BOLETÍN DE MODA CANAIVE JULIO 2018
FACE TO GRACE: EL NUEVO TALK SHOW DE GRACE CODDINGTON
Medio mundo cayó rendido a sus pies cuando en 2009, y gracias al inaudito documental The September Issue, se abrían de par en par las puertas celestiales de Vogue, la biblia por excelencia de la industria de la moda. Y aunque por un momento podría parecer que nos referimos a Anna Wintour –jueza suprema de la revista–, en realidad estamos hablando de Grace Coddington, la pelirroja británica que cautivó –y sigue haciéndolo– hasta a los espectadores con el corazón más frío. Al igual que en September Issue, la inglesa se vuelve a situar detrás de las cámaras pero, esta vez, para tomar las riendas de su nuevo programa Face to Grace, el talk show que se estrenará el próximo mes de septiembre. En éste, y a través de los 6 episodios programados hasta la fecha, Coddington entrevistará a reconocidos personajes tanto de dentro como fuera de la industria de la moda. Por el momento ya sabemos que los primeros capítulos contarán con la presencia de figuras tan destacadas como el diseñador Nicolas Ghesquière o Ansel Elgort, célebre actor e hijo del fotógrafo y antiguo colaborador de Coddington Arthur Elgort.
“Es estresante porque nunca he estado en la televisión de esta forma. Me han entrevistado, pero no he tenido nunca el control. No obstante he elegido personas con las que sea fácil hablar a propósito”, afirmaba Coddington a BoF. La que se convertiría en la mano derecha de Wintour durante prácticamente 30 años, ha declarado que tiene la intención de pasarlo bien y crear conversaciones divertidas. El set de rodaje se instalará en el restaurante neoyorquino Mr Chow dirigido por Michael Chow, propietario y ex esposo de Coddington, que en un futuro podría aparecer en el programa. El show se lanzará el próximo mes de septiembre en Apple TV, en el canal Made to Measure (M2M) respaldado por IMG Fashion. “Hemos querido hacer algo con ella durante bastante tiempo”, decía Susan Hootstein, directora de contenido ejecutivo de M2M. “Encaja perfectamente con nuestra alineación. Todos la conocen y la aman, y el formato es fascinante”. Y aunque la exclusividad del número más importante del año, el September Issue, no se la puede rebatir nadie, esta vez tendremos que hacer un hueco en el mismo mes para recibir con los brazos abiertos uno de los programas más ansiados de la escena de la moda. A sus 77 años, Coddington puede presumir, entre otras cosas, de ser una de las pocas personas capaces de plantar cara a una intimidante Wintour; además de crear magia en cada proyecto en el que ha puesto el alma. Estamos seguros de que Face to Grace no será la excepción.
MARIE HONDA, COS Y LA EMOCIÓN DE LO NUEVO “En COS es imperativo ofrecer diseño de lujo a precios asequibles.” En apenas siete años la firma COS, Collection of Style, lanzada por HM ha conseguido con su propuesta concisa llenar un hueco entre la moda rápida y las firmas de diseñadores. Diseño, tejidos y acabados lujosos a precios asequibles, esta es la consigna de la niña mimada del gigante sueco. Con motivo del lanzamiento de su nueva revista primavera verano 2014, en sintonía con su imagen depurada y exquisita, entrevistamos a la brand manager de la firma, Marie Honda. Esta profesional de largo recorrido, lleva más de 14 años trabajando para el grupo HM, nos explica cuál es el secreto para construir una firma sólida en el siglo XXI. ¿Nos puedes explicar cómo llegaste a COS y tu recorrido profesional? Después de estudiar Artes Gráficas e Ilustración y Comercio y Marketing en Londres, en el 2000 volví a mi lugar de nacimiento, Suecia, para trabajar con H&M como compradora asistente en la sección de ropa para hombre. Después de 7 maravillosos años lo dejé para convertirme en directora del estudio Whyred. Durante ese tiempo, me propusieron trabajar con COS, una emocionante y nueva firma lanzada por H&M en Londres. Después de la buena experiencia que fue trabajar con H&M y el planteamiento innovador de COS como firma, sabía que era una oportunidad de la que quería formar parte. Regresé a Reino Unido en 2008 y me uní al equipo de COS Menswear como compradora internacional del departamento masculino. Al año siguiente, me convertí en directora de sección de menswear y childrenswear; y desde el 2011 soy responsable general de la marca COS.
