Glass Onion - Número 31 by GLASS ONION

EDITORIAL: Un nuevo año comienza y las ganas de compartirlo con uds se renuevan, siempre con la más maravillosa música jamás creada, la música de cuatro jovencitos que se hacían llamar The Beatles. Y como pasa en cada comienzo, muchas cosas cambian y Glass Onion no es la excepción. A partir de éste Nro iremos dándole un nuevo look a la revista. Algunos cambios son sutiles, otros un poco más arriesgados, pero siempre buscando mejorarnos y La etapa campestre, o cómo pasar de ser un hacer de la lectura una experiencia más agradable rockstar a un granjero y músico de carretera. De para todos. The Beatles a Wings. El comienzo de una discografía. En éste ejemplar les traemos varias notas que nos llenan de orgullo: Iniciamos un proyecto a largo plazo al que llamamos “Los Años McCartney” donde haremos un repaso completo por toda la obra solista de Sir Paul, ubicándonos en el contexto en que cada una de sus obras fue creada. La primer fase del John, Paul, George y Ringo serán eternos. Sobre todo proyecto se inicia ahora y se extenderá por dos Nros por el hecho de quedar inmortalizados en piedra (o más. Los siguientes módulos aparecerán muchos otros materiales). La escultura Beatle alrededor del mundo. esporádicamente en el futuro. Otro punto alto se dio a fines del año pasado, cuando uno de nuestros redactores, Luis E. Inngais, tuvo un contacto directo con un auténtico Beatle, quién estuvo sentado a la batería de la banda por 2 años. Nada menos que Pete Best. Cómo tocar A Hard Day’s Night y no fallar en el intento. Cada parte, cada truco, cada misterio resuelto en Les contamos todo sobre su participación en el nuestro video tutorial. evento “Gran Festival de Los Beatles en México”, así como otras actividades en el Distrito Federal azteca. Para nuestros lectores músicos tenemos un completísimo tutorial sobre A Hard Day’s Night, desde el misterioso acorde inicial, la grabación del El primer baterista de The Beatles visitó México y estuvimos ahí para traerte un gran informe sobre todas solo y la forma de tocar la canción entera. sus actividades y tener nuestro primer contacto con un Seguimos con nuestros informes sobre numerología, Beatle. esta vez dedicado a Ringo Starr, o mejor dicho, a Richard Starkey, tal su nombre real, y el que vale a la hora de analizarlo. Nuestro Disco del Mes es el gran 33 1/3 de George Harrison. Un álbum que significó un resurgir del Look At The Number: Ringo guitarrista a mitad de los 70 y del que hay mucho por And The Band Begins To Play: A Hard Day’s Night It Was 50 Years Ago Today: Enero 1966 decir. Nota John: Discos Compilatorios Hasta aquí llega ésta sección. El resto será una Disco Del Mes: 33 & 1/3 (George) sorpresa para todos. In Their Own Words: Como Hasta el mes que viene! Lanzamientos: Beatles Streaming / Concert P&L (Ringo) Paul & George:Verano del ‘58 Only A Northern Song: Lo Mejor del 2015 I Read The News Today, Oh Boy

Martin Editor Principal

Editor: Martín Castro; Coordinación y Diagramación: Federico B.; Redactores: Stella Accardi, Federico B., Martín Castro, Octavio Cavalli, Migo Coiro, Javier Cuenca, Maria Dellavalle, Isadora Katz, Cecilia Diaz Moreno, Guillermo Gibbon, Luis Inngais, Maximiliano Seijas, Pilar J Vázquez 3

Se celebró el 21 Gran Festival de Los Beatles en México, desde el 17 hasta el 20 del presente mes, con exposición de coleccionables, conferencias, proyección de películas, intercambio de suvenires, conciertos y por segundo año consecutivo con un invitado especial, en esta ocasión por el que fuera el primer baterista de The Beatles, el Sr. Pete Best.

migración fue muy rápido, por lo cual su salida fue muy pronta teniendo la suerte otros fans que habían llegado con antelación a poder tomarse fotos con él y el anhelado autógrafo en algún artículo Beatle de su época. Se trasladó al hotel en donde estuvo hospedado en su primer visita, según se ve en las fotos que compartió su hermano Roag Best (hijo de Neil Aspinall) y dieron un caminata por Paseo de la Reforma, una de las principales avenidas del D. F.

Todo inicio con su llegada a la Ciudad de México el 14 de diciembre. Si bien se esperaba su arribo a las 5:00 AM, como fan me presenté en el aeropuerto a las 5:10 AM aproximadamente, pero cuál fue la sorpresa para los 10 fans que asistimos a esa hora: el vuelo había llegado antes de las 4:30 AM y el paso por

El día 15 de diciembre empezó creo muy emocionante para Pete, ya que junto con su hermano dieron su primer paseo en helicóptero sobre la Ciudad y el Estado de México (lugar donde se encuentran las pirámides de Teotihuacán), organizado por el Gobierno del D. F. y principalmente por el Lic. Miguel Torruco, Secretario de Turismo y promotor de las actividades Beatles ya que es un gran fan). Por la noche nos esperaba a los afortunados fans que pudimos comprar un boleto para ver el Showcase en el exclusivo piso 51 de la Torre Mayor (el edificio más alto de México), en el cual cerró el evento tocando 6 canciones; My Bonnie, Bésame Mucho, P.S. I Love You, Please Mr. Postman, I Saw Her Standing There y Twist and Shout. Concluida la presentación, de manera ordenada nos formamos para poder adquirir artículos oficiales que trajo para venta, tales como baquetas, T-shirts, fotos o CDs. Así mismo nos otorgó firmas en algún artículo que adquirieras o que

llevaras, siempre con una sonrisa a pesar de la hora en que terminó el mini concierto, pasada la 1:00 AM.

toda la gente VIP e invitados del Gobierno y la banda que iba tocando durante el trayecto y en el tercero se encontraban todos aquellos fans que pudieron tener la oportunidad de participar en este gran evento. El recorrido se realizó sobre Paseo de la Reforma, haciendo una parada frente al llamado Angel de la Independencia, en donde la prensa se da vuelo tomando fotos. La segunda parada la realizaron frente al Auditorio Nacional y hasta donde sé, Pete se unió a la banda para tocar Love Me Do y la última parada se realizó frente al Parque México, en dónde nuevamente la prensa pudo tomar las respectivas fotos del evento. De ahí realizaron un recorrido a pie hasta llegar a la Casa Beatle (Abbey Rock) cuyo dueño es el Lic. Ricardo Calderón, quién es el promotor número uno de este evento y actual presidente del

Toda la gente se fue con su souvenir autografiado y fue ese primer acercamiento a la magia que solo un Beatle puede irradiar. El día 16 de diciembre inicio con una conferencia de prensa en el Edificio de Gobierno en donde se le otorgó un reconocimiento como turista distinguido y dando continuidad a la celebración del año dual de México y Reino Unido. Una vez concluida esta actividad se realizó un paseo en tres Turibus brandeados con imágenes de The Beatles en su época de Hamburgo. En el primero se encontraba toda la prensa, en el segundo se contaba con las personalidades Pete Best y su hermano, así como 5

Club Todos Juntos Ahora que este año cumplió 31 años de haberse fundado (09.10.1984). En dicho lugar se llevó a cabo la develación de una placa conmemorativa de la visita del primer baterista de la banda. De estas actividades no pude participar en todas por cuestiones de trabajo o tiempo, pero es lo que he podido observar de publicaciones de periódicos que cubrieron la nota, así como fans que pudieron participar y que de manera gráfica o en alguna narración compartieron lo sucedido cada día. Del día 17 al 20 se realizó la dinámica de hacer la proyección del documental “Pete Best of The Beatles”, que permitía que una vez que concluyera el documental, Pete se presentara en la sala de proyección para 200 afortunados que obtenían su boleto con anterioridad (todo gratuito) e iniciara una sesión de preguntas y respuestas, las cuales eran traducidas por Manuel Guerrero (locutor de los programas The Beatles en Universal Stereo 92.1 FM que se trasmite de lunes a viernes a las 8:00 y a las 13:00). Las preguntas fueron cuidadas de la mejor manera para no ofender o hacer sentir mal al invitado (desde mi punto de vista, bien hecho). Hubo respuestas de verdad sorprendentes, desde que su mejor amigo era John, que tuvo una pelea con Tony Sheridan, que espera en alguna ocasión volver a ver a Paul y poder tomarse una cerveza con él y recordar los viejos tiempos, la definición en una palabra para cada

Fotos del recorrido de los tres Turibus

uno de The Beatles, hasta la respuesta que nos quebró el corazón: él se estaba alistando para ir a trabajar cuando su esposa le dio la noticia de que John Lennon había sido asesinado y comentó que no le dio ningún comentario a la prensa que lo buscó y que solo quería estar solo para poder rendirle tributo en silencio al que fue su mejor amigo, John. El viernes 18 se tomó la foto oficial con los afortunados miembros de Club Todos Juntos Ahora que pudieron asistir para la toma. Los cuatro días se tenía la dinámica de tener que ir a recoger un brazalete a muy temprana hora de la mañana para con esto poder tener la oportunidad a las 6:00 PM aproximadamente de pasar a una sesión de autógrafos en material oficial que los fans llevaran o artículos que Pete tenia a la venta en su stand. Esto te permitía poder tomarte una foto con un Beatle, y en mi caso, pude tener la oportunidad de pasar a saludarlo, darle un obsequio y agradecerle por su visita y su energía. Si nos emocionamos cuando nos dicen que Paul o Ringo vendrán a dar un concierto a nuestros países, de verdad el tener un Beatle al lado es indescriptible. Pete pudo tener la oportunidad de conocer las pirámides, dar un visita a la Arena México a ver lucha libre, muy famosa en todo el mundo, y una visita obligada a las trajineras de Xochimilco. El día 20 la conclusión del festival se dio con la participación de Pete en el salón principal para tocar con la banda tributo Morsa. ¡Fue de locura ver a un Beatle tocar Twist and Shout! Toda la gente grabando video o queriendo conservar en una foto este evento histórico para todo fan de la Beatlemania, cosas que más allá se grabaron en el corazón de todo fan que pudo ser testigo de esto. “Once a Beatle always a Beatle”

Agradecimiento especial al Lic. Ricardo Calderón por la organización de estos eventos desde hace 21 años, así como al Lic. Miguel Torruco por su entusiasmo y el apoyo a esta fiebre Beatle, y cada uno de los patrocinadores y staff del evento. Las fotos han sido recopiladas de varias páginas y publicaciones. Vaya el crédito a quién corresponda.

Luis E. Inngais

(Abajo) Luis Inngais con Pete Best! (Arriba): Foto firmada por Pete Best para Luis

La escultura es el arte y la técnica de representar objetos o crear figuras en tres dimensiones trabajando o labrando un material, como barro, piedra, madera, metal u otra materia conveniente, representando en volumen, figuras de personas, animales u otros objetos de la naturaleza o el asunto y composición que el ingenio concibe. El origen de la escultura puede explicarse considerando cuán natural es en el hombre la tendencia a imitar, en volumen, las formas de la naturaleza y qué espontáneo placer experimenta el alma humana en la rítmica combinación de la línea y la masa. Este arte ha creado en el curso de su historia, dos clases de belleza: la imitativa y la imaginativa. The Beatles es uno de los pocos grupos musicales que ha sido motivo de inspiración para la creación de obras escultóricas, que se ha manifestado de diversas formas, tamaños y estilos a lo largo del mundo.

Gillermo Gibbon

Fue un artista británico que, influenciado por la popularidad del grupo y la cercanía que logró tener con ellos a través de Brian Epstein, realizó la primer escultura basada en los cuatro de Liverpool. Los conoció en enero de 1964 en París, en el hotel George V, donde se alojaban cuando dieron su primer ciclo de conciertos en esa ciudad, previo a la invasión en E.U.A. que un mes más tarde desataría la beatlemanía a nivel mundial. Los muchachos y el escultor congeniaron enseguida, y estuvieron dispuestos a posar para el modelaje en barro. De esa base primitiva surgió la escultura en bronce denominada “Las cuatro cabezas de The Beatles”, y fue adquirida por el manager del grupo. Posteriormente fue exhibida en el Museo de Rock ‘n Roll de Tokio hasta que fue subastada.

Es un pintor y escultor que reside actualmente en Las Vegas, E.U.A. En agosto de 2003 ganó el primer premio con la obra “Beatles para siempre”, en la 27º celebración anual de fans Beatles, en Chicago. Se trataba de un frente plano con volumen realizado en bronce.

A partir de esa obra, en 2011 se inspiró para la creación de una nueva versión de la misma en 360º, a la que denominó “El espíritu de The Beatles”.

Nació en Nairobi, Kenya, y pasó su niñez y juventud en África,

Inglaterra, Gales y Alemania, hasta que emigró a Australia. Comenzó su actividad artística dibujando la naturaleza salvaje africana, y ya adulto comenzó a experimentar y explorar nuevos materiales, focalizándose en la creatividad y destreza de sus manos para la realización de sus esculturas. Ivan ha expresado una particular emoción al llevar a cabo su ingenio mediante la utilización de un material tan raro en la escultura como lo es el alambre tejido, lo que hace que su obra sea inmediatamente reconocida por esta particular característica.

