Hoquetus 7

Hécuba

NÚMERO 7 AÑO 2 ABRIL 2014

UNA MUJER EN UN MUNDO DE HOMBRES P. 10

Esteban Berlanga ENTREVISTA P. 12

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HOQUETUS MAGAZINE · REVISTA CULTURAL / DEPÓSITO LEGAL AB 364 – 2013

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Un Greco en El Bonillo R E P O R T A J E

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ProgramaciÓn cultural DE Albacete EN ABRIL: MÚsica, Teatro, Exposiciones, etc...

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MÚSICA I HOQUETUS MAGAZINE I REVISTA CULTURAL I NÚM. 7 I ABRIL 2014

penetró con fuerza en mi mente, pues en el momento en que salía de casa y no podía estar escuchando el álbum completo, el estribillo de aquella canción martilleaba mi cerebro sin cesar. De ahí a haberse convertido en una pieza clave en mi lista de temas particular hubo un escaso espacio de tiempo. Por supuesto, el álbum es muchísimo mas que una sola canción, y quizá para desgranarlo seguramente se acabarían los adjetivos, pero aún así lo voy a intentar.

Muchos son los mails que recibimos en la dirección de correo de hoquetus. Gran parte de ellos son para, simplemente, conversar electrónicamente sobre las distintas artes; contrastando datos, recibiendo recomendaciones o solicitándolas. Sin embargo, hay algunos que han sorprendido a quien suscribe por la cuestión que plantean. ¿Cómo empezaste en el universo musical en que se mueven tus gustos?, esa es la cuestión recurrente de muchos de vosotros. Hagamos memoria.

Corría el año 94, aquel en el que la mayoría de los jovenzuelos estábamos hechizados por el archiconocido “Dookie” de Green Day e incluso en mayor medida por “Smash” de The Offspring. Por supuesto, nos encontrábamos viviendo en una realidad que no dejaba de ser ficticia pues aunque el rock siempre había estado ahí, en aquellos momentos sonaba en prácticamente todas las emisoras de radio españolas. Este logro habría que agradecérselo en gran parte a los monstruosos “Use Your Illusion” de Guns n’ Roses y al demoledor “Nevermind” de Nirvana, los cuales en el año 91 habían copado los puestos mas altos de las listas para abrir el camino. Por supuesto, gracias a toda esta corriente, hubo muchos grupos – incluso españoles – que consiguieron hacerse un hueco en el mundillo del rock, tanto a nivel nacional como internacional (uf! Aquellos Héroes del silencio que ahora vienen a mi memoria…) Pero esa es otra historia.

El día en que me dijeron con esas palabras que todavía hoy retumban en mi cabeza “toma, escucha esto. El disco que cambiará tu vida”, yo no era conocedor de prácticamente nada relacionado con el blues. Blues del delta, blues eléctrico, blues/rock, blues de Chicago, parece mentira que dentro de una música tan específica pudieran darse tantas vertientes o etiquetas con que clasificar la música del diablo.

Reconozco que no necesité nada más que una escucha de aquel vinilo para comprender que estaba ante algo especial. Ese algo no sabía como definirlo, pero lo cierto y verdad es que mientras me encontraba en casa no paraba de hacer sonar aquellos surcos en el viejo tocadiscos dewald, una y otra vez; era una especie de adicción. Evidentemente para un neófito en el tema como yo, aquel tema singular llamado “Pride & Joy” fue lo primero que

En “Love Struck Baby” se encuentra la apertura perfecta para lo que se viene encima pues está interpretada de una manera tan determinante que cuando termina se escapa un suspiro de agotamiento. Continúa con la ya reseñada y estelar “Pride & Joy”. A continuación tenemos “Texas Flood”, la canción que da título al álbum y que está perfectamente estructurada para ser un referente, un clásico de esta época; mas tarde nos asalta “Tell Me” que quizá, siendo un tema grandioso, es la peor elección del álbum en lo que a ubicación se refiere. Tras ella es el turno de las instrumentales “Testify” del gran G. Clinton y “Rude Mood”, las cuales no dejan nada a la imaginación, es decir, esto es una guitarra, esto es mi banda y quiero ver cómo te mueves. “Mary Had a Little Lamb” es la elegancia y sensualidad del álbum y sirva como reseña para los anecdotarios que fue parte de la banda sonora de “Abierto hasta el amanecer”, “Dirty Pool” no se va por peteneras y nos introduce de lleno en un doloroso trance del que es imposible escapar, “I´m Crying” es la reencarnación de lo que debió ser la oración de María a los pies de la cruz hecha pieza musical, pues no he escuchado en mi vida algo tan doloroso y hermoso salido de una guitarra blusera. Por último nos encontramos con “Lenny”, la cual pone el punto sutil al álbum haciéndonos degustar el suave roce de las cuerdas de la guitarra.

Una vez realizada la necesaria disección de los temas una pregunta me atropella, de todo lo que he escrito ¿qué hace de este disco algo tan especial? Bien, si hiciésemos una encuesta con esta misma pregunta a todo aquel que haya tenido el privilegio de haber escuchado “Texas Flood” habría consenso en que su grandeza reside en el sentimiento. Sentimiento entendido de dos maneras, la primera es lo que transmite, hacia dónde transporta, cómo cambia al oyente mientras sus notas salen de los altavoces, cómo atropella, enardece o calma. La segunda (gracias a la cual existe la primera parte) es el sentimiento con el que está interpretado, tocado, producido, grabado, editado y todo lo que tenga que ver con él, es decir, hay algo mágico que supongo se da en contadas ocasiones durante el proceso de grabación de un disco cualquiera que si tienen la suerte de poder recogerlo es capaz de convertirlo en algo único, algo capaz de abrir las puertas a nuevos sonidos a los oyentes mas cerrados, algo capaz de perdurar en el tiempo … en definitiva algo capaz de cambiar tu vida.

Tx: Oscar Córcoles

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3-6 ABRIL

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BIRTH OF JOY HOQUETUS MAGAZINE I REVISTA CULTURAL I NÚM. 7 I ABRIL 2014 I MÚSICA

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R O C K O N T H E R O A D PA R A S O Ñ A R Hola Kevin, para presentar a la banda me gustaría que nos contases cómo es vuestro sonido.

Nuestro sonido es una combinación de la brutal energía que desprende Deep Purple en su directo “Made in Japan”, mi disco en directo favorito, combinada con la locura alucinante de The Doors y la rabia rompedora de Nirvana. ¡Guau!, ¿bajo qué estilo musical os sitúa eso?

Diría que hacemos un rock sucio de hammond con sabor a psicodelia (risas)

Llegados desde Holanda entregaban hace unos meses “Prisoner”, un álbum de sonido contundente que releva a su anterior descomunal obra “Life on Babalu”, un disco que nos sorprendió por estar cargado de actitud, aptitud y magia. Aquella necesaria para conectar con el oyente que a menudo se refugia en los clásicos del rock de los 70’s debido a que pocas novedades le hacen sentir de manera tan intensa como los discos de antaño. De la historia y el crecimiento de una banda que apunta maneras hablamos con Kevin Stunnenberg, vocalista y guitarra de Birth Of Joy.

En mi opinión sonáis a The Doors ó MC5, ¿qué puedes decirme sobre ello?

A todos nos gustan The Doors y MC5. The

Doors son maestros en la mezcla de grandes canciones poéticas con puro rock and roll. Te elevan a un estado de éxtasis. MC5 me hacen sonreír, hacen que me sienta bien y siempre consiguen que quiera subir al escenario inmediatamente.

Por último te contaré una anécdota; tras los conciertos, todos juntos, a menudo vemos Live at Pompeii. Disfrutamos enormemente al ver cómo toca junta toda la banda.

En vuestro sonido también se intuye a The Jimi Hendrix Experience, Led Zeppelin o Pink Floyd, ¿qué opinas de ellos?

¿Cómo os sentís cuando estáis de gira?

Jimi Hendrix Experience fue una gran inspiración para todos nosotros. Nos ayudó a descubrir cómo tratar el sonido y cómo usar el estudio como si de un instrumento más se tratase. La forma de tocar de Jimi nos enchufa a todos.

Led Zeppelin fue importante para nuestro batería Bob Hogenelst. La forma de tocar de John Bonham lo inspiró cuando era un niño.

¿Cuáles son vuestras influencias musicales?

La lista es eterna, así que te voy a dar lo más relevante: Jimi Hendrix, Kyuss, Tom Waits, The Doors, Queens of the Stone Age, Deep Purple, Dr. John, The Sonics, Pink Floyd, Robert Johnson, John Lee Hooker y el último y quizá el mas importante: Canned Heat.

Genial! Estamos conociendo a gente y bandas impresionantes, visitando ciudades donde nunca antes habíamos estado y... grandes fiestas! (risas). Nos encanta estar en la carretera viviendo nuestro sueño. ¿Interpretáis versiones de otros artistas en directo?

La mayoría de las veces no tocamos ninguna pero cuando lo hacemos, tocamos Backdoorman/five to one de The Doors. ¿Habéis tenido oportunidad de compartir escenario con algunas bandas de renombre?

Si, hemos compartido escenario con bandas históricas como ¡Blondie o The Animals!

¿Cómo decidisteis dedicaros profesionalmente a la música?

Lo cierto es que los tres comenzamos a tocar música cuando éramos niños. Supongo que todos nos lo tomamos muy en serio y no tuvimos miedo a intentar cumplir grandes sueños. Cada uno de nosotros tiene diferentes raíces musicales pero aun así las mismas visiones. Esto nos convierte en un buen equipo. Para mí la música es la única cosa firme a lo que hoy día puedo agarrarme cuando pienso en mi inestable infancia.

Bueno Kevin, para terminar me gustaría que nos contases de dónde viene el nombre de vuestra banda, pues me encanta.

Birth of Joy es como llamaba a mi diario.

Algo muy preciado para mí que se convirtió en una búsqueda para redefinir el placer y la alegría. Lo necesitaba constantemente, pues sumergirme en él era necesario debido a la falta de alegría y felicidad en una época oscura y rota. Hoy día se ha convertido en algo distinto; simplemente somos tres tíos a los que nos gusta evadirnos tocando rock and roll y así olvidarnos de todas las cosas estúpidas que nos limitan.

Gracias por tu tiempo y que os vaya bonito Tx: Óscar Córcoles

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Pink Martini

“Sympathique”: Toneladas de clase reconocida Ha llegado el momento de hablar sobre el álbum de debut de la banda/orquesta de Oregón, Pink Martini. Soy consciente de que no se trata de un disco que tenga que ver demasiado con lo que hemos ido publicando en estos meses pero, ¿qué diablos?, esto es un magazine ecléctico donde escribimos de las formas de arte que nos cautivan y, creedme, “Sympathique” no solo me gusta sino que entre los años 1.998 - 2.001 se convirtió en una obsesión.

