JAM Music Magazine 11 Autumn 2015 by JAM Music Store

НОВИНКИ АНОНСЫ ОБЗОРЫ ТЕСТ-ДРАЙВЫ СТАТЬИ ИНТЕРВЬЮ РЕКОМЕНДАЦИИ ЮМОР РАССКАЗЫ СОВЕТЫ

№11 ОСЕНЬ 2015

MAD HEADS ИНТЕРВЬЮ

ЗНАЙ НАШИХ ИЛИ ДОЛОЙ “МУЗЫКАЛЬНЫЙ ФАСТ-ФУД”

ТНМК

MADE IN UKRAINE

ИНТЕРВЬЮ

АКУСТИЧЕСКАЯ ГИТАРА YAMAHA F-310

GODS TOWER ИНТЕРВЬЮ

ТАБУЛА РАСА ИНТЕРВЬЮ

BON JOVI ЗНАКОВЫЙ АЛЬБОМ

BJORK ЮБИЛЕЙ

ОБЗОР

CRYBABY MINI НЕ ПЛАЧЬ, МАЛЫШКА МНЕНИЕ СПЕЦА

ВЫБИРАЕМ ГИТАРНЫЙ ДИНАМИК CELESTION! КАБИНЕТ GEARОЛОГИИ

ТОМ ПЕРВЫЙ: METALLICA ЗОЛОТОЙ ФОНД РИФФОВ

СОДЕРЖАНИЕ:

МНЕНИЕ ПОКУПАТЕЛЯ

YAMAHA F-310

ИНТЕРВЬЮ

ОЛЕГ ЛАПОНОГОВ

10 26

ТАРАС ЯНИЦЬКИЙ КОД БАНДУРИ

ИНТЕРВЬЮ СЖИГАЯ МОСТЫ ИНТЕРВЬЮ

МОЩНОСТЬ? ГРОМКОСТЬ?...

34 GODS TOWER

ВЫБИРАЕМ ГИТАРНЫЙ ДИНАМИК CELESTION!

MOTLEY CRUE

38 50

BON JOVI

ПРОФЕССИЯ: ЗВУКОРЕЖИССЕР

MAD HEADS

ИНТЕРВЬЮ

BJORK 62 5 ОШИБОК В ОБУЧЕНИИ 76 МНЕНИЕ СПЕЦА

ПОЛВЕКА С ИСЛАНДСКОЙ СКАЗКОЙ

ПЕРКУССИОННЫЕ УДАРНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ

ИНТЕРВЬЮ

ТЕХНИКЕ ИГРЫ

НА ЭЛЕКТРОГИТАРЕ

СТРАНИЦЫ ИСТОРИИ

МНЕНИЕ СПЕЦА

WAY STATION АНАЛОГОВО-

ИНТЕРВЬЮ

ЦИФРОВАЯ ВОЙНА ПРОДОЛЖАЕТСЯ

ОБZOR

TНМК

Девушка с обложки: Татьяна Шмайлюк - вокалистка украинской метал-группы JINJER, признанного лидера отечественной метал сцены. Входит в 10-ку лучших женских голосов современной украинской музыки по версии INSIDER.UA вне зависимости от жанра или направления.

2 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

04 08 10 16 24 26 32 34 36 38 42 46 50 54 58 62 70 74 76 82 86 88 92 98 102 105

НОВОСТИ И НОВИНКИ YAMAHA F-310 Мнение покупателя ТАРАС ЯНИЦЬКИЙ. КОД БАНДУРИ Интервью BON JOVI. СЖИГАЯ МОСТЫ Знаковый альбом ОЛЕГ ЛАПОНОГОВ. ТАБУЛА РАСА Легенда в студии МОЩНОСТЬ? ГРОМКОСТЬ?... ВЫБИРАЕМ ГИТАРНЫЙ ДИНАМИК CELESTION! Gеaroлогия ТОМ ПЕРВЫЙ: METALLICA Золотой фонд риффов GODS TOWER Интервью GRASS ROOTS G-PB-45R / G-JB-47R Обзор MOTLEY CRUE Знаковый альбом “МОЯ ПРЕЛЕСТЬ”. ОБЗОР ДОСТУП- НЫХ АКУСТИЧЕСКИХ ГИТАР Обзор MAD HEADS Интервью CRYBABY MINI - НЕ ПЛАЧЬ, МАЛЫШКА Мнение спеца 5 ОШИБОК В ОБУЧЕНИИ ТЕХНИКЕ ИГРЫ НА ЭЛЕКТРОГИТАРЕ Мнение спеца ПРОФЕССИЯ: ЗВУКОРЕЖИССЕР Интервью BJORK. ПОЛВЕКА С ИСЛАНДСКОЙ СКАЗКОЙ Юбилей КАК ОСЕДЛАТЬ ДРАКОНА Мнение спеца РИТМ: ЛОВИ И ДЕРЖИ Мнение спеца ПЕРКУССИОННЫЕ УДАРНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ Страницы истории WAY STATION Интервью ЗНАЙ НАШИХ ИЛИ ДОЛОЙ “МУЗЫКАЛЬНЫЙ ФАСТ-ФУД”! Made in Ukraine АНАЛОГОВО-ЦИФРОВАЯ ВОЙНА ПРОДОЛЖАЕТСЯ Обzor ТНМК. БОЛЬШЕ, ЧЕМ ПРОСТО ХИП-ХОП Интервью RESPUBLICA 2015 Репортаж РЕКОМЕНДУЕМ ПОСМОТРЕТЬ РЕКОМЕНДУЕМ ПОЧИТАТЬ

ВЫПУСК 11 осень 2015

ТВОЙ МУЗЫКАЛЬНЫЙ ЖУРНАЛ Верстка и дизайн Игорь Листопад

Вступительное слово В детстве я часто мечтал о кругосветном путешествии на круизном лайнере – сказочно белом, огромном и многопалубном красавцекорабле. На нем обязательно был бы открытый бассейн с голубой, как небо, водой, а жажду можно было бы утолять соком манго со льдом, холоднющим настолько, чтобы аж мозг леденел. И чтобы у мамы с бабушкой просто сердце замирало от ужаса, при виде их чада, жадно глотающего холодное. Я давно уже вырос и научился пить маленькими глотками холодный сок, а вот мечта моя о путешествии по океану так и осталась всего лишь мечтой... Хотя нет, стоп. А что нам мешает отправиться в путь прямо сейчас? Поплыли вместе, дорогой читатель, прочь сомнения – все, что нужно для увлекательного путешествия, уже у тебя в руках! А ну-ка, быстренько взбираемся по трапу корабля и видим встречающего нас своей ослепительной улыбкой хорошо-не-выбритого адмирала ДЖЕМсона, неспешно и грациозно приглашающего на борт. Именно он покажет нам самые интересные места нашей необъятной музыкальной планеты. Что же именно нас ждет впереди? Давайте послушаем самого капитана корабля. “Во время нашего кругосветного путешествия, дамы и господа, мы будем делать несколько остановок с выходом на материковую часть. Запланировано: посещение Лапоноговых островов, с заходом в Медхедсовую восьмиугольную шаровость и прием Селешеновых воздушных ванн на британских островах. Мы поближе познакомимся с самой популярной в мире домашней японской гитарой породы Ям-Аха и узнаем много интересного из жизни лидера банды байкеров-бандуристов Тараса Небульбы. Белорусский басист-партизан расскажет нам, почему не столь важно количество струн на его инструменте, как их толщина. Увидим, потрогаем и услышим современное чудо света из страны заходящего солнца - малышку, которая всегда плачет. Исландская тетя Бьорк и норвежский дядя Эрланд прокатят нас на трехглавом драконе в знак уважения и дружбы (если честно, то они просто празднуют юбилей тети). Живые выступления Way Station, Bon Jovi и Mötley Crüe сделают незабываемыми ваши вечера. А тех же, кто ищет покоя и умиротворения, ждем в каютах релакса - медитации в стиле аналогово-цифрового дзена помогут вам окончательно раскрыть аджну. Еще мы научимся играть популярные песни металлики и вместе разгадаем загадочные символы “тнмк” на останках, датированных виниловой эрой. Четко в 8-00 утренняя зарядка - ловим ритм и учимся его удерживать с помощью перкуссионных инструментов, и сразу на завтрак. Там, на останках столовой музыкального фаст-фуда, свои креативные ресторанные блюда подают лучшие молодые коки Украины. Будет интересно и познавательно. Занимайте свои комфортабельные рубрики на нашем стопалубном красавце-корабле, мы выходим в открытый океан событий. На протяжении долгих месяцев подготовки, команда корабля и ваш покорный слуга делали все возможное, чтобы гарантировать вам отдых исключительно с лучшими и хорошими эмоциями. Так что ни в чем себе не отказывайте - у нас литературный all inclusive.” Димон Стариченко

Главный редактор Дмитрий Стариченко Технический редактор Иван Дубов Редакционная коллегия Алла Шведюк Максим Роговой Авторы статей Балука Андрей Василец Дмитрий Вихоть Максим Дубов Иван Зозуля Андрей Кузьменко Александр Наливайко Валерия Паламарчук Артем Паляница Оксана Радченко Алексей Роговой Максим Рубанов Михаил Сакир Дмитрий Семенюк Алина Сиволапов Эрланд Слободенюк Елена Сурин Константин Хицкая Наталья Черненко Альбина Шведюк Алла Шевченко Федор www.jam.ua email редакции: magazine@jam.ua телефон редакции: (044) 5370787 мы Вконтакте - vk.com/jamua Распространяется бесплатно Тираж 2000 экз. Полное или частичное воспроизведение в СМИ материалов, опубликованных в журнале JAM Music Magazine, допускается только с разрешения редакции. Все цены, приведенные в журнале, являются ориентировочными.

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

НОВОСТИ

SWITCHCRAFT (США) Друзья! Рады представить вам новую продукцию в нашем ассортименте! Американская компания Switchcraft - это искусство делать лучшие в мире разъемы!

число наших форм и штампов строятся и поддерживаются на фабриках. Используя статистические стандарты управления процессом, мы контролируем и поддерживаем стабильное качество производства. Идеальное сочетание высокоточного оборудования, эффективного производства и самоотверженности наших опытных, талантливых кадров отражается в каждом продукте, который мы производим... причем всегда. Будь то полностью автоматизированные компоненты, полуавтоматическая или ручная сборка в Чикаго или Южной Корее - внимание к деталям на каждом этапе приводит к совершенству, характерному для продукции Switchcraft. Switchcraft - это уважаемое имя. Мы заслужили свое звание лидера отрасли на основе приверженности к потребностям наших клиентов и их успешной реализации. Наше руководство по инженерному проектированию представляет собой лишь малую часть наших продуктов и возможностей. И даже если вы не нашли то, что искали... мы создадим это для вас.

Компания Switchcraft, Inc. была основана в 1946 году и основным направлением в производстве были гнезда, разъемы и переключатели, главным образом, для отрасли связи. Первая фабрика была расположена в Чикаго на West Diversey Street. В 1948 году компания переехала в большее помещение на 1328 North Halsted Street, а в 1958 году заняла объект площадью 185,000 квадратных футов на 5555 North Elston Avenue. Тут до сих пор располагается штаб-квартира, и этот объект сегодня является самым крупным из трех производственных локаций корпорации. Мы объединяем мастерство и достоинство ручной работы с высокоточными технологиями на основе новаторских решений. “Идеальное постоянство качества” является не только крылатой фразой на Switchcraft, но и показателем производительности. Мы предлагаем преимущества высоких технологий, в том числе инновационного использования и склеивания материалов, поверхностный монтаж, сверление отверстий, монтаж печатных плат, EMI/RFI экранирование и RF соединений, и это далеко не все. Так же, как качество продукта зависит от качества его компонентов внутри, уровень Switchcraft начинается с качества деталей. Будучи вертикально-интегрированной компанией, мы сами производим большинство компонентов и комплектующих, которые используем, чтобы контролировать качество и выпуск от партии к партии. Мы постоянно оцениваем и улучшаем показатели сертифицированных поставщиков, основываясь на их способности последовательно поставлять качество, стоимость и сервис для удовлетворения наших запросов. Мы требуем от них тех же строгих стандартов, которые установили и для себя: наши поставщики должны так же оперативно реагировать на наши потребности, как и мы – на ваши. Литье, чеканка, золочение, механическая обработка и сборка проводятся в США, в частности, на нашем объекте площадью 185,000 квадратных футов в Чикаго. В этом наше преимущество - мы способны поддерживать строгий контроль над производством и качеством. Второй завод в Inchon (Южная Корея) поддерживает клиентов на Дальнем Востоке. Все большее

4 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

АНОНС: YAMAHA THR100HD И THR100H! Представлены новые гитарные усилители и кабинеты серии THR. В новой, очень классной, и прежде довольно компактной, линейке моделирующих гитарных усилителей THR, которые Yamaha впервые представила в 2011 году, пополнение! После большого успеха “малышей”, Yamaha решила ворваться в лигу настоящих, больших и громких гитарных аппаратов со своей концепцией THR. В 2015 году на рынок выходят две модели 100-ваттных гитарных усилителей “голов” (THR100HD, THR100H) и две модели

идеальным выбором как для живых выступлений, так и для использования в студии или дома. Наслаждайтесь реалистичными тембрами Super Articulation Voices, Organ flutes и многими другими, заимствованными из легендарной серии Tyros. Великолепное качество звучания, тщательно записанные семплы и всеобъемлющий набор эффектов, помогут вам вывести свои выступления на новый уровень качества, способный поразить даже самого требовательного слушателя.

кабинетов в конфигурации 1x12” и 2x12” (THRC112 и THRC212). Обе модели усилителей предлагают 5 типов звучаний, от чистого до хай-гейна - Solid, Clean, Crunch, Lead и Modern. Кроме этого на задней панели можно выбрать и тип виртуальных ламп в усилителе мощности – EL34, 6L6GC, KT88, EL84 и 6V6, а также тип класса - A/AB. Сочетая фирменную технологию Virtual Circuit Modelling (VCM) с новой платформой моделирования ламп и поведения усилителя мощности, Yamaha обещает необыкновенно реалистичное и динамичное ламповое звучание в компактном цифровом формате с усилителем типа Class D. Для удобства работы с различными кабинетами, выходная мощность может быть выбрана в пределах 25/50/100Вт. Также отдельный переключатель предусмотрен и для согласования нагрузки, 4-16Ом.

PSR-S770 оснащен двумя программируемыми поворотными контроллерами, колесом модуляции и двумя назначаемыми входами для подключения педалей, предоставляя вам тотальный контроль над любыми функциями - тембрами, стилями, эффектами и не только - даже во время живых выступлений. Благодаря возможности расширения звуков и стилей Yamaha (Voice & Style Expansion), музыканты могут воспользоваться большой коллекцией голосов и стилей со всего мира. Просто загрузите их в память инструмента и в любое время играйте высококлассными звуками, ритмами и стилями на ваш выбор! А благодаря приложению Yamaha Expansion Manager и обширной встроенной памяти в 160МБ, вы можете создавать свои собственные наборы звуков и стилей, используя содержимое нескольких расширений или даже используя ваши собственные семплы.

Принципиальное отличие между THR100HD и THR100H - первый имеет два полностью независимых канала: входы, выходы, типы звучаний, эквалайзер, типы ламп, класс, все продублировано. Так что, с его помощью возможно получить два звучания одновременно, как раздельно по выходам, так и вместе. Оба усилителя имеют встроенные ревербератор, бустер, шумоподавитель - активируемые с футсвича (поставляется в комплекте) и настраиваемые при помощи фирменного программного обеспечения “THR Editor”. Для этого устройства снабдили USB интерфейсами. Традиционно для любого профессионального цифрового моделера, присутствуют балансные XLR выходы и выход для подключения наушников. Нельзя не отметить еще одну важную особенность новых THR - спикерэмуляция построена у них на качественных импульсных откликах (IR), и ПО “THR Editor” позволяет загружать до пяти импульсов (сторонних производителей также) с разрешением до 2048 семплов! Для новых усилителей Yamaha представила парочку кабинетов: THR112C и THR212C, закрытого типа, оба с динамиками Eminence и мощностью 150 и 300Вт, соответственно. Новинки ожидаются в сети магазинов JAM зимой 2015/2016 года.

НОВОЕ ПОСТУПЛЕНИЕ: СИНТЕЗАТОРЫ YAMAHA PSR-S770/PSR-S970! YAMAHA PSR-S770 Профессиональная рабочая станция на базе автоаккомпанемента. Богатый функционал, функция воспроизведения аудиофайлов с USB носителя и микрофонный/гитарный вход делают PSR-S770

PSR-S770 оснащен микрофонным/гитарным входом, позволяя легко добавить вокал или гитару в ваше выступление. Просто подключите микрофон или гитару и обработайте сигнал одним из множества высококачественных эффектов. Независимо от того, хотите ли вы обогатить свое выступление дополнительным плейбэком или просто устраиваете вечеринку с караоке - функции изменения скорости и высоты воспроизведения и, конечно же, возможность удалить или снизить уровень вокала или сольных партий, однозначно придутся к месту. YAMAHA PSR-S970 PSR-S970 - это флагманская рабочая станция серии S, вобравшая в себя все лучшее из инструментов PSR. Богатый функционал в сочетании с невероятными возможностями для живых выступлений, включающими великолепные эффекты из легендарного Tyros 5 и программируемую функцию вокального гармонизатора, делают этот инструмент достойным выбором даже для искушенных музыкантов.

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

PSR-S970 имеет в своем арсенале эффекты Real Distortion и Real Reverb, пришедшими из Tyros 5 и обеспечивающими лучшее в своем классе аутентичное натуральное звучание. Кроме того, для управления параметрами эффектов не нужно копаться в меню или изучать инструкцию - благодаря удобному интуитивному интерфейсу, пользоваться ими так же легко, как и “железными” аналогами. Аудио стили - это шаг вперед в развитии аккомпанемента. Добавляя аудио фрагменты записи студийных барабанщиков, перкуссионистов и ансамблей из различных студий по всему миру, стиль оживает натуральным, естественным звучанием ударных и перкуссии, тем самым создавая более экспрессивный потенциал для вашей композиции. Технология Yamaha Time Stretch Technology позволяет аудиофрагментам изменять темп без смены высоты тона, чтобы идеально вписаться в любую вашу песню. Благодаря возможности расширения звуков и стилей Yamaha (Voice & Style Expansion), музыканты могут воспользоваться большой коллекцией голосов и стилей со всего мира. В модели PSR-S950 вы могли установить в память инструмента только один набор расширений. Теперь вы можете создавать индивидуальную коллекцию, включающую в себя содержимое из различных наборов, и загрузить ее в память инструмента. Объем встроенной памяти составляет внушительные 512Мб и позволяет собрать действительно всеобъ-

6 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

емлющую коллекцию звуков и стилей. И, конечно же, вы можете создавать новые уникальные тембры, используя собственные семплы. PSR-S970 оснащена новой функцией Synth Vocoder, позволяющей создавать уникальное звучание, смешивая собственный голос и тембры синтезатора. А мощная система Vocal Harmony 2 позволяет управлять высотой, уровнем и количеством дополнительных виртуальных бэк-вокалистов, гарантируя, что ваш голос всегда будет в центре внимания. Функция назначения аудиофайлов на Мультипэды (Multi Pad) позволяет вам назначить ваши аудиофайлы (звуковые эффекты, вокальные фразы и т.п.) на Мультипэды и использовать их прямо во время исполнения. Записывайте ваши композиции в высококачественном некомпрессированном формате WAV, выкладывайте их онлайн или пишите на CD-диск. Подключите микрофон или гитару к инструменту и записывайте совместное звучание голоса (или гитары) и инструмента. Новинки уже в продаже в сети фирменных магазинов JAM/YAMAHA, а также в магазинах наших партнеров по всей Украине!

АНОНС: IK MULTIMEDIA IRIG KEYS USB Новое поколение миди клавиатур для Mac и PC Компания IK Multimedia (Италия) представляет новое поколение миди клавиатур, предназначенных для Mac и PC - iRig Keys USB!

Линейка включает в себя три модели доступных клавиатур, которые идеально подойдут для путешествующих музыкантов: iRig Keys 25 (25 мини-клавиш), iRig Keys 37 (37 мини-клавиш) и iRig Keys 37 PRO (37 полноразмерных клавиш). Компактность и функциональность MIDI клавиатуры iRig Keys USB позволяют выразить всю вашу музыкальную экспрессию - именно это в свое время сделало iRig Keys невероятно популярной моделью среди музыкантов. iRig Keys 37 и iRig Keys 37 PRO обладают внушительным 3-октавным диапазоном -

самый широкий диапазон среди доступных мобильных клавиатур такого размера. Для достижения максимального удобства игры и универсальности, IRig Keys 37/Pro оснащены колесами модуляции и высоты тона. Они также оснащены дополнительным входом для опциональной педали сустейн/экспрессии для того, чтобы максимально передать все нюансы при игре. Интуитивно простая в управлении контрольная панель с пятью мягкими кнопками с подсветкой и энкодером volume/data. Кроме этого на панели расположены клавиши Program и Octave up/down, а также Set, при помощи которой можно сохранить до четырех настроек для конфигурации. iRig Keys 25 отличается невероятной компактностью даже среди мобильных клавиатур. 25 динамических мини-клавиш, кнопки Octave up/down, энкодер volume/ data - пожалуй, это самый продвинутый из миниатюрных контроллеров. А для настоящей мобильности все три модели не нуждаются в батареях или сетевом адаптере - необходимое питание они получают от USB порта вашего компьютера. Plug and play (подключай и играй) Когда мы говорим, что iRig Keys USB работают в режиме “подключи и играй”, мы ни капли не шутим. Они комплектуются бесплатным виртуальным инструментом профессионального качества, который нужно единожды загрузить с сайта IK и можно сразу же начинать играть - SampleTank 3 SE. Это звуковой модуль и рабочая станция для Mac/PC, имеющая в своем арсенале внушительную библиотеку инструментов, от акустических до электронных, размером 6,5Гб. А зарегистрировав iRig Keys, вы бесплатно получите дополнительный набор инструментов, который включает в себя The Grid - виртуальный модуль акустических и электронных ударных инструментов, плюс 5 инструментов на ваш выбор из наборов Beats и Elektronika.

Новинки IK Multimedia ожидаются в продаже до конца 2015 года. Следите за новостями на jam.ua!

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

МНЕНИЕ ПОКУПАТЕЛЯ

юбой гитарист по умолчанию должен уметь играть на акустической гитаре, ведь это тот фундамент, на котором основаны все остальные его навыки. Среди огромного многообразия инструментов я уже давно отдаю предпочтение Yamaha F-310. Эта гитара является воплощением идеи простого инструмента с отличным звуком. С одной стороны F-310 всего на треть дороже дешевых китайских гитар неизвестных производителей, зато на голову выше их по качеству. С другой стороны - она не уступает по звуку и удобству гитарам, стоимостью в два раза дороже, хотя и не может похвастать столь богатой отделкой или оснащением. Yamaha F-310 - это традиционная акустическая гитара с корпусом типа dreadnought и слегка укороченной, по сравнению с большинством аналогов, мензурой (636 мм против 650 мм). Более короткая мензура практически не ощущается и никакого дискомфорта не вызывает. Другим отличием является чуть уменьшенная глубина корпуса, что не оказывает особого влияния на звук, но при этом делает гитару значительно удобнее. Подбор древесины самый стандартный, как для акустической гитары: нижняя дека, обечайки и гриф выполнены из красного дерева, верхняя дека - из ели, а накладка на гриф - из палисандра.

F-310

Дмитрий Сакир

Производитель, а вместе с ним и особо дотошные “эксперты”, указывают, что корпус изготовлен из меранти, а гриф - из древесины нато. Но все это подвиды красного дерева. Я уверен, что большинство из нас ни на вид, ни на вкус, ни на слух не смогут отличить одну заготовку из меранти от другой из нато или махагона (разве что между концертами вы приторговываете паркетом или резной итальянской мебелью). Гриф очень удобный и приятный при игре, поскольку его профиль подобран очень удачно. К нему не нужно привыкать ни секунды - любой гитарист возьмет в руки этот инструмент и сыграет не хуже, чем на своем собственном. Лады хорошо зашлифованы, поэтому каждая нота берется легко, мягко и без усилий, ничто не ограничивает ваши профессиональные возможности, а весьма сложные техничные фрагменты играются словно сами собой. Бридж и колки не вызывают никаких нареканий и в моей гитаре уже несколько лет исправно выполняют свои функции. Я частенько перестраиваю свой инструмент в более низкий строй или строй для игры слайдом, но колки работают мягко, не имеют люфта и четко удерживают настройку. Кстати, к низкому строю (в пределах разумного drop C) F-310 относится очень спокойно - гриф остается стабильным и не требует подстройки анкером. Мне нравится, что Yamaha F-310 полностью лишена каких-либо украшений или наворотов. Единственными элементами

8 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

хотите выступать на сцене или записывать песни, то вам понадобится возможность подключить гитару к усилителю. Акустические гитары со встроенной электроникой выпускаются многими производителями, но я уже привык к своей F-310 и решил самостоятельно “электрифицировать” ее. Для этого понадобились простые инструменты, ровные руки, парочка обучающих видео на YouTube, несколько свободных часов и немного нецензурной брани. Пьезозвукосниматель и другие необходимые декора являются простенькая окантовка розетки и стилизованная под букву Y веточка, нарисованная на голове грифа. Никаких инкрустаций или узоров вы здесь не найдете, ведь это все никак не влияет на звук гитары и ее удобство. Yamaha F-310 выпускается с окраской Natural и Tobacco Sunburst. Последний вариант я считаю не самым удачным, но это исключительно дело вкуса. У моего друга такая, и звучит она ничем не хуже моей. Главным достоинством этой гитары является ее сбалансированный звук. Чтобы понять, как звучит Yamaha F-310, просто возьмите любой аккорд и ударьте по струнам. Гарантирую, что вам понравится услышанное. Большинство недорогих акустических гитар обладают гулким бубнящим низом, словно они сделаны из фанерного ящика, или неравномерной громкостью на разных струнах и ладах.

В F-310 этих недостатков нет, и ее звук напоминает нам тот, что мы слышим на акустических записях наших любимых групп. Низкие ноты звучат мягко и аккуратно, а высокие переливаются снопами искр. Секрет кроется в богатстве обертонов, которое является следствием продуманной конструкции и грамотного подбора материалов. Каждый раз, когда я беру этот инструмент в руки, мне хочется снова и снова играть песни из третьего альбома Led Zeppelin. F-310 очень отзывчиво реагирует на динамику звукоизвлечения, независимо от того, играете вы пальцами или медиатором. Начиная от самого тихого шепота вплоть до неистового чеса по струнам, вы всегда четко контролируете звук, не задумываясь над этим. Если вы не собираетесь ограничиваться домашним/дворовым/ парковым музицированием, а

для переделки детали можно свободно найти в музыкальных магазинах или интернете. Я считаю, что F-310 является идеальным выбором в качестве первого инструмента для новичка, но в то же время продвинутые гитаристы могут без проблем использовать ее, чтобы поддерживать и развивать свои навыки игры либо просто “отводить душу”. По просьбам друзей я приносил свою Yamaha F-310 в музыкальные магазины и сравнивал со многими более дорогими акустическими гитарами, с которыми она уверенно держалась на одном уровне. Если следить за инструментом и вовремя менять струны, то он будет радовать и выручать вас каждый день на протяжении многих лет. Это тот случай, когда гитара не выделяется какими-то особенностями или наворотами, но взамен дает тебе именно то, что от нее и ждешь.

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

ИНТЕРВЬЮ

Тарас Яницький

Код бандури “Якщо щось робити – то якісно.”

Альбіна Черненко

Тарас Яницький – заслужений артист України, володар не одного десятка нагород та премій, викладач, концертний виконавець, патріот та неймовірно талановитий музикант, котрий зміг зрозуміти й оволодіти українським національним інструментом – бандурою та покорити своєю грою Європу. Ви народились в сім’ї музикантів. На яких інструмен-

Р.М. Глієра (прим. автора: тепер Київський інститут музики імені

Чому Ви вирішили отримувати другу вищу освіту, а саме

тах грає Ваша сім’я і Ви особисто?

Р.М. Глієра) як піаніст, але за півтора роки стався переломний момент. Я все не міг зрозуміти, як оминув такий чудовий інструмент і чому гра на ньому була для мене лише як хоббі. Я сказав сам собі, що не буду українцем і не буду собою, якщо не візьмуся за бандуру серйозно.

економічну?

Моя родина – професійні співаки-бандуристи. Мій перший інструмент – це фортепіано, на якому я почав грати з 5 років. Я безмежно вдячний своїм батькам за те, що вони сприяли моєму захопленню, оскільки фортепіано стало серйозним підгрунтям до майбутнього опанування бандури. Моя дружина, Людмила – співачка, солістка камерного хору “Київ”, доречі, в дитинстві вона також грала на бандурі. Коли мені виповнилося 6 років, мій батько створив родинний квартет, де я співав та грав на бандурі. А через рік наш квартет запросили з концертом в Естонію, де я вперше відчув, що таке сцена. Саме тоді й загорівся бажанням стати професійним музикантом.

Бандуристи отримують розкішну освіту. Окрім бандури, вивчають академічний вокал, диригування, інструментування, аранжування та отримують кваліфікацію концертного виконавця, викладача з диригування, фаху, диригента оркестру та капели бандуристів. Але також мені хотілося розвиватись і розуміти, які загальноекономічні процеси в державі відбуваються і як можна заробляти музикою на життя. Велика прогалина в сучасних музичних закладах та, що вони не навчають, як продавати свою творчість та бути актуальним. Я часто виступав за кордоном, європейці неймовірно класно сприймають бандуру, адже на ній можна зіграти все. Що найскладніше було опанувати при навчанні грі на бандурі?

Коли саме Ви відчули потяг до бандури? У 90-х роках я готувався до вступу у Київське музичне училище імені

10 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

Коли я професійно почав займатись, то найскладнішим був сам інструмент. На ньому немає чорних і білих клавіш, як

Я сказав сам собі, що не буду українцем і не буду собою, якщо не візьмуся за бандуру серйозно

… Європейці неймовірно класно сприймають бандуру …

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

у фортепіано, та й на вигляд усі струни однакові. Завжди людей дивує, як я можу знати, де і які струни знаходяться. Опанувати не так просто, але коли інструментом оволодієш, він віддячує тобі такою своєрідною палітрою звуків, з якою не може порівнятися жоден інший. Які аранжування рюєте?

Ви

ство-

Починаючи з віршів Тараса Шевченка, Миколи Лисенка до сучасних популярних виконавців. Де і коли доводилось Вам виступати та чи отримували Ви гонорар за виступи? Польща, Німеччина, Франція найчастіше, також Словенія, Португалія та багато інших країн. Наприкінці травня цього року я дав серію концертів по Європі. Раніше і в Росії виступав, зараз також запрошують, але я вважаю це якось не етично. І так, я отримував гонорар. Чим відрізняється професійний музикант від аматора – професійний навчився заробляти на своїй грі.

