Glass Onion - Número 8 by GLASS ONION

EDITORIAL Todo fan que se precie de tal conoce de fechas, aniversarios y momentos especiales en la vida y obra de los Fab. Es más, es capaz de armar su propia efeméride diaria si se lo propone. Puede haber opiniones encontradas sobre si un hecho merece o no ser reconocido en infinidad de puntos, pero hay uno que sin dudas recibe la aclamación de todo el mundo.

TODO DEBE SUCEDER

El enigmático disco del quiet beatle tiene miles de historias para contar. Quién lo produjo, por qué tardó tanto tiempo y cuál fue el criterio de selección de las canciones. Pag. 16

Quizás sea una de las fechas más importantes en la carrera de The Beatles, ya que en febrero de 1964 la banda sensación en Europa pisaba suelo norteamericano y desataba una locura nunca vista con anterioridad. Se puede decir que la fama mundial de los chicos comenzó a gestarse desde su arribo mismo al aeropuerto J.F. Kennedy y explotó dos días más tarde cuando 73 millones de norteamericanos los vieron en vivo por primera vez. En éste Nro de Glass Onion encontrarán una guía exhaustiva de todo (o casi) lo que hicieron en los Estados Unidos en aquella memorable semana. Pero si creen que eso es suficiente, no están ni cerca. Tengo el orgullo (y nunca tan bien aplicada esa palabra) de contarles que nuestra nota de tapa está dedicada a George Harrison y su monumental obra All Things Must Pass. A través de la nota descubrirán como las vidas y las carreras de los más grandes artistas de la escena del rock de ése entonces se entrecruzaron y muchas de ellas surgieron a partir de haber trabajado con George, y como se le fue dando forma a uno de los discos fundamentales no solo del mundo beatle, si no de la música en general. Haciendo un rápido repaso, como para no adelantarles demasiado, les cuento que las notas sobre John, Paul y Ringo, casualmente o no, tratan sobre temas extramusicales. Tenemos a una nueva beatlegirl, en éste caso la hermosa Bárbara Bach y conoceremos más de quién fuera un beatle por un par de días, Jimmie Nicol, el reemplazo de Ringo al comienzo de la gira mundial de 1964.

Los libros de John Lennon no era músico: era un artista. A lo largo de su vida pintó, hizo fotografía e incursionó en la literatura. Pag 11

THE BEATLES EN AMÉRICA Cómo pasaron las horas los chicos de Liverpool antes de la histeria colectiva mundial. La invasión británica vista desde adentro. Pag 4

Barbara Bach, ¿Chica bond o Mujer Starr? La fama la alcanzó mucho antes que su matrimonio con Ringo. ¿Quién era Barbara antes de conocerlo y quién es ahora? Pag 24

Nuevamente estrenamos sección, a la cuál llamamos Rock and Roll Music, y en ella quién escribe se encargará de hablarles de aquellos artistas, anteriores y contemporáneos, que influenciaron de alguna manera a la banda. Conocerán sus obras y de qué modo lograron llegar al cuarteto británico.

MARVIN GAYE el fracaso del éxito

La fama no siempre conlleva felicidad. La vida rodeada de caos y dolor de un músico que profundizó sobre temáticas que nadie había tocado en el mundo del soul. Pag 28

There Are Places I’ll Remember: Penny Lane – Pag10 With A Little Help From My Friends: Jimmie Nicol – Pag 12 Lanzamiento: The Capitol Albums – Pag 14 Photograph – Pag 15 This Song: George Harrison – George Harrison – Pag 26 Ringo: Thomas the Tank Engine – Pag 27 It Was Fifty Years Ago This Month: Febrero ‘64 – Pag 29 Paul McCartney: Go Veggie! Paul y el Vegetarianismo – Pag 30 Rock N’ Roll Music: Elvis Presley– Pag 32 Act Naturally: Two Of Us – Pag 33 In Their Own Words: Viejo Zapato Marrón – Pag 34 I Read The News Today, Oh Boy – Pag 35

Por supuesto que hay mucho más, pero eso lo dejo para que vayan descubriéndolo a medida que avancen en su lectura. Un saludo para todos y nos vemos el mes que viene.

Martin Editor Principal

Editor: @beatlemartin; Supervisión y Corrección: @pinidellavalle; Diseño y Artística: @beatlemartin, @the_beatless, Coordinación y Diagramación: @fedexlg; Redactores: @beatlemartin, @Danbus10, @DoctorWho088, @fedexlg, @HelterSkelter75, @nicothecapo2, @PiniDellavalle

por beatlemartin

por Danbus10

Podría decirse que The Beatles conquistaron América el 7 de febrero de 1964 a la 1:00 PM hora de New York, cuando el vuelo 101 de Pan Am aterrizó en el entonces recién bautizado Aeropuerto John F. Kennedy y unos 3000 adolescentes los esperaban envueltos en gritos y llantos. La Beatlemanía inglesa elevada a la enésima potencia. En el primer número de Glass Onion nos enteramos de cómo se gestó el arribo de la banda a suelo norteamericano, pero ¿qué pasó una vez que estuvieron allí? Lo inmediato fue una conferencia de prensa en pleno aeropuerto donde debieron enfrentar por primera vez a los periodistas americanos. Se dice que muchos de ellos tenían la intención de bajar del pedestal a esos ingleses que se creían gran cosa, pero todos cayeron encantados con el humor y la personalidad de la banda. Allí nació el amor incondicional que le tiene USA a The Beatles y que dura hasta hoy en día.

regalársela, pero Hall mismo decidió dársela al beatle. Era buena publicidad. A la 1:30 PM se dirigieron a los estudios de la CBS para el ensayo de la que sería su primera presentación en el Ed Sullivan Show. Con la ausencia de Harrison, el director de cámaras le pidió a Neil Aspinall, el todoterreno asistente de la banda, que ocupara su lugar. Solo debía pararse en el lugar que ocuparía George la noche siguiente. Durante el ensayo llegó una llamada desde el Plaza. Louise, la hermana de George que hacía unos años se había casado y mudado a Illinois, se encontraba allí y la policía no le permitía el paso. Neil tuvo que ir a solucionar la cuestión, ya que fue encomendada a cuidar a su hermano menor.

“El doctor pensaba en contratar una enfermera que lo medicara a cada hora. Luego se dio cuenta de que yo estaba ahí y me dijo: ¿Puedes hacerlo? No creo que haya una sola mujer en la ciudad que no esté loca por The Beatles. Probablemente eres la única que puede actuar con normalidad cerca de él.”(Louise Caldwell)

Periodista: ¿Qué piensan de Beethoven? Ringo: Genial, especialmente sus poemas. Periodista: En Detroit, Michigan, están repartiendo stickers para autos diciendo “Aniquilen a The Beatles”. Paul: Si, bueno. Antes que nada, estamos realizando nuestra campaña de “Aniquilen a Detroit.” Periodista: Por qué creen que gustan tanto? Paul: No lo sabemos. Realmente. John: Si lo supieramos, formaríamos otro grupo y seríamos sus managers.

Durante el mediodía había llegado al estudio la batería Ludwig que Brian Epstein había solicitado a Manny’s Music Store, ya que Ringo sólo llevo su redoblante y platillos desde Inglaterra, pero el color no era el indicado y tuvo que ser reemplazada rápidamente. En ausencia de Aspinall, los ensayos continuaron y quién ocupó el lugar del guitarrista fue Vince Calandra, un miembro del staff de Sullivan que se encontraba allí y que fue elegido por vestir traje oscuro, a diferencia de los demás, que por ser sábado vestían casual.

La banda fue llevada inmediatamente al Hotel Plaza, lugar donde se hospedó durante toda su estadía en NY, pero había un contratiempo: George estaba enfermo. Tenía 39ºC de fiebre y una infección en la garganta. Por la noche fueron entrevistados vía telefónica por Brian Matthew para ser transmitido al día siguiente en el programa de la BBC Saturday Club. El 8 de febrero, John, Paul y Ringo salieron a caminar por el Central Park, donde les tomaron una serie de fotografías y luego fueron al Savoy Hilton Hotel, invitados por Francis C Hall, el presidente de Rickenbacker, quién les mostro una nueva guitarra que estaban probando: la primer Rick eléctrica de 12 cuerdas. Los muchachos pensaron en llevársela a George, quién en el momento en que se la dieron estaba al teléfono siendo entrevistado por la estación de radio WDGY de Minneapolis. Como Harrison le comentó al DJ que le gustaba la guitarra, la estación se ofreció a comprarla para

incluso que Elvis tenía una opinión algo diferente con respecto a la banda, pero eso será tema de otra nota. La banda fue notificada de éste telegrama antes de salir a escena y George se encargó de hacer reír a todo el mundo preguntando “Elvis qué?”. El set abría con All my loving, seguido por Till there was you. Allí el director decidió que el público debía saber quién era cada uno de los muchachos y sobre su imagen aparecieron los nombres de Paul, Ringo y George. Con una mezcla de espanto y furia disimulada por una sonrisa de ocasión, Lennon vio en los monitores que lo presentaban como “John (Lo sentimos chicas, está casado) ”. No debió preocuparse por eso, a las chicas mucho no les importó. La primer parte cerraba con She loves you, y al devolverle el plano a Ed Sullivan, se lo podía ver con un rostro lleno de satisfacción. Sabía que había sembrado la semilla del éxito en USA y que su apuesta había valido la pena. Cerca del final de la emisión volvieron a salir y ésta vez interpretaron I saw her standing there y I want to hold your hand. La elección no fue azarosa: se trataba de la cara B y A respectivamente del single recientemente publicado por Capitol y que era en ése momento el número #1 en todo el país. Es para destacar la performance vivaz y muy acertada de George, que pese a estar muy enfermo tocó y cantó sus partes perfectamente. Después del show, Murray the K, el famoso DJ neoyorkino que se había autotitulado como “el quinto beatle”, los llevó a una serie de clubs nocturnos para cenar y divertirse. El 11 de febrero debían volar a Washington para su primer concierto en vivo en suelo americano, pero una fuerte tormenta de nieve hizo que se cancelaran todos los vuelos. Se les acondiciono un tren para que viajaran junto a un gran grupo de periodistas que obtuvieron toda clase de respuestas disparatadas y graciosos sketches por parte de los muchachos. Al llegar a la estación de Washington, unos 2000 fans los esperaban, desafiando el clima y los 20 centímetros de nieve que había en el suelo. Fueron llevados al Shoreham Hotel y se les dio todo el séptimo piso para ellos y su entorno. Una de las familias se negó a ceder su departamento, por lo que la gerencia del hotel les cortó el agua caliente, la electricidad y la calefacción, diciendo que se trataba de un desperfecto técnico. Finalmente cedieron y fueron reubicados. Aquella noche actuaron en el Washington Coliseum, un tradicional escenario para peleas de box. Fue algo totalmente atípico ver a la banda en el centro del lugar, rodeados por público y girando cada dos o tres canciones para que puedan ser vistos por los cuatro costados. El que peor la pasó fue Ringo que tuvo que mover su plataforma giratoria él mismo, hasta que fue ayudado por varios asistentes. Al comenzar el show, mientras George cantaba

El día del show, 9 de febrero, comenzó con un Harrison todavía enfermo y nuevamente fue sustituido por Aspinall en el ensayo pero se sumó a ellos unas horas más tarde para lo que fue la grabación del tercer show, que se emitió el 23 de febrero, cuando la banda ya estaba de vuelta en Inglaterra. Ése tercer show se grabó frente a una audiencia en vivo que sería distinta a la que los vio en su debut en vivo y en directo de ésa misma noche. Allí tocaron Twist and shout, Please please me y I want to hold your hand. El dato curioso es que luego de infinidad de ensayos y de escuchar varias tomas, todos estuvieron satisfechos con el sonido que habían logrado captar en la mesa de sonido del control, por lo que se retiraron para un merecido descanso antes de la locura que se avecinaba por la noche. En ése momento entró la encargada de la limpieza y al ver todas las marcas hechas al costado de los faders de la consola decidió limpiarlos y movió todos los ajustes. Al encontrarse con eso, los técnicos debieron realizar una mezcla rápida e improvisada sobre el show mismo. Puede apreciarse que el micrófono de voz de John suena sensiblemente más bajo que el que comparten Paul y George. El programa comenzó a las 8 PM y el hábil Sullivan decidió que la banda abriría y cerraría el show, por lo que todos los que ocuparon los 728 asientos del estudio 50 de la CBS fueron testigos inmediatamente de la presentación en sociedad de The Beatles ante el público norteamericano. Se dice que unas 73.700.000 personas vieron el programa por televisión. En el comienzo de la transmisión, Ed comentó que The Beatles habían recibido un telegrama de parte de Elvis Presley y su manager, el “Coronel” Tom Parker, deseándoles buena suerte y éxito en el país. Años más tarde supieron que había sido obra sólo de Parker e