Mis primeros recuerdos sobre esta maravilla, gracias a un programa de radio 3 en el que pincharon algunos temas contenidos en “Sympathique”, son sobre el asombro que causó en mí constatar que aquellos sonidos alejados del rock and roll me hacían sentir de manera singular. Porque sí, es lo más alejado al rock and roll que os podáis imaginar. En el álbum desfila el jazz cubano, los bole-

ros, el pop francés, la música clásica y aquello que se ha dado en llamar latin. La sensación que desprende cada escucha es una combinación de ser espectador en el teatro ideado por David Lynch en “Mulholland Drive” combinado con la asistencia a un musical de Broadway a finales de los años 40’s.

Los temas son interpretados en inglés, francés, griego, japonés o castellano, según sea necesario y la banda es multitudinaria por necesidad (2 vocalistas, 1 trompeta, 1 trombón, 1 violín, 1 cello, 1 bajo, 1 guitarra, 1 harpa, 4 percusionistas y 1 piano). Además, las canciones son extremadamente conocidas en su mayoría, ya que se trata de un disco de versiones casi en su totalidad.

Escuchamos tonadas del mundo del celuloide como “Qué será, será” la cual popularizó Doris Day en “El Hombre que Sabía Demasiado”, “Amado Mio” de la estupenda “Gilda”, “Song of the Black Lizard” de “Lagarto Ne-

gro” o “Los Niños de El Pireo” de “Nunca es Domingo”. A parte, redescubre un tema icónico de la música brasileña “Aquarela do Brasil” que es rebautizada como “Brazil”, “La Soledad” la cual es una pieza sublime iniciada con una intro de alguno de los conciertos para piano de Chopin y arreglada por el alma mater de la banda Thomas Lauderdale, o la nunca suficientemente ensalzada “Andalucía” del maestro Lecuona. Por último, destacar las agallas que son necesarias para incluir en un mismo álbum el “Bolero” de Ravel y “¿Dónde estás Yolanda?” consiguiendo, además, que la acción quede perfecta.

Simplemente añadiré que en el año 2.001 estuvieron de gira por España con motivo de la presentación del disco y tuve la oportunidad de asistir desde la tercera butaca de la sexta fila, en una sala de cámara junto a otras cincuenta personas a lo sumo, a uno de los espectáculos más fantásticos que se puedan ver sobre las tablas de un escenario. La voz de China Forbes (Pepe Raphael no asistió) y la calidad de los músicos, todos ellos formados en clásica, ya vaticinaban lo que ocurriría tiempo después. Más de un millón trescientas mil copias vendidas de “Sympathique”, una carrera tan sólida como gratificante y la capilarización de sus temas en todo tipo de películas (Señor y señora Smith), series (Los Soprano), anuncios de televisión (Citröen) y programas de ordenador (Windows).

Aparcad las dudas y dedicad cincuenta y tres minutos de vuestra larga vida a descubrir que esas otras músicas también están hechas para vosotros.

Tx: Oscar Córcoles

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Victoria WILLIAMS

“LA VOZ QUE SE APAGA” Por David Rodríguez

Probablemente, la mayor parte de los que leáis este artículo y rondéis los cuarenta (como un servidor) habréis entrado en contacto con la música de Victoria Williams de modo indirecto, quizás a través del programa “De 4 a 3” que Paco Pérez Brian tenía en Radio 3 a principios de los noventa y casi con toda seguridad, a través de la sobrecogedora versión que Pearl Jam interpretó de su tema más conocido, “Crazy Mary”.

Hasta ese momento, Victoria era una semidesconocida cantautora nacida en Shreveport (Lousiana) en 1958, cuya carrera había comenzado en 1986 junto a su marido por aquel entonces, Peter Case, y que había grabado dos interesantes discos, Happy come home (1987) y Swing the statue (1990) repletos de buenas canciones que hablaban de temas cotidianos, del Sur, de la naturaleza y de la vida en general.

Pero en 1992, ejerciendo de telonera de Neil Young, comenzó a sufrir un hormigueo en las manos que acabaría desembocando en una enfermedad degenerativa sin cura: La esclerosis múltiple. Como muchos otros músicos americanos vivía al día y sin seguro médico que cubriese el costoso tratamiento, así pues su manager puso en marcha un álbum benéfico llamado “Sweet Relief: A benefit for Victoria Williams” donde artistas del prestigio de Lucinda Williams, Lou Reed, Soul Asylum, Pearl Jam, Matthew Sweet, The Jayhawks, Maria McKee, The Waterboys, Giant Sand, Buffalo Tom o Michelle Shocked versionarían temas de los dos discos mencionados. Paralelamente al disco se creó la Sweet Relief Musicians Fundation, una organización cuyo objetivo sería ayudar a músicos profesionales necesitados de atención médica. Propiciado por la organización, un segundo volumen de versiones, en este caso del malogrado Vic Chesnutt, denominado “Sweet Relief II: Gravity of the situation”, contaría con las colaboraciones de REM, Madonna, The Smashing Pumpkins, Garbage, Live y la propia Victoria Williams.

Ese disco benéfico es el que realmente la situó en el mapa musical avisándonos de su indiscutible talento. La característica más destacada de Victoria es su voz aniñada, que oscila entre la caricia y el graznido, la suavidad y la estridencia. Una voz que amas u odias; no hay término medio. Y su música es una personal amalgama de pop, country, folk, blues, jazz, rock y góspel.

Fuera ya de Geffen Records, donde grabó sus dos primeros discos, ficharía por Mammoth Records con quienes publicaría, probablemente, el mejor disco de su carrera, su obra cumbre, y uno de los discos más bellos y conmovedores de los noventa: “Loose”. Siguiendo con la tónica del álbum-homenaje y gracias a su dulce carácter, que le había permitido granjearse valiosas amistades, consiguió que participasen en su nuevo trabajo invitados de relumbrón tales como Van Dyke Parks, Mike Mills y Peter Buck (REM), Gary Louris y Mark Olson (Jayhawks), el prestigioso Greg Leisz o Dave Pirner (Soul Asylum). El disco se mueve con naturalidad entre diversos estilos y la voz de Victoria Williams se adapta a todos ellos, de un modo sorprendentemente coherente.

El álbum comienza con un tema pop de ensueño como “Century plant” para, a continuación, enlazar con la bluesy “You’re loved”, primorosamente adornada por la sección de vientos de los Tower of Power. La jazzística “Harry went to heaven” da paso a uno de los himnos de los fructíferos noventa, y, con toda seguridad, su mejor canción, “Crazy Mary”, que trata la historia de una mujer sin hogar destrozada por el alcohol vista desde los ojos de un niño, con una sección de cuerda que acentúa el dramatismo del tema. “When we sing together”, a duo con Mark Olson, podría pertenecer perfectamente a uno de los discos en solitario del co-líder de los Jayhawks. Un tema con cierto aire retro, “Polish those shoes”, que trata sobre los recuerdos de la infancia, da paso a otro de los momentos álgidos del álbum, la deslumbrante y optimista “Love”.

La cuota de versiones en este trabajo viene dada por la adaptación del conocido standard “What a wonderful world” y, sobre todo, por una escalofriante “Nature’s way”, el clásico de Spirit, a dúo con Dave Pirner, que repetirá en la íntima y sosegada “My Ally”. Entre medias nos encontramos con la frágil y cristalina “Waterfall”, la juguetona “Sunshine Country” y la extraña “Happy to have known pappy” con aires de ragtime. La recta final del disco es para la psicodélica “Hitchhiker’s smile”, la emotiva y con cierto sabor soul, “Get away” y la relajada y reconfortante “Psalms” (compuesta, curiosamente, por Don Heffington, batería de Jayhawks en su magistral “Tomorrow the green grass”).

A partir de ese álbum, Victoria, a pesar de las evidentes limitaciones que conlleva su enfermedad, disfrutará de unos años fructíferos donde compatibiliza sus álbumes en solitario con la participación en los discos de su marido, Mark Olson & the Creekdippers. Así, en 1995, publicará el único álbum en directo de su discografía, “This moment in Toronto”, que refleja con fidelidad la gira de presentación de “Loose”. En 1997, le tocará el turno al oscuro “Musings from a creekdipper” y en el año 2000, al delicioso “Water to drink”, que alterna composiciones propias con algunos standars de jazz. Si la idea de hacer un álbum de versiones sobrevolaba en su trabajo anterior, es con “Sings some ol’ songs” (2002) donde lo lleva a cabo de forma definitiva, interpretando con mucho estilo y dándole su toque personal a clásicos como Moon river, My funny valentine, Over the rainbow o As time goes by.

Desde su álbum de versiones, pocas noticias hemos tenido de ella, o cuanto menos positivas. A finales de 2009 la tuvimos de gira acústica por España con Simone White ejerciendo de telonera y ¡ay! de ocasional enfermera. Y es que durante ese tour demostró un más que evidente deterioro en el desarrollo de su enfermedad que le limita ostensiblemente a la hora de cantar (su voz era ya en esos momentos pura estridencia) o tocar su preciado banjo. Rodeada de ventiladores y con una toalla húmeda permanentemente alrededor del cuello, Victoria dio, en mi presencia, un concierto terriblemente inconsistente. Me dolió mucho verla en ese estado y, sobre todo, no puedo olvidar su imagen dirigiéndose escaleras abajo hacia el camerino, apoyada en Simone White y caminando con muchas dificultades. Supongo que ella misma se debió dar cuenta que los tiempos de hacer giras se habían acabado.

Ese mismo año 2009 se publicó que estaba grabando un nuevo disco bajo la producción de Isobel Campbell (ex-vocalista de Belle & Sebastian), pero la realidad es que, por ahora, eso no ha sucedido o por lo menos no hay noticias de una inminente publicación, y puede que jamás suceda, porque desgraciadamente, en estos cinco años su estado tiene que haber empeorado. Y la verdad, es una pena porque este calamitoso mundo actual en el que vivimos necesita de discos vitalistas como los de Victoria Williams.

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Discos a tener en cuenta The Double Cross Sloan POWER POP

2011 EMI

Dos décadas después de su nacimiento el grupo canadiense nos entregaba su décimo álbum de estudio. En “The Double Cross”, título elegido para la ocasión, la música que encontramos suena fresca y directa. En poco más de treinta minutos les da tiempo a descargar doce canciones de un gran calibre. Abre el disco “Follow The Leader”, toda una declaración de intenciones en cuanto al sonido pop guitarrero y lo directo de su mensaje. Continúa “The Answer Was You” fundiéndose su principio con

2120 South Michigan Avenue George Thorogood BLUES

Blues eléctrico con altos decibelios y mucha actitud es lo que nos ofreció George Thorogood en su último trabajo de estudio, hasta la fecha, “2120 South Michigan Avenue”. Este es

el final de la anterior y rebajando un punto la velocidad del álbum hasta llevarnos a “Unkind” un medio tiempo con sabor a hit radiofónico.

En “Shadow Of Love” y “She’s Slowing Down Again” la sensación beatleliana rebosa por los cuatro costados y hace de éste el mejor pasaje del álbum. “Green Gardens, Cold Montreal” es un ejercicio de acústicas en forma de balada que contrasta enormemente con la siguiente pieza “Its Plain To See”, el tema mas inmediato de los doce cortes junto con “I’ve Gotta Know”.

