CUERPO ÍNTIMO Y CUERPO SOCIAL EN RESISTENCIA
CRISIS
MAC MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO Facultad de Artes Universidad de Chile Ismael Valdés Vergara 506 Parque Forestal, Santiago de Chile.
Foto de portada obra de: Santiago Cancino UNO S93 Detalle.
CRISIS
Cuerpo íntimo y cuerpo social en resistencia Del 03 de noviembre de 2022 al 21 de enero de 2023
CONFRONTAR LA BORRADURA
CARTA DE PATROCINIO AL PROYECTO
Alguna vez intenté describir, por medio de una acción simple, el estado de percepción y revolución de los planos de sentido sobre los cuales nos erguimos para comprender y aproximarnos a nuestra contemporaneidad.
en lo que denominamos el estar en el lugar de lo real. Allí es donde muchos comprenden que el rol del arte contemporáneo es estar en la discusión sobre los enigmas que enfrentamos, el cual en definitiva es tomar posición.
Para esto le proponía a un grupo pequeño de personas un simple ejercicio de percepción de mundo. Les solicitaba que conjuntamente miremos a través de las manos, extendiendo una de ellas de manera amplia y próxima a nuestra nariz sin tocarla, dejándola fija sin moverla, para luego reconocer lo que tenemos frente a nuestros ojos. Es un acto simple, que nos hace reconocer que lo más próximo, falanges y dedos, se desvanecen por un plano más extendido. Lo que nos permite llegar al acuerdo de que lo más distante, figuras, formas, texturas, objetos, paisajes, etc. es lo más comprensible. Paradojalmente lo más cercano se nos borronea.
La muestra Crisis Cuerpo íntimo y cuerpo social en resistencia que acontece en el Museo de Arte Contemporáneo en su tercer periodo de programación 2022, nos provoca una diversidad de aconteceres que bordean preguntas sobre lo local/global, lo periférico de la práctica del arte y los enigmas que aborda, la relación universal sobre la migración, como también por los mínimos comunes que aún están en disputa, ante lo cual no podemos obviar que nos encontramos en un espacio de definiciones que nos llevarán a construir un nuevo modo sobre el cual nos relacionamos.
De esta forma es como se nos presenta nuestra contemporaneidad, donde las escalas y magnitudes de los cambios sobre los cuales estamos embebidos no los logramos definir con total claridad aunque estamos sobre ellos. Aún así nos aferramos a la borradura de una mancha que en este caso alude a una sugerente mano. Es un acuerdo transversal que estamos enfrentados a un mundo en cambio, cuya velocidad nos presenta un escenario que muchas veces no logramos fijar con total nitidez. De lo anterior se desprende un asunto que se refiere a la noción de crisis. Lugar que para el arte es el espacio permanente de pregunta y desafío sobre el sentido de lo que hacemos / haremos con nuestro contexto. Justamente uno de los elementos más disruptivos de la práctica actual del arte contemporáneo es la que se desprende de la noción constructiva del artista en terreno. Es decir del artista en el espacio de la contingencia,
De esta forma la exhibición de Crisis curada por Inés Ortega-Márquez y Margarita Aizpuru llega a tiempo al museo MAC para empalmar sobre los desafíos, aporías y reminiscencias, que debemos enfrentar.
Daniel Cruz Valenzuela Director Museo Arte Contemporáneo Universidad de Chile Diciembre 2022
Santiago, 13 de octubre 2020 Señores Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio Presente Por medio de la presente, el Centro Cultural de España en Santiago hace constar que concede su patrocinio al proyecto CRISIS CUERPO ÍNTIMO Y CUERPO SOCIAL EN RESISTENCIA, de las Curadoras Inés Ortega-Márquez y Margarita Aizpuru, que se postula al FONDART Modalidad Exposiciones. El proyecto citado, que incluye reconocidos artistas españoles, tiene a nuestro juicio relevancia para las artes visuales, al tiempo que contribuye a la circulación de obras y a la transferencia de conocimiento, reforzando los lazos culturales entre España y Chile.
Paula Palicio Noriega Directora Centro Cultural de España Sergio Carranza Förster Consejero Cultural Embajada de España en Chile
CUERPO ÍNTIMO Y CUERPO SOCIAL EN RESISTENCIA
CRISIS
CRISIS
Cuerpo íntimo y cuerpo social en resistencia.
La muestra reúne a 6 artistas, los cuales plantean en su constelación, una lectura de la crisis contemporánea, a través de dos temáticas de reflexión: el cuerpo físico y el cuerpo social. La contingencia derivada de las protestas globales, que han interpelado la enorme inequidad planetaria, “el estallido” de octubre 2019 y la pandemia que aún nos asola y aísla, configuran un territorio de pensamiento crítico y creación desde el cual los artistas generan -o resignifican- obras, que ponen de manifiesto las tensiones, los miedos, el impulso reivindicativo, sanador, de resguardo y protección que mueven a la humanidad. Sus propuestas conforman narrativas estéticas, a la vez que filosóficas, sociales y políticas en distintos registros de lenguaje: trabajos poéticos, operaciones activistas, desarrollos conceptuales y autobiográficos. Bajo estas premisas surgen aquí dos grupos de obras: las que inciden de lleno en los conceptos e ideas de crisis vinculada al cuerpo humano, sin que por ello este cuerpo no tenga una expansión de efectos, de muy distinto tipo, más allá de su propia fisicidad individual y vayan hacia lo colectivo, hacia la reclamación, y hacia la cura o sanación como proceso propio y social. Y las que levantan preguntas que interpelan el estado del cuerpo social. Nuestra propuesta parte de la tesis, de que el cuerpo humano ha sido empujado a una nueva era, en la que se superarán nuestras limitaciones tanto intelectuales como físicas, mediante la aplicación de las nuevas tecnologías a la biología humana, a sus condicionantes genéticos y los que derivan del deterioro del contexto y del hábitat. Una nueva época, post-humana, de conocimiento difundido por las redes donde la corporeidad se aleja, o no es necesaria, y lo virtual se impone.
