BOLETÍN DE MODA CANAIVE NOVIEMBRE 2018
EL LUJO SE FUSIONA CON EL STREETWEAR: 7 NUEVAS COLABORACIONES QUE (SÍ O SÍ) QUERRÁS LUCIR ¿Estás ya cansado de leer sobre colaboraciones entre personajes ilustres del panorama creativo y grandes firmas de moda? Somos conscientes de que no estamos ante un concepto revolucionario –de hecho ha sido la tendencia más repetida a lo largo de los últimos dos años– pero el resultado de estas prácticas suele ser de altura. Mezclar el poder de la imaginación de genios como Virgil Abloh o JW Anderson con los extensos recursos de los equipos creativos de marcas punteras como Ikea, Converse o Nike es una garantía de éxito. Los últimos meses de este 2018 –y los primeros suspiros del 2019– presentan atractivas colaboraciones enfocadas al streetwear que no dejarán al público indiferente. Apunta en tu agenda las últimas novedades que no debes dejar escapar.
JW Anderson x Converse
El diseñador británico y la marca de zapatillas siguen su camino para plantear un nuevo lanzamiento. La última colección cápsula fruto de su alianza se inspira en la obsesión de Anderson por el arte y la artesanía y reconstruye la silueta del clásico modelo Chuck Taylor 7 con fieltro de primera calidad en diversas tonalidades llamativas. Las zapatillas ya están disponibles en la tienda web de Converse y HBX.
Supreme x Nike
Supreme y Nike –dos gigantes dentro del sector de la moda de carácter deportivo– aúnan fuerzas este otoño/invierno 2018 para diseñar una colección enfocada en la creación de prendas inspiradas en la estética deportiva vintage. Monos de trabajo, chalecos oversized y pantalones de chándal se tiñen de icónicos estampados como los cuadros y de vibrantes colores como el mostaza. La colección se puede adquirir en tiendas Nike de Nueva York, Los Ángeles, Londres, París y Japón desde el 27 de septiembre.
Virgil Abloh x Ikea
El nombre más sonado de la industria de la moda en la actualidad (con el permiso de Alessandro Michele) vuelve con el gigante del mueble Ikea para diseñar una nueva colección que verá la luz en algún momento del 2019. Alfombras, textil, bolsas de la compra… No hay límites para la imaginación del estadounidense.
Junya Watanabe MAN x The North Face
The North Face y Junya Watanabe MAN vuelven a la carga este otoño. El diseñador japonés ha convertido el saco de dormir Dolomite de TNF en una chaqueta reversible y modular. Para ello, ha empleado el tejido aislado del saco de dormir en una exclusiva chaqueta que cuenta con una confección resistente de poliéster, construida con unos paneles y un acolchado altamente funcionales. El modelo está disponible en tiendas seleccionadas como HAVEN.
Moschino x H&M
La polémica está servida con la campaña de la nueva colección cápsula de H&M que protagoniza Moschino de la mano de Jeremy Scott. Opulencia, lujo y una visible y criticada apropiación cultural –véanse las claras referencias a la cultura negra de los años 80 y 90 materializadas en prototípicas modelos blancas como Gigi Hadid– son los primeros ingredientes de esta colaboración que saldrá a la venta el 8 de noviembre a nivel internacional.
Alexander Wang x Uniqlo
El diseñador estadounidense Alexander Wang vuelve a unir sus fuerzas con la firma japonesa para diseñar una innovadora propuesta de ropa interior. La colección se basa en la reinvención de prendas de ropa íntima producidas con el famoso Heattech, un revolucionario tejido que retiene el calor del cuerpo y lo conserva para mantener la temperatura. El resultado estará en tiendas seleccionadas de Uniqlo a partir del próximo 9 de noviembre.