Es un famoso escultor de Kazakstán, quien en 2007 ganó el concurso realizado por el municipio de Almaty, en la región de Koktobe, de ese país, para conmemorar los cuarenta años del “Verano del Amor”. Precisamente la escultura lleva ese nombre, y está ubicada en la plaza central de la ciudad.

Es un artista norteamericano que concibió un cuarteto de grandes estatuas, que se exhiben en la ciudad de Houston, E.U.A. Cada una de ellas pesa 3.200 kg., y mide 4 y ½ metros de altura (excepto la de Ringo, que es un poco más baja, ya que se encuentra sentado a la batería). El estilo de estas esculturas está dentro de la línea imaginativa.

Es el primero de los escultores que presentaremos, cuyas obras de arte se exhiben

en Liverpool, la cuna de The Beatles. Nacido en esa ciudad en 1949, fue marino, vendedor, músico y artista pop, para posteriormente dedicarse a la escultura imitativa. Sus obras de arte son más bien pequeñas, realizadas en bronce, material en el cual se destaca. Es el creador del icónico monumento que se encuentra en el Aeropuerto John Lennon, en Liverpool.

Es conocido en todo Liverpool, pues su arte engalana lugares emblemáticos de esa ciudad, tales como el Hard Day’s Night Hotel y The Cavern. Nacido en Wadsworth, Ohio, E.U.A., el material que utiliza es fibra de vidrio trabajada para dar la apariencia de bronce. David cuenta que en los años sesenta frecuentaba el Cavern, y que fue un honor para él cumplir su sueño de ver su obra en la entrada del mítico club.

Y dejamos para el final de este artículo al recientemente inaugurado grupo escultórico, creación del artista Andy Edwards. En la ribera del río Mersey de la ciudad de Liverpool, el pasado 4 de Diciembre, y con la presencia de Julia Baird, la hermana de John Lennon, fueron descubiertas estas cuatro estatuas de más de dos metros de altura y un peso superior a los 1.200 kilos. La obra de Edwards fue un regalo del Cavern Club, la sala de conciertos donde la banda dio sus primeros pasos, para celebrar el 50 aniversario de su último concierto en su ciudad de origen, el 5 de diciembre de 1965. “Yo estaba presente ese día y estoy orgullosa de estar en esta inauguración”, declaró Julia Baird. Andy Edwards explicó que cuando trabajaba en la estatua, “todo el mundo quería hablarnos, cada uno tenía una historia que contar sobre The Beatles. Creo que esta estatua se convertirá rápidamente en un lugar de ritual. Será un sitio para reunirse, para pensar, meditar y tocar música”.

Tu NÚMERO DEL ALMA revela tu interioridad, interior, las motivaciones profundas que influyen en tus decisiones y acciones, tus deseos subconscientes y las actitudes más profundamente arraigadas. (Esto está determinado por adicionar los valores de las vocales de tu nombre completo de nacimiento.) Tu NÚMERO DE LA PERSONALIDAD muestra como te manifiestas exteriormente, tu apariencia y la imagen que presentas, como te ven los demás, tu poder de atracción y el entorno que más te gusta. (Esto está determinado por adicionar juntos los valores de las consonantes de tu nombre completo de nacimiento.) Tu NÚMERO DE DESTINO representa todas tus aspiraciones y el camino que seguirás para cumplimentar el propósito de tu vida. (Esto está determinado por adicionar juntos los valores de todas las letras de tu nombre completo de nacimiento.) Tu NÚMERO DE CARRERA muestra tus talentos, capacidades y qué tipos de carreras o vocaciones son más adecuadas para ti. (Esto está determinado por adicionar juntos los dígitos de tu fecha de nacimiento.) Tu NÚMERO PERDIDO (o números) muestra las áreas más débiles y lo que no está desarrollado naturalmente en ti. (Esto está determinado por los números de cualquier valor que no están representados en tu nombre completo de nacimiento.) La PRIMERA VOCAL de tu nombre revela tu reacción instintiva a las personas y situaciones.

Isadora Katz

La PRIMERA INICIAL de tu nombre indica la cualidad más significativa de tu personalidad y la característica que te hace único a los ojos de las demás personas. 20

RICHARD STARKEY 9938194 1219257 9 1 1 5 9 38 94 12 92 7

vocales + consonantes = 70 suma vocales = 16 suma consonantes = 54

Recuento de letras:

NUMERO DEL ALMA 7 psicología, investigación científica, metafísica o religión. Eres científico en tu acercamiento a la verdad.

Profundo, serio, introspectivo y analítico, no aceptas nada a primera vista y estás siempre probando el lado oculto y el significado profundo de las situaciones y de las personas. Estás fascinado por lo misterioso y desconocido. Gozas períodos de soledad y de paz a tu alrededor y necesitas tiempo para estudiar, reflexionar o meditar. Podrás soñar despierto y tener vuelos de la imaginación. Tienes una poderosa atracción por el océano. Te llegan los estudios de la filosofía,

Privado, reservado y más bien secreto, existen probablemente muy pocos quienes verdaderamente conocen y entienden tus profundos pensamientos, sentimientos, esperanzas y aspiraciones. A menos que aprendas a compartir tu mundo profundo más libremente y seas menos un idealista perfeccionista, podrías quedarte solo. 21

en tu entorno. Buscas a tu alrededor armonía y paz. Tienes un gusto para la belleza y eliges estilos suaves. Amas los colores vibrantes o tonos pastel y usualmente evitas lo oscuro o sombrío.

NUMERO DE LA PERSONALIDAD 9 Eres bien querido y bien amado por los demás por tu calurosa cordialidad, generosidad y naturaleza indulgente. Pareces sincero, cordial, noble y motivado por altos principios. Algo de egoísmo es indigno de ti. Tienes un corazón sentimental y respondes a la vida emocionalmente. Ves más lo bueno de las personas que lo malo y estás dispuesto a dar a todos una segunda oportunidad. Puedes tener un toque suave para cada historia triste que te acompañe.

NUMERO DE DESTINO 7

Tu destino te requiere ser un buscador de las profundas verdades y estar separado de Los demás se sienten alguna forma de los hechos mundanos y de confortables y aceptados por ti, todos los días para que puedas concentrarte porque pareces en entender las causas subyacentes y los entenderlos. Eres significados profundos, el lado oculto de la tolerante y no los vida. Estudioso, introspectivo, analítico y juzgas. Sin embargo, profundo, estás abierto al estudio de la aunque no lo estás psicología, filosofía, religión y metafísica o la buscando, atraes a investigación científica. Eres pensativo, cualquiera que intuitivo y perspicaz y tienes mucho para necesites a tu vida ofrecer a la gente quien hace serias preguntas sin mucho esfuerzo y están buscando sabiduría, pero no te o lucha de tu parte. agradan las interacciones superficiales y alta Las personas sociabilidad. Sensitivo, discriminador y algo naturalmente de perfeccionista, eliges cuidadosamente con quién asociarte y cómo gastas tu tiempo. desean asistirte. Períodos de soledad para una calmada reflexión, meditación o estudio es muy Tienes una necesaria para ti. A veces, estás inclinado a sensibilidad y ser melancólico y encuentras refugio en la sensitividad a los naturaleza, especialmente en el océano, colores, sonidos y restaurando tu espíritu. tonos emocionales 22

NUMERO DE CARRERA 1 Estás apto para ser llamado para actividades con creatividad, originalidad, inventiva, coraje e iniciativa. Eres un pionero y explorador. Evita socios - eres un individuo dominante que necesita tener un cargo. Carreras y vocaciones: Líder, ejecutivo, director, gerente, encargado, cabeza de un departamento, propietario de tu propio negocio, inventor, original y promotor de nuevos métodos o productos, vendedor libre, contratista, operador independiente, autodidacta.

NUMERO AUSENTE 6 Pierdes domesticidad y no estás inclinado a tomar las responsabilidades de un hogar y de la familia. El deseo de dedicarte al cuidado y bienestar de otros no es muy fuerte. Puedes negar las necesidades de tu familia y sentir poco interés en el bienestar de las personas de tu comunidad. Trata de desarrollar más amor con respecto a los demás y comprende que el toque personal y caritativo es más valioso que cualquier regalo estrictamente material que puedas dar.

inteligente, con habilidad de percibir y entender hechos sutiles y complejos. Eres simpático, idealista y tienes un fuerte impulso humanitario. Puedes ser enteramente subjetivo, sensitivo y emocional. Evitas la confrontación tanto como te sea posible y eres sensible a la crítica y el rechazo.

PRIMERA VOCAL I Tu respuesta intuitiva a cualquier situación es DISCRIMINACIÓN INTUITIVA. Actúas acorde a tu sentido intuitivo de la situación y puedes parecer enteramente ilógico e impenetrable a los argumentos racionales. Eres sensible e

También estás inspirado intelectual o artísticamente y requieres una atmósfera acogedora en la cual desarrollar estos dones.

PRIMERA INICIAL R Tienes fuerza, energía y entusiasmo en la realización de tus objetivos, sueñas grandes sueños los cuales buscas realizarlos en alguna forma concreta. Tus aspiraciones pueden ser puramente personales o pueden ser para el mejoramiento de los demás; de cualquier manera, te es posible generar entusiasmo, motivación y el activo soporte que necesitas para alcanzar tus objetivos. Tienes el potencial para ser un líder. Eres usualmente honorable y recto y ganas el respeto de aquellos quienes conocen tu integridad. Eres dinámico y estás inclinado al apuro y al apresuramiento. Accionar sin la debida consideración previa puede llevar a dificultades. A menudo tratas de forzar movimientos y progresos, a veces, sería mejor esperar o permitirle a las situaciones resolverse por ellas mismas.

Concordamos que, por afinidad, hay discos con mayor compatibilidad entre ellos, lo que nos llevó a separarlos en categorías. No fue una tarea sencilla, ya que por ser él y su música tan eclécticos, no todos los álbumes podían ser encasillados en una etiqueta. En esta nota analizaremos la que decidimos llamar su "etapa campestre", que engloba McCartney, Ram y Wild Life, tres discos que tienen muchas cosas en común entre ellos, pero también muchas diferencias. Le dimos ese nombre por el plano personal de Paul en esos años: su vida en Escocia, su nueva familia, los métodos de grabación… Pero hay que pensar que en el lapso de poco más de un año (los discos se lanzaron entre abril de 1970 y diciembre de 1971), cada uno tiene características propias y distintivas. Mientras McCartney es un disco hogareño, casero o, como él lo define, familiar, Ram es mayoritariamente contestatario y más pulido, y Wild Life fue quizás menos cuidado, pero más relajado y con los primeros indicios de lo que nosotros calificamos su próxima etapa.

El 9 de abril de 1970, Paul difunde a la prensa su disco junto a una auto-entrevista coescrita con Peter Brown, un íntimo amigo de la familia Epstein y miembro del staff de Apple Corps. Compartimos algunas de sus declaraciones más importantes: “Decidí hacer un álbum solista porque tenía una grabadora de 4 pistas Studer en casa y practicaba en ella. Me gustaron los resultados y decidí llevarlos a un álbum. Disfruté mucho trabajar solo. Sólo tenía que consultarme a mí mismo para tomar una decisión y estaba de acuerdo. Recuerden que Linda también está, así que de verdad somos dos. El álbum se grabó en casa, en el estudio 2 de Abbey Road y en los estudios Morgan. Grabar solo me ha enseñado que tomar tus propias decisiones sobre qué hacer es sencillo, y tocar contigo mismo es difícil, pero da satisfacciones”.

Es evidente que McCartney intentó apaciguar un poco las verdaderas razones por las cuales grabó este disco. Sabemos que se consideraba como la persona que debía llevar por el lado correcto a la banda y sentía que las cosas saldrían bien siempre y cuando él ponga orden, sin importar si los otros tres coincidían con su mecánica de trabajo, pero las cosas se le fueron de las manos y poco a poco cada uno de los miembros comenzaron a tomar sus propias decisiones. Tomando conciencia que ya no poseía el control de la banda que lo acompañó durante más de una década, Paul entró en una profunda depresión de la cual sólo pudo salir volviendo al mundo de la música, recluido en su rancho de Escocia. Allen Klein era un abogado que a todo artista que ha representado estafó sin vergüenza y The Beatles no fueron la excepción. Comenzó a representarlos tiempo después de la muerte

de Brian Epstein, ocurrida en 1967. John lo conoció en el Rock and Roll Circus que The Rolling Stones (representados por Klein) filmaron en 1968 y en el cual fue invitado a colaborar. Los Fab en ese entonces estaban representados por NEMS, a cargo del hermano de Brian, pero no era una representación como tal, sino una cuestión burocrática. Lennon quedó tan impresionado por Allen que, tras una

reunión, dejó que se haga cargo de su carrera y sugirió al resto de la banda hacer lo mismo. Harrison y Starr coincidieron, pero Paul no estuvo de acuerdo. Quería que The Beatles sea representado por el estudio de su suegro y su cuñado, Eastman & Eastman. Acertada decisión no querer dejar que su carrera sea administrada por Klein, pero suponemos que de haber propuesto un estudio que no sea de sus familiares, todo hubiera sido distinto… Cualquiera podría pensar que correría con ventaja sobre los otros por tener una vinculación familiar estrecha. Esto llevó a una disputa legal entre McCartney, The Beatles y Klein. Por este motivo, estaba imposibilitado de tocar las regalías de sus canciones y el sueldo de Apple Corps por estar judicialmente inhabilitado, así que podrán imaginar que los lujos a los cuales estaba acostumbrado cayeron a pedazos, y las condiciones de vida en el “rancho” de Escocia no eran muy

disolución oficial de The Beatles. Por ese entonces, dio una entrevista contando las disputas por la fecha de publicación. En sus palabras, “enviaron a Ringo a mi casa de la calle Cavendish con un mensaje: ‘queremos que pospongas el lanzamiento de tu disco, es por el bien del grupo’, echándome a mí la culpa de todo lo que estaba ocurriendo y queriendo retrasarme hasta después del lanzamiento de Let it Be y el disco de Ringo, así que hice algo que nunca había hecho antes ni hice después: eché a Ringo de casa. Estaba en una situación de debilidad y era lo único que podía hacer para no hundirme más… ya estaba traumatizado y había perdido la cabeza de todos modos”. agradables. Linda contó en una entrevista radial que carecían de agua caliente, calefacción, y convivían con una plaga de animales salvajes. Aún así, se las ingenió para crear un confortable ambiente laboral y grabar del modo más casero posible su primer álbum solista. Si escuchamos detenidamente, en The Lovely Linda se escucha el chirrido de una puerta al abrirse, en manos nada más y nada menos que de la musa de la canción. Pero no olvidemos: él seguía siendo el “Beatle Paul”. Si quería un estudio, lo tendría a su disposición más pronto que tarde. Si grabó en esas condiciones, fue porque así lo quiso.

