BOLETÍN DE MODA CANAIVE SEPTIEMBRE 2018
INSTAGRAM ASPIRA A CONVERTIRSE EN LA RED SOCIAL DEFINITIVA Instagram ya se ha asentado dentro de nuestra cultura y las marcas se han dado cuenta. El número de usuarios de la plataforma que fue lanzada en App Store en octubre de 2010 por Kevin Systrom y Mike Krieger sigue creciendo minuto a minuto y el tiempo medio que pasamos dentro de la aplicación aumenta considerablemente. Empezamos subiendo fotografías cuadradas pasadas por filtro, seguimos compartiendo vídeos de pocos segundos, comenzamos a hablar por Instagram Direct, aparecieron los Instagram Stories –una copia descarada del ya abandonado Snapchat– y luego llegaron los vídeos en directo, sus subsiguientes highlights y, hace apenas unos meses, apareció IGTV: la última herramienta de la plataforma que quiere llegar al público más joven –o, hablando en plata, a los usuarios de Youtube– para retenerlo dentro de la pantalla y convertir Instagram en lo que ya promete ser la red social definitiva. Su función principal es que podamos llegar a los vídeos de otros usuarios de manera rápida y sencilla y, así, aumentar el tiempo que pasamos dentro de la aplicación. Y una cosa está clara: si eres una marca, es la forma más estética y visual de mostrar tus productos. A todo ello hay que añadir, que la app está también integrando nuevas funcionalidad de compra, como el Instagram Shopping
“Sergio
Magán: Cuanto más tiempo pasemos dentro de Instagram, más fácil será para la aplicación vender publicidad a las marcas, y ése es el principal objetivo: monetizar sus 1.000 millones usuarios.”
Según Sergio Magán, consultor de Marketing Digital y Experto en dicha red social, “cada vez pasamos más tiempo dentro de Instagram, en España la media ronda los 58 minutos al día e IGTV es una herramienta más dentro de esta estrategia. Cuanto más tiempo pasemos dentro de Instagram, más fácil será para la aplicación vender publicidad a las marcas, y ése es el principal objetivo: monetizar sus 1.000 millones usuarios”. Sin duda, una forma directa de vender a los usuarios sin crear publicidad explícita y molesta. Sin ir más lejos, la firmas de moda tienen claro que esta herramienta es una forma fácil de seguir llegando a sus usuarios sin que tengan que abandonar la pantalla de su móvil: pueden subir spots publicitarios, desfiles, el making off de los shootings o, incluso, presentar sus últimas colecciones a golpe de vídeo: el cielo es el límite. La red social está consiguiendo, en definitiva, que lo espectadores tengan la sensación de vivir la moda en su propia piel, desde su mismo teléfono móvil –y sin necesidad, claro está, de moverse de sus casas– y como si estuvieran en primera fila de las más relevantes fashion weeks. Un lujo, apenas un par de años atrás, del todo inimaginable.
El formato audiovisual en concreto contiene un gran potencial para las firmas porque va dirigido a los millennials y a la Generación Z, la potencial masa de compradores –lujo incluido– del futuro más inmediato y, en consecuencia, un target prioritario para la mayoría de las marcas. Además, IGTV no sólo da la posibilidad de subir vídeos; dispone a su vez de opciones para añadir voz en off, texto y música. Una combinación perfecta para crear branded content que enganche al espectador durante largos y tendidos minutos. La red social en cuestión ha conseguido ya retener a más de 1.000 millones de usuarios activos al mes, y esto nos da una idea de cómo puede triunfar una marca si le saca el suficiente rendimiento a su perfil. Sin embargo, tal y como sigue comentando Magán, “si bien es cierto que [IGTV] entró de manera fulgurante, se ha detectado un cierto desinterés por parte de los usuarios. Eso no significa que se trate de una moda pasajera, es un recurso complementario al resto de recursos (Stories, Instagram Live, Gifs…), que aunque entró de manera ruidosa se irá asentando dentro de la herramienta y las marcas lo integrarán dentro de su estrategia de contenidos”. Es decir, la herramienta supondrá una gran ventaja para la firmas, pero acaba de aterrizar y todavía los usuarios deben acostumbrarse a ella. Aun así, siguiendo por el camino de la moda, la plataforma cada vez nos da más posibilidades de acercarnos al universo de las tendencias y de la alta costura que siempre nos ha parecido tan lejano. Instagram está consiguiendo que los espectadores tengan en casa lo que más les gusta y, a pesar de que las grandes firmas ya retransmitían en streaming sus desfiles, el hecho de disponer de ese contenido con una facilidad sin precedentes propicia que nos sintamos cada vez más cerca del espectáculo. “Muchas marcas demandaban la posibilidad de subir vídeos de más duración que los Stories y, sobre todo, que no desapareciesen a las 24 horas como Instagram Live. Esto hará que las marcas expriman su creatividad a la hora de realizar contenido visual para IGTV, ya que quedará insertado en el perfil”, subrayaba Sergio Magán a propósito de lo que le deparará el futuro a esta herramienta que apunta maneras. No hay duda de que las redes sociales siguen avanzando y mejorando a un ritmo que da miedo; y la realidad virtual, en consecuencia, cada vez está más a nuestro alcance. No sabemos con qué nos sorprenderá Instagram la próxima vez, aunque con toda seguridad supere –una vez más–
“Sergio Magán: Si bien es cierto que [IGTV] entró de manera fulgurante, se ha detectado un cierto desinterés por parte de los usuarios.”
