AI | SPRING 2014 | Preview | 65th

- l’aperitivo illustrato -

IT € 12,00 - AUt € 15,50 - BE € 15,50 - lux € 15,00 - pte cont. € 13,50 - uk £ 17,00 - e € 13,50 - CH Chf 18 - CaD $cad 22,00 - D € 18,50 - Nl € 16,00 - usa $ 21.00 ( south korea - greece - taiwan - hungary )

No.65 - spring 2014 - Italian / English

L’APERITIVO ILLVSTRATO -

the

visual

&

style

magazine

-

> Tomislav Gotovac, Speak quietly, but always hold a stick by your leg, 1988 – 1997, Unique b/w photograph (vintage print), paint marker photo: Boris Cvjetanović

No. 65

L’Aperitivo

Purple Lilac_The Possibilities

Illustrato

Il colore LILLA - The colour lilac purple -

P

er noi che affidiamo alla vista, per gran parte, la responsabilità di osservare e interpretare il mondo, i colori rappresentano una componente essenziale, e una volta associati ad alcuni elementi, difficilmente riusciremo a modificare questo collegamento neurale, destinato ad accompagnarci per tutta la vita. Alcune di queste associazioni sono state studiate dai lontani tempi delle prime civiltà dell’uomo all’età moderna, fino al saggio di Goethe Zur Farbenlehre (Teoria dei colori), del 1810, che apre la riflessione sui colori nell’età contemporanea. L’impetuoso sviluppo della società industriale e tecnologica nel XX secolo allarga lo studio dei colori alle sue applicazioni commerciali, oltre che a quelle artistiche. Ogni grafico e creativo sa che il colore è un elemento fondamentale del linguaggio pubblicitario e ogni produttore contemporaneo di colore sa che è indispensabile garantire una continuità cromatica costante nel tempo.

Da alcuni anni l’azienda statunitense Pantone Inc., uno dei leader nella classificazione delle tinte, elegge puntualmente un colore che ritiene significativo del momento: un’ottima operazione di marketing per tenere vivo l’interesse verso il marchio e contemporaneamente ammantare di novità i vari settori commerciali, dalla moda all’oggettistica. Secondo Pantone, il 2014 è l’anno del Radiant Orchid, un particolare tipo di lilla. Non so se questo colore rappresenta veramente l’anno in corso: a me non pare che il mondo del 2014 sia tanto diverso da quello del 2013; come sempre ci saranno luci e ombre che riflettono la complessità del mondo globalizzato.

Se la supposta femminilità di questo codice-colore vuole essere un auspicio, affinché le donne vedano riconosciute i loro diritti e la loro dignità, ben venga, ma vorremmo che fosse qualcosa di più di un augurio. Mai come in questo momento, forse, l’umanità ha avuto tante possibilità di veloce cambiamento e miglioramento, grazie alla tecnologia che permette a tutti gli abitanti del mondo di essere interconnessi in tempo reale e di collaborare. A volte si ha la sensazione di aver superato un punto di non ritorno, perdendo tante occasioni ma, ora che non si può più tornare indietro, occorre guardare al domani, che diventa velocemente oggi, domandandosi quale direzione si vuole prendere, facendo scelte precise e senza compromessi. I colori sono bellissimi, rendono il nostro mondo stupefacente e quasi magico: questo non ci impedisce di doverne elaborare una lettura critica che evidenzi i nostri errori nella gestione del pianeta. In questo senso siamo dotati, anche se tendiamo a dimenticarlo, del dono del libero arbitrio: abbiamo quindi la possibilità di cambiare il nostro cammino.

Lo faremo?

editor’s

letter

|

by

For those of us who, for the most part, assign responsibility to our sight for the observation and interpretation of the world, colours represent an essential component, and once associated to certain elements, we have difficulty modifying this neural link, which is destined to accompany us throughout our lives. Some of these associations have been studied from the time of the earliest civilizations up to to the modern age, including Goethe’s essay Zur Farbenlehre (Theory of Colours), 1810, which encourages us to contemplate the nature of colours in the contemporary age. The impetuous development of industrial and technological society in the twentieth century broadens the study of colours to the study of colour for commercial applications, as well as artistic ones. Every graphic designer and creative knows that colour is a fundamental element of the language of advertising and every contemporary manufacturer of colour knows that it is essential to ensure a chromatic continuity constant in time.

For several years the American Pantone Inc. company, one of the leaders in the classification of colours, regularly elects a colour that seems meaningful at a certain moment in time: an excellent marketing operation to keep alive interest in the brand while contemporaneously promoting novelty in the world of fashion and fashion accessories.

According to Pantone, 2014 is the year of Radiant Orchid, a particular shade of lilac. I’m not sure if this colour is really representative of this year: I don’t think that the world of 2014 is so different from that of 2013, and as always there will be highlights and shadows that reflect the complexity of the globalized world. If the supposed femininity of this colour-code is to be an augury that women will see their rights and their dignity recognized, all the better, but we would like it to be something more than a mere augury.

Perhaps never as at this moment in time has humanity had so many possibilities of rapid change and improvement, thanks to the technology that allows all the inhabitants of the world to be interconnected in real time and to collaborate.

Sometimes one has the feeling of having passed a point of no return, having lost so many opportunities, but now that one can no longer go back, we should look to tomorrow, which quickly becomes today, wondering which direction one wants to take, making precise choices without compromising.

Colours are beautiful, they make our world awesome and almost magical: this does not prevent us from having to develop a critical reading that highlights our mistakes in the management of the planet. In this sense, we are equipped, even if we tend to forget it, with the gift of free will: thus we have the ability to change our ways.

Will we do so?

Christina

Magnanelli

weitensfelder

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No. 65

L’Aperitivo

Purple Lilac_The Possibilities

Illustrato

contents ART

+

PHOTO

«Art is not the most precious manifestation of life. Art has not the celestial and universal value that people like to attribute to it. Life is far more interesting».

Tristan Tzara 10 Possibilities about photography and law | by Cristina Manasse

26 I was born a whore. I was born a painter exhibit | by Laura Migliano

11 Why collect CONTEMPORARY ART? think | by Alessia Zorloni

28 Photographic mouvements about photo | by Pio Tarantini

12 Look at me, YOU’LL SEE exhibit | by Luca Magnanelli Weitensfelder

29 Object and environment exhibit | by Giacomo Croci

16 I confess I am Billie Holiday! (Faraway, so close.) profile | by Roberto Palumbo

30 Metamorphosis of the mask interview | by Debora Ricciardi

21 The last Dadaists profile | by Brian Midnight

34 Postumous pink profile | by Salvatore Mortilla

24 Power and expressive possibilities profile | by Ivan Burroni

36 PORTFOLIO Yoshikazu Sakamoto

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Annaclara Di Biase, Daisy bread 2, 2013, acrylic on paper, 30x40 cm

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Purple Lilac_The Possibilities

L’Aperitivo

No. 65

Illustrato

contents lifestyle

&

more

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Lawrence Alma-Tadema, The Roses of Heliogabalus, 1888, oil on canvas, 131,8x213,3 cm, private collection

51 Seasteading think | by Benedetta Alessi

59 Possibly maybe profile | by Brian Midnight

52 The Talented Mr. Dixon profile | by Alessandra Baldassari

64 Do Androids Dream of Electric Sheep? profile | by Roberto Palumbo

53 Art in Dubai about | by Giacomo Belloni

68 The AGENDA must-see art shows

by Adele Rossi

55 Art, commerce, culture? Yes, we can! profile | by Michael Sägerbrecht

69 Manzoni at the palazzo Reale exhibit | by Adele Rossi

56 Max Huber, that genius profile | by Luca Magnanelli Weitensfelder

70 Genesis of S. Sebastião exhibit | by Alberto Bevilacqua

>21

Maurizio Galimberti, Pink Ds Dauphine Place, 2011, Polaroid mosaics, 26x29 cm

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Purple Lilac_The Possibilities

L’Aperitivo

No. 65

Illustrato

Possibilità about

photography

and

law

|

by

CRISTINA

MANASSE

- Possibilities -

È

possibile utilizzare fotografie e l’immagine altrui, senza autorizzazione, per una campagna elettorale?

