Glass Onion - Número 43 by GLASS ONION

EDITORIAL: Bienvenidos al 2017!!! El quinto año en que Glass Onion nos acompaña y planeamos que éste sea tan entretenido como los anteriores. Atrás quedaron las fiestas de fin de año y es tiempo de volver a ponerse serios. Y vaya que les traemos un tema serio esta vez; uno de los personajes más siniestros del siglo pasado irrumpió de la noche a la mañana (literalmente) en la escena pública y horrorizó a toda una generación. Increíblemente, o no, el fenómeno beatle no escapó a las masacres cometidas por Charles Manson y su Familia, y desde estas páginas intentamos develar lo que su enferma mente desarrolló para llevar a cabo tales atrocidades, y qué lugar ocupan The Beatles en ello. Te contamos también sobre el Festival de Los Beatles en México, que en su edición Nro 22 tuvo invitadas muy especiales. Nada menos que Freda Kelly, la secretaria privada de Brian Epstein y Presidente del Fan Club Oficial en los 60’s, y May Pang, asistente personal de John y Yoko, y pareja de Lennon durante su famoso Lost Weekend. Por supuesto, estuvimos con ellas y te contamos como se desarrolló este importante festival. Iniciamos un recorrido por los productores que trabajaron con la banda y con ellos en calidad de artistas individuales. Como no podía ser de otra manera, el gran George Martin es quién inaugura esta sección. Y ya que estamos en el estudio, develamos los secretos tras uno de los mejores temas inéditos de la banda, Leave My Kitten Alone. Además seguimos recorriendo Liverpool, esta vez deteniéndonos en el barrio donde creció John; Woolton. Ya fuera del terreno puramente beatle, retomamos nuestra sección Sonidos Favoritos, aquella que iniciáramos con el Pet Sounds de los Beach Boys, esta vez con uno de los trabajos más celebrados de Queen, A Night At The Opera. Un completísimo informe sobre un disco fundamental en la historia del Rock. Pasen y vean Señoras y Señores! Glass Onion abre sus puertas. Satisfacción garantizada!!!

Martin Editor Principal

INDICE Paredes y puentes: Freda Kelly y May Pang Freda Kelly y May Pang, dos protagonistas de la historia beatle estuvieron con nuestro redactor Luis Enrique Inngais y te mostramos todo. Un lujo!

Produced By: George Martín Recording Sessions: Leave My Kitten Alone

Helter Skelter: Charles Manson Como una mente diabólica puede llevar el arte hacia un lugar macabro. Crónica de los crímenes que enmudecieron a la sociedad de fines de los 60’s y salpicaron de sangre al impecable Album Blanco.

Nota Paul: Paul en The Cavern, 1999 Recordamos la fiesta del milenio de McCartney, volviendo a las raíces a puro rock and roll en EL lugar de la historia Beatle.

Disco Del Mes: Living In The Material World It Was 50 Years Ago Today: Enero ‘67 Numerología: Brian Epstein

Sonidos Favoritos: A Night At The Opera ¿Es esto la vida real? ¿Es solo una fantasea? ¿Quién puede asegurarlo, teniendo en nuestras manos un disco tan perfecto como éste? A Night At The Opera, o como pasar de ser famosos a ser estrellas.

Nota Ringo: Guitarras Arte: Rap Lugares: Woolton What’s The New, Mary Jane? Own Words: Lucy En El Cielo Con Diamantes

Editor: Martín Castro; Coordinación y Diagramación: Federico B.; Redactores: Stella Accardi, Federico B., Martín Castro, Octavio Cavalli, Migo Coiro, Javier Cuenca, Miguel Antonio De La Riva, Maria Dellavalle, Luis Enrique Inngais, Isadora Katz, Guillermo Gibbon, Gonzalo Leitón, Daniel Repullés, Maximiliano Seijas, Yair Soto, Pilar J Vázquez 3

Diciembre es para los fans de The Beatles en CDMX (Ciudad de México) el mes más esperado. Esto es porque se celebró el “Festival de Los Beatles en México”, en esta ocasión el número 22, los pasados 16, 17 y 18 en el Centro Cultural Futurama, donde se contó con la presencia de más de 50 bandas tributo que amenizaron el festival en tres escenarios diferentes, se tuvo proyección de películas y documentales, conferencias, venta de CDs, DVDs, Memorabilia, LPs, exposición temporal de la colección privada del Lic. Ricardo Calderón, Presidente actual del club “Todos Juntos Ahora” que el pasado 9 de Octubre cumplió 32 años de fundado y que sigue activo, y por supuesto se contó con el atractivo principal que se está volviendo tradición; invitados especiales que tienen y tuvieron relación con los Fab4.

En esta ocasión nos visitó por segunda ocasión Freda Kelly (Secretaria personal y Presidenta del Fan Club Oficial de The Beatles de 1962 a1973), Michael Callahan “Ringer” (El mejor personificador de Ringo Starr), y por primera ocasión y esperemos que no la última, May Pang (Asistente personal de John Lennon y Yoko Ono de 1970 a 1975 y compañera sentimental de John). Tuvimos la oportunidad de tener un desayuno el jueves 15 en el Salón Galicia del Hotel Holiday Inn Dalí del aeropuerto, en una convivencia privada en donde se contó con una actividad de preguntas y respuestas, con anécdotas muy interesantes que compartieron, como el avistamiento del OVNI que tuvo John, así como compra de los artículos que tenían para venta: la película de Freda (Good Ol´ Freda), May Pang tenía fotos y venta de sus libros (Loving John, Instamatic Karma), así como una salsa picante que comercializa.

Luis Inngais con Freda Kelly y May Pang

Luis Inngais con Ringer

Un día antes se tuvo presentación con la prensa en las oficinas de gobierno de la CDMX, posteriormente se inició un paseo con los invitados especiales en tres Turibus (camiones de dos pisos que hacen recorridos turísticos), brandeados y alusivos a The Beatles, en los cuales en uno van los invitados especiales con gente VIP del gobierno local, así como grupo tributo (Morsa) que van amenizando todo el recorrido, con Ringer cantando con ellos. En un segundo va la prensa y en un tercero todos los invitados fans que son seleccionados para participar de este maravilloso evento. El recorrido que se hace es por las principales calles de la ciudad: Paseo de la Reforma (haciendo parada en frente del Ángel de la

Turibus Beatle

Independencia, Auditorio Nacional y por último en el Parque España), de ahí los invitados especiales y todas las personas que hacen el paseo caminaron hasta la Casa de Los Beatles (Tienda Abbey Rock), para la develación de una placa por parte de May Pang y la cobertura por parte de la prensa, y posteriormente una convivencia. Se tuvo la oportunidad los tres días de tener después de la proyección del documental de Freda una sesión de preguntas y respuestas con Freda, May y Ringer, desde saber que la canción “Surprise, Surprise” está dedicada a May (la pregunta la realizo mi amigo Carlos Ramírez) situación que hizo que May se remontara a esa época con buenos recuerdos. Mi sobrino Joshua Villagómez

realizó dos preguntas. La primera fue a May y fue por qué después de tanto tiempo que decidió permanecer en el anonimato, ahora salió a lo público. La respuesta fue que por su nieto, para que supiera la historia por parte de ella. La segunda la respondió Freda, acerca de su álbum favorito, y la respuesta fue Revolver. Concluyendo la sesión de preguntas y respuestas, los fans pudimos pasar después de realizar una fila larga y ordenada, por el ansiado autógrafo y respectiva foto con cada una de ellas. El cierre del festival se dio con la presentación de Ringer con el grupo Morsa ante un auditorio abarrotado, con toda la gente participando, cantando y bailando. Hay que esperar 365 días nuevamente para el festival 23. Ya lo ansiamos y esperando ver cuál será el invitado especial que pudiera venir… ¿May podrá convencer a Julian?

Luis E. Inngais

Como se sabe, en el mundo de la música están, lógicamente, los músicos en el escenario, el mánager atrás del mismo y el público abajo y delante de los músicos. Cuando la acción se traslada a un estudio de grabación, junto a los técnicos, está el productor artístico, una persona con cierta visión para guiar a los músicos en la búsqueda del sonido perfecto para su canción.

The Beatles han tenido a lo largo de su historia como banda, 3 productores; 2 durante el período 1963 - 1970 y el restante en la reunión que se dio en el marco del proyecto "Anthology" a mediados de la década de 1990. Luego en sus carreras solistas, John Lennon, George Harrison, Ringo Starr y Paul McCartney han adquirido los servicios de esta gente, cuando no

produjeron ellos mismos sus trabajos. En estas entregas, repasaremos los nombres de esas personas que están detrás de las consolas de grabación, comenzando por The Beatles y por supuesto con... Sir George Martin. Para muchos el Quinto Beatle, George participó no solo de las grabaciones como productor, sino como músico, siendo su aporte más recordado el solo de piano isabelino de “In My Life” (Rubber Soul, 1965). Conoció a la banda cuando esta fue al principio “confinada” a Parlophone, una división de la EMI que se encargaba de discos cómicos como los de The Goons o Peter Sellers. Martin era el contraste perfecto con la alocada imagen de los Fab, siendo éste pulcro y serio, pero abierto a cada búsqueda de la banda e introduciendo a éstos en el mundo de lo que se conoce como música clásica.

Luego en los años subsiguientes volvió a trabajar con Paul McCartney, produciendo el single “Live And Let Die” (1973) y los álbumes “Tug Of War” (1982), “Pipes Of Peace” (1983) y “Give My Regards To Broad Street” (1984). Ya en los 90, colaboró en temas que aparecieron en el disco “Flaming Pie” (1997).

Por él tuvimos el acompañamiento de cuerdas de “Yesterday” que luego trajo consigo “Eleanor Rigby”, “Martha My Dear” y sobre todo “A Day In The Life”. En el disco “Yellow Submarine” (1969) le corresponde todo el lado B y es responsable de esa pequeña ópera pop en el lado B de Abbey Road. Martin no participó de “Let It Be”, por el clima hostil que había en el seno de la banda. Volvió para Abbey Road una vez que John y Paul acordaron una suerte de tregua para poder trabajar en paz.

A Bird”, “Real Love” y un poco en “Now And Then”. En 2006 coprodujo junto a su hijo Giles el disco “Love”, que presentaba 80 minutos de remixes de música de The Beatles provenientes del espectáculo homónimo del Cirque Du Soleil, que aún sigue en cartel. Ganador de Premios Grammys, Oscar, Brit y fue nombrado Caballero del Imperio Británico. Trabajó en la música de tres películas de James Bond y con artistas tan diversos como UFO, America, Elton John, Celine Dion, Pete Townshend, Ultravox y Neil Sedaka. George Martin falleció el 8 de marzo de 2016, a la edad de 90 años.

También trabajó con Ringo Starr, en el disco “Sentimental Journey” de 1970, y conduciendo las cuerdas del tema “I'm Yours” de “Vertical Man” (1998). Declinó de participar en la reunión de 1994/1995, pero estuvo al frente del proyecto Anthology en lo que concierne al archivo, con las mezclas y remezclas de las canciones que aparecieron a lo largo de los 3 volúmenes. En 1998 agregó un acompañamiento de cuerdas a la canción inédita de John Lennon “Grow Old With Me”, cedido por Yoko originalmente a Paul, George y Ringo, que decidieron trabajar con “Free As

Javier Cuenca

Era otoño de 1964 y se grababa uno de los álbumes más importantes, pero desgraciadamente, uno de los más ignorados de la banda, estoy hablando de “Beatles For Sale”. Este álbum marcó un giro decisivo tanto en el sonido como en las letras.

le dio la canción), después, “Tell Me Why”, “I’ll Cry Instead”, y “I’ll Be Back” Se puede decir, que la primera pista de “For Sale”, “No Reply”, es un remanente de AHDN, conservando el mismo sonido similar al blues, esto se puede apreciar mejor en la versión del Anthology.

Por un lado, Lennon en todo 1964 empezó a dar una semblanza triste en algunas de sus canciones, primero, al desempolvar la vieja “I Call Your Name”, escrita antes de ser famosa la banda (Lennon no se sentía satisfecho con la producción de una de las bandas a las que

Le siguió “I’m A Loser”, “Baby’s In Black” y “I Don’t Want To Spoil The Party”. Esta tendencia siguió en 1965 con “Help” y posiblemente “Yes It Is”. Para ese entonces, Lennon logra canalizar ese sentimiento para

escribir letras poéticas como “You’ve Got To Hide Your Love Away” y “In My Life”. “Beatles For Sale” significó el inicio de la madurez literaria de las composiciones de Lennon. Por otro lado está la influencia de Bob Dylan, quien con su música, influenció a que The Beatles entraran al “Folk Rock” en “For Sale”, “Help” y “Rubber Soul”. El estilo en el cual la banda tocaba el Folk Rock, junto con la manera en la que tocaba Harrison la Rickenbacker de doce cuerdas, influyó mucho en otras bandas como los Monkees y los Byrds, y tiempo después, creo un nuevo género musical en los ochentas conocido como Jangle Pop.

“Leave My Kitten Alone”, que es rock con tintes de blues. Si es la primera vez que sabes la existencia de “Kitten”, quizá estés pensando “Leave My Que?”, pero es normal, desgraciadamente, es una canción poco conocida, pero eso sí, una de las mejores de la época. Y esa es la canción de la que vamos a hablar.