La pandemia sanitaria súbitamente sobrevenida y extendida por todo el mundo vuelve nuestros cuerpos vulnerables, frágiles, de modo masivo. Al igual que lo es hoy nuestro propio planeta y la naturaleza, contagiada, destruida por nosotros mismos. Así, también el cuerpo sufre la violencia social, el racismo, la discriminación, el rechazo a las migraciones. El cuerpo físico, individual, transformado en cuerpo social lastimado, se levanta, grita, resiste. Como Chile en su octubre, con revueltas civiles por numerosos descontentos íntimos y universales: el salario, la sanidad y la educación públicas, la inaccesibilidad de la cultura, la brecha de género, la violencia contra la mujer, la discriminación. Movimientos sociales, conectados a través de las redes, contra la influencia de las corporaciones de fondos previsionales, empresas y bancos en la vida política, y a favor de una mayor transparencia de la democracia. Resistencia, activismo y creatividad para época de crisis del sistema. Confinamiento, resguardo, sanación, cambios en nuestra forma de relacionarnos, incertezas de futuro. Cuerpos enfermos y cuerpos recuperados, rituales íntimos y procesos sociales. Cuerpos-territorios en los que están cartografiadas las conductas. La curatoría reflexiona en la idea de crisis del cuerpo físico y el social, de lo local a lo general, del centro a la periferia. A través de 6 artistas que cruzan sus miradas en un diálogo construido desde dos orillas. En una propuesta artística conceptual, transversal y multidisciplinaria en la que se ha considerado la multiculturalidad, la paridad de género y la intergeneracionalidad. Inés Ortega-Márquez Margarita Aizpuru
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Informacion
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1. SANTIAGO CANCINO 2. MARISA GONZÁLEZ 3. MARA LEÓN 4. FERNANDA LÓPEZ Q. 5. N3T0 6. MAX NITROFOSKA
MARA LEÓN ES FERNANDA LÓPEZ Q. CL N3T0 CL MAX NITROFOSKA ES
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SANTIAGO CANCINO CL MARISA GONZÁLEZ ES
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ARTISTAS
Vistas de sala 5
Vistas de sala 4
SANTIAGO CANCINO
UNO NS93
Instalación con ensamble de objeto. Pertenece a la Serie GAMA, que investiga elaborar obras reutilizando objetos ya fabricados con el propósito de establecer nuevas lecturas históricas y contextuales de la producción industrial en Chile. Dejando en evidencia los avances tecnológicos iconos de periodos sociales y políticos, a partir de los avances implementados en la producción local a raíz de piezas y materiales importados, reflexionando el desarrollo del país. Se compone de dos carcasas del Metro de Santiago de la Línea 5 modelo del tren NS93 producida en Francia por la empresa Alstom. Estas Piezas dividían cada vagón en el año 1997 antes que fuese continuo como es hoy en día. El objetivo de la obra se basa en posicionar y ensamblar dos carcasas idénticas generando un vagón abreviado, que simbolice en parte su historia política en el desarrollo social y urbano en la capital Metropolitana. La instalación contempla 3 módulos con distintos grados de deterioro por tiempo o manipulación como parte de un desecho, que en el contexto actual se logra re-significar y aludir al periodo de crisis que vive Chile desde el año 2019, al constituir los incidentes del Metro de Santiago con el inicio de las protestas en la evasión del pasaje de metro por parte de estudiantes, hasta la quema de estaciones y trenes dentro de este proceso de demandas, el detonante de la expresión política de la protestas sociales.
Detalle
UNO NS93 – serie GAMA 2022 3 módulos de 230 x 210 x 80 cm c/u Técnica: Instalación con ensamble de objeto
Detalle
MARISA GONZÁLEZ
FILIPINAS EN HONG KONG Ó FEMALE OPEN SPACES INVADERS
En los años 2009 y 2010, M. González lleva a cabo uno de sus interesantes proyectos enfocado desde ópticas de género, que graba en Filipinas y Hong Kong, y que ha denominado Filipinas en Hong Kong y Female open spaces invaders indistintamente y según qué obras. De aquel extrajo una selección de vídeos con los cuales participó en la 13 Bienal Internacional de Arquitectura de Venecia en el año 2012. El proyecto consta de fotografías, entrevistas y vídeos que van registrando, desde su propia mirada creativa, los insólitos y peculiares espacios creados por las mujeres filipinas en Hong Kong. Unas 120.000 mujeres filipinas trabajan duramente en esta ciudad. Unas mujeres, trabajadoras en el servicio doméstico, que el domingo, su día libre semanal, invaden, asentándose durante todo el día, determinados lugares del centro de la ciudad, los bajos de centros comerciales y de los grandes bancos, construyendo unas precarias y baratas pero eficaces construcciones en cartón que les sirven como recintos colectivos de intimidad, encuentro, descanso, comunicación, juegos y conexión social entre ellas. Son mujeres que han sacrificado sus vidas para dar mejor calidad de vida a su familia y a sus hijos. En algunos casos sufren racismo, y explotación. Por último, se incluye una instalación con cartones y objetos de desecho de ropa, simulando los mini espacios de encuentro de las inmigrantes filipinas. Estas mujeres transforman estos lugares comerciales y financieros donde se asientan, como los bajos exteriores del Shanghai Bank construido por el arquitecto Norman Foster, y las plazas y jardines colindantes, construyendo un tipo de arquitectura efímera, con mínimos materiales, las cajas de cartón que han sido desechadas por la sociedad de consumo, reutilizándolos.
Crean así un mundo propio, una nueva cartografía humana y social femenina. Un punto de encuentro, un territorio donde transportan sus propios hábitos, cultura y tradiciones una vez a la semana.