Un caso negli Stati Uniti: una fotografia di fidanzamento utilizzata in una campagna elettorale per attaccare politici favorevoli alla uguaglianza nel matrimonio. Immaginate di svegliarvi un giorno e di scoprire che una fotografia di un bacio tra voi ed il vostro coniuge è stata utilizzata per una campagna elettorale e a sostegno di principi politici che contestate.

Questo è quanto è successo a due uomini, Brian e Thomas, una coppia omosessuale sposata che nel 2010 aveva commissionato un servizio fotografico alla fotografa K. Hill per celebrare il proprio fidanzamento. K. Hill eseguì gli scatti e registrò le immagini (nb: per copyright). Con l’autorizzazione di Hill, Brian e Thomas “postarono” alcune immagini sul loro blog, compresa quella del loro bacio con i grattacieli di Manhattan come sfondo. Nella primavera del 2012, un ente noprofit americano coinvolto in cause politiche conservatrici, la Public Advocate of the US (“PAUS”), utilizzò la fotografia in una email inviata agli elettori di una campagna elettorale in Colorado. Lo sfondo di Manhattan fu sostituito con una immagine delle Montagne Rocciose. Il fine era quello di screditare l’allora senatore J. White, il quale aveva sostenuto una legge favorevole a garantire alle coppie omosessuali il diritto al matrimonio. Sulla fotografia manipolata PAUS aveva aggiunto la frase “L’idea dei valori della famiglia del senatore Jean White?”. PAUS utilizzò la fotografia in un altra email per una diversa campagna elettorale ma con lo stesso fine, screditare un politico le cui opinioni differivano da quelle di PAUS. Le email non contenevano credits fotografici e né la Hill né la coppia avevano autorizzato PAUS ad usare la Foto e/o la propria immagine. Hill e la coppia citavano PAUS per violazione di copyright della fotografia e per illecita appropriazione dell’immagine e personalità della coppia. La coppia ha chiesto il risarcimento dei danni alla propria dignità e reputazione e i danni mentali. PAUS ed altri convenuti hanno replicato tentando di convincere la corte federale a rigettare il ricorso. In primo luogo, PAUS ha chiarito di essere una lobby per “importanti temi sociali, compresa la promozione dei valori tradizionali relativi al matrimonio ed alla famiglia”. Ha poi affermato che gli attori in giudizio non sono interessati al diritto d’autore ma solo al tema politico delle unioni omosessuali. “Riassumendo, gli attori tentano di ritenerci (responsabili) per un discorso politico”. PAUS ha poi sostenuto il principio del Fair Use, che prevede eccezioni alla protezione del copyright basandosi sull’analisi di alcuni fattori.

In particolare, PAUS ha rivendicato di essere tutelato dal principio di “uso trasformativo” ai sensi del Fair Use, in quanto ha utilizzato solo una parte della fotografia (la coppia che si bacia) e l’ha trasformata modificandone lo sfondo.

Inoltre secondo PAUS, l’uso trasformativo di alcuni elementi della fotografia non avrebbe avuto un impatto sul

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valore commerciale della stessa in quanto non esisteva un mercato per la fotografia. PAUS ha altresì sostenuto che la fotografa, autorizzando la coppia a postare la fotografia sul blog ne ha permesso la condivisione gratuita. Infine, PAUS ha argomentato che “la promozione di valori specifici in una campagna elettorale è un mero fine non commerciale, no-profit ed educativo, protetto ai sensi del principio del fair use”.

Quanto al tema dell’appropriazione dell’immagine della coppia nella fotografia, PAUS ha dichiarato che l’uso fatto delle email rappresenta un “core political speech” (nb: atteggiamento diretto a raccogliere consensi a favore di un tema politico), come tale protetto dal principio di libertà di parola che è al centro del Primo Emendamento. Al momento di andare in stampa, la corte non ha ancora deciso se rigettare il ricorso e il caso è fissato per il giudizio. Nel frattempo, alcuni spunti di riflessione: quali sono le reali possibilità di utilizzo di immagini altrui e quali quelle di tutela garantite al fotografo? Fin dove verrà esteso il concetto di Fair Use come elemento di difesa delle opere trasformative a scapito del diritto d’autore originale? Quale rilevanza politica ha assunto

“The couple asked for damages to their dignity and reputation and for mental harm ” il caso in esame in uno scontro tra sostenitori dell’uguaglianza del matrimonio e gli avversari conservatori? Vi aggiorno nelle prossime puntate.

P.S. Per informazione, entrambi i candidati hanno perso la campagna elettorale. © avv. Cristina Manasse 2014 / La presente rubrica ha scopi unicamente informativi e non costituisce parere legale.

~

Is it possible to use another’s photo and likeness, without permission, for political campaigns?

A case in the United States: an engagement photo used in a political campaign to attack politicians in favour of marriage equality.

Imagine waking up one day and finding that a photograph of your spouse and you kissing each other was being used in a political campaign without your permission and in support of political principles you oppose. That’s what happened to two men, Brian and Thomas.

They are a married couple who hired photographer K. Hill to take some photos to celebrate their engagement in 2010. Hill took the photos and registered a copyright for them. With Hill’s permission, Brian and Thomas posted some of the photos on their blog, including one with the couple kissing each other with the Manhattan skyline in the background (“Photo”).

In the Spring of 2012 the Public Advocate of the US

(“PAUS”), an American non-profit involved in conservative political causes, used the Photo in a mailer it sent to voters in a Colorado political campaign. They replaced the Manhattan skyline with an image of the Rocky Mountains. The goal was to discredit then-State Senator J. White, who had supported a bill to grant same-sex couples the right to marry. On the Photo PAUS inserted wording “State Senator Jean White’s idea of “family values”?” PAUS used the Photo in another mailer in a different campaign for the same purpose—discrediting a politician whose views differed from those of PAUS. The mailers did not give credit and no one gave PAUS permission, nor the photographer for the Photo or the couple for use of their likeness.

Hill and the couple sued PAUS for infringement of the copyright of the Photo and for unlawful appropriation of the couple’s personalities and likenesses. The couple asked for damages to their dignity and reputation and for mental harm. PAUS and other defendants fought back in court by seeking to have the federal court throw out the suit. First, PAUS explained that it was a lobbying organization “on important social issues, including the promotion of traditional values with respect to marriage and the family”. Then, PAUS argued that the plaintiffs were not interested in intellectual property but only in the politics of same-sex unions. “In summary, Plaintiffs seek to hold (us) liable for political speech”. PAUS then asserted the “Fair Use” defense, which provides exceptions to copyright protection based on a multi factor analysis.