… коли інструментом оволодіЄш, він віддячуЄ тобі такою своЄрідною палітрою звуків, з якою не може порівнятися жоден інший …

12 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

Який незабутній комплімент що до гри на бандурі Ви отримували? Це ціла історія. Якось в драматичному театрі я вирішив використати бандуру, щоб мовою звуків спілкуватися з акторами (що було на той час новаторством). І не просто як акомпонуючий інструмент десь в тіні, а на авансцені. Всі діалоги між акторами йшли через бандуру. Тоді в театрі це був експеримент і, до речі, економічно успішний. Після спектаклю критик в поважному віці підійшов до мене і сказав: “Молодой человек, поэзия здесь, конечно, не очень, но то, как вы передали игру актеров – это потрясающе. Это стоит того, чтобы я пришел еще раз”. Чи можливо молодому бандуристові заробляти собі на життя грою? Якщо так, то яким чином? Піаністи завжди заздрять, бо вони не можуть взяти інструмент на плече і виступити на вулиці,

або зірватись і поїхати на концерт. Та вони й не мають стільки запрошень, як бандуристи. Будь чим можна заробляти і в кожній сфері, але в тому випадку, якщо ти професіонал своєї справи на всі 100%. Професіональних бандуристів не більше 15 у всьому світі. Ви досить часто відвідуєте хлопців в АТО. Чому? Насправді не так часто, як хотілося б. Здебільшого, це шпиталі. Коли сталася війна, то перша моя думка була: чому я

сиджу на місці, потрібно йти в добровольці. Потім я зрозумів, що сенсу буде більше, якщо зароблятиму бандурою і краще підтримаю наших хлопців фінансово, і, звісно, творчо. Таким мій вклад буде ефективніший, адже я не професійний солдат. Виступаючи на Сході та у шпиталях перед пораненими молодими бійцями, я гостро відчував, наскільки їм зараз потрібна духовна підтримка. Коли починав грати, помічав, як змінюються їх обличчя! Переконаний, що в бандурі є код нашої нації, котрий нікого не залишає байдужим.

Ви відома особистість, мабуть доводилося спілкуватися з іншими відомими музикантами. Останнім часом з Джамалою, Златою Огнєвіч, Катериною Бужинською, Оксаною Пекун, Марією Бурмакою, Наталею Бучинською та гуртами ТНМК, Не Діля, ONUKA, TheDoox та багато інших. А грати останнім часом – з Тетяною Піскарьовою, Арсеном Мірзояном, бандуристом Валентином Лисенком, джазовим скрипалем João Silva (Ліссабон), арфісткою Аліною Бжежінською (Лондон), джазовою співачкою NikiKing (Лондон). Чи є особливе звернення (ім’я) до Вашої бандури? Часом жартома – моя друга кохана. Всього в мене таких коханих – троє, для різних сцен. З якими іншими музичними інструментами звучить бандура, так би мовити, на одній хвилі?

З гітарою неймовірно звучить. З арфою і джазовим вокалом, з клавесином та, безумовно, великою приємністю є гра з камерним оркестром. Де можна придбати бандуру? Виробляють в Канаді, трішки у Львові. Багато їх залишилось після радянського часу. Я і сам почав робити для себе бандуру. Бандура – унікальний інструмент, котрий зроблений з червоної верби, в яку потрапила блискавка. Адже після цього дерево починає дзвеніти поособливому. Також я хочу сам зробити старосвітську бандуру, на якій грали ще наші прадіди. Останнім часом все більше людей цікавляться національною культурою. Прогнозовано, що збільшиться кількість абітурієнтів і до Вашого ВУЗу. Що порадите молодим талантам? Не лінуватись. В музиці не можна слабо займатись, бути середнячком. Для того щоб стати серйозним концертуючим музикантом, потрібно інструментові віддавати

Переконаний, що в бандурі Є код нашої нації, котрий нікого не залишаЄ байдужим.

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

від 6 годин на день. І вибирати той інструмент, який дійсно подобається, зрозуміти, чому ти хочеш на ньому грати, і якщо вже поставив ціль, то віддатись цьому повністю. Грати кожного дня. Як казав Чайковський: “Натхнення – це такий гість, котрий не любить відвідувати лінивих”. Коли Вас просять зіграти свою улюблену пісню, яка вона? Якщо щось серйозне, то “Бандуристе, орле сизий”, а жартівлива – західний міський романс “Ой, ти, любко моя, з Коломиї”. Що грає у Вашій автівці, коли Ви прямуєте на роботу? Як правило, це класична музика, фольк або джаз. Часом лю-

14 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

блю слухати FM-станції, такі як Lounge FM. Життя настільки вирує подіями, що тільки в дорозі можна перепочити, насолоджуючись спокійною музикою. І на останнє, які курйози траплялись під час виступів? Різні і багацько. То щось падало зверху, то софіти лупили у вічі так, що прийшлось грати з закритими очима. Якось я грав на інструменті, але мені забули включити мікрофон, то тільки перші ряди змогли мене чути. А я так самовіддано грав…(сміється) Мені пощастило в день розмови з Тарасом Яницьким побувати і на його концерті, де під віртуозну гру на бандурі заспівала його дружина Люд-

мила Яницька. Слухачі на мить завмерли, прислухаючись до мелодії з кінофільму “Сутінки” та треку з кінофільму “Амелі”. І справді, неймовірний, загадковий, дзвінкий і такий український музичний інструмент - бандура. Окрім концертної діяльності, Тарас Яницький викладає аранжування, інструментування та читання партитур у Вищій педагогічній школі кобзарського мистецтва с.Стрітівка, Кагарлицького району. Працює викладачем з фаху та є засновником мішаної капели бандуристів в Інституті мистецтв Київського університету імені Бориса Грінченка, веде клас бандури в КНУКіМ. Також Тарас є солістом Київського академічного ансамблю української музики “Дніпро”.

iRig UA ПЕРВЫЙ АУДИОИНТЕРФЕЙС ДЛЯ ANDROID

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

ЗНАКОВЫЙ АЛЬБОМ

BON JOVI СЖИГАЯ МОСТЫ Джон Бон Джови о себе: “Я никогда не прошу о помощи. Не думаю, что люди хотят слышать от меня такое… Может, конечно, они и хотели бы увидеть мою слабость, но я им никогда этого не позволю”.

Алла Шведюк

“Ты пишешь песню и хочешь, чтобы она стала уникальной и поистине великой. И когда ты написал это потрясающее произведение, тебе хочется поделиться им со всеми. Мне часто говорят: тебе комфортно в этой среде, тебе нравится собирать стадионы, а я хочу играть в маленьком клубе. Да иди ты к черту! Я не просто хочу выступать, а хочу сыграть в пустыне! С аншлагом! Причем дважды…”.

всегда придерживалась принци-

есть чем удивить и порадовать. Для

честву концертов. Да, они являют-

па - дважды в одну реку не во-

тех, кто следит за творчеством груп-

ся примером для многих уже очень

йти. Но все течет, все меняется.

пы, не секрет, что за последнее вре-

долгие годы и все также неплохо

Меняются люди, меняются об-

мя было крайне мало хороших ком-

держатся, создают хиты и, что не-

стоятельства. И сейчас я уже не столь

позиций и альбомов в целом. Более

маловажно, отлично выглядят, как

категорична в своих жизненных уста-

того, излишняя коммерциализация

для фактически уже ветеранов рок-

новках. Я, было уже, зареклась и от-

никого не красит и вызывает лишь

сцены. Но всему есть предел и своя

казалась от мысли, что когда-нибудь

злость. И речь не только в текстах

цена. К сожалению, уход из группы в

моя любовь к Bon Jovi обретет второе

и музыке, которые поставлены на

2013 году Ричи Самборы – тому под-

дыхание, но, как оказалось, никогда не

поток и штампуются без разбора.

тверждение. И это далеко не первый

говори никогда.

Странная маркетинговая политика,

кризис в коллективе. За столь дол-

платное членство в фан-группе, PR

гую историю Bon Jovi видели все и

Услышав новый альбом Bon Jovi

на всем и во всем, причем откро-

расходились уже дважды.

“Burning

венный и очень навязчивый. Даже

Bridges”,

официальный

релиз которого состоялся в конце

благотворительная

деятельность

Первый

раз

после

изнуритель-

августа этого года, на меня нахлы-

Джона, бесспорного лидера груп-

ного международного тура 1989-

нули воспоминания и ностальгия, и

пы, в таком свете воспринимается

1990 годов в поддержку альбомов

я решила вспомнить, за что же все-

как самореклама. Не спорю, быть

“Slippery When Wet” (1986) и “New

таки я их когда-то так полюбила.

талантливым музыкантом и умение

Jersey”(1988).

После откровенного разочарования

продавать себя – совершенно не-

их творчеством последних лет, се-

совместимые вещи, на мой взгляд.

Песни из этих альбомов сделали Bon

годня я ощутила и прочувствовала

Но так усердно направлять все уси-

Jovi всемирно известными. Имея та-

новых Bon Jovi. Альбом заслужива-

лия на высасывание каждого цента

кую сильную команду и поддержку в

ет внимания, он как глоток свежего

прибыли Bon Jovi уж точно не к лицу.

лице Дезмонда Чайлда, Брюса Фэйер-

воздуха и несет с собой надежду

Да, они до сих пор собирают полные

бейна и вездесущего Боба Рока,

на то, что поклонников группы еще

стадионы и бьют рекорды по коли-

они вышли на новый уровень своего

16 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

развития. И по сей день такие композиции тех лет, как “You Give Love a Bad Name”, “Livin’ On a Prayer”, “Born to Be My Baby” и ряд других, вызывают шквал эмоций и заставляют сердце биться быстрее. Очень по-хулигански и очень романтично. Очень драйвово и очень позитивно. “Мы зарабатывали свой хлеб, заходя в каждую дверь, гастролируя по всем городам, играя во всех клубах, вспоминает Дэвид Брайан. - Тогда мы говорили, что сыграем в любом платном туалете и выдачу сдачи возьмем на себя. Практически без перерывов, мы ездили по всей Америке, по всему миру. Я и не думал тогда, что это может быть настолько тяжело. Никто не мог предположить,

“Все, кто окружал нас, хотели, чтобы машина продолжа-

что нас настолько затянет. Приходилось ездить по всем

ла движение, - говорит Дэвид Брайан. – Как-никак, она

американским городам, по всем странам и продавать

приносила огромные деньги. Но на тот момент нам было

свою продукцию”.

уже все равно”.

16 месяцев, более 20 стран и 200 концертов. Включая кон-

Разъехавшись по домам после последнего концерта,

церт и в СССР (август 1989), событие для страны, в которой

каждый занялся своей карьерой по отдельности. Джон

на то время не было буквально ничего, поистине гранди-

выпустил свой первый сольник “Blaze of glory” (1990).

озное. Двухдневный рок-марафон при участии Scorpions,

Ричи не отставал и также выпустил свой сольный альбом

Ozzy Osbourne, Motley Crue, Skid Row собрал огромное ко-

“Stranger in this town” (1991). Тем не менее, спустя два

личество зрителей.

года и не без помощи именитого психолога, они вновь собираются вместе для записи альбома “Keep the faith”

Неудивительно, что эмоциональное и физическое на-

(1992), давшего новый толчок в развитии группы. Другой

пряжение в коллективе после столь напряженного и

стиль, новый имидж, повзрослевшие Bon Jovi.

плотного графика гастролей дало о себе знать и вылилось в ссоры, обиды, раздражение и нежелание продол-

“Мы не разругались между собой. Каждый лишь задал

жать общение.

друг другу вопрос: почему мне это больше не нравится?” вспоминает Джон Бон Джови.

“Эти туры просто убили нас, - вспоминает Ричи Самбора. - Мы даже не могли больше разговаривать друг с дру-

“Мы осознали, что совсем не обязательно так загонять

гом. Мы вообще не могли разговаривать. Мы были как

себя. Создавай музыку, езди на гастроли - все в меру

зомби”.

своих возможностей, не истощая себя”, - добавляет Тико Торрес. Затем в свет выходит альбом “Crossroad” (1994), сборник действительно самых лучших хитов группы за всю их историю, и вслед за ним “These days” (1995) ставший последним, на мой взгляд, достойным творением Bon Jovi. После чего состоялся второй по счету перерыв в совместной деятельности коллектива. В этот раз спокойно и по обоюдному желанию. Джон выпустил второй сольный альбом “Destination anywhere” (1997), продолжил сниматься в кино (к слову, актер из него – это обнять и плакать). Ричи также записал еще один сольник “Undiscovered Soul” (1998). Тико открыл в себе талант художника и скульптора, организовал несколько выставок своих произведений, заслужив уважение в артсообществе. Дэвид также выпустил сольник “Under The Full Moon” (1995), составленный из композиций для

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

пианино, и начал работать над саундтреками к фильмам и театральными мюзиклами. Спустя 5 лет после записи последнего совместного альбома,

вдоволь

насладившись

сольной карьерой, набравшись нового опыта и наполнившись новыми впечатлениями, коллектив собрался вновь, и последовали свежие альбомы. Но лично у меня большинство из них вызывают лишь тоску и грусть. Bon Jovi потеряли свое лицо, утратили харизму, став такими, как все, выпуская диски один за другим. А в 2013 году последовал очередной кризис в отношениях. Всех поклонников группы просто ошеломила новость - отыграв американскую серию туров, Ричи Самбора покидает коллектив, несмотря на дальнейшие запланированные концерты по всей Европе. “Он всегда будет моим другом, комментируя уход Ричи, говорит Джон. - Вы были бы счастливы, называть его своим другом. Все понимают, что это изнурительно, что жизнь весьма непроста, когда ты одинокий родитель... Но рок-группа это не пожизненное заключение, это не так…”. Это уже третий по счету переломный момент в карьере группы. Но теперь все совсем по-другому. Группа не взяла тайм-аут, не распалась по обоюдному желанию - из нее ушел великолепный музыкант, верный друг и высококлассный профессионал, без которого Bon Jovi уже не те… И я могу понять почему, но не принять. Для музыканта важно развитие, важно не стоять на месте, не почивать на лаврах и рубить бабло на всем подряд. Иначе – тупик и забвение. Этот кризис закономерен. Для всех без исключения. Вся жизнь построена на взлетах и падениях. Кто-то выходит на новый уровень, кто-то падает в бездну небытия.

18 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

И вот, уже почти смирившись с тем, что мое сердце никогда не забьется в ритме нового, цепляющего и по-настоящему свежего альбома Bon Jovi, перестав даже слушать их новые “творения”, я вдруг случайно и с удивлением открыла для себя “Burning Bridges”. Релиз прошел как-то тихо и незаметно, видимо потому, что это своего рода разминка перед выпуском очередного альбома в 2016 году. Трек-лист состоит из 11 композиций: 1. A TEARDROP TO THE SEA 2. WE DON’T RUN 3. SATURDAY NIGHT GAVE ME SUNDAY MORNING 4. WE ALL FALL DOWN 5. BLIND LOVE 6. WHO WOULD YOU DIE FOR 7. FINGERPRINTS 8. LIFE IS BEAUTIFUL 9. I’M YOUR MAN 10. BURNING BRIDGES 11. TAKE BACK THE NIGHT

“Burning Bridges” знаменует собой окончание целой эпохи - отношений Bon Jovi с их давним партнером звукозаписывающей компанией Mercury Records. Их сотрудничество продолжалось на протяжении 32 лет. На вопрос о причине разрыва столь длительных деловых отношений Джон отвечает просто: “Послушайте внимательно одноименную песню, там все сказано”. Это первый студийный альбом группы, записанный без участия Ричи Самборы. Лишь одна композиция написана в соавторстве с ним - “Saturday Night Gave Me Sunday Morning”. Также это первый альбом, в котором нет, к сожалению, ни одной песни, созданной при участии бессменного Дезмонда Чайлда.

Надо сказать, что критики разнесли в пух и прах новый

Одним словом, при более детальном знакомстве с аль-

альбом. Они решили, что фаны должны обидеться на то,

бомом, возникает уверенность, что это только первая ла-

что он не полноценный и получил такое странное опре-

сточка, первая надежда на то, что все еще будет. Будет и

деление - “специальное издание для наших фанов”, что

новый имидж, будут и новые хиты, и, возможно даже, чем

композиции не новые, а такие, которые не вошли в пре-

черт не шутит, возвращение блудного сына Ричи. Прият-

дыдущие альбомы. Мелодии заунывные, а тексты при-

ные нотки, слегка отличных друг от друга по своему сти-

митивные, и вообще - без Самборы все пропало. Также

лю композиций, радуют, вызывая трепет и такое, ни с чем

ходят слухи о том, что альбом в таком формате решили

не сравнимое, ощущение, когда находишься в ожидании

выпустить только для того, чтобы выполнить обязатель-

чего-то хорошего и это само по себе уже волнует.

ства перед Mercury Records и поскорее расстаться с ними. Вот такая неполная картина комментариев.

Мне это ощущение напомнило то чувство, которое испытываешь в преддверии концерта своей любимой группы.

На все это хочется сказать вот что. Я более 20 лет слежу

Ранее ты даже вообразить себе не мог, что когда-нибудь

за творчеством Bon Jovi , я очень преданный поклонник

такое может произойти. Советское “голодное” детство,

и именно поэтому самый злостный критик. Да, не все так

когда увидеть клип на ТВ – это большая удача, а постеры

гладко. Да, многое в последнее время разочаровывает.

доставались с невероятным трудом и за неприличные

И да, “Saturday Night Gave Me Sunday Morning” похожа

деньги у торгашей на книжном рынке Петровка. Но, ви-

на Nickelback “Gotta Be Somebody”. Но это первый аль-

димо, в этом и была вся прелесть того времени: бороть-

бом после “These Days”, который заставил меня сесть и

ся и найти, найти и перепрятать… И вот, 20 лет спустя,

внимательно прослушать все композиции, одну за дру-

совсем другая жизнь. Ты приземляешься в аэропорту

гой и раз эдак сто. Так что фаны не обиделись. :)) Нам

чужого и незнакомого города, с дрожью в коленках от

нравится альбом. И очень хочется верить в то, что, пока

предвкушения такого долгожданного концерта, от ко-

еще очень несмелые и очень аккуратные, эксперименты

торого тебя отделяют всего лишь часы да утомительная

в стиле продолжатся, и в следующем году мы услышим

очередь на паспортный контроль. Наконец грустный

новых Bon Jovi.

сотрудник задает тебе стандартный вопрос, мол, чо те надо, старче, в нашей то стране? А ты так с тихой гордо-

Безусловным хитом “Burning Bridges” для меня являет-

стью и видимым безразличием в ответ: “Да на концерт

ся композиция “Fingerprints”. Мелодичность и неземная

я”. И тут происходит то, чего ну никак не ожидаешь от

чистота звука акустической гитары в принципе и всегда

сотрудника таможни: “На концерт? На какой? Bon Jovi?

решает все, но здесь к тому же еще и очень мастерски

Да? Ох же ж и крутотенюшка! У нас уже весь город гудит,

продуманы переходы и пассажи. Потрясающее гитарное

разговоры только об этом. Как долетели? У Вас все хоро-

соло и глубокий вокал - вне конкуренции. Также хочется

шо? Я смотрю, перелет был с пересадкой, устали, навер-

выделить “Who Would You Die For” и “We Don’t Run”.

ное, не очень удобно ведь, да? Ну, удачи Вам, наслаж-

20 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

дайтесь!”. И ты стоишь такой… счастливый, безумный и до боли родной чужим людям в чужом городе. А потом концерт и все то, о чем ты мечтал в свои 13 лет, и даже помыслить не мог, что это реально. Море эмоций, сорванный голос, ощущение каждого из собравшихся на переполненном стадионе, как будто вы все одно целое, один живой организм, синхронно поющий, орущий и прыгающий,

совершенно

за-

предельное, инопланетное живое существо. А еще ощущение легкой грусти, как послевкусия сбывшейся мечты…

Такие эмоции возвращают к жизни, такие эмоции и есть сама жизнь. Очень хочется верить в то, что именно это и ждет всех нас. И с выходом нового альбома будет чему радоваться и чем гордиться. Ведь всегда хочется большего.

пока

наслаждайтесь

“Burning Bridges”, он очень легкий и незаурядный. История успеха группы Bon Jovi – это путь от самых низов до мега популярности. Джон, идейный вдохновитель и основатель группы, вряд ли

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

Интересные факты о группе Первоначально группу собирались окрестить как Johnny Electric. Но со скрипом и недовольством Джон согласился немного видоизменить свою фамилию. Так John Francis Bongiovi стал Jon Bon Jovi, а группа получила название Bon Jovi. Первым в группу Джон пригласил своего хорошего товарища - клавишника Дэвида Брайана, который в свою очередь позвал басиста Алека Джона Сача и барабанщика Тико Торреса. Место гитариста было отдано другу и соседу Джона - Дэйву Сабо, который вскоре быстро ретировался и основал свою собственную группу Skid Row, а его заменил Ричи Самбора, причем после 30-секундного прослушивания. Первый же сингл - “Runaway”, выпущенный еще до создания группы, попал в топ-40 чарта Billboard Hot 100 и моментально стал хитом. Именно Ричи предложил применить в песне “Livin’ On a Prayer” ток боксы, сделавшие песню такой узнаваемой с первых же аккордов. Джон был против этого изначально и даже не хотел включать эту композицию в альбом. “It’s My Life”, созданная гораздо позднее, является продолжением истории, рассказанной в “Livin’ On a Prayer”. И в ней также можно услышать такое характерное и узнаваемое звучание ток боксов.

мог надеяться на такой успех и признание. Начиная свою карьеру с мытья полов в студии звукозаписи и без единого цента в кармане, он не загадывал далеко вперед, а просто создавал то, что нравится ему, настойчиво пытаясь попасть в эфир радиостанций. Упорным трудом пробивая себе дорогу в жизнь. При этом, как и все мы, ошибаясь, заблуждаясь и сжигая мосты. Но внутренняя сила и искренняя вера в то, что твое творчество найдет своих единомышленников, что твой внутренний мир найдет возможность реализоваться, а твой голос - быть услышанным, ведут нас по жизни, оберегая и храня. Мечтайте. Стремитесь. И никогда не сдавайтесь. Keep the faith.

22 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

Коллекция гитар Ричи Самборы превышает сотню экземпляров. И как он сам говорит: “Когда я умру, я бы хотел, чтобы меня похоронили с гитарой”. Поговаривают, что на свою первую гитару Ричи заработал, систематически сдавая свою кровь, то ли в двенадцатилетнем, то ли в пятнадцатилетнем возрасте. Bon Jovi оказались первой американской рокгруппой, которой советское правительство официально разрешило выступать в СССР. Более того, их альбом “New Jersey” был издан на единственной советской студии грамзаписи

“Мелодия”. Действительно – уникальный случай.

вых лидеров, в том числе и Далай-ламы.

Воспоминания Джона о четырехзвездочной советской гостинице образца 1989 года, в которой их поселили во время проведения рок-фестиваля: “Мне повезло - у меня в комнате есть горячая вода, душ, отгороженный занавеской, и всего лишь несколько дружественно настроенных тараканов”.

Лид-гитаристом после ухода Ричи Самборы в 2013 году стал Фил Икс.

Ричи и Джон занимались раскруткой “Gorky Park”, написав и совместно исполнив песню “Peace In Our Time” для их дебютного альбома. Этой осенью министерство культуры Китая запретило выступления Bon Jovi, запланированные на сентябрь. Неофициально по причине того, что в клипе на песню “We Weren’t Born To Follow” содержатся кадры знаменитых китайских протестов 1989 года с площади Тяньаньмэнь. Власти страны не оставили без внимания и тот факт, что во время тура 2011 года в музыкальный видеоряд были включены изображения миро-

Этой осенью в качестве ритм-гитариста в группу пришел Мэтт О’Ри. Что стоит обязательно посмотреть: документальный фильм о творческом пути группы Bon Jovi “When We Were Beautiful” (2009), режиссер Фил Гриффин. ДИСКОГРАФИЯ: Bon Jovi (1984) 7800° Fahrenheit (1985) Slippery When Wet (1986) New Jersey (1988) Keep The Faith (1992) Cross Road (1994) These Days (1995) Crush (2000) One Wild Night: Live 1985 – 2001 (2001) Bounce (2002) This Left Feels Right (2003) 100,000,000 Bon Jovi Fans Can’t Be Wrong (2004) Have A Nice Day (2005) Lost Highway (2007) The Circle (2009) Greatest Hits (2010) Inside Out (2012) What About Now (2013) Burning Bridges (2015)

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

ЛЕГЕНДА В СТУДИИ

Оксана Паляница

Я счастлив, когда работаю, когда помню, что впереди нас ждет весна

ОЛЕГ ЛАПОНОГОВ

Середина 90-х была по-настоящему золотым временем для еще только зарождающегося тогда украинского шоу-бизнеса. Новые имена и коллективы, запись песен, съемки клипов, радио- и телевизионные хит-парады, слушатели, жаждущие открыть для себя новую украинскую музыку, и продюсеры, готовые вкладывать средства в ее развитие. Спустя какое-то время пик популярности большинства исполнителей прошел, их имена канули в лету, и лишь немногие, а значит самые талантливые, остались в строю, продолжая радовать своих слушателей и по сей день. В их числе Табула Раса - группа, которая громко заявила о себе в те самые 90-е, а в 2000-х пережила свое второе рождение. В перерывах между концертной деятельностью лидер группы Олег Лапоногов рассказал нам немного о себе.

24 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

О ТВОРЧЕСТВЕ

день, но одно я знаю точно – по-

луются на отсутствие или нехват-

следняя песня еще не написана.

ку концертов, а организаторы на отсутствие платежеспособной

Я разделяю понятия музыка и меня

Совсем недавно мы записали

публики. Мы же не ноем, а имеем

мало интересует. Творчество –

шесть новых композиций, ко-

плотный гастрольный график, в

вот моя жизнь. Я все время на-

торые можно будет услышать в

том числе выступаем и на кор-

хожусь в поиске. Когда созда-

рамках предстоящего концер-

поративах. Весь секрет успеха в

ешь музыку, душа словно парит

та 21 ноября в киевском клубе

правильном менеджменте и же-

в небесах. Это поистине непере-

ATLAS. Постараюсь много не

лании заниматься своим люби-

даваемое ощущение. Особенно,

болтать в промежутке между

мым делом.

если получается не только на-

песнями. :)

шоу-бизнес,

последний

Я НЕ ЛЮБЛЮ

писать хорошую композицию, но и наполнить ее глубоким

На дворе осень и очень хочется

смысловым содержанием. Вот

тепла. Но я счастлив, когда рабо-

Меня всегда поражала удиви-

тогда я чувствую подлинную ра-

таю, когда помню, что впереди

тельная способность людей пи-

дость. Безусловно, для любого

нас ждет весна.

таться слухами. Я много интересного узнавал о себе. Самые

музыканта важен не только процесс, но и результат, ощущение

Я ЛЮБЛЮ

нелепые - это то, что я прыгал с Эйфелевой башни, или, напри-

удовлетворения от проделанной работы. А если к тому же полу-

Люблю рисовать горы и ска-

мер, преподавал непонятно что

чаешь хорошие отзывы и но-

зочные домики на берегу моря,

в горах Тибета.

вых единомышленников, то это

морское дно и голубое небо,

приятно вдвойне. Но лично для

а еще автомобили, различные

Я не люблю очень оживленные

меня не менее интересна и кри-

цветы, или же просто фигурки да

людные места или шумные тусов-

тика. Это означает, что и в том и

линии.

ки, к примеру. Меня не часто можно там встретить. Зато, если на

в другом случае твое творчество вызывает эмоцию. Ведь люблю/

Люблю читать русских и лати-

улице узнают, отношусь к этому

не люблю – это понятия очень

ноамериканских писателей, а

хорошо - можно и пообщаться. :)

субъективные. Главное – не быть

также православную литерату-

равнодушным. Если песня нра-

ру. Сейчас, например, увлекся

Я не люблю долго и много рас-

вится кому-то еще, кроме меня -

романом-репортажем

Гарсиа

сказывать о своей жизни - мне

это прекрасно. Если не нравит-

Маркеса “Опасные приключения

сложно судить о себе и своих по-

ся - тоже неплохо. Рисуя в своем

Мигеля Литтина в Чили”.

ступках. Знаю точно, что в трудные времена мне очень помога-

воображении портрет именно нашего слушателя, мне хочет-

Когда-то давно я учился в теа-

ет вера. Есть Господь - и он меня

ся думать, что это спокойные,

тральном институте и мечтал об

ведет.

улыбчивые люди, которые очень

интересной роли в спектакле.

любят путешествовать, а еще

Сейчас, конечно, уже не до это-

они, безусловно, романтики.

го, хотя было бы здорово…

Во время своего пятилетнего

Люблю нашу группу. 5 октября Та-

творческого отпуска я много

була Раса отметила свой 26 день

размышлял о том, в каком на-

рождения. Не считая школьного

правлении двигаться дальше.

коллектива, это единственная

Откровенно

желание

группа, участником которой я яв-

бросить все и уехать на край све-

ляюсь. Могу сказать, что это моя

та, не оставляет меня и по сей

вторая семья. Сейчас многие жа-

говоря,

Относитесь с уважением к природе, берегите нашу планету, любите родителей, ходите в церковь и никого не слушайте!

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

GEARОЛОГИЯ

МОЩНОСТЬ? ... ГРОМКОСТЬ? ВЫБИРАЕМ ГИТАРНЫЙ ДИНАМИК CELESTION!

По материалам компании Celestion Перевел и подготовил Иван Дубов

ЗНАНИЕ – СИЛА!

Значения мощностей в спецификации громкоговорителей, будь то рабочая, пиковая или максимально допустимая, являются их самыми базовыми характеристиками. При этом для рядовых пользователей эти цифры, как правило, не особо понятны и часто их понимают неправильно. В этой статье мы постараемся объяснить, что же на самом деле означает мощность. И самое главное, к всеобщему удивлению (в чем я более чем уверен! – прим. перев.), к чему мощность вообще никакого отношения не имеет.

26 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

ТАК, ЧТО ЖЕ ОЗНАЧАЕТ СЛОВО “МОЩНОСТЬ”? Максимально допустимая мощность (power handling) это наибольшее значение по мощности (измеряется в Ваттах), которое производитель рекомендует для определенного громкоговорителя. Превышение этого значения приведет к значительному риску поломки громкоговорителя, как из-за превышения амплитуды смещения катушки (когда она двигается дальше, чем предусмотрено конструкцией и начинает “рвать” диффузор), так и из-за перегрева, в результате чего динамик в прямом смысле поджарится с хрустящей сочной корочкой. :)

ТЕПЛО Представьте себе, что коэффициент полезного действия большинства динамических громкоговорителей составляет ничтожные 3%! Это означает, что аж три процента из подаваемой на него усилителем электрической энергии преобразовывается в акустическую, а именно - в звук, который мы слышим в итоге. Львиная доля энергии (те самые 97%) в прямом смысле уходит в воздух, то есть в тепло. Хотим дать больше “газу” (больше мощности) - получим больше тепла, и, как следствие, на определенном этапе наступит момент, когда динамик просто не сможет с ним справиться и сгорит. “И сия пучина поглотила их обоих” (с) Классические (винтажные) громкоговорители создавались тогда же, когда и первые маломощные гитарные усилители. Соответственно, и мощность проектировалась под них, была соизмеримой и относительно невысокой. Но с современными высокомощными усилителями в одиночку таким динамикам уже не спра-

виться. Как с годами росла мощность усилителей, так и конструкция динамиков должна была развиваться, чтобы идти в ногу со временем. Новые материалы и технологии пришли на помощь производителям, чтобы громкоговорители могли справиться с возросшим количеством энергии и тепла. Однако в качестве побочного эффекта, к удивлению, это привело к появлению совершенно новых тональных красок их звучания. У современных дизайнеров громкоговорителей под руками широкий выбор материалов и технологий, соответственно и элементов, влияющих на тональность и итоговое звучание. Мы можем выбирать наиболее подходящие решения для той или иной задачи.