Se podría decir que medio álbum era “Folk Rock” (“No Reply”, “I’m A Loser”, “I’ll Follow The Sun”, “Words Of Love”, “Every Little Thing”, “I Don’t Want To Spoil The Party”, y posiblemente “Baby’s In Black”, “Mister Moonlight”, y What You Are Doing”). La otra mitad pertenecía al género del “Rock and Roll”, que recuerda mucho a sus conciertos en Hamburgo, (“Rock and Roll Music”, “Kansas City/Hey, Hey, Hey, Hey!”, “Everybody’s Trying To Be My Baby”, “She’s A Woman”, y posiblemente “Eight Days A Week” y “I Feel Fine”, aunque más influenciados por el pop de la época, “Honey Don’t”, influenciado por el Rockabilly, y 15

“Kitten” fue grabada el 14 de agosto de 1964, en la cinta E53615. En cinco tomas, de la cual la toma 5 fue la mejor. Primero se grabó la pista base (Guitarras, bajo y batería) en la pista 1 y la voz de John en la pista 3. Después se sobregrabó piano y percusiones en la pista 4 y otra voz en la pista 2 para reforzar la primera. Parece ser que un solo se grabó en la pista 2 a manera de “grabación sobre la grabación”, y desgraciadamente borró una parte pequeña de la segunda voz de Lennon, y para colmo, la canción está incompleta. Quizás alguien borró una parte de la cinta por accidente.

intención de ver si era viable un nuevo lanzamiento de canciones inéditas. Resulta que alguien llevó una grabadora a la junta y el resto es historia. Desafortunadamente, la grabación no era de buena calidad y estaba en mono. En 1982 hubo otro intento de mezcla hecha por John Barrett para un show de video, creado para una presentación audiovisual enfocada en The Beatles. Lo interesante es que la presentación era en los mismísimos estudios de Abbey Road. Para 1984, hubo otra mezcla de la canción, esta vez por Geoff Emerick, hecha específicamente para el disco recopilatorio “Sessions”. Un año después se volvió a

La canción no fue mezclada hasta 1976, cuando se presentó junto con otras canciones a una junta de accionistas de EMI con la

mezclar la canción. La principal diferencia entre las tres mezclas es que se usaron métodos distintos para simular una imagen estéreo.

dicen que, al ser el proyecto dirigido por George Martin, hubo nuevas mezclas. Sin embargo, hasta ahora nadie se ha aventurado a averiguar si hubo mezclas nuevas o son las mismas de siempre.

En este lapso de tiempo, se intentó lanzar “Kitten” tres veces, primero como single en 1982, después en Navidad de 1984, en el LP “1, 2, 3, 4”, pero fue aplazado por motivos comerciales. Las canciones se volvieron a remezclar para otro álbum, con exactamente el mismo concepto y casi las mismas canciones (lo único que cambió fue el título del LP, que pasó a llamarse Sessions). Pero en 1985, Apple se dio cuenta del proyecto y decidió vetar el álbum. (Las relaciones entre EMI y Apple no iban tan bien en ese entonces). Todas estas mezclas circulan en bootlegs y entre coleccionistas.

En 2005, para la versión en DVD del documental “Anthology”, hubo una nueva mezcla, esta vez, en estéreo real. De hecho, si se separan los 5 canales de la versión surround, fácilmente se pueden reconstruir las 4 pistas de la grabación.

Miguel Antonio De La Riva

Para el proyecto Anthology, se usan las mezclas hechas por Emerick, aunque algunos 17

No es ninguna novedad decir que cuando The Beatles asomaron sus flequillos al mundo su influencia alcanzó a una gran variedad de personas, en cada continente, en cada país. Inclusive aquellos que estaban en prisión vieron como éste fenómeno británico enloquecía a los Estados Unidos con sus presentaciones en el Show de Ed Sullivan, en febrero de 1964. Uno de ellos fue Charles Milles Manson. Charlie nació en Cincinnati, Ohio, el 12 de noviembre de 1934 y desde el comienzo su vida fue una historia de terror. Su madre lo tuvo a los 16 años y no hay certezas de quién era su padre. Ella era alcohólica e incluso llegó a vender a su hijo por una cerveza a una camarera, aunque luego fue restituido. Poco después lo hizo ingresar a un instituto para niños, del cual el joven Charlie escapó.

Fue en la Penitenciaría de McNeil Island donde recibió lecciones de guitarra de otro preso, Alvin “Creepy” Karpis, y donde se interesó por cuestiones esotéricas. Allí se maravilló con la llegada de esos cuatro ingleses que despertaron en él unos deseos incontrolables de seguir su camino.

Su carrera delictiva comenzó a los 13 años, robando a mano armada en una tienda. Fue apresado y enviado a un instituto de menores, pero volvió a escapar e inmediatamente cometió varios delitos más. En 1951 fue enviado a prisión cuando fue detenido conduciendo un auto robado y liberado 3 años más tarde por buen comportamiento. No pasó mucho tiempo para que regresara a la cárcel. Eran constantes sus entradas y salidas. En 1961 fue condenado por falsificación de cheques y a partir de allí comenzaría a cumplir su condena más larga hasta el momento.

Se dice que Charles le mostraba a todo el mundo las canciones que componía y alegaba que podría ser tan grande como The Beatles, si le daban la oportunidad. Incluso sus ilusiones se acrecentaron cuando Phil Kaufman, otro interno, le pasó el dato de un conocido en Universal Studios, en Hollywood. Pero Manson tenía una personalidad bipolar: podía influir con asombrosa facilidad en las personas y a la vez sumirse en una profunda depresión si alguien criticaba su música. Otra

color, búsqueda de paz y armonía, amor (sexo en realidad) libre y por sobre todas las cosas, muchas drogas. Un entorno perfecto para iniciar una nueva vida, sin demasiado esfuerzo, y el lugar elegido fue San Francisco, el epicentro del “Verano del Amor”. La emblemática zona de Haight-Ashbury encontró a Charles mostrándose a sí mismo como un líder, un gurú, y allí cosechó su primeros seguidores, a quienes atrajo con sus disertaciones filosóficas basadas en sus lecturas sobre Cientología. La mayoría de sus discípulos eran jóvenes mujeres y casi todos buscaban un rumbo diferente en sus vidas. Algunos venían de buenas familias y otros escapan de realidades más desagradables. Ya en ésta época se utilizó el término “Familia” para referirse al clan Manson. La dinámica de la Familia consistía en que Manson les proveería sabiduría y protección, mientras que los demás serían sus serviciales adeptos. Como era de esperarse, las chicas además eran utilizadas como objetos sexuales, no sólo por Charlie. No era raro que él les “ordenara” que tuvieran sexo con algún otro integrante.

opción era arremeter con una ira profunda contra quién osara tal ofensa. Finalmente, el 21 de marzo de 1967 fue liberado a sus 32 años, de los cuales 17 (más de la mitad de su vida), los había pasado encerrado. Hay quienes afirman que mientras se acercaba la fecha de liberación, Manson había solicitado a las autoridades quedarse en prisión. Al fin y al cabo era su hogar, el único hábitat que conocía. Le aterraba el mundo exterior. Como era de esperarse, su petición fue rechazada y Charlie quedó libre.

Lo más desconcertante es que nadie renegaba de la situación y no había quejas. Es más, estaban felices de complacer al todopoderoso líder. Otro de los deberes era el de agrandar el número de integrantes y las muchachas solían salir a reclutar gente en los alrededores. En una de esas salidas, en la

El mundo al que se enfrentó era radicalmente diferente al que dejó en 1961. Ahora todo era 20

primavera de 1968, dos de las chicas, Patricia Krenwinkel y Ella Jo Bailey hacían dedo en la ruta y fueron levantadas por Dennis Wilson, el baterísta de The Beach Boys, quién las invitó a su casa en Pacific Palisades. Luego de un par de horas de todo tipo de excesos, las muchachas se marcharon y Dennis asistió a una sesión de grabación nocturna de su banda. Al regresar a casa la mañana siguiente, se encontró con un enorme grupo de personas dentro de ella, incluido Manson.

Familia Manson

Dennis estaba aterrado y temía que le hicieran daño, pero Manson, manipulador como sólo él podía ser, se arrodilló frente al rockstar y besó sus pies. Esto relajó a Wilson y fue la piedra fundamental de la relación que ambos tendrían por algunos meses.

hippie, por lo que presentó a Charlie con Terry Melcher, el productor de The Byrds y colaborador de The Beach Boys. El encuentro fue en el 10.050 de Cielo Drive, en la casa propiedad de Rudi Altobelli pero habitada por Melcher y su novia, la actriz Candice Bergen.

Literalmente, la Familia se instaló en la casa de Dennis y le costó al músico una gran cantidad de dinero, pero no le importaba. El baterista siempre había sido el más revoltoso, comparado con sus más conservadores compañeros de banda, y además sentía que tenía cierta deuda consigo mismo en el terreno musical, siempre opacado por el talento inmenso de su hermano mayor. Por eso decidió grabar a Charlie en el estudio casero de su hermano Brian e incluyó a otras personas vinculadas con el ambiente del rock a sumarse, como Gregg Jakobson y Rudi Altobelli. Se grabaron algunos demos y Dennis estaba decidido a financiar un álbum y un film documental sobre la vida de una comunidad

Dennis Wilson y Charles Manson 21

escuchó por primera vez el más reciente disco de The Beatles, conocido como el White Album, y su admiración por la banda se convirtió en obsesión. Desde hacía un tiempo que Manson venía prediciendo una guerra racial, donde vencería la raza negra y los blancos serían aniquilados. Conforme avanzaba el tiempo, sus vaticinios iban más allá. Influenciado por su apasionado interés por la lectura de la Biblia, especialmente por las Revelaciones, comenzó a hablar del Armageddon, la batalla final, la guerra de las guerras. Algo que bautizó como Helter Skelter, mucho antes de escuchar ésa expresión en la canción de los de Liverpool.

Copia del álbum blanco firmada por miembros de la familia Manson

Todo iba encaminado. Incluso en agosto de 1968 Melcher se encargó de reubicar a la Familia en Spahn Ranch, una locación abandonada donde se filmaban películas de vaqueros, en Benedict Canyon, a 40 kilómetros de Los Angeles, sacándolos de la casa de Dennis. En septiembre de 1968 The Beach Boys graban una canción acreditada al baterista, llamada Never Learn Not To Love, que sería lado B de su siguiente single y más tarde formaría parte del álbum 20/20. La canción no era otra cosa que una re-escritura de Cease To Exist, una obra de Manson que le había mostrado un tiempo antes. En noviembre de 1968 la Familia comenzó cambiar su lugar de residencia, alternando entre Spahn Ranch y otros dos ranchos en el Death Valley. Al mes siguiente Charlie

Terry Melcher

Cielo Drive al director de cine Roman Polanski, cuya esposa, la bellísima actriz Sharon Tate, estaba atravesando el último mes de su embarazo. El 23 de marzo el propio Manson se presentó en la casa ubicada en Cielo Drive, buscando a Melcher, pero fue informado de que ya no vivía allí. Sharon Tate vio al desgarbado sujeto hablar con Shahrokh Hatami, un fotógrafo amigo de la pareja y más tarde, en otra visita, con Rudi Altobelli, el propietario, quién habitada una casa lateral. Fue Altobelli quién le confirmó que Melcher se había ido a Malibú, pero mintió al decir que no conocía la dirección exacta. Para junio el convencimiento de que la guerra racial era inminente había cobrado tal magnitud que Charlie decidió no esperar más y realizar la primera jugada. Envió a uno de sus muchachos, “Tex” Watson, a estafar a un dealer de color llamado Bernard Crowe para conseguir dinero con el cual financiar a la Familia durante la guerra. Crowe se presentó en Spahn Ranch y amenazó de muerte a todos. Manson fue más lejos, yendo al apartamento de Crowe el 1 de julio y baleándolo. Charlie lo creyó muerto y abandonó el lugar, pero Crowe sobrevivió.

Sharon Tate y Roman Polansky

Inspirado, compuso el material suficiente para un LP y en febrero de 1969 estaba listo para presentárselo a Melcher. Se acordó que el productor asistiría a una reunión en Spahn Ranch, pero no se presentó. Dennis también evitó tener contacto con Charlie y desató la furia del ex convicto. Charlie estaba dispuesto a cobrarse venganza y su mira apuntaba a aquellos que lo habían defraudado, todos englobados en el propio sistema y sus representantes.

El siguiente golpe fue a fin de mes. Esta vez los encargados fueron Bobby Beausoleil, Mary Brunner y Susan Atkins, quienes fueron a la casa de Gary Hinman, un profesor de música que le vendía drogas a la Familia, a solicitarle dinero para la causa. Ante la

Consciente de esto, Melcher se mudó inmediatamente con su novia a Malibú y Altobelli volvió a alquilar su propiedad en 23

cuando Manson envió a Watson, Susan Atkins, Linda Kasabian y Patricia Krenwinkel a la antigua casa de Melcher a destruir todo y todos los que estuvieran allí. El detalle de los asesinatos y el proceder de los cuatro asesinos está por demás detallado en muchos lugares. El lugar común de todas las crónicas es la alevosía, ensañamiento y exagerada maldad con que fueron cometidos. Todos los que estuvieron presentes aquella fatídica noche sufrieron múltiples cortes y fueron apuñalados de manera desmedida, incluso Sharon Tate, quién no recibió ningún tipo de trato diferenciado pese a estar embarazada de 8 meses y medio. Roman Polanski se encontraba filmando en Europa en ése momento.

“Tex” Watson

negativa, lo tuvieron de rehén por dos días hasta que Manson se apareció y le cortó parte de la oreja con una espada. Finalmente fue apuñalado por Beausoleil siguiendo las órdenes de Charlie. En una las paredes el asesino dibujó una garra de pantera, el símbolo de Las Panteras Negras, el más radical de las agrupaciones de color. La intención de Manson era la de atribuirle el crimen a los negros y así forzar el tan vaticinado Helter Skelter. La otra inscripción fue la frase “Political Piggy” (Cerdo político).

