BOLETÍN DE MODA CANAIVE OCTUBRE 2018
LOS 5 ESCAPARATES MÁS CREATIVOS DE 2018
Los escaparates se definen como el “espacio exterior de las tiendas, cerrado con cristales, donde se exponen las mercancías”. Sin embargo, en ellos nada es fortuito. El escaparate es todo un arte. Nos lo explica Roberto Domínguez, Director del máster de Visual Merchandising y Escaparatismo y docente de la Escuela Superior de Visual Merchandising, Escaparatismo, Retail e Imagen Ártidi y profesional del retail: “El escaparate es el espacio más relevante del punto de venta debido fundamentalmente a su impacto estratégico y su enorme potencial visual. Es el punto con mayor y mejor visibilidad, y actúa como elemento de comunicación corporativa”. Además, el escaparate nos permite trabajar el storytelling de la marca de forma significativa y dinámica, y actúa como un transmisor de ideas y emociones con un enorme componente de impacto. El arte del escaparatismo es, en consecuencia, hoy más que nunca una profesión de futuro. Para ilustrarlo como es debido, Domínguez nos ha elaborado un ranking con los que ya son los escaparates más notables y exitosos de este año. Si después de visionar estas maravillas te entra el gusanillo por esta profesión, te recomendamos un paseo por los contenidos del programa de escaparatismo de Ártidi, escuela líder en la docencia sobre escapartismo y visual merchandising.
Louis Vuitton Llevamos años muy atentos a la aplicación de las nuevas herramientas tecnológicas en retail, especialmente en los escaparates (VR, Realidad Aumentada, Video Mapping, Holografía, etc.) y parece que en estos últimos meses diferentes marcas han dado un golpe en la mesa, presentando aplicaciones realmente innovadoras, efectivas y espectaculares que nos están haciendo ver que algo está cambiando en esta disciplina. En palabras del Director del máster de Visual Merchandising y Escaparatismo de Ártidi, “los nuevos escaparates de Louis Vuitton en algunas de sus flagship más representativas (Av. des Champs-Élysées, París; Omotesando, Tokio; etc.) son tan espectaculares como efectivos, al hacer un magnífico uso de la tecnología al servicio de la creatividad y de la imagen de marca”. Lo subraya así: “Desde algunas marcas, se percibe una voluntad creciente de experimentar con nuevos formatos y contenidos, a la vez que impactan en fondo y forma para seducir, atraer y motivar a nuevos tipos de cliente (millennials, xennials, techies, dinks, etc.). Sin duda, este es el camino”.
Hackett, Henley Royal Regatta El pasado 31 de mayo, coincidiendo con la Henley Royal Regatta –el evento celebrado anualmente en el río Támesis desde 1839 (Henley on Thames, Inglaterra)–, la marca de moda masculina Hackett London presentó esta fantástica propuesta escenográfica diseñada y ejecutada de manera brillante por el estudio de escaparatismo y retail Harlequin Design. Domínguez argumenta así la razón por la cual la propuesta no pasó inadvertida: “Tomando la inspiración del evento y recreando una escenografía rica, barroca, pero a su vez perfectamente medida y trabajada, logró transmitir una sensación de movimiento, equilibrada y de un dinamismo y preciosismo sorprendentes”. Y añade: “Igualmente, consigue captar y transmitir el ADN de la marca y ser un potente altavoz para llamar la atención, adscribirse a un estilo coherente y vinculado al target y la marca y atraparnos en un cuadro que debemos contemplar para descubrir detalles como si se tratase de un lienzo de un gran artista ubicado en un museo”.
Kielh’s, Love is love Esta marca, con 165 años de historia a sus espaldas, sorprende con su impactante propuesta de fachada-escaparate, que toma literalmente la calle en el marco de la 13ª edición del Festival Chelsea in Bloom 2018, The English Garden. Con este evento, el barrio londinense de Chelsea celebra la llegada de la primavera, engalanando sus escaparates con todo tipo de propuestas creativas, coloridas y espectaculares, elaboradas por algunos de los artistas y escaparatistas más reseñables del panorama internacional. Con el ya célebre lema Love is love, Kiehl’s nos muestra a dos esqueletos enamorados (en clara referencia a su icónico Mr. Bones), confeccionados a base de centenares de flores de todo tipo y colores para retratar el amor en su forma más pura, en una referencia al concepto de amor eterno. Todo ello, según Domínguez, “convertido en un arco que nos da la bienvenida a la tienda, tapizado por un camino de césped que sirve de invitación a la experimentación sensorial y emocional para descubrir y disfrutar la marca”. Se alzó, además, con el premio del público de la edición 2018. Todo un logro.