TODO LO QUE NECESITAS SABER DE LA HELSINKI FASHION WEEK, LA PRIMERA PASARELA SOSTENIBLE DEL MUNDO Los países escandinavos son un ejemplo a seguir a nivel social, y sus políticas de bienestar el sueño a cumplir de muchas naciones. Pero además, la zona norte de Europa es pionera en aplicar la innovación en sostenibilidad en el sector de la moda mediante el uso de fibras alternativas como el algodón reciclado y el algodón orgánico, o la defensa de la mejora de las condiciones laborales en los países de fabricación. Asimismo, la Helsinki Fashion Week –celebrada del 20 al 24 de julio– es la primera pasarela 100% sostenible a nivel mundial nacida el año 2014 de la mano de la joven empresaria Evelyn Mora. Y aunque la organización da mucho peso a los diseñadores locales, no cierra las puertas a los creadores internacionales y sabe que son un pilar básico para conseguir la atención que merecen. Así lo detalla Mora en el portal Launchmetrics: “Afortunadamente, la industria de la moda no comienza ni termina en Finlandia. (…) No queríamos mostrar solo a los diseñadores finlandeses”. Y añade: “Como la industria es muy pequeña aquí, queríamos atraer a artistas internacionales para que vinieran y comenzaran a vender en las tiendas locales para mezclarse con la escena nacional”.
“Evelyn Mora: Descubrimos que muchas personas habían intentado producir semanas de la moda sostenibles antes y habían fallado, así que aprovechamos la oportunidad y lo hemos logrado.”
¿Pero qué diferencia a la HFW de las demás pasarelas? Fácil: el evento finlandés tiene un claro rasgo distintivo dado que se centra en dar apoyo a firmas 100% sostenibles. Mora explica el porqué del nacimiento de la pasarela: “Fue una decisión estratégica (…) teníamos que encontrar un nicho para que los compradores y la prensa viniesen a nuestro evento. La sostenibilidad es el futuro”. Y subraya: “Descubrimos que muchas personas habían intentado producir semanas de la moda sostenibles antes y habían fallado, así que aprovechamos la oportunidad y lo hemos logrado”. Un total de 45 firmas han estado presentes en la última edición de la pasarela. Y dentro de esta amplia selección, cuatro diseñadores se han convertido en el centro de todas las miradas. Toma nota de los creadores que han dejado sin palabras a los asistentes de la HFW, porque darán que hablar.
“Mirkka Metsola: Los compradores internacionales conocen ahora el diseño finlandés y esto ayuda a los diseñadores como yo (…) el diseño local es muy auténtico.”
Mirkka Metsola fundó su marca en 2009 en Helsinki después de estudiar en el London College of Fashion. La diseñadora finlandesa tiene un estilo vanguardista y minimalista caracterizado por el uso de tonos oscuros, estampados gráficos y cuero ecológico de alta calidad. Sus colecciones están diseñadas en Finlandia, utilizando materiales sostenibles y fibras naturales; y se producen bajo las normas de la artesanía de Estonia. Y aunque gran parte de sus compradores están en Finlandia, sus colecciones se han vendido ya a nivel mundial en Berlín, París, San Petersburgo, Reikiavik y Amsterdam. Su última propuesta, Beyond the Black Galaxy, ha conquistado al público de la HFW. Metsola lo defendía así en Dotwnews: “Los compradores internacionales conocen ahora el diseño finlandés y esto ayuda a los diseñadores como yo (…) el diseño local es muy auténtico”.
