indieHearts Mag 10 by Pablo Caro

indiehearts MAG b DIRECCIÓN EDITORIAL / EDICIÓN EDITORIAL Judith Gómez Machado / jude@indiehearts.com & Bárbara Pavan / barbara@indiehearts.com DISEÑO GRÁFICO / DISEÑO EDITORIAL Pablo Caro / pablocaro.dg@gmail.com COLABORAN EN ESTE NÚMERO

CORRECCIÓN

Juan Pablo Lima Illan Kazez Perla Paletta Juan José Méndez Emmanuel Patrone Diego Miranda Morita Vargas

Carla Fumagalli

Eric Olsen Augusto Dallachiesa Damián Martone Mariano Fiochetta Tomás Fernández Fiks Carolina Figueredo

FOTOGRAFÍA Pablo Caro Diego Fioravanti

ILUSTRACIONES Marcos Pablo Martín Zamora Pablo G. Feliz Sofía Gatti

Las imágenes utilizadas en este número no tienen fines comerciales. En caso de que el autor de alguna de ellas deseara que fuera removida o figurar en los créditos de esta publicación, por favor contactarse a hola@indiehearts.com

Por Judith Gómez Machado y Bárbara Pavan

in de año nos encontró como en la canción “Work Hard” de Depeche Mode, pero las ganas de compartir un nuevo número de indieHearts Mag, y el apoyo incondicional de nuestros colaboradores, pudieron más.

Esta entrega representa, por un lado, el cierre de una etapa y, por el otro, la entrada hacia una nueva y desconocida. En definitiva, se trata del último número de la revista online hasta que tengamos listo el nuevo diseño de indieHearts.com. indieHearts Mag regresará, pero antes queremos concretar la renovación de nuestra web, algo que tenemos pendiente desde hace bastante tiempo. ¿Qué traerá consigo este cambio de imagen? Aún no podemos develarlo, pero les aseguramos que haremos lo imposible para que puedan disfrutar del sitio y de sus contenidos al cien por ciento. En cuanto a este número, el décimo, trae consigo charlas con artistas como Adrián Paoletti, Gepe, La Perla Irregular, 3Pecados, Letting Up Despite Great Faults, El Perrodiablo y Leo García, entre otros. Asimismo, repasamos la vida de Patti Smith y Freddie Mercury, y analizamos las posiciones apocalípticas y románticas alrededor del mp3. También están presentes dos de los shows con los que despedimos el año: Pulp y Dinosaur Jr. Finalmente, como especial, podrán revivir nuestra selección de los mejores 50 discos y 35 canciones del 2012. ¡Hasta pronto!

4. SUMARIO

SUMARIO

SHOWS Dinosaur Jr.: táctica y estrategia del ruido.

COLUMNAS Ilan Kazez 14. 14.

21 años sin Freddie Mercury: el espectáculo como ideología

Juan Pablo Lima 18.

MP3: el final del espejismo romántico.

Judith Gómez Machado 24. 20. 20.

Pulp: tu cama en vivo y en directo

Tesoro confidente: Patti Smith Horses (1975)

3 PREGUNTAS CON... Una charla rápida con 3 Pecados (UR), Do Amor (BR), Kishi Bashi (EU) y el argentino Leo García.

#iHMag/ 5.

ENTREVISTAS 30.

ESPECIAL: los mejores

50 DISCOS DE 2012

Adrián C. Paoletti

34.

Gepe: La libertad de la melancolía andina

36. 36.

La Perla Irregular. Explorando el continente barroco

indieHearts hace un repaso, acompañado de sus pensamientos e inquietudes, de los mejores 50 discos de 2012.

ESPECIAL: las mejores

35 canciones La lista de las mejores 35 canciones de 2012, seleccionada por la redacción de indieHearts.

40. 40.

Letting Up Despite Great Faults “Quería que el disco fuera imperfecto”

PERFILES IH

6 . SHOWS / Dinosaur Jr.

#iHMag/ 7.

Táctica y estrategia del ruido:

dinosaur jr. La banda del “sigiloso rey mascis” se presentó en el Teatro de Flores para dar uno de los shows más sonoros y comentados del año. El legendario grupo repasó su carrera con una orquesta de ruido demencial, que dejó zumbando las orejas y los corazones de todos los asistentes.

Por Juan José Méndez Fotografía Pablo Caro

trás dos imponentes atalayas de amplificadores, una consola de sonido algo oculta y el silencio visual de las luces. Adelante tres piezas quiméricas de diferentes movimientos: a nuestra izquierda el sigiloso rey Mascis y sus pedales imposibles, detrás (en el centro) la matemática torre Murph y sus golpes cerebrales y a nuestra derecha el alfil Barlow y el bajo más dinámico de la historia. Los jugadores invisibles eran la conexión sensorial entre esas piezas y la alegría del público. El tablero: El Teatro (escenario porteño predilecto para los decibles dañinos). La jugada: el ruido. La banda liderada por el prolífico Manza Esain había abierto la partida - con un público reducido- a la hora señalada, continuando con la presentación de su último LP La autopista corre del océano hasta el amanecer (2011). Valle De Muñecas logró los coros y los mayores aplausos hacia el cierre con el primer corte del disco, La Soledad No Es Una Herida, y la despedida con una versión potente de Vamos Al Cine, un favorito de Folk (2007). El Mató a un Policía Motorizado calentaría todavía más el escenario (también a la hora pactada) con la inconfun-

8. SHOWS / Dinosaur Jr.

dible presencia entre tierna y agresiva de Santiago (nuestro Romeo Stodart rockero) y su fiel legión de fanáticos vitoreando las guitarras de Prenderte Fuego, Mi Próximo Movimiento y Chica Rutera y celebrando los últimos sencillos del flamante La Dinastía Scorpio (2012), como Mujeres Bellas Y Fuertes y Chica De Oro.

Sky (2012)- y The Wagon, el segundo de Green Mind (1991) (“Baby, why don’t we?” hasta quemar la garganta).

J Mascis se balancea en slow motion con los ojos cerrados dejando flamear su cabellera gris mientras que Lou Barlow acelera su cuerpo al ritmo de sus dedos sobre las cuatro cuerdas: la escena parece editada por algún director de videoclips de mediados del 2000, a pesar de que las bases de los actores están bien cimentadas en la escena americana alternativa de los ’80. Antes de prestar su voz para su versión de Training Ground, Lou habla alegremente con el público y hasta juega con los coros estímulo-respuesta freddiemercurianos. Mascis afina en silencio. A continuación, el mosh obligado con el novenMinutos después del último riff de El Mató, el telón de tosísimo Feel The Pain y el regreso con No Bones -de Bug El Teatro se abría tras dos o tres acordes dispersos y gol- (1988)- y la tormenta distorsiva de Little Fury Things pes de tambores con respuestas de gritos de ansiedad. -apertura del genial You’re Living All Over Me (1987)Los tres de Massachusetts, sin dedicar una frase fuera junto a Start Choppin de Where You Been (1993). de las pronunciadas por sus instrumentos, desplegaban Thumb (¡ay, ese psicodélico solo final en vivo!) y tras Un enroque al presente nos había regalado Don’t Pretend un tímido “Hola. Thanks a lot” de parte de Mascis, la You Didn’t Know y Rude, pero la primera despedida con seguidilla noise-melódica de Freak Scene, Watch The Forget The Swan nos sacudió hasta 1985, siendo la única Corners -del magnífico protagonista de la gira, I Bet On del álbum debut del trío y una de las pocas con “coro

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de guitarras” masivo. Para los bises, el célebre cover del clásico de The Cure, Just Like Heaven, se combina -tras un espectáculo de acoples y saturación- con la grandiosa Sludgefeast (del mencionado You’re Living All Over Me).

tras una hora no quedaban hombres en pie. Jaque mate. El ruido, ese melódico y hermoso -libre pero astuto- ruido que dejaría secuelas en los siguientes días, había inundado todo el tablero.

El rey Mascis, ascendencia soberana de la generación X, d Dinosaur Jr. tocó junto a El Mató A Un Policía Motosaluda humildemente levantando la mano a la altura del rizado y Valle De Muñecas en El Teatro de Flores, Buenos rostro y realiza -antes de abandonar su guitarra- el pri- Aires, el jueves 22 de noviembre de 2012 mer y único contacto visual directo con su público. La alegría de las bermudas, las remeras vintage y las camisas a cuadro se había potenciado en el fragor de la batalla y

10. SHOWS / Pulp

Tu cama en vivo y en directo:

En una noche inolvidable, la banda inglesa comandada por Jarvis Cocker pisó fuerte sobre el escenario del Luna Park Por Juan José Méndez Fotografía Diego Fioravanti (gigriders)

s indiscutible que Pulp transpira sexo. En las guitarras, en los teclados, en el bajo, en la interpretación y el baile constante de Jarvis Cocker y, muy intensamente, en sus letras. Sexo y baile. Nada de pornografía, cuerpos esculturales o posiciones extravagantes con orgasmos múltiples. No. Sexo común: feo y hermoso, torpe, incómodo, lleno de placeres culposos, vergüenza, aburrimiento y altas expectativas. Y hoy seríamos debutantes. Esta sería nuestra primera vez y al mismo tiempo tendríamos que hacer el esfuerzo para recordar con nostalgia un tiempo inexistente con Pulp sobre un escenario. Las canciones que cantamos por años siguiendo el ritmo de nuestros auriculares se revelarían mediante la electricidad convertida en sonido frente a nuestras narices. Por suerte hoy, tras la revolución de Internet, es más sencillo ya que todo se vuelve tiempo presente. Partiendo de esa premisa, un tanto celebratoria y otro tanto apocalíptica, iniciaba uno de los mejores shows del año en el Luna Park. “¿Están LISTOS?” rezaban los lásers frente a la cortina que caería en instantes, tras la pausa posterior al show del colectivo indie de Les Mentettes. ¿Estábamos listos? Sí, tan listos,

#iHMag/ 11.

12. SHOWS / Pulp

ansiosos y transpirados como nuestra primera vez. PULP en neon y Do You Remember The First Time?, seguida por Pink Glove, de lo mejor del supremo His ‘n’ Hers (1994). “D’you mind if i attempt to speak to you in your own language? (…) La noche está en pañales (…) sa-ca-lei el jiugo (…) vamos a tirar la casa por la ventana!” Una seguidilla de lecturas de acertadas frases típicas argentinas -en papeles pegados al piso junto al setlist- amenizaron la noche. La banda más british, pero esta noche estaban acá, haciendo el amor con nosotros. La esperadísima Razzmatazz (un corte perfecto que sin embargo sólo entró en la versión norteamericana del disco) fue el tercer golpe, seguido por el bastión de la gira, Different Class (1995): la coreadísimas Something Changed y el mega-hit Disco 2000, Sorted For E’s & Wizz (y el regreso obligado de los lásers verdes para el tema más drogón del grupo) y la poderosa F.E.E.L.I.N.G .C.A.L.L.E.D.L.O.V.E.

cie de engrudo sexual atolondrado a través de su fraseo estrictamente británico edulcorado con mucha chanson française, respaldado por las guitarras de Mark Webber y el delicioso teclado de la adorable Candida Doyle, los talentos un poco más carismáticos de Nick Banks y Steve Mackey y sendos reemplazos en guitarra y violín para el gran (ausente con aviso) Russell Senior. El show sigue su curso y el público está extasiado, eufórico. La banda suena muy bien (lo mejor que puede sonar en el reverberante Luna Park) y Jarvis, que por momentos -entre muecas y sonrisas- vuelve tranquilamente a tener 30 años, ya ha puesto en evidencia que es uno de los mejores frontman del pop. Acrylic Afternoons y el b-side pulpero favorito Like A Friend, seguidos por Babies y Underwear, dos temas que explicitan el talento de Cocker como narrador de lo cotidiano (y, una vez más, el erotismo adolescente).

“This is me on top of you… and I can’t believe that it took La voz y la postura de Jarvis Cocker, sus continuos espas- me this long”. This Is Hardcore (1998) se hizo esperar mos, jueguitos de brazos y caderas, transmiten esa espe- y estrena en Argentina con su sensual tema homónimo

#iHMag/ 13.

-aplausos de pie para Candida, Steve y Mark porque la versión en vivo fue impactante-. A continuación, su sucesor tuvo debut y despedida con el hermoso crescendo de Sunrise -otro que sonó impecable en vivo, tal y como imaginaba-, el único tema presente de We Love Life (2001), porque lamentablemente Bad Cover Version no tuvo suerte en nuestro país. Para cerrar el cuerpo principal, qué mejor que Bar Italia y la explosión con Common People (sí su mayor éxito, no su mejor canción). La sorpresa vino en los bises con Mile End (compuesto para la banda sonora de Trainspotting, sólo tocada en un par de conciertos de la gira europea el año pasado). A Little Soul y Help The Aged, ambas joyitas de This Is Hardcore (1998), fueron el descanso de los saltos antes de Mis-Shapes, la apertura épica de su disco más exitoso. La voz de Jarvis, tras dos horas de show sin parar, no daba más en el estribillo pero, en medio de la fiesta nada importaba más que bailar y saltar. Sin embargo, faltaba un par más: Live Bed Show, con un glorioso final extendido, y Party Hard (el fabuloso tema en el que el Jarvis crooner se confunde con la voz de Bowie en el disco, pero

-por obvias razones de agotamiento vocal- en vivo no fue interpretado en su tono original). “Now’s definitely good night!”. Realmente fue “la vertat de la milaneisa”, un show alucinante, divertido y único. Si bien la banda hizo su trabajo y cumplió las expectativas con creces, fue el loquito desgarbado de lentes, el amo y señor del “te meneo como se me canta” el que dejó al público de cabeza. Jarvis volvió al hotel exhausto, demacrado, casi un resabio de lo que había dejado sobre el escenario, pero nunca perdiendo la elegancia, la sonrisa y el humor. El resultado de una noche de placer agotadora. Es indiscutible que Pulp transpira sexo y esta noche Jarvis nos había dejado satisfechos a todos. “…if you know what i mean”. d Pulp se presentó en el Estadio Luna Park de Buenos Aires el 21 de Noviembre de 2012.

14. COLUMNAS / Ilan Kazez

#iHMag/ 15.

21 años sin

Freddie Mercury: el espectáculo como ideología La extraordinaria voz de Freddie Mercury marcó un antes y un después en la historia de la música. En 1977, el punk irrumpía en Londres mientras Queen grababa News of the World, marcando para siempre el rock con gestos grandilocuentes y espectaculares.

Por Ilan Kazez Ilustra Marcos P. M. Zamora

orría el año 1977, en los estudios Wessex de Londres, y Queen se encontraba grabando su sexto álbum News Of The World (aquel que contiene los mega hits de estadio We Will Rock You y We Are The Champions). Cualquiera que conoce más o menos la historia del rock, sabe que 1977 en Londres no era un año ni un lugar cualquiera: era el epicentro del terremoto punk.

que el de Queen era una versión instrumental del himno británico (que cerraba el disco A Night At The Opera y todos sus conciertos), mientras que el de Sex Pistols era un escupitajo contra todo lo relacionado con el Palacio de Buckingham.