Queda de manifiesto que fue un disco creado y lanzado a las apuradas. Contiene canciones creadas anteriormente (Hamburgo en 1959, India en 1968) y los instrumentales del disco no son más que improvisaciones de McCa jugando con los instrumentos para probar la grabadora de cuatro pistas que tenía en su casa. Esto rectifica nuestra posición: el lanzamiento de este disco no es otra cosa más que la imperiosa necesidad de Paul de volver al mercado musical sólo por salir de su estado. Paralelamente, por la velocidad de grabación, lanzamiento y promoción, es evidente que él nunca se esperó tener que hacerlo; quizás porque creía que sería eternamente un Beatle, quizás porque se sintió amenazado tras los proyectos solistas de sus ex compañeros de banda.

El álbum McCartney fue grabado entre fines de diciembre de 1969 y marzo de 1970. Su lanzamiento al mercado se dio el 17 de abril, una semana después del anuncio de la 30

The Lovely Linda no sólo fue la primera canción que McCartney grabó para este disco –es decir, su primera canción como músico solista-, sino que además es la primera de una larga lista de canciones que le dedicó a Linda. Si algo caracteriza a este álbum es el uso de guitarras acústicas, que queda ejemplificado en la segunda canción del álbum, That Would Be Something, tema que junto a Maybe I’m Amazed fueron consideradas como “geniales” para su ex compañero George Harrison, que a su vez rotuló al disco como “fair” (algo así como “correcto”). A continuación, el primero de los cinco instrumentales del disco. Valentine Day parece pasar desapercibida, casi un nexo, entre su predecesora y Every Night, a nuestro criterio, una de sus mejores canciones, no sólo del disco, sino de su carrera en general. A pesar de su sencillez, resulta cautivadora por su pegadizo estribillo y la facilidad con la que uno puede sentirse identificado con su letra. Hot As Sun/Glasses deja entrever a un Paul con ganas de experimentar con su pasado: tal como lo hizo con One After 909 y I'll Follow The Sun, retomó una vieja canción de 1959, y volviendo sobre el truco del sonido de las botellas y los vasos (remitirse a Long Long Long), probó lo que muchos de nosotros hicimos: jugó con copas de cristal y agua. Esto dio como resultado un curioso medley que cerró con Suicide, una improvisación que quiso darle a Frank Sinatra, y luego consideró nada más y nada menos que “un asesinato”. 31

La cara B la abre Oo You, uno de esos temas que pasan injustamente desapercibidos entre sus composiciones. Con una letra delicada y otro de sus característicos estribillos pegadizos, creemos que es un tema al que le correspondería mayor atención. Momma Miss America es el tercer instrumental del álbum, en el cual demuestra sus virtudes en el bajo y junto a la batería hace una base sólida para la guitarra y el piano. Cabe aclarar que es la grabación más larga de todo el disco. Pero ese costado rockero queda de lado justamente en la canción que más se lo exige: Teddy Boy no hace justamente referencia a esa etapa de los pantalones de cuero que lo acompañaban en Hamburgo, sino que sólo es un juego de palabras para contarnos la historia de un niño apegado a su madre. Si algo caracterizó a Paul desde siempre es su habilidad para componer canciones donde interactúa con su guitarra. Blackbird fue un caso dentro del marco Beatle y aquí hace lo propio en Junk. Una melodía delicada, una interpretación vocal suave y unos arreglos de excelente gusto para hablar de… Basura! Solo él podría hacerlo.

Con Singalong Junk, retoma una característica que se repetiría en diversas oportunidades en su carrera solista y que arrastraba ya de sus composiciones en The Beatles: al considerar que algo es de su agrado, no quiere que muera con los últimos acordes de la canción (no nos olvidemos que Abbey Road, el disco de McCartney, no termina con The End, y aceptó un error casual para no cerrar el disco con un título tan tajante; él no quería que sea el final). A pesar de compartir título, este tema poco tiene que ver con Junk, pero cierra esa idea de retomar algo y reformularlo. Luego veremos en los próximos discos que repite esta fórmula.

Man We Was Lonely es el típico tema marchoso marca McCartney, con un coro repetitivo y efectivo que por un momento nos hace pensar que se trata de otra de sus “tontas canciones”, pero que luego despliega una melodía de alto vuelo, donde, tímidamente, Linda aporta algunas frases en contrapunto. 32

Y Paul no es Paul si no nos da “una que sepamos todos”. El hit del álbum, un corte de difusión que tiene más fuerza que todo el disco. Maybe I’m Amazed de transformó en, para muchos, el himno de McCartney. Una voz desgarradora que nos recuerda al McCa de Oh Darling!, y una hermosa instrumentación que no parece acorde al resto del álbum, se convierten en una profunda declaración de amor, y en la segunda canción del disco para Linda. Sin lugar a dudas, el tema del disco. No puede decirse mucho sobre ella, basta escucharla.

A nuestro criterio, fue una mala elección utilizarla como cierre del disco, habiendo tenido la cúspide del mismo en el tema anterior. Además de las canciones que integran el álbum, Paul grabó cinco canciones que quedaron fuera, tres de ellas instrumentales (Rupert Guitar, Backwards Guitar Piece y Cavendish Parade). Las otras dos son Suicide y Don’t Cry Baby, utilizando la primera como cierre de Hot As Sun/Glasses, y siendo finalmente lanzada en 2011.

Por último, cerrando el álbum, Kreen-Akrore, el quinto instrumental, llega de la mano de la curiosidad de McCartney tras ver un documental sobre una tribu aborigen brasileña. Intentó reflejar a través de ella los métodos de caza de los Kreen-Akrore.

en música. Plastic Ono Band fue muy bien aceptado por el público y la crítica en general. En este marco, Paul se presenta con un segundo disco, que significó su primera ruptura como músico por fuera de The Beatles. Hasta el momento, sólo había sacado su primer álbum de estudio y se encontró frente a una situación que lo llevó a replantearse tempranamente hacia dónde quería dirigirse con su carrera: mientras McCartney era un disco que contenía cinco canciones instrumentales, poco producidas, George tomó el camino contrario y sobreprodujo su primer álbum –de la mano de Phil Spector, el hombre que para McCartney mató a Let it Be–, y se llevó la fama que Paul creía que iba a ser propia.

Exactamente un año y un mes después de la publicación de McCartney, el 17 de mayo de 1971, sale Ram al mercado. No es fácil hablar de un disco como este; no porque haya pocas cosas, sino que es complicado hablar sobre ellas. El 16 de octubre de 1970, Paul comienza con la grabación de este disco. George había publicado su álbum triple All Things Must Pass que lo había catapultado por encima de Lennon y del mismísimo McCartney. A Ringo no le estaba yendo para nada mal: había editado Beaucoups of Blues y Sentimental Journey, y John hizo disco la terapia del grito primal y transformó su dolor

Ahora, tenía a su disposición cuatro discos de sus ex compañeros para escuchar. Imaginen su posible reacción al escuchar que aquellas canciones que él

mismo había rechazado, ahora formaban parte de un álbum que rompía esquemas y que, algunas de ellas, contenían un claro mensaje hacia él. No hablamos sólo de Wah-Wah: Isn’t It A Pity finaliza con un coro con demasiada similitud al del himno de Paul dentro de la banda, Hey Jude. A eso se le suman otras canciones cuyas letras son tan ambiguas que podría haberse adjudicado a sí mismo (Run Of The Mill y Beware Of Darkness, por citar dos ejemplos).

“You took your lucky break and broke it in two” no suena tan directa como “Too many people preaching practices”, pero aún así, ambas fueron dirigidas a quien fue su gran amigo. John tomó como personal otras canciones del disco, como el single Another Day, The Back Seat Of My Car (principalmente sus coros finales, “creemos que no podemos estar equivocados”), y Dear Boy, creyendo erróneamente que eran contra él y su esposa, Yoko Ono. Como dato accesorio, esta última canción está escrita para el ex marido de Linda, John See, y cómo se sentía Paul por haberla encontrado. Conociendo a John y su forma de tomarse las cosas, las respuestas no se hicieron esperar: en su próximo álbum, Imagine, lanzado cuatro meses después de Ram, le dedicó dos canciones: Crippled Inside y How Do You Sleep? La primera, un golpe indirecto, y la

Además de ATMP, Paul probablemente escuchó también Plastic Ono Band, y dos referencias directas a su persona: “I don’t believe in Beatles” y “I’ve seen religión, from Jesus to Paul”. Fue entonces cuando Paul atravesó su propia terapia primal, muy distinta a la de Lennon, a través de la cual pudo transformar su propia rabia y angustia en canciones. Por lo tanto, gran parte del contenido del álbum es una respuesta a las agresiones que sintió por parte de los otros Beatles. Por este motivo es que consideramos a este álbum como contestatario. Canciones como Too Many People y 3 Legs contienen líneas claramente en contra de ellos. De hecho, Paul reconoció que dos versos fueron escritos contra John.

segunda, un ataque intenso en el cual Lennon, acompañado por Harrison en primera guitarra y Klaus Voorman en bajo, lo que entristeció más aún a McCartney. De Lennon podía esperarse cualquier cosa, incluyendo la crueldad de pegarle en el punto donde sabía que más le iba a doler: desprestigió la carrera completa de Paul como músico.

Este es el único disco adjudicado al dúo Paul y Linda McCartney. Ésta no es sólo la primera dupla compositiva que tuvo McCa después de Lennon, sino que también fue realmente un álbum creado por ambos, en el que Linda se involucró componiendo a la par de él. El hecho de la convivencia generó que se afiancen como pareja musical. Ya comentamos cómo eran sus condiciones de vida: ambos en el rancho de Escocia, con sus hijas, sus animales de granja, sus caballos y pocas comodidades. Si bien McCartney grabó este álbum en los estudios A&R en Nueva York y Sound Recording Studios en Los Ángeles, las canciones fueron escritas y compuestas “en casa”. Eso le da ese aire “campestre” a temas como Moonkberry Moon Delight, Heart Of The Country, Ram On, Eat At Home y Long Haired Lady.

Una de las características más contestatarias del disco es la imagen de dos escarabajos copulando, lo que generó varias acepciones. Por una parte, dicen que así se sentía Paul con respecto al resto de sus compañeros de banda; por otra, se dice que fue sólo una provocación. Pero Lennon tomó ese mensaje de manera personal, y en los interiores de Imagine, colocó una foto de él sosteniendo a un cerdo por las orejas, tal como McCartney sostenía un carnero en la tapa de Ram.

Too Many People es la canción que abre el álbum. Su letra controvertida y el posterior reconocimiento de McCartney de haberle dedicado dos líneas a John fueron los disparadores de una serie de mensajes enviados entre ambos a lo largo de los posteriores álbumes. Paul grabó el solo de este tema, según el guitarrista Hugh McCracken, en una sola toma. La canción siguiente, 3 Legs, es una especie de country-rock en la que los coros de Linda toman un papel importante, principalmente en el puente y, en palabras de McCartney, trata sobre “la historia de un perro con tres piernas” que no puede correr, pero la supuesta anécdota pierde fuerza en la parte en la cual se cuestiona la amistad que tenía con “el perro” (When I thought you was my friend). A su vez, está hablando de que, teniendo tres piernas, no puede “correr”, traducción literal de “run”, que también significa funcionar. Quizás quiera decirnos que donde deben ser cuatro, si hay tres, algo no está bien.