Loreak, Ura (Agua) by Ja! Studio Lo explica el docente: “Aunque parece que todo lo que debemos reseñar cuando hablamos de escaparatismo de vanguardia está localizado fuera de nuestro país, es justo señalar a este estudio y su excelente trabajo identitario, creativo y sorprendente”. En su dilatada carrera, Loreak –la firma fundada por Víctor Serna y Xabi Zirikiain en San Sebastián el año 2001– ha sabido ser fiel a su estilo innovador y minimalista, siempre apostando por el diseño, la simplicidad y la composición basada en geometrías. La historia, para Domínguez, “en este caso es tan sencilla como efectiva: en esta instalación realizada para la presentación de la Ura jacket, Loreak nos habla de Ura (agua en euskera)”. Y añade: “En este caso, un perfecto uso de la simetría aporta la simplicidad que permite mutar el producto (la gabardina) figurativamente en gotas de agua, para revelar la función para la que sirve (proteger de dichas gotas)”.
Hermès, Mémoire Fantôme by Bernard Pras Para terminar con la selección, Roberto Domínguez reconoce su debilidad por la forma en que Hermès entiende y trabaja la repercusión de sus escaparates: “Mis alumnos lo saben y a muchos de ellos les he transmitido mi pasión por esta profesión en base a diferentes ejemplos de esta marca. Algunos de sus escaparates me sirven de referencia cuando trasmito la importancia de entender los escaparates como una herramienta esencial de branding, que nos permite crear recordación o fidelización en nuestros clientes”. El docente se remite constantemente a un ejemplo personal del impacto que le causó ver el escaparate Souffle, de Tokujin Yoshioka, para la emblemática tienda de la firma en Guinzá, Tokio, Japón: “Como profesional y fan de la marca y de su enorme talento creativo, me reconozco expectante e ilusionado cada vez que presenta una nueva propuesta. Su método consiste en aliarse y colaborar con profesionales del escaparatismo y artistas –emergentes o reconocidos– que crean y ejecutan propuestas tan estimulantes y de tal calidad que serían dignas de estar en los mejores museos de arte contemporáneo del mundo”.
LA NYFW REDEFINE TODAS LAS NORMAS
El impacto más grande y conmovedor que podemos apreciar de esta semana de la moda neoyorquina ha sido, sin duda, la aceptación de diferencias, tanto culturales como personales, de cada individuo. La celebración de hombres y mujeres de todos los colores, alturas, talla y edad; luciendo las piezas de nuevos diseñadores que darán que hablar con orgullo y mucho estilo. Si hay algo destacable que comparten todos ellos son los looks completos en monocolor, los colores pastel y los detalles de brillo. Y dicho esto, podemos afirmar con seguridad que no, la NYFW no ha muerto. Más bien ha vuelto a posicionarse como el cultivo de tendencias y nombres emergentes por el que se la ha conocido siempre. Esto ha sido lo más interesante: Mansur Gavriel, oda al monocolor pastel Esta firma apuesta por el total-look monocolor pastel, pero también… ¡PASTELES! Los invitados fueron deleitados con repostería de lujo personalizada –cortesía de Ladurée– que iba desde el helado de rosa al macaron doble con frambuesas frescas; para insinuar lo que acabaría por convertirse en uno de los desfiles más dulces de esta edición, al más puro estilo Maria Antonieta.
Destacan los colores rosa palo, que la firma describe como millennial pink, para inaugurar la temporada Primavera/Verano 2019 con simplicidad y elegancia. La superposición de abrigos primaverales sobre vestidos coloridos en tonos claros nos recuerda, por otro lado, a los conjuntos clásicos de Jackie Kennedy. Y aunque las piezas de Mansur Gavriel se caracterizaran por el minimalismo, los acabados rectos y los bolos lisos redondos, sus botines de brillantinas aportaban a cada conjunto EL toque perfecto para convertirse en una apuesta con fuerza. Será infalible en las próximas temporadas.
Eckhaus Latta, color-blocking y cortes asimétricos Eckhaus Latta tenía una determinación clara: enseñarle a Nueva York lo que es el estilo fuera de Manhattan. Todos sus invitados fueron invitados a trasladarse hasta Brooklyn –a una fábrica de acero concretamente– para descubrir en primícia su nueva colección Ready-to-Wear; momento en que empezaron a sonar los tambores de la Young People Orchestra marcando a golpe de percusión (valga la redundancia) el paso de los modelos que comenzaban a salir. La norma estética de Eckhaus Latta se basa en romper las reglas predeterminadas, con lo cual vimos mucho color-blocking en tonos RGB: amarillo, azul eléctrico, rojo; así como cortes asimétricos y detalles de perlas para romper con la textura tradicional.
Es probable que Mike Eckhaus y Zoe Latta hayan creado un nuevo concepto de desfile con sus modelos de gran mix cultural y diversidad personal, definiendo lo que su nueva colección representa: la ruptura con el folklore de la fashion week.
