Hoquetus 6

Flamenco & Góspel

NÚMERO 6 AÑO 2 MARZO 2014

ESTRENO ABSOLUTO EN ALBACETE

Julio César CLÁSICO ENTRE CLÁSICOS P. 1 5

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El albaceteño

José Pascual Abellán estrena su nueva obra

HOQUETUS MAGAZINE · REVISTA CULTURAL / DEPÓSITO LEGAL AB 364 – 2013

“Las Cosas que faltan”, 22 de Marzo en el Teatro Circo

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MÚSICA I HOQUETUS MAGAZINE I REVISTA CULTURAL I NÚM. 6 I MARZO 2014

Jim La historia de la música popular está repleta de trágicos sucesos que acaban con la carrera de músicos prometedores.

Bien es cierto que el fin de la vida de éstos, en ocasiones hace que se tome un interés inusual por su legado. El relato sobre Jim Croce es un ejemplo perfecto para demostrar tal ecuación, pues sin ser reconocido en su tiempo, un avión lo envió hacia la otra vida y este suceso lo grabó eternamente en la memoria de sus contemporáneos; no en vano consiguió ser número dos con su disco póstumo el cual se publicó pocas semanas después de su muerte y sendos números uno en la lista de singles.

Hazaña solo cumplida, hasta entonces, por Otis Redding y Janis Joplin años atrás.

Como en tantas ocasiones el músico que nos ocupa sintió la llamada de la música desde muy joven y es que cuando era un niño ya hacía sus pinitos con el acordeón como compañía musical. El niño fue creciendo pero no así su inquietud con la música como para dedicarse profesionalmente a ello pues no es hasta la etapa universitaria, hacia el año 1.960, cuando comienza a creer firmemente que el show bussiness puede ser su profesión. Tras formar parte de varias bandas que se dedicaban a ofrecer conciertos en fiestas universitarias y celebraciones varias, conoce a quien será su esposa y media naranja musical en sus primeros años como profesional, Ingrid Jacobson. Junto a ella ofrecen conciertos de folk desde el 65 hasta principios del 70, grabando un par de álbumes nada desdeñables aunque sin el calado necesario para convertirse en músicos con una estabilidad económica mínima. Tras recorrer cientos de miles de kilómetros y acumular deudas debido a las inversiones en equipo, noches de hotel, comida y viajes, definitivamente vuelven a su Filadelfia natal con la idea de abandonar el mundillo y la sensación de injusticia para con su obra.

Lamentablemente Jim dejó la música profesional. Comenzó a trabajar como camionero, albañil, grabó cuñas publicitarias para emisoras de radio e incluso se alistó en el ejército y con ello pagó sus deudas; pero él sentía que había algo que le quedaba por decir y en su escaso tiempo libre se dedicó a ir dando forma a un cancionero muy particular que atesoraba como oro en paño. Esta decisión será la que consiga que vuelva a la música ya que para él tuvo sentido aprovechar esas letras y gracias a ello firmará un contrato con Rhino Records que le permitirá editar tres álbumes mas, en los que desarrollará un country/folk azucarado de connotaciones sensacionales. Estos son los que dejará para la posteridad pues “You Don’t Mess Around With Jim” (1.972) incluirá “Time in a Bottle”, tonada maravillosa de la que oiremos hablar mas adelante, “Life And Times” (1.973) donde encontraremos “Bad Bad Leroy Brown” su otra canción fetiche y por último el disco que no pudo llegar a disfrutar “I Got a Name” porque la muerte le sobrevino antes de su publicación.

Tras un concierto en Natchitoches (Lousiana), embarcó con los músicos que le acompañaban sobre el escenario en el aeropuerto del condado poniendo rumbo a Sherman (Texas) donde se le esperaba la noche siguiente para deleitar a un público que comenzaba a vislumbrar la clase del artista de Pennsylvania. En ese avión quedarían para siempre las ilusiones y proyectos de Jim Croce mientras daría a luz la leyenda del hombre que consiguió igualar a Janis Joplin y Otis Redding en cuanto a situar dos de sus temas (Time in a Bottle y Bad Bad Leroy Brown) en el número 1 de Billboard tras el fallecimiento del artista, quedando su álbum póstumo en el número dos de las ventas de discos.

Un año mas tarde se publicaría “Photographs & Memories”, un recopilatorio de los temas clave de Croce y este definitivamente lo haría entrar en la memoria de la música, para siempre. Soberbio en su conjunto, es el disco ideal para conocer a Jim Croce, quien fuese una de las desapariciones mas olvidadas de la música de los 70’s; indispensable para unos pocos, una joya desconocida, alguien que siguió su camino.

Tx: Óscar Córcoles

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Rock alicantino con raíces blues estadounidense Hasta ahora tenéis dos discos publicados.

Habladnos sobre ellos.

Llevamos más de diez años juntos, aunque cuando empezamos nunca imaginamos que serían tantos. La banda se formó en 2003 y cuatro años después, en mayo de 2007, sacamos nuestro primer LP, titulado “Gimme Back My Mojo”. En el 2012 grabamos el segundo, “Navajo Motel”, que además quisimos editar en vinilo, el formato que nos ha enamorado de siempre. Ambos discos son autoproducidos y autoeditados, con temas propios salvo la versión de “Little Bit of Rain” del gran Fred Neil que hay en el segundo. Creemos que los dos suenan a lo que nos gusta, que es la amalgama de blues, rock, soul y country americano. Música de raíces. El primero tiene un sonido más crudo, mientras que el segundo es más rico en matices y arreglos. Eso sí, en los dos casos grabamos todo lo que pudimos en directo.

Es decir, todos a la vez en el estudio, salvo algunos solos, alguna guitarra adicional, voces y vientos. Nos gusta pensar que reflejan lo que hacemos en directo. ¿El título de vuestros álbumes tiene un significado especial?

Podríamos decir que el primer disco, “Gimme Back My Mojo” representa lo que nosotros entendíamos por blues. Obviamente, pasado por nuestro filtro y con más volumen, pero nuestra intención era esa. Y claro, el mojo es el amuleto sexual de los bluesmen y siempre ha ido ligado a ese estilo musical que tanto adoramos. Por eso queríamos que estuviese muy presente. Es uno de los temas del disco y pensamos que era el nombre que mejor lo definía.

“Navajo Motel” es un disco quizás más “atrevido”, con otros paisajes y al que incorporamos vientos en dos temas. Todo se hizo bajo el filtro del blues rock, aunque a la hora de editarlo

Quizás Alicante haya pasado a formar parte del sur de Estados Unidos y no nos hayamos dado cuenta. Tal vez los allí nacidos posean ese don necesario para crear música de raíces norteamericana. Lo que es seguro es que el combo levantino, The Empty Bottles, ha publicado un par de álbumes soberbios y, también lo es, que estos trabajos pueden mirar directamente a los ojos de sus homólogos europeos. Para que no se conviertan en un tesoro bien guardado del rock alicantino os los traemos en este número. Hablamos con Toni, vocalista de la banda y encargado de lanzar el mensaje a las gentes de Albacete. nos inquietaba que no tuviese tanta aceptación como el primero, porque no era tan “puro” y sus influencias eran más variadas. Sin embargo, no fue así y las críticas en medios como Radio 3, Popular 1 y Ruta 66 fueron buenas.

Estamos muy contentos y agradecidos. ¿Cuáles son vuestras mayores influencias musicales?

Nos gustan muchas cosas distintas, la verdad. Por ejemplo, el blues primigenio de Son House, Skip James o Mississippi John Hurt, pasando por el blues más electrificado de Muddy Waters, Howlin’ Wolf, R L Burnside o Junior Kimbrough. Luego, el rock sureño en general, bandas como Allman Brothers, Lynyrd Skynyrd, Little Feat o Black Crowes.

También el rock and roll clásico de Bo Diddley o Buddy Holly. Si a esto le sumas el rock inglés de los 70 (Free, Deep Purple, Led Zeppelin, Faces), unas gotas de soul y algo de country, tienes a los Empty Bottles en lo que a influencias se refiere. En cuanto a grupos actuales, nos gusta mucho gente como North Mississippi Allstars, Drive By-Truckers o Ryan Adams. Si tuviéramos que elegir a un solo personaje, nos quedaríamos con Neil Young.

Si tuvierais que explicar el sonido de la banda con 3 grupos y discos, ¿a quiénes citaríais?

Esta sí que es difícil… A ver si lo logramos:

The Allman Brothers Band – Live at Fillmore East, The Faces – A Nod Is As Good As Wink… To A Blind Horse y Muddy Waters – Electric Mud. ¿En qué estilo musical os sentís más cómodos?

Para nosotros, la canción es lo más importante. A partir de ahí, lo que nos gusta es que las canciones vayan creciendo en directo, a través de la improvisación. Creemos que nuestro punto fuerte es la combinación de temas más directos con desarrollos más largos, ir creando distintos ambientes sin dejar atrás nuestra esencia y nuestro sonido, que es eminentemente rock con raíces blues.

Hablemos de vuestro próximo trabajo… ¿estáis componiendo material nuevo o todavía es demasiado pronto?

Pues precisamente tenemos fecha para volver a Sonica Estudios, en Novelda, donde hemos grabado siempre. Este próximo mes de mayo estaremos con Oscar dos fines de semana para meternos en nuestro tercer largo. Tenemos muchísimas ganas y muchos temas nuevos para grabar, con la ilusión de superar el disco anterior. En parte, este álbum será un pequeño homenaje a los cantantes anónimos de las prisiones del sur, de los que jamás sabríamos nada de no ser por grabaciones de gente como Alan Lomax.

¿Cómo ha ido la gira en 2013, en la que según tengo entendido que, habéis tocado en los Alcázares junto a, nada menos, que Ten Years After?

Este verano hemos dado varios conciertos que no olvidaremos jamás. Tocamos en el “Blues Bar” de Cerdanyola del Vallés y en el bluegrass bar “La Traviesa” de Torredembarra, dos sitios verdaderamente míticos donde disfrutamos muchísimo. Un público agradecido hace que la banda lo dé todo.

El Dock Festival de Los Alcázares fue una muy buena oportunidad para nosotros, aunque fue una pena porque nos tocó abrir con un calor abrasador y había muy poco público. Obviamente, compartir escenario con esas leyendas fue una pasada. Lo mejor fue volver a encontrarnos con The Steepwater Band, una banda de auténticos fenómenos a quienes ya conocíamos de otro concierto en Alicante. ¿Existe la posibilidad de venir a tocar a Albacete?

Nos encantaría. De hecho, desde aquí aprovechamos y nos ofrecemos para tocar en cualquier garito rockero que quiera contar con nosotros. Esperamos vuestras noticias en Facebook (facebook.com/EmptyBottles. music). Además, podéis escuchar los dos discos en nuestro Bandcamp (theemptybottles.bandcamp.com) e incluso descargarlos de forma totalmente gratuita. Y si alguien quiere comprar el vinilo, puede visitar la tienda online de Naranja y negro (naranjaynegro.com) y conseguirlo a muy buen precio. ¡Nos vemos pronto!

