SONGS FROM THE SECOND FLOOR
INTRODUCCiÓN En el presente documento se va a realizar un análisis de la dirección de arte y el desarrollo visual de la película Songs from the second floor (2000) escrita y dirigida por Roy Andersson. Este film suizo pretende hacer una crítica de la sociedad moderna y sus diferentes facetas. Considerando el contexto histórico desarrolla una comedia oscura que organiza sus elementos narrativos y de la metaficción a partir del drama y las decisiones visuales. Partiendo de eso se presentará por medio de un Lookbook las escenas con los elementos visualmente importantes para analizar y entender la película. Esto con el apoyo visual de moodboards que ayudan a entender esas intenciones y decisiones visuales de estas junto con los personajes y texturas. Por otro lado,por medio de una sinopsis del color se hace un análisis de los colores de la película y sus diferentes propósitos en su desarrollo. Para finalizar con el uso de una matriz de metaficción se pretenden clasificar distintos elementos de ambiente, personaje y puesta en escena que refuercen ese análisis y entendimiento de la película.
SINÓPSIS Songs from the second floor presenta distintas historias desconectadas que pretenden retratar y recalcar la idea principal de que ser humano es difícil. Ésto presentando la vida moderna con sus distintos retos y dificultades.Un hombre que pierde su trabajo, otro que se queda sin nada y distintos acontecimientos que resaltan la trivialización de lo importante y la importancia de lo tribal. Esto lo logran por medio de la ironía, comedia, drama y exageración.
ROY ANDERSSON Roy Andersson es un director y productor de cine sueco de 77 años que ha desarrollado la mayoría de su carrera como publicista, dirigiendo anuncios comerciales. Mediante estos trabajos fue desarrollando su estilo cinematográfico y un lenguaje narrativo que luego aplicó en sus trabajos en el cine. Su filmografía tiene un tema en común: la condición humana, en donde todas las decisiones creativas del filme giran en torno a ese pilar. Su estilo se distingue por el uso de tomas muy largas en donde el espectador se “encuentra” con los personajes en su vida diaria. Esta configuración de los planos generan sus películas en una sucesión de viñetas. Andersson siempre sitúa a sus personajes lejos de la cámara, priorizando los planos generales o medios y desarrolla la acción con un tempo pausado y pesado, consiguiendo lo que él llama: “la experiencia de vivir”. Roy Andersson le presta especial atención a la dirección de arte de sus películas. Cuenta con un estudio dedicado a construir todos los sets hechos a mano y usando la técnica del trampantojo para extender los escenarios en perspectiva. El tema de la condición humana va más allá de la dirección y abarca desde el guión los diálogos mezclan frases sin sentido y frases filosóficas), hasta el casting en donde la mayoría de los actores son amateurs.
Título original Dirección Idioma original País Año Duración Género Guón Autor de la obra Maquillaje Vestuario Dirección de fotografía Construcción de escenarios
FICHA técnicA
Sånger från andra våningen Roy Andersson Suizo Suecia 2000 98 min. Drama, Comedia de humor negro Roy Andersson Roy Andersson Ulrika Skantz Leontine Arvidsson István Borbás, Jesper Klevenås Joalin Andersson,Leontine Arvidsson ,Johanna Bernhardson ,Louise Carlander,Fredrick Carlsson ,Johan Carlsson ,Kira Carpelan ,Jesper Van Dongen Tobias Eriksson ,Fredrik Hallgren ,Anna Hansson ,Pelle Holmgren ,Dam Johansson ,Rober Komarek Christian Liit, Mikael Linnell ,Erik Lundberg,Christer Magnusson ,Jens Munter ,Jason Shields, Camilla Söderberg, Kasper Westberg
ANĂ LISIS Para poder entender la direcciĂłn de arte y los elementos visuales importantes de Songs from the second floor, se clasificaron y dividieron las escenas de acuerdo al tema que estaban representando y a partir de eso se identificaron las escenas que visualmente apoyaran el desarrollo de los personajes, texturas, espacios y ambiente general. Las escenas se clasificaron y dividieron en nueve categorĂas organizadas en el orden del desarrollo de la narrativa, estas son: Esclavitud laboral, muertos vivientes, ensamiento en manada, indiferencia, crisis existencial, desencajar, vulnerabilidad, culpa y falsa esperenza.