“Assel Nussipkozhanova: Mi inspiración siempre viene de nuestra tierra, historia, costumbres, actrices y cantantes.” Nacida en la ciudad de Taldykorgan, Kazajstán, Assel Nussipkozhanova estudió diseño de moda en el Istituto Marangoni de Milán. Las características distintivas de sus creaciones son siluetas de gran volumen, el uso de delicados de colores, el empleo de patrones gráficos y la apuesta por los bordados y apliques que diseña la propia Assel. La investigación y la experimentación son las bases de su trabajo, que se inspira –tal y como explicaba hace un par de años en una entrevista para el British Council Kazakhstan– en sus raíces: “Mi inspiración siempre viene de nuestra tierra, historia, costumbres, actrices y cantantes”. Gracias a las influencias del patrimonio histórico de Asia Central, sus piezas son una mezcla entre tradición y modernidad, sofisticación y minimalismo. Al mismo tiempo, apuesta por la moda 100% sostenible. ¿Se puede pedir más?
Inna Stein y Caroline Rohner crearon su propio sello en 2013 influenciadas por la moda y el arte. Su firma, Steinrohner, defiende el couture de la rue: la vanguardia de la alta costura que se funde con el streetwear. Las jóvenes hacen uso de tecnologías modernas como el corte láser, al mismo tiempo que abogan por técnicas más tradicionales como el punto. Steinrohner se inspira en los cuentos para crear colecciones femeninas y delicadas. De este modo, la firma dibuja su propio camino tal y como detallan las diseñadoras a Oe-magazine: “Siempre continuamos una historia. Cada colección está hecha en nuestro idioma, pero es muy importante buscar nuevas estructuras y técnicas”. Además, Inna y Carolina han participado ya en los showrooms de la Paris Fashion Week, la Berlin Fashion Week y la Mode Suisse Edition Zurich con gran éxito.
“Inna Stein y Caroline Rohner: Siempre continuamos una historia. Cada colección está hecha en nuestro idioma, pero es muy importante buscar nuevas estructuras y técnicas.”
Paula Malleus es la diseñadora detrás de MEM. La firma nacida en Finlandia hace uso, en su totalidad, de residuos post consumo. Por lo tanto, es la primera colección creada a partir de desechos textiles realizada en serie. Se trata de una colección upcycled cuyo objetivo es acercar el diseño a la nueva forma de producir prendas de forma sostenible. Paula ha reciclado durante casi una década para lograr este fin y ha apostado por la producción local de sus prendas. Asimismo, MEM presenta colecciones cuya materia prima proviene de la Cruz Roja Finlandesa. Malleus demuestra como la calidad, el diseño y la vanguardia no están reñidos con la ética y la conciencia social. Y subraya: “Todo el mundo causa impacto aunque podemos elegir qué tipo de huella queremos dejar atrás. MEM demuestra que la economía circular puede implementarse en la industria de la moda. Desde mi punto de vista, es el único método de producción que la Tierra puede soportar”.
“Paula Malleus: Todo el mundo causa impacto aunque podemos elegir qué tipo de huella queremos dejar atrás. MEM demuestra que la economía circular puede implementarse en la industria de la moda. Desde mi punto de vista, es el único método de producción que la Tierra puede soportar”
BARCELONA ENCUENTRA EN LA MODA DE BAÑO SOSTENIBLE UN NICHO DE MERCADO
La moda made in Barcelona no conoce fronteras y la firma allSisters lo ha demostrado llegando hasta la portada de WWD, todo un logro que en esta industria se traduce como el definitivo: you’ve made it. El pasado martes 17 de julio Women’s Wear Daily, encumbrada por algunos como la Biblia de la moda, publicaba su último número con una portada que defendía firmas que emplean materiales reciclados en su producción. Para lograr este fin, WWD seleccionaba a la primera marca de lujo de trajes de baño eco-friendly nacida en España: allSisters. Las prendas de la firma catalana, engendrada en junio de 2015, son elaboradas bajo normas éticas de conducta en Barcelona con tejidos reciclados de alta calidad y certificadas, al mismo tiempo, por el sello OEKO-TEX® de Made in Green. El blanco y el negro son la señal de identidad de una marca que aboga por la producción 100% sostenible en la capital catalana. ¿Pero por qué las firmas de moda de baño sostenible parecen haber encontrado un enclave perfecto en la ciudad de Barcelona?