Toni, muchas gracias. Y a los lectores, instarles a que le hagan caso y entren en el bandcamp de The Empty Bottles para disfrutar de una música fascinante.

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La historia de The Aynsley Dunbar Reataliation es similar a la de muchas otras bandas británicas de finales de los 60’s. Músicos con talento que terminaban juntos tras haber rodado por diferentes formaciones allá donde su magia era desplegada pero no reconocida. Así el batería Aynsley Dunbar, después de formar parte de los bluesbreakers de John Mayall en el álbum “A Hard Road”, tener presencia en un par de singles con The Mojos, girar durante unos meses con The Jeff Beck’s Group y estar a punto de convertirse en el batería de The Jimi Hendrix Experience (finalmente Mitch Mitchell se llevaría el gato al agua) sintió la llamada del protagonismo y se puso manos a la obra para crear su propio combo, aquel que llevaría su nombre y apellido como carta de presentación. Para ello reclutó al vocalista Victor Broxx quien había trabajado con Alexis Korner, el bajista Keith Tillman cuya decisión de marchar junto a los bluesbreakers propiciaría la entrada de Alex Dmochowski para dar con la formación definitiva de The Aynsley Dunbar Retaliation al sumarse John Morshead (miembro del embrión Small Faces de Steve Marriott) a la guitarra.

The Aynsley Dunbar Retaliation

a mostrar inquietud con otro tipo de sonidos. En concreto el progresivo era lo que merecía su atención.

En el tercer trabajo de la banda de Liverpool “To Mum, From Aynsley & The Boys” las ideas de Dumbar cobraron forma. Incorporaron un nuevo miembro a la formación, el teclista Tommy Eyre, y se apartaron del blues/rock mas convencional para dar un paso que los acercase al prog/rock. En esta nueva amalgama de sonidos jugueteaban con el rythm and blues y el jazz. Eso sí, un jazz moderno que dejaría un tanto desconcertados a propios y extraños pues se alejaron del cliché del blues/rock, el progresivo se intuía claramente pero sin acabar de definir la apuesta y por supuesto no terminaban de ser una formación de jazz clásica. Como temas destacables cabría citar la instrumental “Unheard” y “Let It Ride” o “Sugar On The Line” en las que John Mayall hizo un trabajo fabuloso con la producción.

EGO EN LAS BAQUETAS AL SERVICIO DE LOS GRANDES

Publicaron cuatro álbumes de estudio, uno de ellos tras el abandono del alma matter de la banda. El debut, homónimo, fue lo que se esperaba por aquel entonces: Grabaciones de blues clásico pasadas por el prisma de la nueva ola blues/rock británica de unos muchachos (Dunbar, Green, Mayall, etc) que sin todavía saberlo escribían la historia, junto con alguna composición propia donde dejaban entrever que no solo eran fantásticos músicos, sino grandes artistas y en el que llamaba la atención la voz oscura de Victor Roxx. Curiosamente pasó desapercibido y quedó relegado a un segundo plano ya que aun siendo un disco ejemplar fue tachado de no conseguir el 100% de cada músico. A los instrumentistas se les achacaron solos demasiado largos mientras que al vocalista, Roxx, se le colgó la etiqueta de cantante limitado. Como temas mas interesantes quedarían “Double Lovin’” y “Roamin’ and Ramblin’”.

En cuanto a su segunda entrega, “Doctor Dumbar’s Prescription” avivaría el fuego echándole mas leña si cabe. Grandes interpretaciones de clásicos bluesy con determinadas composiciones propias que empezaban a convertirse en el verdadero sentido de aquellos discos. En este segundo álbum destacaban “Change Your Low Down Ways” y “The Fugitive”. No obstante, a pesar de la claridad blues/rockera que se palpa en todo el disco, el bueno de Aynsley comenzaba

Después de esta breve pero intensa carrera, publicaron los tres álbumes en apenas dos años, Aynsley abandonó la banda para entregarse a proyectos de interés máximo en la primera mitad de la década de los 70’s como sería el formar parte de “Mothers of Invention” de Frank Zappa con quienes convivió desde “Chunga’s Revenge” (1970) hasta “Apostrophe” (1974) período en el que grabarían siete álbumes. Con David Bowie colaboraría en “Pin Ups” y “Diamond Dogs” o “Berlin” de Lou Reed. En el segundo quinquenio de la década pasaría a formar parte de un nuevo proyecto con el que grabó los cuatro primeros álbumes de esa nueva banda, Journey. Desde ahí volvería a moverse en busca de motivaciones novedosas y recalaría en Jefferson Starship con quienes grabaría los tres discos de la discografía de la banda comprendidos entre 1979 y 1982.

Por último y como anécdota, señalaré que fue el encargado de las baquetas en el vitoreado “1987” de Whitesnake y… no vayáis a pensar que aquí terminó su carrera. En los años siguientes perteneció a bandas diversas así como en las décadas anteriores se implicaba en proyectos de colaboración paralelos a la banda en la que tuviese su residencia “formal”.

Sin duda Aynsley Dumbar es un grande de la música rock. Un grande desconocido, sí. Pero un grande al fin y al cabo. Y los discos que publicó junto a su banda deberían ser de obligada escucha para todos los amantes de la música del diablo.

Tx: Óscar Córcoles

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DORIS TROY

“LA PERLA NEGRA DE APPLE RECORDS” En demasiadas ocasiones sucede que el momento más inspirado de un artista con talento no se ve acompañado de las circunstancias más favorables y provoca que un determinado álbum pase completamente desapercibido en el instante de su publicación. Eso es exactamente lo que le sucedió a la protagonista de este artículo, Doris Troy.

Hija de un predicador baptista, desde muy joven quedó vinculada al mundo de la música, gracias a su extraordinaria voz y a su versatilidad al piano en estilos como el blues, el góspel o el soul. En 1963 ficha por Atlantic Records donde triunfa con “Just one look” (que un año después también se convertirá en un éxito en la versión de The Hollies). Durante el periodo 1965-70 pasa a formar parte del grupo femenino Sweet Inspirations, por donde desfilarán vocalistas de la talla de Dionne Warwick, Estelle Brown o la madre de Whitney, Cessy Houston, formación que se especializará en hacer coros para leyendas de la talla de Elvis Presley, Van Morrison, Aretha Franklin, Wilson Pickett o The Bee Gees. Doris viaja con asiduidad a UK desde 1965, tras triunfar en las islas con el tema “Whatcha gonna do about it”, hasta establecerse definitivamente en 1969 como prestigiosa corista y arreglista. Contribuye con su voz a temas de los Stones (“You can’t always get what you want”), Nick Drake (“Poor Boy”), Carly Simon (“You’re so vain”), Pink Floyd (”The dark side of the moon”), etc. En el verano de 1969, es invitada por su amiga, la vocalista Madeleine Bell, a asistir a las sesiones de grabación del primer álbum de Billy Preston y allí queda sorprendida al conocer a George Harrison, fan de su obra, quien le ofrece un contrato para grabar en Apple Records.

Tras su fugaz experiencia en Atlantic Records, Troy tiene las cosas muy claras y formaliza un triple contrato con su nuevo sello: Como artista, compositora y productora. De esa forma, pudo disponer de su propia oficina, con piano incluido, e iniciar las labores de composición, que continuarían en la casa de Harrison. Doris trabajará en dicho álbum en la segunda mitad de 1969, grabándolo en los estudios Trident y Olympic de Londres. Aunque la producción corrió a cargo de George y Doris, Harrison le cedió gentilmente los créditos a la vocalista afroamericana, salvo en la canción “Ain’t that cute”. El “Beatle” se encontraba, probablemente, en el momento más creativo de su carrera y compatibilizó esas sesiones con otros proyectos: El citado de Billy Preston, “Abbey Road”de los Beatles, el debut de Leon Russell, “Instant Karma” de la Plastic Ono Band o la preparación de su ambicioso triple álbum “All things must past”.

Las sesiones de grabación del disco fueron totalmente espontáneas; gracias a los numerosos contactos de Harrison, fueron incorporándose progresivamente al proyecto la flor y nata de la escena de aquella época: Ringo Starr, Eric Clapton, Peter Frampton, Billy Preston, Stephen Stills, Leon Russell, etc . El álbum resultante, titulado simplemente “Doris Troy”, es un brillante compendio de temas que basculan entre el soul, funk, góspel y r&b, con una producción netamente rockera y que fue publicado en septiembre de 1970. La elegante portada muestra a la vocalista sentada al piano en una instantánea tomada por Mal Evans, el asistente de The Beatles.

Dicho trabajo se inicia con el vibrante “Ain’t that cute”, una de las colaboraciones con Harrison, que se convirtió en el primer sencillo. Aunque no tuvo el éxito esperado, fue votado como mejor single soul por los lectores del Melody Maker. A continuación “Special care”, el clásico de Stephen Stills en los tiempos de Buffalo Springfield que Doris transforma de la languidez original en una revitalizada versión. “Give me back my dynamite” es un potente blues, mientras que “You tore me up inside” y “Don’t call me no more” son dos antiguas colaboraciones junto al guitarrista Ray Schinnery. La cuota de versiones viene representada por la popular “Games people play” de Joe South, el relajado standard de los años treinta “Exactly like you” y la tradicional “Jacob’s ladder”. “Gonna get my baby back” y “You give me joy joy” son dos electrizantes temas compuestos por Doris junto a Harrison, Ringo y Stills, mientras que en la adictiva “I’ve got to be strong” comparte créditos con otro fichaje de Apple Records, Jackie Lomax. “Hurry” es una intensa composición recuperada de la época de Atlantic Records y “So far”, con un solo de guitarra absolutamente sublime, es la joya del álbum.

Doris Troy se sentía muy orgullosa del álbum que había grabado, fiel reflejo de su fuerte personalidad, y de poder asociar su nombre con el de The Beatles; pero desafortunadamente, y a pesar de las fantásticas críticas recibidas, sufrió la falta de promoción de Apple Records, compañía envuelta en un declive progresivo por la ruptura del cuarteto de Liverpool. Sin mas dilación, invito a todo aquel que desconozca este álbum a que se acerque hasta el y descubra una obra majestuosa. Un disco de los que ya no hacen, de aquellos que son capaces de aguantar el paso del tiempo y que, como el buen vino, cada año sabe mejor.

Tx: David Rodríguez

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Discos a tener en cuenta THE LION’S ROAR FIRST AID KIT FOLK

2012 GET HIP RECORDINGS

Segundo trabajo del dúo compuesto por las hermanas Soddenberg; Johanna y Klara son procedentes de Suecia y acuñan un sonido

INTO YOUR EARS THE RIPE POP

2011 UNDERRATED RECORDS

Asombroso debut de Jake Garcia, Gian Ortiz, Nick Yaklin y Jorge Muñoz-Cobo (último en incorporarse), o lo que es lo mismo la formación procedente de Austin, The Ripe, y su trabajo “Into Your Ears”. Se trata de un álbum de pop psicodélico que acerca hasta nuestros

AT MAXIMUM VOLUME THE BOOZE ROCK

Fieles seguidores del sonido Stones, adoradores de sus Satánicas Majestades, amantes en definitiva del rock and roll, ¡sed bienveni-

con reminiscencias a la atmósfera acústica que rezumaban los grandes álbumes de Emmylou Harris, Joni Mitchell o Joan Baez.

