Lennon vuelve para “Julia”, y la canta tan suave que apenas su voz se alza entre las guitarras, y si bien se complica un poco el tema del arpegio con respecto al tono, la emoción puede mucho más. Es el turno de Paul McCartney y su seguidilla, iniciada por la grandiosa “Blackbird”, la cual no precisó de mucho para alcanzar su forma final. Ahí está su punteo tan deudor de J.S. Bach, su aire country, su vuelo. Y lo country continúa con “Rocky Raccoon”, sin el speech del principio y con percusiones mínimas, además de la voz en doble track (lo mismo que con Julia, solo que en unísono). “Back In The USSR” es una maravilla de estudio, dado que aquí se presenta quizás como la más desnuda de las grabaciones si es que recordamos como quedó finalmente. Nuevamente Paul en

doble tracking para darle más fuerza a su voz y así a la canción. “Honey Pie” cuenta con una percusión hecha con la misma guitarra y tal vez algo más. Aquí los tres hacen coritos de un modo muy libre y divertido. La bucólica “Mother Nature’s Son” está exactamente igual, solo le faltan los arreglos de timpaní y corno inglés, que la visten sobria y muy de una campiña inglesa victoriana. “Ob La Di Ob La Da” no ofrece mucho atractivo, pero es interesante el eco que tiene la voz de McCartney. Algunas canciones están prácticamente terminadas, otras serán motivo de trabajo intenso en el estudio para decorarlas a la altura de las circunstancias. “Ob La Di…” pertenece sin dudas a este último grupo. “Junk” es el pequeño tesoro de Paul. Acústica, íntima, melancólica. Sin embargo no sería de la partida y Macca la guardaría para su debut en solitario “McCartney”, apenas 2 años más tarde. Si de joyas hablamos, vuelve John y la (aquí) frágil “Dear Prudence”, que es un diamante en bruto por su belleza que ya puede apreciarse desde su forma primitiva. El arpegio, que ya escuchamos en “Julia” y escucharemos en “Look At Me” (Plastic Ono Band, ver número anterior)está presente. La coda incluso también está aquí. Para terminar está la filosa “Sexy Sadie”, con doble tracking, pero sin el encanto que tendrá cuando John le añada el piano, pero, lo sabemos, aquí la letra es TODO. Luego de estas sesiones en Kinfauns, vendrá el arduo trabajo de grabar y defender las canciones de cada uno con uñas y dientes. Los estudios EMI se convertirán en un campo de batalla del que por un momento saldrá Ringo Starr para volver, pero ya nada será lo mismo. The Beatles habrían de dar a luz al Album Blanco no sin dolor, pero con unas canciones que desde sus inicios brillaban. Y de alguna manera pudimos comprobarlo.

Javier Cuenca Argentina

Cuando The Beatles ya no existía como una entidad de 4 personas. Paul McCartney decidió que había tenido suficiente, que muchas situaciones que había transitado en el pasado reciente lo habían agotado mental y físicamente. Y se fue. Se fue a un campo en Escocia y vivió la vida contraria del millonario; vivió sin luz, en algunos casos sin comida. Se puede suponer que Paul explotó creativamente de alguna forma en Escocia. Su música se volvió un poco más “campestre”, la vida lo había aburguesado y necesitaba ése respiro, no era que su talento se había desvanecido, al contrario, pero Paul necesitaba respirar otro aire, vivir otras situaciones y para eso estaba Linda. Linda fue el principal motor en la vida de Paul, le demostró que el rock no era lo único que valía la pena y en medio del torbellino de John, Paul, George y Ringo encontró algo más. Maximiliano Seijas Argentina

¿Qué escribir sobre el Álbum Blanco de The Beatles que no se haya dicho ya? Desde su publicación en 1968, litros y litros de tinta (y más recientemente, bites) han sido utilizados para contar todo lo referido al noveno LP de la banda en Inglaterra.

Incluso en el trabajo posterior, el doble EP Magical Mystery Tour, no se notó el impacto que la muerte de Brian Epstein había causado en la banda. Ni siquiera el fracaso en los medios hizo que la banda se resintiera. Pero solo unos meses más tarde todo había cambiado. ¿Por qué?

Desde éste humilde lugar intentaremos desandar el camino de éste controvertido álbum; maravilloso para algunos, desparejo para otros.

A partir de ahora veremos los sucesos que hicieron que los cuatro fabulosos, cuatro partes de un todo, devinieran en cuatro individuos solemnes, hartos, desencantados…

Si hay una manera de describir éste trabajo, creo que un comentario de Paul logra capturar lo que piensan todos, admiradores y detractores: “fue el álbum tenso”.

El 11 de febrero de 1968 The Beatles ingresaron al estudio 2 de los EMI Studios con un equipo de filmación para producir el film promocional para su siguiente simple, Lady Madonna. En lugar de hacer mímica sobre el master grabado unos días antes, decidieron trabajar en una nueva canción de Lennon llamada Hey Bulldog. Puede decirse que ésta fue la última sesión donde reinó la armonía en el seno de la banda.

Hoy en día, en la mitología beatle, es aceptado que las sesiones de éste disco fueron así, tensas, y que puede decirse que aquí se gestó el final de The Beatles. Pero, ¿de dónde vino este ambiente? Si uno recuerda las sesiones del anterior LP, Sgt Pepper, lo que le viene a la mente es un clima festivo, de camaradería, de exaltar el amor por sobre todas las cosas y más que nada, de interés y colaboración entre los compañeros de banda.

Ya inmersos en la búsqueda de nuevos horizontes espirituales, poco después partieron hacia Rishikesh, India, para tomar un prolongado curso de Meditación Trascendental con el Maharishi Mahesh Yogi y lo que pasó allí fue la piedra fundamental del deterioro de las relaciones entre los viejos amigos. Aún hoy hay discrepancias con respecto a la veracidad de lo que se dice sucedió en tierras indias, pero lo cierto es que el hecho de que Ringo haya desertado a los pocos días, seguido por Paul poco más tarde, generó un resentimiento en los guitarristas de la banda, mayor aún en Harrison que criticó abiertamente la actitud de John y Paul, por dedicar tiempo a la composición de nuevas canciones: “No estamos aquí para escribir nuestro maldito próximo álbum. Estamos aquí para meditar”. No es extraño que a partir de éste momento, la actitud pasiva de George con respecto a ganarse un lugar importante en la banda haya decantado en una mezcla de resentimiento e intolerancia hacia la dupla de compositores. Incluso el siempre comprensivo Ringo comenzaba a cansarse de ser desplazado a la hora de producir nuevo material y ya le resultaba insoportable la costumbre de McCartney de decirle qué tocar, cómo y cuándo. Por otro lado, la antigua y provechosa competencia amistosa entre John y Paul, que tantos frutos había dado en el pasado, estaba a minutos de romperse para siempre: los pocos minutos que tardó Lennon en llegar a la primera sesión para el nuevo álbum, cuando se apareció acompañado de su nueva novia, una tal Yoko Ono.

John y Yoko, Sesiones White Album 1968 18

Con esto, John rompió varias reglas no escritas de la banda. Nadie ajeno a la banda, salvo Neil y Mal, y el personal de EMI, podía presenciar el trabajo de estudio. Ni siquiera Brian Epstein era bienvenido en ése ámbito sagrado para los muchachos. Para empeorar más aún las cosas, en su primer visita John le pidió opinión a ella sobre una grabación (Paul no podía creerlo), y ella se mostró critica!!! En lugar de un diplomático “me gusta”, dijo “está bien, pero podrían tocarla más rápido” (Paul explotaba de cólera). El ambiente en EMI tampoco era el ideal. Gran parte del personal estaba disconforme con la nueva gerencia y el ambiente era tan hostil que el gran George Martin se tomó vacaciones durante el proceso de grabación del álbum, algo inaudito poco tiempo antes.