Cuando la policía entró a la escena del crimen encontró con espanto que la puerta de entrada tenía escrita con la propia sangre de Tate la palabra “Pig”, cerdo en español, una manera de llamar despectivamente tanto a la policía como a la alta sociedad en el argot delictivo.

El primer golpe sufrido por la Familia fue cuando días más tarde Beausoleil fue arrestado mientras conducía el auto de Hinman y se encontró en él el arma homicida junto a ropa ensangrentada de Bobby. A los pocos días se cometieron los crímenes mundialmente conocidos. El primero de ellos y el más resonante ocurrió el 8 de agosto

Mary Brunner, Bobby Beausoleil y Susan Atkins

Los asesinatos fueron iguales o más atroces que los de la noche anterior y se repitió la desagradable idea de “dejar una marca”, esta vez pintando con la sangre de Leno. Krenwinkel escribió “Rise” (Levantarse) y “Death To Pigs” (Muerte a los cerdos) en las paredes, y de manera incorrecta “Healter Skelter” en la puerta del refrigerador. Por su parte, Watson utilizó un cuchillo para cortar el abdomen de LaBianca y escribir “War” (Guerra) en él.

Patricia Krenwinkel y Linda Kasabia

El terror se apoderó de todos en la exclusiva zona donde vivían muchos actores, músicos y diferentes personalidades. Muchos de ellos abandonaron sus casas y se trasladaron a otras locaciones más seguras, pero nadie esperaba que el siguiente golpe fuese tan rápido.

Manson recordó que Linda Kasabian había conocido a un actor unos días antes y le ordenó que vaya a su casa junto a Susan Atkins y Steve Grogan y lo matara ella misma. Su misión era golpear a su puerta y cuando él abriera, simplemente atacar su cuello con el cuchillo. Charlie los dejó y volvió a Spahn Ranch, pero Linda, que secretamente estaba en desacuerdo con lo que estaba sucediendo, fingió no recordar el departamento del actor y golpeó adrede en la puerta equivocada. Cuando fueron atendidos por una persona

La siguiente noche los cuatro que habían participado en el asesinato de Sharon Tate y sus invitados, más el agregado de Leslie Van Houten y Steve Grogan, fueron llevados por Manson en una recorrida por las calles de Los Angeles hasta que les ordenó que atacaran en el 3.301 de Waverly Drive, lugar de residencia de Leno LaBianca y su esposa Rosemary. Charlie los acompaño esta vez para mostrarles “como se debía matar”, ya que los asesinatos de la noche anterior habían sido, según sus palabras, “demasiado sucios”. Manson entró a la residencia y ató a la pareja, luego salió y ordenó a Watson, Van Houten y Krenwinkel que entraran y terminaran el trabajo. Él llevó al resto a buscar un nuevo objetivo.

Rosemary y Leno LaBianca

diferente, simplemente pidió perdón y los tres se marcharon.

autoridades y con esto se produjo el desenlace en las investigaciones, que en ese punto estaban lejos de encontrar a los culpables. Fueron arrestados Charles Manson, Tex Watson, Patricia Krenwinkel, Leslie Van Houten y Linda Kasabian, pero esta última accedió a testificar en contra de la Familia, negando su participación directa en los asesinatos, ya que de hecho ella había estado presente pero no había accionado en ninguno de ellos.

Cuatro días después del primer asesinato Manson envió a Linda a visitar a Bobby que aún estaba en la cárcel por el caso Hinman y esa fue la oportunidad que ella tuvo para escapar. Dos meses más tarde, Susan Atkins fue encarcelada por su relación con la muerte de Hinman y estando en prisión, alardeando frente a las demás reclusas, contó su implicancia y la de la Familia en los casos Tate-LaBianca. Otra reclusa la delató con las

El 15 de julio de 1970 comenzó el juicio contra Manson y el Fiscal encargado del caso fue Vincent Bugliosi. Gran parte de los argumentos del Fiscal se basaron en el testimonio de Kasabian, quién obtuvo inmunidad a cambio. Todos los demás fueron condenados. Manson primero fue sentenciado a muerte, pero al poco tiempo se abolió la pena de muerte en California y su condena se cambió a prisión perpetua, al igual que los demás. Pero Bugliosi tuvo que tratar de ingresar a la retorcida mente de Manson para comprender sus motivos a la hora de ordenar los trabajos, para así poder armar su caso y lograr 26

condenarlo. Descubrió que su fanatismo por The Beatles iba mucho más lejos y encontró en el Album Blanco las conexiones necesarias para darle sentido a tan atroces asesinatos.

Una vez que Manson pudo ahondar en las 30 canciones no tuvo dudas: The Beatles también eran “los elegidos” al igual que él, y habían captado el mensaje que había estado divulgando durante años. La guerra racial se avecinaba y había que estar listo. Es más, al igual que él, los Fab creían que había que tomar la iniciativa. Para comprobarlo bastaba con escuchar otra canción de Paul llamada Blackbird, que para Manson era una clara referencia al poder de los negros. La frase “toda tu vida estuviste esperando éste momento para alzarte” fue considerada el visto bueno de los ingleses para que Charlie comenzara a alzarse en armas.

Si recordamos la fascinación por el álbum doble de The Beatles que Manson manifestó apenas lo escuchó podremos discernir algunas de las referencias que él halló en sus canciones. La más evidente sin dudas era la canción Helter Skelter, cuyo título era utilizado por Charlie para referirse al Armageddon, o la batalla final. Sin embargo, para los británicos éste término era utilizado para denominar a una especie de tobogán en forma de espiral y el autor de la canción, Paul McCartney, utilizó esa imagen para referirse a la sensación que le producía la chica sobre la que hablaba la canción.

Pero que quede clara una cosa; no es que Manson interpretaba las letras y tomaba acción a partir de ellas. Todo lo contrario. Él

Ya desde el título estaba claro que hablaba de los cerdos, el establishment, y la frase final, la que decía “sosteniendo tenedores y cuchillos para comer su jamón” recuerdan aterradoramente al modus operandi de los asesinatos. En sí, la intención de George era la de hacer una crítica/parodia a la misma gente a la que apuntaba Manson, la alta sociedad, pero lejos estaba de pergeñar algo tan macabro.

creía que los Beatles eran quienes recibieron sus creencias y tan sólo se sumaron a la causa.

Haciendo una conexión entre estas dos referencias y los crímenes, podemos ver que las palabras “cerdos” y “alzarse” fueron escritas en las casas de Hinman, Tate y LaBianca, además de Helter Skelter, por supuesto. Pero había otras dos canciones, principalmente, que sostenían la teoría de Manson y eran las dos que contenían la palabra Revolution en sus títulos.

La canción que sucedía a Blackbird era Piggies, de Harrison, y era otra que no daba lugar a segundas interpretaciones, siempre hablando a partir de la psiquis de Charlie.

Revolution 1 hablaba de que “todos nosotros amaríamos ver el plan” y que “cuando hablas de destrucción, ¿No sabes que no puedes contar conmigo?”, que en inglés termina la frase con “count me out” pero un instante más tarde dice “in”, como dando una sensación ambigua con respecto a la postura de la banda con respecto a la violencia. En cambio Revolution 9 era sin lugar a dudas la banda de sonido de la revolución, de la guerra racial, del Armageddon, del Helter Skelter. Con infinidad de gritos, ruidos apocalípticos, la mención una vez más de la palabra “rise”, el llanto de bebés, el sonido de ametralladoras y muchísimas frases que Tobogán estilo “Helter Skelter” 28

hacían referencia a lo que Manson creía sería un futuro inmediato. Sin embargo sentía que había algo más que los muchachos querían decirle y no lograba entender qué. Finalmente notó que el titulo, Revolution, sonaba de manera similar a Revelations, o sea, el Libro de las Revelaciones del Nuevo Testamento, así que volvió a leerlo, en especial el capítulo 9. Lo que encontró terminó de marcarlo: “El quinto ángel tocó su trompeta y vi una estrella que había caído del cielo hacia la Tierra, y la llave del pozo del abismo le fue dada a él.

Era costumbre poner apodos a los miembros de la Familia y Susan Atkins había sido bautizada por Charlie como Sadie Mae, por lo que ver una canción llamada Sexy Sadie en el álbum llenó de regocijo y asombro al líder.

Él abrió el pozo del abismo y un humo salió del pozo, como el humo de un horno, y el sol se oscureció, también el aire, por el humo del pozo”

Existen otras referencias en canciones como Happiness Is A Warm Gun, Honey Pie, I Will o Glass Onion, pero son tan vagas que hacen ver a las pistas sobre el asunto Paul Is Dead como evidencia científica irrefutable.

Manson supo que él era el quinto ángel (los otros cuatro era evidente quiénes eran) y que estaba en sus manos la llave para iniciar la batalla que oscurecería la Tierra, en pos de una nueva era. Por si quedaba alguna duda, más adelante leyó “sus caras eran humanas, pero tenían el cabello largo, como las mujeres”, tal y como Manson y los Beatles. El capitulo culminaba con “Y no se arrepintieron de sus homicidios, ni de sus prácticas espiritistas ni de su inmoralidad sexual, ni de sus hurtos”. Nada describe mejor a la vida que la Familia estaba llevando adelante.

Con todo esto, Bugliosi pudo encaminar el juicio y demostrar que las acciones de Manson y su Familia tenían un lógica, retorcida pero lógica al fin, y así logró convencer al jurado de que debían ser castigados. Adentrándonos un poco en el terreno de las coincidencias, podemos ver que el esposo de Sharon Tate era el afamado director de cine Roman Polanski, quien hacía poco había filmado el clásico de terror Rosemary’s Baby, que habla del hijo engendrado por el diablo en una mujer (¿Manson?). La protagonista femenina era Mia Farrow, que había viajado junto a su hermana Prudence y los Beatles a la estadía con el Maharishi Mahesh Yogi en Rishikesh, India. Prudence Farrow inspiró a Lennon para componer Dear Prudence, otra de las canciones del White Album. Volviendo al film de Polanski, gran parte de la producción se filmó en el Edificio Dakota de New York, el lugar donde años más tarde sería asesinado John Lennon por otro fanático religioso. Como epilogo quisiera mencionar que cada uno de los integrantes de la banda, en alguna oportunidad ha refutado cualquier conexión con Manson y su Familia. Ellos eran el tipo de gente a la que temían y de la que renegaban. Los “buscadores de pistas” llevados al extremo maligno.

Martin Castro

I Got Blisters On My Fingers!

El 4 de octubre de 1999, Paul lanzó su disco de clásicos “Run Devil Run”. Como parte de la campaña de promoción del álbum, su compañía, MPL Communications, arregló con el Cavern Club para hacer un recital allí y filmarlo para lanzarlo como DVD.

vez al Cavern desde su última aparición junto a The Beatles en ese mítico lugar, el 3 de agosto de 1963. “Voy a volver sólo por una noche como un guiño a la música que siempre me emocionó y lo seguirá haciendo. No puedo pensar en una mejor forma de rockear el fin del siglo que con una fiesta de rock n’ roll en el Cavern”, fueron las palabras de Paul.

El 3 de diciembre, Paul anunció en el show de televisión Parkinson que iba a hacer un recital. Once días después, volvió por primera

Sin embargo, esa no había sido la primera opción. El dueño del Cavern, Bill Heckle, declaró a Spencer Leigh: “El representante de prensa de Paul, Geoff Baker, nos pidió que vayamos a ver Gambier Terriace, donde John (Lennon) había vivido con Stu (Sutcliffe) para negociar honorarios para filmar ahí. Ellos no querían hacerlo porque sabían que los costos se cuadruplicarían si se enteraban que McCartney estaba involucrado. Habían pensado en Gambier Terrace para hacer un video promocional porque creían que en ese tiempo The Beatles solía escuchar la música de Run Devil Run. Nosotros conseguimos algunas cifras y luego Geoff nos dijo: ‘¿Cómo se sentirían si lo hiciéramos en el Cavern?’. Paul tenía algunas dudas, porque pensaba que The Cavern era una opción incorrecta (…). Sólo aceptaron hacerlo en el Cavern tres semanas antes de que suceda. Nos dijeron que no debíamos decírselo a nadie y que Paul lo anunciaría en el Parkinson”. La mitad de las 300 entradas fueron sorteadas a través de las tiendas HMV generando una revolución entre los fanáticos. Las empresas relacionadas con The Beatles (EMI, MPL, Apple, los estudios Abbey Road, la

tienda The Beatles Shop y The Beatles Story) colapsaron de llamadas y mensajes de consultas sobre las entradas. Incluso llamaban a toda hora al personal de las empresas, a la gente de prensa y a todos los que podían tener aunque sea una pequeña injerencia a la hora de conseguir entradas. Paul y su banda ensayaron la tarde del 14 de diciembre frente a unos pocos, entre ellos Neil Aspinall y Bob Wooler, el DJ del Cavern que tantas veces lo había presentado a él y al resto de The Beatles en sus tantas noches ahí. Paul le pidió a Bob que lo presente ante la audiencia y él aceptó gustoso, pero al momento del show, Bob no llegó: según Bill Heckle, “desafortunadamente había tomado demasiado y nos llegó el comentario de que 34

no podría hacerlo a las siete de la tarde porque no estaba en condiciones”. La noche del 14 de diciembre, Paul subió al escenario acompañado por los mismos músicos que participaron en el álbum: los guitarristas David Gilmour (Pink Floyd) y Mick Green (The Pirates); el tecladista Pete Wingfield y el baterista Ian Paice (Deep Purple).