Disney x Coach
La colección Minnie Mouse de Disney x Coach presenta nuevos modelos para este otoño. Bolsos, billeteras y llaveros –con precios competitivos que van desde los $35 hasta los $375– apuestan por el poder femenino a través de este icono de la infancia y celebran los 90 años de la primera película del célebre Mickey Mouse. Los modelos de esta colaboración ya están disponibles en la web de Coach.
EL FUTURO ES DE (ESTE) COLOR: ASÍ SERÁ LA PALETA CROMÁTICA S/S 2020 El pasado martes 9 de octubre Colour Community presentó Double Poetry, la previsión de tendencias e inspiraciones cromático-matéricas que se materializan en cuatro gamas de colores y serán protagonistas absolutas en la próxima temporada Spring/Summer 2020. Double Poetry ensalza las dualidades. Habla de la ambivalencia desequilibrada entre lo mental y lo irracional, la tecnología y la emoción. De las lecturas científicas en contraste con las poéticas, y de éstas últimas conviviendo con la hipertecnología en su versión más humana. Es ciencia sin ficción: seguimos y seguiremos sin ser máquinas. Esto es todo lo que tienes que apuntar para adelantarte a lo que está por llegar.
Iced Risk Riesgo helado-frío-congelado Crear, para Colour Community, es proponer progresando. La innovación es necesaria, pero debemos dosificar su intensidad. En consecuencia, la paleta cromática Iced Risk propone en la justa medida, entrando en el futuro con decisiones cromáticas firmes, llenas de talento y libres de prisas y exhibicionismos de ocasión. Es el Riesgo Congelado en sentido ultrapositivo; un bálsamo de intensa creatividad para la constancia, la elegancia y la seguridad absoluta. En otras palabras: todo está cuidadosamente medido y calculado para destacar en la sombra. Sus colores se concretan en combinaciones perfectas y exactas para aportar frescor a los meses más calurosos. La gama destila belleza nórdica, naturaleza escandinava en su máximo exponente a través de dos únicos tonos connotados con profundidad gráfica y mate: el verde y el azul. Aportarán tranquilidad, pausa, descanso e incluso fertilidad y transparencia de la naturaleza que esconden; además de una esencialidad y atemporalidad total. La ciudad los hace suyos para sanear un exceso de asfalto, falsedad y banalidad.
L.A. Los Ángeles A Los Ángeles le gustan los golpes porque los puede resistir incluso si son cromáticos. Es una esponja que absorbe y libera fluidos sin modificar su tamaño ni deformarse. La gama que propone la entidad, consecuentemente, transpira toda esa dureza y controversia artificial. Está compuesta por una serie de tonos intensos pero mates –ya que se concentra en una visión diurna de la ciudad– que se proponen formalizándose de manera opaca. Son perversiones sintéticas de motivos florales fusionados con la iconografía derivada del desierto y el mar, la roca y el surf. Estampados que mezclan todos estos imaginarios y los modernizan en una gama de colores conscientemente extrovertida, que es capaz de implementar singularidad y elegancia a cualquier producto dentro de un contexto más urbano, atrevido y exhibicionista. Mother Tech Mother Esta propuesta cromática, que abraza lo maternal, servirá y englobará a todo lo tecnológico, novedoso, futurista o sin referentes previos que siga teniendo, no obstante, .
una conexión total con la humanidad y esté al servicio de ésta. Sus colores no tienen árbol genealógico ni antepasados. Se conforman por tonos suaves para tecnologías que ayudan, grandes armonías para diseños tecnológicos cromáticamente equilibrados. Lo artesanal está especialmente presente como concepto dentro de esta comunicación amable de la tecnología. Por eso se vuelve más importante que nunca narrar y mostrar al receptor el proceso, ya que sin comprensión real no existe asimilación ni cercanía. Mother Tech respetará las reglas medioambientales de la Madre Tierra y las potenciará a favor del beneficio social en objetos que se volverán inconscientemente asequibles para nosotros, facilitando una apreciación positiva y hasta sofisticadamente comercial.