Pyer Moss, excelencia afroamericana Esta firma tiene las ideas claras. Para su colección S/S 2019, Kerby Jean-Raymond –la cabeza creativa de la marca– decidió hacer alusión a la excelencia afroamericana. Explica en una entrevista con Jian DeLeon que cuando creces en un un mundo donde te sientes marginado, empiezas a entender desde joven que hay que apoyar a los héroes de tu misma estética, y así, sentirte poderoso a tu manera. Esto es lo que ha hecho ahora él, un desfile con sólo afroamericanos que representaba, entre otros, el estilo R&B de los 2000: con gafas sin margen y cadenas de oro o plata, zapatillas urbanas y calcetines blancos; y combinándolo todo con su segunda colección cápsula para Reebok, que incoropora prints de Patrick Kelly (el primer diseñador negro en desfilar en París), así como FUBU. Moss también ha colaborado con el artista Derrick Adams para convertir sus retratos de la vida mundana en túnicas de seda.
Todo esto está basando en su sentimiento de injusticia hacia los afroamericanos, con modelos kids y 20-30 añeros, para expandir el sentimiento. Y para empatizar con la causa, así como con su audiencia, también presentó camisetas gráficas con la frase “If You Are Just Learning About Pyer Moss, We Forgive You” (“Si acabas de enterarte de Pyer Moss, te perdonamos”). La fuerza y la voz de Black Lives Matter estuvieron presentes en todo momento del desfile.
Telfar Global, pura nostalgia Telfar Clemens siempre se ha movido al ritmo de su propio tambor, como describe Choma Nnadi para Vogue. Este diseñador y creador de la firma Telfar Global organizó todo un espectáculo bajo la lluvia neoyorkina en el East River, colaborando con el dúo sudafricano FAKA y con la Serpentine Gallery de Londres para darle vida al escenario. Su colección hizo alusión a los años 60 con polos de punto metidos en bermudas a la altura de la cintura, así como una nostalgia por el estilo punk de los 70. La firma también hizo especial énfasis en los modelos afroamericanos, con el lema “No es para ti, es para todos”. Esta leyenda creativa le hizo justicia a su premio CFDA/Vogue Fashion Award Fund de 2017, transformando su afición por la vida nocturna neoyorkina en forma de outfits urbanos.
Sies Marjan, minimalista, moderno, monocromático Las tres M’s de Sander Lak, el diseñador tras la etiqueta de Sies Marjan, son: minimalista, moderno, monocromático. Y con estas tres palabras ha hecho un sinfín de diseños elaborados hasta el detalle más sutil. Conjuntos multi-pieza en un mismo color, elegidos de la paleta de rojo, azul, naranja, amarillo y toques brillantes. Juega con las texturas de abrigos de pelo con monos de seda, camisetas de punto y faldas de lentejuelas. La firma, además, ha hecho del desfile un asunto familiar: haciendo desfilar en la pasarela desde clásicos como los hermanos Kaia y Presley Gerber hasta su propia madre, Marjan. Con mujeres de todas las edades luciendo sus prendas en la plaza pública de Lever House, este diseñador ha conseguido crear un desfile que predice nuestras calles en la primavera que todavía esta por llegar.
Ulla Johnson, formas victorianas a todo color Ulla Johnson presentó su colección S/S 2019 la primera jornada de NYFW, empezando firme con vestidos de forma victoriana, punto hecho a mano en Perú, perlas originales de Nairobi y estampados de índigo deslavado de la India. Johnson decidió diseñar una colección con consciencia para el mundo, uniendo fuerzas de diferentes zonas geográficas y, sobretodo, pensando en la sostenibilidad. Inspirada en su nueva heroína Hilma af Klint –artista enfocada al expresionismo abstracto– y usando los colores de sus cuadros: amarillo suave, una tonalidad pastel de lila y naranja casi fluorescente; creando un conjunto vibrante con estampados batik. La colección de la firma empujaba toda norma hacia fuera para dar paso a un conjunto de puntadas culturales que dejó a los asistentes de todo menos indiferentes.
Rodarte, puro romanticismo Un desfile que te enamora. En los vestidos voluptuosos de Rodarte abundan el tul, el terciopelo, los colores metálicos y el encaje, convirtiéndose en el caos más bonito de la pasarela. Con siluetas femeninas nostálgicas dignas de –una vez más– Maria Antonieta, Rodarte ha abierto las puertas a un cuento de hadas donde todo el mundo quiere ser la princesa. Las modelos lucían rosas frescas de diferentes colores en el pelo, labios rojos inspirados en la exhibición de Picasso en el Tate Modern y capa tras capa de volantes lamé (cuanto más volumen, mejor). Cada detalle podría haber parecido extravagante por si solo, pero en su conjunto fue un espectáculo rebosante de color pastel. Otro desfile más que se hizo bajo la lluvia, aumentando el sentimiento romántico bajo los paraguas.