In particular, PAUS claimed that the Fair Use principle of “transformative use” protected them because they only used a part of the Photo (the couple kissing) and transformed the photo by changing the background. Moreover, PAUS transformational use of elements of the Photos had no impact on its commercial value as there was no market for it. In addition, PAUS asserted that by permitting the couple to put the Photo on their blog the photographer authorized free sharing of the Photo. Finally, PAUS argued that “the promotion of specific values in a political campaign is a purely non-commercial, non-profit and educational purpose protected under the fair use privilege”.

As to the claim of appropriation of likenesses of the couple in the photo, PAUS asserted that its use of mailers “constituted core political speech”, protected by the free speech principles at the heart of the First Amendment.

At the time of writing, the court has not decided to throw out the lawsuit and the case is set for trial. In the meantime, some thoughts: which are the real possibilities of use another’s images and which possibilities of protection are granted to photographs? How far will the Fair Use defence go to protect transformative works in detriment of original copyright? How political has this case become in a battle between marriage quality and conservative opponents? Updates to come in the next columns.

PS. For the record, both candidates lost in their political campaigns. © avv. Cristina Manasse 2014 / This article is for informative purposes and does not represent a legal opinion.

No. 65

L’Aperitivo

Purple Lilac_The Possibilities

Illustrato

Perché collezionare arte contemporanea? think

|

by

ALessia

zOrloni

- Why collect contemporary art? -

Roy Lichtenstein, Man with Folded Arms, 1962, oil on canvas, 178,44 x 122,56 cm, Los Angeles, The Museum of Contemporary Art, The Panza Collection inv. 84.4, © Estate of Roy Lichtenstein, photo credit Brian Forrest

Franz Kline, Buttress, 1956, oil on canvas, 117,48 x 141,61 cm, Los Angeles, The Museum of Contemporary Art, The Panza Collection, inv. 86.9, photo credit Brian Forrest

I

l bisogno di collezionare, che è emerso in modo sempre più evidente al migliorare delle condizioni di vita in occidente, scaturisce dall’esigenza di autoaffermazione della propria personalità, attraverso un processo di materializzazione dei valori artistici.

Tuttavia i bisogni che possono spingere un privato a collezionare sono molteplici: passione, prestigio personale, interesse culturale, godimento estetico, investimento economico, e altre logiche profonde che attengono alla sfera psicologica. I collezionisti si differenziano rispetto alle motivazioni soddisfatte e possono essere segmentati in tre tipologie. Gli appartenenti alla prima, acquistano per il piacere di vivere con le opere, di conoscere personalmente gli artisti e di vedere le mostre. Per questi collezionisti la ridotta profittabilità dell’investimento in arte è più che compensata dal piacere estetico che essi traggono dal possesso dell’opera, il cosiddetto “dividendo estetico”. Le motivazioni di carattere sociale, che appartengono alla seconda categoria, sono quelle che considerano l’attività collezionistica non tanto come un fine, ma come una fonte di prestigio sociale in grado di rispondere a dei bisogni di natura simbolica.

In questa prospettiva l’attività collezionistica è guidata da finalità essenzialmente dimostrative, allo scopo di certificare lo status socio-economico dell’individuo.

Infine nella terza tipologia rientrano quei collezionisti che acquistano sperando di fare un buon investimento.

Questi collezionisti sono quelli che da un lato rendono attivo il mercato, ma dall’altro fanno salire o scendere i prezzi in modo imprevedibile. In tale ottica, come ha evidenziato lo studio realizzato da Merrill Lynch e Capgemini, le opere d’arte hanno continuato ad essere il secondo investimento preferito da parte degli high net worth individuals (HNWI) nell’ambito dei cosiddetti investimenti dettati dalla passione.

I collezionisti più potenti spesso riescono a condizionare il mercato favorendo, con acquisti consistenti e a prezzi bassi, l’affermazione di qualche giovane artista emergente. Giuseppe Panza di Biumo, il più noto collezionista di arte contemporanea in Italia, negli anni Cinquanta veniva deriso da amici e direttori di musei

perché comprava i monocromi di Rothko, i quadri fatti con l’immondizia di Rauschenberg, e i neon di Flavin.

In realtà, Panza di Biumo si è dimostrato uno dei più grandi talent scout del ’900. Per lui l’amore per l’arte andava condiviso e per questo donò la maggior parte

“In this instance, the collecting activity is driven by essentially exhibitionist motivations, in order to certify the socio-economic status of the individual. ” delle opere a diversi musei negli Stati Uniti, al Museo Cantonale di Lugano, e trasformò la sua villa a Biumo in un museo permanente. Proprio in questi mesi La Galleria Internazionale di Arte Moderna Ca’ Pesaro di Venezia celebra questo eccezionale collezionista raccogliendo in un’unica grande mostra la parte più straordinaria della sua collezione. Un’occasione unica per ammirare capolavori, mai esposti prima in Italia, di Robert Rauschenberg, Dan Flavin, Donald Judd, Franz Kline, Roy Lichtenstein e Joseph Kosuth.

~

The need to collect, which has emerged in an increasingly evident way in the West as living conditions have improved, comes from the need of self-affirmation of one’s personality, through a process of the materialization of artistic values. However the needs that may push an individual to collect are manifold: passion, personal prestige, culture, aesthetic enjoyment, economic investment, and other deep-seated motivations that are attributable to the sphere of psychology. Collectors distinguish themselves according to the fulfilment of their motivations and can be segmented into three types. Those belonging to the first category, buy for the pleasure of living with the

works, getting to know the artists personally and visiting exhibitions. For these collectors the reduced profitability of investing in art is more than offset by the aesthetic pleasure they derive from the possession of the work, the so-called “aesthetic dividend”. The motivations of the second category are of a social nature, concerning those who consider collecting activities not as an end but as a source of social prestige, a response to the needs of a symbolic nature. In this instance, the collecting activity is driven by essentially exhibitionist motivations, in order to certify the socio-economic status of the individual. Finally, into the third category, fall those collectors who buy hoping to make a good investment. These collectors are those who, on the one hand add dynamism to the market, but on the other hand cause prices to fluctuate in an unpredictable manner. From this perspective, as pointed out by the study conducted by Merrill Lynch and Capgemini, works of art have continued to be the second most preferred investment choice by high net worth individuals (HNWIs) in the context of so-called investments dictated by passion.

The most powerful collectors often are able to influence the market by encouraging, with consistent purchases at low prices, the assertion of some young emerging artist.

Friends and Museum Directors derided Giuseppe Panza di Biumo, the most prominent collector of contemporary art in Italy in the 1950s because he bought the monochrome works of Rothko, the works of Rauschenberg made with garbage, and the works of Flavin in neon. In fact, Panza di Biumo has proved to be one of the greatest talent scouts of the 20th century. For him, the love of art was something to be shared and for this reason he donated most of the works to various museums in the United States, to the Cantonal Museum of Lugano, and he transformed his villa in Biumo into a permanent museum. In this very period La Galleria Internazionale di Arte Moderna Ca’ Pesaro in Venice celebrates this exceptional collector bringing together into a single large exhibition the most extraordinary part of his collection. A unique opportunity to admire masterpieces, never before exhibited in Italy, Robert Rauschenberg, Dan Flavin, Donald Judd, Franz Kline, Roy Lichtenstein and Joseph Kosuth.

