Glass Onion - Número 32 by GLASS ONION

EDITORIAL: Cuando The Beatles llegaron a los Estados Unidos, en la conferencia de prensa en el mismo aeropuerto John F. Kennedy, un periodista les preguntó “¿Por qué están tan entusiasmados (el público)?”, a lo que Lennon respondió, “Si lo supiéramos tomaríamos otro grupo y seríamos sus managers”. Bueno, no fue exactamente así, pero el respaldo Beatle fue fundamental en los inicios de Badfinger, una banda con una riquísima historia, pero con momentos trágicos en ella. Nunca estuvo mejor graficado el ascenso y descenso de un grupo, con éxito y miserias. En éste nro de Glass Onion decidimos ampliar una nota que apareció en nuestra edición debut, trayéndoles un exhaustivo informe sobre uno de los más firmes candidatos a reclamar el trono dejado bacante por The Beatles.

La historia más triste del rock and roll de la banda más prometedora. Un relato de éxito y tragedia. Año por año, disco por disco.

Los Años McCartney / Módulo 1 / Episodio 2 El campo quedó atrás y se encienden los reflectores. Paul demuestra que lo puede lograr, una vez más.

Continuamos también con nuestro recorrido por la obra de Paul McCartney como solista (o con Wings en todo caso). Esta vez le toca el turno a uno de los periodos con mayor suceso comercial del bajista; la edición de sus álbumes Red Rose Speedway y Band On The Run.

El Quiet Beatle tiene mucho que decir, o al menos los números lo hacen. Enterate de todo sobre el menor de los Beatles.

En nuestra sección sobre el Arte Beatle te ofrecemos un informe sobre una de las expresiones artísticas más bellas y refinadas, el vitraux. Y como era de esperarse, la influencia de los Fab Four no estuvo ausente.

Un gran artista acaba de dejarnos y le rendimos homenaje en nuestras páginas. Todo sobre su disco despedida y su fallecimiento.

Tenemos muchas notas más para compartir con uds que esperamos disfruten muchísimo. Disco Del Mes: Milk And Honey (John) And The Band Begins To Play: Till There Was You Nota Ringo: Gran Subasta 2015 It Was 50 Years Ago Today: Febrero 1966 The Beatles en el Rock And Roll Hall Of Fame Las Artes y The Beatles: Vitraux I Read The News Today, Oh Boy In Their Own Words: Ven y Tómalo

Hasta el mes que viene! Martin Editor Principal

Editor: Martín Castro; Coordinación y Diagramación: Federico B.; Redactores: Stella Accardi, Federico B., Martín Castro, Octavio Cavalli, Migo Coiro, Javier Cuenca, Maria Dellavalle, Isadora Katz, Cecilia Diaz Moreno, Guillermo Gibbon, Luis Inngais, Maximiliano Seijas, Pilar J Vázquez 3

Cambio de planes. Ante la inesperada y horrible muerte de John en diciembre del 80, el plan original de lanzar un disco casi en simultáneo con Double Fantasy (G.O. Nº 16, Octubre 2014) se vio inicialmente truncado, así como el deseo de John de salir por primera vez de gira como solista. La grabación de Double Fantasy fue muy productiva, tal es así que lograron 22 grabaciones, de las cuales quedaron en el demo las que no fueron utilizadas para el disco. Allí Yoko, quien compuso canciones nuevas en 1983, tuvo la base para que el disco saliera lo más parecido posible a la idea de John y, nuevamente, un disco de la pareja. Si bien el impacto

fue menor al de su antecesor, es muy interesante observar la dirección que estaba tomando la música de Lennon y el crecimiento compositivo de Yoko, quien por esto y por parte de sus producciones anteriores y por sobre todo, su actitud, fue reconocida no sin justicia como una de las madrinas del punk. El disco comienza con “I'm Stepping Out”, muy feliz, luego de un conteo y una intro hablada. Por supuesto que es un demo, lo sabemos, pero podría esto haber terminado con algún tipo de superproducción, y en cambio, la banda y la voz de John hablando de la

noche de NYC y de su alejamiento de la escena musical por un lustro suena fresca, con las indicaciones hacia los músicos y todo. “Sleepless Night” trae paneos de guitarra y pequeños efectos electrónicos para que la voz de Yoko Ono surfee esos sonidos muy cómodamente. La recomiendo escuchar con auriculares.

Ringo Starr, quien iba a incluirlo en “Stop And Smell The Roses” y que finalmente quedó en la forma del demo, al igual que el que finalmente fue el hit de este disco: “Nobody Told Me”, que llegó inclusive a rankear en los Estados Unidos. Entre ellos, Yoko mete en clave de reggae “Don’t Be Scared”, con notables coros provenientes del dub. Y luego de ellos, “O Sanity”, que bien podía haber no estado en el corte final de este disco.

“I don't wanna face it” es un poderoso tema funky que Lennon había compuesto originalmente para

“Borrowed Time” es uno de los temas en los cuales estaba trabajando John en el momento de su muerte y el aire caribeño no es casual, ya que el tema fue compuesto en el famoso viaje a Bermuda, de donde Lennon regresó revitalizado y lleno de canciones. Si bien se trata tal vez de un demo de guitarra y voz, la canción puede más y hasta llegó a ser single. Para continuar el diálogo que se había iniciado en Double Fantasy, Ono aporta una pincelada de pop épico con “Your Hands” donde la voz se llena de dramatismo.

“Forgive (My Little Princess)” muestra otras guitarras funkies, pero el tema es mucho más delicado que los otros, tal es así que le deja la puerta abierta para el suave “Let me Count The Ways”, de Yoko, inspirado en un viejo poema y con un hermoso trabajo de ella en el piano. Este tema, a su vez, se corresponde a “Grow Old With Me”, preciosa pieza rápidamente grabada por John el 8-12-1980. Esta canción iba a ser revisada por Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr para la serie Anthology en los 90, pero

finalmente no sucedió así y Yoko le cedió la grabación a George Martin, quien la vistió con cuerdas para su posterior presentación en The John Lennon Anthology (1998). El disco concluye de un modo oscuro con “You’re The One”, con un sonido contemporáneo al new wave que John escuchaba a fines de los 70 en bandas como los B-52’s. El gran protagonista es el bajo. Por lo general, las reviews que se encargan de este disco y de Double Fantasy se saltean las composiciones de Yoko, lo cual considero un error, ya que John (en el caso de DF) produjo el disco y determinó que las canciones de su esposa vayan intercaladas y pasarlas por alto no es ni más ni menos que ningunear una decisión de Lennon. Algunos fueron más allá y dibujaron un “Double Honey” o “Milk And Fantasy” que recopile solamente las canciones de John, lo cual es una tontería, algo equivalente a pretender un disco de The Beatles sin las canciones de Ringo. Tómalo o déjalo, tanto DF como este disco fueron de John Lennon y Yoko Ono y está bien que Yoko haya terminado la idea original de su esposo. Por supuesto que hubiese sido mejor si John estaba allí, por supuesto que hubiese sido mejor que Lennon no hubiese sido asesinado y el único Chapman famoso hubiese sido Graham, el de los Monthy Python. Pero esto es lo que sucedió y quizás haya sido muy difícil la elaboración de este álbum. Y allí esta, lo que es muchísimo mejor a que no haya existido.

Javier Cuenca

Maximiliano Seijas

La muerte de David Bowie tomó un nuevo significado en su último álbum, Blackstar ahora se había vuelto otro disco. Este nuevo significado venía en su caso más notorio en Lazarus, donde ya nos contaba que estaba en el cielo y narraba acerca de padecimientos y dolores. Blackstar se transformó en un disco denso, ya no sólo en lo musical, en donde lo es por completo, sino también en lo personal, David Bowie tomando conciencia de su muerte, de su enfermedad y lo que le deparaba su futuro.

David Bowie sacudió al mundo dos veces en apenas 48 horas. El 8 de enero todos festejábamos su cumpleaños número 69 y el lanzamiento de Blackstar, su último disco, y el 10 de enero todos llorábamos su inesperada muerte. Según palabras de uno de sus colaboradores más frecuentes, Tony Visconti, Blackstar se transformó en un regalo que Bowie hizo para despedirse. Tras una lucha de 18 meses contra un cáncer de hígado que nunca fue comunicado al público. David fue cremado en New York, la ciudad que adoptó como propia, en soledad.

Blackstar es un disco de los llamados experimentales, más cercano a Station To Station que a Scary Monsters (And Super Creeps), es decir, son canciones largas, donde en este caso tenemos una fuerte influencia de jazz, con trompetas y elementos propios del free jazz particularmente.

¿Podemos definir el impacto de David Bowie en la música moderna? Sí y no. Si porque es uno los músicos más importantes, influyentes e interesantes de los últimos 50 años, pero lo que no podemos definir es dónde específicamente está su impacto. Se trata de uno los artistas más camaleónicos de la historia, un faro acerca de qué es lo que estaba pasando en la música al momento en que editaba un disco. Su influencia es enorme en todos los aspectos, rompió barreras musicales y estéticas.

impulso a la música negra con su perfecto Young Americans. Cuando la cocaína fue haciendo estragos en su vida decidió parar para desintoxicarse y en Berlín surgió su famosa trilogía en colaboración con Tony Visconti, Brian Eno y en menor medida Carlos Alomar para reformular el krautrock y volverlo más asequible al mundo. Bowie miraba para los costados, lo tomaba, lo retorcía y generaba algo nuevo y fresco. Tras una seguidilla de obras maestras sabía que tenía que dar el paso a los grandes éxitos y ahí llegó Let's Dance y sus singles Modern Love, China Girl y Let's Dance. Ahora era un artista de estadios gigantes y su popularidad había crecido.

David Bowie no puede ser sólo medido en términos musicales, su transformación visual, del extraterrestre andrógino de Ziggy Stardust a Halloween Jack o el Gran Duque Blanco, David jugó con su cuerpo, lo pintó, lo disfrazó e hizo que eso también hablara de sobre él.

David Bowie es un artista popular, está inserto en todos los aspectos de la cultura, un músico irrepetible que hizo lo que hizo y lo hizo bien, lo cual no es poco. Volviendo sobre unas líneas más arriba donde se pregunta si podemos definir el impacto de David Bowie en la música moderna, la respuesta correcta debe ser que si, Bowie está en todos lados aunque quizás no nos demos cuenta, puede estar en Low o en Diamond Dogs y puede estar en Zoolander. Es universal.

Bowie moldeó el glam rock con Ziggy Stardust And The Spiders Of Mars y Aladin Sane cuando T. Rex recién asomaba la cabeza con su brillante Electric Warrior. Y de la mano de las guitarras de Mick Ronson definieron el sonido del género a principios de los '70. Pero también redefinió y dio un nuevo

Martín Castro Resulta increíble pensar que John Lennon tenía 22 años y George Harrison apenas 20 cuando entraron al estudio número 2 de los EMI Studios para trabajar en una nueva canción para su segundo álbum, With The Beatles.

Durante el primer día de trabajo para el nuevo disco, el 18 de julio de 1963, se realizaron las primeras tomas de la canción, pero la banda quedó insatisfecha con el resultado y el 30 volvieron a trabajar en ella, obteniendo ése día la versión final.

La exactitud y originalidad de la interpretación de ambos en Till There Was You harían que un oyente que no esté familiarizado con su obra, piense que se trata de una grabación del período tardío de la banda, cuando ambos ya tenían más experiencia y sofisticación en sus destrezas como guitarristas. Sin embargo es una grabación muy temprana de una canción que venían tocando desde hacía un tiempo, pero que reversionaron completamente para éstas sesiones.

Ringo abandona momentáneamente la batería para tocar la parte percusiva con un bongó, mientras que Paul se mantiene en su bajo, además de ser el cantante en ésta ocasión. Pero lo que nos interesa ahora es el desempeño de los guitarristas, John Lennon con su acústica Gibson J160E y George con una guitarra clásica José Ramírez, que había pertenecido a Klaus Voorman pero que fue intercambiada por su Gretsch 6128 Duo Jet.

La Guitarra RItmica

La siguiente estrofa y el solo tienen una base similar a la estrofa anterior, con la salvedad de que en el solo el rasgueo es diferente, más bien se trata de apoyaturas cortantes. Se repite el estribillo y nuevamente la estrofa, esta vez agregando un Ladim al Re#dim y Fa#dim.

El trabajo en conjunto de ambos Beatles se nota por lo bien que ensamblan sus aportes en la guitarra. John tiene un rol muy activo en Till There Was You, aportando acordes poco convencionales y alteraciones en la forma e intención al rasguear. La secuencia de acordes en la introducción se repite dos veces y está formada por Fa – Re#dim – Solm – Do7/9, mientras que la estrofa comienza de modo similar, con Fa, Re#dim y Solm, pero luego va a un Sibm y regresa al Fa, para luego un rápido cambio entre Lam, Sol#m y Solm, nuevamente al Do7/9 y cerrando en el acorde raíz, Fa. Todo se repite (con la salvedad de que luego del Re#dim hace un paso rápido por Fa#dim) y previo al estribillo va a un Fa7/9 tocado en el octavo traste.

El cierre de la canción tiene un Do – Mim – Do – Fa – Do#7 – Fa.

El estribillo comienza con un Sib y un Sibm, luego un Fa y un Re7/9, cerrando con un Solm y un Sol7, y un rápido cambio entre un Do, un Do7/9 y un Doaug.