Su compañero de fórmula se muestra bastante cómodo en este ambiente y no tiene reparos en trabajar sólo, o con Yoko, en la creación de loops de sonidos para su creación más bizarra dentro de The Beatles, la fantasmagórica Revolution 9, aunque también haya colaborado un poco George, tal vez por no tener otra cosa que hacer. El único caso, a diferencia de Paul que tiene muchos, en el que John es el único en participar en una canción beatle, es en su sentida balada Julia, dedicada a su madre.

Otro de los históricos, Geoff Emerick, ingeniero de grabación desde Revolver no tardaría en desertar del proyecto (y de trabajar con la banda) y nuevas caras se asomaron en la sala de control.

Si hay dos cosas que remiten a la India en la producción de Lennon en éste álbum, podemos encontrarlas en Sexy Sadie, una agria letra destinada al otrora gurú espiritual, el Maharishi (de hecho, ése era su nombre original) y en una nueva forma de realizar arpegios en su guitarra, enseñada por Donovan en la estancia en Rishikesh. Esta complicada secuencia de notas sería utilizada por John en las mencionadas Julia y Dear Prudence, y en la primera parte de Happiness Is A Warm Gun.

Existen miles de anécdotas sobre el origen de las canciones y del trabajo que realizaron durante los 6 meses que tardaron en registrar las 30 canciones del doble disco (en rigor, se grabaron 32), además del simple Hey Jude/Revolution, que nunca fue pensado para formar parte del LP. Quizás no sea necesario contar la historia de cada una, ya que sobra material al respecto. Tal vez lo mejor sea analizar las distintas facetas que nos ofrece el disco y lo primero que me viene a la mente es el marcado aislamiento de Macca con respecto a sus compañeros. No son pocas las canciones en las que prescindió de los servicios de los demás miembros de la banda para hacerse cargo de todos los instrumentos (o casi). Son casos testigo canciones como Wild Honey Pie, Blackbird (donde es el único beatle que toca), Why Don’t We Do it In The Road? (donde lo acompaña Ringo) o Mother Nature’s Son y Martha My Dear (donde además del baterista, hay músicos de sesión). Sin embargo, para compensar esta especie de mezquindad, es tal vez el que haya hecho los mejores aportes a las canciones de los demás. Son admirables sus líneas de bajo en Dear Prudence o Yer Blues (de John) y en While my guitar gently weeps o Savoy Truffle (de George).

Cómo habrán estado caldeados los ánimos que por primera vez la banda se preocupó por la situación de Ringo. Notando el descontento del baterista, se tomó la curiosa decisión de trabajar tempranamente en su canción para el disco. Casi siempre, el número de Starr era grabado a las apuradas cerca del final de las sesiones de cada álbum, pero esta vez, luego de comenzar con Revolution 1 y sin una canción de Paul de por medio, pusieron manos a la obra en Don’t Pass Me By (ver Glass Onion Nro 21). Sin embargo, las cosas se pusieron tan pesadas que Ringo tomó la decisión de dejar el grupo poco después. Su partida no fue tomada demasiado en serio y las

Lo que no sabía Martin es que la insistencia de la banda por publicar todas las canciones tenía más que ver con intereses comerciales: mientras más canciones publicaran, más rápido se liberarían de sus contratos con EMI y podrían dedicarse de lleno a trabajar con su nuevo sello, Apple. Este fue otro de los motivos por el que la armonía estuvo ausente: el multifacético emprendimiento de la banda demandaba mucho de su tiempo y de la toma de decisiones de todos, muchas de las cuales chocaban entre sí, produciendo malestar entre ellos. No era raro que una acalorada discusión de negocios tuviera lugar pocas horas antes de verse las caras en el estudio nuevamente para grabar. Era un ambiente volátil que solo necesitaba una chispa para explotar. Y las fuentes generadoras de esas chispas abundaban.

Reunion de negocios antes de grabar, 1968

A pesar de todo, aún prevalecían buenos momentos musicales. Después de todo, cuando tocaban estaban en su mundo y no había problemas… casi nunca.

grabaciones continuaron, ocupándose McCartney de golpear los parches en canciones como Dear Prudence y Back In The USSR. Como todos preveían, Ringo volvió a unirse y recibió todos los halagos posibles de sus compañeros, aunque al poco tiempo las cosas estarían igual de difíciles.

Paul McCartney casi mata de un ataque de nervios a todo el mundo. Tras grabar una divertida canción llamada ObLa-Di Ob-La-Da, de la que todos disfrutaron, decidió que quería rehacerla… Dos veces!!!

Quién continuaba sufriendo la hegemonía Lennon/McCartney no era otro más que George Harrison. Pese a sus cuatro canciones en el disco, la proporción no variaba ya que se trataba de un álbum doble y le costó bastante trabajo lograr que los demás se interesasen en su material. Pese a realizar más de 100 tomas para su canción Not Guilty, finalmente decidieron dejarla fuera, y solo ante la presencia de Eric Clapton en el estudio para tocar la guitarra solista, logró capturar la atención de los demás para grabar una de sus mejores composiciones, While My Guitar Gently Weeps.

No fue hasta que John, furioso con el bajista, aporreo el piano diciendo “así es como debería ir” y la tocó a un ritmo frenético, con un leve estilo ska. No hace falta aclarar que de ésa manera surgió la famosa intro de la canción. Es sabido que John odiaba ése tipo de canciones de la producción McCartney y es posible que, consciente de ello, Paul haya intentado molestar a su compañero debido a su falta de consideración al no solicitar su consejo y optar por una mujer con nulos conocimientos en el mundo del Pop. John, que no era ningún tonto, le devolvió la gentiliza utilizando todos los recursos del estudio y acaparando a todo el personal para producir Revolution 9. Incluso llegó a plantear firmemente que ése debería ser su siguiente single y que esa era la dirección que la banda debía seguir.

Hay quienes afirman que la tensión suele generar buenos resultados, y no hay que negar que el White Album tiene momentos logradísimos, aunque la misma gente que participó en la grabación del disco no tenga una opinión abiertamente favorable hacia él. Geoff Emerick ha dicho que la banda no suena mejor que en su disco anterior y que siempre lo había hecho, y que los notó demasiado estridentes. El propio productor, George Martin, tenía la idea de seleccionar las mejores pistas para lanzar un único LP fantástico. Algo bastante lógico pero que demuestra cierta critica a parte del material. En mi opinión, si se hiciera esa selección de higlights, con los sobrantes se podría editar un álbum que cualquier otra banda envidiaría.

No hace falta aclarar que Paul aborrecía esa canción, no porque le desagradase la música experimental, de hecho él mismo había sido el impulsor de ése estilo dos años antes con sus loops para Tomorrow Never Knows, si no porque sabía que todo aquello no era puramente obra de John, sino que tenía a Yoko Ono como autora intelectual.

Otro ingrediente en ésta explosiva mezcla venía de un amigo de John que había logrado colarse en el círculo íntimo de la banda a base de mentiras y charlatanería. Su nombre era Alexis Mardas, pero lo llamaban Magic Alex. Su historia, si era cierta, era que había escapado de su Grecia natal huyendo del gobierno militar y que había ido a parar a Londres. Allí había conocido a John y con sus conocimientos básicos en electrónica había embaucado a Lennon, que sentía fascinación por todo lo tecnológico, pero que no tenía la menor idea sobre el tema. Entonces el astuto Alex, prestaba atención a los dichos de John para salir corriendo a informarse mínimamente sobre el tema en cuestión y volver con grandes ideas (que no eran suyas, claro) y así tener en sus manos al crédulo guitarrista.

Numeración de cada disco.