PROYECTO ELLAS FILIPINAS Ó FEMALE, OPEN SPACE INVADERS 2010-2012 Casitas en Exhange Square, Honk Kong 50 x 75 cm
PROYECTO ELLAS, FILIPINAS Ó FEMALE OPEN SPACE INVADERS. CASITAS 2022 Instalación site-specific con cajas de cartón de embalajes reciclados.
PROYECTO ELLAS, FILIPINAS Ó FEMALE, OPEN SPACE INVADERS 2010-2012 Serie de 5 Impresiones fotográficas 76 x 114 cm
PROYECTO 730
MARA LEÓN
Se muestra parte de Proyecto 730, referido al número de días que el año 2015 le indicaron en el hospital que tenía que esperar para la reconstrucción de un seno, tras sufrir una mastectomía por un cáncer de pecho. Desde entonces ha llevado a cabo un proyecto artístico de denuncia de las larguísimas listas de espera que las mujeres, y ella misma, tienen que soportar para la reconstrucción del seno, a través de fotografías diarias de su torso desnudo mastectomizado, colgadas en las puertas de los hospitales públicos reclamando la reconstrucción, y que ahora ha producido en forma de calendarios mensuales de estas imágenes con sólo un pecho. Tras meses de denuncias diarias a la puerta del Hospital Virgen del Rocío de Sevilla y otros, con enorme impacto en los medios de comunicación, le es comunicado por la Seguridad Social que su operación se efectuará de forma inmediata, constatándose el efecto mediático, y los resultados de dicha campaña. Mara León nos ofrece unas contundentes, profundas y sutiles autorrepresentaciones fotográficas a través de las cuales reflexiona sobre el transcurso del tiempo, la vida y la muerte y las experiencias vitales en un cuerpo de mujer, y todo ello a través del uso de la imagen de su propio cuerpo y de determinados elementos que funcionan como metáforas de las vicisitudes de la vida y sus marcas. Son autorretratos pero podrían serlo de muchas otras mujeres. En estas obras nos habla de los miedos y de las angustias. Y también ideas sobre la vida, el paso del tiempo, el dolor, pero también los procesos de curación y tratamiento plasmados, expresadas en corporal. Tras el impacto del Proyecto 730, la artista ha continuado con él centrándose ahora en casos de mujeres similares al suyo, transformándolo en un proyecto participativo.
El proyecto se ha exhibido anteriormente entre 2016 y 2020 en distintos centros culturales y espacios museísticos en Madrid, Sevilla, Córdoba y Málaga (España), Montevideo (Uruguay) y Concepción (Chile). Destacan: Horizontes Cercanos, 2020. Fundación Valentín de Madariaga. Sevilla, 2018: FEMINISARTE IV. Centro Cultural Español en Montevideo, AECID. 2018, Pinacoteca de la Universidad de Concepción.
PROYECTO 730 2016 Calendario 98 x 130 cm
AUTORRETRATOS Pieza 016 - 2019 Pieza 014 – 2014 Pieza 013 - 2014 200 x 133 cm
FERNANDA LÓPEZ Q.
SONAJERA NEGRA
Esta instalación surge de la exploración del concepto de liminalidad en el sujeto, ese espacio- tiempo entre lo que fue y lo que será. Se aborda específicamente desde la transformación corporal y mental de la enfermedad a la curación, conformándose como una investigación visual, escritural y sonora en torno al concepto del “mal del susto”, que según la tradición popular en América Latina, es una enfermedad que consiste en la pérdida del alma causada por un gran susto o miedo profundo. Tiene su origen en preguntas en relación al contexto actual, cuáles son los miedos o anhelos que tenemos como individuos y como sociedad, a través de la articulación de sistemas resonantes como objetos sonoros, esquemas escritos para ejecutar el sonido de cada instrumento, y en correspondencia, el registro audiovisual del accionar de éstos, revelan la inquietud del enfrentamiento persistente del organismo con el cuestionamiento cíclico y existencial de la vida y la muerte. Se compone de las obras: 1. Sonajera negra (2022). Instalación. Tejido de cáñamo con cerámica gres. Dimensiones variables. Registro de acción colaborativa. 700 x 350 x 300 cm 2. Tronador de quimeras (2021). Instrumento sonoro. Sonajas forjadas en cobre sobre madera pintada y barnizada, cuerdas trenzadas con cerámica de gres y cobre. 244 cm x 10 cm diám. 3. Chagual (2022). Registro de acción de video, 3´37”, color, sonido estéreo. 4. La Muda (2020). Objeto textil, 280 cm de diám. Video registro de acción 4´26”, color, sonido estéreo.
5. El oscurecimiento de la luz. Parte I El retorno - Cuerdas (2019). (Instrumento de cuerda, 90 x 2 x 10 cm. Libro de Artista 14 x 10 x 2 cm (cerrado).
INSTALACION SONAJERA NEGRA Detalle 2022 700 x 350 x 300 cm LA MUDA (2020). Detalle Objeto textil, 280 cm de diám. TRONADOR DE QUIMERAS 2021 244 x 10 cm diámetro CHAGUAL 2022 Video 3’ 37”
EL OSCURECIMIENTO DE LA LUZ. PARTE I EL RETORNO -CUERDAS 2019 Instrumento de cuerda y Libro de artista 90 x 25 x 10 cm y 14 x 10 x 2 cm.
LA MUDA 2020 Video 4’ 26”.
PLATA O PLOMO
Plata o Plomo es un trabajo instalativo mural que nace de sus croqueras, de un estudio de dos años ante la pregunta por la violencia y las posibilidades o no de abordarla. Está cruzado por la revuelta social, la pandemia y las condiciones de contradicción que son inherentes al modelo de desarrollo social capitalista. El artista generó 3 axiomas para poder estudiar la violencia: 1) La violencia es irrepresentable, toda vez que como fenómeno es inminente e inmanente. 2) La violencia solo puede ser interpretada, por los signos que deja como consecuencia de su obrar.