ЗВУЧАНИЕ/ТОН Первые гитарные динамики-“динозавры” создавались с упором на эффективность, чтобы маломощные усилители тех лет с ними звучали максимально громко. В результате такой оптимизации конструкции, динамики имели тенденцию к раннему появлению так называемого “брейкапа” диффузора. Следовательно, невысокая мощность и ранний “брейкап” диффузора стали синонимами того, что мы сегодня привыкли называть словами “винтажный звук/тон”. С ростом мощности усилителей вскоре обнаружилось, что загоняя эти маломощные динамики за пределы их безопасных режимов работы, начали проявляться некоторые очень интересные и “вкусные” в плане звучания и тональности вещи. Так что перед дизайнерами теперь стояла задача найти способ позволить гитарному динамику выдерживать такую увеличенную нагрузку, при этом сохраняя как можно больше таких желанных тональных красок. Решение этой задачи открыло миру множество великолепных и уже ставших классикой гитарных громкоговорителей!

определяет относительную громкость. При одинаковом подаваемом уровне электрического сигнала в 1Вт, 30-ваттный динамик с чувствительностью 100дБ будет звучать громче, чем, например, 75-ваттная модель с чувствительностью 97дБ. Конечно, вы можете нагрузить более высокомощный динамик сильнее, подать на него больше мощности, чтобы заставить его звучать громче. Но в ситуации, описанной выше, как видим, мощность не имеет прямого отношения к громкости. Давайте не забывать и о том, что человек ощущает увеличение или уменьшение интенсивности (громкости) не линейно, а по логарифмическому закону. Это значит, что увеличив мощность в два раза, мы на слух не ощутим двухкратное увеличение громкости. Чтобы достичь эффекта двухкратного увеличения громкости, мощность нам, при всех прочих равных, придется увеличить в (!) 10 раз. Именно поэтому разница в подводимой мощности в 1Вт и 100Вт для нас абсолютно не означает в 100 раз. Этот диапазон в логарифмической шкале равен 20дБ. Величина среднего пошиба, скажем так, не мало, но и не много. И тут мощность для нас во многом утратит смысл, потому что 30-ваттный, 60-ваттный и 100-ваттный динамики на логарифмической шкале ощущаемой нами громкости живут на участке в ничтожные 3-5дБ. :))) ЧТО В ДЕЙСТВИТЕЛЬНОСТИ ОЗНАЧАЕТ МАКСИМАЛЬНO ДОПУСТИМАЯ МОЩНОСТЬ Разные производители гитарных динамиков используют различные методики для измерения и выведения для покупателей этой самой максимально допустимой мощности. В компании Celestion каждый громкоговоритель

Что же получается? Что звучание/тональность в итоге зависит от сложной комбинации свойств, в которых мощность играет лишь вспомогательную роль, ни больше ни меньше. Да, маломощные динамики могут быть “винтажными” по звучанию, но, как правило, не все. И наоборот, высокомощные модели не всегда обязательно имеют огромный запас по переусилению (его часто называют “headroom”) – все далеко не так просто, как может показаться с первого взгляда.

ГРОМКОСТЬ Один из наиболее типичных стереотипов у покупателей – прямая связь между мощностью и громкостью динамика. На самом деле такой параметр, как чувствительность или эффективность (измеряется в децибелах),

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

проходит строгое и продолжительное тестирование под нагрузкой, используя специально разработанный источник широкополосного сигнала на слух он похож на обычный ничем не примечательный шум. По результатам этого теста мы видим, на что способна та или иная модель именно по мощности, и сколько энергии необходимо подвести, чтобы разрушить динамик. Умело анализируя полученные данные, мы затем вычисляем подходящее значение максимально допустимой мощности. Это значение выбрано оптимально таким образом, чтобы практически до нуля снизить риск повреждения или разрушения модели, но при этом оставить достаточный запас

по мощности динамика, чтобы его звучание и тон подходили под задачи, для которых он создавался. Стоит отметить, что это значение НЕ ЯВЛЯЕТСЯ абсолютным лимитом, который не стоит превышать. Скорее это похоже на “ограничение скорости” на автотрассе. То есть вы, конечно, можете превысить его при желании, однако делать этого не рекомендуется, потому что может наступить беда... В целом же можно уверенно “качать” 75-ваттный динамик Celestion 75-ваттами хоть целый день напролет*. Подняв мощность усилителя до 100 Ватт, динамик честно отработает еще час или около того, прежде чем добросовестно “сгореть на ра-

*Продолжительное использование способно повредить динамик даже на меньших, чем максимально допустимые, уровнях мощности. Например, продолжительное “наказание” винтажного динамика металкором с дроп строем, почти наверняка повредит его. :(

боте”. Перегружайте по мощности любой гитарный динамик и он справится, только делайте это непродолжительное время, не рассчитывайте надолго. ЧТО ЖЕ МНЕ ВЫБРАТЬ? КАКУЮ МОДЕЛЬ? При выборе громкоговорителей на замену, в первую очередь убедитесь, что импеданс динамика (измеряется в Омах) совпадает с выходным импедансом усилителя. При замене нескольких динамиков в кабинетах 2х12” и 4х12”, проверьте, чтобы импедансы старых и новых моделей совпадали. Разные производители могут иметь свои собственные рекомендации, но мы в Celestion придерживаемся таких правил: 1) Убедитесь в том, что общая мощность всех динамиков в кабинете в сумме больше или как минимум равна максимальной мощности усилителя. 2) При сочетании различных типов динамиков будьте особенно внимательны при расчетах с мощностью, в зависимости от их количества в кабинете и способа коммутации между собой. · 60-ваттный + 30-ваттный динамики в параллельном включении = 60 Вт (дважды значение меньшего по мощности динамика). · Пара 60-ваттных и пара 30-ваттных динамиков, подключенных параллельно/последовательно в 4x12” кабинете, обеспечивают 120 Вт максимальной мощности. 3) Не будет никакой проблемой или ошибкой использовать динамик, у которого максимально допустимая мощность существенно больше выходной мощности усилителя. Высокомощные динамики имеют свою отличительную краску в звуке, и это значительно расширяет возможности выбора!

28 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

Далее я приведу рекомендованные модели Celestion для тех или иных задач. Это всего лишь рекомендации, так или иначе, они - это только направления для движения. Выбор всегда за вами! МОЙ ПЕРВЫЙ CELESTION Первый шаг в верном направлении! Иногда замена гитарного динамика для улучшения общего звучания может быть запутанной и даже сложной. Так не должно быть... Вот несколько предложений для покупки билета в мир Celestion: Eight 15: 8-дюймовый малыш для накачивания “звуковыми” мышцами любого домашнего комбо. Ten 30: 10-дюймовая модель с “большим” и взрослым звуком для практики и занятий. Seventy 80: больше “мясца” в свой первый кабинет 4x12”. Винтаж-винтаж В 1960-х, когда гитаристы нуждались в более серьезном оборудовании для существенно более громкого и прорезающего микс звучания, производители усилителей обратились к Celestion с задачей создать надежные громкоговорители, которые смогли бы выдержать возросшую нагрузку и создать звучание, подходящее для зарождающихся тогда новых музыкальных стилей. В итоге мы предложили и сделали лучшее из того, что могли. Слушая эти модели сейчас, мы узнаем, что звучания, которые создавали те модели, действительно особенные. Именно поэтому мы называем их “винтажными”. Celestion Blue: оригинальный, один из лучших Celestion – теплое, сочное и колокольное звучание. Heritage Series G12M: тот самый “brown sound”, который создали великие Hendrix и Van Halen. Heritage Series G12H(75): полноценное воссоздание модели с H магнитом образца 1968 года. Heritage Series G12H(55): модификация G12H с “басовым” диффузором имеет плотное и густое звучание. 4Х12” Гитарные кабинеты 4x12” изобрели в 1960-х для работы с мощными усилителями, чтобы гитару было хорошо слышно среди тысяч разъяренных фанатов (достойные PA системы появились только впоследствии). Сегодня 4x12” – это синоним грубого рока и мощного метала. Заряжай!

БУТИКЪ Усилитель, построенный вручную из самых качественных комплектующих для наиболее требовательных музыкантов, нуждается в громкоговорителе, способном передать всю палитру и задумку создателя. Больше того, он должен помочь оживить звук, который ты ищешь. Нет ничего невозможного с Celestion! Heritage Series G12H(75): полноценное воссоздание модели с H магнитом образца 1968 года. Heritage Series G12-65: блюз в стиле Robben Ford. Celestion Gold: расслабленная палитра alnico c теплым, экспрессивным и раскрывающимся звучанием. A-Type: мощный бас с сочной серединой, англичанин в Нью-Йорке. :) G12K-100: мощный и теплый низ, при этом с отличной атакой Vintage 30: царь-динамик, созданный для раскрытия всех скрытых возможностей усилителя. G15V-100 Fullback: да, это гитарный звук с 15-дюймовым динамиком! Максимальный запас по переусилению Гитарные динамики Celestion славятся своим комплексным и музыкальным “брейкапом”. Но иногда нужна модель, которая вела бы себя максимально интеллигентно и ровно. Для гитаристов, которым нужен максимально чистый звук, которые играют быстро, громко и хотят слышать все до мельчайших деталей, есть ответ.

G12M Greenback: вызывает духа “Whole Lotta Angus” Vintage 30: рок-рок-рок, от Slash до Five Finger Death Punch. Heritage G12-65: рецепт для треш атаки в духе 1980-х. G12T-75: неотъемлем от кабинетов Marshall 1960, как горчица от хот-дога. G12H-75 Creamback: для массивного звучания с упором на лид-партии. G12K-100: мощь и низ, как у Mick Thomson (Slipknot) и Stephen Carpenter (Deftones).

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

кольными гармониками и тенденцией хорошо компрессировать звук при сильной “подаче”. В своем узнаваемом синем обличии этот динамик стал неотъемлемой частью звучания The Beatles, Queen, U2 и Foo Fighters. Celestion Blue: оригинальный, один из лучших Celestion – теплое, сочное и колокольное звучание. Celestion Gold: более высокий рейтинг мощности, чуть более гладкий бас и мягкие верха. G10 Gold: сочный характер звучания Alnico плюс скорость и отзывчивость 10-дюймовых моделей. Celestion Cream: выводит класс Alnico в любой рейтинг мощности, от 1-го до 90 Вт!

G12K-100: огромный магнит для гигантского и чистого шлепка. Classic Lead 80: мощный и управляемый верх, детальная артикуляция каждой ноты. G12T-100: 2-дюймовая голосовая катушка для того, чтобы искажения и дисторшн формировал только усилитель. Seventy 80: лучший друг моделирующих цифровых усилителей. G12H-75 Creamback: 75 ватт мощности с узнаваемым характером звучания модели G12H - плотный низ и панчевый динамичный верх. Больше мощи! Эволюция гитарных усилителей во многом была гонкой за увеличением мощности. Союз винтажного динамика родом из 1960-х и современного мощного аппарата сегодня будет скоротечен - достаточно всего пары пауэр аккордов. Как же быть? Приведенные ниже модели создавались для работы с мощными гитарными усилителями, при этом сохраняя фирменное звучание Celestion. G12M-65 Creamback: высокомощная модификация модели G12M. Их можно качнуть хорошенько и без опаски получить мощный винтажный звук. G12H-75 Creamback: магнит типа H дает больше сфокусированности в звуке, больше тела в звучание Creamback. G12-50GL Lynchback: хороший баланс между винтажным рычанием и современным тоном Vintage 30: оригинальный хот-род Celestion, создающий уникальное и неординарное комплексное звучание. Celestion Cream: обеспечивая высокий мощностной рейтинг, сохраняет саму сущность звучания alnico моделей. Alnico В далеких 1950-х, компания Celestion модифицировала хорошо известный в то время громкоговоритель для радио (модель G12), чтобы создать первый специализированный гитарный громкоговоритель. У него был магнит из сплава алюминия, никеля и кобальта (сокращенно AlNiCo) и звучание с задемпфированной атакой, коло-

30 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

Сила 10-ки Хорошо звучащий 10-дюймовый динамик дает быстрое, панчевое звучание с широкой дисперсией и без излишней гулкости на небольших сценах. Такие модели также могут предложить компактность, доступность по цене и возможность раскачать овердрайв при более низкой громкости, чтобы барабанными палками по затылку лишний раз не схлопотать. :) G10 Gold: все, что нужно от alnico динамика в 10-дюймовом формате - роскошный звонкий тон, густая середина и богатый низ. G10 Greenback: созданный для рока, ритма и блюза! Добавляет перчинку в виде грубого и объемного низа. G10N-40: очень сбалансированный и универсальный британский звук, с яркой верхней серединой и артикулированными верхами. Ten 30: богатый и экспрессивный, Ten 30 сочетает в себе теплый низ с вокальной серединой и хорошо очерченным верхом. Чистое звучание очень открытое и раскрывающееся, а “качнув” сильнее, на первый план выходит фирменный и объемный Celestion-овский звук. Микс Современный подход в сочетании различных моделей с непохожим звучанием – источник поиска своего уникального звука. Мы в Celestion искренне поддерживаем такой экспериментаторский подход и предлагаем несколько комбинаций на свой скромный вкус:

• • • • • • •

G12H Anniversary / Celestion Blue Celestion Gold / Vintage 30 Heritage Series G12M / Heritage Series G12H(55) G12M Greenback / Vintage 30 Vintage 30 / G12T-75 G12M-65 Creamback / G12H-75 Creamback V-Type / A-Type

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

ЗОЛОТОЙ ФОНД РИФФОВ Алексей Радченко

ТОМ ПЕРВЫЙ:

METALLICA Сегодня, в эру 7-ми, 8-ми струнных гитар и пониженного строя, тяжелая музыка все больше и больше интегрируется с другими жанрами, стирая стилевые рамки. Нравится нам это или нет – дело вкуса. Общаясь с ребятами, которые только берут в руки свой первый инструмент, я замечал, что многие начинают гнаться за пониженными строями, то опуская, то поднимая заводской комплект струн 10-46, играя нули на только что приобретенном суперстрате и абсолютно не уделяя времени работе над звукоизвлечением, темпом и правильной атакой. Это выливается в поиск проблем там, где их зачастую нет. Начитавшись форумов, начинают грешить на “неламповый комбик”, “плохие струны” или на медиатор с не такой надписью. В этой рубрике я хочу обратиться к истокам, дабы познакомить юных гитаристов с той музыкой, на которой училось и росло большинство современных тяжелых команд. Дебютный и уже ставший классикой альбом группы Metallica – Kill ‘Em All (1983) любим всеми поклонниками олдскульного метала. Яростные и запоминающиеся хиты из этого альбома – неотъемлемая часть живых выступлений Metallica и по сей день. Риффы, которые мы рассмотрим, помогут вам чувствовать себя увереннее

32 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

на высоких скоростях и сделают ваш переменный штрих четким и ровным. Прежде чем вы начнете заниматься, хочу обратить ваше внимание на звук. Не нужно прятаться за перегруженный фонящий саунд, выкручивая ручку GAIN на усилителе в максимальное положение. Это верный путь к грязной и вялой атаке. Если вы посмотрите живые выступления Metallica, то заметите, что звук Джеймса и Кирка больше похож на сухой и плотный кранч. Это позволяет двум гитарам очень хорошо читаться в миксе и давать тот самый плотный саунд. Поэтому выставьте ручку GAIN вашего усилителя на 11-12 часов, добавьте немного MIDDLE, дабы звук, который вы извлекаете из гитары, был максимально читаемым, сухим и плотным.

Это

поможет

развить

правильное звукоизвлечение и избавиться от грязи. Вы будете чувствовать себя уверенно и не напугаете слушателей грязной игрой, подключившись в хороший ламповый усилитель где-нибудь в клубе. Возьмите за основу, что метроном – ваш лучший друг и помощник, а каждый рифф следует отрабатывать в умеренном темпе, постепенно увеличивая его до оригинального, и не зажимая при этом мышцы правой руки. Это сделает вашу игру чистой, ритмичной и ровной. А теперь настройте свою гитару в стандартный строй Ми (E-A-D-GB-E) и начнем!

“Открывашкой” альбома является

менный штрих. Разбирая его, вы

боевик “Hit The Lights”. Разучивая

либо сотрете медиатор в порошок,

этот яростный рифф, включите ме-

либо

троном в умеренном темпе и следи-

чувства контроля над правой ру-

те за артикуляцией, играя четким

кой, сохраняя расслабленность и

переменным штрихом правой ру-

не снижая темп. Не спешите сра-

кой. Увеличивая темп до 160 bpm,

зу играть Metal Militia в 182 темпе.

старайтесь

чтобы

Здесь очень важно выдерживать

ваша правая рука была расслаблена

все длительности и держать ско-

и не “зажималась”.

рость. Как можно больше практи-

отслеживать,

добьетесь

потрясающего

куйтесь медленно и под метроном. Вступление

песни

“Motorbreath”

Если чувствуете, что правая рука

начинается с барабанной сбив-

зажимается или болит – снизьте

ки и скоростного галопирующего

темп. Заниматься лучше недолго,

риффа. Это один из моих любимых

давайте мышцам правой руки отдо-

риффов - он отлично разрабатывает

хнуть и поддерживайте их в тонусе

выносливость правой руки и очень

регулярными и осознанными за-

круто звучит. Разберите его в мед-

нятиями по 15-30 минут. Если у вас

ленном темпе, добиваясь чистоты

есть возможность, как можно чаще

атаки, и постепенно увеличивайте

записывайте собственную игру - это

скорость до 180 bpm.

помогает прогрессировать быстрее.

И в завершение - легендарная “Metal Militia”. Зубодробительный рифф в начале – ярчайший пример того, как круто звучит ровный и четкий пере-

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

ИНТЕРВЬЮ

Андрей Балука

С момента создания и по сей день коллектив Gods Tower неизменно и верно исполняет тяжелую музыку, очень богато приправленную фолк-мотивами, при этом используя исключительно классические для рок-группы инструменты и их звучание (не прибегая к привлечению народных и традиционных), что делает звучание команды достаточно интересным и уникальным в своем роде. Они дали сотни концертов как в странах СНГ, так и в Европе, выступая как сольно, так и на масштабных фестивалях, плечом к плечу с мировыми рок-звездами. На несколько “профильных” вопросов нам любезно ответил музыкант, который играет в группе с самого ее основания - бас-гитарист Юрий Свитсов.

ра, привет! Твой творческий путь можно отследить с 1989 года. Как ты пришел в музыку и конкретно в это направление, спрашивать, наверное, нет смысла. Но вот как ты решил, что твой инструмент именно бас-гитара, было бы интересно услышать.

Еще поигрывал на акустической гитаре, подаренной родителями, подбирал разные хиты тех лет. Естественно, как и все дети, рубился от Клиффа Бертона, а позднее и от Ньюстеда. Но в первую очередь меня перло не от самой игры на басу, а от того, как круто музыканты бегали по сцене и мотали хаерами вертухи. :)))

Привет. Ну, наверное, ничего нового я не расскажу. Как и все, был диким фанатом метала, рубился буквально от всего, где жужжала хоть какая то примочка - от Bon Jovi до Slayer. Всегда мечтал стать барабанщиком, и даже пытался дома в сарае построить собственную барабанную установку из подручных материалов (времена были такие). О том, чтобы купить все это, и мечтать было невозможно…

А басистом я стал совершенно случайно. Как-то один товарищ сказал, что знаком с ребятами из группы Chemical Warfare, и они ищут басиста. Я быстренько раздобыл концертную запись банды, выучил басовые партии на своей акустической гитаре... ну и, собственно, встретился с Ножом и Сашей и под запись все им сыграл. Ответ был коротким: “Зашибись!” Так я и стал басистом в группе. Басистом без баса… :)

Я учился в музыкальной школе по классу фортепиано, поэтому с таким понятием, как ноты, знаком был практически с детства.

34 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

Расскажи про свой первый инструмент и аппарат. В те годы это было не так доступно, как сейчас.

Благодаря моим родителям, которые меня всячески поддерживали в рок-начинаниях, у меня довольно скоро появилась бас-гитара Jolana. Сейчас уже не вспомню все остальные данные, но она была такая треугольная, синяя, с белой панелью. Мне тогда казалось, что у нее мега-удобный гриф, хотя он перевешивал саму деку раза в четыре, и поэтому при игре нужно было постоянно держать баланс, иначе могло на резком повороте унести. :)) Этакий тренажер для натирания пальцев в кровь... Подключалось все это к “мощнейшему” комбику Тайфун, который с радостью вырубался, как только на нем накручивался звук нужной мне громкости. Тем не менее, я был рад и этому, так как летом, на школьных каникулах, работая два месяца на заводе слесарем механосборочных работ, сам лично на него заработал... ну почти… примерно треть (школьникам плохо платили), а остальное докинули родители -

спасибо им большое еще раз. Несмотря на все недостатки этого произведения советских электропаяльщиков, у меня был комбик! Ни у кого не было, а у меня был! :) Слушая еще самые первые записи Gods Tower, можно заметить, что в композиции бас-гитара является своего рода фундаментом для всего остального. То же самое позднее можно услышать и в RASTA. Это твоя позиция в сочинении и аранжировках или оно так просто получается? Не помню уже, кто сказал, но кто-то из моих тогдашних кумиров, возможно даже Ньюстед (кстати, мне всегда нравилась именно его “мясная” \м/ манера игры): “Для того чтобы играть за 12-м ладом, есть гитары, а бас должен быть внизу и быть самым мощным инструментом в банде!” Вот тут я полностью с ним согласен! Да и не умел я тогда фиги на грифе крутить. :)) Сейчас уже умею, но как-то все-таки мне больше по душе именно то, что ты назвал фундаментом... да... наверное, это самое точное определение. Мне нравится играть мощно “из-за уха”. Так мне хочется. Ну не могу я играть, тихонечко щипля струнки, без подачи, когда все вокруг гремит. Это же метал!!! Хотя я ни в коем случае никому не раздаю советы, что делать нужно именно так. Билли Шихэн и Стив Харрис тоже мне всегда нравились и доводили до состояния, когда “мурашки по телу бегут”. Те, кто были на концертах Gods Tower уже после реюниона, не могли не обратить внимание на новое звучание баса. Судя по фото со сцены, ты не используешь никаких педалей. Расскажи про свои инструменты и аппарат. Как у тебя получается звучать, как “каток”? Рецепт моего звука очень прост: Warwick Corvette Bubinga & Ampeg SVT-4 PRO. Ну и, опять же, формула: Каток = Подача + “из-за уха”. Раньше я пробовал всевозможные педальки, примочки, процессоры, но пришел к выводу, что в нашей музыке это не нужно. В студии - совсем другое дело, там можно поэкспериментировать, но “из-за уха” еще никто не отменял. :) Какие струны предпочитаешь (марка, толщина) и как часто делаешь замену? Струны предпочтительно Elixir 45-105, но у нас в городе их не всегда можно так просто пойти и купить, поэтому, перефразируя Остапа Бендера, скажу: “Ну что же, удовлетворимся D’Addario”.

Ты довольно длительное время проводишь в турах как по странам СНГ, так и по Европе. На фоне всеобщей депрессии по посещаемости концертов, как бы ты прокомментировал все увиденное со своей колокольни. Да всякое бывало... И концерты в клубе при 7 зрителях, и фестивали а-ля Woodstock и Masters of Rock, когда смотришь со сцены, а люди аж “за горизонт”. Скажем так, в пустом клубе на сцену, конечно, выходить кисло и грустно, но это до первого аккорда! А потом понеслась душа в рай (или куда там кому угодно). Не хочу сейчас разводить сопли, как это принято в последнее время делать, и обвинять во всех смертных грехах интернет, всеобщую доступность скачивания музыки, соцсети и YouTube. Если ты настоящий металлист, то тебе плевать на все, кроме метала! Никого нет в зале? Играй для себя! Только честно. И со всей силы!

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

Дмитрий Сакир

ОБЗОР

Начнем с “отца всех басов” - Precision. Модель G-PB-45R визуально полностью идентична своему прародителю полувековой давности и отличается лишь надписью на грифе. Благодаря современным краскам и лакам, покрытие корпуса выглядит от-

се продвинутые гитаристы и басисты прекрас-

лично, несмотря на его относительно небольшую

но знают компанию ESP, которая уже долгие

толщину. Лак на грифе глянцевый, что, безусловно,

годы выпускает отличные инструменты. Од-

радует. Особенно на фоне постепенно затираю-

нако мало кто знаком с ее дочерним брендом

щегося матового покрытия моделей конкурентов.

Grass Roots, производящим для японского рынка

Собран бас хорошо, хотя при дотошном поиске не-

инструменты, копирующие легендарные модели

значительные огрехи найти можно. Но я выбираю

“американской классики”. В этом материале я хотел

инструмент не за “красивые глазки”, а по звуку и

бы остановиться более детально на бас-гитарах.

удобству игры. И здесь Grass Roots выкладывает на стол все свои козыри.

В мире гитар существуют как инструментышедевры, представляющие собой произведения искусства, так и гитары начального уровня, которые сгодятся лишь для обучения и развития навыков игры. Между этими крайностями лежит обширная категория “рабочих лошадок” - неброских инструментов с добротным звуком и адекватной ценой. Именно такую бас-гитару я стал подыскивать себе не так давно, и эти поиски привели меня к инструментам Grass Roots. Следует заметить, что я ретроград и не особо жалую навороченные современные басы, предпочитая им проверенные олдскульные модели 50-60-х годов. На этой территории бренд Grass Roots представлен беспроигрышной парой: Precision и Jazz Bass.

36 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

Густой резиновый звук с выраженным рыком сра-

следующего ослабления (decay) вообще практиче-

зу дает понять, что у вас в руках настоящий “прес”.

ски нет. Затем идет долгий и ровный основной тон

Самое то, чтобы пробиваться сквозь рев перегру-

(sustain), который оканчивается плавным затуха-

женных гитар, грохот барабанов и звон тарелок.

нием (release). Впрочем, сустейн настолько хоро-

Этот бас просто создан для рок-музыки во всех ее

ший, что вам вряд ли удастся часто слышать, как

бесчисленных проявлениях. Для G-PB-45R харак-

он заканчивается.

терна мощная, но сбалансированная атака и приличный сустейн, поэтому отстройка звука не зани-

По частотным характеристикам отмечу мягкие бар-

мает много времени и сводится к корректировке

хатные низкие частоты, уверенную сбалансирован-

частот в зависимости от конкретного усилителя.

ную середину и отсутствие излишних высоких ча-

Все это говорит о правильном подбо-

стот. Тембр этого баса универсален, но лучше всего

ре древесины и точном соблюдении логии

подойдет для джаза, блюза и электронной музыки.

техно-

изготовления

инструмента.

Итак, подведем итог. Басы Grass Roots – безусловно, отличный выбор в качестве “рабочей лошадки”. Они просты и удобны в обращении, на них приятно

Удобство игры обсуж-

играть, и самое главное – они обладают серьезным

дать нет особого смысла, ведь G-PB-45R полно-

правильным звуком. К фамильным недостаткам

стью повторяет форму классического баса, став-

бас-гитар Grass Roots можно отнести отсутствие

шего эталоном уже много лет назад. Правильный

альтернативных расцветок, ведь G-PB-45R может

баланс веса, эргономичная форма корпуса, про-

быть только белым с черной панелью, а G-JB-47R

думанное расположение органов управления и

только черным с панелью в перламутрово-коричне-

отсутствие лишних деталей - очевидные плюсы.

вом цвете. Прямо как у Генри Форда, который гово-

Одним словом, все на своем месте и работает, как

рил: “Вы можете купить автомобиль любого цвета,

надо.

если этот цвет - черный”. Для кого-то отсутствие

Перейдем к Jazz Bass, а точнее к модели Grass

других цветов может стать серьезным недостатком,

Roots G-JB-47R. Материалы и фурнитура ана-

хотя я не придаю этому решающего значения, мне

логичны и не вызывают претензий. В отличие от

нравятся оба цветовых решения. Ведь главное – эти

G-PB-45R, эта модель (тот экземпляр, который

инструменты действительно звучат. А секрет от-

испытывал я) собрана абсолютно безукоризнен-

личного звучания инструментов Grass Roots в том,

но. Внешний вид и эргономика полностью позаим-

что этот бренд не изобретает колесо, а использует

ствованы у Jazz Bass, и мне очень нравится перла-

классический проверенный рецепт бас-гитары:

мутровый коричневый pickguard. Но главная изюминка этой модели кроется в ха-

“Возьмите ольху для корпуса, клен для грифа и

рактере звучания. Не знаю, как этого добились ма-

немного палисандра для накладки. Все ингредиенты нужно хорошенько просушить, а затем смешать в нужных пропорциях, пив

стера, но звук невероятно ровный и напомнил мне Теперь

необходимо

скре-

клеем

lead-тембры аналоговых синтезаторов, поэтому

болтами.

придать

воспользуюсь их терминологией и опишу звук баса

бас-гитаре удобную классическую форму. В

по характеристикам ADSR (attack-decay-sustain-

финале добавьте фурнитуры и электроники по

release). Атака (attack) короткая и уверенная, а по-

вкусу. Готово! Играйте и получайте удовольствие!”

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

MOTLEY CRUE

Андрей Зозуля

ЗНАКОВЫЙ АЛЬБОМ

“DR. FEELGOOD” БЕЗ СТИМУЛЯТОРОВ НАСТРОЕНИЯ

1 сентября 1989 года, уже ставшая к тому времени одной из самых скандальных в музыкальной индустрии и “растлевающей” по версии моралистов, группа Motley Crue выпустила свой самый успешный альбом “Dr. Feelgood”. В этом году пластинке исполнилось уже 26 лет, но она все еще не теряет актуальности и вызывает живой интерес, в том числе и у подрастающего поколения рок-фанатов. Более того, многие музыкальные эксперты даже рекомендуют начинать знакомство с творчеством “Пестрого сообщества” именно с этой работы.

тому времени Motley Crue уже

рождества 1987 года произошло то,

кровь в жилах поклонников группы.

купались в лучах славы и успе-

что в корне изменило его жизнь, да

Но в ту ночь его сердце выдержало

ха. Однако музыканты нужда-

и жизнь всей группы в целом. Музы-

и вновь забилось. Только жизнь уже

лись в альбоме, который пока-

кант перенес клиническую смерть

казалась другой, озарившись пони-

зал бы не только их разнузданность

от передозировки героином. Мест-

манием того, что так дальше просто

и скандальность, свойственные всем

ные СМИ мгновенно подхватили это

нельзя, пришло время что-то менять.

предыдущим работам группы с 1983

трагическое известие, и по всем

Спустя какое-то время началась ра-

по 1987 года, но и привнес что-то

центральным телеканалам страны

бота над альбомом “Dr. Feelgood”, к

новое в их творчество. Безуслов-

пронеслась шокирующая новость о

которой был привлечен популярный

но, многое здесь зависело от без-

смерти Никки Сикса. Сохранившиеся

продюсер Боб Рок (Aerosmith, Skid

оговорочного лидера команды и бас-

редкие видеозаписи этих новостных

Row, Metallica). Всем было поставле-

гитариста Никки Сикса. И вот, в канун

сюжетов и по сей день будоражат

но строгое условие - никаких излиш-

38 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

них увеселений во время работы над альбомом. Вместо алкоголя – ящики с минералкой. “Никки лично “обнюхивал” всех, даже если кто-то просто выходил покурить, - делится воспоминаниями барабанщик группы Томми Ли. – Он, конечно, не мог контролировать все и всех, да и сам порой “грешил”, но совместных попоек как раньше у нас в кулуарах тогда не было”. Открывает альбом гитарное интро Мика Марса “T. n. T”. Под аккомпанемент гитары женский голос службы спасения сообщает: “Доктор, тут юноша 17 лет, возможно, передозировка”. Инструментал сразу переходит в энергичный дуэт ритм-секции песни “Dr. Feelgood”, которая и дала название альбому. В богемной американской тусовке “Dr. Feelgood” – это жаргонный термин, так называют либо драг-дилера, либо врача, который, пользуясь служебным положением, “толкает” препараты строгой учетности “налево”. Следующая песня “Slice Of Your Pie” с довольно сложной, как для глэм-метала, мелодией напоминает, что перед нами все же творение скандально-эпатажной группы: “Эй, красавица, красавица, с милыми-милыми глазами, угости меня кусочком своего пирога”. “Rattlesnake Shake” – композиция продолжает тему предыдущего трека, я бы даже сказал, связана с ней концептуально (“от шейка гремучей змеи мое тело ломит”) и радует довольно зажигательным и запоминающимся риффом с клавишными на заднем плане. “Kickstart My Heart” – принципиально новая, отнюдь не глэм-металическая песня в творчестве Никки Сикса и его группы. Забористый хард-рок, переходящий в чистый хэви-метал, которому даже Judas Priest могли бы позавидовать. “Without You” – типичная глэм-металическая баллада, которая стала бы украшением альбома и жемчужиной в репертуаре любой группы, схожей по стилю с Motley Crue. Все чисто и платонически. Приятной изюминкой является классное соло Мика Марса в середине композиции.