En poco tiempo les había prometido todo tipo artefactos dignos de la película sci-fi más alucinógena, como un sol artificial, un campo magnético para mantener alejadas a las fans cuando circularan por la calle o pintura para las paredes que reprodujeran música. Así, simplemente, se había ganado el puesto de Director General de Apple Electronics, la división del sello destinada a la investigación y desarrollo de nuevas tecnologías.

Así las cosas, el álbum se grabó y el resultado es lo más variado que se haya encontrado jamás en un disco de The Beatles. Desde furiosos rocanroles como Back In The USSR, Everybody’s Got Something To Hide Except Me And My Monkey o Helter Skelter, hasta las más suaves baladas como Good Night, Julia o Blackbird; canciones cercanas al Music Hall como Honey Pie; las que se acercaban al country estadounidense como Rocky Raccoon o Don’t Pass Me By; los aires barrocos de Piggies; la exuberancia de Happiness Is A Warm Gun o While My Guitar Gently Weeps; y hasta las inclasificables Wild Honey Pie y Revolution 9. Toda la música del Siglo XX se encontraba en ésos dos vinilos que vieron la luz aquél 22 de noviembre de 1968 en UK.

La división entre The Beatles y el personal de EMI se ahondó aún más cuando Alex prometió que les construiría su propio estudio de grabación con 72 pistas, cuando la banda aún grababa en 4 pistas y durante el transcurso de éstas sesiones pasaría a 8. De pronto, la banda se volvió muy crítica hacia el estudio donde habían logrado su fama y fortuna, y en el que habían grabado casi la totalidad de sus éxitos.

Pero antes de que eso suceda había que resolver varias cuestiones, y una no menor era el nombre y la portada del disco, por lo que decidieron llamar a un artista consagrado que aportara ideas, del mismo modo que lo habían hecho con la portada de Pepper. Esta vez el elegido fue Richard Hamilton, un artista plástico que en ése entonces era representado por Robert Fraser, el dueño de la galería de arte donde John conoció a Yoko y gran amigo de la banda.

Las sesiones de The Beatles habían dejado de ser codiciadas por los ingenieros y auxiliares de la planta de EMI y todos rogaban no ver su nombre en la planilla de trabajo cada lunes a la mañana.

En contraposición con el colorido y grandilocuente arte de tapa del LP anterior, Hamilton propuso una idea por demás revolucionaria que la banda no pudo resistir la tentación de implementar: utilizar una cubierta totalmente blanca, apenas con el nombre de la banda (que no estaba impreso, si no que era un relieve) y un número de serie. Esto también representaba un absurdo; por lo general, se numeran los artículos en una tirada pequeña, una edición especial. En este caso se estaba numerando un disco que se sabía, vendería millones de copias en el mundo.

Paul, John y Magic Alex 21

Se dice que los Nros 1, 2, 3 y 4 fueron entregados a la banda (y que John se quedó con el primero), pero también se supo que en prensadas posteriores a la primera, un mismo número de serie era utilizado en muchos discos. Quizás lo más irónico fue que ante Dos de las portadas que se barajaban bajo el nombre de A Doll’s House. la ausencia de un mejor nombre, se optó por llamarlo simplemente álbumes, Help y Revolver. Se mantuvo en la primera The Beatles, un titulo que curiosamente nunca habían posición por 7 semanas consecutivas, hasta ser desplazado utilizado, cuando en aquella época era moneda corriente por una semana por The Best Of The Seekers, aunque a la nombrar a algún álbum con el propio nombre de la banda. semana siguiente recuperó el tope de las listas por una Y lo irónico es que el nombre se refiere a un grupo, cuando octava y última semana. Luego se mantuvo otras 4 en realidad en aquellas sesiones todos se comportaron semanas entre los 10 primeros, haciendo que el soundtrack como individuos. del film Yellow Submarine no pudiera pasar el puesto 3. La historia pudo haber sido distinta, ya que se barajaba otra alternativa. Durante un tiempo la idea fue llamarlo A Doll’s House, pero tuvieron que desecharla debido a que una banda nueva de rock progresivo llamada Family editó su álbum debut el 19 de julio de 1968 y lo llamó Music In A Doll’s House.

Se trata del álbum de The Beatles más vendido, con 19 discos de platino y fue ubicado en el puesto 10 de los discos más vendidos en la historia en los Estados Unidos. Más allá de tanta controversia, The Beatles (The White Album) ha logrado posicionarse dentro de la mirada de los fans como uno de sus discos favoritos, si no el más, junto con Abbey Road.

En un principio, las opiniones de los medios de prensa estaban algo divididas, con mayoría de comentarios favorables hacia el nuevo disco. Por ejemplo, Tony Parker de The Observer escribió: “Si todavía queda alguna duda

Una última observación nos permite encontrarnos con unos beatles de carne y hueso; con aciertos y con errores, con genialidades y con caprichos, pero por sobre todo más humanos, más honestos, más reales. Lejos de la experimentación y los trucos de estudio del año anterior, la banda se vuelve a reinventar y consciente de la música que ya estaba sonando de la mano de otros artistas, toma la posta y crea una obra que permanecerá inmaculada para siempre. Tan inmaculada como el blanco de su portada.

de que Lennon y McCartney son los más grandes escritores de canciones desde Schubert, entonces el próximo viernes -con la publicación del nuevo LP doble de The Beatlesseguramente verán como son derribados los últimos vestigios de esnobismo cultural y prejuicios burgueses con una música tan disfrutable que solo el ignorante no escuchará y solo el sordo no comprenderá”. Este fragmento y el resto de su nota fueron utilizados meses más tarde como liner notes del siguiente LP, Yellow Submarine. Algo extraño, ya que la nota habla enteramente de las bondades de un álbum editado 3 meses antes.

Martín Castro Argentina

Sin embargo, no todas fueron flores y algunos osaron criticar a la banda, como Alan Smith de NME que describió a Revolution 9 como “pretenciosa” y como un ejemplo de “idiotez inmadura”, mientras que en USA, Nik Cohn llamó al álbum “increíblemente aburrido” y lleno de “profundas mediocridades”. No obstante, cuando el disco hizo su debut en las listas británicas, el 1 de diciembre de 1968, lo hizo en el primer lugar, hazaña solo realizada por dos de sus anteriores

ABRIL ‘65 Abril de 1965 encuentra a The Beatles aún filmando para su segunda película, a esta altura llamada Eight Arms To Hold You. Las tomas se realizaran en los estudios Twickenham Film Studios de Londres a lo largo de todo el mes. El primer día de abril, Brian Epstein toma control del Saville Theatre, una sala donde tendrán lugar las actuaciones de muchos de los principales números del espectáculo británico y donde The beatles concurrirían con frecuencia. Ese mismo día The Last Time por The Rolling Stones alcanza el primer puesto de los rankings en Inglaterra. El día 3 tiene lugar durante la Guerra de Vietnam la primer batalla aérea de dicho enfrentamiento bélico. A pesar de que Estados Unidos afirmó que todas sus naves volvieron a salvo a la base, los norvietnamitas aseguran haber derribado un F-8 Crusader. El 4 de abril nace el actor estadounidense Robert Downey Jr., famoso por su actuación en Chaplin y Iron man. Al día siguiente, My Fair Lady gana 8 premios de la Academia, incluyendo Mejor Película y Mejor Director. Rex Harrison gana como Mejor Actor. Mary Poppins se gana 5 premios Oscar, incluyendo a Julie Andrews como Mejor Actriz. El 6 de abril los Estados Unidos lanzan el satélite Early Bird, que entrará en operaciones el 2 de mayo y en servicio comercial en junio. También ése día en Inglaterra se edita un nuevo EP de The Beatles titulado Beatles For Sale, con las canciones No Reply, I’m A Loser, Rock And Roll Music y Eight Day’s A Week. Además se publica el simple Ticket To Ride/Yes It Is, que ingresará al chart el 15 de éste mes y a la semana siguiente llegará al Nro 1. El 10 la Unión Soviética intentó realizar el primer alunizaje de una nave espacial, con su Luna E-6 No. 8, pero una falla mecánica impidió que lo lograra. Nuevamente en Inglaterra, The Beatles se presentan por última vez en el programa Top Of The Pops, en los Riverside Studios de Londres. Su actuación se transmitió el 15 de abril entre las 7:30 y las 8pm, pero lamentablemente debido a reglas acerca del archivo de la época, poco después la BBC borró ésta actuación. Sin embargo, en un episodio de la serie Doctor Who titulado The Executioners, emitido el 22 de mayo, parte de ésta presentación es incluida y salvada para la posteridad.