N3T0
3) La violencia produce. Estos axiomas llevan a trabajar en la lógica de diagrama, toda vez que solo es posible analizar la violencia por las consecuencias de su producción, los signos y conceptos que arroja en el mundo y no como una unidad unÍvoca o estática. El título hace referencia a la máxima política de Pablo Escobar, que ofrece dinero o muerte, en una suerte de lógica primaria, arcaica y profundamente humana, que da cuenta de cómo la violencia está íntimamente ligada al desarrollo de América Latina. El mural incorpora 6 obras- collage enmarcadas, de pequeño formato.
INSTALACION MURAL PLATA O PLOMO 2022 Pintura mural (latex), collage. 550 x 700 cm
¿CUAL ES EL LIMITE? 2021 Mixta sobre papel 43 x 31 cm (enmarcada) TRAFICANTES DE AFECTOS 2022 Mixta sobre papel Canson edition 300 grs 64 x 50 cm (enmarcada)
MODERNIDAD 2019 Mixta sobre papel Canson edition 300 grs 76 x 56 cm (enmarcada) AMBIVALENCIA 2022 Mixta sobre papel Canson edition 300 grs 76 x 56 cm (enmarcada)
MAX NITROFOSKA
TOMA LO QUE ES TUYO
Instalación de fotografías de distintas performances y proyección audiovisual del concierto presentado en Valencia Toma lo que es tuyo. Performance en directo ante el público realizada en el hall del MAC en Santiago: un espectáculo multidisciplinar que va desde la performance hasta el concierto musical pasando por las influencias teatrales más abiertas, haciendo uso de tonos sarcásticos e irónico-críticos que surgen tras el manto sideral y poliédrico de una poesía inabarcable e infinita, verdadera madre y hechicera de esta pieza. Por boca de NITROFOSKA, nuestro androide, los seres humanos irán avanzando en el tiempo para asistir a una narración de su propia historia, de su huella, ya imborrable, sobre el planeta Tierra y terminar en el espacio exterior, en el insondable futuro que se nos aproxima cada vez a mayor velocidad, como un enloquecido y vertiginoso meteorito. De fondo se escucha el sonido real de los planetas en el espacio, proyectados sobre una pantalla.
ANDROIDE – VOTA NITROFOSKA 2019 50 x 75 cm Toma fotográfica: desconocida AUTOESTIMA 2019 50 x 75 cm Toma fotográfica: Margarita Aizpuru
HAZ ALGO 2019 50 x 75 cm Toma fotográfica: Kristina Olano KRISPO
TOMA LO QUE ES TUYO 2020 Videoacción 2’ 56’’ Cámara: Analía Beltrán i Janés NO SOLO ES EL SISTEMA LO QUE NO FUNCIONA 2019 50 x 75 cm Toma fotográfica Guillermo Sierra
BIOGRAFIAS ARTISTAS
SANTIAGO CANCINO
Nacido en Chile, 1981, es Licenciado en Artes Plásticas con Título de Grabador en la Universidad de Chile. Realiza su cuerpo de trabajo desde la especialización en técnicas de grabado, desplazado a experimentar con diversos materiales como: bronce, mármol, espumas, hormigón, acero, etc. con los cuales articula procedimientos técnicos que le permiten elaborar obras sintéticas en volúmen, problematizando contextos sociopolíticos en Chile relacionados con la arquitectura y su entorno. Su desarrollo profesional ha estado marcado en asesoría en diferentes áreas. Inició como Editor de Imprenta en Ediciones de Grabado Colaborativo en el Taller Ars Lucis (Stgo. 20042014), ha sido Profesor de Inserción Experimental de Técnicas Gráficas en áreas de pedagogía educativa, en escuelas y universidades (Stgo. 2008- 2014). Se ha desempeñado como Co-Director Curatorial del Espacio de Arte Contemporáneo SM (Stgo. 2015-2019). A la fecha es integrante del Taller de Torneado Metal Maquintob donde continúa especializándose (Stgo. 2019-2022). Ha obtenido premios como el de Fundación Ca.Sa con la serie “Graso” en el marco de la Feria de Arte Contemporáneo ArtLima, Lima, 2017. Premio Arte Joven BBVA- Artespacio, con la Pieza Nº5 serie “Fosa”, Santiago, 2017. Es autor de la obra “Paso”, intervención de uso público en el Puente Bulnes, Santiago de Chile, 2018. Ha participado en numerosas exposiciones. Su obra se encuentra en diversas colecciones privadas.
MARISA GONZÁLEZ
En 1971 finaliza sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando (Madrid), y se traslada a estudiar un máster en el I. de Arte de Chicago especializándose en las nuevas tecnologías aplicadas a las prácticas artísticas. De 1974 al 76 estudia en Washington DC en la Corcoran School of the Arts and Design. Desarrolla su período feminista con su profesora la artista feminista Mary Belth Edelson, combina fotografía y performances para denunciar la violencia de género y desarrolla la serie “La Descarga” retratos de compromiso. Expone en la primera feria ARCO en Madrid en 1982 y participa en la primera exposición del museo Reina Sofia en 1986, como una de las primeras artistas-comisarias. En 1992 dirigió en el Círculo de Bellas Artes de Madrid el Taller de Arte Actual la poética de la tecnología. El mismo año inicia su serie “Clónicos” (19931997) en los que utiliza muñecos como referencia del ser humano. Su primer trabajo net art fue en 2000 a partir del tema de las fábricas y la situación de los obreros además de la situación específica de las mujeres en la era industrial. En 2012 fue invitada por el comisario de la Bienal de Arquitectura de Venecia, David Chipperfield, a participar en la exposición curatorial “Common ground” en el Pabellón principal con sus vídeos Ellas filipinas ó Female open space invaders sobre las mujeres filipinas emigrantes en Hong Kong. Y en 2014 es una de las artistas participantes en la exposición Genealogías Feministas en el museo MUSAC de León. En el año 2015 realiza la retrospectiva Registros Domesticados en las salas de Tabacalera de Madrid y en el CGAC de Santiago de Compostela, organizada por el Ministerio de Cultura, comisariada por la teórica Rocío de la Villa. Y en el 2017 participa en la exposición
colectiva Women in Work. Mujer, Arte y Trabajo en la globalización en la Universidad Politécnica de Valencia y Castellón con su trabajo Ellas, Filipinas. Con este mismo trabajo en el año 2018 participa en la exposición Hidden Workers en el Museo de Arte Contemporáneo de Seúl, Corea, junto a artistas históricas como Martha Rosler o Las Guerrilla Girls entre otras. En 2019 participó en el proyecto “¡Feminismos!” en el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, CCCB, de Barcelona. Desde hace años interesada por interrelacionar arte y género desde enfoques críticos feministas. Ha trabajado en torno a temáticas como el cuerpo o la identidad, y ello a través de medios como el fax, la fotografía, el vídeo, la fotocopia, la electrografía o el ordenador, entre otras herramientas de creación. En el año 2020 recibió el premio MAV a toda su trayectoria artística y creadora. Es Vicepresidenta de la asociación española Mujeres de las Artes Visuales MAV de 2010 a 2017.