En cuanto a “Your Daddy Will Do” comentar que se trata de una canción fuera de lugar que no termina de encontrar su espacio vital en el disco. Dentro de la elección de los singles, “Beverly Terrace” debería ser obligatoria pues en ella se resumen perfectamente todas las tonalidades que conforman el cuadro de Sloan; sencillamente pletórica. El penúltimo corte lo reservan para “Traces”, la cual cuenta con el sonido más psicodélico de todas las grabaciones y se convierte en antesala del cierre final “Laying So Low”, balada clásica más que correcta.

La aportación fundamental de Sloan al mundo del pop es la calidad de cada trabajo entregado, las ganas en cada pieza interpretada y las luces arrojadas sobre aquellas sombras que a menudo se ciernen en un estilo musical tan vilipendiado como este.

su particular homenaje a los estudios chess, pues esa era la dirección donde se encontraban situados en la ciudad de Chicago, y parte de las grandes piezas que allí se recogieron.

Se presta a versionar temas esenciales del mundo bluesy conocidos para el gran público en mayor o menor medida. Sucesivamente van desfilando ante nuestros oídos “Spoonful”, “Two Trains Runs”, “Mama Talk to Your Daughter” o “My Babe” y en todas ellas se da un denominador común, el tratamiento clásico que otorga el viejo Thorogood a cada pieza, mostrando así su respeto hacia el género y los autores originales. En algunas otras como “Let It Rock” o “Seventh Son” la cabra tira al monte y George desata su arsenal rock and roll que es donde siempre se sintió mas cómodo. En total son trece temas que dejarán un gran sabor de boca para los amantes del estilo y rock and rollers clásicos. Este tipo de entregas son siempre bienvenidas ya que nunca está de más pinchar un buen disco de blues.

Backroads To Byzantium Glyder HARD ROCK 2011 SteamhammeR

Cuarta entrega de los irlandeses Glyder o primera de su versión 2.0, según se mire.

Tras el que hasta la fecha es su mejor trabajo, “Yesterday, Today & Tomorrow” (2010),

Esencialmente, nos encontramos ante uno de los trabajos más bellos de aquel año (en dura pugna con el “Fear fun” de Father John Misty) con una producción cuidada, clásica y añeja, que logra dotar del sonido adecuado a una colección romántica y juguetona de composiciones pop y baladas aterciopeladas, pero que en ningún momento caen en la copia barata o en un ejercicio de estilo hueco, ni intenta rememorar de modo aséptico tiempos pasados.

2012 UNIVERSAL

2011 Yep Roc

TX: Óscar Córcoles

PRAY TO BE FREE JAMES LEVY AND THE BLOOD RED ROSE POP

Llegando al final del que fuese un prolífico año 2012 en lo musical y en el que, debido a la gran cantidad y calidad de los trabajos editados, siempre quedaba algún disco agazapado que descubres tardíamente o por casualidad. En mi caso, fue el debut de James Levy and the Blood Red Rose, “Pray to be free”.

El tal Levy no es un recién llegado a este mundillo. Nacido en Vermont, trabajó durante un tiempo en un cementerio judío, hasta que decidió trasladarse a New York para dedicarse a la música y donde se ha codeado con gente como los Strokes o Regina Spektor… liderando a su propio grupo, LEVY. Pero el verdadero y ambicioso objetivo de James era crear un gran disco de pop a dúo, al estilo de los que en la década de los sesenta hicieron famosas parejas artísticas como Lee Hazlewood-Nancy Sinatra, Serge Gainsbourg-Jane Birkin, o más recientemente, Nick Cave-Kylie Minogue y Mark Lanegan-Isobel Campbell, y a buena fe que lo ha conseguido. El caso es que, componiendo para el dúo folk The Pierces, descubrió en la voz de una de las hermanas – Allison - el contrapunto perfecto para la suya. Así que la convenció para recrear este tipo de canciones, consiguiendo un perfecto enlazado de sus voces; la dulce de Allison y la grave de barítono de James.

Además, Allison tuvo un papel primordial en la elaboración del álbum, ya que le presentó a Levy a Guy Berryman, bajista de los insípidos Coldplay, que encantado con los temas que James y Allison habían grabado en un sótano, se ofreció a producirles un disco.

el grupo sufrió cambios de consideración y para esta nueva aventura alistaron a Des McEvoy en la batería, Graham McClatchie en el bajo y Jackie Robinson como vocalista. Este último es la sustitución mas acusada ya que no conozco banda alguna que salga indemne del disco de presentación del nuevo frontman. Después, el tiempo se encargará de dictar sentencia. Las voces de Tony Cullen y Jackie Robinson no comparten los mismos matices, eso es evidente, pero también lo es que Robinson es bueno en su registro y por eso estoy convencido de que no defraudará a nadie.

De hecho, “Backroads To Byzantium” suena sólido

Publicado por el sello discográfico Heavenly Recordings (Edwyn Collins, The Magic Numbers, Saint Etienne, etc), el álbum contiene una serie de temas de sonido aparentemente inocente, al más puro estilo de las grabaciones de la década de los cincuenta y sesenta, pero que esconden una letras turbias donde se mezclan sentimientos como el amor, la muerte, la seducción, la oscuridad, la esperanza o las relaciones prohibidas. Todo ello rodeado de un hálito morboso y decadente, donde a priori James ejerce de seductor experimentado mientras que Allison encarna, supuestamente, de una forma candorosa e inocente, a una versión actualizada del inolvidable personaje de Gainsbourg, Melody Nelson.

Destacar alguna canción del disco se antoja harto complicado porque la mayoría son excelentes y conforman una especie de unidad. A lo largo del trabajo nos encontramos con temas que van desde el pop elegante y sofisticado, a la par que sombrío (“Sneak into my room”, “Give me happiness”, “Keep my baby”, “Positively East Broadway”), el inspirado country de “Cryin’ to the river”, “Cry myself to sleep” (éstas dos con un absoluto protagonismo de Allison a la voz) o “Hung to dry”, aires al Johnny Cash de los American Recordings (“Holy water”), un tema con ritmo afrancesado, un más que evidente homenaje a Gainsbourg (“Precious age of 13” cantada curiosamente en hebreo) o composiciones tristes y desoladoras (“Pray to be free”, “Bums in love”, “Cold cold ground”).

Ignoro que nos deparará en el futuro esta peculiar pareja; si el proyecto tendrá continuidad o simplemente se reducirá a un solo disco, pero lo que es indudable es que grabaron uno de los álbumes más destacados del año 2012.

Tx: David Rodríguez

en cuanto a instrumentación y la voz es absorbida dentro del conjunto de manera natural. En general se trata de un álbum de hard rock metálico en el que las canciones que lo componen se mueven entre golpes rockeros de calidad y baladas atípicas, “Motions Of Time”. Como presentación de los nuevos Glyder, es buena piedra de toque y “Even If Don’t Know Where I’m Gonna Go” o “End Of The Line” trazan una línea que no deberían abandonar pues se atisba que podrían encontrarse cerca de su gran momento.

“Nosotros te damos nuestra opinión. Tú formas la tuya”

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F I L M

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A S G H A R

El pasado

F A R H A D I

El próximo 16 de Abril llega a las salas españolas la última película del magnífico director Asghar Farhadi. Éste, tras la consecución del Oscar a la mejor película de habla no inglesa en 2011 por “Nader y Simin”, tiene la difícil tarea de igualar la calidad de dicha obra con su nuevo proyecto.

Para la ocasión ha contado con la estupenda actriz franco-argentina Bérénice Bejo, aclamada por su papel de Peppy Miller en “The Artist” (2011), trabajo que le consiguió la nominación al Oscar y al Globo de Oro como mejor actriz de reparto. No en vano, su actuación en la nueva entrega de Farhadi ha sido premiada con el premio a la mejor actriz en el pasado festival de Cannes. El reparto cuenta también con Tahar Rahim, actor francés de origen argelino, quien despuntase en 2009 bajo la dirección del cineasta francés Jacques Audiard en “Un profeta”, interpretación que trajo consigo los premios Cesar al mejor actor y mejor actor revelación del año en la edición de 2010. Por último, y supongo que para sentirse acompañado, ha repetido con Babak Karimi, quien estuviese junto al director iraní en la galardonada “Nader y Simin”. En definitiva, un elenco de actores que elevan la calidad de un fantástico guión debido a su excelso nivel interpretativo.

El film, un melodrama familiar, es una nueva muestra del arte que atesora Farghadi. Una estampa de cine intelectual que juega con los sentimientos del espectador para hacerle reflexionar. Retratos de la vida que son encuadrados de manera sobrecogedora donde nos presenta a los personajes de forma exquisita y en donde la realización, maravillosa de nuevo, juega un papel fundamental. De momento, los globos de oro, Cannes, París y sus Cesar, o Gijón se han rendido ante la cinta premiándola con distintas nominaciones.

Para terminar, una reflexión un tanto vaga, si comparamos “Nader y Simin” con “El Pasado” comprobaremos que ésta última resulta algo mas árida, menos rotunda. Sin embargo, si tomamos la cinta como lo que es, un proyecto sin más, comprenderemos que nos encontramos ante una expresión de sencillez hasta la que llegaremos tras construir una base de complejidad bien elaborada.

Sin más, brindo por la suerte de poder vivir la experiencia de una nueva obra del que es uno de los directores mas apasionantes del momento.

Tx: J.C.M.

Cinedesalón HOQUETUS MAGAZINE I REVISTA CULTURAL I NÚM. 7 I ABRIL 2014 I CINE

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TX: J.C.M.

1.- Rounders (1998) John Dahl

Películas interpretadas por actores en su apogeo hay muchas. Si esos actores, además, han convencido a toda una generación, la cosa promete. Bien, esta es la ecuación de Rounders. Una cinta con dos soberbios papeles que dejaban entrever dónde llegarían Edward Norton y Matt Damon. De todas formas, el elenco es más amplio todavía, de tal manera que John Turturro, John Malkovich o Martin Landau desfilan por la pantalla.

La trama, como de costumbre, no se desvelará. Pero el género sí. De eso podemos hablar un rato. Se trata de cine negro, pero no de aquel copado por gangsters y mafia, no. El juego es el protagonista, las cartas y, en concreto, el poker reinan en el argumento. Desde luego John Dahl (director de algunos capítulos de series como Arrow, Crónicas Vampíricas, True Blood o Dexter) consiguió traer de vuelta las sensaciones del cine clásico, pues la rotundidad del rodaje de las partidas clandestinas, así como los diálogos absorbentes, dieron lugar a una cadencia visual que pocas veces, desde la aparición del color, acostumbra a visitarnos.

2.- Black Hawk Derribado (2001) Ridley Scott Las películas bélicas son para un público concreto, qué duda cabe.

Cada género anhela convertirse en un “para todos los públicos” desde el momento de su creación, sin embargo en muy pocos casos se consigue tal tarea.

La cinta que Ridley Scott entregara hace mas de una década buscó llegar de modo directo no sólo a los amantes del cine bélico, sino a todos aquellos que componen el cine de acción.

