indieHearts Mag 06

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indieHearts mag Dirección | Edición Judith Gómez Machado jude@indiehearts.com

Bárbara Pavan barbara@indiehearts.com

Diseño gráfico Pablo Caro pablocaro0@gmail.com

Fotografía Facundo Gaisler Nadia Guzmán Mercedes Fiz Cristián Carrasco Juan Branaa

Colaboran en este número Nicolás Miranda Emmanuel Patrone Martín Tejada Eric Olsen Juan Pablo Lima Juan José Méndez Pilar Renau

Carla Fumagalli Gustavo García Miguel Molina y Vedia Carolina Figueredo Mariano Fiochetta

Ilustraciones Pablo Caro Sofía Gatti Judith Gómez Machado

Las imágenes utilizadas en las secciones: columnas, entrevistas y news no tienen fines comerciales. En caso de que el autor de alguna de ellas deseara que fuera removida o figurar en los créditos de esta publicación, por favor contactarse a hola@indiehearts.com

indieHearts MAG | nº 06 Diciembre 2011

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Editorial

Music is my radar Por Bárbara Pavan y Judith Gómez Machado

H

an pasado seis meses desde que decidimos lanzar indieHearts Mag. Con cada número que pasa, aprendemos y sentimos más curiosidad por cuestiones de diseño, editoriales, y sobre todo, descubrimos que nos gusta mucho hacerla.

Nuestros colaboradores también sintieron entusiasmo desde el primer día, aportando sus conocimientos musicales y dando lo mejor de ellos para que los contenidos sean cada vez superiores.

Así, la llegada de la revista nos invitó a todos a esforzarnos un poco más.

También tuvimos la suerte de contar con la ayuda de Pablo Caro, la mente detrás del diseño (y de gran parte de la fotografía) de iH Mag. La creatividad de Pablo nos permitió canalizar aquello que estaba en nuestras mentes como imágenes sueltas e incoherentes, en una estética que representó desde el primer momento a indieHearts.

Las ganas de innovar siempre están presentes, por eso a partir de enero de 2012, la revista va a cambiar su estética totalmente (pero ya les vamos a brindar más detalles en este mismo espacio, el mes entrante).

Desde el nacimiento del sitio, una de nuestras metas fue superarnos y pasar a un nivel audiovisual; de allí, surgió indieHearts Sessions, que comenzó tam-

bién casi al mismo que la revista, y si bien no tuvo la misma continuidad, aún sigue en nuestros planes y seguramente verán más sesiones de artistas independientes a partir del año que viene. También esperamos que el 2012 sea un gran año de shows, con la llegada al país de Foo Fighters, Arctic Monkeys, Band of Horses, el regreso de TV on the Radio, y aquellas bandas que integran el line-up del Quilmes Rock 2012. Y también los grupos que aún no han sido anunciados, pero que sin dudas nos visitarán tras su paso por Lollapalooza Chile.

Por supuesto, no podríamos haber llegado a donde estamos sin ustedes, las personas que nos leen a diario.

Desde ya, sus sugerencias, ideas, recomendaciones, son más que bienvenidas, pues indieHearts nunca fue un trabajo individual, sino que se alimenta de la melomanía colectiva. Estamos ansiosas por la llegada del 2012 y los proyectos que vendrán con él. ¡Rock!

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SUMA REVIEWS Shows 100%: The Strokes y Sonic Youth en el Personal Fest 2011

pág. 6

COLUMNAS Carla Fumagalli Pero la juventud tiene que crear

pág. 22 Juan Pablo Lima

Efecto Pearl Jam: fiebre en el Estadio Único de La Plata

Steve Albini y Stephen Street, el yin y yang de la producción musical

pág. 10

pág. 26

Interpol en el Movistar Free Music

Nicolás Miranda

pág. 14

Atrapado en libertad: Caetano Veloso – Caetano Veloso (Polygram, 1969)

Festi Laptra: Los buenos de verdad

pág. 30

pág. 16

Discos M83, Excursiones Polares, Los Ellos, y más...

pág. 18

Miguel Molina y Vedia Malas vibras: la mufa del pop barroco (parte I)

pág. 34

NEWS! Foo Fighters, MGMT, Arctic Monkeys, Band Of Horses y TVOR en el Quilmes Rock 2012 En febrero llegarán las reediciones de los discos de Pulp

pág. 38 The Black Keys expresa su deseo de visitar Sudamérica The Shins anuncia nuevo disco: “Port of Morrow”

pág. 39

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ARIO ENTREVISTAS iH Especial Judith Gómez Machado Tres Pecados: honestidad con la creación

pág. 40 María Francisca: música sin adornos

pág. 46 Carolina Figueredo Bam Bam Estás Muerto: “Hardcuore” de Zona Sur para el mundo

pág. 44

Fuimos afortunados ya que el 2011 nos trajo mucha música. Por eso, con el equipo que hace posible indieHearts a diario, decidimos hacer un repaso por los álbumes y las canciones más destacados del año

pág. 50

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100%: The Strokes y

Sonic Youth

en el Personal Fest 2011 escribe: Juan José Méndez FOTOS: FACUNDO GAISLER (GIGRIDERS)

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odemos ponernos de acuerdo o discutir sobre estas dos noches eclécticas y heterogéneas, pero todos coincidimos en que, desde 2004, Personal Fest sigue siendo uno de los festivales argentinos más interesantes, acercándonos una multiplicidad sonora que reúne en pocas horas a artistas de renombre, leyendas, junto a lo mejor de la escena alternativa mundial.

El viernes todo estuvo cubierto por la mística lluvia.

Tras las presentaciones de varias –buenas– bandas locales (Viva Elástico, Cliché Alarm y Calendar, entre otras) y el rey chillwave Toro y Moi, White Lies pareció emerger de la tormenta en su momento más escandaloso. Durante el breve set –compuesto de seis temas de su aclamado debut To Lose My Life… (2009) y cuatro de su reciente sucesor Ritual (2011)– los avatares del clima no dieron respiro y terminaron decorando una atmósfera de por sí onírica: pantallas en escala de grises y la vestimenta acorde sobre el escenario, y rayos… los rayos ramificados más impresionantes que hayan visto. ¿Qué mejor clima para una gran banda post-punk revival con un cantante de escalofriante semejanza a Ian Curtis?

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compenetrados. Mención especial para el baile hipnótico obligatorio en el cierre con la fabulosa Strict Machine.

Liam Gallagher, una figura –ahora central y única– cuya presencia al mando del escenario realmente impacta, subió una vez más a un escenario porteño con su andar arroganchester y parka, pero esta vez para debutar con Beady Eye en nuestro país. Correcta y acorde al sonido y estética sixties revival, la reconfiguración de los ex miembros de Oasis sonó muy bien y nos robó una sonrisa de aprobación a todos.

Nota: Liam se emocionó por el apoyo incondicional de los argentinos tras tanta agua bajo el puente y la incertidumbre del debut local de su “nueva” banda. Segundos después de la presentación de Beady Eye, el público del escenario principal ya coreaba el nombre de la banda neoyorquina que cerraba la fecha.

Con campo lleno –llenísimo– de jóvenes, adolescentes y púberes y casi en la hora programada (tema que nos llevará a una ríspida discusión la fecha siguiente), el quinteto con Julian Casablancas al frente abrió uno de los casi invariantes sets de la actual gira con New York City Cops, ante los que parecieron Hacia el comienzo de Broken Social Scene en el es- los fans más exaltados del mundo. Todos cantaron, tocenario contiguo la lluvia se hacía a un lado, dejando dos corearon, todos acompañaron cada uno de los cláunos nubarrones que jugaron de telón expresionista sicos y nuevos riffs de Hammond Jr. y Valensi y todos para el resto de la velada. El colectivo canadiense se le agarraron el gusto a los cantos “de cancha”. mostró impecable en un set con ajustada selección de sus tres últimos discos, pero –como era de esperarse– Is This It (2001), de aniversario, dobló en número a no pudieron superar en un estadio abierto a su previa los temas de Room On Fire (2003), First Impressions e íntima presentación en La Trastienda. Emily Haines Of Earth (2006) y el reciente Angles (2011). Los hits subió a acompañar a Kevin Drew una vez más y el pú- mantuvieron eufórico al público voraz –hilando fino, blico de incondicionales estalló. hubo menos pogo en los nuevos no-cortes You’re So Right y Gratisfaction– al tiempo que la comunicación La fascinante Alison Goldfrapp salió a comerse el mun- entre Casablancas y la audiencia fue divertida, pero do pocos minutos después y manejó el escenario (y su suministrada en pequeñas dosis. imagen) de manera excepcional, haciendo bailar –junto a la otra pata del dúo synthpop, Will Gregory– a los más Agotados y sucios, tras los bises Hard To Explain y

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Take It Or Leave It comenzábamos la procesión de regreso con la hermosa satisfacción de que The Strokes, en su segunda visita a Argentina, había cumplido con creces cualquier expectativa.

O El sábado fue diferente. La lluvia cedió su preeminencia al calor, los tiempos del line-up no se respetaron y hubo enojos de parte de los dos -perdón por la generalización- grupos asistentes (latinos y hipsters, hippies y alternos). Aunque, pensándolo dos veces, ¿qué mejor que recibir en un caos cuasi-veraniego a Sonic Youth?

Tras Airbag (?) y Mala Rodríguez, el escenario principal recibió al atardecer a The Kills con un set avocado al reciente Blood Pleasures (2011) y su predecesor Midnight Boom (2008). Espasmódica, salvaje y púrpura, la sensual Alison Mosshart cantaba y reptaba en el aire, mientras que Jamie Hince –el otro literal 50% sobre el escenario– destellaba una suerte de sensualidad furiosa con sus guitarras garage.

Luego de la presentación de Damian Marley –que incluyó un tema del supergrupo de Mick Jagger, Super Heavy, y algunas reversiones de clásicos de su padre–, la actual formación de INXS con su nuevísimo sexto cantante Ciaran Gribbin salió al juego con Mistify en un recorrido que incluyó todos los éxitos de la banda del malogrado e irremplazable Michael Hutchence (nombrado y ovacionado cada dos o tres temas).

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llante Never Tear Us Apart, la demagogia hasta ahora ausente desbordó, cuando –en un bis no programado– Gribbin volvió al escenario con la camiseta de la selección y dos pelotas de fútbol. Nota: hubo muchas risas de incredulidad entre la gente que ya había abandonado el campo.

Calle 13 desplegó su show de baile y ritmo, explosivo desde el principio con Baile De Los Pobres, mechado con el eterno discurso –extensas explicaciones a la prensa incluidas– de René Pérez. La impaciencia en el otro escenario se hizo sentir, cuando ya habían pasado 20 minutos de más y la banda invitaba a Pedro Aznar a hacer un emotivo –pero inoportuno en el marco de A pesar de que fue un show amable y entretenido un festival– cierre homenaje a Mercedes Sosa. Tanto –con los infaltables Original Sin, Suicide Blonde y el bis de INXS como este atropello de Calle 13 y las New Sensation– y tuvo un momento alto con la bri- fallas de los organizadores, terminaron cercenando el

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Hasta aquí las malas noticias, ya que el cierre del festival estaba a cargo de Sonic Youth y por lo tanto no había posibilidad de decepción. La banda alternativa más relevante de los últimos 30 años apareció ante la vista de todos, impecable, eterna, joven. El decibélico show en GEBA fue el primero tras el divorcio de Thurston Moore y Kim Gordon, quienes prácticamente no cruzaron mirada en el escenario.

Hubo tres trípticos hermosos conformados por Bad Moon Rising (1985) con su Intro, Brave Men Run (In My Family) y el primer sencillo de la banda Death Valley ’69, Sister (1987) con Kotton Krown, Stereo Sanctity y White Kross y Daydream Nation (1988) con Hey Joni, The Sprawl y ‘Cross The Breeze y por último un cierre memorable de la mano de Sugar Kane, pero tratar de objetivar una experiencia tan trascendental, mística, mítica como fue esa noche con los chicos de New York es caer en las garras del raciocinio. Y si algo hemos aprendido en nuestras propias exploraciones musicales es que jamás debemos permitirnos un acercamiento a la cordura, no con Sonic Youth.

Unas pocas e irónicas palabras para el sector VIP de parte de Kim (la chica que luego golpearía la espalda de su bajo repetidas veces), una dedicatoria al pogo de parte de Thurston (el nene que luego rasgaría la guitarra con un ventilador de pie) y un par de muchas gracias de parte de Lee Ranaldo (el chico que luego –muy científicamente– buscaría el sonido agitando la guitarra frente a los amplificadores), el resto: rudio blanco, distorsiones, reverberaciones, ecos, rock, arcos, pedaleras, pedaleras, pedaleras, trance, música. Sacred Trickster desató casi una hora de sensaciones, algunas de las cuales hubiesen sido imposibles de experimentar en otro tiempo y lugar.

1) White Lies 2) Broken Social Scene 3) The Kills 4) INXS 5) Sonic Youth

programado bis de la banda que cerraría la última fecha del Personal Fest 2011. Estas cosas suceden, pero lamentablemente la pérdida fue demasiado relevante: la canción era Teenage Riot.

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Efecto

L R A E P

: M A J

fiebre en el Estadio Único de La Plata.

Escribe: Judith Gómez Machado

Fotos: Mercedes Fiz

¿Qué se sentirá tras ser responsable de la comunión febril de 35 mil personas? Haber tendido su aliento del cable de un micrófono y saber que hubo quienes cantaron hasta que no tuvieron voz, otros que aplaudieron hasta que sus manos ardieron y que el dolor físico, aunque presente, había pasado a un segundo lugar.

Pearl Jam es una banda que hunde melodías lisérgicas en el pecho de quien la escuche, y cuyas canciones tienen vida propia y a la vez colectiva. La relación con sus seguidores es única e íntima, y permanece intacta, pasen seis, diez o quince años sin “verse”. Con el Estadio Único de La Plata repleto no pude evitar preguntarme qué fue lo que cada uno de los allí presentes hizo o dejó de hacer para estar ese día en ese lugar; cuáles fueron sus reacciones al saber que el grupo regresaría a la Argentina por segunda vez y, sobretodo, cuál sería la canción que los transportaría en el tiempo hacia una situación en particular. Esa canción que a través de la voz sublime de Eddie Vedder tendría la fuerza de aniquilarlos y darles entereza al mismo tiempo.