La Guitarra Solista Sería engorroso describir cada segmento de lo tocado por George, así que me concentraré en las partes principales. De todos modos el video es explicito en cuanto a cada una de sus intervenciones. La primer parte de la intro es tocada en cada cuerda, desde la primera a la cuarta, siendo las notas Fa – Do – La – Fa#. El segundo segmento lo toca desde la segunda cuerda a la quinta, pulsando en Re – La# – Sol – Do. Durante la estrofa continúa de la misma manera, rellenando ante cada intervención vocal de Paul, ya sea con arpegios o acordes. En el estribillo se destaca una secuencia de notas descendentes sobre la tonalidad de Sol

menor, donde la nota grave tocada en la cuarta cuerda va de Sol a Mi en semitonos. El solo es toda una creación en sí mismo. George se mueve rápido sobre el diapasón, alternando una rápida sucesión de notas y acordes, donde se destaca un Fa#7 que increíblemente se complementa a la perfección con el Do7/9 que está tocando John en ése momento. En el final toca unos acordes muy clásicos del bolero que desembocan en un Famaj7 como acorde final. Una vez más, recomiendo ver con atención el video tutorial para captar con certeza cada pequeño detalle de ésta magnífica interpretación de The Beatles.

Para ver el video tutorial con todas las partes necesarias para aprender y tocar ésta canción exactamente igual a como lo hicieron The Beatles, ingresar en el siguiente enlace:

https://www.youtube.com/watch?v=5jVfbrY-9No 12

No es un caso único, muchas bandas o artistas han tenido comienzos prometedores en sus carreras artísticas pero que por diversas razones fueron truncados llegado cierto punto. Pero vale decir que el caso de Badfinger es en muchos aspectos más extraño y triste que la mayoría, más aun siendo una banda prima de The Beatles. Lo tenían todo: talento, ganas de crecer, grandes compositores, gustaban a la gente y eran apadrinados por The Beatles. ¿Qué pudo sucederles? Quizás un poco de ingenuidad, pero no por ello merecerían todo por lo que pasaron. Dejaremos que ustedes saquen sus conclusiones leyendo este informe acerca de una de las leyendas musicales de la escena del rock de la década del ’70. La historia de la banda comienza con Pete Ham y Mike Gibbins, repasemos un poco su pasado.

Nació en Swansea, Gales, el 27 de abril de 1947. Luego de recibir su primer guitarra como regalo en la Navidad de 1959, para 1961, con 14 años, formó una banda llamada The Panthers, junto a Ronald Llewellyn Griffiths (Bajo), David "Dai" Jenkins (Guitarra rítmica) y Roy Anderson (Batería). La banda sufrió algunos cambios de integrantes y de nombres, pasando por llamarse “The Black Velvets” y “Wild Ones” hasta finalmente llegar a “The Iveys” en 1965…

Mike Gibbins: nació el 12 de marzo de 1949 en Swansea. Comenzó a tocar la batería también a los 14 años de edad y rápidamente se unió a su primer grupo “The Club 4”. Poco después se uniría a “The Misfits”, con quienes haría conciertos en Gales hasta que finalmente se uniría a “The Iveys”…

Collins como su manager, quien, pese a tener poca experiencia en materia de negocios, fue innegablemente fundamental en el desarrollo de la banda y su gran crecimiento. En primer lugar los mudó a su propia casa en Londres para así poder ganar notoriedad y los motivó a que escriban sus propias canciones y las perfeccionen. Collins les insistía en que la clave del éxito era escribir grandes canciones, y no interpretar covers como venían haciéndolo hasta ese momento. El consejo era claro, la banda estaba formada por músicos muy buenos, pero sus habilidades de composición eran literalmente nulas, solo tocaban temas exitosos de otros artistas y el destino de todas las bandas que vivían de eso era simplemente ser soporte de otras, y eso no debía pasarle a ellos. El contrato de la banda y Collins se hizo por cinco años y en partes iguales: 20% para cada miembro y 20% para Collins.

Poco tiempo después de formado The Iveys se une Mike Gibbins y la banda fue comenzando a ganar reputación en su país natal, tocando en varias ciudades y siendo teloneros de los grandes artistas del momento que llegaban, como The Moody Blues, The Yardbirds, The Who y The Spencer Davis Group. Para 1966 la banda toma a Bill

La idea de Collins fue tomando forma y la banda consiguió llegar a audicionar con Ray Davies de The Kinks, quien poseía una agencia (Harold Davidson Agency) y que ya tenía fichados a The Small Faces. La audición la pasaron sin problemas, interpretando como banda soporte de un cantante llamado David Garrick (quien tenía en su haber un exitoso cover de “Lady Jane”, de los Stones). Grabaron tres demos: “Sausage And Eggs” y “Taxi”, de Ham, y “I Believe in You Girl” de Griffiths. Durante esos años formativos de The Iveys las giras nunca pararon tanto por Gales como por 16

Inglaterra y se conoce que la banda interpretó muchos y diversos covers de bandas conocidas, entre los que se pueden citar: “Day Tripper”, “Help!”, “House Of The Rising Sun”, “My Generation” y “Parchman Farm“, “Keep On Running”, “The Kids Are Alright”, “La La La La Lies” y “Young Blood”, entre muchos otros. Para agosto de 1967, la banda decidió echar a Dai Jenkins por darle más atención a las chicas que a la música y no estar interesado en componer canciones. Según contó Griffiths “se le pregunto cortésmente si podría renunciar a la banda”. Ese fue el momento de buscar un nuevo miembro para The Iveys. Por sugerencia de Collins, Pete Ham, Ron Griffiths y Mike Gibbins viajaron a Liverpool en búsqueda del nuevo guitarrista rítmico. El hallazgo fue Tom Evans, guitarrista de Them Calderstones, quien fue invitado a audicionar en Londres para formar parte de la banda. A los pocos días hizo la audición y la pasó sin inconvenientes. Ya el 20 de agosto de 1967 hizo su primera presentación con la banda en el Starlite Ballroom de Crawley.

Evans demostró rápidamente no solo ser un gran guitarrista sino también un gran compositor, cosa que venía a la perfección con las intenciones de la banda. Aquí es donde se da el puntapié inicial para todo lo que vendría.

Tom Evans: nació el 5 de junio de 1947 en Liverpool, Lancashire. Comenzó a tocar la guitarra profesionalmente en 1963, con una gran influencia de The Everly Brothers. Tiempo después se uniría a Them Calderstones, hasta que en 1967 fue invitado para unirse a The Iveys…

Los 4 Iveys empezaron a componer sus propias canciones y sus recitales se fueron volviendo cada vez mejor recibidos, la banda crecía en sofisticación, comenzaron a grabar sus demos con una gran calidad, casi como si fueran grabaciones profesionales. Solo les faltaba el salto de popularidad y no tardaría mucho más en llegar.

ex miembro del dúo Peter & Gordon). Ambos quedaron impresionados, pero necesitaban la aprobación de The Beatles para que la banda firme su contrato. Como era de esperarse, los cuatro Beatles sin excepción también quedaron extremadamente satisfechos y sorprendidos con el material que no dudaron en fichar a la banda para Apple. En mayo se dio el visto bueno y en julio ya eran parte de la compañía. Uno de los temas presentados en el demo se convirtió en la primera grabación completamente ajena a The Beatles en tener el sello Apple y ser lanzado como sencillo: “Maybe Tomorrow”, escrito por Tom Evans y producido por Tony Visconti.

Collins logró contactarse con un viejo amigo suyo: Mal Evans. Si, el roadie y asistente personal de The Beatles. Collins invitó a Mal a un concierto de The Iveys en el Marquee Club el 25 de enero de 1968. Mal concurrió en compañía de Peter Asher, director del recientemente inaugurado sello Apple Records (además de hermano de Jane Asher y

Todo marchó sobre ruedas y el sencillo salió a la venta el 15 de noviembre de 1968. Aquí sucede algo cuanto menos curioso: el sencillo que llegó a ser Top Ten en muchos países de Europa e incluso en Japón, no alcanzó al mínimo en el Reino Unido y solo un modesto puesto 67 en el Billboard Hot 100. La razón era mucho más extraña: a la gente le gustaba, pero no lo compraba. Un segundo sencillo “Dear Angie” de Griffiths se lanzó el 18 de julio de 1969 en algunos países y luego el primer LP de The Iveys, titulado “Maybe Tomorrow”, solo en Alemania, Italia y Japón. Se suponía que el disco también saldría a la venta en Estados Unidos y el Reino Unido, pero fue cancelado a último momento debido a que Allen Klein, nuevo presidente de Apple, decidió no publicar ningún tipo de material no-Beatle hasta que pudiera organizar las finanzas de la compañía.

Maybe Tomorrow Duración: 45:14 Discográfica: Apple Productor: Tony Visconti y Mal Evans Tracklist Lado 1 1. See-Saw Granpa (Pete Ham) 3:33 2. Beautiful and Blue (Tom Evans) 2:38 3. Dear Angie (Ron Griffiths) 2:39 4. Think About the Good Times (Mike Gibbins) 2:21 5. Yesterday Ain't Coming Back (Ham/Evans) 2:57 6. Fisherman (Evans) 3:09 Lado 2 1. Maybe Tomorrow (Evans) 2:52 2. Sali Bloo (Ham) 2:35 3. Angelique (Evans) 2:26 4. I'm in Love (Ham) 2:25 5. They're Knocking Down Our Home (Ham) 3:41 6. I've Been Waiting (Ham) 5:15 19

Todo ese tiempo la banda continuó grabando algunas canciones como potenciales sencillos, pero los Beatles se los devolvían argumentando que no eran suficientemente buenos para ser publicados. Paul McCartney leyó una entrevista a Griffiths donde argumentaba que la banda se sentía algo descuidada, y decidió entregarle el demo de una canción que acababa de componer para la película “The Magic Christian”, que se estaba filmando con Peter Sellers y Ringo Starr. La condición era que el demo de “Come And Get It” sea copiado nota por nota, sin ningún tipo de alteración. The Iveys aceptó la propuesta y la grabación se llevó a cabo el 2 de agosto de 1969. McCartney mismo audicionó a los 4 Iveys para grabar la voz, quedándose finalmente con Evans.

Come And Get It (Single) y Magic Christian Soundtracks

Para octubre de 1969 la banda seguía viviendo en la misma casa en conjunto. Pero el único casado y ya con un hijo era Ron Griffiths. Una serie de tensiones entre la mujer de Griffiths, Tom Evans y Collins hicieron que el conflicto desemboque en que Griffiths abandone el grupo. Ahora la banda necesitaba un nuevo bajista.

Para The Magic Christian la banda también grabó otras dos canciones: “Carry On ‘Till Tomorrow” y “Rock Of All Ages”, la primera con arreglos de George Martin, y los tres producidos por Paul McCartney.

Antes de lo que vendría, se le propuso a The Iveys cambiar el nombre, ya que a veces se confundía con "The Ivy League" y además no tenía mucho impacto. Tenían que encontrar uno nuevo. La danza de nombres empezó desde “Home” propuesto por McCartney y “The Glass Onion”, “The Prix” y “The Cagneys” propuestos por Lennon. Pero el nombre final fue sugerido por Neil Aspinall, recordando un nombre de sesión de “With A Little Help From My Friends”: “Bad Finger Boogie”, dado que John tocaba el piano con un dedo lastimado. Así la banda dejó de ser “The Iveys” para convertirse en “Badfinger”.

Poco después saldría a la venta el disco del soundtrack de la película, incluyendo las nuevas tres grabaciones, música incidental compuesta por Ken Thorne y un tema más, "Something In the Air", de Thunderclap Newman. Este último tema, que ya había sido publicado e incluido en Hollywood Dream, impedía que el disco saliera por el sello Apple. Finalmente fue lanzado por Commonwealth United Records en USA y Pye Records en UK y pasó sin pena ni gloria en suelo norteamericano.

Magic Christian Music Duración: 41:58 Discográfica: Apple Productor: Paul McCartney, Tony Visconti y Mal Evans Tracklist Lado 1 1. Come and Get It (Paul McCartney) 02:21 2. Crimson Ship (Pete Ham, Tom Evans) 03:42 3. Dear Angie (Ron Griffiths) 02:39 4. Fisherman (Tom Evans) 02:24 5. Midnight Sun (Pete Ham) 02:46 6. Beautiful and Blue (Tom Evans) 02:40 7. Rock of All Ages (Pete Ham, Tom Evans, Mike Gibbins) 03:16

El single “Come And Get It” ya como Badfinger salió el 5 de diciembre y fue un gran éxito comercial, alcanzando el puesto 4 en los charts del Reino Unido y el 7 en Estados Unidos. Vale decir que en la portada del sencillo aún puede verse a Ron Griffiths. Apple no quiso dejar pasar su oportunidad y creó su propio soundtrack para The Magic Christian. Aunque es una suerte de pastiche, sirvió para dejarnos un claro registro de lo que fue el primer disco de Badfinger. Se tomaron las tres canciones nuevas (“Come And Get It”, “Rock Of All Ages” y “Carry On Till Tomorrow”) y se le sumaron cuatro canciones inéditas y siete de los temas que salieran previamente en el truncado LP “Maybe Tomorrow”, debut como The Iveys. El 9 de enero de 1970 sale entonces al mercado el álbum “Magic Christian Music”

Lado 2 8. Carry on Till Tomorrow (Pete Ham, Tom Evans) 04:47 9. I'm in Love (Pete Ham) 02:26 10. Walk Out in the Rain (Pete Ham) 03:27 11. Angelique (Tom Evans) 02:28 12. Knocking Down Our Home (Pete Ham) 03:40 13. Give It a Try (Pete Ham, Tom Evans, Mike Gibbins, Ron Griffiths) 02:31 14. Maybe Tomorrow (Tom Evans) 02:51

Joey Charles Molland nació el 21 de junio de 1947 en Edge Hill, Liverpool. Durante la década del 60 fue miembro de distintos grupos de la escena de Liverpool como The Assassins, The Profiles y The Mastermind. Con este último lanzaron un sencillo, el cover de "She Belongs To Me" de Bob Dylan. Luego se unió como músico de gira para The Merseys y un tiempo para The Crying Shames. En 1969 se unió a Gary Walker & The Rain, grabando en varios sencillos. Hasta que a fines de 1970 se unió a The Iveys... (Pocos días después Badfinger)

Tras la partida de Griffiths, la banda carecía de bajista y audicionaron a varios candidatos, pero ninguno estaba a la altura. Sí dieron con un experimentado guitarrista de Liverpool, Joey Molland. Decidieron tomarlo, por lo que Evans pasó al bajo y quedó conformada la versión más emblemática de Badfinger: Ham, Evans, Molland, Gibbins.

grabar su segundo disco oficial en marzo de 1970. De las primeras grabaciones resultó la canción “No Matter What”, la cual fue propuesta como sencillo, pero rechazada rápidamente. Les fue asignado nada menos que Geoff Emerick como productor y para julio de 1970 la banda tenía listo su LP “No Dice”. Finalmente se aceptó “No Matter What” como primer sencillo y demostró su potencial alcanzando el Top 10 en varios países del mundo, incluyendo Estados Unidos e Inglaterra. El álbum alcanzo el puesto 28 en el Billboard Hot 200 y fue ampliamente aclamado por la crítica.