Volvemos a los estudios Wessex de Londres en el año 1977. Mientras Freddie Mercury cantaba con triunfalis¿Existe una banda que represente la mayor antítesis del mo que eran los campeones, en el estudio de al lado, punk más que Queen? Mientras Queen era grandilo- Sid Vicius cantaba con furia que era el anticristo. En cuente y ambicioso, el punk pregonaba el do it yourself y ese mismo edificio los Sex Pistols se encontraban grael no future. Queen representaba el glamour y lo pompo- bando el icónico Never Mind The Bollocks. Cuenta la so, el punk era sucio y crudo. Queen era la reina, el punk historia que Sid Vicius entró al estudio donde estaba odiaba profundamente a la realeza. No es casualidad grabando Queen, lo miró a Freddie Mercury y le dijo: que tanto Queen como los Sex Pistols tenían tracks lla- “Así que vos sos el que queres llevar el ballet a las masas, mados God Save The Queen, con la pequeña diferencia ¿ya lo has logrado?”, en referencia a una declaración que

16. COLUMNAS / Ilan Kazez

hizo Mercury en una entrevista sobre su gusto por el ballet y su intención de llevarlo al rock. Freddie se puso de pie con tranquilidad y le dijo “¿Vos no te llamabas Simon Ferocius o algo así?”. Claro que a Vicius no le gustó nada lo que le dijo el vocalista de Queen. Y frente a esto, Mercury siguió provocando al joven punk: “¿Qué son esas marcas que tenés en la cara?”-en alusión a las cicatrices de la cara de Vicius- “¿Acaso te estuviste arañando frente al espejo?”. Esta anécdota ilustra el nivel de claridad que tenía Freddie Mercury para con la idea del rock y el showbusiness. Aquello de “¿te estuviste arañando frente al espejo?” demuestra que Mercury entendía muy bien que junto a una obra todos exponen una imagen que los sitúa en ciertas posiciones como artistas; en definitiva, es inseparable la imagen de la obra. Algunos intentan negarlo escondiéndose detrás de una fachada de reventados, indisciplinados y rebeldes. Freddie Mercury eligió cargar otra fachada: la imagen extravagante, sin hacerse grandes preguntas filosóficas, sin buscar una profundidad más allá de ofrecer algo de calidad que logre conmover al mundo. Una tarea no menor, teniendo en cuenta la cantidad de personas que intentaron lo mismo y cayeron en el camino.

de la aparición de MTV). La diferencia radica que, entre todos lo que entienden esto, fue Freddie Mercury el que mejor talento tenía para llevar esto a cabo, tanto por su extraordinaria voz, su pluma y especialmente su carisma inigualable. Aunque a veces nos cueste aceptarlo, el rock está lleno de incongruencias e hipocresías: rebeldes anti-sistema que viven gracias a corporaciones multinacionales, músicos que construyen muros anticapitalistas debajo de anuncios de tarjetas de crédito, artistas que son tan prolija y

meticulosamente controversiales que aburren y un largo etcétera. Freddie Mercury entregó su vida al espectáculo sin remordimientos ni pases de factura a la propia conFreddie entendía que el espectáculo a gran escala lograba ciencia. Es decir, en ningún momento tuvo conflictos conmover al mundo, y eso es lo que se propuso a lo largo con su propia fama, simplemente porque sabía y aceptade su carrera. Y siempre de la forma más grande y exa- ba las reglas del juego. Kurt Cobain lo ilustra en su nota gerada que se pueda, siendo esas las premisas básicas que suicida: “…cuando se apagan las luces antes del concierto tuvo Queen en su existencia: sea a través del vestuario y se oyen los gritos del publico, a mi no me afectan tal como o incluyendo una sección operística en el medio de una afectaban a Freddie Mercury, a quien parecía encantarle canción, sea a través del montaje de shows imponentes que el público le amase y adorase. Lo cual admiro y envio llevando el ballet a las masas. La música es lo más im- dio muchísimo”. Esto demuestra que Freddie Mercury era el portante, sí, pero Freddie se educó en la escuela de David símbolo del showman, del artista entregado al show, sin mieBowie y entendió sin remordimientos que el rock se dos, sin vergüenza, sin autotorturas, en fin, sin hipocresías. monta sobre un cúmulo de soportes más allá del auditivo: es la música, pero también es la imagen, el vestuario, “Soy una prostituta musical”, dijo una vez en una enel montaje del show, el videoclip (Queen es considerado trevista en 1986. Pero Freddie Mercury era una de esas como uno de los propulsores de los videoclips años antes prostitutas que hacen su trabajo también por placer y que

#iHMag/ 17.

lo condujo a él y a su banda durante más de 20 años de carrera a ser un abanico de géneros y estilos: pueden ser glam y hardorockers (chequear los primeros dos discos), armar rapsodias (la bohemia es una tanta de ellas), canciones teatrales, simples composiciones pop o coquetear con el rockabilly, el funk, la música disco y hasta con el metal. La lista de bandas y artistas que fueron influenciadas por Queen habla por si sola: va desde Metallica hasta George Michael, desde Guns N’ Roses hasta Mika, desde Muse hasta Lady Gaga. Freddie Mercury era una persona artísticamente ambiciosa, pero sus ambiciones no pasaban por buscar con su arte cambiar el mundo o romper con los cimientos de una sociedad. Sus ambiciones pasaban por hacer más y mejores canciones, más y mejores shows, conmover más y mejor, entendiendo que el rock es una simple (y a la vez difícil) vía conmover a las masas. Sin embargo, esto no impide que en su música haya una falta de profundidad. Su búsqueda de profundidad no pasaba por hacer un disco como Never Mind The Bollocks o The Wall; su búsqueda de profundidad pasaba por moverse en esta marea que llamamos rock con altura y carisma, entregándose a la obra y entendiendo que un espectáculo al fin y al cabo es eso: un espec-

táculo. En esa entrega total a la espectacularidad Freddie Mercury junto a Brian May, Roger Taylor y John Deacon dejaron piezas creativas invaluables. Quedaran algunos que le recriminan su chatez ideológica y su superficialidad. Pero al fin y al cabo hoy entramos a una disquería y vemos el CD de Never Mind The Bollocks de Sex Pistols en la batea de ofertas del mes pegado a News Of The World de Queen y Born This Way de Lady Gaga. La diferencia está en que si Sid Vicius ve esa imagen se revolcaría en su tumba, mientras Freddie Mercury se quedaría muy tranquilo.

18. COLUMNAS / Juan Pablo Lima

#iHMag/ 19.

MP3: el final del espejismo romántico

¿Fuimos optimistas al pensar que el download sería la salvación de la música? La filosa pluma de Juan Pablo Lima analiza las posiciones apocalípticas y románticas alrededor de la cuestión del mp3, un tema incómodo pero necesario, mientras la venta de discos cae más y más, aún en formato digital.

Por Juan Pablo Lima Ilustra Pablo G. Feliz

“Los artistas que graban música han estado regalando sus creaciones durante años con el sistema actual, así que una nueva tecnología que expone su arte a grandes audiencias sólo puede ser algo bueno. El año pasado hubo mil millones de downloads, pero la venta de discos aumentó considerablemente. ¿Cual es la evidencia de que los downloads perjudican el negocio? Los downloads están creando más demanda”

stas palabras fueron pronunciadas por Courtney Love durante su famoso discurso en la expo Digital Hollywood de Nueva York el 16 de mayo de 2000, y representan fielmente el pensamiento optimista/romántico de la época, sobre el impacto que provocarían las nuevas tecnologías en la industria musical. Ubicándonos en contexto, habían pasado pocos meses desde que el término mp3 se popularizara en todo el mundo, en gran medida gracias al millonario juicio que las empresas discográficas iniciaron contra el sitio de distribución de archivos Napster (que a la postre desembocaría en su cierre definitivo en julio de 2001) y que puso en primer plano una realidad que trascendía las barreras de la esfera estrictamente “tecnológica/nerd”: esto es, la masificación en el intercambio de archivos de extensión mp3 entre usuarios de Napster (u otros servicios P2P similares), cuyos alcances a largo plazo eran imposibles de cuantificar.

20. COLUMNAS / Juan Pablo Lima

El debate, tan apasionante como necesario, se centraba en dos posturas absolutamente irreconciliables, que podríamos resumir en “romántica” y “apocalíptica”. La visión romántica, a la que además de la mencionada Love se suscribían bandas como The Offpring, Limp Bizkit y The Smashing Pumpkins, coincidían –a grandes rasgos– en que la irrupción del mp3 impondría un cambio radi- de Napster, desde que el formato mp3 se convirtiese en cal en la forma de promocionar y distribuir la música, sinónimo de música, y si bien todavía es complicado visprescindiendo de los caprichosos manejos de las grandes lumbrar cual será el final de esta apasionante historia, discográficas (quienes generalmente se quedaban con ya podemos proyectar algunas tendencias irreversibles. un gran porcentaje de las ganancias), en otras palabras, En primer lugar la música, como industria cultural, está tomar el toro por las astas, tener el control, poder admi- transitando una vertiginosa y dolorosa agonía. Ni los nistrar a voluntad la forma en que el artista se comunica peores augurios de los apocalípticos fueron capaces de con su audiencia. En un sistema donde todo es limitado prever el escenario actual: los volúmenes globales de venta de discos dismi–promoción radial, distrinuyen escandalosabución, prensa– las infinimente año tras año. tas posibilidades del munHoy en día es casi do digital hacen viable la una utopía vender utopía de romper con las 1 millón de copias “Hemos vendido millones de discos y discográficas tradicionales de un nuevo álbum, e imponer un nuevo orden, estamos contentos de habernos asegurado labor prácticamente donde los únicos benefiinalcanzable incluciados son el artista y su el futuro, de no tener que preocuparnos so para los artisaudiencia. Al fin de cuentas más populares tas, la música, como todo por la plata y de poder mandar a nuestros (Madonna apenas arte, es un servicio y no un superó el medio miproducto. llón de copias con hijos a la universidad. Lo que se está su ultimo LP). Esa Por su parte los apocalípcifra era bastante acperdiendo en internet es insignificante, ticos, entre quienes sobrecesible en el período salía como punta de lanza es cambio chico ¿Pero cuanto va a ser en previo a internet, o la banda heavy Metallica, sea, pensemos que sostenían que la libre proVanilla Ice (¡Vanilla cinco años? Esto es algo que de verdad liferación de archivos mp3 Ice!) vendió más de por internet constituía una puede salirse de control…” (Lars Ulrich, 16 millones de copias violación a las leyes de dea nivel mundial de rechos de autor: básicabaterista de Metallica, diciembre de 2000) su álbum debut To mente bajar una canción es the extreme (1990). un acto de piratería, donde Sin embargo, una se está robando la propiepostura romántica dad intelectual del artista, podría argumentar y en consecuencia el músico no puede ser compensado económicamente por su que el bajo volumen de ventas no coincide para nada en obra. Desde luego, esta postura resulta ser la más antipá- la convocatoria de un artista, y estaría en lo correcto. tica de las dos mencionadas, más que nada por concen- Pensemos en cuantas visitas internacionales tuvimos trar sus esfuerzos en mantener inmutable el negocio dis- en los últimos años de bandas que ni siquiera tienen un cográfico tal cual lo conocíamos, previo al surgimiento disco publicado oficialmente en el país (aunque segurade internet. Además de ser una pose conservadora, pri- mente miles de downloads). En consecuencia, la descarvilegia la noción de arte como producto. Sin embargo, ga de archivos mp3 amplían el espectro de llegada de un a continuación veremos que algunos de sus aterradores artista, pero de ningún modo genera más ventas, como suponían los románticos. vaticinios no merecían ser desestimados tan a la ligera. En el año 2000 el estándar de compresión de los archivos Ha transcurrido más de una década desde aquellos días mp3 era de 128 kbps, una calidad pasable aunque el oído

#iHMag/ 21.

“¿Cuáles son las grandes ventas hoy? En el pasado era como un millón, dos millones… al menos la gente lo estaba escuchando. Ahora vendés 100.000 copias y conocés 2 millones de personas que lo están escuchando. Y no obtenés recompensa por ello” (Billy Corgan, líder de The Smashing Pumpkins -otrora gran defensor del mp3- septiembre de 2012) entrenado de cualquier melómano podría notar ciertas falencias en los sonidos graves. A los interesados en escuchar audio en óptimas condiciones no les quedaba otra que comprarse el disco. Pero en la actualidad la mayoría de los álbumes que se bajan de internet están comprimidos a 320 kbps, desde luego la calidad de audio es superior y, a menos que uno tenga cierto afán coleccionista o apego por el formato material, adquirir el disco por vías convencionales (básicamente ir a una tienda y pagar) ya no resulta tan prioritario. Por otro lado, la gran mayoría de la gente escucha canciones a través de dispositivos cuya función principal no es precisamente la reproducción de música en alta fidelidad (celulares, tablets, notebooks, etc), lo que conlleva a un empobrecimiento generalizado de la experiencia auditiva. El artista que entra a un estudio de grabación pasa meses desarrollando un sonido, sabiendo que la mayor parte de sus esfuerzos solo podrán ser apreciados por un grupo minoritario de gente (también llamados fetichistas del vi-

22. COLUMNAS / Juan Pablo Lima

“Las estrellas de rock morirán porque nadie ganará el dinero suficiente como para ser una estrella. Los músicos serán trabajadores. Es increíble. Antes había una manera de hacer dinero y vender discos, que empezó en los 60 y que funcionó durante 30 años. Y, de repente, en tan solo una década, se ha esfumado y no volverá a funcionar nunca más” (Noel Gallagher, agosto de 2012)

nilo y/o CD). En consecuencia, tenemos una enorme inversión de tiempo, dinero y sacrifico, listo para ser comprimido en formato mp3 y compartido con el mundo por el uploader de turno. Y difícilmente la retribución económica del artista sea equivalente a todo el esfuerzo depositado en el proceso creativo. Es muy factible que dentro de poco tiempo ir a una disquería a comprar un disco se transforme en una práctica marginal, casi como alquilar una película en VHS en un videoclub. Estamos asistiendo al funeral de la música como negocio, pero al mismo tiempo estamos sepultando los restos de la “cultura joven” heredada desde mediados del siglo XX. Es duro admitirlo, pero muchas de las construcciones sociales de la cultura rock son creaciones de la propia industria discográfica. Los héroes y los demonios del rock fueron diseñados por una industria especializada en fabricar

#iHMag/ 23.

relatos épicos de nuestros ídolos. El “poeta maldito”, el “músico torturado”, el “rebelde suicida”, el “portavoz de una generación”, son hermosas narraciones edificadas sobre la humanidad de los músicos que las encarnaban, multiplicadas globalmente por una industria vigorosa, dispuesta a explotar a sus figuras hasta obtener el máximo de rentabilidad. Es cruel como todo razonamiento corporativista, pero terriblemente eficaz. La efectividad de esa labor aún se puede apreciar en la actualidad, con el interminable boom de la nostalgia: casi no queda banda exitosa del pasado que no se haya reunido, sea para salir de gira, lanzar un nuevo disco o ambas cosas a la vez. Por otra parte la reedición de álbumes clásicos se multiplica año tras año, siendo éste el único sustento al cual se aferran las grandes empresas discográficas. Contratar bandas nuevas ¿para qué? Jamás venderán tanto como la reedición chiquicientos aniversario de London Calling. La sensación engañosa que sobrevuela es que ya no hay músicos como antes, que las nuevas bandas no tienen nada para ofrecer, o que las composiciones actuales son inferiores a las pasadas, pero en el fondo lo que ocurre es que el relato quedó huérfano: hay un montón de músicos y agrupaciones talentosas que nunca alcanzarán el estatus de las grandes bandas del pasado, simplemente porque la industria que fabricaba esas construcciones culturales ya dejó de existir. La producción discográfica disponía de un entramado perfectamente diseñado, en el cual el disco sólo consti-

tuía el puntapié inicial, a partir del cual la industria se retroalimentaba con giras promocionales, cortes de difusión radial, videoclips para canales musicales, artículos en medios gráficos especializados, etc. La rueda giraba a la perfección, y las ganancias se multiplicaban incesantemente, hasta que la propagación de archivos mp3 por internet cambió las reglas del juego para siempre. Hoy los videoclips hay que rastrearlos en YouTube, y los medios especializados son blogs que te recomiendan discos para bajar. Incluso en Reino Unido la descarga legal de música en formato digital genera ingresos superiores a las tristes ventas que cosechan las copias en formato físico, aunque se trata de beneficios económicos ridículos comparados con las cifras de antaño. El consumo de música sigue siendo alto, pero alcanzar cierta notoriedad –y ni hablar de llegar al estatus de celebridad– es algo imposible de medir con los parámetros antiguos. El éxito no se puede contabilizar en discos vendidos sino en la cantidad de visitas y “me gusta” que tenga tu video en YouTube. Sin ir más lejos, hoy PSY y su Gangnam Style representan el Smells Like Teen Spirit modelo 2012, aunque sonaría grotesco escuchar al creador de este hit renegar del éxito y las presiones del sistema, buscar refugio en la adicción a la heroína y luego suicidarse. Ese relato jamás podrá volver contarse.