Lo que se vivió el pasado 13 de noviembre en la ciudad de La Plata no sólo fueron tres horas (¡y 33 canciones!) a puro grunge, sino un efectivo ritual que además de Vedder, Mik McCready (guitarra), Matt Cameron (batería), Jeff Ament (bajo), Stone Gossard (guitarra) y Boom Gaspar (teclados), necesitó de cada uno de sus coprotagonistas –parados, sentados, apretados, gritando, llorando, saltando en el pogo o en puntas de pie– para ser posible.

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Con un escenario despojado de accesorios innecesarios, Pearl Jam recorrió –a base de furiosas fusiones de instrumentos– su vasta discografía y hasta se dio el gusto de rendir tributo a artistas como Pink Floyd, Ramones y Neil Young. El encuentro comenzó con Release, cierre de Ten (1991) –que recientemente cumplió 20 años y es clave a lo largo de su carrera–. No hubo resistencia: ya éramos suyos.

lidad. Así, entre una veintena de tracks y dos tandas de bises bien cargadas, rockearon y emocionaron Why Go, Porch, Jeremy, Alive, Even Flow y la dulcemente devastadora Black.

Pero la grandeza de Pearl Jam, el compromiso con sus fans y su sed por explorarse pudieron más: revivieron temas como Life Wasted, Blood, You Are y Do The Evolution (¡baby!); tampoco faltaron los más cercanos Como dos ardientes cachetadas llegaron Go y Corduroy, en el tiempo The Fixer y Supersonic –de Backspacer de su segundo y tercer disco respectivamente, las cua- (2009)– y las grandes reversiones de Mother, Rocles hicieron que el público cayera en la cuenta de lo kin’ in The Free World, I Believe In Miracles, Last Kiss que estaba sucediendo. Sí, Pearl Jam estaba presente de Wayne Cochran y el aporte de I Wanna Be Your en cuerpo y alma una vez más, tras aquellos gloriosos Boyfriend a Better Man. shows en el estadio Ferrocarril Oeste en 2005.

El misterio pareció develarse cuando la medianoche ya Entre sus diálogos con el público, Vedder “los cuidó” pi- era una realidad: no basta con escuchar las canciones de diéndoles que por favor todos hicieran espacio para que Pearl Jam, sino que además hay que verlas a través de nadie saliera lastimado, recordó su primera vez en el país los ojos, voces e inolvidables coros de sus seguidores. junto a los Ramones –y presentó al ex baterista Richie Ramone que trabaja con el grupo desde hace años– e hizo El regreso a casa pudo haber sido con piernas aún temhincapié en que la banda reflejaría sobre aquel escenario blorosas, moretones, sed y cansancio, o bien con rela intensidad y energía que se les estaba transmitiendo. flexión, alegría y ganas de repetir las últimas 3 horas vividas. Sea como fuere…¡qué banda la puta madre!

Como si se tratara de una presentación aniversario, el primer disco de los de Seattle se tocó casi en su tota-

*Pearl Jam se presentó en el Estadio Único de La Plata el domingo 14 de noviembre de 2011.

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Apaguen las luces brillantes:

Interpol en el Movistar Free Music Escribe: Martín Tejada Fotos: Facundo Gaisler (Gigriders)

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espués de una semana en la que Buenos Aires estuvo trazada por el rock-garage renacentista modelo 2000 y el noise seminal que fecundó el rock alternativo de los ’90, a partir de la presentación de sus mayores exponentes, el círculo se cerró, la noche del viernes, con la revalorización del post-punk a manos de Interpol en el Anfiteatro de Puerto Madero.

Delicias de la vida traídas a nosotros por las compañías de celulares, que –a esta altura– ya vienen siendo algo así como los filántropos de nuestros oídos.

Tras la presentación de la banda local Laissez Faire y los Inspiral Carpets –con un set más británico que la abadía de Westminster–, el cuarteto neoyorquino irrumpió en escena alrededor de las 21:50 con Success, en un marco de oscuras luces azules y murciélagos revoleteando cerca del escenario. Un inicio sobrio y medido, a tono con la elegancia de la que hacen gala desde lo sonoro y lo estético… porque, hay que decirlo, no son muchas las bandas que afronten shows tan sudoríparos con saco, camisa y zapatos. En un prolijo español Paul Banks saludó con un “Buenas noches” antes de dar paso a Say Hello To The Angels, y esa montaña rusa de cambios de tiempo comandada por la guitarra de Daniel Kessler y el bajo de Brad Traux (segundo reemplazante tras

la salida de Carlos Dengler), complementada con Sam Fogarino en batería y Brandon Curtis en teclados.

La comunión con el público –o al menos una buena parte de él– se estableció al instante a pesar de la heterogeneidad de paladares propia de los recitales gratuitos: entre esa pequeña masa de público de ‘reposera y conservadora con birras’ estaban los seguidores leales coreando la línea de guitarra de Narc, apaciguada por el protagonismo del bajo, y tal como sucede en buena parte de su obra.

El resto se apoyó sobre el canto de Banks, nacido de esa gola entre melodramática y lasciva, que subsiste como mantra fuera de las consolas de estudio.

Despojados de escenografía, y con una iluminación minimalista, la puesta general se nutrió del apilamiento de los climas y circunstancias de cada interpretación como si, en definitiva, nada más importara. Tanto como para que en medio de Hands away el bajista se prenda un cigarrillo y el gesto pase desapercibido entre el humo (de las maquinas) y los acordes. En Rest my chemistry, Kessler se aseguró de que la guitarra tuviera su propio fraseo a pesar de la cuerda rota en la del vocalista y su posterior molestia socarrona en spanglish.

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El contenido neto del show se constituyó a partir de los dos primeros discos Turn on the bright lights y Antics, ese tándem fructífero que delimitó las bases de su sonido para todo lo que vendría, con distinta suerte, después. The New, perteneciente a su opera prima, sonó como una interpelación a Joy Division desde la lógica de urgencia que rige a la música de hoy mientras el falsete emblemático de Evil (Rosemary… heaven restores you in life) fue casi una suerte de homenaje implícito a Ian Curtis.

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sutilmente que no alcanza a tener un nombre propio; Specialist y, por último, Obstacle 1 en un rapto súbito que aumentó las pulsaciones en un encore, quizás algo breve, donde faltaron temas con cierta carga antológica. No estuvieron PDA ni Stella “la del bajón constante” pero el hecho, o la curiosa virtud, de no estar sujetos a un hit impostergable que todos sepamos les permitió valerse de otras armas para disipar las exigencias. Otro caso resuelto por Interpol.

Antes de la primer despedida, Paul agradeció estar en suelo argentino con nosotros. “guapos y guapas”, en *Interpol se presentó en el Anfiteatro de Puerto Madero el coincidencia con el final de una gira que acumuló 200 viernes 11 de noviembre de 2011. shows durante el lapso de dos años. Tras la retirada diplomática, llegarían los bises con Untitled, y esa pieza arrolladora que entra pateando puertas y espíritus tan

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FESTI LAPTRA: los buenos de verdad Escribe: Bárbara Pavan Fotos: Nadia Guzmán

Laptra pero también plantaron la semilla para el mañana, con un sonido que promete.

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n sello puede hacer muchas cosas por una escena independiente (aunque suene contradictorio). Para Buenos Aires y La Plata, uno de esos sellos emblema es Laptra Discos, que el pasado sábado convirtió su historia en una fiesta en el Festi Laptra, una colección de bandas en vivo juntas para celebrar el aniversario del tigre.

Con un line-up atractivo aún para las personas que desconocen a gran parte de los grupos más allá de los exponentes del género, el Festi Laptra fue una oportunidad para descubrir, saborear e hincar los dientes sobre las muestras más refrescantes del “sonido” (¿podremos describirlo?) actual de las bandas platenses y porteñas.

Desde los icónicos El Mató a Un Policía Motorizado, encargados de cerrar la noche, hasta los nóveles Mapa de Bits, el festival se extendió por horas que parecieron minutos en la meca musical de Niceto Club.

Un rato después, el juglar platense Javi Punga tomó por asalto el escenario principal, con un recorrido austero pero gigante en sonido de sus últimos trabajos, entre los cuales se destaca El Amor es Todo. La canción Tanta Belleza fue la elegida para dar el puntapié inicial, pero de su breve set se destacó también Millonario, en la que se lucieron el guitarrista y el bajista, implantados directamente desde la década de los ’70 como imitadores asombrosos de Mick Jagger e Iggy Pop. Javi Punga (con flamante corte de pelo incluido) ya había dejado el ambiente templado para el show que vendría, ciertamente el mejor de la noche y el que más puede ser clasificado como fiesta. Los 107 Faunos subieron al escenario de Niceto cuando aún no había tocado la campana de las diez, pero hicieron sentir a la audiencia (que ya durante el show de Punga se había multiplicado) como si fuera bien entrada la madrugada, y estuviéramos todos con copas y alegrías de más.

Los Faunos iniciaron con la genial El Imán de lo Nuevo, uno de los caballitos de batalla de su último larga duDespués del paso de Tom y La Bestia Bebé por el es- ración, Creo que te amo. De este disco, el colectivo cenario secundario, los chicos de Mapa de Bits toma- platense también lució Movimiento de las Montañas, ron el escenario principal de Niceto apenas pasadas para cerrar con un multitudinario (ampliaremos) Los las ocho de la noche, para presentar las canciones que Amigos del Mal. Para Noche Spooky Tropical, uno de forman parte de su más reciente y hasta el momento sus mejores esfuerzos, contaron con la participación único EP, Barra Brava. Con su noise descontracturado en vivo de Santiago Motorizado en voces, y el joveny lúdico, demostraron por qué son la nueva banda de císimo pero desbordante en talento Tifi Rex (de Los

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Reyes del Falsete) en batería. Motorizado y compañía se quedaron coreando los himnos de los Faunos, aunque sin micrófono, hasta que la banda abandonó el escenario dejando al grupo con ansias de más.

Después de los 107 Faunos, los instrumentales Go-Neko! inundaron los parlantes de Niceto con su post-rock/ noise que no tiene necesidad de palabras. Presentando su último disco Los Malos de Verdad, incluyendo como escenografía al personaje de su LP (menos terrorífico sin estar en el papel), Go-Neko! dio un show impecable, con un poco más de duración (o al menos eso pareció) que las bandas anteriores. Sirvieron para bajar un poco los ánimos extáticos de la audiencia, que serían nuevamente despertados por el show de El Mató a un Policía Motorizado.

Encargados de cerrar la velada, la legendaria banda platense (y grupo de cabecera de Laptra Discos) también fue, como el resto de las agrupaciones que se presentaron, impecable con el horario. Con visuales pertenecientes al documental Forces of Nature de la National Geographic, el grupo dio comienzo al show con La Vida de los Santos, y no pasaron demasiadas canciones para que los espectadores se agitaran coreando las letras de Chica Rutera.

Después de El Próximo Movimiento, Día de los Muertos, Terrorismo en la Copa del Mundo y Doctora Muerte (temas interrumpidos por ocasionales agradecimientos a Laptra), la banda se despidió con Noche de los Muertos. Sin embargo, no sería este el final del show: todas las bandas se unieron en el escenario para una última interpretación del clásico de Italia ’90, originalmente interpretada por los pop stars Gianna Nannini y Edoardo Bennato, pero que tomó una veta más argenta para acoplarse al noise de los grupos de Laptra. Acompañados por otros personajes, los grupos interpretaron a coro Noches Mágicas, y ese fue el fin.

Mientras algunos se quedaron deseosos de otros hits como Sábado, las bandas fueron, nuevamente, impecables, y Laptra no podría pedir un mejor festejo. Brindamos por su aniversario y deseamos muchos (pero muchos en serio) discos más.

* El Mató a un Policía Motorizado, Go-Neko!, 107 Faunos, Javi Punga y Mapa de Bits se presentaron el sábado 12 de noviembre en Niceto Club.

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DISC

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– M83 – Hurry Up, We’re – Dreaming (2011)

Anthony Gonzalez empezó a grabar bajo el nombre M83 en 2001, año en el que sacó su primer disco homónimo sin pena ni gloria. El francés empezó a dar de qué hablar recién en 2003 con Dead Cities, Red Seas & Lost Ghosts, ganándose el agrado de la crítica y público internacional. Este segundo disco partía del proyecto bailable con el que Gonzalez había empezado para adentrarse en un territorio en donde el shoegaze y el pop electrónico se englobaban en una sola entidad. Discos futuros mostraron cómo M83 se quedaba solamente con el reverb en los suspiros y profesionalizaba esta orientación dream pop-era.

Considerado como Gonzalez mismo como su obra maestra, el disco doble Hurry Up, We’re

Dreaming marca los 10 años de carrera del músico europeo.

Tomando como influencia sus giras con the Killers y Kings of Leon, Gonzalez se vio listo a hacer su propio disco orientado al rock y pop de estadios, esa cualidad que tanto elogiamos de bandas como Arcade Fire o Broken Social Scene, pero raramente se predeciría de M83. Para esto, bien desde el principio del disco, los coros y gritos heroicos en la introducción marcan un antes y después para todo aquel enamorado de las voces secretas e inocentes sobre la musicalización poderosa con la que M83 se había dado a conocer.

Con el pasar de los 73 minutos de duración del disco y a medida que uno se acostumbra a escuchar a Gonzalez cantar muy parecido al Followill líder, empiezan a surgir otros elementos vírgenes en la discografía del músico.

Saxos no tardan en llegar para cerrar ese ambiente ochentoso lleno de guiños de teclados y guitarras glams esperándote a la salida; o la melancólica

Wait, sorprendiendo con acústicas. Las cuerdas vuelven a aparecer en el interludio de la segunda parte, Year One, One UFO acompañándolas de manera nata un escapismo rural bastante fuera de lugar en el contexto nocturno y sintético en el que el disco está sumergido (o por lo menos antes de explotar en guitarras eléctricas y teclados).