El resultado de The Magic Cristian fue dentro de todo bueno, y Badfinger se preparó para

“No Dice” incluye varias canciones destacables como “I Can’t Take It”, “Midnight Caller”, “I Don’t Mind” y “We’re For The Dark”, pero Badfinger en The Cavern, Liverpool 22

ninguna, ni siquiera “No Matter What” fue tan significante para la historia de la banda como lo fue la balada “Without You”, de Ham y Evans armada a partir de dos canciones independientes. Sin ser un sencillo, fue (y es) una canción muy popular, versionada por más de 180 artistas. Además de ganar en 1972 el premio a la canción del año, sería reversionada poco más de un año después por Harry Nilsson, y alcanzando el puesto número 1 en el Billboard Hot 100. Ese hito sería el detonante de eventos por venir.

colaboró con la grabación del disco triple de George Harrison “All Things Must Pass”. También se puede agregar que durante el año siguiente grabaron el sencillo “It Don’t Come Easy” con Ringo Starr y participaron de la grabación del álbum “Imagine” de John Lennon.

Durante todo 1970 la banda estuvo de gira promocionando Magic Christian Music y No Dice, primero en el Reino Unido y posteriormente en Europa y Estados Unidos. El setlist promedio de la gira fue: “My Dark Hour”, “Midnight Sun”, “Better Days”, “Blodwyn”, “We’re For The Dark”, “Feeling Alright”, “Suitcase”, “Johnny B. Goode”, “I Can’t Take It”, “No Matter What”, y un Medley con “Love Me Do” / “Lucille” / “Rip It Up” / “Long Tall Sally”. Las comparaciones con los recientemente separados Beatles no tardaron en llegar y los acompañaron por el resto de sus carreras al punto de leer en una crítica de Rolling Stone “Es como si John, Paul, George y Ringo se hubieran reencarnado como Joey, Pete, Tom y Mike de Badfinger”. Para seguir con los vínculos Beatle, durante 1970 Badfinger también

No Dice Duración: 39:55 Discográfica: Apple Productor: Geoff Emerick y Mal Evans Tracklist Lado 1 1. I Can't Take It (Pete Ham) 2:57 2. I Don't Mind (Tom Evans, Joey Molland) 3:15 3. Love Me Do (Molland) 3:00 4. Midnight Caller (Ham) 2:50 5. No Matter What (Ham) 3:01 6. Without You (Ham, Evans) 4:43 Lado 2 1. Blodwyn (Ham) 3:26 2. Better Days (Evans, Molland) 4:01 3. It Had to Be (Mike Gibbins) 2:29 4. Watford John (Evans, Gibbins, Ham, Molland) 3:23 5. Believe Me (Evans) 3:01 6. We're for the Dark (Ham) 3:55

Badfinger con George Harrison y Pattie Boyd.

Pete Ham en el Concierto Por Bangladesh

En abril de 1970 ocurre otro evento que marcaría el futuro de la banda. Collins fue presentado al empresario Stan Polley, quien en noviembre de ese año firmó como manager de negocios de la banda, y fundaría la “Badfinger Enterprises Inc.”. Los cuatro miembros de la banda firmaron contratos en los que se asentaba que las regalías de los conciertos, publicidad y grabaciones irían todas a dicha compañía manejada por Polley y ellos recibirían un salario, ínfimo en comparación a las ganancias que producía la banda. Por ejemplo, en octubre de 1971: "Salarios: $8,339 (Joey Molland), $6,861 (Mike Gibbins), $6,211 (Tom Evans), $5,959 (Pete Ham). Ganancia neta de la Corporación, $24,569. Comisión del Manager, $75,744 (Stan Polley)”. Polley debería velar por los intereses de la banda, pero virtualmente la banda no veía prácticamente nada del dinero que generaba. En fin…

En 1971 continuarían de gira en Estados Unidos. Una vez culminada, la banda se muda a Clearwell Castle y allí graban y producen su tercer álbum junto a Emerick, pero es nuevamente rechazado por Apple, lo que los hace buscar un nuevo productor que termina siendo nada menos que George Harrison. George comenzó a trabajar con ellos ahora en Abbey Road pero debió abandonar el proyecto por la mitad para encargarse de algo inesperado: el Concierto por Bangladesh. Eso les dio una oportunidad muy grande también a Badfinger, ya que llegarían a uno de los puntos culmine al ser la banda de acompañamiento para George durante dicho concierto en agosto. Pete Ham incluso fue compañero de George en Here Comes The Sun. Nada mal.

A la vuelta continuaron trabajando en su tercer disco con Todd Rundgren como nuevo productor. Con Todd, experimentado músico y productor trabajaron sobre algunas pistas ya producidas por Emerick y Harrison, regrabaron otras y realizaron nuevo material. En diciembre de 1971 sale “Straight Up”, tercer disco que les brindó su mayor éxito como banda: “Day After Day”, en el que podemos escuchar la distintiva guitarra slide de Harrison. Se cuenta que George se sumó de improviso durante la grabación con ganas de participar y les tomó horas dejar la canción tal como querían con

las guitarras sincronizadas. El resultado quedó a la vista alcanzando el puesto 4 en el Billboard. El otro sencillo de este disco fue “Baby Blue”, también muy exitoso con un buen puesto 14. Otra canción que logró circular en las radios fue “Name of the Game”, la cual originalmente fue postulada como primer sencillo, pero rechazada por Apple. Straight Up Duración: 42:11 Discográfica: Apple Productor: Todd Rundgren y George Harrison Tracklist Lado 1 1. Take It All (Pete Ham) 4:25 2. Baby Blue (Ham) 3:37 3. Money (Tom Evans) 3:29 4. Flying (Evans, Joey Molland) 2:38 5. I'd Die Babe (Molland) 2:33 6. Name of the Game (Ham) 5:19 Lado 2 1. Suitcase (Molland) 2:53 2. Sweet Tuesday Morning (Molland) 2:31 3. Day After Day (Ham) 3:09 4. Sometimes (Molland) 2:56 5. Perfection (Ham) 5:07 6. It's Over (Evans) 3:34

Para 1972 la banda fue contratada para un último álbum con Apple. Si bien hay distintas versiones, lo que queda claro es que la relación de Badfinger con Todd Rundgren fue respetuosa pero mala, dado que Rundgren, quien estaba allí mayormente porque quería trabajar con Harrison, no escuchaba las opiniones de la banda y era completamente dominante, al punto que la banda en sí misma no quedó conforme con el resultado final de “Straight Up”. Por tanto, en 1972 se negaron a continuar trabajando con él, y decidieron desplazarlo solo una semana después de empezar a grabar el nuevo álbum. A partir de allí se lanzaron por sí mismos, pero tiempo después de completado el

material preliminar y ser nuevamente rechazado por Apple, se dieron cuenta que era necesario ser guiados por un productor con experiencia. Entonces el nuevo productor que llegó fue Chris Thomas, quien ya había trabajado un tiempo en el Álbum Blanco de The Beatles y junto a Procol Harum. El disco se finalizó, pero problemas legales retrasaron la salida de “Ass” aún más… hasta noviembre de 1973. Pero sigamos a comienzos del 73. Durante las sesiones de “Ass”, Polley se encontró negociando un nuevo contrato con Warner Records. La situación era firmar un contrato multimillonario con Warner o seguir en Apple, que se caía día a día un poco más.

La decisión fue muy difícil, pero Badfinger se fue del sello que los vio nacer. Y el álbum “Ass” tiene un poco de eso. El tema que lo abre se llama “Apple Of My Eye”, escrito por Pete Ham y dedicado a su antigua discográfica, mostrando los sentimientos encontrados por partir. Curiosamente fue el último sencillo publicado por Apple de un artista no-Beatle. La tapa del álbum “Ass” también refleja esas sensaciones, presentando un burro persiguiendo una zanahoria gigante y lejana.

Ass Duración: 39:38 Discográfica: Apple Productor: Chris Thomas, Badfinger y Todd Rundgren Tracklist Lado 1 1. Apple of My Eye (Pete Ham) 3:06 2. Get Away (Joey Molland) 3:59 3. Icicles (Molland) 2:32 4. The Winner (Molland) 3:18 5. Blind Owl (Tom Evans) 3:00 Lado 2 1. Constitution (Molland) 2:58 2. When I Say (Evans) 3:05 3. Cowboy (Mike Gibbins) 2:37 4. I Can Love You (Molland) 3:33 5. Timeless (Ham) 7:39

La mayoría de las canciones de “Ass” fueron escritas por Molland, pero firmadas por Badfinger como banda, para eludir cuestiones contractuales: Molland nunca firmó con Apple un acuerdo de publicación, y Stan Polley utilizó esto para bloquear la salida del álbum.

“Badfinger” en lugar de sus miembros individuales, y así finalmente saldría a la venta en Estados Unidos en noviembre de 1973 y recién en febrero en el Reino Unido. Las grabaciones del nuevo álbum finalizaron también en noviembre de 1973 e incluso salió a la venta el nuevo trabajo titulado “Badfinger” antes que “Ass” en el Reino Unido. La fecha original de salida era diciembre de 1973, pero fue retrasada para no solapar completamente al disco anterior. “Badfinger” salió a la venta a fines de febrero de 1974 pero de más está decir que dos trabajos publicados casi al simultáneo atentaron mutuamente y ninguno de los dos llegó al nivel de ventas que los anteriores. El disco solo alcanzó el puesto 161 en Billboard, convirtiéndolo en el menos exitoso hasta la fecha. Contó con dos sencillos: “Love Is Easy” y “I Miss You”, pero ninguno de los dos llego a los charts.

La banda realmente quería continuar todo con una gira para promocionar “Ass”, pero la publicación se dilataba y el nuevo contrato con Warner los obligaba a presentar un nuevo álbum cada seis meses durante los siguientes 3 años. Por lo que el tiempo apremiaba y se encontraron grabando un nuevo disco a las seis semanas de haber terminado de grabar “Ass”, en junio del 73. Es decir, clarificando las cosas, Badfinger comenzó a grabar un nuevo álbum sin que siquiera saliera a la venta el anterior debido a las complicaciones. Apple finalmente optó por hacer que todos los temas de “Ass” salieran firmados como

Badfinger comenzó 1974 con una fugaz gira promocional por Estados Unidos, que comenzó truncamente con conciertos cancelados por problemas con la discográfica e incluyó una grabación profesional para un eventual lanzamiento en vivo. El Setlist tocado ese día consistió de: “Day After Day”, “Constitution”, “Baby Blue”, “I Don't Mind”, “Blind Owl”, “Name Of The Game”, “Sometimes”, “Perfection”, “Timeless”, “Give It Up”, “Suitcase”, “Love Is Easy”, “I Can't Take It”, “Feelin' Alright” y “Roll Over Beethoven”. Curiosamente no fue tocado “No Matter What”.

Badfinger Duración: 40:05 Discográfica: Warner Bros Productor: Chris Thomas Tracklist Lado 1 1. I Miss You (Ham) 2:36 2. Shine On (Ham, Evans) 2:52 3. Love Is Easy (Molland) 3:08 4. Song for a Lost Friend (Ham) 2:52 5. Why Don't We Talk? (Evans) 3:45 6. Island (Molland) 3:40 Lado 2 1. Matted Spam (Ham) 3:09 2. Where Do We Go from Here? (Evans) 3:25 3. My Heart Goes Out (Gibbins) 3:16 4. Lonely You (Ham) 3:48 5. Give It Up (Molland) 4:34 6. Andy Norris (Joey and Cathy Molland) 2:59 Anuncio de Badfinger en Warner con Bugs Bunny

Luego vuelven rápidamente al estudio otra vez con Chris Thomas para cumplir con sus compromisos contractuales. Las grabaciones comenzaron en Caribou Ranch, Colorado y se finalizaron en los estudios de George Martin en Londres. El álbum fue planeado y grabado meticulosamente para devolver a Badfinger el éxito que supo tener, después de fracaso doble que fueron “Ass” y “Badfinger”. Pero los problemas pasaron por otro lado: crisis en los manejos de la banda, problemas financieros que incluían el dinero percibido por grabaciones y conciertos, a lo que se sumaron cuestiones de liderazgo entre los miembros de la banda llevaron a fuertes tensiones. Al punto de que durante las grabaciones, Evans renunció temporalmente a la banda (aunque volvió a los pocos días

dado que no le enviaron dinero para volver) y Ham lo hizo poco antes de comenzar la gira promocional a fines del 74. Con los conciertos agendados e inminentes, los demás a salieron a buscar rápidamente un nuevo guitarrista. El elegido fue Bob Jackson de The Fortunes.