#iHMag/ 25.

Tesoro confidente:

Patti Smith Un viaje hacia el universo que hizo posible que la madrina del punk diera vida a su debut Horses.

Por Judith Gómez Machado Ilustra Sofía Gatti

arios pares de pies descalzos se abren paso entre las hojas secas de un bosque de tierra arcillosa y teñido por unos pocos rayos de sol. El sur de Nueva Jersey hacia fines de los 50 y un leal ejército de niños-hermanos guiados por su biblia, A Child’s Garden of Verses de Robert Louis Stevenson. Exploran, conquistan, descubren y ríen. Una de ellos, Patricia Lee Smith, de unos 11 años, es alta, desgarbada y flaca. Soñadora, incomprendida y una ávida y precoz lectora. Años más tarde, en medio de una salida familiar al Museo de Arte de Filadelfia, la creación del arte

la conmovería pero, sobretodo, sentiría una atracción carnal por su ejecutor, aquel ser que podía ver lo que otros no. El legendario y confidente álbum de 1975, Horses, encuentra sus raíces en las grandiosas vivencias de Patti Lee. Un disco debut que reconstruyó el lenguaje y la música (¿o el lenguaje de la música?) para convertirse en una obra maestra. Su predecesor, por así decirlo, fue una revolucionaria reversión del clásico Hey Joe que tuvo como introducción unas palabras de Smith sobre Patty Hearst. La nieta del

26. COLUMNAS / Judith Gómez Machado

Adolescentes alienados, artistas inadaptados y jóvenes sensibles: cada uno de ellos descubrió Horses en 1975, en 1986, en 1998, o en 2002, y se aferraron a él hasta el día de hoy. ¿Qué puede ser superior a un disco sin edad?

mismísimo William Randolph Hearst había sido secuestrada por el grupo de guerrilla urbana Symbionese Liberation Army en febrero de 1974, para más tarde unirse a sus captores en su lucha y hasta adoptar el nombre de Tania, inspirado por el de la guerrillera argentina Tamara Bunke. Su eterna búsqueda de tesoros musicales y literarios en tiendas escondidas de Brooklyn y Greenwich Village, su “Patty, you know what your daddy said / Patty, he said, (no menor) paso por el Chelsea Hotel, los viajes a Coney he said, he said ‘Well, sixty days ago she was such a lovely Island y las noche en el legendario club CBGB. child / Now here she is with a gun in her hand’” El álbum, que fue producido por John Cale, abre con el Su lado B fue Piss Factory, una canción que ahondaba en clásico escrito de Van Morrison, grabado con su banla frustración de trabajar en una fábrica y cuya salvación da Them en 1964, Gloria; fogosamente reinterpretado fue Les Iluminations, del poeta francés (y su guía eterno) y fusionado con su poema Oath, es poseedor de las líArthur Rimbaud. neas introductorias más famosas del rock: “Jesus died for somebody’s sins but not mines”. Horses estaba en la mente de Patti, en sus emociones y en su poesía, incluso antes de firmar con el sello de Clive “Cristo era un hombre contra el cual merecía la pena rebelarDavis, Arista Label, para iniciar la (excitante, mítica, caóti- se, porque él era la rebelión”, reza Patti en su libro Just Kids. ca y hasta frustrante) grabación del disco junto a Ivan Kral (bajo y segunda guitarra, y miembro de una formación Birdland, tal vez uno de los tracks más intensos, fue insinicial de Blondie), Jay Dee Daugherty (batería), Lenny pirado por pasajes del libro A Book of Dreams, de Peter Kaye (bajo, guitarra, coros) y Richard Sohl (teclados). El Reich, hijo de una de las figuras más radicales de la psiespíritu del disco estaba empapado por los 8 años que Patti quiatría: el austríaco Wilhelm Reich. En la canción, un llevaba viviendo en la inquieta ciudad de Nueva York. pequeño Reich divisa a su padre en una nave, desde una

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1978, My Generation, el tema de The Who escrito por Pete Townshend, solía ser el cierre de los eclécticos shows de Patti Lee y su banda. En 1976, una versión en vivo, con John Cale en bajo, fue la cara b del single de Gloria. Mientras que Land es una metáfora del nacimiento Hacia el final, los aullidos de Smith (“Oh, I’m so Young del rock and roll que finaliza con la muerte de Jimmy / So goddamn young”) la hacen invencible e inmune a Hendrix (“In the sheets…there was a man”), Break it Up cualquier efecto del paso del tiempo. –co escrita junto a Tom Verlaine– describe un sueño en el que “Jim Morrison, atado como Prometeo, se libera de El arte de Horses no pudo haber sido ideado por otra persorepente”. Imposible no sentir a Patti golpeando su pecho na que el fotógrafo y artista visual Robert Mapplethorpe. Su relación con Patti fue de mientras canta “Ice, it was tal profundidad y complishining / I could feel my cidad que es arduo atreverheart, it was melting”. se a compararla con otras. ¿Almas gemelas? Tal vez, e La familia de Patti Lee incluso más. también estuvo presente en Horses: Kimberly fue Con ropa del Ejército de escrita para su hermaSalvación y luz natural en na Kimberly Smith, diez un día nublado, la portada años y medio menor que de Horses (“Cuando ahora ella y también artista (es la miro, no me veo nunca a guitarrista, compositora y mi. Nos veo a los dos”) fue fue miembro de The Lust, inmortalizada en el ático Spurs y Grace Street); y de la Quinta Avenida donRedondo Beach, que en de vivía el curador y colecnumerosas ocasiones fue cionista (también pareja, nombrada “la primera mentor y benefactor de canción reggae sobre lesbiaRobert) Sam Wagstaff. nas”, en realidad tuvo su origen en una pelea de la En una de sus más recantante con su otra hercientes entrevistas para mana Linda Smith (quien UnCut, Patti dejó en clafue su compañera de viaje ro que “es una persona caen su primera visita a París en 1969) y un sueño/pesadilla posterior sobre la muerte sual”. Como si hubiera sido ayer, no es difícil imaginarla, a lo lejos, sobreviviendo –feliz, con café instantáneo y de esta última. “bollos rancios”– en la Nueva York que vivía a pura luz Free Money bien podría ser un reflejo de la difícil infancia los años 70. de Patti en Nueva Jersey (no por la falta de amor, sino por la ardua situación económica que aquejaba a su familia) Adolescentes alienados, artistas inadaptados y jóvenes o bien una crítica a las imposiciones de la vida en socie- sensibles: cada uno de ellos descubrió Horses en 1975, en dad. Al fin y al cabo, habla de los sueños, tal como lo 1986, en 1998, o en 2002, y se aferraron a él hasta el día de hoy. ¿Qué puede ser superior a un disco sin edad? hacía en Piss Factory: soñar con una vida mejor. granja en Nueva Inglaterra, y le suplica que lo lleve con él: “Oh, let’s go up, up, take me up / I’ll go up, I’m going up, I’m going up / Take me up, I’m going up, I’ll go up there”.

En Elegie, Patti recuerda una vez más, cual ninfa en compli- “Escribí Horses para Michael Stipe, escribí Horses para cidad con la naturaleza, a sus amigos, poetas, inspiración y Morrissey. Y lo encontraron”. Gracias, Patti. búsqueda: Arthur Rimbaud, Jim Morrison y Jimi Hendrix. Desde el año anterior al lanzamiento de su debut y hasta

28. ENTREVISTAS

trespreguntascon 3 Pecados (UR)

DO AMOR (BR)

l por Judith Gómez Machado

indieHearts: ¿Qué emociones los recorrieron como banda y como amigos en los últimos meses? Pau O’Bianchi: Muchísimas, este año fue una demencia en lo personal para cada uno, más que nada obviamente para Diego. En estas fechas seguro que algún que otro lagrimón se nos va escapar, estamos totalmente conmovidos con todo lo que pasó y esta pasando, pero agradecidos eternamente por tener la segunda oportunidad de volver a hacer música los tres juntos.

indieHearts: ¿Cómo fue el proceso de grabación y composición de su nuevo álbum Piracema? Do Amor: Pasamos dos semanas en una granja en el estado de Río de Janeiro, componiendo y arreglando los temas juntos. Todo este proceso conjunto trajo cosas nuevas y el clima del campo trajo una atmósfera más serena y astral. Estamos satisfechos con los resultados y, sobretodo, sentimos que el trabajo fue más intenso y real. Llegará durante 2013.

iH: Su música pareciera fluir sin perseguir un género o una estética en particular. ¿Cuáles son sus motivaciones actuales? PO: Muchísimas, yo ando en este momento descubriendo muchísimas bandas y discos clásicos. Los Beatles (que hasta este momento de mi vida no les había dado mucha bola), los Rolling Stones, Pink Floyd,Miles, Syd Barret, The Fall, etc. Obviamente que toda esta situación con Diego nos conmovió e inspiro muchísimo también, tal vez por eso ya tenga 42 canciones nuevas en el armario. iH: En una entrevista dijiste que cada disco es un nuevo inicio. ¿Cómo ves el próximo “nuevo inicio” de 3Pecados? PO: ¡Ando como loco componiendo! Al haber estado este año parado con3Pecados y tocar (cada tanto) solo con Millones de casas con fantasmas, compuse muchísimo en mi casa. Ya tengo como 42 ideas/bocetos de canciones, creo que estoy por enloquecer, no paran de salir cosas. Espero tener el cuerpo, la energía y el tiempo para llevarlas a cabo con la banda, es mi mayor temor en este momento. No queremos adelantar mucho porque nos falta empezar a ensayar más fuerte para sacarlos a todos (esa es la idea por lo menos).

iH: ¿Qué pueden adelantar de su sonido? DA: Estamos más tranquilos y sin la urgencia del primer disco. Cuenta con canciones bastante calmas, aunque no dejamos atrás la “furia del rock”. iH: ¿Cuál es la diferencia principal con su álbum Do Amor (2010)? DA: El proceso de composición y creació, en general, fue más concentrado y la realización del disco fue una especie de fotografía de un momento.

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Kishi Bashi (USA)

Leo García

l por Diego Miranda

l por Emmanuel Patrone

indieHearts: ¿Cómo se siente haber dejado of Montreal para dedicarte a tu proyecto solista? Kishi Bashi: Es un sentimiento increíble. Es lo que todo músico desea, ganarse la vida tocando su propia música, y soy afortunado de tener esa oportunidad. Duele porque of Montreal es como mi familia, pero llegué al punto en el que no podía estar en dos bandas al mismo tiempo.

indieHearts: ¿sentís que existe una nueva camada importante de bandas y artistas? Leo García: Sí, totalmente. Tiene que ver con que estoy formando parte de un nuevo sello junto a PopArt y esto alentó mucho a que fuera a ver en vivo a todos los grupos posibles que están tocando y escuchar discos de ellos. En otros años, yo escuchaba mucha música de afuera, no me enganchaba con bandas de acá. Siento que ahora hay una cosa que se une con la otra. Escucho un disco de Buenos Aires Karma, de Beresñak, de Viva Elástico, de Reyes del Falsete, de La Ola y encuentro un hilo conductor en todos estos artistas y otros más. La gente de PopArt, al verme tan entusiasmado con esto, me hizo llegar la propuesta de hacer un sello. Escuchar la música y los artistas que hay alrededor me dio mucha inspiración.

iH: Con el sello nuevo, ¿hay bandas que ya mostraron interés? LG: Muchísimas. Yo lo que pido es que acerquen el CD en el show, tanto a mí como a mi representante. El formato CD a mí me sirve mucho más para trabajar que el formato digital. Me viene bien para escuchar en el auto o en la compu, o para llevarlo a las reuniones en la compañía para mostrar los artistas que estuvimos descubriendo. La idea es que sean los artistas de esta nueva camada. Estamos armando una serie de compilados en los que a las bandas no se les pide más que el fonograma para iH: ¿Qué se siente saber que hay gente que disfruta tu música difundirlo. No tienen que firmar un contrato por tres, en lugares tan distantes como Argentina? cinco discos ni nada parecido. KB: Me gusta el “nuevo orden mundial” de la internet. Le da mucho poder a los músicos, ya que podés llegar iH: ¿Ya está armado algún compilado? exactamente a la gente que quiere escuchar tu música… LG: Sí, ya tenemos más o menos lo que va a ser el primees algo que se siente extraordinariamente bien. ro de los compilados. Yo sé que los mejores artistas que pudimos conseguir hasta el momento son todos de rock. iH: Las cosas están pasando muy rápido en tu carrera Volvió la canción. Pero pienso en futuro, y en los próxisolista: ¿tenés pensado el próximo paso a tomar? mos compilados quiero investigar la música electrónica. KB: No tengo idea. ¡No tuve ni tiempo de pensarlo! Su- Creo que hay mucho para explorar y es curioso que por el pongo que mi disco será una versión más exagerada de lo momento no se hagan notar tantos grupos electrónicos. que hago ahora. Eso creo.

30. ENTREVISTAS / Adrián C. Paoletti

Adrián Paoletti:

Por Carolina Figueredo

e presenté a la entrevista provista de un preconcepto: Adrián C. Paoletti era inspirador y referente por excelencia de muchas de las bandas locales indies que han sonado y suenan en nuestros auriculares. Tenía la certeza de que muchos músicos de la escena actual lo celebraban por su carrera dentro de la independencia y de lo que conocemos como low-fi. Miembro de lo que se llamó Nuevo Rock Argentino a mediados de los 90s, venía de una experiencia grupal con Copiloto Pilato, con la cual editó en 1992 el LP La Misma Tierra junto a otra banda de aquellos tiempos, El Lado Salvaje. De allí se hizo solista y sacó Paciencia en 1995. Este oriundo de Monte Grande se tomó su tiempo entre disco y disco, entre presentación y presentación. En la ruta del árbol, en busca de la canción perfecta fue editado en 1998 y Soy yo por ahora en 2001. Pero su último trabajo Casa Rodante recién salió en 2011. ¿Qué pasó en el medio con este músico elogiado por la crítica especializada como un gran poeta del rock vernáculo? Se dedicó a estudiar y recibirse de abogado, se presentaba una vez por año, tuvo un hijo, y colaboró como letrista del último disco de Gustavo Cerati.