Tocaron trece canciones: En total, el show duró 75 minutos. Entre el público estaban el hermano de Paul, Mike, y su hija Stella. Si bien unos pocos pudieron verlo en vivo, miles de fanáticos se reunieron en el Chevasse Park de Liverpool a verlo en una pantalla gigante y tres millones de personas lo vieron en vivo en internet. Por la noche, la radio BBC 2 transmitió el recital entero.

Honey Hush (Joe Turner) Blue Jean Bop (Gene Vincent/Morris Levy) Brown Eyed Handsome Man (Chuck Berry) Fabulous (Harry Land/Jon Sheldon) What It Is (Paul McCartney) Lonesome Town (Baker Knight) Twenty Flight Rock (Ned Fairchild) No Other Baby (Dickie Bishop/Bob Watson) Try Not To Cry (McCartney) Shake A Hand (Joe Morris) All Shook Up (Otis Blackwell/Elvis Presley) I Saw Her Standing There (Lennon/McCartney) Party (Jessie Mae Robinson)

canción de The Rolling Stones) cuando él estaba por comenzar a tocar una canción. Lo primero que pensó es “me lo merezco por estar tocando en vivo acá”. Le constestó “lee mis labios” y le susurró “fuck you” lejos del micrófono. No fue una de las mejores presentaciones de Paul: se lo nota poco apasionado, nervioso y con la cabeza en otra parte. Sin embargo tiene una carga emotiva especial: volver al Cavern, tocar los clásicos que solían escuchar en aquella época, interpretar en vivo I Saw Her Standing There y cantar What It Is en homenaje a Linda, recientemente fallecida (una de las dos canciones de su autoría que interpretó). Es una joya que vale la pena ver para quien disfruta del rock de la década del ’50.

El concierto fue filmado y se emitió por la BBC Television la noche siguiente. Luego, se lanzó en formato DVD llamado “Live At The Cavern Club”, dirigido por Geoff Wonfor, con una duración de 45 minutos de recital y 85 minutos totales (tomando en cuenta los extras que incluyen una entrevista de 17 minutos, dos videoclips y algunos testimonios). Como anécdota de color, esa noche alguien desde el público le gritó “Satisfaction” (una

Maria Dellavalle

George Harrison estaba definitivamente de racha. Tras la liberación que significó para él la ruptura de The Beatles, en el período 1970 - 1973 editó la friolera de tres discos, dos de ellos triples! (dobles en nuestros días de CDs). El último de esta serie es el que revisitaremos ahora: “Living In The Material World”.

Los problemas financieros que surgieron tras el Concierto para Bangladesh hicieron que además de atrasar la grabación de este disco, George comienza a encarar las cosas apaciguando la exultante alegría de los días de “All Things Must Pass”. Eso se tradujo con un carácter más serio al abordar los temas de

la fe y quizás también algo de los amargos vaivenes en su relación con Pattie Boyd. El tono es, en verdad, más sobrio y despojado que el disco de estudio anterior. Mucho tiene que ver el que Phil Spector y su “Muro de Sonido” ya no estén allí. En cambio, Harrison se rodea con algunos de sus amiguetes, comenzando por Ringo Starr y pasando por

Jim Keltner, Leon Russell (quien venía del Concert For Bangladesh), Nicky Hopkins, habitual colaborador de The Rolling Stones y el viejo y conocido Klaus Voormann en el bajo. Junto a ellos; Harrison logró un álbum que si bien tiene un sonido más austero, no deja de ser interesante y conmovedor.

“Give Me Love (Give Me Peace On Earth)” es un comienzo pop, agradable, donde el slide de George (EL slide) se nos mete por todos lados.

de McCartney para tratar de disolver Apple. El mismo piano sigue pero ahora de un modo más melancólico para la bellísima “The Light That Has Lighted The World”, que habla sobre lo incómodo que fue ser un Fab… en este aspecto estaba en sintonía con John Lennon.

Ahora el protagonismo es llevado adelante por el piano en “Sue Me Sue You Blues”, una canción inspirada inicialmente en las peleas

Si hay algo en este disco que se magnifica con respecto a su antecesor es el costado devoto, la constante alabanza a Dios. Si hubo una súplica en “Give Me Love”, aquí, en “Don’t Let Me Wait Too Long” es un cántico hermoso, más allá que muchos miraron de costado aquel presente de George. Probablemente por ese prejuicio fue que el lanzamiento de este tema como segundo single del disco fue cancelado.

“The Lord Loves One (That Loves The Lord)” es otro tema “devocional” si se lo quiere clasificar dentro del universo de canciones de George. Siguiendo con la canción anterior, que cerraba el lado A, esta abre el segundo acto del disco de la misma manera, inspirándose en las enseñanzas de

Si en “The Light That Has Light The World” hablábamos de una empatía conceptual con Lennon, “Who Can See It” es casi una sincronía. Los sentimientos hacia los días con The Beatles afloran en esta canción, triste, oscura, en la cual George tomaba prestado un poco el aura del Roy Orbison más dramático para cantar acerca de la banda y de su posición dentro de ella (recordemos que una vez declaró que Ringo y él eran “Beatles de segunda”). Todo coronado por una orquesta. El tema que bautiza al disco es alegre, con vientos y una percusión notable. En la letra, donde contrapone el mundo espiritual al material, nombra sin sutilezas a John, Paul y Ringo. El nombre del tema y del disco fue tan “ganchero” que la fundación que creó George se llamó así y en 2011 Martin Scorsese le dio el mismo título para el documental acerca de la vida del músico. 41

Bhaktivedanta Swami Prabhupada, fundador del movimiento Hare Krishna. Sobre este aspecto, George devolvió las críticas hacia sus “insinuaciones predicadoras” diciendo que si en una canción se decía algo como “Be Bop A Lula” no había problema, pero que todos se asustaban si se nombraba a Dios o El Señor, se les erizaba el pelo…

hizo de este tema el recordado David Bowie en su disco “Reality” de 2003. “The Day The World’s Gets Round” refleja la tristeza y decepción que el Dark Horse sintió al ver como la burocracia hacía pedazos el sueño original del Concierto Para Bangladesh, hundiéndolo en deducciones de impuestos y asuntos fiscales con el gobierno estadounidense, por lo cual la ayuda que planearon al principio junto a Ravi Shankar fue finalmente algo cercano a la nada misma. Las regalías de este tema, que en una forma distinta a la de Lennon, finalmente es una canción de protesta, las donó a una fundación encargada de dar ayuda humanitaria sin caer en el pantano impositivo.

Con cierto sabor blusero, “Be Here Now” se encuentra entre la oración y la meditación. El tema fue escrito poco antes del concierto para Bangladesh, pero recién apareció aquí. “Try Some, Buy Some” trae de vuelta el dramatismo con las cuerdas y la técnica del “Wall Of Sound” en esta perla que originalmente grabó Ronnie Spector en 1971. La pared de sonido, por supuesto, es gracias a Phil Spector, quien coprodujo este tema junto a George. Por favor, no soy de hablar mucho de versiones, pero vayan a la exquisitez que

El disco termina melancólico, de la mano de “That Is All”, con la presencia del piano de Nicky Hopkins y otra vez una orquesta de cuerdas. 42

“Living In The Material World” es un informe de situación espiritual, la esperanza, la confusión, el enojo y la decepción pero por sobre todo el amor, ya no solo hacia una chica, como en los viejos días, sino el Amor como concepto de lo sagrado, de unión y de lo único que nos puede salvar. A diferencia del sarcasmo lennoniano, Harrison es más comprensivo con el mundo, aunque a veces se haya quejado de que no lo hayan comprendido a él del mismo modo.

para recibir información del baterista estrella Jim Keltner. El humor ácido de George en pequeños detalles…

El disco tuvo en su portada la mano de George en una foto tomada a través de una cámara especial. El arte interior lo mostraba con atuendo sacerdotal católico empuñando un arma (toda una declaración de principios que mantuvo hasta el final, si no chequén “P2 Vatican Blues” de “Brainwashed”. Las reediciones en CD se dieron en 1992, 2006 y 2014. La primera sin material extra, la segunda con un DVD extra con material inédito y en el CD de audio 2 bonus tracks: “Deep Blue” y “Miss O’Dell”. La última edición se encuentra dentro del box set “The Apple Years 1968-1975”. Dos perlitas con respecto a este álbum y a Paul McCartney: “Give Me Love” desbancó nada menos que a “My Love” del puesto número 1 de los rankings, y en la contratapa del disco había una parodia al aviso del “Club de la diversión Wings” (un club de fans), utilizando las mismas alas y el pedido que enviaran un elefante desnudo y estampillado Javier Cuenca 43

Enero ‘67 El día 18 nace el futbolista chileno Ivan Zamorano, mientras en los Estados Unidos se estrenaba otro clásico del Spaghetti Western, A Fistful Of Dollars, protagonizado por Clint Eastwood. El 19 se comienza a grabar lo que para muchos es la Obra Maestra de The Beatles, A Day In The Life, mientras The Monkees alcanzaban el Nro 1 en Inglaterra con I’m A Believer. El día 22 Simon & Garfunkel actúan en el Philharmonic Hall de New York. El 23 comienza el juicio contra Wilhelm Harster, alto mando nazi acusado de la muerte de 82.856 judíos, entre ellos la célebre Anna Frank. El 27 se produce uno de los mayores desastres de la NASA, cuando Gus Grissom, Edward Higgins White y Roger Chaffee mueren al incendiarse su cápsula de entrenamiento en tierra firme.

El 1 de enero de 1967 comienza la feria mundial Expo ’67 en Canadá, mientras que al día siguiente el ex actor Ronald Reagan asume como Gobernador de California. El día 3 muere Jack Ruby, el hombre que asesinó a Lee Harvey Oswald, el presunto asesino del Presidente John F. Kennedy. El 4 de enero The Beatles realizan la primera sesión de grabación del año, aun trabajando en Penny Lane, aunque nada de éste día será usado. Por su parte, The Doors editan su álbum debut homónimo. El 5 se estrena en Inglaterra el último film de Charles Chaplin, A Countess From Hong Kong, mientras en los estudios EMI, además de seguir con Penny Lane, The Beatles graban la más misteriosa de sus obras, Carnival Of Light, una pieza avant garde inédita a la fecha. El 6 de enero se estrena la película The Family Way, con música compuesta por Paul McCartney y George Martin. El día 9 nace Dave Matthews, líder de Dave Matthews Band, mientras en EMI varios músicos de sesión agregaban flautas y bronces a Penny Lane. Dos días más tarde, el 11, David Mason aparece en televisión tocando el Brandenburg Concert No 2 de Bach y es visto por McCartney, quién decide incorporar el sonido del picollo a su canción. Más tarde, Paul y Ringo asistirán al club Bag O’Nails y verán por primera vez en vivo a Jimi Hendrix. El 12 de enero el Dr James Bedford se convierte en la primer persona en ser preservada criogénicamente. Ese día el escritor Joe Orton es reclutado para escribir la próxima película de The Beatles, mientras continúan las sobregrabaciones en EMI. El 15 The Rolling Stones aparecen en el Ed Sullivan Show, haciendo la concesión de cambiar la letra “Let’s spend the night together”, por una más inocente y aceptable “Let’s spend some time together”. En Londres, Paul McCartney y George Harrison asisten al Royal Albert Hall para ver el show de Donovan. El 17 de enero el periódico Daily Mail contiene dos noticias que inspirarán a John Lennon a componer A Day In The Life: la muerte de Tara Browne en un accidente automovilístico y un informe sobre baches en las calles de Blackburn, Lancashire. Ese día finaliza la grabación de Penny Lane, con el aporte de David Mason.

El 29 se realiza el Mantra-Rock Dance, un festival hippie que se desarrolló en San Francisco y contó con la participación de Janis Joplin, Greatful Dead, el poeta Allen Ginsberg y Bhaktivedanta Swami Prabhupada, entre otros. Los dos últimos días del mes, 30 y 31, The Beatles los destinan a la filmación del clip promocional para Strawberry Fields Forever, comenzando los trabajos en Knole Park, en Kent. Durante un descanso del último día, John compró un poster del año 1843 sobre un espectáculo circense que inspiraría a Being For The Benefit Of Mr Kite!

Pilar J. Vázquez 45

Tu NÚMERO DEL ALMA revela tu interioridad, interior, las motivaciones profundas que influyen en tus decisiones y acciones, tus deseos subconscientes y las actitudes más profundamente arraigadas. (Esto está determinado por adicionar los valores de las vocales de tu nombre completo de nacimiento.) Tu NÚMERO DE LA PERSONALIDAD muestra como te manifiestas exteriormente, tu apariencia y la imagen que presentas, como te ven los demás, tu poder de atracción y el entorno que más te gusta. (Esto está determinado por adicionar juntos los valores de las consonantes de tu nombre completo de nacimiento.) Tu NÚMERO DE DESTINO representa todas tus aspiraciones y el camino que seguirás para cumplimentar el propósito de tu vida. (Esto está determinado por adicionar juntos los valores de todas las letras de tu nombre completo de nacimiento.) Tu NÚMERO DE CARRERA muestra tus talentos, capacidades y qué tipos de carreras o vocaciones son más adecuadas para ti. (Esto está determinado por adicionar juntos los dígitos de tu fecha de nacimiento.) Tu NÚMERO PERDIDO (o números) muestra las áreas más débiles y lo que no está desarrollado naturalmente en ti. (Esto está determinado por los números de cualquier valor que no están representados en tu nombre completo de nacimiento.) La PRIMERA VOCAL de tu nombre revela tu reacción instintiva a las personas y situaciones. La PRIMERA INICIAL de tu nombre indica la cualidad más significativa de tu personalidad y la característica que te hace único a los ojos de las demás personas. 46

Brian Samuel Epstein 29915 114353 5712595 vocales + consonantes = 77

1 35

712

suma vocales = 38

5 1 4

suma consonantes = 39 NUMEROLOGÍA BÁSICA

Recuento de letras:

NÚMERO DEL ALMA ES EL 11 Una vida común, viviendo justamente para uno mismo y la propia felicidad personal, nunca le será suficiente. Tiene una profunda identificación interna con toda la clase humana y un fuerte compromiso con los hechos colectivos. Lo que nosotros experimentamos en común - las mayores victorias y tragedias de nuestros tiempos y especialmente la expansión de la conciencia y el entendimiento - le son muy importantes. Tiene inclinaciones espirituales muy fuertes y sus habilidades intuitivas y percepción extrasensorial están muy desarrolladas en el.