Wish You Were Here Duración: 36:00 Discográfica: Warner Bros Productor: Chris Thomas

Pete Ham decidió volver justo antes de que comiencen la gira, lo cual relegó temporalmente a Jackson al teclado, pero bajo la premisa de que volvería a la guitarra después de la gira: Molland anunció que cuando finalice, el que se retiraría de la banda sería él. En noviembre salió a la venta “Wish You Were Here”, aclamado por la crítica como un digno retorno para Badfinger y considerado por muchos como el mejor trabajo de la banda. Aunque duró poco…

Badfinger Sessions en Caribou Ranch

Tracklist Lado 1 1. Just a Chance (Ham) 2:58 2. Your So Fine (Gibbins) 3:03 3. Got to Get Out of Here (Molland) 3:31 4. Know One Knows (Ham) 3:17 5. Dennis (Ham) 5:15 Lado 2 1. In the Meantime/Some Other Time (Gibbins/Molland) 6:46 2. Love Time (Molland) 2:20 3. King of the Load (T) (Evans) 3:32 4. Meanwhile Back at the Ranch/Should I Smoke (Ham/Molland) 5:18

Molland se retiró y la banda, ahora con Jackson volvió al estudio en diciembre del 74 para comenzar a grabar el tercer trabajo para Warner. De más está decir que el clima no era el mejor. En solo once días la banda grabó los temas para lo que sería su siguiente disco, provisoriamente llamado “Head Fist”. El trabajo no fue aceptado por Warner, debido a los litigios legales que involucraban a Stan Polley, Badfinger y la Warner, aunque eran completamente desconocidos por los miembros de la banda. No solo el álbum no se concretó, sino que las sesiones nunca fueron pagadas y se sacó de circulación el disco anterior, “Wish You Were Here” a solo 7 semanas de su lanzamiento. Las cintas de “Head First” quedaron en los archivos de Warner.

Ham poco antes de todo esto había comprado una casa por 30.000 libras y tenía a su mujer embarazada. Así comenzó 1975, con la banda en un hiato y sin ingresos económicos. El contrato con Warner fue eventualmente cancelado. El 23 de abril de 1975 Pete Ham recibió una llamada avisándole que todos sus fondos restantes habían desaparecido. Luego de esto, la desesperante situación y una crisis interna desembocaron en un inesperado suicidio, en medio de un estado de ebriedad. Pete dejó una carta a su novia Anne Herriot antes de ahorcarse: “Anne, te amo, Blair, te amo. No podré amar y creer en todo el mundo. Esto es mejor. Pete. Post Data: Stan Polley es un desalmado bastardo. Lo voy a llevar conmigo.” Posteriormente los demás compañeros de Badfinger dijeron que en los últimos meses venía mostrando algunos signos de inestabilidad mental, como constante depresión y una extraña acción de poner cigarrillos bajo sus brazos y piernas.

La situación económica de la banda siempre fue mala, y ahora era aún peor. Los sueldos dejaron de llegar, Polley desapareció y la banda estaba impedida de contratar nuevos managers debido a su vigente contrato. Pete

Anne Herriot diría que Pete Ham estaba muy mal emocionalmente, y se recriminaba que pese a que la banda tenía muchos éxitos “aún no teníamos heladera y ni siquiera televisión”. Con la muerte de Pete Ham, la banda se disolvió. Cada uno de los restantes miembros de Badfinger tomó rumbos distintos desde mediados de 1975.

Mike Gibbins con Bonnie Tyler en Top Of The Pops

Mike Gibbins volvió a Gales y fue baterista de varias agrupaciones, teniendo como un hito el ser el baterista para el exitosísimo single de Bonnie Tyler “It’s A Heartache”. Tom Evans se sumó a The Dodgers con Bob Jackson, pero fue despedido poco después del lanzamiento de tres sencillos por insultar al manager, luego trabajaría colocando tubos aislantes pero finalmente terminó conduciendo un taxi. Joey Molland formó una nueva banda llamada “Natural Gas” junto a Mark Clarke y Jerry Shirley, con la que hicieron una gira por Estados Unidos junto con Yes y Peter Frampton y lanzaron un álbum en 1976, pero para 1977 se retiró de la industria de la música, vendió algunas de sus guitarras y se dedicó a colocar alfombras por un tiempo.

The Dodgers

Natural Gas 33

A finales de 1977 el baterista estadounidense Kenny Harck y el guitarrista Joe Tansin insistieron a Molland para empezar una nueva banda. Molland aceptó y sugirió a Tom Evans como bajista, quien aceptó también. Pese a que no era una reunión oficial de Badfinger, aceptaron llamarse así para firmar con Elektra Records en Estados Unidos. El baterista Harck debió dejar la banda al poco tiempo y el principal reemplazo fue reclutar a Gibbins, quien aceptó pero abandonó también a los pocos días tras conflictos con el manager. Las caóticas sesiones se finalizaron con un famoso baterista de sesión llamado Andy Newmark, quien también había trabajado con George Harrison y poco después lo haría junto a John Lennon en la grabación de Double Fantasy. Tansin abandonó la banda antes de la salida del disco, frustrado debido a que sus composiciones no eran tenidas en cuenta, en favor de las de Evans y Molland. El nuevo disco “Airwaves” salió a la venta en marzo de 1979, y soportado con un tour por Estados Unidos junto al tecladista Tony Kaye y el baterista Peter Clarke. “Airwaves” contó con dos sencillos: “Lost Inside Your Love” y “Love is Gonna Come at Last”, que alcanzó al puesto 69 en el Billboard.

Peter Clarke, Joey Molland, Tom Evans y Tony Kaye

Airwaves Duración: 30:49 Discográfica: Elektra Productor: David Malloy Tracklist Lado 1 1. Airwaves (Evans/Molland) 0:29 2. Look Out California (Evans) 3:27 3. Lost Inside Your Love (Evans) 2:42 4. Love Is Gonna Come at Last (Molland) 3:37 5. Sympathy (Tansin) 4:28 Side two[edit] 1. The Winner (Tansin) 3:26 2. The Dreamer (Molland) 5:20 3. Come Down Hard (Molland) 3:48 4. Sail Away (Evans) 3:31

Poco después de la gira comenzarían las grabaciones de un segundo álbum bajo el sello Radio Records. Esta vez los músicos adicionales fueron Glenn Sherba en guitarra y Richard Bryans en batería. “Say No More” salió a la venta en tiempo y forma el primero de enero de 1981 y uno de sus sencillos, “Hold On”, alcanzó el puesto 56 en Billboard. También incluía un tema de la trunca grabación de Head Fist: “Rock 'N' Roll Contract”. Tensiones mediante, Evans y Molland se separaron y curiosamente cada uno de ellos formó su propio Badfinger, para explotar la banda de gira un poco más. Evans se juntó con los anteriores miembros Jackson y Gibbins, además del guitarrista Adam Allen.

Poco después se uniría al Badfinger de Evans el guitarrista Sherba y se retiraría Gibbins, en tanto que el de Molland contaba con Tansin. La gira de Evans fue desastrosa y terminó con nuevos conflictos legales por conciertos incumplidos. Evans y Jackson entraron al estudio de grabación en Minneapolis y realizaron cuatro demos, incluyendo una composición de Jackson titulada “I Won't Forget You” dedicada a Ham. Ninguno llegó a buen puerto. Say No More Duración: 37:04 Discográfica: Radio/Elektra Productor: Jack Richardson y Steve Wittmack Tracklist Lado 1 1. I Got You (Molland) 3:39 2. Come On (Evans) 3:24 3. Hold On (Evans/Tansin) 3:24 4. Because I Love You (Molland) 2:49 5. Rock 'N' Roll Contract (Evans) 5:37 Lado 2 1. Passin' Time (Molland) 3:30 2. Three Time Loser (Evans) 3:30 3. Too Hung Up On You (Evans) 3:21 4. Crocadillo (Evans/Roach) 4:29 5. No More (Molland) 3:21

Richard Bryans, Tom Evans, Joey Molland, Tony Kaye 35 y Glenn Sherba (abajo)

Tom Evans Badfinger, 1983

Los setlist aproximados que tocaban Evans y Molland durante esa gira doble fueron:

“Day After Day”, “Midnight Sun”, “Rock And Roll Me Over”, “Rock 'N' Roll Contract”, “Won't Forget You”, “Baby Blue”, “Suitcase”, “Come On”, “No Matter What”, “I Got You”, “Long Tall Sally”, “I Saw Her Standing There”, “Back In The U.S.S.R”.

Joey Molland Badfinger (1981): “I Got You”, “Because I Love You”, “Passin' Time”, “Three Time Loser”, “Lucille”, “Baby Blue”, “Like A Rollercoaster”, “Dark Cloud”, “Tired Of It”, “Get Away”, “No More”, “Johnny B. Goode”, “Moon River”, “Come Down Hard”, “I Can't Take It”, “Once Again (A Love Song)”, “My World Is Empty Without You Babe”, “Roll Over Beethoven”

El 18 de noviembre de 1983 tras una discusión telefónica con Molland, Tom Evans se quitó la vida de la misma forma que Pete Ham. Evans había comenzado a recibir ganancias por el éxito mundial de “Without You”, y sus anteriores compañeros Molland y Gibbins, así como también el productor Collins reclamaban su parte.

Tom Evans Badfinger (1982): “Sooner Or Later”, “Cowboy”, “Come And Get It”, “Airwaves”, “Look Out California”, “Hold On”, 36

Joey Molland Badfinger, 1983

En 1984 Gibbins, Molland y Jackson se reunieron nuevamente como Badfinger, junto a Al Wodtke y Randy Anderson en conmemoración del “20th Anniversary of the British Rock 'N' Roll Tour”, completando 33 fechas. Luego siguieron dando algunos conciertos juntos hasta 1989, cuando Gibbins decide retirarse completamente de la música. Durante la década del 90 la música de Badfinger fue volviéndose de culto, pero era realmente difícil conseguir su material por lo que abundaban grabaciones piratas. Esto generó una oleada de nuevas ediciones de los discos de Apple y Warner, así como recopilaciones de cada discográfica y

finalmente en el 2000, una abarcando ambas etapas. En 1995 Molland regrabó por si solo las 10 canciones más populares de Badfinger. En 1998 Dan Matovina publicó una biografía detallada de la banda bajo el nombre “Without You: The Tragic Story of Badfinger”.

Mark Healey, Joey Molland, Randy Anderson, Mike Gibbins, Jeff Alan Ross, Mac Santiago (Badfinger 1986) 37

Finalmente en el año 2000 Phil McDonald, ingeniero de Apple, realizó una mezcla de “Head Fist” sobre cintas básicas de las grabaciones. McDonald intentó recuperar las cintas originales aún en poder de Warner pero no tuvo éxito, y es hasta el día de hoy que siguen en poder de Warner. El sonido no es bueno, pero es una aproximación a lo que hubiera sido el disco. Algunos de los temas de “Head First”, correctamente mezclados y con un sonido inmensamente superior han salido previamente en algunas compilaciones.

Head First Duración: 33:34 Discográfica: Snapper Productor: Kenny Kerner y Richie Wise Tracklist CD 1. Lay Me Down (Ham) 3:35 2. Hey, Mr. Manager (Evans) 3:34 3. Keep Believing (Ham) 4:09 4. Passed Fast (Evans, Jackson) 4:19 5. Rock 'N' Roll Contract (Evans) 4:44 6. Saville Row (Ham) :36 7. Moonshine (Evans, Gibbins, Jackson) 3:53 8. Back Again (Gibbins) 2:54 9. Turn Around (Jackson) 4:17 10. Rockin' Machine (Gibbins) 1:32

En el año 2010 Apple, dentro de su revisionismo histórico, remasterizó y volvió a lanzar los cuatro primeros discos de Badfinger con bonus tracks distintos a los de los 90’s. Respecto a las carreras y legado de los miembros de Badfinger, podemos decir que desde comienzos de los 90’s tomaron rumbos separados

titulado (erróneamente) “Live 83 – DBA-BFR”. Finalmente murió de un aneurisma cerebral mientras dormía el 4 de octubre de 2005.

Molland desde 1985 publicó cuatro trabajos solistas: “After the Pearl” (1985), “The Pilgrim” (1992), “This Way Up” (2001), y “Return to Memphis” (2013).

Jackson volvió a unirse a The Fortunes en 1995, y además de tener el rol de cantante principal suele interpretar canciones de Badfinger en el repertorio.

Como ya se ha dicho, Gibbins se retiró de la música, pero solo por un tiempo, dado que llegó a publicar tres discos solistas “A Place in Time”, “In the Meantime” y “More Annoying Songs”. En 2002, además, publicó un disco doble tomado desde unas grabaciones caseras de un concierto de Badfinger en 1982

Respecto al material de Ham, fueron editados en 1997 y 1999 respectivamente dos

colecciones de grabaciones caseras tituladas “7 Park Avenue” y “Golders Green”. De Evans se publicó en 1995 un álbum póstumo con sus últimas grabaciones titulado “Over You: The Final Tracks”. En abril de 2013 se develó una placa en Swansea en honor a Pete Ham. En el evento estuvieron presentes Ron Griffiths y Dai Jenkins. Y finalmente un dato interesante se da el 23 de septiembre de 2013, cuando la multiexitosa serie de televisión estadounidense de la cadena AMC, Breaking Bad, decide cerrar su último episodio con la canción “Baby Blue”, por lo que genera interés en una nueva generación de oyentes comenzando en esta pista, que aumenta un 4000% sus descargas en iTunes en las 24 horas posteriores a la emisión del capítulo. Ese fue todo el repaso de la carrera de este grupo de músicos que fueron herederos del trono Beatle y dignamente lo llevaron a través de su música, pero que los manejos inescrupulosos los sepultaron a un destino tal que hoy podemos recordarlos como una de las anécdotas más tristes y trágicas de la historia del rock and roll. Federico B.

Los días 3, 4 y 5 de diciembre de 2015 se realizó una subasta en la casa Julien’s Auctions con objetos ofrecidos por Ringo Starr y su esposa Barbara Bach. Parte de lo recaudado será destinado a la Fundación Lotus Children, del baterista y su mujer, que se hará de una buena suma debido al éxito de las ventas. Entre más de 800 ítems subastados se encontraban objetos muy preciados y personales de Ritchie. Lo que listaremos a continuación son aquellos por los que más se ha pagado en esta excepcional subasta.