De hecho, el film está rodado de manera trepidante desde su inicio, e incluso se permite prescindir de determinada carga dramática que suele ser necesaria para el calado de las películas bélicas. Posiblemente sea uno de los ejercicios de “cinerealidad” mas conseguidos en torno a la gerra que se haya rodado nunca y, si para el espectador la

acción de ver cine se concentra en ser golpeado por sensaciones, Black Hawk Derribado no le defraudará.

tes, guiones magníficos y un sinfín de adjetivos más, encajan con el cine argentino.

La guerra, cualquiera que sea, es deleznable. En esta película, sentiremos que es angustiosa.

Para ser honesto, no necesito más que una película rodada como tienen costumbre por aquellas latitudes para ser feliz ante la gran pantalla. Rodajes lentos, historias cotidianas que se tornan lentas y un ápice de humor que despunta en los momentos más dramáticos. Insisto, para mí, la ecuación perfecta.

3.- Nueve reinas (2000) Fabián Bielinsky Argentina es una de las naciones que, a mi gusto, mejor cine realiza en los últimos años. Películas frescas, actores solven-

El caso de “Nueve reinas” es distinto. Se trata de una película con trama de estafadores, donde el rodaje es más vivo de lo que se acostumbra y el guión, sencillamente genial. La interpretación de Ricardo Darín, majestuosa y su acompañante – Gastón Pauls – muy interesante. Por cierto, no se pierdan a los actores de la vieja guardia, no cabe posibilidad de mejorar cada uno de sus personajes.

4.- Platoon (1986) Oliver Stone Vietnam es, sin duda, el centro del universo bélico. Es evidente que se han trabajado muchas y muy distintas películas con el trasfondo de ese conflicto. Del mismo modo queda patente que no todas las ideas corrieron la misma suerte.

Cuando Oliver Stone se puso tras la cámara, todavía no era consciente de lo que estaba a punto de alcanzar. El reconocimiento mundial y de la industria (galardonada con 4 Oscars) por un film que traspasa los corazones de los espectadores. El director norteamericano mostró las vergüenzas de un ejército – del que él mismo había formado parte – que enfermaba a causa de las luchas internas por el poder.

Platoon es una de esas películas que no olvidas jamás. Una grabación que enaltece para siempre el noble arte de la interpretación, y si no lo creen, fijaos en las carreras de Tom Berenger y Willem Dafoe, quienes desde entonces pocas alegrías han concedido y, sin embargo, se les sigue respetando por lo que mostraron en el lejano año 1986.

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TEATRO I HOQUETUS MAGAZINE I REVISTA CULTURAL I NÚM. 7 I ABRIL 2014

Una mujer en un mundo de hombres Como ya anunciaba a los lectores en la edición anterior, el Teatro Circo de Albacete, durante estos meses de marzo y abril, tiene el privilegio de recrear sobre su escenario dos de las producciones preparadas exprofeso para el Festival de Teatro Clásico de Mérida, de la edición pasada.

Si ya “Julio César” dejara profunda huella entre los amantes del teatro, los espectadores no deberían perderse “Hécuba”, en esta versión de Juan Mayorga.

y tecnológicamente, pero seguimos siendo los mismos seres humanos de hace miles de años, con idénticos problemas, parecido pensamiento y las mismas necesidades y aspiraciones, a pesar de nuestra moderna tecnología, la sofisticación en el vestir o la manera de vivir cómodamente en construcciones sólidas y aclimatadas. El ser humano nunca cambia y, da igual la época de que se trate, el tiempo se ocupa de conservar en su carácter los mismos defectos e idénticas virtudes.

Hablar del personaje de Hécuba sobrecoge el corazón, al menos es la agria sensación que a mí me produce como mujer y como madre. Su representación, aunque conocido el argumento por ser una de las grandes tragedias de Eurípides, provoca escalofríos en su desarrollo al tomar conciencia el espectador de la debilidad y la incapacidad que tenemos las personas de conocer dónde se sitúan nuestros propios límites. Como ser humano, incluso llego a tener sentimientos de odio hacia mi propia especie, aun tratándose de un mundo de dioses; y como mujer, me resquebraja el corazón que se arrebate a una madre la vida de sus propios hijos.

Según la mitología griega, Hécuba fue la segunda mujer de Príamo, Rey de Troya, con tal capacidad para la procreación que el soberano tuvo una prolija descendencia. Pero tras la Guerra de Troya, los vencedores griegos convierten a Hécuba en esclava, junto al resto de troyanas capturadas.

La obra narra los sentimientos de esta mujer que pasa de reina a sirviente, de la ternura a la aberración, del amor a sus hijos al odio encarnizado a sus enemigos. Hécuba es el símil de la discriminación de la mujer en un mundo de hombres, de la ambición de riqueza y poder de los hombres, capaces de traicionar sus más fieles relaciones para alcanzarlos. Hécuba es la representación de la venganza impulsada por los sentimientos viscerales hacia los que le arrebatan una parte fundamental de su propio ser, al perder la reina esclava, en un entramado de poder, venganza y sacrificios, a sus hijos Políxena y Polidoro.

En contraste con la obra “Julio César”, representada a finales de marzo en el Teatro Circo, “Hécuba” es la historia de una mujer en un mundo de hombres. El sufrimiento escenificado con magistral interpretación por los actores acaricia de tal modo nuestra piel que provoca ansias de venganza, pero la ternura y la pasión del amor de madre consiguen transformar nuestros sentimientos más bajos en la necesidad de compartir con Hécuba su dolor.

Lo que más me impresiona siempre de las adaptaciones teatrales de textos clásicos es que su argumento ha prevalecido inalterable en el tiempo hasta llegar a nosotros con la misma frescura de cualquier drama contemporáneo. Resulta sorprendente el paralelismo que existe entre la vida antigua y la más rabiosa actualidad, que nos llega cada día por cualquier medio informativo. Hemos evolucionado mucho social, cultural

No hay comparación posible entre el papel de Hécuba interpretado por Concha Velasco y su autobiografía contada en “Yo lo que quiero es bailar”. Creo que Concha Velasco se ha enfrentado, junto a los otros diez actores que la acompañan sobre el escenario, a un difícil reto en esta tragedia basada en un episodio del “Ciclo Troyano”, donde lo único que se necesita para narrar la historia es “interpretar”. Y es precisamente la interpretación la gran esencia del teatro. ¡No se la pierdan!

Sonia de la Banda Ledrado Directora Gerente de Cultural Albacete

La Copla Negra HOQUETUS MAGAZINE I REVISTA CULTURAL I NÚM. 7 I ABRIL 2014 I TEATRO

El próximo 10 de Abril se estrena en Albacete “La copla negra”, nuevo proyecto de la compañía, afincada en Madrid, Chirigóticas. La obra, escrita y dirigida por Antonio Álamo, cuenta con el reparto de Alejandra López, Ana López Segovia y Teresa Quintero. En cuanto a la sinopsis podemos adelantar que “José Luis reabre las puertas de “La Copla Negra”, lugar que ofrece a sus clientes, además de las actuaciones, la posibilidad de relajarse unos minutos con alguna de las artistas: la Olvido, la Manuela y la Chana. En esta aventura le acompaña su mujer, Mari Carmen, enamorada hasta los tuétanos de ese hombre embustero, miserable y encantador a partes iguales…”

E L

H U M O R

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El nuevo experimento de “Chirigóticas” se llama “La Copla Negra”, y hablo intencionadamente de experimento, porque ese afán –el de recorrer territorios no transitados-- está en el germen mismo de la compañía. Uno de los secretos de la buena recepción de nuestras obras ha sido la de presentar una visión inédita en torno a temáticas específicamente femeninas.

Nos apoderamos, como comentaba un crítico, de palabras y expresiones que han funcionado siempre bien en boca de los hombres, pero que la mujer guardaba para su intimidad.

Poner en cuestión la misma noción de género y, por supuesto, adentrarnos sin recato en la descripción de las imposiciones masculino sobre lo femenino ha sido otra de nuestras constantes, ofreciendo una subjetividad alternativa a la hegemónica y propagando sentidos inversos a los consagrados por el status quo patriarcal. En este nuevo proyecto de la compañía he concebido una propuesta dramatúrgica en la que los límites entre actor/actriz se diluyen con la intención expresa de subvertir los roles de género o, al menos, poderlos contemplar desde un lugar inédito. En esta ocasión no he partido de unas letras y una música preexistentes sino que estas han sido creadas al hilo del texto dramático.

Para ello he contado con el maestro Mariano Marín, que además de ser el músico de varias de las películas de Alejandro Amenábar, como “Tésis” o “Abre los ojos”, también es un especialista en la creación de atmósferas

S U P E R V I V I V E N T E sonoras y en la creación de coplas y tonadas populares; con las siempre excepcionales letras de Ana López Segovia y con la generosidad y el talento –tal vez ambos términos sean sinónimos— de las actrices. En “La Copla Negra” hay comedia, por supuesto. Aunque no es un humor cualquiera: es un humor sin recato, que va directo a las preocupaciones más elementales... Es el humor del superviviente. Un humor un tanto despiadado, impío. Pero en la “La Copla Negra” también drama, tragedia y hasta un amor de ultratumba. Una vez más nos movemos en el filo de la navaja, entre lo que se puede y no se puede decir, entre lo aceptable y lo inaceptable. Se trata de un lenguaje que carece de pudor alguno; no es apto para remilgados ni cursis, que diría Quiñones. Ahondamos en líricas antiguas para construir nuestra historia y sus personajes, que no viven en el pasado sino en el presente. Hombres muy hombres, muy canallas, y mujeres hechas para ellos. Corín Tellado, pero a lo bestia. Esta obra tiene algo de venganza, algo de exorcismo, algo de ex abrupto. Por ello nos permitimos ciertas licencias, como la de diluir los límites entre la fiera y la presa. ¿No es el teatro aquel lugar donde uno puede hacer lo incorrecto sin ser censurado por ello?. “La Copla Negra” es una comedia cantada y una tragedia hablada que, como no puede ser de otra manera, situamos en el sur del sur: Cádiz.

Tx: Antonio Álamo

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DANZA I HOQUETUS MAGAZINE I REVISTA CULTURAL I NÚM. 7 I ABRIL 2014

Gala de la Asociación de Profesionales de la Danza Llevamos un año esperando. Por fin, este mes de Abril tendrá lugar, una vez mas, la Gala de la Asociación de Profesionales de la Danza y van ya… “desde finales de los 90, cuando se fundó la asociación, pues fue de lo primero que hicimos” comenta Mariví Munera, vicepresidenta de la Asociación de Profesionales de la Danza, quien recuerda que la primera edición tuvo como objetivo la puesta de largo de la asociación. Y es que este encuentro es una fecha marcada en rojo dentro de los calendarios que sirven a los amantes del arte, pues el día internacional de la danza es también la fecha que conmemora el nacimiento de Jean – Georges Noverre, en palabras del dramaturgo británico David Garrick, “el Shakespeare de la danza”. Fecha declarada por la UNESCO, ésta elige anualmente a una figura representativa – coreógrafos, bailarines, historiadores, etc - de dicho arte, quien lee un mensaje internacional que es reproducido en todos aquellos encuentros que tienen como fin celebrar tan señalado día.