The Row, minimalismo voluptuoso Las hermanas Mary-Kate y Ashley Olsen nos traen a la pasarela su firma: The Row. Después de pasar año tras año atendiendo a los desfiles, las Olsen comenzaron su propia firma Ready-to-Wear de lujo, y parece que a la industria ya se la han ganado. Su objetivo principal fue crear la camiseta perfecta. Y ahora están aquí, diseñando y poniendo en la pasarela sus largos abrigos rectos y sus vestidos sueltos. La colección llevaba por nombre Heavenly, que hace referencia a la sutileza y tranquilidad de sus piezas, describiéndola como majestuosa y angelical. Trabajando con la mejor calidad artesanal, sus piezas, por muy sutiles que sean, tienen una forma minimalista pero voluptuosa, atendiendo a la elegancia. Discreto en color, pero llamativo en modernidad y forma.
Oscar de la Renta, larga vida al estampado Laura Kim y Fernando García, los relativamente nuevos diseñadores de Oscar de la Renta, han decidido dejar atrás lo que nadie, menos el mismísimo de la Renta, podía hacer: reinventar la firma y convertir su nueva colección en un resort de trajes cocktail. Este S/S 2019 se caracteriza por una sola palabra: estampado. Hay estampados vintage, contemporáneos, digitales y bordados. Los accesorios incluían bolsos con formas de loro, explicando así lo tropical que fue el desfile en el rooftop de Spring Studio. Hubo mucho ruido sobre lo que Kim y García estarían preparando, hay que decir que una colección Ready-to-Wear no era lo más esperado, pero le han dado a Oscar de la Renta una nueva imagen con el mismo prestigio que solía tener hace cuatro años; sólo que esta vez no verás únicamente los vestido en las alfombras rojas, querrás formar parte de las chicas Oscar que llevan vestidos de ensueño en otros rooftops esta próxima primavera.
Proenza Schouler, rock y elegancia Y para dar una vuelta radical de una firma a otra, volvemos a un estilo completamente urbano, un nuevo Nueva York con Jack McCollough y Lázaro Hernández en cabeza, que reviven las modelos de pasarela de hace más de 10 años para que desfilen en la colección de vaqueros deslavados con ácido, la asimetría y las lentejuelas. Han trabajado con un especialista en denim de Los Ángeles para hacer de su colección un conjunto balanceado de rock y elegancia. Proenza Schouler está andando en una dirección nueva, la dirección de la comodidad y la de darle a las mujeres modernas realmente lo que quieren con originalidad. ¿Y no es eso lo mismo que está consiguiendo toda la pasarela?
CUANDO LA MODA SE MATERIALIZA EN COLLAGE
La ilustración y la moda se han encontrado en numerosas ocasiones a lo largo de la historia, pero parece que estas últimas temporadas la unión entre ambas ha sido más fuerte que nunca. Gracias a la admiración que Alessandro Michelle ha demostrado profesar hacia la obra del artista catalán Ignasi Monreal, la verdadera revolución ha llegado. Aunque las últimas campañas de Gucci no son el único caso de éxito reciente; Chloé ha apostado por la artista Sandra Suy, Uterqüe por la madrileña Inés Maestre… Y así en un sinfín de ocasiones.
La firma Delpozo, con Josep Font a la cabeza creativa, ha visto en la obra del artista gráfico @rafafans la magia que su última propuesta necesitaba. Por este motivo, la casa de moda española lo ha seleccionado para la creación de los collages que ilustran su colección otoñal de accesorios. A través de sus propios ojos, el artista ha confeccionado una serie de montajes fotográficos que rinden un delicado homenaje a los diseños de complementos del equipo de Font. Para conocer más de cerca su obra, y con el objetivo de bucear entre el diseño gráfico y la moda, nos sentamos con Rafa para descubrir su visión del mundo creativo.
Tu trabajo está íntimamente ligado con la moda, ¿dónde nació tu pasión por este sector creativo? Por mi entorno siempre he estado relacionado con este ámbito. Es un espacio creativo que me atrae muchísimo, en especial la fotografía de moda. ¿Dónde y qué has estudiado para confeccionar collages tan impactantes? Realmente vengo de un mundo completamente distinto ya que estudié derecho, no tiene nada que ver… Pero con el tiempo me desligué acercándome al mundo de la edición y la gráfica. Una cosa me llevó a la otra, pero sin duda hay mucho de autodidacta en mi carrera. ¿Cuál ha sido tu experiencia profesional hasta llegar a este punto? Llevo años –más de 15– dedicándome a la dirección de arte y creativa como freelance. He trabajado en todo tipo de proyectos, muchos de ellos relacionados con la moda y la museografía.