Anillo Onyx

Anillo para dedo meñique

Quizás el anillo más emblemático de todos los que usó el baterista es éste de 10 quilates de oro amarillo que data de 1920. Lo usó prácticamente cada día de su vida como beatle y posteriormente. Se vendió por 100.000 dólares.

Otro de sus legendarios anillos, que estaba en su dedo meñique aún antes de ingresar en The Beatles. Tiene un zafiro sintético que cambia de color y fue comprado por el dueño del equipo de fútbol americano Indianápolis Colts, Jim Irsay, por 106.250 dólares.

Set de batería utilizado en el video de Hello Goodbye

Gretsch Tennessean de George No está claro el origen de ésta guitarra. Se dice que fue obsequiada por Olivia y Dhani Harrison al baterista en agradecimiento por su participación en el Concert For George de 2002 y que es un modelo de 1962. Sin embargo la Tenny que George tocara con The Beatles se dice que era de 1963 y se reportó robada años más tarde. Tal vez sea ésta la guitarra que siempre estuvo en posesión de Harrison o tal vez sea una diferente a la que usó, entre otros lugares, en el Shea Stadium. Lo cierto es que se consiguieron 179.200 dólares con ella.

Durante el video de Hello Goodbye, la mayor parte del tiempo vemos a Ringo tocar un set miniatura Ludwig pero durante los redobles de la mitad de la canción cambia a uno que fue descripto por el propio Ringo como “gigante”. Este set Ludwig Silver Sparkle fue poco utilizado ya que el mismo Starr reconoce que “no podía rodear el redoblante con mis piernas”, debido a las dimensiones de los cuerpos. Se vendió por 115.200 dólares.

Panel de la caravana gitana de John y Ringo La historia es así: John Lennon adquirió una caravana gitana en 1967 y la hizo pinar por el grupo artístico The Fool, quienes reprodujeron el bombo de la portada de Sgt Pepper en uno de los paneles. La caravana quedó abandonada en Tittenhurst Park, el hogar inglés de John, cuando éste emigró a los Estados Unidos a fines de 1971. El nuevo dueño de la casa no fue otro que Ringo, quién hizo restaurar la caravana en 1983, pero años más tarde también dejó el lugar, llevándose consigo el panel en cuestión, que fue vendido por 125.000 dólares. 41

Reloj de muñeca Patek Philippe

Rickenbacker Rose-Morris de John

Uno de los más prestigiosos relojes fabricados por la firma suiza y adquirido por Ringo en 1971. Pertenece a una edición limitada de sólo 586 unidades y, entre otras cosas, tiene un calendario eterno e informa las fases de la luna. Se pagaron 179.200 dólares por él.

La Rick 325 de Lennon tuvo que entrar en boxes para una serie de reparaciones a fines de 1964 y ante la inminente serie de conciertos como parte del Another Beatles Christmas Show tuvo que buscar un reemplazo y se hizo de éste peculiar modelo, llamado 1996, obsequiado por el distribuidor de Rickenbacker en Inglaterra. Años más tarde, luego de la partida de Ringo y su posterior regreso durante las sesiones del White Album, Lennon le regaló esta guitarra a modo de pedido de disculpas por el maltrato que Starr percibía por parte de sus compañeros. Nuevamente comprada por el coleccionista Jim Irsay, alcanzó un valor de 910.000 dólares.

Disco de vinilo del álbum The Beatles, Nro 0000001 Dentro del concepto que abarcó la creación del álbum doble de The Beatles, conocido como el White Album, estaba la idea de numerar individualmente cada unidad, algo que se hizo en forma parcial. Lo cierto es que los vinilos del Nro 0000001 al 0000004 jamás salieron a la venta, ya que quedaron en posesión de los miembros de la banda. Quizás por inercia siempre se pensó que Lennon se había adueñado del Nro 1, pero la sorpresa es que Ringo lo tuvo en la bóveda de un banco durante todo este tiempo. Hasta el momento, el record por la subasta de un disco la tenía el primer acetato grabado por Elvis Presley, vendido 300.000 dólares. El Nro 1 del Álbum Blanco duplicó este valor, siendo vendido por la excepcional suma de 790.000 dólares.

Set de batería Ludwig Oyster Black Pearl Se trata nada más y nada menos que de EL set de batería de Ringo Starr . El que adquirió en 1963 como reemplazo de su poco atractiva Mahogany Duoplastic Premier y utilizó en más de 200 shows con The Beatles y que fue retirada en febrero de 1964, cuando Ringo viajó junto a la banda por primera vez a los Estados Unidos solo con sus platillos y adquirió un nuevo set para las actuaciones en el Ed Sullivan Show. Es la batería más cara de la historia, siendo vendida una vez más a Jim Irsay por la suma de 2.110.000 dólares, quién en total gastó más de 4 millones en ésta subasta.

Martin Castro

Febrero ‘66 El 13 vuelve una vez más al Nro 1 en Inglaterra la banda de sonido de la película The Sound Of Music, permaneciendo allí lo que resta del mes. Mientras tanto en New York, el comité de los Grammy Awards anuncia que The Beatles han recibidos 10 nominaciones, 6 de ellas por Yesterday y las 4 restantes por el álbum Help! aunque no ganarían en ninguna de ellas. El 17 de febrero Brian Wilson, liderando al grupo de músicos sesionistas de Los Angeles conocidos como The Wrecking Crew comienza la grabación de Good Vibrations, lo que sería el simple más avanzado de The Beach Boys a la fecha. Ese día en Inglaterra llega al Nro 1 del chart la canción These Boots Are Made For Walking de Nancy Sinatra. Nueve días más tarde hará lo mismo en los Estados Unidos. El día 18 se edita el álbum I Hear A Symphony, por The Supremes. El 19 Jefferson Airplane y Big Brother and the Holding Company (con su cantante Janis Joplin) actúan en el Fillmore. El 20 de febrero nace la modelo y actriz estadounidense Cindy Crawford. El día 21 en los Estados Unidos es publicado un simple de The Beatles con dos canciones ya editadas anteriormente en el álbum Rubber Soul, en el lado A estaba Nowhere Man y en su reverso What Goes On? El 24 en la Guerra de Vietnam, el fotógrafo japonés Kyoichi Sawada toma una imagen que ganará un premio World Press, donde un blindado M113 arrastra a un soldado del Vietcong hasta matarlo. El mes culmina cuando el día 28 el Primer Ministro británico Harold Wilson llama a elecciones generales el 31 de marzo.

Febrero de 1966 comienza con una noticia triste. El primer día del mes fallece el gran Buster Keaton, actor y director estadounidense. El día 2 nace Robert DeLeo en New Jersey, bajista de Stone Temple Pilots, mientras que en Cataluña es demolido el antiguo estadio del FC Barcelona, el Camp de Les Corts. El 3 de febrero la aeronave soviética Luna 9 realiza el primer alunizaje controlado, mientras que en Londres dos estrellas se encuentran: Paul McCartney conoce al joven Stevie Wonder de 15 años en el club Scotch Of St. James, en Londres. El 5 llega al Nro 1 en los Estados Unidos una canción de Petula Clark llamada My Love y al día siguiente, el 6 de febrero, The Animals aparecen por quinta vez en el Ed Sullivan Show. También nace el cantante Rick Astley y se emite el último episodio de la legendaria serie de televisión Mister Ed. El 8 nace Hristo Stoichkov, futbolista búlgaro, a la vez que George Harrison y su esposa Pattie Boyd comienzan su postergada luna de miel en Barbados. El 9 de febrero fallece a los 82 años la cantante Sophie Tucker, recordada por ser mencionada por Paul en el show del Royal Command Performance. El día 10 se casa Bob Marley con Rita Anderson en Jamaica y al día siguiente en Inglaterra se edita el simple Woman del dúo Peter & Gordon, escrito por Bernard Webb, un pseudónimo utilizado por Paul McCartney. El 12 de febrero comienza la masacre de Tay Vinh, donde la armada Surcoreana mata a 1.200 personas desarmadas en la Guerra de Vietnam.

Pilar J. Vázquez 45

Lado A: Big Barn Bed - My Love - When The Night - Single Pigeon Lado B: Tragedy - Mama's Little Girl Loup (1st Indian On The Moon) – I Would Only Smile Lado C: Country Dreamer - Night Out One More Kiss - Jazz Street Lado D: I Lie Around - Little Lamb Dragonfly - Get On The Right Thing 1882 - The Mess I'm In

Por primera vez en su vida, Paul pasó un año completo sin un disco en el mercado. De 1962 hasta 1971, McCartney había lanzado, por lo menos, un disco por año. En 1972, McCartney realizó dos giras europeas presentando Wild Life y sólo lanzó dos singles. Recién al año siguiente publicó Red Rose Speedway, el primer álbum lanzado bajo la formación “Paul McCartney & Wings”. Así y todo, 1972 fue un año activo para Paul, ya que las sesiones para este álbum se desarrollaron entre marzo y diciembre. Para ese entonces, Paul había integrado a Henry McCullough para que toque en su gira y, luego, se una a las jornadas de grabación de este disco, llevadas a cabo en Los Ángeles y en los estudios Morgan, Olympic, Trident, Island, A.I.R. y EMI de Londres.

Finalmente, el álbum constó de nueve canciones, a las que se le suman los cuatro singles agregados en la reedición de 1993. Tragedy, I Would Only Smile, Country Dreamer, Night Out, Jazz Street y 1882 fueron descartadas. Otras fueron lanzadas como singles (The Mess I’m In –finalmente llamada The Mess-, I Lie Around, Country Dreamer), o incluidas en otros discos (Mama’s Little Girl). El caso de esta última es más complejo: fue grabada como maqueta para las sesiones de Wild Life, pero quedo incompleta. Se terminó durante las sesiones de este disco pero fue descartada, finalizada en 1987, e incluida en la edición de 1993 de Wild Life. Red Rose Speedway fue producido por Paul y contó, entre otros ingenieros de sonido, con Glyn Johns y Alan Parsons quienes ya habían trabajado con él desde los tiempos de The Beatles. Fue acreditado al nombre de “Paul McCartney & Wings”. La razón fue que, en su anterior trabajo, obtuvo bajas ventas debido a que mucha gente no estaba enterada de

Originalmente, este álbum iba a ser un disco doble, que incluía canciones que no quedaron en la mezcla final. El disco iba a tener la siguiente disposición:

que Paul era parte central de Wings. Lanzado el 4 de mayo de 1973, se transformó en un éxito en ambas costas del Atlántico. Obtuvo su nombre debido a una de las empleadas que trabaja en su casa, cuyo nombre obviamenteera Rose. La foto de portada fue idea de Linda, quien también fue la fotógrafa, y en su

contratapa contiene un mensaje en braille para Stevie Wonder, que dice “We love you". El booklet constaba de doce páginas, con trabajos de Alan Jones y Eduardo Paolozzi, profesor de Stuart Sutcliffe en Hamburgo. Entre los títulos de las canciones, Seaside Woman canción escrita por Linda cuando fueron de

el regreso de la dupla de Paul con George Martin. Esta canción se lanzó como single. Su lado B era I Lie Around, cuya voz principal está a cargo de Denny Laine, quien pronto se convertiría en la pareja compositiva de Paul, casi reemplazando a Linda, y a su vez es la segunda voz de la banda. Big Barn Bed conserva un poco del espíritu de Ram. De hecho, fue escrita en las sesiones de ese álbum y una parte de la misma puede escucharse allí. Tiene un sonido similar a Bip Bop, es la canción elegida para abrir el álbum, y es la primera vez que el guitarrista Henry McCullough aparece en un disco de estudio. Fue grabada en marzo de 1972 en Los Ángeles y es la primera canción del especial para televisión James Paul McCartney. Las cuatro voces (Paul, Linda, Denny Laine y Henry) armonizan a la perfección.

vacaciones a Jamaica (que también le inspiraron para escribir la parte central de Live And Let Die)- aparece manchada. Quizás planearon incluirla y luego la descartaron. Finalmente, esta canción escrita el 14 de julio de 1972 y cantada íntegramente por Linda, fue lanzada como single de la banda llamada “Suzy and the Red Stripes”, que no era otra que Wings.

My Love es el motivo principal por el cual consideramos que Red Rose Speedway debería estar en esta categoría. My Love, lanzada como single un mes antes que el disco, se convierte rápidamente en un éxito. Inspirado en Linda, Paul retomó su clásica posición como baladista. Sentado al piano, con los coros de Linda y Denny Laine y con un maravilloso solo de guitarra eléctrica de la mano de McCullough, Paul compuso lo que tiempo después se considera uno de sus mayores éxitos musicales.

Las sesiones del disco vieron nacer a uno de los más grandes clásicos de la carrera de Paul McCartney. Para el octavo film de James Bond, el primero con Roger Moore como protagonista, James Bond estaba atravesando una pequeña crisis, dado al cambio de actores en el rol protagónico. Fue entonces que intentaron atraer al público utilizando el gancho que los caracterizaba: la canción de apertura. El productor de la película invitó a McCartney a grabar lo que ahora se conoce como Live and Let Die y que, a su vez, marcó

Como dato anecdótico, cada vez que toca esta canción en vivo (prácticamente infaltable 50

en su repertorio, interpretada en vivo desde febrero de 1972 hasta la fecha), acota la frase “esta canción la escribí para Linda, pero esta noche va para todos los enamorados”.