Ambos discos de Hurry Up, We’re Dreaming se pueden analizar como hermanos: los dos tienen cierres y finales, unos pares de interludios ubicados en mismas partes, el single claramente posicionado como segundo tema, entre otras similitudes. Este espejismo refuerza de cierta manera la, de otra manera, débil conceptualización del disco doble, en la que Gonzalez juega con el contraste de la percepción preconsciente de una noche fantástica y, y la distorsión inconsciente del sueño surrealista. Sin embargo, esta comparación puede que no se respete a lo largo del trabajo, producto de la vaga conceptualización

al inspirarse de otros discos dobles como Mellon Collie and the Infinite Sadness.

Desde el primer single, Midnight City, no es muy difícil señalar los posibles futuros cortes de difusión que le seguirán: Gonzalez desarma y vuelve a armar la idéntica estructura musical por lo menos ocho veces más (Claudia Lewis, New Map, OK Pal, pero no tiene mucho sentido seguir spoileando), apoyándose en los mismos juegos de teclados y coros sin los que varios de estos temas no funcionarían por separado. La imaginación de M83 sigue creando momentos resaltables, y varios de éstos tienen en común la falta de preocupación en que el tema sea memorable por todas las razones equívocas.

Canciones como This Bright Flash y su hermana Echoes of Mine, con sus baterías potentes y los teclados sumergibles, funcionan dentro y fuera del contexto ambicioso del disco por ser solamente una intermisión, una transición hacia “los verdaderos hits”. En esta búsqueda por la “canción

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COS

REVIEWS

pop perfecta”, Gonzalez se pierde del viaje por no esperar a ver otra cosa que el destino.

Puede ser de hipócrita desvalorizar al disco tomando como puntos vulnerables lo falso que puede llegar a parecer el aura de “épica obra electrónica doble conceptual”, cuando la razón inconsciente detrás del desagrado es que varios de los que empezamos a escuchar M83 fue por el shoegaze simple pero innovador. Igualmente, una vez que se deja de ver a Hurry Up, We’re Dreaming como un monstruo de consumismo masivo y se lo empieza a tratar como un trabajo parcialmente honesto, resulta en una de las novedades más disfrutables del año.

– EO.

– El Hipnotizador – Romántico – El Hipnotizador – Romántico (2011)

Los ex miembros de Mataplantas parecen estar empecinados en que no extrañemos ni un poco a la banda creadora de El sueño del hombre pulpo. A principios de año, vimos cómo uno de los proyectos post-separación, Cosmo, deslumbraba con canciones de amor a veces ingenuas, a veces inquietas. Allí el centro era el cantante y guitarrista Pablo de Caro, quien había compuesto enteramente el material. En este mismo 2011, El Hipnotizador Romántico, otro satélite del complejo planetario mataplantense, da a conocerse en público. Esta vez el bajista Maximiliano García (que también participa en Cosmo) es el principal responsable.

Grabado por Mariano “Manza” Esaín (Valle de Muñecas) y producido por el mismo García, el debut homónimo de El Hipnotizador Romántico se arraiga primordialmente en instrumentación acústica, que va desde vihuelas y mandolinas hasta un arsenal de vientos ostentosos. La agrupación se denomina a sí misma como “los gitanos”, y en el disco se escucha bastante ese aire de trotamundos, por momentos hasta cercano al de una banda de trovadores circenses errantes totalmente descocados por culpa del romance más risueño.

“Se me vuela la cabeza cuando me haces falta, vivo las horas sin días”, entona Maxi García casi entre dientes en Movimiento floreado, en una canción con cierto tono épico que la eleva a un status de momento destacado dentro del disco, y una de las tantas que (como pasa también con Cosmo) desvarían sobre cuestiones del corazón, que a veces son señaladas como problemas patológicos: “Es como estar enfermo estar enamorado” dice uno de los versos de la preciosa Navegantes

de energía, y uno no puede sino asentir con algo de resignación.

Sin embargo, el ánimo que gobierna en este debut homónimo es, salvo en instantes como Si un cometa es nada que perder… o la ya mencionada Navegantes de energía, el del buen humor, a veces atiborrado de un optimismo engañoso y otras, apropiado. Isla bonita (otro punto cúlmine de la obra), en este sentido, hechiza con una melodía tropical asombrosamente contagiosa, y cuenta con posiblemente el mejor aporte de la vocalista Rocío Maquieria. Y así como Trinidad es el refugio para el amor en esta última canción, El hipnotizador romántico carga en su disco debut con varias canciones ideales como guarida sentimental de cualquier sujeto enamorado o al borde del colapso amoroso. *El Hipnotizador Romántico comparte para escuchar y descargar de forma gratuita su disco debut en su página de Bandcamp.

– EP.

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– Coldplay – Mylo Xyloto (2011)

Diez años pasaron desde su segundo disco y éxito comercial A Rush of Blood to the Head, y las cosas para Coldplay han ido en constante crecimiento desde ese entonces. Como abanderados de ese sonido pop rock que los caracteriza y que muchas bandas en esta década intentaron imitar, la originalidad de su música los ha mantenido en un lugar privilegiado en los más altos lugares de la escena de la música mundial.

Además, ese sonido magnánimo y teatral parece haberse incrementado a la enésima potencia desde que el gran Brian Eno los produce (es decir, desde Viva la Vida or Death and all his Friends, 2008). Con todo, Mylo Xyloto, su nueva placa, continúa la línea de su anterior lanzamiento, pero con el intento de inflar más esa pompa que los ha caracterizado en el último tiempo y que los aleja cada vez más de su sonido inicial, enmarcado dentro de esos difusos parámetros del rock alternativo.

El álbum, con la producción digna de una megabanda, es todo lo que quiere ser: grandilocuente, explosivo, emotivo, apto para corear en estadios. Detrás de una serie de fuentes de inspiración que Chris Martin fue citando a medida que el hype del nuevo

LP iba creciendo (un par de enamorados, la recesión, la cultura del graffiti), hay una colección de canciones que quizás pecan en ser demasiado masticables y hasta por momentos empalagosas pero que, sin embargo, conforman un disco totalmente sólido y que, gracias a su variedad de capas de teclados, cuerdas y percusión, lo posicionan como uno de los más compactos de la carrera de la banda inglesa.

Catorce son los tracks que componen Mylo Xyloto, de los cuales tres son una suerte de intervalos, ya que en definitiva a la distancia no se lo ve tanto como un álbum conceptual. Los puntos altos son Major Minus, Up in Flames, Don’t Let it Break in your Heart y Up with the Birds. La parte incómoda es el tema grabado con Rihanna, más que todo porque parece un tema de ella y no de la agrupación británica; y los singles que casualmente reinciden en los homenajes a otros temas, pero que a pesar de esto no malogran el resultado de éste, el quinto disco de estudio de Coldplay.

regresan con Música Total, su segundo álbum de estudio y sucesor del sorprendente debut Grandes Éxitos (2009).

En esta oportunidad el sexteto de Bernal nos vuelve a presentar una fórmula similar a la ya conocida en su anterior LP: melodías country/folk, guitarras britpop y letras ciclotímicas que oscilan entre la alegría y la amargura. Pero no nos engañemos, aunque en apariencia uno podría pensar que está ante más de lo mismo, Música Total es mucho, pero mucho más que eso.

El álbum sorprende con una cuidada y prolija producción, donde los sutiles arreglos de cuerdas y vientos envuelven a las canciones de una profunda belleza, tejiendo un lienzo sonoro ideal para el desarrollo de la voz de Roy Milan Johansen. Esta evolución sonora se hace muy evidente en canciones como Tiempo Ahorrado –una de las piezas más bellas del disco– una auténtica perla Beatle made in conurbano sur, y en menor medida en la canción encargada de cerrar el álbum, Agua Mineral.

Un aspecto importante para destacar, y en donde también se percibe una notable evolución con respecto a Grandes Éxitos, es en el cuidado por las armonías vocales. Ahora los coros tienen una presencia mas limpia, realzando la fuerza de los estribillos hasta el punto de volverlos fácilmente memorizables y cantables, como sucede en otro de los puntos altos del álbum, La Voz Del Interior.

Los 40 minutos de duración de Música Total son ampliamente placenteros de principio a fin, corroborando aquellas sensaciones positivas que despertó Excursiones Polares con su álbum debut, y que la ubican indudablemente como una de las bandas mas atractivas en el panorama de la música independiente nacional.

– JPL.

– Los Ellos – Compilado en Homenaje – a “El Eternauta” (2011)

– MF.

– Excursiones Polares – Música Total (2011)

Tras dejar atrás una espera de casi dos años, los muchachos de Excursiones Polares

Otra de las improntas distintivas de la banda es su afición por los sonidos country/folk y en Música Total no podían estar ausentes: la campirana apertura con Impostor!, la maravillosa guitarra slide de Radiante, el singular banjo en el vals Mi Indecisión o la mezcla de country y rock sureño en Ay de Mí, podrían llegar a confundir a algún oyente despistado sobre si Bernal es la capital del estado de Tennessee.

Todo comenzó con una extraña nevada que tiñó todo de muerte. Así es el puntapié inicial de “El Eternauta”, uno de los clásicos menos discutidos de la cultura local. Durante los últimos años se le dio una importancia más grande a los aspectos políticos (investidos en su gran mayoría en el volumen 2 del relato), y

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menos a las partes fantásticas de la historia. Quizás, muchos de nosotros (sé que yo lo he hecho) nos hemos preguntado cómo se escucharía la banda sonora de este mal llamado “comic”, y pasamos horas leyendo y releyendo las páginas del Eternauta con la compañía de Sonic Youth, Radiohead, Snow Patrol, Sumo, y muchas bandas más que parecían adaptarse al concepto de la historia.

Aquel universo fantástico y distópico del Eternauta, aquella novela gráfica de Héctor Germán Oesterheld que marcó para siempre la cultura argentina de las últimas décadas, finalmente tiene tratamiento musical de la mano del sello platense Concepto Cero.

Los Ellos es un compilado en homenaje a la obra de Oesterheld, con la participación de algunas de las bandas más relevantes de la escena independiente local. Pero lo más importante de todo es que Los Ellos otorga esa debida “banda sonora” a las páginas del Eternauta, de una forma impecable (e implacable).

Los Ellos, esos entes desconocidos (alerta de spoiler) que comandaban la invasión a la Tierra desde algún lugar, torturando el miedo de los Manos y transformando a los hombres en simples robots a comandar, son decididamente más malévolos que los Ellos de este disco. El compilado está craneado por uno de los sellos más prometedores, y con las canciones de bandas como normA, La Perla Irregular, Brahmán Cero y otros de los que ya hablaremos.

El disco comienza con A.H.G.O., una interpretación tremenda a cargo de los quilmeños Excursiones Polares, quienes le dan un arranque enérgico, con un excelente trabajo de guitarras, y continúa con En El Aire, de La Patrulla Espacial, un intento más blusero que ya nos mete de lleno en el universo de la novela: “algo nos despierta/y todo empieza a brillar/flota un veneno en el aire/y algo en el aire obliga a respirar”. El disco cuenta con 18 canciones y ninguna se queda detrás de este arranque que nos deja sin respiro, listos para “morir cantando”, como rezan las letras de Quien Te Ama, Te Odia, de La Perla Irregular.

Para cortar un poco con el romance acústico y melódico, está La Guerra Psicológica, de El Perrodiablo, uno de los conjuntos con más energía de los últimos años, que también aporta lo suyo con vocales desesperantes y una guitarra a la que casi no podemos seguirle el paso. También Fútbol se despacha con El Asedio de River (para los fanáticos, uno de los capítulos más emocionantes de la novela gráfica), que con un comienzo lento y con violines, es el soundtrack perfecto e instrumental para la agitación autoinducida que podemos apreciar en El Eternauta.

Oesterheld fue asesinado antes de que pudiera terminar su obra, después del alto contenido político del volumen 2 de la saga, insertado magníficamente en un mundo post apocalíptico donde los humanos son reducidos a meros salvajes en taparrabos

y al que Juan Salvo llega de la misma manera accidental en la que se convierte en un héroe. Como dicen Diego Boris y Cristian Aldana en el hidden track de Los Ellos, Todos Somos Juan Salvo, ese héroe colectivo que nos enseñó a pensar en las historietas como pensamos la poesía: un arma cargada de futuro, como bien dijo Gabriel Celaya. Y, por qué no, tomar la música y vaciar el cargador sobre nosotros mismos.

– BP.

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Pero la juventud tiene que crear escribe: carla fumagalli ilustra: pablo caro

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J

ames Blake conoció la fama en el 2009 con el éxito de su single Air and Lack Thereof. Tenía tan sólo 21 años. Hoy, dos años más tarde es una de las promesas del dubstep británico.

Gracias a Gilles Peterson, Blake salto al estrellato participando de un show internacional a manos del DJ inglés. Poco tiempo después lanzó un EP titulado The Bells Sketch con tan sólo tres canciones. En mayo del 2010, un tercer vinilo salió a la venta: CMYK, que para septiembre era “disco de la semana” en la BBC. En diciembre, su versión de Limit to Your Love de Feist había sido seleccionado como Hottets Record in the World por el DJ Zane Lowe, además de ingresar en la encuesta de Sound of 2011 de la BBC. En enero se supo que el joven músico se había posicionado en el segundo lugar. Todo esto en menos de dos años.

Su primer LP homónimo tuvo una gran acogida en los charts internacionales con canciones increíbles como Unluck o The Wilhelm Scream. Otro track que realmente vale la pena sentir es I Never Learnt to Share. Lo novedoso, creo, es la introspección y la sencillez de las letras mezcladas con rayos láser, luces de colores y sonidos de otro planeta. Demás está decir que los niveles de su voz y las grabaciones superpuestas en armonías

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inesperadas (como en Lindesfarne I) son el caballo de batalla que oculta en sus entrañas las virtudes de un compositor mancebo.