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Purple Lilac_The Possibilities

L’Aperitivo

No. 65

Illustrato

Guardami, VEDRAI TE exhibit

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by

LUCA

MAGNANELLI

WEITENSFELDER

- Look at me, you’ll see -

JR, UNFRAMED, Marseille, 2013 © JR, 2013 JR, INSIDE OUT, New York, Times Square, 2013 © JR, 2013 (all images are related to the exhibition at the Museum Frieder Burda, Baden-Baden)

F

ino al 29 giugno 2014 il museo Frieder Burda di Baden-Baden (Germania), situato nella stupenda creazione architettonica di Richard Meier, esporrà una serie di lavori dell’artista francese JR. Verranno esposte opere dei diversi progetti realizzati dal fotografo dal 2006 ad oggi, per ripercorrere il suo cammino artistico. Con Portrait of a generation (2004-2006) JR portò il dolore della periferia parigina nei quartieri alti della città. In piena notte, durante i disordini nelle periferie, violando la legge, affisse gigantesche stampe dei suoi scatti, costringendo i passanti ad affrontare una realtà ignorata. Con Face 2 face, del 2007, sfida israeliani e palestinesi a guardarsi in faccia, anche se solo in foto. I giganteschi visi, immortalati in espressioni buffe, dimostrano quanto sia difficile distinguere gli uni dagli altri se visti da vicino come persone invece che come nemici. È il 2008, e con la sua preziosa Leica JR si avventura nel pericoloso slum di Rio de Janeiro, Morro da Providencia, per ritrarre le donne che vivono alla mercé dei narcotrafficanti. Inizia così Women are heroes, che proseguirà in India, Cambogia, Kenya e Sierra Leone, nel tentativo di ricordare che per migliorare il mondo è fondamentale rispettare le donne ridandogli la loro dignità, sempre e ovunque.

Armato solo della sua macchina fotografica e della sua arte, JR e i suoi aiutanti riescono a superare situazioni pericolose, portando il sorriso nei posti dimenticati e accendendo un riflettore per ricordarci la loro esistenza. Il film di JR, Women are Heroes, a portrait of women in the twenty-first century, è stato nominato al festival di Cannes 2010, nella categoria Caméra d’Or. Wrinkles of the city, nel 2011, è un dialogo tra il fotografo e gli abitanti anziani di grandi città la cui natura è profondamente cambiata nel corso della storia recente. Le rughe sui visi dei suoi testimoni raccontano l’evoluzione urbana proprio come le cicatrici cittadine, residui dei cambiamenti sociali, economici e culturali.

Nel 2011, in occasione della conferenza TED a Long Beach, California, JR lancia un nuovo progetto, Inside out, il cui scopo è coinvolgere più persone possibili in una mostra di dimensioni planetarie. Dal 2010 JR sta portando avanti anche Unframed, al cui centro c’è la reinterpretazione di fotografie di artisti o di semplici cittadini per indagare sull’identità dei quartieri urba-

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ni. Quello proposto dal Frieder Burda è dunque un interessante ed approfondito viaggio nell’arte di questo fotografo atipico. Ma chi è JR? Un grande artista ribelle che ha capito come spettacolarizzare, a fin di bene, il suo lavoro? Oppure un furbacchione che attraverso una perfetta campagna di marketing usa la disperazione dei miserabili per mettersi in mostra? O è un semplice individuo che, dopo aver trovato una macchina fotografica con obiettivo da 28mm (così vuole la leggenda) non può più fare a meno di condividere con il resto del mondo la sua visione? Difficile dirlo, posso solo formulare una mia opinione basandomi su ciò che propone. Una cosa è sicura: non puoi

“You can’t go to deprived neighborhoods, into favelas or into areas of urban guerrilla warfare and casually take pictures” andare nelle periferie degradate, nelle favelas o nelle zone di guerriglia urbana a fare foto come se niente fosse. Prima devi essere accettato, e l’esame è severo: non si scherza con gente abituata a vivere nella violenza, c’è da lasciarci la pelle. JR, a quanto pare, riesce ad andare ovunque, non solo facendosi accettare, ma coinvolgendo anche le persone che incontra che spesso partecipano ai suoi laboratori di ricerca umanistica.

Questo mi sembra un bel punto a suo favore. Non entro nel merito della validità artistica delle sue fotografie ma i suoi scatti mi colpiscono, per il modo in cui riescono a trasmettermi la sensazione di essere lì, in quel momento e in quel luogo. Sono convinto che se qualcosa ti emoziona non importano il suo valore economico o la firma in calce all’opera. Un artista cerca di comunicare le proprie emozioni così come le vive, utilizzando gli strumenti a lui congeniali. A volte usa pennelli e colori, altre volte scalpelli, può utilizzare le parole o le note, la danza o la fotografia. Non importa. Deve utilizzare il proprio linguaggio, nella speranza di essere compreso.

Giudicare un lavoro fotografico è sempre difficile per le

infinite varianti dovute al linguaggio specifico, soprattutto quando il soggetto contiene una forte pregnanza comunicativa. Se osservo la foto di una bella donna, guardo la foto o la donna? Nelle fotografie di JR ci sono per lo più volti, sguardi intensi ai quali è difficile sottrarsi. Gli enormi occhi attaccati sulle pareti qua e là per il mondo ci guardano con una vitalità immensa. È come se attraverso quei manifesti noi guardassimo direttamente negli occhi i soggetti fotografati, nel momento stesso dello scatto. L’artista, ingigantendone le fattezze e gli sguardi, ci mostra esseri umani, mettendoci di fronte ad uno specchio. JR ci vede così. Lui non si definisce un fotografo, ma uno che attacca poster. Forse è vero. Osservando le sue installazioni, soprattutto quelle giganti, ci si accorge che le sue foto diventano un tutt’uno con il contesto, sia che si tratti di una baraccopoli o di un ambiente urbano. La verità è che questo silenzioso artista urla in maniera assordante. L’idea alla base del suo lavoro è sempre la stessa, ma ad ogni progetto riesce a infondere nuova linfa vitale. Questo perché realizzare fotografie, stamparne riproduzioni ingigantite e affiggerle in contesti pubblici è lo strumento del suo linguaggio.

No, non è un fotografo inteso in senso tradizionale. E non è nemmeno “uno che attacca manifesti”. Forse è solo un osservatore, che ci restituisce un eco di umanità, quell’umanità di cui ci sentiamo padroni ma che forse troppo spesso perdiamo, come dei Peter Pan che smarriscono la propria ombra. Può darsi che interrogarsi sull’identità di JR sia allora sbagliato, perché non è lui il soggetto, ma noi. Noi dobbiamo chiederci chi siamo, e capire cosa significhi. La risposta, però, potrebbe anche non piacerci. Pur non definendosi uno street artist, JR crede che l’arte vada vissuta nel mondo di tutti i giorni, più che in spazi chiusi e ristretti: osservando i suoi lavori risulta naturale convenire con questa fruizione. Considera l’intero mondo una galleria d’arte, perché è li che l’umanità vive. L’idea che a questo punto mi sono fatto di JR è che sia un sognatore molto concreto, che non dà molta importanza ai giudizi su di lui perché totalmente concentrato a portare avanti la sua idea di nuovo linguaggio artistico, con le sue “armi”. Chi l’ha detto che non si può rimanere fedeli a se stessi se si diventa famosi?

