Global Grisart Nº 23

23 MARS DE 2023

SUMARIO

EDITORIAL

MEMORIA, FOTOGRAFÍA Y CAPACIDAD EVOCADORA

ENTREVISTA A ANDRÉS HISPANO: «¡Desde hace siglo y medio las imágenes han modelado y transformado nuestra idea de cuanto somos o nos rodea!»

PRIMERAS PUBLICACIONES

FOTOGRÁFICAS, (AÑOS 2022-2023):

- GAIA AQUINO: «NONNA»

- MATHEUS LIMA: «LETEMPSDÉTRUITTOUT»

- HANNAH REEMERS: «UTOPÍADIABÉTICA»

INDIA LUCIA SCHILLING: «DEMANOENMANO: NUESTROCORAZÓN»

EUGENIA VEGA-LEAL GARCÍA: «AJENOS»

- NINO BESELIA: «NAKED»

- MAHA IBRAHIM: «SPIRALALIENATION»

- GABRIJELA VARGA: «UNTILNEXTTIME»

CHIARA GRANDI: «MISCHIEVOUSVOICE»

JEN MCLAIN: «PARTYOFTHEMIND»

EXPOSICIONES Y FOTOLIBROS

EXCELENCIA

LIBRE OPINIÓN DE IRENE DE MENDOZA

GLOBAL GRISART

LA REVISTA DE LOS ALUMNOS Y AMIGOS DE GRISART ESCUELA INTERNACIONAL DE FOTOGRAFÍA

EDITORIAL

Desde noviembre del año pasado el mundo entero tiene sus ojos clavados en un pequeño robot conversacional: ChatGPT, una inteligencia artificial que todavía es experimental ¡pero que ya impresiona mucho! Diseñado por la empresa OpenAI (de la que Elon Musk es uno de los accionistas), muestra a todos, a tamaño real, parte de las capacidades de una tecnología que todo el mundo lleva en el bolsillo o en casa desde hace años: Siri, Alexa, Asistente de Google...Hoy el término “inteligencia artificial” se refiere a la suma de decenas de programas de software que funcionan sobre la base de algoritmos. Hablamos de IA porque estos programas están entrenados en un modelo de “aprendizaje profundo”; es decir que les dan a tragar millones de datos de información para entrenarse y conectarse entre sí. Es tanto más fácil cuanto que Internet se ha llenado, de millones de imágenes, a menudo sin copyright, acompañadas de descripciones, más o menos correctas, pero suficientes como para enlazarlas. Además, muchas herramientas hacen que sea muy fácil realizar acciones como recortar o elimi-

nar elementos, y cada vez con más facilidad. Se ha de sumar, diseñado por OpenAI existe Dall-E, un software integrado de generación de imágenes bastante avanzado. Al darle indicaciones claras, precisas e inequívocas, se puede generar la foto AI.

Desde hace varios años, la escuela Grisart y Panoràmic siguen estos desarrollos. Panoràmic presentó en su última sesión los trabajos del programador galés Andy Kelly y también la instalación de Gerard Toledano para viajar por varios paisajes y progresar en el espacio. Albert Gusi por su parte produjo una exposición de IA en Barcelona el año pasado: “ContrasonetdelCampNou”.

Moralmente, ya no se trata con IA de producir obras sino de “prescribir sentido”. La función de autor se confunde ahora con la de comisario, coleccionista, historiador del arte, teórico, analista de la imagen, documentalista, o la de docente... ¡Es todo lo que hay que integrar hoy! Aunque obviamente deseamos que aquellos que aman “la cámara”, trabajan en lo que pronto llamaremos...“old fashioned”.

Jean-Matthieu Gosselin

©Susana Velasco

MEMORIA, FOTOGRAFÍA Y CAPACIDAD EVOCADORA

Parece que es más por su carácter de huella inconfundible por lo que la foto debe su uso de “recuerdo”, de “reflejosdeunaciertamemoria”, que a sus “poderesderestituciónexacta delpasado”, porque rara vez es un acto de recuerdo genuino, debido a las dificultades ligadas a la memoria misma, a las aflicciones del tiempo, a los problemas de sincronicidad, a los anacronismos culturales, a la pérdida de la totalidad de la historia y/o del contexto en el que se tomó la foto, al carácter mismo del fotógrafo, etc. La fotografía convoca, suscita, por asociaciones, acercamientos, expansiones metonímicas, relaciones íntimas... Esta es su mayor eficacia: recrea redes, más que resucitar el pasado. Esto es lo que vamos a ver en este “dossier de Global Grisart” que debería permitir ir más allá en esta búsqueda sobre la Memoria, la Identidad, la interculturalidad, con la fotografía que tanto ha fascinado a los artistas. “Alrecordaralgo,nos recordamosanosotrosmismos”, escribió el filósofo Paul Ricœur.

La fotografía no es sólo un soporte para la imagen, es además un soporte de y para la memoria, ya que su fuerza y atractivo reside en la capacidad de suspender el tiempo y centrar el espacio en un instante.

La Foto y la memoria viven un vínculo estrecho, como escribe el fotógrafo australiano Bill Henson: “Siempre he pensado que nuestra relación con la fotografía estuvo condicionada por

«Temporalidades fotográficas: inmovilidad, recuerdo, expansión, disolución y nueva creación»

©Gadea Burgaz «Envíame la foto»foto de la expo Jmg

«Elintentoderevivirprincipiosartísticospasadospuedeproducirobrasdearte quesoncomounniñomuertoantesdenacer»,

Kandinsky, en «De lo espiritual en el arte»Fotos de @Dominnique Roger, «Venezia» - @Espe Pons, «Sota la llum del mar», 2021.

un profundo sentimiento de pérdida”. La imagen favorece la evocación de recuerdos, pero también permite recrear narraciones verosímiles, erróneas o reconstrucciónes aleatorias y abstractas, deudoras del alma.

En el tema de la memoria, hay que pasar por la prueba de las definiciones para entender. Esto es también lo que hace posible trabajar después sobre tal o cual tipo de imagen después:

- Las “memorias perceptivas”, basadas en el corto plazo y en una cantidad limitada de información, que movilizan varios modos de representación, es decir, los basados en los cinco sentidos: vista, oído, gusto, gusto, olfato y tacto;

- las “memorias episódicas”, memorias compuestas por información ubicada en el tiempo y el espacio, cuya recuperación, más compleja, se basa en efectos de contexto. Sirve para recordar hechos que son únicos en su naturaleza y en cómo se desarrollan: pequeños acontecimientos del tiempo perdido, detalles

de la vida (la cafetera, la taza, la cortina, el sonido de un motor, ... la magdalena: su sabor, su olor);

- las “memorias semánticas” construidas a partir del conocimiento general del mundo, independiente del lugar y tiempo de su concepción. Se expresan en un discurso gracias a un vocabulario, iconos, etc.; se organizan a través de procedimientos tales como ritos y rituales, rutinas, etc. Tienen el peso de nuestras palabras, nuestra sintaxis, nuestro encuadre, nuestros colores... Como monitorea y custodia el aprendizaje, la memoria implica una relación con el mundo más allá del solipsismo. Aunque individual, es también objeto para compartir a través de marcos sociales.

El sociólogo francés de la escuela durkheimiana Maurice Halbwachs subrayó a principios del siglo XX los roles de la familia, de la educación, de la universidad, de la religión... Otras formas de experiencia colectiva – el grupo cultural, la

nación, la institución, y hoy las redes sociales globalizadas– pueden también generar una memoria compartida por sus miembros, una memoria que remite a la constitución de un referente colectivo al que los individuos se identifican y reivindican.