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

“Same Ol’ Situation” – разухабистый глэм-метал, стилизованный под рок-н-ролл. Здесь очень хорошо чувствуется старая добрая группа, образца своих лучших творений предыдущих лет. “Sticky Sweet” – самый слабенький трек в этом альбоме. Такое ощущение, что он попал сюда случайно и записали его “по приколу”. Ни музыкально, ни тем более лирически в общую концепцию “протрезвевшей и повзрослевшей группы” он не вписывается. Даже в самые бурные годы Никки Сикс и Мик Марс были способны на большее и писали песни гораздо глубже по содержанию. “She Goes Down” – зажигательная и, без преувеличения можно сказать, моралистическая песня о девушке, слишком рано открывшей для себя взрослую жизнь. В записи этой композиции принял участие Брайан Адамс, спевший пару строчек в бридже. “Don’t Go Away Mad” – самая глубокая и философская песня в этом альбоме, повествующая об истории расставания. Здесь здорово сведена “оркестровка”, за что отдельное спасибо Бобу Року. “Time for Change” – идеальное завершение для такого альбома. Философская баллада, в которой Никки Сикс вспоминает и переосмысливает какие-то вещи и словно прощается с прошлым. Альбом “Dr. Feelgood” стал лучшим творением в истории группы Motley Crue, возглавил чарт Billboard и впоследствии стал семикратно платиновым. Песни “Dr. Feelgood” и “Kickstart My Heart” номинировались на Грэмми за лучшее хард-рок исполнение. Песня “Time For Change” стала пророческой для Винса Нила – уже через 2 года его заменил Джон Кораби. Также интересным фактом является то, что для работы над альбомом в качестве бэквокалиста был приглашен Себастьян Бах - вокалист конкурирующей группы Skid Row. Этот альбом стал для Motley Crue первым, записанным на пути к реабилитации и трезвости, на который участники группы встали в 1989 году. Наряду с коммерческим успехом – а “Dr. Feelgood” разошелся тиражом в 6 миллионов копий, – этот альбом также сыскал и успех творческий. По мнению большинства фанатов и критиков – он стал лучшим студийником группы. Но самое главное, альбом “Dr. Feelgood” – это, возможно, последний шедевр в жанре глэм-метал, который всего лишь через пару лет после выхода стал частью музыкальной истории, а сама группа Motley Crue уже никогда не выпустит ничего лучше.

40 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

СТРУНЫ НОВОГО ПОКОЛЕНИЯ

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

Макс Роговой

ОБЗОР

“МОЯ ПРЕЛЕСТЬ” Обзор доступных акустических гитар Все мы любим дорогие качественные вещи. Спиннинги с гироскопом и карбоновым удилищем, автомобили класса люкс, топовые смартфоны и зеркальные фотоаппараты. Безусловно, музыканты не являются исключением. Многие гитаристы способны часами рассуждать о достоинствах инструментов ручной работы, нюансах просушки древесины и зависимости звучания от расположения волокон на деке. Но всегда ли нам нужны вещи такого уровня? И речь сейчас идет даже не о цене, а о целесообразности. Думаю, вы согласитесь, что брать с собой в турпоход профессиональный студийный инструмент - как минимум нелогично. Да и для обучения игре он будет несколько избыточен. Лично мне даже немного обидно, когда гитара, предназначенная для выступлений перед многотысячной аудиторией жалобно стонет в неопытных руках юного падавана. (Да, я немного сноб :)) И тут на сцену выходят доступные акустические гитары так называемого “начального уровня”. Мы не будем останавливаться на гитарах, которые продаются в супермаркетах по соседству с гречневой крупой и моющими средствами - их даже инструментами можно назвать с большой натяжкой. Мы поговорим о максимально доступных полноценных “акустиках”.

так, первым гостем нашего обзора будет творение компании Maxtone. Музыкальные инструменты и аксессуары этого производителя пользуются немалым спросом благодаря сочетанию доступности и приемлемого качества. Но вернемся к нашим гитарам.

MAXTONE WGC-4011 ЦЕНА - 1532 ГРН (АКЦИОННАЯ ЦЕНА В МАГАЗИНАХ JAM) ЦЕНОВОЙ ДИАПАЗОН - ДО 70$

Внешний вид Гитара выполнена в популярном размере дредноут и доступна в трех цветах: натуральном, черном и санберст. Исходя из личного опыта, я бы советовал обратить внимание именно на санберст. Он эффектно выглядит, скрывает нюансы фактуры дерева и на нем не так сильно заметны следы от пальцев. Одной рукой играть, а второй держать тряпку для протирки - это не наш выбор! Конструкция Корпус изготовлен из ламинированной липы, а верхняя дека из ели. Колки закрытые, а струнодержатель -

MAXTONE WGC-4011

42 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

пластиковый. Лады сделаны не из привычной нам стали или нейзильбера, а из медного сплава. Впрочем, не все так плохо, как может показаться на первый взгляд. Колки очень неплохо держат строй, гриф достаточно удобный и тонкий и, самое главное - гитара строит по ладам. Звучание Теперь поговорим о самом важном - о звучании. Настраиваем гитару, берем аккорд и приятно удивляемся. Конечно, это далеко не Yamaha, но тембр достаточно приятный, даже на струнах, установленных с завода. Бас немного гулковат и звук не такой объемный, как хотелось бы, но общее впечатление весьма

рая не очень хорошо строит выше 12-го лада, но шанс того, что вы будете активно играть в этой позиции, очень невелик. Звучание Savannah звучит заметно ярче, чем Maxtone. Возможно,

SAVANNAH SG-610

неплохое. А для того, чтобы сделать звук инструмента еще лучше, достаточно просто заменить струны на брендовые американские D’Addario. Итого: Внешний вид: 6 из 10 Конструкция: 7 из 10 Звучание: 8 из 10 Цена/Качество: 7 из 10 Второй инструмент в моем обзоре - гитара фирмы Savannah, новинка в наших краях. Этот бренд принадлежит группе компаний AXL Music и специализируется на производстве доступных гитар и блюграсс инструментов (банджо, мандолины, резонаторы). Давайте посмотрим, что же Саванна “имеет нам предложить” :)

SAVANNAH SG-610 ЦЕНА - 2091 ГРН ЦЕНОВОЙ ДИАПАЗОН - ДО 100$ Внешний вид Эта модель также имеет деку типа дредноут, но, в отличие от Maxtone, доступна только в натуральном цвете. Мелкие нюансы покрытия, безусловно, присутствуют, но общее впечатление значительно приятнее, чем у предыдущего героя обзора. Покраска очень аккуратная, лак отлично отполирован, гитарка блестит, радует с первого взгляда и так и просится в руки. Конструкция Производитель заявляет, что дека инструмента изготовлена из “whitewood”. Долгие поиски в недрах интернета так и не дали мне 100% ответа, что же это за белое дерево такое, но внешне оно очень похоже на тополь или липу. Впрочем, и то и другое - вполне музыкальные породы, очень неплохо себя зарекомендовавшие. Колки литые, закрытые, с плавным ходом. Бридж и накладка грифа - палисандровые, а лады очень достойно зашлифованы, не “кусаются” и не мешают играть. Придраться можно разве что к шестой струне, кото-

дело еще и в струнах, но с первых нот чувствуется, что эта гитара однозначно классом выше (впрочем, она и подороже). Некая “коробочность” в звуке присутствует, но в инструментах начального уровня это неизбежно. Тембр характерно фолковый, я бы даже сказал, “американский”, идеально подходящий для игры аккордами и аккомпанирования. Итого: Внешний вид: 9,5 из 10 Конструкция: 9 из 10 Звучание: 9 из 10 Цена/Качество: 9 из 10 Последняя героиня нашего мини-обзора - гитара, не нуждающаяся в каком-то особом представлении - Cort AD810. Это безоговорочный бестселлер в Украине, ставший визитной карточкой компании Cort.

CORT AD810 ЦЕНА - 2580 ГРН ЦЕНОВОЙ ДИАПАЗОН - ДО 120$ Внешний вид Так же, как и предыдущие инструменты, AD810 имеет деку формы дредноут. Доступны три цвета на выбор: натуральный матовый (если быть совсем точным, то скорее открытый - слой лака просто микроскопический), натуральный глянцевый и черный матовый. Визуально просто не к чему придраться: лак ровный, без потеков, места склеек выполнены безупречно и, даже заглянув внутрь инструмента, вы не найдете дефектов изготовления - контроль качества у Cort на высоте. Конструкция В отличие от остальных участников обзора, конструкция AD810 каноническая: корпус из красного дерева и верхняя дека из ели. Само собой, о цельном дереве в инструментах этой ценовой категории речь не идет. Колки закрытые и по плавности хода дадут фору даже некоторым электрогитарам. Лады некрупные, идеально зашлифованные. Единственный нюанс - заводские струны я настоятельно рекомендую сразу после покупки сменить на что-нибудь брендовое. Звучание Звук этой гитары приятно удивляет. Тембр мягкий и насыщенный, при этом верха не завалены и звенят

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

CORT AD810

колокольчиками даже при игре перебором. Бас не задранный, я бы даже сказал, интеллигентный. Гудение или “коробочность” отсутствуют в принципе - звучание полное и открытое. Определенно, гитарные мастера Cort нашли какой-то секретный ингредиент, позволяющий даже самым доступным инструментам звучать достойно. Итого: Внешний вид: 10 из 10 Конструкция: 10 из 10 Звучание: 9,5 из 10 Цена/Качество: 10 из 10

44 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

Подводя итоги, хочу сказать, что когда 10 лет назад я искал себе максимально недорогую акустику, ситуация была следующая. Большинство акустических гитар приемлемого качества имели ценник 300$ и выше, а более доступные инструменты не могли похвастаться ни привлекательным внешним видом, ни звучанием. Но прогресс не стоит на месте, и теперь выбрать себе достойную шестиструнную подружку можно даже за относительно небольшие деньги. Все три рассмотренные гитары отлично подойдут для того, чтобы поиграть у костра “Изгиб гитары желтой”. Даже самый простой Maxtone и по звучанию, и по внешнему виду значительно превосходит большинство “львовских”, “черниговских” и прочих “социалистических” гитар, переходящих от отца к сыну и трепетно хранящихся на шкафах. Если же вы готовы отдать за инструмент немного больше - обратите внимание на Savannah или Cort - они действительно этого достойны! *Цены указаны по состоянию на 31.10.2015

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

ИНТЕРВЬЮ

Вадим Красноокий, фронтмен гурту Mad Heads, не лише талановитий співак, але й майстерний гітарист. Тому його нерідко можна побачити у музичних магазинах. Цього разу ми зустрілись у самому серці світу музичних інструментів – одному з магазинів мережі JAM. Аліна Семенюк

MAD HEADS Т

и частий гість цього магазину. Чому саме JAM?

класичних гітарних рок-н-рольних брендів і той випадок,

Відверто кажучи, це перше місце, куди я приход-

коли є не тільки ім’я, але й якість пізнаваного звучання,

жу, коли мені щось потрібно. Насамперед, це такі

що дуже важливо для професійних музикантів. До того ж,

витратні речі, як струни та медіатори, безперечно.

з естетичної точки зору, це дуже красиві гітари, дизайн

Я купую їх дуже багато, оскільки тут дійсно гарний та

яких був створений завдяки натхненню атмосферою 50-х

універсальний асортимент. Є на що подивитись та з чого

років минулого століття.

обрати. Та й взагалі – ціную спокійну та дружню атмосферу, майже як вдома.

Знаю, що зовсім нещодавно Mad Heads випустили новий альбом. Розкажи, які ще є гарні новини?

А скільки ж тоді у твоєму арсеналі гітар?

Насправді у нас багато змін. По-перше, ми готуємо

Усього вісім. :) Плюс є ще одна, з моїх улюблених ста-

всеукраїнський тур на кінець листопада, плануємо висту-

реньких, яку я зараз намагаюсь відновити.

пити у двадцяти трьох містах. А ще в нас з’явився новий музикант, з яким ми всіх познайомимо під час запланова-

Віддаєш перевагу якомусь конкретному гітарному

ного туру. Нещодавно закінчили зйомку одразу двох нових

бренду?

кліпів. Є зміни також у звучанні, особливо це відчувається

Так, мені справді дуже подобається Gretsch. Це один із

в нових піснях.

46 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

Щодо альбому, то він має назву “8”.

Але, поспілкувавшись з різними музи-

Поясню чому. З одного боку, це 8-й

кантами, з деякими ми зустрічалися

студійний альбом гурту Mad Heads,

просто на репетиціях, зупинився на

а з іншого – 8-ка це магічне число і

гітаристі. Переконаний, що в рок-

виглядає, як знак нескінченності, що

музиці недостатньо просто добре

встав на дибки. Так, музика – це магія.

знати ноти, чи віртуозно володіти

Ось що ми хотіли сказати цією назвою.

інструментом. Мені важливо було відшукати однодумця, цікаву творчу

Загалом над альбомом ми працю-

особистість. І те, на чому вона грає –

вали цілих чотири роки, тому пісень

фактично вже другорядне.

там багато – 17 треків. Серед них є вже добре відомі, такі як “Україна -

Розкрий

же

нарешті

цю

це ми”, “П’ятниця”, “Молода кров”,

таємницю, хто цей щасливчик?

решта пісень – нові. Наприклад,

Його звати Стас Семілєтов, він дав-

“Пісня Сирени”, на яку ми нещодав-

но працює на студії White, де ми

но зняли кліп. Я вважаю, що цей аль-

записуємося вже багато років. В

виконавці, про російських вже й

бом – нове дихання, і в нашому ви-

роботі над альбомом “8” ми разом на-

навіть не йдеться. Чи відчули ви

падку вже восьме.

магалися віднайти потрібне звучання.

на собі цей вплив?

Окрім гітари, він також круто грає й

Останнім

Так буває, що кожен окремий

на інших музичних інструментах, має

виступів стало набагато менше. А

музикант привносить щось нове

чималий досвід концертних виступів

ті, що відбувалися, були значною

у звучання гурту в цілому. Ти

з різними рок-гуртами, найвідоміший

мірою благодійними. Так, ситуація

цілеспрямовано шукав ще одно-

з яких – Мандри. В нашій новій

в цілому складна. Але є й позитивні

го учасника?

концертній програмі він бере на себе

моменти. Дивіться -

роль першого гітариста. Деякі пісні

позбулися того засилля масової

Взагалі, спочатку я хотів знайти

гратимемо в дві гітари, в інших я

російської поп-культури - це зви-

клавішника, тому що раніше ми ніколи

повністю сконцентруюсь на вокалі. А

чайно великий плюс і наш шанс для

так не працювали. Або, як варіант, ду-

на майбутнє у нас є ще багато цікавих

розвитку. Саме зараз українським

мав взяти діджея. Також розмірковував

творчих задумів, тому зміни в музиці

музикантам треба дуже багато пра-

над тим, якби було цікаво, залучити

Mad Heads триватимуть.

цювати, якщо ми хочемо заповни-

часом,

безумовно,

ми нарешті

ти вільний простір нашим власним

креативного програміста, тобто людину, яка створює синтезовані зву-

Чого ще торкнуться зміни? Може

культурним надбанням. Людям це

ки. Можливо це додало б нам більш

збираєтесь і назву гурту змінити?

дуже потрібно, вони вже втомились

оригінального сучасного звучання.

Ні, назву поки що змінювати не

чекати дійсно якісного українського

збираємося. :) А от із музикою точ-

продукту. Тому ми і робимо все мож-

но будемо експериментувати. Но-

ливе - організовуємо найбільший

вий альбом цікавий саме своєю

концертний тур з усіх, які у нас були

різноманітністю - в різних піснях

раніше. Ми хочемо співати для яко-

можна почути різні музичні стилі.

мога більшої кількості українських

Фактично ми пройшлися по всьому,

слухачів. Нести мир і любов у кожний

що створювали Mad Heads протя-

куточок нашої країни.

гом всіх років свого існування. Тут є рок-н-ролл, регі, ска, панк-рок. А

Кому зараз буде легше заво-

найновіші пісні – це вже зовсім су-

ювати любов слухачів: молодим

часна рок-музика. Думаю, за ними

амбіційним або ж досвідченим та

можна зрозуміти, куди наш колектив

відомим виконавцям?

буде рухатися в майбутньому.

Дуже сподіваюсь, що ця ситуація буде поштовхом для всіх наших музикантів

Зміни в економічній та політичній

без виключення та всього українського

ситуації в Україні, звісно, заче-

шоу-бізнесу. Раніше навіть культурно-

пили й шоу-бізнес. До нас мен-

інформаційний простір був дуже ви-

ше

кривленим, інакше працювали ЗМІ –

стали

приїжджати

західні

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

все наше рідне, національне було не

ідуть на твої виступи, вони голосу-

приклад, раніше “Трипільське коло”

в пріоритеті. Згадайте тих українських

ють за ту чи іншу музику. Я пере-

мав змогу надати вільний вхід,

виконавців, які вважалися на той час

конаний, що саме тепер настав мо-

бо існувала державна підтримка.

найбільш успішними. Серед них ми

мент зробити так, як воно і має бути,

Але коли її було втрачено, фести-

практично не знайдемо жодного, який

як існує в усьому світі.

валь

би не засвітився у Москві. Тобто успіх

почав

забезпечувати

себе

самостійно. Паралельно з’явилися

у Москві був обов’язковим для успіху

Чи стало більше українських фестива-

й інші фестивалі, які почали діяти так

в Україні. Зараз все зовсім навпаки. :)

лів та чи змінилася їхня організація?

само. Тобто немає можливості взяти

Власне зараз, змінився сам фор-

кошти десь - доводиться залучати

мат. Як правило, фестивалі існували

слухачів. Таким чином люди можуть

організовувати концерти?

за гроші, заплачені кимось. Це було

впливати на те, яких артистів будуть

Поки що не можу сказати, бо ми

безкоштовно для людей, які на них

запрошувати на такі концерти.

вперше намагаємося зробити це

приходили. У цьому був плюс. Але

своїми силами в такому масштабі.

ж був і мінус – люди не вирішували,

І так відбувається в усьому світі, той

Ще не так давно існувало багато

хто саме буде для них виступати.

же Glastonbury чи Sziget Festival.

безкоштовних концертів: фестивалі,

Сьогодні з’являється все більше і

Саме так. Якщо перейняти досвід

політичні

місцеві

більше фестивалів, які розраховані

та навчитися робити все правильно,

бюджетні свята. А на касові кон-

тільки на касовий збір, і, відповідно,

то індустрія розваг допоможе напо-

церти українських артистів слухачі

організатори насамперед вибира-

внити як державний, так і місцевий

практично не ходили. Зараз же, коли

ють артистів з огляду на те, кого

бюджети тих українських міст і сіл,

люди приходять, купують квитки та

слухачам буде цікаво почути. На-

де цей захід буде відбуватися. А це,

Чи

простіше

заходи,

тепер

якісь

стало

безумовно, дуже важливо в наш час. А чи запрошують вас виступати до європейських країн? Для

того,

щоб

займатися

шоу-

бізнесом, а не просто культурними акціями, потрібно вкладати чималі кошти, вивчати ринок, треба створювати продукт, який буде зрозумілий європейським слухачам. Ми таким, принаймні поки що, серйозно не займалися. Але в плані культурного обміну нас запрошують регулярно.

48 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

Взагалі,

колись

давно

група

надати змогу рости професійно?

Mad Heads починала з того, що ми

Як я вже казав, все треба будува-

видавали наші альбоми в Німеччині,

ти фактично з нуля. Певні напра-

співали англійською та частіше висту-

цювання звичайно є, але оскільки

пали в Європі, ніж тут. Але та музика,

змінюється сама структура музич-

яку ми граємо зараз, вона була ство-

ного ринку в Україні, треба багато

рена саме для українського слухача.

чого починати спочатку і вчитися робити те, чого ніколи не робили,

Разом з тим, з Польщею, наприклад,

одним словом - потрібно ризику-

культурні зв’язки у нас досить міцні.

вати та експериментувати. І якщо

Буваємо там майже щороку. Частко-

хороших музикантів в нашій країні

во це концерти для української

вистачає,

діаспори. Останній раз ми були там

якісного

у минулому році, приймали участь

музичних журналістів, а також вміння

у масштабному культурному заході

об’єднати все це в єдине ціле. Якщо

“Стадіон східної культури”, який про-

вдасться це зробити, то ось тоді нам

водився в кількох містах і скрізь на

дійсно буде чим пишатись!

то

традиційно

менеджменту,

бракує

піарників,

стадіонах, з прямою трансляцією на центральному телебаченні. Ми висту-

Сподіваємось, що так і станеть-

пали на одній сцені спільно з нашими

ся, а зміни в музичній індустрії

польськими колегами. Було чудово!

України відбудуться якнайкраще та якнайшвидше. Дякую тобі, Ва-

Справді

приємно,

вітчизняних

що

музикантів

наших

диме, за те, що поділився з наши-

все

ми читачами думками та планами

частіше можна побачити на та-

на майбутнє. Хай тобі щастить!

ких заходах. Як гадаєш, цей дос-

Навзаєм! Дякую за гарну розмову і

від і нашому шоу-бізнесу може

до нових зустрічей у JAM!

Bass Ist Fantastisch! JAM Music Magazine • www.jam.ua •

МНЕНИЕ СПЕЦА

Алексей Радченко

CRYBABY MINI -

НЕ ПЛАЧЬ, МАЛЫШКА

этой статье я хотел бы рассказать о том, как многие аспекты гитарного звука не только не устаревают в стремительно развивающемся мире цифровых технологий, но и находят новую жизнь в творчестве музыкантов, вдохновляя их своим уже ставшим классикой звуком на новые ступени роста исполнительского мастерства. Бесконечный поиск новых способов самовыражения приводит к естественному развитию гитарного оборудования, а именно - педалей эффектов. Одной из таких новинок 2015 года стала CryBaby Mini - новая педаль в уже легендарной на сегодняшний день линейке CryBaby. С самого начала своего выпуска в конце 60-х, педаль CryBaby стремительно набирала огромную популярность, вплоть до начала 80-х, когда ее звук стал ассоциироваться с излишним подражанием звучанию таких титанов того времени, как Джимми Пейдж, к примеру. Позднее компания Dunlop сумела дать новую жизнь CryBaby, создав следующий виток популярности гитарных эффектов. Звук педали CryBaby мы слышим в легендарном Woodoo Child, в ярких фанковых ритмах 70-х, в джазе, рэгги и современных тяжелых lead запилах. Поэтому уже просто невозможно представить себе музыку второй половины ХХ века без эффекта CryBaby.

50 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

Принцип ее работы достаточно прост: это среднечастотный фильтр, который передвигает свой “горб” от низких частот к высоким, в зависимости от положения педали. Тем самым получается эффект “плачущего ребенка”, который при правильном акцентировании делает любую гитарную импровизацию экспрессивнее и значительно расширяет возможности самовыражения музыканта, подчеркивая его индивидуальность. Удивляет то, насколько разнообразно звучит этот простой эффект в педалбордах самых различных музыкантов. Джими Хендрикс, Джимми Пейдж, Кирк Хэмметт, Даймбэг Даррелл, Слэш, Закк Уайлд, Джо Бонамасса, - и это далеко не полный список тех гитаристов, чей узнаваемый стиль исполнения не вообразим без педали CryBaby. Сравнивая и пробуя разные модели, я открыл для себя некоторые отличия в степени яркости, глубине хода педалей, наборе настроек и функций. Так, например, модель Закка Уайлда ZW45 очень яркая, быстро раскрывается и имеет более широкий порог как высоких, так и низких частот. Надо сказать, что корпус для своих педалей Закк разработал практически самостоятельно, отшлифовав несколько присланных ему металлических корпусов. Сигнатурная модель Джими Хендрикса сделана по образу и подобию и приближена по звучанию к аутентичной педали, выпущенной Thomas Organ Company на заводе JEN в Италии. Модель Кирка Хэмметта имеет необычайно ровное звучание во всем диапазоне хода педали, с плотным верхним регистром и не так широко раскрывается, как стандартная CryBaby Original. Кирк лично принимал участие в разработке цветовой гаммы, взяв за основу комиксы в стиле хоррор, коллекционером которых он является. К примеру, рисунок ноги на панели мрачно светится в темноте.

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

Благодаря своему воинственному внешнему виду, очень узнаваемой педалью является Dime CryBaby from Hell - подписная модель Даймбэга Даррелла. Это несомненный фаворит среди всех любителей тяжелой музыки. Как и модель Закка Уайлда, она обладает более широким диапазоном высоких и низких частот, что дает возможность соло партиям звучать экспрессивнее и глубже. На корпусе разработчики поместили 5-позиционный переключатель, который позволяет выбирать различный диапазон свипа (движения фильтра) и активировать бустер. Чуть ли не самая важная ее характеристика это индикаторы включения/выключения педали. Работая на темной неосвещенной сцене и не всегда с хорошим мониторингом, бывает непросто понять, включился ли эффект. Поэтому такая функция мне кажется максимально полезной.

CryBaby Слэша из Guns’n’Roses выделяется ярким красным корпусом и, помимо эффекта wah-wah, дополнительно оснащена встроенным эффектом дисторшн, которые управляются соответствующими контроллерами сбоку педали. На корпусе есть красный и синий светодиоды, отвечающие за включение\выключение эффекта wah и дисторшн, соответственно. Модель Эдди Ван Халена сделана на основе классической CryBaby, но имеет ряд отличий. Когда потенциометр на педали Эдди слегка поизносился, этот дефект дал неожиданный результат - возможность немного по-другому раскрыть диапазон средних частот. Создавая новую модель, разработчики специально подобрали такой потенциометр, который в точности повторил звучание его педали, а также сделали более “вокальным” тон с увеличенным частотным диапазоном скольжения. Педаль имеет “true hardwire bypass” переключатель, два светодиода индикации включения и, конечно же, фирменный полосатый дизайн в духе Эдди Ван Халена. Казалось бы, ну что еще можно сегодня добавить к этой легендарной и столь характерно звучащей педали? Реалии же наших дней таковы, что все стремится к уменьшению, упрощению и минимализму. И в этом году компания Dunlop вновь удивила гитаристов со всего мира, представив на выставках свою новую модель CryBaby Mini. Когда эта небольшая педаль попала мне в руки, я не мог сдержать своего восторга. Во-первых, как

52 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

любому обладателю классической CryBaby Original (или любой другой полноразмерной квакушки), мне всегда было непросто с ее размером и весом. Она значительно утяжеляет борд и занимает много места. Но до недавних пор выбирать не приходилось. Новая же CryBaby Mini не просто меньше своей “старшей сестры”, она значительно легче. Внутри металлического корпуса расположен не только индуктор Fasel, но и 3-позиционный переключатель, с помощью которого можно выбрать три различных типа звучания: low, vintage или modern. Любимая педаль теперь легко становится в педалборд, экономит место и звучит так же круто, как и старшие модели. Возможно многие консерваторы начнут сетовать на неудобство контроля из-за столь небольшой плоскости педали. Поначалу мне тоже казалось, что контролировать ход маленькой педали будет сложнее, нежели привычную “лапу” классической квакушки. Однако я был приятно удивлен, когда при первом же знакомстве понял, что педаль, которую практически не видно за ступней, легко и удобно контролируется. При этом очень четко ощущается момент включения и вы-

ключения кнопки. А на слух это все тот же привычный, ставший классикой, эффект wah-wah, который мы все так любим. Так что с уверенностью можно сказать - современная тенденция к минимализму и упрощению имеет свои позитивные моменты, в том числе и когда это касается гитарного оборудования. Легендарная педаль CryBaby и в 2015 году не устаревает, скорее наоборот - развивается и модернизируется, оставаясь попрежнему любимой многими поклонниками гитарной музыки. В магазинах JAM вы всегда сможете попробовать новую CryBaby Mini или же подобрать ту педаль, которая подружится именно с вашей манерой игры и откроет новые возможности для создания оригинальной и интересной музыки!

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

МНЕНИЕ СПЕЦА

5 ОШИБОК

В ОБУЧЕНИИ ТЕХНИКЕ ИГРЫ НА ЭЛЕКТРОГИТАРЕ

Александр Кузьменко преподаватель электрогитары purplejam.com.ua

54 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

аботая преподавателем по классу гитары уже шестой год, могу с уверенностью сказать, что основные ошибки в технике, постановке, звукоизвлечении достаточно распространенные, типовые, совершаются и будут совершаться абсолютным большинством студентов. Совсем уникальных случаев в моей практике почти не было. Постоянно приходится слышать на уроках отговорки-жалобы о том, что пальцы “коротковаты”, не достаточно развит слух, мизинец какой-то “не такой” и так далее. Моя задача, как преподавателя, развеять эти заблуждения, систематизировать ошибки, дать четкие рекомендации по их устранению, основываясь на опыте других студентов и моем собственном. Существует целый ряд стереотипов и ошибочных суждений о занятиях техникой игры на гитаре, которые обязательно сыграют не в нашу пользу. Кроме того, не забывайте, что самый важный ресурс, который мы обязаны правильно использовать, это время на самостоятельные занятия дома. Только так, упорным трудом, можно достигнуть желаемого результата и отточить свое мастерство. Даже если бы нашим преподавателем стал сам Стив Вай, без усердных тренировок в домашних условиях, все будет напрасно. Итак, я выделил 5 самых распространенных ошибок, которые встречаются в преподавательской практике. 1. “Главное – музыка, а не техника” Данный посыл часто можно увидеть в комментариях под более-менее техничным видео на YouTube или в ветке форума по технике игры на электрогитаре. Как правило, распространяют его “поклонники старой школы” или начинающие гитаристы. Что такое “музыка” в их понимании - не ясно, чем “музыкальнее” соло в исполнении Ричи Блекмора запилов Пола Гилберта - тоже. Как правило, дело в том, что большая часть гитаристов под техникой подразумевает лишь определенное количество нот в секунду, сыгранное исключительно ради понтов перед публикой. Но почему-то среди десятков клонов Петруччи или Мальмстина мало чьи записи производят именно тот эффект, по которому уже с первых нот можно распознать высокое мастерство исполнителя. Хотя с количеством нот в секунду у клонов все в порядке и с оборудованием зачастую тоже. Даже такие заезженные вещи, как “Little Wing”, “Mary Had A Little Lamb” или популярные композиции AC/DC, очень далеки от оригинала. Суть данного заблуждения в следующем. Мало кто рассматривает технику игры в широком смысле, а именно, как способ достижения нужного эффекта от исполняемого произведения. Сюда же можно отнести и ритмику, и контроль над динамикой, и читаемость

сыгранных нот (сразу вспоминаем рекордсменов в “Полете шмеля”), и чистоту нот, в конце концов. Потому, если вы ставите перед собой цель приблизиться к уровню мастерства признанных метров, а не баловство на уровне Guitar Pro, то посидеть с метрономом, записать и проанализировать свою игру во время ежедневных занятий, все равно придется. 2. “Напряжение в руках при игре - плохо” Если у вас есть знакомый профессиональный спортсмен, поинтересуйтесь, каково его самочувствие после кросса длиной в 10 километров или 10 раундов спарринга. Очевидно, что это не приятная усталость или полная расслабленность. Мышцы будут болеть, тело будет ныть и печь. Безусловно, при игре на гитаре мышечное напряжение не столь активно, да и в разы меньше, но кардинально эти затраченные усилия ничем не отличаются. Правильная техника дает только гарантию того, что они будут минимальными, вероятность травмироваться также сводится к минимуму. Но напряжение, пусть даже и после всего лишь минуты игры в предельном для себя темпе, обязательно останется. Какое-то время назад мне на глаза попалась статья, авторство которой принадлежит одному из практикующих преподавателей, в которой говорилось о том, что напряжение в мышцах при игре на гитаре в быстрых темпах - это прямой путь к врачу, а играть нужно все время легко и расслабленно. В конце статьи, правда, автор делает поправку на то, что сам он хоть и занимается долго, но сыграть в оригинале большинство известных быстрых downstroke вещей ему не удается. Когда тот же Гатри Гован на своих мастер-классах говорит о важности играть расслабленно, в большинстве случаев он обращается именно к той категории гитаристов, которые только учатся играть (90% посетителей любых мастер-классов именно начинающие). Само собой, что никакого напряжения при игре простой гаммы в медленном темпе быть не должно. А вот рекомендации для гитаристов среднего уровня о том, как преодолевать, например, застои в темпах, встречаются не часто. И не забывайте о том, что самые известные фирмачи не раз упоминали об ощущениях жжения и забитости в мышцах при продолжительной игре в своих предельных темпах. Понятно, что в начале движения напряжения вообще не должно быть, а если оно и есть, то это первый признак неправильной техники или постановки. Понятно, что с каждым разом нужно стремиться прилагать меньше усилий, делая движение более экономным. Но для серьезных занятий и при повышении скоростной планки без ощущений жжения, забитости не обойтись. Как говорится: “no pain – no gain”.