Guitarras acústicas, baterías suaves y esas armoniosas voces capaces de enviarte a la década de la canción protesta en USA en una sola estrofa; eso es “The Lion´s Roar”. Perfecto para las mañanas, ideal para las tardes, inquietante para las noches, es la propia grabación la que busca entre sus 40 minutos la manera de calar en tu interior y desarmarte por completo ¿lo consigue? La respuesta es afirmativa si se posee un mínimo de sensibilidad. Te deja vacío, exahusto, pensativo, digamos que trabaja como restaurador de carmas. Se suman al carro de las jovencísimas hermanas, Conor Oberst de Bright Eyes y The Felice Brothers quienes colaboran en el tema “King Of The World”. Gran disco, gran sonido y gran alegría la que siento de que sigan creándose obras de tal magnitud.

oídos sensaciones de sobra conocidas entre los amantes de The Zombies, Love, Big Star o los mismísimos The Who. Ha sido grabado en España, concretamente en Gijón y esta compuesto por doce grandes temas entre los que destacan “Be Adventurous”, “Yellow Phone”, “Orchestra”, “Black Box Blues”, “Drawing Sound” y “The Greatest”, soberbias todas y cada una de ellas, comportándose como pequeños cristales que al recibir la luz del sol tintan de colores aquella que sea la habitación donde se encuentren. La percusión es de notable alto, las cuerdas fantásticas, los vientos ocupan el espacio exacto y la voz… ah la voz! Sutil y esponjosa que no duda utilizar el medio falsete como arma definitiva. Es muy agradable encontrarse con álbumes de este calibre donde se destila pop sugerente con el que disfrutar de cuarenta y tres minutos sensacionales en la vida de aquellos locos que un día decidieron entregar su tiempo a la eterna búsqueda de la melodía perfecta. dos a “The Booze At Maximum Volume”! Once canciones componen este álbum a modo de calambrazos de adrenalina. Temas que destilan energía positiva y se sumergen en el sonido propio e inconfundible que acuñaron The Rolling Stones en las décadas de los 60 y los 70. Entonces, ¿debemos suponer que es un plagio?¿esperar, quizá, un grupo tributo? Para nada. Simplemente se trata de un ejercicio de puro rock and roll en el que las influencias quedan marcadas a fuego y en el que es evidente que los temas registrados necesitan ser interpretados bajo ese aura. Por si fuera poco, nos acercarán durante un breve espacio de tiempo a Creedence Clearwater Revival hasta nuestros altavoces en “Straight To Hell”.

Por todo lo que conlleva la influencia bien entendida que absorbe a estos cinco jóvenes de Atlanta, los amantes de la música del diablo más clásica encontrarán un objeto de diversión y entretenimiento en este disco.

canción trata sobre el deseo de salir de un pequeño pueblo, ver mundo, ser alguien en la vida y dejar huella en nuestra insignificante existencia.

2013 BELLA UNIÓN

2012 WICHITA RECORDINGS

TX: Óscar Córcoles

PALE GREEN GHOSTS JOHN GRANT ELECTRONIC POP

El 11 de Marzo del pasado año se publicaba el esperadísimo nuevo álbum de John Grant, “Pale Green Ghosts. Y mientras que la mayoría de los que caímos cautivados por su anterior disco “Queen of Denmark” esperábamos quizás que volviese a unir sus fuerzas nuevamente con el grupo Midlake, en su lugar ha preferido aprovechar un viaje a la gélida Islandia, a donde acudió a ver el Airwaves Festival, para seguir explorando dicho país y grabar en Reykjavik su nuevo trabajo.

De la mano del productor Birgir Thorarinsson (líder de los islandeses GusGus) ha sacado a flote tanto sus influencias del tecno-pop de los ochenta como sus experiencias en clubs de new wave a los que solía acudir en aquella década (que ya se dejaban intuir en los desafortunados bonus tracks que acompañaban la versión ampliada de su anterior disco) y donde se antoja fundamental la participación de la irlandesa Sinéad O’Connor (quien ha versionado la propia “Queen of Denmark” en su último álbum y se ha confesado ferviente admiradora del vocalista de Michigan) en varios temas del álbum.

Probablemente las expectativas acerca de su nuevo trabajo eran excesivamente altas, de modo que tenía dos opciones, o bien alumbrar una secuela de su debut sin el menor riesgo, o bien romper con su pasado y concebir algo necesariamente diferente. Al final el ex-líder de The Czars ha optado por una solución intermedia, creando un álbum lleno de electrónica minimalista, sofisticados temas pop marca de la casa y unas gotitas de dance.

El disco se abre con el extenso tema homónimo que ha servido de adelanto y que ha suscitado polémica desde el mismo momento en que se dio a conocer, hace un año. Yo mismo me escandalicé al descubrirlo (al igual que me sucedió al oír por primera vez el “Funeral Blues” de Mark Lanegan) pero tras sucesivas escuchas me he tenido que rendir ante un corte extraño, a la par que hipnótico, fruto de la colaboración con el productor islandés e influenciado por los largos viajes en coche por Islandia que solía realizar Grant para reflexionar y despejar la mente. En realidad, la

A continuación “Blackbelt”, una composición dance intrascendente que da paso a uno de los temas más reconfortantes del álbum, “GMF”, que nos retrotrae al brillante creador de “Queen of Denmark”, donde se acompaña en un estribillo memorable de Sinéad O’Connor.

“Vietnam” es otro fascinante y evocador tema dotado de una calmada electrónica y unos bellos arreglos orquestales que calan poco a poco y nos lleva a la auténtica joya del disco: “It doesn’t matter to him”, un tema al nivel de cualquier clásico de Grant (“Marz”, “Caramel”, “Where dreams go to die”…) dotado de otro estribillo estremecedor y de un solo de sintetizador final escalofriante. Sólo por esta composición, que trata sobre la pérdida y el anhelo, ya merecería la compra del disco.

“Why don’t you love me anymore” nos devuelve al tono electrónico general que rodea la mayor parte del trabajo, al igual que “You don’t have to”, esta última con un sonido de teclados que recuerda a los Kraftwerk de “Autobahn” y que sirven de efectivo soporte a la maravillosa voz de Grant.

“Sensitive New Age Guy” es el otro tema bailable y hedonista del disco, con reminiscencias a los Depeche Mode de los 80’s, y que trae a la memoria “Ode to sad disco” del anteriormente citado Mark Lanegan.

Y si en el magistral “Queen of Denmark” nos encontrábamos con un pequeño homenaje a “Sigourney Weaver”, ahora tenemos “Ernest Borgnine”, una ambiental y opresiva composición adornada por un saxo jazzy, cortesía del islandés Óskar Gudjónsson, donde nos relata su propia experiencia de cómo te cambia la vida desde el momento que te anuncian que eres seropositivo (hecho que le sucedió a John en 2012).

Llegamos al final del viaje con “I hate this town”, un tema con aire de vodevil emparentado directamente con “Silver Platter Club” de su anterior trabajo, y el cierre majestuoso de “Glacier”, uno de los momentos más sugestivos del álbum, con unos arrebatadores arreglos orquestales que engrandecen la composición.

Es posible que muchos se sientan decepcionados con el nuevo giro que ha tomado la carrera de John Grant. Es obvio que su último álbum no está a la altura de su excelso e insuperable debut y que posiblemente ganaría enteros si se hubiese desprendido de algún corte, pero aun así es un notable trabajo que muestra el gran talento y la sensibilidad que todavía atesora este compositor.

Tx: David Rodríguez

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Amar el cine

E X P O S I C I Ó N

Paladines de La Mancha

L A

P E L Í C U L A

Paladines de La Mancha se estrenó el pasado 15 de Febrero en la Filmoteca de Albacete, consiguiendo “grandes aplausos, de esos que son fuertes; una buena medida para saber si la película ha gustado” comenta el director Santiago González.

“Se trata de una película que muestra un cine muy de La Mancha, con personajes de Albacete y provincia. Donde las escenas, exceptuando algunas alicantinas, se han rodado en su totalidad en parajes de la provincia albaceteña” señala Santiago. En la filmación aparecen sobre 50 actores, no profesionales. De entre todos ellos, quienes han realizado un trabajo estupendo, destacan el protagonista – Valeriano Belmonte, encarnando al guerrero del antifaz y desdoblándose para hacer lo propio con Don Quijote – “David González en el papel de Alí - Khan, y el personaje de Sancho, el cual interpreta Hilario Díaz y en el que todos coincidimos que ha sido la sorpresa del rodaje”, atestigua Santiago.

También existe hueco para nuevos héroes regionales y es que, tal y como nos informa el director del film, “otro de los personajes - a quien interpreta Santi - es el gañán enmas-

El 4 de Marzo se inaugura “Amar el Cine”, una exposición que gira en tormo al séptimo arte y consta de carteles originales de películas, programas de mano, revistas o proyectores. En cuanto a la cartelería, podrán admirarse desde originales de películas datadas en los años 30’s hasta aquellas que han sido estrenadas en nuestros días. Las revistas, por su parte, también poseen su ración de solera pudiendo encontrar ejemplares de todas las décadas desde los años 30’s hasta la que vivimos actualmente.

La muestra, que ha sido presentada anteriormente en la ciudad (fábrica de harinas, biblioteca municipal del parque), se

inaugura a las 18:30 horas del día 04 de Marzo y podrá visitarse hasta el próximo día 21 del mismo mes.

Tras la inauguración, alrededor de las 19:00 horas, asistiremos a la proyección de “Paladines de La Mancha”, segundo mediometraje del director albaceteño Santiago González, quien también es el responsable de la exposición. Por último, resaltar que en palabras del propio Santiago “en la exposición de carteles, si tuviera que destacar algunos, éstos serían los de “El viaje a ninguna parte” de Fernando Fernán Gómez, “La reina Kelly” o “El chico” de Chaplin”.

carado, creación del dibujante de Tomelloso Pedro Salinas a quien solicitamos el permiso para poder dar vida al personaje en la película, y viene acompañado de la gañanica” Lo cierto y verdad es que mientras charlamos con Santiago González su pasión por el cine está presente, los ojos inquietos muestran la ilusión por la proximidad de la fecha en que se inaugure la exposición y se proyecte su mediometraje. Es mas, intuyo que las líneas maestras del próximo guión ya rondan su cabeza pues al consultarle por la fecha de estreno de su primera entrega, su respuesta es elocuente “El guerrero del antifaz en los sueños de Valeriano se estrenó el 2 de Febrero del año pasado, y el 15 de Febrero de este año, Paladines de La Mancha. Así que, como esta última es la segunda parte de aquella primera, tendremos que completar la trilogía. No hay dos sin tres, ¿no es eso?”

No cabe duda que aquel Santiago de los años 80’s que recibió sus primeras clases, acercándolo al cine, en la Universidad Popular y hoy dia moviliza a 50 personas para crear un sueño, seguirá por el mismo camino, entregará su tercer mediometraje y cerrará el círculo de la trilogía de la forma mas honesta posible, y es que “todo se ha hecho de forma altruista, por amor al arte” sentencia González.