El día 11, seis estados del medio oeste de los Estados Unidos sufren el castigo de 47 tornados, cobrándose la vida de 271 personas y dejando a unas 1500 heridas. Lejos de ésta tragedia, el periódico musical New Musical Express realiza su tradicional concierto con los ganadores de sus encuestas anuales. Encabezado por The Beatles, el show cuenta además con la presencia de The Animals, The Rolling Stones, Freddie and The Dreamers, The Kinks, The Searchers, Herman’s Hermits y muchos más. The Beatles tocan I Feel Fine, She’s A Woman, Baby’s In Black, Ticket To Ride y Long Tall Sally. Tras el show, la banda es llevada a los estudios de ABC en Teddington para su aparición en The Eamonn Andrews Show. El 13 de abril Paul McCartney compra su primera casa en Londres, en el 7 Cavendish Avenue, en St. John’s Wood, muy cerca de los estudios EMI, aunque no la habitaría hasta marzo de 1966, luego de realizarle muchas reformas y mejorar la seguridad y privacidad de su nuevo hogar. Ese mismo día la banda graba la canción central de su próximo film, ahora titulado Help! El 16 de abril nace el actor estadounidense Jon Cryer, famoso en la actualidad por su papel en la serie Two And A Half Men. Mientras John Lennon y George Harrison eran entrevistados para el programa Ready Steady Go! por Cathy McGowan. El día 17 los diseñadores de la Ford Motor Company crean el Ford Mustang, mientras que en Washington DC una marcha contra la Guerra de Vietnam reúne a 25000 protestantes. El 21 muere Edward Victor Appleton, ganador del Premio Nobel en Física. El día 24 se desata la Guerra Civil Dominicana. En el día 26, Brasil inaugura la red de televisión TV Globo, mientras que el Manchester United FC gana la Liga de Fútbol de Primera División en Inglaterra. El 29 de abril un terremoto de 6.7 de magnitud mata a 7 personas y causa daños por 12.5 millones de dólares en Olympia, Washington. El mes termina con The Beatles aún filmando para su nueva película. El día 30 filman la escena donde el joyero de Asprey examina el anillo de Ringo y más tarde la escena donde supuestamente graban You’re Gonna Lose That Girl. Pilar J. Vázquez Argentina

Nació bajo el nombre de Mahesh Prasad Varma, posiblemente hijo de un recaudador de impuestos llamado Sri Ram Prasad, aproximadamente el 12 de enero de 1918 en Jabalpur, British Raj, India. La fecha es aproximada debido a las costumbres de los asiáticos que tratan de cortar los vínculos familiares, por lo cual se conocen distintas versiones del año de nacimiento.

mundo. En 1955, ya bajo el nombre de Maharishi Mahesh, empezaría a predicar la técnica de su maestro, la que llamaría "Transcendental Deep Meditation". "Maharishi" es un título honorifico que significa "Gran Sabio". En sus propias palabras, su método “es una técnica de relajación y descanso profundo que sirve para mejorar la calidad de vida del individuo y la sociedad a través de dejar de lado los pensamientos por medio de un sonido llamado mantra durante 20 minutos por la mañana y posteriormente por la tarde”.

Mahesh estudio física en la Allahabad University, recibiéndose en 1942. Para 1941 ya trabajaba como administrativo del Shankaracharya de Jyotir Math (líder de monasterio), Swami Brahmananda Saraswati. Poco a poco fue ganándose el respeto de su líder, quien finalmente lo rebautizó a Mahesh como Bal Brahmachari Mahesh. Mahesh pasó a ser su pupilo favorito y su mejor estudiante.

En 1959, ya también con el apodo "Yogi", el Maharishi Mahesh Yogi comenzó su largo viaje de 30 años alrededor del mundo, transmitiendo sus enseñanzas de meditación. En primer viaje pasó por: Myanmar, Tailandia, Malasia, Singapur, Hong Kong, Hawaii, Inglaterra y Estados Unidos (pasando por San Francisco, Los Angeles, Boston y New York). En 1960 recorrió Europa, Oceanía y África. En 1961 brindó para Inglaterra una entrevista por la BBC, leyendo para 5000 personas en el Royal Albert Hall. En 1962 comenzó a escribir su libro "The Science of Being and Art of Living", el cual sería finalmente publicado en 1966. Durante todos esos años siguió viajando por el mundo y dando cursos de formación para futuros profesores de meditación.

Para 1953 fallece Swami Brahmananda Saraswati, pero Mahesh, pese a tener las mejores condiciones, no puede ser el heredero espiritual por no ser perteneciente a la casta Brahmin. Antes de morir le encargó a Mahesh que pese a todo, viaje y se encargue de enseñar meditación al

Para 1967 ya era un verdadero fenómeno mundial. Ese mismo año, durante una de sus giras, asistieron a la lectura del Maharishi en Caxton Hall, George Harrison y su novia, Pattie Boyd. Poco después Harrison convenció a los demás Beatles de ir a recibir las enseñanzas del Maharishi. Los cuatro Beatles con sus mujeres (Cynthia, Pattie, Maureen y Jane Asher), viajaron primero a Gales a aprender sobre el Maharishi y días después a la India, en Rishikesh, donde aprenderían desde el Maharishi mismo. Su estadía duró poco. Primero se iría Ringo y luego los demás. Escucharon que el Maharishi no cumplía todo lo que predicaba y que de hecho, quiso avanzar sexualmente sobre Mia Farrow. Lennon escribiría la canción "Maharishi", inspirado en ello, pero fue cambiada a "Sexy Sadie" por pedido de George. También participaron por esos años los miembros de The Beach Boys, e incluso Mike Love se convirtió en maestro de la Meditación Trascendental.

Para 1968 el Maharishi se recluyó y se dedicó de lleno a capacitar futuros maestros de meditación en Suiza. Los siguientes años haría experiencias similares en Polonia e Italia. Para 1972 ya había 3600 escuelas de meditación trascendental alrededor del mundo. En 1974 se funda la Maharishi International University.

“La filosofía de la vida es esto: La vida no es una lucha, no una tensión... La vida es una bendición. Es la sabiduría eterna, la existencia eterna”.

En 1975 inicia un viaje mundial alrededor de los 5 continentes. En 1977 hace apariciones en The Merv Griffin Show, con la finalidad de llegar a un público aún mayor en los Estados Unidos, donde ya había 370 centros de meditación. Entre 1978 y 1980 envió “Yogic Flyers” para ayudar a calmar las zonas más conflictivas del mundo por medio de la meditación trascendental. Para los 80’s además de la meditación, Mahesh comenzó a popularizar otras disciplinas Védicas como el sistema de protección y salud Áiur Vedá.

Para 2007 ya casi no se lo veía cara a cara, en 2008 hizo su última declaración, comentando que se llamaba a silencio a estudiar antiguos escritos hindúes. Una semana después falleció pacíficamente por causas naturales, a los 90 años.