New New Doblemente nuevo Ser brillante se asimila a ser inteligente en el lenguaje de Colour Community y esta gama, en consonancia, propone tonos inteligentes y emotivos a la vez, brillo y vitalidad con serenidad y alma. Metal, dorados y gris plateado constituyen una propuesta que magnifica el culto a la inteligencia, al cerebro complementado por el corazón. Manos, dedos y improntas dactilares se renuevan como iconografía simbólica de esta reivindicación por la especie: no a la obsolescencia humana. No a lo digital y a lo robótico como una amenaza nunca más. Los tonos propuestos por New New pueden servir para definir un nuevo doméstico; para repintar un mundo actual y recotidianizar estos colores para lo básico y lo usual. Son prácticos, luminosos, naturales dentro de su presencia inusual. Esta gama reinterpreta pero es aceptada inconscientemente.
LA LFW DICTA SENTENCIA: 6 TENDENCIAS QUE DEBES APUNTAR
La London Fashion Week se presenta al mundo como una de las pasarelas más alternativas, rebeldes y arriesgadas del panorama internacional. Las vibraciones de la ciudad de Londres, que se autoproclama como la más cosmopolita del mundo (aunque quizás Nueva York tenga algo que decir al respecto), se palpan con facilidad en las propuestas que observamos en sus desfiles y en el estilo que desprenden sus calles durante las frenéticas semanas de la moda. Prestigiosos diseñadores como Simone Rocha, JW Anderson, Erdem o Mary Katrantzou destacan entre la multitud gracias a su característica visión del mundo de la moda que, en muchas ocasiones, se aleja del canon establecido. Contactamos hoy con Raquel Sánchez Montes (la aclamada trend forecaster residente en Guangzhou, China) con el objetivo de no perdernos ni un detalle de las tendencias que dictarán sentencia durante las próximas temporadas. Toma nota de las seis tendencias que despuntarán a partir de la primavera del 2019.
Lo imposible se convierte en realidad en la pasarela londinense. Arriesgar ya no es una opción, es (casi) una obligación. Sánchez Montes ha bautizado la tendencia más atrevida de la LFW como global traveller, y añade: “Cada vez somos más globales, ahora somos ciudadanos del mundo, y la línea entre las fronteras es imperceptible (…) El consumidor necesita sorpresa y los diseñadores tienen que arriesgar. Por este motivo, soy muy fan de las mezclas que parece que carecen de sentido pero que, en realidad, son visualmente harmonicas y bellas”. JW Anderson es un genio mezclando materiales imposibles y en su último desfile lo ha vuelto a demostrar. El irlandés ha saltado al ruedo con una colección repleta de piezas visualmente complejas y de confección artesanal, y donde la técnica del collage ha despuntado. Matty Bovan, por otro lado, cautivó al público británico con unos modelos multicolor que representaban la moda relacionada con las artes escénicas. En este caso, el trabajo de Bovan escondía un profundo mensaje: la lucha de la creatividad frente a una situación inestable en el país británico debido al Brexit, la austeridad y las desigualdades sociales que agitan al pueblo. La versión más discreta del crazy mix la presentaba Chalayan con una serie de estampados inspirados de nuevo en el collage y en la ilustración que dieron el toque de color a una colección marcada por el uso del negro, el gris y el blanco. Por último, nadie puede poner en duda el éxito creativo de Mary Katrantzou. La diseñadora logró colgar el cartel de lleno en el Roundhouse con una brillante colección demi-couture que la propia creadora ha definido como “una colección sobre colecciones”; una propuesta con una vibrante paleta de colores donde la inspiración ha brotado del surrealismo experimental.