STUDIO 24
Lookbook
ESCLAVITUD LABORAL En esta escena se resume el sentido en el que los personajes viven su vida moderna, en una oficina encerrados hasta que las canas los consuman, uniformados y a la espera de la revisiรณn de un papel. En esta prima el uso de elementos en repeticiรณn: los libros, las personas y el uso de un espacio con profundidad da la sensaciรณn que esa escena no tiene fin. diosti a cuption pora sim ut occate venditia nest, quibus aliatia nus.
Atmรณsfera general
PERSONAJE EJECUTIVO
TEXTURAS
MUERTOS VIVIENTES En esta escena los personajes se encuentran con un exceso de maquillaje que da el sentido de que no estรกn completamente vivos. La culpa y la reflexiรณn son evidentes en la cara y poses de los personajes. En esta, los elementos planos como el material de la pared y el piso son los que ayudan a construir el espacio y las sensaciones. ro odiosti a cuption pora sim ut occate venditia nest, quibus aliatia nus.
Atmรณsfera general
PERSONAJE MUERTO VIVIENTE
TEXTURAS
PENSAMIENTO DE MANADA En esta escena todos los diferentes personajes y profesiones se unifican en un solo lugar con el fin de presenciar el sacrificio de una niĂąa. El espacio abierto unifica todos los personajes y sus pensamientos en unos solo.Los elementos como las texturas, la uniformidad de las personas y el espacio abierto priman para el entendimiento de este pensamiento en manada.Es la escena que mĂĄs iluminaciĂłn tiene de toda la pelicula.
Atmรณsfera general
VESTUARIO
TEXTURAS
INDIFERENCIA En esta escena podemos ver la indiferencia que es característica de muchos momentos de la película. El enfoque profundo de esta escena nos permite ver todo lo que sucede en el fondo, en este caso la fila de personas que son indiferentes al hecho de que un hombre está siendo golpeado en sus narices. Los colores fríos y desaturados de la escena son un reflejo más de esta indiferencia. Los elementos de repetición que se pueden apreciar en esta escena como lo son las ventanas vacías apoyan una vez más este sentimiento predominante de la escena.
Atmรณsfera general
ESPACIO
TEXTURAS
CRISIS EXISTENCIAL En esta escena podemos ver claramente el momento de reflexión que está teniendo el personaje. La construcción del espacio ayuda a desarrollar dos sentimientos, por un lado el sentimiento de confinamiento, de estar espichado y por el otro lado el sentimiento de soledad. Las crisis existenciales normalmente van de la mano de estos dos sentimientos, el sentirse atrapado y el sentirse solo a pesar de estar en un espacio lleno de gente. La forma en la que la iluminación y la composición (central) están dispuestas en esta escena ayudan al espectador a centrar su atención en el personaje que está teniendo este momento reflexivo. ero odiosti a cuption pora sim ut occate venditia nest, quibus aliatia nus.
Atmรณsfera general
ESPACIO
TEXTURAS
DESENCAJAR En esta escena podemos ver tratado el tema de desencajar, de estar loco y de no pertenecer. El espacio claramente nos transporta a un hospital. Los vestuarios dictan fuertemente y separan a las personas en la escena: los que desencajan y estĂĄn locos y los que sĂ hacen parte de la sociedad. Los colores en esta escena son muy dicientes ya que los colores claros y puros contrastan con los grises industriales haciendo una analogĂa a como estos dos mundos chocan: el cuerdo y el loco.