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

3. “Играю по 6 часов в сутки прогресса нет” Подобную фразу часто приходится слышать уже на первом занятии. Сразу начинаю расспрашивать, мол, как занимаешься, что играешь. И тут же оказывается, что из 6 часов 2 часа ученик просто бренчит под телевизор какую-то хроматику, 2 часа ковыряет по табам ентерсендмен, остальные 2 часа в лучшем случае смотрит различные уроки на YouTube. О персональном плане занятий или о записи и отслеживании своих результатов, само собой, речь не идет. Помните, что крайне важно разделять свое учебное время на технику и музыку. В занятиях музыкой мы применяем уже полученную технику, сюда можно отнести съем на слух, написание композиций, импровизацию под минус и т.п. Занятия техникой требуют большей концентрации, они более занудные и обычно похожи на настоящую тренировку – постоянная запись сыгранного материала, отслеживание ошибок. Без этого рассчитывать на высокий уровень мастерства не приходится.

в таком случае руководствуются чисто субъективной оценкой. Например, в этом темпе пассаж звучит плохо, в этом - хорошо. Почему плохо, в чем причина, конкретно в какой ноте или нотах происходит ошибка не понятно. В большинстве случаев музыкант либо просто забьет на ошибку и будет играть другое упражнение, либо попробует высидеть количеством времени упражнение в надежде, что после энного повторения все магическим образом зазвучит. Но так происходит далеко не всегда. А вот если записать себя, внимательно послушать, найти причину плохого звука, локализовать ее, понять, почему так вышло (неправильный штрих, медиатор задевает струну или может левая рука играет раньше правой) - гляди, и зазвучит все, как надо. Тем более мы живем не в 80-е годы и качественно записать гитару в домашних условиях с помощью компьютера - очень просто. Как правило, чем раньше студент начинает вести ежедневные записи своей игры, тем гораздо быстрее у него развивается слух к техническим нюансам, и как следствие прогресс в темпах и качестве игры.

4. Отсутствие объективной оценки технического уровня Если музыкант занимается сам без преподавателя или же у него нет знакомых профессиональных гитаристов, то определить правильность сыгранного, оценить самого себя, будет крайне сложно. Как правило,

5. Отсутствие плана занятий Если продолжить проводить параллель со спортом, то не будет лишним упомянуть о важности плана занятий. Сложно представить себе атлета, который, приходя в спортивный зал, выполняет хаотичный комплекс упражнений под настрое-

ние, не считая подходы и повторения. Все согласятся, что вряд ли в таком случае можно рассчитывать на какой-то значимый прогресс. Но почему-то среди начинающих или уже играющих гитаристов в подавляющем большинстве случаев наблюдается именно такая картина. Я не буду описывать детально все принципы в занятиях техникой самостоятельно в домашних условиях, которых придерживаюсь как я сам, так и мои ученики, но как пример – это и построение своего плана занятий, и учет количества затрачиваемого времени на каждую технику, и преодоление застоя в темпах. Для начала вам просто необходимо выписать все играемые вами упражнения (сюда же можно отнести и куски риффов или соло) и еженедельно отмечать прогресс в темпах по ним, добавляя темп очень постепенно и только лишь в том случае, если качество вашей игры существенно улучшилось. Да, это уже не просто сесть и побренчать на гитаре под телевизор. Здесь и начинается настоящая работа. Но никто и не говорил, что обучение на электрогитаре должно быть захватывающим и приятным, это не компьютерная игра. Поверьте, ощутимые первые результаты обязательно будут уже через месяц такой практики. Терпения и удачи в освоении инструмента!

http://www.mooeraudio.com

56 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

ИНТЕРВЬЮ

ПРОФЕССИЯ: ЗВУКОРЕЖИССЕР

Валерия Наливайко

авел Драч – звукорежиссер и аранжировщик, принимавший участие в создании первого альбома группы “Пара Нормальных” – поведал о различиях между саунд-продюсером, звукорежиссером и аранжировщиком, “заворачивании” песен в музыкальную обертку, а также о том, какую роль играет профессионализм вокалиста, почему записывать песни –

дорогое удовольствие и существует ли универсальный рецепт создания супер хитов.

ЗНАКОМСТВО С ПРОФЕССИЕЙ

верное, с минусов, потому что их не так много. Первый и самый большой – сидячий образ жизни

Я работаю в звукорежиссуре около 10 лет. С этим

за компьютером. Второй – ненормированный гра-

делом познакомился еще в школе, классе в де-

фик, поскольку никогда не знаешь, сколько нужно

вятом. У нас при лицее была музыкальная студия,

проделать работы для необходимого результата, а

где мы с друзьями пели в хип-хоп группе. Кому-то

график часто поджимает.

нужно было писать аранжировки для этого творческого “безобразия”, вот я и начал осваивать

Не скрою, от переизбытка музыки на работе в сво-

профессию аранжировщика. Через какое-то вре-

бодное время хочется тишины. Но это не значит,

мя осознал, что для меня интереснее занимать-

что на досуге я ничего не слушаю. Меня рассла-

ся звуком, чем петь, и в итоге поступил на звуко-

бляет не тишина, а смена музыкального жанра. К

режиссуру в Киевский Национальный Университет

примеру, если весь день занимаюсь рок-песней,

Культуры и Искусств (КНУКиИ). А до этого просто

то к вечеру в машине приятно включить лаунж или

смотрел различные телепередачи, и интересно

хорошую электронную музыку.

было наблюдать за взрослыми дядьками, которые сидели за огромными пультами и крутили какие-то

Но такие незначительные издержки профессии

непонятные штуки на них. Теперь это делаю я, но

перекрываются весомыми плюсами. Я очень лю-

уже с пониманием того, что именно они там крути-

блю свою работу за возможность общаться с абсо-

ли и зачем вообще все это надо.

лютно разными, невероятно творческими людьми, участвовать в их музыкальной жизни, помогая во-

БЕЗУМНЫЕ ТРУДОВЫЕ БУДНИ, ИЗОБИЛИЕ

площать музыкальные идеи и вдохновение в более

МУЗЫКИ И ТАЛАНТОВ

осязаемые энергии. Иногда, конечно, меня приводят в смятение слишком уж уверенные в своей

Каждая профессия имеет как плюсы, так и мину-

гениальности люди – настоящие таланты, обычно,

сы. Звукорежиссура – не исключение. Начну, на-

очень скромны.

58 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

Еще мне нравятся веселые моменты моих рабочих

“пофигизма” и отсутствия эстетического вкуса.

будней. Здесь, наверное, самое смешное – это наблюдать реакцию “непосвященных” людей на об-

ВОЛШЕБСТВО ПРЕВРАЩЕНИЯ

щение двух звукорежиссеров, в особенности на их жаргон. Услышав беседу двух “звукарей”, вы вряд

Звукорежиссура, признаюсь, иногда схожа с вол-

ли поймете, о чем идет речь, и будет казаться, что

шебством. Очень часто, когда человек приносит

или вы сошли сума, или они. Например: “выдави

песню и просит сделать аранжировку, уже при пер-

низ для жирку”, “сделай ярче посуду” или “добавь

вом прослушивании начинаешь внутренним ухом

воздуха тарелкам”.

слышать какие-то инструменты, цепляясь за интересные моменты, и мозг сразу пытается их обы-

ТРИ В ОДНОМ?

грать. Бывает и такое, что не слышишь с первого раза ничего особенного, но сердце лежит к песне.

Над созданием одной песни может трудиться целая

Тогда ты просто садишься, включаешься в про-

команда профессионалов, которая состоит из са-

цесс, и все идет само собой. Впрочем, случается

унд-продюсеров, аранжировщиков и, собственно,

так, что и сердце молчит, и мозг. Вот тогда в бой

звукорежиссеров. И между этими понятиями суще-

идет опыт, чтобы сделать, как говорится, конфетку!

ствуют очень тонкие грани. Например, саунд-про-

Звукорежиссер, скажем так, это человек, который

дюсер находит идею звучания и знает, как должен

заворачивает конфету (песню) в красивую обертку

звучать тот или иной исполнитель в зависимости от

(аранжировку). Он смотрит на нее, пробует на вкус,

исходного материала: песен, характера певца, со-

определяет, какая должна быть обертка по дизайну,

временных течений и трендов. Аранжировщик пишет

рисует это и красиво оборачивает. И здесь самое

непосредственно аранжировку, создает музыкаль-

главное – не испортить ее привлекательность, сде-

ную композицию на основе мелодии, как дирижер.

лать ее особенной и узнаваемой. Поэтому иногда

А звукорежиссер – применяет технические и твор-

мне приходится отказываться от проектов, если я

ческие аспекты звука, знает, как и на каком уровне

не чувствую музыку, которую сажусь делать, или

должен звучать тот или иной инструмент. В общем –

считаю, что не смогу сделать так, чтобы гордиться

режиссирует звук, делает детальную кропотливую

этими песнями в будущем.

работу. В той или иной мере каждый аранжировщик – звукорежиссер. И каждый звукорежиссер – саунд-

АППАРАТУРА ВОКАЛ “НЕ ДЕЛАЕТ”

продюсер. Суть, скорее, не в том, что именно делать, а как. Звукорежиссура не приемлет безответствен-

Помимо написания аранжировок, я занимаюсь за-

ного отношения к своему делу, невнимательности,

писью, сведением, мастерингом вокала. Прежде

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

всего, работа с вокалом заключается в том, чтобы заставить исполнителя передать голосом эмоциональную нагрузку песни. В данном случае самое важное – эмоция, пусть даже человек немного не попадет в тон, но он сумеет зажечь в слушателе искру, а по телу побегут мурашки. Здесь нужно быть немного психологом и находить тесный контакт с исполнителем, чтобы он чувствовал себя комфортно. Программы и аппаратура могут помочь всего лишь дотянуть ноту, но это процентов двадцать красоты вокала, все остальное – вокалист и его профессионализм, изюминки его тембра. Кстати, правду говорят, что нет одинаковых голосов. Сколько людей, столько тембров. Конечно, бывают и схожие, но у всех обязательно есть своя изюминка, какой-то очень личный специфический окрас. Тембр ведь не только от строения связок зависит, но и от характера человека, и даже от его настроения. Я не могу четко сказать, какие именно тембры приятнее слуху. Тут также много факторов - стиль песни, ее высота, какие инструменты использовались в аранжировке. Но, конечно, всегда приятнее слушать плотный тембрально богатый вокал, нежели писк котенка. О МУЗЫКАЛЬНЫХ ИНСТРУМЕНТАХ Нет таких инструментов, которые бы невыгодно или некрасиво звучали. В принципе, все сочетаемо, с правильным подбором инструментов и хорошим сведением. Каждый голос уникален, и ты всегда стараешься подобрать ему уникальный инструментальный набор, который будет не забивать и глушить голос, а дополнять его и поддерживать. Лично у меня любимый инструмент, конечно, рояль, но это не значит, что я везде его использую. Каждая аранжировка индивидуальна, аутентична. И все инструменты любишь, так или иначе. НЕДЕШЕВОЕ УДОВОЛЬСТВИЕ Человеку, не связанному с музыкой, который в первый раз сталкивается с необходимостью записать песню, суммы могут показаться немалы-

60 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

ми. Ведь многие думают, мол, ну что здесь такого

ХИТЫ СОЗДАЮТСЯ СЕРДЦЕМ

особенного - сидит человек, нажимает на клавиши, так сказать, не уголь же разгружает с вагонов. Но

Нет какого-то правильного и единого рецепта соз-

на самом деле это очень кропотливая работа, ко-

дания хитов. Хитовая песня обычно та, которая

торая требует применения очень дорогостоящего

идет от души, от сердца, даже если она очень про-

оборудования, собственных финансовых вложе-

ста. Людям, как правило, нравятся незатейливые

ний и времени на обучение, приобретение опыта, а

мелодии, тем более, что они моментально “въе-

также творческих усилий. Поэтому писать песни и

даются” в голову. Как только человек чувствует ис-

аранжировки – это достаточно затратное занятие.

кренность композиции – она автоматически начи-

Но, обычно, студии стараются находить какой-то

нает ему нравиться. А с точки зрения аранжировки,

выход из ситуации для любого клиента. Аранжи-

такая работа ничем не отличается от других - ты

ровка может стоить, к примеру, от $100 до $2000.

чувствуешь музыку и на основе своего внутренне-

Отличаются они и инструментальным набором (с

го чутья создаешь аранжировку. Например, в свое

большим бюджетом можно прописать множество

время мы с напарником написали очень много пе-

живых инструментов), и временем, затраченным

сен, которые в итоге стали хитами группы “Пара

аранжировщиком на проект (больше времени - все

Нормальных”. Но мы даже не знали о таком кол-

более детально проработано), и уровнем оборудо-

лективе, потому что на тот момент его еще не су-

вания. Также стоимость зависит от имени саунд-

ществовало. Мы просто писали то, что нравилось

продюсера.

нам, ни под кого не подстраиваясь.

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

Максим Вихоть

ЮБИЛЕЙ

BJORk полвека с исландской сказкой

это трудно поверить, но миниатюрной эльфийке с колдовским голосом из таинственной страны льда и огня в этом году исполняется 50 лет. Вклад Бьорк в попмузыку сложно переоценить. Кроме того, ее неповторимые песни, смелые студийные и мультимедийные эксперименты, завораживающие концертные шоу, яркие сценические образы и нестандартные видеоклипы, расширили горизонты мирового культурного пространства в целом. При том, что из своих 50 лет почти 40 она “в шоу-бизнесе”, Бьорк всегда была и остается символом творческой независимости, и это не мешает ей регулярно штурмовать чарты и собирать аншлаги. Что называется, волшебная сила искусства в действии! По случаю юбилея одной из самых выдающихся артисток современности предлагаем вашему вниманию 50 фактов из ее обширной и насыщенной творческой биографии.

62 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

1. Бьорк Гвюдмюндсдоуттир родилась 21 ноября 1965 года в Рейкьявике в семье хиппи и до 5 лет прожила в коммуне.

выпустить второй диск, но она отказалась. На полученные за альбом деньги будущая звезда купила пианино и начала сочинять собственные песни.

2. В 6 лет она поступила в рейкьявикскую музыкальную школу Barnamúsíkskóli, где изучала классическое фортепиано и флейту.

5. В возрасте 14 лет она организовала девчачью панк-группу под названием Spit and Snot, а затем джазфьюжн-проект Exodus.

3. Певческая карьера Бьорк началась в 11 лет. На школьном концерте она спела диско-хит Тины Чарльз “I Love to Love”, и один из учителей послал запись на тогда еще единственную исландскую радиостанцию RÚV. Прозвучавшая на всю страну песня так впечатлила представителей местного лейбла Fálkinn, что они предложили юной певице контракт на запись альбома.

6. В 1981 году Бьорк и басист Exodus Якоб Магнуссон образовали группу Jam-80, вскоре ставшую называться более замысловато – Tappi Tíkarrass (Cork the Bitch’s Ass). В свой панкрок музыканты смело добавляли элементы фанка и джаза. В том же году проект выпустил EP “Bítið fast í vítið” (“Bite Hard Into Hell”), а в 1983 – альбом “Miranda”. Также Tappi Tíkarrass попали в документальный фильм “Rokk í Reykjavík”, а Бьорк – на обложку его официальной видеокассеты.

4. Свой дебютный альбом Бьорк записала в 1977 году с помощью отчима, который играл на гитаре. Пластинка, названная просто “Bjork”, содержит исландские детские песни и несколько кавер-версий популярных песен, переведенных на исландский, в числе которых “The Fool on the Hill” The Beatles и “Your Kiss Is Sweet” Стиви Уандера. Альбом был выпущен тиражом 7000 копий и за пределами Исландии не распространялся. По горячим следам Бьорк предлагали

7. В 1983 году певица вошла в состав новой группы KUKL (Sorcery) вместе с Эйнаром Ерном Бенедиктссоном и Тоуром Эльдоном (последний позже стал ее мужем, в 1986 году у них родился сын Синдри). KUKL подвязались на ниве готического рока и именно в составе этой команды Бьорк начала расширять вокальный диапазон, вставляя в свои партии визги, вой и рычание.

В Исландии все вращается вокруг природы, 24 часа в сутки

Первое большое выступление группы состоялось на исландском фестивале, на разогреве у культовых английских панк-анархистов Crass. После шоу впечатленные британцы предложили KUKL выпустить пластинку на их лейбле Crass Records. Альбом “The Eye” вышел в 1984 году и сопровождался двухмесячным туром по Европе, в рамках которого KUKL выступили на Roskilde Festival в Дании, став первой исландской группой, сыгравшей на нем. Одно из самых знаменитых шоу KUKL на исландском ТВ - Бьорк на седьмом месяце беременности с оголенным животиком поет “Like A Virgin” Мадонны. 8. В 1986 году группа KUKL трансформировалась в Sykurmolarnir, сменив готику на психоделический пост-панк. Однако мировой известности новая команда добилась под англоязычным названием The Sugarcubes и во многом благодаря своей солистке Бьорк. В 1987 году их песня “Birthday” с дебютного сингла “Einn mol’á mann”, обложкой которого была открытка с фото Михаила Горбачева и Рональда Рейгана на саммите в Рейкьявике, стала хитом в Великобритании и США и вызвала интерес у музыкальных критиков.

9. Из посыпавшихся предложений от лейблов The Sugarcubes выбрали независимую лондонскую контору One Little Indian, на которой, к слову, Бьорк выпускается до сих пор. В 1988 году группа выпустила дебютный альбом “Life’s Too Good”, сделавший The Sugarcubes первой исландской группой, получившей мировую славу. Стоит сказать, что среди поклонников исландцев оказались такие глыбы, как Дэвид Боуи и Игги Поп.

Интересно, что в 1989 году Бьорк в составе The Sugarcubes успела побывать в СССР. Выступив в Вильнюсе, группа заехала в Ленинград, чтобы принять участие в большом сборном концерте на стадионе им. Кирова. Проведя на стадионе несколько часов (было продано около 100 билетов и концерт отменили), The Sugarcubes в недоумении вернулись домой. 10. Параллельно с The Sugarcubes Бьорк участвует в других проектах. В частности, в 1990 году она записала и выпустила с би-боповой группой Trio Guðmundar Ingólfssonar альбом “Gling-Gló”, который считается вехой в исландском джазе.

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

64 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

Кроме авторских тем “Gling-Gló” содержит ремейки джазовых стандартов, среди которых “Ruby Baby”, “I Can’t Help Loving That Man”, “You Can’t Get a Man with a Gun”, “The Blacksmith Blues” и “O Mein Papa”. В некоторых треках Бьорк играет на гармонике. Альбом “Gling-Gló” до сих пор остается самым продаваемым на родине релизом певицы. 11. В 1991 году Бьорк приняла участие в записи двух песен (“Qmart” и “Ooops”) для альбома “ex:el” британских электронщиков 808 State. Эта работа пробудила в ней интерес к хаус-музыке и положила начало ее дальнейшему сотрудничеству с лидером 808 State Грэмом Мэсси. 12. В 1992 году The Sugarcubes, казалось бы, достигли пика своей славы, сопровождая U2 в их “Zoo TV Tour”. Однако даже выступление перед суммарной аудиторией в 700 000 человек не смогло сгладить противоречия внутри команды, и под конец года она распалась, при этом до сих пор оставаясь главной рок-группой Исландии. “После The Sugarcubes меня охватывали смешанные чувства - смесь радости освобождения и страха. Некоторое время уже было очевидно, что у меня с другими членами группы разные вкусы. Вообще-то, все честно - правильного вкуса не бывает”, - скажет позже певица. 13. После распада The Sugarcubes Бьорк переехала в Лондон, где начала работать с продюсером Нелли Хупером, который, среди прочего, работал с Massive Attack. С ним Бьорк создала свой первый мировой хит “Human Behaviour”. В треке используется семпл из “Go Down Dying” Антониу Жобима. “Мелодию для Human Behaviour я написала так, как будто я еще ребенок. Текст тоже навеян детским восприятием, и видео, которое мы сделали вместе с Мишелем Гондри, тоже основано на детских воспоминаниях”, - вспоминает Бьорк.

14. Видеоклип, созданный Мишелем Гондри - свободная интерпретация детской сказки о трех медведях. Его видеоряд был вдохновлен мультфильмом Юрия Норштейна “Ежик в тумане”. Клип был выдвинут на 6 номинаций на MTV Video Music Awards, не выиграв ни в одной. Также он был номинирован на Grammy в категории “Лучшее короткое музыкальное видео”. 15. Второй сольный альбом Бьорк “Debut” вышел спустя 16 лет после дебютного - в июле 1993 года. В основе своей он имел сплав электронной танцевальной музыки хаус, джаза и трип-хопа. В альбом вошли песни, написанные Бьорк, начиная с подросткового возраста до самого момента записи и сотрудничества с Хупером. Продажи пластинки превзошли все ожидания лейбла, и она попала в чарт Великобритании на третью позицию и в чарт США на шестьдесят первую. “Debut” получил положительные отзывы в британской музыкальной прессе. Были отмечены уникальные вокальные данные Бьорк и удачное решение идти в сторону расширения круга музыкальных жанров. Бьорк с недоумением отреагировала на столь лестную критику, утверждая, что если бы она “создала точно такой же альбом и при этом родилась гденибудь в Ноттингеме, то получила бы совершенно другие оценки, так сказать, возвращающие с небес на землю”, и что “Debut” “был частично пробой сил, и не так уж он хорош. Я могу писать намного лучше”. 16. Успех альбома “Debut” сделал возможным совместную работу исландки с различными, в том числе очень известными, музыкантами. Бьорк записала песню “Play Dead” c авторитетным английским кинокомпозитором Дэвидом Арнольдом для фильма 1993 года “The Young Americans”. Также она написала песню “Bedtime Story” для альбома Мадонны 1994 года “Bedtime Stories”.

17. В 1994 году Бьорк выиграла две премии BRIT Awards в категориях “Лучшая исполнительница” и “Лучший интернациональный новичок”, а также выступила в Нью-Йорке на MTV Unplugged. 18. Второй альбом Бьорк “Post” увидел свет в июне 1995 года. Созданный при участии Нелли Хупера, Трики, Грэма Мэсси и Howie B, он сохранил музыкальную канву своего предшественника. “Музыкальная сердцевина разбита на несколько частей, и я хотела показать, что альбом затрагивает различные музыкальные стили: индастриал-рок на “Army of Me”, джаз на “It’s Oh So Quiet”, эксперименты с трип-хопом на “Enjoy”, “Possibly Maybe” и “Headphones”, пояснила Бьорк. Однако общая концепция была иной. Если альбом “Debut” был сборником суперхитов за десять лет, то альбом “Post” был записан за два года. “Для меня эти песни, как письмо в Исландию, на родину, как поток моих мыслей, которые я хотела бы передать своим родственникам, друзьям и близким. Расставание с ними было большим прыжком для меня”, - говорит певица. 19. Также в 1995 году Бьорк записала исландскую народную песню “Vísur Vatnsenda-Rósu” для альбома коллабораций “Chansons Des Mers Froides” французского композитора и продюсера Эктора Зазу, а в 1996 засветилась в двух треках (“Keep Your Mouth Shut” и “Yoga”) на альбоме Трики “Nearly God”. 20. В сентябре 1996 года лондонская полиция чудом предотвратила покушение на жизнь Бьорк и ее близких. Блюстители порядка перехватили письмо-бомбу, присланное одержимым фанатом Рикардо Лопесом из Майами. Во многом под впечатлением от этого инцидента Бьорк записала и выпустила поворотный в своем творчестве альбом “Homogenic”.

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

Для меня эти песни, как письмо в Исландию, на родину, как поток моих мыслей, которые я хотела бы передать своим родственникам, друзьям и близким

21. Вышедший в сентябре 1997 года “Homogenic” отличается от предыдущих альбомов концептуальностью и более смелыми экспериментами. В нем был представлен новый музыкальный стиль Бьорк, основой которого стала однородность материала, а также соединение электронных битов и аранжировок струнных и других традиционных инструментов в песнях, которые были посвящены родине исполнительницы - Исландии.

22. “Homogenic” стал первой большой вехой в сотрудничестве между Бьорк и Марком Беллом, она называла его одним из тех музыкантов, которые наиболее сильно повлияли на ее карьеру.

“В Исландии все вращается вокруг природы, 24 часа в сутки, - рассказывает Бьорк. - Землетрясения, снегопады, дождь, лед, извержения вулканов и гейзеров… Все кажется первобытным и неподконтрольным. С другой стороны, Исландия очень современная, везде хай-тек. Здесь, как нигде в мире, самое большое число людей, которые владеют и умеют обращаться с компьютерами. Я показала это противоречие на “Homogenic”. Электронные биты отразили ритм, сердцебиение жизни. А винтажные струнные создали старомодную атмосферу, добавили колорит”.

23. Обложку альбома разработал известный британский дизайнер Александр МакКуин.

66 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

“Если бы я отвечала на вопрос, кто больше всего повлиял на меня, то это были бы Штокхаузен, Kraftwerk, Брайан Ино и Марк Белл”, - сказала певица.

24. Журнал Slant Magazine назвал “Homogenic” “если и не лучшим электронным альбомом всех времен, то уж точно лучшим в этом десятилетии”, а Pitchfork Media заявил, что альбом является “одной из самых идеальных записей всех времен и, вполне возможно, Бьорк уже никогда не сможет приблизиться к уровню столь бесспорно захватывающей красоты”.

25. 1999 год был отмечен для Бьорк сотрудничеством с датским кинорежиссером Ларсом фон Триером, в чьем фильме “Танцующая в темноте” певица выступила в роли исполнительницы главной роли и автора саундтрека. Картина получила “Золотую пальмовую ветвь” Каннского кинофестваля, а Бьорк – звание “Лучшей актрисы”. Впрочем, этот опыт трудно назвать удачным – после него Бьорк зареклась сниматься в кино. 26. Звуковая дорожка к фильму “Танцующая в темноте” первый альбом-саундтрек Бьорк, названный “Selmasongs”, увидел свет в сентябре 2000 года. Его украшением стал дуэт с Томом Йорком из Radiohead “I’ve Seen It All”, номинированный на “Оскар” в категории “Лучшая песня”. 27. В августе 2001 года вышел пятый студийный альбом Бьорк “Vespertine”. На нем присутствуют камерный оркестр, хоры и новая электроника (в лице группы Matmos), однако, по сравнению с “Homogenic”, “Vespertine” отличается более минималистичным и атмосферным звучанием. “Это была попытка создания музыки, полностью состоящей из вздохов, шепота и музыки музыкальных шкатулок”, - резюмировала певица. В записи альбома использовалось множество “живых” семплов для создания битов и звуковых эффектов, включая звуки перетасовки колоды карт на “Cocoon” и “Hidden Place”, ходьбы по снегу на “Aurora” и треск льда на “Frosti”. ““Vespertine” очень личный, очень спокойный и мирный, полная гармония человека с собой, - делится своими мыслями Бьорк. - После одержимости реальностью, темнотой, когда все время думаешь, что все остальное дерьмо, вдруг, знаете, кажется, что придумать рай не так уж и плохо. Раньше я считала, что это бегство от жизни. Этот альбом в большей степени о создании собственного рая, но где-нибудь под кухонным столом, так что он очень личный”. 28. “Vespertine” до выхода альбома “Vulnicura” являлся самым длинным альбомом Бьорк, продолжительностью 55 минут 33 секунды. 29. В 2002 году у Бьорк вышли ретроспективный бокссет “Family Tree”, на котором присутствуют ранее неопубликованные композиции, и сборник “Greatest Hits”, а в 2003 - бокс-сет “Live Box”, состоящий из четырех дисков с концертным материалом и DVD. 30. Очередной лонгплей Бьорк “Medúlla” увидел свет в августе 2004 года. Основой нового эксперимента певицы стал человеческий голос – большинство звуков на альбоме являются натуральным или модифицированным вокалом. Обработанные на компьютере сложные вокальные партии образуют полифонические структуры. Из привычных инструментов Бьорк оставила барабаны и фортепиано в одном из треков.

В записи приняли участие барабанщик-вокалист Soft Machine, икона британского прог-рока, Роберт Уайетт, многостаночник от авант-рока Майк Паттон, канадская мастерица горлового пения Таня Тэгак, американский битбоксер Rahze, его японский коллега Dokaka и несколько хоров. 31. В августе 2004 года Бьорк исполнила песню “Oceania” из альбома “Medúlla” на открытии Летних Олимпийских игр в Афинах. 32. В 2005 году у певицы вышел сборник ремиксов на песню 1995 года “Army of me” под названием “Army of Mixes”, с целью помочь жертвам цунами в Индийском океане, а 2 июля 2005 она приняла участие в международной серии фестивалей “Live 8”, выступив в Японии. 33. В том же 2005 году вышел второй в дискографии Бьорк альбом-саундтрек “Drawing Restraint 9”. На этот раз к одноименному документальному фильму ее мужа, художника Мэттью Барни. 34. В октябре 2005 года на юбилейной церемонии вручения Q Magazine Awards Бьорк получила премию “Inspiration” (Вдохновение) из рук Роберта Уайатта, своего коллаборатора в работе над альбомом “Medúlla”. 35. Группа The Sugarcubes, с которой Бьорк делала первые шаги к мировой славе, воссоединилась ради единственного концерта, который состоялся 17 ноября 2006 года в Рейкьявике. 36. Бьорк записала кавер-версию песни Джони Митчел “The Boho Dance” для альбома “A Tribute to Joni Mitchell”, вышедшего в апреле 2007 года. 37. В мае 2007 года у певицы вышел новый студийный альбом “Volta”, ознаменовавший возвращение Бьорк к более доступным музыкальным формам, относительно форматной электронике и танцевальным “корням”. На “Volta” исландка удовлетворила давнее, по ее словам, желание поработать с модным хип-хоп продюсером Тимбалэндом. Впрочем, тут же оказались и проверенный Марк Бэлл, и солист Antony and the Johnsons Энтони Хагерти, и виртуоз африканской коры, и мастер китайской пипы, а также диковинный электроакустический инструмент Реактейбл. 38. Клип на песню “Innocence” был снят любительским тандемом Fred&Annabelle, победившим в конкурсе, объявленном на официальном сайте певицы. 39. В поддержку “Volta” Бьорк провела 18-месячный тур, в рамках которого впервые после 9-летнего перерыва посетила Латинскую Америку и после 12-летнего – Австралию и Новую Зеландию.