Roll over Beethoven, su micrófono dejó de funcionar y tuvo que moverse a otro. Para empeorar las cosas, la banda tocaba bajo una lluvia de Jelly Beans, unos dulces que las chicas les arrojaban luego de leer un comentario de Harrison donde decía que le gustaban esas golosinas; la pre-historia de los grandes conciertos. Esa misma noche fueron a la Embajada Británica, invitados por Lady Ormsby-Gore para una recepción. Se trataba de una gala benéfica de la National Association for the Prevention of Cruelty to Children. No se sintieron a gusto entre la aristocracia inglesa que los trataba con soberbia debido a su origen de clase trabajadora y todo se desmadró cuando una mujer cortó un mechón del cabello de Ringo. John se retiró inmediatamente y fue seguido por los demás. Nunca volvieron a aceptar invitaciones gubernamentales y eso les traería un dolor de cabeza muy grande dos años más tarde. Al día siguiente, 12 de febrero, regresaron a New York para dos funciones en el Carnegie Hall, una a las 7:45 PM y otra a las 11:15 PM. Las entradas se pusieron en venta el 27 de enero y se agotaron el día posterior. Por ambos shows, el productor Sid Bernstein les pagó 25 mil dólares e intentó convencer a Brian Epstein para que realizaran un nuevo show la semana siguiente en el Madison Square Garden, pero Epstein se negó: “La próxima vez será”, dijo. John no

tuvo muy buenos recuerdos de aquellas actuaciones

“¡El Carnegie Hall fue terrible! La acústica era malísima. No era un show de rock, fue una especie de circo donde nosotros estábamos en jaulas. Nos hablaban y tocaban, tanto en escena como en el backstage. Solo eramos como animales.” (John Lennon) Esa misma noche volvieron a salir de ronda por los clubs antes partir a Miami para su segundo show de Ed Sullivan. Tomaron el vuelo 11 de National Airlines Flight a la 1:30 PM del día siguiente y llegaron a las 4:00 PM. Fueron recibidos por unos 7000 fans en el aeropuerto y una caravana de motociclistas custodiaron las tres limusinas que los transportaron el Deauville Hotel. Los acompañaba una vez más Murray the K, quién nadie sabe cómo, se las ingenió para estar todo el tiempo con ellos, inclusive se alojó y compartió habitación con George. Por la noche fueron al Mau Mau Lounge y vieron actuar a The Coasters. Más tarde fueron al Miami Peppermint Lounge y presenciaron la actuación de Hank Ballard and the Midnighters. Los dos siguientes días fueron de ensayos en el hotel y descanso en la piscina de un ejecutivo de Capitol. También fueron a navegar y a pescar. En algún momento entre su llegada a Miami y el segundo show, reapareció la gente de Rickenbacker, esta vez con un presente para John. Se

trataba de la versión de 1964 de su 325, que utilizó regularmente desde ése momento. Se dice que también le ofrecieron un bajo a Paul, pero éste no lo aceptó. Aparentemente en éste caso la fábrica quería al menos un pequeño pago, pero McCartney -que siempre fue afecto a conseguir las cosas gratis- se negó. Unos meses más tarde se saldría con la suya. Al ensayo con ropa del 15 de febrero se permitió que entraran unas 2500 personas que habían estado esperando desde muy temprano, y al día siguiente -el día de la transmisión en vivo- la policía tuvo que vérselas con los más de mil chicos que tenían entrada y no pudieron ingresar al recinto. Se repartieron 3500 cuando el lugar tenía capacidad para 2600. Como la semana anterior, la banda tuvo picos de rating altísimos mientras tocaban She loves you, This boy, All my loving, I saw her standing there, From me to you y I want to hold your hand. Pese a la locura desatada por los muchachos y los records de espectadores, esta vez no encabezaban el cartel. La figura principal fue Mitzi Gaynor. El 17 de febrero fue su día libre, donde volvieron a disfrutar del agua y el sol de Miami, esta vez intentando hacer ski acuático, y al día siguiente fueron a conocer al aspirante al título de los pesados, Cassius Clay. Para saber

que pasó en ésa ocasión, vean el tercer número de Glass Onion. Por la noche fueron llevados a una autocine para ver la película de Elvis, Fun in Acapulco. Finalmente, el 21 tomaron un vuelo desde Miami hasta New York, desde donde abordaron otro vuelo hacia London. A partir de ésta visita, se desató lo que se conocería como la British Invasion, donde bandas como The Animals, Herman’s Hermits, The Yardbirds, Gerry and the Pacemakers, The Rollins Stones y muchos más siguieron la estela de The Beatles y tuvieron sus respectivas visitas a USA y éxitos en los charts, un fenómeno nunca visto con anterioridad. Los británicos dominaban las listas del país que había inventado el rock and roll. Se cumple medio siglo de la semana que cambió para siempre la música popular. Una era llena de sana inocencia y donde todo estaba por descubrirse. Una época donde el gigante del norte aún lloraba la trágica pérdida de su líder y unos desfachatados chicos de Liverpool levantaron el ánimo de todo el pueblo con unos desaforados ¡Yeah yeah yeah! Pag 5: Ringo armando su batería recién llegada y Neil reemplazando a George. Pag 6: Un productor de Sullivan reemplazando a George. Pag 7: The Beatles en el Coliseum. Pag 8: John, Paul y Ringo en el Central Park.

por Danbus10 exposición de cuadros en su ventana. Todo se basa en cosas reales. Había un banco en la esquina, así que me imaginé al banquero, que no era una persona real, y sus hábitos extraños y que los niños se ríen de él y la lluvia torrencial. El parque de bomberos fue un poco de licencia poética. Hay una estación de bomberos como a un kilómetro de la carretera. No realmente en Penny Lane, pero necesitábamos un tercer verso, así que hicimos eso y me quedé muy satisfecho con la línea ‘I’ts a clean machine’.” (Paul McCartney – Many Years From Now) Toda la idea resultó muy bien. George Martin declaró que la pareja "Penny Lane" y "Strawberry Fields Forever" resultó ser probablemente el mejor sencillo lanzado por la banda. Como dijo John en una entrevista a Rolling Stone en 1968, “sólo estábamos reviviendo la infancia”. ¿Y qué es hoy de Penny Lane? Bueno, sobre el refugio en el medio de la rotunda que se menciona en la canción (behind the shelter in the middle of the roundabout) se puede decir que en la década de 1980 fue comprado y convertido en el “Sergeant Pepper's Bistro”, aunque fue cerrado poco después. Ahora el lugar se encuentra abandonado y en muy mal estado. Además de eso, tanto la estación de autobuses como la barbería Bioletti fueron demolidas y reemplazadas por un recinto comercial con un supermercado y una casa pública de compras. Desde entonces, el área general Penny Lane ha adquirido más modernidad. Los antiguos negocios, han sido cambiados por cafés, bares y emporios de comida para llevar. En cuanto a la estación de bomberos que se menciona en la canción, que está en realidad en Mather Avenue, todavía está en uso hoy en día. En julio de 2006, un concejal de Liverpool propuso cambiar el nombre de algunas calles ya que sus nombres estaban vinculados a la trata de esclavos. Pronto se descubrió que Penny Lane debía su nombre a James Penny, un rico del siglo XVIII propietario de varios barcos de esclavos y fuerte opositor del abolicionismo. El 10 de julio de 2006, se reveló que se iba a modificar la propuesta para excluir a Penny Lane. Penny Lane is in my ears and in my eyes.

El joven Paul sale de su casa y camina unas cuantas cuadras hasta llegar a la estación de buses de la calle Penny Lane, donde se encuentra con John y juntos toman un bus hacia el centro de la ciudad. Esta escena se repitió muchas veces durante la adolescencia de Paul y John. En ocasiones, también, para cambiar de autobús, hacer una escala en esa calle, para dirigirse a la casa de algún amigo. Así que, seguramente Paul estaría pensando en esos recuerdos al escribir la canción Penny Lane.

“Una gran cantidad de nuestros años de formación los pasamos caminando por esos lugares. Penny Lane la parada en la que tenía que cambiar de autobús para llegar de mi casa a la de John y de muchos de mis amigos. Era una estación de autobuses grande, todos la conocíamos muy bien.” (Paul McCartney – Anthology) Penny Lane, que estaba prevista para ser publicada en el que sería el octavo álbum de The Beatles, que terminaría siendo Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, terminó siendo lanzada como sencillo junto a Strawberry Fields Forever en febrero de 1967 y, de hecho, todo el sencillo tuvo un tinte muy nostálgico. Las dos canciones son un intento de lo mismo: dos visiones distintas, tanto Lennon como McCartney están mirando hacia atrás, a su infancia, en diferentes maneras. Algo parecido a lo que fue A Day In The Life; las percepciones distintas que tenían John y Paul de un día como cualquier otro. No sé si me hago entender. Volvamos a la calle en sí, ya sabiendo que es una recopilación de los recuerdos de ese lugar, nos vamos haciendo una idea:

“Había una barbería llamada Bioletti con fotos de cabezas, de los cortes de pelo que te puedes hacer en la ventana, así que tomamos esa idea y la aumentamos un poco para hacer que suene como si estuviera teniendo una

por Danbus10 Estando aún la beatlemanía en su punto más alto, allá por 1964, más precisamente el 23 de marzo, John publica su primer libro “In His Own Write”. Este fue el primer proyecto de cualquier tipo emprendido por un beatle en solitario. Considerando el momento en que fue lanzado, era de esperarse el éxito que tuvo: una tirada inicial en Inglaterra de 50.000 copias el primer día y 90.000 en los Estados Unidos. Pero, ¿qué dice el libro? Un total de 31 historias, entre poemas y cuentos cortos, varios dibujos a pluma hechos por el mismo John y, además, una introducción de Paul. John era fanático y podría decirse experto en la asociación libre y la improvisación, y podemos ver mucho de esto en este libro. Allí podemos encontrar juegos de palabras, imágenes extrañas y algo surrealistas, hilos narrativos que no tienen ninguna conexión con los otros, faltas de ortografía creativas y unas conclusiones bastante abruptas para desafiar al lector a encontrarle significado o inventarlo él mismo. En realidad el objetivo no era que el libro tuviera algún significado profundo; John quería demostrar sus habilidades creativas de forma libre, así como su sentido del humor. Para promocionar el libro, Lennon apareció en el programa de televisión en vivo de la BBC “Tonight”, transmitido entre las 19:00 y las 19:35. El rodaje tuvo lugar en los “BBC Lime Grove Studios” de Londres, que fueron utilizados por la empresa desde 1949 hasta 1991. En el programa Lennon fue entrevistado por Kenneth Allsop durante cuatro minutos, y extractos del libro fueron leídas por Allsop. Poco más de un año después, John publicó su segundo libro, A Spaniard In The Works, que salió a la venta el 24 de junio de 1965. Se vendió por 10 chelines y seis peniques y tenía 96 páginas que contenían 18 cuentos y, de nuevo, numerosas ilustraciones hechas por John. Fue diseñado por Robert Freeman, quien tomó las fotografías para la cubierta de With The Beatles, Beatles For Sale, Help! Y Rubber Soul.

El libro pasó por cuatro impresiones y vendió 100.000 copias dentro de tres meses.

A Spaniard In The Works me dio otro impulso personal. Ok, no consiguió tanto éxito como el primero, pero ¿cuándo un libro de seguimiento lo hizo? En todo caso, tenía un montón de las historias del libro embotelladas en mi cabeza y fue bueno para deshacerme de ellas – ‘mejor fuera que dentro’. El libro es más complicado, hay algunas historias que ni siquiera yo entiendo. […] Me gusta escribir y me gustaría seguir escribiendo, incluso aunque no haya ninguna editorial lo suficientemente estúpida como para publicarlos”, diría Lennon poco después. Pasó la beatlemanía, The Beatles llegó a su final, pero John no volvió a publicar otro libro. Sólo fue hasta 1986 que Yoko decidió publicar el último libro escrito por John “Skywriting By Word Of Mouth” incluyendo un epílogo escrito por ella. Al igual que los ya mencionados, éste incluye historias variadas y dibujos animados. Éste libro póstumo incluyó también la autobiografía de Lennon titulada, “The Ballad Of John And Yoko” en la que, en una parte, aborda el tema de la separación de The Beatles ("Yo empecé la banda. Y yo la disolví”) y asegura que no tiene resentimientos contra sus ex compañeros. Lennon menciona el manuscrito que se convertiría en el libro en una entrevista para Playboy en 1980: "En un momento dado (durante sus cinco años de ‘retiro’ de la música) escribí unas doscientas páginas de cosas locas". El manuscrito fue robado del apartamento de los Lennon en 1982, y más tarde se recuperó en 1986, cuando Yoko lo hizo publicar.