IndieHearts: ¿Puede ser que para vos no sea una línea fundamental tratar de ser un buen cantante porque te interesa, a través de tus canciones, proyectar tu poesía? Adrián Paoletti: Sí, tiene que ver con eso. Cuando digo esto es medio crudo pero a mí lo que más me gusta hacer, lo que más disfruto, es componer canciones. El momento de estar solo, trabajar una idea, una melodía, una armonía, una letra, me gusta el juego de trabajarla y trabajarla. De no tener nada y de repente tener una canción. Un poco menos disfruto de grabar o de tocar en vivo porque soy medio vago, todo el tema del escenario, etc. Aunque últimamente trato de que se torne entretenido y hasta divertido. Si yo tuviera un alter-ego que tocase mis canciones yo no toco más en vivo, que toque él y yo me quedo en casa (risas). Pero tengo que salir a grabarlas y a tocarlas para mostrarlas. Lo tomo como parte del juego.

iH: ¿Creés que te encasillaron en un lugar que quizás no querías? AP: Cuando sacamos Paciencia lo grabamos con Gonzalo Córdoba con una portaestudio de 8 canales que en tecnología casera pensábamos que era lo más. Al estar grabándolo nuestra idea no era que sonara mal y no nos importaba nada. Intentábamos que sonara bien y creíamos que lo hacía. AhoHaciendo honor a su profesión, toma la entrevista con ra con el tiempo me doy cuenta de que no suena muy bien. calma, piensa y repiensa entre respuesta y respuesta, tra- Cuando lo saqué en cassette, que es como la primera parte del ta de explicar todo hasta el más mínimo detalle. Al cabo CD, estaba grabado en los Estudios Abasto en 16 canales que de la charla mi hipótesis inicial sufriría un revés. era lo más hi-fi que había en esos momentos. Había perio-

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distas que hablaban del sonido low-fi que ni siquiera habían leído los créditos. En ese estudio grababan Pappo, Almafuerte, todos números grosos nacionales y que nada tenían que ver con el sonido low-fi. Me parece que ahora muchos grupos tomaron lo del “suena desprolijo y mal y no me importa”, tal vez grupos de los cuales yo soy una referencia, pero a mí sí me importaba que sonara bien, aunque no lo lograba (risas).

año y dos y estábamos empezando el segundo disco cuando me aburrí de tocar. Entonces me dediqué a escribir entre 2 a 4 horas diarias por 6 meses, y automáticamente, inconscientemente o muy naturalmente se me presenta un viaje a Chile, me compré una guitarra en el viaje y ahí compuse Guitarra de fuego y 2 canciones más. Cuando volvía del viaje los conocí a Rosario (Bléfari) y Fabio (Suárez), tocamos la guitarra y después me llamaron para tocar las canciones de las vacacioiH: Te definís como “un buen compositor pero un mal nes. Yo quería alejarme de la música y terminé no sacando el cantante” libro, grabando el demo y sacando Paciencia. Y las cosas se AP: Un buen compositor, un guitarrista mediocre y un mal dieron de forma natural. Después tocaba una vez al año para cantante. Lo de cantar es también como un juego. En una cuando saqué Soy yo por ahora, empecé la facultad, tuve a época señalaban mucho mi forma de cantar, a unos les gusta- mi hijo, pero nunca dejé de tocar la guitarra ni de componer. ba y a otros no. Algunos decían que era como una voz fetiche. Estaba estudiando con la guitarra al lado. En un momento de Yo repito una frase que escuché por ahí de Serrat que dice que la carrera, estaba en 4to año, tenía un montón de canciones “el cantante tiene con qué cantar y el cantor tiene qué cantar”. y ya estaba pensando en recibirme y luego tocar y grabar un Yo me considero un cantor, un decidor. disco con esas canciones. Ahora me pasa igual, el año pasado compuse un montón, tengo 13 canciones que toco todo el iH: ¿Cómo comenzó tu relación con la prosa? tiempo. El último disco salió el año pasado en marzo, quizás AP: De chico me gustaba y leía mucho y en un momento em- el año que viene ya saque el próximo. pecé a escribir poesía, cuentos. Empecé también a escribir una novela que evidentemente quedó en la nada, y a componer iH: Igualmente te tomás tus tiempos… canciones y me di cuenta de que de todos esos formatos eran AP: Claro. No tengo apuro ni tengo a nadie persiguiéndome más prácticas las canciones y que a través de ellas me permitía para que saque un disco ya. Los ritmos los pongo yo. También contar algo como la letra de una historia o un cuento que me tiene que ver con que tanto para mí como para todos los que parecía más divertido para el público que las escuchara. participan del proceso nos parezca divertido. En la medida en iH: ¿Por qué dejaste de tocar y por qué volviste después? que sea así, y esté bien hecho, genial. AP: Saqué un disco con Copiloto Pilato y tocamos entre un

32. ENTREVISTAS / Adrián C. Paoletti:

iH: Y la independencia de las discográficas, ¿la tomás como una bandera ideológica? AP: No, para nada. En realidad, con el único que firmé contrato discográfico fue con el disco de Copiloto Pilato, porque se dio la circunstancia de que era una compañía nueva. Pero el disco se queda olvidado porque la sociedad comercial de la compañía se rompe. Después jamás firmé contrato porque las ventas minúsculas comercialmente a nadie le interesan. Si me ofrecieran un contrato más o menos normal no tendría problemas en firmarlo. Pero tenía que hacer todo yo solo: grabar, entregarles el disco, encargarme de SADAIC. Si me ofrecés algo que puedo hacer solo, ¿para qué voy a firmar un contrato? Y ante la disyuntiva de tener un disco y nadie me lo edita, entonces ¿qué hago? Lo saco de manera independiente. En su momento cuando lo hacíamos parecía raro pero ahora ya es normal. La autogestión ahora es moneda corriente. Si yo no me hubiera autogestionado mis 4 discos no existirían porque nadie los hubiese editado.

iH: ¿Y qué importancia le das a las nuevas tecnologías, como internet o las redes sociales? AP: Es una herramienta de difusión, pero yo no puedo estar todo el tiempo escribiendo en Facebook o siguiendo las nuevas tendencias. Tengo mi página donde está toda mi historia musical desde Copiloto Pilato, pero me dicen que la página web ya fue. En teoría Facebook es algo más dinámico porque está todo el tiempo en movimiento, pero en realidad es como una cosa mentirosa porque tenés 3 mil amigos pero a tus shows siguen yendo los mismos 50. No lo descarto como medio, pero la realidad es que la misma gente que pone “me gusta” en FB después es la que escucha por Grooveshark o en Last. fm. Termina siendo el mismo círculo reducido. Entonces por más que me digan que es lo que se usa ahora, el free download, yo no lo hago, me gusta tener los discos en forma material.

iH: Fuiste encasillado dentro de lo que se llamó “El Nuevo Rock Argentino”. ¿Cómo te ubicás comparándote con los En cierto momento de la artistas que emergieron charla, Adrián se pone rede aquella movida en la flexivo acerca de la difuactualidad? sión de la música y las nueAP: Cuando empezamos a vas tecnologías. Y tiene un tocar con Copiloto comparmodo muy peculiar de ver timos muchas fechas con El y entender el mercado, se Otro Yo, con Los Brujos, y nota cierta frustración, si después otras bandas de las el término fuera el adecuaque se estaba hablando eran do, de un artista aclamado por la prensa pero de poca Babasónicos, Juana La Loca y Tía Newton. El público medio convocatoria a la hora de sus presentaciones. de rock, el pibe que escucha rock, que cada vez son menos, hoy conoce a El Otro Yo, a Massacre, a Los Brujos, a Babasónicos, “Para mí el medio por excelencia de difusión es la radio. por ahí a Juana La Loca, pero no sé si me conoce a mí. Quizás Si vos no tenés acceso a la radio quedas afuera del circuito. soy más conocido en el ambiente de los músicos. El público de Entrás a un mercado o cualquier negocio y están pasando Gustavo Cerati no me conoce pero él sí, el público de Vicentico música. La gente en sus trabajos escucha y canta las can- tampoco me conoce pero a él le gustan mis discos. Richard Cociones que pasan en la radio, la gente que está comprando leman me felicita. En el ambiente musical me reconocen, pero está escuchando radio. En el colectivo, en tu auto. Nadie el público de esos músicos no me conoce (risas). Y a diferencia por leer una nota en una revista de que tu disco es genial de aquellos grupos yo tuve un impasse de 10 años, que si bien va y lo compra. En cambio escuchás una canción y te gus- toqué una vez por año no edité discos. En esos 10 años otros tó, vas y te lo comprás. Yo fui a ver a los Redondos hace artistas que tocaban a la par mía, sacaron 6, 7 discos, tocaron muchísimo a un lugar que se llamaba Látex en Capital y todos los años y están cosechando el fruto de su trabajo. La éramos 20 personas. Y yo fui porque los escuchaba en la ra- referencia conmigo o con Suárez o con El Otro Yo pasa porque dio. Pasaban Ñam fri frufi fali fru todo el tiempo. Es muy fuimos de casualidad los primeros que encaramos por el audifícil que una banda sea convocante si no está sonando en tofinanciamiento. la radio”, reflexiona.

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Vos las ves que vienen un día desesperadas y al tiempo pasan por el juzgado re contentas, consiguen trabajo, les cambia la situación por completo. Yo tengo la suerte de trabajar de lo que me gusta, y mi trabajo es lo que me da de comer. Pero llego de trabajar y me olvidé: toco la guitarra, estoy definiendo las canciones que voy a grabar, pienso en el orden de las canciones, las toco. Tengo esa comodidad de que, tiene que ver con ser independiente o no, me da la facilidad; el hecho de no vivir de las canciones me da una tranquilidad de no estar atado a tiempos. Y el dinero que pueda ganar con la venta de mis discos la puedo ocupar en la prensa y difusión. Si las canciones me dieran dinero, genial, pero no es así.

iH: ¿No considerás que te conozcan y te reconozcan más allá de que no hayan comprado tus discos? AP: Para mí el termómetro es el show en vivo y la venta de discos. Esa es la realidad. Las veces que me presento a veces hay 100 personas, a veces 50, a veces 20 y a veces no hay nadie. No soy un artista con convocatoria. iH: Con respecto a tu trabajo como abogado, específicamente ¿cuál es tu labor? AP: Yo soy abogado en función judicial y por eso no puedo administrar justicia y también litigar. No puedo defender a nadie porque no es compatible con mi título profesional. Al trabajar en el Juzgado de Paz como letrado, empecé hace muchos años en un sector que se refiere a Contravenciones. Ahora estoy con los muy en boga casos de violencia familiar. En el Juzgado hay una sede social del área que es la que asesora, yo estoy en la parte del derecho, tomo audiencias, testigos, actas de ejercicio, llevar a la comisaría. Ante una situación de violencia, se pueden establecer medidas precautorias como, cuando conviene, la exclusión del hogar y la exclusión perimetral. Es una situación que se da todo el tiempo. Y escucho historias que son como calcadas, los patrones son los mismos. iH: ¿Y cómo te afecta eso? AP: Lo tomo como lo que es, un trabajo. En el juzgado se trabaja mucho con el humor porque es muy estresante. Trabajar para la gente que necesita resolver un problema es un tema porque quieren que le resuelvas en una mañana algo que viene siendo arrastrado desde hace años. Pero trato de que no me afecte. Vivimos en esta realidad, pero en una mente normal es difícil entender cómo alguien puede pegarle a una mina y que haya tanto cretino dando vuelta, que sea algo común. Tal vez sea algo cultural que someta a la esposa y a los hijos. También está la satisfacción de que muchas personas se sientan bien.

iH: Tenés un hijo en edad escolar, ¿qué te gustaría dejarle a Dante como legado no musical, sino vos como persona? AP: Con la madre intentamos los dos inculcarle el amor por el arte en general. Por suerte a Dante le encanta leer de chiquito. También vimos que naturalmente dibujaba. Le gusta el cine, disfruto llevarlo al teatro, ir a una exposición a ver cuadros, o el mismo hecho de compartir un libro. Le estoy enseñando a tocar la guitarra y canta re bien, y el pedido de aprender surgió de su propia curiosidad. El legado es ese, que conozca las diferentes formas de lo artístico, incentivarlo, y específicamente por el dibujo que es lo que más le gusta ahora. Y que tenga una vida sana, que haga deportes, que nade, que para mí nadar es vital, son los pequeños legados que puedo dejarle. Yo trato de hablar mucho, trato de aprender de la relación que tuve con mi papá, de tener una relación muy franca de amistad. Me gustaría que Dante disfrute la vida, de las cosas de lo cotidiano, que la pase bien, que en definitiva todo se trata de eso. Llevarlo por el conocimiento, la educación, tratar de que sea una persona de bien. Hay cosas que me pregunta porque no le cierran, en unas vacaciones compartimos con Cerati pre disco, con Vicentico también, entonces me preguntaba “Vos tenés amigos famosos, ¿pero vos sos famoso?” “No, hijo, yo no soy famoso”. Entonces le explico, este grupo, por Velvet, cuando tocaban, capaz que iban 10 personas, no vendían un disco, hoy en día son ídolos totales, híper conocidos pero en su momento no los conocía nadie, entonces la realidad la empezás a discernir. El éxito entonces es como los grupos que ves en la tele: los ves un año, porque están en un programa, te comprás el disco, los vas a ver al Luna Park y al otro año ya no existen más. El éxito es medio raro. A mí ser famoso no me interesa; si el ser famoso equivale a, y voy a ser muy lineal, estar trabajando con las canciones, está todo bien pero no me interesa ser famoso por ser famoso. Eso no tiene sentido. Pero se entiende que si trabajás con canciones y las presentás en shows, estás ligado a mucha gente, y bueno, es parte del trabajo la fama.

34. ENTREVISTAS / Gepe

Gepe: la libertad de la melancolía andina

Cercano a la naturaleza, el chileno Daniel Riveros reinterpreta el folklore, el reggae y el andino soul en su quinto disco de estudio GP

Por Judith Gómez Machado

impleza, alegría, energía y muy poco stress. Así entró al estudio el chileno Daniel Riveros, más conocido como Gepe desde mediados de los 2000, cuando dio vida a su álbum debut Gepinto (2005). Las mismas sensaciones recorrieron el cuerpo del músico cuando grabó su más reciente y cuarto disco GP, editado a fines de octubre de este año y cuya producción estuvo en manos de nada menos que Cristián Heyne.

Antes de sus visitas a México y Brasil, y de algunos shows en su Chile natal, Gepe dialogó con indieHearts sobre los sonidos de GP, sus influencias y el valor social y cultural de las manifestaciones estudiantiles en su país.

indieHearts: GP abarca estilos como andino soul y folklore. ¿Qué tan importante fue conectarte con ellos? Gepe: En general, todos los discos que hago son ideas nuevas que dependen de la música que vaya escuchando. Yo es“Fue muy expeditivo, como ‘chuta grabemos ya’. En 3 se- cucho mucha música, no me quedo pegado con nada, siemgundos estaba, ¿cachai? La idea global del disco y de sus pre voy cambiando y soy muy permeable. Depende de lo canciones estaba lista; en cambio, con Audiovisión [cuar- que sienta entretenido, pero sobretodo necesito que sea algo to disco] todo se fue haciendo sobre la marcha”, comenta que se alinee con mi alma. La pasé bien con este estilo porRiveros desde su casa en Santiago de Chile. que se dio natural, jamás podría haberlo hecho a la fuerza.