Los velos, uno de los accesorios femeninos más antiguos y tradicionales, han sido una de las piezas clave inesperadas de la LFW. Las cabezas vuelven a ser foco de atención en esta edición –como ya adelantamos a raíz de la semana de Alta Costura de París– y las colecciones de Mary Katrantzou, Simone Rocha y Erdem se encargaron de otorgarle fuerza a esta afirmación. Las propuestas de Mary Katrantzou y Simone Rocha son algo más convencionales aunque apuestan por la pedrería y por la diversificación de materiales. La colección de Erdem (inspirada en la historia de las primeras hermanas travestis Stella y Fanny, que en 1860 dejaron de ser Frederick Park y Ernest Boulton para generar su propia identidad) acompañó una magnífica selección de sombreros con unos velos repletos de detalles como flores bordadas o elegante encaje. Una oda en toda regla a la era victoriana que emerge de un relato de superación y rebeldía.
El arte y la moda vuelven a caminar juntos. En esta ocasión los rostros y las ilustraciones han sido la forma seleccionada para demostrar que no hay límites para la imaginación. La esperada primera colección de Riccardo Tisci para Burberry ha mostrado fotografías con historia en sus prendas a modo de oda al poder de la familia. Ports 161 y Christopher Kane no se han quedado atrás aunque hayan optado por versiones más discretas. Simone Rocha ha ido un paso más allá al mostrar grandes rostros bordados hechos a mano con un resultado rico, delicado y ciertamente sombrío en la Lancaster House.
El consumidor es cada más exigente y, por este motivo, demanda mayor dosis de creatividad en cada propuesta. Ahora los diseñadores tienen un nuevo reto: crear piezas realmente únicas que añadan un twist capaz de sorprender a los usuarios. Según Sánchez Montes, el doble efecto es una tendencia que está pasando inadvertida pero que logrará crear su propio espacio a lo largo de los meses venideros. En esta ocasión, la propuesta de efecto doble está caracterizada por prendas que esconden un juego de posiciones estratégicas. En el caso de Ports 1961 se funden una chaqueta y una capa mientras que Eudon Choi interpreta esta tendencia mezclado una gabardina y una parka en una única pieza.
¿Alguien dijo que el famoso athleisure había muerto? Como apunta Sánchez Montes “ahora está más vivo que nunca” y así lo hemos podido comprobar en los desfiles de Kiko Kostdinov y Toga. En esta ocasión, las propuestas deportivas se bañan con un toque de sofisticación y cierto futurismo que adquiere un resultado visual extremo. El chandal de nylon de Kostadinov ha captado todas las miradas del desfile del búlgaro aunque la extrema elegancia deportiva de Toga tampoco ha pasado inadvertida. Además, esta sofisticación deportiva tiene la capacidad de adaptar otra tendencia reina de las fashion weeks para la próxima temporada S/S 2019: los colores neón. Parece que el mundo de la moda no quiere decir adiós a una tendencia cómoda, fresca y fácil de llevar.
La era victoriana es una de las más atractivas de la historia a nivel estético y firmas como Erdem y Simone Rocha han viajado hacia el pasado para inspirarse en esta época donde el encaje, los bordados y las mangas abullonadas eran los reyes de la pista de baile. Ambas casas han otorgado todo el protagonismo a los estampados florales, los vestidos con volúmenes insólitos y a los accesorios como los sombreros y los velos bañados de vibrantes colores. Dará que hablar…
TIEMPOS DE CAMBIO EN LA CÚSPIDE DE LA MODA The Bussines of Fashion (BoF), el oráculo de la moda para muchos, elabora anualmente desde 2013 una lista con las 500 personas consideradas importantes en el trazado del horizonte de la industria de la moda. Este año hay cambios interesantes. La portada de la edición impresa se desvelaba con cuatro de los seleccionados. Caras desconocidas junto a otras habituales en los medios y publicaciones de moda. Dos hombres, dos mujeres, cuatro razas, cuatro papeles diferentes. No se puede negar la pluralidad
Estas fotografías trazan un recorrido por las diferentes capas de la industria. Desde François-Henri Pinault, presidente y director ejecutivo de Kering –la tercera familia francesa más rica con un patrimonio estimado de 23 mil millones de euros según Forbes– a Kalpona Akter, superviviente del desplome de la fábrica de Plaza Rana, fundadora y directora ejecutiva de una ONG bangladeshí que lucha por los derechos y el aumento de salarios por encima de 62 dolares mensuales de los trabajadores de las fábricas textiles. ¿Pero por qué ambos son relevantes en sus respectivas posiciones?