“Las redes sociales y el trabajo de muchos artistas están influyendo en una nueva manera de contar las cosas donde las técnicas, las nuevas y las de toda la vida, van teniendo cada vez más importancia” Actualmente la mayoría de grandes firmas colaboran con diseñadores gráficos para crear grandes campañas, ¿por qué crees que se produce este hecho? Creo que hay un gran interés en buscar fuera aquello que te gustaría incorporar dentro. Las redes sociales y el trabajo de muchos artistas están influyendo en una nueva manera de contar las cosas donde las técnicas, las nuevas y las de toda la vida, van teniendo cada vez más importancia. Estas colaboraciones nos benefician a todas las partes implicadas: las marcas refrescan su imagen y muchos artistas nos vamos ganando la vida y logrando más visibilidad.
Has trabajado con firmas como Delpozo, ente otras, ¿cómo ha sido la experiencia de trabajar mano a mano con una marca de carácter internacional tan aclamada? Es una de mis marcas favoritas dentro de la escena de la moda española. La verdad es que me hizo muchísima ilusión que contaran con mi trabajo para hacer una colaboración marca-artista. Fue un gustazo trabajar con ellos, creo que hubo bastante química durante el proceso y en especial en el resultado. ¿Cuál es el mayor reto de afrontar una campaña tan importante? Al ser una marca que valoro tanto por su alto nivel creativo, el mayor reto era sin duda que respirara o transmitiera esa sensación y que ambas partes estuviéramos completamente satisfechas con el resultado. Yo creo que así fue.
“La creatividad tiene que ver que con una manera de entender tu entorno y tus propias circunstancias para intentar ser feliz.” Hablar de creatividad implica hablar de inspiración. ¿Dónde sueles encontrarla? La verdad es que siempre que me preguntan por la búsqueda de inspiración suelo contestar que la busco, o más bien la encuentro, ¡en todos lados! Nunca se sabe dónde puede haber algo que te haga pensar en algo más allá. Pero la verdad es que Internet es un pozo inagotable de fantasías maravillosas que me hacen reconciliarme con el mundo…. Soy bastante animalillo digital. ¿Qué es para ti la creatividad? Una expresión de uno/a mismo/a. Pero está en muchas partes: en un discurso, en un pensamiento, en una manera de vivir. Hay gente muy creativa que ni se plantea que lo es, pero su modelo de vida y su coherencia le hacen ser infinitamente creativos. Creo que tiene más que ver que con una manera de entender tu entorno y tus propias circunstancias para intentar ser feliz.
¿Podrías darnos el nombre de tres diseñadores gráficos que creas que están haciendo un gran trabajo y explicarnos qué destacarías de su obras o su estilo? La verdad es que me siento cercano al mundo del diseño gráfico pero a su vez, cada vez más lejos…. Es una influencia de mi trabajo, de hecho fue la base en un principio, aunque esos puentes son cada vez más difusos. Me flipa el trabajo de Boldtron, aunque más que como diseñador lo veo como un artista del 3D que está haciendo maravillas últimamente.
“La moda y el diseño gráfico se necesitan para seguir evolucionando.” ¿Un último sueño a cumplir a nivel creativo? Seguir aprendiendo técnicas que me permitan hacer todo aquello que se me ocurra sin sentirme limitado. Aprender y crecer más y más. Hablando de futuro… ¿Tienes algún proyecto entre manos que puedas contarnos? ¡Siento que está todo por llegar aún! Siempre me pasa. Ahora ando con varios proyectos que verán la luz próximamente y acercándome sin miedo al mundo de la fotografía y del vídeo-arte. ¿Cómo crees que evolucionará la relación entre la moda y el diseño gráfico en el futuro? Seguirán caminando de la mano, no imagino otro escenario. En un universo de creación ambas expresiones se necesitan para seguir evolucionando. Sobre todo creo que toda la fantasía 3D que se está haciendo tiene mucho que decir aún en el mundo de la moda.
¿Quienes somos? Somos especialistas en investigación, análisis e interpretación de tendencias de moda y diseño globales. Creemos en la moda como consecuencia del diseño, en el diseño como resultado de un proceso, en el proceso del diseño fundamentado en la investigación, y la investigación basada en las necesidades del mercado. VEMOG lo guía y apoya para la implementación de estrategias que hagan del diseño un proceso formal, permanente y rentable al interior de su empresa
LA MODA, UNA DE LAS CINCO INDUSTRIAS IMPLICADAS EN LA ESCLAVITUD MODERNA
Recientemente se ha publicado el informe Global Slavery Index 2018, un estudio centrado en la superexplotación laboral de nuestros días: un secreto a voces que impregna nuestra sociedad, pero del que nadie dice nada. Más específicamente, el informe investiga los trabajos forzados que se llevan a cabo dentro de la industria textil; sobre todo en países como China, India, Vietnam, Tailandia, Argentina y Brasil. Según los resultados de la investigación —realizada por la Walk Free Foundation—, el primer mundo importa mil millones de prendas anuales que están contaminadas de esclavitud (término que incluye matrimonios forzados, servidumbre por deudas y tráfico de mujeres y niños).