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indieHearts: GP abarca estilos como andino soul y folklore. ¿Qué tan importante fue conectarte con ellos? G: La música andina, sobretodo, es muy melancólica. La gente de este lado de la Cordillera tiende a esa visión, al contrario de su lado. Somos más de imágenes y de melancolía y ustedes son más épicos. Acá somos más de pocas palabras, de estar mucho en silencio. Imágenes bien fragmentadas, acá se habla de la “música de ojos”, no es música de boca, de hablar, es de imágenes sueltas. indieHearts: En cuanto al reggae, ¿qué fue lo que más te llamó la atención? G: El primer compac disc que me compré en la vida fue Legend de Bob Marley. Siempre me ha gustado. El reggae y el funk siempre han estado muy presentes en Chile, siempre ha sonado natural. El disco, que fue masterizado en Nueva York por Jim Brick, contó con la colaboración de la mexicana Carla Morrison en la canción Bailar Bien, Bailar Mal y de su compatriora (y habitual colaborador) Pedro Piedra en el primer single y tal vez el track que más representa el espíritu de GP: En la Naturaleza (4-3-2-1-0). En este sentido, instrumentos como cello, trompeta, tuba, trombón y charango acompañaron la rica mixtura a la que Riveros dio vida; un cóctel musical fiel a la sencillez y con una lírica semejante a una cálida charla con un amigo de la infancia que nos escucha y aconseja a lo largo de once canciones. indieHearts: ¿Qué importancia tuvieron las movilizaciones estudiantiles chilenas en GP? G: Sin duda, los momentos más emocionantes que viví en esta ciudad fueron el año pasado. Sobretodo al ver lo que estaba pasando: cómo la gente se estaba manifestando, y cómo Santiago de Chile sonaba. Era como que vibraba con una onda que nunca antes había sentido. Sin duda, por

muy apolíticos que parezcan los discursos estéticos a veces traen implícitos el contexto político, social y económico de su realidad. Yo salía a la calle y estaba todo ahí. Mucha música, danza, alegría y energía; como ganas de decir “aquí estamos y queremos resolver esto”. Más allá de la violencia, que también estuvo presente, fue diferente a lo que mostró la televisión. Fue y es el mejor momento que ha vivido la sociedad chilena. Un momento de madurez, y con una actitud contestataria con respecto a nuestra autoridad. Y sin duda todo esto está en mi música. indieHearts: Muchas veces en medios estadounidenses u europeos se habla de “World Music” y se suele encasillar lo que el pop en español debería ser. ¿Creés que hoy en día estamos más lejos de esos estereotipos? G: Yo diría que sí, el mundo globalizado una de las cosas buenas que tiene es que pone a la misma altura muchos elementos que antes estaban jerarquizados o denigrados. Estaba la música del primer mundo, la música oficial, y luego estábamos los pelagatos de acá. Teníamos un lugarcito en cada disquería con el cartel de Latinoamérica o World Music, pero no éramos parte de lo “oficial”. Por eso tengo emociones encontradas cuando, por ejemplo, Peter Gabriel hace esos sellos así como World Music para sacar o decir “esta es la música del 3er mundo”. En el fondo no sé si tiene tanto sentido, él seguro lo hizo con la mejor de las intenciones, pero no sé. Hoy en día la música suena bien en todos lados, técnicamente hablando. Entonces ¿por qué no tener las mismas oportunidades?

36. ENTREVISTAS / La Perla Irregular

La Perla

Irregular: explorando

el continente barroco Después de agotar la reserva de canciones que formaron parte de los tres primeros discos de La Perla Irregular, Pablo Vidal tomó sus influencias de Dylan y su fascinación barroca, y se sentó a componer canciones. El resultado es América, el cuarto LP de su banda, sobre el cual –entre otras cosas– habla en esta entrevista.

Por Emmanuel Patrone

Foto de Margarita Fractman.

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“

¿Conocés a Nick Garrie?”, interroga Pablo Vidal, cantante, guitarrista y compositor de La Perla Irregular. Pone un CD en su equipo de música y su departamento se inunda de una afable orquesta de cuerdas, guitarras acústicas y la voz del malogrado intérprete, quien –y así cuenta su trágica y curiosa historia– luego de que su representante se suicidara, vio cómo la distribución de dicho álbum (The Nightmare of JB Stanislas) se halló en un camino sin salida, hasta que hace unos escasos años su legado fue afortunadamente redescubierto.

do su nuevo álbum, el cuarto, titulado América, el cual se puede descargar gratuitamente desde su página de Bandcamp y que pronto tendrá su versión física, en una caja de 18×18 cm, casi emulando un minivinilo.

“Tuve un par de años muy prolíficos, entre los 19 y los 20 años, en las que compuse unas 100 canciones, y casi todos están en los tres primeros discos de la banda, entonces siempre trabajaba con una reserva de canciones.”, relata Vidal, responsable directo del sonido de la agrupación. Sobre el proceso de composición de América dice: “Cuando terminó Rafael (el tercer disco de La Perla Irregular), ya había Esa fascinación por todas las cosas barrocas (el nombre agotado todas las canciones buenas que había compuesto La Perla Irregular justamente nace de la etimología del la en aquel momento y tampoco se me ocurría nada nuevo. palabra “barroco”) y de naturaleza sesentosa (una copia Entonces me senté y empecé a componer de vuelta, a sacar de Bringing It All Back Home de Dylan también descan- ideas, hasta que de repente me di cuenta que había hecho saba sobre el equipo de música de Vidal), es una de las un montón de canciones. Agarré 15 que me encantaron y más notorias propiedades de La Perla Irregular, quienes, empecé a perfeccionarlas y arreglarlas”. en el día de la primavera de este año presentaron al mun-

38. ENTREVISTAS / La Perla Irregular

En noviembre de 2011, Vidal se juntó con el baterista del grupo, Marcos Fernández y se pusieron a ensayar los temas que compondrían el próximo disco. “Comenzamos a sacar la rítmica de los temas, el groove. Yo ya tenía una idea de cómo iba a encarar cada tema, si iba a ser soulero, rockero o más íntimo. Cuando me junté a ensayar con él, se terminó de cerrar la onda que iba a tener cada canción”, cuenta Vidal. Ya con las baterías grabadas, pasaron inmediatamente a grabar el resto de los instrumentos: pianos, guitarras (“Tenía la intención de usar la cantidad mínima indispensable de guitarras para este disco, para que hubiese lugar para otros instrumentos”, confiesa el músico), cuerdas, vientos y bajos, que terminaron de configurar el maquillaje sonoro de América.

diante un órgano y un moog deforme, autocitan un fragmento de la melodía de Descanso, tema de cierre de Rafael. “El silencio es acción” canta Vidal en Nosotros los monos, y justamente el silencio es una parte importante del álbum, mediando entre varios pasajes de una misma canción. Al respecto a este punto, cuenta el músico: “El silencio también es música. Ahí también aparecen ansiedades, tensiones, y para mí no es algo que se use mucho en la música actual en general”. Los muchachos de La Perla Irregular ya están pensando en llevar la majestuosidad sonora de América al vivo, con formación de banda de rock acompañada por un cuarteto de cuerdas y un trío de vientos. Saben que no será nada fácil, pero la decisión ya está firmemente tomada: “Estamos pensando en hacer los primeros shows en diciembre, pero lo más probable es que comencemos en marzo del año que viene. La intención es realizar pocos recitales, largos, con esa cosa más barroca, más suntuosa”.

Las voces fueron lo último en grabarse, porque hasta ese momento se había mantenido la particular metodología de composición de Vidal de cantar un idioma inventado, “una mezcla de inglés y español sin sentido”, en el lugar de la melodía vocal. Explica el líder de La Perla: “Todavía fal- Aparte de lo musical, América es un disco con una fuerte taban las letras. Había una que otra, pero hasta la mitad. impronta conceptual desde el ámbito temático. “Para mí, Entonces, hubo un mes y medio de hacer letras nada más”. América es un espacio construido que significa lo barroco”, amplía Vidal. “El exceso de emociones, de sensaciones, de Sin embargo, no hubo improvisación en cuanto al plano ideas, todas entrecruzadas y en choque, en una crisis consestrictamente lírico. “Los temas ya tenían títulos, a pesar tante que genera múltiples sentidos. Lo americano es eso, se de no tener letras”, afirma Vidal. “Al tener los títulos, tenía construye desde muchos lados. Los inmigrantes, los que ya también una idea de lo que iba a tratar cada letra, aunque estaban acá, lo popular, lo intelectual… está todo en chono estaba el desarrollo. Laburaba con varias en simultáneo, que, como en un ring. Pero también es un lugar donde todos agarraba una, seguía con otra. Entonces por eso me parece estamos contenidos y formamos un gran colectivo. Donde, que todos terminan formando una único gran relato”. En más allá de tener puntos de vistas diferentes, también podeeste proceso de escritura, aparecen también referencias mos convivir. Una especie de caos organizado”. intertextuales, como se puede apreciar en el segundo track de America, Nosotros los monos, que cita el título En América, esa “especie de caos organizado” que describe de una película argentina de los 70’s del mismo nombre. Vidal también puede oírse cristalinamente, donde la instrumentación suculenta da lugar a numerosos sonidos América es, a grandes rasgos, un disco conceptual. Desde en constante riña, pero, a la vez, construyendo un prolo musical, el pop suntuoso, orquestado, lleno de idas y ducto orgánico, aunque desafiante y difícil de aprehenvueltas, cambios de tiempo y ritmos y estructuras im- der. Lo cual, según Vidal, era la intención: “Quería que predecibles es la moneda corriente que circula por la se combata lo redundante, lo obvio, solamente por el hecho mayor parte del álbum, salvo el breve track instrumen- de jugar, de divertirme a la hora de componer y de generar tal, Descanso vs. El amor de las ninfas, en la que, me- una identidad de la obra. Siempre tuve la idea, al empezar

#iHMag/ 39.

“Me senté y empecé a componer de vuelta, a sacar ideas, hasta que de repente me di cuenta que había hecho un montón de canciones. Agarré 15 que me encantaron y empecé a perfeccionarlos y arreglarlos”.

a hacer este disco, de que América iba a ser un cierre de una etapa de los cuatro discos de La Perla, y en el que se sintetiza lo que hicimos en los tres trabajos anteriores, exponenciado, llevado al extremo. Por la cantidad de capas que se van superponiendo, creo que es el más barroco de todos: el más cargado, el más difícil de digerir”. Y así uno lo puede confirmar escuchando el flamante cuarto disco de La Perla Irregular: en una hora de duración, la banda expone sus conocidas obsesiones musica-

les hasta su frontera máxima, dejando un álbum que requiere de varias escuchas para aferrar cada instante que transcurre en él. El esfuerzo no será en vano: América está, sin lugar a dudas, entre los lanzamientos imperdibles del año en el rock independiente nacional.

40. ENTREVISTAS / Letting Up Despite Great Faults

Quería que el disco fuera imperfecto Intimistas y demoledores, Letting Up Despite Great Faults sigue sorprendiendo en el indie norteamericano con canciones concisas, desgarradoras pero al mismo tiempo bailables. Su frontman tímido e inadecuado, Mike Lee, charló con indieHearts sobre la gesta de Untogether, uno de sus mejores trabajos.

Por Bárbara Pavan

#iHMag/ 41.

a música de Letting Up Despite Great Faults solamente se puede clasificar como delicada y etérea. Dueños de un dream pop característico, atmósferas sutiles y eclécticas combinaciones de pop tradicional y electrónica experimental, la banda oriunda de California pero transplantada recientemente a Austin, Texas acaba de editar su segundo larga duración llamado Untogether, que consolida el sonido que vienen trabajando desde su fundación. Completamente independientes, el cuarteto editó su primer EP en 2006 y desde ese entonces vienen construyendo una carrera a base de buenas canciones, hits gancheros que emocionan a la prensa y una base de fans fieles que acompañan sus decisiones estilísticas. El grupo está capitaneado por Mike Lee, principal compositor de las canciones y mente maestra de Letting Up. Después de la fundación como proyecto personal, Lee reclutó la ayuda de Kent Zambrana (bajista y vocalista), Annah Fisette (tecladista y vocalista) y Daniel Schmidt (baterista), con lo que se terminó de formar el grupo. El primer EP fue Movement, en 2006, seguido de su primer disco de estudio, homónimo, editado en 2009. Con lanzamientos esporádicos, propios de la vida a pulmón de una banda independiente, en 2011 editaron uno de sus mejores trabajos, el EP Paper Crush, que con canciones como Repeating Hearts y Sophia In Gold, demostraron que la banda estaba destinada a la batea del pop más intimista, bordeando con el shoegaze que muestran en algunas de sus canciones más tímidas.

42. ENTREVISTAS / Letting Up Despite Great Faults

Untogether, que se editó este año, marca una nueva etapa para la banda, que recientemente dejó de vivir en California para mudarse a la ciudad de Austin –Lee simplemente siguió a sus compañeros, lo que terminó significando un cambio importante y positivo para su composición–. El disco bir, o al menos de terminar demuestra la confianza y de escribir, porque fueron solidez que fueron desaagotadoras emocionalmenrrollando a lo largo de su te. Y, no es para sonar dracarrera, a pesar de que se mático, porque podía ser cacompuso de una forma tártico a veces, pero a veces errática y complicada, de no quería volver a cantar la acuerdo con el cantante. letra por tercera o cuarta vez En temas como Visions – porque odiaba el tema sobre tema que varios miembros el que estaba cantando. Las del grupo dicen disfrutar guitarras en su gran mayomucho en vivo– y Bulletría se cerraron en la primera proof Girl, Letting Up Despite Great Faults demuestra toma. Quería que el disco fuera imperfecto, por así decirlo, tener una puerta secreta de acceso a la ansiedad adoles- esa sensación de energía cruda, natural, que tenés cuando cente, donde la depresión, los corazones rotos y la vida escuchás el primer demo de una banda indie. insatisfecha son moneda corriente. iH: ¿Cómo pensás que cambió el sonido de la banda desAlgunos meses después de la salida de Untogether, indieHearts de la salida del primer EP? habló por correo electrónico con Lee sobre esta última ML: Pude experimentar más con lo que puedo sacar de la producción, además de sus principales influencias, y su guitarra, y la forma en la que esos sonidos se mezclan con condición de músicos independientes. otros, sonidos más sintéticos. Puede ser más “ fuerte”, sónicamente hablando, pero soy consciente de no poner las indieHearts: ¿Cómo fue el proceso de grabación de Untogether? cosas muy adelante, así que suena más fuerte, pero a la vez Mike Lee: Pareció extenderse en fases random, y un poco es tranquilo. Creo que me veo tratando de hacer cosas más dispares. Algunas de las canciones fueron difíciles de escri- bailables. ¿Rockear o bailar? Esa es la pregunta más grande de todas las preguntas. iH: ¿Cuál es el track preferido de la banda en este nuevo disco? Annah Fisette: Visions. Es mi canción favorita para tocar en vivo. Daniel Schmidt: Details of My World. Es muy pegadiza. Además me gusta lo pesada que se pone cuando la tocamos en vivo.

#iHMag/ 43.

Kent Zambrana: Visions. Me encanta darle con todo al pedal en el estribillo. ML: Breaking. Me hace acordar a cómo escribí el disco. iH: Muchas veces es difícil identificarlos con un género, lo que hace que la música sea más interesante. ¿Cuáles fueron las influencias clave a la hora de escribir Untogether? ML: Siempre están los “ jugadores mayores” con los que crecí, como New Order, Pavement, Sebadoh, Boards of Canada, Daft Punk, etc. Estuve en una etapa grande de escuchar indiepop cuando estaba escribiendo Untogether. Sabía que el disco iba a ser algo deprimente, así que quería agregar elementos alegres/poppy para que no fuera un bajón escucharlo. Es difícil quedarse triste cuando estás escuchando Papas Fritas. iH: ¿Por qué decidieron mudarse a Austin? ¿Cómo es la escena musical ahí? ML: Se liberaron algunas cosas en mi vida como para mudarme, y después de crecer en Los Angeles y quedarme ahí toda mi vida, pensé que sería bueno para mí experimentar una nueva ciudad. Kent (bajista) ya estaba ahí, y es un lugar lo suficientemente creativo como para que la banda prosperara. Acá todos apoyan mucho a la música, puede ser abrumador la cantidad de bandas que hay y las veces que tocan en vivo. Ese empuje implacable a veces puede ser inspirador.

iH: Son una banda independiente, ¿pero les gustaría tener el respaldo de un sello grande algún día? ML: Honestamete, no tengo idea. Es una máquina rara, grande pero chica, y al final del día lo que queremos es crear e interpretar lo más que podamos, que la gente nos escuche. Estamos a favor de tener “más gente” en el equipo, por así decirlo, siempre y cuando el control creativo no se arruine. O quizás, la respuesta más apropiada sería sí, por favor, dennos mucho dinero inmediatamente.