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TX: J.C.M.

1.- El Funeral (1996) Abel Ferrara

El género especializado en cine que tiene a la mafia como protagonista suele cumplir varias premisas. En primer lugar, un rodaje lento y cuidado. En segundo lugar, argumentos donde reinan el honor, la venganza y una ambición desmedida. Por último, el acicate de contar con determinadas escenas que se graben en la memoria del espectador durante el resto de sus vidas.

nica” en el contenido argumental (una oda a la violencia) y fue un campo de pruebas para experimentar con el montaje y la óptica. Muy interesante.

de su lanzamiento. El film narra la ascensión desde los bajos fondos londinenses de la mítica banda Sex Pistols hasta la cima del éxito y la visibilidad internacional.

Los músicos cuentan su verdad, con asombrosa crudeza, y se pone en prisma la sociedad británica de aquellos convulsos años 70’s, en los que el fenómeno punk cambió la escena musical. Los principios de este movimiento quedan retratados para lo posteridad en las cifras económicas que alcanzó la banda firmando contratos discográficos que nunca llegaron a cumplir, la irreverencia para con sus empleadores o la falta de preparación académica, musicalmente hablando, de los cuatro componentes de la banda.

Bien, en la película de Abel Ferrara confluyen todas y cada una de estas premisas. El rodaje se presenta, prácticamente, en tiempo real. El honor está presente en cada diálogo de los protagonistas y la venganza es el hilo conductor del film. En cuanto a esas escenas imborrables, no las desvelaré.

Pero las tiene, ¡vaya si las tiene!

Sin duda Julien Temple, director de la cinta, consiguió situar a los pistols en el olimpo musical de manera imperecedera.

Christopher Walken, Benicio Del Toro y Chris Penn protagonizaron una cinta de las que nadie que se cuente entre los seguidores del cine negro podrá poner una sola objeción, valiéndole al último (Penn) el premio al mejor actor de reparto en el Festival de Venecia.

4.- Hara-Kiri: Muerte de un samurai (2011) Takashi Miike Las películas con fuerte carga emocional poseen la cualidad de robar un pedazo de nuestros corazones para siempre. Las emociones que muestran pueden presentarse de distintas maneras y cuando éstas lo hacen acompañadas de valores como el honor o la ética, son siempre bienvenidas.

2.- Asesinos natos (1994) Oliver Stone Curiosa estrategia la de alertar sobre algo que se torna peligroso convidando a los alertados a un empacho de ese peligro. Esta es la opción elegida por el director norteamericano Oliver Stone en cuanto a la violencia desmedida que reinaba en los 90’s en suelo estadounidense.

Takashi Miike rinde homenaje, en forma de remake, a la original de 1962 del director Masaki Kobayashi en una película donde se nos presentaba la tragedia humana de la pérdida de seres queridos. Miserias personales que desembocan en el peor de los finales y, a sabiendas que el camino recorrido es duro, nada lo es más que el final insoluble.

Stone decidió conjugar violencia y televisión para demostrar que corremos el peligro de adoptar como héroes a determinados chalados si terminamos insensibilizándonos con lo que ocurre a nuestro alrededor. Imágenes cotidianas que acompañan a los televidentes y pueden llegar a empalizar con según qué planteamientos de vida.

3.- La mugre y la furia (2001) Julien Temple

Aclamada en distintos festivales, el film – protagonizado por Woody Harrelson y Juliette Lewis – guiñó a “La naranja mecá-

En la categoría de documentales biográficos, la mugre y la furia se convirtió en un referente desde el mismo momento

Por la carga de valores, la filosofía de vida o las fuertes creencias de la dignidad, Hara–Kiri: Muerte de un samurai se ha convertido en una lección de vida. Una filmación que ha de pasar por los ojos de aquellas personas que buscan la paz interior. Magnífica expresión de lo que es el séptimo arte.

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EXPOSICIÓN I HOQUETUS MAGAZINE I REVISTA CULTURAL I NÚM. 6 I MARZO 2014

PRIMER PREMIO

Pedro Antonio GArcíA PeinAdo ALBACETE VERTICAL Albacete Vertical pretende resaltar a través de su formato con un contraste de dos planos, la fuerza arquitectónica de la ciudad.

Un primer plano en vertical, nos sirve para centrar la mirada hacía el fondo de la calle, donde cobran protagonismo los edificios antiguos de gran valor y belleza.

“Albacete Siempre” es una exposición itinerante por Universidades Populares, Bibliotecas, Centros Culturales, Asociaciones Culturales, etc., de Albacete y su provincia. Comienza su andadura en el Centro Cultural de la Asunción del 13 de marzo al 5 de de abril de 2014.

“Albacete siempre” Premios del Certamen de Fotografía sobre Albacete y su provincia 2013 es el título de la exposición organizada con los trabajos premiados en el Certamen del mismo nombre. La exposición está compuesta por 27 fotografías de 7 fotógrafos de nuestra provincia y uno de la provincia de Guipúzcoa, que recogen temas que van desde “Albacete vertical”, que resalta la fuerza arquitectónica de nuestra ciudad hasta las construcciones rurales trabajadas con la técnica milenaria de la piedra seca, pasando por paisajes, costumbres y tradiciones que nos constituyen, que nos identifican y nos dan a conocer como comunidad. El objetivo del Certamen es premiar la labor de los fotógrafos, que con sus cámaras testimonian “lo nuestro”. La exposición se encarga de darlo a conocer. A la convocatoria de 2013 se han presentado 40 colecciones, con un total de 200 fotografías. Como diputado de Cultura y Juventud presidí el jurado, que además estuvo compuesto por Rosana Clemente Valero, profesora de fotografía de la Escuela de Arte de Albacete; Santiago Vico Monteoliva, como fotógrafo de reconocido prestigio; José García Lanciano como técnico de Cultura de Diputación y Vicente Plá García, como profesor de fotografía de la Universidad Popular de Albacete. Mirar es conocer, reconocer, sentir, saber… Parafraseando a Eulalia Bosch en su libro “El placer de mirar”, con las buenas fotografías “ocurre lo mismo que cuando recorremos con un extranjero nuestro itinerario habitual. Sus preguntas nos sirven de guía y nos obligan a una mirada nueva, a veces tan novedosa para nosotros como para el visitante ocasional”.

Fermín Gómez Sarrión Diputado Delegado de Cultura y Juventud.

(Texto extraído del catálogo de la exposición)

ANA ROSA GARCÍA MIRA

PEDRO ANTONIO GARCÍA PEINADO

GABRIEL GONZÁLEZ VALVERDE

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TEATRO I HOQUETUS MAGAZINE I REVISTA CULTURAL I NÚM. 6 I MARZO 2014

El día 22 de este mes el Teatro Circo de Albacete acoge el estreno nacional de “Las cosas que faltan”, última obra del autor y director albaceteño José Pascual Abellán. Éste, convertido en estrella emergente dentro de los nuevos talentos del género, nos presenta su nueva creación al tiempo que repasamos su trayectoria.

Comparado en ocasiones con el icono David Mamet, el autor albaceteño repasa sus inicios mientras constatamos sus 35 años de edad, su ocupación como maestro de educación especial y el nexo que lo une a AFAEPS.

José Pascual Abellán “ESTRENAR EN ALBACETE ME PROVOCA MUCHO RESPETO” Hola José Pascual, ¿qué nos vamos a encontrar en “Las cosas que faltan”?

El público se encontrará de nuevo ante una obra complicada. Complicada en el sentido de que es especial, de aquellas obras que intentan meter el dedo en el estómago del espectador. Una obra sobre temas actuales, en concreto sobre la gestación subrogada; la necesidad de ser padres de unos seres humanos que lo tienen mas difícil que el resto por su condición sexual o por la sociedad. Se trata de una historia de tres personajes desesperados, tres personajes que intentan cubrir la parcela de su vida que no está completa todavía. De ahí, las cosas que faltan. A todos nos falta algo para ser completamente felices. En el caso de los personajes, ese algo es ser padres. Por ello deciden recurrir a un vientre de alquiler con el que la mujer también cubre una necesidad, en el caso de ella económica. Soy consciente de que es un tema que genera mucho debate.

Veo que en este caso el título deja bien claro por donde va a discurrir la obra…

Sí, de hecho hay gente que me comenta “he visto que estás preparando una obra nueva, las cosas que faltan, y ¿qué es lo que falta?”, con lo que puedo constatar que ellos saben que se va a tratar de personajes con una tara; en el sentido de que son personajes a los que les falta algo. En definitiva es la historia de Laura, Martín y Jaime. Laura es una mujer que recurre a alquilar su vientre, a una pareja que no puede tener hijos, porque no tiene dinero para salir adelante. A Martín le falta la capacidad biológica de ser padre y a Jaime la capacidad de decidirse. Podríamos decir que es un pequeño homenaje al Mago de Oz, ya que todos carecen de algo – al igual que sus personajes: valor, inteligencia, familia y corazón – y descubren que estando juntos unos pueden ofrecer a los otros lo que les falta para ser completamente felices y conseguir que la vida evolucione.

Imagino que estrenar en Albacete será emotivo…

Es emotivo y especial al mil por mil. De hecho me provoca un respeto que no me produce ningún otro teatro y ninguna otra ciudad.

Ya me ocurrió con “Locas”, con “Ceniza”, y hace muy poco tiempo con “Versus”, donde realmente estuve emocionado y muy agradecido por la acogida y la expectación del público durante una hora y media en silencio mientras disfrutaban de la función. ¿Qué comentarios recuerdas de esas funciones?

Sobre todo que la gente, empezando por mi madre, me pide “¿para cuándo una comedia?”. Y eso que el hecho de hacer obras tan comprometidas con la vida y la situación de los seres humanos me da mucho mas respeto todavía. Date cuenta que son obras donde la gente se puede pronunciar.

Ponerse de un lado u otro. La verdad es que mi intención es generar debate y, de momento, tengo la suerte de estar consiguiéndolo. Por otro lado es un riesgo muy grande porque la gente puede estar de acuerdo o no estarlo y eso, añadido a que es en mi ciudad, donde están compañeros de profesión, conocidos, amigos, familia y, en definitiva, gente que ha puesto expectativas en mi, provoca mucho respeto ¿Cómo surgió la idea de realizar el estreno nacional en el Teatro Circo de Albacete?

Verás, Sonia de la Banda – directora gerente de Cultural Albacete – quien había seguido “Locas” y gracias a ella el libro fue publicado y la obra giró mucho, albergó también “Ceniza”, mi segunda obra. Cuando fuimos a representar la tercera – “Versus” - le dije que prefería el Teatro de la Paz debido a que se trata de una obra muy íntima, así como a las condiciones de la sala, y ella

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me dijo, “está bien pero me gustaría que en el Teatro Circo se estrenase la siguiente de tus obras”, “Las cosas que faltan”. Esto fue en Noviembre, con la obra recién escrita y cuando todavía no contaba con actores. Así que tuve la suerte de estar trabajando, desde Noviembre, en la obra con la ilusión de que se estrenará en el Teatro Circo el 22 de Marzo.