Al contrario de su predecesor, este álbum está mejor producido y no es tan acústico, sino que pueden encontrarse más temas rockeros, una amplitud de ritmos y melodías, un mayor espectro de voces y más instrumentos. Además, invita a otros músicos a tocar en él. Entre los colaboradores del disco se encontraban David Spinozza, Hugh Mc Cracken, Marvin Stamm y Denny Seiwell. Este último, en batería, luego elegido para integrar su nueva banda. Ésta es la razón por la cual podemos considerar que el disco es la semilla de Wings: los tres integrantes de dicha banda (Paul, Linda y Denny Seiwell) comienzan a darle un nuevo sonido a la carrera solista de McCartney. Sumado a eso, gracias a este disco, logró su primer éxito comercial con Uncle Albert/Admiral Halsey.

Ram On es un juego de palabras. No sé si recordarán que en la etapa Beatle se registraba en los hoteles como Paul Ramon, apellido que luego adoptaron The Ramones como propio. Simplemente retomó aquel viejo nombre para este nuevo disco. La letra de la canción no requiere un análisis de mayor profundidad, no así la parte musical, que la convierte en una de las cuales nosotros consideramos que Paul no había abandonado aún su lado “campestre”. 38

Linda McCartney ingresa a escena como coautora de Dear Boy, canción que mencionamos previamente como uno de los motivos por los cuales Lennon se sintió erróneamente identificado. Su letra refleja cómo se sentía Paul al estar con ella, y lo que “se había perdido” el ex esposo de Linda, John See. A su vez, es una demostración de amor. De hecho, Paul dijo en una entrevista: “Dear Boy fue un intento de autobiografía sobre mí y qué tan afortunado fui de tener a Linda. Nunca me había dado cuenta de cuan afortunado era por tenerla hasta que comencé a escribirla”. En esta canción, utiliza uno de sus recursos predilectos que vimos en Honey Pie y volveremos a ver a lo largo del resto de sus álbumes: filtrar la voz de modo tal que suene “vieja”.

Uncle Albert/Admiral Halsey fue una mezcla de dos canciones incompletas, recurso frecuente en él. Son dos historias paralelas. El “Tío Albert” no era otro que su tío, que cuando se emborrachaba, solía leer la Biblia. La segunda mitad, Admiral Halsey, está inspirada en un Almirante estadounidense, pero muchos sostienen que está dedicada a Albert Hoffman, quien descubrió el LSD. Linda escribió la parte de “Hand across the water, heads across the sky”. Aquí se reitera la vieja fórmula de mezclar varios ritmos y géneros, y que luego retomará en, por ejemplo, Band on the run. A su vez, como ya dijimos, fue esta canción, con sus efectos sonoros (lluvia, teléfonos sonando, una máquina contestadora, y ruidos marítimos) la que lo llevó a su primer éxito.

De Smile Away no hay mucho para agregar, más allá de su lindo riff de guitarra y una buena parte vocal. Un juego de palabras, como ya lo ha hecho anteriormente en el álbum. Heart Of The Country es otra de las canciones rancheritas del disco. Aquí sólo quiere contarnos lo feliz que es viviendo en su rancho de Escocia. Pegadiza, movida, clásica, sin sobresaltos. Monkberry Moon Delight es una de esas canciones que los fans mueren por intentar descubrir qué quiso decir con ese intraducible título. No van a poder descubrirlo con un diccionario; es un chiste familiar. Su hija Heather solía llamar “Monk” en lugar de “milk” a la leche. Claramente debe haber surgido en alguna cena familiar: Ketchup, sopa y puré son las palabras más fuertes de la canción. Lograr esa voz “rasposa” le llevó 90 tomas hasta poder desgastar lo suficiente su garganta y lograr hacerla a su gusto. La voz de Linda acá es claramente necesaria, y logra ensamblarla armoniosamente con la de él. Eat At Home sigue la línea de Smile Away, en el sentido de no tener gran profundidad lírica, con un tinte romántico y es otra de las canciones en las cuales Linda tiene un papel predominante. Curiosamente, es un tema que le gustó a Lennon. Long Haired Lady es el tema más extenso del disco, coescrito y cantado por el dúo, pero pasados los 2:20, parecería comenzar otra canción donde la fórmula es a la inversa: 40

parece una canción de Linda a la cual Paul le hace los coros, hasta el minuto 3:20, cuando retoma la forma inicial hasta el minuto 4, y allí comienza una amalgama de las dos canciones.

Elegida por muchos de sus fanáticos como el tema del disco, es un cierre preciso para este álbum, que engloba tanto diversos géneros como rangos vocales. Acá, Paul nos recuerda a su etapa con The Beatles. De hecho, quiso presentarla en las sesiones de Let It Be pero fue rechazada. La escribió particularmente para Linda, al mejor estilo Two Of Us: un paseo en auto juntos.

Luego, viene la segunda parte de Ram On, de menos de un minuto de duración, que retoma la idea de “no cerrar un círculo” que hablamos en el disco anterior. Para cerrar el álbum, McCartney eligió The Back Seat Of My Car, que se convirtió pronto en un clásico.

Tres meses después del lanzamiento de Ram, en agosto de 1971, Paul decidió meterse en los estudios EMI de Londres para grabar Wings Wild Life. Conservaba desde Ram a Linda y al baterista Denny Seiwell, y se contactó con los guitarristas Denny Laine (ex Moody Blues) y Henry McCullough para grabar su primer disco como banda. La idea era lograr formar una banda con cuyos integrantes compartiese maneras de pensar, y no una reunión de músicos reconocidos.

Las primeras dos semanas de agosto fueron suficientes para registrar casi la totalidad del disco, a excepción de Dear Friend que pertenecía a la sesión de Ram y había grabado entre febrero y marzo de 1970 en Sound Recording Studios de Los Ángeles, ya con Denny Seiwell en batería. Wild Life, por lo pronto, es el disco en el cual Linda tiene mayor participación, cantando a dúo con Paul en casi la totalidad del álbum. El 2 de agosto comienzan los ensayos de esta nueva banda en la granja de Campbeltown, Escocia. Además de las canciones que fueron incluidas en el disco, grabaron dos temas inéditos, Tragedy y Breakfast Blues, siendo este último un blues instrumental transmitido el 15 de diciembre en una estación radial de Nueva York mientras Paul y Linda promocionaban el disco. Al día siguiente Paul, feliz con los resultados, anuncia a la prensa la existencia de su nueva banda, aún sin nombre.

Nashville Skyline es el noveno álbum de Bob Dylan, cuyas diez canciones fueron grabadas en tan sólo ocho días. Esto sirvió de inspiración a Paul, quien reconoció que basándose en las costumbres de grabación tan despojadas de Bob, podía darle mayor frescura al mismo. "Solíamos tomarnos mucho tiempo para hacer un álbum. Los primeros discos de The Beatles no tomaban tanto tiempo, y me parecía que Dylan estaba haciendo lo mismo. Yo era un gran admirador suyo –lo sigo siendo-, entonces pensé ‘Bueno, si a él le funcionó, hagámoslo’".

Poco después, el 13 de septiembre, Linda dio a luz a la segunda hija del matrimonio, Stella Nina McCartney, en el King’s College Hospital, en Londres. Pero el parto presentó complicaciones y las vidas de Linda y su beba corrieron peligro. Mientras rezaba, a Paul se le cruzó por la cabeza la imagen de las alas (wings) de un ángel, nombre que Linda consideró ideal para la banda.

señora de 78 años, fan suya y de The Beatles, para no hacerlo. Wings tiene cara para la prensa el 13 de noviembre, cuando el Melody Maker publica una foto de la banda. En Estados Unidos, Paul y Linda brindaban una entrevista a Radio Luxemburgo y se anuncia una fiesta para presentarla en sociedad. El 7 de diciembre, Wings Wild Life vio la luz en ambas costas y logró el primer puesto en Gran Bretaña y un disco de oro en Estados Unidos. Ese día iba a ser lanzado también el primer single, Love Is Strange/I Am Your Singer, pero a último momento se decidió su cancelación debido a la controversia surgida en Irlanda por el single “Give Ireland Back To The Irish”.

En el documental Wingspan (2001) Paul le contó a Mary, su hija, quien lo entrevistaba, que luego de aquel sueño pensó “Es una linda imagen, Wings. Me pregunto si ya existe una banda llamada Wings”. Paul coqueteaba con la idea de llamar a su grupo Turpentine (Trepentina, es decir, Aguarrás), pero fue persuadido por una

La respuesta de la prensa especializada era devastadora. El álbum no alcanzaba las expectativas ya que seguían pretendiendo que su carrera solista esté a la altura de lo que él había logrado con The Beatles. Esto, por supuesto, provocó un malestar en McCartney: era su tercer disco solista, y ninguno de los tres recibió una respuesta positiva, a pesar de las ventas. Durante estos dos años, él seguía siendo el Beatle Paul, un peso que quería sacarse de encima.

Copenhague (Dinamarca), Frankfurt (Alemania), Arles (Francia), entre otras. Resulta sorprendente que haya pasado tan poco tiempo entre el lanzamiento de este disco y el anterior. Suponemos que esto se debe a que Paul se dio cuenta que las canciones que integraban Ram eran demasiado duras para sus ex compañeros y para la imagen que él solía dar. Por eso decide publicar este disco con tanta rapidez y, a su vez, agregar Dear Friend, una especie de redención ante los mensajes tan hirientes que se dedicaron con John. Otra alternativa era cubrir esa necesidad de satisfacer su ego con un nuevo éxito. Acostumbrado a que sus canciones se conviertan instantáneamente en hits, en su carrera solista esto no venía ocurriendo. La otra alternativa es poder demostrarle a los Beatles restantes que él podía tener otra banda, que ya no los necesitaba. De esta forma, se garantizaba sacarse la imagen del Beatle Paul y lograr ser un poco más anónimo. Pero estas son puras especulaciones.

Fue así que, sin darle aviso a la prensa que tan cruel había sido con él y su banda, decide embarcarse en una gira. La University Tour puede ser considerada el Hamburgo de Wings. Borrar y empezar de cero, desde abajo, como una banda más, sin la carga que conllevaba ser un Beatle. Le tomó dos meses ensayar con la banda, y el 9 de febrero se dio por comenzada la gira. Henry McCullough sólo había grabado un single con la banda. Fue contactado por McCa en 1972, bajo la recomendación de Denny Laine, para que forme parte de su nuevo tour y toque la primera guitarra. Así quedó conformada la primera formación de Wings. Durante dos semanas, Paul y los suyos (la banda, las hijas y las mascotas) recorrieron las universidades de Inglaterra y Gales, preguntando si podían tocar gratis. Poco después, del 9 de julio al 24 de agosto, la gira continuó bajo el nombre Wings Over Europe, tocando en lugares chicos y recorriendo ciudades tan diversas como Oslo (Noruega),

Consideramos que, dentro de lo que decidimos denominar etapa campestre, este álbum es el que menos se identifica con ese rótulo. A pesar que desde el título se menciona a la vida silvestre, la temática de las canciones implica tópicos relacionados a ese tipo de vida, la portada del álbum los muestra vinculados a lo salvaje y la familia McCartney seguía viviendo en el rancho de Escocia, los otros dos álbumes tienen mayor concordancia musical con esta categoría. No obstante, Wild Life sigue presentando los sonidos característicos de los dos primeros discos y la clara influencia del folk-rock a la hora de componer y a la hora de producirlo, sonando despojado y sin demasiada atención a los detalles.

Como comentamos antes, la intención de Paul era sonar vital y fresco. A pesar de que este álbum cuenta con ambas características, no es lo preponderante: sonoramente resulta, más que poco producido, directamente sin producción. Paul descuidó el aspecto lírico que tanto lo representaba, y al pretender hacerlo en una semana, el resultado final fueron las primeras tomas de canciones que, de haber tenido mayor tiempo, hubiesen sido de mayor calidad y recibido menor cantidad de críticas. Para una persona que no conoce el historial musical de Paul, este disco puede resultarle de difícil escucha. Cuando uno conoce la calidad musical de McCartney y sabe la

historia que hay detrás del mismo, logra encariñarse con el álbum en su totalidad.

folk-rock, la letra trata básicamente de dos personas que van a ir a ver un recital.

Con este tour, la carrera de Paul daría un giro. La etapa que integra se transformaría en un ciclo finalizado, y comenzaría una era rodeada de hits y giras con audiencias multitudinarias.