Para Bergson, la imaginación es memoria. La imagen es recuerdo, pero “recuerdo reconstruido”, tal como dice Halbwash: “Fuera del sueño, el pasado, en realidad,nosemanifestabatalcualesy todopareceindicarquenoseconservaba, sino que era reconstruido desde el presente”.

La fotografía es un elemento clave también en la memoria colectiva, transciende el interés individual y se construye como restos de un pasado, como recuerdos visuales de una memoria compartida.

En estas situaciones:

- La imagen es parte del proceso investigador de reconocer, inspeccionar, pen-

«Hetenidolanecesidaddeutilizarsiemprelafotografíacomoherramientadedocumentaciónperotambién comoelementodeescrituranarrativaydescubrimientodesuespacio,desusobjetos»,

dice Anna Gali.

- @Anna Gali, «Time on Quaaludes and red wine», 2018.

© Anna Galii

«Silascosasdelarteamenudocomienzanporlocontrariodelascosasdelavida,esporquelaimagen,probablementemejor quecualquierotracosa,manifiestaesteestadodesupervivenciaquenoperteneceenteramentealavida,nialamuerteenconjunto, sinoaunaespeciedeestadotanparadójicocomoeldelosespectrosque,sintregua,ponenenmovimientonuestramemoriadesde dentro»,escribió

© J-M Gosselin

©André Kartész,_El fauno danzante (1919)

Merleau-Ponty. - Fotos @André Kertész, «El fauno danzante»,1919 - @JM Gosselin, «No surrender», 2019.

sar y reflexionar el entorno, la familia, los amigos, sus objetos y los acontecimientos que sucedieron.

- El vínculo con lo emocional se hace más asequible a partir de la imagen –real o imaginada– ya que el recuerdo, la memoria y su sentido se fundamentan en un objeto o en un sentimiento.

- La imagen tomada, escogida, montada, de ensamblaje... rubrica y puntea lo que merece ser expuesto, reconocido, recordar, grabar; pero también, la ausencia, la amnesia, lo borrado, el alejamiento.

Cada día más, generalmente con los teléfonos móviles, estamos habituados a capturar momentos indiscriminadamente, pero en realmente pocas veces se disfruta de ellos. ¿Por qué?

- Nuestros teléfonos móviles están llenos de imágenes, pero en estos la clasificación es básica, solamente por fecha de toma, por eso es difícil clasificar y encontrar de nuevo las imágenes.

- Abrir un álbum familiar con fotografías de boda de nuestros padres o la nuestra propia, o bien las comuniones o cumples de los abuelos...es cada vez más raro, porque se pierden los álbumes...

- Rebuscar en la caja de las fotos y reír de la ropa que vestíamos hace años, o

de los coches, o del papel pintado extraño en la pared... es muy raro hoy. - Conversar delante del álbum familiar y recordar a los que ya no están con nosotros. Es muy bueno hacerlo con los ancianos, o para reconstruir una narración nueva, un ensayo, una novela gráfica, aunque sea alejado de lo real.

Además de fortificar los procesos neuronales, también usar fotos de archivos forman parte de otro tipo de cuidados: ¡los emocionales!

A la vez “práctica” y “huella”, la fotografía es de hecho un fenómeno social que, como escribió Pierre Bourdieu en 1965 en “Un art Moyen”, conlleva muchos preconceptos demasiado a menudo erróneos, preconceptos que lindan con la proyección del yo del investigador, con la producción de representaciones (personal o social) y valores que en la mayoría de los casos son presentistas.

La “memoria ciudadana” y estadal es también un elemento de reconstrucción de los recuerdos. El historiador se encuentra entonces en un terreno más seguro para proponer una interpretación y trabajar sobre la memoria personal y colectiva. La fotografía es un componente de los registros de

inmigración, policía, servicio militar, escuela, universidad, etc. El usuario encuentra huellas de un camino o de un viaje personal o familiar, pero muchas veces con fotografías que están mal subtituladas o tituladas. Pero lo que está claro es que cada uso de la fotografía, cada integración en una historia (personal, familiar, social o profesional) cubre a la imagen con una fina capa de representaciones simbólias, una capa que se superpone a las otras acumuladas a lo largo del tiempo. Wim Wenders hablando de Walker Evans considera que: “Enesasfotosse siente el deseo de mirar y de conservar.LasfotosquedurantelaDepresión hizo Walker Evans eran justamente eso: mirar y conservar en la memoria algo que iba a desaparecer al cabo de tresocuatroaños.”

En esta búsqueda de la memoria reside hoy una “moralidad de las imágenes”. Para Susan Sontag, las fotografías tienen una “relevanciaética”. Más allá del sentimiento de realidad que pueden representar, sí que hay una realidad, la del sufrimiento entre otras cosas. Las fotografías dan testimonio de ello. Las imágenes participan así de esta demanda de ética que nuestras sociedades expresan hoy para regular mejor la vida cí-

© Navia,

«Las palabras son como las fotografías. No se sabe lo que esconden detrás.», Gonzalo Suárez - Foto @Navia “Alma Tierra”, 2018.

La fotografía conserva una capacidad evocadora suscitando múltiples reacciones de indignación, asombro, seducción, moral, etc.

Los conceptos de identidad y memoria están vigorosamente relacionados, hasta el punto de que no pueden ser sencillamente trabajados por separado. Otro concepto, como es el de imaginación, da carácter a las esferas privadas de nuestra vida y afirma nuestros referentes, que armonizarán con una comunidad y/o cultura expresa con mayor o menor fuerza. Los marcos sociales de la memoria organizan la distribución de nuestros recuerdos en la mente, de nuestras instituciones sociales, de nuestras formas de comunicación, de nuestros pensamientos, de nuestros movimientos espaciales, dando sentido en todo caso a la propia existencia, integrados en una comunidad especifica. Muchos fotógrafos han trabajado o trabajan sobre memoria y identidad, incluso la memoria histórica: Robert Demachy o Romualdo García en el siglo XIX, Alvin Coburn, Edward Steichen, Laura Gilpin, Paul Fusco, Martine Franck, Ergy Lan dau, Bill Brandt, Edouard Glissant, Bernard Plossu, Juanan Requena, Israel Ariño, Jan Herdlicka, Daido Moriyama, Ryuji Miyamoto, Iñaki Bonillas, Patrick Zachman, Raghu Rai, Lars Tunbjörk, Emma Hardy, Marcelo Brodsky, Antoine d’Agata, Anton Delsol, Yann Gross, Espe Pons, Anna Gali, Jeff Wall, Michael Duperrin, Enric Montes, los cineastas Robert Bresson, Wim Wenders, Christopher Nolan, los pintores David Hockney, Francine Mayran, Christian Boltanski, etc.

En conclusión, si las “fotos- memoria” o los “recuerdos redescubiertos por la fotografía” pudieran restaurar una memoria del pasado, deberían existir las “autobiografías fotográficas”, pero eso no existe. Hay álbumes familiares,

libros ilustrados, photobooks, photonovelas, etc., pero siempre son fragmentarios, creaciones subjetivas, obras narrativas o recreadas y/o más o menos verosímiles...

Y además “Lafotografíaporsísolano puedeconstituirun‘pactoautobiográfico’. Es el texto, después de la toma y del tratamiento, el que le da esa dimensión”, escribió Gabriel Bauret en “Autobiografía literaria y autobiografía fotográfica” en 1984.