No. 65

L’Aperitivo

Purple Lilac_The Possibilities

Illustrato

JR, WOMEN ARE HEROES, Rio de Janeiro, Brazil, 2008-2009 © JR, 2013

JR, UNFRAMED, Vevey, 2010, © JR, 2013, Man Ray revu par JR “Femme aux cheveux longs, 1929”

~ Until June 29th, 2014 the Frieder Burda Museum in Baden-Baden (Germany), located in the beautiful architectural creation by Richard Meier, will exhibit a series of works by the French artist JR. To trace his artistic journey, works from various projects undertaken by the photographer from 2006 to the present, will be on display. With Portrait Of a Generation (2004-2006) JR brought out the pain of the Parisian suburbs in the uptown neighbourhoods of the city. In the middle of the night, during the riots in the suburbs, in breach of the law, he posted huge prints of his photos, forcing passersby to face up to an ignored reality. With Face 2 face, in 2007, he defies Israelis and Palestinians to look at each other face to face, even if only in pictures. The gigantic faces, displaying comic expressions, demonstrate the extent to which it is difficult to distinguish one from the other when viewed from close up; as people rather than as enemies. It’s 2008, with his precious Leica JR ventures into the dangerous slums of Rio de Janeiro, Morro da Providencia, to photograph women who live at the mercy of drug traffickers. Thus began Women Are Heroes, which will continue in India, Cambodia, Kenya and Sierra Leone in an attempt to remind us that to improve the world it is fundamental to respect women and to restore their dignity, always and everywhere. Armed only with his camera and his art, JR and his helpers were able to overcome dangerous situations, bringing smiles to destitute places and turning on a spotlight to remind us of their existence. The film by JR, Women Are Heroes, A Portrait Of Women in the Twenty-First Century, was nominated at Cannes 2010, in the category Caméra d’Or. Wrinkles of the City, in 2011, is a dialogue between the photographer and the elderly inhabitants of large cities whose nature has changed dramatically over the course of recent history. The wrinkles on the faces of his witnesses illustrate urban evolution just like the scars of a city; the residues of social, economic and cultural changes. In 2011, at the TED Conference in Long Beach, California, JR launches a new project, Inside out, the purpose of which is to involve as many people as possible in a show of global proportions. Since

2010, JR has also been working on Unframed, at the centre of which is the reinterpretation of photographs by artists and ordinary citizens which investigate the identity of urban neighbourhoods. The proposal by Frieder Burda is therefore an interesting and in-depth journey in the art of this atypical photographer. Who is JR? A great rebel artist who, with good intentions, understands how to create a spectacle with his work? Is he a shrewd individual who, through a perfect marketing campaign, uses the desperation of the miserable to show off? Or is he a simple individual who, after finding a camera with a 28mm lens (as legend has it) cannot help but share his vision with the rest of the world? Difficult to say, for my part I can only form my opinion based on his propo-

“The truth is that this quiet artist screams in a deafening manner” sitions. One thing is for sure: you can’t go to deprived neighbourhoods, into favelas or into areas of urban guerrilla warfare and casually take pictures. First you have to be accepted, and the test is severe: you don’t mess with people who are used to living daily with violence; you might get killed. JR, apparently, is able to go everywhere; not only being accepted, but also involving the people he meets often persuading them to participate in his workshops of humanistic research. This seems to me like a point in his favour.

I don’t want to get involved in a debate about the artistic validity of his photographs but his shots have a strong impact because of the way in which they manage to generate the feeling of being there, at that time and in that place. I am convinced that if something stirs you its economic value or the signature on the work is of no importance. An artist tries to communicate his emotions as he lives them, using tools that are congenial to him. He sometimes uses brushes and paints, and at other times chisels, he can use words or notes, dance or photography. It does not matter. He must use his own language in the hope of being understood. Judging a photographic

page 14 JR, UNFRAMED, Washington, 2012, Ernest Withers (Civil Rights Photographer) revu par JR “I Am a Man, 1968” © JR, 2013

work is always difficult due to the infinite variations of a specific language, especially when the subject contains a strong communicative poignancy. If I look at the picture of a beautiful woman, am I looking at the photo or the woman? In the photographs by JR we see mostly faces, intense stares that are hard to avoid. The enormous eyes stuck on the walls here and there around the world are watching us with an immense vitality. It is as if through those posters we are looking directly into the eyes of the photographed subjects, at the moment of shooting. By enlarging the features and the expressions the artist portrays human beings, placing us in front of a mirror. JR sees us this way. He does not define himself as a photographer, but as one who puts up posters. Perhaps it is true. Observing his installations, particularly the gigantic ones, we realize that his photos become totally integrated with their context, whether it is a shanty town or an urban environment. The truth is that this quiet artist screams in a deafening manner. The basic idea of his work is always the same, but each project manages to breathe new life.

This is because taking photographs, printing blown up versions and displaying them in public contexts is the instrument of his language. No, he’s not a photographer as understood in the traditional sense. Nor is he merely “one who sticks up posters”. Perhaps he is just an observer, who gives us back an echo of humanity, that humanity over which we feel masters but all too often lose, like Peter Pans that lose their own shadows. Maybe questioning the nature of JR’s identity is wrong, because it is not he who is the subject, but we. We have to ask ourselves who we are, and understand what this means.

The answer, however, may not be to our liking. Although he calls himself a street artist JR believes that art should be experienced in the everyday world, rather than in enclosed and cramped spaces: when viewing his work one can only agree with this view. He considers the whole world as an art gallery, because that’s where humanity lives. The idea that I have of JR at this point is that he is a dreamer who is very concrete, one who does not give much importance to judgments about himself because he totally focused on pursuing his idea of a new artistic language, with his ‘weapons’. Who said that you couldn’t stay true to yourself if you become famous?

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L’Aperitivo

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I confess I am Billie Holiday! (così lontani così vicini) profile

|

by

ROBERTO

PALUMBO

- I confess I am Billie Holiday! (Faraway, so close) -

Tomislav Gotovac: Action 100 , Zagreb, 1979 photo: Siniša Knaflec Collection Sarah Gotovac / Courtesy Tomislav Gotovac Institute, Zagreb

S

embra strano, ma è vero: Tomislav Gotovac, conosciuto anche come Antonio G. Lauer, attore, regista, performer croato (ed artista a tutto tondo) che con la sua straordinaria fisicità avrebbe potuto impersonare chiunque o qualunque cosa, se avesse potuto avrebbe scelto di “essere” lei, Billie Holiday. In linea d’aria Harlem, a New York, dista 6.897 Km da Zagabria. I due non si sono mai incontrati, e non si può dire che siano stati contemporanei: eppure la connessione e l’influenza della Holiday su Gotovac è stata così forte da farlo diventare “Un artista americano attivo in Zagabria”.