“Gisela Ardenuy: Barcelona es una ciudad muy vinculada al mar y a un estilo de vida Mediterráneo. Este factor y el hecho de que existan pequeños talleres de confección textil especializados en baño, pueden ser dos de los factores que han desencadenado la proliferación de marcas de baño.”
Barcelona se presenta al mundo como una ciudad moderna, cosmopolita y estrechamente ligada al diseño. Por este motivo, numerosos jóvenes diseñadores deciden establecer en la capital catalana sus talleres creativos. Por suerte para la salud del planeta, parte de las firmas de reciente aparición en la ciudad apuestan por la ética y el respeto al medio ambiente. Gisela Ardenuy, fundadora de Ardenuy Press y del showroom que cuenta con firmas como Bohodot o Mireia Playà, encuentra una explicación lógica a este nuevo movimiento: “Barcelona es una ciudad muy vinculada al mar y a un estilo de vida Mediterráneo. Este factor y el hecho de que existan pequeños talleres de confección textil especializados en baño, pueden ser dos de los factores que han desencadenado la proliferación de marcas de baño”.
“Patricia Caballero y Alba Bisbal: Barcelona tiene una identidad única, se la conoce en el mundo como una ciudad que emana cultura, creatividad e innovación. La moda sostenible está creciendo como fruto de la demanda del consumidor y por lo tanto es necesario que aparezcan nuevas propuestas.” Pero hay más motivos que explican este movimiento y Patricia Caballero y Alba Bisbal, fundadoras de allSisters, defienden así el auge de la moda de baño eco en la ciudad condal: “Barcelona tiene una identidad única, se la conoce en el mundo como una ciudad que emana cultura, creatividad e innovación. Además, el sector textil fue una de las grandes industrias antiguamente. La ciudad tiene la mirada hacia el futuro y siempre busca renovarse”. Y añaden: “Creemos que la moda sostenible está creciendo como fruto de la demanda del consumidor y por lo tanto es necesario que aparezcan nuevas propuestas. Poco a poco el consumidor está adquiriendo conciencia de los productos que compra, su origen, fabricación, tejidos… Sin embargo, aún resulta muy difícil competir con las marcas fast fashion que ofrecen productos muy asequibles al consumidor pero, claro, el planeta está pagando el precio real. Es por esto que desde las empresas también es importante que comuniquemos lo necesario que es apostar por un modelo responsable de producción y ofrezcamos productos de alta calidad”. Así, la comunión de todos los factores anteriormente mencionados ha ayudado, en definitiva, a la proliferación de firmas de baño con base en Barcelona. Pero más allá de allSisters, existen otras firmas con características similares que forman parte del nuevo movimiento de moda de baño eco de la ciudad.
La nueva tendencia que emana en Barcelona, sin ir más lejos, tiene nombres propios como Fig Tree, Pale Swimwear y Clō stories. Cada una de estas firmas tiene una esencia especial. Fig Tree nace con el objetivo de recuperar la técnica del ganchillo, un estilo de trabajo artesanal propio de principios del siglo XX. Por otro lado, Pale Swimwear produce ropa interior y moda de baño sostenible confeccionada con materiales premium de origen local. Y Ariadna Garrido y Alba Casellas fundaron en 2017 una firma de ropa de baño sostenible que logra emocionar: Clō stories. La marca, basada en la filosofía del slow fashion, produce a nivel local con tejidos y materiales que provienen del Mediterráneo. Todos los modelos son reversibles y hacen uso de materiales reciclados para la producción del embalaje y de las etiquetas de sus prendas. Hace apenas unos días tuvimos el placer de entrevistar a las creadoras y debatir sobre la situación del sector en la actualidad: “La industria de la moda actual nos crea una necesidad de consumir a ritmos acelerados. Creemos que las empresas tendrían que hacer campañas para concienciar al consumidor y promover un consumo más responsable”. La moda eco de baño encuentra en Barcelona un enclave ideal gracias a la larga historia que acompaña a la ciudad, su romántica vinculación con el mar, la existencia de pequeños talleres de confección textil especializados en ropa de baño y su visión hacia un futuro donde la ética sea la única norma a seguir.