Esteban Berlanga “EL HOMENAJE SE LO DEDICO A MI FAMILIA” Hola Esteban, estos días te encuentras ensayando en Londres, ¿en qué estás trabajando?

En estos momentos estoy trabajando con English National Ballet como artista invitado, bailando con Tamara Rojo. Es de cara al nuevo programa que abren para las fechas 2 al 12 de Abril. Se trata de un programa mixto con cuatro piezas diferentes relacionadas - todas - con la guerra, siendo tres de ellas completamente nuevas.

Estrenos absolutos. En concreto estoy en una de las cuatro, la de Liam Scarlett. ¡Vaya!, ahora como invitado, pero tengo entendido que fuiste parte del English National Ballet durante bastante tiempo y compartiste muchos momentos con Tamara Rojo, ¿cómo fue esa aventura?

En el English National Ballet estuve siete años, sin embargo con Tamara sólo coincidí en su primer año como directora, que fue mi último año allí, pues al finalizar ese período de tiempo volví a España para mi nueva etapa profesional, la Compañía Nacional de Danza. Lo cierto es que en ese año que trabajé con ella aprendí mucho, ya que entró con muchas ganas y está intentando cambiar la compañía en cuanto a que los bailarines sean más fuertes y versátiles, algo que está muy bien para los bailarines. Además está intentando traer piezas de repertorio más modernas, movidas y contemporáneas, las cuales también a mí me gustan mucho. La verdad es que el trabajo con Tamara es muy intenso y gratificante.

Efectivamente, el siguiente paso en tu carrera fue, nada menos, que volver a España a la Compañía Nacional de Danza…

Sí, para mi es un orgullo el poder bailar aquí, ya que tal y como están las cosas – no hay apenas nada de danza

ni de ballet – me hace sentir afortunado. Contar con el apoyo de José Carlos Martínez y que me eligiese como bailarín principal es muy importante.

El repertorio que tenemos está muy bien, hacemos de todo. No tenemos grandes ballets clásicos enteros, obras completas, supongo que debido a temas presupuestarios pero aún así intentamos hacer pasos de los clásicos además de otras piezas contemporáneas como Jiri Kylian, Mats Ek u Ohad Naharin. Tengo la suerte que tras haber vivido siete años en Londres haciendo mucho clásico, ahora he vuelto a casa y me encuentro cerca de mi gente, lo que consigue que lo poco que podemos hacer, lo haga mejor. Lo estoy viviendo así.

En 2011 bailaste el papel de Pinkerton en Madame Butterfly con la compañía australiana, curiosamente ahora recibimos en Albacete, no el ballet sino la ópera, ¿qué recuerdas de aquella experiencia?

Fue otra de esas experiencias únicas. Se trató de mi primera aparición como invitado en una compañía que no era la mía. Estuve un mes en Australia junto a Irina Takahashi, una bailarina del English National Ballet, y recuerdo que sentía la responsabilidad y respeto de tener que hacerlo bien sí o sí. No cabía la posibilidad de fallar. Australian Ballet se portaron genial con nosotros y, además, bailar con Irina es una pasada. La obra, muy parecida a la ópera, es maravillosa. ¿Cómo te sientes ante el homenaje que te espera en casa durante la Gala?

El reconocimiento de tu trabajo siempre es importante. Me siento un poco nervioso porque toda esa gente me reconozca el trabajo; un trabajo que no lo hago por nadie sólo por mi. Esto es lo que me gusta y es lo que quiero hacer. El reconocimiento de todo el esfuerzo que conlleva el trabajo va a

ser un momento muy bonito. Me hace mucha ilusión pero no por mí – no soy una persona con un gran ego – sino por toda la gente que hay detrás de mí y que ha luchado y me han ayudado mucho: mis padres, mis hermanos, mi familia. Ellos sufrieron mucho para que yo pudiera ir a estudiar a Madrid y, finalmente, hiciese lo que estoy haciendo. El homenaje se lo dedico a ellos. ¿Bailarás en la Gala?

En principio no. El tema es que no hay linolio y para mí es necesario. No obstante, estoy un poco en blanco al respecto así que si finalmente hay sorpresa, bienvenida sea.

Si tuvieses que escoger un momento de tu carrera artística, ¿cuál sería y por qué?

Posiblemente me quedaría con la primera vez que hice mi primer papel principal. Sobre el año 2008 hice mi primer “príncipe” de “el lago de los cisnes” con Begoña Cao. Fue algo único porque era la primera vez y no podía saber si iba a haber más. Imagínate, cuatro actos y toda una compañía detrás de ti, con lo que tienes que estar al nivel. Lo recuerdo como único, sí.

Pero también recuerdo aquellos nervios. Fue muy especial. De todos modos, también he de recordar otro momento, más por lo emotivo y personal que por lo profesional. Fue el pasado año, cuando dejé la compañía (English National Ballet). Mi última función con ellos, en esa que te preguntas si vas a volver a bailar con ellos o si vas a volver a bailar en Londres. Recuerdo que al terminar todo el mundo aplaudía y que salió Tamara con un ramo de flores. Es algo que me quedará para siempre.

Esteban, muchas gracias por tu tiempo. Nos vemos en la gala.

Tx: Oscar Córcoles

A través de los años, la jornada de Albacete – la cual comenzó su trayectoria en el Auditorio Municipal para después emigrar definitivamente al Teatro de la Paz - se ha convertido en el epicentro de las personas que dan visibilidad a la danza, no en vano se trata de un encuentro entre profesionales y alumnos, en el que cada una de las escuelas exhiben su trabajo. Bailan unos para otros.

Cuenta con una gran participación, de hecho “se trata del evento anual que los socios de la asociación esperan con mas ilusión” afirma Mariví. Y es muy variada, pues existen distintos niveles, a la par que participativa, ya que cuenta con diferentes modalidades “desde niñas pequeñitas hasta ballets” informa la vicepresidenta.

En las últimas fechas, una novedad ha ido arraigando en la gala – pues la evolución de la asociación es constante y viene de la mano del mayor número de asociados, cada vez mas involucrados con ella – y ésta no es otra que la de homenajear a personas que han cabalgado junto a la danza dotándola de parabienes tangibles e intangibles.

En concreto, fue en 2012 cuando se instauró el homenaje, siendo el primer reconocido Ricardo Beléndez, y de la cual “es una de las galas que recuerdo con mas cariño debido a que a su término se llevó a cabo un encuentro entre alumnas que fue fantástico, y también al homenaje que rendimos a Ricardo, una persona que se ha volcado con la danza de manera increíble” rememora Mariví. La pasada edición se destacó a Coppelia, comercio dedicado a la danza, quienes abastecen a todos los profesionales del ramo que existen en la provincia desde hace más de treinta años “se hizo un repaso histórico de Coppelia, desde sus orígenes en la calle Feria, pasando por la calle Mayor hasta su actual ubicación en la calle Concepción. Desde sus fundadores hasta los propietarios actuales; todos ellos desfilaron por el escenario para recoger su premio” recuerda Munera. Este año, contarán con el honor de recibir a un nuevo galardonado por la asociación. Ni más ni menos que Esteban Berlanga, primer bailarín de la Compañía Nacional de Danza y exponente internacional del arte que representa, cuyas venas están regadas de sangre albaceteña ya que es nacido en Motilleja.

Por todo lo que conlleva la existencia de una asociación de similares características, junto a la gala que nos ofrecen anualmente, es de recibo recompensarles con la compañía de todos nosotros el sábado 26 de Abril a las 19 horas en el Teatro de la Paz.

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LITERATURA I HOQUETUS MAGAZINE I REVISTA CULTU RAL I NÚM. 7 I ABRIL 2014

Un tex to

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Q u i e p u b l m i l

Sí, quiero publicar mi libro, pero ¿Para qué? ¿Por qué? Hay muchos escritores que no saben explicar estas preguntas.

Después de pensar vienen las justificaciones, de todo tipo. Pero el asunto importante es discernir entre varios temas. Si tu necesidad es escribir, escribe; y cuando tengas el manuscrito, habrás cumplido.

Pero si lo que quieres es, con tus escritos ganar dinero, te ahorraré tiempo, ¡te equivocas! Dedícate a las nuevas tecnologías y crea algo nuevo.

Ahora, si lo que pretendes es que te lean… es casi más difícil que ganar dinero escribiendo. De todos modos hay varias alternativas. Por ejemplo, crea un blog con miles de seguidores fijos, hazte presentador de televisión o comienza un romance con alguien muy famoso y así, una editorial de las de ventas masivas te dará una oportunidad, un contrato editorial donde no ganarás mucho dinero pero podrás publicar e incluso vender tus libros.

Si ves difícil el apartado anterior hay fórmulas más lentas, más baratas, pero que bien trabajadas pueden llegar a ser rentables. LA AUTOEDICIÓN. Ésta ha pasado de ser, hace seis o siete años, algo “cutre” a convertirse en cool. De no tener relevancia económica, ni repercusión social, a convertirse en el sistema por excelencia de edición de libros el pasado año.

Si no eres famoso o no tienes muchos seguidores que aseguren un mínimo de ventas, ninguna editorial va a interesarse por tu obra. Duele al alma de artista, pero si lo miras desde el prisma del negocio que es el mundo editorial, y haces las cuentas, entenderás la razón. Pero no creas que auto editarse es la panacea, no. Y, aquí nace un nuevo modelo de negocio, discreto, por la necesidad de que tu trabajo como autor no se pierda después de tanto esfuerzo.

Editores que consiguen que te plantees dudas, que hacen ver si tu trabajo va a triunfar en la calle ¿Por qué van a leer tu libro? ¿Qué aportación novedosa nos presentas? ¿Transmite tu objetivo de forma clara tu escrito? Y entre toda la saturación de información que recibimos cada día ¿Con qué armas cuentas para que tu obra capte la atención del posible lector? Éstas y otras preguntas son las que debemos formular al tiempo que trabajamos con la máxima que reza: “lo que no se ve no existe”. Tu escrito es el germen de un proyecto que incluye muchas facetas, e incluye también obstáculos que tendremos que sortear para que se convierta en un libro, donde no se suele incluir la definición que aprenderás al publicar. Escrito o conjunto de escritos, imágenes o dibujos que agrupadas en soporte de papel se transforman en objeto de deseo en la sociedad a través de distintas áreas del conocimiento. Maquetación, impresión y encuadernación, marketing, logística, economía, escaparatismo y un largo etc.

Tendrás que olvidarte de las “lecturas piadosas” de amigos y familiares para aprender a escuchar otras voces, sin la deuda sentimental que obstaculiza una lectura objetiva que te ayudará a matizar, a mejorar pasajes que no estén claros, a revisar y corregir todo aquello que pueda dificultar la lectura y su disfrute. Es otro despertar.