¿Qué opinas del papel de la moda en nuestra sociedad? Evidentemente todos somos diferentes y lo asombroso sobre la diversidad en la industria y el diseño de moda es que las mujeres pueden vestirse como quieran. La mujer COS está a favor del diseño atemporal por encima de la fast fashion. Es consciente en cuanto a estilo y sabe lo que ocurre culturalmente. Le gusta encontrar buena calidad en todos los ámbitos del diseño ya sea en la moda, el diseño interior o arquitectura. ¿Qué aspectos importantes hay que tener en cuenta hoy para construir una firma “sólida”? La idea que hay detrás de la firma COS es ofrecer una colección de alta calidad a precios asequibles, desde el diseño, pasando por los tejidos, hasta los acabados. Ponemos mucho tiempo y esfuerzo para encontrar las mejores opciones de producción y revisamos muchas veces el ajuste, el estilo y el tejido de las prendas para obtener el mejor resultado posible. Nuestros clientes deberían sentir que compran prendas que ofrecen la mejor calidad a un precio asequible. ¿Cuánto tiempo llevó construir el concepto y la filosofía de COS? ¿Cuánta gente participó en el proceso? Desde el lanzamiento de COS, Collection of Style, en el 2007, nuestra filosofía de marca se ha mantenido sólida y esperamos que continúe representando una estética atemporal y clásica cada temporada. Las colecciones son y siempre han sido inspiradas por diferentes artistas y diseñadores, y suelen ser simples y funcionales más que de estilo. En COS también es imperativo que continuemos ofreciendo diseño de lujo y alta calidad a precios asequibles.
“Para mejorar lo más importante es escuchar los feedbacks de nuestros clientes.”
¿Nos puedes describir el adn de COS? Las palabras clave para COS son atemporalidad: queremos prendas que duren más allá de la temporada y nos esforzamos por reinventar constantemente los clásicos como la camisa blanca. Modernidad: ya sea para nuestra inspiración de nuestros artistas o diseñadores actuales o para las técnicas que utilizamos para crear nuestras colecciones. Y, finalmente, funcionalidad: siempre nos esforzamos para crear prendas que permitan a nuestros clientes utilizarlas de la manera más cómoda. ¿Cuáles son los elementos principales que han mejorado a lo largo del camino? Hemos tenido mucha suerte, porque la firma ha recibido una buena respuesta hasta la fecha. Pero, para poder mejorar nuestra oferta tenemos que escuchar los feedbacks de nuestros clientes. ¿Cómo son los clientes de COS? ¿Tenéis targets diferentes dependiendo del país? Creemos que nuestros clientes son conscientes en cuanto al estilo, seguros, con una mentalidad de gran ciudad y actualizados sobre lo que ocurre en el mundo, desde el arte y la música hasta la política. ¿Se podría definir COS como una firma Premium? Nos han dicho en el pasado que los clientes nos ven llenando el vacío que existe entre las firmas de diseñadores y el high street. Prestamos mucha atención a la calidad de las prendas y siempre buscamos las diferentes maneras de innovar el tejido para que sean más modernas e interesantes. También empezamos nuestro desarrollo de diseño para la nueva temporada, aproximadamente un año antes de que la colección se vea en la tienda. Estos procesos son similares a la de las firmas de lujo. En combinación con estos elementos trabajamos para que nuestras colecciones estén disponibles a precios razonables
¿Nos puedes hablar sobre los objetivos de COS para el futuro? Tenemos actualmente 90 tiendas en 21 mercados, pero el número está aumentando continuamente y este 2014 nos alegra poder continuar abriendo tiendas COS en nuevos e interesantes mercados como en la vibrante ciudad de Nueva York. ¿Cuáles son los principales conceptos de esta nueva campaña? ¿Puedes decirnos más detalles sobre la colección, la inspiración y la creación final de estas imágenes? Dentro de cada número de la revista, presentamos el producto con el estilo exacto para que exprese algo sobre los valores y el etos de la firma. La nueva revista SS14 es fresca y dinámica y, por tanto, va de la mano con la colección para la nueva temporada. Para PrimaveraVerano, tanto las colecciones de ropa de hombre como de mujer se enfocan en la construcción divertida con formas audaces y colores suaves creando un aire juvenil. Nos hemos inspirados en la “Manipulated Architecture” de Phillipp Schaerer, la “Peel Wall Lamp” por Design Studio Yoy y el Archipelago Cinema de Ole Scheeren en el Nai Pi Lae Lagoon. ¿Qué vamos a encontrar en el próximo número? En cada edición, la visión de la revista cambia para hablar sobre diferentes temas que nos interesen, pero siempre representando a COS. El nuevo número está dedicado a la emoción de lo nuevo, que define lo actual y lo inminente, y enfoca a “nuevos movimientos” de la Nouevelle Vague hasta el Neue Deutsche Welle y el Nuevo Brutalismo. Cada temporada, seleccionamos cuidadosamente personas de influencia que son únicas y reflejan los valores de la firma COS y la temática de la revista para que salgan en ella. En este número hablamos con Tino Seghai, Kenzo Digital, Miranda July, Austra y Marva Griffin Wildshire, todos pioneros en sus respectivos campos.