Curioso? Forse no. Per capire la complessità, e allo stesso tempo la straordinaria semplicità e purezza dell’opera, dell’uomo e del regista, attore e precursore della performance art nella ex Iugoslavia, è necessario immedesimarsi nel contesto storico politico e culturale in cui è nato, cresciuto e vissuto. Figlio di Elisabetta “Betti” Lauer (per amore, ed in segno di riconoscenza, ne prenderà il cognome), grande appassionata di cinema proveniente da una famiglia della buona borghesia ungherese, e di Ivan Gotovac, militare dell’esercito iugoslavo, Tomislav nasce a Sombor nel 1937. Quando nel 1941 le forze armate dell’asse invadono la Jugoslavia, il regno a lungo tenuto assieme sul malcontento popolare si sgretola, e il territorio viene diviso tra Ungheria, Italia e Germania. Dalla radio, Ante Pavelic, messo a capo dello Stato Indipendente di Croazia da fascisti e nazisti, chiama a raccolta tutti i militari croati dell’esercito del regno, affinché si uniscano alle truppe del nuovo stato indipendente di Croazia. Con il figlioletto di quattro anni, la moglie ed i loro pochi averi, suo padre Ivan Gotovac decide di partire per Zagabria. Quel viaggio a bordo di un treno merci, attraverso un regno ormai fantasma, durerà due settimane. Quell’avventura e quei binari, controllati ora da un esercito ora da un altro, resteranno a lungo impressi nella mente del piccolo Tomislav.

All’arrivo a Zagabria, al padre viene riconosciuto il grado di sergente. Promosso, viene aggregato alla guardia nazionale, che controlla il territorio assieme agli Ustacha, la forza armata ultranazionalista che farà scempio di ogni serbo, ebreo o comunista che non si convertirà al cattolicesimo. L’atmosfera di Zagabria è

Tomislav Gotovac, photographer: Sandro Ðukić Series Body Scan, pigment print on photo rag, Nr. 2/5, edition 5 + 1 artist print, 2005/ 2011

molto dura, ci sono blocchi ovunque, vige il coprifuoco dalle nove alle sei del mattino, e il piccolo Tomislav, cresciuto tra i paesaggi naturali di Sombor dove si parlava perlopiù ungherese, ora fa fatica a capire gli strani dialetti serbi che quasi tutti parlano. Di quella piccola Zagabria di allora, pochi luoghi sono permessi ad un bambino di quattro anni. Tra questi uno in particolare troverà posto nei suoi ricordi, alimentando la sua futura fantasia e formazione artistica: la piazza del teatro nazionale dove Gotovac vede La Fontana della vita di Ivan Maestrovic. È composta da un gruppo di sculture poste in circolo, che attirano la sua attenzione.

Ciò che lo colpisce e affascina è il fatto che le sculture rappresentano delle figure umane: uomini, donne, bambini ed anziani completamente nudi. Durante la guerra quella piazza è uno dei pochi posti che può frequentare e in cui ritornerà spesso. Quei corpi e quelle

“With his extraordinary physicality he could impersonate anyone or anything” figure, che attraverso il tocco della mano può sentire ogni volta che beve da quella fontana, gli rimarranno impressi per sempre. Allo stesso modo, giovanissimo, resterà affascinato dai dipinti di Victor Kovacic e dalle molte sculture poste nella Chiesa di San Blasius, nel quartiere in cui vive. Queste opere raffiguranti la Via Crucis, il Golgota e gli stessi Crocefissi mostrano le fattezze del corpo esposto alla nudità. Queste visioni lo colpiranno profondamente avviando in lui una prima riflessione sul nudo nell’arte ed insinueranno una prima sensibilità artistica sotto la sua stessa pelle.

Visioni che lo colpiranno profondamente, avviando in lui una prima riflessione sul nudo nell’arte. Nel dopoguerra la città e il paese cambiano profondamente sotto l’influenza di Josep Broz “Tito”. Quel regime oppressivo ostacolerà a lungo la libera espressione, eppure permetterà a Gotovac di accedere al mezzo che maggiormente influenzerà la sua opera: il cine-

ma, da cui resterà letteralmente rapito. A partire dal 1951, Gotovac avrà la possibilità di accedere a sei film americani a settimana, nella hall dello YNAH, il Teatro Nazionale Militare; vede le opere di Vladimir Pogacic e di Eisenstein, ma anche l’opera completa di Buster Keaton, e quando più tardi il direttore della cineteca nazionale inizia a proiettare al teatro Balcan e allo Zagreb tutto il materiale degli archivi, per Gotovac si spalancano le porte del paradiso. Nel 1954 la repubblica federale di Jugoslavia inizia ad aprire le porte all’arte occidentale, e dopo la guerra di Corea ha persino la possibilità di assistere ad uno spettacolo della compagnia del teatro dell’opera di Pechino, oltre alla rappresentazione originale di una delle opere che più lo colpiranno: Porgy and Bess di George Gershwin, direttamente da Manhattan. Per la prima volta Gotovac vede uno dei più bei musical di tutti i tempi, con più di 100 attori e cantanti di colore. Non è uno spettacolo che si dimentica facilmente. Naturalmente è anche il primo incontro con Summertime, la cui miglior interprete, anche se fuori dal teatro, magari in un fumoso club di New York, potete immaginare da soli chi sia. A teatro vedrà anche Marcel Marceau e il Titus Andronicus di Peter Brook, con Vivien Leigh e Laurence Olivier, oltre ad una serie di operisti da tutto il mondo. Nelle prime gallerie vedrà le opere di Tiziano, Klee, Kurt Schwitters, Max Ernst che saranno per lui quasi un shock, essendo il primo incontro con qualcosa fino a quel momento visto solo sui libri. Nel 1957 incontra il cinema neorealista e ammira tutta l’opera di Chaplin, ma anche di Fritz Lang ed i film russi sull’Ottobre Rosso. È in questo periodo che un amico gli passa alcuni nastri di un artista Jazz americana. Quell’artista è Billie Holiday: quando sente Good Morning Heartache, Gotovac se ne innamora. La sua voce suadente è l’essenza stessa del Blues, è un condensato dell’America con le sue incoerenze e le sue contraddizioni. La sua vita e la sua carriera sono state una continua lotta tra luce e ombra: con un’infanzia terribile alle spalle, violentata a dieci anni, mandata in riformatorio, costretta anche a prostituirsi, troverà solo nella musica quel parziale riscatto che la renderà, secondo la definizione di Gotovac, «la più grande artista del XX secolo». Nel 1939, con la canzone Stran-

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page 17 Tomislav Gotovac, photographer: Boris Cvjetanović, Speak quietly, but always hold a stick by your leg, 1988 – 1997, Unique b/w photograph (vintage print), paint marker, signed: Tomislav Gotovac: Pva (Hommage To Glenn Miller) Egzibicionistički Performance. Gsu (Akt...) 12. Maja 1988 U 21 H Foto: Boris Cvjetanović 1988 (I.) St. Valentine’s Piece T. Gotovac 1997, Collection Sarah Gotovac, Zagreb

Billie Holiday, (born Eleanora Fagan April 7, 1915 – July 17, 1959) was an American jazz singer and songwriter.

ge Fruit, Billie Holiday è la prima artista di colore a cantare esplicitamente del razzismo ancora imperante in America negli anni Quaranta, soprattutto negli stati del sud, dove il fenomeno del linciaggio dei neri era diffuso e tollerato: gli strani frutti sono gli uomini che penzolano dagli alberi. La canzone e la Holiday diventeranno così simboli della lotta per i diritti civili degli afro americani, anticipando di sedici anni la signora Rosa Parks, che rifiutò di alzarsi dal posto sull’autobus riservato ai bianchi in Alabama, e di circa venticinque anni il discorso di Martin Luther King a Washington.