Como escribe Ruyji Miyamoto “Las fotografías solo pueden expresarse en tiempo pasado, con todo lo que eso conlleva.”

Jean-Matthieu Gosselin

“Lamemorianoesdelpasado,esdeltiempo”, decía Aristóteless - A bajo foto @Enric Montes «Es por el azul crujiente», 2011- De arriba a bajo: @Iñaki Bonillas, 30ª Bienal de Sao Paulo - @Yann Gross, «The Jungle Show» , Arles, 2016 - @Rif Spahni, «Son Boter», 2019.

©Iñaki Bonillas

©Yann Gross ©Rif Spahni

«Cadafotografía,cadaúnicavez,estambiénelprincipiodeunahistoriaqueempieza: ‘Éraseunavez...‘(...)Parami,yamedidaquepasaeltiempo,Eltomarimágenessehaconvertidomásymás enunregistrarhistorias.» decía Wim Wenders - Fotos: «Patrick Zachmann rencontre les anges de Notre Dame» ©Radio France; Patrick Zachmann, 2019 - @Joshua-Irwandi, «The

© Joshua Irwandiu

Human Cost of COVID-19», 2nd Prize World Press Photo 2021.

© Patrick Zachmann

«Laculturavisualtomaalasimágenescomounelementoresignificadoconstantemente,vivo.», Andres Hispano Collage realizado con elementos de la clase de Andres Hispano en Grisart en 2022-2023 : «ModosdeVer»

1 - ¿Hoy en día cómo se expresa la “cultura visual” en la sociedad contemporánea?

La cultura visual, a diferencia de la Historia del Arte o los estudios de estético a o semiótica, no estudia las imágenes como lo haría un forense, toma a las imágenes como un elemento resignificado constantemente, vivo. Importa cómo operan las imágenes en nuestra sociedad, pero sobre todo entender que las tecnologías determinan su uso y hoy, el intercambio y la apropiación hacen de cualquier imagen algo potencialmente polisémico, ambiguo y reutilizable en maneras insospechadas hasta ahora. El problema es que en una iconosfera, una sociedad sumergida en imágenes, muchos consideran innatas ya las habilidades para leer, manejar y comprender las imágenes, cómo transitan y transforman nuestra idea de la realidad. El flujo de información y comunicaciones

ENTREVISTA A ANDRÉS HISPANO

Andres HispAno nació en Barcelona en 1964, licenciado en Bellas artes es un artista, realizador, comisario expositivo, articulista y docente. Actualmente trabaja en Visual. Da clases en Grisart, en LCI, etc.

Fue director del programa Nits Temàtiques en BTV (1997-2002). Ha realizado varios documentales; comisariado varias exposiciones en el CCCB o en la Virreina. Es miembro del Comité asesor de Panoràmic (festival de fotografía i cinema de Granollers)... Es autor de libros notamente “Falsosdocumentalesy otraspiruetasdelano-ficción”. Ha trabajado en numerosas películas que asesoraba... ...

es tan rápido y masivo, que nadie se toma tiempo en recorrer su historia, el currículo de cada imagen, de cada género o medio. La cultura visual debería proporcionarnos herramientas para comprender cómo, desde hace siglo y medio especialmente, las imágenes han modelado y transformado nuestra idea de cuanto somos o nos rodea: arquetipos, espacios, la Historia, valores, ambiciones...

2 - Para ti cuál es la importancia de la comunicación visual en el siglo XXI? ¿Es diferente de la de los siglos pasados?

El siglo XXI nace, no sólo con las imágenes en el centro de nuestras comunicaciones, evasión y formas de conocimiento (mapas, estudios, buscadores…), sino con herramientas para modificarlas y hasta generarlas (incluída la IA) en un modo que altera por completo la idea que teníamos de lo que es o para qué

sirve una imagen. Ya no son tan sólo ilustraciones del mundo ni fruto de la creatividad humana, ahora están creando realidades paralelas y acercándose rápidamente a una autonomía capaz de dictar imaginarios propios. Esto es nuevo, que las imágenes no sean fruto de la experiencia ni la expresión humana. ¿En qué manera dictarán, modularán, entonces nuestra relación con eso a lo que aún llamamos realidad?

3 - Trabajaste en varios sectores del arte, mezclando cronologías, hechos, autores literarios, pictóricos, cinematográficos..., técnicas artísticas... un mundo de creación con universos incomposibles pero unidos en un mismo espacio mental. ¿Crees que la ficción procede desde la realidad, o incluso va a producirla?

Del mismo modo en que las cámaras en los móviles difuminan las diferencias entre imagen fija y móvil

«¡Desdehacesigloymediolasimágenes hanmodeladoytransformadonuestraideadecuantosomosonosrodea!»

© Andres Hispanbo

© Nicholas Nixon

© Vivian Maier

© Eduard Manet

para un adolescente hoy, la cultura fotográfica y cinematográfica se funden en su bagaje cultural.

grafía porque se van a pasar el resto de su vida escribiendo mensajes con los pulgares?

Sin embargo sí es importante estimularlos para que exploren la Historia del arte y de los medios que han permitido producir e intercambiar las imágenes.

preta del mismo modo pero que ha tenido un impacto tremendo en el arte y el cine contemporáneo, resulta interesante. Sigue siendo a la vez, una obra obscena, secreta, omnipresente e incómoda.

La importancia de la cultura pictórica les queda un poco lejos, pero los nuevos generadores de imágenes harán pronto de todo ello (pintura, cine, foto) una misma ‘sustancia cultural’ que hallará su inspiración en todas partes y se expresará indistintamente en lo que antes eran diferentes medios. Aquí, francamente, tendrá ventaja quien se esmere un poco en investigar a la vieja usanza.

Las redes proveerán de un puré de referencias cada vez más intoxicadas de citas y reciclajes. Quien estudie las fuentes, recorra museos, descubra libros de viejo y explore a autores y culturas menos ‘explotadas’ dispondrá de una ventaja enorme, porque podrá introducir variables en un amasijo de reverberaciones y lugares comunes que resulta ya asfixiante. Tengo alumnos que consideran a Tarantino o Guy Ritchie como cine clásico.

4 - ¿Como transmitir a los jóvenes y los estudiantes la semántica y la gramática del lenguaje visual?

Creo que es difícil convencer a los jóvenes de que necesitan aprender algo sobre las imágenes, porque manejan mejor que nosotros los instrumentos que las producen e intercambian.

¿Tendría sentido enviar a nuestros hijos a una academia de mecano-

Sólo ahí encontrarán el potencial de las imágenes para definir o transformar un momento, un gru po, un individuo y sólo ahí, perdiéndose en una cierta arqueología mediática, encontrarán maneras de expresarse que los diferencien de una caligrafía universal homogénea. Somos miles de millones empleando empleando dos docenas de aplicaciones.

5 - ¿Cuáles son los tipos de imágenes artes visuales que a ti te interesan más?

En un mundo como este, a mí me interesa en particular todo aquello ambiguo e incómodo de interpretar y compartir. No para epatar al burgués, que también, sino porque entiendo como un valor aquellas historias, imágenes o fenómenos que no fuerzan a reconsiderar cómo y qué sabemos ver.

Una obra de arte, por poner un ejemplo, como “Étant donnés” de Marcel Duchamp, que nadie inter-

Suelo compartir algunas de estas imágenes en clases y charlas, porque nos fuerzan a reconocer sus conexiones con otros imaginarios y a entender hasta qué punto las oscilaciones del gusto y la sensibilidad, además de los medios tecnológicos, las resignifican constantemente. Vuelvo al principio de la entrevista: las imágenes están vivas.