Pensabas que al terminar tu obra el trabajo duro había finalizado…. Y como decía aquella “La fama cuesta, y ahora vas a empezar a pagar, con sudor” De todos modos lo verdaderamente importante es no tener miedo del esfuerzo, de los cobardes nunca se ha escrito nada.

Y el placer de ver tu obra en papel o en las manos de un lector ávido de letras, no tiene precio.

r o i c a r i b r o

HOQUETUS MAGAZINE I REVISTA CULTURAL I NÚM. 7 I ABRIL 2014 I LITERATURA

TX: Javier Moreno

EL REY LEPROSO AlberTo Vázquez – Figueroa

2005 EDICIONES B

Venganza Preston & Child

2011 Plaza & Janés

Janis Joplin Mariano Muniesa

2002 Ediciones Cátedra

Libros recomendados

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GÉNERO: BIOGRAFÍA

GÉNERO: POLICÍAC0

GÉNERO: FICCIÓN

La historia de Janis Joplin merece ser contada una y otra vez. Es justo para todos los amantes de la música rock que sepamos de donde vienen nuestros iconos. Simplemente por el hecho de informarte como transcurrió la vida de Joplin, ya es una buena idea la lectura del texto de Muniesa. Por cierto, si alguien siente la necesidad de ir descubriendo a otras estrellas del entramado roquero que la historia nos ha dejado y decide que hacerlo bajo la pluma de Muniesa es una buena idea, informarles de que el autor posee más títulos de la nobleza escénica.

Que Preston & Child son unos maestros en la novela policíaca es un dato, no una opinión. Igualmente, afirmar que la saga de aventuras creadas por ellos para su detective estrella, el agente Aloysius Pendergast, es una de las mas recomendables para los amantes del género, también es algo contrastado. Pero para no quedarnos en algo que es de dominio público, hablaremos de su nuevo protagonista, Gideon Crew.

Cuando un autor nos advierte en su libro de que no pretende crear una novela histórica al uso, sino más bien hacer pasar al lector un espacio de entretenimiento como hiciese en su día Alejandro Dumas con “Los tres mosqueteros” o “El conde de Montecristo”, hemos de reconocer que una medio sonrisa de escepticismo se dibuja en la cara de cualquiera. Veamos, parece un tanto presuntuoso deslizar que cualquiera puede ser capaz de alcanzar el nivel de Dumas ¿no? Bien, una vez superado ese primer obstáculo de supuesta vanidad adentrémonos en el texto de Alberto Vázquez Figueroa.

Es evidente que el final de la década de los 60’s y la primera mitad de los 70’s fueron el apogeo del rock. Chicos y chicas dejándose llevar por las ideas de otros chicos y otras chicas que no eran mayores que ellos y, sin embargo, disponían de altavoces desde los que lanzar sus mensajes. Creencia y seguridad en que podían cambiar el mundo, o al menos hacerlo mas humano. En Estados Unidos, por ejemplo, las generaciones mayores tuvieron que ver cómo sus jóvenes se revelaban ante ellos, la guerra de Vietnam y su propio estado para clamar a favor del amor y el poder de las flores. Fue en esa etapa donde se gestó la leyendo de Janis Joplin, encargada de entonar desgarradoras arengas musicales y mostrar al mundo que una chica buena también puede ser mala. Desgraciadamente su papel para con el entertainment no era del todo cierto en su privacidad y le tocó sufrir mas de la cuenta en sus escasos veintisiete años de vida.

Lo bonito de la biografía escrita por Muniesa es que no sólo se centra en la estrella. Es más, realiza un recorrido vital de Janis que nos ayudará a entender mejor un comportamiento extraño y, muchas veces tildado de, excéntrico. Conoceremos su infancia, preadolescencia, adolescencia y semimadurez. Comprenderemos sus traumas y sus complejos. Aprenderemos a mirar a la reina de Port Arthur con ojos comprensivos y, aunque no actuemos de padres permisivos, miraremos hacia otro lado en aquellos errores que pudo haber cometido una criatura fantástica. Dios te bendiga Janis Joplin, allá donde estés.

Consultados en ocasiones sobre cómo llevan a cabo la creación de cada una de sus novelas, no dudan en asegurar que lo hacen de manera conjunta. Escribiendo cada capítulo entre los dos, reescribiendo de la misma forma y no pasajes por separado, pues así es como los textos se convierten en orgánicos y el relato posee una sensación de conjunto que es característica de sus obras. Es mas, los años los han hecho poseedores de un mayor espíritu crítico y donde antes un determinado pasaje podría tener un pase, ahora es una crítica hacia el otro sin cuartel.

Supongo que tras tantas correrías del bueno de Pendergast, los escritores decidieron desencadenarse de él y construir la leyenda de otro personaje. Gideon es presentado en “Venganza”, y en dicha novela se marcan los trazos de una personalidad bien definida. Del mismo modo, las circunstancias que rodean a este nombre son de un interés inusual. Todo ello, da como resultado un libro en el que no una, sino dos aventuras distintas se cruzarán frente a Gideon y gracias a las cuales comenzará a escribirse la próxima leyenda.

Es cierto que ver cómo nace un personaje es algo que no tiene parangón, pues se intuye que es alguien con quien pasarás muchos momentos de tu vida. Aquellos en los que el placer de sumergirte en la páginas de un libro es todo lo que necesitas. Pero si además es el nacimiento de alguien ideado por Preston & Child, todavía es mas excitante pues la carrera de ambos asegura una longevidad exitosa para Crew. Por todo esto, la lectura de “Venganza” es una elección acertada.

La novela del autor canario cuenta entre sus muchas virtudes con la caracterización de personajes de gran alcurnia, destronados y rehechos a sí mismos por la vida que les ha tocado en suerte. Intrigas palaciegas de las que tanto gustan leer al lector ávido de traiciones y venganzas. Además, los entresijos que dan forma al entendimiento de por qué el poder era poder varios siglos atrás, son significativos y esclarecedores.

La obra no pasa por ser una de las más conocidas de Vázquez Figueroa, sin embargo en ella se dan los alicientes necesarios para su disfrute. La pluma rápida, la sencilla comprensión y el ritmo alto son marcas de la casa que aseguran no pifiar nunca.

Se trata de un escritor que es sinónimo de estabilidad, y en estos tiempos no viene mal tener algo a lo que aferrarse. Tanto es así que los nombres que circulan a lo largo de “El rey leproso”quedarán para siempre en el subconsciente de aquellos que se adentren en sus páginas, Gabriel de Espinosa, Aníbal Anibaldi o Don Sebastián de Portugal.

En definitiva, “El rey leproso” es otro buen ejemplo de literatura entretenida que otorga a los apasionados a las letras momentos de entretenimiento ficticio. Con lo cual, Vázquez – Figueroa no andaba desencaminado en el símil que trae con Alejandro Dumas y sus novelas. La relevancia histórica, es otro tema.

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PINTURA I HOQUETUS MAGAZINE I REVISTA CULTURAL I NÚM. 7 I ABRIL 2014 en aquella época por los mecenas del arte. Al parecer la tan repetida imagen estaba inspirada en el rostro del Salvador, del mismo autor, figura central del “Expolio” que ocupa el altar mayor de la Sacristía de la Catedral de Toledo y así existen por el mundo cinco versiones casi iguales y cuatro muy parecidas de la iconografía de Cristo abrazado a la cruz similares a la de El Bonillo, tal como son las versiones del Museo del Prado en Madrid, de Olot en Girona, del Museo Metropolitano de New York, o del Museo Nacional de arte decorativo de Buenos Aires, entre otros, pero al parecer en el caso de El Bonillo, según los expertos en arte, este lienzo puede considerarse superior en belleza y calidad artística respecto de sus homólogos.

Descubrimiento del cuadro

Un Greco en El Bonillo E L

A Ñ O

D E L

G R E C O

Este año 2014 se conmemora en la ciudad de Toledo el IV aniversario del fallecimiento del Greco el 7 de abril de 1614 (1541 – 1614). En palabras de Gregorio Marañón, presidente de la fundación “El Greco 2014”, el pintor cretense, Domenico Theotocopuli, “fue ese inmigrante que nunca llegó a dominar nuestra lengua, firmó siempre en caracteres griegos y mantuvo el apodo de su nacionalidad de origen”.

el máximo apogeo de su carrera profesional (1590 – 1596), y que fue doblemente rubricada por el autor, al ser ésta firmada en latín y en griego. La obra estará encuadrada durante la celebración del aniversario en el denominado “Universo del Greco”, aunando recorridos de los testimonios del artista en Castilla La Mancha, junto a las poblaciones de Sigüenza, Cuenca y Orgaz.

Si el aniversario es importante en sí, por lo que significa esta muestra para la capital manchega en lo que respecta a exponer la obra artística de uno de los pintores más universales de todos los tiempos, la importancia de la misma es aún más notable si pensamos que uno de los cuadros del genial artista, “Cristo abrazado a la cruz”, pende de las paredes del museo existente en la iglesia parroquial de Santa Catalina de El Bonillo.

Pintura catalogada como una de las más importantes de su obra, realizada durante

Esta podría ser una buena ocasión para saber algo más de este cuadro, de su procedencia, de cómo llegó a El Bonillo, su descubrimiento, su valor, su custodia durante la guerra civil, las veces que ha salido del museo para otras exposiciones, etc.

Es cierto que El Greco repitió esta obra que existe en El Bonillo casi una decena de veces – nueve conocidas -, pues El Greco trabajaba por encargo y la temática de “Cristo abrazado a la cruz” tenía una gran demanda

La identificación de la obra como un lienzo del Greco se produjo en la primavera del año 1928 y fue como consecuencia de la investigación llevada a cabo por la “Comisaría General de los Comités del Reino de Murcia para la Exposición Iberoamericana de Sevilla” a celebrar en esa ciudad en el año 1929.

La sede de la Comisaría estaba en Murcia bajo la presidencia de Don Isidoro de la Cierva, si bien en la Diputación de Albacete existía un Comité Provincial del que formaban parte el periodista Abraham Ruiz y el escultor Ignacio Pinazo, bajo la presidencia del Gobernador Civil.

El citado Comité recorrió los pueblos de la provincia de Albacete con objeto de localizar las obras artísticas que debían representar a la antigua Región Murciana, Murcia y Albacete, durante la exposición sevillana. De esta forma se investigaron palacios, casas señoriales, iglesias y ayuntamientos, y así fue como el escultor Pinazo y el periodista Abraham Ruiz, en una de sus visitas a El Bonillo localizaron, colgado a gran altura en uno de los machones de la iglesia parroquial, el cuadro del Greco que representa a Cristo abrazado a la Cruz. Ante el sorprendente hallazgo se pusieron en contacto con el director del Museo del Prado y con unas fotografías realizadas por el conocido fotógrafo albacetense Belda, se verificó que se trataba de una obra del Greco.