Muchas de sus canciones son como cajas chinas o muñecas rusas. Una adentro de la otra. Si escuchamos sin ver el tracklist, pensamos que es un disco que en lugar de tener once temas tiene, por lo menos, treinta. Cada una parece una parte de un todo que nunca se completa, una explosión de piezas musicales que aleatoriamente cayeron con la densidad del plomo. Canciones que estallan, y otras como Give Me My Month despliegan su virtuosismo como pianista sin un solo instrumento electrónico. ¿Pero cómo, no era dubstep esto? Bueno, sí y no. La música electrónica ahora es toda la música. Los efectos y sonidos agregados plagan todo y es para bien. Enriquecer y abultar, esas son las premisas, sino escuchen Measurments, la obra final que combina el gospel con el sintetizador más sutil del disco.

Sin embargo, no es fácil poder vivir a la altura de las expectativas que una carrera meteórica como ésta siembra en los oyentes. Después de haber compuesto esto a una edad tan temprana, sólo esperamos que Blake siga subiendo. Muchos críticos de música no lo creen posible. El disco resultó, para muchos, una baja de la

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conocer y a quien, sin embargo, le sobran vivencias, es la manera en que el mercado se renueva. Tanto en la literatura como en la música, cuando hay talento, no hay mejor momento para cosecharlo que el presente, y eso James Blake lo sabe muy bien.

Encontrar un nicho no es fácil, nunca lo fue, pero en este siglo de sellos y subsellos, la competencia por entrar al mainstream, es decir vivir de la música, no es calidad desde los EPs y supieron, casi inmediatamente, menor. Lograr a los 23 años que Universal no maniculparlo a la falta de experiencia del compositor. pule sus demos y terminen como él quiso en el disco es algo para rescatar. Quizás en la juventud del compoSi bien es cierto que la juventud es muchas veces si- sitor reside la habilidad para todavía sentir la música nónimo de carencia, en el arte nunca lo fue. Sino, y no pensarla. En una entrevista con Pitchfork, Blake recordemos brevemente que Mary Shelley escribió dice: “Estudié música en la universidad y tengo la capaciFrankenstein a los 19 años. O que el increíble poeta dad de analizarla, pero después puede pasar que te dejes Dylan Thomas publicó sus versos más maduros a los de conectar con la gente para la que la estás haciendo. La 20 años. Kenzaburo Oé, novelista japonés galardona- gente huele la deshonestidad”. do con el Premio Nóbel en 1994, escribió su primera novela Arrancad las Semillas, Fusilad a los Niños a Blake tiene mucho para dar y, honestamente, valdrá los 23. O cómo olvidar la obra póstuma del genial John la pena ver qué descubre en su viaje como músico adKennedy Toole, La Conjura de los Necios, escrita a venedizo a una escena que no siempre se renueva para sus escasos 25 años. bien, donde la experiencia no es parangón de éxito, ni la corta edad garantiza novedad.

Toole incluso decidió quitarse la vida al no conseguir quién se la publicara. Su madre, más de quince años más tarde, consiguió lo que su hijo no pudo valiéndole el Premio Pulitzer en 1981.

Rimbaud escribió varios de sus más famosos poemas a los 17. Roberto Arlt escribió El Juguete Rabioso a los 26 y Borges acuñó Inquisiciones y Fervor de Buenos Aires antes de los 25 años. Todos ellos son ejemplos de que la madurez artística y la vital poco se relacionan. La sensibilidad de aquel que aún tiene mucho por

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el yin y yang de la producción musical

Escribe: Juan Pablo Lima

Ilustración: Judith Gómez Machado

C

uando se menciona la importancia de un álbum, o se habla del sonido de una banda o de la capacidad de un artista para expresar sus sentimientos en forma de canciones, injustamente se suele relegar a un segundo plano a la figura del productor musical. Se trata de una pieza fundamental en el armado de un álbum, él es el máximo responsable en el control de las sesiones de grabación, en la dirección creativa y en el proceso de masterización, y un elemento crucial en el armado del producto final que llega a nuestros oídos. Sin lugar a dudas, la función del productor musical es trascendental en muchas de las grabaciones que disfrutamos a diario de nuestras bandas favoritas, aunque en la mayoría de los casos sus nombres permanezcan en el ostracismo.

A veces suele suceder que, mientras escuchamos atentamente discos de bandas o solistas -incluso de diferentes géneros musicales- que aparentemente no tienen mucho en común, por alguna razón hallamos puntos de contacto entre unos y otros. Un determina-

do sonido, una distintiva mezcla sonora o un arreglo en particular rebota en lo mas profundo de nuestro subconsciente y nos remite a algo que ya oímos, o creemos haber oído. Pero… ¿Que pueden tener en común Nirvana y Jarvis Cocker? ¿Qué ligazón puede existir entre The Cranberries y Babyshambles? En estos casos como en muchos otros, la respuesta es simple: un productor musical. Y si nos dedicamos a rastrear entre los productores de los discos más emblemáticos de los últimos 25 años hay dos nombres que se repiten incesantemente: Steve Albini y Stephen Street.

Albini y Street son la antítesis perfecta, el agua y el aceite, el yin y el yang. Sus metodologías son absolutamente contrapuestas e igualmente exitosas. Steve Albini es un fundamentalista del equipamiento analógico, rechaza el uso de cualquier tecnología digital en el proceso de grabación y su mayor virtud es la de captar la sonoridad de una banda del modo más natural posible (aunque eso implique más de una desprolijidad): su labor fue fundamental para el desarrollo de la

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Steve Albini

escena del rock alternativo norteamericano de finales de los ´80 y principios de los ´90. Stephen Street, por el contrario, aporta la precisión, la sutilidad y la delicadeza del sonido pop/rock británico de los últimos 25 años, convirtiendo casi todo lo que toca en productos comercialmente exitosos. Además, él es uno de los principales artífices de la identidad sonora del britpop de la década del ´90.

Por supuesto, si hacemos un breve repaso por los trabajos más importantes de cada uno, vamos a comprender mejor la dimensión de ambas figuras. El californiano Steve Albini hizo ruido –nunca mejor dicho– en 1988 con la producción musical del aclamadísimo Surfer Rosa, segundo álbum de los Pixies. En esta obra, Albini utilizó técnicas de grabación algo inusuales para la época, como filtrar la voz de Black Francis a través de un amplificador de guitarra, o grabar parte de las vocales en un baño del estudio de grabación.

Aunque su mayor aporte sin lugar a dudas, fue generar el ambiente acústico ideal para que la banda pueda explotar su combo de rock pesado y ruidoso con sensibilidad pop. En 1990 se hizo cargo de la mezcla de Pod, álbum debut de The Breeders, banda liderada por la bajista de Pixies, Kim Deal. Tanto Surfer Rosa como Pod influenciaron enormemente a Kurt Cobain, quien se basó en ambas obras para componer las canciones que formarían parte de Nevermind (1991). La admiración de Cobain hacia Albini desembocó en la contratación del productor para la grabación del tercer LP de Nirvana, In Utero (1993): su participación fue fundamental para dotar al álbum de un sonido áspero, agresivo y violento. También en 1993 contribuyó en Rid of Me, el despegue definitivo de la carrera de PJ Harvey.

Aunque recién en la década del 2000 su nombre volve-

ría a estar en boca de todos gracias a sus valiosos aportes en Gypsy Punks: Underdog World Strike (2005) de Gogol Bordello, y fundamentalmente en 2009 con Further Complications de Jarvis Cocker, y en el que quizás sea el mejor álbum de Manics Street Preachers en toda su discografía: Journal For Plague Lovers.

Una de las características mas loables de Albini es su predisposición para trabajar junto a aquellos artistas que logran despertar su interés, independientemente del cartel que tengan, cuenten o no con el apoyo de un sello multinacional: entre la infinidad de discos de bandas independientes a las que produjo se encuentran los argentinos Fun People. Su álbum The Art(e) of Romance (1999) tiene el privilegio de haber sido grabado y mezclado por el ingeniero de sonido californiano, y sobre esta experiencia Nekro –líder de la extinta banda– le confesaba a Inrockuptibles en abril del `99: “Les mandamos nuestros discos y a los dos meses nos dijo que aceptaba, pero tenía sólo 6 días libres en todo el año. Fuimos directo a la casa de Albini, que nos dio un espacio donde vivir, repleto de videos para mirar, billares, juegos, hasta una máquina de pochoclo. En cinco días terminamos de componer el disco, grabamos y mezclamos, y hasta tuvimos tiempo de ir a tocar al Fireside Bowl en medio de la mezcla”.

Por su parte, el londinense Stephen Street empezó a pisar fuerte en la escena británica coproduciendo el último álbum de estudio de The Smiths, Strangeways Here We Come (1987), su labor fue fundamental para cambiar la dirección de la banda hacia un sonido más fresco y vigoroso, sin resignar el éxito comercial: el álbum alcanzó el puesto Nº2 en los charts británicos.

Una vez disuelto The Smiths, Street continuó ligado

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Stephen Street

a su líder, Morrissey, a quien le produjo su fantástico debut en solitario Viva Hate (1988). Sin embargo, su leyenda se terminaría de forjar en la década del ’90 de la mano de Blur: en Modern Life Is Rubbish (1993) y fundamentalmente en el exitoso LP Parklife (1994), Street fue un factor clave en la transición sonora de la banda, que en sus comienzos tenía toda la impronta del sonido madchester, para luego acoplarse a la tradición del rock/pop británico de toda la vida, con obvias referencias a The Kinks. Paralelamente sus labores como productor musical también se vieron ampliamente retribuidas con el suceso de ventas alcanzado por los dos primeros discos de The Cranberries, Everybody Else Is Doing It, So Why Can’t We? (1993) y No Need to Argue (1994). A partir de ese momento el nombre Stephen Street fue sinónimo de éxito comercial.

En los últimos años, una de las mayores proezas de Stephen Street fue pulir el talento de ese diamante en bruto llamado Pete Doherty. Tanto en la producción musical de Shotter`s Nation (2007) –segundo álbum de su banda Babyshambles–, como en su debut en solitario titulado Grace/Wasteland (2009), Street logró aplacar el caos reinante del controversial músico, obteniendo resultados maravillosos en ambas producciones. Sobre el desafío que significó sacar a la luz la mejor faceta del ex líder de The Libertines, el productor le confesó a la revista NME: “Creo que él (Doherty) tiene mucho talento pero estaba oculto bajo la niebla de la adicción, y estuve tratando de comunicarme desesperadamente con el joven inteligente y bien leído que hay debajo de todo eso. Yo quería demostrarle a la gente que Pete puede hacer un disco decente”. Vaya si lo demostró.

Por supuesto, tanto Steve Albini como Stephen Street

produjeron y siguen produciendo a una enorme cantidad de bandas que por cuestiones de espacio fueron injustamente omitidas en esta columna. Lo importante es que más allá de los distintos intereses que mueven a uno y otro, o de sus diferentes metodologías de trabajo, el resultado final (el álbum) nunca defrauda. En ese sentido, Albini y Street son garantía de calidad en cualquier grabación que lleve sus firmas.

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A

comienzos de 1969, secuestrado y detenido ilegalmente por la dictadura militar brasileña, un joven compositor brasileño, todavía no del todo seguro de ser músico, tararea una melodía instintiva e improvisa una letra sobre la sonrisa de su hermana Irene, a la que extraña tanto como a su Bahía natal. Es el instante en el que comienza a crearse un disco que vería la luz ese mismo año, llevando el nombre mismo del compositor, liberado poco tiempo después pero forzado al exilio y el desarraigo por el poder propio de su música.

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la Tropicália (o tropicalismo, mote que los integrantes del movimiento descartan a favor del anterior). Antes que él, cronológicamente y en importancia, se encuentran los discos debut de Gil, Os Mutantes y el propio Caetano, además del compilado Tropicália: ou panis et circencis (1968). Todas las bases y manifiestos de la Tropicália ya habían sido instaurados para cuando el Álbum Branco* vio la luz: la mixtura de los géneros folklóricos del país vecino con la instrumentación y texturas tomadas del rock y la psicodelia, la incorporación de técnicas y experimentaciones sonoras provenientes de los laboratorios de la música académica de vanguardia, los palíndromos y arquitecturas textuales de la poesía concreta. Fundamentalmente, la razón por la que el Álbum Branco destaca es porque reafirma que esas integraciones se dieron de manera orgánica y no como meras yuxtaposiciones, aún cuando su realización oculta de manera mágica la desarticulación originaria de sus elementos.

En el momento en que a Caetano Veloso y Gilberto Gil se los llevaron de sus casas a la cárcel, esos jóvenes ya eran reconocidos como las cabezas pensantes y ejecutantes de la Tropicália, el movimiento que ejecutaría a su turno la profecía que la música popular brasileña tiene reservada para todas las generaciones que se le integran desde la bossanova en adelante: revolucionar su panorama mediante la mezcla sincrónica y sintética de las tradiciones centenarias y la incorporación de las corrientes más de avanzada del momento.

Confinado en Salvador, con la entrada prohibida a los centros de producción musical de su país (Río de JaIrene abre el disco Caetano Veloso, de 1969, que ocupa neiro y San Pablo) y debiendo presentarse diariamente un lugar de alguna manera secundario en el panteón de a una comisaría a dar parte, Caetano se sentía casi tan

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cohibido como dentro de la cárcel. Apenas fue capaz de enviar las pistas básicas, con Gil tocando la guitarra acústica y él mismo aportando sólo la voz, todavía inseguro de su habilidad instrumental. Aunque estos datos sugieran un álbum frágil y seco, el receptor de las pistas lo transformaría en un disco a la vez intenso y etéreo, floreado y minimalista, sofisticado y simple.

En San Pablo, Rogério Duprat fue el encargado de esa tarea, desde su rol de arreglador y director musical, algo mucho más importante que un productor y que lo colocaba como co-responsable compositivamente del álbum. Duprat, como un George Martin carioca, había comprendido perfectamente las urgencias y aspiraciones de los jóvenes tropicalistas a pesar de ser mayor y provenir de una formación completamente distinta (era músico de vanguardia y había estudiado en Europa con Karlheinz Stockhausen y Pierre Boulez). En soledad, reclutó a los músicos faltantes y arregló los añadidos de guitarra y bajo eléctricos procesados con efectos entonces novedosos como distorsión y whawha, batería, percusiones, piano, órgano y cuerdas, además de capas de efectos y “sonidos encontrados” a la manera de la musique concrète.