Número de Alma = 11 (suma vocales=38) Número de Personalidad = 3 (suma consonantes=39) Número de Destino = 5 (suma vocales y consonantes=77) Número de Carrera = 9 (9) (19/9/1934) No existen letras asociadas al Número 6 (Ausente) No existen letras asociadas al Número 8 (Ausente)

Es un idealista y reformador de corazón y puede ser intolerante y eventualmente despreciativo hacia aquellos quienes no comparten sus puntos de vista en la vida. No siempre tiene mucha sensibilidad ante las debilidades humanas y necesidades de los demás.

NÚMERO DE LA PERSONALIDAD ES EL 3 Irradia calor, entusiasmo, buen ánimo y otros están instintivamente abiertos a él. Goza con la gente inmensamente y está frecuentemente en reuniones mundanas o es el centro de la atención en situaciones sociales. Ilumina un salón cuando entra en él. Vivaz y gregario, es entretenido y un conversador encantador, siempre listo para un buen momento. Tiene éxito en la convivencia. Desea belleza, comodidad, congeniar con el medio y tener el toque artístico necesario para crear una invitadora atmósfera creativa y placentera. También goza color y una artística elegancia en tu elección de la vestimenta y los adornos personales. Le gusta usar joyas y puede ser algo ostentoso o llamativo. Goza la moda y es algo cambiante, pero siempre dentro de ciertos límites y del buen gusto. A veces tiene una cualidad impersonal. Es muy independiente interiormente y tendrá muchas relaciones platónicas antes, después y durante si tiene una pareja. De hecho, es verdaderamente más complaciente con amigos que con la persona amada.

NÚMERO DEL DESTINO ES EL 5 Tiene una mente vivaz, curiosa e impaciente y está vitalmente interesado en aprender, experimentar, cambiar con los tiempos y experimentar todo lo que pueda. No desea un entorno estable, predecible, que ofrezca mucho del camino de la seguridad pero poco de variado y sin estimulación mental o que los movimientos o los cambios no sean frecuentes. Parece inestable o no confiable cambiando de trabajo en trabajo o de

Es bueno para el tener un causa o enfocarse en alguna cosa en particular por su impulso a mejorar y reformar, por otro lado, puede volverse simplemente un crítico de las cosas tal como están, un cínico observador exterior, antes que un verdadera ayuda o inspiración.

relación en relación, una vez que el desafío y el potencial de aprender alguna cosa nueva se haya ido, está impaciente para cambiar. Nuevas ideas, nuevos lugares, nuevas caras e inexplorados territorios le atraen. Puede ser un insaciable lector o viajero. Libertad, aventura y cambios son su sangre vital. Es un elocuente comunicador, ingenioso, articulado y con fluidez tanto oral como con la palabra escrita. Su mente afilada y su maestría en el lenguaje combinan para hacerle un comunicador, vendedor o profesor efectivo y entretenido. Su camino lo lleva a introducirse en nuevos conceptos e innovaciones, despertando discusiones y controversias pero promoviendo cambios y progresos.

NÚMERO DE LA CARRERA ES EL 9 Está preparado para actividades las cuales beneficien a la gente con necesidades o les brinden conjuntamente diversos entornos y perspectivas: trabajo filantrópico o altruista, servicio desinteresado, bienestar social, el arte.

NÚMERO AUSENTE: EL 6 SEIS: Pierde domesticidad y no está inclinado a tomar las responsabilidades de un hogar y de la familia. El deseo de dedicarse al cuidado y bienestar de otros no es muy fuerte. Puede negar las necesidades de su familia y sentir poco interés en el bienestar de las personas de su comunidad. Debe tratar de desarrollar más amor con respecto a los demás y comprender que el toque personal y caritativo es más valioso que cualquier regalo estrictamente material que pueda dar.

CARRERAS Y VOCACIONES: Ministro, servicio público, doctor, nurse u otras de ayuda profesional, veterinario, educador, artista, músico, consejero, servicio exterior, embajador y cualquier trabajo que involucre comunicaciones de larga distancia, publicidad, radio.

NÚMERO AUSENTE: EL 8

SU PRIMERA VOCAL ES I

OCHO: Pierde el sentido de los negocios y puede tener poco interés o pocas ambiciones materiales para emprendimientos o éxitos. Puede ser muy impráctico y cándido acerca de las finanzas, inversiones, procedimientos legales y de las normas del mundo, por lo tanto tomar malas decisiones. Debe tratar de desarrollar un interés y una educación en estas materias para prevenir lamentables y costosos errores de juicio en sus finanzas. Necesita aprender a manejar el tiempo y los recursos más eficientemente.

Su respuesta intuitiva a cualquier situación es DISCRIMINACIÓN INTUITIVA. Actúa acorde a su sentido intuitivo de la situación y puede parecer enteramente ilógico e impenetrable a los argumentos racionales. Es sensible e inteligente, con habilidad de percibir y entender hechos sutiles y complejos. Es simpático, idealista y tiene un fuerte impulso humanitario. Puede ser enteramente subjetivo, sensitivo y emocional. Evita la confrontación tanto como le sea posible y es sensible a la crítica y el rechazo.

Desprecia el comercialismo y no entiende sus valores. Por otra parte no le agrada la posibilidad de vender ningún producto o ideas a los demás, con lo cual, en cambio, puede impedirle de compartir sus esfuerzos creativos con una amplia audiencia.

También está inspirado intelectual o artísticamente y requiere una atmósfera acogedora en la cual desarrollar estos dones.

Es mรกs instintivo y emocional que intelectual. Negativamente, puede ser testarudo obstinadamente y ser sobremanera simplista en sus pensamientos.

SU PRIMERA INICIAL ES B

Isadora Katz

Tiene maneras suaves, graciosas, hospitalarias y es fรกcilmente influenciado por bondad, consideraciรณn e intereses emocionales. Mรกs bien parece estable y calmo, pero las alabanzas como los reproches de los demรกs le afectan fuertemente y es sensible a las crรญticas. Es diplomรกtico y se esfuerzas por agradar. Prefiere trabajar en cooperaciรณn con otros mรกs que independientemente y tiene un fuerte deseo de matrimonio y pareja. Su familia cercana lo ata dรกndole un sentido de seguridad. Su hogar es verdaderamente muy importante para el Ama el bienestar material y tiene un talento para la acumulaciรณn del dinero. Puede proteger y guardar sus ganancias y no desprenderse fรกcilmente de nada una vez que estรก en su poder. Puede ser una persona que atesora y que nunca tira nada.

Sonidos Favoritos es nuestra sección en la que la intención es presentar lo que sería la obra (o una de las obras) más representativa de artistas consagrados de todos los tiempos, aunque no necesariamente con relación Beatle. En la primera entrega de esta sección, la cual ocurrió en Glass Onion 35, la inauguramos con “Pet Sounds”, el disco más importante y complejo de The Beach Boys, que casualmente tenía un vínculo con los Fabs, ya que fue inspirado en la música Beatle y pensado como una suerte de competencia, competencia que siguió del otro lado con la salida de Sgt Pepper. Esta entrega se aleja completamente del mundo Beatle.

todos los tiempos. Comencemos. “A Night At The Opera” es el cuarto disco de Queen. Aunque dudo que alguien no conozca sobre esta banda, diré algunos detalles fundamentales para orientarnos un poco más: En 1968 Brian May (Guitarrista), Tim Staffel (Bajista) y Roger Taylor (Baterista), todos de alrededor de 20 años y compañeros del London's Imperial College quisieron formar una banda de rock. La llamaron Smile. Tras idas y vueltas, en 1970 Staffel conoció, también en la universidad, a Farrokh Bulsara, un auténtico fan de Smile, que se atrevió a aconsejar a la banda a experimentar un poco más, aunque las ideas no prosperaron y la banda se disolvió, aunque por poco tiempo, ya que Farrokh insistió para unirse como cantante (aptitud que tenía de sobra), y junto con Brian y Roger (Tim se bajó definitivamente) formar un nuevo grupo llamado Queen. Farrokh tomó por nombre artístico Freddie Mercury (anteriormente tenía incluso otro nombre artístico: Larry Lurex). Lo único que le faltaba a la banda era un bajista y tras algunos candidatos encontraron al definitivo en un tímido joven de nombre John Deacon en 1971.

Cuando pensé en escribir para esta sección no dude ni por un momento en elegir a Queen, banda nobeatle favorita de quien les escribe. Pero el dilema surgió inmediatamente después: la sección debe profundizar sobre un disco y Queen tiene dos discos igual de importantes: “A Night At The Opera” de 1975 e “Innuendo” de 1991. “Innuendo” tiene mucho simbolismo, y salió muy poco antes de la partida de Freddie, pero a la hora de decantarme por cual escribir opté por la obra que los llevó al megaestrellato de forma meteórica y contaba con, quizá, uno de los mejores temas de

La formación entre 1971 y 1975 publicó 3 álbumes, de menor a mayor en trascendencia: el primero de nombre “Queen” de 1973 con un sonido entre el Hard Rock y el Progresivo contó con dos sencillos que no lograron entrar en los charts: “Keep Yourself Alive” y “Liar”. El segundo álbum, de 1974, fue mucho más pretencioso musicalmente y llevó por título “Queen II”, y además de ser una continuación temática del disco debut, contó con un lado A “Blanco” con canciones de May y Taylor (incluyendo “White Queen”); y uno B “Negro” íntegramente de canciones de Mercury (incluyendo “The March Of The Black Queen”). Su único sencillo “Seven Seas Of Ryhe” entro en los charts ingleses alcanzando el puesto 10. La portada de Queen II es una de las más emblemáticas de la banda y de la música en general y esta dualidad de colores Blanco/Negro volvería a verse pocos años después. El siguiente álbum, también de 1974 de título “Sheer Heart Attack”, además de los recitales en el Rainbow Theatre de Londres antes y después del lanzamiento, terminaron de elevar a la fama a Queen con sus sencillos “Killer Queen” y “Now I’m Here”, de puestos 2 y 11 respectivamente. “Killer Queen” incluso llegó a Estados Unidos alcanzando el puesto 12 del Billboard. Si “Sheer Heart Attack” los hizo alcanzar la fama, el disco que nos compete en esta sección, “A Night At The Opera”, el cuarto de su cronología, los consagraría.

tiempo a la música como ellos hubiesen querido, y con el éxito de “Sheer Heart Attack” y algo de dinero ya en sus arcas, se liberaron de Trident, firmaron para EMI (lo que les trajo todas las comodidades que la banda necesitaba) y entraron a los estudios de grabación fundamentalmente alivianados, nuevamente con Roy Thomas Baker en la producción (quien ya lo había hecho en los 3 discos anteriores) además de Mike Stone. Las sesiones comenzaron en agosto de 1975 y se extendieron hasta noviembre. Para Queen fue un disco difícil de grabar esta vez por la ajustada agenda. Si bien el disco suena redondo por donde se lo mire, la realidad es que fue grabado mayormente con todos los miembros por separado hasta en diferentes estudios de grabación (en total se utilizaron 6). Mientras en un estudio Freddie grababa la voz de un track, en otro Brian hacia lo suyo con la guitarra y así. Esta situación se repitió bastante seguido y siempre con una reunión al final de la jornada para revisar los avances. El trabajo de grabación duró cuatro meses. Como siempre fue una constante en Queen, los cuatro integrantes componían más o menos por igual, según la cantidad de canciones con las que contaran en el momento. A Night At The Opera contó con varias canciones de Freddie y Brian: Freddie aportaría 5, Brian May 4, Roger Taylor 1 y John Deacon 1. El disco arranca con uno de los temas más fuertes de toda la discografía de Queen, el rabioso Hard Rock “Death On Two Legs (Dedicated To…)”. Nombre sugestivo si los hay. En Death On Two Legs Freddie desata su rabia acumulada contra (aunque en ningún momento de la canción lo menciona) nada menos que Norman y Barry Sheffield, propietarios de Trident, a quienes les “dedica” la canción. Arranca: “You suck my blood like a leech, you break the law and you preach, screw my brain till it hurts, you've taken all my money and you want more” y más adelante “Kill joy, bad guy, big talking, small fry” y

Teniendo que hasta ese entonces que enfocarse a necesidades económicas de la banda mayormente derivadas de ”Trident”, empresa manager de la banda que les otorgaba un sueldo mensual, muy bajo y desconsiderad, no les permitía dedicarle tanto 54

para redondearlo: “But now you can kiss my ass goodbye”. Toda una despedida. Freddie diría en una entrevista: “Death on Two Legs fue la letra más malintencionada que había escrito jamás. Contenía tanto rencor que Brian se sentía mal al cantarla. Nadie se hubiera creído nunca cuanto odio y veneno había en la manera de cantar esta canción, excepto por la misma letra. Escuchen la letra atentamente. Es una pequeña obra cruel que saca mi vena más diabólica”.