A El Bonillo se desplazó el Comité Provincial y el Murciano junto con los distintos medios de prensa que les acompañaban, siendo recibidos por el entonces alcalde Narciso Buendía Solana y el cura párroco don Juan Tomás Rodríguez Romero, por aquel entonces era el coadjutor de la parroquia don Antonio Castañeda, a la sazón presidente de la cofradía del Santísimo Cristo.

Los medios de prensa nacionales se hicieron eco de la noticia y fotografiaron una y otra vez el cuadro descubierto de Cristo abrazado a la Cruz, ante la sorpresa y perplejidad de muchos lugareños, pues mas de uno pensaba que el cuadro objeto de admiración era el de

Antón Díaz, el del sudor de Cristo, el de la harina, tal como se le conocía popularmente, al que dos años antes se le hizo una fotografía por la cofradía para rifarla y con los ingresos “reforzar los de la cofradía”, y sobre el cual muchos años después se ha seguido manteniendo, en parte, esa confusión entre ambos cuadros, pues si al cuadro del Greco se le echaba pocas cuentas al estar situado a gran altura en el machón de la nave de la epístola – donde está colocada la pila de agua bendita por el lado de dentro – pasando éste desapercibido, dada la oscuridad de la iglesia que apagaba los azulados ciánicos del mismo, menos cuenta y menos conocido aún era el cuadro de Antón Díaz, pintado por Vicente López Portaña, el cual se encontraba ubicado en la sacristía de la Capilla del Santísimo Cristo de la parroquia, colgado en el muro del mediodía – el que da al Campo Santo viejo -, y que además se encontraba encerrado en una caja de madera con puertas de tela.

Pues este cuadro sí que era guardado con todo el celo en la cofradía por el alto precio pagado por los hermanos al pintor valenciano Vicente López a principios del siglo XIX, lo que obligaba a su custodia como si se tratase de una reliquia y de la que solo podían disfrutar el día de la fiesta algunos pocos hermanos privilegiados del Consejo Directivo, los denominados hermanos mayores, que pagaban una cuota más alta que los hermanos menores, estos últimos eran los denominados cenizos y zarrías, oficiales de oficios varios y labradores del pueblo, y a los que resultaba más que difícil acceder al camarín de la capilla y de paso ver el majestuoso cuadro de Antón Díaz postrado ante el Cristo,viendo como el sudor “caiba” en el cedazo de harina, ¡por cierto! ¿a dónde iría a parar la caja de madera entelada que protegía el cuadro a modo de capilla?

El cuadro del Greco, tras ser descolgado, fue limpiado cuidadosamente por el señor Pinazo, profesor de dibujo de la Escuela Normal y a su vez el alcalde dio orden de limpiar y remozar el teatro local, pues el cuadro fue expuesto para su contemplación en la platea del teatro, donde además de ser fotografiado presidió sendas conferencias dadas por los descubridores del mismo, referentes a la importancia de su descubrimiento y sobre la calidad de su obra, de la que se insistió reiteradamente en su superioridad en calidad artística respecto a los otros dos cuadros conocidos, por el momento, del Greco, de similares características e igual temática.

Pasado el bullicio de aquel mes de Junio de 1928, llegada la recolección, el cuadro pasó nuevamente a la iglesia, pero esta vez ya no fue colgado en el machón existente junto a la pila de agua bendita, sino que pasó a ser custodiado en la capilla del Cristo bajo una triple cerraja.

Tx: Ramón Fernández Chillerón

HOQUETUS MAGAZINE I REVISTA CULTURAL I NÚM. 7 I ABRIL 2014 I EXPOSICIÓN

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Ventanas al paraíso I Manuel Pérez

¿Puede existir la fantasía en una historia verdadera? ¿Y comparecer la verdad en un relato fantástico? Manuel Pérez tiene la respuesta. Y ésta no se concreta en palabras sino en imágenes. En deslumbrantes lienzos llenos de color, de fuerza, de vida. En hermosos papeles que formulan enigmas y dan forma a los sueños. Porque su pintura es, a un mismo tiempo, fascinante y veraz. Una obra en constante evolución que cada vez resplandece más luminosa y optimista. Su paleta se enriquece y su mirada se multiplica en una incansable búsqueda de la belleza. Belleza que resulta tan pura como poliédrica, tan

absoluta como fragmentada. Una supuesta paradoja más en la obra de un artista coherente como pocos.

Cada vez que nos asomamos a una de esas ventanas que el pintor nos abre en sus nuevas piezas tenemos acceso a un paraíso distinto. Da igual si ante nuestros ojos se despliegan exuberantes jardines, bosques encantados, construcciones solitarias o rostros de película, porque el resultado es siempre una sorpresa, un feliz hallazgo, una irresistible invitación a la vida. Los paraísos que palpitan en las pinturas de Manuel Pérez

a veces se ofrecen impúdicamente, dadivosos y brillantes en todo su esplendor, pero en otras ocasiones se insinúan misteriosos, como inmersos en un aura de ensueño. Al admirarlos, dejar volar la imaginación no es que sea sencillo, es que resulta inevitable.

Camuflarse tras esas plantas de mil colores o perderse entre aquellos árboles de troncos infinitos, como niños despreocupados y eternos, es un privilegio que el artista nos otorga con la generosidad de los mejores.

Esta nueva exposición es un estallido de vitalidad y un brote de poesía. Quien tenga la

fortuna de visitarla quedará inmediatamente atrapado por unas piezas que impactan con su vigor o envuelven con su hermosura.

Porque Manuel Pérez se ha hecho grande sumando a su indiscutible talento numerosas horas de esmerado trabajo. Y siempre sin dejar de ser ese niño, inocente, curioso y soñador, que todo artista debe seguir siendo de por vida.

Carlos Salas Doctor en Historia del Arte (Texto extraído del catálogo de la exposición)

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ESCENA LOCAL I HOQUETUS MAGAZINE I REVISTA CULTURAL I NÚM. 7 I ABRIL 2014

Ballet Prodanza El próximo 28 de Abril podremos asistir al espectáculo “Ayer, hoy y siempre” del ballet albaceteño Prodanza. La representación se llevará a cabo en

Para conocer su historia, Mercedes Márquez, codirectora del ballet junto a Ana María Córdoba y Francisca María Villa, nos instruyó acerca de tan maravilloso proyecto.

La andadura del ballet Prodanza comenzó en Noviembre de 2011, cuando Mercedes Márquez, Ana María Córdoba y Francisca María Villa, profesoras del Conservatorio Profesional de Danza decidieron agruparse y crear un espacio en el que conceder a los alumnos del conservatorio la posibilidad de sentir en sus propias carnes la sensación de pisar escenarios de manera mas continua “ya que no puede ser que tras veinticinco horas semanales que exigen los últimos cursos, solo pisen las tablas dos veces al año, que es cuando representan sus espectáculos del conservatorio.

Como experiencia nos parece insuficiente” señala Mercedes.

De esta manera, y tras concebir la Asociación Cultural Prodanza, presentaron el proyecto a la Casa de la Cultura José Saramago. Un proyecto consistente en la creación de una compañía semiprofesional – “al ser alumnas del conservatorio, y todavía encontrarse inmersas en los estudios, no puede llamarse profesional” apunta Márquez – el cual alcanzase el objetivo de que los alumnos adquiriesen experiencia artística. Pisar escenarios. Esto, llegaría a buen puerto y, por medio de Ricardo Beléndez, la Casa de la Cultura abriría sus puertas al ballet cediendo un espacio para los ensayos, dotándolo de asistencia técnica e incluso administrativa.

Desde el momento en que el proyecto se convirtió en una realidad, el Ballet Prodanza comenzó a trabajar en su primer espectáculo.

Con el fin de dar a conocer la danza española

la Casa de la Cultura José Saramago, institución de la que son ballet residente, y seremos fieles espectadores para contemplar la ilusión y el buen

hacer de un ballet que es externo e independiente al conservatorio profesional de danza, a pesar del nexo que comparte con el mismo.

en la comunidad castellano manchega, dieron cabida en él a las cuatro disciplinas que la conforman: La Escuela Bolera y el Folclore, siendo las dos mas antiguas, junto a la Estilizada y el Flamenco, las dos mas actuales.

De ahí el título de aquel primer original “Ayer, Hoy, Siempre”. En el espectáculo, representado por dieciséis bailarinas, se producen doce cambios de vestuario para dar vida a otras doce coreografías entre las que podemos disfrutar de obras creadas por compositores de la talla de Albéniz, korsakov, Falla o Vicente Amigo.

La gira, desde entonces, ha recorrido gran parte de la provincia albaceteña al igual que ha traspasado sus fronteras para alcanzar otras provincias castellano manchegas. Quizás la trayectoria de representaciones sea la mayor recompensa para un ballet en el que las codirectoras son pedagogas de profesión y a base de ilusión ejercen de productoras, managers o coreógrafas mientras trabajan duro para ofrecer al público una hora y cuarto de entretenimiento artístico para el que han invertido un año de trabajo.

Por último, y para constatar que no hay mayor aliciente que la ilusión y la confianza en lo que se cree, Mercedes nos despide revelando algo que nos hace muy felices, “estamos trabajando en el nuevo espectáculo que estrenaremos en Junio. Su nombre: “Mientras Duermes”. En esta ocasión basarán su apuesta en la disciplina estilizada, con giros aflamencados, consiguiendo un resultado más expresivo y de mayor actualidad. Mientras llega su nuevo estreno, aprovechemos la ocasión que se nos brinda y vayamos a acompañarlas el próximo día 28 con la seguridad de disfrutar de un gran espectáculo.