“François-Henri Pinault: La sostenibilidad es la nueva definición de calidad. Es inherente al lujo. Esa es la nueva norma.” François-Henri Pinault confiesa a Imran Amed, CEO de the BoF, que en 2007 comenzó la andadura junto a su departamento de sostenibilidad. “La sostenibilidad es la nueva definición de calidad. Es inherente al lujo. Esa es la nueva norma”. Y dicho y hecho: Kering ya ha conseguido convertirse en el grupo textil más sostenible según el índice Corporate Knights ‘Global 100. Eliminó el PVC en Bottega Venetta, la piel en Gucci, pretende que la totalidad del oro de Boucheron sea ético, una reducción del 50% de sus emisiones de CO2 para 2025, firmó La Carta de Bienestar de las Modelos para asegurar condiciones salubres de trabajo tras el escándalo del casting de Balenciaga en 2007, en 2008 creó la Fundación Kering para luchar contra la violencia a las mujeres y dispone de un estatuto de las mujeres en el trabajo. Todo esto le ha valido a su director el título de pionero.
“Kalpona Akter: Crear puestos de trabajo no significa que nos deis empoderamiento. Queremos estos empleos, necesitamos estos empleos pero los queremos con dignidad.” Kalpona Akter, activista y fundadora de la Bangladesh Centre for Worker Solidarity (BCWS), teme por su vida. Su compañero activista por los derechos laborales apareció asesinado en 2012 y en 2013 ella sobrevivió a la catástrofe en Plaza Rana. Ha comprometido a la ONU en materia de derechos laborales en las fábricas de confección y, además, su presencia en el Congreso de los Estados Unidos fue clave para sentar las bases legislativas contra la esclavitud en la producción textil y la firma del Acuerdo de Seguridad de Bangladesh tras el desastre en Rana Plaza en 2013. A propósito de ello, Akter afirma que “crear puestos de trabajo no significa que nos deis empoderamiento. Queremos estos empleos, necesitamos estos empleos pero los queremos con dignidad”. Responsabiliza de la situación a las marcas, los poderosos dueños de las fábricas y el gobierno. Y entonces llega el dilema: ¿Cuál debería ser nuestra posición como consumidores frente al Made in Bangladesh? La activista aclara en la entrevista concedida a BoF a través de Instagram TV que “dejar de comprar no es la solución”, sino que debemos reclamar a las marcas información de los trabajadores.