Entrevista realizada por Jean-Matthieu Gosselin

«Las redes proveerán de un puré de referencias cada vez más intoxicadas de citas y reciclajes. Quien estudie las fuentes, recorra museos, descubra libros de viejo y explore a autores y culturas menos “explotadas” dispondrá de una ventaja enorme.»

«En un mundo como este, a mí me interesa en particular todo aquello ambiguo e incómodo de interpretar y compartir.»

PRIMERAS PUBLICACIONES FOTOGRÁFICAS

INvENCIONES NARRATIvAS (AñOS 2022-2023)

Queremos compartir con vosotros una selección de los trabajos de los alumnos de la promoción 20222023 del Plan de Estudios Profesionales. Proyectos soberbios y sorprendentes en los que intuimos que tendrán un largo recorrido. Imágenes que nos hablan de la alienación, del cuerpo, del amor, de la memoria, de la enfermedad... y que se confrontan con la estética y la ética a través de las texturas, las líneas, la narración, lo falso, lo verdadero... No podemos esconder nuestra alegría. Esta generación de alumnos tienen motivación, constancia, creatividad y todos están dotados de una profunda pasión por la cultura visual.

¡Felicidades! Sin duda, dan sentido a la frase de Robert Doisneau: “Cuandoeresprisionerodelaimagen, ellotedatodalaaudacia”.

ALBERT GUSI

© Sofia_Poliakova

© Jen McLain

Este proyecto está pensado como un homenaje a mi abuela, una persona muy influyente en mi vida. Crecí en su casa donde me enseñaba a escribir, contar, tejer, para mantenerme ocupada.

Al crecer, ella se convirtió en una persona fundamental en mi desarrollo personal. Se mudó a Londres muy joven, viajó por Europa con amigos y dio a luz a mi padre y lo crió sola, lo cual fue muy controvertido para el período de tiempo en el que vivía. Ella me enseñó el significado de la independencia y que una mujer no necesita un hombre de su lado para las cosas funcionen. Últimamente se ha convertido más en una mejor amiga, llamándome todos los días puedo contarle cualquier cosa que está pasando en mi vida. Su casa siempre ha sido un espacio seguro para mí, mi hermana y mis amigos, todos hemos sido bienvenidos y recibidos con una taza de café y una cálida sonrisa

Hace un par de meses tuvo que someterse a una cirugía de emergencia muy invasiva que jugó con su estabilidad mental y ahora está obligada a usar una silla de ruedas en un hogar de ancianos. Desafortunadamente, la demencia está en los genes y, aunque todavía está viva y le va bien, no es la misma persona que solía ser. En cierto modo la perdí.

A través de este trabajo quise rendir homenaje a su persona y todo lo que conlleva, desde la libertad de expresión hasta el placer de estar bien vestido. En última instancia, quería representar su feminidad, elegancia y poderosa presencia.

¡ Gracias, Nonna!

Gaia Aquino

© Gaia Aquino

©

Gaia Aquino

Con este proyecto, decidí hablar sobre la Entropía, un concepto científico que mide el declive gradual hacia el desorden. El nombre de la misma es una referencia a “Irreversible”, película del director argentino Gaspar Noé. De manera filosófica, la entropía es una ley que dice que todo tiende a arruinarse. ¡Todo se rompe! ¡Todo muere! ¡Todo se desmorona!

Mientras lees esto, la entropía te rodea. Las células dentro de su cuerpo están muriendo y degradándose, también el calor de su café siempre se extenderá. Haciendo un focus un poco cerca del tema, podemos imaginar el aumento

de la entropía: las parejas se están rompiendo, las guerras están ocurriendo y el mundo literalmente se está parando. ¿Por qué todo tiende al caos? Además, ¿por qué vivimos tratando de reducir la entropía, aunque no podamos? Construimos nuestra vida intentando evitar esta entropia, pero el orden es siempre artificial y temporal. ¡El final es un proceso inevitable!

Esta serie es un estudio vusual de situaciones donde ocurre la entropía. Decidí documentarlo como bodegon, buscando ambientes donde pudiera notar de alguna manera la entropía, encontrando algunos momentos de desorden y caos que enfrentamos en el día a día.

Me apetecía llevar este tema a un plano interpretativo, donde pudiéramos pensar la entropía como un proceso, no como algo definido, ya que el caos y el desorden pueden ser subjetivos. ¿Es el final o es el comienzo de algo nuevo y diferente? Traigo esta visión optimista de la entropía, asumiendo que puede abrir espacio para la transformación.

Realmente no hemos terminado cuando es el final. El final es el proceso, y hay una intersección del final y del comienzo, como de algo nuevo en todo. !Sólo tenemos que encontrarla!

Matheus Lima

HANNAH REEMERS (2022-2023) «UTOPÍADIABÉTICA»

En este proyecto pretendo explorar y crear un nuevo imaginario de la diabetes de una manera utópica y poética. Lo concebí como un trabajo colaborativo con Elena Bronchalo a quien le diagnosticaron diabetes tipo 1 a los nueve años. Las imágenes pueden leerse como declaraciones visuales de un manifiesto poético y político sobre la vida con diabetes.

El enfoque general es encontrar la poesía existente en estos detalles cotidianos, mas alla del documental. Sin embargo, este proyecto es muy consciente de la trampa de un discurso sublimador: no hay necesidad de encontrar a través de la exploración creativa de la enfermedad un acto redentor o culmi-

nar en una conclusión positiva. Trabajé con Elena Bronchalo para asegurar que el aspecto utópico de la imagen refleje genuinamente las experiencias que vive ella y preserve lo que concebimos como una oda política al cuerpo enfermo. Las tres fotos siguientes enseñan una parte de este trabajo:

- Las manos de Elena realizando la prueba de glucosa en sangre, su mano izquierda con un guante. El guante puede aludir a los guantes de cirugía, pero debido a su color rosa brillante y al movimiento de la mano que parece bailar, todo el gesto mira al teatro y el poético.

- Detalle de la nevera de Elena llena de inyecciones de insulina. Sueña con un fácil acceso a la insulina.

- Elena en la cocina mirando directamente a la cámara mientras se apoya en la pared. Cuando tiene picos de azúcar, la concentración de azúcar en los ojos hace que aparezcan manchas blancas en su campo de visión. Recreamos esta sensación evitando dramatizarla.

Como se ha explicado anteriormente, tener diabetes implica un conocimiento de la función y disfunciones internas del cuerpo y obliga a prestarle atención. Esto puede verse como una fuerte afirmación utópica general donde el cuidado general y el conocimiento del cuerpo, de cada cuerpo, superan la lógica económica.

Hannah Reemers

© Hannah Reemers

© Hannah Reemers

INDIA LUCIA SCHILLING (2022-2023) «DEMANOENMANO:NUESTROCORAZÓN»

¿Cómo transmitimos las joyas que nos acompañan entre diferentes generaciones en momentos importantes de la vida, cómo sopesamos hábitos perdidos, recuperamos y seguimos pasando entre nosotras?