La cuarta canción del álbum es el momento de John Deacon, con una composición personal dedicada a su esposa por ese entonces Veronica Tetzlaff (con quien se había casado meses antes). La canción generó una pequeña polémica interna en la banda, pero se solucionó fácilmente. Si bien John fue constantemente impulsado por Freddie Mercury a componer sus canciones para la banda (hasta ese entonces solo había aportado Misfire para Sheer

Luego del momento crudo pasamos a la agradable y cortísima “Lazing On A Sunday Afternoon”, también de Freddie. Con una duración de 1:07 es uno de los temas más breves de toda la discografía de Queen. Aquí Freddie explota su lado vaudeville operístico de comienzos del siglo XX, que siempre le agradó. La grabación de esta canción no fue convencional: la voz de Freddie se capturo de manera habitual por un micrófono, pero se reprodujo en auriculares dentro de un tarro, y ese sonido fue el capturado por otro micrófono, lo que le dio ese aspecto a “megáfono” tan característico del track. El tercer track nos trae a Roger Taylor en letra y voz, en su himno y oda a los automóviles: “I’m In Love With My Car”, cantada impecablemente y con mucho sentimiento contando la historia de un hombre “enamorado” de su auto. La guitarra de Brian también se luce en esta canción casi contestando a cada frase de Roger. Un detalle es que hacia el final de la canción, el ruido de motores que puede escucharse proviene del Alfa Romeo recientemente comprado por Roger. Fue un número usual en todos los conciertos de Queen desde su salida hasta 1981, siempre con Roger en la voz principal.

Roger Taylor 55

Heart Attack, pero con el correr de los años aportará muchas y de las más importantes), no sentía adecuado el tocar el teclado Wurlitzer, instrumento al que odiaba al punto de decir “es metálico y horrible y no me gusta ¿Por qué tocar esas cosas cuando tienes un magnifico piano de cola?”. Sin embargo John firme en su idea inicial aprendió a tocar lo necesario para grabar su canción con el sonido que él quería y se encargó del teclado y el bajo, además de como siempre, cederle la voz principal a Freddie. Durante las presentaciones en vivo sí fue tocado con Freddie en el Grand Piano, como habitualmente.

aunque ellos vivieron un año en realidad pasaron muchos y sus seres queridos eran muy viejos o ya habían muerto. La idea le surgió a Brian (astrofísico recibido) a partir de la teoría de la relatividad de Einstein y la dilatación del espacio/tiempo. En las presentaciones en vivo esta canción era cantada por Freddie hasta el momento de su fallecimiento. De ahí en más, Brian tomó la voz nuevamente en las sucesivas versiones de Queen. El siguiente track, “Sweet Lady”, también fue escrito por Brian May, aunque la voz principal la aporto Freddie. Es un rock ligero pero curiosamente en tiempo de vals (3/4). Según Roger Taylor fue la grabación de batería más difícil de su carrera.

Luego sería el turno de “‘39”, una de las canciones favoritas de la mayoría de los fans de la banda, aunque nunca fue un sencillo ni forma parte de la mayoría de los álbumes recopilatorios. La letra es, en palabras de Brian, ciencia ficción – folk o “skiffle”. Fue escrita y cantada por Brian, y trata sobre un grupo de exploradores espaciales que se van de viaje por un año al espacio, pero a la velocidad de la luz. El problema se da al regresar ya que descubren que

El lado A terminaba con “Seaside Rendezvous”, otro de los temas realmente curiosos de la discografía Queenera, que, al igual que “Lazing On A Sunday Afternoon”, fue escrito por Freddie y mostraba partes de su influencia vaudeville. Un aspecto clave de esta canción es el puente, en donde solo Freddie y Roger Taylor realizaron con sus voces todos los 56

sonidos Freddie tubas y sonidos dedos.

que pueden escucharse entre 0:53 y 1:20: los que parecen un clarinete y Roger las trompetas. Así mismo, ellos realizaron los que parecen de tap con dedales en sus

Al igual que “’39”, llega “Good Company”: escrita y cantada por Brian, y contando una historia con un final que es una verdadera desventura. La letra cuenta que el protagonista era aconsejado a mantener las buenas amistades, pero finalmente se casa y abandona a todos sus amigos y con el tiempo adquiere una “Limited Company” a la que se dedica y es abandonado por su mujer. Sobre la canción en si misma cuenta con un banjo tocado por Brian, un instrumento que lo acompañó desde la infancia y con el que aprendió música para luego tocar la guitarra (Brian no tenía dinero para comprar una guitarra, y su primer instrumento, la legendaria “Red Special”, la construyó el junto a su padre). Todos los demás sonidos de la canción están logrados con guitarras,

Así como el disco contiene una de las canciones más cortas (“Lazing On A Sunday Afternoon” con 1:07) también incluye la más larga, que es la increíble “The Prophet’s Song” que abre el lado B con 8 minutos. Es una composición de Brian May, pero sabiamente cedida la voz a Freddie, quien la interpreta de manera magistral. Es realmente oscura y de las más complejas que ha grabado la banda, además de contener varias secciones se la considera todo un exponente del Rock Progresivo. La historia narrada en la canción, sobre una gran inundación (similar a la historia del Arca de Noé, del libro Génesis de la Biblia) fue originada por un sueño que tuvo Brian durante la grabación del álbum anterior en un día en el cual sufrió mucha fiebre. El segundo track de la segunda cara es una de las canciones más conocidas de Queen, aunque quizás no tanto a la salida del álbum sino con el paso de los años, y más aún en Sudamérica: la balada Love Of My Life. Escrita por Freddie, fue aparentemente inspirada en Mary Austin, una novia que había tenido años atrás, aunque esto nunca fue confirmado. Un detalle interesante es que la relación de Freddie y Mary continuó durante toda la vida de Freddie, incluso en el marco de la amistad luego de que Freddie se confesara homosexual en 1980, y gran parte de su herencia al fallecer en 1991 fue a ella. Cuenta con sonido de guitarra y arpas. Freddie diría: “Love Of My Life es una hermosa pequeña balada. Mi influencia clásica aparece allí. Brian toca un arpa tamaño humano en ella. Recuerdo haber pensado ‘Voy a forzarlo a tocarla hasta que sus dedos sangren!’”

Brian May

exactos) y lo convirtió en el sencillo más largo hasta la época, además de ser el más costoso de producir. La grabación de solo este track tomó alrededor de tres semanas. Se dice que Freddie, Brian y Roger Taylor grabaron sus partes vocales de la parte operística innumerables veces durante algunos días para poder lograr el efecto oscuro tan particular, para luego ser doblados y superpuestos varias veces. Sobre la letra y su significado hay innumerables teorías: desde la más superficial que habla de un hombre que cometió asesinato y está arrepentido momentos antes de su ejecución; de un potencial suicidio; que trata de un hombre que vendió el alma al diablo y está arrepentido hasta que finalmente es salvado por Dios; que trata acerca del punto de inflexión en la sexualidad de Freddie; que simplemente no tiene significado alguno y es una letra al azar para acompañar a una exquisita melodía… lo cierto es que la banda siempre fue muy hermética respecto al significado de “Bohemian Rhapsody”. Freddie diría muy cautamente: “Es una de esas canciones que tienen un aura de fantasía alrededor. Pienso que la gente debería simplemente escucharla, pensar en ella y luego formar su propia opinión acerca de lo que les dice… ‘Bohemian Rhapsody’ no salió de la nada. Hice algunas investigaciones porque está pensada para ser un modelo de ópera, ¿por qué no?”. Lo que es claro según declaraciones de Brian May y Roger Taylor es que Freddie se esmeró mucho más que de costumbre en ella, y que no solo la tenía completamente armada en su cabeza antes de grabarla sino que puso mucho de él mismo en su significado. Brian diría: “Freddie era una persona muy compleja, extravagante y divertido en la superficie, pero ocultaba

Freddie Mercury

simulando instrumentos de viento. Otro dato interesante es que Good Company es una de las pocas canciones de Queen sin ningún tipo de participación de Freddie Mercury. El tema número 11 es EL tema de Queen: “Bohemian Rhapsody”. Cuesta escribir sobre una obra de tal magnitud, pero intentaré. Fue escrita por Freddie Mercury en su hogar en Londres y casi desde su salida misma se convirtió en un himno de la banda y una de las canciones más conocidas de la historia. La canción cuenta con seis segmentos perfectamente identificables, aunque no fue la primera vez que Queen grabó canciones con este formato: ya lo había hecho con “The March Of The Black Queen” en el disco “Queen II” y con “My Fairy King” en “Queen”. Respecto a las partes de Bohemian, cuenta con, primero, una introducción coral con piano cantada solo por Freddie pero grabada en multitrack, segundo, una balada a base de piano, un solo de guitarra, una sección operística, una sección de puro Hard Rock y por último una coda. Todo su conjunto finalizado cerraba en casi seis minutos (5:55 para ser

inseguridades y problemas para armonizar su vida con su infancia. Él nunca explicó la letra, pero pienso que puso mucho de él mismo en esa canción”. Por último, el track 12 y cerrando el álbum aparece “God Save The Queen”, el himno del Reino Unido (de autor Anónimo, aunque se supone que fue compuesto por John Bull en 1619). En la versión de Queen, la cual es el único tema no propio grabado en un disco oficial de estudio de la banda, cuenta con todos los arreglos hechos por Brian May. La portada del álbum es un diseño recreado de un logo dibujado por el propio Freddie: Una gran Q rodeada por representantes de los signos del zodiaco de sus cuatro integrantes y algunos objetos más para redondearlo con un fondo blanco detrás. Ahí podemos ver dos leones de Leo: (John 19/8 y Roger 26/7), Virgo (Freddie 5/9) y Cáncer (Brian 19/7). Faltaría aclarar porque el nombre del disco: “A Night At The Opera” fue el nombre de una película de Los Hermanos Marx, de 1935, que los integrantes de la banda miraron en un momento durante la grabación del álbum y saltó como opción obvia para el nombre del disco, al punto que inmediatamente después le enviaron un télex a Groucho Marx buscando la aprobación. Como dato anecdótico, el siguiente disco de Queen, considerado el “hermano” de A Night At The Opera, fue “A Day At The Races”, también con nombre de una película de Los Hermanos Marx, y con una tapa muy similar pero de fondo negro. La dualidad Negro/Blanco que ya había aparecido en Queen II, ahora en tamaño disco. Queen y Groucho Marx se encontrarían a tomar un té un año más tarde y poco antes de que Groucho falleciera, y durante esa velada, Queen tocó ’39 con una sola guitarra clásica prestada. Volviendo al álbum, aunque por un momento se barajó “The Prophet’s Song”, el primer sencillo naturalmente fue “Bohemian Rhapsody”. Aunque lo de naturalmente lo podemos decir ahora, 41 años

después, lo cierto es que en primera instancia los productores miraron con cierta precaución la obra: un sencillo por aquel entonces no debía durar mucho más que tres minutos. Incluso hay quienes llegaban a decir que con el doble de duración, nadie lo pasaría en una radio jamás. Se dice que Roy Thomas Baker le filtró una copia de la canción al DJ radial Kenny Everett días antes de la salida del álbum pero bajo la “promesa de no pasarlo” (guiño de ojo de por medio)… no solo lo pasó una vez, lo pasó 14 veces en dos días, y el éxito fue inmediato y suficiente para convencer a la discográfica de editar un sencillo de casi 6 minutos de duración. Fue lanzado finalmente el 31 de octubre de 1975, llevó por lado B “I’m In Love With My Car”, pero no hubiese sido la elección original. Resulta que Roger estaba muy orgulloso de su canción e insistió hasta el cansancio a la banda para que sea el lado B del sencillo. Naturalmente lo consiguió y fue motivo de algunas fricciones en la banda: al ser el lado B de “Bohemian Rhapsody” le generó ingresos a Taylor de manera equivalente a los que le generó a Freddie su single. El éxito de Bohemian Rhapsody fue inmediato y absoluto: alcanzó el puesto 1 de los charts ingleses de inmediato y se mantuvo allí por 9 semanas, hasta ser desplazado por “Mamma Mia” de ABBA. En Estados Unidos, alcanzó el puesto 9 del Billboard. Hubo un segundo sencillo en mayo de 1976: “You’re My Best Friend”, el cual llevaba “’39” como lado B. Alcanzó el puesto 7 en el Reino Unido y el 16 en Billboard. Ante lo complicado que resultaba para la banda tocar íntegra la canción en vivo, se grabó un videoclip para la ocasión (género del que fue precursor). El mismo, bajo la dirección de Bruce Gowers, contó con una estética replicada de la portada de “Queen II” en la John Deacon 60

Capturas del videoclip de Bohemian Rhapsody

introducción y los coros operísticos (los cuatro miembros de Queen de frente a la cámara ensombrecidos y con fondo negro), además de la banda tocando durante el resto de la canción. Todos los efectos que se ven durante el video fueron realizados de forma completamente casera.