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

40. Осенью 2008 года увидел свет сингл “Náttúra” - еще один трек Бьорк, записанный при участии Тома Йорка. 41. В 2009 году под общим названием “Voltaïc” вышла серия релизов, содержащих материал, связанный с альбомом “Volta”. CD с 11 треками, сыгранными вживую в лондонской Olympic Studios, DVD с концертами в Париже и Рейкьявике в рамках “Volta tour”, сборник клипов на песни “Volta” и альбом ремиксов на синглы с альбома. 42. В мае 2010 года Бьорк вместе с Эннио Морриконе стала лауреатом престижной премии Polar Music Prize, основанной менеджером шведской группы АBBА Стигом Андерсоном в 1989 году. В июне увидел свет совместный ЕР Бьорк и американской группы Dirty Projectors “Mount Wittenberg Orca”, а в сентябре певица выпустила “The Comet Song”, песню для саундтрека к финскому мультфильму “Муми-тролль и комета”. Также в 2010 году ранее неизданная песня Бьорк “Trance” украсила фильм “To Lee, with Love”, посвященный дизайнеру Александру МакКуину. 43. В марте 2011 года стартовал новый глобальный эксперимент Бьорк под названием “Biophilia” - проекткомбинация музыки с технологическими инновациями в разрезе взаимоотношений науки и природы, включа-

68 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

ющий в себя интерактивные приложения, обучающую программу для детей и, собственно, студийный альбом. Центральная часть “Биофилии” была сосредоточена на серии интерактивных приложений для айпада, созданных ведущими программистами и дизайнерами. Свое приложение для каждой из 10 песен на новом альбоме. 44. В июне был издан первый сингл “Crystalline”. Эта песня была написана с использованием одного из нескольких инструментов, спроектированных и построенных специально для проекта, - “гамлесты”, смеси челесты и гамелана. Второй сингл “Cosmogony”, который служит основной темой для остальных приложений, был выпущен 19 июля 2011 года, затем последовали “Virus” и “Moon”. Полный альбом и оставшиеся приложения были изданы 10 октября 2011 года. 45. Еще один слой многогранного интерактивного проекта “Биофилия” - это обучающая программа, состоящая из серии воркшопов для школьников, исследующих взаимосвязь музыки и науки, и обучение учеников в возрасте 10-12 лет, используя приложения Бьорк в качестве отправной точки. Городской совет Рейкявика по образованию решил ввести это в программу во всех школах города на ближайшие несколько лет.

46. В 2012 году мир замер в тревоге после новости о том, что Бьорк предстоит операция на голосовых связках. Однако в ноябре, к радости своих поклонников, певица сообщила, что после удаления полипов она снова сможет давать концерты и записывать песни.

“Надеюсь, эти песни могут стать помощью, костылем для других и наглядным доказательством биологического процесса как такового: рана и исцеление раны. Психологически и физически на этот процесс уходит определенное время”, - говорит Бьорк.

47. В июне 2014 года Бьорк записала оригинальные вокальные семплы для американской авант-хоповой группы Death Grips, которая полностью построила на них свой альбом “Niggas on the Moon”. Позднее в этом году альбом “Biophilia” был включен в постоянную коллекцию Нью-Йоркского музея современного искусства МоМА, а концертный фильм “Björk: Biophilia Live” был показан в 400 кинотеатрах по всему миру (примечательно то, что организацией показа фильма мог заняться любой желающий, заполнив специальную заявку на сайте певицы).

49. В марте в Нью-Йоркском музее современного искусства состоялась премьера уникального видео от Бьорк “Stonemilker”. Певица “заморочилась” объемно-панорамным роликом с “виртуальной реальностью”, который был снят с использованием камеры 360-градусного обзора.

48. 18 января 2015 года, за два месяца до запланированной даты релиза, новый альбом Бьорк “Vulnicura” просочился в Сеть. С 20 января он уже официально продавался на iTunes. И снова после умопомрачительных экспериментов Бьорк вернулась к традиционным формам. При прослушивании “Vulnicura” прослеживается явная параллель со знаковым “Homogenic”. И дело не столько в саунде, вновь основанном на симбиозе электронных битов и струнных аранжировок, сколько в настроении. Если “Homogenic” был инспирирован стрессом после чудом несостоявшегося покушения, то над “Vulnicura” певица работала, переживая развод с мужем Мэтью Барни.

“Нашей задачей было создать видео, которое перенесло бы вас на берег океана, прямо в середину нашего маленького оркестра, - пояснила певица. - Когда вы оденете очки виртуальной реальности, вы увидите себя на пляже в окружении 30 музыкантов, сидящих вокруг вас”. 50. К октябрю этого года Бьорк в три захода презентовала в сети подборку ремиксов на песни из альбома “Vulnicura”. На физическом носителе все 12 треков будут выпущены неизменным лейблом One Little Indian, в формате эксклюзивной двенадцатидюймовой полупрозрачной пластинки. А в декабре запланирован выход альбома “Vulnicura: The Acoustic Version - Strings, Voice and Viola Organista Only” или попросту “Vulnicura Strings” с песнями, аранжированными одними только струнными и изобретенным Леонардо ДаВинчи инструментом виола органиста.

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

Эрланд Сиволапов

МНЕНИЕ СПЕЦА

КАК ОСЕДЛАТЬ ДРАКОНА

... ИЛИ О ЧЕМ СТОИТ ПОДУМАТЬ БАРАБАНЩИКУ В СТУДИИ, КОГДА БАРАБАНЫ УЖЕ НАСТРОЕНЫ, А МИКРОФОНЫ РАССТАВЛЕНЫ.

предыдущей статье, посвя-

Совсем недавно я начал пользо-

– ATTENTION (внимание, концен-

щенной советам по выбору

ваться палочками VATER модели

трация или же собранность)

палочек для начинающих и

Fatback 3А и решил поразмыс-

– ARTICULATION (артикуляция

не только барабанщиков,

лить, что же может скрываться

или же выразительность)

я затронул тему их маркировки.

за этими тремя “А”. Это привело

– ATTACK (атака, как основа зву-

Расшифровку этих коротких об-

меня к некой “3А” концепции, ос-

чания)

щепринятых кодировок неслож-

нованной на моем опыте работы

но найти в интернете, но однаж-

в студии и склонности находить

Давайте же теперь поговорим о

ды, трудясь над рудиментами,

символизм и скрытый смысл во

каждом из этих понятий более

когда мышцы и связки оттачива-

всем, что меня окружает.

подробно.

а мысли мои витали в облаках, я

За этой концепцией стоят три

Для

задумался о том, что еще могут

очень простых, но очень важных

очень сильно отличается от игры

нести в себе эти цифры и буквы.

слова:

живьем, как в физическом, так и

ли движения в сотнях повторов,

70 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

меня

студийная

работа

в психологическом аспектах. На

температуру

кондиционе-

разительность позволит самому

концерте нужно уметь распре-

ре так, чтобы вам было удобно

простому ритмическому рисунку

делить силы так, чтобы вашей

и ничего лишнего не занимало

заиграть всеми красками. Ме-

выносливости хватило дожить

ваши мысли. Настройте ком-

троном - основа любой записи,

до последнего удара. А иногда,

фортный микс в наушниках. Вам

но немного “оттянутый” малый

особенно если вы играете рок

предстоит сыграть ваши партии

барабан в медленных песнях

или метал, чтобы “добежать”

раз и навсегда, и то, что вы упу-

добавит драматизма. Обычный

хотя бы до конца песни и лишь

стили какие-то нюансы, потому

ритм 4/4 зазвучит подвижнее,

тогда отдышаться. В студии вы

что чего-то не слышали, уже не

если, играя на хай-хете, вы бу-

можете делать перерыв хоть

будет оправданием, в отличие

дете акцентировать каждую чет-

после

от концерта, где у вас обычно

верть. Добавьте акценты в ваши

не хватает на это времени. Вни-

сбивки и они зазвучат интерес-

мательно следите за тем, чтобы

нее и увереннее. В студии, как

каждый удар был точным и вы-

нигде, у вас есть возможность

веренным, чтобы не было форш-

уделить внимание артикуляции

лагов, удары руками и ногами

и добиться того, чтобы ваши

должны четко совпадать с ме-

партии звучали наилучшим об-

трономом и между собой. Вни-

разом.

каждого

куплета, если это поможет добиться лучшего результата. С другой стороны, концерт для меня - это прежде всего веселье и кайф от обмена энергетикой с публикой и своими товарищами по команде. В студии я один на один с инструментом, и зачастую кроме меня

мательно выслушивайте каждый такт, чтобы ваша партия не кон-

ATTACK. Хватит гладить бара-

фликтовала с другими инстру-

баны! Помните о том, что чем

ментами и в ней не было лишних

больше звука барабана будет

акцентов или неоправдан-

в снимающем его микрофоне,

ных сбивок. Помните

тем меньше придется звукоре-

о том, что ваша партия

жиссеру чистить ваши дорожки

будет основой для за-

от лишнего шума. И тем больше

писи всей остальной

шансов, что он предложит вам

группы и от вашего

работу. Четкий сильный удар по-

результата во многом за-

зволит в полной мере раскрыть-

висит успех всего мероприя-

ся звучанию каждого барабана,

тия. Не двигайтесь дальше до

и понадобится лишь минималь-

тех пор, пока не будете на 100%

ная дальнейшая обработка, что-

уверены, что все звучит так, как

бы убрать лишний гул и получить

надо.

яркий щелчок и чистый тон. Если

в комнате никого нет, а звукорежиссер и продюсер го-

ворят со мной через наушники. Эти принципиальные для меня отличия и формируют мой подход к студийной работе. Здесь проявляет себя первое “А”.

на

вы хотите быть услышанным в ATTENTION. Главное в игре в

ARTICULATION. Многие бара-

миксе - бейте по барабанам и

студии - это внимание и кон-

банщики недооценивают роль

они зазвучат суше, четче и ярче.

центрация.

доста-

артикуляции в игре на инстру-

Современные технологии сем-

точно времени перед началом

менте. Если в условиях концер-

плирования и прочие студийные

вашей

та я могу согласиться с тем, что

хитрости могут решить очень

усло-

динамика немного уходит на

многие проблемы звукоизвле-

вий для игры. Расставьте ба-

второй план, особенно если мы

чения. Но не боитесь ли вы, что

рабаны и стойки, проверьте

говорим о рок-концерте, то в

проще будет все “нарисовать”

настройки

высоту

студии от этого аспекта вашей

или нанять студийного музыкан-

стула, выставьте в конце концов

игры зависит очень многое. Вы-

та, что вас не позовут на запись

Потратьте

сессии

наиболее

на

создание

комфортных

педалей,

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

ATTACK “Хватит гладить барабаны!”

ARTICULATION

вают “Многие барабанщики недооцени роль артикуляции”

ATTENTION “Главное в игре в студии - это внимание и концентрация”

ЭРЛАНД СИВОЛАПОВ следующего альбома вашей же группы? Чтобы этого не произошло, бейте в барабан! На втором куплете закончились силы - не страшно, отдышитесь и продолжите играть с того места, на котором остановились. Неуверенно звучит сбивка - запишите ее отдельно. Запись - не соревнование, здесь нужен результат и не важно, на сколько частей вы разделили задачу. Основные тезисы этой статьи стары и во многом очевидны, однако многое из сказанного часто упускается, причем не только начинающими барабанщиками. Надеюсь, что-то из упомянутого выше позволит вам добиться лучшего результата в вашей будущей студийной работе. Ибо для меня мой концепт “3А” работает так же надежно, как и мои палочки VATER “Fatback” 3A.

72 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

МНЕНИЕ СПЕЦА

Дмитрий Василец

РИТМ: ЛОВИ И ДЕРЖИ

ногие говорят, что музыка без ритма – это скучно и пресно. На самом же деле все гораздо проще: музыки без ритма не бывает вовсе. Это тот фундамент, который закладывает основы музыкального произведения. Это сама суть музицирования. Более того, ритм сопровождает нас повсюду, где бы мы ни находились. Мы чувствуем его в биении нашего сердца и в легком дыхании природы, в размеренном течении жизни и в хаосе шумного мегаполиса. Все живет под звуки своей собственной музыки. Ритм – это и есть жизнь. Главное – уметь его удержать. Давайте обратимся к истокам, окунемся в стихию ударных инструментов, без которых сегодня уже просто невозможно представить наше существование, и поговорим о музыке более предметно. Задача барабанщика состоит в том, чтобы создать ритм и передать это ощущение всем. Такова суть и правила игры. Но насколько же это соответствует действительности? Неопытные новички, как правило, любят очень громко стучать в барабаны, не сильно прислушиваясь к другим музыкантам. Те же, в свою очередь, сосредоточены на собственной игре, мол, мы тут играем свое красивое, а ты уж, друг, давай стучи. В результате ритм не держит никто, и семь из десяти начинающих украинских групп играют нечто, что и музыкой назвать то можно с очень большой натяжкой. Печально.

74 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

КАПЕЛЬКА ИСТОРИИ Так сложилось, что танцевальная этническая музыка в своей основе всегда имела четкий, сочный ритмический рисунок, проверенный сотнями лет и десятками тысяч топающих ног. Но в период становления и развития классической музыки современные европейцы стали пренебрегать ударными инструментами. Желая доказать собственную интеллектуальную ценность, они уделяли много внимания романтизму метафор, красоте мелодий и богатству гармоний. Считалось, что людям высшего общества с тонкой душевной организацией не к лицу сумасбродные энергичные танцы, такое времяпрепровождение больше было свойственно людям низшего сословия. Вот потому ударные инструменты и перкуcсия на какое-то время отошли на второй план и стали играть второстепенную роль, скорее ненавязчиво подчеркивающую настроение музыкального произведения, лишь слегка расставляя акценты в нем. Но, как известно, в нашей жизни все циклично: эпохи сменяют одна другую, культурные границы стираются, искусство видоизменяется. И ударные инструменты уже очень давно отвоевали свои позиции, вернувшись во все музыкальные стили. Но, к сожалению, многие люди и до сих пор находятся в плену стереотипов, не совсем понимая, что такое ритм и что с ним делать. КРУПИЦА ТЕОРИИ Давайте же попробуем разобраться и прочувствовать, что такое ритм. Хлопните в ладоши. Скажем, четыре раза подряд. Медленно. А теперь в такт хлопкам начните

притопывать ногами и двигать тазом. Попробуйте, можно даже прямо перед зеркалом – хлопните еще восемь раз и подвигайтесь в таком темпе. Получилось? Тогда я вас поздравляю: только что вы сплясали под собственную музыку в ритм! Выражаясь академическим языком, ритм – это последовательность звуков, чередование сильных и слабых долей. Гитарист, флейтист, баянист, скрипач, пианист – каждая сыгранная ими музыкальная фраза имеет свой ритм. К слову, фортепиано – это самый настоящий перкуссионный инструмент! Вы нажимаете на клавишу, и в это время маленький молоточек бьет по струне, струна вибрирует, получается звук. Выходит, что вы играете на очень большом количестве маленьких струнных барабанчиков! Одним словом, чтобы играть синхронно и слаженно, нужно, чтобы каждый музыкант ощущал заданный ритм. А потому это чувство надо развивать. Вы спросите как? Да вот хоть бы так. НЕМНОГО ПРАКТИКИ Самое главное в ритме – это не громкость и форшлаги, а пульсация, биение. Музыкальная теория называет это “метром”. Если вы умеете чувствовать пульсацию, то вас уже не остановить. Во всяком случае, законными методами. :) Есть несколько способов научиться чувствовать ритм. 1. СТАРЫЙ ДОБРЫЙ МЕТРОНОМ Да-да, опять этот скучный тикающий монстр. Метроном всем уже так надоел, скажете вы. Но, увы и ах, без него никуда. Сам по себе он никак не поможет вам обрести то самое внутренне чувство рит-

ма, но технически штука невероятно полезная, с каждым следующим занятием навык “попадать” все растет и растет. Самый простой способ – играть в каждый “щелчок”. Однако это быстро надоедает, к тому же дает очень широкое поле для самообмана – часто мы понимаем, что не попали только тогда, когда совершенно сбились с ритма. Я предлагаю немного изменить план и поиграть с метрономом в слабую долю, т.е. пусть он щелкает между вашими ударами. Вот увидите, это гораздо сложнее, и, пожалуй, полезнее. 2. РИТМИЧЕСКАЯ ИГРА Вот это уже веселее! Я не знаю историю происхождения этой игры, лично мне ее показал один театральный режиссер. Отличный способ поразвлечься с друзьями, особенно, если они музыканты. Садитесь в круг, кладете руки себе на колени. Рассчитываетесь на порядковые номера – от одного и “до упора” (смотря сколько ваших друзей согласилось на эту безумную затею). И все вместе начинаете отбивать ритмический рисунок на 4/4: удар руками по ногам, хлопок, два щелчка пальцами правой и левой руки поочередно. Как только ритм установится, начните передавать “счет” на щелчок правой руки громко произнесите свой порядковый номер, на щелчок левой – порядковый номер любого другого человека, который находится вместе с вами в кругу. Тот, кому вы передали счет, делает все точно так же – на щелчок правой руки говорит свой номер (как бы принимая ваш посыл), на щелчок левой – номер кого-нибудь еще. Условие – ритм можно постепенно ускорять (по общему согласию), но нельзя замедлять. Задача – как можно дольше продержать “счет”. Со временем ритмический рисунок можно менять на более сложный.

ВСЕГДА В СТРОЮ!

3. РИТМИЧЕСКАЯ ХОДЬБА Это довольно странный способ, но он действительно работает. Однажды, когда вы окажетесь одни в довольно просторном помещении, попробуйте просто походить в ритм. Для пущей уверенности можете включить метроном, но желательно ходить в удобном, комфортном для себя темпе. Возьмите наш любимый ритм 4/4 и хлопайте - вначале на 1 и 3, потом на 2 и 4, потом на 1 и 4, 2 и 3, в общем, поиграйтесь уж там сами. Главное – все действия должны выполняться спокойно и расслабленно. Удивительно простой способ почувствовать “метр”. ФИНАЛЬНОЕ НАПУТСТВИЕ Никогда не забывайте, что ритм – это важнейшая и неотъемлемая составляющая музыки. Барабанщик вы или гитарист, скрипач или играете на треугольнике – помните, для чего вы все это делаете. Развивайте свое мастерство и чувство ритма, работайте над собой и совершенствуйтесь каждый день. Ритмичной игры вам и будьте счастливы!

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

СТРАНИЦЫ ИСТОРИИ

Перкуссионные ударные инструменты Артем Паламарчук

здавна барабаны использовались не только для создания музыки и сопровождения различных ритуальных обрядов, танцев и церемоний, они так же широко применялись, как сигнальные инструменты для передачи сообщений при военных шествиях и действиях, и даже как предупреждение об опасности. Наряду с этими функциями, существуют еще и техники исцеления лечебными ритмами, ритмами этнических барабанов. Этнические барабаны – это прекрасный способ окунуться в древность, закрыв глаза мысленно перенестись к истокам человечества. Речь идет не о миллионах лет, но, как минимум, о тысячах, когда были изобретены первые прототипы ударных инструментов. В руинах Месопотамии были найдены маленькие цилиндрические барабаны, изготовленные около 3000 лет до нашей эры. Возраст найденного в Моравии барабана датируется пятым тысячелетием до н. э., в Древнем Египте барабаны возникли за 4 тыс. лет до н. э. Сегодня барабаны плотно заняли свою нишу в музыке и сердцах людей. Некоторые традиционные

76 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

барабаны уже давно используются в эстрадной музыке. Это, прежде всего, всевозможные латиноамериканские (бонги, конги, кахоны, тимбалес) и африканские (дарбуки, джембе). Интерес к этим инструментам подогревается еще и тем, что звукоизвлечение не ограничивается несколькими приемами игры. В случае с восточным барабаном дарбукой (или же его басовым собратом - думбеком), их число может достигать десятка! Это могут быть удары ладонью, пальцами, костяшками пальцев, в центр пластика, с краю, а также всевозможные комбинации этих приемов. Разные техники подразумевают разную тембральную окраску, насыщенность звучания и динамику при игре: от еле слышной дроби подушечками пальцев до плотного “низа” в центре или яркого и стреляющего звука на ободе барабана. В этой статье мы рассмотрим чаще всего встречающиеся в наших широтах интересные этнические барабаны разных народов, дабы иметь представление о них. Вашему вниманию будет представлена краткая история возникновения и небольшое, но емкое описание инструмента.

ДАРБУКА Дарбýка (тарбука, дарабука, тарамбука, думбéк) старинный ударный музыкальный инструмент неопределенной высоты звучания, небольшой барабан, широко распространенный на Ближнем Востоке, в Египте, странах Магриба, в Закавказье и на Балканах. “Дарбука” - это только одно из многочисленных названий этого инструмента, этимологически связанное, по всей видимости, с арабским словом “darba” (ударять). В оригинале изготавливается из глины и козлиной шкуры в качестве пластика. Современные дарбуки более гуманны к фауне и их пластики производятся из искусственных материалов, а корпуса дарбук производятся по большей части из металла. Прапрадеды этого инструмента датируются примерно IV-III веком до нашей эры, но есть данные и об экземплярах возрастом в 7000 лет до н.э. В современной европейской традиции кубкообразный барабан впервые встречается на миниатюре в кантигах Альфонса Мудрого (1221-1284 гг.). Девушка держит его на плече в марокканской

ке глянцевый, играющий в лучах света, блеск. В Сирии вместо мозаики используют красивую аппликацию.

манере. В персидских миниатюрах он появляется с XIX века и расположен уже на коленях. По размерам различают солодарбуку, называемую в Египте таблой, и басовую дарбуку – дохолу (эта разновидность дарбуки, благодаря мощному басу, незаменима в перкуссионных ансамблях). В Египте используется также дарбука промежуточных размеров, называемая сумбати. Широко распространены также маленькие сувенирные дарбуки. В Египте и Сирии наиболее качественные дарбуки производят методом литья из специального сплава алюминия. Это позволяет делать цельным и точным обод дарбуки, соблюдать в нужных местах необходимую, доходящую до 1 см, толщину стенок корпуса. Затем на корпус наносят мозаику из натурального перламутра или красного дерева, лучшие в мире мастера-мозаисты - потомственные мастера мозаики. Все покрывается сверху несколькими слоями лака по специальной технологии. Лак поверх мозаики придает ей прочность, а дарбу-

Мастера Турции предпочитают керамику, также они массово используют металлическую штамповку для дешевых инструментов и отливают корпус из чугуна для более профессиональных и тяжелых дарбук. Глиняная дарбука - это удивительный инструмент. Мелодичный, тонкий керамический звон и раскатистый бас создают атмосферу по-настоящему теплого домашнего очага и производят неизгладимое впечатление. Лучшую глину для керамики добывают в старинном городе Измир, где на протяжении многих столетий научились исключительно тонкой работе с керамикой. В результате одно- или двукратного обжига в печи, при температуре более 1000 градусов по Цельсию, глина переходит из порошкового несвязанного состояния в стеклообразную спекшуюся монолитную массу очень высокой прочности.

ДЖЕМБЕ Джéмбе - западноафриканский барабан в форме кубка с открытым узким низом и широким верхом, на который натягивается мембрана из кожи чаще всего козьей. По форме относится к так называемым барабанам в форме кубка, по звукообразованию - к мембранофонам.

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

Похожий внешне на предыдущий ударный инструмент, однако отличающийся материалом корпуса. Производится он из цельного куска дерева (примерно 60 см высотой и диаметром мембраны в 30 см) с натянутой на него шкурой антилопы или козы. В современном мире мембрана также производится из искусственных материалов. Появился в Малийской Империи в XII веке и образно назывался “Healing Drum” (Исцеляющий Барабан). Полагают, что открытая форма корпуса происходит от обычной дробилки зерна. Играют на джембе двумя руками. Основных звука три: низкий удар (бас), высокий (тон) и шлепок-звонкий (слэп). Играющий стоит, при этом барабан подвешивается на специальный ремень или ставится на особую стойку. Также на джембе часто играют сидя, при этом барабан зажимается между ног. Некоторые просто садятся на лежащий на земле инструмент. Для африканских ритмов характерна полиритмия, когда несколько барабанных партий создают общий ритм. Широкую популярность приобрел в XX веке благодаря группе Le Ballet Africains - национальному ансамблю Гвинеи. Популярности джембе также содействовали его габариты - он относительно прост для ручной переноски, и легкость в освоении - он имеет довольно сильный бас, а звукоизвлечение доступно для начинающих. В Африке мастера игры на джембе называют djembefola. Джембефола должен знать все партии исполняемых в деревне ритмов. Каждый ритм соответствует определенному событию.

78 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

Джембе - как аккомпанирующий, так и солирующий инструмент, позволяет многое рассказать слушателям и буквально заставляет людей двигаться!

БОНГИ Бонго или бонги - кубинский ударный инструмент, состоящий из пары одноголовых, открытых барабанов, соединенных друг с другом. Барабан большего диаметра называется “эмбра” (hembra - исп. женщина, самка), а меньший - “мачо” (macho - по-испански “самец”). На сегодняшний день производители продолжают экспериментировать с размерами бонгов. По всей видимости, бонги попали в Латинскую Америку вместе с рабами из Африки. Исторически бонги связаны с такими стилями кубинской музыки, как Salsa, Changui и Son, которые появились на Восточной Кубе во второй половине XIX века. Однако следует отметить тот факт, что подобные бонго пары барабанов с керамическими телами и козлиной шкурой были найдены в Марокко, а также в Египте и других ближневосточных странах.

КОНГИ Конга - это узкий высокий кубинский барабан с африканскими корнями, возможно, происходящий от барабанов Макута (Makuta) или барабанов Сикулу (Sikulu), распространенных в Мбанза Нгунгу, Конго (Mbanza Ngungu, Congo). Человека, играющего на конгах, называют “конгуэро” (“conguero”).

В Африке конги изготавливались из полых бревен, на Кубе этот процесс напоминает изготовление бочек. Собственно, изначально кубинские конги изготавливались как раз из бочек. Эти инструменты были обычны для афро-карибской религиозной музыки и румбы. Сейчас конги очень популярны в латинской музыке, особенно в таких стилях, как сальса (salsa), меренга (merengue). Большинство современных конго имеет деревянный или фибергласовый корпус и мембрану из кожи (пластика). При игре стоя конги обычно находятся приблизительно на расстоянии 75 см от края корпуса до головы исполняющего. Также на конге можно играть в положении сидя. Хотя конги возникли на Кубе, их внедрение в народную и популярную музыку в других странах привело к диверсификации тер-

минологии для документации и исполнителей. Бен Якоби в своем труде “Introduction to the Conga Drum” полагает, что барабаны называются congas на английском, но tumbadoras на испанском. Названия отдельных барабанов, от большого к маленькому, как их принято называть на Кубе: Супертумба (supertumba) может достигать размера в диаметре порядка 14 дюймов (35,5 см). Тумба (tumba) обычно имеет диаметр от 12 до 12,5 дюймов (30,5 - 31,8 см). Конга (conga) обычно в диаметре от 11,5 до 12 дюймов (29,2 - 30,5 см). Кинто (quinto) порядка 11 дюймов в диаметре (около 28 см). Рекинто (requinto) может быть менее 10 дюймов в диаметре (24,8 см).

Рикардо (ricardo) примерно 9 дюймов (22,9 см). Так как этот барабан часто закрепляется на плечевом ремне, то он обычно уже и короче традиционной конги. Термин “конга” был популяризирован в 1950-х годах, когда латинская музыка захлестнула США. Кубинская сон (son) и нью-йоркский джаз смешались и дали новый стиль, названный впоследствии мамбо, а позднее сальса. Слово “конга” произошло от ритма la conga, часто играемого на кубинских карнавалах. Ударные, на которых исполнялся ритм la conga, имели название tambores de conga, в переводе на английский conga drums.

КАХОН Кахóн (исп. Cajón - коробка, ящик) - ударный музыкальный инструмент родом из Перу.

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

Представляет собой коробку, выполненную из дерева или других материалов. Появился этот простой, на первый взгляд, инструмент на просторах Перу в начале XIX века. Поскольку какиелибо этнические музыкальные инструменты были запрещены колониальным испанским правительством, рыбаки использовали обычные ящики из-под фруктов как ударные инструменты. Музыку невозможно запретить! Пик популярности кахона пришелся на середину века, но до конца XIX века музыканты продолжали эксперименты с его материалами и устройством для достижения лучшего звука. С этого времени он стал распространяться по всей территории Латинской Америки и к XX веку стал неотъемлемой частью перуанской и кубинской музыкальной культуры. Корпус кахона внешне ничем не отличается от советской тумбочки, но имеет крепкие, довольно толстые (порой до 11-13 мм) стенки, чтобы ящик смог

выдержать вес кахониста, усевшегося сверху. Передняя, она же ударная, часть кахона, называется тапой (исп. Tapa). Она также выполнена из фанеры, однако самой тонкой во всей конструкции кахона (3-4 мм толщиной). Ударяя в разные части тапы, музыканты извлекают разный по характеру и тону звук: по центру тапы – глубокий бас, ближе к верхнему краю – звонкий, дребезжащий звук, похожий на звук малого барабана в современной ударной установке. Играть на кахоне можно не только руками. Часто музыканты пользуются рутами (вид барабанных палочек, состоящих из определенного числа тонких прутьев, собранных в пучок, и дающих рассеянный, мягкий звук) и щетками (похожи на веники, своеобразные барабанные палочки, применяющиеся в большинстве своем в джазе; дают мягкое шуршание и рассыпающийся щелчок при шлепке). Дребезжание в верхней части тапы происходит благодаря

установленным на внутренней ее части гитарным струнам. Существуют также современные кахоны с механизмом “отключения” дребезжания (опять же, сродни малому барабану). Различают несколько разновидностей кахонов: трихон, отличие которого от стандартного кахона, дошедшего до наших дней, заключается в том, что внутри его корпус разделен на три части, каждая из которых при игре воспроизводит свой, отдельный тембр звука; и кахонга – это смесь кахона и бонгов, по сути это кахон, размещенный в горизонтальной плоскости с разными по объему секторами (как бонги), но материалом ударной части служит не пластик, а фанера (или та же тапа). В семидесятых годах двадцатого века перуанский композитор и мастер по изготовлению кахонов Каитро Сото (Caitro Soto) преподнес кахон в качестве подарка испанскому гитаристу Пако де Лусии, посетившему Перу. Звук кахона так понравился Пако, что известный гитарист приобрел еще один инструмент до отъезда из страны. Немного позже Пако де Лусия представил кахон в музыке фламенко, и его звук стал прочно ассоциироваться и с этим музыкальным направлением. В наши дни традицию использования кахонов в латинской музыке продолжают многие музыкантыперкуссионисты. Одним из них является перуанский барабанщик и перкуссионист Алекс Акуна (Alex Acuna), чья подписная модель кахона выпускается фирмой Gon Bops, модельный ряд которой в широком ассортименте представлен в сети магазинов JAM.