Ana Casas repite contigo tras su trabajo en “Locas” pero con Paco Blázquez y Denis Gómez ¿habías trabajado antes?

No habíamos trabajado juntos. Los conocía del mundillo teatral que existe en Madrid y me parecían dos actores extraordinarios. Estaba al tanto de lo que hacían, seguía su trabajo y me gustaba la trayectoria que tenían, a pesar de su juventud, así como su bagaje cultural teatral.

Me encanta hablar con ellos porque saben mucho sobre la historia del teatro español, poseen el ritmo teatral en su interior y esa sabiduría provoca en mí mucha seguridad como director.

Es curioso porque una obra que escribí para Ana me ha permitido juntarlos a los tres.

Con tu primera obra – “Locas” – conseguiste unas cifras de mas de 20.000 espectadores en, alrededor de, 200 funciones ¿es una quimera alcanzar estas cifras con el nuevo proyecto?

En el caso de “Locas”, efectivamente, es así. Llevamos con ella desde el 1 de Octubre de 2010 y continúa todavía. Fue mi primera obra y también el cénit en cuanto a cifras se refiere. Con ella hemos girado por las cinco provincias de Castilla La Mancha, Barcelona, Tarragona, cinco temporadas en Madrid o el País Vasco. Le debo todo a la obra de teatro “Locas”. Me ha cambiado la vida, pues no esperaba dedicarme al teatro a mis 31 años de entonces pero como tenía el texto escrito decidí probar. El resto ya lo sabes. Por cierto, acabamos de firmar la adaptación de la obra al catalán, la cual se pondrá en marcha este verano. En cuanto a conseguir las cifras con la nueva obra, no me provoca vértigo alguno. Es mas, creo que en ella se aúna la parte popular y tierna de “Locas” con la otra parte mas intelectual de, por ejemplo, “Versus”. Así que veremos qué dicen los datos finalmente.

Por cierto, ahora que hablamos de “Versus”, ¿nació la idea de una escena rodada en la película “Hable con ella”, verdad?

Físicamente nace de ahí. Concretamente de la escena con Javier Cámara y Darío Grandinetti en el locutorio de la cárcel. Físicamente en cuanto a que quise reproducir esa escena en el teatro y pedí que se construyera un locutorio. Por cierto, nos han dado un premio a la mejor escenografía y cuando fui a recogerlo, pedí perdón porque no soy escenógrafo, simplemente pedí un permiso y pasé un día en el centro penitenciario La Torrecica viendo los locutorios y después al escenógrafo le dije “por favor, constrúyeme esto” con una barra, un cristal, dos teléfonos y unos taburetes. Imagino que el premio tendrá que ver con que se coloca al público en

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cuatro bandas y se rodea la escena totalmente. Quizás eso haya impactado. “Hable con ella” es, a mi gusto, la mejor película de Almodóvar y, además, me sirve de debate en numerosas ocasiones ya que como en “Las cosas que faltan” existe un debate entre lo moral y lo legal.

Una pregunta obligada es ¿quiénes son tus referentes teatrales?, aquellos en los que te gustaría verte reflejado Bueno, tanto como verme reflejado no sé pero la sabiduría teatral, poca o mucha, que pueda tener me viene de los autores norteamericanos del siglo XX, aquellos como David Mamet o, un poco mas atrás, Tennessee Williams y Arthur Miller. Autores de palabra, ya que mis obras son mucho de texto y emoción, y poco movimiento o acción. En sus obras las tramas se intuían ya que no se terminaban de contar abiertamente, y la realidad siempre estaba presente, ofreciéndola como un ente con varias capas. Ellos han sido mis tres grandes referentes en cuanto a los conflictos dialécticos, aquello que los personajes se tienen que decir. De todos modos es necesario nombrar a mi inspiración máxima, Antonio Buero Vallejo. Gracias a él hago teatro.

Puedo decir que estoy en esto porque un día leí “Historia de una escalera”. A él le dediqué el libro de “Locas” y le dedicaré todo lo que haga en mi carrera.

Tus inicios siempre se han relacionado con “Locas”, pero tengo entendido que la primera incursión fue una adaptación de “La princesa prometida”, ¿es así?

Eso es, la primera vez no fue “Locas” sino una adaptación teatral de la novela y el guión cinematográfico de “La princesa prometida”, la cual retitulamos como “El pirata Robert” para una compañía de Albacete. Fue un trabajo diferente a lo que es un guión original como lo son, a día de hoy, mis cuatro obras posteriores. Se representó en toda la geografía castellanomanchega a través de la Red de Teatros y el estreno fue en la posada del Rosario entre los años 2006 y 2007.

Se trataba de una obra para todos los públicos y gustó mucho. Desde entonces ya no he vuelto a trabajar en la adaptación de textos ya que lo que me gusta es hacerlo en originales propios ni en el formato para todos los públicos debido a que mis textos son para público adulto.

Por último una curiosidad, ¿asistes a obras de teatro habitualmente?

La verdad es que sí. Excepto cuando estoy ensayando porque en esos momentos te olvidas del mundo. De todos modos, cuando no estoy con los ensayos asisto a ver entre tres y cinco obras cada semana.

José Pascual, muchas gracias por tu tiempo y que “Las cosas que faltan” se convierta en un nuevo éxito.

Tx: Oscar Córcoles

Lluvia 14

TEATRO I HOQUETUS MAGAZINE I REVISTA CULTURAL I NÚM. 6 I MARZO 2014

Lluvia deÁngeles

París

sobre

Antonio Malonda, premio de la unión de actores 2013, dirige el montaje que podremos disfrutar el día 6 de Marzo en la casa de la cultura José Saramago (Universidad Popular)

La comedia de Alfonso Sastre “Lluvia de Ángeles sobre París” llega a Albacete de la mano de la compañía madrileña Bululú 2120. En la obra dirigida por Antonio Malonda, último premio honorífico de la Unión de Actores, la acción transcurre en París, donde van cayendo supuestos ángeles rechazados por el Cielo por sus ideas revolucionarias. En la Tierra, los rebeldes se organizan con el fin de cambiar las cosas. Este extraño suceso desata situaciones entre lo surrealista y lo irónico que reflejan, con agudeza y buenas dosis de humor blanco, asuntos de gran actualidad utópica.

“Lluvia de Ángeles sobre París” confirma la soltura de Sastre en un género que apenas había cultivado entonces: el de la comedia. El juego del autor es claro: fracasa en su intento de hacer una comedia comercial. El resultado es poco menos que un drama experimental o una comedia “irónicamente comercial”, según el propio autor.

A pesar de ser uno de nuestros dramaturgos más prolíficos, con 84 piezas a sus espaldas, Sastre es también uno de los menos representados. Tiene 33 obras pendientes de ser llevadas a escena. “Lluvia de ángeles sobre París”, escrita en 1994, fue una de ellas hasta que la compañía Bululú 2120 la estrenó en Madrid en 2012. El propio Sastre considera “insólito” que haya llegado a los escenarios. Sastre ha visto como muchas de sus obras eran censuradas por su carga política, por su denuncia del régimen, y porque, para la censura, estaban cargadas de provocación y agitación social.

“Lluvia de ángeles sobre París” no es ajena a esta tendencia.

Pese a ser una comedia, está impregnada del sentido trágico que marca toda su obra. Por ello, Sastre la ubica dentro de sus ‘tragedias complejas’, piezas en las que “incluso el héroe puede ser un personaje cómico, al tiempo que héroe”. Consciente, además, de que el teatro debe volver a tener una función social, el autor cree que la obra tiene hoy más vigor que nunca y que la necesidad de cambio es cada día más evidente. “Esta obra podría haber sido escrita ahora mismo, y estoy muy de acuerdo con ella”, asegura Sastre.

Recién finalizada su temporada en el Teatro Lara, de Madrid, y tras su paso, con gran éxito de crítica y público, por Hondarribia; Donosti; Bilbao; Guernika; Zaragoza; Valencia; El Toboso, Mota del Cuervo y Villarobledo, esta comedia que llega ahora al escenario albaceteño es la última colaboración hasta la fecha de un tándem que ya es historia del teatro: Sastre y Malonda han colaborado en montajes como “Escuadra hacia la muerte”, “Guillermo Tell tiene los ojos tristes” o el “Marat-Sade”, dirigido por Adolfo Marsillach en 1968.

Malonda también cuenta entre su trayectoria reciente la dirección de dos de los últimos montajes de la compañía albaceteña Cachivaches: “El galán de la Membrilla”, de Lope de Vega, y “Entre bobos anda el Juego”, de Francisco de Rojas Zorrilla.

Esta última obra resultó ganadora en el Festival de Almagro de 2011 y recientemente recibió el Premio al Mejor Espectáculo de Compañías de Castilla-La Mancha en los XXI Premios Teatro de Rojas, de Toledo.

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JVLIO CÉSAR Clásico entre clásicos

El Teatro Circo de Albacete mostrará en los próximos meses dos de las obras estrenadas en el Festival de Teatro Clásico de Mérida, en la edición del año pasado: “Hécuba” y “Julio César”. Si el anfiteatro romano de Mérida es un lugar excepcional para las representaciones del género, las centenarias columnas de nuestro Teatro Circo son, asimismo, un marco incomparable para disfrutar de las excelencias de los grandes montajes escénicos.

El espectador que decida acudir a la cita durante este mes de marzo para ver “Julio César” en el Teatro Circo de Albacete, disfrutará de una excepcional adaptación contemporánea de la magistral tragedia inmortalizada por uno de los escritores más importante de todos los tiempos, William Shakespeare.

Con una total ausencia de personajes femeninos, sólo hombres –ocho actores concretamente– son los protagonistas que marcan desde el principio la fuerza de la obra.

Siendo sincera, me hubiera gustado disfrutar de la interpretación de alguna actriz, pero reconozco que la presencia de una mujer hubiera restado dramatismo al ambiente de miedo y conspiración que transmite la trama durante todo el tiempo que dura la representación, en la que, como ustedes saben, las retorcidas pasiones por el poder concluyen con la traición y muerte del dictador romano.

Al principio, el espectador buscará en el escenario la intersección entre el Julio César de reminiscencias clásicas que espera encontrar y la original contextualización arbitrada que muestra a todos los personajes uniformados militarmente, con el único elemento común entre Roma y la escenificación que están viendo de la toga encarnada que decora el hombro de los personajes. A partir de aquí, los actores van cautivando al público siguiendo el magnífico libreto adaptado de la obra original por el director. Un texto que descubre la autoría de Shakespeare jugando con la psicología del ser humano, sus profundos sentimientos, sus deseos más bajos, sus grandes dudas ante la vida.

Al igual que en otras muchas producciones que últimamente hemos tenido la suerte de disfrutar en el Teatro Circo, se incorporan a esta obra las nuevas tecnologías como elementos decorativos adicionales. No he llegado todavía a diferenciar el matiz de si su objetivo es complementar las sensaciones que el director quiere transmitir o tratar de suplir el minimalista decorado de las producciones actuales. Pero lo curioso es que, sea el motivo que sea el que haya sugerido esa incorporación, en “Julio César” esta técnica

aporta a la representación aspectos muy interesantes y destacables: desde llevar a cabo un repaso, al comienzo de la obra, de todos los emperadores romanos, que bien pudiera ser un termómetro para medir nuestros propios conocimientos sobre la época, hasta vincular el color rojo de la sangre del emperador asesinado con la tinta de la tipografía gigante proyectada sobre la gran pantalla.