“Este 2014 nos alegra abrir tienda en un mercado tan interesante como la vibrante ciudad de Nueva York.”
DISEÑAR SIN GRAVEDAD: ASÍ VESTIREMOS EN EL ESPACIO
Un equipo de diseñadores del IED Barcelona ha creado el vestuario para el proyecto The Zero-Gravity Band, que se presentará durante la próxima edición del Sónar+D 2018 en Barcelona. El proyecto artísticocientífico reflexiona y teoriza sobre la producción artística y la percepción estética en gravedad cero. Se trata, en esencia, de tres vestidos inteligentes pensados para utilizarse en ausencia de gravedad en el proyecto que presentará la entidad sin ánimo de lucro Fundación Quo Artis en la edición de este año del festival, elaborados de la mano de tres exalumnos del Título Superior en Diseño de Moda y del BA (Hons) in Fashion Design de la escuela: Denise Graus, Toni Sobrino y Masha Novikova, supervisados bajo la tutorización atenta de Francesc Grau y Tatiana de la Fuente.
Albert Barqué-Duran: “Se trata de un proyecto científico revestido de una vertiente artística. Se produce conocimiento académico y científico nuevo pero, a la vez, también nuevos productos culturales y artísticos.”
The Zero-Gravity Band surge de las investigaciones de Elisa R. Ferrè, directora del Vestibular Multisensory Embodiment de la Royal Holloway University of London, sobre cómo los humanos perciben y experimentan la estética en condiciones de microgravedad. Los artistas Albert Barqué-Duran, investigador y artista de la City, University of London, y Marc Marzenit, músico, compositor y productor musical, han querido investigar qué pasa cuando la gravedad queda prácticamente eliminada en un vuelo parabólico experimental, durante el que los pasajeros se encuentran en un estado de microgravedad durante 22 segundos. Ambos han ideado y conceptualizado el proyecto, que contará con una instalación inmersiva de luz con sonido en 360 grados que recrea un ambiente de gravedad cero, en colaboración con el estudio de investigación audiovisual Playmodes; y una exhibición de prototipos de vestidos inteligentes espaciales y de materiales para realizar creaciones plásticas y musicales en ausencia de la gravedad. Los tres looks definitivos –un traje para Ferrè, otro para Barqué-Duran y un tercero para Marzenit– han sido diseñados pensando en la personalidad de cada uno de los artistas y podrán verse durante el festival Sónar+D en el marco de la instalación sonora-lumínica inmersiva creada por los artistas, que inducirá al público a sensaciones similares a las de la falta de gravedad mediante datos de variables físicos y corporales y a través de la estimulación visual y auditiva. Su objetivo es ambicioso: experimentar cómo varia la percepción estética en tales condiciones. “Se trata de un proyecto científico revestido de una vertiente artística. Se produce conocimiento académico y científico nuevo pero, a la vez, también nuevos productos culturales y artísticos”, explicaba Albert Barqué-Duran a propósito de ello.
“Intentamos responder a grandes preguntas a las que nos enfrentamos a día de hoy como sociedad. ¿Cómo cambia el arte al trasladarlo fuera del planeta Tierra? ¿Y cómo cambia la producción artística a nivel de materiales?” El proyecto busca generar una reflexión sobre cómo será la producción artística y la percepción estética fuera del planeta Tierra y, concretamente, sobre qué implicaciones culturales y artísticas tendrá. “Intentamos responder a grandes preguntas a las que nos enfrentamos a día de hoy como sociedad. ¿Cómo cambia el arte al trasladarlo fuera del planeta Tierra? ¿Y cómo cambia la producción artística a nivel de materiales?”, añadía Barqué-Duran. A su vez, pretende crear un diálogo entorno a dicha cuestión entre investigadores de disciplinas tan diversas como la artística, la científica, la tecnológica, la humanística y la filosófica.