Los 80s fueron años complicados para Mahesh y sus instituciones, donde recibieron demandas, juicios y confiscaciones, tanto por estudiantes defraudados, acusaciones de estafas y falsificaciones para evadir impuestos.

Su ritual de cremación se llevó a cabo con muchísimos honores y transmisión televisiva en India, en la confluencia de los ríos Ganges y Yamuna. Entre los participantes se encontraban los 33 rajas de la Global Country World Peace, Sri Sri Ravi Shankar y David Lynch.

En 1990 se mudaría a Vlodrop, Holanda, al campus europeo de la Maharishi Univeristy, donde se comunicaría con alumnos e interesados generalmente mediante Internet y video, e incluso desde su propio canal de televisión vía satélite llamado Veda Vision. En 1992 inauguró la “Natural Law Party” como plan de paz mundial. Algo similar ocurrió en el 2000, cuando fundó la “Global Country of World Peace”, “para crear la paz mundial, unificando todas las naciones en alegría, prosperidad, invencibilidad y perfecta salud, mientras disfrutamos de la riqueza de la diversidad de nuestra familia mundial”. En 2001, un grupo de seguidores construyó la “Maharishi Vedic City” en Iowa, EEUU, siguiendo los principios del Maharishi de armonía con la naturaleza y la ciencia védica.

Paul McCartney dijo al respecto: “Si bien estoy triste por su

muerte, mis recuerdos de él solo serán los alegres. Fue un gran hombre que trabajó incansablemente por los pueblos del mundo y la causa de la unidad”. Junto con su legado espiritual nos ha dejado más de 20 libros de Meditación y Ciencia Védica.

Federico B. Argentina

Arriba: Maharishi European Research University, en Vlodrop. Derecha: Maharishi recibiendo a los Beatles, en 1967.

A partir de 1955 se comenzó a fusionar la música negra y la blanca, es así es como aparecieron nuevos astros de la música de raza blanca, los cuales fueron responsables de elevar el fenómeno del Rock & Roll, llevándolo a todo Estados Unidos.

testimonios fueron extraídos textualmente del video Anthology, volúmenes 5 y 6. George Harrison:

"En una de esas ocasiones fuimos a ver a Elvis, fue algo realmente especial, cuando estábamos ya cerca de su casa se nos olvidó donde nos dirigíamos. Íbamos en un Cadillac. En los Angeles, ya saben que las calles son muy complicadas, creo que estábamos en la calle Mulholland Drive. Nos tomamos unas tazas de té en el coche y cuando llegamos a su casa no sabíamos por qué estábamos allí, pero no nos importaba.

Era 1956 y un joven llamado Elvis Presley salta a la fama después de haber firmado para el sello internacional RCA Victor y haber lanzado un single, el cual incluía la canción "Heartbreak Hotel". El disco llega a Liverpool y en pocas semanas se encumbra en el puesto número uno del ranking. En el video Anthology volumen 1, Paul McCartney se referiría así a este momento histórico:

Llegamos a la entrada y recuperamos la memoria; íbamos a ver a Elvis. Salimos de la limusina gateando, como en los dibujos animados de The Beatles. Muriéndonos de la risa y forzándonos a no hacer el payaso.

"Recuerdo estar en la escuela cuando era pequeño, vi una foto de Elvis en una de las revistas musicales… era un anuncio publicitario de Heartbreak Hotel, al verlo pensé que era muy atractivo, parecía perfecto. En ese preciso momento pensé: ‘aquí esta… el Mesías que esperábamos ha llegado’".

Elvis estaba sentado en un sofá tocando un bajo Fender que tenia enchufado en un amplificador y estaba mirando televisión. Así que ahí tienen a Elvis. Yo no llegue a tocar con él, John dijo que él lo hizo, debió ser cuando nosotros no estábamos en la misma habitación, Ringo jugo fútbol con él".

John Lennon por su parte se refirió así a este momento en éste mismo video:

"Cuando yo tenía 16 años Elvis era el cantante de moda, un tipo de pelo largo engominado, moviendo el culo y cantando Hound Dog, That's All Right Mama y todos esos éxitos de su mejor época". George Harrison, entrevista para BBC Radio, 1964:

"Elvis fue una de nuestras principales inspiraciones musicales, claro está que ahora no aprobamos del todo su trabajo realizado exclusivamente para el cine. Pero que va, por todo lo que hizo en el comienzo es un tremendo artista, cambió por entero la percepción del mundo de la música". Ringo, conferencia de prensa en su primera visita a USA, 1964: Periodista: Se ha dicho que ustedes son Los Cuatro "Elvis

Presleys" británicos… Ringo: Eso no es verdad!!!, no es verdad!!!! (En plan cómico e imitando el famoso movimiento pélvico del Rey).

Elvis x The Beatles Aquí presentamos la vivencia de cada uno de los muchachos acerca de este acontecimiento fenomenal. Los

Paul McCartney:

The Beatles Visitan Al Rey

"Allí estaba Elvis en carne y hueso, increíble, es Elvis. Se pasó toda la noche tocando Mohair Sam, la puso una y otra vez, era su disco favorito que era un éxito del momento. Fue interesante ver que le gusta la misma música, porque también ese era uno de nuestros discos favoritos.

The Beatles habían finalizado una serie de conciertos exitosos en su estadía en Estados Unidos. Llegaron a Hollywood para presentarse en un concierto en el Hollywood Bowl, con agenda para el 30 de Agosto de 1965. Antes el cuarteto inglés debía hacer algo muy importante, visitar a Elvis Presley en una visita concertada con anterioridad.

A eso de las 10 o 10:30 trajeron a Priscilla. La recuerdo como una especie de muñeca Barbie, con un vestido de guinga y un lazo en el cabello de la misma tela".

El viernes 27 de agosto de 1965 se dirigieron en limusina a la mansión de Elvis en Bel Air - Hollywood, lugar en el cual el Rey filmaba una película. Al parecer en ese laberinto que es Bel Air, la limusina que llevaba a los muchachos se perdió entre tanta calle parecida. Finalmente llegaron en dos automóviles, unos para los 4 muchachos y otro para Brian Epstein, Neil Aspinall y otros acompañantes.

John Lennon:

"Tenía la televisión encendida constantemente, que es lo que yo hago. Delante de la televisión había un amplificador gigante marca Fender con un bajo Fender enchufado. Tocaba el bajo y miraba las imágenes de la televisión, así que nos acomodamos y nos pusimos a tocar con él, tomamos los instrumentos que había y nos pusimos a cantar y tocar con él.

Llegaron a las puertas de la mansión y allí estaban los periodistas y fotógrafos esperándoles. No se sabe a ciencia cierta como se enteraron de la visita, la cuestión es que en esa ocasión se le solicitó a esta gente dar espacio para la entrada de los muchachos.

Le preguntamos por qué se dedicaba solo a las películas y no hacia apariciones en público o en televisión. Creo que le gusta mucho hacer películas. Si nosotros no diésemos conciertos nos aburriríamos en seguida. Él dijo que echaba de menos eso. Su respuesta fue estupenda, justo como yo esperaba".

Un transeúnte que vivía en el sector y que en ese momento se encontraba sacando unas fotos a su hija, se acercó para ver el alboroto en la entrada de la mansión de Presley. "Pensé que algo le había pasado a Elvis, un accidente, temí lo peor", dijo el muchacho.

Ringo Starr:

De todas maneras y de forma muy audaz se acercó pasando el cordón policial y se asomó por la muralla y logro capturar una foto del jardín de la casa de Elvis. Se trata de la única foto que se conoce del momento previo y de la sesión.