20

GUÍA CULTURAL I HOQUETUS MAGAZINE I REVISTA CULTURAL I NÚM. 7 I ABRIL 2014

ABRIL

02

03

CONCIERTO

EN CONCIERTO

MIÉRCOLES

04

JUEVES

19:30 H. PROFESORES DEL CONSERVATORIO SUPERIOR DE MÚSICA

VIERNES

21:00 H. EL LUGAR DE LAS RAÍCES

AUDITORIO MUNICIPAL

04 VIERNES

18:00 H. “LOS CLÁSICOS DE LA MÚSICA ESPAÑOLA” POR ALUMNOS RCP MÚSICA DE ALBACETE CONCIERTO

TEATRO CIRCO

CASA DE LA CULTURA JOSÉ SARAMAGO

05

06

SÁBADO

22:00 H. THE BON SCOTT REVIVAL SHOW + BURRITO PANZA

DOMINGO

20:00 H. LOS SONIDOS DE LA NATURALEZA POR ORQUESTA SINFÓNICA DE ALBACETE Y SCHOLA CANTORUM

EN CONCIERTO

MÚSICA

GUÍA

SALA NUEVA BALADA

12:00 H. BANDA SINFÓNICA MUNICIPAL “CONCIERTO DE TEMPORADA” CONCIERTO

AUDITORIO MUNICIPAL

CONCIERTO

TEATRO CIRCO

07

10

CONCIERTO

EN CONCIERTO

JUEVES

LUNES

22:00 H. GUADALUPE PLATA

18:00 H. FESTIVAL DE COROS IES DIEGO DE SILOÉ Y ANDRÉS DE VANDELVIRA

TEATRO DE LA PAZ

SALA PUSSY WAGON

11

12

CONCIERTO

CONCIERTO

VIERNES

20:00 H. PRIMER ENCUENTRO DE SAETAS

SÁBADO

18:00 H. FESTIVAL FLOKLORICO ARAGONÉS Y MANCHEGO

CASA DE LA CULTURA JOSÉ SARAMAGO

CINE

12

SÁBADO

20:00 H. XIII FESTIVAL INTERNACIONAL DE MÚSICA DE CÁMARA DE ALBACETE CON VÍCTOR GARCÍA (VIOLONCELLO) Y OFELIA MONTALVÁN (PIANO)

CASA DE LA CULTURA JOSÉ SARAMAGO

CONCIERTO

AUDITORIO MUNICIPAL

MARTES

01

MIÉRCOLES

20:15 Y 22:15 H. EL ÚLTIMO BESO

03

VIERNES

20:15 Y 22:15 H. LA SOLEDAD DE LOS NÚMEROS PRIMOS

02

JUEVES

20:30 Y 22:15 H. CAOS CALMO

18:00 H. ARROZ AMARGO

VIERNES

SÁBADO

DOMINGO

VIERNES

20:00:00 Y 22:30 H. LA GRAN BELLEZA

17:30, 20:00 Y 22:30 H. LA GRAN BELLEZA

18:00 Y 20:15 H. UN LUGAR DONDE QUEDARSE

18:30 H. LA MASCOTA DEL REGIMIENTO

04

05

06

04 11

Cultural

21

HOQUETUS MAGAZINE I REVISTA CULTURAL I NÚM. 7 I ABRIL 2014 I GUÍA CULTURAL

12 SÁBADO

20:00 H. DEMOLITION ROCK FESTIVAL CON SOVENGAR + MOREROCK + PACHO BRODAS + ZENOBIA

EN CONCIERTO

SALA PUSSY WAGON

23

23

MIÉRCOLES

MIÉRCOLES

20:00 H. trío camerata cervantes

EN CONCIERTO

20:00 H. MASTERS y POSTGRADOS DE LAS ESPECIALIDADES DE VIOLÍN, VIOLONCELLO Y PIANO DE LA VALENCIA INTERNATIONAL UNIVERSITY

CONCIERTO

SALA PUSSY WAGON

CENTRO CULTURAL CCM

23

23

CONCIERTO

EN CONCIERTO

VIERNES A MIÉRCOLES

27

MIÉRCOLES

CONCIERTO

AUDITORIO MUNICIPAL

24

MIÉRCOLES

20:00 H. FESTIVAL POR LA LIBERTAD

JUEVES

21:30 H. BART DAVENPORT

TEATRO DE LA PAZ

21:00 H. JESÚS VERGARA “SUPERPOP” EN CONCIERTO

SALA PUSSY WAGON

TEATRO CIRCO

28

DOMINGO

25 - 30

LUNES

12:00 H. BANDA DE MÚSICA MUNICIPAL “CONCIERTO DE TEMPORADA: PELÍCULAS Y MUSICALES”

PRIMAVERA DE JAZZ ALBACETE CONCIERTO

CASA DE LA CULTURA JOSÉ SARAMAGO

20:00 H. RECITAL DE ÓPERA OPERA

AUDITORIO MUNICIPAL

CONCIERTO

AUDITORIO MUNICIPAL

11

12

DOMINGO

13

MARTES

22

22

MIÉRCOLES

JUEVES

VIERNES

VIERNES

SÁBADO

MARTES

MIÉRCOLES

18:30 H. ATRAPADO EN EL TIEMPO

20:30 Y 22:15 H. EL MÉDICO ALEMÁN

18:30, 20:30 Y 22:30 H. ISMAEL

20:15 Y 22:30 H. LA CONSPIRACIÓN

20:15 Y 22:30 H. JOBS

20:15 Y 22:15 H. TÉSIS SOBRE UN HOMICIDIO

24

20:00:00 Y 22:30 H. ALACRÁN ENAMORADO. CON LA PRESENCIA DE CARLOS BARDEM

SÁBADO

18:30, 20:30 Y 22:30 H. TÉSIS SOBRE UN HOMICIDIO

12:00, 18:00 Y 19:45 H. LLUVIA DE ALBÓNDIGAS 2

20:00 H. LOS COLONOS DEL CAUDILLO

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MÚSICA

22:00 H. DELIRYUM

VIERNES

TEATRO CIRCO

MARTES

22:30 H. ATRAPADO EN EL TIEMPO

20:30 Y 22:15 H. UN AMIGO PARA FRANK

29

23

30

CINE

18

12 SÁBADO

20:00 H. CAFÉ QUIJANO

EN CONCIERTO

VIERNES

TODA LA AGENDA CULTURAL EN ALBACETE ACTUALIZADA DIARIAMENTE

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GUÍA

GUÍA CULTURAL I HOQUETUS MAGAZINE I REVISTA CULTURAL I NÚM. 7 I ABRIL 2014

ABRIL

01

02

MARTES

21:00 H. MADAME BUTTERFLY

LA LENGUA DE LAS MARIPOSAS

TEATRO

TEATRO CIRCO

VIERNES

20:00 H. USTED TIENE OJOS DE MUJER FATAL

21:00 H. VERÓNICA

CASA DE LA CULTURA JOSÉ SARAMAGO

EA! TEATRO

TEATRO

TEATRO CIRCO

05

08

VIERNES Y SÁBADO

04-05

SÁBADO

MARTES

20:30 H. LA SECRETA

18:00 H. HAMERLINALE

12:00 H. ALADINO

INFANTIL

CASA DE LA CULTURA JOSÉ SARAMAGO

TEATRO

EA! TEATRO

08

22:30 H. LA CALLE DEL MARIANO

09

MIÉRCOLES

19:30 H. VERSUS

08

MIÉRCOLES

11:00 H. ESTRELLADOS

19:30 H. CENA CON AMIGOS

TEATRO

TEATRO

TEATRO

TEATRO

TEATRO CIRCO

BALLET AL ALBA + SABOR ESPAÑOL DANZA

DANZA

AUDITORIO MUNICIPAL

11 -03

EXPOSICIÓN

EXPOSICIÓN

“QUIJADA, EL LEGADO”

“SEMANA SANTA DE HELLÍN EN PINTURA”

MUSEO PROVINCIAL DE ALBACETE

CENTRO CULTURAL CCM

20:00 H. “AYER HOY Y SIEMPRE” DE BALLET PRODANZA DANZA

CASA DE LA CULTURA JOSÉ SARAMAGO

TEATRO DE LA PAZ ABRIL

07-27

EXPOSICIÓN

28

19:00 H. GALA DE LA ASOCIACIÓN DE PROFESIONALES DE LA DANZA DANZA

TEATRO DE LA PAZ

01-30

26

LUNES

22 -04

MAYO

20:00 H.

SÁBADO

EXPOSICIÓN

“HISTORIAS DEL PARAÍSO”

“EDUARDO MONTEAGUDO Y EL JAZZ”

CENTRO CULTURAL LA ASUNCION

CASA DE LA CULTURA JOSÉ SARAMAGO

28 -09

MAYO

10,11 y 12

AUDITORIO MUNICIPAL

ABRIL

JUEVES A SÁBADO

MAYO

JUEVES

09

AUDITORIO MUNICIPAL

19:30 H. “EUROVISIÓN EN DANZA” DE ASOC. CULTURAL SAN PABLO

19:30 H.

AUDITORIO MUNICIPAL

MARTES

01 24 MARTES

TEATRO

MARTES

AUDITORIO MUNICIPAL

DANZA

04

JUEVES

TEATRO

LECTURA DRAMATIZADA

ÓPERA

PINTURA

03

MIÉRCOLES

ABRIL

22

EXPOSICIÓN

“XX EDICIÓN DEL CONCURSO INFANTIL DE DIBUJO ECOLÓGICO”

CASA DE LA CULTURA JOSÉ SARAMAGO

Cultural

HOQUETUS MAGAZINE I REVISTA CULTURAL I NÚM. 7 I ABRIL 2014 I GUÍA CULTURAL

TODA LA AGENDA CULTURAL EN ALBACETE ACTUALIZADA DIARIAMENTE

MIÉRCOLES

09

JUEVES

11:30 H. TUYO CHOPIN

10

JUEVES

22:30 H. ¿EL GRECO DECÍS?

10

JUEVES

22:30 H. LA COPLA NEGRA

TEATRO

TEATRO

19:00 H. EL RAYO COLGADO Y PESTE DE LOCO AMOR TEATRO

TEATRO

VIERNES

11

VIERNES

19:00 H. LA PASIÓN. SU ÚLTIMO SECRETO

20:00 H. EL ALMA DEL GRECO

PERFORMANCE

21:00 H. “PORQUE SOMOS ASÍ” CON DAVID ANDRÉS GARCÍA

13

JUEVES

21:00 H. DESCONCIERTO DE LOS SENTIDOS

11

DOMINGO

HUMOR

TEATRO

EA! TEATRO

AUDITORIO MUNICIPAL

TEATRO CIRCO

TEATRO CIRCO

24 MUSICAL

CASA DE LA CULTURA JOSÉ SARAMAGO

TEATRO CIRCO

25

25

VIERNES Y SÁBADO

20:30 H. ¡COMO EN CASA, NI HABLAR!

DOMINGO

MUSICAL

HUMOR

CABARET EXIT

VIERNES

VIERNES

19:30 H. VIDA

TEATRO DE LA PAZ

25- 26 20:30 H.

27

19:00 H.

TEATRO CIRCO

TEATRO

EA! TEATRO

SÁBADO

26

DOMINGO

12:00 H. ¡¡¡QUE YO... NO SOY EL GRECO!!!

28

MIÉRCOLES

20:00 H. HÉCUBA

27

LUNES

20:00 H. EL SUEÑO DE OLIMPIA

TEATRO

INFANTIL

TEATRO

21:00 H. COMO EN LA CASA DE UNO...

EN NINGÚN SITIO HUMOR

EXPOSICIÓN

03-06

CENTRO CULTURAL LA ASUNCIÓN

TEATRO CIRCO

08-27 10-26

FERIA

“ALBACETE SIEMPRE 2013” FOTOGRAFÍAS

TEATRO DE LA PAZ

FERIMOTOR

RECINTO FERIAL DEL IFAB

EXPOSICIÓN “REFLEJOS DE ORIENTE”

MUSEO MUNICIPAL

22 -09 ABRIL

HASTA EL 05

TEATRO CIRCO

30

EXPOSICIÓN

EXPOSICIÓN

“VII EXPOSICIÓN DE MODELISTAS NAVALES DE ALBACETE”

MUSEO MUNICIPAL

MAYO

TEATRO CIRCO

TEATRO

AUDITORIO MUNICIPAL

10

“HAGAMOS MEMORIA: JAZZ ALBACETE 2013” FOTOGRAFÍAS

CASA DE LA CULTURA JOSÉ SARAMAGO

OTRAS EXPOSICIONES

TEATRO CIRCO

23