NUEVOS CLÁSICOS
Platicamos con Giovanni Estrada y Alex Meza Blocker, las mentes detrás de Simple by Trista. Recientemente, la marca mexicana presentó S1 BY SIMPLE, una colección de piezas que por su estilo, diseño, paleta de color y calidad se convertirán en los nuevos básicos del guardarropa de hombres y mujeres. ¿Cómo surge esta nueva faceta? S1 BY SIMPLE surge de la necesidad de agrupar en una identidad propia lo modelos más exitosos de Simple by Trista, aquellos que consideramos como clásicos y siempre con la premisa de mejorar constantemente nuestro producto. ¿Qué es lo que hace diferente a su firma de las demás propuestas? Creamos una propuesta inusual de combinar producción artesanal a pequeña escala con experimentación textil a nivel industrial. Además, nuestro enfoque está en la practicidad y comodidad más allá de las tendencias. Simple by Trista en principio comparte rasgos del ADN y experiencia de nuestra marca origen Trista, que cuenta con 12 años de trabajo continuo y que es un referente del diseño en nuestro país. Por último, el programa Designers by Kaltex forma parte fundamental en nuestro trabajo tanto con tejidos como en nuestros terminados.
¿Con qué materiales les gusta trabajar? Trabajamos principalmente con fibras naturales, sobre todo lino y algodón en sus diferentes presentaciones: denim, gabardina y popelina.
¿De dónde viene su inspiración? Parte de nuestra ciudad y las necesidades de los que la habitamos. Buscamos dar una respuesta práctica para los que requieren de un look relajado y versátil para su día a día. Así como de nuestro entorno, la música, la lectura, el cine, las nuevas tecnologías y recientemente de nuestro hijo Dante. Cada elemento nos inspira y motiva a crear.
¿Qué aprecian de su trabajo? ¿Qué es lo más emocionante? El clímax de nuestro trabajo es cuando la gente que usa nuestras prendas las aprecia y las hace propias. No hay mayor recompensa y a la vez compromiso. ¿Y lo más difícil? Estancarse en los obstáculos e inconvenientes y ser capaces de replantear el camino constantemente. Como emprendedores, es necesaria una fuerte dosis de resiliencia para dar vida a los proyectos. ¿Qué significa la moda en su vida? La moda es un elemento que te da la posibilidad de ser lo que quieras ser. ¿Cuál es el reto más importante que enfrenta la gente joven en su campo de trabajo? Uno de los mas grandes retos es formar un equipo de trabajo solido y confiable. Creo deben ser lo suficientemente persistentes y pacientes para superar etapas difíciles.
¿Cómo ves el crecimiento de la moda en México los últimos diez años? La moda en México está entrando en un proceso de aceptación y los medios de comunicación han contribuido a la difusión de los proyectos, aunque falta mucho de parte de las marcas y el mercado para lograr una madurez. Hay cada vez más y mejores propuestas en México que creo que podrían ser muy exitosas fuera del país.
¿Quienes somos? Somos especialistas en investigación, análisis e interpretación de tendencias de moda y diseño globales. Creemos en la moda como consecuencia del diseño, en el diseño como resultado de un proceso, en el proceso del diseño fundamentado en la investigación, y la investigación basada en las necesidades del mercado. VEMOG lo guía y apoya para la implementación de estrategias que hagan del diseño un proceso formal, permanente y rentable al interior de su empresa
COLOMBIA ESTÁ DE MODA: ESTAS SON LAS PRUEBAS
“Colombia está de moda”, dicen en varios rincones del mundo, y así es. Este país latinoamericano lleno de color, talento y alegría se ha convertido recientemente en uno de los países de esta región con más poder y reconocimiento en la industria de la moda global. En 2016, el portal Business of Fashion publicaba un artículo titulado Colombia’s Creative Boom que destacaba la manera en la que el país se estaba alejando de la típica fama de folclor y espíritu tropical para posicionarse como una industria creativa, innovadora, elegante, alegre y, sobretodo, con una mano de obra artesanal digna de admirar. Pero, ¿cómo ha logrado esto Colombia? “A pesar de ser un país que sufrió años de violencia y conflicto interno, sus miles de ciudadanos artesanos, diseñadores y soñadores nunca dejaron de resistir e insistir.”