El vestuario, sin ir más lejos, se nutre de los recientes descubrimientos científicos sobre La estética de la verticalidad: una contribución gravitacional a la preferencia estética (Gallagher y Ferrè, 2018) para que todos sus componentes sean percibidos en su pleno esplendor bajo condiciones de gravedad cero, modificando su percepción a nivel estético. Su creación, explica Denise Graus, ha requerido de un importante ejercicio de imaginación: “No sabemos realmente si la tela pesa igual. Es un primer contacto y hemos intentado jugar con la idea de lo artesanal y lo tecnológico, porque el momento actual nos hace plantearnos: ¿Qué es mejor, dar un paso atrás y producir a mano o ir hacia la impresión 3D? El 3D, en el espacio, yo lo veo muy complicado. Pero al final se trata de imaginarte algo que no has visto jamás”. Y este fue, de hecho, el gran dilema de los diseñadores: intentar trasladar parte de la Tierra a sus diseños porque, en el caso hipotético de ir a vivir en el espacio, nuestras raíces resultarán imprescindibles.
“Denise Graus: No sabemos realmente si la tela pesa igual. Es un primer contacto y hemos intentado jugar con la idea de lo artesanal y lo tecnológico, porque el momento actual nos hace plantearnos: ¿Qué es mejor, dar un paso atrás y producir a mano o ir hacia la impresión 3D? Al final se trata de imaginarte algo que no has visto jamás” En consecuencia, materiales técnicos y futuristas se mezclan con otros más terrenales como rafias, paja, semillas o flores secas para evocar el binomio tierraespacio y aportar una melancolía terrestre tecnológica a los artistas. Para conseguirlo se han inspirado en diseñadores como Martin Margiela, y se ha manipulado los tejidos incorporando estos pequeños recuerdos terrestres que permitirán, de forma hipotética y en la medida de lo posible, crear vida en otro planeta. Asimismo, se han diseñado también estampados inspirados en diferentes elementos propios del planeta azul como el agua, la contaminación lumínica de las grandes ciudades o las zonas industrializadas; y se ha apostado por colores blancos y grises que evocaban, para los diseñadores, la esencia tecnológica o, en palabras de Graus, “el contraste del no saber”. Colores, en definitiva, que no despistan. ¿El resultado final? Es fruto de un proyecto colaborativo con Eurecat (Centro Tecnológico de Cataluña), que manifiesta la necesidad de incorporar en el traje un dispositivo con sensores que recopile una serie de variables corpóreas y constantes vitales del individuo para detectar, monitorear y aportar datos de su estado fisiológico, de la mano de Paul Lacharmoise. Los diseños, además, se han concebido bajo una perspectiva estética en 360 grados. Es decir, aportando diferentes siluetas y formas según las condiciones de gravedad en las que se encuentren. ¿Cómo? Con texturas, volúmenes y transparencias que aportan dinamismo a las prendas y alteran la forma en que éstas se perciben en movimiento. Ese ha sido, en palabras del diseñador Toni Sobrino, uno de los mayores retos: “En la escuela (de moda) nos enseñan a diseñar sobre plano, con gravedad. Pero a nivel estético la no-gravedad da a la parte creativa mucha más libertad, y también a los materiales. En gravedad cero puedes trabajar con materiales más pesados y usarlos sin dotar a los diseños de mucho más peso”.