Todo alrededor de las cintas originales que habían salido de Salvador se transformó radicalmente: la voz de Caetano, que antes buceaba en el vacío de frecuencias que dejaba la guitarra pelada, ahora swingea para siempre sobre cuerdas y flautas (Lost in Paradise), flota junto a coros de niños en la lisérgica versión de la

* Nombre con el que también es conocido el disco Caetano Veloso (1969).

canción folklórica bahiana Marinheiro só o psicodeliza la marcha-frevo en Atrás do trío elétrico, que se convertiría en clásico instantáneo del carnaval. Mientras tanto, la orquesta y la banda se agazapan y vuelven a atacar, o acompañan, tranquilas y en olas, a la energía que reciben de esa voz ausente a través de las canciones. El inglés de Caetano muestra los dientes en Empty Boat y Lost in Paradise y es tan improvisado como la incorporación de Arturo Toscanini, Ringo Starr y John Lennon en su espectacular versión – castellano impecable mediante– de Cambalache.

Con toda naturalidad, Caetano va del tango a las referencias espaciales de Objeto nao identificado (en el año de la llegada del hombre a la luna), visita el surrealismo funkyselvático y vanguardista de Alfomega, el experimento concreto-lisérgico de Acrílico o las canciones imperecederas como Os argonautas y Chuvas de verao. Toda la paleta de posibilidades sonoras disponibles para un joven brasileño sin mucha experiencia y con mucha curiosidad es explorada en este disco, como si todo Brasil (y la música occidental del siglo XX) pudieran ser procesados y presentados pretendiendo que siempre han sido la misma cosa: el fado, la bossa y el carnaval de la mano de Jimmy Hendrix y Pierre Schaeffer.

La fragilidad persiste, sin embargo, en las letras de varias canciones, sobre todo en aquellas disfrazadas por el inglés, idioma que los tropicalistas hallaban “canino” por la extraña acústica de sus erres y la variedad de sus vocales, frente a la cadencia natural del portugués.

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Caetano se muestra alienado, confundido y temeroso, mostrando todavía los signos del colapso psíquico al que lo había inducido la violencia e indiferencia carcelarias, donde sólo había tenido la compañía de libros de John Steinbeck y Albert Camus. Pero el trabajo de Duprat filtra esa saudade a través de la alegría rítmica y el confort armónico de los arreglos. Aún así, Caetano y Gil terminarían exiliados en Londres y retornarían cuando su música fuera menos amenazante para las autoridades.

En la sinergia de la colaboración Veloso-Duprat (y del clima de época que todo el grupo tropicalista respiraba) se ejecutaba a la perfección el concepto de antropofagia del poeta Oswald de Andrade: más allá del simple eclecticismo y lejos del pastiche posmoderno, la naturalidad orgánica con la que los tropicalistas se adueñaban de todo aquello que los rodeaba (la cultura pop, el rock, el vasto folklore brasileño, la vanguardia académica y artística, el cine de Glauber Rocha) hacían que nada les fuera ajeno: toda tradición está disponible en base al atrevimiento y la voracidad curiosa de los músicos.

Aún a pesar de las resistencias salvajes de sectores conservadores, esto permitió que la Tropicalia formara parte de una línea evolutiva en la música popular brasileña, sin intenciones parricidas y sin querer fundar un nuevo año cero de la misma, a diferencia de lo que ocurría en Argentina (donde Astor Piazzola era abucheado por los tangueros a la vez que los Almendra, Manal y otros pioneros del rock de acá se concebían como “progresivos” respecto de la música “comercial” del Club del Clan, el tradicionalismo estático de gran parte del folklore y un tango anquilosado).

También en parte gracias a esto, discos como el Álbum Branco tuvieron en definitiva más llegada internacional con el tiempo (David Byrne, Beck, Kurt Cobain y Devendra Banhart se cuentan entre sus admiradores), expandiendo la apertura, el descaro y la densidad tropicalistas como un legado fundamental de la cultura sudamericana a la cultura rock internacional.

columnas / miguel molina y vedia

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Malas vibras:

LA MUFA DEL POP BARROCO |PARTE 1|

Escribe: Miguel Molina y Vedia Ilustra: Pablo Caro

P

uede resultar aventurado dictaminar en qué momento las cosas le empezaron a salir mal a Brian Wilson. Detrás de la fachada alegre y superficial del grupo que se cansó de conquistar los charts con canciones dedicadas al surf, los autos y las chicas californianas, Wilson –líder de los Beach Boys siempre que su salud mental se lo permitió– nunca dejó de ser un muchacho tímido y taciturno.

en la que Wilson y una troupe de sesionistas intentaban por un lado emular las cintas originales y por el otro rellenar los tramos que habían quedado evidentemente truncos.

Las Smile Sessions (2011) editadas el pasado 1° de noviembre proponen exactamente lo contrario a aquella versión solista de Wilson: las grabaciones originales de los Beach Boys (también con decenas de sesionistas de aquella época, claro está) sin ningún agregado ulterior.

Aún con la incomodidad que puede suscitar la escucha de fragmentos a medio hacer, esta versión hace palidecer a la remake del ’04, y en ese mismo paso pone de manifiesto que la grandeza presupuesta de SMiLE, que apenas se adivinaba en aquella reconstrucción, no era exagerada. No sólo era otro aquel Brian Wilson del ’66 –aún al borde del desmadre– sino que el ensamblaje armónico de las voces de sus hermanos y su primo Mike Love no son fácilmente emulables. Aunque ellos mismos, sobre todo Love, hayan puesto numerosos palos en la rueda de los proyectos ambiciosos de Brian, y desearan volver a los redituables terrenos del bubblegum pop.

Sin embargo, fue durante las grabaciones del malogrado disco SMiLE (1967) que esta inestabilidad psicológica tuvo consecuencias que fueron finalmente visibles para el gran público: la obra maestra anunciada durante meses, esa oda a la cultura norteamericana (o a Dios, según otras fuentes, ¿o acaso ambas cosas serán lo mismo?) que consagraría a los chicos de la playa como artistas hechos y derechos y dejaría en el olvido sus empalagosos orígenes, esa obra conceptual que debía alcanzar las bateas de las disquerías antes que Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967), The Who Sell Out (1967) o Village Green Preservation Society (1968), nunca fue editada. Hasta este año 2011 en el que SMiLE vio la luz, en varias formas, de las cuales la más voluminosa incluye cinco CD’s y dos discos de vinilo. Y aún en la ampulosa Es sabido que los críticos especializados, los buscadoencarnación bajo la que hoy la conocemos, esta obra res de rarezas y los melómanos tienen una discoteca maestra sigue estando inconclusa. esencial que difiere considerablemente de la del gran público. La idea de una obra maestra inconclusa que En 2004 Brian Wilson –en modo rehab símil Charly– lleva a la locura a su creador es demasiado atractiva ya había presentado en vivo primero y regrabado des- como para que los primeros la desechen: lo increíble de cero en estudio después, una supuesta versión de- en el caso de SMiLE es que ese objeto anhelado y elusifinitiva de esta pieza legendaria. De todas maneras, y vo se acerque en tantos momentos al discurso ilusorio a pesar de haber reclutado al letrista Van Dyke Parks, que sobre él se construyó a lo largo de más de cuatro con quien había co-compuesto varias de las canciones décadas. Condición que, con matices, esta pieza maldita de SMiLE en 1966, se trataba de una reconstrucción, comparte con varios de los discos capitales de ese sub-gé-

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nero de la psicodelia que se conoce como pop barroco.

Además de la irrupción recurrente de clavicordios, cuartetos de cuerdas y secciones de vientos inspiradas por la música culta (primordial, aunque no exclusivamente, la barroca), de elaboradas armonías vocales y de la aspiración de producir obras perdurables más allá de los vaivenes del mercado pop, estos discos están hermanados por este destino, acaso desgraciado: elogio de la crítica, desconocimiento masivo, ninguneo de las discográficas, rencillas internas en las bandas, problemas mentales de sus integrantes, y un largo etcétera. Son esas obras cuya eventual aparición en alguna lista de “los mejores discos de la historia del rock”, nos dejaba perplejos y con una sensación de vasta ignorancia. Al menos antes de transformarnos nosotros mismos en melómanos.

La teoría apurada de que el pop barroco era demasiado sofisticado para el gusto masivo puede parecer creíble si nos atenemos al estereotipo de que los elementos del arte culto son inaccesibles al consumidor promedio. Sin embargo, varios hechos desmienten esta conclusión facilista. Desde la descripción del agitado clima cultural de los sesenta, muy bien predispuesto a las innovaciones y el crossover entre lo elevado y lo popular, hasta el hecho de que en la década subsiguiente triunfarían propuestas mucho más complejas o pretenciosas como las del rock progresivo, sin olvidar las resonancias de esa atmósfera rebuscada en productos eminentemente pop, como Queen, Supertramp o Styx. Hasta el coqueteo de los Beatles con el pop barroco en 1966-67 podría esgrimirse como argumento de las potencialidades comerciales del género. Aunque, ¡epa!, el celebérrimo single de Strawberry Fields Forever/Penny Lane, fue el primero en mucho tiempo de los Fab Four que no llegó al tope de los rankings.

La mufa del pop barroco no fue la kryptonita para la banda más poderosa de la historia, pero al menos le rasguño el traje de superhéroes. Otros, con menos espaldas, no tuvieron tanta suerte.

The Zombies era una banda británica entre tantas otras que habían conseguido sus tres minutos de fama (Warhol se quedó corto) con un hit solitario:

en el caso de ellos, She’s Not There, de 1964. En sus primeras grabaciones los destacaban un poco de la media de la época la brumosa y afinada voz de Colin Blunstone, y su recreación sentida de los sonidos del R&B estadounidense. Su segundo larga duración, titulado Odessey and Oracle (1968), en cambio, era algo completamente distinto. Una pieza de orfebrería pop cuidadosamente ensamblada, plena de climas oníricos (Beechwood Park), contrapuntos vocales virtuosos (A Rose for Emily), incursiones de lo espectral (A Butcher’s Tale), y estallidos de candidez alegre y luminosa (This Will Be Our Year, Friends of Mine). En lugar de lanzar a The Zombies al estrellato, Odessey and Oracle fue promocionado pobremente por su casa editora (CBS), y la banda estaba separada de hecho cuándo el disco salió a la calle en abril de 1968, casi un año después de haber sido grabado. Y otro año más pasaría antes de que Time of The Season, el tema final de Odessey…, resonara en

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los Estados Unidos hasta transformarse en un himno justamente adosar los elementos orquestales típicos hippie y un hit póstumo para los malogrados Zombies. del subgénero en su siguiente proyecto. Para ello consiguieron el apoyo de Imperial Records, discográfica Pero si de rarezas y oscuridades hablamos, pocos más especializada en pop barroco y zonas aledañas. Hasadecuados que los hermanos Thomas y Richard Frost. ta tuvieron un moderado éxito con She’s Got Love, el Hasta el día del cierre de esta nota, ni ellos ni sus pro- corte de difusión que lanzaron poco antes de terminar yectos musicales tienen siquiera una miserable entra- Visualize (1969), tal el nombre que le dieron al álbum. da en Wikipedia. Entre 1967 y 1968 lideraron el grupo Powder, que a pesar de una formación básica de gui- El propio apoyo del sello grabador parecía estar enfatitarra, bajo y batería que los acercaba al mod rock de zado en el preludio que abría el disco, con una pompolos primeros The Who, ya desplegaba canciones como sa fanfarria y una voz de un locutor que –remedando Magical Jack o Rodeo cuyas líneas melódicas eran pro- un trailer cinematográfico– anunciaba que “Imperial pias del pop barroco, aún sin estar vestidas por los ha- Records se enorgullece en presentar la actuación estelar de bituales arreglos con instrumentos clásicos. Mientras Thomas y Richard Frost en ‘Visualize’”. Ironías del desPowder se disolvía sin llegar a editar sus grabaciones tino, reincidencia de la mufa del pop barroco tal vez, (exhumadas recién en 1996 en el recopilatorio Biff! Imperial Records fue absorbida en 1969 por Liberty Bang! Powder), los hermanos Frost se propusieron Records, lo que destinó al cajoneo al disco de los hermanos Frost, que ya estaba completamente listo para salir a la venta. Recién en 2002 fue reflotado por un sello británico especializado en reediciones. De los hermanos Frost, nos quedan, además de su notable historia de fracasos sucesivos, un puñado de buenas canciones en las cuales el pop barroco se acercó a sonoridades mas suaves y azucaradas, hasta se diría que más comerciales. Aunque no pensaran lo mismo los ejecutivos de Liberty Records…(Continuará)

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News!

Foo Fighters, MGMT, Arctic Monkeys, Band Of Horses y TVOR en el Quilmes Rock 2012

La edición 2012 del festival Quilmes Rock contará con la presencia de bandas de la talla de Foo Fighters, MGMT, Arctic Monkeys, Band Of Horses y TV on The Radio.

En este sentido, Las entradas para el festival–que tendrá lugar los días 3 y 4 de abril en el estadio River Plate del barrio porteño de Núñez– se encuentran a la venta a través de Livepass.

El primer día será el turno de la banda de Dave Grohl (que tocará por primera vez en la Argentina), los MGMT –que visitaron Mar del Plata el verano pasado–, Band of Horses (que también debutará por nuestros lares), los locales Jauría y el grupo Crosses, que tiene entre sus integrantes al cantante de Deftones Chino Moreno.

La segunda jornada tendrá nuevamente una presentación de los Foo Fighters y se completará con los ingleses Arctic Monkeys, una nueva visita de TV on The Radio y Massacre.

La segunda jornada tendrá nuevamente una presentación de los Foo Fighters y se completará con los ingleses Arctic Monkeys, una nueva visita de TV on The Radio y Massacre.

Asimismo, Joan Jett and the Blackhearts será la banda invitada para ambos encuentros.