Estoy convencida que después de la crucifixión de Jesucristo, este es el asesinato más interpretado en todas las disciplinas artísticas, desde la representación teatral hasta la composición musical de la ópera más conocida de Haendel. Y aun así, el verdadero contenido de la trama puede ser extrapolable por desgracia a cualquier época, donde los hombres –y las mujeres también– siguen conspirando por obtener el poder en cualquiera de sus formas, a veces incluso el más básico y necesario: el de sus propios y más puros sentimientos.

Les invito a disfrutar de esta magnífica producción que, ofrecida por el Teatro Circo de Albacete, les permitirá recordar parte de nuestra historia, que quizás se haya repetido desde entonces una y otra vez…

Sonia de la Banda Ledrado Directora Gerente de Cultural Albacete

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LITERATURA I HOQUETUS MAGAZINE I REVISTA CULTURAL I NÚM. 6 I MARZO 2014

¡Mucho mejor el libro que la película!

¿Quién no ha dicho/oído esta frase alguna vez en su vida? A mí siempre me surgen algunas dudas. ¿Esta frase se usa porque queda bien? ¿Es Cool? ¿Te da un toque cultureta que siempre viene bien? ¿Quieres aportar algún comentario profesional y es lo único que se te ocurre que no te puedan rebatir?

Es curioso que sea una frase tan repetida en un país donde, tradicionalmente, se lee poco. Pero ahí está. Incluso si preguntas qué diferencias se ven con el libro, muchas de las preguntas anteriores se responden solas… “No sé, no lo he leído aún pero siempre es así…” “porque a mí me gustó más el libro…””Porque la esencia, el mensaje último del autor no se puede reflejar en una pantalla…”

Luego, al salir del cine, podemos estar un buen rato contando detalles de la película, ¿Has visto eso? ¿Te diste cuenta de aquello?, o “A mí, la parte que más me gustó fue cuando…”

Decimos que es mejor el libro, por una introspección natural a la hora de leer. Esta acción tan sencilla consigue encajar una serie compleja de engranajes que tenemos en nuestro cerebro, que interpretan todo lo leído para convertirlo en algo nuevo. ¡Nuestra versión de los hechos! Un malo de libro no es lo mismo para ti que para mí. Mi experiencia de vida marcará, definirá a los buenos y a los malos, las sensaciones agradables, las oníricas y la predisposición a tomar partido por uno o por otros.

Quizá, cuestionamos una película por ser, simplemente, un intento de oficializar la visión de una lectura. Mi versión de los hechos.

Es bien conocida la dolorosa aceptación por parte de los escritores de sus adaptaciones cinematográficas.

“Nunca dejes a nadie hacer una película de la historia de tu vida” esta fue la frase lapidaria de Winston Groom al inicio de la secuela de Forrest Gump. Odió la adaptación cinematográfica de su novela, entre otros motivos por la cantidad de matices y escenas que se suavizaron al estilo Hollywood, quitando frase duras y algunas escenas de sexo.

A Stephen King le gustó tan poco los cambios en la película El resplandor, que consiguió realizar otra versión inglesa más acorde con su novela. Con matices tan importantes como poner de loco y perverso al padre (Jack Nicholson) cuando la maldad reside tan solo en el Hotel Overlook.

Sin embargo, creo en las bondades del cine, con entidad propia, si quieres ver el libro tendrás que leerlo, si quieres pasar un rato entretenido y ver las diferentes formas de entender una misma historia, lee el libro y vete después al cine Hay versiones tan dispares de una misma

novela que impresionan y ninguna se acerca a la historia contada. Un ejemplo claro es el clásico “Los Tres Mosqueteros”, donde nadie puede dejar de ver a D’Artagnan como un héroe clásico, sobrado de facultades, con una gran intuición y un don de gentes increíble. Solo hay que leer las primeras páginas de la novela para ver que un inocente chico provinciano y con poca cabeza sale a cumplir un sueño inspirado en su padre, no se acerca mucho al retrato que tenemos en el inconsciente colectivo.

Más de 200 veces se ha llevado al cine a Sherlock Holmes. Al parecer todos quieren dejar su versión definitiva. Te recomiendo que leas sus historias y verás cuantas películas quedarán fuera de tu personaje, del creado por ti a partir de sus lecturas.

Dejaré de lado a Disney, que más que llevar novelas al cine, simplemente se inspira para contar una historia totalmente distinta en, prácticamente, todos los casos. Con mención especial al “Libro de la Selva”, un relato del mundo Disney que cambia radicalmente la forma de contar la historia, el ambiente, las escenas e incluso la dureza de un niño de la selva contado por Kipling, o “Alicia en el País de las Maravillas” donde el mérito es adaptar historias para adultos al mundo infantil.

Al revés, películas que se convierten en iconos obligan a los lectores posteriores de las novelas a entender e imaginar su propia lectura con los condicionantes cinematográficos. ¿Seríais capaces de leer por primera vez El Señor de los Anillos, sin ver la cara de Gollum o Frodo, incluso los escenarios creados por Peter Jackson?

Definitivamente para ver la novela, mejor la leo.

Tx: Daniel Pablo

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TX: Javier Moreno

2003 SEIX BARRAL

LA BALADA DEL CAFÉ TRISTE CARSON MCCULLERS

1958 SEIX BARRAL

EL MILLONARIO INSTANTÁNEO MARK FISHER

2002 EDICICIONES URANO

Libros recomendados

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AURORA BOREAL ASA LARSSON

GÉNERO: MANAGEMENT

GÉNERO: NARRATIVA

GÉNERO: POLICIACO

Huelga decir que esta no es una obra que esconda la gallina de los huevos de oro en su interior. Es decir, no van a revelarnos el secreto para hacer fortuna de manera inmediata e infalible.

Mas bien se trata de un texto donde podemos encontrar una actitud con la que afrontar la vida empresarial.

Lo bueno si breve, dos veces bueno. Esta podría ser una primera reflexión sobre el relato corto “La balada del café triste”. No obstante, resultaría abreviar demasiado y, además, una gran injusticia el no ahondar un poquito en lo que significa la escritura de Carson McCullers para todo aquel que ha sentido el placer de pasear entre sus palabras.

Es evidente que el actual despegue internacional de la literatura sueca se debe a Stieg Larsson y su trilogía compuesta por “Los hombres que no amaban a las mujeres”, “La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina” y “La reina en el palacio de las corrientes de aire”. Sin embargo, hay vida mas allá de la trilogía manida del último lustro. Este es el caso de Asa Larsson, quien comparte apellido con el autor estrella, nada mas, pero además comparte eficiencia ante el folio.

Quizá nos sorprendamos al contrastar algunas de las ideas que se dibujan en el relato. Por ejemplo, se habla de que el mundo interior de las personas es directamente proporcional al mundo exterior. Me explico; si alguien se muestra dubitativo en su día a día, demos por sentado que en su interior es una persona aprisionada por las dudas en cada una de sus parcelas vitales. Del mismo modo, aquellos que se muestran resueltos y directos, son personas que tienen en gran estima su propia imagen. Por tanto, el relato de Mark Fisher nos invita a programar nuestras vidas como si de un ejercicio constante se tratase. Dicho ejercicio se basa en la autosugestión, aquella que debemos utilizar para convencernos deque las metas que nos propongamos son de fácil resolución.

Con mensajes rápidos y concisos, nos muestra que si estamos convencidos de que conseguiremos algo, ese algo no tardará en materializase. Pero no sirve el autoengaño, sino que debemos autosugestionarnos hasta el punto de interiorizar que esa es algo tan natural que no podremos concebir la posibilidad de incumplir su consecución.

En definitiva, se trata de un libro corto con una lectura rápida y fácil que ayudará a todos aquellos dispuestos a dejarse convencer por sus palabras en mostrar una actitud positiva ante cada desafío, e inevitablemente desembocará en la reconfortante sensación de plenitud.

Cuando los personajes que viven en la novela de McCullers son descubiertos por el lector, es impactante la sensación de nostalgia que puede llegar a embargarlos. Por su parte, el ambiente que rodea a cada pasaje de la novela se tiñe de aflicción de manera natural. Las vivencias de cada uno de los que conforman el relato pueden generar expectación, intriga, lamento o alguna sonrisa, pero cada una de estas sensaciones no escapan, en ningún momento, al paraguas de la melancolía.

La balada del café triste es el título del relato corto que hemos hablado, pero también lo es del libro que recoge esa historia junto a otras seis narraciones cortas que conforman la entrega, “Wunderkind”, “El jockey”, “Madame Zilensky y el rey de Finlandia”, “El transeúnte”, “Dilema doméstico” y “Un árbol.

Una roca. Una nube”. En todas ellas encontraremos como denominador común las sensaciones melancólicas a las que hace referencia la primera parte de la reseña. Como anécdota, informar de que “Wunderkind” – segundo relato del libro – es un conmovedor texto autobiográfico de sus primeros años de vida.

En definitiva, el texto de Carson McCullers es una obra imprescindible para todo aficionado a las letras.

Asa presentó “Aurora Boreal” en el año 2003 y tardó en llegar a España seis años mas, aprovechando la editorial el revuelo montado por la trilogía Millenium. Lo que en principio podría parecer un caso claro de intento de subirse al carro de una nueva corriente, pronto quedó contrastado que no era así, pues la novela de Asa – precedida del premio a la mejor primera novela negra de Suecia – poseía una trama bien ideada, así como una pluma ágil y sencilla para la lectura que nos brindaba las palabras de forma directa. El suspense con el que envuelve unos paisajes magníficos parece estar creado para una adaptación al cine inmediata, pues es imposible no imaginar los fotogramas de la historia que se nos narra. En pocas ocasiones he sentido esto de manera tan clara y meridiana. De hecho, fue llevada a la pantalla de manera nacional. Sin embargo yo a lo que hago referencia es a una adaptación hollywoodiense en toda regla. Ese es el lugar donde entiendo que podría encajar como un guante.

De todos modos no nos llevemos a engaño, la novela de Asa Larsson no pasará a la historia como una obra maestra pero, siendo conscientes de que la mayoría de los libros contemporáneos correrán la misma suerte, es de recibo aplaudir unas líneas frescas que traen consigo entretenimiento y disfrute. Es mas, se trata de una gran idea seguir la bibliografía de la autora ya que, a pesar de contar solo con cinco títulos a sus espaldas, ha sido galardonada nuevamente con el premio a la “mejor novela criminal sueca” del año 2007.

Seguiremos esperando aquellas novelas suecas que aparecen de vez en cuando y revolucionan el panorama literario. De no ser así, siempre nos quedará el placer de la lectura.