Todo empieza con mi madre en una tienda en Ibiza, llamada Goldi, alrededor del año 1998. Es un corazón plateado rodeado de unas bolitas de oro, y en medio se encuentra una pequeña piedra verde, junto a un anillo plateado, con dos corazones de oro y una pequeña piedra también en forma de corazón. Mi madre las llevó durante muchos años hasta que algún día decidió dejarselas a mi hermana mayor. Ella en aquel entonces tendría unos 19 años,

las llevó durante mucho tiempo, y tuvo el primer susto de perderlo.. Al pasar unos años más, llegué a tenerlo. Me lo ponía siempre, todos los días. Por muchos collares que tuviera, siempre llevaba este mismo. Ahora el susto de perderlo me ha tocado a mí. La historia tan surrealista empezó un día después de mudarme a Barcelona. Trabajaba en una tienda cerca de Plaza Catalunya. Un dia de invierno, al llegar a casa y quitarme el abrigo, me di cuenta que el colgante no estaba. No era muy buena idea ir a buscar sola un colgante por todo Barcelona... Pero decidí salir a buscarlo, solo por intentarlo. Hacerlo de forma rápida me parecía dificil. ¿Hacia dónde había que caminar? Tras largos

caminos, estuve a punto de cruzar las Ramblas y volver a casa; el semaforo estaba rojo y había unos policías al lado. Pensé, “mejormeesperoaquese pongaverde”, con la cabeza agachada, y... ¡de repente vi el colgante! No me lo podía creer, estaba tan feliz que eso me pareció surrealista. ¿Como después de horas seguía allí, con la cantidad de gente que pasa por las Ramblas, sobre todo en ese cruce, donde la gente encima se para y, aún así, nadie lo había cogido?

¡Nadie se lo podía creer, era algo muy poco probable de que pasara, pero sí, eso pasa!

India Lucia Schilling

ndia

Lucia Schilling

EUGENIA VEGA-LEAL GARCÍA (2022-2023) «AJENOS»

Desde que decidí que me quiero dedicar a la fotografía tuve claro que, en algún momento, iba a dedicarle a mi madre, un proyecto fotográfico sobre la “Esclerosis Múltiple”.

En casa hemos convivido/sufrido con la enfermedad y es algo que tenía que hacer. Con este trabajo empiezo a armar el puzle. Espero acabarlo y darle sentido con el paso de los años.

He elegido el título “Ajenos” porque siempre pensamos que los problemas

son de los demás hasta que nos toca a nosotros o a los nuestros.

He encontrado fuentes de inspiracion como las imagenes de Frank Machalowski o Alexey Titarenko, por su estética y por la historia que los envuelve a ambos en distintos contextos

También me ha sido de gran ayuda leer “Pies de elefante” de la periodista Anita Botwin, donde habla de su experiencia con Esclerosis Múltiple. ‘’Yo, que estoy

encadenada a esta silla; yo, que estoy presa dentro de un cuerpo que no responde, manos que no obedecen, piernasquenoquierencaminar(...)La esclerosismúltiplemeobligaavecesa pasar demasiado tiempo en casa. Eso mehacesentirmeavecesalgosecuestrada (...) A veces desearía que estuvieranenmicuerpotansolounminuto paracomprenderlamagnituddeloque hablo’’.

Eugenia Vega-Leal García

© Eugenia Vega-Leal García

©Eugenia Vega-Leal García

© Eugenia Vega-Leal García

Trabajo un proyecto sobre la desnudez femenina. Hice una primera serie de fotos de desnudos de mi compañera. Quería mostrar la belleza del cuerpo y las formas femeninas a pesar de sus cicatrices, la textura de la piel y las estrías que hoy en día se consideran algo vergonzoso debido a la representación poco realista del cuerpo femenino perfecto.

Cuando mostré a mi amiga las fotos finales y le pregunté su opinión, ella dijo que antes se sentía acomplejada por algunas partes de su cuerpo, pero que la forma en que las capturé consiguió cambiar su opinión. Mi objetivo es que las personas se vean positivamente a sí mismas y ayudarlas a apreciarse y amarse más. Especialmente porque, en esta sociedad, a las mujeres se les dice qué ponerse, cuánto pesar, etc., y la desnudez femenina se considera pornografía y siempre se censura en las redes sociales.

La desnudez es mi tema favorito para fotografiar porque es algo muy íntimo y sensual. Es nuestro estado natural. ¡Está diversa, inconformista y esencial! Antes de empezar a disparar sabía que las quería en blanco y negro para que todo fuera más limpio y concentrado en una emoción y tambien más fácil de ver e interpretar... Quería crear líneas, curvas y formas como triángulos y cuadrados usando el cuerpo humano... Mis inspiraciones para estas imágenes fueron: Imogen Cunningham, Bill Brandt, Ralph Gibson y Edward Weston.

Nino Beselia

Estuve caminando por las calles de la ciudad vieja de mi ciudad natal, Nazaret, cuando viví un fuerte sentimiento de alienación y extrañamiento.

Me molestó la idea de que me había convertido en una extraña en mi propia ciudad natal. Pero este sentimiento de alienación no se iba y me seguía a todas partes. Durante la visita experimenté una variedad de sentimientos en el espectro de conexión y alienación que se encontraba en tantos niveles diferentes: alienación de lugares, personas y de mí misma; desde el exterior hasta el centro. El psicoanalista Jacques Lacan considera que la alienación no es un accidente que le sobreviene al sujeto y que puede ser trascendido, sino un rasgo constitutivo esencial del sujeto. El sujeto está fundamentalmente dividido, alienado de sí mismo, y no hay escape de esta división, no hay posibilidad de “totalidad” o síntesis.

Dentro de esta alienación fundamental interna, buscamos la conexión, con nosotros mismos y el mundo. Esta tensión entre alienación y conexión siempre nos seguirá. La historia que busco contar a través de estas imágenes es que, en cualquier momento de la vida en el que te encuentres, en cualquier entorno en el que te encuentres, la alienación y la conexión se cruzan de formas curiosas e impredecibles. En esta serie, el objetivo fue crear una selección en la que cada foto sea un reflejo de algo que sentí dentro del tema de la alienación y la pertenencia, la conexión y el desapego.

Maha Ibrahim

© Maha Ibrahim

© Maha Ibrahim

© Maha Ibrahim

GABRIJELA VARGA (2022-2023)

«UNTILNEXTTIME»

Mi proyecto es documentar la relación con mi pareja en los pocos días que podemos pasar tiempo juntos. Ambos vivimos en diferentes países.

Documento el poco tiempo que estuvimos juntos en Nochevieja, cuando alquilamos una pequeña cabaña en la montaña, situada entre Lleida y Tarragona.

Decidimos activamente pasar la víspera del año nuevo en un entorno en el dedicásemos nuestro tiempo para el otro, por lo que comenzamos este año de una manera reflexiva.

Mis fotos se inspiraron en el trabajo de Nan Goldin, quien capturó, entre otras cosas, sus relaciones íntimas con sus parejas y amantes a lo largo de los años de su vida. En esta serie de fotos muestro una parte bastante vulnerable de mí mismo, que es la relación con un ser humano especialmente cerca de mi corazón.

Lo documental siempre fue algo que me intrigó más que cualquier otra cosa en la fotografía. Lo que me fascina es que creo que presenta las cosas como son. Intentó presentar el mundo sin manipularlo, tratando de ser lo más

auténtica posible (idealmente). La belleza de la fotografía documental son los momentos sinceros que registré. Con la serie traté de capturar la relación entre mi pareja y yo, haciendo brotar una relación que vive de esos momentos sinceros, en los que podemos estar físicamente juntos.

Tenía algunas dificultades para presentar algo tan personal y tratar de transmitir esos sentimientos de proximidad, vulnerabilidad, cercanía y sentirse seguro con alguien.

Gabrijela Varga

© Gabrijela Varga

© Gabrijela Varga

© Gabrijela Varga

“Hayunavozquemearrojabarro. Medicecómosentirme. Nuncaeshonesto.