En total, son 40 millones de personas las que sufren esta situación y, además, el 71% de todas ellas son mujeres. En palabras de Paula Dinorah Salgado, doctorada en Ciencias Sociales y autora del estudio de investigación Superexplotación, Informalidad y Precariedad. Reflexiones a partir del trabajo en la industria de la confección, “desde la óptica de las y los consumidores de ropa, un reconocimiento pleno de esta realidad implicaría que sólo nos pudiéramos permitir adquirir prendas que provean las garantías necesarias de que en ninguna instancia de su producción se ha empleado a personas de fuera de la normativa laboral”. Es decir, según su reflexión, debería ser inaceptable que seamos partícipes de este crimen. De hecho, actualmente, la moda se encuentra entre las primeras cinco industrias mundiales implicadas en esta sumisión.
“El primer mundo importa mil millones de prendas anuales que están contaminadas de esclavitud. En total, son 40 millones de personas las que sufren esta situación y, además, el 71% de todas ellas son mujeres.” La esclavitud moderna da la vuelta al mundo, se asienta en los países más desfavorecidos y es aceptada por Occidente; que hace oídos sordos a esta cuestión. Todo se remonta al estancamiento económico de los años setenta, cuando las firmas más potentes cambiaron su organización de producción para combatir la fuerte crisis económica mundial. Así, la industria dejó de centrarse en la calidad de los productos y concentró su negocio en disminuir costes. ¿Cómo? Trasladándose a países con una mano de obra barata e intensiva. La misma estrategia comenzaron a seguir el resto de firmas más pequeñas y, poco a poco, el con-
glomerado fue haciéndose más grande a base de explotar estos países.
La globalización en la que nos encontramos es una problemática para el consumo. Tal y como sigue explicando Dinorah Salgado, la globalización del consumo y del cambio que la moda lleva entre manos hace que nuestras prendas caigan en desuso antes de haber acabado su vida útil. Y, por consiguiente, estos trabajos forzados se mantienen. Sin embargo, actualmente, no todo ocurre en las fábricas de producción, el problema comienza antes: en las cosechas de algodón donde tanto mujeres embarazadas como niños han sido explotados durante las últimas décadas y, en ocasiones, ni siquiera se les ha pagado por ello. En 2017, la situación cambió mínimamente gracias a Walk Free Foundation, que consiguió que el grupo Inditex se uniera —al igual que Gucci y Levi’s— a la red Responsible Sourcing Network que lucha para erradicar las plantaciones de algodón no ético.
“Todo se remonta al estancamiento económico de los años setenta, cuando las firmas más potentes cambiaron su organización de producción para combatir la fuerte crisis económica mundial y se trasladaron a países con una mano de obra barata e intensiva.”
Es cierto que la industria textil esconde una cara oculta que difícilmente la sociedad quiere descubrir, a pesar de que algunos temas relacionados con esta problemática sí sean tratados por los medios: las nuevas tecnologías para apoyar la sostenbilidad, los últimos materiales reciclados o las nuevas firmas ecológicas de slow fashion. Pero parece ser que el trato humano ha quedado en un segundo plano, un problema que no se quiere esclarecer en su totalidad para evitar poner en práctica una solución. “Se trata de una problemática que involucra diferentes frentes. Por supuesto que una política global de control de la producción implicaría una transformación radical de este fenómeno”, apunta a propósito de ello Dinorah Salgado. Y añade: “Por otro lado, conocer las condiciones en que se ha elaborado la prenda en todos sus eslabones y, finalmente, el interés de quien compra la ropa. Que indague, que pida certificaciones que avalen las declaraciones hechas en los puntos de venta. Se trata de una larga cadena que se alimenta en cada instancia. Desde cualquier eslabón se puede empezar a romper”. Estas prácticas son muy comunes y el camino para conseguir su abolición parece ser que queda muy lejos. Sin embargo, otros cambios en la industria textil están siendo posibles y, por ello, no cabe duda de que también se podrá llegar a esta meta. Comenzar a fomentar una conciencia colectiva que abarque esta situación puede ser el primer paso para hacer desaparecer el horror que viven millones de personas. Proyectos como Who Made My Clothes?, de Fashion Revolution, pueden parecer un grano de arena dentro de esta montaña; sin embargo, son los más necesarios.