VE

DA D

Para terminar, un par de preguntas. ¿Cómo nos afecta lo que creemos? Y, sobre todo, si pudieras elegir, ¿qué harías en el día de hoy?, es decir, ¿si todo acabase hoy, estarías contento y satisfecho con lo desarrollado en este día? Lean, comprendan y disfruten.

Resulta innegable el don que poseía la escritora norteamericana para diseccionar el aislamiento espiritual de los inadaptados. Del mismo modo es indiscutible la precisión con la que define el amor con mayúsculas. Ese amor que no necesita de romanticismo, pues el sentimiento se encuentra en el interior de cada uno en su máxima expresión de pureza. De hecho, en esta obra tiene cabida la mejor disertación sobre tan sobado sentimiento que se puede leer en la literatura moderna.

Asombroso.

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APARATOS MÉDICOS

18

DANZA I HOQUETUS MAGAZINE I REVISTA CULTURAL I NÚM. 6 I MARZO 2014

El próximo 17 de Marzo se procederá al estreno absoluto de “Flamenco & Góspel” - un espectáculo que aúna dos géneros marcados por las raíces, el temperamento y, sobre todo, los sentimientos - y para la ocasión se ha escogido la Casa de la Cultura José Saramago de Albacete. Hablamos con Abel García, componente de The Gourmets, para que nos ponga al tanto de esta novedosa creación que acerca el sur de España al de los Estados Unidos de América.

Hola Abel, cuéntanos qué nos vamos a encontrar en “Flamenco & Góspel” Es un espectáculo donde la compañía de Emilio Ochando y La compañía de The Gourmets han trabajado mucho para poder conseguir esta función tan bella e intensa. El arte se manifiesta en todas y cada una de las piezas, y ver ambas compañías en el escenario va a ser una experiencia maravillosa. Es una idea novedosa y única que esperamos sea una propuesta aceptada y entendida por el público albacetense.

¿Cuándo y cómo surge la idea como concepto?

El espectáculo surge, como tantas cosas en la vida, por el encuentro en un mismo espacio-tiempo de dos propuestas a priori individuales. Una vez “vistas” tienen más en común de lo que en principio podría parecer. Tanto flamenco como gospel, dos conceptos de música universales coinciden en un punto: la búsqueda de la libertad. ¿Cómo se transforma la idea en el proyecto definitivo?

A partir de la visión de ese punto de encuentro de estas dos formas artísticas, el desarrollo de la idea se produce con la misma naturalidad y frescura que flamenco y gospel poseen. ¿Está el proyecto basado en alguna obra concreta?

No, en ninguna ¿Es la obra un homenaje a algunos artistas concretos o por el contrario es un homenaje a los géneros que representan, mas allá de los iconos de cada estilo?

separado para encontrar un punto de encuentro en esta propuesta artística. ¿Qué percepción tienes del calado del góspel en España? El flamenco está muy arraigado, sin embargo el góspel no tanto.

La percepción del calado del gospel en España es de esnobismo, artificialidad y show. La opción escogida por The Gourmets es la autenticidad, esencia y verdad. ¿No es esto tener “flamencura”? ¿Qué idea de tiempo en cartelera se baraja con este espectáculo?

Nacido como un espectáculo puntual, se irá ofreciendo a lo largo de la geografía española. ¿Se va a estrenar fuera de España? ¡Ojalá! Es un proyecto que se lo merece Gracias Abel, nos vemos en la Casa de la Cultura José Saramago

No pensamos en los iconos. No es un homenaje, es un compartir durante un tiempo los caminos de libre expresión de ambos géneros. ¿Habíais trabajado antes en cada uno de estos estilos, góspel y flamenco?

Las compañías han trabajado su género por

Flamenco & Góspel UN CAMINO DE LIBERTAD

GUÍA Cultural

HOQUETUS MAGAZINE I REVISTA CULTURAL I NÚM. 6 I MARZO 2014 I GUÍA CULTURAL

MARZO

01 SÁBADO

FESTIVAL

CASA DE LA CULTURA JOSÉ SARAMAGO

19:00 H. DIA DE ANDALUCÍA. POP FLAMENCO: DAVID Y LA FELIPA; SEVILLANAS: MADRE DE LOS ROCÍEROS; CORO ROCÍERO GUADALQUIVIR

01 SÁBADO

20:00 H. GEN VERDE

22:30 H.

LEÑADORES

EN CONCIERTO

SALA PUSSY WAGON

CONCIERTO

TEATRO DE LA PAZ

CONCIERTO

PROYECCION

08

JUEVES

SÁBADO

19:00 H. VISIONADO DE ÓPERA “EL TROVADOR” DE VERDI

19:00 H. CERTÁMEN DE BANDAS 60 ANIVERSARIO BANDA NTRA SRA DE LA ESPERANZA “LA MACARENA”

TEATRO DE LA PAZ

CENTRO CULTURAL CCM

08

08

09

EN CONCIERTO

EN CONCIERTO

CONCIERTO

TEATRO CIRCO

SALA PUSSY WAGON

AUDITORIO MUNICIPAL

11

12

13

SÁBADO

MÚSICA

01

06

18:00 H. GEN VERDE

TODA LA AGENDA CULTURAL EN ALBACETE ACTUALIZADA DIARIAMENTE

SÁBADO

02 DOMINGO

19

20:00 H. INDIA MARTÍNEZ

MARTES

17:30 H. ANTOLOGÍA DE LA COPLA CONCIERTO

AUDITORIO MUNICIPAL

14 VIERNES

21:00 H.

ARANTXA DOMÍNGUEZ & RICARDO BELDA EN CONCIERTO

CENTRO CULTURAL CCM

CONCIERTO

AUDITORIO MUNICIPAL

SÁBADO

DOMINGO

22:30 H. BLACK ROCK

12:00 H. BANDA DE MÚSICA MUNICIPAL “CONCIERTO DE INVIERNO”

MIÉRCOLES

JUEVES

20:00 H. VALENCIA INTERNATIONAL UNIVERSITY. VIOLÍN, VIOLONCELLO Y PIANO CONCIERTO

AUDITORIO MUNICIPAL

19:00 H. ORQUESTA SINFÓNICA Y BANDA SINFÓNICA DEL CONSERVATORIO PROFESIONAL DE MÚSICA

AUDITORIO MUNICIPAL

CONCIERTO

14

15

EN CONCIERTO

EN CONCIERTO

SALA PUSSY WAGON

TEATRO CIRCO

VIERNES

22:30 H. SHERPA & HERMES CALABRIA + KAYSER SOZÉ

SÁBADO

20:00 H. NACHO GONZÁLEZ

20

GUÍA CULTURAL I HOQUETUS MAGAZINE I REVISTA CULTURAL I NÚM. 6 I MARZO 2014

MARZO

15 20 SÁBADO

22:30 H.

GUÍA 18 MARTES

ALHANDAL

EN CONCIERTO

SALA PUSSY WAGON

22:00 H.

JUAN CARLOS MATAMOROS Y DINA NEDELTCHEVA. DÚO DE TROMBÓN Y PIANO EN CONCIERTO

21 VIERNES

JUEVES

22:30 H. SACRAMENTO

19:00 H. VISIONADO DE ÓPERA “MARTHA” DE FLOTOW

EN CONCIERTO

PROYECCIÓN

CENTRO CULTURAL CCM

SALA PUSSY WAGON

23

21

DOMINGO

VIERNES

12:00 H.

21:00 H.

MÚSICA

JOAQUÍN PASCUAL Y LA ORQUESTA DESCACHARRADA EN CONCIERTO

CASA DE LA CULTURA JOSÉ SARAMAGO

27 JUEVES

21:00 H. CONCIERTO DE GOSPEL. ORGANIZADO POR LA IGLESIA EVANGÉLICA BAUTISTA

AUDITORIO MUNICIPAL

28 VIERNES

21:00 H.

SIEMPRE ASÍ

EN CONCIERTO

TEATRO CIRCO

CENTRO CULTURAL CCM

22 SÁBADO

18:00 H. XI CERTÁMEN NACIONAL DE TUNAS-VI INTERNACIONAL MEMORIAL ANTONIO VILLA “ENTE”

AUDITORIO MUNICIPAL

BANDA DE MÚSICA MUNICIPAL “CONCIERTO DE TEMPORADA” CONCIERTO

AUDITORIO MUNICIPAL

24 LUNES

20:00 H. ORQUESTA DEL CONSERVATORIO CONCIERTO

AUDITORIO MUNICIPAL

27

28

SET ACÚSTICO

CONCIERTO

JUEVES

21:30 H. COLORADO

SALA PUSSY WAGON

VIERNES

19:30 H. CUARTETO ALONDRA

CENTRO CULTURAL CCM

28 VIERNES

20:00 H. BANDA DEL CONSERVATORIO CONCIERTO

AUDITORIO MUNICIPAL

Cultural

HOQUETUS MAGAZINE I REVISTA CULTURAL I NÚM. 6 I MARZO 2014 I GUÍA CULTURAL

TODA LA AGENDA CULTURAL EN ALBACETE ACTUALIZADA DIARIAMENTE

29

29

EN CONCIERTO

EN CONCIERTO

TEATRO CIRCO

SALA PUSSY WAGON

SÁBADO

20:00 H. EKATERINA LEKHINA (SOPRANO) Y ANTONIO SORIA (PIANO)

SÁBADO

20:00 H. PASTORA SOLER

CONCIERTO

AUDITORIO MUNICIPAL

22:30 H. REINO POLAR + MURRAY

MÚSICA

29 SÁBADO

21

MARTES

MIÉRCOLES

18:30, 20:30 Y 22:15 H.

20:30 Y 22:15 H.

20:15 Y 22:30 H.

SÉPTIMO

LA HERIDA

EL HOMBRE TRANQUILO

06 07 08 08 11 20:30 H.

18:30, 20:30 Y 22:30 H.

18:30 H.

20:30 Y 22:30 H.

20:30 Y 22:15 H.

12 12 13 20:15 H.

22:00 H.

20:15 Y 22:15 H.

LA MALETA DE MARTA

HANNAH ARENDT

KING KONG

LA DUDA

ONCE (UNA VEZ)

7 NOVIAS PARA 7 HERMANOS

ONCE (UNA VEZ)

AYER NO TERMINA NUNCA

JUEVES

VIERNES

SÁBADO

SÁBADO

MARTES

MIÉRCOLES

MIÉRCOLES

JUEVES

14 14 15 18 19 20 21 21 VIERNES

VIERNES

SÁBADO

MARTES

MIÉRCOLES

JUEVES

VIERNES

VIERNES

18:30 H.

20:30 Y 22:30 H.

18:30, 20:30 Y 22:30 H.

20:15 Y 22:30 H.

20:30 Y 22:15 H.

20:15 Y 22:15 H.

18:30 H.

20:15 Y 22:30 H.

7 NOVIAS PARA 7 HERMANOS

LA GRAN FAMILIA ESPAÑOLA

LA GRAN FAMILIA ESPAÑOLA

DE TAL PADRE, TAL HIJO

ANNIE HALL

UNA VIDA MEJOR

REMBRANDT

ANNA KARENINA

22 22 25 26 27 28 28 29 SÁBADO

SÁBADO

MARTES

MIÉRCOLES

JUEVES

VIERNES

VIERNES

SÁBADO

12:00, 17:00 Y 18:40 H.