por fedexlg Hay varios candidatos a ser el quinto Beatle. No nos detendremos en enumerarlos, pero de ellos hay muy pocos que fueron efectivamente un Beatle en la banda y sólo uno que pudo vivir en carne propia la Beatlemanía con todas las letras. Fue un Beatle hecho y derecho por poco más de una semana. Jimmie nació en 1939 en Londres. Luego de finalizar su educación básica, sus padres le regalaron una batería usada y con ella comenzó a practicar. Empezó a trabajar en 1956 reparando baterías para Boosey & Hawkes. Con dedicación, no tardó en hacerse bueno con su instrumento y rápidamente encontró un lugar para tocar junto a The Cabin Boys. En 1958 se casó e ingresó como baterista a Hicks. En 1959 cambió a la banda de Vince Eager, un reconocido del rock and roll, lo que le dio mucha más fama profesional y le abrió otras puertas, llevándolo a tocar en algunas orquestas y de allí, al mundo de los músicos de sesión para los estudios de grabación. Su futuro en éste punto era más que prometedor. En 1964, ayudó a formar a los Shubdubs y es aquí cuando su vida hace el clic definitivo. A comienzos de junio de 1964, Ringo Starr enfermó de amigdalitis y tuvo que dejar temporalmente The Beatles. Inmediatamente y con la agenda cargada de presentaciones debido a estar en plena primera gira mundial, salieron a buscar un reemplazo. Si bien Paul y John no tenían problema con el reemplazo temporal, George si, a lo que argumentó: “Si Ringo no va, yo tampoco, así que tendrán que buscar dos reemplazos ”. De más está decir que finalmente cedió. El 3 de junio, George Martin se contactó con Jimmie (que, por cierto, fue su tercera opción) y lo contrató para reemplazar a Ringo durante algunas presentaciones, empezando... hoy. Según Jimmie, "estaba acostado descansando un poquito, después de comer, cuando el teléfono sonó". Vale decir que, además ser un muy buen percusionista, había participado recientemente de un álbum de covers de The Beatles titulado "Beatlemanía" y, gracias a eso, ya conocía bastante bien el set de canciones. Y no solo eso: tenía un estilo muy similar al de Ringo. A las tres de la tarde, Nicol se encontraba en Abbey Road, donde practicaron durante una hora 6 canciones típicas de

su setlist: I want to hold your hand, She loves you, I saw her standing there, This boy, Can't buy me love y Long tall Sally. Al día siguiente empezó la gira. A Nicol le cortaron el pelo al estilo mocker e incluso tuvo que usar el mismo traje que Ringo pese a no ser de su talla y quedarle el pantalón muy corto. Sobre esto John le escribió a Ringo: "Apúrate y alíviate pronto Ringo, Jimmy está usando todos tus trajes ". Fueron ocho recitales en los que participó, más una presentación para la TV donde se hizo playback: uno en Dinamarca (4/6), dos en Holanda (6/6), dos en Hong Kong (9/6), y cuatro en Australia (12-13/6). Los setlist de estos recitales fueron más cortos, ya que no incluyeron I wanna be your man, el tema que habitualmente cantaba Ringo durante la gira. El 14, Ringo se uniría nuevamente a The Beatles en Australia, por lo que Jimmie volvió a Inglaterra. No hubo despedida, ya que se fue por la noche mientras la banda dormía. Recibió su cheque acordado por 5000 libras y un reloj de oro de obsequio con la inscripción "From The

hacía de su vida, a lo que Nicol contestaba frecuentemente "It's getting better" (Está mejorando). Tres años más tarde, Paul veía salir el sol mientras paseaba a su perra Martha y dijo que el clima "estaba mejorando" y se rio porque recordó las respuestas de Nicol. Ahí nació la canción Getting better, del Sgt Pepper. En una entrevista, Nicol confesaría: "Un

día antes de ser un Beatle, las chicas no se interesaban en mí, para nada. Un día después, con el traje y el corte de pelo Beatle subiendo a la limousine con John, Paul y George, todas morían por tocarme, era muy extraño y un poco aterrador ". En una entrevista que brindo en 1987, Jimmie contó: "Ocupar el lugar de Ringo

fue la peor cosa que me haya sucedido. Hasta entonces estaba tranquilo y feliz, ganando treinta, cuarenta libras a la semana. Cuando los encabezados murieron, comencé a morir yo también. Después de que el dinero se acabó, pensé en hacerme de plata de alguna u otra forma. Pero el tiempo no era el adecuado. Y no quise colgarme de la fama de The Beatles, ellos habían sido muy buenos para conmigo ".

Beatles and Brian Epstein to Jimmy - with appreciation and gratitude" (De The Beatles y Brian Epstein para Jimmy, con aprecio y gratitud). Nicol y los Beatles volverían a encontrarse muy poco tiempo después, el 12 de julio de 1964, en el Hippodrome Theatre de Brighton, cuando tanto los Beatles como los Shubdubs (banda de Nicol) compartieron escenario. Los Shubdubs lanzaron dos singles tiempo después titulados: "Husky"/"Don't come back" y "Humpty Dumpty"/"Night train", pero ninguno alcanzo el éxito. Poco después se unió como baterista temporal para The Dave Clark Five y durante este paso recibió vía correo una maleta con 5000 cartas de fanáticos australianos recordándole que alguna vez fue un Beatle. Dicen allegados a Jimmie que volvió muy distinto luego de su paso por los Fab Four. Durante el resto de 1964 y 1965 Nicol trató de conservar el ritmo de vida que llevó con The Beatles, pero no le fue posible. No tenía éxito musical y el dinero que ganó en su paso con los Beatles le duró muy poco: gastó en sus bandas, e incluso en un Jaguar E. Cada vez se le pagaba menos por sus presentaciones y rápidamente quedó en bancarrota. Intentó sobrellevarlo, continuó haciendo música, pero no fue suficiente. Luego, se uniría a una banda sueca llamada The Spotnicks. A fines de la década del sesenta, se fue a vivir a México e inició una fábrica de botones (la cual perduró hasta fines de los ‘80), e intentó incursionar en la bossa nova. En los ‘90 volvió a Londres y continuó su vida como remodelador de casas y carpintero. Durante algunas comunicaciones con sus ex-compañeros Beatles en los años siguientes a su paso por la banda, habitualmente le preguntaban cómo se encontraba y que

Hubo rumores de que había fallecido (hasta se dijo que provocados por él mismo), pero en 2005 se supo que Nicol estaba viviendo recluido en Londres, en el anonimato y sin ningún interés en su pasado musical. Periodistas y escritores han intentado acercarse a su casa para recibir alguna entrevista, pero siempre los rechazó. Se editó un libro conteniendo una biografía detallada de Nicol desde 1939 hasta 2011 titulado "The Beatle who vanished" con una escasa tirada pero moderado éxito. El mismo se sigue imprimiendo por solicitud. Como dato adicional, en 1967 Jimmie y su segunda esposa tuvieron un hijo llamado Howard, quien en los ‘90 recibió un premio como ingeniero de sonido por su trabajo en las ediciones de The Beatles At The BBC. Jimmie en 2005

por fedexlg No es la intención de este artículo ahondar en detalles sobre la discografía norteamericana de The Beatles, pero sabemos que no fue muy prolija la forma en la que se trataron cada uno de los discos y simples, ya desde las primigenia edición de “Introducing… The Beatles” de VeeJay Records, discográfica que poseía los derechos de la primera tanda de temas. La peculiar forma de tratar los discos siguió e incluso se incrementó cuando los derechos recayeron en Capitol Records. Cada disco fue despedazado minuciosamente, cambiando el orden de temas, usando mezclas distintas, guardando canciones para futuros álbumes, adelantando otras, cambiando portadas, nombres de álbumes... etcétera. Este trato no agradó nunca a The Beatles, así que desde Revolver (no inclusive) los álbumes debían contractualmente respetar portadas, arte, contenido y todo lo concerniente a las ediciones. Por este motivo y por ser Estados Unidos el segundo mercado donde los Fab brillaron, cada disco editado en este país se volvió un fetiche de coleccionistas. Sabiendo lo bien recibidos que serían (y siendo una fuente segura de ganancias), ya habían salido anteriormente reediciones de algunos de los discos de Capitol en formato CD Box-Set como “The Capitol Albums Vol.1 y 2”. Pero ahora, comenzando 2014 y en conmemoración de los 50 años del primer lanzamiento norteamericano, Capitol se decidió por reeditar en CD todo el Catalogo Beatle tal y como se vio en Norteamérica. En esta nueva-vieja colección nos encontramos con los 13 CD editados exclusivamente en Norteamérica a mediados de los ‘60, incluyendo 5 álbumes hasta ahora inéditos de manera oficial en formato CD. El catálogo completo que salió a la venta incluye "Meet The Beatles", "The Beatles' Second Album", "A Hard Day’s Night (Original Motion Picture Soundtrack)", "Something New", "The Beatles Story", "Beatles '65", "The Early Beatles", "Beatles VI", "Help! (Original Motion Picture Soundtrack)", "Rubber Soul", "Yesterday And Today", "Revolver" y "Hey Jude”. Todos presentados en Mini-LP y en formato Mono y Stereo, con la excepción de The Beatles Story y Hey Jude, que solo se incluyen en Stereo. En caso de adquirirlo en el formato

Box-Set, este también contiene un libro de 64 páginas con fotos, posters promocionales y mucha información de cómo se vivió la beatlemanía en Norteamérica Se decidió omitir el álbum Magical Mystery Tour, originalmente otra creación norteamericana idéntica a las demás, debido a su inclusión canónica en el 2009. Otro de los aspectos llamativos a destacar es la presencia de la antigua portada de Yesterday and Today, donde aparecen los 4 fab rodeados de carne y muñecas descuartizadas (En señal de la desaprobación por los “descuartizamientos” de sus discos en Norteamérica por parte de Capitol). Recordemos que ésta había sido censurada al poco tiempo y reemplazada por otra donde se veía a los Beatles con una caja. De todas formas, el MiniLP contendrá en su interior un sticker con la portada “políticamente correcta” para pegar en caso de así desearlo. En cuanto a lo musical, no se recreó todo con exactitud ya que para muchas canciones se optó por tomar los masters de la remasterización de 2009 y no las mezclas únicas hechas en Estados Unidos en los ‘60. Por ejemplo, se dejó de lado los “Duophonic Mix” (falso Stereo) y los “Mono Type-B” (bajada a mono de un track Stereo), y se los reemplazó por sus respectivas mezclas del 2009. Por otro lado, sí se mantuvieron algunas ediciones especiales y mixes de temas que los hacían únicos y diferentes respecto de su contraparte inglesa, tal como el falso arranque en I’m looking through you y versiones únicas de I’ll cry instead, Michelle y She’s a woman, entre otros. La edición salió a la venta el 17/1 en Australia, 20/1 en el Reino Unido y el 21 en Estados Unidos.

por nicothecapo2

Esta foto corresponde al 1 de Julio de 1963. Ese día, John, Paul, George y Ringo junto a George Martin habían estado tomándose algunas fotografías en un callejón. En esta que analizamos, se los ve ingresando al edificio de EMI, precisamente al Estudio 2, para grabar su nuevo sencillo, She Loves You. Nada fuera de lo normal, de no ser por el descontrol que las fans estaban por generar en lo que fue un ejemplo perfecto de la histeria que la beatlemanía había generado. En un día normal, solía haber unas 100 chicas esperando la llegada de la banda al estudio. Si a esto le sumamos que habían llegado unas horas antes de la sesión y todas habían tenido tiempo de llamar a sus amigas, el número de jóvenes se había incrementado notablemente. Y no había más que cuatro o cinco policías para poner orden. Pese a esto, en el estudio todo parecía ir bien hasta que Neil Aspinall y Mal Evans se dirigieron a la cantina a buscar unas tazas de té y volvieron rápidamente al grito de “¡Las fans!”. Resulta que las fanáticas rompieron el control policial y lograron ingresar al edificio, y ahora corrían por todos lados buscando a alguno de los Beatles. Incluso, una fan ingreso en el estudio 2 y trató de abalanzarse sobre Ringo, quién se escondió tras la batería

para protegerse. La histérica joven fue interceptada por Mal Evans antes de que alcance al baterista, pero el descontrol en EMI era generalizado. Y es que las fans corrían y gritaban como locas por los pasillos y la cantina del edificio. Algunas, tiraban de los pelos a los empleados de los estudios pensando que eran Beatles disfrazados. Algunos policías intentaban dominarlas, pero el hecho de que cada vez que atraparan a una aparecieran tres más no facilitaba su tarea. Y así, con este marco de locos, fue como se lanzaron a grabar She Loves You. Hubo un momento en el que John se atrevió a asomarse al exterior para buscar algo de comer, pero volvió instantáneamente diciendo “no vale la pena, esas chiquillas están locas”. Para después del mediodía, los ánimos se habían calmado y la sesión se destinó a grabar la cara B del single, I’ll Get You. A partir de ese día los Beatles no salieron más a la cantina a comer algo, si no que Mal y Neil acondicionaron un lugar del estudio como tal. Así, el ingreso de las fans al estudio no sólo significo una demostración concreta de la locura que se había desatado con la beatlemanía, sino también el comienzo de su encierro y su pérdida de libertad.