Atmรณsfera general
PERSONAJE EL LOCO
ESPACIO
VULNERABILIDAD En esta escena podemos apreciar la vulnerabilidad humana. El espacio nos ayuda a comunicar eso. Los cuartos dentro de la película son los espacios donde los personajes pueden descansar de la presión social y no ser perfectos. Los colores y la disposición del espacio ayudan a crear una atmósfera acogedora que va de la mano del sentimiento de vulnerabilidad. Otro factor que ayuda a desarrollar este sentimiento es el personaje de la mujer o pareja que refleja ese factor “compañía”, los personajes se descargan en sus acompañantes y se permiten ser vulnerables. ero odiosti a cuption pora sim ut occate venditia nest, quibus aliatia nus.
Atmรณsfera general
MUJER
TEXTURAS
CULPA En esta escena podemos ver el sentimiento de culpa. La mayoría de los elementos dentro de esta escena están hiperbolizados. Se puede apreciar una exageración del espacio de los objetos y de las texturas. La culpa es un sentimiento abrumador, difícil de ignorar. Podemos ver en esta escena como todos los personajes presentes son prisioneros de su culpa, a pesar de que el bar está lleno cada uno está solo en su sentimiento y reflexión.
Atmรณsfera general
ESPACIO
TEXTURAS
FALSA ESPERANZA En esta escena podemos ver a los personajes desesperados por escapar de su realidad. La hiperbolización del espacio en este sentido ayuda a reforzar ese sentimiento de falsa esperanza ya que a través de la perspectiva del espacio en la escena se crea la sensación de un camino. Por otro lado, la hiperbolización de los objetos también ayuda a construir el mensaje de la escena.
Atmรณsfera general
ESPACIO
Atmรณsfera general
SInรณpsis de color
ANÁLISIS DE COLOR COLORES PRINCIPALES ACENTOS DE COLOR
Antes de la tragedia Monotonía Indiferencia
Espacios de reflexión
Crisis de desesperación
Inicio crisis
Busqueda de sentido y propósito
Un respiro
Crisis de desesperaciรณn
Aceptaciรณn o resignac iรณn
Sentido de culpa
Falsa esperanza
Menos colores de acento y colores generales mรกs saturados
Reflejo de la crisis colectiva
AZUL Frialdad, tristeza e indiferencia
SIMBOLOGÍA DEL COLOR Desde el análisis de la película encontramos que el color marcaban puntos específicos. Denominamos el principio de la película como antes de la crisis, que se identifica en la línea por sus colores claros, esto refleja las escenas de cómo poco a poco va decayendo la sociedad pero son actos contenidos que ocurren a diversos personajes. La mitad del film se caracteriza por ser mucho más oscura, y también da paso a la historia del personaje “más” principal de la película y de su familia. Esta sección la denominamos crisis de desesperación, porque en esta los personajes atraviesan momentos donde ocurren cosas en su vida que los lleva a una especie de crisis existencial. Estos momentos son cortados por otras escenas de blanco que denominamos como unos respiros que se de le da a la audiencia. La última sección del film es la más variada y colorida, esto lo denominamos como la resignación o la aceptación. En esta sección la sociedad que decae de a poco, acepta la situación en la que se encuentra o se resigna a buscar soluciones poco convencionales. Estas son las escenas con consecuencias más grandes y más impactantes. Las tres escenas más vibrantes del film están juntas, y las denominamos la crisis colectiva, pues vemos las consecuencias de la decadencia en estos grupos. Los colores de acento resaltan de la paleta reducida del film y representan momentos de reflexión que como es posible ver, van disminuyendo a medida que avanza la historia y los personajes llegan a ese tercer acto. Finalmente leímos diversos significados de cada color que se repite a través de la película, los cuales se encuentran a continuación.
NARANJA Momentos de reflexión, introspección y negativismo
Rojo
Gris
Egoísmo e impulsividad
Pasividad, dejar que las cosas le pasen a uno.