¿Y si pasamos de la portada a navegar por el interior de la lista? Los ejes principales de los 96 nuevos rostros son la sostenibilidad, la justicia y la inclusividad. El campo de la sostenibilidad va cogido de la mano de la biotecnología: Dan Widmaier, por ejemplo, es creador de una seda a partir de proteínas de la tela de araña, Bolt Threads’ Microsilk, y de un tejido similar al cuero hecho a partir de micelio obtenido de las raíces de los champiñones, Mylos. Ambos utilizados por Stella McCartney. Dame Ellen MacArthur, la marinera más rápida navegando sola del mundo, preside la fundación que ha conseguido colocar la economía circular en la agenda internacional. Ha creado alianzas con H&M, Nike y Google. En 2017 defendía en su inspiradora charla para BoF Voices que “podemos manejar nuestra economía global de forma restaurativa y regenerativa. Podemos pasar de lineal a circular y podemos construirlo para que realmente pueda funcionar a largo plazo”. Por otro lado, Ingvar Helgason, el islandés cofundador de Vitro Labs, trabaja en ingeniería 3D aplicada al textil y en la fabricación de cuero a partir de células de vaca, avestruz y de cocodrilo. Pero otro reto para la industria de la moda es la inclusividad y la justicia. Algunos de los agentes que trabajan en este cambio y en alcanzar hitos son personas como Adut Akech, la segunda modelo negra en desfilar como novia en Chanel Couture. Nació en el mismo campo de refugiados en Kenia que Halima Aden –la primera modelo en desfilar con hiyab– y Anok Yai, la segunda modelo de color en abrir un desfile de Prada. La pasarela se abre a nuevas razas. Lo celebramos. Alexi Lubomirski, el afamado fotógrafo, en su libro Diverse Beauty huye del “demasiado pecosa, demasiado alta, demasiado…”. Reconoce la belleza en todas sus expresiones. Ariel Nicholson, la primera modelo transgénero en desfilar para Calvin Klein, colabora voluntariamente en el Gender & Family Project para apoyar a personas en la misma situación. La modelo Ben Grimes, por otro lado, ha creado su propia agencia en la que el casting sale de los encasillados estereotipos de belleza.
¿Quienes somos? Somos especialistas en investigación, análisis e interpretación de tendencias de moda y diseño globales. Creemos en la moda como consecuencia del diseño, en el diseño como resultado de un proceso, en el proceso del diseño fundamentado en la investigación, y la investigación basada en las necesidades del mercado. VEMOG lo guía y apoya para la implementación de estrategias que hagan del diseño un proceso formal, permanente y rentable al interior de su empresa
LA MET GALA 2019 CELEBRARÁ EL AMOR POR LO ANTINATURAL CON “CAMP: NOTES ON FASHION” La noticia estalló ayer: la MET Gala 2019 da sus primeros pasos gracias a la presentación de la temática que abrazará la próxima edición de uno de los eventos más destacados y mundialmente seguidos del calendario internacional de la moda. Bajo el título Camp: Notes on Fashion el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York plantea un ensayo de Susan Sontag de 1964 como punto de partida para una exposición de lo más irreverente; que tendrá lugar del 9 de mayo al 8 de septiembre de 2019 en la Gran Manzana. Sontag describe el movimiento camp como “el amor por lo antinatural: el artificio y la exageración. El estilo a expensas del contenido (…) el triunfo del estilo epiceno”. Para la reconocida escritora, las películas de Busby Berkeley, Mae West, El Lago de los Cisnes y la obra de Caravaggio son algunas de sus principales referencias. Toda una declaración de intenciones a la que la maestra de ceremonias Anna Wintour dará vida de forma oficial el primer lunes de mayo en forma de fiesta de inauguración repleta de celebridades (a cada cual mejor –y más ostentosamente– vestida, claro está).
“Andrew Bolton: El concepto camp incluye ideas relacionadas con la ironía, el humor, la parodia, el pastiche, el artificio, la teatralidad, el exceso, la extravagancia, la nostalgia y la exageración.”