Love Is Strange es el primer cover que Paul interpreta en su carrera solista. Escrita por Smith & Baker, formaba parte del repertorio de los Everly Brothers, y fue versionada, entre otros, por Buddy Holly, uno La foto de la portada fue de Barry Lategan, de sus ídolos. Paul la grabó en un primer con los gráficos de Gordon House. La etiqueta momento como instrumental hasta que interior es amarilla. En el lado A, aparece una encontró la forma de hacerla como quería, foto de Paul tomada por Linda, y en el lado B, haciéndola sonar casi como un reggae. En una foto de Linda tomada por Paul. esta canción, la voz de Linda tiene un papel En 1993, Wild Life fue remasterizado y muy fuerte, y la guitarra de Laine está en reeditado en CD como parte de The Paul primer plano. McCartney Collection, con Give Ireland Back to the Irish, Mary Had A Little Lamb, Little Woman Love y Mamma's Little Girl como bonus tracks. El álbum fue producido por Paul y Linda con los ingenieros de grabación Tony Clarke y Alan Parsons. Las notas y comentarios son de Clint Harrigan. Repasemos las canciones que lo componen. El disco abre con Mumbo. Lo que parece ser una letra inentendible es justamente eso: lo que dice McCa no tiene sentido alguno, es una conjunción de sílabas y onomatopeyas. Es un rock and roll clásico con mucho teclado, a cargo de Linda. Se rumorea que al tocarla en vivo, Paul la cantaba con letra. La voz principal del segundo tema, Bip Bop, es la de Paul, pero los coros de Linda, en parte, hace que parezca casi un dúo. Con un estilo 47

el álbum, es la más larga del mismo, y podría tranquilamente haber integrado la lista de canciones de Ram. Some People Never Know puede ser considerada en su totalidad como un dueto y, a nuestro criterio, es la más campestre del disco. Con una melodía tranquila, una balada con mucha guitarra, y una letra que profesa amor, se rumorea que existe una nueva edición de este tema, con nuevos segmentos y voces, y que quizás incluya el solo de trompeta que originalmente grabó Denny Seiwell, y que ha surgido recientemente en los círculos comerciales. Otra versión fue grabada en la casa de Paul, interpretada por un cantante masculino desconocido, que se dice que es bastante emocionante. I Am Your Singer es el tema de Linda por excelencia. A pesar de ser un dúo, ella se destaca por sobre Paul. Su lírica no es demasiado profunda, en la cual sus intérpretes están dedicándosela mutuamente. Luego, retoma en Bip Bop Link lo que hizo en sus dos discos anteriores: reitera un pedacito de una canción, y tras algunas modificaciones, la incluye como otro track. En este caso, interpretó a Bip Bop con una guitarra acústica, siendo la original más bien eléctrica. En la edición original (1971), tanto ésta como Mumbo Link no figuraban en la portada trasera, sino que eran canciones ocultas, y fueron agregadas en las siguientes reediciones.

Podríamos decir que Wild Life es la primera de las tantas canciones comprometidas que McCa escribió durante su carrera solista. Estaba atravesando por cambios muy importantes, comenzando por su transición al vegetarianismo –filosofía que no puso en práctica hasta 1975-, y su relación estrecha con los animales, que siempre tuvieron mucha importancia en su vida. Paul canta casi con una voz desgarradora, al mejor estilo Why don’t we do it in the road, y su bajo es, junto a los teclados, lo que más se destaca. Más allá de la cuestión musical, Wild Life es el primer tema en el cual expresa sus sentimientos respecto al maltrato animal (luego lo retomaría en Looking For Changes). Además de ser la canción que titula 48

Con un registro vocal similar al que podemos encontrar en Here, There And Everywhere, I Will o I’ll Follow The Sun, Tomorrow también tiene un tinte campestre, principalmente en su letra. Integra la lista de las clásicas baladas de amor de McCartney sentado al piano. Grabada en las sesiones de Ram, Dear Friend está dedicada a John e intenta apaciguar sus peleas, procurando solucionar los problemas que se iniciaron con la ruptura de The Beatles. Parece ser un McCartney arrepentido, con nostalgia por aquella relación tan cercana que tuvieron alguna vez. Haciendo analogías, podríamos decir que es la Here Today de los 70’. De todas formas, Paul no está pidiendo disculpas, sino una redención por parte de John (¿Estás arrepentido, o ésto es de verdad?). No hay que olvidar que sólo habían pasado pocos meses entre el lanzamiento de Ram, que incluía Too Many People y 3 Legs, con mensajes agresivos hacia John, y la publicación de este álbum. Al igual que en la canción anterior, McCartney se sentó al piano, pero esta vez, impostó una voz demasiado aguda, demostrando a lo largo del disco su versatilidad. Llega Mumbo Link, la continuación de otra canción ya presente en el disco, en este caso, con la primera. Es decir, Paul decide abrir y cerrar Wild Life con la misma canción.

Give Ireland Back To The Irish es el primer single del album, grabado el 1° de febrero de 1972 en los estudios EMI de Londres. Su cara B era una versión instrumental de la misma. Paul y Linda la escribieron como respuesta a los eventos del Domingo Sangriento de Irlanda del Norte ocurridos el 30 de enero, y la publicaron el 25 de febrero, aun habiendo sido reiteradamente avisados que iba a ser ignorada y censurada por la prensa. Es la primera canción en la que participa como músico Henry McCullough, nativo de Irlanda del Norte. Paul McCartney dijo al respecto: “Desde nuestro punto de vista, era la primera vez que la gente se preguntaba que estábamos haciendo en Irlanda. Era tan chocante. Escribí Give Ireland Back To The Irish, la grabamos allí, y fui llamado inesperadamente por el Presidente de EMI, Sir Joseph Lockwood, explicándome que no debería salir. Me dijo que era demasiado incendiaria. Le dije que me sentía lo suficientemente fuerte y que lo publicaran. Me dijo, ‘Bien, será prohibido’. Lo cual lo fue. Sabía que no era un camino fácil, pero para mí era la época. Todos en Wings sentíamos lo mismo.” Apple produjo un comercial de 30 segundos para su publicación, en el que aparece Paul, pero es inmediatamente cancelado por la ITA (encargada de controlar la cadena ITV) debido a que contenía controversia política. La BBC también prohibió la canción.

Mary Had A Little Lamb es una tradicional canción de cuna grabada por Wings en respuesta a la prohibición y censura de la BBC de su primer single, a pesar de que Paul lo niega. Él y Linda la describieron como “una canción de primavera, que hace sentir a la gente feliz”. Ante la pregunta de por qué la grabó, Paul dijo “porque a mi hija Mary le gustaba escuchar su nombre cantado en una canción. Es una canción que la gente considera un poco tonta. No me lamento de haberla hecho, porque la interpreté para ella.” La canción contrasta por completo con el controversial single anterior, lo que confundió a la prensa especializada. El periódico Sounds le preguntó a Paul acerca de esto, y su justificación fue clara: “Estoy loco. Siempre lo he estado, desde el primer minuto que nací. Géminis. Se supone que son cambiantes, y no sé si es verdad o no, pero yo soy Géminis. Sé que en un minuto haría ‘Ireland’, y al siguiente haría ‘Mary Had A Little Lamb’. Mary es una canción para niños. La hicimos para una de nuestras hijas”. En otra entrevista, Paul comentó: “Lo que me terminó de sumar fue cuando leí que la hija de Pete Townshend tenía una copia. Me agrada gustarle a los niños de cinco años.”

prohibida por la BBC, pero hay fuentes que lo niegan. Como era de esperarse, la crítica la destrozó y unos pocos la consideraron irónicamente intencionada. Fue lanzada como single el 12 de mayo de 1972 e incluida en Wild Life en la remasterización de 1993, con los otros tres singles tratados aquí. El martes 6 de junio, Wings filma un video promocional para la canción en el Teatro de Televisión de la BBC en Londres y consiste en la banda haciendo la mímica de la canción en un corral mientras Paul toca el piano con gallinas posadas sobre éste. A Linda se la ve abrazando un corderito y tocando los bongós. Otro corto promocional, llamado afectivamente como la versión psicodélica, muestra a la banda tocando la canción, todos vestidos con camisas y overoles naranjas, y con fondos de colores (azul oscuro, amarillo, negro y rojo).

En esta canción, Henry McCullough toca la mandolina y las hijas de Paul cantan los coros. Él asegura que la grabaron antes que “Ireland” fuera

Ambos cortos fueron dirigidos por Nicholas Ferguson, quien conocía a Paul de Ready Steady Go! en los sesentas. Luego sería quien se encargaría de dirigir el Especial para TV de James Paul McCartney (1973), donde justamente volverían a interpretar esta canción. Anteriormente, fue él quien dirigió los videos promocionales de The Beatles en Intertel Studios el 23 de Noviembre de 1965.

Grabada entre marzo de 1972 para las sesiones de Red Rose Speedway, Mama's Little Girl iba a estar originalmente en la cara B del primer disco. Sí, originalmente, Red Rose estaba destinado a ser un disco doble. La mezcla final fue hecha en 1987 en los Air Studios en Londres, por McCartney, coproducida por Chris Thomas y el ingeniero Bill Price. Paul la interpretó como parte de un medley durante el James Paul McCartney TV Special de 1973, pero la canción no fue emitida. A su vez, iba a ser incluida en el proyecto Hot Hits – Cold Cuts pero éste nunca se lanzó, por lo que el material inédito fue mezclado entre 1978 y 1980 y publicado en bootlegs. Por lo tanto, este tema fue oficialmente publicado como lado B del single Put It There, en el álbum doble de la versión japonesa de Flowers In

A pesar que Mary alcanzó el Top 10 en Reino Unido, muchas radios prefirieron pasar el lado B del single, Little Woman Love, una canción un poco más acorde a lo que McCartney solía hacer, con tintes Rock & Pop. Los coros están a cargo de Denny Laine, e integraba frecuentemente los setlist de los shows de Wings.

The Dirt, y como bonus track en la remasterización de Wild Life, en 1993.

de la de John, y eso le creaba aún más presiones. Y a la hora de lanzar un disco, se encontró con que dos de sus compañeros ya tenían álbumes en el mercado: Harrison y Starr, las personas sobre las que menos se esperaban, batieron records, rompieron esquemas. George, su hermanito menor, lanzó All Things Must Pass, y dejó boquiabierto a más de uno; otro peso para Paul.

Hemos llamado etapa campestre a un período de dos años (1970-1971), que incluye tres discos de estudio, la formación de una banda y el nacimiento de dos hijas. Es natural que Paul se sienta aturdido ante tantos cambios. La banda de la cual formó parte desde su adolescencia, y a la cual le dedicó su vida, se había disuelto, y ahora estaba casado, con hijos, llevando adelante una familia, y teniendo responsabilidades que nunca había afrontado.

McCartney I salió a las apuradas y ni siquiera cubrió las expectativas esperadas, pero dejó en él una pieza que hasta el día de hoy es ampliamente alabada: Maybe I’m Amazed.

Durante este tiempo, muchas cosas han determinado que las consideramos como parte de una entidad: el sonido, las letras, la vida que llevaba.

Ram, a pesar que hoy es uno de los discos más queridos por sus fans, fue poco valorado en su momento, e injustamente criticado por la prensa. Dentro de esta etapa, consideramos que es el disco más importante de los tres. No sabemos qué siente Paul al respecto, pero es esperable una relación de amor-odio con el mismo, quizás por culpa de los mensajes cruzados con quien una vez fue su mejor amigo.

No le resultó nada fácil hacer borrón y cuenta nueva. No tuvo vergüenza a la hora de reconocer públicamente que después de la disolución de The Beatles tuvo recaídas muy fuertes, grandes períodos depresivos, y que recurrió al alcohol como desayuno. Fue entonces cuando decidió, con la ayuda de Linda, salir de esa situación. Debía crearse una nueva imagen, sacarse el prejuicio que la gente tenía sobre él: ya no quería ser un Beatle. Tan sólo quería ser una persona más. Recluido en su rancho de Escocia, empezó de cero, alejándose de los medios, a los cuales sólo recurriría al publicar nuevo material.

Finalmente, Wild Life es el disco que cierra este período. Es el álbum que Paul utilizó como chivo expiatorio para formar una banda, quitarse el mote de Beatle, y comenzar una gira que desembocaría en una etapa llena de éxitos.

María Dellavalle y Maximiliano Seijas

Pero la gente aún tenía pretensiones. Esperaban algo fuerte tanto de su parte como 53

ya que en un comienzo tenía una reverberación extrema. La sugerencia de comenzar con un único acorde vino de George Martin, quien consideraba que era lo ideal para abrir tanto la canción, como el álbum y la película. Teniendo esto en claro, vayamos a la versión final y al tutorial propiamente dicho.

El Acorde Inicial 15/02/2001 - Chat online con George Harrison Pregunta: Señor Harrison ¿Cuál es el acorde inicial que utilizó en A Hard Day’s Night? George: Es un Fa con un Sol agudo, en la guitarra de 12 cuerdas, pero tendrás que preguntarle a Paul sobre la nota de bajo para conseguir la historia completa. Con ésta simple respuesta, el propio George acabó con la controversia que rodeaba a este acorde y que duró décadas. Infinidad de posibilidades fueron expuestas, pero como es usual, la correcta era la más simple. El acorde al que se refiere Harrison es tocado en las primeras 4 cuerdas (8 en su Rick) de la guitarra. El dedo anular presiona en el tercer traste de la cuarta cuerda, el dedo mayor en el segundo traste de la tercer cuerda y el índice en el primer traste de la segunda cuerda, o sea, las notas Fa, La y Do, que juntas forman el Fa mayor al que el guitarrista hace referencia. Finalmente, el dedo meñique presiona en el tercer traste de la primera cuerda, es decir, el famoso Sol agudo. Tan simple como eso.

Si hay una canción que sin dudas tiene el ADN de los Beatles modelo 1964, es A Hard Day’s Night. Alcanzan con solo 3 segundos, los primeros 3 segundos en los que suena el acorde inicial de la canción para definir a toda una década. Y lo más asombroso es que ese bendito acorde fue producto más de una necesidad o sugerencia que por inspiración pura. Aquel 16 de abril de 1964 teníamos a Ringo en su habitual kit de batería Ludwig, Paul con su bajo Höfner 500/1, John con su acústica Gibson J160E y George con su recientemente adquirida (aunque ya utilizada en Can’t Buy Me Love y You Can’t Do That) Rickenbacker 360/12, la famosa Rick de 12 cuerdas. Escuchando las primeras tomas de la canción queda claro que la idea del estruendoso acorde inicial estuvo ahí desde el principio, aunque dicho acorde haya ido variando a medida que se sucedían las tomas. También variaba el tipo de sonido que deseaban para la guitarra de Harrison,

George sugirió preguntarle Paul por su nota en el bajo, pero no hizo falta, ya que se pudo comprobar que lo que toca es el Re del quinto traste en la tercera cuerda.