Per Gotovac la connessione è fortissima. La voce della Holiday è sufficiente a trasportarlo in un altro mondo, ed è allo stesso tempo fonte di ispirazione. Artisticamente sta ancora cercando di trovare la sua strada, che deve unirsi all’impegno sociale e politico. Quando nel 1963, per la biennale della musica, arrivano a Zagabria anche il grande John Cage, il Living Theatre e La Mama, Gotovac resta quasi sconvolto, ha in mente tutte quelle informazioni che iniziano a suggestionarlo: il cinema, il teatro, la musica, la performance art, e poi l’impegno politico e il tentativo di risvegliare le coscienze. Ha finito gli studi e diretto qualche film.

Inizia a pensare e ripensare a una sua modalità espressiva. Quando vede la prima scena di nudo integrale in un film danese di Arne Mattsson, She danced only one summer, comincia a radicarsi artisticamente nella sua mente l’idea che il nudo è una delle cose più importanti, capaci di scioccare quanto di imporre attenzione e attraverso la quale puoi raccontare al mondo la tua prospettiva del mondo stesso, aldilà delle convenzioni morali, sociali o religiose.

Artisticamente non c’è distinzione tra nudo buono o nudo cattivo, tra nudo morale o amorale: la performance art avrebbe potuto procurargli il suo posto al sole. La prima occasione fu nel 1970, quando gli viene riconosciuto il premio per il suo film T. L’idea era di alzarsi e spogliarsi durante la premiazione, ma Gotovac esita e non ci riesce. L’anno successivo, quando il suo amico e collega Lazar Stojanovic sta girando The plastic Jesus, gli dice che ha in testa questa idea e che vorrebbe inserirla nel film. Stojanovic accetta, così la prima performance di streaking viene inserita nel-

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la pellicola (N.d.R.: lo streaking consiste nel correre nudo per un luogo pubblico in segno di protesta).

La scena è oggi visibile nel film in cui Gotovac corre nudo per una strada di Zagabria urlando «Sono innocente!». Il film viene censurato e per anni ne viene vietata la visione anche a causa dei riferimenti a Tito presenti in alcune scene, ma si radica in lui l’idea che questa sia la sua modalità espressiva, e il suo corpo il mezzo con cui realizzarla. La sua stessa vita diventerà una lunga performance in cui cinema, arte e realtà si fonderanno.

I semplici gesti quotidiani ripetuti all’infinito, l’intrusione della spettacolarizzazione nella banalità e nell’ovvio, trasfigurati in musical di Broadway, e le sue incursioni negli spazi pubblici diventeranno lo strumento con cui indurre gli spettatori a pensare e interagire. Gotovac riuscirà a destrutturare e rendere percepibili le manipolazioni politiche e sociali del suo paese attraverso l’utilizzo dei suoi stessi simboli e del suo corpo. Il decennio più importante del suo lavoro inizia nel 1986 con Paranoia View Art (L’arte della visione paranoica del mondo). Per Gotovac «Tutto sta nel sostenere o negare la paranoia», una visione del mondo che attraverso l’utilizzo dell’iconografia cerca di ricostruire eventi politici e rapporti di causa-effetto.

Ad accompagnarlo in quasi tutti i suoi lavori ci saranno gli emblemi della cultura americana e del cinema d’autore, a cui Gotovac rende omaggio utilizzando parti, costrutti o musiche, assemblati in maniera maniacale fino a creare un linguaggio personalissimo, spesso geniale. Le sue opere sono metafore visionarie

“This adventure and those rail tracks, now controlled by an army under another command, will remain firmly etched in little Tomislav’s mind” costellate di tributi a quei grandi artisti che l’hanno ispirato, tra cui Jean Luc Godard, Jacques Prévert, Glenn Miller, Duke Ellington e naturalmente “Lei”, l’artista che ha toccato il suo cuore, capace di commuoverlo: Billie Holiday.

Nel 2008, due anni prima della sua scomparsa, il suo amico Sandro Dukic è riuscito ad immortalare Gotovac e il suo straordinario mezzo espressivo, catturandone l’essenza in una serie di scatti, Body Scan, diventati anche un lungometraggio e compresi nella mostra antologica Speak Quietly, in esposizione presso la Galleria Michaela Stock a Vienna nel 2013. Se ve la siete persa, nella stessa galleria nell’ambito della rassegna Postkards from Balkan, dal 28 Giugno al 28 Agosto 2014, l’arte e lo spirito di Gotovac tornano con la mostra Pure Words. Io ci sarò. E forse, in onore di Tomislav, canticchierò una canzone della Holiday.

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It seems strange, but it’s true: Tomislav Gotovac, also known as Antonio g. Lauer, actor, Director, performer (and all-round artist) with his extraordinary physicality could impersonate anyone or anything, if he had the choice he would have chosen to “be” her, Billie Holiday.

As the crow flies Harlem, New York, is 6,897 km from Zagreb. The two have never met, and we cannot say that they were contemporaries: and yet the connection and the influence of Holiday on Gotovac was so strong that it has happened “An American artist active in Zagreb.”

Strange? Maybe not. To understand the complexity and at the same time the extraordinary simplicity and purity of his work, the man and the director, the actor and pioneer of performance art in former Yugoslavia, it is necessary to identify with the historical, political and cultural context in which he was born, grew up and lived. Son of Elizabeth “Betti” Lauer (out of love, and as a sign of gratitude, he will adopt her surname), a passionate film buff originating from a good bourgeois Hungarian family, and Ivan Gotovac, military man in the Jugoslav Army, Tomislav was born in Sombor in 1937. When, in 1941, the axis forces invade Yugoslavia, the Kingdom, previously integrated despite popular discontent, crumbles, and the territory is divided between Hungary, Italy and Germany. Through the medium of radio Ante Pavelic, who is put in charge of the independent State of Croatia by fascists and Nazis, called together all the Croatian militia of the army of the Kingdom, to join the troops of the new independent State of Croatia. With a four year-old son, his wife and their few belongings, Ivan Gotovac decided to leave for Zagreb.

That trip aboard a freight train through what was now a ghostly realm would last two weeks. This adventure and those rail tracks, now controlled by an army under another command, will remain firmly etched in little Tomislav’s mind. Upon arrival in Zagreb, his father rises to the rank of sergeant. As a result of the promotion he is assigned to the National Guard, which controls the territory together with the Ustacha, the ultra-nationalist armed force that will play havoc on all Serbs, Jew or communist who will not convert to Catholicism. The atmosphere in Zagreb, is very harsh, there are blocks everywhere, there is a curfew from nine till six in the morning, and the small Tomislav, brought up in the natural landscapes of Sombor where Hungarian was mostly spoken, now struggles to understand the strange Serbs dialects that almost everyone speaks. In that smaller Zagreb of the time, few places were accessible to a four year-old. Among these, one in particular will take its place in his memory, feeding its future fantasy and artistic formation: the piazza of the national theatre where Gotovac sees The Fountain Of Life by Ivan Maestrovic.