Verde Falsa esperanza, las personas ponen su fé en algo equivocado
BEIGE Estrés ejecutivo, monotonía, cinismo y sensibilidad.
ASPECTOS TÉCNICOS La película maneja una paleta de color desaturada para hablar de la monotonía y de esa condición humana atrapada de la que quiere hablar el director. Al final de la película los colores se vuelven más vivos que puede significar la salida de esta, debido a una crisis, a unas situaciones poco convencionales. Además de esto, utiliza una paleta armónica haciendo uso del esquema monocromático de azules, y una paleta contrastante con un esquema de split complementario, donde el beige verdoso y el azul se usan para la mayor parte del espacio y los naranjas se utilizan para acentuar.
PALETA DE COLOR
COLORES CALIDOS DESATURADOS
COLORES FRIOS DESATURADOS
ESQUEMAS DE COLOR
PALETA DE CONTRASTE SPLIT COMPLEMENTARIO
PALETA ARMÓNICA MONOCRÓMÁTICA
METAMATRIZ
ESCLAVITUD LABORAL
HIPERBOLIZACIÓN
COLOR
TEXTURA
ESPACIO
OBJETOS
VESTUARIO
MAQUILLAJE
MINIMIZACIÓN
SUBVERSIÓN
HIPERBOLIZACIÓN DEL ESPACIO La hiperbolización del espacio ayuda a reforzar la imposición de esa máquina laboral, los espacios refuerzan la idea de que estas personas sirven a ese algo mayor a lo que han dado tanta importancia. Habla de que son espacios donde cabe mucha gente, muchos trabajadores, muchos esclavos.
HIPERBOLIZACIÓN DE TEXTURAS La hiperbolización y constante repetición de las texturas como lo son las canas, los trajes, la biblioteca, las paredes y la madera, habla muy poderosamente de una homogeneización y una esclavitud laboral. Comunica un mundo donde todos deben ser iguales, deben ser el mismo esclavo ante la sociedad.
HIPERBOLIZACIÓN DEL VESTUARIO La decisión de usar el mismo vestuario sólo ayuda a reforzar el concepto de esclavitud laboral. Comunica que todos son esclavos de lo mismo, uniformados hacen parte de la misma labor.
HIPERBOLIZACIÓN DEL MAQUILLAJE El maquillaje blanco habla de la condición de hombre zombie, que ya no puede ver nada más que su trabajo. La exageración habla también de su fatiga, se acentua el pelo desarreglado y sudado del día de trabajo.
MUERTOS VIVIENTES
HIPERBOLIZACIÓN
COLOR
TEXTURA
ESPACIO
OBJETOS
VESTUARIO
MAQUILLAJE
MINIMIZACIÓN
SUBVERSIÓN
MINIMIZACIÓN DEL ESPACIO La minimización del espacio ayuda a que la atención del espectador se centre en los muertos vivientes dejando el espacio en un segundo plano.
SUBVERSIÓN DEL VESTUARIO Es una herramienta que usa el director para llevar la atención del espectador a estos muertos vivientes. El carácter del vestuario desarreglado y la soga sobre el cuello son elementos que desencajan dentro de esta sociedad “perfecta” lo cual llama en gran medida la atención.
HIPERBOLIZACIร N DEL MAQUILLAJE La exageraciรณn de los tonos blancos y la cantidad de maquillaje usada en esta escenas distingue mรกs a los muertos vivientes ya que les da claramente este aspecto de muertos, carecen de vida.
PENSAMIENTO DE MANADA
HIPERBOLIZACIÓN
COLOR
TEXTURA
ESPACIO
OBJETOS
VESTUARIO
MAQUILLAJE
MINIMIZACIÓN
SUBVERSIÓN
HIPERBOLIZACIÓN DEL COLOR Esta es una de las imágenes de la película que más color tiene. Se puede apreciar un tono de azul más saturado que lo que hemos visto en la película más el uso de otros tonos que no habían aparecido en las escenas anteriores. Esta hiperbolización comunica la importancia de la escena ya que marca un punto de clímax en la película ya que es una de las escenas más impactantes.