La Estrofa y el Puente

Gracias a que en 2009 muchas canciones de la banda fueron remezcladas para el videojuego The Beatles Rock Band, tuvimos acceso a pistas individuales más o menos limpias que pudieron ser analizadas. De esta manera se pudo descubrir qué tocaba John en su acústica, y para sorpresa, o no, nos encontramos con que se trataba del mismo acorde digitado por George, pero con una salvedad. Lennon toca todas las cuerdas y utiliza su pulgar por sobre el diapasón para tocar el Fa de la sexta cuerda en el primer traste y además suena el La de la quinta cuerda al aire.

John canta It’s been a hard y la banda arranca. La estrofa es por demás simple, con dos repeticiones de Sol, Do, Sol, Fa, Sol. El puente es más sencillo aún, con un breve paso por Do, Re, Sol, Do y Sol. Lo único importante a destacar durante el puente es un pequeño arreglo realizado por George, cuando pasan del Do al Re, en el que toca una secuencia de notas que recuerda a I Want To Hold Your Hand, comenzando en el Do de la quinta cuerda en el tercer traste, siendo esta secuencia: Do-Si-Do-Do#-Re.

La pista básica se completa con el aporte de Ringo, con golpes simultáneos en el redoblante o caja y en el platillo crash, pero están muy hundidos en la mezcla y son difíciles de percibir. Tocando todo esto podrán llegar a una gran aproximación con lo grabado por los Fab, pero aún falta un elemento esencial para terminar de definir el acorde: el piano de George Martin. Una vez que los muchachos obtuvieron la toma buena (la 9) y realizaron las sobregrabaciones pertinentes, como las voces de John y Paul dobladas, un cencerro tocado por Ringo y un bongó tocado por Norman Smith, el ingeniero de sonido de aquella sesión, llegó el momento de agregar teclas y lo que Martin tocó fueron las notas Re (de la misma octava que el Re del bajo de McCartney), Sol, el Re siguiente, Fa y Do.

El Solo Volviendo a referirnos a las primeras tomas, notamos que George estaba buscando el solo de guitarra sin obtener grandes resultados. En algún punto se decidió que en el segmento donde iría el solo, Harrison simplemente seguiría rasgueando su guitarra y más tarde se pensaría que hacer allí. Finalmente se llegó a un solo muy atractivo, pero que resultaba ser demasiado veloz. Aunque luego Harrison lo tocaría en vivo, al momento de grabarlo optaron por un truco que les haría ahorrar tiempo y con el que obtendrían un resultado mucho más consistente. El selector de velocidad de cinta de la máquina grabadora del estudio EMI fue llevado al mínimo. Con la experiencia de haber realizado algo similar el año anterior, en Misery, George Martin sabía que de ese modo la pista con lo grabado por los muchachos sonaría a mitad de velocidad y exactamente una octava más grave. Lo que ellos quisieran grabar para el solo debería estar tocado una octava más bajo de lo que pensaba que debería sonar finalmente. Entonces los dos George arremetieron, Harrison en las cuerdas graves de su guitarra y Martin en la parte izquierda del teclado de su piano Steinway. Una vez que obtuvieron el resultado deseado, volvieron a acelerar la cinta y el solo quedó perfectamente ejecutado y afinado.

El Estribillo La parte en que Paul canta como solista muestra un cambio armónico, pasando a la tonalidad de Si menor, seguido por un Mi menor y regresando al Si menor. La resolución del estribillo se da en Sol, Mi menor, Do y Re. La acústica de John se escucha sincopada, mientras que la Rick de George toca con énfasis el primer tiempo en cada acorde y rellena el resto de los tiempos con rasgueos más suaves.

El Outro Así como se pensó en un acorde impactante para llamar la atención del público en las salas de cine, también el final fue planeado para darle continuidad al film, y creyeron que un arpegio sería lo ideal. Esta outro tocada por Harrison nuevamente en la Rickenbacker de 12 cuerdas fue muchas veces enseñada en forma errónea y paso a explicarles por qué. Lo que toca George es el mismo acorde del comienzo y la secuencia de notas empieza tocando la cuerda 1, luego la 2, la 3, la 2, es decir: Sol-Do-La-Do. Lo que se escucha a continuación es un Fa agudo y lo que muchos hacen es levantar el dedo meñique para tocar dicha nota con el índice, pero no tienen en cuenta que esa misma nota se puede tocar en la cuerda aguda que acompaña a la cuarta cuerda de la Rick, presionando en el tercer traste. Por lo que la secuencia de cuerdas sería: 4-2-3-2, o sea, Fa-DoLa-Do.

Martín Castro

Para ver el video tutorial con todas las partes necesarias para aprender y tocar ésta canción exactamente igual a como lo hicieron The Beatles, ingresar en el siguiente enlace: https://www.youtube.com/watch?v=3xzYF9bt8AA

Enero ‘66 El año de 1966 comenzó con la canción de Simon & Garfunkel, The Sound Of Silence alcanzando el Nro 1 del chart de los Estados Unidos. Ese mismo día se edita un álbum de James Brown, cuya canción emblemática le daría nombre: I Got You (I Feel Good). También nace el actor estadounidense Michael Imperioli y muere Vincent Auriol, ex Presidente de Francia entre los años 1946 y 1954. El 3 en Fillmore, San Francisco, se realiza la primera prueba con LSD, comúnmente conocido como ácido lisérgico. El día 5 en los estudios CTS de Londres, The Beatles realizaron sobregrabaciones en el material grabado durante su histórico concierto en el Shea Stadium, el agosto anterior, con la intención de producir un film para televisión. El 8 de enero se transmitió por última vez en la ABC el programa musical Shindig! con las actuaciones de The Kinks y The Who. Ese día Rubber Soul llegaba a la cima del chart estadounidense, lugar que ocuparía el resto del mes. El 10 de enero en la Unión Soviética finalizan las negociaciones entre Pakistán e India para lograr la paz con resultados positivos. El 12 nace Rob Zombie, músico y cineasta estadounidense, mientras que el Presidente Lyndon Johnson reafirma que las tropas de EE.UU. deberán permanecer en Vietnam hasta repeler las agresiones. El día 13 de enero Robert C. Weaver asume en la Secretaría de Desarrollo Urbano de los Estados Unidos, convirtiéndose en el primer afroamericano en ocupar un cargo gubernamental. También nace el actor Patrick Dempsey, en Lewiston, Maine. Mientras tanto en Inglaterra, John Lennon y su esposa Cynthia, y Ringo Starr y su esposa Maureen, vuelan a Port of Spain, Trinidad, para una vacaciones que durarán hasta el día 23. El 14 de enero, un joven cantante llamado David Jones decide cambiar

su apellido para no ser confundido con Davy Jones, el integrante de The Monkees. El apellido elegido es Bowie. El 17 se lanza el segundo álbum de Simon & Garfunkel, llamado The Sound Of Silence. El día 19 nace el tenista sueco Stefan Edberg, ganador de 42 títulos, 6 de ellos de Grand Slam y Nro 1 del mundo durante 72 semanas en la década de 1990. El 20 de enero en Inglaterra la canción Keep On Running de Spencer Davis Group llega al Nro 1. El día 21 se edita el álbum Them Again, perteneciente a la banda de Irlanda del Norte, Them. Ese mismo día George Harrison contrae matrimonio con Patricia Anne Boyd, en el registro civil de Epsom, en Surrey. Paul McCartney fue padrino de George, mientras que John y Ringo estuvieron ausentes por estar de vacaciones. El 27 se produce una curiosidad en el chart británico: la ignota banda The Overlanders llega al Nro 1 con un cover de la canción de Lennon y McCartney, Michelle. El día 29 se estrena Sweet Charity en el Palace Theatre, de New York. La obra tendrá 608 presentaciones. En Rio de Janeiro, Brasil, nace el astro del fútbol Romario de Souza Faría, conocido simplemente como Romario. El 31 de enero el Reino Unido decide cortar sus tratos comerciales con Rhodesia.Westmoreland anuncia el alto el fuego por Navidad. El último día de 1965 Paul McCartney y su prometida Jane Asher, y George Harrison y su esposa Pattie Boyd asisten a una fiesta de fin de año organizada por ejecutivos de EMI, en Londres, en cambio John Lennon y su esposa Cynthia Powell pasan la jornada en una fiesta organizada por el productor y compositor Norman Newell.

Pilar J. Vázquez 59

Javier Cuenca

Tal como habíamos contado en julio de 2014 sobre los discos compilatorios de Paul McCartney (G.O #13), esta vez le toca el turno a John Lennon. En su momento, mientras vivía, sirvió para poder compilar los singles que no habían aparecido en los LP, mezclados con los hits.

Todo comienza en 1975 con "Shaved Fish", donde se mezclan singles y temas extraídos de los álbumes en partes iguales. Fue editado en octubre, apenas unos días después del nacimiento de Sean y terminó siendo, además del último registro hasta la publicación de "Double Fantasy", el único recopilatorio editado por John en vida. "The John Lennon Collection", que vio la luz en noviembre de 1982, fue lo primero que se publicó de John tras su asesinato. Los temas en realidad no difieren de "Shaved Fish", con la excepción de las canciones provenientes de "Double Fantasy" y la inclusión en el formato CD (recién en 1989) de dos temas: "Move Over Miss L." y "Cold Turkey". Mil novecientos ochenta y ocho fue testigo de una recopilación muy especial. Estamos hablando del disco de la banda sonora del documental "Imagine", que no es visto como una compilación oficial pero termina siéndolo ya que tiene grabaciones ya editadas pero, y aquí esta la novedad, de sus dos etapas: con The Beatles y solista. El agregado serían dos demos: uno de "Real Love", inédito, que habríamos de conocer 7 años después bajo la Antología de los Fab, y un ensayito de "Imagine". La portada pasó a ser un ícono en sí, ya que es un autorretrato de John con el agregado de colores.

9 años más tarde, en octubre de 1997, aparece "Lennon Legend: The Very Best Of John Lennon", el cual llega a ser el álbum en su tipo más completo, ya que se incluye por primera vez material publicado originalmente en "Milk And Honey", de 1984 y naturalmente el primer disco post mortem de John. En 2003 el disco tuvo su versión en DVD, publicado en simultáneo con "Let It Be Naked" de The Beatles y el "Concert For George".

supuso el disco compilatorio mejor posicionado en Estados Unidos desde la banda sonora de “Imagine”. Quizás “Acoustic” inició una tanda de recolecciones “temáticas”, ya que si aquí se apreciaban exclusivamente canciones acústicas, “Peace, Love and Truth”, de 2005, se centra en las composiciones pacifistas de John y Yoko. Para los 65 años de John se editó “Working Class Hero: The Definitive Lennon”, un doble presentando las remasterizaciones actualizadas hasta ese año. Una nueva banda sonora fue la del documental “The US Vs John Lennon”, en 2006. Si “Acoustic” y “Peace, Love And Truth” se centraban en lo acústico y lo pacifista respectivamente, aquí el tema era la radicalización política que Lennon llevó a cabo en buena parte de su recorrido, y lo “temático” se termina de completar con la caja “Gimme Some Truth”, de 2010 donde los títulos “Working Class Hero” “Woman” “Borrowed Time” y “Roots” reflejaban lo político, lo romántico, lo cotidiano y las raíces de la música de John. Así como la “Anthology” se resumía en un disco (Wonsaponatime”) aquí la cosa se correspondía con “Power To The People: The Hits”, el “grandes éxitos” con el sonido actualizado.

Al año siguiente se publica "The John Lennon Anthology", un proyecto de Yoko Ono inspirado en los tres discos dobles que The Beatles publicaron en 1995 y 1996. Aquí se presentan muchas de las grabaciones que durante años circularon en infinidad de bootlegs (grabaciones piratas). Los discos fueron cuatro reunidos en una misma caja, bajo los nombres “Ascot”, “New York City”, “The Lost Weekend” y “Dakota”, para resumir cuatro estados bien marcados de la carrera de John solista. Al mismo tiempo, el disco “Wonsaponatime” recogía algunas de las canciones de esos cuatro discos en un solo volumen, o sea, un resumen de esa titánica obra. En 2004 aparece una compilación al menos polémica. Se trata de “Acoustic”, que tiene muchas de las pistas publicada previamente en “The John Lennon Anthology” mas alguna que otra rescatada nuevamente de los viejos bootlegs. Todos acústicos,

Y siempre habrá una compilación nueva cada tanto, que será objeto para coleccionar o para conocer por primera vez la obra de uno de los artistas más importantes e influyentes del siglo XX, cosa que sigue sucediendo a diario.

Luego de la fundación de Dark Horse Records, luego de la ruptura matrimonial con Pattie Boyd, luego de la accidentada gira de 1974, luego de la adicción al alcohol y la cocaína. Luego, luego, luego...