Cuandoestoycerca,empiezaaverel mundodesdeunaperspectivacrítica. Loqueleimportaessimplemente hacermesentirmal. Ciertamentetieneungranpoder.”

ESTAS SON ALGUNAS DE LAS COSAS QUE ME DICE LA VOZ:

- Implica un diálogo interior crítico que supone una automática reflexión humillante y desvalorizadora.

- Conduce a hacer consideraciones sobre mí misma como ser humano.

- Enfoca mi atención hacia adentro e inhibe mi capacidad de estar completamente presente y asertivamente comprometida con mi vida. No me empuja hacia adelante, pero me aísla.

- Puede generar una variedad de emociones que incluyen vergüenza, culpa, tristeza, ira, frustración y decepción.

- Me aleja de la autorreflexión constructiva y tiende a amplificar estas cosas.

Tales pensamientos están fuertemente asociados con sentimientos de inferioridad, integridad, indignidad, fracaso, culpa y un sentimiento de nunca ser lo suficientemente buena. Estos pen-

samientos son tan sutiles que pueden actuar por debajo del nivel de nuestra conciencia. Es por eso que no son tan fácilmente identificables como para ser cuestionados.

Muchas veces desearía que la voz desapareciera por completo. Al fin de cuentas soy yo quien lo creó.

Chiara Grandi

© Chiara Grandi

© Chiara Grandi

Al escribir el breve concepto de mi proyecto final, inmediatamente estuve seguro de contar historias “a la manera nostálgica”. Para mí es la música y el diseño ‘de todo’ que se hizo entre finales de los 60 y los 80. ¡Es simplemente hermoso! Estas “cosas” parecen estar hechas con mayor valor; mucho más corazón y alma y además para durar. Lejos del estilo de vida actual.

La mayoría de las fotos fueron tomadas en la casa de mi abuela. Los demás en hoteles o airbnbque elegí especialmente para esta ocasión. Mi serie es un “uno en uno”; las fotografías no están relacionadas y cada una cuenta una sola historia...

Jen McLain

© Jen McLain

© Jen McLain

© Jen McLain

© Jen McLain

© Jen McLain

MARCELO BRODSKY: “RESISTENCIA POÉTICA” EN BARCELONA

La Fundació Foto Colectania, presenta una exposición potente sobre la obra de Marcelo Brodsky: «Resistencia poética», comisariada por Irene de Mendoza.

Nacido en Argentina, Marcelo Brodsky se exilió en España durante la dictadura militar argentina de los años 70 y 80, estudió la economía y aprendió fotografía.

Alumno del catalán Manel Esclusa, Brodsky incorpora textos y trazos de color a fotografías de eventos históricos. Su obra combina imágenes de archivos, trabajo de documentación e intervenciones con matiz y texto, ubicándose entre la fotografía, la instalación, la perfor-

sus compañeros de clase, en la que él destacado su experiencia con anotaciones manuscritas, de varios colores. En este trabajo memorial de importancia Bransky repasaba las vivencias de un centenar de sus compañeros de colegio, el Nacional de Buenos

1996. De la serie Buena Memoria» es un acto de memoria potentísimo.

mance y el memorial. Al regresar a Argentina desde su exilio realizó su primer trabajo de intervención: «Buena memoria», un extenso ensayo fotográfico sobre la dictadura argentina.

En la exposición encontramos en una pared móvil, en un tamaño muy grande, la imagen central del proyecto. Es una fotografía de

Aires, durante el mandato de los militares. Este fue el punto de partida de su creación con texto y color sobre fotos: nombrarlos implica, en este caso, exorcizar sus ausencias. La posición en el centro de la exposición de esta foto de «La Clase, 1er año, 6ta división, 1967,

Entre las series que pueden verse en Foto Colectania, una se llama “1968. El fuego de las ideas”. Funciona como una instalación alargada en una pared muy larga con muchas obras que construye un relato sobre las protestas que pasaran en todo el mundo en el año 1968. Todo empieza con la violencia policial de Tlatelolco en la masacre de Plaza de las Tres Culturas en Ciudad de México del 1968. El artista relata eventos en: Roma, Berlín, Dakar, Kiev, Praga, Washington, Pekin, etc.

«Hay escritos en la pared donde están colgadas las imágenes e in-

© JMG

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cluso:texto,palabra,pintura...todo lo que me vaya bien para contar unahistoriarevindicada» , comenta Brodsky en una presentación a los alumnos de la escuela Grisart Escola Internacional de Fotografía Barcelona.

Otras series están dedicadas al antiguo estado colonial de África suroccidental, colonia alemana; se llama hoy Namibia (el título de la serie es:«Rastros de violencia»); una otra cuenta el apartheid en Sudáfrica (título: «Apartheid»); una otra habla del levantamiento popular colombiano de 2021 (llamado «Paradanacional»).

Finalmente Brodsky presenta un work in progress iniciado recientemente sobre la resistencia al franquismo. Él utiliza fotografías de manifestaciones que hubo durante la Transición: muestra, por si pensábamos que no había, que en realidad hubo muchas a la muerte de Franco, pero pocas antes de la muerte del dictador. Así y todo, Brodsky fue a buscar al archivo de EFE y encontró algunas. Para acabar la visita, ya en la biblioteca, en una pantalla, se puede ver diálogos que hubo Brodski con grandes fotógrafos, las llamadas «correspondencias visuales» con Manel Esclusa, Martin Parr, Pablo Ortiz Monasterio, Tiago Santana...

El conjunto del trabajo de Brodsky tiene una fuente componente social, un discurso político, democrático y de lucha en favor de los derechos humanos, desarrollando interconexiones entre palabras, frases, imagenes y color. Esta basado en la refiguración de la imagen. ¡Una exposición que no te puedes perder!

Jean-Matthieu Gosselin

Marcelo Brodsky. Resistencia poética, del 2 de febrero al 28 de mayo de 2023 - Fundación Foto Colectania, C/ Passeig Picasso, 14, 08003 Barcelona https://fotocolectania.org/.../marcelo-brodsky..

© JMG

© Marcelo Brodsky

© Marcelo Brodsky

© Marcelo Brodsky

VIAJE EN EL TERRENO DE LA AMBIGÜEDAD PERCEPTIVA

FOTOLIBROS

Hay títulos de choque: “Alma Terra”, “Trova”, “Spam”, y otros que son poe-

mas en sí mismos. Israel Ariño, en muchas de sus obras, es de esos autores cuyos títulos son odas poéticas: “Le nom qui efface la couleur”, “Voyage en pays en pays du Clermontois”, “La gravetat del lloc”... Y el título de su último trabajo nos ofrece, sin presentar imágenes, un enjambre de fotografías mentales llenas de esperanza: “On nous avait dit qu’il n’y avait rien et nous sommes allés le chercher” (“Nos dijeron que no había nada y fuimos a buscarlo”). A fuerza de escuchar durante sus investigaciones y encuentros en Picardía: “iciiln’yarien” (“aquí nohaynada”), como bueno fotógrafo y antropologo, Israel ha ido en busca del “rien”. Y el “rien” no es la nada. El “rien” (Errienen idioma Picard) es un poco de

vida, un jirón de existencia, un respiro aquí, una sorpresa allá, las incapacidades de la vida que se entrecruzan con los crecimientos de esperanza o de tristeza. Israel esta en su terreno de ambigüedad perceptiva y aquí se desarrolla su libertad interpretativa. De todo eso sale una visión de una región francesa perdida en su espacio y en la vida nacional; con fotografías que tienen un especie de ligereza formal, un toque de humor, una sencillez poética, una profunda historia llena de muchos “rien”. En este libro la “nada” parece estar en un todo, o mejor dicho un conjunto maravilloso.