En febrero de 1981 Queen llegaría a Sudamérica, incluyendo Argentina y este sencillo sería reeditado y alcanzaría el primer puesto en todo el continente y permanecería en los charts sudamericanos por un año entero. En 1992 la canción “Bohemian Rhapsody” volvió a ganar mucha notoriedad tras ser incluida en la película “Wayne’s World”, de Mike Myers, estrenada muy poco después de la muerte de Freddie. Tal fue el impacto que produjo en la película que se volvió a editar como sencillo con “The Show Must Go On”

“A Night At The Opera” como disco fue lanzado el 21 de noviembre de 1975 y alcanzó el puesto 1 en el Reino Unido y el 4 en Billboard de Estados Unidos. Finalmente logró el triple platino. Si bien no es directamente un sencillo de este álbum, se trata de un tema del mismo y vale la pena mencionarlo. El álbum en directo “Live Killers”, grabado en Frankfurt, lanzado en junio de 1979 tuvo como primer sencillo la versión de “Love Of My Life”.

como Lado B y un videoclip que mezclaba escenas de la película con el video original. Alcanzo esta vez el puesto 2 en Billboard. Es importante saber que el uso de la canción en la película fue aprobado por el mismísimo Freddie Mercury, a quien se le acercó una copia del film poco antes de morir, y la vio junto con Brian May. Al día de hoy el disco ya cuenta con varias reediciones y expansiones con Bonus Tracks, como ha sido en 1991, 2005 (en conmemoración de sus 30 años) y 2011. Y sigue vigente en las bateas de las disquerías y en las colecciones de todos los amantes de la música.

Federico B. 61

A diferencia de John, George y Paul, Ringo nunca se destacó por ser un multinstrumentista; sus aportes fuera de la percusión durante el período Beatle se limitaron a un par de notas de órgano Hammond en “I’m Looking Through You”, al acorde final en piano de “A Day In The Life” y a la totalidad del piano en su propia composición, “Octopus’s Garden”. La guitarra es un instrumento que le fue esquivo durante aquellos años (luego, en solitario, grabaría en un par de ocasiones), pero eso no le impidió coquetear con ella tras bambalinas.

Aquí un divertido recorrido por imágenes de Ritchie empuñando las seis (o 12) cuerdas; antes, durante y después de The Beatles.

MartĂn Castro 66

A partir del Renacimiento, la puesta en valor de la figura del artista y su actividad (identificadas con las del humanista) determinó la creación de nuevos conceptos: el de artes mayores y del de bellas artes. La superposición de ambos da una numeración de seis artes (número que coincide con el de la clasificación china). Esas seis disciplinas son: la arquitectura, la escultura, la pintura, la danza, la literatura, y la música.

De acuerdo a lo que dice Wikipedia, el Rap es un género musical desarrollado en Norteamérica a finales de la década de los 60, entre la comunidad afroamericana de los Estados Unidos. En la cultura Hip Hop (surgida en el South Bronx de Nueva York a mitad de los 70s) es uno de sus cuatro pilares fundamentales del movimiento. Usualmente es llamado Hip-Hop, de forma imprecisa. Suele recitarse de manera a capella. Podría confundirse con el Spoken Word, pero el Rap se declama al compás del ritmo musical (pulso), en inglés, Beat.

The Beatles entra en esta última categoría mencionada; pero no hablaremos de ellos como artistas, sino como grupo de referencia, influencia y parte de la estructura de los temas del género musical denominado Rap.

El Rap es un tipo de expresión que puede ser cantada, hablada y recitada. Los intérpretes de la música Rap son conocidos como MC, "Maestros de Ceremonias". Se ha aplicado el retroacrónimo RAP, de Rhythm and Poetry (ritmo y poesía) y R. A. P. Ritmo Adaptado a la Poesía o Revolución Artística Popular. La música de The Beatles forma parte de muchos de los temas de algunos exponentes de este género, lo cual motiva este artículo; se incluyen los links correspondientes, para que se pueda apreciar esa influencia.

Guillermo Gibbon

BEASTIE BOYS: El trío de Brooklyn fue uno de los primeros en adoptar las referencias de The Beatles en el Rap. Para su segundo álbum de estudio, “Paul's Boutique” de 1999, los Boys salpicaron una variedad de sabores Beatles a lo largo del disco, especialmente en la pista "The Sounds of Science". Con un título que alude al tema del famoso dúo de los años sesenta, Simon y Garfunkel, la canción toma prestada la potencia de los solos de “The End", de “Abbey Road” Link: https://www.youtube.com/watch?v=CCc33KtP0ng

WU TANG CLAN: Como uno de los ejemplos más tempranos de una muestra de The Beatles en el Hip Hop, Wu-Tang “The Heart Gently Weeps” toma prestada la emblemática canción de George Harrison “While My Guitar Gently Weeps”, lanzada originalmente en noviembre de 1968. Para tal ocasión, el grupo llamó al hijo de Harrison, Dhani, para que le diera a la canción el ritmo talentoso de su guitarra, elevando la magia de la misma. Link: https://www.youtube.com/watch?v=u72nMAIJkno

KANYE WEST: Kanye pudo haber sido el primero en forjar la idea de ser un Beatle negro en el Rap. Para su canción “Gorgeous” del álbum de 2010 “My Beautiful Dark Twisted Fantasy”, West no solo grita a los Fab Four, sino que alude a su icónico éxito “Yesterday”. “They rewrite history, I don’t believe in yesterday,” (Reescriben la historia, no creo en ayer), rima. “What’s a black Beatle, anyway?” (¿Qué es un Beatle negro, de todos modos?). West colaboraría más tarde con Paul McCartney en su éxito de 2015 “FourFiveSeconds”. Link (Solo la letra): https://www.youtube.com/watch?v=cnIgvAo0-TQ

WYCLEF JEAN & R. KELLY: En 1998, tras el gran suceso de su éxito “Gone Til November” (ganador del premio Grammy a la mejor interpretación de Rap solista y el MTV Video Music Award al mejor vídeo de Rhythm & Blues), Wyclef Jean y R. Kelly, realizaron un remix en el que utilizaron una parte de la letra de “Michelle” del álbum de los Fab Four de 1965, “Rubber Soul”. Link: https://www.youtube.com/watch?v=bE5xcdXaBiA

TALIB KWELI: En 2004, Talib Kweli lanzó su álbum “The Beautiful Mixtape”; en la canción “Lonely People” utilizó el estribillo de "Eleanor Rigby" del álbum “Revolver” de 1966. Link: https://www.youtube.com/watch?v=ZE6kQanby3g

THE QWORYMEN: El tema “Beatle Rap” forma parte de “Beatlesongs”, un álbum recopilatorio lanzado en 1982 por Rhino Records, que contiene canciones novedosas y parodias de la música de The Beatles. La portada original causó polémica porque la imagen presentó una caricatura en la que se encontraba Mark David Chapman, el hombre que asesinó a John Lennon (a menos de dos años del suceso). Chapman se representa en la extrema izquierda de la portada, y es quien sostiene el extremo de la bandera. Link: https://www.youtube.com/watch?v=qLj_ll-dVvM

Gonzalo Leitón

Las tierras estuvieron poco tiempo bajo dominio real, pasando a manos privadas. Fueron frecuentes los cambios de propietario de estos extensos campos, dedicados principalmente al pastoreo de animales, hasta que con el advenimiento de la Revolución Industrial y el progresivo desarrollo del vecino pueblo de Liverpool, significativos cambios comenzaron a operarse en la zona. Muchos de estos cambios se debieron a la acción de James Rose (un rico comerciante nacido en Woolton en 1783) quien transformó los campos yermos en tierras cultivadas y en espacios públicos, construyó un molino y fue fundamental para la planificación y la concreción de varias de las principales calles del lugar.

En mapas y libros ingleses de la Edad Media aparece el registro de una pequeña villa cercana a Liverpool llamada Ulventune. Este toponimio, seguramente derivado del nombre de algún jefe anglosajón, fue cambiando con el tiempo (Uvetone, Wlvinton, Wolleton, Wolton) hasta llegar al actual: Woolton. La villa de Woolton está situada al sureste del puerto de Liverpool y se asienta sobre la cresta de una colina (con basamento de piedra arenisca), por lo que es uno de los puntos más altos de la zona, lo que le otorga una gran panorámica del río Mersey y de las montañas galesas. A partir del siglo XII estas tierras fueron ocupadas por los Caballeros de San Juan, una orden católica y militar que protegía las rutas que los cristianos recorrían en la peregrinación a Tierra Santa. Luego de tres siglos de usufructo, las tierras les fueron confiscadas por el rey Enrique VIII para provecho de la Corona. Sobrevive de este período una cruz hecha en piedra, emplazada en el límite norte de Woolton. Las cruces de piedras eran una presencia habitual en las villas medievales y marcaban puntos en donde la gente solía encontrarse, por ejemplo: los mercados.

A inicios del siglo XIX la población de Woolton no alcanzaba los 700 habitantes. Hacia mediados del siglo ya había aumentado a 3700. Woolton comenzó a ser visto por los ricos comerciantes y dueños de barcos de Liverpool como un buen lugar para vivir, en oposición a la ciudad, cada vez más sobrepoblada y con problemas de alojamiento. Muchos de estos comerciantes se mudaron con sus familias y empleados para la zona e implementaron diversas labores de construcción y edificación de edificios y espacios públicos.

La piedra arenisca sobre la cual se asienta Woolton comenzó a ser explotada y utilizada durante el siglo XIX. Al menos seis canteras (quarrys) funcionaron en paralelo durante este período: las piedras extraídas se utilizaban para construir calles y edificios de la zona, y también de Liverpool (por ejemplo, la Catedral Anglicana). Uno de los edificios locales construidos con estas piedras fue la iglesia anglicana de St. Peter. En 1886 se colocó la piedra fundamental de esta sólida construcción de arenisca rojiza y estilo neogótico, que estaría llamada a tener gran incidencia en la congregación y a ser parte de importantes eventos en la comunidad de Woolton, como veremos más adelante. Otro notorio edificio de este tipo fue el Woolton Baths (1893), que brindaba hasta hace pocos años un servicio de baños y piscina pública. Luego de varios siglos de conformar una villa separada de Liverpool, Woolton fue incorporada oficialmente a la ciudad en 1913. Durante el reinado de la Reina Victoria I (1837-1901), período conocido como “época victoriana”, la villa de Woolton era el claro ejemplo de la evidente riqueza de la nación inglesa. Durante el siglo XX –ya como parte de la ciudad– Woolton continuó siendo un suburbio prestigioso, de clase media bien establecida. Buena parte de sus viviendas son de estilo detached o semidetached. Las detached son viviendas independientes o aisladas, con paredes que no tienen linderos. Las semidetached comparten una pared con la vivienda vecina, y generalmente están construidas en espejo. Son las típicas viviendas inglesas de la clase media o media-alta, en oposición a las terraced-house, típicas de la clase trabajadora.

Detached House, Woolton

St Peter’s Church Justamente en una de estas viviendas estilo semidetached, situada en el 251 de Menlove Avenue, John Lennon pasaría gran parte de su infancia y adolescencia junto a sus tíos George y Mimi. Resulta interesante rastrear cómo fue que Mimi, nacida y criada –al igual que sus cuatro hermanas– en Toxteth, unos de los barrios más humildes y difíciles de Liverpool, terminó viviendo en el coqueto suburbio de Woolton. En 1927 Mary Elizabeth Stanley, conocida en la familia como Mimi, empezó a trabajar como enfermera en el Liverpool Convalescent Home. El edificio que lo albergaba era una de las numerosas construcciones de estilo gótico erigidas en Wolton con las piedras extraídas de sus canteras. Durante los años treinta Mimi conoció a George Toogood Smith, un tambero de Woolton, que repartía la leche en la casa de convalecientes. Luego de algunos años de noviazgo se casaron en setiembre de 1939.

75 Semi-Dertached: Menlove Avenue 251, Woolton: Mendips

derrota para los británicos y franceses. Las tropas sobrevivientes debieron escapar en retirada desde las playas de Dunkerque, en el norte de Francia: más de 300.000 soldados huyendo de esa máquina de matar que era la Wehrmacht, el ejército nazi. Esta experiencia caló hondo en George quien regresó muy cambiado, casi como un hombre viejo ya, cuando tenía solamente 37 años. En 1945 Mimi y George contrataron una hipoteca para adquirir Mendips, la casa semi-detached de Menlove Avenue. Mendips, nombre otorgado por sus antiguos dueños en honor a las Mendip Hills, una cadena de colinas del condado de Somerset, era una confortable vivienda de dos plantas, con baño interior, amplias ventanas de vidrio, y patio trasero y delantero. Rápidamente John se vio insertó en la activa y unida comunidad de Woolton. Participaba todos los años de la fiesta (garden fete) organizada en Strawberry Fields. Este lugar comprendía un extenso parque arbolado y una mansión gótica que albergaba un hogar para niños huérfanos o de hogares con problemas. Todos los veranos las niñas y niños del hogar (conocidos como strawbs) vendían puerta a puerta los tickets para la fiesta. Una banda de vientos y metales (brass band) inauguraba el evento que incluía muestras de teatro y gimnasia infantiles, juegos, y una venta económica de ropa, limonada, té y tortas.