"Fuimos a Bel Air, era una visita concertada. Yo estaba muy emocionado por verle. El mismísimo Elvis, el hombre de las caderas locas. Si, así fue, jugué fútbol con él".

El Coronel Parker (manager de Elvis), habló brevemente con Brian Epstein y los condujo al interior de la mansión junto a John, Paul, Ringo, George y Neil Aspinall. Entraron en una sala redonda, Elvis estaba sentado en un sofá tocando un bajo Fender color blanco, llevaba una camisa roja, pantalones negros y un chaleco del mismo color. Se veía impecable. En el centro de la sala había un enorme televisor RCA a colores, su volumen estaba muy, pero muy bajito. Además en una Rockola de la habitación se escuchaba el disco "Mohair Sam" de Charlie Rich, el cual también era uno de los hits de moda favoritos de los muchachos de Liverpool. Elvis con un bajo enchufado a un amplificador tratando de seguir la línea de la canción que sonaba de fondo y viendo las imágenes de la TV. Paul se sentó a un lado de Elvis y Ringo al otro, mientras que George lo hizo de piernas cruzadas en el piso, John se quedó de pie y medio mudo. Se bajó el volumen de la música, se apagó el televisor y Elvis también bajo el volumen de su bajo. El silencio imponente de aquella sala redonda solo fue interrumpido por el Rey que dijo: "Si

Pero al parecer nada más pasó, no llegaron a tocar algo parecido a una canción, no se llegaron a poner de acuerdo y se pusieron a contar algunas anécdotas divertidas que siempre suceden en giras y otras oportunidades. Por eso quizás que The Beatles se refieren a que no tocaron con Elvis jamás, claro excepto John, al parecer solo se entretuvieron con los juguetes (instrumentos musicales) del Rey y punto.

ustedes vinieron a sentarse y mirarme fijo sin decir siquiera una palabra, pues me iré a la cama a dormir" . Elvis se sonrió, los Beatles se miraron y se rieron también. Elvis los miro nuevamente y dijo: "Supongo que podemos

conversar un poquito, no? Quizás me entusiasme y cante un poquito para ustedes".

Más tarde salieron al patio trasero, donde Ringo jugó un rato fútbol americano con el Rey. Brian Epstein estaba en otra sala conversando con el Coronel Parker (Manager de Elvis) y jugaron una partida de ruleta mientras conversaban. (Se dice que Epstein ganó la partida).

El personal de Elvis trajo algo para beber. The Beatles tomaron escocés y bourbón mientras que el Rey tomó una botella de Seven Up y no recibió ninguno de los cigarros que fueron repartidos. Paso un momento, Elvis miró a uno de sus empleados e indicó que trajeran los instrumentos y de un minuto a otro llegaron con guitarras. Paul se acercó para preguntarle sorprendido por el bajo que tenía en sus manos, ya que no sabía que le gustaba ese instrumento. Elvis le dijo: "Recién estoy aprendiendo (Mientras tocaba algunas notas), me falta mucho más práctica".

A las 10:45 se abrió la puerta de la sala y trajeron a Priscilla para ser presentada a The Beatles. Estaba bellamente vestida y era muy joven en esa época. Los muchachos la recuerdan como una muñeca Barbie. Cerca de las 2 de la madrugada termino la reunión y al final de cuentas fue una sesión bastante entretenida, muy bien atendida por su anfitrión e ídolo de siempre de los 4 de Liverpool, el señor Elvis Presley.

Mientras George veía los instrumentos que le habían facilitado, Paul se dirigió a un piano blanco de cola que tenia Elvis y esbozó algunos acordes. La canción fue "You're My World", éxito de la cantante, Cilla Black, Elvis intento seguirles en el bajo, pero al parecer no resulto nada concreto. Paso un rato y Elvis vio a Ringo sentado en el sofá medio cabizbajo, le dijo: "Lo siento, pero los tambores los dejamos en Memphis!", de todas maneras alguien se preocupó por traer una pandereta con la cual agregó algo de ritmo.

John Lennon agrego más tarde: "Que increíble, no siempre existe la ocasión de ver a una

leyenda, más aún en persona. Aún no lo puedo creer, esto es sin dudas el encuentro más sorprendente que jamás he tenido, lo recordaré el resto de mi vida". Entrevista para Times, Diciembre de 1965.

visita en el camerino, ya sabes como son esos camerinos, inmensos y con muchos cuartos. Yo estaba sentado conversando con su grupo y no lo veía por ninguna parte. Por fin apareció vestido con el traje blanco y los colgantes de oro. Un tremendo cinturón de oro y se parecía a Ringo, tenía las patillas como barnizadas. Tenía todo el pelo negro y estaba muy moreno. Me dio un aspecto como de estar ante un "Vishnu" o "Krishna" o algo así. Fue increíble, hizo como que me sintiera como sucio, mocoso, pequeño y con mis manitos pequeñitas lo salude y le dije: ‘Hola Elvis ¿Cómo estás?’, y él me respondió con esa voz característica ‘¡Heyyyy!’. A mí me apetecía que cantara "That's All Right Mama" y que mandase a la mierda a todo aquel grupillo de acompañamiento. De todas maneras tocaron unas cosas bastante buenas. Ringo: ¿Volviste a estar con él después de esa vez? George: Nunca más después de ese día, pero era estupendo. Realmente grandioso.

Otras reuniones con El Rey Siempre se ha cuestionado la posibilidad de que alguno de los Beatles haya estado en alguna ocasión más que ésta de 1965 con Elvis. La verdad es que todos a la vez no, solo George y Ringo, de forma individual, aquí están los antecedentes al respecto. En el DVD del Anthology (Special Features) hablan los Beatles restantes acerca de algún re encuentro con el Rey. Después de haber ejecutado "Blue Moon Of Kentucky", tema popularizado por Presley, George, Paul y Ringo comenzaron a conversar. Esta es la trascripción textual.

Migo Coiro Argentina

George: ¿Viste alguna vez más a Elvis? Ringo: Siento como que lo vi varias veces George: ¿Lo sientes? Ringo: Claro, tengo recuerdos como de estar con él

en varias ocasiones. Quizás fue que en esa noche me tropecé con él varias veces. (Risas). Paul: Creo que a eso le llaman Flash-backs George: Paul ¿y tú volviste a verlo nuevamente? Paul: No, solo en esa ocasión en 1965 George: Saben, lo encontré en el Madison Square Garden un par de años antes del final. La verdad es que me dio un poco de pena. Tenía un grupo de trompetistas y una sección de ritmo fantástica, James Burton, increíble guitarrista y todos esos músicos. Me apetecía pedirle que se pusiese los pantalones vaqueros, que tomase la guitarra y que cantase "That's All Right Mama" y a la mierda con el resto de la orquesta. Ringo: Yo lo vi en Las Vegas en los 70's Paul: Yo solo lo vi esa noche y punto George: Yo iba de hippie, con ropa vaquera y el pelo muy largo. Fue a comienzos de los 70's, le hice una

Cuando The Beatles editó The Beatles en 1968 el mundo quedó un poco sorprendido. Una tapa blanca y con un título mediamente visible por el color de la letra y con el relieve parecía extraño y no tenía nada que ver con lo que había producido antes la banda y mucho menos correspondía a lo que estaba pasando en el mundo de la música y el arte en las tapas de los discos de rock (ver Disraeli Gears de Cream por ejemplo). Pasó el tiempo y hoy universalmente The Beatles es conocido como el White Album o el Álbum Blanco para nosotros los que hablamos el español, pero los Fab marcan tendencia hasta inclusive en eso.