“Toni Sobrino: En la escuela (de moda) nos enseñan a diseñar sobre plano, con gravedad. Pero a nivel estético la no-gravedad da a la parte creativa mucha más libertad, y también a los materiales.” La dificultad y la oportunidad residen, como resultado, en la espontaneidad de lo desconocido; en ese ejercicio de imaginación sin precedentes que se propone reflexionar sobre la posibilidad de vivir en otro planeta confrontando los ideales más futuristas con los más primarios y terrenales, como el de volver a crear una civilización. “Nos planteamos también nuestra profesión en gravedad cero porque para coser, también, es necesaria la gravedad”, señalaba Sobrino. Y como la moda, y el arte en general, deberán ser parte irrenunciable de esta nueva sociedad, merece la pena averiguar cómo se manifestarán en un futuro en que, la gravedad, entre otras muchas cosas, no estará garantizada. Las posibilidades, desde luego, están todavía por explorar; y el resultado promete romper con cualquier tipo de estereotipo y barrera mental. Barqué-Duran lo confirma: “Hasta hace un tiempo tenía una idea de lo que era la creatividad pero, con este proyecto, hemos tenido que asumir otra distinta, empezar desde cero y diseñar cuáles son las normas, los patrones…”. Nosotros, desde aquí, seguiremos siguiendo el proyecto muy de cerca. Y quién sabe, quizás, en un futuro cercano, sigamos también su viaje a las estrellas.
¿Quienes somos? Somos especialistas en investigación, análisis e interpretación de tendencias de moda y diseño globales. Creemos en la moda como consecuencia del diseño, en el diseño como resultado de un proceso, en el proceso del diseño fundamentado en la investigación, y la investigación basada en las necesidades del mercado. VEMOG lo guía y apoya para la implementación de estrategias que hagan del diseño un proceso formal, permanente y rentable al interior de su empresa
HASTA SIEMPRE KATE SPADE
El mundo de la moda le brinda un adiós amargo a una de las mentes más adelantadas y creativas de esta industria, Kate Spade. Se suicidó inesperadamente el pasado martes en su apartamento de Nueva York, según fuentes policiales del caso. La diseñadora es considerada una de las creadoras de carteras y bolsos más célebres de la industria y, a pesar de comenzar en el universo de la moda como periodista y editora, se hizo un importante hueco dentro del universo del diseño fundando su propia línea Kate Spade Handbags en 1993. De hecho, su talento fue reconocido repentinamente: en 1996 ya había conseguido el premio CFDA, uno de los galardones más importantes de la moda. Y, a partir de aquí, su reconocimiento no hizo más que crecer: comenzó a crear colecciones de joyas y complementos hasta expandirse por todo el mundo. Sin embargo, en mayo de 2007 se alejó de su profesión vendiendo Kate Spade New York a Coach por valor de 2.4 billones de dólares americanos –Forbes declaró que Spade no recibiría ninguno de los beneficios del acuerdo–, para regresar en 2016 con Frances Valentine, la firma que recibió el nombre de su única hija.
Pero Kate Spade fue algo más que una firma de bolsos coloridos con estampados dispares. Introdujo en su marca el arte de contar historias cuando la publicidad tan sólo se conformaba de productos colocados de manera artificial e inanimada, creando un mundo real paralelo donde las modelos aparecían en situaciones corrientes –como leyendo libros o haciendo autoestop– y prevalecían las historias. En 2006, el año en el que lanzó una de sus más reconocidas campañas junto a Tim Walker, el contenido de marca ni siquiera era una idea dentro de la industria de la moda. Sin embargo, Spade, por su pasado como editora, fue capaz de introducir sus diseños en un ambiente más cercano al escenario de una película que al de un anuncio publicitario. Hoy, decimos adiós a una de las más influyentes figuras del mundo de la moda. Pero, afortunadamente, podremos seguir disfrutando eternamente de su legado.
STELLA MCCARTNEY ABRE NUEVA TIENDA LIBRE DE CONTAMINACIÓN EN LONDRES
La alta costura sigue haciéndose (poco a poco) un hueco dentro de la moda ética. Sin duda, Stella McCartney siempre ha sido un ejemplo de ello: utiliza materiales reciclados para sus colecciones, sus prendas están libres de piel de animal, hizo un llamamiento a la industria para cambiar los hábitos de producción y de consumo y ha llegado a promocionar campañas –como la colección S/S 2018– donde conciencia a la sociedad de lo fundamental que es cuidar y preservar nuestros océanos. Su compromiso con el planeta no ha hecho más que crecer desde que llegó a esta industria en 2001. “Creo que es increíblemente difícil ser sostenible en la moda. Es la segunda industria más dañina del mundo. […] Mueve demasiado dinero, pero yo estoy aquí para cuestionarla y para desafiarla”, declaraba la creadora en una entrevista para Dazed, “realmente, hay que detenerse y decir: no, esto no es aceptable y debemos trabajar juntos, como equipo y como colectivo para hacer cambios. Hay que crear políticas que alienten y animen a las personas a ser mejores”.