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H&M LANZA SU PRIMERA COLECCIÓN DE INVIERNO 100% SOSTENIBLE
Año tras año desde hace ya ocho ediciones, el gigante textil H&M nos sorprende con una colección de ropa y accesorios hecha exclusivamente con materiales sostenibles. Lleva por nombre Conscious Exclusive y ahora, por primera vez, se estrena con una colección dedicada íntegramente a los días de frío. Con una novedad especialmente emocionante: se incorporan nuevos materiales sostenibles como la cachemira reciclada o el terciopelo hecho con poliéster reciclado. Demostrando, de nuevo, que en la moda –como en todo lo demás– la imaginación es el límite. Llegará a las tiendas online de la marca el próximo jueves 27 de septiembre y aquí nos encontramos, contando las horas. Hablamos hoy con Ann-Sofie Johansson, Asesora Creativa de H&M, y Cecilia Strömblad Brännsten, Gerente de Sostenibilidad Ambiental del grupo, para descubrirla en profundidad.
“Estamos particularmente entusiasmados con el terciopelo, donde el poliéster reciclado proviene en parte de uniformes usados, como uniformes escolares o uniformes de la policía” Desde el año 2011, la línea Conscious Exclusive pretende reivindicar la importancia de la moda ética y la sostenibilidad en la industria textil. Esta es, sin embargo, la primera colección Otoño/Invierno lanzada hasta la fecha. ¿Por qué habéis dado el paso ahora y qué os refrenaba de hacerlo antes? Ann-Sofie Johansson: Siempre nos esforzamos por sorprender a nuestros clientes y este otoño decidimos lanzar nuestra primera colección Conscious Exclusive para Otoño/Invierno. Con esta colección, estamos felices de presentar nuevas telas sostenibles de temporada que nuestro equipo de diseño ha transformado en una hermosa colección con siluetas dramáticas pero románticas y un toque moderno. Ann-Sofie Johansson afirmaba que todo comenzó con el deseo de crear un abrigo en un material sostenible. ¿Es más difícil diseñar prendas de invierno con materiales sostenibles que piezas de verano?
ASJ: Nuestras colecciones Conscious Exclusive le dan a nuestros diseñadores la oportunidad de trabajar con nuevos materiales innovadores, y esta vez tuvieron la oportunidad de explorar materiales normalmente asociados con la temporada de Otoño/Invierno. Esta colección, por lo tanto, ve a H&M usando cachemira reciclada y terciopelo hecho de poliéster reciclado por primera vez.
La pasada colección hacía uso de materiales sostenibles como la plata reciclada, el ECONYL®, el tencel, el lino orgánico o el poliéster reciclado. En esta ocasión, incorporáis por primera vez a las prendas cachemira reciclada y terciopelo hecho con poliéster reciclado. ¿Qué podéis contarnos de estos dos nuevos materiales y de qué forma se han aplicado a la colección? Cecilia Strömblad Brännsten: Los nuevos tejidos sostenibles en esta colección son cachemira reciclada y terciopelo hecho de poliéster reciclado. El poliéster reciclado utilizado para el terciopelo está hecho en parte de uniformes usados y hemos estado desarrollando este terciopelo durante años para obtener una calidad con la que estamos contentos. Mientras tanto, la cachemira reciclada está hecha del hilo sobrante que se ha vuelto a hilar en cachemira. ASJ: La cachemira reciclada y el terciopelo hecho de poliéster reciclado son los nuevos materiales sostenibles para esta colección Otoño/Invierno. Estamos particularmente entusiasmados con el terciopelo, donde el poliéster reciclado proviene en parte de uniformes usados, como uniformes escolares o uniformes de la policía. El terciopelo es una tela clásica de la temporada y las fiestas. Así que hay un pantalón de terciopelo, una falda y un accesorio para el hombro muy impresionante con cintas largas con círculos de terciopelo cortados con láser.
“La inspiración principal fue un fragmento de un tapiz antiguo del siglo XVI. Nos hizo pensar en el maravilloso viaje de artefactos históricos u objetos de arte a lo largo de los siglos.”
También habéis aprovechado los restos de ECONYL® de la colección anterior. ¿Cómo exactamente? CSB: Sí, estamos muy contentos de poder utilizar los restos de ECONYL® de nuestra colección Conscious Exclusive S/S 2018. Este ECONYL® se usa en un impresionante vestido sin tirantes. La colección, además, fusiona lo último en innovación de tejidos sostenibles con la historia de los artículos perdidos. ¿De dónde surgió la idea o la inspiración para llevarla a la vida? ASJ: La inspiración principal fue un fragmento de un tapiz antiguo del siglo XVI. Nos hizo pensar en el maravilloso viaje de artefactos históricos u objetos de arte a lo largo de los siglos y realmente nos motivó a traducir esas ideas y emociones en un contexto de moda moderno.