80 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

глубоких и высоких обволакивающих тонов. Приятный на вид и на ощупь, успокаивающий и умиротворяющий на слух, уду способен увести вас в глубокую медитацию, подарить чувство комфорта и спокойствия. Существует интересная техника игры на уду из стеклопластика, когда свойства резонатора изменяются с помощью налитой в горшок воды. С водой барабан приобретает поистине мистическое звучание.

УДУ Уду (от игбо Udu - сосуд, мир) африканский глиняный барабан-горшок, происходящий из племен Игбо и Хауса в Нигерии. Глубокие, настигающие звуки, которые производил уду, многим казались “голосами предков” и первоначально его использовали в религиозных и культурных церемониях. При ударе по отверстию инструмент издает глубокий низкий звук, по поверхности - звенящий керамический звук. Может иметь мембрану на поверхности. С точки зрения физики - это резонатор Гельмгольца.

Племена Игбо и Хауса жили разобщенными группами, поэтому каких-то определенных, “правильных” техник игры на уду нет. Сохранилась только технология изготовления этих ударных инструментов. Единственной общей для всех нигерийских музыкантов основой техники являются удары по боковому отверстию, с открыванием и закрыванием другой рукой горловины барабана. При этом получается гипнотический бас, за что многие так любят уду. Инструменты уду сочетают в себе уникальное “аква-резонансное” звучание и теплую “земляную” вибрацию, создавая цельный сплав

Несмотря на появление в современном мире вариаций уду из стеклопластика и дерева, самым популярным материалом для изготовления этого инструмента остается глина. Сейчас большинство мастеров делают барабаны на гончарном круге, но в Нигерии до сих пор широко распространен традиционный способ изготовления - без использования станков и сложных инструментов. Теперь, уважаемый читатель, ты с легкостью сможешь разобраться в основных видах перкуссии, выбрать инструмент для себя и начать его осваивать, если, конечно, ты до сих пор этого еще не сделал.

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

ИНТЕРВЬЮ

WAY STATION Константин Сурин

Где-то там далеко плывут другие корабли...

иевская группа Way Station уже давно стала узнаваемой на местной post-rock сцене. В архиве у музыкантов имеются несколько синглов, один полноформатник и многочисленные выступления, как с нашими коллективами, так и с западными. Основатель и главный идеолог группы Никита Юдин любезно согласился ответить на наши вопросы, связанные с прошлым и будущим “пересадочной станции”. В конце прошлого года у вас вышел цифровой сингл “2 Million Light Years” и мне показалось, что новые песни стали более мрачными и даже какими-то депрессивными, чем те, которые мы слышали на вашем дебютнике... Да, много кто говорил нам, что звучание стало другим и более тяжелым. Я объясню это тем, что мы не стоим на месте, стараемся дать слушателю что-то новое. В одном из интервью Найджел Годрич (продюсер Radiohead) сказал, что с каждым новым релизом слушатели ждут большего. Получив ожидаемое, никто не удивится. Скажут: “О, да, это то, чего мы ждали...”. Так постепенно может пропасть интерес к группе. Поэтому надо прыгнуть выше своей головы, дать фэнам сверх того, что они ожидают. Вот тогда будет успех! Этот принцип я взял за основу творческого развития. Наша цель - заставить вибрировать струнки души каждого слушателя, не ограничивать себя жанровыми рамками, а более минорный лад только способствует этому. Что касается “2 Million Light Years” это новый виток в нашем творчестве. Данный сингл задал настроение для всего будущего альбома.

82 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

Новый альбом будет в духе Radiohead? Могу точно сказать, что у Radiohead можно многому поучиться. Они умеют удивлять. Каждый отдельный альбом звучит так, как будто он написан совершенно разными группами. Но все же есть что-то одно, что делает их узнаваемыми - будь то голос Тома Йорка или ритмические рисунки. Когда я первый раз услышал Radiohead, мне они жутко не понравились, но потом, как что-то запрещенное, хотелось послушать еще. В итоге, эти ребята сильно повлияли на мой музыкальный вкус. Мы не стремимся сочинять музыку в духе известных западных групп, у нас нет такой цели. Однако у них очень многогранная музыка, и каждый может найти что-то интересное для себя. Расскажи о вашем альбоме “The Ships”, который вышел два года назад. Доволен ли ты полученным результатом или, как и многие музыканты, хотел бы что-то сейчас изменить? Этот альбом собран из композиций, написанных на протяжении длительного периода времени. Например, песню “Корабли” я сочинил еще тогда, когда даже и мысли не было о создании Way Station. И ставшая хитом “Dark Sea” написана примерно в то же время. Спустя год или два, родились такие композиции, как “The Noise Was Ended Now” и “The Heaven and the Earth”. Все треки не похожи друг на друга, сочинялись в разное время, идеи долго вынашивались, потом перед записью много раз видоизменялись, поэтому одной из самых сложных задач было заставить весь альбом звучать целостно. Я думаю, это получилось. Ну, и менять что-либо, конечно же,

не хочется, да и нет смысла, когда альбом уже издан. Диск вышел в нестандартной упаковке, я имею в виду, что даже на западе группы редко издают диски в таком виде. Чья это была идея и насколько для тебя важна визуальная часть, т.е. все, что связано с оформлением? Да, обложка диска напоминает семидюймовый винил. Это своего рода фишка лейбла AZH Music. У них есть несколько релизов в таком формате. Идея в том, чтобы ярче смотрелась картинка на обложке. Это ведь первое, на что обращаешь внимание, когда берешь диск в руки... Представляю недоумение коллекционеров, купивших этот диск, когда они пытались впихнуть его на полочку, рассчитанную под стандартные CD. Визуальное оформление я считаю не менее важной составляющей, чем музыкальный материал. Причем это касается не только обложки диска, а и оформления веб-страниц, афиш, постеров, выбора шрифтов, различных видео-роликов и т.д. Все это выполняет функцию упаковки и должно дополнять музыкальную составляющую. Никто не обратит внимание на продукт, если коробка невзрачная и не вызывает никакого интереса, какой бы вкусной ни была начинка. Идея же нашей графики пришла в голову достаточно просто. Разглядывая фотки в программе Google Earth, я наткнулся на фото корабля на фоне норвежских гор. Мне сразу понравилась цветовая гамма и глубина этой фотографии. Написав автору, я получил положительный ответ на использование изображения в качестве обложки альбома. Вот и вся история. Вы остались довольны сотрудничеством с AZH Music? Будете продолжать работать с ними и в будущем? Сотрудничество с AZH Music ограничилось только релизом “The Ships” и скромной его презентацией. Это молодая команда, которой еще многому предстоит научиться. У нас разные взгляды на то, чем должен

заниматься лейбл, и для следующего релиза мы хотим найти ребят посерьезнее. Тем более, что мы получили предложения от парочки зарубежных лейблов. От каких именно пока держим в секрете. С кем вы выступали на презентации? Хедлайнерами того вечера была американская группа Lymbyc Systym достаточно известные ребята у себя на родине. А на разогреве выступили молодые украинские построкеры This Cold Normandy. В поддержку “The Ships” вы отыграли много концертов в Киеве. Какой был самый запоминающийся? Сложно сказать, какой концерт самый запоминающийся. Впечатления музыкантов зависят от многих факторов: насколько аппарат на сцене соответствует райдеру, насколько качественно все организованно. В идеале эти нюансы не должны обсуждаться, а впечатление от концерта должно основываться на эмоциональной составляющей от взаимодействия с публикой. Нас всегда тепло принимают, каждый концерт запоминается чем-то особенным, но, к сожалению, существуют мелкие проблемы, связанные с неопытностью организаторов или очень малым бюджетом, вложенным в концертную площадку. Так что, если смотреть только на технические и организационные нюансы, один из самых запоминающихся концертов - это разогрев Maybeshewill в Киеве. Как тебе новость об их распаде? Хотели бы выступить с ними в последний раз, когда они приедут в Киев в следующем году? Новость как новость, ничего ужасного не произошло. Любое окончание чего-либо свидетельствует о начале чего-то нового. Что касается Maybeshewill, я думаю, эти ребята еще заявят о себе, а может это вообще коварный план такой: сделать грандиозный тур в связи с распадом группы, а через годик-два сделать еще более грандиозный реюнион.

Современные маркетинговые технологии скоро дойдут до абсурда, так что всякое может быть. А по поводу выступления - это для нас уже превращается в добрую традицию быть на разогреве у Maybeshewill, когда они дают концерты в Киеве. Посмотрим, может, пересечемся на одной сцене и в этот раз. Изначально в творчестве Way Station прослеживается некая космическая тематика. Это своеобразная фишка или название группы никак не связано с этим? Когда-то в детстве я прочел книгу “Пересадочная станция” Клиффорда Саймока. Она мне запомнилась. И когда встал вопрос о том, как назвать группу, я сразу вспомнил о ней. Так и пришло название коллектива. Когда творчество обрело форму, концепцию и инструментальное направление, название было переведено с русского языка на английский, как в оригинале. Космос нас вдохновляет, но это не является фишкой. В какой-то степени я бы хотел вообще никак не связывать творчество с космической тематикой, но тогда вдохновение где-то в другом месте искать придется. :) Ну, а если серьезно, то это способ передать какие-то глубокие подсознательные инстинкты, мысли и эмоции. Если сопоставить внешний космос внутреннему, который у каждого свой глубоко в душе, то наша музыка при этом является связующим звеном, пересадочной станцией между реальным миром и внутренним космосом каждого человека. Как думаешь, мы не одни в этой Вселенной или НЛО - это просто миф, который придумали предприимчивые американцы, так же, как и мифический, по утверждению некоторых скептиков, полет на Луну? Если честно, я не особо задумываюсь, есть ли внеземная жизнь или нет. Если есть, хорошо. Может мы когда-то и встретимся. А если нет, то это как-то ни хорошо и ни плохо. Лично мне все равно. Больше меня волнует то, кто МЫ такие, откуда и зачем... К слову, американцы на Луне были - это факт.

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

смикшировать альбом в какой-нибудь западной студии с именитым продюсером. Твое мнение на этот счет? Стоит ли игра свеч?

Ну, это спорный вопрос. Холодная война ведь тоже была фарсом и нужна была для того, чтобы скрыть реальное положение вещей. Лично для меня покорение космоса - это показатель научно-технического прогресса, никоим образом не связанного с политикой! Новость о фальсификации высадки на Луну въелась в голову сторонникам всяких “Теорий Заговоров”. А ведь эти доказательства, указывающие на то, чего якобы не было, тоже вполне могут быть сфальсифицированы. Тут уж сам выбирай, насколько хочешь быть обманутым. Я стараюсь быть аполитичным и не влезать в бессмысленные дискуссии о том, кто прав, кто виноват, холодная война и прочее. Я за МИР и за взаимоуважение! Все мы обычные люди, и не имеет значения, кто и какой национальности первым покорил это небесное тело. Расскажи немного о том, на каком инструменте ты играешь? Какие струны используешь? Моя гитара сделана немецкой фабрикой Framus, модель Diablo Pro, радует меня с каждым днем все больше и больше! Этот производитель более известен по бас-гитарам Warwick. Струн перепробовал очень много. Отмечу самые понравившиеся: Dean Markley серии Blue Steel, Ernie Ball и Dunlop Pure Nikel, а сейчас ставлю себе никеливые D’Addario калибром 11-56. А как ты стал эндорсером Framus? Как-то поговорил с менеджером

84 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

сети JAM - которая является официальным представителем бренда в Украине - о том, что не прочь стать эндорсером. Он отправил запрос ребятам из Framus, и вот моя фотка уже у них на сайте в разделе “Артисты”! Можете меня поздравить! Искренне поздравляем! А какую гитару ты хотел бы приобрести еще, будь такая возможность? Я бы хотел сделать кастомную гитару на заказ у той же фирмы Framus! Тем более, что теперь у меня есть такая возможность. Но для этого нужно деньжат немного накопить. А откуда пошла такая фишка играть смычком на гитаре в конце сета на своих концертах? Уж очень мне нравится, как звучит гитара, когда по ней смычком играешь. Появляется масса обертонов, звук прямо врезается в уши. В то время, когда я еще учился в консерватории и слушал Led Zeppelin, меня впечатлил Джимми Пейдж своими экспериментами. Я тут же раздобыл смычок у знакомой скрипачки и понеслась... Потом открыл для себя Sigur Ros с их уникальным звуком. А сейчас я все больше и больше наблюдаю смычок в руках гитаристов. Это становится трендом что ли... Надо будет новую фишку придумать. :) Ты вот сам занимаешься сведением и мастерингом своих релизов, в то время, когда многие наши музыканты только и мечтают записать и

У западных звукорежиссеров, конечно, есть чему поучиться. Однако я думаю, что необязательно переплачивать кучу денег ради именитого западного продюсера. У нас в стране есть достойные студии и звукорежиссеры. Лучше позаботиться о том, чтобы человек, который будет вас писать и сводить, понимал ваше творчество, вникал в идею, и вы ему доверяли. У меня сложно с доверием в этом вопросе, вот и научился все делать самостоятельно. Тем более, я представляю, КАК в конечном итоге должна звучать композиция, которую я же и сочинил. И вообще, мне всегда нравился процесс записи и сведения. Сам ты лично с каким продюсером хотел бы поработать и в какой западной студии записаться? На ум сразу пришло два имени: Джон Конглетон, работавший над одним из моих любимых альбомов “Tunnel Blanket” группы This Will Destroy You и Росс Робинсон - известный по работе с более тяжелыми командами, такими как Deftones, Korn и другими. А вообще, конечно, сложно сказать. Для меня важно, чтобы звукорежиссеру нравилась музыка, которую он сводит или пишет. Чтобы мы с ним были на одной волне. Что касается студии, наверное, мечта любого музыканта это попасть на студию Abbey Road, и

я - не исключение. Но на самом деле хороший аппарат в хорошем помещении и, самое главное, знающий звукорежиссер - вот рецепт успеха. Много ли к тебе людей обращаются с целью записать и свести альбом в твоей домашней студии? Что посоветуешь молодым музыкантам, которые только собираются пойти первый раз в студию? Ну, поскольку это не является моим основным заработком, я стараюсь не набирать много заказов. В основном я пишу и свожу группы, которые мне интересны. Да, советы могу дать. Первое, на что следует обратить внимание, это на качество аранжировки! Вот сочинили вы, например, две разные партии гитар. Где потом они должны лежать в миксе? Можно раскидать их по краям стерео-панорамы, можно одну продублировать, а вторую оставить в центре, а можно обе партии продублировать. Зачастую звукорежиссеру приходится за вас принимать такие решения. Так что старайтесь продумывать все это еще на этапе сочинения композиции. Второй момент - качество исполнения. Современные техники записи и редактирования дошли до того, что можно записать отдельно хоть три ноты, а потом нарезать и смонтировать из них целую композицию! Ну, не стыдно ли вам? Как же потом это все живьем звучать будет? Уделяйте много времени занятиям на инструменте. Представьте, как музыканты записывались в 70-х и 80-х годах, все писалось на пленку, без права на ошибку. А вообще, постарайтесь освоить азы звукозаписи в домашних условиях, чтобы уметь записать свое демо и свести трек так, как вы хотите, с вашим видением. В наше время цифровые технологии практически полностью вытеснили аналоговую запись. Лично тебе какой звук больше нравится? Цифровые технологии настолько шагнули вперед, что неподготовленный слушатель вообще не отличит аналоговую запись от цифровой. Я за грамотную комбинацию аналогцифра. Например, писать и редактировать в цифре, а сводить на ана-

логовую ленту. В каждой технологии есть свои преимущества и недостатки. У меня, например, половина примочек на гитаре цифровые. Как ты относишься к проблеме “loudness war”? Я пока не сталкивался с этой проблемой вплотную. Гонка громкости актуальна для форматной музыки. Группы, играющие post-hardcore, например, так похожи друг на друга. Должны же они чем-то отличаться. Вот и давят микс компрессорами и лимитерами, меряясь у кого громче. Люблю, когда есть динамика, когда барабанщик начинает сильнее валить в кульминации и это слышно в миксе. Все равно на большинстве радиостанций всю музыку прогоняют через жесткий компрессор, чтобы подогнать по громкости треки разных исполнителей. И “война громкости” теряет свой смысл. Сейчас стиль post-rock стал очень популярен как у нас, так и за рубежом. Ты не боишься затеряться во всем этом многообразии? Я не выбирал жанр для своей группы. Просто музыка, которую я стал сочинять, наиболее подходит под описание пост-рока. Не люблю, когда начинают навешивать ярлыки на музыку, а потом еще и стараются не выходить за общепринятые жанровые рамки, ограничивая себя и свое творчество. Я думаю, любая музыка, идущая от сердца, обязательно найдет своего слушателя. Напоследок хочется спросить, когда же выйдет ваш новый альбом, в каком духе он будет? И планируются ли изменения в саунде группы?

Не хочу загадывать и говорить о каких-то конкретных датах, творческий процесс идет полным ходом. Есть много наработок, из которых будут рождаться новые композиции. Конечно же, будут изменения и в саунде - сингл “2 Million Light Years” яркий тому пример. Мы не стремимся клепать похожие друг на друга альбомы чуть ли не каждый год. Лучше не спешить, но сделать достойный релиз, который самому в плейлист загрузить захочется. В каком духе будет наш следующий альбом? Эммм... в духе Way Station. Планируете ли вы выходить на европейский рынок, искать западный лейбл и пробивать себе туры за границей, как это делают те же Stoned Jesus, к примеру? Планов и желаний у нас много, и все они будут воплощаться в реальность с выходом новых релизов. Европейский и американский рынок уже немного знаком с нашим творчеством. Львиная доля физических копий альбома “The Ships” была распродана за рубежом. Много раз наши треки были в ротации на западных онлайн-радиостанциях. Хотелось бы, чтобы и наш слушатель больше обращал внимание на своих земляков. А в ближайших планах у нас - записать годный альбом!

Дискография: Single “Road” (2013) Single “Last Launch” (2013) CD “Ships” (2013 AZH Music) Single “2 Million Light Years” (2014) www.waystation.com.ua

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

MADE IN UKRAINE

Знай наших или долой

“музыкальный фаст-фуд”! Наталья Хицкая

то раньше можно было, томно вздыхая, грешить на то, что в Украине нет хорошей музыки. Особенно этот синдром обострялся после просмотра некоторых музыкальных каналов. Ленивые, конечно, и по сей день продолжают питаться “музыкальным фаст-фудом”, гурманы же оттачивают свой вкус, переворачивая интернет в поисках еще неизвестных, но уже таких талантливых, исполнителей. Хорошо, что последних хватает. С ними же и хочется вас познакомить. Итак, поехали! ВОСЬМИЙ ДЕНЬ. Мягкий лирический вокал с весьма дерзкими гитарными партиями, приправленными непослушной электроникой. Куда больше о них скажет дебютный альбом “Крізь тіло”, который музыканты представили этой осенью. И правда, их музыка проникает глубоко в душу. URBAN GYPSY. Они виртуозно переиграли на свой лад песни Jamiroquai, The Lost Fingers, Майкла Джексона и др. Теперь все звучит в стиле джаз мануш, главной особенностью которого является светлый, позитивный характер и цыганские интонации. ANEBO. Здесь тебе и голос с хрипотцой, и не скучающая, периодами даже уносящаяся в трэш, гитара. Другими словами то, что должно быть в рок-группе. А еще у них на бас-гитаре девушка-блондинка. Вот как! INDYTRONICS. Эмоциональная, ретроспективная музыка с мягким вокалом, а потому их легко можно спутать с типичной зарубежной инди-рок группой. А все потому, что ребята замахнулись на Запад (чего, кстати, даже не стесняются и не скрывают). NOUSINTHIS. Все просто: для ценителей пост-рока “задумчивая” гитара идет в комплекте с проникновенным вокалом. И хотя количество подписчиков фан-странички в соцсетях не дотягивает до тысячи, это не мешает им успешно гастролировать по Европе. НАСТЯЗНИКАЄ. Три девушки, не считая бас-гитариста. Красивый, чувственный, женственный соул-джаз с остро-сладкими в своем привкусе текстами. US. Маги и волшебники украинской электроники. Кстати, они еще могут прихватить титул по самому большому количеству дуэтных исполнителей на имеющийся у группы репертуар (четыре официальных сингла, три из них – дуэтные). CHEROKEY. Эти четыре бородача заряжают танцевальным драйвом с нотками романтического ретро-саунда в стиле alternative dance/nu disco/electropop. Их музыка полна свободы и независимости – как то присуще знаменитому индийскому племени Чероки.

86 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

ОБZOR

АНАЛОГОВО-ЦИФРОВАЯ ВОЙНА ПРОДОЛЖАЕТСЯ Миха Рубанов Scream, Inc

Люди сожгли Джордано Бруно, Жанну Д’Арк и сделают еще многое, дабы помешать прогрессу. Например, сожгут еще киловатты электричества, тысячи ламп и миллионы динамиков. Аналогово-цифровая война продолжается! Адепты Света все так же навязывают нам свои кабинеты, головы, педалборды, а тем временем... Громоздкие, еще пару-тройку лет назад, процессоры сегодня уже перебрались к нам в айфоны и тактично предлагают купить себя за смешные деньги. Давайте попробуем разобраться, на чьей же стороне правда.

ценивая тот или иной прибор, мы чаще всего пред-

Rectifier и т. п. Но никто не мог даже и подумать, насколько

ставляем себя в вакууме. “Вот, если мы в звукои-

недовольны мы будем добытым из них звуком...

золированной комнате “воткнем” такую-то гитару в такую-то цепь ...”, - говорят нам видео обзоры. А

Из концерта в концерт, во время прошлого тура, мы с

ведь на деле помимо самого аппарата есть еще звуко-

вокалистом садились напротив динамиков наших ка-

режиссер, микрофон (а то и не один), который снимает

бинетов и, что было сил, крутили ручки на головах и на

гитарный звук, его позиция, состояние самого аппарата,

педалях. Несмотря на опыт и старания всей техниче-

характеристики помещения и море других моментов, ко-

ской команды, мы через раз были раздосадованы полу-

торые на практике просто не дадут нам звучать так, как

чавшимся звуком, а крутить его до бесконечности, ког-

того хотелось бы в идеале.

да тебя ждут 68 человек оркестра, просто не дадут. Все это время, ехидно улыбаясь и с легкой тенью сопере-

Мы с ребятами ездим в довольно многочисленные концерт-

живания, на нас посматривал басист, ведь он уже в тот

ные туры и играем песни не самой безызвестной группы

момент использовал свой планшет в связке с iRig HD и

Metallica. Следовало ожидать, что в определенный момент

“строился” за полминуты. Я же, как адепт аналоговых

организаторы начнут выполнять райдер и ставить нам

технологий, с пеной у рта доказывал всем, что гитара

именно те Marshall JCM900, Peavey 5150, Mesa Boogie Dual

должна быть только “живая”. До момента, пока меня не

88 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

начал выводить из себя саундчек

программу и наслаждаемся цифро-

и вся цифровая прелесть зависнет

перед одним из концертов, и я, руг-

вым звуком. Некоторые могут засо-

или сломается? Если говорить пря-

нувшись, не обошел цепь “педали -

мневаться, мол, как же так, даже если

мо, то всеми нами любимая анало-

комбо - микрофон - пульт” простым

и цифра, то как мобильный девайс мо-

говая техника может сломаться с тем

включением айфона в ди-бокс вме-

жет заменить небезызвестные Kemper

же успехом. Не раз и не два во вре-

сто всего этого. Полученный эффект

Profiler или Axe FX? Но мы же живем в

мя наших выступлений перегорали

напрочь перекрыл все предыдущее

2015 году, и вычислительная мощность

лампы, отходили контакты, умирали

восхищение “живым” аппаратом.

наших мобильных устройств вплотную

динамики. Конечно, никто не отри-

приближается к уровню среднего ПК

цает, что и с девайсом может что-то

непосредствен-

или ноутбука. И аудиоинтерфейсы, та-

произойти, но по своему опыту могу

но технических тонкостей игры “в

кие как iRig HD, Line6 SonicPort, Apogee

сказать, что за время игры “в айпэд”

айфон”. Многие люди боятся это

Jam или JamupPlug, позволяют оциф-

все, что ломалось, было аналоговым,

делать исключительно потому, что

ровать сигнал так же, как это делают

как то ди-бокс или мультикор.

никогда не пробовали (это как пер-

студийные аудиоинтерфейсы, но в

вый раз прыгнуть в воду с пирса или

карманном формате.

Итак,

коснемся

учиться кататься на велосипеде,

Кроме того, важнейший элемент цифрового звучания – это програм-

или поцеловать соседку по парте).

А как насчет управления всей нашей

ма, которой мы пользуемся. Я вы-

Не переживайте, ваша гитара будет

системой в условиях концерта? Как

брал для себя JamUp Pro. Наиболее

отлично звучать из любых колонок

переключать звуки, включать эффек-

используемые, помимо нее, Bias

и наушников. Более того, с совре-

ты, менять пресеты, не бегая каж-

Amp, BIAS FX и Amplitube. Каждая

менных устройств можно запускать

дый раз к телефону/планшету? Для

из них удобна и хороша по-своему.

метроном, подложку для импрови-

этого производители, такие как IK

Объединяет их одно - эмулируют

зации или любой другой минус, с

Multimedia или Positive Grid, сделали

эти программы одни и те же комбо /

которым вы хотите играть.

специальные беспроводные контрол-

кабинеты / аналоговые педали.

леры (например, Blueboard). НазначаКак же все это работает? Все предель-

ем на нужную нам кнопку нужную нам

Отдельно хочется остановиться на

но просто. Нужен лишь аудиоинтер-

функцию, и вуаля - весь педалборд за-

таком понятии, как “matching”. Эта

фейс (то бишь - сам iRig) и программа

нимает меньше места, чем литровая

технология позволяет в точности

(тот же Amplitube, который идет в на-

бутылка колы, без которой, разумеет-

скопировать

грузку) . Принцип работы, с которым

ся, нельзя приступать к работе. :)

любого гитариста и использовать его

знакомы уже многие музыканты подключаем

гитару

понравившийся

звук

когда угодно. Каково же было мое

аудиоин-

А как же надежность? Что, если во

удивление, когда, джемуя с басистом

терфейс, открываем нужную нам

время концерта что-то произойдет,

у него дома и перебирая пресеты

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

для очередного концерта, я узнал звук черного альбома Metallica. Далее про удобство пользования в домашних условиях. Удобство? О чем вообще может идти речь? Положил телефон на колени, надел наушники и не мешаешь не то что соседям, а даже спящим в твоей же комнате друзьям. Захотел - вывел на любые “колонки”, захотел - в комбо или линейный вход микшерного пульта. Теперь коснемся самого меркантильного вопроса - цены. Все так называемое “железо”, то есть сам аудиоинтерфейс

контроллер,

обойдется в сумму около 200 у.е. Софт же стоит гораздо меньше - от 5 до 30 у.е. за программу. Насчет самого девайса - тут цены варьируются от “не сильно много” до “очень сильно много”, ибо такие возможности нам предлагает фирма Apple. Android-лагерь начал присоединяться лишь совсем недавно и исключительно во флагманских устройствах. Но даже общая сумма в 500-600 у.е. не сравнится со стоимостью аналоговых устройств. Остается главный козырь, которым обычно апеллируют любители аналога - “живость звука”. На что я могу ответить – пробуйте, господа, пробуйте! Только эксперимент поможет установить, кто же на самом деле прав. Подводя итог, я могу сделать следующий

вывод.

Да,

бесспорно,

приятно взять в руки педаль, подключить ее в ламповый комбо, крутить и наслаждаться натуральными обертонами

“живого”

звучащего

аппарата. Но на деле, в условиях современного шоу-бизнеса, в реалиях СНГ’шного пространства, всегда стоит иметь возможность выбора. Держите в кармане наготове iRig и увидите, насколько быстро вы перестанете возить за собой аналоговые приборы и гитарные стеки.

90 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

НОВОЕ ПОКОЛЕНИЕ ГИТАРНЫХ ПРОЦЕССОРОВ ТУРОВОГО КЛАССА

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

ИНТЕРВЬЮ

БОЛЬШЕ, ЧЕМ ПРОСТО ХИП-ХОП

тремительно ворвавшаяся в высшую лигу отечественного шоу-бизнеса в 1997 году, после триумфа на домашнем фестивале “Червона Рута” в Харькове, группа Танок На Майдані Конго являет собой образец стабильности, вот уже почти два десятилетия оставаясь “в топе”, вне зависимости от музыкальных мод и политических коллизий. Начав с адаптированного к местному колориту гибрида хип-хопа и рока, который получил название “укрхоп” и стал нишей для целой когорты последователей, ТНМК со временем вышли далеко за пределы ими же придуманного стиля, сумев сохранить свой узнаваемый почерк. На их альбомах поп-баллады соседствуют с панк-боевиками, а тяжеловесная индустриальная поступь - с озорными карибскими ритмами. Мало того, в объемном портфолио “Танков” целые концептуальные программы, включающие то unplugged-версии собственных хитов, то их джазовые обработки, то симфонические аранжировки. Две такие программы ТНМК успели представить в нынешнем году. О них, а также о других новостях группы мы побеседовали с лидерами команды Олегом “Фаготом” Михайлютой и Александром “Фоззи” Сидоренко.

92 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

Сейчас группа Танок На Майдані Конго совместно с группой Схід-Side готовит программу под названием “Jazzy”. Я знаю, что это не первая серия этого проекта. Вспомните, пожалуйста, когда и как он зародился? Фагот: Этот проект начался с нашей песни “Jazzy”, которая появилась в 1998 году. Тогда все и родилось. Мы писали наш первый альбом “Зроби мені хіп-хоп” и Котя (Константин Жуйков, бас-гитарист ТНМК – прим. ред.) придумал песню “Jazzy”. Для ее записи нам нужны были джазовые музыканты. Ну и к кому я мог обратиться? Конечно же, к своим однокурсникам по харьковской консерватории Алексею Саранчину и Дмитрию Александрову. “Пацаны, сказал я, - такая вот есть тема, нужно поиграть”. Они пришли, мы записали трек и во время записи я придумал словосочетание “Схід-Side”. Мы же из Харькова и это была аллюзия на разделение американской хип-хоп тусовки на Восточное и Западное Побережье, East Coast - West Coast. А Харьков - значит Схід-Сайд. После этого они свой джазовый коллектив так и назвали - Схід-Side. В 2003 году возникла идея сделать вместе не одну, а несколько песен “танковских”, уже известных, рас-

крученных хитов, в джазовой обработке. И так получилось, что мы приурочили все это к дню рождения Дили (Эдуард Приступа, эксвокалист ТНМК, создатель проекта НеДіля - прим. ред.) и Мурчика (Александр Муренко, известный барабанщик, бывший участник группы Схід-Side - прим. ред.), которые родились в один день. И 18 сентября в киевском клубе 44 презентовали эту программу. Под конец шоу туда заявился Turbo B из британской группы Snap! и мы еще минут 40 джемовали вместе. Потом частично этот джем мы включили в альбом. После этого вы выпустили альбом “Jazzy”? Фагот: Да, лайвовый, с материалом, записанным в клубе 44. Вы еще где-то исполняли эту программу? Фагот: Да, на канале М1. Именно ее, в этом же составе. Больше, помоему, нигде. Насколько программа, которую вы готовите сейчас, будет отличаться от той “Jazzy”? Фагот: Дело в том, что наше сотрудничество со Схід-Side было, скажем так, двусторонним. Тогда была наша идея: “Пацаны, а давайте сделаем

ТНМК “танковские” песни в джазе”, а потом было встречное предложение: “А давайте теперь Схід-Side напишет музыку, а вы тексты и сделаем вместе такую программу”. Был такой проект. Еще Володя Шабалтас, тогда гитарист Схід-Side, к сожалению, уже ушедший в мир иной, писал музыку для него. Треки из этой второй, “схидсайдовской” программы мы вообще никогда не играли вживую. Хотя нет, один трек, помню, играли с Рэнди Брекером на юбилее Схід-Side “Все чесно” называется. И в “Jazzy”, которую мы готовим на 24 октября, мы объединяем две эти программы: и музыку ТНМК, адаптированную Схід-Side, и музыку Схід-Side, в прочтении ТНМК. Чтото будет исполнено впервые, так что ждите эксклюзив. Много репетируете? Фагот: Ну, уже репетиций пять точно было. В каком составе будет Схід Side? Фагот: Алексей “Лепа” Саранчин и Дмитрий “Бобин” Александров. И еще Денис Дудко (бывший басгитарист Схід-Side, а ныне участник группы Океан Эльзы - прим. ред.) обещал выйти хотя бы на один трек. Я его пригласил – он согласился.