44. DISCOS

#iHMag/ 45.

46. DISCOS

los mejores 50 discos del 2012

Fiona Apple

The Idler Wheel… “How can I ask anyone to love me when all I do is beg to be left alone?”. Cada disco de Fiona Apple es una declaración de amor-odio y redención. Éste es el elemento propio que Fiona dicotomiza y aquí esta conversión obsesiva -necesariamente artística- pasa a primer plano. Si bien hay potentes canciones dialógicas (Jonathan), el grueso de The Idler Wheel... es un duelo monológico, la laberíntica cabeza de una diosa de voz perfecta vuelta sobre sí misma. Sus cuatro LP están signados por piano, percusión y bajo, pero este álbum se diferencia por una producción (de Fiona junto al ecléctico Charley Drayton) más minimalista, acentuando cada instrumento y volviendo el resultado mucho más épico. JJM

#iHMag/ 47.

Jack White

Blunderbuss La estética cambia. De rojo evolucionamos al azul, a pesar de los no-colores presentes. Para Jack White, ese hombre que es uno y es tres, esa criatura curiosa y por demás obsesiva, nada es accesorio y todo (re)significa. Los 50s siguen dirigiendo sus ideas -musicales y letrísticas- y es en su primer disco solista donde la glamorosa tríada R&B-gospel-blues pasa a primer plano, como base y fundamento de las pinturas distorsivas. White (apellido-estigma donado por la “viuda” Meg) se despega de su primera banda con locuacidad y algunos rencores, marcando este nuevo territorio con viejas armas; y en su decisión, sabe que está ganando: “I won’t let love disrupt, corrupt, or interrupt me anymore”. JJM

Dirty Projectors

Swing Lo Magellan Si se puede objetar algo al talentosísimo Dave Longstreth, quizás sea que en ocasiones su espíritu experimentador lo llevó a componer música de una complejidad indiscutible, pero no demasiado accesible o placentera al oído. En Swing Lo Magellan, parece haber encontrado el equilibrio perfecto. Las intricadas melodías de voz y las armonías de guitarra que caracterizan al sonido de Dirty Projectors están presentes, pero ahora se complementan con formatos más tradicionales y simples, que como resultado dejan excelentes canciones: admirables por su originalidad, y a la vez fáciles de disfrutar en todo momento TFF

48. DISCOS

los mejores 50 discos del 2012

Beach House

Bloom

Luego de que el dúo de Alex Scally y Victoria Legrand produjera Teen Dream (2010), disco que significó su consagración y el punto más alto de su carrera hasta ese momento, un aire de escepticismo generalizado rodeó –inevitablemente- la llegada de su nuevo trabajo. Bloom, sin embargo, disipó cualquier tipo de dudas acerca de la posibilidad de Beach House de seguir mejorando. Las canciones que lo componen funcionan de manera casi complementaria con las del disco anterior;

The xx

Tame Impala

son su contracara oscura: la noche que no puede faltar al día, la nostalgia ahora transformada en melancolía. Su calidad, por otro lado, es la misma. Difícil pensar en muchas bandas que en los dos últimos años hayan producido un manojo de canciones del talle de las que forman parte de Teen Dream y Bloom. La genialidad de Beach House es, a esta altura, indiscutible. TFF

Coexist

Coexist resume y ensambla a la perfección todo lo que The xx aportó de forma inigualable en su genial debut, y lo lleva un paso más allá. La instrumentación, aún más minimalista; las melodías, aún más esquemáticas; las letras, aún más concisas y, sobre todo, los silencios, aún más profundos y significativos. Canciones que, como es el sello característico de esta banda, transmiten una oscuridad pura, verdadera, genuina; que parecen dirigirse a uno mismo como si fuera

uno su destinatario privilegiado; y que, además de ser perfectas para escuchar en soledad, también invitan a bailar, gracias al excelente y original trabajo de Jamie XX en la producción. Es, en definitiva, la confirmación del status de The xx como una banda con una sensibilidad distinta, de una profundidad especial. TFF

Lonerism

El grupo que visitó nuestro país hace pocos meses, lanzó este año su mejor trabajo hasta la fecha. Su apego con el rock psicodélico y reminiscencias a bandas de los 70 se solidifican con toques de posmodernidad y arreglos complejos. Algo de John Lennon hablando del futuro no deja en ningún momento a Kevin Parker (cantante). Una vulnerabilidad eléctrica se apodera de

quien escuche Lonerism; sin dudas se trata de un disco de introspección y búsqueda, partiendo del estar solo, desarrolla expresiones emocionales intensas con auras sonoras generadas por reverbs, flangers y delays que se extienden hasta el horizonte Australiano. DM

#iHMag/ 49.

Grimes

Visions

Saluden al bicho raro revelación del año. Una canadiense de 24 años nacida bajo el nombre de Claire Boucher que adoptó para su carrera el sinónimo de Grimes. Visions es técnicamente su tercer disco, pero es el que la puso en boca de los cazadores de nuevos talentos. Con el amparo del mítico sello 4AD, Visions recorre un particular caleidoscopio sonoro, en el que la electrónica dinosáurica de Kraftwerk se cruza con los arreglos minimalistas y una voz cálida e ininteligible que hace

El Mató a un Policía Motorizado

La Dinastía Scorpio

El 2012 mostró a El Mató a un Policía Motorizado alejado de esa fantasía digna de Mad Max con la que dibujaban cada una de sus canciones. En el que terminó siendo un disco de maduración, de reeducación pop, los platenses hablan desde el costado más sensible y sincero, pero también atacan con las guitarras cuando es necesario. Con un arranque que satisface todas las expectativas -Mujeres Bellas y Fuertes, Chica de Oro, Más o Menos Bien y Yoni B-, el grupo también se

Frank Ocean

recordar a la de Elizabeth Fraser de Cocteau Twins. Más allá de la rareza de la ejecución, Visions se descubre –tal vez con varias escuchas pacientes- como un álbum sencillo de adoptar y canciones irresistibles (el single Genesis sobre todo) que pueden llevar al oyente a perpetrar el tarareo más extraño. EP

anima a un ejercicio de extrañamiento de más de siete minutos que deja como saldo la que tal vez sea la canción más alejada de todo su repertorio de distorsión en carne y hueso (El Fuego Que Hemos Creado). Sencillamente genial. AD

Channel Orange

En la misma línea que Kanye West, Frank Ocean se tutea con lo mejor del soul negro (Gaye, Green, Hayes, Wonder, Mayfield) y lo transforma en un relato actual y personal: con otros demonios personales con los que luchar -una relación sentimental con otro hombre que lo obligó a abrir el corazón a todo y a todos-, Ocean es la nueva punta de flecha de esta interminable generación de artistas dispuestos a sorprender al mundo en-

tero, mezclando por igual sus ironías sobre la era de los aparatos tecnológicos con la intimidad de un romance que quedó trunco y sigue doliendo, como si fuera una suerte de Elton John de ahora. Si no fue lo mejor del año, le pasa rozando muy cerca. AD

50. DISCOS

los mejores 50 discos del 2012

#10

El Perrodiablo

El Espíritu

El espíritu, tercer disco de El Perrodiablo, es otra muestra del juego de la banda platense: rock sudoroso y barullo garage.en el que volumen no da tregua por un segundo. El disco brilla gracias a la voz desfachatada de Doma, los sencillos y potentes riffs de guitarra y una serie de invitados que, lejos de sólo hacer bulto y figurar en los créditos, aportan destellos sonoros que enriquecen la escucha (Andrés Varela de Hablan Por La Espalda, Fede Terranova de Fútbol, entre otros). Con

#11

Kendrick Lamar

#12

Grizzly Bear

canciones como Algo sobre estar vivo, Una de esas cosas y El monje negro este tercer disco de El Perrodiablo reconfirma que se puede hacer rock crudo del bueno sin clichés pomelísticos y que, a la vez, provoquen en el oyente unas saludables ganas de salir a hacer bardo. Sólo rock, entonces. R-O-C-K. EP

good kid, m.A.A.d. city

Un pequeño de mirada perdida en una polaroid vieja y amarillenta nos recibe en su mesa familiar con una oración (“Thank you, Lord Jesus, for saving us with your precious blood”). No por nada el músico sub-tituló su disco como “A Short Film by Kendrick Lamar”; y es que la intensidad visual y autobiográfica es lo que más atrae y genera una fuerza casi extraordinaria en good kid, m.A.A.d. city. Una hora en la casa de la in-

fancia de Lamar, una hora creciendo junto a él, entre tiros, violencia, pandillas, mujeres oprimidas aunque luchadoras y mensajes de contestador que hacen las veces de conectores entre las canciones. Una carta de amor a los cimientos del poder de la familia. JGM

Shields

Grizzly Bear encontró la fórmula. Después de un disco gigante como Veckatimest (2009), la banda se tomó un tiempo para encerrarse a trabajar en su sucesor. Y buscando entre distintas maneras de mantener la experiencia interesante, dieron con el disco más directo y conciso de su carrera. Shields apuesta a las canciones fuertes y claras, la producción cruda y sin vueltas, y una

lírica llena de conflictos personales e inseguridades colectivas. El mensaje está más claro que nunca: Grizzly Bear llegó para quedarse y enseñarnos su secreto mejor guardado por lo menos por un tiempo más. EO

#iHMag/ 51.

#13

#14

#15

Los Reyes del Falsete

Días Nuestros

Días Nuestros, más que un disco, es como un “Elige tu propia aventura” o una rayuela. Hay canciones de corte intimista -Los niños, con Litto Nebbia en teclados-; electrónica para el footing mañanero -Generación espontánea- y urgencia indie -El rayo y Se lo guardo-. Toda esa ensalada musical responde a la inquietud de Los Reyes del Falsete, una de las cartas más fuertes de la escudería del conurbano bonaerense junto a Viva

David Byrne & St. Vincent

Love This Giant

La colaboración musical más interesante del año se carga de una original combinación de vientos y bases electrónicas -a veces dulces, a veces muy bailablespara basamentar las letras plagadas de preguntas existenciales -con mucha tópica darwiniana- y alguna que otra idea percutiva (afro-latina) de parte del ex Talking Heads. El resto fue dejarse llevar (¿cómo resistirse?)

Patti Smith

Elástico. En definitiva, lo de los chicos de Adrogué es un viaje en continuado por diferentes géneros -incluso la cumbia- que deja mucho más que esas melodías despojadas de principios de década que siguen latiendo en otros grupos con menos fuerza. AD

por la belleza y la dulzura vocal de Annie Clark, quien también fue quien sugirió los bronces que hegemonizan la orquesta. Además del maravilloso corte de difusión (Who), lo mejor está en The Forest Awakes y Outside Of Space & Time. JJM

Banga

Si Horses (1975) fue creado para que Michael Stipe y Morrissey lo encontraran y continuaran escribiendo la historia de la música, Banga busca comprender la experiencia humana en su totalidad. Su nombre proviene nada menos que del perro de Poncio Pilatos en la novela The Master and Margarita (1967) de Mikhail Bulgakov, y aunque cueste creerlo, Banga es tan sólo el noveno disco de canciones nuevas de Patti Smith. Hay temas sobre Amy Winehouse (This is the Girl),

el terremoto-tsunami que azotó Tohoku (Fuji-san), los arrogantes colonizadores del “Nuevo Mundo” (Amerigo) y hasta sobre su amigo Johnny Depp (Nine). Así y todo, Patti se las ingenia para dejar un mensaje claro: la naturaleza es quien manda y no hay nada ni nadie que pueda detenerla. JGM

52. DISCOS

los mejores 50 discos del 2012

#16

Valentín y los Volcanes

Todos los sábados del mundo

Todos los sábados del mundo es otra carga de adrenalina de estos perdedores pop que continúan dando rienda suelta a su apuesta por las guitarras que juegan entre el ruido y el silencio. A grandes rasgos, el disco es un manojo de hits envidiables, casi un manual de estilo para cualquier banda que intenta hacer sus primeras armas en el género: Pequeña Napoleón –la síntesis perfecta entre el rock y el pop dulzón-; Los chicos de

#17

Bat For Lashes

#18

Mumford & Sons

Orense -un lindo himno adolescente cargado de optimismo-; y la que tal vez sea la mejor canción del álbum, Los días felices, donde la batería marca un ritmo strokeano y deja entrever la fascinación de los platenses por Albert Hammond Jr. AD

The Haunted Man

Natasha Khan tiene el aura que ha acompañado a las mejores intérpretes femeninas del costado más freak y artístico del pop, desde Kate Bush a Björk: una voz innegablemente expresiva rodeada de melodías que maridaban lo imprevisible con lo accesible y un entramado sonoro creativo, lo cual hacía que, no obstante y más allá de algunos grandes momentos, sus anteriores discos se sintieran sobrecargados. The Haunted Man intenta algo diferente: más allá de la elegancia

de sus texturas, nada se siente bombástico o forzado. Por el contrario, la voz de Khan toma un protagonismo mayor, acentuando la intensidad emocional de las canciones, entre arreglos de teclados y percusiones que generan un ambiente que hacen de The Haunted Man el álbum más satisfactorio y sombrío de Bat For Lashes hasta la fecha. EP

Babel

En Babel los londinenses de Mumford & Sons redoblan la apuesta de Sight No More, su primer LP, sin alejarse del estilo folk progresivo que los llevó a la cima, pero aportando una mayor cuota de intensidad. Markus Dravs, productor de Mumford & Sons, sabe hacer sonar épico al indie: su currículum cuenta con trabajos para Björk, Arcade Fire y Coldplay. Los británicos se siguen apoyando en el gran trabajo de cuerdas, pero

en esta oportunidad sumaron más elementos de percusión que aportan una mayor fuerza a las canciones. Esto sumado a la áspera y conmovedora voz de Marcus Mumford y las referencias bíblicas de las letras hace de Babel un disco penetrante. Una suerte de The Joshua Tree en plan folk. IK

#iHMag/ 53.