(versión acapella de Jay Z mezcladas por Danger Mouse con temas del White Album). El caso que merece una excepción particular es The Yellow Album; existen dos discos con ese nombre y ambos pertenecen a discos de dibujos animados, uno es de Los Simpsons (editado en 1998) y el otro es de Bob Esponja y fue editado en 2005. Ahora el caso excepcional de la banda que tiene 3 discos (si, 3 discos) es Weezer. Los comandados por Rivers Cuomo tiene tres discos homónimo editados en 1994, 2001 y 2008, conocidos respectivamente como el Blue, el Green y el Red Album.

Discos y colores, colores y discos. Podríamos hablar durante un tiempo bastante extenso porque existen muchas acepciones respecto al tema. Hay bandas que han editados casi todos sus discos en una gama o con tendencia hacia lo oscuro (el Metal puede dar fe de eso) y otras han hecho una peculiar forma de tomar distintos colores en todos sus discos, el caso más resonante es Belle & Sebastian cuyas tapas son cada una en distintos colores – la secuencia es: celeste, rojo, verde, rojo, amarillo, naranja, negro, rosa y gris, siempre hablando de sus discos de estudio – o en la Argentina con el caso de la banda de rock Los Piojos que también tiño cada disco con una tonalidad diferente.

Weezer: Blue, Green y Red albums.

Pero sin embargo el quid de la cuestión acá es otro: bandas que han llamado a su disco de manera homónima y el público le haya adoptado una identificación para diferenciarlos del resto de la discografía. Y si bien no hay muchos ejemplos, algunos resultan curiosos. Quizás el caso más famoso sea el del disco homónimo lanzado por Metallica en 1991 donde aparecía el nombre de la banda y una serpiente. El disco fue adoptado por todos como “el álbum negro” que se transformó en el disco más exitoso de la banda vendiendo 16 millones de copias. Ahora, algunas bandas nombran a sus discos con directos homenajes a los de Liverpool. Así salieron discos como The Black Album de Jay Z o el disco de Mash Up entre los mismísimos Beatles y Jay Z llamado The Grey Album Nueve portadas de Belle And Sebastian

Maximiliano Seijas Argentina

Podría decirse tranquilamente que los términos "Beatles" y "Moda" han ido de la mano casi desde el principio. No solo por los atuendos que los Fab usaron desde los tiempos de Hamburgo, sino también por sus cortes de pelo y su reconocida influencia a nivel mundial durante toda su existencia como banda e incluso más allá. Vayamos al principio, a la incipiente década del 60. Pero no hacia Liverpool, sino a Hamburgo, Alemania, donde The Beatles hicieron sus primeras armas. Allí John, Paul, George, Pete Best y Stuart Sutcliffe convivieron entre marineros y prostitutas, también entre jóvenes alemanes de posguerra que se dividían entre “Rockers” y “Existencialistas” (algo similar entre la división entre Mods y Rockers que habrían de señalar los Who media década más tarde). Allí la vestimenta de los rockers era de riguroso cuero negro y chaquetas cortas, mientras que la de los “Exis” incluían las cazadoras de cuero (recicladas de las históricamente usadas por las Luftwaffe de Hitler) y boinas que reflejaban cierta mirada hacia París. The Beatles optaron por lo primero, aunque Stu, enamorado de la fotógrafa Astrid Kirchherr (amiga del grupo) y fijándose bastante en el look de Klaus Voormann (artista que más tarde lo conoceremos como autor de la tapa del revolucionario Revolver y posteriormente como bajista de John Lennon en su etapa solista) cambió el peinado inspirado en Elvis por un sensual flequillo, al que Lennon resistió de forma sistemática, pero que más tarde adoptaría con éxito junto al resto de la banda, incluyendo a Ringo Starr, quien ya traía su propia imagen gracias a su barba y sus anillos.

Al volver a Liverpool, se instalan en el Cavern y un día se topan con Brian Epstein, quien estaba a cargo de la sección discos de la tienda de sus padres. Allí la historia es conocida y los chicos cambian el look por unos atildados trajes que llevarán sin cambios hasta más o menos 1965 cuando cambian por otros trajes, pero con el famoso “corte Mao”, que vimos, vemos y veremos en los conciertos del Shea Stadium.

El siguiente paso fue acompañar la renovación sonora que ya se vislumbraba en Rubber Soul. Revolver nos mostraba al grupo con el pelo un poco más largo, las camisas y sacos con un toque de rayas y color y como accesorios, los anteojos de sol, de variados modelos entre los cuales se destacaban los rectangulares de George y los redonditos de John, que habían de convertirse posteriormente en un inconfundible ícono Lennoniano. Sobre el tema de los anteojos de sol, Lennon cuenta una anécdota sobre Roy Orbison, que estando de gira con The Beatles, se había

olvidado sus lentes de ver “normales” (ya que tenía no pocos problemas visuales) y John lo convenció de salir a escena con los lentes de sol, que contaban con aumento también. Ya sabemos que los lentes tipo “Wayfarer” de Roy son otra marca registrada del Rock And Roll… y se lo debemos a John y sus ocurrencias.

Ya fuera del infierno de las giras, la banda se metió de lleno en estudios para registrar Sgt Peppers más el monumental single de doble lado A “Strawberry Field Forever/Penny Lane”… pero no por no subirse a un escenario iban a dejar de lado la cuestión de la imagen. Así que 1967 nos trajo a cada uno con su bigote y con el uso de uniformes militares de colores llamativos, lo cual demuestra que su etapa experimental no solo abarcaba a los sonidos, sino a la vestimenta, bajo los designios del flower power y su postura pacifista, que incluye el volver arte ropa marcial.

La cosa iría a su zenith en el estrambótico Magical Mystery Tour, donde mezclaron ropa hindú con bombines, camisas largas con chalecos y demás, sin contar los disfraces de la portada.

“Corbatas con saco gris flequillo solo hasta la nariz la historia prosigue pero amigos, yo ya la vi” (“Mientras Miro Las Nuevas Olas”, Charly García,1980 )

Para 1968 la psicodelia estaba en retroceso y los Fab tomaron nota. En las fotos del “Mad Day Out”, que fueron tomadas previa al lanzamiento del White Album, puede vérselos nuevamente con sacos y camisas (en realidad jamás las abandonaron) pero con suaves colores pasteles y estridentes tonos de amarillo y azul en claro contraste, contraste que también comenzaba a verse en las cuestiones artísticas y personales. Aquí el largo de los cabellos crece considerablemente, pudiendo observar a Lennon con unas patillas gigantes y a Ringo que ha optado por dejarse el bigote de la pasada era Pepper.

También se lo ve usando un tapado en la azotea de Apple, durante el mítico concierto final, aunque desprovisto de la barba, ya que esto, si bien se dio a conocer con posterioridad, se filmó 6 meses antes… Dicho recital (el de la azotea) mostró cambios en la vestimenta de George, con otro tapado de piel y pantalones verdes y de Ringo Starr, con un piloto rojo y sobrio pantalón negro. Paul McCartney, en cambio, lució un traje negro, acorde con su modo de vestir de la época, el cual no variaba. Harrison en cambio, en la mayoría de las imágenes usa jeans para sus pantalones y camisas. Paul con barba, George y Ringo con bigotes. Sobre la pilosidad facial, solo Ringo la mantendría hasta nuestros días, el resto tuvieron sus idas y venidas con la máquina de afeitar. Este paneo sirve para demostrar que The Beatles no solo impactaron al mundo desde la música, sino desde la forma de presentarse al público a través de sus peinados y ropas.

La última etapa de la vida de The Beatles como grupo los encontró en aparente discordia de indumentaria, pero lo que sucedía era simplemente el subrayado de sus personalidades. John con su barba enorme formando una unidad sólida con su pelo y su alineamiento con el blanco y negro, tal cual puede apreciarse en la portada de Abbey Road y las fotos en su casa de Ascot, la cual sería la última sesión de imágenes junto a Paul, George y Ringo.