En febrero llegarán las reediciones de los discos de Pulp

Hace un tiempo les contamos que los británicos de Pulp querían reeditar algunos de sus álbumes. Ahora lo podemos confirmar y agregarle más información, ya que hace poco anunciaron que febrero de 2012 verá la llegada de la reedición de tres discos: It (1983), Freaks (1987) y Separations (1992).

Los álbumes reeditados vendrán con algunas sorpresas. Además de haber sido remasterizados, tienen arte de tapa nuevo, notas del crítico de rock Everett True y bonus tracks.

It vendrá acompañado de unas versiones alternativas de Blue Girls, My Lighthouse, Sink or Swim y Please Don’t Worry. En cambio Freaks contará con canciones que no formaron parte del disco en 1987, como Little Girl (With Blue Eyes) y Dosg are Everywhere, más los bsides Tunnel y Manon. Por otro lado, el material bonus de Separations consiste en los temas Death Goes To The Disco, In This House y una versión extendida de Countdown.

Los tres discos reeditados llegarán a través del sello Fire, a partir del 13 de febrero próximo.

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The Black Keys expresa su deseo de visitar Sudamérica

The Shins anuncia nuevo disco: “Port of Morrow”

No se puede negar que los chicos de The Black Keys tuvieron una fuerte presencia en la blogósfera con la promoción y adelantos de su nuevo disco El Camino (2011), el cual finalmente fue lanzado en el día de hoy.

Casi cinco años después de Wincing the Night Away, su último disco de estudio en enero de 2007, la banda comandada por James Mercer acaba de anunciar el lanzamiento de su nuevo LP para marzo próximo.

Port of Morrow llegará al mercado con la portada diseñada por Jacob Escobedo que ven aquí, a través de Aural Apothecary –flamante sello propiedad del mismo Mercer– y de Columbia Records –subsidiaria de Sony–, con quien la banda viene de firmar contrato.

En este sentido, y para alegría del público latinoamericano, Patrick Carney expresó en una entrevista con Pitchfork el deseo del grupo de visitar tanto Sudamérica como Australia.

“Nunca se sabe cuánto tiempo una banda puede continuar haciendo giras y ser productiva, pero Dan y yo seremos músicos por el resto de nuestras vidas”, afirmó Carney al ser preguntado sobre la intensidad de su trabajo como músicos y la cantidad de discos editados a lo largo de su carrera.

“Ahora mismo estamos aprovechando toda nuestra energía. Tal vez de acá a un año nos tomemos un descanso, pero todavía queremos ir a Australia y a América Latina, así que quien sabe”, finalizó.

Por el momento, habrá que esperar y cruzar los dedos.

Las sesiones de grabación tuvieron lugar en Los Angeles y Portland durante 2011, con su líder haciéndose cargo de todas las tareas de composición, voces principales y la mayor parte de la instrumentación, de acuerdo al comunicado de prensa. La producción, tal como lo habíamos adelantado, corrió por cuenta de Greg Kurstin (The Bird and The Bee, The Flaming Lips, Beck), en tanto que Rich Costey fue el encargado de la mezcla final.

El grupo prometió dar una fecha exacta del lanzamiento en breve y planes de una nueva gira, que será con la formación que han estado tocando: James Mercer, acompañado por Yuuki Matthews (bajo), Jessica Dobson (guitarra), Richard Swift (teclados) y Joe Plummer (batería).

A continuación, compartimos el tracklist de Port of Morrow: 1. The Rifle’s Spiral 2. Simple Song 3. It’s Only Life 4. No Way Down 5. September 6. Bait and Switch 7. Fall of ’82 8. For A Fool 9. 40 Mark Strasse 10. Port of Morrow

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. 40 / entrevistas / tres pecados

TRES PECADOS: honestidad con la creación.

Por: Judith Gómez Machado Fotos: Juan Branaa

L

a banda uruguaya Tres Pecados nació a finales del 2005 con “la idea de gritarle a alguien en la cara”, como una suerte de catársis de sus integrantes.

En ese entonces, Marcela Oyhantcabal era la baterista y Pau O’Bianchi cantaba y tocaba la guitarra. “Éramos muy jóvenes y estábamos quemados con todo Montevideo y la gente en general”, explica Pau, quien también lidera el grupo Millones de Casas con Fantasmas.

iH: ¿Cómo fue el proceso de grabación de su nuevo disco? ¿Con quiénes trabajaron?

PO: Grabamos muchísimos temas de los cuales “sobrevivieron” los nueve que forman el álbum. Nos fuimos a una casa en el medio del campo a grabar las bases y luego el resto lo grabamos en la casa del productor de Diciembra (2011) Juan Branaa y en la mía. Con el tiempo los temas que iban quedando nos pedían otros tipos de arreglos e instrumentación y fuimos volcándonos más por ese lado, pero nunca lo habíamos planeado tan conscientemente de esta manera desde el principio, se fue dando muy naturalmente, hasta a nosotros mismos nos sorprendió mucho a lo que llegamos.

Para 2007, tras editar su primer disco Pesadillas para niños y travestis dadaístas (2007), Pablo Torres se incorporó como el nuevo baterista y, dos años después, Diego Martínez completó la formación actual en teclado, melódica y trompeta. “La verdad es que es una locura y un camino raro el que estamos haciendo, no puedo creer que ya hayan pasado seis años; siempre le pedí a mis amigos que me mataran si llegaba a tocar 10 años con una iH: ¿Qué diferencias encuentran entre Diciembra y sus misma banda”, agrega Pau. placas anteriores?

PO: Cada disco ha sido muy diferente, con Tres Pecados desde el principio hemos tenido la idea de hacer la música que nos salga en el momento, más allá de un género o estilo, priorizar el hecho de ser honestos con nuestra propia creación sin tenerle miedo al cambio.

Para mi es algo muy catártico todo esto, por ende va ser siempre algo muy caótico e imprevisible lo que haindieHearts: ¿Cómo describirían su música para quie- gamos, así como desprolijo en el sentido conceptual de nes aún no tuvieron la oportunidad de escucharla? lo que tiene que ser una banda. Tampoco es cambiar por cambiar porque sí, se tienen que dar naturalmenPau O’Bianchi: Yo recomendaría que nos escuchen, he- te, tiene que ser música que arruine nuestras inútiles mos cambiado tanto época tras época que es imposible y aburridas vidas. abarcar tanta deformidad en tan pocas palabras. En los primeros tiempos decíamos que hacíamos gunk sólo por iH: ¿Cómo fue la elección del nombre del álbum? decir algo ante esa pregunta. La verdad es que no sé, un borracho nos dijo una vez que hacíamos “rock profundo”, yo le creo. PO: Puede sonar muy tonto pero nos costó muchísimo El pasado septiembre, y tras trabajar durante tres años en la composición de los temas, la grabación y los arreglos, llegó Diciembra (2011), el quinto disco de Tres Pecados (editado en Argentina por Elvis Attack): un verdadero equilibrio canción-experimentación que recorre vivencias entre pasajes pop, rock y noise.

llegar hasta ese nombre, fue lo último que se definió del disco, no se nos ocurría nada. Pasamos por muchos nombres malísimos y espantosos como: No tengas miedo, es solo un triangulo ó Hermoso día para arruinar el color rosa. Yo propuse un título (que ninguno de la banda obviamente aceptó) que era: ¿Elijo el disfraz de cáncer color rosa o el del pulpo amante de la sandía?, pero se terminó llamando Diciembra, nos gustó mucho a todos también porque cortaba con la tendencia de títulos largos de los discos anteriores de Tres Pecados, al menos por un tiempo.

primer baterista paralítico del Uruguay. Hemos llegado hasta esos niveles de intensidad, nos queremos mucho. iH: ¿Alguna vez pensaron en incluir más músicos a Tres Pecados?

PO: Sí, siempre. Es que priorizamos mucho más la amistad y la química que tengamos con una persona que su talento en sí, porque el talento a la larga se desvanece si sos una basura humana. Es muy difícil encontrar gente tan a fin musicalmente y humanamente, pero tenemos amigos a los cuales invitamos a grabar y iH: ¿Hay una línea en particular que recorra las letras tocar de vez en cuando. de Diciembra? ¿Compusieron todas las canciones especialmente para este disco o tenían temas de antes que incorporaron?

PO: Grabamos muchos temas, algo así como 25 ó 30.

Muchas letras ya estaban, otras las escribí en plena grabación del mismo, que ahora recuerdo fueron la mayoría. Seguramente en mi inconsciente existe alguna línea difícil de interpretar, pero la verdad no sé si quiero saberlo ahora, algún día fantaseo con hacerle escuchar las letras de los temas a algún psicólogo y que me diga que intenté decirme. iH: ¿Cómo describirían la relación que existe entre los tres integrantes del grupo?

PO: Somos como una familia, pasamos mucho tiempo juntos, por ende hay una confianza muy grande como para pelearnos libremente y reconciliarnos casi por accidente. El tecladista casi se mata a golpes contra el batero en plena grabación del disco, por suerte no llego a pasar porque el productor los separó, sino estaríamos ante el

iH: ¿Hay bandas o grupos uruguayos con los que se sientan cercanos y compartan fechas?

PO: Lamentablemente las bandas con las que teníamos más relación y que surgieron por la misma época se han separado en su mayoría (Psiconautas, 8, Fiesta Animal, Amelia, Solar, etc.), pero muchos de sus integrantes formaron bandas nuevas que por suerte nos gustan y está todo más que bien (Uoh!, Muertos Mágicos, Dúo Melódico, Mux) y otras nuevas que nos gustan mucho y hemos tocado con ellas: Superjuguetes, Ultraman, Ravengers, Maniquíes, Lucas Meyer, Ari, Bogo, etc. iH: ¿Qué es lo que más disfrutan de tocar en Buenos Aires? ¿Tienen muchos amigos músicos aquí?

PO: El hecho de ir seguido a Buenos Aires a tocar nace más que nada poque Montevideo es muy chico y no hay muchas posibilidades para tocar. Muy poca gente, poco lugares, se vuelve un circulo vicioso y aburrido tocar para las mismas caras de siempre en los mismos bares, es algo muy poco saludable para una banda. Por suerte en nuestras visitas a la Argentina nos hemos hecho grandes amigos, amistades de bandas muy lindas con: Mr.Algo, Los Pus, Riphle, El Mató a un Policía Motorizado, etc.

“para mi es algo muy catártico todo esto, por ende, va ser siempre algo muy caótico e imprevisible lo que hagamos” iH: ¿Cómo describirían sus show en vivo?

PO: Nuestros toques son mucho más desprolijos porque se vuelven más catárticos e improvisados, son muy diferente a los discos, cosa que nos gusta así porque sino sería un embole para nosotros. También depende del lugar en donde toquemos, si hay un sonido más decente hacemos un repertorio con los temas más “sofisticados” y si tocamos en algún lugar más “precario” en infraestructura hacemos mucho más bardo y ruido.

El contexto nos condiciona bastante a la hora de tocar, no sé, algunas veces están buenos y muchas otras son toques inentendibles (por no decir horribles). iH: ¿Tienen un recuerdo o anécdota puntual de algún momento que los haya consolidado como banda?

PO: Los viajes a la Argentina como al interior del Uruguay están llenos de vivencias que nos han consolidado mucho humanamente. Más las malas que las buenas, ante esas dificultades realmente se ve quién es quién, la convivencia nos ayudó mucho a ser lo que somos y lograr ese equilibrio/respeto entre los tres. Las relaciones humanas son algo que nunca voy a poder lograr entender, pero por ahora funcionamos bien. Un gran deseo que tengo es que el día que termine Tres Pecados siga con mis dos mejores amigos de siempre, y no distanciado de ellos, ojalá se cumpla.

. 44 / entrevistas / bam bam estás muerto

Bam Bam Estas Muerto: “Hardcuore” de Zona Sur para el mundo.

Por: Carolina Figueredo

T

ómalo o Déjalo. Una vez que escuchás este nombre ya no le podrás ser indiferente. Será por su parecido a uno de los discos de los Redonditos de Ricota, a una banda de cumbia o a un personaje de la fauna televisiva, atrapa tu interés. Dicen hacer “hardcuore”, una mezcla extraña, más indie, punk, rock y hasta progresiva en cierta forma. Y si los ves en vivo seguramente tomás partido: ya no te pasarán desapercibidos.

Sus shows tienen algo de caótico. Los dos guitarristas (Cabral y Rodri), el bajo a cargo de Robin, el baterista Facundo, y Hernán Federico en voz transmiten la potencia que han registrado en su primer EP Volver al Futuro, el CD Libros, Poesías y Films, y el sencillo Ella ya no escucha los Ramones (que fue compuesta como cortina de un programa radial) y más que conciertos los suyos son desconciertos. El cantante, que hace un momento hablaba dulcemente y se encorvaba escondiéndose, arriba del escenario se mueve desenfrenadamente, grita, revolea el micrófono, se contornea, provoca con miradas inquietantes.

las experiencias de vida, revolucionaron sus cabezas.

Siguen siendo jóvenes, pero cuando empezaron con este proyecto lo eran mucho más. Los entusiasmaba la distorsión y las ganas de crear un grupo que rompa con las reglas del estilo. “Nos unió la idea de innovar dentro de esa línea enorme, distinta o cuadrada que divide el bien del mal, lo estructurado de lo más básico, pero primordialmente sin ningún tipo de barreras para poder seguir creciendo y componer”, dice el frontman con respecto a los parámetros y prejuicios del movimiento.

A los clásicos del género se les sumaron la psicodelia de los ’70 (lo más experimental de David Bowie, Rolling Stones y The Beatles) el punk y el post-punk de los ’70s y ’80s (Iggy Pop & The Stooges, Ramones, Joy Division), su adoración por The Smiths y la alternatividad atemporal de Sonic Youth.