MARA LEÓN
Mara León nace en Sevilla en 1970. Estudió fotografía en la Escuela de Artes de Sevilla y más adelante, en el 2009, se traslada a Madrid donde realiza el Máster EFTI de Fotografía Internacional Contemporánea, obteniendo el nº1 de su promoción. Su obra se centra en la reflexión metafórica del cuerpo como campo de batalla ante el tiempo y sus accidentes vitales, caracterizado por un gran componente activista y social. Ha realizado distintas exposiciones individuales en las ciudades de Madrid y Sevilla en España, y participado en numerosas exposiciones colectivas en galerías, museos, centros de arte y diferentes espacios expositivos en diferentes ciudades españolas y latinoamericanas, desde el año 2009 hasta la actualidad. Como profesora ha impartido muy diferente talleres de fotografía en Madrid y Sevilla en Fundaciones y Museos. Ha obtenido diferentes premios y menciones en el terreno expresivo de la fotografía, como son, entre otros, el primer premio del Concurso Internacional de Fotografía Alliance Française y Fundación Pilar Citoler (2013); finalista del Premio Internacional Pilar Citoler (2015) o el tercer premio de fotografía de la Fundación Enaire (2019). Artista visual que trabaja fundamentalmente la fotografía y el video, así como, y en los últimos años, obras ligadas a procesos tanto artísticos como reivindicativos y sociopolíticos ligados a la mujer y el género. Ha trabajado creativamente sobre la evolución de su propio cuerpo y estado de ánimo durante y tras su proceso de cáncer de pechos y su reconstrucción, así como sobre los procesos de curación y reconstrucción del cuerpo. Además de sobre el movimiento iniciado mujeres mastectomizadas y reivindicaciones de acortamiento del tiempo para reconstrucciones de pecho de las mujeres en los hospitales públicos, algo que la ha llevado
a ir más allá de sí misma, y hacia la lucha colectiva de mujeres que han sufrido el mismo proceso. Así, partiendo de su propia problemática del sufrimiento del cáncer, y de los largos tiempos de la sanidad pública española para su reconstrucción obviando el daño tanto físico como psicológico que supone para una mujer, ha reflejado su propio proceso individual, sus emociones, sentimientos y las huellas de todo ello en su cuerpo, y de otras mujeres, como las luchas colectivas para que dicha situación cambie.
FERNANDA LÓPEZ Q.
Artista visual, Licenciada en Artes de la Pontificia Universidad Católica de Chile y Magister en Artes Visuales de la Universidad de Chile. Su trabajo ha girado en torno a cuestionamientos que surgen entre el sujeto y el contexto cultural, social y político que habita. Ha participado en diversas exposiciones, dentro de las cuales se destacan individuales como “El levantamiento de la sombra” en Galería Aninat (2021), “ADN Mitocondrial” en el Museo Nahim Isaías, Guayaquil, (2018), “Sísifo” en Corporación Cultural Las Condes (2016) “(Des)confecciones” en Espacio Vilches (2014). Colectivas como PreBienal WTA Online – Chile (2020), “Las Venas de América” en el Museo de la Ciudad de Ecuador (2020), “Síntomas Geográficos” en Galería de Arte Posada del Corregidor (2019), “Premio Municipal Artes Visuales Talento Joven” en Galería de Arte Posada el Corregidor (2018), “Umbrales” en Galería de Arte y Sala Blanca (2015), “IX Premio de Arte Joven MAVI / Minera Escondida” en Museo de Artes Visuales MAVI (2015) y “II Concurso Universitario Arte Joven” en Museo de Arte Contemporáneo MAC (2011). Ha participado en la X Bienal SIART Bolivia, La Paz 2018 y en Bienal Sur (2019), Lima Perú, con la exposición colectiva (Re) Hilvanando el Sur, ambas bajo la curaduría de Inés OrtegaMárquez. Ha obtenido distintos premios, entre ellos, Beca Chile Crea para estudios de magister (2021), Primer lugar en V Concurso Artespacio Joven Itaú (2020), Mención Honrosa Género Instalación en los Premios Municipales de Santiago (2018), Mención Honrosa Género Video Arte en los Premios Municipales de Santiago (2015), Mención Honrosa en el IX Premio de Arte Joven MAVI / Minera Escondida (2015) y Primer lugar en el III Concurso de Arte joven Artefacto (2014).