20:15 Y 22:30 H.

20:15 Y 22:15 H.

20:30 Y 22:15 H.

20:15 Y 22:15 H.

18:15 H.

20:30 Y 22:15 H.

18:30, 20:30 Y 22:15 H.

EL ALUCINANTE MUNDO DE NORMAN

ANNA KARENINA

MUCHO RUIDO Y POCAS NUECES

BÁRBARA

EL CAPITAL

MOULIN ROUGE

TRES BODAS DE MÁS

TRES BODAS DE MÁS

CINE

01 04 05 SÁBADO

22

GUÍA CULTURAL I HOQUETUS MAGAZINE I REVISTA CULTURAL I NÚM. 6 I MARZO 2014

MARZO

01

01

MUSICAL

TEATRO

SÁBADO

18:00 H. EL REY LEÓN

PALACIO DE CONGRESOS VIERNES Y SÁBADO

TEATRO

07-08 20:30 Y 19:00 H.

UNA PUTA MIERDA

Teresa de Jesús Una producción de ALGARABÍA TEATRO Reparto Teresa de Jesús: Teresa Ruiz / Susana Sucena Voz San Juan de la Cruz: Isidro Rodríguez Espacio sonoro y diseño gráfico: Jemanu Iluminación: Algarabía Video: Paris Félix Texto, dramaturgia y dirección: Isidro Rodríguez Gallardo

TEATRO Viernes 14.- CULTURAS DEL MUNDO

CASA DE LA CULTURA JOSÉ ARABÍA” SARAMAGO

“RIHLA (Travesía Árabe)

DANZA

14 Susanne, VIERNES

Ehab Aly, Ballet Brisa de Oriente, con la presentación de Lola Galán.

FOTOGRAFÍA

TEATRO

ABR

Casa de la Cultura José Saramago - 20 h

Entrada: 10 € / Grupos: 8 € EXPOSICIÓN ALBACETE SIEMPRE

20:00 H. LLUVIA DE ÁNGELES SOBRE PARIS TEATRO

EA! TEATRO

CASA DE LA CULTURA JOSÉ SARAMAGO

SÁBADO Y DOMINGO

DOMINGO

TEATRO

08-09 14-15 19:00 H. EL JOVEN FRANKENSTEIN TEATRO

TEATRO DE LA PAZ

21:00 H. LA ACTRIZ HA MUERTO

18:00 H. PO PO PO? POESÍA!

TEATRO

TEATRO

TEATRO CIRCO

EA! TEATRO

17 LUNES

Emilio Ochando & The Gourmets (Flamenco & Gospel)

Ochando.

CASA DE LA The Gourmets: Javier Canales, Alex CULTURA JOSÉJordi Vallespí Delgado, Abel García, Coordinación técnica: Arantxa SARAMAGO

13-05

20:30 H. CABARET EXIT

13

Lunes 17.- DANZA

Bailarines: Estela Alonso, Emilio DANZA

Carmona.

El Flamenco,surgido como manifestación de dolor de un pueblo por la aniquilación de su cultura, por la vida miserable de los campesinos sin tierra... en el Sur de España...y que encontró en sus cantos y sus danzas...Un camino de Libertad!

El Gospel, surgido como manifestación de los esclavos africanos, explotados y torturados...en el Sur de los U.S.A. ...y que encontraron en sus ritmos y sus cantos...

Un Camino de Libertad!

Casa de la Cultura José Saramago - 20 h Entrada: 10 € / Grupos: 8 €

06 JUEVES

SÁBADO

CASA DE LA CULTURA JOSÉ SARAMAGO Fantasía Oriental Pedro a través de la creatividad de las sombras y la poesía, la danza Antonio GArcíA PeinAdo VERTICAL de la luz y la magiaALBACETE de los abanicos.

Danza Beduina. Danza El-Hagalla / Danza Campesina. Danza Fallahi. / Danza Albacete Vertical pretende resaltar a través de su formato con un contrasteDanza de dos planos, la fuerza arquitectónica de la ciudad.

Bereber de Argelia.

Ceremonial / Danza Shamadan. / Danza “Shaabi”.

Un primer plano en vertical, nos sirve para centrar la mirada hacía el Danza de la tribufondo Al-Said. / Danza Oriental Clásica. Representación. / Danza de la calle, donde cobran protagonismo los edificios antiguos de gran Nubia. valor y belleza.

01 SÁBADO

JUEVES

el Magreb, para conocer DANZA

PRIMER PREMIO

CENTRO CULTURAL LA ASUNCION

18:00 H. LOCAS

Flamenco 20:00 H. & Gospel, un Camino de Libertad!

FLAMENCO &Coreógrafo: GOSPELEmilio Ochando.

En esta Travesía Árabe

20:00 H. a algunas viajaremos zonas de Oriente Medio y RIHLA ARABIA sus músicas y danzas más representativas.En “Rihla Arabía” par ticiparán catorce bailarinas de Albacete, junto con el bailarín egipcio Ehab Aly.

MAR

08 SÁBADO

10 20:00 H. TERESA DE JESÚS

Casa de la Cultura José Saramago - 20 h Entrada: 10 € / Grupos: 8 €

AUDITORIO MUNICIPAL

EA! TEATRO LUNES

Detrás de las letras está la historia, Teresa de Jesús, obediente y rebelde, lucha contra las injusticias, se opone a decisiones arbitrarias que fomentan la desigualdad en la sociedad.

Es una revolucionara de aquella época porque toma como base su fe y se enfrenta a todos los estamentos que entiende que se alejan de los principios de humanidad .

20:30 H. NOVIAZGO, CASAMIENTO Y DIVORCIO

CASA DE LA CULTURA JOSÉ SARAMAGO

TEATRO

Lunes 10.- TEATRO

SÁBADO

GUÍA 15 MARTES A JUEVES

18-20 18:00 H.

FESTIVAL DANZA ESPAÑOLA 2014 DANZA

AUDITORIO MUNICIPAL

09

12:00 H. PEZ ARCO IRIS INFANTIL

EA! TEATRO

15 Imagínatelo

SÁBADO Sábado 15.- INFANTIL

18:00 H. IMAGÍNATELO CON MAGIA

con magia

MAGIA

CASA DE LA Mago Ati CULTURA JOSÉ SARAMAGO Casa de la Cultura José Saramago - 18 h

19

MIÉRCOLES Entrada: 5 €

Sábado 1.- FESTIVAL

Día deH.Andalucía 21:00

Flamenco: Arachi de los duendes SILENCIOS Teatro: Atracción fatal ROTOS Chirigotas: Po Jon Baile Flamenco/ Bollywod: Escuela DANZA de Danza Ana Belén.

PopTEATRO Fleamenco: David y La Felipa Sevillanas: Madre de los Rocieros CIRCO Coro Rociero Guadalquivir Información y entradas: www.acalbacete.com

Casa de la Cultura José Saramago - 19 h

Entrada: 3 € , beneficios para ONG´s

TODA LA AGENDA CULTURAL EN ALBACETE ACTUALIZADA DIARIAMENTE

16

16

20

VIERNES

INFANTIL

FAMILIAR

NARRACIÓN ORAL

TEATRO

EA! TEATRO

TEATRO CIRCO

TEATRO CIRCO

VIERNES Y SÁBADO

22

PERFORMANCE

18:30 H. PINOCHO “EL GRAN MUSICAL”

21

JUEVES

21:00 H. HUMEDADES

20:30 H. LUCIENTES A BENEFICIO DE ASPAS

TEATRO DE LA PAZ

DOMINGO

23

DOMINGO

12:00 H. MICROTEATROS INFANTILES

19:00 H. LOS HIJOS DE KENNEDY

TEATRO

INFANTIL

TEATRO

EA! TEATRO

TEATRO CIRCO

EA! TEATRO

TEATRO CIRCO

27

28

SÁBADO

29

DOMINGO

18:00 H. MICROTEATROS INFANTILES

19:00 H. JULIO CÉSAR

MUSICAL

INFANTIL

TEATRO

EA! TEATRO

TEATRO CIRCO

21-22

20:30 H. EN TITIRILANDIA

Jueves 27.- DÍA MUNDIAL DEL TEATRO JUEVES

En el Café de Chinitas 20:00 H.

Teatro Cachivaches EN EL CAFÉ DE CHINITAS “En el Café de

SÁBADO

20:00 H. LAS COSAS QUE FALTAN

VIERNES

19:30 H. VIDA

Chinitas” es un

MUSICAL espectáculo, básica y fundamentalmente CASA DE LAmusical, pero no es solo eso. No es una CULTURA JOSÉ sucesión de canciones o números musicales sin más, que con ser lo SARAMAGO importante, no lo es todo.

TEATRO DE LA PAZ

HASTA 08

HASTA 30

LOLA, Limpiadora. (Soprano) ..... Loli Lorenzo RAFAEL, Acomodador. (Tenor) ...Juan José Rodríguez DE ENCARNA, Bailarina. (Soprano)...Mariana MellaMARZO ANGEL, Repertorista. (Piano) .....Melchor Guillomía EXPOSICIÓN Iluminación ...............José Luis Reino Escenografía ...............Juan Ballesteros Vestuario............Taller de indumentaria “Abuela Santa Ana” Coreografía .............Mariana Mella Diseño gráfico ............. Elena Oliver Fotografía ............. Manolo Podio.

Dirección musical ........... Melchor Guillomía Idea, dramaturgia y dirección de escena ......José María López Ariza

“ESCULTURAS/ DIBUJOS/PINTURAS 2002-2013” DE RUBÉN FUENTES FUERTES

CENTRO CULTURAL Casa de la Cultura José Saramago - 20 h LA Entrada: 10 € / Grupos: 8ASUNCION €

DEL 04 AL 21 AMAR EL CINE

EXPOSICIÓN CINE

CASA DE LA CULTURA JOSÉ SARAMAGO

06 JUEVES

20:00 H. ESTA TARDE CON...

“MONDO DJ” CHARLA

MUSEO MUNICIPAL

23

30

DEL 6 AL 31

DE ABRIL

DE MARZO

EXPOSICIÓN

EXPOSICIÓN

“QUIJADA, EL LEGADO”

EXPOSICIÓN DE CONCHI AGUILAR

MUSEO PROVINCIAL DE ALBACETE

CENTRO CULTURAL CCM

26 - 10 MAR

ABR

“GENTE GUAPA” EXPOSICIÓN PROYECTOS FINALES ALUMNOS ESCUELA DE ARTE

CASA DE LA CULTURA JOSE SARAMAGO

TEATRO

12:00 H. DE ARAÑAS Y MOSCAS

DOMINGO

27 JUEVES

20:00 H. ESTA TARDE CON... “ELISEO MARTÍNEZ ROIG” CHARLA

MUSEO MUNICIPAL

PINTURA -ESCULTURA

DOMINGO

23

OTRAS EXPOSICIONES

Cultural

HOQUETUS MAGAZINE I REVISTA CULTURAL I NÚM. 6 I MARZO 2014 I GUÍA CULTURAL