El personal reunido incluía a viejos conocidos como Billy Preston y Gary Wright y a nuevos invitados como Richard Tee, Alvin Taylor y Willie Weaks y algunas de las canciones venían desde el pasado y cobraron vida finalmente aquí.

George Harrison se levantó y una vez más produjo un disco a la altura de su nombre; estamos hablando de "Thirty Three & 1/3", nombre con el cual hizo referencia no solo a la velocidad de los LP's, sino a su propia edad, al comienzo de las sesiones de grabación en Friar Park, en mayo de 1976.

“Woman Don’t You Cry For Me” arranca a puro slide sobre una base increíble donde el bajo resalta como no lo hacía quizás desde “Old Brown Shoe” (en el cual el bajo fue tocado por el mismísimo George). La canción tuvo su origen durante el tour que Harrison compartió con Delaney & Bonnie en 1969, cuando

con Eric Clapton comenzaron a tocar con un cuello de botella. La canción no se terminó en ese momento por lo que no fue parte de “All Things Must Pass”.

El aroma beatlesco de “Beautiful Girl” no es casual, ya que la génesis de este hermoso tema sucedió en 1969, más precisamente en octubre, cuando Abbey Road llegaba al público y Harrison producía a Doris Troy para Apple. La letra comenzaba aludiendo a Pattie, pero no fue completada hasta 7 años después, cuando ya estaba con Olivia Arias, por lo cual la canción le pertenece a ella.

“Dear One” está inspirada por y para Paramahansa Yogananda, quién fue una notable influencia para George a partir de su libro “Autobiografía de un Yogui”, el cual leyó en la India en 1966. La canción está enteramente compuesta en La y Harrison toca todos los instrumentos a excepción del órgano, ejecutado por Richard Tee.

Una de las cuestiones con las que tuvo que lidiar Harrison en aquel tiempo fue la demanda que le iniciaron por el supuesto plagio de “My Sweet Lord” hacia “He’s So Fine” de The Chiffons. La cuestión es que Harrison perdió el juicio y en su enojo concibió esta canción, “This Song”, con toques de ese humor tan caro a George (tal es así que Eric Idle de los Monty Python esta de invitado) que se tradujo al clip de la canción, potenciado por la presencia de Ron Wood, Neil Innes (futuro líder de The Rutles) y Jim Keltner como el juez. Comiquísimo.

“See Yourself”, si bien está dedicada como “Dear One” a Paramahansa Yogananda, parte de una vieja y conocida historia dentro del mundillo beatle que involucraba a Paul y este a John y George en una declaración a la prensa con respecto a las drogas. Tanto “It’s What You Value” como “True Love” no aportaron mucho al disco y quizás sean los puntos flojos del mismo, muy a pesar que el primero haya sido el cuarto single y el segundo un cover de Cole Porter que ya habían grabado con anterioridad Elvis y los Everly Brothers (ambos artistas admirados por George).

El disco continúa, visto en cierto modo, temático, ya que “Pure Smokey” es un tributo a Smokey Robinson, otra gran influencia de los Beatles (grabaron “You Really Got On Hold Me” en With The Beatles). Este tema precisamente fue cara B del single anterior. Una de las mejores canciones del disco, y probablemente de la carrera del Dark Horse, sea la amable “Crackerbox Palace”, compuesta luego de conocer a una persona quién le dijo que vivía en un lugar con ese nombre. George anotó el nombre en un paquete de cigarrillos y compuso el tema luego. El clip de este tema fue dirigido por Eric Idle y tiene un tono absurdo, con personajes surrealistas y no tanto. La morocha en lencería es Olivia Arias… la locación del video (que puede verse en el DVD “The Best Of The Dark Horse Years 1976-1992”) fue la casa de George, Friar Park. Cierra el disco “Learning How To Love You”, de gran influencia jazz y soul que el guitarrista dedicó al codirector de AyM Records, aun cuando la relación había decaído por el retraso de Harrison en la entrega del disco. 33 y 1/3 fue un renacer en la carrera de George, tal es así que fue el inicio de los “Dark Horse Years”, en referencia al nuevo sello que se encargaba de presentar la música de George al mundo. Fue reeditado en 2004 en el marco de la colección “Dark Horse Years” con un bonus track que fue “Tears of The World”.

Javier Cuenca

COMO ¿Cómo puedo seguir adelante cuando no sé a qué camino me enfrento? ¿Cómo puedo seguir adelante cuando no sé qué camino tomar? ¿Cómo puedo seguir adelante en algo de lo que no estoy seguro? Oh no, oh no. ¿Cómo puedo tener un sentimiento cuando no sé si es un sentimiento? ¿Cómo puedo sentir algo si no sé cómo sentir? ¿Cómo puedo tener sentimientos cuando mis sentimientos siempre han sido negados? Oh no, oh no. Sabes, la vida puede ser larga Y debes ser tan fuerte Y el mundo es tan duro A veces siento que he tenido suficiente. ¿Cómo puedo dar amor cuando no sé qué es lo que estoy dando? ¿Cómo puedo dar amor cuando simplemente no sé cómo dar? ¿Cómo puedo dar amor cuando el amor es algo que nunca tuve? Oh no, oh no.

Era el paso que les faltaba dar. The Beatles llegaron a los servicios de streaming de todo el mundo como parte de un regalo de Navidad a partir de las 00:01 del 24 de diciembre. Así, la música de John, Paul, George y Ringo como banda se encuentra disponible en Apple Music, Spotify, Deezer, Groove, Tidal y otros.

The Beatles formaba parte ya de un pequeño (casi minúsculo de hecho) grupo de artistas que se rehusaban a formar parte de esta nueva y exitosa forma de escuchar música. A mediados de año AC/DC había dado el paso tras años de fuertes críticas a estos servicios, Led Zeppelin, también reticente, terminó de colgar su discografía de manera oficial durante el 2015. La llegada de los Fab Four dentro de este esquema lo que hace es confirmar la influencia que tiene el streaming en estos momentos. Si bien su llegada es tardía, se produce en un momento de quiebre en donde artistas influyentes como Taylor Swift (la más crítica por el tema de los beneficios económicos que reciben los artistas por la reproducción de sus canciones), Adele (que decidió sólo subir su último disco a iTunes) y Coldplay cuyo nuevo disco editado este año tampoco fue lanzado por estos servicios. La llegada de los Fab ratifica lo

A mediados de Octubre de este año quien llegaba al streaming y ponía toda su discografía solista era George Harrison, sus herederos lograron un acuerdo y ahora su música se encuentra a un click de distancia. Quienes festejamos esta noticia también sabíamos que además de poder disfrutar de la música de George, estábamos un paso más cerca de poder tener a The Beatles en este sistema.

que ya se sabía, el streaming en la música es el negocio a explotar, las ventas de discos en formato físico se mantienen pero los abonos mensuales y el pago por reproducciones son una nueva forma de percibir ingresos y lo más importante: llegar a una nueva generación de oyentes.

Discos Incluídos                 

Ahora, vayamos al catalogo Beatle. Mucho se especuló sobre si se iba a lanzar toda la discografía o lanzar de a partes en sentido cronológico. Bueno, está todo lo que lanzó la banda en los 60, es decir está desde Please Please Me hasta Let It Be, tenemos Magical Mystery Tour con el lanzamiento estadounidense y no el doble EP británico, las ediciones subidas son las Stereo de 2009, la última reedición en CD, y tenemos los Past Masters con todos los singles, incluidas las versiones alemanas de I Want To Hold Your Hand y She Loves You, también tenemos los compilados Rojo y Azul y el 1 con la particularidad que no se incluyen, por lo menos en Spotify, en la sección de recopilaciones sino como discos de estudio.

Please, Please Me With The Beatles A Hard Day’s Night Beatles For Sale Help! Rubber Soul Revolver Sgt. Peppers Lonley Hearts Club Band Magical Mystery Tour The Beatles (White Album) Yellow Submarine Abbey Road Let It Be Past Masters (1 & 2) The Beatles 1962/1966 (Red Album) The Beatles 1966/1970 (Blue Album) 1

¿Qué podemos esperar en el futuro? Quizás nos lleguen en el futuro los Anthology, las versiones en mono de los discos, el Songtrack de Yellow Submarine (aunque todas sus canciones ya se encuentren en sus respectivos álbumes), podríamos pedir Live At The Hollywood Bowl, Live At The BBC, Love y porque no Let It Be Naked. La vasta discografía de The Beatles nos permite ilusionarnos con tener absolutamente todo. Hay un gran negocio entre manos, The Beatles llega tarde pero con un fuerte impacto en los medios, las redes sociales y un montón de personas van a acercarse y disfrutar de su música. Al día del cierre de esta nota Come Together era la canción con más reproducciones en Spotify, el servicio más popular, seguida por Let It Be, Hey Jude, Here Comes The Sun y Twist and Shout, todas con más de un millón de reproducciones. John, Paul, George y Ringo siguen más vivos que nunca.

Maximiliano Seijas 69

El 20 de enero de 2014 se llevó a cabo en “El Rey Theatre” de Los Angeles un concierto tributo a Ringo Starr organizado por la David Lynch Organization, donde se le entregó a Ringo el "Lifetime of Peace & Love Award". Durante el mismo evento, artistas de la talla de Ben Harper, Steve Lukather, Peter Frampton y Joe Walsh rindieron homenaje a Ringo interpretando distintas canciones de su carrera musical, desde su etapa Beatle hasta sus últimos años como solista. Para el cierre, subió al escenario nada menos que el agasajado a interpretar algunas de sus canciones favoritas. Ese material, mezclado por el veterano productor e ingeniero de sonido Bob Clearmountain y con el extenso titulo “Ringo Starr: The Lifetime of Peace & Love Tribute Concert - Benefiting the David Lynch Foundation”, salió a la venta el pasado 4 de diciembre por Amazon e iTunes en formato digital en principio, y lo recaudado se donará a beneficio de la David Lynch Foundation, la cual se encarga de ayudar a impulsar la ayuda a personas en situación de riesgo a través de la meditación trascendental alrededor del mundo.

Tracklist: 1) Ark Life, “Can’t Do It Wrong” 2) The Head and the Heart, “Octopus’s Garden” 3) Brendan Benson, “Don’t Go Where The Road Don’t Go” 4) Bettye LaVette, “It Don’t Come Easy” 5) Ben Folds, “Oh My My” 6) Ben Harper, “Walk With You” 7) Joe Walsh, “Back Off Boogaloo” 8) Ringo Starr, “Photograph” 9) Ringo Starr, “Boys” 10) Ringo Starr, “With A Little Help From My Friends”

Respecto a este lanzamiento Ringo dijo en una entrevista a Rolling Stone: “Fue tan hermoso para mí, y agradezco a David por hacerlo, estaban todos esos artistas tocando mis canciones, haciendo covers de cosas que yo escribí o co-escribí. Y cuando lo ves como todo un espectáculo… quiero decir, que fue muy emocionante para mí”.

Federico B. 71

En la segunda mitad de julio de 1958, las esperanzas de Paul de que Mike Robbins podría contar con ellos en el campamento de verano en Butlin quedaron en nada por la muerte de Julia, la madre de John. Pero para Paul y George ese era un día de fiesta: era su primer viaje solos, lejos de sus padres. Algunos de los detalles son vagos, pero terminaron en un bungalow de una casa de campo en Harlech, a la vuelta de la costa oeste de Gales, en Pwllheli.

John Brierley, de entonces de 16 años de edad, hijo de los propietarios de la finca, recuerda a Paul y George "deambulando": “Ellos no nos conocían, sólo me dijeron ‘¿Podemos parar en su campo?’ Mamá dijo que estaba bien, por lo que armaron una pequeña tienda y comenzaron a acampar. Como llovió durante la noche, y debido a que su tienda era mala, estaban empapados. Así que mamá dijo: ‘No se pueden quedar allí, pasen’. Así que se quedaron en el bungalow, ambos compartiendo una cama doble, y mamá alimentándolos durante su estadía. Mi recuerdo imborrable es Paul tocando mi guitarra acústica al revés porque él es zurdo. George también tocó, y teníamos un piano en lo que llamábamos "la sala de abajo". Yo tenía el disco Think It Over de Buddy Holly que hacía poco que había salido y me acuerdo de Paul poniéndolo y poniéndolo una y otra vez hasta que sacó por completo el solo de piano. Mi hermano menor Bernard amaba la manera en que

Paul tocaba y cantaba las canciones de Little Richard y lo hacía tocarlas de nuevo una y otra vez, y Paul estaba feliz de hacerlo”. Paul recuerda jugar al billar (había una mesa en la habitación junto al piano) y escuchar una y otra vez el primer LP de Elvis, Rock And Roll, que era propiedad de John Brierley, esas fabulosas tempranas grabaciones para Sun Records que quemaba más y más tu psique. George notó que uno de los perros alsacianos de la granja tenía una pata trasera con artritis, y mi madre bromeó durante años: “¿Has oído el de la mujer que tenía un perro sin patas? Cada mañana ella lo repetía”. El punto más alto de la semana, tal vez, fue cuando Paul y George se sentaron unos minutos con el grupo de skiffle de Harlech, The Vikings, en una actuación en el pub del Queens Hotel. John Brierley era uno de sus cantantes y guitarristas, y un par de los muchachos permitieron que Paul y George usaran sus guitarras y tocaran con ellos. Más allá de esto, nada se recuerda de la ocasión, excepto Paul, que dice que estaba borracho.