SUBVERSIÓN DEL ESPACIO La subversión de este espacio ayuda a comunicar la importancia de esta escena. A lo largo de la película vemos un patrón en donde los espacios se desarrollan dentro de la ciudad, sin embargo, esta escena toma lugar apartada de la ciudad, lo cual nos saca del contexto al que ya estábamos acostumbrados.
HIPERBOLIZACIร N DEL VESTUARIO La gran variedad de vestuarios en escena refuerza el concepto de comportamiento de manada, ya que todos, sin importar el rol que cumplan en la sociedad estรกn participando activamente.
INDIFERNECIA
HIPERBOLIZACIÓN
COLOR
TEXTURA
ESPACIO
OBJETOS
VESTUARIO
MAQUILLAJE
MINIMIZACIÓN
SUBVERSIÓN
MINIMIZACIÓN DEL COLOR Esta herramienta lo que hace es aplanar y conjugar los distintos elementos que se pueden encontrar en las escenas en lo que aparenta ser uno solo con el fin de que los colores desaturados se unifiquen en una monocromía que da la sensación de que todo es igual y no hay detalles en los que analizar.
MINIMIZACIÓN DE TEXTURAS Las diferentes texturas que se pueden encontrar tienden a minimizarse en cuanto a la sensación que transmiten y aunque tengan una materialidad distinta se ven tan iguales que podrían ser una sola.
HIPERBOLIZACIĂ“N DEL VESTUARIO En cuanto a este elemento se unifican siempre las personas de acuerdo a el papel o la funciĂłn que cumplan en la sociedad de ese mundo, es por esto que se tiende a ver casi como un uniforme que homogeniza a todos, esto se lleva a tal extremo que no hay nadie diferente siempre dentro de estas clasificaciones.
CRISIS EXISTENCIAL
HIPERBOLIZACIÓN
COLOR
TEXTURA
ESPACIO
OBJETOS
VESTUARIO
MAQUILLAJE
MINIMIZACIÓN
SUBVERSIÓN
HIPERBOLIZACIÓN DEL ESPACIO La composición en estas escenas juega con los contrastes de los espacios y hace uso de unos claros y luces muy prominentes con oscuros que casi que eliminan el espacio por completo. Esto lo logran en un segundo plano y ayuda a resaltar esos sentimientos e intenciones del sentimiento que se quiere transmitir.
SUBVERSIÓN DEL MAQUILLAJE Este contraste de maquillajes en espacios donde no deberían verse de esa manera permite resaltar esa crisis por medio de la subversión de la cara de las personas. Un personaje sucio en medio de personas limpias o esa persona muy blanca en su casa o quieta en su lugar de confianza.
DESENCAJAR
HIPERBOLIZACIÓN
COLOR
TEXTURA
ESPACIO
OBJETOS
VESTUARIO
MAQUILLAJE
MINIMIZACIÓN
SUBVERSIÓN
MINIMIZACIÓN DE TEXTURA De acuerdo a la repetición de las texturas y la materialidad en los espacios, las texturas presentadas presentan un nivel de detalle mínimo que tiene como finalidad resaltar el hecho de que las personas no encajan en la sociedad. En vez de resaltarlas las aplana y las incluye desde el mismo espacio que la sociedad busca introducirlas, el asilo.
HIPERBOLIZACIÓN DEL VESTUARIO La exageración de los colores y el uso de un vestuario tan frío y exagerado en los colores blancos, resalta el hecho de que hay un tipo de personas que no encajan en esa uniformidad y clasificación de la sociedad.