En esta ocasión Gucci será la colaboradora estrella de la exposición. Para el director creativo de la casa italiana, Alessandro Michele, el ensayo de Sontag “expresa perfectamente lo que realmente significa el camp para mí: la capacidad única de combinar el arte y la cultura pop”. Apostar por el más es más es una señal de identidad de la obra de Michele y la nueva temática de la exposición del MET encaja a la perfección con el estilo de este genio de la moda. Un total de 175 objetos –incluidas piezas de carácter femenino y masculino del siglo XVII a la actualidad– se exhibirán en el Costume Institute en esta ocasión. Andrew Bolton, experto en arte al mando de la entidad, señala que el concepto camp incluye ideas relacionadas con “la ironía, el humor, la parodia, el pastiche, el artificio, la teatralidad, el exceso, la extravagancia, la nostalgia y la exageración”; todos sinónimos de la última era creativa de Gucci. Bolton ha estudiado la palabra en si misma hasta encontrar el verbo francés se camper (que significa adoptar una postura exagerada), y lo ha relacionado con sus orígenes en la pomposa estética de la corte francesa bajo el mandato de Luis XIV. En aquella época Versalles era todo posar y actuar, y la Gala MET 2019 promete ser una actualización del artificio francés del siglo XVII. La icono del pop y siempre transgresora Lady Gaga, el cantante británico Harry Styles y la estrella del tenis Serena Williams (sin olvidar a Alessandro Michele ni a Anna Wintour, por descontado), ejercerán a su vez como co-presidentes de la noche de la moda por excelencia en esta edición. La última gran exposición del MET dedicada a la moda, titulada Heavenly Bodies: Fashion and the Catholic Imagination, ha roto ya, de hecho, todos los esquemas. La muestra, que abrió al público el 10 de mayo y cerró sus puertas definitivamente este pasado lunes 8 de octubre, es ya la exposición más grande que jamás haya organizado el MET; ya que ha ocupado 25 galerías y ha contado con más de un millón de visitantes.
La moda en el museo más famoso de la ciudad de Nueva York no tiene límites y el trabajo de los profesionales de la casa recibe aplausos a nivel mundial. El nivel sube con cada nueva edición y Camp: Notes on Fashion presenta todas las características para arrebatarle el trono a su predecesora y, desde luego, no defraudar. Exageración, libertinaje, exceso y libertad sin fronteras serán, sin duda, los ingredientes principales de la MET Gala 2019. ¿Pero superará la exposición del próximo año los escalofriantes números de la muestra relacionada con la iglesia del vigente curso? Esperaremos ansiosos, de nuevo, a conocer la respuesta de esta fascinante pregunta.
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RUSIA ESTÁ HECHA A MANO
Con la curiosidad a flor de piel nos embarcamos junto a la Mercedes-Benz Fashion Week Russia en una expedición por el país más grande del mundo, con el objetivo de conocer la artesanía que lo caracteriza y que merece, sin duda, un poco más de atención internacional. “Los diseñadores se han convertido en una especie diferente de filósofos”, declara Andrey Gilodo, arqueólogo y guía durante nuestra visita al All-Russian Decorative Art Museum de Moscú, a propósito de la urgencia de devolver a los artesanos la importancia que meritan. Explica que el exceso de fábricas en la sociedad moderna –y la inminente hecatombe de la tecnología de la mano de invenciones como la impresora 3D– evidencia el necesario retorno a la artesanía. La urgencia de preservar el arte ruso, cuyas raíces se remontan a la tradición pagana y se inspiran, en gran medida, en la despampanante naturaleza del país.
La Fábrica de Bordados de Oro de Torzhok Fue en ese mismo museo, precisamente, donde en 1882 se alojaría una colección de bordados de oro y encaje creada por mujeres artesanas de la ciudad de Torzhok, a unos 240 kilómetros de la capital, que se ganaría rápidamente el favor del público. Una clara señal de que la región debía todavía entender e internalizar la necesidad de preservar una de las labores artesanas más prestigiosas de su país, así como establecer talleres y escuelas que la desarrollaran. Con la misión de preservar esta técnica practicada des del siglo XII, al borde de la extinción en múltiples ocasiones, en 1911 la Fábrica de Bordados de Oro de Torzhok abrió bajo su techo el museo que la celebraba.