Escocia, siendo ésta la que Paul ha dado como correcta. Otra teoría es aquella que sostiene que está basada en cómo el matrimonio se hizo vegetariano. Por último, la tercer explicación es aquella con la cual más nos encontramos de acuerdo: está dedicada a John Lennon. Fue escrita durante las sesiones de Ram pero incluida en Red Rose Speedway, lo que supone que McCa la dejó en un cajón por su ánimo conciliador (Since you've gone I never know / I go on, but

Get On The Right Thing es otra canción extraída de las sesiones de Ram. Con David Spinozza en primera guitarra, es una canción de amor con una base rockera. Las grabaciones sucedieron en los estudios Columbia Recording Studios en Nueva York entre noviembre y diciembre de 1970. Fue elegida por el propio McCartney como un posible lado A de un single y a su vez con la chance de poder formar parte de un especial de TV. Esta posibilidad se vio frustrada tras la declinación de Hugh McCracken de participar no solo del “TV Special” sino también de la nueva banda que McCa estaba formando: The Dazzlers o Turpentine, finalmente llamada Wings. Tras todo esto resulta curioso que Get On The Right Thing nunca fue tocado en vivo ni por Wings como tampoco en las giras en solitario de McCartney. Por canciones como One More Kiss este disco casi podría entrar en la que denominamos “etapa campestre”. Es una balada de amor simple, propia de McCartney, que parece estar seleccionada como una de las mejores entre las que estaban destinadas al disco doble. Sobre Little Lamb Dragonfly hay tres supuestos significados. En primer lugar, se cree que Paul la escribió tras la muerte de una de sus ovejas que tenía en la granja de 51

De When The Night no podemos dejar de destacar los coros de Linda, que acompañan correctamente a un McCartney impostando la voz lo que nos recuerda, salvando las diferencias, a Moonkberry Moon Delight. Paul no nos sorprende con la temática: es otra canción romántica para sumar a la lista. Loup (1st Indian on the Moon) es una pieza instrumental, ya que las voces de Paul, Linda y Denny se I miss you so in my heart), que iba en contra a los mensajes negativos de su segundo álbum de estudio. Podríamos tomarla, por ejemplo, como una continuación de Dear Friend.

limitan sólo a hacer un coro armónico. No tiene ningún tipo de vínculo con el sonido del disco hasta el momento, y recuerda un poco a los instrumentales de su primer álbum solista.

Single Pigeon parece ser una pieza de piano clásica, pero fue McCartney quien la escribió. Luego nos daría más canciones similares: Paul sentado en el piano cantando una dulce melodía se convertirá en moneda corriente, algo clásico en él. En su letra menciona el Regents Park, un parque real, es decir, propiedad de la monarquía inglesa. El nombre deriva de Prince Regent. El rey Jorge IV fue llamado Príncipe Regente al sustituir a su padre, Jorge III, cuando enfermó.

Paul notó que tenía varias canciones sin finalizar, y recurrió al mismo recurso que utilizó The Beatles en Abbey Road, juntando cuatro canciones de amor que no iban a entrar originalmente en el disco doble que se suponía iba a ser Red Rose Speedway en primer momento creando así el Medley que incluye las siguientes canciones: - Hold Me Tight A pesar de su nombre, no tiene ningún tipo de relación a la “Hold Me Tight” de The Beatles. Podría decirse que está dividida en 52

dos segmentos: tiene un inicio tranquilo a base de piano y después toma un tinte un poco más rockera. Da inicio al Medley y tiene una duración de 2:23 minutos.

interpretaron 98 veces en cuatro años. La canción fue grabada en noviembre de ese mismo año, con una duración de 3:08 minutos.

-Lazy Dynamite

En 1993, con la remasterización y reedición del álbum Red Rose Speedway, como parte de The Paul McCartney Collection, fue agregado como tema adicional al disco junto a C Moon, The Mess y I Lie Arround, ocupando ahora el puesto número 11 en el tracklist del álbum.

Es la segunda canción del medley y tiene una duración aproximada de 2:50 minutos. Tiene un sonido particular, muy propio de Wings. -Hands Of Love Es cantada a dúo por Paul y Linda en una de sus mejores colaboraciones vocales. Cuenta con una fuerte percusión y dos solos de kazoo.

Durante la segunda mitad de 1972, sus apariciones en los medios le quitaron la estabilidad que traía, a causa de su cariño a la marihuana. En julio Paul y Linda fueron

-Power Cut Con una duración aproximada de 3:35 minutos, Power Cut es la encargada de cerrar el medley, pero no así el disco, que finaliza con un las armonías de las canciones anteriores y volviendo con los “-by, I love you so” característicos del tema. Singles Hi Hi Hi fue escrita por Paul y Linda McCartney, es la cara A del single Hi Hi Hi – C Moon. Es el séptimo single de la carrera solista del músico y tercero de Wings. Esta canción pareció gustar tanto, que la

Pero como suele pasar en estos casos, a pesar de la prohibición, el éxito de la canción fue rotundo y llevó a Wings a los primeros puestos de los charts mundiales, teniendo como efecto colateral dejar atrás su pasado beatle. Su historial como empresario en el mundo de la música lo ayudó en esto. Tuvo la idea de “colar” el disco, haciendo promocionar al sencillo por su cara B, C Moon, y así colocarlo en el Top 5 británico. Ahora, ¿cuál fue el eje del conflicto? Por empezar, el título. “Hi, Hi, Hi”, así solo, no tiene ninguna contraindicación; es un simple saludo amistoso. Ahora, la letra que la complementa (We’re gonna get hi, hi, hi) le da un doble sentido. Fonéticamente, “Hi” suena igual –o muy similar- a “high”, que no sólo significa alto, sino también drogado. Entonces, la frase cambia de sentido: “Nos vamos a drogar”… ¡Y con la música fuerte toda la noche!

arrestados en Suecia por posesión de drogas en plena gira con Wings, y en septiembre volvieron a arrestarlos ahora por la plantación en la granja de Campbeltown, Escocia, generando un sensacionalismo en la prensa propio de The Beatles. Tras estos sucesos, Paul escribió Hi Hi Hi durante sus vacaciones en España y, a casi tres meses de este espectáculo televisivo, Wings saca al mercado su nuevo single: Hi Hi Hi / C Moon, de doble cara A. Lo que no se esperaba, o quizás sí, es que comenzaría nuevamente los problemas con la prensa, especialmente con la BBC: una vez que la canción sale en la radio, los críticos de la BBC decidieron no volver a transmitirla (o sea, censurarla, tal como habían hecho tres meses atrás con Give Ireland Back To The Irish), ya que tenía “ciertas frases” con mensajes “sexuales y de apología a las drogas”.

Luego, la cabeza directiva de la BBC se puso a analizar la letra. El publicista oficial de la Corporación, Rodney Collins, explicó que “la prohibición no tiene nada que ver con las drogas”. Y agrega: “Pensamos que no está permitido transmitir el disco por las letras. Parte de ella dice ‘I want you to lie on the bed and get you ready for my body gun and do it, do it, do it to you’ (quiero que te acuestes en la cama y estés lista para mi arma corporal, y hacerlo, hacerlo, hacértelo), mientras otra parte dice ‘like a rabbit, I’m going to grab it 54

and do it till the night is done’ (como un conejo, te voy a agarrar y hacértelo hasta que la noche acabe)”.

ésta sería un poco sucia si el sexo fuera sucio y malo. Yo estaba en un estado de ánimo ‘sensible’ en España cuando la escribí”. Posteriormente, en una entrevista a la revista Mojo en octubre de 2010, McCa explicó que lo sorprendió que su canción termine en las listas negras. Exactamente, dijo "Look at Bob Dylan, 'everybody must get stoned.' It was like, 'Ooh, does he mean you get high? Or does he mean getting drunk? So there was that ambiguity and I assumed the same would apply to me." Es decir, “Miren a Bob Dylan, ‘todos deben estar duros’. Era como ‘Oh, ¿eso significa drogarse? ¿o significa emborracharse?’ Entonces, había ahí una ambigüedad que asumí que se aplicaría a mí de la misma forma”.

Consideraron entonces que la línea “We’re gonna get hi, hi hi” era, además de pegajosa, peligrosa, ya que incitaba a los oyentes a consumir y experimentar momentos con el abuso de las drogas, y que, además, lo más fuerte es que venía de la boca de uno de los artistas británicos que más problemas tuvo con la ley a causa del abuso y tenencia de estupefacientes. ¡Y se olvidaron de mencionar que era oído en todo el mundo! Lo irónico es que Paul no escribió get you ready for my body gun, sino get you ready for my polygon (preparate para mi polígono). Él admitió que intentaba ser sugestivo “de una manera abstracta”. A su vez, sostuvo “La BBC está equivocada en su opinión sobre las palabras de la canción. Pero supongo que

Mientras que la prohibición de esta canción por parte de la BBC tuvo un efecto inmediato, alguien de la corporación se olvidó de

Respecto a la canción, en una charla para comentar el single, Paul dijo: “Escribimos ‘Hi Hi Hi’ en España, mientras acababa la gira. Intencionalmente, como un rock sencillo. Es básicamente un rock and roll escrito con tres acordes, que nos daba algo aparte del resto de nuestro material. La reacción general es que ‘Hi Hi Hi’ es un lado fuerte, pero el motivo por el cual lo hicimos doble lado A es que ‘C Moon’ es una de esas canciones que agarras en un momento determinado. Puedo escuchar ‘C Moon’ en un año, y la gente seguirá diciendo ‘¡Sí! Me gusta esa’. Hay cosas que las pones en los auriculares y te completan el viaje”. Linda agregó que “Especialmente si venís del trabajo a casa, ese es el lado para escuchar”. C Moon es el lado B de Hi Hi Hi (en realidad, era un doble cara A), y es la que la llevó al éxito en los charts dada la censura de la primera, llegando al puesto número 5 en las listas.

comentárselo al DJ Tony Blackburn, quien ya había promocionado la canción en su programa de radio. Así que, si bien la canción estaba censurada y bastante comentada, su ingreso a las listas negras no hizo otra cosa más que promocionarla. La gente comenzó a buscar el single por todas las disquerías, mientras las radios piratas la reproducían una y otra vez, logrando que en pocas semanas llegase al quinto puesto del UK Singles Charts. Mientras la gente de la BBC reconocía su error, Paul estaba feliz con los resultados de su canción, que en Estados Unidos ingresó, en enero de 1973, al puesto número 10 del Billboard Hot 100.

Su letra surgió a raíz de un juego de palabras. En la década del 60’, Sam the Sham and the Pharaos lanzó una canción llamada Woody Bully que contenía una expresión que luego se volvió vox pópuli: no seas un L7. Al juntarlas, se forma un cuadrado, que pasó a significar “no seas tan cuadrado, tan perdedor”. Por lo tanto, a Paul se le ocurrió hacer lo mismo pero con un círculo. La letra “C” junto a una media luna en cuarto menguante forman un círculo, y McCa pensó que podría transformar eso en ser “cool”.

I Lie Around es el lado B de Live and Let Die, lanzado el 1 de junio de 1973. Tiene la particularidad de ser la primera canción de la discografía de Paul McCartney en la cual él no es el vocalista (exceptuando los instrumentales), ya que es cantada por Denny Laine. Este tema, al igual que su cara A, fue producido por George Martin.

The Mess es una grabación en vivo en Congesgebouw, La Haya, Holanda, el 21 de agosto de 1972. Es la cara B de My Love, lanzado el 23 de marzo de 1973.

El nacimiento y la posterior creación de Band On The Run comparte su génesis con la salida de Red Rose Speedway, un disco que muestra un McCartney distinto a sus otros discos pero lejos de su nivel dentro de The Beatles. La aparición de singles como C Moon o My Love acercan a Paul y a Wings a un sonido más pop pero McCartney sabía que necesitaba algo más; debía golpear y sacudir al mundo. George, John e incluso Ringo ya lo habían hecho, sólo faltaba él.

punto lo necesitaba pero Red Rose Speedway era un buen álbum, con un buen puñado de canciones pero carecía de potenciales singles (a excepción de My Love) y los singles editados sufrieron la censura (Hi Hi Hi) y en el caso de C Moon, al acompañar como lado B a la censurada Hi Hi Hi, le restó masividad. Paul, Linda y los recientes Wings necesitaban un cambio de aire... Paul mantenía un alto nivel de lanzamientos como solista, desde la salida de Let It Be y con la aparición de Band On The Run había lanzado ya cinco discos en solitario, tres de ellos con Wings como banda. McCartney estaba manteniendo un ritmo similar al de

Si escuchamos Red Rose Speedway y lo comparamos con algunos de los discos de lo que nosotros consideramos como su “etapa campestre” se percibe una clara diferencia. Paul y los suyos están buscando un nuevo sonido, están buscando en las raíces del pop, la famosa gira universitaria y la posterior entrada a los estudios forman parte de un proceso “a lo Beatle” para grabar más aceitado y con mayor calidad. Definitivamente Paul estaba buscando un hit y hasta en algún

no habían trabajado juntos desde Abbey Road pero trabajaron juntos desde Revolver y tantas horas de grabaciones en conjunto era lo que precisaba Paul, un experto en situaciones complejas. No sabían a ciencia cierta que les deparaba Lagos y sus estudios. Previo a partir, Wings sufrió su primera crisis quedando reducido a un trío: Paul, Linda y Denny Laine. Los ensayos previos antes de partir a Nigeria generaron conflictos, peleas y las salidas de Denny Seiwell y Henry McCullough.

The Beatles a la hora de sus lanzamientos discográficos. Pero como dijimos anteriormente, necesitaba un cambio de aire y ese cambio llegó a ser literal. Había tomado la decisión de grabar en un estudio EMI fuera de Inglaterra o Estados Unidos, de hecho buscaba el lugar más exótico posible, y de esta manera se barajaron distintas locaciones como Rio de Janeiro, Pekín e incluso Buenos Aires pero recaló en Lagos, la ciudad más poblada de Nigeria.