por PiniDelavalle y DoctorWho088

Alguien te va a decir que es Ram; otro puede decirte que es Imagine o Plastic Ono Band. Quizás un tercero te diga que el mejor es Band On The Run y es casi seguro que uno salga y grite: “¿Están locos? ¡Es All Thing Must Pass!” La discusión sobre cuál es el mejor disco de todos los editados por los Beatles como solistas va a estar ahí. Cada uno tiene un favoritos o una pequeña lista de aquellos que consideramos los mejores, y está en nosotros querer seguir estirándola hasta convertirla en un ridículo intento de conseguir un ganador o simplemente sentarnos y aceptar la grandeza de cada uno de ellos. No se puede explicar un hecho sin poner el foco en el contexto; en este caso, entender e incluso analizar los momentos que transformaron los procesos de grabación de cada uno de los discos. Cuando All things must pass salió, en 1970, nadie podía imaginar que el pequeño George, el quiet beatle, pudiera no sólo editar un disco triple -el primero de la historia- sino también llevarse las alabanzas tanto del público como de la crítica especializada. Respecto a su extensión, George afirmó que estaba creando mucha música, pero que su cuota era muy pequeña respecto a la producida por Lennon y McCartney.

do, de 1964, o la posteriormente reinterpretada Not guilty, que fue creada y ensayada durante las sesiones del White Album. No es que George no escribiera, es que simplemente no hallaba lugar en el cancionero de John y Paul. Como casi todos los artistas, George creció musical y narrativamente con el paso del tiempo. El punto de inflexión varía según los criterios de cada uno, pero todos coincidimos en que en Sgt Pepper's ya no era el mismo. Uno de los factores fue su primer acercamiento a la música hindú, que luego lo llevó a conocer con más profundidad a ISKCON (Asociación Internacional para la Conciencia de Krishna), de forma que hubo, a su vez, un cambio espiritual en él. Dejó de interesarse por las mismas cosas que sus compañeros de banda y a indagar sobre cuestiones inherentes al espíritu, composiciones que fueron, luego, utilizadas en sus álbumes posteriores. El viaje a la India de 1968 y el interés de su -en ese entonces- esposa, Pattie Boyd, lo llevó a descubrir una faceta que él no conocía de sí mismo. El único acercamiento a la religión que había tenido fue de la mano de su madre, Louise, una ama de casa de origen irlandés, y de su padre, Harry, un chofer de colectivos que había abandonado la marina. Ambos intentaron criar a sus hijos en un hogar católico, a pesar de que George no profesaba esa religión.

“Era como si tuvieses diarrea y que no te dejasen ir al baño. Creo que mucha gente se sorprendió al ver que yo también escribía canciones”, declararía al respecto. Y sí, George sabía escribir canciones y tenía muchas reservadas para lo que terminó siendo su primer disco solista. Pero este no es realmente su primer disco solista, aunque sí es el primero luego de la separación de The Beatles. En 1968, precisamente el primero de noviembre, salía Wonderwall music, un álbum que servía de banda de sonido para el film del mismo nombre. Al año siguiente también lanzó Electronic sound con la asistencia del padre del sintetizador Moog, Bernie Krauss. Y ahí es donde deberíamos hacer la pausa: en 1969, con las grabaciones de Let It Be. Ese es el punto de inicio del proyecto All things must pass. ¿Podemos hablar de este disco desprendiéndonos de la mecánica interna que llevo a la ruptura de The Beatles? Creemos que la respuesta es no, pero también necesitamos dar las razones. George colaboró con un promedio de dos canciones por disco (en casos extraordinarios como Revolver llegó a tres, pero después sólo aportó una en Sgt. Peppers Loney Hearts Club Band, así como también en Magical Mistery Tour colaboró con Blue Jay Way y aportó dos de los seis temas del disco Yellow Submarine). Terminó su carrera como miembro de la banda con 20 composiciones, ¿y luego qué? ¿Acaso Harrison sólo había escrito aquello que grabó con The Beatles? Claro que no. De hecho, sólo basta con ojear un poco los discos que forman parte de Anthology y ahí podremos encontrar a la desconocida You know what to

Pero el cambió de George también reflejo otro aspecto en su manera de escribir. Si quería ganar protagonismo y poder aumentar su dosis de participaciones en los discos de The Beatles debía salir a competir con Paul y John. Tuvo que exigirse, volverse tan bueno como ellos. Necesitó encontrar su nicho como músico, un lugar que le permitiera lucirse, transformar su música. Y ahí estaba la música hindú. Aún en su faceta más pop, Harrison se permitió seguir reflexionando y mirando hacía dentro de su propio ser en busca de preguntas que difícilmente tengan respuestas. Sabía que no podía adentrarse en ese terreno de canciones como With a little help from my friends o Magical mystery tour: él debía correr por otro camino. Sólo en 1967, George sacó de su galera dos de las composiciones más extrañas y con más atmósfera de toda la discografía Beatle: Within you without you y Blue jay way, ambas que serían casi imposibles de imaginar como parte del repertorio de Lennon o McCartney. El talento y su confianza seguían en crecimiento. Se acercó al I Ching y su influencia derivó en While my guitar gently weeps; Piggies retomó con la línea política (previamente había sido Taxman y probablemente -ya que no lo recordaba- Think For Yourself); y volvió a abrazar lo enigmático con la casi inaudible Long, Long, Long. Harrison llegó a las grabaciones de Get Back (que luego se transformaría en Let it be) en estado de gracia: estaba inspirado, pero también cansado; estaba podrido de su cuota de dos canciones, quería más y tenía con que pedir más. En los ensayos para el proyecto se hicieron cientos (literalmente) de canciones, desde clásicos a instrumentales, juegos, canciones que terminarían en Abbey road y hasta reversiones de sus propios temas. En 1968, una vez finalizadas las grabaciones del Álbum Blanco, George viajó a Woodstock -fue el único beatle ahíy durante su estadía, además de pasar un tiempo alejado de sus compañeros, aprovechó para estar en compañía de Bob Dylan (con quien compuso algunas canciones) y los integrantes de The Band. Notó que el funcionamiento del quinteto era puramente democrático: las decisiones se tomaban entre todos, sin restricciones. Si algo faltaba en The Beatles era éso; en algunas cosas, no tenía voz ni voto. Para él, éso que le estaba pasando era la vida que había perdido siendo un Beatle y no veía nada peor que volver a encerrarse entre cuatro paredes con otras tres personas a las cuales no tenía ganas de ver. Pero contratos y

obligaciones son contratos y obligaciones. Se encerró en ese cuarto y trató de sobrevivir: casi no lo logra. El clima era hediondo (y no nos estamos refiriendo a un olor en particular) y George se pudrió, y se pudrió en serio. ¿Habrá llorado el día que se fue luego de una pelea con Paul, como realmente dice en Wah-Wah? Lo concreto es que se había ido y no estaba en sus planes volver. En términos futbolisticos, colgó los botines. George había escrito muchas canciones e intentó que llegaran al nuevo proyecto Beatle, durante las sesiones fueron ensayadas temas como All things must pass (ver Anthology 3 disco 2), Hear me lord, Isn't it a pity y Let it down, y sólo llegaron al disco (y esto es a criterio personal) sus dos creaciones menos inspiradas: I me mine y For you blue. Pero algo estaba pasando en su cabeza. Incluso luego de haber vuelto para poder terminar el disco, George quería su propio disco de canciones. Como mencionamos al principio, All Things Must Pass fue un disco triple. Esto no significa que George haya lanzado tres álbumes tal como los concebimos ahora, de once o doce temas cada uno. El total de canciones podrían haberse ubicado fácilmente en dos discos, tal como sucedió en la reedición de 2001, donde las que integraban el tercer álbum fueron incluidas en el segundo, junto a nuevas versiones que se agregaron en el primer disco. Esto es, en el primer disco original habían nueve (una era de Dylan), en el segundo otras nueve, y el tercero estaba compuesto por cuatro improvisaciones instrumentales y una quinta con letra, pero cuya música pertenecía a

Geoff Emerick, el famoso ingeniero de sonido de los Fab, comentó en su libro “Here, there and everywhere. My life recording the music of The Beatles” que le “impresionó bastante la capacidad de Harrison como productor. Parecía saber lo que quería, y lo perseguía sin aspavientos”. Años después, el Beatle volvió a pedir los servicios de Emerick para obtener un sonido particular para la guitarra de It don´t come easy, el primer gran éxito de Ringo. En el libro volvió a resaltar su condición de productor afirmando que tenía un “talento enorme”. Pero el proyecto All things must pass era descomunal y necesitaba alguien que encausara todo: ese fue Phil Spector. En las notas internas de la reedición de 2001 de All things must pass, Harrison comentó un poco acerca del proceso del disco: “Algunas sesiones fueron muy largas en la preparación del sonido y los arreglos. A veces teníamos dos o tres percusionistas, dos bateristas, cuatro o cinco guitarras acústicas, dos pianos, e incluso dos bajos en algunos temas. Las canciones fueron tocadas una y otra vez hasta que resolvimos los arreglos”. Pero Phil Spector también le generó complicaciones a George, incluso más de las que podía esperar: Phil estaba un poco desequilibrado, con algunos problemas con la bebida y otros con la droga. Fue difícil para Harrison tener que en algunos momentos manejar con los problemas de la persona que estaba ahí para hacer las cosas de la manera más sencilla. Pero el exBeatle era un hombre inteligente y sabía que tenía un problema: su voz. Simplemente no confiaba en ella. Emerick comentó en su libro al respecto acerca de la grabación de Something: “George volvió a ponerse muy nervioso cuando llegó el momento la voz. Por mucho que intentáramos crear un ambiente agradable (bajando la iluminación y encendiendo incienso), no parecía sentirse cómodo. Era una canción difícil de cantar, pero al final hizo un trabajo magnífico (…). Curiosamente,

Congratulations, un tema interpretado por Cliff Richard compuesto por Bill Martin y Phil Coulter, quienes no dudaron en reclamar posteriormente las regalías por lo recaudado. Con esto no estamos diciendo que George tenía en su haber pocas canciones, sino que no decidió incluirlas a todas. Temas como "Window, window", "Everybody, nobody", "Nowhere to go", "Cosmic empire", "Mother Divine" y "Tell me what has happened to you" quedaron inéditas a pesar de habérselas mostrado al productor del álbum, Phil Spector. Para la fortuna de los fanáticos de George, quince de estos demos fueron reunidos en un álbum que circula en forma pirata por Internet bajo el nombre "Beware of ABKCO". En el booklet de la reedición de 2001, George deja bien en claro por qué quería lanzar este disco: "Comencé a grabar pocos meses después de que finalmente decidimos ir por caminos separados y estaba buscando realizar mi primer álbum solista de 'canciones' (en contraposición a 'Wonderwall' y 'Electronic Sound' que eran instrumentales)”. El 20 de mayo de 1970 se estrenó en cine Let It Be, la película que documenta las tormentosas grabaciones del anteúltimo disco de la banda. Ese mismo día, George se reunió en los estudios Abbey Road con el productor musical Phil Spector, con quien había trabajado el año anterior cuando lo invitó a unirse a la grabación de Instant Karma, de John Lennon. En aquella reunión, interpretó algunas de las canciones que quería grabar en ese primer álbum. Spector no perdió el tiempo y lo citó seis días después, en el mismo lugar, para comenzar a grabarlas. George estaba interesado en producir, era un rol en el que se sentía cómodo. Había producido en sus dos experimentos como solista y le produjo el disco debut al cantante de Liverpool, Jackie Lomax, llamado Is this what you want?