Mariana Suárez, editora general de la sección de especiales de la revista más importante de Colombia, Semana, asegura que la clave está en resistir. A pesar de ser un país que sufrió años de violencia y conflicto interno, sus miles de ciudadanos artesanos, diseñadores y soñadores nunca dejaron de resistir e insistir, convencidos de que, como dice Suárez, “lo que marcará la diferencia es lo nuestro”. Y, efectivamente, fue así como después de un largo tiempo de soñar y visualizar, Colombia encontró su lugar a escala global en una de las industrias más creativas y poderosas del mundo a día de hoy: la de la moda. Colombia es un país que disfruta del privilegio de tener una excelente mano de obra, lo cual permite mantener la esencia de lo propio y seguir demostrando que la unicidad realmente está en sus raíces. Sin ir más allá, esta mano de obra ha conquistado la moda por medio de diseñadores colombianos como Edgardo Osorio, fundador de Aquazzura; el ex-director creativo de Berluti, Haider Ackermann; o Johanna Ortiz. Y también a través de reconocidas casas de moda como Marni, que se inspiró en este país, sus diseños y sus tradiciones –como el baile, la cumbia– creando Marni Ballhaus en el Salone del Mobile 2016 de Milán.
“Diseñadores y marcas como Leal Daccarett, Mercedes Salazar, Kika Vargas, Bibi Marín, Pepa Pombo, Paula Mendoza, Hunting Season y Maison Alma han logrado conquistar el mercado internacional con diseños codiciables y mediante el famoso trunkshow Moda Operandi, Farfetch y Net-a-Porter.”
El icónico Colette se vistió de Colombia durante 12 días en julio de 2017, en colaboración con el diseñador colombiano Esteban Cortázar (que ya es un must en el calendario de la semana de la moda de París). ¿El resultado? Colombia en Europa. La colaboración no sólo llevó el diseño y el talento colombiano a la ciudad de la alta costura por excelencia, sino que mostró al país latino de una manera alegre y divertida al mundo, recreando la cultura popular de sus tierras por medio de la música, la gastronomía y las expresiones típicas del país.
En vista del boom del país, Giovanna Campagna y CloClo Echavarria, dos emprendedoras colombianas, decidieron establecer CREO Consulting, un showroom y consultoría que busca posicionar a los mejores talentos latinoamericanos en la industria de la moda a escala global. Así, diseñadores y marcas como Leal Daccarett, Mercedes Salazar, Kika Vargas, Bibi Marín, Pepa Pombo, Paula Mendoza, Hunting Season y Maison Alma han logrado conquistar el mercado internacional con diseños codiciables y mediante el famoso trunkshow Moda Operandi, Farfetch y Net-a-Porter. Llegando, incluso, a presentar sus colecciones en las semanas de la moda de Nueva York, París y hasta las icónicas vitrinas de Bergdorf Goodman.
“El talento colombiano no se limita exclusivamente a sus diseñadores. El decorador oficial de la MET Gala, sin ir más lejos, es el colombiano Raúl Ávila.” Pero el talento colombiano no se limita exclusivamente a sus diseñadores. El decorador oficial de la MET Gala, sin ir más lejos, es el colombiano Raúl Ávila. En la lista de BoF de las 500 personas más influyentes en la industria de la moda actual, además, se encuentran tres nativos de este talentoso país: uno de ellos el CEO Alexandre Zielcke, que se ha encargado de llevar reconocidas marcas de lujo como Ferragamo hasta Colombia.
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CLŌ STORIES: MUJERES DISEÑANDO PARA MUJERES
Clō stories nació en Barcelona hace poco más de un año de la mano de Ariadna Garrido y Alba Casellas. El objetivo de la marca sostenible es diseñar y producir sin prisa, localmente y con materiales y tejidos del Mediterráneo, reciclándolos a su vez para el embalaje y las etiquetas de cada una de las piezas que producen. ¿Su filosofía? Confeccionar modelos que se adapten a cualquier tipo de cuerpo, enalteciendo su belleza y feminidad natural. Son mujeres diseñando para mujeres, aportando así su granito de arena a los movimientos feministas globales tan necesarios en la actualidad. ¿Y lo más divertido? Todos sus diseños son reversibles, así que puedes mezclarlos y combinarlos hasta la saciedad; creando el traje de baño que se adapte mejor a tu propia piel y con el que te sientas más cómoda. ¿Quieres probar? Nos aliamos hoy con la firma barcelonesa para regalarte –a través de Instagram– nuestro preferido, el bañador GRETE. Aprovechamos la oportunidad para conocer a las diseñadoras un poco más.