Ha sido seleccionada para participar en residencias tales como “Residencia AIREMOT”, Svedje, Suecia (2019), “Fiestas, Cofradías y Desierto: Residencia La Tirana”, Región de Tarapacá, Chile (2013) y “Desiertos intervenidos II”, conducida por Juan Castillo bajo el contexto de SACO 6, Antofagasta, Chile (2018). Su obra es parte de colecciones públicas como Colección de la Subsecretaría de las Culturas y las Artes y privadas como Colección IL Posto (Chile), CIFO Cisneros Fontanals Art Foundation (Estados Unidos), Fundación Engel (Chile).
Ricardo Lagos Miranda (N3TO) nace en Cambridge, Inglaterra en 1991. Es Licenciado en Artes Visuales y Magister en Cine Documental de la Universidad de Chile, donde hoy presta asistencia docente. Actualmente estudia Psicología en la Universidad Diego Portales. Desde el año 2014 ha realizado un cuerpo de obra que cruza los problemas de lo trasdisciplinar y la historia del arte latinoamericano. Ha sido destacado con diversos premios como el de la Feria ART-STGO (2016), Segundo Lugar concurso Migraciones Fundación Fobeju, Finalista del concurso Spotlight Barçu – Colombia, entre otras distinciones.
N3T0
Su trayectoria cuenta con más de 30 exhibiciones entre muestras colectivas e individuales, así como participación en proyectos experimentales, residencias y ferias de arte, tanto en Chile como en Argentina, Colombia, Ecuador y Polonia. Su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas en Chile, Colombia y Estados Unidos.
MAX NITROFOSKA
NITROFOSKA empezó desde muy joven en el mundo de la música, principalmente escribiendo letras y cantando. Ha formado parte de numerosas bandas musicales, en las que además de ser autor o coautor de la música siempre ha escrito las letras y cantado. También realiza numerosos mítines político-electorales, tanto en las salas, en el marco del propio concierto, como en la calle megáfono en mano. Así mismo desde hace varias décadas viene desarrollando performances entre la acción política, la poesía y las artes visuales. Tras varias bandas en Ginebra (Suiza) y San Sebastián (País Vasco), formó Mala Fama en Arazuri (Navarra) con la que grabó dos LPs producidos por el sello Oihuka. Con Mala Fama realizó más de 200 conciertos en España. En 2009 forma en Madrid 747 Artista Oficial, banda en la que se dejan entrever sus ideas y deseos artísticos más actuales. Realiza una veintena de conciertos, todos en la comunidad de Madrid. En 2012 y hasta la actualidad, Nitrofoska va a ir derivando en lo performativo, para lo cual transforma sus textos y realiza adaptaciones a estos formatos. Se presenta en el País Vasco, Madrid, París, Ginebra (Suiza) y Cali (Colombia). En una de sus performances más celebradas, y tras un frenético año 2011 plagado de actuaciones y con el telón de fondo del 15M, llegó a presentarse como androide a la alcaldía de Madrid en las listas del Partido Pirata. Ha realizado más de 50 actuaciones en España, Francia, Uruguay y Colombia entre 2017 y 2019 con su anterior espectáculo, LA PRIMERA POTENCIA DEL MUNDO ERES TÚ. Posteriormente realizó el espectáculo-performance: TOMA LO QUE ES TUYO, una acción multidisciplinar que va desde la performance hasta el concierto musical pasando por las influencias teatrales más abiertas, haciendo uso de tonos sarcásticos e irónico-críticos que surgen tras el manto sideral y poliédrico de una poesía inabarcable e infinita, verdadera madre de esta pieza.
Max Nitrofoska se encuentra en el grupo de artistas que han hecho evolucionar la performance y las creaciones visuales y sonoras fusionadas, y en las que el texto poetizado es uno de los protagonistas. Y lo hace desde unas obras llenas de sentido del humor, de ironía ácida, de sarcasmo y descreimiento, pero con grandes dosis de imaginación, experimentando en los límites y fusiones y creando narrativas donde lo real y ficcional, lo imaginario y lo posible se fusionan y condensan en unas creaciones de fuerte carga crítica, pero también poética y de intensidad sensorial. Artista multidisciplinar y activista, también se adentra en el mundo de la fotografía y el vídeo. Sus fuentes de inspiración provienen de distintas disciplinas, científicas, filosóficas, literarias, las narrativas de ciencia ficción y los planteamientos transhumanistas. Hace uso de metáforas y narrativas visuales, sonoras y performativas para generar sus creaciones con las que da un salto identitario e interespecie para recrearse como un androide en relatos en los que interactúa con los seres humanos. Y lo hace desde perspectivas poéticopolíticas, que tanto denuncian situaciones injustas y degradantes humanas -el status quo de conductas corruptas de los poderes imperantes, de los alienantes roles y de narcotizadas mentalidades humanas a base de mensajes, educación y publicitación estandarizada zombi emitida por el Sistema, que él denomina La Corporación- como aboga por la alegría, por el amor, por el viaje y las incursiones a otros mundos, por la imaginación, el deseo y la acción, como antídotos a lo anterior.
BIOGRAFIAS CURADORAS
INÉS ORTEGA-MÁRQUEZ
Curadora Independiente e Investigadora de Nacionalidad Española nacida en Las Palmas de Gran Canaria, España, de formación en Psicología por la Universidad de VincennesParis VIII y Master en Gestión Cultural por la Universidad de Alcalá de Henares, Madrid. Alterna hoy su residencia entre Chile y España. Desarrolla su trabajo a nivel nacional e internacional, en distintos países y continentes. Ha realizado en los últimos 15 años más de 35 exposiciones, curando la obra de más de 50 artistas contemporáneos relevantes y grandes maestros premios nacionales, en EE.UU, México, Brasil, Argentina, Bolivia, Chile, Perú, Italia, España. Ha participado como Curadora invitada en 4 Bienales: Bolivia 2016 y 2018; Bienal Sur 2019 exponiendo en Lima; Bienal de Mediales, Santiago 2020. Como editora, ha publicado en Chile 4 libros-catálogos y diversos librillos y folletos. Escribe en diferentes publicaciones de arte y catálogos a invitación de Instituciones y Editoriales. Pertenece a diversos círculos y asociaciones de arte. Ha sido presidenta del Comité Internacional Centenario Matta (2008-2012); Miembro del Comité Conmemoración Winnipeg 80 años, (2019-2020), Directora del Consejo Asesor de ChACO Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Chile desde 2018 y, desde 2019, Asesora de la Fundación ArtísticaCultural Roser Bru. Miembro de IAC Instituto de Arte Contemporáneo, España. Asidua de las más importantes Ferias Internacionales de Arte Contemporáneo. Jurado en concursos artísticos como “Residencia BAANAL 2019”, “PAM Artista Mujer - Bank of America 2020 y 2022”, “Premio Arte Joven Larrain-Artespacio 2022”, “II Concurso de Arte Joven Emergente Tarquinia 2023”.