“Creo que es increíblemente difícil ser sostenible en la moda. Es la segunda industria más dañina del mundo. […] Mueve demasiado dinero, pero yo estoy aquí para cuestionarla y para desafiarla.”
“Realmente, hay que detenerse y decir: no, esto no es aceptable y debemos trabajar juntos, como equipo y como colectivo para hacer cambios. Hay que crear políticas que alienten y animen a las personas a ser mejores.”
Su preocupación por el cambio climático no sólo se reduce a hacer moda sostenible. Hace apenas unos días la diseñadora abría en Londres su nueva tienda, creando el espacio londinense con la atmósfera más limpia de la ciudad. ¿Cómo? Gracias al uso de una nueva tecnología basada en filtros de nano carbón, centrados en limpiar los agentes contaminantes para ofrecer un aire más puro y limpio. De hecho, este sistema puede eliminar hasta el 95% de los gases nocivos. “Estamos recuperando madera usada de algunos muebles y el pelaje libre de piel de colecciones anteriores ha sido rediseñado para el interior del ascensor”, siguió comentando para la revista. Un espacio lleno de nuevas sensaciones que inspiran un ambiente más sano y mejorado, donde la tecnología es el futuro y la transparencia una forma de vida y de negocio. Un nuevo universo donde el medio ambiente parece estar a salvo.
LAS MEJORES STARTUPS DE MODA SEGÚN 080 INVESTOR DAY La cuarta edición del Foro de Inversión Internacional organizado por la 080 Barcelona Fashion y Seed & Click (compañía dedicada a fomentar la innovación, la emprendeduría y el financiamiento privado), el 080 Investor Day, acaba de descubrir sus finalistas. Los proyectos seleccionados presentarán sus propuestas el próximo 26 de junio, durante el marco de la semana de la moda de Barcelona que se celebrará del 25 al 29 de junio en el Recinto Modernista de Sant Pau. El objetivo de la jornada es impulsar las iniciativas comerciales, promover la inversión nacional e internacional y fomentar las transacciones comerciales y las innovaciones en la industria. Por ello, se otorgará un premio a la mejor startup tecnológica aplicada al mundo de la moda y otro a la mejor marca emergente de este año. Descubrimos a los finalistas. Mejores startups tecnológicas aplicadas al mundo de la moda Repasamos a continuación las startups finalistas de la edición de este año, cuatro con base en la ciudad condal y, una última, en Madrid. Entre todas, buscan alrededor de 597.600 € de capital; y los criterios para su elección se han basado en su capacidad de innovación, su visibilidad, su impacto social, su experiencia y la actitud de sus equipos:
LAAGAM Esta marca creada por la Instagramer Inés Arroyo, con base en Barcelona, inspira a mujeres de todo el mundo a abrazar el mundo del lujo hecho en Barcelona, haciéndolo asequible a través de una firma digital nativa total que tiene como cara principal el mundo influencer barcelonés.
LOVE THE BRANDS Esta plataforma, nacida en Madrid, sirve como solución de datos y consultoría para las marcas de moda y es, en esencia, un proveedor de motores y servicios de búsqueda de compras de moda exclusivo para marcas, que les ayuda a producir un impacto medible en sus negocios digitales. Entre otros, ya ha firmado acuerdos con firmas como Stradivarius o Esprit y modaes.es la ha catalogado como “el Google del e-commerce de moda con talento de Amazon”.
PISLOW ¿Por qué comprar cuando puedes alquilar? Engendrado en Barcelona, Pislow es un mercado de fashion renting (o alquiler de moda) donde es posible encontrar las últimas tendencias en streetwear, vestidos, bolsos y accesorios en una cuidada selección. Así, puedes estrenar look cada mes por menos dinero, menos espacio en tu armario –éste pasa a residir en la nube– y menos ataduras. Con flexibilidad total que se adapta a los cambios en tu estilo, tu talla y tu presupuesto; conformando también una alternativa al consumo de fast fashion mucho más sostenible.
VIUME AI Este asistente virtual, de raíces barceloninas, encuentra la combinación perfecta para cada ocasión. ¿Cómo? Combinando la habilidad humana con el machine learning para encontrar el outfit perfecto en cada momento, basándose en las características personales del sujeto y su estilo de vida.