Vuestra marca encarna lo natural y los diseños se adaptan a cualquier tipo de cuerpo femenino. ¿Por qué decidisteis confeccionar este tipo de prendas? Las dos somos dos mujeres con cuerpos muy diferentes y queríamos que nuestras prendas se adaptaran a nuestros cuerpos por igual. Nuestra marca encarna lo natural porque utilizamos tejidos finos, agradables y suaves. Son cómodos, no aprietan, son como una segunda piel.
¿Pensáis que pueden ayudar a los movimientos feministas que luchan para que se acepten en la sociedad todo tipo de cuerpos y siluetas? Sí, hay mucha discriminación por no tener el canon de belleza marcado en los medios o las pasarelas, y el exceso de retoque en las fotos hace que sea superficial y no real. Nosotras vemos la belleza en todo tipo de cuerpos y de personas, por eso optamos por lo real y lo natural, y aportamos nuestro granito de arena para intentar cambiar el canon de belleza en nuestra sociedad. Todas vuestras prendas son sostenibles, de diseño local en Barcelona y enfocadas en el slow fashion. ¿Por qué creéis que es más necesario que nunca implementar esta filosofía en las nuevas marcas de moda que están naciendo? Para nosotras el slow fashion es muy importante y es uno de los pilares de nuestra marca. Las toneladas de ropa confeccionadas, el fast market, han hecho y están haciendo mucho daño al planeta. Hacer una compra consciente y sostenible es casi obligatorio hoy en día.
¿Qué creéis que le falta (o le sobra) a la industria de la moda actual? La industria de la moda actual nos crea una necesidad de consumir a ritmos acelerados. Creemos que las empresas tendrían que hacer campañas para concienciar al consumidor y promover un consumo de moda más responsable. Barcelona os ha servido como fuente de inspiración para confeccionar vuestros trajes de baño. ¿Cómo se traduce esta influencia en vuestras piezas? Los colores nos transportan al Mediterráneo: predominan los colores cálidos; los verdes, porque nos inspiramos en la vegetación; o los tornasolados, que nos recuerdan el agua del mar que cambia de color al amanecer y al atardecer. Los diseños y el patronaje se adaptan sacando el lado más femenino. Las formas redondas nos inspiran en la arquitectura que hemos visto desde pequeñas en nuestra ciudad (la Pedrera, la Casa Batlló…).
En los últimos años parece que el bañador se ha convertido en la pieza estrella del verano. Es ya un imprescindible en cualquier armario y hay quien hasta los lleva también como sustituto a las camisetas. Pero si tuvierais que elegir… ¿Bikini o bañador? Es una pregunta difícil de responder para nosotras porque nuestra marca combina ambas piezas… Es más: al ser algunos modelos reversibles, permiten hacer más combinaciones. ¿Qué tiene de especial el bañador GRETE, el producto elegido para el giveaway? Todas las chicas que se lo han comprado o probado se sienten cómodas y femeninas. Todo el conjunto lo hemos diseñado nosotras, desde el estampado hasta el patrón. Además es un producto de proximidad hecho cerca de Barcelona y para que sea duradero y saludable con resistencia al UVA y al cloro. Hay muy pocos producidos, así que será difícil encontrar a alguien con el mismo bañador.
TODO EN UNO.