Band On The Run es un punto de quiebre en la carrera de Paul McCartney, suena a fresco y a diferencia de sus discos anteriores, las canciones son potenciales hits y funcionan mejor tanto en conjunto como separadas. Lagos brindo condiciones distintas a cualquier estudio de la época; mientras ya eran habituales las máquinas de 16 pistas en Inglaterra, en Nigeria sólo se contaban con 8, por lo que las tareas de overdubs y los pinchazos para esas sobregrabaciones recordaba más a los tiempos del Álbum Blanco que a 1973. Esto no cambio el ánimo del grupo y las sesiones se produjeron en total tranquilidad.

En este lugar, desconocido y exótico, el ex Beatle necesitaba un aliado, alguien que lo conociera a la perfección y con quien pudiera entenderse a la hora de hacer grabaciones, y ese fue Geoff Emerick. Emerick y McCartney 60

Pero la estadía en el país generó varias situaciones que pusieron en riesgo la vida del trío y de Geoff Emerick. Un día Paul y Linda caminando por la ciudad se toparon con un grupo de personas que a punta de cuchillo sustrajeron demos, letras y otros materiales que Paul tenía listo para empezar a grabar. En otra ocasión, y dentro de los estudios de EMI, Paul empezó a sentirse ahogado, por un momento pensaron que se trataba del agobiante calor que había en el lugar por las altísimas temperaturas, pero McCartney tuvo que salir para finalmente caer desmayado sobre el pasto. Tras pasar unas horas en el hospital le habían comunicado que se trataba de un espasmo bronquial a causa del cigarrillo.

disponible para la Navidad, ya que es uno de los puntos más altos de ventas en el año, por lo cual ni bien llegado de África se internó en los estudios AIR a seguir trabajando en los arreglos de los temas. Quien llegó a trabajar para las partes orquestales y distintos arreglos fue Tony Visconti, uno de los frecuentes colaboradores de David Bowie. En AIR también se realizó por completo la grabación de uno de sus mayores clásicos, Jet.

Los días en Nigeria parecían nunca ser tranquilos y un dio los cuatro fueron a un bar donde tocaba el músico, activista político y piedra fundacional del afrobeat, Fela Kuti. Fela sintió la presencia del ex Beatle como una ofensa y lo acusó de estar en Nigeria para robar sonidos africanos. Paul, con su famosa diplomacia, lo invitó al estudio para mostrarle sobre que estaba trabajando, demostrándole que Band On The Run tenía poco, y casi nada, de influencia africana. La experiencia en un lugar distinto también fue lo que hace al disco distendido. Paul sabía que tenía un grupo de buenas canciones pero no esperaba el furor de ventas ni las criticas positivas al disco al momento de la salida. Paul pretendía que el disco estuviera 61

Jet, esa potente canción que sigue tocando hasta estos días apoyado en ese saxo. Jet tuvo su primera inspiración en un perro que tenían Linda y Paul con ese nombre, pero también tiene un pequeño mito acerca de que la línea “I thought the major was a lady suffragette” se refiere a David Bowie y su look andrógino. La primera balada es Bluebird que tiene la particularidad de contener un güiro, se trata de una de las tantas bonitas baladas sobre amor de McCartney. Mrs Vanderbilt es una de las canciones que se “perdieron” en el robo, una canción simple con los “Ho Hey Ho” como marca para transformarse en una canción pegajosa y uno de los clásicos hits de su carrera. Uno de los puntos más altos sucede en la última canción de la cara A del disco: Let Me Roll It es una canción potente, con una línea de bajo que marca la canción y unas guitarras que suman a esa potencia. Muchos periodistas han

Wings vivió una creación y una primera ruptura, y parece quedar claro en el nombre del disco y su tapa. Banda En fuga parece ser una alusión a quienes se bajaron del barco antes de que el proyecto comience. Y el arte de tapa también mostraba un poco de eso, a lo que quedaba de Wings le faltaba compañía y en esa icónica tapa hay distintos tipos de personalidades de la época, entre las que estaba los actores James Coburn y Christopher Lee, el periodista, Michael Parkinson, el político Clement Freud, el actor y comediante Ken Lynch y John Conteh, boxeador. Con un comienzo que deja a uno sin respiro arranca el disco con el tema homónimo, con sus vueltas y cambios de ritmo, Band On The Run es una montaña rusa que nos va llevando para todos lados y no descansa en ningún momento. El viaje continúa y se nos acerca 62

descripto a la canción como “Paul queriendo ser John”. Mamunia es una de las clásicas baladitas McCartney pero, a diferencia de lo esperado, no es romántica sino que se la dedica a la lluvia. Muy dulce, intenta transmitir la idea de que hay que disfrutar un poco más de las cosas que nos rodean y valorar aquello que normalizamos porque es cotidiano. No Words, sigue con la línea de la balada pero esta vez sí es romántica. Al estar rodeada de hits es un poco subvalorada pero no tenemos dudas que de estar en otro disco hubiera sido un corte de difusión. Picasso’s Last Words surgió, como tantas otras grandes obras de arte, de la casualidad. Paul estaba reunido con Dustin Hoffman, hablando de su capacidad de hacer canciones sobre cualquier cosa. Entonces, Dustin agarró una revista y leyó algunas cosas al azar. Sobre eso, McCa sacó este temazo que es un cocoliche de

géneros y palabras. 1985 es una favorita personal. Entra en la categoría que nosotros llamamos "canciones para comerse el mundo". Si estás caminando por la calle y comienza a sonar, sentís que podes contra todo. Pegadiza, divertida y ecléctica, tiene una letra que despertó incertidumbre sobre su significado pero que, en realidad, Paul eligió porque al momento de escribirla sintió que le gustaba cómo rimaba la pronunciación con la frase que tenía en mente.

María Dellavalle y Maximiliano Seijas

El Rock And Roll Hall Of Fame es una institución que se encarga de homenajear a las grandes figuras del rock desde los años '80 hasta la actualidad. Un grupo de músicos asociados se reúne y selecciona un pequeño grupo de artistas y gente relacionada con el negocio (artistas, productores, ingenieros, etc.) para anunciar luego el premio que se otorgará al año siguiente, el cual se da en un marco algo solemne, con un discurso de inducción promovido por un artista cercano al homenajeado, otro discurso de aceptación dicho por el galardonado y, a veces, una performance musical donde se reúnen

bandas legendarias (o parte de ellas), algunas veces junto a la orquesta estable del Salón. Luego de eso, los recuerdos y la historia quedan en las paredes del museo ubicado en la ciudad estadounidense de Cleveland. Allí están, entre otros, Elvis, Chuck Berry, Roy Orbison, Génesis, Pink Floyd, Metallica y faltan aun algunos como Electric Light Orchestra, Wings y Stevie Nicks, que seguramente vendrán en el futuro. Por supuesto que los Beatles están allí, tanto la banda como sus cuatro integrantes en plan solista, Vamos a repasar las inducciones beatles en detalle:

La tercera inducción tuvo nada menos que a Mick Jagger de anfitrión, donde se rió de la supuesta “rivalidad” entre The Beatles y The Rolling Stones y los presentó como sus amigos. Acto seguido, subieron al escenario del Waldorf Astoria Hotel (el museo no estaría terminado hasta 1995) Ringo Starr, George Harrison, Yoko Ono, Sean Lennon y Julian Lennon. Una discusión había alejado a Paul de aquella reunión y el incidente fue comentado sin ninguna discreción por parte de Mike Love, de los Beach Boys (también inducidos esa misma noche, junto a Bob Dylan, The Supremes y The Drifters), quien estaba visiblemente alterado vaya a saber uno por quien o por qué… Mientras Ringo hizo uno de sus habituales pasos de comedia como solo él sabe hacerlos, George optó por su clásica ironía medida al decir que era una lástima que Paul no estuviese allí, ya que era “quien tenía el discurso guardado en el bolsillo”. También había agregado que era duro estar allí y que no estuviera John. De todas maneras, declamó su amor hacia Lennon y a McCartney, para luego terminar en el escenario con una versión de “I Saw Her Standing There” junto a Billy Joel, Bruce Springsteen (ambos miembros permanentes de la institución), Mick Jagger, Bob Dylan, Clarence Clemons y otros. Ver a un Stone cantando un tema Beatle es impagable. 65

Sin dudas, emocionante por donde se lo mire. La inclusión de la carrera de John solista trajo a Paul por primera vez al Salón para leer una carta a su amigo. No sin algún chistecito (el humor Beatle siempre presente) y ver a Linda cerca, llorando de la emoción. No hubo interpretación musical beatle (ese año le correspondió a otros de los inducidos el estar tocando: nada menos que The Band, con un admirador entre sus filas, un tal Eric Clapton) pero esa noche Yoko (quien pronunció el discurso de aceptación) hizo las paces con Paul y le entregó unas grabaciones de su marido, que luego habrían de transformarse en los nuevos singles Beatles “Free As A Bird” y “Real Love”.

El reconocimiento a la labor solista de Macca vino en medio del sacudón que significó la muerte de Linda casi un año antes. El discurso de Paul, que subió acompañado de su hija Stella (quien vistió una camiseta con la leyenda “About Fucking Time!”) y le terminó dedicando el premio a Linda con la frase “It’s for you, baby”, fue posterior al de inducción, de la mano del gran Neil Young. Al final de la ceremonia, en la que también fueron galardonados George Martin, Bruce Springsteen, Billy Joel, Curtis Mayfield, Del Shannon, Dusty Springfield y The Staples Singers, Paul se sumó a la banda estable para interpretar “Let It Be”.

5 años después de la entrada de Paul, se homenajeó al Dark Horse de manera póstuma, dado su fallecimiento en 2001. Para introducirlo que mejor que dos de sus ex compañeros de los Traveling Wilburys, Jeff Lynne y Tom Petty. El premio fue recibido por Olivia y por Dhani, hijo de George, que recordó a su padre con humor diciendo que la estatuilla que le habían otorgado en el 88 por The Beatles se había roto. Acto seguido, se unió a Jeff, Tom y al también inducido Prince para interpretar “While My Guitar Gently Weeps”, donde el genio de Minneapolis se despacha con un solo incendiario.

Quizás la inducción beatle más esperada, ya que habían pasado 11 años de la de George y 27 años después de la entrada de The Beatles. Paul McCartney nuevamente ofició de inductor para darle lugar a Ringo, quien luego de su discurso (donde destacó la adversidad de una infancia dura a la cual pudo hacerle frente a través de la música) se unió a Green Day (otro de los inducidos el ao pasado) para hacer “Boys” y con McCartney para “With a Little Help From My Friends”.

Javier Cuenca

Tu NÚMERO DEL ALMA revela tu interioridad, interior, las motivaciones profundas que influyen en tus decisiones y acciones, tus deseos subconscientes y las actitudes más profundamente arraigadas. (Esto está determinado por adicionar los valores de las vocales de tu nombre completo de nacimiento.) Tu NÚMERO DE LA PERSONALIDAD muestra como te manifiestas exteriormente, tu apariencia y la imagen que presentas, como te ven los demás, tu poder de atracción y el entorno que más te gusta. (Esto está determinado por adicionar juntos los valores de las consonantes de tu nombre completo de nacimiento.) Tu NÚMERO DE DESTINO representa todas tus aspiraciones y el camino que seguirás para cumplimentar el propósito de tu vida. (Esto está determinado por adicionar juntos los valores de todas las letras de tu nombre completo de nacimiento.) Tu NÚMERO DE CARRERA muestra tus talentos, capacidades y qué tipos de carreras o vocaciones son más adecuadas para ti. (Esto está determinado por adicionar juntos los dígitos de tu fecha de nacimiento.) Tu NÚMERO PERDIDO (o números) muestra las áreas más débiles y lo que no está desarrollado naturalmente en ti. (Esto está determinado por los números de cualquier valor que no están representados en tu nombre completo de nacimiento.) La PRIMERA VOCAL de tu nombre revela tu reacción instintiva a las personas y situaciones. La PRIMERA INICIAL de tu nombre indica la cualidad más significativa de tu personalidad y la característica que te hace único a los ojos de las demás personas.

Isadora Katz

George Harrison 756975 81999165 56 5 1 9 6 7 97 8 99 1 5

vocales + consonantes = 87

NUMERO DEL ALMA: 5

suma vocales = 32

Una profunda inquietud y descontento interno con lo establecido hace que busques aventura, excitación y lo no convencional. Prosperas con nuevas ideas, cambios, viajes y experimentando con nuevas formas de hacer las cosas. Lo predecible y lo rutinario te hace sentir apartado de la vida e infeliz, tanto que debes encontrar un estilo de vida que varíe lo suficiente para estar mentalmente estimulado y con algún desafío. Independiente, libertad amorosa y fácilmente aburrido, tienes dificultad haciendo compromisos y tratando de finalizar proyectos. A menudo te "mueves" prematuramente, tanto en una relación personal como en el trabajo. Necesitas desarrollar disciplina y perseverancia cuando tengas un importante objetivo.

suma consonantes = 55

Recuento de letras:

Tienes muchos talentos y necesitas muchas salidas y caminos para poder expresarlas, pero trata de finalizar una cosa antes de intentar la próxima. También aprendes rápidamente y gozas "cambiando" a otros hacia nuevos horizontes y descubrimientos. Consiguiendo sacar a las personas de sus rutinas y encendiendo sus mentes podría ser que hagas lo mejor.

NUMERO DE LA PERSONALIDAD: 1

NUMERO DE DESTINO: 6

Pareces fuerte, seguro, de confianza y representas conocer lo que deseas. No tienes miedo de hablar claro, parecer diferente o pronunciarte. Las personas esperan que te hagas cargo, que seas un líder y que consigas hacer las cosas de una manera eficiente, directa y no disparatada.