“A día de hoy Torzhok constituye el único centro cultural que ensalza y conserva este tipo de obras maestras, cuyos hilos contienen de un 5 a un 8% del precioso metal.” Dice la leyenda que esta modalidad de artesanía rusa es familia de la tradición mongola y tártara. Sin embargo, a día de hoy Torzhok constituye el único centro cultural que ensalza y conserva este tipo de obras maestras, cuyos hilos contienen de un 5 a un 8% del precioso metal. Para Gorenkova Ekaterina, Directora Artística de la compañía Torzhokskie Zolotoshveyi (las Bordadoras de Oro de Torzhok), la artesanía es su vida entera. Empezaría a estudiar bordado de oro en la universidad en 1998, e ingresaría en la compañía apenas salir de ella. Su objetivo ahora es seguir desarrollando esta técnica centenaria, y en esa tarea la tecnología constituye una ayuda, no el enemigo: “El bordado de oro requiere técnica, una técnica especial. Usamos instrumentos especiales, joyas especiales… Va más allá de una simple aguja”.
La Fábrica Imperial de Porcelana de San Petersburgo Una técnica imprescindible, a su vez, para elaborar las delicadas obras de artesanía que realiza a mano la Fábrica Imperial de Porcelana, en la extraordinaria ciudad de San Petersburgo, desde hace ya 274 años. Un arte cuya historia, en esencia, ha evolucionado paralelamente a la del país del que procede. Desde su establecimiento en 1744 por encargo de la emperatriz Elizabeth, esta manufactura realizaría las primeras labores con porcelana en Rusia y seria la tercera en hacerlo en toda Europa. A día de hoy ya es una de las más prestigiosas del país por su nivel de calidad y sus piezas han invadido colecciones de museos por todo el mundo: desde el Hermitage de la ciudad que la hospeda hasta el Victoria and Albert Museum de Londres.
“La artesanía habla de nuestra historia, la historia de nuestra gente, la historia de nuestro país” Para Elena Korenkova, Directora de la fábrica, lo que hace tan especial a este tipo de técnicas es su unicidad, ya que se remontan a centenares de años y mantienen en vida la misma receta de antaño para la creación de la porcelana. Que la tradición no se reinventa, simplemente se protege porque ésta ya es perfecta. Al mismo tiempo, no obstante, se sirven de estas técnicas ancestrales para la experimentación de nuevos formatos, y la tecnología en este sentido constituye también una gran aliada. La artesanía, con todo, sigue siendo lo más importante: “Habla de nuestra historia, la historia de nuestra gente, la historia de nuestro país”.
La Sociedad Anónima de la Fábrica de Porcelana de Gzhel La historia de la Sociedad Anónima de la Fábrica de Porcelana de Gzhel, a su vez, es otra que merece ser contada. Se remonta al año 1818, momento en que un campesino llamado Yakov V. Kuznetsov fundó la manufactura en el pueblo de Novo-Kharitonovo, convirtiendo la porcelana rusa en una mercancía icónica y un producto codiciado a lo largo y ancho de todo el mundo. Las características de la porcelana de Gzhel son concretas: se distingue por una capa manual de pintura en azul cobalto y un esmaltado superior e inferior. Además, y al igual que la Fábrica Imperial de Porcelana de San Petersburgo, lanza constantemente colecciones cápsula elaboradas en colaboración con diseñadores y decoradores famosos de su país. Una versión más sobria, por decirlo de alguna forma, de la estrategia seguida por Gucci para acercarse al público millennial.
“La pintura es realizada únicamente a mano por artesanos que transmiten los secretos de su técnica artesanal de generación en generación.”
El proceso de fabricación de la porcelana experimenta mejoras permanentes, mientras que la pintura es realizada –al igual que hace 200 años– únicamente a mano por artesanos de Gzhel que transmiten los secretos de su técnica artesanal de generación en generación. En julio de 2018 la Asociación Nacional de Artes y Oficios de Rusia, entre cuyos miembros se cuenta la Fábrica de Porcelana de Gzhel, abrió su primera boutique de arte bajo la marca Russkaya Palitra; una tienda única, de nada más y nada menos que 180 metros cuadrados, situada en la calle 9 Tverskaya de Moscú. Y una exposición pública sin precedentes, teniendo en cuenta los más de 12 millones de habitantes con los que cuenta la interminable capital.
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