It is a composition of a group of sculptures placed in a circle, which attract his attention. What strikes and fascinates him is the fact that the sculptures representing the human figure: men, women, children and the elderly are completely naked. During the war, the square is one of the few places where you can hang out and come back to often. Those bodies and those figures that, through the touch of a hand can be felt every time you drink from the fountain, remain etched in his mind forever. In much the same way that, as a youth, he will be fascinated by the paintings of Victor Kovacic and sculptures in the Church

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L’Aperitivo

Purple Lilac_The Possibilities

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Tomislav Gotovac, Showing the Elle Magazine, 1976, design: Tomislav Gotovac, signed silkscreen on paper, ed. 50/100, 100 x 71 cm, the original work by the same title – the photographs – were taken by photographer: Ivica Hripko. Courtesy of Sarah Gotovac

of St. Blasius, in the district where he lives. Depicting the Stations of the Cross, Golgotha and the very Crucifixes that, by showing the features of the body exposed in nakedness, allow an artistic sensibility to creep under his own skin. Visions that will strike deeply, stimulating in him his first reflections on the role of the nude in art.

After the war the city and the country profoundly change under the influence of Josep Broz ‘Tito’. This oppressive regime will hinder free expression for a long time, yet it will allow Gotovac access to the medium that mostly will affect his work: cinema, which will literally possess him. Starting in 1951, Gotovac will have the access to six American films a week, in the hall of the YNAH, the National Military Theatre; he sees the works of Vladimir Pogacic and Eisenstein, but also the complete works of Buster Keaton, And when later, the director of the National Film Library begins to project in the Balkan theatre and in the Zagreb all the material of the archives, for Gotovac this opens up the gates of paradise.

In 1954, the Federal Republic of Jugoslavia begins to open its doors to Western art, and, after the Korean war, he even has the chance to attend a performance of the Beijing opera company as well as the original representation of one of the works that strike him most: Porgy and Bess by George Gershwin, directly from Manhattan. For the first time Gotovac sees one of the best musicals of all time, with more than 100 actors and singers of colour. Of course it’s also his introduction to Summertime, whose best interpreter, although outside the theatre, might be found in a smoky club in New York, you can just imagine who it is. On stage he will also see Marcel Marceau and Titus Andronicus by Peter Brook, with Vivien Leigh and Laurence Olivier, in addition to a number of other composers from around the world. In his first visits to galleries he will see the works of Titian, Klee, Kurt Schwitters, Max Ernst that for him will almost be a shock, being the first encounter with something which until then he had only seen in books. In 1957 he is introduced to the realist cinema and admires the entire work of Chaplin, but also of Fritz Lang and the Russian films on Red October. It is in this period that a friend passes him some tapes of an American Jazz artist. That artist is Billie Holiday: when he hears Good Morning Heartache, Gotovac falls in love with her.

Her silky soft voice is the essence of the Blues, it is a quintessence of America with its inconsistencies and contradictions. Her life and her career had been a constant struggle between light and shadow with a terrible childhood behind her, raped as a ten years-old, sent to a reformatory, even forced into prostitution, she will find in

music only a partial redemption that will, according to the definition of Gotovac, make her “the greatest artist of the twentieth century.” In 1939, with the song Strange Fruit, Billie Holiday is the first artist of colour to sing explicitly of the racism prevailing in America in the nineteen forties, especially in the southern states, where the phenomenon of the lynching of blacks was widespread and tolerated: the strange fruits are men who hang from the trees. The song and Holiday thus become symbols of the struggle for civil rights of African Americans, sixteen years prior to the incident with Mrs. Rosa Parks, who refused to get up from her seat on the bus reserved for white people in Alabama, and about twenty-five years before the speech of Martin Luther King in Washington. For Gotovac the connection is very powerful. The sound of Holiday’s voice is enough to transport him into another world, at the same time as being a source of inspiration. Artistically he is still trying to find

“Visions that will strike deeply, stimulating in him his first reflections on the role of the nude in art” his way, which needs to be compatible with his social and political commitments. When, in 1963, for the biennial of music the great John Cage arrives in Zagreb, the Living Theatre and La Mama, almost overwhelmed Gotovac, he has in his mind all the elements needed for inspiration: cinema, theatre, music, performance art, as well as political commitment and the need to awaken consciences. He finished his studies and directed a few movies. He begins to think and rethink about his mode of expression. When he sees the first full nude scene in a Danish film by Arne Mattsson, She Danced Only One Summer, the idea that nudity is artistically important starts to take root in his mind because it is capable of shocking and compelling attention and through which you can tell the world of your perspective, beyond moral, social or religious conventions. Artistically there is no distinction between good naked and bad naked, between moral or amoral nude: performance art could give him his place in the sun. The first occasion was in 1970, when he won an award for his movie T. The idea was to get up and strip off during the award ceremony,

but Gotovac hesitated and failed to go through with it.

The following year, when his friend and colleague Lazar Stojanovic is filming The Plastic Jesus, he tells him that he has an idea that he would like to put it in the movie.

Stojanovic accepts, so the first instance of streaking is inserted into the film (Ed ‘Streaking’ is to run naked through a public place in protest). The scene is visible in the film, which shows Gotovac running naked down a street in Zagreb screaming, “I am innocent.” The film was censored and for many years vision of it was banned because of references to Tito in some scenes, but it entrenched in him the idea that this was his mode of expression, and that his body was the means by which to achieve it. His own life would become one long performance in which cinema, art and reality would merge.

Simple daily gestures repeated endlessly, the intrusion of sensationalism in the banal and obvious, transfiguration into Broadway musicals, and his incursions in public spaces would become the tool with which he would induce viewers to think and interact. Gotovac would be able to deconstruct and make perceptible the social and political manipulations of his country through the use of his own symbols and of his own body. The most important decade of his work begins in 1986 with Paranoia View Art (the art of the paranoid vision of the world).

For Gotovac “It’s all about supporting or denying the paranoia,” a vision of the world through the use of iconography that tries to reconstruct events and political relations of cause and effect. Accompanying him in almost all his works there are the emblems of American culture and art house cinema, to which Gotovac pays homage using parts, constructs or music, assembled in a maniacal way to create a personal language, often ingenious. His works are visionary metaphors dotted with tributes to those great artists who have inspired him, including Jean-Luc Godard, Jacques Prévert, Glenn Miller, Duke Ellington and of course “her”, the artist who touched his heart, always able to move him: Billie Holiday. In 2008, two years before his death, his friend Sandro Dukic managed to immortalize Gotovac and his extraordinary expressive medium, capturing the essence in a series of shots, Body Scan, which also became a documentary film and included in the anthological exhibition Speak Quietly, displayed at the Michaela Stocks Gallery in Vienna in 2013. If you missed it, in the same gallery, as part of the exhibition Postkards from Balkan, from June 28 to August 28, 2014, the art and spirit of Gotovac is back with the show Pure Words.

I’ll be there. And perhaps, in honour of Tomislav, I will hum a Billie Holiday song.

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ROBERTO SALBITANI e l’immagine capovolta 18.05 - 22.08.2014 Pesaro, BAG Photo Art Gallery

CONVERSATIONS. | 17.05.2014 | 7pm Chiesa di Santa Maria Maddalena - Pesaro vernissage | 17.05.2014 | 9pm BAG Photo Art Gallery - Pesaro curated by Vincenzo Circosta Marco Vincenzi Christina Magnanelli Weitensfelder

BAG Photo Art Gallery via degli abeti 102 | Pesaro - Italy monday - friday | 10am - 6pm | ph. +39 366.1977633 bag@bildungartgallery.com | www.bildungartgallery.com