MARGARITA AIZPURU
Nacida en San Sebastián, España, es Licenciada en Derecho, Universidad de Sevilla y en Geografía e Historia, especialidad Historia del Arte. Comisaria de exposiciones, crítica de arte, investigadora. Experta en nuevas tendencias de arte contemporáneo, en arte y género, performance y videoarte. Ha comisariado más de un centenar de exposiciones desde inicios de los años 90 y hasta la actualidad, tanto en España, como en Latinoamérica y Marruecos. Ha dirigido numerosos festivales y ciclos de performances y videoperformances, así como muestras de videoarte. Durante once años, desde el año 2004, dirigió “los Encuentros Internacionales de Arte y Género” en Andalucía, así como muy diversos concursos artísticos. Imparte habitualmente cursos y talleres de arte contemporáneo, de comisariado, mercado de arte, performance, arte y género y videoarte entre otros, en Museos, Fundaciones y otras entidades. Escribe habitualmente para catálogos y publicaciones diversas. Ha sido miembro de la Junta Directiva del IAC (Instituto de Arte Contemporáneo) y forma parte en la actualidad del Consejo Asesor de MAV (Mujeres en las Artes Visuales). Ha formado parte de numerosos jurados de arte, entre ellos El Premio Nacional de Fotografía (2017) y el Premio de Fotografía de la Comunidad de Madrid (2019). Habiendo recibido premios como el de mejor teórica/ crítica de arte, otorgado por MAV (Mujeres en las Artes Visuales) en el año 2018. Como docente universitaria, Profesora asociada de la U de Salamanca, Facultad de Bellas Artes, en la asignatura Fotografía I, cursos 2016-2022. U. Carlos III de Madrid, Facultad de Humanidades, asignatura Historia del Arte III, años 2015 – 2017 e Historia el Cine e Introducción al arte contemporáneo curso 2012-13. Entre otros.
SANTIAGO CANCINO UNO NS93 – serie GAMA 2022 Instalación con ensamble de objeto Aluminio pintado color celeste pintura sintética horneada Vidrio, termoformado en plástico, piezas de acero interior y exterior, piezas de acero inoxidable. 230 x 210 x 80 cm. c/u – 3 módulos
MARISA GONZÁLEZ PROYECTO ELLAS, FILIPINAS FEMALE, OPEN SPACE INVADERS 2010-2012 Serie de 5 Impresiones fotográficas color sobre Papel Permalite Carolina 310 gr 100% algodón, libre de ácido, montadas sobre Foam blanco 5 mm libre de ácido 76 x 114 cm PROYECTO ELLAS, FILIPINAS FEMALE, OPEN SPACE INVADERS 2010-2012 Serie de 5 Impresiones fotográficas color sobre Papel Permalite Carolina 310 gr 100% algodón, libre de ácido 50 x 75 cm PROYECTO ELLAS, FILIPINAS FEMALE, OPEN SPACE INVADERS 2010-2012 Vídeo documental del proyecto 6’ 00” FEMALE, OPEN SPACE INVADERS CASITAS EN EXCHANGE SQUARE DE HONG KONG 2010-2021 Instalación site-specific con cajas de cartón de embalajes reciclados Dimensiones variables MARA LEÓN AUTORRETRATO 2019 Pieza 016 – Pieza 014 – Pieza 013 Impresión fotográfica sobre papel Fredix Canvas 350 gr 200 x 133 cm PROYECTO 730 2016 Calendario 3 Impresiones fotográficas sobre Papel Permalite Carolina 310 gr 98 x 130 cm PROYECTO 730 Vídeo-acción 9’00”
FERNANDA LÓPEZ Q. SONAJERA NEGRA 2022 Instalación. Tejido de cáñamo con cerámica gres. Dimensiones variables. Registro de acción colaborativa. 700 x 350 x 300 cm EL TRONADOR DE QUIMERAS 2021 Instrumento sonoro. Sonajas forjadas en cobre sobre madera pintada y bar nizada, cuerdas trenzadas con cerámica de gres y cobre. 244 cm x 10 cm diámetro CHAGUAL 2022 Registro de acción de video. 3’ 37”, color, sonido estéreo LA MUDA 2020 Objeto textil, 280 cm diámetro. Video registro de acción 4´26” color, sonido estéreo EL OSCURECIMIENTO DE LA LUZ. PARTE I EL RETORNO. CUERDAS 2019 Instrumento de cuerda 90 x 2 x 10 cm Libro de artista 14 x 10 x 2 cm(cerrado) N3TO PLATA O PLOMA Instalacón mural Pintura mural (latex ),collage 550 x 700 cm AMBIVALENCIA 2022 Mixta sobre papel Canson edition 300 grs 76 x 56 cm (enmarcada) TRAFICANTES DE AFECTOS 2022 Mixta sobre papel Canson edition 300 grs 64 x 50 cm (enmarcada) MODERNIDAD 2019 Mixta sobre papel Canson edition 300 grs 76 x 56 cm (enmarcada) CHIVO EXPIATORIO 2021 Collage 20x20 cm (enmarcada)