#19

#20

#21

Soundgarden

King Animal

Pareciera que el nombre King Animal se refiriera a su sonido, porque la vuelta de Soundgarden al estudio después de 16 años no perdió potencia y, por momentos, recuerda a etapas como las de Badmotorfinger (1991), en donde la fuerza y los alaridos de Cornell estaban más al frente que nunca. Sin embargo, el séptimo disco con material original de la agrupación de Seattle no es todo lo consistente que se pudiera esperar, y si bien arranca de manera sublime con el corte, Been Away Too Long, y sigue su camino a través de

Air

Non-State Actor y By Crooked Steps, la batalla de guitarras entre Chris Cornell y Kim Thayil se va enredando y sobre el final, queda un poco de sabor amargo para una de los regresos más esperados del rock. De todas formas, el resultado global es positivo, y más todavía teniendo en cuenta que la banda quizás más potente del grunge está de nuevo en el escenario. MF

Le Voyage Dans La Lune

Al dúo francés compuesto por Jean-Benoît Dunckel y Nicolas Godin se le encomendó una importante misión: realizar la banda sonora del renovado clásico de Georges Méliès, Viaje a la Luna. El resultado fue un álbum de 11 temas, en su mayoría instrumentales, que combinan el estilo de Air con nuevos elementos. Seven Stars destaca por la fusión entre el característico piano (que por momentos recuerda a Alone In Kyoto) con la voz de

Ariel Pink’s Haunted Graffiti “Tengo un ego enorme y absurdo atrapado en una botella que se llama inseguridad. A veces lo muestro y me doy cuenta de que soy demasiado famoso para mi propia cabeza”, dice Ariel Rosenberg. Toda esa locura conjugada en un mismo cerebro dio fruto a una parva interminable de canciones low-fi que empezaron a ser tomadas en serio a partir de Before Today (2010) y más aún con Mature Themes, donde este eslabón perdido

Victoria Legrand. Sonic Armada y Parade son otros dos obligados: sintetizadores, efectos de sonido, futurismo y explosiones electrónicas. Luego de tanto éxtasis llega la tranquilidad de Lava para cerrar una placa que logra llevar al público a un verdadero viaje cósmico. PP

Mature Themes entre Gary Glitter y Gene Loves Jezebel apuesta a ser la nueva gran cosa dentro del pop. Canciones pegajosas como chicles, letras sinsentido y un giro constante hacia el pasado más brillante es la propuesta de Ariel Pink’s Haunted Graffiti, una promesa que se convirtió en realidad. AD

54. DISCOS

los mejores 50 discos del 2012

#25

#23

Regina Spektor

of Montreal

#22 The Shins

Port of Morrow Luego de la enmarañada salida de Jesse Sandoval, Dave Hernández y Martin Crandall, no le quedó otra opción a James Mercer que refundar su banda para comenzar la grabación de su cuarto álbum de estudio. La llegada de Joe Plummer -baterista de Modest Mouse- y Richard Swift, entre otros, renovó la vitalidad de The Shins, sin perder de vista la belleza del pop melódico de The Beach Boys, marca registrada en casi todas las composiciones de Mercer. La producción de Greg Kurstin -ex Geggy Tah- fue fundamental para aportar un sonido más pulido a un magnífico conjunto de canciones pop, del cual se benefician temas como September, Simple Song y la bellísima It’s Only Life. JPL

Paralytic Stalks Paralytic Stalks o: “Kevin Barnes exorcisa sus demonios personales en plan psicoglam-pop experimental”, parte XVIII. Hissing Fauna, Are You the Destroyer? (2007) es considerado por muchos como el álbum definitivo de of Montreal, en parte por el costado confesional de Barnes. Paralytic Stalks se nutre copiosamente de las introspecciones cotidianas para acompañar la densa naturaleza ecléctica del follaje sonoro. “Es fucking triste que necesitemos que ocurra una tragedia para ganar una nueva perspectiva en nuestras vidas” se lamenta Barnes en Spiteful Intervention, uno de los tracks más gancheros del disco. Hablando de eso, si Paralytic Stalks merece un puesto entre los mejores discos del año es porque of Montreal recuperó un poco esa eficiencia pop imbatible, insertado entre las piezas más orientadas a la experimentación (como Ye, Renew the Plaintiff). Brindis de fin de año por eso, entonces. EP

#24 Sigur Rós

Valtari Tras el gran Með Suð Í Eyrum Við Spilum Endalaust (2008) -maquinado por el multipremiado Flood- la elogiadísima agrupación islandesa decide escapar de sus melodías más cercanas a “la canción” y lo hace desvaneciéndose. Este desvanecer (halago como contraposición a la concreción sonora del pop-rock) se debe por supuesto al tratamiento que la misma banda -junto al artista y novio de Jónsi, Alex Somers- hace de sus guitarras, pianos y coros y no a lo efímero de su obra; nada más lejos: su sexto álbum de estudio es una aplanadora de sensaciones que se rige por imágenes y atmósferas con melodías que alternan la asfixia y la liberación. Todo lo que esperamos de Sigur Rós está en Valtari. JJM

What We Saw From The Cheap Seats A partir de Begin To Hope, la discografía de Regina Spektor se fue orientando cada vez más hacia el mainstream, pero no creemos que esto sea mala palabra. Incluso en coordenadas del easy-listening, What We Saw From The Cheap Seats es una colección de canciones muy personales y de una potencia emocional que pocos artistas pueden alcanzar. Además, está presente un tinte de humor en pequeños gags como imitar un acento italiano en Oh Marcello! y sonar como tambores en All The Rowboats. Regina alcanza con simples intenciones y algunas complejas asociaciones, un efecto muy poderoso a la hora de contar historias. El álbum quizá es el menos autobiográfico que los anteriores, pasando a ser un bello libro de cuentos. Y se disfruta muchísimo más con los bonus tracks en ruso y junto a Only Son. DM

#iHMag/ 55.

#26

Passion Pit

Gossamer Michael Angelakos, el frontman dulzón y directo de Passion Pit, atravesó un intento de suicidio y algunos problemillas mentales para dar a luz a Gossamer, un intento mucho más pochoclero que Manners, su disco anterior. Los modales quedan afuera de la mesa mientras Angelakos produce un pop más apto para las bateas de las grandes tiendas y las vibras festivaleras, pero todo lo que abandona de experimental lo gana en ganchero, con temas/himno como Take a Walk y la melódica Constant Conversations. La música está más sobrecargada de todo: no solamente de sintetizadores sino también de emociones, buscando en electropop las vibras positivas que quizás se escapan de la existencia del transtorno bipolar. Mientras que Chunk of Change, el primer EP, y Manners todavía jugaban con los géneros, Gossamer es la llegada a la madurez, la aceptación de una carrera en la música en lugar de un hobby, la llegada de un perfecto artista para el soundtrack –de la vida, de las series-. BP

#27 Cat Power

Sun El noveno álbum de Cat Power sorprende por la fuerza de sus letras: desde la apertura con Cherokee, Always On My Own, 3,6,9 y el cierre con Peace and Love, Sun se planta como el disco más instrospectivo de la cantautora. A través de un sonido electro-pop y frases como “I want to live/ My way of living”, “I wanna hear the answer to every question” y “I find letters, pictures/ Memories of what you can’t seem to let go”, Chan Marshall se libera y nos habla de sus deseos, los fantasmas del pasado y las emociones que hoy la invaden. Sun es una declaración de principios, un trabajo sincero plagado de momentos íntimos. Un manifiesto personal que busca despertarnos y que, sin dudas, merece ser oído. PP

#28

#29

Spiritualized

Leonard Cohen

Sweet Heart Sweet Light

Old Ideas

Jason Pierce jugó a ser el ave fénix y volvió de sus cenizas para replantearse varias cosas. Después de una complicada enfermedad hepática y de un largo tratamiento con quimioterapia, el líder de Spiritualized muestra que puede contra viento y marea. Sweet Heart Sweet Light es lo más parecido a un relato autobiográfico en donde el espíritu gospel y algunos arreglos que rozan lo épico arman una atmósfera de optimismo para lo que viene (de hecho, en So Long You Pretty Thing Pierce se da el lujo de cantar junto a su hija, algo sorprendente). Y puede ser que con el tiempo no llegue a estar dentro de lo mejor de los escoceses, pero sin lugar a dudas es el trabajo más sencillo de digerir. AD

Este 2012 marcó la llegada del duodécimo disco de estudio de un grande, Leonard Cohen. El artista canadiense –porque cantante le queda corto- reflexiona sobre su vida en una colección de retazos sueltos llamada Old Ideas, donde Cohen reflexiona sobre la moralidad, el amor, el deseo, la fe, y todas las temáticas que caracterizar una obra cuyo cuerpo, a través de las décadas, nunca termina de pasarse de moda. Con su filosa lírica, siempre bordeando entre la inquietud intelectual y la caracterización pedestre, Cohen demuestra una vez más por qué es un artista trotamundos que no descansa en sus aspiraciones. Old Ideas es también uno de los éxitos más comerciales de Cohen, donde la canción toma forma en una miríada de géneros como el rock y el folk. BP

56. DISCOS

los mejores 50 discos del 2012

#30

The Smashing Pumpkins

Oceania ¿Cuánto hay de Pumpkins en los actuales Pumpkins? Corgan desempolva sus vinilos de Yes y Rush y bajo el amparo del ambicioso proyecto Teargarden By Kaleidyscope, surge Oceania. Varios temas perpetúan la línea de las últimas búsquedas musicales de Corgan, más cercanas al metal alternativo y progresivo (Quasar), como en Machina: The Machines Of God (2000) y el subvalorado Zeitgeist (2007); mientras que otros desarrollan el regreso a las melodías acústicas y melancólicas (Pinwheels), abandonadas tras Adore (1998) y resucitadas por la psicodelia de los primeros lanzamientos de Teargarden… ¿Es Oceania su mejor disco desde Mellon Collie And The Infinite Sadness (1995)? Probablemente sí. JJM

#31

Django Django

Django Django En su primer disco, Django Django apuesta de lleno a una aventura musical que los deja parados en diferentes estaciones. Hay momentos en los que parece como si a John Spencer lo procesaran en una licuadora junto a Nick Cave y The Beta Band -no por nada David Maclean, baterista y líder del grupo, es hermano de John Maclean, ex integrante de estos últimos- y, en otros, se atreven a un tropicalismo un tanto electrónico que recuerda a Chicha Libre -Zumm Zumm-. Con un álbum redondo para asomar las narices en este complejo mapa musical, es posible que Django Django quiera ir por más en su cruzada experimental, siempre con una carga lisérgica importante a cuestas. AD

#32

Bob Dylan

Tempest Bob Dylan siempre vuelve. En verdad, parece que nunca descansara, ya que sus temas siguen ahí, dando cátedra y mostrando, de alguna forma, cuál es el camino de la canción. Esta vez, en su 35° álbum de estudio y dentro del Never Ending Tour, (que lo trajo a nuestro país a comienzos de este año), el cantautor entrega uno de sus discos más sólidos desde Time Out of Mind (1997), y mantiene su función de storyteller eterno, ahora con 71 años. Es difícil elegir uno de los 10 tracks, pero la canción que le da nombre al disco y que dura casi 14 minutos, es uno de los puntos más altos, en el que retrata, a su manera, la historia del Titanic. MF

#33

Dinosaur Jr.

I Bet on Sky J Mascis, Lou Barlow y Murph bajan un cambio y entregan un disco redondo que tranquilamente podría haber estado en las bateas de los años noventas, pero para alegría de todos es de este año. Sin dejar el combustible que los llevó por las rutas durante todo este tiempo -la distorsión, ese ruido nervioso tan propio de Dinosaur Jr.-, los de Massachusetts se animan a incorporar elementos nuevos y a darle la mano al formato canción, tanto en momentos relajados -Almost Fare, Stick A Toe In- como en el costado más frenético de I Bet On Sky, Rude, I Know It Oh So Well o Pierce The Morning Rain. Simplemente, hay que agradecer que estos viejitos sigan dejando perlas como éstas. AD

#iHMag/ 57.

#36

#34

Thes Siniestros

Dorado y Eterno Thes Siniestros es una banda que desafía todo tipo de rótulos. Desde sus comienzos ritmovertiginosos pasando por el más camaleónico Los últimos días, la constante del grupo de la ciudad de las diagonales ha sido, justamente, el cambio, la inquietud. No es algo extraño que su nuevo disco, Dorado y eterno, sea un contraste con lo anterior hecho por la banda. Lo particular, eso sí, es que la nueva dirección tomada haya ido por la calma, por un sonido parejo y pulido, tomando una imaginería casi folk, de valles, ciervos y montañas. Dorado y eterno es un álbum sólido de principio a fin, en el que las canciones fluyen coVmo ese manantial de luz sobre el que cantan en Diamante gris, iluminando cada paisaje pintado en la obra. EP

Garbage

#35

Jessie Ware

Devotion Una periodista devenida cantante es la responsable de uno de los discos más intensos de 2012. La londinense Jessie Ware, llamada la “nueva Sade” por la prensa de su país, es una exploradora nata de las cortezas del intrincado universo emocional. Sin importar el género, la interprete desgarra, con una voz sofisticada y sensual, invencibles baladas como Wildest Moments, Taking in Water y 100%; nuevos himnos sobre tumultosas amistades, relaciones poco sencillas, miradas intrínsecas y, sobretodo, la genuina declaración de una artista que no esperaba convertirse en una estrella. JGM

Not Your Kind of People Con Shirley Manson al frente, otra vez dentro de un estudio después de 7 años y con el quinto disco de Garbage bajo el brazo, uno ya puede estar contento. Es que la sensual y poderosa voz de la colorada resalta sobre el resto. ¿Qué es el resto? Los esquizofrénicos guitarrazos de Steve Marker, el bajo de Duke Erikson y las espectaculares baterías de Butch Vig, que se para detrás de todo para mostrar por qué creó al grupo y por qué la banda suena como suena. Así, y con esa combinación de beats furiosos, guitarras y melodías pop, los estadounidenses siguen experimentando y entregan un álbum compactísimo, que muestra sus mejores aristas en Automatic Systematic Habit, Blood for Poppies y Man on a Wire. MF

#37

The Killers

Battle Born Como si fuera una pesadilla de Simon Reynolds, The Killers sigue apostando a un revival exagerado de los 80’s, que de por sí fue una década exagerada. Bajo la premisa de lo mejor ya está hecho, la banda de Las Vegas encara cada obra como una apuesta a reformular y extremar todo eso que pasó. Battle Born, su cuarta placa, sigue esa línea. Esta vez se alejan del hedonismo bolichero de Day & Age, pero conservan la grandilocuencia de Hot Fuss y Sam’s Town. Con linkeos a Springsteen, Queen, U2, Depeche Mode, entre otros, ofrecen un disco de grandes estribillos, sintetizadores y guitarras de estadio y mucha pomposidad: el resultado es un buen jukebox ochentoso pero con la agitación del aquí y ahora de los ’00. IK

58. DISCOS

los mejores 50 discos del 2012

#41

#39 #38 Utopians

Transtornados Trastornados ve a los Utopians cambiar de vecindario. La firma con PopArt parece suponer un nuevo manojo de responsabilidades para la banda liderada por Barbi Recanati. Afortunadamente, salen airosos del desafío. Más allá de que la producción sea un poco más pulcra, el vértigo entre garagero y post-punk propio de la banda (quien los haya visto en vivo sabe de qué se está hablando) no se ve por un minuto rezagado en Trastornados. De hecho, ocasionalmente, hace que las guitarras tomen un poco más de cuerpo. Delante de eso están las canciones, que encuentran a los Utopians en su mejor momento, con riffs letales y la voz carismática de Barbi tomando la iniciativa en temas de la talla de Nunca es hoy, Trastornados y Como perder. EP

Illya Kuryaki and the Valderramas

Chances

Javi Punga

Rock and Roll Punga El prolífico ex Ned Flanders pasea su particular mundo cancionero por el género estrella que popularizó los solos extensos en escala pentatónica. La lengua stone en la tapa es más un guiño que una fiel representación del disco: no es precisamente un trabajo rollinga, del palo, aunque la ocasional canción pueda intentar convencernos de lo contrario (allí está la divertidísima Rock de la china). En cambio, es una nueva colección de composiciones pop, en el que aparecen sus referencias líricas a amores truncos y sandwichs naturales y surgen verdaderos hits de bolsillo tan Punga como The Cure, Vamos a estallar y Brilla y sueña. Su costado más espiritual (ese que clamaba, en su disco anterior, que El amor es todo) sale a relucir en el mantra final de Niños de Dios, cerrando un nuevo agregado único a la extensa racha de pop-rock insólito de Javi. EP

#40 Gepe

GP Con la melancolía andina a flor de piel, la producción de Cristián Heyne y las colaboraciones de la mexicana Carla Morrison y de su compatriora Pedro Piedra, el chileno Daniel Riveros, más conocido como Gepe, dio vida a una rica mixtura acompañado de instrumentos como cello, trompeta, tuba, trombón y charango. En la Naturaleza (4-3-2-1-0), Campos Magnéticos y Bailar bien, bailar mal son prueba de que Riveros no le teme a los desafíos ni a coquetear con géneros como el andino soul, el folklore y hasta el reggae. GP es un cóctel musical fiel a la sencillez y con una lírica semejante a una cálida charla con un amigo de la infancia que nos escucha y aconseja a lo largo de once canciones. JGM

El regreso de IKV a la escena musical argentina fue una excelente noticia. Es que el espacio dejado a la deriva por el dúo, nadie lo supo ocupar, y el sonido funk – hip hopero – rockero que supieron importar a nuestro país, resultó ser casi imposible de recrear por cualquier otra banda nueva que surgió en la nueva década, con lo que los chicos que comenzaron su carrera a los 14 (Dante) y 16 (Emmanuel) años, pudieron volver con todas las de ganar. Sin embargo, el desafío era generar música nueva: con Chances, demostraron que están a la altura, y la banda más irreverente de los 90’s supo, otra vez, combinar vientos, funk bailable, rimas y poesía para lograr la continuación perfecta de Leche (1999) su último álbum de material íntegramente nuevo. Con temas como Águila Amarilla (dedicado al Spinetta mayor), el featuring con Molotov, Madafaka, y Helicópteros, uno ya puede entender por qué hacía tanta falta Illya Kuryaki & The Valderramas MF

#iHMag/ 59.