VULNERABILIDAD
HIPERBOLIZACIÓN
COLOR
TEXTURA
ESPACIO
OBJETOS
VESTUARIO
MAQUILLAJE
MINIMIZACIÓN
SUBVERSIÓN
HIPERBOLIZACIÓN DEL COLOR El color se caracteriza por el uso del clarooscuro, dicha propiedad refuerza la idea de la vulnerabilidad, ya que la oscuridad es donde se encuentran las mayores inseguridades del hombre, mientras que en la luz está la figura femenina representando el alivio emocional que aportan a la condición humana de los personajes.
HIPERBOLIZACIÓN DE TEXTURAS Las texturas aportan en esta escena la caracterización de los personajes, a diferencia de otros momentos del filme. A la figura femenina se le brinda un vestido de seda que acompañada del blanco de las sabanas, contrasta con la dureza de la textura sucia y dura de la oscuridad del hombre.
SUBVERSIĂ“N DEL VESTUARIO El vestuario en estas escenas juega un papel subversivo que irrumpe con el ritmo del filme ya que es en la intimidad del cuarto que los atuendos lucen desarreglados y sucios.
CULPA
HIPERBOLIZACIÓN
COLOR
TEXTURA
ESPACIO
OBJETOS
VESTUARIO
MAQUILLAJE
MINIMIZACIÓN
SUBVERSIÓN
HIPERBOLIZACIÓN DE TEXTURA En estas escenas las texturas vienen acompañadas de una repetición de elementos opulentes que apoyan por medio de texturas muy diferentes esa diversificación del espacio.
HIPERBOLIZACIÓN DEL ESPACIO La profundidad en los espacios y la sensación de que los lugares son como ese espacio que no tiene fin, resaltan la idea de que la culpa siempre va estar ahí como un infinito.
HIPERBOLIZACIÓN DE LOS OBJETOS :En estas escenas la culpa viene representada también en distintos objetos que buscan una reconformación de las personas hacia sus errores y por medio de elementos como maletas que son una carga con la que andar a todas partes.
FALSA ESPERANZA
HIPERBOLIZACIÓN
COLOR
TEXTURA
ESPACIO
OBJETOS
VESTUARIO
MAQUILLAJE
MINIMIZACIÓN
SUBVERSIÓN
HIPERBOLIZACIÓN DEL COLOR El color está llevado a un extremo, ya que se tomó la decisión de mimetizar los colores a través una misma tonalidad y una desaturación general. Esto causa que toda la escena tome una tonalidad homogénea lo cual es muy pertinente ya que cómunica esa perdida de lo especial, lo divino y lo pone al mismo nivel de lo común.
HIPERBOLIZACIÓN DEL ESPACIO La hiperbolización del espacio es muy importante ya que apoya la idea de la falsa esperanza, que en este caso se representa con la perspectiva de la toma y esa sensación de infinidad del espacio. Lo cual nosotros analizamos cómo ese sentimiento de tener un camino pero nunca ver el final.
HIPERBOLIZACIÓN DE LOS OBJETOS La exageración de los objetos comunica como nosotros los humanos nos aferramos a nuestras pertenencias materiales y por esta misma razón se nos es difícil avanzar, o trascender ya que estamos muy aferrados a la materialidad.
CONCLUSIÓN Para concluir, podemos entender que Roy Andersson compone su film construyendo cada parte con minucioso cuidado. Cada escena se presenta como una pintura viviente que captura momentos de lo difícil que es ser humano. Los diversos conceptos construyen las decisiones de la dirección de arte. Una paleta de color reducida, el enfoque profundo de los espacios, la composición de las texturas planas, la cuidadoza escogencia y uniformidad del vestuario, la exageración del maquillaje y la repetición objetos se utilizan para hablar sobre la trivialización de lo importante y la importancia de lo trivial. Todas estas herramientas visuales ayudan amplificar su sátira y reflexión crítica de la sociedad contemporánea sueca desde donde se contextualiza la película.