George tuvo que encargarse el trabajo de producción por un tiempo. Pero la causa que quizás tuvo mayor peso a la hora de desviar la atención de George haya sido la salud de su madre: tenía un estado avanzado de cáncer. En julio de aquel turbulento año, viajaba periódicamente a Liverpool para visitarla en el hospital donde estaba internada y acompañarla en este duro momento, para el cual él ya estaba preparado. El disco incluye entre sus canciones The art of dying y no en forma casual: todo lo que sucedía con su madre lo influía a reflexionar sobre la muerte y su sentido, sobre el mundo material y el espiritual. El disco también fue el puntal de otro proyecto al cual Harrison apoyó: Derek & The Dominos. Por cuestiones legales, los créditos a los músicos que tenían contratos con otras discográficas no podían ponerse en el disco, por lo cual tuvieron que pasar 30 años (y una reedición) para que George pudiera agradecerle a Eric Clapton y al en ése entonces desconocido Phil Collins por su participación. Meses antes de dar comienzo a la grabación del álbum, George había girado con Delaney & Bonnie por Dinamarca, una gira en la que creció increíblemente como músico (incluso aprendiendo a tocar la guitarra slide) pero también donde los excesos no faltaron y muchos dicen que para él eso fue como volver a los tiempos de Hamburgo. Necesitaba un buen equipo para su nuevo disco y decidió convocar a todos los músicos con los que había girado: Bobby Whitlock, Jim Gordon, Carl Radle, Bobby Keys, Jim Price y Dave Mason a los que sumó a sus dos grandes compañeros, Ringo Starr y Billy Preston. En los ensayos, las charlas entre grabaciones y algunas zapadas, algunos de ellos lograron llevarse muy bien. Clapton ya era un músico consagrado y eso no le estaba gustando demasiado, considerando que siempre tuvo una personalidad introvertida y la prensa y los fanáticos lo habían convertido en una especie de estrella. Las grabaciones de las “Apple Jams” se realizaron en los estudios Apple y las relaciones entre los músicos se fortalecieron aún más. Fue por eso que eligió a tres de los músicos de Delanney & Bonnie -precisamente, a Whitlock, Radle y Jim Gordon- para conformar una banda que en principio llamaron “Eric Clapton and Friends”. Por supuesto que eso no cambiaría demasiado lo que venía sucediendo: él seguía siendo la estrella. Luego, decidieron llamarse Derek & The Dynamics, siendo Derek una conjunción de Del (apodo que Clapton había recibido de sus compañeros de banda) y su nombre de pila. Pero en un concierto en vivo, el presentador leyó mal, creando así el nombre final de la banda. Cuando se sintieron lo suficientemente confiados, se metieron al estudio de grabación Criteria, de Miami, a grabar gran parte de su primer y único álbum, Layla &

George nunca dudaba cuando tenía que grabar coros, pero cuando se trataba de la voz solista perdía toda la confianza”. De las grabaciones de Abbey Road a las de All things must pass no pasó mucho tiempo. Seguía dubitativo respecto a su capacidad vocal. Y Spector se lo hizo saber. Cuando se alejó por algunos otros compromisos, le escribió una carta respecto a varias de las canciones que conforman el disco y todas (o casi) tienen un factor común: instar a George a volver a grabar las voces. Creía que podía dar mucho más, pretendía que la voz no estuviera enterrada entre medio de la mezcla y para eso necesitaba compromiso por parte de Harrison. Así mismo, también le sugiere considerar seriamente seguir las grabaciones en los estudios Trident, donde se hicieron algunas sobregrabaciones y donde en una caída accidental (quizás por culpa de una de sus recurrentes borracheras) Spector se quebró el brazo. Lo cierto es que sobre todo la grabación del disco se dio en un marco de completo caos. Harrison había declarado a una radio de la ciudad de Nueva York que el proceso del álbum no demoraría más de ocho semanas, pero la grabación, las sobregrabaciones y la mezcla dilataron el proyecto cinco meses. De todas formas, esas no fueron las únicas razones; de hecho, fueron múltiples las causas que estiraron el lanzamiento. Una de ellas fue el recurrente estado de ebriedad de Spector. Harrison diría en alguna oportunidad que el productor necesitaba “dieciocho brandis de cereza antes de empezar a trabajar”, por lo que

another assorted love songs, bajo la producción de un viejo colaborador de Clapton, Tom Dowd. Una vez en los estudios, Duane Allman se unió al cuarteto. El resultado de esas jornadas fueron 14 canciones, casi todas ellas un grito desesperado de amor para una mujer prohibida: Pattie Boyd. Curiosamente, George participó de las grabaciones del disco, tocando la guitarra en Tell the truth y Roll it over, ambas producidas por Spector y grabadas en Apple el 18 de junio. Después de los rechazos constantes de la esposa de George al enamorado guitarrista, incluso luego de haberle puesto a todo volumen el tema que da nombre al disco una de las declaraciones de amor más recordadas de la historia de la música-, Clapton comenzó a consumir heroína en exceso, alejándose de la música hasta 1974, año en el cual la rubia decidió quedarse con él, una vez que él logró salir de su adicción. Pero volviendo a All things must pass, todo había sido grabado ya, y lo que quedaba por hacer eran las mezclas, las masterizaciones y algunos agregados sonoros, y eso llevó tiempo. Los próximos meses consistieron en agregar la famosa “pared de sonido” de Spector, lo que lograron convirtiendo las grabaciones de ocho canales a masters de 16 canales, proceso que les permitiría mayor libertad para agregar más instrumentos y sobregrabar otros, y eso consumió casi todo el mes de agosto. Durante septiembre se grabaron las orquestaciones de John Barham y se grabaron nuevas voces de George, algunos slides y nuevos coros. Fue recién el 28 de octubre cuando Spector, George y Pattie viajaron a Nueva York llevando el disco casi terminado, listo para lanzarse, a pesar de las inseguridades de Harrison. Lo único que faltaba para que el álbum llegue a las calles era el arte de tapa y el diseño estético, creado por Tom Wilkes y Barry Feinstein. Al primero, George le encargó “elaborar una caja de cartón con bisagras” para guardar los tres vinilos, antes que ponerlos a todos en un cover triple. Un empleado de Apple luego diría: “Era una maldita cosa enorme, necesitabas brazos de orangután para cargar media docena”. Ese tipo de formato era el utilizado para

distribuir obras clásicas o de ópera, por lo que generó algunas confusiones. Además, se le encargó crear la portada del tercer disco, que terminó siendo un frasco de mermelada de manzana. Luego, sería el encargado del arte del disco del Concierto por Bangla Desh. Anteriormente había creado las portadas de discos de The Rolling Stones, pero lo que más influyó para que George lo elija fue que el año anterior había sido el diseñador gráfico del álbum Accept no Subtitute de Delaney & Bonnie. Feinstein, por otra parte, fue quien sacó la foto de portada: un retrato en blanco y negro de George sentado en el jardín de su nuevo hogar, Friar Park, rodeado por cuatro gnomos de jardín, que luego fue interpretada como una foto de Harrison rodeado de los Beatles, algo que el título del álbum terminaba de dar sentido. Tiempo antes había acompañado a Bob Dylan en su tour por Inglaterra en 1966. Sir Frankie Crisp nació un 25 de octubre de 1843 y fue un excéntrico y exitoso abogado. En 1875 adquirió una mansión neo-gótica conocida como Friar Park en la zona conocida como Henley-On Thames. Además de abogado, Crisp era horticultor y creó en su nueva residencia una serie de jardines inspirados en todos los lugares que había visitado. Cuando falleció, en 1919, la mansión quedó bajo la orden Salesiana de Don Bosco y comenzó a funcionar un colegio dirigido por las monjas del lugar. Para 1960 el Instituto estaba cerrado y Friar Park en ruinas. Se pensó, incluso, en demoler el lugar, pero Harrison llegó en enero de 1970 escapando de la locura londinense y de The Beatles en busca de paz y Friar Park se volvió su refugio. Él mismo lo definió como su lugar en el mundo. Sir Frankie sirvió de inspiración para All things must pass: no sólo sus jardines fueron retratados en el arte del disco, sino que

también el interior de la casa y, además, George le dedicó Ballad of Sir Frankie Crisp (Let it roll). La recepción de la crítica fue favorable. Muchos lo escucharon absortos, casi sin poder creer que George era capaz de hacer una obra musical de este nivel. Para el mismo año, Paul había lanzado su primer disco, McCartney, y John había hecho lo mismo con John Lennon/Plastic Ono Band y sin embargo ninguno se había destacado de la misma forma en la que el beatle más pequeño lo había hecho. En una reseña del disco, John Bergstrom, un editor musical asociado de PopMatters, aseguró que All Things Must Pass había vendido para enero de 2011 más copias que los discos Imagine y Band on the run juntos. El disco se publicó el 27 de noviembre de 1970 en Estados Unidos y tres días después en el Reino Unido. Eso significa que este año ATMP cumplirá 44 años. El lanzamiento del

disco más popular de George Harrison se dio en circunstancias excepcionales. Un momento de crisis y de renacimiento. George estaba rodeando de muerte: su madre agonizaba y la banda de su vida ya no existía más. Necesitaba liberar toda la presión. Tenía sólo 27 años cuando editó este disco, necesitaba volver a nacer, sentirse vivo, algo que le hiciera olvidar el dolor. Este álbum nació en el dolor, se grabó en el dolor y, paradójicamente, es el canto de cisne de la vida de George. Sus miedos, frustraciones y esperanzas están en All things must pass, sólo hay que sentarse y escuchar, sentir que George estaba siendo libre. Que necesitaba liberarse de la carga que le estaba significando ser un Beatle pero que, además, tenía cosas que decir. Quería contar sus verdades, lo que le estaba pasando. Es un disco con mucha visceralidad. Harrison en estado puro.

por PiniDellavalle La carrera musical de Ringo venía en franca caída luego del lanzamiento de varios discos de escaso o nulo éxito comercial. A diferencia de sus primeros discos solistas, Ringo’s Rotogravure (1976) fue un fracaso seguido por Ringo The 4th (1977), que fue aún peor. La discográfica Atlantic rescindió el contrato y Portrait Records, queriendo explotar una mina de oro, le dio una segunda oportunidad publicando Bad Boy (1978) que, si bien fue un poco mejor, tampoco tuvo buenos resultados. Tras esto, dejó las baquetas y permitió que le pusieran un taparrabos, abrazando un proyecto cinematográfico que tenía dos posibles desenlaces: o un éxito rotundo o el puntapié para la caída libre a la desgracia. Para su fortuna, el elenco de Caveman (Cavernícola) estaba integrado por una bella y exitosa jovencita con una prometedora carrera: Bárbara Goldbach. Nacida un 27 de agosto de 1947 en Rosedale, Queens, Estados Unidos, en el seno de una familia judeocristiana integrada por su padre (policía) y su madre y, luego, sus cuatro hermanos menores. Tenía 16 años cuando decidió apostar por su belleza y abandonar la escuela para dedicarse al modelaje. Pocos meses después, su éxito era tal que la revista Seventeen solía ponerla en la portada. Acortó su apellido a Bach y comenzó a trabajar para Ford Models con apenas 18 años. La década del 70 la encontró con 20 años, la medida corporal estándar de las modelos (el famoso “90-60-90”) y un rostro codiciado en el mundo de la moda. Pero para sorpresa de todos, casada y con una hija. En 1966, en un viaje a Roma, había conocido a Augusto Gregorini, once años mayor. Dos años después, a sus 18, se casaron y ella comenzó a trabajar en una miniserie televisiva llamada L’Odissea. El 7 de agosto de ese mismo año tuvieron a su primera hija, la cantante y compositora Francesca Gregorini. Pasaron cuatro años para que la pareja tenga a su siguiente hijo, Gianni, en 1972, y tres años más para que llegue el divorcio. Augusto y Bárbara se separaron en 1975

de forma amistosa y ella se volvió a Estados Unidos con sus hijos, con un pequeño prontuario de nueve películas en las que había actuado y con una fluidez asombrosa en italiano. El matrimonio compartió la custodia de los chicos y se disolvió legalmente en 1978. Al respecto, Bárbara dijo: “Mi esposo y yo siempre fuimos más amigos que otra cosa”. Una vez radicada en Estados Unidos, quiso retomar el mundo de la actuación audicionando para una película de Tony Richardson que jamás se hizo. Sin embargo, ese video llegó a las manos del productor “Cubby” Broccoli, encargado en ese momento de James Bond, y quedó impactado. “Creo que he estado buscando durante toda mi vida una actriz que tenga esa forma de mirar tan peculiar como Bárbara Bach”, diría después. Claro que ese video no llegó de la nada: fue el mismísimo Richardson quien se lo acercó, dado que era el encargado de las pruebas de cámara. Tony declaró en su momento que “Bárbara tenía la mirada de un tigre, medía 1.7 metros y tenía 90-60-90 de medidas. Era muy, muy sexy. Bárbara era frecuentemente comparada a Brigitte Bardot en looks y apariencia”. Por supuesto, ella quedó para el papel coprotagónico, encarnando a la Agente XXX, Anya Amasova. En 1977 se estrenó La espía que me amó (The spy who loved me), película que la volvió a convertir en el símbolo sexual que había sido en su adolescencia pero ahora a escala mundial, quedando históricamente como una de las chicas Bond más importantes. Ese mismo año se estrenaron otras dos películas en las que actuó. Al año siguiente, interpretaría a Marizza, una guerrera yugoslava, en la película Fuerza 10 de Navarone, una secuela de Los cañones de Navarone, en la cual también actuaron Harrison Ford, Edward Fox y Robert Shaw. Para esa época, la ya exitosa serie de tv Los ángeles de Charlie estaba buscando reemplazo para Kate Jackson, quien interpretaba a Sabrina. Fue un casting masivo: más de 15