Javier Cuenca, sobre una idea de Fátima Cuenca González Argentina

Maria Dellavalle Argentina

Paul tenía diez meses cuando su mamá, Mary, quedó embarazada. Nueve meses después, el 7 de enero de 1944, nació Peter Michael “Mike” McCartney. La cercanía en edad y el hecho de haber concurrido al mismo colegio hizo a los hermanos muy cercanos y la relación se reforzó durante la infancia, tras la muerte de su madre.

Quizás sea que nunca pretendió estar al nivel de su hermano. Un poco más modesto, Mike se conformó con la vida que todos los jóvenes de su edad y su situación económica podía permitir: asistió al colegio y se consiguió un trabajo como aprendiz de peluquero y estilista. Sin embargo, el lado artístico que llevaba en la sangre lo reflejaba en hermosas fotografías y en Scaffold, su banda de “comedia y poesía” formada en 1962 en Liverpool junto a Roger McGough y John Gorman. Para evitar que lo acusen de utilizar la fama de su hermano –y para que sus méritos sean sólo suyos-, decidió cambiar su apellido por uno artístico, McGear, siendo ‘gear’ el equivalente a ‘fab’ en Liverpool.

Sin embargo, el tiempo pasó rápido para Paul y pronto se unió a un grupo de amigos, luego a una banda y enseguida se subió en la espalda de un estrellato tan inesperado como merecido. Es innegable que la distancia no fue motivo suficiente para distanciarse, pero sí que comenzaron a pasar menos tiempo juntos. Quienes han leído la historia de Paul saben que su padre influyó mucho en su amor por la música y lo mismo sucedió con Mike. Pero, ¿cómo despegarse de la fama de su hermano? ¿Cómo no quedar opacado y a la sombra de una de las personas más reconocidas en ambas costas con apenas veintiún años?

En Scaffold, Mike era uno de los principales compositores y escritores, tocaba el piano y la guitarra y creó numerosos éxitos entre 1966 y 1974 bajo el sello Parlophone. Extrañamente, el trio terminó conduciendo un programa de televisión, dejando de lado la arista musical y perdiendo la protección de su sello discográfico. Eso no fue un impedimento para que el más chico de los McCartney firme con Island Records y publique un álbum llamado Woman en 1972. Su producción musical continuó luego con otra banda, e incluso con un sello propio. Finalmente, se alejó del mundo de la música comercial en 1981. De todas formas, con el tiempo lo que más se recuerda de él han sido sus fotografías. Brian Epstein lo había apodado Flash Harry a principio de los 60’s porque siempre estaba tomando fotografías con flash. Su obra más emblemática es, quizás, la que le tomó a Paul entre la ropa tendida en el patio de su casa, tocando la guitarra, que luego McCa utilizó como portada de su álbum de 2005 Chaos and Creation in the Backyard. Con los años, se profesionalizó en la fotografía y publicó varias de sus piezas en exposiciones y libros. Muchas de las fotos que vemos de The Beatles en giras o en backstages fueron tomadas por él y recopiladas luego.

Portada de “Woman”

Si hay una palabra que Mike odia es “if” (el equivalente en español al si en potencial). Y uno de los motivos principales por lo que la odia es que casi se convierte en el baterista de The Beatles. Así es. “Casi estuve en The

Beatles. Era el baterista de The Beatles pero me rompí el brazo con los Scouts. (…) Pasó cuando John (Lennon) solía venir a casa en Forthlin Road con The Quarrymen, antes incluso de que George (Harrison) estuviera en ella. Me rompí el brazo en el campamento y eso afectó los nervios que controlan la muñeca. Estaban muertas. (…) ‘Si’ no me hubiese roto el brazo, habría sido un Beatle. Pero sí me rompí el brazo y no soy un Beatle. Siempre tienes que lidiar con la realidad, no con los sueños.”

Portada de Chaos And Creation In The Backyard

Scaffold

Pilar J. Vázquez Argentina

Ringo al Hall of Fame Luego de la inclusión de The Beatles en el Salón de la Fama del Rock, y del ingreso de John Lennon, Paul McCartney y George Harrison en carácter de artistas en solitario, ahora es el turno de Ringo Starr, quién será ingresado al prestigioso Hall of Fame con un discurso a cargo del mismísimo Paul.

Pilar J. Vázquez Argentina

El encargado de rendirle tributo tocando sus canciones será otro amigo, el guitarrista de The Eagles, Joe Walsh. Además de Starr, otros artistas serán homenajeados, entre ellos Bill Withers, Lou Reed y Stevie Ray Vaughan.

Se vendió Gretsch de John Meses atrás se había informado que la Gretsch 6120 que John utilizó en la grabación de Paperback writer había sido subastada, pero nuevos informes indican que en realidad fue vendida de antemano por David Birch, primo de Lennon, a Jim Isray, dueño del equipo de fútbol americano, los Colts de Indianápolis. El precio de venta fue de 530 mil dólares y el instrumento pasará a formar parte de la colección privada de Isray, quién ya posee guitarras de Jerry García y Bob Dylan.

Heather Mills ataca a Paul Sin razón aparente, la ex esposa de McCartney ha tenido duras palabras contra él. En el programa Late Late Night dijo: “Si voy por la calle, todos los que se me acercan

son niños y la mitad ni siquiera sabe quién es Paul. Por eso es por lo que tiene que hacer canciones con Rihanna y Kanye West, para que la gente lo recuerde”. Además agregó que le resulta aburrido hablar de Paul, ya que para ella es sólo un tipo normal que escribió unas cuantas buenas canciones.

Nuevo disco y adelantos de Starr Como ya adelantamos en nuestro número anterior, Ringo Starr tiene nuevo álbum de estudio y lo ha llamado Postcards From Paradise. Aquí el track list: Rory And The Hurricanes You Bring The Party Down Bridges Postcards From Paradise Right Side Of The Road Not Looking Back Bamboula Island In The Sun Touch And Go Confirmation Let Love Lead A mediados de marzo estuvieron disponibles 3 canciones para aquellos que compraron en la pre venta de iTunes. Ellas son “Right Side Of The Road”, “Not Looking Back” y el primer corte, “Postcards From Paradise”.

Paul is not dead Cada tanto la vieja y trillada historia de la supuesta muerte de Paul en 1966 vuelve a emerger, captando la atención de gente no muy relacionada con la banda que cae en la trampa de quién solo quiere alarmar a los demás. Hace pocos días, en un nuevo intento de darle credibilidad a tan disparatada historia, se utilizó la figura de WikiLeaks, aquél grupo de hackers que sacaron a la luz documentos secretos y privados de diferentes gobiernos y personalidades. Se afirmaba que ellos poseían una copia del acta de defunción de McCartney fechada el 9 de noviembre de 1966, día del supuesto accidente que terminó con su vida. Sin embargo, WikiLeaks se expresó vía Twitter negando que ellos hayan divulgado tal información.

“Hay una historia dando vueltas sobre que recientemente hemos publicado unos documentos que afirman que Paul McCartney murió en 1966. No lo hicimos”.

Oh Mi Amor Oh mi amor, por primera vez en mi vida Mis ojos están bien abiertos Oh mi amada, por primera vez en mi vida Mis ojos pueden ver. Veo el viendo, oh, veo los árboles Todo está claro en mi corazón Veo las nubes, oh, veo el cielo Todo está claro en nuestro mundo. Oh mi amor, por primera vez en mi vida Mi mente está abierta Oh mi amada, por primera vez en mi vida Mi mente puede sentir. Siento dolor, oh, siento los sueños Todo está claro en mi corazón Siento la vida, oh, siento el amor Todo está claro en nuestro mundo.

Y en el próximo número…

Y mucho mas!! 46