Con un espíritu Do It Yourself (DIY), la banda fue creciendo al calor de las Robin Fest, que se realizaron en la casa del bajista en una localidad de Florencio Varela. Seis ediciones tuvieron hasta ahora “la Robin” con una convocatoria creciente gracias al sistema del boca Este grupo del sur del Gran Buenos Aires que empezó a boca. Mientras tanto, otra banda de vasta trayectohaciendo hardcore alimentado por sus ídolos adoles- ria en esto del DIY y la escena como Eterna Inocencia centes, fueron explorando nuevos estilos que, como los empezaba a apadrinar. De esta manera empezaron

“nos unió la idea de innovar dentro de esa línea enorme, distinta o cuadrada que divide el bien del mal”

a girar por fuera del circuito acostumbrado, llegando al interior del país y, recientemente, a una mini-gira por Chile. Quizás contradictoriamente, también grabaron un express enmarcado en la serie de cortos que la cadena MTV puso al aire desde septiembre y que reúne a Viva Elástico, Dietrich y Le Premier Enfant, entre otros.

Estos niños-jóvenes que pretenden “detonar” los lugares en donde tocan con sus gritos pidiendo cariño o rogando por amor y paz, tirando flores, vistiéndose psicodélicamente cual décadas pasadas, enarbolan su postura: “Creemos en las normas y parámetros del corazón por sobre la razón y hacer lo que verdaderamente te haga feliz; sea bueno o malo, eso es menor.”

. 46 / entrevistas / maría francisca

María Francisca música sin adornos

Por: Judith Gómez Machado Foto: Cristián Carrasco

M

aría Francisca es una joven chilena enamorada de su piano. Su sonido, que la “envolvió” desde temprana edad, hoy es su fiel compañero de cada día. “La capacidad gigante que tiene de crear todo un mundo sin necesidad de otros agregados… de valerse por sí mismo, posee un lenguaje propio y siento que puedes hablar a través de él”, explica la cantautora trasandina quien a mediados de este año presentó su primer esfuerzo discográfico Mis Regalos (2011).

en el sentido de que generé mi música y me me sentí mucho más conectada y parte de ella. Además, desde siempre me llamaron la atención las voces femeninas e intentaba aproximarme a sus tonos vocales, me fascinaba cantar.

Escuchar sus canciones rememora, inevitablemente, al trabajo de artistas reconocidas como Tori Amos, Fiona Apple y Kate Bush; sin miedo a darle la espalda a lo pensado como “popular”, María Francisca se arriesga por lo clásico e incidental.

MF: Mi profesora de piano Adriana Balter de nacionalidad argentina, me presentó estos exponentes a través de las piezas de piano que me enseñaba. Hay cosas que no se pueden explicar de forma racional. Me traspasa esa música, me provoca sentimientos profundos, trasciende en mi.

iH: Compositores como Frédéric Chopin, Claude Debussy y Erik Satie definieron tus gustos musicales. ¿Qué te llevó a especializarte en el barroco y el romanticismo?

En diálogo con indieHearts, la intérprete habló sobre su proceso de composición, la escena independiente en iH: ¿Por qué elegiste el piano para especializarte? ¿Cuál Chile y sus planes para el año entrante. creés que es el valor agregado de este instrumento? indieHearts: ¿Tenés algún recuerdo sobre los comienzos de tu relación con la música?

MF: El piano me gustó desde siempre. No sé por qué me surgió pasión por este instrumento, simplemente su sonido me envolvió desde niña. Se comunica por sí María Francisca: Recuerdo disfrutar mucho escuchan- sólo sin necesidad de palabras. En él encuentras armodo al Grupo Mazapán, bailar y cantar por horas sus can- nía y melodía a la vez…lo que no pasa con todos los ciones…mi relación más directa fue a través del piano instrumentos (obviamente todos tienen su luz propia)

“apelo a la belleza de las armonías envolventes, a la luz propia de cada instrumento”

pero él posee una magia especial que me atrapa y no me deja salir, es el que me permite expresarme con mayor certeza. iH: ¿Cómo fue el proceso de grabación de Mis Regalos (2011)? ¿Junto a quiénes trabajaste?

MF: Como primer disco, tenía muchas aprensiones y expectativas, quería que sonara tal cual me lo imaginaba y en ese sentido, le di muchas vueltas. Sin embargo, al final opté por concretar y alejarme de tanto prejuicio. Quedé muy contenta con el resultado. Fui mi propia productora musical y en algunos arreglos tuve la colaboracion de Nicolas Rosenthal. Grabé en los estudios de Francisco Vives. iH: ¿Tenés una canción favorita del disco?

MF: Cada una ha tenido su momento y su lugar. Creo que me sería imposible tener una favorita, cada una ha tenido su tiempo de ‘domesticación’ en el que viví conectada a ella, y que generalmente comienza desde la primera nota que genera la canción. Además cada una es un rayito interno que se manifiesta musicalmente, por lo que todas han sido favoritas es algún momento.

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iH: ¿Escribiste los temas en base a experiencias perso- sin tantos adornos, en la simplicidad de un piano y una nales? ¿Cómo suele ser tu proceso de composición? voz. Apelo a la belleza de las armonías envolventes, a la luz propia de cada instrumento. El minimalismo me MF: Por lo general son procesos no resueltos que he es- atrae mucho y sin duda lo que más me atrae de la músitado reteniendo y que en un minuto determinado me ca es su capacidad de expresar, emocionar y conectar . siento al piano y trato de que salgan a flote para aliviarme. Mis procesos de composición son muy personales iH: Además de ser cantante te gusta pintar, y hasta sos y solitarios, necesito apartarme de lo que me rodea ara autora del arte de tu disco. ¿Cómo pensaste el concepto lograr conectarme con mi verdad…son períodos bien de la portada? ermitaños en los que las vocecitas con melodías y la música suenan en mi permanentemente. Me gusta MF: Supe desde el comienzo que sería bien colorido. componer de manera espontánea sin darle tanta vuel- Los colores juegan un papel muy importante en mi día ta, dejar que fluya y luego busco un orden. a día. Me atraen muchísimo, me encanta la estética colorida y saturada. Además siempre he querido comiH: ¿Cómo conociste a los músicos que te acompañan binar varios tipos de arte porque me apasiona todo (Patricio Rojas en bajo y Nicolás Rosenthal en batería)? el arte en general. La mayoría de las veces visualizo colores en las canciones y los colores del disco son la MF: A Patricio Rojas lo conocí como compañero de La mezcla de los colores de cada canción que lo compone.

Escuela Moderna de Música de Santiago de Chile, a pe- Además la portada funciona como autorretrato. sar de que cursamos la enseñanza básica en el mismo colegio. Fuimos compañeros y desde el primer comien- iH: En Chile hay mucha movida de pop electrónico (Jazo tuvimos bastante química musical además de amis- viera Mena; Dënver) o bien más inclinado al folk (GEPE), tad. Tuvimos algunos grupos anteriores con él. Luego ¿te ves explorando nuevos caminos? cuando empecé a crear este proyecto con mis propias canciones y quise agregar bajo, pensé fue él.Encontrar MF: Me gustan esas dos corrientes musicales que son un músico que se ajuste a lo que tu esperas de tus can- muy interesantes y atractivas en Chile, sin embargo ciones es difícil y tuve mucha suerte de contar con él me veo explorando otros caminos, no lo sé si un estilo y con Nicolás Rosenthal. A Nicolás lo conocí un poco tan definido como para ponerle nombre, pero mi estilo mas adelante y tambien estuvo en Escuela Moderna, va más ligado a lo incidental, quizás a lo docto y a lo fue algo bien intuitivo. Tuve un presentimiento con él experimental. y así fue. Musicalmente me aporto muchísimo y supo leer y entender qué era lo que yo buscaba con respecto iH: ¿Cuáles son tus planes para el 2012? ¿Visitarás Ara las canciones; ambos tuvieron la generosidad gigante gentina? de integrarse a un proyecto personal y dar lo mejor de sí. Les estoy muy agradecida.

MF: Planeo editar un disco instrumental bajo mi propio sello discográfico y tocar fuera de Chile. Tengo toda iH: ¿Qué es lo que te destaca de otras artistas contem- la intención y las ganas de visitar la Argentina el próxiporáneas chilenas? mo año. Me llama mucho la atención su nivel cultural y la diversidad musical que posee, me parece que se le MF: En Chile hay una maduración y exploración de la da mucho valor al arte y eso me encanta. música que crece con fuerza. Hay bastante búsqueda de sonoridades novedosas, ímpetu por crear cosas nuevas *María Francisca comparte Mis Regalos. Pueden descary eso me agrada mucho. Me encanta ver que hay tantas garlo gratis haciendo click aquí. propuestas en pos de jugárselas por lo que uno cree y siente. En ese sentido mi propuesta apunta a la música

. 50 / especial / los mejores discos del 2011

los mejores discos del 2011

Fuimos afortunados ya que el 2011 nos trajo mucha música.

Por eso, con el equipo que hace posible indieHearts a diario, decidimos hacer un repaso por los álbumes más destacados del año. A continuación, compartimos el TOP 25 del listado que publicamos online.

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1.

Radiohead The King of Limbs

Thom Yorke nos observa desde las alturas, sentado en la rama de un árbol milenario; aunque la luz del sol es intensa, él se refugia en la sombra y así es feliz. En el octavo larga duración de la banda inglesa que completan Jonny Greenwood, Ed O’Brien, Colin Greenwood yPhil Selway nada está librado al azar. La eternidad de Radioheadrenace en cada guiño y en cada acorde, haciendo del disco la gran joya que inició musicalmente el 2011.

Los tracks rítmicos se apoderan de la primera mitad, para alcanzar una familiaridad más calma y reflexiva hacia el final. Sin dejar de lado las sutilezas, The King of Limbs fue el oscuro y épico soundtrack que acompañó durante el año a quienes aún creen que la música trae consigo la energía necesaria para escapar de la realidad. JGM

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. 52 / especial / los mejores discos del 2011

2.

Foo Fighters Wasting Light

Difícil era superar su anterior y excelente álbum, Echoes, Silence, Patience, and Grace (2008), pero lo lograron.

Como si fuera un Foo Fighters con anabólicos, la presencia del gran Butch Vig en los controles, la vuelta de Pat Smear y la participación especial de Krist Novoselic hacen que la banda de Dave Grohl suene como nunca antes. Grabado íntegramente en el garage del cantante y guitarrista, el disco reparte potencia y crudeza para todos lados, sin descuidar ese ingrediente melódico tan característico de la agrupación que estará encabezando el Quilmes Rock en nuestro país y los Lollapaloozas de Chile y Brasil en marzo y abril próximos. El mejor LP de los Foo hasta la fecha. MF

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3.

Lykke Li

Wounded Rhymes

Después del suceso despertado por su aparición y el fetichismo indie creado alrededor de su figura, Lykke Li toma el toro por las astas y dobla la apuesta con su fórmula de art-pop elegante. Entre un sonido espeso, dispuesto a ganar en épica, y una contraparte despojada, al borde del minimalismo, la sueca conquista desde el encanto de la genética escandinava para éste tipo de menesteres. Melodrama de minita llevado a un plano superior, donde no faltan percusiones tribales, líneas de teclado vintage y un extraño groove inspirado en una temporada en el desierto. MT

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. 54 / especial / los mejores discos del 2011

4.

M83 Hurry Up, We’re Dreaming

En 2008, Saturdays = Youth dejó un grata impresión en los oídos melómanos de todo el mundo. El proyecto liderado por Anthony Gonzalez pareció haber alcanzado su pináculo en aquella obra fundamental para todos los amantes del dream pop. Sin embargo la evolución de su música no se detuvo ahí. En Hurry Up, We’re Dreaming Gonzalez desanda por los caminos del ambient adquiriendo una impronta mucho mas electropop, más cercana a los sonidos ochentosos de New Order que a la electrónica de Justice. Al tratarse de un álbum doble no es raro encontrarse preludios, y en ocasiones puntuales M83 se permite experimentar con la inclusión de nuevos elementos a su

instrumentación musical, como ser guitarras acústicas en Wait, Soon, My Friend, y Splendor y un saxofón en el implacable hit Midnight City. Quizás el único pecado de este trabajo es el de ser demasiado pretencioso –aunque difícilmente exista un LP doble que pueda escaparle a esta crítica- sin embargo el concepto inicial de la obra, esa surreal conexión entre la noche y el sueño, logra imponerse más allá de alguna que otra licencia. JPL

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5.

6.

St. Vincent Strange Mercy

James Blake James Blake

Marry Me (2007) y Actor (2009), los anteriores discos de St. Vincent, exhibían rasgos de delicadeza y fragilidad pero también había varios instantes en los que se palpaba un soplo de intranquilidad, tanto desde las letras o a partir de algunos sonidos que se distinguían como amenazantes entre la voz dulce de Annie Clark y los arreglos preciosistas. En ese tironeo entre lo delicado y lo siniestro, enStrange Mercy parece triunfar lo segundo, lo cual ayuda a que Clark logre expandirse a expresiones más personales no sólo en el ámbito lírico, sino también en lo referente a lo musical. EP

El debut en larga duración del joven músico londinense que supo ganarse a la prensa especializada, presenta un dubstep introspectivo que concreta lo escuchado en sus dos primeros EP’s. Un disco sólido y armonioso que fluye junto a la delicada y expresiva voz de Blake, su piano y efectos sonoros que parecieran de otro planeta. El cantante irrumpe en el espíritu de las canciones y transforma su instrumento natural en un ritmo predominante de las melodías. The Wilhelm Scream, el cover del tema de Feist Limit To Your Love y I Never Learnt To Share son los destacados del LP. JGM

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7.

8.

The Kills Blood Pleasures

TV on the Radio Nine Types of Light

Marry Me (2007) y Actor (2009), los anteriores discos de St. Vincent, exhibían rasgos de delicadeza y fragilidad pero también había varios instantes en los que se palpaba un soplo de intranquilidad, tanto desde las letras o a partir de algunos sonidos que se distinguían como amenazantes entre la voz dulce de Annie Clark y los arreglos preciosistas. En ese tironeo entre lo delicado y lo siniestro, enStrange Mercy parece triunfar lo segundo, lo cual ayuda a que Clark logre expandirse a expresiones más personales no sólo en el ámbito lírico, sino también en lo referente a lo musical. EP

9.