EL PAGO DE CHILE ES EL PESO DE LA NOCHE 2021 Collage 20x20 cm ¿CUÁL ES EL LIMITE? 2021 mixta sobre papel 43 x 31 cm (enmarcada) MAX NITROFOSKA INSTALACION 3 Vídeos y 8 Fotografías VIDEOS: AUTOESTIMA 2018 Videoacción 2’ 15’’ Cámara: Enfero Carulo TOMA LO QUE ES TUYO 2020 Videoacción 2’ 56’’ Cámara: Analía Beltrán i Janés ¡ACCIÓN! 2018 Videoacción 1’ 38’’ Cámara: Enfero Carulo y Celia Mbl FOTOGRAFIAS: 8 Impresiones fotográfica sobre Papel Permalite Carolina 310 gr 100% algodón libre de ácido montadas sobre Foam 5mm libre de ácido 50 x 75 cm HAZ ALGO 2019 Toma fotográfica: Kristina Olano KRISPO TOMA LO QUE ES TUYO 2019 Toma fotográfica: Guillermo Sierra NO SOLO ES EL SISTEMA LO QUE NO FUNCIONA 2019 Toma fotográfica Guillermo Sierra ATERRADORAMENTE INERTES 2019 Toma fotográfica: Margarita Aizpuru AUTOESTIMA 2019 Toma fotográfica: Margarita Aizpuru
COMBUSTIBLE AMOR 2019 Toma fotográfica: Margarita Aizpuru ROBOT 2019 Toma fotográfica: Kristina Olano KRISPO ANDROIDE – VOTA NITROFOSKA 2019 Toma fotográfica: desconocida
CRÉDITOS
CATÁLOGO
EXPOSICION
INÉS ORTEGA-MÁRQUEZ EDITORA
INÉS ORTEGA-MÁRQUEZ CURADORA Responsable Fondart MARGARITA AIZPURU CURADORA
Colaboran:
Proyecto Financiado por el fondo Nacional de Desarrollo Cultural y las Artes. Convocatoria 2021.
ARTISTAS SANTIAGO CANCINO MARISA GONZÁLEZ MARA LEÓN FERNANDA LÓPEZ Q. MAX NITROFOSKA N3TO CRISTIAN ORELLANA TERRSY MUSEOGRAFÍA HUGO LEONELLO MONTAJE PROYECCIÓN VALENTINA MALDONADO AUDIOVISUALISTA
Produce y colabora:
COPYRIGHT FOTOGRAFÍAS Sus autores según ficha técnica COPYRIGHT DE OBRAS Los Artistas Agradecimientos: Agradecemos al MAC por el apoyo y por su implicación, particularmente a las personas citadas en créditos y a los y las funcionarias que nos acompañaron y atendieron: Recepción, Seguridad, Mantenimiento de instalaciones, Portería, entre otros, que nos hicieron la estancia más fácil y grata. A nuestros 6 artistas por su dedicación y esfuerzo sostenido en la creación de sus obras, y por su participación en las actividades.
FRANCISCA CAROCA / MAILEN JORQUERA / JOAQUÍN HENRIQUEZ AYUDANTES INSTALACION
producción y los suministros requeridos, particularmente a Lupita Folk,
ÍCARO ESTUDIO RECORRIDO VIRTUAL 3D
A quienes permitieron gracias a su financiación que CRISIS haya podido
CGC CURATORÍA Y GESTIÓN CULTURAL AVANZADA SPA. PRODUCCIÓN GENERAL
Española/ACE – PICE Convocatoria 2022. Ayuntamiento de Madrid.
DANIEL CRUZ VALENZUELA DIRECTOR ELIZABETH ROMERO SECRETARIA DE DIRECCIÓN PAOLA NAVA COORDINADORA GENERAL DOMINGO FUENTES COORDINADOR DE PRENSA Y COMUNICACIONES NICOLÁS FUENTES / BORIS COFRÉ PRODUCCIÓN
Patrocina:
ÍCARO ESTUDIO DISEÑO Y DIAGRAMACIÓN
DOBLE. X.L MONTAJISTAS
MUSEO Ayuntamiento de Madrid
INÉS ORTEGA-MÁRQUEZ MARGARITA AIZPURU TEXTOS Y CONTENIDOS
ANA VILLAGRÁN / CAMILA VICENCIO / NATALIA TRUJILLO DISEÑO KATHERINE ÁVALOS / PABLO SÁNCHEZ / MARCELA MATUS COORDINADORES EDUCAMAC
A los colaboradores externos y proveedores por su cumplimiento en la W Protec, Tinta Gráfica, Hotel Ismael, Whiteboard Investments, Rodrigo Alvarez, Francisco Moraga, Alexander Meneses y Roberto Durán.
realizarse: Ministerio de las Culturas-Fondart Convocatoria 2021. Acción Cultural CGC Curatoría y Gestión Cultural Avanzada SpA. A las numerosas personas que asistieron el 3 noviembre a la inauguración del tercer período de exhibiciones del
Mac
Parque Forestal, con
nuestras muestras que tensionan las relaciones entre cuerpo y espacio. Y a curadores y artistas de las muestras paralelas, con quienes hemos compartido y disfrutado. A las y los amigos, curadores, críticos, gestores, que visitaron CRISIS y nos entregaron sus observaciones motivadoras y sus felicitaciones. A los colegios y grupos de visitantes de distintas audiencias. A quienes con su presencia y su goce nos hicieron sentir que nuestro trabajo merece la pena. Santiago de Chile, 21 enero 2023. Recorrido virtual 3d: https://kuula.co/share/collection/79Hyp?logo=0&info=0&fs=1&vr=1&sd=1&initload=0&thumbs=1 Acción Cultural Española www.accioncultural.es
CUERPO ÍNTIMO Y CUERPO SOCIAL EN RESISTENCIA
CRISIS