Sabemos que nuestra relación con los colores es estrecha; sin embargo, es fácil perder la dimensión de lo importante que es en realidad, hasta que vemos cometerse un error catastrófico a nuestro alrededor: una mujer usando un vestido blanco en una boda (sin ser ella la novia) o a algún despistado que causa escándalo con una prenda de colores brillantes en un sepelio occidental. Romper el código, no solo del estilo de vestimenta, sino del color de esta, puede ser, como en los ejemplos anteriores, tomado como una terrible ofensa. Y es que durante siglos hemos asociado a los colores con ceremonias y rituales tanto religiosos como sociales, con nuestro género y hasta con ciertas etapas de nuestra vida. Los colores son un lenguaje en sí mismos. Y a veces también una barrera. Por supuesto, al igual que pasa con los idiomas, la concepción que se tiene de estos varía alrededor del mundo. Mientras que en Occidente usar negro no solo es lo adecuado, sino lo requerido para expresar el luto, en Sudáfrica es aceptable usar rojo. Para los antiguos egipcios, por otro lado, lo indicado en dichas ocasiones era vestir prendas amarillas. Además de considerar las situaciones geográficas y culturales, cuando hablamos del uso de los colores también tenemos que considerar la temporalidad, porque, claro, las ideas que tenemos sobre ellos son resultado de cambios de significado que se van gestando con los años. Por ejemplo, un estudio realizado por el Instituto Smithsoniano que buscaba entender las definiciones de feminidad y masculinidad en las prendas infantiles ("When Did Girls Start Wearing Pink?") hizo un recuento fantástico que nos permite ver cómo se modifican nuestras concepciones cromáticas: a decir de la autora, la comunicóloga y politóloga Jeanne Maglaty, hasta finales del siglo XIX en las culturas occidentales se acostumbró vestir de blanco a niños y niñas por igual con "ropones" o vestidos bastante andróginos.
Pero a principios del siglo XX surgió la "necesidad" de identificarlos por género desde pequeños, y el resultado de esto fue curiosamente opuesto al código que conocemos ahora: en una publicación publicitaria de 1918 se decía que la regla aceptada era vestir de rosa a los niños y de azul a las niñas. ¿La razón? Que el rosa "es un color más fuerte y decidido, mientras que el azul es un color más delicado y refinado". El rosa femenino y el azul masculino que hoy tenemos tan implantado en la mente es, en realidad, un fenómeno reciente que se definió hasta los años 80, ya con todo un aparato mercadológico tras de sí. Hoy, sin embargo, luchamos por deshacernos de ese prejuicio inventado entre los colores y el género con la misma actitud disruptora con la que Coco Chanel transformó el negro de los funerales en un básico de la elegancia y de las grandes fiestas. El de los colores, como todos los lenguajes, se encuentra en una evolución constante que depende de cómo, cuándo y dónde los vistamos. Las teorías más atrevidas sugieren que, incluso, son una herramienta curativa ya que afectan nuestro estado de ánimo. Para la consultora en salud mental Tamera Anderson-Hanna, usar colores vibrantes nos puede dar un "impulso mental" de actitud positiva cuando más lo necesitamos.
Con todo esto dicho, estar en tendencia esta temporada nos invita a elegir un solo color para construir un atuendo. Un recurso estético que, como nos ha enseñado la Reina Isabel II, es estrategia y mensaje. Es famoso el hecho de que la monarca siempre viste atuendos monocromáticos en eventos públicos para poder ser fácilmente identificada por sus cuerpos de seguridad en un caso de emergencia, pero la intención con la que elige cada color que usa también es parte del código con el que expresa de modo discreto sus sentimientos e ideas, ya que el protocolo de la realeza impide que lo haga de manera evidente. Un ejemplo reciente es el vestido verde con el que asistió a la boda de su nieto, el príncipe Harry y Meghan Markle, que según June McLeod, autora del libro Color Psychology Today, fue "un signo de respeto y de buenos deseos para el futuro". Los detalles púrpura que añadió, a decir de McLeod, significaron "orgullo y purificación". Para el otoño, los diseñadores proponen el uso de atuendos monocromáticos en tonos acordes al clima de la temporada, como el caqui que usan Hermès, The Row y Joseph, que nos recuerdan las hojas caídas; mientras el ocre de la tierra es propuesto por Victoria Beckham, que combina con un muy sutil toque de elegante borgoña usado en esta ocasión por Off-white y Céline. Roksanda y Paco Rabanne apuestan por el verde de los arbustos más resilientes que, pese a la cercanía del invierno, no pierden su color, y Jil Sander y Philip Lim usan azul y lila respectivamente, como refiriendo a los colores que se encuentran juntos en el cielo en algunos atardeceres. Dior se contenta con un gris Oxford muy correcto, de actitud tranquila, inalterable como una roca. Vemos, en todas estas propuestas, el paisaje de la estación deconstruido, como si cada atuendo fuera un pigmento en la paleta con la que coloreamos el otoño. No es esto una exageración, pero sí un juego. Porque la ropa, vista solo a través de sus colores, nos invita a fantasear del mismo modo en que lo hacía Paul Gauguin cuando pintaba: "¡color! ¡qué lenguaje profundo y misterioso!", decía él, "¡el lenguaje de los sueños!".
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