Laura Marling A Creature I Don’t Know El rock regresó, y sin platillos. Con su cuarta placa, la estadounidenseAlison “VV” Mosshart y el guitarrista británico Jamie “Hotel” Hincese dieron el lujo de editar uno de los puñados de canciones más sexys, innovadores y prolíficos del año. Con tracks de mayor duración que en sus discos anteriores y la especial participación de una máquina de ritmos, el dúo se afianza encontrando una voz única que los diferencia de la masa musical que copia y se repite sin parar. Mientras Mosshart hipnotiza con una voz dulce que raspa sutilmente, Jamie penetra el alma de las canciones con su filosa y aguda guitarra.Blood Pleasures invita a perder el aliento y, por qué no, a embriagarse junto a sus creadores en un bar lúgubre. JGM

Marling, musa inspiradora de prácticamente todo el neo folk inglés actual, vuelve con su tercer disco de estudio ante un panorama complicado: superar su brillante segundo LP I Speak Because I Can(2010). Afortunadamente, aprueba con honores, agregando más capacidad a su sonoridad y manteniendo la sensibilidad sorprendente de sus letras. Las capas de las canciones de Marling aumentan mientras que su sutileza está más fuerte que nunca. BP

10.

Arctic Monkeys Suck it and See

Pareciera que los nativos de Sheffield fueran una banda de muchos años, con una trayectoria envidiable. La verdad es que apenas llegan a los 24 años y tienen solo 4 discos, pero la madurez con la que suenan en Suck it and See la logran pocos grupos en tan poco tiempo. Doce nuevas canciones y un par de b-sides dando vuelta completan esta nueva propuesta de los británicos, que esta vez se alejan un poco de la oscuridad de Humbug (2009) y le suman algunas baladas más a su catálogo, como un buen mix entre sus tres discos anteriores. MF

indieHeartsmag#06

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12.

Kasabian Velociraptor!

14.

11.

Varias Artistas Se Puede

El esperado regreso de las “bebas” de Lucas Martí y Ezequiel Kronenberg (Rosal) llegó en la forma de una colección de canciones y bellas voces que deslumbró y jamás hizo agua. Se Puede, seguidor dePapá, muestra la evolución de Martí como una especie de hidalgo de género, con las mujeres a la cabeza. Una mención especial a Emme, que aportó las voces al éxito El Día del Zarpado, y al impecable trabajo, como siempre, de María Ezquiaga. BP

Los muchachos de Leicester tuvieron claro desde el principio que su cuarto álbum de estudio no podía ser uno más en su carrera. Desde el nombre de la nueva placa -inspirada en una raza de dinosaurios popularizada (y mitificada) por la película Jurassic Park- la banda abre el juego comparativo entre la realidad y la ficción: “La gente piensa que somos cierto tipo de banda, pero no lo somos” confesaba acertadamente el compositor Serge Pizzorno a NME. ¿Cuantos hemos conocido a Kasabian por sus implacables hits y luego experimentamos cierta decepción al profundizar en el resto de su obra?

En cierto modoVelociraptor! viene a reparar esta falencia, menos hitero pero mucho más homogéneo que sus anteriores producciones, el álbum es 100% disfrutable de principio a fin. El aura OK Computer de La Fée Verte, la psicodelia grandilocuente de Acid Turkish Bath (Shelter from the Storm), o la maravillosa lírica de Man of Simple Pleasures son apenas una muestra de lo que nos depara el nuevo horizonte de la banda. Imposible hacer una retrospectiva musical de 2011 sin hacer mención a este fantástico LP, con destino inexorable de clásico instantáneo.JPL

13.

The Strokes Angles

The Drums Portamento

Después de haberse proclamado como una de las bandas más novedosas del año pasado, el cuarteto americano The Drums logró superar expectativas con un segundo disco en el que la evolución de la banda no podría ser más palpable.

Abandonando el single inmediato para profundizar y pulir su sonido en una producción limpia y madura,Portamento tiene lugar para los encariñados con el sonido simple y veraniego del debut, sin estancarse en un mismo plano. Una vez superadas las primeras falsas impresiones, no cabe duda que The Drums se dirige en la dirección acertada. EO

Después de las tensiones en las que se acusaba una lógica creativa poco democrática los Strokes cambiaron sus propias leyes y firmaron una tregua que su líder llamaría “Operación: Dejemos a todos satisfechos”. Una práctica de ángulos superpuestos que depara en el álbum más heterogéneo –e irregular, si se quiere- de los neoyorquinos que revitalizaron el sonido de la década.

Hay un tironeo entre la pulsión rítmica y tradicional de las guitarras deValensi y Hammond Jr (Under cover of darkness) y los nuevos impulsos sintetizados del Casablancas (Games) solista que, por momentos, vuelven al disco un pastiche de sus obras iniciales. Pero ahí donde no priman éstos desencuentros, están también los motivos por los cuales siguen siendo casi irresistibles. MT

. 58 / especial / los mejores discos del 2011

16.

15.

17.

Nada menos que 28 canciones en dos discos, plagadas de confesiones, heridas abiertas, esperanzas truncas o nacientes, lisergia, poesía y polenta en dosis iguales. Prietto Viaja al Cosmos con Mariano sacó uno de los mejores discos del año en una veta catártica, con la emoción a flor de piel y las tripas en la mano. Escenas cotidianas, paisajes urbanos, y escapes sonoros que revelan la profundidad abismal de las cosas diarias y los enigmas irresueltos de lo que nos es más familiar e inevitable: el amor, el agua, la ciudad, la sangre, el desencuentro, el fuego, los niños, los viejos, la muerte. Con gran producción de Shaman y Maxi Prietto y la psicodelia y contundencia que caracteriza al dúo PriettoMariano, este disco se revela como imprescindible. NM

My Morning Jacket Circuital

Wilco The Whole Love

PVCCM Le Priet vaha a chosmos e ba con Maourian

Moby Destroyed

Moby reflexiona y analiza cada uno de sus pasos musicales, yDestroyed no es la excepción. Su más reciente disco fue compuesto, literalmente, a base de largas noches de insomnio en sus interminables giras. Las primeras tres canciones que se desprenden (The Broken Places, Be The One y Sevastopol) presentan un clima oscuramente agradable, electrónico y hasta anárquico. El álbum continúa su mutación y brinca entre diferentes géneros, sólo como el músico nacido en Harlem puede permitirse hacerlo. Victoria Lucas,Rockets, Lacrimae y el indiscutido hit The Day son algunos de los highlights del LP. JGM

18.

La noticia de un nuevo disco de Wilco siempre es bienvenida, y aunque muchos aseguren que después de Yankee Hotel Foxtrot(2002) Jeff Tweedy y compañía no hicieron mucho, está The Whole Love para contradecirlos y probarles que los Wilco todavía tienen mucho para dar. Para este disco, la banda de Chicago usó varios géneros. La balada folk aparece en Sunloathe, Dawned On Me, Whole Love y Open Mind (una de las más lindas). El pop rock está más presente Born Alone y I Might, y finalmente se vuelven más rockeros en Art Of Almost y Standing O. Tratándose de Wilco, no soprende que The Whole Love sea un buen disco, pero sirve para reconfirmar que son una de las bandas más interesantes del circuito musical independiente internacional.

Muchos tienen razón cuando dicen que The Whole Love no superaYankee Hotel Foxtrot pero con este disco Wilco volvió a recuperar el lugar que después de Wilco (The Album) había abandonado. Festejemos eso. PR

Si hablamos de mejores discos del 2011, es casi un crimen no mencionar Circuital, el sexto disco de estudio de My Morning Jacket. La magia de Jim James es que puede escribir canciones como Victory Dance, con una letra medio oscura pero al mismo tiempo genial, y canciones como Wonderful (The Way I Fell), que desborda emoción sincera, una legítima declaración de lo bien que uno se puede llegar a sentir. Después aparece Holdin On To Black Metal sin dudas la mejor canción del disco: cuatro minutos y pico de rock irónico pero potente, con un coro de niños incluido y un Jim James bien crudo. En el medio aparecen Circuital y Outta My System, un tema que bien podría haber sido interpretado por The Who. Junto con The Day Is Coming, Movin Away es lo más pobre del disco, pero siempre en comparación a las otras piezas. Hacia el final nos encontramos conSlow Slow Tune que nos va dando la despedida, dejándonos con ganas de volver a escucharlo una y otra vez.

Lo bueno de Circuital es que en ningún momento pierde la energía rockera que caracteriza a MMJ, sólo va variando y moviéndose de eje.PR

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19.

Beirut The Rip Tide

20. 21.

Adele 21

Zach Condon, ese es el nombre del artífice de Beirut, la mente maestra detrás de este colectivo musical que mezcla folk con música balcánica, instrumentos clásicos y algo de pop y rock que terminó de consagrarse con un tercer disco casi impecable como es The Rip Tide. Nueve canciones son suficientes para llegar a esta conclusión. Con un comienzo casi perfecto con A Candle’s Fire y Santa Fe, highlights del álbum, el disco decae sólo en la anteúltima canción, The Peacock, para volver a levantar con Port Of Call. En el medio pasan lindos temas como East Harlem, homenaje a la ciudad en la que se grabó el disco, y The Rip Tide, canción que le dio el nombre al álbum.

Las canciones suenan tan bien, tan ordenadas y meticulosas que cuesta creer que son muchos los instrumentos utilizados en la grabación del disco. Con The Rip Tide, uno puede hacer una especie de repaso por varios géneros musicales, y lo más destacable es que esta mezcla no molesta y aunque haya canciones más “felices” que otras, en ningún momento se pierden las ganas de bailar. PR

Bon Iver Bon Iver

22.

Wild Beasts Smother

Sobradas son las pruebas de que un corazón atormentado y una garganta virtuosa pueden producir sacudones más crudos que los de una placa tectónica. Rolling in the Deep, el hit memorable, fue una simple muestra de botón de ese gran lote de soul donde la chica de Tottenham cicatriza las heridas por las que sangró en su debut 19.Adele trasciende el cliché animoso de la balada de amor y lo convierte en un arma de defensa personal que la prevenga de nuevos zarpazos. Los artilugios son varios y encuentran reparo tanto en el blues sureño (I’ll be waiting), la interpretación piano-voz (Someone like you) y hasta en un cover de The Cure con cadencia de bossa nova (Lovesong). Las formas podrán variar, pero la matriz, esa voz influenciada por los ‘60, inmacula a ésta artista en medio de la contemporaneidad del autotune y los golpes de efecto. MT

A diferencia de For Emma, Forever Ago (2008), un álbum bien folk, de guitarras y coros suaves, Bon Iver, el segundo disco de Justin Vernony compañía, se aleja un poco de ese sonido, agregándole elementos más electrónicos, cuyo objetivo final es un LP medio fantasmesco y espectral muy interesante. Las 10 canciones que lo conforman, todas nombradas a partir de ciudades, establecen un disco bien uniforme, con algunos momentos destacables, como Holocene, Calgary yBeth/ Rest, la canción preferida de Vernon. Tiene algunas secuencias más flojas como Minessota, WI y Towers que de todas formas no tiran para abajo el disco, sino que hacen que las mejores canciones parezcan aún mejores.

Lo más interesante de este disco es el cambio de sonido, producto quizás de la madurez de Vernon. Y ahora no queda más que esperar por lo que va a venir. PR

Como alfiles de la sutileza, los Wild Beasts asedian el clímax de la melodía con jugadas calculadas en base a su folktronica en mid-tempo.

Una estrategia que adquiere sentido en la totalidad del álbum y con canciones que mudan la piel pero siempre parecen volver al mismo lugar.

Las voces de Hayden Thorpe (un tritón que canta desde las profundidades del mar) y las líneas de bajo timonean en un mar de baladas sofisticadas (Invisible), beats hipnóticos (Deeper) y piezas con alma de música ambiental. Esa aura magnética y oscura, que flota en todo momento, encuentra su mejor patrón en Albatross, una red sobre nuestras cabezas de la que será difícil escapar. MT

. 60 / especial / los mejores discos del 2011

23.

The War on Drugs Slave Ambient

24. 25.

Björk Biophilia

De principio a fin, Slave Ambient no es nada más que un viaje. Un viaje a dónde, es algo que el cantante Adam Granduciel no deja muy bien claro: el noventa por ciento del segundo disco de The War On Drugs expresa esa desesperación por subirse al auto y escapar sin mirar atrás, tanto lírica como instrumentalmente. Por esta y muchas otras razones, no es difícil llegar a la conclusión que Granduciel disfruta más del recorrido, sin pensar mucho hacia dónde quiere llegar. Además, la producción impecable y llevadera hace de Slave Ambient un disco imposible de escuchar menos de dos veces. No hay que tener dos dedos de frente como para saber que sea donde sea que Granduciel quiera ir en un futuro, hay que seguirlo muy de cerca.EO

Después de cuatro años y hiatos en la garganta de por medio, la cantante islandesa volvió a las bateas con su proyecto más ambicioso hasta la fecha. Combinar sonidos, aplicaciones, obras de arte y una muy particular imaginería detrás de un concepto no se había hecho nunca.

Como siempre, Björk sorprende en cada uno de sus lanzamientos, y esta vez se encarga de juntar el Universo y la música en 10 perfectas canciones que terminan en una mezcla entre Vespertine y Medulla, pero con la innovación característica de la ex vocalista de The Sugarcubes. MF

Feist Metals

Luego de dos años sabáticos, y con la decidida idea de alejarse del hit1234, el sucesor de The Reminder (2007) encuentra a Leslie Feist fiel a sí misma y con el ímpetu de haber creado lo que un determinado momento le transmitió. En este sentido, Metals fue grabado una casa en las montañas de Big Sur (California) junto a los productores Gonzales y Mocky; juntos le dieron vida a canciones que se destacan por su pureza. Así, la esencia de Metals reside en los juegos vocales de Feist, las marcadas cuerdas de guitarras y las percusiones que estremecen y se entremezclan con las melodías. JGM

especial / las 10 canciones de 2011

Las 10 canciones del 2011, por indieHearts 1) M83 - Midnight City 2) Destroyer - Kaputt 3) Girls - Vomit 4) Kasabian - Days Are Forgotten 5) Beirut – Santa Fe 6) Foster the People - Pumped Up Kicks 7) Radiohead - Bloom 8) Lykke Li - I Follow Rivers 9) TV on the Radio - Will Do 10) Fleet Foxes - Helplessness Blues

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