Mejores marcas emergentes Además, los miembros del jurado –Enric Jové (McCann), Karina Riera (MWC), Prasenjit Tito Chowdhury (FashioNXT), Audrey Nizen (NY University), Jan Brinckmann (ESADE), Javier Blázquez (Baker Mckenzie) y Manuel Moreno (Grupo ZETA)– han seleccionado asimismo la lista final de marcas emergentes de la edición de 2018. Su objetivo es dotarlas de visibilidad y conectarlas con potenciales inversores y compañías de moda ya establecidas, y buscan alrededor de 392.000 euros de inversión. Todas tienen base en Barcelona:
NURIASERRA BARCELONA Una marca de moda femenina con un mantra a modo de declaración de intenciones: “Viste tu propia luz”. Sus piezas son atemporales, ayudando a las mujeres a sentirse más cómodas. Diseños y patrones exclusivos, prendas de alta calidad, para llevar temporada tras temporada. Fabricadas, por descontado, en Barcelona.
TROPIC FEEL Es el ejemplo vivo de cómo construir una marca desde cero a través del crowdfunding, diseñando el calzado que la misma pasarela describe como el “más versátil del mercado” y las primeras deportivas water friendly, ideales para viajar y realizar cualquier tipo de actividades.
DESCUBRE LA NUEVA COLECCIÓN RECIÉN SALIDA DE LA BASURA Matthew Miller, un joven diseñador graduado del Royal College of Art de Londres y especializado en moda masculina, utiliza el diseño para expresar sus pensamientos políticos y sociales. Una herramienta que le sirve para denunciar la situación mundial actual en relación con el medio ambiente y el maltrato que recibe el planeta día tras día. Ahora, acaba de presentar su colección S/S 2019 junto a la firma californiana de zapatillas K-Swiss. Una línea muy singular, creada a partir de miles de camisetas recicladas y destinadas a terminar en los vertederos. Todas las prendas son una crítica al modo de consumo actual, al fast fashion y al frenético mundo de la industria textil. “Si no cambiamos la forma en que creamos y cómo consumimos la ropa, el paraíso se perderá”, admitió el diseñador durante el desfile a i-D. Su objetivo es cambiar el rumbo de las cosas de manera colectiva y explotar las tecnologías de las que disfrutamos actualmente de forma positiva. Redux es el nombre que ha recibido la colección presentada por ambas firmas, que nace gracias a las 10.000 camisetas en desuso que encontró el diseñador en un almacén. Tras su descubrimiento, K-Swiss aceptó trabajar con Miller para llevar a cabo una colección responsable con nuestros ecosistemas. Las prendas cuentan con detalles de alta costura, cremalleras que marcan las siluetas, chalecos que se asemejan a un estilo militar, colores vivos mezclados con tonos grisáceos y negros que crean fuertes contrastes; así como cortes limpios y marcados. Además, el tono serio de las piezas choca con algunas chaquetas y camisas metálicas que recuerdan a una era futurista. Ambas firmas han querido transmitir una filosofía que ponga en duda la forma que tenemos los consumidores de tratar el medio ambiente y que nos haga pensar en el estado en el que se encuentra la Tierra.
Son varias las marcas que están siguiendo estas técnicas para cambiar la percepción que existe sobre la moda. Hace tan solo unos meses os descubríamos algunos diseñadores que confeccionaban a partir de deshechos y desperdicios. Ahora, cada vez son más las firmas que apuestan por estas formas de producción. Las nuevas generaciones buscan cambios y soluciones ante la desfavorable situación ambiental y, sin duda, Matthew Miller tiene algunas buenas ideas al respecto.
VEMOG TE ORIENTA EN EL DESARROLLO DE TUS COLECCIONES. DESCUBE NUESTROS SERVICIOS: *CURSOS DE CAPACITACIÓN. *ASESORIA EN DISEÑO DE COLECCIONES POR TEMPORADA. *SERVICIO DE PATRONAJE DIGITAL, ESCALADO DE TALLAS Y TENDIDO. CONTACTANOS: diseno@cnivgto.org & capacitacion@cnivgto.org
Nuestro Manifesto. Creemos en la moda como consecuencia del diseño, en el diseño como resultado de un proceso, en el proceso del diseño fundamentado en la investigación, y la investigación basada en las necesidades del mercado. VEMOG lo guía y apoya para la implementación de estrategias que hagan del diseño un proceso formal, permanente y rentable al interior de su empresa.