Tienes una naturaleza muy servicial, simpática y tu camino está ligado al soporte, asistencia y servicio a los demás. Tienes sentido de la responsabilidad para la ayuda humanitaria, justicia social y mejoramiento, teniendo un fuerte compromiso con los niños, enfermos, ancianos u otros que necesitan cuidado. Las profesiones de ayuda, servicios comunitarios o trabajar en las organizaciones de caridad, podrían ser muy satisfactorias para ti. También eres muy doméstico y devoto a tu hogar y al bienestar de tu familia. Si eres padre, esto puede muy bien ser lo más magnífico e importante de tu vida. Inviertes mucho de tu tiempo, amor y creatividad haciendo de tu casa un HOGAR - un hermoso, cálido y confortable lugar para estar y tener el gusto al "viejo-estilo", prefiriendo lo hecho en casa o el toque personal a algo de fantasía, vistoso y producido en masa.

Puedes ser abrupto, dominante y mandón. Cuando deseas alguna cosa, no soportas ninguna interferencia. Trata de ser más considerado con los sentimientos de los demás; por otra parte, parecerás que eres "solamente el número uno". Tienes una apariencia llamativa y un fuerte magnetismo personal. Te gusta vestirte de una manera que te mantiene separado de los demás, desarrollando un estilo de vida personal o usando solamente vestimenta de alta calidad o siendo extravagante y no convencional en tus estilos para llamar la atención.

Amas y apeteces belleza y tienes un artístico sentido de armonía, equilibrio y color. Podrías gozar un jardín florido, hacer manualidades, decorar el hogar, etc.

Una atmósfera que posibilite expresarte libremente es lo que más te agrada y no pensar en gastar tiempo para ti mismo.

Armonía, belleza servicio son tus claves.

NUMERO DE CARRERA: 8

NUMEROS AUSENTES 2,3 Y 4

Estás preparado para actividades que requieran conducción, ambición, talento organizativo, habilidad administrativa y ejecutiva, perspicacia en los negocios, juicio claro y un muy alto potencial para financiar crecimiento y expansión.

DOS: Eres con frecuencia, poco considerado con los demás y pierdes verdaderamente la habilidad de cooperar, comprometerte y apreciar los puntos de vista de las otras personas. Necesitas desarrollar una conciencia sensible de las necesidades e intereses de los demás. Das solamente lo que deseas dar y te relacionas solamente bajo tus propios términos. Trata de ser más flexible.

Carreras y vocaciones: Cualquier trabajo involucrado a las finanzas, comercio, grandes negocios, grandes corporaciones. Posición ejecutiva superior, abogado de corporaciones, banquero, comisionista de inversiones, consejero político o financiero, analista de negocios, agente de compras, atleta, ingeniero civil, planificador urbano, político, empleado gubernamental, jefe de una cadena de tiendas, fabricante, director de escuela o colegio.

TRES: A menudo pierdes el sentido del humor y la alegría en el vivir. Necesitas permitirte jugar, ser espontáneo y expresarte más libre y creativamente. Trata de adoptar una actitud más generosa y alegre. Eres también intranquilo e inseguro de ti mismo en situaciones sociales y debes aprender a sobreponerte a la tendencia a retener tus pensamientos y emociones. El canto podría ser una excelente manera para liberar tu resistencia a una comunicación abierta.

CUATRO: Pierdes vigor y estas poco inclinado a persistir en los esfuerzos y labores físicamente duros. Pereza y pérdida de disciplina pueden impedirte la realización de tus objetivos. Desarrolla mayor conexión a lo terreno, un acercamiento realista a la vida y aprende a finalizar y completar un proyecto antes de tomar algún otro. Puedes ser una persona con mucho conocimiento abstracto pero poco conocimiento práctico. Desarrolla alguna habilidad práctica. 71

TU PRIMERA VOCAL ES E Tu respuesta intuitiva a cualquier situación es CURIOSIDAD. Deseas considerar, aprender y experimentar todo. Haces un montón de preguntas. Estudias y te educas tu mismo antes de meterte en cualquier situación. Necesitas libertad intelectual y tener una mente afanosa, inquisitiva e investigadora. Tienes un agudo sentido y eres claro, perceptivo e interesado en el mundo que te rodea. Eres un ávido estudiante o lector y no puedes mantener tus pensamientos, agudeza e ideas para ti mismo. Te sientes impelido a compartirlos. El fácil uso de las palabras, escritas o dichas, es algo que empleas con facilidad. Tienes éxito en la conversación y una constante caudal de intercambio con tus acompañantes. Estás amigable y abierto a nuevas personas e ideas - pero deseas todos los factores determinantes antes de comprometerte contigo mismo o con cualquiera.

TU PRIMERA INICIAL ES G Pensativo, profundo y analítico, tienes un fuerte deseo de entender el trabajo interior y las causas profundas de cualquier situación. A menudo pareces reservado y puedes hacerlos sentir a otros incómodos, por ser posible para ti ver más allá de las apariencias dentro de sus más profundas motivaciones y sentimientos, mientras mantienes tus propias cosas bajo un misterio. Eres introspectivo e inclinado a las búsquedas intelectuales y al estudio de la religión, filosofía o psicología que son particularmente interesantes, para ti. Tienes altos ideales y fuertes convicciones acerca de todo lo ético. Fijas altos niveles y puedes ser intolerante e implacable cuando lo otros no cumplen lo fijado. También, deseas lo mejor de cualquier cosa y tienes una pasión por la calidad.

En la antigüedad, los maestros vitralistas usaron varillas de plomo como elemento de unión, siendo esa una técnica que aun hoy persiste. Los hermosos vitraux que podemos ver tanto en iglesias como en catedrales, están realizados con esa técnica. Otro elemento de unión pueden ser las varillas de bronce. La forma de trabajo es similar a la del plomo, aunque se requiere mucha más precisión.

Tomando las palabras de la arquitecta y vitralista Inés Pinchuk, se define al vitraux como el arte de unir distintas piezas de vidrio mediante un elemento ligante para poder armar un determinado objeto, como puede ser una ventana, una lámpara, o bien una obra de arte específica.

A fines del 1800, Louis C. Tiffany ideó un nuevo método que revolucionó al mundo del vitral. Mediante láminas de cobre envolvía cada una de las piezas de vidrio. Esto le permitió cortes mucho más pequeños, logrando así objetos más delicados y con mayor radio de curvatura. Esta es la técnicaque hoy conocemos como Tiffany, y que en nuestros días esa lámina de cobre ha sido reemplazada por la cinta autoadhesiva de cobre.

Guillermo Gibbon

cambiando, y empiezan a surgir temas heráldicos, acompañados por una grilla como fondo. En el siglo 16 surge el diamante para cortar vidrios, lo cual permite que los trabajos sean más delicados. Un siglo más tarde, aparecen los esmaltes para pintar vidrios. Ya en el siglo 19, los vitrales no son obra exclusiva de los maestros vidrieros, sino que los temas de los mismos son ejecutados según los dibujos de importantes pintores de la época, lo cual trae aparejado la incorporación de sombras y perspectivas. Entre 1890-1914 se expande el Art Nouveau y los vitrales ya no son exclusivos de las iglesias.

El vitraux es parte de la arquitectura gótica. Los vitraux más antiguos que preservamos son los de la catedral de Augsburg en Alemania que datan del siglo 11. Los vitraux que fueron colocados exclusivamente en las iglesias y catedrales se referían a temas religiosos, y su objetivo era instruir por medio de las imágenes, a hombres y mujeres que no tenían ningún tipo de instrucción o educación. A partir de la Guerra de los Cien Años los temas de los vitraux fueron

A partir de Tiffany, los artistas empiezan a combinar vidrios superponiendo uno sobre otro dentro de vainas más anchas de plomo para dar efectos de profundidad. El descubrimiento de la electricidad hace que los grandes artistas del vidrio incursionen en pantallas de luz. Después surge la época del Art Deco, que también tiene sus aportes: el uso de la electricidad hace desarrollar los soldadores, se mejoran los materiales y la gama de colores se diversifica enormemente. Es en este periodo donde grandes artistas como Marc Chagall contribuyen al renacimiento del vitraux. A fines del siglo 20 el vitral recupera definitivamente su lugar, especialmente dentro de la arquitectura.

(Dahlonega, Georgia, Estados Unidos)

El surgimiento de The Beatles fue un estímulo para los artistas del vitraux, quienes plasmaron sus ideas influidas por la música de los cuatro muchachos de Liverpool. La mayoría de los trabajos que se presentan a continuación son obras de artistas que no cuentan con curriculum, sino que su obra es su historia. Incluso muchas de estas obras pertenecen a empresas o a un grupo de personas que ha colaborado entre sí para desarrollar su cometido. A través de estos vitrales se mostrará las distintas épocas de The Beatles, para finalizar con algunas de las obras expuestas en una cadena internacional de café.

(Reino Unido)

(Italia)

Artista desconocido. La obra se encuentra en una tienda de libros en Los ﾃ］geles, California, Estados Unidos

(California, Estados Unidos)

Obra realizada por los alumnos de la escuela (Londres, Reino Unido)

(Holanda)

Obra realizada por el artista SG, de la empresa Dreamwidth (California, Estados Unidos)

(Seattle, Washington, Estados Unidos)

(Trois-Rivieres, Quebec, Canadรก.)

PĂĄrrafo aparte, merecen destacarse los vitrales que se encuentran en varios de los locales de la cadena internacional Hard Rock CafĂŠ, como los siguientes:

Ven y Tómalo Si lo quieres está aquí, ven y tómalo Mmm, haz que tu mente sea rápida Si lo quieres en cualquier momento, yo puedo dártelo Pero será mejor que te apures porque no va a durar mucho. ¿Te escuché decir que debe haber una trampa? ¿Te alejarás de un tonto y su dinero? Si lo quieres está aquí, ven y tómalo Pero será mejor que te apures porque se está yendo rápido. Hijo Si lo quieres está aquí, ven y tómalo Pero será mejor que te apures porque se está yendo rápido Mejor te apuras porque se está yendo rápido Mejor te apuras porque se está yendo rápido.

Federico B. y Martín Castro

David Bowie, recordado por el entorno Beatle El pasado 11 de enero David Bowie falleció luego de una dura batalla contra el cáncer. Al respecto, Paul McCartney, Ringo Starr y Yoko Ono se pronunciaron vía diversos medios. Paul: "Muy tristes noticias para levantarse esta

lluviosa mañana. David fue una gran estrella y atesoro todos los momentos que tuvimos juntos. Su música sonó muy fuerte en la historia musical de Gran Bretaña y estoy orgulloso de pensar en la gran influencia que él tuvo en personas alrededor de todo el mundo. Mando mis más profundas simpatías a su familia y siempre recordaré las grandes risas que tuvimos a través de los años. Su estrella brillará en el cielo por siempre." Ringo: "Dios bendiga a David Bowie. Amor y paz para toda su familia". Yoko: "John y David se respetaban mutuamente. Ellos fueron

buenos pares en intelecto y talento. Como John y yo teníamos muy pocos amigos, sentíamos que David era tan cercano como la familia. Luego de la muerte de John, David siempre estuvo ahí para Sean y para mi. Cuando Sean fue a la Bording School, en Suiza, David me vino a buscar y me llevó a paseos por muesos, e invitó a Sean a su estudio de grabación, en Ginebra. Para Sean es como perder otra figura paterna. Será duro para él, lo sé. Pero tenemos dulces memorias que nos acompañarán por siempre". Entre otras personas que se pronunciaron podemos agregar a Julian Lennon, Sean Lennon, Stella McCartney y May Pang.

Exhibición de fotos del primer Ringo Starr en documental sobre tour por USA B.B. King "The Beatles: Six Days That Changed The

Ringo aparecerá en un documental sobre la

World" es el nombre de la muestra de fotos

vida del gran guitarrista de blues B.B. King

tomadas por Bill Eppridge para la Revista

que será emitido por primera vez el 12 de

Life, en febrero de 1964, cuando The Beatles

febrero por la emisora estadounidense PBS

arribaban por primera vez a los Estados

como parte de la legendaria serie American

Unidos. El fotógrafo estuvo presente cada día

Masters. El documental se titula B.B. King:

de la visita de los ingleses y los siguió por

The Life Of Riley, en referencia a su nombre

todo su recorrido neoyorkino, pero la tarea

real, y será narrado por el actor Morgan

fue continuada por otro fotógrafo cuando se

Freeman. Además de Starr participaran otras

trasladaron a Miami. Esta exhibición está

figuras de la música como Eric Clapton,

basada en un libro del mismo nombre y se

Bono, John Mayer, Carlos Santana y Johnny

abrirá al público el 6 de febrero en el Visual

Winter.

and Performing Arts Center, en la Western Connecticut State University.

Falleció Robert Balser, director de animación de Yellow Submarine El pasado 4 de enero falleció Robert Blaser a la edad de 88 años en un hospital de Los Angeles por complicaciones respiratorias. En 1968 estuvo a cargo de la dirección de animación del film de dibujos animados de The Beatles junto a Jack Stokes y éste se convirtió en su trabajo más célebre.

La casa de Ringo en Liverpool, a subasta La casa donde Ringo vivió sus años de infancia hasta cumplidos sus 21, ubicada en el número 10 de Admiral Grove, sale a subasta luego de que su propietario actual falleciera hace pocos meses. La subasta está programada dentro del mismísimo Cavern Club para el 24 de marzo próximo, partiendo en un precio base de £55,000, aunque se estima recolectar aún más debido a su trasfondo Beatle. La vivienda cuenta con varias restricciones a la hora de ser vendida, como por ejemplo no puede convertirse en una atracción o un museo.

Ringo vuelve de gira con su All Starr Band Ringo vuelve a los escenarios luego de unos meses de descanso, con un tour recorriendo todo Estados Unidos. La gira arrancará el 3 de junio en Syracuse (Nueva York) y concluirá el 2 de julio en California. La formación de la All Starr Band es la misma que lo acompaña desde 2012, con Todd Rundgren, Gregg Rolie, Steve Lukather, Richard Page, Warren Ham y Gregg Bissonette. Al respecto Ringo dijo "Amo esta banda. Nos divertimos mucho juntos fuera del

escenario, así que ahí vamos de nuevo!"