#42

Chairlift

Something El ahora dueto originario de Brooklyn supera su primer trabajo con un álbum que demuestra un crecimiento sonoro y de potencial con respecto a su anterior LP. El encuentro del pop con sintetizadores y la oscura voz de Caroline Polachek resulta en un sonido más que interesante, que desarrolla muchas más capas de significados sin olvidarse de apostar por hits (Have We Met Before?, I Belong in Your Arms). Los 80’s son buenos amigos de Something y atraviesan todo el disco llegando a temas como Amanaemonesia. Un disco variado en que Chairlift demuestra que no son solo una banda hipster del momento, sino que están for the long run. DM

#43

#44

#45

Boys & Girls

Romanza

Lucifer

El primer álbum de los chicos de Alabama llega después de haber lanzado su EP debut el año pasado y haber estado cosechando elogios de la prensa mientras giraban por los Estados Unidos. Son nuevos y frescos, aunque el sonido blues con pizcas de soul nos es familiar y mantiene la tradición de su país de seguir retomando sus raíces y nunca llegar a cansar. Con la gran voz de Brittany Howard al frente, la agrupación sorprende por su consistencia y el compacto sonido de su LP. Por parte de los singles, Hold On, el primero, refleja un poco ‘a qué se dedican’ y abre las puertas para seguir con el disco. MF

Son pocas las personas de la ciudad que habrán escuchado hablar de Atrás Hay Truenos hasta este año. Les bastó a cinco vecinos de Neuquén con venir a Buenos Aires y dar con un productor que ponga orden en esas largas sesiones de improvisación instrumental y distorsión visceral para sacar uno de los discos nacionales más interesantes del año. Romanza escapa del post rock o las composiciones progresivas que tanto mandan en el género del rock instrumental, y es por eso una especie de hito en una época llena de bandas que hablan sin haber encontrado un sonido tan propio y hermoso como el de Atrás Hay Truenos. EO

Después de obtener nuestra atención hace dos años con 936, uno de los discos más interesantes y pasados por alto del año pasado, la banda tuvo que tomarse un descanso. ¿La razón? Indra Dunis y Aaron Coyes estaban esperando su primer hijo. Esta nueva vida afectó su trabajo de la mejor manera: Lucifer es un disco conceptual dedicado a la noche, desde el atardecer hasta los primeros rayos de sol. Es también un trabajo mucho más personal, menos preocupado en esconderse detrás de capas de sintetizadores y efectos de producción. Lo mejor es darle la oportunidad a que sus canciones hablen por sí mismas. EO

Alabama Shakes

Atrás Hay Truenos Peaking Lights

60. DISCOS

los mejores 50 discos del 2012

#46

#47 The Cribs

Centipede Hz

In The Belly of the Brazen Bull

La presión sobre Animal Collective era palpable: ¿cómo seguir un disco tan aclamado y admirable como Merriweather Post Pavilion? Pero la banda decidió que el público se preocupe por sus propias expectativas. Centipede Hz puede llegar a ser considerado como uno de los discos más caóticos de la banda hasta el momento. Más de un oyente se habrá perdido en el largo recorrido que abarca pesadillas electrónicas y descargas lunáticas. Pero no es necesario dar un veredicto sobre el disco hasta que uno haya encontrado el camino correcto. Los Animal Collective volvieron, en cierto modo, a ser esos locos amantes del pop con una bizarra y entusiasmada manera de demostrarlo. EO

En su última producción, el trío inglés formado por los hermanos Jarman (de reciente paso por el Personal Fest) sacó a relucir todo su arsenal de recursos para conquistar los corazones de los amantes del hard rock y el garage punk. El sonido crudo y lo-fi de sus comienzos retorna con aires de renovación, fusionando el ruido con la vulnerabilidad emocional de un modo que no se registraba desde la época de esplendor grunge. Ryan Jarman se juega la salud de sus cuerdas vocales gritando palabras cargadas de dolor en temas como Come on, be a No-One y especialmente en la desgarradora Back to the Bolthole, de lo mejor que podemos escuchar del álbum. JPL

Animal Collective

#48

Purity Ring

Shrines Una caricatura espantosa del mundo de la niñez. Esa quizás es una definición factible del mundo creativo que propone Shrines, el primer disco del dúo canadiense Purity Ring. La etimología del nombre de la banda nos lleva a pensar en la castidad, mientras que las canciones del grupo nos transportan a una inocencia retorcida donde hasta los instrumentos están inventados por faunos. Con canciones de pueril sensualidad como Fineshrine y Belispeak, el grupo entrega un disco impecable, que a veces peca de monótono pero que termina pareciendo un grito tribal, una alabanza al materialismo musical, donde la corporalidad queda en un primer plano y la música es accesoria. La lírica de Purity Ring es también una oda al cuerpo, donde Megan James nos pide que le abramos el esternón para un abrazo imposible -como el de Darío-. BP

#49

Poliça

Give You The Ghost La banda favorita de Justin Vernon (Bon Iver) es nada más y nada menos que este conjunto ecléctico llamado Poliça. Una especie de R&B electrónico deja asentadas las bases para que las dulces vocales de Channy Leaneagh tomen la posta en Give You The Ghost, una colección de 11 canciones, dos de las cuales cuentan con la colaboración de otro alumno de Bon Iver, Mike Noyce. En temas como Dark Star, el autotune se pone pistero con una canción que ruega a gritos ser remixada, mientras que también ofrecen composiciones de corte más intimista Amongster y I See My Mother. Desguazados de ex miembros de Gayngs, Leaneagh y Ryan Olson, quien también oficia de productor, este quinteto de Minneapolis se despacha con una obra maestra, que sin dudas es la puerta de entrada a un universo mucho más amplio. BP

#iHMag/ 61.

#50

The Magnetic Fields

Love at the Bottom of the Sea Si hay alguien que puede jactarse de haber escrito canciones de (des)amor es el barítono y frontman de The Magnetic Fields: Stephin Merritt. Con 69 Love Songs a 13 años de distancia, y cerca de los sintetizadores, Merritt y su crew nos invitan a explorar siete húmedas y pegadizas historias de menos de 3 minutos que rescatan la intimidad y el ingenio de la banda de Boston. Venganza, celos, triángulos amorosos y un amor travesti se leen en Your Girlfriend’s Face, Born For Love, Andrew In Drag y The Only Boy In Town, mientras las voces de Claudia Gonson y Shirley Simms están tan presentes como la de Merritt. Un vívido reencuentro con los magníficos Magnetic Fields, en el ultimo rincón del mundo. JGM

62. CANCIONES

Las

mejores canciones del 2012 En esta oportunidad, no hemos hecho un ranking, sino que cada una de estas canciones es considerada como “la mejor”, de una forma u otra, por los colaboradores de indieHearts. Por ende, no están organizadas de una forma particular. Una vez superada esta aclaración para no herir sensibilidades, les dejamos la lista de las mejores 35 canciones de 2012, seleccionada por la redacción de indieHearts.

#iHMag/ 63.

Jack White – Love Interruption The Shins – It’s Only Life Bat for Lashes – Laura Beach House – Myth Chairlift – I Belong In Your Arms Fiona Apple – Every Single Night Kendrick Lamar – Money Trees

David Byrne & St. Vincent – Who Blur – Under the Westway Abril Sosa – Wilkommen Garbage – Blood for Poppies Graham Coxon – What’ll It Take El Mató a Un Policía Motorizado – Mujeres Bellas y Fuertes

Purity Ring – Fineshrinne Poliça – Dark Star Gepe – En la Naturaleza (4-3-2-1-0) Best Coast – Do You Love Me Like You Used To? Utopians – Trastornados How to Destroy Angels – Keep it Together Soundgarden – Been Away Too Long Café Tacvba – De este Lado del Camino Illya Kuryaki and The Valderramas ft. Molotov – Madafaka Leandro Fresco – Algún Día Cat Power – Cherokee

Lucas Martí – Proyectar Grizzly Bear – Yet Again El Perrodiablo – Algo sobre estar vivo The xx – Angels Tame Impala – Apocalypse Dreams Dirty Projectors – Gun Has No Trigger Los Reyes del Falsete – Contale al Mundo Foals – Inhaler Mumford and Sons – I Will Wait Ariel Pink’s Haunted Graffiti – Only In My Dreams Sr. Tomate – Burbujas

64. PERFILES IH

Perfiles iH

Dúo Melódico, la música es un experimento

migo, por qué te fuiste, por favor no te vayas de mi lado, no te vayas de aquí, vuelve conmigo, que yo te extraño mucho, en este frío y triste mundo. Hay tantas cosas por decirte, todo aquí ha cambiado, todo aquí ha, no…sácalo porque me olvidé de algo.”

hasta un dramón. Su voz es camaleónica, cobra vida, forma y melodía según la historia y el ritmo que esté tocando su amigo.

Tiene el talento musical de la interpretación, sumado a la espontaneidad de sus composiciones que radican todas juntas en su imaginación y lo que sale en el momento. Fabrizio Rossi (25) cuenta que un día estaba grabando Las canciones son grabaciones caseras que fueron colunas cosas en el garaje, cuando de repente “él llegó, vio gando en la web y una vez ahí sus amigos comenzaron a los micrófonos armados ahí y me dijo, así de una, que que- recomendarlos de boca en boca. ría grabar algo. Al final de la clase nos pusimos a improvisar, yo tocando la guitarra, él cantando, y ese mismo día Hoy, en total, cuentan con tres discos titulados 1, 2 y 3, grabamos Amigo”. disponibles para bajar en las páginas web de los sellos Él se llama Marcelo Trinidad y tiene 11 años, juntos virtuales Feel de Agua y Esquizodelia. componen la banda uruguaya llamada Dúo Melódico. Las tapas son obras de Marcelo, quien se encargó de diSu amistad comenzó en la misma calle de Jacinto Vera, bujar unas magias con lápices de colores, envidia de más cuando los papás de Marcelo lo mandaron a estudiar de un ilustrador. guitarra con Fabrizio. En cuanto a preferencias musicales, a Marce le gusta muEl día que Fabrizio lo vio cantar, no lo pudo creer. En- cho Charly García, Cuarteto de Nos, Bob Marley, Fito tonces, decidió dedicar, al final de cada clase, unos mi- Paez, Calle 13 y Michael Jackson, mientras que a Fabrinutos para improvisar y grabar. Luego, eso se fue con- zio, Atahualpa Yupanqui, Syd Barret, Dntel, Mateo, Zitavirtiendo en la mayor parte de las clases, así que le dijo rrosa, Yo la tengo y Kraftwerk. a los padres que ya no les quería cobrar porque Marcelo no era más su alumno, eran una banda. Cada uno define Dúo Melódico a su manera, Marce dice “es algo para divertirme y disfrutar, pasarla bien y tocar con Su forma de componer es conversar un rato sobre cual- el Fabri” y según Fabrizio “es una banda de improvisación, quier cosa, decidir qué instrumentos van a tocar, prender basada en la inspiración, en las ganas de tocar música, y un micrófono y lo que resta es improvisar. por sobre todo en la amistad que tenemos”. Tiran varias tomas de lo que salga, y en cada una deciden si les gustó o no. Algunas de esas tomas quedan así, Suficiente como para que nos guste. brutas para los discos, y otras las usan para grabarles más instrumentos arriba. duomelodico.bandcamp.com Las letras son historias que inventa Marce sobre la marcha, puede llegar a armar desde una de ciencia ficción

#iHMag/ 65.

Por Morita Vargas

Yilet, el ritmo que saca filo

i tuviesen que definir su música, dirían que son “tres chicas haciendo rock, pop, new wave, post algo”o bien “una hermosa combinación de Marilina, Ani y Marina”. Yilet nació con Marina La Grasta (voz, teclas y guitarra), quien formó parte de la banda Señorita Polyester y del colectivo artístico Rudamacho. Su actitud rockera adobada de synthpop, hizo de ella misma poesía colorida que da calor.

emocional justo para que todo fluya en armonía, conectando música y letra para que vibren juntas.

Pero lo que comenzó como un proyecto solista se transformó en un dúo, ya que sumó a Marilina Giménez en el bajo, y finalmente concluyó en un trío, completando la formación con Ani Castoldi en la batería.

En el caso de Marilina, lo que la movió fue Joy Division, Cocteau Twins, Erasure, The Cure, Pet Shop Boys, The Smiths, Madonna, Soda Stereo, Love & Rocket y Aphex Twins.

Comenzaron a tocar en circuitos bailables, fiestas nocturas y pelopinchos, hasta que en marzo de 2009 sacaron a la luz el disco Mensagem, tercer lanzamiento del sello Peatón Discográfica.

Luego de tantas fechas, decidieron documentar lo que pasaba cada vez que salían a tocar. Fue entonces que editaron el video de uno de sus shows en Club Gong Discoteque Senior, en donde se puede ver desde el backstage hasta el público bailando sus temas.

Paseando por los referentes musicales de Marina, nos encontramos con bandas que la sensibilizan hasta el día de hoy, como Roxette, Fleetwood Mac, Vox Dei, Badalamenti, Lisa Stansfield, Virus, Boy George, Imagination y Vigor Four. “Uno puede escuchar una cosa más que otra, pero lo importante es sentir una expresión musical En el 2008 comenzó a producir su disco debut junto a Fe- particular sobre otra que no te moviliza”, afirma. derico Carlorosi. Este fue más tarde mezclado por Ariel Ani reconoce que podría ir desde Los Panchos, hasta los Fligman y finalmente masterizado por Javier Belziti. Djs Pareja, pasando por las ESG, Nina Simone y Sandro.

En junio de 2012 editan el EP, Mi verano de invierno, primer lanzamiento de Dengue Dancing Records, con grabación de Ariel Fligman y mezcla de Ismael Pinkler. En cuanto a sus influencias musicales, las tres confluyen en boleros, rock, postpunk, pop, soul, house y gran parte de los sonidos de los años 80. “A la hora de crear no estamos pensando en hacer algo parecido a otra banda, ni que entre en un género específico, lo que nos sale es la unión de todo el bagaje cultural que entre las tres tenemos”, aseguran. Su proceso creativo consiste en estar en el momento

Hoy se encuentran en plena grabación de su segundo disco y trabajando en la realización de nuevos videos clips. yilet.bandcamp.com

ยกHasta pronto!

indiehearts.com