John en Mendips George Smith había heredado, tras la trágica muerte de su padre (desaparición por dos meses y posterior descubrimiento de un suicidio), una granja y una terracedhouse situada en el 120a de Allerton Road, Woolton, a la cual llamaban the cottage. Hacia allí se mudaron los recién casados. Sin embargo, la alegría no duró mucho: a los pocos meses George fue llamado para pelear en la guerra. Le tocó participar, durante mayo y junio de 1940, en la batalla de Francia, una batalla que significó una terrible

John conocía muy bien el lugar: para él y sus amigos Strawberry Fields comprendía también el parque privado alrededor de la mansión, un lugar repleto de árboles y de infinitas posibilidades para la aventura y el peligro. Nigel Walley, uno de sus amigos de la infancia, recuerda cómo en una de estas fiestas John consiguió –vaya a saber uno de qué modo– un hábito de monje y pasó la tarde inclinando su encapuchada cabeza y pronunciando retorcidas frases de sabiduría y extravagantes profecías en un bajo murmullo mientras la gente le hacía reverencias, convencida de estar ante un monje verdadero. Por detrás de Mendips corre Vale Road. De una punta a la otra esta calle ilustra claramente la vida en Woolton: árboles cargados de pájaros, espaciosas casas detached para los hombres de negocios, casas semi-detached para la clase trabajadora en ascenso, y las típicas terracedhouse para los trabajadores de las fábricas y de las

Parte de Woolton, con las ubicaciones de Mendips, Strawberry Fields, St Peter’s Church y Vale Road

canteras. En esta calle John se encontraba con sus amigos (Nigel Walley, Ivan Vaughan y Pete Shotton) y desde allí salían a aterrorizar al vecindario. Por décadas los turistas que visitan Liverpool se han tomado fotografías junto al portón de entrada a Strawberry Fields, sobre la calle Beaconsfield Road. Si bien este portón es el único elemento original que se conserva, y sólo allí puede leerse el nombre del lugar, John Lennon rara vez lo atravesaba, pues la manera que tenía de ingresar a Strawberry Fields era saltando un muro de la calle Vale Road. El edificio gótico de Strawberry Fields fue demolido en 1975 y reemplazado por uno de estilo moderno, que a su vez cerró en 2005. Para hacerse una idea de cómo era el edificio original, el visitante puede aproximarse al Liverpool Convalescent Home (en donde trabajó Mimi); este edificio es muy similar a aquel y se conserva intacto sobre la calle Allerton Road, casi enfrente a the cottage, la primera casa que Mimi compartió con George en Woolton.

Strawberry Fields, original

Otra de las actividades que John realizaba en Woolton, además de nadar en la piscina del Woolton Baths, era participar de las clases dominicales de religión y cantar, vestido de sotana y sobrepelliz, en el coro de la iglesia de St. Peter. Nigel Walley y Pete Shotton cantaban a su lado, pero ninguno de los tres lo hacía por devoción cristiana sino para poder hacerse del dinero que les daban cada domingo, más el extra que obtenían en funerales o casamientos. Uno de aquellos domingos, el reverendo Pryce-Jones, vicario de St. Peter, ya no pudo tolerar las risas de estos tres amigos y decidió prescindir de sus servicios. John recordó más tarde, en su libro Skywriting by word of mouth, al reverendo Pryce-Jones de este modo: “Teníamos un vicario galés que odiaba a los niños. Lo recuerdo claramente, con su bien alimentada cara cristiana, su voz aguda y su boca siempre curvada con la sonrisa de domingo. Yo tenía la sensación de que Dios había visitado St. Peter pero que en realidad prefería quedarse afuera”.

Liverpool Convalescent Home

Quien sí se sintió cómodo en St. Peter, una tarde de verano de 1957, fue Paul McCartney. El sábado 6 de julio de aquel año el Quarry Men Skiffle Group, el grupo de John, participó de la fiesta y baile organizados por la iglesia. Los Quarry Men tocaron sobre un escenario

Woolton’s Baths

montado junto a la capilla, muy cerca del cementerio en donde estaban enterrados, entre otros difuntos locales: George Smith (el tío de John), James Rose (uno de los grandes hacedores de Woolton) y una tal Eleanor Rigby. Luego de que Paul pedaleara desde su casa en Allerton hasta lo de su amigo Ivan (también amigo de John), ambos caminaron colina arriba hasta St. Peter. Paul escuchó a los Quarry Men y quedó especialmente atrapado por la actitud del cantante. Más tarde, dentro del hall contiguo a la iglesia, Ivan presentó a Paul y a John, y todo lo demás escapa a este artículo. Bibliografía principal: EVES-LAVIS, Maureen, “Old and new Woolton”. Tomado de: http://creative-designs.com.au/Old-Woolton LENNON, John, Skywriting by word of mouth. New York: Harper & Row, 1986. LEWISOHN, Mark, All these years. Volume I: Tune In. Extended special edition. London: Little Brown, 2013. NORMAN, Philip, Lennon. Barcelona: Anagrama, 2009. PAUL, David, Woolton through time (revised edition). Liverpool: Amberley Publishing, 2006. Web: http://wooltonvillageuk.tripod.com

Lápida de Eleanor Rigby

Concierto de The Quarrymen en St Peter’s Church, 22 de Junio de 1957 78

Federico B.

Flowers In The Dirt, reeditado para la McCartney Archive Colection

Se agranda la PaulMcCartney Archive Collection con el anuncio de la inminente salida de Flowers In The Dirt. Lo que será la décima salida del proyecto, viene presentado en diversos formatos: 2 CDs, 3CD/1DVD y 2 LP, y la experiencia se expande con más contenido exclusivo para obtener por descarga digital HD. Entre los extras, podemos encontrar varios demos originales de 1988, pero el detalle es que los Lados B serán exclusivos para descarga digital, lo que generó mucha polémica entre los fans debido a la total ausencia de soporte físico. La fecha de salida aun no está definida.

Falleció Allan Williams, el primer Manager de The Beatles

Paul y Jimmy Fallon: Nueva versión de Wonderful Christmastime

Allan Williams, a quien se le acredita como el “descubridor” de The Beatles, falleció a los 86 años. Allan fue quien llevó a unos jovencísimos Beatles (con Pete Best y Stuart Sutcliffe) a Hamburgo para que dieran sus primeros conciertos y allí fue donde formaron su estilo que años después desembocaría en un éxito mundial irrepetible.

Jimmy Fallon y Paul McCartney prepararon un video navideño reversionando acapella “Wonderful Christmastime”, el clásico navideño de Paul lanzado originalmente en 1979. En el video, además de Paul y Jimmy, se pueden ver cantando en diferentes cuadros a los miembros de la banda The Roots y a los personajes de la película animada Sing, próxima a estrenarse, así como a los actores que prestan sus voces, incluyendo a Scarlett Johansson, Matthew McConaughey, Reese Witherspoon y Seth MacFarlane entre otros.

Allan, luego de haber “perdido” a The Beatles al entregárselos a Brian Epstein (por unas 9 libras de aquel entonces), nunca se retiró del negocio de manager en la escena de Liverpool, donde trabajó por casi 60 años, además de haber fundado el famoso club “The Jacaranda”.

Regalo Navideño: Los videos de John Lennon en YouTube Casi coincidiendo con las fechas festivas, fueron publicados en el canal oficial de John Lennon en YouTube sus más grandes éxitos. La noticia fue dada por Yoko en su twitter oficial, al publicar “Happy Holidays! Love, Yoko” Los videos fueron extraídos del DVD Lennon Legend, de 2003, y allí podemos encontrar: Happy XMas (War Is Over), Working Class Hero (en dos versiones), Give Peace A Chance, #9 Dream, Mother, Woman, Slippin’ And Slidin’, Imagine, Beautiful Boy, Watching The Wheels, (Just Like) Starting Over, Nobody Told Me, Whatever Gets You Thru The Night, Cold Turkey, Stand By Me, Love, Jealous Guy, Mind Games, Instant Karma!, Power To The People y Borrowed Time.

¿Se vienen los vinilos de George? A partir de una foto posteada por Dhani Harrison y algunas fuentes, ha circulado en internet el rumor de que el próximo 24 de febrero saldrá a la venta un box set de vinilos remasterizados de George. El mismo incluiría todos los discos de George desde Wonderwall Music hasta Brainwashed, incluyendo el Live In Japan pero no el Concert For Bangladesh ni los recopilatorios, por lo que algunos sencillos parecieran quedar afuera. Además se incluirían dos picture disc temáticos de When We Was Fab y Cloud Nine. De todos modos esta es información preliminar. Veremos que pasará luego.

Paul confesó que está trabajando en un disco navideño desde los 70’s Así como el título lo indica, en el ya tradicional segmento de preguntas y respuestas anual de fin de año, se dio la siguiente charla: Christiana de Milton Keynes pregunta: ¿Cantás con tu familia alrededor del piano durante las fiestas? ¿Y si es así, que canciones? Paul: Yo no realmente, pero eso era más una cosa de mi padre. Yo hice una grabación cuando los chicos eran pequeños porque entendí que era muy difícil comprar un disco que solo tuviera canciones navideñas. Podes tener por ejemplo Nat King Cole Sings Christmas o Phil Spector’s Christmas –los cuales tengo y uso- pero yo solo quería ir derecho con canciones navideñas. Entonces entré a mi estudio e hice una gran cantidad de canciones. Actualmente tengo un pequeño CD llamado “Christmas Songs” con todo el material que fui realizando. Lo multi-trackié en el estudio y son agradables! Entonces, en vez de sentarnos alrededor del piano. Normalmente ponemos el CD mientras todos cocinan. Es un buen pequeño CD realmente, tiene valor sentimental porque todos los chicos crecieron con él. Más adelante le preguntarían a Paul si fue grabado en los 70’s, a lo que respondió: Paul: Si, así es, y le agrego una o dos canciones cada año. Luego se le dijo Usuario: ¿Sabes que el próximo año vas a tener que responder “Qué canciones tiene ese CD? ¿Y cuando los vas a lanzar?” Paul: Lo pienso a veces… es algo divertido. De cualquier modo, entraremos en eso. Corte! Estas abriendo la Caja de Pandora!

Falleció Sam Leach, el promotor de The Beatles El promotor de conciertos más popular de Liverpool a comienzos de los 60 y pieza clave para el exponencial crecimiento Beatle por ese entonces, Sam Leach, falleció a los 81 años de edad. Sam padecía de cáncer y falleció en su hogar de Liverpool. Un dato no menor es que Sam casi fue manager de The Beatles, poco antes de que Brian Epstein apareciera y firmaran con él.

Nominaciones a los Grammy para Paul y The Beatles. La esperada lista de nominaciones para los Grammys incluyó 3 candidatos de gran interés para esta revista. The Beatles fue nominado en el rubro “Best Music Film”, por el documental “Eight Days A Week: The Touring Years” de Ron Howard. Por su lado, Paul McCartney fue nominado en el rubro “Best boxed or special limited edition package” por la reedicion de Tug Of War, y en el rubro “Best remixed recording” por la versión de “Nineteen Hundred Eighty-Five” de Timo Maas & James Teej Remix. Otra nominación con relación al mundo beatle ocurrió en el rubro “Best large jazz ensemble album”, donde se encuentra el álbum “Kaleidoscope Eyes: Music of the Beatles” de John Daversa. 84

Sean Lennon, sobre Carrie Fisher La actriz Carrie Fisher, muy famosa por interpretar a la Princesa Leia en la saga Star Wars, falleció el pasado 27 de diciembre luego de sufrir un infarto días atrás. Además de estar vinculada al mundo Beatle por haber participado del videoclip “You’re Sixteen, You’re Beautiful And You’re Mine” de Ringo para el especial televisivo de 1978, no muchos sabían que era una amiga muy cercana de Sean y Yoko. Impactado por la noticia, Sean publicó en su página oficial de Facebook una sentida carta para despedir a su amiga: “Puedo decir honestamente que Carrie fue una de las mejores y más cercanas amigas que he tenido en mi vida. Ella fue la más inteligente, divertida, agradable y generosa persona que he conocido jamás. Mi corazón está completa y permanentemente roto. Es el tipo de pérdida del que no te recuperás jamás. Lo sé porque yo todavía extraño a mi padre cada día. Carrie, te amo tanto. No puedo imaginar mi vida sin que estés ahí para repararla. Significás más para mí que solo una amiga o familiar, te siento como si fueras parte de mí y siempre lo serás. No pude agradecerte lo suficiente por todas esas tardes mágicas. Gracias Debbie y Billie por compartir a su prodigiosa princesa conmigo. Mis pensamientos estarán con ustedes ahora y siempre. Descansa en paz, Carrie Fisher”. En otro comentario Sean diría que Carrie fue quien más lo ayudó a soportar la carga de ser el hijo de una celebridad: “Nadie me ayudó o inspiró más que Carrie Fisher”. Vale recordar que Carrie Fisher era hija de la legendaria actriz Debbie Reynolds, quien falleció solo un día después que Carrie, el pasado 28 de diciembre. Por su parte, Ringo publicó en su cuenta oficial: “Dios bendiga a Carrie Fisher, amor y paz para sus amigos, familia y su legión de fans”, acompañándolo con la publicación del videoclip anteriormente mencionado. 85

LUCY EN EL CIELO CON DIAMANTES Imagínate a ti mismo en un bote en el río Con árboles de mandarina y cielos de mermelada Alguien te llama, tú respondes lentamente Una chica con ojos de caleidoscopio. Flores de celofán amarillas y verdes Se amontonan por sobre tu cabeza Buscas a la chica con el sol en sus ojos Y ella se fue. Lucy en el cielo con diamantes Lucy en el cielo con diamantes Lucy en el cielo con diamantes. La sigues, bajando el puente a través de una fuente Donde gente con caballos de madera come pasteles de malvaviscos Todos te sonríen mientras navegas pasando las flores Que crecen increíblemente altas. Taxis de papel de diario aparecen en la orilla Esperando para llevarte Te subes detrás, con tu cabeza en las nubes Y te vas. Lucy en el cielo con diamantes Lucy en el cielo con diamantes Lucy en el cielo con diamantes. Imagínate a ti mismo en un tren en la estación Con porteros de plastilina con corbatas de espejo De repente alguien está allí en el molinete, La chica con ojos de caleidoscopio. Lucy en el cielo con diamantes Lucy en el cielo con diamantes Lucy en el cielo con diamantes.