IsraelAriño,“Onnousavaitditqu’iln’yavaitrien etnoussommesalléslechercher,2022,EdicionesAnómalas,144paginas,35 €

ALLÁ QUE UN BODEGÓN

Hay dos tipos de catálogos, bastante diferentes en su diseño. Algunos son libros disfrazados. Gracias a diferentes autores, los textos se suceden. Y la iconografía no es una serie amable para un coffe-table book. Otros son el doble antinómico perfecto de la muestra donde no importa nada más que el recuerdo de la visita o una imagen. En un momento en el que teóricamente el papel de impresión debería restringirse para finalmente desaparecer, lamentablemente nunca hemos publicado tanto. “Naturemorte”, “Bodegon” no tienen en cuenta el poder de las cosas que los artistas representan y que dan vida: La vida. “Les Choses” se abre a un imaginario muy rico, donde la filosofía, la literatura, la poesía y la antropología se unen en imágenes únicas que se suceden mientras hablan entre sí. A diferencia de la exposición donde los diálogos eran múltiples, cruzados, oblicuos, sin cronología arbitraria algunas veces, el libro ofrece otro punto focal y da peso a las palabras. Y tenemos todo el tiempo para complacernos con las imágenes: pintura, fotos, dibujos... ¡Un catálogo para todas las bibliotecas de gente interesadas por la cultura visual!

Las Editions Textuel han publicado un libro llamado “William + Klein”. Es un concentrado de la obra del autor, concebido como una conversación. La conversión, hoy en día es un ejercicio en los museos y las editoriales que es de moda. En este va de Nueva York Hasta París, pasando por Roma, Moscú y Tokio...

Más que un álbum de recuerdos es una obra que te permite viajar por el mundo de Klein, su obra hasta su final, para entender que es una obra prolífica y proteica y este libro ofrece las claves para ir más allá y para comprenderla.

El libro contextualiza las imágenes; asi encontramos las relaciones de Klein con la política, la multitud, la moda, el cine, su gusto por la calle, su sentido de la política, pero también sus experimentos con la luz sobre el papel sensible, sus hojas de contacto, su mano tomando decisiones.

Como él mismo escribió: Klein “mostró lo que la gente no quería ver”.

“William+Klein”, ediciones Textuel, con PolkaGalerie,2018,160p.,39€

“Photo Poche”, la edición en formato de bolsillo (en idioma francés) más antigua y prestigiosa dedicada a la fotografía, celebró su 40 aniversario con gran fanfarria, a través la publicación de un nuevo libro dedicado a Frank Horvat, fotografo fallecido en octubre de 2020. Francés de origen italiano, “alumno” de Henri Cartier-Bresson, viajero, fotoperiodista independiente, participó en la exposición “The Family of Man” en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. A finales de los años 50 se embarca en la fotografía de moda, con un estilo realista y novedoso y trabaja para publicaciones internacionales: Jardin des Modes, Elle, Vogue, Harper’s Bazaar, Queen o Stern... Después trabajó sobre las horas de la noche en 12 ciudades importantes del mundo. Se acercó al desnudo, al paisaje. Es reconocido en los años 50/60 como un gran fotógrafo. Sus proyectos personales están cada vez más guiados por la investigación del color, las texturas, los códigos de la belleza...Continúa fotografiando la vida cotidiana hasta 2020 con “L’œil au bout des doigts”. ¡Un trabajo editorial dinámico y emocionante en una hermosa colección para todos los públicos!

«Leschoses.Unehistoiredelanaturemorte»,

bajoladirecciondeLaurenceBertrandDorléac, Liénart-MuséeduLouvreéd.,2022,448p.,39€

“Photo Poche – Frank Horvat”, libro editado por Virginie Chardin, 2022, Actes Sud, 144 p., 13,90€€

EXCELENCIA

«Si puedes soñarlo, puedes hacerlo realidad.»

pAblo pic A sso

ELENA RAMÍREZ- 2021-2023 (fotógrafa)

Elena Ramírez

«Recuerda lo que dijo no sé quién: en Italia, en treinta años de dominación de los Borgia, hubo guerras matanzas, asesinatos... Pero también Miguel Ángel, Leonardo y el Renacimiento. En Suiza, por el contrario, tuvieron quinientos

años de amor, democracia y paz. ¿Y cuál fue el resultado?

¡El reloj de cuco!», GrahamGreene

IRENE MONTEAGUDO - 2019-2023 (fotógrafa)

©Irene Monteagudo

«No se sorprenda si al girar, la luna le hace un guiño, que un par de vueltas le dirán cómo alucina un niño. Le aplaudirán desde un balcón geranios y claveles y unos ojos que le llenaron de cascabeles.

Enfúndese en los pantalones largos de su hermano y en la primera bocanada de humo americano . », JoanManuelSerrat

MATHEUS LIMA - 2022-2023 (fotógrafo)

© Matheus Lima

«Vivo en un estado permanente de asombro por haber conseguido alguna vez incluso una sola película. Hay tantas cosas que pueden fallar,

y que suelen hacerlo..», AlfredHitchcock

NORA QUIÑONES - 2020-2021 (fotógrafa)

©Nora Quiñones

«Don’t play that song for me

Though it brings back sweet memories

Of the days that I once knew

Of the days I spent with you

Oh no, don’t you let it play It fills my heart with pain», AhmetErtegün,BettyNelson

AMANDA KADRI - 2022-2023 (fotógrafa)

© Amanda Kadri

«Her rosy cheeks, her ruby lips

Like arrows pierced my breast

The name she bore was Flora

The Lily of the West

And the name she bore was Flora..», BobDylan

LÁRA LIND - 2021-2022 (fotógrafa)

© Lára Lind

DOISNEAU: EL ENCANTO DE UNA CANCIÓN FRANCESA

Muestra : “Letempsretrouvé”

Fotógrafo del París eterno, retratista de la ciudad a la francesa como no lo ha hecho nadie antes que él, capturador de imágenes de la vida cotidiana, de desconocidos en las calles, anónimos clientes de los cafés, de niños jugando, alumnos en el colegio, de mujeres en la vida, de bodegones con alma, de escenas cariñosas, retratos de personalidades como Prévert, Picasso, Tati... y de una poderosa poesía del gris...

Doisneau es un artista central en la historia de la fotografía mundial. Su humanismo, su sentido del humor, su ternura lo colocan junto como su compatriotas Henri Cartier-Bresson o Marc Riboud.

Bajo el título “Le temps retrouvé” la galería Foto Nostrum de Barcelona muestra 50 fotografías de Robert Doisneau en una exposición realizada con l’Atelier Doisneau en Paris, de las más emblemática del maestro. Son fotos tomadas entre 1934 y 1971 y que cobren casi 40 años de la carrera del fotógrafo. ¡Curiosamente es la primera retrospectiva en Barcelona dedicada a Doisneau! Él que creaba un universo gráfico que se asemejase a su idea del mundo: “Mis fotos eran como una prueba de que aquelmundopuedeexistir” escribía.

Jmg

https://www.fotonostrum.com/

Foto de cover::©Susana Velasco

Foto de primera: ©Ivan Ferreres

Fotos de contra ©Sean Sborlino I Foto Colectania

Global Grisart es una publicación de Grisart Escola Internacional de Fotografia, C/ Méndez Núñez, 14 · 08003 Barcelona.