Nilson, entre otros. Curiosamente, ese mismo día se anunció la disolución de Wings luego de que Denny Laine decidiese abandonar la banda dada la negativa de Paul de actuar en vivo. Esa década encontró al matrimonio seriamente comprometidos con las drogas. Ambos dejaron de trabajar –ella no ha vuelto a actuar o a modelar desde entonces- y fue en octubre de 1988 cuando se dieron cuenta que las cosas se les habían ido de las manos por un episodio violento que los involucró a ambos (ver Glass Onion número 1). Ese mes, ambos se internaron juntos en el centro de rehabilitación Sierra Tucson Rehabilitation Center, en Arizona, para recibir un tratamiento de seis semanas para dejar el alcohol. Luego de Caveman, Bárbara sólo filmó cinco películas más, siendo la última una comedia alemana de 1987. De allí en más, se dedicó a estudiar. En 1991 creó en Londres el Self Help Addiction Recovery Program (SHARP, por sus siglas en inglés), un centro de recuperación para las adicciones bajo el método Minnesota, gracias a la ayuda de George Harrison, Eric Clapton y la esposa de ambos, Pattie Boyd. En 1993 se recibió en Master en Psicología de la UCLA. De allí en más, dedicó su vida a acompañar a Ringo en las giras y a participar en diversos proyectos de caridad. Fundó junto a las “esposas Beatles” Olivia Harrison, Linda McCartney y Yoko Ono la fundación “El Ángel Rumano” (RAA), encargada de mejorar la calidad de vida de los niños y jóvenes afectados por VIH/SIDA, tuberculosis y otras enfermedades crónicas que llevan a la exclusión y la discriminación. Ese proyecto incluyó el lanzamiento de un álbum con fines benéficos en 1990 llamado “Nobody’s Child: Romanian Angel Appeal”, cuyas ganancias se destinaron a orfanatos rumanos bajo el auspicio de RAA. Entre los músicos y bandas que colaboraron con canciones se incluyen Traveling Wilburys, Stevie Wonder, Paul Simon, George Harris on, Eric Clapton, Van Morrison, Guns N’ Roses, Ringo Starr y Elton John. Además, participó junto a Olivia Harrison en la campaña “Parents for safe food” y creó junto a Ringo The Lotus Foundation, una ONG que recauda fondos para otras fundaciones de caridad que se encargan, entre otras cosas, de proteger a los niños, abusos de sustancias, violencia doméstica, educación, protección animal, asistencia en desastres naturales, tumores cerebrales, parálisis cerebral, cáncer y Pagina Anterior: Bárbara como “XXX” en “The spy who loved me”. Arriba: gente en situación de calle.

mil chicas pelearon por ese papel y fue un arduo casting que duró meses y dejó como saldo a dos posibles chicas: Bárbara y Shelley Hack. En abril de 1979, la prensa se apuró en confirmar que Bach sería la elegida cuando, en realidad, fue rechazada en la última prueba por los productores y los ejecutivos de ABC. Lo primero que le pidieron era si podía sacarse su campera y, cuando lo hizo, le preguntaron qué estaba haciendo. Ella comentaría luego: “Me preguntaron qué idiomas hablaba. Les dije que hablaba italiano fluido, francés y español. Luego de haberles dicho que había estado en 17 películas, me preguntaron qué podía ofrecerle a Los ángeles de Charly. Allí fue cuando cometí mi gran error. Les dije ‘yo’. Me dijeron que era muy sofisticada en actitud y look. Además querían saber si podía interpretar personajes estadounidenses. Creí en Nueva York, supuse que estaban confundidos porque comencé actuando en Europa y porque en las películas James Bond y Force 10 from Navarone había interpretado a europeas y por eso usé acento europeo.” El mundo se perdió a Bárbara interpretando a Sabrina, pero Ringo se ganó al amor de su vida. Bárbara no dio el brazo a torcer y audicionó para participar en Caveman (ver Glass Onion número 5), en febrero de 1980. Durante la filmación, en México, se enamoraron perdidamente. Pocos meses después, en mayo, ambos sufrieron un terrible accidente de autos que podría haberles costado la vida, del cual salieron milagrosamente con heridas leves. En ese momento, él decidió que no quería separarse nunca más de su lado. Tres semanas después, Bárbara le contó a su padre que se casaría con Ringo. El 27 de abril de 1981, a las pocas semanas del lanzamiento de la película, se realizó la ceremonia en el registro civil de Marylebone realizada por Joseph Jevons, quien antes había casado a Paul y Linda McCartney en el mismo edificio, y tanto el matrimonio McCartney como los Harrison fueron invitados al casamiento y a la fiesta que realizaron en Mayfair. También asistieron Neil Aspinall, Derek Taylor, Ray Cooper y Harry

Casamiento de Bárbara y Ringo. Abajo: Bárbara y Ringo en 2011

por HelterSkelter75 George Harrison finaliza la década del ‘70 con un disco íntimo, exquisito y muy personal. Tan personal que solo lleva su nombre como título, a la manera del White Album, que también reflejaba una personalidad... cuádruple. George Harrison (disco) fue editado en febrero de 1979 y mostraba a George Harrison (músico) en un estado visiblemente relajado, feliz, continuando con la estela de amor iniciada en "33 & 1/3" y magnificada aquí tras el nacimiento de su hijo Dhani, en el transcurso de la grabación de este disco, el año anterior. Y así es como George nos contagia su felicidad al decirnos que el amor llega para todos (Love comes to everyone) con una intro de guitarra a cargo de su amigo Eric Clapton, quien haría su propia versión del tema en cuestión en su álbum de 2005 "Back Home". Siguiendo un poquito más con Clapton, ese 1979 marcó su vida ya que finalmente se casó con Pattie Boyd, ex esposa de George y destinataria de al menos 3 canciones míticas: Something (de Harrison), Layla y Wonderful tonight (de "Slowhand") . Fin de la sección chimentos. El segundo tema es una verdadera joya. Not guilty fue grabada originalmente una década antes para ser incluida en el White Album de 1968, pero los continuos vaivenes de la dupla Lennon/McCartney dejaron afuera la canción que si bien habla de defender la contracultura, también refleja la angustia de Harrison por el desprecio que mostraban John y Paul por sus composiciones. Aquí, Not guilty está tocada de manera muy sobria, con una guitarra muy limpia, a diferencia de la versión beatle que no se conocería oficialmente hasta el lanzamiento de la Antología de los Fab en 1996. Para continuar con la evocación a los Cuatro de Liverpool, George nos entrega una suerte de secuela lírica de Here comes the sun, de Abbey Road (1969). Here comes the moon es bellísima y no es difícil imaginarse al Dark Horse tocando la acústica bajo una palmera al anochecer (ya que fue compuesta en Hawaii). Soft-Hearted Hana proviene de ese tipo de canciones de taberna a las cuales John llamaba Granny songs y en las cuales McCartney era un experto, por así decirlo. George, para reforzar esa idea, metió el sonido ambiente de un bar de la zona donde él vivía, Henley-On-Thames. La letra, demasiado "volada", "imaginativa" o como se prefiera,

surgiría de una experiencia con hongos alucinógenos, pero es solamente un rumor. Blow away es una canción pop que, además de haber sido el primer single del álbum, le sirvió al autor como un ejercicio de composición para sacarse de encima cierto aura de melancolía que arrastraba desde siempre y así demostrarle -y demostrarse- que era capaz de componer temas pegadizos y "para arriba". El siguiente tema es Faster, una oda de George hacia el espectáculo del automovilismo, especialmente al de la Fórmula 1, del cual era terrible fan. Los siguientes temas están dedicados al amor de familia, ese amor que George estaba buscando desde hacía rato y finalmente lo encontró en Olivia Arias, su segunda esposa y en el hijo de ambos. A ella está dedicada Dark sweet lady", describiendo desde el título el negro cabello de la mexicana, a quien conoció en las oficinas de A&M Records y con quien se casó poco después del nacimiento de Dhani. Your love is forever está también dedicado a ella, aunque hay quienes sugieren que este es otro canto de amor hacia Dios (Krishna). Lo mismo daría, ya que con Olivia -a diferencia de Pattie- George podía compartir esa búsqueda espiritual que siempre proclamó. Casi en sintonía con John y Paul -quienes escribieron Beautiful boy y I'm carrying a sus hijos Sean y JamesGeorge le dedica Soft touch al bebé Dhani. ¿Qué más suave que la caricia de un bebé? Y como buen papá, Harrison nos cuenta que su corazón se derrite ante la caricia de su hijo. El final del disco es absolutamente coherente con la idea general del mismo. If you believe, coescrita en Hawaii con Gary Wright -quien tocó en reiteradas oportunidades junto a Ringo y George-, nos deja con un mensaje de creer en uno mismo a pesar de todas las dificultades y tomando el amor que hay alrededor de cada uno para encarar la vida. Habían pasado 3 años desde el último disco y la vida de George estaba luminosa como nunca antes. Había llegado la hora de vivir.

por beatlemartin La serie se emitió por primera vez en Inglaterra por ITV Anglia Television el 4 de septiembre de 1984 y debido al éxito que obtuvo la cantidad de episodios subió a 26, emitiéndose 2 por semana. Ringo fue el narrador de los dos primeras temporadas y durante éste lapso ocurrió un hecho por demás curioso. Siendo entrevistado por una joven periodista le sucedió algo impensado. La reportera la preguntó a que se dedicaba antes de alcanzar el éxito con la serie animada. Ringo, creyendo que se trataba de una broma le contestó: “Tocaba la batería en una banda”, a lo que la joven preguntó: “¿En cuál banda?”. Hubo un tiempo en que parecía que todo el mundo sabría quiénes eran Ringo Starr y The Beatles. En enero de 1989 se realizó un desprendimiento de la serie original en UK al que se llamó Shining Time Station y se emitió por PBS en New York, USA, hasta junio de 1993. Nuevamente fue producido por Britt Allcroft y Quality Family Entertainment y utilizaba fragmentos de Thomas & Friends. Nuevamente Ringo fue reclutado, pero esta vez para encarnar al personaje de Mr Conductor, un pequeño hombre que vivía en la cabina de señales de la estación y que le contaba a los niños las historias de Thomas y su amigos. La primera temporada terminó en junio de 1989. Un mes más tarde, junto a la flamante All Starr Band, Ringo se daba a la tarea de reconstruir su propia carrera musical y volver a tocar en un concierto después de 5 años.

La relación de Ringo con el público infantil podría rastrearse desde los mismísimos días en que aporreaba la batería de The Beatles, cuando en el séptimo álbum de la banda, Revolver, le fue asignada la canción Yellow Submarine. Ningún otro beatle hubiese podido cantarla sin hacer el ridículo, pero Ritchie tiene ese aura que lo mantiene a salvo. Considerado el “payaso” del grupo, era el indicado para cantar una historia de mares verdes y submarinos amarillos, y así comprobar que su encanto funcionaba muy bien con los fans más jóvenes. Tres años más tarde, en la secuela Octopus’s garden se repetiría la fórmula y el resultado. Recientemente, ha aportado su voz a un capítulo especial de The Powerpuff Girls (Las Chicas Superpoderosas) y, a mediados de los ’90, fue el primer beatle en aparecer en la archimegaexitósa serie animada The Simpsons. Pero hay otra relación de Starr con los chicos y no mucha gente la conoce. A principios de los ’80, Ringo estaba aburrido. Su carrera musical, que había comenzado de manera exitosa y prometedora en 1970, solo 13 años más tarde estaba casi extinta. Quizás por eso dio un golpe de timón abrupto y acepto participar en una serie de dibujos animados. Se trataba de Thomas the Tank Engine & Friends, una serie basada en los libros Th e Railway Series, escritos por el reverendo Wilbert Vere Awdry. Estas historias las había inventado para entretener a su hijo Christopher durante su recuperación del sarampión y se basaba en experiencias personales. La producción comenzó en 1983 y se utilizaron vehículos a control remoto operados en vivo para darle vida a los personajes, pero cuando debían aparecer personas o animales en movimiento, se usó la técnica de stop motion. La historia se desarrolla en la ficticia Isla de Sodor, donde un grupo de trenes tienen todo tipo de aventuras y una voz en off se encarga de narrar los hechos. Ringo fue contratado por Britt Allcroft para cumplir con ése rol, en lo que serían sólo 5 episodios de menos de 5 minutos.

Arriba: Ringo y Thomas, Abajo 1: Ringo y el Reverendo W. Awdry. Abajo 2: Ringo y sujetando a su personaje “Mr. Conductor”.

por DoctorWho088 problemas financieros. Su fama crecía sin parar y el consumo de drogas también. Huyó, se fue a Hawaii, trató de escapar de las drogas, estabilizar su vida y volver a la música. Luego se fue a Europa y en 1982 editó Midnight Love, pero no podía dejar la cocaína. Su consumo era alarmante; su carrera estaba resurgiendo y necesitaba ayuda. Decidió irse a vivir a la casa paterna, pero vivió peleando con su padre, otro hombre inestable. La violencia doméstica estaba a la orden del día -las peleas y los gritos eran frecuentes. El primero de abril, un día previo a su cumpleaños número 45, Marvin se acostó en la cama con su madre y, mientras miraban la televisión, su padre entró y disparó dos tiros sobre el cuerpo del músico: el primero de ellos resulto ser el fatal, dañando sus órganos vitales. El arma que lo mató el primero de abril y que portaba su padre había sido un regalo de navidad del propio Gaye. Sus cenizas están esparcidas en el Océano Pacífico. No había dejado ningún testamento. Para comprender lo prolífico que fue Marvin Gaye hay que ver lo extensa de su discografía: editó 29 discos, cuatro de ellos en vivo. Así mismo, editó la friolera suma de 83 singles y de esos sólo tres llegaron al número uno (I heard it trough the grapevine, Let's get it on y Got to give it up). Pero lo interesante es ver la cantidad de compilaciones de sus clásicos. Hasta el momento, en Estados Unidos se editaron 24 discos que recopilan distintos aspectos de su carrera: baladas, demos, su faceta más pop y hasta sobre sus mejores duetos. Nacido con el apellido Gay, Marvin decidió agregar la letra “e” a su apellido a modo de homenaje a su mayor ídolo, Sam Cooke. Comenzó a cantar en el coro de la iglesia donde su padre era Ministro, una congregación ultraconservadora. Su vida no fue fácil. Tuvo que luchar contra su padre y las drogas, y la soledad jugó un papel fundamental en su vida. Su hermano combatió en Vietnam y a todas sus experiencias Marvin las transformó en su obra maestra. Pero hay algo interesante en su carrera: luchó contra el cambio del paradigma de la discográfica Motown, donde las canciones debían ser románticas y simplonas. Luchó contra eso frente a la censura de los directivos de Motown, se puso firme. Creía que la música debía hablar de política e involucrarse en lo social.