Получится ли у него по графику – посмотрим. Алексей Саранчин был какое-то время штатным клавишником ТНМК. Какие у вас отношения сейчас? Фагот: Совершенно нормальные. Мы выше всяких личных “негараздів”. “Jazzy” – не первый, скажем так, оригинальный проект ТНМК. 2015 год вы начали с повторного исполнения в киевском театре имени Ивана Франко программы “Симфонический хип-хоп” - симфонических обработок ваших песен в сопровождении харьковского Молодежного академического симфонического оркестра “Слобожанский”. Расскажите, пожалуйста, как возник этот проект. Фагот: Мне давно хотелось сделать что-то с симфоническим оркестром. Фоззи все время упирался: “Да ну, да ну…”. Я так понимаю, что просто боялся этой темы. А мне вот хотелось-хотелось. И в какой-то момент Вселенная, видимо, услышала мои мысли. Мне позвонил мой преподаватель по фаготу в харьковской консерватории Гарри Артушевич Абаджян и предложил, говорит: “Михайлюта, не хочешь сыграть с

Максим Вихоть

нашим оркестром?” Я подумал, что если оно уже вот так вот прямо само приходит, надо делать. Пришел к пацанам, говорю: “Играем!” Ну, и Фоззи потом признал, что он лоханулся, что боялся этой темы - ему очень понравилось. Потому что это такое “мясо” - играть с симфоническим оркестром. Вот так оно и срослось. Тот же Гарри Артушевич нашел Юру Яковенко (дирижер МАСО “Слобожанский” - прим. ред.), который взялся за аранжировки. 27 марта 2013 года, на мой день рождения, прошла генеральная репетиция, а 29 марта мы презентовали программу в Харьковском оперном театре. А через полгода, в октябре мы сыграли ее первый раз в Киеве, в театре имени Ивана Франко. И еще через полтора года, в феврале 2015 повторили там же. Сильно ли отличалась новая программа от оригинальной? Фагот: Нет, всего лишь доделали пару треков. Кстати, планируем снова повторить, потому что и нам очень интересно, и сам проект вышел очень успешным, и мы его вставили в наш repeat-list. Дата уже есть? Фагот: Да, 14 февраля, Национальный

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

Академический Драматический Театр имени Ивана Франко. Ждем всех. Еще хотим “привязать” Львов. Львов очень хочет. В конце прошлого года в интервью по случаю выхода альбома “Дзеркало”, ты сказал, что уже есть концепция нового альбома ТНМК. Уже начали воплощать ее в жизнь? Есть новые песни? Фоззи: Концепция пока что реализовывается только лишь написанием текстов, потому что мы физически не можем полноценно заняться новым материалом. Вчера мы готовились к фольклорной программе для фестиваля “Країна Мрій” во Львове, сегодня мы готовимся к джазовой программе, а завтра мы играем нашу обычную программу. Слишком много у нас сейчас всего происходит. Надо немного остыть. Чтобы заняться созиданием, надо какой-то голод иметь. Мое такое мнение. Мне ближе продумывать концепцию заранее, собирать тексты. А сядем мы за новые песни через неделю, через год или через два – этого никто не знает. Главное, чтобы были идеи, о чем будут эти песни. В этом году вы оба напомнили о себе, как сольные артисты. У Фоззи вышел очередной альбом в рамках проекта MetaMoreFozzey, а у Фагота сингл и

94 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

клип. Давайте немного поговорим о вашем самостоятельном творчестве. Вопрос Фоззи: над третьим альбомом MetaMoreFozzey, получившем немудреное название “CD”, ты работал почти десять лет. Почему так долго? Фоззи: Точнее с 2007 года, восемь лет получается. А долго, потому что никто не хотел им заниматься. Я начинал его делать с Артуром Даниэляном (саундпродюсер, участник группы Qarpa – прим. ред.). А как только диски перестали продаваться и пиратство окончательно победило, смысла в студийных проектах, таких как у нас, не стало. Вот. А потом просто стало жалко этого материала, захотелось довести его до ума. Вот Фагот помог со студией, а Женя Чистяков, он же диджей Дяблик, исполнил роль саундпродюсера, который все это собрал. То есть было просто желание доказать себе, что ты можешь это закончить. В альбоме собраны песни разных лет. Каким годом датированы самые свежие? Фоззи: Этим годом. Совместная песня с Дилей “The Story Of Lave”. Альбом уже дописывался, когда Диля предложил сделать ее. Так что песни с 2007 по 2015 год. Такой себе отчет о проделанной работе. Кто автор музыки? Ты сам сочинял? Фоззи: У каждой песни своя история. Есть трек, кото-

рый не подошел группе ТНМК. Какие-то лупы мне просто люди скидывали, дарили, а я на них что-то бормотал. Кто тут автор музыки? :) А доводили до ума Фагот и Женя Чистяков. На студии Fahot Production House они все это добили и спасли.

AMPLIFICATION

На альбоме “CD” много приглашенных звезд, как, впрочем, и на предыдущих альбомах MetaMoreFozzey. Как ты подбирал коллабораторов? Фоззи: Со всеми, опять же, свои истории. Диля сам обратился, мол, есть вот такая идея, давай сделаем, делали же во всех, давай сделаем и сейчас. Кашу Сальцову я уговаривал. У меня была идея песни “Центр дупи” (в альбоме называется “CD” - прим. ред.) и мне там слышался такой ангельский голосок, который непосредственно будет петь про центр дупы. Я долго ее уговаривал. Она сопротивлялась, но я уговорил. В итоге пошла навстречу. Спасибо, добрая девочка. А Наталия Гордиенко? Фоззи: Когда возникла идея песни “L&M”, я спрашивал у Фагота, кто мог бы спеть такую партию. Он порекомендовал Наташу. Хотя для нее пришлось менять тональность, она очень хорошо справилась и в альбоме даже две песни с ее участием. С Франыком Пашей мы делали несколько песен, просто одна была совсем уж давнишняя, и я ее в альбом не включил. Знаю, что MetaMoreFozzey это чисто студийный проект, хотя также знаю, что тебя все эти годы периодически пытались уговорить выступить живьем… Фоззи: Это очень сложно было бы сделать технически. Те же звездные дуэты – собрать всех этих людей… Я не вижу, как это можно было бы реализовать. А клипы предполагаются? Фоззи: Мы снимали один клип на совместную песню с Фаготом “Хочу я здхя”. Снимали на Майдане, в его первую фазу, когда Майдан был позитивный, креативный и так далее. А потом, когда началось смертоубийство, мы поняли, что получается не смешно. Так синхронно, не сговариваясь, все пришли к такому выводу, и клип не состоялся. А в дальнейшем планируешь что-нибудь экранизировать из альбома? Фоззи: Мне Виктор Придувалов как-то дважды предлагал: “Давай я тебе что-нибудь бесплатно сниму”. Я говорил: “Витя, не надо”. Тут надо или тянуться к какомуто уровню, или… абы как… Тем более, что для меня это всегда был проект по утилизации идей. В какой-то аннотации к выходу “CD” было сказано, что, по твоим словам, это последний альбом MetaMoreFozzey. Это правда? Фоззи: Да. Выпустить сингл ничего не мешает. Мы с Дябликом, еще не закончив запись, говорили о том, что еще обязательно сделаем что-то вместе. Но как альбом – это последний. Разница между песнями в одном

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

альбоме не должна составлять 8 лет. Они все очень разные, музыкально и по смыслу… То есть в понятии пластинки, лонгплея больше ничего не будет. В виде синглов – да. Это не означает, что ты заканчиваешь с сольным творчеством? Фоззи: Нет. Просто не будет больше альбомов. Да меня и Фагот задушит, если я к нему снова приду и скажу: “Давай еще альбомчик сделаем”. :) А у Фагота не так давно вышел сингл “Мантра” и клип на эту песню. Мне понравился трек, клип же сразу вызвал в памяти видео Woodkid “Iron”… Фагот: Мой клип – это посвящение Йоанну Лемуану, он же Woodkid. Он был сделан под впечатлением от его видео. Woodkid мне понравился тем, что он в своих клипах работает чисто по киношным канонам. Это тот же Довженко или тот же Дель Торо. Это классическая дра-

Среди них есть англоязычные… Фагот: Они почти все англоязычные. На кого они рассчитаны? Учитывая, что у нас публика в большинстве своем английским владеет на уровне ниже среднего, имеешь прицел на европейский рынок? Фагот: Имею прицел – это раз, а во-вторых, я не соглашусь про публику. Наша молодежь уже настолько развита, что при хорошем музоне им абсолютно по барабану, на каком языке слушать, украинском, английском или русском. Тем более треки рождаются по-разному. У “Мантры”, например, текст появился через полгода после того, как была сделана музыка. И он появился украинским. Я таким его увидел. Также и с англоязычными треками. К каким-то у меня были варианты и украинского текста, и английского, и русского. Но когда начинаешь записывать, понимаешь, что тебя не устраивает звучание, что к этой музыке больше клеится английский язык. Тексты ты сам пишешь? Фагот: Тоже по-разному. Некоторые сам пишу. Некоторые мне помогают. У меня есть подруга, которая живет в Лондоне. Сейчас такие технологии, что музыку ты делаешь здесь, а по тексту работаешь дистанционно. На студии у меня есть парень, который очень толково работает с английскими текстами. Я делаю какие-то наброски. Если у меня оно само формируется, я сам записываю текст. Если же у меня есть какие-то отдельные фразы, а дальше не идет, я начинаю работать с другими людьми. Недавно состоялось живое выступление проекта Fahot. Это был дебют? Фагот: Совершенно верно.

матургия, которая используется в съемках клипа. Да, я впечатлился его фактурой и черно-белой эстетикой. Но все образы в моем видео – это то, что окружает меня, то, что сейчас происходит с Украиной, где люди все добро из себя достают, чтобы бороться с тварями. Как много уже есть материала у проекта Fahot? Фагот: На данный момент полностью готово 6 треков, но процесс продолжается. Собираешься ли ты оформлять этот материал в какой-то альбом, ЕР или полноформатник? Фагот: Собираюсь. Хочу оформить это в альбом и снять еще немного видео. Какие сроки себе устанавливаешь? Фагот: Эта осень выходит очень насыщенной. Сейчас мы играем “Jazzy”, 27 ноября я собираюсь попеть Синатру с бигбэндом в Carribean Club. С таким графиком я просто физически не успею в этом году закончить альбом. Но постараюсь в первой половине следующего его доделать. Материала на самом деле много, это доведено до ума только 6 треков.

96 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

В интернете выложены некоторые фрагменты выступления – у тебя живой состав. Что за музыканты? Фагот: Все отличные ребята. С некоторыми мы познакомились на джемах, некоторых я видел со стороны, как они работают, некоторых на том же YouTube… Вот и пригласил. Дебют, надо сказать, состоялся на высоком уровне: в Stereo Plaza на одной сцене с Энди Флетчером из Depeche Mode... Фагот: Мне позвонила Екатерина Судоргина и спросила: “Как там твой сольник? Вот у нас есть такое мероприятие. Не хочешь ли сыграть?” Первым делом, понятное дело, у меня был стрем. Через три месяца выступать (это было летом), а у меня был сведен на тот момент только один трек. Но в то же время я понял, что если не соглашусь на этот “дэдлайн”, то, учитывая мое педантичное отношение ко всему, выверять все эти звучки и словечки буду еще годами, и мой перфекционизм может сыграть со мной злую шутку - буду откладывать, откладывать, доводить, доводить, а надо брать и махать шашкой. И я согласился. Понял, что мне нужна эта авантюра. И, мне кажется, не прогадал.

Какие впечатления от выступления в рамках сольного проекта? Как принимала публика? Фагот: Я прекрасно понимал, что публика шесть совершенно новых треков будет, конечно, воспринимать оценивающе. Я не ждал, что все сразу начнут скакать. Но уже на четвертом-пятом треке увидел, как люди в зале начали танцевать. То есть мне уже был такой маячок, что я делаю все правильно. Ну и, мониторя потом отзывы в сети, я не видел негативных. Хотя была, конечно, лажа по звуку – нам “повезло”, что именно на нашем выступлении завис пульт. Играло 4 коллектива, но именно на нас он завис. Была вынужденная пауза, пока перегружали пульт. Ты собираешься ставить живые выступления Fahot на регулярные рельсы? Фагот: Да, я хочу играть. И знаешь, уже после первого выступления пошли запросы – люди звонят и предлагают организовать концерт. Пока так, а дальше посмотрим.

У тебя своя студия – Fahot Production House. На ней ты делаешь и альбомы ТНМК, и свои собственные треки, и Фоззи помогал доводить до ума сольник. Расскажи о ней пару слов. Фагот: Это продакшн-студия, которая занимается звуком под музыку и под кино. Ей уже лет шесть. Мы занимаемся разным: пишем музыку к рекламе, делаем аранжировки, дублируем кино, озвучиваем. То есть все, что касается звука. Я довольно долго ее собирал. Что-то придумал себе изначально, но по многим вопросам советовался с профессионалами. У меня не было инвестора. Это не был бизнес-проект, когда взял инвестора, вложил, а потом начал отбиваться. Я хотел, чтобы у меня под руками был ресурс, который позволит мне реализовывать все мои идеи и задумки. Так оно сейчас и работает. Единственное, что мы там не пишем - барабаны. Помещение не позволяет. Так что барабаны мы находим, где записать, а все остальное делаем у себя и выходит очень достойно. Конечно, есть куда стремиться. Периодически мы что-то апгрейдим, но я не гонюсь за топовыми студиями – это совершенно другой уровень вложений. Для моих целей меня все устраивает.

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

РЕПОРТАЖ

Оксана Паляница

естиваль “Республика” в Каменце-Подольском можно назвать уже своей, отдельной республикой со своими “жителями”. Ежегодно в начале сентября сюда съезжаются тысячи зрителей со всех городов Украины и не только. В этот раз желающих посетить старинный город на Подолье и побывать на одном из крупнейших фестивалей страны оказалось гораздо больше, чем в прошлый. Я смогла убедиться в этом лично: квартиру на 4-6 сентября удалось найти лишь на третий день поисков. А в середине второго дня фестиваля у организаторов даже закончились браслеты: они не рассчитывали на такой ажиотаж. За два дня фестиваль посетило около 5,5 тысяч человек. И среди них не только каменчане и не только украинцы, а и жители Молдовы, Беларуси и даже Японии!

98 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

В этом году “Республика” отпраздновала свой маленький юбилей - 5 лет. Музыкальных сцен, кстати, тоже было пять. Помимо главной сцены, была еще акустическая Art-Dvir, регги-сцена, “тяжелая” сцена “Туннель” и сцена “Ратуша” в самом центре старого города. Последняя стала подарком не только

для тех, кто купил билет на фестиваль. Наслаждаться музыкой, звучавшей в центре города, могли абсолютно все желающие. Программу также подбирали с учетом разных вкусов и возрастов: здесь звучал и симфонический оркестр, и аутентичная музыка в рок-обработке от группы Мотор’Ролла, и metalcore от Jinjer. Рядом с этой площадкой также развернулась ярмарка, где можно было вкусно поесть. Запахи шашлыка и жареных на костре овощей не давали спокойно пройти мимо и искушали всех прохожих до поздней ночи. Своего рода экспериментом стала в этом году акустическая сцена. Здесь выступили Колос, ПНД, Dakooka, Panivalkova, Один в Каное, Zapaska и многие другие. Небольшая площадь, отведенная для зрителей на этой

локации, не могла вместить всех желающих. Поэтому часто можно было наблюдать, как, слушая кого-то из своих любимцев, люди толпились за сценой или у входа. Организаторы уже сделали себе пометку на следующий год: перенести акустическую сцену на территорию Старой крепости. Там и места побольше, и антураж поинтереснее. Самая благоприятная погода сложилась в первый день фестиваля. Во второй и третий день шел дождь, который на общее настроение гостей не повлиял, но добавил хлопот организаторам. Из-за сложных погодных условий вышел из строя пульт звукорежиссера, и чтобы праздник продолжался, им пришлось в срочном порядке искать другой. С поставленной задачей ребята справились, и праздник продолжился. Но часть исполнителей, ранее заявленных в расписании главной сцены (Fontaliza, Jinjer и Bahroma), пришлось перенести на другую локацию в центр города. Самые ожидаемые события про-

исходили на главной сцене. Бессменными ведущими фестиваля и в этот раз стали Виктория Жуковская и Мяч-Дредбол. Всех музыкантов встречали горячо и активно, но традиционно хедлайнерам досталось чуть больше зрительской любви (Даха Браха, BRUTTO, Onuka и Бумбокс). Группа ТКН пережила на сцене “Республики” своеобразный дебют, впервые выступив со своей новой вокалисткой Ольгой Вербецкой. BRUTTO начали свое выступление с девиза: “Кто мы такие? - BRUTTO - Чего мы хотим? - Чтобы было круто!” И было настолько круто, что даже тучи разошлись во время выступления этих ребят!

Сергей Михалок на “Республике” это уже почетный гость. Сначала он приезжал вместе с группой Ляпис Трубецкой, после - со своей новой командой, которая за несколько дней до начала фестиваля отметила первую годовщину своего существования. Больше всего зрителей подтянулось к главной сцене к вечеру третьего дня. Здесь публику развлекали Кожаный олень, O’Torvald и Бумбокс. Женя Галич порадовал фанатов, стоящих у турникетов, раздачей автографов, а некоторых - даже селфи с собой. А вот Андрею Хлывнюку зрительской любви было, видимо, чересчур много. Со сцены он намекнул, что

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

музыканты - такие же люди, и временами хотят просто послушать других музыкантов или попить кофе вместо того, чтобы бесконечно раздавать автографы и фотографироваться. Традиционной фишкой “Республики” стал обмен телевизоров на билеты и скидки. Телевизоры в глазах организаторов - это “зомбоящики” и корень зла. Поэтому от них надо избавляться. Родителю “Республики” Андрею Зоину такая идея пришла после десяти лет жизни в Испании. По его словам, испанская молодежь очень активная, интересуется и разбирается в том, что происходит в стране и в мире. По возвращении оттуда Андрей захотел расшевелить и украинскую молодежь, и теперь реализует эту задачу через созданный им фестиваль. Кроме зомбоящиков в этом году предложили избавиться еще и от старых ковров. Всего к началу фестиваля набралось около 100 предметов, с которыми люди добровольно распрощались. Ковры организаторы пообещали использовать для оборудования репетиционных баз некоторых музыкантов, которые выступали здесь. Еще одна неотъемлемая часть “Республики” - это стрит-арт. В завершающий день фестиваля экскурсовод Денис провел журналистам экскурсию по граффити, оставленных на стенах КаменцаПодольского за последние пять лет. Все объекты за время экскурсии охватить не удалось, поэтому основное внимание было уделено тем из них, которые размещались в старом и частично в новом городе. Среди увиденных картин одна из новинок была нарисована всего за неделю до начала фестиваля аргентинским художником с подольскими корнями Хорхе Помаром. На картине высотой в пятиэтажный дом изображены флаги разных стран, которые по задумке автора символизируют то, что

не имеет значения, в какой стране мы живем и на каком языке говорим - все мы дети одной планеты. Но это еще не все новинки на этот год. После завершения музыкальной части “Республики” Андрей Зоин и компания займутся художественной его частью. Каменец-Подольский еще пополнится картинами Михаила Коробкова, Анны Звягинцевой и команды художников из Одессы “М-97”. К выбору художников, как и к выбору музыкальных коллективов, организаторы подходят, руководствуясь одним принципом - это должны быть люди из абсолютно разных уголков Украины. “Уже пять лет мы привозим группы с востока и Крыма. Мы хотим, чтобы они приезжали к нам, видели кто мы и как мы живем. Это Горловка, Краматорск, Донецк, Луганск, Севастополь. В этом году все они тоже тут”, говорит Андрей Зоин. Таким способом организаторы пытаются донести мысль, что единственная республика, имеющая право быть на территории Украины - это одноименный фестиваль. После завершения фестиваля его создатели берут трехнедельный тайм-аут, а позже приступят к подготовке следующей, уже шестой по счету “Республики”.

100 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

101

РЕКОМЕНДУЕМ ПОСМОТРЕТЬ 1. Джеймс Браун: путь наверх (2014) Get on Up

1 Федор Шевченко

Режиссер: Тейт Тейлор. Актеры: Чедвик Боузман, Нелсан Эллис, Виола Дэвис, Октавия Спенсер, Дэн Эйкройд, Ленни Джеймс. В нашу, как бы выразился бессмертный Фрэнсис Скотт Фицджеральд, “эпоху клубняка, репа и поп-певиц” не каждый уже вспомнит имя крестного отца соула или, как он сам себя называл, “мистера Динамита” – Джеймса Брауна. Дорогие читатели, на этот раз жерла Голливуда сняли нечто действительно стоящее, что затронет душу не только заядлого меломана и обычных любителей петь в душе по утрам назло соседям, но и просто ценителей хорошего кино. Фильм рассказывает о человеке невероятно сложной судьбы. Поднявшись в одиночку на самый верх из полнейшей нищеты, Джеймс был в центре той кардинально новой волны, которая впоследствии дала толчок для развития всех музыкальных стилей современности. Помимо этого он вошел в историю, как активный гражданский деятель и ярый защитник прав черных, что, естественно, сделало Брауна кумиром молодежи тех лет. Однако, несмотря на бешеное количество фанатов и поклонниц, его всю жизнь преследовало одиночество, и когда пришла “осень патриарха”, певец остался один на один со славой и собственными убеждениями. Так стоил ли пройденный путь финала? У самого Джей Би мы точно ничего не выудим, но несмотря ни на что, до последнего вздоха он продолжал зажигать мир своей музыкой и танцем, сводивших с ума миллионы.

2. Кадиллак Рекордс (2008) Cadillac Records

Режиссер: Дарнелл Мартин. Актеры: Эдриен Броуди, Джеффри Райт, Бейонсе Ноулс, Гэбриел Юнион, Коламбус Шорт. Согласно Википедии, это фильм о сексе, кадиллаках, рокн-ролле, чикагском блюзе и самом Чикаго 1950-х годов. Да, секса и блюза там хоть отбавляй, но также это картина о человеке, давшем чернокожим исполнителям Америки шанс доказать всему миру и себе, что и они на что-то способны – основателе лейбла “Chess Records”, Леонарде Чеззе (Эдриен Броуди). В “Кадиллак Рекордс” рассказывается о жизни и пути становления таких музыкальных легенд, как Мадди Уотерс, Литтл Уолтерс, Хоулин Уолф, Этта Джеймс, Чак Берри, Вилли Диксон и Роллинг Стоунз. Но если абстрагироваться от имен, высеченных золотыми буквами в Зале славы рок-н-ролла, то получим ленту о человеческих взаимоотношениях, о дружбе и верности,

102 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

о выборе, который мы делаем каждый день. Приправьте все это коктейлем из зажигательной музыки, подсолите скользящим визгом слайда по грифу электрогитары, попкорн в одну руку, друзей – в другую, и получите атмосферу шестидесятых для всей компании.

3. Убить Боно (2011) Killing Bono

Режиссер: Ник Хэм. Актеры: Бен Барнс, Роберт, Шиэн, Кристен Риттер. Жили-были когда-то в Дублине два брата – Авен и Нил Маккормики, которые учились в одном классе с Полом Дэвисом Хьюсоном, плевали в реку Лиффи, мечтали о славе и параллельно играли фолк-рок в своем гараже, а потом вдруг Пол стал Боно, его группа The Hype превратилась в U2, и все изменилось. Дабы поспеть за одноклассником, ирландские братья решают рвануть в Лондон, но и там, будто по велению злого рока, каждый успех соперников добавляет им лишь новых неудач. И тогда в голове у Нила рождается идея – им надо убить Боно...

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

103

104 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

РЕКОМЕНДУЕМ ПОЧИТАТЬ Елена Слободенюк

ственного имени, значит, как делать рекламу, он знает.

МАРКИ РАМОН “ПАНК-РОКОВЫЙ БЛИЦКРИГ” Оригинальное название: Marky Ramone: Punk Rock Blitzkrieg Издательство: Music Press Books Дата выхода: 3 сентября 2015 Жутко громко (первые два предложения в аннотации от издательства капслоком) и запредельно близко (в первые дни осени), почти как бестселлер с вышедшим сроком давности, заявляет о себе биографическая книга Марки Рамона “Панк-роковый блицкриг”. Парень успел создать коллекцию денима с Томми Хилфигером и даже запустить линию соусов к пасте соб-

Книга обещает “аутентичный, прямой и всегда честный взгляд на людей, которые изобрели заново рок-музыку”. Да-да, ни больше, ни меньше, именно изобрели заново, и не кто иной, как Ramones. Если же опустить все громкие заявления, то книга однозначно понравится фанам группы, ведь Марк собирается рассказать о Ramones от самых истоков, через алкогольные и прочие зависимости и до самого счастливого момента воссоединения группы. За чтение также стоит браться любителям покопаться в подноготной панк музыки и американской рок-сцены 80-х годов. А если же вам интересна оборотная сторона славы рокзвезды, лучше еще раз перечитать “Героиновые дневники” Никки Сикса. БИЛЛИ АЙДОЛ “ТАНЦУЮ САМ С СОБОЙ” Оригинальное название: Dancing with Myself Издательство: Simon & Schuster Ltd Дата выхода: 1 октября 2015 Это мемуары о лихих 80-х, которые действительно стоит почитать. Независимо от того, кем для вас является Билли Айдол: идолом или, как некогда писал его учитель химии, лентяем. Книга расскажет историю Майкла Броуда до “секса, наркоти-

ков и рок-н-ролла”, поведает о том, как волна панка захватила скромного парня из Стэнмора и превратила его в легенду рока. Айдол расскажет о временах “Контингент Бромли”, верных спутников Sex Pistols, среди которых были Siouxsie and the Banshees, Chelsea, Generation X и об успешной сольной карьере. Посоветует, как попасть на MTV даже с самым провокационным контентом и заполучить качественного сессионного гитариста, обладателя “Грэмми”. “Танцую сам с собой” – это захватывающая история взлетов и падений, приправленная хлестким юмором и толикой самоиронии.

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

105

ПАТТИ СМИТ “ПОЕЗД М” Оригинальное название: M Train Издательство: Bloomsbury Publishing PLC Дата выхода: 6 октября 2015 Отечественный читатель уже знаком с книгой “Просто дети”, первой частью автобиографии Патти Смит. Кажется, что только совсем недавно она анонсировала начало работы над второй книгой, и вот “Поезд М” уже в пути. Если первая книга была сосредоточена на Нью-Йорке и больше походила на любовный роман не столько с городом, сколько с фотографом Робертом Мэпплторпом, то вторая увлечет читателя в дебри экзистенциальной грусти о “неизбежных утратах, с которыми мы все сталкиваемся в жизни”. “Поезд М” отправится в путь из кафе в Гринвич-Виллидж, где Патти Смит каждое утро наслаждалась чашечкой черного кофе, в Мексику, Германию и США. Путешествие от Каса Азул (сейчас музей Фриды Кало) до Берлина и обратно на родину пронизано размышлениями о сути творчества и писательском ремесле. По дороге к осмыслению себя она посещала могилы Жана Жене, Сильвии Плат, Артюра Рембо и Юкио Мисима. Многие музыканты нашли вдохновение в творчестве Патти Смит, а теперь она открывает свой источник каждому, кто умеет по-настоящему слушать.

106 • JAM Music Magazine • www.jam.ua

ДЖО ПЕРРИ, ДЭВИД РИТЦ “РОКН-РОЛЛ: МОЯ ЖИЗНЬ В И ВНЕ AEROSMITH” Оригинальное название: Rocks: My Life in and out of Aerosmith Издательство: Simon & Schuster Ltd Дата выхода: 8 октября 2015 Основатель, лид-гитарист и автор песен Aerosmith Джо Перри порадовал поклонников группы выходом своих мемуаров еще в прошлом году. Уже тогда книга побила рекорды продаж в своей жанровой категории, и вот год спустя те, кому не хватило первого тиража, могут приобрести переиздание. Теперь-то мы точно знаем, за что платим. В “Моей жизни в и вне Aerosmith”, начиная с предисловия, которое написал Джонни Депп, читатель найдет много громких имен. В книгу попали воспоминания о Джимми Пейдже, Эллисе Купере, Чаке Берри, Эле Хершфельде и Джоне Белуши. Обязательно читать всем, кто хочет прочувствовать запал шоу, которые собирали стадионы, и прикоснуться к истории звезд Зала славы рок-н-ролла. Сам же Джо Перри заверяет, что книга не только о блеске славы, но и о семейных ценностях. Да вот только кто захочет читать о счастливом, вот уже как тридцать лет, семьянине Джо, когда есть тот самый парень, который заводит толпу с первого аккорда?

ДЖОН КАРТЕР КЭШ “ДОМ КЭША: НАСЛЕДИЕ МОЕГО ОТЦА, ДЖОННИ КЭША” Оригинальное название: House of Cash: The Legacies of My Father, Johnny Cash Издательство: Insight Editions, Div of Palace Publishing Group, LP Дата выхода: 8 октября 2015 Еще одно переиздание прошлогодней книги. В этом году “Дом Кэша” выходит в мягкой обложке, версия для тех, у кого не хватило кэша на шикарное издание с дорогой полиграфией и фотографиями за полторы сотни евро. Здесь должна быть непереводимая английская шутка о том, что десять лет назад у нас был Кэш, Хоуп и Джобс, а теперь нет ни денег, ни надежды, ни работы. Но если говорить серьезно, то эта книга, написанная единственным сыном Джонни Кэша и Джун Картер, “маст хэв” для всех тех, кто давно заслушал до дыр пластинку “At San Quentin”, пересмотрел в сотый раз “Переступить черту” и перечитал все, написанное Человеком в Черном. Это чрезвычайно личная биография о натуре страстной, чья музыка была отражением его жизни. Книга сосредоточена скорее на внутреннем мире Джонни Кэша, на становлении ценностей и семейных отношений, нежели на его публичной жизни, ярких выступлениях и толпах поклонниц. “Дом Кэша” можно назвать последним разговором отца и сына о глубоко личном и общечеловеческом одновременно.

JAM Music Magazine • www.jam.ua •

107

CVP-709