Director: Albert Gusi - Coordinador: Jean-Matthieu Gosselin

Textos/Imagenes: Jean-Matthieu Gosselin; Andres Hispano; Albert Gusi; Enric Montes; Ullic Morard; Sofia_Poliakova; Jen McLain; Nora Quiñones; Matheus Lima; Gaia Aquino; Hannah Reemers, India Lucía Schilling; Eugenia Vega-Leal Garcí; Nino Beselia; Maha Ibrahim; Gabrijela Varga; Chiara Grandi; Marcelo Brodsky; Fotocolectania; Ediciones Anómalas; FLiénart-Musée du Louvre éd; Ediciones Textuel; Photo Poche; Elena Ramírez; Irene Monteagudo; Christian Müller; Amanda Kadri; Lára Lind; Foto Nostrum de Barcelona; Centro de Fotografia KBr Fundación MAPFRE; Irene de Mendoza.

Archivos: Ivan Ferreres Pujol - Mail: GlobalGrisart@grisart.com

Para contactar con los autores y fotógrafos: agusi@grisart.com; www.jmgosselin.com; iferreres@grisart.com; https://www.grisart.com/; http://hispanoandres.blogspot.com/; gaia.aquino@icloud.com; matheus.sousa.lima@outlook.com; hannahwaheed@yahoo.fr; India03schilling@gmail.com; eugeniavegalealgarcia@gmail.com; ninibeselia10@gmail.com; ibraheem.maha@gmail.com; gabrijela-varga@hotmail.de; c.grandi1998@gmail.com; jenmclame@gmail.com; @susanavelascog; @maru.gut; @ Kbr Fundación Mapfre Barcelona Photo Center;; https://fotocolectania.org/; ullic.morard@gmail.com; https://www. edicionesanomalas; https://lienart2.wixsite.com/lienarteditions; https://www.editionstextuel.com/; https://www.actes-sud.fr/ recherche/catalogue/collection/1317?keys; https://www.muellerphotographer.com/about; @laralind; @jeanmatthieug; imendoza@fotocolectania.org

© Robert Doisneau

© Robert Doisneau

ILSE BING: NUEVA VISIÓN Y SURREALISMO

Ilse Bing (Frankfurt, 1899 - Manhattan, 1998) es de origen alemán, aprendió fotografía de manera autodidacta, fue una fotógrafa pionera en la utilización de diversas técnicas fotográficas, así como en el manejo del flash electrónico o la fotografía nocturna. En sus obras se observa la influencia de la corriente del diseño, artística, artesana y arquitectónica del momento cerca de la escuela Bauhaus. Ilse es una mujer quien, con otras grandes nombres de la historia fotográfica, tal como Nora Dumas, Imogen Cunningham, Gisèle Freund o Berenice Abbot, son reconocidas para sus obras tal como por su importancia en la evolución de la fotografía. Apodada “la reina de la Leica”, por su uso de la innovadora y pequeña cámara de 35 mm que ella adquirió en 1929, tras estudiar Físicas, Matemáticas y Historia del Arte, empieza trabajar para revistas ilustradas en busca de originalidad vanguardista. Se instaba en el París de los anos 30 y conoció a Germaine Krull, Man Ray, André Kertész y Emmanuel Sougez: por lo tanto, fue influida por el surrealismo. En 1936 Ilse sería incluida junto a Brassaï y Cartier-Bresson en la primera exposición de fotografía en el Museo del Louvre y al año siguiente, en la primera gran retrospectiva en el MoMA, “Fotografía 1839-1937”. Tras ser prisoniera en un campo de concentración se fue en los Estados-Unidos. Trabajó para Harper’s Bazaar, haciaba exposiciones... Tomó imágenes fragmentarias y movidas de los cuerpos en “ballets” y artefactos mecánicos, o bien paisajes mirando abajo, melancólicos, oblicuos... Utilizaba el proceso de solarización, buscaba y encontraba extrañeza vistas de calles y objetos. La Fundación Mapfre reúne casi doscientas fotografías de esta artista muy particular cuya original aproximación al medio le vincula tanto con la Nueva Visión como con la estética surrealista. ¡Es muy sorprendente!

Centro de Fotografia KBr Fundación MAPFRE, Avinguda del Litoral, 30 (Torre Mapfre), 08005, Barcelona - 02/16/2023 - 05/14/2023 kbr.fundacionmapfre.org

Aprovechando que en este número aparece una reseña de la exposición de Marcelo Brodsky que tenemos actualmente en Foto Colectania, y cuando nuestros amigos de Grisart me contactaron para participar en esta sección, pensé que un buen apunte a ese artículo sería el poder compartir los motivos por los cuales decidimos hacer esta exposición y tratar de desgranar algunos de los procesos en la construcción de la muestra.

Y utilizo el término “construcción”, porque la experiencia de estos años me ha enseñado que una exposición, más allá de decidir cómo mostrar una serie de obras, es el resultado de una suma de complicidades y del trabajo de muchas personas. Y de muchas decisiones.

En el caso de Marcelo Brodsky, hay varios factores que nos llevaron a dedicarle una exposición en estos momentos (más allá de la admiración por su trabajo y la amistad de estos años).

irene de Mendoz A es Licenciada en Humanidades por la Universitat Autònoma de Barcelona. En 2006 obtuvo el Diploma de Estudios Avanzados y la Suficiencia Investigadora en Estética y Teoría del Arte por la Universitat Pompeu Fabra. Desde 2005 trabaja en la Fundación Foto Colectania, y asumió su dirección artística en 2010. Ha comisariado varias exposiciones, como Joan Colom. Album (2011), La tentación de existir (2015), PhotobookPhenomenon(2017) o bien este año en 2023 MarceloBrodsky.Resistenciapoética.”

OPINIÓN «Apuntes de una exposición»

LIBRE

Uno que nos pareció crucial es que Marcelo entiende la fotografía como una herramienta transversal y expandida: si bien su propuesta es conscientemente artística, su obra trasciende el ámbito del arte. Activista implicado en la lucha de los derechos humanos, su trayectoria nos ha demostrado la importancia que el arte puede tener en el debate social y en la opinión pública. El segundo aspecto que nos pareció determinante es que su obra es una reflexión en sí misma sobre la importancia de la fotografía y el poder de la imagen. “Dóndenohay imagen, no hay interés”, decía recientemente.

Con este preámbulo, el objetivo fue ser capaces de transmitir estas ideas a través de la exposición: decidimos que, sin ser una retrospectiva, se deberían incluir diferentes series, con tal de conseguir una visión panorámica de su propuesta. Incluir además la parte más instalativa que ha acompañado su trayec-

toria, y que en nuestra exposición se materializó con las intervenciones a mano en las paredes. Y complementar además las obras con textos que a ser posible transmitan su propia voz, lancen mensajes contundentes de su intencionalidad y a su vez nos brinden los contextos claves de la creación.

Otro de los retos que nos propusimos en esta exposición, como en otras que organizamos, es el de ofrecer diferentes capas de contenidos para que cada visitante pueda profundizar desde distintos grados de análisis y experiencia. Y es que las expectativas de las personas que visitarán la muestra son múltiples y diversas, y eso es lo más enriquecedor para nosotros: saber que, al final, cada persona se llevará consigo su propio aprendizaje y su propia experiencia.

Irene de Mendoza Directora artística de Foto Colectania

©Sean Sborlino I Foto Colectania