Migo Coiro

Kendrick Lamar To Pimp A Butterfly

Alabama Shakes Sound & Color

Leon Bridges Coming Home

El disco del año es de hip hop y lo es por su infinita calidad pero también por su impacto en lo social. Kendrick Lamar se lanzó con un disco extenso donde aborda los conflictos raciales recientes en los Estados Unidos. Lamar logró hacer algo épico, sus influencias del jazz y funkadelic se notan en For Free, un “interlude” que funciona a la perfección para unir y llegar a uno de los hits del año King Kutta. Se trata de un disco ambicioso donde la diversidad de temas, el racismo, la locura por el dinero de los artistas, la depresión y la postdepresión. To Pimp A Butterfly se enmarca en un disco histórico que influenciará a futuras generaciones y que servirá como reflejo del presente la comunidad afroamericana.

El primer disco de los comandados por Britanny Howard mostraba un rock con aires southern y revival con toques de R&B y soul debido a la gran voz de Howard. Este nuevo disco de los Shakes trae la misma vibra pero con una vuelta que lo vuelve más interesante, donde amplían lo que ya generaron en su debut, lo retuercen, lo rompen y lo vuelven a armar. Hay hits como Don't Wanna Fight o The Feeling, una pequeña balada apoyada en la potente voz de Howard. La mayor virtud que tiene la banda es esa sensación de querer más, de saber que queda muy poquito más. Eso ya no es menor.

Leon Bridges tiene sólo 26 años y su album debut bien podría haberse lanzado en 1955 y entrar a competir con Sam Cooke u Otis Redding. Coming Home parece un disco a contramano, los vientos, las guitarras, la producción y hasta la estética parece no corresponder a estos tiempos. En el disco el río Mississippi sigue siendo importante, las baladas vuelven en un formato más naif pero este viaje nostálgico no pierde un ápice de diversión y va a llamar la atención de quienes gusten del género. El desafío para Leon es no sonar a repetitivo pero el debut le deja crédito abierto para mucho más.

Maximiliano Seijas

Father John Misty I Love You, Honeybear

Sleater Kinney No Cities To Love

Sufjan Stevens Carrie & Lowell

Josh Tillman y su alias Father John Misty ya van por su segundo disco y este es la ampliación de todo lo bueno que tenía su predecesor Fear Fun. Josh y Father no son lo mismo. Este personaje es John Misty, quien tiene todo el humor, la acidez y la calidez que le faltaba a los buenos discos que firmaba como Josh. Acá tenemos un disco que se aleja un poco más del folk tradicional y aborda un poco más sobre el rhythm and blues, el soul y algunas pequeñas cosas por ahí de electrónica. La delicadeza de la canción que abre el disco y da nombre al album o Chatteau Lobby y el humor de Bored In The USA. Un disco que resuena a Harry Nilsson pero con mucha personalidad propia. John Misty mejora su primera formula y queda esperar por mucho más.

Carrie, Corin y Janet volvieron 10 años después de The Woods, su último disco hasta el momento y que se había transformado en un intento más cerca del hard rock que Punk Grrrrl que las volvió famosas. Los regresos siempre dan la espina de ser por el vil metal y desde el minuto 0 las Sleater Kinney se encargan de romper con el prejuicio. Potente, directo y entrador desde la primera vez que se escucha No Cities To Love es un puñetazo de 32 minutos y 10 canciones que se van a quedar en tu cabeza por un largo rato y que mejoran con el tiempo. Las vueltas llenas de vigor y locura como las de Sleater Kinney son las que deben ofrecer las bandas cuando pasaron años sin producir nada. Si eso no pasa, no tengas dudas de que fue por mucha plata.

Hay tantos Sufjan Stevens como discos tiene, desde electrónicos hasta sinfónicos, y también los hay puramente folks. Y en estos que son puro folk encontramos al Sufjan más íntimo, no sólo por el formato y el estilo de la música sino por el tono que atraviesan sus discos. En Carrie & Lowell lo que tenemos un disco sentido, melancólico, no hay capas de sonido y eso aumenta aún más esas sensaciones de tristeza. Su creador es un hombre de profunda espiritualidad y muy ligado a la religión y eso se percibe, lo cual es ayudado por su minimalista instrumentación. La Carrie del disco es su propia madre que falleció en 2012 y a quien Sufjan dedicó todo este disco que es conmovedor y que transforma el dolor en arte.

Kamasi Washington The Epic

Titus Andronicu The Most Lamentable Tragedy

Richard Hawley Hollow Meadow

The Epic es un disco de jazz de 175 minutos. Y por eso creo que se entiende el porqué de su título, ya que The Epic es eso, épico. Inabarcable para poder escucharlo de un tirón por su extensión pero también por sus estilos distintos. Estamos ante tres discos que conforman el primer disco solista de Kamasi y hay de todo, más clásico, free jazz, latin jazz. No deja nada por tocar y todo parece ser perfecto porque hay coros, hay orquestas, todo funciona como un pequeño reloj, pero de esos que son muy caros. No se trata de un disco fácil. Su larguísima longitud puede volver loco a cualquiera, pero desde el principio ya se siente que estamos sobre algo a lo que no vamos a ser indiferentes. Kamasi este año también participó en los vientos de To Pimp A Butterfly de Kendrick Lamar. A veces todo tiene que ver con todo.

Otro disco de tintes épicos pero esta vez tenemos una ópera-punk de 29 temas divididos en 5 actos sobre la depresión y otras enfermedades mentales. De esta manera Patrick Stickles nos mete en un viaje de 90 minutos por todo tipo de emociones y locura en una entrega que recuerda más a The Monitor, su disco conceptual sobre la Guerra Civil estadounidense que a Local Business, su disco de canciones más tradicionales. TMLT es gigante por muchas cosas y entre esas está la fuerza y visceralidad con la que Stickles escribe y compone. A quien nunca escuchó a la banda no le convendría encarar por este lado, pero cuando lleguen y entiendan que quieren decir con sus canciones caerán rendidos.

El ex Longpigs sacó un nuevo disco tras cuatro años y estamos atravesando su etapa crooner. Hollow Meadow es un disco sencillo pero profundo, Hawley se encargó de la producción y contó con la ayuda de, entre otros, Jarvis Cocker. Estamos ante un disco íntimo casi hogareño, de baladas y pequeños rock. Hawley cuenta con la experiencia suficiente para hacer lo que quiere de la mejor manera, acá no falla y de hecho logra varios de sus mejores momentos con Nothing Like A Friend o la bella Long Time Down.

Courtney Barnett Courtney Barnell Sometimes I Sit And Think And Sometimes I Just Sit La zurda australiana solo tenía un puñado de canciones al momento en que Sometimes I Sit and Think and Sometimes I Just Sit fue lanzado y estamos ante una de las sorpresas del año. Acá hay unas canciones frescas, con letras ingeniosas (disculpen la comparación pero deberíamos saber qué piensa Dylan de este disco), entre rockeras con toques de garage pero también a pop clásico. Courtney se sacó de la galera 11 canciones que parecen chicas pero que se vuelven gigantes. Son pequeñas historias que con humor o toques de autentica realidad se vuelven divertidas e irresistibles.

Federico B.

Se llevó a cabo la gran Subasta de Ringo Finalmente se llevó a cabo la subasta en la que Ringo Starr y Barbara Bach vendieron una amplia lista de artículos de sus carreras artísticas. Entre los ítems de Ringo más valiosos que fueron subastados a través de Julien Auctions, se vendieron finalmente el set de batería Ludwig Oyster Black Pearl 3-Piece con el que The Beatles hicieron sus presentaciones entre 1963 y 1964 (y con el que también se grabaron algunas canciones de A Hard Day's Night) en U$D 2.100.000. En segundo lugar quedó una guitarra Rose-Morris Rickenbacker que originalmente comprara John en 1964 y utilizara en algunos conciertos navideños de ese año, y que luego de ser archivada por años finalmente le fue regalada a Ringo en 1968, tras su regreso a la banda (luego de haber renunciado por unos días). Su valor de venta fue U$D 910.000. Tanto la batería como la guitarra fueron adquiridos por el coleccionista Jim Irsay, quien también compró el anillo de zafiro de Ringo por U$D 106.000. Y por supuesto, no el más caro pero si una verdadera rareza que se vendió, tal como comentamos en números anteriores, es la copia Nº0000001 del Álbum Blanco que sorpresivamente le pertenecía a Ringo. La subasta del disco que originalmente estaba estimada en U$D 50.000 terminó cerrando en U$D 790.000, siendo ahora el disco vendido más caro de la historia. También fueron subastados otros 8.000 artículos más, desde un Facel Vega Coupe hasta recortes de diario sobre Ringo tomados por sus padres.

La música de The Beatles llegó a Paul dejó una carta navideña a los servicios de Streaming sus fans "Estoy muy ansioso por las fiestas que están por venir. Un poco consiente del hecho de que voy a comer mucho y tomar demás... posiblemente. ¡Pero está bien! Estoy organizando juntarme con mi familia. Pasar tiempo con ellos. Solo poner mis pies hacia arriba, mirar un poco de televisión, ver a los niños, en especial a los más jóvenes ¡son un entretenimiento en sí mismos! Les dejo mis mejores deseos a todos en estas navidades. ¡Espero que todos tengan un muy feliz y tranquilo momento con montones de hermosos regalos!

Todas las canciones del catálogo Beatle llegaron a Spotify, Apple Music y otros servicios de streaming el pasado 24 de diciembre.

bien

todo

respecto

acontecimiento esta explayado en nuestra sección

lanzamientos

diremos

que

las

canciones ya fueron reproducidas más de 70 millones de veces en poco más de tres días desde su lanzamiento, más de la mitad de los oyentes son de menos de 34 años y la canción más popular es Come Together, tanto globalmente como en Estados Unidos en particular. Diría el fundador de Spotify, Daniel Ek: "Estamos ayudando a introducir la

Con amor, Paul."

banda más importante de la historia a toda una nueva generación de fans"

Nueva estatua a The Beatles develada en Liverpool La información al respecto esta detallada dentro de nuestra nota de " Las Artes y The Beatles". La misma fue esculpida por Andy Edwards y su inauguración contó con la presencia de Julia Baird, hermana de John.

Se realizó el concierto "Imagine" celebrando los 75 años de John

El pasado 5 de diciembre fue el día elegido para celebrar los 75 años de John. Para la ocasión se organizó un gran evento en el que se juntaron una gran cantidad de artistas que interpretaron todas

las

canciones

más

significativas

carrera. El Line Up contó con: Aloe Blacc, Eric Church, Sheryl Crow, Brandon Flowers, John Fogerty,

Peter

Kristofferson, Willie

Nelson,

Frampton,

Pat

Monahan,

The

Roots,

Juanes, Tom

Kris

Morello,

Spoon,

Chris

Stapleton, Steven Tyler y Kevin Bacon. Yoko Ono dijo al respecto: "Es hermoso ver tantos

artistas talentosos reunidos por este show especial en celebración del cumpleaños de John. El arte de John continua dando esperanza, luz y alegría a generaciones de personas en todos lados".

El George Fest será lanzado en audio y video El concierto tributo a George que fuera realizado en 2014 en el Teatro Fonda, de Los Ángeles, recibirá su lanzamiento en audio y video en coincidencia con el que hubiese sido el cumpleaños 73 de George, el 26 de febrero de 2016. El material fue producido por Dhani Harrison y David Zonshine. En la grabación podrá escucharse a artistas como Nora Jones, Brandon Wilson,

Flowers, The

Conan

Flaming

O’Brien,

Lips,

Brian

Weird

Yankovic y Nick Valensi entre otros. Dhani dijo al respecto:

familiar de mi vida. Espero que disfruten escuchar todo esto tanto como lo hago yo. Están algunas de las mejores interpretaciones de las canciones de mi padre que jamás hubiera creído posibles."

"Siempre imaginé un pequeño espectáculo donde mi generación de músicos pudiera escuchar de cerca algunos de los temas más profundos de su carrera. Así, en una forma nueva y vibrante. Una vez más junte en escena a algunos de mis más preciados héroes musicales junto al sonido musical más

Paul participó en el single y video "Love Song to The Earth" Fue una colaboración entre varios artistas de cara a la conferencia sobre el cambio climático que se llevó a cabo a comienzos de diciembre. El resultado fue la canción "Love Song to the Earth". La intención del video es concientizar a la gente y fundamentalmente a los líderes mundiales acerca de la importancia de tomar acciones para frenar el cambio climático. Paul se sumó a la canción cantando algunas frases y apareciendo protagónicamente en el video junto a Colbie Caillat, Sean Paul, Natasha Bedingfield y Q'orianka Kilcher, además de escenas de distintos lugares del planeta.

Se subastó una tarjeta navideña firmada por los cuatro Beatles en 3.300 dólares En el sitio de subastas online Catawiki, se vendió una tarjeta navideña de 1963, la cual incluía la firma de John, Paul, George y Ringo dedicada a Sylvia, fundadora del fans club británico de The Beatles. También incluye la firma de Freda Kelly y Anne Collingham, otras fundadoras del fans club.

Y en el próximo número…

Y mucho mas!!! 84