Hablemos sobre los procesos sostenibles de producción. ¿En qué consisten exactamente y cómo los lleváis a cabo dentro del grupo? CSB: El grupo H&M tiene una larga historia de trabajo con la sostenibilidad y para nosotros siempre ha sido importante actuar de una manera que hace posible que no sólo las generaciones presentes si no también las futuras disfruten de la moda. Para nosotros, invertir en sostenibilidad es una oportunidad comercial que mantendrá al grupo H&M relevante y exitoso en un mundo que cambia rápidamente. Nuestra visión es liderar el cambio hacia una industria de la moda circular y renovable, a la vez que somos una empresa justa e igualitaria. Cada pequeño gesto marca la diferencia. Por ejemplo, utilizamos la impresión digital para todas las colecciones Conscious Exclusive porque no requiere agua, pero también produce estampados más vibrantes. La cinta con cremallera siempre está hecha de poliéster reciclado. Siempre que haya botones cubiertos de tela, también están hechos con la misma tela sostenible que la prenda. Y cuando una prenda tiene un forro, también está hecha de un tejido sostenible. ASJ: Desde una perspectiva de diseño, siempre estamos pensando de una manera sostenible. Por ejemplo, al desarrollar la colección, no hay tanta producción adicional: lo que ves, la cantidad de piezas, es con lo que empezamos desde el principio y vemos hasta el final.
“Invertir en sostenibilidad es una oportunidad comercial. Para el año 2030, nuestro objetivo es utilizar únicamente materiales reciclados u otros materiales de origen sostenible y para 2040 pretendemos convertirnos en positivos para el clima a lo largo de nuestra cadena de valor..”
En este sentido, ¿cuáles son los futuros pasos de H&M para acercarse aún más a la sostenibilidad y dejar atrás las prácticas devastadoras para el Planeta perpetuadas por los gigantes del textil durante años? CSB: Como decía antes, el grupo H&M tiene una larga historia de trabajo con la sostenibilidad y para nosotros siempre ha sido importante actuar de una manera que haga posible que no solo las generaciones presentes si no también las futuras disfruten de la moda. Usamos nuestro tamaño y escala para liderar el cambio hacia la industria de la moda circular y renovable y queremos asegurarnos de que podamos seguir creando una gran moda y diseño de una manera sostenible para muchas generaciones futuras. Una parte clave de nuestra estrategia es tener un enfoque circular sobre cómo se fabrica y usa la moda. Para el año 2030, nuestro objetivo es utilizar únicamente materiales reciclados u otros materiales de origen sostenible y para 2040 pretendemos convertirnos en positivos para el clima a lo largo de nuestra cadena de valor. ¿Es más difícil ser creativo cuando se trabaja con materiales sostenibles o han éstos abierto una nueva veda de opciones para dar rienda suelta a la creatividad? ASJ: Por supuesto, es muy inspirador tener la oportunidad de usar nuevos materiales. Esta colección nos dio la oportunidad de trabajar con versiones sostenibles de materiales normalmente asociados con la temporada, ya que presentamos cachemira reciclada y terciopelo hecho de poliéster reciclado. Estas telas más pesadas fueron una gran inspiración para el diseño general de las prendas, también, con sus texturas suaves o estructura pesada capaz de complementar y soportar un abrigo largo y espectacular, por ejemplo, u otras piezas clave dentro de la colección.
RE(CREATE): EL PROYECTO DE UPCYCLING DE WHO’S THE NEXT Y PREMIERE CLASSE Cada vez queda menos para la nueva edición de las ferias de moda Who’s the Next y Premiere Classe que recogen una selectiva y exquisita muestra de la moda emergente proveniente de creadores mediterráneos, entre ellos, y como te contábamos hace poco, una buena selección de diseñadores procedentes de la 080 Barcelona Fashion. Pero en esta edición del evento, además, se presenta RE(Create), un proyecto que, con el objetivo de potenciar la creatividad y el concepto de sostenibilidad, ha invitado a siete diseñadores (Sea for Sinnerman, Second St, Louis Gabriel Nouchi, Work_On, Delphine Dénéréaz, Manémané y Blue Line) a desarrollar una colección upcycling de 20 piezas. El almacén francés de ropa usada Eureka Friepe ha sido el encargado de proveer del material necesario. El trabajo resultante se presentará entre el 1 y el 5 de septiembre en el centro de exhibiciones Porte de Versailles en París y las prendas estarán a la venta hasta el 2 de octubre en la tienda Kiliwatch París, que ha colaborado también con la iniciativa.
Nuestro Manifesto. Creemos en la moda como consecuencia del diseño, en el diseño como resultado de un proceso, en el proceso del diseño fundamentado en la investigación, y la investigación basada en las necesidades del mercado. VEMOG lo guía y apoya para la implementación de estrategias que hagan del diseño un proceso formal, permanente y rentable al interior de su empresa.