Sería increíble que en estos momentos el espíritu de Truman Capote tomara posesión de mi manera de escribir y diera un pequeño relato acerca de cómo vivió la música y la vida Marvin Pentz Gay Jr, más conocido como Marvin Gaye. Porque su vida es, sin dudas, una comedia con graves momentos dramáticos y un desenlace que hiela la sangre o, parafraseando a Capote, que deja la sangre fría. Luego de unos primeros discos sin demasiadas repercusiones, la discográfica Motown decidió que el joven cantante hiciera un dueto con la mujer éxito de ese momento, Mary Wells, y comienzan los éxitos. Luego siguió un nuevo dueto junto a Kim Weston, pero donde realmente la carrera de Marvin despega es cuando conoció a Tammi Terrell. Juntos cantaron Ain't not mountain high enough y Ain't nothing like the real thing. Cuando Marvin decidió volver a emprender el camino como solista consiguió un enorme suceso con I Heard it through the grapevine en 1968. Pero la muerte de Tammi Tarrell en 1970 lo dejó en una profunda depresión que lo alejó de los escenarios por casi tres años. Pero 1971 le da a Gaye una razón para volver a escribir. Motown mantuvo durante años un criterio artístico donde sus músicos, generalmente, cantaban canciones románticas. What's going on terminó con ese reinado: nueve canciones que hablan sobre el uso de drogas, la ecología y la situación política de un país en plena guerra de Vietnam. El disco se transformó en el emblema de su carrera y frente al que tuvo que luchar para su edición, ya que los ejecutivos de Motown no querían su salida. Marvin estaba cayendo en un espiral de drogas y

Este año se cumplen 30 años de la muerte del músico más importante de la historia del soul. Vivió cerca del límite y murió de la forma más inesperada. Marvin Gaye es un gran enigma, pero también es pura energía, pura vida.

por DoctorWho088 un incendio consume gran parte de las islas australianas de Tasmania causando 52 muertos. El 8 se realizó el primer ensayo para el Ed Sullivan Show pero George continuaba con un cuadro febril, por lo que el asistente de la banda, Neil Aspinall, debió reemplazarlo. Pero el 9 era la primera fecha en el Show y George se hizo presente. A las ocho de la noche comenzó el espectáculo y unos 74 millones de espectadores estaban del otro lado de la pantalla. También estuvo en el programa el corredor olímpico Richard Terrance Mc Dermott, quizás porque ese día concluyeron los Juegos Olímpicos de Invierno en Innsbruck, Austria. El 15 de febrero Paul Simon compone The Sound Of Silence, tema que se transformó en el nombre del segundo disco del dúo folk-pop Simon & Garfunkel, álbum que fue lanzado enero de 1966 y alcanzó el puesto número 12 en las listas británicas. También el mismo día pero en Grecia, Georgios Papandreu se transforma en el primer ministro de ese país. El día 15 nace José Roberto Gama de Oliveira, también conocido como Bebeto, delantero brasilero campeón mundial en 1994 con su selección, que se retiró en 2002 jugando sólo cinco partidos en la liga Suadí. El 16 de febrero The Beatles hizo su segunda aparición en The Ed Sullivan Show volviendo a juntar alrededor de 70 millones de espectadores. Ese mismo día pero en el Reino Unido nació el actor Christopher Eccleston, famoso por interpretar a la novena encarnación del Doctor en la serie de ciencia ficción Doctor Who. El 18 falleció el inventor canadiense Joseph-Armand Bombardier, creador de la moto de nieve. El día 21 falleció el escritor español Luís Martín Santos, autor de Grama Gris, publicado en 1945. El 22, los Fab Four se embarcaron en el avión que lo llevó de regreso al Reino Unido. Cuando llegaron, alrededor de 10 mil fans estaban esperando para recibirlos. Arribaron al aeropuerto de Heathrow a las 7 de la mañana. El gobierno italiano pide, el día 27 de febrero, ayuda para evitar la caída de su icónica torre de Pisa. Un conjunto de ingenieros, matemáticos e historiadores se asignó al proyecto y debatieron sobre los métodos de estabilización en las islas Azores. En tanto el día 28, en Estambul, Turquía, Turgut Erenerol fue nombrado segundo patriarca de la Iglesia Ortodoxa Turca.

El primero de febrero de 1964 un suceso histórico aconteció en la vida de The Beatles y, por consiguiente, en la de sus fans: la banda consiguió su primer puesto N°1 en los charts gracias a I want to hold your hand, uno de los hits más famosos de su carrera. También ese día nació John Kennedy Oswald, conocido como Jani Lane, el vocalista y guitarrista de Warrant. Al día siguiente, la sonda estadounidense Ranger 6 llegó a la Luna, pero un problema en la cámara le impidió enviar imágenes a la Tierra. El 3 de febrero se realizaron protestas en Nueva York contra la discriminación racial en las escuelas públicas. El 4 nació Noodles, el guitarrista de The Offspring y el 5 nacieron la actriz estadounidense Laura Linney, el músico Duff McKagan (Guns n' Roses) y el golfista español José María Olazábal. El 6 de ese mes, fallecía a los 94 años el primer presidente filipino, Emilio Aguinaldo, mientras el gobierno socialista cubano cortaba el suministro de agua a la base naval estadounidense de Guantánamo como represalia al secuestro de cuatro barcos de pesca cubanos en la costa de Florida cuatro días antes. El 7 de febrero, The Beatles llegaron por primera vez a New York. Unos cuatro mil fans los despidieron al subir al vuelo 101 de Pan Am desde el Aeropuerto de Hearthrow. Fueron directo a una conferencia de prensa donde conocieron al DJ Murray the K, se subieron a sus limusinas (había una para cada uno) y los llevaron a Nueva York.. Ese día, el inmunólogo estadounidense Thomas Marchioro dio a conocer que un suero obtenido de los caballos mitiga la reacción de rechazo de los trasplantes de riñón, mientras

por PiniDellavalle “Si las paredes de los mataderos fueran de cristal, todo el mundo sería vegetariano.”

Otros, simplemente continúan con su vida normalmente y casi no sienten el cambio. Y también existe, como en todo, un punto intermedio. En esta oportunidad, hablaremos del camino que recorrió Paul McCartney para convertirse en un vegetariano activista por los derechos de los animales. Aclaro que los cuatro Beatles lo fueron, al menos, por un período de sus vidas, pero quien realmente lleva la bandera es McCa, y es por eso que haremos hincapié en él y su historia. Paul ha contado en múltiples oportunidades las distintas experiencias que lo llevaron a elegir este camino. A fines de la década del ’60, se casó con Linda y, por pedido de ella, se fueron de Londres. Ella lo convenció poco a poco de mudarse a la granja de Escocia que él tenía desde hacía tiempo pero que no le gustaba porque no cuidaba de ella en lo absoluto. Pero con constancia, Linda terminó por convencerlo. Una vez asentados allí, ambos comenzaron una etapa de granjeros: cuidaban de sus animales como si fueran parte de su familia. Comenzaron a criar juntos un pequeño rebaño de ovejas y, en sus propias palabras, empezaron a entender a los animales. Hasta que un domingo estaban almorzando cordero asado y en ese entonces era la temporada de nacimiento de los corderitos, por lo cual muchos cachorros daban vuelta por la granja. Tiempo después declararía: “Luego, miramos al cordero en nuestro plato y los observamos afuera y pensamos ‘nos estamos comiendo una de esas pequeñas cositas que están correteando afuera’. Eso nos impactó, y dijimos ‘espera un momento, quizás no queremos hacer esto’. Y así fue, ese fue el punto de giro donde dijimos que no consumiríamos más carne”. Por otro lado, para una de las campañas de PETA (por sus iniciales en inglés, Personas por el tratado ético de los animales), Paul comentó: “Hace muchos años, estaba pescando. Mientras recogía a un pobre pez me di cuenta: ‘Estoy a punto de matarlo, simplemente por el placer efímero que esto me aporta’. Fue como una iluminación para mí. Al ver a ese pez asfixiarse, entendí que su vida era tan importante para él, como la mía lo es para mí”. Varias veces la vida enfrentó a Paul y Linda a situaciones similares. Es conocida la historia del camión de pollitos. Así la narró él: "Otro momento de cambio fue cuando íbamos

Paul y Linda McCartney Para muchos vegetarianos, no alimentarse de animales es más que no poner carne en el plato: es una forma de vida. Los hay por una cuestión de gusto (no les agrada el sabor), por cuestiones morales, religiosas e incluso medioambientales y solidarias. Algunos difunden esta práctica entre sus allegados y otros toman un camino activista, procurando hacer oír sus voces y la de los animales. Llegar a tomar esta decisión puede ser un camino sencillo como una ardua tarea. Quienes se lo toman muy seriamente, procuran averiguar pros y contras, consultan especialistas en nutrición y hasta siguen una serie de requisitos, como alimentarse al menos seis veces al día.

manejando detrás de un camión lleno de pollos – cinco o seis hileras de pequeños pollos con sus plumas de fuera. Nos parecieron muy simpáticos y Linda les tomó unas fotografías. Luego, el camión entró a una fábrica llamada Super Chick y de repente comprendimos lo que les esperaba. Eso realmente nos afectó". Poco a poco, la pareja McCartney comenzó a afianzarse en esta forma de vida. Linda fundó Linda McCartney Food, una empresa de comidas congeladas absolutamente vegetarianas, y ambos se convirtieron en activistas de PETA, participando en campañas de difusión. Incluso, Linda ha publicado libros de recetas vegetarianas. “Lo que pasa es que te implicas y empiezas a ser un activista porque te das cuenta de que lo que haces es ayudar a salvar esos pobres animales de ser llevados al matadero. Así que la parte espiritual de tu vida también cambia”, diría el músico en una entrevista para esa organización. También, en otra oportunidad, dijo una frase que dio la vuelta al mundo: “Cuando veo tocino, veo un cerdo, veo un pequeño amigo, y es por eso que no puedo comerlo. Tan simple como eso”. Su familia se constituyó sobre ese pilar. Heather ya tenía unos seis años cuando ellos decidieron hacerse vegetarianos, así que el cambio en ella fue quizás más fuerte. Pero Mary era muy chica, así que no fue muy difícil. Stella y James “nacieron para ser vegetarianos”, diría su padre. Y lo mismo sucedió con la pequeña Beatrice, hija de su matrimonio con Heather Mills, vegetariana también. Paul y Linda también aprovecharon su profesión para difundir estos mensajes. A lo largo de su carrera, han incluido canciones con el ánimo de concientizar sobre el cuidado a los animales, como Wild life o Looking for changes. Particularmente, esta última incluye fuertes mensajes como “vi un conejo con sus ojos llenos de lágrimas / el laboratorio que lo tenía estuvo haciéndolo por años. / Por qué no les hacemos pagar por cada ojo perdido / que no podían llorar sus propias lágrimas” o “vi un mono aprendiendo a ahogarse / el hombre a su lado le daba cigarrillos para que fume / y cada vez que el mono tosía / el bastardo se moría de risa”. La vida del matrimonio siguió su curso normal hasta que ella enfermó. Los ánimos cayeron un poco y otra situación similar atravesó su vida: un nuevo camión directo al matadero. "En otra ocasión que también veníamos manejando y regresand o de Londres, llegamos a un lugar donde sabíamos que había un matadero.

Encontramos a un camión con cuatro hileras de ovejas. Sabíamos exactamente a donde iban. Conocíamos esa desviación. Nos rompió el corazón, y más con todo lo que le estaba pasando a ella. Sabíamos que las ovejas no verían la luz del día siguiente. Derramamos unas lágrimas y seguimos manejando. Le dije, ‘está bien, mi amor, tenemos que intentarlo y no dejar que esto nos afecte mucho. Sólo vamos a seguir con nuestro trabajo. Es todo lo que podemos hacer’”. Pero no. Realmente no era todo lo que podían hacer. Linda falleció en 1998 a causa de un brutal cáncer, pero él decidió continuar con el legado de su esposa. Dado que ella no quería medicarse porque las drogas eran testeadas en animales, Paul dona un porcentaje de sus ingresos a la búsqueda de una cura contra el cáncer que no se pruebe en animales. De la misma forma, continúa con la cadena de comidas que ella fundó en 1991 y creó junto a sus hijas Mary y Stella la iniciativa Meat Free Monday, donde sugiere dejar de comer carnes los lunes para evitar, entre otras cosas, el calentamiento global, compartiendo experiencias, recetas e incentivando a los restaurantes y casas de comida a no servir carnes un día a la semana. Difundiendo este proyecto, le brindó una entrevista a PETA en la cual afirmó sin dudar: “Si alguien quiere salvar el planeta lo único que tiene que hacer es dejar de comer carne. Esa es la cosa más importante que puedes hacer. Cuando lo piensas es asombroso. El vegetarianismo se ocupa de muchas cosas a la vez: ecología, hambre, crueldad, y es algo espiritual para uno mismo.”

por beatlemartin Como todos los jóvenes de su generación, John, Paul, George y Ringo fueron inspirados a hacer música por una serie de artistas que pueden dividirse en dos grandes grupos: los pioneros héroes del Rock and Roll de los primeros ‘50 y los artistas de color de la Motown. También hay un pequeño porcentaje entre artistas de jazz, blues y country. Desde éste espacio nos damos a la tarea de conocer a todos los artistas que influenciaron a la banda desde sus inicios e intentaremos comprender de qué manera lo hicieron. Si bien a cada uno de los Beatles por separado se los podría identificar con algún músico en particular (George con Carl Perkins o Paul con Little Richard), hay un nombre que resume todo lo que estos jóvenes de Liverpool añoraban y admiraban, y en éste caso en particular cabe como nunca el enunciado de “un nombre”: Elvis. Elvis Aaron Presley nació el 8 de enero de 1935 en Tupelo, Mississippi, hijo de Gladys Love y Vernon Elvis Presley. Tuvo un hermano gemelo, llamado Jesse Garon, que nació muerto media hora antes que él. Elvis tuvo una relación muy especial con su familia. Era muy apegado a su madre y tenía un carácter sumiso e introvertido. En la escuela era visto como el “raro” que no se relacionaba con los demás y era marginado. No ayudaba mucho su gusto por la música afroamericana, justamente en una época regida por el más ferviente segregacionismo. Pero él estaba al margen de eso, quizás por la misma ignorancia de lo que la mayoría blanca pensaba de la gente de color, ya que vivía en un barrio negro. Desde muy chico había mostrado aptitudes para el canto y aprendió a tocar la guitarra de oído, con la ayuda de amigos y compañeros del colegio, aunque varias veces fue desalentado por sus maestros de música. Sin dejarse amedrentar, se dirigió a las oficinas de Sun Records en agosto de 1953 y alquiló un estudio de grabación para

registrar una canción llamada My happiness, con la intención de regalársela a su madre. El destino lo unió con el dueño del sello, Sam Phillips quién no dudo en retenerlo para que formara parte del reparto de estrellas que ya tenía por ése entonces. Lo que pasó después fue un ascenso meteórico: desde That’s all right, mama se sucedieron una serie de éxitos, incluyendo a Heartbreak hotel, Blue suede shoes, Hound dog o Don’t be cruel. Con su excelente voz, su apariencia deslumbrante y sus movimientos excitantes, no tardo en ser coronado como El Rey del Rock and Roll, al que todos querían emular y la meta imposible de alcanzar de los nuevos aspirantes a estrella. Sus años más salvajes como rockero culminaron en 1960 cuando fue alistado en el Ejército de los Estados Unidos, más como una movida publicitaria que como un deber, y ése es el período de tiempo que The Beatles amaban. Si bien nunca grabaron y editaron una canción suya de manera oficial, si lo hicieron en sus presentaciones en la BBC donde se dieron el gusto de registrar I’m gonna sit right down and cry (over you), I got a woman y la mencionada That’s all right, mama. También se podría contar a Blue moon of Kentucky, canción que tocaron Paul, George y Ringo durante la filmación de las entrevistas para el proyecto Anthology, en Friar Park en 1994. Hablar de cuál fue precisamente la influencia que Elvis tuvo sobre The Beatles puede resumirse en el simple hecho de querer ser los más grandes. Ellos amaban a “El”, como le decían en sus años de juventud, lo idolatraban, pero a la vez tenían unas ansias incontrolables de tomar su lugar. En lo musical, se nota su sello en las interpretaciones vocales intensas, sobre todo en John, y en lo que se refiere a una presencia escénica imponente. Paradójicamente, fue Elvis quién grabó y tocó en vivo varias las canciones del cuarteto británico, como Yesterday, Hey Jude, Lady Madonna, Get back y Something.

por HelterSkelter75 Más que una película, "Two Of Us" es una obra de teatro en tres actos protagonizada por John Lennon y Paul McCartney en el departamento del primero en New York durante 1976. Si nos dejáramos llevar solamente por esta frase, podríamos decir que el telefilm estrenado por VH1 en febrero de 2000 es un embole de pies a cabeza. Y, en realidad, es algo muy entretenido. Esto es gracias al guión y a las impecables actuaciones de Jared Harris (Lennon) y sobre todo a un asombroso Aidan Quinn que compone al McCa líder de Wings con una solvencia pocas veces vista en los actores que han interpretado a los Beatles. La película comienza con Paul -en medio de la gira de Wings que lo llevó a tocar en el Madison Square Garden en abril del ’76- en una entrevista de TV respondiendo, una vez más, a la pregunta sobre una posible reunión de los Fab. Al salir de allí, la limosina que lo transporta lo lleva al Dakota, para sorprender a su antiguo compañero, cosa que no sucede. John, en su retiro voluntario del mundo de la música, lo recibe muy fríamente en ausencia de Yoko. Aun así se disponen a charlar y de vez en cuando Paul explotaba para luego calmarse. En uno de esos arranques se va, pero decide no darse por vencido y vuelve. Fuman la pipa de la paz (literalmente) y Lennon finalmente se suelta. Tal es así que ambos se acercan al piano para tocar juntos como en los viejos días. Deciden salir a dar un paseo por el Central Park adecuadamente "camuflados" (¿el look de Paul no remite a la tapa del single "My brave face"?) y ese delicioso paseo se interrumpe luego de un “malentendido”.

Otra escena (o acto) transcurre en un restaurante, donde John saca a relucir su costado menos agradable ante la Insistencia de un parroquiano y la eterna confusión por la autoría de “Yesterday”. De regreso al departamento de John, sucede algo que sí pudo ver todo el mundo, ya que la película en su totalidad es una “fantasía” basada en el mero recuerdo de ese encuentro por parte de John y Paul: se pusieron a ver televisión y en “Saturday Night Live” el conductor Lorne Michaels les propone a los cuatro ex Beatles, que estaban en el mismo momento en la ciudad, reunirse y tocar tres canciones por… tres mil dólares. Una broma digna de SNL. Paul es sorprendido por John, quien propone presentarse al programa con sus guitarras. Dicho esto, McCartney corre a buscar su instrumento para acompañar a su antiguo compañero, como en los dorados días. Sin embargo, al volver encuentra a John atendiendo en el teléfono a Yoko. Paul sabe que la vida ha cambiado y se va. En la vida real, el único que recogió el guante de SNL fue George Harrison, quien se presentó al programa 2 semanas más tarde. El director de la película fue nada menos que Michael Lindsay-Hogg, responsable de 2 hitos fílmicos en la carrera de The Beatles: uno fue el video promocional para Hey Jude; el otro, Let it be -acaso el primer reality show de la historia. Así que por conocer ese paño (también trabajó con los Rolling Stones), Lindsay-Hogg tiene los pergaminos suficientes para embarcarse en una historia a mitad de camino entre la realidad y la ficción. La música del film es muy poca y ningún tema es de los Beatles. En cambio, sobresalen dos temas: uno es una balada al piano (escena del Dakota) y el otro es “Sh-Boom”, un viejo tema de The Chords, en la escena del Central Park.

Quiero un amor que sea bueno Pero lo bueno sólo es la mitad de lo malo Quiero una chica de pelo corto Que a veces lo lleve el doble de largo Ahora camino con este viejo zapato marrón Nena, estoy enamorado de ti Estoy tan contento de que hayas venido Ahora ya no será lo mismo, te lo estoy diciendo. Sabes, tu me sujetas Donde algunos tratan de hundirme Y cuando veo tu sonrisa Reemplazando cada gesto desconsiderado Tengo que huir de este zoológico Nena, estoy enamorado de ti Estoy tan contento de que hayas venido Ahora ya no será lo mismo, porque estoy contigo. Si algún crezco seré cantante Usando anillos en todos los dedos No me importa lo que ellos o tú digas Viviré y amaré, y quizá algún día Quién sabe, nena, puedas consolarme. Quizá parezca que soy imperfecto Mi amor es algo que no puedes rechazar Estoy cambiando más rápido que el tiempo Si tú y yo debemos encontrarnos Quién sabe, nena, quizá puedes consolarme. Quiero ese amor tuyo Perderme ese amor es algo que odiaré Comenzaré pronto Para asegurarme de no llegar tarde Hago cola por tu dulce labio superior Nena, estoy enamorado de ti Estoy tan contento de que hayas venido Ahora ya no será lo mismo, porque estoy contigo Ahora ya no será lo mismo, porque estoy contigo.

por beatlemartin

Una noche con sabor beatle de principio a fin fue la que se vivió en la 56ta entrega de los Premios Grammy, el 26 de enero, donde no fueron pocos los que se salieron de su speech guionado para deshacerse en elogios hacia Paul McCartney y Ringo Starr, presentes junto a sus esposas, Nancy Shevell y Bárbara Bach respectivamente. Muy cerca de ellos, en representación de John y George, estaban sus viudas, Yoko Ono y Olivia Harrison, que cerca del final de la ceremonia y junto a Alicia Keys entregaron el premio a Mejor Álbum del Año. El primer momento Fab de la noche fue cuando Paul, junto a los sobrevivientes de Nirvana, ganaron por Mejor Canción de Rock con “Cut Me Some Slack” y más adelante en la ceremonia llegó la actuación de Ringo, interpretando “Photograph” junto a una banda que sólo tenía en sus filas a Steve Lukather como integrante de la última versión de su All Starr Band. Pero lo mejor vendría un poco más tarde cuando Paul junto a su habitual banda tuvo a Ringo como invitado y se sentó a la batería a la par de Abe para tocar “Quennie Eye”, haciendo bailar a Yoko en su asiento junto a Sean. Fuera de lo que fue la transmisión, Paul también ganó su gramófono por Mejor Filme Musical (Live Kisses) y Mejor Álbum de Edición Limitada (Wings Over América – Deluxe Edition), pero el premio mayor es el que la Academia le entrego a la banda en reconocimiento a su trayectoria y logros.

En 1992, con motivo de festejar los 30 años de carrera de Bob Dylan, su sello discográfico, Columbia, decidió realizarle un concierto homenaje en New York, en el legendario Madison Square Garden. La alineación de aquel show fue realmente envidiable, con artistas de la talla de Lou Reed, Neil Young, Roger McGuinn, Johnny Cash, Eric Clapton y George Harrison. Ahora se espera que el 4 de marzo aquél show se re-edite en formato CD y DVD. Recordemos que aquella vez George cantó Absolutely Sweey Marie y se unió al resto de invitados para My Back Pages.

La diseñadora de moda Stella McCartney presentó su colección de otoño 2014 confeccionada con lana argentina 100% sustentable, certificada por “Ovis 21”, una empresa enfocada en el aumento de la rentabilidad de la ganadería y la regeneración en la zona patagónica del país. Hasta el momento, Ovis 21 ha regenerado 1 millón y medio de hectáreas en las provincias de Rio Negro, Chubut, Neuquén, Santa Cruz y Tierra del Fuego.

Lamentablemente el pasado 22 de enero Roy Cicala falleció a la edad de 73 años en Sao Pablo, Brasil, debido a complicaciones derivadas del cáncer que sufría. Roy fue el ingeniero de grabación en muchos proyectos de John Lennon, que incluyen los álbumes Imagine, Walls and Bridges, Some Time in NYC, Mind Games y Rock & Roll. También fue dueño de los famosos estudios de grabación The Record Plant. Jack Douglas, productor del último disco de John, Double Fantasy dijo: “Hoy perdí a mi mentor, buen amigo y brillante ingeniero Roy Cicala”

El próximo 7 de febrero saldrá a subasta el Chevrolet Bel Air que fuera propiedad de Ringo Starr. Artcurial Motors espera vender el auto por una cifra que esté entre los 40 y 80 mil euros. Se trata de un modelo de 1957 y tiene la particularidad de que el capó fue personalizado y diseñado por George Harris, quién creara el famoso Batimóvil, utilizado en la serie de televisión de los 60’s, protagonizada por Adam West.

El Arresto de Paul En Japón Buddy Holly John en el Rock N’ Roll Circus May Pang